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Quel président américain est né Leslie Lynch King Jr ? | Gerald Ford | [
"Depuis l'adoption de l'amendement, quatre présidents ont accompli deux mandats complets : Dwight D. Eisenhower, Ronald Reagan, Bill Clinton et George W. Bush. Barack Obama a été élu pour un second mandat et achèvera son mandat le 20 janvier 2017, s'il ne décède pas ou ne démissionne pas avant cette date. Jimmy Carter et George H. W. Bush ont brigué un second mandat, mais ont été vaincus. Richard Nixon a été élu pour un second mandat, mais a démissionné avant de le terminer. Lyndon B. Johnson était le seul président en vertu de l'amendement à être éligible pour remplir plus de deux mandats au total, après avoir servi seulement quatorze mois après l'assassinat de John F. Kennedy. Cependant, Johnson s'est retiré de la Primaire démocrate de 1968, surprenant de nombreux Américains. Gerald Ford a brigué un mandat complet, après avoir purgé les deux dernières années et cinq mois du deuxième mandat de Nixon, mais n'a pas été élu."
] | Le président des États-Unis d'Amérique (POTUS) est le chef d'État et chef du gouvernement élu des États-Unis. Le président dirige le pouvoir exécutif du gouvernement fédéral et est le commandant en chef des forces armées américaines.
Le président des États-Unis est considéré comme l’une des personnes les plus puissantes du monde, à la tête de la seule superpuissance mondiale contemporaine. Le rôle consiste notamment à être le commandant en chef de l'armée la plus coûteuse du monde, dotée du plus grand arsenal nucléaire, et à diriger le pays doté de la plus grande économie en termes de PIB réel et nominal. La fonction présidentielle détient un pouvoir dur et doux important, tant aux États-Unis qu’à l’étranger.
L'article II de la Constitution américaine confère le pouvoir exécutif des États-Unis au président. Ce pouvoir comprend l'exécution de la loi fédérale, ainsi que la responsabilité de nommer les responsables fédéraux de l'exécutif, de la diplomatie, de la réglementation et de la justice, ainsi que de conclure des traités avec des puissances étrangères avec l'avis et le consentement du Sénat. Le président est en outre habilité à accorder des grâces et des sursis fédéraux, ainsi qu'à convoquer et ajourner l'une ou les deux chambres du Congrès dans des circonstances extraordinaires. Le président est en grande partie chargé de dicter le programme législatif du parti auquel il est inscrit. Le président dirige également la politique étrangère et intérieure des États-Unis. Depuis la création des États-Unis, le pouvoir du président et du gouvernement fédéral s’est considérablement accru.
Le président est élu indirectement par le peuple par le biais du collège électoral pour un mandat de quatre ans et est l'un des deux seuls officiers fédéraux élus au niveau national, l'autre étant le vice-président des États-Unis. Le vingt-deuxième amendement, adopté en 1951, interdit à quiconque d'être élu à la présidence pour un troisième mandat complet. Il interdit également à une personne d'être élue à la présidence plus d'une fois si elle a déjà occupé le poste de président, ou de président par intérim, pendant plus de deux ans du mandat d'une autre personne en tant que président. Au total, 43 personnes ont exercé 44 présidences (en comptant séparément les deux mandats non consécutifs de Cleveland) s'étendant sur 56 mandats complets de quatre ans. Le 20 janvier 2009, Barack Obama est devenu le 44e et actuel président. Le 6 novembre 2012, il a été réélu et exerce actuellement son 57e mandat. La prochaine élection présidentielle est prévue pour le 8 novembre 2016 ; le 20 janvier 2017, le président nouvellement élu prendra ses fonctions.
Origine
En 1776, les Treize Colonies, agissant par l’intermédiaire du Deuxième Congrès Continental, ont déclaré leur indépendance politique de la Grande-Bretagne pendant la Révolution américaine. Les nouveaux États, bien qu’indépendants les uns des autres en tant qu’États-nations, reconnaissaient la nécessité de coordonner étroitement leurs efforts contre les Britanniques. Désireux d'éviter tout ce qui ressemblait de loin à une monarchie, le Congrès a négocié les articles de la Confédération pour établir une alliance faible entre les États. En tant qu'autorité centrale, le Congrès, en vertu des Articles, était dépourvu de tout pouvoir législatif ; il pouvait prendre ses propres résolutions, déterminations et règlements, mais pas de lois, ni de taxes ou de réglementations commerciales locales opposables aux citoyens. Cette conception institutionnelle reflétait la conception selon laquelle les Américains pensaient que le système britannique déchu de la Couronne et du Parlement aurait dû fonctionner par rapport à la domination royale : un organe de surveillance des affaires qui concernaient l'empire tout entier. Hors de toute monarchie, les États ont attribué certaines prérogatives autrefois royales (par exemple, faire la guerre, recevoir des ambassadeurs, etc.) au Congrès, tout en hébergeant individuellement le reste au sein de leurs propres gouvernements d'État respectifs. Ce n'est qu'après que tous les États se sont mis d'accord sur une résolution réglant les revendications territoriales concurrentes de l'Ouest que les articles sont entrés en vigueur le 1er mars 1781, lorsque le Maryland est devenu le dernier État à les ratifier.
En 1783, le Traité de Paris assure l'indépendance de chacune des anciennes colonies. La paix étant proche, les États se tournèrent chacun vers leurs propres affaires intérieures. En 1786, les Américains trouvèrent leurs frontières continentales assiégées et faibles, leurs économies respectives en crise alors que les États voisins agitaient les rivalités commerciales les uns avec les autres, voyaient leurs devises fortes affluer sur les marchés étrangers pour payer les importations, leur commerce méditerranéen la proie des pirates nord-africains, et leurs dettes de guerre révolutionnaire financées par l’étranger, impayées et portant intérêts. Des troubles civils et politiques menaçaient.
Après la résolution réussie des différends commerciaux et de pêche entre la Virginie et le Maryland lors de la conférence de Mount Vernon en 1785, la Virginie a appelé à une conférence commerciale entre tous les États, prévue pour septembre 1786 à Annapolis, dans le Maryland, dans le but de résoudre les conflits interétatiques de plus grande envergure. antagonismes commerciaux. Lorsque la convention échoua faute de participation en raison des suspicions de la plupart des autres États, les délégués d'Annapolis appelèrent à une convention pour proposer des révisions aux articles, qui se tiendrait au printemps prochain à Philadelphie. Les perspectives pour la prochaine convention semblaient sombres jusqu'à ce que James Madison et Edmund Randolph réussissent à obtenir la présence de George Washington à Philadelphie en tant que délégué pour la Virginie.
Lorsque la Convention constitutionnelle s'est réunie en mai 1787, les 12 délégations d'État présentes (le Rhode Island n'a pas envoyé de délégués) ont apporté avec elles une expérience accumulée sur un ensemble diversifié d'arrangements institutionnels entre les pouvoirs législatif et exécutif au sein de leurs gouvernements d'État respectifs. La plupart des États ont maintenu un pouvoir exécutif faible, sans veto ni pouvoir de nomination, élu chaque année par le corps législatif pour un seul mandat, partageant le pouvoir avec un conseil exécutif et contré par un corps législatif fort. New York offrait la plus grande exception, avec un gouverneur unitaire fort avec droit de veto et pouvoir de nomination, élu pour un mandat de trois ans et rééligible pour un nombre indéfini de mandats par la suite. C’est grâce aux négociations à huis clos de Philadelphie que la présidence inscrite dans la Constitution américaine a émergé.
Pouvoirs et devoirs
Rôle législatif de l'article I
Le premier pouvoir que la Constitution confère au président est le veto. La clause de présentation exige que tout projet de loi adopté par le Congrès soit présenté au président avant de pouvoir devenir loi. Une fois le projet de loi présenté, le président dispose de trois options :
# Signer la législation ; le projet de loi devient alors loi.
# opposer son veto à la législation et la renvoyer au Congrès, en exprimant ses éventuelles objections ; le projet de loi ne devient pas loi, à moins que chaque chambre du Congrès ne vote pour annuler le veto à la majorité des deux tiers.
# Ne pas agir. Dans ce cas, le président ne signe ni n’oppose son veto à la législation. Au bout de 10 jours, sans compter les dimanches, deux issues possibles se dessinent :
#* Si le Congrès est toujours convoqué, le projet de loi devient loi.
#* Si le Congrès s'est ajourné, empêchant ainsi le retour de la législation, le projet de loi ne devient pas loi. Ce dernier résultat est connu sous le nom de veto de poche.
En 1996, le Congrès a tenté de renforcer le pouvoir de veto du président avec le Line Item Veto Act. La législation autorise le président à signer tout projet de loi de dépenses tout en supprimant simultanément certains postes de dépenses du projet de loi, en particulier toute nouvelle dépense, tout montant de dépense discrétionnaire ou tout nouvel avantage fiscal limité. Le Congrès pourrait alors revoir ce point particulier. Si le président opposait son veto à la nouvelle législation, le Congrès pourrait annuler ce veto par ses moyens ordinaires, un vote à la majorité des deux tiers dans les deux chambres. Dans l'affaire Clinton c. Ville de New York, la Cour suprême des États-Unis a jugé inconstitutionnelle une telle modification législative du droit de veto.
Pouvoirs exécutifs de l'article II
Pouvoirs de guerre et des affaires étrangères
Le plus important de tous les pouvoirs présidentiels est peut-être le commandement des forces armées américaines en tant que commandant en chef. Même si le pouvoir de déclarer la guerre est constitutionnellement conféré au Congrès, le président a la responsabilité ultime de la direction et de la disposition de l'armée. Le commandement opérationnel actuel des forces armées (appartenant au ministère de la Défense) est normalement exercé par l'intermédiaire du secrétaire à la Défense, avec l'assistance du président des chefs d'état-major interarmées, auprès des commandements des combattants, comme indiqué dans le décret présidentiel approuvé. Plan de commandement unifié (UCP). Les rédacteurs de la Constitution ont pris soin de limiter les pouvoirs du président en matière militaire ; Alexander Hamilton l’explique dans le Federalist n°69 : le Congrès, conformément à la résolution sur les pouvoirs de guerre, doit autoriser tout déploiement de troupes d’une durée supérieure à 60 jours, bien que ce processus repose sur des mécanismes de déclenchement qui n’ont jamais été utilisés, ce qui le rend inefficace. De plus, le Congrès constitue un frein au pouvoir militaire présidentiel grâce à son contrôle sur les dépenses et la réglementation militaires. Alors qu'historiquement, les présidents ont lancé le processus d'entrée en guerre, les critiques ont accusé plusieurs conflits dans lesquels les présidents n'ont pas obtenu de déclarations officielles, notamment l'intervention militaire de Theodore Roosevelt au Panama en 1903, la guerre de Corée, la guerre du Vietnam et les invasions. de Grenade en 1983 et du Panama en 1990.
Aux côtés des forces armées, le président dirige également la politique étrangère américaine. Par l'intermédiaire du Département d'État et du Département de la Défense, le président est responsable de la protection des Américains à l'étranger et des ressortissants étrangers aux États-Unis. Le président décide de reconnaître ou non de nouvelles nations et de nouveaux gouvernements, et négocie des traités avec d'autres nations, qui deviennent contraignants pour les États-Unis lorsqu'ils sont approuvés par les deux tiers des voix du Sénat.
Bien que cela ne soit pas prévu par la Constitution, les présidents ont aussi parfois recours à des « accords exécutifs » dans les relations extérieures. Ces accords portent fréquemment sur des choix de politique administrative relevant du pouvoir exécutif ; par exemple, la mesure dans laquelle l'un ou l'autre pays présente une présence armée dans une zone donnée, la manière dont chaque pays appliquera les traités sur le droit d'auteur ou la manière dont chaque pays traitera le courrier étranger. Cependant, le XXe siècle a été témoin d’une vaste expansion du recours aux accords exécutifs, et les critiques ont contesté l’ampleur de ce recours en supplantant le processus de traité et en supprimant les freins et contrepoids constitutionnellement prescrits sur l’exécutif dans les relations étrangères. Les partisans rétorquent que les accords offrent une solution pragmatique lorsque le besoin d’une action rapide, secrète et/ou concertée se fait sentir.
Pouvoirs administratifs
Le président est le chef du pouvoir exécutif du gouvernement fédéral et est tenu par la Constitution de « veiller à ce que les lois soient fidèlement exécutées ». Le pouvoir exécutif compte plus de quatre millions d’employés, dont des militaires.
Les présidents procèdent à de nombreuses nominations au sein du pouvoir exécutif : un nouveau président peut en nommer jusqu'à 6 000 avant de prendre ses fonctions et 8 000 de plus pendant son mandat. Les ambassadeurs, membres du Cabinet et autres agents fédéraux sont tous nommés par un président avec « l'avis et le consentement » de la majorité du Sénat. Lorsque le Sénat est en vacances pendant au moins dix jours, le président peut procéder à des nominations pour les vacances. Les nominations pour les vacances sont temporaires et expirent à la fin de la prochaine session du Sénat.
Le pouvoir d’un président de licencier des responsables exécutifs est depuis longtemps une question politique controversée. En règle générale, un président peut révoquer à sa guise les fonctionnaires purement exécutifs. Cependant, le Congrès peut restreindre et restreindre le pouvoir d'un président de licencier les commissaires des agences de régulation indépendantes et certains dirigeants exécutifs inférieurs par la loi.
Le président possède en outre la capacité de diriger une grande partie du pouvoir exécutif par le biais de décrets fondés sur la loi fédérale ou sur un pouvoir exécutif constitutionnellement accordé. Les décrets sont révisables par les tribunaux fédéraux et peuvent être remplacés par une législation fédérale.
Pour gérer la bureaucratie fédérale croissante, les présidents se sont progressivement entourés de plusieurs niveaux de personnel, qui ont finalement été organisés au sein du bureau exécutif du président des États-Unis. Au sein du bureau exécutif, la couche la plus interne des collaborateurs du président (et leurs assistants) se trouve au bureau de la Maison Blanche.
Pouvoirs juridiques
Le président a également le pouvoir de nommer les juges fédéraux, notamment les membres des cours d'appel des États-Unis et de la Cour suprême des États-Unis. Cependant, ces nominations nécessitent la confirmation du Sénat. Obtenir l’approbation du Sénat peut constituer un obstacle majeur pour les présidents qui souhaitent orienter le système judiciaire fédéral vers une position idéologique particulière. Lorsqu’ils nomment des juges dans les tribunaux de district des États-Unis, les présidents respectent souvent la longue tradition de courtoisie sénatoriale. Les présidents peuvent également accorder des grâces et des sursis, comme cela se fait souvent juste avant la fin d'un mandat présidentiel, non sans controverse.
Historiquement, deux doctrines concernant le pouvoir exécutif se sont développées et permettent au président d'exercer le pouvoir exécutif avec un certain degré d'autonomie. Le premier est le privilège exécutif, qui permet au président de ne pas divulguer toute communication faite directement au président dans l'exercice de ses fonctions exécutives. George Washington a invoqué pour la première fois le privilège lorsque le Congrès a demandé à voir les notes du juge en chef John Jay sur une négociation de traité impopulaire avec la Grande-Bretagne. Bien qu’elle ne soit pas inscrite dans la Constitution ou dans toute autre loi, l’action de Washington a créé un précédent pour ce privilège. Lorsque Richard Nixon a tenté d'utiliser le privilège exécutif comme raison pour ne pas remettre au Congrès les preuves assignées à comparaître lors du scandale du Watergate, la Cour suprême a statué dans l'affaire États-Unis c. Nixon, que le privilège exécutif ne s'appliquait pas dans les cas où un président tentait de éviter des poursuites pénales. Lorsque le président Bill Clinton a tenté d'utiliser le privilège exécutif concernant le scandale Lewinsky, la Cour suprême a statué dans l'affaire Clinton contre Jones, que ce privilège ne pouvait pas non plus être utilisé dans des poursuites civiles. Ces affaires ont établi un précédent juridique selon lequel le privilège exécutif est valide, même si l'étendue exacte de ce privilège n'a pas encore été clairement définie. De plus, les tribunaux fédéraux ont permis à ce privilège de rayonner vers l’extérieur et de protéger d’autres employés du pouvoir exécutif, mais ont affaibli cette protection pour les communications du pouvoir exécutif qui n’impliquent pas le président.
Le privilège des secrets d’État permet au président et au pouvoir exécutif de dissimuler des informations ou des documents lors de procédures judiciaires si une telle divulgation risque de nuire à la sécurité nationale. Un précédent en faveur de ce privilège est apparu au début du XIXe siècle lorsque Thomas Jefferson a refusé de divulguer des documents militaires lors du procès pour trahison d'Aaron Burr et de nouveau dans l'affaire Totten c. États-Unis, lorsque la Cour suprême a rejeté une affaire intentée par un ancien espion de l'Union. Cependant, ce privilège n'a pas été formellement reconnu par la Cour suprême des États-Unis jusqu'à l'affaire United States v. Reynolds, où il a été considéré comme un privilège de preuve de common law. Avant les attentats du 11 septembre, le recours à ce privilège était rare, mais de plus en plus fréquent. Depuis 2001, le gouvernement a fait valoir ce privilège dans un plus grand nombre de cas et à des stades antérieurs du litige, entraînant ainsi dans certains cas le rejet des poursuites avant d'avoir atteint le fond des réclamations, comme dans la décision du neuvième circuit dans l'affaire Mohamed c. Jeppesen Dataplan, Inc. Les critiques du privilège affirment que son utilisation est devenue un outil permettant au gouvernement de dissimuler des actions gouvernementales illégales ou embarrassantes.
Facilitateur législatif
La clause d'inéligibilité de la Constitution empêche le président (et tous les autres dirigeants) d'être simultanément membre du Congrès. Par conséquent, le président ne peut pas présenter directement des propositions législatives pour examen au Congrès. Cependant, le président peut jouer un rôle indirect dans l'élaboration de la législation, en particulier si son parti politique détient la majorité dans l'une ou les deux chambres du Congrès. Par exemple, le président ou d'autres responsables du pouvoir exécutif peuvent rédiger un projet de loi, puis demander aux sénateurs ou aux représentants de présenter ces projets au Congrès. Le président peut influencer davantage le pouvoir législatif par le biais de rapports périodiques mandatés par la Constitution au Congrès. Ces rapports peuvent être écrits ou oraux, mais sont aujourd'hui présentés sous forme de discours sur l'état de l'Union, qui présente souvent les propositions législatives du président pour l'année à venir. De plus, le président peut tenter de convaincre le Congrès de modifier la législation proposée en menaçant d'y opposer son veto à moins que les modifications demandées ne soient apportées.
Au XXe siècle, les critiques ont commencé à accuser trop de pouvoirs législatifs et budgétaires de tomber entre les mains de présidents qui devraient appartenir au Congrès. En tant que chef du pouvoir exécutif, les présidents contrôlent un large éventail d’agences qui peuvent émettre des réglementations avec peu de contrôle de la part du Congrès. Un critique a accusé les présidents de nommer une « armée virtuelle de « tsars » – chacun n’ayant aucun compte à rendre au Congrès, mais chargé de diriger les efforts politiques majeurs pour la Maison Blanche ». Les présidents ont été critiqués pour avoir fait des déclarations lors de la signature d'une loi du Congrès sur la façon dont ils comprennent un projet de loi ou envisagent de l'exécuter. Cette pratique a été critiquée par l'American Bar Association comme étant inconstitutionnelle. Le commentateur conservateur George Will a parlé d'un « pouvoir exécutif de plus en plus gonflé » et de « l'éclipse du Congrès ».
Selon l'article II, section 3, clause 2 de la Constitution, le président peut convoquer l'une ou les deux chambres du Congrès. Si les deux chambres ne parviennent pas à s'entendre sur une date d'ajournement, le président peut fixer une date d'ajournement du Congrès.
Rôles cérémoniels
En tant que chef de l’État, le président peut respecter les traditions établies par les présidents précédents. William Howard Taft a lancé la tradition de lancer le premier lancer de cérémonie en 1910 au Griffith Stadium, à Washington, D.C., le jour de l'ouverture des sénateurs de Washington. Tous les présidents depuis Taft, à l'exception de Jimmy Carter, ont lancé au moins un premier ballon ou lancer de cérémonie pour la journée d'ouverture, le All-Star Game ou les World Series, généralement en grande pompe.
Le président des États-Unis est président d'honneur des Boy Scouts of America depuis la fondation de l'organisation.
D'autres traditions présidentielles sont associées aux fêtes américaines. Rutherford B. Hayes a lancé en 1878 le premier roulage d'œufs à la Maison Blanche pour les enfants de la région. À partir de 1947, sous l'administration Harry S. Truman, chaque année de Thanksgiving, le président reçoit une dinde domestique vivante lors de la présentation annuelle de la dinde de Thanksgiving nationale qui a lieu à la Maison Blanche. Depuis 1989, date à laquelle George H. W. Bush a officialisé la coutume de « pardonner » la dinde, la dinde a été emmenée dans une ferme où elle vivra le reste de sa vie naturelle.
Les traditions présidentielles impliquent également le rôle du président en tant que chef du gouvernement. De nombreux présidents sortants depuis James Buchanan donnent traditionnellement des conseils à leur successeur lors de la transition présidentielle. Ronald Reagan et ses successeurs ont également laissé un message privé sur le bureau du bureau ovale le jour de l'investiture du nouveau président.
Lors d'une visite d'État d'un chef d'État étranger, le président organise généralement une cérémonie d'arrivée d'État sur la pelouse sud, une coutume lancée par John F. Kennedy en 1961. Elle est suivie d'un dîner d'État offert par le président qui a lieu dans la salle à manger d'État plus tard dans la soirée.
La présidence moderne considère le président comme l’une des principales célébrités du pays. Certains soutiennent que les images de la présidence ont tendance à être manipulées par les responsables des relations publiques de l'administration ainsi que par les présidents eux-mêmes. Un critique a décrit la présidence comme un « leadership faisant la propagande » qui exerce un « pouvoir fascinant autour du bureau ». Les responsables des relations publiques de l'administration ont organisé des séances de photos soigneusement conçues de présidents souriants avec des foules souriantes devant les caméras de télévision. Un critique a écrit que l'image de John F. Kennedy était décrite comme étant soigneusement encadrée « avec de riches détails » qui « s'appuyaient sur le pouvoir du mythe » concernant l'incident du PT 109 et a écrit que Kennedy comprenait comment utiliser les images pour promouvoir ses ambitions présidentielles. En conséquence, certains commentateurs politiques ont estimé que les électeurs américains ont des attentes irréalistes à l'égard des présidents : les électeurs s'attendent à ce qu'un président « dirige l'économie, vainc les ennemis, dirige le monde libre, réconforte les victimes de la tornade, guérisse l'âme nationale et protège les emprunteurs du crédit caché. -frais de carte."
Critiques de l'évolution de la présidence
La plupart des pères fondateurs de la nation s'attendaient à ce que le Congrès, qui était la première branche du gouvernement décrite dans la Constitution, soit la branche dominante du gouvernement ; ils ne s’attendaient pas à un exécutif fort. Cependant, le pouvoir présidentiel a évolué au fil du temps, ce qui a donné lieu à des affirmations selon lesquelles la présidence moderne est devenue trop puissante, incontrôlée, déséquilibrée et de nature « monarchiste ». La critique Dana D. Nelson estime que les présidents des trente dernières années ont œuvré en faveur d'un « contrôle présidentiel indivis du pouvoir exécutif et de ses agences ». Elle critique les partisans de l'exécutif unitaire pour avoir élargi « les nombreux pouvoirs exécutifs incontrôlables existants – tels que les décrets, les décrets, les mémorandums, les proclamations, les directives de sécurité nationale et les déclarations de signature législatives – qui permettent déjà aux présidents d'adopter une grande partie de la politique étrangère et intérieure. sans aide, ingérence ou consentement du Congrès. Le militant Bill Wilson a estimé que la présidence élargie était « la plus grande menace jamais vue pour la liberté individuelle et le régime démocratique ».
Processus de sélection
Admissibilité
L'article II, section 1, clause 5 de la Constitution fixe les qualifications suivantes pour exercer la présidence :
* être un citoyen américain de naissance ; les citoyens américains nés à l'étranger qui remplissaient les conditions d'âge et de résidence au moment de l'adoption de la Constitution étaient également éligibles à la présidence. Cependant, cette allocation est depuis devenue obsolète.
* être âgé d'au moins trente-cinq ans ;
* être résident des États-Unis depuis au moins quatorze ans.
Le douzième amendement interdit à toute personne inéligible au poste de président de devenir vice-président.
Une personne qui répond aux qualifications ci-dessus est toujours inhabile à occuper le poste de président dans l'une des conditions suivantes :
* En vertu du vingt-deuxième amendement, personne ne peut être élu président plus de deux fois. L'amendement précise également que si une personne éligible exerce les fonctions de président ou de président par intérim pendant plus de deux ans d'un mandat pour lequel une autre personne éligible a été élue président, la première ne peut être élue président qu'une seule fois. Les chercheurs ne sont pas d'accord sur la question de savoir si une personne exclue par le vingt-deuxième amendement d'être élue présidente est également empêchée d'être vice-présidente.
* En vertu de l'article I, section 3, clause 7, en cas de condamnation dans des affaires de destitution, le Sénat a la possibilité de disqualifier les personnes reconnues coupables d'exercer des fonctions fédérales, y compris celles de président.
* En vertu de l'article 3 du quatorzième amendement, aucune personne ayant prêté serment de soutenir la Constitution et s'étant ensuite rebellée contre les États-Unis ne peut devenir président. Toutefois, cette disqualification peut être levée par un vote des deux tiers de chaque chambre du Congrès.
Campagnes et nomination
La campagne présidentielle moderne commence avant les élections primaires, que les deux principaux partis politiques utilisent pour vider le champ des candidats avant leurs conventions nationales de nomination, où le candidat le plus vainqueur est nommé candidat du parti à la présidence. Généralement, le candidat du parti à la présidentielle choisit un candidat à la vice-présidence, et ce choix est approuvé sans discussion par la convention. La profession antérieure la plus courante des présidents américains est celle d’avocat.
Les candidats participent à des débats télévisés à l'échelle nationale et, bien que les débats soient généralement limités aux candidats démocrates et républicains, des candidats tiers peuvent être invités, comme Ross Perot lors des débats de 1992. Les candidats font campagne à travers le pays pour expliquer leurs points de vue, convaincre les électeurs et solliciter des contributions. Une grande partie du processus électoral moderne consiste à remporter des États charnières grâce à des visites fréquentes et à des campagnes publicitaires dans les médias de masse.
Élection et serment
Le président est élu au suffrage indirect. Un certain nombre d'électeurs, collectivement connus sous le nom de Collège électoral, choisissent officiellement le président. Le jour du scrutin, les électeurs de chacun des États et du District de Columbia ont voté pour ces électeurs. Chaque État se voit attribuer un nombre d’électeurs égal à la taille de sa délégation dans les deux chambres du Congrès réunies. Généralement, le ticket qui remporte le plus de voix dans un État remporte tous les votes électoraux de cet État et voit donc sa liste d'électeurs choisie pour voter au Collège électoral.
La liste électorale gagnante se réunit dans la capitale de l'État le premier lundi après le deuxième mercredi de décembre, environ six semaines après l'élection, pour voter. Ils envoient ensuite un compte rendu de ce vote au Congrès. Le vote des électeurs est ouvert par le vice-président en exercice – agissant en qualité de président du Sénat – et lu à haute voix lors d'une session conjointe du nouveau Congrès, qui a été élu en même temps que le président.
Conformément au vingtième amendement, le mandat du président commence à midi le 20 janvier de l'année suivant l'élection. Cette date, connue sous le nom de Jour d'Inauguration, marque le début des mandats de quatre ans du président et du vice-président. Avant d'exercer les pouvoirs de sa fonction, un président est constitutionnellement tenu de prêter le serment présidentiel :
Bien que cela ne soit pas obligatoire, les présidents ont traditionnellement tenu une Bible dans la main tout en prêtant serment et ont ajouté : « Alors, aide-moi, Dieu ! jusqu'à la fin du serment. En outre, bien que le serment puisse être administré par toute personne autorisée par la loi à faire prêter serment, les présidents prêtent traditionnellement serment par le juge en chef des États-Unis.
Mandat et limites de mandat
La durée du mandat du président et du vice-président est de quatre ans. George Washington, le premier président, a créé un précédent officieux en ne remplissant que deux mandats, que les présidents suivants ont suivis jusqu'en 1940. Avant Franklin D. Roosevelt, les tentatives d'un troisième mandat étaient encouragées par les partisans d'Ulysses S. Grant et de Theodore Roosevelt ; aucune de ces tentatives n’a réussi. En 1940, Franklin D. Roosevelt a refusé de briguer un troisième mandat, mais a permis à son parti politique de le « désigner » comme candidat à la présidentielle et a ensuite été élu pour un troisième mandat. En 1941, les États-Unis sont entrés dans la Seconde Guerre mondiale, ce qui a conduit les électeurs à élire Roosevelt pour un quatrième mandat en 1944. Mais Roosevelt est décédé seulement 82 jours après avoir pris ses fonctions pour un quatrième mandat, le 12 avril 1945.
Après la guerre, et en réponse à l'élection de Roosevelt pour les troisième et quatrième mandats, le vingt-deuxième amendement fut adopté. L'amendement interdit à quiconque d'être élu président plus de deux fois, ou une fois si cette personne a accompli plus de la moitié du mandat d'un autre président. Harry S. Truman, président au moment de l'adoption de cet amendement, fut exempté de ses limitations et brigua brièvement un troisième (un deuxième mandat complet) avant de se retirer des élections de 1952.
Depuis l'adoption de l'amendement, quatre présidents ont accompli deux mandats complets : Dwight D. Eisenhower, Ronald Reagan, Bill Clinton et George W. Bush. Barack Obama a été élu pour un second mandat et achèvera son mandat le 20 janvier 2017, s'il ne décède pas ou ne démissionne pas avant cette date. Jimmy Carter et George H. W. Bush ont brigué un second mandat, mais ont été vaincus. Richard Nixon a été élu pour un second mandat, mais a démissionné avant de le terminer. Lyndon B. Johnson était le seul président en vertu de l'amendement à être éligible pour remplir plus de deux mandats au total, après avoir servi seulement quatorze mois après l'assassinat de John F. Kennedy. Cependant, Johnson s'est retiré de la Primaire démocrate de 1968, surprenant de nombreux Américains. Gerald Ford a brigué un mandat complet, après avoir purgé les deux dernières années et cinq mois du deuxième mandat de Nixon, mais n'a pas été élu.
Poste vacant ou handicap
Des vacances au poste de Président peuvent survenir dans plusieurs circonstances possibles : décès, démission et destitution.
L'article II, section 4 de la Constitution autorise la Chambre des représentants à destituer de hauts fonctionnaires fédéraux, y compris le président, pour « trahison, corruption ou autres crimes et délits graves ». L'article I, section 3, clause 6 donne au Sénat le pouvoir de révoquer les fonctionnaires mis en accusation, moyennant un vote des deux tiers pour les condamner. La Chambre a jusqu'à présent mis en accusation deux présidents : Andrew Johnson en 1868 et Bill Clinton en 1998. Aucun des deux n'a été condamné par le Sénat ; cependant, Johnson a été acquitté par une seule voix.
En vertu de l'article 3 du vingt-cinquième amendement, le président peut transférer les pouvoirs et fonctions présidentielles au vice-président, qui devient alors président par intérim, en transmettant une déclaration au président de la Chambre et au président pro tempore du Sénat indiquant le raisons du transfert. Le président reprend l'exercice des pouvoirs et devoirs présidentiels après avoir transmis à ces deux responsables une déclaration écrite constatant cette reprise. Ce transfert de pouvoir peut avoir lieu pour toute raison que le président juge appropriée ; en 2002, puis à nouveau en 2007, le président George W. Bush a brièvement transféré le pouvoir présidentiel au vice-président Dick Cheney. Dans les deux cas, cela a été fait pour accommoder une procédure médicale qui nécessitait que Bush soit mis sous sédation ; à chaque fois, Bush a repris ses fonctions plus tard le même jour.
En vertu de l'article 4 du vingt-cinquième amendement, le vice-président, en conjonction avec une majorité du Cabinet, peut transférer les pouvoirs et fonctions présidentiels du président au vice-président en transmettant une déclaration écrite au président de la Chambre et au président pro tempore du Sénat que le président est incapable de s'acquitter de ses pouvoirs et devoirs présidentiels. Si cela se produit, le vice-président assumera les pouvoirs et fonctions présidentiels en tant que président par intérim ; cependant, le président peut déclarer qu'une telle incapacité n'existe pas et reprendre l'exercice des pouvoirs et devoirs présidentiels. Si le vice-président et le Cabinet contestent cette affirmation, il appartient au Congrès, qui doit se réunir dans les deux jours s'il n'est pas déjà en session, de décider du bien-fondé de la réclamation.
La Constitution des États-Unis mentionne la démission du président, mais ne réglemente pas sa forme ni les conditions de sa validité. Conformément à la loi fédérale, la seule preuve valable de la démission du président est un instrument écrit à cet effet, signé par le président et remis au bureau du secrétaire d'État. Cela ne s’est produit qu’une seule fois, lorsque Richard Nixon a remis une lettre à Henry Kissinger dans ce sens.
L'article 1 du vingt-cinquième amendement stipule que le vice-président devient président en cas de destitution, de décès ou de démission du président précédent. La loi sur la succession présidentielle de 1947 prévoit que si les postes de président et de vice-président sont vacants ou occupés par une personne handicapée, le prochain officier dans la ligne de succession présidentielle, le président de la Chambre, devient président par intérim. La ligne s'étend ensuite au président pro tempore du Sénat, suivi de tous les membres du Cabinet. Ces personnes doivent remplir toutes les conditions d'éligibilité au poste de président pour pouvoir devenir président par intérim ; les personnes inéligibles sont ignorées. Il n'y a jamais eu d'élection spéciale pour le poste de président.
Compensation
Depuis 2001, le président gagne un salaire annuel de 400 000 $, ainsi qu'un compte de dépenses annuel de 50 000 $, un compte de voyage non imposable de 100 000 $ et 19 000 $ pour ses divertissements. La plus récente augmentation de salaire a été approuvée par le Congrès et le président Bill Clinton en 1999 et est entrée en vigueur en 2001.
La Maison Blanche à Washington, D.C., sert de lieu de résidence officielle du président. Outre l'accès au personnel de la Maison Blanche, les installations dont dispose le président comprennent des soins médicaux, des loisirs, des services d'entretien ménager et de sécurité. Le gouvernement finance les dîners d'État et autres réceptions officielles, mais le président paie le nettoyage à sec et la nourriture du personnel, de la famille et des invités ; la facture alimentaire élevée surprend souvent les nouveaux résidents. L'installation de soutien naval Thurmont, populairement connue sous le nom de Camp David, est un camp militaire basé en montagne dans le comté de Frederick, Maryland, utilisé comme retraite de campagne et pour la protection d'alerte élevée du président et du gu | http://www.quizballs.com/ |
Dans quel pays d'Asie du Sud se trouve le lac Phewa ? | népal | [
"*Américains d'origine sud-asiatique, y compris les Américains bangladais, les Américains bhoutanais, les Américains indiens, les Américains népalais, les Américains pakistanais et les Américains sri lankais."
] | Les Américains d'origine asiatique sont des Américains d'origine asiatique. Le terme fait référence à un groupe panethnique qui comprend diverses populations ayant des origines ancestrales en Asie de l'Est, en Asie du Sud-Est ou en Asie du Sud, telles que définies par le Bureau du recensement des États-Unis. Cela inclut les personnes qui indiquent leur(s) race(s) dans le recensement comme « Asiatique » ou qui ont déclaré des entrées telles que « Indien d'origine asiatique », « Chinois », « Philippin », « Coréen », « Japonais », « Taïwanais », « Vietnamien ». , ou d'autres groupes asiatiques. Les Américains d'origine asiatique sans autre ascendance représentent 4,8 % de la population américaine, tandis que les personnes asiatiques seules ou combinées avec au moins une autre race représentent 5,6 %.
À partir des premières années de la décennie 2000, les revenus des Américains d’origine asiatique ont commencé à dépasser ceux des autres groupes raciaux, tant pour les hommes que pour les femmes.
Par exemple, en 2008, les Américains d’origine asiatique avaient le revenu médian des ménages le plus élevé de tous les groupes démographiques raciaux.
En 2012, les Américains d’origine asiatique avaient le niveau de scolarité et le revenu médian des ménages les plus élevés de tous les groupes démographiques raciaux du pays.
En 2015, les hommes américains d'origine asiatique constituaient le groupe racial les mieux rémunérés, puisqu'ils gagnaient 117 % de plus que les hommes américains blancs et que les femmes américaines d'origine asiatique gagnaient 106 % de plus que les femmes américaines blanches.
Malgré cela, un rapport de 2014 du Census Bureau a indiqué que 12 % des Américains d'origine asiatique vivaient en dessous du seuil de pauvreté, tandis que seulement 10,1 % des Américains blancs non hispaniques vivaient en dessous du seuil de pauvreté. Une fois le pays de naissance et d’autres facteurs démographiques pris en compte, les Américains d’origine asiatique ne sont pas plus susceptibles que les Blancs non hispaniques de vivre dans la pauvreté.
Terminologie
Comme pour d’autres termes basés sur la race et l’origine ethnique, l’usage formel et courant a considérablement changé au cours de la courte histoire de ce terme. Avant la fin des années 1960, les personnes d’ascendance asiatique étaient généralement appelées orientales, asiatiques et mongoloïdes. Le terme Américain d'origine asiatique a été inventé par l'historien Yuji Ichioka, à qui on attribue la vulgarisation du terme, pour encadrer un nouveau « groupe politique inter-ethnique-pan-asiatique américain auto-définissant » à la fin des années 1960. L'évolution des modèles d'immigration et une longue période d'exclusion des immigrants asiatiques ont entraîné des changements démographiques qui ont à leur tour affecté la compréhension formelle et commune de ce qui définit les Américains d'origine asiatique. Par exemple, depuis la suppression des quotas restrictifs sur les « origines nationales » en 1965, la population américaine d’origine asiatique s’est considérablement diversifiée pour inclure davantage de peuples ayant des ancêtres originaires de diverses régions d’Asie.
Aujourd'hui, Américain d'origine asiatique est le terme accepté pour la plupart des fins formelles, telles que la recherche gouvernementale et universitaire, bien qu'il soit souvent abrégé en Asiatique dans l'usage courant. La définition la plus couramment utilisée des Américains d'origine asiatique est celle du US Census Bureau, qui inclut toutes les personnes originaires d'Extrême-Orient, d'Asie du Sud-Est et du sous-continent indien. Cela s'explique principalement par le fait que les définitions du recensement déterminent de nombreuses classifications gouvernementales, notamment pour les programmes et mesures d'égalité des chances.
Selon l'Oxford English Dictionary, la « personne asiatique » aux États-Unis est parfois considérée comme une personne d'origine est-asiatique. Dans l'usage vernaculaire, « Asiatique » est souvent utilisé pour désigner les personnes d'origine asiatique ou toute autre personne d'origine asiatique possédant des yeux épicanthiques. Cela diffère de la définition du recensement américain et les départements d'études asiatiques-américaines de nombreuses universités considèrent tous ceux d'origine asiatique de l'Est, du Sud ou du Sud-Est comme étant « asiatiques ». Études américaines d'origine asiatique] ; contient des mentions aux Sud-Asiatiques[http://sis.berkeley.edu/catalog/gcc_list_crse_req?p_dept_name
Asian+American+Studies&p_dept_cd=ASAMST UC Berkeley – Catalogue général – Cours d’études asiatiques-américaines] ; Des cours d'Asie du Sud et du Sud-Est sont présents
Définition du recensement
Dans le recensement américain, les personnes ayant des origines ou des ancêtres en Extrême-Orient, en Asie du Sud-Est et dans le sous-continent indien sont classées comme faisant partie de la race asiatique ; tandis que ceux dont les origines ou les ancêtres sont en Asie du Nord (Russes, Sibériens), en Asie centrale (Kazakhs, Ouzbeks, Turkmènes, etc.), au Moyen-Orient (Juifs de la diaspora, Turcs, Perses, Arabes d'Asie occidentale, etc.) et dans le Caucase. (Géorgiens, Arméniens, Azéris) sont classés comme « Blancs ».
Avant 1980, les formulaires de recensement répertoriaient certaines ascendances asiatiques en tant que groupes distincts, aux côtés des Blancs et des Noirs ou des Noirs. Les Américains d'origine asiatique ont également été classés dans la catégorie « autres ». En 1977, l'Office fédéral de la gestion et du budget a publié une directive obligeant les agences gouvernementales à tenir des statistiques sur les groupes raciaux, y compris sur les « Asiatiques ou insulaires du Pacifique ». Le recensement de 1980 a marqué la première classification des Asiatiques en tant que grand groupe, combinant plusieurs groupes d'ascendance individuels en « Asiatiques ou insulaires du Pacifique ». Lors du recensement de 1990, « Asiatique ou insulaire du Pacifique (API) » était inclus comme catégorie explicite, bien que les répondants devaient sélectionner une ascendance particulière comme sous-catégorie. À partir du recensement de 2000, la catégorie a été divisée en deux catégories distinctes, « Américains d'origine asiatique » et « Indigènes hawaïens et autres insulaires du Pacifique ».
Débats
La définition de l'Américain d'origine asiatique comporte des variations qui découlent de l'utilisation du mot Américain dans différents contextes. Le statut d'immigration, la citoyenneté (par droit de naissance et par naturalisation), l'acculturation et la maîtrise de la langue sont quelques variables utilisées pour définir l'américain à diverses fins et peuvent varier dans l'usage formel et quotidien. Par exemple, restreindre l’Amérique aux seuls citoyens américains entre en conflit avec les discussions sur les entreprises américaines d’origine asiatique, qui font généralement référence à la fois aux propriétaires citoyens et non-citoyens.
Dans une interview sur PBS datant de 2004, un panel d’écrivains américains d’origine asiatique a expliqué comment certains groupes incluent les personnes d’origine moyen-orientale dans la catégorie des Américains d’origine asiatique. L'auteur américain d'origine asiatique Stewart Ikeda a noté : « La définition de « Américain d'origine asiatique » dépend aussi souvent de qui demande, de qui définit, dans quel contexte et pourquoi... les définitions possibles de « Américain d'origine asiatique-Pacifique » sont nombreuses, complexes, et changeant... certains chercheurs participant à des conférences sur les études asiatiques-américaines suggèrent que les Russes, les Iraniens et les Israéliens pourraient tous correspondre au sujet d'étude de ce domaine. Jeff Yang, du Wall Street Journal, écrit que la définition pan-ethnique des Américains d'origine asiatique est une construction américaine unique et qu'en tant qu'identité, elle est « en version bêta ».
Les chercheurs se sont penchés sur l’exactitude, l’exactitude et l’utilité du terme Américain d’origine asiatique. Le terme « asiatique » en américain d'origine asiatique est le plus souvent critiqué parce qu'il englobe un grand nombre de personnes ayant des ancêtres originaires (ou ayant immigré) d'un large éventail de pays et de traditions culturellement divers. En revanche, d'éminents spécialistes des sciences sociales et humaines sur la race et l'identité des Américains d'origine asiatique soulignent qu'en raison des constructions raciales aux États-Unis, y compris les attitudes sociales envers la race et celles de l'ascendance asiatique, les Américains d'origine asiatique ont une « expérience raciale partagée ». En raison de cette expérience partagée, le terme Américain d'origine asiatique reste une catégorie panethnique utile en raison de la similitude de certaines expériences parmi les Américains d'origine asiatique, y compris les stéréotypes spécifiques aux personnes appartenant à cette catégorie.
Données démographiques
Les données démographiques des Américains d’origine asiatique décrivent un groupe hétérogène de personnes aux États-Unis dont les ancêtres remontent à un ou plusieurs pays d’Asie. Étant donné que les Américains d'origine asiatique représentent 5 % de l'ensemble de la population américaine, la diversité de ce groupe est souvent négligée dans les médias et dans les discussions sur les « Asiatiques » ou les « Américains d'origine asiatique ». Bien qu'il existe certains points communs entre les sous-groupes ethniques, il existe des différences significatives entre les différentes ethnies asiatiques liées à l'histoire de chaque groupe.
Les données démographiques des Américains d’origine asiatique peuvent être subdivisées en :
*Américains d'Asie de l'Est, y compris les Américains chinois, les Américains japonais, les Américains coréens, les Américains mongols, les Américains taïwanais et les Américains tibétains.
*Américains d'origine sud-asiatique, y compris les Américains bangladais, les Américains bhoutanais, les Américains indiens, les Américains népalais, les Américains pakistanais et les Américains sri lankais.
*Américains d'Asie du Sud-Est, y compris les Américains birmans, les Américains cambodgiens, les Américains philippins, les Américains Hmong, les Américains indonésiens, les Américains laotiens, les Américains malais, les Américains Mien, les Américains singapouriens, les Américains thaïlandais et les Américains vietnamiens.
Les Américains d'origine asiatique comprennent les personnes multiraciales ou métisses dont les origines ou les ancêtres appartiennent à la fois aux groupes ci-dessus et à une autre race, ou à plusieurs des groupes ci-dessus.
Religion
Une étude du Pew Research Center de 2012 a révélé la répartition suivante de l'identité religieuse parmi les Américains d'origine asiatique :
* 42% chrétien
* 26 % sans affiliation à aucune religion
* 14% Bouddhiste
* 10% hindou
* 4% musulman
* 2% autre religion
* 1% sikhs
Histoire
Immigration précoce
Comme les Américains d’origine asiatique sont originaires de nombreux pays différents, chaque population a sa propre histoire d’immigration.
Les Roms ont commencé à émigrer vers l'Amérique du Nord à l'époque coloniale, avec de petits groupes enregistrés en Virginie et en Louisiane française. Une émigration à plus grande échelle des Roms vers les États-Unis suivra par la suite.
Les Philippins vivent dans les territoires qui deviendraient les États-Unis depuis le XVIe siècle. La première arrivée connue est celle des « Luzoniens » à Morro Bay, en Californie, à bord du galion Nuestra Senora de Esperanza construit à Manille en 1587, lorsque les Philippines et la Californie étaient des colonies de l'Empire espagnol. En 1635, un « Indien » est répertorié à Jamestown, en Virginie ; précédant une installation plus large d'immigrants indiens sur la côte Est dans les années 1790 et sur la côte Ouest dans les années 1800. En 1763, des Philippins fondèrent la petite colonie de Saint-Malo, en Louisiane, après avoir fui les mauvais traitements à bord des navires espagnols. Comme il n'y avait pas de femmes philippines avec eux, ces Maniliens, comme on les appelait, épousèrent des femmes cajuns et amérindiennes. Le premier Japonais à venir aux États-Unis et à y rester pendant une période significative fut Nakahama Manjirō qui atteignit la côte Est en 1841, et Joseph Heco devint le premier Américain d'origine japonaise naturalisé citoyen américain en 1858.
Les marins chinois sont arrivés pour la première fois à Hawaï en 1789, quelques années après l'arrivée du capitaine James Cook sur l'île. De nombreuses femmes hawaïennes se sont installées et mariées. La plupart des immigrants chinois, coréens et japonais sont arrivés à Hawaï au XIXe siècle comme ouvriers travaillant dans les plantations de canne à sucre. Il y avait des milliers d'Asiatiques à Hawaï lors de son annexion aux États-Unis en 1898. Plus tard, des Philippins sont également venus travailler comme ouvriers, attirés par les opportunités d'emploi, même si elles étaient limitées.
La migration à grande échelle de l’Asie vers les États-Unis a commencé lorsque les immigrants chinois sont arrivés sur la côte ouest au milieu du XIXe siècle. Faisant partie de la ruée vers l'or en Californie, ces premiers immigrants chinois ont participé intensivement à l'exploitation minière et plus tard à la construction du chemin de fer transcontinental. En 1852, le nombre d’immigrants chinois à San Francisco dépassait les 20 000. Une vague d'immigration japonaise aux États-Unis a commencé après la restauration Meiji en 1868. En 1898, tous les Philippins des îles Philippines sont devenus des ressortissants américains lorsque les États-Unis ont repris la domination coloniale des îles de l'Espagne après la défaite de cette dernière dans la guerre hispano-américaine. Guerre.
L'ère de l'exclusion
En vertu de la loi américaine de cette période, en particulier de la loi sur la naturalisation de 1790, seules les « personnes blanches libres » pouvaient se faire naturaliser en tant que citoyens américains. L’inéligibilité à la citoyenneté empêchait les immigrants asiatiques d’accéder à divers droits tels que le vote. Dans deux affaires, Ozawa c. États-Unis (1922) et États-Unis c. Bhagat Singh Thind (1923), la Cour suprême a confirmé la qualification raciale pour la citoyenneté et a statué que les Asiatiques n'étaient pas des « personnes blanches ». Les Américains d'origine asiatique de deuxième génération pourraient cependant devenir citoyens américains en raison de la clause de citoyenneté du droit de naissance du quatorzième amendement ; cette garantie a été confirmée comme s'appliquant indépendamment de la race ou de l'ascendance par la Cour suprême dans l'affaire États-Unis contre Wong Kim Ark (1898).
Des années 1880 aux années 1920, les États-Unis ont adopté des lois inaugurant une ère d’exclusion des immigrants asiatiques. Même si le nombre absolu d'immigrants asiatiques était faible par rapport à celui des immigrants d'autres régions, une grande partie était concentrée en Occident, et cette augmentation a provoqué un certain sentiment nativiste connu sous le nom de « péril jaune ». Le Congrès a adopté une législation restrictive interdisant presque toute immigration chinoise dans les années 1880. L'immigration japonaise a été fortement réduite par un accord diplomatique en 1907. La loi sur la zone interdite asiatique de 1917 a également interdit l'immigration en provenance d'Asie du Sud (alors Inde britannique), d'Asie du Sud-Est et du Moyen-Orient. La loi sur l'immigration de 1924 prévoyait qu'aucun « étranger inéligible à la citoyenneté » ne pouvait être admis comme immigrant aux États-Unis, consolidant ainsi l'interdiction de l'immigration asiatique.
Immigration d'après-guerre
La législation et les décisions judiciaires datant de la Seconde Guerre mondiale ont progressivement accru la capacité des Américains d'origine asiatique à immigrer et à devenir des citoyens naturalisés. L'immigration a rapidement augmenté à la suite de la promulgation des amendements à la loi sur l'immigration et la nationalité de 1965 ainsi que de l'afflux de réfugiés provenant des conflits survenant en Asie du Sud-Est, comme la guerre du Vietnam. Les immigrants américains d'origine asiatique comptent un pourcentage important d'individus ayant déjà obtenu un statut professionnel, une première parmi les groupes d'immigration.
En 2009, les Américains d'origine asiatique ont dépassé les Américains d'origine hispanique en tant que plus grande pluralité d'immigrants aux États-Unis. De plus, de 2000 à 2010, la population américaine d'origine asiatique était le groupe à la croissance la plus rapide selon le recensement américain de 2010.
Mouvement américain d'origine asiatique
Le mouvement asiatique-américain fait référence à un mouvement pan-asiatique aux États-Unis dans lequel les Américains d'origine asiatique se sont réunis pour lutter contre leur oppression commune et pour s'organiser pour la reconnaissance et l'avancement de leur cause commune au cours des années 1960 jusqu'au début des années 1980. Selon William Wei, le mouvement était « enraciné dans une histoire passée d'oppression et dans une lutte actuelle pour la libération ». Cela s'est produit à peu près en même temps que le mouvement Chicano, le mouvement des droits civiques, l'American Indian Movement et le mouvement de libération gay.
Contributions notables
les arts et le divertissement
Voir aussi : Littérature asiatique-américaine
Les Américains d'origine asiatique sont impliqués dans l'industrie du divertissement depuis la première moitié du XIXe siècle, lorsque Chang et Eng Bunker (les premiers « jumeaux siamois ») sont devenus des citoyens naturalisés. Les rôles d'acteur à la télévision, au cinéma et au théâtre étaient relativement peu nombreux, et de nombreux rôles disponibles étaient destinés à des personnages étroits et stéréotypés. Plus récemment, de jeunes comédiens et cinéastes américains d'origine asiatique ont trouvé un débouché sur YouTube, leur permettant de gagner une base de fans forte et fidèle parmi leurs compatriotes américains d'origine asiatique. Il y a eu plusieurs émissions de télévision centrées sur les Américains d'origine asiatique dans les médias américains, à commencer par Mr. T et Tina en 1976, et aussi récemment que Fresh Off the Boat en 2015.
Tout au long des années 1990, il y a eu une quantité croissante d’écrits queer américains d’origine asiatique et aujourd’hui, la liste des écrivains contributeurs est longue. Pour n'en nommer que quelques-uns : Merle Woo (1941), [http://www.encyclopedia.com/article-1G2-3403600274/kim-willyce.html Willyce Kim] (1946), Russel Leong (1950), [http:/ /www.browsebiography.com/bio-kitty_tsui.html Kitty Tsui] (1952), Dwight Okita (1958), Norman Wong (1963), [https://www.poets.org/poetsorg/poet/timothy-liu Tim Liu] (1965), Chay Yew (1965) et Justin Chin (1969).
Entreprise
Lorsque les Américains d’origine asiatique ont été largement exclus du marché du travail au XIXe siècle, ils ont créé leur propre entreprise. Ils ont ouvert des supérettes et des épiceries, des cabinets professionnels tels que des cabinets médicaux et juridiques, des blanchisseries, des restaurants, des entreprises liées à la beauté, des entreprises de haute technologie et de nombreux autres types d'entreprises, devenant ainsi très prospères et influentes dans la société américaine. Ils ont considérablement étendu leur implication dans l’économie américaine. Les Américains d'origine asiatique ont connu un succès disproportionné dans les secteurs de haute technologie de la Silicon Valley en Californie, comme en témoigne la compilation Goldsea 100 des entrepreneurs asiatiques les plus prospères d'Amérique.
Par rapport à leur population, les Américains d’origine asiatique sont aujourd’hui bien représentés dans le secteur professionnel et ont tendance à gagner des salaires plus élevés. La compilation Goldsea des professionnels américains d'origine asiatique remarquables montre que beaucoup d'entre eux ont occupé des postes élevés dans de grandes entreprises américaines, y compris un nombre surprenant de directeurs du marketing.
Les Américains d’origine asiatique ont apporté une contribution majeure à l’économie américaine. En 2012, les Américains d'origine asiatique possèdent 1,5 million d'entreprises et emploient environ 3 millions de personnes qui gagnent une masse salariale annuelle totale d'environ 80 milliards de dollars. La créatrice de mode et magnat Vera Wang, célèbre pour avoir conçu des robes pour des célébrités de haut niveau, a lancé une entreprise de vêtements portant son nom, qui propose désormais une large gamme de produits de mode de luxe. An Wang a fondé Wang Laboratories en juin 1951. Amar Bose a fondé Bose Corporation en 1964. Charles Wang a fondé Computer Associates, dont il est ensuite devenu PDG et président. David Khym a fondé le géant de la mode hip-hop Southpole (vêtements) en 1991. Jen-Hsun Huang a cofondé la société NVIDIA en 1993. Jerry Yang a cofondé Yahoo! Inc. en 1994 et en est devenu le PDG plus tard. Andrea Jung est président-directeur général d'Avon Products. Vinod Khosla a été l'un des PDG fondateurs de Sun Microsystems et est un associé commandité de l'éminente société de capital-risque Kleiner Perkins Caufield & Byers. Steve Chen et Jawed Karim étaient les co-créateurs de YouTube et ont bénéficié de l'acquisition de cette société par Google pour 1,65 milliard de dollars en 2006. En plus de contribuer grandement à d'autres domaines, les Américains d'origine asiatique ont apporté des contributions considérables à la science et à la technologie aux États-Unis. dans des régions de R&D innovantes aussi importantes que la Silicon Valley et le Triangle.
Gouvernement et politique
Les Américains d’origine asiatique ont un niveau élevé d’intégration politique en termes de population électorale réelle. Depuis 1907, les Américains d'origine asiatique sont actifs au niveau national et ont occupé plusieurs postes aux niveaux local, étatique et national.
L'Américain d'origine asiatique le mieux classé était le sénateur et président pro tempore Daniel Inouye, décédé en fonction en 2012. Il y a plusieurs Américains d'origine asiatique actifs au Congrès des États-Unis. Avec des proportions et des densités plus élevées de populations américaines d'origine asiatique, Hawaï a envoyé le plus systématiquement des Américains d'origine asiatique au Sénat, et Hawaï et la Californie ont le plus systématiquement envoyé des Américains d'origine asiatique à la Chambre des représentants.
Journalisme
Connie Chung a été l'une des premières correspondantes nationales américaines d'origine asiatique pour un grand réseau d'information télévisée, travaillant pour CBS en 1971. Elle a ensuite co-ancré le CBS Evening News de 1993 à 1995, devenant ainsi la première présentatrice de nouvelles nationales américaines d'origine asiatique. Chez ABC, Ken Kashiwahara a commencé à faire des reportages à l'échelle nationale en 1974. En 1989, Emil Guillermo, un journaliste philippin américain né à San Francisco, est devenu le premier homme américain d'origine asiatique à co-animer une émission d'information nationale alors qu'il était animateur principal à l'émission " National Public Radio ". Tout bien considéré." En 1990, Sheryl WuDunn, correspondante à l'étranger du bureau de Pékin du New York Times, est devenue la première Américaine d'origine asiatique à remporter un prix Pulitzer. Ann Curry a rejoint NBC News en tant que journaliste en 1990, avant de devenir plus tard associée au Today Show en 1997. Carol Lin est peut-être mieux connue pour avoir été la première à annoncer la nouvelle du 11 septembre sur CNN. Le Dr Sanjay Gupta est actuellement le correspondant en chef de la santé de CNN. Lisa Ling, ancienne co-animatrice de The View, propose désormais des reportages spéciaux pour CNN et The Oprah Winfrey Show, et anime également Explorer de National Geographic Channel. Fareed Zakaria, un immigrant naturalisé d'origine indienne, est un éminent journaliste et auteur spécialisé dans les affaires internationales. Il est rédacteur en chef du magazine Time et animateur de Fareed Zakaria GPS sur CNN. Juju Chang, James Hatori, John Yang, Veronica De La Cruz, Michelle Malkin, Betty Nguyen et Julie Chen sont devenus des visages familiers des journaux télévisés. John Yang a remporté un prix Peabody. Alex Tizon, rédacteur du Seattle Times, a remporté un prix Pulitzer en 1997.
Militaire
Depuis la guerre de 1812, les Américains d’origine asiatique ont servi et combattu au nom des États-Unis. Servissant dans des unités séparées et non séparées jusqu'à la déségrégation de l'armée américaine en 1948, 31 d'entre eux ont reçu la plus haute distinction du pays pour leur bravoure au combat, la Médaille d'honneur. Vingt et un d'entre eux ont été décernés à des membres du 100e bataillon d'infanterie, principalement japonais, américain, de la 442e équipe de combat régimentaire de la Seconde Guerre mondiale, l'unité la plus décorée de sa taille dans l'histoire des forces armées des États-Unis.
Science et technologie
Les Américains d’origine asiatique ont apporté de nombreuses contributions importantes et notables à la science et à la technologie.
Chien-Shiung Wu était connue de nombreux scientifiques comme la « Première Dame de la physique » et a joué un rôle central dans la démonstration expérimentale de la violation de la loi de conservation de la parité dans le domaine de la physique des particules. Fazlur Rahman Khan, également connu sous le nom de « le père des conceptions tubulaires pour les gratte-ciel », a été souligné par le président Barack Obama dans un discours prononcé en 2009 au Caire, en Égypte, et a été surnommé « Einstein de l'ingénierie structurelle ». Min Chueh Chang a été le co-inventeur de la pilule contraceptive orale combinée et a contribué de manière significative au développement de la fécondation in vitro à la Worcester Foundation for Experimental Biology. David T. Wong était l'un des scientifiques à qui l'on attribue la découverte du médicament révolutionnaire Fluoxetine ainsi que la découverte de l'atomoxétine, de la duloxétine et de la dapoxétine avec des collègues. Michio Kaku a popularisé la science et est apparu dans plusieurs programmes à la télévision et à la radio.
Les lauréats
Tsung-Dao Lee et Chen Ning Yang ont reçu le prix Nobel de physique en 1957 pour leurs travaux théoriques démontrant que la conservation de la parité n'était pas toujours valable et sont ensuite devenus citoyens américains. Har Gobind Khorana a partagé le prix Nobel de physiologie ou médecine en 1968 pour ses travaux en génétique et en synthèse protéique. Samuel Chao Chung Ting a reçu le prix Nobel de physique en 1976 pour la découverte de la particule subatomique J/ψ. Le mathématicien Shing-Tung Yau a remporté la médaille Fields en 1982 et Terence Tao a remporté la médaille Fields en 2006. Le géomètre Shiing-Shen Chern a reçu le prix Wolf de mathématiques en 1983. Andrew Yao a reçu le prix Turing en 2000. Subrahmanyan Chandrasekhar a partagé le prix Nobel de physique en 1983 et a donné son nom à l'observatoire de rayons X Chandra. En 1984, le Dr David D. Ho a signalé pour la première fois « l'état de porteur sain » de l'infection par le VIH, identifiant ainsi les individus séropositifs qui ne présentaient aucun signe physique du SIDA. Charles J. Pedersen a partagé le prix Nobel de chimie 1987 pour ses méthodes de synthèse des éthers-couronnes. Steven Chu a partagé le prix Nobel de physique 1997 pour ses recherches sur le refroidissement et le piégeage des atomes à l'aide de la lumière laser. Daniel Tsui a partagé le prix Nobel de physique en 1998 pour avoir contribué à la découverte de l'effet Hall quantique fractionnaire. En 2008, le biochimiste Roger Tsien a remporté le prix Nobel de chimie pour ses travaux sur l'ingénierie et l'amélioration de la protéine fluorescente verte (GFP), devenue un outil standard de la biologie moléculaire et de la biochimie modernes. Yoichiro Nambu a reçu le prix Nobel de physique 2008 pour ses travaux sur les conséquences des symétries spontanément brisées dans les théories des champs. En 2009, Charles K. Kao a reçu le prix Nobel de physique « pour ses réalisations révolutionnaires concernant la transmission de la lumière dans les fibres pour la communication optique » et Venkatraman Ramakrishnan a remporté le prix de chimie « pour ses études sur la structure et la fonction du ribosome ». Ching W. Tang est l'inventeur de la diode électroluminescente organique et de la cellule solaire organique et a reçu le prix Wolf de chimie 2011 pour cette réalisation. Manjul Bhargava, un Canadien d'origine indienne, a remporté la médaille Fields en mathématiques en 2014. Shuji Nakamura a remporté le prix Nobel de physique 2014 pour l'invention de diodes électroluminescentes bleues efficaces. Yitang Zhang est un mathématicien américain d'origine chinoise qui travaille dans le domaine de la théorie des nombres. Alors qu'il travaillait pour l'Université du New Hampshire en tant que chargé de cours, Zhang a soumis un article aux Annals of Mathematics en 2013 qui établissait la première limite finie des écarts entre les nombres premiers, ce qui a conduit à un prix MacArthur en 2014.
Espace
Le LTC Ellison Onizuka est devenu le premier Américain d'origine asiatique (et la troisième personne d'origine asiatique) lorsqu'il a effectué son premier vol spatial à bord du STS-51-C en 1985. Onizuka est décédé plus tard à bord de la navette spatiale Challenger en 1986. Taylor Gun-Jin Wang est devenu le première personne d'origine chinoise et premier Américain d'origine chinoise, dans l'espace en 1985 ; il a depuis été suivi par Leroy Chiao en 1994 et Ed Lu en 1997. En 1986, Franklin Chang-Diaz est devenu le premier latino-américain asiatique dans l'espace. Eugene H. Trinh est devenu le premier Américain vietnamien dans l'espace en 1992. En 2001, Mark L. Polansky, un Américain juif d'origine coréenne, a effectué son premier de trois vols dans l'espace. En 2003, Kalpana Chawla est devenue la première Amérindienne à aller dans l'espace, mais elle est décédée à bord de la malheureuse navette spatiale Columbia. Elle a depuis été suivie par la CDR Sunita Williams en 2006.
Des sports
Basket-ball
Wataru Misaka a brisé la barrière des couleurs de la NBA lorsqu'il a joué pour les Knicks de New York lors de la saison 1947-1948. Le prochain joueur asiatique-américain de la NBA était Raymond Townsend, qui a joué pour les Golden State Warriors et les Indiana Pacers de 1978 à 1982. Rex Walters, a joué de 1993 à 2000 avec les Nets, les Philadelphia 76ers et le Miami Heat ; il est actuellement l'entraîneur-chef de l'équipe de basket-ball de l'Université de San Francisco. Après avoir joué au basket-ball à l'Université Harvard, le meneur Jeremy Lin a signé avec les Golden State Warriors de la NBA en 2010 et joue désormais pour les Brooklyn Nets.
L'entraîneur adjoint actuel des Kansas Jayhawks, Kurtis Townsend, est le frère de Raymond Townsend.
Erik Spoelstra est devenu le plus jeune entraîneur de l'histoire de la NBA. Il est actuellement l'entraîneur-chef du Miami Heat.
Football
Dans le football, Wally Yonamine a joué professionnellement pour les Giants de San Francisco en 1947. Norm Chow est actuellement entraîneur-chef de l'Université d'Hawaï et ancien coordinateur offensif de l'UCLA après un court passage avec les Titans du Tennessee de la NFL, après 23 ans d'entraînement. d'autres équipes universitaires, dont quatre ans en tant que coordinateur offensif à l'USC. En 1962, Roman Gabriel, à moitié philippin, fut le premier Américain d'origine asiatique à débuter en tant que quarterback de la NFL. Dat Nguyen était un secondeur intermédiaire de la NFL qui était une sélection entièrement professionnelle en 2003 pour les Cowboys de Dallas. En 1998, il a été nommé All-American et a remporté le Bednarik Award ainsi que le Lombardi Award, alors qu'il jouait pour la Texas A&M University. Hines Ward, né d'une mère coréenne et d'un père afro-américain, est un ancien receveur de la NFL qui a été le MVP du Super Bowl XL et Ward a également remporté la 12e saison de la série télévisée Dancing with the Stars. L'ancien secondeur des Patriots, Tedy Bruschi, est d'origine philippine et italienne. Alors qu'il jouait pour les Patriots, Bruschi a remporté trois anneaux du Super Bowl et a été deux fois sélectionné All-Pro. Bruschi est actuellement analyste NFL chez ESPN.
Arts martiaux mixtes
Il existe plusieurs artistes martiaux mixtes américains d’origine asiatique les mieux classés. BJ Penn est un ancien champion des poids légers et welters de l'UFC. Cung Le est un ancien champion des poids moyens Strikeforce. Benson Henderson est l'ancien champion des poids légers du WEC et un ancien champion des poids légers de l'UFC. Nam Phan est un combattant poids plume de l'UFC.
Jeux olympiques
Les Américains d’origine asiatique ont eu leur premier impact dans les sports olympiques à la fin des années 1940 et dans les années 1950. Sammy Lee est devenu le premier Américain d'origine asiatique à remporter une médaille d'or olympique, remportant le plongeon sur plate-forme en 1948 et 1952. Victoria Manalo Draves a remporté l'or en plongeon sur plate-forme et au tremplin en 1948. Harold Sakata a remporté une médaille d'argent en haltérophilie aux Jeux olympiques de 1948. , tandis que Tommy Kono (haltérophilie), Yoshinobu Oyakawa (100 mètres dos) et Ford Konno (1 500 mètres nage libre) ont chacun remporté l'or et établi des records olympiques aux Jeux olympiques de 1952. Konno a remporté une autre médaille d'or et d'argent en natation aux mêmes Jeux olympiques et a ajouté une médaille d'argent en 1956, tandis que Kono a établi un autre record olympique d'haltérophilie en 1956. Également aux Jeux olympiques de 1952, Evelyn Kawamoto a remporté deux médailles de bronze en natation.
Amy Chow était membre de l'équipe féminine de gymnastique médaillée d'or aux Jeux olympiques de 1996 ; elle a également remporté une médaille d'argent individuelle aux barres asymétriques. La gymnaste Mohini Bhardwaj a remporté une médaille d'argent par équipe aux Jeux olympiques de 2004. Bryan Clay, d'origine mi-japonaise, a remporté la médaille d'or du décathlon aux Jeux olympiques de 2008, la médaille d'argent aux Jeux olympiques de 2004 et a été champion du monde de ce sport en 2005.
Depuis que Tiffany Chin a remporté le championnat américain de patinage artistique féminin en 1985, les Américains d'origine asiatique occupent une place importante dans ce sport. Kristi Yamaguchi a remporté trois championnats nationaux, deux titres mondiaux et la médaille d'or olympique de 1992. Michelle Kwan a remporté neuf championnats nationaux et cinq titres mondiaux, ainsi que deux médailles olympiques (argent en 1998, bronze en 2002).
Apolo Ohno, d'origine mi-japonaise, est un patineur de vitesse sur courte piste et huit fois médaillé olympique ainsi que l'athlète olympique d'hiver américain le plus décoré de tous les temps. Il est devenu le plus jeune champion national américain en 1997 et a été champion en titre de 2001 à 2009, remportant le titre 12 fois au total. En 1999, il est devenu le plus jeune patineur à remporter un titre dans une épreuve de Coupe du monde et le premier Américain à remporter un titre au classement général de la Coupe du monde en 2001, qu'il a remporté à nouveau en 2003 et 2005. Il a remporté son premier titre de champion du monde au classement général. Championnats 2008.
Nathan Adrian qui est également un Hapa d'origine mi-chinoiseAmerica's Olympic Crush [http://www.theatlanticwire.com/global/2012/08/nathan-adrian-olympic-crush-america-needs/55337] Récupéré le 15 décembre 2012 est un nageur professionnel américain et triple médaillé d'or olympique qui détient actuellement le record américain dans les épreuves de 50 et 100 verges nage libre (en bassin court). Il a remporté un total de quinze médailles dans des compétitions internationales majeures, douze d'or, deux d'argent et une de bronze aux Jeux olympiques, aux Championnats du monde et aux Championnats pan-pacifiques.
Autres sports
Michael Chang a été l'un des meilleurs joueurs de tennis pendant la majeure partie de sa carrière et le plus jeune vainqueur d'un tournoi de tennis du Grand Chelem en simple masculin. Il a remporté l'Open de France en 1989. Tiger Woods, qui est en partie d'origine asiatique, est le golfeur le plus titré de sa génération et l'un des athlètes les plus célèbres au monde. Eric Koston est l'un des meilleurs skateurs de rue et s'est classé premier à la compétition de rue des X-Games 2003. Richard Park est un joueur de hockey sur glace coréen-américain qui joue actuellement pour l'équipe suisse HC Ambri-Piotta.
Brian Ching, dont le père était chinois, a représenté l'équipe nationale masculine de football des États-Unis, marquant 11 buts en 45 sélections. Il a participé à la Coupe du monde 2006 et a remporté la Gold Cup 2007.
Julie Chu, qui est aux trois quarts chinoise et à un quart portoricaine, est une joueuse olympique américaine de hockey sur glace qui a joué pour l'équipe féminine de hockey sur glace des États-Unis. Elle a également été porte-drapeau de l'équipe olympique américaine pour les cérémonies de clôture des Jeux olympiques d'hiver de 2014.
Influence culturelle
En reconnaissance de la culture, des traditions et de l’histoire uniques des Américains d’origine asiatique et des insulaires du Pacifique, le gouvernement des États-Unis a définitivement désigné le mois de mai comme Mois du patrimoine asiatique-pacifique-américain.
Santé et médecine
Les immigrants asiatiques modifient également le paysage médical américain en raison du nombre croissant de médecins asiatiques aux États-Unis. À partir des années 1960 et 1970, le gouvernement américain a invité un certain nombre de médecins étrangers, notamment d’Inde et des Philippines, à remédier à la grave pénurie de médecins dans les zones rurales et urbaines mal desservies. La tendance à importer des médecins étrangers est cependant devenue une solution chronique à long terme, les écoles de médecine américaines ne parvenant pas à former suffisamment de médecins pour répondre à la population américaine croissante. Alors que l’intérêt pour la médecine diminue chez les étudiants américains en raison des coûts élevés de l’éducation et des taux élevés d’insatisfaction au travail, de perte de moral, de stress et de poursuites judiciaires, les immigrants américains d’origine asiatique ont maintenu un stock de professionnels de la santé pour des millions d’Américains. Il est bien documenté que les diplômés internationaux en médecine d'origine asiatique et américaine, y compris les travailleurs invités hautement qualifiés utilisant le programme de visa J1 pour les travailleurs médicaux, ont tendance à servir dans les zones de pénurie de professions de santé (HPSA) et dans les spécialités qui ne sont pas occupées par des diplômés en médecine américains, en particulier les soins primaires et les zones rurales. médecine. Ainsi, les immigrants américains d’origine asiatique jouent un rôle clé pour éviter une crise médicale. | http://www.quizballs.com/ |
À quel sport la sportive anglaise Charlotte Edwards est-elle associée ? | Cricket | [
"Le 17 novembre 2010, elle a remporté sa 142e sélection One Day International en étant capitaine de l'équipe d'Angleterre contre le Sri Lanka. Cette apparition lui a donné le nombre record d'apparitions ODI, battant les 141 de l'Australienne Karen Rolton. Elle a réalisé un meilleur 4 en carrière sur 30 dans le match. Clare Connor, responsable du cricket féminin au England and Wales Cricket Board, a salué la réussite d'Edwards, la qualifiant de \"un honneur au cricket féminin dans le monde, un superbe modèle pour les filles qui aspirent à jouer pour leur pays\"."
] | Charlotte Marie Edwards CBE (née le 17 décembre 1979) est une joueuse de cricket professionnelle anglaise qui était capitaine de l'équipe féminine d'Angleterre. Edwards a annoncé sa retraite du cricket international en mai 2016.
Carrière internationale
Au moment où elle a fait ses débuts en Angleterre en 1995, elle est devenue la plus jeune joueuse à avoir joué pour l'Angleterre, battue plus tard par sa coéquipière Holly Colvin.
En 1997, elle a marqué 12 siècles, dont un sur 118 ballons contre les Sud-Africains en tournée. La veille de son 18e anniversaire, elle a marqué un score ODI alors record de 173, non éliminé lors d'un match de Coupe du monde contre l'équipe féminine de cricket d'Irlande. En 1998-1999, elle a marqué son premier Test cent contre l'Inde, mais, tout en marquant des points, elle est tombée en deçà des attentes. En 2000, elle a été mise à l'écart en raison d'une grave blessure aux ligaments croisés subie alors qu'elle jouait au hockey, ce qui lui a fait rater la majeure partie de la saison 2001.
En 2005, elle a quitté son rôle de vice-capitaine de l'Angleterre pour prendre pleinement en charge l'équipe lorsque Clare Connor a été blessée, et a été nommée à temps plein lorsque Connor a pris sa retraite en mars 2006. Elle joue au cricket du comté de Kent, qu'elle capitaines.
Elle a disputé son 100e One-Day International en tournée en Australie et a mené son équipe à la victoire lors du match test unique à Bowral pour conserver The Ashes, marquant 94 points dans la première manche de l'Angleterre et réussissant les points gagnants dans la seconde.
Elle a remporté le titre de joueuse ICC de l'année 2008 lors de la cérémonie de remise des prix ICC à Dubaï. Elle a dirigé l'équipe d'Angleterre lors de la Coupe du monde 2009 en Australie, marquant un demi-siècle et réalisant un record en carrière de 4 pour 37 lors de la victoire du Super Six contre la Nouvelle-Zélande, avant de diriger l'équipe vers une victoire de 4 guichets contre la même opposition au monde. Finale de la Coupe à Sydney.
Elle a mené l'équipe d'Angleterre à la victoire à Lord's lors de la finale du Championnat du monde Twenty20 en juin 2009. Elle a marqué 139 points dans le tournoi, le troisième total le plus élevé, et a remporté 4 guichets à 14,5 chacun, avant d'enregistrer un demi-siècle d'invincibilité dans le deuxième. manches pour aider l'équipe d'Angleterre à conserver les Ashes avec un match nul lors du test unique des Ashes à New Road à Worcester.
Le 17 novembre 2010, elle a remporté sa 142e sélection One Day International en étant capitaine de l'équipe d'Angleterre contre le Sri Lanka. Cette apparition lui a donné le nombre record d'apparitions ODI, battant les 141 de l'Australienne Karen Rolton. Elle a réalisé un meilleur 4 en carrière sur 30 dans le match. Clare Connor, responsable du cricket féminin au England and Wales Cricket Board, a salué la réussite d'Edwards, la qualifiant de "un honneur au cricket féminin dans le monde, un superbe modèle pour les filles qui aspirent à jouer pour leur pays".
Elle a marqué son premier siècle de Cendres lors du test unique de l'Angleterre contre l'Australie à Bankstown Oval le 22 janvier 2010, terminant invaincue avec 114 des premières manches de l'Angleterre sur 207 au total.
En 2014, Edwards a été nommé l'un des cinq joueurs de cricket Wisden de l'année. Elle était la deuxième joueuse de cricket anglaise à être ainsi honorée, après Claire Taylor qui avait également été citée en 2009.
Elle est titulaire de l'une des premières tranches des 18 contrats centraux de la BCE destinés aux joueuses.
Faits saillants de carrière
* Edwards est la première joueuse de cricket à marquer 2 000 points lors des Internationaux T20. Edwards est le premier joueur, homme ou femme, à marquer 2 500 points lors des internationaux T20.
* A mené l'Angleterre à 220 reprises. L'Angleterre a remporté trois séries Ashes (2008, 2013 et 2014) et un doublé Coupe du monde/World Twenty20 en 2009 sous la direction d'Edwards.
* Edwards a été nommé membre de l'Ordre de l'Empire britannique (MBE) lors des honneurs d'anniversaire de 2009 et Commandeur de l'Ordre de l'Empire britannique (CBE) lors des honneurs d'anniversaire de 2014 pour services rendus au cricket.
Prix
* Joueuse de cricket féminine de l'année ICC – 2008
* Joueurs de cricket Wisden de l'année – 2014
* Joueur de cricket de l'année de la BCE – 2013-2014, 2014-2015 | http://www.quizballs.com/ |
Quel est le seul État américain à commencer par la lettre « U » ? | Utah | [
"Ils étaient les premiers ancêtres des peuples de langue athabascan, y compris les Navajo et les Apaches actuels et historiques. Ils ont construit de grandes habitations multifamiliales dans leurs villages, utilisées de façon saisonnière. Les gens n'y vivaient pas toute l'année, mais pendant l'été pour chasser et pêcher et pour rassembler des provisions de nourriture pour l'hiver. Le peuple de la tradition Oshara a vécu de 5 500 avant notre ère à 600 de notre ère. Ils faisaient partie de la tradition archaïque du sud-ouest centrée sur le centre-nord du Nouveau-Mexique, le bassin de San Juan, la vallée du Rio Grande, le sud du Colorado et le sud-est de l'Utah.",
"*Culture ancestrale Puebloan : La culture ancestrale Puebloan couvrait la région actuelle des Four Corners aux États-Unis, comprenant le sud de l'Utah, le nord de l'Arizona, le nord-ouest du Nouveau-Mexique et le sud-ouest du Colorado.[http://www.britannica.com/EBchecked/topic /22804/Ancestral-Pueblo-culture « Culture ancestrale des Pueblos. »] Encyclopædia Britannica. Récupéré 4 juin 2012. On pense que les Puebloans ancestraux se sont développés, au moins en partie, à partir de la tradition Oshara, qui s'est développée à partir de la culture Picosa. Ils vivaient dans une gamme de structures comprenant de petites maisons familiales, des structures de type clan plus grandes, de grands pueblos et des habitations situées sur des falaises. Les Puebloans ancestraux possédaient un réseau complexe qui s'étendait à travers le plateau du Colorado, reliant des centaines de communautés et de centres de population. La culture est peut-être mieux connue pour les habitations en pierre et en terre construites le long des parois des falaises, en particulier à l'époque Pueblo II et Pueblo III."
] | La date du début de l’histoire des États-Unis fait l’objet de débats parmi les historiens. Les manuels plus anciens commencent avec l'arrivée de Christophe Colomb le 12 octobre 1492 et mettent l'accent sur le contexte européen, ou bien ils commencent vers 1600 et mettent l'accent sur la frontière américaine. Au cours des dernières décennies, les écoles et universités américaines ont généralement remonté le temps pour inclure davantage la période coloniale et bien plus encore la préhistoire des peuples autochtones.
Les peuples autochtones ont vécu dans ce qui est aujourd'hui les États-Unis pendant des milliers d'années avant l'arrivée des colons européens, principalement d'Angleterre, après 1600. Les Espagnols avaient de petites colonies en Floride et dans le sud-ouest, et les Français le long du fleuve Mississippi et de la côte du Golfe. . Dans les années 1770, treize colonies britanniques comptaient deux millions et demi d’habitants le long de la côte atlantique, à l’est des Appalaches. Dans les années 1760, le gouvernement britannique imposa une série de nouvelles taxes tout en rejetant l’argument américain selon lequel toute nouvelle taxe devait être approuvée par le peuple (voir Stamp Act 1765). La résistance fiscale, en particulier le Boston Tea Party (1774), a conduit à l'adoption de lois punitives (les actes intolérables) par le Parlement visant à mettre fin à l'autonomie gouvernementale du Massachusetts. Les Patriotes américains (comme ils s’appelaient eux-mêmes) adhéraient à une idéologie politique appelée républicanisme qui mettait l’accent sur le devoir civique, la vertu et l’opposition à la corruption, au luxe luxueux et à l’aristocratie.
Les treize colonies se sont réunies au sein d’un Congrès qui les a appelées à rédiger de nouvelles constitutions d’État. Après le début du conflit armé dans le Massachusetts, les Patriotes chassèrent les fonctionnaires royaux de chaque colonie et se rassemblèrent dans des réunions et des conventions de masse. Les gouvernements patriotes des colonies ont unanimement autorisé leurs délégués au Congrès à déclarer leur indépendance. En 1776, le Congrès a déclaré qu’il existait une nouvelle nation indépendante, les États-Unis d’Amérique, et non seulement un ensemble de colonies disparates. Avec le soutien militaire et financier à grande échelle de la France et le leadership militaire du général George Washington, les Patriotes américains se sont rebellés contre la domination britannique et ont remporté la guerre d'indépendance.
Le traité de paix de 1783 donna à la nouvelle nation les terres à l'est du fleuve Mississippi (à l'exception de la Floride et du Canada, et l'Espagne contesta le territoire du Mississippi jusqu'en 1795) et confirma la reconnaissance par la Grande-Bretagne des États-Unis en tant que nation. Le gouvernement central établi par les articles de la Confédération s'est avéré inefficace pour assurer la stabilité, car il n'avait aucune autorité pour percevoir les impôts et n'avait pas de directeur exécutif. Le Congrès a convoqué une convention pour se réunir secrètement à Philadelphie en 1787 pour réviser les articles de la Confédération. Il a rédigé une nouvelle Constitution, qui a été adoptée en 1789. En 1791, une Déclaration des droits a été ajoutée pour garantir les droits inaliénables. Avec Washington comme premier président de l’Union et Alexander Hamilton comme principal conseiller politique et financier, un gouvernement central fort fut créé. Lorsque Thomas Jefferson est devenu président, il a acheté le territoire de la Louisiane à la France, doublant ainsi la taille des États-Unis. Une deuxième et dernière guerre avec la Grande-Bretagne eut lieu en 1812.
Encouragé par la notion de Destinée Manifeste, le territoire fédéral s’est étendu jusqu’au Pacifique. Les États-Unis ont toujours été vastes en termes de superficie, mais leur population était petite, seulement 4 millions en 1790. La croissance démographique a été rapide, atteignant 7,2 millions en 1810, 32 millions en 1860, 76 millions en 1900, 132 millions en 1940 et 321 millions. millions en 2015. La croissance économique en termes de PIB global a été encore plus rapide. Cependant, la force militaire du pays était assez limitée en temps de paix avant 1940. L'expansion était motivée par la quête de terres bon marché pour les fermiers et les propriétaires d'esclaves. L’expansion de l’esclavage était de plus en plus controversée et alimentait des batailles politiques et constitutionnelles résolues par des compromis. L'esclavage a été aboli dans tous les États au nord de la ligne Mason-Dixon en 1804, mais le Sud a continué à profiter de cette institution, produisant des exportations de coton de grande valeur pour répondre à une demande croissante en Europe. L’élection présidentielle de 1860 du républicain Abraham Lincoln avait pour objectif de mettre fin à l’expansion de l’esclavage et de le mettre sur la voie de l’extinction.
Sept États esclavagistes du Sud profond, basés sur le coton, ont fait sécession et ont ensuite fondé la Confédération quelques mois avant l'investiture de Lincoln. Aucune nation n'a jamais reconnu la Confédération, mais elle a ouvert la guerre en attaquant Fort Sumter en 1861. Une vague d'indignation nationaliste dans le Nord a alimenté une longue et intense guerre civile américaine (1861-1865). Elle s'est déroulée en grande partie dans le Sud, car les avantages matériels et humains écrasants du Nord se sont révélés décisifs dans une longue guerre. Le résultat de la guerre fut la restauration de l’Union, l’appauvrissement du Sud et l’abolition de l’esclavage. À l’époque de la Reconstruction (1863-1877), les droits légaux et de vote ont été étendus à l’esclave affranchi. Le gouvernement national en est sorti beaucoup plus fort et, grâce au quatorzième amendement, il a acquis le devoir explicite de protéger les droits individuels. Cependant, lorsque les démocrates blancs ont repris le pouvoir dans le Sud dans les années 1870, souvent grâce à la suppression du droit de vote par les paramilitaires, ils ont adopté des lois Jim Crow pour maintenir la suprématie blanche, ainsi que de nouvelles constitutions privant du droit de vote qui ont empêché la plupart des Afro-Américains et de nombreux Blancs pauvres de voter, une situation cela s'est poursuivi pendant des décennies jusqu'aux gains du mouvement des droits civiques dans les années 1960 et à l'adoption d'une législation fédérale visant à faire respecter les droits constitutionnels.
Les États-Unis sont devenus la première puissance industrielle mondiale au tournant du XXe siècle grâce à une explosion d'entrepreneuriat dans le Nord-Est et le Midwest et à l'arrivée de millions de travailleurs et d'agriculteurs immigrés en provenance d'Europe. Le réseau ferroviaire national a été complété grâce au travail des immigrants chinois et des mines et usines à grande échelle industrialisées dans le Nord-Est et le Midwest. Le mécontentement massif face à la corruption, à l’inefficacité et à la politique traditionnelle a stimulé le mouvement progressiste, des années 1890 aux années 1920, qui a conduit à de nombreuses réformes sociales et politiques. En 1920, le 19e amendement à la Constitution garantissait le suffrage (droit de vote) des femmes. Cela faisait suite aux 16e et 17e amendements de 1913, qui établissaient le premier impôt national sur le revenu et l'élection directe des sénateurs américains au Congrès. Initialement neutres pendant la Première Guerre mondiale, les États-Unis ont déclaré la guerre à l’Allemagne en 1917 et ont ensuite financé la victoire alliée l’année suivante.
Après une décennie prospère dans les années 1920, le krach de Wall Street de 1929 a marqué le début de la Grande Dépression mondiale qui a duré une décennie. Le président démocrate Franklin D. Roosevelt a mis fin à la domination républicaine sur la Maison Blanche et a mis en œuvre ses programmes New Deal de secours, de redressement et de réforme. Le New Deal, qui définissait le libéralisme américain moderne, prévoyait une aide aux chômeurs, un soutien aux agriculteurs, une sécurité sociale et un salaire minimum. Après l’attaque japonaise sur Pearl Harbor le 7 décembre 1941, les États-Unis entrèrent dans la Seconde Guerre mondiale aux côtés de la Grande-Bretagne, de l’Union soviétique, de la Chine et d’un plus petit nombre de pays alliés. Les États-Unis ont financé l'effort de guerre des Alliés et ont contribué à vaincre l'Allemagne nazie sur le théâtre européen. Ils ont abouti à l'utilisation des armes nucléaires nouvellement inventées sur les villes stratégiques japonaises, ce qui a contribué à vaincre le Japon impérial sur le théâtre du Pacifique, au prix de 407 000 Américains sur les deux théâtres de la Guerre mondiale. II.
Les États-Unis et l’Union soviétique sont devenus des superpuissances rivales après la Seconde Guerre mondiale. Pendant la guerre froide, les États-Unis et l’URSS se sont affrontés indirectement dans la course aux armements, la course à l’espace, les guerres par procuration et les campagnes de propagande. La politique étrangère américaine pendant la guerre froide s'est construite autour du soutien de l'Europe occidentale et du Japon ainsi que de la politique de « confinement » ou d'arrêt de la propagation du communisme. Les États-Unis se sont joints aux guerres de Corée et du Vietnam pour tenter d’arrêter sa propagation. Dans les années 1960, en grande partie grâce à la force du mouvement des droits civiques, une autre vague de réformes sociales a été adoptée en faisant respecter les droits constitutionnels de vote et de liberté de mouvement aux Afro-Américains et aux autres minorités raciales. L’activisme amérindien a également augmenté. La guerre froide a pris fin avec la dissolution officielle de l’Union soviétique en 1991, laissant les États-Unis comme seule superpuissance mondiale. Au début du XXIe siècle, le conflit international s'est concentré autour du Moyen-Orient à la suite des attentats du 11 septembre 2001 perpétrés par Al-Qaïda contre les États-Unis. En 2008, les États-Unis ont connu leur pire crise économique depuis la Grande Dépression, suivie par des taux de croissance économique plus lents que d’habitude au cours des années 2010.
Ère précolombienne
On ne sait pas avec certitude comment ni quand les Amérindiens se sont installés pour la première fois sur les Amériques et sur les États-Unis actuels. La théorie dominante propose que les gens aient migré de l'Eurasie à travers la Béringie, un pont terrestre qui reliait la Sibérie à l'Alaska actuel pendant la période glaciaire, puis se sont répandus vers le sud à travers les Amériques et éventuellement jusqu'à la péninsule Antarctique. Cette migration a peut-être commencé il y a 30 000 ans et s'est poursuivie jusqu'à il y a environ 10 000 ans, lorsque le pont terrestre a été submergé par l'élévation du niveau de la mer provoquée par la fin de la dernière période glaciaire. Ces premiers habitants, appelés Paléoaméricains, se sont rapidement diversifiés en plusieurs centaines de nations et tribus culturellement distinctes.
L'ère précolombienne incorpore toutes les subdivisions de périodes de l'histoire et de la préhistoire des Amériques avant l'apparition d'influences européennes significatives sur les continents américains, s'étendant de l'époque de la colonisation initiale au Paléolithique supérieur jusqu'à la colonisation européenne au début de la période moderne. Bien que techniquement, il fasse référence à l'époque précédant les voyages de Christophe Colomb de 1492 à 1504, dans la pratique, le terme inclut généralement l'histoire des cultures indigènes américaines jusqu'à ce qu'elles soient conquises ou influencées de manière significative par les Européens, même si cela s'est produit des décennies, voire des siècles après le voyage initial de Christophe Colomb. atterrissage.
Développement autochtone avant le contact européen
Les cultures amérindiennes ne sont normalement pas incluses dans les caractérisations des cultures avancées de l’âge de pierre comme étant « néolithiques », catégorie qui inclut le plus souvent uniquement les cultures d’Eurasie, d’Afrique et d’autres régions. Les périodes archéologiques utilisées sont les classifications des périodes et des cultures archéologiques établies dans le livre de 1958 de Gordon Willey et Philip Phillips, Method and Theory in American Archaeology. Ils ont divisé les archives archéologiques des Amériques en cinq phases : voir Archéologie des Amériques.
La culture Clovis, une culture de chasse à la mégafaune, est principalement identifiée par l'utilisation de pointes de lance cannelées. Des artefacts de cette culture ont été découverts pour la première fois en 1932 près de Clovis, au Nouveau-Mexique. La culture Clovis s'étendait sur une grande partie de l'Amérique du Nord et est également apparue en Amérique du Sud. La culture est identifiée par la pointe Clovis distinctive, une pointe de lance en silex écaillé avec une flûte crantée, par laquelle elle était insérée dans un manche. La datation des matériaux Clovis s'est faite par association avec des os d'animaux et par l'utilisation de méthodes de datation au carbone. Des réexamens récents des matériaux Clovis à l'aide de méthodes améliorées de datation au carbone ont produit des résultats de 11 050 et 10 800 années radiocarbone B.P. (environ 9 100 à 8 850 avant notre ère).
De nombreuses cultures paléoindiennes occupaient l'Amérique du Nord, certaines étant réparties autour des Grandes Plaines et des Grands Lacs des États-Unis d'Amérique et du Canada modernes, ainsi que dans les zones adjacentes à l'ouest et au sud-ouest. Selon les histoires orales de nombreux peuples autochtones des Amériques, ils vivent sur ce continent depuis leur genèse, décrites par un large éventail d’histoires traditionnelles de création. D'autres tribus ont des histoires qui racontent des migrations à travers de longues étendues de terre et un grand fleuve, que l'on croit être le fleuve Mississippi. Les données génétiques et linguistiques relient les peuples autochtones de ce continent aux anciens Asiatiques du Nord-Est. Les données archéologiques et linguistiques ont permis aux chercheurs de découvrir certaines des migrations au sein des Amériques.
La tradition Folsom était caractérisée par l'utilisation de pointes Folsom comme pointes de projectiles et par des activités connues sur les sites d'abattage, où avaient lieu l'abattage et le dépeçage des bisons. Les outils Folsom ont été abandonnés entre 9 000 et 8 000 avant notre ère.
Les peuples de langue na-Dené sont entrés en Amérique du Nord à partir d'environ 8 000 avant notre ère, atteignant le nord-ouest du Pacifique vers 5 000 avant notre ère, et de là, migrant le long de la côte du Pacifique et vers l'intérieur. Les linguistes, les anthropologues et les archéologues pensent que leurs ancêtres ont constitué une migration distincte vers l'Amérique du Nord, plus tard que les premiers Paléo-Indiens. Ils ont migré vers l'Alaska et le nord du Canada, vers le sud le long de la côte du Pacifique, vers l'intérieur du Canada et vers le sud vers les grandes plaines et le sud-ouest américain.
Ils étaient les premiers ancêtres des peuples de langue athabascan, y compris les Navajo et les Apaches actuels et historiques. Ils ont construit de grandes habitations multifamiliales dans leurs villages, utilisées de façon saisonnière. Les gens n'y vivaient pas toute l'année, mais pendant l'été pour chasser et pêcher et pour rassembler des provisions de nourriture pour l'hiver. Le peuple de la tradition Oshara a vécu de 5 500 avant notre ère à 600 de notre ère. Ils faisaient partie de la tradition archaïque du sud-ouest centrée sur le centre-nord du Nouveau-Mexique, le bassin de San Juan, la vallée du Rio Grande, le sud du Colorado et le sud-est de l'Utah.
Depuis les années 1990, les archéologues ont exploré et daté onze sites de l'Archaïque moyen dans les actuelles Louisiane et Floride, où les premières cultures ont construit des complexes avec de multiples monticules de terrassement ; il s'agissait de sociétés de chasseurs-cueilleurs plutôt que d'agriculteurs sédentaires jugés nécessaires, selon la théorie de la révolution néolithique, pour soutenir de si grands villages sur de longues périodes. Le meilleur exemple est Watson Brake, dans le nord de la Louisiane, dont le complexe de 11 monticules est daté de 3 500 avant notre ère, ce qui en fait le site le plus ancien et daté des Amériques pour une construction aussi complexe. Il est près de 2 000 ans plus vieux que le site de Poverty Point. La construction des monticules a duré 500 ans jusqu'à ce qu'elle soit abandonnée vers 2 800 avant notre ère, probablement en raison de l'évolution des conditions environnementales.
La culture de Poverty Point est une culture archéologique archaïque tardive qui habitait la région de la basse vallée du Mississippi et la côte environnante du golfe. La culture a prospéré de 2200 BCE à 700 BCE, pendant la période archaïque tardive. Des preuves de cette culture ont été trouvées sur plus de 100 sites, depuis le complexe majeur de Poverty Point, en Louisiane (site classé au patrimoine mondial de l'UNESCO), sur une distance de 160 km, jusqu'au site de Jaketown, près de Belzoni, dans le Mississippi.
Poverty Point est un complexe de 1 mi2 composé de six anneaux concentriques de terrassement majeurs, avec des monticules de plate-forme supplémentaires sur le site. Des artefacts montrent que les gens faisaient du commerce avec d'autres Amérindiens situés de la Géorgie à la région des Grands Lacs. Il s’agit de l’un des nombreux sites de cultures indigènes complexes répartis dans les vallées du Mississippi et de l’Ohio. Ils étaient l'une des nombreuses cultures successives souvent appelées bâtisseurs de monticules.
La période sylvicole des cultures précolombiennes nord-américaines fait référence à la période allant d'environ 1 000 AEC à 1 000 CE dans la partie orientale de l'Amérique du Nord. Le terme « Woodland » a été inventé dans les années 1930 et fait référence à des sites préhistoriques datés entre la période archaïque et les cultures mississippiennes. La tradition Hopewell est le terme désignant les aspects communs de la culture amérindienne qui a prospéré le long des rivières du nord-est et du Midwest des États-Unis entre 200 avant notre ère et 500 de notre ère.
Les peuples autochtones de la côte nord-ouest du Pacifique appartenaient à de nombreuses nations et affiliations tribales, chacune avec des identités culturelles et politiques distinctes, mais ils partageaient certaines croyances, traditions et pratiques, comme le rôle central du saumon en tant que ressource et symbole spirituel. Leur fête de cadeaux, le potlatch, est un événement très complexe où les gens se rassemblent pour commémorer un événement spécial. Ces événements, tels que la levée d'un totem ou la nomination ou l'élection d'un nouveau chef. L'élément artistique le plus célèbre de la culture est le mât totémique, avec des sculptures d'animaux et d'autres personnages pour commémorer les croyances culturelles, les légendes et les événements notables.
La tradition Hopewell n'était pas une culture ou une société unique, mais un ensemble largement dispersé de populations apparentées, reliées par un réseau commun de routes commerciales, connu sous le nom de système d'échange Hopewell. Dans sa plus grande étendue, le système d'échange Hopewell s'étendait du sud-est des États-Unis jusqu'aux rives sud-est canadiennes du lac Ontario. Dans ce domaine, les sociétés ont participé à un degré élevé d'échanges ; la plupart des activités se déroulaient le long des voies navigables qui constituaient leurs principales voies de transport. Le système d'échange Hopewell permettait d'échanger des matériaux en provenance de partout aux États-Unis.
Grandes cultures
*Culture Adena : La culture Adena était une culture amérindienne qui existait de 1000 avant JC à 200 avant JC, à une époque connue sous le nom de période du début de la forêt. La culture Adena fait référence à ce qui était probablement un certain nombre de sociétés amérindiennes apparentées partageant un complexe funéraire et un système cérémonial.
*Culture Coles Creek : La culture Coles Creek est un développement indigène de la basse vallée du Mississippi qui a eu lieu entre la période terminale de Woodland et la période ultérieure de la culture Plaquemine. La période est marquée par l'utilisation accrue de plates-formes à sommet plat disposées autour des places centrales, des institutions politiques plus complexes et une stratégie de subsistance toujours ancrée dans le complexe agricole de l'Est et la chasse plutôt que sur le plant de maïs, comme ce serait le cas dans le Plaquemine suivant. Période mississippienne. La culture a été définie à l'origine par la décoration unique sur des ustensiles en céramique trempés au grog par James A. Ford après ses investigations sur le site archéologique de Mazique. Il avait étudié à la fois les sites de Mazique et de Coles Creek et avait presque opté pour la culture Mazique, mais a choisi le nom du site le moins impliqué historiquement. Il est ancestral de la culture Plaquemine.
*Culture Hohokam : Le Hohokam était une culture centrée sur le sud-ouest américain. Les premiers Hohokam fondèrent une série de petits villages le long de la rivière Gila moyenne. Ils cultivaient du maïs, des courges et des haricots. Les communautés étaient situées à proximité de bonnes terres arables, l'agriculture sèche étant courante dans les premières années de cette période. Ils étaient connus pour leurs poteries utilisant la technique de la pagaie et de l'enclume. La période classique de la culture a vu l’essor de l’architecture et de la céramique. Les bâtiments étaient regroupés en enceintes fortifiées, ainsi qu'en plates-formes en terre. Des monticules de plates-formes ont été construits le long des rivières ainsi que des systèmes de canaux d'irrigation, ce qui suggère que ces sites étaient des centres administratifs allouant l'eau et coordonnant le travail des canaux. Des poteries polychromes apparaissent et l'inhumation remplace la crémation. Le commerce comprenait celui des coquillages et autres produits exotiques. Des facteurs sociaux et climatiques ont conduit au déclin et à l'abandon de la région après 1400 après JC.
*Culture ancestrale Puebloan : La culture ancestrale Puebloan couvrait la région actuelle des Four Corners aux États-Unis, comprenant le sud de l'Utah, le nord de l'Arizona, le nord-ouest du Nouveau-Mexique et le sud-ouest du Colorado.[http://www.britannica.com/EBchecked/topic /22804/Ancestral-Pueblo-culture « Culture ancestrale des Pueblos. »] Encyclopædia Britannica. Récupéré 4 juin 2012. On pense que les Puebloans ancestraux se sont développés, au moins en partie, à partir de la tradition Oshara, qui s'est développée à partir de la culture Picosa. Ils vivaient dans une gamme de structures comprenant de petites maisons familiales, des structures de type clan plus grandes, de grands pueblos et des habitations situées sur des falaises. Les Puebloans ancestraux possédaient un réseau complexe qui s'étendait à travers le plateau du Colorado, reliant des centaines de communautés et de centres de population. La culture est peut-être mieux connue pour les habitations en pierre et en terre construites le long des parois des falaises, en particulier à l'époque Pueblo II et Pueblo III.
**Trois sites du patrimoine mondial de l'UNESCO situés aux États-Unis sont attribués aux Pueblos : le parc national de Mesa Verde, le parc historique national de la culture Chaco et Taos Pueblo.
** Les exemples d'habitations en pierre les mieux conservés se trouvent dans les parcs nationaux (États-Unis), par exemple le monument national Navajo, le parc historique national de la culture Chaco, le parc national de Mesa Verde, le monument national des Canyons of the Ancients, le monument national des ruines aztèques, Bandelier. Monument national, monument national Hovenweep et monument national du Canyon de Chelly.
*Culture mississippienne : la culture mississippienne qui s'est étendue à travers les vallées de l'Ohio et du Mississippi et a construit des sites dans tout le sud-est, a créé les plus grands travaux de terrassement d'Amérique du Nord au nord du Mexique, notamment à Cahokia, sur un affluent du fleuve Mississippi dans l'actuel Illinois. .
**Le Mont des Moines de dix étages à Cahokia a une circonférence plus grande que la Pyramide du Soleil à Teotihuacan ou que la Grande Pyramide d'Égypte. Le complexe urbain de 10 km2 était basé sur la cosmologie de la culture ; il comprenait plus de 100 monticules, positionnés pour soutenir leurs connaissances sophistiquées en astronomie et construits avec la connaissance de différents types de sols. La société a commencé à construire sur ce site vers 950 CE et a atteint son pic de population en 1 250 CE, avec 20 000 à 30 000 personnes, ce qui n'a été égalé par aucune ville des États-Unis d'aujourd'hui avant 1800.
**Cahokia était une chefferie régionale majeure, avec des chefferies commerciales et tributaires situées dans une gamme de zones allant de la frontière des Grands Lacs au golfe du Mexique.
**Kincaid c. 1050-1400 après JC, est l'une des plus grandes colonies de la culture mississippienne, elle était située à la pointe sud de l'État américain actuel de l'Illinois. Kincaid Mounds est remarquable à la fois pour son rôle important dans la préhistoire indigène de l'Amérique du Nord et pour le rôle central que le site a joué dans le développement des techniques archéologiques modernes. Le site comptait au moins 11 monticules de plate-forme de sous-structure (au cinquième rang pour les pyramides de culture de monticules). Des artefacts de la colonie relient sa principale habitation et la construction des monticules à la période mississippienne, mais elle a également été occupée plus tôt pendant la période sylvicole.
**La culture mississippienne a développé le complexe cérémonial du sud-est, nom que les archéologues ont donné à la similitude stylistique régionale des artefacts, de l'iconographie, des cérémonies et de la mythologie. L'essor de cette culture complexe était basé sur l'adoption par la population de l'agriculture du maïs, le développement de plus grandes densités de population et une organisation sociale complexe au niveau des chefferies de 1200 à 1650 de notre ère.
**Les poteries mississippiennes comptent parmi les céramiques les plus fines et les plus répandues au nord du Mexique. La poterie cahokienne était particulièrement fine, avec des surfaces lisses, des parois très fines et une trempe, des engobes et une coloration distinctives.
*Culture iroquoise : la Société des Nations iroquoise ou « Peuple de la longue maison », basée aujourd'hui dans le nord de l'État et l'ouest de l'État de New York, avait un modèle de confédération datant du milieu du XV siècle. Il a été suggéré que leur culture avait contribué à la pensée politique lors de la formation du gouvernement américain ultérieur. Leur système d’affiliation était une sorte de fédération, différente des monarchies européennes fortes et centralisées.
**Le leadership était limité à un groupe de 50 chefs sachem, chacun représentant un clan au sein d'une tribu. Les peuples Oneida et Mohawk disposaient chacun de neuf sièges; les Onondagas en détenaient quatorze ; le Cayuga avait dix sièges ; et le Sénèque en avait huit. La représentation n'était pas basée sur le nombre de population, car la tribu Sénèque était largement plus nombreuse que les autres. Lorsqu'un chef sachem mourait, son successeur était choisi par la femme la plus âgée de sa tribu en consultation avec les autres femmes membres du clan ; la propriété et le leadership héréditaire ont été transmis par voie matrilinéaire. Les décisions n’étaient pas prises par vote mais par consensus, chaque chef sachem détenant un droit de veto théorique. Les Onondaga étaient les « gardiens du feu », chargés de soulever les sujets à discuter. Ils occupaient un côté d'un feu à trois côtés (les Mohawks et les Sénèques étaient assis d'un côté du feu, les Oneida et les Cayuga étaient assis du troisième côté.)
**Elizabeth Tooker, anthropologue, a déclaré qu'il était peu probable que les pères fondateurs des États-Unis se soient inspirés de la confédération, car celle-ci ne ressemble guère au système de gouvernance adopté aux États-Unis. Par exemple, il repose sur un leadership hérité plutôt qu’élu, choisi par les femmes membres des tribus, sur une prise de décision par consensus quelle que soit la taille de la population des tribus et sur un groupe unique capable de porter les affaires devant le corps législatif.
**Le commerce à longue distance n'a pas empêché les guerres et les déplacements entre les peuples autochtones, et leurs histoires orales racontent de nombreuses migrations vers les territoires historiques où les Européens les ont rencontrés. Les Iroquois ont envahi et attaqué les tribus de la région de la rivière Ohio, dans l'actuel Kentucky, et ont revendiqué les terrains de chasse. Les historiens estiment que ces événements se sont produits dès le XIIIe siècle ou lors de la guerre des castors du XVIIe siècle.
**À cause de la guerre, les Iroquois ont poussé plusieurs tribus à migrer vers l'ouest, vers ce qui est devenu connu comme leurs terres historiquement traditionnelles à l'ouest du fleuve Mississippi. Les tribus originaires de la vallée de l'Ohio qui se sont déplacées vers l'ouest comprenaient les peuples Osage, Kaw, Ponca et Omaha. Au milieu du XVIIe siècle, ils s'étaient réinstallés sur leurs terres historiques dans les actuels Kansas, Nebraska, Arkansas et Oklahoma. Les Osage ont fait la guerre aux Amérindiens parlant Caddo, les déplaçant à leur tour au milieu du XVIIIe siècle et dominant leurs nouveaux territoires historiques.
Développement autochtone à Hawaï
Le développement autochtone à Hawaï commence avec l'installation des Polynésiens entre le 1er et le 10e siècle. Vers 1200 après JC, les explorateurs tahitiens ont également découvert et commencé à s'installer dans la région. C'est ce qui marque l'essor de la civilisation hawaïenne et sera séparée du reste du monde pendant encore 500 ans jusqu'à l'arrivée des Britanniques. Les Européens sous la direction de l'explorateur britannique le capitaine James Cook sont arrivés dans les îles hawaïennes en 1778. Dans les cinq années suivant le contact, la technologie militaire européenne allait aider Kamehameha I à conquérir la plupart des habitants et finalement à unifier les îles pour la première fois ; établissant le Royaume d'Hawaï.
Période coloniale
Après une période d'exploration parrainée par les principales nations européennes, la première colonie anglaise réussie fut établie en 1607. Les Européens amenèrent des chevaux, du bétail et des porcs vers les Amériques et, à leur tour, rapportèrent en Europe du maïs, des dindes, des pommes de terre, du tabac, des haricots. , et courge. De nombreux explorateurs et premiers colons sont morts après avoir été exposés à de nouvelles maladies dans les Amériques. Les effets des nouvelles maladies eurasiennes véhiculées par les colons, notamment la variole et la rougeole, furent bien pires pour les Amérindiens, car ils n'avaient aucune immunité contre celles-ci. Ils ont souffert d'épidémies et sont morts en très grand nombre, généralement avant le début de la colonisation européenne à grande échelle. Leurs sociétés ont été perturbées et anéanties par l’ampleur des décès.
Colonisation espagnole, néerlandaise et française
Les explorateurs espagnols furent les premiers Européens avec la deuxième expédition de Christophe Colomb, à atteindre Porto Rico le 19 novembre 1493 ; d'autres atteignirent la Floride en 1513. Les expéditions espagnoles atteignirent rapidement les Appalaches, le fleuve Mississippi, le Grand Canyon et les Grandes Plaines. En 1540, Hernando de Soto entreprit une vaste exploration du Sud-Est.
En 1540, Francisco Vásquez de Coronado explora l'Arizona jusqu'au centre du Kansas. Les petites colonies espagnoles se sont finalement développées pour devenir des villes importantes, comme San Antonio, au Texas ; Albuquerque, Nouveau-Mexique ; Tucson, Arizona ; Los Angeles, Californie; et San Francisco, Californie.
La Nouvelle-Pays-Bas était une colonie hollandaise du XVIIe siècle centrée sur l'actuelle ville de New York et la vallée de la rivière Hudson ; les Néerlandais faisaient le commerce des fourrures avec les Amérindiens du nord. La colonie a servi de barrière à l'expansion depuis la Nouvelle-Angleterre. Bien qu'ils soient calvinistes et bâtisseurs de l'Église réformée en Amérique, les Néerlandais étaient tolérants envers les autres religions et cultures.
La colonie, reprise par la Grande-Bretagne en 1664, a laissé un héritage durable sur la vie culturelle et politique américaine. Cela inclut une ouverture d’esprit laïque et un pragmatisme mercantile dans la ville ainsi qu’un traditionalisme rural à la campagne (illustré par l’histoire de Rip Van Winkle). Les Américains notables d'origine néerlandaise comprennent Martin Van Buren, Theodore Roosevelt, Franklin D. Roosevelt, Eleanor Roosevelt et les Frelinghuysens.
La Nouvelle-France était la région colonisée par la France de 1534 à 1763. Il y avait peu de colons permanents en dehors du Québec et de l'Acadie, mais les Français entretenaient des relations commerciales approfondies avec les Amérindiens dans l'ensemble des Grands Lacs et du Midwest. Les villages français le long des rivières Mississippi et Illinois étaient basés dans des communautés agricoles qui servaient de grenier aux colonies de la côte du Golfe. Les Français ont établi des plantations en Louisiane et se sont installés à la Nouvelle-Orléans, à Mobile et à Biloxi.
La Confédération Wabanaki était l'alliée militaire de la Nouvelle-France au cours des quatre guerres françaises et indiennes, tandis que les colonies britanniques étaient alliées à la Confédération iroquoise. Pendant la guerre française et indienne – le théâtre nord-américain de la guerre de Sept Ans – la Nouvelle-Angleterre a combattu avec succès contre l'Acadie française. Les Britanniques ont expulsé les Acadiens de l'Acadie (Nouvelle-Écosse) et les ont remplacés par des planteurs de la Nouvelle-Angleterre. Finalement, certains Acadiens se sont réinstallés en Louisiane, où ils ont développé une culture cajun rurale distinctive qui existe toujours. Ils sont devenus citoyens américains en 1803 avec l'achat de la Louisiane. D'autres villages français le long des rivières Mississippi et Illinois ont été absorbés lorsque les Américains ont commencé à arriver après 1770, ou lorsque les colons se sont déplacés vers l'ouest pour leur échapper. L'influence et la langue françaises à la Nouvelle-Orléans, en Louisiane et sur la côte du Golfe étaient plus durables ; La Nouvelle-Orléans se distinguait par sa grande population de personnes libres de couleur avant la guerre civile.
Colonisation britannique
La bande de terre située le long de la côte est a été colonisée principalement par des colons anglais au XVIIe siècle, ainsi que par un nombre beaucoup plus restreint de Néerlandais et de Suédois. L’Amérique coloniale était définie par une grave pénurie de main-d’œuvre qui employait des formes de travail non libre telles que l’esclavage et la servitude sous contrat et par une politique britannique de négligence bénigne (négligence salutaire). Plus de la moitié de tous les immigrants européens en Amérique coloniale sont arrivés en tant que serviteurs sous contrat. Une négligence salutaire a permis le développement d’un esprit américain distinct de celui de ses fondateurs européens.
La première colonie anglaise prospère, Jamestown, a été établie en 1607 sur la rivière James en Virginie. Jamestown a langui pendant des décennies jusqu'à ce qu'une nouvelle vague de colons arrive à la fin du XVIIe siècle et établisse une agriculture commerciale basée sur le tabac. Entre la fin des années 1610 et la Révolution, les Britanniques ont expédié environ 50 000 prisonniers vers leurs colonies américaines. Un exemple grave de conflit a été le soulèvement de Powhatan en Virginie en 1622, au cours duquel les Amérindiens ont tué des centaines de colons anglais. Les conflits les plus importants entre les Amérindiens et les colons anglais au XVIIe siècle furent la guerre du roi Philippe en Nouvelle-Angleterre et la guerre de Yamasee en Caroline du Sud.
La Nouvelle-Angleterre a été initialement colonisée principalement par des puritains. Les pèlerins ont établi une colonie en 1620 dans la colonie de Plymouth, qui a été suivie par la création de la colonie de la baie du Massachusetts en 1630. Les colonies du milieu, composées des États actuels de New York, du New Jersey, de la Pennsylvanie et du Delaware, étaient caractérisées par une grande diversité. La première tentative d'établissement anglais au sud de la Virginie fut la province de Caroline, avec la colonie de Géorgie – la dernière des treize colonies – établie en 1733.
Les colonies étaient caractérisées par une diversité religieuse, avec de nombreux congrégationalistes en Nouvelle-Angleterre, des réformés allemands et hollandais dans les colonies du milieu, des catholiques dans le Maryland et des presbytériens écossais-irlandais à la frontière. Les Juifs séfarades faisaient partie des premiers colons des villes de la Nouvelle-Angleterre et du Sud. De nombreux immigrants sont arrivés en tant que réfugiés religieux : des huguenots français se sont installés à New York, en Virginie et dans les Carolines. De nombreux fonctionnaires royaux et marchands étaient anglicans.
La religiosité s'est considérablement développée après le Premier Grand Réveil, un renouveau religieux dans les années 1740 dirigé par des prédicateurs tels que Jonathan Edwards et George Whitefield. Les évangéliques américains touchés par le Réveil ont mis un nouvel accent sur les effusions divines du Saint-Esprit et les conversions qui ont implanté chez les nouveaux croyants un amour intense pour Dieu. Les réveils ont résumé ces caractéristiques et ont transporté l’évangélisme nouvellement créé dans la première république, ouvrant la voie au deuxième grand réveil qui a commencé à la fin des années 1790. Au début, les évangéliques du Sud | http://www.quizballs.com/ |
Qui a joué Thelma dans la série télévisée britannique « The Likely Lads » ? | Brigit Forsyth | [
"*Brigit Forsyth (Thelma Chambers)"
] | The Likely Lads est une sitcom anglaise créée et écrite par Dick Clement et Ian La Frenais, et produite par Dick Clement. Vingt épisodes ont été diffusés par la BBC, en trois séries, entre le 16 décembre 1964 et le 23 juillet 1966. Cependant, seuls huit de ces épisodes ont survécu. La sitcom s'est déroulée à Newcastle upon Tyne, dans le nord-est de l'Angleterre.
Cette émission a été suivie d'une série suite populaire, en couleur, intitulée What Happened to the Likely Lads?, diffusée entre le 9 janvier 1973 et le 24 décembre 1974. Elle a été suivie en 1976 par un long métrage dérivé The Likely Lads.
Certains épisodes de la série originale en noir et blanc et de la suite en couleur ont été adaptés pour la radio, avec la distribution télévisée originale.
Prémisse
L'émission originale suivait l'amitié de deux jeunes hommes de la classe ouvrière, Terry Collier (James Bolam) et Bob Ferris (Rodney Bewes), à Newcastle upon Tyne au milieu des années 1960. On suppose que Bob et Terry sont au début de la vingtaine (lorsque leur âge est révélé dans le film ultérieur, cela place les deux personnages à environ 20 ans au début de la série).
Après avoir grandi ensemble à l'école et dans les Scouts, Bob et Terry travaillent dans la même usine, Ellison's Electrical, aux côtés du duo plus âgé et plus sage de Cloughie et Jack. L'humour à la fois brut et verbeux de la série découle en grande partie des tensions entre la personnalité cynique, ordinaire et ouvrière de Terry et l'ambition de Bob de s'améliorer et d'accéder à la classe moyenne.
Bob et Terry étaient deux garçons de la classe ouvrière moyenne ayant grandi dans le Nord-Est industriel, dont les passe-temps étaient la bière, le football et les filles. Ils étaient malins, c'est-à-dire avisés de la rue, mais ils se sont heurtés à des difficultés les unes après les autres alors qu'ils luttaient pour profiter des Swinging Sixties avec leurs maigres revenus.
À la fin de la troisième et dernière série en 1966, Bob, déprimé et ennuyé, tenta de rejoindre l'armée mais fut rejeté à cause de ses pieds plats. Terry, qui a décidé à la dernière minute de s'enrôler pour tenir compagnie à Bob, a été accepté A1 et envoyé pour trois ans.
Il a été progressivement révélé que les noms complets de Terry et Bob étaient Terence Daniel Collier et Robert Andrew Scarborough Ferris (Scarborough n'a été révélé que dans la série couleur des années 1970). Selon le dernier long métrage, réalisé en 1976, les deux garçons ont été conçus lors du même raid aérien en temps de guerre et sont donc nés la même année, 1944.
Bien que dans la suite en couleurs, on parle beaucoup de Thelma, qui aurait été l'amoureuse d'enfance de Bob, elle n'est apparue qu'une seule fois dans la série originale, dans laquelle Bob n'avait pas de petite amie stable et "poursuivait toujours la jupe", bien qu'elle ait été mentionnée dans quelques épisodes de la troisième série, dont "Rocker" et "Goodbye to All That".
Le mot « probable » dans le titre de l’émission est quelque peu ambigu. Dans certains dialectes du nord de l'Angleterre, cela signifie « sympathique », mais il peut être dérivé de l'expression l'homme le plus susceptible de le faire, une expression de boxe couramment utilisée à Tyneside, d'où, en argot Geordie, « un garçon probable ». Une autre signification possible est l’utilisation ambiguë du mot « probable » dans le Nord pour désigner un petit fauteur de troubles.
Casting
*James Bolam (Terry Collier)
*Rodney Bewes (Bob Ferris)
*Brigit Forsyth (Thelma Chambers)
*Sheila Fearn (Audrey Collier : la sœur aînée de Terry)
*Bartlett Mullins (M. Clough : Cloughie to the Lads, un collègue)
*Don McKillop (Jack : Un autre collègue des Lads)
*Olive Milbourn (Mme Collier : la mère de Terry et Audrey)
*Alex McDonald (M. Collier : le père de Terry et Audrey)
*Richard Moore (Blakey)
Des invités de prestige
*George Layton dans "Le prétendant" et "Où sont passées toutes les fleurs ?"
*Garfield Morgan dans "La chance d'une vie"
*Wendy Richard dans "Le dernier des gros dépensiers"
*Susan Jameson (la vraie épouse de James Bolam) dans « Double Date ».
*Michael Sheard dans « L’autre côté de la barrière » et « Le dernier des gros dépensiers ».
*Nerys Hughes dans "Outward Bound"
*Geoffrey Hughes dans « Le fil du rasoir » et « Amour et mariage »
*Helen Fraser dans « Talk Of The Town » et « Love and Marriage »
*Irene Richmond (Mme Ferris : la mère de Bob) dans "Talk Of The Town", "The Razor's Edge" et "Goodbye To All That"
*Tony Caunter dans « Au revoir à tout ça »
Épisodes
Seuls huit épisodes survivent sous forme de film dans les archives de la BBC, en raison de sa politique d'effacement des années 1960. Cependant, la BBC Archive Treasure Hunt, une campagne publique, continue de rechercher les épisodes manquants.
Série 1 (1964-65)
Série 2 (1965)
Série 3 (1966)
Épisodes survivants
Épisodes perdus
Nuit de Noël avec les étoiles
De plus, un épisode de huit minutes de The Likely Lads a été diffusé le 25 décembre 1964, dans le cadre d'une émission spéciale de 90 minutes le jour de Noël sur BBC 1 intitulée Christmas Night with the Stars de 19h15 à 20h45, dans laquelle Bob et Terry ont un dispute sur la connaissance encyclopédique de Bob des annuelles « Rupert l'ours » (« C'était Edward Trunk ! »). Cet enregistrement existe toujours dans les archives de films et de bandes vidéo de la BBC. Une version éditée, qui comprenait le sketch « The Likely Lads », a été projetée sur BBC2 à Noël 1991.
Adaptations radiophoniques
Seize des scénarios télévisés ont été adaptés pour la radio par James Bolam et diffusés en deux séries en 1967 et 1968.
Produites par John Browell, les adaptations radiophoniques ont été enregistrées aux studios parisiens de Lower Regent Street, à Londres, en utilisant la distribution télévisée originale (bien que certaines parties mineures aient dû être refondues pour certains épisodes, où l'acteur original n'était pas disponible).
Série 1
Série 2
Sorties DVD
Dans une récente sortie DVD, seuls sept des huit épisodes existants ont été inclus, malgré la couverture indiquant qu'elle contenait tous les épisodes survivants. Le huitième épisode (Other Side of the Fence) a été inclus dans Likely Lads et What Happened To The Likely Lads ? coffret combiné, en « extra » plutôt que par ordre chronologique. | http://www.quizballs.com/ |
Bernard, Deadeye, Orville et Madame Medusa sont tous des personnages dans lesquels les films Disney | The Rescuers | [
"The Rescuers est un film d'aventure d'animation américain de 1977 produit par Walt Disney Productions et sorti pour la première fois le 22 juin 1977 par Buena Vista Distribution. Le 23e film de la série Walt Disney Animated Classics, le film parle de la Rescue Aid Society, une organisation internationale de souris dont le siège est à New York et qui suit les Nations Unies, qui se consacre à aider les victimes d'enlèvements dans le monde entier. Deux de ces souris, le concierge nerveux Bernard (Bob Newhart) et sa co-agent, l'élégante Miss Bianca (Eva Gabor), partent à la rescousse de Penny (Michelle Stacy), une orpheline retenue prisonnière dans le Bayou du Diable par une chasseuse au trésor. Madame Méduse (Géraldine Page).",
"Le film est basé sur une série de livres de Margery Sharp, notamment The Rescuers et Miss Bianca. En raison du succès du film, une suite intitulée The Rescuers Down Under est sortie en 1990, ce qui a fait de ce film le premier film d'animation Disney à avoir une suite.",
"Pendant ce temps, l'équipe \"A\" avait terminé son travail sur Robin des Bois et était sur le point de commencer la production d'une adaptation du livre de Paul Gallico intitulée Scruffy sous la direction de Ken Anderson. Son histoire concernait les singes de Gibraltar pendant la Seconde Guerre mondiale, à laquelle impliquaient également les nazis. Lorsque le moment fut venu de donner son feu vert à l'un des deux projets, les dirigeants du studio décidèrent finalement de se tourner vers The Rescuers. Lorsque Scruffy a été abandonné, l'équipe vétéran a transformé le projet en une production plus traditionnelle à grande échelle, abandonnant finalement le décor arctique de l'histoire avec l'écrivain vétéran de Disney Fred Lucky déclarant: \"C'était un arrière-plan trop sombre pour les animateurs.\" Cruella de Vil, la méchante des Cent un Dalmatiens, était à l'origine considérée comme le principal antagoniste du film, mais l'animateur de Disney, Ollie Johnston, a déclaré qu'il se sentait mal de tenter une suite et l'idée a été abandonnée. Au lieu de cela, elle a été remplacée par une version retouchée de la duchesse de diamant dans Miss Bianca. Les deux personnages partagent étonnamment peu de similitudes, à part peut-être la tendance à conduire de manière imprudente. Le motif du vol d'un diamant trouve son origine dans le roman de Margery Sharp de 1959, Miss Bianca. Son apparence était basée sur l'ex-femme de l'animateur Milt Kahl, qu'il n'aimait pas particulièrement. C'était le dernier film de Kahl pour le studio, et il voulait que son personnage final soit son meilleur ; il tenait tellement à perfectionner Madame Méduse qu'il a fini par réaliser lui-même presque toute l'animation du personnage. Penny s'est inspirée de Patience, l'orpheline du roman. Pour les complices, les cinéastes ont adapté le personnage de Mandrake en M. Snoops et son apparence a été caricaturée par l'historien de l'animation John Culhane. Culhane affirme qu'il a été pratiquement amené à poser pour diverses réactions et que ses mouvements ont été imités sur la feuille de modèle de M. Snoops. Cependant, il a déclaré : « Devenir un personnage de Disney dépassait mes rêves de gloire les plus fous. » Brutus et Nero sont basés sur les deux limiers, Tyrant et Torment dans les romans.",
"The Rescuers a été réédité en salles le 16 décembre 1983 avec une nouvelle featurette de Mickey Mouse, Mickey's Christmas Carol, la première apparition théâtrale de Mickey après 30 ans d'absence. En prévision de sa prochaine suite sortie en salles en 1990, The Rescuers Down Under, The Rescuers a connu une autre sortie en salles réussie le 17 mars 1989.",
"Pour marquer le 25e anniversaire du film, The Rescuers a fait ses débuts dans la gamme Walt Disney Classics Collection en 2002, avec trois personnages différents mettant en vedette trois des plus grandes stars du film, ainsi que le rouleau de titre d'ouverture. Les trois personnages ont été sculptés par Dusty Horner et étaient : Brave Bianca, mettant en vedette Miss Bianca l'héroïne et au prix de 75 $, Bold Bernard, mettant en vedette le héros Bernard, au prix également de 75 $ et Evinrude Base, mettant en vedette Evinrude la libellule et au prix de 85 $. Le parchemin de titre comportant le nom du film, The Rescuers et la séquence d'ouverture \"The Journey\", était au prix de 30 $. Tous les personnages ont été retirés en mars 2005, à l'exception du parchemin d'ouverture du titre qui a été suspendu en décembre 2012.",
"The Rescuers a été créé sur VHS et Laserdisc le 18 septembre 1992 dans le cadre de la série Walt Disney Classics. Il a été réédité en VHS dans le cadre de la Walt Disney Masterpiece Collection le 5 janvier 1999, mais a été rappelé trois jours plus tard et réédité le 23 mars 1999 (voir « Controverse »).",
"The Rescuers est sorti sur DVD le 20 mai 2003 en édition standard, qui a été interrompue en novembre 2011.",
"Le 21 août 2012, une édition du 35e anniversaire de The Rescuers est sortie sur Blu-ray aux côtés de sa suite dans une « 2-Movie Collection ».",
"Le 10 janvier 1999, deux jours après l'annonce du rappel, le site de presse londonien The Independent rapportait : Une porte-parole de Disney a déclaré que les images de The Rescuers avaient été placées dans le film pendant la production, mais elle a refusé de dire de quoi il s'agissait ni qui. les a placés... La société a déclaré que l'objectif du rappel était de tenir sa promesse faite aux familles en qui elles peuvent avoir confiance et compter sur la marque Disney pour offrir le meilleur du divertissement familial.",
"The Rescuers a connu un succès dès sa sortie en salles originale, gagnant 48 millions de dollars au box-office et devenant ainsi le film le plus réussi de Disney à cette date. Lors de sa première sortie en France, il a dépassé Star Wars et est devenu à l'époque le film le plus rentable d'Allemagne de l'Ouest. Les locations du distributeur ont accumulé 19 millions de dollars tandis que ses locations internationales ont rapporté 41 millions de dollars. Le film a battu le record du plus gros montant financier réalisé pour un film d'animation le week-end d'ouverture, un record qu'il a conservé jusqu'en 1986, date à laquelle An American Tail a battu le record. Les Sauveteurs furent le premier succès significatif de Disney depuis Le Livre de la Jungle (1967) et le dernier jusqu'à La Petite Sirène (1989). The Rescuers a été réédité en salles en 1983 et 1989. The Rescuers a généré un montant brut à vie de 71,2 millions de dollars lors de sa sortie originale et de plusieurs rééditions.",
"Les Sauveteurs était considéré comme le plus grand film de Disney depuis Mary Poppins (1964) et semblait signaler un nouvel âge d'or pour l'animation Disney. Le site Web agrégateur de critiques Rotten Tomatoes a rapporté que le film avait reçu une note d'approbation de 83% avec une note moyenne de 6,6/10 sur la base de 26 critiques. Le consensus du site Web déclare que \"Avec une animation superlative, des personnages décalés et un travail vocal affectueux de Bob Newhart et Eva Gabor, The Rescuers représente un point lumineux dans l'âge d'or post-Gold de Disney.\" TV Guide a attribué au film trois étoiles sur cinq, affirmant que « Quatre ans de préparation, coûtant près de 8 millions de dollars, THE RESCUERS est un film d'animation magnifique qui montre que Disney en savait encore beaucoup sur la création de plats pour enfants de qualité, même si leurs antécédents étaient affaiblissement. [...] Le soulagement comique est apporté par un oiseau nommé Orville, qui transporte les souris à la recherche de la jeune fille. Les voix sont toutes bien adaptées aux personnages, et le film fait le bonheur des enfants comme des adultes. qui apprécient une bonne animation et une narration rapide. \" Ellen MacKay de Common Sense Media a attribué au film quatre étoiles sur cinq, en écrivant : \"Grande aventure, mais trop sombre pour les enfants d'âge préscolaire\".",
"Dans son livre The Disney Films, l'historien du cinéma Leonard Maltin décrit The Rescuers comme « une bouffée d'air frais pour tous ceux qui s'inquiétaient de l'avenir de l'animation à Walt Disney », loue son « humour et son imagination et [c'est] savamment tissé dans une structure d'histoire solide [...] avec un casting de personnages délicieux. Enfin, il déclare que le film est \"le long métrage d'animation le plus satisfaisant sorti en studio depuis 101 Dalmatiens\". Il évoque également brièvement la facilité avec laquelle le film a surpassé les autres films d'animation de son époque.",
"The Rescuers a été nominé en 1978 pour un Oscar pour la chanson \" Someone's Waiting for You \" lors de la 50e cérémonie des Oscars. La chanson a perdu contre \"You Light Up My Life\" du film du même nom.",
"L'American Film Institute a nominé The Rescuers pour sa liste des 10 meilleurs films d'animation.",
"Les Sauveteurs ont été le premier film d'animation Disney à avoir une suite. Après trois sorties en salles réussies du film original, The Rescuers Down Under est sorti en salles le 16 novembre 1990.",
"The Rescuers Down Under se déroule dans l'Outback australien et implique Bernard et Bianca essayant de sauver un garçon nommé Cody et un aigle royal géant appelé Marahute d'un braconnier avide nommé Percival C. McLeach. Bob Newhart et Eva Gabor ont repris leurs rôles principaux. Jim Jordan, la voix d'Orville, étant décédé depuis, un nouveau personnage d'albatros, Wilbur, a été exprimé par John Candy."
] | The Rescuers est un film d'aventure d'animation américain de 1977 produit par Walt Disney Productions et sorti pour la première fois le 22 juin 1977 par Buena Vista Distribution. Le 23e film de la série Walt Disney Animated Classics, le film parle de la Rescue Aid Society, une organisation internationale de souris dont le siège est à New York et qui suit les Nations Unies, qui se consacre à aider les victimes d'enlèvements dans le monde entier. Deux de ces souris, le concierge nerveux Bernard (Bob Newhart) et sa co-agent, l'élégante Miss Bianca (Eva Gabor), partent à la rescousse de Penny (Michelle Stacy), une orpheline retenue prisonnière dans le Bayou du Diable par une chasseuse au trésor. Madame Méduse (Géraldine Page).
Le film est basé sur une série de livres de Margery Sharp, notamment The Rescuers et Miss Bianca. En raison du succès du film, une suite intitulée The Rescuers Down Under est sortie en 1990, ce qui a fait de ce film le premier film d'animation Disney à avoir une suite.
Parcelle
Dans un bateau fluvial abandonné dans Devil's Bayou, une jeune orpheline nommée Penny laisse tomber un message dans une bouteille contenant un appel à l'aide dans la rivière. La bouteille échoue à New York, où elle est récupérée par la Rescue Aid Society, une organisation internationale de souris au sein des Nations Unies. La représentante hongroise, Miss Bianca, se porte volontaire pour accepter l'affaire et choisit Bernard, un concierge bègue, comme co-agent. Les deux visitent l'orphelinat de Morningside, où vivait Penny, et rencontrent un vieux chat nommé Rufus. Il leur parle d'une femme nommée Madame Medusa qui a tenté une fois d'attirer Penny dans sa voiture et a peut-être réussi à l'enlever cette fois.
Les souris se rendent au prêteur sur gages de Medusa, où elles découvrent qu'elle et son partenaire, M. Snoops, sont à la recherche du plus gros diamant du monde, l'Œil du Diable. Ils découvrent également que Medusa et M. Snoops sont au Devil's Bayou avec Penny, qu'ils ont bel et bien kidnappée, et qu'ils gardent avec deux crocodiles dressés appelés Brutus et Nero. Avec l'aide d'un albatros nommé Orville et d'une libellule nommée Evinrude, les souris suivent Méduse jusqu'au bayou. Là, ils apprennent que Penny a été capturée pour entrer dans un trou qui mène à la grotte des pirates où se trouve l'Œil du Diable.
Bernard et Miss Bianca trouvent Penny et élaborent un plan d'évasion et envoient Evinrude alerter les animaux locaux, qui détestent Méduse, mais Evinrude est retardé lorsqu'il est obligé de se mettre à l'abri d'un troupeau de chauves-souris. Le lendemain matin, Medusa et M. Snoops envoient Penny dans la grotte d'un pirate pour trouver la gemme, avec Miss Bianca et Bernard se cachant dans la poche de sa jupe. Les trois trouvent bientôt l'Œil du Diable dans un crâne de pirate ; Alors que Penny ouvre la bouche avec une épée, les souris la poussent de l'intérieur, mais bientôt la marée océanique monte et inonde la grotte. Miss Bianca, Penny et Bernard parviennent à peine à récupérer le diamant et à s'échapper.
Medusa prévoit de garder le diamant pour elle, le cachant dans l'ours en peluche de Penny tout en tenant Penny et Snoops sous la menace d'une arme. Lorsqu'elle trébuche sur un câble tendu comme piège par Bernard et Bianca, Medusa perd l'ours au profit de Penny, qui s'enfuit avec lui. Les animaux locaux arrivent au bateau fluvial et aident Bernard et Bianca en piégeant Brutus et Nero, puis en déclenchant les feux d'artifice de Snoops pour créer encore plus de chaos. Pendant ce temps, Penny et les souris réquisitionnent le marais mobile de Medusa, un hydroglisseur de fortune. Medusa les poursuit sans succès, utilisant Brutus et Nero comme skis nautiques, et reste accrochée aux cheminées du bateau alors que Brutus et Nero irrités tournent en dessous pendant que Snoops s'échappe.
De retour à New York, la Rescue Aid Society regarde un reportage sur la façon dont Penny a trouvé l'Œil du Diable, qui a été donné à la Smithsonian Institution, et comment elle a été adoptée. La réunion est interrompue lorsqu'Evinrude arrive avec un appel à l'aide, envoyant Bernard et Bianca dans une nouvelle aventure.
Casting
* Bob Newhart dans le rôle de Bernard, le timide concierge de la Rescue Aid Society, qui accompagne à contrecœur Miss Bianca. Il est très superstitieux à propos du chiffre 13 et n'aime pas voler (ce dernier étant un trait de personnalité de Newhart).
* Eva Gabor dans le rôle de Miss Bianca, la représentante hongroise de la Rescue Aid Society. Elle est sophistiquée et aventureuse. Sa nationalité hongroise dérive de celle de sa doubleuse.
* Geraldine Page dans le rôle de Madame Medusa, une propriétaire de prêteur sur gages avide, rousse et méchante.
* Michelle Stacy dans le rôle de Penny, une orpheline solitaire de six ans, résidant à l'orphelinat Morningside à New York.
* Joe Flynn dans le rôle de M. Snoops, le partenaire commercial maladroit de Medusa. Ce fut le dernier rôle de Flynn avant sa mort en 1974.
* Jim Jordan dans le rôle d'Orville (du nom d'Orville Wright des frères Wright, les inventeurs de l'avion), un albatros qui emmène Bernard et Bianca jusqu'au Devil's Bayou. Ce rôle était le dernier pour Jordan, qui a pris sa retraite après la sortie du film. Plusieurs cris d'Orville ont été recyclés à partir des performances de Pinto Colvig dans le rôle de Dingo.
* John McIntire dans le rôle de Rufus, le chat âgé qui réside à l'orphelinat de Morningside et réconforte Penny lorsqu'elle est triste. Il a été conçu par l'animateur Ollie Johnston, qui a pris sa retraite après ce film après une carrière de 40 ans chez Disney.
* Jeanette Nolan dans le rôle d'Ellie Mae et Pat Buttram dans le rôle de Luke, deux rats musqués qui résident dans une maison de style sudiste sur un lopin de terre dans le Devil's Bayou. Luke boit de l'alcool fait maison très fort.
* James MacDonald dans le rôle d'Evinrude, une libellule qui pilote un bateau à feuilles à travers le Bayou du Diable, permettant à Bernard et Miss Bianca de traverser les eaux du marais.
* Candy Candido dans le rôle de Brutus et Nero, les deux crocodiles agressifs de Medusa.
* Bernard Fox en tant que M. Président, président de la Rescue Aid Society.
* George Lindsey dans le rôle de Deadeye, un lapin pêcheur qui est l'un des amis de Luke et Ellie Mae.
* Larry Clemmons dans le rôle de Gramps, une vieille tortue grincheuse qui porte une canne brune.
* Doublez Taylor dans le rôle de Digger, une taupe.
* John Fiedler dans le rôle du diacre Owl
* Shelby Flint comme chanteuse, bouteille
* Bill McMillian en tant qu'annonceur TV
Production
En 1962, le film a commencé son développement avec son traitement initial développé à partir du premier livre centré sur un poète retenu captif par un gouvernement totalitaire dans un bastion semblable à la Sibérie. Cependant, alors que l'histoire devenait ouvertement impliquée dans une intrigue internationale, Walt Disney a mis le projet de côté car il ne s'intéressait pas aux connotations politiques. Le projet a été relancé au début des années 1970 en tant que projet pour les jeunes animateurs, dirigé par Don Bluth, car le studio alternait entre des « images A » à grande échelle et des « images B » plus petites et réduites avec une animation plus simple. Les animateurs avaient sélectionné le livre le plus récent, Miss Bianca in the Antarctic, dont l'histoire se concentre sur un ours polaire capturé et forcé de se produire dans des spectacles, obligeant l'ours insatisfait à placer une bouteille qui pourrait atteindre les souris. Le chanteur de jazz Louis Prima devait exprimer le personnage nommé Louis l'ours, et cette version devait comporter six chansons chantées par Prima et écrites par Floyd Huddleston. Malheureusement, en 1975, à la suite de maux de tête et d'épisodes de perte de mémoire, Prima découvre qu'il souffre d'une tumeur au cerveau et le projet est abandonné.
Pendant ce temps, l'équipe "A" avait terminé son travail sur Robin des Bois et était sur le point de commencer la production d'une adaptation du livre de Paul Gallico intitulée Scruffy sous la direction de Ken Anderson. Son histoire concernait les singes de Gibraltar pendant la Seconde Guerre mondiale, à laquelle impliquaient également les nazis. Lorsque le moment fut venu de donner son feu vert à l'un des deux projets, les dirigeants du studio décidèrent finalement de se tourner vers The Rescuers. Lorsque Scruffy a été abandonné, l'équipe vétéran a transformé le projet en une production plus traditionnelle à grande échelle, abandonnant finalement le décor arctique de l'histoire avec l'écrivain vétéran de Disney Fred Lucky déclarant: "C'était un arrière-plan trop sombre pour les animateurs." Cruella de Vil, la méchante des Cent un Dalmatiens, était à l'origine considérée comme le principal antagoniste du film, mais l'animateur de Disney, Ollie Johnston, a déclaré qu'il se sentait mal de tenter une suite et l'idée a été abandonnée. Au lieu de cela, elle a été remplacée par une version retouchée de la duchesse de diamant dans Miss Bianca. Les deux personnages partagent étonnamment peu de similitudes, à part peut-être la tendance à conduire de manière imprudente. Le motif du vol d'un diamant trouve son origine dans le roman de Margery Sharp de 1959, Miss Bianca. Son apparence était basée sur l'ex-femme de l'animateur Milt Kahl, qu'il n'aimait pas particulièrement. C'était le dernier film de Kahl pour le studio, et il voulait que son personnage final soit son meilleur ; il tenait tellement à perfectionner Madame Méduse qu'il a fini par réaliser lui-même presque toute l'animation du personnage. Penny s'est inspirée de Patience, l'orpheline du roman. Pour les complices, les cinéastes ont adapté le personnage de Mandrake en M. Snoops et son apparence a été caricaturée par l'historien de l'animation John Culhane. Culhane affirme qu'il a été pratiquement amené à poser pour diverses réactions et que ses mouvements ont été imités sur la feuille de modèle de M. Snoops. Cependant, il a déclaré : « Devenir un personnage de Disney dépassait mes rêves de gloire les plus fous. » Brutus et Nero sont basés sur les deux limiers, Tyrant et Torment dans les romans.
Les scénaristes avaient envisagé de faire de Bernard et Bianca des détectives professionnels mariés, bien qu'ils aient décidé que laisser les personnages comme novices célibataires était plus romantique. Pour les personnages secondaires, une petite voiture des marais pour les souris – une feuille propulsée par une libellule – a été créée. Au fur et à mesure qu'ils développaient le potentiel comique de montrer son épuisement par le bourdonnement, la libellule est passée d'un personnage secondaire à un personnage majeur. Jimmy MacDonald, artiste vétéran des effets sonores et talent vocal, est sorti de sa retraite pour fournir les effets. En outre, les créatures des marais locales étaient organisées en une garde locale dédiée qui s'entraînait et marchait sans cesse. Cependant, les scénaristes les ont transformés en un groupe bénévole de petites créatures bayous utiles. Leur chef, un ouaouaron chantant exprimé par Phil Harris, a été supprimé du film. Un pigeon a été initialement proposé pour servir de moyen de transport pour Bernard et Bianca, jusqu'à ce qu'Ollie Johnston se souvienne d'un épisode de True Life Adventures qui montrait des albatros et leurs décollages et atterrissages maladroits, et suggère à la place l'oiseau disgracieux.
Animation
Depuis les Cent un Dalmatiens, l'animation des films d'animation Disney en salle était réalisée par xérographie, qui ne pouvait produire que des contours noirs, et a été améliorée pour que les artistes cellulosiques utilisent un toner gris moyen afin de créer un rendu plus doux. -regardant la ligne. À la fin de la production, il s'agissait du dernier effort conjoint des vétérans Milt Kahl, Ollie Johnston et Frank Thomas, et du premier film Disney sur lequel Don Bluth a travaillé en tant qu'animateur, au lieu d'assistant animateur. Les autres animateurs qui se sont mobilisés pendant la production étaient Glen Keane, Ron Clements et Andy Gaskill, qui joueront tous un rôle important dans la Renaissance Disney.
Musique
Les chansons ont été écrites par Sammy Fain, Carol Connors et Ayn Robbins et interprétées par Shelby Flint. Pour la première fois depuis Bambi, toutes les chansons les plus significatives étaient chantées dans le cadre d'un récit, et non par les personnages du film comme dans la plupart des films d'animation Disney.
* "The Journey" (également connu sous le nom de "Who Will Rescue Me?") – Chantée pendant le générique d'ouverture du film, la chanson suit la bouteille de Penny alors qu'elle flotte hors du Bayou du Diable et dans l'océan Atlantique.
* "Rescue Aid Society" - Chanté par le président (Bernard Fox), Bernard (Bob Newhart) et Miss Bianca (Robie Lester, remplaçant Eva Gabor), ainsi que les différents délégués internationaux des souris (le Disney Studio Chorus) pendant le R.A.S. réunion. Une reprise de la chanson est jouée lorsque Bernard et Bianca commencent à perdre la foi et se rappellent la chanson et sa signification.
* « Faith is a Bluebird » – Bien qu'il ne s'agisse pas d'une véritable chanson, c'est un poème récité par Rufus et en partie par Penny dans un flash-back que le vieux chat doit faire lorsqu'il a vu la petite orpheline pour la dernière fois et l'a réconfortée à travers le poème, sur avoir la foi. L'oiseau bleu titulaire qui apparaît dans cette séquence est apparu à l'origine dans Alice au pays des merveilles (1951).
* "Demain est un autre jour" - Chanté pendant que Bernard et Bianca se rendent au Devil's Bayou sur le dos d'Orville. La chanson revient à la fin du film, alors que Bernard et Bianca, assistés d'Evinrude et Orville, se lancent dans une nouvelle mission de sauvetage.
* "Quelqu'un vous attend" - Chanté alors que Penny commence à perdre la foi, après que Medusa lui ait parlé cruellement. Au cours de ce segment, l’étoile de la foi mentionnée plus tôt par Rufus illumine le ciel nocturne. Bambi et sa mère apparaissent pendant ce segment. La chanson s'intitulait à l'origine "The Need to Be Loved" et comportait des paroles différentes, avec des versions enregistrées par Jennifer Paz et Paul Francis Webster.
* "For Penny's a Jolly Good Fellow" - Chanté par les enfants orphelins à la fin du film, comme une variante de la chanson "For He's a Jolly Good Fellow".
Liste des pistes
Face A
01. "Le voyage" – Shelby Flint
02. "Rescue Aid Society" - Bernard Fox, Bob Newhart et Robie Lester
03. "Demain est un autre jour" – Shelby Flint
Face B
04. "Quelqu'un vous attend" - Shelby Flint
05. "Demain est un autre jour (Reprise)" – Shelby Flint
Libérer
The Rescuers a été réédité en salles le 16 décembre 1983 avec une nouvelle featurette de Mickey Mouse, Mickey's Christmas Carol, la première apparition théâtrale de Mickey après 30 ans d'absence. En prévision de sa prochaine suite sortie en salles en 1990, The Rescuers Down Under, The Rescuers a connu une autre sortie en salles réussie le 17 mars 1989.
Commercialisation
Pour marquer le 25e anniversaire du film, The Rescuers a fait ses débuts dans la gamme Walt Disney Classics Collection en 2002, avec trois personnages différents mettant en vedette trois des plus grandes stars du film, ainsi que le rouleau de titre d'ouverture. Les trois personnages ont été sculptés par Dusty Horner et étaient : Brave Bianca, mettant en vedette Miss Bianca l'héroïne et au prix de 75 $, Bold Bernard, mettant en vedette le héros Bernard, au prix également de 75 $ et Evinrude Base, mettant en vedette Evinrude la libellule et au prix de 85 $. Le parchemin de titre comportant le nom du film, The Rescuers et la séquence d'ouverture "The Journey", était au prix de 30 $. Tous les personnages ont été retirés en mars 2005, à l'exception du parchemin d'ouverture du titre qui a été suspendu en décembre 2012.
Les Sauveteurs ont inspiré une autre figurine de la Walt Disney Classics Collection en 2003. Ken Melton était le sculpteur de Teddy Goes With Me, My Dear, une sculpture de 8 pouces en édition limitée représentant la méchante Madame Medusa, l'orpheline Penny, son peluche. ours "Teddy" et le diamant Devil's Eye. 1 977 de ces sculptures ont été réalisées, en référence à l'année de sortie du film, 1977. La sculpture était au prix de 299 $ et a été immédiatement déclarée retirée du marché en 2003.
En novembre 2008, une sixième sculpture inspirée du film est sortie. Fabriqué en étain et en résine, Cleared For Take Off a introduit le personnage d'Orville dans la collection et a présenté Bernard et Bianca une seconde fois. La pièce, inspirée de la scène du décollage d'Orville dans le film, a été sculptée par Ruben Procopio.
Médias domestiques
The Rescuers a été créé sur VHS et Laserdisc le 18 septembre 1992 dans le cadre de la série Walt Disney Classics. Il a été réédité en VHS dans le cadre de la Walt Disney Masterpiece Collection le 5 janvier 1999, mais a été rappelé trois jours plus tard et réédité le 23 mars 1999 (voir « Controverse »).
The Rescuers est sorti sur DVD le 20 mai 2003 en édition standard, qui a été interrompue en novembre 2011.
Le 21 août 2012, une édition du 35e anniversaire de The Rescuers est sortie sur Blu-ray aux côtés de sa suite dans une « 2-Movie Collection ».
Controverse
Le 8 janvier 1999, trois jours après la deuxième sortie du film en vidéo domestique, The Walt Disney Company a annoncé le rappel d'environ 3,4 millions de copies des bandes vidéo parce qu'il y avait une image répréhensible dans l'une des cellules d'arrière-plan du film.
L'image en question est une image floue d'une femme aux seins nus qui apparaît dans deux des plus de 110 000 images du film. L'image apparaît deux fois dans des images non consécutives au cours de la scène dans laquelle Miss Bianca et Bernard volent sur le dos d'Orville à travers New York. Les deux images n’ont pas pu être vues en visionnage ordinaire car le film tourne trop vite – à 30 images par seconde en vidéo.
Le 10 janvier 1999, deux jours après l'annonce du rappel, le site de presse londonien The Independent rapportait : Une porte-parole de Disney a déclaré que les images de The Rescuers avaient été placées dans le film pendant la production, mais elle a refusé de dire de quoi il s'agissait ni qui. les a placés... La société a déclaré que l'objectif du rappel était de tenir sa promesse faite aux familles en qui elles peuvent avoir confiance et compter sur la marque Disney pour offrir le meilleur du divertissement familial.
La vidéo des Sauveteurs a été rééditée le 23 mars 1999 avec l'image incriminée supprimée.
Réception
Box-office
The Rescuers a connu un succès dès sa sortie en salles originale, gagnant 48 millions de dollars au box-office et devenant ainsi le film le plus réussi de Disney à cette date. Lors de sa première sortie en France, il a dépassé Star Wars et est devenu à l'époque le film le plus rentable d'Allemagne de l'Ouest. Les locations du distributeur ont accumulé 19 millions de dollars tandis que ses locations internationales ont rapporté 41 millions de dollars. Le film a battu le record du plus gros montant financier réalisé pour un film d'animation le week-end d'ouverture, un record qu'il a conservé jusqu'en 1986, date à laquelle An American Tail a battu le record. Les Sauveteurs furent le premier succès significatif de Disney depuis Le Livre de la Jungle (1967) et le dernier jusqu'à La Petite Sirène (1989). The Rescuers a été réédité en salles en 1983 et 1989. The Rescuers a généré un montant brut à vie de 71,2 millions de dollars lors de sa sortie originale et de plusieurs rééditions.
Réaction critique
Les Sauveteurs était considéré comme le plus grand film de Disney depuis Mary Poppins (1964) et semblait signaler un nouvel âge d'or pour l'animation Disney. Le site Web agrégateur de critiques Rotten Tomatoes a rapporté que le film avait reçu une note d'approbation de 83% avec une note moyenne de 6,6/10 sur la base de 26 critiques. Le consensus du site Web déclare que "Avec une animation superlative, des personnages décalés et un travail vocal affectueux de Bob Newhart et Eva Gabor, The Rescuers représente un point lumineux dans l'âge d'or post-Gold de Disney." TV Guide a attribué au film trois étoiles sur cinq, affirmant que « Quatre ans de préparation, coûtant près de 8 millions de dollars, THE RESCUERS est un film d'animation magnifique qui montre que Disney en savait encore beaucoup sur la création de plats pour enfants de qualité, même si leurs antécédents étaient affaiblissement. [...] Le soulagement comique est apporté par un oiseau nommé Orville, qui transporte les souris à la recherche de la jeune fille. Les voix sont toutes bien adaptées aux personnages, et le film fait le bonheur des enfants comme des adultes. qui apprécient une bonne animation et une narration rapide. " Ellen MacKay de Common Sense Media a attribué au film quatre étoiles sur cinq, en écrivant : "Grande aventure, mais trop sombre pour les enfants d'âge préscolaire".
Dans son livre The Disney Films, l'historien du cinéma Leonard Maltin décrit The Rescuers comme « une bouffée d'air frais pour tous ceux qui s'inquiétaient de l'avenir de l'animation à Walt Disney », loue son « humour et son imagination et [c'est] savamment tissé dans une structure d'histoire solide [...] avec un casting de personnages délicieux. Enfin, il déclare que le film est "le long métrage d'animation le plus satisfaisant sorti en studio depuis 101 Dalmatiens". Il évoque également brièvement la facilité avec laquelle le film a surpassé les autres films d'animation de son époque.
Jack Shaheen, dans son étude des représentations hollywoodiennes et des stéréotypes des Arabes, a noté l'inclusion de délégués de pays arabes dans la Rescue Aid Society.
Distinctions
The Rescuers a été nominé en 1978 pour un Oscar pour la chanson " Someone's Waiting for You " lors de la 50e cérémonie des Oscars. La chanson a perdu contre "You Light Up My Life" du film du même nom.
L'American Film Institute a nominé The Rescuers pour sa liste des 10 meilleurs films d'animation.
Suite
Les Sauveteurs ont été le premier film d'animation Disney à avoir une suite. Après trois sorties en salles réussies du film original, The Rescuers Down Under est sorti en salles le 16 novembre 1990.
The Rescuers Down Under se déroule dans l'Outback australien et implique Bernard et Bianca essayant de sauver un garçon nommé Cody et un aigle royal géant appelé Marahute d'un braconnier avide nommé Percival C. McLeach. Bob Newhart et Eva Gabor ont repris leurs rôles principaux. Jim Jordan, la voix d'Orville, étant décédé depuis, un nouveau personnage d'albatros, Wilbur, a été exprimé par John Candy. | http://www.quizballs.com/ |
Dans quelle ville britannique la Royal Shakespeare Company est-elle basée ? | Stratford-upon-Avon | [
"La Royal Shakespeare Company (RSC) est une importante compagnie de théâtre britannique, basée à Stratford-upon-Avon, dans le Warwickshire, en Angleterre. La compagnie emploie 700 personnes et produit environ 20 productions par an depuis son siège de Stratford-upon-Avon et joue régulièrement à Londres, Newcastle upon Tyne et en tournée à travers le Royaume-Uni et à l'étranger.",
"Le siège de la compagnie se trouve à Stratford-upon-Avon, où elle a récemment réaménagé ses théâtres Royal Shakespeare et Swan dans le cadre d'un projet « Transformation » de 112,8 millions de livres sterling. Les théâtres ont rouvert en novembre 2010, après avoir fermé en 2007. Les nouveaux bâtiments ont attiré 18 000 visiteurs dès la première semaine et ont reçu une réponse positive des médias à la fois lors de leur ouverture et après les premières représentations complètes de Shakespeare. Les représentations à Stratford-upon-Avon se sont poursuivies tout au long du projet Transformation au Courtyard Theatre temporaire.",
"En 2013, la société a commencé les projections en direct de ses productions Shakespeare – appelées Live from Stratford-upon-Avon – qui sont projetées dans le monde entier.",
"Il y a eu des représentations théâtrales à Stratford-upon-Avon depuis au moins l'époque de Shakespeare, bien que la première représentation enregistrée d'une pièce de Shakespeare lui-même remonte à 1746, lorsque le pasteur Joseph Greene, maître du lycée de Stratford, a organisé une production caritative pour financer la restauration. du monument funéraire de Shakespeare. La compagnie de John Ward, basée à Birmingham, la Warwickshire Company of Comedians, a accepté de la jouer. Une copie survivante de l'affiche enregistre que la compagnie a interprété Othello.Stanley Wells. Shakespeare pour tous les temps. Londres, Macmillan, 2002 p. 220 . Le premier bâtiment érigé pour commémorer Shakespeare fut le Pavillon du Jubilé de David Garrick en 1769, et depuis, au moins 17 bâtiments ont été utilisés pour jouer les pièces de Shakespeare.",
"Le critique Michael Billington, résumant ces événements, écrit : « En 1960, Peter Hall, alors âgé de vingt-neuf ans, prit officiellement les rênes de Stratford-upon-Avon et entreprit de transformer un festival Shakespeare de six mois rempli de stars en un festival monumental. , une activité permanente construite autour d'une compagnie permanente, d'une base londonienne et d'œuvres contemporaines nationales et étrangères. Avec le recul, il est difficile de se rendre compte à quel point le rêve de Hall était radical à l'époque ou même à quel point il y avait une opposition à la création ; de ce qui est devenu officiellement connu en mars 1961 sous le nom de Royal Shakespeare Company.",
"En direct de Stratford-upon-Avon, un nouveau projet visant à diffuser les productions de la société dans les cinémas du monde entier et à les diffuser dans les écoles a été annoncé en mai 2013. Le projet a débuté avec Richard II de Shakespeare, avec David Tennant en vedette, en novembre 2013, et a suivi avec Henri IV parties 1 et 2 et Les Deux Gentilshommes de Vérone en 2014.",
"Le RSC dispose de trois théâtres permanents à Stratford-upon-Avon :",
"Le Theatre Royal de Newcastle upon Tyne est le troisième siège de la Royal Shakespeare Company, aux côtés de Stratford-upon-Avon et de Londres.",
"* Les histoires de Stratford-upon-Avon et du Roundhouse (2008)"
] | La Royal Shakespeare Company (RSC) est une importante compagnie de théâtre britannique, basée à Stratford-upon-Avon, dans le Warwickshire, en Angleterre. La compagnie emploie 700 personnes et produit environ 20 productions par an depuis son siège de Stratford-upon-Avon et joue régulièrement à Londres, Newcastle upon Tyne et en tournée à travers le Royaume-Uni et à l'étranger.
Le siège de la compagnie se trouve à Stratford-upon-Avon, où elle a récemment réaménagé ses théâtres Royal Shakespeare et Swan dans le cadre d'un projet « Transformation » de 112,8 millions de livres sterling. Les théâtres ont rouvert en novembre 2010, après avoir fermé en 2007. Les nouveaux bâtiments ont attiré 18 000 visiteurs dès la première semaine et ont reçu une réponse positive des médias à la fois lors de leur ouverture et après les premières représentations complètes de Shakespeare. Les représentations à Stratford-upon-Avon se sont poursuivies tout au long du projet Transformation au Courtyard Theatre temporaire.
Outre les pièces de Shakespeare et de ses contemporains, la RSC produit de nouvelles œuvres d'artistes vivants et développe des liens créatifs avec des créateurs de théâtre du monde entier, tout en travaillant avec des enseignants pour inspirer un amour permanent pour William Shakespeare chez les jeunes et organiser des événements pour que chacun puisse explorer et participer à ses travaux.
Le RSC a célébré son cinquantième anniversaire d'avril à décembre 2011, avec deux compagnies d'acteurs présentant les premières productions conçues spécifiquement pour les nouvelles scènes du Royal Shakespeare et du Swan Theatre. La saison 2011 a commencé avec des représentations de Macbeth et une pièce perdue réinventée, The History of Cardenio. La saison du cinquantième anniversaire a également présenté Le Marchand de Venise avec Sir Patrick Stewart et des reprises de certaines des plus grandes pièces de la RSC, dont une nouvelle mise en scène de Marat/Sade.
Pour le Festival de Londres 2012, dans le cadre de l'Olympiade culturelle, la RSC a produit le World Shakespeare Festival, mettant en vedette des artistes du monde entier se produisant dans des salles du Royaume-Uni.
En 2013, la société a commencé les projections en direct de ses productions Shakespeare – appelées Live from Stratford-upon-Avon – qui sont projetées dans le monde entier.
Histoire de l'entreprise
Les jeunes années
Il y a eu des représentations théâtrales à Stratford-upon-Avon depuis au moins l'époque de Shakespeare, bien que la première représentation enregistrée d'une pièce de Shakespeare lui-même remonte à 1746, lorsque le pasteur Joseph Greene, maître du lycée de Stratford, a organisé une production caritative pour financer la restauration. du monument funéraire de Shakespeare. La compagnie de John Ward, basée à Birmingham, la Warwickshire Company of Comedians, a accepté de la jouer. Une copie survivante de l'affiche enregistre que la compagnie a interprété Othello.Stanley Wells. Shakespeare pour tous les temps. Londres, Macmillan, 2002 p. 220 . Le premier bâtiment érigé pour commémorer Shakespeare fut le Pavillon du Jubilé de David Garrick en 1769, et depuis, au moins 17 bâtiments ont été utilisés pour jouer les pièces de Shakespeare.
Le premier bâtiment commémoratif permanent des œuvres de Shakespeare dans la ville était un théâtre construit en 1827, dans les jardins de New Place, mais qui a depuis longtemps été démoli. L’histoire de la RSC a commencé avec le Shakespeare Memorial Theatre, idée originale d’un brasseur local, Charles Edward Flower. Il fit don d'un terrain de deux acres au bord de la rivière Avon et lança en 1875 une campagne internationale pour construire un théâtre dans la ville natale de Shakespeare. Le théâtre, un bâtiment gothique victorien pouvant accueillir un peu plus de 700 personnes, a ouvert ses portes le 23 avril 1879 avec une représentation de Beaucoup de bruit pour rien, un titre qui a donné des munitions à plusieurs critiques.
Le Mémorial, une cathédrale gothique en briques rouges, conçue par Dodgshun et Unsworth de Westminster, a été décrit méchamment par Bernard Shaw comme « un bâtiment admirable, adaptable à tous les usages sauf celui d'un théâtre ». À partir de 1919, sous la direction de William Bridges-Adams et après un démarrage lent, sa New Shakespeare Company résidente devient l'une des plus prestigieuses de Grande-Bretagne. Le théâtre a reçu une charte royale d'incorporation en 1925, qui lui a conféré un statut.
Dans l'après-midi du 6 mars 1926, alors que les répétitions d'une nouvelle saison étaient sur le point de commencer, de la fumée fut aperçue. Un incendie se déclare et la masse de colombages choisie pour orner l'intérieur fournit de l'amadou sec. Le lendemain matin, le théâtre n’était plus qu’une coquille noircie. La société a transféré ses festivals Shakespeare dans un cinéma local reconverti. La collecte de fonds a commencé pour la reconstruction du théâtre, grâce aux dons généreux de philanthropes américains.
En janvier 1928, à la suite d'un concours ouvert, Elisabeth Scott, 29 ans, fut nommée à l'unanimité architecte du nouveau théâtre qui devint la première œuvre importante érigée au Royaume-Uni sur les plans d'une femme architecte. George Bernard Shaw a commenté que sa conception était la seule à montrer un sens théâtral. Ses projets modernistes de structure art déco furent critiqués de toutes parts, mais le nouveau bâtiment fut inauguré triomphalement le jour de l'anniversaire de William Shakespeare, le 23 avril 1932. Plus tard, il passa sous la direction de Sir Barry Jackson en 1945, d'Anthony Quayle de 1948 à 1956 et Glen Byam Shaw 1957-1959, avec un nombre impressionnant d'acteurs. Le bâtiment de Scott, avec quelques ajustements mineurs à la scène, est resté constamment utilisé jusqu'en 2007, date à laquelle il a été fermé pour une rénovation majeure de l'intérieur.
Chronologie:
1932 – ouverture du nouveau Shakespeare Memorial Theatre, jouxtant les vestiges de l'ancien.
1961 – le nom officiel de la société et le théâtre de Stratford deviennent « Royal Shakespeare ».
1974 – Ouverture de The Other Place, créé à partir d'un ancien magasin/salle de répétition préfabriqué à Stratford.
1986 – Ouverture du Swan Theatre, créé à partir de la coque du Memorial Theatre de 1879.
1991 – Ouverture du nouveau Other Place, conçu par Michael Reardon.
Septembre 2004 – La vision du renouvellement de la transformation du Royal Shakespeare Theatre est annoncée.
Juillet 2006 – Le Courtyard Theatre s’ouvre avec une mise en scène des Histoires de Michael Boyd.
Novembre 2010 – Les Royal Shakespeare et Swan Theatres rouvrent après leur transformation.
La RSC
Fondation et histoire
En 1959, alors qu'il était encore directeur désigné du Memorial Theatre, Peter Hall annonça que la formation d'une compagnie permanente serait un objectif primordial. David Addenbrooke a écrit à propos de la conviction de Hall selon laquelle Shakespeare, plus que tout autre dramaturge, avait besoin d'un « style », d'une tradition et d'une unité de mise en scène et de jeu d'acteur. Le 14 janvier 1960, la première déclaration politique de Hall en tant que directeur proposait également l'acquisition d'un deuxième théâtre, à Londres, qui servirait de débouché municipal pour certaines productions de Stratford. Le RSC a été officiellement créé le 20 mars 1961 avec l'annonce royale selon laquelle le Shakespeare Memorial Theatre serait désormais connu sous le nom de Royal Shakespeare Theatre et la compagnie sous le nom de Royal Shakespeare Company.
Le critique Michael Billington, résumant ces événements, écrit : « En 1960, Peter Hall, alors âgé de vingt-neuf ans, prit officiellement les rênes de Stratford-upon-Avon et entreprit de transformer un festival Shakespeare de six mois rempli de stars en un festival monumental. , une activité permanente construite autour d'une compagnie permanente, d'une base londonienne et d'œuvres contemporaines nationales et étrangères. Avec le recul, il est difficile de se rendre compte à quel point le rêve de Hall était radical à l'époque ou même à quel point il y avait une opposition à la création ; de ce qui est devenu officiellement connu en mars 1961 sous le nom de Royal Shakespeare Company.
John Barton avait été nommé directeur associé en janvier 1960, suivi en 1962 par Michel Saint-Denis, Peter Brook et Clifford Williams qui se joignirent à l'entreprise à titre d'administrateurs résidents. John Bury est nommé responsable du design en 1964. Le répertoire s'élargit également pour inclure des œuvres modernes et des classiques autres que Shakespeare.
En 1962, une forte opposition à l'établissement d'une base londonienne pour le RSC est venue du Royal National Theatre qui, dirigé par le vicomte Chandos et Laurence Olivier, souhaitait être la seule compagnie subventionnée opérant à Londres. À la suite d'un accord avec Prince Littler, directeur général d'Associated Theatre Properties, le RSC a établi le Aldwych Theatre comme base londonienne pour les productions transférées de Stratford à Londres, sa scène étant redessinée pour correspondre à la scène du tablier du RST.
Vingt ans plus tard, à l'été 1982, la compagnie s'installe à Londres au Barbican Theatre et dans les studios The Pit du Barbican Centre sous les auspices de la ville de Londres. La RSC a été étroitement impliquée dans la conception de ces deux sites. En 2002, la compagnie quitte le Barbican après une série de saisons prétendument médiocres, en partie parce que le directeur artistique de l'époque, Adrian Noble, souhaitait développer les tournées de la compagnie. Sa décision signifie que l’entreprise n’a pas de domicile régulier à Londres.
Innovation et croissance
La RSC avait pour la première fois répondu à son besoin d'un petit auditorium en 1971. Sur l'insistance de Sir Trevor Nunn (qui avait pris la direction artistique en 1968), la compagnie a embauché The Place près d'Euston Road à Londres et a construit son propre espace de théâtre. pour un public de 330 personnes, assis sur des bancs en bois inclinés. Deux saisons de pièces de théâtre ont été mises en scène en 1972 et 1973, aucune ne convenant à l'Aldwych. En décembre 1973, Buzz Goodbody, la première femme directrice de la compagnie, élabore un plan pour ce qui allait devenir le studio-théâtre The Other Place à Stratford, conçu par Michael Reardon pour accueillir 140 personnes, qui a ouvert sa première saison très réussie en 1974. Le nom choisi pour le nouvel espace studio a été privilégié au sein de la compagnie car il impliquait un théâtre alternatif, mais aussi parce qu'il s'agit d'une citation d'Hamlet.
En août 1976, Nunn met en scène Macbeth avec un set minimaliste à The Other Place, jouant pendant 2 heures 15 minutes sans entracte. La petite scène presque ronde a attiré l'attention sur la dynamique psychologique des personnages. Ian McKellen dans le rôle titre et Judi Dench dans le rôle de Lady Macbeth ont reçu des critiques exceptionnellement favorables. La production a été transférée à Londres, ouvrant au Donmar Warehouse en septembre 1977 avant son transfert ultérieur vers la plus grande salle de Young Vic pour une saison de deux mois. Il a également été enregistré pour transmission par Thames Television. En 2004, les membres de la RSC ont élu la performance de Dench comme la plus grande actrice de l'histoire de la compagnie.
Résumant cette période triomphale, le critique du Guardian, Michael Billington, écrivit plus tard : « [En 1977], la RSC a décroché l'or. Ce fut, en fait, le périhélie des dix années de règne de Trevor Nunn en tant qu'unique directeur artistique et directeur général de la société (en 1977). En 1978, il commence à partager le pouvoir avec Terry Hands. À Londres, la compagnie ouvre un nouveau studio au Donmar Warehouse avec des pièces de Barker, Taylor, Bond et Brecht. Son répertoire d'Aldwych combine les transferts habituels de Stratford avec Privates on Parade de Nichol, Ibsen. Piliers de la communauté et Les Jours de la Commune de Brecht. Au Royal Shakespeare Theatre, Terry Hands et l'acteur Alan Howard ont passé une année marathon à travailler sur Henry V, un film pratiquement inédit, Henry VI, partie 1, Henry VI, partie 2 et Henry. VI, partie 3 et Coriolanus. Et l'action à The Other Place comprenait Jonson, Ford, Musset, Gems et Rudkin. Aucune autre entreprise au monde ne pouvait égaler cette production en termes de quantité et de qualité.
Nunn et Hands étaient codirecteurs artistiques de la RSC lorsque la compagnie a ouvert The Swan, son troisième théâtre à Stratford. Le Swan Theatre, également conçu par Michael Reardon, dispose d'une scène à forte poussée et d'un auditorium intime et en galerie de 450 places. L'espace devait être dédié à la diffusion des œuvres des contemporains de Shakespeare, des œuvres d'écrivains européens et des œuvres occasionnelles de Shakespeare. Le théâtre a été inauguré le 8 mai 1986 avec une production de The Two Noble Kinsmen de William Shakespeare et John Fletcher (non publié avant 1634 et considéré comme la dernière œuvre de Shakespeare pour la scène). Il a été réalisé par Barry Kyle.
Des temps troublés
Nunn (qui avait été nommé pour succéder à Hall au Théâtre National en 1986) a cédé son poste de directeur exécutif du RSC à son co-directeur artistique Terry Hands, qui a subi l'hostilité des médias pendant quelques années difficiles pour la compagnie. Hands a pris la décision de suspendre la résidence de la RSC au Barbican Theatre et au Pit pendant la saison hivernale 1990-91, quittant ainsi la capitale pour la première fois en 30 ans. Cela était considéré comme essentiel si la RSC voulait obtenir une augmentation des subventions du Conseil des arts.
Peu de temps après cette décision, Adrian Noble est revenu au RSC pour succéder à Hands en tant que directeur artistique et directeur général. L'entreprise avait de sérieux problèmes de financement. La décision de Noble de rompre tous les liens entre la RSC et le Barbican Centre, financé par la Corporation de la Ville de Londres, fut largement condamnée, et vers la fin de son mandat, les choses commencèrent à aller terriblement mal, en partie à cause de sa poursuite et de son soutien au so- appelé Project Fleet, un projet radical visant à sauver la RSC de sa crise financière en remplaçant le Royal Shakespeare Theatre par un « Shakespeare Village » qui plaira à tous et en rationalisant la structure de représentation et le principe d'ensemble de la compagnie.
Une renaissance au 21ème siècle
Aucun des plans de Noble ne s'est concrétisé. Il a quitté son poste, malheureux, en mars 2003. Michael Boyd a alors pris le contrôle du RSC, désormais accablé par un déficit de 2,8 millions de livres sterling. Grâce à une combinaison d'excellence artistique et d'exploitation tranquille, y compris un festival des Œuvres complètes de Shakespeare d'une durée d'un an (commencé en avril 2006 en collaboration avec d'autres compagnies de théâtre) et une saison financièrement réussie à Londres au Novello Theatre en 2006, Boyd a lentement reconstruit la compagnie. fortune et réputation.
En 2007, il a lancé le réaménagement tant attendu du théâtre de Stratford, y compris la construction, pendant les travaux, du Courtyard Theatre temporaire, conçu pour abriter son cycle RSC Histories avant son transfert au Roundhouse de Londres en 2008. Parlant de ces réalisations avec une modestie typique il a déclaré à l'Evening Standard en décembre 2007 (« L'homme qui a refait le RSC ») : « Il y avait un peu de jardinage à faire, mais nous commençons maintenant à montrer des signes de marche à suivre. L'ensemble « The Histories » a remporté trois Olivier Awards en 2009. En outre, la même année, la RSC a commandé une toute nouvelle édition du Premier Folio de Shakespeare, intitulée « William Shakespeare Complete Works » et publiée par Modern Library.
Pour un autre point de vue, plus critique, sur le RSC de Michael Boyd, voir le livre de Simon Trowbridge, The Company: a Biographical Dictionary of the RSC.
Le RSC est le seul théâtre britannique membre de l'Union des Théâtres d'Europe.
En mars 2008, la RSC a lancé un manifeste « Debout pour Shakespeare », une campagne visant à promouvoir une expérience positive de Shakespeare pour les enfants et les jeunes. Les principes de ce manifeste, Faites-le sur vos pieds, voyez-le en direct, commencez-le plus tôt, constituent la base du travail du département Éducation.
En 2010, la RSC a ouvert une nouvelle série d'espaces éducatifs à Waterside.
À l'été 2011, la compagnie a entrepris une résidence à Park Avenue Armory, à New York, où elle a organisé une série de performances et un programme éducatif d'accompagnement en partenariat avec le ministère de l'Éducation de New York.
En 2012, le RSC a produit le World Shakespeare Festival, une célébration de « Shakespeare en tant que dramaturge mondial » en collaboration avec des organisations artistiques britanniques et internationales, et comprenant le festival Globe to Globe du Shakespeare's Globe.
En direct de Stratford-upon-Avon, un nouveau projet visant à diffuser les productions de la société dans les cinémas du monde entier et à les diffuser dans les écoles a été annoncé en mai 2013. Le projet a débuté avec Richard II de Shakespeare, avec David Tennant en vedette, en novembre 2013, et a suivi avec Henri IV parties 1 et 2 et Les Deux Gentilshommes de Vérone en 2014.
Directeurs artistiques
* Peter Hall (1960-1968)
*Trevor Nunn (1968-1978)
* Trevor Nunn et Terry Hands (1978-1986)
*Terry Hands (1986-1991)
*Adrian Noble (1991-2003)
*Michael Boyd (2003-2012)
* Grégory Doran (2012– )
Théâtres
Le RSC dispose de trois théâtres permanents à Stratford-upon-Avon :
* Le Royal Shakespeare Theatre, un théâtre de 1 060 places avec scène de poussée (rouvert le 24 novembre 2010 après le projet de Transformation)
* Le Swan Theatre, une scène de poussée plus petite, capacité 461
* The Other Place, un studio de théâtre, une salle de répétition et un espace de développement ouvert en avril 2016
Le Courtyard Theatre a été construit pour remplacer temporairement le théâtre The Other Place afin d'héberger le travail de la compagnie lorsque le RST et le Swan ont été fermés pour le projet de transformation. Il a fourni un prototype fonctionnel à grande échelle pour le nouvel auditorium du RST, pouvant accueillir 1 045 personnes autour d'une scène de poussée. Il a également été utilisé en 2012 pour des productions dans le
Festival mondial de Shakespeare incluant Beaucoup de bruit pour rien dans un décor indien. Le Courtyard Theatre a été remplacé par The Other Place, qui a été rétabli en studio-théâtre de 200 places en 2016.
La présence de la société à Londres comprend la location du théâtre Aldwych, de The Place à Duke's Road, à Euston, du Donmar Warehouse à Covent Garden, du Barbican Theatre et du Pit au Barbican Centre dans la ville de Londres. Il y a également eu des saisons au Mermaid Theatre, au Almeida Theatre (1988 et 1989), au Roundhouse de Camden, au Young Vic, au Playhouse Theatre, au Novello Theatre et au Gielgud Theatre.
Le Theatre Royal de Newcastle upon Tyne est le troisième siège de la Royal Shakespeare Company, aux côtés de Stratford-upon-Avon et de Londres.
Productions clés
* Coriolanus, avec Laurence Olivier dans le rôle de Coriolanus, Edith Evans, Vanessa Redgrave, Albert Finney et Mary Ure, réalisé par Peter Hall (1959)
* Le Roi Lear réalisé par Peter Brook avec Paul Scofield dans le rôle de Lear (1962)
* La Guerre des Roses, adaptation des pièces d'Henri VI et Richard III, mise en scène par Sir Peter Hall 1963-64 avec Ian Holm, Peggy Ashcroft et David Warner
* Marat/Sade de Peter Weiss réalisé par Peter Brook (1964)
* The Homecoming d'Harold Pinter, première mondiale mise en scène par Peter Hall (juin 1965)
* Escalier avec Paul Scofield et Patrick Magee (1966)
* Hamlet réalisé par Peter Hall avec David Warner dans le rôle-titre (1965)
* Le Songe d'une nuit d'été, réalisé par Peter Brook (1970)
* Old Times de Harold Pinter réalisé par Peter Hall (1971)
* Jules César réalisé par Trevor Nunn (1973)
* Antoine et Cléopâtre réalisé par Trevor Nunn avec Janet Suzman (1973)
* Richard II, réalisé par John Barton, avec Ian Richardson et Richard Pasco, alternant les rôles de Richard et Bolingbroke (1973-1974)
* Travesties de Tom Stoppard, avec John Wood, première mondiale réalisée par Peter Wood (juin 1974)
* Le Mariage d'Ann Leete de Harley Granville Barker, avec Mia Farrow, réalisé par David Jones (septembre 1975)
* Hamlet, avec Ben Kingsley, réalisé par Buzz Goodbody (1976)
* Roméo et Juliette, avec Ian McKellen et Francesca Annis, réalisé par Trevor Nunn (mars 1976)
* Beaucoup de bruit pour rien, avec Judi Dench et Donald Sinden, réalisé par John Barton (avril 1976)
* The Iceman Cometh d'Eugene O'Neill, avec Alan Tllvern reprenant le rôle de Hickey de Ian Holm "indisposé", réalisé par Howard Davies (mai 1976)
* The Comedy of Errors, une comédie musicale de Trevor Nunn et Guy Woolfenden (septembre 1976)
* Wild Oats de John O'Keeffe, avec Alan Howard et Jeremy Irons, réalisé par Clifford Williams (décembre 1976)
* Macbeth, réalisé par Trevor Nunn avec Judi Dench et Ian McKellen (1976-1977)
* Privates on Parade de Peter Nichols, première mondiale mise en scène par Michael Blakemore (février 1977)
* Destiny de David Edgar, première mondiale mise en scène par Ron Daniels (mai 1977)
* Douzième Nuit réalisé par Jon Amiel avec Ian McKellen, Bob Peck, Edward Petherbridge et Roger Rees (1978)
* Les Grecs réalisé et adapté d'Eschyle, Euripide et Sophocle de John Barton (1980)
* La vie et les aventures de Nicholas Nickleby adapté pour la scène par David Edgar avec une musique du compositeur d'opéra Stephen Oliver, première mondiale mise en scène par Trevor Nunn et John Caird (1980), lauréat d'un Drama Desk Special Award en 1982
* Beaucoup de bruit pour rien réalisé par Terry Hands avec Derek Jacobi et Sinéad Cusack
* Richard III, réalisé par Bill Alexander avec Sir Antony Sher (1984)
* Les Misérables de Claude-Michel Schoenberg et Alain Boublil réalisé par Trevor Nunn (1985)
* Les liaisons dangereuses de Christopher Hampton avec Alan Rickman, Lindsay Duncan et Juliet Stevenson, première mondiale mise en scène par Howard Davies (1985)
* Titus Andronicus réalisé par Deborah Warner avec Brian Cox (1988)
* L'adaptation Plantagenêts d'Henri VI, partie 1, partie 2 et partie 3 et Richard III, réalisée par Adrian Noble, avec Anton Lesser dans le rôle de Richard III, Ralph Fiennes dans le rôle d'Henri VI et David Waller dans le rôle du duc de Gloucester (1988)
* Othello réalisé par Trevor Nunn avec Willard White dans le rôle d'Othello et Ian McKellen dans le rôle d'Iago (1989)
* Hamlet réalisé par Adrian Noble avec Kenneth Branagh (1992)
* Le Roi Lear réalisé par Adrian Noble avec Robert Stephens et Simon Russell Beale (1993)
* Coriolanus réalisé par David Thacker avec Toby Stephens (1994)
* This England: The Histories, une saison de toutes les pièces historiques séquentielles de Shakespeare (2000)
* Hamlet réalisé par Michael Boyd avec Toby Stephens (2004)
* Le Creuset d'Arthur Miller réalisé par Dominic Cooke (2006)
* Périclès réalisé par Dominic Cooke (2006)
* Représentations de répertoire du Roi Lear et de La Mouette avec Ian McKellen et Frances Barber, mises en scène par Trevor Nunn (2007)
* Les histoires de Stratford-upon-Avon et du Roundhouse (2008)
* Hamlet réalisé par Gregory Doran, avec David Tennant dans le rôle de Hamlet et Patrick Stewart dans le rôle de Claudius (2008)
* Matilda the Musical de Dennis Kelly et Tim Minchin, réalisé par Matthew Warchus (2010)
* Love's Labour's Lost réalisé par Christophe Luscombe, avec Edward Bennett et Michelle Terry (2014)
*Wolf Hall d'après les deux romans d'Hilary Mantel, adaptés pour la scène par Mike Poulton, mis en scène par Jeremy Herrin, produit dans le West End de Londres et à Broadway (2015).
Acteurs notables passés et présents | http://www.quizballs.com/ |
Terry Molloy, David Gooderson et Julian Bleach ont tous interprété quel méchant dans la série télévisée britannique Dr Who ? | Davros | [
"À la télévision, Molloy est peut-être mieux connu pour être devenu le troisième acteur à incarner le savant fou Davros, le créateur des Daleks, dans la longue série de science-fiction Doctor Who. Il est apparu dans les histoires Résurrection des Daleks, Révélation des Daleks et Souvenir des Daleks, devenant ainsi le premier acteur à jouer le rôle dans différentes histoires. Molloy a été initialement choisi pour le rôle par le réalisateur Matthew Robinson, qui avait déjà travaillé avec lui et pensait que son talent pour les voix serait idéal pour recréer le rôle joué pour la première fois par Michael Wisher. Molloy est également apparu dans l'histoire de Doctor Who Attack of the Cybermen en tant que policier infiltré nommé Russell, à nouveau interprété par Robinson. Ces dernières années, Molloy a repris le rôle de Davros dans les drames audio de Big Finish Productions Davros, The Juggernauts, Terror Firma, Masters of War, The Davros Mission et la mini-série en quatre parties I, Davros. Il a également joué Davros dans une production scénique de 2005, The Trial of Davros. Molloy a également repris le rôle de Stan Harvey dans le feuilleton ITV Crossroads d'Edward Clayton lorsque Stan a fait une brève visite au motel en 1987.",
"En 2014, il a interprété Davros dans l'émission comique en tournée de Benjamin Maio Mackay \"50 Years of Doctor Who: Preachrs Podcast Live 2!\" qui a joué au Adelaide Fringe et au Melbourne International Comedy Festival avec un grand succès. Molloy a également mené une interview réussie avec le podcast Doctor Who de Benjamin (Doctor Who: Preachrs Podcast)."
] | Terry Molloy (né le 4 janvier 1947 à North Shields, Tyneside, Angleterre) est un acteur anglais connu principalement pour son travail à la radio et à la télévision.
Carrière
Molloy est membre du casting de The Archers de BBC Radio 4 dans le rôle de Mike Tucker depuis 1973 et a remporté des prix pour son travail d'acteur à la radio. En 1980, il joue dans l'adaptation Radio 4 du roman de guerre de Nicholas Monsarrat, The Cruel Sea.
À la télévision, Molloy est peut-être mieux connu pour être devenu le troisième acteur à incarner le savant fou Davros, le créateur des Daleks, dans la longue série de science-fiction Doctor Who. Il est apparu dans les histoires Résurrection des Daleks, Révélation des Daleks et Souvenir des Daleks, devenant ainsi le premier acteur à jouer le rôle dans différentes histoires. Molloy a été initialement choisi pour le rôle par le réalisateur Matthew Robinson, qui avait déjà travaillé avec lui et pensait que son talent pour les voix serait idéal pour recréer le rôle joué pour la première fois par Michael Wisher. Molloy est également apparu dans l'histoire de Doctor Who Attack of the Cybermen en tant que policier infiltré nommé Russell, à nouveau interprété par Robinson. Ces dernières années, Molloy a repris le rôle de Davros dans les drames audio de Big Finish Productions Davros, The Juggernauts, Terror Firma, Masters of War, The Davros Mission et la mini-série en quatre parties I, Davros. Il a également joué Davros dans une production scénique de 2005, The Trial of Davros. Molloy a également repris le rôle de Stan Harvey dans le feuilleton ITV Crossroads d'Edward Clayton lorsque Stan a fait une brève visite au motel en 1987.
Molloy assiste régulièrement aux conventions et événements de Doctor Who, où il rencontre des fans et parle de son passage au programme. Il est également récemment apparu sur BBC 7 (maintenant Radio4extra) dans le rôle du professeur Edward Dunning face à son collègue acteur de Doctor Who Nicholas Courtney dans la série audio The Scarifyers, co-écrite par Paul Morris et Simon Barnard pour Cosmic Hobo Productions.
En mars 2009, il est apparu sous le nom de « Eric Clapton » dans TV Burp de Harry Hill, une référence à son rôle d'invité dans Casualty une semaine plus tôt, après que Hill ait remarqué sa ressemblance avec le chanteur.
En 2014, il a interprété Davros dans l'émission comique en tournée de Benjamin Maio Mackay "50 Years of Doctor Who: Preachrs Podcast Live 2!" qui a joué au Adelaide Fringe et au Melbourne International Comedy Festival avec un grand succès. Molloy a également mené une interview réussie avec le podcast Doctor Who de Benjamin (Doctor Who: Preachrs Podcast).
Vie privée
Molloy vit actuellement à Bawburgh, près de Norwich. Dans les années 1960, Molloy jouait du saxophone dans un groupe de soul et se produisait au Cavern Club de Liverpool. | http://www.quizballs.com/ |
La Journée des Nations Unies est célébrée au cours de quel mois de l'année ? | octobre | [
"La Journée des Nations Unies est consacrée à faire connaître aux peuples du monde les objectifs et les réalisations de l'Organisation des Nations Unies. La Journée des Nations Unies fait partie de la Semaine des Nations Unies, qui se déroule du 20 au 26 octobre.",
"En 1948, l'Assemblée générale des Nations Unies a déclaré le 24 octobre anniversaire de la Charte des Nations Unies, date qui « sera consacrée à faire connaître aux peuples du monde les buts et les réalisations des Nations Unies et à obtenir leur soutien ». pour\" son travail.",
"Plusieurs écoles internationales à travers le monde célèbrent également la diversité de leur corps étudiant à l'occasion de la Journée des Nations Unies (même si l'événement n'est pas nécessairement célébré le 24 octobre). Les célébrations comprennent souvent un spectacle de performances culturelles en soirée et une foire alimentaire, où de la nourriture du monde entier est disponible.",
"La Journée mondiale d'information sur le développement des Nations Unies a également lieu le 24 octobre depuis 1972."
] | La Journée des Nations Unies est consacrée à faire connaître aux peuples du monde les objectifs et les réalisations de l'Organisation des Nations Unies. La Journée des Nations Unies fait partie de la Semaine des Nations Unies, qui se déroule du 20 au 26 octobre.
En 1948, l'Assemblée générale des Nations Unies a déclaré le 24 octobre anniversaire de la Charte des Nations Unies, date qui « sera consacrée à faire connaître aux peuples du monde les buts et les réalisations des Nations Unies et à obtenir leur soutien ». pour" son travail.
En 1971, l'Assemblée générale des Nations Unies a adopté une autre résolution (Résolution 2782 des Nations Unies) déclarant que la Journée des Nations Unies serait un jour férié international et a recommandé qu'elle soit observée comme jour férié par tous les États membres des Nations Unies.
Commémoration
La Journée des Nations Unies est traditionnellement célébrée dans le monde entier par des réunions, des discussions et des expositions sur les réalisations et les objectifs de l'organisation. En 1971, l'Assemblée générale a recommandé aux États membres de l'observer comme jour férié.
Plusieurs écoles internationales à travers le monde célèbrent également la diversité de leur corps étudiant à l'occasion de la Journée des Nations Unies (même si l'événement n'est pas nécessairement célébré le 24 octobre). Les célébrations comprennent souvent un spectacle de performances culturelles en soirée et une foire alimentaire, où de la nourriture du monde entier est disponible.
Aux États-Unis, le président publie chaque année une proclamation pour la Journée des Nations Unies depuis 1946. La plus récente proclamation de ce type a été publiée par Barack Obama.
Au Kosovo, la Journée des Nations Unies est un jour non ouvrable officiel car la province est administrée par la Mission administrative intérimaire.
Aux Philippines, les écoliers locaux portent habituellement les costumes nationaux des États membres et organisent un programme à l'occasion de la Journée des Nations Unies, qui est le dernier jour d'école avant les vacances semestrielles. Les étudiants individuels, les classes ou les niveaux scolaires se voient attribuer un pays à représenter et à étudier ; les étudiants fabriquent à la main le drapeau de leur pays et préparent des présentations culturelles et de la nourriture dans le cadre des activités éducatives de la journée.
Journée mondiale d'information sur le développement
La Journée mondiale d'information sur le développement des Nations Unies a également lieu le 24 octobre depuis 1972. | http://www.quizballs.com/ |
En février 1987, quelle compagnie aérienne britannique a été privatisée et cotée à la Bourse de Londres ? | British Airways | [
"Il y a également eu une tendance à la privatisation de ces compagnies aériennes nationales elles-mêmes, comme ce fut le cas pour Aer Lingus et British Airways. D'autres compagnies aériennes nationales, dont l'italienne Alitalia, ont souffert, notamment avec la hausse rapide des prix du pétrole début 2008."
] | Une compagnie aérienne est une entreprise qui fournit des services de transport aérien pour les passagers et le fret. Les compagnies aériennes utilisent des avions pour fournir ces services et peuvent former des partenariats ou des alliances avec d'autres compagnies aériennes pour des accords de partage de code. Généralement, les compagnies aériennes sont reconnues par un certificat ou une licence d'exploitation aérienne délivré par un organisme gouvernemental de l'aviation.
La taille des compagnies aériennes varie, allant des petites compagnies aériennes nationales aux compagnies aériennes internationales à service complet. Les services aériens peuvent être classés comme étant intercontinentaux, nationaux, régionaux ou internationaux, et peuvent être exploités sous forme de services réguliers ou d'affrètement. La plus grande compagnie aérienne est actuellement American Airlines Group.
Histoire
Les premières compagnies aériennes
DELAG, Deutsche Luftschiffahrts-Aktiengesellschaft fut la première compagnie aérienne au monde. Elle a été fondée le 16 novembre 1909 avec l'aide du gouvernement et exploitait des dirigeables fabriqués par The Zeppelin Corporation. Son siège était à Francfort. Le premier service aérien régulier à voilure fixe a été lancé le 1er janvier 1914 de Saint-Pétersbourg, en Floride, à Tampa, en Floride. Les quatre plus anciennes compagnies aériennes non dirigeables qui existent encore sont KLM aux Pays-Bas (1919), Avianca en Colombie (1919), Qantas en Australie (1921) et Czech Airlines en République tchèque (1923).
Industrie aérienne européenne
Les débuts
La première compagnie aérienne à voilure fixe d'Europe fut Aircraft Transport and Travel, créée par George Holt Thomas en 1916. Utilisant une flotte d'anciens biplans militaires Airco DH.4A qui avaient été modifiés pour transporter deux passagers dans le fuselage, elle effectuait des vols de secours entre Folkestone et Gand. Le 15 juillet 1919, la compagnie effectue un vol d'essai à travers la Manche, malgré le manque de soutien du gouvernement britannique. Piloté par le lieutenant H Shaw dans un Airco DH.9 entre la RAF Hendon et l'aéroport de Paris - Le Bourget, le vol a duré 2 heures et 30 minutes à 21 £ par passager.
Le 25 août 1919, la société utilisa des DH.16 pour lancer un service régulier entre l'aérodrome de Hounslow Heath et Le Bourget, le premier service international régulier au monde. La compagnie aérienne a rapidement acquis une réputation de fiabilité, malgré les problèmes liés au mauvais temps, et a commencé à attirer la concurrence européenne. En novembre 1919, elle remporta le premier contrat de courrier aérien civil britannique. Six avions Airco DH.9A de la Royal Air Force ont été prêtés à la société pour exploiter le service postal aérien entre Hawkinge et Cologne. En 1920, ils furent réintégrés dans la Royal Air Force.
D'autres concurrents britanniques n'ont pas tardé à suivre : Handley Page Transport a été créé en 1919 et a utilisé les bombardiers de guerre Type O/400 convertis de la société, d'une capacité de 19 passagers, pour assurer un service de passagers Londres-Paris.
La première compagnie aérienne française fut la Société des lignes Latécoère, plus tard connue sous le nom d'Aéropostale, qui lança son premier service fin 1918 vers l'Espagne. La Société Générale des Transports Aériens a été créée fin 1919 par les frères Farman et l'avion Farman F.60 Goliath effectuait des vols réguliers de Toussus-le-Noble à Kenley, près de Croydon, en Angleterre. Une autre des premières compagnies aériennes françaises était la Compagnie des Messageries Aériennes, créée en 1919 par Louis-Charles Breguet, offrant un service de courrier et de fret entre l'aéroport du Bourget, Paris et l'aéroport de Lesquin, Lille.
La première compagnie aérienne allemande à utiliser des avions plus lourds que l'air fut la Deutsche Luft-Reederei, créée en 1917, qui commença à fonctionner en février 1919. Au cours de sa première année, la D.L.R. opéré des vols réguliers sur des routes d'une longueur combinée de près de 1 000 milles. En 1921, le D.L.R. Le réseau mesurait plus de 3 000 km (1 865 miles) de long et comprenait des destinations aux Pays-Bas, en Scandinavie et dans les républiques baltes. Une autre compagnie aérienne allemande importante était Junkers Luftverkehr, qui a commencé ses activités en 1921. Il s'agissait d'une division du constructeur aéronautique Junkers, qui est devenue une société distincte en 1924. Elle exploitait des compagnies aériennes en coentreprise en Autriche, au Danemark, en Estonie, en Finlande, en Hongrie et en Lettonie. , Norvège, Pologne, Suède et Suisse.
La compagnie aérienne néerlandaise KLM a effectué son premier vol en 1920 et est la plus ancienne compagnie aérienne en activité au monde. Créé par l'aviateur Albert Plesman, il a immédiatement reçu le qualificatif « Royal » de la reine Wilhelmine. Son premier vol a eu lieu de l'aéroport de Croydon, à Londres, à Amsterdam, à l'aide d'un avion de transport et de voyage DH-16 loué, et transportant deux journalistes britanniques et un certain nombre de journaux. En 1921, KLM lance des services réguliers.
En Finlande, la charte créant Aero O/Y (aujourd'hui Finnair) a été signée dans la ville d'Helsinki le 12 septembre 1923. Le Junkers F.13 D-335 est devenu le premier avion de la société, lorsqu'Aero en a pris livraison en mars. 14 mars 1924. Le premier vol a eu lieu entre Helsinki et Tallinn, capitale de l'Estonie, et a eu lieu le 20 mars 1924, une semaine plus tard.
En Union soviétique, l'administration principale de la flotte aérienne civile a été créée en 1921. L'un de ses premiers actes a été de contribuer à la création de la Deutsch-Russische Luftverkehrs A.G. (Deruluft), une coentreprise germano-russe chargée d'assurer le transport aérien de la Russie vers l'Union soviétique. Ouest. Le service aérien intérieur a commencé à peu près à la même époque, lorsque Dobrolyot a commencé ses opérations le 15 juillet 1923 entre Moscou et Nijni Novgorod. Depuis 1932, toutes les opérations étaient réalisées sous le nom d'Aeroflot.
Les premières compagnies aériennes européennes ont tendance à privilégier le confort – les cabines passagers étaient souvent spacieuses et dotées d’intérieurs luxueux – plutôt que la vitesse et l’efficacité. Les capacités de navigation relativement basiques des pilotes à l'époque signifiaient également que les retards dus aux conditions météorologiques étaient monnaie courante.
Rationalisation
Au début des années 1920, les petites compagnies aériennes avaient du mal à être compétitives et on assistait à une tendance vers une rationalisation et une consolidation accrues. En 1924, Imperial Airways est née de la fusion d'Instone Air Line Company, British Marine Air Navigation, Daimler Airway et Handley Page Transport Co Ltd., pour permettre aux compagnies aériennes britanniques de rivaliser avec la concurrence féroce des compagnies aériennes françaises et allemandes qui bénéficiaient d'un gouvernement lourd. subventions. La compagnie aérienne a été pionnière dans l'étude et l'ouverture de routes aériennes à travers le monde afin de desservir des régions reculées de l'Empire britannique et de renforcer le commerce et l'intégration.
Le premier nouvel avion de ligne commandé par Imperial Airways fut le Handley Page W8f City of Washington, livré le 3 novembre 1924. Au cours de la première année d'exploitation, la compagnie transporta 11 395 passagers et 212 380 lettres. En avril 1925, le film Le Monde Perdu est devenu le premier film à être projeté pour les passagers d'un vol régulier d'un avion de ligne lors de sa projection sur la route Londres-Paris.
Deux compagnies aériennes françaises ont également fusionné pour former Air Union le 1er janvier 1923. Celle-ci a ensuite fusionné avec quatre autres compagnies aériennes françaises pour devenir Air France, la compagnie aérienne phare du pays à ce jour, le 7 octobre 1933.
La société allemande Deutsche Luft Hansa a été créée en 1926 par la fusion de deux compagnies aériennes, dont Junkers Luftverkehr. Luft Hansa, en raison de l'héritage Junkers et contrairement à la plupart des autres compagnies aériennes de l'époque, est devenue un investisseur majeur dans les compagnies aériennes en dehors de l'Europe, fournissant des capitaux à Varig et Avianca. Les avions de ligne allemands construits par Junkers, Dornier et Fokker étaient alors parmi les plus avancés au monde.
Expansion mondiale
En 1926, Alan Cobham a étudié une route aérienne entre le Royaume-Uni et Cape Town, en Afrique du Sud, suivi d'un autre vol d'essai à destination de Melbourne, en Australie. D'autres routes vers l'Inde britannique et l'Extrême-Orient ont également été cartographiées et démontrées à cette époque. Les services réguliers vers Le Caire et Bassorah ont commencé en 1927 et ont été étendus à Karachi en 1929. Le service Londres-Australie a été inauguré en 1932 avec les avions de ligne Handley Page HP 42. D'autres services furent ouverts vers Calcutta, Rangoon, Singapour, Brisbane et Hong Kong. Les passagers quittèrent Londres le 14 mars 1936 suite à la création d'une succursale de Penang à Hong Kong.
Les avions d'Imperial étaient petits, la plupart pouvant accueillir moins de vingt passagers et s'adressaient aux riches - seulement environ 50 000 passagers utilisaient Imperial Airways dans les années 1930. La plupart des passagers sur les routes intercontinentales ou sur les services à l'intérieur et entre les colonies britanniques étaient des hommes travaillant dans l'administration coloniale, les affaires ou la recherche.
Comme Imperial Airways, la croissance initiale d'Air France et de KLM dépendait fortement de la nécessité d'assurer des liaisons avec des possessions coloniales lointaines (Afrique du Nord et Indochine pour les Français et Indes orientales pour les Néerlandais). La France a lancé un service de courrier aérien vers le Maroc en 1919, qui a été racheté en 1927, rebaptisé Aéropostale et injecté de capitaux pour devenir un transporteur international majeur. En 1933, l'Aéropostale fait faillite, est nationalisée et fusionne avec Air France.
Même si l’Allemagne manquait de colonies, elle commença également à étendre ses services à l’échelle mondiale. En 1931, le dirigeable Graf Zeppelin a commencé à offrir un service passagers régulier entre l'Allemagne et l'Amérique du Sud, généralement toutes les deux semaines, qui s'est poursuivi jusqu'en 1937. En 1936, le dirigeable Hindenburg est entré en service passagers et a traversé avec succès l'Atlantique 36 fois avant de s'écraser à Lakehurst, New Jersey le 6 mai 1937.
De février 1934 jusqu'au début de la Seconde Guerre mondiale en 1939, Deutsche Lufthansa exploitait un service postal aérien depuis Stuttgart, en Allemagne, via l'Espagne, les îles Canaries et l'Afrique de l'Ouest jusqu'à Natal au Brésil. C'était la première fois qu'une compagnie aérienne survolait un océan.
À la fin des années 1930, Aeroflot était devenue la plus grande compagnie aérienne du monde, employant plus de 4 000 pilotes et 60 000 autres personnels de service et exploitant environ 3 000 avions (dont 75 % étaient considérés comme obsolètes selon ses propres normes). À l’époque soviétique, Aeroflot était synonyme d’aviation civile russe, car c’était le seul transporteur aérien. Elle est devenue la première compagnie aérienne au monde à exploiter des services réguliers d'avions à réaction le 15 septembre 1956 avec le Tupolev Tu-104.
Déréglementation du transport aérien dans l'UE
La déréglementation de l'espace aérien de l'Union européenne au début des années 1990 a eu un effet considérable sur la structure de l'industrie dans ce pays. L'évolution vers des compagnies aériennes « économiques » sur des liaisons plus courtes a été significative. Les compagnies aériennes telles qu’EasyJet et Ryanair se sont souvent développées aux dépens des compagnies aériennes nationales traditionnelles.
Il y a également eu une tendance à la privatisation de ces compagnies aériennes nationales elles-mêmes, comme ce fut le cas pour Aer Lingus et British Airways. D'autres compagnies aériennes nationales, dont l'italienne Alitalia, ont souffert, notamment avec la hausse rapide des prix du pétrole début 2008.
Industrie aérienne américaine
Développement précoce
Tony Jannus a effectué le premier vol régulier d'une compagnie aérienne commerciale aux États-Unis le 1er janvier 1914 pour la ligne d'hydroglisseurs Saint-Pétersbourg-Tampa. Le vol de 23 minutes a voyagé entre Saint-Pétersbourg, en Floride, et Tampa, en Floride, passant à environ 50 pieds au-dessus de Tampa Bay dans le bois Benoist XIV de Jannus et l'hydravion biplan en mousseline. Son passager était un ancien maire de Saint-Pétersbourg, qui a payé 400 dollars pour avoir le privilège de s'asseoir sur un banc en bois dans le cockpit ouvert. La ligne Airboat a fonctionné pendant environ quatre mois, transportant plus de 1 200 passagers payant 5 $ chacun. Chalk's International Airlines a commencé son service entre Miami et Bimini aux Bahamas en février 1919. Basée à Fort. Lauderdale, Chalk's prétendait être la plus ancienne compagnie aérienne en activité aux États-Unis jusqu'à sa fermeture en 2008.
Après la Première Guerre mondiale, les États-Unis se sont retrouvés submergés d’aviateurs. Beaucoup ont décidé d'emmener leurs avions excédentaires de guerre dans des campagnes de bombardement, effectuant des manœuvres acrobatiques pour séduire les foules. En 1918, le service postal des États-Unis a obtenu le soutien financier du Congrès pour commencer à expérimenter le service de courrier aérien, en utilisant initialement des avions Curtiss Jenny qui avaient été achetés par le service aérien de l'armée des États-Unis. Les opérateurs privés ont été les premiers à transporter le courrier par avion, mais en raison de nombreux accidents, l'armée américaine a été chargée de la distribution du courrier. Au cours de l'implication de l'armée, ils se sont révélés trop peu fiables et ont perdu leurs fonctions de courrier aérien. Au milieu des années 1920, le service postal avait développé son propre réseau de courrier aérien, basé sur une infrastructure transcontinentale entre New York et San Francisco. Pour supplanter ce service, ils ont proposé douze contrats pour des routes secondaires à des soumissionnaires indépendants. Certains des transporteurs qui ont remporté ces routes allaient, au fil du temps et des fusions, évoluer vers Pan Am, Delta Air Lines, Braniff Airways, American Airlines, United Airlines (à l'origine une division de Boeing), Trans World Airlines, Northwest Airlines et Eastern Air. Lignes.
Au début des années 1920, le service était sporadique : à l'époque, la plupart des compagnies aériennes se concentraient sur le transport de sacs de courrier. En 1925, cependant, la Ford Motor Company rachète la Stout Aircraft Company et commence la construction du Ford Trimotor entièrement métallique, qui devient le premier avion de ligne américain à succès. Avec une capacité de 12 passagers, le Trimotor a rendu le service passagers potentiellement rentable. Le service aérien était considéré comme un complément au service ferroviaire dans le réseau de transport américain.
Au même moment, Juan Trippe lançait une croisade pour créer un réseau aérien qui relierait l'Amérique au monde, et il a atteint cet objectif grâce à sa compagnie aérienne, Pan American World Airways, avec une flotte d'hydravions qui reliait Los Angeles à Shanghai et Boston à Londres. Pan Am et Northwest Airways (qui ont lancé des vols vers le Canada dans les années 1920) ont été les seules compagnies aériennes américaines à s'internationaliser avant les années 1940.
Avec l’introduction du Boeing 247 et du Douglas DC-3 dans les années 1930, l’industrie aérienne américaine était généralement rentable, même pendant la Grande Dépression. Cette tendance s'est poursuivie jusqu'au début de la Seconde Guerre mondiale.
Développement depuis 1945
Alors que les gouvernements se réunissaient pour fixer les normes et les possibilités d’une industrie aérienne civile émergente vers la fin de la guerre, les États-Unis ont adopté une position de liberté opérationnelle maximale ; Les compagnies aériennes américaines n’ont pas été aussi durement touchées que les compagnies européennes et les quelques compagnies asiatiques. Cette préférence pour les régimes opérationnels « à ciel ouvert » perdure encore aujourd’hui, avec certaines limites.
La Seconde Guerre mondiale, comme la Première Guerre mondiale, a donné un nouveau souffle à l’industrie aérienne. De nombreuses compagnies aériennes des pays alliés étaient affranchies des contrats de location avec l'armée et prévoyaient une future demande explosive de transport aérien civil, tant pour les passagers que pour le fret. Ils étaient impatients d’investir dans les nouveaux fleurons émergents du transport aérien tels que le Boeing Stratocruiser, le Lockheed Constellation et le Douglas DC-6. La plupart de ces nouveaux avions étaient basés sur des bombardiers américains comme le B-29, qui avait été le fer de lance de la recherche sur de nouvelles technologies comme la pressurisation. La plupart offraient une efficacité accrue grâce à une vitesse accrue et une charge utile plus importante.
Dans les années 1950, le De Havilland Comet, le Boeing 707, le Douglas DC-8 et la Sud Aviation Caravelle sont devenus les premiers fleurons de l'ère des avions à réaction en Occident, tandis que le bloc de l'Est comptait dans ses flottes des Tupolev Tu-104 et des Tupolev Tu-124. de compagnies aériennes publiques telles que la Tchécoslovaque ČSA, l'Aeroflot soviétique et l'Interflug est-allemande. Le Vickers Viscount et le Lockheed L-188 Electra ont inauguré le transport à turbopropulseurs.
Le prochain grand coup de pouce pour les compagnies aériennes viendrait dans les années 1970, lorsque le Boeing 747, le McDonnell Douglas DC-10 et le Lockheed L-1011 inauguraient le service gros-porteurs (« jumbo jet »), qui est toujours la norme dans les voyages internationaux. Le Tupolev Tu-144 et son homologue occidental, le Concorde, ont fait du voyage supersonique une réalité. Le Concorde a volé pour la première fois en 1969 et a fonctionné jusqu'en 2003. En 1972, Airbus a commencé à produire la gamme d'avions de ligne la plus prospère d'Europe à ce jour. Les gains d'efficacité de ces avions ne résidaient souvent pas dans la vitesse, mais dans la capacité en passagers, la charge utile et l'autonomie. Airbus dispose également de cockpits électroniques modernes qui étaient communs à tous ses avions pour permettre aux pilotes de piloter plusieurs modèles avec un minimum de formation croisée.
Déréglementation des compagnies aériennes américaines
La déréglementation de l'industrie aérienne américaine en 1978 a abaissé les barrières contrôlées par le gouvernement fédéral pour les nouvelles compagnies aériennes, au moment même où se produisait un ralentissement de l'économie nationale. De nouvelles start-ups sont apparues pendant la récession, période durant laquelle elles ont trouvé des avions et des financements, sous-traité des services de hangar et de maintenance, formé de nouveaux employés et recruté du personnel licencié dans d'autres compagnies aériennes.
Les grandes compagnies aériennes ont dominé leurs liaisons grâce à des tarifs agressifs et à des offres de capacité supplémentaires, submergeant souvent les nouvelles entreprises en démarrage. À la place des barrières à l’entrée élevées imposées par la réglementation, les grandes compagnies aériennes ont mis en place une barrière tout aussi élevée appelée tarification d’appel. Dans cette stratégie, une compagnie aérienne déjà établie et dominante écrase sa concurrence en abaissant les tarifs aériens sur des routes spécifiques, en dessous du coût d'exploitation sur cette compagnie, étouffant ainsi toute chance qu'une compagnie aérienne en démarrage pourrait avoir. L’effet secondaire de l’industrie est une baisse globale des revenus et de la qualité du service. Depuis la déréglementation de 1978, le prix moyen des billets intérieurs a chuté de 40 %. Il en va de même pour la rémunération des employés des compagnies aériennes. En subissant des pertes massives, les compagnies aériennes américaines s'appuient désormais sur le fléau des procédures de faillite cycliques (chapitre 11) pour poursuivre leurs activités. America West Airlines (qui a depuis fusionné avec US Airways) est restée un survivant important de cette ère de nouveaux entrants, alors que des dizaines, voire des centaines, ont disparu.
À bien des égards, le plus grand gagnant de l’environnement déréglementé a été le passager aérien. Bien que cela ne soit pas exclusivement imputable à la déréglementation, les États-Unis ont en effet connu une croissance explosive de la demande de transport aérien. Des millions de personnes qui n'avaient jamais ou rarement pris l'avion auparavant sont devenues des voyageurs réguliers, rejoignant même des programmes de fidélité pour voyageurs fréquents et recevant des vols gratuits et d'autres avantages grâce à leurs vols. De nouveaux services et des fréquences plus élevées signifiaient que les voyageurs d'affaires pouvaient se rendre dans une autre ville, faire des affaires et revenir le même jour, depuis presque n'importe quel point du pays. Les avantages du transport aérien mettent sous pression les transports ferroviaires interurbains longue distance et les lignes de bus, la plupart de ces dernières ayant disparu, tandis que les premières sont toujours protégées par la nationalisation grâce à l'existence continue d'Amtrak.
Dans les années 1980, près de la moitié du total des vols dans le monde avaient lieu aux États-Unis, et aujourd'hui, l'industrie nationale assure plus de 10 000 départs quotidiens à l'échelle nationale.
Vers la fin du siècle, un nouveau style de compagnie aérienne à bas prix est apparu, proposant un produit sans fioritures à un prix inférieur. Southwest Airlines, JetBlue, AirTran Airways, Skybus Airlines et d'autres compagnies à bas prix ont commencé à représenter un défi sérieux pour les soi-disant « compagnies aériennes historiques », tout comme leurs homologues à bas prix dans de nombreux autres pays. Leur viabilité commerciale représentait une sérieuse menace concurrentielle pour les transporteurs historiques. Cependant, parmi ceux-ci, ATA et Skybus ont depuis cessé leurs activités.
De plus en plus depuis 1978, les compagnies aériennes américaines ont été réincorporées et scindées par des sociétés de gestion nouvellement créées et dirigées en interne, et ne sont ainsi devenues rien d'autre que des unités opérationnelles et des filiales avec un contrôle financier limité. Parmi certaines de ces sociétés holding et sociétés mères relativement bien connues, citons la UAL Corporation, ainsi que l'AMR Corporation, parmi une longue liste de sociétés holding aériennes parfois reconnues dans le monde entier. Moins reconnues sont les sociétés de capital-investissement qui prennent souvent le contrôle de la direction, des finances et du conseil d'administration de compagnies aériennes en difficulté en investissant temporairement de grosses sommes d'argent dans les transporteurs aériens, en restructurant les actifs d'une compagnie aérienne en une organisation rentable ou en liquidant un transporteur aérien de ses activités. des itinéraires et des opérations commerciales rentables et rentables.
Ainsi, les 50 dernières années de l’industrie du transport aérien ont varié de raisonnablement rentable à une dépression catastrophique. En tant que premier grand marché à déréglementer l’industrie en 1978, les compagnies aériennes américaines ont connu plus de turbulences que presque n’importe quel autre pays ou région. En fait, aucun opérateur historique américain n’a survécu sans faillite. Parmi les critiques virulents de la déréglementation, l’ancien PDG d’American Airlines, Robert Crandall, a déclaré publiquement :
"Le dépôt de bilan en vertu du chapitre 11 montre que la déréglementation du secteur aérien était une erreur."
Le sauvetage du secteur aérien
Le Congrès a adopté la [http://ostpxweb.ost.dot.gov/aviation/Data/stabilizationact.pdf Loi sur la sécurité du transport aérien et la stabilisation du système] (P.L. 107-42) en réponse à une grave crise de liquidité à laquelle est confrontée la compagnie aérienne déjà en difficulté. l'industrie au lendemain des attentats terroristes du 11 septembre. Par l'intermédiaire de l'ATSB, le Congrès a cherché à fournir des injections de liquidités aux transporteurs à la fois pour couvrir le coût de la fermeture fédérale des compagnies aériennes pendant quatre jours et les pertes supplémentaires subies jusqu'au 31 décembre 2001 à la suite des attaques terroristes. Cela a abouti au premier plan de sauvetage gouvernemental du 21e siècle. Entre 2000 et 2005, les compagnies aériennes américaines ont perdu 30 milliards de dollars, avec des réductions de salaires de plus de 15 milliards de dollars et le licenciement de 100 000 employés.
Reconnaissant le rôle économique national essentiel d'un système aérien sain, le Congrès a autorisé une compensation partielle pouvant aller jusqu'à 5 milliards de dollars en espèces, sous réserve d'un examen par le ministère des Transports, et jusqu'à 10 milliards de dollars en garanties de prêt, sous réserve d'un examen par un ministère des Transports aériens nouvellement créé. Conseil de stabilisation (ATSB). Les demandes de remboursement adressées au DOT ont été soumises à des examens pluriannuels rigoureux non seulement par le personnel du programme du DOT, mais également par le Government Accountability Office et l'inspecteur général du DOT.
En fin de compte, le gouvernement fédéral a versé 4,6 milliards de dollars en paiements uniques, soumis à l'impôt sur le revenu, à 427 transporteurs aériens américains, sans aucune disposition de remboursement, ce qui constitue essentiellement un cadeau des contribuables. (Les transporteurs de passagers exploitant des services réguliers ont reçu environ 4 milliards de dollars, soumis aux taxes.) En outre, l'ATSB a approuvé des garanties de prêt à six compagnies aériennes totalisant environ 1,6 milliard de dollars. Les données du Département du Trésor américain montrent que le gouvernement a récupéré 1,6 milliard de dollars et un bénéfice de 339 millions de dollars grâce aux frais, aux intérêts et à l'achat d'actions à prix réduit des compagnies aériennes associées aux garanties de prêt.
Industrie aérienne asiatique
Bien que Philippine Airlines (PAL) ait été officiellement fondée le 26 février 1941, sa licence d'exploitation en tant qu'avion de ligne provenait de la fusion de la Philippine Aerial Taxi Company (PATCO) créée par le magnat des mines Emmanuel N. Bachrach le 3 décembre 1930, ce qui en faisait le numéro un en Asie. le plus ancien transporteur régulier encore en activité. Le service aérien commercial a commencé trois semaines plus tard de Manille à Baguio, ce qui en fait la première route aérienne d'Asie. La mort de Bachrach en 1937 a ouvert la voie à sa fusion éventuelle avec Philippine Airlines en mars 1941 et en a fait la plus ancienne compagnie aérienne d'Asie. C'est également la plus ancienne compagnie aérienne d'Asie encore en activité sous son nom actuel. La part majoritaire de Bachrach dans PATCO a été achetée par le magnat de la bière Andres R. Soriano en 1939 sur les conseils du général Douglas MacArthur et a ensuite fusionné avec la nouvelle Philippine Airlines avec PAL comme entité survivante. Soriano détenait une participation majoritaire dans les deux compagnies aériennes avant la fusion. PAL a repris le service le 15 mars 1941 avec un seul avion Beech Model 18 NPC-54, qui a commencé ses services quotidiens entre Manille (depuis Nielson Field) et Baguio, pour s'étendre plus tard avec des avions plus gros tels que le DC-3 et le Vickers Viscount.
L’Inde a également été l’un des premiers pays à adopter l’aviation civile. L'une des premières compagnies aériennes d'Asie occidentale fut Air India, qui a fait ses débuts sous le nom de Tata Airlines en 1932, une division de Tata Sons Ltd. (aujourd'hui Tata Group). La compagnie aérienne a été fondée par le principal industriel indien, JRD Tata. Le 15 octobre 1932, J. R. D. Tata lui-même pilotait un monomoteur De Havilland Puss Moth transportant du courrier aérien (courrier postal d'Imperial Airways) de Karachi à Bombay via Ahmedabad. L'avion a continué vers Madras via Bellary piloté par le pilote de la Royal Air Force Nevill Vintcent. Tata Airlines a également été l'une des premières grandes compagnies aériennes au monde à démarrer ses opérations sans aucun soutien du gouvernement.
Avec le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, la présence des compagnies aériennes en Asie s'est relativement arrêtée, de nombreuses nouvelles compagnies aériennes faisant don de leurs avions pour l'aide militaire et à d'autres fins. Après la fin de la guerre en 1945, le service commercial régulier fut rétabli en Inde et Tata Airlines devint une société anonyme le 29 juillet 1946 sous le nom d'Air India. Après l'indépendance de l'Inde, 49 % de la compagnie aérienne a été acquise par le gouvernement indien. En échange, la compagnie aérienne a obtenu le statut de transporteur national désigné sous le nom d'Air India International pour exploiter des services internationaux depuis l'Inde.
Le 31 juillet 1946, un DC-4 affrété par Philippine Airlines (PAL) a transporté 40 militaires américains à Oakland, en Californie, depuis l'aéroport Nielson de Makati City avec des escales à Guam, Wake Island, l'atoll de Johnston et Honolulu, Hawaï, faisant de PAL le premier. Une compagnie aérienne asiatique va traverser l'océan Pacifique. Un service régulier entre Manille et San Francisco a démarré en décembre. C'est au cours de cette année que la compagnie aérienne a été désignée comme transporteur national des Philippines.
À l’époque de la décolonisation, les nouveaux pays asiatiques ont commencé à adopter le transport aérien. Parmi les premiers transporteurs asiatiques de l'époque figuraient Cathay Pacific de Hong Kong (fondée en septembre 1946), Orient Airways (plus tard Pakistan International Airlines ; fondée en octobre 1946), Air Ceylon (plus tard SriLankan Airlines ; fondée en 1947), Malayan Airways Limited. en 1947 (plus tard Singapore et Malaysia Airlines), El Al en Israël en 1948, Garuda Indonesia en 1948, Japan Airlines en 1951, Thai Airways International en 1960 et Korean National Airlines en 1947.
Industrie aérienne latino-américaine
Parmi les premiers pays à avoir des compagnies aériennes régulières en Amérique Latine, citons la Bolivie avec Lloyd Aéreo Boliviano, Cuba avec Cubana de Aviación, la Colombie avec Avianca, l'Argentine avec Aerolineas Argentinas, le Chili avec LAN Chile (aujourd'hui LAN Airlines), le Brésil avec Varig, la République Dominicaine avec Dominicaine de Aviación, Mexique avec Mexicana de Aviación, Trinidad et Tobago avec BWIA West Indies Airways (aujourd'hui Caribbean Airlines), Venezuela avec Aeropostal, et TACA basée au Salvador et représentant plusieurs compagnies aériennes d'Amérique Centrale (Costa Rica, Guatemala, Honduras et Nicaragua). ). Toutes les compagnies aériennes précédentes ont commencé leurs opérations régulières bien avant la Seconde Guerre mondiale.
Le marché du transport aérien a évolué rapidement ces dernières années en Amérique latine. Certaines estimations de l'industrie indiquent que plus de 2 000 nouveaux avions entreront en service au cours des cinq prochaines années dans cette région.
Ces compagnies aériennes assurent des vols intérieurs dans leur pays, ainsi que des liaisons en Amérique latine ainsi que des vols outre-mer vers l'Amérique du Nord, l'Europe, l'Australie et l'Asie.
Seules trois compagnies aériennes : Avianca, LAN et TAM Airlines possèdent des filiales internationales et couvrent de nombreuses destinations en Amérique ainsi que des hubs majeurs sur d'autres continents. LAN avec le Chili comme opération centrale avec le Pérou, l'Équateur, la Colombie et l'Argentine et quelques opérations en République Dominicaine. Le groupe AviancaTACA, récemment formé, contrôle Avianca Brésil, VIP Equateur et une alliance stratégique avec AeroGal. Et TAM avec sa base du Mercosur à Asuncion, au Paraguay. Depuis 2010, les discussions sur l'unification de LAN et TAM se sont fortement développées pour créer une compagnie aérienne commune nommée LATAM.
Considérations réglementaires
National
De nombreux pays disposent de compagnies aériennes nationales que le gouvernement possède et exploite. Les compagnies aériennes entièrement privées sont soumises à de nombreuses réglementations gouvernementales pour des raisons économiques, politiques et de sécurité. Par exemple, les gouvernements interviennent souvent pour mettre fin aux actions des travailleurs des compagnies aériennes afin de protéger la libre circulation des personnes, des communications et des marchandises entre différentes régions sans compromettre la sécurité.
Les États-Unis, l'Australie et, dans une moindre mesure, le Brésil, le Mexique, l'Inde, le Royaume-Uni et le Japon ont « déréglementé » leurs compagnies aériennes. Dans le passé, ces gouvernements dictaient les tarifs aériens, les réseaux de routes et d'autres exigences opérationnelles pour chaque compagnie aérienne. Depuis la déréglementation, les compagnies aériennes sont largement libres de négocier leurs propres accords d'exploitation avec différents aéroports, d'entrer et de sortir facilement des itinéraires, de fixer les tarifs aériens et de proposer des vols en fonction de la demande du marché.
Les barrières à l’entrée pour les nouvelles compagnies aériennes sont plus faibles dans un marché déréglementé, et c’est pourquoi les États-Unis ont vu des centaines de compagnies aériennes démarrer (parfois pour une brève période d’exploitation). Cela a donné lieu à une concurrence bien plus forte qu’avant la déréglementation sur la plupart des marchés. La concurrence accrue, conjuguée à la liberté de tarification, signifie que les nouveaux entrants prennent souvent des parts de marché avec des tarifs très réduits que, dans une certaine mesure, les compagnies aériennes à service complet doivent égaler. Il s’agit d’une contrainte majeure sur la rentabilité des transporteurs établis, dont la base de coûts est généralement plus élevée.
En conséquence, la rentabilité sur un marché déréglementé est inégale pour la plupart des compagnies aériennes. Ces forces ont provoqué la faillite de certaines grandes compagnies aériennes, ainsi que de la plupart des nouveaux entrants mal établis.
Aux États-Unis, le secteur du transport aérien est dominé par quatre grandes entreprises. En raison de la consolidation du secteur, après la chute considérable des prix du carburant en 2015, très peu d’économies ont été répercutées sur les consommateurs.
International
Des groupes tels que l'Organisation de l'aviation civile internationale établissent des normes mondiales en matière de sécurité et d'autres préoccupations vitales. La majeure partie du trafic aérien international est réglementée par des accords bilatéraux entre pays, qui désignent des transporteurs spécifiques pour opérer sur des routes spécifiques. Le modèle d’un tel accord était l’accord des Bermudes entre les États-Unis et le Royaume-Uni après la Seconde Guerre mondiale, qui désignait les aéroports destinés aux vols transatlantiques et donnait à chaque gouvernement le pouvoir de désigner des transporteurs pour exploiter des routes.
Les accords bilatéraux reposent sur les « libertés aériennes », un ensemble de droits de trafic généralisés allant de la liberté de survoler un pays à la liberté d'assurer des vols intérieurs à l'intérieur d'un pays (un droit très rarement accordé connu sous le nom de cabotage). La plupart des accords autorisent les compagnies aériennes à voler depuis leur pays d'origine vers des aéroports désignés dans l'autre pays : certains étendent également la liberté de fournir un service continu vers un pays tiers ou vers une autre destination dans l'autre pays tout en transportant des passagers en provenance de l'étranger.
Dans les années 1990, les accords de « ciel ouvert » sont devenus plus courants. Ces accords privent les gouvernements des États d’un grand nombre de ces pouvoirs réglementaires et ouvrent des voies internationales à une concurrence accrue. Les accords de ciel ouvert ont suscité certaines critiques, notamment au sein de l'Union européenne, dont les compagnies aériennes seraient comparativement désavantagées par rapport à celles des États-Unis en raison des restrictions sur le cabotage.
Considérations économiques
Historiquement, le transport aérien a survécu en grande partie grâce au soutien de l’État, que ce soit sous forme de capitaux propres ou de subventions. L’industrie du transport aérien dans son ensemble a enregistré une perte cumulée au cours de ses 100 ans d’histoire, une fois que les coûts incluent les subventions au développement des avions et à la construction des aéroports.
Un argument est que les externalités positives, telles qu’une croissance plus élevée due à la mobilité mondiale, compensent les pertes microéconomiques et justifient la poursuite de l’intervention gouvernementale. Un niveau historiquement élevé d’intervention gouvernementale dans le secteur du transport aérien peut être considéré comme faisant partie d’un consensus politique plus large sur les formes stratégiques de transport, telles que les autoroutes et les chemins de fer, qui reçoivent tous deux des financements publics dans la plupart des régions du monde.
Bien que de nombreux pays continuent d’exploiter des compagnies aériennes publiques ou paraétatiques, de nombreuses grandes compagnies aériennes appartiennent aujourd’hui à des intérêts privés et sont donc régies par des principes microéconomiques visant à maximiser les profits des actionnaires.
Principaux groupes de compagnies aériennes par chiffre d'affaires
pour 2010, source : Airline Business août 2011, Flightglobal Data Research
Revenus des billets
Les compagnies aériennes fixent des prix à leurs services dans le but de maximiser la rentabilité. La tarification des billets d'avion est devenue de plus en plus complexe au fil des années et est désormais largement déterminée par des systèmes informatisés de gestion du rendement.
En raison des complications liées à la planification des vols et au maintien de la rentabilité, les compagnies aériennes disposent de nombreuses failles qui peuvent être exploitées par le voyageur averti. Beaucoup de ces secrets sur les tarifs aériens sont de plus en plus connus du grand public, ce qui oblige les compagnies aériennes à procéder à des ajustements constants.
La plupart des compagnies aériennes ont recours à une tarification différenciée, une forme de discrimination par les prix, pour vendre simultanément des services aériens à des prix variables à différents segments. Les facteurs influençant le prix comprennent les jours restants avant le départ, le coefficient de remplissage réservé, la prévision de la demande totale par niveau de prix, les tarifs compétitifs en vigueur et les variations selon le jour de la semaine de départ et selon l'heure de la journée. Les transporteurs y parviennent souvent en divisant chaque cabine de l'avion (d'abord, affaires et économique) en un certain nombre de classes de voyage à des fins de tarification.
Un facteur qui complique la situation est celui du contrôle origine-destination (« contrôle O&D »). Quelqu'un qui achète un billet de Melbourne à Sydney (à titre d'exemple) pour 200 AUD est en concurrence avec quelqu'un d'autre qui souhaite voyager de Melbourne à Los Angeles via Sydney sur le même vol et qui est prêt à payer 1 400 AUD. chou | http://www.quizballs.com/ |
Quel était le nom du groupe de rock des années 1960 composé d'Eric Clapton, Ginger Baker, Steve Winwood et Ric Grech ? | Blind Faith | [
"L'autre objectif clé du blues britannique était autour de John Mayall qui a formé les Bluesbreakers, dont les membres comprenaient Eric Clapton (après son départ des Yardbirds) et plus tard Peter Green. La sortie de l'album Blues Breakers avec Eric Clapton (Beano) (1966), considéré comme l'un des enregistrements phares du blues britannique et dont le son a été très imité en Grande-Bretagne et aux États-Unis, a été particulièrement significative. Eric Clapton a ensuite formé les supergroupes Cream, Blind Faith et Derek and the Dominos, suivis d'une longue carrière solo qui a contribué à faire connaître le blues rock au grand public. Green, avec la section rythmique du Bluesbreaker, Mick Fleetwood et John McVie, a formé Fleetwood Mac de Peter Green, qui a connu l'un des plus grands succès commerciaux du genre. À la fin des années 1960, Jeff Beck, également ancien élève des Yardbirds, a fait évoluer le blues rock vers le heavy rock avec son groupe, le Jeff Beck Group. Le dernier guitariste des Yardbirds était Jimmy Page, qui a ensuite formé les New Yardbirds qui sont rapidement devenus Led Zeppelin. La plupart des chansons de leurs trois premiers albums, et parfois plus tard dans leur carrière, étaient des extensions de chansons de blues traditionnelles."
] | La musique rock est un genre de musique populaire né sous le nom de « rock and roll » aux États-Unis dans les années 1950 et qui s'est développé dans une gamme de styles différents dans les années 1960 et plus tard, en particulier au Royaume-Uni et aux États-Unis. E. Studwell et D. F. Lonergan, The Classic Rock and Roll Reader : Rock Music from its Beginnings to the Mid-1970s (Abingdon : Routledge, 1999), ISBN 0-7890-0151-9 Il a ses racines dans les années 1940 et 1950. le rock and roll, lui-même fortement influencé par le blues, le rythme et le blues et la musique country. La musique rock s'inspire également fortement d'un certain nombre d'autres genres tels que le blues électrique et le folk, et incorpore des influences du jazz, du classique et d'autres sources musicales.
Musicalement, le rock s'est concentré sur la guitare électrique, généralement dans le cadre d'un groupe de rock avec une guitare basse électrique et une batterie. En règle générale, le rock est une musique basée sur des chansons, généralement avec une signature rythmique 4/4 utilisant une forme couplet-refrain, mais le genre est devenu extrêmement diversifié. Comme la musique pop, les paroles mettent souvent l'accent sur l'amour romantique, mais abordent également une grande variété d'autres thèmes qui sont souvent sociaux ou politiques. La domination du rock par les musiciens masculins blancs a été considérée comme l'un des facteurs clés qui façonnent les thèmes explorés dans la musique rock. Le rock accorde une plus grande importance à la musicalité, aux performances live et à une idéologie d'authenticité que la musique pop.
À la fin des années 1960, appelée « l'âge d'or » ou la période du « rock classique », un certain nombre de sous-genres distincts de la musique rock avaient émergé, y compris des hybrides comme le blues rock, le folk rock, le country rock, le raga rock et le jazz-rock. dont beaucoup ont contribué au développement du rock psychédélique, influencé par la scène psychédélique contre-culturelle. Les nouveaux genres qui ont émergé de cette scène comprenaient le rock progressif, qui élargissait les éléments artistiques ; le glam rock, qui mettait en avant le sens du spectacle et le style visuel ; et le sous-genre diversifié et durable du heavy metal, qui mettait l'accent sur le volume, la puissance et la vitesse. Dans la seconde moitié des années 1970, le punk rock a réagi contre les aspects exagérés, inauthentiques et trop traditionnels de ces genres pour produire une forme de musique dépouillée et énergique valorisant l'expression brute et souvent caractérisée par des paroles par des critiques sociales et politiques. Le punk a eu une influence dans les années 1980 sur le développement ultérieur d'autres sous-genres, notamment la new wave, le post-punk et finalement le mouvement rock alternatif. À partir des années 1990, le rock alternatif a commencé à dominer la musique rock et à percer dans le courant dominant sous la forme du grunge, de la Britpop et du rock indépendant. D'autres sous-genres de fusion ont depuis émergé, notamment le pop punk, le rap rock et le rap metal, ainsi que des tentatives conscientes de revisiter l'histoire du rock, y compris les renaissances du garage rock/post-punk et de la synthpop au début du nouveau millénaire.
La musique rock a également incarné et servi de véhicule à des mouvements culturels et sociaux, conduisant à des sous-cultures majeures, notamment les mods et les rockers au Royaume-Uni, ainsi qu'à la contre-culture hippie qui s'est répandue depuis San Francisco aux États-Unis dans les années 1960. De la même manière, la culture punk des années 1970 a engendré les sous-cultures gothique et emo visuellement distinctives. Héritant de la tradition folklorique de la chanson de protestation, la musique rock a été associée à l'activisme politique ainsi qu'aux changements d'attitudes sociales à l'égard de la race, du sexe et de la consommation de drogues, et est souvent considérée comme l'expression de la révolte des jeunes contre le consumérisme et le conformisme des adultes.
Caractéristiques
Le son du rock est traditionnellement centré sur la guitare électrique amplifiée, qui a émergé sous sa forme moderne dans les années 1950 avec la popularisation du rock and roll, et a été influencée par les sons des guitaristes de blues électrique. Michael Campbell & James Brody, [https : //books.google.co.uk/books?id
RK-JmVbv4OIC&pgPA80 Rock and Roll : An Introduction], pages 80-81 Le son d'une guitare électrique dans la musique rock est généralement soutenu par une guitare basse électrique, pionnière dans la musique jazz à la même époque, et par des percussions produites à partir d'une batterie. qui combine batterie et cymbales. Ce trio d'instruments a souvent été complété par l'inclusion d'autres instruments, notamment des claviers comme le piano, l'orgue Hammond et les synthétiseurs. L'instrumentation de base du rock a été adaptée de l'instrumentation de base du groupe de blues (guitare solo proéminente, deuxième instrument d'accord, basse et batterie). Un groupe de musiciens interprétant de la musique rock est appelé groupe de rock ou groupe de rock et se compose généralement de trois membres – le power trio utilisé dans le rock, le métal et le punk rock – et de cinq membres. Classiquement, un groupe de rock prend la forme d'un quatuor dont les membres assument un ou plusieurs rôles, dont celui de chanteur, guitariste principal, guitariste rythmique, bassiste, batteur et souvent celui de claviériste ou autre instrumentiste.
La musique rock est traditionnellement construite sur une base de rythmes simples non syncopés dans un mètre 4/4, avec un battement de caisse claire répétitif sur les temps deux et quatre.C. Ammer, The Facts on File Dictionary of Music (New York, NY : Infobase, 4e éd., 2004), ISBN 0-8160-5266-2, pp. 251-2. Les mélodies sont souvent dérivées de modes musicaux plus anciens, notamment le dorien et le mixolydien, ainsi que des modes majeurs et mineurs. Les harmonies vont de la triade commune aux quartes et quintes parallèles et aux progressions harmoniques dissonantes. Les chansons rock, depuis la fin des années 1950 et particulièrement à partir du milieu des années 1960, utilisaient souvent la structure couplet-refrain dérivée du blues et de la musique folk, mais il y a eu des variations considérables par rapport à ce modèle. Les critiques ont souligné l'éclectisme et la diversité stylistique du rock. En raison de son histoire complexe et de sa tendance à emprunter à d'autres formes musicales et culturelles, il a été avancé qu'« il est impossible de lier la musique rock à une définition musicale rigidement délimitée ».
Contrairement à de nombreux styles de musique populaire antérieurs, les paroles rock traitent d'un large éventail de thèmes en plus de l'amour romantique : notamment le sexe, la rébellion contre « l'establishment », les préoccupations sociales et les styles de vie. Ces thèmes sont hérités de diverses sources, notamment de la tradition pop de Tin Pan Alley, de la musique folk et du rythme et du blues. Le journaliste musical Robert Christgau qualifie les paroles de rock de « médium cool » avec une diction simple et des refrains répétés, et affirme que la « fonction » principale du rock « concerne la musique ou, plus généralement, le bruit ». La prédominance des musiciens blancs, masculins et souvent de classe moyenne dans la musique rock a souvent été constatée et le rock a été considéré comme une appropriation de formes musicales noires pour un public jeune, blanc et majoritairement masculin. En conséquence, il a été considéré comme articulant les préoccupations de ce groupe à la fois dans le style et dans les paroles.
Depuis que le terme rock a commencé à être utilisé de préférence au rock and roll à partir de la fin des années 1960, il a souvent été comparé à la musique pop, avec laquelle il partage de nombreuses caractéristiques, mais dont il s'éloigne souvent en mettant l'accent sur la musicalité, des performances live et une concentration sur des thèmes sérieux et progressistes dans le cadre d'une idéologie d'authenticité qui est fréquemment combinée avec une conscience de l'histoire et du développement du genre.T. Warner, Musique pop : technologie et créativité : Trevor Horn et la révolution numérique (Aldershot : Ashgate, 2003), ISBN 0-7546-3132-X, pp. 3–4. Selon Simon Frith, « le rock était quelque chose de plus que de la pop, quelque chose de plus que du rock and roll. Les musiciens de rock combinaient l'accent mis sur l'habileté et la technique avec le concept romantique de l'art en tant qu'expression artistique, originale et sincère ». Au cours du nouveau millénaire, le terme rock a parfois été utilisé comme un terme général incluant des formes telles que la musique pop, la musique reggae, la musique soul et même le hip hop, avec lesquels il a été influencé mais souvent contrasté tout au long de son histoire.
Origines
Rock and roll
Les fondements de la musique rock reposent sur le rock and roll, né aux États-Unis à la fin des années 40 et au début des années 50, et qui s'est rapidement répandu dans une grande partie du reste du monde. Ses origines immédiates résident dans un mélange de divers genres musicaux noirs de l'époque, notamment le rythme et le blues et la musique gospel, avec la country et le western. En 1951, le disc-jockey de Cleveland, Ohio, Alan Freed, a commencé à jouer de la musique rythmique et blues (alors appelée « musique de course ») pour un public multiracial, et on lui attribue pour la première fois l'expression « rock and roll » pour décrire la musique.
Le débat entoure quel disque devrait être considéré comme le premier disque de rock and roll. Les prétendants incluent « Rock Awhile » de Goree Carter (1949) ; "Rock the Joint" de Jimmy Preston (1949), qui fut ensuite repris par Bill Haley & His Comets en 1952 ; et "Rocket 88" de Jackie Brenston et ses Delta Cats (en fait, Ike Turner et son groupe les Kings of Rhythm), enregistré par Sam Phillips pour Sun Records en 1951.M. Campbell, éd., Popular Music in America : and the Beat Goes on (Boston, MA : Cengage Learning, 3e éd., 2008), ISBN 0-495-50530-7, pp. Quatre ans plus tard, "Rock Around the Clock" (1955) de Bill Haley est devenu la première chanson rock and roll à figurer en tête des principaux classements de ventes et de diffusion du magazine Billboard, et a ouvert la porte du monde entier à cette nouvelle vague de culture populaire.
Il a également été avancé que "That's All Right (Mama)" (1954), le premier single d'Elvis Presley pour Sun Records à Memphis, pourrait être le premier disque de rock and roll, mais, en même temps, "Shake, Rattle & Roll", repris plus tard par Haley, était déjà en tête des charts Billboard R&B. Parmi les autres artistes avec les premiers succès du rock and roll figurent Chuck Berry, Bo Diddley, Fats Domino, Little Richard, Jerry Lee Lewis et Gene Vincent. Bientôt, le rock and roll devint la force majeure des ventes de disques aux États-Unis et les crooners, tels qu'Eddie Fisher, Perry Como et Patti Page, qui avaient dominé la décennie précédente de la musique populaire, virent leur accès aux charts pop considérablement réduit.
Le rock and roll a été considéré comme menant à un certain nombre de sous-genres distincts, y compris le rockabilly, combinant le rock and roll avec la musique country « hillbilly », qui était généralement jouée et enregistrée au milieu des années 1950 par des chanteurs blancs tels que Carl Perkins, Jerry Lee. Lewis, Buddy Holly et avec le plus grand succès commercial, Elvis Presley. En revanche, le doo wop a mis l'accent sur des harmonies vocales en plusieurs parties et des paroles d'accompagnement dénuées de sens (d'où le genre a ensuite tiré son nom), qui étaient généralement soutenues par une instrumentation légère. et a ses origines dans les groupes vocaux afro-américains des années 1930 et 1940. Des groupes comme les Crows, les Penguins, les El Dorados et les Turbans ont tous connu des succès majeurs, et des groupes comme les Platters, avec des chansons comme "The Great Pretender" (1955), et les Coasters avec des chansons humoristiques comme "Yakety Yak" (1958). ), classé parmi les groupes de rock and roll les plus réussis de l'époque.
L'époque a également vu la popularité croissante de la guitare électrique et le développement d'un style de jeu spécifiquement rock and roll à travers des représentants tels que Chuck Berry, Link Wray et Scotty Moore. L'utilisation de la distorsion, lancée par des guitaristes de blues électrique tels que Guitar Slim, Willie Johnson et Pat Hare au début des années 1950, a été popularisée par Chuck Berry au milieu des années 1950. L'utilisation des accords de puissance, lancée par Willie Johnson et Pat Hare au début des années 1950, a été popularisée par Link Wray à la fin des années 1950.
Au Royaume-Uni, les mouvements de jazz traditionnel et de folk ont amené des artistes de blues en visite en Grande-Bretagne. F. Schwartz, Comment la Grande-Bretagne a obtenu le blues : la transmission et la réception du style blues américain au Royaume-Uni (Aldershot : Ashgate, 2007), ISBN 0-7546-5580-6, p. 22. Le tube "Rock Island Line" de Lonnie Donegan en 1955 a eu une influence majeure et a contribué à développer la tendance des groupes de musique skiffle à travers le pays, dont beaucoup, y compris les Quarrymen de John Lennon, ont évolué vers le rock and roll.
Les commentateurs ont traditionnellement perçu un déclin du rock and roll à la fin des années 1950 et au début des années 1960. En 1959, la mort de Buddy Holly, The Big Bopper et Richie Valens dans un accident d'avion, le départ d'Elvis pour l'armée, la retraite de Little Richard pour devenir pasteur, les poursuites contre Jerry Lee Lewis et Chuck Berry et la rupture de le scandale Payola (qui impliquait des personnalités majeures, dont Alan Freed, dans des pots-de-vin et des corruptions dans la promotion d'actes ou de chansons individuels), a donné le sentiment que l'ère du rock and roll établie à ce moment-là avait pris fin. Campbell, éd., Musique populaire en Amérique : et le rythme continue (Boston, MA : Cengage Learning, 3e éd., 2008), ISBN 0-495-50530-7, p. 99.
"Entre les années"
La période de la fin des années 1950 et du début des années 1960, entre la fin de la période initiale d'innovation et ce qui est devenu connu aux États-Unis sous le nom de « l'invasion britannique », a traditionnellement été considérée comme une ère de pause pour le rock and roll. Plus récemment, certains auteurs ont souligné les innovations et tendances importantes de cette période sans lesquelles les développements futurs n'auraient pas été possibles. Alors que les premiers rock and roll, en particulier grâce à l'avènement du rockabilly, ont connu le plus grand succès commercial pour les artistes masculins et blancs, à cette époque, le genre était dominé par les artistes noirs et féminins. Le rock and roll n'avait pas disparu à la fin des années 1950 et une partie de son énergie peut être retrouvée dans l'engouement pour la danse Twist du début des années 1960, qui profita principalement à la carrière de Chubby Checker. Après s'être éteint à la fin des années 1950, le doo wop a connu un renouveau au cours de la même période, avec des succès pour des groupes comme les Marcels, les Capris, Maurice Williams et les Zodiacs, et Shep et les Limelights.R. Unterberger, "Doo Wop", dans Bogdanov et.al., 2002, pp. 1306–7. La montée en puissance de groupes de filles comme les Chantels, les Shirelles et les Crystals a mis l'accent sur les harmonies et la production soignée qui contrastaient avec le rock and roll antérieur. Certains des succès les plus importants des groupes de filles étaient des produits du Brill Building Sound, du nom du quartier de New York où étaient basés de nombreux auteurs-compositeurs, qui comprenait le hit numéro 1 des Shirelles "Will You Love Me Tomorrow" en 1960, écrit par le partenariat de Gerry Goffin et Carole King.R. Unterberger, "Brill Building Sound", dans Bogdanov et.al., 2002, pp. 1311–2.
Cliff Richard a eu le premier succès du rock and roll britannique avec "Move It", inaugurant efficacement le son du rock britannique. Au début des années 1960, son groupe d'accompagnement, The Shadows, était le groupe le plus performant en matière d'enregistrement d'instruments. Alors que le rock'n'roll se transformait en pop légère et en ballades, les groupes de rock britanniques présents dans les clubs et dans les soirées locales, fortement influencés par les pionniers du blues-rock comme Alexis Korner, commençaient à jouer avec une intensité et un dynamisme rarement rencontrés dans les groupes blancs américains. B. Eder, "British Blues", dans V. Bogdanov, C. Woodstra, S. T. Erlewine, éd., All Music Guide to the Blues : The Definitive Guide to the Blues (Milwaukee, WI : Backbeat Books, 3e éd., 2003), ISBN 0-87930-736-6, p. 700.
L’avènement de la musique soul en tant que force commerciale majeure a également été significatif. Se développant à partir du rythme et du blues avec une réinjection de musique gospel et de pop, menée par des pionniers comme Ray Charles et Sam Cooke du milieu des années 1950, par des personnalités du début des années 1960 comme Marvin Gaye, James Brown, Aretha Franklin, Curtis Mayfield et Stevie Wonder dominait les charts R&B et pénétrait dans les principaux charts pop, contribuant ainsi à accélérer leur déségrégation, tandis que Motown et Stax/Volt Records devenaient des forces majeures dans l'industrie du disque. Unterberger, "Soul", dans Bogdanov et.al., 2002, pp. 1323–5. Tous ces éléments, y compris les harmonies étroites du doo wop et des groupes de filles, l'écriture soigneusement conçue du Brill Building Sound et les valeurs de production raffinées de la soul, ont été considérés comme ayant influencé le son du Merseybeat, en particulier les premiers travaux de The Beatles, et à travers eux la forme de la musique rock ultérieure.R. Unterberger, "Merseybeat", dans Bogdanov et.al., 2002, pp. Certains historiens de la musique ont également souligné des développements techniques importants et innovants qui se sont appuyés sur le rock and roll au cours de cette période, notamment le traitement électronique du son par des innovateurs tels que Joe Meek et les méthodes de production élaborées du Mur du son poursuivies par Phil Spector. .K. Keightley, "Reconsidering rock" dans S. Frith, W. Straw et J. Street, éd., The Cambridge Companion to Pop and Rock (Cambridge : Cambridge University Press, 2001), ISBN 0-521-55660-0, p. 116.
Musique de surf
Le rock and roll instrumental d'artistes tels que Duane Eddy, Link Wray and the Ventures a été développé par Dick Dale, qui a ajouté une réverbération « humide » distinctive, un picking alternatif rapide et des influences du Moyen-Orient et du Mexique. Il produit le tube régional "Let's Go Trippin'" en 1961 et lance l'engouement pour la surf music, enchaînant avec des chansons comme "Misirlou" (1962). Comme Dale et ses Del-Tones, la plupart des premiers groupes de surf ont été formés dans le sud de la Californie, notamment les Bel-Airs, les Challengers et Eddie & the Showmen. Les Chantays ont marqué un des dix meilleurs succès nationaux avec "Pipeline" en 1963 et probablement le morceau de surf le plus connu était "Wipe Out" de 1963, des Surfaris, qui a atteint les numéros 2 et 10 des charts Billboard en 1965.
Les groupes qui se sont tournés vers ce genre comprenaient les Astronauts, de Boulder, Colorado ; les Trashmen, de Minneapolis, Minnesota, qui ont eu un succès numéro 4 avec "Surfin Bird" en 1964 ; et les Rivieras de South Bend, Indiana, qui ont atteint le numéro 5 en 1964 avec "California Sun".R. Unterberger, "Surf Music", dans Bogdanov et.al., 2002, pp. 1313-14. Les Atlantics, de Sydney, ont apporté une contribution significative au genre, avec leur tube "Bombora" (1963). Les groupes instrumentaux européens à cette époque se concentraient généralement davantage sur le style plus rock and roll joué par The Shadows, mais les Dakotas, qui étaient le groupe d'accompagnement britannique du chanteur du Merseybeat Billy J. Kramer, ont attiré une certaine attention en tant que musiciens de surf avec " Cruel Sea ". (1963), qui a ensuite été repris par des groupes de surf instrumentaux américains, dont les Ventures.
La musique surf a connu son plus grand succès commercial en tant que musique vocale, en particulier grâce au travail des Beach Boys, formés en 1961 en Californie du Sud. Leurs premiers albums comprenaient à la fois du surf rock instrumental (parmi eux des reprises de musique de Dick Dale) et des chansons vocales, s'inspirant du rock and roll et du doo wop et des harmonies proches d'actes pop vocaux comme les Four Freshmen. Leur premier hit, "Surfin'" en 1962, atteint le top 100 du Billboard et contribue à faire de l'engouement pour la musique surf un phénomène national. Ruhlman et al., "Beach Boys", dans Bogdanov et.al., 2002, pp. 71-5. À partir de 1963, le groupe a commencé à abandonner le surf comme thème lorsque Brian Wilson est devenu leur principal compositeur et producteur, passant aux thèmes plus généraux de l'adolescence masculine, y compris les voitures et les filles dans des chansons comme "Fun, Fun, Fun" (1964) et "Filles californiennes" (1965). D'autres groupes de surf vocal ont suivi, y compris des merveilles à succès comme Ronny & the Daytonas avec "G. T. O." (1964) et Rip Chords avec "Hey Little Cobra", qui ont tous deux atteint le top dix, mais le seul autre groupe à avoir obtenu un succès durable avec la formule fut Jan & Dean, qui a eu un succès numéro 1 avec "Surf City" (co -écrit avec Brian Wilson) en 1963. L'engouement pour la musique surf et la carrière de presque tous les groupes de surf ont effectivement pris fin avec l'arrivée de l'invasion britannique à partir de 1964. Seuls les Beach Boys ont pu poursuivre une carrière créative jusqu'au milieu des années 1960. , produisant une série de singles et d'albums à succès, dont le très apprécié Pet Sounds en 1966, ce qui en faisait sans doute le seul groupe de rock ou de pop américain capable de rivaliser avec les Beatles.
âge d'or
Invasion britannique
À la fin de 1962, ce qui allait devenir la scène rock britannique avait commencé avec des groupes beat comme les Beatles, Gerry & the Pacemakers et les Searchers de Liverpool et Freddie and the Dreamers, Herman's Hermits et les Hollies de Manchester. Ils se sont inspirés d'un large éventail d'influences américaines, notamment la soul, le rythme et le blues et la surf music, R. Stakes, « Ces garçons : la montée du rythme de la Mersey », dans S. Wade, éd., Gladsongs and Gatherings : Poetry and its Social Context in Liverpool Since the 1960s (Liverpool : Liverpool University Press, 2001), ISBN 0-85323- 727-1, p. 157-66. réinterprétant dans un premier temps des airs américains standards et jouant pour les danseurs. Des groupes comme les Animals de Newcastle et Them de Belfast, et particulièrement ceux de Londres comme les Rolling Stones et les Yardbirds, ont été beaucoup plus directement influencés par le rythme et le blues et plus tard par la musique blues. Bientôt, ces groupes composèrent leur propre matériel, combinant les formes de musique américaines et leur insufflant un rythme très énergique. Les groupes beat avaient tendance à privilégier des « mélodies rebondissantes et irrésistibles », tandis que les premiers groupes de rythme et de blues britanniques tendaient vers des chansons moins sexuellement innocentes et plus agressives, adoptant souvent une position contestataire. Il y eut cependant, surtout au début, un croisement musical considérable entre les deux tendances. En 1963, menés par les Beatles, les groupes beat avaient commencé à connaître un succès national en Grande-Bretagne, bientôt suivis dans les charts par des groupes plus axés sur le rythme et le blues. Unterberger, "British R&B", dans Bogdanov et.al., 2002, pp. 1315–6.
"I Want to Hold Your Hand" a été le premier hit numéro 1 des Beatles sur le Billboard Hot 100, passant 7 semaines au sommet et un total de 15 semaines dans le classement. Leur première apparition au Ed Sullivan Show le 9 février 1964, attirant environ 73 millions de téléspectateurs (à l'époque un record pour une émission de télévision américaine), est souvent considérée comme une étape importante dans la culture pop américaine. Les Beatles sont devenus le groupe de rock le plus vendu de tous les temps et ont été suivis dans les charts américains par de nombreux groupes britanniques. Unterberger, « British Invasion », dans Bogdanov et.al., 2002, pp. 1316-17. Au cours des deux années suivantes, les groupes britanniques ont dominé leurs propres charts et ceux des États-Unis avec Peter and Gordon, the Animals, Manfred Mann, Petula Clark, Freddie and the Dreamers, Wayne Fontana and the Mindbenders, Herman's Hermits, les Rolling Stones, les Troggs et Donovan a tous un ou plusieurs singles numéro un. Parmi les autres groupes majeurs qui faisaient partie de l'invasion figuraient les Kinks et les Dave Clark Five.
L'invasion britannique a contribué à internationaliser la production de rock and roll, ouvrant la porte aux artistes britanniques (et irlandais) ultérieurs pour obtenir un succès international. En Amérique, cela a sans doute sonné le glas de la surf music instrumentale, des groupes vocaux de filles et (pour un temps) des idoles adolescentes, qui dominaient les charts américains à la fin des années 1950 et dans les années 1960. Cela a nui à la carrière d'actes R&B établis comme Fats Domino et Chubby Checker et a même temporairement fait dérailler le succès des artistes de rock and roll survivants, dont Elvis. L'invasion britannique a également joué un rôle majeur dans l'essor d'un genre distinct de musique rock et a consolidé la primauté du groupe de rock, basé sur les guitares et la batterie et produisant leur propre matériel en tant qu'auteurs-compositeurs-interprètes.
Roche de garage
Le garage rock était une forme brute de musique rock, particulièrement répandue en Amérique du Nord au milieu des années 1960 et ainsi appelée en raison de la perception selon laquelle elle était répétée dans le garage familial de banlieue. Shuker, Musique populaire : les concepts clés (Abingdon : Routledge, 2e éd., 2005), ISBN 0-415-34770-X, p. 140. Les chansons de garage rock tournaient souvent autour des traumatismes de la vie au lycée, les chansons sur les « filles menteuses » étant particulièrement courantes. Les paroles et la prestation avaient tendance à être plus agressives que ce qui était courant à l'époque, souvent avec des voix grognées ou criées qui se dissolvaient en cris incohérents. Ils allaient de la musique grossière à un seul accord (comme les Seeds) à la qualité d'un musicien proche du studio (y compris les Knickerbockers, les Remains et le Fifth Estate). Il y avait également des variations régionales dans de nombreuses régions du pays avec des scènes florissantes, notamment en Californie et au Texas. Les États du nord-ouest du Pacifique, Washington et Oregon, avaient peut-être le son régional le plus défini.
Le style avait évolué à partir des scènes régionales dès 1958. "Tall Cool One" (1959) de The Wailers et "Louie Louie" des Kingsmen (1963) sont des exemples traditionnels du genre à ses étapes de formation. En 1963, les singles des groupes de garage figuraient en plus grand nombre dans les charts nationaux, notamment Paul Revere and the Raiders (Boise), les Trashmen (Minneapolis) et les Rivieras (South Bend, Indiana). D'autres groupes de garage influents, tels que les Sonics (Tacoma, Washington), n'ont jamais atteint le Billboard Hot 100. À cette époque, de nombreux groupes étaient fortement influencés par le surf rock et il y avait une pollinisation croisée entre le garage rock et le frat rock, parfois considéré comme simplement un sous-genre du garage rock.
L'invasion britannique de 1964-1966 a grandement influencé les groupes de garage, leur offrant un public national, conduisant de nombreux groupes (souvent des groupes de surf ou de hot rod) à adopter une influence britannique et encourageant de nombreux autres groupes à se former. Des milliers de groupes de garage existaient aux États-Unis et au Canada à l'époque et des centaines produisaient des succès régionaux. Unterberger, "Garage Rock", dans Bogdanov et.al., 2002, pp. 1320-1. Les exemples incluent : « The Witch » de Tacoma's the Sonics (1965), « Where You Gonna Go » de Detroit's Unrated Segments (1967), « Girl I Got News for You » de Miami's Birdwatchers (1966) et « 1-2-5 ». " par The Haunted de Montréal. Bien que de nombreux groupes aient été signés sur des labels majeurs ou régionaux, la plupart ont été des échecs commerciaux. Il est généralement admis que le garage rock a atteint son apogée à la fois commercialement et artistiquement vers 1966. En 1968, le style a largement disparu des charts nationaux et au niveau local alors que les musiciens amateurs étaient confrontés à l'université, au travail ou au recrutement. De nouveaux styles ont évolué pour remplacer le garage rock (notamment le blues rock, le rock progressif et le country rock). À Détroit, l'héritage du garage rock est resté vivant jusqu'au début des années 1970, avec des groupes tels que MC5 et les Stooges, qui ont adopté une approche beaucoup plus agressive de cette forme. Ces groupes ont commencé à être étiquetés punk rock et sont maintenant souvent considérés comme du proto-punk ou du proto-hard rock.
Pop Rock
Le terme pop est utilisé depuis le début du XXe siècle pour désigner la musique populaire en général, mais à partir du milieu des années 1950, il a commencé à être utilisé pour un genre distinct, destiné à un marché de jeunes, souvent caractérisé comme une alternative plus douce au rock et Rouleaux. Frith, "Pop music" dans S. Frith, W. Stray et J. Street, éd., The Cambridge Companion to Pop and Rock (Cambridge : Cambridge University Press, 2001), ISBN 0-521-55660-0, pp. 93 –108.. Au lendemain de l’invasion britannique, à partir de 1967 environ, il fut de plus en plus utilisé en opposition au terme musique rock, pour décrire une forme plus commerciale, éphémère et accessible. En revanche, la musique rock était considérée comme se concentrant sur des œuvres étendues, en particulier des albums, était souvent associée à des sous-cultures particulières (comme la contre-culture des années 1960), mettait l'accent sur les valeurs artistiques et « l'authenticité », mettait l'accent sur les performances live et les performances instrumentales ou vocales. virtuosité et était souvent considérée comme encapsulant des développements progressistes plutôt que de simplement refléter les tendances existantes.
Néanmoins, une grande partie de la musique pop et rock est très similaire en termes de son, d’instrumentation et même de contenu lyrique. Les termes « pop-rock » et « power pop » ont été utilisés pour décrire une musique à plus grand succès commercial qui utilise des éléments ou la forme de la musique rock. Le pop-rock a été défini comme « une variété optimiste de musique rock représentée par des artistes tels que Elton John, Paul McCartney, les Everly Brothers, Rod Stewart, Chicago et Peter Frampton ». Le terme power pop a été inventé par Pete Townshend des Who en 1966, mais peu utilisé jusqu'à ce qu'il soit appliqué à des groupes comme Badfinger dans les années 1970, qui se sont avérés parmi les plus réussis commercialement de la période.
Blues-rock
Bien que le premier impact de l'invasion britannique sur la musique populaire américaine se soit fait sentir à travers des groupes basés sur le beat et le R&B, l'impulsion fut rapidement reprise par une deuxième vague de groupes qui s'inspiraient plus directement du blues américain, notamment les Rolling Stones et les Yardbirds. Les musiciens de blues britanniques de la fin des années 1950 et du début des années 1960 ont été inspirés par le jeu acoustique de personnalités telles que Lead Belly, qui a eu une influence majeure sur l'engouement pour le Skiffle, et Robert Johnson. De plus en plus, ils adoptent un son fort amplifié, souvent centré sur la guitare électrique, basé sur le blues de Chicago, notamment après la tournée britannique de Muddy Waters en 1958, qui incite Cyril Davies et le guitariste Alexis Korner à former le groupe Blues Incorporated.R. Uterberger, "Blues Rock", dans V. Bogdanov, C. Woodstra, S. T. Erlewine, éd., All Music Guide to the Blues : The Definitive Guide to the Blues (Milwaukee, WI : Backbeat Books, 3e éd., 2003), ISBN 0-87930-736-6, p. 701–2. Le groupe a impliqué et inspiré de nombreuses figures du boom du blues britannique qui a suivi, y compris les membres des Rolling Stones et de Cream, combinant les standards et les formes du blues avec l'instrumentation et l'emphase du rock.
L'autre objectif clé du blues britannique était autour de John Mayall qui a formé les Bluesbreakers, dont les membres comprenaient Eric Clapton (après son départ des Yardbirds) et plus tard Peter Green. La sortie de l'album Blues Breakers avec Eric Clapton (Beano) (1966), considéré comme l'un des enregistrements phares du blues britannique et dont le son a été très imité en Grande-Bretagne et aux États-Unis, a été particulièrement significative. Eric Clapton a ensuite formé les supergroupes Cream, Blind Faith et Derek and the Dominos, suivis d'une longue carrière solo qui a contribué à faire connaître le blues rock au grand public. Green, avec la section rythmique du Bluesbreaker, Mick Fleetwood et John McVie, a formé Fleetwood Mac de Peter Green, qui a connu l'un des plus grands succès commerciaux du genre. À la fin des années 1960, Jeff Beck, également ancien élève des Yardbirds, a fait évoluer le blues rock vers le heavy rock avec son groupe, le Jeff Beck Group. Le dernier guitariste des Yardbirds était Jimmy Page, qui a ensuite formé les New Yardbirds qui sont rapidement devenus Led Zeppelin. La plupart des chansons de leurs trois premiers albums, et parfois plus tard dans leur carrière, étaient des extensions de chansons de blues traditionnelles.
Aux États-Unis, le blues rock a été lancé au début des années 1960 par le guitariste Lonnie Mack, mais le genre a commencé à décoller au milieu des années 1960 alors que les groupes développaient un son similaire à celui des musiciens de blues britanniques. Les artistes clés comprenaient Paul Butterfield (dont le groupe a agi comme les Bluesbreakers de Mayall en Grande-Bretagne comme point de départ pour de nombreux musiciens à succès), Canned Heat, les premiers Jefferson Airplane, Janis Joplin, Johnny Winter, le J. Geils Band et Jimi Hendrix avec ses power trios. , The Jimi Hendrix Experience et Band of Gypsys, dont la virtuosité de la guitare et le sens du spectacle seraient parmi les plus imités de la décennie. Des groupes de blues rock des États du sud, comme Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd et ZZ Top, ont incorporé des éléments country dans leur style pour produire du rock sudiste distinctif. Unterberger, "Southern Rock", dans Bogdanov et.al., 2002, pp. 1332–3.
Les premiers groupes de blues rock imitaient souvent le jazz, jouant de longues improvisations impliquées, qui deviendront plus tard un élément majeur du rock progressif. À partir de 1967 environ, des groupes comme Cream et Jimi Hendrix Experience s'étaient éloignés de la musique purement blues pour se tourner vers le psychédélisme. Dans les années 1970, le blues rock était devenu plus lourd et plus basé sur les riffs, illustré par le travail de Led Zeppelin et Deep Purple, et les frontières entre le blues rock et le hard rock « étaient à peine visibles », alors que les groupes commençaient à enregistrer des albums de style rock. Le genre s'est poursuivi dans les années 1970 par des personnalités comme George Thorogood et Pat Travers, mais, particulièrement sur la scène britannique (sauf peut-être l'avènement de groupes comme Status Quo et Foghat qui s'orientaient vers une forme de boogie rock énergique et répétitif ), les groupes se sont concentrés sur l'innovation du heavy metal et le blues rock a commencé à s'éloigner du courant dominant.
Folk-rock
Dans les années 1960, la scène issue du renouveau de la musique folk américaine était devenue un mouvement majeur, utilisant la musique traditionnelle et de nouvelles compositions dans un style traditionnel, généralement sur des instruments acoustiques. Mitchell, Le renouveau de la musique folk nord-américaine : nation et identité aux États-Unis et au Canada, 1945-1980 (Aldershot : Ashgate, 2007), ISBN 0-7546-5756-6, p. 95. Aux États-Unis, le genre a été lancé par des personnalités telles que Woody Guthrie et Pete Seeger et est souvent identifié à la politique progressiste ou ouvrière. Au début des années soixante, des personnalités telles que Joan Baez et Bob Dylan s'étaient imposées dans ce mouvement en tant qu'auteurs-compositeurs-interprètes.G. Mitchell, Le renouveau de la musique folk nord-américaine : nation et identité aux États-Unis et au Canada, 1945-1980 (Aldershot : Ashgate, 2007), ISBN 0-7546-5756-6, p. 72. Dylan avait commencé à toucher un public grand public avec des succès tels que "Blowin' in the Wind" (1963) et "Masters of War" (1963), qui ont amené les "chansons de protestation" à un public plus large, mais, bien que commençant à influencer l'un l'autre, le rock et la musique folk étaient restés des genres largement distincts, souvent destinés à des publics mutuellement exclusifs. Unterberger, "Folk Rock", à Bogdano | http://www.quizballs.com/ |
Dans la mythologie grecque, qui a-t-il défié le berger Marsyas, joueur de flûte, à un concours de musique, dont le vainqueur a écorché à mort Marsyas pour sa présomption ? | Apollon | [
"# Les poètes grecs de la période hellénistique : Apollonius de Rhodes, Callimaque, Pseudo-Eratosthène et Parthénius.",
"La première pensée grecque sur la poésie considérait les théogonies comme le genre poétique prototypique – le mythe prototypique – et lui imputait des pouvoirs presque magiques. Orphée, le poète archétype, était également l'archétype du chanteur des théogonies, qu'il utilise pour calmer les mers et les tempêtes dans l'Argonautique d'Apollonios, et pour émouvoir les cœurs de pierre des dieux du monde souterrain lors de sa descente vers l'Hadès. Lorsqu’Hermès invente la lyre dans l’Hymne homérique à Hermès, la première chose qu’il fait est de chanter la naissance des dieux. La Théogonie d'Hésiode est non seulement le récit le plus complet des dieux, mais aussi le récit le plus complet de la fonction du poète archaïque, avec sa longue invocation préliminaire aux Muses. La théogonie a également fait l'objet de nombreux poèmes perdus, y compris ceux attribués à Orphée, Musée, Épiménide, Abaris et d'autres voyants légendaires, qui étaient utilisés dans des purifications rituelles privées et des rites mystérieux. Certains éléments indiquent que Platon connaissait une certaine version de la théogonie orphique. Cependant, on aurait pu s'attendre à un silence sur les rites et croyances religieuses, et cette nature de la culture n'aurait pas été signalée par les membres de la société pendant que ces croyances étaient pratiquées. Une fois qu’ils ont cessé de devenir des croyances religieuses, peu de gens auraient connu ces rites et rituels. Il y avait cependant souvent des allusions à des aspects qui étaient tout à fait publics.",
"Chaque dieu descend de sa propre généalogie, poursuit des intérêts différents, possède un certain domaine d'expertise et est gouverné par une personnalité unique ; cependant, ces descriptions résultent d'une multiplicité de variantes locales archaïques, qui ne concordent pas toujours entre elles. Lorsque ces dieux sont invoqués dans la poésie, la prière ou le culte, ils sont désignés par une combinaison de leur nom et d'épithètes, qui les identifient par ces distinctions par rapport à d'autres manifestations d'eux-mêmes (par exemple, Apollon Musagetes est « Apollon, [en tant que] chef des Muses\"). Alternativement, l'épithète peut identifier un aspect particulier et localisé du dieu, parfois considéré comme déjà ancien à l'époque classique de la Grèce.",
"La plupart des dieux étaient associés à des aspects spécifiques de la vie. Par exemple, Aphrodite était la déesse de l’amour et de la beauté, Ares était le dieu de la guerre, Hadès le souverain des enfers et Athéna la déesse de la sagesse et du courage. Certains dieux, comme Apollon et Dionysos, révélaient des personnalités complexes et des mélanges de fonctions, tandis que d'autres, comme Hestia (littéralement « foyer ») et Hélios (littéralement « soleil »), n'étaient guère plus que des personnifications. Les temples les plus impressionnants étaient généralement dédiés à un nombre limité de dieux, qui faisaient l'objet de grands cultes panhelléniques. Il était cependant courant que des régions et des villages individuels vouent leurs propres cultes à des dieux mineurs. De nombreuses villes honoraient également les dieux les plus connus avec des rites locaux inhabituels et leur associaient d'étranges mythes inconnus ailleurs. A l'époque héroïque, le culte des héros (ou demi-dieux) complétait celui des dieux.",
"Le deuxième type (les récits de punition) implique l'appropriation ou l'invention d'un artefact culturel important, comme lorsque Prométhée vole le feu aux dieux, lorsque Tantale vole le nectar et l'ambroisie de la table de Zeus et les donne à ses propres sujets, leur révélant ainsi le secrets des dieux, quand Prométhée ou Lycaon inventent le sacrifice, quand Déméter enseigne l'agriculture et les Mystères à Triptolème, ou quand Marsyas invente l'aulos et se livre à un concours musical avec Apollon. Ian Morris considère les aventures de Prométhée comme « un lieu entre l'histoire des dieux et celle des hommes ». Un fragment de papyrus anonyme, daté du troisième siècle, décrit de manière vivante le châtiment infligé par Dionysos au roi de Thrace, Lycurgue, dont la reconnaissance du nouveau dieu est arrivée trop tard, entraînant d'horribles sanctions qui se sont prolongées jusque dans l'au-delà. L'histoire de l'arrivée de Dionysos pour établir son culte en Thrace a également fait l'objet d'une trilogie eschyléenne. Dans une autre tragédie, Les Bacchantes d'Euripide, le roi de Thèbes, Penthée, est puni par Dionysos, parce qu'il a manqué de respect au dieu et a espionné ses Ménades, les adoratrices du dieu.",
"La seule épopée hellénistique survivante, l'Argonautique d'Apollonios de Rhodes (poète épique, érudit et directeur de la Bibliothèque d'Alexandrie) raconte le mythe du voyage de Jason et des Argonautes pour récupérer la Toison d'or du pays mythique de Colchide. Dans l'Argonautica, Jason est poussé dans sa quête par le roi Pélias, qui reçoit une prophétie selon laquelle un homme avec une seule sandale serait son ennemi juré. Jason perd une sandale dans une rivière, arrive à la cour de Pélias, et l'épopée se déclenche. Presque tous les membres de la génération suivante de héros, ainsi qu'Héraclès, accompagnèrent Jason à bord du navire Argo pour récupérer la Toison d'Or. Cette génération comprenait également Thésée, qui se rendit en Crète pour tuer le Minotaure ; Atalante, l'héroïne féminine, et Méléagre, qui avait autrefois son propre cycle épique pour rivaliser avec l'Iliade et l'Odyssée. Pindare, Apollonius et la Bibliotheca s'efforcent de donner des listes complètes des Argonautes.",
"Bien qu'Apollonius ait écrit son poème au IIIe siècle avant JC, la composition de l'histoire des Argonautes est antérieure à l'Odyssée, ce qui montre une familiarité avec les exploits de Jason (l'errance d'Ulysse peut en avoir été en partie fondée). Dans les temps anciens, l’expédition était considérée comme un fait historique, un incident dans l’ouverture de la mer Noire au commerce et à la colonisation grecque. Il était également extrêmement populaire, formant un cycle auquel se rattachaient de nombreuses légendes locales. L’histoire de Médée, en particulier, a captivé l’imagination des poètes tragiques."
] | La mythologie grecque est l'ensemble des mythes et des enseignements appartenant aux Grecs de l'Antiquité, concernant leurs dieux et héros, la nature du monde, ainsi que les origines et la signification de leurs propres cultes et pratiques rituelles. Cela faisait partie de la religion de la Grèce antique. Les érudits modernes se réfèrent et étudient les mythes dans le but de faire la lumière sur les institutions religieuses et politiques de la Grèce antique et de sa civilisation, et de comprendre la nature même de la création des mythes.
La mythologie grecque est explicitement incarnée dans une vaste collection de récits et implicitement dans les arts figuratifs grecs, tels que les peintures sur vases et les cadeaux votifs. Le mythe grec tente d'expliquer les origines du monde et détaille la vie et les aventures d'une grande variété de dieux, déesses, héros, héroïnes et créatures mythologiques. Ces récits furent initialement diffusés dans une tradition orale-poétique ; aujourd'hui, les mythes grecs sont principalement connus de la littérature grecque.
Les sources littéraires grecques les plus anciennes connues, les poèmes épiques d'Homère, l'Iliade et l'Odyssée, se concentrent sur la guerre de Troie et ses conséquences. Deux poèmes d'Hésiode, proche contemporain d'Homère, la Théogonie et les Travaux et Jours, contiennent des récits sur la genèse du monde, la succession des dirigeants divins, la succession des âges humains, l'origine des malheurs humains et l'origine des pratiques sacrificielles. Les mythes sont également préservés dans les hymnes homériques, dans des fragments de poèmes épiques du cycle épique, dans des poèmes lyriques, dans les œuvres des tragédiens et des comédiens du Ve siècle avant JC, dans les écrits des savants et des poètes de l'époque hellénistique, et dans des textes de l'époque de l'Empire romain d'écrivains tels que Plutarque et Pausanias.
Les découvertes archéologiques constituent une source principale de détails sur la mythologie grecque, les dieux et les héros figurant en bonne place dans la décoration de nombreux artefacts. Les dessins géométriques sur les poteries du VIIIe siècle avant JC représentent des scènes du cycle troyen ainsi que les aventures d'Héraclès. Dans les périodes archaïque, classique et hellénistique suivantes, des scènes homériques et diverses autres scènes mythologiques apparaissent, complétant les preuves littéraires existantes. La mythologie grecque a eu une grande influence sur la culture, les arts et la littérature de la civilisation occidentale et fait toujours partie du patrimoine et de la langue occidentale. Les poètes et les artistes de l’Antiquité jusqu’à nos jours se sont inspirés de la mythologie grecque et ont découvert l’importance et la pertinence contemporaines des thèmes.
Sources
La mythologie grecque est connue aujourd'hui principalement à partir de la littérature grecque et des représentations sur supports visuels datant de la période géométrique de c. 900-800 avant JC. En fait, les sources littéraires et archéologiques s'intègrent, parfois se soutiennent mutuellement et parfois s'opposent ; cependant, dans de nombreux cas, l’existence de ce corpus de données indique clairement que de nombreux éléments de la mythologie grecque ont de fortes racines factuelles et historiques.
Sources littéraires
La narration mythique joue un rôle important dans presque tous les genres de la littérature grecque. Néanmoins, le seul manuel mythographique général à avoir survécu de l'Antiquité grecque était la Bibliothèque du Pseudo-Apollodore. Cet ouvrage tente de réconcilier les récits contradictoires des poètes et fournit un grand résumé de la mythologie grecque traditionnelle et des légendes héroïques. Apollodore d'Athènes a vécu de c. 180-125 avant JC et a écrit sur plusieurs de ces sujets. Ses écrits ont peut-être constitué la base de la collection ; cependant la « Bibliothèque » discute des événements survenus longtemps après sa mort, d'où le nom de Pseudo-Apollodorus.
Parmi les premières sources littéraires figurent les deux poèmes épiques d'Homère, l'Iliade et l'Odyssée. D'autres poètes ont complété le « cycle épique », mais ces poèmes plus récents et de moindre importance sont maintenant presque entièrement perdus. Malgré leur nom traditionnel, les « Hymnes homériques » n'ont aucun lien direct avec Homère. Ce sont des hymnes choraux du début de l’ère dite lyrique. Hésiode, un contemporain possible d'Homère, offre dans sa Théogonie (Origine des Dieux) le récit le plus complet des premiers mythes grecs traitant de la création du monde ; l'origine des dieux, des Titans et des Géants ; ainsi que des généalogies élaborées, des contes populaires et des mythes étiologiques. Les Œuvres et les Jours d'Hésiode, un poème didactique sur la vie agricole, comprend également les mythes de Prométhée, de Pandore et des Cinq Âges. Le poète donne des conseils sur la meilleure façon de réussir dans un monde dangereux, rendu encore plus dangereux par ses dieux.
Les poètes lyriques tiraient souvent leurs sujets du mythe, mais leur traitement devenait progressivement moins narratif et plus allusif. Les poètes lyriques grecs, dont Pindare, Bacchylides et Simonides, et les poètes bucoliques tels que Théocrite et Bion, racontent des incidents mythologiques individuels. De plus, le mythe était au cœur du drame athénien classique. Les dramaturges tragiques Eschyle, Sophocle et Euripide ont tiré la plupart de leurs intrigues des mythes de l'âge des héros et de la guerre de Troie. Beaucoup de grandes histoires tragiques (par exemple Agamemnon et ses enfants, Œdipe, Jason, Médée, etc.) ont pris dans ces tragédies leur forme classique. Le dramaturge comique Aristophane a également utilisé des mythes, dans Les Oiseaux et Les Grenouilles.
Les historiens Hérodote et Diodore de Sicile, ainsi que les géographes Pausanias et Strabon, qui ont voyagé à travers le monde grec et noté les histoires qu'ils ont entendues, ont fourni de nombreux mythes et légendes locales, donnant souvent des versions alternatives peu connues. Hérodote en particulier, a fouillé les différentes traditions qui lui étaient présentées et a trouvé les racines historiques ou mythologiques de la confrontation entre la Grèce et l'Orient. Hérodote a tenté de concilier les origines et le mélange de concepts culturels différents.
La poésie des époques hellénistique et romaine était avant tout composée comme un exercice littéraire plutôt que cultuel. Néanmoins, il contient de nombreux détails importants qui autrement seraient perdus. Cette catégorie comprend les œuvres de :
# Les poètes romains Ovide, Statius, Valerius Flaccus, Sénèque et Virgile avec le commentaire de Servius.
# Les poètes grecs de l'Antiquité tardive : Nonnus, Antoninus Liberalis et Quintus Smyrnaeus.
# Les poètes grecs de la période hellénistique : Apollonius de Rhodes, Callimaque, Pseudo-Eratosthène et Parthénius.
Les prosateurs des mêmes périodes qui font référence aux mythes incluent Apulée, Pétrone, Lollianus et Héliodore. Deux autres sources non poétiques importantes sont les Fabulae et Astronomica de l'écrivain romain intitulées Pseudo-Hyginus, les Imagines de Philostrate l'Ancien et de Philostrate le Jeune, et les Descriptions de Callistrate.
Enfin, un certain nombre d’écrivains grecs byzantins fournissent des détails importants sur le mythe, largement dérivés d’œuvres grecques antérieures aujourd’hui perdues. Ces conservateurs du mythe comprennent Arnobius, Hesychius, l'auteur de la Suda, John Tzetzes et Eustathius. Ils traitent souvent la mythologie dans une perspective moralisatrice chrétienne.
Sources archéologiques
La découverte de la civilisation mycénienne par l'archéologue amateur allemand Heinrich Schliemann au XIXe siècle, et la découverte de la civilisation minoenne en Crète par l'archéologue britannique Sir Arthur Evans au XXe siècle, ont contribué à expliquer de nombreuses questions existantes sur les épopées d'Homère et ont fourni des preuves archéologiques de nombreux détails mythologiques sur les dieux et les héros. Malheureusement, les preuves des mythes et des rituels sur les sites mycéniens et minoens sont entièrement monumentales, car l'écriture linéaire B (une forme ancienne du grec trouvée en Crète et en Grèce continentale) était principalement utilisée pour enregistrer des inventaires, bien que certains noms de dieux et de héros ont été provisoirement identifiés.
Les dessins géométriques sur les poteries du VIIIe siècle avant JC représentent des scènes du cycle troyen, ainsi que les aventures d'Héraclès. Ces représentations visuelles des mythes sont importantes pour deux raisons. Premièrement, de nombreux mythes grecs sont attestés sur des vases plus tôt que dans les sources littéraires : parmi les douze travaux d'Héraclès, par exemple, seule l'aventure de Cerbère apparaît dans un texte littéraire contemporain. Deuxièmement, les sources visuelles représentent parfois des mythes ou des scènes mythiques qui ne sont attestées dans aucune source littéraire existante. Dans certains cas, la première représentation connue d'un mythe dans l'art géométrique est antérieure de plusieurs siècles à sa première représentation connue dans la poésie archaïque tardive. Dans les périodes archaïque (vers 750-vers 500 avant JC), classique (vers 480-323 avant JC) et hellénistique (323-146 avant JC), des scènes homériques et diverses autres scènes mythologiques apparaissent, complétant les preuves littéraires existantes.
Enquête sur l'histoire mythique
La mythologie grecque a changé au fil du temps pour s'adapter à l'évolution de leur culture, dont la mythologie, tant ouvertement que dans ses hypothèses tacites, est un indice des changements. Dans les formes littéraires survivantes de la mythologie grecque, que l'on retrouve principalement à la fin des changements progressifs, elle est intrinsèquement politique, comme l'a soutenu Gilbert Cuthbertson.
Les premiers habitants de la péninsule balkanique étaient un peuple agricole qui, utilisant l'animisme, attribuait un esprit à chaque aspect de la nature. Finalement, ces esprits vagues ont pris des formes humaines et sont entrés dans la mythologie locale en tant que dieux. Lorsque les tribus du nord de la péninsule balkanique ont envahi le pays, elles ont amené avec elles un nouveau panthéon de dieux, basé sur la conquête, la force, les prouesses au combat et l'héroïsme violent. D’autres dieux plus anciens du monde agricole ont fusionné avec ceux des envahisseurs plus puissants ou sont devenus insignifiants.
Après le milieu de la période archaïque, les mythes sur les relations entre les dieux masculins et les héros masculins sont devenus de plus en plus fréquents, indiquant le développement parallèle de la pédérastie pédagogique (erospaidikos, ), qui aurait été introduite vers 630 avant JC. À la fin du Ve siècle avant JC, les poètes avaient attribué au moins un éromène, un adolescent qui était leur compagnon sexuel, à tous les dieux importants à l'exception d'Arès et à de nombreuses figures légendaires. Les mythes antérieurs, comme ceux d'Achille et de Patrocle, étaient également présentés sous un jour pédérastique. Les poètes alexandrins d’abord, puis plus généralement les mythographes littéraires du début de l’Empire romain, réadaptèrent souvent ainsi les histoires de personnages mythologiques grecs.
L’accomplissement de la poésie épique a été de créer des cycles d’histoires et, par conséquent, de développer un nouveau sens de la chronologie mythologique. Ainsi, la mythologie grecque se déroule comme une phase du développement du monde et des humains. Bien que les contradictions de ces histoires rendent impossible une chronologie absolue, une chronologie approximative peut être discernée. L'« histoire du monde » mythologique qui en résulte peut être divisée en trois ou quatre périodes plus larges :
# Les mythes d'origine ou d'âge des dieux (Théogonies, « naissances des dieux ») : mythes sur les origines du monde, des dieux et du genre humain.
# L'époque où les dieux et les mortels se mêlaient librement : histoires des premières interactions entre dieux, demi-dieux et mortels.
# L'âge des héros (âge héroïque), où l'activité divine était plus limitée. La dernière et la plus grande des légendes héroïques est l’histoire de la guerre de Troie et après (qui est considérée par certains chercheurs comme une quatrième période distincte).
Alors que l'âge des dieux a souvent été d'un plus grand intérêt pour les étudiants contemporains des mythes, les auteurs grecs des époques archaïque et classique avaient une nette préférence pour l'âge des héros, établissant une chronologie et un enregistrement des réalisations humaines après s'être demandé comment le monde est né ont été expliqués. Par exemple, l’Iliade et l’Odyssée héroïques ont éclipsé la Théogonie et les Hymnes homériques à caractère divin en termes de taille et de popularité. Sous l'influence d'Homère, le « culte des héros » conduit à une restructuration de la vie spirituelle, qui s'exprime dans la séparation du royaume des dieux et du royaume des morts (héros), du chthonien de l'Olympien. Dans les Travaux et les Jours, Hésiode utilise un schéma de quatre âges de l'homme (ou races) : l'or, l'argent, le bronze et le fer. Ces races ou âges sont des créations distinctes des dieux, l'âge d'or appartenant au règne de Cronos, les races ultérieures à la création de Zeus. La présence du mal était expliquée par le mythe de Pandore, lorsque tout le meilleur des capacités humaines, à l'exception de l'espoir, s'était répandu de son pot renversé. Dans Métamorphoses, Ovide suit le concept des quatre âges d'Hésiode.
Origines du monde et des dieux
Les « mythes d'origine » ou « mythes de création » représentent une tentative d'expliquer les débuts de l'univers en langage humain. La version la plus largement acceptée à l'époque, bien qu'il s'agisse d'un récit philosophique du début des choses, est rapportée par Hésiode, dans sa Théogonie. Il commence par le Chaos, un néant béant. Du vide ont émergé Gaia (la Terre) et quelques autres êtres divins primaires : Eros (l'Amour), les Abysses (le Tartare) et l'Erebus. Sans l'aide des hommes, Gaia a donné naissance à Uranus (le Ciel) qui l'a ensuite fécondée. De cette union naquirent d'abord les Titans, six mâles : Coeus, Crius, Cronus, Hyperion, Iapetus et Oceanus ; et six femelles : Mnemosyne, Phoebe, Rhea, Theia, Themis et Tethys. Après la naissance de Cronos, Gaia et Uranus ont décrété qu'aucun Titan ne devait plus naître. Ils furent suivis par les Cyclopes borgnes et les Hécatonchires ou Cent-Mains, qui furent tous deux jetés dans le Tartare par Uranus. Cela rendit Gaia furieuse. Cronos (« le rusé, le plus jeune et le plus terrible des enfants de Gaia ») fut convaincu par Gaia de castrer son père. Il fit cela et devint le dirigeant des Titans avec sa sœur-épouse Rhéa comme épouse, et les autres Titans devinrent sa cour.
Un motif de conflit père contre fils s'est répété lorsque Cronos a été confronté à son fils, Zeus. Parce que Cronos avait trahi son père, il craignait que sa progéniture fasse de même, et donc chaque fois que Rhéa accoucheait, il s'emparait de l'enfant et le mangeait. Rhéa détestait cela et le trompa en cachant Zeus et en enveloppant une pierre dans une couverture de bébé, que Cronos mangea. Quand Zeus fut adulte, il donna à Cronos une boisson droguée qui le fit vomir, vomissant les autres enfants de Rhéa et la pierre qui était restée dans l'estomac de Cronos depuis le début. Zeus défia alors Cronos de faire la guerre pour la royauté des dieux. Finalement, avec l'aide des Cyclopes (que Zeus libéra du Tartare), Zeus et ses frères et sœurs furent victorieux, tandis que Cronos et les Titans furent jetés en prison dans le Tartare.
Zeus était tourmenté par la même inquiétude et, après une prophétie selon laquelle la progéniture de sa première épouse, Métis, donnerait naissance à un dieu « plus grand que lui », Zeus l'avala. Mais elle était déjà enceinte d'Athéna, et elle sortit de sa tête, adulte et habillée pour la guerre.
La première pensée grecque sur la poésie considérait les théogonies comme le genre poétique prototypique – le mythe prototypique – et lui imputait des pouvoirs presque magiques. Orphée, le poète archétype, était également l'archétype du chanteur des théogonies, qu'il utilise pour calmer les mers et les tempêtes dans l'Argonautique d'Apollonios, et pour émouvoir les cœurs de pierre des dieux du monde souterrain lors de sa descente vers l'Hadès. Lorsqu’Hermès invente la lyre dans l’Hymne homérique à Hermès, la première chose qu’il fait est de chanter la naissance des dieux. La Théogonie d'Hésiode est non seulement le récit le plus complet des dieux, mais aussi le récit le plus complet de la fonction du poète archaïque, avec sa longue invocation préliminaire aux Muses. La théogonie a également fait l'objet de nombreux poèmes perdus, y compris ceux attribués à Orphée, Musée, Épiménide, Abaris et d'autres voyants légendaires, qui étaient utilisés dans des purifications rituelles privées et des rites mystérieux. Certains éléments indiquent que Platon connaissait une certaine version de la théogonie orphique. Cependant, on aurait pu s'attendre à un silence sur les rites et croyances religieuses, et cette nature de la culture n'aurait pas été signalée par les membres de la société pendant que ces croyances étaient pratiquées. Une fois qu’ils ont cessé de devenir des croyances religieuses, peu de gens auraient connu ces rites et rituels. Il y avait cependant souvent des allusions à des aspects qui étaient tout à fait publics.
Des images existaient sur des poteries et des œuvres d’art religieuses qui étaient interprétées et, plus probablement, mal interprétées dans de nombreux mythes et contes divers. Quelques fragments de ces œuvres survivent dans des citations de philosophes néoplatoniciens et des restes de papyrus récemment découverts. L'un de ces fragments, le Papyrus Derveni, prouve maintenant qu'au moins au cinquième siècle avant JC, un poème théogonique-cosmogonique d'Orphée existait.W. Burkert, Religion grecque, 236* G. Betegh, Le Papyrus Derveni, 147
Les premiers cosmologistes philosophiques ont réagi contre, ou parfois se sont appuyés sur, des conceptions mythiques populaires qui existaient depuis un certain temps dans le monde grec. Certaines de ces conceptions populaires peuvent être tirées de la poésie d’Homère et d’Hésiode. Chez Homère, la Terre était considérée comme un disque plat flottant sur le fleuve Océan et surplombé par un ciel hémisphérique avec le soleil, la lune et les étoiles. Le Soleil (Hélios) traversait les cieux comme un conducteur de char et naviguait autour de la Terre dans un bol doré la nuit. Le soleil, la terre, le ciel, les rivières et les vents pouvaient être abordés dans des prières et appelés à témoigner sous serment. Les fissures naturelles étaient généralement considérées comme les entrées de la maison souterraine d'Hadès et de ses prédécesseurs, la demeure des morts.* K. Algra, The Beginnings of Cosmology, 45. Les influences d'autres cultures ont toujours offert de nouveaux thèmes.
Panthéon grec
Selon la mythologie de l’époque classique, après le renversement des Titans, le nouveau panthéon des dieux et des déesses fut confirmé. Parmi les principaux dieux grecs figuraient les Olympiens, résidant sur le mont Olympe sous l'œil de Zeus. (La limitation de leur nombre à douze semble avoir été une idée relativement moderne.) Outre les Olympiens, les Grecs adoraient divers dieux de la campagne, le dieu satyre Pan, les Nymphes (esprits des rivières), les Naïades (qui habitaient les sources). ), les Dryades (qui étaient les esprits des arbres), les Néréides (qui habitaient la mer), les dieux des rivières, les Satyres et d'autres. À cela s’ajoutaient les puissances obscures du monde souterrain, comme les Erinyes (ou Furies), censées poursuivre les coupables de crimes contre les membres de la famille. Afin d’honorer le panthéon de la Grèce antique, les poètes ont composé les Hymnes homériques (un groupe de trente-trois chants). Gregory Nagy considère « les plus grands hymnes homériques comme de simples préludes (par rapport à la théogonie), dont chacun invoque un dieu ».
Les dieux de la mythologie grecque sont décrits comme ayant des corps essentiellement corporels mais idéaux. Selon Walter Burkert, la caractéristique déterminante de l'anthropomorphisme grec est que « les dieux grecs sont des personnes, et non des abstractions, des idées ou des concepts ». Quelle que soit leur forme sous-jacente, les dieux de la Grèce antique possèdent de nombreuses capacités fantastiques ; Plus important encore, les dieux ne sont pas affectés par la maladie et ne peuvent être blessés que dans des circonstances très inhabituelles. Les Grecs considéraient l’immortalité comme le caractère distinctif de leurs dieux ; cette immortalité, ainsi que cette jeunesse indéfectible, était assurée par l'usage constant du nectar et de l'ambroisie, par lesquels le sang divin se renouvelait dans leurs veines.
Chaque dieu descend de sa propre généalogie, poursuit des intérêts différents, possède un certain domaine d'expertise et est gouverné par une personnalité unique ; cependant, ces descriptions résultent d'une multiplicité de variantes locales archaïques, qui ne concordent pas toujours entre elles. Lorsque ces dieux sont invoqués dans la poésie, la prière ou le culte, ils sont désignés par une combinaison de leur nom et d'épithètes, qui les identifient par ces distinctions par rapport à d'autres manifestations d'eux-mêmes (par exemple, Apollon Musagetes est « Apollon, [en tant que] chef des Muses"). Alternativement, l'épithète peut identifier un aspect particulier et localisé du dieu, parfois considéré comme déjà ancien à l'époque classique de la Grèce.
La plupart des dieux étaient associés à des aspects spécifiques de la vie. Par exemple, Aphrodite était la déesse de l’amour et de la beauté, Ares était le dieu de la guerre, Hadès le souverain des enfers et Athéna la déesse de la sagesse et du courage. Certains dieux, comme Apollon et Dionysos, révélaient des personnalités complexes et des mélanges de fonctions, tandis que d'autres, comme Hestia (littéralement « foyer ») et Hélios (littéralement « soleil »), n'étaient guère plus que des personnifications. Les temples les plus impressionnants étaient généralement dédiés à un nombre limité de dieux, qui faisaient l'objet de grands cultes panhelléniques. Il était cependant courant que des régions et des villages individuels vouent leurs propres cultes à des dieux mineurs. De nombreuses villes honoraient également les dieux les plus connus avec des rites locaux inhabituels et leur associaient d'étranges mythes inconnus ailleurs. A l'époque héroïque, le culte des héros (ou demi-dieux) complétait celui des dieux.
L'ère des dieux et des mortels
Entre l’époque où les dieux vivaient seuls et l’époque où l’ingérence divine dans les affaires humaines était limitée, il y avait une époque de transition au cours de laquelle les dieux et les mortels évoluaient ensemble. C’étaient les premiers jours du monde où les groupes se mélangeaient plus librement qu’ils ne le furent plus tard. La plupart de ces contes ont été racontés plus tard par les Métamorphoses d'Ovide et sont souvent divisés en deux groupes thématiques : les contes d'amour et les contes de punition.
Les histoires d'amour impliquent souvent l'inceste, ou la séduction ou le viol d'une femme mortelle par un dieu mâle, donnant naissance à une progéniture héroïque. Les histoires suggèrent généralement que les relations entre les dieux et les mortels sont quelque chose à éviter ; même les relations consentantes ont rarement une fin heureuse. Dans quelques cas, une divinité féminine s'accouple avec un homme mortel, comme dans l'hymne homérique à Aphrodite, où la déesse couche avec Anchise pour produire Enée.
Le deuxième type (les récits de punition) implique l'appropriation ou l'invention d'un artefact culturel important, comme lorsque Prométhée vole le feu aux dieux, lorsque Tantale vole le nectar et l'ambroisie de la table de Zeus et les donne à ses propres sujets, leur révélant ainsi le secrets des dieux, quand Prométhée ou Lycaon inventent le sacrifice, quand Déméter enseigne l'agriculture et les Mystères à Triptolème, ou quand Marsyas invente l'aulos et se livre à un concours musical avec Apollon. Ian Morris considère les aventures de Prométhée comme « un lieu entre l'histoire des dieux et celle des hommes ». Un fragment de papyrus anonyme, daté du troisième siècle, décrit de manière vivante le châtiment infligé par Dionysos au roi de Thrace, Lycurgue, dont la reconnaissance du nouveau dieu est arrivée trop tard, entraînant d'horribles sanctions qui se sont prolongées jusque dans l'au-delà. L'histoire de l'arrivée de Dionysos pour établir son culte en Thrace a également fait l'objet d'une trilogie eschyléenne. Dans une autre tragédie, Les Bacchantes d'Euripide, le roi de Thèbes, Penthée, est puni par Dionysos, parce qu'il a manqué de respect au dieu et a espionné ses Ménades, les adoratrices du dieu.
Dans une autre histoire, basée sur un vieux motif de conte populaire et faisant écho à un thème similaire, Déméter cherchait sa fille, Perséphone, ayant pris la forme d'une vieille femme appelée Doso, et reçut un accueil hospitalier de Celeus, le roi d'Eleusis. en Attique. En cadeau à Celeus, en raison de son hospitalité, Déméter avait prévu de faire de son fils Démophon un dieu, mais elle n'a pas pu terminer le rituel car sa mère Metanira est entrée et a vu son fils dans le feu et a crié de peur, ce qui a irrité Déméter. , qui déplorait que les mortels insensés ne comprennent pas le concept et le rituel.
Âge héroïque
L’époque dans laquelle vivaient les héros est connue sous le nom d’époque héroïque. La poésie épique et généalogique créait des cycles d'histoires regroupées autour de héros ou d'événements particuliers et établissait les relations familiales entre les héros de différentes histoires ; ils arrangeaient ainsi les histoires en séquence. Selon Ken Dowden, « il y a même un effet de saga : on peut suivre le destin de certaines familles au fil des générations successives ».
Après l'essor du culte des héros, dieux et héros constituent la sphère sacrée et sont invoqués ensemble dans les serments et les prières qui leur sont adressées. Burkert note que « la liste des héros, encore une fois contrairement aux dieux, ne reçoit jamais de forme fixe et définitive. Les grands dieux ne naissent plus, mais de nouveaux héros peuvent toujours surgir de l'armée des morts ». Une autre différence importante entre le culte du héros et le culte des dieux est que le héros devient le centre de l’identité du groupe local.
Les événements monumentaux d’Héraclès sont considérés comme l’aube de l’ère des héros. À l'âge héroïque sont également attribués trois grands événements : l'expédition argonautique, le cycle thébain et la guerre de Troie.
Héraclès et les Héraclides
Certains érudits pensent que derrière la mythologie complexe d'Héraclès se cachait probablement un homme réel, peut-être un chef vassal du royaume d'Argos. Certains érudits suggèrent que l'histoire d'Héraclès est une allégorie du passage annuel du soleil à travers les douze constellations du zodiaque. D'autres évoquent des mythes antérieurs provenant d'autres cultures, montrant l'histoire d'Héraclès comme une adaptation locale de mythes de héros déjà bien établis. Traditionnellement, Héraclès était le fils de Zeus et d'Alcmène, petite-fille de Persée. Ses fantastiques exploits solitaires, avec leurs nombreux thèmes de contes populaires, ont fourni beaucoup de matière à la légende populaire. Selon Burkert, « il est dépeint comme un sacrificateur, mentionné comme fondateur d'autels, et imaginé lui-même comme un mangeur vorace ; c'est dans ce rôle qu'il apparaît dans la comédie, tandis que sa fin tragique a fourni beaucoup de matière à la tragédie — Héraclès est considéré par Thalia Papadopoulou comme « une pièce de grande importance dans l'examen d'autres drames euripidiens ». Dans l'art et la littérature, Héraclès était représenté comme un homme extrêmement fort de taille modérée ; son arme caractéristique était l'arc mais souvent aussi la massue. la popularité sans précédent d'Héraclès, son combat avec le lion étant représenté plusieurs centaines de fois.
Héraclès est également entré dans la mythologie et le culte étrusques et romains, et l'exclamation « mehercule » est devenue aussi familière aux Romains que « Hérakleis » l'était aux Grecs. En Italie, il était vénéré comme le dieu des marchands et des commerçants, bien que d'autres le priaient également pour ses dons caractéristiques de bonne chance ou de sauvetage du danger.
Héraclès a atteint le plus haut prestige social grâce à sa nomination comme ancêtre officiel des rois doriens. Cela a probablement servi de légitimation aux migrations doriennes vers le Péloponnèse. Hyllus, le héros éponyme d'un phyle dorien, devint le fils d'Héraclès et l'un des Héraclès ou Héraclides (les nombreux descendants d'Héraclès, en particulier les descendants d'Hyllus - d'autres Héraclés comprenaient Macaria, Lamos, Manto, Bianor, Tlepolemus et Telephus. ). Ces Héraclides ont conquis les royaumes du Péloponnèse de Mycènes, Sparte et Argos, revendiquant, selon la légende, le droit de les gouverner par l'intermédiaire de leur ancêtre. Leur ascension vers la domination est souvent appelée « l'invasion dorienne ». Les rois lydiens et plus tard macédoniens, en tant que dirigeants du même rang, devinrent également des Heracleidae.
D'autres membres de cette première génération de héros, tels que Persée, Deucalion, Thésée et Bellérophon, ont de nombreux traits communs avec Héraclès. Comme lui, leurs exploits sont solitaires, fantastiques et confinent au conte de fées, puisqu'ils tuent des monstres comme la Chimère et la Méduse. Les aventures de Bellérophon sont de type banal, semblables aux aventures d'Héraclès et de Thésée. Envoyer un héros à sa mort présumée est également un thème récurrent de cette première tradition héroïque, utilisée dans les cas de Persée et de Bellérophon.
Argonautes
La seule épopée hellénistique survivante, l'Argonautique d'Apollonios de Rhodes (poète épique, érudit et directeur de la Bibliothèque d'Alexandrie) raconte le mythe du voyage de Jason et des Argonautes pour récupérer la Toison d'or du pays mythique de Colchide. Dans l'Argonautica, Jason est poussé dans sa quête par le roi Pélias, qui reçoit une prophétie selon laquelle un homme avec une seule sandale serait son ennemi juré. Jason perd une sandale dans une rivière, arrive à la cour de Pélias, et l'épopée se déclenche. Presque tous les membres de la génération suivante de héros, ainsi qu'Héraclès, accompagnèrent Jason à bord du navire Argo pour récupérer la Toison d'Or. Cette génération comprenait également Thésée, qui se rendit en Crète pour tuer le Minotaure ; Atalante, l'héroïne féminine, et Méléagre, qui avait autrefois son propre cycle épique pour rivaliser avec l'Iliade et l'Odyssée. Pindare, Apollonius et la Bibliotheca s'efforcent de donner des listes complètes des Argonautes.
Bien qu'Apollonius ait écrit son poème au IIIe siècle avant JC, la composition de l'histoire des Argonautes est antérieure à l'Odyssée, ce qui montre une familiarité avec les exploits de Jason (l'errance d'Ulysse peut en avoir été en partie fondée). Dans les temps anciens, l’expédition était considérée comme un fait historique, un incident dans l’ouverture de la mer Noire au commerce et à la colonisation grecque. Il était également extrêmement populaire, formant un cycle auquel se rattachaient de nombreuses légendes locales. L’histoire de Médée, en particulier, a captivé l’imagination des poètes tragiques.
Maison d'Atrée et cycle thébain
Entre l’Argo et la guerre de Troie, il y avait une génération connue principalement pour ses crimes horribles. Cela inclut les actions d'Atreus et de Thyeste à Argos. Derrière le mythe de la maison d'Atrée (une des deux principales dynasties héroïques avec la maison de Labdacus) se cache le problème de la dévolution du pouvoir et du mode d'accession à la souveraineté. Les jumeaux Atrée et Thyeste et leurs descendants ont joué le rôle principal dans la tragédie de la passation du pouvoir à Mycènes.
Le cycle thébain traite des événements associés notamment à Cadmus, le fondateur de la ville, et plus tard aux actions de Laïos et d'Œdipe à Thèbes ; une série d'histoires qui mènent au pillage éventuel de cette ville par les Sept contre Thèbes et Epigoni. (On ne sait pas si les Sept contre Thèbes figuraient dans les premières épopées.) En ce qui concerne Œdipe, les premiers récits épiques semblent le faire continuer à régner à Thèbes après la révélation que Iokaste était sa mère, et épouser par la suite une seconde épouse. qui devient la mère de ses enfants - ce qui est très différent du conte que nous connaissons à travers la tragédie (par exemple Œdipe le roi de Sophocle) et les récits mythologiques ultérieurs.
Guerre de Troie et conséquences
La mythologie grecque culmine avec la guerre de Troie, menée entre la Grèce et Troie, et ses conséquences. Dans les œuvres d'Homère, comme l'Iliade, les récits principaux ont déjà pris forme et substance, et des thèmes individuels ont été élaborés plus tard, notamment dans le drame grec. La guerre de Troie a également suscité un grand intérêt dans la culture romaine en raison de l'histoire d'Énée, un héros troyen dont le voyage depuis Troie a conduit à la fondation de la ville qui allait devenir un jour Rome, comme le raconte l'Énéide de Virgile (Livre II de l'Énéide de Virgile). contient le récit le plus connu du sac de Troie). Il existe enfin deux pseudo-chroniques écrites en latin qui passaient sous les noms de Dictys Cretensis et Dares Phrygius.
Le cycle de la guerre de Troie, recueil de poèmes épiques, commence par les événements qui ont précédé la guerre : Éris et la pomme d'or de Kallisti, le jugement de Pâris, l'enlèvement d'Hélène, le sacrifice d'Iphigénie à Aulis. Pour récupérer Hélène, les Grecs lancèrent une grande expédition sous le commandement général du frère de Ménélas, Agamemnon, roi d'Argos ou Mycènes, mais les Troyens refusèrent de restituer Hélène. L'Iliade, qui se déroule la dixième année de la guerre, raconte la querelle entre Agamemnon et Achille, qui était le meilleur guerrier grec, et la mort qui en résulta au combat du camarade bien-aimé d'Achille, Patrocle, et du fils aîné de Priam, Hector. Après la mort d'Hector, les Troyens furent rejoints par deux alliés exotiques, Penthésilée, reine des Amazones, et Memnon, roi des Éthiopiens et fils de la déesse de l'aube Eos. Achille les tua tous les deux, mais Pâris réussit ensuite à tuer Achille d'une flèche dans le talon. Le talon d'Achille était la seule partie de son corps qui n'était pas invulnérable aux dommages causés par les armes humaines. Avant de pouvoir prendre Troie, les Grecs durent voler dans la citadelle l'image en bois de Pallas Athéna (le Palladium). Finalement, avec l'aide d'Athéna, ils construisirent le cheval de Troie. Malgré les avertissements de Cassandra, la fille de Priam, les Troyens furent persuadés par Sinon, un Grec qui feignait la désertion, d'emmener le cheval à l'intérieur des murs de Troie en offrande à Athéna ; le prêtre Laocoon, qui tentait de faire détruire le cheval, fut tué par des serpents de mer. La nuit, la flotte grecque revint et les Grecs à cheval ouvrirent les portes de Troie. Dans le pillage total qui suivit, Priam et ses fils restants furent massacrés ; les femmes troyennes passèrent en esclavage dans diverses villes de Grèce. Les voyages aventureux des dirigeants grecs (y compris les pérégrinations d'Ulysse et d'Énée (l'Énéide) et le meurtre d'Agamemnon) ont été racontés dans deux épopées, les Retours (le Nostoi perdu) et l'Odyssée d'Homère. Le cycle troyen comprend également les aventures des enfants de la génération troyenne (par exemple Oreste et Télémaque).
La guerre de Troie a fourni une variété de thèmes et est devenue une source d'inspiration principale pour | http://www.quizballs.com/ |
Dans la série télévisée britannique « Absolutely Fabulous », quel est le nom de famille d’Edina ? | Monsoon | [
"La série présente Saunders dans le rôle d'Edina Monsoon, une agente de relations publiques toxicomane et alcoolique qui passe son temps à courir après des modes bizarres dans une tentative désespérée de rester jeune et « branchée ». Edina est rejointe dans sa quête par la rédactrice en chef du magazine Patsy Stone (interprétée par Joanna Lumley), sa meilleure amie et complice, dont la toxicomanie, la consommation d'alcool et la promiscuité éclipsent de loin le comportement autodestructeur relativement doux d'Edina. Bien qu'elle soit une femme de carrière d'âge moyen, divorcée deux fois, Edina dépend du soutien de sa fille Saffron (Julia Sawalha), une élève du secondaire (et plus tard étudiante à l'université) dont les soins constants envers sa mère l'ont laissée un cynique amer. . La série met également en vedette June Whitfield dans le rôle de la mère sarcastique et voleuse d'Edina, et Jane Horrocks dans le rôle de l'assistante personnelle sans cervelle d'Edina.",
"Absolutely Fabulous a évolué à partir d'un sketch de French & Saunders intitulé \"Modern Mother and Daughter\" (de l'épisode 6 de la série 3), qui mettait en vedette Saunders dans le rôle de la mère (nommée \"Adrianna\") et French dans le rôle de la fille, déjà nommée Saffron. Le sketch tournait autour d'une mère célibataire d'âge moyen qui se comportait comme une adolescente et dépendait du soutien émotionnel et financier de sa fille adolescente, qui se comportait comme une femme d'âge moyen. Il n'a aucun lien, autre que le nom du personnage, avec le film précédent Eddie Monsoon : A Life ?, une comédie écrite par le mari de Saunders, Adrian Edmondson en 1984 pour la série télévisée The Comic Strip Presents.... Le nom \"Edina Monsoon\" est dérivé du nom d'Edmondson et \"Eddy Monsoon\" est son surnom.",
"Edina \"Eddy\" Monsoon (Saunders) et Patsy Stone (Lumley) sont deux femmes de grande carrière sur la scène de la mode londonienne. Eddy dirige sa propre société de relations publiques et Patsy occupe un poste de sinécure dans un grand magazine de mode britannique. Les deux femmes utilisent leurs ressources financières considérables pour s'adonner à l'alcool, aux drogues récréatives et à la poursuite des dernières modes dans le but de préserver leur jeunesse et de retrouver leurs jours de gloire en tant que Mods dans le Swinging London. En 2011, ils fument encore à la chaîne. Le partenariat est en grande partie dirigé par Patsy, qui est à la fois codépendante et habilitante d'Eddy. Leur style de vie conduit inévitablement à diverses crises personnelles, qui sont invariablement résolues par la fille d'Eddy, Saffron Monsoon (Julia Sawalha), dont l'implication constante dans leurs exploits la rend de plus en plus amère et cynique."
] | Absolutely Fabulous, également connue sous le nom d'Ab Fab, est une sitcom télévisée de la BBC créée, écrite et mettant en vedette Jennifer Saunders. Il est basé sur un croquis French & Saunders de 1990 créé par Saunders et Dawn French.
La série présente Saunders dans le rôle d'Edina Monsoon, une agente de relations publiques toxicomane et alcoolique qui passe son temps à courir après des modes bizarres dans une tentative désespérée de rester jeune et « branchée ». Edina est rejointe dans sa quête par la rédactrice en chef du magazine Patsy Stone (interprétée par Joanna Lumley), sa meilleure amie et complice, dont la toxicomanie, la consommation d'alcool et la promiscuité éclipsent de loin le comportement autodestructeur relativement doux d'Edina. Bien qu'elle soit une femme de carrière d'âge moyen, divorcée deux fois, Edina dépend du soutien de sa fille Saffron (Julia Sawalha), une élève du secondaire (et plus tard étudiante à l'université) dont les soins constants envers sa mère l'ont laissée un cynique amer. . La série met également en vedette June Whitfield dans le rôle de la mère sarcastique et voleuse d'Edina, et Jane Horrocks dans le rôle de l'assistante personnelle sans cervelle d'Edina.
Absolutely Fabulous est revenu pour trois épisodes spéciaux initialement diffusés le 25 décembre 2011, le 1er janvier 2012 et le 23 juillet 2012 pour marquer le 20e anniversaire de la série. L'épisode diffusé le 23 juillet 2012 présentait les Jeux olympiques d'été de 2012 qui se tenaient à Londres cette semaine-là.
Un film basé sur la série est sorti en salles le 1er juillet 2016.
Production
L'émission a eu une diffusion prolongée et sporadique. Les trois premières séries ont été diffusées sur la BBC de 1992 à 1995, suivies d'une finale de la série sous la forme d'un téléfilm en deux parties intitulé The Last Shout en 1996. La créatrice Jennifer Saunders a relancé la série pour une quatrième série en 2001, après après avoir écrit et soumis un pilote intitulé Mirrorball, qui a recruté la quasi-totalité du casting original dans de nouveaux rôles. Le pilote était destiné à être transformé en une série d'épisodes. Cependant, Saunders a estimé que les personnages étaient beaucoup trop riches et intéressants pour être mis de côté, et qu'ils étaient bien mieux adaptés à ses nouvelles idées d'histoire. Au lieu de Mirrorball, une nouvelle série d'Absolument Fabuleux a été proposée à la BBC, qui a ensuite commandé la quatrième série en 2001. De 2001 à 2004, deux séries complètes ont été produites, ainsi que trois émissions spéciales ponctuelles d'une heure ; Gay (rebaptisé et publié sous le titre Absolutely Fabulous à New York pour les États-Unis) en 2002, Cold Turkey, une émission spéciale de Noël en 2003, et White Box (une autre finale de la série), diffusée en 2004. Un sketch Comic Relief a été diffusé en 2005. .
En août 2011, Lumley a confirmé le tournage prévu de trois nouveaux épisodes. En 2011, les projets de renaissance du 20e anniversaire ont été salués dans The Guardian, qui a salué le spectacle comme étant « prophétique ». La première nouvelle émission spéciale a été diffusée le 25 décembre et le deuxième épisode a été diffusé le 1er janvier 2012. La troisième et dernière émission spéciale a coïncidé avec les Jeux olympiques d'été de 2012, avec Stella McCartney apparaissant dans un rôle de camée. Une version cinématographique de la série est sortie à l'été 2016.
Aux États-Unis, la première des trois nouvelles émissions spéciales du 20e anniversaire a été diffusée en janvier 2012 et diffusée à la fois par BBC America et Logo Channel. Les deux chaînes ont également coproduit les épisodes du 20e anniversaire, bien que Logo ait supprimé certaines scènes pour ses diffusions. BBC America l'a diffusé dans son intégralité. Les deux chaînes ont diffusé l'épisode par blocs de 40 minutes pour permettre les interruptions commerciales.
Absolutely Fabulous est classée 17ème plus grande émission de télévision britannique de tous les temps par le British Film Institute. Une scène de l'émission a été incluse dans le programme 100 Greatest TV Moments diffusé par Channel 4. En 1997, l'épisode pilote, "Fashion", a été classé 47e sur la liste des "100 plus grands épisodes de tous les temps" de TV Guide. En 2004 et 2007, la série a été classée 24e et 29e sur la liste des meilleures émissions cultes de tous les temps du TV Guide.
Arrière-plan
Absolutely Fabulous a évolué à partir d'un sketch de French & Saunders intitulé "Modern Mother and Daughter" (de l'épisode 6 de la série 3), qui mettait en vedette Saunders dans le rôle de la mère (nommée "Adrianna") et French dans le rôle de la fille, déjà nommée Saffron. Le sketch tournait autour d'une mère célibataire d'âge moyen qui se comportait comme une adolescente et dépendait du soutien émotionnel et financier de sa fille adolescente, qui se comportait comme une femme d'âge moyen. Il n'a aucun lien, autre que le nom du personnage, avec le film précédent Eddie Monsoon : A Life ?, une comédie écrite par le mari de Saunders, Adrian Edmondson en 1984 pour la série télévisée The Comic Strip Presents.... Le nom "Edina Monsoon" est dérivé du nom d'Edmondson et "Eddy Monsoon" est son surnom.
Selon un article publié dans The Times, le personnage d'Edina était basé sur Lynne Franks. Franks pensait que Saunders l'avait observée, elle et ses enfants, en détail après les avoir rejoints en vacances en famille. Josh Howie, le fils de Franks, a rapporté que sa mère était bouleversée parce qu'un de ses meilleurs amis "l'avait énervée" dans une émission télévisée. Saunders a révélé en 2012 qu'elle était également inspirée par le groupe pop Bananarama avec qui elle et Dawn French étaient devenues amies après leur collaboration avec Comic Relief en 1989. "Les nuits avec Bananarama étaient parmi les meilleures nuits de ma vie, et j'ai eu beaucoup de choses à faire." de gags de Bananarama parce qu'ils étaient de grands buveurs de vodka... quand j'ai commencé à faire AbFab, je me suis souvenu de toutes les chutes que j'ai vu faire à Bananarama. J'ai vu un jour l'un d'eux sortir le premier du fond d'un taxi et prendre la route, et. J'ai pensé que "c'est la classe". Bien qu'Ab Fab ait été produit par Saunders et la société de production de French, Dawn French n'est apparue dans la série qu'une seule fois, dans une apparition dans l'épisode de la première série "Magazine".
Trois nouvelles émissions spéciales ont été annoncées pour célébrer le 20e anniversaire de la série, la première spéciale, "Identity", étant diffusée le 25 décembre 2011. Jon Ploughman, producteur exécutif et producteur original de la série, a déclaré : "Les téléspectateurs ont été incroyablement fidèles dans leur dévouement envers notre nous sommes donc vraiment ravis de vous annoncer qu'il revient pour trois nouveaux spectacles pour célébrer notre 20e anniversaire. Tous les originaux qui sont de nouveau réunis sont toujours absolument fabuleux et les nouvelles aventures d'Edina, Patsy, Saffy, Bubble. et Mère, ainsi que quelques invités surprenants, seront un véritable régal pour les téléspectateurs." Saunders a annoncé en novembre 2011 qu'elle avait commencé à travailler sur une version cinématographique de la série.
Parcelle
Edina "Eddy" Monsoon (Saunders) et Patsy Stone (Lumley) sont deux femmes de grande carrière sur la scène de la mode londonienne. Eddy dirige sa propre société de relations publiques et Patsy occupe un poste de sinécure dans un grand magazine de mode britannique. Les deux femmes utilisent leurs ressources financières considérables pour s'adonner à l'alcool, aux drogues récréatives et à la poursuite des dernières modes dans le but de préserver leur jeunesse et de retrouver leurs jours de gloire en tant que Mods dans le Swinging London. En 2011, ils fument encore à la chaîne. Le partenariat est en grande partie dirigé par Patsy, qui est à la fois codépendante et habilitante d'Eddy. Leur style de vie conduit inévitablement à diverses crises personnelles, qui sont invariablement résolues par la fille d'Eddy, Saffron Monsoon (Julia Sawalha), dont l'implication constante dans leurs exploits la rend de plus en plus amère et cynique.
Casting et personnages
Principal
Récurrent
Épisodes
Absolutely Fabulous a été diffusé pour la première fois le 12 novembre 1992 et a duré trois séries, jusqu'au 4 mai 1995, date à laquelle le sixième épisode de la série 3 a été présenté comme le dernier épisode de l'histoire. Cependant, l'année suivante, en novembre 1996, deux émissions spéciales intitulées "Le dernier cri" ont été diffusées et ont également été présentées comme les derniers épisodes de l'histoire. Les deux épisodes comportaient des séquences de fin avec des flashs vers le futur. Cependant, après avoir écrit Mirrorball, Jennifer Saunders a décidé qu'elle avait plus d'idées, ce qui a conduit à une quatrième série, créée le 31 août 2001. Une cinquième série et trois émissions spéciales ont suivi, dont la dernière a été diffusée le 25 décembre 2004. court spécial pour Comic Relief en mars 2005. En juillet 2005, Saunders a annoncé qu'elle n'écrirait plus ni ne jouerait plus Edina, déclarant "Les appels de 6 heures du matin pour se maquiller et tout le travail promotionnel vous épuisent. J'aimerais écrire et direct, ce serait ma joie". Cependant, en novembre 2010, Lumley a révélé au magazine Playbill qu'elle avait récemment parlé à Saunders de la possibilité de tourner une nouvelle série. Lumley et Saunders se sont réunis pour la publicité de Noël M&S en 2009, aux côtés d'autres stars telles que Twiggy et Stephen Fry.
Le 29 août 2011, il a été annoncé qu'une nouvelle série de trois programmes était en cours pour célébrer le 20e anniversaire de la production originale. Le premier d'entre eux, "Identity", a été diffusé le jour de Noël 2011 et le second, "Job", a été diffusé le jour de l'An 2012. Le dernier, intitulé "Olympics", a été diffusé le 23 juillet 2012. Les épisodes ont été co -produit par Logo et BBC America aux États-Unis.
Le 3 janvier 2012, suite au succès des spéciaux du 20e anniversaire, la rumeur disait que Saunders était sur le point d'écrire un autre spécial de Noël pour 2012. La BBC l'aurait également exhortée à écrire une sixième série pour 2013. Saunders a nié les informations. d'épisodes supplémentaires via son compte Twitter.
Film
En 2011, avant la sortie des nouveaux épisodes 2011/2012, Deadline.com a rapporté que Saunders prévoyait de commencer à écrire un scénario pour un film d'Absolument Fabuleux en 2012. Le film commencerait avec Edina et Patsy se réveillant sur le sommeil d'un oligarque. yacht déserté, dérivant dans l'océan. Saunders a déclaré plus tard que le film se déroulerait sur la Côte d'Azur. En mars 2012, Saunders a confirmé qu'elle travaillait sur le scénario. Elle a dit à propos de l'intrigue du film :
Saunders a également déclaré que maintenant qu'elle avait annoncé son projet de long métrage, il n'y avait plus de retour en arrière. Elle ne le ferait pour aucune autre raison que de voir son alter ego et Patsy fouler le tapis rouge lors de la première du film. En avril 2013, Saunders a déclaré dans l'émission Alan Carr Chatty Man qu'elle avait des doutes sur le film car elle estimait que les acteurs étaient "trop vieux". Elle se sentait obligée de l'écrire et ne voulait pas s'y engager à ce stade précoce.
Le 4 janvier 2014, lors de son apparition dans The Jonathan Ross Show, Saunders a officiellement confirmé que le film se produirait définitivement, car elle se sentait obligée d'écrire un scénario pour une adaptation cinématographique après l'avoir menacé pendant si longtemps. Saunders aurait déclaré : « Joanna Lumley n'arrêtait pas de l'annoncer et de dire : « Oui, elle va le faire », puis Dawn French, dans notre émission de radio de Noël, a déclaré : « Je parie 100 000 £ que vous ne l'écrivez pas ». alors maintenant je dois l'écrire, sinon je dois lui payer 100 000 £'". En avril 2014, Saunders a de nouveau confirmé sur BBC Breakfast qu'elle était en train d'écrire le film et a donné une date de sortie prévue courant 2015.
Le tournage principal du film a débuté le 12 octobre 2015 dans le sud de la France.
Invités spéciaux
De nombreuses célébrités, principalement britanniques ou américaines, sont apparues dans la série, la plupart dans leur propre rôle. Ils comprennent:
*Sylvia Anderson
*Christophe Biggins
* Crispin Bonham Carter
* Helena Bonham Carter
* Jo Marque
* Fougère Britton
*Simon Brodkin
*Emma Bunton
* Naomi Campbell
*Linford Christie
*Nicky Clarke
* Terence Conran
*Richard Curtis
*Carl Davis
*Daniela Denby-Ashe
* Marcella Détroit
*Sacha Distel
* Pilote Minnie
* Lindsay Duncan
*Adrian Edmondson
*Britt Ekland
*Idris Elba
* Marianne Faithfull
* Jesse Tyler Ferguson
* Aube française
* Mariella Frostrup
* Stephen Gately
* Jean Paul Gaultier
* Whoopi Goldberg
* Sofie Gråbøl
* Richard E Grant
* Germaine Greer
* Tanni Grey-Thompson
* Debbie Harry
* Miranda Hart
* David Haye
* Tom Hollander
*Kelly Holmes
*Colin Jackson
* Elton John
* Mark Kermode
* La Roux
* Christian Lacroix
* Nathan Lane
*Leigh Lawson
*Robert Lindsay
*Lulu
* Stella McCartney
* Suzy Ministre de la Santé
*Laurie Metcalf
* Kate Moss
*Graham Norton
*Erin O'Connor
*Bruce Oldfield
* Kate O'Mara
*Anita Pallenberg
*Suzi Quatro
*Zandra Rhodes
* Mandy Rice-Davies
* Richard et Judy
*Miranda Richardson
* Kristin Scott Thomas
* Écharpe Meera
*Brindille
*Rufus Wainwright
* Kirsty Wark
* Cire de rubis
*Dale Winton
* Katy Wix
*Clarissa Dickson Wright
Chanson du thème
La chanson thème d'Absolutely Fabulous est "This Wheel's on Fire", écrite par Bob Dylan et Rick Danko et interprétée par Julie Driscoll et le mari de Saunders, Adrian Edmondson. La chanson a également été chantée par Marianne Faithfull et P. P. Arnold pour le spécial "Last Shout" en 1996. Hermine Demoriane a chanté une version française de la chanson thème au générique de clôture de l'épisode "Paris". A la fin de l'épisode "Anniversaire", Edina et Patsy ont chanté la chanson ensemble à l'aide d'une machine à karaoké. Plus récemment, il a été chanté par Debbie Harry, qui a également joué dans le spécial de Noël 2002 "Gay". Pour la quatrième série, une réplique chantée par David Bowie, "Ziggy a joué de la guitare", tirée de la chanson "Ziggy Stardust" jouée à la fin de chaque épisode.
En raison de problèmes de droits d'auteur, la chanson thème est absente de nombreux DVD de la région 1 des États-Unis, étant remplacée par une version instrumentale de la chanson. Le numéro musical de Chicago interprété par Horrocks, Gaffney et Ryan, lors d'une séquence de rêve dans l'épisode de la série 5 "Birthin'", est également supprimé de la sortie DVD américaine.
En plus de la chanson thème officielle, en 1994, Pet Shop Boys a enregistré une chanson pour Comic Relief en utilisant des extraits de dialogues de la série mis en musique de danse. Le single n'était pas officiellement une sortie des Pet Shop Boys : l'artiste était simplement qualifié de "Absolument Fabuleux". Il a culminé au numéro 6 du UK Singles Chart en juillet 1994. Le clip présentait des extraits de l'émission et des images spécialement enregistrées des Pet Shop Boys avec Patsy et Edina.
Le 10 juin 2016, Kylie Minogue a sorti sa version de « This Wheel's on Fire » pour Absolutely Fabulous : The Movie, avant la sortie du film en juillet 2016.
Autres pays
Aux États-Unis, Absolutely Fabulous a été diffusé sur Comedy Central, certaines chaînes de télévision publiques, mais pas dans le cadre des offres de programmes PBS, BBC America, Oxygen Network et, depuis 2011, Logo, une chaîne à vocation gay. Au Canada, l'émission a été diffusée sur BBC Canada, CBC et The Comedy Network. En Australie, toutes les séries ont été initialement diffusées sur ABC et sur le câble sur UK.TV, et ont été transférées sur The Comedy Channel en 2007. Des rediffusions des trois premières séries ont également été diffusées sur le réseau Seven. L'ABC continue de le diffuser sporadiquement et diffuse des émissions spéciales de Noël et des répétitions occasionnelles des épisodes de la série 5. ABC2 diffuse également des rediffusions de l'émission. En Nouvelle-Zélande, les cinq séries ont été diffusées sur TVNZ. En Inde, les cinq séries, y compris les émissions spéciales, ont été diffusées sur BBC Entertainment.
Au Portugal, Ab Fab a été diffusé sur RTP2. En Serbie, la première série a été diffusée en 1998, via un réseau de chaînes de télévision locales. En 2004, la série a été diffusée dans son intégralité sur B92, tandis qu'en République tchèque, tous les épisodes ont été diffusés. En République de Macédoine, tous les épisodes ont été diffusés plusieurs fois sur Sitel. Aux Pays-Bas et en Flandre, la série est populaire, étant toujours régulièrement rediffusée respectivement par VPRO et Canvas. En Suède, tous les épisodes ont d'abord été diffusés par SVT, mais des rediffusions sont ensuite apparues sur d'autres chaînes. En Allemagne, l'émission a été diffusée par la chaîne de télévision franco-allemande Arte et la chaîne gay TIMM. En France, avant d'être rediffusée sur la télévision terrestre Arte, elle a été successivement diffusée sur la chaîne payante Canal +, sur la chaîne câblée Jimmy, et est désormais diffusée sur France 4. En Finlande, la série a été diffusée par YLE TV1. En Estonie, la série a été diffusée par ETV. Au Brésil, il a été diffusé sur GNT. En Pologne, deux séries ont été diffusées par Wizja Jeden, puis par TVP3, TVN7 et BBC Entertainment.
Adaptations et spectacles associés
Absolutely Fabulous a inspiré un long métrage français, intitulé Absolument fabuleux, en 2001. Il a été écrit et réalisé par Gabriel Aghion et mettait en vedette Josiane Balasko dans le rôle d'Eddy et Nathalie Baye dans le rôle de Patsy. Saunders a fait une petite apparition aux côtés de Catherine Deneuve en tant que spectatrice lors d'un défilé de mode. Amanda Lear a été invitée à jouer le rôle de Patsy, mais elle a refusé en riant, affirmant qu'elle l'avait "déjà vécu".
Un projet de remake américain qui aurait mis en vedette Carrie Fisher et Barbara Carrera a été lancé par Roseanne Barr mais n'a jamais démarré. Cependant, Barr a incorporé de nombreux éléments de la série dans la dernière saison de sa série éponyme Roseanne, dans laquelle son personnage gagne à la loterie : Saunders et Lumley ont repris leurs personnages Edina et Patsy, et Mo Gaffney est également apparu dans l'épisode, mais pas en tant que tel. son personnage Bo.
Il a été annoncé le 7 octobre 2008 qu'une version américaine de la série était en préparation. La série devait être transférée à Los Angeles. L'écrivain de Saturday Night Live, Christine Zander, a travaillé sur les nouveaux scripts et aurait été productrice exécutive aux côtés de Saunders et Ian Moffitt de BBC Worldwide. Sony Pictures Television, BBC Worldwide et la société indépendante Tantamount produisaient la nouvelle série pour Fox, ce qui a donné le feu vert au pilote comme entrée possible à l'automne 2009 avec Kathryn Hahn dans le rôle d'Eddy et Kristen Johnston dans le rôle de Patsy. En mai 2009, Fox a décidé de ne pas commander de série complète.
La scène de la cuisine d'Ab Fab sert désormais de scène au magasin dans la comédie britannique Miranda. Miranda Hart, créatrice de la série, était déjà apparue dans Absolutely Fabulous.
Boule à facettes
Mirrorball était un pilote se déroulant sur la scène théâtrale londonienne, mettant en vedette les acteurs d'Absolutely Fabulous comme personnages alternatifs. Lors de l'écriture et du tournage de la série, Saunders a eu l'idée de relancer Absolutely Fabulous pour une quatrième série, ce qui l'a amenée à abandonner Mirrorball. Il a finalement été diffusé sous forme d'émission spéciale télévisée et est inclus en tant que reportage spécial sur le DVD de la quatrième saison.
Sorties vidéo à domicile
Absolutely Fabulous a été initialement publié en VHS au Royaume-Uni par BBC Video et s'est terminé par le coffret de 8 VHS séries 1 à 4 en novembre 2002. Tous les épisodes ont ensuite été publiés sur DVD, y compris un coffret de cinq DVD intitulé The Complete DVD Collection : Séries 1 à 4 en 2002. Toutes les versions ont été distribuées par BBC Video et 2 Entertain (après 2004), à l'exception de The Last Shout qui a été publié par Vision Video et Universal Studios. L'intégralité de la série est également disponible à la demande sur iTunes. Lorsque les trois premières séries ont été rééditées sur DVD, elles n'incluaient pas de photographie de couverture correspondante à leur série : la série 1 comprenait une image de l'épisode de la série 3 "Jealous", la série 2 avait une image de l'épisode de la série 3 "Poignée de porte" et La série 3 est issue de l'épisode de la série 2 « Pauvre ». Toutes les autres versions incluaient des images de la série correcte, tout comme les versions VHS originales.
En Amérique du Nord, tous les épisodes ont été diffusés sur DVD par BBC Video et Warner Home Video, y compris une collection complète nommée Absolutely Everything. The Last Shout et Gay (qui sont sortis individuellement au Royaume-Uni) ont été publiés sous la forme d'une collection intitulée Absolutely Special en 2003. Un autre long métrage spécial White Box a été publié exclusivement sur le marché américain. Il est finalement sorti au Royaume-Uni le 15 novembre 2010 avec son inclusion dans le coffret Absolutely Everything.
D'autres versions incluent Absolutely Not, une collection de bêtisiers et d'extraits, et Absolutely Fabulous : A Life, un faux documentaire comprenant 15 minutes de nouveau matériel entrecoupées d'extraits de la série. Les deux ne sont sortis qu'en VHS au Royaume-Uni ; ce dernier a également été publié en tant que fonctionnalité spéciale sur la sortie du coffret Absolutely Everything in America.
Sorties au Royaume-Uni
;VHS
Au Royaume-Uni, les versions VHS ont été distribuées par BBC Video, à l'exception de The Last Shout qui a été publiée par Vision Video, la version finale datant de 2002.
; DVD
Tous les épisodes sont désormais sortis sur DVD au Royaume-Uni. "White Box", sorti en Amérique du Nord, n'a jamais été disponible individuellement au Royaume-Uni et n'était pas disponible jusqu'à son inclusion dans le coffret 2010 Absolutely Fabulous: Absolutely Everything. La version nord-américaine Absolutely Special est sortie au Royaume-Uni sous la forme de deux versions distinctes : The Last Shout et Gay. Toutes les sorties au Royaume-Uni ont été distribuées par BBC Video, à l'exception de The Last Shout qui a été publiée par Vision Video.
Sorties nord-américaines
En Amérique du Nord, chaque épisode de la série est sorti. Toutes les versions sont distribuées par BBC Video et Warner Home Video.
; DVD
Sorties australiennes
; DVD
Notes | http://www.quizballs.com/ |
Quel musicien américain décédé, pionnier des styles rock and roll et rockabilly, est né Vincent Eugene Craddock en 1935 ? | Gene Vincent | [
"Parmi les autres artistes avec les premiers succès du rock and roll figuraient Chuck Berry, Bo Diddley, Little Richard, Jerry Lee Lewis et Gene Vincent. Le classique \"Maybellene\" de Chuck Berry de 1955 présente en particulier un solo de guitare électrique déformé avec des harmoniques chaleureuses créées par son petit amplificateur à lampes. Cependant, l'utilisation de la distorsion a été précédée par des guitaristes de blues électrique tels que Joe Hill Louis, Guitar Slim, Willie Johnson du groupe Howlin' Wolf et Pat Hare ; ces deux derniers utilisaient également des accords de puissance déformés au début des années 1950. Toujours en 1955, Bo Diddley a introduit un nouveau rythme et un style de guitare électrique unique, fortement influencé par la musique africaine et influençant à son tour de nombreux artistes ultérieurs."
] | Le rock and roll (souvent écrit rock & roll ou rock 'n' roll) est un genre de musique populaire originaire et évolué aux États-Unis à la fin des années 1940 et au début des années 1950, à partir d'une combinaison de genres afro-américains tels que le blues. , boogie-woogie, jump blues, jazz et musique gospel, ainsi que le swing occidental et la musique country. Peterson, Richard A. Créer de la musique country : fabriquer l'authenticité (1999), p. 9, ISBN0-226-66285-3. Bien que des éléments du rock and roll puissent être entendus dans les disques de blues des années 1920 et dans les disques country des années 1930, le genre n'a acquis son nom que dans les années 1950.
« Rock and roll » peut faire référence soit à la première vague de musique née aux États-Unis dans les années 1950 avant son développement en « musique rock », soit plus largement à la musique et à la culture rock. Dans un souci de différenciation, cet article traite de la première définition.
Dans les premiers styles de rock and roll de la fin des années 40 et du début des années 50, le piano ou le saxophone étaient souvent l'instrument principal, mais ceux-ci étaient généralement remplacés ou complétés par la guitare entre le milieu et la fin des années 1950. Le rythme est essentiellement un rythme de blues avec un backbeat accentué, ce dernier étant presque toujours assuré par une caisse claire. Le rock and roll classique est généralement joué avec une ou deux guitares électriques (une solo, une rythmique), une contrebasse ou une contrebasse ou (après le milieu des années 1950) une guitare basse électrique et une batterie. Evans, "Le développement du Blues" dans A. F. Moore, éd., Le compagnon de Cambridge du blues et de la musique gospel (Cambridge : Cambridge University Press, 2002), pp.
Au-delà d’un simple style musical, le rock and roll, tel qu’on le voit au cinéma et à la télévision, a influencé les modes de vie, la mode, les attitudes et le langage. De plus, le rock and roll a peut-être contribué au mouvement des droits civiques parce que les adolescents afro-américains et blancs américains appréciaient la musique. C. Altschuler, Tout secoué : comment le rock'n'roll a changé l'Amérique (Oxford : Oxford University Press US, 2003), p. 35. Elle a ensuite engendré divers genres, souvent sans le backbeat initialement caractéristique, qui sont maintenant plus communément appelés simplement « musique rock » ou « rock ».
Terminologie
Le terme « rock and roll » a désormais au moins deux significations différentes, toutes deux usuelles. L'American Heritage Dictionary et le Merriam-Webster Dictionary définissent tous deux le rock and roll comme synonyme de musique rock. L'Encyclopædia Britannica, quant à elle, la considère comme une musique née au milieu des années 1950 et qui s'est ensuite développée « dans le style international plus englobant connu sous le nom de musique rock ».
L'expression « balancer et rouler » décrivait à l'origine le mouvement d'un navire sur l'océan, mais a été utilisée au début du XXe siècle, à la fois pour décrire la ferveur spirituelle des rituels de l'église noire et comme analogie sexuelle. Divers enregistrements de gospel, de blues et de swing ont utilisé l'expression avant qu'elle ne soit utilisée plus fréquemment – mais toujours par intermittence – dans les années 1940, sur des enregistrements et dans des critiques de ce qui est devenu connu sous le nom de musique « rythmique et blues » destinée à un public noir.
En 1934, la chanson « Rock and Roll » des Boswell Sisters apparaît dans le film Transatlantic Merry-Go-Round. En 1942, la chroniqueuse du magazine Billboard, Maurie Orodenker, a commencé à utiliser le terme « rock-and-roll » pour décrire des enregistrements optimistes tels que « Rock Me » de sœur Rosetta Tharpe. En 1943, le « Rock and Roll Inn » de South Merchantville, New Jersey, était créé comme salle de concert. En 1951, le disc-jockey de Cleveland, Ohio, Alan Freed, a commencé à jouer ce style de musique tout en popularisant l'expression pour le décrire.
Début du rock and roll
Origines
Les origines du rock and roll ont été âprement débattues par les commentateurs et les historiens de la musique. Il est généralement admis qu’il est né dans le sud des États-Unis – une région qui produirait la plupart des premiers groupes majeurs de rock and roll – à la suite de la rencontre de diverses influences qui incarnaient une fusion de la tradition musicale africaine avec l’instrumentation européenne. La migration de nombreux anciens esclaves et de leurs descendants vers les grands centres urbains tels que Memphis, New York, Détroit, Chicago, Cleveland et Buffalo (voir : Deuxième grande migration (afro-américaine)) signifiait que les résidents noirs et blancs vivaient en étroite collaboration. proximité en plus grand nombre que jamais auparavant et, par conséquent, ils ont entendu la musique de chacun et ont même commencé à imiter leurs modes respectives. Les stations de radio qui ont mis les formes de musique blanche et noire à la disposition des deux groupes, le développement et la diffusion du disque gramophone et les styles musicaux afro-américains tels que le jazz et le swing, repris par des musiciens blancs, ont contribué à ce processus de « collision culturelle ». .M. T. Bertrand, « Race, rock et musique d'Elvis dans la vie américaine (University of Illinois Press, 2000), p. 99.
Les racines immédiates du rock and roll résident dans le rythme et le blues, alors appelés « musique de course », et dans la musique country des années 1940 et 1950. Les influences particulièrement significatives étaient le jazz, le blues, le gospel, la country et le folk. Les commentateurs diffèrent quant à leurs points de vue quant à savoir laquelle de ces formes était la plus importante et dans quelle mesure la nouvelle musique était une nouvelle image du rythme et du blues afro-américains pour un marché blanc, ou un nouvel hybride de formes noires et blanches. K. Keightley, "Reconsidering rock" S. Frith, W. Straw et J. Street, éd., The Cambridge compagnon to pop and rock (Cambridge : Cambridge University Press, 2001), p. 116.
Dans les années 1930, le jazz, et en particulier le swing, tant dans les groupes de danse urbains que le country swing influencé par le blues, a été parmi les premières musiques à présenter des sons afro-américains à un public majoritairement blanc. Les années 1940 ont vu l'utilisation accrue de cors retentissants (y compris les saxophones), de paroles criées et de rythmes de boogie woogie dans la musique jazz. Pendant et immédiatement après la Seconde Guerre mondiale, avec le manque de carburant et les limites du public et du personnel disponible, les grands groupes de jazz étaient moins économiques et avaient tendance à être remplacés par des combos plus petits, utilisant des guitares, une basse et une batterie. Au cours de la même période, notamment sur la côte ouest et dans le Midwest, le développement du jump blues, avec ses riffs de guitare, ses rythmes proéminents et ses paroles criées, préfigurait de nombreux développements ultérieurs. Dans le film documentaire Hail! Grêle! Rock 'n' Roll, Keith Richards propose que Chuck Berry ait développé sa marque de rock and roll, en transposant la ligne principale à deux notes familière du piano jump blues directement à la guitare électrique, créant ce qui est immédiatement reconnaissable comme une guitare rock. De même, le country boogie et le blues électrique de Chicago ont fourni de nombreux éléments qui seraient considérés comme caractéristiques du rock and roll. Inspiré par le blues électrique, Chuck Berry a introduit un son de guitare agressif dans le rock and roll et a fait de la guitare électrique sa pièce maîtresse, adaptant l'instrumentation de son groupe de rock à partir de l'instrumentation de base du groupe de blues composée d'une guitare solo, d'un deuxième instrument d'accord, d'une basse et d'une batterie. Michael Campbell et James Brody, [https://books.google.co.uk/books?id
RK-JmVbv4OIC&pg=PA80 Rock and Roll : Une introduction], pages 80-81
Le rock and roll est arrivé à une époque de changements technologiques considérables, peu après le développement de la guitare électrique, de l'amplificateur et du microphone, ainsi que du disque 45 tours. Il y a également eu des changements dans l'industrie du disque, avec la montée en puissance de labels indépendants comme Atlantic, Sun et Chess qui s'adressent à des publics de niche et une montée en puissance similaire des stations de radio qui diffusent leur musique. C'est la prise de conscience que des adolescents blancs relativement aisés écoutaient cette musique qui a conduit au développement de ce qui allait être défini comme le rock and roll en tant que genre distinct.
Parce que le développement du rock and roll était un processus évolutif, aucun disque ne peut être identifié sans ambiguïté comme « le premier » disque de rock and roll. Les prétendants au titre de « premier disque de rock and roll » incluent « The Fat Man » de Fats Domino (1949), « Strange Things Happening Everyday » de Sister Rosetta Tharpe (1944), « Rock Awhile » de Goree Carter (1949), Jimmy Preston. "Rock the Joint" (1949), repris plus tard par Bill Haley & His Comets en 1952, "Rocket 88" de Jackie Brenston et ses Delta Cats (Ike Turner et son groupe The Kings of Rhythm), enregistré par Sam Phillips pour Sun Records en mars 1951.M. Campbell, éd., Popular Music in America : and the Beat Goes on (Boston, MA : Cengage Learning, 3e éd., 2008), ISBN 0-495-50530-7, pp. En termes de son vaste impact culturel sur la société aux États-Unis et ailleurs, "Rock Around the Clock" de Bill Haley, enregistré en avril 1954 mais qui ne connut un succès commercial que l'année suivante, est généralement reconnu comme une étape importante, mais il a été précédé par de nombreux enregistrements des décennies précédentes dans lesquels des éléments du rock and roll peuvent être clairement discernés. Robert Palmer, "Rock Begins", dans Rolling Stone Illustrated History of Rock and Roll, 1976/1980, ISBN 0-330-26568-7 (Royaume-Uni édition), pp.
Parmi les autres artistes avec les premiers succès du rock and roll figuraient Chuck Berry, Bo Diddley, Little Richard, Jerry Lee Lewis et Gene Vincent. Le classique "Maybellene" de Chuck Berry de 1955 présente en particulier un solo de guitare électrique déformé avec des harmoniques chaleureuses créées par son petit amplificateur à lampes. Cependant, l'utilisation de la distorsion a été précédée par des guitaristes de blues électrique tels que Joe Hill Louis, Guitar Slim, Willie Johnson du groupe Howlin' Wolf et Pat Hare ; ces deux derniers utilisaient également des accords de puissance déformés au début des années 1950. Toujours en 1955, Bo Diddley a introduit un nouveau rythme et un style de guitare électrique unique, fortement influencé par la musique africaine et influençant à son tour de nombreux artistes ultérieurs.
Rockabilly
"Rockabilly" fait généralement (mais pas exclusivement) référence au type de musique rock and roll joué et enregistré au milieu des années 1950 principalement par des chanteurs blancs tels qu'Elvis Presley, Carl Perkins, Johnny Cash et Jerry Lee Lewis, qui ont dessiné principalement sur les racines country de la musique. De nombreux autres chanteurs de rock and roll populaires de l'époque, tels que Fats Domino et Little Richard, sont issus de la tradition du rythme et du blues noirs, rendant la musique attrayante pour le public blanc, et ne sont généralement pas classés comme « rockabilly ».
En juillet 1954, Elvis Presley enregistra le tube régional "That's All Right" au Sun Studio de Sam Phillips à Memphis. Trois mois plus tôt, le 12 avril 1954, Bill Haley & His Comets enregistraient "Rock Around the Clock". Bien qu'il ne s'agisse que d'un succès mineur lors de sa première sortie, lorsqu'il est utilisé dans la séquence d'ouverture du film Blackboard Jungle un an plus tard, il a déclenché le boom du rock and roll. La chanson est devenue l'un des plus grands succès de l'histoire et des adolescents frénétiques se sont rassemblés pour voir Haley et les Comets l'interpréter, provoquant des émeutes dans certaines villes. "Rock Around the Clock" a été une percée à la fois pour le groupe et pour toute la musique rock and roll. Si tout ce qui a précédé a jeté les bases, "Rock Around the Clock" a présenté la musique à un public mondial.
En 1956, l'arrivée du rockabilly est soulignée par le succès de chansons comme « Folsom Prison Blues » de Johnny Cash, « Blue Suede Shoes » de Perkins et « Heartbreak Hotel » de Presley. Pendant quelques années, il est devenu la forme de rock and roll la plus réussie commercialement. Les actes de rockabilly ultérieurs, en particulier les auteurs-compositeurs comme Buddy Holly, auront une influence majeure sur les actes de British Invasion et en particulier sur l'écriture des chansons des Beatles et, à travers eux, sur la nature de la musique rock ultérieure.
Doo wop
Le doo wop était l'une des formes les plus populaires du rythme et du blues des années 1950, souvent comparé au rock and roll, avec un accent sur les harmonies vocales en plusieurs parties et les paroles d'accompagnement dénuées de sens (d'où le genre tira plus tard son nom), qui étaient généralement soutenues. avec instrumentation légère. Ses origines remontent aux groupes vocaux afro-américains des années 30 et 40, comme les Ink Spots et les Mills Brothers, qui avaient connu un succès commercial considérable avec des arrangements basés sur des harmonies serrées. Ils ont été suivis par des groupes vocaux R&B des années 1940 comme The Orioles, The Ravens et The Clovers, qui ont injecté un fort élément de gospel traditionnel et, de plus en plus, l'énergie du jump blues. En 1954, alors que le rock and roll commençait à émerger, un certain nombre d'actes similaires ont commencé à passer des charts R&B au succès grand public, souvent avec des cuivres et du saxophone supplémentaires, avec The Crows, The Penguins, The El Dorados et The Turbans. tous marquant des succès majeurs. Malgré l'explosion ultérieure des disques des groupes de doo wop à la fin des années 50, beaucoup n'ont pas réussi à figurer dans les charts ou ont été des merveilles. Les exceptions incluaient The Platters, avec des chansons dont "The Great Pretender" (1955) et The Coasters avec des chansons humoristiques comme "Yakety Yak" (1958), toutes deux classées parmi les groupes de rock and roll les plus réussis de l'époque. Vers la fin de la décennie, un nombre croissant de chanteurs blancs, en particulier italo-américains, se sont lancés dans le Doo Wop, créant des groupes entièrement blancs comme The Mystics et Dion and the Belmonts et des groupes racialement intégrés comme The Dell Vikings et The Impalas. Le Doo Wop aura une influence majeure sur la musique de surf vocale, la soul et les premiers Merseybeat, y compris les Beatles.
Versions de couverture
La plupart des premiers succès du rock and roll blanc étaient des reprises ou des réécritures partielles de chansons noires de rythme et de blues ou de blues antérieures. À la fin des années 1940 et au début des années 1950, la musique R&B a acquis un rythme plus fort et un style plus sauvage, avec des artistes tels que Fats Domino et Johnny Otis accélérant les tempos et augmentant le backbeat jusqu'à une grande popularité sur le circuit des juke-joints. Avant les efforts de Freed et d’autres, la musique noire était taboue sur de nombreuses radios appartenant à des Blancs, mais les artistes et les producteurs ont rapidement reconnu le potentiel du rock and roll. La plupart des premiers succès de Presley étaient des reprises de chansons noires de rythme et de blues ou de blues, comme "That's All Right" (un arrangement country d'un numéro de blues), "Baby Let's Play House", "Lawdy Miss Clawdy" et "Hound Dog". Les frontières raciales sont cependant plus obscurcies par le fait que bon nombre de ces chansons R&B initialement enregistrées par des artistes noirs ont été écrites par des auteurs-compositeurs blancs, comme l'équipe composée de Jerry Leiber et Mike Stoller.
Les reprises étaient habituelles dans l’industrie musicale à l’époque ; cela a été rendu particulièrement facile par la disposition relative aux licences obligatoires de la loi américaine sur le droit d'auteur (toujours en vigueur). L'une des premières reprises à succès pertinentes a été la transformation par Wynonie Harris du hit original jump blues de Roy Brown de 1947 " Good Rocking Tonight " en un rocker plus voyant et le rocker de Louis Prima " Oh Babe " en 1950, ainsi que la reprise d'Amos Milburn de What may ont été le premier disque de rock and roll blanc, "Birmingham Bounce" de Hardrock Gunter en 1949. La tendance la plus notable, cependant, était les reprises pop blanches de numéros R&B noirs. Le son plus familier de ces reprises était peut-être plus acceptable pour le public blanc, il y avait peut-être un élément de préjugé, mais les labels destinés au marché blanc disposaient également de bien meilleurs réseaux de distribution et étaient généralement beaucoup plus rentables. Pat Boone a enregistré des versions aseptisées des chansons de Little Richard. Plus tard, à mesure que ces chansons devenaient populaires, les enregistrements des artistes originaux ont également été diffusés à la radio.
Les versions de couverture n'étaient pas nécessairement de simples imitations. Par exemple, la reprise incomplètement ébauchée de "Shake, Rattle and Roll" de Bill Haley a transformé le conte humoristique et racé d'amour adulte de Big Joe Turner en un numéro de danse énergique pour adolescents, tandis que Georgia Gibbs a remplacé la voix dure et sarcastique d'Etta James dans "Roll With Me, Henry" (repris sous le titre "Dance With Me, Henry") avec une voix plus gaie plus appropriée pour un public peu familier avec la chanson à laquelle la chanson de James était une réponse, "Work With Me, Annie" de Hank Ballard. La version rock and roll d'Elvis de "Hound Dog", tirée principalement d'une version enregistrée par le groupe pop Freddie Bell and the Bellboys, était très différente du blues screamer que Big Mama Thornton avait enregistré quatre ans plus tôt.
Déclin
Certains commentateurs ont suggéré un déclin du rock and roll à la fin des années 1950 et au début des années 1960. En 1959, la mort de Buddy Holly, The Big Bopper et Ritchie Valens dans un accident d'avion (février 1959), le départ d'Elvis pour l'armée (mars 1958), la retraite de Little Richard pour devenir pasteur (octobre 1957), le scandale entourant le mariage de Jerry Lee Lewis avec son cousin de treize ans (mai 1958), l'arrestation de Chuck Berry (décembre 1959) et l'éclatement du scandale Payola impliquant des personnalités majeures, dont Alan Freed, dans des pots-de-vin et corruption en promouvant des actes ou des chansons individuelles (novembre 1959), donnait le sentiment que la phase initiale du rock and roll était terminée. Campbell, éd., Popular Music in America: And the Beat Goes on (Cengage Learning, 3e éd., 2008), p. 99.
Certains historiens de la musique ont souligné les développements importants et innovants qui se sont appuyés sur le rock and roll au cours de cette période, notamment l'enregistrement multipiste, développé par Les Paul, le traitement électronique du son par des innovateurs tels que Joe Meek et les productions « Wall of Sound » de Phil Spector, la déségrégation continue des charts, la montée de la surf music, du garage rock et de l'engouement pour la dance Twist. Le surf rock en particulier, connu pour l'utilisation de guitares saturées de réverbération, est devenu l'une des formes les plus populaires du rock américain des années 60.
Rock and roll britannique
Dans les années 1950, la Grande-Bretagne était bien placée pour accueillir la musique et la culture rock and roll américaines. Ils partageaient une langue commune, avaient été exposés à la culture américaine grâce au stationnement de troupes dans le pays et partageaient de nombreux développements sociaux, y compris l'émergence de sous-cultures de jeunesse distinctes, parmi lesquelles, en Grande-Bretagne, les Teddy Boys et les rockers. Le Trad Jazz est devenu populaire et nombre de ses musiciens ont été influencés par des styles américains connexes, notamment le boogie woogie et le blues. L'engouement pour le skiffle, dirigé par Lonnie Donegan, a utilisé des versions amateurs de chansons folk américaines et a encouragé de nombreux musiciens de la génération suivante de rock and roll, folk, R&B et beat à commencer à se produire sur scène. Brocken, Le renouveau folklorique britannique, 1944-2002 (Aldershot : Ashgate, 2003), pp. Au même moment, le public britannique commençait à découvrir le rock and roll américain, initialement à travers des films comme Blackboard Jungle (1955) et Rock Around the Clock (1955). Les deux films contenaient le hit de Bill Haley & His Comets "Rock Around the Clock", qui entra pour la première fois dans les charts britanniques au début de 1955 - quatre mois avant d'atteindre les charts pop américains - et arriva en tête des charts britanniques plus tard cette année-là et de nouveau en 1956, et a contribué à identifier le rock and roll avec la délinquance adolescente. Des groupes de rock and roll américains tels qu'Elvis Presley, Little Richard, Buddy Holly, Chuck Berry et Carl Perkins sont ensuite devenus des forces majeures dans les charts britanniques.
La réponse initiale de l’industrie musicale britannique a été de tenter de produire des copies de disques américains, enregistrées avec des musiciens de session et souvent présentées par des idoles adolescentes. D'autres rock and rolls britanniques populaires ont rapidement commencé à apparaître, notamment Wee Willie Harris et Tommy Steele. Durant cette période, le rock and roll américain est resté dominant ; cependant, en 1958, la Grande-Bretagne a produit sa première chanson et star « authentique » du rock and roll, lorsque Cliff Richard a atteint le numéro 2 des charts avec « Move It ». Dans le même temps, des émissions télévisées telles que Six-Five Special et Oh Boy! a promu les carrières de rock and roll britanniques comme Marty Wilde et Adam Faith. Cliff Richard et son groupe d'accompagnement, The Shadows, étaient les groupes de rock and roll locaux les plus réussis de l'époque. Parmi les autres artistes phares figuraient Billy Fury, Joe Brown et Johnny Kidd & the Pirates, dont la chanson à succès de 1960 "Shakin' All Over" est devenue un standard du rock and roll.
Alors que l'intérêt pour le rock and roll commençait à diminuer en Amérique à la fin des années 1950 et au début des années 1960, il fut repris par des groupes des grands centres urbains britanniques comme Liverpool, Manchester, Birmingham et Londres. com/mersey-beat/about/founders-story2.shtml Mersey Beat – l'histoire des fondateurs]. À peu près à la même époque, une scène de blues britannique se développe, initialement dirigée par des adeptes du blues puristes tels qu'Alexis Korner et Cyril Davies, directement inspirés par des musiciens américains tels que Robert Johnson, Muddy Waters et Howlin' Wolf.V. Bogdanov, C. Woodstra, S. T. Erlewine, éd., All Music Guide to the Blues : The Definitive Guide to the Blues (Backbeat, 3e éd., 2003), p. 700. De nombreux groupes se sont tournés vers la musique rythmée du rock and roll et du rythme et du blues du skiffle, comme les Quarrymen qui sont devenus les Beatles, produisant une forme de revivalisme rock and roll qui les a menés, ainsi que de nombreux autres groupes, au succès national à partir de 1963 environ et au succès international à partir de 1964, connue en Amérique sous le nom d'invasion britannique. Les groupes qui ont suivi les Beatles comprenaient Freddie and the Dreamers, The Searchers, Wayne Fontana and the Mindbenders, Herman's Hermits et The Dave Clark Five, influencés par le beat, et des groupes plus directement influencés par le blues, notamment The Animals, The Kinks, The Rolling Stones, Les Who et les Yardbirds. Alors que le blues devenait une influence de plus en plus importante, conduisant à la création du blues rock de groupes comme The Moody Blues, Small Faces, The Move, Traffic et Cream, et se développant en musique rock, l'influence des premiers rock and roll commença à s'atténuer. .
Impact culturel
Le rock and roll a influencé les modes de vie, la mode, les attitudes et le langage. De plus, le rock and roll a peut-être contribué au mouvement des droits civiques parce que les adolescents afro-américains et blancs américains appréciaient la musique.
De nombreuses premières chansons de rock and roll traitaient de problèmes liés aux voitures, à l'école, aux rencontres et aux vêtements. Les paroles des chansons rock and roll décrivaient des événements et des conflits auxquels la plupart des auditeurs pouvaient s'identifier à travers leur expérience personnelle. Des sujets tels que le sexe, généralement considérés comme tabous, ont commencé à apparaître dans les paroles du rock and roll. Cette nouvelle musique essayait de briser les frontières et d’exprimer des émotions que les gens ressentaient réellement mais dont ils n’avaient pas parlé. Un réveil a commencé à avoir lieu dans la culture de la jeunesse américaine.
Course
Dans le croisement de la « musique de course » afro-américaine vers un public croissant de jeunes blancs, la popularisation du rock and roll impliquait à la fois des artistes noirs atteignant un public blanc et des artistes blancs s'appropriant la musique afro-américaine. Le rock and roll est apparu à une époque où les tensions raciales aux États-Unis entraient dans une nouvelle phase, avec les débuts du mouvement des droits civiques en faveur de la déségrégation, qui a conduit à l'arrêt de la Cour suprême qui a aboli la politique « séparés mais égaux » en 1954, mais en laissant une politique qui serait extrêmement difficile à appliquer dans certaines parties des États-Unis. Le rapprochement du public de la jeunesse blanche et de la musique noire dans le rock and roll a inévitablement provoqué de fortes réactions racistes blanches aux États-Unis, de nombreux Blancs condamnant la suppression des barrières fondées sur la couleur. De nombreux observateurs considéraient le rock and roll comme ouvrant la voie à la déségrégation, en créant une nouvelle forme de musique encourageant la coopération raciale et le partage d’expériences. De nombreux auteurs ont soutenu que les débuts du rock and roll ont joué un rôle déterminant dans la façon dont les adolescents blancs et noirs s'identifiaient.
Culture adolescente
Plusieurs historiens du rock ont affirmé que le rock and roll a été l'un des premiers genres musicaux à définir une tranche d'âge. Cela donnait aux adolescents un sentiment d’appartenance, même lorsqu’ils étaient seuls. Le rock and roll est souvent identifié à l'émergence de la culture adolescente parmi la première génération du baby-boom, qui avait à la fois une plus grande richesse relative, plus de loisirs et qui a adopté le rock and roll dans le cadre d'une sous-culture distincte. Coleman, L. H. Ganong, K. Warzinik, La vie de famille dans l'Amérique du XXe siècle (Greenwood, 2007), pp. Cela impliquait non seulement la musique, absorbée par la radio, l'achat de disques, les juke-box et les programmes télévisés comme American Bandstand, mais également les films, les vêtements, les cheveux, les voitures et les motos, ainsi que le langage distinctif. Le contraste entre la culture parentale et celle des jeunes, illustrée par le rock and roll, était une source d'inquiétude récurrente pour les générations plus âgées, qui s'inquiétaient de la délinquance juvénile et de la rébellion sociale, d'autant plus que dans une large mesure, la culture rock and roll était partagée par différents groupes raciaux et sociaux.
Aux États-Unis, cette préoccupation s’exprimait même dans les objets culturels de la jeunesse tels que les bandes dessinées. Dans "Il n'y a pas de romance dans le rock and roll" de True Life Romance (1956), une adolescente provocante sort avec un garçon amoureux du rock and roll mais le laisse tomber pour un garçon qui aime la musique traditionnelle pour adultes - au grand soulagement de ses parents. En Grande-Bretagne, où la prospérité d'après-guerre était plus limitée, la culture rock and roll s'est attachée au mouvement préexistant des Teddy Boy, en grande partie ouvrier d'origine, et finalement aux rockers plus durables. Le rock and roll a été considéré comme une réorientation de la musique populaire vers un marché d'adolescents, célébrant souvent la mode des adolescents, comme dans "Blue Suede Shoes" de Carl Perkins (1956) ou "A Teenager in Love" de Dion et les Belmonts (1960).
Styles de danse
Depuis le début des années 1950 jusqu’au début des années 1960, la musique rock and roll a engendré de nouveaux engouements pour la danse. Les adolescents ont trouvé le rythme de backbeat syncopé particulièrement adapté à la relance de la danse jitterbug de l'ère Big Band. Les « Sock hops », les danses en salle de sport et les soirées dansantes au sous-sol de la maison sont devenus à la mode, et les adolescents américains ont regardé l'American Bandstand de Dick Clark pour se tenir au courant des derniers styles de danse et de mode. À partir du milieu des années 1960, alors que le « rock and roll » était rebaptisé simplement « rock », des genres de danse ultérieurs ont suivi, en commençant par le twist, pour aboutir au funk, au disco, à la house, à la techno et au hip hop. | http://www.quizballs.com/ |
Josiah Tulkinghorn est l'avocat de Sir Lester Dedlock dans quel roman de Charles Dickens ? | Bleak House | [
"Dickens a travaillé au cabinet d'avocats Ellis et Blackmore, avocats, de Holborn Court, Gray's Inn, en tant que commis junior de mai 1827 à novembre 1828. Il était un imitateur doué et se faisait passer pour ceux qui l'entouraient : clients, avocats et commis. Il allait au théâtre de manière obsessionnelle – il affirmait que pendant au moins trois ans, il allait au théâtre tous les jours. Son acteur préféré était Charles Mathews, et Dickens apprenait par cœur ses monopolylogues (farces dans lesquelles Mathews jouait chaque personnage). Puis, après avoir appris le système de sténographie de Gurney pendant son temps libre, il est parti devenir journaliste indépendant. Un parent éloigné, Thomas Charlton, était journaliste indépendant à Doctors' Commons, et Dickens a pu y partager sa loge pour rendre compte des procédures judiciaires pendant près de quatre ans. Cette éducation devait éclairer des œuvres telles que Nicholas Nickleby, Dombey and Son, et surtout Bleak House, dont le portrait saisissant des machinations et de la bureaucratie du système juridique a beaucoup contribué à éclairer le grand public et a servi de véhicule pour la diffusion des propres opinions de Dickens. concernant, en particulier, le lourd fardeau qui pèse sur les pauvres, contraints par les circonstances à « recourir à la justice ».",
"Fin novembre 1851, Dickens emménagea à Tavistock House où il écrivit Bleak House (1852-1853), Hard Times (1854) et Little Dorrit (1856). C'est ici qu'il s'adonna aux pièces de théâtre amateurs décrites dans \"La Vie\" de Forster. Durant cette période, il travaille en étroite collaboration avec le romancier et dramaturge Wilkie Collins. En 1856, ses revenus tirés de l'écriture lui permettent d'acheter Gad's Hill Place à Higham, Kent. Enfant, Dickens était passé devant la maison et rêvait d'y vivre. La région a également été le théâtre de certains événements de Henri IV, première partie de Shakespeare, et ce lien littéraire lui a plu."
] | Charles John Huffam Dickens (7 février 1812 - 9 juin 1870) était un écrivain et critique social anglais. Il a créé certains des personnages de fiction les plus connus au monde et est considéré comme le plus grand romancier de l'ère victorienne. Ses œuvres ont connu une popularité sans précédent au cours de sa vie et, au XXe siècle, les critiques et les universitaires l'ont reconnu comme un génie littéraire. Ses romans et nouvelles jouissent d’une popularité durable.
Né à Portsmouth, Dickens a quitté l'école pour travailler dans une usine lorsque son père a été incarcéré dans une prison pour dettes. Malgré son manque d'éducation formelle, il a édité un journal hebdomadaire pendant 20 ans, a écrit 15 romans, cinq nouvelles, des centaines de nouvelles et d'articles de non-fiction, a donné de nombreuses conférences et joué de nombreuses pièces, a été un écrivain infatigable et a fait campagne vigoureusement pour les droits de l'enfant. , l’éducation et d’autres réformes sociales.
Le succès littéraire de Dickens a commencé avec la publication en série de 1836 des Pickwick Papers. En quelques années, il était devenu une célébrité littéraire internationale, célèbre pour son humour, sa satire et sa vive observation des personnages et de la société. Ses romans, pour la plupart publiés sous forme de versements mensuels ou hebdomadaires, ont été les pionniers de la publication en série de fiction narrative, qui est devenue le mode victorien dominant de publication de romans. Le format de versement a permis à Dickens d'évaluer la réaction de son public, et il a souvent modifié son intrigue et le développement de son personnage en fonction de ces commentaires. Par exemple, lorsque le podologue de sa femme a exprimé sa détresse face à la façon dont Miss Mowcher dans David Copperfield semblait refléter ses handicaps, Dickens a amélioré le personnage avec des traits positifs. Ses intrigues étaient soigneusement construites et il intégrait souvent des éléments d'événements d'actualité dans ses récits. Des masses de pauvres analphabètes ont donné des centimes pour que chaque nouvel épisode mensuel leur soit lu, ouvrant ainsi la voie à une nouvelle classe de lecteurs.
Dickens était considéré comme le colosse littéraire de son époque. Sa nouvelle de 1843, A Christmas Carol, reste populaire et continue d'inspirer des adaptations dans tous les genres artistiques. Oliver Twist et Great Expectations sont également fréquemment adaptés et, comme beaucoup de ses romans, évoquent des images du début de l'époque victorienne à Londres. Son roman de 1859, A Tale of Two Cities, qui se déroule à Londres et à Paris, est son œuvre de fiction historique la plus connue. Le génie créatif de Dickens a été salué par ses collègues écrivains, de Léon Tolstoï à George Orwell et G. K. Chesterton, pour son réalisme, sa comédie, son style de prose, ses caractérisations uniques et sa critique sociale. D’un autre côté, Oscar Wilde, Henry James et Virginia Woolf se plaignaient d’un manque de profondeur psychologique, d’une écriture lâche et d’une veine de sentimentalisme sucré. Le terme Dickensien est utilisé pour décrire quelque chose qui rappelle Dickens et ses écrits, comme de mauvaises conditions sociales ou des personnages comiquement répugnants.
Premières années
Charles John Huffam Dickens est né le 7 février 1812, au 1 Mile End Terrace (maintenant 393 Commercial Road), Landport sur l'île de Portsea (Portsmouth), le deuxième des huit enfants de John Dickens (1785-1851) et d'Elizabeth Dickens (née Barrow ; 1789-1863). Son père était commis au bureau de paie de la Marine et était temporairement en poste dans le district. Il demanda à Christopher Huffam, gréeur de la Marine de Sa Majesté, gentleman et chef d'une entreprise bien établie, de servir de parrain à Charles. On pense que Huffam a inspiré Paul Dombey, propriétaire d'une compagnie maritime dans l'éponyme Dombey and Son de Dickens (1848).
En janvier 1815, John Dickens fut rappelé à Londres et la famille déménagea à Norfolk Street, Fitzrovia. Quand Charles avait quatre ans, ils ont déménagé à Sheerness, puis à Chatham, dans le Kent, où il a passé ses années de formation jusqu'à l'âge de 11 ans. Son enfance semble avoir été idyllique, même s'il se considérait comme un « très petit et pas fini ». -garçon particulièrement pris en charge".
Charles passait du temps dehors mais lisait aussi avec voracité, notamment les romans picaresques de Tobias Smollett et Henry Fielding, ainsi que Robinson Crusoé et Gil Blas. Il a lu et relu Les mille et une nuits et les farces rassemblées d'Elizabeth Inchbald. Il conserve des souvenirs d'enfance poignants, aidés par une excellente mémoire des personnes et des événements, qu'il utilise dans ses écrits. Le bref travail de son père comme commis au bureau de paie de la Marine lui permit de suivre quelques années d'enseignement privé, d'abord dans une école pour dames, puis dans une école dirigée par William Giles, un dissident, à Chatham.
Cette période prit fin en juin 1822, lorsque John Dickens fut rappelé au quartier général du Navy Pay Office à Somerset House, et que la famille, à l'exception de Charles, qui resta sur place pour terminer son dernier mandat, déménagea à Camden Town à Londres. La famille avait quitté le Kent au milieu de dettes croissantes et, vivant au-dessus de ses moyens, John Dickens fut contraint par ses créanciers d'être incarcéré dans la prison pour débiteurs de Marshalsea à Southwark, à Londres, en 1824. Sa femme et ses plus jeunes enfants l'y rejoignirent, comme c'était l'usage. à l'époque. Charles, alors âgé de 12 ans, était hébergé chez Elizabeth Roylance, une amie de la famille, au 112 College Place, à Camden Town. Roylance était « une vieille dame réduite [appauvrie], connue depuis longtemps de notre famille », que Dickens immortalisa plus tard, « avec quelques modifications et embellissements », comme « Mme Pipchin » dans Dombey and Son. Plus tard, il vécut dans un grenier de la maison d'un agent du tribunal des insolvabilités, Archibald Russell, "un vieux monsieur gros, bon enfant et gentil... avec une vieille femme tranquille" et un fils boiteux, à Lant Street. à Southwark. Ils ont inspiré les guirlandes de The Old Curiosity Shop.
Le dimanche, avec sa sœur Frances, libre de ses études à la Royal Academy of Music, il passait la journée au Marshalsea. Dickens a ensuite utilisé la prison comme décor dans Little Dorrit. Pour payer sa pension et aider sa famille, Dickens a été contraint de quitter l'école et de travailler dix heures par jour au Warren's Blacking Warehouse, sur Hungerford Stairs, près de l'actuelle gare de Charing Cross, où il gagnait six shillings par semaine en collant des étiquettes sur des étiquettes. des pots de noircissement des bottes. Les conditions de travail pénibles et souvent dures ont laissé une impression durable sur Dickens et ont influencé plus tard ses fictions et ses essais, devenant ainsi le fondement de son intérêt pour la réforme des conditions socio-économiques et de travail, dont il pensait que les rigueurs étaient injustement supportées par les pauvres. . Il écrivit plus tard qu'il se demandait « comment j'avais pu être si facilement rejeté à un tel âge ». Comme il l'a rappelé à John Forster (extrait de La vie de Charles Dickens) :
L’entrepôt de noircissement était la dernière maison sur le côté gauche du chemin, au niveau du vieux Hungerford Stairs. C'était une vieille maison folle et délabrée, contiguë bien sûr à la rivière, et littéralement envahie par les rats. Ses pièces lambrissées, ses sols et ses escaliers pourris, et les vieux rats gris qui pullulaient dans les caves, et le bruit de leurs grincements et de leurs bagarres qui montaient les escaliers à tout moment, et la saleté et la décrépitude des lieux, montaient visiblement. devant moi, comme si j'y étais de nouveau. Le comptoir était au premier étage, donnant sur les barges à charbon et le fleuve. Il y avait une niche dans laquelle je devais m'asseoir et travailler. Mon travail consistait à recouvrir les pots de pâte à noircir ; d'abord avec un morceau de papier huilé, puis avec un morceau de papier bleu ; les attacher avec une ficelle; puis de couper le papier bien serré, tout autour, jusqu'à ce qu'il paraisse aussi élégant qu'un pot de pommade sorti d'une boutique d'apothicaire. Lorsqu'un certain nombre de grossières de pots auraient atteint ce degré de perfection, je devais coller sur chacune d'elles une étiquette imprimée, puis recommencer avec d'autres pots. Deux ou trois autres garçons étaient affectés à des tâches similaires en bas, avec un salaire similaire. L'un d'eux est venu, le premier lundi matin, en tablier en lambeaux et casquette en papier, me montrer l'astuce pour utiliser la ficelle et faire le nœud. Son nom était Bob Fagin ; et j'ai pris la liberté d'utiliser son nom, longtemps après, dans Oliver Twist.
Lorsque l'entrepôt a été transféré à Chandos Street, dans le quartier chic et animé de Covent Garden, les garçons travaillaient dans une pièce dont la fenêtre donnait sur la rue et un petit public se rassemblait et les regardait travailler - selon l'estimation du biographe de Dickens, Simon Callow, le public l'affichage était "un nouveau raffinement ajouté à sa misère".
Quelques mois après son emprisonnement, la grand-mère paternelle de John Dickens, Elizabeth Dickens, décède et lui lègue 450 £. Dans l’attente de cet héritage, Dickens fut libéré de prison. En vertu de la Loi sur les débiteurs insolvables, Dickens a pris des dispositions pour le paiement de ses créanciers, et lui et sa famille ont quitté Marshalsea pour la maison de Mme Roylance.
La mère de Charles, Elizabeth Dickens, n'a pas immédiatement soutenu son retrait de l'entrepôt de cireur de bottes. Cela a influencé l'opinion de Dickens selon laquelle un père devrait diriger la famille et une mère trouver sa propre sphère à l'intérieur du foyer : « Je n'ai jamais oublié par la suite, je n'oublierai jamais, je ne pourrai jamais oublier, que ma mère était chaleureuse pour mon renvoi. » . Le fait que sa mère n'ait pas demandé son retour était un facteur de son mécontentement envers les femmes.
L'indignation juste découlant de sa propre situation et des conditions dans lesquelles vivaient les gens de la classe ouvrière est devenue des thèmes majeurs de ses œuvres, et c'est cette période malheureuse de sa jeunesse à laquelle il a fait allusion dans son roman préféré et le plus autobiographique, David Copperfield : "Je n'ai eu aucun conseil, aucun conseil, aucun encouragement, aucune consolation, aucune aide, aucun soutien, d'aucune sorte, de la part de qui que ce soit, que je puisse évoquer, alors que j'espère aller au paradis !"
Dickens fut finalement envoyé à la Wellington House Academy à Camden Town, où il resta jusqu'en mars 1827, après y avoir passé environ deux ans. Il ne considérait pas que c'était une bonne école : « Une grande partie de l'enseignement aléatoire et décousu, de la mauvaise discipline ponctuée par la brutalité sadique du directeur, des huissiers miteux et de l'atmosphère générale délabrée, sont incarnés dans l'établissement de M. Creakle à David Copperfield. ".
Dickens a travaillé au cabinet d'avocats Ellis et Blackmore, avocats, de Holborn Court, Gray's Inn, en tant que commis junior de mai 1827 à novembre 1828. Il était un imitateur doué et se faisait passer pour ceux qui l'entouraient : clients, avocats et commis. Il allait au théâtre de manière obsessionnelle – il affirmait que pendant au moins trois ans, il allait au théâtre tous les jours. Son acteur préféré était Charles Mathews, et Dickens apprenait par cœur ses monopolylogues (farces dans lesquelles Mathews jouait chaque personnage). Puis, après avoir appris le système de sténographie de Gurney pendant son temps libre, il est parti devenir journaliste indépendant. Un parent éloigné, Thomas Charlton, était journaliste indépendant à Doctors' Commons, et Dickens a pu y partager sa loge pour rendre compte des procédures judiciaires pendant près de quatre ans. Cette éducation devait éclairer des œuvres telles que Nicholas Nickleby, Dombey and Son, et surtout Bleak House, dont le portrait saisissant des machinations et de la bureaucratie du système juridique a beaucoup contribué à éclairer le grand public et a servi de véhicule pour la diffusion des propres opinions de Dickens. concernant, en particulier, le lourd fardeau qui pèse sur les pauvres, contraints par les circonstances à « recourir à la justice ».
En 1830, Dickens rencontre son premier amour, Maria Beadnell, qui aurait été le modèle du personnage de Dora dans David Copperfield. Les parents de Maria ont désapprouvé la cour et ont mis fin à la relation en l'envoyant à l'école à Paris.
Journalisme et premiers romans
En 1832, à 20 ans, Dickens était énergique et de plus en plus sûr de lui. Il aimait le mimétisme et les divertissements populaires, n’avait pas une idée claire et précise de ce qu’il voulait devenir et savait pourtant qu’il voulait la gloire. Attiré par le théâtre - il est devenu l'un des premiers membres du Garrick - il a décroché une audition d'acteur à Covent Garden, où le directeur George Bartley et l'acteur Charles Kemble devaient le voir. Dickens s'est préparé méticuleusement et a décidé d'imiter le comédien Charles Mathews, mais il a finalement raté l'audition à cause d'un rhume. Avant qu’une autre opportunité ne se présente, il s’était lancé dans une carrière d’écrivain. En 1833, il soumit son premier article, "A Dinner at Poplar Walk", au périodique londonien Monthly Magazine. William Barrow, un frère de sa mère, lui proposa un emploi sur The Mirror of Parliament et il travailla à la Chambre des communes. pour la première fois au début de 1832. Il loua des chambres au Furnival's Inn et travailla comme journaliste politique, rendant compte des débats parlementaires, et il voyagea à travers la Grande-Bretagne pour couvrir les campagnes électorales pour le Morning Chronicle. Son journalisme, sous forme de croquis dans des périodiques, constitue son premier recueil de pièces, publié en 1836 : Sketches by Boz — Boz étant un surnom familial qu'il employa comme pseudonyme pendant quelques années. Dickens l'a apparemment adopté du surnom de « Moïse », qu'il avait donné à son plus jeune frère Augustus Dickens, d'après un personnage du Vicaire de Wakefield d'Oliver Goldsmith. Lorsqu'il est prononcé par toute personne souffrant d'un rhume, « Moïse » devient « Boses », plus tard abrégé en Boz. Le propre nom de Dickens était considéré comme « queer » par un critique contemporain, qui écrivait en 1849 : « M. Dickens, comme pour se venger de son propre nom queer, confère des noms encore plus étranges à ses créations fictives. Il a contribué et édité des revues tout au long de sa carrière littéraire. En janvier 1835, le Morning Chronicle lança une édition du soir, sous la direction du critique musical des Chronicles, George Hogarth. Hogarth a invité Dickens à contribuer à Street Sketches et Dickens est devenu un visiteur régulier de sa maison de Fulham, enthousiasmé par l'amitié de Hogarth avec un de ses héros, Walter Scott, et appréciant la compagnie des trois filles de Hogarth - Georgina, Mary et dix-neuf ans. Catherine.
Dickens a fait des progrès rapides tant sur le plan professionnel que social. Il commença une amitié avec William Harrison Ainsworth, l'auteur du roman de bandit de grands chemins Rookwood (1834), dont le salon de célibataire de Harrow Road était devenu le lieu de rencontre d'un groupe comprenant Daniel Maclise, Benjamin Disraeli, Edward Bulwer-Lytton et George Cruikshank. . Tous ceux-ci devinrent ses amis et collaborateurs, à l’exception de Disraeli, et il rencontra chez lui son premier éditeur, John Macrone. Le succès de Sketches by Boz a conduit les éditeurs Chapman et Hall à proposer à Dickens de fournir un texte correspondant aux illustrations gravées de Robert Seymour dans une typographie mensuelle. Seymour s'est suicidé après le deuxième volet, et Dickens, qui voulait écrire une série de croquis connectés, a engagé « Phiz » pour fournir les gravures (qui ont été réduites de quatre à deux par versement) pour l'histoire. L'histoire qui en résulte est devenue The Pickwick Papers, et bien que les premiers épisodes n'aient pas été un succès, l'introduction du personnage de Cockney, Sam Weller, dans le quatrième épisode (le premier illustré par Phiz) a marqué une forte hausse de sa popularité. Le dernier volet s'est vendu à 40 000 exemplaires.
En novembre 1836, Dickens accepta le poste de rédacteur en chef de Bentley's Miscellany, poste qu'il occupa pendant trois ans, jusqu'à ce qu'il se brouille avec le propriétaire. En 1836, alors qu'il terminait les derniers versements des Pickwick Papers, il commença à écrire les premiers versements d'Oliver Twist - écrivant jusqu'à 90 pages par mois - tout en poursuivant son travail sur celui de Bentley et en écrivant également quatre pièces de théâtre, dont il supervisa la production. Oliver Twist, publié en 1838, est devenu l'une des histoires les plus connues de Dickens et a été le premier roman victorien avec un enfant protagoniste.
Le 2 avril 1836, après un an de fiançailles et entre les épisodes deux et trois des Pickwick Papers, Dickens épousa Catherine Thomson Hogarth (1816-1879), la fille de George Hogarth, rédacteur en chef de l'Evening Chronicle. Ils se sont mariés à l'église St. Luke, Chelsea, Londres. Après une brève lune de miel à Chalk dans le Kent, le couple retourna au Furnival's Inn. Le premier de leurs dix enfants, Charley, est né en janvier 1837 et, quelques mois plus tard, la famille s'est installée à Bloomsbury, au 48 Doughty Street, à Londres (sur laquelle Charles avait un bail de trois ans à 80 £ par an). du 25 mars 1837 à décembre 1839. Le frère cadet de Dickens, Frederick, et la sœur de Catherine, Mary, âgée de 17 ans, emménagèrent avec eux. Dickens devint très attaché à Mary et elle mourut dans ses bras après une brève maladie en 1837. Fait inhabituel pour Dickens, à la suite de son choc, il arrêta de travailler et lui et Kate restèrent dans une petite ferme à Hampstead Heath pendant quinze jours. . Dickens a idéalisé Mary, le personnage qu'il a façonné d'après elle, Rose Maylie, il a découvert qu'il ne pouvait plus tuer, comme il l'avait prévu, dans sa fiction et selon Ackroyd, il s'est inspiré de ses souvenirs pour ses descriptions ultérieures de Little Nell et Florence. Dombey. Son chagrin était si grand qu'il n'a pas pu respecter la date limite pour le versement de juin des Pickwick Papers et a dû également annuler le versement d'Oliver Twist ce mois-là également. Le séjour à Hampstead fut l'occasion de développer un lien croissant entre Dickens et John Forster et Forster devint bientôt son directeur commercial non officiel et le premier à lire son travail.
Son succès en tant que romancier se poursuit. La jeune reine Victoria a lu Oliver Twist et Pickwick, restant éveillée jusqu'à minuit pour en discuter. Nicholas Nickleby (1838-1839), The Old Curiosity Shop et, enfin, son premier roman historique, Barnaby Rudge : A Tale of the Riots of 'Eighty, dans le cadre de la série Master Humphrey's Clock (1840-1841), furent tous publiés. en versements mensuels avant d'être transformés en livres.
Au milieu de toute son activité durant cette période, il y eut un mécontentement envers ses éditeurs et John Macrone fut racheté, tandis que Richard Bentley céda tous ses droits sur Oliver Twist. D'autres signes d'une certaine inquiétude et d'un certain mécontentement apparaissent : à Broadstairs, il flirta avec Eleanor Picken, la jeune fiancée du meilleur ami de son avocat, et une nuit, il l'attrapa et courut avec elle jusqu'à la mer. Il déclara qu'ils allaient tous deux s'y noyer dans les « tristes vagues de la mer ». Elle s'est finalement libérée mais a ensuite gardé ses distances. En juin 1841, il entreprit précipitamment une tournée de deux mois en Écosse puis, en septembre 1841, télégraphia à Forster qu'il avait décidé d'aller en Amérique. L'horloge de Maître Humphrey a été fermée, même si Dickens était toujours enthousiasmé par l'idée de l'hebdomadaire, une forme qu'il aimait, un goût qui avait commencé avec sa lecture d'enfance des magazines du XVIIIe siècle Tatler et The Spectator.
Première visite aux États-Unis
En 1842, Dickens et sa femme effectuent leur premier voyage aux États-Unis et au Canada. À cette époque, Georgina Hogarth, une autre sœur de Catherine, rejoignit la maison Dickens, vivant désormais à Devonshire Terrace, Marylebone, pour s'occuper de la jeune famille qu'ils avaient laissée derrière eux. Elle resta avec eux comme femme de ménage, organisatrice, conseillère et amie jusqu'à la mort de Dickens en 1870.
Il a décrit ses impressions dans un récit de voyage, American Notes for General Circulation. Dickens inclut dans Notes une condamnation puissante de l'esclavage, qu'il avait attaqué dès les Pickwick Papers, mettant en corrélation l'émancipation des pauvres en Angleterre avec l'abolition de l'esclavage à l'étranger, citant des articles de journaux faisant état d'esclaves en fuite défigurés par leurs maîtres. Malgré les sentiments abolitionnistes glanés lors de son voyage en Amérique, certains commentateurs modernes ont souligné des incohérences dans les vues de Dickens sur l'inégalité raciale. Par exemple, il a été critiqué pour son acquiescement ultérieur à la dure répression du gouverneur Eyre lors de la rébellion de Morant Bay dans les années 1860. en Jamaïque et son incapacité à se joindre aux autres progressistes britanniques pour le condamner. De Richmond, en Virginie, Dickens est retourné à Washington, D.C., et a commencé une randonnée vers l'ouest jusqu'à Saint-Louis, dans le Missouri. Là-bas, il a exprimé le désir de voir une prairie américaine avant de retourner vers l'est. Un groupe de 13 hommes partit ensuite avec Dickens pour visiter Looking Glass Prairie, un voyage de 30 milles dans l'Illinois.
Lors de sa visite aux États-Unis, Dickens a passé un mois à New York, donnant des conférences, soulevant la question des lois internationales sur le droit d'auteur et du piratage de son œuvre en Amérique. Il a persuadé un groupe de vingt-cinq écrivains, dirigé par Washington Irving, de signer une pétition pour qu'il la présente au Congrès, mais la presse était généralement hostile à cette initiative, affirmant qu'il devait être reconnaissant pour sa popularité et qu'il était mercenaire de le faire. se plaindre du piratage de son travail.
La popularité qu'il a acquise a provoqué un changement dans sa perception de lui-même selon la critique Kate Flint, qui écrit qu'il « s'est trouvé un produit culturel et que sa circulation avait échappé à son contrôle », l'amenant à s'intéresser et à approfondir les thèmes de personnages publics et personnels dans les prochains romans. Elle écrit qu'il a assumé un rôle de « commentateur influent », publiquement et dans sa fiction, évident dans ses prochains livres.
Peu de temps après son retour en Angleterre, Dickens commença à travailler sur la première de ses histoires de Noël, A Christmas Carol, écrite en 1843, qui fut suivie par The Chimes en 1844 et The Cricket on the Hearth en 1845. Parmi celles-ci, A Christmas Carol fut le plus populaire et, s'appuyant sur une vieille tradition, a beaucoup contribué à promouvoir un enthousiasme renouvelé pour les joies de Noël en Grande-Bretagne et en Amérique. Les graines de l'histoire ont été plantées dans l'esprit de Dickens lors d'un voyage à Manchester pour observer les conditions des ouvriers du secteur manufacturier. Ceci, ainsi que les scènes dont il avait récemment été témoin à la Field Lane Ragged School, ont amené Dickens à se résoudre à « frapper un coup de marteau » pour les pauvres. Alors que l’idée de l’histoire prenait forme et que l’écriture commençait sérieusement, Dickens s’est plongé dans le livre. Il écrivit plus tard qu'au fur et à mesure que l'histoire se déroulait, il « pleurait et riait, et pleurait encore » alors qu'il « marchait dans les rues noires de Londres quinze ou vingt milles plusieurs nuits lorsque tous les gens sobres étaient allés se coucher ».
Après avoir vécu brièvement en Italie (1844), Dickens se rend en Suisse (1846), où il commence à travailler sur Dombey and Son (1846-1848). Ceci et David Copperfield (1849-1850) marquent une rupture artistique importante dans la carrière de Dickens, car ses romans devinrent plus sérieux dans leur thème et plus soigneusement planifiés que ses premières œuvres.
À peu près à la même époque, il fut informé d'un important détournement de fonds dans l'entreprise où travaillait son frère Augustus (John Chapman & Co.). Elle avait été réalisée par Thomas Powell (1809-1887), un employé qui entretenait des relations amicales avec Dickens et qui avait servi de mentor à Augustus lorsqu'il avait commencé à travailler. Powell était également auteur et poète et connaissait de nombreux écrivains célèbres de l'époque. Après d'autres activités frauduleuses, Powell s'enfuit à New York et publia un livre intitulé The Living Authors of England avec un chapitre sur Charles Dickens, qui n'était pas amusé par ce que Powell avait écrit. Un élément qui semblait l'avoir ennuyé était l'affirmation selon laquelle il avait basé le personnage de Paul Dombey (Dombey and Son), sur Thomas Chapman, l'un des principaux associés de John Chapman & Co. Dickens a immédiatement envoyé une lettre à Lewis Gaylord. Clark, rédacteur en chef du magazine littéraire new-yorkais The Knickerbocker, affirmant que Powell était un faussaire et un voleur. Clark a publié la lettre dans le New-York Tribune et plusieurs autres journaux ont repris l'histoire. Powell a entamé une procédure pour poursuivre ces publications et Clark a été arrêté. Dickens, réalisant qu’il avait agi à la hâte, contacta John Chapman & Co. pour obtenir une confirmation écrite de la culpabilité de Powell. Dickens a reçu une réponse confirmant le détournement de fonds de Powell, mais une fois que les administrateurs ont réalisé que cette information pourrait devoir être produite devant le tribunal, ils ont refusé de faire d'autres divulgations. En raison des difficultés rencontrées pour fournir des preuves en Amérique pour étayer ses accusations, Dickens a finalement conclu un règlement privé avec Powell à l'amiable.
Philanthropie
En mai 1846, Angela Burdett Coutts, héritière de la fortune bancaire Coutts, contacta Dickens au sujet de la création d'un foyer pour la rédemption des femmes déchues de la classe ouvrière. Coutts envisageait un foyer qui remplacerait les régimes punitifs des institutions existantes par un environnement réformateur propice à l'éducation et à la maîtrise des tâches ménagères. Après avoir d'abord résisté, Dickens a finalement fondé la maison, nommée "Urania Cottage", dans la section Lime Grove de Shepherds Bush, qu'il a gérée pendant dix ans, établissant les règles de la maison, examinant les comptes et interrogeant les résidents potentiels. L'émigration et le mariage étaient au cœur du programme de Dickens pour les femmes quittant Urania Cottage, dont on estime qu'environ 100 femmes ont obtenu leur diplôme entre 1847 et 1859.
Opinions religieuses
Dans sa jeunesse, Dickens exprimait son dégoût pour certains aspects de la religion organisée. En 1836, dans un pamphlet intitulé Le dimanche sous trois têtes, il défend le droit du peuple au plaisir, s'opposant à un projet d'interdiction des jeux le dimanche. " Regardez dans vos églises - congrégations diminuées et fréquentation rare. Les gens sont devenus maussades et obstinés et deviennent dégoûtés de la foi qui les condamne à un jour comme celui-ci, une fois sur sept. Ils affichent leurs sentiments en restant à l'écart [de église]. Tournez-vous dans les rues [un dimanche] et remarquez l'obscurité rigide qui règne sur tout autour"
Dickens a honoré la figure de même si certains prétendent qu'il a peut-être nié sa divinité. Néanmoins, Dickens a été qualifié de chrétien déclaré. Son fils, Henry Fielding Dickens, a décrit Dickens comme quelqu'un qui « possédait de profondes convictions religieuses ». Bien qu'au début des années 1840, Dickens ait montré un intérêt pour le christianisme unitaire, l'écrivain Gary Colledge a affirmé qu'il « ne s'est jamais éloigné de son attachement à l'anglicanisme laïc populaire ». Il a également écrit un ouvrage religieux intitulé La Vie de Notre Seigneur (1849), qui était un petit livre sur la vie de Jésus-Christ, écrit dans le but d'inculquer sa foi à ses enfants et à sa famille.
Dickens désapprouvait le catholicisme romain et l'évangélisme du XIXe siècle et critiquait ce qu'il considérait comme l'hypocrisie des institutions religieuses et des philosophies comme le spiritualisme, qu'il considérait toutes comme des déviations du véritable esprit du christianisme. Léon Tolstoï et Fiodor Dostoïevski ont qualifié Dickens de « ce grand écrivain chrétien ».
Années intermédiaires
Fin novembre 1851, Dickens emménagea à Tavistock House où il écrivit Bleak House (1852-1853), Hard Times (1854) et Little Dorrit (1856). C'est ici qu'il s'adonna aux pièces de théâtre amateurs décrites dans "La Vie" de Forster. Durant cette période, il travaille en étroite collaboration avec le romancier et dramaturge Wilkie Collins. En 1856, ses revenus tirés de l'écriture lui permettent d'acheter Gad's Hill Place à Higham, Kent. Enfant, Dickens était passé devant la maison et rêvait d'y vivre. La région a également été le théâtre de certains événements de Henri IV, première partie de Shakespeare, et ce lien littéraire lui a plu.
En 1857, Dickens engagea des actrices professionnelles pour la pièce The Frozen Deep, écrite par lui et son protégé, Wilkie Collins. Dickens tomba profondément amoureux de l'une des actrices, Ellen Ternan, et cette passion durera le reste de sa vie. Dickens avait 45 ans et Ternan 18 ans lorsqu'il prit la décision, fortement contraire aux conventions victoriennes, de se séparer de sa femme, Catherine, en 1858. Le divorce était encore impensable pour quelqu'un d'aussi célèbre que lui. Lorsque Catherine est partie, pour ne plus jamais revoir son mari, elle a emmené avec elle un enfant, laissant les autres enfants élevés par sa sœur Georgina qui a choisi de rester à Gad's Hill.
Durant cette période, alors qu'il réfléchissait à un projet de donner des lectures publiques à son propre profit, Dickens fut approché par le biais d'un appel caritatif du Great Ormond Street Hospital, pour l'aider à survivre à sa première crise financière majeure. Son essai «Drooping Buds» dans Household Words, publié le 3 avril 1852, fut considéré par les fondateurs de l'hôpital comme ayant été le catalyseur du succès de l'hôpital. Dickens, dont la philanthropie était bien connue, fut invité par son ami, le fondateur de l'hôpital, Charles West, à présider l'appel, et il se lança corps et âme dans cette tâche. Les lectures publiques de Dickens ont permis d'obtenir des fonds suffisants pour constituer une dotation permettant de mettre l'hôpital sur une base financière solide : une seule lecture du 9 février 1858 a permis de récolter à elle seule 3 000 £.
Après s'être séparé de Catherine, Dickens entreprit une série de tournées de lecture extrêmement populaires et rémunératrices qui, avec son journalisme, allaient absorber l'essentiel de son énergie créatrice au cours de la décennie suivante, au cours de laquelle il n'écrirait que deux romans supplémentaires. Sa première tournée de lecture, d'avril 1858 à février 1859, comprenait 129 apparitions dans 49 villes différentes d'Angleterre, d'Écosse et d'Irlande. La fascination continue de Dickens pour le monde théâtral s'est inscrite dans les scènes de théâtre de Nicholas Nickleby, mais plus important encore, il a trouvé un exutoire dans les lectures publiques. En 1866, il entreprit une série de lectures publiques en Angleterre et en Écosse, et d'autres l'année suivante en Angleterre et en Irlande.
Des œuvres majeures suivirent bientôt, notamment A Tale of Two Cities (1859) et Great Expectations (1861), qui connurent un succès retentissant. Pendant cette période, il fut également éditeur, rédacteur et contributeur majeur aux revues Household Words (1850-1859) et All the Year Round (1858-1870).
Au début de septembre 1860, dans un champ derrière Gad's Hill, Dickens fit un feu de joie avec la plupart de sa correspondance ; seules les lettres portant sur des questions d'affaires furent épargnées. Depuis qu'Ellen Ternan a également détruit toutes ses lettres, l'étendue de la liaison entre les deux reste spéculative. Dans les années 1930, Thomas Wright racontait que Ternan s'était déchargée d'un chanoine Benham et avait donné cours aux rumeurs selon lesquelles ils avaient été amants. La fille de Dickens, Kate Perugini, que Gladys Storey avait interviewée avant sa mort en 1929, a affirmé que les deux avaient un fils décédé en bas âge. Storey a publié son récit dans Dickens and Daughter, mais aucune preuve contemporaine n'existe. À sa mort, Dickens a réglé une rente sur Ternan, ce qui a fait d'elle une femme financièrement indépendante. Le livre de Claire Tomalin, The Invisible Woman, affirme que Ternan a vécu secrètement avec Dickens pendant les 13 dernières années de sa vie. Le livre a ensuite été transformé en pièce de théâtre, Little Nell, de Simon Gray, et en film de 2013.
Au cours de la même période, Dickens a accru son intérêt pour le paranormal, devenant l'un des premiers membres du Ghost Club.
En juin 1862, on lui offrit 10 000 £ pour une tournée de lecture en Australie. Il était enthousiaste et a même planifié un livre de voyage, The Uncommercial Traveler Upside Down, mais a finalement décidé de ne pas faire la tournée. Deux de ses fils, Alfred D'Orsay Tennyson Dickens et Edward Bulwer Lytton Dickens, ont émigré en Australie, Edward devenant membre du Parlement de la Nouvelle-Galles du Sud en tant que député de Wilcannia 1889-1894.
Dernières années
Le 9 juin 1865, alors qu'il revenait de Paris avec Ellen Ternan, Dickens fut impliqué dans l'accident ferroviaire de Staplehurst. Les sept premiers wagons du train ont plongé d'un pont en fonte en réparation. La seule voiture de première classe à rester sur la voie était celle dans laquelle voyageait Dickens. Avant l'arrivée des sauveteurs, Dickens a soigné et réconforté les blessés et les mourants avec une flasque de cognac et un chapeau rafraîchi avec de l'eau, et a sauvé quelques vies. Avant de partir, il se souvint du manuscrit inachevé de Notre Ami Mutuel et retourna à sa voiture pour le récupérer. Dickens a ensuite utilisé cette expérience comme matériau pour sa courte histoire de fantômes, "The Signal-Man", dans laquelle le personnage central a une prémonition de sa propre mort dans un accident ferroviaire. Il a également basé son histoire sur plusieurs accidents ferroviaires antérieurs, tels que l'accident ferroviaire du tunnel Clayton en 1861. Dickens a réussi à éviter de comparaître à l'enquête pour éviter de révéler qu'il avait voyagé avec Ternan et sa mère, ce qui aurait provoqué un scandale. .
Deuxième visite aux États-Unis
À la fin des années 1850, Dickens commença à envisager une seconde visite aux États-Unis, tenté par l’argent qu’il pensait pouvoir gagner en prolongeant sa tournée de lectures là-bas. Le déclenchement de la guerre civile en Amérique en 1861 retarda ses projets. Plus de deux ans après la guerre, Dickens quitta Liverpool le 9 novembre 1867 pour sa deuxième tournée de lecture aux États-Unis. Atterrissant à Boston, il consacra le reste du mois à une série de dîners avec des personnalités telles que Ralph Waldo Emerson, Henry Wadsworth Longfellow et son éditeur américain, James Thomas Fields. Début décembre, les lectures ont commencé. Il effectua 76 lectures, rapportant 19 000 £, de décembre 1867 à avril 1868. Dickens fit la navette entre Boston et New York, où il donna 22 lectures au Steinway Hall. Bien qu'il ait commencé à souffrir de ce qu'il appelait le « véritable catarrhe américain », il a respecté un emploi du temps qui aurait mis au défi un homme beaucoup plus jeune, réussissant même à faire du traîneau à Central Park.
Au cours de ses voyages, il a constaté un changement significatif dans la population et dans la situation de l'Amérique. Sa dernière apparition a eu lieu lors d'un banquet organisé par la presse américaine. | http://www.quizballs.com/ |
Quel duo a écrit la série télévisée britannique « Dad’s Army » ? | Jimmy Perry et David Croft | [
"Dad's Army est une sitcom télévisée de la BBC sur la Home Guard britannique pendant la Seconde Guerre mondiale. Il a été écrit par Jimmy Perry et David Croft et diffusé sur la BBC de 1968 à 1977. La sitcom a duré 9 séries et 80 épisodes au total, plus une version radio basée sur les scénarios de télévision, un long métrage et un spectacle sur scène. La série gagne régulièrement 18 millions de téléspectateurs et est toujours rediffusée dans le monde entier.",
"Jimmy Perry et David Croft ont écrit le scénario original. Cela a été élargi par Cohen pour essayer de le rendre plus cinématographique ; Les dirigeants de Columbia ont apporté davantage de changements à l'intrigue et au rythme. Comme on l'a finalement réalisé, les deux tiers du film consistent en la création du peloton - c'était la contribution de Perry et Croft - et le dernier tiers montre le peloton en action, sauvant les otages de la salle paroissiale où ils avaient été retenus captifs par les membres d'équipage d'un avion allemand abattu."
] | Dad's Army est une sitcom télévisée de la BBC sur la Home Guard britannique pendant la Seconde Guerre mondiale. Il a été écrit par Jimmy Perry et David Croft et diffusé sur la BBC de 1968 à 1977. La sitcom a duré 9 séries et 80 épisodes au total, plus une version radio basée sur les scénarios de télévision, un long métrage et un spectacle sur scène. La série gagne régulièrement 18 millions de téléspectateurs et est toujours rediffusée dans le monde entier.
La Home Guard était composée de volontaires locaux autrement inéligibles au service militaire, soit en raison de leur âge (d'où le surnom de « l'armée de papa ») ou parce qu'ils exercent des professions exemptées de conscription. Dad's Army s'occupe presque exclusivement d'hommes plus âgés et met en vedette des acteurs britanniques plus âgés, dont Arthur Lowe, John Le Mesurier, Arnold Ridley et John Laurie. Les membres plus jeunes de la distribution comprenaient Ian Lavender, Clive Dunn (qui jouait le plus vieux garde, le caporal suppléant Jones), Frank Williams, James Beck (décédé subitement pendant la production de la sixième série du programme en 1973) et le directeur des raids aériens Bill Pertwee.
En 2004, Dad's Army a été élu quatrième dans un sondage de la BBC pour désigner la meilleure sitcom britannique. Il a été classé 13ème dans une liste des 100 plus grands programmes de télévision britanniques établie par le British Film Institute en 2000 et votée par les professionnels de l'industrie. La série a influencé la culture populaire au Royaume-Uni, les slogans et les personnages de la série étant bien connus. Il a mis en lumière un aspect oublié de la défense pendant la Seconde Guerre mondiale, même s’il a considérablement déformé la véritable histoire et la fonction de la Home Guard. Le magazine Radio Times a répertorié "Espèce de garçon stupide!" du capitaine Mainwaring. parmi les 25 plus grands dénigrements à la télévision.
Un nouveau long métrage de Dad's Army avec un casting différent est sorti en 2016.
Origines
Initialement destiné à s'appeler The Fighting Tigers, Dad's Army était basé en partie sur les expériences du co-scénariste et créateur Jimmy Perry au sein des Local Defence Volunteers (LDV, plus tard connu sous le nom de Home Guard). Perry n'avait que 17 ans lorsqu'il rejoignit le 10e bataillon du Hertfordshire. Sa mère n'aimait pas qu'il sorte la nuit et craignait qu'il attrape froid ; il ressemblait en partie au personnage du soldat Pike. Un caporal suppléant âgé dans la tenue faisait souvent référence aux combats sous Kitchener contre les « Fuzzy Wuzzies » (Hadendoa) et était le modèle du caporal Jones. D'autres influences incluent le travail de comédiens tels que Will Hay dont le film Oh, Mr Porter ! mettait en vedette un âne pompeux, un vieil homme et un jeune homme qui lui donnaient Mainwaring, Godfrey et Pike. Une autre influence fut le comédien lancastrien Robb Wilton, qui incarna un mari timide au travail qui rejoignit la Home Guard dans de nombreux sketches comiques pendant la Seconde Guerre mondiale.
Perry a écrit le premier scénario et l'a donné à David Croft alors qu'il travaillait comme acteur mineur dans la sitcom Hugh and I, produite par Croft, avec l'intention à l'origine que le rôle du spiv, appelé plus tard Walker, soit le sien. Croft a été impressionné et a envoyé le scénario à Michael Mills, responsable de la comédie à la BBC. Après avoir répondu aux préoccupations initiales selon lesquelles le programme se moquait des efforts de la Home Guard, la série a été commandée.
Dans son livre Dad's Army, Graham McCann explique que la série doit beaucoup à Michael Mills. C'est lui qui a renommé l'émission Dad's Army. Il n'aimait pas Brightsea-on-Sea, alors l'emplacement a été changé pour Walmington-on-Sea. Il était satisfait des noms des personnages Mainwaring, Godfrey et Pike mais pas des autres noms et il a fait des suggestions : le soldat Jim Duck est devenu Frazer, Joe Fish est devenu Joe Walker et Jim Jones est devenu Jack Jones. Il a également suggéré d'ajouter un Écossais. Jimmy Perry avait produit l'idée originale mais avait besoin d'un homme expérimenté pour la mener à bien. Mills a suggéré David Croft et c'est ainsi que leur partenariat a commencé.
Lorsqu'un épisode était montré au public, pour évaluer la réaction du public avant la diffusion de la première série, la majorité du public pensait qu'il était très mauvais. L'équipe de production a mis le rapport contenant les commentaires négatifs au bas de la corbeille de David Croft. Il ne l'a vu que quelques mois plus tard, après que la série ait été diffusée et ait reçu un grand succès.
Situation
Le spectacle se déroule dans la ville balnéaire fictive de Walmington-on-Sea, sur la côte sud de l'Angleterre. Les scènes extérieures ont été principalement tournées dans et autour de la zone d'entraînement de Stanford [STANTA], près de Thetford, dans le Norfolk. Le peloton local de la Home Guard serait en première ligne en cas d'invasion à travers la Manche. La première série a un fil narratif lâche, le peloton du capitaine Mainwaring étant formé et équipé, initialement avec des fusils en bois et des brassards LDV, puis avec des uniformes militaires complets ; le peloton fait partie du Queen's Own Royal West Kent Regiment.
Le premier épisode, "L'homme et l'heure", commence par une scène se déroulant "aujourd'hui" de 1968, dans laquelle Mainwaring s'adresse à son ancien peloton dans le cadre de la campagne contemporaine "Je soutiens la Grande-Bretagne". L'ouverture du prologue était une condition imposée après les inquiétudes initiales de Paul Fox, le contrôleur de BBC 1, selon lesquelles cela minimisait les efforts de la Home Guard. Après que Mainwaring raconte comment il avait soutenu la Grande-Bretagne en 1940, l’épisode proprement dit commence ; Dad's Army est ainsi raconté en flashback, bien que l'épisode final ne retourne pas à 1968. Les épisodes ultérieurs sont en grande partie autonomes, bien qu'ils fassent référence à des événements précédents et avec un développement supplémentaire du personnage.
Comme la comédie repose à bien des égards sur le manque de participation du peloton à la Seconde Guerre mondiale, l'opposition à leurs activités doit venir d'un autre côté et celle-ci est généralement fournie par le directeur des précautions contre les raids aériens (ARP) Hodges et parfois par le verger de l'armée. église locale (St Aldhelm's) ou par Captain Square et le peloton voisin d'Eastgate Home Guard. Le groupe fait quelques rencontres liées à l'ennemi, comme des avions allemands abattus, un équipage de sous-marin, des parachutes qui pourraient être des mines allemandes et allemandes ; un suspect de l'IRA apparaît dans "Absent Friends".
L'humour va du subtil (en particulier dans la relation de classe inversée entre Mainwaring, le directeur de la banque locale et Wilson, son adjoint à la banque) au burlesque (les pitreries du vieux Jones en sont un excellent exemple). Jones avait plusieurs slogans, dont "Ne paniquez pas!", "Ils n'aiment pas ça", "Permission de parler, monsieur" et parle des "Fuzzy-Wuzzies". Mainwaring dit "Espèce de garçon stupide" à Pike dans de nombreux épisodes.
La première série inclut parfois un humour plus sombre, reflétant le fait que, surtout au début de la guerre, la Home Guard était terriblement sous-équipée mais était toujours prête à tenter sa chance contre la Wehrmacht. Par exemple, dans l'épisode « La bataille de Godfrey's Cottage », le peloton croit qu'une invasion ennemie est en cours. Mainwaring, Godfrey, Frazer et Jones (ainsi que les sœurs de Godfrey, qui ignorent complètement l'invasion) décident de rester au chalet pour retarder toute avance allemande, afin de laisser à l'armée régulière le temps d'arriver avec des renforts ; "Ce sera probablement notre fin, mais nous sommes prêts pour cela, n'est-ce pas, les hommes ?", dit Mainwaring. "Bien sûr", répond Frazer.
Personnages
Les personnages principaux de la série étaient :
* Capitaine Mainwaring (Arthur Lowe), le directeur de banque local pompeux, quoique essentiellement courageux et infailliblement patriotique, Mainwaring s'est nommé chef du contingent de volontaires de la défense locale de sa ville. Il avait été lieutenant pendant la Première Guerre mondiale, mais est gêné par le fait qu'il n'a jamais vu de combat, étant envoyé en France après l'Armistice puis membre de l'armée d'occupation en Allemagne.
* Le sergent Wilson (John Le Mesurier), un employé de banque timide de la classe supérieure qui remettrait discrètement en question le jugement de Mainwaring (« Pensez-vous que c'est sage, Monsieur ? »). Wilson avait en fait servi comme capitaine pendant la Première Guerre mondiale, mais il ne l'admet qu'à la fin de la série. Il loge dans la famille Pike et est sous-entendu qu'il est en relation avec la veuve Mme Pike (et laisse parfois entendre qu'il est le père biologique du soldat Pike) bien que cela ne soit jamais explicitement indiqué.
* Caporal suppléant Jones (Clive Dunn), le boucher local, né en 1870. Jones était un vieux militant qui s'était enrôlé comme garçon batteur à l'âge de 14 ans et avait participé, en tant que garçon soldat, à l'expédition de secours Gordon de 1884-1885 et , en tant qu'homme soldat, lors de la campagne de Kitchener au Soudan en 1896-1898. Dunn était considérablement plus jeune qu'il ne le paraissait, n'ayant que la quarantaine au début du tournage, ce qui lui a permis de participer à certaines des comédies les plus physiques de la série.
* Le soldat Frazer (John Laurie), un entrepreneur de pompes funèbres écossais austère et ancien premier maître du HMS Defiant dans la Royal Navy. Il a servi à la bataille du Jutland en tant que cuisinier de navire et possède également une médaille pour avoir servi dans l'expédition antarctique de Shackleton.
* Le soldat Walker (James Beck), un adepte du marché noir de Cockney, Walker était le seul homme en forme et valide en âge de servir dans la Home Guard de Walmington-on-Sea. Il a été renvoyé des forces armées régulières en raison d'une allergie au corned-beef.
* Le soldat Godfrey (Arnold Ridley), un vendeur à la retraite, qui avait travaillé au Army & Navy Store à Londres. Il vit à Walmington avec ses sœurs âgées et est infirmier du peloton. Il est souvent « pris de court » et doit « être excusé ». Objecteur de conscience pendant la Première Guerre mondiale, il reçut néanmoins la Médaille militaire pour ses actions héroïques en tant que médecin de combat. Il a également fait preuve de courage lors de son service dans la Home Guard, en particulier lors d'un épisode où Mainwaring, apparemment inconscient dans une pièce remplie de fumée, est sauvé par Godfrey.
* Le soldat Pike (Ian Lavender), le plus jeune du peloton, le fils d'une mère choyée, portant constamment une épaisse écharpe avec son uniforme pour prévenir les maladies et souvent la cible de la dérision de Mainwaring (« Espèce de garçon stupide ! »). Il travaille pour Mainwaring dans son travail quotidien de commis de banque adjoint.
*ARP Warden Hodges (Bill Pertwee), le principal rival et ennemi du peloton. Mainwaring le considère comme un marchand de légumes. En tant que directeur de l'ARP, il exige toujours que les gens « éteignent cette lumière ».
Personnages secondaires inclus :
* Le révérend Timothy Farthing (Frank Williams), le vicaire effacé et renfrogné de l'église Saint-Aldhelm. Il partage à contrecœur sa salle paroissiale et son bureau avec le peloton de Mainwaring.
* Maurice Yeatman (Edward Sinclair), le verger impétueux de l'église St Aldhelm et chef scout de la troupe locale de Sea Scout. Il est souvent hostile au peloton tout en flagorneur envers le vicaire, qui a souvent du mal à le tolérer.
* Mme Pike (Janet Davies), la mère veuve autoritaire de Pike et l'amante du sergent Wilson. Elle et Wilson sont en couple depuis plus de dix-sept ans et Walmington regorge de ragots à leur sujet. Wilson lui demande en fait de l'épouser dans un épisode, mais cela est commodément oublié pour le reste de la série.
* Mme Fox (Pamela Cundell), une veuve locale glamour par laquelle Jones est attiré et se marie finalement dans le dernier épisode. Elle est une cliente régulière de son magasin et aide le peloton dans les fonctions officielles. Dans l'épisode "Mum's Army", elle donne son prénom Marcia, mais dans le dernier épisode de la série, elle est devenue Mildred.
* Private Sponge (Colin Bean), un éleveur de moutons. Il représente les membres du peloton ne faisant pas partie de la première section du caporal Jones et n'a donc que des parties parlantes occasionnelles tout en apparaissant néanmoins dans la majorité des épisodes.
* Private Cheeseman (Talfryn Thomas), un Gallois qui travaille pour le journal de la ville. Il a rejoint le peloton de Walmington-on-Sea lors de la septième série après la mort subite de James Beck, qui jouait le soldat Walker.
* Captain Square (Geoffrey Lumsden), le commandant pompeux du peloton rival d'Eastgate. Il est fréquemment en désaccord avec Mainwaring (dont il persiste à prononcer mal le nom comme orthographié "Mane-wearing", au lieu du bon "Mannering") et a le slogan "Espèce d'idiot allègre!"
* Elizabeth Mainwaring (personnage invisible), l'épouse solitaire, paranoïaque et dominatrice de Mainwaring qui n'est jamais vue à l'écran. Son mariage avec Mainwaring n'est pas heureux et Mainwaring fait de son mieux pour l'éviter à chaque occasion. Le mariage est sans enfant.
Générique d'ouverture et de clôture
Les titres d'ouverture de l'émission étaient à l'origine destinés à présenter des images de réfugiés et de troupes nazies, pour illustrer la menace à laquelle est confrontée la Home Guard. Malgré l'opposition du responsable de la comédie à la BBC, Michael Mills, Paul Fox, le contrôleur de BBC 1, a ordonné que ces émissions soient supprimées au motif qu'elles étaient offensantes. Les titres de remplacement présentaient la séquence animée désormais familière de flèches à croix gammée approchant la Grande-Bretagne. Les titres d'ouverture ont été mis à jour deux fois ; d'abord dans la série 3, en ajoutant de la couleur et une animation sensiblement meilleure, puis à nouveau dans la série 6, qui a apporté de légères modifications à l'animation.
Il y avait deux versions différentes du générique de clôture de la série. La première version, utilisée dans les séries 1 et 2, montrait simplement des images du casting principal superposées sur une photographie fixe, avec le générique de l'équipe roulant sur un fond noir. Le générique de clôture plus familier, introduit dans la série 3, était un hommage au générique de fin du film The Way Ahead (1944) qui couvrait l'entraînement d'un peloton pendant la guerre. Dans les deux cas, chaque personnage est représenté alors qu’il traverse un champ de bataille rempli de fumée. L'un des acteurs de Dad's Army, John Laurie, est également apparu dans ce film et sa performance au générique de fin de The Way Ahead semble avoir été copiée dans la sitcom. Par coïncidence, le personnage principal du film (joué par David Niven) s'appelle le lieutenant Jim Perry.
Musique
Le thème musical de l'émission, "De qui pensez-vous vous moquer, M. Hitler ?" » était l'idée de Jimmy Perry, conçue comme un doux pastiche des chansons de guerre. C'était le seul pastiche de la série, car les autres musiques utilisées étaient contemporaines des années 1940. Perry a écrit les paroles lui-même et composé la musique avec Derek Taverner. Perry a persuadé l'une de ses idoles d'enfance, l'artiste de guerre Bud Flanagan, de chanter le thème pour 100 guinées. Flanagan est décédé moins d'un an après l'enregistrement.
La version jouée au générique d'ouverture diffère légèrement de la version complète enregistrée par Flanagan ; un montage brusque et assez visible supprime, pour des raisons de timing, deux lignes de paroles avec la mélodie "huit du milieu" : "Alors faites attention, M. Hitler, vous avez rencontré votre match en nous/Si vous pensez pouvoir nous écraser, nous sommes j'ai peur d'avoir raté le bus. La version complète de Bud Flanagan apparaît comme un œuf de Pâques sur le DVD de la première série et sur le CD de la bande originale autorisé émis par CD41. Arthur Lowe a également enregistré une version complète du thème.
La musique du générique d'ouverture a été enregistrée aux Riverside Studios, Bud Flanagan étant accompagné de l'Orchestre du Band of the Coldstream Guards. Le générique de clôture présente une version de marche instrumentale de la chanson jouée par le groupe des Coldstream Guards dirigé par le capitaine (plus tard lieutenant-colonel) Trevor L. Sharpe, se terminant par la sirène d'avertissement de raid aérien qui sonne clairement. Il est accompagné d'un style de générique qui est devenu une marque de fabrique de David Croft : la légende « Vous avez regardé », suivie de vignettes du casting principal.
La série contient également de véritables chansons de guerre et d'époque entre les scènes, généralement de brèves citations faisant référence au thème de l'épisode ou de la scène. Beaucoup apparaissent sur la bande originale du CD édité par CD41, étant les mêmes versions utilisées dans la série.
Épisodes télé
La série télévisée a duré neuf séries et a été diffusée sur neuf ans, avec 80 épisodes au total, dont trois émissions spéciales de Noël et une émission spéciale d'une heure. À son apogée, le programme a régulièrement gagné 18,5 millions d'audience. Il y a également eu quatre courtes émissions spéciales diffusées dans le cadre de la Nuit de Noël avec les stars en 1968, 1969, 1970 et 1972.
Épisodes manquants
Les deux premières séries ont été enregistrées et projetées en noir et blanc, tandis que les séries 3 à 9 ont été enregistrées et projetées en couleur. Malgré cela, un épisode de la série 3, Room at the Bottom, n'a survécu qu'en noir et blanc et reste sur les DVD officiels sous cette forme. Cet épisode a bénéficié de la technologie de récupération des couleurs, utilisant un signal de couleur enfoui (points chromatiques) dans le téléenregistrement en noir et blanc pour restaurer la couleur de l'épisode et a été transmis le 13 décembre 2008 sur BBC Two.
L'armée de papa est moins touchée que la plupart par l'effacement de la bande vidéo, mais trois épisodes de la deuxième série restent manquants : l'épisode 9 « La solitude du marcheur longue distance », l'épisode 11 « Une rayure pour Frazer » et l'épisode 12 « Sous le feu ». Deux autres épisodes de la série 2 auraient été perdus jusqu'en 2001. Deux des trois épisodes manquants ont depuis été joués dans le cadre du dernier spectacle sur scène.
En 2008, les bandes sonores de l'épisode manquant « A Stripe for Frazer » et du spécial de Noël 1968 « Present Arms » ont été récupérées. La bande originale du 5ème épisode de la 2ème série, "A Stripe for Frazer" a été mixée avec de l'animation pour remplacer les images manquantes.
Films
Film de 1971
En 1971, comme de nombreuses sitcoms britanniques de cette époque, Dad's Army a été transformé en long métrage. Les bailleurs de fonds Columbia Pictures ont imposé des changements arbitraires, tels que la refonte de Liz Fraser dans le rôle de Mavis Pike et le tournage en extérieur à Chalfont St Giles plutôt qu'à Thetford, ce qui a rendu le casting mécontent. Le réalisateur Norman Cohen, dont l'idée était de réaliser le film, a failli être licencié par le studio.
Jimmy Perry et David Croft ont écrit le scénario original. Cela a été élargi par Cohen pour essayer de le rendre plus cinématographique ; Les dirigeants de Columbia ont apporté davantage de changements à l'intrigue et au rythme. Comme on l'a finalement réalisé, les deux tiers du film consistent en la création du peloton - c'était la contribution de Perry et Croft - et le dernier tiers montre le peloton en action, sauvant les otages de la salle paroissiale où ils avaient été retenus captifs par les membres d'équipage d'un avion allemand abattu.
Ni les acteurs, ni Perry et Croft n'étaient satisfaits du résultat. Perry a plaidé en faveur de changements pour tenter de reproduire le style de la série télévisée, mais avec des résultats mitigés.
Le tournage a eu lieu du 10 août au 25 septembre 1970 aux studios Shepperton et dans divers autres lieux. Après le tournage du film, les acteurs ont repris le travail sur la quatrième série télévisée.
La première britannique du film a eu lieu le 12 mars 1971 au Columbia Theatre de Londres. Les critiques critiques ont été mitigées, mais le film a bien fonctionné au box-office britannique. Des discussions ont eu lieu sur une éventuelle suite, qui s'appellerait Dad's Army and the Secret U-Boat Base, mais le projet ne s'est jamais concrétisé.
Film de 2016
Un nouveau film est sorti en 2016, écrit par Hamish McColl et réalisé par Oliver Parker et mettant en vedette Toby Jones dans le rôle du capitaine Mainwaring, Bill Nighy dans le rôle du sergent Wilson, Tom Courtenay dans le rôle du caporal suppléant Jones, Michael Gambon dans le rôle du soldat Godfrey, Blake Harrison dans le rôle du soldat Pike, Daniel Mays dans le rôle du soldat Walker et Bill Paterson dans celui du soldat Frazer. Le casting comprend également Catherine Zeta-Jones, Sarah Lancashire et Mark Gatiss. Le film a été principalement réalisé sur place dans le Yorkshire. Il a ouvert ses portes en février 2016 avec des critiques mitigées.
Spectacle
En 1975, Dad's Army est passé sur scène sous forme de revue, avec des chansons, des scènes familières du spectacle et des « tours » individuels pour les acteurs. Il a été créé par Roger Redfarn, qui partageait le même agent que les scénaristes de la sitcom. La plupart des acteurs principaux ont été transférés avec lui, à l'exception de John Laurie (il a été remplacé par Hamish Roughhead). Après la mort de James Beck deux ans plus tôt, Walker a été joué par John Bardon.
Dad's Army: A Nostalgic Music and Laughter Show of Britain's Finest Hour a débuté à Billingham à Teesside le 4 septembre 1975 pour un essai de deux semaines. Après des coupes et des révisions, le spectacle a été transféré dans le West End de Londres et a débuté au Shaftesbury Theatre le 2 octobre 1975. Lors de la soirée d'ouverture, Chesney Allen a fait une apparition surprise, chantant la vieille chanson de Flanagan et Allen Hometown avec Arthur Lowe.
Le spectacle s'est déroulé dans le West End jusqu'au 21 février 1976, perturbé à deux reprises par des alertes à la bombe, puis a fait une tournée dans le pays jusqu'au 4 septembre 1976. Clive Dunn a été remplacé pendant la moitié de la tournée par Jack Haig (le premier choix initial de David Croft pour le rôle du caporal Jones). à la télévision). Jeffrey Holland, qui a ensuite joué dans plusieurs sitcoms Croft, a également joué un certain nombre de rôles dans la production.
Le spectacle sur scène, présenté sous le nom de Dad's Army—The Musical, a été mis en scène en Australie et a fait une tournée en Nouvelle-Zélande en 2004-2005, avec Jon English. Plusieurs sections de ce spectacle sur scène ont été filmées et ont ensuite été incluses comme extras sur le DVD final de Dad's Army.
En avril 2007, un nouveau spectacle a été annoncé avec des acteurs dont Leslie Grantham dans le rôle du soldat Walker et l'acteur d'Emmerdale Peter Martin dans le rôle du capitaine Mainwaring. La production contenait les épisodes « A Stripe for Frazer », « The Loneliness of the Long Distance Walker », « Room at the Bottom » et « The Deadly Attachment ».
Série radiophonique
De nombreux épisodes télévisés ont été refaits pour BBC Radio 4 avec le casting original, bien que d'autres acteurs aient joué Walker après la mort de James Beck. Ces versions radiophoniques ont été adaptées par Harold Snoad et Michael Knowles et présentaient également John Snagge en tant que lecteur de nouvelles qui plantait le décor de chaque épisode. Différents acteurs ont été utilisés pour certains des rôles mineurs ; Mollie Sugden a joué le rôle de Mme Fox et Pearl Hackney a joué le rôle de Mme Pike par exemple. L'épisode pilote était en fait basé sur la version révisée des événements vus dans l'ouverture de la version cinématographique plutôt que sur le pilote télévisé. L'intégralité de la série radiophonique est sortie sur CD.
Knowles et Snoad ont également développé une série radiophonique It Sticks Out Half Mile, qui raconte ce qui est arrivé à certains des personnages de Dad's Army après la guerre. Il était initialement prévu de mettre en vedette Arthur Lowe et John Le Mesurier reprenant les rôles de leur père dans l'armée, mais Lowe est décédé peu de temps après l'enregistrement de l'épisode pilote et Bill Pertwee et Ian Lavender ont été recrutés pour le remplacer pour une série de 13 épisodes.
Jimmy Perry a écrit un sketch radiophonique The Boy Who Saved England pour la soirée "Full Steam A-Hudd" diffusée sur Radio 2 le 3 juin 1995. Il mettait en vedette Ian Lavender dans le rôle de Pike, Bill Pertwee dans le rôle de Hodges, Frank Williams dans le rôle du Vicaire et Jimmy Perry. comme le général Haverlock-Seabag.
Autres apparitions
Arthur Lowe, John Le Mesurier et John Laurie eux-mêmes ont fait une apparition en tant que personnages de l'armée de leur père dans le spécial Morecambe and Wise Christmas de 1977. Alors qu'Elton John suit des instructions incompréhensibles pour retrouver les studios de la BBC, il les croise dans un hammam. En partant, Mainwaring le traite de « garçon stupide ». Auparavant, Le Mesurier, Laurie, Beck, Ridley et Lavender étaient apparus en tant qu'invités dans l'édition du 22 avril 1971 de The Morecambe and Wise Show sur BBC2 jouant les pirates du capitaine de Lowe dans le sketch Monty on the Bonty. Le casting est également apparu dans un film d'information publique des années 1970, dans un personnage mais se déroulant dans les temps modernes, montrant comment traverser la route en toute sécurité aux feux de circulation.
Un épisode pilote d'un remake américain intitulé The Rear Guard a été produit par ABC et diffusé le 10 août 1976, basé sur l'épisode « The Deadly Attachment ». Cependant, il n’a pas réussi à dépasser la phase pilote.
Lowe et Le Mesurier ont fait une dernière apparition dans le costume de l'armée de papa pour une publicité télévisée de 1982 faisant la publicité des barres de chocolat Wispa.
Clive Dunn a fait des apparitions occasionnelles en tant que caporal suppléant Jones lors d'événements sur le thème des années 1940 dans les années 1980 et 1990 et à la télévision dans l'émission de divertissement du samedi soir de la BBC, Noel's House Party le 27 novembre 1993.
Arthur Lowe est apparu à deux reprises dans l'émission pour enfants de la BBC Blue Peter. La première fois, c'était avec John Le Mesurier, dans lequel les deux hommes apparaissaient en costume et dans le personnage du capitaine Mainwaring et du sergent Wilson alors qu'ils se promenaient en regardant et en discutant d'une fresque murale que des écoliers avaient peinte représentant les personnages du spectacle lors d'une fête de Noël, parmi lesquels qui était Elizabeth, l'épouse invisible de Mainwaring - ou plutôt, à quoi les enfants pensaient qu'elle ressemblait (Mainwaring remarque "Bon chagrin. Quelle ressemblance remarquable!"). Arthur Lowe a fait une deuxième apparition en tant que capitaine Mainwaring sur Blue Peter avec la camionnette de l'armée de papa qui apparaîtrait dans la prochaine course Londres-Brighton et a montré au présentateur John Noakes les défenses anti-nazies cachées du véhicule.
Prix
Au cours de sa diffusion télévisée originale, Dad's Army a été nominé pour un certain nombre de British Academy Television Awards, bien qu'il n'ait remporté la « Meilleure équipe de production de divertissement léger » qu'en 1971. Il a été nominé comme « Meilleure comédie de situation » en 1973, 1974 et 1975. En outre, Arthur Lowe a été fréquemment nominé pour la « Meilleure performance de divertissement léger » en 1970, 1971, 1973, 1975 et 1978.
En 2000, l'émission a été élue 13e dans un sondage du British Film Institute auprès des professionnels de l'industrie des 100 plus grands programmes de télévision britanniques. En 2004, défendu par Phill Jupitus, il s'est classé quatrième dans le sondage de la BBC pour désigner la meilleure sitcom britannique avec 174 138 voix.
Hommages
En juin 2010, une statue du capitaine Mainwaring a été érigée dans la ville de Thetford, dans le Norfolk, où la plupart des extérieurs de la série télévisée ont été filmés. La statue représente le capitaine Mainwaring assis au garde-à-vous sur un simple banc en uniforme de la Home Guard, avec son bâton fanfaron sur ses genoux. La statue est montée au bout d'un chemin sinueux en briques avec une tête de flèche à motif de drapeau de l'Union pour refléter le générique d'ouverture de la série télévisée et la sculpture a été conçue pour que les membres du public puissent s'asseoir à côté du capitaine Mainwaring et se faire photographier. . La statue a été vandalisée peu de temps après son inauguration par un garçon de 10 ans, qui lui a donné des coups de pied pendant 10 minutes et a cassé les lunettes du capitaine Mainwaring, les jetant dans une rivière voisine. La statue a depuis été réparée.
La sitcom britannique Goodnight Sweetheart a rendu hommage à Dad's Army dans le premier épisode de sa deuxième série en 1995, "Don't Get Around Much Any More". Ici, le personnage principal Gary Sparrow – un voyageur temporel des années 1990 – entre dans une banque en 1941 et rencontre un directeur de banque nommé Mainwaring et Wilson, son commis en chef, tous deux membres de la Home Guard. Lorsqu'il entend les noms de Mainwaring et Wilson, Gary commence à chanter la chanson thème de Dad's Army.
Influence culturelle
Les personnages de Dad's Army et leurs slogans sont bien connus au Royaume-Uni en raison de la popularité de la série lors de sa diffusion initiale et de la fréquence des répétitions.
Jimmy Perry rappelle qu'avant d'écrire la sitcom, la Home Guard était un aspect largement oublié de la défense britannique pendant la Seconde Guerre mondiale, ce que la série a rectifié. Dans une interview accordée au Radio Times en 1972, Arthur Lowe exprime sa surprise face au succès du programme ;
Nous nous attendions à ce que la série ait un attrait limité, auprès du groupe d'âge qui a vécu la guerre et la Home Guard. Nous ne nous attendions pas à ce qui se passe : que les enfants à partir de cinq ans en profitent aussi.
En se concentrant sur les aspects comiques de la Home Guard dans un décor chaleureux de la côte sud, la série télévisée a cependant déformé la perception populaire de l'organisation. Ses personnages représentaient les volontaires plus âgés de la Home Guard, mais ignoraient largement le grand nombre d'adolescents et d'ouvriers d'usine qui servaient également. De nombreux anciens combattants ont par la suite hésité à raconter leur histoire de peur d’être traités comme une plaisanterie. Une impression plus cruelle, celle de la classe ouvrière, peut être vue dans les illustrations d'Eric Kennington pour Britain's Home Guard de John Brophy : une étude de caractère (1945). Les récits des membres de la Home Guard et leurs publications régimentaires ont inspiré l'histoire de Norman Longmate, The Real Dad's Army (1974).
Une brève référence visuelle à Dad's Army est faite au début de l'épisode Rag Week de la sitcom britannique des années 1990 The Thin Blue Line. Il existe également un certain nombre de références croisées, peut-être intentionnelles, à l'armée de papa dans l'épisode de Doctor Who, Victoire des Daleks, qui se déroule à Londres en temps de guerre.
Le portage Sega Mega-CD du jeu d'arcade Mortal Kombat, développé par les programmeurs britanniques Probe Software, contenait un code de triche - connu sous le nom de "Dad's Code" - qui permettait au joueur de renommer les combattants en ceux des personnages de Dad's Army. .
Barmy Army a renvoyé l'équipe australienne nommée à l'équipe Ashes 2015 Dad's Army car, y compris Michael Clarke, près de la moitié de l'équipe nommée est âgée de plus de 32 ans.
Lorsque Nigel Farage discutait des propositions pour une armée européenne au Parlement européen, il a fait référence au thème de l'armée de papa lorsqu'il a dit à Jean-Claude Juncker : « De qui pensez-vous que vous vous moquez, M. Juncker ?
Communiqués de presse
Articles principaux: livres et souvenirs de Dad's Army, sorties DVD et vidéo de Dad's Army et sorties audio de Dad's Army.
La BBC a sorti deux coffrets DVD « Best of » en octobre 2001 et septembre 2002, mais ce n'est qu'en septembre 2004 que la série complète a commencé à être diffusée, la première série et les épisodes survivants de la deuxième série étant diffusés en premier, ainsi que avec le documentaire Missing Presumed Wiped. En novembre 2007, la série entière était sortie sur DVD, l'édition finale comprenant les spéciaux "La bataille des géants", "Mon frère et moi" et "La bataille des géants" ainsi que diverses autres apparitions, dont plusieurs Croquis et extraits de "Nuit de Noël avec les étoiles" du spectacle. Les DVD comprennent également de courts documentaires biographiques individuels sur les personnages et leurs acteurs appelés We Are the Boys. L'adaptation cinématographique de Columbia est également disponible, bien que comme il ne s'agit pas d'une production de la BBC, elle n'est pas incluse dans le coffret. | http://www.quizballs.com/ |
En médecine, si quelque chose est sous-cutané, est-il appliqué ou situé sous quel organe du corps ? | Skin | [
"L'injection dans le tissu sous-cutané est une voie d'administration utilisée pour des médicaments tels que l'insuline : étant très vasculaire, le tissu absorbe rapidement les médicaments. L'injection sous-cutanée est considérée comme le moyen le plus efficace d'administrer certains médicaments, tels que les hormones de croissance humaines. Tout comme le tissu sous-cutané peut stocker les graisses, il peut également fournir un bon espace de stockage pour les médicaments qui doivent être libérés progressivement en raison du flux sanguin limité. « Skin popping » est un terme d'argot qui inclut cette méthode d'administration et est généralement utilisé en association avec des drogues récréatives."
] | Le tissu sous-cutané (), également appelé hypoderme, hypoderme (), sous-cutané ou fascia superficiel, est la couche la plus inférieure du système tégumentaire chez les vertébrés. Les types de cellules trouvées dans l’hypoderme sont les fibroblastes, les cellules adipeuses et les macrophages. L'hypoderme dérive du mésoderme, mais contrairement au derme, il ne dérive pas de la région du dermatome du mésoderme. Chez les arthropodes, l'hypoderme est une couche épidermique de cellules qui sécrète la cuticule chitineuse. Le terme fait également référence à une couche de cellules située immédiatement sous l'épiderme des plantes.
L'hypoderme se trouve sous le derme qui se trouve sous l'épiderme. Il est principalement utilisé pour le stockage des graisses.
Une couche de tissu se trouve immédiatement sous le derme de la peau des vertébrés. On l’appelle souvent tissu sous-cutané bien qu’il s’agisse d’un terme moins précis et anatomiquement inexact. L'hypoderme est principalement constitué de tissu conjonctif lâche et de lobules de graisse. Il contient des vaisseaux sanguins et des nerfs plus gros que ceux que l’on trouve dans le derme.
Composition
Le tissu sous-cutané est constitué de :
* Bandes fibreuses ancrant la peau aux fascias profonds
* Fibres de collagène et d'élastine le fixant au derme
* Graisse, sauf dans les paupières, le clitoris, le pénis, une grande partie du pavillon et le scrotum
* Vaisseaux sanguins en route vers le derme
* Vaisseaux lymphatiques en route depuis le derme
* La partie glandulaire de certaines glandes sudoripares ; les glandes mammaires se trouvent entièrement dans le tissu sous-cutané (qui sont des glandes sudoripares apocrines modifiées)
* Nerfs cutanés et terminaisons libres
* Racines des follicules pileux
* Corpuscules de Ruffini et de Pacini
* Mastocytes
* Bourses séreuses, dans l'espace recouvrant les articulations afin de faciliter le passage en douceur de la peau sus-jacente
* De fines feuilles de muscles plates, à certains endroits, notamment le cuir chevelu, le visage, la main, le mamelon et le scrotum, appelées pannicule carnosus
Chez certains animaux, comme les baleines et les mammifères en hibernation, l’hypoderme constitue une importante couche isolante et/ou réserve de nourriture.
Chez certaines plantes, l'hypoderme est une couche de cellules située immédiatement sous l'épiderme des feuilles. Il est souvent renforcé mécaniquement, par exemple dans les feuilles de pin, formant une couche protectrice supplémentaire ou un tissu de stockage d'eau.
La graisse sous-cutanée est la couche de tissu sous-cutané la plus largement distribuée. Il est composé d'adipocytes regroupés en lobules séparés par du tissu conjonctif. Le nombre d'adipocytes varie selon les différentes zones du corps, tandis que leur taille varie en fonction de l'état nutritionnel du corps. Il fait office de rembourrage et de réserve d'énergie, tout en assurant une légère thermorégulation via l'isolation. La graisse sous-cutanée se trouve juste sous la peau, par opposition à la graisse viscérale, qui se trouve dans la cavité péritonéale, et peut être mesurée à l'aide d'un pied à coulisse pour donner une estimation approximative de l'adiposité corporelle totale. Il est plus épais au niveau des fesses, des paumes et des plantes.
Injection
L'injection dans le tissu sous-cutané est une voie d'administration utilisée pour des médicaments tels que l'insuline : étant très vasculaire, le tissu absorbe rapidement les médicaments. L'injection sous-cutanée est considérée comme le moyen le plus efficace d'administrer certains médicaments, tels que les hormones de croissance humaines. Tout comme le tissu sous-cutané peut stocker les graisses, il peut également fournir un bon espace de stockage pour les médicaments qui doivent être libérés progressivement en raison du flux sanguin limité. « Skin popping » est un terme d'argot qui inclut cette méthode d'administration et est généralement utilisé en association avec des drogues récréatives.
Pathologie
* Abcès sous-cutané
* Tumeur sous-cutanée | http://www.quizballs.com/ |
De quelle ville britannique font partie Didsbury, Ardwick et Fallowfield ? | Manchester | [
"Didsbury est une banlieue de Manchester, en Angleterre. Il se trouve sur la rive nord de la rivière Mersey, au sud du centre-ville de Manchester. La population au recensement de 2011 était de 26 788 habitants.",
"Faisant historiquement partie du Lancashire, il existe des traces de Didsbury existant en tant que petit hameau dès le 13ème siècle. Ses débuts ont été dominés par son appartenance au Manoir de Withington, un domaine féodal qui couvrait une grande partie de ce qui est aujourd'hui le sud de Manchester. Didsbury a été décrit au XVIIIe siècle comme un canton séparé de toute influence extérieure. En 1745, Charles Edward Stuart traversa la Mersey à Didsbury lors de la marche jacobite vers le sud de Manchester à Derby, puis de nouveau lors de la retraite qui suivit.",
"Didsbury était en grande partie rurale jusqu'au milieu du XIXe siècle, date à laquelle elle a connu un développement et une urbanisation pendant la révolution industrielle. Elle est devenue partie intégrante de Manchester en 1904.",
"Une charte accordée vers 1260 montre qu'un moulin à maïs fonctionnait à Didsbury, le long de la rivière Mersey, mais la première référence à Didsbury se trouve dans un document datant de 1235, enregistrant une concession de terrain pour la construction d'une chapelle. L'église a été baptisée St James Church en 1855. Elle a subi d'importants travaux de rénovation en 1620, puis au XIXe siècle, bien que la plupart des pierres visibles aujourd'hui datent du XVIIe siècle. Un presbytère a été construit à côté de l'un des deux pubs qui flanquaient la verdure du village voisin, Ye Olde Cock Inn, ainsi appelé en raison des combats de coqs qui s'y déroulaient autrefois. Le presbytère acquit bientôt la réputation d'être hanté ; les domestiques refusèrent de dormir sur place et la maison fut abandonnée en 1850. L'échevin local Fletcher Moss acheta la maison en 1865 et y vécut pendant plus de 40 ans. En 1902, il installe un portail en fer forgé à l'entrée du jardin du presbytère, qui, en raison de la réputation de l'édifice, devient localement surnommé « la porte de l'Enfer ». Le presbytère est devenu un musée, aujourd'hui fermé, mais les jardins sont toujours ouverts au public. La zone autour de l'église St James possède la plus forte concentration de bâtiments classés à Manchester, en dehors du centre-ville.",
"Didsbury était l'un des rares endroits entre Stretford et Stockport où la rivière Mersey pouvait être traversée à gué, ce qui la rendait importante pour les mouvements de troupes pendant la guerre civile anglaise, dans laquelle Manchester était du côté parlementaire. Le commandant royaliste, Prince Rupert, se stationna à Didsbury Ees, au sud de Barlow Moor. Il est également probable que Bonnie Prince Charlie ait traversé la Mersey à Didsbury en 1745, lors de la marche jacobite vers le sud de Manchester à Derby, et de nouveau lors de sa retraite ultérieure.",
"Les immigrants juifs ont commencé à arriver à Manchester à partir de la fin du XVIIIe siècle, s'installant initialement principalement dans les banlieues au nord de la ville. À partir des années 1890, beaucoup d'entre eux ont déménagé dans ce qui était considéré comme les banlieues les plus « sophistiquées » du sud, comme Withington et Didsbury. L'afflux d'immigrants juifs a conduit West Didsbury à être surnommé « Yidsbury » et Palatine Road, une route principale traversant West Didsbury, « Palestine Road ».",
"Au cours de l'expansion victorienne de Manchester, Didsbury s'est développée comme une colonie prospère ; quelques demeures de l'époque existent encore sur Wilmslow Road entre Didsbury Village et Parrs Wood à l'est et Withington au nord, mais elles ont maintenant été converties en maisons de retraite et en bureaux. L'ouverture de la ligne Midland Railway en 1880 a grandement contribué à la croissance rapide de la population de Didsbury, avec des gares à Didsbury et Withington et West Didsbury offrant des liaisons ferroviaires faciles vers Manchester Central. La ligne a fermé ses portes en 1967, bien que le bâtiment de la gare de Didsbury soit resté debout jusqu'à sa démolition dans les années 1980. L'horloge de la gare et la fontaine à eau ont survécu, dédiées au médecin local et militant en faveur des pauvres, le Dr J. Milson Rhodes.",
"Le 28 avril 1910, le pilote français Louis Paulhan posait son biplan Farman à Barcicroft Fields, Pytha Fold Farm, aux frontières de Withington, Burnage et Didsbury, à l'issue du premier vol Londres-Manchester en moins de 24 heures, avec un court Arrêt de nuit à Lichfield. Arrivé à 5h30 du matin, Paulhan a battu le concurrent britannique Claude Grahame-White, remportant un prix de 10 000 £ offert par le Daily Mail. Il s'agissait du premier vol propulsé vers Manchester depuis n'importe quel point en dehors de la ville. Deux trains spéciaux ont été affrétés vers la gare de Burnage nouvellement construite mais non ouverte pour emmener les spectateurs jusqu'au débarcadère, dont beaucoup étaient restés debout toute la nuit. La progression de Paulhan fut suivie tout au long par un train spécial transportant son épouse, Henri Farman et ses mécaniciens. Ensuite, son train a emmené le groupe à une réception civique donnée par le lord-maire de Manchester à l'hôtel de ville. Une maison de Paulhan Road, construite dans les années 1930 à proximité du site de son atterrissage, est marquée par une plaque bleue pour commémorer son exploit.",
"En 1764, Didsbury était décrit comme un canton à part entière. Elle devint une paroisse civile en 1866 et, en 1876, fut incorporée au district sanitaire urbain de Withington, remplacé en 1894 par la création du district urbain de Withington. Le district urbain de Withington était une subdivision du comté administratif du Lancashire, créée dans le cadre des dispositions de la loi de 1894 sur le gouvernement local. En 1904, le district urbain de Withington a été fusionné avec la ville et le comté de Manchester, et ainsi Didsbury a été absorbé par Manchester. , bien qu'elle soit restée une paroisse civile jusqu'en 1910. À la suite de la loi de 1972 sur le gouvernement local, Manchester est devenue un arrondissement métropolitain du comté métropolitain du Grand Manchester.",
"Didsbury fait partie de la circonscription parlementaire de Manchester Withington et est représenté par le député Jeff Smith, membre du Parti travailliste.",
"Jusqu'en 2004, la majeure partie de la zone formait le quartier Didsbury du conseil municipal de Manchester avec une section de West Didsbury contenue dans le quartier Barlow Moor. Cependant, les changements de limites en 2004 ont entraîné la division de Didsbury principalement entre les deux nouveaux quartiers de Didsbury Est et Didsbury Ouest, tandis qu'une petite partie de West Didsbury a été incorporée dans le nouveau quartier de Chorlton Park. Didsbury-Est est représenté par les conseillers travaillistes James Wilson, Bridie Adams et Andrew Simcock. Didsbury West est représenté par les conseillers travaillistes Josie Teuber et David Ellison et le libéral-démocrate John Leech. Tous les quartiers de Manchester élisent par tiers sur un cycle de quatre ans.",
"Didsbury, à (53.4166, −2.2311), se trouve au sud du point médian de la zone urbaine du Grand Manchester, au sud du centre-ville de Manchester. Au nord, Didsbury est bordé par Withington, Chorlton-cum-Hardy et Burnage, à l'ouest par Northenden, à l'est et au sud-est par Heaton Mersey et Cheadle, et par Gatley au sud.",
"La rivière Mersey forme les limites sud et sud-ouest de Didsbury et certains tronçons de la rivière délimitent également les limites de la ville de Manchester. La zone est généralement considérée comme étant à peu près délimitée par Princess Parkway à l'ouest, Kingsway à l'est et le Ball Brook, juste au nord de Lapwing Lane/Fog Lane au nord. Cette limite nord est marquée par une borne dans le mur du jardin avant d'une maison du côté ouest du chemin Wilmslow. Un « sentier de campagne » passe de West Didsbury à l'Est, nommé Trans Pennine Trail (National Cycle Route 62). Il a été situé le long d’une voie ferrée désaffectée, dans le cadre d’une initiative nationale visant à promouvoir le cyclisme.",
"L'environnement bâti de Didsbury s'est développé autour des zones d'East Didsbury, West Didsbury et Didsbury Village, qui séparent les deux. La zone de conservation d'Albert Park, couvrant une grande partie de West Didsbury, impose des restrictions de planification sur le développement, les modifications des bâtiments et l'élagage des arbres. Les zones adjacentes à la Mersey se trouvent dans la plaine inondable de la rivière et ont donc toujours été sujettes aux inondations après de fortes pluies. Les dernières inondations majeures remontent à la fin des années 1960. Dans les années 1970, de vastes travaux d'atténuation des inondations menés le long de la vallée de la Mersey en passant par Manchester ont contribué à accélérer le passage des eaux de crue. Le jardin botanique Fletcher Moss fait également office de bassin d'inondation d'urgence, stockant les eaux de crue jusqu'à ce qu'elles puissent être relâchées en toute sécurité dans la rivière.",
"Selon le recensement britannique de 2001, Didsbury comptait une main-d'œuvre estimée à 10 755 personnes, soit 75 % de la population. La situation économique à Didsbury était la suivante : 48 % travaillant à temps plein, 11 % retraités, 10 % travailleurs indépendants, 8 % travaillant à temps partiel, 4 % étudiants à temps plein (sans emploi), 4 % femmes au foyer/mari ou soignant. , 4 % malades ou handicapés de façon permanente, 4 % au chômage et 2 % économiquement inactifs pour des raisons non précisées. Le taux d'emploi à temps plein de 48 % à Didsbury est à comparer aux 33 % à Manchester et aux 41 % dans l'ensemble de l'Angleterre. Le taux de chômage de 4 % dans la région contraste avec le taux de 9 % de Manchester et correspond globalement au taux de chômage de 5 % en Angleterre.",
"Didsbury est considérée comme formant une « ceinture de courtage », car c'est la banlieue la plus riche de Manchester.",
"Le jardin botanique Fletcher Moss est un parc récréatif de 21 acres au sud du centre du village. Il porte le nom de l'échevin local Fletcher Moss, qui a fait don du parc à la ville de Manchester en 1919. En 2008, il a remporté le Green Flag Award, la norme nationale pour les parcs et espaces verts en Angleterre, prix qu'il détient depuis 2000.",
"Les jardins Marie Louise sont un parc relativement petit situé à l'ouest du centre de Didsbury. Le parc appartenait à l'origine à la famille Silkenstadt et faisait partie du terrain de leur maison. Le terrain a été légué aux habitants de Manchester par Mme Silkenstadt en 1904 en mémoire de sa fille, Marie Louise. Le parc a été au centre d'une controverse en 2007 après que le conseil municipal de Manchester a proposé d'en vendre une partie à un promoteur immobilier privé.",
"Entre 1956 et 1969, l'ancien Capitol Theatre, à la jonction de Parrs Wood Road et de School Lane, servait de studios nord de la station ITV ABC Weekend Television. Les premiers épisodes de The Avengers et des programmes tels que Opportunity Knocks ont été réalisés dans les studios. ABC a cessé d'utiliser le site en 1968 lorsqu'elle a perdu sa franchise ITV, suite à sa fusion avec une autre société ITV, Rediffusion. Le site a ensuite été brièvement utilisé par Yorkshire Television jusqu'à ce que ses propres installations à Leeds soient prêtes. En 1971, les studios ont été acquis par Manchester Polytechnic, qui les a utilisés pour le cinéma, les études télévisuelles et le théâtre. Le bâtiment a été démoli à la fin des années 1990 pour faire place à un développement résidentiel, mais le nom perdure sous la forme d'un nouvel espace théâtral au cœur du M.M.U. campus dans le quartier de All Saints le long d'Oxford Road, juste au sud du centre-ville de Manchester.",
"Jusqu'en 2009, Didsbury était la base de l'une des filiales du Manchester Evening News, le South Manchester Reporter.",
"Didsbury se trouve à proximité de la sortie 5 du périphérique de Manchester, l'autoroute M60. L'aéroport de Manchester, l'aéroport le plus fréquenté du Royaume-Uni en dehors de Londres, se trouve à environ 6,5 km au sud.",
"Didsbury est desservie par plusieurs lignes de bus vers le centre-ville de Manchester, le Trafford Centre, Northenden et d'autres destinations. Wilmslow Road fournit à Didsbury un service de bus régulier en raison de la forte demande de déplacements des étudiants le long du couloir. Le service est bon marché et les passagers doivent rarement attendre plus de quelques minutes. Selon certains analystes, Wilmslow Road est le corridor de bus le plus fréquenté d'Europe.",
"East Didsbury et Burnage sont les gares les plus proches, sur la ligne entre Manchester Piccadilly et l'aéroport de Manchester. Entre 1880 et 1967, la zone avait été desservie par deux autres gares ferroviaires, la gare de Didsbury et la gare de West Didsbury, toutes deux sur les lignes sud de Manchester jusqu'à la gare centrale de Manchester. La ligne entière a été fermée en 1967 à la suite du Beeching Axe.",
"Des propositions existaient depuis les années 1980 pour rouvrir la ligne ferroviaire désaffectée qui traverse Didsbury dans le cadre du système de train léger sur rail Manchester Metrolink. Selon ces propositions, la gare de Didsbury devait rouvrir sous le nom de Didsbury Central ou Didsbury Village.",
"Ces plans d'extension ont été rejetés par le gouvernement en 2004, en raison de l'escalade des coûts. De nouveaux plans ont été élaborés en 2007, une partie au moins de l'argent nécessaire à la construction de la ligne devant provenir du projet de péage urbain de Manchester, qui a été massivement rejeté par le vote du public en 2008.",
"Didsbury dispose d'un système éducatif non sélectif, évalué par l'examen SAT. Il existe sept écoles primaires et deux écoles secondaires publiques polyvalentes. Le lycée Barlow RC est l'un de ceux choisis par le conseil de Manchester pour bénéficier du financement mis à disposition dans le cadre de la quatrième vague du programme gouvernemental Building Schools for the Future, un programme national visant à la rénovation et à la rénovation de chaque école secondaire d'Angleterre. Il est prévu de remplacer tous les bâtiments actuels, qui datent de 1951. Parrs Wood et The Barlow étaient deux des six écoles de Manchester à avoir atteint le Manchester Inclusion Standard en 2007, décerné par le Conseil de Manchester aux écoles effectuant un travail innovant pour garantir que tous leurs élèves puissent participer pleinement aux activités de l'école.",
"Il existe deux centres d'enseignement supérieur et supérieur à Didsbury : le Manchester College, (anciennement City College Manchester) Fielden Campus, ouvert en 1972 par Margaret Thatcher, propose une variété de cours, notamment en communication et en technologie ; et le campus Didsbury de la Manchester Metropolitan University, l'ancienne école d'éducation de Didsbury, abrite les facultés de santé, de protection sociale et d'éducation, ainsi que le Broomhurst Hall of Residence.",
"On ne sait pas avec certitude quand la première chapelle a été construite à Didsbury, mais on pense que c'était avant le milieu du XIIIe siècle. Lorsque la peste atteignit le village en 1352, la cour de la chapelle fut consacrée pour constituer un cimetière pour les victimes, car il était « gênant de transporter les morts jusqu'à Manchester ».",
"Didsbury fait partie du diocèse de l'Église anglicane de Manchester,",
"et le diocèse catholique romain de Salford. Elle n'est pas aussi diversifiée sur le plan religieux que d'autres quartiers de Manchester, mais elle compte la deuxième plus grande population juive de l'arrondissement et deux synagogues : la synagogue Shaare Hayim et la synagogue Sha'are Sedek.",
"Le centre sportif de Didsbury, sur Wilmslow Road, fait partie du campus de la Manchester Metropolitan University. Il propose une salle de remise en forme ainsi que des cours et des installations pour le badminton et le tennis.",
"Didsbury compte deux clubs de rugby, Toc H R.F.C. et les vieux Bedians. Toc H, fondée en 1924, joue à Simons Fields, sur Ford Lane. Sa première équipe joue dans la ligue du North Lancashire et de Cumbria. Le club gère quatre équipes seniors et une section jeunesse, et organise une compétition à 10 chaque mois de mai depuis 1951, en tant que collecte de fonds caritative pour les hospices locaux. Old Bedians est basé à East Didbury et a été fondé en 1954. Il présente régulièrement trois équipes seniors ainsi qu'une section junior. Desmond Pastore, considéré comme le joueur de rugby le plus âgé du monde, a été l'un des membres fondateurs du club, puis en est devenu le président. Ancien joueur de Sale et Cheshire, Desmond a disputé son dernier match pour le club de Manchester Egor le jour de son 91e anniversaire. Bedians AFC (un club de football amateur fondé en 1928) partage le terrain d'Underbank Farm avec Old Bedians RUFC.",
"Le Didsbury Cricket Club présente trois équipes du samedi et deux équipes du dimanche. Les onze premiers jouent dans la Premier League ECB du comté de Cheshire. Outre les cinq équipes seniors, le club dispose également d'une section junior destinée aux joueurs âgés de 7 à 18 ans et a récemment créé une section féminine. Il abrite également le Manchester Waconians Lacrosse Club et l'équipe féminine de hockey de Didsbury Grey, qui ne jouent pas réellement sur le site mais sur les terrains de Belle Vue, conçus pour les XVIIe Jeux du Commonwealth. Le Northern Tennis Club, à West Didsbury, est l'un des rares clubs de raquette de Manchester ; il accueille chaque année un tournoi de l'Association des professionnels du tennis en juillet.",
"Didsbury est couvert par la division sud de Manchester de la police du Grand Manchester.",
"Les tours, aujourd'hui connues sous le nom de Shirley Institute, étaient autrefois la maison de l'ingénieur Daniel Adamson – le moteur du projet du Manchester Ship Canal – et le lieu où la décision de construire le canal a été prise. La maison a été conçue par l'architecte de Salford Thomas Worthington, pour le rédacteur et propriétaire du Manchester Guardian, John Edward Taylor.",
"Daniel Adamson, promoteur du Manchester Ship Canal, a vécu à The Towers (plaque bleue – autrefois Shirley Institute) sur Wilmslow Road de 1874 jusqu'à sa mort en 1890. Sa maison classée Grade II, conçue par Thomas Worthington pour John Edward Taylor, le rédacteur en chef et propriétaire du Manchester Guardian, fut le lieu de la réunion de 1882 au cours de laquelle il fut décidé de construire le projet de canal maritime.",
"Sidney Bernstein et Denis Forman, qui ont créé Granada Television Manchester, ont également vécu à Didsbury pendant leurs périodes de travail aux Granada Studios à Manchester."
] | Didsbury est une banlieue de Manchester, en Angleterre. Il se trouve sur la rive nord de la rivière Mersey, au sud du centre-ville de Manchester. La population au recensement de 2011 était de 26 788 habitants.
Faisant historiquement partie du Lancashire, il existe des traces de Didsbury existant en tant que petit hameau dès le 13ème siècle. Ses débuts ont été dominés par son appartenance au Manoir de Withington, un domaine féodal qui couvrait une grande partie de ce qui est aujourd'hui le sud de Manchester. Didsbury a été décrit au XVIIIe siècle comme un canton séparé de toute influence extérieure. En 1745, Charles Edward Stuart traversa la Mersey à Didsbury lors de la marche jacobite vers le sud de Manchester à Derby, puis de nouveau lors de la retraite qui suivit.
Didsbury était en grande partie rurale jusqu'au milieu du XIXe siècle, date à laquelle elle a connu un développement et une urbanisation pendant la révolution industrielle. Elle est devenue partie intégrante de Manchester en 1904.
La Société royale pour la protection des oiseaux a été créée à Didsbury en 1889.
Histoire
Toponymie
Didsbury tire son nom de l'anglo-saxon Dyddi's burg, faisant probablement référence à un homme connu sous le nom de Dyddi dont le fief ou canton se trouvait sur une falaise basse surplombant un endroit où la rivière Mersey pouvait être traversée à gué. Au 13ème siècle, Didsbury était diversement appelé Dydesbyre, Dydesbiri, Didsbury ou Dodesbury.
Église paroissiale
Une charte accordée vers 1260 montre qu'un moulin à maïs fonctionnait à Didsbury, le long de la rivière Mersey, mais la première référence à Didsbury se trouve dans un document datant de 1235, enregistrant une concession de terrain pour la construction d'une chapelle. L'église a été baptisée St James Church en 1855. Elle a subi d'importants travaux de rénovation en 1620, puis au XIXe siècle, bien que la plupart des pierres visibles aujourd'hui datent du XVIIe siècle. Un presbytère a été construit à côté de l'un des deux pubs qui flanquaient la verdure du village voisin, Ye Olde Cock Inn, ainsi appelé en raison des combats de coqs qui s'y déroulaient autrefois. Le presbytère acquit bientôt la réputation d'être hanté ; les domestiques refusèrent de dormir sur place et la maison fut abandonnée en 1850. L'échevin local Fletcher Moss acheta la maison en 1865 et y vécut pendant plus de 40 ans. En 1902, il installe un portail en fer forgé à l'entrée du jardin du presbytère, qui, en raison de la réputation de l'édifice, devient localement surnommé « la porte de l'Enfer ». Le presbytère est devenu un musée, aujourd'hui fermé, mais les jardins sont toujours ouverts au public. La zone autour de l'église St James possède la plus forte concentration de bâtiments classés à Manchester, en dehors du centre-ville.
Rivière Mersey
Didsbury était l'un des rares endroits entre Stretford et Stockport où la rivière Mersey pouvait être traversée à gué, ce qui la rendait importante pour les mouvements de troupes pendant la guerre civile anglaise, dans laquelle Manchester était du côté parlementaire. Le commandant royaliste, Prince Rupert, se stationna à Didsbury Ees, au sud de Barlow Moor. Il est également probable que Bonnie Prince Charlie ait traversé la Mersey à Didsbury en 1745, lors de la marche jacobite vers le sud de Manchester à Derby, et de nouveau lors de sa retraite ultérieure.
Immigration d'Europe
Les immigrants juifs ont commencé à arriver à Manchester à partir de la fin du XVIIIe siècle, s'installant initialement principalement dans les banlieues au nord de la ville. À partir des années 1890, beaucoup d'entre eux ont déménagé dans ce qui était considéré comme les banlieues les plus « sophistiquées » du sud, comme Withington et Didsbury. L'afflux d'immigrants juifs a conduit West Didsbury à être surnommé « Yidsbury » et Palatine Road, une route principale traversant West Didsbury, « Palestine Road ».
19e et 20e siècles
Au cours de l'expansion victorienne de Manchester, Didsbury s'est développée comme une colonie prospère ; quelques demeures de l'époque existent encore sur Wilmslow Road entre Didsbury Village et Parrs Wood à l'est et Withington au nord, mais elles ont maintenant été converties en maisons de retraite et en bureaux. L'ouverture de la ligne Midland Railway en 1880 a grandement contribué à la croissance rapide de la population de Didsbury, avec des gares à Didsbury et Withington et West Didsbury offrant des liaisons ferroviaires faciles vers Manchester Central. La ligne a fermé ses portes en 1967, bien que le bâtiment de la gare de Didsbury soit resté debout jusqu'à sa démolition dans les années 1980. L'horloge de la gare et la fontaine à eau ont survécu, dédiées au médecin local et militant en faveur des pauvres, le Dr J. Milson Rhodes.
Le 28 avril 1910, le pilote français Louis Paulhan posait son biplan Farman à Barcicroft Fields, Pytha Fold Farm, aux frontières de Withington, Burnage et Didsbury, à l'issue du premier vol Londres-Manchester en moins de 24 heures, avec un court Arrêt de nuit à Lichfield. Arrivé à 5h30 du matin, Paulhan a battu le concurrent britannique Claude Grahame-White, remportant un prix de 10 000 £ offert par le Daily Mail. Il s'agissait du premier vol propulsé vers Manchester depuis n'importe quel point en dehors de la ville. Deux trains spéciaux ont été affrétés vers la gare de Burnage nouvellement construite mais non ouverte pour emmener les spectateurs jusqu'au débarcadère, dont beaucoup étaient restés debout toute la nuit. La progression de Paulhan fut suivie tout au long par un train spécial transportant son épouse, Henri Farman et ses mécaniciens. Ensuite, son train a emmené le groupe à une réception civique donnée par le lord-maire de Manchester à l'hôtel de ville. Une maison de Paulhan Road, construite dans les années 1930 à proximité du site de son atterrissage, est marquée par une plaque bleue pour commémorer son exploit.
Gouvernance
Histoire civique
Au début du XIIIe siècle, Didsbury se trouvait dans le manoir de Withington, un domaine féodal qui comprenait également les cantons de Withington, Chorlton-cum-Hardy, Moss Side, Rusholme, Burnage, Denton et Haughton, dirigés par les Hathersage, Longford et Tatton. familles et dans les limites historiques du comté de Lancashire. Didsbury est resté dans le manoir de Withington pendant plusieurs siècles.
En 1764, Didsbury était décrit comme un canton à part entière. Elle devint une paroisse civile en 1866 et, en 1876, fut incorporée au district sanitaire urbain de Withington, remplacé en 1894 par la création du district urbain de Withington. Le district urbain de Withington était une subdivision du comté administratif du Lancashire, créée dans le cadre des dispositions de la loi de 1894 sur le gouvernement local. En 1904, le district urbain de Withington a été fusionné avec la ville et le comté de Manchester, et ainsi Didsbury a été absorbé par Manchester. , bien qu'elle soit restée une paroisse civile jusqu'en 1910. À la suite de la loi de 1972 sur le gouvernement local, Manchester est devenue un arrondissement métropolitain du comté métropolitain du Grand Manchester.
Représentation politique
Didsbury fait partie de la circonscription parlementaire de Manchester Withington et est représenté par le député Jeff Smith, membre du Parti travailliste.
Jusqu'en 2004, la majeure partie de la zone formait le quartier Didsbury du conseil municipal de Manchester avec une section de West Didsbury contenue dans le quartier Barlow Moor. Cependant, les changements de limites en 2004 ont entraîné la division de Didsbury principalement entre les deux nouveaux quartiers de Didsbury Est et Didsbury Ouest, tandis qu'une petite partie de West Didsbury a été incorporée dans le nouveau quartier de Chorlton Park. Didsbury-Est est représenté par les conseillers travaillistes James Wilson, Bridie Adams et Andrew Simcock. Didsbury West est représenté par les conseillers travaillistes Josie Teuber et David Ellison et le libéral-démocrate John Leech. Tous les quartiers de Manchester élisent par tiers sur un cycle de quatre ans.
Géographie
Didsbury, à (53.4166, −2.2311), se trouve au sud du point médian de la zone urbaine du Grand Manchester, au sud du centre-ville de Manchester. Au nord, Didsbury est bordé par Withington, Chorlton-cum-Hardy et Burnage, à l'ouest par Northenden, à l'est et au sud-est par Heaton Mersey et Cheadle, et par Gatley au sud.
La rivière Mersey forme les limites sud et sud-ouest de Didsbury et certains tronçons de la rivière délimitent également les limites de la ville de Manchester. La zone est généralement considérée comme étant à peu près délimitée par Princess Parkway à l'ouest, Kingsway à l'est et le Ball Brook, juste au nord de Lapwing Lane/Fog Lane au nord. Cette limite nord est marquée par une borne dans le mur du jardin avant d'une maison du côté ouest du chemin Wilmslow. Un « sentier de campagne » passe de West Didsbury à l'Est, nommé Trans Pennine Trail (National Cycle Route 62). Il a été situé le long d’une voie ferrée désaffectée, dans le cadre d’une initiative nationale visant à promouvoir le cyclisme.
L'environnement bâti de Didsbury s'est développé autour des zones d'East Didsbury, West Didsbury et Didsbury Village, qui séparent les deux. La zone de conservation d'Albert Park, couvrant une grande partie de West Didsbury, impose des restrictions de planification sur le développement, les modifications des bâtiments et l'élagage des arbres. Les zones adjacentes à la Mersey se trouvent dans la plaine inondable de la rivière et ont donc toujours été sujettes aux inondations après de fortes pluies. Les dernières inondations majeures remontent à la fin des années 1960. Dans les années 1970, de vastes travaux d'atténuation des inondations menés le long de la vallée de la Mersey en passant par Manchester ont contribué à accélérer le passage des eaux de crue. Le jardin botanique Fletcher Moss fait également office de bassin d'inondation d'urgence, stockant les eaux de crue jusqu'à ce qu'elles puissent être relâchées en toute sécurité dans la rivière.
Démographie
Le recensement du Royaume-Uni de 2001 a enregistré Didsbury comme ayant une population de 14 292 habitants, dont 87 % sont nés au Royaume-Uni. Une grande majorité des résidents, 88 %, se sont identifiés comme blancs, 8 % comme asiatiques, 2 % comme d'origine ethnique mixte, 1 % comme noirs et 1 % comme chinois ou d'un autre groupe ethnique. Les moins de 16 ans représentent 17 % de la population et les plus de 65 ans 15 %. La densité de population en 2001 était de 5 276/mile carré (2 037/km²).
Économie
Selon le recensement britannique de 2001, Didsbury comptait une main-d'œuvre estimée à 10 755 personnes, soit 75 % de la population. La situation économique à Didsbury était la suivante : 48 % travaillant à temps plein, 11 % retraités, 10 % travailleurs indépendants, 8 % travaillant à temps partiel, 4 % étudiants à temps plein (sans emploi), 4 % femmes au foyer/mari ou soignant. , 4 % malades ou handicapés de façon permanente, 4 % au chômage et 2 % économiquement inactifs pour des raisons non précisées. Le taux d'emploi à temps plein de 48 % à Didsbury est à comparer aux 33 % à Manchester et aux 41 % dans l'ensemble de l'Angleterre. Le taux de chômage de 4 % dans la région contraste avec le taux de 9 % de Manchester et correspond globalement au taux de chômage de 5 % en Angleterre.
En 2001, les principaux secteurs d'emploi à Didsbury étaient 20 % des services immobiliers et aux entreprises, 15 % de l'éducation, 15 % de la santé et du travail social, 10 % du commerce de détail et de gros, 9 % de la fabrication, 6 % des transports et communications, 5 % des services financiers, 4% hôtels et restaurants, 4% construction, 4% administration publique et défense et 8% autres. Ces chiffres étaient similaires à ceux des zones environnantes, mais Didsbury avait un secteur éducatif relativement plus important que les autres quartiers voisins, peut-être en raison de la forte densité d'écoles dans la région. Un nombre important de personnes (12 %) se rendent dans des zones situées en dehors de Didsbury ; lors du recensement de 2001, il y avait 6 555 emplois à Didsbury, contre 7 417 résidents salariés.
Siemens occupe la maison Sir William Siemens à West Didsbury et employait en 2009 800 personnes.
Le siège social de BA CityFlyer est à Didsbury. British Airways possède un bureau avec 300 employés à Pioneer House sur les 292 000 pieds carrés (27 100 m2) du Towers Business Park, propriété néerlandaise. En 2005, les autres locataires du parc d'activités comprenaient Cisco, Logica, Regus, Trinity Integrated Systems Limited et Thorn Lighting.
Didsbury est considérée comme formant une « ceinture de courtage », car c'est la banlieue la plus riche de Manchester.
Culture
Le site d'origine de Didsbury Village se trouve dans la zone de conservation maintenant connue sous le nom de Didsbury St James, à environ 1 km au sud de ce qui est aujourd'hui le centre du village.
Les détaillants indépendants traditionnels sont progressivement remplacés par des sociétés multinationales, ce qui fait craindre que Didsbury ne perde son identité individuelle et ne devienne une « ville clone ». Cependant, les commerçants indépendants continuent de prospérer, notamment à West Didsbury, qui célèbre chaque année son esprit indépendant avec le festival Westfest de deux jours. Le salon funéraire Peacock, vieux de 200 ans, l'un des rares bâtiments prévictoriens du village et considéré par certains comme la pièce maîtresse du village, a été démoli à l'été 2005 pour faire place à une nouvelle succursale de Boots the Chemists. . Le propriétaire, United Co-op, a imputé la fermeture du salon funéraire à l'évolution démographique; avec de plus en plus de logements occupés par de jeunes professionnels, le taux de mortalité diminuait dans la région.
Espaces verts
Le jardin botanique Fletcher Moss est un parc récréatif de 21 acres au sud du centre du village. Il porte le nom de l'échevin local Fletcher Moss, qui a fait don du parc à la ville de Manchester en 1919. En 2008, il a remporté le Green Flag Award, la norme nationale pour les parcs et espaces verts en Angleterre, prix qu'il détient depuis 2000.
Didsbury Park a également remporté le Green Flag Award en 2008. Il s'agit d'un parc communautaire situé au centre du village de Didsbury qui comprend un terrain de pétanque, une crèche, un terrain de football et une aire de jeux. Une fois par an, lors du festival de Didsbury, les élèves des écoles locales se déguisent selon un thème et se réunissent dans la cour de récréation de l'école primaire St. Catherine, à East Didsbury, d'où ils défilent jusqu'à Didsbury Park.
Les jardins Marie Louise sont un parc relativement petit situé à l'ouest du centre de Didsbury. Le parc appartenait à l'origine à la famille Silkenstadt et faisait partie du terrain de leur maison. Le terrain a été légué aux habitants de Manchester par Mme Silkenstadt en 1904 en mémoire de sa fille, Marie Louise. Le parc a été au centre d'une controverse en 2007 après que le conseil municipal de Manchester a proposé d'en vendre une partie à un promoteur immobilier privé.
Médias
Entre 1956 et 1969, l'ancien Capitol Theatre, à la jonction de Parrs Wood Road et de School Lane, servait de studios nord de la station ITV ABC Weekend Television. Les premiers épisodes de The Avengers et des programmes tels que Opportunity Knocks ont été réalisés dans les studios. ABC a cessé d'utiliser le site en 1968 lorsqu'elle a perdu sa franchise ITV, suite à sa fusion avec une autre société ITV, Rediffusion. Le site a ensuite été brièvement utilisé par Yorkshire Television jusqu'à ce que ses propres installations à Leeds soient prêtes. En 1971, les studios ont été acquis par Manchester Polytechnic, qui les a utilisés pour le cinéma, les études télévisuelles et le théâtre. Le bâtiment a été démoli à la fin des années 1990 pour faire place à un développement résidentiel, mais le nom perdure sous la forme d'un nouvel espace théâtral au cœur du M.M.U. campus dans le quartier de All Saints le long d'Oxford Road, juste au sud du centre-ville de Manchester.
Jusqu'en 2009, Didsbury était la base de l'une des filiales du Manchester Evening News, le South Manchester Reporter.
Transport
Didsbury se trouve à proximité de la sortie 5 du périphérique de Manchester, l'autoroute M60. L'aéroport de Manchester, l'aéroport le plus fréquenté du Royaume-Uni en dehors de Londres, se trouve à environ 6,5 km au sud.
Didsbury est desservie par plusieurs lignes de bus vers le centre-ville de Manchester, le Trafford Centre, Northenden et d'autres destinations. Wilmslow Road fournit à Didsbury un service de bus régulier en raison de la forte demande de déplacements des étudiants le long du couloir. Le service est bon marché et les passagers doivent rarement attendre plus de quelques minutes. Selon certains analystes, Wilmslow Road est le corridor de bus le plus fréquenté d'Europe.
East Didsbury et Burnage sont les gares les plus proches, sur la ligne entre Manchester Piccadilly et l'aéroport de Manchester. Entre 1880 et 1967, la zone avait été desservie par deux autres gares ferroviaires, la gare de Didsbury et la gare de West Didsbury, toutes deux sur les lignes sud de Manchester jusqu'à la gare centrale de Manchester. La ligne entière a été fermée en 1967 à la suite du Beeching Axe.
Lien métropolitain
Des propositions existaient depuis les années 1980 pour rouvrir la ligne ferroviaire désaffectée qui traverse Didsbury dans le cadre du système de train léger sur rail Manchester Metrolink. Selon ces propositions, la gare de Didsbury devait rouvrir sous le nom de Didsbury Central ou Didsbury Village.
Ces plans d'extension ont été rejetés par le gouvernement en 2004, en raison de l'escalade des coûts. De nouveaux plans ont été élaborés en 2007, une partie au moins de l'argent nécessaire à la construction de la ligne devant provenir du projet de péage urbain de Manchester, qui a été massivement rejeté par le vote du public en 2008.
En mai 2009, l'AGMA a accepté l'octroi d'un financement supplémentaire garantissant la construction de Metrolink vers la zone. Cela comprenait des arrêts supplémentaires à Withington, Burton Road, West Didsbury, Didsbury Village et East Didsbury.
L'approbation finale du gouvernement pour le financement gouvernemental pour l'extension Chorlton cum Hardy – East Didsbury Metrolink utilisant une ligne ferroviaire fermée a été accordée en mars 2010 par le ministre des Transports Sadiq Khan. La ligne menant à East Didsbury a ouvert le 23 mai 2013.
Éducation
Didsbury dispose d'un système éducatif non sélectif, évalué par l'examen SAT. Il existe sept écoles primaires et deux écoles secondaires publiques polyvalentes. Le lycée Barlow RC est l'un de ceux choisis par le conseil de Manchester pour bénéficier du financement mis à disposition dans le cadre de la quatrième vague du programme gouvernemental Building Schools for the Future, un programme national visant à la rénovation et à la rénovation de chaque école secondaire d'Angleterre. Il est prévu de remplacer tous les bâtiments actuels, qui datent de 1951. Parrs Wood et The Barlow étaient deux des six écoles de Manchester à avoir atteint le Manchester Inclusion Standard en 2007, décerné par le Conseil de Manchester aux écoles effectuant un travail innovant pour garantir que tous leurs élèves puissent participer pleinement aux activités de l'école.
Il existe deux centres d'enseignement supérieur et supérieur à Didsbury : le Manchester College, (anciennement City College Manchester) Fielden Campus, ouvert en 1972 par Margaret Thatcher, propose une variété de cours, notamment en communication et en technologie ; et le campus Didsbury de la Manchester Metropolitan University, l'ancienne école d'éducation de Didsbury, abrite les facultés de santé, de protection sociale et d'éducation, ainsi que le Broomhurst Hall of Residence.
Écoles primaires
* École primaire du chemin Beaver
* École primaire Didsbury CE]
* École primaire West Didsbury CE
* R.C. Sainte Catherine École primaire
* École primaire communautaire Cavendish
*École Ewing
* École primaire de Broad Oak
* École préparatoire Moor Allerton
Écoles secondaires
* École secondaire Parrs Wood
* Barlow R.C. Lycée
Parrs Wood, avec environ 2 000 élèves inscrits, est beaucoup plus grand que la moyenne et est régulièrement sur-inscrit en 7e année. Dans son rapport d'inspection de 2007 par l'Office for Standards in Education, Children's Services and Skills (Ofsted), l'école a été critiqué pour « ne pas avoir réussi à offrir à ses étudiants un niveau d'éducation acceptable » et pour avoir fourni un rapport qualité-prix « insatisfaisant ». Cependant, en 2012, elle est sortie de mesures spéciales et Ofsted l'a jugée une école « satisfaisante » avec des aspects de « bon enseignement » et de « bonne gestion ». Le lycée Barlow RC est une école secondaire de taille moyenne, avec environ 1 000 élèves. Lui aussi est régulièrement sursouscrit. Elle a été décrite dans son rapport Ofsted d'octobre 2003 comme « une école performante et efficace qui offre une bonne éducation à ses élèves ».
Religion
On ne sait pas avec certitude quand la première chapelle a été construite à Didsbury, mais on pense que c'était avant le milieu du XIIIe siècle. Lorsque la peste atteignit le village en 1352, la cour de la chapelle fut consacrée pour constituer un cimetière pour les victimes, car il était « gênant de transporter les morts jusqu'à Manchester ».
Le programme de culte chrétien de la BBC Radio 4 Daily Service – le programme de radio continu le plus ancien au monde – est souvent diffusé depuis l'église Emmanuel, sur Barlow Moor Road. Deux des édifices religieux de Didsbury sont classés Grade II : l'église méthodiste de Didsbury de Saint-Paul et le Collège théologique nazaréen.
Didsbury fait partie du diocèse de l'Église anglicane de Manchester,
et le diocèse catholique romain de Salford. Elle n'est pas aussi diversifiée sur le plan religieux que d'autres quartiers de Manchester, mais elle compte la deuxième plus grande population juive de l'arrondissement et deux synagogues : la synagogue Shaare Hayim et la synagogue Sha'are Sedek.
Didsbury a une population musulmane de taille moyenne par rapport à des régions telles que Rusholme, Longsight et Levenshulme ; une église convertie à West Didsbury abrite la mosquée de Didsbury et le centre islamique.
Des sports
Le centre sportif de Didsbury, sur Wilmslow Road, fait partie du campus de la Manchester Metropolitan University. Il propose une salle de remise en forme ainsi que des cours et des installations pour le badminton et le tennis.
Didsbury compte deux clubs de rugby, Toc H R.F.C. et les vieux Bedians. Toc H, fondée en 1924, joue à Simons Fields, sur Ford Lane. Sa première équipe joue dans la ligue du North Lancashire et de Cumbria. Le club gère quatre équipes seniors et une section jeunesse, et organise une compétition à 10 chaque mois de mai depuis 1951, en tant que collecte de fonds caritative pour les hospices locaux. Old Bedians est basé à East Didbury et a été fondé en 1954. Il présente régulièrement trois équipes seniors ainsi qu'une section junior. Desmond Pastore, considéré comme le joueur de rugby le plus âgé du monde, a été l'un des membres fondateurs du club, puis en est devenu le président. Ancien joueur de Sale et Cheshire, Desmond a disputé son dernier match pour le club de Manchester Egor le jour de son 91e anniversaire. Bedians AFC (un club de football amateur fondé en 1928) partage le terrain d'Underbank Farm avec Old Bedians RUFC.
Le Didsbury Cricket Club présente trois équipes du samedi et deux équipes du dimanche. Les onze premiers jouent dans la Premier League ECB du comté de Cheshire. Outre les cinq équipes seniors, le club dispose également d'une section junior destinée aux joueurs âgés de 7 à 18 ans et a récemment créé une section féminine. Il abrite également le Manchester Waconians Lacrosse Club et l'équipe féminine de hockey de Didsbury Grey, qui ne jouent pas réellement sur le site mais sur les terrains de Belle Vue, conçus pour les XVIIe Jeux du Commonwealth. Le Northern Tennis Club, à West Didsbury, est l'un des rares clubs de raquette de Manchester ; il accueille chaque année un tournoi de l'Association des professionnels du tennis en juillet.
Services publics
L'hôpital communautaire de Withington, ouvert en 2005, occupe une partie du site de l'ancien (et beaucoup plus grand) hôpital de Withington, développé sur le site d'un atelier dont certains des bâtiments sont encore visibles.
Didsbury est couvert par la division sud de Manchester de la police du Grand Manchester.
Les tours, aujourd'hui connues sous le nom de Shirley Institute, étaient autrefois la maison de l'ingénieur Daniel Adamson – le moteur du projet du Manchester Ship Canal – et le lieu où la décision de construire le canal a été prise. La maison a été conçue par l'architecte de Salford Thomas Worthington, pour le rédacteur et propriétaire du Manchester Guardian, John Edward Taylor.
Des personnes remarquables
Daniel Adamson, promoteur du Manchester Ship Canal, a vécu à The Towers (plaque bleue – autrefois Shirley Institute) sur Wilmslow Road de 1874 jusqu'à sa mort en 1890. Sa maison classée Grade II, conçue par Thomas Worthington pour John Edward Taylor, le rédacteur en chef et propriétaire du Manchester Guardian, fut le lieu de la réunion de 1882 au cours de laquelle il fut décidé de construire le projet de canal maritime.
Emily Williamson, pionnière de la protection de la faune, a résidé à Didsbury de 1882 à 1912. Elle a fondé la Plumage League en 1889 et a ensuite cofondé la Royal Society for the Protection of Birds (RSPB) en 1904. En 1989, une une plaque a été placée sur son ancienne maison, le Croft, pour honorer son travail à l'occasion du centenaire de son organisation.
Sidney Bernstein et Denis Forman, qui ont créé Granada Television Manchester, ont également vécu à Didsbury pendant leurs périodes de travail aux Granada Studios à Manchester.
Kirsty Howard a été la dernière coureuse à porter le bâton de la Reine à l'ouverture des Jeux du Commonwealth de 2002, lorsqu'elle était chaperonnée par le capitaine de football anglais David Beckham. Née avec une maladie rare dans laquelle son cœur est à l'envers, elle a été résidente au Francis House Hospice de Didsbury, pour lequel elle a collecté plus de 5 millions de livres sterling.
Lord Marcus Joseph Sieff, président de Marks & Spencer de 1972 à 1982, est né à Didsbury en 1913.
Francis French, auteur et historien de l'espace réputé, a grandi à Didsbury et a fréquenté la même école que la célèbre poétesse et romancière Sophie Hannah.
Carol Ann Duffy, la première femme poète lauréate, vit à West Didsbury depuis 2009. | http://www.quizballs.com/ |
Quel a été le premier service d’information par télétexte au monde ? | Ceefax | [
"Malgré son nom, le service de marque « Télétexte » n'était ni le premier ni le seul service de télétexte au Royaume-Uni. La BBC (l'un des premiers développeurs du télétexte) a lancé son service de télétexte Ceefax en 1974, la même année où le prédécesseur du télétexte, ORACLE, est également apparu. Bien qu'ORACLE ait fermé ses portes fin 1992 (lorsque Teletext Ltd a surenchéri sur la franchise), Ceefax a continué à diffuser sur les chaînes analogiques de la BBC jusqu'à l'arrêt des signaux analogiques en octobre 2012."
] | Teletext Ltd était le fournisseur de télétexte et de services interactifs numériques pour ITV, Channel 4 et Five au Royaume-Uni. Teletext Ltd gère actuellement uniquement Teletext Holidays et Teletext Cars.
Origines
Teletext Ltd a commencé à fournir des services de télétexte pour ITV et Channel 4 le 1er janvier 1993, remplaçant l'ancien service ORACLE qui avait perdu la franchise.
La possession
La société appartient désormais à A&N Media, la division grand public de Daily Mail et Associated Northcliffe Digital de General Trust. Sa principale source de revenus provient du site Web de voyages britannique [http://www.teletextholidays.co.uk teletextholidays.co.uk].
Le président de Teletext Ltd est Chris Letcher qui a acquis une participation dans Teletext Holidays auprès de la société mère A&N Media.
Depuis le 1er décembre 2013, Teletext Holidays est passé de la publicité des vacances auprès de 14 fournisseurs de vacances (dont Qwerty Travel, Lowcost Travel Group et Hays Travel) à une collaboration avec un seul fournisseur, Truly Travel. Voir http://m.travelweekly.co.uk/Article.aspx?catnews&id
45864
Fermeture
Le 21 janvier 2009, l'Ofcom a signalé que « la disponibilité croissante des services textuels, tant diffusés qu'en ligne, pourrait signifier qu'après 2014, il n'y a plus de justification claire pour une intervention continue pour maintenir une licence de télétexte de service public. »
Le 16 juillet 2009, DMGT a annoncé qu'en raison de la concurrence d'Internet, des conditions économiques actuelles et des conclusions de l'Ofcom, le service cesserait de diffuser la plupart de ses services sur la télévision analogique et numérique, à l'exception des services commerciaux diffusés sur les chaînes Freeview 101- 107 tels que Teletext Holidays et les sites de voyages rentables de l'entreprise en janvier 2010, la date d'arrêt étant ensuite avancée au 14 décembre 2009 (Sky Digital) et au 15 décembre 2009 (TV analogique, Freesat et Freeview).
Les services d'actualités et d'informations du télétexte ont été supprimés de : ITV, Channel 4 et Five sur la télévision analogique ; ITV et Channel 4 sur Sky Digital ; ITV, Channel 4 et Channel 100 sur Freeview ; éditorial sur Teletext Extra sur Freeview ; éditorial sur le ch 986 sur Freesat. La section GameCentral s'est poursuivie en ligne sur le site Web du télétexte avant de rejoindre un autre site Web de DMGT Metro et peut désormais être trouvée sur http://www.metro.co.uk/tech/games/
Malgré le retrait des contenus d’actualité et d’information, le service a continué à diffuser. Le 29 janvier 2010, le régulateur de la radiodiffusion Ofcom a révoqué la licence de diffusion du télétexte, mais le service était toujours en ondes. Le 27 mai 2010, l'Ofcom a imposé une sanction financière de 225 000 £ à Teletext Limited suite à la révocation de la licence du service public de télétexte. Les réglementations de l'Ofcom stipulent : « Les licences de radiodiffusion de service public sont proposées pour une durée déterminée, obligeant le titulaire à fournir le service autorisé pendant toute la durée de la licence. En acceptant une licence, le radiodiffuseur prend en compte le coût probable des obligations découlant de la licence, et la valeur des avantages associés à la licence, pour la durée de la période de licence. La licence du télétexte couvrait la période de licence 2004 à 2014.
Le principal service de télétexte sur Freeview a été supprimé du canal 100 de l'EPG le 21 juin 2010. Teletext Holidays est passé au numérique en janvier 2011. Dans le cadre d'un accord entre BBC Worldwide et Inview Technology Ltd, Teletext Extra a été relancé sous le nom de Radio Times Extra le 31 janvier 2011. , avec un contenu éditorial du Radio Times au lieu de Teletext Ltd.
Autres services de télétexte
Malgré son nom, le service de marque « Télétexte » n'était ni le premier ni le seul service de télétexte au Royaume-Uni. La BBC (l'un des premiers développeurs du télétexte) a lancé son service de télétexte Ceefax en 1974, la même année où le prédécesseur du télétexte, ORACLE, est également apparu. Bien qu'ORACLE ait fermé ses portes fin 1992 (lorsque Teletext Ltd a surenchéri sur la franchise), Ceefax a continué à diffuser sur les chaînes analogiques de la BBC jusqu'à l'arrêt des signaux analogiques en octobre 2012.
FourText, initialement appelé 4-Tel, a d'abord été exécuté en collaboration avec ORACLE, en tant que fournisseur de télétexte auxiliaire pour Channel 4 à partir de 1982. 4-Tel occupait les pages 410 à 469 dans l'espace de page d'ORACLE. Lorsque ORACLE a perdu sa licence et a été remplacé par Teletext Ltd en 1993, 4-Tel a déménagé vers son propre espace de page aux pages 300 à 399 (en fait, son propre magazine). Channel 4 a fait appel à Intelfax pour exécuter le service. En 2002, 4-Tel a été renommé FourText. De plus, FourText a également été lancé sur la télévision numérique. En 2003, Channel 4 a mis fin à son contrat avec Intelfax et a sous-traité le service à Teletext Ltd. Le nouveau service s'appelait Teletext on 4 et fonctionnait sur les pages 400 à 499 (qui remplaçaient les pages 300 à 399 comme espace de page de Channel 4). | http://www.quizballs.com/ |
Quel est le surnom du pionnier Nathaniel Poe, joué par Daniel Day Lewis, dans le film « Le Dernier des Mohicans » de 1992 ? | Hawkeye | [
"Dans le roman, Hawkeye fait référence au lac George comme à l'Horican. Cooper estimait que Lake George était trop simple, tandis que le nom français, Le Lac du Saint-Sacrement, était « trop compliqué ». Horican, il l'a trouvé sur une vieille carte de la région ; c'était une translittération française d'un groupe autochtone qui avait autrefois vécu dans la région.",
"*Il y avait une série télévisée canadienne, Hawkeye et le dernier des Mohicans en 1957 avec John Hart dans le rôle de Hawkeye et Lon Chaney, Jr. dans le rôle de Chingachgook.",
"*La BBC a réalisé une série télévisée du livre en 1971, avec Philip Madoc dans le rôle de Magua, Kenneth Ives dans le rôle de Hawkeye et John Abineri dans le rôle de Chingachgook, que certains critiques considèrent comme l'adaptation la plus fidèle et la meilleure.",
"*Dans un téléfilm américain de 1977, Steve Forrest a joué le rôle de Hawkeye avec Ned Romero dans le rôle de Chingachgook et Don Shanks dans le rôle d'Uncas."
] | Le dernier des Mohicans : un récit de 1757 (1826) est un roman historique de James Fenimore Cooper.
Il s'agit du deuxième livre de la pentalogie des Contes de Leatherstocking et le plus connu du public contemporain. The Pathfinder, publié 14 ans plus tard en 1840, en est la suite. Le Dernier des Mohicans se déroule en 1757, pendant la guerre franco-indienne (la guerre de Sept Ans), lorsque la France et la Grande-Bretagne se battent pour le contrôle de l'Amérique du Nord. Au cours de cette guerre, les Français et les Britanniques ont fait appel à des alliés amérindiens, mais les Français étaient particulièrement dépendants, car ils étaient dépassés en nombre dans les zones frontalières du Nord-Est par les colons britanniques, plus nombreux.
Le roman se déroule principalement dans la nature sauvage du haut New York, détaillant le transport des deux filles du colonel Munro, Alice et Cora, vers une destination sûre à Fort William Henry. Parmi la caravane gardant les femmes se trouvent le pionnier Natty Bumppo, le major Duncan Heyward et les Indiens Chingachgook et Uncas, dont le premier est le personnage principal du roman. Ces personnages sont parfois perçus comme un microcosme de la société américaine naissante, notamment au regard de leur composition raciale.
Selon l'Encyclopédie des médias et de la propagande en Amérique de guerre, le roman est l'un des « romans en anglais les plus populaires » depuis sa publication et il reste « largement lu dans les cours de littérature américaine ». Il a été adapté à de nombreuses reprises et dans différentes langues pour des films, des téléfilms et des dessins animés.
Contexte historique
Au moment où Cooper écrivait, de nombreuses personnes pensaient que les Amérindiens étaient en train de disparaître et qu'ils seraient finalement assimilés ou ne parviendraient pas à survivre. Leur nombre a continué de diminuer, notamment à l’Est. Parallèlement, l’auteur s’intéresse à la période de la frontière de transition, où les colons multiplient les pressions sur les Amérindiens. Il a grandi à Cooperstown, New York, que son père avait établi sur ce qui était alors une frontière occidentale de colonisation ; il s'est développé après la guerre d'indépendance.
Cooper a placé ce roman pendant la guerre de Sept Ans, un conflit international entre la Grande-Bretagne et la France, qui avait un front en Amérique du Nord, généralement connu sur ce continent sous le nom de guerre française et indienne. Le conflit a opposé des colons britanniques et des forces régulières minimes aux forces royales françaises, les deux parties s'appuyant également sur des alliés amérindiens. La guerre s'est déroulée principalement le long des frontières des colonies britanniques, de la Virginie à la Nouvelle-Écosse.
Au printemps 1757, le lieutenant-colonel George Monro devient commandant de garnison du fort William Henry, situé sur le lac George (New York), dans la province de New York. Au début du mois d'août, le major-général Louis-Joseph de Montcalm et 7 000 soldats assiègent le fort. Le 2 août, le général Webb, qui commandait la zone depuis sa base de Fort Edward, envoya 200 soldats réguliers et 800 miliciens du Massachusetts pour renforcer la garnison de William Henry. Dans le roman, c'est la colonne en relief avec laquelle voyagent les filles de Monro.
Monro envoya des messagers au sud à Fort Edward le 3 août pour demander des renforts, mais Webb refusa d'envoyer aucun de ses 1 600 hommes estimés au nord parce qu'ils étaient tout ce qui se tenait entre les Français et Albany. Il écrivit à Munro le 4 août pour lui demander de négocier les meilleures conditions possibles ; cette communication a été interceptée et livrée à Montcalm. Dans la version de Cooper, la missive était portée par Bumppo lorsque lui et elle tombèrent entre les mains des Français.
Le 7 août, Montcalm envoya des hommes au fort sous un drapeau de trêve pour livrer la dépêche de Webb. À ce moment-là, les murs du fort avaient été percés, nombre de ses canons étaient inutiles et la garnison avait subi d'importantes pertes. Après une autre journée de bombardement par les Français, Monro a hissé le drapeau blanc et a accepté de se retirer sous pourparlers.
Lorsque le retrait commença, certains alliés indiens de Montcalm, irrités par l'occasion perdue de piller, attaquèrent la colonne britannique. Le récit de Cooper sur l'attaque et ses conséquences est sinistre et quelque peu inexact. Une reconstitution détaillée de l'action et de ses conséquences indique que le décompte final des Britanniques disparus et morts varie de 69 à 184 ; plus de 500 Britanniques furent faits prisonniers.
Résumé de l'intrigue
Cora et Alice Munro, filles du lieutenant-colonel Munro, voyagent avec le major Duncan Heyward de Fort Edward à Fort William Henry, où Munro commande, et acquièrent un autre compagnon en la personne de David Gamut, un professeur de chant naïf. Ils sont guidés à travers la forêt par un indigène nommé Magua, qui les conduit par un raccourci non accompagné de la milice britannique. Heyward n'est pas satisfait du raccourci de Magua, et le groupe erre sans guide et rejoint finalement Natty Bumppo (connu sous le nom de Hawk-eye), un éclaireur pour les Britanniques, et ses deux amis Mohicans, Chingachgook et son fils Uncas. Heyward se méfie de Magua, et Hawk-eye et les Mohicans sont d'accord avec ses soupçons, selon lesquels Magua est un éclaireur huron secrètement allié aux Français. Dès sa découverte, Magua s'échappe ; et dans la croyance (correcte) que Magua reviendra avec des renforts hurons, Hawk-eye et les Mohicans conduisent leurs nouveaux compagnons dans une grotte cachée sur une île dans une rivière. Ils y sont attaqués par les Hurons, et lorsque les munitions sont épuisées, Hawk-eye et les Mohicans s'échappent, avec la promesse de revenir chercher leurs compagnons. Magua et les Hurons capturent Heyward, Gamut et les sœurs Munro, et Magua propose d'épargner le groupe si Cora devient sa femme, mais elle refuse. Sur un second refus, il condamne les prisonniers à mort. Hawk-eye et les Mohicans sauvent tous les quatre et les conduisent à un bâtiment délabré qui a été impliqué dans une bataille entre les Indiens et les Britanniques il y a quelques années. Ils sont presque attaqués à nouveau, mais les Hurons quittent la région, plutôt que de perturber les tombes de leurs propres compatriotes. Le lendemain, Hawk-eye mène le groupe à Fort Henry, après un siège par l'armée française. Munro envoie Hawk-eye à Fort Edward pour obtenir des renforts ; mais il est capturé par les Français, qui le livrent au fort Henry sans la lettre. Heyward retourne voir le colonel Munro et annonce son amour pour Alice, et Munro donne sa permission pour la cour de Heyward.
Le général français Montcalm invite Munro à des pourparlers et lui montre la lettre du général Webb, dans laquelle le général britannique a refusé des renforts. Munro accepte alors les conditions de Montcalm selon lesquelles les soldats britanniques, ainsi que leurs blessés, femmes et enfants, doivent quitter le fort et se retirer de la guerre pendant dix-huit mois. A l'extérieur du fort, la colonne de prisonniers britanniques est attaquée par 2000 guerriers Hurons ; dans le massacre qui s'ensuit, Magua kidnappe Cora et Alice et les conduit vers le village huron. David Gamut suit. Après le massacre, Hawk-eye, les Mohicans, Heyward et le colonel Munro suivent Magua et traversent un lac pour intercepter sa trace. Une poursuite en canot s'ensuit, au cours de laquelle les sauveteurs atteignent la terre ferme avant que les Hurons ne puissent les tuer, et finissent par suivre Magua jusqu'au village huron. Ici, ils trouvent Gamut (auparavant épargné par les Hurons comme un fou inoffensif), qui dit qu'Alice est détenue dans ce village, et Cora dans celui appartenant aux Lenape (Delaware). Déguisé en guérisseur français, Heyward entre dans le village huron avec Gamut, pour sauver Alice; Hawk-eye et Uncas partent à la rescousse de Cora ; et Munro et Chingachgook restent en sécurité. Uncas est fait prisonnier par les Hurons et laissé mourir de faim lorsqu'il résiste à la torture, et Heyward ne parvient pas à retrouver Alice. Un guerrier huron demande à Heyward de soigner sa femme folle, et tous deux sont traqués par Hawk-eye sous l'apparence d'un ours. Ils entrent dans une grotte où est gardée la folle et le guerrier s'en va. Peu de temps après la révélation de son identité à Heyward, Hawk-eye l'accompagne et ils trouvent Alice. Ils sont découverts par Magua ; mais Hawk-eye le domine et ils le laissent attaché à un mur. Par la suite, Heyward s'échappe avec Alice, tandis que Hawk-eye reste pour sauver Uncas. Gamut convainc un Huron de lui permettre, ainsi qu'à son ours magique (œil de faucon déguisé), d'approcher Uncas, et ils le détachent. Uncas enfile le déguisement d'ours, Hawk-eye porte les vêtements de Gamut et Gamut reste dans un coin imitant Uncas. Uncas et Hawk-eye s'échappent et les Hurons jurent de se venger.
Uncas, Heyward, Alice et Hawk-eye se rendent au village du Delaware où Cora est détenue et où Magua exige le retour de ses prisonniers. Tamenund, le sage des Delawares, libère les prisonniers, à l'exception de Cora, qu'il remet à Magua. Pour satisfaire aux lois de l'hospitalité, Tamenund donne à Magua trois heures d'avance avant sa poursuite. Les Delawares vainquent les Hurons, mais Magua s'échappe avec Cora et deux autres Hurons ; Uncas, Hawk-eye et Heyward les poursuivent. Dans un combat au bord d'une falaise, Cora, Uncas et Magua sont tuées. Le roman se termine par un long récit des funérailles d'Uncas et de Cora, et Hawk-eye réaffirme son amitié avec Chingachgook. Tamenund prophétise : "Les visages pâles sont les maîtres de la terre, et le temps des hommes rouges n'est pas encore revenu...".
Personnages
*Magua (ma-gwah) – le méchant : un chef huron chassé de sa tribu pour ivresse ; connu sous le nom de Le Renard Subtil ("Sly Fox.").
*Chingachgook (généralement prononcé chin-GATCH-gook) : dernier chef de la tribu Mohican, escorte des sœurs Munro, père d'Uncas. Son nom était un mot Unami Delaware signifiant « Grand Serpent ».
*Uncas – le fils de Chingachgook et l'éponyme « Dernier des Mohicans » (c'est-à-dire le dernier Mohican de sang pur). Il est également connu sous le nom de « Le Cerf Agile ».
*Nathaniel Bumppo/Hawk-eye : Œil de Faucon ; un frontalier qui devient une escorte des sœurs Munro. Connu des Indiens et des Français sous le nom de La longue carabine pour son adresse au tir et son arme emblématique.
*Cora Munro : une fille aux cheveux noirs du colonel Munro ; sérieux, intelligent et calme face au danger. Sa mère, que Munro a rencontré et épousée aux Antilles, était une mulâtresse ou métisse, décrite comme « descendante, de loin » des esclaves. Les érudits ont parfois qualifié Cora de quadroon, mais Cooper l'a peut-être imaginé avec encore moins d'ascendance africaine. Diane Roberts a décrit Cora comme « la première mulâtresse tragique de la littérature américaine ». La mère de Cora est décédée quand elle était jeune.
*Alice Munro : la demi-soeur blonde de Cora ; joyeux, joueur, frêle et charmant. Elle est la fille d'Alice Graham, la deuxième épouse de Munro.
*Colonel Munro : colonel de l'armée britannique commandant le fort William Henry.
*Duncan Heyward – un major de l'armée britannique de Virginie qui tombe amoureux d'Alice Munro. {extrait du chapitre XVI de James Fenimore Cooper, Works of J. Fenimore Cooper, 10 vols., (New York : P.F. Collier, Pub., 1892) 2:95}.
*David Gamut : un psalmodiste (professeur de chant des psaumes), connu sous le nom de « maître du chant ».
*Général Daniel Webb – commandant du colonel Munro, qui prend le commandement de Fort Edward.
*Général Marquis de Montcalm – le commandant en chef français, appelé par les Hurons et d'autres alliés indiens des Français comme « le grand père blanc des Canadas ».
*Tamenund – Un ancien sage du Delaware (Lenape), sage et vénéré, qui a survécu à trois générations de guerriers.
Développement
Selon Susan Fenimore Cooper, la fille aînée de l'auteur, Cooper a eu l'idée du livre pour la première fois lors d'une visite dans les montagnes Adirondack en 1825 avec un groupe de messieurs anglais. Le groupe a traversé les Catskills, une région que Cooper connaissait déjà et sur laquelle il avait écrit dans son premier roman mettant en vedette Natty : The Pioneers. Ils passèrent par Lake George et Glens Falls.
Impressionné par les grottes derrière les chutes, un membre du groupe a suggéré que « c'était ici le théâtre même d'une romance ». Susan Cooper dit qu'Edward Smith-Stanley, 14e comte de Derby, a fait cette remarque. Cooper a promis à Stanley "qu'un livre devrait effectivement être écrit, dans lequel ces grottes devraient avoir une place; l'idée d'une romance de caractère essentiellement indien s'est alors d'abord suggérée à son esprit."
Cooper a immédiatement commencé à travailler sur le roman. Lui et sa famille ont passé l'été dans un cottage appartenant à un ami, situé sur la rive du Sound à Long Island, en face de Blackwell's Island, non loin de Hallett's Cove (la région fait maintenant partie d'Astoria). Il a écrit rapidement et a terminé le roman en l'espace de trois ou quatre mois. Il souffrit d'une grave maladie qui aurait été provoquée par une insolation et, à un moment donné, il dicta les grandes lignes du combat entre Magua et Chingachgook (chapitre 12) à sa femme, qui pensait qu'il délirait.
Dans le roman, Hawkeye fait référence au lac George comme à l'Horican. Cooper estimait que Lake George était trop simple, tandis que le nom français, Le Lac du Saint-Sacrement, était « trop compliqué ». Horican, il l'a trouvé sur une vieille carte de la région ; c'était une translittération française d'un groupe autochtone qui avait autrefois vécu dans la région.
Cooper a grandi à Cooperstown, New York, la ville frontière fondée par son père. Sa fille a déclaré qu'en tant que jeune homme, il avait eu peu d'occasions de rencontrer et de parler avec les Amérindiens : « occasionnellement, un petit groupe d'Oneidas, ou d'autres représentants des Cinq Nations, avait croisé son chemin dans la vallée de la rivière Susquehanna, ou sur les rives du lac Ontario, où il a servi lorsqu'il était aspirant dans la marine. Il a lu quelles sources étaient disponibles à l'époque : Heckewelder, Charlevoix, William Penn, Smith, Elliot, Colden, Lang, Lewis et Clark et Mackenzie.
En utilisant le nom d'Uncas pour l'un de ses personnages, il semblait confondre les deux tribus régionales : les Mohegan du Connecticut, dont Uncas avait été un sachem bien connu, et les Mahican du nord de l'État de New York. La popularité du livre de Cooper a contribué à semer la confusion.
À l'époque où Cooper écrivait, les députations des tribus occidentales parcouraient fréquemment la région le long de la rivière Mohawk, en route vers New York ou Washington, DC. Il se faisait un devoir de rendre visite à ces groupes lors de leur passage à Albany et à New York. A plusieurs reprises, il les suivit jusqu'à Washington pour les observer plus longtemps. Il s'est également entretenu avec les officiers militaires et les interprètes qui les accompagnaient.
Réception critique
Le roman a été publié pour la première fois en 1826 par Carey & Lea, de Philadelphie. Selon Susan Cooper, son succès fut « plus grand que celui de n'importe quel livre précédent de la même plume » et « en Europe, le livre produisit un effet assez surprenant ».
Les romans de Cooper étaient populaires, mais les critiques étaient souvent critiques ou dédaigneux. Par exemple, le critique du London Magazine (mai 1826) a décrit le roman comme « clairement et de loin la pire des performances de M. Cooper ». Mark Twain s'est notamment moqué de l'auteur dans son essai « Fenimore Cooper's Literary Offenses », publié dans North American Review (juillet 1895). Twain s'est plaint que Cooper manquait de variété de style et était trop verbeux. Dans l'essai, Twain réécrit une petite section du Dernier des Mohicans, affirmant que Cooper, « le généreux dépensier », a utilisé 100 « mots supplémentaires et inutiles » dans la version originale.
En relisant le livre au cours de ses dernières années, Cooper a noté certaines incohérences dans l'intrigue et la caractérisation, en particulier dans le personnage de Munro. Mais, écrit-il, en général, « le livre doit nécessairement présenter un certain intérêt pour le lecteur, car il peut amuser même l'écrivain, qui a dans une large mesure oublié les détails de son propre travail ».
Héritage
Le Dernier des Mohicans est l'œuvre la plus populaire de James Fenimore Cooper. Il est resté l’un des romans les plus lus dans le monde et a influencé l’opinion populaire sur les Indiens d’Amérique et la période frontière de l’histoire de l’Amérique de l’Est. Les images romancées du pionnier fort, intrépide et toujours ingénieux (c'est-à-dire Natty Bumppo), ainsi que de « l'homme rouge » stoïque, sage et noble (c'est-à-dire Chingachgook) étaient des notions dérivées des caractérisations de Cooper plus que de partout ailleurs. . L'expression «le dernier des Mohicans» en est venue à représenter le seul survivant d'une race ou d'un type noble.
Adaptations
Films
Un certain nombre de films ont été basés sur ce long livre, en effectuant diverses coupes, compressions et modifications. Les adaptations américaines comprennent :
* une version de 1912 avec James Cruze,
*Le Dernier des Mohicans (1920), avec Wallace Beery ;
*Le Dernier des Mohicans (1932), une version en série mettant en vedette Harry Carey ;
* Le Dernier des Mohicans (1936) avec Randolph Scott et Bruce Cabot ;
* Le Dernier des Hommes Rouges (1947) avec Jon Hall et Michael O'Shea ;
* La piste des Iroquois (1950) avec George Montgomery
* La Chute des Mohicans (1965) avec Jack Taylor, José Marco (José Joandó Roselló), Luis Induni et Daniel Martin ;
* Le Dernier des Mohicans (1968)
*Le Dernier des Mohicans (1992), avec Daniel Day-Lewis.
Le film de 1920 a été jugé « culturellement significatif » par la Bibliothèque du Congrès et sélectionné pour être conservé au National Film Registry des États-Unis. Selon le réalisateur Michael Mann, sa version de 1992 était davantage basée sur la version cinématographique de 1936. Mann estime que le roman de Cooper n'est « pas un très bon livre », contestant la sympathie de Cooper pour les Euro-Américains et leur prise du domaine des Indiens d'Amérique.
En Allemagne, Der Letzte der Mohikaner, avec Béla Lugosi dans le rôle de Chingachgook, était la deuxième partie du film en deux parties Lederstrumpf sorti en 1920. Der letzte Mohikaner réalisé par Harald Reinl était une coproduction ouest-allemande/italienne/espagnole de 1965. de l'histoire après la guerre civile américaine. Basé sur la même série de romans, Chingachgook die Grosse Schlange (Chingachgook le Grand Serpent), mettant en vedette Gojko Mitic dans le rôle de Chingachgook, est apparu en Allemagne de l'Est en 1967 et est devenu populaire dans tout le bloc de l'Est.
Radio
*Le Dernier des Mohicans a été adapté pour la radio en deux épisodes d'une heure réalisés par Michael Fox et diffusés sur BBC Radio 4 en 1995 (puis sur BBC Radio 7), avec Michael Fiest, Philip Franks, Helen McCrory et Naomi Radcliffe.
la télé
*De 2004 à 2007, la RAI a réalisé une série télévisée d'animation, Last of the Mohicans avec Ted Russof dans le rôle d'Uncas, Katie McGovern dans le rôle de Cora et Flaminia Fegarotti dans le rôle d'Alice.
*Il y avait une série télévisée canadienne, Hawkeye et le dernier des Mohicans en 1957 avec John Hart dans le rôle de Hawkeye et Lon Chaney, Jr. dans le rôle de Chingachgook.
*La BBC a réalisé une série télévisée du livre en 1971, avec Philip Madoc dans le rôle de Magua, Kenneth Ives dans le rôle de Hawkeye et John Abineri dans le rôle de Chingachgook, que certains critiques considèrent comme l'adaptation la plus fidèle et la meilleure.
*Dans un téléfilm américain de 1977, Steve Forrest a joué le rôle de Hawkeye avec Ned Romero dans le rôle de Chingachgook et Don Shanks dans le rôle d'Uncas.
Opéra
En 1977, le Lake George Opera a présenté une version opéra du Dernier des Mohicans du compositeur Alva Henderson.
Des bandes dessinées
Classic Comics #4, Le Dernier des Mohicans, publié pour la première fois en 1942.
Marvel Comics a publié deux versions de l'histoire : en 1976, une version en un seul numéro dans le cadre de leur série Marvel Classics Comics (numéro 13). En 2007, ils ont publié une mini-série de six numéros pour lancer la nouvelle série Marvel Illustrated.
Le célèbre mangaka Shigeru Sugiura a écrit et illustré une adaptation manga très libre de l'histoire en 1952-53 (refaite en 1973-74). Cette adaptation est fortement influencée par les films américains et les comics occidentaux et est remplie d'humour absurde et de blagues anachroniques. Une traduction anglaise de la version 1973-74 de Sugiura comprenant un long essai sur les influences artistiques de Sugiura a été publiée aux États-Unis en 2013. | http://www.quizballs.com/ |
Breve, Mocha et Americano sont tous des types de boissons ? | Café | [
"Le terme « Americano » signifie « américain » et vient de l'espagnol américain, datant des années 1970, ou de l'italien. Le terme « caffè Americano » est spécifiquement italien pour « café américain ». Il existe une croyance populaire, mais non confirmée, selon laquelle le nom trouve son origine dans la Seconde Guerre mondiale, lorsque les GI américains en Italie diluaient l'espresso avec de l'eau chaude pour se rapprocher du café auquel ils étaient habitués. /café/café-americano/ Café Americano - Qu'est-ce que le café Americano et comment le préparer]"
] | Caffè Americano ou Americano (abrégé de ou espagnol américain : café americano, littéralement café américain) est un style de café préparé en préparant un expresso avec de l'eau chaude ajoutée, ce qui lui donne une force similaire mais une saveur différente du café filtre. La force d'un Americano varie en fonction du nombre de shots d'espresso et de la quantité d'eau ajoutée. Le nom est également orthographié avec des majuscules et des signes diacritiques variables : par exemple, café americano.
En Italie, caffè americano peut signifier soit un expresso avec de l'eau chaude, soit du café filtré (caffè all'americana).
Origine
Le terme « Americano » signifie « américain » et vient de l'espagnol américain, datant des années 1970, ou de l'italien. Le terme « caffè Americano » est spécifiquement italien pour « café américain ». Il existe une croyance populaire, mais non confirmée, selon laquelle le nom trouve son origine dans la Seconde Guerre mondiale, lorsque les GI américains en Italie diluaient l'espresso avec de l'eau chaude pour se rapprocher du café auquel ils étaient habitués. /café/café-americano/ Café Americano - Qu'est-ce que le café Americano et comment le préparer]
Plus tôt, dans son roman Ashenden: Or the British Agent de 1928, Somerset Maugham demande à son protagoniste de commander et de boire quelque chose appelé un americano à Naples pendant la Première Guerre mondiale, mais il n'y a pas suffisamment d'informations pour indiquer s'il s'agit de la même boisson.
Préparation
La boisson se compose d’un expresso simple ou double préparé avec de l’eau ajoutée. Il ne semble pas y avoir de consensus universel sur la manière dont l'eau est ajoutée, mais généralement au Royaume-Uni (et en Italie), entre 1 et 16 onces liquides (30 à 470 ml) d'eau chaude sont ajoutées au double expresso.
Long Black est un terme australasien désignant un Americano (contrairement à Short Black pour expresso), l'accent étant mis sur l'ordre de préparation, en ajoutant d'abord de l'eau dans la tasse avant de verser l'espresso dessus.
Le terme Italiano est parfois utilisé dans l'ouest des États-Unis, désignant un court Americano, en particulier un rapport expresso/eau de 1:1.
L'eau chaude peut être tirée directement de la même machine à expresso que celle utilisée pour préparer l'espresso, ou d'un chauffe-eau ou d'une bouilloire séparé. Utiliser le même radiateur est pratique, particulièrement à la maison, car il ne nécessite pas de radiateur séparé, et l'eau peut en fait être aspirée directement dans le verre, avant ou après avoir tiré l'espresso. Certaines machines à expresso disposent d'un bec d'eau chaude séparé à cet effet, tandis que d'autres permettent d'utiliser la lance vapeur pour distribuer de l'eau chaude. L'utilisation d'un chauffe-eau séparé est plus pratique dans un environnement commercial, car elle réduit les exigences de la machine à expresso, à la fois en ne perturbant pas la température de l'eau d'infusion et en permettant d'utiliser un chauffe-eau peu coûteux pour l'eau chaude, plutôt que pour l'eau chaude. machine à expresso compliquée.
Les usages
Le plus souvent, un Americano est utilisé lorsque l'on commande une boisson de la taille d'un café dans un bar à expresso.
Les Americanos, en particulier les Americanos courts et longs de style noir, sont également utilisés dans la préparation artisanale d'espresso pour les grains qui produisent un expresso fort. Ceci est particulièrement utilisé pour les expressos d'origine unique, où beaucoup trouvent que les expressos non dilués peuvent s'avérer accablants ; et avec des cafés et des torréfactions plus légères qui ne sont généralement pas associées à l'espresso, comme les grains d'origine éthiopienne ou de Sumatra. Pour cette préparation, on utilise généralement un rapport de 1:1 expresso/eau, pour éviter une dilution excessive, l'espresso étant tiré directement dans une tasse avec de l'eau existante pour minimiser la perturbation de la crème.
Variantes
* L'americano glacé est préparé en combinant un expresso avec de l'eau froide au lieu de l'eau chaude.
* Un longo est obtenu en extrayant un shot d'espresso plus longtemps en lui donnant plus de volume, mais en extrayant également quelques arômes amers.
* Un caffè crema est également obtenu en extrayant un expresso beaucoup plus longtemps qu'un longo.
* Un œil rouge est préparé avec du café filtre au lieu d'eau chaude et peut être appelé une photo dans le noir. | http://www.quizballs.com/ |
Dans le film « Lolita » de 1962, quel est le prénom de Lolita ? | Dolores | [
"Lolita est un film de comédie dramatique anglo-américain de 1962 réalisé par Stanley Kubrick basé sur le roman du même titre de Vladimir Nabokov, sur un homme d'âge moyen qui devient obsédé par une adolescente. Le film met en vedette James Mason dans le rôle de Humbert Humbert, Sue Lyon dans le rôle de Dolores Haze (Lolita) et Shelley Winters dans le rôle de Charlotte Haze, avec Peter Sellers dans le rôle de Clare Quilty.",
"Le film revient ensuite sur les événements quatre ans plus tôt. Humbert arrive à Ramsdale, dans le New Hampshire, avec l'intention de passer l'été avant le début de son poste de professeur au Beardsley College, dans l'Ohio. Il cherche une chambre à louer et Charlotte Haze, une veuve écoeurante et sexuellement frustrée, l'invite à rester chez elle. Il refuse jusqu'à voir sa fille, Dolores, affectueusement appelée \"Lolita\". Lolita est une adolescente qui boit des sodas, qui claque des chewing-gums et qui est ouvertement coquette, dont Humbert s'éprend.",
"* Sue Lyon dans le rôle de Dolores \"Lolita\" Haze",
"Le film omet entièrement l'épisode critique de la vie de Humbert au cours duquel, à 14 ans, il a été interrompu en train de faire l'amour avec la jeune Annabel Leigh, décédée peu de temps après, et omet par conséquent toute indication selon laquelle Humbert se préoccupait des filles prépubères avant de rencontrer Dolores Haze. Dans le roman, Humbert donne sa relation amoureuse de jeunesse avec Annabel Leigh, contrecarrée à la fois par l'intervention des adultes et par sa mort, comme la clé de son obsession pour les nymphettes. La seule mention des « nymphettes » dans le film est une entrée du journal de Humbert qui tourne spécifiquement autour de Lolita.",
"Dans le roman, Miss Pratt, la directrice de l'école de Beardsley, discute avec Humbert des problèmes de comportement de Dolores et persuade entre autres Humbert de lui permettre de participer au groupe de théâtre, en particulier à une pièce à venir. Dans le film, ce rôle est remplacé par Quilty déguisé en psychologue scolaire nommé « Dr Zempf ». Ce déguisement n'apparaît pas du tout dans le roman. Dans les deux versions, on prétend que Lolita semble être « sexuellement réprimée », car elle n'a mystérieusement aucun intérêt pour les garçons. Le Dr Zempf et Mlle Pratt expriment l'opinion que cet aspect de sa jeunesse devrait être développé et stimulé par des fréquentations et par la participation aux activités sociales de l'école. Alors que Pratt souhaite surtout qu'Humbert laisse Dolores généralement entrer dans le groupe dramatique, Quilty (dans le rôle de Zempf) se concentre spécifiquement sur la pièce de théâtre du lycée (écrite par Quilty et produite sous sa supervision) pour laquelle Lolita avait secrètement répété (dans les deux films). et roman). Dans le roman, Miss Pratt croit naïvement à ce discours sur la « répression sexuelle » de Dolores, tandis que Quilty, sous son déguisement, connaît la vérité. Bien que Peter Sellers ne joue qu'un seul personnage dans ce film, le déguisement de Quilty en Dr Zempf lui permet d'employer un faux accent allemand qui est typiquement dans le style du jeu de Sellers.",
"* Dans le roman, l'hôtel dans lequel Humbert et Dolores ont pour la première fois des relations et la pièce de théâtre de Quilty pour laquelle Dolores se prépare à jouer dans son lycée s'appellent Le Chasseur enchanté. Cependant, dans le roman, la directrice de l'école, Pratt, fait référence à tort à la pièce comme étant The Hunted Enchanter. Dans le film de Kubrick, l'hôtel porte le même nom que dans le roman, mais désormais la pièce s'appelle en réalité The Hunted Enchanter. Les deux noms ne sont établis que par la signalisation – la banderole de la convention de police à l’hôtel et le chapiteau de la pièce – les noms ne sont jamais mentionnés dans les dialogues."
] | Lolita est un film de comédie dramatique anglo-américain de 1962 réalisé par Stanley Kubrick basé sur le roman du même titre de Vladimir Nabokov, sur un homme d'âge moyen qui devient obsédé par une adolescente. Le film met en vedette James Mason dans le rôle de Humbert Humbert, Sue Lyon dans le rôle de Dolores Haze (Lolita) et Shelley Winters dans le rôle de Charlotte Haze, avec Peter Sellers dans le rôle de Clare Quilty.
En raison des restrictions imposées par la MPAA à l'époque, le film a atténué les aspects les plus provocateurs du roman, laissant parfois beaucoup à l'imagination du public. L'actrice qui jouait Lolita, Sue Lyon, avait 14 ans au moment du tournage. Kubrick a commenté plus tard que s'il avait réalisé à quel point les limitations de la censure allaient être sévères, il n'aurait probablement jamais réalisé le film.
Parcelle
Situé dans les années 1950, le film commence in medias res vers la fin de l'histoire, par une confrontation entre deux hommes : l'un d'eux, Clare Quilty, ivre et incohérente, joue la Polonaise de Chopin en la majeur, op. 40, n°1 au piano avant d'être filmé derrière un portrait d'une jeune femme. Le tireur est Humbert Humbert, un professeur britannique de littérature française d'une quarantaine d'années.
Le film revient ensuite sur les événements quatre ans plus tôt. Humbert arrive à Ramsdale, dans le New Hampshire, avec l'intention de passer l'été avant le début de son poste de professeur au Beardsley College, dans l'Ohio. Il cherche une chambre à louer et Charlotte Haze, une veuve écoeurante et sexuellement frustrée, l'invite à rester chez elle. Il refuse jusqu'à voir sa fille, Dolores, affectueusement appelée "Lolita". Lolita est une adolescente qui boit des sodas, qui claque des chewing-gums et qui est ouvertement coquette, dont Humbert s'éprend.
Pour se rapprocher de Lolita, Humbert accepte l'offre de Charlotte et devient locataire dans la maison Haze. Mais Charlotte veut que "Hum" passe tout son temps pour elle et annonce bientôt qu'elle enverra Lolita dans un camp de nuit réservé aux filles pour l'été. Après le départ des Haze pour le camp, la femme de chambre donne à Humbert une lettre de Charlotte, lui avouant son amour et exigeant qu'il quitte immédiatement à moins qu'il ne ressente la même chose. La lettre dit que si Humbert est toujours dans la maison à son retour, Charlotte saura que son amour est récompensé et qu'il doit l'épouser. Bien qu'il éclate de rire en lisant la lettre tristement sincère mais typiquement exagérée, Humbert épouse Charlotte.
Les choses se gâtent pour le couple en l'absence de la nymphette : le maussade Humbert devient plus renfermé et la cuivrée Charlotte plus pleurnicheuse. Charlotte découvre les entrées du journal d'Humbert détaillant sa passion pour Lolita et la caractérisant comme "la femme Haze, la vache, la maman odieuse, la baba sans cervelle". Elle a une crise hystérique, court dehors et est heurtée par une voiture, mourant sur le coup.
Humbert se rend au Camp Climax pour récupérer Lolita, qui ne sait pas encore que sa mère est morte. Ils passent la nuit dans un hôtel qui fait face à un afflux excessif de policiers participant à un congrès. L'un des invités, un étranger insistant et agressif, s'insinue chez Humbert et continue de diriger la conversation vers sa « belle petite fille », qui dort à l'étage. L'inconnu sous-entend qu'il est lui aussi policier et répète trop souvent qu'il pense qu'Humbert est « normal ». Humbert échappe aux avances de l'homme et, le lendemain matin, Humbert et Lolita entament une relation sexuelle. Les deux hommes entament une odyssée à travers les États-Unis, voyageant d'hôtel en motel. En public, ils agissent comme père et fille. Après plusieurs jours, Humbert annonce à Lolita que sa mère n'est pas malade à l'hôpital, comme il le lui avait dit précédemment, mais qu'elle est morte. Frappée de chagrin, elle reste avec Humbert.
À l'automne, Humbert se présente à son poste au Beardsley College et y inscrit Lolita au lycée. Bientôt, les gens commencent à s’interroger sur la relation entre le père et sa fille surprotégée. Humbert s'inquiète de son implication dans la pièce de théâtre de l'école et avec ses camarades de classe masculins. Un soir, il rentre chez lui et trouve le Dr Zempf, un étranger agressif et agressif, assis dans son salon sombre. Zempf, parlant avec un fort accent allemand, prétend être de l'école de Lolita et veut discuter de sa connaissance des « faits de la vie ». Il convainc Humbert de permettre à Lolita de participer à la pièce de théâtre de l'école, pour laquelle elle avait été sélectionnée pour jouer le rôle principal.
En assistant à une représentation de la pièce, Humbert apprend que Lolita a menti sur la façon dont elle passait ses samedis après-midi alors qu'elle prétendait être à une répétition de piano. Ils se disputent et Humbert décide de quitter Beardsley College et de reprendre la route de Lolita. Lolita s'y oppose au début, puis change soudainement d'avis et semble très enthousiaste. Une fois sur la route, Humbert se rend vite compte qu'ils sont suivis par une mystérieuse voiture qui ne lâche jamais mais ne rattrape jamais vraiment son retard. Lorsque Lolita tombe malade, il l'emmène à l'hôpital. Cependant, lorsqu'il revient la chercher, elle est partie. L'infirmière lui dit qu'elle est partie avec un autre homme prétendant être son oncle et Humbert, dévasté, se retrouve sans la moindre idée de sa disparition ou de l'endroit où elle se trouve.
Quelques années plus tard, Humbert reçoit une lettre de Mme Richard T. Schiller, le nom de femme mariée de Lolita. Elle écrit qu'elle est maintenant mariée à un homme nommé Dick, qu'elle est enceinte et qu'elle a désespérément besoin d'argent. Humbert se rend chez eux et découvre qu'elle est maintenant une femme enceinte, portant des lunettes, menant une vie agréable et banale. Humbert exige qu'elle lui dise qui l'a kidnappée trois ans plus tôt. Elle lui dit que c'était Clare Quilty, l'homme qui les suivait, qui est un célèbre dramaturge et avec qui sa mère a eu une aventure à l'époque de Ramsdale. Elle déclare que Quilty est également celui qui s'est déguisé en Dr Zempf, l'étranger arrogant qui ne cessait de croiser leur chemin. Lolita elle-même a eu une liaison avec lui et est partie avec lui quand il lui a promis du glamour. Cependant, il a ensuite exigé qu'elle rejoigne son style de vie dépravé, notamment en jouant dans ses films « d'art ».
Humbert supplie Lolita de quitter son mari et de repartir avec lui, mais elle refuse. Humbert donne à Lolita 13 000 $, expliquant cela comme l'argent de la vente de la maison de sa mère, et part tourner Quilty dans son manoir, où le film a commencé. L'épilogue explique qu'Humbert est mort d'une thrombose coronarienne en attendant son procès pour le meurtre de Quilty.
Casting
* James Mason dans le rôle de Humbert "Hum" Humbert
* Shelley Winters dans le rôle de Charlotte Haze-Humbert
* Sue Lyon dans le rôle de Dolores "Lolita" Haze
* Peter Sellers dans le rôle de Clare Quilty
* Gary Cockrell dans le rôle de Richard "Dick" Schiller
* Jerry Stovin dans le rôle de John Farlow, un avocat de Ramsdale
* Diana Decker dans le rôle de Jean Farlow
* Lois Maxwell dans le rôle de l'infirmière Mary Lore
* Cec Linder dans le rôle du Dr Keegee
* Bill Greene dans le rôle de George Swine, le responsable de nuit de l'hôtel à Bryceton
* Shirley Douglas dans le rôle de Mme Starch, la professeure de piano à Ramsdale
* Marianne Stone dans le rôle de Vivian Darkbloom, la compagne de Quilty
* Marion Mathie dans le rôle de Miss Lebone
* James Dyrenforth dans le rôle de Frederick Beale, Sr.
* Maxine Holden dans le rôle de Miss Fromkiss, la réceptionniste de l'hôpital
*John Harrison dans le rôle de Tom
* C. Denier Warren dans le rôle de Potts
Notes de distribution
* Ed Bishop a eu son premier rôle au cinéma dans Lolita, une apparition non crédité dans le rôle de l'ambulancier qui dit à Humbert que Charlotte est morte. Bishop a également joué le pilote de la navette dans 2001 : L'Odyssée de l'espace, faisant de lui l'un des rares acteurs à apparaître dans deux films de Kubrick.
Production
Direction
Avec l'accord de Nabokov, Kubrick a modifié l'ordre dans lequel les événements se sont déroulés en déplaçant la fin du roman au début du film, un procédé littéraire connu sous le nom de in medias res. Kubrick a déterminé que même si cela sacrifiait une belle fin, cela aidait à maintenir l'intérêt, car il pensait que l'intérêt pour le roman s'était affaissé à mi-chemin une fois qu'Humbert avait réussi à séduire Lolita.
La seconde moitié contient une odyssée à travers les États-Unis et, bien que le roman se déroule dans les années 1940, Kubrick lui a donné un cadre contemporain, tournant de nombreuses scènes extérieures en Angleterre avec des paysages rétro-projetés tournés aux États-Unis, notamment dans le nord de l'État. New York, le long de NY 9N dans l'est des Adirondacks et une vue sur Albany depuis Rensselaer, sur la rive est de l'Hudson. Certains des rôles mineurs ont été joués par des acteurs canadiens et américains, tels que Cec Linder, Lois Maxwell, Jerry Stovin et Diana Decker, qui étaient alors basés en Angleterre. Kubrick a dû tourner en Angleterre, car une grande partie de l'argent destiné à financer le film y était non seulement collectée, mais devait également y être dépensée. De plus, Kubrick vivait en Angleterre à l’époque et souffrait d’une peur mortelle de voler. Le château de Hilfield présenté dans le film sous le nom de "Pavor Manor" de Quilty.
Fonderie
Mason était le premier choix de Kubrick et du producteur Harris pour le rôle de Humbert Humbert, mais il a d'abord refusé en raison d'un engagement à Broadway tout en recommandant sa fille, Portland, pour le rôle de Lolita. Laurence Olivier a alors refusé le rôle, apparemment sur les conseils de ses agents. Kubrick a envisagé Peter Ustinov mais a décidé de ne pas le faire. Harris a alors suggéré David Niven ; Niven a accepté le rôle mais s'est ensuite retiré de peur que les sponsors de son émission télévisée, Four Star Playhouse (1952), ne s'y opposent. Mason s'est ensuite retiré de sa pièce et a obtenu le rôle.
Le rôle de Clare Quilty a été considérablement élargi par rapport à celui du roman et Kubrick a permis à Sellers d'adopter une variété de déguisements tout au long du film. Au début du film, Quilty apparaît comme lui-même : un dramaturge vaniteux et avant-gardiste aux manières supérieures. Plus tard, il devient un policier curieux sur le porche de l'hôtel, où séjournent Humbert et Lolita. Ensuite, c'est le docteur Zempf, psychologue intrusif du lycée Beardsley, qui se cache dans le salon d'Humbert, pour le persuader de donner à Lolita plus de liberté dans ses activités parascolaires. Il est alors vu comme photographe dans les coulisses de la pièce de Lolita. Plus tard dans le film, il est un appelant anonyme qui mène une enquête.
Jill Haworth a été invitée à assumer le rôle, mais elle était sous contrat avec Otto Preminger et il a répondu "non". Bien que Vladimir Nabokov ait initialement pensé que Sue Lyon était la bonne sélection pour jouer Lolita, Nabokov a déclaré des années plus tard que la Lolita idéale aurait été Catherine Demongeot, une actrice française qui avait joué Zazie dans Zazie dans le métro (1960), suivie seulement par un encore quelques films.
La censure
Au moment de la sortie du film, le système de classification n'était pas en vigueur et le Code Hays, datant des années 1930, régissait la production cinématographique. La censure de l'époque a inhibé la direction de Kubrick ; Kubrick a commenté plus tard qu'« en raison de toutes les pressions exercées sur le code de production et la Légion catholique de la décence à l'époque, je crois que je n'ai pas suffisamment dramatisé l'aspect érotique de la relation de Humbert avec Lolita. Si je pouvais refaire le film , j'aurais insisté sur la composante érotique de leur relation avec le même poids que Nabokov." Kubrick a fait allusion indirectement à la nature de leur relation, à travers un double sens et des indices visuels tels que Humbert peignant les orteils de Lolita. Dans une interview accordée à Newsweek en 1972 (après l'introduction du système de classification à la fin de 1968), Kubrick a déclaré qu'il "n'aurait probablement pas fait le film" s'il avait réalisé à l'avance à quel point les problèmes de censure seraient difficiles.
Le film reste volontairement vague sur l'âge de Lolita. Kubrick a commenté : « Je pense que certaines personnes avaient l'image mentale d'une enfant de neuf ans, mais Lolita avait douze ans et demi dans le livre ; Sue Lyon avait treize ans. » En fait, Lyon avait 14 ans au début du tournage et 15 ans à la fin. Bien qu'adopté sans coupures, Lolita a été classé « X » par le British Board of Film Censors lors de sa sortie en 1962, ce qui signifie que personne de moins de 16 ans n'était autorisé à le regarder.
Écriture et narration
Humbert utilise le terme « nymphette » pour décrire Lolita, qu'il explique et utilise dans le roman ; il apparaît deux fois dans le film et sa signification reste indéfinie. En voix off le matin après le bal du lycée de Ramsdale, Humbert confie dans son journal : « Ce qui me rend fou, c'est la double nature de cette nymphette, de chaque nymphette peut-être, ce mélange dans ma Lolita d'enfantillage tendre et rêveur et une sorte de vulgarité étrange. Je sais que c'est une folie de tenir ce journal, mais cela me procure un étrange frisson de le faire et seule une épouse aimante pourrait déchiffrer mon écriture microscopique.
Cette voix off fait partie de la narration d'Humbert, qui est au cœur du roman. Kubrick l'utilise avec parcimonie et en dehors du commentaire ci-dessus, uniquement pour planter le décor du prochain acte du film. Les commentaires d'Humbert sont généralement de simples déclarations de faits, agrémentées d'étranges réflexions personnelles.
La seule autre de ces réflexions qui fait référence aux sentiments de Humbert envers Lolita est faite après leur déménagement de Ramsdale à Beardsley. Ici, le commentaire d'Humbert semble montrer uniquement un intérêt pour son éducation et son développement culturel : "Six mois se sont écoulés et Lolita fréquente une excellente école où j'espère qu'elle sera persuadée de lire autre chose que des bandes dessinées et des romans cinématographiques."
La narration commence après les scènes d'ouverture mais s'arrête une fois l'odyssée commencée. Kubrick ne tente pas d'expliquer la fascination de Humbert pour Lolita, ce qu'aurait fait une narration complète, mais la traite simplement comme un fait.
Scénario
Le scénario est attribué à Nabokov, même si très peu de ce qu'il a fourni (publié plus tard dans une version abrégée) a été utilisé. Nabokov, suite au succès du roman, s'installe à Hollywood et écrit un scénario pour une adaptation cinématographique entre mars et septembre 1960. La première ébauche était extrêmement longue - plus de 400 pages, ce à quoi le producteur Harris a fait remarquer "Vous n'avez pas pu y arriver". . Vous ne pouviez pas le soulever". Nabokov est resté poli à propos du film en public, mais dans une interview en 1962 avant de voir le film, il a commenté qu'il pourrait s'agir des « écarts d'une route panoramique tels que perçus par le passager horizontal d'une ambulance ». Kubrick et Harris ont réécrit eux-mêmes le scénario, en écrivant avec soin pour satisfaire les besoins de la censure.
Musique
La musique du film a été composée par Nelson Riddle (le thème principal était de Bob Harris). Le numéro de danse récurrent entendu pour la première fois à la radio lorsque Humbert rencontre Lolita dans le jardin est devenu plus tard un single à succès sous le nom de "Lolita Ya Ya" avec Sue Lyon créditée du chant sur la version single. Le revers de la médaille était une chanson rock légère de style années 60 intitulée "Turn off the Moon" également chantée par Sue Lyon. "Lolita Ya Ya" a ensuite été enregistrée par d'autres groupes ; c'était aussi un single à succès pour The Ventures, atteignant 61 sur Billboard et étant ensuite inclus sur plusieurs de leurs albums de compilation. Dans sa biographie de The Ventures, Del Halterman cite un critique anonyme de la réédition sur CD de la bande originale de Lolita disant : « Le point culminant est le morceau le plus frivole, « Lolita Ya Ya », un instrumental exaspérant et accrocheur avec une voix absurde. qui apparaît comme une parodie à la fois vicieuse et pleine d'humour des éléments les plus kitsch du rock and roll du début des années soixante.
Différences entre le film et le livre
Il existe de nombreuses différences entre l'adaptation cinématographique de Kubrick et le roman de Nabokov, notamment certains événements qui ont été entièrement omis. La plupart des insinuations, références et épisodes sexuellement explicites du livre ont été retirés du film en raison de la censure stricte des années 1960 ; la relation sexuelle entre Lolita et Humbert est implicite et jamais représentée graphiquement à l'écran. De plus, certains événements du film diffèrent du roman et il y a également des changements dans le personnage de Lolita. Certaines des différences sont répertoriées ci-dessous :
L'âge, le nom, les sentiments et le destin de Lolita
L'âge de Lolita a été augmenté de 12 ans au début de l'adolescence dans le film pour répondre aux normes MPAA. Kubrick avait été averti que les censeurs étaient fortement attachés à l'utilisation d'une actrice plus développée physiquement, âgée d'au moins 14 ans. En tant que telle, Sue Lyon a été choisie pour le rôle titre, en partie en raison de son apparence plus mature.
Le nom « Lolita » n'est utilisé que par Humbert comme surnom d'animal de compagnie privé dans le roman, alors que dans le film, plusieurs personnages la désignent par ce nom. Dans le livre, elle est simplement appelée « Lo », « Lola » ou « Dolly » par les autres personnages. Diverses critiques, comme Susan Sweeney, ont observé que puisqu'elle ne s'appelle jamais "Lolita", le surnom d'Humbert nie sa subjectivité. Généralement, le roman donne peu d'informations sur ses sentiments.
Le film n'est pas particulièrement axé sur les sentiments de Lolita. Dans le milieu du cinéma, son personnage s'étoffe inévitablement quelque peu du chiffre qu'elle reste dans le roman. Néanmoins, Kubrick omet en fait les quelques vignettes du roman dans lesquelles la bulle solipsiste de Humbert éclate et laisse entrevoir la misère personnelle de Lolita. Susan Bordo écrit : « Kubrick a choisi de n'inclure aucune des vignettes du roman qui mettent la misère de Lolita au premier plan, éloignant temporairement l'obsession de Humbert du devant de la scène. ... L'épouse de Nabokov, Vera, a insisté – à juste titre – sur « le pathétique ». de la solitude totale de Lolita.'... Dans le film de Kubrick, une bonne maman la plus sobfest et morte est oubliée. Humbert, pour la calmer, lui a promis une chaîne hi-fi toute neuve et tous les derniers disques. Le roman se termine avec les sanglots de Lolita, bien qu'Humbert lui ait offert des cadeaux toute la journée. Bordo poursuit en disant "Souligner la tristesse et la perte de Lolita n'aurait bien sûr pas été en accord avec le dévouement du film à infléchir le" noir "avec la bande dessinée; cela aurait altéré le caractère extrêmement ironique et anti-sentimental du film. " Lorsque le roman nous donne brièvement des preuves de la tristesse et du malheur de Lolita, Humbert passe sous silence mais le film omet presque tous ces épisodes.
Professeur Humbert
Le critique Greg Jenkins estime qu'Humbert est imprégné d'une sympathie fondamentale dans ce film qu'il n'a pas nécessairement dans le roman. Il a un côté débonnaire dans le film, alors que dans le roman, il peut être perçu comme beaucoup plus repoussant. Les deux dépressions mentales d'Humbert qui ont conduit à des séjours au sanatorium avant de rencontrer Lolita sont entièrement omises dans le film, tout comme ses relations antérieures infructueuses avec des femmes de son âge (qu'il qualifie dans le roman de « femmes terrestres ») à travers lesquelles il a tenté de se stabiliser. . Ses complexes de toute une vie envers les jeunes filles sont en grande partie dissimulés dans le film, et Lolita semble plus âgée que son homologue romanesque, ce qui amène Jenkins à commenter : « Une histoire racontée à l'origine au bord d'un abîme moral évolue rapidement vers un terrain plus sûr. » En bref, le roman signale au début Humbert comme à la fois mentalement malade et obsédé par les jeunes filles, comme le film ne le fait jamais.
Jenkins note que Humbert semble même un peu plus digne et retenu que les autres habitants de Ramsdale, en particulier la mère agressive de Lolita, d'une manière qui invite le public à sympathiser avec Humbert. Humbert est dépeint comme quelqu'un d'urbain et sophistiqué, enfermé dans une petite ville de province peuplée de gens légèrement lubriques, un réfugié de l'Europe du Vieux Monde dans une partie particulièrement grossière du Nouveau Monde. Par exemple, le professeur de piano de Lolita apparaît dans le film comme agressif et prédateur, alors qu'Humbert semble plutôt réservé. Le personnage du film John Farlow parle de manière suggestive d'"échanger ses partenaires" lors d'une danse d'une manière qui repousse Humbert. Jenkins pense que dans le film, c'est Quilty, et non Humbert, qui incarne le mal. L'expansion du personnage de Quilty et la façon dont Quilty tourmente Humbert invitent également le public à sympathiser avec Humbert.
Parce que Humbert raconte le roman, sa détérioration mentale accrue due à l'anxiété dans toute la seconde moitié de l'histoire est plus évidente au vu du ton de plus en plus désespéré de son récit. Alors que le film montre les tentatives de plus en plus sévères de Humbert pour contrôler Lolita, le roman montre davantage la perte de contrôle de soi et de stabilité de Humbert.
Jenkins note également que certaines des actions les plus brutales de Humbert sont omises ou modifiées dans le film. Par exemple, dans le roman, il menace d'envoyer Lolita dans une maison de correction, tandis que dans le film, il promet de ne jamais l'y envoyer. Il note également que le style narratif de Humbert dans le roman, bien qu'élégant, est verbeux, décousu et détourné, alors que dans le film il est « sobre et mesuré ».
L'engouement d'Humbert pour les « nymphettes » dans le roman
Le film omet entièrement l'épisode critique de la vie de Humbert au cours duquel, à 14 ans, il a été interrompu en train de faire l'amour avec la jeune Annabel Leigh, décédée peu de temps après, et omet par conséquent toute indication selon laquelle Humbert se préoccupait des filles prépubères avant de rencontrer Dolores Haze. Dans le roman, Humbert donne sa relation amoureuse de jeunesse avec Annabel Leigh, contrecarrée à la fois par l'intervention des adultes et par sa mort, comme la clé de son obsession pour les nymphettes. La seule mention des « nymphettes » dans le film est une entrée du journal de Humbert qui tourne spécifiquement autour de Lolita.
Humbert explique que l'odeur et le goût de la jeunesse ont comblé ses désirs jusqu'à l'âge adulte : « cette petite fille aux membres marins et à la langue ardente [le] hantait depuis lors ». Il affirme ainsi que « Lolita a commencé avec Annabel » et que le charme d'Annabel a été brisé en « l'incarnant dans une autre ».
L'idée selon laquelle tout ce qui touche aux jeunes filles a motivé Humbert à accepter le poste de professeur de littérature française au Beardsley College et à déménager à Ramsdale est entièrement omise du film. Dans le roman, il trouve d'abord un logement avec la famille McCoo. Il accepte le poste de professeur parce que les McCoo ont une fille de douze ans, une potentielle « nymphette énigmatique qu'[il] entraînerait en français et caresserait en humbertish ». Cependant, la maison McCoo brûle quelques jours avant son arrivée, et c'est à ce moment-là que Mme Haze propose d'héberger Humbert.
L'attitude d'Humbert envers Charlotte
Susan Bordo a remarqué que, afin de montrer le côté insensible et cruel de la personnalité d'Humbert au début du film, Nabokov et Kubrick ont montré d'autres façons dont Humbert se comporte monstrueusement envers sa mère, Charlotte Haze. Il se moque de sa déclaration d'amour à son égard et prend un agréable bain après sa mort accidentelle. Cela remplace efficacement les voix off dans lesquelles il discute de ses projets visant à séduire et agresser Lolita comme moyen de faire d'Humbert un manipulateur, un intrigant et un égoïste. Cependant, Greg Jenkins a noté que la réponse de Humbert à la note d'amour de Charlotte dans le film est toujours beaucoup plus gentille que celle du roman, et que le film fait des efforts considérables pour rendre Charlotte antipathique.
Agrandissement de Clare Quilty
Le rôle de Quilty est grandement amplifié dans le film et mis au premier plan du récit. Dans le roman, Humbert n'aperçoit que de brefs aperçus incompréhensibles de son ennemi avant leur confrontation finale au domicile de Quilty, et le lecteur découvre Quilty tard dans le récit avec Humbert. Le rôle de Quilty dans l'histoire est rendu pleinement explicite dès le début du film, plutôt que d'être une surprise cachée vers la fin du conte. Dans une interview avec Terry Southern en 1962, Kubrick décrit sa décision d'élargir le rôle de Quilty, en disant que « juste sous la surface de l'histoire était possible ce fil narratif secondaire fort – parce qu'après qu'Humbert l'ait séduite dans le motel, ou plutôt après qu'elle l'ait séduit, la grande question a trouvé sa réponse – c'était donc bien que ce récit mystérieux continue après la séduction. Cela magnifie le thème du livre de Quilty en tant que double sombre de Humbert, reflétant toutes les pires qualités de Humbert, un thème qui préoccupait Kubrick.
Le film s'ouvre sur une scène vers la fin de l'histoire, le meurtre de Quilty par Humbert. Cela signifie que le film montre Humbert en meurtrier avant de nous montrer Humbert en séducteur de mineurs, et le film incite le spectateur à imaginer le flash-back suivant comme une explication du meurtre. Le film revient ensuite sur la première rencontre de Humbert avec Charlotte Haze et continue chronologiquement jusqu'à ce que la scène de meurtre finale soit à nouveau présentée. Le livre, raconté par Humbert, présente les événements par ordre chronologique depuis le début, en s'ouvrant sur la vie d'enfant de Humbert. Alors qu'Humbert laisse entendre tout au long du roman qu'il a commis un meurtre, les circonstances réelles ne sont décrites que vers la toute fin. Bret Anthony Johnston de NPR note que le roman est une sorte de mystère de meurtre inversé : vous savez que quelqu'un a été tué, mais vous devez attendre pour découvrir qui est la victime.
De même, le guide de lecture de Lolita de l'éditeur en ligne Doubleday note que « le mystère de l'identité de Quilty transforme ce roman en une sorte de roman policier (dans lequel le protagoniste est à la fois détective et criminel). » Cet effet se perd bien entendu dans le film de Kubrick.
Dans le roman, Miss Pratt, la directrice de l'école de Beardsley, discute avec Humbert des problèmes de comportement de Dolores et persuade entre autres Humbert de lui permettre de participer au groupe de théâtre, en particulier à une pièce à venir. Dans le film, ce rôle est remplacé par Quilty déguisé en psychologue scolaire nommé « Dr Zempf ». Ce déguisement n'apparaît pas du tout dans le roman. Dans les deux versions, on prétend que Lolita semble être « sexuellement réprimée », car elle n'a mystérieusement aucun intérêt pour les garçons. Le Dr Zempf et Mlle Pratt expriment l'opinion que cet aspect de sa jeunesse devrait être développé et stimulé par des fréquentations et par la participation aux activités sociales de l'école. Alors que Pratt souhaite surtout qu'Humbert laisse Dolores généralement entrer dans le groupe dramatique, Quilty (dans le rôle de Zempf) se concentre spécifiquement sur la pièce de théâtre du lycée (écrite par Quilty et produite sous sa supervision) pour laquelle Lolita avait secrètement répété (dans les deux films). et roman). Dans le roman, Miss Pratt croit naïvement à ce discours sur la « répression sexuelle » de Dolores, tandis que Quilty, sous son déguisement, connaît la vérité. Bien que Peter Sellers ne joue qu'un seul personnage dans ce film, le déguisement de Quilty en Dr Zempf lui permet d'employer un faux accent allemand qui est typiquement dans le style du jeu de Sellers.
En ce qui concerne cette scène, l'adaptation scénique du roman par le dramaturge Edward Albee en 1981 suit le film de Kubrick plutôt que le roman.
Le film conserve le thème du roman de Quilty (anonymement) aiguillonnant la conscience d'Humbert à plusieurs reprises, bien que les détails de la façon dont ce thème est joué soient assez différents dans le film. Il a été décrit comme « une émanation de la mauvaise conscience de Humbert », et Humbert décrit Quilty dans le roman comme son « ombre ».
Le premier et le dernier mot du roman est « Lolita ». Comme l'a noté le critique de cinéma Greg Jenkins, contrairement au roman, le premier et le dernier mot du scénario est « Quilty ».
Envisager le meurtre de Charlotte Haze
* Dans le roman, Humbert et Charlotte vont nager à Hourglass Lake, où Charlotte annonce qu'elle enverra Lo dans un bon internat ; cette partie se déroule au lit dans le film. La réflexion d'Humbert sur la possibilité de tuer Charlotte se déroule de la même manière à Hourglass Lake dans le livre, mais chez elle dans le film. Cette différence affecte la méthode envisagée par Humbert pour tuer Charlotte. Dans le livre, il est tenté de la noyer dans le lac, tandis que dans le film, il envisage la possibilité de lui tirer dessus avec un pistolet alors qu'il est dans la maison, concluant dans les deux scénarios qu'il ne pourra jamais se résoudre à le faire. Dans sa biographie de Kubrick, Vincent LoBrutto note que Kubrick a essayé de recréer Hourglass Lake dans un studio, mais qu'il s'est senti mal à l'aise de tourner une scène extérieure d'une telle importance cruciale en studio, il a donc remodelé la scène pour qu'elle se déroule chez lui. Susan Bordo note qu'après la mort réelle de Charlotte dans le film, deux voisins voient l'arme de Humbert et concluent à tort qu'Humbert envisage de se suicider, alors qu'en fait il envisageait de tuer Charlotte avec.
* La même tentative de meurtre de Charlotte apparaît dans la section "Scènes supprimées" du DVD du film de 1997 (maintenant remis à Hourglass Lake). Dans le roman, Humbert envisage vraiment de tuer Charlotte et plus tard, Lolita accuse Humbert de l'avoir délibérément tuée. Seule la première scène apparaît dans le film de 1962 et seule la dernière scène apparaît dans le film de 1997.
Les amis de Lolita à l'école
* L'amie de Lolita, Mona Dahl, est une amie de Ramsdale (la première moitié de l'histoire) dans le film et disparaît assez tôt dans l'histoire. Dans le film, Mona est simplement l'hôte d'une fête que Lolita abandonne au début de l'histoire. Mona est une amie de Lolita dans Beardsley (la seconde moitié de l'histoire) dans le roman. Dans le roman Mona est active dans la pièce de théâtre de l'école, Lolita raconte à Humbert des histoires sur la vie amoureuse de Mona, et Humbert note que Mona avait « depuis longtemps cessé » d'être (si jamais elle l'était) une « nymphette ». Mona a déjà eu une liaison avec un Marine et semble flirter avec Humbert. Elle garde les secrets de Lolita et aide Lolita à mentir à Humbert lorsque Humbert découvre que Lolita a raté ses cours de piano. Dans le film, Mona dans la seconde moitié semble avoir été remplacée par une "Michele" qui est également dans la pièce et a une liaison avec un Marine et soutient les mensonges de Lolita à Humbert. Le critique de cinéma Greg Jenkins affirme que Mona a tout simplement été entièrement éliminée du film.
* Humbert soupçonne que Lolita développe un intérêt pour les garçons à différents moments de l'histoire. Il ne soupçonne personne en particulier dans le roman. Dans le film, il se méfie à deux reprises d'un couple de garçons, Rex et Roy, qui traînent avec Lolita et son amie Michele. Dans le roman, Mona a un ami nommé Roy.
Autres différences
* Dans le roman, la première attirance mutuelle entre Humbert et Lolita commence parce qu'Humbert ressemble à une célébrité qu'elle aime. Dans le film, cela se produit lors d'un film d'horreur en drive-in lorsqu'elle lui attrape la main. La scène est tirée de La Malédiction de Frankenstein de Christopher Lee lorsque le monstre enlève son masque. Christine Lee Gengaro propose que cela suggère qu'Humbert est un monstre masqué, et la même théorie est développée plus en détail par Jason Lee. Comme dans le roman, Lolita montre de l'affection pour Humbert avant de partir pour un camp d'été.
* Dans le roman, l'hôtel dans lequel Humbert et Dolores ont pour la première fois des relations et la pièce de théâtre de Quilty pour laquelle Dolores se prépare à jouer dans son lycée s'appellent Le Chasseur enchanté. Cependant, dans le roman, la directrice de l'école, Pratt, fait référence à tort à la pièce comme étant The Hunted Enchanter. Dans le film de Kubrick, l'hôtel porte le même nom que dans le roman, mais désormais la pièce s'appelle en réalité The Hunted Enchanter. Les deux noms ne sont établis que par la signalisation – la banderole de la convention de police à l’hôtel et le chapiteau de la pièce – les noms ne sont jamais mentionnés dans les dialogues.
* Les relations entre Humbert et d'autres femmes avant et après Lolita sont omises du film. Greg Jenkins voit cela comme faisant partie de la tendance générale de Kubrick à simplifier ses récits, notant également que le roman nous donne donc une vision plus « chevronnée » des goûts de Humbert en matière de femmes.
* Seul le film présente une convention policière à l'hôtel où Humbert se laisse séduire par Lolita. Michel Ciment, spécialiste de Kubrick, considère cela comme typique de la tendance générale de Kubrick à attaquer les figures d'autorité.
* Lolita termine la pièce de théâtre de l'école (écrite par Clare Quilty) dans le film, mais abandonne avant de la terminer dans le roman. Dans le film, nous voyons que la pièce de Quilty a un symbolisme suggestif, et la confrontation de Humbert avec Lolita au sujet de son absence à ses cours de piano se produit après ses débuts triomphaux lors de la première de la pièce.
Le "Dr Zempf" de Quilty et le rôle de Peter Sellers dans le rôle du Docteur Folamour
Le film contient une scène de six minutes dans laquelle Quilty se déguise en psychologue de lycée à l'accent allemand nommé Dr Zempf qui persuade Humbert d'accorder à Lolita plus de liberté personnelle afin qu'elle puisse jouer dans la pièce de théâtre du lycée (écrite par Quilty). et réalisé sous sa supervision). Ceci est modifié à partir d’une scène du roman dans laquelle il y a une conversation similaire avec une véritable psychologue scolaire. La version cinématographique de cette scène était suffisamment mémorable pour qu'Edward Albee l'incorpore dans son adaptation scénique de Lolita.
De nombreux observateurs ont vu des similitudes entre l'interprétation de Quilty-as-Zempf par Peter Sellers et son rôle ultérieur dans le prochain film de Stanley Kubrick dans le rôle du Docteur Folamour. Stanley Kubrick lui-même, dans une interview avec Michel Ciment, a décrit les deux personnages comme des « parodies de clichés cinématographiques nazis ». Commentant par ailleurs les personnages, Ciment écrit "Peter Sellers a préfiguré sa création du Dr Folamour, notamment dans le rôle du Dr Zempf, le psychologue scolaire dont l'accent allemand épais rappelle celui du professeur fou (notons les sentiments ambigus de Kubrick envers l'Allemagne, son admiration pour sa culture... sa peur de ses démonstrations de pouvoir...)". Thomas Allen Nelson a déclaré que dans cette partie de son | http://www.quizballs.com/ |
Birchill, Thornhill et Lisvane font tous partie de quelle ville britannique ? | Cardiff | [
"Thornhill (gallois Draenen Pen-y-graig draen thorn + -en one + pen top + 'y' the + craig rock [muté en 'graig']) est une banlieue nord de la ville de Cardiff, capitale du Pays de Galles, au sud de Caerphilly. Il s'agit d'une zone relativement moderne avec un parc immobilier datant principalement de la fin des années 1980 et au-delà. La zone dispose d'un quartier centralisé fournissant des services, comprenant un centre communautaire (Thornhill Church Centre), un supermarché Sainsbury's, avec un bureau de poste et une pharmacie intégrés ; et un centre médical.",
"Le cimetière de Thornhill est un cimetière majeur situé dans ce quartier de Cardiff. Le crématorium de Thornhill a été construit sur ce site dans les années 1950 en tant que crématorium dédié. Cela diffère du crématorium qui a été installé à Glyntaff, à proximité ; il s'agissait en revanche d'une chapelle qui était à l'origine utilisée pour les enterrements traditionnels et modifiée pour servir de crématorium.",
"La majeure partie du développement résidentiel de Thornhill a eu lieu dans les années 1990. Le conseil du comté de Cardiff avait initialement prévu Thornhill comme « les villages de Thornhill » ; avec des groupes de maisons entrecoupés de grands espaces « verts ». Ces espaces verts ont été de courte durée car le développement rapide de l'habitat a entraîné la construction de maisons dans les zones adjacentes aux « Villages ».",
"Thornhill tombe dans le quartier Llanishen du conseil du comté de Cardiff.",
"* Thornhill est également desservie par des services de bus exploités par Cardiff Bus. Le service 28 traverse Thornhill et se termine à la gare routière centrale à intervalles réguliers. Les services de diligence A et B circulent toutes les 30 minutes depuis la gare routière centrale de Cardiff et s'arrêtent devant le cimetière."
] | Thornhill (gallois Draenen Pen-y-graig draen thorn + -en one + pen top + 'y' the + craig rock [muté en 'graig']) est une banlieue nord de la ville de Cardiff, capitale du Pays de Galles, au sud de Caerphilly. Il s'agit d'une zone relativement moderne avec un parc immobilier datant principalement de la fin des années 1980 et au-delà. La zone dispose d'un quartier centralisé fournissant des services, comprenant un centre communautaire (Thornhill Church Centre), un supermarché Sainsbury's, avec un bureau de poste et une pharmacie intégrés ; et un centre médical.
Il y a quatre maisons publiques situées à Thornhill : le Old Cottage, Pendragon, Pentre Gwilym House et le Ffynnon Wen. Un cinquième pub, The Traveller's Rest, se trouve de facto à Thornhill en raison de sa situation géographique ; bien que ce soit de jure à Caerphilly en fonction de son code postal et de la localité de sa municipalité. Bien qu'il soit situé directement à côté du couloir M4, Thornhill n'a pas de carrefour autoroutier ; bien qu'il soit généralement théorisé parmi les résidents que la « Jonction 31 » tant attendue desservira Thornhill.
Le cimetière de Thornhill est un cimetière majeur situé dans ce quartier de Cardiff. Le crématorium de Thornhill a été construit sur ce site dans les années 1950 en tant que crématorium dédié. Cela diffère du crématorium qui a été installé à Glyntaff, à proximité ; il s'agissait en revanche d'une chapelle qui était à l'origine utilisée pour les enterrements traditionnels et modifiée pour servir de crématorium.
La majeure partie du développement résidentiel de Thornhill a eu lieu dans les années 1990. Le conseil du comté de Cardiff avait initialement prévu Thornhill comme « les villages de Thornhill » ; avec des groupes de maisons entrecoupés de grands espaces « verts ». Ces espaces verts ont été de courte durée car le développement rapide de l'habitat a entraîné la construction de maisons dans les zones adjacentes aux « Villages ».
Thornhill abrite également quelques sites historiques cachés, notamment les vestiges d'un château situé à proximité de la frontière Caerphilly/Thornhill, connu sous le nom de Castell Morgraig.
Thornhill tombe dans le quartier Llanishen du conseil du comté de Cardiff.
Transport
Former
Thornhill est desservie par la gare de Lisvane et Thornhill qui a remplacé la gare de Cefn Onn Halt qui a fermé ses portes en 1986.
Bus
* Thornhill est également desservie par des services de bus exploités par Cardiff Bus. Le service 28 traverse Thornhill et se termine à la gare routière centrale à intervalles réguliers. Les services de diligence A et B circulent toutes les 30 minutes depuis la gare routière centrale de Cardiff et s'arrêtent devant le cimetière.
Route
* L'autoroute M4 traverse Thornhill entre les sorties 30 et 32 mais il n'y a pas d'échangeur.
Éducation
La zone est desservie par [http://www.thornhillprm.cardiff.sch.uk Thornhill Primary School]. L'école secondaire la plus proche est le lycée Llanishen. L'enseignement en gallois est dispensé le plus localement à Ysgol Y Wern à proximité de Llanishen et à Ysgol Gyfun Gymraeg Glantaf à Llandaf Nord. | http://www.quizballs.com/ |
L'ingénieur du son Peter Lodge a annoncé pour la première fois quelle phrase sur le réseau ferroviaire du métro de Londres en 1969 ? | Attention à l'écart | [
"« Attention à l'écart » () est une phrase d'avertissement sonore ou visuelle émise aux passagers ferroviaires pour qu'ils soient prudents lorsqu'ils traversent l'espace spatial horizontal et, dans certains cas, vertical entre la porte du train et le quai de la gare.",
"L'expression « Attention à l'écart » a été inventée vers 1968 pour une annonce automatisée planifiée, après qu'il soit devenu impossible pour les conducteurs et les agents de gare d'avertir les passagers. Le métro de Londres a choisi l'enregistrement numérique à l'aide d'un équipement à semi-conducteurs sans pièces mobiles. page 220. Comme la capacité de stockage des données était coûteuse, l'expression devait être courte. Un avertissement concis était également plus facile à peindre sur la plateforme.",
"L'équipement a été fourni par AEG Telefunken. Selon l'Independent on Sunday, l'ingénieur du son Peter Lodge, propriétaire de Redan Recorders à Bayswater, en collaboration avec un ingénieur écossais de Telefunken, a enregistré un acteur lisant \"Attention à l'écart\" et \"Éloignez-vous des portes s'il vous plaît\", mais l'acteur a insisté pour que les redevances et les phrases ont dû être réenregistrées. Lodge a lu les phrases pour aligner l'équipement d'enregistrement en fonction du niveau et celles-ci ont été utilisées.",
"Étant donné que certains quais du métro de Londres sont incurvés et que le matériel roulant qui les utilise est droit, un espace dangereux est créé lorsqu'un train s'arrête sur un quai incurvé. En l'absence d'un dispositif permettant de combler l'espace vide, une certaine forme d'avertissement visuel et sonore est nécessaire pour informer les passagers du risque d'être pris par surprise et de se blesser en pénétrant dans l'espace vide. L'expression « Attention à l'écart » a été choisie à cet effet et peut être trouvée peinte le long des bords des quais incurvés ainsi que entendue sur les annonces enregistrées diffusées lorsqu'un train arrive dans de nombreuses stations de métro.",
"Des avertissements sonores « Attention à l'écart » sont diffusés en évidence sur les quais de la ligne centrale à Bank, sur la plate-forme en direction nord de la ligne Northern à Embankment et sur les quais de la ligne Bakerloo à Piccadilly Circus. Il y a des marquages sur le bord du quai qui s'alignent généralement avec les portes des voitures.",
"* Dans le métro d'Athènes, le message « Attention à l'écart entre le train et le quai » est entendu en grec et en anglais à la station de Monastiraki.",
"* Sur le U-Bahn de Berlin, l'expression « Veuillez faire attention à l'écart entre le bord du train et le bord du quai lors de la descente » est utilisée, suivie de l'anglais « Attention à l'écart entre le quai et le train ».",
"* La phrase peut être entendue dans le métro de New Delhi en deux langues (anglais et hindi) : \"(कृपया) दूरी का ध्यान रखें\" (\"Attention à l'écart\").",
"* Dans le MTR de Hong Kong, l'expression « Attention à l'écart » (請小心月台空隙) est annoncée en trois langues, à savoir le cantonais, l'anglais et le putonghua. Ces dernières années, une version plus élaborée de l'annonce, entendue dans certaines gares de la East Rail Line dotées de quais très incurvés, dit : « Veuillez faire attention à l'écart et soyez conscient de la différence de niveaux entre le quai et le train » (請小心空隙及留意月台與車廂地面的高低).",
"* Dans le métro de Rio de Janeiro, la phrase « Observe atentamente o espaço entre o trem e a plataforma – Attention à l'écart » peut également être entendue.",
"* Le MBTA de Boston a ajouté des avertissements « Attention à l'écart » près des bords des quais de la station Government Center rénovée en 2016.",
"Malgré son origine comme un avertissement de sécurité utilitaire, « Attention à l'écart » est devenu une expression courante et est utilisé dans de nombreux autres contextes ayant peu à voir avec la sécurité du métro.",
"Le lapin Wi-Fi Karotz dit parfois « Attention à l'écart ! » au hasard dans le cadre du réglage « humeur »."
] | « Attention à l'écart » () est une phrase d'avertissement sonore ou visuelle émise aux passagers ferroviaires pour qu'ils soient prudents lorsqu'ils traversent l'espace spatial horizontal et, dans certains cas, vertical entre la porte du train et le quai de la gare.
L'expression a été introduite pour la première fois en 1969 dans le métro de Londres au Royaume-Uni.
Origine de l'expression
L'expression « Attention à l'écart » a été inventée vers 1968 pour une annonce automatisée planifiée, après qu'il soit devenu impossible pour les conducteurs et les agents de gare d'avertir les passagers. Le métro de Londres a choisi l'enregistrement numérique à l'aide d'un équipement à semi-conducteurs sans pièces mobiles. page 220. Comme la capacité de stockage des données était coûteuse, l'expression devait être courte. Un avertissement concis était également plus facile à peindre sur la plateforme.
L'équipement a été fourni par AEG Telefunken. Selon l'Independent on Sunday, l'ingénieur du son Peter Lodge, propriétaire de Redan Recorders à Bayswater, en collaboration avec un ingénieur écossais de Telefunken, a enregistré un acteur lisant "Attention à l'écart" et "Éloignez-vous des portes s'il vous plaît", mais l'acteur a insisté pour que les redevances et les phrases ont dû être réenregistrées. Lodge a lu les phrases pour aligner l'équipement d'enregistrement en fonction du niveau et celles-ci ont été utilisées.
Bien que l'enregistrement de Lodge soit toujours utilisé, certaines lignes utilisent d'autres enregistrements. L’un a été enregistré par l’artiste vocale Emma Clarke. D'autres, sur la ligne Piccadilly par exemple, sont signés Tim Bentinck. Au moins 10 stations ont été équipées d'annonceurs fabriqués par PA Communications Ltd. de Milton Keynes. La voix enregistrée est celle de Keith Wilson, leur directeur des ventes industrielles de l'époque (mai 1990). On l'entend encore, à Paddington par exemple.
En mars 2013, il a été rapporté qu'un ancien enregistrement « Mind the gap » de l'acteur Oswald Laurence serait restauré à la station Embankment afin que la veuve de l'acteur puisse entendre sa voix.
Utilisation sur les îles britanniques
métro londonien
Étant donné que certains quais du métro de Londres sont incurvés et que le matériel roulant qui les utilise est droit, un espace dangereux est créé lorsqu'un train s'arrête sur un quai incurvé. En l'absence d'un dispositif permettant de combler l'espace vide, une certaine forme d'avertissement visuel et sonore est nécessaire pour informer les passagers du risque d'être pris par surprise et de se blesser en pénétrant dans l'espace vide. L'expression « Attention à l'écart » a été choisie à cet effet et peut être trouvée peinte le long des bords des quais incurvés ainsi que entendue sur les annonces enregistrées diffusées lorsqu'un train arrive dans de nombreuses stations de métro.
L'enregistrement est également utilisé lorsque les plates-formes sont de hauteur non standard. Les trains à tubes profonds ont une hauteur de plancher inférieure d'environ 200 mm à celle des trains de stock souterrains. Lorsque les trains partagent des plates-formes, par exemple certaines stations de la ligne Piccadilly (tube profond) et de la ligne District (souterraine), la plate-forme est un compromis. Sur la ligne Metropolitan de Londres, un espace a été créé entre le train et le bord des quais aux gares d'Aldgate et de Baker Street. Cela est dû à la suppression progressive des anciens trains de stock « A » et à leur remplacement par des trains de stock « S », qui ont des planchers bas pour faciliter l'accessibilité aux personnes handicapées.
Des avertissements sonores « Attention à l'écart » sont diffusés en évidence sur les quais de la ligne centrale à Bank, sur la plate-forme en direction nord de la ligne Northern à Embankment et sur les quais de la ligne Bakerloo à Piccadilly Circus. Il y a des marquages sur le bord du quai qui s'alignent généralement avec les portes des voitures.
Bien que le message soit souvent diffusé sur le système de sonorisation du quai sur certaines lignes, il devient également de plus en plus courant comme message d'arrivée à l'intérieur du train lui-même : « Veuillez faire attention à l'écart entre le train et le quai ».
Transit rapide de la région de Dublin
Dans le DART de Dublin, l'expression « attention à l'écart » est annoncée à chaque station le long de la ligne. Une signalétique « Mind the gap » est également présente dans toutes les gares du centre-ville. Dans le reste de l’Irlande, le message est également visible dans certaines gares. Dans les trains de banlieue et interurbains, l'annonce « Please mind the gap » est accompagnée de l'irlandais « Seachain an Bhearna le do thoil » lors de l'arrivée dans les gares.
L'expression dans le monde entier
Dans les trains
"Mind the gap" est utilisé par les systèmes de transport en commun du monde entier, en particulier lorsqu'il y a des gares dans les courbes, mais la plupart des nouveaux systèmes ont tendance à éviter ce type de gares.
L'Europe
* La version française, qui est un alexandrin, "Attention à la marche en descendant du train", est parfois inscrite sur les panneaux des quais du métro de Paris et peut être entendue dans Les RER. Certaines rames Métro plus récentes diffusent également cette annonce en italien, anglais, allemand, japonais et espagnol.
* Dans le métro d'Athènes, le message « Attention à l'écart entre le train et le quai » est entendu en grec et en anglais à la station de Monastiraki.
* Dans le tunnelbana de Stockholm et dans les gares ferroviaires de banlieue de Stockholm, deux versions peuvent être entendues : "Tänk på avståndet mellan vagn och platform när Du stiger av", signifiant "Faites attention à la distance entre le wagon et le quai lorsque vous sortez". Il est également affiché sous forme de texte sur les écrans électroniques.
* À Hambourg, les passagers de la gare S-Bahn Berliner Tor sont avertis par des feux clignotants jaunes et l'annonce "Veuillez faire attention à l'écart entre le train et le bord du quai !" ("Veuillez faire attention à l'écart entre le train et le quai").
* Sur le U-Bahn de Berlin, l'expression « Veuillez faire attention à l'écart entre le bord du train et le bord du quai lors de la descente » est utilisée, suivie de l'anglais « Attention à l'écart entre le quai et le train ».
* Dans le métro de Madrid, un message d'avertissement enregistré peut être entendu à l'intérieur des trains à l'approche d'une gare aux quais courbes : "Atención: estación en curva. Al salir, tengan cuidado para no introducir el pie entre coche y andén." ("Attention : gare dans un virage. En sortant, veillez à ne pas placer votre pied entre le train et le quai.") Aucun message d'avertissement n'est entendu à l'arrivée dans une gare à quai rectiligne.
* Dans le métro de Lisbonne, à la station Marquês de Pombal sur la ligne bleue, l'annonce "Atenção ao intervalo entre o cais e o comboio" ("Faites attention à l'écart entre le quai et le train") peut être entendue.
* Sur toutes les rames du réseau du métro de Milan, un autocollant jaune sur chaque porte est clairement visible avec l'avertissement en italien « Attenzione allo spazio tra treno e banchina » (qui signifie littéralement « Faites attention à l'écart entre le train et le train). platform ») et également en anglais « Mind the gap between the train and the platform ».
Asie et Océanie
* Dans le MRT de Singapour, l'expression est utilisée dans les annonces en anglais, jouées dans les trains chaque fois qu'un train s'approche d'une station de métro après que le nom de la station ait été annoncé deux fois. Il est également joué sur les quais des gares souterraines juste après l'ouverture des portes du train, ou parfois, juste au moment où le train s'approche du quai. Les trains ont également des autocollants collés sur les fenêtres pour avertir les passagers.
* La phrase peut être entendue dans le métro de New Delhi en deux langues (anglais et hindi) : "(कृपया) दूरी का ध्यान रखें" ("Attention à l'écart").
* Plusieurs systèmes de métro chinois utilisent largement cette expression ; dans le métro de Tianjin, des autocollants sur les portes des trains, les quais et les annonces mentionnent l'écart (ainsi que « attention à l'écart ») en anglais et en chinois. (L'expression chinoise est 小心站台空隙.) Certaines stations du métro de Tianjin se trouvent dans de légères courbes. Le métro de Pékin utilise « Mind the Gaps » (notez le pluriel). (Dans la ligne 4 récemment ouverte, l'expression a gagné en importance, étant jouée dans la gare à chaque fois qu'un train arrive et, dans certains trains, à chaque fois avant d'arriver à un arrêt.) Les métros de Shanghai et de Nanjing utilisent tous deux versions avec une grammaire légèrement mutilée ("Caution, Gap" et "Care the Gap", respectivement, bien que le chinois soit le même).
* Dans le MTR de Hong Kong, l'expression « Attention à l'écart » (請小心月台空隙) est annoncée en trois langues, à savoir le cantonais, l'anglais et le putonghua. Ces dernières années, une version plus élaborée de l'annonce, entendue dans certaines gares de la East Rail Line dotées de quais très incurvés, dit : « Veuillez faire attention à l'écart et soyez conscient de la différence de niveaux entre le quai et le train » (請小心空隙及留意月台與車廂地面的高低).
* Sur le système de transport ferroviaire du métro de Manille, un message préenregistré est diffusé dans certaines gares rappelant aux passagers de « surveillez où vous mettez les pieds et surveillez l'écart entre le train et le quai lorsque vous montez et descendez du train ». Ceci est simplifié dans sa traduction philippine, qui rappelle simplement aux passagers d'être prudents en montant et en descendant du train.
* Dans la plupart des gares de Sydney, il y a une annonce automatisée rappelant aux passagers de faire attention à l'écart, ainsi que des affiches informant les passagers du nombre de personnes qui tombent dans l'écart chaque année.
* Dans de nombreux trains au Japon, le message « 電車とホームの間は広く空いておりますので、ご注意下さい » est prononcé. Cela se traduit par : « Il y a un grand espace entre le train et le quai, alors soyez prudent ». L'expression « 足元にお気をつけ下さい » est également courante, ce qui signifie « Faites attention à vos pas ».
* En Thaïlande, l'annonce est utilisée un peu différemment de celle de Londres. Sur les trains du métro de Bangkok et les trains Airport Rail Link, il est écrit : « Veuillez faire attention à l'écart entre le train et le quai ». Certains grammairiens soutiennent qu'en tant que noms spécifiques et dénombrables, les mots « train » et « plate-forme » devraient être précédés de « le ». De plus, la version en langue thaïlandaise de l'annonce ne fait pas référence à un « écart », mais se traduit simplement par « S'il vous plaît, soyez prudent lorsque vous descendez du train ». Cependant, dans les gares du skytrain de Bangkok, l'annonce thaïlandaise mentionne le "gap", et peut se traduire par : "Attention, passagers, en entrant et en sortant du train, faites attention à l'écart entre le quai et le train. Merci !" L'annonce en anglais dit : "Attention, faites attention à l'écart entre le train et le quai. Merci !"
* Des panneaux sur les quais des ferries à Shanghai traduisent la phrase en chinglish comme « Notez que le niveau d'écart ».
* Les trains du métro d'Adélaïde concluent les annonces automatisées des stations avec le rappel « Veuillez faire attention à l'écart lorsque vous descendez du train ».
Amériques
* Début 2009, l'expression était également utilisée sur les bus Metro Transit (King County) à Seattle et dans ses environs, Washington.
* Dans les stations du métro de São Paulo et du CPTM à São Paulo, au Brésil, la phrase que l'on peut entendre est « Cuidado com o vão entre o trem e a plataforma » (« Faites attention à l'écart entre le train et le quai »).
* Dans presque toutes les gares des trains de banlieue SuperVia de Rio de Janeiro, le conducteur annonce « Observe o espaço entre o trem e a plataforma » (« Observe l'espace entre le train et le quai »), et parfois « Observe o desnível entre o trem e a plataforma" ("Regardez la différence de niveau entre le train et le quai").
* Dans le métro de Rio de Janeiro, la phrase « Observe atentamente o espaço entre o trem e a plataforma – Attention à l'écart » peut également être entendue.
* Les lignes Long Island Rail Road, Metro-North et New Jersey Transit de la région de New York utilisent des panneaux indiquant « Observez l'écart » sur les trains et les quais. En raison des informations faisant état de personnes passant à travers la brèche, un avertissement est désormais diffusé dans chaque gare, ainsi que des annonces automatisées à bord des trains des trois chemins de fer.
** La Metropolitan Transportation Authority (MTA), qui gère le LIRR et le MNRR, a retenu les services de personnalités new-yorkaises, dont Maria Bartiromo et Al Roker, pour réciter le slogan.
** Il est également utilisé sur le métro de New York et sur le Staten Island Railway exploités par la MTA – sur les trains et les quais, ainsi que dans les annonces des conducteurs.
* Des plaques sur les quais du métro de Toronto et des stations RT avertissent les usagers de « Faites attention à l'écart ». Les annonces concernant l'avertissement sur le système d'annonces publiques de chaque station peuvent également être entendues par intermittence.
* Aux États-Unis, l'annonce standard des conducteurs d'Amtrak à l'approche d'un arrêt de gare se termine par « Faites attention à l'écart entre le train et le quai ».
* Dans le métro de Buenos Aires, des avertissements sur le sol des quais et sur les fenêtres des portes des trains indiquaient « Cuidado con el espacio entre el tren y el andén ». ("Faites attention à l'écart entre le train et le quai").
* Le MBTA de Boston a ajouté des avertissements « Attention à l'écart » près des bords des quais de la station Government Center rénovée en 2016.
Autres utilisations
Malgré son origine comme un avertissement de sécurité utilitaire, « Attention à l'écart » est devenu une expression courante et est utilisé dans de nombreux autres contextes ayant peu à voir avec la sécurité du métro.
La phrase est imprimée sur les T-shirts souvenirs emblématiques vendus par Transport for London, avec l'avertissement imprimé sur le logo cocarde du réseau.
Il a été utilisé comme titre d'au moins deux albums de musique de Scooter et Tristan Psionic, d'un film et d'un roman, comme nom d'une société de production cinématographique, d'une compagnie de théâtre et d'un jeu de société.
Au moins quatre titres de livres de non-fiction utilisent « Mind the Gap » comme titre principal – les livres traitent des générations, des divisions de classe, de la politique des sciences sociales et des origines des universaux humains.
L'expression est utilisée dans de nombreux jeux vidéo et mobiles, notamment Portal, Call of Duty : Modern Warfare 3, Halo, Where's My Water, Quantum Conundrum, Killing Floor, Amazing Alex, Armadillo Run et BioShock Infinite, ainsi que dans des séries animées telles que The Clone Wars, généralement dans un contexte ironique. Un soldat de Captain America : The First Avenger le dit avec humour avant de descendre en tyrolienne dans un train en marche à travers des sommets enneigés. C’était une déclaration importante du tueur cannibale souterrain du film Death Line de 1972. La phrase figure également dans la bande originale du jeu Timesplitters: Future Perfect in the Subway.
C'est aussi le titre d'une chanson des Noisettes de leur album What's the Time Mr. Wolf ?. L'expression est utilisée dans les chansons "Deadwing" de Porcupine Tree, "Bingo" de Madness, "Someone in London" de Godsmack, Metal Airplanes de Matthew Good et "New Frontier" de Counting Crows. Emma Clarke, l'une des voix du métro de Londres, a sorti un single Mind The Gap. Il présente de fausses annonces dans le métro de Londres. Le groupe de hip hop portugais Mind Da Gap s'est également inspiré de cette phrase courante.
L'expression a été utilisée comme nom pour une campagne en décembre 2010 visant à faire pression sur le gouvernement britannique pour permettre aux étudiants en année sabbatique de reporter leur place à l'université et de ne pas payer les frais de scolarité plus élevés en septembre 2012.
Le lapin Wi-Fi Karotz dit parfois « Attention à l'écart ! » au hasard dans le cadre du réglage « humeur ».
L'expression a été utilisée pour nommer un problème d'optimisation combinatoire.
Ce message est également à l'origine du nom du logiciel "Gapminder" de Hans Rosling.
L'expression était le titre d'un jeu télévisé de 1999 animé par Paul Ross, réalisé pour ITV par Carlton Television. | http://www.quizballs.com/ |
Quel comédien britannique incarne le directeur, M. Gilbert, dans la série télévisée britannique « The Inbetweeners » ? | Greg Davies | [
"* M. Gilbert – Greg Davies",
"* M. Gilbert (Greg Davies) est l'archétype de l'enseignant d'une école polyvalente. Misanthrope et toujours amer, il ne s'intéresse pas à son travail et traite ses élèves avec un mépris total. En tant que directeur de sixième, il dépend du directeur de l'école. Physiquement, il est très grand et fortement bâti, ce que tout le monde trouve assez intimidant, étant décrit par Will comme un \"géant fou\". Il a un esprit mordant et du sarcasme qu'il utilise pour exprimer son aversion pour son travail et les enfants dont il est responsable. Will tente souvent de se faire aimer de M. Gilbert et est repoussé. M. Gilbert souhaite évidemment une vie tranquille et plutôt que d'assurer l'équité entre les enfants, il se contente de désamorcer les situations et de passer à autre chose, laissant souvent les choses en suspens."
] | The Inbetweeners est une sitcom britannique diffusée à l'origine sur E4 de 2008 à 2010. Créée et écrite par Damon Beesley et Iain Morris, la série a suivi la vie de l'adolescent de banlieue Will McKenzie (Simon Bird) et de ses trois amis au fictif Rudge Park Comprehensive. . Les épisodes impliquaient des situations d'intimidation à l'école, une vie de famille brisée, un personnel scolaire indifférent, des liens masculins et des rencontres sexuelles largement ratées.
Bien qu'elle n'ait été diffusée que pendant moins de trois ans, la série a été nominée pour la « Meilleure comédie de situation » aux BAFTA à deux reprises, en 2009 et 2010. Aux British Academy Television Awards 2010, elle a remporté le prix du public et, en 2010, la série a remporté le prix. Prix de la meilleure sitcom aux British Comedy Awards. Lors des British Comedy Awards 2011, la série a également remporté le prix de la contribution exceptionnelle à la comédie britannique. Le film Inbetweeners est sorti le 17 août 2011 avec un succès au box-office, et une suite a suivi le 6 août 2014.
Une version américaine de The Inbetweeners a été diffusée sur MTV pendant une saison en 2012, mais a été annulée en raison de faibles audiences.
Histoire
Damon Beesley et Iain Morris se sont rencontrés en tant que producteurs sur The 11 O'Clock Show de Channel 4. Après avoir occupé des postes de commissaires à Channel 4, où Morris dirigeait Peep Show, les deux hommes ont lancé leur propre société, Bwark Productions, en 2004 et ont décroché leur première série avec The Inbetweeners. Un pilote de l'émission a été produit en 2006 sous la direction de James Bobin intitulé "Baggy Pantalon".
E4 a initialement diffusé la première série en mai 2008, et Channel 4 l'a également diffusée en novembre de la même année. La deuxième série a commencé à être projetée au Royaume-Uni le 2 avril 2009 et s'est terminée le 7 mai 2009. Une troisième série a été commandée par E4, commençant le 1er septembre 2010 et se terminant le 18 octobre 2010. Le premier épisode de la troisième série avait le plus jamais vu pour une commande originale de l'E4. Après la conclusion de la troisième série, les acteurs et l'équipe de la série ont indiqué qu'il n'y aurait pas de quatrième série car la série avait suivi son cours, mais qu'un film Inbetweeners serait produit, se déroulant quelque temps après la troisième série et après le en vacances à Malia, Crète, Grèce.
Pour le Red Nose Day 2011, les stars de l'émission ont voyagé à travers le Royaume-Uni dans la Fiat Cinquecento Hawaii jaune présentée dans l'émission dans un spécial intitulé The Inbetweeners: Rude Road Trip. L’objectif était de tenter de retrouver les 50 noms de lieux les plus grossiers du pays.
Le casting principal
Primaire
* Will McKenzie – Simon Bird
*Simon Cooper-Joe Thomas
*Neil Sutherland-Blake Harrison
* Jay Cartwright-James Buckley
Secondaire
* Carli D'Amato – Emily Head
* Mark Donovan-Henry Lloyd-Hughes
* M. Gilbert – Greg Davies
* Charlotte Hinchcliffe – Emily Atack
* Polly McKenzie – Belinda Stewart-Wilson
Personnages
Personnages principaux
Les quatre personnages principaux sont vus dans chaque épisode ainsi que dans les films de 2011 et 2014. Ils sont constitués de :
* Will McKenzie (Simon Bird) est le personnage principal de la série, avec sa voix off introduisant et concluant chaque épisode. Dans le premier épisode, il a été transféré d'une école publique, après le divorce de ses parents, à Rudge Park Comprehensive, où il finit par se lier d'amitié avec les autres. C'est un héros non conventionnel – bien qu'il soit généralement le plus spirituel et le plus équilibré du groupe, il est enclin à faire de mauvais choix et son sarcasme l'amène parfois à faire des remarques scandaleuses et offensantes. Will est brillant, concentré et désireux d’entrer dans une bonne université. Cependant, il se révèle frustré sur le plan romantique et pessimiste quant à ses chances, en raison de sa conscience de son manque de toute sorte de grâce suave ou sociale.
* Jay Cartwright (James Buckley) est le plus immature et le plus arrogant des garçons. Il est également le plus vulgaire du groupe et nourrit une vision généralement misogyne. Il est obsédé par le sexe et presque tous ses commentaires portent sur le sujet. Dans son esprit, il est le plus expérimenté sexuellement du groupe. Il raconte fréquemment des histoires farfelues et fictives sur ses expériences (sexuelles ou autres) et donne des conseils très douteux qui démontrent qu'en réalité il a très peu de compréhension du sujet. En fait, il est le moins expérimenté sexuellement du groupe, s'appuyant fréquemment sur la pornographie pour obtenir une gratification, car il a du mal à s'engager avec les filles. En plus de ses histoires sexuelles, Jay ment compulsivement sur à peu près n'importe quoi pour paraître plus cool, aussi incroyable soit-il.
* Simon Cooper (Joe Thomas) est le plus cynique et grincheux du groupe, sujet à des crises de jurons hystériques à la moindre provocation – comme des incitations douces, des règles familiales ou même des conseils aimables – de la part de sa famille ou de ses pairs. Cependant, il apparaît également dans plusieurs scènes comme étant le membre le plus sympathique et le plus digne de confiance du groupe, et il entretient une relation plus étroite avec Will qu'avec aucun des autres. Simon se considère comme le plus romantique des garçons, sa relation intermittente avec Carli propulsant de nombreuses intrigues.
* Neil Sutherland (Blake Harrison) est connu pour être le membre lent, quelque peu stupide, gentil et crédule du groupe. Il ne parvient souvent pas à comprendre qu'il est responsable des mauvaises situations qu'il provoque et ne parvient pas à détecter les sarcasmes, prenant souvent les commentaires au sérieux et croit systématiquement aux mensonges compulsifs et flagrants de Jay. L'esprit plus simple de Neil signifie qu'il est souvent heureux et positif, qu'il accepte davantage Will et qu'il affiche moins d'égoïsme et d'obsession pour le sexe que les autres. Il a tendance à avoir plus de succès avec les filles des quatre.
Personnages récurrents
* Carli D'Amato (Emily Head) est le principal intérêt amoureux de Simon. Elle fait preuve d'une grande influence sur ses pairs, y compris sur les intimidateurs de l'école. Elle et Simon sont amis depuis l'âge de huit ans, ce qui explique probablement pourquoi Simon est capable d'approcher une fille dans un cercle social si différent. En général, Carli a peu d'intérêt romantique pour Simon mais utilise son engouement évident à son propre avantage.
* Charlotte Hinchcliffe (Emily Atack) est la fille la plus attirante et la plus populaire de l'école. Elle est très confiante et un an au-dessus des quatre garçons. Elle mentionne à Will qu'elle a déjà eu « onze amants » et qu'elle est tenue en très haute estime par les garçons.
* Mark Donovan (Henry Lloyd-Hughes) est l'ennemi juré de Will, s'en prenant souvent à lui pour remplir son rôle d'intimidateur de l'école. Ironiquement, Donovan se montre souvent quelque peu sensible et se montre poli et amical devant les parents ou les enseignants. Lorsqu'il révèle son côté sensible à Will, celui-ci le menace de mort s'il en parle.
* M. Gilbert (Greg Davies) est l'archétype de l'enseignant d'une école polyvalente. Misanthrope et toujours amer, il ne s'intéresse pas à son travail et traite ses élèves avec un mépris total. En tant que directeur de sixième, il dépend du directeur de l'école. Physiquement, il est très grand et fortement bâti, ce que tout le monde trouve assez intimidant, étant décrit par Will comme un "géant fou". Il a un esprit mordant et du sarcasme qu'il utilise pour exprimer son aversion pour son travail et les enfants dont il est responsable. Will tente souvent de se faire aimer de M. Gilbert et est repoussé. M. Gilbert souhaite évidemment une vie tranquille et plutôt que d'assurer l'équité entre les enfants, il se contente de désamorcer les situations et de passer à autre chose, laissant souvent les choses en suspens.
Épisodes
Les épisodes des première, deuxième et troisième séries peuvent être visionnés au Royaume-Uni, en Irlande, au Japon, en Norvège, en Australie et aux États-Unis via Netflix. LoveFilm et le service de rattrapage de Channel 4, 4oD, le diffusent également au Royaume-Uni et en Irlande. Les trois séries sont également disponibles sur YouTube, avec The Inbetweeners: Rude Road Trip et Top Ten Inbetweeners Moments.
Notes
Série 1
Série 2
Série 3
Musique
Le thème d'ouverture de The Inbetweeners est une version instrumentale de "Gone Up In Flames" du groupe de rock anglais Morning Runner. La première série présente également de la musique instrumentale de Rachel Stevens, Tellison, Paolo Nutini, The Maccabees, Air Traffic, Calvin Harris, The Ting Tings, Arctic Monkeys, Theaudience, The Fratellis, Vampire Weekend, Two Door Cinema Club, Mystery Jets, Kid British. , Phoenix, General Fiasco, Gorillaz, Hot Chip, Belle & Sebastian, Field Music, Jamie T, The Libertines, Rihanna, Oasis, Jack Peñate, Guillemots, The Feeling, Kate Nash, The Wombats, The Jam, The Cure, Lily Allen , Mumm-Ra, Kylie Minogue et Feist. La deuxième série présentait également des instrumentaux d'Adele, Oasis, Biffy Clyro, Passion Pit, Royworld, MGMT, Maximo Park et The Cribs et la troisième série présentait également des instrumentaux de Ludacris. Une liste complète peut être trouvée sur le [http://www.e4.com/inbetweeners/s1music.html Site Web de l'E4].
Un album de bande originale, The Inbetweeners Soundtrack, est sorti en 2009.
La musique a été choisie par la superviseure musicale puis la DJ de Xfm, Marsha Shandur.
Réception
Réception critique
The Inbetweeners a reçu des critiques généralement positives de la part des critiques de télévision. Chez Metacritic, la première saison a obtenu une note de 73 sur 100, sur la base de 7 avis, indiquant des « avis généralement favorables ».
Joe McNally, écrivant pour The Independent, salue un "dialogue extrêmement précis, capturant parfaitement la sensation de l'adolescence" et Will Dean de The Guardian commente que la série "capture de manière assez splendide l'expérience pathétique des hommes de sixième année". La série contraste souvent avec le drame pour adolescents à succès d'E4, Skins ; les commentateurs ont proposé que «la représentation de la banlieue terne d'Inbetweeners est plus proche [que celle de Skins] des années d'adolescence mornes que la plupart d'entre nous ont passées, plutôt que du temps décadent que nous aurions souhaité passer.»
Notes
La première série a débuté le 1er mai 2008 et l'épisode pilote a attiré 238 000 téléspectateurs. La série a attiré en moyenne 459 000 téléspectateurs, dont 474 000 téléspectateurs ont regardé la finale de la série. The Inbetweeners a reçu deux nominations aux British Comedy Awards ; l'émission a été nominée pour la « Meilleure nouvelle comédie télévisée britannique (scénarisée) » et Simon Bird a été nominé pour « Meilleur nouveau venu dans une comédie masculine ». Tous deux ont remporté leur catégorie respective. L'émission a également été élue par le site Web British Comedy Guide comme « Meilleure nouvelle sitcom télévisée britannique 2008 ». Il a été nominé pour la « Meilleure comédie de situation » aux British Academy Television Awards 2009, perdant finalement face à The IT Crowd. Il a ensuite remporté le prix du public aux British Academy Television Awards 2010.
Le premier épisode de la deuxième série, diffusé sur E4 à 22 heures (BST) le 2 avril 2009, a attiré en moyenne 958 000 téléspectateurs, avec 234 000 autres téléspectateurs à 23 heures sur la chaîne en différé E4 +1, ce qui signifie qu'il a été regardé par 1,2 million de personnes. la plus forte audience de 2009 pour l'E4.
Le premier épisode de la troisième série a été diffusé le 13 septembre 2010 sur le réseau numérique terrestre britannique E4, attirant une audience moyenne record de 2,6 millions de téléspectateurs (part d'audience de 12,5 %) dans son créneau de 22 heures, le chiffre d'audience le plus élevé jamais enregistré pour une émission diffusée sur la chaîne jusqu'en 2011, date à laquelle Glee a battu le record. Pour cette série, il a été déplacé au lundi au lieu du jeudi mais a conservé son créneau de 22 heures.
Prix
* Meilleure nouvelle comédie télévisée, British Comedy Awards 2008
* Meilleur nouveau venu dans une comédie masculine (Simon Bird) British Comedy Awards 2008
* Meilleure nouvelle sitcom télévisée britannique, The Comedy.co.uk Awards 2008
* Meilleure émission comique, TV Quick et TV Choice Awards 2009
* Nominé pour la meilleure comédie de situation aux British Academy Television Awards 2009.
* Meilleure émission de télévision, NME Awards 2010
* Meilleur acteur de comédie télévisée (Simon Bird) British Comedy Awards 2009
* Nominé pour la meilleure comédie de situation aux British Academy Television Awards 2010.
* Prix du public YouTube, British Academy Television Awards 2010
* Meilleure comédie de situation, Rose d'Or 2010
* Prix nationaux de télévision de choix numérique 2011
* Réalisation exceptionnelle de la British Comedy Academy British Comedy Awards 2011
* Meilleure comédie, Empire Awards 2012
Diffusion mondiale
BBC America a commencé à diffuser The Inbetweeners à partir du 25 janvier 2010. Le réseau a diffusé les deux premières séries sous la forme d'une seule série de 12 épisodes. La même chose a été faite par MTV Latin America.
En 2010, The Inbetweeners a commencé à être diffusé en Australie sur la chaîne numérique GO ! de Nine Network, sur Super Channel au Canada, sur la chaîne comique TV4 Komedi en Suède, sur TV2 en Nouvelle-Zélande et sur MTV Latin America. En Israël, oui, Next a diffusé les 2 premières séries, tandis que la date de diffusion de la 3ème série est inconnue. Les 3 saisons sont arrivées en 2012 sur HOT VOD. En 2011, la série a été créée au Brésil sur I.Sat et le 13 août 2013, le site de streaming brésilien « Muu » a présenté la production britannique.
Le 28 février 2011, Les Inbetweeners a débuté sa diffusion en France sur MCM.[http://www.allocine.fr/series/ficheserie_gen_cserie=3705.html Les Inbetweeners - Série TV - AlloCiné]
La chaîne australienne ABC2 a diffusé le programme à partir du 8 janvier 2015.
Médias domestiques
* La série 1 est sortie en DVD le 2 juin 2008.
* La série 2 est sortie en DVD le 18 mai 2009.
* Le coffret des séries 1-2 est sorti en DVD le 18 mai 2009.
* La série 3 est sortie en DVD le 25 octobre 2010.
* Le coffret des séries 1 à 3 est sorti le 25 octobre 2010.
* Le film Inbetweeners est sorti sur DVD et disque Blu-ray le 12 décembre 2011 au Royaume-Uni.
Tous les DVD ont reçu un certificat 18 au Royaume-Uni et MA15+ en Australie en raison de leur nombre élevé de références linguistiques et sexuelles fortes.
La version cinématographique de The Inbetweeners Movie a reçu un certificat 15 au Royaume-Uni, la version étendue recevant un certificat 18.
Retombées
Livres
Deux livres ont été publiés :
* L'Inbetweeners Yearbook a été publié par Century Books le 29 septembre 2011. ISBN 1846059275
* Le Scriptbook Inbetweeners a été publié par Century Books le 25 octobre 2012. ISBN 1780891059
Films
En septembre 2009, Beesley et Morris ont confirmé qu'un film avait été commandé par Film4. L'intrigue tourne autour des quatre garçons, aujourd'hui âgés de dix-huit ans, partant en vacances à Malia, en Grèce. Il est sorti en salles le 17 août 2011 avec un certificat de 15 au Royaume-Uni. Le film original est également sorti aux États-Unis le 7 septembre 2012, mais sans grand succès. Avec un budget de 3,5 millions de livres sterling, le film a réalisé un box-office mondial de plus de 57 millions de livres sterling.
Début août 2013, les créateurs Iain Morris et Damon Beesley ont confirmé qu'un deuxième film Inbetweeners serait réalisé avec une date de sortie prévue le 6 août 2014 au Royaume-Uni et en Irlande ; ils ont publié une déclaration disant: "Nous ne pourrions pas être plus excités de faire un autre film Inbetweeners. Un nouveau chapitre dans la vie des Inbetweeners semble être le moins que nous puissions faire pour remercier les fans pour leur réponse phénoménale au premier film. " Cette suite se déroule en Australie.
version américaine
En 2008, ABC a demandé à Iain Morris et Damon Beesley de produire un pilote pour une version américaine de The Inbetweeners. Le pilote n'a pas été repris par le réseau, mais ils ont donné à Morris et Beesley un deuxième engagement de scénario aveugle pour un futur projet que les deux créeront.
Le 31 mars 2011, il a été annoncé que MTV avait commandé une première saison de 12 épisodes pour une version américaine de The Inbetweeners. Un épisode pilote, écrit par Brad Copeland, a reçu le feu vert en septembre 2010. Copeland est également producteur exécutif de la série avec Beesley et Morris. La série a duré une saison du 20 août au 5 novembre 2012, avant d'être annulée par MTV en raison de faibles audiences.
La version américaine a commencé à être diffusée au Royaume-Uni le 5 décembre 2012 sur E4. Une version DVD britannique de la version américaine est sortie le 8 janvier 2013. La version américaine a été diffusée sur la chaîne Freeview Viva, propriété de Viacom, à partir du 4 août 2014. | http://www.quizballs.com/ |
Qui l'Allemagne a-t-elle battu pour remporter la Coupe du Monde de la FIFA 1990 ? | Argentine | [
"Après l'élimination de l'Allemagne de l'Ouest au premier tour de l'Euro 1984, Franz Beckenbauer est revenu en équipe nationale pour remplacer Derwall en tant qu'entraîneur. Lors de la Coupe du monde 1986 au Mexique, l'Allemagne de l'Ouest a terminé deuxième du tournoi consécutif après avoir battu la France 2-0 en demi-finale, mais a perdu contre l'Argentine dirigée par Diego Maradona en finale, 2-3. Lors de l'Euro 1988, les espoirs de l'Allemagne de l'Ouest de remporter le tournoi à domicile ont été gâchés par les Pays-Bas, qui les ont battus 2-1 en demi-finale.",
"Lors de la Coupe du monde de 1990 en Italie, l'Allemagne de l'Ouest a remporté son troisième titre de Coupe du monde, lors de sa troisième participation finale consécutive sans précédent. Commandés par Lothar Matthäus, ils ont battu la Yougoslavie (4-1), les Émirats arabes unis (5-1), les Pays-Bas (2-1), la Tchécoslovaquie (1-0) et l'Angleterre (1-1, 4-3 aux tirs au but). en route vers un dernier match revanche contre l'Argentine, disputé à Rome, la capitale italienne. L'Allemagne de l'Ouest a gagné 1-0, le seul but étant un penalty marqué à la 85e minute par Andreas Brehme. Beckenbauer, qui a remporté la Coupe du monde en tant que capitaine de l'équipe nationale en 1974, est ainsi devenu le premier à remporter la Coupe du monde à la fois en tant que capitaine et entraîneur.",
"L'Allemagne a affronté l'Argentine en quarts de finale. Le match s'est terminé 1-1 et l'Allemagne a remporté les tirs au but 4-2.",
"En quarts de finale, l'Allemagne a battu l'Argentine 4-0 et Miroslav Klose a égalé le record de l'Allemand Gerd Müller de 14 buts en Coupe du monde.",
"La finale de la Coupe du monde s'est déroulée au Maracana de Rio de Janeiro le 13 juillet et a opposé le meilleur joueur du monde (Lionel Messi) à la meilleure équipe du monde (Allemagne). Le but de Mario Götze à la 113e minute a aidé l'Allemagne à battre l'Argentine 1-0, devenant ainsi la première équipe européenne à remporter une Coupe du Monde de la FIFA dans les Amériques."
] | L'équipe nationale allemande de football (ou simplement Die Mannschaft) est l'équipe masculine de football qui représente l'Allemagne dans les compétitions internationales depuis 1908. Elle est régie par la Fédération allemande de football (Deutscher Fußball-Bund), fondée en 1900. Depuis la création de la DFB Rouverte en 1949, l'équipe a représenté la République fédérale d'Allemagne. Sous occupation et division alliées, deux autres équipes nationales distinctes ont également été reconnues par la FIFA : l'équipe de la Sarre représentant la Sarre (1950-1956) et l'équipe d'Allemagne de l'Est représentant la République démocratique allemande (1952-1990). Tous deux ont été absorbés avec leurs records par l'équipe nationale actuelle. Le nom et le code officiels « Germany FR (FRG) » ont été raccourcis en « Germany (GER) » après la réunification en 1990.
L'Allemagne est l'une des équipes nationales les plus titrées dans les compétitions internationales, ayant remporté au total quatre Coupes du monde (1954, 1974, 1990, 2014) et trois Championnats d'Europe (1972, 1980, 1996). Ils ont également été finalistes à trois reprises aux Championnats d'Europe, quatre fois à la Coupe du monde et quatre autres troisièmes places à la Coupe du monde. L'Allemagne de l'Est a remporté l'or olympique en 1976. L'Allemagne est la seule nation à avoir remporté la Coupe du monde masculine et féminine. À la fin de la Coupe du Monde de la FIFA 2014, l'Allemagne a obtenu la note Elo la plus élevée de toutes les équipes nationales de football de l'histoire, avec un record de 2 200 points. L'Allemagne est également la seule nation européenne à avoir remporté une Coupe du Monde de la FIFA dans les Amériques. Le manager actuel de l'équipe nationale est Joachim Löw.
Histoire
Premières années (1899-1942)
Entre 1899 et 1901, avant la formation d'une équipe nationale, il y eut cinq matches internationaux non officiels entre différentes équipes de sélection allemandes et anglaises, qui se soldèrent tous par de larges défaites pour les équipes allemandes. Huit ans après la création de la Fédération allemande de football (DFB), le premier match officiel de l'équipe nationale allemande de football fut joué le 5 avril 1908, contre la Suisse à Bâle, la Suisse l'emportant 5–3. Par coïncidence, le premier match après la Première Guerre mondiale en 1920, le premier match après la Seconde Guerre mondiale en 1950, alors que l'Allemagne était encore exclue de la plupart des compétitions internationales, et le premier match en 1990 avec d'anciens joueurs est-allemands se sont tous déroulés également contre la Suisse. Le premier titre de champion d'Allemagne a même été remporté en Suisse.
A cette époque, les joueurs étaient sélectionnés par la DFB, car il n'y avait pas d'entraîneur dédié. Le premier manager de l'équipe nationale allemande fut Otto Nerz, un professeur d'école de Mannheim, qui a occupé ce poste de 1926 à 1936. La Fédération allemande de football n'avait pas les moyens de se rendre en Uruguay pour la première Coupe du monde organisée en 1930 pendant la Grande Dépression. mais a terminé troisième de la Coupe du monde 1934 lors de sa première participation à la compétition. Après une mauvaise performance aux Jeux Olympiques de Berlin en 1936, Sepp Herberger devient entraîneur. En 1937, il constitua une équipe qui fut bientôt surnommée l'Elfe de Breslau (les Onze de Breslau) en reconnaissance de leur victoire 8-0 contre le Danemark dans la ville alors allemande de Breslau, en Basse-Silésie (aujourd'hui Wrocław, Pologne).
Après que l'Autriche soit devenue partie intégrante de l'Allemagne lors de l'Anschluss de mars 1938, l'équipe nationale de ce pays – l'une des meilleures équipes d'Europe à l'époque en raison de son professionnalisme – a été dissoute alors qu'elle était déjà qualifiée pour la Coupe du monde de 1938. Comme l'exigeaient les politiciens nazis, cinq ou six anciens joueurs autrichiens, des clubs Rapid Vienna, Austria Vienna, First Vienna FC, ont reçu l'ordre de rejoindre l'équipe entièrement allemande dans un bref délai dans une démonstration d'unité orchestrée pour des raisons politiques. Lors de la Coupe du monde 1938 qui a débuté le 4 juin, cette équipe allemande « unie » n'a réussi qu'un match nul 1–1 contre la Suisse, puis a perdu la rediffusion 2–4 devant une foule hostile à Paris, en France. Cette élimination anticipée constitue le pire résultat de l'Allemagne en Coupe du monde (à l'exclusion des tournois de 1930 et 1950 auxquels l'Allemagne n'a pas participé).
Pendant la Seconde Guerre mondiale, l'équipe a disputé plus de 30 matchs internationaux entre septembre 1939 et novembre 1942, date à laquelle les matchs de l'équipe nationale ont été suspendus, la plupart des joueurs devant rejoindre les forces armées. De nombreux joueurs de l'équipe nationale ont été rassemblés sous la direction de l'entraîneur Herberger sous le nom de Rote Jäger grâce aux efforts d'un officier de l'armée de l'air sympathique qui tentait de protéger les footballeurs du service de guerre le plus dangereux.
Trois équipes nationales allemandes (1945-1990)
Après la Seconde Guerre mondiale, l'Allemagne a été interdite de compétition dans la plupart des sports jusqu'en 1950. La DFB n'était pas membre à part entière de la FIFA et aucun des trois nouveaux États allemands – l'Allemagne de l'Ouest, l'Allemagne de l'Est et la Sarre – n'a participé à la Coupe du monde 1950. qualificatifs.
La République fédérale d'Allemagne, appelée Allemagne de l'Ouest, a continué la DFB. Avec la reconnaissance de la FIFA et de l'UEFA, la DFB a maintenu et poursuivi le record de l'équipe d'avant-guerre. La Suisse a de nouveau été la première équipe à affronter l'Allemagne de l'Ouest en 1950.
L'Allemagne de l'Ouest s'est qualifiée pour la Coupe du monde 1954.
La Sarre, sous contrôle français entre 1947 et 1956, n'a pas adhéré aux organisations françaises et n'a pas été autorisée à participer aux organisations panallemandes. Il a envoyé sa propre équipe aux Jeux olympiques d’été de 1952 et aux éliminatoires de la Coupe du monde de 1954. En 1957, la Sarre adhère à la République fédérale d'Allemagne.
En 1949, la République démocratique allemande (Allemagne de l’Est) est fondée. En 1952, le Deutscher Fußball-Verband der DDR (DFV) fut créé et l'équipe nationale de football d'Allemagne de l'Est entra sur le terrain. Ils ont été la seule équipe à battre les Allemands de l'Ouest, vainqueurs de la Coupe du Monde de la FIFA 1974, lors de la seule rencontre entre les deux équipes de cette nation divisée. L'Allemagne de l'Est a remporté la médaille d'or aux Jeux olympiques de 1976. Après la réunification allemande en 1990, la compétition de football de l'Est a été réintégrée à la DFB.
Victoire de la Coupe du monde 1954
L'Allemagne de l'Ouest, dirigée par Fritz Walter, a rencontré lors de la Coupe du monde 1954 la Turquie, la Yougoslavie et l'Autriche. En affrontant la Hongrie, favorite, en phase de groupes, l'Allemagne a perdu 3–8. L'Allemagne de l'Ouest a de nouveau rencontré les Hongrois Mighty Magyars en finale. La Hongrie était invaincue depuis 32 matches consécutifs. Dans une surprise, l'Allemagne de l'Ouest a gagné 3-2, Helmut Rahn marquant le but vainqueur. Le succès s'appelle "Le Miracle de Berne" (Das Wunder von Bern).
Défaites mémorables : but à Wembley et match du siècle (1958-1970)
Après avoir terminé quatrième de la Coupe du monde 1958 et atteint seulement les quarts de finale de la Coupe du monde 1962, la DFB a procédé à des changements. Le professionnalisme a été introduit et les meilleurs clubs des différentes Regionalligas ont été rassemblés dans la nouvelle Bundesliga. En 1964, Helmut Schön prend la relève en tant qu'entraîneur, remplaçant Herberger en poste depuis 28 ans.
Lors de la Coupe du monde 1966, l'Allemagne de l'Ouest a atteint la finale après avoir battu l'URSS en demi-finale, face à l'Angleterre, pays hôte. Dans le temps supplémentaire, le premier but de Geoff Hurst a été l'un des buts les plus controversés de l'histoire de la Coupe du Monde : le juge de touche a signalé que le ballon avait franchi la ligne pour marquer, après avoir rebondi sur la barre transversale, lorsque les rediffusions ont montré que c'était le cas. ne semble pas avoir complètement franchi la ligne. Hurst a ensuite marqué un autre but donnant à l'Angleterre une victoire 4-2.
L'Allemagne de l'Ouest lors de la Coupe du monde 1970 a éliminé l'Angleterre en quarts de finale 3–2, avant de subir une défaite 4–3 en prolongation en demi-finale contre l'Italie. Ce match avec cinq buts en prolongation est l'un des plus dramatiques de l'histoire de la Coupe du monde et est appelé le « Jeu du siècle » tant en Italie qu'en Allemagne. L'Allemagne de l'Ouest a remporté la troisième place en battant l'Uruguay 1-0. Gerd Müller a terminé meilleur buteur du tournoi avec 10 buts.
Titre de la Coupe du monde 1974 à domicile
En 1971, Franz Beckenbauer devient capitaine de l'équipe nationale et mène l'Allemagne de l'Ouest à la victoire au Championnat d'Europe de l'Euro 1972, battant l'Union soviétique 3-0 en finale.
En tant qu'hôtes de la Coupe du monde 1974, ils ont remporté leur deuxième Coupe du monde en battant les Pays-Bas 2-1 en finale à Munich.
Deux matches de la Coupe du monde 1974 ont marqué l'Allemagne de l'Ouest. La première phase de groupes a vu un match politiquement chargé puisque l'Allemagne de l'Ouest a joué un match contre l'Allemagne de l'Est. Les Allemands de l'Est ont gagné 1-0. Les Allemands de l'Ouest se sont qualifiés pour la finale contre l'équipe néerlandaise dirigée par Johan Cruijff et leur marque de « football total ». Les Néerlandais ont pris l'avantage sur penalty. Cependant, l'Allemagne de l'Ouest a égalisé sur un penalty de Paul Breitner et l'a remporté peu de temps après grâce à une belle finition de Gerd Müller.
Fin des années 1970 et début des années 1980
L'Allemagne de l'Ouest n'a pas réussi à défendre ses titres lors des deux prochains tournois internationaux majeurs. Ils ont perdu contre la Tchécoslovaquie en finale de l'Euro 1976 aux tirs au but 5–3. Depuis cette défaite, l'Allemagne n'a plus perdu aux tirs au but dans les grands tournois internationaux.
Lors de la Coupe du monde 1978, l'Allemagne a été éliminée dès la deuxième phase de groupes après avoir perdu 2 à 3 contre l'Autriche. Schön a ensuite pris sa retraite de son poste d'entraîneur et le poste a été repris par son assistant, Jupp Derwall.
Le premier tournoi de l'Allemagne de l'Ouest sous Derwall a été un succès, puisqu'ils ont remporté leur deuxième titre européen à l'Euro 1980 après avoir battu la Belgique 2-1 en finale. L’Allemagne de l’Ouest a atteint la finale de la Coupe du monde 1982, non sans difficultés. Ils ont été contrariés 1–2 par l'Algérie lors de leur premier match, mais se sont qualifiés pour le deuxième tour avec une victoire controversée 1–0 contre l'Autriche. En demi-finale contre la France, ils ont égalisé le match 3–3 et ont remporté les tirs au but 5–4. En finale, ils ont été battus par l'Italie 1–3.
Durant cette période, l'Allemand Gerd Müller a inscrit quatorze buts en deux Coupes du monde (1970 et 1974). Ses dix buts en 1970 constituent le troisième record jamais marqué dans un tournoi. (Le record de tous les temps de Müller en Coupe du monde de 14 buts a été battu par Ronaldo en 2006, qui a encore été battu par Miroslav Klose en 2014 avec 16 buts).
Le succès d'entraîneur de Beckenbauer (1984-1990)
Après l'élimination de l'Allemagne de l'Ouest au premier tour de l'Euro 1984, Franz Beckenbauer est revenu en équipe nationale pour remplacer Derwall en tant qu'entraîneur. Lors de la Coupe du monde 1986 au Mexique, l'Allemagne de l'Ouest a terminé deuxième du tournoi consécutif après avoir battu la France 2-0 en demi-finale, mais a perdu contre l'Argentine dirigée par Diego Maradona en finale, 2-3. Lors de l'Euro 1988, les espoirs de l'Allemagne de l'Ouest de remporter le tournoi à domicile ont été gâchés par les Pays-Bas, qui les ont battus 2-1 en demi-finale.
Lors de la Coupe du monde de 1990 en Italie, l'Allemagne de l'Ouest a remporté son troisième titre de Coupe du monde, lors de sa troisième participation finale consécutive sans précédent. Commandés par Lothar Matthäus, ils ont battu la Yougoslavie (4-1), les Émirats arabes unis (5-1), les Pays-Bas (2-1), la Tchécoslovaquie (1-0) et l'Angleterre (1-1, 4-3 aux tirs au but). en route vers un dernier match revanche contre l'Argentine, disputé à Rome, la capitale italienne. L'Allemagne de l'Ouest a gagné 1-0, le seul but étant un penalty marqué à la 85e minute par Andreas Brehme. Beckenbauer, qui a remporté la Coupe du monde en tant que capitaine de l'équipe nationale en 1974, est ainsi devenu le premier à remporter la Coupe du monde à la fois en tant que capitaine et entraîneur.
Football olympique
Avant 1984, le football olympique était une compétition amateur, ce qui signifie que seuls les joueurs non professionnels pouvaient y participer. Pour cette raison, l’Allemagne de l’Ouest n’a jamais été en mesure d’atteindre le même degré de succès aux Jeux olympiques qu’à la Coupe du monde, la seule médaille étant revenue aux Jeux olympiques de 1988, lorsqu’elle a remporté la médaille de bronze. Toutefois, lors des six prochains Jeux olympiques, aucune équipe allemande n'a réussi à se qualifier pour le tournoi principal, même après le changement des règles pour inclure des professionnels, parmi lesquels trois athlètes de plus de 23 ans. L'Allemagne de l'Ouest a également atteint le deuxième tour en 1972 et 1984. En revanche, l'Allemagne de l'Est a fait bien mieux, remportant une médaille d'or, une d'argent et deux de bronze (dont une représentant l'équipe unie d'Allemagne).
Années Berti Vogts (1990-1998)
En février 1990, quelques mois après la chute du mur de Berlin, le tirage au sort du tournoi de qualification pour le Championnat d'Europe 1992 a réuni l'Allemagne de l'Est et l'Allemagne de l'Ouest. Après la victoire de l'Allemagne de l'Ouest à la Coupe du Monde 1990, l'adjoint Berti Vogts a succédé à Beckenbauer, retraité, en tant qu'entraîneur de l'équipe nationale. Les membres de l'association est-allemande Deutscher Fußball-Verband ont adhéré à la DFB en novembre, tandis que les saisons 1990-1991 se poursuivraient, avec la restructuration des ligues prévue pour 1991-92. Le premier match avec une équipe allemande unifiée a eu lieu contre la Suède le 10 octobre.
Lors de l'Euro 1992, l'Allemagne a atteint la finale, mais a perdu 0-2 contre le Danemark.
Lors de la Coupe du monde 1994, ils ont été battus 1 à 2 en quarts de finale par la Bulgarie.
L'Allemagne réunifiée a remporté son premier grand titre international à l'Euro 1996, devenant ainsi championne d'Europe pour la troisième fois. Ils ont battu l'Angleterre en demi-finale et la République tchèque 2-1 en finale grâce à un but en or en prolongation.
Cependant, lors de la Coupe du monde 1998, l'Allemagne a été éliminée en quarts de finale lors d'une défaite 0-3 contre la Croatie, tous les buts étant marqués après que le défenseur Christian Wörns ait reçu un carton rouge direct. Vogts a ensuite démissionné et a été remplacé par Erich Ribbeck.
Époque Oliver Kahn et Michael Ballack (2000-2006)
Lors de l'Euro 2000, l'équipe est sortie au premier tour, faisant match nul contre la Roumanie, puis a subi une défaite 1-0 contre l'Angleterre et a été battue 3-0 par le Portugal (qui a aligné ses joueurs suppléants, ayant déjà avancé). Ribbeck a démissionné et a été remplacé par Rudi Völler.
À l'approche de la Coupe du monde 2002, les attentes de l'équipe allemande étaient faibles en raison de mauvais résultats lors des qualifications et de l'absence de qualification directe pour la finale pour la première fois. L'équipe a progressé grâce au jeu de groupe et, lors des huitièmes de finale, elle a remporté trois victoires consécutives 1-0 contre le Paraguay, les États-Unis et la Corée du Sud, co-hôte. Oliver Neuville a marqué à deux minutes de la fin contre le Paraguay et Michael Ballack a marqué les deux buts lors des matchs des États-Unis et de la Corée du Sud, bien qu'il ait écopé d'un deuxième carton jaune contre la Corée du Sud pour une faute tactique et ait été suspendu pour le match suivant. Cela a organisé une finale contre le Brésil, la première rencontre de Coupe du monde entre les deux. L'Allemagne a perdu 0-2 grâce à deux buts de Ronaldo. Néanmoins, le capitaine et gardien allemand Oliver Kahn a remporté le Ballon d'Or, la première fois en Coupe du Monde qu'un gardien de but était nommé meilleur joueur du tournoi.
L'Allemagne a de nouveau été éliminée au premier tour de l'Euro 2004, faisant match nul lors de ses deux premiers matches et perdant le troisième face à la République tchèque (qui avait aligné une équipe de deuxième rang). Völler a ensuite démissionné et Jürgen Klinsmann a été nommé entraîneur-chef.
La tâche principale de Klinsmann était de mener l'équipe nationale vers une bonne performance lors de la Coupe du monde 2006 en Allemagne. Klinsmann a relevé le gardien Kahn du poste de capitaine et a annoncé que Kahn et le remplaçant de longue date Jens Lehmann seraient en compétition pour le poste de gardien de but partant, une décision qui a mis en colère Kahn et Lehmann a finalement remporté ce concours. Les attentes à l'égard de l'équipe étaient faibles, ce qui n'a pas été aidé par l'abandon du défenseur vétéran Christian Wörns (après que Wörns ait critiqué Klinsmann pour l'avoir désigné uniquement comme joueur suppléant dans l'équipe), un choix vivement critiqué en Allemagne. L'Italie a battu l'Allemagne 4-1 lors d'un match hors-concours en mars, et Klinsmann a subi le poids des critiques puisque l'équipe n'était classée que 22e au monde avant la Coupe du Monde de la FIFA 2006.
En tant qu'hôte de la Coupe du monde, l'Allemagne a remporté les trois matches de la phase de groupes pour terminer en tête de son groupe. L'équipe a battu la Suède 2-0 en huitièmes de finale.
L'Allemagne a affronté l'Argentine en quarts de finale. Le match s'est terminé 1-1 et l'Allemagne a remporté les tirs au but 4-2.
Lors de la demi-finale contre l'Italie, le match était sans but jusqu'à la fin de la prolongation, lorsque l'Allemagne a encaissé deux buts.
Dans le match pour la troisième place, l'Allemagne a battu le Portugal 3-1.
Miroslav Klose a reçu le Soulier d'Or pour ses cinq buts, en tête du tournoi.
Nouvelle orientation sous Löw (2006-2014)
L'entrée de l'Allemagne dans le tour de qualification pour l'Euro 2008 a été marquée par la promotion de Joachim Löw au poste d'entraîneur-chef, depuis la démission de Klinsmann.
Lors de l'UEFA Euro 2008, l'Allemagne a remporté deux matches sur trois en phase de groupes pour se qualifier pour les huitièmes de finale.
Ils ont battu le Portugal 3-2 en quart de finale,
et a remporté sa demi-finale contre la Turquie.
L'Allemagne a perdu la finale contre l'Espagne 0-1, terminant deuxième.
Lors de la Coupe du monde 2010, l'Allemagne a remporté le groupe et s'est qualifiée pour la phase à élimination directe. En huitièmes de finale, l'Allemagne a battu l'Angleterre 4-1. Le jeu a été controversé et un but valide de Frank Lampard a été refusé.
En quarts de finale, l'Allemagne a battu l'Argentine 4-0 et Miroslav Klose a égalé le record de l'Allemand Gerd Müller de 14 buts en Coupe du monde.
En demi-finale, l'Allemagne a perdu 1-0 contre l'Espagne. L'Allemagne a battu l'Uruguay 3-2 pour prendre la troisième place (leur deuxième troisième place après 2006).
L'Allemand Thomas Müller a remporté le Soulier d'Or et le Prix du meilleur jeune joueur.
Lors de l'Euro 2012, l'Allemagne a été classée dans le groupe B avec le Portugal, les Pays-Bas et le Danemark. L'Allemagne a remporté les trois matches de groupe. L'Allemagne a battu la Grèce en quart de finale et a établi un record de 15 victoires consécutives tous matches compétitifs. En demi-finale, l'Allemagne a perdu contre l'Italie par 1–2.
Victoire de la Coupe du monde 2014
L'Allemagne a terminé première de son groupe de qualification pour la Coupe du monde 2014. Le tirage au sort de la Coupe du Monde de la FIFA 2014 a placé l'Allemagne dans le groupe G, avec le Portugal, le Ghana et les États-Unis. Ils ont d'abord affronté le Portugal dans un match présenté par certains comme "l'équipe de tous les talents contre l'équipe de The Talent (Cristiano Ronaldo)", mettant en déroute les Portugais 4-0 grâce à un triplé de Thomas Müller. Dans leur match contre le Ghana, ils ont mené le match avec le but de Götze en seconde période, mais ont ensuite concédé deux buts consécutifs, puis à la 71e minute, Klose a marqué un but pour aider l'Allemagne à faire match nul 2-2 avec le Ghana. Avec ce but, Klose a également inscrit son 15e but en Coupe du monde pour rejoindre l'ancien attaquant brésilien Ronaldo au sommet des buteurs de la finale de la Coupe du monde. Ils ont ensuite battu l'équipe des États-Unis 1-0, leur assurant une place en huitièmes de finale contre l'Algérie.
Le match à élimination directe contre l'Algérie est resté vierge après le temps réglementaire, entraînant une prolongation. À la 92e minute, André Schürrle a marqué un but sur une passe de Thomas Müller. Mesut Özil a marqué le deuxième but de l'Allemagne à la 120e minute. L'Algérie a réussi à marquer un but dans le temps additionnel et le match s'est terminé 2-1. L'Allemagne s'est assurée une place en quart de finale, où elle affronterait la France.
Lors du quart de finale contre la France, Mats Hummels a marqué à la 13e minute. L'Allemagne a remporté le match 1-0 pour se qualifier pour une quatrième demi-finale consécutive, un record
La victoire en demi-finale (7-1) contre le Brésil a été un exploit majeur. L'Allemagne est devenue la première équipe de l'histoire à marquer cinq buts en 18 minutes en première mi-temps. Ils ont marqué quatre buts en seulement 400 secondes et étaient 5-0 contre le Brésil à la fin de la première mi-temps avec des buts de Thomas Müller, Miroslav Klose, Sami Khedira et deux de Toni Kroos. Le but de Klose à la 23e minute, son 16e but en Coupe du monde, lui a permis de détenir seul le record du plus grand nombre de buts marqués lors de la finale de la Coupe du monde, détrônant l'ancien national brésilien Ronaldo.
Dans la seconde moitié du match, le remplaçant André Schürrle a marqué deux fois pour que l'Allemagne mène 7-0, le score le plus élevé contre le Brésil en un seul match. L'Allemagne a cependant encaissé un but tardif pour l'Oscar du Brésil. Il s'agit de la pire défaite du Brésil en Coupe du monde. tandis que l'Allemagne a battu plusieurs records de Coupe du Monde avec cette victoire, y compris le record battu par Klose, la première équipe à atteindre quatre demi-finales consécutives de Coupe du Monde, la première équipe à marquer sept buts lors d'un match à élimination directe de la Coupe du Monde, les cinq plus rapides consécutives. buts dans l'histoire de la Coupe du Monde (dont quatre en seulement 400 secondes), la première équipe à marquer cinq buts en première mi-temps lors d'une demi-finale de Coupe du Monde et le sujet du plus grand nombre de tweets jamais publiés sur Twitter sur un certain sujet lorsque le précédent record sur les réseaux sociaux a été battu après que l'Allemagne ait marqué son quatrième but. En outre, les sept buts de l'Allemagne ont porté leur total à 223 dans l'histoire de la Coupe du monde, dépassant les 221 buts du Brésil et occupant la première place du classement général.
La finale de la Coupe du monde s'est déroulée au Maracana de Rio de Janeiro le 13 juillet et a opposé le meilleur joueur du monde (Lionel Messi) à la meilleure équipe du monde (Allemagne). Le but de Mario Götze à la 113e minute a aidé l'Allemagne à battre l'Argentine 1-0, devenant ainsi la première équipe européenne à remporter une Coupe du Monde de la FIFA dans les Amériques.
Euro 2016 et présent
Après que plusieurs joueurs se soient retirés de l'équipe après la victoire de la Coupe du monde 2014, dont Philipp Lahm, Per Mertesacker et Miroslav Klose, l'équipe a connu un début décevant lors des éliminatoires de l'UEFA Euro 2016. Ils ont battu l'Écosse 2-1 à domicile, puis ont subi une défaite 2-0 contre la Pologne (la première de leur histoire), un match nul 1-1 contre la République d'Irlande et une victoire 4-0 contre Gibraltar. L'année s'est terminée par une victoire amicale 0-1 à l'extérieur contre l'Espagne, championne d'Europe en titre de 2008 et 2012.
Tout au long des qualifications pour le Championnat d'Europe 2016, l'équipe nationale allemande a rencontré quelques difficultés, perdant 2-0 contre son rival du groupe, la Pologne (en les battant au match retour), et faisant match nul à domicile, tout en perdant à l'extérieur contre l'Irlande ; l'équipe n'a également battu que de peu l'Écosse à deux reprises, mais a facilement gagné contre Gibraltar (qui a concouru pour la première fois). Finalement, cependant, ils ont dominé leur groupe et se sont qualifiés pour le tournoi grâce à une victoire 2-1 contre la Géorgie le 11 octobre 2015 (après avoir remporté le premier match contre eux).
Le 13 novembre 2015, l'équipe jouait un match amical contre la France à Paris lorsqu'une série d'attentats terroristes ont eu lieu dans la ville, dont certains à proximité directe du Stade de France, où se déroulait le match. Pour des raisons de sécurité, l'équipe a dû passer la nuit à l'intérieur du stade, accompagnée de l'équipe de France restée sur place dans un acte de camaraderie. Quatre jours plus tard, le 17 novembre 2015, l'équipe allemande devait affronter les Pays-Bas à la HDI-Arena de Hanovre, également en amical. Après de premières réserves de sécurité, la DFB a décidé de disputer le match le 15 novembre. Cependant, après des informations faisant état d'une menace concrète contre le stade, le match a été annulé quatre-vingt-dix minutes avant le coup d'envoi.
L'Allemagne a commencé ses préparatifs pour l'Euro 2016 en mars avec des matchs amicaux contre l'Angleterre et l'Italie. Ils ont abandonné une avance de 2-0 et ont fini par perdre 2-3 contre l'Angleterre. Ils ont rebondi dans leur match contre l'Italie, mais en gagnant par un score de 4-1. C'était leur première victoire contre les Italiens en 21 ans.
L'Allemagne a commencé sa campagne pour un quatrième titre européen avec une victoire 2-0 contre l'Ukraine le 12 juin. Contre la Pologne, l'Allemagne a été tenue en échec 0-0, mais a conclu le Groupe C avec une victoire 1-0 contre l'Irlande du Nord. En huitièmes de finale, l'Allemagne a affronté la Slovaquie et a remporté une confortable victoire 3-0. L'Allemagne a ensuite affronté son rival italien en quarts de finale. Mesut Özil a ouvert le score à la 65e minute pour l'Allemagne, avant que Leonardo Bonucci ne fasse match nul même après avoir transformé un penalty à la 78e minute. Le score est resté 1-1 après la prolongation et l'Allemagne a battu l'Italie 6-5 lors des tirs au but. C'était la première fois que l'Allemagne battait l'Italie dans un tournoi majeur. En demi-finale, l'Allemagne a affronté la France, pays hôte. Les espoirs de l'Allemagne d'obtenir un quatrième championnat d'Europe ont cependant été mis entre parenthèses puisque la France a mis fin à la course de l'Allemagne en les éliminant par un score de 0 à 2. Il s'agissait de la première victoire compétitive de la France contre l'Allemagne depuis 58 ans.
Résultats et calendriers
Résultats récents et matchs programmés selon les sites de la DFB, de l'UEFA et de la FIFA.
2016
2017
Stades
L'Allemagne joue ses matchs à domicile dans différents stades, à tour de rôle, à travers le pays. Jusqu'à présent, ils ont disputé des matchs à domicile dans 43 villes différentes, y compris des sites qui étaient allemands au moment du match, comme Vienne, en Autriche, qui a accueilli trois matchs entre 1938 et 1942.
Les matches des équipes nationales ont eu lieu le plus souvent (44 fois) dans les stades de Berlin, qui a accueilli le premier match à domicile de l'Allemagne (en 1908 contre l'Angleterre). Parmi les autres villes hôtes courantes figurent Hambourg (33 matches), Stuttgart (31), Hanovre (26) et Dortmund. Un autre lieu remarquable est Munich, qui a accueilli de nombreux matches marquants tout au long de l'histoire du football allemand, notamment la finale de la Coupe du Monde de la FIFA 1974, remportée par l'Allemagne contre les Pays-Bas.
Trousse
Adidas AG est le fournisseur de kits de longue date de l'équipe nationale, un parrainage qui a débuté en 1954 et qui devrait se poursuivre au moins jusqu'en 2018. Dans les années 70, l'Allemagne portait des kits Erima (une marque allemande, anciennement filiale d'Adidas).
La tenue domicile de l'équipe nationale a toujours été composée d'une chemise blanche et d'un short noir. Les couleurs sont dérivées du drapeau du XIXe siècle de l'État de Prusse, au nord de l'Allemagne. Depuis 1988, de nombreux modèles de maillots domicile intègrent des détails inspirés du drapeau allemand moderne (à l'exception notable du maillot de la Coupe du monde 2002, qui était un renversement du schéma pur noir et blanc). La couleur du maillot extérieur a changé plusieurs fois. Pour la Coupe du monde 2014, l'équipe allemande a utilisé un short blanc plutôt que le noir traditionnel en raison de la règle de conflit de kits de la FIFA pour le tournoi. Historiquement, un maillot vert avec un short blanc est la combinaison de couleurs alternative la plus souvent utilisée, dérivée des couleurs de la DFB – bien qu'il soit souvent rapporté à tort que ce choix est une reconnaissance du fait que l'Irlande, dont les maillots domicile sont verts, a été la première nation. affronter l'Allemagne dans un match amical après la Seconde Guerre mondiale. Cependant, comme indiqué ci-dessus, la première équipe à affronter l'Allemagne après la Seconde Guerre mondiale était en réalité la Suisse. D'autres couleurs comme le rouge, le gris et le noir ont également été utilisées.
Le passage du noir au rouge a eu lieu en 2005 à la demande de Jürgen Klinsmann, mais l'Allemagne a joué tous les matchs de la Coupe du monde 2006 sous les couleurs blanches de son pays. En 2010, les couleurs à l'extérieur sont ensuite revenues à une chemise noire et un short blanc, mais lors du tournoi, l'équipe s'est habillée avec le short noir de la tenue domicile. L'équipe allemande a ensuite repris l'utilisation d'un maillot vert sur sa tenue extérieure, mais a ensuite changé à nouveau pour des chemises à rayures rouges et noires avec des rayures et des lettres blanches et des shorts noirs.
Évolution des kits
Maison
Loin
Couverture médiatique
Les matches de qualification de l'Allemagne sont actuellement télédiffusés par la chaîne privée RTL ; matchs amicaux des chaînes publiques ARD et ZDF. Les matchs de la Coupe du monde et des Championnats d'Europe mettant en vedette l'équipe nationale allemande comptent parmi les événements les plus regardés de l'histoire de la télévision en Allemagne.
Records de compétition
L'Allemagne a remporté la Coupe du monde à quatre reprises, derrière le Brésil (cinq titres). Il a terminé quatre fois deuxième. En termes de participations aux demi-finales, l'Allemagne est en tête avec 13, soit deux de plus que le Brésil, qui avait participé à deux autres tournois, avec 11. Lors des 16 derniers tournois de la Coupe du monde, l'Allemagne a toujours atteint au moins le stade des huit dernières équipes. L'Allemagne s'est également qualifiée pour chacune des 18 Coupes du monde auxquelles elle a participé – elle n'a pas participé à la compétition inaugurale en Uruguay en 1930 pour des raisons économiques et n'a pas pu se qualifier ou participer à la Coupe du monde d'après-guerre de 1950, car La DFB a été réintégrée en tant que membre de la FIFA seulement deux mois après ce tournoi. L'Allemagne a également la particularité d'avoir le classement Elo le plus élevé de tous les temps (2 200) après sa victoire à la Coupe du monde 2014.
L'Allemagne a également remporté le Championnat d'Europe à trois reprises (l'Espagne et la France sont les seuls autres vainqueurs à plusieurs reprises avec respectivement trois et deux titres) et a également terminé deuxième à trois reprises. Les Allemands se sont qualifiés pour tous les tournois du Championnat d'Europe, à l'exception du tout premier Championnat d'Europe auquel ils ont participé en 1968. Pour ce tournoi, l'Allemagne était dans le seul groupe de trois équipes et n'a donc disputé que quatre matchs de qualification. Le match décisif a été un match nul et vierge en Albanie, qui a donné l'avantage à la Yougoslavie, après avoir gagné chez son pays voisin. L'équipe n'a terminé parmi les huit premiers qu'à deux reprises, les tournois de 2000 et 2004. Dans toutes les autres éditions, l'Allemagne avait participé à la finale, mais une fois, elle a atteint au moins les demi-finales, le faisant neuf fois, un record sans précédent en Europe.
Voir également Allemagne de l'Est et Sarre pour les résultats de ces équipes allemandes distinctes, et Autriche pour l'équipe qui a fusionné avec l'équipe allemande de 1938 à 1945.
Record de la Coupe du Monde de la FIFA
Champions Finalistes Troisième place Quatrième place
*Indique que les matchs nuls incluent les matchs à élimination directe décidés aux tirs au but.
**La couleur de fond dorée indique que le tournoi a été gagné.
***La couleur de la bordure rouge indique que le tournoi a eu lieu à domicile.
Record du Championnat d'Europe de l'UEFA
Bilan de la Coupe des Confédérations de la FIFA
*Désigne les matchs nuls, y compris les matchs à élimination directe décidés aux tirs au but.
**La couleur de fond dorée indique que le tournoi a été gagné.
***La couleur de la bordure rouge indique que le tournoi a eu lieu à domicile.
Remarque Tous les tournois de 1950 à 1990 inclusivement ont été disputés en Allemagne de l'Ouest.
Historique du classement FIFA
Source:
Honneurs
;Coupe du monde Fifa
*Champions : 1954, 1974, 1990, 2014
* Finaliste : 1966, 1982, 1986, 2002
* Troisième place : 1934, 1970, 2006, 2010
* Quatrième place : 1958
;Championnat d'Europe de l'UEFA
*Champions : 1972, 1980, 1996
* Finaliste : 1976, 1992, 2008
* Demi-finale : 1988, 2012, 2016
;Coupe des Confédérations de la FIFA
* Troisième place : 2005
Compétition olympique de football masculin
* Médaille d'or : 1976
* Médaille d'argent : 1980
* Médaille de bronze : 1964, 1972, 1988
* Quatrième place : 1952
Personnel
Personnel technique actuel
Joueurs
Effectif actuel
Les joueurs suivants ont été appelés pour l'UEFA Euro 2016.
Sélections et buts au 7 juillet 2016 après le match contre la France.
Appels récents
Les joueurs suivants ont également été appelés dans l'équipe d'Allemagne au cours des 12 derniers mois et sont toujours disponibles pour la sélection.
Équipes précédentes
;Coupe du monde
* Équipe de la Coupe du Monde de la FIFA 1934
* Équipe de la Coupe du Monde de la FIFA 1938
* Équipe de la Coupe du Monde de la FIFA 1954
* Équipe de la Coupe du Monde de la FIFA 1958
* Équipe de la Coupe du Monde de la FIFA 1962
* Équipe de la Coupe du Monde de la FIFA 1966
* Équipe de la Coupe du Monde de la FIFA 1970
* Équipe de la Coupe du Monde de la FIFA 1974
* Équipe de la Coupe du Monde de la FIFA 1978
* Équipe de la Coupe du Monde de la FIFA 1982
* Équipe de la Coupe du Monde de la FIFA 1986
* Équipe de la Coupe du Monde de la FIFA 1990
* Équipe de la Coupe du Monde de la FIFA 1994
* Équipe de la Coupe du Monde de la FIFA 1998
* Équipe de la Coupe du Monde de la FIFA 2002
* Équipe de la Coupe du Monde de la FIFA 2006
* Équipe de la Coupe du Monde de la FIFA 2010
* Équipe de la Coupe du Monde de la FIFA 2014
;Championnat d'Europe de Football
* Équipe de l'UEFA Euro 1972
* Équipe de l'UEFA Euro 1976
* Équipe de l'UEFA Euro 1980
* Équipe de l'UEFA Euro 1984
* Équipe de l'UEFA Euro 1988
* Équipe de l'UEFA Euro 1992
* Équipe de l'UEFA Euro 1996
* Équipe de l'UEFA Euro 2000
* Équipe de l'UEFA Euro 2004
* Équipe de l'UEFA Euro 2008
* Équipe de l'UEFA Euro 2012
* Équipe de l'UEFA Euro 2016
;Coupe des Confédérations
* Équipe de la Coupe des Confédérations de la FIFA 1999
* Équipe de la Coupe des Confédérations de la FIFA 2005
Anciens joueurs célèbres
Joueurs les plus capés
Vous trouverez ci-dessous une liste des 10 joueurs les plus capés pour l'Allemagne. (le gras indique les joueurs encore disponibles pour la sélection). Les joueurs qui ont joué pour l'équipe distincte d'Allemagne de l'Est (dans le cadre de cette liste : Streich 102) n'apparaissent pas dans cette liste.
Meilleurs buteurs
Vous trouverez ci-dessous une liste des 10 meilleurs buteurs de l'Allemagne. (le gras indique les joueurs encore disponibles pour la sélection). Les anciens joueurs de l'Allemagne de l'Est (dans le cadre de cette liste : Streich 55 et Kirsten 34 : 14 Allemagne de l'Est et 20 Allemagne) ne sont pas inclus dans cette liste Wikipédia, bien qu'ils soient inclus dans les archives de la DFB.
Capitaines | http://www.quizballs.com/ |
Quel est le nom de famille de Django dans le film « Django Unchained » de 2012 ? | Freeman | [
"Comme Django peut identifier les frères Brittle, Schultz lui offre sa liberté en échange de son aide pour les retrouver. King emmène d'abord Django dans une petite ville où il assassine immédiatement le shérif. Avant qu'un Marshall ne puisse les arrêter, King explique que le shérif était en fait un voleur de bétail recherché avec une prime de 200 $ sur lui que le Marshall furieux est maintenant tenu de payer. Après avoir traqué et tué les Brittles, Django libéré (adoptant le nom de famille « Freeman ») s'associe à Schultz pendant l'hiver et devient son apprenti ; Schultz découvre que Django a un talent naturel pour le flingueur. Schultz explique qu'il se sent responsable de Django puisque Django est la première personne qu'il a jamais libérée, et se sent moralement obligé d'aider Django (qu'il a décrit comme un \"Siegfried dans la vraie vie\") à retrouver Broomhilda. Django, désormais pleinement entraîné, récupère sa première prime, gardant le prospectus pour lui porter chance.",
"* Jamie Foxx as Django \"Freeman\""
] | Django Unchained est un western américain de 2012 écrit et réalisé par Quentin Tarantino, avec Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, Kerry Washington et Samuel L. Jackson. Situé dans le Far West et le Sud d'avant-guerre, il s'agit d'une variante très stylisée des westerns spaghetti et d'un hommage au film italien Django de 1966 de Sergio Corbucci, dont la star Franco Nero fait une apparition.
Le développement de Django Unchained a commencé en 2007, alors que Tarantino écrivait un livre sur Sergio Corbucci. En avril 2011, Tarantino a envoyé sa version finale du scénario à The Weinstein Company. Le casting a commencé à l'été 2011, Michael K. Williams et Will Smith étant considérés pour le rôle du personnage principal avant le casting de Foxx. Le tournage principal s'est déroulé de novembre 2011 à mars 2012 en Californie, au Wyoming et en Louisiane.
Django Unchained a été créé au Ziegfeld Theatre de New York le 11 décembre 2012 et est sorti le 25 décembre 2012 aux États-Unis. Le film a été nominé pour plusieurs prix de l’industrie cinématographique, dont cinq Oscars. Waltz a remporté plusieurs prix pour sa performance, parmi lesquels celui du meilleur acteur dans un second rôle aux Golden Globes, aux BAFTA et aux Oscars. Tarantino a remporté un Oscar, un Golden Globe et un BAFTA pour l'écriture du scénario original du film. Le film a rapporté plus de 425 millions de dollars dans le monde en salles contre un budget de 100 millions de dollars, ce qui en fait la sortie en salles la plus rentable de Tarantino.
Parcelle
En 1858 au Texas, les frères Speck, Ace et Dicky, conduisent à pied un groupe d'esclaves noirs. Parmi les esclaves enchaînés se trouve Django, vendu et séparé de sa femme, von Shaft. Les frères Speck sont arrêtés par le Dr King Schultz, un dentiste allemand devenu chasseur de primes de Düsseldorf, qui demande à acheter l'un des esclaves. Lorsqu'il interroge Django sur sa connaissance des frères Brittle, un groupe de hors-la-loi pour lesquels Schultz porte un mandat, Ace devient irrité et pointe de manière menaçante son fusil de chasse sur Schultz. Schultz, un flingueur supérieur, tue immédiatement Ace avec un tirage rapide. King insiste pour payer honorablement à Dicky un juste prix pour Django avant de le laisser à la merci des esclaves nouvellement libérés, qui le tuent et suivent l'Étoile du Nord vers la liberté.
Comme Django peut identifier les frères Brittle, Schultz lui offre sa liberté en échange de son aide pour les retrouver. King emmène d'abord Django dans une petite ville où il assassine immédiatement le shérif. Avant qu'un Marshall ne puisse les arrêter, King explique que le shérif était en fait un voleur de bétail recherché avec une prime de 200 $ sur lui que le Marshall furieux est maintenant tenu de payer. Après avoir traqué et tué les Brittles, Django libéré (adoptant le nom de famille « Freeman ») s'associe à Schultz pendant l'hiver et devient son apprenti ; Schultz découvre que Django a un talent naturel pour le flingueur. Schultz explique qu'il se sent responsable de Django puisque Django est la première personne qu'il a jamais libérée, et se sent moralement obligé d'aider Django (qu'il a décrit comme un "Siegfried dans la vraie vie") à retrouver Broomhilda. Django, désormais pleinement entraîné, récupère sa première prime, gardant le prospectus pour lui porter chance.
En 1859, Django et Schultz se rendent au Mississippi, où ils apprennent l'identité du propriétaire de : Calvin J. Candie, le charmant mais cruel propriétaire de la plantation Candyland, où les esclaves sont obligés de se battre jusqu'à la mort dans des combats de lutte brutaux appelés Mandingo. combats. Schultz, s'attendant à ce que Candie ne vende pas s'ils la demandent directement, feint d'être intéressé à acheter l'un des précieux combattants de Candie pour bien plus que le prix normal. Schultz et Django rencontrent Candie au club de ses gentlemen à Greenville et soumettent leur offre. Intrigué, Candie les invite dans son ranch à Candyland. Après avoir secrètement briefé les germanophones, Schultz prétend être charmé par elle et propose également de l'acheter.
Pendant le dîner, Stephen (Samuel L. Jackson), l'esclave de maison fidèle à Candie, se méfie des motivations de Schultz et Django. En déduisant que Django et se connaissent et que la vente du combattant Mandingue est une ruse, Stephen alerte Candie et le réprimande pour sa cupidité. Candie est en colère d'avoir été dupé et d'avoir perdu son temps, mais contient sa colère assez longtemps pour afficher théâtralement sa connaissance de la phrénologie, qu'il utilise pour théoriser pourquoi les esclaves échouent souvent à tuer leurs propriétaires, malgré de nombreuses opportunités.
Le garde du corps de Candie, Butch Pooch, fait irruption dans la pièce avec son fusil de chasse pointé sur les deux chasseurs de primes, et Candie explose de colère. Il propose une modification de l'accord initial, en prenant la place de la combattante mandingue au même prix, et la menace de mort si l'accord est rejeté. Schultz est d'accord et les papiers pour sa liberté sont rédigés et signés. Candie insiste avec suffisance pour que l'accord soit conclu par une poignée de main, ce que Schultz refuse dans un premier temps. Lorsque Candie menace à nouveau de tuer, Schultz claque et tue Candie avec un derringer dissimulé. Butch tue Schultz et Django le tue à son tour, et une vaste fusillade commence. Django abat un grand nombre de ses adversaires, mais se rend lorsqu'il est pris en otage.
Le lendemain matin, Stephen dit à Django qu'il sera vendu à une mine et travaillera jusqu'à la mort. En route vers la mine, Django prouve à ses escortes qu'il est un chasseur de primes en leur montrant le prospectus qui, selon Schultz, portait chance dès son premier meurtre. Il les convainc qu'il existe une prime importante pour les criminels qui se cachent à Candyland et promet qu'ils recevront la majorité de l'argent s'ils le libèrent. Les escortes le libèrent et lui donnent un pistolet, qu'il utilise pour les tuer avant de voler un cheval et de retourner à Candyland avec un sac de dynamite.
À la plantation, Django tue d'autres hommes de main de Candie, prend les papiers de liberté de la poche du défunt Schultz, fait ses adieux à son défunt ami et libère sa femme d'une cabane voisine. Lorsque les personnes en deuil de Candie reviennent de son enterrement, Django tue les hommes de main restants et la sœur de Candie, Lara Lee Candie-Fitzwilly, libère les deux esclaves restants et frappe Stephen. Django enflamme alors la dynamite qu'il a plantée dans tout le manoir, et lui et regarde de loin le manoir exploser avec Stephen incapable d'agir à l'intérieur, avant de partir ensemble.
Casting
* Jamie Foxx as Django "Freeman"
* Christoph Waltz as Dr. King Schultz
* Leonardo DiCaprio as "Monsieur" Calvin J. Candie
* Kerry Washington dans le rôle de "Hildi" von Shaft
* Samuel L. Jackson dans le rôle de Stephen
* Don Johnson dans le rôle de Spencer "Big Daddy" Bennett
* Walton Goggins dans le rôle de Billy Crash
* James Remar dans le rôle d'Ace Speck et Butch Pooch
* Dennis Christopher dans le rôle de Léonide "Leo" Moguy
*James Russo dans le rôle de Dicky Speck
* David Steen dans le rôle de M. Stonecipher
* Tom Wopat dans le rôle du Marshall américain Gill Tatum
* Dana Michelle Gourrier as Cora
* Nichole Galicia as Sheba
* Laura Cayouette as Lara Lee Candie-Fitzwilly
*Ato Essandoh dans le rôle d'Artagnan
* Sammi Rotiby dans le rôle de Rodney
* Clay Donahue dans le rôle de Fontenot
* Escalante Lundy dans le rôle de Big Fred
* Miriam F. Glover dans le rôle de Betina
* Quentin Tarantino dans le rôle de Frankie
* Omar J. Dorsey dans le rôle de Chicken Charlie
* Franco Nero dans le rôle d'Amerigo Vessepi
D'autres rôles incluent Russ Tamblyn dans le rôle du fils d'un tireur, Amber Tamblyn dans le rôle de la fille d'un fils d'un tireur, Don Stroud dans le rôle du shérif Bill Sharp, Bruce Dern dans le rôle du vieil homme Carrucan, M. C. Gainey dans le rôle de Big John Brittle, Cooper Huckabee dans le rôle de Lil Raj Brittle, Doc Duhame dans le rôle d'Ellis Brittle, Jonah Hill dans le rôle de Bag Head #2, membre d'un groupe de type Ku Klux Klan ; Lee Horsley dans le rôle du shérif Gus (Snowy Snow), Rex Linn dans le rôle de Tennessee Harry, Misty Upham dans le rôle de Minnie, Danièle Watts dans le rôle de Coco et Clay Donahue Fontenot dans le rôle de Luigi, l'adversaire de Big Fred dans un combat mandingue. Zoë Bell, Michael Bowen, Robert Carradine, Jake Garber, Ted Neeley, James Parks et Tom Savini jouent les traqueurs de Candyland, tandis que Michael Parks et John Jarratt, aux côtés de Tarantino lui-même dans une apparition dans le rôle de Robert, incarnent les employés de LeQuint Dickey Mining Company.
Production
Développement
En 2007, Tarantino a discuté d'une idée pour un type de western spaghetti se déroulant dans le Sud profond des États-Unis, avant la guerre civile. Il a qualifié ce type de film de « sudiste », déclarant qu'il voulait « faire des films qui traitent du passé horrible de l'Amérique avec l'esclavage et tout ça, mais les faire comme des westerns spaghetti, pas comme des films à gros problèmes. " Il s'agit de films de genre, mais ils traitent de tout ce que l'Amérique n'a jamais abordé parce qu'elle en a honte, et d'autres pays ne s'en occupent pas vraiment parce qu'ils ne sentent pas qu'ils en ont le droit. " Tarantino a expliqué plus tard la genèse de l'idée : « J'écrivais un livre sur Sergio Corbucci quand j'ai trouvé un moyen de raconter l'histoire. ... J'écrivais sur la façon dont ses films ont ce mauvais Far West, un horrible Far West. C'était surréaliste, ça traitait beaucoup du fascisme. Alors j'écris tout cet article là-dessus, et je me dis : « Je ne sais pas vraiment si Sergio pensait à ça pendant qu'il faisait ça. Je sais que j'y pense maintenant. Et je peux le faire !'"
Tarantino a terminé le scénario le 26 avril 2011 et a remis la version finale à The Weinstein Company. En octobre 2012, RZA, collaborateur fréquent de Tarantino, a déclaré que lui et Tarantino avaient l'intention de croiser Django Unchained avec le film d'arts martiaux présenté par Tarantino de RZA, The Man with the Iron Fists. Le crossover aurait vu une version plus jeune du personnage du forgeron du film de RZA apparaître comme un esclave dans une vente aux enchères. Cependant, des conflits d'horaire ont empêché la participation de RZA.
L'une des inspirations du film est le western spaghetti de Corbucci, Django, de 1966, dont la star Franco Nero fait une apparition dans Django Unchained. Une autre source d'inspiration est le film Mandingo de 1975, sur un esclave entraîné à combattre d'autres esclaves. Tarantino a inclus des scènes dans la neige en hommage au Grand Silence. "Silenzio se déroule dans la neige. J'ai tellement aimé l'action dans la neige, Django Unchained a une grande section de neige au milieu", a déclaré Tarantino dans une interview.
Le titre Django Unchained fait allusion aux titres du film Django de Corbucci de 1966 ; Hercules Unchained, le titre américain du film fantastique épique italien de 1959 Ercole e la regina di Lidia, sur la fuite du héros mythique de l'esclavage d'un méchant maître ; et à Angel Unchained, le film de motards américain de 1970 sur un motard se vengeant d'un grand groupe de rednecks.
Fonderie
Parmi ceux considérés pour le rôle titre de Django, Michael K. Williams et Will Smith ont été mentionnés comme possibilités, mais c'est finalement Jamie Foxx qui a été choisi pour le rôle. Smith a déclaré plus tard qu'il avait refusé le rôle parce que "ce n'était pas le rôle principal". Tyrese Gibson a envoyé une cassette d'audition pour incarner le personnage. Franco Nero, le Django original du film italien de 1966, aurait fait l'objet de rumeurs pour le rôle de Calvin Candie, mais a plutôt fait une apparition en tant que personnage mineur. Nero a suggéré qu'il joue un mystérieux cavalier qui hante Django dans des visions et qui se révèle dans un flash-back final comme étant le père de Django ; Tarantino a choisi de ne pas utiliser cette idée. Kevin Costner était en négociations pour rejoindre Ace Woody, un entraîneur mandingue et bras droit de Candie, mais Costner a abandonné en raison de conflits d'horaire. Kurt Russell a été choisi à la place, mais a également quitté le rôle plus tard. Lorsque Kurt Russell a abandonné, le rôle d'Ace Woody n'a pas été refondu ; au lieu de cela, le personnage a été fusionné avec le personnage de Walton Goggins, Billy Crash.
Jonah Hill s'est vu offrir le rôle de Scotty Harmony, un joueur qui perd face à Candie dans une partie de poker, mais il a refusé en raison de conflits d'horaire avec The Watch. Sacha Baron Cohen s'est également vu proposer le rôle, mais a refusé pour apparaître dans Les Misérables. Ni Scotty ni le jeu de poker n'apparaissent dans le montage final du film. Hill est apparu plus tard dans le film dans un rôle différent. Joseph Gordon-Levitt a déclaré qu'il "aurait adoré, adoré" être dans le film mais qu'il ne pourrait pas apparaître en raison d'un engagement préalable à réaliser son premier film, Don Jon. DiCaprio a joué son premier rôle de méchant en tant que cruel propriétaire de plantation Calvin Candie.
Conception de costumes
Dans une interview accordée à Vanity Fair en janvier 2013, la costumière Sharen Davis a déclaré qu'une grande partie de la garde-robe du film était inspirée des westerns spaghetti et d'autres œuvres d'art. Pour la garde-robe de Django, Davis et Tarantino ont regardé la série télévisée Bonanza et y ont fait fréquemment référence. Le couple a même embauché le chapelier qui a conçu le chapeau porté par le personnage de Bonanza, Little Joe, joué par Michael Landon. Davis a décrit le look de Django comme une "version rock-n-roll du personnage". Les lunettes de soleil Django sont inspirées du personnage de Charles Bronson dans Le Buffle Blanc (1977). Davis a utilisé la peinture à l'huile de Thomas Gainsborough de 1770, The Blue Boy, comme référence pour la tenue de valet de Django.
Dans la scène finale, porte une robe similaire à celle du personnage d'Ida Galli dans Blood for a Silver Dollar (1965). Davis a déclaré que l'idée du costume de Calvin Candie venait en partie de Rhett Butler et que le look Miami Vice emblématique de Don Johnson avait inspiré le costume en lin couleur crème de Big Daddy dans le film. Le manteau faux chinchilla de King Schultz a été inspiré par Telly Savalas dans Kojak. Davis a également révélé que bon nombre de ses idées de costumes ne figuraient pas dans le montage final du film, laissant certains personnages inexpliqués tels que le tracker de Zoë Bell, qui avait l'intention de laisser tomber son bandana pour révéler une mâchoire absente.
Tournage
Le tournage principal de Django Unchained a débuté en Californie en novembre 2011, s'est poursuivi dans le Wyoming en février 2012 et à la National Historic Landmark Evergreen Plantation à Wallace, en Louisiane, à l'extérieur de la Nouvelle-Orléans, en mars 2012. Le film a été tourné au format anamorphique sur 35 mm. film. Bien qu'initialement scénarisée, une sous-intrigue centrée sur le traqueur masqué de Zoë Bell a été coupée et n'est pas filmée, en raison de contraintes de temps. Après 130 jours de tournage, le tournage du film s'est terminé en juillet 2012.
Django Unchained a été le premier film de Tarantino non monté par Sally Menke, décédée en 2010. Les tâches de montage ont été assurées par Fred Raskin, qui avait travaillé comme assistant monteur sur Kill Bill de Tarantino. Raskin a été nominé pour un BAFTA Award pour le meilleur montage, mais a perdu contre William Goldenberg pour son travail sur Argo.
Musique
Le film présente des morceaux de musique originaux et existants. Les morceaux composés spécifiquement pour le film incluent "100 Black Coffins" de Rick Ross et produits par et avec Jamie Foxx, "Who Did That To You?" de John Legend, "Ancora Qui" d'Ennio Morricone et Elisa, et "Freedom" d'Anthony Hamilton et Elayna Boynton. Le thème "Django" était également la chanson thème du film de 1966. Le musicien Frank Ocean a écrit une chanson originale pour la bande originale du film, mais elle a été rejetée par Tarantino, qui a expliqué que "Ocean a écrit une ballade fantastique qui était vraiment belle et poétique à tous points de vue, il n'y avait tout simplement pas de scène pour cela." Frank Ocean a ensuite publié la chanson intitulée "Wiseman" sur son blog Tumblr. Le film présente également quelques morceaux célèbres de la musique classique occidentale, dont « Pour Elise » de Beethoven et « Dies Irae » du Requiem de Verdi. Tarantino a déclaré qu'il évitait d'utiliser des partitions complètes de musique originale : "Je n'aime tout simplement pas l'idée de donner autant de pouvoir à qui que ce soit sur l'un de mes films." L'album de la bande originale du film est sorti le 18 décembre 2012. Ennio Morricone a fait des déclarations critiquant l'utilisation par Tarantino de sa musique dans Django Unchained et a déclaré qu'il « ne travaillerait jamais » avec le réalisateur après ce film, mais a ensuite accepté de composer une musique originale. pour The Hateful Eight de Tarantino en 2015. Dans un essai scientifique sur la musique du film, Hollis Robbins note que la grande majorité des emprunts de musique de film proviennent de films réalisés entre 1966 et 1974 et soutient que les résonances politiques et musicales de ces allusions situent Django Unchained carrément à l’époque du Vietnam et du Watergate, pendant l’essor et le déclin du cinéma Black Power. Le hit I Got A Name de Jim Croce figurait dans la bande originale.
Libérer
La première affiche teaser a été inspirée par une affiche de fan-art de l'artiste italien Federico Mancosu. Son œuvre a été publiée en mai 2011, quelques jours après la publication du synopsis et du titre officiel. En août 2011, à la demande de Tarantino, les sociétés de production ont acheté les illustrations conceptuelles à Mancosu pour les utiliser à des fins promotionnelles ainsi que sur les laissez-passer de l'équipe et les vêtements du personnel pendant le tournage.
Django Unchained est sorti le 25 décembre 2012 aux États-Unis par The Weinstein Company et le 18 janvier 2013 par Sony Pictures Releasing au Royaume-Uni. Le film a été projeté pour la première fois à la Guilde des réalisateurs d'Amérique le 1er décembre 2012, et des projections supplémentaires ont été organisées pour les critiques avant la large diffusion du film. La première de Django Unchained a été retardée d'une semaine suite à la fusillade dans une école primaire de Newtown, Connecticut, le 14 décembre 2012.
Le film est sorti le 22 mars 2013 par Sony Pictures en Inde. En mars 2013, Django Unchained a été annoncé comme étant le premier film de Tarantino approuvé pour une distribution officielle sur le marché cinématographique strictement contrôlé de la Chine. Lily Kuo, écrivant pour Quartz, a écrit que "le film dépeint l'une des périodes les plus sombres de l'Amérique, lorsque l'esclavage était légal, que les autorités chinoises aiment utiliser pour repousser les critiques des États-Unis". Le film est sorti en Chine le 12 mai 2013.
Box-office
Après un total de 143 jours, le film a terminé sa sortie en salles aux États-Unis le 16 mai 2013 avec un montant brut de 162 805 434 $ en Amérique du Nord. Il a rapporté 262 562 804 $ à l'étranger, dont 51 597 323 $ en Allemagne, 37 297 979 $ en France et 24 893 462 $ au Royaume-Uni, soit un total brut mondial de 425 368 238 $. En 2013, Django Unchained est devenu le film le plus rentable de Tarantino, dépassant son film de 2009 Inglourious Basterds, qui a rapporté 321,4 millions de dollars dans le monde.
Médias domestiques
Le film est sorti sur DVD, Blu-ray et téléchargement numérique le 16 avril 2013. Aux États-Unis, le film a rapporté 31 939 733 $ grâce aux ventes de DVD et 30 286 838 $ grâce aux ventes de Blu-ray, soit un total de 62 226 571 $.
Réception
Réponse critique et scientifique
Sur Rotten Tomatoes, le film a un taux d'approbation de 88 % sur la base de 247 critiques et une note moyenne de 8/10. Le consensus critique du site se lit comme suit : "Audacieux, sanglant et stylistiquement audacieux, Django Unchained est un autre chef-d'œuvre incendiaire de Quentin Tarantino." Metacritic, qui attribue une note moyenne pondérée aux critiques des critiques grand public, attribue au film une note de 81 sur 100 sur la base de 42 critiques, indiquant une "reconnaissance universelle".
Roger Ebert du Chicago Sun-Times a attribué au film quatre étoiles sur quatre et a déclaré: "Le film propose une séquence sensationnelle après l'autre, le tout autour de ces deux personnages intrigants qui semblent opposés mais partagent des problèmes pragmatiques, financiers et personnels." Ebert a également ajouté: "Si je n'avais pas été empêché de le voir plus tôt à cause d'une blessure, cela aurait été sur la liste des meilleurs films de mon année." Peter Bradshaw, critique de cinéma pour The Guardian, a attribué cinq étoiles au film en écrivant : « Je peux seulement dire que Django délivre, en gros, ce plaisir particulier narcotique et délirant que Tarantino sait encore confectionner au cinéma, quelque chose à voir avec la manipulation. des surfaces. C'est aussi malsain, déplorable et délicieux qu'une cigarette interdite. Écrivant dans le New York Times, le critique A. O. Scott a comparé Django aux précédents Inglourious Basterds de Tarantino : « Comme Inglourious Basterds, Django Unchained est follement divertissant, effrontément irresponsable et aussi éthiquement sérieux d'une manière qui est tout à fait cohérente avec son côté ludique. » Désignant le film comme un choix des critiques du Times, Scott a déclaré que Django est "un film troublant et important sur l'esclavage et le racisme". Le cinéaste Michael Moore a fait l'éloge de Django, tweetant que le film "est l'une des meilleures satires cinématographiques de tous les temps. Un film américain rare sur l'esclavage et les origines de notre histoire raciste malade".
Au contraire, Owen Gleiberman, critique de cinéma pour Entertainment Weekly, a écrit que "Django n'est pas du tout le film qu'Inglourious était. Il est moins intelligent et il n'a pas assez de personnages principaux - ni assez de l'ingéniosité structurelle caractéristique de Tarantino - pour gagner sa durée de fonctionnement de deux heures et 45 minutes. Dans sa critique de l'Indy Week, David Fellerath a écrit : « Django Unchained montre des signes que Tarantino a fait peu de recherches au-delà des visionnages répétés du western spaghetti de 1966 de Sergio Corbucci, Django et d'une blaxploitation de 1975 appelée Boss Nigger, écrite par et avec Fred Williamson. » Le New-Yorkais Anthony Lane a été "dérangé par leurs rires triomphants [des fans de Tarantino], lors de la projection à laquelle j'ai assisté, alors qu'une femme blanche était emportée par les armes de Django".
Selon Bob Hoose, critique de Plugged in : « Ce film s'intéresse beaucoup plus aux bavardages grossiers de Grindhouse, à la rage pleine de vengeance, aux coups de fouet et aux balles déchirants et aux geysers de viande et de sang au ralenti qu'à la communication de quelque chose de véridique. et éclairant."
Un numéro entier de la revue académique [http://www.tandfonline.com/toc/rsaf20/16/3#.VeoVzXgyCfQ Safundi] était consacré à Django Unchained : « Django Unchained and the Global Western », mettant en vedette des chercheurs qui contextualisent l'œuvre de Tarantino. film comme un « western » classique. Dana Phillips écrit : « Le film de Tarantino est extrêmement divertissant, non pas malgré mais parce qu'il est très audacieux, voire parfois carrément sinistre, grâce à son traitement de l'esclavage, des relations raciales et de cet élément essentiel du western, la violence. ce sont des sujets qu'un autre réalisateur aurait traité avec plus de délicatesse et avec moins d'excès stylistiques que Tarantino, qui n'a jamais été timide. Un autre réalisateur aurait également été moins disposé à proclamer son film le premier d'un genre nouveau, le « Sudiste ». »
Les dix meilleures listes
Django Unchained figurait dans le top dix de nombreux critiques.
* 1er – Amy Nicholson, Movieline
* 1er – Chase Whale, Film Twitch
* 2e – Mick LaSalle, Chronique de San Francisco
* 2e – Drew McWeeny, Hitfix
* 2e – Michelle Orange, The Village Voice
* 2e – Nathan Rabin, The A.V. club
* 2e – Betsy Sharkey, Los Angeles Times (à égalité avec Lincoln)
* 3 – Richard Jameson, MSN Movies
* 3ème – Alan Scherstuhl, The Village Voice
* 4e – Mark Mohan, L'Oregonien
* 4 – Joe Neumaier, New York Daily News
* 4 – James Rocchi, MSN Movies
* 4 – Kristopher Tapley, HitFix
* 4e – Drew Taylor et Caryn James, Indiewire
* 5 - - Le Huffington Post
* 5 – David Ehrlich, Movies.com
* 5 – Scott Foundas, The Village Voice
* 5 – Wesley Morris, The Boston Globe
* 6 – James Berardinelli, Reelviews
* 6 – Lisa Kennedy, Denver Post
* 6 – Kat Murphy, MSN Movies
* 6 – Richard Roeper, Chicago Sun-Times
* 6 – Mike Scott, The Times-Picayune
* 7 – Drew Hunt, lecteur de Chicago
* 7 – A.O. Scott, le New York Times
* 8 – Ty Burr, The Boston Globe
* 9 – Todd McCarthy, The Hollywood Reporter
* 10 – Karina Longworth, The Village Voice
* 10 – Joshua Rothkopf, Time Out New York
* 10 – Marlow Stern, The Daily Beast
* 10 – Peter Travers, Rolling Stone
* Top 10 (classé par ordre alphabétique) – Claudia Puig, USA Today
* Top 10 (classé par ordre alphabétique) – Joe Williams, St. Louis Post-Dispatch
* Top 10 (classé par ordre alphabétique) – Stephanie Zacharek, Film.com
Objections à des éléments spécifiques du film
Représentation et descriptions des Afro-Américains et de l'esclavage
Certains commentateurs ont estimé que l'utilisation intensive du mot « nègre » dans le film était inappropriée et les affectait encore plus que la violence dépeinte contre les esclaves. D'autres critiques ont défendu l'usage de la langue dans le contexte historique de la race et de l'esclavage aux États-Unis.
Le cinéaste Spike Lee, dans une interview avec Vibe, a déclaré qu'il ne verrait pas le film, expliquant : "Tout ce que je vais dire, c'est que c'est irrespectueux envers mes ancêtres. C'est juste moi... Je ne parle pas au nom de quelqu'un d'autre." Lee écrivit plus tard : « L'esclavage américain n'était pas un western spaghetti de Sergio Leone. C'était un Holocauste. Mes ancêtres sont des esclaves volés en Afrique. Je les honorerai. » Louis Farrakhan, le leader de la Nation de l'Islam, a interprété le film comme une « préparation à la guerre raciale ».
Wesley Morris du Boston Globe a comparé le personnage de Stephen de Samuel L. Jackson à des républicains noirs comme Clarence Thomas ou Herman Cain. Samuel L. Jackson a déclaré qu'il pensait que son personnage avait «la même boussole morale que Clarence Thomas». Jackson a défendu l'utilisation intensive du mot « nègre » : « Dire que Tarantino a dit « nègre » trop de fois, c'est comme se plaindre qu'ils ont dit « kyke » [sic] trop de fois dans un film sur les nazis. »
Marc Lamont Hill, professeur à l'Université de Columbia, a comparé Christopher Dorner, ancien policier en fuite de Los Angeles, à un Django réel, en disant: "C'est presque comme regarder" Django Unchained "dans la vraie vie. C'est plutôt excitant." Dans le Los Angeles Times, la journaliste Erin Aubry Kaplan a souligné la différence entre Jackie Brown de Tarantino et Django Unchained : « C'est une institution dont les horreurs n'ont pas besoin d'être exagérées, et pourtant Django fait exactement cela, soit pour éclairer, soit pour divertir. le mot en n dans un hommage à la blaxploitation des années 70 à la Jackie Brown est une chose, mais le même réalisateur transformant la sauvagerie de l'esclavage en pulp fiction en est une autre.
Alors qu'il animait l'émission Saturday Night Live sur NBC, Jamie Foxx a plaisanté sur son enthousiasme "à l'idée de tuer tous les Blancs dans le film". Le chroniqueur Jeff Kuhner a écrit une réaction au sketch de SNL pour le Washington Times, en disant : « L'intolérance anti-blanche est devenue ancrée dans notre culture postmoderne. Prenez Django Unchained. Le film se résume à un thème central : l'homme blanc en tant que diable – un fléau moral qui doit être éradiqué comme un virus mortel. »
Recours à la violence
Certaines critiques ont critiqué le film comme étant trop violent. La première initialement prévue de Django a été reportée à la suite de la fusillade à l'école de Sandy Hook le 14 décembre 2012. Thomas Frank a critiqué le recours à la violence dans le film comme suit :
Sans surprise, Quentin Tarantino est récemment devenu la cible de ce type de critiques (sur la relation entre les films et les actes de violence). Le fait que Django Unchained soit arrivé dans les salles juste au moment du massacre de Sandy Hook n'a pas aidé. Pourtant, il a refusé de céder un pouce en discutant du lien entre la violence cinématographique et la vie réelle. Je ne pense évidemment pas que l’un ait à voir avec l’autre. Les films sont imaginaires. C'est une question d'imagination. Une partie du problème consiste à essayer de créer une expérience réaliste, mais nous faisons semblant. Est-il possible que quelqu’un dans notre monde cynique attribue le crédit à un sophisme égoïste comme celui-ci ? Bien sûr, une industrie sous le feu des critiques prétendra avoir les mains propres, tout comme la NRA l’a fait – et bien sûr, on peut compter sur son fils préféré, que ce soit Tarantino ou LaPierre, pour faire valoir cette affirmation plus fort que quiconque. Mais croient-ils vraiment que l’expression de l’imagination est sans conséquence ?
The Independent a déclaré que le film faisait partie du « nouveau sadisme du cinéma » et a ajouté : « Il y a quelque chose de déconcertant à être assis dans un cinéma bondé alors que le public rit aux dernières nouvelles ou tombe dans l'hystérie alors que quelqu'un est décapité ou a un membre. élagué".
Adam Serwer de Mother Jones a fourni un point de vue plus nuancé, affirmant que "Django, comme de nombreux films de Tarantino, a également été critiqué pour sa violence caricaturale, mais ce n'est le cas que lorsque Django tue des propriétaires d'esclaves et des surveillants. La violence contre les esclaves est toujours appropriée. terrifiant. Ceci, à tout le moins, place Django en lice pour le meilleur film de Tarantino, le premier dans lequel il découvre la violence comme une horreur plutôt que comme un simple spectacle. Lorsque Schultz détourne la tête d'un esclave déchiré par des chiens, explique Django. à Calvin Candie, le propriétaire de la plantation joué par Leo DiCaprio, que Schultz n'est tout simplement pas habitué aux Américains."
Inexactitudes historiques
Tarantino a dit à propos des combats mandingues : « J'ai toujours su que ces choses existaient », il n'y a aucune preuve historique définitive que les propriétaires d'esclaves aient jamais organisé des combats à mort de type gladiateur entre esclaves mâles, comme le combat décrit dans le film. L'historienne Edna Greene Medford note qu'il n'existe que des rumeurs non documentées selon lesquelles de tels combats ont eu lieu. David Blight, directeur du centre d'étude de l'esclavage de Yale, a déclaré que ce n'était pas une question de réserves morales ou éthiques qui empêchait les propriétaires d'esclaves de monter les esclaves les uns contre les autres dans des combats, mais plutôt des intérêts économiques personnels : les propriétaires d'esclaves n'auraient pas voulaient mettre en péril leurs investissements financiers substantiels dans des batailles de gladiateurs.
Le terme non historique « Mandingue » désignant un bon esclave combattant ou reproducteur ne vient pas de Tarantino, mais du film précédent Mandingo.
Écrivant dans le New Yorker, William Jelani Cobb a observé que l'élasticité historique occasionnelle de Tarantino jouait parfois à l'avantage du film. "Il y a des moments", a écrit Cobb, "où cette histoire convexe fonctionne à merveille, comme lorsque Tarantino dépeint le Ku Klux Klan une décennie avant sa formation réelle afin de ridiculiser complètement le racisme voilé de ses membres." Le groupe masqué en maraude représenté dans le film était connu sous le nom de « Les régulateurs » et était décrit comme les ancêtres spirituels du KKK d'après-guerre civile et non comme le KKK actuel.
Sur la question de l'exactitude historique, Christopher Caldwell a écrit dans le Financial Times : « Bien sûr, nous ne devons pas confondre un long métrage avec un documentaire télévisé public », soulignant que le film doit être traité comme un divertissement et non comme un récit historique de la période dans laquelle il se déroule. "Django utilise l'esclavage comme un film pornographique pourrait utiliser une convention d'infirmières : comme prétexte à ce qui est réellement destiné à nous divertir. Ce qui est réellement destiné à nous divertir dans Django, c'est la violence." Richard Brody, cependant, a écrit dans le New Yorker que « la vision de Tarantino de la monstruosité de l'esclavage est historiquement exacte... Tarantino décrit à juste titre l'esclavage comme non pas une simple propriété administrative mais comme un acte de cruauté grave et monstrueux ».
Distinctions
Django Unchained a remporté plusieurs prix et nominations. L'American Film Institute l'a nommé l'un de ses dix meilleurs films de l'année en décembre 2012. Le film a reçu cinq nominations aux Golden Globe Awards, dont celui du meilleur film, du meilleur réalisateur et du meilleur scénario pour Tarantino. Tarantino a remporté l'Oscar du meilleur scénario original. Christoph Waltz a reçu l'Oscar du meilleur acteur dans un second rôle, le Golden Globe Award du meilleur acteur dans un second rôle et le BAFTA Award du meilleur acteur dans un second rôle, sa deuxième fois recevant les trois prix, après avoir déjà gagné pour son rôle dans Inglourious Basterds de Tarantino. Les NAACP Image Awards ont attribué au film quatre nominations, tandis que le National Board of Review a nommé DiCaprio meilleur acteur dans un second rôle. Django Unchained a obtenu une nomination pour le meilleur film théâtral de la Producers Guild of America.
Projets futurs potentiels
Mini-série
Tarantino a déclaré dans une interview qu'il disposait de 90 minutes de matériel du film dans la salle de montage et qu'il envisageait de rééditer Django Unchained en une mini-série câblée de quatre heures et quatre nuits. Tarantino a déclaré que diviser l'histoire en quatre parties serait plus satisfaisant pour le public qu'un film de quatre heures : "... ce ne serait pas un test d'endurance. Ce serait une mini-série. Et les gens adorent ça."
Des romans
L'histoire qui est devenue le film de suivi du réalisateur, The Hateful Eight, a d'abord été tentée comme une suite de roman de poche à Django Unchained intitulée Django in White Hell. Tarantino a cependant décidé que la morale établie du personnage ne correspondait pas au ton de l'histoire en développement et a donc commencé à le réécrire sous la forme d'un scénario original sans aucun lien avec le film précédent. Il a exprimé le désir d'écrire une série de romans suite à Django.
Croisement
Sony prévoit un film crossover Django/Zorro, qui existe actuellement sous la forme d'une bande dessinée de Dynamite Entertainment.
Dans le film de 2014 Un million de façons de mourir en Occident, on voit Django tirer sur le propriétaire d'un jeu de tir à caractère raciste, en disant que « des gens meurent à la foire ».
Violation présumée du droit d'auteur
En décembre 2015, une poursuite de 100 millions de dollars a été déposée contre Tarantino par les cinéastes Oscar Colvin Jr. et Torrance J. Colvin, qui ont affirmé que le scénario de Django Unchained présentait de nombreuses similitudes avec leur film, intitulé Freedom. La plainte a été déposée devant un tribunal fédéral de Washington, DC. | http://www.quizballs.com/ |
Dans quelle ville se déroule le film « The Hangover » de 2009 ? | Las Vegas | [
"The Hangover est un film de comédie américain de 2009 réalisé par Todd Phillips, coproduit avec Daniel Goldberg et écrit par Jon Lucas et Scott Moore. Le film met en vedette Bradley Cooper, Ed Helms, Zach Galifianakis, Heather Graham, Justin Bartha et Jeffrey Tambor. Il raconte l'histoire de Phil Wenneck (Cooper), Stu Price (Helms), Alan Garner (Galifianakis) et Doug Billings (Bartha), qui se rendent à Las Vegas pour un enterrement de vie de garçon afin de célébrer le mariage imminent de Doug. Cependant, Phil, Stu et Alan se réveillent avec Doug disparu et aucun souvenir des événements de la nuit précédente, et doivent retrouver le marié avant que le mariage puisse avoir lieu.",
"Pour célébrer son prochain mariage avec Tracy Garner, Doug Billings se rend à Las Vegas avec ses meilleurs amis Phil Wenneck et Stu Price, ainsi que le frère de Tracy, Alan, dans la Mercedes-Benz vintage du futur beau-père de Doug. Ils passent la nuit au Caesars Palace, où ils se détendent dans la chambre avant de faire la fête avec quelques verres sur le toit de l'hôtel. Le lendemain matin, Phil, Stu et Alan se réveillent et découvrent qu'ils n'ont aucun souvenir de la nuit précédente et Doug est introuvable. Il manque une dent à Stu, leur suite d'hôtel est dans un état de désarroi complet, un tigre est dans leur salle de bain, un poulet dans leur salon et un bébé est dans le placard, qu'ils nomment \"Carlos\". Ils trouvent le matelas de Doug empalé sur une statue à l'extérieur de leur hôtel et lorsqu'ils demandent leur Mercedes, le voiturier leur livre une voiture de police LVPD.",
"Todd Phillips, le réalisateur du film, apparaît comme M. Creepy, qui apparaît brièvement dans un ascenseur. Mike Vallely incarne Neeco, le livreur de smokings à grande vitesse. Les personnalités de Las Vegas, Wayne Newton et Carrot Top, apparaissent comme elles-mêmes dans le diaporama de photos.",
"L'intrigue de The Hangover a été inspirée par un événement réel survenu à Tripp Vinson, producteur et ami du producteur exécutif Chris Bender. Vinson avait disparu de son propre enterrement de vie de garçon à Las Vegas, s'évanouissant et se réveillant \"dans un club de strip-tease menacé d'une très, très grosse facture [qu'il] était censé payer\".",
"Jon Lucas et Scott Moore ont vendu le scénario original de The Hangover à Warner Bros. pour plus de 2 millions de dollars. L'histoire parlait de trois amis qui perdent le marié lors de son enterrement de vie de garçon à Las Vegas et doivent ensuite revenir sur leurs pas pour comprendre ce qui s'est passé.",
"En décrivant et en célébrant Las Vegas comme « l'escapade ultime pour les hommes », The Hangover a eu un impact majeur sur le Caesars Palace et Las Vegas. Il a été rapporté en 2013 qu'à partir de cette année-là, les invités continuent de citer au personnel de Caesars deux lignes de la scène d'enregistrement du film : « César a-t-il vécu ici ? et \"Savez-vous si l'hôtel accepte les téléavertisseurs ?\" Grâce au film, les machines à sous sur le thème de la gueule de bois sont devenues populaires dans les casinos de la vallée de Las Vegas, la boutique de cadeaux du Caesars Palace a vendu des dizaines de milliers de souvenirs liés à la gueule de bois et la Las Vegas Convention and Visitors Authority a reçu de nombreuses demandes de renseignements de la part de personnes. intéressé à recréer certaines des scènes les plus folles du film, comme celles impliquant un tigre."
] | The Hangover est un film de comédie américain de 2009 réalisé par Todd Phillips, coproduit avec Daniel Goldberg et écrit par Jon Lucas et Scott Moore. Le film met en vedette Bradley Cooper, Ed Helms, Zach Galifianakis, Heather Graham, Justin Bartha et Jeffrey Tambor. Il raconte l'histoire de Phil Wenneck (Cooper), Stu Price (Helms), Alan Garner (Galifianakis) et Doug Billings (Bartha), qui se rendent à Las Vegas pour un enterrement de vie de garçon afin de célébrer le mariage imminent de Doug. Cependant, Phil, Stu et Alan se réveillent avec Doug disparu et aucun souvenir des événements de la nuit précédente, et doivent retrouver le marié avant que le mariage puisse avoir lieu.
Lucas et Moore ont écrit le scénario après la disparition de l'ami du producteur exécutif Chris Bender et une grosse facture après avoir été envoyé dans un club de strip-tease. Après que Lucas et Moore l'aient vendu au studio pour 2 millions de dollars, Philips et Jeremy Garelick ont réécrit le scénario pour inclure un tigre ainsi qu'une intrigue secondaire impliquant un bébé et une voiture de police, ainsi que le boxeur Mike Tyson. Le tournage s'est déroulé dans le Nevada pendant 15 jours, et durant le tournage, les trois acteurs principaux (Cooper, Helms et Galifianakis) ont noué une véritable amitié.
The Hangover est sorti le 5 juin 2009 et a été un succès critique et commercial. Le film est devenu le dixième film le plus rentable de 2009, avec un montant brut mondial de plus de 467 millions de dollars. Le film a remporté le Golden Globe Award du meilleur film musical ou comique et a reçu plusieurs autres distinctions. Il s'agit du dixième film le plus rentable de 2009 dans le monde, ainsi que de la deuxième comédie classée R la plus rentable jamais réalisée aux États-Unis, dépassant un record détenu auparavant par le Flic de Beverly Hills depuis près de 25 ans. Parmi tous les films classés R, il s'agit du cinquième film le plus rentable jamais enregistré aux États-Unis, derrière La Passion du Christ, The Matrix Reloaded, American Sniper et Deadpool.
Une suite, The Hangover Part II, est sortie le 26 mai 2011, et un troisième et dernier film, The Hangover Part III, est sorti le 23 mai 2013. Les deux suites ont été des succès au box-office, mais ont rencontré un accueil plus négatif. des critiques.
Parcelle
Pour célébrer son prochain mariage avec Tracy Garner, Doug Billings se rend à Las Vegas avec ses meilleurs amis Phil Wenneck et Stu Price, ainsi que le frère de Tracy, Alan, dans la Mercedes-Benz vintage du futur beau-père de Doug. Ils passent la nuit au Caesars Palace, où ils se détendent dans la chambre avant de faire la fête avec quelques verres sur le toit de l'hôtel. Le lendemain matin, Phil, Stu et Alan se réveillent et découvrent qu'ils n'ont aucun souvenir de la nuit précédente et Doug est introuvable. Il manque une dent à Stu, leur suite d'hôtel est dans un état de désarroi complet, un tigre est dans leur salle de bain, un poulet dans leur salon et un bébé est dans le placard, qu'ils nomment "Carlos". Ils trouvent le matelas de Doug empalé sur une statue à l'extérieur de leur hôtel et lorsqu'ils demandent leur Mercedes, le voiturier leur livre une voiture de police LVPD.
Utilisant des indices pour revenir sur leurs pas, le trio se rend dans un hôpital où ils découvrent qu'ils ont été drogués au Rohypnol ("roofies"), provoquant leur perte de mémoire, et qu'ils sont venus à l'hôpital depuis une chapelle. À la chapelle, ils apprennent que Stu a épousé une strip-teaseuse nommée Jade, bien qu'il entretienne une relation à long terme avec sa petite amie Melissa. A l'extérieur de la chapelle, le trio est attaqué par des gangsters disant qu'ils recherchent quelqu'un. Ils s'enfuient et rendent visite à Jade, découvrant qu'elle est la mère du bébé, dont le vrai nom est Tyler. Ils sont ensuite arrêtés par la police pour avoir volé la voiture de police. Après avoir appris que la Mercedes a été saisie, le trio est libéré lorsqu'ils se portent volontaires, sans le savoir, pour être la cible d'une démonstration de Taser. En conduisant la Mercedes, ils découvrent un Chinois nu nommé Leslie Chow dans le coffre. Chow saute hors du coffre, bat le trio avec un pied-de-biche et s'enfuit. Alan avoue qu'il a drogué leurs boissons pour s'assurer qu'ils passaient une bonne nuit, croyant que la drogue était de l'extase.
De retour à leur villa, ils retrouvent le boxeur Mike Tyson, qui ordonne au trio de ramener immédiatement le tigre dans son manoir. Stu drogue le tigre avec le Rohypnol restant, et ils se dirigent vers la maison de Tyson dans la Mercedes. Cependant, le tigre se réveille et les attaque, griffant Phil au cou et endommageant l'intérieur de la voiture. Après avoir poussé la voiture jusqu'au manoir, Tyson montre les images du trio d'eux chez lui pour les aider à localiser Doug. Pendant qu'ils conduisent, leur voiture est intentionnellement percutée par un autre véhicule. Les passagers se révèlent être les gangsters de la chapelle et leur patron Chow (l'homme nu du coffre). Chow accuse le trio de l'avoir kidnappé et d'avoir volé 80 000 $ qui se trouvaient dans son sac à main. Alors que le trio nie cela, Chow leur dit qu'il a Doug et menace de le tuer si son argent n'est pas restitué. Incapable de trouver les 80 000 $ de Chow, Alan, avec l'aide de Stu et Jade, utilise ses connaissances en comptage de cartes pour gagner 82 400 $ en jouant au Blackjack.
Ils rencontrent Chow et échangent l'argent, seulement pour découvrir que "Doug" est le trafiquant de drogue noir, qui a accidentellement vendu Alan les Roofies. Alors que le mariage devrait avoir lieu dans 5 heures, Phil appelle Tracy et lui dit qu'ils ne trouvent pas Doug. Lorsque "Black Doug" mentionne que "Si vous prenez des Roofies, vous risquez plus de vous retrouver par terre que sur le toit", Stu réalise où se trouve Doug. Le trio retourne à leur hôtel où ils trouvent un Doug délirant et gravement brûlé par le soleil sur le toit. Stu, Phil et Alan l'ont déplacé là-bas sur son matelas la nuit précédente pour plaisanter, mais ils ont oublié où ils l'avaient laissé. Le matelas de Doug avait été jeté sur la statue par Doug, pour tenter de signaler de l'aide. Avant de partir, Stu prend des dispositions pour sortir avec Jade la semaine suivante. Moins de quatre heures avant le mariage et sans vol disponible vers Los Angeles, les quatre rentrent chez eux. En chemin, Doug révèle qu'il est en possession des 80 000 $ d'origine de Chow. Malgré leur arrivée tardive, Doug et Tracy sont mariés et Stu rompt avec colère avec Melissa, fatigué de son attitude contrôlante. À la fin de la réception, Alan trouve l'appareil photo numérique de Stu contenant des photos des événements dont ils ne se souviennent pas, et les quatre conviennent de regarder les photos ensemble avant de supprimer les preuves de leurs exploits.
Tous, à l'exception d'Alan, sont profondément perturbés par les images diffusées au générique.
Casting
* Bradley Cooper dans le rôle de Phil Wenneck, enseignant et chef du Wolfpack.
* Ed Helms dans le rôle du Dr Stu Price, un dentiste qui se dit médecin.
* Zach Galifianakis dans le rôle d'Alan Garner, le futur beau-frère socialement incompétent de Doug. Alan souffre de TDAH et agit de manière enfantine.
* Heather Graham dans le rôle de Jade, strip-teaseuse et escorte.
* Justin Bartha dans le rôle de Doug Billings, le marié, porté disparu pendant la majeure partie du film.
* Jeffrey Tambor dans le rôle de Sid Garner, le père de Tracy et Alan.
* Sasha Barrese dans le rôle de Tracy Garner, la mariée et la sœur d'Alan
* Gillian Vigman dans le rôle de Stephanie Wenneck, la femme de Phil
* Rachael Harris dans le rôle de Melissa, la petite amie autoritaire et infidèle de Stu
* Ken Jeong dans le rôle de Leslie Chow, un gangster chinois flamboyant
* Mike Epps dans le rôle de "Black Doug", un trafiquant de drogue pris pour Doug
* Rob Riggle dans le rôle de l'officier Franklin
* Cleo King en tant qu'officier de jardin
* Bryan Callen dans le rôle d'Eddie Palermos
* Ian Anthony Dale dans le rôle de l'homme de main de Chow #1
* Michael Li dans le rôle de l'homme de main de Chow #2
* Mike Tyson apparaît comme lui-même ; Tyson a initialement refusé d'apparaître dans le film, mais il a changé d'avis lorsqu'il a découvert que Todd Phillips avait réalisé Old School, ce que Tyson aimait. Tyson a déclaré plus tard que travailler sur le film l'avait convaincu de changer son style de vie.
* Matt Walsh incarne le Dr Valsh.
* Dan Finnerty joue un chanteur de mariage au mariage de Doug et Tracy.
Camées
Todd Phillips, le réalisateur du film, apparaît comme M. Creepy, qui apparaît brièvement dans un ascenseur. Mike Vallely incarne Neeco, le livreur de smokings à grande vitesse. Les personnalités de Las Vegas, Wayne Newton et Carrot Top, apparaissent comme elles-mêmes dans le diaporama de photos.
Production
En écrivant
L'intrigue de The Hangover a été inspirée par un événement réel survenu à Tripp Vinson, producteur et ami du producteur exécutif Chris Bender. Vinson avait disparu de son propre enterrement de vie de garçon à Las Vegas, s'évanouissant et se réveillant "dans un club de strip-tease menacé d'une très, très grosse facture [qu'il] était censé payer".
Jon Lucas et Scott Moore ont vendu le scénario original de The Hangover à Warner Bros. pour plus de 2 millions de dollars. L'histoire parlait de trois amis qui perdent le marié lors de son enterrement de vie de garçon à Las Vegas et doivent ensuite revenir sur leurs pas pour comprendre ce qui s'est passé.
Il a ensuite été réécrit par Jeremy Garelick et le réalisateur Todd Phillips, qui ont ajouté des éléments supplémentaires tels que Mike Tyson et son tigre, le bébé et la voiture de police. La Writers Guild of America, West a refusé que leur travail soit crédité en raison des règles de son système de crédit pour l'écriture de scénarios.
Fonderie
Ed Helms, Zach Galifianakis et Bradley Cooper étaient tous des connaissances occasionnelles avant le tournage de The Hangover, ce qui, selon Helms, a aidé à établir un rapport et une alchimie entre leurs personnages. Helms a crédité Phillips pour "avoir réuni trois gars qui sont vraiment différents, mais qui apprécient vraiment l'humour et la sensibilité de chacun". Helms a également expliqué que l'histoire du rapprochement et des liens entre les trois personnages a façonné l'amitié entre les trois acteurs : "En passant 14 heures par jour ensemble pendant trois mois, vous voyez de nombreuses facettes de quelqu'un. Nous avons traversé les ensemble, et cette expérience partagée a vraiment fait de nous de véritables amis.
Lindsay Lohan s'est vu offrir le rôle de Jade dans le film. Cependant, elle l'a refusé, affirmant que le scénario "n'avait aucun potentiel". Elle a ensuite regretté d'avoir pris cette décision.
Tournage
Avec un budget de 35 millions de dollars, le tournage principal s'est déroulé au Nevada pendant quinze jours.
The Hangover a été principalement filmé sur place au Caesars Palace, y compris la réception, le hall, l'entrée, les piscines, les couloirs, les ascenseurs et le toit, mais la suite endommagée dans le film a été construite sur une scène sonore.
Helms a déclaré que le tournage de The Hangover était plus exigeant physiquement que tout autre rôle qu'il avait joué et qu'il avait perdu huit livres en réalisant le film. Il a déclaré que le jour le plus difficile du tournage a été la scène où M. Chow percute sa voiture et attaque les personnages principaux, ce qui, selon Helms, a nécessité de nombreuses prises et a été très douloureux, comme lorsque quelques coups de poing et de pied ont atterri accidentellement et lorsque son les genoux et les tibias ont été blessés alors qu'il était tiré par la fenêtre. La dent manquante n'a pas été créée avec des prothèses ou des effets visuels, mais est d'origine naturelle : Helms n'a jamais fait pousser d'incisive adulte et a reçu un implant dentaire à l'adolescence qui a été retiré pour le tournage.
Jeong a déclaré que son saut nu sur le cou de Cooper ne faisait pas partie du scénario, mais plutôt une improvisation de leur part. Il a été ajouté avec la bénédiction de Phillips. Jeong a également déclaré qu'il devait recevoir la permission de sa femme pour apparaître nu dans le film.
Phillips a tenté de convaincre les acteurs de lui permettre d'utiliser un vrai Taser jusqu'à ce que les avocats de Warner Bros. interviennent.
Concernant les plans explicites du diaporama final dans lequel son personnage est vu en train de recevoir une fellation dans un ascenseur, Galifianakis a confirmé qu'une prothèse avait été utilisée pour la scène, et qu'il avait été plus gêné que quiconque lors de la création du plan. "On pourrait penser que ce n'est pas moi qui serais gêné ; j'étais extrêmement gêné. Je ne voulais même pas que ce soit là-dedans. J'ai offert beaucoup d'argent à l'assistant de Todd pour le convaincre de le retirer du film. . Je l'ai fait. Mais il est arrivé là-bas.
Les scènes impliquant des animaux ont été filmées pour la plupart avec des animaux dressés. Les formateurs et les équipements de sécurité ont été supprimés numériquement de la version finale. Certains animaux accessoires ont été utilisés, comme lorsque le tigre était caché sous un drap et déplacé sur un chariot à bagages. De tels efforts ont reçu la note « Exceptionnel » de la part de l'American Humane Association pour la surveillance et le traitement des animaux.
Musique
La musique du film a été composée par Christophe Beck. Le film présentait 20 chansons, composées de musiques de Kanye West, Dyslexic Speedreaders, Danzig, The Donnas, Usher, Phil Collins, The Belle Stars, T.I., Wolfmother et The Dan Band, qui ont tendance à figurer dans les films de Phillips comme étant inappropriés, une alliance mal parlée. Le Dan Band propose également une version du single à succès de 50 Cent "Candy Shop". Le patineur professionnel et musicien punk Mike Vallely a été invité avec son groupe, Revolution Mother, à écrire une chanson pour le film et fait également une apparition en tant que livreur de smoking à grande vitesse.
"Right Round" de Flo Rida est joué au générique de fin.
Le film utilise la chanson de Kanye West "Can't Tell Me Nothing" pour laquelle Zach Galifianakis a réalisé un clip alternatif.
Liste des pistes
; Chansons supplémentaires
* "Qui a laissé les chiens sortir?" – Baha Hommes
* "Right Round" – Flo Rida avec Ke$ha
* "Je ne peux rien me dire" - Kanye West
* "Vivez votre vie" – T.I. avec Rihanna
* "Que dites-vous?" -Mickey Avalon
* "Ouais!" – Usher avec Ludacris et Lil Jon
* "Joker et le voleur" – Mère-Loup
Libérer
Box-office
The Hangover a été un succès financier. , il avait rapporté 467 416 722 $, dont 277 322 503 $ au Canada et aux États-Unis. Il s'agit du dixième film le plus rentable de 2009 au monde, du neuvième film le plus rentable de 2009 aux États-Unis et de la comédie classée R la plus rentable jamais réalisée aux États-Unis, dépassant un record détenu auparavant par le Flic de Beverly Hills. depuis près de 25 ans.
Parmi tous les films classés R, il s'agit du cinquième film le plus rentable jamais enregistré aux États-Unis, derrière La Passion du Christ, The Matrix Reloaded, American Sniper et Deadpool. Cependant, corrigé de l'inflation, The Hangover a rapporté moins de la moitié du total gagné par Beverly Hills Cop et est surclassé par plusieurs comédies, dont Porky's.
Lors de son premier jour de sortie aux États-Unis, le film a récolté 16 734 033 $ sur environ 4 500 écrans répartis sur 3 269 sites, et a dépassé le gros budget de Land of the Lost – l'autre nouveauté majeure du week-end – en termes de recettes au box-office du premier jour.
Bien que les projections initiales du studio aient permis au film Disney·Pixar Up de conserver la première place pour un deuxième week-end consécutif, les chiffres finaux révisés, renforcés par une projection étonnamment forte le dimanche, ont finalement permis à The Hangover de terminer premier du week-end, avec 44 979 319 $ sur 3 269. cinémas, avec une moyenne de 13 759 $ par salle, devançant de peu Up pour la première place, et plus du double de celle de Land of the Lost, qui a terminé troisième avec 18,8 millions de dollars.
Le film a dépassé Warner Bros. attentes – qui avaient prévu qu'il terminerait troisième derrière Up et Land of the Lost – bénéficiant d'un bouche-à-oreille positif et d'éloges critiques, et d'un buzz généralement négatif pour Land of the Lost. Il est resté à la première place lors de son deuxième week-end, gagnant 32 794 387 $ supplémentaires, provenant de 3 355 cinémas, pour une moyenne de 9 775 $ par salle, et portant le montant sur 10 jours à 104 768 489 $.
Médias domestiques
The Hangover est sorti sur DVD, Blu-ray et UMD le 15 décembre 2009. Il existe une version cinéma sur un seul disque comprenant à la fois l'option plein écran et grand écran (DVD uniquement), ainsi qu'une version grand écran non classée à deux disques de le film, contenant également la version cinéma (DVD, Blu-ray et UMD). La version non classée dure environ sept minutes de plus que la version cinéma. La version non classée est sur le disque un et la version cinéma, la copie numérique et les différentes fonctionnalités sont sur le disque deux.
The Hangover a battu Inglourious Basterds et G-Force lors des ventes de DVD et Blu-ray de la première semaine, ainsi que des locations, avec plus de 8,6 millions d'unités vendues, ce qui en fait la comédie la plus vendue jamais réalisée sur DVD et Blu-ray, battant le précédent record détenu. par Mon gros mariage grec.
Réception
Réponse critique
The Hangover a reçu des critiques généralement positives, les critiques louant l'approche comique du film, même si les critiques étaient dirigées vers sa vulgarité excessive. Sur Rotten Tomatoes, le film a une note de 79 % "Certified Fresh" sur la base de 226 avis, avec une note moyenne de 6,8 sur 10, avec le consensus critique suivant : "Avec un scénario intelligent et une interaction hilarante entre les acteurs, The Hangover donne juste le bon ton d'humour torride et les rires incessants éclipsent tout défaut".
Sur Metacritic, qui utilise un système de notation normalisé, le film a obtenu une note de 73 sur 100 sur la base de 31 critiques, indiquant « des critiques généralement favorables ».
Roger Ebert du Chicago Sun-Times lui a attribué trois étoiles et demie sur quatre et a loué le film pour son côté drôle et comique. A.O. Scott du New York Times a félicité Cooper, Helms et Galifianakis pour leurs performances dans le film ainsi que Todd Phillips pour sa réalisation. Scott a ensuite ajouté que le film était "sûr comme du lait". Mick LaSalle du San Francisco Chronicle a également salué la direction de Phillips. LaSalle a également fait l'éloge des scènes comiques du film et l'a qualifié de "film le plus drôle jusqu'à présent cette année [2009]". Betsy Sharkey du Los Angeles Times a loué le film pour sa perversité. Sharkey a également déclaré que le film est "rempli de moments aussi doux que bruts, aussi indulgents qu'impardonnables". Bien que Joe Leydon de Variety ait critiqué les bandes-annonces et les spots télévisés du film pour leur "farce de bière et de seins et de fête", Leydon a loué le film pour son intelligence.
À l'inverse, Richard Corliss de Time a déclaré que « pratiquement toutes les blagues [dans le film] soit sont visibles bien avant leur arrivée, soit bien au-delà de leur date d'expiration » et a ajouté : « Quoi qu'en disent les autres critiques, c'est une bromance si primitive qu'elle est pratiquement Frère-Magnon."
Dans sa critique du Baltimore Sun, Michael Sragow a qualifié le film de "fausse maille d'intelligence et de vulgarité bon marché". Joe Neumaier du Daily News a attribué au film 5 étoiles sur 5 et a noté: "Aussi amusant soit-il, il ne semble jamais réel. Cela peut ne pas sembler très grave – beaucoup de films drôles suivent leurs propres règles – sauf que The Hangover continue de redoubler d'extravagance. "
Les critiques axés sur la famille ont harangué le film, notant que Galifianakis avait déclaré avoir tenté d'interdire à sa propre mère de le voir et qu'il criait après les parents d'enfants qui lui disaient qu'ils aimaient le film.
Les critiques ont noté le faible développement du personnage, en particulier chez les personnages féminins. Les critiques se sont également concentrées sur la misogynie et les stéréotypes, en particulier le gangster asiatique.
Ebert, malgré ses éloges, a déclaré : « Je n'irai pas jusqu'à le décrire comme une étude de personnages », mais que le film est plus que la somme de ses parties – des parties qui peuvent à première vue sembler un peu génériques ou clichées.
puisque de nombreux autres films (comme Very Bad Things) ont déjà exploré l'idée d'un week-end à Vegas qui tourne mal. La prémisse du film présente plusieurs similitudes avec Mec, où est ma voiture ? Les deux films parlent de "quelques gars qui se réveillent après une nuit passée à se faire saccager, pour découvrir qu'il leur manque quelque chose d'important", dont les aventures incluent "une piste d'indices, une voiture disparue, des rencontres douteuses avec des strip-teaseuses et des animaux sauvages, une brosse". avec la loi et les gangs qui les poursuivent pour quelque chose qu'ils ne réalisent pas avoir".
Distinctions
Le 17 janvier 2010, The Hangover a remporté le Golden Globe Award du meilleur film musical ou comique.
Il a également été nommé l'un des dix meilleurs films de l'année par l'American Film Institute.
Le film a remporté le prix du « Meilleur ensemble » de la Detroit Film Critics Society.
Le scénario a été nominé pour les prix Writers Guild of America et BAFTA.
Impact culturel et économique
En décrivant et en célébrant Las Vegas comme « l'escapade ultime pour les hommes », The Hangover a eu un impact majeur sur le Caesars Palace et Las Vegas. Il a été rapporté en 2013 qu'à partir de cette année-là, les invités continuent de citer au personnel de Caesars deux lignes de la scène d'enregistrement du film : « César a-t-il vécu ici ? et "Savez-vous si l'hôtel accepte les téléavertisseurs ?" Grâce au film, les machines à sous sur le thème de la gueule de bois sont devenues populaires dans les casinos de la vallée de Las Vegas, la boutique de cadeaux du Caesars Palace a vendu des dizaines de milliers de souvenirs liés à la gueule de bois et la Las Vegas Convention and Visitors Authority a reçu de nombreuses demandes de renseignements de la part de personnes. intéressé à recréer certaines des scènes les plus folles du film, comme celles impliquant un tigre.
Séquelles
Le tournage principal de The Hangover Part II a commencé en octobre 2010, avec le retour de Bradley Cooper, Ed Helms, Justin Bartha, Zach Galifianakis et Ken Jeong. Le film est sorti le 26 mai 2011.
Le tournage de The Hangover Part III a débuté en septembre 2012 et est sorti le 23 mai 2013. | http://www.quizballs.com/ |
En 1996, Dolly la brebis a été clonée avec succès dans quel pays européen ? | Écosse | [
"Dolly (5 juillet 1996 - 14 février 2003) était une brebis domestique et le premier mammifère cloné à partir d'une cellule somatique adulte, en utilisant le processus de transfert nucléaire. Elle a été clonée par Sir Ian Wilmut, Keith Campbell et leurs collègues du Roslin Institute, qui fait partie de l'Université d'Édimbourg, en Écosse, et de la société de biotechnologie PPL Therapeutics, basée près d'Édimbourg. Le financement du clonage de Dolly a été assuré par PPL Therapeutics et le ministère britannique de l'Agriculture. Elle est née le 5 juillet 1996 et est décédée d'une maladie pulmonaire évolutive 5 mois avant son septième anniversaire.[http://news.bbc.co.uk/2/hi/science/nature/2764039.stm \"Dolly le clone de la brebis meurt jeune\"]. Nouvelles de la BBC. 14 février 2003 Elle a été surnommée « la brebis la plus célèbre du monde » par des sources telles que BBC News et Scientific American."
] | Dolly (5 juillet 1996 - 14 février 2003) était une brebis domestique et le premier mammifère cloné à partir d'une cellule somatique adulte, en utilisant le processus de transfert nucléaire. Elle a été clonée par Sir Ian Wilmut, Keith Campbell et leurs collègues du Roslin Institute, qui fait partie de l'Université d'Édimbourg, en Écosse, et de la société de biotechnologie PPL Therapeutics, basée près d'Édimbourg. Le financement du clonage de Dolly a été assuré par PPL Therapeutics et le ministère britannique de l'Agriculture. Elle est née le 5 juillet 1996 et est décédée d'une maladie pulmonaire évolutive 5 mois avant son septième anniversaire.[http://news.bbc.co.uk/2/hi/science/nature/2764039.stm "Dolly le clone de la brebis meurt jeune"]. Nouvelles de la BBC. 14 février 2003 Elle a été surnommée « la brebis la plus célèbre du monde » par des sources telles que BBC News et Scientific American.
La cellule utilisée comme donneur pour le clonage de Dolly a été prélevée dans une glande mammaire, et la production d'un clone sain a donc prouvé qu'une cellule prélevée dans une partie spécifique du corps pouvait recréer un individu entier. À propos du nom de Dolly, Wilmut a déclaré : « Dolly est dérivée d'une cellule de glande mammaire et nous ne pouvions pas penser à une paire de glandes plus impressionnante que celle de Dolly Parton ».
Naissance
Dolly est née le 5 juillet 1996 et a eu trois mères (l'une a fourni l'ovule, une autre l'ADN et une troisième a porté l'embryon cloné à terme). Elle a été créée en utilisant la technique de transfert nucléaire de cellules somatiques, où le noyau cellulaire d'une cellule adulte est transféré dans un ovocyte non fécondé (ovule en développement) dont le noyau cellulaire a été retiré. La cellule hybride est ensuite stimulée à se diviser par un choc électrique et, lorsqu'elle se développe en blastocyste, elle est implantée chez une mère porteuse. Dolly a été le premier clone produit à partir d'une cellule prélevée sur un mammifère adulte. La production de Dolly a montré que les gènes du noyau d'une cellule somatique différenciée aussi mature sont toujours capables de revenir à un état totipotent embryonnaire, créant une cellule qui peut ensuite se développer en n'importe quelle partie d'un animal. L'existence de Dolly a été annoncée au public le 22 février 1997. Elle a attiré beaucoup d'attention dans les médias. Une publicité montrant des scientifiques écossais jouant avec des moutons a été diffusée à la télévision et un reportage spécial dans le magazine TIME mettait en vedette Dolly la brebis. La science a présenté Dolly comme la percée de l'année. Même si Dolly n'a pas été le premier animal cloné, elle a retenu l'attention des médias parce qu'elle a été la première clonée à partir d'une cellule adulte.
Vie
Dolly a vécu toute sa vie au Roslin Institute d'Édimbourg. Là, elle a été accouplée avec un bélier Welsh Mountain et a produit six agneaux au total. Son premier agneau, nommé Bonnie, est né en avril 1998. L'année suivante, Dolly a donné naissance aux agneaux jumeaux Sally et Rosie, et elle a donné naissance aux triplés Lucy, Darcy et Cotton l'année suivante. Fin 2001, à l'âge de quatre ans, Dolly a développé de l'arthrite et a commencé à marcher avec raideur. Cela a été traité avec des médicaments anti-inflammatoires.
La mort
Le 14 février 2003, Dolly a été euthanasiée parce qu'elle souffrait d'une maladie pulmonaire évolutive et d'une arthrite grave. [http://www.roslin.ac.uk/publicInterest/DollyFinalIilness.php La dernière maladie de Dolly] Roslin Institute, consulté le 21 février 2008 [http https://google.com/search?q
cache:ZZqIBPjFuT0J:www.ri.bbsrc.ac.uk/publicInterest/DollyFinalIilness.php+%22Dolly%27s+arthritis%22+Roslin+Institute&hlen&ct
clnk&cd3&gl
us&clientfirefox-a Version mise en cache] Un Finn Dorset tel que Dolly a une espérance de vie d'environ 11 à 12 ans, mais Dolly a vécu 6,5 ans. Une autopsie a montré qu'elle souffrait d'une forme de cancer du poumon appelée Jaagsiekte, qui est une maladie assez courante chez les moutons et qui est causée par le rétrovirus JSRV. Les scientifiques de Roslin ont déclaré qu'ils ne pensaient pas qu'il y avait un lien avec le fait que Dolly était un clone et que d'autres moutons du même troupeau étaient morts de la même maladie. De telles maladies pulmonaires constituent un danger particulier pour les moutons gardés à l’intérieur, et Dolly a dû dormir à l’intérieur pour des raisons de sécurité.
Certains dans la presse ont émis l'hypothèse qu'un facteur ayant contribué à la mort de Dolly était qu'elle aurait pu naître avec un âge génétique de six ans, le même âge que le mouton à partir duquel elle avait été clonée. L'une des bases de cette idée était la découverte que les télomères de Dolly étaient courts, ce qui est généralement le résultat du processus de vieillissement. L'Institut Roslin a déclaré qu'un examen médical intensif n'a révélé aucune anomalie chez Dolly qui aurait pu provenir d'un vieillissement avancé. life-of-dolly/ Dolly était-elle déjà « vieille » à la naissance ?] Roslin Institute, consulté le 4 avril 2010
En 2016, les scientifiques n'ont signalé aucun défaut chez treize moutons clonés, dont quatre issus de la même lignée cellulaire que Dolly. Dans la première étude examinant les conséquences du clonage sur la santé à long terme, les auteurs n'ont trouvé aucune preuve d'apparition tardive de maladies non transmissibles autres que quelques exemples mineurs d'arthrose et ont conclu : « Nous n'avons donc trouvé aucune preuve d'un effet néfaste à long terme. -effet à terme du clonage par SCNT sur la santé de la progéniture âgée parmi notre cohorte.
Héritage
Après que le clonage ait été démontré avec succès grâce à la production de Dolly, de nombreux autres grands mammifères ont été clonés, notamment des porcs, Shukman, David (14 janvier 2014) [http://www.bbc.co.uk/news/science-environment-25576718 Chine clonage à « l'échelle industrielle »] BBC News, récupéré le 14 janvier 2014. cerfs, chevaux et taureaux. La tentative de clonage de l'argali (mouton de montagne) n'a pas produit d'embryons viables. La tentative de clonage d'un taureau banteng a été plus fructueuse, tout comme les tentatives de clonage du mouflon (une forme de mouton sauvage), toutes deux aboutissant à une progéniture viable. Le processus de reprogrammation que doivent suivre les cellules lors du clonage n’est pas parfait et les embryons produits par transfert nucléaire présentent souvent un développement anormal. Fabriquer des mammifères clonés était très inefficace : en 1996, Dolly était le seul agneau à avoir survécu jusqu'à l'âge adulte après 277 tentatives. Cependant, en 2014, les scientifiques chinois avaient un taux de réussite de 70 à 80 % en matière de clonage de porcs et en 2016, une société coréenne, Sooam Biotech, produisait 500 embryons clonés par jour. Wilmut, qui a dirigé l'équipe qui a créé Dolly, a annoncé en 2007 que la technique de transfert nucléaire pourrait ne jamais être suffisamment efficace pour être utilisée chez l'homme.
Le clonage peut être utile pour préserver les espèces menacées et peut devenir un outil viable pour faire revivre des espèces disparues. En janvier 2009, des scientifiques du Centre de technologie et de recherche alimentaires d'Aragon, dans le nord de l'Espagne, ont annoncé le clonage du bouquetin des Pyrénées, une forme de chèvre de montagne sauvage, officiellement déclarée éteinte en 2000. Bien que le nouveau-né soit mort peu après sa naissance En raison de défauts physiques dans ses poumons, c'est la première fois qu'un animal éteint est cloné et cela pourrait ouvrir la porte à la sauvegarde d'espèces menacées ou nouvellement éteintes en les ressuscitant à partir de tissus congelés.
En juillet 2016, quatre clones identiques de la brebis Dolly (Daisy, Debbie, Dianna et Denise) étaient vivants et en bonne santé à l'âge de neuf ans. | http://www.quizballs.com/ |
Quelle est la monnaie de la Lituanie ? | litas | [
"Le litas était la monnaie nationale jusqu'en 2015, date à laquelle il a été remplacé par l'euro au taux de 1,00 EUR 3,45280 LTL. Le litas était rattaché à l'euro à ce taux depuis le 2 février 2002."
] | La Lituanie (; ), officiellement la République de Lituanie (), est un pays d'Europe du Nord. L'un des trois États baltes, il est situé le long de la rive sud-est de la mer Baltique, à l'est de la Suède et du Danemark. Il est bordé par la Lettonie au nord, la Biélorussie à l'est et au sud, la Pologne au sud et l'oblast de Kaliningrad (une enclave russe) au sud-ouest. La Lituanie a une population estimée à 2,9 millions d'habitants et sa capitale et plus grande ville est Vilnius. Les Lituaniens sont un peuple balte. La langue officielle, le lituanien, et le letton, sont les deux seules langues vivantes de la branche balte de la famille des langues indo-européennes.
Pendant des siècles, les rives sud-est de la mer Baltique ont été habitées par diverses tribus baltes. Dans les années 1230, les terres lituaniennes furent unies par Mindaugas, le roi de Lituanie, et le premier État lituanien unifié, le Royaume de Lituanie, fut créé le 6 juillet 1253. Au 14e siècle, le Grand-Duché de Lituanie était le plus grand pays. en Europe; Les territoires actuels de la Lituanie, de la Biélorussie, de l'Ukraine et de certaines parties de la Pologne et de la Russie appartenaient au Grand-Duché. Avec l'Union de Lublin de 1569, la Lituanie et la Pologne ont formé une union volontaire de deux États, le Commonwealth polono-lituanien. Le Commonwealth a duré plus de deux siècles, jusqu'à ce que les pays voisins le démantelent systématiquement de 1772 à 1795, l'Empire russe annexant la majeure partie du territoire lituanien.
Alors que la Première Guerre mondiale touchait à sa fin, l'Acte d'indépendance de la Lituanie fut signé le 16 février 1918, déclarant la fondation de la République de Lituanie moderne. À partir de 1940, la Lituanie fut occupée d’abord par l’Union soviétique puis par l’Allemagne nazie. Alors que la Seconde Guerre mondiale touchait à sa fin en 1944 et que les Allemands se retiraient, l'Union soviétique réoccupa la Lituanie. Le 11 mars 1990, un an avant la dissolution officielle de l'Union soviétique, la Lituanie est devenue la première république soviétique à se déclarer indépendante, entraînant ainsi la restauration d'un État lituanien indépendant.
La Lituanie est membre de l'Union européenne, du Conseil de l'Europe, membre à part entière de l'accord de Schengen et de l'OTAN. Elle est également membre de la Banque nordique d'investissement et fait partie de la coopération nordique-baltique des pays d'Europe du Nord. L'Indice de développement humain des Nations Unies classe la Lituanie parmi les pays à « développement humain très élevé ». La Lituanie fait partie des économies à la croissance la plus rapide de l'Union européenne et est classée 20e au monde selon l'indice de facilité de faire des affaires. Le 1er janvier 2015, la Lituanie a adopté l'euro comme monnaie officielle et est devenue le 19e membre de la zone euro.
Histoire
Préhistorique
Les premiers peuples se sont installés sur le territoire de la Lituanie après la dernière période glaciaire au Xe millénaire avant JC. Pendant un millénaire, les Indo-Européens, arrivés entre le IIIe et le IIe millénaire avant JC, se sont mêlés à la population locale et ont formé diverses tribus baltes. La première mention écrite de la Lituanie se trouve dans un manuscrit médiéval allemand, les Annales de Quedlinbourg, dans une entrée datée du 9 mars 1009.
Médiéval
Initialement habitées par des tribus baltes fragmentées, les terres lituaniennes furent unifiées dans les années 1230 par Mindaugas, qui fut couronné roi de Lituanie le 6 juillet 1253. Après son assassinat en 1263, la Lituanie païenne fut la cible des croisades chrétiennes des chevaliers teutoniques et l'Ordre de Livonie. Malgré la lutte dévastatrice d'un siècle contre les Ordres, le Grand-Duché de Lituanie s'est développé rapidement, dépassant les anciennes principautés slaves de la Russie kiévienne.
À la fin du XIVe siècle, la Lituanie était l’un des plus grands pays d’Europe et comprenait la Biélorussie, l’Ukraine ainsi qu’une partie de la Pologne et de la Russie. La situation géopolitique entre l'ouest et l'est a déterminé le caractère multiculturel et multiconfessionnel du Grand-Duché de Lituanie. L'élite dirigeante pratiquait la tolérance religieuse et la langue slave de la chancellerie était utilisée comme langue auxiliaire du latin pour les documents officiels.
En 1385, le grand-duc Jogaila accepta l'offre de la Pologne de devenir son roi. Jogaila s'est lancé dans la christianisation progressive de la Lituanie et a établi une union personnelle entre la Pologne et la Lituanie. Cela impliquait que la Lituanie, pays farouchement indépendant, était l’une des dernières régions païennes d’Europe à adopter le christianisme.
Après deux guerres civiles, Vytautas le Grand devint grand-duc de Lituanie en 1392. Durant son règne, la Lituanie atteignit le sommet de son expansion territoriale, la centralisation de l'État commença et la noblesse lituanienne devint de plus en plus importante dans la politique de l'État. Lors de la grande bataille de la rivière Vorskla en 1399, les forces combinées de Tokhtamysh et de Vytautas furent vaincues par les Mongols. Grâce à une étroite coopération, les armées de Lituanie et de Pologne ont remporté une grande victoire sur les chevaliers teutoniques en 1410 lors de la bataille de Grunwald, l'une des plus grandes batailles de l'Europe médiévale.
Après la mort de Jogaila et de Vytautas, la noblesse lituanienne a tenté de rompre l'union entre la Pologne et la Lituanie, en sélectionnant indépendamment les grands-ducs de la dynastie Jagellon. Mais, à la fin du XVe siècle, la Lituanie fut contrainte de rechercher une alliance plus étroite avec la Pologne lorsque la puissance croissante du Grand-Duché de Moscou menaça les principautés russes de Lituanie et déclencha les guerres moscovites-lituaniennes et la guerre de Livonie.
Moderne
Le Commonwealth polono-lituanien a été créé en 1569. En tant que membre du Commonwealth, la Lituanie a conservé ses institutions, notamment une armée distincte, une monnaie et des lois statutaires. Finalement, la polonisation a affecté tous les aspects de la vie lituanienne : politique, langue, culture et identité nationale. Du milieu du XVIe au milieu du XVIIe siècle, la culture, les arts et l’éducation ont prospéré, alimentés par la Renaissance et la Réforme protestante. À partir de 1573, les rois de Pologne et les grands-ducs de Lituanie furent élus par la noblesse, qui bénéficièrent de libertés dorées toujours croissantes. Ces libertés, en particulier le liberum veto, ont conduit à l'anarchie et à la dissolution éventuelle de l'État.
Pendant les guerres du Nord (1655-1661), le territoire et l’économie lituaniens furent dévastés par l’armée suédoise. Avant de pouvoir se rétablir complètement, la Lituanie fut ravagée pendant la Grande Guerre du Nord (1700-1721). La guerre, la peste et la famine ont causé la mort d'environ 40 % de la population du pays. Les puissances étrangères, en particulier la Russie, sont devenues dominantes dans la politique intérieure du Commonwealth. De nombreuses factions au sein de la noblesse ont utilisé les Libertés Dorées pour empêcher toute réforme. Finalement, le Commonwealth fut divisé en 1772, 1792 et 1795 par l'Empire russe, la Prusse et l'Autriche des Habsbourg.
La plus grande partie du territoire lituanien est devenue partie intégrante de l’Empire russe. Après les soulèvements infructueux de 1831 et 1863, les autorités tsaristes mettent en œuvre un certain nombre de politiques de russification. Ils ont interdit la presse lituanienne, fermé les institutions culturelles et éducatives et ont intégré la Lituanie à une nouvelle région administrative appelée Krai du Nord-Ouest. La russification a échoué en raison d’un vaste réseau de contrebandiers de livres et d’un enseignement secret à domicile lituanien.
Après la guerre russo-turque (1877-1878), lorsque les diplomates allemands attribuèrent à la Turquie ce qui était considéré comme un butin de guerre russe, les relations entre la Russie et l’Empire allemand se compliquèrent. L'Empire russe a repris la construction de forteresses à ses frontières occidentales pour se défendre contre une éventuelle invasion allemande à l'ouest. Le 7 juillet 1879, l'empereur russe Alexandre II approuva une proposition des dirigeants militaires russes visant à construire la plus grande structure défensive de « première classe » de tout l'État : la forteresse de Kaunas, d'une longueur de 65 km2. Un grand nombre de Lituaniens se rendirent aux États-Unis en 1867-1868 après une famine. La renaissance nationale lituanienne a jeté les bases de la nation lituanienne moderne et de la Lituanie indépendante.
20e et 21e siècles
Pendant la Première Guerre mondiale, le Conseil lituanien (Lietuvos Taryba) déclara l'indépendance de la Lituanie et le rétablissement de l'État lituanien le 16 février 1918. La politique étrangère de la Lituanie était dominée par les conflits territoriaux avec la Pologne et l'Allemagne. La région de Vilnius et Vilnius, la capitale historique de la Lituanie (et ainsi désignée dans la Constitution de la Lituanie), furent saisies par l'armée polonaise lors de la mutinerie de Żeligowski en octobre 1920 et incorporées deux ans plus tard à la Pologne. Pendant 19 ans, Kaunas est devenue la capitale temporaire de la Lituanie. Le contrôle polonais sur Vilnius était très ressenti par la Lituanie ; il n'y a eu aucune relation diplomatique entre les deux États pendant la majeure partie de la période entre les deux guerres mondiales.
Acquise lors de la révolte de Klaipėda en 1923, la région de Klaipėda (allemand : Memelland) fut cédée à l'Allemagne après un ultimatum allemand en mars 1939. Pendant l'entre-deux-guerres, les affaires intérieures de la Lituanie étaient contrôlées par le président autoritaire Antanas Smetona et son parti. , l'Union nationaliste lituanienne, arrivée au pouvoir après le coup d'État de 1926.
1939-1941
L'Union soviétique a rendu Vilnius à la Lituanie après l'invasion soviétique de la Pologne orientale en septembre 1939. En juin 1940, l'Union soviétique a occupé et annexé la Lituanie conformément aux protocoles secrets du pacte Molotov-Ribbentrop. L'occupation a été suivie d'arrestations et de déportations massives, la Lituanie ayant expulsé 34 000 citoyens. Selon un responsable du gouvernement lituanien, c'était le début d'un projet d'expulsion de 700 000 personnes de Lituanie.
1941-44
Un an plus tard, l’Union soviétique fut attaquée par l’Allemagne nazie, entraînant l’occupation nazie de la Lituanie. Les Allemands et leurs collaborateurs commencèrent immédiatement les massacres. En Lituanie, le 1er décembre 1941, plus de 120 000 Juifs lituaniens avaient été tués.
Pendant l'occupation, les Allemands ont rassemblé et assassiné des intellectuels, des officiers de l'armée, des Roms et environ 190 000 Juifs de Lituanie (91 à 95 % de la communauté juive d'avant-guerre) pendant l'Holocauste.
Dix des 25 bataillons de la police lituanienne, travaillant avec l'Einsatzkommando nazi, ont été impliqués dans des massacres et auraient exécuté 78 000 personnes.
Les partisans lituaniens existaient, très peu soutenaient les communistes. Les soldats de l'armée lituanienne, qui avaient été intégrés au 29e corps de fusiliers de l'Armée rouge, désertèrent ou se rendirent aux Allemands en juin 1941, ce qui entraîna la dissolution de l'unité lituanienne en août 1941.
1944-1991
Après le retrait des forces armées allemandes, les Soviétiques rétablirent l'annexion de la Lituanie en 1944. En vertu des changements de frontières promulgués lors de la Conférence de Potsdam en 1945, l'ancien Memelland allemand, avec son port baltique de Memel (lituanien : Klaipėda), fut à nouveau transférée à la Lituanie, ou comme elle l'était après 1945, à la RSS de Lituanie. La plupart des résidents allemands de la région avaient fui au cours des derniers mois de la Seconde Guerre mondiale.
Les Soviétiques se sont livrés à des déportations massives de Lituaniens vers la Sibérie, à une nationalisation et une collectivisation complètes et à une soviétisation générale de la vie quotidienne. De 1944 à 1952, environ 100 000 partisans lituaniens ont mené une guérilla contre le système soviétique. On estime que 30 000 partisans et leurs partisans ont été tués, et bien d'autres ont été arrêtés et déportés vers les goulags sibériens. On estime que la Lituanie a perdu 780 000 personnes pendant la Seconde Guerre mondiale.
L'avènement de la perestroïka et de la glasnost à la fin des années 1980 a permis la création du Sąjūdis, un mouvement indépendantiste anticommuniste. Après une victoire écrasante aux élections au Soviet suprême, les membres du Sąjūdis ont proclamé l'indépendance de la Lituanie le 11 mars 1990, devenant ainsi la première république soviétique à le faire. L’Union soviétique a tenté de réprimer la sécession en imposant un blocus économique. Les troupes soviétiques ont attaqué la tour de télévision de Vilnius, tuant 14 civils lituaniens et en blessant 600 autres dans la nuit du 13 janvier 1991 (événements de janvier). Le 31 juillet 1991, des paramilitaires soviétiques ont tué sept gardes-frontières lituaniens à la frontière biélorusse lors de ce qui est devenu connu sous le nom de massacre de Medininkai.
Le 4 février 1991, l'Islande est devenue le premier pays à reconnaître l'indépendance de la Lituanie. Après le coup d’État soviétique d’août, la Lituanie indépendante a reçu une large reconnaissance officielle et a rejoint les Nations Unies le 17 septembre 1991.
1991-présent
Les dernières troupes soviétiques ont quitté la Lituanie le 31 août 1993 – avant même de quitter l’Allemagne de l’Est. La Lituanie, cherchant à resserrer ses liens avec l'Occident, a demandé à devenir membre de l'OTAN en 1994. Après une transition d'une économie planifiée vers une économie de marché libre, la Lituanie est devenue membre à part entière de l'OTAN et de l'Union européenne au printemps 2004 et membre de l'Union européenne. Accord de Schengen le 21 décembre 2007.
Géographie
La Lituanie est située en Europe du Nord. Il couvre une superficie de 65 200 km2. Le pays se situe entre les latitudes 53° et 57° N, et principalement entre les longitudes 21° et 27° E (une partie de l'isthme de Courlande se trouve à l'ouest de 21°). Il possède environ 99 km de côtes sablonneuses, dont seulement 38 km environ font face à la mer Baltique ouverte et qui est la plus courte parmi les pays de la mer Baltique ; le reste de la côte est abrité par la péninsule de sable de Courlande. Le principal port d'eau chaude de Lituanie, Klaipėda, se trouve à l'embouchure étroite de la lagune de Courlande (lituanien : Kuršių marios), une lagune peu profonde s'étendant vers le sud jusqu'à Kaliningrad. Le fleuve principal et le plus grand, le fleuve Nemunas, et certains de ses affluents transportent le transport maritime international.
La Lituanie se situe au bord de la plaine nord-européenne. Son paysage a été adouci par les glaciers de la dernière période glaciaire. Le relief de la Lituanie est une alternance de plaines et de hauts plateaux modérés ; son altitude maximale est la colline d'Aukštojas à 294 m dans la partie orientale du pays. Le terrain présente de nombreux lacs, comme le lac Vištytis, et des zones humides ; une zone forestière mixte couvre près de 33% du pays.
Après une réestimation des limites du continent européen en 1989, Jean-George Affholder, scientifique à l'Institut Géographique National (Institut Géographique National français) a déterminé que le centre géographique de l'Europe est situé à . La méthode utilisée pour calculer ce point était celle du centre de gravité de la figure géométrique de l'Europe. Ce point est situé en Lituanie, plus précisément à 26 km au nord de sa capitale, Vilnius.
Climat
Le climat de la Lituanie, qui oscille entre maritime et continental, est relativement doux. Les températures moyennes sur la côte sont en janvier et 16 °C en juillet. À Vilnius, les températures moyennes sont en janvier et 17 °C en juillet. Pendant l'été, 20 °C sont courants pendant la journée tandis que 14 °C sont courants la nuit ; dans le passé, les températures ont atteint jusqu'à 30 ou. Certains hivers peuvent être très froids. se produit presque chaque hiver. Les extrêmes hivernaux se situent dans les zones côtières et à l’est de la Lituanie.
Les précipitations annuelles moyennes sont de 800 mm sur la côte, de 900 mm sur les hauts plateaux de Samogitie et de 600 mm dans la partie orientale du pays. La neige arrive chaque année, il peut neiger d'octobre à avril. Certaines années, la neige fondue peut tomber en septembre ou en mai. La saison de croissance dure 202 jours dans la partie occidentale du pays et 169 jours dans la partie orientale. Les tempêtes violentes sont rares dans la partie orientale de la Lituanie mais fréquentes dans les zones côtières.
Les relevés de températures mesurés les plus longs dans la région baltique couvrent environ 250 ans. Les données montrent qu'il y a eu des périodes chaudes au cours de la seconde moitié du XVIIIe siècle et que le XIXe siècle a été une période relativement fraîche. Un réchauffement du début du XXe siècle a culminé dans les années 1930, suivi d'un refroidissement plus léger qui a duré jusque dans les années 1960. Depuis lors, une tendance au réchauffement persiste.
La Lituanie a connu une sécheresse en 2002, provoquant des incendies de forêts et de tourbières. Le pays a souffert, comme le reste de l’Europe du Nord-Ouest, de la vague de chaleur de l’été 2006.
Politique
Depuis que la Lituanie a déclaré son indépendance le 11 mars 1990, elle a conservé de fortes traditions démocratiques. Lors des premières élections générales après l'indépendance du 25 octobre 1992, 56,75 % du nombre total d'électeurs ont soutenu la nouvelle constitution. Il y a eu des débats intenses concernant la constitution, notamment sur le rôle du président. Un référendum distinct a eu lieu le 23 mai 1992 pour évaluer l'opinion publique sur la question et 41 % de tous les électeurs éligibles ont soutenu le rétablissement du président lituanien. Selon l'explication de la Cour constitutionnelle de Lituanie du 10 janvier 1998, la République de Lituanie est une république parlementaire avec certains attributs d'un système semi-présidentiel.
Le chef de l'État lituanien est le président, élu directement pour un mandat de cinq ans et pour un maximum de deux mandats. Le poste de président est assez cérémoniel ; les principales fonctions politiques comprennent les affaires étrangères et la sécurité nationale. Le président est également le commandant en chef de l'armée. Le Président nomme également le Premier ministre et, sur proposition de ce dernier, le reste du cabinet, ainsi qu'un certain nombre d'autres hauts fonctionnaires et les juges de tous les tribunaux.
L'actuelle chef de l'État lituanien, Dalia Grybauskaitė, a été élue le 17 mai 2009, devenant ainsi la première femme présidente de l'histoire du pays et la deuxième femme chef d'État des États baltes après que la Lettonie ait élu sa première femme dirigeante politique en 1999. Dalia Grybauskaitė a été élue le 17 mai 2009. réélu pour un second mandat en 2014.
Les juges de la Cour constitutionnelle (Konstitucinis Teismas), pour un mandat de neuf ans, sont nommés par le Président (trois juges), le président du Seimas (trois juges) et le président de la Cour suprême (trois juges). Le Parlement lituanien monocaméral, le Seimas, compte 141 membres élus pour un mandat de quatre ans. 71 des membres de ce corps législatif sont élus dans des circonscriptions uninominales, et les 70 autres sont élus lors d'un vote national au scrutin proportionnel. Un parti doit obtenir au moins 5 % des voix nationales pour être éligible à l'un des 70 sièges nationaux du Seimas.
divisions administratives
La division administrative actuelle a été créée en 1994 et modifiée en 2000 pour répondre aux exigences de l'Union européenne. La Lituanie a une division administrative à trois niveaux : le pays est divisé en 10 comtés (lituanien : singulier – apskritis, pluriel – apskritys) qui sont ensuite subdivisés en 60 municipalités (lituanien : singulier – savivaldybė, pluriel – savivaldybės) qui comprennent plus de 500 municipalités. aînés (lituanien : singulier – seniūnija, pluriel – seniūnijos).
L'institution des gouverneurs de comté (lituanien : apskrities viršininkas) et les administrations de comté ont été dissoutes en 2010.
Les communes constituent l'unité administrative la plus importante. Certaines municipalités sont historiquement appelées « municipalités de district » et sont donc souvent abrégées en « district » ; d'autres sont appelées « municipalités urbaines », parfois abrégées en « ville ». Chaque municipalité a son propre gouvernement élu. Autrefois, l'élection des conseils municipaux avait lieu tous les trois ans, mais elle a désormais lieu tous les quatre ans. Le conseil nomme des anciens pour gouverner les anciens. Les maires sont élus directement depuis 2015, après avoir été nommés par le conseil auparavant.
Les aînés, au nombre de plus de 500, constituent les plus petites unités et ne jouent aucun rôle dans la politique nationale. Ils fournissent les services publics nécessaires à proximité de leur domicile ; par exemple, dans les zones rurales, les anciens enregistrent les naissances et les décès. Ils sont plus actifs dans le secteur social : ils identifient les individus ou les familles dans le besoin et distribuent des aides sociales ou organisent d'autres formes d'aide. Alors que les aînés ont le potentiel de devenir une source d'initiative locale pour résoudre les problèmes ruraux, des plaintes sont formulées selon lesquelles les aînés n'ont pas de pouvoir réel et reçoivent trop peu d'attention.
Relations étrangères
La Lituanie est devenue membre des Nations Unies le 18 septembre 1991 et est signataire de plusieurs de ses organisations et d'autres accords internationaux. Elle est également membre de l'Union européenne, du Conseil de l'Europe, de l'Organisation pour la sécurité et la coopération en Europe, de l'OTAN et de son Conseil de coordination de l'Atlantique Nord. La Lituanie est devenue membre de l'Organisation mondiale du commerce le 31 mai 2001. Elle cherche également à devenir membre de l'OCDE et d'autres organisations occidentales.
La Lituanie a établi des relations diplomatiques avec 149 pays.
En 2011, la Lituanie a accueilli la réunion du Conseil ministériel de l'Organisation pour la sécurité et la coopération en Europe. En 2013, la Lituanie a assumé la présidence de l’Union européenne.
La Lituanie est également un membre actif de la coopération entre les pays de l'Europe du Nord. La Lituanie est membre du Conseil Baltique depuis sa création en 1993. Le Conseil Baltique est une organisation permanente de coopération internationale, située à Tallinn. Il fonctionne par l'intermédiaire de l'Assemblée balte et du Conseil des ministres baltes.
La Lituanie coopère également avec les pays nordiques et les deux autres pays baltes dans le cadre du format de coopération NB8. Le format similaire, appelé NB6, réunit les pays nordiques et baltes membres de l'UE. L'objectif principal de la coopération NB6 est de discuter et de convenir de positions avant de les présenter au Conseil de l'Union européenne et aux réunions des ministres des Affaires étrangères de l'UE.
Le Conseil des États de la mer Baltique (CBSS) a été créé en 1992 à Copenhague en tant que forum politique régional informel dont l'objectif principal est de promouvoir le processus d'intégration et d'établir des contacts étroits entre les pays de la région. Les membres du CBSS sont l'Allemagne, l'Islande, la Suède, le Danemark, la Norvège, la Finlande, la Lituanie, la Lettonie, l'Estonie, la Pologne, la Russie et la Commission européenne. Les États observateurs sont la Biélorussie, la France, l'Italie, les Pays-Bas, la Roumanie, la Slovaquie, l'Espagne, les États-Unis, le Royaume-Uni et l'Ukraine.
La coopération entre le Conseil nordique des ministres et la Lituanie est une coopération politique à travers laquelle l'échange d'expériences contribue à la réalisation d'objectifs communs. L'une de ses fonctions les plus importantes est de découvrir de nouvelles tendances et de nouvelles possibilités de coopération commune. Le bureau d'information vise à représenter les concepts nordiques et à démontrer la coopération nordique en Lituanie.
La Lituanie, avec deux autres pays baltes, est également membre de la Banque nordique d'investissement (NIB) et coopère au programme NORDPLUS consacré à l'éducation.
Le Baltic Development Forum (BDF) est une organisation indépendante à but non lucratif qui rassemble de grandes entreprises, villes, associations professionnelles et institutions de la région de la mer Baltique. En 2010, le 12e sommet du BDF s'est tenu à Vilnius.
Au cours du second semestre 2013, la Lituanie a assuré la présidence tournante du Conseil de l'Union européenne. En 2013, la Lituanie a été élue au Conseil de sécurité des Nations Unies pour un mandat de deux ans. La Lituanie est le premier pays des États baltes à être élu à ce poste.
Militaire
Les Forces armées lituaniennes sont le nom des forces armées unifiées de la Force terrestre lituanienne, de l'Armée de l'air lituanienne, de la Force navale lituanienne, de la Force d'opérations spéciales lituanienne et d'autres unités : Commandement logistique, Commandement de l'entraînement et de la doctrine, Bataillon d'état-major, Police militaire. Les forces d'opérations spéciales et la police militaire sont directement subordonnées au chef de la défense. Les forces de réserve sont sous le commandement des forces volontaires de la défense nationale lituanienne.
Les forces armées lituaniennes comptent quelque 15 000 militaires actifs, qui peuvent être appuyés par des forces de réserve. La conscription obligatoire a pris fin en 2008 mais a été réintroduite en 2015. Les forces armées lituaniennes ont actuellement déployé du personnel dans des missions internationales en Afghanistan, au Kosovo, au Mali et en Somalie.
En mars 2004, la Lituanie est devenue membre à part entière de l'OTAN. Depuis lors, des avions de combat des membres de l'OTAN sont déployés à l'aéroport de Zokniai et assurent la sécurité de l'espace aérien de la Baltique.
Depuis l'été 2005, la Lituanie fait partie de la Force internationale d'assistance à la sécurité en Afghanistan (ISAF), dirigeant une équipe provinciale de reconstruction (PRT) dans la ville de Chaghcharan, dans la province de Ghor. Le PRT comprend du personnel du Danemark, d'Islande et des États-Unis. Il existe également des unités des forces d’opérations spéciales en Afghanistan. Ils sont placés dans la province de Kandahar. Depuis qu'elle a rejoint les opérations internationales en 1994, la Lituanie a perdu deux soldats. Le 1er lieutenant Normundas Valteris est tombé en Bosnie, alors que son véhicule de patrouille passait sur une mine. Le sergent. Arūnas Jarmalavičius a été mortellement blessé lors d'une attaque contre le camp de son équipe provinciale de reconstruction en Afghanistan.
La politique de défense nationale lituanienne vise à garantir la préservation de l'indépendance et de la souveraineté de l'État, de l'intégrité de ses terres, de ses eaux territoriales, de son espace aérien et de son ordre constitutionnel. À l'heure actuelle, les principaux objectifs stratégiques sont d'être en mesure de défendre les intérêts du pays et de maintenir des forces armées prêtes à contribuer, à coopérer et à participer avec les autres forces armées des États membres de l'OTAN et de l'Union européenne, ainsi qu'à accroître leurs capacités. participer aux missions de l'OTAN.
Le ministère de la Défense est responsable des forces de combat, des opérations de recherche et de sauvetage et de renseignement. Les 5 000 gardes-frontières relèvent de la tutelle du ministère de l'Intérieur et sont responsables de la protection des frontières, des droits de passeport et des douanes, et partagent la responsabilité avec la marine de l'interdiction de la contrebande et du trafic de drogue. Un service de sécurité spécial gère la protection des VIP et la sécurité des communications.
Économie
Le PIB lituanien a connu des taux de croissance réels très élevés au cours de la décennie précédant 2009, culminant à 11,1 % en 2007. En conséquence, le pays a souvent été qualifié de tigre baltique. Cependant, 2009 a été marquée par une baisse spectaculaire du PIB, à −14,9 %, attribuée à la surchauffe de l'économie. L’économie a renoué avec la croissance au cours des années suivantes à un rythme plus lent mais plus durable, tirée par la demande intérieure et les exportations plutôt que par les bulles immobilières et financières. Le taux de chômage était de 9,1 % au troisième trimestre 2014, contre 17,8 % en 2010.
La Lituanie applique un taux d'imposition forfaitaire plutôt qu'un régime progressif. Selon Eurostat, les taux d'impôt sur le revenu des personnes physiques (15 %) et sur les sociétés (15 %) en Lituanie sont parmi les plus bas de l'UE. Le pays a le taux implicite d’impôt sur le capital le plus bas (9,8 %) de l’UE. La Lituanie a également la fiscalité globale la plus faible en pourcentage du PIB (27,2) de l'Union européenne.
Les niveaux de revenus lituaniens sont légèrement inférieurs à ceux des anciens États membres de l'UE, mais plus élevés que dans la plupart des nouveaux États membres de l'UE qui ont adhéré au cours de la dernière décennie. Selon les données d'Eurostat, le PIB lituanien par habitant (PPA) représentait 74 % de la moyenne de l'UE en 2013.
Structurellement, on observe une évolution progressive mais constante vers une économie basée sur la connaissance, avec un accent particulier sur la biotechnologie (industrielle et diagnostique). Les principales entreprises de biotechnologie et fabricants de lasers (Ekspla, Šviesos Konversija) des pays baltes sont concentrés en Lituanie. La mécatronique et les technologies de l'information (TI) sont également considérées comme des orientations prospectives de l'économie fondée sur la connaissance.
En 2009, Barclays a créé le Centre technologique de Lituanie, l'un des quatre centres d'ingénierie stratégiques soutenant les activités de banque de détail de Barclays à travers le monde. En 2011, Western Union a officiellement ouvert son nouveau centre opérationnel régional européen à Vilnius. La position déclarée du gouvernement lituanien est que l'économie lituanienne se concentre sur les produits et services à haute valeur ajoutée. Parmi les autres sociétés internationales opérant en Lituanie figurent: PricewaterhouseCoopers, Ernst & Young, Société Générale, UniCredit, Thermo Fisher Scientific, Phillip Morris, Kraft Foods, Mars, Marks & Spencer, GlaxoSmithKline, United Colors of Benetton, Deichmann, Statoil, Neste Oil, Lukoil, Tele2, Hesburger et Modern Times Group. TeliaSonera, ICA et Carlsberg possèdent respectivement la société de télécommunications locale Omnitel, le détaillant Rimi et les brasseries de bière (Švyturys, Kalnapilis et Utenos Alus). Le secteur bancaire lituanien est dominé par les banques scandinaves : Swedbank, SEB, Nordea, Danske Bank, DNB ASA.
Parmi les plus grandes entreprises privées lituaniennes figurent : ORLEN Lietuva, Maxima Group, Achema Group, Lukoil Baltija, Linas Agro Group, Indorama Polymers Europe, Palink, Sanitex. Le taux d'imposition des sociétés en Lituanie est de 15 % et de 5 % pour les petites entreprises. Le gouvernement offre des incitations spéciales pour les investissements dans les secteurs de haute technologie et les produits à haute valeur ajoutée. La plupart des échanges commerciaux de la Lituanie se font au sein de l’Union européenne et de la Russie.
Le litas était la monnaie nationale jusqu'en 2015, date à laquelle il a été remplacé par l'euro au taux de 1,00 EUR 3,45280 LTL. Le litas était rattaché à l'euro à ce taux depuis le 2 février 2002.
Infrastructure
Communication
Selon le site Web Speedtest.net, au 30 octobre 2011, la Lituanie se classe au premier rang mondial en termes de vitesse de téléchargement et de téléchargement sur Internet, les écoles et les entreprises étant ignorées. Les vitesses élevées sont en grande partie dues au fait que la Lituanie possède le réseau FTTH le plus disponible de l'UE et d'Europe. Selon une étude annuelle publiée par le FTTH Council Europe en 2013, le pays a raccordé 100 % des foyers au réseau FTTH. 31% de ces foyers sont abonnés à ce réseau au moment de la publication. La Lituanie possède ainsi le réseau de fibre optique le plus disponible d'Europe et possède également la pénétration FTTH la plus élevée. La Suède vient en deuxième position pour la pénétration FTTH avec 23 %.
Transport
Le pays dispose d'une infrastructure moderne et bien développée de chemins de fer, d'aéroports et d'autoroutes à quatre voies. La Lituanie dispose d'un vaste réseau d'autoroutes. Les autoroutes les plus connues sont l'A1, reliant Vilnius à Klaipėda via Kaunas, ainsi que l'A2, reliant Vilnius à Panevėžys. L'une des plus utilisées est la route européenne E67 qui relie Varsovie à Tallinn, via Kaunas et Riga.
Le port de Klaipėda est le seul port commercial de Lituanie. Au cours d'une année record pour le port, 45,5 millions de tonnes de marchandises ont été manutentionnées en 2011 (y compris les chiffres du terminal pétrolier de Būtingė), ce qui en fait l'un des plus grands de la mer Baltique.
L'aéroport international de Vilnius est le plus grand aéroport. Il a accueilli 2,9 millions de passagers en 2014. Les autres aéroports internationaux comprennent l'aéroport international de Kaunas, l'aéroport international de Palanga et l'aéroport international de Šiauliai.
La Lituanie a reçu sa première liaison ferroviaire au milieu du XIXe siècle, lors de la construction de la ligne ferroviaire Varsovie-Saint-Pétersbourg. Il comprenait un tronçon de Daugavpils via Vilnius et Kaunas jusqu'à Virbalis. Le premier et le seul tunnel ferroviaire de Kaunas encore en activité dans les États baltes a été achevé en 1860. Le réseau principal des chemins de fer lituaniens comprend 1 749 km de voies ferrées à voie large de 1 520 mm, dont 122 km sont électrifiés. Ils exploitent également 22 km de lignes à écartement standard. Le chemin de fer transeuropéen à écartement standard Rail Baltica, reliant Helsinki – Tallinn – Riga – Kaunas – Varsovie et continuant vers Berlin, est en construction.
Énergie
La centrale nucléaire d'Ignalina était une centrale nucléaire de l'ère soviétique. L'unité n° 1 a été fermée en décembre 2004, comme condition à l'entrée de la Lituanie dans l'Union européenne ; la centrale est similaire à la centrale nucléaire de Tchernobyl par l'absence d'une structure de confinement robuste. L'unité restante, , a fourni environ 70 % de la demande électrique de la Lituanie.
L'unité n°2 a été fermée le 31 décembre 2009. Des propositions ont été faites pour en construire une autre, la centrale nucléaire de Visaginas en Lituanie. Cependant, un référendum non contraignant organisé en octobre 2012 a assombri les perspectives du projet Visaginas, puisque 63 % des électeurs ont dit non à une nouvelle centrale nucléaire.
La principale source d'énergie électrique du pays est la centrale électrique d'Elektrėnai. Les autres principales sources d'énergie électrique de la Lituanie sont la centrale de stockage par pompage de Kruonis et la centrale hydroélectrique de Kaunas. La centrale de pompage-turbinage de Kruonis est la seule centrale électrique des États baltes à être utilisée pour réguler le fonctionnement du système électrique avec une capacité de production de 900 MW pendant au moins 12 heures. , 63 % de l’énergie électrique était importée.
Données démographiques
Depuis la période néolithique, les habitants indigènes du territoire lituanien n'ont été remplacés par aucun autre groupe ethnique. Il est donc fort probable que les habitants de la Lituanie actuelle aient conservé la composition génétique de leurs ancêtres relativement peu perturbée par les grands mouvements démographiques. , sans toutefois en être réellement isolé. La population lituanienne semble relativement homogène, sans différences génétiques apparentes entre les sous-groupes ethniques.
Une analyse réalisée en 2004 sur l'ADNmt dans la population lituanienne a révélé que les Lituaniens sont proches des populations de langue slave et finno-ougrienne d'Europe du Nord et de l'Est. L'analyse des haplogroupes SNP du chromosome Y a montré que les Lituaniens étaient les plus proches des Lettons et des Estoniens.
Selon les estimations de 2014, la structure par âge de la population était la suivante : 0 à 14 ans oui | http://www.quizballs.com/ |
« Soyez le meilleur » est la devise officielle de laquelle des forces armées britanniques ? | Armée | [
"Le ministère de la Défense est le département gouvernemental et le plus haut niveau du quartier général militaire chargé de formuler et d'exécuter la politique de défense des forces armées ; il emploie actuellement 56 860 civils au 1er octobre 2015. Le département est contrôlé par le secrétaire d'État à la Défense et comprend trois nominations adjointes : ministre d'État aux Forces armées, ministre des Approvisionnements en matière de défense et ministre des Anciens Combattants. La responsabilité de la gestion des forces est déléguée à un certain nombre de comités : le Conseil de la Défense, le Comité des chefs d'état-major, le Conseil de gestion de la Défense et trois conseils à service unique. Le Conseil de défense, composé de hauts représentants des services et du ministère de la Défense, constitue la « base juridique formelle pour la conduite de la défense ». Les trois comités constitutifs d'un seul service (Conseil de l'Amirauté, Conseil de l'Armée et Conseil de l'Armée de l'Air) sont présidés par le secrétaire d'État à la Défense.",
"Armée britannique",
"57 Réorganisation du Commandement de l'Armée] Defence Marketing Intelligence, 10 novembre 2011 Les formations de combat déployables sont composées de deux divisions (1re blindée et 3e mécanisée) et de huit brigades. Au Royaume-Uni, les unités opérationnelles et non déployables sont administrées par deux divisions, le Force Troops Command et le London District.",
"L'Armée compte 50 bataillons (36 réguliers et 14 territoriaux) d'infanterie régulière et territoriale, organisés en 17 régiments. La majorité des régiments d'infanterie contiennent plusieurs bataillons réguliers et territoriaux. L'infanterie moderne possède des capacités diverses, ce qui se reflète dans les rôles variés qui lui sont assignés. Les bataillons d'infanterie peuvent remplir quatre rôles opérationnels : l'assaut aérien, l'infanterie blindée, l'infanterie mécanisée et l'infanterie légère.",
"Des régiments et bataillons, exemple : le Régiment de Parachutistes, existent au sein de chaque corps de l'Armée, fonctionnant comme des formations administratives ou tactiques. Les régiments blindés sont l'équivalent d'un bataillon d'infanterie. Il existe 11 régiments blindés au sein de l'armée régulière, dont six sont désignés comme « blindés » et cinq comme « formation de reconnaissance ». À l'exception de la Household Cavalry, les régiments blindés et leurs homologues territoriaux sont regroupés sous le Royal Armored Corps. Les unités d'armes et de soutien sont également constituées en collectifs similaires organisés autour d'objectifs spécifiques, tels que le Corps of Royal Engineers, l'Army Air Corps et le Royal Army Medical Corps."
] | Les forces armées britanniques forment l'armée du Royaume-Uni, chargée de la défense du pays, de ses territoires d'outre-mer et des dépendances de la Couronne ; ainsi que la promotion des intérêts plus larges du Royaume-Uni, le soutien aux efforts internationaux de maintien de la paix et la fourniture d'une aide humanitaire. Ils ont été formés à la suite des Actes d'Union de 1707, lorsque les forces armées du Royaume d'Angleterre et du Royaume d'Écosse ont été fusionnées dans les forces armées du Royaume de Grande-Bretagne. Depuis lors, les forces armées britanniques ont participé à un certain nombre de guerres majeures impliquant les grandes puissances mondiales, notamment la guerre de Sept Ans, les guerres napoléoniennes, la guerre de Crimée, la Première et la Seconde Guerre mondiale. Le fait de sortir victorieuse à plusieurs reprises de tels conflits a permis à la Grande-Bretagne d'influencer les événements mondiaux par sa politique et de s'imposer comme l'une des principales puissances militaires et économiques du monde.
Aujourd'hui, les forces armées se composent de : la Royal Navy, une marine hauturière dotée d'une flotte de 77 navires en service ; les Royal Marines, une force d'infanterie légère amphibie hautement spécialisée ; l'armée britannique, la principale branche de guerre terrestre du Royaume-Uni ; et la Royal Air Force, une force aérienne technologiquement sophistiquée dotée d'une flotte opérationnelle diversifiée composée d'avions à voilure fixe et rotative. Le commandant en chef des forces armées britanniques est la monarque britannique, la reine Elizabeth II, à qui les membres des forces prêtent allégeance. Cependant, le Parlement britannique maintient les forces armées en temps de paix grâce à l'adoption de lois quinquennales sur les forces armées. Les forces armées sont gérées par le Conseil de défense du ministère de la Défense, dirigé par le secrétaire d'État à la Défense.
Le Royaume-Uni est l'une des cinq puissances nucléaires reconnues, ayant testé sa première arme nucléaire dans le cadre de l'opération Hurricane en 1952, est l'un des membres fondateurs et dirigeants de l'alliance militaire de l'OTAN et est partie aux accords de défense des cinq puissances. Des garnisons et des installations à l'étranger sont maintenues sur l'île de l'Ascension, à Bahreïn, au Belize, aux Bermudes, dans le territoire britannique de l'océan Indien, à Brunei, au Canada, à Chypre, aux îles Falkland, en Allemagne, à Gibraltar, au Kenya, à Montserrat, au Népal, à Singapour et au Qatar.
Histoire
Empire et guerres mondiales
Avec les Actes d'Union de 1707, les forces armées d'Angleterre et d'Écosse furent fusionnées dans les forces armées du Royaume de Grande-Bretagne. Union 1707] parlement.uk, consulté le 31 décembre 2010 ; [http://www.nationalarchives.gov.uk/pathways/citizenship/rise_parliament/uniting.htm Unir le royaume ?] nationalarchives.gov.uk, consulté le 31 décembre 2010 ; [http://www.scottish.parliament.uk/vli/visitingHolyrood/union_exhibition.pdf Making the Act of Union 1707] scottish.parliament.uk, consulté le 31 décembre 2010
Au cours de la seconde moitié du XVIIe siècle, et en particulier tout au long du XVIIIe siècle, la politique étrangère britannique chercha à contenir l’expansion des puissances européennes rivales par des moyens militaires, diplomatiques et commerciaux – en particulier celle de ses principaux concurrents ; Espagne, Pays-Bas et France. Cela a vu la Grande-Bretagne s'engager dans un certain nombre de conflits intenses concernant les possessions coloniales et le commerce mondial, y compris une longue série de guerres anglo-espagnoles et anglo-néerlandaises, ainsi qu'une série de « guerres mondiales » avec la France, telles que ; la guerre de Sept Ans (1756-1763), les guerres de la Révolution française (1792-1802) et les guerres napoléoniennes (1803-1815). Durant les guerres napoléoniennes, la victoire de la Royal Navy à Trafalgar (1805) sous le commandement d'Horatio Nelson (à bord du HMS Victory) marqua l'aboutissement de la suprématie maritime britannique et laissa la Marine dans une position d'hégémonie maritime incontestée. En 1815 et à la fin des guerres napoléoniennes, la Grande-Bretagne était devenue la grande puissance dominante du monde et l'Empire britannique a ensuite présidé une période de paix relative, connue sous le nom de Pax Britannica., pp. 508-510.
Les anciens rivaux de la Grande-Bretagne n’étant plus une menace, le XIXe siècle a vu l’émergence d’un nouveau rival, l’Empire russe, et une compétition stratégique dans ce qui est devenu connu sous le nom de « Grand Jeu pour la suprématie en Asie centrale ». La Grande-Bretagne craignait que l’expansionnisme russe dans la région ne menace à terme l’Empire en Inde. En réponse, la Grande-Bretagne a entrepris un certain nombre d'actions préventives contre les ambitions russes perçues, notamment la première guerre anglo-afghane (1839-1842), la deuxième guerre anglo-afghane (1878-1880) et l'expédition britannique au Tibet (1903-1880). 1904). Durant cette période, la Grande-Bretagne cherchait également à maintenir l'équilibre des pouvoirs en Europe, en particulier contre l'expansionnisme russe, qui, aux dépens de l'Empire ottoman en déclin, avait l'ambition de « dépecer la partie européenne de la Turquie ». Cela a finalement conduit à l’implication britannique dans la guerre de Crimée (1854-1856) contre l’Empire russe.
Le début du XXe siècle a contribué à réduire les tensions entre la Grande-Bretagne et l’Empire russe, en partie grâce à l’émergence d’un Empire allemand unifié. L'époque a provoqué une course aux armements navals anglo-allemande qui a encouragé des progrès significatifs dans la technologie maritime (par exemple, les Dreadnoughts, les torpilles et les sous-marins), et en 1906, la Grande-Bretagne avait déterminé que son seul ennemi naval probable était l'Allemagne. Les tensions accumulées dans les relations européennes ont finalement débouché sur les hostilités de la Première Guerre mondiale (1914-1918), dans ce qui est aujourd’hui reconnu comme la guerre la plus dévastatrice de l’histoire militaire britannique, avec près de 800 000 hommes tués et plus de 2 millions de blessés. La victoire alliée a entraîné la défaite des puissances centrales, la fin de l'Empire allemand, le Traité de Versailles et la création de la Société des Nations.
Bien que l’Allemagne ait été vaincue pendant la Première Guerre mondiale, en 1933 le fascisme avait donné naissance à l’Allemagne nazie qui, sous la direction d’Adolf Hitler, s’est remilitarisée au mépris du Traité de Versailles. Une fois de plus, les tensions se sont accumulées dans les relations européennes et, après l'invasion de la Pologne par l'Allemagne en septembre 1939, la Seconde Guerre mondiale a éclaté (1939-1945). Le conflit était le plus répandu de l'histoire britannique, les troupes de l'Empire britannique et du Commonwealth combattant dans des campagnes allant de l'Europe et de l'Afrique du Nord au Moyen-Orient et à l'Extrême-Orient. Environ 390 000 soldats de l’Empire britannique et du Commonwealth ont perdu la vie. La victoire alliée a abouti à la défaite des puissances de l'Axe et à la création des Nations Unies (remplaçant la Société des Nations).
La guerre froide et la guerre contre le terrorisme
Le déclin économique et politique de l'après-Seconde Guerre mondiale, ainsi que l'évolution des attitudes de la société et du gouvernement britanniques, se sont reflétés dans le rôle mondial contractuel des forces armées, et plus tard incarnés par leur défaite politique lors de la crise de Suez (1956). Reflétant le nouveau rôle de la Grande-Bretagne dans le monde et l'escalade de la guerre froide (1947-1991), le pays est devenu membre fondateur de l'alliance militaire de l'OTAN en 1949. Les revues de défense, comme celles de 1957 et 1966, ont annoncé des réductions significatives des armes conventionnelles. forces armées, la poursuite d'une doctrine basée sur la dissuasion nucléaire et un retrait militaire permanent à l'Est de Suez. Au milieu des années 1970, les forces armées s’étaient reconfigurées pour se concentrer sur les responsabilités qui leur avaient été attribuées par l’OTAN. Kennedy (2004), British Naval Strategy East of Suez, 1900–2000: Influence and Actions, p193 L’armée britannique du Rhin et la RAF allemande représentaient par conséquent les engagements à l’étranger les plus importants et les plus importants que les forces armées aient eus au cours de cette période, tandis que La Royal Navy a développé une spécialisation en guerre anti-sous-marine, avec un accent particulier sur la lutte contre les sous-marins soviétiques dans l'Atlantique Est et la mer du Nord.
Même si les obligations de l’OTAN ont pris une importance croissante, la Grande-Bretagne s’est néanmoins retrouvée engagée dans un certain nombre de conflits de faible intensité, notamment une série d’insurrections contre l’occupation coloniale. Cependant, la rébellion du Dhofar (1962-1976) et les troubles (1969-1998) sont apparus comme les principales préoccupations opérationnelles des forces armées. Le conflit le plus important de la guerre froide, du moins dans le contexte de la politique de défense britannique, fut peut-être la guerre des Malouines (1982).
Depuis la fin de la guerre froide, les forces armées ont cherché à jouer un rôle de plus en plus international, avec une restructuration visant à mettre davantage l'accent sur la guerre expéditionnaire et la projection de puissance. Cela impliquait que les forces armées constituaient souvent une composante majeure des missions de maintien de la paix et humanitaires sous les auspices des Nations Unies, de l'OTAN et d'autres opérations multinationales, notamment : les responsabilités de maintien de la paix dans les Balkans et à Chypre, l'intervention de 2000 en Sierra Leone et la participation à la zone d’exclusion aérienne mandatée par l’ONU au-dessus de la Libye (2011). Après le 11 septembre, les forces armées se sont fortement engagées dans la guerre contre le terrorisme (de 2001 à aujourd'hui), avec de longues campagnes en Afghanistan (2001-2014) et en Irak (2003-2009), et plus récemment dans le cadre de l'intervention militaire. contre l'EIIL (2014-présent). L'intervention militaire britannique contre l'État islamique a été élargie à la suite d'un vote parlementaire visant à lancer une campagne de bombardements sur la Syrie ; une prolongation de la campagne de bombardements demandée par le gouvernement irakien contre le même groupe. Outre la campagne aérienne, l'armée britannique a formé et ravitaillé ses alliés au sol et le Special Air Service (forces spéciales britanniques) a mené diverses missions au sol en Syrie et en Irak.
Les chiffres publiés par le ministère de la Défense le 31 mars 2016 montrent que 7 185 membres des forces armées britanniques ont perdu la vie sur des théâtres médaillés depuis la fin de la Seconde Guerre mondiale.
Aujourd'hui
Organisation du commandement
En tant que souveraine et chef de l'État, la reine Elizabeth II est le chef des forces armées et leur commandant en chef. Toutefois, une convention constitutionnelle de longue date confère de facto le pouvoir exécutif, par l'exercice des pouvoirs de prérogative royale, au Premier ministre et au secrétaire d'État à la Défense, et le Premier ministre (agissant avec le soutien du Cabinet) prend les décisions. décisions clés sur l’utilisation des forces armées. La reine reste cependant l’autorité ultime de l’armée, les officiers et le personnel prêtant allégeance au monarque. Certains ont affirmé que cela inclut le pouvoir d'empêcher l'utilisation anticonstitutionnelle des forces armées, y compris des armes nucléaires.
Le ministère de la Défense est le département gouvernemental et le plus haut niveau du quartier général militaire chargé de formuler et d'exécuter la politique de défense des forces armées ; il emploie actuellement 56 860 civils au 1er octobre 2015. Le département est contrôlé par le secrétaire d'État à la Défense et comprend trois nominations adjointes : ministre d'État aux Forces armées, ministre des Approvisionnements en matière de défense et ministre des Anciens Combattants. La responsabilité de la gestion des forces est déléguée à un certain nombre de comités : le Conseil de la Défense, le Comité des chefs d'état-major, le Conseil de gestion de la Défense et trois conseils à service unique. Le Conseil de défense, composé de hauts représentants des services et du ministère de la Défense, constitue la « base juridique formelle pour la conduite de la défense ». Les trois comités constitutifs d'un seul service (Conseil de l'Amirauté, Conseil de l'Armée et Conseil de l'Armée de l'Air) sont présidés par le secrétaire d'État à la Défense.
Le chef d'état-major de la Défense est le chef professionnel des forces armées et constitue une nomination qui peut être occupée par un amiral, un maréchal de l'air ou un général. Avant que cette pratique ne soit abandonnée dans les années 1990, ceux qui étaient nommés au poste de CEMD avaient été élevés au grade le plus élevé de leur service respectif (un grade 5 étoiles). Le CDS, ainsi que le sous-secrétaire permanent, sont les principaux conseillers du ministre départemental. Les trois services ont leurs propres chefs professionnels respectifs : le First Sea Lord, le chef d'état-major général et le chef d'état-major de l'Air.
Personnel
Les forces armées britanniques sont une force professionnelle avec un effectif au 1er mai 2016 de 153 470 réguliers et Gurkhas britanniques, 35 200 volontaires de réserve et 8 160 « autres membres du personnel ». Cela donne un effectif total de 196 840 « personnel de service britannique ». En pourcentage du personnel militaire britannique, 78,0 % sont des réguliers et des Gurkhas britanniques, 17,9 % sont des réserves volontaires et 4,1 % sont composés d'autres membres du personnel. De plus, tous les anciens membres du personnel régulier conservent une « responsabilité légale pour le service » et sont susceptibles d'être rappelés (en vertu de l'article 52 de la Loi sur les forces de réserve (RFA) 1996) pour le service en cas de besoin, c'est ce qu'on appelle le personnel régulier. Réserve. Les publications du ministère de la Défense depuis avril 2013 ne rendent plus compte de l'effectif total de la Réserve régulière, mais donnent uniquement un chiffre pour les réserves régulières qui servent dans le cadre d'un contrat de réserve à durée déterminée. Ces contrats sont de nature similaire à ceux de la Réserve des Volontaires. Au 1er avril 2015, les réserves régulières servant sous contrat à durée déterminée comptaient 44 600 personnes.
Au 1er avril 2016, il y avait un total de 16 040 militaires du service régulier stationnés en dehors du Royaume-Uni, dont 5 540 en Allemagne. 140 450 militaires du service régulier étaient stationnés au Royaume-Uni, la majorité étant située dans le sud-est et le sud-ouest de l'Angleterre avec respectivement 38 860 et 36 340 militaires du service régulier.
Dépenses de défense
Selon l’Institut international d’études stratégiques et l’Institut international de recherche sur la paix de Stockholm, le Royaume-Uni dispose du cinquième plus grand budget de défense au monde. À des fins de comparaison, cela signifie que la Grande-Bretagne dépense plus en termes absolus que la France, l’Allemagne, l’Inde ou le Japon, un montant similaire à celui de la Russie, mais moins que la Chine, l’Arabie saoudite ou les États-Unis. En septembre 2011, selon le professeur Malcolm Chalmers du Royal United Services Institute, « les niveaux actuels de dépenses de défense prévus devraient être suffisants pour que le Royaume-Uni puisse maintenir sa position comme l'une des principales puissances militaires mondiales, ainsi que comme l'un des pays de l'OTAN ». -Les principales puissances militaires de l'Europe. Son avantage – et notamment son avantage qualitatif – par rapport aux puissances asiatiques émergentes semble voué à s'éroder, mais restera important jusque dans les années 2020, et peut-être au-delà. L’examen stratégique de défense et de sécurité 2015 s’est engagé à consacrer 2 % du PIB à la défense et a annoncé un investissement de 178 milliards de livres sterling sur dix ans dans de nouveaux équipements et capacités.
Armes nucléaires
Le Royaume-Uni est l'un des cinq États dotés d'armes nucléaires reconnus dans le cadre du Traité de non-prolifération et maintient une dissuasion nucléaire indépendante, composée actuellement de quatre sous-marins lance-missiles de classe Vanguard, de missiles balistiques lancés par un sous-marin UGM-133 Trident II et de 160 missiles thermonucléaires opérationnels. ogives. Ceci est connu sous le nom de Trident dans le discours public et politique (avec une nomenclature tirée du missile balistique UGM-133 Trident II). Trident est exploité par le Royal Navy Submarine Service, chargé de fournir une capacité de « dissuasion continue en mer » (CASD), grâce à laquelle l'un des sous-marins stratégiques de la classe Vanguard est toujours en patrouille. Selon le gouvernement britannique, depuis l'introduction du Polaris (prédécesseur du Trident) dans les années 1960, à partir d'avril 1969, "les bateaux lance-missiles de la Royal Navy n'ont pas manqué un seul jour de patrouille", donnant ce que le Conseil de défense a décrit en 1980 comme un moyen de dissuasion. "efficacement invulnérable aux attaques préventives". Depuis 2015, la politique du gouvernement britannique veut que les sous-marins stratégiques de la classe Vanguard ne transportent pas plus de 40 ogives nucléaires, lancées par huit missiles balistiques UGM-133 Trident II. Contrairement aux autres États dotés d’armes nucléaires reconnus, le Royaume-Uni exploite uniquement un système de lancement basé sur des sous-marins, après avoir mis hors service ses bombes tactiques à chute libre WE.177 en 1998.
Un programme de remplacement des sous-marins stratégiques de la classe Vanguard en est actuellement à ses débuts, avec une décision finale attendue en 2016. Si le projet se réalise, il remplacera les sous-marins par une nouvelle génération de sous-marins stratégiques de la classe Successor. Le programme contribuera également à prolonger la durée de vie des missiles balistiques UGM-133 Trident II et à moderniser les infrastructures associées au CASD.
Les anciennes armes de destruction massive possédées par le Royaume-Uni comprennent à la fois des armes biologiques et chimiques. Ceux-ci furent abandonnés en 1956 puis détruits.
Installations militaires à l'étranger
Les forces armées britanniques maintiennent un certain nombre de garnisons et d’installations militaires à l’étranger qui permettent au pays de mener des opérations dans le monde entier. Toutes les installations militaires permanentes de la Grande-Bretagne sont situées dans des territoires britanniques d'outre-mer (BOT) ou d'anciennes colonies qui entretiennent des relations diplomatiques étroites avec le Royaume-Uni et sont situées dans des zones d'importance stratégique. Les plus importantes d'entre elles sont les « Bases opérationnelles conjointes permanentes » (PJOB), situées sur les quatre territoires d'outre-mer de Chypre (Forces britanniques de Chypre), de Gibraltar (Forces britanniques de Gibraltar), des îles Falkland (Forces britanniques des îles de l'Atlantique Sud) et de Diego. Garcia (Forces britanniques, Territoires britanniques de l’océan Indien). Bien qu'il ne s'agisse pas d'un PJOB, l'île de l'Ascension (un autre BOT) abrite la base aérienne de la RAF Ascension Island, remarquable pour avoir été utilisée comme poste de relais pendant la guerre des Malouines de 1982, le territoire est également le site d'une installation conjointe de renseignement électromagnétique entre le Royaume-Uni et les États-Unis.
Le Qatar abrite la RAF Al Udeid, un avant-poste de la Royal Air Force sur la base aérienne d'Al Udeid qui sert de quartier général opérationnel au groupe aérien expéditionnaire n° 83 et à ses opérations à travers le Moyen-Orient. Bahreïn héberge actuellement le Commandement de la composante maritime du Royaume-Uni (UKMCC), mais en 2014, le ministère des Affaires étrangères et du Commonwealth a annoncé que l'UKMCC serait élargi par le rétablissement d'une nouvelle installation de la Royal Navy capable de prendre en charge des navires de guerre jusqu'à la taille d'un avion. transporteurs. À l'appui des accords de défense des cinq puissances (FPDA), le Royaume-Uni conserve une installation de réparation navale et de soutien logistique au quai de Sembawang, à Singapour. D'autres installations militaires à l'étranger comprennent : Forces britanniques de Brunei, Forces britanniques d'Allemagne, Unité de formation de l'armée britannique au Kenya, Unité de formation de l'armée britannique Suffield au Canada et British Gurkhas Népal.
Certains territoires britanniques d'outre-mer maintiennent également des unités et des régiments élevés localement ; Le Royal Bermuda Regiment, la Falkland Islands Defence Force, le Royal Gibraltar Regiment et la Royal Montserrat Defence Force. Bien que leur mission première soit la « défense du territoire », des individus se sont portés volontaires pour des tâches opérationnelles. Le Royal Gibraltar Regiment a mobilisé des unités de la taille d'une section pour les rattacher aux régiments britanniques déployés pendant la guerre en Irak.
Forces expéditionnaires
Les forces armées britanniques accordent une grande importance à la capacité de mener une guerre expéditionnaire. Bien que les forces armées soient de nature expéditionnaire, elles maintiennent un noyau de forces « à haut niveau de préparation » entraînées et équipées pour se déployer dans des délais très brefs, notamment : le groupe de travail de la Force de réaction (Royal Navy), la 3e brigade de commandos (Royal Marines), la 16e brigade d'assaut aérien (armée britannique) et le groupe aérien expéditionnaire n ° 83 (Royal Air Force). Souvent, ces forces agiront en conjonction avec un effort interarmées plus vaste, comme la Force conjointe de réaction rapide du Royaume-Uni, ou avec des alliés partageant les mêmes idées au sein de la Force expéditionnaire conjointe du Royaume-Uni. De même, sous les auspices de l'OTAN, ces forces expéditionnaires sont conçues pour répondre aux obligations de la Grande-Bretagne envers le Corps allié de réaction rapide et d'autres opérations de l'OTAN.
En 2010, les gouvernements du Royaume-Uni et de la France ont signé les traités de Lancaster House qui engageaient les deux gouvernements à créer une force expéditionnaire conjointe franco-britannique. Elle est envisagée comme une force conjointe déployable, destinée à être utilisée dans un large éventail de scénarios de crise, pouvant aller jusqu'aux opérations de combat de haute intensité. En tant que force interarmées, elle associe les trois armées : une composante terrestre composée de formations au niveau de la brigade nationale, des composantes maritime et aérienne avec leurs quartiers généraux associés, ainsi que des fonctions logistiques et de soutien.
Les forces armées
Marine royale
La Royal Navy est une force navale technologiquement sophistiquée et, en avril 2015, elle comptait 77 navires en service. Le commandement des moyens déployables est exercé par le commandant de la flotte du service naval. Les questions de personnel relèvent de la responsabilité du Second Sea Lord/Commandant en chef du Naval Home Command, un poste généralement occupé par un vice-amiral.
La flotte de surface se compose de navires de guerre amphibie, de destroyers, de frégates, de patrouilleurs, de navires de lutte contre les mines et d'autres navires divers. La Flotte de Surface est structurée autour d'une flotte unique depuis la suppression des flottes Est et Ouest en 1971. Les destroyers Type 45 récemment construits sont des destroyers de défense aérienne technologiquement avancés. La Royal Navy construit actuellement deux porte-avions de classe Queen Elizabeth et embarque un groupe aérien comprenant le chasseur multirôle avancé de cinquième génération, le F-35B.
Un service sous-marin existe au sein de la Royal Navy depuis plus de 100 ans. Les quatre sous-marins nucléaires de classe Vanguard du Service des sous-marins sont équipés de missiles balistiques Trident II de Lockheed Martin, qui constituent la dissuasion nucléaire du Royaume-Uni. Le service possédait une flotte combinée de sous-marins diesel-électriques et nucléaires jusqu'au début des années 1990. À la suite de l’examen de la défense Options for Change, les sous-marins diesel-électriques de classe Upholder ont été retirés et la flottille de sous-marins d’attaque est désormais exclusivement à propulsion nucléaire. Sept sous-marins d'attaque à propulsion nucléaire de classe Astute ont été commandés, dont trois achevés et quatre en construction. La classe Astute est la flotte de sous-marins la plus avancée et la plus grande jamais construite pour la Royal Navy et maintiendra les capacités de la flotte de sous-marins à propulsion nucléaire britannique pendant des décennies.
Marine royale
Les Royal Marines sont les troupes amphibies de la Royal Navy. Constituées d'une seule brigade de manœuvre (3 Commando) et de diverses unités indépendantes, les Royal Marines sont spécialisées dans la guerre amphibie, arctique et en montagne. La 3e Brigade Commando comprend trois unités militaires rattachées ; 1er Bataillon, The Rifles, un bataillon d'infanterie basé à Beachley Barracks près de Chepstow (à partir d'avril 2008), 29 Commando Regiment Royal Artillery, un régiment d'artillerie basé à Plymouth et 24 Commando Regiment Royal Engineers. Le Commando Logistic Regiment est composé de membres de l'armée, des Royal Marines et de la Royal Navy.
Armée britannique
L'armée britannique est composée de l'armée régulière et de l'armée de réserve. L'armée dispose d'une structure de commandement unique basée à Andover et connue sous le nom de « quartier général de l'armée ».[http://www.dmilt.com/index.php?option
com_content&viewarticle&id
2506 : réorganisation-du-commandement-de-l'armée britannique&catid1 :europe&Itemid
57 Réorganisation du Commandement de l'Armée] Defence Marketing Intelligence, 10 novembre 2011 Les formations de combat déployables sont composées de deux divisions (1re blindée et 3e mécanisée) et de huit brigades. Au Royaume-Uni, les unités opérationnelles et non déployables sont administrées par deux divisions, le Force Troops Command et le London District.
L'Armée compte 50 bataillons (36 réguliers et 14 territoriaux) d'infanterie régulière et territoriale, organisés en 17 régiments. La majorité des régiments d'infanterie contiennent plusieurs bataillons réguliers et territoriaux. L'infanterie moderne possède des capacités diverses, ce qui se reflète dans les rôles variés qui lui sont assignés. Les bataillons d'infanterie peuvent remplir quatre rôles opérationnels : l'assaut aérien, l'infanterie blindée, l'infanterie mécanisée et l'infanterie légère.
Des régiments et bataillons, exemple : le Régiment de Parachutistes, existent au sein de chaque corps de l'Armée, fonctionnant comme des formations administratives ou tactiques. Les régiments blindés sont l'équivalent d'un bataillon d'infanterie. Il existe 11 régiments blindés au sein de l'armée régulière, dont six sont désignés comme « blindés » et cinq comme « formation de reconnaissance ». À l'exception de la Household Cavalry, les régiments blindés et leurs homologues territoriaux sont regroupés sous le Royal Armored Corps. Les unités d'armes et de soutien sont également constituées en collectifs similaires organisés autour d'objectifs spécifiques, tels que le Corps of Royal Engineers, l'Army Air Corps et le Royal Army Medical Corps.
Royal Air Force
La Royal Air Force dispose d'une vaste flotte opérationnelle qui remplit divers rôles, composée d'avions à voilure fixe et rotative. Les avions de première ligne sont contrôlés par l'Air Command, qui est organisé en trois groupes définis par fonction : 1 Groupe (Combat aérien), 2 Groupe (Appui aérien) et 22 Groupe (avions d'entraînement et installations au sol). De plus, le 83e Groupe aérien expéditionnaire dirige des formations au Moyen-Orient. Les formations déployables se composent d'escadres et d'escadrons expéditionnaires, l'unité de base de l'armée de l'air. Des vols indépendants sont déployés vers des installations en Afghanistan, dans les îles Falkland, en Irak et aux États-Unis.
La Royal Air Forces exploite des chasseurs multirôles et monorôles, des avions de reconnaissance et de patrouille, des pétroliers, des transports, des hélicoptères, des véhicules aériens sans pilote et divers types d'avions d'entraînement. Les unités terrestres sont également entretenues par la Royal Air Force, notamment par la police de la RAF et le Royal Air Force Regiment (RAF Regt). Le Royal Air Force Regiment fonctionne essentiellement comme la force de défense terrestre de la RAF, optimisée pour le rôle spécialisé de combat sur et autour des aérodromes avancés, qui regorgent d'avions, d'équipements, d'infrastructures et de personnel essentiels au fonctionnement. Le régiment comprend neuf escadrons réguliers, appuyés par cinq escadrons du Royal Auxiliary Air Force Regiment. En outre, il fournit au Royaume-Uni des capacités spécialisées en matière chimique, biologique, radiologique et nucléaire. Il fournit également la moitié des contrôleurs aériens avancés du Royaume-Uni et la contribution de la RAF au groupe de soutien des forces spéciales. En mars 2008, les trois escadrons de défense aérienne au sol restants (équipés du Rapier Field Standard C) avaient été dissous ou réorganisés et leurs responsabilités avaient été transférées à l'Artillerie royale de l'armée britannique.
Ministère de la Défense
Le ministère de la Défense dispose d'un certain nombre d'agences civiles pour soutenir les forces armées britanniques. Bien qu’ils soient civils, ils jouent un rôle essentiel dans l’appui aux opérations des forces armées et sont dans certaines circonstances soumis à la discipline militaire :
*La Royal Fleet Auxiliary (RFA) exploite 12 navires qui servent principalement à reconstituer les navires de guerre de la Royal Navy en mer et à augmenter également les capacités de guerre amphibie de la Royal Navy grâce à ses trois navires. Il compte 1 850 civils et est financé et géré par le ministère de la Défense.
*La police du ministère de la Défense (MDP) dispose d'un effectif établi de 2 700 policiers qui assurent la sécurité armée, la lutte contre le terrorisme, la police en uniforme et des services d'enquête sur les biens, le personnel et les installations du ministère de la Défense dans tout le Royaume-Uni.
*Le Defense Equipment and Support (DE&S) est l'organisation fusionnée d'approvisionnement et de soutien au sein du ministère britannique de la Défense (Royaume-Uni). Il a été créé le 2 avril 2007, réunissant l'Agence d'approvisionnement en matière de défense du ministère de la Défense et l'Organisation de la logistique de la défense sous la direction du général Sir Kevin O'Donoghue en tant que premier chef du matériel de défense. elle dispose d'un effectif civil et militaire d'env. 20 000 personnes. DE&S est supervisé par le ministre de l'équipement, du soutien et de la technologie de la défense.
*Le Bureau hydrographique du Royaume-Uni (UKHO) est une organisation au sein du gouvernement britannique chargée de fournir des informations de navigation et autres informations hydrographiques pour les besoins nationaux, civils et de défense. L'UKHO est situé à Taunton, Somerset sur Admiralty Way et compte un effectif d'environ 1 000 personnes.
Recrutement
Les trois services des forces armées britanniques recrutent principalement au Royaume-Uni, bien que les citoyens du Commonwealth des Nations et de la République d'Irlande soient également éligibles. L'âge minimum de recrutement est de 16 ans (bien que le personnel ne puisse pas servir dans des opérations armées en dessous de 18 ans, et s'il a moins de 18 ans, il doit également avoir l'autorisation parentale pour s'y joindre) ; l'âge maximum de recrutement dépend du fait que la candidature concerne un poste régulier ou de réserve ; il existe d'autres variations dans la limite d'âge pour différents corps/régiments. La durée normale d'engagement est de 22 ans ; cependant, le service minimum requis avant la démission est de 4 ans, plus, dans le cas de l'armée, tout militaire de moins de 18 ans. À l'heure actuelle, le nombre annuel d'admissions dans les forces armées est de 11 880 (sur 12 mois jusqu'au 31 mars). 2014).
À l'exclusion de la Brigade des Gurkhas et du Royal Irish Regiment, au 1er avril 2014, il y avait environ 11 200 personnes noires et appartenant à des minorités ethniques (BME) servant comme réguliers dans les trois branches militaires ; parmi eux, 6 610 ont été recrutés en dehors du Royaume-Uni. Au total, les personnes noires et appartenant à des minorités ethniques représentent 7,1 % de l'ensemble du personnel militaire, soit une augmentation par rapport à 6,6 % en 2010.
Depuis l'an 2000, l'orientation sexuelle n'est plus un facteur pris en compte lors du recrutement et les homosexuels peuvent servir ouvertement dans les forces armées. Toutes les branches des forces ont activement recruté lors des événements de la Gay Pride. Les forces ne conservent aucun chiffre officiel concernant le nombre de soldats gays et lesbiens en service, affirmant que l'orientation sexuelle du personnel est considérée comme sans importance et n'est pas surveillée.
Rôle des femmes
Les femmes ont été intégrées dans les forces armées britanniques depuis le début des années 1990, notamment aux commandes d'avions à réaction rapides et au commandement de navires de guerre ou de batteries d'artillerie. Cependant, ils restent exclus des unités de combat rapproché de l'armée (Royal Armored Corps and Infantry), des Royal Marines et du Royal Air Force Regiment. Au 1er avril 2014, environ 15 840 femmes servaient dans les forces armées, ce qui représente 9,9 % de l'ensemble du personnel militaire. La première femme pilote militaire était le lieutenant d'aviation Julie Ann Gibson, tandis que le lieutenant d'aviation Jo Salter était le premier pilote d'avion à réaction rapide, la première pilotant un Tornado GR1 lors de missions patrouillant dans la zone d'exclusion aérienne du nord de l'Irak de l'époque. Le lieutenant d'aviation Juliette Fleming et le chef d'escadron Nikki Thomas ont récemment constitué le premier équipage du Tornado GR4. Alors qu'elle faisait respecter la zone d'exclusion aérienne en Libye, le lieutenant d'aviation Helen Seymour a été identifiée comme la première femme pilote d'un Eurofighter Typhoon. En août 2011, il a été annoncé qu'une femme lieutenant-commandant, Sarah West, devait commander la frégate HMS Portland. En juillet 2016, il a été annoncé que les femmes seraient autorisées à servir au corps à corps, à commencer par les Royal Armored Crops. | http://www.quizballs.com/ |
Le Suricate est un autre nom pour quel mammifère ? | Suricate | [
"\"Suricate\" est un emprunt à l'afrikaans. Le nom a une origine néerlandaise, mais par erreur d'identification. En néerlandais, suricate signifie le guenon, un singe du genre Cercopithecus. Le mot suricate signifie en néerlandais « chat de mer », mais bien que le suricata soit un féliforme, il n'appartient pas à la famille des chats ; le mot a peut-être commencé comme une adaptation néerlandaise d'un dérivé du sanscrit markaṭa मर्कट = \"singe\", peut-être en Afrique via un marin indien à bord d'un navire de la Compagnie néerlandaise des Indes orientales."
] | Le suricate ou suricate (Suricata suricatta) est un petit carnivore appartenant à la famille des mangoustes (Herpestidae). C'est le seul membre du genre Suricata. Les suricates vivent dans toutes les régions du désert du Kalahari au Botswana, dans une grande partie du désert du Namib en Namibie et dans le sud-ouest de l'Angola, ainsi qu'en Afrique du Sud. Un groupe de suricates est appelé « foule », « gang » ou « clan ». Un clan de suricates compte souvent environ 20 suricates, mais certaines super-familles comptent 50 membres ou plus. En captivité, les suricates ont une durée de vie moyenne de 12 à 14 ans, dont environ la moitié dans la nature.
Étymologie
"Suricate" est un emprunt à l'afrikaans. Le nom a une origine néerlandaise, mais par erreur d'identification. En néerlandais, suricate signifie le guenon, un singe du genre Cercopithecus. Le mot suricate signifie en néerlandais « chat de mer », mais bien que le suricata soit un féliforme, il n'appartient pas à la famille des chats ; le mot a peut-être commencé comme une adaptation néerlandaise d'un dérivé du sanscrit markaṭa मर्कट = "singe", peut-être en Afrique via un marin indien à bord d'un navire de la Compagnie néerlandaise des Indes orientales.
Anatomie
Le suricate est un petit herpestidé diurne (mangouste) pesant en moyenne environ 1 000 kg. Son corps et ses membres longs et minces lui confèrent une longueur de corps de 35 to et une longueur de queue supplémentaire d'environ 25 cm. Le suricate utilise sa queue pour s'équilibrer lorsqu'il se tient debout, ainsi que pour signaler. Son visage se rétrécit pour se terminer en pointe au niveau du nez, qui est brun. Les yeux sont toujours entourés de taches noires et ils ont de petites oreilles noires en forme de croissant. Comme les chats, les suricates ont une vision binoculaire, leurs yeux étant placés devant leur visage.
Au bout de chacun des « doigts » du suricate se trouve une griffe utilisée pour creuser des terriers et chercher des proies. Les griffes sont également utilisées avec les pattes postérieures musclées pour aider à grimper aux arbres. Les suricates ont quatre orteils à chaque pied et de longs membres minces. Le pelage est généralement gris poivré, beige ou brun avec de l'argent. Ils ont de courtes rayures parallèles sur le dos, s'étendant de la base de la queue jusqu'aux épaules. Les motifs de rayures sont uniques à chaque suricate. Le dessous du suricate n'a pas de marques, mais le ventre a une tache qui n'est que peu recouverte de poils et montre la peau noire en dessous. Le suricate utilise cette zone pour absorber la chaleur lorsqu’il se tient debout sur ses pattes arrière, généralement tôt le matin après les nuits froides du désert.
Régime alimentaire et comportement alimentaire
Les suricates sont avant tout des insectivores, mais se nourrissent également d'autres animaux (lézards, serpents, scorpions, araignées, œufs, petits mammifères, mille-pattes, mille-pattes et, plus rarement, petits oiseaux), de plantes et de champignons (la truffe du désert Kalaharituber pfeilii). Les suricates sont immunisés contre certains types de venin, notamment le venin très puissant des scorpions du désert du Kalahari, contrairement aux humains.
Les suricates se nourrissent en groupe avec une « sentinelle » de garde qui surveille les prédateurs pendant que les autres recherchent de la nourriture. Le service de sentinelle dure généralement environ une heure. Un suricate peut creuser une quantité de sable égale à son propre poids en quelques secondes seulement. Les bébés suricates ne commencent à chercher de la nourriture qu'à l'âge d'environ 1 mois et le font en suivant un membre plus âgé du groupe qui fait office de tuteur du chiot. Le suricate qui monte la garde émet des bruits sourds quand tout va bien.
Prédateurs
Les aigles martiaux, les aigles fauves et les chacals sont les principaux prédateurs des suricates. Les suricates meurent parfois de morsures de serpent lors d'affrontements avec des serpents (vipères bouffées et cobras du Cap).
la reproduction
Les suricates deviennent sexuellement matures vers l'âge de deux ans environ et peuvent avoir un à quatre petits dans une portée, trois petits étant la taille de portée la plus courante. Les suricates sont itéropares et peuvent se reproduire à tout moment de l'année. Les chiots sont autorisés à quitter le terrier à l'âge de deux à trois semaines.
Il n'y a pas d'affichage précopulatoire ; le mâle peut se battre avec la femelle jusqu'à ce qu'elle se soumette à lui et que la copulation commence. La gestation dure environ 11 semaines et les petits naissent dans le terrier souterrain et sont altriciaux (non développés). Les oreilles des jeunes s'ouvrent vers l'âge de 10 jours et leurs yeux entre 10 et 14 jours. Ils sont sevrés vers 49 à 63 jours.
Habituellement, le couple alpha se réserve le droit de s'accoupler et tue normalement tous les petits qui ne sont pas les siens, pour garantir que sa progéniture ait les meilleures chances de survie. Le couple dominant peut également expulser ou expulser les mères de la progéniture incriminée. Les nouveaux groupes de suricates sont souvent formés par des femelles expulsées rejoignant un groupe d'hommes.
Les femelles semblent être capables de distinguer l'odeur de leurs proches de celle de leurs non-parents. La reconnaissance des parents est une capacité utile qui facilite la coopération entre les proches et évite la consanguinité. Lorsque l’accouplement a lieu entre parents suricates, cela entraîne souvent des conséquences négatives sur la condition physique ou une dépression consanguine. La dépression de consanguinité était évidente pour une variété de caractères : masse des petits à la sortie du terrier natal, longueur des pattes arrière, croissance jusqu'à l'indépendance et survie des juvéniles. Ces effets négatifs sont probablement dus à l’homozygotie accrue résultant de la consanguinité et à l’expression conséquente de mutations récessives délétères. L'évitement de la consanguinité et la promotion du croisement permettent de masquer les mutations récessives délétères. (Voir aussi Complémentation (génétique).)
Comportement
Les suricates sont de petits animaux fouisseurs, vivant dans de grands réseaux souterrains aux entrées multiples qu'ils ne quittent que pendant la journée, sauf pour éviter la chaleur de l'après-midi. Ils sont très sociaux et vivent en colonies. Les animaux d’un même groupe se toilettent régulièrement. Le couple alpha marque souvent les subordonnés du groupe pour exprimer leur autorité. Il peut y avoir jusqu'à 30 suricates dans un groupe.
Pour surveiller les prédateurs, un ou plusieurs suricates montent la garde et avertissent les autres des dangers imminents. Lorsqu'un prédateur est repéré, le suricate faisant office de sentinelle émet un aboiement ou un sifflet d'avertissement, et les autres membres du groupe courent et se cachent dans l'un des nombreux trous qu'ils ont répartis sur leur territoire.
Les suricates gardent également les jeunes du groupe. Les femelles qui n’ont jamais produit leur propre progéniture allaitent souvent pour nourrir les petits du couple alpha. Ils protègent également les jeunes des menaces, mettant souvent leur propre vie en danger. Avertie du danger, la baby-sitter emmène les jeunes sous terre en lieu sûr et est prête à les défendre si le danger survient.
Les suricates sont également connus pour partager leur terrier avec la mangouste jaune et le spermophile.
Comme de nombreuses espèces, les jeunes suricates apprennent en observant et en imitant le comportement des adultes, bien que les adultes s'engagent également dans une instruction active. Par exemple, les suricates adultes apprennent à leurs chiots à manger un scorpion venimeux : ils enlèveront le dard et aideront le chiot à apprendre à manipuler la créature.
Malgré ce comportement altruiste, les suricates tuent parfois les jeunes membres de leur groupe. Des suricates subordonnés ont été vus tuant la progéniture de membres plus âgés afin d'améliorer la position de leur propre progéniture.
Vocalisation
Les cris du suricate peuvent avoir des significations spécifiques, des cris particuliers indiquant le type de prédateur et l'urgence de la situation. En plus des cris d’alarme, les suricates émettent également des cris de panique, des cris de recrutement et des cris de déplacement. Ils gazouillent, trillent, grognent ou aboient, selon les circonstances. Les suricates émettent des cris d'alarme différents selon qu'ils voient un prédateur aérien ou terrestre. De plus, les caractéristiques acoustiques de l’appel changeront avec l’urgence de l’épisode prédateur potentiel. Par conséquent, six cris d’alarme prédateurs différents avec six significations différentes ont été identifiés : prédateur aérien avec urgence faible, moyenne et élevée ; et prédateur terrestre avec une urgence faible, moyenne et élevée. Les suricates réagissent différemment après avoir entendu un appel d’alarme d’un prédateur terrestre qu’après avoir entendu un appel d’alarme d’un prédateur aérien. Par exemple, lorsqu’ils entendent un cri d’alarme urgent d’un prédateur terrestre, les suricates sont plus susceptibles de chercher un abri et de scruter la zone. D’un autre côté, lorsqu’ils entendent un cri d’alarme urgent d’un prédateur aérien, les suricates sont plus susceptibles de s’accroupir. Souvent, dans ces circonstances, ils regardent aussi vers le ciel.
Sous-espèce
Il existe trois sous-espèces de suricates :
*Suricata suricatta siricata
*Suricata suricatta iona
*Suricata suricatta majoriae
Domestication
Les suricates sont de mauvais animaux de compagnie. Ils peuvent être agressifs, notamment envers les invités, et peuvent mordre. Ils marqueront leur propriétaire et la maison (leur « territoire »).
La culture populaire
* Meerkat Manor, une émission de télévision britannique.
* La campagne publicitaire Compare the Meerkat est populaire au Royaume-Uni et en Australie.
* Timon de la franchise Le Roi Lion est un suricate.
* Dans le livre La Vie de Pi et son adaptation cinématographique, l'île flottante est habitée par des dizaines de milliers de suricates, dans un environnement et un regroupement contrairement aux vrais suricates.
* Billy du film Animals United est un suricate. | http://www.quizballs.com/ |
Quelle ville est la « capitale de facto » de l’Union européenne ? | Bruxelles | [
"Les sept institutions de l'Union européenne (UE) sont implantées dans quatre villes différentes, à savoir. Bruxelles, Francfort, Luxembourg et Strasbourg, plutôt que d'être concentrés dans une seule capitale. Les agences et autres organes de l’UE sont répartis dans toute l’Union, mais ne sont généralement pas fixés dans les traités. La Haye est la seule exception, en tant que siège fixe de l'Office européen de police (Europol). Au fil des années, Bruxelles est devenue le siège principal, où chaque grande institution et maintenant le Conseil européen y sont basés en tout ou en partie, ce qui lui a valu d'être communément surnommée « la capitale de l'UE ».",
"Malgré cela, le siège du Parlement européen reste controversé. Le travail du Parlement est réparti entre Bruxelles, Luxembourg et Strasbourg, ce qui pose problème en raison du grand nombre de députés, de personnel et de documents qui doivent être déplacés. L'emplacement des principaux sièges étant inscrit dans les traités de l'Union européenne, le Parlement n'a pas le droit de décider de son propre siège, contrairement aux autres parlements nationaux.",
"Les traités de l'Union européenne précisent les emplacements des institutions suivantes : Le Parlement européen a son siège à Strasbourg, accueillant douze sessions plénières mensuelles (y compris la session budgétaire). Bruxelles accueille des sessions et des commissions supplémentaires (notamment en septembre 2008 pour des séances normales lorsque l'hémicycle de Strasbourg a été endommagé). Le Luxembourg abrite le Secrétariat du Parlement européen. Le Conseil de l'Union européenne a son siège à Bruxelles, sauf en avril, juin et octobre, où les réunions se tiennent à Luxembourg.",
"La Commission européenne a également son siège à Bruxelles, même si certains départements sont hébergés au Luxembourg. La Cour européenne de justice, le Tribunal et la Cour des comptes sont basés à Luxembourg aux côtés de la Banque européenne d'investissement. Le Comité économique et social et le Comité des régions sont entièrement basés à Bruxelles tandis que la Banque centrale européenne est basée à Francfort et qu'Europol est la seule agence à avoir son siège fixé par les traités, à La Haye.",
"Par ailleurs, le traité de Nice fait de Bruxelles le lieu de tous les sommets formels du Conseil européen après 2004. Toutefois, certaines sessions extraordinaires se tiennent parfois en dehors de la ville. Le siège du Conseil européen est cependant fixé par une déclaration plutôt que par un protocole, ce qui signifie qu'il est moins contraignant que les autres sièges.",
"Le traité de 2011 instituant le mécanisme européen de stabilité (MES) stipule que le siège du MES doit être à Luxembourg. Le MES devrait être ratifié et actif à la mi-2013 et il est autorisé à établir un bureau de liaison à Bruxelles.",
"Il existe de nombreux autres organismes et agences dont le siège n'a pas été fixé par des traités. Bruxelles accueille l'Agence européenne de défense (l'OTAN et l'ancienne UEO étant également présentes dans la ville). Le Luxembourg abrite le Centre de traduction des organes de l'Union européenne et de la Banque européenne d'investissement. Strasbourg abrite le bureau du Médiateur européen. Les autres agences sont réparties dans toute l'Europe et depuis l'élargissement de 2004, il y a eu une tendance à implanter davantage d'agences dans les nouveaux États membres afin de parvenir à une répartition plus équitable.",
"Bien que la Commission soit principalement basée à Bruxelles, certains de ses services doivent être basés à Luxembourg depuis l'accord de 1965 qui énumérait les éléments suivants pour le Luxembourg : les services financiers de la CECA, la DG Crédit et Investissements, le service qui perçoit le prélèvement CECA et les services comptables rattachés ; l'Office des publications avec les services de vente et de relecture associés et CORDIS; l'Office statistique de la CEE et le service informatique ; les services d'hygiène et de sécurité industrielle de la CEE et de la CECA ; DG de la Santé ; DG pour le contrôle de sécurité d'Euratom et toute infrastructure administrative et technique appropriée à cet effet.",
"Les départements ayant évolué au fil des années, certains ne sont plus présents car supprimés ou fusionnés, la plupart des départements présents étant principalement basés à Bruxelles tout en conservant une présence mineure à Luxembourg. Certains départements sont cependant encore entièrement basés dans la ville conformément à l'accord de 1965.",
"Les traités ou déclarations de l’UE n’ont déclaré aucune ville comme « capitale » de l’UE, sous quelque forme que ce soit. Cependant, de manière informelle, le terme a trouvé un usage malgré des connotations en décalage avec les perceptions normales entourant une entité inter/supranationale. Bruxelles fait fréquemment l'objet du label, notamment dans les publications des autorités locales, de la Commission et de la presse. En effet, Bruxelles interprète l'accord de 1992 sur les sièges (détails ci-dessous) comme déclarant Bruxelles comme capitale. De même, les autorités de Strasbourg et les organisations qui y sont basées font référence à Strasbourg comme la « capitale » de l'Europe (souvent une Europe plus large en raison de la présence du Conseil de l'Europe là-bas également) et Bruxelles, Strasbourg et Luxembourg sont également appelés les capitales communes. de l'Europe, par exemple à propos du projet \"Eurocap-rail\": un chemin de fer qui relierait \"les trois capitales européennes\".",
"Lors de la création de la Communauté européenne du charbon et de l'acier (CECA), les États ne parvenaient pas à se mettre d'accord sur la ville qui devait accueillir les institutions de la nouvelle communauté. Bruxelles a été largement préférée, mais la Belgique a opposé son veto, qui a insisté sur Liège. En raison de l'impasse, Luxembourg a été choisi comme choix provisoire pour tous sauf l'Assemblée (Parlement), qui devait être basée à Strasbourg. Deux autres communautés furent créées en 1957 et encore une fois un accord provisoire prévoyait que l'Assemblée se réunirait à Strasbourg, les tribunaux se réuniraient à Luxembourg et les commissions et conseils seraient répartis entre Luxembourg et Bruxelles. Ces institutions ont ensuite commencé à se concentrer dans cette dernière ville.",
"Au fur et à mesure de la conclusion de divers accords, les activités luxembourgeoises se sont progressivement déplacées vers Bruxelles et le Parlement, bien que contraint de rester à Strasbourg, a également commencé à travailler à Bruxelles tandis que les tribunaux sont restés à Luxembourg. L'accord final de 1992 a établi le dispositif actuel, y compris la répartition du travail du Parlement entre les trois villes. En 2002, le Conseil européen, après avoir alterné entre différentes villes, a décidé de s'installer à Bruxelles.",
"Le siège a été contesté, Liège, Luxembourg, Strasbourg et Turin étant tous pris en considération. Alors que Sarrebruck avait le statut de « ville européenne » (présence et contrôle européanisés), le conflit persistant autour de la Sarre en faisait un choix problématique. Bruxelles aurait été acceptée à l'époque, mais les divisions au sein du gouvernement belge alors instable ont exclu cette option.",
"En 1958, après l'entrée en vigueur du Traité de Rome, les nouveaux membres de la communauté durent à nouveau se décider pour un siège. Au début de 1958, ils ne parvinrent pas à un accord et diverses villes commencèrent à faire pression pour obtenir ce poste. Il a été décidé qu'en principe, toutes les institutions devraient être implantées dans une seule ville dès que possible. Bruxelles, Strasbourg, Luxembourg, Turin, Milan, Stresa, Paris, Nice et le département français de l'Oise ont tous été examinés par le « Comité européen d'experts en urbanisme » dans un rapport au Conseil des ministres. Cependant, même après la présentation du rapport, les pays ne parvinrent pas à se mettre d'accord et, en juin 1959, un moratoire de trois ans sur la décision fut décrété. Ce retard a permis à Bruxelles de s'imposer comme siège, puisqu'elle fonctionnait déjà car une grande partie de l'administration y travaillait déjà dans des bureaux prêtés par le gouvernement belge. À cette époque, la Belgique, l’Allemagne, les Pays-Bas et les institutions européennes elles-mêmes favorisaient Bruxelles ; Le Luxembourg voulait conserver le siège de la CECA (ou être généreusement compensé) ; La France a soutenu Strasbourg et l'Italie a continué à promouvoir Milan.",
"La création en 1957 de la Communauté économique européenne (CEE) et de la Communauté européenne de l'énergie atomique (CEEA ou Euratom) a créé de nouvelles institutions faisant double emploi avec la CECA (à l'exception de l'Assemblée parlementaire et de la Cour de justice, qui étaient partagées). Le 7 janvier 1958, il fut décidé que Bruxelles, Luxembourg et Strasbourg seraient à nouveau des lieux provisoires jusqu'à une décision finale. Strasbourg conserverait l'Assemblée, Luxembourg la Cour et Bruxelles et Luxembourg accueilleraient les réunions des Conseils et des Commissions (ou Haute Autorité). Le choix du lieu exact de réunion des nouveaux Conseils a été laissé au Président du Conseil. En pratique, celle-ci devait résider au Château de Val-Duchesse jusqu'à l'automne 1958, date à laquelle elle déménagerait au 2, rue Ravensteinstraat à Bruxelles. Pendant ce temps, le Conseil de la CECA était toujours basé à Luxembourg et tenait ses réunions au Cercle Municipal, place d’Armes. Son secrétariat s'est déplacé à de nombreuses reprises dans la ville, mais entre 1955 et 1967, il était installé dans le quartier de Verlorenkost.",
"Le 21 juin 1958, l'Assemblée parlementaire recommanda au Conseil que l'Assemblée ait son siège au même endroit où sont basées les autres organisations, tout en acceptant que les sessions plénières puissent se tenir ailleurs. L'Assemblée a également désigné trois villes comme sièges des institutions (Bruxelles, Strasbourg et Milan), mais aucun accord permanent n'a été conclu.",
"Le régime provisoire a été réitéré le 8 avril 1965 avec la \"Décision relative à l'implantation provisoire de certaines institutions et services des Communautés\". Cela faisait suite au traité de fusion, qui regroupait les exécutifs des trois Communautés en une seule structure institutionnelle. Cependant, avec la fusion des exécutifs, la Commission et la plupart des services ont été regroupés à Bruxelles plutôt qu'à Luxembourg. La Commission s'est d'abord basée avenue de la Joyeuse Entrée/Blijde Inkomstlaan, avant de déménager dans le bâtiment Breydel au rond-point Schuman, puis son emplacement actuel dans le bâtiment Berlaymont. Le secrétariat de la CECA a déménagé de Luxembourg vers le secrétariat du Conseil de l'organisme fusionné, situé dans le bâtiment Ravenstein à Bruxelles. En 1971, le Conseil et son secrétariat s'installent dans le bâtiment Charlemagne, à côté du Berlaymont de la Commission. Ces locaux s'avèrent rapidement insuffisants et la branche administrative du secrétariat s'installe dans un bâtiment au 76 rue Joseph II/Jozef II-straat. Au cours des années 1980, les divisions linguistiques s'installent dans les bâtiments Nerviens, Frère Orban et Guimard.",
"Malgré l'accord de 1965, le siège du Parlement reste une source de discorde. Souhaitant se rapprocher des activités de Bruxelles et de Luxembourg, le Parlement a tenu quelques séances plénières entre 1967 et 1981 à Luxembourg au lieu de Strasbourg – contre la volonté de la France – et en 1981 il a recommencé à tenir ses sessions entièrement à Strasbourg. L’année précédente, il avait lancé sans succès un ultimatum aux gouvernements nationaux pour tenter de les forcer à parvenir à un accord. Ainsi, le Parlement a transféré à Bruxelles certains de ses organes de décision, ainsi que les réunions de ses commissions et de ses groupes politiques, et a également construit en 1985 une salle plénière à Bruxelles pour certaines périodes de session. Toutes les tentatives du Parlement dans ce domaine ont été contestées par les Etats membres.",
"En réponse, le Conseil européen a adopté le 12 décembre 1992 à Édimbourg un accord final sur la répartition des sièges. La décision relative à la localisation des sièges des institutions et de certains organes et services des Communautés européennes prévoyait que le Parlement serait basé à Strasbourg, où il serait obligé de tenir \"douze périodes de sessions plénières mensuelles, y compris la session budgétaire\". \". Toutefois, des sessions supplémentaires pourraient avoir lieu à Bruxelles, où les commissions auraient également dû se réunir tandis que le secrétariat devait rester à Luxembourg.",
"En 1995, le Conseil de l'Union européenne a emménagé dans le bâtiment Juste Lipsius à Bruxelles, aujourd'hui également siège du Conseil européen, lors de la rénovation du Berlaymont pour désamianter. Cependant, ses effectifs continuant à augmenter, elle continua à louer le bâtiment Frère Orban pour abriter les divisions linguistiques finnoise et suédoise ; plus tard, elle a commencé à louer d'autres bâtiments à Bruxelles. Le projet de rénovation du Berlaymont a échoué, mais en 2004, la Commission y est revenue et la Commission Barroso y a concentré ses activités, avec le président et la salle de réunion au treizième étage. Depuis 2007, la Commission occupe 865 000 m² répartis dans 61 bâtiments dans le quartier européen de Bruxelles. En raison des élargissements de membres de 2004 et 2007, le personnel a augmenté, exigeant 35 000 m² supplémentaires de bureaux. Cela pourrait conduire à de nouvelles constructions et à des immeubles de grande hauteur. Par ailleurs, un bâtiment voisin du Juste Lipse, le Résidence Palace, est actuellement en cours de rénovation pour devenir le futur siège du Conseil et du Conseil européen à partir de 2013.",
"En 2002, il a également été décidé que le Conseil européen aurait son siège à Bruxelles. Le Conseil a été créé dans les années 1960 en tant que réunion informelle des dirigeants nationaux et n'avait pas de lieu fixe, mais se tenait dans l'État qui assurait à chaque fois la présidence de l'UE. Cependant, avec l'élargissement imminent, le traité de Nice a prévu qu'une réunion du Conseil par présidence se tiendrait à Bruxelles. Après l'élargissement à 18 membres (atteint en mai 2004), toutes les affaires s'y dérouleraient à l'exception de quelques réunions extraordinaires qui se tiennent encore ailleurs. A Bruxelles, le Conseil européen partage le même bâtiment que le Conseil de l'Union européenne.",
"En 2007, la nouvelle situation est devenue source de discorde, le Conseil européen souhaitant signer le traité de Lisbonne à Lisbonne. Le gouvernement belge, soucieux de ne pas créer de précédent, a insisté pour que la réunion proprement dite ait lieu à Bruxelles comme d'habitude. Cela signifie qu'après la signature, la séance photo et le dîner officiel, l'ensemble du sommet a été transféré de Lisbonne à Bruxelles pour poursuivre ses activités normales. L'idée, reflétée dans le \"cirque ambulant\" (voir ci-dessous) du Parlement européen, a suscité des protestations de la part de groupes environnementaux décrivant l'hypocrisie d'exiger une réduction des émissions de carbone tout en traversant l'Europe pour le même sommet pour des raisons politiques.",
"Le siège du Parlement européen est resté un problème tout au long de cette période, bien que le Conseil l'ait inscrit dans les traités. Durant les années 1990, la question était débattue chaque année et en 1999, 250 députés européens signaient une lettre condamnant le dispositif et les installations de Strasbourg. L'année suivante, le Parlement a voté par 401 voix contre 77 pour une résolution exigeant le droit de décider de ses propres lieux de travail. Les tentatives visant à inclure cela dans les traités suivants en 2000 et 2007 ont toutes deux échoué. Cependant, en septembre 2008, le Parlement a tenu sa première session plénière complète à Bruxelles après que le plafond de l'hémicycle de Strasbourg s'est effondré pendant les vacances, obligeant à un déménagement temporaire.",
"Le Parlement est tenu de passer \"douze périodes de sessions plénières mensuelles, y compris la session budgétaire\" à Strasbourg, tandis que des sessions et commissions supplémentaires se dérouleront à Bruxelles. Le secrétariat est à Luxembourg. Même si les modalités de répartition des autres organes ont relativement peu d'impact, le grand nombre de membres du Parlement et la concentration de sa charge de travail signifient que ces questions sont bien plus controversées que celles concernant les autres institutions. Une question démocratique a également été soulevée : le Parlement européen est l'un des rares parlements au monde à ne pas pouvoir décider lui-même du lieu de ses réunions et le seul à disposer de plus d'un siège.",
"Les critiques ont qualifié le projet de trois villes de \"cirque ambulant\" avec un coût supplémentaire de 200 millions d'euros pour un seul site. Les défenseurs du siège de Strasbourg, comme l'eurodéputé allemand Bernd Posselt, affirment cependant que ce chiffre n'est que de 40 millions d'euros, soit un surcoût de 8 centimes par citoyen de l'UE. Lorsque le Parlement a été contraint de se réunir à Bruxelles en septembre 2008, en raison d'une défaillance du bâtiment de Strasbourg, on a estimé que le Parlement avait économisé entre 3 et 4 millions d'euros, même si le chiffre exact est difficile à calculer. Comme la Commission se réunit également à Strasbourg lorsque le Parlement est absent de Bruxelles, le coût du déplacement des commissaires s'est élevé à 9,5 millions d'euros entre 2002 et 2007. Les Verts ont également relevé le coût environnemental dans une étude menée par Jean Lambert, député européen et Caroline Lucas. , député européen ; Au coût financier supplémentaire s’ajoutent plus de 20 268 tonnes de dioxyde de carbone supplémentaires, ce qui compromet toute position environnementale de l’institution et de l’Union. Jens-Peter Bonde, ancien leader du groupe ID, a déclaré en 2007 que si la question du siège n'était pas abordée, il serait impossible d'augmenter le taux de participation aux élections, car le mouvement du siège était la question soulevée le plus souvent par les électeurs. Lui et la co-leader des Verts Monica Frassoni ont appelé à un débat sur la question, qui était bloquée par le président Hans-Gert Pöttering.",
"Bruxelles comme lieu de travail unique",
"Bruxelles est déjà le siège des deux autres institutions politiques, la Commission et le Conseil des ministres (dont le Conseil européen). Par ailleurs, le Parlement a déjà concentré les trois quarts de son activité dans la ville. Des organisations tierces sont également basées dans la ville, notamment des ONG, des syndicats, des organisations d'employeurs et la plus forte concentration de journalistes au monde, également en raison de la présence de l'OTAN dans la ville en plus de la forte présence des institutions de l'Union. Alors que les militants strasbourgeois considèrent le fait d'être basé à Strasbourg comme une aide à l'indépendance des députés européens, les militants bruxellois affirment que cela ne fait que réduire l'influence de l'institution en les « exilant » loin des autres grandes institutions.",
"Bruxelles dispose également de meilleures liaisons de transport que Strasbourg, avec des salaires plus bas pour les fonctionnaires, ce qui réduit les coûts. Certains commentateurs soulignent en outre que la vie nocturne à Strasbourg est relativement terne et que les députés européens qui souhaiteraient se détendre après une longue et dure journée de travail n'ont pas beaucoup d'occasions de le faire. La position de Strasbourg a subi un coup dur en 2006, lorsque des allégations ont fait surface concernant des accusations portées par la ville de Strasbourg sur les bâtiments loués par le Parlement. La controverse s'est apaisée lorsque le Parlement européen a décidé d'acheter officiellement les bâtiments le 24 octobre 2006.",
"En mai 2006, une pétition en ligne, oneseat.eu, a été lancée par la députée européenne Cecilia Malmström appelant à un siège unique au Parlement, basé à Bruxelles. En septembre de la même année, elle a atteint son objectif d'un million de signatures et, selon une disposition de la Constitution européenne, une pétition signée par un million de citoyens devrait être examinée par la Commission. La validité globale de la pétition a cependant été mise en doute, car elle se trouvait sur Internet et utilisait des adresses e-mail au lieu d'adresses postales. Par ailleurs, la majorité des signataires était concentrée en Europe du Nord, notamment aux Pays-Bas (40 %). Quoi qu’il en soit, la pétition est considérée par les groupes pro-Bruxelles comme un symbole important. L'une des signataires de la pétition était la vice-présidente de la Commission, Margot Wallström ; elle a soutenu la campagne, déclarant que « quelque chose qui était autrefois un symbole très positif de la réunification de l'UE entre la France et l'Allemagne est maintenant devenu un symbole négatif : le gaspillage d'argent, la bureaucratie et la folie des institutions bruxelloises ».",
"En août 2012, des fissures ont été constatées dans les poutres soutenant le plafond de l'hémicycle de Bruxelles, entraînant une fermeture pour au moins 6 mois de l'ensemble de la partie A du bâtiment Paul Henri Spaak selon une estimation publiée le 9 octobre 2012 par le Parlement. administration. Début décembre 2012, on a appris que les dégâts étaient plus graves qu'on ne le pensait et que la fermeture de l'hémicycle devait durer « jusqu'en novembre 2013 ». Jusqu'à cette date, toutes les réunions \"mini plénières\" à Bruxelles ont été supprimées. Puisque, depuis décembre 2012, le Parlement européen « a du mal » à trouver une entreprise pour effectuer les travaux de réparation, il est probable que la réouverture de l'hémicycle de Bruxelles n'ait lieu qu'en 2014.",
"Certains militants souhaitent voir la concentration des activités du Parlement à nouveau à Strasbourg (l'une d'elles étant une campagne intitulée \"Association pour la démocratie européenne\" lancée le 15 mars 2007). Cela est considéré comme le symbole de la décentralisation de l’UE loin de Bruxelles. Emma Nicholson, la seule eurodéputée britannique à soutenir Strasbourg, affirme que le fait d'être à côté du Conseil de l'Europe permet aux députés de rester en contact avec les délégués du reste de l'Europe, comme la Russie, et que le fait d'être à Bruxelles isole l'UE de telles influences. . Les militants pro-Strasbourg soutiennent également que Strasbourg offre plus d'indépendance au Parlement, par rapport aux autres institutions et groupes de pression à Bruxelles.",
"Si le Parlement était entièrement à Strasbourg, les médias ne pourraient plus utiliser des raccourcis tels que \"Bruxelles a décidé...\" plutôt que de discuter en détail des marqueurs de décision. Les médias devraient également être basés à Strasbourg et pourraient ainsi assurer une meilleure couverture du Conseil de l'Europe. Strasbourg est également préférée pour des raisons historiques, ayant changé de mains entre la France et l'Allemagne à cinq reprises entre 1870 et 1945. On avance également que Bruxelles n'est plus un bon symbole de l'unité européenne compte tenu des récents conflits politiques en Belgique.",
"Cette position a été soutenue par le président Josep Borrell Fontelles, même s'il a été critiqué lorsqu'il a déclaré que l'importance de Strasbourg dans le contexte de la Seconde Guerre mondiale ne pouvait pas être perçue de la même manière que la France et l'Allemagne par les « pays nordiques » (un référence au député européen suédois qui a lancé la pétition d'un siège). L'eurodéputée française Brigitte Fouré a lancé une pétition pro-Strasbourg, one-city.eu, en 2008 (contreant la pétition de Bruxelles) qui a recueilli un peu plus de 7 190 signatures en octobre 2012.",
"Un sondage auprès des députés européens réalisé en juin 2007 par le député européen Alexander Nuno Alvaro, un militant pro-Bruxelles, a révélé que 89 % voulaient un siège unique et que 81 % préféraient Bruxelles. Cependant, malgré un sondage auprès de tous les députés européens, seuls 39 % ont répondu aux questions. Álvaro a déclaré que, après avoir consulté des sociétés de sondage, il s'agissait d'un sondage d'opinion élevé, même s'il n'était pas totalement représentatif. Un magazine parlementaire a subi des pressions pour abandonner dans un premier temps la publication de ce sondage, reflétant la nature sensible de la question. Le même mois, une autre enquête menée par Simon Hix de l'Université de Manchester et Roger Scully de l'Université d'Aberystwyth a révélé un soutien de 68 % en faveur d'un siège unique. Dans leur enquête, 272 des 732 personnes interrogées ont répondu. Après chaque séance à Strasbourg, des centaines de députés européens signent une pétition appelant à une réduction du temps de parole à Strasbourg, même si Pascal Mangin, adjoint au maire de Strasbourg, ne croit pas que l'avis des députés soit important. Néanmoins, en janvier 2009, une déclaration écrite du Parlement appelant à un siège à Bruxelles n'a pas obtenu un soutien suffisant. Il a obtenu 286 signatures sur les 393 nécessaires pour être pris en considération. Les militants bruxellois ont indiqué que le moment était mal choisi, les dirigeants du Parlement français et allemand ainsi que les deux principaux groupes ayant ordonné à leurs membres de ne pas soutenir la motion. Les militants se sont engagés à poursuivre le combat tandis que le maire de Strasbourg Roland Ries a cette fois salué la \"sagesse des parlementaires\" et a déclaré qu'elle marquait leur volonté que Strasbourg accueille seule l'institution.",
"Une enquête sur les attitudes des citoyens menée en mai 2006 comprenait deux questions sur la question du siège du Parlement. En moyenne, 32 % des personnes de tous les États membres ont soutenu la politique des deux sites tandis que 68 s'y sont opposées. Le soutien à un emplacement était plus élevé chez les hommes que chez les femmes, et chez les personnes de plus de 35 ans que chez les moins. Le soutien aux deux sites était inférieur d'un point de pourcentage dans les 10 pays qui ont adhéré en 2004 à celui des 15 membres précédents ; Aucun groupe n'a plus de 40 pour cent de soutien sur deux sites. Parmi ceux qui étaient contre deux sièges, 76 % soutenaient Bruxelles et 24 % soutenaient Strasbourg. Dans ce cas, le soutien à Bruxelles était supérieur de 6 points de pourcentage parmi les 10 nouveaux membres comptant des femmes et des moins de 35 ans. Le groupe ayant le soutien le plus élevé en faveur de Strasbourg est celui des plus de 35 ans, avec 28 pour cent de soutien. Les citoyens de Strasbourg sont bien entendu de fervents partisans du siège du Parlement à Strasbourg, chaque session rapportant quatre millions d'euros à l'économie de la ville. En septembre 2008, le gouvernement de Strasbourg a adopté une motion exigeant que toutes les activités du Parlement soient transférées dans la ville."
] | Les sept institutions de l'Union européenne (UE) sont implantées dans quatre villes différentes, à savoir. Bruxelles, Francfort, Luxembourg et Strasbourg, plutôt que d'être concentrés dans une seule capitale. Les agences et autres organes de l’UE sont répartis dans toute l’Union, mais ne sont généralement pas fixés dans les traités. La Haye est la seule exception, en tant que siège fixe de l'Office européen de police (Europol). Au fil des années, Bruxelles est devenue le siège principal, où chaque grande institution et maintenant le Conseil européen y sont basés en tout ou en partie, ce qui lui a valu d'être communément surnommée « la capitale de l'UE ».
Les sièges sont un sujet de controverse politique depuis que les États n'ont pas réussi à parvenir à un accord lors de la création de la Communauté européenne du charbon et de l'acier en 1952. Cependant, un accord final entre les États membres a été conclu en 1992, puis annexé au Traité. d'Amsterdam.
Malgré cela, le siège du Parlement européen reste controversé. Le travail du Parlement est réparti entre Bruxelles, Luxembourg et Strasbourg, ce qui pose problème en raison du grand nombre de députés, de personnel et de documents qui doivent être déplacés. L'emplacement des principaux sièges étant inscrit dans les traités de l'Union européenne, le Parlement n'a pas le droit de décider de son propre siège, contrairement aux autres parlements nationaux.
La localisation de nouveaux corps n’est pas non plus sans controverses politiques. Le siège de la Banque centrale européenne (BCE) devait symboliser son indépendance vis-à-vis du contrôle politique et était situé dans une ville qui n'abritait pas encore de gouvernement national ou d'institution européenne. De nouvelles agences sont également basées en Europe de l'Est depuis 2004 afin d'équilibrer la répartition des agences à travers l'UE.
Emplacements
Les traités de l'Union européenne précisent les emplacements des institutions suivantes : Le Parlement européen a son siège à Strasbourg, accueillant douze sessions plénières mensuelles (y compris la session budgétaire). Bruxelles accueille des sessions et des commissions supplémentaires (notamment en septembre 2008 pour des séances normales lorsque l'hémicycle de Strasbourg a été endommagé). Le Luxembourg abrite le Secrétariat du Parlement européen. Le Conseil de l'Union européenne a son siège à Bruxelles, sauf en avril, juin et octobre, où les réunions se tiennent à Luxembourg.
La Commission européenne a également son siège à Bruxelles, même si certains départements sont hébergés au Luxembourg. La Cour européenne de justice, le Tribunal et la Cour des comptes sont basés à Luxembourg aux côtés de la Banque européenne d'investissement. Le Comité économique et social et le Comité des régions sont entièrement basés à Bruxelles tandis que la Banque centrale européenne est basée à Francfort et qu'Europol est la seule agence à avoir son siège fixé par les traités, à La Haye.
Par ailleurs, le traité de Nice fait de Bruxelles le lieu de tous les sommets formels du Conseil européen après 2004. Toutefois, certaines sessions extraordinaires se tiennent parfois en dehors de la ville. Le siège du Conseil européen est cependant fixé par une déclaration plutôt que par un protocole, ce qui signifie qu'il est moins contraignant que les autres sièges.
Le traité de 2011 instituant le mécanisme européen de stabilité (MES) stipule que le siège du MES doit être à Luxembourg. Le MES devrait être ratifié et actif à la mi-2013 et il est autorisé à établir un bureau de liaison à Bruxelles.
Sièges non fixes
Il existe de nombreux autres organismes et agences dont le siège n'a pas été fixé par des traités. Bruxelles accueille l'Agence européenne de défense (l'OTAN et l'ancienne UEO étant également présentes dans la ville). Le Luxembourg abrite le Centre de traduction des organes de l'Union européenne et de la Banque européenne d'investissement. Strasbourg abrite le bureau du Médiateur européen. Les autres agences sont réparties dans toute l'Europe et depuis l'élargissement de 2004, il y a eu une tendance à implanter davantage d'agences dans les nouveaux États membres afin de parvenir à une répartition plus équitable.
Cependant, certains problèmes ont été rencontrés avec les agences basées dans les États de l'Est. Par exemple, Frontex, la nouvelle agence frontalière, a eu du mal à recruter des experts qualifiés car beaucoup ne veulent pas vivre dans la ville hôte de l'agence, Varsovie, en raison de ses salaires et de son niveau de vie relativement bas. En outre, le projet d'installer le siège de Galileo à Prague s'est heurté à une opposition en raison de préoccupations en matière de sécurité, car la ville ne serait pas suffisamment sûre pour une agence aussi sensible.
Services de la Commission
Bien que la Commission soit principalement basée à Bruxelles, certains de ses services doivent être basés à Luxembourg depuis l'accord de 1965 qui énumérait les éléments suivants pour le Luxembourg : les services financiers de la CECA, la DG Crédit et Investissements, le service qui perçoit le prélèvement CECA et les services comptables rattachés ; l'Office des publications avec les services de vente et de relecture associés et CORDIS; l'Office statistique de la CEE et le service informatique ; les services d'hygiène et de sécurité industrielle de la CEE et de la CECA ; DG de la Santé ; DG pour le contrôle de sécurité d'Euratom et toute infrastructure administrative et technique appropriée à cet effet.
Les départements ayant évolué au fil des années, certains ne sont plus présents car supprimés ou fusionnés, la plupart des départements présents étant principalement basés à Bruxelles tout en conservant une présence mineure à Luxembourg. Certains départements sont cependant encore entièrement basés dans la ville conformément à l'accord de 1965.
"Capital"
Les traités ou déclarations de l’UE n’ont déclaré aucune ville comme « capitale » de l’UE, sous quelque forme que ce soit. Cependant, de manière informelle, le terme a trouvé un usage malgré des connotations en décalage avec les perceptions normales entourant une entité inter/supranationale. Bruxelles fait fréquemment l'objet du label, notamment dans les publications des autorités locales, de la Commission et de la presse. En effet, Bruxelles interprète l'accord de 1992 sur les sièges (détails ci-dessous) comme déclarant Bruxelles comme capitale. De même, les autorités de Strasbourg et les organisations qui y sont basées font référence à Strasbourg comme la « capitale » de l'Europe (souvent une Europe plus large en raison de la présence du Conseil de l'Europe là-bas également) et Bruxelles, Strasbourg et Luxembourg sont également appelés les capitales communes. de l'Europe, par exemple à propos du projet "Eurocap-rail": un chemin de fer qui relierait "les trois capitales européennes".
Histoire
Lors de la création de la Communauté européenne du charbon et de l'acier (CECA), les États ne parvenaient pas à se mettre d'accord sur la ville qui devait accueillir les institutions de la nouvelle communauté. Bruxelles a été largement préférée, mais la Belgique a opposé son veto, qui a insisté sur Liège. En raison de l'impasse, Luxembourg a été choisi comme choix provisoire pour tous sauf l'Assemblée (Parlement), qui devait être basée à Strasbourg. Deux autres communautés furent créées en 1957 et encore une fois un accord provisoire prévoyait que l'Assemblée se réunirait à Strasbourg, les tribunaux se réuniraient à Luxembourg et les commissions et conseils seraient répartis entre Luxembourg et Bruxelles. Ces institutions ont ensuite commencé à se concentrer dans cette dernière ville.
Au fur et à mesure de la conclusion de divers accords, les activités luxembourgeoises se sont progressivement déplacées vers Bruxelles et le Parlement, bien que contraint de rester à Strasbourg, a également commencé à travailler à Bruxelles tandis que les tribunaux sont restés à Luxembourg. L'accord final de 1992 a établi le dispositif actuel, y compris la répartition du travail du Parlement entre les trois villes. En 2002, le Conseil européen, après avoir alterné entre différentes villes, a décidé de s'installer à Bruxelles.
Début
La CECA a été fondée par le Traité de Paris en 1951 ; cependant, aucune décision n'a été prise sur l'emplacement des institutions de la nouvelle communauté. Les traités permettaient que le ou les sièges soient décidés d'un commun accord par les gouvernements, et lors d'une conférence des membres de la CECA le 23 juillet 1952, aucun siège permanent n'a été décidé.
Le siège a été contesté, Liège, Luxembourg, Strasbourg et Turin étant tous pris en considération. Alors que Sarrebruck avait le statut de « ville européenne » (présence et contrôle européanisés), le conflit persistant autour de la Sarre en faisait un choix problématique. Bruxelles aurait été acceptée à l'époque, mais les divisions au sein du gouvernement belge alors instable ont exclu cette option.
Pour sortir de l'impasse, Joseph Bech, alors Premier ministre luxembourgeois, proposa que Luxembourg devienne le siège provisoire des institutions (dont le Conseil et la Haute Autorité) jusqu'à ce qu'un accord permanent soit trouvé.
En 1958, après l'entrée en vigueur du Traité de Rome, les nouveaux membres de la communauté durent à nouveau se décider pour un siège. Au début de 1958, ils ne parvinrent pas à un accord et diverses villes commencèrent à faire pression pour obtenir ce poste. Il a été décidé qu'en principe, toutes les institutions devraient être implantées dans une seule ville dès que possible. Bruxelles, Strasbourg, Luxembourg, Turin, Milan, Stresa, Paris, Nice et le département français de l'Oise ont tous été examinés par le « Comité européen d'experts en urbanisme » dans un rapport au Conseil des ministres. Cependant, même après la présentation du rapport, les pays ne parvinrent pas à se mettre d'accord et, en juin 1959, un moratoire de trois ans sur la décision fut décrété. Ce retard a permis à Bruxelles de s'imposer comme siège, puisqu'elle fonctionnait déjà car une grande partie de l'administration y travaillait déjà dans des bureaux prêtés par le gouvernement belge. À cette époque, la Belgique, l’Allemagne, les Pays-Bas et les institutions européennes elles-mêmes favorisaient Bruxelles ; Le Luxembourg voulait conserver le siège de la CECA (ou être généreusement compensé) ; La France a soutenu Strasbourg et l'Italie a continué à promouvoir Milan.
Il a cependant été décidé que l’Assemblée commune, devenue le Parlement, serait plutôt basée à Strasbourg – le Conseil de l’Europe (CdE) y était déjà basé, au sein de la Maison de l’Europe. La salle de l'Assemblée parlementaire du Conseil de l'Europe pouvait également servir l'Assemblée commune, et cela jusqu'en 1999, lorsqu'un nouveau complexe de bâtiments a été construit de l'autre côté du fleuve, à partir du Palais.
Accord provisoire
La création en 1957 de la Communauté économique européenne (CEE) et de la Communauté européenne de l'énergie atomique (CEEA ou Euratom) a créé de nouvelles institutions faisant double emploi avec la CECA (à l'exception de l'Assemblée parlementaire et de la Cour de justice, qui étaient partagées). Le 7 janvier 1958, il fut décidé que Bruxelles, Luxembourg et Strasbourg seraient à nouveau des lieux provisoires jusqu'à une décision finale. Strasbourg conserverait l'Assemblée, Luxembourg la Cour et Bruxelles et Luxembourg accueilleraient les réunions des Conseils et des Commissions (ou Haute Autorité). Le choix du lieu exact de réunion des nouveaux Conseils a été laissé au Président du Conseil. En pratique, celle-ci devait résider au Château de Val-Duchesse jusqu'à l'automne 1958, date à laquelle elle déménagerait au 2, rue Ravensteinstraat à Bruxelles. Pendant ce temps, le Conseil de la CECA était toujours basé à Luxembourg et tenait ses réunions au Cercle Municipal, place d’Armes. Son secrétariat s'est déplacé à de nombreuses reprises dans la ville, mais entre 1955 et 1967, il était installé dans le quartier de Verlorenkost.
Le 21 juin 1958, l'Assemblée parlementaire recommanda au Conseil que l'Assemblée ait son siège au même endroit où sont basées les autres organisations, tout en acceptant que les sessions plénières puissent se tenir ailleurs. L'Assemblée a également désigné trois villes comme sièges des institutions (Bruxelles, Strasbourg et Milan), mais aucun accord permanent n'a été conclu.
Le régime provisoire a été réitéré le 8 avril 1965 avec la "Décision relative à l'implantation provisoire de certaines institutions et services des Communautés". Cela faisait suite au traité de fusion, qui regroupait les exécutifs des trois Communautés en une seule structure institutionnelle. Cependant, avec la fusion des exécutifs, la Commission et la plupart des services ont été regroupés à Bruxelles plutôt qu'à Luxembourg. La Commission s'est d'abord basée avenue de la Joyeuse Entrée/Blijde Inkomstlaan, avant de déménager dans le bâtiment Breydel au rond-point Schuman, puis son emplacement actuel dans le bâtiment Berlaymont. Le secrétariat de la CECA a déménagé de Luxembourg vers le secrétariat du Conseil de l'organisme fusionné, situé dans le bâtiment Ravenstein à Bruxelles. En 1971, le Conseil et son secrétariat s'installent dans le bâtiment Charlemagne, à côté du Berlaymont de la Commission. Ces locaux s'avèrent rapidement insuffisants et la branche administrative du secrétariat s'installe dans un bâtiment au 76 rue Joseph II/Jozef II-straat. Au cours des années 1980, les divisions linguistiques s'installent dans les bâtiments Nerviens, Frère Orban et Guimard.
Pour compenser le Luxembourg pour la perte de la Commission et du Conseil, un certain nombre de dispositions ont été prévues. Premièrement, la Cour de justice resterait dans la ville. Certains services de la Commission et de l'Assemblée, dont le Secrétariat de l'Assemblée, resteraient aux côtés de la Banque européenne d'investissement (en outre, les institutions, notamment financières, seraient également prioritaires pour le Luxembourg). Le Conseil devrait également tenir des sessions à Luxembourg en avril, juin et octobre. Il a également confirmé Strasbourg comme siège du Parlement. Avec la priorité accordée au Luxembourg pour les futures institutions, en 1977, la Cour des comptes est provisoirement située à Luxembourg.
Accord d'Edimbourg
Malgré l'accord de 1965, le siège du Parlement reste une source de discorde. Souhaitant se rapprocher des activités de Bruxelles et de Luxembourg, le Parlement a tenu quelques séances plénières entre 1967 et 1981 à Luxembourg au lieu de Strasbourg – contre la volonté de la France – et en 1981 il a recommencé à tenir ses sessions entièrement à Strasbourg. L’année précédente, il avait lancé sans succès un ultimatum aux gouvernements nationaux pour tenter de les forcer à parvenir à un accord. Ainsi, le Parlement a transféré à Bruxelles certains de ses organes de décision, ainsi que les réunions de ses commissions et de ses groupes politiques, et a également construit en 1985 une salle plénière à Bruxelles pour certaines périodes de session. Toutes les tentatives du Parlement dans ce domaine ont été contestées par les Etats membres.
En réponse, le Conseil européen a adopté le 12 décembre 1992 à Édimbourg un accord final sur la répartition des sièges. La décision relative à la localisation des sièges des institutions et de certains organes et services des Communautés européennes prévoyait que le Parlement serait basé à Strasbourg, où il serait obligé de tenir "douze périodes de sessions plénières mensuelles, y compris la session budgétaire". ". Toutefois, des sessions supplémentaires pourraient avoir lieu à Bruxelles, où les commissions auraient également dû se réunir tandis que le secrétariat devait rester à Luxembourg.
Il prévoyait également que le Tribunal de première instance (aujourd'hui appelé Tribunal général) aurait son siège à Luxembourg et que la Cour de justice y resterait. Cet accord supprime cependant la disposition de la décision de 1965 qui donnait la priorité au Luxembourg pour tout nouvel organe judiciaire et financier. En réponse, le Luxembourg a joint une déclaration unilatérale indiquant qu'il ne renonçait pas à cet article. Ils ont cependant renoncé à toute prétention au siège des chambres de recours judiciaires de l'Office de l'harmonisation dans le marché intérieur via le traité de Nice.
Le Parlement a contesté cette décision en divisant leurs modalités de travail, déclarant que la répartition de ses activités entre trois États était contraire aux traités et aux prérogatives naturelles d'un Parlement élu au suffrage universel direct, revendiquant le droit de décider de son propre fonctionnement selon sa propre efficacité. En réponse, les dirigeants ont annexé la décision au traité d'Amsterdam, en l'incluant dans les traités.
Banque centrale
Une décision du Conseil du 29 octobre 1993 sur la localisation des agences européennes a établi que l'Institut monétaire européen, devenu plus tard la Banque centrale européenne, serait basé à Francfort. Francfort a dû rivaliser avec de nombreuses autres villes, dont Londres, Paris, Amsterdam, Luxembourg, Lyon, Barcelone et même Bâle (en Suisse, pays hors Union européenne).
La France a même lié la question du siège au conflit en cours concernant le siège du Parlement européen. Francfort a été critiquée comme symbolisant la domination allemande, même si la Deutsche Bundesbank gérait effectivement les monnaies communautaires au cours des années précédentes, tandis que le Luxembourg a une tradition bancaire qui n'était pas aussi prudente. Londres a été discréditée parce que le Royaume-Uni est resté en dehors de la zone euro. Il a également été jugé important d'implanter la banque dans une ville qui n'héberge pas encore de gouvernement national ou d'institution européenne, afin de souligner son indépendance. D'autres, comme l'ancien directeur de la Bundesbank Karl Otto Pöhl, étaient favorables à un petit pays doté d'une monnaie stable. Les avantages d’héberger la Banque ont également été contestés par certains économistes. Alors que certains considèrent qu'il y a peu à gagner en termes d'attraction d'autres banques et institutions financières, d'autres y voient un impact sur les villes qui deviendront des centres financiers dans les années à venir.
Histoire récente
En 1995, le Conseil de l'Union européenne a emménagé dans le bâtiment Juste Lipsius à Bruxelles, aujourd'hui également siège du Conseil européen, lors de la rénovation du Berlaymont pour désamianter. Cependant, ses effectifs continuant à augmenter, elle continua à louer le bâtiment Frère Orban pour abriter les divisions linguistiques finnoise et suédoise ; plus tard, elle a commencé à louer d'autres bâtiments à Bruxelles. Le projet de rénovation du Berlaymont a échoué, mais en 2004, la Commission y est revenue et la Commission Barroso y a concentré ses activités, avec le président et la salle de réunion au treizième étage. Depuis 2007, la Commission occupe 865 000 m² répartis dans 61 bâtiments dans le quartier européen de Bruxelles. En raison des élargissements de membres de 2004 et 2007, le personnel a augmenté, exigeant 35 000 m² supplémentaires de bureaux. Cela pourrait conduire à de nouvelles constructions et à des immeubles de grande hauteur. Par ailleurs, un bâtiment voisin du Juste Lipse, le Résidence Palace, est actuellement en cours de rénovation pour devenir le futur siège du Conseil et du Conseil européen à partir de 2013.
En 2002, il a également été décidé que le Conseil européen aurait son siège à Bruxelles. Le Conseil a été créé dans les années 1960 en tant que réunion informelle des dirigeants nationaux et n'avait pas de lieu fixe, mais se tenait dans l'État qui assurait à chaque fois la présidence de l'UE. Cependant, avec l'élargissement imminent, le traité de Nice a prévu qu'une réunion du Conseil par présidence se tiendrait à Bruxelles. Après l'élargissement à 18 membres (atteint en mai 2004), toutes les affaires s'y dérouleraient à l'exception de quelques réunions extraordinaires qui se tiennent encore ailleurs. A Bruxelles, le Conseil européen partage le même bâtiment que le Conseil de l'Union européenne.
En 2007, la nouvelle situation est devenue source de discorde, le Conseil européen souhaitant signer le traité de Lisbonne à Lisbonne. Le gouvernement belge, soucieux de ne pas créer de précédent, a insisté pour que la réunion proprement dite ait lieu à Bruxelles comme d'habitude. Cela signifie qu'après la signature, la séance photo et le dîner officiel, l'ensemble du sommet a été transféré de Lisbonne à Bruxelles pour poursuivre ses activités normales. L'idée, reflétée dans le "cirque ambulant" (voir ci-dessous) du Parlement européen, a suscité des protestations de la part de groupes environnementaux décrivant l'hypocrisie d'exiger une réduction des émissions de carbone tout en traversant l'Europe pour le même sommet pour des raisons politiques.
Le siège du Parlement européen est resté un problème tout au long de cette période, bien que le Conseil l'ait inscrit dans les traités. Durant les années 1990, la question était débattue chaque année et en 1999, 250 députés européens signaient une lettre condamnant le dispositif et les installations de Strasbourg. L'année suivante, le Parlement a voté par 401 voix contre 77 pour une résolution exigeant le droit de décider de ses propres lieux de travail. Les tentatives visant à inclure cela dans les traités suivants en 2000 et 2007 ont toutes deux échoué. Cependant, en septembre 2008, le Parlement a tenu sa première session plénière complète à Bruxelles après que le plafond de l'hémicycle de Strasbourg s'est effondré pendant les vacances, obligeant à un déménagement temporaire.
Parlement européen
Le Parlement est tenu de passer "douze périodes de sessions plénières mensuelles, y compris la session budgétaire" à Strasbourg, tandis que des sessions et commissions supplémentaires se dérouleront à Bruxelles. Le secrétariat est à Luxembourg. Même si les modalités de répartition des autres organes ont relativement peu d'impact, le grand nombre de membres du Parlement et la concentration de sa charge de travail signifient que ces questions sont bien plus controversées que celles concernant les autres institutions. Une question démocratique a également été soulevée : le Parlement européen est l'un des rares parlements au monde à ne pas pouvoir décider lui-même du lieu de ses réunions et le seul à disposer de plus d'un siège.
Les critiques ont qualifié le projet de trois villes de "cirque ambulant" avec un coût supplémentaire de 200 millions d'euros pour un seul site. Les défenseurs du siège de Strasbourg, comme l'eurodéputé allemand Bernd Posselt, affirment cependant que ce chiffre n'est que de 40 millions d'euros, soit un surcoût de 8 centimes par citoyen de l'UE. Lorsque le Parlement a été contraint de se réunir à Bruxelles en septembre 2008, en raison d'une défaillance du bâtiment de Strasbourg, on a estimé que le Parlement avait économisé entre 3 et 4 millions d'euros, même si le chiffre exact est difficile à calculer. Comme la Commission se réunit également à Strasbourg lorsque le Parlement est absent de Bruxelles, le coût du déplacement des commissaires s'est élevé à 9,5 millions d'euros entre 2002 et 2007. Les Verts ont également relevé le coût environnemental dans une étude menée par Jean Lambert, député européen et Caroline Lucas. , député européen ; Au coût financier supplémentaire s’ajoutent plus de 20 268 tonnes de dioxyde de carbone supplémentaires, ce qui compromet toute position environnementale de l’institution et de l’Union. Jens-Peter Bonde, ancien leader du groupe ID, a déclaré en 2007 que si la question du siège n'était pas abordée, il serait impossible d'augmenter le taux de participation aux élections, car le mouvement du siège était la question soulevée le plus souvent par les électeurs. Lui et la co-leader des Verts Monica Frassoni ont appelé à un débat sur la question, qui était bloquée par le président Hans-Gert Pöttering.
Les déplacements entre les villes sont perçus par le public comme "un voyage gaspilleur d'argent très apprécié des journalistes, des députés européens et des chercheurs", alors qu'il s'agit en réalité d'"un voyage gaspilleur d'argent détesté par les journalistes, les députés européens et les chercheurs", selon Gary Titley, Député européen (PSE), qui a annoncé qu'il ne se représenterait pas aux élections de 2009 en raison de la question des deux sièges. Titley a déclaré qu'il ne pouvait "plus tolérer le déplacement des cadenas du Parlement à Strasbourg une semaine par mois... C'est un voyage misérable et c'est toujours un problème", notant les problèmes de bagages perdus. En plus de saper les objectifs de l'UE en matière de changement climatique, il critique les sessions de Strasbourg car les accords ont déjà été conclus, les conduisant à devenir des sessions de vote formelles complétées par "des débats disant que nous sommes contre le péché". Titley déclare également que, étant donné que les déplacements prennent beaucoup de temps, les commissions bruxelloises qui effectuent l'essentiel du travail n'ont pas suffisamment de temps pour travailler. Titley n'est pas le seul à s'en aller à cause de ce problème ; Eluned Morgan, députée européenne, a démissionné en 2009 pour des raisons similaires, notamment en raison des conséquences néfastes du déménagement avec sa famille, et l'ancien député européen Simon Murphy a démissionné de son poste de leader des socialistes en 2002 en raison des inconvénients de cet arrangement.
Bruxelles comme lieu de travail unique
Bruxelles est déjà le siège des deux autres institutions politiques, la Commission et le Conseil des ministres (dont le Conseil européen). Par ailleurs, le Parlement a déjà concentré les trois quarts de son activité dans la ville. Des organisations tierces sont également basées dans la ville, notamment des ONG, des syndicats, des organisations d'employeurs et la plus forte concentration de journalistes au monde, également en raison de la présence de l'OTAN dans la ville en plus de la forte présence des institutions de l'Union. Alors que les militants strasbourgeois considèrent le fait d'être basé à Strasbourg comme une aide à l'indépendance des députés européens, les militants bruxellois affirment que cela ne fait que réduire l'influence de l'institution en les « exilant » loin des autres grandes institutions.
Bruxelles dispose également de meilleures liaisons de transport que Strasbourg, avec des salaires plus bas pour les fonctionnaires, ce qui réduit les coûts. Certains commentateurs soulignent en outre que la vie nocturne à Strasbourg est relativement terne et que les députés européens qui souhaiteraient se détendre après une longue et dure journée de travail n'ont pas beaucoup d'occasions de le faire. La position de Strasbourg a subi un coup dur en 2006, lorsque des allégations ont fait surface concernant des accusations portées par la ville de Strasbourg sur les bâtiments loués par le Parlement. La controverse s'est apaisée lorsque le Parlement européen a décidé d'acheter officiellement les bâtiments le 24 octobre 2006.
En mai 2006, une pétition en ligne, oneseat.eu, a été lancée par la députée européenne Cecilia Malmström appelant à un siège unique au Parlement, basé à Bruxelles. En septembre de la même année, elle a atteint son objectif d'un million de signatures et, selon une disposition de la Constitution européenne, une pétition signée par un million de citoyens devrait être examinée par la Commission. La validité globale de la pétition a cependant été mise en doute, car elle se trouvait sur Internet et utilisait des adresses e-mail au lieu d'adresses postales. Par ailleurs, la majorité des signataires était concentrée en Europe du Nord, notamment aux Pays-Bas (40 %). Quoi qu’il en soit, la pétition est considérée par les groupes pro-Bruxelles comme un symbole important. L'une des signataires de la pétition était la vice-présidente de la Commission, Margot Wallström ; elle a soutenu la campagne, déclarant que « quelque chose qui était autrefois un symbole très positif de la réunification de l'UE entre la France et l'Allemagne est maintenant devenu un symbole négatif : le gaspillage d'argent, la bureaucratie et la folie des institutions bruxelloises ».
Début 2011, le Parlement a voté l'annulation d'une des sessions de Strasbourg en en tenant deux en une seule semaine. et le gouvernement néerlandais s'est joint aux appels à la suppression totale du siège. Le maire de Strasbourg a officiellement réagi en déclarant "nous contre-attaquerons en renversant la force de l'adversaire à notre profit, comme le ferait un judoka" et a annoncé que sa ville ferait pression pour une délocalisation complète de tous les services parlementaires de l'UE. à Strasbourg.
En août 2012, des fissures ont été constatées dans les poutres soutenant le plafond de l'hémicycle de Bruxelles, entraînant une fermeture pour au moins 6 mois de l'ensemble de la partie A du bâtiment Paul Henri Spaak selon une estimation publiée le 9 octobre 2012 par le Parlement. administration. Début décembre 2012, on a appris que les dégâts étaient plus graves qu'on ne le pensait et que la fermeture de l'hémicycle devait durer « jusqu'en novembre 2013 ». Jusqu'à cette date, toutes les réunions "mini plénières" à Bruxelles ont été supprimées. Puisque, depuis décembre 2012, le Parlement européen « a du mal » à trouver une entreprise pour effectuer les travaux de réparation, il est probable que la réouverture de l'hémicycle de Bruxelles n'ait lieu qu'en 2014.
Strasbourg comme lieu de travail unique
Certains militants souhaitent voir la concentration des activités du Parlement à nouveau à Strasbourg (l'une d'elles étant une campagne intitulée "Association pour la démocratie européenne" lancée le 15 mars 2007). Cela est considéré comme le symbole de la décentralisation de l’UE loin de Bruxelles. Emma Nicholson, la seule eurodéputée britannique à soutenir Strasbourg, affirme que le fait d'être à côté du Conseil de l'Europe permet aux députés de rester en contact avec les délégués du reste de l'Europe, comme la Russie, et que le fait d'être à Bruxelles isole l'UE de telles influences. . Les militants pro-Strasbourg soutiennent également que Strasbourg offre plus d'indépendance au Parlement, par rapport aux autres institutions et groupes de pression à Bruxelles.
Si le Parlement était entièrement à Strasbourg, les médias ne pourraient plus utiliser des raccourcis tels que "Bruxelles a décidé..." plutôt que de discuter en détail des marqueurs de décision. Les médias devraient également être basés à Strasbourg et pourraient ainsi assurer une meilleure couverture du Conseil de l'Europe. Strasbourg est également préférée pour des raisons historiques, ayant changé de mains entre la France et l'Allemagne à cinq reprises entre 1870 et 1945. On avance également que Bruxelles n'est plus un bon symbole de l'unité européenne compte tenu des récents conflits politiques en Belgique.
Cette position a été soutenue par le président Josep Borrell Fontelles, même s'il a été critiqué lorsqu'il a déclaré que l'importance de Strasbourg dans le contexte de la Seconde Guerre mondiale ne pouvait pas être perçue de la même manière que la France et l'Allemagne par les « pays nordiques » (un référence au député européen suédois qui a lancé la pétition d'un siège). L'eurodéputée française Brigitte Fouré a lancé une pétition pro-Strasbourg, one-city.eu, en 2008 (contreant la pétition de Bruxelles) qui a recueilli un peu plus de 7 190 signatures en octobre 2012.
Suite à l'annonce (le 21 octobre 2010) de la création d'un "groupe d'étude informel sur les sièges" par le député européen britannique Edward McMillan-Scott (libéraux-démocrates), perçue comme une attaque contre Strasbourg par la municipalité, Roland Ries et Catherine Trautmann a publié (le 29 octobre 2010) une énergique déclaration commune de défense. Le 9 novembre 2010, le conseil municipal de Strasbourg a donné son feu vert à un projet (envisagé depuis avril de la même année) de création d'un « lieu d'Europe » pour les curieux. les institutions européennes à Strasbourg – dans l’ancienne Villa Kaysersguet, un manoir du XVIIIe siècle à l’architecture précieuse mais actuellement (2010) abandonné, voisin de la Cour européenne des droits de l’homme et du bâtiment Agora du Conseil de l’Europe.
Opinions et actions
Un sondage auprès des députés européens réalisé en juin 2007 par le député européen Alexander Nuno Alvaro, un militant pro-Bruxelles, a révélé que 89 % voulaient un siège unique et que 81 % préféraient Bruxelles. Cependant, malgré un sondage auprès de tous les députés européens, seuls 39 % ont répondu aux questions. Álvaro a déclaré que, après avoir consulté des sociétés de sondage, il s'agissait d'un sondage d'opinion élevé, même s'il n'était pas totalement représentatif. Un magazine parlementaire a subi des pressions pour abandonner dans un premier temps la publication de ce sondage, reflétant la nature sensible de la question. Le même mois, une autre enquête menée par Simon Hix de l'Université de Manchester et Roger Scully de l'Université d'Aberystwyth a révélé un soutien de 68 % en faveur d'un siège unique. Dans leur enquête, 272 des 732 personnes interrogées ont répondu. Après chaque séance à Strasbourg, des centaines de députés européens signent une pétition appelant à une réduction du temps de parole à Strasbourg, même si Pascal Mangin, adjoint au maire de Strasbourg, ne croit pas que l'avis des députés soit important. Néanmoins, en janvier 2009, une déclaration écrite du Parlement appelant à un siège à Bruxelles n'a pas obtenu un soutien suffisant. Il a obtenu 286 signatures sur les 393 nécessaires pour être pris en considération. Les militants bruxellois ont indiqué que le moment était mal choisi, les dirigeants du Parlement français et allemand ainsi que les deux principaux groupes ayant ordonné à leurs membres de ne pas soutenir la motion. Les militants se sont engagés à poursuivre le combat tandis que le maire de Strasbourg Roland Ries a cette fois salué la "sagesse des parlementaires" et a déclaré qu'elle marquait leur volonté que Strasbourg accueille seule l'institution.
Une enquête sur les attitudes des citoyens menée en mai 2006 comprenait deux questions sur la question du siège du Parlement. En moyenne, 32 % des personnes de tous les États membres ont soutenu la politique des deux sites tandis que 68 s'y sont opposées. Le soutien à un emplacement était plus élevé chez les hommes que chez les femmes, et chez les personnes de plus de 35 ans que chez les moins. Le soutien aux deux sites était inférieur d'un point de pourcentage dans les 10 pays qui ont adhéré en 2004 à celui des 15 membres précédents ; Aucun groupe n'a plus de 40 pour cent de soutien sur deux sites. Parmi ceux qui étaient contre deux sièges, 76 % soutenaient Bruxelles et 24 % soutenaient Strasbourg. Dans ce cas, le soutien à Bruxelles était supérieur de 6 points de pourcentage parmi les 10 nouveaux membres comptant des femmes et des moins de 35 ans. Le groupe ayant le soutien le plus élevé en faveur de Strasbourg est celui des plus de 35 ans, avec 28 pour cent de soutien. Les citoyens de Strasbourg sont bien entendu de fervents partisans du siège du Parlement à Strasbourg, chaque session rapportant quatre millions d'euros à l'économie de la ville. En septembre 2008, le gouvernement de Strasbourg a adopté une motion exigeant que toutes les activités du Parlement soient transférées dans la ville.
Ces sondages n'ont pas affecté la position de la France, qui peut opposer son veto à une telle décision, le président français Nicolas Sarkozy déclarant que son siège est « non négociable ».
Malgré cela, le gouvernement a déclaré que le problème pourrait être résolu si la France se voyait offrir quelque chose de valeur égale. Le Conseil lui-même a indiqué en privé qu'il ne discuterait du siège de Strasbourg que si le Parlement lui donnait le signal d'ouvrir un débat, ce qu'il ne ferait pas. | http://www.quizballs.com/ |
Quel film de 1940, réalisé par John Ford, était basé sur le roman du même nom de John Steinbeck, lauréat du prix Pulitzer ? | The Grapes of Wrath | [
"John Ford (1er février 1894 – 31 août 1973) était un réalisateur irlandais-américain. Il est connu à la fois pour des westerns tels que Stagecoach (1939), The Searchers (1956) et The Man Who Shot Liberty Valance (1962), ainsi que pour des adaptations de romans américains classiques du XXe siècle tels que le film The Grapes of Wrath ( 1940). Ses quatre Oscars du meilleur réalisateur (en 1935, 1940, 1941 et 1952) restent un record. L'un des films pour lesquels il a remporté le prix, How Green Was My Valley, a également remporté le prix du meilleur film."
] | John Ford (1er février 1894 – 31 août 1973) était un réalisateur irlandais-américain. Il est connu à la fois pour des westerns tels que Stagecoach (1939), The Searchers (1956) et The Man Who Shot Liberty Valance (1962), ainsi que pour des adaptations de romans américains classiques du XXe siècle tels que le film The Grapes of Wrath ( 1940). Ses quatre Oscars du meilleur réalisateur (en 1935, 1940, 1941 et 1952) restent un record. L'un des films pour lesquels il a remporté le prix, How Green Was My Valley, a également remporté le prix du meilleur film.
Au cours d'une carrière qui a duré plus de 50 ans, Ford a réalisé plus de 140 films (bien que la plupart de ses films muets soient aujourd'hui perdus) et il est largement considéré comme l'un des cinéastes les plus importants et les plus influents de sa génération. Le travail de Ford était tenu en haute estime par ses collègues, Orson Welles et Ingmar Bergman étant parmi ceux qui l'ont désigné comme l'un des plus grands réalisateurs de tous les temps.
Ford a fréquemment utilisé le tournage en extérieur et les plans d'ensemble, dans lesquels ses personnages étaient cadrés sur un terrain naturel vaste, rude et accidenté.
Début de la vie
Ford est né John Martin "Jack" Feeney (bien qu'il ait souvent donné plus tard ses prénoms comme Sean Aloysius, parfois avec le nom de famille O'Feeny ou O'Fearna; un équivalent en langue irlandaise de Feeney) à Cape Elizabeth, dans le Maine, à John Augustine Feeney et Barbara "Abbey" Curran, le 1er février 1894 (bien qu'il dise parfois 1895 et que cette date soit inscrite par erreur sur sa pierre tombale). Son père, John Augustine, est né à Spiddal, dans le comté de Galway, en Irlande, en 1854. Barbara Curran était née dans les îles d'Aran, dans la ville de Kilronan, sur l'île d'Inishmore (Inis Mór). La grand-mère de John A. Feeney, Barbara Morris, serait membre d'une famille de noblesse locale (pauvre), les Morris de Spiddal (dirigée actuellement par Lord Killanin).
John Augustine et Barbara Curran arrivèrent respectivement à Boston et Portland en mai et juin 1872. Ils se marièrent en 1875 et devinrent citoyens américains cinq ans plus tard, le 11 septembre 1880. Ils eurent onze enfants : Mamie (Mary Agnes), née en 1876 ; Délia (Edith), 1878-1881 ; Patrick ; Francis Ford, 1881-1953 ; Brigitte, 1883-1884 ; Barbara, née et décédée en 1888 ; Édouard, né en 1889 ; Joséphine, née en 1891 ; Hannah (Joanna), née et décédée en 1892 ; John Martin, 1894-1973 ; et Daniel, né et décédé en 1896 (ou 1898). John Augustine vivait dans le quartier de Munjoy Hill à Portland, dans le Maine, avec sa famille, et s'essayait à l'agriculture, à la pêche, à travailler pour la compagnie gazière, à diriger un saloon et à devenir échevin.
Feeney a fréquenté le Portland High School, à Portland, dans le Maine, où il a été un arrière et un plaqueur défensif à succès. Il a gagné le surnom de « Taureau » en raison de la façon dont il baissait son casque et chargeait la ligne. Un pub de Portland est nommé Bull Feeney's en son honneur. Il a ensuite déménagé en Californie et, en 1914, a commencé à travailler dans la production cinématographique et à jouer pour son frère aîné Francis, adoptant « Jack Ford » comme nom professionnel. En plus des rôles crédités, il est apparu non crédité en tant que membre du Klan dans The Birth of a Nation de D. W. Griffith (1915), dans le rôle de l'homme qui soulève un côté de sa capuche pour pouvoir voir clairement.
Il épousa Mary McBride Smith le 3 juillet 1920 et ils eurent deux enfants. Sa fille Barbara a été mariée au chanteur et acteur Ken Curtis de 1952 à 1964. Le mariage entre Ford et Smith a duré toute la vie malgré divers problèmes, dont l'un aurait pu s'avérer problématique dès le départ, à savoir que John Ford était catholique alors qu'elle était une divorcée non catholique. Les difficultés causées par le mariage des deux hommes ne sont pas claires, car le niveau d'engagement de John Ford envers la foi catholique est contesté. Les nombreuses relations extraconjugales de Ford auraient été une tension.
Carrière de réalisateur
John Ford a commencé sa carrière dans le cinéma après avoir déménagé en Californie en juillet 1914. Il a suivi les traces de son frère aîné aux multiples talents, Francis Ford, de douze ans son aîné, qui avait quitté la maison des années plus tôt et avait travaillé dans le vaudeville avant de devenir acteur de cinéma. acteur. Francis a joué dans des centaines de films muets pour des cinéastes tels que Thomas Edison, Georges Méliès et Thomas Ince, avant de devenir un acteur-scénariste-réalisateur de premier plan à Hollywood avec sa propre société de production (101 Bison) chez Universal.
John Ford a débuté dans les films de son frère en tant qu'assistant, bricoleur, cascadeur et acteur occasionnel, doublant fréquemment son frère, auquel il ressemblait beaucoup. Francis donna à son jeune frère son premier rôle d'acteur dans La Rose Mystérieuse (novembre 1914). Malgré une relation souvent combative, en trois ans, Jack est devenu l'assistant en chef de Francis et a souvent travaillé comme son caméraman. Au moment où Jack Ford a eu sa première chance en tant que réalisateur, le profil de Francis était en déclin et il a cessé de travailler en tant que réalisateur peu de temps après.
Une caractéristique notable des films de John Ford est qu'il a utilisé une « société par actions » d'acteurs, bien plus que de nombreux réalisateurs. De nombreuses stars célèbres sont apparues dans au moins deux films Ford, dont Harry Carey, Sr. (la star de 25 films muets Ford), Will Rogers, John Wayne, Henry Fonda, Maureen O'Hara, James Stewart, Woody Strode, Richard Widmark, Victor McLaglen, Vera Miles et Jeffrey Hunter. Beaucoup de ses acteurs secondaires sont apparus dans plusieurs films Ford, souvent sur une période de plusieurs décennies, notamment Ben Johnson, Chill Wills, Andy Devine, Ward Bond, Grant Withers, Mae Marsh, Anna Lee, Harry Carey, Jr., Ken Curtis, Frank Baker, Dolores del Río, Pedro Armendáriz, Hank Worden, John Qualen, Barry Fitzgerald, Arthur Shields, John Carradine, O.Z. Whitehead et Carleton Young. Les principaux membres de cette « troupe » élargie, dont Ward Bond, John Carradine, Harry Carey, Jr., Mae Marsh, Frank Baker et Ben Johnson, étaient officieusement connus sous le nom de John Ford Stock Company.
De même, Ford entretenait des relations de travail prolongées avec son équipe de production, et bon nombre de ses collaborateurs travaillaient avec lui pendant des décennies. Il a réalisé de nombreux films avec les mêmes collaborateurs majeurs, dont le producteur et partenaire commercial Merian C. Cooper, les scénaristes Nunnally Johnson, Dudley Nichols et Frank S. Nugent, ainsi que les directeurs de la photographie Ben F. Reynolds, John W. Brown et George Schneiderman (qui, à eux deux, tourné la plupart des films muets de Ford), Joseph H. August, Gregg Toland, Winton Hoch, Charles Lawton Jr., Bert Glennon, Archie Stout et William H. Clothier.
Ère silencieuse
Au cours de sa première décennie en tant que réalisateur, Ford a perfectionné son art sur des dizaines de longs métrages (dont de nombreux westerns), mais seuls dix des plus de soixante films muets qu'il a réalisés entre 1917 et 1928 survivent encore dans leur intégralité. Cependant, des copies de plusieurs « silencieux » de Ford que l'on croyait perdus ont été redécouvertes dans des archives cinématographiques étrangères au cours des dernières années. En 2009, un trésor de 75 films muets hollywoodiens a été redécouvert dans les archives cinématographiques de Nouvelle-Zélande, parmi lesquelles se trouvait la seule copie survivante du film de Ford. Comédie muette de 1927 En amont. La copie a été restaurée en Nouvelle-Zélande par l'Academy of Motion Picture Arts & Sciences avant d'être renvoyée en Amérique, où elle a été présentée en première au Samuel Goldwyn Theatre de Beverly Hills le 31 août 2010, avec une nouvelle partition commandée par Michel Mortilla.
Tout au long de sa carrière, Ford a été l'un des réalisateurs les plus occupés d'Hollywood, mais il a été extraordinairement productif au cours de ses premières années en tant que réalisateur - il a réalisé dix films en 1917, huit en 1918 et quinze en 1919 - et il a réalisé un total de 62 courts métrages. et des films entre 1917 et 1928, bien qu'il n'ait pas reçu de crédit à l'écran dans la plupart de ses premiers films.
Il existe une certaine incertitude quant à l'identité du premier film de Ford en tant que réalisateur - le scénariste Ephraim Katz note que Ford aurait pu réaliser le film en quatre parties Lucille la serveuse dès 1914 - mais la plupart des sources citent ses débuts en tant que réalisateur comme un film muet à deux bobines. The Tornado, sorti en mars 1917. Selon la propre histoire de Ford, le patron d'Universal, Carl Laemmle, lui aurait confié le poste, qui aurait dit : « Donnez le poste à Jack Ford, il crie bien ». La Tornado a été rapidement suivie par une série de « quickies » à deux et trois rouleaux : The Trail of Hate, The Scrapper, The Soul Herder et Cheyenne's Pal ; ceux-ci ont été réalisés en l'espace de quelques mois et chacun était généralement tourné en seulement deux ou trois jours ; tous sont désormais présumés perdus. The Soul Herder est également remarquable comme le début de l'association de quatre ans et de 25 films de Ford avec l'écrivain-acteur chevronné Harry Carey, qui (avec le frère de Ford, Francis) a eu une forte influence sur le jeune réalisateur, en plus d'être l'un des les influences majeures sur le personnage à l'écran du protégé de Ford, John Wayne. Le fils de Carey, Harry "Dobe" Carey Jr, qui est également devenu acteur, était l'un des amis les plus proches de Ford au cours des années suivantes et a figuré dans plusieurs de ses westerns les plus célèbres.
Le premier long métrage de Ford fut Straight Shooting (août 1917), qui est également son premier film complet en tant que réalisateur, et l'un des deux seuls survivants de ses vingt-cinq collaborations cinématographiques avec Harry Carey. En réalisant le film, Ford et Carey ont ignoré les ordres du studio et ont tourné cinq bobines au lieu de deux. Ce n'est que grâce à l'intervention de Carl Laemmle que le film a échappé au montage pour sa première sortie, bien qu'il ait ensuite été réduit à deux bobines pour la première fois. réédition à la fin des années 1920. Le dernier film de Ford de 1917, Bucking Broadway, a longtemps été considéré comme perdu, mais en 2002, la seule copie survivante connue a été découverte dans les archives du Centre national de la cinématographie français et a depuis été restaurée et numérisée.
Ford réalise environ trente-six films sur trois ans pour Universal avant de rejoindre le studio William Fox en 1920 ; son premier film pour eux fut Just Pals (1920). Son long métrage de 1923 Cameo Kirby, mettant en vedette l'idole du cinéma John Gilbert - un autre des rares silencieux Ford survivants - a marqué son premier crédit de réalisation sous le nom de "John Ford", plutôt que "Jack Ford", comme il avait été précédemment crédité.
Le premier grand succès de Ford en tant que réalisateur fut le drame historique The Iron Horse (1924), un récit épique de la construction du premier chemin de fer transcontinental. Il s'agissait d'une production importante, longue et difficile, tournée sur place dans la Sierra Nevada. La logistique était énorme : deux villes entières furent construites, il y avait 5 000 figurants, 100 cuisiniers, 2 000 cheminots, un régiment de cavalerie, 800 Indiens, 1 300 buffles, 2 000 chevaux, 10 000 bovins et 50 000 propriétés, y compris la diligence originale utilisée par Horace Greeley. , le pistolet derringer de Wild Bill Hickok et des répliques des locomotives « Jupiter » et « 119 » qui se sont rencontrées à Promontory Point lorsque les deux extrémités de la ligne ont été rejointes le 10 mai 1869.
Eddie, le frère de Ford, était membre de l'équipage et ils se battaient constamment ; à une occasion, Eddie aurait « poursuivi le vieil homme avec un manche de pioche ». Il n'y avait qu'un court synopsis écrit au début du tournage et Ford a écrit et tourné le film au jour le jour. La production a pris du retard, retardée par le mauvais temps constant et le froid intense, et les dirigeants de Fox ont exigé à plusieurs reprises des résultats, mais Ford déchirerait les télégrammes ou les retiendrait et demanderait au tireur cascadeur Edward "Pardner" Jones de percer le nom de l'expéditeur. Malgré les pressions exercées pour arrêter la production, le patron du studio, William Fox, a finalement soutenu Ford et lui a permis de terminer le film. Son pari a été largement récompensé : The Iron Horse est devenu l'un des films les plus rentables de la décennie, rapportant plus de 2 millions de dollars dans le monde. , contre un budget de 280 000 $.
Ford a réalisé un large éventail de films au cours de cette période et il est devenu bien connu pour ses films occidentaux et « frontaliers », mais le genre a rapidement perdu de son attrait pour les grands studios à la fin des années 1920. Le dernier western muet de Ford fut 3 Bad Men (1926), se déroulant pendant la ruée vers les terres du Dakota et filmé à Jackson Hole, dans le Wyoming et dans le désert de Mojave. Il lui faudra treize ans avant de réaliser son prochain western, Stagecoach, en 1939.
Au cours des années 1920, Ford a également été président de la Motion Picture Visitors Association, précurseur de l’actuelle Guilde des réalisateurs américains.
Talkies : 1928-1939
Ford fut l'un des premiers réalisateurs de films sonores ; il a tourné la première chanson de Fox chantée à l'écran, pour son film Mother Machree (1928), dont seules trois des sept bobines originales ont survécu ; ce film est également remarquable en tant que premier film de Ford à présenter le jeune John Wayne (en tant que figurant non crédité) et il est apparu dans les deux films suivants de Ford. Ford a également réalisé le premier long métrage dramatique entièrement parlant de Fox, Le Barbier de Napoléon (1928), un film à 3 rouleaux qui est également aujourd'hui perdu.
Juste avant que le studio ne se convertisse au cinéma parlant, Fox passa un contrat au réalisateur allemand F. W. Murnau, et son film Sunrise (1927), toujours très apprécié par la critique, eut un puissant effet sur Ford. L'influence de Murnau est visible dans de nombreux films de Ford de la fin des années 1920 et du début des années 1930 : son avant-dernier long métrage muet Four Sons (1928) a été tourné sur certains des somptueux décors laissés par la production de Murnau. Le dernier long métrage muet de Ford, Hangman's House (1928), est remarquable comme l'une des premières apparitions créditées à l'écran de John Wayne.
Le Barbier de Napoléon fut suivi par Riley le flic (1928) et Strong Boy (1929), avec Victor McLaglen ; ce dernier est maintenant perdu (bien que le livre de Tag Gallagher rapporte que le seul exemplaire survivant de Strong Boy, une impression en nitrate de 35 mm, aurait été conservé dans une collection privée en Australie). The Black Watch (1929), une aventure de l'armée coloniale se déroulant dans le col de Khyber avec Victor McLaglen et Myrna Loy, est le premier film parlant complet de Ford encore en vie ; il a été refait en 1954 par Henry King en tant que roi des fusils Khyber.
La production de Ford était assez constante de 1928 jusqu'au début de la Seconde Guerre mondiale ; il réalisa cinq longs métrages en 1928, puis deux ou trois films chaque année de 1929 à 1942 inclus. Trois films sortent en 1929 : Strong Boy, The Black Watch et Salute. Ses trois films de 1930 étaient Men Without Women, Born Reckless et Up the River, qui est remarquable comme le premier film de Spencer Tracy et Humphrey Bogart, qui ont tous deux signé avec Fox sur la recommandation de Ford (mais abandonnés par la suite). Les films de Ford en 1931 étaient Seas Beneath, The Brat et Arrowsmith ; ce dernier, adapté du roman de Sinclair Lewis et mettant en vedette Ronald Colman et Helen Hayes, a marqué la première reconnaissance de Ford aux Oscars, avec cinq nominations, dont celle du meilleur film.
L'efficacité légendaire de Ford et sa capacité à réaliser des films alliant astuce et fort attrait commercial lui ont valu une renommée croissante. En 1940, il était reconnu comme l’un des plus grands réalisateurs de cinéma au monde. Son prestige grandissant se reflétait dans sa rémunération : en 1920, lorsqu'il déménagea chez Fox, il touchait entre 300 et 600 dollars par semaine. Au fur et à mesure que sa carrière décollait au milieu des années vingt, son revenu annuel augmenta considérablement. Il gagnait près de 134 000 dollars en 1929 et gagnait plus de 100 000 dollars par an chaque année de 1934 à 1941, gagnant la somme stupéfiante de 220 068 dollars en 1938, soit plus du double du salaire du président américain de l'époque (même si ce montant représentait encore moins de la moitié du revenu de l'ancien président américain). Carole Lombard, la star hollywoodienne la mieux payée des années 1930, qui gagnait à l'époque environ 500 000 dollars par an).
La production cinématographique étant affectée par la Dépression, Ford tourna deux films chacun en 1932 et 1933 : Air Mail (réalisé pour Universal) avec le jeune Ralph Bellamy et Flesh (pour MGM) avec Wallace Beery. En 1933, il revient à la Fox pour Pilgrimage et Doctor Bull, le premier de ses trois films avec Will Rogers.
Le drame du désert de la Première Guerre mondiale, The Lost Patrol (1934), basé sur le livre Patrol de Philip MacDonald, était un remake supérieur du film muet de 1929 Lost Patrol. Il mettait en vedette Victor McLaglen dans le rôle du Sergent – le rôle joué par son frère Cyril McLaglen dans la version précédente – avec Boris Karloff, Wallace Ford, Alan Hale et Reginald Denny (qui a ensuite fondé une entreprise fabriquant des avions cibles radiocommandés pendant la Seconde Guerre mondiale). Seconde Guerre). Ce fut l'un des premiers grands succès de Ford de l'ère du son. Il a été classé par le National Board of Review et le New York Times comme l'un des 10 meilleurs films de cette année-là et a remporté une nomination aux Oscars pour sa musique émouvante de Max Steiner. Il fut suivi plus tard cette année-là par The World Moves On avec Madeleine Carroll et Franchot Tone, et par le très réussi Judge Priest, son deuxième film avec Will Rogers, qui devint l'un des films les plus rentables de l'année.
Le premier film de Ford de 1935 (réalisé pour Columbia) était la comédie sur l'identité erronée The Whole Town's Talking with Edward G. Robinson et Jean Arthur, sortie au Royaume-Uni sous le titre Passport to Fame, et elle a suscité des éloges critiques. Steamboat Round The Bend était son troisième et dernier film avec Will Rogers ; il est probable qu'ils auraient continué à travailler ensemble, mais leur collaboration fut interrompue par la mort prématurée de Rogers dans un accident d'avion en mai 1935, qui dévasta Ford.
Ford a confirmé sa position au premier rang des réalisateurs américains avec le drame de l'Armée républicaine irlandaise influencé par Murnau, The Informer (1935), avec Victor McLaglen. Il a reçu de nombreux éloges de la critique, a été nominé pour le meilleur film, a valu à Ford son premier Oscar du meilleur réalisateur et a été salué à l'époque comme l'un des meilleurs films jamais réalisés, bien que sa réputation ait considérablement diminué par rapport à d'autres prétendants comme Citizen Kane. , ou plus tard celui de Ford, The Searchers (1956).
Le politiquement chargé Le Prisonnier de Shark Island (1936) - qui marqua les débuts avec Ford du joueur de longue date de la "Stock Company" John Carradine - explora l'histoire peu connue de Samuel Mudd, un médecin qui fut pris dans l'Abraham Lincoln. complot d'assassinat et envoyé dans une prison offshore pour avoir soigné John Wilkes Booth, blessé. D'autres films de cette période incluent le mélodrame des mers du Sud The Hurricane (1937) et le véhicule léger de Shirley Temple Wee Willie Winkie (1937), dont chacun a rapporté plus d'un million de dollars aux États-Unis pour la première année. Pendant le tournage de Wee Willie Winkie, Ford fit construire des décors élaborés au Iverson Movie Ranch à Chatsworth, en Californie, un ranch fortement filmé le plus étroitement associé aux séries et aux westerns B, qui allait devenir, avec Monument Valley, l'un des les lieux de tournage préférés du réalisateur et un site sur lequel Ford reviendrait dans les prochaines années pour Stagecoach et Les Raisins de la colère.
La version révisée plus longue de Réalisé par John Ford présentée sur Turner Classic Movies en novembre 2006 met en vedette les réalisateurs Steven Spielberg, Clint Eastwood et Martin Scorsese, qui suggèrent que la série de films classiques réalisés par Ford entre 1936 et 1941 était due en partie à un intense liaison extraconjugale de six mois avec Katharine Hepburn, la star de Mary of Scotland (1936), un drame costumé élisabéthain.
1939-1941
Stagecoach (1939) fut le premier western de Ford depuis 3 Bad Men en 1926, et c'était son premier avec du son. On dit qu'Orson Welles a regardé Stagecoach quarante fois en préparation pour le tournage de Citizen Kane. Il reste l’un des films hollywoodiens les plus admirés et imités, notamment pour sa course-poursuite en diligence et la scène ébouriffante de saut à cheval, interprétée par le cascadeur Yakima Canutt.
Le scénario de Dudley Nichols – Ben Hecht était basé sur une histoire d'Ernest Haycox que Ford avait repérée dans le magazine Collier's et il a acheté les droits d'écran pour seulement 2 500 $. Le chef de production Walter Wanger a exhorté Ford à embaucher Gary Cooper et Marlene Dietrich pour les rôles principaux, mais a finalement accepté la décision de Ford de choisir Claire Trevor dans le rôle de Dallas et un inconnu virtuel, son ami John Wayne, dans le rôle de Ringo ; Wanger n'aurait eu que peu d'influence sur la production.
En réalisant Stagecoach, Ford a été confronté à des préjugés bien ancrés dans l'industrie à propos d'un genre désormais éculé que, ironiquement, il avait contribué à rendre si populaire. Même si les studios « Poverty Row » produisaient encore en grand nombre des longs métrages et des séries westerns à petit budget, le genre était tombé en disgrâce auprès des grands studios dans les années 1930 et ils étaient considérés comme des films « pulp » de qualité B à l'époque. meilleur. En conséquence, Ford a parcouru le projet à Hollywood pendant près d'un an, le proposant sans succès à Joseph Kennedy et à David O. Selznick avant de finalement s'associer à Walter Wanger, un producteur indépendant travaillant pour United Artists.
Stagecoach est important pour plusieurs raisons : il a fait exploser les préjugés de l'industrie en devenant à la fois un succès critique et commercial, rapportant plus d'un million de dollars américains la première année (contre un budget d'un peu moins de 400 000 $), et son succès (avec les westerns de 1939 Destry Rides). Toujours avec Dietrich et Dodge City de Michael Curtiz avec Erroll Flynn) a revitalisé le genre moribond, montrant que les westerns pouvaient être « intelligents, astucieux, excellents divertissements et rentables ». Il a été nominé pour sept Oscars, dont celui du meilleur film et du meilleur réalisateur, et a remporté deux Oscars, pour le meilleur acteur dans un second rôle (Thomas Mitchell) et la meilleure musique. Stagecoach est devenu le premier d'une série de sept westerns classiques de Ford filmés sur place à Monument Valley, avec des images supplémentaires tournées dans un autre des lieux de tournage préférés de Ford, l'Iverson Movie Ranch à Chatsworth, en Californie, où il avait filmé une grande partie de Wee Willie Winkie. deux ans plus tôt. Ford a habilement mélangé Iverson et Monument Valley pour créer les images emblématiques de l'Ouest américain du film.
John Wayne avait de bonnes raisons d'être reconnaissant du soutien de Ford ; Stagecoach a permis à l'acteur de faire une percée dans sa carrière qui l'a élevé au rang de célébrité internationale. Pendant plus de 35 ans, Wayne est apparu dans 24 films de Ford et trois épisodes télévisés. Ford est reconnu pour avoir joué un rôle majeur dans la formation de l'image de Wayne à l'écran. Louise Platt, membre du casting, dans une lettre racontant l'expérience de la production du film, a cité Ford disant à propos de l'avenir de Wayne dans le cinéma : "Il sera la plus grande star de tous les temps parce qu'il est le 'tout le monde' parfait."
Stagecoach a marqué le début de la phase la plus réussie de la carrière de Ford : en seulement deux ans, entre 1939 et 1941, il a créé une série de films classiques qui ont remporté de nombreux Oscars. Le prochain film de Ford, le biopic Young Mr Lincoln (1939) avec Henry Fonda, eut moins de succès que Stagecoach, attirant peu d'attention critique et ne remportant aucun prix. Ce n'était pas un succès majeur au box-office bien qu'il ait eu un montant brut respectable de 750 000 $ pour la première année, mais le spécialiste de Ford, Tag Gallagher, le décrit comme "une œuvre plus profonde et à plusieurs niveaux que Stagecoach ... (qui) semble rétrospectivement. l'une des plus belles images d'avant-guerre".
Drums Along the Mohawk (1939) était un somptueux drame frontalier mettant en vedette Henry Fonda et Claudette Colbert ; c'était également le premier film en couleur de Ford et comprenait des contributions scénaristiques non créditées de William Faulkner. Ce fut un grand succès au box-office, rapportant 1,25 millions de dollars lors de sa première année aux États-Unis et valu à Edna May Oliver une nomination à l'Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle pour sa performance.
Malgré sa position humaniste et politique sans compromis, l'adaptation cinématographique par Ford des Raisins de la colère de John Steinbeck (scénarisé par Nunnally Johnson et photographié par Gregg Toland) a été à la fois un grand succès au box-office et un succès critique majeur, et elle est toujours largement considérée comme l'un des des meilleurs films hollywoodiens de l'époque. Le critique réputé Andrew Sarris l'a décrit comme le film qui a transformé Ford de "conteur de l'écran en poète lauréat du cinéma américain". Troisième film de Ford en un an et son troisième film consécutif avec Fonda, il a rapporté 1,1 million de dollars aux États-Unis la première année et a remporté deux Oscars : le deuxième Oscar du "meilleur réalisateur" de Ford et celui de la "meilleure actrice dans un second rôle" pour la tournée de Jane Darwell. représentation de force de Ma Joad. Pendant le tournage, Ford est retourné au Iverson Movie Ranch à Chatsworth, en Californie, pour filmer un certain nombre de plans clés, y compris l'image clé représentant la première vue complète de la famille de migrants sur les terres agricoles fertiles de Californie, représentées par la vallée de San Fernando. vu du ranch Iverson.
Les Raisins de la colère ont été suivis de deux films moins réussis et moins connus. The Long Voyage Home (1940) a été, comme Stagecoach, réalisé avec Walter Wanger par l'intermédiaire de United Artists. Adapté de quatre pièces d'Eugene O'Neill, il a été scénarisé par Dudley Nichols et Ford, en consultation avec O'Neill. Bien qu'il ne s'agisse pas d'un succès significatif au box-office (il n'a rapporté que 600 000 $ la première année), il a été salué par la critique et a été nominé pour sept Oscars : meilleur film, meilleur scénario (Nichols), meilleure musique (meilleure photographie (Gregg Toland). , Meilleur montage (Sherman Todd), Meilleurs effets (Ray Binger et R.T. Layton) et Meilleur son (Robert Parrish). C'était l'une des photos préférées de Ford qui décorait sa maison et O'Neill aurait également adoré le film et. l'a examiné périodiquement.
Tobacco Road (1941) était une comédie rurale scénarisée par Nunnally Johnson, adaptée de la version scénique de longue date de Jack Kirkland du roman d'Erskine Caldwell. Il mettait en vedette l'acteur vétéran Charley Grapewin et le casting de soutien comprenait les habitués de Ford, Ward Bond et Mae Marsh, avec Francis Ford dans un petit rôle non crédité ; il est également remarquable pour les premières apparitions à l'écran des futures stars Gene Tierney et Dana Andrews. Bien que peu apprécié par certains critiques (Tag Gallagher n'y consacre qu'un court paragraphe dans son livre sur Ford), le film a connu un certain succès au box-office, rapportant 900 000 $ la première année. Selon IMDb, le film a été interdit en Australie pour des raisons non précisées.
Le dernier long métrage de Ford avant l'entrée de l'Amérique dans la Seconde Guerre mondiale fut son adaptation à l'écran de How Green Was My Valley (1941), avec Walter Pidgeon, Maureen O'Hara et Roddy McDowell dans son rôle de Huw. Le scénario a été écrit par Philip Dunne à partir du roman à succès de Richard Llewellyn. Il était initialement prévu comme une épopée de quatre heures pour rivaliser avec Autant en emporte le vent - les droits d'écran à eux seuls coûtent à Fox 300 000 $ - et devait être filmé sur place au Pays de Galles, mais cela a été abandonné en raison des lourds bombardements allemands sur la Grande-Bretagne. Une recherche dans le sud de la Californie a abouti à la construction du décor du village sur le terrain du Crags Country Club (plus tard le ranch Fox, aujourd'hui au cœur du parc d'État de Malibu Creek). Un autre facteur signalé était la nervosité des dirigeants de Fox face au ton pro-syndical de l'histoire. William Wyler était initialement engagé pour réaliser, mais il a quitté le projet lorsque Fox a décidé de le filmer en Californie ; Ford a été embauché à sa place et la production a été reportée de plusieurs mois jusqu'à ce qu'il soit disponible. Le producteur Darryl F. Zanuck a eu une forte influence sur le film et a pris plusieurs décisions clés, notamment l'idée de faire raconter le film par le personnage de Huw en voix off (à l'époque un concept nouveau) et la décision que le personnage de Huw ne devrait pas vieillir. (Tyrone Power devait initialement jouer le rôle de Huw adulte).
How Green Was My Valley est devenu l'un des plus grands films de 1941. Il a été nominé pour dix Oscars, dont celui de la meilleure actrice dans un second rôle (Sara Allgood), du meilleur montage, du meilleur scénario, de la meilleure musique et du meilleur son, et il a remporté cinq Oscars : meilleur réalisateur, Meilleur film, meilleur acteur dans un second rôle (Donald Crisp), meilleure cinématographie noir et blanc (Arthur C. Miller) et meilleure direction artistique/décoration intérieure. Ce fut un énorme succès auprès du public, se classant derrière Sergeant York comme le deuxième film le plus rentable de l'année aux États-Unis et remportant près de 3 millions de dollars par rapport à son budget considérable de 1 250 000 $. Ford a également été nommé meilleur réalisateur par les New York Film Critics, et ce fut l'une des rares récompenses de sa carrière qu'il a récoltées en personne (il a généralement boudé la cérémonie des Oscars).
Années de guerre
Pendant la Seconde Guerre mondiale, le commandant John Ford, USNR, a servi dans la marine américaine et, en tant que chef de l'unité photographique du Bureau des services stratégiques, a réalisé des documentaires pour le département de la Marine. Il remporta deux autres Oscars au cours de cette période, un pour le semi-documentaire The Battle of Midway (1942) et un second pour le film de propagande 7 décembre (1943). Le commandant Ford était un vétéran de la bataille de Midway, où il fut blessé au bras par des éclats d'obus alors qu'il filmait l'attaque japonaise depuis la centrale électrique de Sand Island à Midway.
Ford était également présent à Omaha Beach le jour J. Il a traversé la Manche sur le , a jeté l'ancre au large d'Omaha Beach à 06h00 où il a observé la première vague atterrir sur la plage depuis le navire, atterrissant lui-même plus tard sur la plage avec une équipe de cameramen de la Garde côtière américaine qui a filmé la bataille derrière la plage. obstacles, avec Ford dirigeant les opérations. Le film a été monté à Londres, mais très peu de choses ont été rendues publiques. Ford a expliqué dans une interview en 1964 que le gouvernement américain avait « peur de montrer autant de victimes américaines à l'écran », ajoutant que tout le film du Jour J « existe toujours en couleur dans un entrepôt à Anacostia, près de Washington, D.C. » Trente ans plus tard, l'historien Stephen E. Ambrose a rapporté que le Centre Eisenhower n'avait pas réussi à retrouver le film. Ford est finalement devenu l'un des principaux conseillers du chef de l'OSS, William Joseph Donovan. Selon des documents publiés en 2008, Ford a été cité par ses supérieurs pour son courage, en prenant position pour filmer une mission qui était « une cible évidente et claire ». Il a survécu à "une attaque continue et a été blessé" alors qu'il poursuivait le tournage, indique une mention élogieuse dans son dossier.
Son dernier film de guerre fut They Were Expendable (MGM, 1945), un récit de la défaite désastreuse de l'Amérique aux Philippines, raconté du point de vue d'un escadron de bateaux PT et de son commandant. Ford a créé un rôle pour Ward Bond en convalescence, qui avait besoin d'argent. Bien qu'il ait été vu tout au long du film, il n'a jamais marché jusqu'à ce qu'ils ajoutent une partie où il a reçu une balle dans la jambe. Pour le reste du film, il a pu utiliser une béquille lors de la marche finale. Ford a déclaré à plusieurs reprises qu'il n'aimait pas le film et qu'il ne l'avait jamais regardé, se plaignant d'avoir été forcé de le faire, bien qu'il ait été fortement défendu par la cinéaste Lindsay Anderson. Sorti plusieurs mois après la fin de la guerre, le film figurait parmi les 20 meilleurs succès au box-office de l'année, même si Tag Gallagher note que de nombreux critiques ont affirmé à tort qu'il avait perdu de l'argent.
Carrière d'après-guerre
Après la guerre, Ford resta officier dans la réserve de la marine américaine. Il est retourné au service actif pendant la guerre de Corée et a été promu contre-amiral le jour de son départ.
Ford a réalisé seize longs métrages et plusieurs documentaires au cours de la décennie 1946-1956. Comme pour sa carrière d'avant-guerre, ses films ont alterné entre des échecs (relatifs) au box-office et des succès majeurs, mais la plupart de ses films ultérieurs ont réalisé de solides bénéfices, et Fort Apache, The Quiet Man, Mogambo et The Searchers se sont tous classés dans le Top 20 des succès au box-office de leurs années respectives.
Le premier film d'après-guerre de Ford, My Darling Clementine (Fox, 1946), était un récit romancé de la légende occidentale primitive de Wyatt Earp et de la fusillade à l'O.K. Corral, avec des séquences extérieures filmées sur place dans Monument Valley, visuellement spectaculaire (mais géographiquement inappropriée). Il a réuni Ford avec Henry Fonda (dans le rôle d'Earp) et a partagé la vedette Victor Mature dans l'un de ses meilleurs rôles en tant que Doc Holliday, un phtisique et amoureux de Shakespeare, avec Ward Bond et Tim Holt dans le rôle des frères Earp, Linda Darnell dans le rôle de la sensuelle fille de saloon Chihuahua. , une solide performance de Walter Brennan (dans un rôle méchant rare) dans le rôle du venimeux Old Man Clanton, avec Jane Darwell et une première apparition à l'écran de John Ireland dans le rôle de Billy Clanton. Contrairement à la série de succès de 1939 à 1941, il ne remporta aucun prix américain majeur, bien qu'il reçut le ruban d'argent du meilleur film étranger en 1948 par le Syndicat national italien des journalistes de cinéma, et ce fut un solide succès financier, rapportant des recettes. 2,75 millions de dollars aux États-Unis et 1,75 millions de dollars à l'international au cours de sa première année de sortie.
Les années Argosy
Refusant un contrat lucratif proposé par Zanuck à la 20th Century Fox qui lui aurait garanti 600 000 $ par an, Ford se lança comme réalisateur-producteur indépendant et tourna nombre de ses films durant cette période avec Argosy Pictures Corporation, un partenariat entre Ford et son vieil ami et collègue Merian C. Cooper. Ford et Cooper avaient déjà été impliqués dans la société distincte Argosy, créée après le succès de Stagecoach (1939) ; Argosy Corporation a produit un film, The Long Voyage Home (1940), avant l'intervention de la Seconde Guerre mondiale. Le Fugitif (1947), avec toujours Fonda, fut le premier projet d'Argosy Pictures. Il s'agissait d'une adaptation libre de The Power and the Glory de Graham Greene, que Ford avait initialement prévu de faire chez Fox avant la guerre, avec Thomas Mitchell comme prêtre. Tourné sur place au Mexique, il a été photographié par l'éminent directeur de la photographie mexicain Gabriel Figueroa (qui a ensuite travaillé avec Luis Buñuel). Le casting de soutien comprenait Dolores del Río, J. Carrol Naish, Ward Bond, Leo Carrillo et Mel Ferrer (qui faisait ses débuts à l'écran) et un casting de figurants principalement mexicains. Ford aurait considéré cela comme son meilleur | http://www.quizballs.com/ |
« La chasse royale au « quoi » est une pièce de Peter Shaffer de 1964 ? | Soleil | [
"Le Théâtre National a été créé en 1963 et pratiquement tout le travail ultérieur de Shaffer a été réalisé à son service. Son canon contient un mélange unique de drames philosophiques et de comédies satiriques. La Chasse Royale au Soleil (1964) présente la tragique conquête du Pérou par les Espagnols, tandis que Black Comedy (1965) jette un regard humoristique sur les pitreries d'un groupe de personnages qui se frayent un chemin dans une pièce noire - bien que la scène soit effectivement inondé de lumière.",
"*La Chasse Royale du Soleil (1964), une pièce de théâtre sur Atahualpa, le dernier empereur des Tahuantinsuyu."
] | Sir Peter Levin Shaffer, CBE (15 mai 1926 – 6 juin 2016) était un dramaturge et scénariste anglais de nombreuses pièces de théâtre primées, dont plusieurs ont été transformées en films.
Début de la vie
Shaffer est né dans une famille juive à Liverpool, fils de Reka (née Fredman) et de Jack Shaffer, agent immobilier. Il était le frère jumeau du dramaturge Anthony Shaffer.
Il a fait ses études à la Hall School de Hampstead et à la St Paul's School de Londres, puis a obtenu une bourse au Trinity College de Cambridge pour étudier l'histoire. Shaffer était un mineur de charbon de Bevin Boy pendant la Seconde Guerre mondiale et a occupé plusieurs emplois, notamment celui de commis de librairie et d'assistant à la bibliothèque publique de New York, avant de découvrir ses talents dramatiques.
Carrière théâtrale
La première pièce de Shaffer, The Salt Land (1954), a été présentée sur la BBC. Encouragé par ce succès, Shaffer continue d'écrire et établit sa réputation de dramaturge en 1958, avec la production de Five Finger Exercise, qui ouvre à Londres sous la direction de John Gielgud et remporte l'Evening Standard Drama Award. Lorsque Five Finger Exercise a déménagé à New York en 1959, il a été tout aussi bien accueilli et a valu à Shaffer le New York Drama Critics' Circle Award pour la meilleure pièce étrangère.
La pièce suivante de Shaffer était un double projet, The Private Ear/The Public Eye, deux pièces contenant chacune trois personnages et concernant des aspects de l'amour. Ils ont été présentés en mai 1962 au Globe Theatre et mettaient tous deux en vedette Maggie Smith et Kenneth Williams. Smith a remporté le Evening Standard Theatre Award de la meilleure actrice principale à l'âge de 27 ans.
Le Théâtre National a été créé en 1963 et pratiquement tout le travail ultérieur de Shaffer a été réalisé à son service. Son canon contient un mélange unique de drames philosophiques et de comédies satiriques. La Chasse Royale au Soleil (1964) présente la tragique conquête du Pérou par les Espagnols, tandis que Black Comedy (1965) jette un regard humoristique sur les pitreries d'un groupe de personnages qui se frayent un chemin dans une pièce noire - bien que la scène soit effectivement inondé de lumière.
Equus (1973) a remporté à Shaffer le Tony Award 1975 de la meilleure pièce ainsi que le New York Drama Critics' Circle Award. Voyage dans l'esprit d'un garçon d'écurie de 17 ans qui avait plongé une pointe dans les yeux de six chevaux, Equus a couru pendant plus de 1 000 représentations à Broadway. Il a été relancé par le Berkshire Theatre Festival du Massachusetts au cours des étés 2005 et 2007, par la réalisatrice Thea Sharrock au Gielgud Theatre de Londres en février 2007 et à Broadway (dans la mise en scène Sharrock) en septembre 2008. Cette dernière production, qui a été présentée à New York. York jusqu'en février 2009, exigeait que le garçon d'écurie apparaisse nu ; sa star, Daniel Radcliffe, était toujours associée aux films Harry Potter destinés au grand public, ce qui a suscité une légère controverse.
Shaffer a suivi ce succès avec Amadeus (1979) qui a remporté l'Evening Standard Drama Award et le Theatre Critics' Award pour la production londonienne. Il s'agit de l'histoire de Wolfgang Amadeus Mozart et du compositeur de cour Antonio Salieri qui, envahis par la jalousie en entendant la "voix de Dieu" venant d'un "enfant obscène", entreprennent de détruire son rival. Lorsque le spectacle a été transféré à Broadway, il a remporté le Tony Award de la meilleure pièce en 1981 et, comme Equus, a présenté plus de 1 000 représentations.
Après le succès d'Amadeus, Shaffer a écrit la pièce Lettice and Lovage spécifiquement pour Dame Maggie Smith en 1986, pour laquelle il a été nominé pour un autre Tony Award et Dame Maggie Smith a finalement remporté le Tony Award de la meilleure actrice après trois nominations en 1990. Lettice et Lovage a également permis à Margaret Tyzack de remporter le prix de la meilleure actrice dans un second rôle, et la production a été nominée pour la meilleure mise en scène d'une pièce de théâtre aux Tony Awards de 1990.
Adaptations d'écran
Plusieurs pièces de Shaffer ont été adaptées au cinéma, notamment Five Finger Exercise (1962), The Royal Hunt of the Sun (1969), The Public Eye (1962), à partir duquel il a adapté le film Follow Me! (1972), Equus (1977) et Amadeus (1984), qui ont remporté huit Oscars, dont celui du meilleur film.
Shaffer a reçu deux nominations aux Oscars pour l'adaptation de ses pièces Equus et Amadeus au grand écran. Pour avoir écrit le scénario d'Equus, il a été nominé pour l'Oscar du meilleur scénario adapté en 1977, mais le prix est allé à Alvin Sargent, qui a écrit le scénario de Julia. Pour avoir écrit le scénario d'Amadeus, Shaffer a reçu à la fois le Golden Globe du meilleur scénario en 1984 et l'Oscar du meilleur scénario adapté en 1984.
La mort
Shaffer est décédé le 6 juin 2016 à l'âge de 90 ans lors d'un voyage dans le sud-ouest de l'Irlande.
Prix
Shaffer a reçu le prix William Inge pour ses réalisations remarquables dans le théâtre américain en 1992. Deux ans plus tard, il a été nommé professeur invité Cameron Mackintosh de théâtre contemporain à l'Université d'Oxford.
En 1993, il a reçu un diplôme honorifique (docteur en lettres) de l'Université de Bath.
La pièce de Shaffer, Five Finger Exercise, a remporté le Evening Standard Drama Award lors de sa première à Londres, puis a remporté le New York Drama Critics' Circle Award pour la meilleure pièce étrangère lors de son déménagement à New York.
La pièce de Shaffer, Equus, a également remporté le Tony Award de la meilleure pièce en 1975 et le New York Drama Critics' Circle cette année-là également. Son adaptation scénaristique de la pièce a été nominée pour l'Oscar du meilleur scénario adapté en 1977.
La pièce de Shaffer, Amadeus, a remporté l'Evening Standard Drama Award et le Theatre Critics' Award pour sa première production londonienne. Après avoir déménagé à Broadway, Amadeus a remporté le Tony Award de la meilleure pièce en 1981. Son adaptation scénaristique de la pièce a remporté l'Oscar du meilleur scénario adapté ainsi que le Golden Globe du meilleur scénario en 1984.
La pièce de Shaffer, Lettice and Lovage, a été nominée pour un autre Tony Award, et pour sa performance dans cette pièce, Dame Maggie Smith a remporté le Tony Award de la meilleure actrice après trois nominations en 1990. Lettice and Lovage a également remporté le prix de la meilleure actrice dans un second rôle pour Margaret Tyzack et a été nominée pour meilleure mise en scène d'une pièce aux Tony Awards 1990.
Honneurs
Shaffer a reçu le CBE en 1987 et a été nommé Knight Bachelor lors des honneurs du Nouvel An 2001. En 2007, il a été intronisé au American Theatre Hall of Fame.
Œuvres choisies
*La Terre Salée (1954)
*Balance de la Terreur (1957)
*Le père prodigue (1957)
*Exercice à cinq doigts (1958)
*L'oreille privée et l'œil public (1962)
*L'établissement (1963)
*Les Joyeux Coqs Panto (1963)
*La Chasse Royale du Soleil (1964), une pièce de théâtre sur Atahualpa, le dernier empereur des Tahuantinsuyu.
*Comédie noire (1965)
*Les menteurs blancs (1967)
*Frissons (1970)
*Équus (1973)
*Amadeus (1979)
* Méfait noir (1983)
*Yonadab (1985)
*Lettice et Livèche (1987)
*À qui ai-je l’honneur de m’adresser ? (1990)
*Le Don de la Gorgone (1992) | http://www.quizballs.com/ |
« Avant que j'oublie » est une autobiographie de 1981 de quel acteur anglais ? | James Mason | [
"Mason était un amoureux dévoué des animaux, en particulier des chats. Lui et sa femme, Pamela Mason, ont co-écrit le livre The Cats in Our Lives, publié en 1949. James Mason a écrit la majeure partie du livre et l'a également illustré. Dans Les chats dans nos vies, il raconte des histoires humoristiques et parfois touchantes sur les chats (ainsi que quelques chiens) qu'il a connus et aimés."
] | James Neville Mason (15 mai 1909 - 27 juillet 1984) était un acteur anglais.
Après avoir remporté beaucoup de succès au Royaume-Uni (il y fut la première attraction du box-office en 1944 et 1945), il fit la transition vers les États-Unis et devint l'une des plus grandes stars d'Hollywood, jouant dans des films emblématiques dont : The Desert Fox. , Une étoile est née, 20 000 lieues sous les mers, Lolita, Nord par nord-ouest, Prisonnier de Zenda, Voyage au centre de la Terre, Plus grand que nature, Jules César, Georgy Girl, L'Affaire mortelle, L'âge du consentement, Heaven Can Attendez, Les garçons du Brésil, Le Verdict, Mandingue, Meurtre par décret et Salem's Lot.
Il a été nominé pour trois Oscars et trois Golden Globes (remportant le Golden Globe en 1955 pour A Star is Born).
Biographie
Début de la vie
Mason est né à Huddersfield, dans le West Riding of Yorkshire, de Mabel Hattersley (Gaunt) et John Mason. Son père était un riche marchand de textile. Il a fait ses études au Marlborough College et a obtenu une première en architecture à Peterhouse, Cambridge, où il s'est impliqué dans des compagnies de théâtre par actions pendant son temps libre. Mason n'avait aucune formation formelle en tant qu'acteur et s'y est d'abord lancé pour le plaisir. Après Cambridge, il fait ses débuts sur scène dans Aldershot dans The Rascal en 1931. Il rejoint le théâtre Old Vic à Londres sous la direction de Tyrone Guthrie. En 1933, Alexander Korda donna à Mason un petit rôle dans La Vie privée de Don Juan, mais le renvoya trois jours après le début du tournage.
Carrière
De 1935 à 1938, il a joué dans de nombreux films rapides britanniques. Il s'est inscrit comme objecteur de conscience pendant la Seconde Guerre mondiale (ce qui a amené sa famille à rompre avec lui pendant de nombreuses années), mais son tribunal ne l'a exempté que sur l'obligation d'effectuer un service militaire non combattant, ce qu'il a refusé ; son appel contre cela est devenu sans objet en l'incluant dans une exemption générale pour le travail cinématographique.
Mason est devenu extrêmement populaire pour ses anti-héros maussades dans la série de mélodrames Gainsborough des années 1940, notamment The Man in Grey (1943) et The Wicked Lady (1945). Il a également joué avec Deborah Kerr et Robert Newton dans Hatter's Castle (1942). Il a ensuite joué le rôle principal dans le populaire Le Septième Voile (1945), qui a établi des records au box-office dans la Grande-Bretagne d'après-guerre et l'a élevé au rang de célébrité internationale. Il l'a suivi avec le rôle d'un voleur de banque de l'IRA mortellement blessé en fuite dans Odd Man Out (1947) et son premier film hollywoodien, Caught (1949). Les exposants l'ont élu star la plus populaire de Grande-Bretagne chaque année entre 1944 et 1947. Ils pensaient également qu'il était la star internationale la plus populaire en 1946 ; il chute à la deuxième place l'année suivante. Il était la star masculine la plus populaire au Canada en 1948.
Le talent vocal « langoureux mais passionné » de Mason lui a permis de jouer un méchant menaçant aussi facilement que sa beauté l'a aidé en tant qu'homme de premier plan. Ses rôles incluent Brutus dans Jules César (1953), le maréchal Erwin Rommel dans The Desert Fox : The Story of Rommel and The Desert Rats, le valet amoral devenu espion dans 5 Fingers de Joseph L. Mankiewicz, l'acteur déclinant dans le premier remake de Une étoile est née (1954), le capitaine Nemo dans 20 000 lieues sous les mers (également 1954), un professeur d'école d'une petite ville rendu fou par les effets de la cortisone dans Bigger Than Life (1956), un maître espion suave dans North by Northwest ( 1959) et un explorateur déterminé dans Voyage au centre de la Terre (également 1959).
Dans les années 1950, Mason était l'animateur de Lux Video Theater à la télévision CBS.
En 1963, il s'installe en Suisse et se lance dans une carrière transatlantique. Il incarne Humbert Humbert dans la version de Stanley Kubrick de Lolita (1962), un pirate des rivières qui trahit le personnage de Peter O'Toole dans Lord Jim (1965), Bradley Morahan dans Age of Consent (1969), le méchant docteur Polidori dans Frankenstein : The True Story (1973), le serviteur du vampire, Richard Straker, dans Salem's Lot, et le surréaliste capitaine Hughes de la Royal Navy dans Barbe Jaune (1983). L'un de ses derniers rôles, celui de l'avocat corrompu Ed Concannon dans The Verdict (1982), lui vaut sa troisième et dernière nomination aux Oscars.
Tard dans sa vie, Mason a raconté deux séries documentaires britanniques supervisées par Kevin Brownlow : Hollywood (1980), sur le cinéma muet et Unknown Chaplin (1983), consacrée aux extraits des films de Charlie Chaplin. Mason était un voisin et ami de longue date du comédien.
Après avoir fini de jouer le rôle principal dans Dr Fischer de Genève (1985), adapté de la nouvelle éponyme de Graham Greene pour la BBC, il endosse le rôle initialement destiné à Paul Scofield dans The Shooting Party, qui ne peut continuer après avoir été sérieusement critiqué. blessé dans un accident le premier jour du tournage. Ce devait être la dernière performance à l'écran de Mason.
À la fin des années 1970, Mason est devenu le mentor de l'acteur prometteur Sam Neill.
Vie privée
Mason était un amoureux dévoué des animaux, en particulier des chats. Lui et sa femme, Pamela Mason, ont co-écrit le livre The Cats in Our Lives, publié en 1949. James Mason a écrit la majeure partie du livre et l'a également illustré. Dans Les chats dans nos vies, il raconte des histoires humoristiques et parfois touchantes sur les chats (ainsi que quelques chiens) qu'il a connus et aimés.
En 1952, Mason a acheté une maison appartenant auparavant à Buster Keaton. Il a découvert plusieurs bobines de films nitrate de films que l'on pensait perdus, stockés dans la maison et produits par le comédien, comme The Boat. Mason s'est arrangé pour que les films en décomposition soient transférés dans un stock de sécurité et les a ainsi évités d'être perdus définitivement.
Mason s'est marié deux fois :
*De 1941 à 1964 avec l'actrice britannique Pamela Mason (née Ostrer) (1916-1996) ; une fille, Portland Mason Schuyler (1948-2004) et un fils, Morgan (qui est marié à Belinda Carlisle, la chanteuse principale des Go-Go's ; ils ont un fils, James Duke Mason). Portland Mason doit son nom à Portland Hoffa, l'épouse du comédien de radio américain Fred Allen ; les Allen et les maçons étaient amis. Les maçons étaient des parents exceptionnellement indulgents, permettant à leur fille de commencer à fumer la cigarette à trois ans et à leur fils de commencer à boire de la bière à cinq ans. Pamela Mason était largement considérée comme une adepte de la scène sociale hollywoodienne et était souvent infidèle à son mari. Néanmoins, elle engagea une procédure de divorce contre lui en 1962, alléguant un adultère de sa part. Cela a conduit à un règlement de divorce d'un million de dollars et a fait de son avocat Marvin Mitchelson une star.
* L'actrice australienne Clarissa Kaye (1971 – sa mort). Le commentaire du DVD de Tobe Hooper pour Salem's Lot révèle que Mason a régulièrement intégré des clauses contractuelles dans ses travaux ultérieurs garantissant des parties de Kaye dans ses apparitions au cinéma.
L'autobiographie de Mason, Before I Forget, a été publiée en 1981.
La mort
Mason a survécu à une grave crise cardiaque en 1959. Il est décédé des suites d'une autre crise cardiaque le 27 juillet 1984 à Lausanne, en Suisse, où il a été incinéré.
Mason a laissé l'intégralité de sa succession à sa seconde épouse, Clarissa Kaye, mais son testament a été contesté par ses deux enfants et le procès n'avait pas été réglé lorsqu'elle est décédée le 21 juillet 1994 des suites d'un cancer. Clarissa Kaye Mason a légué ses biens au gourou religieux Sathya Sai Baba, y compris les cendres de l'acteur qu'elle avait conservées dans leur maison commune. Les enfants de Mason ont poursuivi Sai Baba en les enterrant à Corsier-sur-Vevey, Vaud, Suisse). Les restes du vieil ami de Mason, Charlie Chaplin, se trouvent dans une tombe à quelques pas de là. Les enfants de Mason ont précisé que sa pierre tombale disait : "Ne dites jamais avec chagrin que vous êtes désolé qu'il soit parti. Dites plutôt avec gratitude que vous êtes reconnaissant qu'il soit là", mots qui ont été prononcés à Morgan Mason par Teddy Kennedy après la mort de l'acteur.
Filmographie
Apparitions à la radio | http://www.quizballs.com/ |
« Songs From the Tainted Cherry Tree » est le premier album de quel candidat à X Factor ? | Diana Vickers | [
"Chansons du cerisier contaminé est le premier album studio de la chanteuse et compositrice anglaise Diana Vickers. Initialement prévu pour une sortie en novembre 2009, l'album a été reporté en raison du rôle principal de Vickers dans la pièce du West End The Rise and Fall of Little Voice, et il est finalement sorti le 3 mai 2010 au Royaume-Uni."
] | Chansons du cerisier contaminé est le premier album studio de la chanteuse et compositrice anglaise Diana Vickers. Initialement prévu pour une sortie en novembre 2009, l'album a été reporté en raison du rôle principal de Vickers dans la pièce du West End The Rise and Fall of Little Voice, et il est finalement sorti le 3 mai 2010 au Royaume-Uni.
Songs from the Tainted Cherry Tree a fait ses débuts au sommet du UK Albums Chart, se vendant à 35 951 exemplaires au cours de sa première semaine de sortie. En août 2010, l'album a été certifié disque d'or par la British Phonographic Industry (BPI). "Once" est sorti le 19 avril 2010 en tant que premier single de l'album, atteignant la première place du UK Singles Chart.
Arrière-plan
Peu de temps après avoir été éliminée de The X Factor en 2008, il a été annoncé que Vickers avait signé avec RCA Records et qu'elle avait commencé à travailler sur son premier album. Enregistré entre avril 2009 et janvier 2010, un échantillon d'album de cinq titres a été divulgué en janvier 2010. Le morceau "Jumping Into Rivers" avait déjà été divulgué en juillet 2009. La liste des morceaux et les illustrations ont été modifiées à plusieurs reprises, entraînant des retards. Le titre de l'album provient d'un morceau écrit par Chris Braide et Vickers intitulé "The Boy Who Murdered Love", à propos duquel elle a déclaré plus tard :
Braide a également collaboré avec Vickers sur trois autres morceaux, "Me & You", "Four Leaf Clover" et "NUMB", qui ont été enregistrés au studio londonien de l'auteur-compositeur-producteur. Le premier album a vu Vickers travailler avec un éventail d'autres écrivains et producteurs, dont Nerina Pallot, Andy Chatterley, Ellie Goulding, Cass Lowe, Savan Kotecha, Alexis Strum, Dev Hynes alias Lightspeed Champion, Guy Sigsworth et Starsmith. Le premier single de Vickers, "Once", a été co-écrit par Cathy Dennis et Eg White, et produit et mixé par Mike Spencer. Vickers a également collaboré avec Gary Lightbody, le leader du groupe de rock alternatif Snow Patrol. L'album contient une reprise de la chanson "Hit" des Sugarcubes de 1992.
Simple
"Once" est sorti comme premier single de l'album le 19 avril 2010. Lors de sa sortie, il a généré des critiques principalement positives de la part des critiques, la plus positive venant de Nick Levine de Digital Spy qui l'a qualifié d'"envahisseur de cerveau pur et simple" avec un "un énorme refrain" qu'il est "difficile d'ignorer". Le single a connu un succès commercial en étant en tête du UK Singles Chart et en faisant ses débuts au numéro trois du Irish Singles Chart.
"The Boy Who Murdered Love" a été confirmé comme deuxième single par Vickers sur Twitter le 7 mai 2010. Le clip a été créé le 2 juin 2010 via le lecteur vidéo MSN. La chanson est officiellement sortie le 18 juillet 2010, atteignant la 36e place du UK Singles Chart.
Réception critique
À sa sortie, Songs from the Tainted Cherry Tree a reçu des critiques mitigées de la part des critiques musicaux. Mayer Nissim de Digital Spy a déclaré que Vickers et ses collaborateurs "ont créé un album imprégné de mélodies pop accessibles sans jamais sacrifier le charme et la personnalité". Kevin Courtney de The Irish Times a commenté que "[l]e mélange de pop et d'indie joue en sa faveur - et avoir quelques chansons entraînantes aide." Johnny Dee de Virgin Media l'a jugé commercial mais sans sacrifier les « charmes légèrement excentriques » de Vickers et a remarqué que cela « fonctionne mieux [...] lorsqu'il mélange des rythmes avec des chuchotements folk », concluant que « [l]a fille a très bien réussi ». Ben Urdang de musicOMH a déclaré que "Vickers parvient à obtenir une cohérence d'un bout à l'autre afin que l'album se présente confortablement comme une œuvre fluide". Il a ajouté que même si l'album n'est ni « révolutionnaire ni parfait », il constitue « un bon début pour sa carrière d'enregistrement ». Mike Diver de BBC Music a loué la voix de Vickers pour sa capacité à « se démarquer de n'importe quelle foule », mais n'a pas été étonné par les paroles et l'album dans son ensemble, déclarant que l'impression qu'il laisse est « compromise par l'écriture de chansons par le comité » et a remarqué que il aurait été « considérablement amélioré » avec « [un] peu plus de ruse compositionnelle ».
Elizabeth Sankey du NME a reproché à l'album son "manque révélateur d'objectivité", ajoutant que "si [Vickers s'était] concentré sur un genre, cela aurait pu être victorieux". Les indépendants Simon Price ont estimé que l'album "se compose principalement de dance pop et de folktronica oubliables" et qu'il "ne se démarque pas", tandis que Dan Gennoe de Yahoo! Music a noté qu'il est "trop occupé à essayer de garder tout le monde heureux pour être autre chose que vague et poli". David Smyth du London Evening Standard a estimé que la voix de Vickers est "presque impossible à distinguer" de celle d'Ellie Goulding et a conclu en disant que "ses chansons sont plus fades mais le public semble ouvert à une chanteuse qui fera un travail plus intéressant que celui-ci [le premier]" . Hugh Montgomery de The Observer a estimé que "malgré l'emploi de collaborateurs indépendants tels qu'Ellie Goulding et Lightspeed Champion", l'album était "livré à des cases commerciales, associant l'électro-pop générique au genre de ballade de bon goût qui suggère un Dido en attente."
Performances commerciales
Songs from the Tainted Cherry Tree a fait ses débuts au numéro un du UK Albums Chart, se vendant à 35 951 exemplaires au cours de sa première semaine. L'album a été certifié disque d'or par la British Phonographic Industry (BPI) le 27 août 2010, ce qui représente des expéditions de plus de 100 000 exemplaires au Royaume-Uni. En Irlande, l'album a fait ses débuts et a atteint la septième place du classement des albums irlandais.
Promotion
Pour promouvoir l'album, Vickers a effectué une tournée au Royaume-Uni et en Irlande tout au long de l'année 2010.
Liste des pistes
;Remarques
* signifie un producteur original
*signifie un producteur additionnel et vocal
Graphiques
Graphiques hebdomadaires
Graphiques de fin d'année
Certifications
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Andrew Lloyd Webber et Tim Rice ont travaillé ensemble pour la première fois sur quelle comédie musicale ? | Nos goûts | [
"* Nos goûts (1965)"
] | Andrew Lloyd Webber, baron Lloyd-Webber (né le 22 mars 1948) est un compositeur et imprésario anglais de théâtre musical.
Plusieurs de ses comédies musicales ont été diffusées pendant plus d'une décennie dans le West End et à Broadway. Il a composé 13 comédies musicales, un cycle de chansons, un ensemble de variations, deux musiques de film et une messe de requiem latin. Plusieurs de ses chansons ont été largement enregistrées et ont été des succès en dehors de leurs comédies musicales parentes, notamment "La Musique de la Nuit". du Fantôme de l'Opéra, "Je ne sais pas comment l'aimer" de Jesus Christ Superstar, "Ne pleure pas pour moi, Argentine" et "Tu dois m'aimer" d'Evita, "Any Dream Will Do" de Joseph et l'incroyable Dreamcoat Technicolor et "Memory" de Cats.
Il a reçu de nombreux prix, dont le titre de chevalier en 1992, suivi d'une pairie de la reine Elizabeth II pour services rendus à la musique, sept Tonys, trois Grammys (ainsi que le Grammy Legend Award), un Oscar et quatorze Ivor Novello Awards. , sept Olivier Awards, un Golden Globe, un Brit Award, les Kennedy Center Honors 2006 et le Classic Brit Award 2008 pour sa contribution exceptionnelle à la musique. Il a une étoile sur le Hollywood Walk of Fame, est intronisé au Songwriter's Hall of Fame et est membre de la British Academy of Songwriters, Composers and Authors.
Sa compagnie, le Really Useful Group, est l'un des plus grands exploitants de théâtre de Londres. Des producteurs de plusieurs régions du Royaume-Uni ont organisé des productions, y compris des tournées nationales, des comédies musicales de Lloyd Webber sous licence du Really Useful Group. Lloyd Webber est également président des Arts Educational Schools London, une école des arts du spectacle située à Chiswick, dans l'ouest de Londres. Il est impliqué dans un certain nombre d'activités caritatives, notamment la Elton John AIDS Foundation, Nordoff Robbins, Prostate Cancer UK et War Child. En 1992, il crée la Fondation Andrew Lloyd Webber qui soutient les arts, la culture et le patrimoine au Royaume-Uni.
Début de la vie
Andrew Lloyd Webber est né à Kensington, Londres, fils aîné de William Lloyd Webber (1914-1982), compositeur et organiste, et de Jean Hermione Johnstone (1921-1993), violoniste et pianiste. Son jeune frère, Julian Lloyd Webber, est un violoncelliste soliste renommé.
Lloyd Webber a commencé à écrire sa propre musique dès son plus jeune âge, une suite de six morceaux à l'âge de neuf ans. Il a également monté des « productions » avec Julian et sa tante Viola dans son théâtre de jouets (qu'il a construit sur la suggestion de Viola). Plus tard, il deviendra propriétaire de plusieurs théâtres du West End, dont le Palace. Sa tante Viola, actrice, l'a emmené voir plusieurs de ses spectacles et franchir la porte de la scène dans le monde du théâtre. Il avait également initialement mis la musique du Book of Practical Cats d'Old Possum à l'âge de 15 ans.
En 1965, Lloyd Webber était Queen's Scholar à la Westminster School et a étudié l'histoire pendant un trimestre au Magdalen College d'Oxford, bien qu'il ait abandonné le cours à l'hiver 1965 pour étudier au Royal College of Music et poursuivre son intérêt pour le théâtre musical.
Carrière professionnelle
Premières années
La première collaboration de Lloyd Webber avec le parolier Tim Rice fut The Likes of Us, une comédie musicale basée sur l'histoire vraie de Thomas John Barnardo. Bien que composé en 1965, il n'a été joué publiquement qu'en 2005, lorsqu'une production a été présentée au Sydmonton Festival de Lloyd Webber. En 2008, les droits des amateurs ont été libérés par la National Operatic and Dramatic Association (NODA) en association avec le Really Useful Group. La première représentation amateur a été celle d'une troupe de théâtre pour enfants de Cornwall appelée "Kidz R Us". Stylistiquement, The Likes of Us s'inspire de la comédie musicale de Broadway des années 1940 et 1950 ; il s'ouvre sur une ouverture traditionnelle comprenant un mélange de morceaux du spectacle, et la partition reflète certaines des premières influences de Lloyd Webber, en particulier Richard Rodgers, Frederick Loewe et Lionel Bart. À cet égard, elle se distingue nettement des œuvres ultérieures du compositeur, qui tendent à être soit majoritairement, soit entièrement composées, et plus proches dans leur forme de l'opéra que de la comédie musicale de Broadway.
En 1968, Rice et Lloyd Webber furent chargés d'écrire une pièce pour l'école préparatoire de Colet Court, qui aboutit à Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat, un récit de l'histoire biblique de Joseph dans lequel Lloyd Webber et Rice pastichent avec humour un certain nombre de comédies musicales. des styles tels que le rock'n'roll à la Elvis, le Calypso et la musique country. Joseph a commencé sa vie comme une courte cantate qui a gagné une certaine reconnaissance dès sa deuxième mise en scène avec une critique favorable dans le Times. Pour ses performances ultérieures, Rice et Lloyd Webber ont révisé le spectacle et ajouté de nouvelles chansons pour l'étendre à une durée plus substantielle. Cela a abouti à une production de deux heures organisée dans le West End grâce au succès de Jesus Christ Superstar.
En 1969, Rice et Lloyd Webber ont écrit une chanson pour le Concours Eurovision de la chanson intitulée « Try It and See », qui n'a pas été sélectionnée. Avec des paroles réécrites, il est devenu "King Herod's Song" dans leur troisième comédie musicale, Jesus Christ Superstar (1970).
La suite prévue de Jesus Christ Superstar était une comédie musicale basée sur les romans Jeeves et Wooster de P. G. Wodehouse. Tim Rice était incertain quant à cette entreprise, en partie à cause de sa crainte de ne pas pouvoir rendre justice aux romans que lui et Lloyd Webber admiraient tant. Après avoir effectué un premier travail sur les paroles, il s'est retiré du projet et Lloyd Webber a ensuite écrit la comédie musicale avec Alan Ayckbourn, qui a fourni le livre et les paroles. Jeeves n'a eu aucun impact au box-office et a fermé ses portes après une courte période de seulement trois semaines. Plusieurs années plus tard, Lloyd Webber et Ayckbourn revisitèrent ce projet, produisant une version entièrement retravaillée et plus réussie intitulée By Jeeves (1996). Seules deux des chansons de la production originale sont restées ("Half a Moment" et "Banjo Boy").
Milieu des années 1970
Lloyd Webber a de nouveau collaboré avec Rice pour écrire Evita (1978 à Londres/1979 aux États-Unis), une comédie musicale basée sur la vie d'Eva Perón. Comme avec Jesus Christ Superstar, Evita est sorti d'abord sous forme d'album concept (1976) et mettait en vedette Julie Covington chantant le rôle d'Eva Perón. La chanson "Don't Cry for Me Argentina" est devenue un single à succès et la comédie musicale a été mise en scène au Prince Edward Theatre dans une production dirigée par Harold Prince et mettant en vedette Elaine Paige dans le rôle titre.
Patti LuPone a créé le rôle d'Eva à Broadway pour lequel elle a remporté un Tony. Evita a été un spectacle très réussi qui a duré dix ans dans le West End. Il a été transféré à Broadway en 1979. Rice et Lloyd Webber se sont séparés peu de temps après Evita. Dans une interview en 2011, LuPone a commenté "Il écrit de la musique de merde... Evita était sa meilleure partition, Evita dans sa bizarrerie - quand je l'ai entendu pour la première fois, j'ai pensé 'Je jure devant Dieu, il détestait les femmes' [...] Là Il y a des moments très romantiques dans sa musique, et il y a de vrais... trash dont il ne pense même pas à se séparer. Il n'est pas un très bon éditeur de ses propres trucs.
En 1978, Lloyd Webber se lance dans un projet solo, les "Variations", avec son frère violoncelliste Julian, basé sur le 24e Caprice de Paganini, qui atteint la deuxième place du classement des albums pop au Royaume-Uni. Le thème principal a été utilisé comme thème musical pour l'émission de longue date d'ITV, South Bank Show, tout au long de ses 32 années d'existence. La même année, Lloyd Webber compose également un nouveau thème musical pour la longue série documentaire Whicker's World, utilisée de 1978 à 1980.
années 1980
Lloyd Webber a fait l'objet de This Is Your Life en novembre 1980 lorsqu'il a été surpris par Eamonn Andrews dans le hall des studios Euston Road de Thames Television. Il sera honoré une seconde fois par l'émission télévisée en novembre 1994 lorsque Michael Aspel le surprendra au Théâtre Adelphi.
Lloyd Webber s'est lancé dans son prochain projet sans parolier, se tournant plutôt vers la poésie de T. S. Eliot. Cats (1981) allait devenir la comédie musicale la plus ancienne à Londres, où elle a duré 21 ans avant de fermer. À Broadway, Cats a duré 18 ans, un record qui sera finalement battu par une autre comédie musicale de Lloyd Webber, The Phantom of the Opera.
Starlight Express (1984) fut un succès commercial, mais reçut des critiques négatives de la part des critiques. Il a connu un record dans le West End, mais a duré moins de deux ans à Broadway. Le spectacle a également fait l'objet de deux tournées aux États-Unis, ainsi que d'une production australo-japonaise, une production en tournée britannique de trois ans, transférée en Nouvelle-Zélande plus tard en 2009. Le spectacle se déroule également à plein temps dans un théâtre construit sur mesure. à Bochum, en Allemagne, où il existe depuis 1988.
Lloyd Webber a écrit une messe de requiem dédiée à son père, William, décédé en 1982. Elle a été créée à l'église Saint-Thomas de New York le 24 février 1985. La musique religieuse faisait partie de l'éducation du compositeur et la composition s'inspire de un article qu'il avait lu sur le sort des orphelins cambodgiens. Lloyd Webber avait écrit à plusieurs reprises de la musique sacrée pour le festival annuel de Sydmonton. Lloyd Webber a reçu un Grammy Award en 1986 pour Requiem dans la catégorie de la meilleure composition classique. Pie Jesu de Requiem a obtenu une place élevée dans les charts pop britanniques. Peut-être en raison de sa grande orchestration, les représentations live du Requiem sont rares.
Cricket (1986), également appelé Cricket (Hearts and Wickets), a réuni Lloyd Webber avec Tim Rice pour créer cette courte comédie musicale pour le 60e anniversaire de la reine Elizabeth, jouée pour la première fois au château de Windsor. Plusieurs morceaux ont ensuite été utilisés pour Aspects of Love et Sunset Boulevard.
Lloyd Webber a également créé Le Fantôme de l'Opéra en 1986, inspiré du roman de Gaston Leroux de 1911. Il a écrit le rôle de Christine pour son épouse d'alors, Sarah Brightman, qui a joué le rôle dans les productions originales de Londres et de Broadway aux côtés de Michael Crawford dans le rôle du Fantôme. La production a été dirigée par Harold Prince, qui avait également dirigé Evita auparavant. Charles Hart a écrit les paroles de Phantom avec du matériel supplémentaire fourni par Richard Stilgoe, avec qui Lloyd-Webber a co-écrit le livre de la comédie musicale. Il est devenu un succès et est toujours diffusé dans le West End et à Broadway ; en janvier 2006, elle a dépassé Cats en tant que comédie musicale la plus ancienne à Broadway. Le 11 février 2012, le Fantôme de l'Opéra a donné son 10 000e spectacle à Broadway.
Aspects of Love a suivi en 1989, une comédie musicale basée sur l'histoire de David Garnett. Les paroles étaient de Don Black et Charles Hart et la production originale a été réalisée par Trevor Nunn. Aspects a duré quatre ans à Londres, mais a fermé après moins d'un an à Broadway. Depuis, il a fait une tournée au Royaume-Uni.
années 1990
Lloyd Webber a été invité à écrire une chanson pour les Jeux olympiques de Barcelone de 1992 et a composé "Amigos Para Siempre - Friends for Life" avec Don Black fournissant les paroles. Cette chanson a été interprétée par Sarah Brightman et José Carreras.
Lloyd Webber avait caressé l'idée d'écrire une comédie musicale basée sur le film acclamé par la critique de Billy Wilder, Sunset Boulevard, depuis le début des années 1970, lorsqu'il avait vu le film, mais le projet ne s'est concrétisé qu'après l'achèvement d'Aspects of Love lorsque le compositeur a finalement réussi à obtenir les droits de Paramount Pictures. Le compositeur a travaillé avec deux collaborateurs, comme il l'avait fait sur Aspects of Love ; cette fois, Christopher Hampton et Don Black partageaient le même crédit pour le livre et les paroles. Le spectacle a débuté au Adelphi Theatre de Londres le 12 juillet 1993 et a duré 1 529 représentations. Malgré la popularité de la série et sa diffusion étendue dans le West End de Londres, elle a perdu de l'argent en raison des dépenses considérables liées à la production.
En 1994, Sunset Boulevard est devenu un spectacle à succès à Broadway, ouvrant avec la plus grande avancée de l'histoire de Broadway et remportant sept Tony Awards cette année-là. Malgré cela, lors de sa fermeture en 1997, « l'entreprise n'avait pas récupéré son investissement déclaré de 13 millions de dollars ».
De 1995 à 2000, Lloyd Webber a écrit la chronique Matters of Taste dans le Daily Telegraph où il passait en revue les restaurants et les hôtels, et ceux-ci ont été illustrés par Lucinda Rogers.
En 1998, Lloyd Webber a sorti une version cinématographique de "Cats", filmée au Adelphi Theatre de Londres. David Mallet a réalisé le film et Gillian Lynne l'a chorégraphié. Le casting était composé d'interprètes qui avaient déjà participé au spectacle, dont Ken Page (l'original Old Deuteronomy à Broadway), Elaine Paige (l'original Grizabella à Londres) et Sir John Mills dans le rôle de Gus : le chat du théâtre.
En 1998, Whistle Down the Wind a fait ses débuts, une comédie musicale écrite avec des paroles fournies par Jim Steinman. Initialement ouvert à Washington, Lloyd Webber n'aurait pas été satisfait du casting ou de la production d'Harold Prince et le spectacle a ensuite été révisé pour une mise en scène londonienne dirigée par Gale Edwards. La production est probablement plus remarquable pour le succès numéro un de Boyzone "No Matter". What" qui n'a quitté que les charts britanniques lorsque le prix du CD single a été modifié pour le faire sortir du top dix officiel. Son The Beautiful Game a ouvert ses portes à Londres et n'a jamais été vu à Broadway. Le spectacle a eu une diffusion respectable au Cambridge Theatre de Londres. Le spectacle a été retravaillé en une nouvelle comédie musicale, The Boys in the Photograph, qui a eu sa première mondiale au Liverpool Institute for Performing Arts en avril 2008.
années 2000
Ayant obtenu un grand succès populaire dans le théâtre musical, Lloyd Webber a été désigné par le New York Times en 2001 comme « le compositeur le plus prospère de l'histoire sur le plan commercial ».
En 2002, il devient producteur et amène la comédie musicale Bombay Dreams à Londres. Avec la musique du compositeur de Bollywood A.R. Rahman et paroles de Don Black, il a été diffusé pendant deux ans au Apollo Victoria Theatre. Une production révisée de Broadway au Broadway Theatre deux ans plus tard n'a duré que 284 représentations.
Le 16 septembre 2004, sa production de The Woman in White a débuté au Palace Theatre de Londres. Il a duré 19 mois et 500 représentations. Une production révisée a débuté à Broadway au Marquis Theatre le 17 novembre 2005. Recueillant des critiques mitigées de la part des critiques, en partie à cause des absences fréquentes de la star de la série Maria Friedman en raison d'un traitement contre le cancer du sein, elle n'a fermé que trois mois plus tard, le 19. Février 2006.
Lloyd Webber a produit une mise en scène de The Sound of Music, qui a débuté en novembre 2006. Il a pris la décision controversée de choisir une inconnue pour jouer le rôle principal de Maria, qui a été découverte grâce à l'émission de télé-réalité de la BBC, How Do You Solve a Problem like Maria?, dans lequel il était juge. La gagnante de l'émission était Connie Fisher.
Il a été annoncé le 25 août 2006, sur son site personnel, que son prochain projet serait Le Maître et Marguerite ; cependant, il a été annoncé fin mars 2007 qu'il avait abandonné le projet.
En septembre 2006, Lloyd Webber a été nommé récipiendaire des prestigieux Kennedy Center Honors avec Zubin Mehta, Dolly Parton, Steven Spielberg et Smokey Robinson. Il a été reconnu pour sa contribution exceptionnelle aux arts du spectacle américains. [http://www.kennedy-center.org/programs/specialevents/honors/home.html The Kennedy Center Honors] Il a assisté à la cérémonie le 3 décembre 2006 ; il a été diffusé le 26 décembre 2006. Le 11 février 2007, Lloyd Webber a été présenté comme juge invité dans l'émission de télé-réalité Grease : You're the One that I Want ! Les concurrents ont tous chanté "Le Fantôme de l'Opéra".
Entre avril et juin 2007, il est apparu dans Any Dream Will Do ! de BBC One, qui suivait le même format que How Do You Solve a Problem Like Maria ?. Son objectif était de trouver un nouveau Joseph pour sa renaissance de Joseph et de l'incroyable Dreamcoat Technicolor. Lee Mead a remporté le concours après avoir quitté son rôle dans l'ensemble – et en tant que doublure dans Le Fantôme de l'Opéra – pour concourir pour le rôle. Le vote téléphonique des téléspectateurs pendant la série a permis de récolter plus de 500 000 £ pour l'appel caritatif annuel de la BBC pour les enfants dans le besoin, selon l'animateur Graham Norton à l'antenne lors de la finale.
Le 1er juillet 2007, Lloyd Webber a présenté des extraits de ses comédies musicales dans le cadre du Concert for Diana organisé au stade de Wembley, à Londres, un événement organisé pour célébrer la vie de la princesse Diana près de 10 ans après sa mort. BBC Radio 2 a diffusé un concert de musique des comédies musicales de Lloyd-Webber le 24 août 2007. Denise Van Outen a présenté des chansons de Whistle Down the Wind, The Beautiful Game, Tell Me on a Sunday, The Woman in White, Evita et Joseph and the. Amazing Technicolor Dreamcoat – ainsi que The Sound of Music de Rodgers et Hammerstein, que Lloyd Webber a relancé en 2006 au London Palladium, et la comédie musicale Bombay Dreams de 2002.
En avril 2008, Lloyd Webber a repris son rôle de juge, cette fois dans l'émission musicale de la BBC, I'd Do Anything. Le spectacle a suivi un format similaire à celui de ses prédécesseurs Maria et Joseph, impliquant cette fois une recherche d'une actrice pour jouer le rôle de Nancy dans une prochaine production du West End de la comédie musicale Oliver Bart de Lionel Bart ! La série présentait également une recherche de trois jeunes acteurs pour jouer et partager le rôle du personnage principal, mais la série se concentrait principalement sur la recherche de Nancy. Le rôle a été remporté par Jodie Prenger malgré la préférence déclarée de Lloyd Webber pour l'un des autres candidats ; les gagnants du rôle d'Oliver étaient Harry Stott, Gwion Wyn-Jones et Laurence Jeffcoate. Également en avril 2008. Lloyd Webber a participé à l'émission américaine American Idol, agissant en tant que mentor lorsque les 6 finalistes ont dû sélectionner l'une de ses chansons à interpréter devant les juges cette semaine-là.
Lloyd Webber a accepté le défi de gérer les candidatures du Royaume-Uni au Concours Eurovision de la chanson 2009, qui se tiendra à Moscou. Début 2009, une série intitulée Eurovision : Votre pays a besoin de vous a été diffusée pour trouver un interprète pour une chanson qu'il composerait pour le concours. Jade Ewen a obtenu le droit de représenter la Grande-Bretagne, gagnant avec It's My Time, de Lloyd Webber et Diane Warren. Lors du concours, Lloyd Webber l'a accompagnée au piano pendant la représentation. Le Royaume-Uni a terminé 5ème du concours. Le gagnant a été le Norvégien Alexander Rybak avec sa composition record du monde "Fairytale".
Le 8 octobre 2009, Lloyd Webber a lancé la comédie musicale Love Never Dies lors d'une conférence de presse tenue au Her Majesty's Theatre, où le Phantom original est diffusé depuis 1986. Étaient également présents Sierra Boggess, qui a joué le rôle de Christine Daaé, et Ramin Karimloo. , qui a interprété Phantom, un rôle qu'il a récemment joué dans le West End.
années 2010
Après l'ouverture de Love Never Dies, Lloyd Webber a de nouveau commencé à rechercher un nouvel interprète de théâtre musical dans la série BBC One Over the Rainbow. Il a choisi la gagnante, Danielle Hope, dans le rôle de Dorothy et d'un chien pour jouer Toto dans sa prochaine production scénique du Magicien d'Oz. Lui et le parolier et compositeur Tim Rice ont écrit un certain nombre de nouvelles chansons pour la production afin de compléter les chansons du film.
Le 26 février 2010, il est apparu dans l'émission Friday Night de la BBC avec Jonathan Ross pour promouvoir Love Never Dies.
Le 1er mars 2011, Le Magicien d'Oz a ouvert ses portes au Palladium Theatre, avec Danielle Hope dans le rôle de Dorothy et Michael Crawford dans le rôle du sorcier.
En 2012, Lloyd Webber a dirigé une nouvelle émission ITV aux heures de grande écoute, Superstar, qui a donné au public britannique la possibilité de décider qui jouerait le rôle principal de Jésus lors d'une prochaine tournée des arènes de Jesus Christ Superstar. La tournée des arènes a débuté en septembre 2012 et mettait également en vedette le comédien Tim Minchin dans le rôle de Judas Iscariot, l'ancienne Spice Girl Melanie C dans le rôle de Mary Magdalene et le DJ de la BBC Radio 1 Chris Moyles dans le rôle du roi Hérode. Les billets pour la plupart des salles ont été mis en vente le 18 mai 2012.
Webber a suscité la controverse avec une série de commentaires sur l'Eurovision dans une interview accordée au Radio Times. Il a déclaré : "Je ne pense pas que cela serve à quoi que ce soit de tourner autour du pot. Je n'ai vu aucun visage noir au programme de l'Eurovision 2012. J'ai été interrogé par la presse sur la course de Jade Ewen, et je pense que nous aurions terminé deuxièmes, mais Il y a un problème quand on va plus à l'est. Si vous parlez de l'Europe occidentale, c'est bien, mais de l'Ukraine, ce n'est pas très bien. » L'UER a corrigé Webber en lui disant que la chanteuse ukrainienne Gaitana était noire, que la gagnante suédoise de cette année, Loreen, était d'origine nord-africaine et accompagnée d'un danseur noir, et que la candidate française Anggun était indonésienne. Les organisateurs du concours ont également déclaré à Webber que le chanteur noir Dave Benton avait gagné pour l'Estonie en 2001. L'UER a catégoriquement nié le racisme dans son émission et a insisté sur le fait qu'elle unissait l'Europe trois soirs par an.
En 2013, Webber a retrouvé Christopher Hampton et Don Black sur Stephen Ward the Musical.
En 2014, il a été annoncé que le prochain projet de Webber serait une adaptation musicale du film School of Rock de 2003. Le 19 janvier 2015, des auditions ont été ouvertes pour les enfants âgés de neuf à quinze ans en coopération avec le programme d'éducation musicale School of Rock, qui a précédé le film de plusieurs années.
Accusations de plagiat
Lloyd Webber a été accusé de plagiat dans ses œuvres. Le compositeur néerlandais Louis Andriessen a commenté : « Il existe deux sortes de vol (dans la musique) : prendre quelque chose et ne rien faire avec, ou aller travailler sur ce que vous avez volé. La première est le plagiat. Andrew Lloyd Webber n'a pas encore imaginez une seule note ; en fait, le pauvre n'a jamais inventé une seule note tout seul. C'est plutôt pauvre".
Cependant, le biographe de Lloyd Webber, John Snelson, a réfuté ces accusations. Il a reconnu une similitude entre le mouvement Andante du Concerto pour violon en mi mineur de Mendelssohn et la chanson de Jesus Christ Superstar "I Don't Know How to Love Him", mais a écrit que Lloyd Webber :
...apporte une nouvelle tension dramatique à la mélodie originale de Mendelssohn à travers les émotions confuses de Marie-Madeleine. Le thème d'ouverture est peut-être Mendelssohn, mais le traitement rythmique et harmonique ainsi que les nouvelles lignes de développement mélodique très efficace sont ceux de Lloyd Webber. La chanson fonctionne à part entière, comme peuvent en témoigner ses nombreux interprètes et son public.
Dans des interviews faisant la promotion d'Amused to Death, Roger Waters, anciennement de Pink Floyd, a affirmé que Lloyd Webber avait copié un court riff chromatique de la chanson « Echoes » de 1971 pour des sections de Le Fantôme de l'Opéra, sorti en 1986 ; néanmoins, il a décidé qu’il ne voulait pas intenter de poursuite. L'auteur-compositeur Ray Repp a également affirmé que Lloyd Webber avait volé une mélodie différente de sa propre chanson "Till You". Contrairement à Roger Waters, Ray Repp a décidé d'intenter une action en justice, mais le tribunal s'est prononcé en faveur de Lloyd Webber.
Vie privée
Lloyd Webber s'est marié trois fois. Il épousa pour la première fois Sarah Hugill le 24 juillet 1971 et ils divorcèrent le 14 novembre 1983. Ensemble, ils eurent deux enfants ; une fille et un fils :
*L'hon. Imogen Lloyd Webber (née le 31 mars 1977)
*L'hon. Nicholas Lloyd Webber (né le 2 juillet 1979)
Il épousa ensuite la chanteuse Sarah Brightman le 22 mars 1984 dans le Hampshire. Il a choisi Brightman dans le rôle principal de sa comédie musicale Le Fantôme de l'Opéra, entre autres rôles notables. Ils divorcent le 3 janvier 1990.
Troisièmement, il épousa Madeleine Gurdon à Westminster le 9 février 1991. Ils ont trois enfants, deux fils et une fille, tous nés à Westminster :
*L'hon. Alastair Adam Lloyd Webber (né le 3 mai 1992)
*L'hon. William Richard Lloyd Webber (né le 24 août 1993)
*L'hon. Isabella Aurora Lloyd Webber (née le 30 avril 1996).
La Sunday Times Rich List 2006 l'a classé au 87e rang des hommes les plus riches de Grande-Bretagne, avec une fortune estimée à 700 millions de livres sterling. Sa richesse est passée à 750 millions de livres sterling en 2007, mais la publication l'a classé 101e en 2008. Il vit à Sydmonton Court, dans le Hampshire, et possède une grande partie de Watership Down, à proximité.
Lloyd Webber est un collectionneur d'art passionné par l'art victorien. Une exposition d'œuvres de sa collection a été présentée à la Royal Academy en 2003 sous le titre Préraphaélite et autres maîtres – La collection Andrew Lloyd Webber. En 2006, Lloyd Webber envisageait de vendre le Portrait d'Angel Fernández de Soto de Pablo Picasso au profit de la Fondation Andrew Lloyd Webber. En novembre 2006, il a retiré le tableau des enchères après avoir affirmé que l'ancien propriétaire avait été contraint de le vendre sous la contrainte dans l'Allemagne nazie. Un règlement à l'amiable a été conclu, dans le cadre duquel la fondation a conservé ses droits de propriété. Le 23 juin 2010, le tableau a été vendu aux enchères pour 34,7 millions de livres sterling à un enchérisseur téléphonique anonyme.
Lloyd Webber a été nommé pair à vie du Parti conservateur en 1997, mais fin 2015, il n'avait voté que 33 fois. Politiquement, Lloyd Webber a soutenu le Parti conservateur du Royaume-Uni, autorisant l'utilisation de sa chanson "Take That Look Off Your Face" dans un film promotionnel du parti vu par environ un million de personnes avant les élections générales de 2005. En 2009, il a publiquement critiqué l'introduction par le gouvernement travailliste d'un nouveau taux d'impôt sur le revenu de 50 % pour les plus hauts revenus britanniques, affirmant que cela nuirait au pays en encourageant les personnes talentueuses à partir. En août 2014, Lloyd Webber était l'une des 200 personnalités publiques signataires d'une lettre adressée au Guardian s'opposant à l'indépendance de l'Écosse à l'approche du référendum de septembre sur cette question.
En octobre 2015, Lloyd Webber a participé à un vote controversé de la Chambre des Lords sur un projet de réduction des crédits d'impôt, votant avec le gouvernement en faveur du plan.
Fin 2009, Lloyd Webber a été opéré d'un cancer de la prostate à un stade précoce, mais a dû être réadmis à l'hôpital en novembre pour une infection postopératoire. En janvier 2010, il a déclaré qu'il n'avait plus de cancer. Il s'est fait retirer complètement la prostate à titre préventif.
Honneurs et styles d'adresse
Honneurs
Andrew Lloyd Webber a été fait chevalier par la reine en 1992. En 1997, il a été créé pair à vie en tant que baron Lloyd-Webber, de Sydmonton dans le comté de Hampshire. Il est correctement appelé The Lord Lloyd-Webber ; le titre est avec un trait d'union, bien que son nom de famille ne l'est pas. Il siège en tant que membre conservateur de la Chambre des Lords.
Styles d'adresse
*1948-1992 : Monsieur Andrew Lloyd Webber
*1992-1997 : Sir Andrew Lloyd Webber Kt.
*1997-présent : Le très honorable Lord Lloyd-Webber Kt
Prix
Oscars
*1996 – Meilleure chanson originale pour « You Must Love Me » d'Evita (prix partagé avec Sir Tim Rice)
Une nomination pour la meilleure musique originale et adaptation : film Jesus Christ Superstar de 1973
Une nomination pour la meilleure chanson originale : "Learn to Be Lonely" du film de 2004 Le Fantôme de l'Opéra.
Globes dorés
* 1997 – Meilleure chanson originale pour « You Must Love Me » d'Evita (prix partagé avec Sir Tim Rice)
Plus une nomination pour la meilleure chanson originale : « Learn to Be Lonely » du film de 2004 Le Fantôme de l'Opéra.
Grammy Awards
*1980 – Meilleur album de casting pour Evita
*1983 – Meilleur album de casting pour chats
*1986 – Grammy Award de la meilleure composition contemporaine pour Requiem
*1990 – Prix Légende Grammy
Prix Tony
*1979 – Meilleure comédie musicale pour Evita
*1980 – Meilleure musique originale pour Evita (prix partagé avec Tim Rice)
*1983 – Meilleure comédie musicale pour chats
*1983 – Meilleure musique originale pour chats
*1988 – Meilleure comédie musicale pour Le Fantôme de l'Opéra
*1995 – Meilleure comédie musicale pour Sunset Boulevard
*1995 – Meilleure musique originale pour Sunset Boulevard
Prix Olivier
*1978 - Meilleure comédie musicale pour Evita
*1981 - Meilleure comédie musicale pour chats
*1986 - Meilleure comédie musicale pour Le Fantôme de l'Opéra
*2008 - Prix Spécial de la Société
*Trois autres prix de production
Autres récompenses
* 1988 - Drama Desk Award pour les orchestrations exceptionnelles pour Le Fantôme de l'Opéra
* 1993 - Étoile sur le Hollywood Walk of Fame pour le théâtre live
* 1995 - Praemium Impériale
* 1995 - Temple de la renommée des auteurs-compositeurs
* 2006 - Kennedy Center Honors
* 2008 - Prix Woodrow Wilson pour la fonction publique
* 2009 - Temple de la renommée du théâtre américain.
* 14 Ivor Novello Awards de la British Academy of Songwriters, Composers and Authors
* 7 Laurence Olivier Awards (dont Prix Spécial décerné pour son 60ème anniversaire en 2008)
Montre
Remarque : Musique composée par Andrew Lloyd Webber, sauf indication contraire.
* Nos goûts (1965)
Paroles de Tim Rice
Pas produit avant 2005
* Joseph et l'incroyable Dreamcoat Technicolor (1968)
Paroles de Tim Rice
* Jésus-Christ Superstar (1970)
Paroles de Tim Rice
* Jeeves (1975)
Paroles de Alan Ayckbourn
Révisé en 1996 sous le titre By Jeeves
*Evita (1976)
Paroles de Tim Rice
* Dis-moi un dimanche (1979)
Paroles de Don Black
* Chats (1981)
Paroles basées sur le livre des chats pratiques d'Old Possum par T. S. Eliot
Paroles supplémentaires d'après Eliot par Richard Stilgoe et Trevor Nunn
* Chanson et danse (1982)
Paroles de Don Black (révisées par Richard Maltby, Jr. pour Broadway)
Combinaison de variations (1978) et Dis-moi un dimanche (1979)
* Starlight Express (1984)
Paroles de Richard Stilgoe
Révisions ultérieures par Don Black et David Yazbek
Inspiré des livres Thomas the Tank Engine and Friends du révérend W. Awdry.
*Cricket (1986)
Paroles de Tim Rice
Créé pour le 60e anniversaire de la reine Elizabeth II
* Le Fantôme de l'Opéra (1986)
Paroles de Charles Hart
Paroles supplémentaires de Richard Stilgoe
D'après le roman de Gaston Leroux
* Aspects de l'amour (1989)
Paroles de Don Black et Charles Hart
D'après le roman de David Garnett
* Sunset Boulevard (1993)
Livre et paroles de Christopher Hampton et Don Black
Basé sur le film de Billy Wilder (1950)
* Sifflez dans le vent (1996)
Paroles de Jim Steinman
* Le Beau Jeu (2000)
Paroles de Ben Elton
Mis à jour sous le titre Les garçons dans la photographie (2009)
* La Femme en blanc (2004)
Paroles de David Zippel
D'après le roman de Wilkie Collins
* L'amour ne meurt jamais (2010)
Livre et paroles de Glenn Slater
Livre de Ben Elton et Frederick Forsyth
Paroles supplémentaires de Charles Hart
* Le Magicien d'Oz (2011)
Adapté du film Le Magicien d'Oz de 1939
Musique de Harold Arlen
Paroles de E.Y. Hambourg
Musique supplémentaire d'Andrew Lloyd Webber
Paroles supplémentaires de Tim Rice
* Stephen Ward la comédie musicale (2013)
Livre et paroles de Christopher Hampton et Don Black
* École du rock (2015)
Paroles de Glenn Slater
Livre de Julian Fellowes
Basé sur le film de 2003
Adaptations cinématographiques
Il y a eu un certain nombre d'adaptations cinématographiques des comédies musicales de Lloyd Webber. Jesus Christ Superstar (1973) a été réalisé par Norman Jewison ; Evita (1996) a été réalisé par Alan Parker ; et Le Fantôme de l'Opéra (2004) a été réalisé par Joel Schumacher et coproduit par Lloyd Webber. Cats, Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat, Jesus Christ Superstar et By Jeeves ont été adaptés en téléfilms sortis sur DVD et VHS et souvent diffusés sur la BBC.
Une représentation spéciale du Fantôme de l'Opéra au Royal Albert Hall pour le 25e anniversaire a été diffusée en direct dans les cinémas début octobre 2011, puis diffusée sur DVD et Blu-ray en février 2012. La même chose a également été faite avec une version retravaillée de L'amour ne meurt jamais. Tourné à Melbourne, en Australie, le film a bénéficié d'une sortie cinématographique limitée aux États-Unis et au Canada en 2012, pour voir s'il serait viable de présenter le spectacle à Broadway. Il a reçu des critiques positives et s'est classé n°1 dans les charts DVD au Royaume-Uni et en Irlande, et a bien fonctionné en Amérique.
En février 2014, il a été annoncé que la société de production d'Elton John avait acquis les droits de Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat et prévoyait de l'adapter en tant que nouveau film musical d'animation théâtral.
Autres travaux
*Variations (1978) – Un ensemble de variations musicales sur le Caprice en la mineur de Niccolò Paganini que Lloyd Webber a composé pour son frère, le violoncelliste Julian. Cet album mettait en vedette quinze musiciens de rock, dont le guitariste Gary Moore et le pianiste Rod Argent, et a atteint le numéro 2 du classement des albums britanniques dès sa sortie. Il a ensuite été combiné avec Tell Me on a Sunday pour former un seul spectacle, Song and Dance. Lloyd Webber a également utilisé la cinquième variation comme base pour Unexpected Song in Song and Dance. Le thème principal est utilisé comme thème musical du South Bank Show.
*Requiem (1985) – Une œuvre chorale classique composée en l'honneur de son père, William.
*Watership Down (1999) - Lloyd Webber et Mike Batt, compositeur principal de la bande originale de l'adaptation en série animée du roman du même nom de Richard Adams, ont composé la chanson "Fields of Sun". La chanson elle-même n'a jamais été utilisée dans la série et n'était pas non plus disponible sur la bande originale du CD sortie à l'époque. Il était cependant toujours crédité pour la chanson inutilisée dans les titres d'ouverture de la série. | http://www.quizballs.com/ |
Qui est devenu présentateur du BBC Radio One Breakfast Show en juin 1973 ? | Noel Edmonds | [
"* Vernon Kay a interviewé d'anciens présentateurs du Breakfast Show, dont Noel Edmonds, Dave Lee Travis et Mike Smith."
] | BBC Radio 1 est une station de radio britannique exploitée par la British Broadcasting Corporation qui diffuse également à l'international, spécialisée dans la musique populaire moderne et actuelle et les succès des charts tout au long de la journée. Radio 1 propose des genres alternatifs après 19h00, notamment de la danse électronique, du hip hop, du rock, de l'indie ou des interviews. Il s'adresse principalement à la tranche d'âge de 15 à 29 ans, bien que l'âge moyen du public britannique en 2008 soit de 33 ans. BBC Radio 1 a commencé à diffuser 24 heures sur 24 le 1er mai 1991.
Histoire
Première diffusion
Radio 1 a été créée en 1967 (avec la BBC Radio 2, plus au milieu) pour succéder au BBC Light Programme, qui diffusait de la musique populaire et d'autres divertissements depuis 1945. Radio 1 a été conçue comme une réponse directe à la popularité de stations de radio pirates offshore telles que Radio Caroline et Radio London, qui ont été interdites par une loi du Parlement. Radio 1 a été lancée à 7h00 le samedi 30 septembre 1967.
Le premier disc-jockey à diffuser sur la nouvelle station fut Tony Blackburn, dont le style joyeux, entendu pour la première fois sur Radio Caroline et Radio London, lui a valu la première place sur ce qui est devenu connu sous le nom de « Radio 1 Breakfast Show ». Les premiers mots sur Radio 1 – après un compte à rebours par le contrôleur des radios 1 et 2, Robin Scott, et un jingle, enregistré au PAMS à Dallas, Texas, commençant par « La voix de Radio 1 » – étaient «... Et, bonjour à tous. Bienvenue dans le nouveau son passionnant de Radio 1". Il s'agissait de la première utilisation de jingles de style américain sur la radio de la BBC, mais ce style était familier aux auditeurs qui connaissaient Blackburn et d'autres DJ de leur époque à la radio pirate. Le premier disque complet diffusé sur Radio 1 était "Flowers in the Rain" de The Move. Le deuxième single était "Massachusetts" des Bee Gees. L'émission du petit-déjeuner reste la case la plus prisée de la grille de Radio 1, chaque changement de présentateur de l'émission du petit-déjeuner suscitant un intérêt médiatique considérable.
La rotation initiale du personnel comprenait John Peel et un groupe d'autres, certains embauchés par des pirates, tels que Keith Skues, Ed Stewart, Mike Raven, David Ryder, Jim Fisher, Jimmy Young, Dave Cash, Kenny Everett, Simon Dee, Terry Wogan. , Duncan Johnson, Doug Crawford, Tommy Vance, Chris Denning, l'empereur Rosko, Pete Murray et Bob Holness. La plupart des voix de radio pirate les plus populaires, comme Simon Dee, n'avaient qu'un créneau d'une heure par semaine ("Midday Spin".) Annie Nightingale, qui a rejoint le groupe en 1970, a été la première femme DJ britannique et est aujourd'hui la plus ancienne DJ de Grande-Bretagne. présentatrice, ayant constamment fait évoluer ses goûts musicaux avec son temps.
Apogée des années 1970
Au départ, la station était impopulaire auprès d'une partie de son public cible qui, affirme-t-on, n'aimait pas le fait qu'une grande partie de son temps d'antenne soit partagée avec Radio 2 et qu'elle s'adressait moins sans équivoque à un public jeune que les stations offshore, avec quelques DJ. comme Jimmy Young dans la quarantaine. Le fait même qu'elle faisait partie d'une institution « établie » telle que la BBC était un rebut pour certains, et les restrictions de temps de diffusion l'empêchaient de diffuser autant de disques que les stations offshore en avaient. Elle disposait également de finances limitées (en partie parce que la BBC n'avait pas augmenté sa redevance pour financer la nouvelle station) et a souvent, comme en janvier 1975, souffert de manière disproportionnée lorsque la BBC a dû procéder à des coupes financières, renforçant l'impression qu'elle était considérée comme une chaîne de télévision. une moindre priorité pour les hauts dirigeants de la BBC.
Malgré cela, elle a gagné des audiences massives, devenant la station la plus écoutée au monde avec plus de 10 millions d'audiences revendiquées pour certaines de ses émissions (jusqu'à 20 millions pour certaines des émissions combinées de Radio 1 et Radio 2). Au début du milieu des années 1970, les présentateurs de Radio 1 étaient rarement absents des tabloïds britanniques, grâce au travail très médiatisé du ministère de la Publicité. La popularité des émissions en direct de la tournée estivale de Radio 1, le Radio 1 Roadshow - généralement dans le cadre des promotions des « Radio Weeks » de la BBC qui ont emmené les émissions de Radio 1, 2 et 4 sur la route - a attiré certaines des plus grandes foules de la décennie. La station a sans doute joué un rôle dans le maintien des ventes élevées de disques single 45 tours même si elle a bénéficié d'un manque de concurrence, hormis Radio Luxembourg et Manx Radio sur l'île de Man. (La radio locale indépendante n'a débuté qu'en octobre 1973 et a mis de nombreuses années à couvrir pratiquement tout le Royaume-Uni). Le « Saturday Rock Show » d'Alan Freeman a été élu « Meilleure émission de radio » cinq années de suite par les lecteurs d'une publication musicale nationale, puis a été supprimé par le contrôleur Derek Chinnery.
changements dans les années 1990
Au cours de ses derniers mois en tant que contrôleur, Johnny Beerling a commandé une poignée de nouveaux spectacles qui, d'une certaine manière, ont donné le ton à ce qui allait se passer sous la direction de Matthew Bannister. L'une de ces "Loud'n'proud" était la première série radiophonique nationale du Royaume-Uni destinée à un public gay (réalisée à Manchester et diffusée à partir d'août 1993). Loin d'être une bizarrerie d'adieu, l'émission a été un succès surprise et a conduit à la première couverture par le réseau du grand événement extérieur de la Gay Pride en 1994. Bannister a pris pleinement les rênes en octobre 1993. Son objectif était de débarrasser la station de son « Smashie ». et Nicey et la rendre attractive auprès des moins de 25 ans. Bien qu'elle ait été lancée à l'origine comme une station jeunesse, au début des années 1990, ses fidèles auditeurs (et DJ) avaient vieilli avec la station au cours de ses 25 ans d'histoire. De nombreux DJ de longue date, tels que Simon Bates, Dave Lee Travis, Alan Freeman, Bob Harris, Gary Davies, et plus tard Steve Wright, Bruno Brookes et Johnnie Walker, ont quitté la station ou ont été licenciés, et en janvier 1995, la vieille musique (généralement n'importe quoi enregistré avant 1990) a été banni de la playlist de jour.
De nombreux auditeurs se sont rebellés car les premiers nouveaux DJ introduits représentaient un croisement d'autres parties de la BBC (notamment les anciens collègues de Bannister et Trevor Dann à la station londonienne de la BBC, GLR) avec Emma Freud et Danny Baker. Un autre problème était qu'à l'époque, Radio 2 s'en tenait résolument à un format qui s'adressait principalement à ceux qui l'écoutaient depuis l'époque de l'émission Lumière, et une radio commerciale, qui ciblait l'audience de « Radio 1 et demi ». , a ainsi bénéficié d'une augmentation massive de sa part d'audience au détriment de Radio 1.
Après le départ de Steve Wright, qui avait été transféré sans succès de son émission de longue date de l'après-midi à l'émission du petit-déjeuner en janvier 1994, Bannister a embauché Chris Evans pour présenter le créneau principal du matin en avril 1995. Evans était un présentateur populaire mais controversé qui était finalement limogé en 1997 après avoir exigé de présenter l'émission du petit-déjeuner seulement quatre jours par semaine. Evans a été remplacé à partir du 17 février 1997 par Mark and Lard – Mark Radcliffe (avec son acolyte Marc Riley), qui ont trouvé que le style élégant et grand public requis pour une émission de petit-déjeuner ne leur venait pas naturellement. Ils ont été remplacés par Zoë Ball et Kevin Greening huit mois plus tard, en octobre 1997, Greening passant à autre chose et quittant Ball en tant que présentateur solo. La réinvention de la station s'est produite à un moment fortuit, avec l'essor de la Britpop au milieu des années 90 : des groupes comme Oasis, Blur et Pulp étaient populaires et crédibles à l'époque et la popularité de la station a augmenté avec eux. Des documentaires comme "Lost in Music" de John Peel, qui examine l'influence que la consommation de drogues a eu sur des musiciens populaires, ont été acclamés par la critique, mais ont été projetés au sein de Broadcasting House.
Plus tard, dans les années 1990, le boom de la Britpop a décliné et la pop fabriquée (boy bands et groupes destinés aux sous-adolescents) a fini par dominer les charts. La musique nouveau genre occupait les soirées (indie en semaine et dance le week-end), avec un mélange de spectacles spécialisés et de playlists jusque tard dans la nuit. La montée de la culture rave à la fin des années 1980 et au début des années 1990 a donné à la station l'opportunité de se lancer dans un mouvement controversé et orienté vers la jeunesse en faisant appel, entre autres, au DJ du club Pete Tong. Il y avait une émission de musique dance sur Radio 1 depuis 1987 et Pete Tong a été le deuxième DJ à présenter une émission entièrement de musique dance. Cela a rapidement donné naissance à l'Essential Mix où des DJ underground mélangent de la musique électronique et de la musique de club pendant deux heures. Depuis lors, la musique dance est un élément permanent de Radio 1, avec des DJ de club tels que Judge Jules, Danny Rampling et Seb Fontaine qui organisent tous des émissions, ainsi que Radio 1 organisant un week-end annuel à Ibiza.
années 2000
Le nombre d'écoutes a continué de baisser, mais la station a réussi à cibler une tranche d'âge plus jeune et davantage de groupes mixtes. Finalement, ce changement de contenu s'est traduit par une augmentation de l'audience qui se poursuit encore aujourd'hui. La station a notamment reçu des éloges pour des émissions telles que The Surgery avec Aled, Bobby Friction et Nihal, The Evening Session avec Steve Lamacq et son successeur Zane Lowe. Son site Internet a également été bien accueilli.
Cependant, l'émission du petit-déjeuner et le Top 40 britannique ont continué à connaître des difficultés. En 2000, Zoë Ball a été remplacée le matin par son amie et collègue Sara Cox, mais, malgré une forte promotion, les chiffres d'écoute de l'émission du petit-déjeuner ont continué de baisser. En 2004, Cox a été remplacé par Chris Moyles. L'émission de petit-déjeuner nouvellement rebaptisée était connue sous le nom de The Chris Moyles Show et a augmenté son audience, devant The Today Program sur Radio 4 en tant que deuxième émission de petit-déjeuner la plus populaire (après The Chris Evans Breakfast Show animé par Chris Evans). Moyles a continué à utiliser des moyens innovants pour tenter de séduire les auditeurs de l'émission « Wake up with Wogan » ; en 2006, par exemple, en créant une campagne « DITES NON À WOGAN » en direct à l'antenne. Cela a irrité la hiérarchie de la BBC, même si la querelle s'est apaisée lorsqu'il est devenu clair que la « campagne » n'avait absolument pas réussi à modifier les tendances d'écoute de l'époque – Wogan augmentait toujours ses chiffres à un rythme plus rapide que Moyles.
Les audiences de l'émission graphique ont chuté après le départ de l'animateur de longue date Mark Goodier, dans un contexte de baisse des ventes de singles au Royaume-Uni. Les audiences de l'émission ont chuté en 2002 alors que Goodier présentait encore l'émission, ce qui signifie que le Network Chart de la radio commerciale l'a dépassé pour la première fois dans les audiences. Cependant, la BBC a nié qu'il ait été limogé. L'émission de la BBC est désormais en concurrence avec l'émission The Big Top 40 Show de la radio commerciale en réseau qui est diffusée en même temps.
De nombreux DJ évincés par Bannister ou partis pendant son mandat (comme Johnnie Walker, Bob Harris et Steve Wright) ont rejoint Radio 2 qui a désormais dépassé Radio 1 en tant que station de radio la plus populaire du Royaume-Uni, en utilisant un style que Radio 1 avait jusqu'alors. le début des années 1990.
Le succès de l'émission de Moyles s'est accompagné d'un succès croissant pour la station en général. En 2006, les DJ Chris Moyles, Scott Mills et Zane Lowe ont tous remporté l'or aux Sony Radio Awards, tandis que la station elle-même a remporté le prix de la meilleure station.
Une nouvelle grille de soirée a été introduite en septembre 2006, divisant la semaine par genre. Le lundi était principalement orienté pop-funkrock, le mardi était R&B et hip-hop, les jeudis et vendredis étaient principalement orientés danse, avec des spectacles spécialisés R&B et reggae.
Après le décès de John Peel en octobre 2004, Annie Nightingale est désormais la présentatrice la plus ancienne, y travaillant depuis 1970.
années 2010
Le financement par la redevance de Radio 1, tout comme celui de Radio 2, est souvent critiqué par le secteur commercial. Au premier trimestre 2011, Radio 1 faisait partie d'une évaluation d'efficacité menée par John Myers. Son rôle, selon Andrew Harrison, directeur général de RadioCentre, était « d'identifier à la fois les domaines de meilleures pratiques et les économies possibles ».
Le contrôleur de Radio 1 et de la station sœur 1Xtra est devenu Ben Cooper le 28 octobre 2011, suite au départ d'Andy Parfitt. Ben Cooper répond au directeur de BBC Audio and Music, Tim Davie.
Le 7 décembre 2011, les premiers changements majeurs apportés à la station par Ben Cooper ont été annoncés. Skream & Benga, Toddla T, Charlie Sloth et Friction ont remplacé Judge Jules, Gilles Peterson, Kissy Sell Out et Fabio & Grooverider. Un certain nombre de spectacles ont été remaniés pour intégrer la nouvelle programmation. Le 28 février 2012, d'autres changements ont été annoncés. Greg James et Scott Mills ont échangé leurs émissions et Jameela Jamil, Gemma Cairney et Danny Howard ont rejoint la station. La nouvelle gamme de DJ pour In New DJs We Trust a également été annoncée avec B.Traits, Mosca, Jordan Suckley et Julio Bashmore animant des émissions sur une rotation de quatre semaines. Ce nouvel horaire est entré en vigueur le lundi 2 avril 2012.
En septembre 2012, Nick Grimshaw a remplacé Chris Moyles en tant qu'animateur du « Radio 1's Breakfast Show ». Grimshaw animait auparavant du lundi au jeudi de 22h à minuit, le petit-déjeuner du week-end et le dimanche soir aux côtés d'Annie Mac. Grimshaw a été remplacé par Phil Taggart et Alice Levine à l'émission de 22 heures à minuit.
En novembre 2012, une autre série de changements a été annoncée. Cela comprenait le départ de Reggie Yates et Vernon Kay. Jameela Jamil a été annoncée comme la nouvelle présentatrice de The Official Chart. Matt Edmondson animera une émission matinale le week-end et Tom Deacon reviendra pour présenter une émission le mercredi soir. Dan Howell et Phil Lester, célèbres YouTubers ont également rejoint la station. Les changements sont entrés en vigueur en janvier 2013.
L'ancienne présentatrice du petit-déjeuner Sara Cox a animé sa dernière émission sur Radio 1 en février 2014 avant de passer à Radio 2. En mars 2014, Gemma Cairney a quitté l'émission du petit-déjeuner du week-end pour animer le créneau du petit-déjeuner matinal en semaine, échangeant des émissions avec Dev.
En septembre 2014, Radio 1 a apporté une série de changements à sa production qui ont vu de nombreux présentateurs notables quitter la station, notamment Edith Bowman, Nihal et Rob da Bank. Huw Stephens a gagné une nouvelle émission animée de 22h à 1h du lundi au mercredi avec Alice Levine présentant le week-end de 13h à 16h. La résidence de Radio 1 s'est également élargie avec Skream rejoignant la programmation en rotation le jeudi soir de 22h à 1h du matin.
En janvier 2015, Clara Amfo a remplacé Jameela Jamil en tant qu'animatrice de The Official Chart le dimanche (16h-19h) et en mars, Zane Lowe a quitté Radio 1 et a été remplacée par Annie Mac dans la nouvelle émission musicale du soir.
En mai 2015, Fearne Cotton a quitté la station après près de 10 ans. Son émission matinale en semaine a été reprise par Clara Amfo. Adele Roberts a également rejoint la programmation en semaine, animant l'émission Early Breakfast.
En juillet 2015, The Official Chart a été déplacé vers un vendredi de 16h à 17h45, animé par Greg James. Cette décision a été prise afin de prendre en compte les changements apportés aux dates de sortie de la musique dans le monde. Cel Spellman a rejoint Radio 1 pour animer les dimanches soirs de 16h à 19h.
Diffuser
Ateliers
Depuis sa création pendant plus de 20 ans, Radio 1 diffusait à partir d'une paire adjacente de suites de continuité (à l'origine Con A et Con B) dans la salle de contrôle principale de Broadcasting House. Ces inconvénients ont été configurés pour permettre aux DJ de faire fonctionner l'équipement eux-mêmes et de lire leurs propres disques et cartouches de jingle (appelés self-op). Il s'agissait d'une rupture avec la pratique traditionnelle de la BBC, où un directeur de studio jouait des disques depuis la cabine de contrôle du studio. En raison des restrictions de temps de diffusion, une grande partie de la musique était diffusée à partir de bandes d'enregistrements de sessions de la BBC. Les DJ étaient assistés par un ou plusieurs opérateurs techniques (TO) qui installaient les bandes et contrôlaient les niveaux sonores pendant les émissions.
En 1985, Radio 1 a traversé la route de Broadcasting House à Egton House. La station a déménagé à Yalding House en 1996 et Egton House a été démolie en 2003 pour faire place à une extension de Broadcasting House. Cette extension sera finalement rebaptisée Egton Wing, puis Peel Wing.
Jusqu'à récemment, les studios étaient situés au sous-sol de Yalding House (près de la BBC Broadcasting House), sur Great Portland Street, au centre de Londres. Ils diffusaient depuis deux studios principaux au sous-sol ; Y2 et Y3 (il existe également un studio plus petit, YP1, utilisé principalement pour la production). Ces deux studios principaux (Y2 et Y3) sont séparés par le « Live Lounge », bien que celui-ci soit principalement utilisé comme bureau ; il y a rarement des sets live enregistrés à partir de celui-ci, car Maida Vale Studios est plutôt utilisé pour des configurations plus grandes. Les studios sont reliés par des webcams et des fenêtres via le « Live Lounge », permettant aux DJ de se voir lors des changements de spectacle. Y2 est le studio à partir duquel The Chris Moyles Show a été diffusé et est également le studio équipé de caméras statiques lorsque la station diffuse sur la "Live Cam". La station y a déménagé en 1996 depuis Egton House.
En décembre 2012, Radio 1 a déménagé de Yalding House vers de nouveaux studios au 8ème étage de la nouvelle BBC Broadcasting House, Portland Place, à quelques mètres de la « Peel Wing », anciennement « Egton Wing », qui occupe le terrain sur qu'Egton House abritait auparavant : elle a été rebaptisée « Peel Wing » en 2012 en l'honneur du présentateur de longue date de BBC Radio 1, John Peel, qui a diffusé sur la station depuis son lancement en 1967 jusqu'à sa mort en 2004.
Des programmes ont également été régulièrement diffusés depuis d'autres régions, notamment The Mark and Lard Show, diffusé tous les jours de la semaine depuis New Broadcasting House, Oxford Road, Manchester pendant plus d'une décennie (octobre 1993 à mars 2004) - la plus longue diffusion régulière sur le réseau depuis l'extérieur. la capitale.
Fréquences analogiques britanniques
Radio 1 diffusait à l'origine sur ondes moyennes 1 214 kHz (soit 247 mètres). Le 23 novembre 1978, cette dernière a été déplacée vers 1 053/1 089 kHz (275/285 m), mais n'a diffusé à l'échelle nationale sur ses propres fréquences FM qu'à la fin de 1987. La BBC s'est vu attribuer trois gammes de fréquences FM en 1955, pour le Light de l'époque. Programme (maintenant BBC Radio 2), Troisième programme (maintenant BBC Radio 3) et Home Service (maintenant BBC Radio 4). Cela signifiait que lors du lancement de Radio 1, aucune gamme de fréquences FM n'était attribuée à la station, la raison officielle étant qu'il n'y avait pas d'espace même si aucune station commerciale n'avait encore été lancée sur la FM. Pour cette raison, depuis son lancement jusqu'à la fin des années 1980, Radio 1 a été autorisée à reprendre les émetteurs FM de Radio 2 pendant quelques heures par semaine – le samedi après-midi, le dimanche à l'heure du thé et le soir – notamment pour le Top 40 Singles Chart le dimanche après-midi – De 22h00 à minuit les soirs de semaine, y compris Sounds of the Seventies jusqu'en 1975, puis le spectacle John Peel (du lundi au jeudi) et le Friday Rock Show. Ainsi que la plupart des après-midi de jours fériés, lorsque Radio 2 diffusait une édition des jours fériés de Sport on 2. Pour coïncider avec le 20e anniversaire de Radio 1, la première émission FM à plein temps a été diffusée dans la région de Londres le 31 octobre 1987, mais ce fut à faible puissance sur 104,8 MHz FM.
En 1988, les fréquences FM sont devenues nationales lorsque l'allocation existante des communications de la police a changé, libérant ce que l'on appelle aujourd'hui 97-99 FM, acquis par la BBC. Ce système a été déployé le 1er septembre 1988, en commençant par les régions du centre de l'Écosse, des Midlands et du nord de l'Angleterre. Le programme d'ingénierie a été initialement achevé en 1995. Radio 1 a fait de grands efforts pour promouvoir son nouveau service FM, se renommant d'abord à l'antenne « Radio 1 FM », puis plus tard « 1FM » jusqu'en 1995.
Le gouvernement conservateur a décidé que pour accroître la concurrence sur la bande AM, il interdirait la diffusion simultanée des services disponibles sur la bande AM et la bande FM, ce qui affecterait à la fois la BBC et l'ILR. Par conséquent, les anciennes fréquences d'ondes moyennes de Radio 1 ont été réattribuées à Talk Radio UK en 1994 (maintenant Talksport). La dernière émission de Radio 1 sur MW a eu lieu le 1er juillet de la même année, "Kiss Me" de Stephen Duffy étant le dernier disque diffusé sur MW juste avant 9h00. Dans les premiers mois qui ont suivi cette fermeture, un message préenregistré avec Mark Goodier a été diffusé pour avertir les auditeurs que Radio 1 était désormais une station « uniquement FM ». Pendant ce temps, Radio 1 a commencé à diffuser sur des sous-porteuses audio de rechange sur le service satellite analogique de Sky Television, d'abord en mono (sur UK Gold) et plus tard en stéréo (sur UK Living).
Distribution numérique
La BBC a lancé ses stations de radio nationales sur la radio numérique DAB en 1995, mais la technologie était coûteuse à l'époque et n'a donc pas été commercialisée, mais utilisée plutôt comme test pour les technologies futures. Le DAB a été « officiellement » lancé en 2002 alors que les appareils devenaient moins chers. Aujourd'hui, il peut également être entendu sur les services de télévision numérique britanniques Freeview, Virgin Media, Sky et Internet ainsi que sur FM. En juillet 2005, Sirius Satellite Radio a commencé à diffuser simultanément Radio 1 à travers les États-Unis en tant que canal 11 sur son propre service et canal 6011 sur la télévision par satellite Dish Network. Sirius Canada a commencé à diffuser simultanément Radio 1 lors de son lancement le 1er décembre 2005 (également sur le canal 11). Les diffusions simultanées de Sirius ont été décalées de cinq heures pour permettre aux auditeurs américains et canadiens du fuseau horaire de l'Est d'entendre Radio 1 à la même heure de la journée que les auditeurs britanniques. Le 12 novembre 2008, Radio 1 a fait ses débuts sur XM Satellite Radio aux États-Unis et au Canada sur le canal 29, passant à XM 15 et Sirius 15 le 4 mai 2011. Jusqu'à ce que la station complète soit supprimée en août 2011, Radio 1 a pu être entendu par environ 20,6 millions d'auditeurs en Amérique du Nord uniquement sur la radio par satellite.
BBC Radio 1 peut être écoutée sur le câble aux Pays-Bas à 105,10 FM.
Annulation de SiriusXM en Amérique du Nord
Le 9 août 2011, à minuit, Sirius XM a cessé de diffuser les programmes de BBC Radio 1 sans avertissement préalable. Le 10 août 2011, la BBC a publié la déclaration suivante :
Depuis 2005, la branche commerciale de la BBC, BBC Worldwide, est en partenariat avec SIRIUS Satellite Radio pour diffuser Radio 1 sur son réseau principal. Cet accord a malheureusement pris fin et BBC Worldwide est actuellement en pourparlers avec la station de radio par satellite pour trouver des moyens continuer à proposer la chaîne musicale populaire BBC Radio 1 au public américain. Nous vous tiendrons au courant.
Des milliers de clients Sirius XM en colère ont lancé une campagne sur Facebook et d'autres médias sociaux pour rétablir BBC Radio 1 sur Sirius XM Radio. Une semaine plus tard, Sirius et la BBC ont convenu d'un nouvel accord de distribution selon lequel Radio 1 diffusait en différé sur la plateforme de radio Internet Sirius XM uniquement, sur le canal 815. La chaîne n'est toujours pas disponible sur la plateforme satellite du service. .
À partir du 15 janvier 2012, The Official Chart Show a commencé à diffuser sur SiriusXM 20on20 canal 3, à 16 h et 21 h, heure normale de l'Est.
Le 19 août 2014, SiriusXM a de nouveau arrêté de diffuser la programmation de BBC Radio 1 sans préavis. Le flux n'est plus disponible sur la plateforme Radio Internet.
Régionalisation
De 1999 à 2012, Radio 1 a divisé les pays d'origine pour des programmes localisés en Écosse, au Pays de Galles et en Irlande du Nord, afin de permettre la diffusion d'un programme de vitrine pour les talents régionaux. Plus récemment, ces émissions étaient sous la marque BBC Introducing. L'Écosse, le Pays de Galles et l'Irlande du Nord avaient leurs propres émissions, diffusées à tour de rôle toutes les trois semaines en Angleterre.
De janvier 2011 à juin 2012, le spectacle écossais a été présenté par Ally McCrae. Auparavant, il était animé par Vic Galloway (qui présente également pour BBC Radio Scotland) ; qui présentait l'émission en solo depuis 2004, après le départ de son co-animateur d'origine, Gill Mills.
L'émission du Pays de Galles a été animée par Jen Long entre janvier 2011 et mai 2012. Auparavant, Bethan Elfyn occupait le créneau, qui avait déjà animé aux côtés de Huw Stephens, jusqu'à ce que Stephens parte pour rejoindre le réseau national (Stephens diffuse toujours une émission pour la région du Pays de Galles, une émission musicale en gallois sur BBC Radio Cymru, un lundi soir entre 19h et 22h.)
Phil Taggart a présenté le programme nord-irlandais entre novembre 2011 et mai 2012. L'émission était auparavant présentée par Rory McConnell. Avant de rejoindre le réseau national, Colin Murray était présentateur de la session en Irlande du Nord, aux côtés de Donna Legge ; après la promotion de Murray au réseau, Legge a hébergé seul pendant un certain temps, et à son départ, McConnell a pris sa place.
Les opt-outs régionaux s'effectuaient à l'origine de 20h00 à 22h00 le jeudi (créneau horaire de la session du soir) et étaient connus sous le nom de Session in the Nations (l'étiquette « Session » a ensuite été abandonnée en raison de la disparition de la séance du soir); ils ont ensuite été diffusés de 19h30 à 21h00, la première demi-heure du programme de Zane Lowe étant diffusée dans tout le Royaume-Uni. Le 18 octobre 2007, les programmes régionaux ont été déplacés vers un créneau du mercredi soir/jeudi matin de minuit à 2 h 00 sous la bannière BBC Introducing, permettant à l'émission du jeudi de Lowe d'être diffusée sur tout le réseau ; avant ce changement, Huw Stephens avait présenté l'émission du mercredi minuit à l'échelle nationale. En janvier 2011, BBC Introducing a été déplacée vers le nouveau créneau horaire de 00h00 à 02h00 le lundi matin, et les émissions écossaises et galloises ont reçu de nouveaux présentateurs sous la forme d'Ally McCrae et Jen Long.
Les désinscriptions n'étaient disponibles que pour les auditeurs des fréquences FM. En raison du mode de diffusion des services DAB et TV numérique de Radio 1 (un réseau monofréquence sur DAB et un flux de diffusion unique de Radio 1 sur les plateformes TV), la version numérique de la station n'a pas été régionalisée.
Le BBC Trust a annoncé en mai 2012 que les programmes musicaux régionaux de Radio 1 seraient remplacés par un programme unique offrant une plate-forme à l'échelle du Royaume-Uni pour la nouvelle musique dans le cadre d'une série de mesures de réduction des coûts à l'échelle de la BBC. En juin 2012, les émissions régionales ont pris fin et ont été remplacées par une seule émission de présentation de la BBC présentée par Jen Long et Ally McCrae.
Contenu
Musique
En raison de sa nature axée sur la jeunesse, Radio 1 diffuse un mélange de chansons actuelles, notamment indépendantes/alternatives, rap, hip hop, rock, house, electronica, dance, drum and bass, dubstep et pop.
En raison des restrictions sur la quantité de musique commerciale pouvant être diffusée à la radio au Royaume-Uni jusqu'en 1988 (la limitation du « temps d'antenne »), la station a enregistré de nombreuses performances en direct. Des sessions en studio (enregistrements d'environ quatre morceaux réalisés en une seule journée) ont également complété le contenu musical live, beaucoup d'entre elles se retrouvant sur des LP et des CD disponibles dans le commerce. Les sessions enregistrées pour le programme de fin de soirée de John Peel sont particulièrement réputées.
La station diffuse également des documentaires et des interviews. Bien que ce type de programmation soit né d'une nécessité, il a donné de la diversité à la station. Les restrictions de temps d'antenne signifiaient que la station avait tendance à avoir un niveau de parole plus élevé de la part des DJ. Alors que la station est souvent critiquée pour ses « tergiversations » de la part des présentateurs, une « journée plus musicale » expérimentale en 1988 a été déclarée un échec après qu'un tiers seulement des appelants l'aient favorisée.
Actualités et actualités
Radio 1 a une obligation de service public de diffusion d'informations, qu'elle remplit à travers des bulletins Newsbeat tout au long de la journée. Partagés avec 1Xtra, de courts résumés d'actualités sont fournis environ toutes les demi-heures pendant la journée, avec deux bulletins de 15 minutes à 12h45 et 17h45 en semaine. Le présentateur principal est Chris Smith, avec Tina Daheley présentant pendant les heures de petit-déjeuner de Radio 1.
Visualisation en ligne et médias sociaux
Ces dernières années, Radio 1 a cherché à inclure davantage de son contenu en ligne afin de s'adapter à la nature changeante de son audience. Sa chaîne YouTube compte désormais plus d'un million d'abonnés et de nombreux reportages et événements sont diffusés à la fois sur celle-ci et sur le site Web de Radio 1.
La station est également très présente sur les réseaux sociaux, les interactions du public se produisant désormais principalement via Facebook et Twitter ainsi que par messagerie texte.
Il a été annoncé en 2013 que Radio 1 avait proposé de lancer sa propre chaîne vidéo dédiée sur BBC iPlayer, où les vidéos de performances en direct ainsi que certaines fonctionnalités et émissions seraient diffusées dans un emplacement central. Les plans ont été approuvés par le BBC Trust en novembre 2014 et la chaîne a été lancée le 10 novembre 2014.
Contrôleurs
Présentateurs
BBC Radio 1 exploite un système qui sépare tous les DJ entre les DJ de « jour » et de « nuit ».
* Les DJ 'Day' jouent de la musique généralement orientée autour de la Playlist Radio 1
* Les DJ de « nuit » jouent une « nouvelle musique » plus éclectique et spécialisée.
Jour
Jours de la semaine
* Adèle Roberts : 04h00-06h30
* Nick Grimshaw (The Radio 1 Breakfast Show) : de 6h30 à 10h00
*Clara Amfo : 10h00-12h45
* Newsbeat : 12h45-13h00
*Scott Mills : 13h00-16h00
* Greg James (Drivetime Show de Radio 1) : 16h00-19h00
**(Y compris la mise à jour des cartes officielles : lundi : 17 h 30-17 h 45)
**Newsbeat : 17h45-18h00
** Hymnes de danse de BBC Radio 1 avec Greg James : vendredi de 18h00 à 19h00
**Le classement officiel avec Greg James : vendredi de 16h00 à 17h45
Fins de semaine
* Développement : 06h00-10h00
*Matt Edmondson : 10h00-13h00
* Alice Levine : 13h00-16h00
* Hymnes de danse de BBC Radio 1 avec Danny Howard : samedi de 16h00 à 19h00
* Cel Spellman : dimanche de 16h00 à 19h00
La nuit
* Annie Mac : du lundi au jeudi de 19h00 à 21h00
* Playlists de Radio 1... : lundi de 21h00 à 22h00
* Radio 1 et Radio 1Xtra Stories : mardi de 21h00 à 22h00
* Gemma Cairney et Dr Radha Modgil (La Chirurgie) : mercredi de 21h00 à 22h00
* Playlists de Radio 1... : jeudi de 21h00 à 22h00
* Huw Stephens : du lundi au mercredi de 22h00 à 01h00
* Résidence de Radio 1 : jeudi de 22h00 à 01h00
* Monki : lundi de 01h00 à 04h00
* Friction : mardi de 01h00 à 04h00
* Annie Nightingale : mercredi de 01h00 à 04h00
* Benji B : jeudi de 01h00 à 04h00
* Toddla T : vendredi de 01h00 à 04h00
Le vendredi soir, 11 heures de musique de danse
*Annie Mac : 19h00-22h00
* Pete Tong : 22h00-01h00
* B.Traits : 01h00 à 04h00
* Mélange essentiel : de 04h00 à 06h00
Les samedis soirs comprennent 11 heures de musique urbaine 1Xtra Takeover qui, depuis octobre 2009, est entièrement diffusée simultanément sur BBC Radio 1Xtra.
* MistaJam : 19h00-22h00
* Charlie Sloth : 22h00-01h00
* Cible DJ : 01h00-04h00
* Diplo et ses amis : de 04h00 à 06h00
dimanche soir
* Daniel P. Carter (spectacle de rock) : 19h00-22h00
* Phil Taggart : 22h00-01h00
Programmation notable
Petit-déjeuner
Le spectacle du petit-déjeuner a été présenté par de nombreux noms célèbres au fil des ans. Actuellement, ce créneau est diffusé entre 6h30 et 10h00, du lundi au vendredi et est animé par Nick Grimshaw.
Afficher le graphique
L'émission de BBC Radio 1 avait diffusé le UK Singles Chart exclusivement le dimanche après-midi depuis le début du programme ; mais cela a été déplacé le vendredi en juillet 2015. Diffusant actuellement de 16h00 à 17h45, le format, la durée et l'heure de début ont varié au fil des ans. Pendant de nombreuses années, la série s'est targuée de jouer les 40 singles dans le top 40, mais cette pratique a pris fin lorsque Wes Butters a pris la relève en tant que présentateur en 2003 ; alors seules les pistes inférieures au numéro 20 à lire étaient les nouvelles entrées. L'émission a pris son format actuel le 10 juillet 2015, présentée par Greg James dans son créneau horaire habituel. Les numéros 40 à 26 sont rapidement survolés puis les 25 premiers sont joués dans leur intégralité.
Programmation spéciale
Programmation des jours fériés
Radio 1 propose une programmation alternative certains jours fériés. Les programmes comprenaient « The 10 Hour Takeover », une émission spéciale basée sur une demande, dans laquelle les DJ à l'antenne encourageaient les auditeurs à sélectionner n'importe quel morceau disponible à jouer, « One Hit Wonder Day » et « The Chart Of The Decade » où les 150 les singles les plus vendus au cours des 10 dernières années ont été comptés à rebours et joués en intégralité.
40ème anniversaire
Le dimanche 30 septembre 2007, Radio 1 a fêté ses 40 ans. Pour marquer cet anniversaire, Radio 1 a animé une semaine de reportages spéciaux, dont :
* Spectacles spéciaux animés par des légendes de la musique à 21h00 chaque jour de la semaine.
* Entre 9h00 et 10h00 sur le show de Chris Moyles, la meilleure musique des 40 dernières années (une recréation de Golden Hour de Simon Bates).
* Lecture des anciens jingles de Radio 1, créés par JAM Creative Productions.
* 40 artistes différents ont interprété 40 reprises différentes, une par année depuis la création de Radio 1. Les 40 chansons ont été jouées dans les semaines précédant la sortie de l'album de compilation Radio 1 establishment 1967.
* Le jour de l'anniversaire, Chris Moyles a été rejoint dans un petit-déjeuner spécial par Tony Blackburn.
* Vernon Kay a interviewé d'anciens présentateurs du Breakfast Show, dont Noel Edmonds, Dave Lee Travis et Mike Smith.
* Sara Cox et Zoë Ball, anciennes animatrices du Breakfast Show, se sont associées pour présenter un spectacle anniversaire le dimanche.
* Les anciens lecteurs de nouvelles, dont Peter Bowes, Richard Evans et Rod McKenzie, sont revenus présenter les bulletins.
Charité
Radio 1 soutient régulièrement les associations caritatives Comic Relief, Sport Relief et Children in Need.
Le 18 mars 2011, Chris Moyles, le DJ du petit-déjeuner le plus ancien de la BBC Radio 1, et son acolyte Dave Vitty ont diffusé pendant 52 heures dans le cadre d'une tentative de record du monde Guinness, au profit de Comic Relief. Le duo est resté à l'antenne pendant 52 heures au total, établissant un nouveau record du monde pour le « Radio DJ Endurance Marathon (Team) » après avoir déjà battu le record de 12 ans de Simon Mayo pour l'émission la plus longue de Radio 1 de 37 heures, qu'il avait établi en 1999, également pour Soulagement comique.
Les présentateurs ont commencé le 16 mars 2011 et ont quitté l'antenne à 10 h 30 le 18 mars 2011. Au cours de cette émission, Fearne Cotton a parié avec le DJ Chris Moyles que s'ils récoltaient plus de 2 000 000 £, elle apparaîtrait dans l'émission en maillot de bain. Après avoir dépassé la barre des 2 000 000 £, Cotton est apparu sur la webcam du studio dans un maillot de bain monochrome à rayures. La parution de Cotton entre 10h10 et 10h30 a provoqué le crash du site Internet de Radio 1 en raison d'un trafic important.
Au total, l'événement a permis de récolter 2 622 421 £ pour Comic Relief.
Drame
En 1981, Radio 1 diffuse une adaptation radiophonique du film space opera Star Wars. La série de 13 épisodes a été adaptée pour la radio par l'auteur Brian Daley et réalisée par John Madden, et était une coproduction entre la BBC et la chaîne américaine NPR.
E | http://www.quizballs.com/ |
En quelle année la série télévisée britannique « Doctor Who » a-t-elle été diffusée pour la première fois ? | 1963 | [
"Les émissions britanniques ont eu tendance à se tourner vers des séries plus courtes ces dernières années. Par exemple, la première série de longue émission de science-fiction Doctor Who en 1963 comportait quarante-deux épisodes de 25 minutes, ce chiffre est tombé à 25 en 1970 pour s'adapter aux changements de production et s'est poursuivi jusqu'en 1984. En 1985, des épisodes moins nombreux mais plus longs ont été diffusés. , mais même après un retour aux épisodes plus courts en 1986, le manque de soutien au sein de la BBC a entraîné la commande de moins d'épisodes, ce qui a abouti à seulement quatorze épisodes de 25 minutes, contre ceux de 1989, après quoi la série a été annulée. La reprise de Doctor Who de 2005 comprend treize tranches de 45 minutes. Cependant, certaines séries au Royaume-Uni ont un plus grand nombre d'épisodes, par exemple Waterloo Road a commencé avec 8 à 12 épisodes, mais à partir de la troisième série, elle est passée à 20 épisodes et la septième série contiendra 30 épisodes. Récemment, les réseaux américains non câblés ont également commencé à expérimenter des séries plus courtes pour certains programmes, notamment les émissions de téléréalité, comme Survivor. Cependant, ils diffusent souvent deux séries par an, ce qui donne à peu près le même nombre d'épisodes par an qu'une série dramatique."
] | Un programme télévisé est un segment de contenu destiné à être diffusé par voie hertzienne, par câble ou par Internet, autre qu'une publicité, une bande-annonce ou tout autre segment de contenu ne servant pas à attirer le public. Il peut s'agir d'une production unique, ou plus communément d'une série de productions connexes (également appelées séries télévisées ou émissions de télévision).
Un nombre limité d'épisodes d'une série télévisée peut être appelé une mini-série, une série ou une série limitée. Les séries sans durée fixe sont généralement divisées en saisons (États-Unis) ou séries (Royaume-Uni), en séries annuelles ou semestrielles de nouveaux épisodes. Bien qu’il n’y ait pas de durée définie, l’industrie américaine privilégie traditionnellement des saisons de télévision plus longues que celles des autres pays.
Une émission ponctuelle peut être qualifiée de « spéciale », ou particulièrement au Royaume-Uni, d'« épisode spécial ». Un téléfilm (« téléfilm » ou « téléfilm ») est un film initialement diffusé à la télévision plutôt que sorti en salles ou directement en vidéo.
Un programme peut être soit enregistré, comme sur bande vidéo, soit sous diverses formes de médias électroniques, joué avec un lecteur à la demande ou visionné à la télévision en direct.
Formats
Les programmes télévisés peuvent être fictifs (comme dans les comédies et les drames) ou non fictifs (comme dans les documentaires, les informations et la télé-réalité). Il peut être d'actualité (comme dans le cas d'un journal télévisé local et de certains téléfilms) ou historique (comme dans le cas de nombreux documentaires et séries de fiction). Ils peuvent être principalement pédagogiques ou éducatifs, ou divertissants comme c'est le cas dans les comédies de situation et les jeux télévisés.
Un programme dramatique présente généralement un ensemble d'acteurs jouant des personnages dans un décor historique ou contemporain. Le programme suit leur vie et leurs aventures. À l'exception des feuilletons de type feuilleton, de nombreuses émissions, surtout avant les années 1980, sont restées statiques sans arcs d'histoire, et les personnages principaux et les prémisses ont peu changé. Si un changement survenait dans la vie des personnages au cours de l'épisode, il était généralement annulé à la fin. (Pour cette raison, les épisodes pouvaient être diffusés dans n'importe quel ordre.) Depuis les années 1980, de nombreuses séries présentent des changements progressifs dans l'intrigue, les personnages ou les deux. Par exemple, Hill Street Blues et St. Elsewhere ont été deux des premières séries télévisées dramatiques américaines aux heures de grande écoute à avoir ce type de structure dramatique, tandis que la série ultérieure, Babylon 5, est un exemple extrême d'une telle production qui avait une histoire prédéterminée. au cours de sa course prévue de cinq saisons.
En 2012, il a été rapporté que la télévision devenait une part plus importante des revenus des grandes sociétés de médias que le cinéma. Certains ont également noté l'amélioration de la qualité de certains programmes télévisés. En 2012, le réalisateur oscarisé Steven Soderbergh, commentant l'ambiguïté et la complexité des personnages et du récit, a déclaré : « Je pense que ces qualités sont désormais visibles à la télévision et que les gens qui veulent voir des histoires qui ont ce genre de qualités sont regarder la télévision."
Genre
Divertissement scénarisé
* Animé
* Remises de prix (partiellement scénarisées)
* Drame, qui comprend :
** Action-aventure ou Thriller
** Comédie dramatique
** Drame juridique
** Drame médical
** Procédure policière
** Drame politique
** Science-fiction, fantastique, horreur, drame surnaturel
** Drame en série
** Feuilleton
** Drame pour adolescents
* Miniséries et téléfilms
* Comédie
** Faux documentaire
**Satire
** Comédie de situation
** Comédie à sketches
Divertissement non scénarisé
* Jeux télévisés
* Réalité
* Talk shows
* Spectacles de talents
Informatif
* Infopublicités – Spots publicitaires payants d'une durée maximale d'une heure
* Programmes d'information
* Documentaires
* Magazine d'information télévisée – Traitant de l'actualité
Développement
États-Unis
Lorsqu'une personne ou une entreprise décide de créer une nouvelle série, elle développe les éléments de la série, à savoir le concept, les personnages, l'équipe et le casting. Ensuite, ils le proposent ("pitch") aux différents réseaux pour tenter d'en trouver un suffisamment intéressé pour commander un prototype du premier épisode de la série, appelé pilote. Eric Coleman, responsable de l'animation chez Disney, a déclaré à un intervieweur : « Une idée fausse est qu'il est très difficile d'entrer et de présenter votre émission, alors qu'en réalité, les responsables du développement des réseaux veulent vraiment entendre des idées. faites savoir quels types d'émissions ils recherchent.
Pour créer le pilote, il faut réunir la structure et l’équipe de toute la série. Si le réseau aime le pilote, il reprend l'émission pour la diffuser la saison suivante (généralement à l'automne). Parfois, ils le conservent pour la mi-saison ou demandent des réécritures et des révisions plus approfondies (ce que l'industrie appelle l'enfer du développement). D'autres fois, ils passent complètement, obligeant le créateur de la série à "faire le tour" sur d'autres réseaux. De nombreuses émissions ne dépassent jamais le stade pilote.
La série embauche une équipe de scénaristes, qui travaillent généralement en parallèle : le premier scénariste travaille sur le premier épisode, le second sur le deuxième épisode, etc. Lorsque tous les scénaristes ont été utilisés, l'attribution des épisodes recommence avec le premier scénariste. Dans d’autres émissions, cependant, les scénaristes travaillent en équipe. Parfois, ils développent des idées d'histoire individuellement et les présentent au créateur de la série, qui les rassemble dans un scénario et les réécrit.
Si l'émission est reprise, le réseau commande une « série » d'épisodes – généralement seulement six ou 13 épisodes au début, bien qu'une saison comprenne généralement au moins 22 épisodes. (Les sept et neuf derniers épisodes de la mi-saison sont parfois appelés « mi-sept » et « neuf derniers » – empruntant les termes familiers au bowling et au golf).
Royaume-Uni
Contrairement au modèle américain illustré ci-dessus, la procédure britannique est appliquée à une échelle parfois similaire, mais beaucoup plus petite.
La méthode de « l'écriture en équipe » est utilisée sur certaines séries dramatiques plus longues (comportant généralement un maximum d'environ 13 épisodes). L'idée d'un tel programme peut être générée « en interne » par l'un des réseaux ; il peut provenir d'une société de production indépendante (parfois un produit des deux). Par exemple, le feuilleton de longue date de la BBC, EastEnders, est entièrement une production de la BBC, tandis que sa série dramatique populaire Life on Mars a été développée par Kudos en association avec le diffuseur.
Cependant, il existe encore un nombre important de programmes (généralement des sitcoms) construits autour d’un ou deux scénaristes seulement et d’une petite équipe de production soudée. Ceux-ci sont « pitchés » de manière traditionnelle, mais comme le(s) créateur(s) s'occupent de toutes les exigences d'écriture, il y a une série de six ou sept épisodes par série une fois l'approbation donnée. Bon nombre des comédies britanniques les plus populaires ont été réalisées de cette manière, notamment Flying Circus de Monty Python (bien qu'avec une équipe exclusive de six scénaristes-interprètes), Fawlty Towers, Blackadder et The Office.
Production
Au sein de la société de production, souvent distincte du diffuseur, le producteur exécutif, souvent le créateur de l'émission, est en charge de la gestion de l'émission. Ils sélectionnent l'équipe et aident à choisir les acteurs, approuvent et parfois écrivent les intrigues de la série (certains écrivent ou réalisent même des épisodes majeurs). Divers autres producteurs contribuent au bon déroulement du spectacle.
Comme pour le cinéma ou d’autres productions de médias électroniques, la production d’un épisode individuel peut être divisée en trois parties. Ceux-ci sont:
Pré-production
La pré-production commence lorsqu'un scénario est approuvé. Un réalisateur est choisi pour planifier le look final de l'épisode.
Les tâches de pré-production comprennent le storyboard, la construction des décors, des accessoires et des costumes, le casting des stars invitées, la budgétisation, l'acquisition de ressources comme l'éclairage, les effets spéciaux, les cascades, etc. Une fois le spectacle planifié, il doit ensuite être programmé ; les scènes sont souvent tournées dans le désordre, les acteurs invités ou même les habitués peuvent n'être disponibles qu'à certaines heures. Parfois, la photographie principale de différents épisodes doit être réalisée en même temps, ce qui complique le calendrier (une star invitée peut tourner des scènes de deux épisodes le même après-midi). Des scènes complexes sont traduites du storyboard en animatiques pour clarifier davantage l'action. Les scripts sont ajustés pour répondre aux exigences changeantes.
Certaines émissions ont un petit groupe de réalisateurs, mais s'appuient aussi généralement sur des réalisateurs extérieurs. Compte tenu des contraintes de temps de diffusion, une seule émission peut comporter deux ou trois épisodes en pré-production, un ou deux épisodes en photographie principale et quelques autres en diverses étapes de post-production. La tâche de réalisation est suffisamment complexe pour qu'un seul réalisateur ne puisse généralement pas travailler sur plus d'un épisode ou d'une émission à la fois, d'où la nécessité de plusieurs réalisateurs.
Photographie principale
La photographie principale est le tournage proprement dit de l'épisode. Le réalisateur, les acteurs et l'équipe se réunissent dans un studio de télévision ou sur place pour filmer ou filmer une scène. Une scène est ensuite divisée en plans, qui doivent être planifiés lors de la pré-production. En fonction du calendrier, une scène peut être tournée dans un ordre non séquentiel de l'histoire. Les conversations peuvent être filmées deux fois sous des angles de caméra différents, souvent en utilisant des remplaçants, de sorte qu'un acteur peut interpréter toutes ses répliques dans une série de plans, puis l'autre côté de la conversation est filmé dans la perspective opposée. Pour terminer une production à temps, une deuxième unité peut filmer une scène différente sur un autre plateau ou lieu en même temps, en utilisant un ensemble d'acteurs différent, un assistant réalisateur et une équipe de la deuxième unité. Un directeur de la photographie supervise l'éclairage de chaque plan pour assurer la cohérence.
Post-production
Une fois le tournage principal terminé, les producteurs coordonnent les tâches pour commencer le montage vidéo. Des effets vidéo visuels et numériques sont ajoutés au film ; ceci est souvent sous-traité à des entreprises spécialisées dans ces domaines. Souvent, la musique est interprétée par le chef d'orchestre en utilisant le film comme référence temporelle (d'autres éléments musicaux peuvent être préalablement enregistrés). Un monteur assemble les différents morceaux du film, ajoute la partition musicale et les effets, détermine les transitions de scène et assemble le spectacle terminé.
Budgets et revenus
La plupart des chaînes de télévision dans le monde sont « commerciales », et dépendent de la vente de temps publicitaire ou de l'acquisition de sponsors. La principale préoccupation des dirigeants de la radiodiffusion concernant leur programmation concerne la taille de l'audience. Autrefois, le nombre de stations « gratuites » était limité par la disponibilité des fréquences des chaînes, mais la technologie de la télévision par câble (en dehors des États-Unis, télévision par satellite) a permis une expansion du nombre de chaînes disponibles pour les téléspectateurs (parfois à des tarifs majorés). dans un environnement beaucoup plus compétitif.
Aux États-Unis, la production d'une série dramatique diffusée sur les réseaux de diffusion coûte en moyenne 3 millions de dollars par épisode, tandis que les séries dramatiques par câble coûtent en moyenne 2 millions de dollars. L'épisode pilote peut être plus cher qu'un épisode régulier. En 2004, le pilote de deux heures de Lost a coûté entre 10 et 14 millions de dollars, en 2008, le pilote de deux heures de Fringe a coûté 10 millions de dollars et en 2010, Boardwalk Empire coûtait 18 millions de dollars pour le premier épisode. En 2011, Game of Thrones coûtait entre 5 et 10 millions de dollars, Pan Am coûtait environ 10 millions de dollars, tandis que le projet pilote de deux heures de Terra Nova coûtait entre 10 et 20 millions de dollars.
Aux États-Unis, de nombreuses émissions de télévision scénarisées en réseau sont financées par le financement par déficit : un studio finance le coût de production d'une émission et un réseau paie une redevance au studio pour le droit de diffuser l'émission. Cette redevance ne couvre pas les coûts de production de l'émission, ce qui entraîne un déficit. Bien que le studio ne récupère pas son argent lors de la diffusion originale de l’émission, il conserve la propriété de l’émission. Cette conservation de la propriété permet au studio de récupérer son argent et de réaliser des bénéfices grâce à la syndication et aux ventes de DVD et de disques Blu-ray. Ce système fait peser la majeure partie du risque financier sur les studios, mais une émission qui connaît un succès sur les marchés de la syndication et de la vidéo domestique peut largement compenser les manques. Bien que le système de financement par déficit impose un risque financier minime aux réseaux, ils perdent les bénéfices futurs des grands succès, puisqu'ils n'accordent que des licences pour les émissions.
Les coûts sont récupérés principalement grâce aux revenus publicitaires des réseaux de diffusion et de certaines chaînes câblées, tandis que d'autres chaînes câblées dépendent des revenus d'abonnement. En général, les annonceurs, et par conséquent les réseaux qui dépendent des revenus publicitaires, s'intéressent davantage au nombre de téléspectateurs dans la tranche d'âge 18-49 ans qu'au nombre total de téléspectateurs. Les annonceurs sont prêts à payer plus pour faire de la publicité sur des émissions qui réussissent auprès des jeunes adultes, car ils regardent moins la télévision et sont plus difficiles à atteindre que les adultes plus âgés. Selon Advertising Age, au cours de la saison 2007-2008, Grey's Anatomy a pu facturer 419 000 $ par publicité, contre seulement 248 000 $ pour une publicité pendant CSI, bien que CSI ait en moyenne près de cinq millions de téléspectateurs supplémentaires. En raison de sa force dans les jeunes démos, Friends a pu facturer presque trois fois plus pour une publicité que Murder, She Wrote, même si les deux séries avaient un nombre total de téléspectateurs similaire au cours des saisons où elles ont été diffusées ensemble. Glee et The Office ont attiré moins de téléspectateurs que NCIS au cours de la saison 2009-2010, mais ont gagné en moyenne 272 694 $ et 213 617 $ respectivement, contre 150 708 $ pour NCIS.
Distribution
Après la production, l'émission est remise au réseau de télévision, qui l'envoie à ses stations affiliées, qui la diffusent dans la tranche horaire de programmation spécifiée. Si les audiences Nielsen sont bonnes, la série reste en vie le plus longtemps possible. Dans le cas contraire, le spectacle est généralement annulé. Les créateurs de la série doivent ensuite parcourir les épisodes restants et la possibilité de futurs épisodes sur d'autres réseaux. Dans les séries particulièrement réussies, les producteurs arrêtent parfois eux-mêmes une série comme Seinfeld, The Cosby Show, Corner Gas et M*A*S*H et la terminent par un épisode final, qui est parfois une grande finale de série. .
En de rares occasions, une série qui n'a pas attiré des audiences particulièrement élevées et qui a été annulée peut bénéficier d'un sursis si les ventes de DVD ont été particulièrement fortes. Cela s’est produit dans les cas de Family Guy aux États-Unis et de Peep Show au Royaume-Uni.
Si l'émission est populaire ou lucrative et qu'un certain nombre d'épisodes (généralement 100 épisodes ou plus) sont réalisés, elle est soumise à la syndication de diffusion (aux États-Unis) où les droits de diffusion du programme sont ensuite revendus.
Saisons/séries
La terminologie utilisée pour définir un ensemble d'épisodes produits par une série télévisée varie d'un pays à l'autre.
Utilisation nord-américaine
À la télévision nord-américaine, une série est un ensemble connecté d'épisodes de programmes télévisés diffusés sous le même titre, s'étendant éventuellement sur plusieurs saisons. Depuis la fin des années 1960, cette grille de programmation comprend généralement entre 20 et 26 épisodes. (Avant cela, une saison de télévision régulière pouvait compter en moyenne au moins 30 épisodes.) Jusque dans les années 1980, la plupart (mais certainement pas la totalité) des nouveaux programmes destinés aux réseaux de diffusion faisaient leurs débuts lors de la « saison d'automne », qui se déroulait de septembre à mars. et contenait nominalement de 24 à 26 épisodes. Ces épisodes ont été rediffusés pendant la saison du printemps (ou de l'été), d'avril à août. Grâce à la télévision par câble et aux balayages Nielsen, la saison « d'automne » s'étend désormais normalement jusqu'en mai. Ainsi, une « saison complète » sur un réseau de diffusion s'étend désormais généralement de septembre à mai et comprend au moins 22 épisodes.
Une saison complète est parfois divisée en deux unités distinctes avec une interruption vers la fin de l'année civile, comme la première saison de Jericho sur CBS. Lorsque cette scission se produit, la dernière moitié des épisodes est parfois désignée par la lettre B comme dans "Les neuf derniers épisodes (des Sopranos) feront partie de ce qu'on appelle soit la "Saison 6, partie 2" ou la "Saison". 6B", ou dans "Futurama divise ses saisons de la même manière que South Park, en faisant une demi-saison à la fois, c'est donc la saison 6B pour eux." Depuis les années 1990, ces saisons plus courtes sont également appelées ". 5" ou demi-saisons, où la série d'émissions entre septembre et décembre est étiquetée "Saison X", et la deuxième série entre janvier et mai étiquetée "Saison X.5". Des exemples incluent l'incarnation 2004 de Battlestar Galactica, ABC's FlashForward et Make It or Break It de ABC Family.
De nos jours, une nouvelle série est souvent commandée (financée) pour les 10 à 13 premiers épisodes seulement, afin d'évaluer l'intérêt du public. Si elle est "reprise", la saison se termine aux 20 à 26 épisodes habituels. Un remplacement de mi-saison est une émission peu coûteuse de courte durée (10 à 13 épisodes) conçue pour remplacer une série originale qui n'a pas réussi à attirer un public et n'a pas été reprise. Une « finale de série » est la dernière émission de la série avant que l'émission ne soit plus produite. (Au Royaume-Uni, cela signifie la fin d'une saison, ce qu'on appelle aux États-Unis une « finale de saison »).
Utilisation au Royaume-Uni et en Australie
Au Royaume-Uni et dans d'autres pays, ces ensembles d'épisodes sont appelés « séries ». En Australie, la diffusion peut être différente de l'usage nord-américain ; cependant, les termes série et saison sont tous deux utilisés et sont identiques. Par exemple, Battlestar Galactica propose une série originale ainsi qu'un remake, les deux étant considérées comme des séries différentes avec leur propre nombre de saisons individuelles.
La télévision australienne ne suit pas les « saisons » comme le fait la télévision américaine ; par exemple, il n'y a pas de « saison d'automne » ni d'« horaire d'automne ». Pendant de nombreuses années, les dramatiques nocturnes populaires en Australie étaient diffusées pendant une grande partie de l'année et n'étaient en pause que pendant la période estivale (décembre-février, comme l'Australie est dans l'hémisphère sud), lorsque les audiences ne sont pas prises. Par conséquent, les drames populaires se déroulent généralement de février à novembre de chaque année. Cette grille a été utilisée dans les années 1970 pour des séries dramatiques populaires, notamment Numéro 96. De nombreuses séries dramatiques, telles que McLeod's Daughters, ont reçu en majorité entre 22 et 32 épisodes par saison. En règle générale, un feuilleton tel que Home and Away commencerait une nouvelle saison fin janvier et la finale de la saison serait diffusée fin novembre, avec 220 à 230 épisodes par saison. Cependant, pendant les Jeux olympiques, Home and Away faisait souvent une pause, ce que l'on appelle un « cliffhanger olympique ». Le nombre d’épisodes diminuerait donc. Ce n'est plus le cas, car les Jeux olympiques ne sont plus diffusés en hiver sur Seven Network depuis 2012. Les saisons des séries de comédies de situation australiennes durent environ 13 épisodes et sont diffusées en première à tout moment entre février et novembre.
Les émissions britanniques ont eu tendance à se tourner vers des séries plus courtes ces dernières années. Par exemple, la première série de longue émission de science-fiction Doctor Who en 1963 comportait quarante-deux épisodes de 25 minutes, ce chiffre est tombé à 25 en 1970 pour s'adapter aux changements de production et s'est poursuivi jusqu'en 1984. En 1985, des épisodes moins nombreux mais plus longs ont été diffusés. , mais même après un retour aux épisodes plus courts en 1986, le manque de soutien au sein de la BBC a entraîné la commande de moins d'épisodes, ce qui a abouti à seulement quatorze épisodes de 25 minutes, contre ceux de 1989, après quoi la série a été annulée. La reprise de Doctor Who de 2005 comprend treize tranches de 45 minutes. Cependant, certaines séries au Royaume-Uni ont un plus grand nombre d'épisodes, par exemple Waterloo Road a commencé avec 8 à 12 épisodes, mais à partir de la troisième série, elle est passée à 20 épisodes et la septième série contiendra 30 épisodes. Récemment, les réseaux américains non câblés ont également commencé à expérimenter des séries plus courtes pour certains programmes, notamment les émissions de téléréalité, comme Survivor. Cependant, ils diffusent souvent deux séries par an, ce qui donne à peu près le même nombre d'épisodes par an qu'une série dramatique.
Il s'agit d'une réduction par rapport aux années 1950, dans lesquelles de nombreuses émissions américaines (par exemple Gunsmoke) comptaient entre 29 et 39 épisodes par saison. Le temps de narration réel au cours d'une heure de télévision commerciale a également progressivement diminué au fil des ans, passant de 50 minutes sur 60 à 44 minutes aujourd'hui (et même moins sur certains réseaux), à partir du début du 21e siècle.
L'utilisation de « saison » et de « série » diffère pour les sorties DVD et Blu-ray en Australie et au Royaume-Uni. En Australie, de nombreuses émissions produites localement sont appelées différemment sur les sorties vidéo personnelles. Par exemple, un ensemble de séries dramatiques télévisées Packed to the Rafters ou Wentworth est appelé « saison » (« La première saison complète », etc.), tandis que les séries dramatiques telles que Tangle sont connues sous le nom de « série » (« Série »). Série 1", etc.). Cependant, les émissions produites au Royaume-Uni telles que Mrs. Brown's Boys sont appelées « saison » en Australie pour les sorties DVD et Blu-ray.
Au Royaume-Uni, la plupart des émissions produites en Grande-Bretagne sont appelées « séries » pour les DVD et Blu-ray, à l'exception des émissions telles que les séries dramatiques Hex et Echo Beach, qui sont connues sous le nom de « saison ». « Season » n'est utilisé que pour les sorties d'émissions américaines, australiennes et internationales. Bien que, dans le passé, lorsqu'une série américaine sortait, elle était appelée « série », par exemple Friends : Série 1. Cependant, toute réédition ultérieure est désormais connue sous le nom de « saison ».
Aux États-Unis, les dramatiques produites pour des tranches horaires d'une heure durent généralement de 39 à 42 minutes (hors publicités), tandis que les sitcoms produites pour des tranches horaires de 30 minutes durent généralement de 18 à 21 minutes. Il existe des exceptions, car les chaînes de télévision par abonnement (comme Showtime) proposent des épisodes de 45 à 48 minutes de programme, comme en Grande-Bretagne.
En Grande-Bretagne, les dramatiques durent environ 45 à 48 minutes, dont 57 à 59 minutes sur BBC1. Les sitcoms varient considérablement et durent généralement entre 22 et 27 minutes et entre 27 et 29 minutes sur BBC1. La durée plus longue sur les chaînes de télévision nationales (BBC1 et BBC2) est due au manque de publicité, nécessitant uniquement du temps pour relier les commentaires et les bandes-annonces dans chaque case de programme.
Guides des programmes par pays
* Australie
* Inde | http://www.quizballs.com/ |
Quel est le nom des mannequins en plastique grandeur nature de la série télévisée Doctor Who, dont les premiers sont arrivés sur Terre dans des météorites creuses en plastique avec des armes mortelles dissimulées dans leurs mains ? | Autons | [
"Au cours de la deuxième série de Jon Pertwee dans le rôle du Docteur, dans la série Terror of the Autons (1971), des images de poupées en plastique meurtrières, de jonquilles tuant des victimes sans méfiance et de policiers aux traits vides ont marqué le sommet de la capacité de la série à effrayer les enfants. D'autres moments notables de cette décennie incluent un cerveau désincarné tombant au sol dans Le Cerveau de Morbius et le Docteur apparemment noyé par le Chancelier Goth dans L'Assassin Mortel (tous deux en 1976)."
] | Doctor Who est un programme télévisé britannique de science-fiction produit par la BBC depuis 1963. Le programme dépeint les aventures du Docteur, un Seigneur du Temps, un extraterrestre humanoïde voyageant dans l'espace et dans le temps. Il explore l'univers dans son TARDIS, un vaisseau spatial sensible qui voyage dans le temps. Son extérieur ressemble à une cabine bleue de la police britannique, ce qui était courant en Grande-Bretagne en 1963, lors de la première diffusion de la série. Accompagné de compagnons, le Docteur combat divers ennemis, tout en œuvrant pour sauver les civilisations et aider les personnes dans le besoin.
L’émission fait partie intégrante de la culture populaire britannique et est devenue ailleurs un favori de la télévision culte. L'émission a influencé des générations de professionnels de la télévision britannique, dont beaucoup ont grandi en regardant la série. Le programme s'est initialement déroulé de 1963 à 1989. Il y a eu une tentative infructueuse de relance de la production régulière en 1996 avec un pilote détourné, sous la forme d'un téléfilm. Le programme a été relancé en 2005 par Russell T Davies, qui a été showrunner et scénariste en chef pendant les cinq premières années de sa reprise, produite en interne par BBC Wales à Cardiff. La première série du 21e siècle mettait en vedette Christopher Eccleston dans le rôle titre et était produite par la BBC. Doctor Who a également donné naissance à des spin-offs dans plusieurs médias, notamment Torchwood (2006-2011) et The Sarah Jane Adventures (2007-2011), tous deux créés par Russell T Davies ; K-9 (2009-2010); et un seul épisode pilote de K-9 and Company (1981). Il y a également eu de nombreuses parodies et références culturelles au personnage dans d'autres médias.
Douze acteurs ont été les vedettes de la série dans le rôle du Docteur. Le passage d'un acteur à l'autre est inscrit dans l'intrigue du spectacle, ainsi que l'approche différente du rôle que chacun apporte, sous le concept de régénération vers une nouvelle incarnation. La prémisse de la série est qu'il s'agit d'un processus de vie des Time Lords à travers lequel le personnage du Docteur acquiert un nouveau corps et, dans une certaine mesure, une nouvelle personnalité, qui survient après avoir subi une blessure qui serait mortelle pour la plupart des autres espèces. La représentation de chaque acteur diffère, mais ils sont tous censés être des aspects du même personnage et faire partie du même scénario. La nature de l'intrigue qui voyage dans le temps signifie que, à l'occasion, différents médecins se sont rencontrés. Peter Capaldi a assumé le rôle après le départ de Matt Smith dans le spécial de Noël 2013 "The Time of the Doctor".
Prémisse
Doctor Who suit les aventures du personnage principal, un Seigneur du Temps voyou de la planète Gallifrey, qui s'appelle simplement "Le Docteur". Il a fui Gallifrey dans une machine à voyager dans le temps volée Mark I Type 40 TARDIS – "Temps et dimension relative dans l'espace" – qui lui permet de voyager à travers le temps et l'espace. Le TARDIS dispose d'un "circuit caméléon" qui permet normalement à la machine de prendre l'apparence d'objets locaux comme déguisement. Cependant, le TARDIS du Docteur reste fixe comme une boîte bleue de la police britannique en raison d'un dysfonctionnement dans le circuit caméléon.
Le Docteur voyage rarement seul et amène souvent un ou plusieurs compagnons pour partager ces aventures. Ses compagnons sont généralement des humains, car il est fasciné par la planète Terre. Il trouve souvent des événements qui piquent sa curiosité alors qu'il tente d'empêcher les forces du mal de nuire à des innocents ou de changer l'histoire, en utilisant uniquement son ingéniosité et ses ressources minimales, comme son tournevis sonique polyvalent. En tant que Seigneur du Temps, le Docteur a la capacité de se régénérer lorsque son corps est mortellement endommagé, prenant une nouvelle apparence et une nouvelle personnalité. Le Docteur a gagné de nombreux ennemis récurrents au cours de ses voyages, notamment les Daleks, les Cybermen et le Maître, un autre Seigneur du Temps renégat.
Histoire
Doctor Who est apparu pour la première fois sur BBC TV à 17 h 16 min 20 s GMT, quatre-vingts secondes après l'heure prévue du programme, 17 h 15, le samedi 23 novembre 1963. Il devait s'agir d'un programme hebdomadaire régulier, chaque épisode comportant 25 minutes de transmission. longueur. Les discussions et les plans pour le programme étaient en cours depuis un an. Le chef du drame, le Canadien Sydney Newman, était principalement responsable du développement du programme, le premier document de format de la série étant écrit par Newman avec le chef du département de scénario (plus tard chef des séries) Donald Wilson et le scénariste C. E. Webber. . L'écrivain Anthony Coburn, le rédacteur en chef David Whitaker et la productrice initiale Verity Lambert ont également fortement contribué au développement de la série. Newman se voit souvent attribuer le mérite du seul créateur de la série. Certains ouvrages de référence tels que The Complete Encyclopedia of Television Programs 1947–1979 de Vincent Terrace attribuent à tort à Terry Nation la création de Doctor Who, en raison de la façon dont son nom est crédité dans les deux films de Peter Cushing. Le rôle de Newman et Lambert dans la création de la série était reconnu dans l'épisode de 2007 « Human Nature », dans lequel le Docteur, déguisé en humain nommé John Smith, donne les noms de ses parents comme Sydney et Verity. Le programme était initialement destiné à un public familial, en tant que programme éducatif utilisant le voyage dans le temps comme moyen d'explorer des idées scientifiques et des moments célèbres de l'histoire. Le 31 juillet 1963, Whitaker chargea Terry Nation d'écrire une histoire sous le titre Les Mutants. Comme écrit à l'origine, les Daleks et les Thals ont été victimes d'une attaque extraterrestre à la bombe à neutrons, mais Nation a ensuite laissé tomber les extraterrestres et a fait des Daleks les agresseurs. Lorsque le scénario a été présenté à Newman et Wilson, il a été immédiatement rejeté car le programme n'était pas autorisé à contenir de « monstres aux yeux d'insectes ». La première série était terminée et la BBC pensait qu'il était crucial que la suivante soit un succès, mais The Mutants était le seul scénario prêt à être lancé, la série n'avait donc d'autre choix que de l'utiliser. Selon la productrice Verity Lambert ; "Nous n'avions pas beaucoup de choix - nous n'avions que la série Dalek à parcourir ... Nous avons eu une petite crise de confiance parce que Donald [Wilson] était si catégorique sur le fait que nous ne devrions pas y arriver. Si nous avions eu n'importe quoi d'autre était prêt, nous l'aurions fait." Le scénario de Nation est devenu la deuxième série de Doctor Who – Les Daleks (alias Les Mutants). La série présentait les extraterrestres éponymes qui allaient devenir les monstres les plus populaires de la série et était responsable du premier boom du merchandising de la BBC.
La division des séries dramatiques de la BBC a produit le programme pendant 26 saisons, diffusé sur BBC 1. La baisse du nombre d'audience, une baisse de la perception du public de l'émission et un créneau de transmission moins important ont vu la production suspendue en 1989 par Jonathan Powell, contrôleur de la BBC. 1. Bien que (comme l'a rapporté Sophie Aldred, co-star de la série, dans le documentaire Doctor Who : More Than 30 Years in the TARDIS), la série a été effectivement, sinon formellement, annulée avec la décision de ne pas commander une 27e série prévue de la série pour la transmission. en 1990, la BBC a affirmé à plusieurs reprises que la série reviendrait.
Alors que la production interne avait cessé, la BBC espérait trouver une société de production indépendante pour relancer l'émission. Philip Segal, un expatrié britannique qui travaillait pour la branche télévision de Columbia Pictures aux États-Unis, avait contacté la BBC à propos d'une telle entreprise dès juillet 1989, alors que la 26e série était encore en production. Les négociations de Segal ont finalement abouti à un téléfilm Doctor Who, diffusé sur le réseau Fox en 1996 en coproduction entre Fox, Universal Pictures, la BBC et BBC Worldwide. Si le film a connu un succès au Royaume-Uni (avec 9,1 millions de téléspectateurs), il l'a été moins aux États-Unis et n'a pas donné lieu à une série.
Les médias sous licence tels que les romans et les pièces audio ont fourni de nouvelles histoires, mais en tant que programme télévisé Doctor Who est resté en sommeil jusqu'en 2003. En septembre de la même année, BBC Television a annoncé la production interne d'une nouvelle série après plusieurs années de tentatives de la part de BBC Worldwide. trouver un soutien pour une version long métrage. Les producteurs exécutifs de la nouvelle incarnation de la série étaient l'écrivain Russell T Davies et la responsable dramatique de BBC Cymru Wales, Julie Gardner.
Doctor Who est finalement revenu avec l'épisode « Rose » sur BBC One le 26 mars 2005. Il y a depuis eu neuf autres séries en 2006-2008 et 2010-2015, et des émissions spéciales pour le jour de Noël chaque année depuis 2005. Aucune série complète n'a été tournée en 2009. , bien que quatre émissions spéciales supplémentaires mettant en vedette David Tennant aient été réalisées. En 2010, Steven Moffat a remplacé Davies en tant que scénariste en chef et producteur exécutif. En janvier 2016, Moffat a annoncé qu'il démissionnerait après la finale de 2017, pour être remplacé par Chris Chibnall en 2018. De plus, la série 10 fera ses débuts au printemps 2017, avec une diffusion spéciale de Noël en 2016.
La version 2005 de Doctor Who est une continuation directe de l'intrigue de la série originale de 1963 à 1989. Ceci est souvent souligné dans les documentaires de making-of qui l'accompagnent dans la série Doctor Who Confidential, ainsi que dans des flashbacks occasionnels sur des images de versions antérieures du Docteur. et le téléfilm de 1996. Ceci est similaire à la suite de Mission Impossible de 1988, mais diffère de la plupart des autres relances de séries qui ont été soit des redémarrages (par exemple, Battlestar Galactica et Bionic Woman), soit se déroulant dans le même univers que l'original mais dans une période différente et avec différents personnages (par exemple, Star Trek : The Next Generation et spin-offs).
Le programme a été vendu dans de nombreux autres pays à travers le monde (voir Audience).
Conscience publique
Il a été affirmé que la transmission du premier épisode avait été retardée de dix minutes en raison de la couverture médiatique étendue de l'assassinat du président américain John F. Kennedy la veille ; alors qu'en fait il s'est éteint après un délai de quatre-vingts secondes. La BBC pensait que de nombreux téléspectateurs avaient manqué cette introduction à une nouvelle série en raison de la couverture de l'assassinat, ainsi que d'une série de coupures de courant à travers le pays, et ils la rediffusèrent le 30 novembre 1963, juste avant le deuxième épisode.
Le programme est rapidement devenu une institution nationale au Royaume-Uni, avec un large public parmi le grand public. De nombreux acteurs de renom ont demandé ou se sont vu proposer des rôles principaux dans diverses histoires.
Avec la popularité est venue une controverse sur l'adéquation de l'émission aux enfants. Mary Whitehouse, militante pour la moralité, s'est plainte à plusieurs reprises auprès de la BBC dans les années 1970 de ce qu'elle considérait comme le contenu effrayant et sanglant de la série. John Nathan-Turner a produit la série dans les années 1980 et a été entendu dire qu'il attendait avec impatience les commentaires de Whitehouse, car les audiences de la série augmenteraient peu de temps après qu'elle les ait faites.
L'expression « Se cacher derrière (ou « regarder derrière ») le canapé » est entrée dans la culture pop britannique, signifiant avec humour le comportement stéréotypé des premières séries d'enfants qui voulaient éviter de voir des parties effrayantes d'un programme télévisé tout en restant dans la pièce pour le regarder. le reste. L'expression conserve cette association avec Doctor Who, au point qu'en 1991 le Museum of the Moving Image de Londres a baptisé son exposition célébrant le programme « Behind the Sofa ». Le thème musical électronique était également perçu comme étrange, nouveau et effrayant à l'époque. Un article de 2012 a placé cette juxtaposition infantile de peur et de frisson « au centre de la relation de nombreuses personnes avec la série », et un vote en ligne de 2011 sur Digital Spy a considéré la série comme « l'émission télévisée la plus effrayante de tous les temps ».
Au cours de la deuxième série de Jon Pertwee dans le rôle du Docteur, dans la série Terror of the Autons (1971), des images de poupées en plastique meurtrières, de jonquilles tuant des victimes sans méfiance et de policiers aux traits vides ont marqué le sommet de la capacité de la série à effrayer les enfants. D'autres moments notables de cette décennie incluent un cerveau désincarné tombant au sol dans Le Cerveau de Morbius et le Docteur apparemment noyé par le Chancelier Goth dans L'Assassin Mortel (tous deux en 1976).
Une enquête d'audience de la BBC menée en 1972 a révélé que, selon leur propre définition de la violence (« tout acte susceptible de causer des blessures physiques et/ou psychologiques, des blessures ou la mort de personnes, d'animaux ou de biens, qu'ils soient intentionnels ou accidentels »). Doctor Who était le plus violent des programmes dramatiques produits par la société à l'époque. Le même rapport révèle que 3 % de l'audience interrogée considérait l'émission comme « très inadaptée » à un visionnage familial. Répondant aux résultats de l'enquête du journal The Times, le journaliste Philip Howard a affirmé que « pour comparer la violence de Dr Who, engendrée par un rire de cheval sorti d'un cauchemar, avec la violence plus réaliste d'autres séries télévisées, où les acteurs qui ressemblent à des êtres humains et qui saignent de la peinture qui ressemble à du sang, c'est comme comparer le Monopoly au marché immobilier de Londres : les deux sont des fantasmes, mais l'un d'eux est censé être pris au sérieux. »
L'image du TARDIS est devenue fermement liée au spectacle dans la conscience du public ; Le scénariste de la BBC Anthony Coburn, qui vivait dans la station balnéaire de Herne Bay, dans le Kent, était l'un de ceux qui ont conçu l'idée d'un poste de police comme une machine à voyager dans le temps. En 1996, la BBC a déposé une demande de marque pour utiliser le design de la boîte de police bleue du TARDIS dans le merchandising associé à Doctor Who. En 1998, la Metropolitan Police Authority a déposé une objection à la revendication de marque ; mais en 2002, l'Office des brevets s'est prononcé en faveur de la BBC.
Le large attrait du programme attire un public d'enfants et de familles ainsi que des fans de science-fiction.
La renaissance du programme au 21e siècle est devenue la pièce maîtresse de la programmation du samedi de BBC One et a « défini la chaîne ». Depuis son retour, Doctor Who a toujours reçu des notes élevées, à la fois en nombre de téléspectateurs et en termes de mesure par l'indice d'appréciation. En 2007, Caitlin Moran, critique de télévision pour le Times, a écrit que Doctor Who est « la quintessence du fait d'être britannique ». Le réalisateur Steven Spielberg a déclaré que « le monde serait plus pauvre sans Doctor Who ».
Le 4 août 2013, une émission en direct intitulée Doctor Who Live: The Next Doctor a été diffusée sur BBC One, au cours de laquelle l'acteur qui allait jouer le Douzième Docteur a été révélé. L'émission a été diffusée simultanément aux États-Unis et en Australie.
Épisodes
Doctor Who a initialement été diffusé pendant 26 saisons sur BBC One, du 23 novembre 1963 au 6 décembre 1989. Au cours de la diffusion originale, chaque épisode hebdomadaire faisait partie d'une histoire (ou "série") - généralement de quatre à six parties les années précédentes et trois à quatre au cours des années suivantes. Les exceptions notables étaient : le plan directeur des Daleks, diffusé en 12 épisodes (plus un teaser d'un épisode précédent, "Mission to the Unknown", ne mettant en vedette aucun des acteurs réguliers) ; presque une saison entière de séries de sept épisodes (saison 7) ; la série de 10 épisodes The War Games; The War Games. Les scénaristes Malcolm Hulke et Terrance Dicks, le réalisateur David Maloney et le producteur Derrick Sherwin. Docteur Who. BBC. BBC One, Londres. 19 avril 1969 - 21 juin 1969. et The Trial of a Time Lord, qui a duré 14 épisodes (bien que divisés en trois codes de production et quatre segments narratifs) au cours de la saison 23. The Trial of a Time Lord. Les scénaristes Robert Holmes, Philip Martin et Pip et Jane Baker, les réalisateurs Nicholas Mallett, Ron Jones et Chris Clough, le producteur John Nathan-Turner. Docteur Who. BBC. BBC One, Londres. 6 septembre 1986 - 6 décembre 1986. Parfois, les séries étaient vaguement liées par un scénario, comme la saison 8 consacrée au Docteur combattant un Seigneur du Temps voyou appelé Le Maître, la quête de la saison 16 pour La Clé du Temps, le voyage de la saison 18 à travers E- L'espace et le thème de l'entropie, et la trilogie Black Guardian de la saison 20.
Le programme se voulait éducatif et destiné à être visionné en famille en début de soirée le samedi. Initialement, il alternait des histoires se déroulant dans le passé, destinées à enseigner l'histoire aux plus jeunes publics, avec des histoires se déroulant dans le futur ou dans l'espace pour leur enseigner la science. Cela se reflétait également dans les premiers compagnons du Docteur, dont l'un était professeur de sciences et un autre professeur d'histoire.
Cependant, les histoires de science-fiction ont fini par dominer le programme et les « historiques », qui n'étaient pas populaires auprès de l'équipe de production, ont été abandonnés après The Highlanders (1967). Alors que la série continuait à utiliser des décors historiques, ils étaient généralement utilisés comme toile de fond pour les contes de science-fiction, à une exception près : Black Orchid se déroulant dans l'Angleterre des années 1920. Black Orchid. L'écrivain Terence Dudley, le réalisateur Ron Jones et le producteur John Nathan-Turner. Docteur Who. BBC. BBC One, Londres. 1 mars 1982 - 2 mars 1982.
Les premières histoires étaient de nature sérielle, le récit d'une histoire se succédant dans la suivante et chaque épisode ayant son propre titre, bien que produit comme des histoires distinctes avec leurs propres codes de production. Cependant, après The Gunfighters (1966), chaque série reçut son propre titre, les parties individuelles se voyant simplement attribuer des numéros d'épisode.
Parmi les nombreux auteurs du programme, Robert Holmes était le plus prolifique, tandis que Douglas Adams est devenu le plus connu en dehors de Doctor Who lui-même, en raison de la popularité de ses œuvres du Guide du voyageur galactique.
Le format de la série a changé pour la reprise de 2005, chaque série étant généralement composée de 13 épisodes autonomes de 45 minutes (60 minutes avec publicités, sur les chaînes commerciales étrangères) et d'un épisode prolongé diffusé le jour de Noël. Chaque série comprend plusieurs histoires autonomes et en plusieurs parties, liées à un arc narratif lâche qui se résout dans la finale de la série. Comme au début de l'ère « classique », chaque épisode, qu'il soit autonome ou faisant partie d'une histoire plus vaste, a son propre titre. Parfois, les épisodes de séries régulières dépasseront la durée de 45 minutes ; notamment, les épisodes « Journey's End » de 2008 et « The Eleventh Hour » de 2010 ont duré plus d'une heure.
Les épisodes de Doctor Who sont télévisés depuis 1963, allant d'épisodes de 25 minutes (le format le plus courant), d'épisodes de 45 minutes (pour La Résurrection des Daleks dans la série de 1984, une seule saison en 1985 et le revival), deux longs métrages -productions de longue durée (Les Cinq Médecins de 1983 et le téléfilm de 1996), onze émissions spéciales de Noël (la plupart d'une durée de 60 minutes, une de 72 minutes) et quatre émissions spéciales supplémentaires allant de 60 à 75 minutes en 2009, 2010 et 2013. Quatre des mini-épisodes, d'une durée d'environ huit minutes chacun, ont également été produits pour les appels caritatifs Children in Need de 1993, 2005 et 2007, tandis qu'un autre mini-épisode a été produit en 2008 pour une édition de The Proms sur le thème de Doctor Who. L'histoire en deux parties de 1993, intitulée Dimensions in Time, a été réalisée en collaboration avec les acteurs du feuilleton de la BBC EastEnders et a été filmée en partie sur le plateau d'EastEnders. Un mini-épisode en deux parties a également été produit pour l'édition 2011 de Comic Relief. À partir de l'émission spéciale "Planet of the Dead" de 2009, la série a été filmée en 1080i pour la TVHD et diffusée simultanément sur BBC One et BBC HD.
Pour célébrer le 50e anniversaire de la série, un épisode spécial en 3D, "Le Jour du Docteur", a été diffusé en 2013. En mars 2013, il a été annoncé que Tennant et Piper reviendraient et que l'épisode aurait une durée limitée. sortie en salles dans le monde entier.
En avril 2015, Steven Moffat a confirmé que Doctor Who durerait encore au moins cinq ans, prolongeant ainsi la série jusqu'en 2020.
Épisodes manquants
Entre 1964 et 1973 environ, de grandes quantités de documents plus anciens stockés dans les diverses bibliothèques de bandes vidéo et de films de la BBC ont été détruites. Les bandes, basées sur une norme de diffusion de 405 lignes, sont devenues obsolètes lorsque la télévision britannique est passée à un signal de 625 lignes. en préparation pour les transmissions de couleurs qui vont bientôt commencer. effacés ou ont souffert d'un mauvais stockage qui a entraîné une grave détérioration de la qualité de diffusion. Cela comprenait de nombreux anciens épisodes de Doctor Who, principalement des histoires mettant en vedette les deux premiers médecins : William Hartnell et Patrick Troughton. Au total, 97 des 253 épisodes produits au cours des six premières années du programme ne sont pas conservés dans les archives de la BBC (notamment les saisons 3, 4 et 5, dont 79 épisodes manquent). En 1972, presque tous les épisodes alors réalisés étaient connus pour exister à la BBC, tandis qu'en 1978, la pratique consistant à effacer les bandes et à détruire les copies de films « de rechange » avait cessé.
Aucun épisode des années 1960 n'existe sur leurs bandes vidéo originales (toutes les copies survivantes étant des transferts de films), bien que certains aient été transférés sur film pour être montés avant la transmission et existent sous leur forme de diffusion.
Certains épisodes ont été restitués à la BBC à partir des archives d'autres pays qui ont acheté des copies pour les diffuser, ou par des particuliers qui les ont acquis par divers moyens. Les premiers enregistrements vidéo couleur réalisés hors antenne par les fans ont également été récupérés, ainsi que des extraits filmés depuis l'écran de télévision sur un film cinématographique 8 mm et des extraits diffusés dans d'autres programmes. Des versions audio de tous les épisodes perdus existent auprès des téléspectateurs qui ont réalisé des enregistrements sur bande de l'émission. De courts extraits de chaque histoire, à l'exception de Marco Polo, "Mission vers l'inconnu" et Le massacre de la Saint-Barthélemy, existent également.
En plus de cela, il y a des photographies hors écran réalisées par le photographe John Cura, qui a été embauché par divers membres du personnel de production pour documenter plusieurs de leurs programmes au cours des années 1950 et 1960, y compris Doctor Who. Ceux-ci ont été utilisés dans les reconstructions de fans des séries. Ces reconstitutions amateurs ont été tolérées par la BBC, à condition qu'elles ne soient pas vendues à des fins lucratives et distribuées sous forme de copies VHS de mauvaise qualité.
L'un des épisodes perdus les plus recherchés est la quatrième partie de la dernière série de William Hartnell, La Dixième Planète (1966), qui se termine avec la transformation du Premier Docteur en Deuxième. La seule partie qui existe, à l'exception de quelques clips silencieux de 8 mm de mauvaise qualité, sont les quelques secondes de la scène de régénération, telle qu'elle a été montrée dans le magazine pour enfants Blue Peter. Avec l'approbation de la BBC, des efforts sont actuellement en cours pour restaurer autant d'épisodes que possible à partir du matériel existant.
Des reconstructions « officielles » ont également été publiées par la BBC sur VHS, sur CD-ROM MP3 et sous forme d'articles spéciaux sur DVD. La BBC, en collaboration avec le studio d'animation Cosgrove Hall, a reconstitué les épisodes 1 et 4 manquants de The Invasion (1968), en utilisant des pistes audio remasterisées et les notes de scène complètes du tournage original, pour la sortie DVD de la série en novembre 2006. Les épisodes de The Reign of Terror ont été animés par la société d'animation Theta-Sigma, en collaboration avec Big Finish, et sont devenus disponibles à l'achat en mai 2013 via Amazon.com. Les animations ultérieures réalisées en 2013 incluent The Tenth Planet, The Ice Warriors et The Moonbase.
En avril 2006, Blue Peter a lancé un défi pour retrouver les épisodes manquants de Doctor Who avec la promesse d'un modèle Dalek grandeur nature en récompense.
En décembre 2011, il a été annoncé que la partie 3 de Galaxy 4 et la partie 2 de The Underwater Menace avaient été restituées à la BBC par un fan qui les avait achetées au milieu des années 1980 sans se rendre compte que la BBC n'en détenait pas de copies.
Le 10 octobre 2013, la BBC a annoncé que des films de onze épisodes, dont neuf épisodes manquants, avaient été retrouvés dans une chaîne de télévision nigériane à Jos. Six des onze films découverts étaient la série en six parties L'Ennemi du monde, de dont tous les épisodes, sauf le troisième, manquaient. Les films restants provenaient d'une autre série en six parties, The Web of Fear, et comprenaient les épisodes 2, 4, 5 et 6 précédemment manquants. L'épisode 3 de The Web of Fear est toujours porté disparu.
Personnages
Le docteur
Le personnage du Docteur était initialement entouré de mystère. Tout ce que l'on savait de lui au début du programme, c'est qu'il était un voyageur extraterrestre excentrique et d'une grande intelligence qui luttait contre l'injustice tout en explorant le temps et l'espace dans une machine à voyager dans le temps peu fiable, le "TARDIS" (un acronyme pour temps et dimension(s) relative(s). ) dans l'espace), qui apparaît notamment beaucoup plus grand à l'intérieur qu'à l'extérieur (une qualité appelée « transcendantalité dimensionnelle »). Lorsqu'il est devenu une entrée dans l'Oxford English Dictionary, le mot « TARDIS » a souvent été utilisé pour décrire tout ce qui semblait plus grand à l’intérieur que son extérieur ne le laissait entendre.
Le Docteur initialement irascible et légèrement sinistre s'est rapidement adouci pour devenir une figure plus compatissante. Il a finalement été révélé qu'il avait fui son propre peuple, les Seigneurs du Temps de la planète Gallifrey.
Changements d'apparence
Les producteurs ont introduit le concept de régénération pour permettre la refonte du personnage principal. Cela a été motivé pour la première fois par la mauvaise santé de la star originale William Hartnell. Le terme réel « régénération » n'a cependant pas été initialement conçu avant la troisième régénération à l'écran du Docteur ; Le Docteur Hartnell avait simplement décrit avoir subi un « renouveau », et le Deuxième Docteur avait subi un « changement d'apparence ». L'appareil a permis la refonte de l'acteur à plusieurs reprises dans l'histoire de la série, ainsi que la représentation de médecins alternatifs issus du passé ou du futur relatif du Docteur.
Les séries The Deadly Assassin et Mawdryn Undead et le téléfilm de 1996 établiront plus tard qu'un Time Lord ne peut se régénérer que 12 fois, pour un total de 13 incarnations. Cette phrase est restée coincée dans la conscience publique bien qu'elle n'ait pas été souvent répétée, et a été reconnue par les producteurs de la série comme un obstacle à l'intrigue lorsque la série a finalement dû régénérer le Docteur une treizième fois. L'épisode "Le Temps du Docteur" représentait le Docteur acquérant un nouveau cycle de régénérations, à partir du Douzième Docteur, car le Onzième Docteur était le produit de la douzième régénération du Docteur à partir de son ensemble d'origine.
En plus des acteurs qui ont fait la une de la série, d'autres ont interprété des versions du Docteur dans des rôles invités. Notamment, en 2013, John Hurt a joué le rôle d'une incarnation jusqu'alors inconnue du Docteur connu sous le nom de Docteur de Guerre à l'approche du spécial 50e anniversaire de la série "Le Jour du Docteur". Il est montré dans le mini-épisode "La Nuit du Docteur" comme ayant été inséré rétroactivement dans la chronologie fictive de la série entre McGann et les Docteurs d'Eccleston, bien que son introduction ait été écrite de manière à ne pas perturber la dénomination numérique établie des Docteurs. Un autre exemple est tiré de la série de 1986 The Trial of a Time Lord, dans laquelle Michael Jayston dépeint Valeyard, qui est décrit comme un amalgame des côtés les plus sombres de la nature du Docteur, quelque part entre sa douzième et dernière incarnation.
En de rares occasions, d’autres acteurs ont remplacé le rôle principal. Dans Les Cinq Docteurs, Richard Hurndall a joué le Premier Docteur en raison de la mort de William Hartnell en 1975. Dans Time and the Rani, Sylvester McCoy a brièvement joué le Sixième Docteur pendant la séquence de régénération, continuant en tant que Septième. Pour plus d'informations, consultez la liste des acteurs ayant incarné le Docteur. Dans d'autres médias, le Docteur a été joué par divers autres acteurs, dont Peter Cushing dans deux films.
Le casting d'un nouveau Docteur a souvent inspiré débats et spéculations : en particulier, l'opportunité ou la possibilité qu'un nouveau Docteur soit joué par une femme. En octobre 2010, le Sunday Telegraph a révélé que le co-créateur de la série, Sydney Newman, avait exhorté la BBC à refondre le rôle du Docteur en tant que « Time Lady » féminine pendant la crise d'audience de la fin des années 1980.
Rencontres de différentes incarnations
Il y a eu des cas où des acteurs sont revenus plus tard pour reprendre le rôle de leur docteur spécifique. Dans Les Trois Docteurs en 1973, William Hartnell et Patrick Troughton reviennent aux côtés de Jon Pertwee. Pour The Five Doctors de 1983, Troughton et Pertwee sont revenus jouer avec Peter Davison, et Tom Baker est apparu dans des images inédites de l'épisode inachevé de Shada. Pour cet épisode, Richard Hurndall a remplacé William Hartnell. Patrick Troughton est de nouveau revenu dans The Two Doctors en 1985 avec Colin Baker. En 2007, Peter Davison est revenu dans le court métrage "Time Crash" de Children in Need aux côtés de David Tennant, et plus récemment dans l'épisode spécial du 50e anniversaire de 2013, "The Day of the Doctor", le dixième docteur de David Tennant est apparu aux côtés de Matt Smith dans le rôle du onzième docteur. et John Hurt dans le rôle du docteur de guerre, ainsi que de brèves images de tous les acteurs précédents. De plus, le Docteur s'est parfois rencontré sous la forme de sa propre incarnation, issue d'un futur proche ou passé. Le Premier Docteur se rencontre dans l'histoire Le Musée de l'Espace (bien que figé et sous forme d'exposition), le Troisième Docteur se rencontre et interagit avec lui-même dans l'histoire Le Jour des Daleks, le Quatrième Docteur rencontre et interagit avec sa future incarnation (le "Watcher") dans l'histoire Logopolis, le Neuvième Docteur observe une ancienne version de son incarnation actuelle dans "Father's Day", et le Onzième Docteur se retrouve brièvement face à lui-même dans "The Big Bang". Dans "The Almost People", le Docteur se retrouve face à lui-même, même s'il s'avère que cette incarnation n'est en fait qu'une réplique de chair. Dans "Le Nom du Docteur", le Onzième Docteur rencontre une incarnation inconnue de lui-même, qu'il appelle "son secret" et qui se révèle par la suite être le Docteur de Guerre.
De plus, plusieurs médecins sont revenus ensemble dans de nouvelles aventures dans des drames audio basés sur la série. Peter Davison, Colin Baker et Sylvester McCoy sont apparus ensemble dans l'aventure audio de 1999 The Sirens of Time. Pour célébrer le 40e anniversaire en 2003, un drame audio intitulé Zagreus mettant en vedette Paul McGann, Colin Baker, Sylvester McCoy et Peter Davison a été publié avec des enregistrements d'archives supplémentaires de Jon Pertwee. Toujours en 2003, Colin Baker et Sylvester McCoy apparaissent ensemble dans l'aventure audio Project : Lazarus. En 2010, Peter Davison, Colin Baker, Sylvester McCoy et Paul McGann se sont à nouveau réunis pour jouer dans le drame audio The Four Doctors.
Révélations sur le Docteur
Tout au long de la longue histoire du programme, des révélations sur le Docteur ont soulevé des questions supplémentaires. Dans Le Cerveau de Morbius (1976), il a été laissé entendre que le Premier Docteur n'était peut-être pas la première incarnation (bien que les autres visages représentés puissent avoir été des incarnations du Seigneur du Temps Morbius). Dans les histoires ultérieures, le Premier Docteur a été décrit comme la première incarnation du Docteur. Dans Mawdryn Undead (1983), le Cinquième Docteur a explicitement confirmé qu'il était alors actuellement dans sa cinquième incarnation. Plus tard la même année, lors de l'émission spéciale du 20e anniversaire de 1983, Les Cinq Docteurs, le Premier Docteur s'enquiert de la régénération du Cinquième Docteur ; Lorsque le Cinquième Docteur confirme "Quatrième", le Premier Docteur répond avec enthousiasme "Mon Dieu. Donc je suis cinq maintenant." En 2010, le Onzième Docteur se fait également appeler « le Onzième » dans « The Lodger ». Dans l'épisode de 2013 « Le Temps du Docteur », le Onzième Docteur a précisé qu'il était le produit de la douzième régénération, en raison d'une incarnation précédente qu'il avait choisi de ne pas compter et d'une autre régénération avortée. Le nom Onzième est encore utilisé pour cette incarnation ; le même épisode dépeint la « Chute du Onzième » prophétisée qui a été suivie tout au long de la série.
À l'époque du Septième Docteur, il a été laissé entendre que le Docteur était plus qu'un simple Seigneur du Temps. Dans le téléfilm de 1996, le Huitième Docteur se décrit comme étant « à moitié humain ». La FAQ de la BBC pour le programme note que « les puristes ont tendance à ignorer cela », se concentrant plutôt sur son héritage gallifreyen.
La première série du programme, An Unearthly Child, montre que le Docteur a une petite-fille, Susan Foreman. Dans la série de 1967, Tomb of the Cybermen, lorsque Victoria Waterfield doute que le Docteur puisse se souvenir de sa famille à cause de son « âge si ancien », le Docteur dit qu'il le peut quand il le veut vraiment : « Le reste du temps, ils dorment dans mon esprit". La série de 2005 révèle que le Neuvième Docteur pensait qu'il était le dernier Seigneur du Temps survivant et que sa planète natale avait été détruite ; dans « L'enfant vide » (2005), le Dr Constantine déclare : « Avant même le début de la guerre, j'étais père et grand-père. Maintenant, je ne suis ni l'un ni l'autre. Le Docteur remarque en réponse : "Ouais, je connais ce sentiment." Dans "Smith and Jones" (2007), lorsqu'on lui a demandé s'il avait un frère, il a répondu : "Non, plus maintenant". Dans « Fear Her » (2006) et « The Doctor's Daughter » (2008), il déclare qu'il avait, dans le passé, été père.
Dans « The Wedding of River Song » (2011), il est sous-entendu que le vrai nom du Docteur est un secret qui ne doit jamais être révélé ; ceci est exploré plus en détail dans "Le Nom du Docteur" (2013), lorsque River Song prononçant son nom permet à la Grande Intelligence d'entrer dans sa tombe, et dans "Le Temps du Docteur" (2013) où prononcer son vrai nom devient le signal par lequel les Time Lords sauraient qu'ils peuvent retourner en toute sécurité dans l'univers, un événement auquel de nombreuses espèces s'opposent.
Compagnons
La figure du compagnon – généralement un humain – a été une constante | http://www.quizballs.com/ |
Dans la série télévisée britannique « Doctor Who », quel est le nom du chef de la race souterraine des « Tractators » ? | Le Gravis | [
"Le Docteur, Tegan et Turlough découvrent que les coupables sont les Gravis et ses Tractators, des insectes géants dotés d'incroyables pouvoirs sur la gravité. Turlough subit brièvement une sorte de dépression nerveuse due au fait que les Tractators ont tenté d'envahir son monde natal il y a longtemps ; son esprit contient un « souvenir de course » profond et horrible de l’événement. Les colons disparus étaient utilisés par les Tractators pour faire fonctionner leurs machines minières. Plantagenet a été kidnappé pour remplacer le capitaine Revere, le conducteur actuel qui est désormais en état de mort cérébrale. Le Gravis a l'intention de transformer Frontios en un énorme vaisseau spatial. Une fois réussi, il serait capable de répandre la terreur des Tractators à travers la galaxie. Le Docteur, Turlough, Brazen et ses gardes sauvent Plantagenêt en assommant le Gravis. Cependant, Brazen est attrapé par l'une des machines minières et est tué tandis que les autres s'échappent.",
"Tegan erre dans les tunnels et rencontre des morceaux des murs intérieurs du TARDIS. Elle est poursuivie par le Gravis, qui a désormais repris connaissance, et deux de ses Tractators. Elle tombe par inadvertance sur l'une des portes intérieures du TARDIS et l'ouvre pour se retrouver dans la salle de console du TARDIS, qui contient des morceaux de paroi rocheuse mélangés à ses murs normaux. Elle trouve également le Docteur, Turlough et Plantagenet planant autour de la console. Le Docteur fait entrer le Gravis et l'incite ensuite à réassembler le TARDIS en utilisant son pouvoir sur la gravité. Le Gravis ramène le TARDIS dans sa dimension normale. Une fois entièrement assemblé, le Gravis est effectivement coupé de ses camarades Tractators, qui reviennent à un état inoffensif."
] | Frontios est le troisième feuilleton de la 21e saison de la série télévisée britannique de science-fiction Doctor Who, diffusée pour la première fois en quatre parties bihebdomadaires du 26 janvier au 3 février 1984.
Parcelle
Le TARDIS atterrit dans un futur lointain, sur la planète Frontios, où certains des derniers vestiges de l'humanité luttent pour leur survie. La planète est attaquée par des pluies de météorites orchestrées par un ennemi inconnu responsable de la disparition de plusieurs colons éminents, dont le chef de la colonie, le capitaine Revere. Après avoir vu Revere se faire "manger par terre", le chef de la sécurité Brazen se lance dans une dissimulation. Pour le public, le capitaine Revere est décédé de causes naturelles. Après des funérailles nationales, le fils de Revere, Plantagenêt, prend la direction de la colonie.
Le TARDIS est mystérieusement affecté par une tempête de météorites et entraîné vers la planète par gravité. Le Docteur, Tegan et Turlough émergent, au milieu du bombardement, pour enquêter. Malgré ses réserves antérieures quant à son implication, le Docteur viole la règle cardinale des Time Lords en aidant les colons blessés par le bombardement de météorites en leur fournissant une assistance médicale.
Ayant besoin d'une meilleure lumière dans l'établissement médical, le Docteur envoie Tegan et Turlough chercher un activateur de champ mu portable et cinq globes à décharge d'argon du TARDIS. Cependant, une fois arrivés, ils découvrent que la porte intérieure du navire est coincée, les empêchant de sortir de la salle des consoles. Norna, Tegan et Turlough obtiennent une batterie acide dans la salle de recherche pour alimenter les lumières. Sur le chemin du retour, cependant, ils sont obligés de rendre le Warnsman inconscient pour éviter d'être capturé. Un autre bombardement se produit et, en l'absence du Warnsman, surprend la colonie. Lorsque le ciel s'éclaircit, le TARDIS a disparu, apparemment détruit ; il ne reste plus que le porte-chapeau du Docteur.
Plantagenêt ordonne l'exécution du Docteur, mais Turlough intercède, utilisant le porte-chapeau TARDIS comme arme. Plantagenêt tente d'attaquer le Docteur avec un pied-de-biche mais subit une crise cardiaque. Le Seigneur du Temps parvient à lui sauver la vie en utilisant la batterie, mais Plantagenêt est ensuite entraîné dans le sol par une force mystérieuse.
Le Docteur, Tegan et Turlough découvrent que les coupables sont les Gravis et ses Tractators, des insectes géants dotés d'incroyables pouvoirs sur la gravité. Turlough subit brièvement une sorte de dépression nerveuse due au fait que les Tractators ont tenté d'envahir son monde natal il y a longtemps ; son esprit contient un « souvenir de course » profond et horrible de l’événement. Les colons disparus étaient utilisés par les Tractators pour faire fonctionner leurs machines minières. Plantagenet a été kidnappé pour remplacer le capitaine Revere, le conducteur actuel qui est désormais en état de mort cérébrale. Le Gravis a l'intention de transformer Frontios en un énorme vaisseau spatial. Une fois réussi, il serait capable de répandre la terreur des Tractators à travers la galaxie. Le Docteur, Turlough, Brazen et ses gardes sauvent Plantagenêt en assommant le Gravis. Cependant, Brazen est attrapé par l'une des machines minières et est tué tandis que les autres s'échappent.
Tegan erre dans les tunnels et rencontre des morceaux des murs intérieurs du TARDIS. Elle est poursuivie par le Gravis, qui a désormais repris connaissance, et deux de ses Tractators. Elle tombe par inadvertance sur l'une des portes intérieures du TARDIS et l'ouvre pour se retrouver dans la salle de console du TARDIS, qui contient des morceaux de paroi rocheuse mélangés à ses murs normaux. Elle trouve également le Docteur, Turlough et Plantagenet planant autour de la console. Le Docteur fait entrer le Gravis et l'incite ensuite à réassembler le TARDIS en utilisant son pouvoir sur la gravité. Le Gravis ramène le TARDIS dans sa dimension normale. Une fois entièrement assemblé, le Gravis est effectivement coupé de ses camarades Tractators, qui reviennent à un état inoffensif.
Le Docteur et Tegan déposent le Gravis désormais endormi sur la planète inhabitée de Kolkokron. De retour à Frontios, le Docteur donne à Plantagenet le porte-chapeau en guise d'adieu et demande que sa propre implication dans l'affaire ne soit mentionnée à personne, en particulier aux Time Lords. Une fois que le TARDIS a quitté Frontios, ses moteurs commencent à faire un bruit inquiétant. Le Docteur semble impuissant alors que le vaisseau est tiré vers le centre de l'univers.
Continuité
Aucune explication n'est donnée pour l'absence du compagnon Kamelion dans cette histoire. Cette histoire reste, à ce jour, la seule apparition des Tractators dans la série télévisée. Cependant, le 6 mars 1984, Eric Saward, alors rédacteur en chef du scénario de Doctor Who, écrivit à Bidmead pour lui demander d'écrire une suite à Frontios, qui aurait présenté le retour des Tractators et de l'ennemi juré du Docteur, le Maître. Cette histoire perdue est ramenée à la vie (sans le Maître) dans l'audio Big Finish The Hollows of Time.
La nouvelle "Life After Queth" présentée dans Short Trips: Farewells détaille une aventure que le Docteur, Tegan et le Gravis ont vécue sur le chemin de Kolkokron. L'histoire audio Big Finish, Excelis Dawns, détaille une aventure que le Docteur a vécue sur le chemin du retour à Frontios.
Production
Le scénariste Eric Saward a contacté l'écrivain Christopher H. Bidmead en juillet 1982 en vue d'écrire un scénario. Son titre original était The Wanderer[s]. Les scénarios ont été officiellement commandés le 26 novembre 1982 sous le titre Frontious. Les scénarios ont été livrés le 16 février 1983 et acceptés trois semaines plus tard sous réserve de quelques réécritures. Le réalisateur était Ron Jones, qui avait réalisé trois histoires précédentes du Cinquième Docteur. Le concepteur affecté à la série, Barrie Dobbins, est décédé avant la production (révélé plus tard comme un suicide) et a été remplacé par David Buckingham. Doctor Who Frontios - "Driven to Distraction". Documentaire DVD de la BBC Il a commencé la production le 8 juillet 1983, six semaines seulement avant l'enregistrement. Peu de temps après, un autre choc est survenu à la production lorsque l'acteur Peter Arne, qui avait été embauché pour jouer M. Range, a été assassiné le 1er août 1983. C'était quelques heures seulement après avoir assisté à un essayage de costumes pour son personnage à la BBC. Son meurtre a été largement rapporté dans les médias britanniques le lendemain, de nombreux rapports faisant mention de son prochain rôle dans Doctor Who. Il a été remplacé par William Lucas. Parmi les autres acteurs remarquables présentés dans Frontios figuraient Peter Gilmore dans le rôle de Brazen, qui était devenu célèbre dans les années 1970 dans le rôle principal de The Onedin Line. Lesley Dunlop, qui jouait Norna, avait une grande expérience, même si elle n'avait que 27 ans et apparaîtrait à nouveau dans Doctor Who, en 1988, The Happiness Patrol. Jeff Rawle était également devenu célèbre dans les années 1970 dans le rôle de Billy Liar et jouerait plus tard dans l'histoire des aventures de Sarah Jane, Mona Lisa's Revenge. C'est lors des répétitions de cette histoire que Colin Baker a été annoncé comme nouvel acteur, Peter Davison ayant alors décidé de quitter la série. Frontios a été filmé en deux blocs d'enregistrement de trois jours dans le Studio 6 du BBC Television Center du 24 août au 9 septembre 1983.
Bidmead a été chargé d'inclure un monstre dans le scénario, ce dont il n'était pas satisfait car il estimait que les monstres de Doctor Who avaient l'air « bon marché » et avaient un dialogue limité. Ses deux histoires précédentes, Logopolis et Castrovalva, ne présentaient aucun monstre. Les Tractators se sont inspirés des cloportes qui avaient infesté son appartement. Les danseurs ont été embauchés pour porter les costumes du Tractator avec l'idée qu'ils enrouleraient et tordreaient leur corps conformément à l'idée des cloportes, mais les costumes se sont révélés trop restrictifs pour cela. Les danseurs ont été embauchés aux Pineapple Studios. Un problème dans la continuité de la série se produit dans cette histoire, car le compagnon Kamelion manque lorsque le TARDIS est détruit. Les auteurs de The Discontinuity Guide émettent l'hypothèse qu'il est déguisé en porte-chapeau.
Peu de temps après la diffusion de l'histoire, Saward a chargé Bidmead d'écrire une histoire pour la saison 23 mettant en vedette les Tractators et le Maître. Cela a finalement été abandonné car la saison a été rapidement annulée. Frontios s'est avéré être sa dernière histoire télévisée pour Doctor Who.
Docteur Who Frontios BBC DVD. Sous-titres de production
Sorties commerciales
Sur papier
L'histoire a été romancée par Bidmead et publiée par Target Books en décembre 1984. Bidmead comprend de nombreuses images horribles de la technologie des Tractators, y compris un dispositif de traduction en vol stationnaire. Le cliffhanger qui a mené à La Résurrection des Daleks est supprimé.
Une lecture intégrale de la romanisation par son auteur sortira sur CD audio en avril 2015.
Médias domestiques
Frontios est sorti sur un double VHS avec The Awakening en mars 1997. Il est sorti sur DVD en mai 2011. Cette série a également été publiée dans le cadre des fichiers DVD de Doctor Who dans le numéro 100 du 31 octobre 2012. | http://www.quizballs.com/ |
Quel est le numéro atomique de l’hélium ? | 2 | [
"Dmitri Mendeleev a affirmé avoir organisé ses premiers tableaux périodiques par ordre de poids atomique (« Atomgewicht »). Cependant, compte tenu des propriétés chimiques observées des éléments, il a légèrement modifié l'ordre et a placé le tellure (poids atomique 127,6) devant l'iode (poids atomique 126,9). Ce placement est conforme à la pratique moderne consistant à classer les éléments par nombre de protons, Z, mais ce nombre n'était ni connu ni soupçonné à l'époque.",
"En 1911, Ernest Rutherford a donné un modèle de l'atome dans lequel un noyau central détenait la majeure partie de la masse de l'atome et une charge positive qui, en unités de charge de l'électron, devait être approximativement égale à la moitié du poids atomique de l'atome, exprimé en nombre d'atomes d'hydrogène. Cette charge centrale représenterait donc environ la moitié du poids atomique (bien qu'elle soit différente de près de 25 % du numéro atomique de l'or (Z 79, A",
"En 1915, la raison pour laquelle la charge nucléaire était quantifiée en unités de Z, qui étaient désormais reconnues comme étant identiques au nombre d'éléments, n'était pas comprise. Une vieille idée appelée hypothèse de Prout postulait que les éléments étaient tous constitués de résidus (ou « protyles ») de l'élément le plus léger, l'hydrogène, qui dans le modèle de Bohr-Rutherford avait un seul électron et une charge nucléaire d'un seul. Cependant, dès 1907, Rutherford et Thomas Royds avaient montré que les particules alpha, qui avaient une charge de +2, étaient les noyaux des atomes d'hélium, qui avaient une masse quatre fois supérieure à celle de l'hydrogène, et non deux fois. Si l'hypothèse de Prout était vraie, il fallait que quelque chose neutralise une partie de la charge des noyaux d'hydrogène présents dans les noyaux des atomes plus lourds.",
"En 1917, Rutherford réussit à générer des noyaux d'hydrogène à partir d'une réaction nucléaire entre des particules alpha et de l'azote gazeux et pensait avoir prouvé la loi de Prout. Il a appelé les nouvelles particules nucléaires lourdes protons en 1920 (les noms alternatifs étant proutons et protyles). Il ressortait immédiatement des travaux de Moseley que les noyaux des atomes lourds avaient plus de deux fois la masse que l'on pourrait attendre du fait qu'ils étaient constitués de noyaux d'hydrogène, et il fallait donc une hypothèse pour la neutralisation des protons supplémentaires présumés. présent dans tous les noyaux lourds. On supposait qu'un noyau d'hélium était composé de quatre protons plus deux « électrons nucléaires » (électrons liés à l'intérieur du noyau) pour annuler deux des charges. À l’autre extrémité du tableau périodique, on pensait qu’un noyau d’or d’une masse 197 fois supérieure à celle de l’hydrogène contenait 118 électrons nucléaires dans le noyau pour lui donner une charge résiduelle de + 79, conforme à son numéro atomique.",
"Toute considération sur les électrons nucléaires a pris fin avec la découverte du neutron par James Chadwick en 1932. On considérait désormais qu'un atome d'or contenait 118 neutrons au lieu de 118 électrons nucléaires, et on réalisait désormais que sa charge positive provenait entièrement d'un contenu de 79 protons. Après 1932, on s'est donc également rendu compte que le numéro atomique Z d'un élément était identique au nombre de protons de ses noyaux.",
"La quête de nouveaux éléments est généralement décrite à l’aide de numéros atomiques. Depuis 2010, des éléments portant des numéros atomiques de 1 à 118 ont été observés. La synthèse de nouveaux éléments est réalisée en bombardant des atomes cibles d'éléments lourds avec des ions, de telle sorte que la somme des numéros atomiques des éléments cibles et ioniques soit égale au numéro atomique de l'élément créé. En général, la demi-vie devient plus courte à mesure que le numéro atomique augmente, bien qu'un « îlot de stabilité » puisse exister pour les isotopes non découverts contenant un certain nombre de protons et de neutrons."
] | En chimie et en physique, le numéro atomique d'un élément chimique (également appelé nombre de protons) est le nombre de protons présents dans le noyau d'un atome de cet élément, et donc identique au nombre de charge du noyau. Il est classiquement représenté par le symbole Z. Le numéro atomique identifie de manière unique un élément chimique. Dans un atome non chargé, le numéro atomique est également égal au nombre d’électrons.
Le numéro atomique Z ne doit pas être confondu avec le nombre de masse A, qui est le nombre de nucléons, le nombre total de protons et de neutrons dans le noyau d’un atome. Le nombre de neutrons, N, est appelé nombre de neutrons de l’atome ; ainsi, A = Z + N (ces quantités sont toujours des nombres entiers). Étant donné que les protons et les neutrons ont approximativement la même masse (et que la masse des électrons est négligeable dans de nombreux cas) et que le défaut de masse de liaison du nucléon est toujours faible par rapport à la masse du nucléon, la masse atomique de tout atome, lorsqu'elle est exprimée en valeur atomique unifiée. unités de masse (ce qui constitue une quantité appelée « masse isotopique relative »), est à peu près (à 1 %) égale au nombre entier A.
Les atomes ayant le même numéro atomique Z mais un nombre de neutrons N différent, et donc des masses atomiques différentes, sont appelés isotopes. Un peu plus des trois quarts des éléments naturels existent sous forme de mélange d'isotopes (voir éléments monoisotopiques), et la masse isotopique moyenne d'un mélange isotopique pour un élément (appelée masse atomique relative) dans un environnement défini sur Terre, détermine le poids atomique standard de l’élément. Historiquement, ce sont ces poids atomiques des éléments (par rapport à l’hydrogène) qui étaient les quantités mesurables par les chimistes du XIXe siècle.
Le symbole conventionnel Z vient du mot allemand signifiant nombre/chiffre/figure, qui, avant la synthèse moderne des idées de la chimie et de la physique, désignait simplement la place numérique d'un élément dans le tableau périodique, dont l'ordre est approximativement, mais pas complètement, cohérent avec l’ordre des éléments par poids atomiques. Ce n'est qu'après 1915, avec la suggestion et la preuve que ce nombre Z était également la charge nucléaire et une caractéristique physique des atomes, que le mot (et son numéro atomique équivalent en anglais) est devenu d'usage courant dans ce contexte.
Histoire
Le tableau périodique et un nombre naturel pour chaque élément
En gros, l'existence ou la construction d'un tableau périodique des éléments crée un ordre des éléments, et ils peuvent donc être numérotés dans cet ordre.
Dmitri Mendeleev a affirmé avoir organisé ses premiers tableaux périodiques par ordre de poids atomique (« Atomgewicht »). Cependant, compte tenu des propriétés chimiques observées des éléments, il a légèrement modifié l'ordre et a placé le tellure (poids atomique 127,6) devant l'iode (poids atomique 126,9). Ce placement est conforme à la pratique moderne consistant à classer les éléments par nombre de protons, Z, mais ce nombre n'était ni connu ni soupçonné à l'époque.
Cependant, une simple numérotation basée sur la position dans le tableau périodique n’a jamais été entièrement satisfaisante. Outre le cas de l'iode et du tellure, on a appris plus tard que plusieurs autres paires d'éléments (tels que l'argon et le potassium, le cobalt et le nickel) avaient des poids atomiques presque identiques ou inversés, nécessitant ainsi que leur placement dans le tableau périodique soit déterminé par leur valeur chimique. propriétés. Cependant, l'identification progressive d'éléments lanthanides de plus en plus chimiquement similaires, dont le numéro atomique n'était pas évident, a conduit à des incohérences et à des incertitudes dans la numérotation périodique des éléments au moins à partir du lutécium (élément 71) (le hafnium n'était pas connu à cette époque).
Le modèle Rutherford-Bohr et van den Broek
En 1911, Ernest Rutherford a donné un modèle de l'atome dans lequel un noyau central détenait la majeure partie de la masse de l'atome et une charge positive qui, en unités de charge de l'électron, devait être approximativement égale à la moitié du poids atomique de l'atome, exprimé en nombre d'atomes d'hydrogène. Cette charge centrale représenterait donc environ la moitié du poids atomique (bien qu'elle soit différente de près de 25 % du numéro atomique de l'or (Z 79, A
197), le seul élément à partir duquel Rutherford a fait sa supposition). Néanmoins, malgré l'estimation de Rutherford selon laquelle l'or avait une charge centrale d'environ 100 (mais l'élément Z = 79 dans le tableau périodique), un mois après la parution de l'article de Rutherford, Antonius van den Broek a pour la première fois suggéré formellement que la charge centrale et le nombre de le nombre d'électrons dans un atome était exactement égal à sa place dans le tableau périodique (également connu sous le nom de numéro d'élément, numéro atomique et symbolisé Z). Cela s’est finalement avéré être le cas.
L'expérience de Moseley en 1913
La position expérimentale s'est améliorée considérablement après les recherches d'Henry Moseley en 1913. Moseley, après des discussions avec Bohr qui était dans le même laboratoire (et qui avait utilisé l'hypothèse de Van den Broek dans son modèle de l'atome de Bohr), a décidé de tester les théories de Van den Broek et L'hypothèse de Bohr directement, en voyant si les raies spectrales émises par des atomes excités correspondent à la postulation de la théorie de Bohr selon laquelle la fréquence des raies spectrales est proportionnelle au carré de Z.
Pour ce faire, Moseley a mesuré les longueurs d'onde des transitions photoniques les plus internes (lignes K et L) produites par les éléments allant de l'aluminium (Z 13) à l'or (Z
79) utilisé comme une série de cibles anodiques mobiles à l’intérieur d’un tube à rayons X. La racine carrée de la fréquence de ces photons (rayons X) augmente d'une cible à l'autre selon une progression arithmétique. Cela a conduit à la conclusion (loi de Moseley) que le numéro atomique correspond étroitement (avec un décalage d'une unité pour les raies K, dans les travaux de Moseley) à la charge électrique calculée du noyau, c'est-à-dire le numéro d'élément Z. Entre autres choses , Moseley démontra que la série des lanthanides (du lanthane au lutétium inclus) devait comporter 15 membres – ni moins ni plus – ce qui était loin d'être évident dans la chimie de l'époque.
Le proton et l'idée d'électrons nucléaires
En 1915, la raison pour laquelle la charge nucléaire était quantifiée en unités de Z, qui étaient désormais reconnues comme étant identiques au nombre d'éléments, n'était pas comprise. Une vieille idée appelée hypothèse de Prout postulait que les éléments étaient tous constitués de résidus (ou « protyles ») de l'élément le plus léger, l'hydrogène, qui dans le modèle de Bohr-Rutherford avait un seul électron et une charge nucléaire d'un seul. Cependant, dès 1907, Rutherford et Thomas Royds avaient montré que les particules alpha, qui avaient une charge de +2, étaient les noyaux des atomes d'hélium, qui avaient une masse quatre fois supérieure à celle de l'hydrogène, et non deux fois. Si l'hypothèse de Prout était vraie, il fallait que quelque chose neutralise une partie de la charge des noyaux d'hydrogène présents dans les noyaux des atomes plus lourds.
En 1917, Rutherford réussit à générer des noyaux d'hydrogène à partir d'une réaction nucléaire entre des particules alpha et de l'azote gazeux et pensait avoir prouvé la loi de Prout. Il a appelé les nouvelles particules nucléaires lourdes protons en 1920 (les noms alternatifs étant proutons et protyles). Il ressortait immédiatement des travaux de Moseley que les noyaux des atomes lourds avaient plus de deux fois la masse que l'on pourrait attendre du fait qu'ils étaient constitués de noyaux d'hydrogène, et il fallait donc une hypothèse pour la neutralisation des protons supplémentaires présumés. présent dans tous les noyaux lourds. On supposait qu'un noyau d'hélium était composé de quatre protons plus deux « électrons nucléaires » (électrons liés à l'intérieur du noyau) pour annuler deux des charges. À l’autre extrémité du tableau périodique, on pensait qu’un noyau d’or d’une masse 197 fois supérieure à celle de l’hydrogène contenait 118 électrons nucléaires dans le noyau pour lui donner une charge résiduelle de + 79, conforme à son numéro atomique.
La découverte du neutron fait de Z le nombre de protons
Toute considération sur les électrons nucléaires a pris fin avec la découverte du neutron par James Chadwick en 1932. On considérait désormais qu'un atome d'or contenait 118 neutrons au lieu de 118 électrons nucléaires, et on réalisait désormais que sa charge positive provenait entièrement d'un contenu de 79 protons. Après 1932, on s'est donc également rendu compte que le numéro atomique Z d'un élément était identique au nombre de protons de ses noyaux.
Le symbole de Z
Le symbole conventionnel Z vient peut-être du mot allemand (numéro atomique). Cependant, avant 1915, le mot Zahl (simplement nombre) était utilisé pour désigner le numéro attribué à un élément dans le tableau périodique.
Propriétés chimiques
Chaque élément possède un ensemble spécifique de propriétés chimiques en conséquence du nombre d’électrons présents dans l’atome neutre, qui est Z (le numéro atomique). La configuration de ces électrons découle des principes de la mécanique quantique. Le nombre d'électrons dans les couches électroniques de chaque élément, en particulier la couche de valence la plus externe, est le principal facteur déterminant son comportement de liaison chimique. Par conséquent, c’est le numéro atomique seul qui détermine les propriétés chimiques d’un élément ; et c'est pour cette raison qu'un élément peut être défini comme étant constitué de tout mélange d'atomes ayant un numéro atomique donné.
Nouveaux éléments
La quête de nouveaux éléments est généralement décrite à l’aide de numéros atomiques. Depuis 2010, des éléments portant des numéros atomiques de 1 à 118 ont été observés. La synthèse de nouveaux éléments est réalisée en bombardant des atomes cibles d'éléments lourds avec des ions, de telle sorte que la somme des numéros atomiques des éléments cibles et ioniques soit égale au numéro atomique de l'élément créé. En général, la demi-vie devient plus courte à mesure que le numéro atomique augmente, bien qu'un « îlot de stabilité » puisse exister pour les isotopes non découverts contenant un certain nombre de protons et de neutrons. | http://www.quizballs.com/ |
De quel pays Harold Holt est devenu Premier ministre en janvier 1966 ? | Australie | [
"Harold Edward Holt (5 août 1908 - 17 décembre 1967) était un homme politique australien et le 17e Premier ministre d'Australie. Il est né à Stanmore, en Nouvelle-Galles du Sud et a obtenu une bourse pour étudier le droit à l'Université de Melbourne. Holt s'est lancé dans les affaires en tant qu'avocat, période pendant laquelle il a rejoint le United Australia Party (UAP). En 1935, à seulement 27 ans, il est élu dans Fawkner. Holt a passé 32 ans au Parlement, dont de nombreuses années en tant que ministre principal, mais n'a été Premier ministre que 22 mois avant de disparaître en décembre 1967 alors qu'il nageait à Cheviot Beach près de Portsea, Victoria, et était présumé noyé.",
"En tant que ministre de l'Immigration (1949-1956), Holt fut responsable de l'assouplissement de la politique de l'Australie blanche et, en tant que trésorier sous Menzies, il lança d'importantes réformes fiscales, notamment la création de la Banque de réserve d'Australie, et lança et guida le processus de conversion. Australie en monnaie décimale. En tant que Premier ministre, il a supervisé des changements historiques, notamment la décision de ne pas dévaluer le dollar australien au même rythme que la livre sterling, et le référendum constitutionnel de 1967 au cours duquel une écrasante majorité d'Australiens ont voté en faveur de l'octroi au Commonwealth du pouvoir de légiférer spécifiquement pour les Australiens autochtones. . Il a élargi de manière controversée l'implication de l'Australie dans la guerre du Vietnam, avec le slogan « Jusqu'au bout avec LBJ ».",
"En août 1941, une révolte des premiers sièges contraint Menzies à démissionner de son poste de Premier ministre. Il a été remplacé par le chef du Country Party, Arthur Fadden. Holt faisait partie de ceux qui ont retiré leur soutien, bien qu’il n’ait jamais révélé les raisons de ce retrait. En octobre 1941, l'UAP fut évincé par un vote de censure ; le leader de l'ALP, John Curtin, a été invité à former un nouveau gouvernement. En 1944, l'UAP s'était effectivement désintégré et en 1945, Menzies créait officiellement un nouveau parti politique, le Parti libéral d'Australie, et forgeait une coalition durable avec le Country Party. Holt a été l'un des premiers membres à rejoindre la branche Prahran du Parti libéral.",
"Après huit ans dans l'opposition, la Coalition remporte les élections fédérales de décembre 1949 et Menzies entame son deuxième mandat record en tant que Premier ministre. Lors de cette élection, Holt a vu sa majorité dans Fawkner presque disparaître lors de la redistribution. Il a été transféré à Higgins, l'un des nombreux nouveaux sièges créés lors de la redistribution de 1949. Le siège a été créé comme siège libéral sûr; il avait été creusé dans les quartiers les plus riches de Fawkner. Holt l'a gagné facilement. Il a été nommé aux prestigieux portefeuilles de ministre du Travail et du Service national (1949-1958 ; il avait auparavant occupé ce portefeuille de 1940 à 1941) et de ministre de l'Immigration (1949-1956), date à laquelle il était vanté dans la presse. comme un \"successeur certain de Menzies et un Premier ministre potentiel\". En matière d'immigration, Holt a poursuivi et élargi le programme d'immigration massif lancé par son prédécesseur de l'ALP, Arthur Calwell. Cependant, il a fait preuve d'une attitude plus flexible et bienveillante que Calwell, qui était un ardent défenseur de la politique de l'Australie blanche. Il avait également la responsabilité ministérielle des Jeux olympiques de Melbourne en 1956.",
"Le profil personnel et la position politique de Holt se sont développés tout au long des années 1950. Il a siégé à de nombreux comités et délégations à l'étranger, il a été nommé conseiller privé en 1953 et, en 1954, il a été nommé l'un des six hommes les mieux habillés d'Australie. En 1956, il est élu chef adjoint du Parti libéral et devient leader de la Chambre. À partir de ce moment, il est généralement reconnu comme l'héritier présumé de Menzies.",
"En décembre 1958, suite au départ à la retraite d'Arthur Fadden, Holt lui succède au poste de trésorier. Holt avait peu de connaissances ou d'intérêt pour l'économie, mais ce poste renforça sa position de successeur probable de Menzies. En tant que trésorier, Holt s'est fortement appuyé sur les conseils du secrétaire au Trésor Roland Wilson. Ses réalisations comprenaient des réformes majeures du système bancaire (initiées par Fadden) - y compris la création de la Banque de réserve d'Australie - ainsi que la planification et la préparation de l'introduction de la monnaie décimale. C'est Holt qui a convaincu le Cabinet d'appeler la nouvelle monnaie le « dollar » plutôt que le « royal ».",
"Dans les budgets ultérieurs, Holt s'est retiré dans sa maison de vacances du Queensland pendant la préparation. Après avoir présenté le budget, il part en voyage à l’étranger. Contrairement à ses collègues, il a beaucoup voyagé en Asie du Sud-Est, ce qui, selon lui, était la clé de la prospérité future de l'Australie.",
"Holt a prêté serment en tant que Premier ministre le jour de l'Australie, le 26 janvier 1966. Son cabinet d'origine comprenait :",
"Le mandat de Holt couvrait presque exactement les années civiles tumultueuses de 1966-1967. Son bref mandat signifie qu'il a eu un impact personnel et politique limité en tant que Premier ministre, et on se souvient de lui principalement pour les circonstances dramatiques de sa disparition et de sa mort présumée. Sa disparition malheureuse a eu tendance à occulter les événements majeurs et les tendances politiques de son mandat, en particulier son rôle dans le maintien et l'expansion de l'engagement militaire de l'Australie dans la guerre du Vietnam.",
"Le transfert du pouvoir de Menzies s'est déroulé sans heurts et sans problème, et lors des élections fédérales de la même année, l'électorat a massivement soutenu Holt, donnant au gouvernement de coalition Holt-McEwen une majorité de 41 sièges, la plus grande de l'histoire de l'Australie jusqu'à cette époque. Ils ont également remporté 57 % des voix préférées des deux partis, ce qui reste la plus grande marge de victoire lors d'une élection fédérale dans l'histoire politique australienne.",
"L'historien politique James Jupp dit qu'en matière de politique intérieure, Holt s'identifiait à l'aile réformiste du libéralisme victorien. L’une de ses réalisations les plus remarquables a été d’initier le processus visant à briser la politique préférentielle de l’Australie blanche en mettant fin à la distinction entre les migrants asiatiques et européens et en permettant aux Asiatiques qualifiés de s’installer avec leurs familles. Il a également créé le Conseil australien des arts (plus tard le Conseil australien), qui a lancé la tradition de soutien du gouvernement fédéral aux arts et aux artistes australiens, une initiative qui a été considérablement élargie par le successeur de Holt, John Gorton.",
"Dans le domaine de la réforme constitutionnelle, l'événement le plus important de l'époque de Holt en tant que Premier ministre fut le référendum de 1967 au cours duquel une écrasante majorité d'Australiens votèrent en faveur de l'octroi au Commonwealth du pouvoir de légiférer spécifiquement pour les Australiens autochtones et de les inclure dans le Commonwealth. recensement.",
"Pendant le mandat de Holt, la guerre du Vietnam était la question dominante de la politique étrangère. Le gouvernement Holt a considérablement accru l'implication militaire de l'Australie dans la guerre et Holt a défendu avec véhémence la politique américaine dans la région. Il a également noué des relations étroites avec le président américain Lyndon B. Johnson, qu'il avait rencontré pour la première fois à Melbourne en 1942.",
"Alors que Holt a déclaré que son amitié avec Johnson se reflétait dans les relations solides entre l'Australie et les États-Unis, l'ancien diplomate australien et expert des affaires étrangères Alan Renouf s'est montré plus cynique dans son évaluation de la situation. Dans le chapitre sur le Vietnam de The Frightened Country, son livre de 1979 sur la politique étrangère australienne, Renouf suggère sans détour que Holt a été en fait « séduit » par Johnson, et note que l'administration Johnson a critiqué le gouvernement Holt pour ne pas en faire assez et a fait pression à plusieurs reprises sur l'Australie. pour accroître son engagement de troupes au Vietnam.",
"Lors de son entrée en fonction, Holt a déclaré que l'Australie n'avait pas l'intention d'augmenter son engagement dans la guerre, mais à peine un mois plus tard, en décembre 1966, il a annoncé que l'Australie triplerait son engagement en troupes à 4 500, dont 1 500 conscrits du service national, créant ainsi un poste unique. groupe de travail australien indépendant basé à Nui Dat.",
"Le 20 octobre 1966, le président Johnson arriva en Australie à l'invitation de Holt pour une visite d'État de trois jours, la première en Australie par un président américain en exercice. La tournée a marqué les premières grandes manifestations anti-guerre organisées en Australie. À Sydney, des manifestants se sont allongés devant la voiture transportant Johnson et le premier ministre de la Nouvelle-Galles du Sud, Robert Askin (ce qui a incité Askin à donner l'ordre notoire de « écraser ces salauds »). À Melbourne, une foule estimée à 750 000 personnes s'est rendue pour accueillir Johnson, bien qu'un contingent anti-guerre ait manifesté contre la visite en lançant des bombes de peinture sur la voiture de Johnson et en scandant \"LBJ, LBJ, combien d'enfants avez-vous tués aujourd'hui ?\".",
"En décembre, l’Australie a signé un accord controversé avec les États-Unis qui permettrait à ces derniers d’établir une installation secrète de communications stratégiques à Pine Gap, dans le Territoire du Nord. Le 20 décembre 1966, Holt annonça que la force militaire australienne au Vietnam devait à nouveau être augmentée à 6 300 soldats plus douze chars supplémentaires, deux dragueurs de mines et huit bombardiers.",
"Holt a participé à sa première et unique élection générale en tant que Premier ministre le 26 novembre 1966, concentrant sa campagne sur la question du Vietnam et la prétendue menace communiste en Asie. Le leader travailliste Arthur Calwell s'est farouchement opposé à la participation de l'Australie à la guerre et a promis que les troupes australiennes seraient rapatriées si les travaillistes gagnaient le pouvoir, et l'opposition au service à l'étranger des conscrits australiens faisait depuis longtemps partie de la politique de l'ALP.",
"L'engagement de l'Australie au Vietnam bénéficiait toujours d'un soutien populaire majoritaire et la campagne anti-guerre de Calwell n'a pas suscité beaucoup de réactions positives de la part des électeurs. La Coalition a remporté une victoire éclatante sur l'ALP, remportant de nombreux sièges d'anciens ALP et revenant au pouvoir avec la plus grande majorité parlementaire depuis la Fédération. Le Parti libéral a augmenté ses effectifs de 52 à 61, et le Country Party de 20 à 21, tandis que les travaillistes ont chuté de 51 à 41 sièges et un indépendant. Parmi les nouveaux membres élus se trouvait le futur trésorier fédéral Phillip Lynch.",
"Holt a commencé à nager, mais il a rapidement disparu de notre vue. Craignant le pire, les autres ont donné l'alerte. Un important contingent de policiers, de plongeurs de la Royal Australian Navy, d'hélicoptères de la Royal Australian Air Force, de membres de l'armée de Point Nepean, à proximité, et de volontaires locaux ont convergé vers la plage. Cela s'est rapidement transformé en l'une des plus grandes opérations de recherche de l'histoire de l'Australie, mais aucune trace de Holt n'a pu être trouvée.",
"Un service commémoratif organisé à la cathédrale anglicane Saint-Paul de Melbourne le 22 décembre a réuni un certain nombre de dignitaires internationaux, dont le président Johnson, Charles, le prince de Galles et le Premier ministre britannique Harold Wilson. Parmi les nombreux dirigeants asiatiques figuraient Nguyễn Văn Thiệu, président du Sud-Vietnam et Park Chung-hee, président de la Corée du Sud. Ce fut également l'un des premiers événements à être retransmis de l'Australie vers d'autres pays par satellite.",
"Harold Holt est surtout commémoré par le centre de natation Harold Holt Memorial, situé dans la banlieue de Melbourne, à Glen Iris. Le complexe était en construction au moment de la disparition de Holt et, comme il en était le membre local, il fut nommé en sa mémoire. L'ironie de la commémoration de Holt avec une piscine a été une source d'amusement ironique pour de nombreux Australiens."
] | Harold Edward Holt (5 août 1908 - 17 décembre 1967) était un homme politique australien et le 17e Premier ministre d'Australie. Il est né à Stanmore, en Nouvelle-Galles du Sud et a obtenu une bourse pour étudier le droit à l'Université de Melbourne. Holt s'est lancé dans les affaires en tant qu'avocat, période pendant laquelle il a rejoint le United Australia Party (UAP). En 1935, à seulement 27 ans, il est élu dans Fawkner. Holt a passé 32 ans au Parlement, dont de nombreuses années en tant que ministre principal, mais n'a été Premier ministre que 22 mois avant de disparaître en décembre 1967 alors qu'il nageait à Cheviot Beach près de Portsea, Victoria, et était présumé noyé.
En tant que ministre de l'Immigration (1949-1956), Holt fut responsable de l'assouplissement de la politique de l'Australie blanche et, en tant que trésorier sous Menzies, il lança d'importantes réformes fiscales, notamment la création de la Banque de réserve d'Australie, et lança et guida le processus de conversion. Australie en monnaie décimale. En tant que Premier ministre, il a supervisé des changements historiques, notamment la décision de ne pas dévaluer le dollar australien au même rythme que la livre sterling, et le référendum constitutionnel de 1967 au cours duquel une écrasante majorité d'Australiens ont voté en faveur de l'octroi au Commonwealth du pouvoir de légiférer spécifiquement pour les Australiens autochtones. . Il a élargi de manière controversée l'implication de l'Australie dans la guerre du Vietnam, avec le slogan « Jusqu'au bout avec LBJ ».
Début de la vie
Né à Stanmore, en Nouvelle-Galles du Sud, le 5 août 1908, Holt était le fils aîné de Thomas et Olive (née Williams). Lui et son frère Cliff (Clifford Thomas Holt, né en 1910) ont passé leur jeunesse à Sydney, fréquentant trois écoles différentes. En 1918, Thomas Holt divorce d'Olive et part travailler avec Hugh D. McIntosh, directeur du circuit théâtral de Tivoli. Il est ensuite devenu le représentant de Tivoli-JC Williamson à Londres et à New York. Pendant ce temps, il inscrit ses fils comme pensionnaires au Wesley College de Melbourne.
En 1924, alors que Holt avait seize ans, sa mère mourut et il n'assista pas à ses funérailles. Un événement formateur fut sa prestation de chant lors de la soirée de discours annuelle de son école en décembre 1926. Aucun membre de sa famille n'était présent et il n'oublia jamais la solitude qu'il ressentit cette nuit-là.
Holt a remporté une bourse pour le Queen's College de l'Université de Melbourne et a commencé ses études en droit en 1927. Il a excellé dans de nombreux domaines de la vie universitaire - il a remporté le College 'Blues' pour le cricket et le football australien, ainsi que le College Oratory and Essay. Prix. Membre de l'équipe de débat interuniversitaire de Melbourne et de l'équipe de débat de qualité « A » de la United Australia Organization, il a été président du Sports and Social Club et de la Law Students' Society.
Holt a obtenu un baccalauréat en droit en 1930. Il a été admis au barreau de Victoria en novembre 1932 et a effectué ses stages au sein du cabinet Fink, Best & Miller de Melbourne, mais la Grande Dépression l'a empêché de trouver du travail comme avocat. avocat. Son père, alors basé à Londres, souhaitait qu'il poursuive ses études en Angleterre, mais la détérioration de l'économie rendait également cela impossible. Au lieu de cela, en 1933, Holt s'est lancé exclusivement dans la pratique du droit. Il a ensuite conclu un partenariat, qui est devenu la société Holt, Graham & Newman, dans laquelle Holt est resté jusqu'en 1963.
À l'université, Holt avait rencontré Zara Kate Dickins. En 1934, ils envisageaient de se marier, mais après une dispute, ils se séparèrent. Zara a voyagé à l'étranger et a rencontré le capitaine James Fell, un officier de l'armée britannique stationné en Inde, qu'elle a épousé en mars 1935. Son premier fils, Nicholas, est né en 1937, suivi des jumeaux Sam et Andrew, nés en 1939. L'auteur Tom Frame a suggéré que Holt était le père des jumeaux. Zara et Fell ont ensuite divorcé et elle a épousé Holt en 1946. Bien qu'ils soient restés mariés jusqu'à la mort de Holt en 1967, Zara a commenté plus tard que Holt avait eu un certain nombre de relations extraconjugales.
Pendant ce temps, Thomas Holt épousa Lola Thring, la fille de son partenaire commercial F. W. Thring, en 1936. Il mourut en 1945.
Début de carrière politique
Tout en développant sa pratique juridique, Holt a été attiré par la politique et a rejoint la branche Prahran du United Australia Party (UAP) en 1933. Aux élections fédérales de 1934, Holt a contesté sans succès le siège travailliste sûr de Yarra pour l'UAP, se présentant contre l'ancien Premier ministre. Ministre James Scullin. En mars 1935, il contesta sans succès le siège travailliste sûr de l'État de Victoria, à Clifton Hill. Holt se présenta de nouveau à la Chambre fédérale des représentants le 17 août 1935, lors d'une élection partielle pour le siège marginalement conservateur de Fawkner, cette fois avec succès. À 27 ans, il était l'un des plus jeunes députés australiens de l'histoire.
Holt s'est opposé au socialisme, mais était favorable à une répartition plus équitable des ressources. Dès son discours inaugural, il a souligné l’importance de la forme physique.
En 1939, le mentor de Holt, Robert Menzies, devint Premier ministre après la mort soudaine du président sortant Joseph Lyons et du ministère intérimaire à court terme de Sir Earle Page. L'énergie, le dévouement et la capacité de Holt lui valent une promotion rapide et en avril 1939, il est nommé ministre sans portefeuille assistant le ministre de l'Approvisionnement et du Développement. En octobre 1939, il devient ministre chargé de la Recherche scientifique et industrielle, et de novembre à décembre 1939, il est ministre par intérim de l'Air et de l'Aviation civile.
En mai 1940, sans démissionner de son siège, Holt rejoignit la Deuxième Force impériale australienne en tant qu'artilleur, mais quelques mois plus tard, trois ministres et plusieurs hauts responsables militaires australiens furent tués dans un accident d'avion à Canberra. Menzies a rappelé Holt de l'armée, le nommant ministre sans portefeuille assistant le ministre du Commerce et des Douanes, et son rappel lui a valu le surnom ironique de « Gunner Holt ».
En octobre 1940, Holt fut élevé au Cabinet, devenant ministre du Travail et du Service national, et l'une de ses réalisations les plus importantes dans ce portefeuille fut l'introduction de la dotation pour les enfants en 1941.
En août 1941, une révolte des premiers sièges contraint Menzies à démissionner de son poste de Premier ministre. Il a été remplacé par le chef du Country Party, Arthur Fadden. Holt faisait partie de ceux qui ont retiré leur soutien, bien qu’il n’ait jamais révélé les raisons de ce retrait. En octobre 1941, l'UAP fut évincé par un vote de censure ; le leader de l'ALP, John Curtin, a été invité à former un nouveau gouvernement. En 1944, l'UAP s'était effectivement désintégré et en 1945, Menzies créait officiellement un nouveau parti politique, le Parti libéral d'Australie, et forgeait une coalition durable avec le Country Party. Holt a été l'un des premiers membres à rejoindre la branche Prahran du Parti libéral.
Carrière ministérielle d'après-guerre
Après huit ans dans l'opposition, la Coalition remporte les élections fédérales de décembre 1949 et Menzies entame son deuxième mandat record en tant que Premier ministre. Lors de cette élection, Holt a vu sa majorité dans Fawkner presque disparaître lors de la redistribution. Il a été transféré à Higgins, l'un des nombreux nouveaux sièges créés lors de la redistribution de 1949. Le siège a été créé comme siège libéral sûr; il avait été creusé dans les quartiers les plus riches de Fawkner. Holt l'a gagné facilement. Il a été nommé aux prestigieux portefeuilles de ministre du Travail et du Service national (1949-1958 ; il avait auparavant occupé ce portefeuille de 1940 à 1941) et de ministre de l'Immigration (1949-1956), date à laquelle il était vanté dans la presse. comme un "successeur certain de Menzies et un Premier ministre potentiel". En matière d'immigration, Holt a poursuivi et élargi le programme d'immigration massif lancé par son prédécesseur de l'ALP, Arthur Calwell. Cependant, il a fait preuve d'une attitude plus flexible et bienveillante que Calwell, qui était un ardent défenseur de la politique de l'Australie blanche. Il avait également la responsabilité ministérielle des Jeux olympiques de Melbourne en 1956.
Holt a excellé dans le portefeuille travailliste et a été décrit comme l'un des meilleurs ministres travaillistes depuis la Fédération. Même si les conditions étaient propices à des troubles sociaux – l'influence communiste dans le mouvement syndical était alors à son apogée et la faction de droite au sein du Cabinet militait ouvertement pour une confrontation avec les syndicats – la combinaison d'une forte croissance économique et de l'approche éclairée de Holt en matière de Les relations industrielles ont vu le nombre d’heures de travail perdues à cause des grèves chuter de façon spectaculaire, passant de plus de deux millions en 1949 à seulement 439 000 en 1958.
Holt a favorisé une plus grande collaboration entre le gouvernement, les tribunaux, les employeurs et les syndicats. Il entretenait de bonnes relations avec des dirigeants syndicaux comme Albert Monk, président du Conseil australien des syndicats ; et Jim Healy, leader de la Fédération radicale des travailleurs du bord de l'eau ; et il a acquis une réputation de tolérance, de retenue et de volonté de compromis, bien que sa décision controversée d'utiliser des troupes pour prendre le contrôle des installations de fret lors d'un conflit au bord de l'eau à Bowen, dans le Queensland en septembre L’année 1953 suscite de vives critiques.
Le profil personnel et la position politique de Holt se sont développés tout au long des années 1950. Il a siégé à de nombreux comités et délégations à l'étranger, il a été nommé conseiller privé en 1953 et, en 1954, il a été nommé l'un des six hommes les mieux habillés d'Australie. En 1956, il est élu chef adjoint du Parti libéral et devient leader de la Chambre. À partir de ce moment, il est généralement reconnu comme l'héritier présumé de Menzies.
En décembre 1958, suite au départ à la retraite d'Arthur Fadden, Holt lui succède au poste de trésorier. Holt avait peu de connaissances ou d'intérêt pour l'économie, mais ce poste renforça sa position de successeur probable de Menzies. En tant que trésorier, Holt s'est fortement appuyé sur les conseils du secrétaire au Trésor Roland Wilson. Ses réalisations comprenaient des réformes majeures du système bancaire (initiées par Fadden) - y compris la création de la Banque de réserve d'Australie - ainsi que la planification et la préparation de l'introduction de la monnaie décimale. C'est Holt qui a convaincu le Cabinet d'appeler la nouvelle monnaie le « dollar » plutôt que le « royal ».
L'économie dont Holt avait hérité était en forte croissance, aidée par l'ouverture de nouvelles mines de minerai de fer. Cependant, en 1959, l’inflation était de 4,5 % et le Trésor s’est alarmé. Holt était réticent à agir, mais en novembre 1960, il introduisit un ensemble de modifications fiscales déflationnistes. Il a également accepté à contrecœur une hausse des taux d’intérêt de la part de la Banque de réserve. Ces mesures sont connues sous le nom de « resserrement du crédit » ou de « secousse de Holt ». L’économie est entrée en récession, mais le chômage est resté relativement faible.
La crise du crédit a amené la Coalition dangereusement près de perdre les élections de 1961, la Coalition étant revenue avec une majorité précaire d'un siège. Des appels ont été lancés pour le limogeage de Holt, mais il a conservé le soutien de Menzies. Il a décrit plus tard les années 1960-1961 comme « mon année la plus difficile dans la vie publique ». La plupart des mesures déflationnistes ont été annulées en 1962.
Dans les budgets ultérieurs, Holt s'est retiré dans sa maison de vacances du Queensland pendant la préparation. Après avoir présenté le budget, il part en voyage à l’étranger. Contrairement à ses collègues, il a beaucoup voyagé en Asie du Sud-Est, ce qui, selon lui, était la clé de la prospérité future de l'Australie.
Holt est resté trésorier fédéral jusqu'en janvier 1966, date à laquelle Menzies a finalement pris sa retraite. Avec le soutien de Menzies, Holt est élu chef du Parti libéral, devenant ainsi premier ministre après avoir été député pendant près de 31 ans.
Holt comme Premier ministre
Holt a prêté serment en tant que Premier ministre le jour de l'Australie, le 26 janvier 1966. Son cabinet d'origine comprenait :
* John McEwen (CP), vice-premier ministre, chef du Country Party, ministre du Commerce et de l'Industrie ;
* William McMahon (LP), trésorier ;
* Paul Hasluck (LP), ministre des Affaires étrangères ;
* Allen Fairhall (LP), ministre de la Défense ;
* Charles Adermann (CP) Ministre de l'Industrie primaire ;
* Charles Barnes (CP), ministre des Territoires ;
* David Fairbairn (LP), ministre du Développement national ;
* Sénateur John Gorton (LP), ministre des Travaux publics et ministre chargé des activités du Commonwealth en matière d'éducation et de recherche ;
* Sénateur Denham Henty (LP), ministre de l'Approvisionnement ;
* Alan Hulme (LP), ministre des Postes ;
* Les Bury (LP), ministre du Travail ;
* Malcolm Fraser (LP), ministre de l'Armée.
Le mandat de Holt couvrait presque exactement les années civiles tumultueuses de 1966-1967. Son bref mandat signifie qu'il a eu un impact personnel et politique limité en tant que Premier ministre, et on se souvient de lui principalement pour les circonstances dramatiques de sa disparition et de sa mort présumée. Sa disparition malheureuse a eu tendance à occulter les événements majeurs et les tendances politiques de son mandat, en particulier son rôle dans le maintien et l'expansion de l'engagement militaire de l'Australie dans la guerre du Vietnam.
Le transfert du pouvoir de Menzies s'est déroulé sans heurts et sans problème, et lors des élections fédérales de la même année, l'électorat a massivement soutenu Holt, donnant au gouvernement de coalition Holt-McEwen une majorité de 41 sièges, la plus grande de l'histoire de l'Australie jusqu'à cette époque. Ils ont également remporté 57 % des voix préférées des deux partis, ce qui reste la plus grande marge de victoire lors d'une élection fédérale dans l'histoire politique australienne.
Stylistiquement, Holt était plus informel et contemporain que Menzies, et sa femme l'accompagnait sous les projecteurs politiques.
L'historien politique James Jupp dit qu'en matière de politique intérieure, Holt s'identifiait à l'aile réformiste du libéralisme victorien. L’une de ses réalisations les plus remarquables a été d’initier le processus visant à briser la politique préférentielle de l’Australie blanche en mettant fin à la distinction entre les migrants asiatiques et européens et en permettant aux Asiatiques qualifiés de s’installer avec leurs familles. Il a également créé le Conseil australien des arts (plus tard le Conseil australien), qui a lancé la tradition de soutien du gouvernement fédéral aux arts et aux artistes australiens, une initiative qui a été considérablement élargie par le successeur de Holt, John Gorton.
Dans le domaine de la réforme constitutionnelle, l'événement le plus important de l'époque de Holt en tant que Premier ministre fut le référendum de 1967 au cours duquel une écrasante majorité d'Australiens votèrent en faveur de l'octroi au Commonwealth du pouvoir de légiférer spécifiquement pour les Australiens autochtones et de les inclure dans le Commonwealth. recensement.
En 1967, le gouvernement Holt a pris la décision historique de ne pas déprécier le dollar australien conformément à la dépréciation britannique de la livre sterling, une rupture avec la politique précédente, à laquelle s'est fermement opposé le chef du Country Party, John McEwen.
Holt et le Vietnam
Pendant le mandat de Holt, la guerre du Vietnam était la question dominante de la politique étrangère. Le gouvernement Holt a considérablement accru l'implication militaire de l'Australie dans la guerre et Holt a défendu avec véhémence la politique américaine dans la région. Il a également noué des relations étroites avec le président américain Lyndon B. Johnson, qu'il avait rencontré pour la première fois à Melbourne en 1942.
Alors que Holt a déclaré que son amitié avec Johnson se reflétait dans les relations solides entre l'Australie et les États-Unis, l'ancien diplomate australien et expert des affaires étrangères Alan Renouf s'est montré plus cynique dans son évaluation de la situation. Dans le chapitre sur le Vietnam de The Frightened Country, son livre de 1979 sur la politique étrangère australienne, Renouf suggère sans détour que Holt a été en fait « séduit » par Johnson, et note que l'administration Johnson a critiqué le gouvernement Holt pour ne pas en faire assez et a fait pression à plusieurs reprises sur l'Australie. pour accroître son engagement de troupes au Vietnam.
Lors de son entrée en fonction, Holt a déclaré que l'Australie n'avait pas l'intention d'augmenter son engagement dans la guerre, mais à peine un mois plus tard, en décembre 1966, il a annoncé que l'Australie triplerait son engagement en troupes à 4 500, dont 1 500 conscrits du service national, créant ainsi un poste unique. groupe de travail australien indépendant basé à Nui Dat.
Cinq mois plus tard, en mai, Holt fut obligé d'annoncer le décès du premier conscrit du Service national au Vietnam, le soldat Errol Wayne Noack, âgé de 21 ans. Juste avant sa disparition, Holt approuva une nouvelle augmentation des effectifs, engageant un troisième bataillon dans la guerre, décision qui fut ensuite révoquée par son successeur, John Gorton.
Holt s'est rendu aux États-Unis fin juin 1966, où il a prononcé un discours à Washington en présence du président Johnson. Rapporté dans The Australian le 1er juillet 1966, le discours de Holt se terminait par une remarque qui est désormais considérée comme résumant son soutien inconditionnel à Johnson, à la politique américaine au Vietnam et à la poursuite de l'implication militaire australienne dans la guerre du Vietnam :
"Vous avez en nous non seulement un ami compréhensif, mais aussi un fervent convaincu de la nécessité de notre présence au Vietnam.
"Nous ne sommes pas là à cause de notre amitié, nous sommes là parce que, comme vous, nous pensons qu'il est juste d'être là et, comme vous, nous y resterons aussi longtemps qu'il nous semblera nécessaire pour atteindre les objectifs du gouvernement sud-vietnamien. et les objectifs que nous unissons pour formuler et progresser ensemble.
"Et donc, monsieur, dans les moments les plus solitaires et peut-être encore plus décourageants qui surviennent à tout dirigeant national, j'espère qu'il y aura un coin de votre esprit et de votre cœur qui se réjouira du fait que vous avez un ami admiratif, un ami fidèle. ce sera jusqu'au bout avec LBJ."
Après sa visite à Washington, Holt s'est rendu à Londres et, dans un discours prononcé le 7 juillet, il a vivement critiqué le Royaume-Uni, la France et d'autres alliés des États-Unis qui avaient refusé d'engager des troupes dans la guerre du Vietnam.
Le 20 octobre 1966, le président Johnson arriva en Australie à l'invitation de Holt pour une visite d'État de trois jours, la première en Australie par un président américain en exercice. La tournée a marqué les premières grandes manifestations anti-guerre organisées en Australie. À Sydney, des manifestants se sont allongés devant la voiture transportant Johnson et le premier ministre de la Nouvelle-Galles du Sud, Robert Askin (ce qui a incité Askin à donner l'ordre notoire de « écraser ces salauds »). À Melbourne, une foule estimée à 750 000 personnes s'est rendue pour accueillir Johnson, bien qu'un contingent anti-guerre ait manifesté contre la visite en lançant des bombes de peinture sur la voiture de Johnson et en scandant "LBJ, LBJ, combien d'enfants avez-vous tués aujourd'hui ?".
En décembre, l’Australie a signé un accord controversé avec les États-Unis qui permettrait à ces derniers d’établir une installation secrète de communications stratégiques à Pine Gap, dans le Territoire du Nord. Le 20 décembre 1966, Holt annonça que la force militaire australienne au Vietnam devait à nouveau être augmentée à 6 300 soldats plus douze chars supplémentaires, deux dragueurs de mines et huit bombardiers.
Élections générales de 1966
Holt a participé à sa première et unique élection générale en tant que Premier ministre le 26 novembre 1966, concentrant sa campagne sur la question du Vietnam et la prétendue menace communiste en Asie. Le leader travailliste Arthur Calwell s'est farouchement opposé à la participation de l'Australie à la guerre et a promis que les troupes australiennes seraient rapatriées si les travaillistes gagnaient le pouvoir, et l'opposition au service à l'étranger des conscrits australiens faisait depuis longtemps partie de la politique de l'ALP.
L'engagement de l'Australie au Vietnam bénéficiait toujours d'un soutien populaire majoritaire et la campagne anti-guerre de Calwell n'a pas suscité beaucoup de réactions positives de la part des électeurs. La Coalition a remporté une victoire éclatante sur l'ALP, remportant de nombreux sièges d'anciens ALP et revenant au pouvoir avec la plus grande majorité parlementaire depuis la Fédération. Le Parti libéral a augmenté ses effectifs de 52 à 61, et le Country Party de 20 à 21, tandis que les travaillistes ont chuté de 51 à 41 sièges et un indépendant. Parmi les nouveaux membres élus se trouvait le futur trésorier fédéral Phillip Lynch.
1967
Au début de 1967, Arthur Calwell a pris sa retraite en tant que leader de l'ALP et Gough Whitlam lui a succédé. Whitlam s'est avéré un adversaire bien plus efficace, tant dans les médias qu'au Parlement, et le parti travailliste a rapidement commencé à se remettre de ses pertes et à gagner du terrain, Whitlam battant Holt à plusieurs reprises au Parlement. À cette époque, les tensions longtemps réprimées entre les partenaires de la coalition sur les politiques économiques et commerciales commençaient également à émerger. Tout au long de son règne à la tête du Parti libéral, Menzies avait imposé une stricte discipline de parti, mais une fois son départ terminé, des dissensions ont commencé à faire surface. Certains libéraux furent bientôt mécontents de ce qu'ils considéraient comme un leadership faible de Holt. Alan Reid affirme que Holt était de plus en plus critiqué au sein du parti dans les mois précédant sa mort, qu'il était perçu comme « vague, imprécis et évasif » et « gentil au point que sa décence essentielle était considérée comme une faiblesse ».
La popularité et la position politique de Holt ont été endommagées par sa mauvaise gestion perçue d'une série de controverses qui ont émergé en 1967. En avril, la nouvelle émission d'actualités nocturne de l'ABC, This Day Tonight, a publié un article critiquant la décision du gouvernement de ne pas reconduire le président du parti. Conseil ABC, Sir James Darling. Holt a répondu de manière imprudente, remettant en question l'impartialité de l'ABC et impliquant un parti pris politique de la part du journaliste Mike Willesee (dont le père Don Willesee était sénateur de l'ALP et futur ministre du gouvernement Whitlam), et sa déclaration a suscité de vives protestations de la part de Willesee et des journalistes australiens. ' Association.
En mai, la pression croissante des médias et au sein du Parti libéral a contraint Holt à annoncer un débat parlementaire sur la question d'une deuxième enquête sur le naufrage du HMAS Voyager en 1964, qui se tiendrait le 16 mai. Le débat comprenait le discours inaugural du député libéral nouvellement élu de Nouvelle-Galles du Sud, Edward St John QC, qui a profité de l'occasion pour critiquer l'attitude du gouvernement face aux nouvelles preuves de la catastrophe. Holt, enragé, interrompit le discours de St John, au mépris de la convention parlementaire selon laquelle les premiers discours sont entendus en silence ; sa bévue a embarrassé le gouvernement et a miné davantage le soutien de Holt au Parti libéral. Quelques jours plus tard, Holt a annoncé la création d'une nouvelle commission royale sur la catastrophe.
En juin, Holt s'est rendu à Londres via le Canada, où, le 6 juin, il a inauguré le pavillon australien à l'Expo 67 à Montréal ; lors du voyage de retour, les Holt sont restés avec les Johnson à la station d'été présidentielle, Camp David, dans le Maryland.
En octobre, le gouvernement s'est retrouvé mêlé à une autre controverse embarrassante sur l'utilisation abusive présumée d'avions VIP, qui a atteint son paroxysme lorsque John Gorton (leader du gouvernement au Sénat) a déposé des documents démontrant que Holt avait involontairement induit le Parlement en erreur dans ses réponses précédentes sur la question. . Le soutien à son leadership a été encore plus érodé par son refus de limoger le ministre de l'Air, Peter Howson, afin de désamorcer le scandale, alimentant les critiques au sein du parti selon lesquelles Holt était « faible » et manquait de la cruauté de Menzies. Une grande partie de la responsabilité de cet épisode au sein de la fonction publique a été imputée à Sir John Bunting, secrétaire du département du Premier ministre, même si d'autres personnalités, comme le secrétaire adjoint Peter Lawler, ont réussi à se protéger. L'un des premiers actes de John Gorton lorsqu'il est devenu Premier ministre en janvier 1968 fut de mettre Bunting sur la touche en créant un département distinct du Cabinet Office avec Bunting à sa tête, et de le remplacer par Lenox Hewitt.
En novembre 1967, le gouvernement subit un sérieux revers lors des élections sénatoriales, remportant seulement 42,8 pour cent des voix contre 45 pour cent pour les travaillistes. La coalition a également perdu les sièges de Corio et de Dawson au profit des travaillistes lors d'élections partielles. Alan Reid dit qu'au sein du parti, le revirement a été imputé à la mauvaise gestion par Holt du scandale des avions VIP. L'inquiétude grandissait quant à son style de leadership et à ses éventuels problèmes de santé.
Disparition
Le matin du dimanche 17 décembre 1967, Holt, sa voisine et amante présumée, Marjorie Gillespie, sa fille, Vyner, le petit ami de Vyner, Martin Simpson, et un ami de la famille Gillespie, Alan Stewart, sont descendus de Melbourne pour voir le seul plaisancier britannique. Alec Rose navigue à travers Port Phillip Heads. Vers midi, le groupe s'est rendu à l'un des lieux de baignade et de plongée avec tuba préférés de Holt, Cheviot Beach, à Point Nepean, près de Portsea, sur le bras est de la baie de Port Phillip. Holt a décidé d'aller nager, même si les vagues étaient hautes et féroces.
Holt a commencé à nager, mais il a rapidement disparu de notre vue. Craignant le pire, les autres ont donné l'alerte. Un important contingent de policiers, de plongeurs de la Royal Australian Navy, d'hélicoptères de la Royal Australian Air Force, de membres de l'armée de Point Nepean, à proximité, et de volontaires locaux ont convergé vers la plage. Cela s'est rapidement transformé en l'une des plus grandes opérations de recherche de l'histoire de l'Australie, mais aucune trace de Holt n'a pu être trouvée.
Deux jours plus tard, le 19 décembre 1967, le gouvernement annonça officiellement que Holt était présumé mort. Le gouverneur général Lord Casey a convoqué le chef du Country Party et vice-premier ministre de la coalition, John McEwen, et il a prêté serment en tant que premier ministre par intérim jusqu'à ce que les libéraux élisent un nouveau chef.
Holt était un bon nageur et un plongeur expérimenté, doté de ce que son biographe Tom Frame décrit comme « des pouvoirs incroyables d'endurance sous l'eau ». Cependant, sa santé était loin d'être parfaite au moment de sa mort : il s'était effondré au Parlement plus tôt dans l'année, souffrant apparemment d'une carence en vitamines, ce qui avait fait craindre à certains hauts libéraux qu'il puisse souffrir d'une maladie cardiaque.
En septembre 1967, Holt avait subi une récidive d'une ancienne blessure à l'épaule, qui lui aurait causé des douleurs atroces, et pour cela, on lui a prescrit des analgésiques puissants. Il a ignoré les récents conseils de son médecin Marcus de Laune Faunce de ne pas jouer au tennis ni nager jusqu'à ce que son épaule soit guérie et aurait obtenu une ordonnance de morphine d'un autre médecin. Tom Frame rapporte également que Holt avait déjà eu des ennuis à deux reprises en faisant de la plongée sous-marine plus tôt en 1967 : la première fois, alors qu'il faisait de la plongée avec tuba à Portsea en mai, il a eu de graves difficultés à cause d'un tuba qui fuyait et a dû être retiré de l'eau par des amis. , à bout de souffle, le visage bleu et des vomissements d'eau de mer.
service commémoratif
Un service commémoratif organisé à la cathédrale anglicane Saint-Paul de Melbourne le 22 décembre a réuni un certain nombre de dignitaires internationaux, dont le président Johnson, Charles, le prince de Galles et le Premier ministre britannique Harold Wilson. Parmi les nombreux dirigeants asiatiques figuraient Nguyễn Văn Thiệu, président du Sud-Vietnam et Park Chung-hee, président de la Corée du Sud. Ce fut également l'un des premiers événements à être retransmis de l'Australie vers d'autres pays par satellite.
Spéculation
Les spéculations des médias se sont concentrées sur la possibilité que Holt se soit suicidé. Le journaliste Ray Martin a réalisé un documentaire, Who Killed Harold Holt ?, projeté en novembre 2007, qui suggérait que Holt aurait pu se suicider. Le magazine Bulletin a publié un article soutenant la théorie du suicide. À l'appui de ce point de vue, le Bulletin a cité son collègue ministre Doug Anthony qui a parlé de la dépression de Holt peu avant sa mort. La suggestion de suicide a été catégoriquement rejetée par le fils de Holt, Sam, par son biographe Tom Frame et par l'ancien premier ministre et collègue de Holt au cabinet de l'époque, Malcolm Fraser.
Le 23 octobre 2008, ABC Television a diffusé le docu-drame d'une heure Le Premier ministre a disparu, mettant en vedette Normie Rowe dans le rôle de Holt. Ce programme couvrait en grande partie le même sujet que le documentaire de Martin, mais rejetait la suggestion de Martin selon laquelle Holt s'était suicidé, déclarant qu'il était un « affirmeur de vie » vocal. Le documentaire indiquait également que Holt souffrait d'une blessure à l'épaule et qu'il lui avait été conseillé de ne pas nager.
En 1983, une théorie alternative a été avancée par l'écrivain Anthony Gray, qui suggérait que Holt avait été un espion pour la République populaire de Chine et qu'un sous-marin chinois l'avait récupéré. Cette théorie a été largement ridiculisée.
Enquêtes sur la disparition de Holt
Aucune enquête officielle du gouvernement fédéral n'a été menée, au motif que cela aurait été une perte de temps et d'argent. Aucune enquête n'a été menée non plus à l'époque, car la loi victorienne ne prévoyait aucun mécanisme permettant de signaler les décès présumés ou suspectés au coroner de Victoria. Cependant, la police du Commonwealth et de Victoria a rédigé un rapport de 108 pages sur la disparition, comprenant les déclarations de tous les témoins oculaires et les détails de l'opération de recherche.
La loi de Victoria a été modifiée en 1985 et, en 2003, l'unité des personnes disparues de la police de Victoria a officiellement rouvert 161 dossiers datant d'avant 1985 dans lesquels une noyade était soupçonnée mais aucun corps n'a été retrouvé. Le fils de Holt, Nicholas Holt, a déclaré qu'après 37 ans, il restait peu de témoins survivants et qu'aucune nouvelle preuve ne serait présentée. Le 2 septembre 2005, le coroner a conclu que Holt s'était noyé dans des circonstances accidentelles le 17 décembre 1967.
Crise de leadership
La disparition de Holt a déclenché une crise au sein du gouvernement de coalition. Le chef adjoint libéral et trésorier William McMahon a prévu une réunion dans la salle du parti le 20 décembre pour élire un nouveau chef, avec l'intention de se présenter lui-même au poste. Cependant, cela a été anticipé par le chef du Country Party et vice-premier ministre John McEwen qui a déclaré publiquement le matin du 18 décembre qu'il ne servirait pas dans un gouvernement McMahon. (Lui et McMahon avaient un différend de longue date au sujet des politiques commerciales.) Le 19 décembre, après des discussions avec McEwen et divers députés libéraux, le gouverneur général Richard Casey a nommé McEwen au poste de Premier ministre par intérim, étant entendu que sa commission ne continuerait que aussi longtemps qu'il a fallu aux libéraux pour élire un nouveau chef. Le scrutin à la direction du Parti libéral a été reporté au 9 janvier 1968. Il s'est avéré que McMahon ne s'est pas présenté et le sénateur John Gorton a été élu, remplaçant McEwen au poste de Premier ministre le 10 janvier 1968.
En termes de politique partisane, l'une des caractéristiques les plus significatives du bref mandat de Holt en tant que Premier ministre est que sa mort inattendue a déclenché le début d'une période de troubles sans précédent au sein du Parti libéral et un déclin rapide des chances électorales de la Coalition. Pendant vingt-deux ans, depuis sa fondation en 1944 jusqu'à sa retraite en 1966, le Parti libéral n'a eu qu'un seul chef, Robert Menzies. Après la retraite de Menzies, le parti eut trois dirigeants en six ans : Holt, Gorton et William McMahon. En décembre 1969, l'ALP dirigé par Gough Whitlam est passé à quatre sièges de mettre fin à l'emprise de la Coalition sur le pouvoir avant de remporter une victoire convaincante en 1972.
Mémoriaux et autres legs
Harold Holt est surtout commémoré par le centre de natation Harold Holt Memorial, situé dans la banlieue de Melbourne, à Glen Iris. Le complexe était en construction au moment de la disparition de Holt et, comme il en était le membre local, il fut nommé en sa mémoire. L'ironie de la commémoration de Holt avec une piscine a été une source d'amusement ironique pour de nombreux Australiens.
En 1968, le nouveau destroyer d'escorte de classe Knox de la marine américaine, l'USS Harold E. Holt (FF-1074), a été nommé en son honneur. Il a été lancé par la veuve de Holt, Dame Zara, aux chantiers navals Todd de Los Angeles le 3 mai 1969 et a été le premier navire de guerre américain à porter le nom d'un dirigeant étranger.
En 1969, une plaque commémorative de Holt a été boulonnée au fond marin au large de Cheviot Beach après une cérémonie commémorative. Il porte l'inscription :
D'autres monuments commémoratifs comprennent :
* la banlieue de Holt, Territoire de la capitale australienne ;
* la station de communication navale Harold E. Holt ;
* la Division de Holt, une circonscription électorale de la Chambre des Représentants australienne à Victoria ;
* un cadran solaire et un jardin dans les jardins Fitzroy, à Melbourne ;
* une aile pour les pensionnaires du Wesley College de Melbourne ;
* les réserves de pêche Harold Holt – cinq zones protégées dans le sud de Port Phillip, situées à Swan Bay, Point Lonsdale, Mud Islands, Point Nepean et Pope's Eye (The Annulus).
À titre de mémorial populaire, il est rappelé dans l'expression vernaculaire australienne « do a Harold Holt » (ou « do the Harry »), rime en argot pour « do a bolt » signifiant « disparaître soudainement et sans explication ». est généralement employé dans le contexte d'une disparition d'un rassemblement social plutôt que dans un cas de décès présumé.
Lors des honneurs d'anniversaire de la reine en juin 1968, la veuve de Holt, Zara Holt, a été nommée Dame Commandeur de l'Ordre de l'Empire britannique, devenant ainsi Dame Zara Holt DBE. Elle s'est ensuite mariée pour la troisième fois avec un collègue du parti libéral de Holt, Jeff Bate, et était alors connue sous le nom de Dame Zara Bate. | http://www.quizballs.com/ |
En 1968, dans quel pays européen ont commencé les « troubles » entre des éléments de la communauté nationaliste et la communauté unioniste ? | Irlande du Nord | [
"Les Troubles (en anglais : Troubles) sont le nom commun du conflit ethno-nationaliste en Irlande du Nord à la fin du XXe siècle. Joanne McEvoy, également connue internationalement sous le nom de conflit en Irlande du Nord. La politique de l'Irlande du Nord. Presse universitaire d'Édimbourg, 2008. p. 1. Citation : « le conflit en Irlande du Nord, connu localement sous le nom de « troubles », a duré trois décennies et a coûté la vie à plus de 3 500 personnes ». David McKittrick et David McVea. Donner un sens aux troubles : une histoire du conflit en Irlande du Nord. Pingouin, 2001. Gordon Gillespie. Le A à Z du conflit en Irlande du Nord. Presse épouvantail, 2009. Aaron Edwards et Cillian McGrattan. Le conflit en Irlande du Nord : un guide du débutant. Oneworld Publications, 2012. elle est parfois décrite comme une « guérilla » ou une « guerre de bas niveau ». Le conflit a commencé à la fin des années 1960 et est généralement considéré comme ayant pris fin avec l'accord du « Vendredi Saint » de Belfast en 1998. Arthur Aughey. La politique de l'Irlande du Nord : au-delà de l'accord de Belfast, p. 7; ISBN978-0-41532-788-6. Bien que les troubles aient eu lieu principalement en Irlande du Nord, la violence s'est parfois propagée à certaines parties de la République d'Irlande, de l'Angleterre et de l'Europe continentale.",
"Le conflit était avant tout politique, mais il avait aussi une dimension ethnique ou sectaire, Michael L. Storey. Représenter les troubles dans la fiction courte irlandaise, 2004, p. 149 même s'il ne s'agissait pas d'un conflit religieux. Une question clé était le statut constitutionnel de l’Irlande du Nord. Les unionistes/loyalistes, qui sont pour la plupart protestants et se considèrent comme britanniques, souhaitent généralement que l'Irlande du Nord reste au sein du Royaume-Uni. Les nationalistes/républicains irlandais, qui sont pour la plupart catholiques et se considèrent comme irlandais, souhaitent généralement que le Royaume-Uni quitte le Royaume-Uni et rejoigne une Irlande unie. Le conflit a commencé au milieu d'une campagne visant à mettre fin à la discrimination contre la minorité catholique/nationaliste par le gouvernement protestant/unioniste et les forces de police en 1968. La campagne s'est heurtée à la violence, conduisant finalement au déploiement de troupes britanniques et à la guerre qui a suivi.",
"« Les Troubles » font référence à la dernière vague de violence sur trois décennies (1969-1997) entre nationalistes (principalement s'identifiant comme irlandais et/ou catholiques romains) et unionistes (principalement s'identifiant comme britanniques et/ou protestants). Le terme « les Troubles » était auparavant utilisé pour désigner la période révolutionnaire irlandaise ; il a été adopté pour faire référence à l'escalade de la violence en Irlande du Nord après 1969. Peter Rose. Comment les troubles sont arrivés en Irlande du Nord, p. 94 (2001)Anisseh Van Engeland et Rachael M. Rudolph. Du terrorisme à la politique (2008), page 59Ryan Hackney et Amy Blackwell Hackney. Le livre tout sur l'histoire et le patrimoine irlandais. 2004, p. 200 La violence a été caractérisée par les campagnes armées des groupes paramilitaires républicains irlandais et loyalistes d’Ulster et des forces de sécurité de l’État britannique – l’armée britannique et la Royal Ulster Constabulary (RUC). Elle devint ainsi le centre de la plus longue campagne majeure de l'histoire de l'armée britannique.",
"La position du gouvernement britannique est que ses forces étaient neutres dans le conflit, essayant de maintenir l'ordre public en Irlande du Nord et le droit du peuple d'Irlande du Nord à l'autodétermination démocratique. Les nationalistes considèrent les forces de l’État comme des forces d’occupation et/ou des combattants partisans du conflit. Les forces de sécurité britanniques se sont concentrées sur les paramilitaires et les militants républicains, et l'enquête « Ballast » menée par le médiateur de la police a confirmé que les forces britanniques étaient de connivence à plusieurs reprises avec des paramilitaires loyalistes, étaient impliquées dans des meurtres et ont en outre entravé le cours de la justice lorsque des allégations de collusion et le meurtre a fait l'objet d'une enquête.",
"Les troubles ont connu une fin difficile grâce à un processus de paix qui comprenait la déclaration de cessez-le-feu par la plupart des organisations paramilitaires, le déclassement complet des armes de l'IRA, la réforme de la police et le retrait correspondant de l'armée britannique des rues et des zones sensibles. Zones frontalières irlandaises telles que South Armagh et Fermanagh, comme convenu par les signataires de l'Accord de Belfast (communément appelé « Accord du Vendredi Saint »). Une partie de l'accord prévoit que l'Irlande du Nord restera au sein du Royaume-Uni, à moins qu'une majorité de l'électorat nord-irlandais ne vote autrement. Il a également créé l'exécutif d'Irlande du Nord, un gouvernement décentralisé de partage du pouvoir, qui doit être composé à la fois de partis unionistes et nationalistes.",
"Même si le nombre de participants actifs était relativement faible, les troubles ont touché quotidiennement la vie de nombreuses personnes en Irlande du Nord, s'étendant parfois à l'Angleterre, à la République d'Irlande et, occasionnellement, à certaines parties de l'Europe continentale.Laurel Holliday. Enfants des troubles. 1998, p. 341-42.",
"Les Volontaires irlandais se séparèrent, majoritairement appelés Volontaires nationaux, rejoignant les régiments irlandais de la Nouvelle Armée britannique. Beaucoup de ceux qui sont restés étaient des nationalistes radicaux, parmi lesquels des infiltrés de la Fraternité républicaine irlandaise. De ces rangs sont issus ceux qui ont lancé le soulèvement de Pâques à Dublin en 1916, dirigé par Patrick Pearse et James Connolly. Deux ans et demi après l'exécution de quinze des dirigeants de l'Insurrection, le parti séparatiste Sinn Féin remporta les élections générales irlandaises de décembre 1918 avec la majorité des sièges en Irlande et créa le Premier Dáil (Parlement irlandais) de 1919 à Dublin. Leur victoire a été facilitée par la menace de conscription pour le service pendant la Première Guerre mondiale. La guerre d'indépendance irlandaise a suivi, conduisant à l'indépendance éventuelle en 1922 de l'État libre d'Irlande, qui comprenait 26 des 32 comtés irlandais. En Ulster, en particulier dans les six comtés qui sont devenus l'Irlande du Nord, le Sinn Féin s'est mal comporté aux élections de 1918 et les syndicalistes ont remporté la majorité.",
"La loi de 1920 sur le gouvernement irlandais a divisé l'île d'Irlande en deux juridictions distinctes, l'Irlande du Sud et l'Irlande du Nord, toutes deux régions décentralisées du Royaume-Uni. Cette partition de l'Irlande fut confirmée lorsque le Parlement d'Irlande du Nord exerça en décembre 1922 son droit, en vertu du traité anglo-irlandais de 1921, de « se retirer » du nouvel État libre d'Irlande. Une partie du traité signé en 1922 prévoyait qu'une commission des frontières siégerait pour décider où se situerait la frontière de l'État du nord par rapport à son voisin du sud. Après la guerre civile irlandaise de 1922-1923, cette partie du traité reçut moins de priorité de la part du nouveau gouvernement de Dublin dirigé par W.T. Cosgrave et fut discrètement abandonnée. Comme les comtés de Fermanagh et Tyrone et les zones frontalières de Londonderry, Armagh et Down étaient principalement nationalistes, la Commission irlandaise des frontières pourrait réduire l'Irlande du Nord à quatre comtés ou moins.",
"L'Irlande du Nord est restée une partie du Royaume-Uni, bien que sous un système de gouvernement distinct dans lequel elle disposait de son propre parlement et d'un gouvernement décentralisé. Même si cet arrangement répondait au désir des unionistes de rester au sein du Royaume-Uni, les nationalistes considéraient largement la partition de l'Irlande comme une division illégale et arbitraire de l'île contre la volonté de la majorité de sa population. Ils ont fait valoir que l’État d’Irlande du Nord n’était ni légitime ni démocratique, mais qu’il avait été créé avec une majorité unioniste délibérément triée sur le volet. Les catholiques représentaient initialement environ 35 % de sa population. Au total, 557 personnes ont été tuées dans des violences politiques ou sectaires entre 1920 et 1922 dans les six comtés d'Irlande du Nord, pendant et après la guerre d'indépendance irlandaise, dont la plupart étaient catholiques. Le résultat fut un conflit communautaire unilatéral entre catholiques et protestants, certains historiens décrivant cette violence, en particulier celle de Belfast, comme un pogrom, bien que l'historien Peter Hart affirme que le terme n'est pas approprié compte tenu de la réciprocité de la violence en Irlande du Nord.",
"Un héritage de la guerre civile irlandaise, qui aura plus tard un impact majeur sur l'Irlande du Nord, fut la survie d'un reste marginalisé de l'armée républicaine irlandaise. Il était proscrit des deux côtés de la frontière et restait idéologiquement déterminé à renverser l’Irlande du Nord et l’État libre par la force des armes pour unifier l’Irlande. Le gouvernement d'Irlande du Nord a adopté la loi de 1922 sur les autorités civiles (pouvoirs spéciaux) (Irlande du Nord) ; cela a donné des pouvoirs étendus au gouvernement et à la police pour faire pratiquement tout ce qui est considéré comme nécessaire pour rétablir ou préserver l'ordre public. La loi a continué à être utilisée contre les nationalistes longtemps après la fin des violences de cette période.Laura K. Dohonue. « Réguler l'Irlande du Nord : les lois sur les pouvoirs spéciaux, 1922-1972 », The Historical Journal (1998), vol 41, non. 4.",
"Les positions des deux camps sont devenues strictement définies à la suite de cette période. D'un point de vue unioniste, les nationalistes d'Irlande du Nord étaient par nature déloyaux et déterminés à forcer les protestants et les unionistes à rejoindre une Irlande unie. Cette menace a été considérée comme justifiant un traitement préférentiel à l'égard des syndicalistes dans les domaines du logement, de l'emploi et d'autres domaines. La prévalence des familles nombreuses et une croissance démographique plus rapide parmi les catholiques étaient considérées comme des menaces. Le Taoiseach de la République d'Irlande (équivalent du Premier ministre), Charles Haughey, dont la propre famille avait fui le comté de Londonderry pendant les troubles des années 1920, a décrit l'Irlande du Nord comme « une entité politique en faillite ». Le gouvernement unioniste a ignoré l'avertissement d'Edward Carson en 1921 selon lequel l'aliénation des catholiques rendrait l'Irlande du Nord intrinsèquement instable. Après le début des années 1920, des troubles sectaires ont eu lieu occasionnellement en Irlande du Nord. Il s'agissait notamment de graves émeutes à Belfast dans les années 1930 et 1950, de la brève campagne du Nord dans les années 1940 et de la campagne frontalière entre 1956 et 1962, qui ne bénéficièrent pas d'un large soutien populaire parmi les nationalistes. En 1962, l’IRA annule sa campagne. L'Irlande du Nord est devenue relativement stable pendant une brève période.",
"Au milieu des années 1960, une campagne non violente pour les droits civiques a débuté en Irlande du Nord. Il comprenait des groupes tels que la Northern Ireland Civil Rights Association (NICRA), la Campaign for Social Justice (CSJ), le Derry Citizens' Action Committee (DCAC) et People's Democracy, dont les objectifs déclarés étaient :",
"* un homme, une voix – en Irlande du Nord, seuls les particuliers pouvaient voter aux élections locales, tandis que dans le reste du Royaume-Uni, tous les adultes pouvaient voter",
"En mars et avril 1966, les nationalistes/républicains irlandais ont organisé des défilés dans toute l'Irlande pour marquer le 50e anniversaire de l'Insurrection de Pâques. Le 8 mars, un groupe de républicains irlandais dynamitait le pilier Nelson à Dublin. À l’époque, l’IRA était faible et n’était pas engagée dans une action armée, mais certains syndicalistes ont prévenu qu’elle était sur le point d’être relancée pour lancer une autre campagne contre l’Irlande du Nord. En avril 1966, des loyalistes dirigés par Ian Paisley, un prédicateur fondamentaliste protestant, fondèrent l'Ulster Constitution Defence Committee (UCDC). Il a créé une aile de type paramilitaire appelée Ulster Protestant Volunteers (UPV) afin d'évincer Terence O'Neill, Premier ministre d'Irlande du Nord. Bien qu'O'Neill fût un syndicaliste, ils le considéraient comme trop « indulgent » envers le mouvement des droits civiques et s'opposaient à sa politique. Andrew Boyd. Guerre sainte à Belfast. [http://cain.ulst.ac.uk/othelem/docs/boyd69.htm \"Chapitre 11 : Les émeutes tricolores\"]. Livres d'enclume, 1969 ; reproduit [http://cain.ulst.ac.uk ici].",
"Au même moment, un groupe loyaliste se faisant appeler Ulster Volunteer Force (UVF) émergeait dans le quartier de Shankill à Belfast. Elle était dirigée par Gusty Spence, un ancien soldat britannique. Beaucoup de ses membres étaient également membres de l'UCDC et de l'UPV. Hugh Jordan. Jalons du meurtre : moments déterminants de la guerre terroriste en Ulster. Random House, 2011. Chapitre 3. En avril et mai, il a bombardé un certain nombre de maisons, d'écoles et d'entreprises catholiques. Une bombe incendiaire a tué une vieille veuve protestante, Matilda Gould. Le 21 mai, l'UVF a publié une déclaration déclarant la « guerre » contre l'IRA et tous ceux qui l'aident. Le 27 mai, l'UVF a abattu un civil catholique, John Scullion, alors qu'il rentrait chez lui. Un mois plus tard, elle a abattu trois civils catholiques alors qu'ils sortaient d'un pub, tuant un jeune catholique de la République, Peter Ward. Peu de temps après, l'UVF a été interdite (rendue illégale) par le gouvernement d'Irlande du Nord. La Northern Ireland Civil Rights Association (NICRA) a été créée en janvier 1967. Robert H. White. « De la protestation pacifique à la guérilla : micro mobilisation de l'armée républicaine irlandaise provisoire », The American Journal of Sociology, vol 94, n° 6 (mai 1989), pp.",
"Le 24 août 1968, le mouvement des droits civiques a organisé sa première marche pour les droits civiques, de Coalisland à Dungannon. De nombreuses autres marches ont eu lieu l'année suivante. Les loyalistes (en particulier les membres de l'UPV) ont attaqué certaines manifestations et organisé des contre-manifestations dans le but d'obtenir l'interdiction des manifestations. En raison de l'absence de réaction de la police face aux attaques, les nationalistes considéraient que la RUC, presque entièrement protestante, soutenait les loyalistes et permettait que les attaques se produisent. Le 5 octobre 1968, une marche pour les droits civiques à Derry est interdite par le gouvernement d'Irlande du Nord. Lorsque les manifestants ont défié l'interdiction, les agents de la RUC ont encerclé les manifestants et les ont frappés sans discernement et sans provocation. Plus de 100 personnes ont été blessées, dont un certain nombre de responsables politiques nationalistes. L’incident a été filmé par des équipes de télévision et diffusé dans le monde entier. Cela a provoqué l'indignation des catholiques et des nationalistes, déclenchant deux jours d'émeutes à Derry entre les nationalistes et le RUC.",
"En mars et avril 1969, des loyalistes bombardèrent des installations d'eau et d'électricité en Irlande du Nord, accusant l'IRA en sommeil et des éléments du mouvement des droits civiques. Certaines attaques ont laissé une grande partie de Belfast sans électricité ni eau. Les loyalistes espéraient que les attentats à la bombe forceraient O'Neill à démissionner et mettraient fin à toute concession aux nationalistes. Jim Cusack et Henry McDonald. UVF. Poolbeg, 1997. p. 28 Il y a eu six attentats à la bombe entre le 30 mars et le 26 avril. Tous ont été largement imputés à l'IRA et des soldats britanniques ont été envoyés pour garder les installations. Le soutien unioniste à O'Neill a diminué et le 28 avril, il a démissionné de son poste de Premier ministre.",
"Lors des émeutes, le 13 août, le Taoiseach Jack Lynch a prononcé un discours télévisé. Il a condamné le RUC et déclaré que le gouvernement irlandais \"ne peut plus rester les bras croisés et voir des innocents blessés et peut-être pire\". Il a appelé au déploiement d'une force de maintien de la paix des Nations Unies et a déclaré que des hôpitaux de campagne de l'armée irlandaise étaient en cours d'installation à la frontière dans le comté de Donegal, près de Derry. Lynch a ajouté que la réunification irlandaise serait la seule solution permanente. Certains ont interprété ce discours comme une menace d’intervention militaire. Après les émeutes, Lynch a ordonné à l'armée irlandaise de planifier une éventuelle intervention humanitaire en Irlande du Nord. Le plan, l’exercice Armageddon, fut rejeté et resta secret pendant trente ans.",
"Après les émeutes, le « Comité de chasse » a été créé pour examiner le RUC. Il a publié son rapport le 12 octobre, recommandant que la RUC devienne une force non armée et que les B Specials soient dissous. Cette nuit-là, des loyalistes sont descendus dans les rues de Belfast pour protester contre ce rapport. Lors des violences à Shankill, des membres de l'UVF ont abattu l'officier de la RUC Victor Arbuckle. Il fut le premier officier de la RUC à être tué pendant les troubles.David McKittrick. Vies perdues : les histoires des hommes, des femmes et des enfants décédés à la suite des troubles en Irlande du Nord. Maison aléatoire, 2001. p. 42 En octobre et décembre 1969, l'UVF a mené un certain nombre de petits attentats à la bombe en République d'Irlande.",
"De 1970 à 1972, l’Irlande du Nord a connu une explosion de violence politique, culminant en 1972, lorsque près de 500 personnes, dont un peu plus de la moitié étaient des civils, ont perdu la vie. L’année 1972 a été marquée par le plus grand nombre de pertes en vies humaines de tout le conflit.",
"Les unionistes affirment que la raison principale était la formation de l'Armée républicaine irlandaise provisoire (IRA provisoire) et de l'Armée républicaine irlandaise officielle (IRA officielle), en particulier la première. Ces deux groupes ont été formés lorsque l'IRA s'est scindée en factions « provisoire » et « officielle ». Alors que l'ancienne IRA avait adopté une agitation civile non violente, la nouvelle IRA provisoire était déterminée à mener une « lutte armée » contre la domination britannique en Irlande du Nord. La nouvelle IRA était prête à assumer le rôle de « défenseurs de la communauté catholique », plutôt que de rechercher l’unité œcuménique de la classe ouvrière au sein des deux communautés.",
"Malgré un cessez-le-feu temporaire en 1972 et des pourparlers avec les responsables britanniques, les provisoires étaient déterminés à poursuivre leur campagne jusqu'à la réalisation d'une Irlande unie. Le gouvernement britannique à Londres, estimant l'administration d'Irlande du Nord incapable de contenir la situation sécuritaire, a cherché à prendre le contrôle de l'ordre public dans ce pays. Comme cela était inacceptable pour le gouvernement d'Irlande du Nord, le gouvernement britannique a fait adopter une législation d'urgence (la loi de 1972 sur l'Irlande du Nord (dispositions temporaires)) qui a suspendu le parlement et le gouvernement de Stormont, contrôlés par les unionistes, et a introduit un « gouvernement direct » depuis Londres. La règle directe était initialement conçue comme une mesure à court terme ; la stratégie à moyen terme consistait à restaurer l'autonomie gouvernementale de l'Irlande du Nord sur une base acceptable à la fois pour les unionistes et les nationalistes. Cependant, l’accord s’est avéré insaisissable et les troubles se sont poursuivis tout au long des années 1970, 1980 et 1990 dans un contexte d’impasse politique. L'existence de « zones interdites » à Belfast et à Derry constituait un défi à l'autorité du gouvernement britannique en Irlande du Nord, et l'armée britannique démolit les barricades et rétablit le contrôle sur les zones lors de l'opération Motorman le 31 juillet 1972.",
"En juin 1973, à la suite de la publication d'un livre blanc britannique et d'un référendum en mars sur le statut de l'Irlande du Nord, un nouvel organe parlementaire, l'Assemblée d'Irlande du Nord, fut créé. Les élections à ce sujet ont eu lieu le 28 juin. En octobre 1973, les principaux partis nationalistes et unionistes, ainsi que les gouvernements britannique et irlandais, ont négocié l'accord de Sunningdale, qui visait à produire un règlement politique en Irlande du Nord, mais avec une soi-disant « dimension irlandaise » impliquant la République. L'accord prévoyait un « partage du pouvoir » – la création d'un exécutif composé à la fois de syndicalistes et de nationalistes – et d'un « Conseil d'Irlande » – un organe composé de ministres d'Irlande du Nord et de la République, conçu pour encourager la coopération transfrontalière. opération. Les similitudes entre l'Accord de Sunningdale et l'Accord de Belfast de 1998 ont conduit certains commentateurs à qualifier ce dernier de « Sunningdale pour les apprenants lents ». Cette affirmation a été critiquée par des politologues dont l'un a déclaré que «"
] | Les Troubles (en anglais : Troubles) sont le nom commun du conflit ethno-nationaliste en Irlande du Nord à la fin du XXe siècle. Joanne McEvoy, également connue internationalement sous le nom de conflit en Irlande du Nord. La politique de l'Irlande du Nord. Presse universitaire d'Édimbourg, 2008. p. 1. Citation : « le conflit en Irlande du Nord, connu localement sous le nom de « troubles », a duré trois décennies et a coûté la vie à plus de 3 500 personnes ». David McKittrick et David McVea. Donner un sens aux troubles : une histoire du conflit en Irlande du Nord. Pingouin, 2001. Gordon Gillespie. Le A à Z du conflit en Irlande du Nord. Presse épouvantail, 2009. Aaron Edwards et Cillian McGrattan. Le conflit en Irlande du Nord : un guide du débutant. Oneworld Publications, 2012. elle est parfois décrite comme une « guérilla » ou une « guerre de bas niveau ». Le conflit a commencé à la fin des années 1960 et est généralement considéré comme ayant pris fin avec l'accord du « Vendredi Saint » de Belfast en 1998. Arthur Aughey. La politique de l'Irlande du Nord : au-delà de l'accord de Belfast, p. 7; ISBN978-0-41532-788-6. Bien que les troubles aient eu lieu principalement en Irlande du Nord, la violence s'est parfois propagée à certaines parties de la République d'Irlande, de l'Angleterre et de l'Europe continentale.
Le conflit était avant tout politique, mais il avait aussi une dimension ethnique ou sectaire, Michael L. Storey. Représenter les troubles dans la fiction courte irlandaise, 2004, p. 149 même s'il ne s'agissait pas d'un conflit religieux. Une question clé était le statut constitutionnel de l’Irlande du Nord. Les unionistes/loyalistes, qui sont pour la plupart protestants et se considèrent comme britanniques, souhaitent généralement que l'Irlande du Nord reste au sein du Royaume-Uni. Les nationalistes/républicains irlandais, qui sont pour la plupart catholiques et se considèrent comme irlandais, souhaitent généralement que le Royaume-Uni quitte le Royaume-Uni et rejoigne une Irlande unie. Le conflit a commencé au milieu d'une campagne visant à mettre fin à la discrimination contre la minorité catholique/nationaliste par le gouvernement protestant/unioniste et les forces de police en 1968. La campagne s'est heurtée à la violence, conduisant finalement au déploiement de troupes britanniques et à la guerre qui a suivi.
Les principaux participants aux troubles étaient des paramilitaires républicains tels que l'Armée républicaine irlandaise provisoire (IRA) et l'Armée irlandaise de libération nationale (INLA) ; des paramilitaires loyalistes tels que l'Ulster Volunteer Force (UVF) et l'Ulster Defence Association (UDA) ; Forces de sécurité de l’État britannique – l’armée britannique et la Royal Ulster Constabulary (RUC) ; et des militants politiques et des hommes politiques. Les forces de sécurité de la République d’Irlande ont joué un rôle moindre. Plus de 3 500 personnes ont été tuées dans le conflit, dont 52 % de civils, 32 % de membres des forces de sécurité britanniques et 16 % de groupes paramilitaires. Des violences sporadiques ont eu lieu depuis la signature de l'Accord du Vendredi Saint, notamment une campagne menée par les républicains contre le cessez-le-feu.
Aperçu
« Les Troubles » font référence à la dernière vague de violence sur trois décennies (1969-1997) entre nationalistes (principalement s'identifiant comme irlandais et/ou catholiques romains) et unionistes (principalement s'identifiant comme britanniques et/ou protestants). Le terme « les Troubles » était auparavant utilisé pour désigner la période révolutionnaire irlandaise ; il a été adopté pour faire référence à l'escalade de la violence en Irlande du Nord après 1969. Peter Rose. Comment les troubles sont arrivés en Irlande du Nord, p. 94 (2001)Anisseh Van Engeland et Rachael M. Rudolph. Du terrorisme à la politique (2008), page 59Ryan Hackney et Amy Blackwell Hackney. Le livre tout sur l'histoire et le patrimoine irlandais. 2004, p. 200 La violence a été caractérisée par les campagnes armées des groupes paramilitaires républicains irlandais et loyalistes d’Ulster et des forces de sécurité de l’État britannique – l’armée britannique et la Royal Ulster Constabulary (RUC). Elle devint ainsi le centre de la plus longue campagne majeure de l'histoire de l'armée britannique.
La position du gouvernement britannique est que ses forces étaient neutres dans le conflit, essayant de maintenir l'ordre public en Irlande du Nord et le droit du peuple d'Irlande du Nord à l'autodétermination démocratique. Les nationalistes considèrent les forces de l’État comme des forces d’occupation et/ou des combattants partisans du conflit. Les forces de sécurité britanniques se sont concentrées sur les paramilitaires et les militants républicains, et l'enquête « Ballast » menée par le médiateur de la police a confirmé que les forces britanniques étaient de connivence à plusieurs reprises avec des paramilitaires loyalistes, étaient impliquées dans des meurtres et ont en outre entravé le cours de la justice lorsque des allégations de collusion et le meurtre a fait l'objet d'une enquête.
Les troubles ont connu une fin difficile grâce à un processus de paix qui comprenait la déclaration de cessez-le-feu par la plupart des organisations paramilitaires, le déclassement complet des armes de l'IRA, la réforme de la police et le retrait correspondant de l'armée britannique des rues et des zones sensibles. Zones frontalières irlandaises telles que South Armagh et Fermanagh, comme convenu par les signataires de l'Accord de Belfast (communément appelé « Accord du Vendredi Saint »). Une partie de l'accord prévoit que l'Irlande du Nord restera au sein du Royaume-Uni, à moins qu'une majorité de l'électorat nord-irlandais ne vote autrement. Il a également créé l'exécutif d'Irlande du Nord, un gouvernement décentralisé de partage du pouvoir, qui doit être composé à la fois de partis unionistes et nationalistes.
Même si le nombre de participants actifs était relativement faible, les troubles ont touché quotidiennement la vie de nombreuses personnes en Irlande du Nord, s'étendant parfois à l'Angleterre, à la République d'Irlande et, occasionnellement, à certaines parties de l'Europe continentale.Laurel Holliday. Enfants des troubles. 1998, p. 341-42.
Arrière-plan
1609-1791
En 1609, les colons écossais et anglais, connus sous le nom de planteurs, reçurent des terres confisquées aux Irlandais indigènes dans la plantation d'Ulster. Couplé à l'immigration protestante vers les zones « non plantées » de l'Ulster, en particulier Antrim et Down, cela a entraîné un conflit entre les catholiques autochtones et les « planteurs », conduisant à leur tour à deux conflits ethno-religieux sanglants connus sous le nom de guerres confédérées irlandaises (1641-1641). 53) et la guerre Williamite (1689-1691), qui aboutirent toutes deux à des victoires protestantes.
La domination anglicane en Irlande a été assurée par l'adoption de lois pénales qui restreignaient les droits religieux, juridiques et politiques de toute personne (y compris les catholiques et les protestants dissidents, comme les presbytériens) qui ne se conformait pas à l'Église d'État, l'Église anglicane de Irlande. À mesure que les lois pénales commençaient à être progressivement supprimées à la fin du XVIIIe siècle, la concurrence pour la terre s'intensifia, à mesure que les restrictions sur la capacité de location des catholiques irlandais étaient levées. Les catholiques romains étant autorisés à acheter des terres et à exercer des métiers qui leur étaient auparavant interdits, des tensions sont apparues, aboutissant à la naissance des « Peep O'Day Boys » protestants Frank Wright. Ulster : Deux terres, un sol, 1996, p. 17. et les « Défenseurs » catholiques. Cela a créé une polarisation entre les communautés et une réduction spectaculaire du nombre de réformateurs parmi les protestants, dont beaucoup étaient de plus en plus réceptifs aux réformes démocratiques.
1791-1912
Après la fondation de la Société républicaine des Irlandais unis par des presbytériens, des catholiques et des anglicans libéraux, et l'échec de la rébellion irlandaise de 1798 qui en a résulté, la violence sectaire entre catholiques et protestants s'est poursuivie. L'Ordre d'Orange (fondé en 1795), dont l'objectif déclaré est de défendre la foi protestante et la loyauté envers les héritiers de Guillaume d'Orange, date de cette période et reste actif jusqu'à ce jour.
Avec l'Acte d'Union de 1801, un nouveau cadre politique a été formé avec l'abolition du Parlement irlandais et l'incorporation de l'Irlande au Royaume-Uni de Grande-Bretagne et d'Irlande. Le résultat fut un lien plus étroit entre les anglicans et les presbytériens autrefois républicains dans le cadre d'une communauté protestante « loyale ». Bien que l'émancipation catholique ait été réalisée en 1829, éliminant en grande partie la discrimination officielle contre les catholiques romains (qui représentaient alors environ 75 % de la population irlandaise), les dissidents et les juifs, l'objectif à long terme de Daniel O'Connell d'abroger l'Union de 1801 n'a jamais été atteint. Le mouvement Home Rule a servi à définir le fossé entre la plupart des nationalistes (généralement catholiques), qui cherchaient à restaurer un Parlement irlandais, et la plupart des unionistes (généralement protestants), qui craignaient d'être une minorité sous un Parlement irlandais dominé par les catholiques et avaient tendance à pour soutenir la poursuite de l’union avec la Grande-Bretagne. Les unionistes et les partisans du Home Rule étaient les principales factions politiques en Irlande au XIXe et au début du XXe siècle.
1912-1922
Au cours de la deuxième décennie du XXe siècle, le Home Rule, ou autonomie irlandaise limitée, était sur le point d'être concédé en raison de l'agitation du Parti parlementaire irlandais. En réponse, les unionistes, majoritairement protestants et concentrés en Ulster, ont résisté à la fois à l'autonomie gouvernementale et à l'indépendance de l'Irlande, craignant pour leur avenir dans un pays majoritairement catholique dominé par l'Église catholique romaine. En 1912, les syndicalistes dirigés par Edward Carson ont signé le Pacte d’Ulster et se sont engagés à résister au Home Rule par la force si nécessaire. À cette fin, ils ont formé l’Ulster Volunteer Force (UVF), paramilitaire.
En réponse, les nationalistes dirigés par Eoin MacNeill ont formé les Volontaires irlandais, dont le but était de s'opposer à l'UVF et d'assurer la promulgation du troisième projet de loi sur l'autonomie en cas de récalcitrance britannique ou unioniste. Le déclenchement de la Première Guerre mondiale en 1914 et l'implication de l'Irlande dans la guerre ont temporairement évité une éventuelle guerre civile en Irlande et retardé la résolution de la question de l'indépendance irlandaise. Le Home Rule, bien qu'adopté par le Parlement britannique avec la sanction royale, a été suspendu pour la durée de la guerre.
Les Volontaires irlandais se séparèrent, majoritairement appelés Volontaires nationaux, rejoignant les régiments irlandais de la Nouvelle Armée britannique. Beaucoup de ceux qui sont restés étaient des nationalistes radicaux, parmi lesquels des infiltrés de la Fraternité républicaine irlandaise. De ces rangs sont issus ceux qui ont lancé le soulèvement de Pâques à Dublin en 1916, dirigé par Patrick Pearse et James Connolly. Deux ans et demi après l'exécution de quinze des dirigeants de l'Insurrection, le parti séparatiste Sinn Féin remporta les élections générales irlandaises de décembre 1918 avec la majorité des sièges en Irlande et créa le Premier Dáil (Parlement irlandais) de 1919 à Dublin. Leur victoire a été facilitée par la menace de conscription pour le service pendant la Première Guerre mondiale. La guerre d'indépendance irlandaise a suivi, conduisant à l'indépendance éventuelle en 1922 de l'État libre d'Irlande, qui comprenait 26 des 32 comtés irlandais. En Ulster, en particulier dans les six comtés qui sont devenus l'Irlande du Nord, le Sinn Féin s'est mal comporté aux élections de 1918 et les syndicalistes ont remporté la majorité.
La loi de 1920 sur le gouvernement irlandais a divisé l'île d'Irlande en deux juridictions distinctes, l'Irlande du Sud et l'Irlande du Nord, toutes deux régions décentralisées du Royaume-Uni. Cette partition de l'Irlande fut confirmée lorsque le Parlement d'Irlande du Nord exerça en décembre 1922 son droit, en vertu du traité anglo-irlandais de 1921, de « se retirer » du nouvel État libre d'Irlande. Une partie du traité signé en 1922 prévoyait qu'une commission des frontières siégerait pour décider où se situerait la frontière de l'État du nord par rapport à son voisin du sud. Après la guerre civile irlandaise de 1922-1923, cette partie du traité reçut moins de priorité de la part du nouveau gouvernement de Dublin dirigé par W.T. Cosgrave et fut discrètement abandonnée. Comme les comtés de Fermanagh et Tyrone et les zones frontalières de Londonderry, Armagh et Down étaient principalement nationalistes, la Commission irlandaise des frontières pourrait réduire l'Irlande du Nord à quatre comtés ou moins.
L'Irlande du Nord est restée une partie du Royaume-Uni, bien que sous un système de gouvernement distinct dans lequel elle disposait de son propre parlement et d'un gouvernement décentralisé. Même si cet arrangement répondait au désir des unionistes de rester au sein du Royaume-Uni, les nationalistes considéraient largement la partition de l'Irlande comme une division illégale et arbitraire de l'île contre la volonté de la majorité de sa population. Ils ont fait valoir que l’État d’Irlande du Nord n’était ni légitime ni démocratique, mais qu’il avait été créé avec une majorité unioniste délibérément triée sur le volet. Les catholiques représentaient initialement environ 35 % de sa population. Au total, 557 personnes ont été tuées dans des violences politiques ou sectaires entre 1920 et 1922 dans les six comtés d'Irlande du Nord, pendant et après la guerre d'indépendance irlandaise, dont la plupart étaient catholiques. Le résultat fut un conflit communautaire unilatéral entre catholiques et protestants, certains historiens décrivant cette violence, en particulier celle de Belfast, comme un pogrom, bien que l'historien Peter Hart affirme que le terme n'est pas approprié compte tenu de la réciprocité de la violence en Irlande du Nord.
1922-1966
Un héritage de la guerre civile irlandaise, qui aura plus tard un impact majeur sur l'Irlande du Nord, fut la survie d'un reste marginalisé de l'armée républicaine irlandaise. Il était proscrit des deux côtés de la frontière et restait idéologiquement déterminé à renverser l’Irlande du Nord et l’État libre par la force des armes pour unifier l’Irlande. Le gouvernement d'Irlande du Nord a adopté la loi de 1922 sur les autorités civiles (pouvoirs spéciaux) (Irlande du Nord) ; cela a donné des pouvoirs étendus au gouvernement et à la police pour faire pratiquement tout ce qui est considéré comme nécessaire pour rétablir ou préserver l'ordre public. La loi a continué à être utilisée contre les nationalistes longtemps après la fin des violences de cette période.Laura K. Dohonue. « Réguler l'Irlande du Nord : les lois sur les pouvoirs spéciaux, 1922-1972 », The Historical Journal (1998), vol 41, non. 4.
Les positions des deux camps sont devenues strictement définies à la suite de cette période. D'un point de vue unioniste, les nationalistes d'Irlande du Nord étaient par nature déloyaux et déterminés à forcer les protestants et les unionistes à rejoindre une Irlande unie. Cette menace a été considérée comme justifiant un traitement préférentiel à l'égard des syndicalistes dans les domaines du logement, de l'emploi et d'autres domaines. La prévalence des familles nombreuses et une croissance démographique plus rapide parmi les catholiques étaient considérées comme des menaces. Le Taoiseach de la République d'Irlande (équivalent du Premier ministre), Charles Haughey, dont la propre famille avait fui le comté de Londonderry pendant les troubles des années 1920, a décrit l'Irlande du Nord comme « une entité politique en faillite ». Le gouvernement unioniste a ignoré l'avertissement d'Edward Carson en 1921 selon lequel l'aliénation des catholiques rendrait l'Irlande du Nord intrinsèquement instable. Après le début des années 1920, des troubles sectaires ont eu lieu occasionnellement en Irlande du Nord. Il s'agissait notamment de graves émeutes à Belfast dans les années 1930 et 1950, de la brève campagne du Nord dans les années 1940 et de la campagne frontalière entre 1956 et 1962, qui ne bénéficièrent pas d'un large soutien populaire parmi les nationalistes. En 1962, l’IRA annule sa campagne. L'Irlande du Nord est devenue relativement stable pendant une brève période.
Fin des années 1960
Il y a peu d’accord sur la date exacte du début des Troubles. Différents auteurs ont suggéré des dates différentes. Il s'agit notamment de la formation de l'Ulster Volunteer Force moderne en 1966, de la marche pour les droits civiques à Derry le 5 octobre 1968, du début de la « bataille du Bogside » le 12 août 1969 ou du déploiement des troupes britanniques le 14 août 1969.
Campagne pour les droits civiques et réaction syndicaliste
Au milieu des années 1960, une campagne non violente pour les droits civiques a débuté en Irlande du Nord. Il comprenait des groupes tels que la Northern Ireland Civil Rights Association (NICRA), la Campaign for Social Justice (CSJ), le Derry Citizens' Action Committee (DCAC) et People's Democracy, dont les objectifs déclarés étaient :
* la fin de la discrimination dans l'emploi – il a été démontré que les catholiques/nationalistes étaient moins susceptibles de se voir attribuer certains emplois, en particulier les emplois gouvernementaux
* la fin de la discrimination dans l'attribution des logements – il a montré que les conseils locaux contrôlés par les unionistes attribuaient des logements aux protestants avant les catholiques/nationalistes
* un homme, une voix – en Irlande du Nord, seuls les particuliers pouvaient voter aux élections locales, tandis que dans le reste du Royaume-Uni, tous les adultes pouvaient voter
* la fin du découpage électoral – cela signifiait que les nationalistes avaient moins de pouvoir de vote que les unionistes, même là où les nationalistes étaient majoritaires
* réforme de la police (Royal Ulster Constabulary) – elle était à plus de 90 % protestante et critiquée pour son sectarisme et la brutalité policière
* abrogation de la loi sur les pouvoirs spéciaux – qui permettait à la police de perquisitionner sans mandat, d'arrêter et d'emprisonner des personnes sans inculpation ni procès, d'interdire tout rassemblement ou défilé et d'interdire toute publication ; la loi a été utilisée presque exclusivement contre les nationalistes
Certains syndicalistes soupçonnaient la NICRA d'être un front républicain dont le but ultime était d'unifier l'Irlande. Bien que les républicains et certains membres de l’IRA (alors dirigés par Cathal Goulding et poursuivant un programme non-violent) aient contribué à créer et à diriger le mouvement, ils ne le contrôlaient pas et n’en constituaient pas une faction dominante.
En mars et avril 1966, les nationalistes/républicains irlandais ont organisé des défilés dans toute l'Irlande pour marquer le 50e anniversaire de l'Insurrection de Pâques. Le 8 mars, un groupe de républicains irlandais dynamitait le pilier Nelson à Dublin. À l’époque, l’IRA était faible et n’était pas engagée dans une action armée, mais certains syndicalistes ont prévenu qu’elle était sur le point d’être relancée pour lancer une autre campagne contre l’Irlande du Nord. En avril 1966, des loyalistes dirigés par Ian Paisley, un prédicateur fondamentaliste protestant, fondèrent l'Ulster Constitution Defence Committee (UCDC). Il a créé une aile de type paramilitaire appelée Ulster Protestant Volunteers (UPV) afin d'évincer Terence O'Neill, Premier ministre d'Irlande du Nord. Bien qu'O'Neill fût un syndicaliste, ils le considéraient comme trop « indulgent » envers le mouvement des droits civiques et s'opposaient à sa politique. Andrew Boyd. Guerre sainte à Belfast. [http://cain.ulst.ac.uk/othelem/docs/boyd69.htm "Chapitre 11 : Les émeutes tricolores"]. Livres d'enclume, 1969 ; reproduit [http://cain.ulst.ac.uk ici].
Au même moment, un groupe loyaliste se faisant appeler Ulster Volunteer Force (UVF) émergeait dans le quartier de Shankill à Belfast. Elle était dirigée par Gusty Spence, un ancien soldat britannique. Beaucoup de ses membres étaient également membres de l'UCDC et de l'UPV. Hugh Jordan. Jalons du meurtre : moments déterminants de la guerre terroriste en Ulster. Random House, 2011. Chapitre 3. En avril et mai, il a bombardé un certain nombre de maisons, d'écoles et d'entreprises catholiques. Une bombe incendiaire a tué une vieille veuve protestante, Matilda Gould. Le 21 mai, l'UVF a publié une déclaration déclarant la « guerre » contre l'IRA et tous ceux qui l'aident. Le 27 mai, l'UVF a abattu un civil catholique, John Scullion, alors qu'il rentrait chez lui. Un mois plus tard, elle a abattu trois civils catholiques alors qu'ils sortaient d'un pub, tuant un jeune catholique de la République, Peter Ward. Peu de temps après, l'UVF a été interdite (rendue illégale) par le gouvernement d'Irlande du Nord. La Northern Ireland Civil Rights Association (NICRA) a été créée en janvier 1967. Robert H. White. « De la protestation pacifique à la guérilla : micro mobilisation de l'armée républicaine irlandaise provisoire », The American Journal of Sociology, vol 94, n° 6 (mai 1989), pp.
Le 20 juin 1968, des militants des droits civiques (dont Austin Currie, député nationaliste) ont protesté contre la discrimination en matière de logement en squattant une maison à Caledon. Le conseil local avait attribué la maison à une protestante célibataire de 19 ans (Emily Beattie, secrétaire d'un homme politique local de l'UUP) au lieu de l'une des deux grandes familles catholiques avec enfants. Les agents du RUC – dont l'un était le frère de Beattie – ont expulsé les militants de force. Deux jours avant la manifestation, les deux familles catholiques qui squattaient la maison voisine ont été expulsées par la police. Currie avait porté plainte auprès du conseil local et de Stormont, mais on lui avait dit de partir. L'incident a revigoré le mouvement des droits civiques.
Le 24 août 1968, le mouvement des droits civiques a organisé sa première marche pour les droits civiques, de Coalisland à Dungannon. De nombreuses autres marches ont eu lieu l'année suivante. Les loyalistes (en particulier les membres de l'UPV) ont attaqué certaines manifestations et organisé des contre-manifestations dans le but d'obtenir l'interdiction des manifestations. En raison de l'absence de réaction de la police face aux attaques, les nationalistes considéraient que la RUC, presque entièrement protestante, soutenait les loyalistes et permettait que les attaques se produisent. Le 5 octobre 1968, une marche pour les droits civiques à Derry est interdite par le gouvernement d'Irlande du Nord. Lorsque les manifestants ont défié l'interdiction, les agents de la RUC ont encerclé les manifestants et les ont frappés sans discernement et sans provocation. Plus de 100 personnes ont été blessées, dont un certain nombre de responsables politiques nationalistes. L’incident a été filmé par des équipes de télévision et diffusé dans le monde entier. Cela a provoqué l'indignation des catholiques et des nationalistes, déclenchant deux jours d'émeutes à Derry entre les nationalistes et le RUC.
Quelques jours plus tard, un groupe étudiant de défense des droits civiques – People's Democracy – était formé à Belfast. Fin novembre, O'Neill a promis au mouvement des droits civiques quelques concessions, mais celles-ci ont été considérées comme trop peu par les nationalistes et trop par les loyalistes. Le 1er janvier 1969, la Démocratie populaire a entamé une marche de quatre jours de Belfast à Derry, qui a été harcelée et attaquée à plusieurs reprises par des loyalistes. À Burntollet Bridge, les manifestants ont été attaqués par environ 200 loyalistes, dont des policiers en congé, armés de barres de fer, de briques et de bouteilles, dans une embuscade pré-planifiée. Lorsque la marche atteignit Derry City, elle fut de nouveau attaquée. Les manifestants ont affirmé que la police n'avait rien fait pour les protéger et que certains agents avaient aidé les assaillants. Bowes Egan et Vincent McCormack. [http://cain.ulst.ac.uk/events/pdmarch/egan.htm Burntollet]. L.R.S. Éditeurs, 1969 ; reproduit sur CAIN; récupéré le 12 juin 2013. Cette nuit-là, des agents de la RUC se sont déchaînés dans le quartier de Bogside à Derry, attaquant des maisons catholiques, attaquant et menaçant les habitants et lançant des injures sectaires. Les habitants ont ensuite bouclé le Bogside avec des barricades pour empêcher la police d'entrer, créant ainsi « Free Derry », qui fut brièvement une zone interdite pour les forces de sécurité.
En mars et avril 1969, des loyalistes bombardèrent des installations d'eau et d'électricité en Irlande du Nord, accusant l'IRA en sommeil et des éléments du mouvement des droits civiques. Certaines attaques ont laissé une grande partie de Belfast sans électricité ni eau. Les loyalistes espéraient que les attentats à la bombe forceraient O'Neill à démissionner et mettraient fin à toute concession aux nationalistes. Jim Cusack et Henry McDonald. UVF. Poolbeg, 1997. p. 28 Il y a eu six attentats à la bombe entre le 30 mars et le 26 avril. Tous ont été largement imputés à l'IRA et des soldats britanniques ont été envoyés pour garder les installations. Le soutien unioniste à O'Neill a diminué et le 28 avril, il a démissionné de son poste de Premier ministre.
Émeutes d'août 1969 et conséquences
Le 19 avril, des affrontements ont eu lieu entre des manifestants du NICRA, du RUC et des loyalistes dans le Bogside. Les agents du RUC sont entrés dans la maison de Samuel Devenny (42 ans), un civil catholique non impliqué, et l'ont férocement battu ainsi que deux de ses filles adolescentes et un ami de la famille. L'une des filles a été battue jusqu'à perdre connaissance alors qu'elle se remettait d'une opération. Devenny a subi une crise cardiaque et est décédé le 17 juillet des suites de ses blessures. Le 13 juillet, des agents de la RUC ont frappé un civil catholique, Francis McCloskey (67 ans), lors d'affrontements à Dungiven. Il est décédé des suites de ses blessures le lendemain.
Le 12 août, les loyalistes Apprentice Boys of Derry ont été autorisés à marcher le long du Bogside. Des railleries et des missiles ont été échangés entre loyalistes et résidents nationalistes. Après avoir été bombardé de pierres et de cocktails Molotov par les nationalistes, le RUC, soutenu par des loyalistes, a tenté de prendre d'assaut le Bogside. Le RUC a utilisé du gaz CS, des véhicules blindés et des canons à eau, mais a été tenu à distance par des centaines de nationalistes. Les combats incessants, connus sous le nom de bataille du Bogside, durent deux jours.
En réponse aux événements de Derry, les nationalistes ont organisé des manifestations dans les bases de la RUC à Belfast et ailleurs. Certaines d’entre elles ont donné lieu à des affrontements avec la RUC et à des attaques contre ses bases. À Belfast, les loyalistes ont répondu en envahissant les quartiers nationalistes, en incendiant les maisons et les commerces. Il y a eu des échanges de tirs entre nationalistes et RUC, ainsi qu'entre nationalistes et loyalistes. Un groupe d'environ 30 membres de l'IRA a été impliqué dans les combats à Belfast. La RUC a déployé des voitures blindées Shorland montées avec des mitrailleuses lourdes Browning. Les Shorlands ont ouvert le feu à deux reprises sur un immeuble d'un quartier nationaliste, tuant un garçon de neuf ans, Patrick Rooney. Les agents de la RUC ont ouvert le feu sur les émeutiers à Armagh, Dungannon et Coalisland.
Lors des émeutes, le 13 août, le Taoiseach Jack Lynch a prononcé un discours télévisé. Il a condamné le RUC et déclaré que le gouvernement irlandais "ne peut plus rester les bras croisés et voir des innocents blessés et peut-être pire". Il a appelé au déploiement d'une force de maintien de la paix des Nations Unies et a déclaré que des hôpitaux de campagne de l'armée irlandaise étaient en cours d'installation à la frontière dans le comté de Donegal, près de Derry. Lynch a ajouté que la réunification irlandaise serait la seule solution permanente. Certains ont interprété ce discours comme une menace d’intervention militaire. Après les émeutes, Lynch a ordonné à l'armée irlandaise de planifier une éventuelle intervention humanitaire en Irlande du Nord. Le plan, l’exercice Armageddon, fut rejeté et resta secret pendant trente ans.
Les 14 et 15 août, les troupes britanniques ont été déployées à Derry et à Belfast pour rétablir l'ordre, mais n'ont pas tenté d'entrer dans le Bogside, mettant ainsi un terme temporaire aux émeutes. Huit personnes ont été tuées par balle, plus de 750 ont été blessées (dont 133 par balle) et plus de 400 maisons et entreprises ont été détruites (appartenant à 83 % à des catholiques). 1 505 familles catholiques et 315 familles protestantes ont été contraintes de fuir leurs foyers. L'armée irlandaise a installé des camps de réfugiés dans la République, près de la frontière. De nombreux nationalistes, mais pas tous, ont d’abord accueilli favorablement l’armée britannique, car elle constituait au début un rempart contre la RUC. Cependant, les relations se sont détériorées en raison de la brutalité et de la discrimination de l'armée britannique.
Après les émeutes, le « Comité de chasse » a été créé pour examiner le RUC. Il a publié son rapport le 12 octobre, recommandant que la RUC devienne une force non armée et que les B Specials soient dissous. Cette nuit-là, des loyalistes sont descendus dans les rues de Belfast pour protester contre ce rapport. Lors des violences à Shankill, des membres de l'UVF ont abattu l'officier de la RUC Victor Arbuckle. Il fut le premier officier de la RUC à être tué pendant les troubles.David McKittrick. Vies perdues : les histoires des hommes, des femmes et des enfants décédés à la suite des troubles en Irlande du Nord. Maison aléatoire, 2001. p. 42 En octobre et décembre 1969, l'UVF a mené un certain nombre de petits attentats à la bombe en République d'Irlande.
années 1970
La violence culmine et Stormont s'effondre
De 1970 à 1972, l’Irlande du Nord a connu une explosion de violence politique, culminant en 1972, lorsque près de 500 personnes, dont un peu plus de la moitié étaient des civils, ont perdu la vie. L’année 1972 a été marquée par le plus grand nombre de pertes en vies humaines de tout le conflit.
À la fin de 1971, 29 barricades étaient en place à Derry, bloquant l'accès à ce qui était connu sous le nom de Free Derry ; 16 d'entre eux étaient infranchissables, même pour les véhicules blindés d'une tonne de l'armée britannique. De nombreuses « zones interdites » nationalistes/républicaines étaient contrôlées par l'une des deux factions de l'Armée républicaine irlandaise : l'IRA provisoire et l'IRA officielle. Plusieurs raisons sont avancées pour expliquer l’escalade de la violence au cours de ces années.
Les unionistes affirment que la raison principale était la formation de l'Armée républicaine irlandaise provisoire (IRA provisoire) et de l'Armée républicaine irlandaise officielle (IRA officielle), en particulier la première. Ces deux groupes ont été formés lorsque l'IRA s'est scindée en factions « provisoire » et « officielle ». Alors que l'ancienne IRA avait adopté une agitation civile non violente, la nouvelle IRA provisoire était déterminée à mener une « lutte armée » contre la domination britannique en Irlande du Nord. La nouvelle IRA était prête à assumer le rôle de « défenseurs de la communauté catholique », plutôt que de rechercher l’unité œcuménique de la classe ouvrière au sein des deux communautés.
Les nationalistes ont évoqué un certain nombre d’événements survenus au cours de ces années pour expliquer la recrudescence de la violence. L'un de ces incidents a été le couvre-feu des chutes en juillet 1970, lorsque 3 000 soldats ont imposé un couvre-feu dans le quartier nationaliste de Lower Falls à Belfast, tirant plus de 1 500 cartouches lors de combats avec l'IRA officielle et tuant quatre personnes. Un autre exemple fut l’introduction en 1971 de l’internement sans procès (sur 350 détenus initiaux, aucun n’était protestant). De plus, en raison du manque de renseignements, très peu de personnes internées étaient réellement des militants républicains à l’époque, mais certains internés se sont radicalisés de plus en plus en raison de leurs expériences. Un troisième événement, qui a conduit à un recrutement accru dans l'IRA provisoire et à un soutien des nationalistes, a été la mort par balle de treize civils non armés à Derry le dimanche sanglant du 30 janvier 1972 (une quatorzième personne est décédée des suites de ses blessures quelques mois plus tard).
Suite à l'introduction de l'internement, il y a eu de nombreuses fusillades entre l'armée britannique et l'IRA provisoire et officielle. Entre 1971 et 1975, 1 981 personnes ont été internées ; 1 874 étaient catholiques/républicains, tandis que 107 étaient protestants/loyalistes. Il y avait de nombreuses allégations d'abus et même de torture contre des détenus, Oren Gross et Fionnuala Ní Aoláin. Le droit en temps de crise : les pouvoirs d'urgence en théorie et en pratique, p. 188 ; ISBN 978-0521833516.Anthony Stuart Mathews. Liberté, sécurité de l'État et État de droit : dilemmes de la société de l'apartheid, p. 246 ; ISBN978-0-702-11812-8. et en 1972, les « cinq techniques » utilisées par la police et l'armée pour les interrogatoires ont été jugées illégales à la suite d'une enquête du gouvernement britannique.
L'IRA provisoire, ou « Provos », comme on les appelait désormais, cherchait à s'imposer comme le défenseur de la communauté nationaliste. Ed Moloney. Une histoire secrète de l'IRA, pp. 89-90 ; ISBN0-141-01041-X. L'IRA officielle (OIRA) a lancé sa propre campagne armée en réaction aux violences en cours. La campagne offensive de l'IRA provisoire a commencé au début de 1971 lorsque le Conseil de l'armée a autorisé les attaques contre l'armée britannique.
En 1972, l'IRA provisoire a tué environ 100 membres des forces de sécurité, en a blessé 500 autres et a mené environ 1 300 attentats à la bombe, principalement contre des cibles commerciales qu'ils considéraient comme « l'économie artificielle ». La campagne de bombardements a tué de nombreux civils, notamment lors du Vendredi sanglant du 21 juillet, lorsque 22 bombes ont explosé dans le centre de Belfast, tuant sept civils et deux soldats.
La même année, l'IRA officielle a tué des dizaines de soldats et en a blessé plusieurs autres, principalement par des attaques à l'arme à feu, selon la base de données Sutton du projet CAIN. L'IRA officielle a annulé sa campagne en mai 1972.
Malgré un cessez-le-feu temporaire en 1972 et des pourparlers avec les responsables britanniques, les provisoires étaient déterminés à poursuivre leur campagne jusqu'à la réalisation d'une Irlande unie. Le gouvernement britannique à Londres, estimant l'administration d'Irlande du Nord incapable de contenir la situation sécuritaire, a cherché à prendre le contrôle de l'ordre public dans ce pays. Comme cela était inacceptable pour le gouvernement d'Irlande du Nord, le gouvernement britannique a fait adopter une législation d'urgence (la loi de 1972 sur l'Irlande du Nord (dispositions temporaires)) qui a suspendu le parlement et le gouvernement de Stormont, contrôlés par les unionistes, et a introduit un « gouvernement direct » depuis Londres. La règle directe était initialement conçue comme une mesure à court terme ; la stratégie à moyen terme consistait à restaurer l'autonomie gouvernementale de l'Irlande du Nord sur une base acceptable à la fois pour les unionistes et les nationalistes. Cependant, l’accord s’est avéré insaisissable et les troubles se sont poursuivis tout au long des années 1970, 1980 et 1990 dans un contexte d’impasse politique. L'existence de « zones interdites » à Belfast et à Derry constituait un défi à l'autorité du gouvernement britannique en Irlande du Nord, et l'armée britannique démolit les barricades et rétablit le contrôle sur les zones lors de l'opération Motorman le 31 juillet 1972.
Accord de Sunningdale et grève de l'UWC
En juin 1973, à la suite de la publication d'un livre blanc britannique et d'un référendum en mars sur le statut de l'Irlande du Nord, un nouvel organe parlementaire, l'Assemblée d'Irlande du Nord, fut créé. Les élections à ce sujet ont eu lieu le 28 juin. En octobre 1973, les principaux partis nationalistes et unionistes, ainsi que les gouvernements britannique et irlandais, ont négocié l'accord de Sunningdale, qui visait à produire un règlement politique en Irlande du Nord, mais avec une soi-disant « dimension irlandaise » impliquant la République. L'accord prévoyait un « partage du pouvoir » – la création d'un exécutif composé à la fois de syndicalistes et de nationalistes – et d'un « Conseil d'Irlande » – un organe composé de ministres d'Irlande du Nord et de la République, conçu pour encourager la coopération transfrontalière. opération. Les similitudes entre l'Accord de Sunningdale et l'Accord de Belfast de 1998 ont conduit certains commentateurs à qualifier ce dernier de « Sunningdale pour les apprenants lents ». Cette affirmation a été critiquée par des politologues dont l'un a déclaré que « | http://www.quizballs.com/ |
Quel single à succès de Roxy Music met en vedette Robert E Lee ? | Virginia Plain | [
"Pour attirer davantage l'attention sur leur album, Roxy Music a décidé d'enregistrer et de sortir un single. Leur premier single était \"Virginia Plain\", qui s'est classé n°4 dans les charts britanniques. L'image visuelle éclectique du groupe, capturée lors de leur première prestation à l'émission Top of the Pops de la BBC, est devenue la pierre angulaire de la tendance glam au Royaume-Uni ; la vidéo TOTP de \"Virginia Plain\" a ensuite été parodiée par la série comique britannique Big Train. Le single a suscité un regain d'intérêt pour l'album. Peu de temps après \"Virginia Plain\", Rik Kenton quitte le groupe, qui n'aura plus jamais de bassiste permanent."
] | Roxy Music était un groupe de rock anglais formé en 1971 par Bryan Ferry, qui est devenu le chanteur principal et auteur-compositeur en chef du groupe, et le bassiste Graham Simpson. Aux côtés de Ferry, les autres membres de longue date étaient Phil Manzanera (guitare), Andy Mackay (saxophone et hautbois) et Paul Thompson (batterie et percussions). Parmi les autres anciens membres figurent Brian Eno (synthétiseur et "traitements"), Eddie Jobson (synthétiseur et violon) et John Gustafson (basse). Bien que le groupe ait pris une pause dans ses activités de groupe en 1976 et à nouveau en 1983, ils se sont réunis pour une tournée de concerts en 2001 et ont tourné ensemble par intermittence entre cette période et leur séparation en 2011. Ferry a fréquemment enrôlé des membres de Roxy Music comme musiciens de session. pour ses sorties solo.
Roxy Music a connu un succès populaire et critique en Europe et en Australie dans les années 1970 et au début des années 1980, à commencer par leur premier album, Roxy Music (1972). Le groupe a été très influent en tant que pionnier des éléments plus expérimentaux et musicalement sophistiqués du glam, et a considérablement influencé les débuts de la musique punk anglaise. Ils ont également servi de modèle à de nombreux groupes new wave et aux groupes électroniques expérimentaux du début des années 1980. Le groupe se distinguait par sa sophistication visuelle et musicale et son souci de style et de glamour. Ferry et le membre co-fondateur Eno ont également eu des carrières solos influentes, ce dernier devenant l'un des producteurs de disques et collaborateurs les plus importants de la fin du 20e siècle. Le magazine Rolling Stone a classé Roxy Music au 98e rang sur sa liste « The Immortals – 100 The Greatest Artists of All Time ».
Le dernier album studio du groupe était Avalon en 1982. En 2005, ils ont commencé à enregistrer un nouvel album studio, qui aurait été leur neuvième et aurait été leur premier disque depuis 1973 avec Brian Eno, qui a écrit deux chansons pour cet album et a également joué du clavier. Cependant, Bryan Ferry a finalement confirmé que le matériel de ces sessions serait publié sous la forme d'un album solo de Ferry, avec Eno jouant sur "quelques morceaux", et qu'il ne pense pas qu'ils enregistreront à nouveau sous le nom de Roxy Music. L'album est finalement devenu l'album Olympia de Ferry en 2010.
Roxy Music a joué une série de spectacles pour le 40e anniversaire en 2011, mais est depuis devenue inactive en tant qu'entité interprète.
Histoire
Formation et premières années (1970-1971)
En novembre 1970, Bryan Ferry, qui avait récemment perdu son emploi d'enseignant de céramique dans une école de filles pour avoir organisé des séances d'écoute de disques impromptues, a annoncé qu'un claviériste collaborerait avec lui et Graham Simpson, un bassiste qu'il connaissait dans son école d'art de Newcastle. groupe, le Gas Board, et avec qui il a collaboré sur ses premières chansons. Au début des années 1970, Ferry avait auditionné comme chanteur principal de King Crimson, qui cherchait un remplaçant pour Greg Lake. Bien que Robert Fripp et Pete Sinfield aient décidé que la voix de Ferry n'était pas adaptée au matériel de King Crimson, ils ont été impressionnés par son talent et ont aidé le jeune Roxy Music à obtenir un contrat avec E.G. Enregistrements.
Andy Mackay a répondu à l'annonce de Ferry, non pas en tant que claviériste mais en tant que saxophoniste et hautboïste, bien qu'il possédait un synthétiseur VCS3. Mackay avait déjà rencontré Brian Eno pendant ses études universitaires, car tous deux s'intéressaient à l'avant-garde et à la musique électronique. Bien qu'Eno ne soit pas musicien, il savait utiliser un synthétiseur et possédait un magnétophone à bobines Revox, alors Mackay l'a convaincu de rejoindre le groupe en tant que conseiller technique. Peu de temps après, Eno devint membre officiel du groupe. Lorsque le batteur fondateur Dexter Lloyd, un timbalier de formation classique, a quitté le groupe, une annonce a été placée dans Melody Maker disant "un batteur merveilleux recherché pour un groupe de rock d'avant-garde". Paul Thompson a répondu à l'annonce et a rejoint le groupe en juin 1971. Le nom du groupe était en partie un hommage aux titres des anciens cinémas et salles de danse, et en partie un jeu de mots sur le mot rock. Ferry avait initialement nommé le groupe Roxy, mais après avoir entendu parler d'un groupe américain du même nom, il a changé le nom en Roxy Music.
En octobre 1971, Roxy a fait une annonce dans Melody Maker à la recherche du « guitariste parfait » et Phil Manzanera était l'un des vingt joueurs qui ont auditionné. Manzanera, fils d'un père anglais et d'une mère colombienne, avait passé beaucoup de temps en Amérique du Sud et à Cuba dans son enfance, et bien qu'il n'ait pas eu la même formation en école d'art que Ferry, Mackay et Eno, il était peut-être le membre le plus compétent du groupe, avec un intérêt pour une grande variété de musique. Manzanera connaissait également d'autres musiciens connus, tels que David Gilmour, qui était un ami de son frère aîné, et Robert Wyatt de Soft Machine. Cependant, Manzanera n'a pas initialement fait partie du groupe en tant que guitariste ; le candidat retenu était David O'List, ancien guitariste de The Nice. Le groupe a été suffisamment impressionné par Manzanera pour qu'il soit invité à devenir le roadie de Roxy Music, offre qu'il a acceptée.
La fortune du groupe a été considérablement augmentée grâce au soutien du journaliste de Melody Maker Richard Williams et du diffuseur John Peel. Williams est devenu un fan enthousiaste après avoir rencontré Ferry et reçu une cassette de démonstration au milieu de 1971, et a écrit le premier article majeur sur le groupe, présenté sur la page "Horizons" de Melody Makers dans l'édition du 7 août 1971. Ce line-up de Roxy Music (Ferry/Mackay/Eno/Simpson/Thompson/O'List) a enregistré une session de la BBC peu de temps après.
Deux premiers albums (1972-1973)
Début février 1972, le guitariste O'List quitte brusquement le groupe après une altercation avec Paul Thompson qui a lieu lors de leur audition pour David Enthoven d'EG Management. Lorsque O'List ne s'est pas présenté à la répétition suivante, Manzanera a été invitée à venir, sous prétexte de devenir le mixeur sonore du groupe. À son arrivée, il a été invité à jouer de la guitare et s'est vite rendu compte qu'il s'agissait d'une audition informelle. À l'insu du reste du groupe, Manzanera avait appris tout leur répertoire et, par conséquent, il fut immédiatement embauché comme remplaçant permanent d'O'List, le 14 février 1972. Deux semaines plus tard, Roxy Music signa avec EG Management.
Avec cette équipe, EG Management a financé l'enregistrement des morceaux de leur premier album, Roxy Music, enregistré en mars-avril 1972 et produit par le parolier de King Crimson, Peter Sinfield. L'album et sa célèbre pochette étaient apparemment terminés avant que le groupe ne signe avec Island Records. Tim Clark, membre du personnel d'A&R, rapporte que bien qu'il ait fortement soutenu que Island devrait les embaucher, le patron de l'entreprise, Chris Blackwell, ne semblait pas impressionné au début et Clark a supposé qu'il n'était pas intéressé. Quelques jours plus tard cependant, Clark et Enthoven se tenaient dans le couloir des bureaux de l'île en train d'examiner les images de couverture de l'album lorsque Blackwell est passé, a jeté un coup d'œil à l'illustration et a dit : « Ça a l'air génial ! Les avons-nous déjà signées ? Le groupe signe avec Island Records quelques jours plus tard. Le LP est sorti en juin avec de bonnes critiques et est devenu un succès majeur, atteignant la 10e place du classement des albums britanniques en septembre 1972.
Au cours de la première moitié de 1972, le bassiste Graham Simpson devint de plus en plus renfermé et peu communicatif, ce qui le conduisit à quitter le groupe presque immédiatement après l'enregistrement du premier album. Il a été remplacé par Rik Kenton.
Pour attirer davantage l'attention sur leur album, Roxy Music a décidé d'enregistrer et de sortir un single. Leur premier single était "Virginia Plain", qui s'est classé n°4 dans les charts britanniques. L'image visuelle éclectique du groupe, capturée lors de leur première prestation à l'émission Top of the Pops de la BBC, est devenue la pierre angulaire de la tendance glam au Royaume-Uni ; la vidéo TOTP de "Virginia Plain" a ensuite été parodiée par la série comique britannique Big Train. Le single a suscité un regain d'intérêt pour l'album. Peu de temps après "Virginia Plain", Rik Kenton quitte le groupe, qui n'aura plus jamais de bassiste permanent.
L'album suivant, For Your Pleasure, sort en mars 1973. Il marque le début d'une longue et fructueuse collaboration du groupe avec le producteur Chris Thomas, qui a travaillé sur tous les albums et singles classiques du groupe dans les années 1970. L'album a été promu avec le single hors album "Pyjamarama"; aucune piste d'album n'est sortie en single. À l'époque, Ferry sortait avec le mannequin français Amanda Lear, qui a été photographiée avec un jaguar noir pour la couverture de l'album (Ferry apparaît sur la couverture arrière comme un chauffeur élégant debout devant une limousine). John Porter (crédité en tant qu'invité) a joué de la basse sur le disque, tandis que Sal Maida a joué de la basse pour les concerts ultérieurs.
Stranded, Country Life, Siren et projets solo (1973-1977)
Peu de temps après l'enregistrement de For Your Pleasure, Brian Eno quitte Roxy Music au milieu de divergences croissantes avec Ferry sur la gestion du groupe. Les autres membres du groupe auraient partagé certaines des inquiétudes d'Eno concernant la domination de Ferry, mais ils ont choisi de rester. De plus, Johnny Gustafson est devenu le bassiste permanent du groupe pour les trois albums studio suivants, mais pas toujours pour les concerts ; bien qu'il ait tourné avec Roxy à certaines dates en 1973 et 1975, d'autres bassistes live de Roxy de cette période (1973-1976) comprenaient Sal Maida, John Wetton et Rick Wills.
Eno, quant à lui, a été remplacé par Eddie Jobson, multi-instrumentiste de 19 ans, ancien membre du rock progressif Curved Air, qui jouait des claviers et du violon électrique. Bien que certains fans aient déploré la perte de l'attitude expérimentale et de l'esthétique camp qu'Eno avait apporté au groupe, Jobson, de formation classique, était un musicien accompli. Eno lui-même a reconnu plus tard la qualité des deux albums qui ont suivi son départ, Stranded (1973) et Country Life (1974), et ils sont largement considérés comme étant parmi les albums de musique rock britannique les plus originaux et cohérents de la période. Rolling Stone a qualifié les albums de "l'apogée de l'art rock britannique contemporain".
Les chansons de ces albums ont également consolidé le personnage de Ferry en tant qu'incarnation de l'euro-sophistiqué suave et blasé. Bien que ce personnage ait sans doute commencé comme un procédé délibérément ironique, au milieu des années 1970, il a semblé se confondre avec la vie réelle de Ferry, alors que le fils d'un mineur de la classe ouvrière du nord de l'Angleterre devenait une rock star internationale, une icône du style masculin qui avait des histoires d'amour avec de nombreuses belles femmes, parmi lesquelles la camarade de jeu de Playboy Marilyn Cole (qui est apparue sur la couverture de l'album Stranded) et les mannequins Amanda Lear (qui sortira plus tard avec David Bowie) et Jerry Hall (qui deviendra plus tard le partenaire de Mick Jagger).
Sur les deux premiers albums de Roxy, toutes les chansons ont été écrites uniquement par Bryan Ferry. À partir de Stranded, Mackay et Manzanera ont commencé à co-écrire du matériel. Peu à peu, leur écriture et leur musicalité sont devenues plus intégrées dans le son du groupe, bien que Ferry soit resté l'auteur-compositeur dominant ; tout au long de leur carrière, tous les singles de Roxy sauf un ont été écrits entièrement ou conjointement par Ferry. (Cependant, Manzanera, Mackay et Thompson ont écrit individuellement quelques-unes des faces B du groupe). Stranded est sorti en novembre 1973 et a produit le top 10 "Street Life".
Le quatrième album, Country Life, est sorti en 1974 et a été le premier album de Roxy Music à entrer dans le Top 40 américain, bien qu'au 37e rang. Country Life a été largement acclamé par la critique, Rolling Stone y faisant référence « comme si Ferry dirigeait un cabaret pour psychotiques, mettant en vedette des chanteurs en état de choc". Leur cinquième album, Siren, contenait leur seul hit américain, "Love Is the Drug". (Ferry a déclaré que la chanson lui était venue en frappant les feuilles lors d'une promenade dans Hyde Park.) À cette époque, Ferry était impliqué dans une relation avec le mannequin né au Texas Jerry Hall. L'hymne de Ferry à Hall, "Prairie Rose", a directement inspiré la chanson "The Big Country" des Talking Heads et a ensuite été repris par le groupe de rock écossais Big Country comme face B de leur single "East of Eden" en 1984. Hall est également figuré sur la couverture du Siren LP et dans la vidéo du succès solo international de Ferry en 1976, une reprise de "Let's Stick Together" de Wilbert Harrison.
Après les tournées de concerts en soutien à Siren en 1976, Roxy Music se sépare. Leur album live Viva! est sorti en août 1976. Pendant ce temps, Ferry a sorti deux disques solo sur lesquels Manzanera et Thompson ont joué, et Manzanera a retrouvé Eno sur l'album unique 801 Live, acclamé par la critique.
Derniers albums et interruption (1978-1983)
Roxy Music s'est réuni en 1978 pour enregistrer un nouvel album, Manifesto, mais avec un casting remanié. Jobson n'était pas présent et n'aurait pas été contacté pour la réunion. (À cette époque, Jobson était en tournée et enregistrait avec son propre groupe au Royaume-Uni.) La pochette de Manifesto indiquait que le line-up relancé de Roxy Music était composé de Ferry, Manzanera, Mackay et Thompson, ainsi que de Paul Carrack (claviers), Alan Spenner (basse) et Gary Tibbs (basse) ; cependant, malgré cela, tous les autres médias ont souligné que Roxy Music était un quatuor (et un trio après le départ de Thompson en 1980), les trois derniers musiciens étant des collaborateurs réguliers du groupe.
Trois singles sont issus de Manifesto, dont les grands succès britanniques "Angel Eyes" (Royaume-Uni n° 4) et "Dance Away" (Royaume-Uni n° 2). Ces deux morceaux sont très différents des versions de l'album, car "Dance Away" a été remixé pour un single et "Angel Eyes" a été entièrement réenregistré.
Après la tournée et avant l'enregistrement du prochain album, Flesh + Blood (1980), Thompson s'est cassé le pouce dans un accident de moto et a pris congé du groupe. Peu de temps après, il quitte définitivement le groupe en raison de différences musicales avec Ferry.
À ce stade, Ferry, Mackay et Manzanera sont devenus les seuls membres permanents de Roxy Music et ont été complétés par divers musiciens de session au cours des années suivantes (dont Tibbs, Spenner, Carrack, Andy Newmark et Neil Hubbard). L'album Flesh + Blood est devenu un énorme succès commercial dans leur pays d'origine, puisque l'album s'est classé n° 1 dans les charts britanniques et a donné naissance à trois succès britanniques : "Oh Yeah" (Royaume-Uni n° 5), "Over You" (Royaume-Uni). n° 5) et "Same Old Scene" (Royaume-Uni n° 12).
Cependant, le changement de casting reflète un changement distinct dans le style musical de Roxy. Finis les éléments imprévisibles du son du groupe, laissant la place à des arrangements musicaux plus fluides. Rolling Stone a critiqué Manifesto ("Roxy Music n'est pas devenu disco. Roxy Music n'est pas allé ailleurs non plus") ainsi que Flesh + Blood ("un disque de Roxy Music tellement mauvais qu'il provoque une certaine fascination"), tandis que d'autres des sources ont salué les retrouvailles. Melody Maker a déclaré, à propos de Manifesto, "... réserves mises à part, il s'agit peut-être du premier combat retour de ce type jamais tenté avec un quelconque degré de véritable succès : un KO technique contre toute attente."
En 1981, Roxy Music a enregistré le single "Jealous Guy" sans album. Reprise d'une chanson écrite et enregistrée à l'origine par John Lennon, Roxy Music a enregistré "Jealous Guy" en hommage à Lennon après sa mort en 1980. La chanson est restée en tête des charts britanniques pendant deux semaines en mars 1981, devenant ainsi le seul single n°1 du groupe.
Plus tard, avec des paysages sonores plus sombres et soigneusement sculptés, le huitième et dernier album studio du groupe, Avalon (1982), enregistré aux studios Compass Point de Chris Blackwell, fut un succès commercial majeur et rétablit la réputation critique du groupe et contenait le single à succès " Plus que cela". L'album comprenait également plusieurs classiques de Roxy Music, tels que "Avalon", "The Main Thing", "The Space Between" et "True to Life". Le trio (amplifié par des musiciens de session) a fait de nombreuses tournées jusqu'en 1983, lorsque Bryan Ferry a dissous le groupe et que les membres du groupe se sont consacrés à plein temps à des carrières solo.
Réunions et scission (2001-11)
Ferry, Manzanera, Mackay et Thompson se sont reformés en 2001 pour célébrer le 30e anniversaire du groupe et ont fait de nombreuses tournées. Un festival au Portugal et une courte tournée aux États-Unis ont suivi en 2003. Brian Eno était absent, qui a critiqué les motifs de la réunion du groupe en disant: "Je n'aime tout simplement pas l'idée. Cela laisse un mauvais goût". Plus tard, Eno a fait remarquer que son commentaire avait été sorti de son contexte. Manzanera et Thompson ont enregistré et tourné avec Ferry sur son album de 2002 Frantic. Eno a également contribué à Frantic sur le morceau "I Thought".
En 2002, Image Entertainment, Inc. a sorti le DVD du concert Roxy Music Live at the Apollo comprenant des interprétations de 20 chansons ainsi que des interviews et des séquences de répétition.
En 2004, le magazine Rolling Stone a classé le groupe au 98e rang sur sa liste des 100 plus grands artistes de tous les temps.
Roxy Music a donné une performance live au Festival de l'île de Wight 2005 le 11 juin 2005, leur premier concert au Royaume-Uni depuis la tournée mondiale 2001-2002. Le 2 juillet 2005, le groupe a joué "Jealous Guy", "Do the Strand" et "Love is the Drug" lors de la contribution berlinoise à Live8 ; "Do the Strand" est disponible sur la collection de 4 DVD, tandis que "Love Is the Drug" se trouve sur le DVD Live 8 Berlin.
En mars 2005, il a été annoncé sur le site officiel de Phil Manzanera que le groupe, dont Brian Eno, avait décidé d'enregistrer un album de nouveau matériel. Le projet marquerait la première fois qu'Eno travaillait avec Roxy Music depuis For Your Pleasure en 1973. Après un certain nombre de démentis selon lesquels il serait impliqué dans une réunion de Roxy Music, le 19 mai 2006, Eno a révélé qu'il avait contribué à deux chansons du nouvel album et joué du clavier sur d'autres morceaux. Il a cependant exclu une tournée avec le groupe. Si le disque avait été sorti en tant qu'album de Roxy Music, il aurait été le premier album depuis Manifesto sur lequel le batteur original Paul Thompson avait joué. L'album est cependant sorti en tant qu'album solo de Bryan Ferry intitulé Olympia.
Début 2006, un morceau classique de Roxy, "The Main Thing", a été remixé par Malcolm Green et utilisé comme bande originale d'une publicité télévisée paneuropéenne pour l'Opel Vectra mettant en vedette le célèbre arbitre de football Pierluigi Collina.
En juillet 2006, le groupe part en tournée en Europe. Ils se sont concentrés principalement sur des endroits qu’ils n’avaient jamais visités auparavant, comme la Serbie et la Macédoine. Le deuxième batteur de Roxy Music, Andy Newmark, s'est produit pendant la tournée, alors que Thompson se retirait en raison de problèmes de santé, et Oliver Thompson (guitare) faisait sa première apparition avec le groupe.
Lors d'une interview en mars 2007 avec le Western Daily Press, Ferry a confirmé que même si le prochain album de Roxy Music est définitivement en cours de réalisation, il ne sera pas vendu avant "un an et demi", car Ferry venait de sortir et de tourner derrière son douzième studio. album, Dylanesque, composé de reprises de Bob Dylan.
En juin 2007, le groupe a embauché une agence de design basée à Liverpool pour développer son nouveau site Web soutenant leur nouvel album. Au début de l'année, Phil Manzanera a révélé que le groupe envisageait de signer un contrat d'enregistrement. Lors d'une interview en octobre 2007, Ferry a déclaré que l'album comprendrait une collaboration avec Scissor Sisters.
Au cours de l'été 2010, Roxy Music a été la tête d'affiche de divers festivals à travers le monde, notamment Lovebox au Victoria Park de Londres, Electric Picnic à Stradbally, Co. Laois, Irlande et Bestival sur l'île de Wight. Thompson a raté trois dates de la tournée pour cause de maladie et a été une fois de plus remplacé par Andy Newmark. Cependant, Thompson est revenu pour le set Bestival du groupe.
Roxy Music a donné sept dates à travers le Royaume-Uni en janvier et février 2011, dans le cadre d'une tournée intitulée « For Your Pleasure », pour célébrer le 40e anniversaire du groupe. Ils ont ensuite effectué une tournée en Australie et en Nouvelle-Zélande entre février et mars pour huit autres spectacles. Ce sont les dernières performances live de Roxy Music à ce jour.
Virgin Records a sorti un coffret intitulé Roxy Music: The Complete Studio Recordings 1972-1982 le 6 août 2012, célébrant les 40 ans de la sortie du premier album du groupe en 1972. D'autres rééditions devraient suivre.
Dans une interview accordée à Rolling Stone le 3 novembre 2014, Phil Manzanera a déclaré que Roxy Music avait été inactif en 2011 et qu'il était peu probable qu'ils se produisent à nouveau ensemble.
Style et héritage
Le style et la présentation de Roxy Music ont été influencés par les études d'art de ses principaux membres. Ferry, Mackay et Eno avaient tous étudié dans d'éminentes écoles d'art du Royaume-Uni entre le milieu et la fin des années 1960, lorsque ces institutions introduisaient des cours qui évitaient la pratique traditionnelle de l'enseignement de l'art, en mettant l'accent sur la peinture, et se concentraient plutôt sur des développements plus récents, la plupart notamment le pop art, et explore de nouveaux concepts tels que la cybernétique. Comme le note l'écrivain Michael Bracewell dans son livre Roxy : le groupe qui a inventé une époque, Roxy Music a été créé expressément par Ferry, Mackay et Eno comme moyen de combiner leurs intérêts mutuels pour la musique, l'art moderne et la mode.
Ferry a étudié à l'Université de Newcastle dans les années 60 auprès du célèbre artiste pop et éducateur Richard Hamilton, ainsi que de nombreux amis universitaires, camarades de classe et tuteurs de Ferry - par ex. Rita Donagh et Tim Head sont devenus des artistes de renom à part entière. Eno a étudié à la Winchester School of Art et bien que son style iconoclaste soit devenu apparent très tôt et ait provoqué des conflits avec l'establishment universitaire, cela lui a également permis de rencontrer d'importants artistes et musiciens, dont Cornelius Cardew et Gavin Bryars. Son intérêt pour la musique électronique se traduit également par ses premières rencontres avec Andy Mackay, qui étudie à l'Université de Reading et qui a également développé un fort intérêt pour l'avant-garde et la musique électronique.
Les trois ont finalement uni leurs forces à Londres entre 1970 et 1971 après s'être rencontrés par l'intermédiaire d'amis communs et ont décidé de former un groupe de rock.
Roxy Music a été l'un des premiers groupes de musique rock à créer et à maintenir un look et un style soigneusement conçus qui comprenaient leur présentation sur scène, leurs vidéoclips, leurs pochettes d'album et de single, ainsi que du matériel promotionnel tel que des affiches, des prospectus, des cartes et des badges.
Ils ont été assistés dans cette tâche par un groupe d'amis et d'associés qui ont aidé à sculpter le « look » classique de Roxy Music, notamment le créateur de mode Antony Price, le coiffeur Keith Mainwaring, le photographe Karl Stoecker, le « consultant en relations publiques » du groupe Simon Puxley (un ancien ami universitaire de Mackay) et Nicholas De Ville, camarade de classe à l'école d'art de Ferry. Le célèbre critique Lester Bangs est allé jusqu'à dire que Roxy représentait « le triomphe de l'artifice ».
Le premier album du groupe, produit par Pete Sinfield de King Crimson, était le premier d'une série de pochettes d'album de plus en plus sophistiquées, dirigées artistiquement par Ferry en collaboration avec son ami Nick De Ville. La pochette de l'album imite le style visuel des magazines de mode et des magazines de mode classiques, avec des photos de haute couture des mannequins légèrement vêtus Amanda Lear, Marilyn Cole et Jerry Hall, dont chacun a également eu des romances avec Ferry au moment de leurs contributions. en tant que mannequin Kari-Ann Muller qui apparaît sur la couverture du premier album de Roxy mais qui n'était par ailleurs impliquée avec personne dans le groupe, et qui a ensuite épousé Chris, le frère de Mick Jagger. Le titre du quatrième album de Roxy, Country Life, était destiné à être une parodie du célèbre magazine rural britannique du même nom, et la photo de couverture, visuellement plaisante, présentait deux modèles (deux fans allemandes, Constanze Karoli, la sœur de Can's Michael Karoli et Eveline Grunwald) vêtus uniquement de lingerie semi-transparente, debout dans une forêt. En conséquence, dans de nombreuses régions des États-Unis, l'album était vendu dans un emballage en plastique opaque parce que les détaillants refusaient d'afficher la pochette. Plus tard, une couverture alternative, comportant simplement une image de la forêt, a été utilisée.
Le groupe anglais Madness fait partie des artistes qui ont cité Roxy Music comme influence et ont rendu hommage à Bryan Ferry dans la chanson "4BF" (le titre fait référence à la chanson "2HB", elle-même hommage à Humphrey Bogart du premier album de Roxy Music). Parmi les autres artistes qui ont revendiqué Roxy Music comme influence figurent David Bowie, Steve Jones et Paul Cook des Sex Pistols, Siouxsie and the Banshees, Chrissie Hynde, The Cars, Grace Jones, Kate Bush, Nina Hagen, Adam Ant, The Human League. , Japon, Duran Duran, Simple Minds, ABC, Spandau Ballet, The Fixx, Depeche Mode, Men Without Hats, Nile Rodgers, Annie Lennox, Morrissey, Jarvis Cocker et Neil Hannon.
En 1997, John Taylor de Duran Duran a produit l'album hommage Dream Home Heartaches... Remaking/Remodeling Roxy Music. La compilation présente entre autres Taylor ainsi que Dave Gahan (Depeche Mode) et Low Pop Suicide.
Le groupe électronique britannique Ladytron tire son nom du titre d'une chanson de Roxy Music de leur premier album.
Membres
; Composition finale
*Bryan Ferry – chant, claviers (1971-1983, 2001-2011)
*Andy Mackay – saxophone, hautbois (1971-1983, 2001-2011)
*Paul Thompson – batterie (1971-1980, 2001-2011)
*Phil Manzanera – guitare solo (1972-1983, 2001-2011)
;Anciens membres
*Graham Simpson – basse (1971-1972)
* Rik Kenton – basse (1972)
*Roger Bunn – guitare (1971)
*Dexter Lloyd – batterie (1971)
*Brian Eno – synthétiseur, "traitements" (1971-1973)
*David O'List – guitare solo (1971-1972)
*John Gustafson – basse (1973-1976)
*Eddie Jobson – synthétiseur, violon (1973-1976)
;Chronologie
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Discographie
;Albums studios
* Musique Roxy (1972)
* Pour votre plaisir (1973)
*Échoué (1973)
* La vie à la campagne (1974)
* Sirène (1975)
* Manifeste (1979)
* Chair et Sang (1980)
*Avalon (1982)
Remarques | http://www.quizballs.com/ |
Qui a conçu la cabine téléphonique rouge, apparue pour la première fois à Londres en 1926 ? | Sir Giles Gilbert Scott | [
"La cabine téléphonique rouge, une cabine téléphonique pour téléphone public conçue par Sir Giles Gilbert Scott, était un spectacle familier dans les rues du Royaume-Uni, de Malte, des Bermudes et de Gibraltar.",
"Les organisateurs ont invité trois architectes respectés à participer et, outre les projets du bureau de poste et de la société civique de Birmingham, la Commission des beaux-arts a jugé le concours et sélectionné le projet soumis par Sir Giles Gilbert Scott. L'invitation était arrivée au moment où Scott avait été nommé administrateur du musée de Sir John Soane : sa conception pour le concours était de style classique, mais surmontée d'un dôme rappelant les mausolées auto-conçus par Soane dans le vieux cimetière de St Pancras et Galerie de photos Dulwich, Londres. Les prototypes originaux en bois des entrées ont ensuite été mis au service public sur des sites secrets autour de Londres. Celui conçu par Scott est le seul connu à avoir survécu et se trouve toujours là où il était initialement placé, dans l'arche d'entrée gauche de la Royal Academy."
] | La cabine téléphonique rouge, une cabine téléphonique pour téléphone public conçue par Sir Giles Gilbert Scott, était un spectacle familier dans les rues du Royaume-Uni, de Malte, des Bermudes et de Gibraltar.
Malgré une réduction de leur nombre ces dernières années, les kiosques téléphoniques rouges britanniques traditionnels sont encore visibles dans de nombreux endroits du Royaume-Uni et dans les colonies britanniques actuelles ou anciennes du monde entier. La couleur rouge a été choisie pour les rendre faciles à repérer.
À partir de 1926, les façades des kiosques étaient ornées d’une couronne proéminente, représentant le gouvernement britannique. La cabine téléphonique rouge est souvent considérée comme une icône culturelle britannique dans le monde entier. Bien que la production des boîtiers traditionnels ait pris fin avec l'avènement de la série KX en 1985, beaucoup d'entre eux existent encore en Grande-Bretagne.
La couleur de peinture la plus largement utilisée aujourd'hui est connue sous le nom de « rouge groseille » et est définie par une norme britannique, BS381C-Red539. Ce rouge légèrement plus brillant a été introduit avec le modèle K8 en 1968, mais a également été utilisé dans tout le domaine sur les modèles précédents. Par conséquent, pour une précision historique totale, tous les kiosques situés dans des contextes antérieurs à 1968 devraient en réalité être peints dans la teinte précédente, légèrement plus foncée, BS381C-Red538.
Histoire de la conception
K1
Le premier kiosque téléphonique public standard introduit par la poste du Royaume-Uni a été produit en béton en 1920 et a été désigné K1 (kiosque n°1). Ce design n’était pas de la même famille que les cabines téléphoniques rouges familières. Il reste très peu d’exemples de grande qualité. Un des premiers exemples se trouve au Trinity Market à Kingston-upon-Hull, où il est toujours utilisé. La plupart des survivants sont la version la plus récente (1928), avec vitrage pleine hauteur – le Mk236.
K2
La cabine téléphonique rouge est le résultat d'un concours organisé en 1924 pour concevoir un kiosque acceptable pour les arrondissements métropolitains de Londres, qui avaient jusqu'alors résisté aux efforts de la Poste d'ériger des kiosques K1 dans leurs rues.
La Royal Fine Art Commission a joué un rôle déterminant dans le choix du kiosque standard britannique. En raison du mécontentement généralisé à l'égard de la conception du GPO, le Comité permanent mixte des arrondissements métropolitains a organisé un concours pour un modèle supérieur en 1923, mais les résultats ont été décevants. La Birmingham Civic Society a alors produit sa propre conception - en béton armé - mais elle a été informée par le directeur des téléphones que la conception produite par le Bureau de l'ingénieur en chef était préférée ; comme le commentait l'Architects' Journal, "personne ayant une quelconque connaissance en design ne pourrait ressentir autre chose que de l'indignation face au modèle qui semble satisfaire l'esprit officiel". La Birmingham Civic Society n’a pas abandonné et, sous la pression supplémentaire du Royal Institute of British Architects, du Town Planning Institute et de la Royal Academy, le ministre des Postes a été contraint de réfléchir à nouveau ; et le résultat fut que le RFAC organisa un concours limité.
Les organisateurs ont invité trois architectes respectés à participer et, outre les projets du bureau de poste et de la société civique de Birmingham, la Commission des beaux-arts a jugé le concours et sélectionné le projet soumis par Sir Giles Gilbert Scott. L'invitation était arrivée au moment où Scott avait été nommé administrateur du musée de Sir John Soane : sa conception pour le concours était de style classique, mais surmontée d'un dôme rappelant les mausolées auto-conçus par Soane dans le vieux cimetière de St Pancras et Galerie de photos Dulwich, Londres. Les prototypes originaux en bois des entrées ont ensuite été mis au service public sur des sites secrets autour de Londres. Celui conçu par Scott est le seul connu à avoir survécu et se trouve toujours là où il était initialement placé, dans l'arche d'entrée gauche de la Royal Academy.
La Poste a choisi de réaliser le modèle gagnant de Scott en fonte (Scott avait suggéré l'acier doux) et de le peindre en rouge (Scott avait suggéré l'argent, avec un intérieur « bleu-vert ») et, avec d'autres changements mineurs de détails, il a été mis en service sous le nom de Kiosk No.2 ou K2. À partir de 1926, le K2 fut déployé dans et autour de Londres et le K1 continua d'être érigé ailleurs.
K3
Le K3, introduit en 1929, toujours par Giles Gilbert Scott, était similaire au K2 mais était construit en béton et destiné à un usage national. Moins cher que le K2, il était néanmoins nettement plus cher que le K1 et restait donc le choix des sites à faibles revenus. La palette de couleurs standard du K1 et du K3 était crème, avec des barres de vitrage rouges. Un rare kiosque K3 survivant peut être vu à côté de l'exposition Penguin Beach au zoo de Londres ZSL, où il a été protégé des intempéries par l'avant-toit en saillie et récemment restauré dans sa palette de couleurs d'origine.
K4
K4 (conçu par le département d'ingénierie de la poste en 1927) comprenait une boîte aux lettres et des machines pour acheter des timbres-poste à l'extérieur. Un seul lot de 50 kiosques K4 a été construit. Certains rapports contemporains indiquaient que le bruit des machines à timbres en fonctionnement dérangeait les utilisateurs de téléphone et que les rouleaux de timbres dans les machines devenaient humides et collés ensemble par temps pluvieux. Cela a été largement répété (y compris par Stamp), mais Johannessen a choisi de ne pas le faire, n'ayant trouvé aucune preuve pour étayer cette histoire.
K5
K5 était une construction en contreplaqué à face métallique introduite en 1934 et conçue pour être assemblée, démontée et utilisée lors d'expositions. On ne sait pas combien d’exemplaires ont été produits, et il y a peu de preuves qu’ils aient jamais dépassé le stade du prototype. Une réplique entièrement détaillée (construite à partir des dessins originaux) peut être vue au musée Avoncroft (Bromsgrove, Worcestershire), dans le cadre de la collection nationale de kiosques téléphoniques.
K6
En 1935, le K6 (kiosque numéro six) a été conçu pour commémorer le jubilé d'argent du roi George V. Il était par conséquent parfois connu sous le nom de kiosque « Jubilé ». Il est entré en production en 1936. Le K6 a été le premier kiosque téléphonique rouge à être largement utilisé en dehors de Londres, et plusieurs milliers de personnes ont été déployées dans pratiquement toutes les villes, remplaçant la plupart des kiosques existants et créant des milliers de nouveaux sites. En 1935, il y avait 19 000 téléphones publics au Royaume-Uni : en 1940, grâce au K6, il y en avait 35 000.
La conception était encore une fois de Scott et était essentiellement une version plus petite et plus rationalisée du K2, destinée à être produite à un coût considérablement moins cher et à occuper moins d'espace sur la chaussée. Les principales différences entre les deux conceptions étaient les suivantes :
* Taille. Le K6 mesurait 8 pieds de haut et pesait 13,5 quintaux (0,69 tonne). Cela se compare aux 9 pieds et 1,25 tonnes (1,27 tonnes) pour le K2.
* Les éléments de conception ont été simplifiés et rationalisés, conformément à l'esthétique « moderne » des années 1930. Les cannelures grecques ont été retirées des encadrements de portes et de fenêtres, et le fronton et la frise auparavant séparés ont été fusionnés.
* Le motif de la Couronne (voir ci-dessous), qui était auparavant percé à travers la ferronnerie pour permettre l'aération, est désormais gaufré en bas-relief. Une nouvelle fente de ventilation séparée a été prévue.
* Un nouveau modèle de vitrage a été introduit. La porte et les deux côtés vitrés du K2 comportaient chacun 18 panneaux de verre de taille égale disposés en 6 rangées de 3. Dans le K6, le nombre de rangées a été augmenté à 8 et la colonne centrale de carreaux a été considérablement plus large que celles du K2. de chaque côté. Cela améliore la visibilité et donne un aspect plus horizontal aux fenêtres, toujours dans le respect des principes « modernes ».
Le K6 est depuis devenu une icône britannique, mais il n’était pas universellement apprécié au début. La couleur rouge a causé des difficultés locales particulières et de nombreuses demandes ont été faites pour des couleurs moins visibles. La Poste a été contrainte d'autoriser un gris moins strident avec des barres de vitrage rouges pour les zones de beauté naturelle et architecturale. Ironiquement, certaines de ces zones qui ont conservé leurs cabines téléphoniques les ont désormais peintes en rouge.
Installation de kiosques : les premières années
Avec une demande continue pour les kiosques K6, leur implantation était plus répandue que jamais. Une remorque kiosque spécialement conçue a été conçue à partir de 1953 pour réduire les coûts de fonctionnement des grues.
Numéros installés
Le K6 était le kiosque le plus prolifique du Royaume-Uni et sa croissance, à partir de 1935, est visible dans les archives de BT :
Fabrication
Les kiosques en béton K1 et K3 ultérieurs ont été produits à divers endroits (et en grande partie non enregistrés) à travers le pays. Cela rendait le contrôle de la qualité et la supervision du processus de fabrication difficiles, par rapport à l'expérience du GPO avec les boîtes postales en fonte, et constituait un aspect important de l'évolution du GPO vers des kiosques téléphoniques en fonte. Au fil des années, cinq fonderies ont participé à ces travaux pour la Poste. Lion Foundry à Kirkintilloch, MacFarlane (Fonderie Saracen) et Carron Ironworks près de Falkirk ont tous produit des lots de K2, K6 et K8 ; et, en outre, Carron a produit le seul lot de kiosques K4. Les deux autres fabricants étaient McDowall Steven et Bratt Colbran, qui ne produisaient tous deux que des lots relativement petits du Mk1 K6 d'avant-guerre.
Bien que de nombreux kiosques aient été équipés de dos de remplacement au cours des dernières années, les exemplaires non modifiés portent généralement l'identité de leur fabricant marquée sur une plaque extérieure située au bas de leur panneau arrière. Les seules exceptions sont les quelques modèles Mk1 fabriqués par Bratt Colbran, qui sont anonymes. Une autre façon d'identifier le fabricant consiste à apposer des marques de moulage sur les différents composants – à savoir LF, CC, MF, MS et BC – qui ont été utilisées à des degrés divers au fil des années. Une marque de fabricant plus cohérente se trouve à peu près à hauteur d’épaule sur la face intérieure du panneau arrière. Ces marques identifient généralement à la fois le fabricant et le modèle précis du kiosque. Jusqu'en 1949 environ, l'année de fabrication est également incluse. Les kiosques non BT K6 construits les plus récemment (généralement peints en noir) sont pour la plupart des pièces moulées neuves, provenant de nouveaux fabricants.
Couronne
À partir de 1926, les façades des kiosques de la Poste étaient ornées d'une couronne proéminente, représentant le gouvernement britannique (dont la Poste était une agence). Le design était initialement la « Couronne Tudor », alors largement utilisée dans les services gouvernementaux. La même couronne était utilisée dans toutes les régions du Royaume-Uni et de l’Empire britannique. Sur le K2, le design était percé à travers la ferronnerie et faisait office de trou de ventilation. Sur le K6, une fente d'aération séparée était prévue et la couronne était en relief en bas-relief.
En 1953, la nouvelle reine Elizabeth II décida de remplacer la couronne Tudor dans tous les contextes par une représentation de la couronne actuelle généralement utilisée pour les couronnements britanniques, la couronne de Saint-Édouard. Ce nouveau symbole a donc commencé à apparaître sur les façades des kiosques K6.
La couronne de Saint-Édouard était initialement utilisée sur des kiosques dans toutes les régions du Royaume-Uni. Cependant, à partir de 1955, en Écosse, la Poste a choisi d'utiliser une représentation de l'actuelle Couronne d'Écosse, conformément à une politique plus large pour les agences gouvernementales en Écosse. Pour s'adapter aux deux conceptions différentes de couronne sur les kiosques K6, les sections de façade étaient désormais coulées avec une fente dans laquelle une plaque portant la couronne appropriée était insérée avant le montage de la section de toit.
Les couronnes étaient à l’origine peintes du même rouge que le reste de la boîte. Cependant, depuis le début des années 1990, lorsque la valeur patrimoniale des kiosques rouges a commencé à être largement reconnue, British Telecom a choisi les couronnes (sur les K2 et K6) en peinture dorée.
Les kiosques installés à Kingston upon Hull n'étaient pas équipés de couronne, car ces kiosques ont été installés par la Hull Corporation (plus tard le conseil municipal de Hull, puis Kingston Communications). Toutes les boîtes de Hull étaient également peintes en crème.
Modernisation – K7 et K8
En 1959, l'architecte Neville Conder fut chargé de concevoir une nouvelle boîte. La conception du K7 n'est pas allée plus loin que le stade du prototype. Le K8 a été introduit en 1968, conçu par Bruce Martin. Il était principalement utilisé pour les nouveaux sites ; environ 11 000 ont été installés, remplaçant les modèles précédents uniquement lorsqu'ils avaient besoin d'être déplacés ou avaient été endommagés de manière irréparable. Le K8 a conservé une palette de couleurs rouge, mais il s'agissait d'une nuance de rouge différente : un « Poppy Red » légèrement plus brillant, qui est devenu la couleur standard sur tous les kiosques.
Le K8 comportait un seul grand panneau de verre sur deux côtés et sur la porte. Tout en améliorant la visibilité et l'éclairage à l'intérieur de la boîte, ceux-ci étaient vulnérables aux dommages. Il y avait deux versions – la Mk1 et la Mk2 – la différence la plus visible étant le détail du toit et l'encadrement des opales « TÉLÉPHONE ». Il n'en reste que 12, la plupart ayant été remplacés par le KX100, ce qui rend le K8 aussi rare que le K3.
En ce qui concerne la création d'une nouvelle cabine avec un accès plus facile, moins d'entretien et un éclairage plus lumineux, la Poste a présenté un prototype de cabines téléphoniques « Croydon » à partir de 1972, nommées ainsi parce qu'elles ont été érigées à Croydon, dans le Surrey. Les boîtes Croydon, qui présentaient une silhouette de combiné noir avec une peinture jaune vif, ont été érigées comme un prototype expérimental pour remplacer les cabines téléphoniques rouges. Cependant, même si les essais ont été couronnés de succès, la qualité des matériaux et de la conception a rendu la production en série trop coûteuse pour la Poste et la conception n'a pas été adoptée.
À la fin des années 1970 ou à la fin des années 1980, un nouveau stand à capuchon, plus petit, a été introduit, connu sous le nom de Booth 7A. Ces cabines jaunes ont été introduites dans des zones où les précédentes cabines téléphoniques rouges avaient été vandalisées, voire arrachées du sol. Elles sont devenues connues sous le nom de boîtes « Oakham » – une référence à la similitude de forme avec une boîte à jambon en chêne.
Privatisation et série KX
En 1980, en prévision de la privatisation, Post Office Telephones a été rebaptisée British Telecom (BT). En février 1981, il fut annoncé que toutes les cabines téléphoniques rouges seraient repeintes en jaune, la nouvelle couleur de l'entreprise BT. Il y a eu un tollé général immédiat ; le Daily Mail a lancé une campagne "contre le péril jaune" et des questions ont été posées au Parlement. A la Chambre des Lords, le comte de Gowrie, ministre d'État chargé de l'Emploi, a appelé BT "à abandonner ce projet ridicule". À la Chambre des communes, le député Mark Lennox-Boyd a demandé à la Première ministre Margaret Thatcher si elle considérerait la décision "avec la plus grande consternation possible". Mme Thatcher, responsable de la privatisation, a simplement déclaré qu'elle pouvait "comprendre le point de vue de mon honorable ami". Peu de temps après, BT a annoncé que seules 90 des 77 000 boîtes traditionnelles restantes avaient été peintes de différentes couleurs « à titre expérimental » et qu'aucune décision finale n'avait été prise.
Après la privatisation en 1982, British Telecom a introduit le KX100, un modèle plus utilitaire, qui a commencé à remplacer la plupart des boîtiers existants. Le KX100 faisait partie d'une série de modèles, dont le KX200 ouvert aux fauteuils roulants et le KX300 à empreinte triangulaire. En janvier 1985, Nick Kane, directeur du marketing de BT Local Communications Services, a annoncé que les anciennes cabines téléphoniques rouges seraient remplacées car elles « ... ne répondent plus aux besoins de nos clients. Peu de gens aiment les utiliser. Elles sont cher et difficile à nettoyer et à entretenir et ne peut pas être utilisé par des personnes handicapées". Cette fois, BT n’a pas cédé, malgré une autre campagne bruyante. De nombreuses autorités locales ont utilisé la législation destinée à protéger les bâtiments d'importance architecturale ou historique pour conserver les anciennes cabines téléphoniques dans des endroits bien en vue et environ 2 000 d'entre elles ont été classées. Plusieurs milliers d'autres ont été laissés sur des sites à faible revenu, pour la plupart ruraux, mais plusieurs milliers de boîtes K2 et K6 récupérées ont été vendues. Certains kiosques ont été aménagés pour servir de cabines de douche chez des particuliers. À Kingston upon Thames, un certain nombre de vieilles boîtes K6 ont été utilisées pour former une œuvre d'art ressemblant à une rangée de dominos tombés. On estime que 11 000 cabines téléphoniques rouges traditionnelles restent en service public. Le KX+, mieux connu sous le nom de KX100 PLUS, introduit en 1996, présentait un toit en forme de dôme rappelant les familiers K2 et K6. Les conceptions ultérieures se sont considérablement éloignées des anciennes boîtes rouges. BT a suivi la série KX avec le Multi.phone en 1999 et le ST6 en 2007.
Adoption
Les cabines téléphoniques rouges peu utilisées peuvent être adoptées par les conseils paroissiaux d'Angleterre pour d'autres usages. Quelques exemples sont présentés ci-dessous. Le kiosque peut être utilisé à toute fin légale autre que la téléphonie et le contrat de vente comprend la clause 5.5.4 suivante :
L'acheteur s'engage à ne pas vendre, louer ou concéder sous licence les marchandises à un concurrent du vendeur ni à permettre à un concurrent d'installer un appareil de communication électronique (tel que défini à l'annexe 2 de la loi sur les télécommunications de 1984) à l'intérieur des marchandises ou lui-même (comme l'acheteur). ) ne doit pas installer, fournir ou exploiter toute forme d'appareil de communication électronique (tel que défini à l'annexe 2 de la loi sur les télécommunications de 1984) au sein des marchandises.
On ne sait pas pourquoi BT souhaite interdire la réutilisation du kiosque pour les communications électroniques et pourquoi le régulateur, Ofcom, l'a autorisé. Aux États-Unis, il existe un mouvement actif cherchant de nouvelles utilisations télécoms pour les cabines téléphoniques peu utilisées, par ex. comme points d'accès Wi-Fi.
Bibliothèques
En 2009, un K6 du village de Westbury-sub-Mendip dans le Somerset a été transformé en bibliothèque ou en échange de livres remplaçant les services de la bibliothèque mobile qui ne visite plus le village. Des bibliothèques similaires existent désormais dans les villages de North Cadbury dans le Somerset, Great Budworth dans le Cheshire, Little Shelford et Upwood dans le Cambridgeshire, ainsi que dans quelque 150 autres endroits.
Galerie d'art
Également en 2009, la ville de Settle, dans le Yorkshire du Nord, a créé la [http://www.galleryonthegreen.org.uk Gallery on the Green] dans un K6, qui a été adopté par le conseil paroissial. La galerie a présenté une série d'expositions (voir la [http://www.galleryonthegreen.org.uk/gallery/ galerie en ligne sur le site Web]) d'artistes et de photographes notables (Tessa Bunney, Martin Parr, Mariana Cook) et groupes communautaires locaux. Son contributeur le plus célèbre était Brian May, avec son émission de photographie stéréoscopique « A Village Lost and Found ».
Autre
En 2010, dans le village de Brookwood, dans le Surrey, un projet a été lancé pour restaurer et préserver le seul kiosque K6 restant du village. Le kiosque avait été adopté par le conseil d'arrondissement de Woking en 2009 et un groupe de résidents s'est mis à restaurer le kiosque. Ceci a été réalisé grâce à des dons privés et au parrainage d’entreprises locales. Un blog a détaillé la restauration.
À la suite d'un concours organisé par une unité de guides en 2011 pour trouver une utilisation à leur cabine téléphonique locale désaffectée à Glendaruel, Argyll, elle a été équipée d'un défibrillateur. L'équipement n'est accessible qu'en suivant les instructions du Scottish Ambulance Service lors d'un appel d'urgence. La conversion du boîtier a été financée par BT dans le cadre du programme Adopt A Kiosk et le défibrillateur a été fourni par le Community Heartbeat Trust. Il s'agit de l'une des cinq conversions similaires de cabine téléphonique au Royaume-Uni.
, des unités reconditionnées ont été proposées à la vente par X2Connect.
Depuis octobre 2014, plusieurs cabines téléphoniques K6 désaffectées de Londres ont été peintes en vert et converties en chargeurs de téléphones portables gratuits appelés Solarbox. Ils ont été considérés comme une alternative aux kiosques extérieurs aux chargeurs intérieurs tels que la Chargebox.
Utilisation ailleurs
Plusieurs de ces cabines téléphoniques distinctives ont été installées sur le campus de l'Université d'Oklahoma à Norman, en Oklahoma, où elles continuent de remplir leur fonction initialement prévue. Ailleurs aux États-Unis, quelques-uns ont également été installés au centre-ville de Glenview, dans l'Illinois. Il y en a également une à l'extérieur de l'ambassade britannique à Washington, D.C. Une cabine téléphonique rouge se trouve également sur la place du palais de justice à Oxford, dans le Mississippi. Il y en a deux en usage au Tennessee. L’un est situé sur la place de Collierville, dans le Tennessee, et l’autre est situé à côté du Pepper Palace dans le centre commercial The Village Shops à Gatlinburg, dans le Tennessee. Dans le Massachusetts, il y a aussi une cabine téléphonique rouge dans le centre étudiant du Massachusetts Institute of Technology. De plus, il y a une cabine téléphonique rouge à l'extérieur du bâtiment de la ville (mairie/commissariat de police/bureau de poste) dans la petite ville de montagne de Rowe, dans le Massachusetts, qui est une installation originale datant de l'époque où la ville de Rowe a obtenu pour la première fois un service téléphonique. . Deux cabines téléphoniques rouges sont exposées dans la zone World Showcase de Disney's Epcot à Orlando, en Floride, l'une située au Royaume-Uni et l'autre au Canada. L'un d'eux est exposé à English Gardens, un lieu pour les mariages à Winter Park, près du centre-ville d'Orlando. Un K6 original peut également être trouvé à l'extérieur du Allied Building à Treasure Island, en Floride. Il y a aussi quelques boîtes rouges au Ellenton Outlet Mall, juste à côté de la I-75, près de Bradenton, en Floride. Ceux-ci ont toujours leurs cartes à code STD d'origine en place et disposent d'un équipement téléphonique américain fonctionnel. Il y a une cabine téléphonique rouge à Westminster Maryland, au coin de West Main Street et Rt. 27 à l'extérieur du Johanson's Dining House.
À Lake Havasu City, en Arizona, quelques K6 sont arrivés alors que l'ancien London Bridge y était préservé. Comme ils se trouvent aux États-Unis et ne sont pas soumis aux restrictions britanniques, ils sont entièrement fonctionnels, mais avec une électronique mise à jour pour les rendre conformes au code.
Des cabines téléphoniques britanniques K6 se trouvent, peintes en vert, au centre de Kinsale, une vieille ville historique du comté de Cork en République d'Irlande.
Des cabines téléphoniques rouges se trouvent également à Malte, à Gozo, dans certaines parties des Caraïbes comme Antigua, la Barbade, ainsi qu'à Chypre, ce qui montre que l'influence coloniale est toujours présente. Certaines de ces cabines téléphoniques sont utilisées comme bornes Internet. Une boîte se trouve également au centre de la ville de Chinon, en France, et une autre dans la ville allemande de Bad Münstereifel.
L'Australie et la Nouvelle-Zélande avaient chacune leur propre conception de cabine téléphonique rouge, et quelques exemples ont été conservés dans des sites sensibles ou historiques. Une campagne brève et colorée a été menée pour « sauver » la cabine téléphonique rouge en Nouvelle-Zélande par le Magicien de Nouvelle-Zélande.
En 2008, dix cabines téléphoniques K6 ont été importées du Royaume-Uni dans la ville israélienne de Petah Tikva et installées dans sa rue principale, Haim Ozer.
Kingston-upon-Hull
Kingston upon Hull était la seule région du Royaume-Uni à ne pas être sous le monopole de la poste, les téléphones étant sous le contrôle de la Corporation of Hull (conseil municipal). À Hull et dans les environs, cela signifiait que les cabines téléphoniques étaient peintes en crème et que la couronne était omise. Le système téléphonique de Hull a ensuite été privatisé et est maintenant exploité par Kingston Communications. Kingston Communications (KC) a retiré de nombreuses boîtes K6 crème vers 2007. Un public indigné s'est plaint de perdre une partie de son héritage. KC a conservé environ 125 K6 en service aujourd'hui. KC a alloué un nombre limité (environ 1 000) à vendre au grand public, et beaucoup ont été vendus avant même d'avoir été mis hors service.
dépendances de la Couronne
Les services téléphoniques des dépendances de la Couronne ont été séparés à plusieurs reprises du GPO.
Guernesey
Guernsey Telecoms a peint ses kiosques en jaune avec des cadres de fenêtres blancs ; ils ont été repeints en bleu lorsque l'entreprise a été vendue à Cable and Wireless en 2002.
Jersey
Jersey Telecom a utilisé des kiosques fabriqués localement, peints en crème et jaune.
île de Man
Manx Telecom a laissé ses kiosques dans la couleur rouge utilisée par ses prédécesseurs British Telecom et le GPO. Une cabine téléphonique verte existe à Cregneash, comme c'était le cas dans de nombreuses zones rurales de Grande-Bretagne.
Territoires d'outre-mer
Gibraltar
Gibtelecom exploite des kiosques rouges de différents millésimes.
le Portugal
En dehors de l’ancien Empire britannique, on peut voir des cabines téléphoniques rouges au Portugal – par exemple, elles sont courantes dans la ville de Porto.
Utilisation dans l'art contemporain
Hors service
Le sculpteur écossais David Mach a créé l'œuvre publique permanente Out of Order en 1989 à Kingston upon Thames, Londres. Il se présente sous la forme d'une rangée de douze cabines téléphoniques K6, la première debout, les autres tombant progressivement comme des dominos. Il était initialement prévu que le premier boîtier vertical contienne un téléphone fonctionnel.
Boîtes d'art BT
En 2012, BT a contribué à célébrer le 25e anniversaire de l'association caritative de téléphonie gratuite ChildLine en chargeant quatre-vingts artistes de concevoir et de décorer des répliques grandeur nature du K6. Ceux-ci ont été exposés dans des espaces publics à Londres, puis vendus aux enchères par Sotheby's sous le nom de BT Artboxes. Les artistes comprenaient Peter Blake, Willie Christie, David Mach, Denis Masi, Zaha Hadid et Ian Ritchie.
Cabines téléphoniques répliques
Les répliques légères des kiosques téléphoniques K6 sont fabriquées sous forme de paquets plats par des fournisseurs commerciaux et sont expédiées dans le monde entier pour être installées dans des endroits tels que des bars, des restaurants et des bureaux.
Galeries
Dossier : Cabine téléphonique K1, Musée des transports de Lowestoft, 13 juin 2009.JPG | Cabine téléphonique K1, Musée des transports de Lowestoft
Le prototype en bois K2 de Scott est une cabine téléphonique fonctionnelle située dans l'arche d'entrée gauche de la Royal Academy of Arts de Londres.
Fichier:London Big Ben Phone box.jpg|K2 avec un bus à impériale de Londres et Big Ben en arrière-plan
Fichier : Kiosque téléphonique K3, Écosse.jpg | Le seul kiosque K3 Mk2 encore utilisé, près de Rhynd à Perth et Kinross, en Écosse
Fichier : Boîte murale dans un kiosque téléphonique.jpg | Bureau de poste K4 à Warrington - les panneaux verticaux de chaque côté de la fente aux lettres abritaient à l'origine des distributeurs automatiques de timbres
Fichier:K6 Goathland.JPG|K6 à Goathland, Yorkshire du Nord
Fichier : Lightmatter phonebooths.jpg | Kiosques K6, illuminés la nuit
Fichier: Boîte téléphonique verte - geograph.org.uk - 1329446.jpg | Une boîte verte K6 près de Stokesley dans le Yorkshire du Nord
Fichier : Kiosque téléphonique, Hapsford.JPG | KX100 à Hapsford, Cheshire
Fichier: Cabine téléphonique de Hull préservée.JPG | K6 sans couronne de Kingston-upon-Hull préservé dans la livrée originale de Hull Corporation au Hull Transport Museum
Fichier : Cabine téléphonique Cream K6 à Hull.JPG | Kingston Communications K6 à Hull
Fichier : K8_Golders_Green.jpg|K8 abritant un téléphone interne à la station de métro Golders Green
Fichier : KX100_PLUS_Kingston_Communications.jpg | Kingston Communications KX100 PLUS à Hull
Fichier : Cabines téléphoniques noires, Piccadilly - DSC04253.JPG | Deux cabines téléphoniques noires K6 à Piccadilly dans la ville de Westminster, exploitées par New World Payphones Ltd
Fichier : Cabine téléphonique rouge - Jardins botaniques de Gibraltar.jpg | Une boîte K2 aux jardins botaniques de Gibraltar
Fichier : Cabines téléphoniques rouges Antigua.jpg | K6 à St. John's, Antigua
Fichier:Malta Valletta BW 2011-10-07 12-28-56.JPG|K6 à La Valette, Malte
Image:Cyprus-telephone-box.JPG|K6 sans couronne dans les montagnes du Troodos à Chypre
Fichier:PT-Phone Booth.jpg|K6 à Petah Tikva, Israël
Fichier:Red Telephone Box.jpg|Queens Crown K6 au marché public de la Cinquième rue à Eugene, Oregon
Fichier : Photo sur le campus de l'Université d'Oklahoma recadrée.jpg | Université d'Oklahoma - K6 rouge devant Copeland Hall.
Fichier : HK R10 Central 永安百貨公司 Wing On Department Store Xmas 2009 shop window models.jpg|Une réplique d'un K6 dans une vitrine à thème britannique à Hong Kong
Fichier:Église Saint-Jean-Baptiste de Percy (6).JPG|Une boîte K6 à l'église Saint-Jean-Baptiste de Percy, Manche en Normandie, France
Fichier:3 téléphones à Bruxelles Midi-Zuid.jpg|Deux cabines téléphoniques rouges britanniques imitation à la gare de Bruxelles-Midi
Image : Former_train_station_(Kingston,_Ontario).jpg| Cabine téléphonique rouge britannique à côté des cabines standard de Bell Canada dans l'ancienne gare ferroviaire de Kingston et Pembroke
Dossier : RED TELEPHONE BOX.jpg | Cabine téléphonique rouge à la gare de Bünde, Allemagne.
Fichier : Boîte téléphonique rouge Bielefeld CITY.jpg | Boîte téléphonique située à Bielefeld, en Allemagne. | http://www.quizballs.com/ |
L'Université Columbia, dans la ville de New York, a été fondée sous le nom de King's College par une charte royale de quel monarque britannique ? | le roi George II | [
"L’Université de Columbia est un établissement d’enseignement supérieur indépendant, non sectaire et bénéficiant d’un soutien privé. Sa dénomination sociale officielle est « The Trustees of Columbia University in the City of New York ». La première charte de l'université a été accordée en 1754 par le roi George II ; cependant, sa Charte moderne a été promulguée pour la première fois en 1787 et modifiée pour la dernière fois en 1810 par la législature de l'État de New York. L'université est dirigée par 24 administrateurs, dont habituellement le président, qui siège d'office. Les fiduciaires eux-mêmes sont responsables du choix de leurs successeurs. Six des 24 sont nommés parmi un pool de candidats recommandés par la Columbia Alumni Association. Six autres sont nommés par le Conseil en consultation avec le Comité exécutif du Sénat universitaire. Les 12 autres, dont le président, sont nommés par les administrateurs eux-mêmes dans le cadre de leurs processus internes. La durée du mandat des administrateurs est de six ans. Généralement, ils ne remplissent pas plus de deux mandats consécutifs. Les administrateurs nomment le président et les autres responsables administratifs supérieurs de l'université, et examinent et confirment les nominations des professeurs, selon les besoins. Ils déterminent les politiques financières et d'investissement de l'université, autorisent le budget, supervisent la dotation, dirigent la gestion des biens immobiliers et autres actifs de l'université et supervisent par ailleurs l'administration et la gestion de l'université."
] | L'Université Columbia (officiellement Université Columbia dans la ville de New York) est une université de recherche privée de l'Ivy League située dans l'Upper Manhattan, à New York. Il a été créé en 1754 sous le nom de King's College par charte royale de George II de Grande-Bretagne. Columbia est le plus ancien collège de New York et le cinquième établissement d'enseignement supérieur agréé du pays, ce qui en fait l'un des neuf collèges coloniaux fondés avant la Déclaration d'indépendance. Après la guerre d'indépendance américaine, le King's College est brièvement devenu une entité d'État et a été rebaptisé Columbia College en 1784. Une charte de 1787 a placé l'institution sous un conseil d'administration privé avant d'être rebaptisée Columbia University en 1896 lorsque le campus a été déplacé de Madison Avenue. à son emplacement actuel à Morningside Heights occupant 32 acres de terrain. Columbia est l'un des quatorze membres fondateurs de l'Association des universités américaines et a été la première école aux États-Unis à décerner le diplôme de médecine.
L'université est organisée en vingt écoles, dont le Columbia College, la School of Engineering and Applied Science et la School of General Studies. L'université dispose également d'avant-postes de recherche mondiaux à Amman, Pékin, Istanbul, Paris, Mumbai, Rio de Janeiro, Santiago, Asunción et Nairobi. Il est affilié à plusieurs autres institutions à proximité, notamment le Teachers College, le Barnard College et l'Union Theological Seminary, avec des programmes conjoints de premier cycle disponibles via le Jewish Theological Seminary of America, l'University College London, Sciences Po et la Juilliard School.
Columbia administre chaque année le prix Pulitzer. Parmi les anciens élèves et anciens étudiants notables (en comptant ceux du King's College) figurent cinq pères fondateurs des États-Unis ; neuf juges de la Cour suprême des États-Unis ; 20 milliardaires vivants ; 29 lauréats des Oscars ; et 29 chefs d'État, dont trois présidents des États-Unis. De plus, 104 lauréats du prix Nobel ont été affiliés à Columbia en tant qu'étudiants, chercheurs, professeurs ou membres du personnel. Columbia est juste derrière l'Université Harvard en termes de nombre d'anciens élèves et anciens étudiants lauréats du prix Pulitzer, avec plus de 100 lauréats en 2015.
Histoire
Collège King (1754-1784)
Les discussions concernant la fondation d'un collège dans la province de New York commencèrent dès 1704, date à laquelle le colonel Lewis Morris écrivit à la Society for the Propagation of the Gospel in Foreign Parts, la branche missionnaire de l'Église d'Angleterre, persuadant le la société que la ville de New York était une communauté idéale dans laquelle créer un collège ; cependant, ce n'est qu'après la fondation de l'Université de Princeton, de l'autre côté de la rivière Hudson, dans le New Jersey, que la ville de New York a sérieusement envisagé de fonder un collège. En 1746, une loi fut adoptée par l'assemblée générale de New York afin de collecter des fonds pour la fondation d'un nouveau collège. En 1751, l'assemblée nomma une commission composée de dix résidents de New York, dont sept étaient membres de l'Église anglicane, pour diriger les fonds accumulés par la loterie d'État vers la fondation d'un collège.
Les cours eurent initialement lieu en juillet 1754 et furent présidés par le premier président du collège, le Dr Samuel Johnson. Le Dr Johnson était le seul instructeur de la première classe du collège, qui ne comptait que huit étudiants. L'enseignement avait lieu dans une nouvelle école attenante à l'église Trinity, située dans ce qui est aujourd'hui Lower Broadway à Manhattan. Le collège a été officiellement fondé le 31 octobre 1754 sous le nom de King's College par charte royale du roi George II, ce qui en fait le plus ancien établissement d'enseignement supérieur de l'État de New York et le cinquième plus ancien des États-Unis.
En 1763, Myles Cooper, diplômé du Queen's College d'Oxford et fervent conservateur, succéda au Dr Johnson à la présidence. Dans le climat politique chargé de la Révolution américaine, son principal adversaire dans les discussions au collège était un étudiant de la promotion de 1777, Alexander Hamilton. La guerre d'indépendance américaine éclata en 1776 et fut catastrophique pour le fonctionnement du King's College, qui suspendit l'enseignement pendant huit ans à partir de 1776 avec l'arrivée de l'armée continentale. La suspension s'est poursuivie pendant l'occupation militaire de New York par les troupes britanniques jusqu'à leur départ en 1783. La bibliothèque du collège a été pillée et son seul bâtiment réquisitionné pour être utilisé comme hôpital militaire d'abord par les forces américaines puis britanniques. Les loyalistes furent contraints d'abandonner leur King's College de New York, qui fut saisi par les rebelles et rebaptisé Columbia College. Les loyalistes, dirigés par l'évêque Charles Inglis, s'enfuirent à Windsor, en Nouvelle-Écosse, où ils fondèrent la King's Collegiate School.
Collège Columbia (1784-1896)
Après la Révolution, le collège s'est tourné vers l'État de New York afin de retrouver sa vitalité, en promettant d'apporter à la charte de l'école tous les changements que l'État pourrait exiger. La législature accepta d'aider le collège et, le 1er mai 1784, elle adopta « une loi accordant certains privilèges au collège appelé jusqu'ici King's College ». La loi créait un Conseil des régents pour superviser la réanimation du King's College et, dans un effort pour démontrer son soutien à la nouvelle République, la législature stipulait que « le Collège de la ville de New York, autrefois appelé King's College, sera désormais appelé à jamais ». et connu sous le nom de Columbia College", une référence à Columbia, un nom alternatif pour l'Amérique. Les régents prirent finalement conscience de la constitution défectueuse du collège en février 1787 et nommèrent un comité de révision dirigé par John Jay et Alexander Hamilton. En avril de la même année, une nouvelle charte a été adoptée pour le collège, toujours en vigueur aujourd'hui, accordant le pouvoir à un conseil d'administration privé de 24 administrateurs.
Le 21 mai 1787, William Samuel Johnson, le fils du Dr Samuel Johnson, fut élu à l'unanimité président du Columbia College. Avant de servir à l'université, Johnson avait participé au premier congrès continental et avait été choisi comme délégué à la Convention constitutionnelle. Pendant une période dans les années 1790, avec la ville de New York comme capitale fédérale et de l'État et le pays sous des gouvernements fédéralistes successifs, une Colombie ressuscitée a prospéré sous les auspices de fédéralistes tels que Hamilton et Jay. Le président George Washington et le vice-président John Adams ont assisté à l'ouverture du collège le 6 mai 1789, en hommage aux nombreux anciens élèves de l'école qui avaient été impliqués dans la Révolution américaine.
Les inscriptions, la structure et les universitaires du collège ont stagné pendant la majeure partie du XIXe siècle, de nombreux présidents de collège faisant peu pour changer le fonctionnement du collège. En 1857, le collège a déménagé de Park Place vers un campus principalement néo-gothique sur la 49e rue et Madison Avenue, où il est resté pendant les quarante années suivantes. Durant la seconde moitié du XIXe siècle, sous la direction du président F.A.P. Barnard, l'institution prend rapidement la forme d'une université moderne. À cette époque, les investissements du collège dans l'immobilier new-yorkais sont devenus la principale source de revenus stables pour l'école, principalement en raison de la population croissante de la ville.
Université de Columbia (de 1896 à aujourd'hui)
En 1896, les administrateurs ont officiellement autorisé l'utilisation d'un autre nouveau nom, Columbia University, et aujourd'hui l'institution est officiellement connue sous le nom de « Columbia University in the City of New York ». Au même moment, le président de l'université, Seth Low, a de nouveau déplacé le campus, de la 49e rue à son emplacement actuel, un campus plus spacieux dans le quartier en développement de Morningside Heights. Sous la direction du successeur de Low, Nicholas Murray Butler, qui a servi pendant plus de quatre décennies, Columbia est rapidement devenue la principale institution de recherche du pays, établissant le modèle de « multiversité » que les universités adopteront plus tard.
Les recherches sur l'atome menées par les professeurs John R. Dunning, II Rabi, Enrico Fermi et Polykarp Kusch ont placé le département de physique de Columbia sous les projecteurs internationaux dans les années 1940, après la construction de la première pile nucléaire pour lancer ce qui est devenu le projet Manhattan. En 1947, pour répondre aux besoins des GI revenant de la Seconde Guerre mondiale, University Extension a été réorganisée en collège de premier cycle et a désigné la Columbia University School of General Studies.
Au cours des années 1960, Columbia a connu un activisme étudiant à grande échelle, qui a atteint son apogée au printemps 1968 lorsque des centaines d'étudiants ont occupé des bâtiments sur le campus. L'incident a forcé la démission du président de Columbia, Grayson Kirk, et la création du Sénat universitaire.
Bien que plusieurs écoles de l'université aient admis des femmes depuis des années, le Columbia College a admis des femmes pour la première fois à l'automne 1983, après une décennie d'échecs dans les négociations avec le Barnard College, l'institution entièrement féminine affiliée à l'université, en vue de fusionner les deux écoles. Le Barnard College reste toujours affilié à Columbia et tous les diplômés de Barnard reçoivent des diplômes autorisés à la fois par l'Université de Columbia et par le Barnard College.
Campus
Avec NYU et l’Église catholique, l’Université Columbia est l’un des trois plus grands propriétaires fonciers de la ville de New York.
Hauteurs du matin
La majorité des études supérieures et de premier cycle de Colombie sont menées à Morningside Heights, dans la vision de Seth Low de la fin du XIXe siècle d'un campus universitaire où toutes les disciplines pourraient être enseignées en un seul endroit. Le campus a été conçu selon les principes des Beaux-Arts par les architectes McKim, Mead et White. Le campus principal de Columbia occupe plus de six pâtés de maisons, soit 32 acres, à Morningside Heights, à New York, un quartier qui abrite un certain nombre d'institutions universitaires. L'université possède plus de 7 800 appartements à Morningside Heights, abritant des professeurs, des étudiants diplômés et du personnel. Près de deux douzaines de dortoirs de premier cycle (construits à cet effet ou convertis) sont situés sur le campus ou à Morningside Heights. L'Université de Columbia possède un vaste système de tunnels souterrains vieux de plus d'un siècle, les parties les plus anciennes étant antérieures au campus actuel. Certaines d'entre elles restent accessibles au public, tandis que d'autres ont été bouclées.
La bibliothèque Nicholas Murray Butler, communément connue simplement sous le nom de bibliothèque Butler, est la plus grande bibliothèque du système de bibliothèques de l'Université de Columbia et l'un des plus grands bâtiments du campus. Proposée comme « South Hall » par l'ancien président de l'université Nicholas Murray Butler alors que les plans d'agrandissement de la Low Memorial Library étaient au point mort, la nouvelle bibliothèque a été financée par Edward Harkness, bienfaiteur du système des collèges résidentiels de Yale, et conçue par son architecte préféré, James Gamble Rogers. Elle a été achevée en 1934 et renommée Butler en 1946. La conception de la bibliothèque est de style néoclassique. Sa façade présente une arcade de colonnes dans l'ordre ionique au-dessus desquelles sont inscrits les noms de grands écrivains, philosophes et penseurs, dont la plupart sont lus par les étudiants inscrits au programme de base du Columbia College. En 2012, le système de bibliothèques de Columbia comprenait plus de 11,9 millions de volumes, ce qui en fait le huitième plus grand système de bibliothèques et le cinquième plus grand système de bibliothèques collégiales aux États-Unis. Elle a également été classée parmi les plus belles bibliothèques des États-Unis.
Plusieurs bâtiments du campus de Morningside Heights sont inscrits au registre national des lieux historiques. La Low Memorial Library, un monument historique national et la pièce maîtresse du campus, est classée pour son importance architecturale. Philosophy Hall est répertorié comme le site de l'invention de la radio FM. Pupin Hall, un autre monument historique national, qui abrite les départements de physique et d'astronomie est également répertorié. Ici, les premières expériences sur la fission de l'uranium ont été menées par Enrico Fermi. L'atome d'uranium y a été divisé dix jours après la première division atomique au monde à Copenhague, au Danemark.
Une statue du sculpteur Daniel Chester French appelée Alma Mater est centrée sur les marches de la Low Memorial Library. McKim, Mead & White ont invité French à construire la sculpture afin de s'harmoniser avec la composition plus large de la cour et de la bibliothèque au centre du campus. Drapée dans une robe académique, la figure féminine de l'Alma Mater porte une couronne de lauriers et est assise sur un trône. Les bras du trône en forme de volutes se terminent par des lampes, représentant la sapientia et la doctrine. Un livre signifiant connaissance, tient en équilibre sur ses genoux, et une chouette, attribut de la sagesse, est cachée dans les plis de sa robe. Sa main droite tient un sceptre composé de quatre branches de blé, se terminant par une couronne du King's College qui fait référence à l'origine de la Colombie en tant qu'institution royaliste en 1754. Une actrice locale nommée Mary Lawton aurait posé pour certaines parties de la sculpture. La statue a été consacrée le 23 septembre 1903, comme cadeau de M. et Mme Robert Goelet, et était à l'origine recouverte de feuilles d'or. Lors des manifestations de l'Université de Columbia en 1968, une bombe a endommagé la sculpture, mais elle a depuis été réparée. La petite chouette cachée sur la sculpture fait également l'objet de nombreuses légendes de Colombie, la légende principale étant que le premier élève de la classe de première année à trouver la chouette cachée sur la statue sera major de promotion, et que tout homme de Colombie ultérieur qui la trouvera le fera. épouser une étudiante de Barnard, étant donné que Barnard est une université pour femmes.
"The Steps", également connu sous le nom de "Low Steps" ou "Urban Beach", est un lieu de rencontre populaire pour les étudiants de Colombie. Le terme fait référence à la longue série de marches en granit menant de la partie basse du campus (South Field) à sa terrasse supérieure. Avec un design inspiré du mouvement City Beautiful, les marches de la Low Library offrent aux étudiants, aux professeurs et au personnel de l'Université de Columbia et du Barnard College une plate-forme extérieure confortable et un espace pour des rassemblements informels, des événements et des cérémonies. La façade classique de McKim incarne les conceptions néoclassiques de la fin du XIXe siècle, avec ses colonnes et son portique marquant l'entrée d'une structure importante. Les jours chauds où le temps est favorable, les Low Steps deviennent souvent un lieu de rassemblement populaire pour les étudiants qui souhaitent bronzer, déjeuner ou jouer au frisbee.
Autres campus
En avril 2007, l'université a acheté plus des deux tiers d'un terrain de 17 acres pour un nouveau campus à Manhattanville, un quartier industriel au nord du campus de Morningside Heights. S'étendant de la 125e rue à la 133e rue, le nouveau campus abritera des bâtiments pour l'école de commerce de Columbia, l'école des affaires internationales et publiques et le centre Jerome L. Greene pour l'esprit, le cerveau et le comportement, où se dérouleront des recherches sur les maladies neurodégénératives telles que Parkinson et Alzheimer. Le plan d'expansion de 7 milliards de dollars comprend la démolition de tous les bâtiments, à l'exception de trois bâtiments historiquement importants, l'élimination de l'industrie légère et des entrepôts de stockage existants, ainsi que le déplacement des locataires dans 132 appartements. Le remplacement de ces bâtiments représentera 6 800 000 pieds carrés d'espace pour l'université. Des groupes d'activistes communautaires de West Harlem ont combattu l'expansion pour des raisons allant de la protection de la propriété et de l'échange équitable de terres aux droits des résidents. Les audiences publiques ultérieures ont suscité l'opposition du quartier. Plus récemment, en décembre 2008, l'Empire State Development Corporation de l'État de New York a approuvé l'utilisation du domaine éminent, ce qui, par la déclaration du statut « dévasté » de Manhattanville, donne aux organismes gouvernementaux le droit de s'approprier une propriété privée pour un usage public. Le 20 mai 2009, le Conseil de contrôle des autorités publiques de l'État de New York a approuvé le plan d'agrandissement de Manhanttanville et les premiers bâtiments sont en construction.
Le New York-Presbyterian Hospital est affilié aux facultés de médecine de l'Université Columbia et de l'Université Cornell. Selon le US News & World Reports « America's Best Hospitals 2009 », il est classé sixième au classement général et troisième parmi les hôpitaux universitaires. La faculté de médecine de Columbia a un partenariat stratégique avec l'Institut psychiatrique de l'État de New York et est affiliée à 19 autres hôpitaux aux États-Unis et à quatre hôpitaux à l'étranger. Les écoles liées à la santé sont situées au Columbia University Medical Center, un campus de 20 acres situé dans le quartier de Washington Heights, à cinquante pâtés de maisons du centre-ville. Parmi les autres hôpitaux universitaires affiliés à Columbia via le réseau presbytérien de New York figurent la Payne Whitney Clinic à Manhattan et le Payne Whitney Westchester, un institut psychiatrique situé à White Plains, New York. À la pointe nord de l'île de Manhattan (dans le quartier d'Inwood), Columbia possède un Baker Field de 26 acres, qui comprend le stade Lawrence A. Wien ainsi que des installations pour les sports de terrain, une piste extérieure et du tennis. Il existe un troisième campus sur la rive ouest de la rivière Hudson, le Lamont-Doherty Earth Observatory and Earth Institute, d'une superficie de 157 acres, à Palisades, New York. Un quatrième est celui des laboratoires Nevis, d'une superficie de 60 acres, à Irvington, dans l'État de New York, pour l'étude de la physique des particules et du mouvement. Un site satellite à Paris, en France, organise des cours au Reid Hall.
Durabilité
En 2006, l'université a créé l'Office of Environmental Stewardship pour lancer, coordonner et mettre en œuvre des programmes visant à réduire l'empreinte environnementale de l'université. Le US Green Building Council a sélectionné le plan Manhattanville de l'université pour le programme pilote de conception de quartier Leadership in Energy and Environmental Design (LEED). Le plan s'engage à intégrer une croissance intelligente, un nouvel urbanisme et des principes de conception de bâtiments « verts ». Columbia est l'un des partenaires du Défi 2030, un groupe de neuf universités de la ville de New York qui se sont engagées à réduire leurs émissions de gaz à effet de serre de 30 % au cours des dix prochaines années. L'Université de Columbia adopte les normes LEED pour toutes les nouvelles constructions et rénovations majeures. L'Université exige un minimum de niveau Argent, mais, à travers son processus de conception et d'examen, elle cherche à atteindre des niveaux plus élevés. Cela est particulièrement difficile pour les laboratoires et les bâtiments de recherche qui consomment beaucoup d’énergie ; cependant, l'université utilise également des lignes directrices en matière de conception de laboratoire qui visent à maximiser l'efficacité énergétique tout en protégeant la sécurité des chercheurs.
Tous les jeudis et dimanches du mois, Columbia organise un marché vert où les agriculteurs locaux peuvent vendre leurs produits aux habitants de la ville. De plus, d'avril à novembre, la ferme Hodgson, un centre de jardinage local de New York, rejoint le marché en apportant un large choix de plantes et de fleurs épanouies. Le marché est l'un des nombreux marchés gérés à différents endroits de la ville par le groupe à but non lucratif GrowNYC. Les services de restauration de Columbia consacrent 36 pour cent de son budget alimentaire aux produits locaux, en plus de servir des fruits de mer récoltés de manière durable et du café équitable sur le campus. Columbia a été notée « B+ » par le College Sustainability Report Card 2011 pour ses initiatives environnementales et durables.
Universitaires
Admissions au premier cycle et aide financière
L'Université de Columbia a reçu 36 292 candidatures pour sa promotion de premier cycle de 2020 (entrée en 2016). Lors de la première décision, 620 candidats sur 3 520 ont été admis, pour un taux d'acceptation de 17,61 %. En décision régulière, 1.573 candidats sur 32.772 ont été admis, pour un taux d'acceptation de 4,79%. Au total, 2 193 candidats sur 36 292 ont été admis pour un taux d'acceptation global de 6,04 %, faisant de Columbia le troisième collège le plus sélectif des États-Unis en termes de taux d'admission derrière Stanford et Harvard. Le taux de rendement du premier cycle pour la promotion 2019 était de 63,2 %. Selon le classement de sélectivité des collèges de 2012 réalisé par U.S. News & World Report, qui prend en compte, entre autres critères, les taux d'admission et de rendement, Columbia était à égalité avec Yale, Caltech et MIT en tant que collèges les plus sélectifs du pays. Columbia est une école à diversité raciale, avec environ 52 % de tous les élèves s'identifiant comme personnes de couleur. De plus, 50 % de tous les étudiants de premier cycle ont reçu des bourses de Colombie. Le montant moyen des bourses accordées à ces étudiants est de 46 516 $. En 2015-2016, les frais de scolarité annuels de premier cycle à Columbia s'élevaient à 50 526 $, avec un coût total de scolarité de 65 860 $ (y compris l'hébergement et les repas).
Le 11 avril 2007, l'Université de Columbia a annoncé un don de 400 à 600 millions de dollars de la part de John Kluge, ancien milliardaire des médias, destiné à être utilisé exclusivement pour l'aide financière des étudiants de premier cycle. Ce don compte parmi les dons les plus importants à l’enseignement supérieur. Sa valeur exacte dépendra de la valeur éventuelle de la succession de Kluge au moment de son décès ; cependant, ce don généreux a contribué à changer la politique d'aide financière à Columbia. Les dons annuels, les collectes de fonds et l'augmentation des dépenses provenant de la dotation de l'université ont permis à Columbia d'offrir de généreuses aides financières aux étudiants éligibles. À partir de 2008, les étudiants de premier cycle issus de familles dont les revenus peuvent atteindre 60 000 $ par an verront le coût prévu de leurs études à l'université, y compris le logement, les repas et les frais académiques, entièrement pris en charge par l'université. La même année, l'université a mis fin aux prêts accordés aux étudiants entrants et actuels qui bénéficiaient d'une aide financière, remplaçant ainsi les prêts qui faisaient traditionnellement partie des programmes d'aide par des subventions de l'université. Cependant, cela ne s'applique pas aux étudiants internationaux, aux étudiants transférés, aux étudiants en visite ou aux étudiants de l'École d'études générales. À l'automne 2010, l'admission aux collèges de premier cycle de Columbia, au Columbia College et à la Fu Foundation School of Engineering and Applied Science (également connue sous le nom de SEAS ou Columbia Engineering), a commencé à accepter la candidature commune. Le changement de politique a fait de Columbia l'une des dernières grandes institutions universitaires et la dernière université de l'Ivy League à passer à l'application commune.
Des bourses sont également accordées aux étudiants de premier cycle par le comité d'admission. Les désignations incluent les boursiers John W. Kluge, les boursiers John Jay, les boursiers C. Prescott Davis, les boursiers mondiaux, les boursiers Egleston et les boursiers de recherche scientifique. Les boursiers nommés sont sélectionnés par le comité d'admission parmi les candidats de première année. Selon Columbia, les quatre premiers chercheurs désignés « se distinguent par leurs remarquables réalisations académiques et personnelles, leur dynamisme, leur curiosité intellectuelle, l'originalité et l'indépendance de leur pensée, ainsi que la diversité qui découle de leurs différentes cultures et de leurs expériences éducatives variées ».
Organisation
L’Université de Columbia est un établissement d’enseignement supérieur indépendant, non sectaire et bénéficiant d’un soutien privé. Sa dénomination sociale officielle est « The Trustees of Columbia University in the City of New York ». La première charte de l'université a été accordée en 1754 par le roi George II ; cependant, sa Charte moderne a été promulguée pour la première fois en 1787 et modifiée pour la dernière fois en 1810 par la législature de l'État de New York. L'université est dirigée par 24 administrateurs, dont habituellement le président, qui siège d'office. Les fiduciaires eux-mêmes sont responsables du choix de leurs successeurs. Six des 24 sont nommés parmi un pool de candidats recommandés par la Columbia Alumni Association. Six autres sont nommés par le Conseil en consultation avec le Comité exécutif du Sénat universitaire. Les 12 autres, dont le président, sont nommés par les administrateurs eux-mêmes dans le cadre de leurs processus internes. La durée du mandat des administrateurs est de six ans. Généralement, ils ne remplissent pas plus de deux mandats consécutifs. Les administrateurs nomment le président et les autres responsables administratifs supérieurs de l'université, et examinent et confirment les nominations des professeurs, selon les besoins. Ils déterminent les politiques financières et d'investissement de l'université, autorisent le budget, supervisent la dotation, dirigent la gestion des biens immobiliers et autres actifs de l'université et supervisent par ailleurs l'administration et la gestion de l'université.
Le Sénat universitaire a été créé par les administrateurs après un référendum à l'échelle de l'université en 1969. Il a succédé aux pouvoirs du Conseil universitaire, créé en 1890 en tant qu'organisme composé de professeurs, de doyens et d'autres administrateurs chargés de réglementer les affaires interfacultaires et examiner des questions d’intérêt à l’échelle de l’université. Le Sénat universitaire est un organe monocaméral composé de 107 membres issus de toutes les circonscriptions de l'université. Il s'agit notamment du président de l'université, du recteur, des doyens du Columbia College et de la Graduate School of Arts and Sciences, tous qui siègent d'office, ainsi que de cinq représentants supplémentaires, nommés par le président, de l'administration de l'université. Le président est le président du Sénat. Le Sénat est chargé d'examiner les politiques éducatives, le développement physique, le budget et les relations extérieures de l'université. Il veille au bien-être et à la liberté académique des professeurs ainsi qu’au bien-être des étudiants.
Le président de l'Université de Columbia, qui est choisi par les administrateurs en consultation avec le comité exécutif du Sénat de l'université et qui siège au gré des administrateurs, est le directeur général de l'université. Le recteur est assisté dans l'administration de l'université par le recteur, le vice-président exécutif principal, le vice-président exécutif pour la santé et les sciences biomédicales, plusieurs autres vice-présidents, l'avocat général, le secrétaire de l'université et les doyens des facultés, tous dont sont nommés par les administrateurs sur proposition du président et servent à leur gré. Lee C. Bollinger est devenu le 19e président de l'Université de Columbia le 1er juin 2002. Fervent défenseur de la discrimination positive, il a joué un rôle de premier plan dans les deux affaires de la Cour suprême — Grutter contre Bollinger et Gratz contre Bollinger — qui ont confirmé et clarifié l'importance de l'action positive. de la diversité comme justification impérieuse de l’action positive dans l’enseignement supérieur. Un éminent spécialiste du Premier Amendement, il a publié de nombreux articles sur la liberté d'expression et de la presse et est membre du corps professoral de la faculté de droit de Columbia.
Columbia compte trois collèges officiels de premier cycle : Columbia College (CC), l'université d'arts libéraux proposant le baccalauréat ès arts, la Fu Foundation School of Engineering and Applied Science (également connue sous le nom de SEAS ou Columbia Engineering) est l'école d'ingénierie et de sciences appliquées. le baccalauréat ès sciences et l'École d'études générales (GS), le collège d'arts libéraux offrant le baccalauréat ès arts aux étudiants non traditionnels entreprenant des études à temps plein ou à temps partiel. L'université est affiliée au Teachers College, au Barnard College et à l'Union Theological Seminary, tous situés à proximité de Morningside Heights. Des programmes conjoints de premier cycle sont disponibles via le Jewish Theological Seminary of America ainsi que via la Juilliard School. Les institutions affiliées – Barnard College, Teachers College et Union Theological Seminary – sont également des facultés de l'université. Une institution affiliée, le Teachers College, est également un département académique de l'université.
Recherche et classements
Columbia a été le premier site nord-américain où l'atome d'uranium a été divisé. C'est le berceau de la radio FM et du laser. L'algorithme MPEG-2 de transmission audio et vidéo de haute qualité sur une bande passante limitée a été développé par Dimitris Anastassiou, professeur de génie électrique à Columbia. Le biologiste Martin Chalfie a été le premier à introduire l'utilisation de la protéine fluorescente verte (GFP) pour marquer les cellules d'organismes intacts. D'autres inventions et produits liés à Columbia incluent la technologie de solidification latérale séquentielle (SLS) pour la fabrication d'écrans LCD, les arts de gestion de système (SMARTS), le protocole d'initiation de session (SIP) (utilisé pour l'audio, la vidéo, le chat, la messagerie instantanée et le tableau blanc), la pharmacopée. , Macromodel (logiciel de chimie computationnelle), une nouvelle et meilleure recette pour le béton de verre, les LED bleues et Beamprop (utilisé en photonique).
Les scientifiques de Colombie ont été crédités d'environ 175 nouvelles inventions dans le domaine des sciences de la santé chaque année. Plus de 30 produits pharmaceutiques basés sur les découvertes et inventions réalisées à Columbia sont aujourd'hui sur le marché. Ceux-ci incluent Remicade (pour l'arthrite), Reopro (pour les complications des caillots sanguins), Xalatan (pour le glaucome), Benefix, Latanoprost (un traitement contre le glaucome), les prothèses d'épaule, l'homocystéine (dépistage des maladies cardiovasculaires) et Zolinza (pour le traitement du cancer). Columbia Technology Ventures (anciennement Science and Technology Ventures), gère quelque 600 brevets et plus de 250 accords de licence actifs. Les accords liés aux brevets ont rapporté à la Colombie plus de 230 millions de dollars au cours de l'exercice 2006, selon l'université, soit plus que n'importe quelle université dans le monde.
L'Université de Columbia a été classée 4e parmi les universités nationales américaines en 2016 par U.S. News & World Report. Les collèges et écoles individuels ont également été classés à l'échelle nationale par U.S. News & World Report pour son édition 2016. La Columbia Law School a été classée 4e à égalité, la Mailman School of Public Health 5e, la School of Social Work 5e, le Teachers College (Columbia Graduate School of Education) 7e, la Columbia Business School 8e, le Collège des médecins et chirurgiens à égalité. à la 8e place pour la recherche (et à égalité au 52e rang pour les soins primaires), la Graduate School of Arts 10e, l'École d'infirmières à égalité au 11e rang et l'École d'ingénierie et de sciences appliquées de la Fondation Fu (diplômée) a été classée 14e.
En 2015, la Colombie était classée 8e au monde selon le classement académique des universités mondiales, 22e au monde selon le classement mondial des universités QS et 15e au monde selon le classement mondial des universités du Times Higher Education.
Les classements d'autres organisations incluent l'École supérieure d'architecture, de planification et de préservation n°2 et son École supérieure de journalisme n°1.
Entre 1996 et 2008, 18 affiliés de Columbia ont remporté des prix Nobel, dont neuf sont membres du corps professoral, l'un est chercheur scientifique principal adjoint (Daniel Tsui) et l'autre est Global Fellow (Kofi Annan). Les professeurs de Columbia qui ont reçu le prix Nobel comprennent Richard Axel, Martin Chalfie, Eric Kandel, Tsung-Dao Lee, Robert Mundell, Orhan Pamuk, Edmund S. Phelps, Joseph Stiglitz et Horst L. Stormer. Parmi les autres prix et distinctions remportés par les professeurs figurent 30 lauréats du prix de la Fondation MacArthur, 4 récipiendaires de la médaille nationale des sciences, 43 lauréats du prix de la National Academy of Sciences, 20 lauréats du prix de la National Academy of Engineering, 38 lauréats du prix de l'Institut de médecine des National Academies et 143 américains. Lauréats des prix de l'Académie des arts et des sciences.
En 2015, l'Université de Columbia a été classée première de l'État en termes de salaire moyen des professeurs. En 2011, le Mines ParisTech : Professional Ranking World Universities a classé Columbia 3ème meilleure université de formation des PDG aux Etats-Unis et 12ème au niveau mondial.
Vie étudiante
Étudiants
À l'automne 2014, la population étudiante de l'Université de Columbia était de 29 870 (8 559 étudiants dans les programmes de premier cycle et 21 311 dans les programmes de troisième cycle), 39 % de la population étudiante s'identifiant comme une minorité et 28 % étant nés en dehors des États-Unis. Vingt-six pour cent des étudiants de Columbia ont un revenu familial inférieur à 60 000 dollars, ce qui en fait l'un des collèges de haut niveau les plus diversifiés sur le plan socio-économique. Seize pour cent des étudiants de Columbia reçoivent des bourses fédérales Pell, qui vont principalement aux étudiants dont le revenu familial est inférieur à 40 000 $. Quinze pour cent des étudiants sont le premier membre de leur famille à fréquenter un collège de quatre ans.
Le logement sur le campus est garanti pendant les quatre années de premier cycle. Columbia College et la Fu Foundation School of Engineering and Applied Science (également connue sous le nom de SEAS ou Columbia Engineering) partagent des logements dans les résidences universitaires du campus. Les étudiants de première année vivent généralement dans l'une des grandes résidences universitaires situées autour de South Lawn : Hartley Hall, Wallach Hall (à l'origine Livingston Hall), John Jay Hall, Furnald Hall ou Carman Hall. Les classes supérieures participent à un processus de sélection de chambre, dans lequel les étudiants peuvent choisir de vivre dans un mélange de logements de type couloir ou appartement avec leurs amis. L'École d'études générales et les écoles supérieures de l'Université Columbia disposent de leurs propres logements de type appartement dans le quartier environnant.
L'Université de Columbia abrite de nombreuses fraternités, sororités et organisations grecques mixtes. Environ 10 à 15 % des étudiants de premier cycle sont associés à la vie grecque. Il y a une présence grecque sur le campus depuis la création en 1836 du chapitre Delta d'Alpha Delta Phi. L'InterGreek Council est l'organisation étudiante autonome qui fournit des lignes directrices et un soutien à ses organisations membres au sein de chacun des trois conseils de Columbia, le Conseil Interfraternité, le Conseil panhellénique et le Conseil grec multiculturel. Les trois présidents de conseil réunissent leurs sections affiliées une fois par mois pour se réunir en une seule communauté grecque. Les réunions du Conseil InterGreek offrent aux organisations membres l'occasion d'apprendre les unes des autres, de travailler ensemble et de plaider pour | http://www.quizballs.com/ |
Qui a joué le rôle-titre dans le film « Captain Horatio Hornblower RN » de 1951 ? | Gregory Peck | [
"*Capitaine Horatio Hornblower, avec Gregory Peck - (GB)",
"*David et Bethsabée, avec Gregory Peck et Susan Hayward",
"*Only the Valiant, avec Gregory Peck"
] | L’année 1951 au cinéma a été marquée par des événements importants.
Événements
* Suède - May Britt est repérée par les cinéastes italiens Carlo Ponti et Mario Soldati
* États-Unis d'Amérique - Premières d'Alice au Pays des Merveilles de Walt Disney, bien que décevante au début, elle est ensuite devenue un grand classique culte du milieu de l'animation.
Films les plus rentables (États-Unis)
(*) Après réédition(s) en salles
Prix
Oscars:
Meilleur film : Un Américain à Paris - Metro-Goldwyn-Mayer
Meilleur réalisateur : George Stevens pour Une place au soleil
Meilleur acteur : Humphrey Bogart pour La Reine africaine
Meilleure actrice : Vivien Leigh pour Un tramway nommé Désir
Meilleur acteur dans un second rôle : Karl Malden pour Un tramway nommé Désir
Meilleure actrice dans un second rôle : Kim Hunter - Un tramway nommé Désir
Prix des Golden Globes :
Drame:
Meilleur film : Une place au soleil
Meilleur acteur : Fredric March - Mort d'un vendeur
Meilleure actrice : Jane Wyman pour Le Voile bleu
Comédie musicale ou comédie :
Meilleur film : Un Américain à Paris
Meilleur acteur : Danny Kaye pour Sur la Riviera
Meilleure actrice : June Allyson - Trop jeune pour embrasser
Autre
Meilleur réalisateur : Laslo Benedek - Mort d'un vendeur
Prix spécial : Pictura : Une aventure artistique
Grand Prix (Festival de Cannes) :
Miss Julie (Fröken Julie), réalisé par Alf Sjöberg, Suède
Miracle à Milan (Miracolo a Milano), réalisé par Vittorio De Sica, Italie
Lion d'or (festival du film de Venise)
Rashômon, réalisé par Akira Kurosawa, Japon
Top 10 des stars qui gagnent de l'argent
Films notables sortis en 1951
Sortie aux États-Unis, sauf indication contraire
#
*La 13e Lettre, réalisé par Otto Preminger, avec Linda Darnell et Charles Boyer
UN
*Abbott et Costello rencontrent l'homme invisible, avec Bud Abbott et Lou Costello
*Ace in the Hole (alias The Big Carnival), réalisé par Billy Wilder, avec Kirk Douglas et Jan Sterling
*Across the Wide Missouri, avec Clark Gable
*The African Queen, réalisé par John Huston, avec Humphrey Bogart (Oscar du meilleur acteur) et Katharine Hepburn - (GB/U.S.A.)
*Cadets de l'Air, avec Gail Russell et Stephen McNally
*Alice au pays des merveilles, un film d'animation de Walt Disney
*Le long de la Grande Division, avec Kirk Douglas
*Un Américain à Paris, réalisé par Vincente Minnelli, avec Gene Kelly et Leslie Caron (Oscar du meilleur film)
*Anges dans le champ extérieur, avec Paul Douglas et Janet Leigh
*Anna, avec Silvana Mangano, Raf Vallone et Vittorio Gassman - (Italie)
*Another Man's Poison, réalisé par Irving Rapper, avec Bette Davis, Gary Merrill, Emlyn Williams et Anthony Steel - (GB)
*Apache Drums, avec Stephen McNally et Coleen Gray
*Rendez-vous avec Danger, avec Alan Ladd, avec les futurs co-stars de Dragnet (série) Jack Webb et Harry Morgan
*Rendez-vous avec Vénus, avec Glynis Johns et David Niven - (Royaume-Uni)
*Aussi jeune que vous vous sentez, avec Monty Woolley
*Atoll K, avec Laurel et Hardy dans leur dernier film
*Awaara (Tramp), réalisé par et avec Raj Kapoor - (Inde)
*La hache de Wandsbek - (Allemagne de l'Est)
b
*Baazi (Gamble), avec Dev Anand - (Inde)
*L'heure du coucher pour Bonzo, avec Ronald Reagan (avec un chimpanzé)
*Bellissima, réalisé par Luchino Visconti, avec Anna Magnani - (Italie)
*Chantage, avec Mai Zetterling et Dirk Bogarde - (GB)
*Le Voile Bleu, avec Jane Wyman
*Bright Victory, avec Arthur Kennedy
*The Browning Version, réalisé par Anthony Asquith, avec Michael Redgrave et Jean Kent - (GB)
*Bullfighter and the Lady, avec Robert Stack et Joy Page
C
*Callaway Went Thataway, avec Fred MacMurray, Dorothy McGuire, Howard Keel
*Appelez-moi monsieur, avec Betty Grable
*Capitaine Horatio Hornblower, avec Gregory Peck - (GB)
*Cattle Drive, avec Joel McCrea, Dean Stockwell et Chill Wills
*Raison d'alarme !, avec Loretta Young et Barry Sullivan
*Corsaire de Chine, avec Jon Hall
*Circle of Danger, avec Ray Milland - (GB)
*The Clouded Yellow, avec Trevor Howard et Jean Simmons - (GB)
*Venez remplir la coupe, avec James Cagney et Gig Young
*Comin' Round The Mountain, avec Abbott et Costello
*Flics et voleurs (Guardie e ladri), réalisé par Mario Monicelli - (Italie)
*Cry Danger, avec Dick Powell et Rhonda Fleming
*Cry, the Beloved Country, réalisé par Zoltan Korda, avec Sidney Poitier - (GB)
D
*Chéri, comment as-tu pu !, avec Joan Fontaine
*Fille de tromperie (La hija del engaño), réalisé par Luis Buñuel - (Mexique)
*David et Bethsabée, avec Gregory Peck et Susan Hayward
*Le jour où la Terre s'arrêta, réalisé par Robert Wise, avec Michael Rennie et Patricia Neal
*Mort d'un vendeur, avec Fredric March
*Décision avant l'aube, avec Richard Basehart, Gary Merrill et Oskar Werner
*Deedar, avec Ashok Kumar, Dilip Kumar, Nargis - (Inde)
*Le Renard du désert : L'histoire de Rommel, avec James Mason
*Histoire de détective, avec Kirk Douglas, Eleanor Parker, William Bendix, Lee Grant, Horace McMahon et George Macready
*Journal d'un curé de campagne (Journal d'un curé de campagne), réalisé par Robert Bresson - (France)
*Distant Drums, réalisé par Raoul Walsh, avec Gary Cooper
*Double Dynamite, avec Jane Russell, Frank Sinatra et Groucho Marx
*Rêve d'un cosaque (Kavalier zolotoy zvezdy), avec Sergei Bondarchuk - (U.R.S.S.)
* Daar Doer dans Die Bosveld (Loin dans le Bushveld), avec Jamie Uys - (Afrique du Sud)
E-F
*Early Summer (Bakushū), réalisé par Yasujirō Ozu - (Japon)
*Encore, avec Nigel Patrick et Kay Walsh - (GB)
*The Enforcer (Murder, Inc.), avec Humphrey Bogart et Zero Mostel
*FBI Girl, avec Audrey Totter et Cesar Romero
*Le secret de famille, avec John Derek et Lee J. Cobb
*Le petit dividende du père, avec Spencer Tracy et Elizabeth Taylor
*The Fighting Seventh (alias (Little Big Horn), avec Lloyd Bridges
*Flying Leathernecks, avec John Wayne et Robert Ryan
*Follow the Sun, avec Glenn Ford (dans le rôle de Ben Hogan)
*Le Christ interdit (Il Cristo proibito), avec Raf Vallone - (Italie)
*Fort Worth, avec Randolph Scott
*Quatre dans une Jeep (Die Vier im Jeep), avec Ralph Meeker et Viveca Lindfors - (Suisse)
*Quatorze heures, avec Paul Douglas, Richard Basehart, Jeffrey Hunter et Grace Kelly
*Les Hommes-grenouilles, avec Richard Widmark et Dana Andrews
*Sillons (Surcos) - (Espagne)
g
*Go for Broke !, avec Van Johnson
*Golden Girl, avec Mitzi Gaynor, Dale Robertson, Dennis Day
*La Horde d'Or, avec Ann Blyth
*Goodbye My Fancy, avec Joan Crawford et Robert Young
*Le Grand Caruso, avec Mario Lanza
*Le marié portait des Spurs, avec Ginger Rogers
*Motifs du mariage, avec Kathryn Grayson et Van Johnson
*Le gars qui est revenu, avec Paul Douglas
H
*Half Angel, avec Loretta Young
*Happy Go Lovely, avec David Niven et Vera-Ellen - (GB)
*Il a couru jusqu'au bout, avec John Garfield et Shelley Winters
*Here Comes the Groom, réalisé par Frank Capra, avec Bing Crosby
* Son genre de femme, avec Robert Mitchum, Jane Russell, Vincent Price et Raymond Burr
*La Maison à Montevideo (Das Haus in Montevideo) - (Allemagne de l'Ouest)
*La Maison sur Telegraph Hill, avec Richard Basehart
I-J
*Je peux l'obtenir pour vous en gros, avec Susan Hayward
*Je ne t'oublierai jamais
*Je te veux, réalisé par Mark Robson, avec Dana Andrews
*L'Idiot (Hakuchi), réalisé par Akira Kurosawa - (Japon)
*À l'intérieur des murs de la prison de Folsom, avec Steve Cochran
*Jim Thorpe – All-American, avec Burt Lancaster
*Journey Into Light, réalisé par Stuart Heisler, avec Sterling Hayden
*Juliette ou la Clé des rêves (Juliette ou La clef des songes), mise en scène Marcel Carné - (France)
KL
*Kind Lady, réalisé par John Sturges, avec Ethel Barrymore, Maurice Evans, Keenan Wynn, Angela Lansbury
*Kon-Tiki, un documentaire réalisé par et avec Thor Heyerdahl - (Norvège)
*Le dernier avant-poste, avec Ronald Reagan
*Rires au paradis, avec Alastair Sim - (GB)
*The Lavender Hill Mob, réalisé par Charles Crichton, avec Alec Guinness, Stanley Holloway, Sid James et Alfie Bass, avec une première apparition d'Audrey Hepburn - (GB)
*The Lemon Drop Kid, avec Bob Hope, Marilyn Maxwell, William Frawley et Tor Johnson
*Let's Go Crazy, avec Spike Milligan et Peter Sellers - (GB)
*Live sur 'Hoppet', avec Ingrid Thulin - (Suède)
*La foudre frappe deux fois, avec Ruth Roman et Mercedes McCambridge
*Petite Egypte, avec Rhonda Fleming et Mark Stevens
*The Long Dark Hall, avec Rex Harrison - (GB)
*Continent perdu, avec Cesar Romero
*Love Nest, avec June Haver et Marilyn Monroe
M.
*The Magic Box, avec Robert Donat, un biopic de William Friese-Greene - (GB)
*Le Magnifique Yankee, avec Louis Calhern
* Malliswari, avec N.T. Rama Rao - (Inde)
*L'Homme au costume blanc, réalisé par Alexander Mackendrick, avec Alec Guinness, Joan Greenwood, Cecil Parker, Michael Gough et Ernest Thesiger - (GB)
*La saison des amours, avec Gene Tierney, John Lund, Miriam Hopkins et Thelma Ritter
*The Medium, avec Marie Powers - (Italie)
*Miracle in Milan (Miracolo a Milano), réalisé par Vittorio De Sica - (Italie)
*Miss Julie (Fröken Julie), réalisé par Alf Sjöberg - (Suède)
*Le modèle et le courtier en mariage, avec Jeanne Crain, Thelma Ritter, Scott Brady, Zero Mostel
*M. Imperium, avec Lana Turner et Ezio Pinza
*Mon espion préféré, avec Bob Hope et Hedy Lamarr
NON
*Nouveau-Mexique, avec Lew Ayres et Marilyn Maxwell
*La nuit avant Noël (Noch pered Rozhdestvom) - (URSS)
*No Highway in the Sky (No Highway), avec James Stewart, Glynis Johns et Marlene Dietrich - (GB)
*Olivia, réalisé par Jacqueline Audry - (France)
*Sur un terrain dangereux, avec Ida Lupino et Robert Ryan
*Sur Moonlight Bay, avec Doris Day et Gordon MacRae
*Sur la Riviera, avec Danny Kaye
*Un été de bonheur (Hon dansade en sommar) - (Suède)
*Only the Valiant, avec Gregory Peck
P-Q
*Peindre les nuages avec le soleil, avec Virginia Mayo
*Pandora et le Hollandais volant, avec Ava Gardner et James Mason - (GB)
*Escouade des Vices de Paris (Identité judiciaire) - (France)
*Paiement à la demande, avec Bette Davis et Barry Sullivan
*Penny Points to Paradise, avec Harry Secombe, Peter Sellers et Spike Milligan - (GB)
*Le peuple contre O'Hara, avec Spencer Tracy
*Les gens parleront, avec Cary Grant, Jeanne Crain, Hume Cronyn et Finlay Currie
*A Place in the Sun, réalisé par George Stevens, avec Montgomery Clift, Elizabeth Taylor, Shelley Winters et Raymond Burr
*Pool of London, réalisé par Basil Dearden - (GB)
*The Prowler, réalisé par Joseph Losey, avec Van Heflin et Evelyn Keyes
*Quo Vadis, réalisé par Mervyn LeRoy, avec Robert Taylor, Deborah Kerr, Peter Ustinov et Leo Genn
R.
*La Raquette, avec Robert Mitchum
*La marée déchaînée, avec Richard Conte et Shelley Winters
*Rawhide, avec Tyrone Power et Susan Hayward
*L'insigne rouge du courage, réalisé par John Huston, avec Audie Murphy
*Red Mountain, avec Alan Ladd et Lizabeth Scott
*Repast (Meshi), réalisé par Mikio Naruse, écrit par le romancier Yasunari Kawabata - (Japon)
*El revoltoso (Le Rebelle) - (Mexique)
*Rhubarbe, avec Ray Milland, Jan Sterling, William Frawley et Leonard Nimoy
*Riche, jeune et jolie, avec Jane Powell
*Le Fleuve (Le Fleuve), réalisé par Jean Renoir - (France/Inde/Etats-Unis)
*Royal Wedding, starring Fred Astaire, Peter Lawford and Jane Powell
S
*...Sans laisser d'adresse (No Forwarding Address), starring Bernard Blier and Danièle Delorme - (France)
*Santa Fe, avec Randolph Scott
*Le héros du samedi, avec John Derek et Donna Reed
*Scrooge (A Christmas Carol), avec Alastair Sim - (GB)
*Le secret de Convict Lake, avec Glenn Ford et Gene Tierney
*Selamat Berdjuang, Masku !, avec Raden Sukarno et Marlia Hardi - (Indonésie)
*Show Boat, un remake de la comédie musicale à succès, avec Kathryn Grayson, Howard Keel et Ava Gardner, avec des chansons d'Oscar Hammerstein II et Jerome Kern
*Silver City, avec Edmond O'Brien et Yvonne De Carlo
*Sirocco, avec Humphrey Bogart et Marta Toren
*Slaughter Trail, avec Gig Young et Virginia Gray
*Smuggler's Island, avec Jeff Chandler et Evelyn Keyes
*Spring Season (Bahar), premier film hindi de Vyjayanthimala et du producteur A. V. Meiyappan - (Inde)
*Starlift, avec Janice Rule et Ruth Roman
*Le Casque d'Acier, réalisé par Samuel Fuller
*Avertissement de tempête, avec Ginger Rogers, Ronald Reagan et Doris Day
*The Strange Door, avec Charles Laughton et Boris Karloff
*Inconnus dans un train, réalisé par Alfred Hitchcock, avec Farley Granger et Robert Walker
*Un tramway nommé Désir, réalisé par Elia Kazan, avec Vivien Leigh (Oscar de la meilleure actrice), Marlon Brando, Kim Hunter et Karl Malden
*Strictly Déshonorant, avec Ezio Pinza et Janet Leigh
*The Strip, avec Mickey Rooney et Sally Forrest
*Sugarfoot, avec Randolph Scott
*Summer Interlude (Sommarlek), réalisé par Ingmar Bergman - (Suède)
*Superman et les hommes-taupes, avec George Reeves
*Susana (alias Le Diable et la Chair), réalisé par Luis Buñuel - (Mexique)
LA TÉLÉ
*Prends soin de ma petite fille, réalisé par Jean Negulesco, avec Jeanne Crain et Mitzi Gaynor
*Un conte de cinq villes (Passaporto per l'oriente) - (Italie/GB)
*Le Dit du Genji (Genji Monogatari) - (Japon)
*Les Contes d'Hoffmann, un opéra cinématographique réalisé par Powell et Pressburger et mettant en vedette Moira Shearer - (GB)
*The Tall Target, avec Dick Powell, Adolphe Menjou, Marshall Thompson et Ruby Dee
*Ce couple heureux (Esa pareja feliz), réalisé par Juan Antonio Bardem et Luis García Berlanga - (Espagne)
*C'est mon garçon, avec Dean Martin et Jerry Lewis
*The Thing from Another World, produit par Howard Hawks, avec Kenneth Tobey et James Arness comme créature titre
*Trois gars nommés Mike, avec Jane Wyman
*Tonnerre sur la Colline, réalisé par Douglas Sirk, avec Claudette Colbert et Ann Blyth
*Tom Brown's Schooldays, avec John Howard Davies et Robert Newton - (GB)
*Tomahawk, avec Van Heflin et Yvonne De Carlo
*Deux d'un genre, avec Edmond O'Brien et Lizabeth Scott
*Deux billets pour Broadway, avec Janet Leigh, Tony Martin, Gloria DeHaven
*Vengeance Valley, avec Burt Lancaster et Joanne Dru
*Victimas del Pecado (Victimes du péché) - (Mexique)
W-Z
*Warpath, avec Edmond O'Brien, Forrest Tucker, Polly Bergen
*Première à Varsovie, réalisé par Jan Rybkowski (Pologne)
*Le Puits, avec Harry Morgan
*Westward the Women, avec Robert Taylor
*Quand les mondes entrent en collision, avec Richard Derr, Barbara Rush, Larry Keating, John Hoyt et Hayden Rorke
*Where No Vultures Fly, réalisé par Harry Watt, avec Anthony Steel, Dinah Sheridan, Harold Warrender et Meredith Edwards - (Royaume-Uni)
*Young Wives' Tale, avec Joan Greenwood - (GB)
*Vous êtes dans la Marine maintenant, avec Gary Cooper
*Votre jour viendra (Lak Yawm Ya Zalem) - (Égypte)
Séries
*Vidéo Captain : Maître de la stratosphère, avec Judd Holdren
*Don Daredevil Rides Again, avec Ken Curtis et Aline Towne
*Agents du gouvernement contre Phantom Legion, avec Walter Reed
*L'Île mystérieuse, avec Richard Crane
*Roar of the Iron Horse, avec Buster Crabbe
Série de courts métrages
*Mickey la souris (1928-1956)
*Looney Tunes (1930-1969)
*Mélodies Merrie (1931-1969)
*Popeye (1933-1957)
*Les Trois Stooges (1934-1959)
*Donald Canard (1936-1956)
*Pluton (1937-1951)
* Dingo (1939-1953)
*Tom et Jerry (1940-1958)
*Bugs Lapin (1940-1964)
*Mighty Mouse (1942-1955)
*Chip et Dale (1943-1956)
*Yosemite Sam (1945-1963)
*Terrytoons (1930-1971)
*Romans (1944-1967)
Naissances
*8 janvier - John McTiernan, réalisateur américain
*12 janvier - Kirstie Alley, actrice américaine
*15 janvier - Charo, actrice, chanteuse et comédienne hispano-américaine
*13 février - David Naughton, acteur et chanteur américain
*15 février - Jane Seymour, actrice anglaise
*16 février - William Katt, acteur américain
*22 février - Ellen Greene, chanteuse et actrice américaine
*17 mars – Kurt Russell, acteur américain
*12 avril - Tom Noonan, réalisateur américain
*17 avril - Olivia Hussey, actrice anglaise d'origine argentine
*21 avril - Tony Danza, acteur
*30 mai - Stephen Tobolowsky, acteur américain
*6 juillet - Geoffrey Rush, acteur australien
*8 juillet - Anjelica Huston, actrice américaine
*9 juillet - Chris Cooper, acteur américain
*21 juillet - Robin Williams, acteur et comédien américain (décédé en 2014)
*24 juillet - Lynda Carter, actrice et chanteuse américaine
*6 août - Catherine Hicks, actrice américaine
*14 août - Carl Lumbly, acteur américain
*5 septembre - Michael Keaton, acteur américain
*12 septembre - Joe Pantoliano, acteur américain
*17 septembre - Cassandra Peterson, actrice américaine
*25 septembre - Mark Hamill, acteur américain
*20 novembre - Rodger Bumpass, acteur et doubleur américain
*27 novembre - Kathryn Bigelow, réalisatrice américaine
*1er décembre - Treat Williams, acteur américain
Décès
*11 janvier – Charles W. Goddard, dramaturge et scénariste américain (né en 1879)
*6 mars : Ivor Novello, acteur, chanteur et compositeur gallois (né en 1893)
*25 mars - Oscar Micheaux, réalisateur et auteur américain (né en 1884)
*4 avril - Al Christie, réalisateur et producteur d'origine canadienne (né en 1881)
*2 mai - Edwin L. Marin, réalisateur américain (né en 1899)
*7 mai - Warner Baxter, acteur américain (né en 1882)
*17 mai - S. Sylvan Simon, réalisateur américain (né en 1910)
*2 juin - Ernst Pittschau, acteur allemand (né en 1883)
*6 juin - Olive Tell, actrice américaine (née en 1894)
*9 juin - Mayo Methot, actrice américaine (née en 1904)
*23 juillet - Robert J. Flaherty, documentariste américain (né en 1884)
*28 août : Robert Walker, acteur américain (né en 1918)
*30 août : Konstantin Märska, cinéaste estonien (né en 1896)
*7 septembre - Maria Montez, actrice d'origine dominicaine (née en 1912)
Débuts au cinéma
*Jeff Bridges - La compagnie qu'elle tient
*Charles Bronson - Vous êtes dans la Marine maintenant
*Leslie Caron - Une Américaine à Paris
*John Cassavetes - Quatorze heures
*James Dean - Baïonnettes fixes !
*Lee Grant - Histoire policière
*Audrey Hepburn - Une folle avoine
*Grace Kelly - Quatorze heures
*Leonard Nimoy - Reine d'un jour
*William Shatner - La soirée du majordome
*Rod Steiger - Thérèse | http://www.quizballs.com/ |
Quel est le prénom du chanteur irlandais Van Morrison ? | George | [
"Jusqu’au XVIIe siècle, les musiciens de harpe étaient patronnés par l’aristocratie irlandaise. Cette tradition s'est éteinte au XVIIIe siècle avec l'effondrement de l'Irlande gaélique. Turlough Carolan (1670-1738) est le plus connu de ces harpistes, et plus de 200 de ses compositions sont connues. Certaines de ses pièces utilisent des éléments de la musique baroque contemporaine, mais sa musique est entrée dans la tradition et est aujourd'hui jouée par de nombreux musiciens folkloriques. Edward Bunting a rassemblé certains des derniers airs de harpe irlandaise connus au Belfast Harp Festival en 1792. Parmi d'autres collectionneurs importants de musique irlandaise figurent Francis O'Neill et George Petrie.",
"Hormis les harpistes-compositeurs du XVIe siècle, les compositeurs des XVIe et XVIIe siècles étaient généralement issus d'un milieu protestant anglo-irlandais, car en raison de la discrimination des catholiques, aucune éducation musicale formelle ne leur était accessible. Les compositeurs étaient souvent associés soit au château de Dublin, soit à l'une des cathédrales de Dublin (St Patrick's et Christ Church). Il s'agit notamment d'immigrants tels que Johann Sigismund Cousser, Matthew Dubourg et Tommaso Giordani. Thomas Roseingrave et son frère Ralph étaient d'éminents compositeurs baroques irlandais. Parmi la génération suivante de compositeurs figuraient Philip Cogan (1750-1833), né à Cork, un éminent compositeur de musique pour piano, notamment des concertos, et John Andrew Stevenson (1761-1833), surtout connu pour ses publications de Irish Melodies avec le poète Thomas. Moore, qui a également écrit des opéras, de la musique religieuse, des catches, des joies, des odes et des chansons. Au début du XIXe siècle, les compositeurs d'origine irlandaise dominaient l'opéra de langue anglaise en Angleterre et en Irlande, notamment Charles Thomas Carter (c.1735-1804), Michael Kelly (1762-1826), Thomas Simpson Cooke (1782-1848), William Henry. Kearns (1794-1846), Joseph Augustine Wade (1801-1845) et, plus tard dans le siècle, Michael W. Balfe (1808-1870) et William Vincent Wallace (1812-1865). John Field (1782-1837) est crédité de la création de la forme Nocturne, qui a influencé Frédéric Chopin. John William Glover (1815-1899), Joseph Robinson (1815-1898) et Robert Prescott Stewart (1825-1894) ont maintenu la musique classique irlandaise vivante à Dublin au XIXe siècle, tandis que les émigrants du milieu du XIXe siècle incluent George William Torrance et George Alexandre Osborne. Charles Villiers Stanford (1852-1924) et Hamilton Harty (1879-1941) furent parmi les derniers émigrants de la musique irlandaise, combinant un langage musical romantique tardif avec le folklorisme irlandais. Leur contemporain en Irlande était l'immigrant italien Michele Esposito (1855-1929), figure marquante de la musique irlandaise, arrivé en Irlande en 1882. Les années qui ont suivi l'indépendance irlandaise ont été une période difficile au cours de laquelle les compositeurs ont tenté de trouver une voix irlandaise identifiable. dans un climat anti-britannique, qui comprenait des ressentiments contre la musique classique en tant que telle. Le développement de la radiodiffusion irlandaise dans les années 1920 et l'élargissement progressif de l'Orchestre de la Radio Éireann à la fin des années 1930 améliorèrent la situation. Les compositeurs importants de ces années étaient John F. Larchet (1884-1967), Ina Boyle (1889-1967), Arthur Duff (1899-1956), Aloys Fleischmann (1910-1992), Frederick May (1911-1985), Joan Trimble. (1915-2000) et Brian Boydell (1917-2000). Les décennies du milieu du XXe siècle ont également été façonnées par A.J. Potter (1918-1980), Gerard Victory (1921-1995), James Wilson (1922-2005), Seán Ó Riada (1931-1971), John Kinsella (né en 1932) et Seóirse Bodley (né en 1933). Les noms éminents parmi l'ancienne génération de compositeurs vivants en Irlande aujourd'hui sont Frank Corcoran (né en 1944), Eric Sweeney (né en 1948), John Buckley (né en 1951), Gerald Barry (né en 1952), Raymond Deane (né en 1952). 1953), Patrick Cassidy (né en 1956) et Fergus Johnston (né en 1959) (voir aussi Liste des compositeurs classiques irlandais)."
] | La musique irlandaise est une musique créée dans divers genres sur l'île d'Irlande.
La musique indigène de l'île est appelée musique traditionnelle irlandaise. Elle est restée dynamique tout au long du 20e et jusqu’au 21e siècle, malgré les forces culturelles mondialisées. Malgré l'émigration et un lien bien développé avec les influences musicales britanniques et américaines, la musique irlandaise a conservé bon nombre de ses aspects traditionnels et a elle-même influencé de nombreuses formes de musique, comme la country et la musique folk aux États-Unis, qui dans ont à leur tour eu une certaine influence sur la musique rock moderne. Il a parfois été fusionné avec le rock and roll, le punk et le rock et d'autres genres. Certains de ces artistes fusion ont connu un succès grand public, au pays et à l'étranger.
Au cours des dernières décennies, la musique irlandaise, dans de nombreux genres différents, a connu un grand succès au niveau international. Cependant, les genres les plus réussis ont été le rock, la fusion populaire et traditionnelle, avec des artistes tels que (par ordre alphabétique) :
Altan,
Anouna,
Cendre,
Aslan,
Le groupe Bothy,
B*sorcière,
Marie Noir,
Brendan Bowyer,
Boyzone,
Paul Brady,
Chris de Burgh,
Celtic Thunder,
Femme celte,
Les chefs,
Les frères Clancy,
Clannad,
Rita Connolly,
Les Corrs,
Phil Coulter,
Nadine Coyle (de Girls Aloud),
Les canneberges,
Peter Cunnah (of D:Ream),
Dana,
De Dannan,
Damien Dempsey,
The Divine Comedy,
Val Doonican,
Ronnie Drew,
Les Dublinois,
Marie Duff,
Spécial Duc,
Enya,
Bridie Gallagher,
Rory Gallagher,
Glen Hansard de The Frames,
Niall James Horan (des One Direction),
Horslips,
Les fleurs de la serre,
À Tua Nua,
Andy Irvine,
Siva Kaneswaran (de The Wanted),
Luc Kelly,
Kila,
James Kilbane,
Johnny Logan,
Donal Lunny,
Phil Lynott et Thin Lizzy,
Tommy Makem,
Christy Moore,
Gary Moore,
Van Morrison,
Cœurs en mouvement,
Mundy,
Ruby Murray,
Sinéad O'Connor,
Daniel O'Donnell,
Gilbert O'Sullivan,
Planxty,
Carmel Quinn,
Damien Rice,
Dickie Rock,
Derek Ryan,
Les médecins scies,
Le script,
Patrouille des neiges,
Quelque chose arrive,
Davy Spillane,
Petits doigts raides,
L'aile de Stockton,
Thérapie?,
Les nuances,
Les tons Wolfe,
Cinéma à deux portes,
U2,
VersetRefrainCouplet,
Westlife et
Bill Whelan (de la renommée Riverdance)
réussir à l’échelle nationale et internationale.
Les artistes contemporains incluent Bell X1, The Blizzards, The Coronas, Cathy Davey, Joe Dolan, Mick Flannery, Fight Like Apes, Lisa Hannigan, Hozier, Laura Izibor, Jape, Imelda May, My Bloody Valentine, Declan Nerney, Picturehouse, Republic of Loose. , et les villageois.
Musique irlandaise ancienne
À l'époque médiévale et tardive, les annales irlandaises répertoriaient des musiciens autochtones, tels que les suivants :
*921 avant JC. Cú Congalta, prêtre de Llan-Leire, le Tethra (c'est-à-dire le chanteur ou l'orateur) pour la voix, la forme personnelle et la connaissance, est décédé.
* 1011. Connmhach Ua Tomhrair, prêtre et chanteur en chef de Cloin-mic-Nois, est décédé.
* 1168. Amhlaeibh Mac Innaighneorach, professeur en chef de l'Irlande en matière de jeu de harpe, décède.
* 1226 : Aed mac Donn Ó Sochlachain, erenagh de Cong, homme éminent pour le chant et pour le bon accordage des harpes et pour s'être fabriqué un instrument que personne n'avait fabriqué auparavant, distingué également dans tous les arts tels que la poésie, la gravure et l'écriture et dans toutes les professions qualifiées, est mort.
* 1269 : Aed Ó Finn, maître de musique et de ménestrel, décède.
* 1329 : Maol Ruanaidh Cam Ó Cearbhaill, tiompaniste, assassiné lors du massacre de Braganstown dans le comté de Louth.
* 1330 : Mael Sechlainn Mac Carmaic, un artiste général, décède.
* 1343 : Donnchad Clereach Ó Maol Braonáin, chanoine choral d'Elphin, est tué par une flèche.
* 1357 : Donn Sléibhe Mac Cerbaill, le musicien accompli... décède.
* 1360 : Gilla na Naem Ó Conmaigh, professeur de musique de Thomond... décède.
* 1361. Magraith Ó Fionnachta, musicien en chef et timbalier du Síol Muireadaigh, décède.
* 1364 : Bran Ó Brain, un habile tympaniste... décède.
* 1369 : John Mac Egan et Gilbert Ó Bardan, deux jeunes harpistes accomplis de Conmaicne, décèdent.
* 1469 : Ruaidrí mac Donnchad Ó Dálaigh, le harpiste le plus musical de toute l'Irlande.
* 1490 : Diarmait MacCarbre, harper, est exécuté.
* 1553 : Tadhg, fils de Ruaidhri Ó Comhdhain, c'est-à-dire le professeur de musique d'Irlande et d'Écosse est décédé.
* 1561 : Naisse mac Cithruadh, noyée sur Lough Gill.
* 1589. Daighre Ó Duibhgeannain, un homme musical des plus affables, décède.
Interprétation moderne
La poésie et les chansons irlandaises anciennes ont été traduites en irlandais et en anglais modernes par d'éminents poètes, collectionneurs de chansons et musiciens irlandais. L'hymne du VIe siècle Rop tú mo baile de Dallán Forgaill, par exemple, a été publié en 1905 en anglais par Mary Elizabeth Byrne et est largement connu sous le titre Be Thou My Vision. Le Merle de Belfast Lough (; ) a été notamment traduit par des poètes tels que Seamus Heaney, Ciaran Carson et Frank O'Connor. Les enregistrements notables de la musique irlandaise ancienne incluent Songs of the Scribe de Pádraigín Ní Uallacháin, divers albums de musique du groupe choral Anúna et les enregistrements de Caitríona O'Leary avec Dúlra et l'ensemble eX.
Premiers musiciens irlandais à l'étranger
Certains musiciens étaient acclamés au-delà de l’Irlande. Cú Chuimne (mort en 747) a vécu une grande partie de sa vie d'adulte en Écosse gaélique et a composé au moins un hymne. Foillan, qui vivait au septième siècle, a parcouru une grande partie de la Grande-Bretagne et de la France ; vers 653, à la demande de sainte Gertrude de Brabant, enseigna la psalmodie à ses religieuses de Nievelle. Tuotilo (vers 850-vers 915), qui vécut en Italie et en Allemagne, était connu à la fois comme musicien et compositeur.
Hélias de Cologne (mort en 1040) est considéré comme le premier à introduire le chant romain à Cologne. Son contemporain, Aaron Scotus (décédé le 18 novembre 1052) était un compositeur de chant grégorien acclamé en Allemagne.
Donell Dubh Ó Cathail (vers 1560-vers 1660), était non seulement musicien du vicomte Buttevant, mais, avec son oncle Donell Óge Ó Cathail, harpiste d'Elizabeth I.
Début des temps modernes
Jusqu’au XVIIe siècle, les musiciens de harpe étaient patronnés par l’aristocratie irlandaise. Cette tradition s'est éteinte au XVIIIe siècle avec l'effondrement de l'Irlande gaélique. Turlough Carolan (1670-1738) est le plus connu de ces harpistes, et plus de 200 de ses compositions sont connues. Certaines de ses pièces utilisent des éléments de la musique baroque contemporaine, mais sa musique est entrée dans la tradition et est aujourd'hui jouée par de nombreux musiciens folkloriques. Edward Bunting a rassemblé certains des derniers airs de harpe irlandaise connus au Belfast Harp Festival en 1792. Parmi d'autres collectionneurs importants de musique irlandaise figurent Francis O'Neill et George Petrie.
D'autres musiciens irlandais notables de cette époque comprenaient Cearbhall Óg Ó Dálaigh (fl. vers 1630) ; Piaras Feiritear (1600 ?-1653) ; William Connellan (fl. milieu du XVIIe siècle) et son frère, Thomas Connellan (vers 1640/1645-1698), compositeurs ; Dominic Ó Mongain (vivant au XVIIIe siècle) ; Donnchadh Ó Hámsaigh (1695-1807) ; poète et auteur-compositeur Eoghan Rua Ó Súilleabháin (1748-1782) ; Arthur O'Neill (fl.1792) ; Patrick Byrne (vers 1794-1863) ; Tarlach Mac Suibhne, joueur de cornemuse de renommée mondiale (vers 1831-1916) ; poète et auteur-compositeur Colm de Bhailís (1796-1906).
Musique traditionnelle
La musique traditionnelle irlandaise comprend de nombreux types de chansons, notamment des chansons à boire, des ballades et des lamentations, chantées seules ou accompagnées par divers instruments. La musique de danse traditionnelle comprend des reels (4/4), des hornpipes et des jigs (le double jig commun est en temps 6/8). La polka est arrivée au début du XIXe siècle, diffusée par des maîtres de danse ambulants et des soldats mercenaires, revenant d'Europe. Les sets de danse sont peut-être arrivés au XVIIIe siècle. Les signatures de danse importées plus tard incluent la mazurka et les highlands (une sorte de version irlandaise du strathspey écossais). Au XIXe siècle, les instruments folkloriques comprenaient la flûte, le violon et les flûtes uilleann.
Un renouveau de la musique traditionnelle irlandaise a eu lieu au tournant du 20e siècle. L'accordéon à boutons et le concertina devenaient courants. La stepdance irlandaise était pratiquée dans les céilís, dans des concours organisés et dans certaines maisons de campagne où les musiciens locaux et itinérants étaient les bienvenus. La danse irlandaise était soutenue par le système éducatif et les organisations patriotiques. Un style de chant plus ancien appelé sean-nós (« à l'ancienne »), qui est une forme de chant irlandais traditionnel, était encore trouvé, principalement pour les chansons très poétiques en langue irlandaise.
De 1820 à 1920, plus de 4 400 000 Irlandais ont émigré aux États-Unis, créant une diaspora irlandaise à Chicago (voir Francis O'Neill), à Boston, à New York et dans d'autres villes. Les musiciens irlandais qui ont connu du succès aux États-Unis ont réalisé des enregistrements qui ont fait le tour du monde et ont revigoré les styles musicaux de leur pays d'origine. Par exemple, des violoneux américains comme Michael Coleman, James Morrison et Paddy Killoran ont beaucoup contribué à populariser la musique irlandaise dans les années 1920 et 1930.
Après une accalmie dans les années 1940 et 1950, lorsque (à l'exception des groupes de Céilidh) la musique traditionnelle était au plus bas, Ceoltóirí Chualann de Seán Ó Riada, The Chieftains, The Clancy Brothers et Tommy Makem, The Irish Rovers, The Dubliners, Ryan's Fancy et Les Sweeney's Men furent en grande partie responsables de la deuxième vague de revitalisation de la musique folk irlandaise dans les années 1960. Plusieurs d'entre eux ont été présentés dans le téléfilm de 2010 "My Music: When Irish Eyes are Smiling". Sean O'Riada en particulier a été désigné comme une force qui a fait beaucoup pour sauver la musique irlandaise de la disparition grâce à la programmation de Radio Éireann de la fin des années 1940 aux années 1960. Pendant cette période, il a travaillé pour promouvoir et encourager l'exécution de la musique traditionnelle irlandaise, et son travail en tant que promoteur de la musique et interprète a conduit directement à la formation des Chieftains. Son travail a inspiré Planxty, The Bothy Band et Clannad dans les années 70. Plus tard sont venus des groupes tels que Stockton's Wing, De Dannan, Altan, Arcady, Dervish et Patrick Street, ainsi qu'une multitude d'artistes individuels.
De plus en plus de gens jouent de la musique irlandaise et de nombreux nouveaux groupes émergent chaque année : Téada, Gráda, The Bonny Men, Caladh Nua, Cran, Dervish, Lúnasa pour n'en citer que quelques-uns.
Musique classique en Irlande
Il existe des preuves de musique dans la tradition « classique » depuis le début du XVe siècle, lorsqu'un chœur polyphonique fut créé à la cathédrale Christ Church de Dublin et que des « musiciens de la ville » étaient employés dans les grandes villes et villages, pour se produire lors d'occasions festives. Au XVIIIe siècle, Dublin était connue comme la « deuxième ville » des îles britanniques, avec une vie musicale active culminant, entre autres événements, avec la première représentation du célèbre oratorio Le Messie de Haendel. La tendance Ballad Opera, provoquée par le succès du Beggar's Opera, a laissé des traces notables en Irlande, avec de nombreuses œuvres qui ont influencé le genre en Angleterre et sur le continent, par des musiciens tels que Charles Coffey et Kane O'Hara.
Compositeurs remarquables
Hormis les harpistes-compositeurs du XVIe siècle, les compositeurs des XVIe et XVIIe siècles étaient généralement issus d'un milieu protestant anglo-irlandais, car en raison de la discrimination des catholiques, aucune éducation musicale formelle ne leur était accessible. Les compositeurs étaient souvent associés soit au château de Dublin, soit à l'une des cathédrales de Dublin (St Patrick's et Christ Church). Il s'agit notamment d'immigrants tels que Johann Sigismund Cousser, Matthew Dubourg et Tommaso Giordani. Thomas Roseingrave et son frère Ralph étaient d'éminents compositeurs baroques irlandais. Parmi la génération suivante de compositeurs figuraient Philip Cogan (1750-1833), né à Cork, un éminent compositeur de musique pour piano, notamment des concertos, et John Andrew Stevenson (1761-1833), surtout connu pour ses publications de Irish Melodies avec le poète Thomas. Moore, qui a également écrit des opéras, de la musique religieuse, des catches, des joies, des odes et des chansons. Au début du XIXe siècle, les compositeurs d'origine irlandaise dominaient l'opéra de langue anglaise en Angleterre et en Irlande, notamment Charles Thomas Carter (c.1735-1804), Michael Kelly (1762-1826), Thomas Simpson Cooke (1782-1848), William Henry. Kearns (1794-1846), Joseph Augustine Wade (1801-1845) et, plus tard dans le siècle, Michael W. Balfe (1808-1870) et William Vincent Wallace (1812-1865). John Field (1782-1837) est crédité de la création de la forme Nocturne, qui a influencé Frédéric Chopin. John William Glover (1815-1899), Joseph Robinson (1815-1898) et Robert Prescott Stewart (1825-1894) ont maintenu la musique classique irlandaise vivante à Dublin au XIXe siècle, tandis que les émigrants du milieu du XIXe siècle incluent George William Torrance et George Alexandre Osborne. Charles Villiers Stanford (1852-1924) et Hamilton Harty (1879-1941) furent parmi les derniers émigrants de la musique irlandaise, combinant un langage musical romantique tardif avec le folklorisme irlandais. Leur contemporain en Irlande était l'immigrant italien Michele Esposito (1855-1929), figure marquante de la musique irlandaise, arrivé en Irlande en 1882. Les années qui ont suivi l'indépendance irlandaise ont été une période difficile au cours de laquelle les compositeurs ont tenté de trouver une voix irlandaise identifiable. dans un climat anti-britannique, qui comprenait des ressentiments contre la musique classique en tant que telle. Le développement de la radiodiffusion irlandaise dans les années 1920 et l'élargissement progressif de l'Orchestre de la Radio Éireann à la fin des années 1930 améliorèrent la situation. Les compositeurs importants de ces années étaient John F. Larchet (1884-1967), Ina Boyle (1889-1967), Arthur Duff (1899-1956), Aloys Fleischmann (1910-1992), Frederick May (1911-1985), Joan Trimble. (1915-2000) et Brian Boydell (1917-2000). Les décennies du milieu du XXe siècle ont également été façonnées par A.J. Potter (1918-1980), Gerard Victory (1921-1995), James Wilson (1922-2005), Seán Ó Riada (1931-1971), John Kinsella (né en 1932) et Seóirse Bodley (né en 1933). Les noms éminents parmi l'ancienne génération de compositeurs vivants en Irlande aujourd'hui sont Frank Corcoran (né en 1944), Eric Sweeney (né en 1948), John Buckley (né en 1951), Gerald Barry (né en 1952), Raymond Deane (né en 1952). 1953), Patrick Cassidy (né en 1956) et Fergus Johnston (né en 1959) (voir aussi Liste des compositeurs classiques irlandais).
Interprètes remarquables
Parmi les interprètes remarquables de la musique classique figurent Catherine Hayes (1818-1861), la première grande prima donna internationale d'Irlande et la première Irlandaise à se produire à La Scala de Milan ; le ténor Barton McGuckin (1852-1913), chanteur très demandé à la fin du XIXe siècle ; le ténor Joseph O'Mara (1864-1927), chanteur très en vue au tournant du siècle ; le ténor John McCormack (1884-1945), le ténor le plus célèbre de son époque ; la chanteuse d'opéra Margaret Burke-Sheridan (1889-1958) ; le pianiste Charles Lynch (1906-1984) ; le ténor Josef Locke (1917-1999) a connu un succès mondial et a fait l'objet du film Hear My Song en 1991 ; le flûtiste de concert Sir James Galway et le pianiste Barry Douglas. Douglas est devenu célèbre en 1986 en remportant la médaille d'or du Concours international Tchaïkovski. Les mezzo-sopranos Bernadette Greevy et Ann Murray ont également connu du succès sur la scène internationale.
Musique chorale
La musique chorale est pratiquée en Irlande depuis des siècles, initialement dans les plus grandes églises telles que la cathédrale Christ Church, la cathédrale Saint-Patrick et la pro-cathédrale Sainte-Marie, ainsi qu'à la Société chorale de l'Université de Dublin (fondée en 1837).
Au début des années 1990, Anúna, connu pour sa contribution à Riverdance, a contribué de manière significative à populariser la musique chorale. Ils ont également été nominés pour un Classical Brit Award au Royaume-Uni et ont été invités à donner le tout premier bal irlandais lors de la série BBC Proms au Royal Albert Hall en 1999. En 2012, ils ont joué le rôle des voix de l'enfer dans le jeu vidéo Diablo. III.
Le Chamber Choir Ireland, anciennement National Chamber Choir of Ireland, est principalement financé par l'Arts Council of Ireland. Leur directeur artistique est Paul Hillier. Le chœur a produit un certain nombre de CD avec un répertoire international (y compris irlandais). Il existe également de nombreuses chorales semi-professionnelles en Irlande au niveau local. Beaucoup se produisent et participent au Festival Choral International de Cork (depuis 1954).
Musique populaire
Premiers artistes populaires
Les interprètes de musique populaire ont commencé à apparaître dès la fin des années 1940 ; Delia Murphy a popularisé les chansons folkloriques irlandaises qu'elle a enregistrées pour HMV en 1949 ; Margaret Barry est également reconnue pour avoir mis les chansons traditionnelles au premier plan ; Bridie Gallagher, de Donegal, est devenue célèbre en 1956 et est considérée comme « la première pop star internationale d'Irlande » ; La chanteuse Ruby Murray, née à Belfast, a connu un succès sans précédent dans les charts britanniques au milieu des années 1950 ; Carmel Quinn, originaire de Dublin, a émigré aux États-Unis et est devenue une chanteuse régulière des Talent Scouts d'Arthur Godfrey et est apparue fréquemment dans d'autres émissions de variétés télévisées dans les années 1950 et 1960. Les Bachelors étaient un groupe d'harmonie entièrement masculin de Dublin qui avait des succès au Royaume-Uni, en Europe, aux États-Unis, en Australie et en Russie ; Mary O'Hara était une soprano et harpiste qui connut du succès des deux côtés de l'Atlantique dans les années 1950 et au début des années 1960 ; Le crooner de Waterford, Val Doonican, a connu une série de succès au Royaume-Uni et a présenté sa propre émission télévisée sur la BBC de 1965 à 1986.
Showbands en Irlande
Les Irish Showbands ont joué un rôle majeur dans la musique populaire irlandaise, en particulier dans les zones rurales, pendant vingt ans à partir du milieu des années 1950. Le showband jouait dans des salles de danse et était vaguement basé sur le groupe de danse Dixieland de six ou sept musiciens. Le répertoire de base du showband comprenait des numéros de danse standard, des reprises de succès de la musique pop, allant du rock and roll, du country et du western aux standards du jazz. La clé du succès du showband était la capacité d'apprendre et d'interpréter des chansons actuellement dans les charts. Ils jouaient parfois de la musique traditionnelle irlandaise ou du Céilidh et quelques-uns incluaient des chansons auto-composées.
Country et irlandais
Avec la popularité croissante de la musique country américaine, un nouveau sous-genre s'est développé en Irlande, connu sous le nom de « Country and Irish ». Il a été formé en mélangeant la musique country américaine avec des influences irlandaises, en incorporant de la musique folk irlandaise. Cela aboutissait souvent à des chansons traditionnelles irlandaises chantées dans un style de musique country. Il est particulièrement populaire dans les régions rurales des Midlands et du nord-ouest du pays. Il reste également populaire parmi les émigrants irlandais en Grande-Bretagne. Big Tom et The Mainliners ont été les premiers prétendants majeurs à ce genre, issus de l'ère des showbands des années 1960. D'autres artistes majeurs étaient Philomena Begley et Margo, cette dernière recevant même le titre officieux de Queen of Country & Irish. L'interprète le plus titré du genre aujourd'hui est Daniel O'Donnell, qui a remporté du succès au Royaume-Uni, aux États-Unis et en Australie. La partenaire de chant fréquente d'O'Donnell, Mary Duff, a également connu du succès dans ce genre et, plus récemment, Derek Ryan, originaire du comté de Carlow, a apprécié les succès des charts irlandais en faisant ce type de musique.
La fusion
La musique traditionnelle a joué un rôle dans la musique populaire irlandaise plus tard dans le siècle, Clannad, Van Morrison, Hothouse Flowers et Sinéad O'Connor utilisant des éléments traditionnels dans des chansons populaires. Enya a connu un succès international grâce aux fusions New Age/Celtique. L'Afro-Celt Sound System est devenu célèbre en ajoutant des influences ouest-africaines et des rythmes de danse électroniques dans les années 1990, tandis que des groupes tels que Kíla fusionnent l'irlandais traditionnel avec le rock et la musique du monde représentant la tradition irlandaise dans les festivals de musique du monde à travers l'Europe et l'Amérique. Le groupe de fusion le plus remarquable d'Irlande était Horslips, qui combinait des thèmes et de la musique irlandaises avec du heavy rock.
Riverdance est un numéro d'intervalle musical et dansant mettant en vedette à l'origine Michael Flatley et Jean Butler et mettant en vedette la chorale Anúna. Il a été joué lors du Concours Eurovision de la chanson 1994. La réaction populaire à cet acte a été si immense qu'une revue musicale entière a été construite autour de l'acte.
Pop Rock
Les années 1960 ont vu l'émergence de grands groupes et artistes de rock irlandais, tels que Them, Van Morrison, Emmet Spiceland, Eire Apparent, Skid Row, Taste, Rory Gallagher, Dr. Strangely Strange, Thin Lizzy, Gary Moore, Mellow Candle.
En 1970, Dana a placé l'Irlande sur la carte de la musique pop en remportant l'Eurovision avec sa chanson All Kinds of Everything. Elle est devenue numéro un au Royaume-Uni et dans toute l’Europe et a ouvert la voie à de nombreux artistes irlandais. Gilbert O'Sullivan s'est hissé au sommet des charts des deux côtés de l'Atlantique en 1972 avec une série de succès, et le line-up composé uniquement de sœurs de The Nolans a remporté un succès international dans les charts à la fin des années 1970. Chris de Burgh a acquis une renommée internationale avec son tube "Lady in Red" de 1986.
Les groupes qui se sont formés lors de l'émergence du punk rock au milieu des années 1970 comprenaient U2, Virgin Prunes, The Boomtown Rats, The Undertones, Aslan, Gavin Friday et Stiff Little Fingers. Plus tard dans les années 80 et 90, le punk irlandais s'est divisé en de nouveaux styles de rock alternatif, notamment That Petrol Emotion, In Tua Nua, Fatima Mansions, My Bloody Valentine et Ash.http://irishrockers.com/IrishRockHistory.php
Dans les années 1990, des groupes pop comme The Corrs, B*Witched, Boyzone, Westlife et The Cranberries ont émergé. Au cours de la même décennie, l'Irlande a également contribué à un sous-genre de folk metal connu sous le nom de métal celtique avec des représentants du genre dont Cruachan, Primordial, Geasa et Waylander.
Parmi les autres artistes bien connus en tant qu'interprètes de musique populaire figurent Roisin Murphy, Mundy, Paddy Casey, Jack L, Declan O'Rourke, Jerry Fish & The Mudbug Club, Phil Coulter, Dolores Keane, Damien Rice, Yasha Swag, Damien Dempsey, Eleanor McEvoy, Finbar Wright, Maura O'Connell, Frances Black, Sharon Shannon, Mary Black, The Frames, Stockton's Wing, Samantha Mumba et la chanteuse soul Laura Izibor
Depuis les années 2000, l'industrie musicale continue de croître avec des artistes bien établis tels que Niall Horan, Snow Patrol, Villagers, The Coronas, Bell X1, Kíla, Julie Feeney, Hozier, The Riptide Movement, VerseChorusVerse, The Thrills, Gemma Hayes, The Script, Codes, The Blizzards, The Answer, The Cast of Cheers, Axis Of, Time Is A Thief, Kodaline, Two Door Cinema Club, The Strypes et Keywest.
Top 5 des artistes irlandais les plus vendus de tous les temps
Top 5 des artistes irlandais les plus remarquables de tous les temps
En 2010, PRS for Music a mené une recherche pour montrer quels cinq musiciens ou groupes irlandais le public considérait comme les « plus remarquables ». U2 est en tête de liste avec soixante-huit pour cent tandis que Westlife, Van Morrison, Boyzone et The Cranberries arrivent respectivement 2ème, 3ème, 4ème et 5ème. L'étude suggère également que les « cinq premiers » ont vendu plus de 341 millions d'albums jusqu'en mars 2010. | http://www.quizballs.com/ |
Dans quel comté anglais se trouve Chatham Dockyard, qui a fermé ses portes en 1984 et est aujourd'hui un centre d'accueil des visiteurs ? | Kent | [
"Chatham Dockyard, situé sur la rivière Medway et dont les deux tiers se trouvent à Gillingham et un tiers à Chatham, Kent, Angleterre, a vu le jour à l'époque où, à la suite de la Réforme, les relations avec les pays catholiques d'Europe s'étaient détériorées, conduisant à à l'exigence de moyens de défense supplémentaires. Pendant 414 ans, Chatham Royal Dockyard a fourni plus de 500 navires à la Royal Navy et a été à la pointe de la construction navale, de la technologie industrielle et architecturale. À son apogée, elle employait plus de 10 000 artisans qualifiés et couvrait 400 acres (1,6 km²). Le chantier naval de Chatham a fermé ses portes en 1984 et 84 acres du chantier naval géorgien sont désormais gérés comme une attraction touristique par le Chatham Historic Dockyard Trust.",
"En 1770, l'établissement s'était tellement agrandi que, y compris le quai des armes à feu, il s'étendait sur un mile (1,6 km) de longueur et comprenait une superficie de plus de 95 acres (384 000 m²), possédant quatre cales et quatre grands quais. . Le nombre d'officiers et d'hommes employés dans le chantier augmenta également et, en 1798, ils étaient au nombre de 1 664, dont 49 officiers et commis et 624 charpentiers navals. Il fallait également des fabricants de blocs, des calfats, des chauffe-pitch, des forgerons, des menuisiers et des charpentiers, des voiliers, des gréeurs et des cordiers (274), ainsi que des maçons, des ouvriers et autres. Entre 1862 et 1885, le chantier subit un autre grand programme de construction alors que l'Amirauté s'adaptait à la nouvelle technologie des navires à vapeur à coque métallique. Trois bassins ont été construits le long du ruisseau St Mary : de 28 acres, 20 acres et 21 acres. Il y avait quatre nouvelles cales sèches. Une grande partie du travail était effectuée par des condamnés. Les matériaux de construction nécessaires ont régénéré les industries de la brique et du ciment du nord du Kent. On estime que 110 millions de briques ont été utilisées. Ces bassins formaient le chantier naval victorien. Chatham construisait en moyenne deux nouveaux navires chaque année. Le HMS Unicorn (une frégate de classe Leda), aujourd'hui conservé à flot à Dundee, a été lancé à Chatham en 1824.",
"*Bâtiment de la tour de l'horloge, 1723. Le plus ancien entrepôt naval de tous les chantiers navals royaux. Le rez-de-chaussée était un « magasin à usage actuel » et l'étage supérieur était un grenier à moules. Elle fut reconstruite en 1802 – le bardage en bois fut remplacé par de la brique. Au XXe siècle, il était utilisé pour des bureaux et a été adapté en 1996-1997 pour devenir le Bridge Warden's College de l'Université du Kent.",
"Chatham Dockyard Kent.Covered Slip Building antérieur aux gares ferroviaires des années victoriennes..jpg|No 3 Covered Slip (intérieur)"
] | Chatham Dockyard, situé sur la rivière Medway et dont les deux tiers se trouvent à Gillingham et un tiers à Chatham, Kent, Angleterre, a vu le jour à l'époque où, à la suite de la Réforme, les relations avec les pays catholiques d'Europe s'étaient détériorées, conduisant à à l'exigence de moyens de défense supplémentaires. Pendant 414 ans, Chatham Royal Dockyard a fourni plus de 500 navires à la Royal Navy et a été à la pointe de la construction navale, de la technologie industrielle et architecturale. À son apogée, elle employait plus de 10 000 artisans qualifiés et couvrait 400 acres (1,6 km²). Le chantier naval de Chatham a fermé ses portes en 1984 et 84 acres du chantier naval géorgien sont désormais gérés comme une attraction touristique par le Chatham Historic Dockyard Trust.
Aperçu de l'histoire
Les comptes du trésorier de la marine de l'Échiquier du roi pour l'année 1544 identifient Deptford comme le chantier naval qui a effectué toutes les réparations majeures des navires du roi cette année-là. Cela allait bientôt changer, même si Deptford resta un chantier naval pendant plus de trois siècles. En 1547, l'eau de Jillingham (Gillingham), comme on appelait alors Chatham Dockyard, est mentionnée comme la deuxième en importance après Deptford ; Guidebook, p. 28 suivi de Woolwich, Portsmouth et Harwich. En 1550, les navires qui étaient alors au large de Portsmouth reçurent l'ordre d'être hébergés à Jillingham Water, « en raison de son emplacement stratégique supérieur ». Le premier navire construit au chantier naval, le HMS Sunne, a été lancé en 1586.
Chatham a été créé comme chantier naval royal par Elizabeth I en 1567. Elle a elle-même visité le chantier en 1573. Jacques Ier a utilisé le chantier naval de Chatham pour une réunion en 1606 avec Christian IV du Danemark. En 1613, le chantier naval déménage de son emplacement d'origine (aujourd'hui le quai des armes à feu au sud) à son emplacement actuel. L'importance croissante du chantier naval a été illustrée par l'ajout de deux nouveaux étangs à mât et par l'octroi d'un terrain supplémentaire sur lequel un quai, un entrepôt et divers fours à briques et à chaux étaient prévus. Peter Pett, de la famille de charpentiers navals dont l'histoire est étroitement liée au chantier naval de Chatham, en devient commissaire en 1649.
À la fin du XVIIe siècle, c'était le plus grand chantier naval de réaménagement, important pendant les guerres hollandaises. Elle fut cependant supplantée au siècle suivant, d'abord par Portsmouth, puis par Plymouth, lorsque le principal ennemi naval devint la France et que l'Occident se rapprocha du principal théâtre d'opérations. De plus, la Medway avait commencé à s'envaser, rendant la navigation plus difficile. Néanmoins, la décision fut prise d'investir davantage à Chatham, qui devint un chantier de construction plutôt qu'une base de réaménagement.Guidebook, p. 29 Parmi les nombreux navires construits dans ce chantier naval et qui existent toujours, citons le HMS Victory, lancé en 1765 – aujourd'hui conservé au chantier naval historique de Portsmouth (anciennement Portsmouth Royal Dockyard).
En 1770, l'établissement s'était tellement agrandi que, y compris le quai des armes à feu, il s'étendait sur un mile (1,6 km) de longueur et comprenait une superficie de plus de 95 acres (384 000 m²), possédant quatre cales et quatre grands quais. . Le nombre d'officiers et d'hommes employés dans le chantier augmenta également et, en 1798, ils étaient au nombre de 1 664, dont 49 officiers et commis et 624 charpentiers navals. Il fallait également des fabricants de blocs, des calfats, des chauffe-pitch, des forgerons, des menuisiers et des charpentiers, des voiliers, des gréeurs et des cordiers (274), ainsi que des maçons, des ouvriers et autres. Entre 1862 et 1885, le chantier subit un autre grand programme de construction alors que l'Amirauté s'adaptait à la nouvelle technologie des navires à vapeur à coque métallique. Trois bassins ont été construits le long du ruisseau St Mary : de 28 acres, 20 acres et 21 acres. Il y avait quatre nouvelles cales sèches. Une grande partie du travail était effectuée par des condamnés. Les matériaux de construction nécessaires ont régénéré les industries de la brique et du ciment du nord du Kent. On estime que 110 millions de briques ont été utilisées. Ces bassins formaient le chantier naval victorien. Chatham construisait en moyenne deux nouveaux navires chaque année. Le HMS Unicorn (une frégate de classe Leda), aujourd'hui conservé à flot à Dundee, a été lancé à Chatham en 1824.
Avec le 20ème siècle est arrivé le sous-marin. Le HMS C17 a été lancé à Chatham en 1908 et pendant la Première Guerre mondiale, douze sous-marins ont été construits ici, mais lorsque les hostilités ont cessé, les bateaux inachevés ont été démolis et cinq ans se sont écoulés avant qu'un autre navire ne soit lancé. Dans l'entre-deux-guerres, 8 sous-marins de classe "S" furent construits à Chatham, mais ce fut une période de déclin. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il y a eu 1 360 carénages et seize lancements. Les derniers bateaux construits à Chatham étaient des sous-marins de classe Oberon – l'Ocelot était le dernier navire construit pour la Royal Navy, et le dernier navire était l'Okanagan construit pour la Marine royale canadienne et lancé le 17 septembre 1966. En 1968, un complexe de réaménagement de sous-marins nucléaires a été construit. construit avec des grues de ravitaillement et un bâtiment de physique de la santé. Malgré cela, en juin 1981, il fut annoncé au Parlement que le chantier naval serait démantelé et fermé en 1984.
Au milieu des années 1980, Defence Estates s'est débarrassé des anciens logements mariés de la Royal Navy sur le domaine voisin de Walderslade, qui ont été vendus aux enchères publiques. Ceux-ci étaient auparavant occupés par le personnel du chantier naval de la Royal Navy de Chatham, avec 110 logements familiaux vendus. Le site géorgien est désormais une attraction touristique, sous la garde du Chatham Historic Dockyard Trust. Le Trust prépare une candidature pour que le chantier naval et ses défenses deviennent un site du patrimoine mondial.
Commissaires
Le commissaire du Chatham Dockyard détenait un siège et un vote au Navy Board à Londres. Les commissaires étaient :
*1631-1647 Phinéas Pett
*1648-1668 Peter Pett
*1669-1672 John Cox
*1672-1686Thomas Middleton
*1686-1689 Phineas PettBeaston 1788, p. 351
*1689-1703 Sir Edward Gregory
*1703-1714 rue George Lo
*1714-1722James Lyttleton
*1722-1736Thomas Kempthorne
*1736-1742Thomas Matthews
*1742-1754 Charles Brun
*1754-1755Arthur Scott
*1755-1763Thomas Cooper
*1763-1771Thomas Hanway
*1771-1799 Charles Proby
*1799-1801John Hartwell
*1801-1808 Capitaine Charles Hope
*1808-1823 Capitaine Robert Barlow
*1823-1829 Capitaine Charles Cunningham
*1831-1832 Capitaine Charles Bullen
En 1832, le poste de commissaire fut remplacé par le poste de surintendant, qui était investi du même pouvoir et de la même autorité que les anciens commissaires, « sauf dans les questions exigeant qu'une loi du Parlement soit soumise par le commissaire de la Marine ».
Descriptions
*William Camden (1551-1623) a décrit le chantier naval de Chatham comme
** stocké pour la plus belle flotte que le soleil ait jamais vue, et prête à une minute d'avertissement, construite récemment par notre très gracieuse souveraine Elizabeth à grands frais pour la sécurité de ses sujets et la terreur de ses ennemis, avec un fort sur le rivage pour sa défense.
*Daniel Defoe, visitant le chantier en 1705, parlait également de ses réalisations avec un enthousiasme presque incrédule :
** L'ordre et l'application y sont si grands qu'un navire de guerre de premier ordre de 106 canons, commandé par Sir Cloudesley Shovell, fut prêt en trois jours. Au moment où l'ordre a été donné, le navire n'était entièrement pas gréé ; pourtant les mâts étaient relevés, les voiles pliées, les ancres et les câbles à bord, à cette époque.
Bâtiments importants du chantier naval géorgien
Bois et toile
*Les étangs du mât. 1697,1702. Les bûches de sapin étaient assaisonnées en les plongeant dans de l'eau salée pendant que la sève mourait.
**South Mast Pond 1697. Maintenant un parking.Guide, p. 27
**Étang du mât nord, 1702. Les étangs étaient reliés par un canal.
*Bâtiment de la tour de l'horloge, 1723. Le plus ancien entrepôt naval de tous les chantiers navals royaux. Le rez-de-chaussée était un « magasin à usage actuel » et l'étage supérieur était un grenier à moules. Elle fut reconstruite en 1802 – le bardage en bois fut remplacé par de la brique. Au XXe siècle, il était utilisé pour des bureaux et a été adapté en 1996-1997 pour devenir le Bridge Warden's College de l'Université du Kent.
*Sail and Color Loft 1723. Construit à partir de bois recyclé provenant de navires de guerre probablement des guerres hollandaises. Les étages inférieurs étaient destinés au stockage et l'étage supérieur est un grand espace ouvert pour la construction de voiles. En 1758, on comptait 45 voiliers. Ils ont cousu des bandes de toile de 2 pieds dans les voiles en utilisant 170 à 190 (5 points par pouce) points par mètre, en se rappelant qu'il y aurait 2 rangées de coutures à chaque couture. Des drapeaux indiquant la nationalité et pour les signaux ont été fabriqués ici. Les drapeaux utilisés par Nelson dans son message "L'Angleterre attend..." auraient été fabriqués ici.
* Hangars d'assaisonnement en bois de 1774. Ils ont été construits selon une conception standard avec des baies de 45 pi (13,7 m) sur 20 pi (6,1 m). Ce sont les premiers bâtiments industriels standardisés. Il y avait 75 baies érigées au chantier naval de Chatham, pour contenir trois ans de bois.
*Atelier de charpentiers vers 1780. Ce bâtiment à trois travées a été construit comme une maison à mât en utilisant du bois « de récupération ». La baie supérieure était utilisée par les charpentiers qui construisaient et réparaient les roues des chariots du chantier naval et qui fabriquaient peut-être des roues de navires. La travée centrale était utilisée par les fabricants de pompes et les fabricants de coquillages et de clous d'arbres. Les escarpins étaient des objets simples, fabriqués en bois avec des garnitures en fer et en cuir. Les coaks étaient les roulements des poulies, et les treenails étaient les longues broches en chêne, fabriquées sur un tour, ou sans objet, qui étaient utilisées pour épingler les planches aux cadres. La travée ouest était utilisée par les fabricants de cabestans, des cabestans servaient à lever l'ancre.Guidebook, p. 9
*Masthouses et Mouldloft 1753-55. Inscrit au grade I depuis août 1999. Ceux-ci étaient utilisés pour fabriquer et stocker des mâts. Ici, il y a 7 mâts reliés entre eux. Au-dessus d'eux se trouve le grenier où ont été posées les lignes du HMS Victory. Les lignes de chaque membrure d'un navire étaient tirées du plan et gravées en taille réelle dans le plancher par des charpentiers navals. À partir de ces modèles ou moules seraient construits à l’aide de bois résineux, et à partir de ceux-ci les cadres eux-mêmes seraient construits et façonnés. Ce bâtiment abrite l'«Exposition des Murs de Bois».Guide, p. 8
*Atelier des menuisiers c. 1790 à l'origine pour fabriquer des clous d'arbre, mais utilisés plus tard par les menuisiers des chantiers. Le bureau Resolute (le bureau ovale) a été construit ici par les menuisiers du chantier naval à partir du bois du HMS Resolute.
*Lower Boat House vers 1820, construit comme entrepôt pour le bois équarri, et plus tard pour stocker les bateaux des navires.
ChathamHDClocktower0059.JPG|Le bâtiment de la Tour de l'Horloge
ChathamHDYSail0004.JPG|Voile et Loft couleur
ChathamHDBuses0014.JPG|Abri d'assaisonnement en bois
ChathamHDMastHouse0011.JPG|Atelier des charpentiers
ChathamHDYM&MLoft0004.JPG|Masthouses et Mold Loft
ChathamHDJoiners0070.JPG|Boutique des menuisiers
Étang du mât nord, chantier naval de Chatham - geograph.org.uk - 1152734.jpg|Maison à bateaux inférieure et étang du mât nord
Cales sèches et cales couvertes
*Les feuillets couverts 1838–55. C'est sur les cales de halage que l'on construisait les navires. Les cales de halage étaient couvertes pour empêcher les navires de pourrir avant leur lancement. Les premiers bordereaux couverts n'existent plus. En 1838, l’utilisation de la fonte et du fer forgé dans les bâtiments était devenue possible. La plus ancienne cale avait un toit en bois, trois avaient un toit en fonte et le dernier était en fer forgé. Ils revêtent une importance unique dans le développement de structures à grande portée telles que celles utilisées plus tard par les chemins de fer.
**No 3 Slip 1838. Celui-ci avait une structure de fermes de toit en bois liées et était à l'origine recouvert de papier goudronné, qui a été rapidement remplacé par un toit en zinc. La cale a été remblayée vers 1900 et une mezzanine en acier a été ajoutée. C'est devenu un entrepôt pour les bateaux.Guidebook, p. dix
**No 4, 5 et 6 Slips 1848. Ceux-ci ont été conçus par le capitaine Thomas Mould, Royal Engineers, et érigés par Bakers and Sons of Lambeth. Des structures similaires ont été érigées à Portsmouth mais elles n'existent plus. Ils sont antérieurs aux hangars londoniens de Paddington et de King's Cross, souvent cités comme les premières structures métalliques à grande portée du pays.
**No 7 Slip, est l'un des premiers exemples de toit à fermes métalliques modernes. Il a été conçu en 1852 par le colonel Godfrey T. Green, des Royal Engineers. Il fut utilisé pour la construction navale jusqu'en 1966, et le HMS Ocelot fut lancé à partir de là le 5 mai 1962. Guidebook, p. 12
*Cale sèche. Les quais sont remplis par des vannes encastrées dans les caissons et vidés par une série de ponceaux souterrains reliés à la station de pompage.
**Le No 2 Drydock 1856 a été construit sur le site du « Old Single Dock » où le HMS Victory a été construit. En 1863, ce quai a construit le HMS Achilles, le premier cuirassé en fer construit dans un chantier naval royal. Il abrite désormais le HMS Cavalier.Guidebook, p. 14
**No 3 Drydock 1820, la première à être construite en pierre, a été conçue par John Rennie. Il abrite désormais le HMS Ocelot.
**Le No 4 Drydock 1840 abrite désormais le HMS Gannet.
*Station de pompage South Dock 1822, conçue par John Rennie. Il abritait à l'origine un moteur à poutre, celui-ci fut remplacé par une pompe électrique en 1920. Le bâtiment est toujours utilisé.
ChathamCoveredslipNo3.JPG|N° 3 Slip couvert
Chatham Dockyard Kent.Covered Slip Building antérieur aux gares ferroviaires des années victoriennes..jpg|No 3 Covered Slip (intérieur)
Numéros 4, 5, 6, 7 Bordereaux couverts, Chantier naval historique de Chatham - geograph.org.uk - 582029.jpg|Nos 4-6 Bordereaux couverts
Bordereaux couverts du chantier naval historique de Chatham.JPG | Slip couvert n° 6 (intérieur)
ChathamHDYCoveredS0005.JPG|N° 7 Slip couvert
ChathamHDYCoveredS0007.JPG|No 7 Slip couvert (intérieur)
Cales couvertes au chantier naval de Chatham 2.jpg|Couvertures couvertes vues de la rivière
Bâtiment de la tour de l'horloge de Chatham depuis le HMS Cavalier.jpg|Cale sèche n° 2
HMS Ocelot à Chatham 02.jpg | Cale sèche n° 3
Fou de Bassan de Chatham1878-001.JPG|Cale sèche n° 4
ChathamHDPumping0067.JPG|Station de pompage du quai sud
Bureaux et résidentiel
*Maison du commissaire, 1704. Il s'agit du plus ancien bâtiment naval encore existant en Angleterre. Il est classé Grade I. Il a été construit pour le commissaire résident, sa famille et ses domestiques. Le bâtiment précédent a été construit en 1640 pour Phineas Pett. En 1703, le capitaine George St Lo prit le poste et demanda à l'Amirauté une résidence plus convenable. À l'intérieur, l'élément principal est l'escalier principal avec son plafond en bois peint attribué à Thomas Highmore (Serjeant Painter), d'après des croquis de Sir James Thornhill.Guidebook, p. 15
*Jardin du commissaire datant de 1640. Les terrasses inférieures sont l'un des premiers jardins d'eau à l'italienne d'Angleterre. Il y a un mûrier vieux de 400 ans, d'où Oliver Cromwell aurait regardé l'armée des têtes rondes prendre Rochester aux royalistes. On y trouve une glacière du XVIIIe siècle et une véranda édouardienne avec sa grande vigne.Guidebook, p. 16
*Terrasse des Officiers 1722-3. Douze maisons construites pour les officiers supérieurs du chantier naval. Le rez-de-chaussée était aménagé en bureaux, le premier étage contenait des pièces de réception avec des chambres au dessus. Chacune possède un jardin clos du 18e s., encore une fois très rare. Ils appartiennent désormais à des propriétaires privés.
*Maison Atelier des menuisiers vers 1740. Construite pour s'harmoniser avec la terrasse des officiers. Les charpentiers de maison travaillaient uniquement à l'entretien des bâtiments du chantier naval.
*Écuries. Pour chevaux d'officiers.
*Porte principale de 1722, conçue par le maître charpentier naval dans le style de Vanbrugh. Il porte les armes de George III. A l'intérieur du portail se dresse la cloche de rassemblement sur un mât en fer forgé datant de la fin du XVIIIe ou du début du XIXe siècle ; il est classé Grade II*.
*Guard House 1764. Construit lorsque les Marines ont été introduits dans le chantier naval pour améliorer la sécurité. Il a continué à être utilisé jusqu'en 1984. Guidebook, p. 23
*Bureau des Caissiers 18C. John Dickens, père de Charles Dickens, y travailla de 1817 à 1822. Il sert toujours de bureaux.Guidebook, p. 25
*Bureau adjoint de la capitainerie du port de Queen's c. 1770, classé Grade II*. Ce bureau a été mis à la disposition de la personne qui a été nommée pour surveiller le port de l'arsenal. En 1865, l'ensemble de la Medway à marée, de l'écluse d'Allington à Sheerness, fut désigné comme port de chantier naval et le maître de port adjoint de la Reine était responsable de tous les amarrages et mouvements. À côté de ce bureau se trouvent un escalier en pierre menant à la rivière Medway, avec une arche en fer forgé et un porte-lanterne. Également répertorié au grade II. C'était ce qu'on appelait les « Queen Stairs » et c'était l'entrée officielle dans le chantier naval, à l'époque de « l'ère de la voile ».
*Bureaux de l'amiral 1808. Conçus par Edward Holl comme bureaux pour le maître charpentier naval. La ligne de toit était basse pour ne pas obstruer la vue depuis la terrasse des officiers. Plus tard, il devint le bureau de l'amiral du port et fut agrandi. L'extension nord est devenue le centre de communication du chantier naval.
*Thunderbolt Pier, une jetée nommée d'après le HMS Thunderbolt, construite en 1856, qui a été utilisée comme jetée flottante de 1873 à 1948, date à laquelle elle a été percutée et coulée.
*Maison du Capitaine de l'Arsenal 19e s. Maintenant utilisé comme bureaux. Également répertorié dans la catégorie II*. Guide, p. 24
ChathamHDYCommissioners0004.JPG|Maison du commissaire
ChathamHDYCommissioners0037.JPG|Maison du commissaire et chapiteau de banquet
ChathamHDYCommissioners0011.JPG|Le jardin du commissaire avec véranda
ChathamHDYIceHouse0009.JPG |L'entrée de la Maison de Glace
ChathamHDYOfficersTerr0006.JPG|Terrasse des officiers
Écuries, chantier naval historique de Chatham - geograph.org.uk - 580262.jpg|Les écuries des officiers
ChathamDockyardGate2761.JPG|La porte principale vue de l'extérieur
ChathamHDYGate0006.JPG|La porte principale et le corps de garde
Le mât de cloche, Main Gate Road, chantier naval historique de Chatham - geograph.org.uk - 1354632.jpg|Le mât de cloche
ChathamHDYGate0009.JPG|Le poste de garde
Bureau de la capitainerie adjointe de Queen's, chantier naval de Chatham - geograph.org.uk - 1397225.jpg|Bureau adjoint de la capitainerie de Queen's
ChathamHDAdmirals0042.JPG|Bureau de l'amiral
ChathamHDY0050.JPG|La maison du capitaine du chantier naval et le bureau du caissier
Anchor Wharf et la corderie
*Les entrepôts d'Anchor Wharf de 1778 à 1805 (mesurant près de 700 pieds de long) sont les plus grands entrepôts jamais construits pour la marine.
**Le bâtiment sud, Store House No 3, achevé en 1785, est subdivisé avec des cloisons en treillis de bois comme un « magasin mis à part », un magasin pour l'équipement des navires en réparation. Il est classé Grade I depuis août 1999.
**Le bâtiment nord servait de hangar à gréements aménagé et de magasin général pour l'équipement nécessaire à l'aménagement des navires nouvellement construits. Il est également classé Grade I depuis août 1999. La maison de gréement équipée est maintenant utilisée comme bibliothèque et abrite la galerie Steam Steel and Submarines 1832–1984. Guidebook, p. 17
*La Ropery se compose de maisons de chanvre (1728 agrandies en 1812), de maisons de fil et d'une double maison de corde avec une maison d'éclosion attenante. Hatchelling peigne les fibres de chanvre pour les redresser avant de les filer. Ce fut la première étape du processus de fabrication de cordes. La Ropery est toujours utilisée et exploitée par Master Ropemakers Ltd.
**La Double Rope House propose des activités de filature aux étages supérieurs et de fabrication de cordes (un téléphérique) au rez-de-chaussée. Guide, p. 18 Il mesure 346 m (1 135 pieds) de long et, une fois construit, il s'agissait du plus long bâtiment en brique d'Europe capable de poser une corde de 1 000 pieds. Plus de 200 hommes étaient nécessaires avant 1836 pour fabriquer et poser un câble de 20 pouces (circonférence). Tout a été fait à la main. La puissance à vapeur sous la forme d’un moteur à poutre a été introduite en 1836, puis l’électricité au début des années 1900.
**La White Yarn House stocke le fil avant qu'il ne soit goudronné pour éviter la pourriture.
**La Tarring House avec son "Tar Kettle" et son treuil tiré par des chevaux.
**La Black Yarn House pour stocker le fil goudronné. Le processus de goudronnage a décliné à mesure que le manille a remplacé le chanvre et que le sisal a remplacé le manille. Ces fibres ont été protégées chimiquement au stade de l'éclosion et le goudronnage a été arrêté dans les années 1940.
ChathamHDAnchorWharf0038.JPG|Magasins d'Anchor Wharf
ChathamHDYRopery0004.JPG|Maisons de chanvre et maison de couvées
ChathamHDYRopery0009.JPG|Maisons de chanvre et double téléphérique
ChathamHDYRopery0021.JPG|Double Ropewalk et Black Yarn House à droite
ChathamHDYRopery0024.JPG|Pose de la corde
ChathamHDYRopery0025.JPG|Regardant le voyageur
ChathamHDYRopery0028.JPG|Hauts
ChathamHDYRopery0030.JPG|Le voyageur
Bâtiments ultérieurs
*No 1. Smithery 1808. Il a été conçu par Edward Holl, pour la production d'ancres et de chaînes. Les ancres pouvaient peser 72 cwt (3 657 kg) et étaient forgées à la main. Les forgerons recevaient une allocation de 8 pintes de bière forte par jour, en raison des conditions de travail difficiles. Guide, p. 26
*Église du chantier naval de 1806. Conçue par Edward Holl, elle possède une galerie soutenue par des colonnes en fonte, l'une des premières utilisations de la fonte dans le chantier naval. Utilisé pour la dernière fois en 1981.
*Scierie Brunel, 1814. Jusqu'en 1814, le bois était coupé par deux hommes, un au-dessus et un au-dessous de la bûche. En 1758, 43 couples de scieurs travaillaient dans la cour. En 1812, la scierie est conçue par Marc Brunel, père d'Isambard Kingdom Brunel. Le moulin fonctionnait à la vapeur. Le moulin était relié aux étangs du mât par un système mécanique de transport du bois et des canaux souterrains. Plus tard, le sous-sol a été transformé en buanderie à vapeur.
*Moulin à plomb et à peinture 1818. Conçu par Edward Holl pour être ignifuge. Il y avait un four à plomb, une zone de coulée et un double laminoir à vapeur, des moulins à peinture pour broyer les pigments, des châssis de toile et des cuves pour stocker et faire bouillir l'huile de lin. Un navire de guerre était peint tous les 4 mois. Guidebook, p. 22
*Atelier d’usinage n°1. Ce bâtiment conserve sa structure et ses vitrages d'origine. Il était utilisé pour abriter les machines-outils nécessaires à la production du HMS Achilles, le premier cuirassé en fer construit dans un chantier naval royal. Ce bâtiment abrite aujourd'hui l'atelier ferroviaire.
*L'atelier de galvanisation vers 1890. La galvanisation est un processus consistant à tremper l'acier dans du zinc fondu pour l'empêcher de rouiller. Il y avait des bains d'acide et de zinc fondu, dont les fumées s'évacuaient par des persiennes dans le toit.
*Chain Cable Shed c1900, construit pour protéger la chaîne d'ancre nouvellement fabriquée. Il est appuyé par une rangée de 28 canons français et espagnols capturés.
Forge n° 1, chantier naval de Chatham.jpg|Forge n° 1
Église du chantier naval, Chatham - geograph.org.uk - 1397163.jpg|Église du chantier naval
ChathamHDYChurch0009.JPG|Église du chantier naval (intérieur)
ChathamHDYBrunel0007.JPG|Scierie Brunel
ChathamHDYBrunel0009.JPG|Scierie Brunel
ChathamHDY Usine de plomb et de peinture 3139.JPG|Usine de plomb et de peinture
ChathamHDY0063.JPG|Atelier d'usinage n°1
ChathamHDGalvanising0006.JPG|Atelier de galvanisation
Structures survivantes dans le chantier naval victorien
*Le Victorian Steam Yard a été construit autour de trois grands bassins, construits entre 1865 et 1885 le long de la ligne du ruisseau St Mary's (séparant l'île St Mary's du continent). Il était prévu que le bassin n°1 servirait de « bassin de réparation », le n°2 de « bassin d'usine » et le n°3 de bassin « d'aménagement » ; un navire nouvellement lancé pourrait donc entrer par l'écluse ouest, faire réparer ses défauts dans le premier bassin, faire installer ses moteurs et sa machinerie lourde dans le second, puis être terminé et chargé de charbon et de provisions dans le troisième avant de repartir par l'écluse ouest. les écluses est.
*Quatre cales sèches (nos 5 à 8) ont été construites en même temps du côté sud du bassin n° 1 ; tous les quatre étaient utilisés en 1873. Le complexe Steam Factory du chantier a été construit à peu près à la même époque ; la plupart de ses bâtiments étaient situés autour de ces quais (plutôt que près du bassin n°2 comme cela avait été initialement prévu).Guidebook, p. 30
*L'atelier de chaudière n° 1 et l'atelier d'usinage n° 8 ont été construits à l'origine comme couvertures au chantier naval de Woolwich dans les années 1840. Lorsque ce chantier naval ferma en 1869, ils furent démantelés et reconstruits à Chatham, à côté des nouvelles cales sèches. Seule la charpente de l'atelier d'usinage subsiste, mais l'atelier de chaudière a été rénové en 2003 pour abriter le centre commercial Dockyard Outlet. Une troisième structure de ce type provenant de Woolwich, de conception similaire à l'atelier de chaudronnerie, se trouvait à proximité et servait d'atelier de montage ; il a été démoli en 1990.
*Station de pompage du quai 1874 : en plus de servir à vider les cales sèches 5-8 en cas de besoin, sa tour d'accumulation fournissait l'énergie hydraulique aux grues, cabestans et caissons adjacents. Deux autres stations de pompage avaient une fonction similaire (une pour le quai 9 et une pour les deux écluses est), mais elles n'ont pas survécu.
*Combined Ship Trade Office 1880 : aujourd'hui la maison publique "Ship & Trades".
*Le mât de cloche de 100 pieds a été érigé en 1903 le long de la porte Pembroke du chantier naval, où il était utilisé pour signaler le début de chaque journée de travail. (Un mât similaire mais plus ancien remplissait la même fonction à côté de la porte principale dans la partie géorgienne du chantier.) Le mât de 1903 servait à l'origine de mât de misaine au HMS Undaunted. En 1992, il a été démonté, mais a été reconstruit, à une courte distance de son emplacement d'origine, en 2001. Hormis les deux exemples de Chatham, un seul autre aurait survécu : à Morice Ordnance Yard de Devonport.
*Une cinquième cale sèche (n° 9) fut ajoutée en 1895 du côté nord du bassin n° 1, en face des quatre autres, pour accueillir les nouveaux cuirassés plus grands alors en construction. Il fut achevé en 1903.
Bassin numéro 2 et logements à quai, Chatham Maritime - geograph.org.uk - 846549.jpg|Étendue d'eau dans le bassin n° 2
Chatham Marina - geograph.org.uk - 664968.jpg|Vue sur toute la longueur de l'ancien quai n° 7 en direction du bassin n° 1 (aujourd'hui Chatham Marina)
Atelier d'usinage Chatham.JPG|Vestiges de l'atelier d'usinage n° 8 avec l'atelier de chaudière n° 1 derrière lui
Station de pompage, Chatham.jpg|Station de pompage du quai (sa cheminée de 80 pieds, autrefois sur le socle à droite, a été retirée)
Le mât de cloche, Chatham Dockyard - geograph.org.uk - 1613094.jpg|Mât de cloche sur Leviathan Way
Le navire et le commerce - geograph.org.uk - 641952.jpg|Bureau du commerce des navires combinés
Le quai des armes à feu
Un Ordnance Yard a été créé au 17ème siècle immédiatement en amont du chantier naval (sur le site du chantier Tudor d'origine, libéré en 1622). Le chantier aurait reçu, stocké et distribué des canons et des affûts (ainsi que des projectiles, des équipements et toutes sortes d'armes légères) pour les navires basés dans la Medway, ainsi que pour les emplacements d'artillerie locaux et pour l'usage de l'armée. (La poudre à canon, en revanche, était reçue, stockée et distribuée de l'autre côté de la rivière au château d'Upnor.)
Un plan de 1704 montre (du nord au sud) un long entrepôt parallèle à la rivière, la maison du magasinier (le magasinier était l'officier supérieur de la cour) et deux magasins de voitures. L'entrepôt d'origine a été remplacé par un bâtiment beaucoup plus grand de trois étages en 1717, contemporain et d'un style similaire à celui de la guérite principale du chantier naval. Un magasin de voitures de taille similaire, avec une longue façade parallèle à la rivière, a été construit au sud de la maison du magasinier peu de temps après.
Après la disparition du Board of Ordnance (1855), les Ordnance Yards passèrent sous le contrôle du War Office et furent finalement (en 1891) attribués soit à l'armée, soit à la marine. La cour de Chatham a été divisée en deux, la zone au sud de la maison du magasinier devenant un magasin de munitions de l'armée et le reste un magasin de munitions de la marine. Il le resta jusqu'en 1958, date à laquelle les chantiers furent fermés (le dépôt de l'Armée ayant servi naguère de laboratoire de recherche sur les armes atomiques). La plupart des bâtiments du XVIIIe siècle ont été démolis, à l'exception de la maison du magasinier de 1719, qui survit sous le nom de maison publique Command House. Quelques bâtiments ultérieurs ont survécu : un long hangar en brique de 1805, au sud-ouest de la Maison de Commandement, qui abritait autrefois des charpentiers, des charrons et d'autres ouvriers ainsi que des magasins de toutes sortes, le bâtiment adjacent (atelier d'usinage, fin du XIXe siècle ) qui sert aujourd'hui de bibliothèque publique, et le bâtiment connu sous le nom de Maison Blanche (construit comme résidence du commis aux chèques en 1816).
Défense du chantier naval
Château d'Upnor
Les chantiers navals ont toujours exigé des défenses côtières. L'un des premiers châteaux de Chatham était le château d'Upnor, construit en 1567, de l'autre côté de la rivière Medway. Il était quelque peu regrettable que la seule fois où il fut nécessaire d'agir lors du raid sur la Medway, en 1667, la flotte hollandaise ait pu le dépasser pour attaquer la flotte britannique et emporter la fierté de la flotte, Royal Charles. , retour aux Pays-Bas.
Défense en chaîne
Pendant les guerres avec l'Espagne, il était habituel que les navires mouillent à Chatham en réserve ; par conséquent, John Hawkins a jeté une chaîne massive à travers la rivière Medway pour une défense supplémentaire en 1585. La chaîne de Hawkins a ensuite été remplacée par une flèche de mâts, de fer, de cordages et les coques de deux vieux navires, en plus de quelques pinacles en ruine.
Les lignes
Avec l'échec du château d'Upnor, il fut jugé nécessaire d'augmenter les défenses. En l’occurrence, ces défenses ont été construites en phases distinctes, à mesure que le gouvernement prenait conscience de la menace croissante d’invasion. Le bâtiment était le suivant :
*1669 Fort Gillingham et Cockham Wood Fort ont été construits.
*1756 Chatham Lines construite, selon les plans du capitaine John Desmaretz (qui a également conçu les fortifications de Portsmouth). Cette fortification, et son amélioration ultérieure, devaient se concentrer sur une attaque terrestre, de sorte qu'elles soient construites face au sud. Il comprenait des redoutes à Amherst et Townsend. Les lignes entouraient tout le chantier naval sur son côté est.
*1778–1783 Autres améliorations apportées aux conceptions du capitaine Hugh Debbeig grâce au legs du général Amherst. En 1782, une loi du Parlement augmenta la superficie nécessaire au champ de tir.
*1805–1812 Redoute d'Amherst, aujourd'hui fort Amherst ; de nouveaux forts nommés Pitt et Clarence. Les lignes ont également été prolongées à l'est de Saint Mary's Creek (sur l'île St Mary's).
*Grain Fort des années 1860 et d'autres batteries plus petites dans cette zone.
*1870–1892 Un certain nombre de forts construits à une plus grande distance du chantier naval : Forts Bridgewood, Luton, Borstal, Horsted et Darland. Celles-ci sont devenues connues sous le nom de « Grandes Lignes ». Forts Darnet et Hoo construits sur des îles de la rivière Medway.
Caserne associée
Le chantier naval a conduit à la mise en garnison d'un grand nombre de militaires à Chatham et dans les environs. Un bon nombre d'entre eux étaient occupés à assurer la défense, mais certains avaient d'autres tâches ; d'autres y étaient hébergés pour plus de commodité avant d'embarquer sur des navires pour des missions à l'étranger ou après leur débarquement. Initialement, les soldats étaient logés sous des toiles ou bien cantonnés dans des maisons et des auberges, mais à partir du XVIIIe siècle, des casernes commencèrent à être construites. La caserne la plus ancienne de la région de Chatham se trouve à Upnor ; datant de 1718, il abritait le détachement de 64 hommes chargés de garder la poudrière du château d'Upnor.
Caserne d'infanterie (caserne Kitchener)
La caserne d'infanterie de Chatham a été ouverte en 1757 pour abriter les troupes occupant les fortifications récemment construites pour défendre le chantier naval. En l'espace de 20 ans, il a assumé le rôle supplémentaire de centre national de recrutement pour l'armée britannique, assurant une formation de base à toutes les nouvelles recrues. Ce rôle a cessé en 1803, mais la caserne a continué à servir de dépôt pour de nombreux régiments stationnés dans le monde entier. Pouvant accueillir quelque 1 800 hommes, Chatham a été l'une des premières casernes militaires à grande échelle en Angleterre et est restée à usage militaire jusqu'en 2014. Il reste un bloc de caserne datant de 1757 ; le reste a été en grande partie démoli et reconstruit selon un design plus moderne dans les années 1930-1950. En 1928, la caserne fut reprise par les Royal Engineers et rebaptisée Kitchener Barracks. En 2014, le site a été vendu à un promoteur immobilier, avec l'autorisation donnée l'année suivante pour la construction de 295 logements. Le bâtiment principal de la caserne des années 1930 sera conservé, ainsi que le reste des structures antérieures.
Caserne Marine
La Royal Marine Barracks de Chatham a été créée en 1779, sur un site niché entre le Gun Wharf à l'ouest, le chantier naval au nord et la caserne d'infanterie à l'est. Le site a été agrandi et reconstruit dans les années 1860 ; en 1905, les Royal Marines reprennent la caserne de Melville, située entre Dock Road et Brompton Hill (elle servait autrefois d'hôpital royal de la marine de Chatham). Les Marines ont été retirés de Chatham en 1950 et les bâtiments ont ensuite été démolis. Les bureaux et le parking du Conseil Medway se trouvent désormais sur le site.
Caserne d'artillerie/du génie (caserne de Brompton)
Une caserne a été construite à Brompton en 1804-1806 pour les artilleurs de la Royal Artillery servant sur les lignes défensives (auparavant, ils étaient hébergés dans la caserne d'infanterie). Il y avait de la place pour environ 500 chevaux et 1 000 hommes. En 1812, le Royal Engineers Institution fut fondé au sein de la caserne pour dispenser un enseignement en génie militaire. L'establishment grandit et, en 1856, l'artillerie avait déménagé ; Brompton Barracks reste en service comme quartier général des Royal Engineers.
Caserne Sainte-Marie
Les casemates St Mary ont été construites pendant la guerre d'Espagne et abritaient initialement des prisonniers de guerre français. Après la fin de la guerre, ils ont servi pendant un certain temps de magasin de poudre à canon et ont été utilisés par les Royal Engineers (basés à proximité dans la caserne de Brompton). À partir de 1844, St Mary's fut utilisée comme « caserne des invalides », accueillant les soldats devant revenir du service dans différentes parties de l'Empire britannique en raison d'une maladie, d'une blessure ou de leur âge. Construite dans le cadre des terrassements défensifs au nord de Chatham, la caserne St Mary a été démolie dans les années 1960 et le terrain a été utilisé pour le logement.
Caserne navale (HMS Pembroke)
La caserne navale (plus tard HMS Pembroke) a ouvert ses portes en 1902 ; avant cela, la plupart du personnel de la marine (par opposition à celui du chantier naval) était hébergé à bord de leurs navires ou sur des carcasses amarrées à proximité. Construit sur le site de ce qui avait été une convi | http://www.quizballs.com/ |
Dans la plupart des constellations, quelle lettre de l'alphabet grec a été désignée par l'astronome allemand Johann Bayer pour désigner l'étoile la plus brillante ? | Alpha | [
"L'alphabet grec est utilisé pour écrire la langue grecque depuis le 8ème siècle avant JC. Il est dérivé de l'alphabet phénicien antérieur,[http://www.arcalog.com/wp-content/uploads/2014/04/Near-Eastern-Chronology-and-the-development-of-the-Greek-Alphabet. pdf Le développement de l'alphabet grec dans la chronologie de l'ANE] (2009), Citation : « Naveh donne quatre raisons principales pour lesquelles il est universellement admis que l'alphabet grec a été développé à partir d'un premier alphabet phénicien.1 Selon Hérodote « les Phéniciens qui est venu avec Cadmus... a introduit en Hellas l'alphabet, qui était jusqu'alors inconnu, à mon avis, aux Grecs. »2 Les lettres grecques, alpha, beta, gimmel n'ont aucune signification en grec mais la signification de la plupart de leurs Des équivalents sémitiques sont connus. Par exemple, « aleph » signifie « bœuf », « pari » signifie « maison » et « gimmel » signifie « bâton de lancer ».3 Les premières lettres grecques sont très similaires et parfois identiques aux lettres sémitiques occidentales.4 La séquence de lettres entre les alphabets sémitique et grec est identique (Naveh 1982)\" et a été la première écriture alphabétique à avoir des lettres distinctes pour les voyelles ainsi que pour les consonnes. C'est l'ancêtre des écritures latine et cyrillique. Outre son utilisation dans l’écriture de la langue grecque, tant sous ses formes anciennes que modernes, l’alphabet grec sert aujourd’hui également de source de symboles et d’étiquettes techniques dans de nombreux domaines des mathématiques, des sciences et d’autres domaines.",
"Alphabets dérivés",
"Les lettres grecques sont utilisées pour désigner les étoiles les plus brillantes de chacune des quatre-vingt-huit constellations. Dans la plupart des constellations, l'étoile la plus brillante est désignée Alpha et la prochaine étoile la plus brillante, Beta, etc. Par exemple, l'étoile la plus brillante de la constellation du Centaure est connue sous le nom d'Alpha Centauri. Pour des raisons historiques, les désignations grecques de certaines constellations commencent par une lettre de rang inférieur.",
"Alphabet Phonétique International"
] | L'alphabet grec est utilisé pour écrire la langue grecque depuis le 8ème siècle avant JC. Il est dérivé de l'alphabet phénicien antérieur,[http://www.arcalog.com/wp-content/uploads/2014/04/Near-Eastern-Chronology-and-the-development-of-the-Greek-Alphabet. pdf Le développement de l'alphabet grec dans la chronologie de l'ANE] (2009), Citation : « Naveh donne quatre raisons principales pour lesquelles il est universellement admis que l'alphabet grec a été développé à partir d'un premier alphabet phénicien.1 Selon Hérodote « les Phéniciens qui est venu avec Cadmus... a introduit en Hellas l'alphabet, qui était jusqu'alors inconnu, à mon avis, aux Grecs. »2 Les lettres grecques, alpha, beta, gimmel n'ont aucune signification en grec mais la signification de la plupart de leurs Des équivalents sémitiques sont connus. Par exemple, « aleph » signifie « bœuf », « pari » signifie « maison » et « gimmel » signifie « bâton de lancer ».3 Les premières lettres grecques sont très similaires et parfois identiques aux lettres sémitiques occidentales.4 La séquence de lettres entre les alphabets sémitique et grec est identique (Naveh 1982)" et a été la première écriture alphabétique à avoir des lettres distinctes pour les voyelles ainsi que pour les consonnes. C'est l'ancêtre des écritures latine et cyrillique. Outre son utilisation dans l’écriture de la langue grecque, tant sous ses formes anciennes que modernes, l’alphabet grec sert aujourd’hui également de source de symboles et d’étiquettes techniques dans de nombreux domaines des mathématiques, des sciences et d’autres domaines.
Dans ses formes classiques et modernes, l'alphabet compte 24 lettres, classées de l'alpha à l'oméga. Comme le latin et le cyrillique, le grec n’avait à l’origine qu’une seule forme de chaque lettre ; il a développé la distinction entre les majuscules et les minuscules en parallèle avec le latin à l'époque moderne.
Les valeurs sonores et les transcriptions conventionnelles de certaines lettres diffèrent entre l'usage du grec ancien et celui du grec moderne, car la prononciation du grec a considérablement changé entre le 5ème siècle avant JC et aujourd'hui. Le grec moderne et ancien utilisent des signes diacritiques différents. L'orthographe traditionnelle, qui est utilisée pour le grec ancien et parfois pour le grec moderne, comporte de nombreux signes diacritiques, tels que les marques d'accent pour l'accent tonique (« polytonique »), les marques respiratoires pour la présence et l'absence du son initial et l'indice iota. pour le son historique final. Dans l'orthographe grecque moderne standard, l'orthographe a été simplifiée au système monotone, qui n'utilise que deux signes diacritiques : l'accent aigu et le tréma.
Des lettres
Des valeurs sonores
En grec ancien et moderne, les lettres de l'alphabet grec ont des correspondances symbole-son assez stables et cohérentes, ce qui rend la prononciation des mots largement prévisible. L’orthographe du grec ancien était généralement quasi phonémique. Pour un certain nombre de lettres, les valeurs sonores diffèrent considérablement entre le grec ancien et le grec moderne, car leur prononciation a suivi un ensemble de changements phonologiques systématiques qui ont affecté la langue dans ses étapes post-classiques.
Parmi les lettres de consonnes, toutes les lettres qui désignaient les consonnes plosives voisées (/b, d, g/) et les plosives aspirées (/pʰ, tʰ, kʰ/) en grec ancien représentent les sons fricatifs correspondants en grec moderne. Les correspondances sont les suivantes :
Parmi les symboles de voyelles, les valeurs sonores du grec moderne reflètent la simplification radicale du système vocalique du grec post-classique, fusionnant plusieurs phonèmes vocaliques autrefois distincts en un nombre beaucoup plus petit. Cela conduit aujourd’hui à plusieurs groupes de voyelles désignant des sons identiques. L'orthographe grecque moderne reste fidèle aux orthographes historiques dans la plupart de ces cas. En conséquence, l’orthographe des mots en grec moderne n’est souvent pas prévisible à partir de la seule prononciation, tandis que la correspondance inverse, de l’orthographe à la prononciation, est généralement régulière et prévisible.
Les voyelles et digraphes suivants sont impliqués dans les fusions :
Les locuteurs du grec moderne utilisent généralement les mêmes mappages de symboles sonores modernes pour lire le grec de toutes les étapes historiques. Dans d'autres pays, les étudiants en grec ancien peuvent utiliser diverses approximations conventionnelles du système sonore historique pour prononcer le grec ancien.
Digrammes et combinaisons de lettres
Plusieurs combinaisons de lettres ont des valeurs sonores conventionnelles spéciales différentes de celles de leurs composants individuels. Parmi eux se trouvent plusieurs digrammes de lettres-voyelles qui représentaient autrefois des diphtongues mais qui sont maintenant monophtonguées. En plus des trois mentionnés ci-dessus () (et dans certains cas le grec ancien υι, par exemple ), il y a aussi , prononcé /u/. Les diphtongues du grec ancien et se prononcent respectivement [av], [ev] et [iv] dans les environnements de voix en grec moderne (ou alternativement comme [af], [ef] et [if] respectivement dans les environnements de dévotion). Les combinaisons de consonnes grecques modernes et représentent respectivement [b] et [d] (ou [mb] et [nd]) ; signifie [dz] et signifie [t͡s]. De plus, tant en grec ancien qu'en grec moderne, la lettre , devant une autre consonne vélaire, représente la nasale vélaire [ŋ] ; ainsi et se prononcent comme l'anglais. (De manière analogue à et , est également utilisé pour représenter [g].) Il existe également les combinaisons et .
Diacritiques
Dans l'orthographe polytonique traditionnellement utilisée pour le grec ancien, la voyelle accentuée de chaque mot porte l'une des trois marques d'accent suivantes : soit l'accent aigu (), l'accent grave (), soit l'accent circonflexe (ou). Ces signes ont été initialement conçus pour marquer différentes formes d’accent phonologique en grec ancien. Au moment où leur utilisation est devenue conventionnelle et obligatoire dans l'écriture grecque, dans l'Antiquité tardive, l'accent tonal évoluait vers un seul accent accentué, et depuis lors, les trois signes ne correspondent plus à une distinction phonologique dans le discours réel. En plus des marques d'accent, chaque voyelle initiale d'un mot doit porter l'une ou l'autre de deux « marques respiratoires » : la respiration rugueuse (), marquant un son au début d'un mot, ou la respiration douce (), marquant son absence. La lettre rho (ρ), bien que n'étant pas une voyelle, porte également une respiration rugueuse en position initiale du mot. Si un rho était géminé dans un mot, le premier ρ avait toujours la respiration douce et le second la respiration rugueuse (ῤῥ) conduisant à la rrh de transilitération.
Les lettres des voyelles portent un signe diacritique supplémentaire dans certains mots, ce qu'on appelle l'indice iota, qui a la forme d'un petit trait vertical ou d'une miniature sous la lettre. Cet iota représente l'ancien glissement de ce qui était à l'origine de longues diphtongues (c'est-à-dire /aːi, ɛːi, ɔːi/), qui sont devenues monophtonguées au cours de l'Antiquité.
Un autre signe diacritique utilisé en grec est le tréma (), indiquant un hiatus.
En 1982, une nouvelle orthographe simplifiée, dite « monotone », a été adoptée pour un usage officiel en grec moderne par l'État grec. Il n'utilise qu'une seule marque d'accent, l'aigu (également connu dans ce contexte sous le nom de tonos, c'est-à-dire simplement « accent »), marquant la syllabe accentuée des mots polysyllabiques, et parfois le tréma pour distinguer les lectures diphtongales des lectures digraphiques par paires de lettres voyelles. Le système polytonique est encore classiquement utilisé pour écrire le grec ancien, tandis que dans certaines impressions de livres et généralement chez les écrivains conservateurs, il peut encore être utilisé pour le grec moderne.
Bien qu'il ne s'agisse pas d'un signe diacritique, la virgule a de la même manière la fonction de lettre muette dans une poignée de mots grecs, distinguant principalement (ó,ti, "quoi que ce soit") de (óti, "cela").Nicolas, Nick. "[http://www.tlg.uci.edu/~opoudjis/unicode/punctuation.html Problèmes Unicode grec : ponctuation]". 2005. Consulté le 7 octobre 2014.
Romanisation
Il existe de nombreuses méthodes différentes pour rendre le texte grec ou les noms grecs en écriture latine. La forme sous laquelle les noms grecs classiques sont classiquement rendus en anglais remonte à la manière dont les emprunts grecs étaient incorporés au latin dans l'Antiquité. Dans ce système, est remplacé par , les diphtongues et sont rendues respectivement par et (ou ); et et sont simplifiés en et respectivement. Dans la translittération savante moderne du grec ancien, sera généralement rendu par , et les combinaisons de voyelles par respectivement. Les lettres et sont généralement rendues comme et ; comme soit ou ; et l'initiale du mot comme .
Pour le grec moderne, il existe plusieurs conventions de transcription différentes. Ils diffèrent considérablement, en fonction de leur objectif, de leur proximité avec les correspondances de lettres conventionnelles des systèmes de transcription basés sur le grec ancien et de la mesure dans laquelle ils tentent soit une translittération exacte lettre par lettre, soit plutôt une transcription phonétique. Des systèmes de transcription formels standardisés ont été définis par l'Organisation internationale de normalisation (sous le nom d'ISO 843), par le Groupe d'experts des Nations Unies sur les noms géographiques, par la Bibliothèque du Congrès et d'autres.
Histoire
Origines
Au cours de la période mycénienne, du XVIe au XIIe siècle avant JC, le linéaire B a été utilisé pour écrire la première forme attestée de la langue grecque, connue sous le nom de grec mycénien. Ce système d'écriture, sans rapport avec l'alphabet grec, est apparu pour la dernière fois au XIIIe siècle avant JC. À la fin du IXe siècle avant JC ou au début du VIIIe siècle avant JC, l'alphabet grec est apparu. La période située entre les époques des deux systèmes d’écriture, dont aucun texte grec n’est attesté, est appelée l’âge des ténèbres grecs. Les Grecs ont adopté l'alphabet de l'alphabet phénicien antérieur, l'une des écritures étroitement liées utilisées pour les langues sémitiques occidentales. Lorsque l’alphabet phénicien a été adopté pour écrire le grec, certaines lettres consonnes phéniciennes ont été adoptées pour écrire les voyelles. Cette caractéristique fait du grec le premier alphabet au sens étroit, à la différence des abjads utilisés pour les langues sémitiques, qui n'ont que des lettres pour consonnes.
Le grec a initialement repris l’ensemble des 22 lettres du phénicien. Cinq d'entre eux ont été réaffectés pour désigner les voyelles : les consonnes de glissement (yodh) et (waw) ont été utilisées respectivement pour [i] (Ι, iota) et [u] (Υ, upsilon) ; la consonne d'arrêt de glotte ('aleph) a été utilisée pour [a] (Α, alpha) ; le pharynx (ʿayin) a été transformé en [o] (Ο, omicron) ; et la lettre pour (il) a été transformée en [e] (Ε, epsilon). Un doublet de waw a également été emprunté comme consonne pour [w] (Ϝ, digamma). De plus, la lettre phénicienne pour la glotte emphatique (heth) a été empruntée dans deux fonctions différentes par différents dialectes grecs : comme lettre pour /h/ (Η, heta) par les dialectes qui avaient un tel son, et comme lettre supplémentaire lettre de voyelle pour la longue (Η, eta) par les dialectes qui manquaient de consonne. Finalement, une septième voyelle longue (Ω, oméga) a été introduite.
Le grec a également introduit trois nouvelles lettres de consonnes pour ses sons plosifs aspirés et ses groupes de consonnes : Φ (phi) pour, Χ (chi) pour et Ψ (psi) pour. Dans les variantes grecques occidentales, Χ était plutôt utilisé pour et Ψ pour L'origine de ces lettres fait l'objet d'un certain débat.
Trois des lettres phéniciennes originales ont été abandonnées avant que l'alphabet ne prenne sa forme classique : la lettre Ϻ (san), qui était en concurrence avec Σ (sigma) désignant le même phonème /s/ ; la lettre Ϙ (qoppa), qui était redondante avec Κ (kappa) pour /k/, et Ϝ (digamma), dont la valeur sonore /w/ a disparu de la langue parlée avant ou pendant la période classique.
À l’origine, le grec s’écrivait principalement de droite à gauche, tout comme le phénicien, mais les scribes pouvaient librement alterner entre les directions. Pendant un certain temps, un style d'écriture avec des lignes alternées de droite à gauche et de gauche à droite (appelé boustrophédon, littéralement « tournant le bœuf », à la manière d'un bœuf labourant un champ) était courant, jusqu'à ce qu'à l'époque classique le sens d'écriture de gauche à droite est devenu la norme. Les formes de lettres individuelles ont été reflétées en fonction du sens d'écriture de la ligne actuelle.
Variantes archaïques
Il existait initialement de nombreuses variantes locales de l'alphabet grec, qui différaient par l'utilisation ou la non-utilisation des symboles de voyelles et de consonnes supplémentaires et de plusieurs autres caractéristiques. Une forme de grec occidental originaire d'Eubée, qui avait entre autres choses Χ pour /ks/, a été transplantée en Italie par les premiers colons grecs et est devenue l'ancêtre des alphabets italiques anciens et finalement, grâce à l'étrusque, de l'alphabet latin. Athènes a utilisé une forme locale de l'alphabet jusqu'au 5ème siècle avant JC ; il lui manquait les lettres Ξ et Ψ ainsi que les symboles vocaliques Η et Ω. L'alphabet classique de 24 lettres qui devint plus tard la norme était à l'origine l'alphabet local d'Ionie ; cela a été adopté par Athènes en 403 avant JC sous l'archonte Eucléide et dans la plupart des autres régions du monde de langue grecque au cours du 4ème siècle avant JC.
Noms des lettres
Lorsque les Grecs ont adapté l'alphabet phénicien, ils ont adopté non seulement la forme des lettres et la valeur des sons, mais également les noms sous lesquels la séquence de l'alphabet pouvait être récitée et mémorisée. En phénicien, chaque nom de lettre était un mot qui commençait par le son représenté par cette lettre ; ainsi ʾaleph, le mot pour « bœuf », a été utilisé comme nom pour le coup de glotte, le pari ou la « maison », pour le son, et ainsi de suite. Lorsque les lettres furent adoptées par les Grecs, la plupart des noms phéniciens furent conservés ou légèrement modifiés pour s'adapter à la phonologie grecque ; ainsi, ʾaleph, bet, gimel sont devenus alpha, bêta, gamma.
Les noms grecs des lettres suivantes sont des continuations plus ou moins directes de leurs antécédents phéniciens. Entre le grec ancien et le grec moderne, ils sont restés en grande partie inchangés, sauf que leur prononciation a suivi des changements sonores réguliers avec d'autres mots (par exemple, au nom de bêta, l'ancien /b/ est régulièrement changé en /v/ moderne et l'ancien /ɛː / au /i/ moderne, ce qui donne la prononciation moderne vita). Le nom de lambda est attesté dans les sources anciennes ainsi que d'ailleurs ; en grec moderne, l'orthographe est souvent , reflétant la prononciation. De même, iota est parfois orthographié en grec moderne (il est classiquement transcrit au début et de manière intervocale avant les voyelles arrière et). Dans les tableaux ci-dessous, les noms grecs de toutes les lettres sont donnés dans leur orthographe polytonique traditionnelle ; dans la pratique moderne, comme pour tous les autres mots, ils sont généralement orthographiés selon le système monotone simplifié.
Dans le cas des trois lettres sifflantes historiques ci-dessous, la correspondance entre le phénicien et le grec ancien est moins claire, avec des disparités apparentes à la fois dans les noms des lettres et dans les valeurs sonores. Les débuts de l'histoire de ces lettres (et de la quatrième lettre sifflante, san obsolète) ont fait l'objet de débats. Ici aussi, les changements de prononciation des noms de lettres entre le grec ancien et le grec moderne sont réguliers.
Dans le groupe suivant de lettres de consonnes, les formes plus anciennes des noms en grec ancien étaient orthographiées avec , indiquant une prononciation originale avec -ē. En grec moderne, ces noms s'écrivent avec .
Le groupe de voyelles suivant était à l'origine appelé simplement par ses valeurs sonores comme voyelles longues : ē, ō, ū et. Leurs noms modernes contiennent des qualificatifs adjectivaux qui ont été ajoutés à l'époque byzantine pour distinguer les lettres devenues confuses. Ainsi, les lettres et , prononcées à l'identique à cette époque, étaient appelées respectivement o mikron (« petit o ») et o méga (« grand o »). La lettre s'appelait e psilon ("e simple") pour la distinguer du digraphe prononcé de manière identique, tandis que, de la même manière, , qui à cette époque était prononcé, était appelé y psilon ("y simple") pour le distinguer du digraphe prononcé de manière identique. digraphe .
Certains dialectes de la mer Égée et de Chypre ont conservé de longues consonnes et se prononcent et ; également, est devenu prononcé en chypriote.
Formes de lettres
Comme le latin et d’autres écritures alphabétiques, le grec n’avait à l’origine qu’une seule forme de chaque lettre, sans distinction entre majuscules et minuscules. Cette distinction est une innovation de l’ère moderne, s’appuyant sur différentes lignes de développement des formes de lettres dans l’écriture manuscrite antérieure.
Les formes les plus anciennes des lettres dans l'Antiquité sont les formes majuscules. Outre les formes d'inscription droites et droites (chapitres) trouvées dans les sculptures sur pierre ou les poteries incisées, des styles d'écriture plus fluides adaptés à l'écriture manuscrite sur des matériaux souples ont également été développés au cours de l'Antiquité. Une telle écriture a été préservée notamment dans les manuscrits sur papyrus en Égypte depuis la période hellénistique. L'écriture manuscrite ancienne a développé deux styles distincts : l'écriture onciale, avec des lettres majuscules arrondies et soigneusement dessinées de taille à peu près égale, utilisée comme écriture pour les manuscrits littéraires et religieux soigneusement produits, et l'écriture cursive, utilisée à des fins quotidiennes. Les formes cursives se rapprochaient du style des lettres minuscules, avec des ascendants et des descendants, ainsi que de nombreuses lignes de connexion et ligatures entre les lettres.
Aux IXe et Xe siècles, les aiguilles des livres onciales ont été remplacées par un nouveau style d'écriture plus compact, avec des formes de lettres en partie adaptées de la cursive antérieure. Ce style minuscule est resté la forme dominante du grec manuscrit jusqu’à l’ère moderne. À la Renaissance, les imprimeurs occidentaux ont adopté les formes de lettres minuscules comme polices imprimées en minuscules, tout en modelant les lettres majuscules sur les anciennes formes d'inscription. La pratique orthographique consistant à utiliser la distinction de la casse des lettres pour marquer les noms propres, les titres, etc. s'est développée parallèlement à la pratique du latin et d'autres langues occidentales.
Alphabets dérivés
L’alphabet grec a servi de modèle à plusieurs autres :
* L'alphabet latin, ainsi que diverses autres écritures anciennes en Italie, ont été adoptés à partir d'une forme archaïque de l'alphabet grec apportée en Italie par les colons grecs à la fin du 8ème siècle avant JC, via l'alphabet étrusque.
* L'alphabet gothique, conçu au 4ème siècle après JC pour écrire la langue gothique, basé sur une combinaison de modèles grecs et latins
* L'alphabet glagolitique, conçu au 9ème siècle après JC pour écrire le slave de la vieille église
* L'écriture cyrillique, qui a remplacé peu après l'alphabet glagolitique
Il est également considéré comme un ancêtre possible de l’alphabet arménien, qui à son tour a influencé le développement de l’alphabet géorgien.
Autres utilisations
Utiliser pour d'autres langues
Outre les alphabets filles énumérés ci-dessus, qui ont été adaptés du grec mais développés en systèmes d'écriture distincts, l'alphabet grec a également été adopté à diverses époques et en divers endroits pour écrire d'autres langues. Pour certains d’entre eux, des lettres supplémentaires ont été introduites.
Antiquité
* La plupart des alphabets d'Asie Mineure, en usage c. 800-300 avant JC pour écrire des langues comme le lydien et le phrygien, étaient les premiers alphabets grecs avec seulement de légères modifications – tout comme les anciens alphabets italiques originaux.
* Certaines langues paléo-balkaniques, dont le thrace. Pour d'autres langues ou dialectes voisins, comme le macédonien ancien, des mots isolés sont conservés dans les textes grecs, mais aucun texte continu n'est conservé.
* L'alphabet gréco-ibérique était utilisé pour écrire l'ancienne langue ibérique dans certaines parties de l'Espagne moderne.
* Les inscriptions gauloises (dans la France moderne) utilisaient l'alphabet grec jusqu'à la conquête romaine
* Le texte hébreu et araméen de la Bible a été écrit en lettres grecques dans l'Hexapla d'Origène.
* La langue bactrienne, une langue iranienne parlée dans ce qui est aujourd'hui l'Afghanistan, était écrite avec l'alphabet grec pendant l'empire Kushan (65-250 après JC). Il ajoute une lettre supplémentaire pour le son sh.
* L'alphabet copte ajoute huit lettres dérivées du démotique. Il est encore utilisé aujourd'hui, principalement en Égypte, pour écrire le copte, la langue liturgique des chrétiens égyptiens. Les lettres conservent généralement une forme onciale différente des formes utilisées aujourd'hui pour le grec.
Moyen-âge
* Un fragment arabe du VIIIe siècle conserve un texte en alphabet grec.
* Une ancienne inscription ossète des 10-12c après JC trouvée à Arxyz, la plus ancienne attestation connue d'une langue ossète.
* La vieille langue nubienne de Makurie (Soudan moderne) ajoute trois lettres coptes, deux lettres dérivées de l'écriture méroïtique et un digraphe de deux gammas grecs utilisés pour le son nasal vélaire.
* Divers dialectes slaves du sud, similaires aux langues bulgares et macédoniennes modernes, ont été écrits en écriture grecque. Les langues slaves du sud modernes utilisent désormais des alphabets cyrilliques modifiés.
Début des temps modernes
* Le turc parlé par les chrétiens orthodoxes (Karamanlides) était souvent écrit en écriture grecque et appelé Karamanlidika.
* L'albanais tosque était souvent écrit en utilisant l'alphabet grec, à partir de 1500 environ. L'imprimerie de Moschopolis a publié plusieurs textes albanais en écriture grecque au cours du XVIIIe siècle. Ce n'est qu'en 1908 que la conférence de Monastir normalisa une orthographe latine pour le Tosk et le Gheg. L'orthographe grecque est encore occasionnellement utilisée pour les dialectes albanais locaux (Arvanitika) en Grèce.
* L'aroumain (valaque) a été écrit en caractères grecs. Il n'existe pas encore d'orthographe standardisée pour l'aroumain, mais il semble qu'une orthographe basée sur l'orthographe roumaine sera adoptée.
* Gagaouze, une langue turque du nord-est des Balkans.
* Surguch, langue turque parlée par un petit groupe de chrétiens orthodoxes du nord de la Grèce.
* Urum ou Tatar grec.
* Langue Pomak en Thrace occidentale.
En mathématiques et en sciences
Les symboles grecs sont utilisés comme symboles en mathématiques, en physique et dans d’autres sciences. De nombreux symboles ont des utilisations traditionnelles, telles que l'epsilon minuscule (ε) pour un nombre positif arbitrairement petit, le pi minuscule (π) pour le rapport entre la circonférence d'un cercle et son diamètre, le sigma majuscule (Σ) pour la sommation et les minuscules. cas sigma (σ) pour l’écart type.
Astronomie
Les lettres grecques sont utilisées pour désigner les étoiles les plus brillantes de chacune des quatre-vingt-huit constellations. Dans la plupart des constellations, l'étoile la plus brillante est désignée Alpha et la prochaine étoile la plus brillante, Beta, etc. Par exemple, l'étoile la plus brillante de la constellation du Centaure est connue sous le nom d'Alpha Centauri. Pour des raisons historiques, les désignations grecques de certaines constellations commencent par une lettre de rang inférieur.
Alphabet Phonétique International
Plusieurs lettres grecques sont utilisées comme symboles phonétiques dans l'alphabet phonétique international (IPA). Plusieurs d'entre elles désignent des consonnes fricatives ; le reste représente des variantes de voyelles. Les formes de glyphes utilisées pour ces lettres dans les polices phonétiques spécialisées sont parfois légèrement différentes des formes conventionnelles de la typographie grecque proprement dite, les glyphes étant généralement plus droits et utilisant des empattements, pour les rendre plus conformes au caractère typographique d'autres lettres latines. dans l'alphabet phonétique. Néanmoins, dans la norme de codage Unicode, les trois symboles phonétiques suivants sont considérés comme les mêmes caractères que les lettres grecques correspondantes :
D'un autre côté, les lettres phonétiques suivantes ont des représentations Unicode distinctes de leur utilisation alphabétique grecque, soit parce que leur forme typographique conventionnelle est trop différente de l'originale, soit parce qu'elles ont également des utilisations secondaires en tant que caractères alphabétiques normaux dans certains alphabets latins. y compris des lettres majuscules latines distinctes des lettres grecques.
Le symbole dans la notation phonétique américaniste de la fricative latérale alvéolaire sourde est la lettre grecque lambda, mais dans l'IPA. Le symbole IPA pour l'approximant latéral palatin est , qui ressemble à lambda, mais est en fait un y minuscule inversé.
De plus, Unicode contient ẟ qui n'est pas utilisé dans IPA. Unicode 8.0 ajoutera Ꭓ, Ꞵ, ꞵ, Ꞷ et ꞷ pour une utilisation dans les langues allemandes et africaines.
Utiliser comme chiffres
Les lettres grecques étaient également utilisées pour écrire des chiffres. Dans le système ionien classique, les neuf premières lettres de l'alphabet représentaient les nombres de 1 à 9, les neuf lettres suivantes représentaient les multiples de 10, de 10 à 90, et les neuf lettres suivantes représentaient les multiples de 100, de 100 à 900. À cette fin, en plus des 24 lettres qui constituaient alors l'alphabet standard, trois lettres par ailleurs obsolètes ont été conservées ou réactivées : digamma pour 6, koppa pour 90 et une rare lettre ionienne pour [ss ], aujourd'hui appelé sampi, pour 900. Ce système est resté en usage en grec jusqu'à nos jours, bien qu'aujourd'hui il ne soit utilisé qu'à des fins limitées, telles que l'énumération des chapitres d'un livre, de la même manière que les chiffres romains sont utilisés en anglais. . Les trois symboles supplémentaires s'écrivent aujourd'hui respectivement sous la forme , et. Pour marquer une lettre comme signe numérique, un petit trait appelé keraia est ajouté à sa droite.
Utilisation pour nommer les fraternités et sororités étudiantes
En Amérique du Nord, de nombreuses fraternités et sororités universitaires sont nommées avec des combinaisons de lettres grecques et sont donc également connues sous le nom d'« organisations de lettres grecques ». Cette tradition de dénomination a été initiée par la fondation de la société Phi Beta Kappa, en 1776.
Variantes de glyphes
Certaines lettres peuvent apparaître sous des formes variables, principalement héritées de l'écriture minuscule médiévale. Bien que leur utilisation dans la typographie normale du grec soit purement une question de styles de police, certaines de ces variantes ont reçu des encodages séparés en Unicode.
* Le symbole ϐ (« bêta recourbé ») est une variante cursive de bêta (β). Dans la tradition française de la typographie grecque antique, β est utilisé au début du mot et ϐ est utilisé en interne.
* La lettre epsilon peut apparaître dans deux variantes stylistiques également fréquentes, soit en forme de \epsilon\,\! ("lunate epsilon", comme un demi-cercle avec un trait) ou \varepsilon\,\! (semblable à un chiffre 3 inversé). Le symbole ϵ (U+03F5) est désigné spécifiquement pour la forme lunaire, utilisée comme symbole technique.
* Le symbole ϑ (« script theta ») est une forme cursive de theta (θ), fréquente dans l'écriture manuscrite, et utilisée avec une signification spécialisée en tant que symbole technique.
* Le symbole ϰ (« symbole kappa ») est une forme cursive de kappa (κ), utilisée comme symbole technique.
* Le symbole ϖ (« variante pi ») est une forme d'écriture archaïque de pi (π), également utilisée comme symbole technique.
* La lettre rho (ρ) peut apparaître dans différentes variantes stylistiques, avec la queue descendante descendant soit vers le bas, soit recourbée vers la droite. Le symbole ϱ (U+03F1) est désigné spécifiquement pour la forme courbée, utilisée comme symbole technique.
* La lettre sigma, en orthographe standard, a deux variantes : ς, utilisée uniquement à la fin des mots, et σ, utilisée ailleurs. La forme ϲ (« sigma lunaire », ressemblant à un c latin) est une variante stylistique médiévale qui peut être utilisée dans les deux environnements sans la distinction finale/non finale.
* La lettre majuscule upsilon (Υ) peut apparaître dans différentes variantes stylistiques, avec les traits supérieurs soit droits comme un Y latin, soit légèrement courbés. Le symbole ϒ (U+03D2) est désigné spécifiquement pour la forme courbée, utilisée comme symbole technique.
* La lettre phi peut apparaître dans deux variantes stylistiques également fréquentes, soit sous la forme \textstyle\phi\,\! (un cercle traversé par un trait vertical) ou comme \textstyle\varphi\,\! (une forme bouclée ouverte en haut). Le symbole ϕ (U+03D5) est désigné spécifiquement pour la forme fermée, utilisée comme symbole technique.
Encodages informatiques
Pour une utilisation informatique, divers codages ont été utilisés pour le grec en ligne, dont beaucoup sont documentés dans la RFC 1947.
Les deux principaux encore utilisés aujourd'hui sont ISO/IEC 8859-7 et Unicode. L'ISO 8859-7 prend uniquement en charge l'orthographe monotone ; Unicode prend en charge les orthographes monotones et polytoniques.
ISO/CEI 8859-7
Pour la plage A0–FF (hex), elle suit la plage Unicode 370–3CF (voir ci-dessous), sauf que certains symboles, comme ©, ½, § etc., sont utilisés là où Unicode a des emplacements inutilisés. Comme tous les encodages ISO-8859, il est égal à ASCII pour 00–7F (hex).
Grec en Unicode
Unicode prend assez bien en charge l'orthographe polytonique pour le texte continu ordinaire en grec moderne et ancien, et même pour de nombreuses formes archaïques pour l'épigraphie. Grâce à l'utilisation de caractères combinés, Unicode prend également en charge la philologie et la dialectologie grecques ainsi que diverses autres exigences spécialisées. La plupart des moteurs de rendu de texte actuels ne rendent pas bien les signes diacritiques, donc, bien que alpha avec macron et aigu puissent être représentés par U+03B1 U+0304 U+0301, cela s'affiche rarement correctement : .
Il existe deux blocs principaux de caractères grecs dans Unicode. Le premier est « grec et copte » (U+0370 à U+03FF). Ce bloc est basé sur la norme ISO 8859-7 et est suffisant pour écrire le grec moderne. Il existe également des lettres archaïques et des symboles techniques grecs.
Ce bloc prend également en charge l'alphabet copte. Autrefois, la plupart des lettres coptes partageaient des points de code avec des lettres grecques d'apparence similaire ; mais dans de nombreux travaux scientifiques, les deux écritures apparaissent, avec des formes de lettres très différentes, de sorte qu'à partir d'Unicode 4.1, le copte et le grec ont été désunifiés. Les lettres coptes sans équivalent grec restent toujours dans ce bloc (U+03E2 à U+03EF).
Pour écrire le grec polytonique, on peut utiliser la combinaison de signes diacritiques ou de caractères précomposés dans le bloc "Greek Extended" (U+1F00 à U+1FFF).
Combinaison de signes diacritiques et sans lettres
Combinaison et espacement (sans lettres) des signes diacritiques relatifs à la langue grecque :
Encodages avec un sous-ensemble de l'alphabet grec
Les pages de codes IBM 437, 860, 861, 862, 863 et 865 contiennent les lettres ΓΘΣΦΩαδεπστφ (plus β comme interprétation alternative de ß). | http://www.quizballs.com/ |
Le chanteur américain Stevland Hardaway Morris est plus connu sous quel nom ? | Stevie Wonder | [
"Stevland Hardaway Morris (né Stevland Hardaway Judkins le 13 mai 1950), connu sous son nom de scène Stevie Wonder, est un musicien, chanteur, auteur-compositeur, producteur de disques et multi-instrumentiste américain. Enfant prodige, il est considéré comme l’un des interprètes musicaux les plus critiques et commerciaux de la fin du XXe siècle. Wonder a signé avec le label Tamla de Motown à l'âge de 11 ans, et il a continué à jouer et à enregistrer pour Motown dans les années 2010. Il est aveugle depuis peu de temps après sa naissance.",
"Stevie Wonder est née à Saginaw, Michigan, en 1950, troisième des six enfants de Calvin Judkins et Lula Mae Hardaway. Il est né six semaines prématurément, ce qui, associé à l'atmosphère riche en oxygène de l'incubateur de l'hôpital, a entraîné une rétinopathie du prématuré (ROP), une condition dans laquelle la croissance des yeux est interrompue et provoque le détachement des rétines ; alors il est devenu aveugle. Quand Wonder avait quatre ans, sa mère a quitté son père et a déménagé à Détroit avec ses enfants. Elle a changé son nom en Lula Hardaway et a ensuite changé le nom de famille de son fils en Morris, en partie à cause de parents. Wonder a conservé Morris comme nom de famille légal. Il a commencé à jouer des instruments dès son plus jeune âge, notamment le piano, l'harmonica et la batterie. Il a formé un partenariat de chant avec un ami ; Se faisant appeler Stevie et John, ils jouaient au coin des rues et occasionnellement lors de fêtes et de danses.",
"En 1961, à l'âge de 11 ans, Wonder chante sa propre composition, \"Lonely Boy\", à Ronnie White des Miracles ; White a ensuite emmené Wonder et sa mère à une audition à Motown, où le PDG Berry Gordy a signé Wonder sur le label Tamla de Motown. Avant de signer, le producteur Clarence Paul lui a donné le nom de Little Stevie Wonder. En raison de l'âge de Wonder, le label a rédigé un contrat glissant de cinq ans dans lequel les redevances seraient détenues en fiducie jusqu'à ce que Wonder ait 21 ans. Lui et sa mère recevraient une allocation hebdomadaire pour couvrir leurs dépenses : Wonder recevait 2,50 $ par semaine, et un tuteur privé était prévu lorsque Wonder était en tournée.",
"En 1968, il enregistre un album de morceaux instrumentaux soul/jazz, principalement des solos d'harmonica, sous le titre Eivets Rednow, qui est \"Stevie Wonder\" épelé à l'envers. L'album n'a pas attiré beaucoup d'attention et son seul single, une reprise de \"Alfie\", n'a atteint que la 66e place des charts pop américains et la 11e place des charts américains Adult Contemporary. Néanmoins, il réussit à marquer plusieurs succès entre 1968 et 1970 tels que \"I Was Made to Love Her\", \"For Once in My Life\" et \"Signed, Sealed, Delivered I'm Yours\". Un certain nombre des premiers succès de Wonder, dont \"My Cherie Amour\", \"I Was Made to Love Her\" et \"Uptight (Everything's Alright)\", ont été co-écrits avec Henry Cosby.",
"La même année, Wonder participe à une jam session à Los Angeles qui deviendra connue sous le nom d'album bootleg A Toot and a Snore en 1974. Il a également co-écrit et produit l'album de Syreeta Wright, Stevie Wonder Presents: Syreeta.",
"Jusqu'en 1979, Stevie Wonder's Journey Through \"The Secret Life of Plants\", sa seule sortie était l'album rétrospectif de trois disques Looking Back, une anthologie de sa première période Motown.",
"Les années 1980 ont vu Wonder atteindre ses plus grands succès et son plus haut niveau de renommée ; il a augmenté ses ventes d'albums, sa participation à des œuvres caritatives, ses collaborations de haut niveau, son impact politique et ses apparitions à la télévision. L'album de bande originale principalement instrumentale de 1979, Stevie Wonder's Journey Through \"The Secret Life of Plants\", a été composé à l'aide d'un échantillonneur de musique ancienne, un Computer Music Melodian. Wonder a fait une brève tournée pour soutenir l'album et a utilisé un échantillonneur Fairlight CMI sur scène. Cette année-là, Wonder a également écrit et produit le hit dance \"Let's Get Serious\", interprété par Jermaine Jackson et (classé par Billboard comme le single R&B n°1 de 1980).",
"En 1982, Wonder a publié une rétrospective de son travail des années 1970 avec l'Original Musiquarium de Stevie Wonder, qui comprenait quatre nouvelles chansons : le classique funk de dix minutes \" Do I Do \" (qui mettait en vedette Dizzy Gillespie), \" That Girl \" (l'un des meilleurs de l'année). plus grands singles du côté R&B), \"Front Line\", un récit sur un soldat de la guerre du Vietnam que Wonder a écrit et chanté à la première personne, et \"Ribbon in the Sky\", une de ses nombreuses compositions classiques. Il a également remporté un succès n ° 1 cette année-là en collaboration avec Paul McCartney dans leur hymne à l'harmonie raciale, \"Ebony and Ivory\".",
"1 Recherchez « Stevie Wonder » sur Grammy.com]. (le plus grand jamais remporté par un artiste solo) ainsi qu'un Lifetime Achievement Award. Il a également remporté l'Oscar de la meilleure chanson[http://awardsdatabase.oscars.org/ampas_awards/DisplayMain.jsp?curTime",
"1223760491617 Base de données des Oscars]. Académie des arts et des sciences du cinéma. Récupéré le 11 octobre 2008. et a été intronisé au Rock and Roll [http://www.rockhall.com/inductees/inductee-list Rock and Roll Hall of Fame – Liste des intronisés]. Récupéré le 11 octobre 2008. et Songwriters[http://www.songwritershalloffame.org/exhibits/C25 Songwriters Hall of Fame – Stevie Wonder]. Récupéré le 11 octobre 2008. Temple de la renommée. Il a également reçu le Polar Music Prize.[http://www.polarmusicprize.com/ Polar Music Prize] Récupéré le 11 octobre 2008. Le magazine musical américain Rolling Stone l'a nommé le neuvième plus grand chanteur de tous les temps.[http:/ /www.rollingstone.com/news/coverstory/24161972/page/103 Rolling Stone : Les 100 plus grands chanteurs de tous les temps]. Consulté le 16 juillet 2009.[http://www.rollingstone.com/music/lists/100-greatest-singers-of-all-time-19691231/stevie-wonder-20101202 Rolling Stone : Les 100 plus grands chanteurs de tous les temps : #9 Stevie Wonder]. Récupéré le 16 juillet 2009. En juin 2009, il est devenu le quatrième artiste à recevoir le Spirit Award du Festival de Jazz de Montréal.[http://www.montrealjazzfest.com/maison-du-festival-online/spirit-award.aspx Spirit Award] . Récupéré le 1er juillet 2009.",
"Wonder a neuf enfants avec cinq mères différentes. La mère du premier enfant de Wonder est Yolanda Simmons, que Wonder a rencontrée lorsqu'elle a postulé pour un emploi de secrétaire pour sa maison d'édition. Magazine Woman's Own, juillet 1978, pp. Extrait du livre \"Stevie Wonder\" de Constanza Elsner, publié par Everest. Simmons a donné naissance à une fille à Wonder le 2 février 1975 : Aisha Morris. Après la naissance d'Aisha, Stevie a déclaré \"qu'elle était la seule chose dont j'avais besoin dans ma vie et dans ma musique depuis longtemps\". Morris a été l'inspiration du single à succès de Wonder \"Isn't She Lovely\". Morris est une chanteuse qui a tourné avec son père et l'a accompagné sur des enregistrements, notamment son album de 2005, A Time to Love. Wonder et Simmons ont eu un fils, Keita, en 1977.",
"Le neuvième enfant de Wonder, et son deuxième avec Tomeeka Robyn Bracy, est né en décembre 2014. Sierra Marquina, [http://www.usmagazine.com/celebrity-moms/news/stevie-wonder-welcomes-ninth-child-baby- girl-named-nia-20141712 \"Stevie Wonder, 64 ans, accueille un neuvième enfant, une petite fille nommée Nia!\"], US Magazine, 17 décembre 2014. Initialement considérée comme des triplés, la nouvelle fille du couple s'appelle Nia, ce qui signifie \" objectif » – « l’un des sept principes de Kwanzaa »."
] | Stevland Hardaway Morris (né Stevland Hardaway Judkins le 13 mai 1950), connu sous son nom de scène Stevie Wonder, est un musicien, chanteur, auteur-compositeur, producteur de disques et multi-instrumentiste américain. Enfant prodige, il est considéré comme l’un des interprètes musicaux les plus critiques et commerciaux de la fin du XXe siècle. Wonder a signé avec le label Tamla de Motown à l'âge de 11 ans, et il a continué à jouer et à enregistrer pour Motown dans les années 2010. Il est aveugle depuis peu de temps après sa naissance.
Parmi les œuvres de Wonder figurent des singles tels que « Superstition », « Sir Duke », « You Are the Sunshine of My Life » et « I Just Called to Say I Love You » ; et des albums tels que Talking Book, Innervisions et Songs in the Key of Life. Il a enregistré plus de 30 des dix meilleurs succès américains et a reçu 25 Grammy Awards, le plus grand nombre jamais décerné à un artiste solo masculin, et a vendu plus de 100 millions de disques dans le monde, ce qui fait de lui l'un des 60 artistes musicaux les plus vendus. Wonder est également connu pour son travail de militant pour des causes politiques, notamment sa campagne de 1980 visant à faire de l'anniversaire de Martin Luther King Jr. un jour férié aux États-Unis. En 2009, Wonder a été nommé Messager de la paix des Nations Unies. En 2013, le magazine Billboard a publié une liste des 100 meilleurs artistes de tous les temps du Billboard pour célébrer le 55e anniversaire du classement des singles américains, avec Wonder au sixième rang.
Début de la vie
Stevie Wonder est née à Saginaw, Michigan, en 1950, troisième des six enfants de Calvin Judkins et Lula Mae Hardaway. Il est né six semaines prématurément, ce qui, associé à l'atmosphère riche en oxygène de l'incubateur de l'hôpital, a entraîné une rétinopathie du prématuré (ROP), une condition dans laquelle la croissance des yeux est interrompue et provoque le détachement des rétines ; alors il est devenu aveugle. Quand Wonder avait quatre ans, sa mère a quitté son père et a déménagé à Détroit avec ses enfants. Elle a changé son nom en Lula Hardaway et a ensuite changé le nom de famille de son fils en Morris, en partie à cause de parents. Wonder a conservé Morris comme nom de famille légal. Il a commencé à jouer des instruments dès son plus jeune âge, notamment le piano, l'harmonica et la batterie. Il a formé un partenariat de chant avec un ami ; Se faisant appeler Stevie et John, ils jouaient au coin des rues et occasionnellement lors de fêtes et de danses.
Carrière
1961-1969 : célibataires des années 60
En 1961, à l'âge de 11 ans, Wonder chante sa propre composition, "Lonely Boy", à Ronnie White des Miracles ; White a ensuite emmené Wonder et sa mère à une audition à Motown, où le PDG Berry Gordy a signé Wonder sur le label Tamla de Motown. Avant de signer, le producteur Clarence Paul lui a donné le nom de Little Stevie Wonder. En raison de l'âge de Wonder, le label a rédigé un contrat glissant de cinq ans dans lequel les redevances seraient détenues en fiducie jusqu'à ce que Wonder ait 21 ans. Lui et sa mère recevraient une allocation hebdomadaire pour couvrir leurs dépenses : Wonder recevait 2,50 $ par semaine, et un tuteur privé était prévu lorsque Wonder était en tournée.
Wonder a été confié aux soins du producteur et auteur-compositeur Clarence Paul, et pendant un an, ils ont travaillé ensemble sur deux albums. Tribute to Uncle Ray a été enregistré pour la première fois, alors que Wonder avait encore 11 ans. Principalement des reprises des chansons de Ray Charles, il comprenait une composition de Wonder et Paul, "Sunset". The Jazz Soul of Little Stevie a ensuite été enregistré, un album instrumental composé principalement de compositions de Paul, dont deux, "Wondering" et "Session Number 112", ont été co-écrites avec Wonder. Feeling Wonder était maintenant prêt, une chanson, "Mother Thank You", a été enregistrée pour sortir en single, mais ensuite retirée et remplacée par la chanson de Berry Gordy "I Call It Pretty Music, But the Old People Call It the Blues" comme son premier single ; sorti à l'été 1962, il a failli entrer dans le Billboard 100, passant une semaine d'août à 101 avant de disparaître hors de vue. Un single suivant, "Little Water Boy", n'eut aucun succès, et les deux albums, sortis dans l'ordre inverse de l'enregistrement - The Jazz Soul of Little Stevie en septembre 1962 et Tribute to Uncle Ray en octobre 1962 - rencontrèrent également peu de succès. succès.
À la fin de 1962, alors que Wonder avait 12 ans, il rejoignit la Motortown Revue, parcourant le « circuit chitlin » des théâtres à travers l'Amérique qui acceptaient des artistes noirs. Au Regal Theatre de Chicago, sa performance de 20 minutes a été enregistrée et sortie en mai 1963 sous le nom d'album Recorded Live: The 12 Year Old Genius. Un single, "Fingertips", de l'album est également sorti en mai et est devenu un succès majeur. La chanson, mettant en vedette Wonder confiant et enthousiaste, revient pour un rappel spontané qui surprend le bassiste de remplacement, que l'on entend crier "Quelle clé ? Quelle clé ?", a été un hit n°1 sur le Billboard Hot 100 lorsque Wonder était âgé de 13 ans, ce qui fait de lui le plus jeune artiste à avoir atteint la première place du classement. Le single était simultanément n ° 1 du classement R&B, la première fois que cela se produisait. Ses enregistrements suivants ne furent cependant pas un succès ; sa voix changeait à mesure qu'il vieillissait et certains dirigeants de Motown envisageaient d'annuler son contrat d'enregistrement. En 1964, Wonder est apparu dans deux films dans son rôle lui-même, Muscle Beach Party et Bikini Beach, mais ceux-ci n'ont pas non plus eu de succès. Sylvia Moy a persuadé le propriétaire du label Berry Gordy de donner une autre chance à Wonder. En supprimant le « Little » de son nom, Moy et Wonder ont travaillé ensemble pour créer le hit « Uptight (Everything's Alright) », et Wonder a continué à avoir un certain nombre d'autres succès au milieu des années 1960, dont « With a Child's Heart ». , et "Blowin' in the Wind", une reprise de Bob Dylan, co-chantée par son mentor, le producteur Clarence Paul. Il a également commencé à travailler dans le département d'écriture de Motown, composant des chansons pour lui-même et pour ses collègues du label, notamment "The Tears of a Clown", un hit n°1 de Smokey Robinson and the Miracles (il est sorti pour la première fois en 1967, principalement inaperçu comme dernier morceau de leur LP Make It Happen, mais est finalement devenu un succès majeur lors de sa réédition en single en 1970, ce qui a incité Robinson à reconsidérer son intention de quitter le groupe).
En 1968, il enregistre un album de morceaux instrumentaux soul/jazz, principalement des solos d'harmonica, sous le titre Eivets Rednow, qui est "Stevie Wonder" épelé à l'envers. L'album n'a pas attiré beaucoup d'attention et son seul single, une reprise de "Alfie", n'a atteint que la 66e place des charts pop américains et la 11e place des charts américains Adult Contemporary. Néanmoins, il réussit à marquer plusieurs succès entre 1968 et 1970 tels que "I Was Made to Love Her", "For Once in My Life" et "Signed, Sealed, Delivered I'm Yours". Un certain nombre des premiers succès de Wonder, dont "My Cherie Amour", "I Was Made to Love Her" et "Uptight (Everything's Alright)", ont été co-écrits avec Henry Cosby.
1970-79 : albums des années 70 et période classique
En septembre 1970, à l'âge de 20 ans, Wonder épousa Syreeta Wright, auteur-compositeur et ancienne secrétaire de la Motown. Wright et Wonder ont travaillé ensemble sur le prochain album, Where I'm Coming From ; Je me demande d'écrire la musique et Wright aide avec les paroles. Ils voulaient « aborder les problèmes sociaux du monde » et que les paroles « signifient quelque chose ». Il est sorti à peu près en même temps que What's Going On de Marvin Gaye. Comme les deux albums avaient des ambitions et des thèmes similaires, ils ont été comparés ; dans une critique contemporaine de Vince Aletti dans Rolling Stone, celui de Gaye était considéré comme un succès, tandis que celui de Wonder était considéré comme un échec en raison d'une production « indulgente et encombrée », de paroles « sans distinction » et « prétentieuses », et d'un manque général d'unité et couler. Atteignant son 21e anniversaire le 13 mai 1971, il laissa son contrat Motown expirer.
En 1970, Wonder a co-écrit et joué de nombreux instruments sur le hit "It's a Shame" pour un autre groupe de la Motown, les Spinners. Sa contribution se voulait une vitrine de son talent et donc une arme dans ses négociations en cours avec Gordy sur l'autonomie créative.
Pendant cette période, Wonder a enregistré indépendamment deux albums et signé un contrat avec Motown Records. Le contrat de 120 pages constituait un précédent pour Motown et accordait à Wonder un taux de redevance beaucoup plus élevé. Wonder revient à la Motown en mars 1972 avec Music of My Mind. Contrairement à la plupart des albums précédents sur Motown, qui consistaient généralement en une collection de singles, de faces B et de reprises, Music of My Mind était une déclaration artistique complète avec des chansons enchaînées par thème. Les paroles de Wonder traitaient de thèmes sociaux, politiques et mystiques ainsi que de thèmes romantiques classiques, tandis que musicalement, il commençait à explorer l'overdubbing et à enregistrer lui-même la plupart des parties instrumentales. Music of My Mind a marqué le début d'une longue collaboration avec le groupe Expanding Head Band de Tonto (Robert Margouleff et Malcolm Cecil).
Sorti fin 1972, Talking Book présentait le hit n°1 "Superstition", qui est l'un des exemples les plus distinctifs et les plus célèbres du son du clavier Hohner Clavinet. Talking Book a également présenté "You Are the Sunshine of My Life", qui a également culminé au n ° 1. Parallèlement à la sortie de l'album, Wonder a commencé à tourner avec les Rolling Stones pour atténuer les effets négatifs du classement en raison du fait d'être un artiste R&B en Amérique. La tournée de Wonder avec les Stones a également été un facteur du succès de "Superstition" et "You Are the Sunshine of My Life". À elles deux, les deux chansons ont remporté trois Grammy Awards. Dans un épisode de l'émission télévisée pour enfants Sesame Street diffusé en avril 1973, Wonder et son groupe ont interprété "Superstition", ainsi qu'un original intitulé "Sesame Street Song", qui démontrait ses capacités avec la télévision.
Innervisions, sorti en 1973, présentait "Higher Ground" (n°4 dans les charts pop) ainsi que le percutant "Living for the City" (n°8). Les deux chansons ont atteint la première place des charts R&B. Des ballades populaires telles que "Golden Lady" et "All in Love Is Fair" étaient également présentes, dans un mélange d'ambiances qui tenaient néanmoins ensemble comme un tout unifié. Innervisions a généré trois autres Grammy Awards, dont celui de l'album de l'année. L'album est classé n°23 sur les 500 meilleurs albums de tous les temps selon Rolling Stone. Wonder était devenu le musicien noir le plus influent et le plus acclamé du début des années 1970.
Le 6 août 1973, Wonder a eu un grave accident de voiture alors qu'il était en tournée en Caroline du Nord, lorsqu'une voiture dans laquelle il se trouvait a heurté l'arrière d'un camion. Cela l'a laissé dans le coma pendant quatre jours et a entraîné une perte partielle de son odorat et une perte temporaire du sens du goût. Malgré le revers, Wonder réapparut en concert au Madison Square Garden en mars 1974 avec une performance mettant en valeur à la fois du matériel accéléré et de longues improvisations sur des chansons à tempo moyen telles que "Living for the City". L'album Fulfillingness' First Finale parut en juillet 1974 et plaça deux succès en tête des charts pop : le n°1 "You Haven't Done Nothin'" et le Top Ten "Boogie on Reggae Woman". L'album de l'année était encore une fois l'un des trois Grammys remportés.
La même année, Wonder participe à une jam session à Los Angeles qui deviendra connue sous le nom d'album bootleg A Toot and a Snore en 1974. Il a également co-écrit et produit l'album de Syreeta Wright, Stevie Wonder Presents: Syreeta.
Le 4 octobre 1975, Wonder se produit au "Wonder Dream Concert" historique à Kingston, en Jamaïque, au profit de l'Institut jamaïcain pour les aveugles.
En 1975, à 25 ans, Wonder avait remporté deux Grammy Awards consécutifs : en 1974 pour Innervisions et en 1975 pour Fulfillingness' First Finale. En 1975, il joue de l'harmonica sur deux titres de l'album It's My Pleasure de Billy Preston.
Le double album avec EP supplémentaire Songs in the Key of Life est sorti en septembre 1976. De style tentaculaire, d'ambition illimitée et parfois difficile à comprendre sur le plan des paroles, l'album était difficile à assimiler pour certains auditeurs, mais il est considéré par c'est le couronnement de Wonder et l'un des albums les plus reconnaissables et les plus accomplis de l'histoire de la musique pop. L'album est devenu le premier d'un artiste américain à faire ses débuts directement au n ° 1 des charts Billboard, où il est resté pendant 14 semaines non consécutives. Deux morceaux sont devenus les hits Pop/R&B n°1 "I Wish" et "Sir Duke". La fête du bébé « N'est-elle pas belle ? » a été écrit à propos de sa fille nouveau-née Aisha, tandis que des chansons telles que « Love's in Need of Love Today » et « Village Ghetto Land » reflétaient une ambiance beaucoup plus pensive. Songs in the Key of Life a remporté l'album de l'année et deux autres Grammys. L'album se classe 57e sur les 500 meilleurs albums de tous les temps des Rolling Stones.
Jusqu'en 1979, Stevie Wonder's Journey Through "The Secret Life of Plants", sa seule sortie était l'album rétrospectif de trois disques Looking Back, une anthologie de sa première période Motown.
1980-90 : période commerciale
Les années 1980 ont vu Wonder atteindre ses plus grands succès et son plus haut niveau de renommée ; il a augmenté ses ventes d'albums, sa participation à des œuvres caritatives, ses collaborations de haut niveau, son impact politique et ses apparitions à la télévision. L'album de bande originale principalement instrumentale de 1979, Stevie Wonder's Journey Through "The Secret Life of Plants", a été composé à l'aide d'un échantillonneur de musique ancienne, un Computer Music Melodian. Wonder a fait une brève tournée pour soutenir l'album et a utilisé un échantillonneur Fairlight CMI sur scène. Cette année-là, Wonder a également écrit et produit le hit dance "Let's Get Serious", interprété par Jermaine Jackson et (classé par Billboard comme le single R&B n°1 de 1980).
Plus chaud que juillet (1980) est devenu le premier album single de Wonder vendu en platine, et son single "Happy Birthday" a été un véhicule réussi pour sa campagne visant à faire de l'anniversaire du Dr Martin Luther King une fête nationale. L'album comprenait également "Master Blaster (Jammin')", "I Ain't Gonna Stand for It" et la ballade sentimentale "Lately".
En 1982, Wonder a publié une rétrospective de son travail des années 1970 avec l'Original Musiquarium de Stevie Wonder, qui comprenait quatre nouvelles chansons : le classique funk de dix minutes " Do I Do " (qui mettait en vedette Dizzy Gillespie), " That Girl " (l'un des meilleurs de l'année). plus grands singles du côté R&B), "Front Line", un récit sur un soldat de la guerre du Vietnam que Wonder a écrit et chanté à la première personne, et "Ribbon in the Sky", une de ses nombreuses compositions classiques. Il a également remporté un succès n ° 1 cette année-là en collaboration avec Paul McCartney dans leur hymne à l'harmonie raciale, "Ebony and Ivory".
En 1983, Wonder interprète la chanson "Stay Gold", le thème de l'adaptation cinématographique de Francis Ford Coppola du roman de S. E. Hinton, The Outsiders. Wonder a écrit les paroles. En 1983, il programme un album intitulé People Work, Human Play. L'album n'a jamais fait surface et, à la place, 1984 a vu la sortie de l'album de la bande originale de Wonder pour The Woman in Red. Le premier single, "I Just Called to Say I Love You", était un hit pop et R&B n ° 1 aux États-Unis et au Royaume-Uni, où il s'est classé 13e dans la liste des singles les plus vendus au Royaume-Uni. publié en 2002. Il a remporté l'Oscar de la meilleure chanson en 1985. Wonder a accepté le prix au nom de Nelson Mandela et a ensuite été banni de toutes les radios sud-africaines par le gouvernement sud-africain. L'album présentait également une apparition de Dionne Warwick, chantant le duo "It's You" avec Stevie et quelques chansons de son cru. L'année suivante, In Square Circle présentait le hit pop n ° 1 "Part-Time Lover". L'album figure également dans le Top 10 avec "Go Home". Il présentait également la ballade "Overjoyed", qui a été écrite à l'origine pour Journey Through "The Secret Life of Plants", mais n'a pas fait l'album. Il a interprété "Overjoyed" sur Saturday Night Live alors qu'il était l'hôte. Il a également figuré dans la reprise de Chaka Khan de "I Feel For You" de Prince, aux côtés de Melle Mel, jouant de son harmonica signature. À peu près à la même période, il figurait également à l'harmonica sur le single d'Eurythmics, "There Must Be an Angel (Playing with My Heart)" et "I Guess That's Why They Call It the Blues" d'Elton John.
Wonder faisait partie d'un duo vedette avec Bruce Springsteen sur le single caritatif all-star d'African Famine Relief, "We Are the World", et il faisait partie d'un autre single caritatif l'année suivante (1986), le "That's What" inspiré du SIDA. Les amis, c'est pour". Il a joué de l'harmonica sur l'album Dreamland Express de John Denver dans la chanson "If Ever", une chanson que Wonder a co-écrite avec Stephanie Andrews ; a écrit le morceau "I Do Love You" pour l'album éponyme des Beach Boys en 1985 ; et a joué de l'harmonica sur "Can't Help Lovin' That Man" sur The Broadway Album de Barbra Streisand. En 1987, Wonder apparaît sur l'album Bad de Michael Jackson, sur le duo "Just Good Friends". Michael Jackson a également chanté avec lui un duo intitulé "Get It" sur l'album Characters de Wonder en 1987. C'était un single à succès mineur, tout comme "Skeletons" et "You Will Know".
1991-présent : carrière ultérieure
Après l'album Characters de 1987, Wonder a continué à sortir du nouveau matériel, mais à un rythme plus lent. Il a enregistré un album de bande originale pour le film Jungle Fever de Spike Lee en 1991. De cet album, des singles et des vidéos sont sortis pour "Gotta Have You" et " These Three Words ". La face B du single "Gotta Have You" était "Feeding Off The Love of the Land", qui a été jouée pendant le générique de fin du film Jungle Fever mais n'a pas été incluse sur la bande originale. Une version piano et vocale de "Feeding Off The Love of the Land" est également sortie sur la compilation Nobody's Child: Roumain Angel Appeal. Conversation Peace et l'album live Natural Wonder sont sortis dans les années 1990.
Parmi ses autres activités, il a joué de l'harmonica sur un morceau de l'album hommage de 1994 KISS My Ass: Classic KISS Regrooved ; a chanté lors de la cérémonie de clôture des Jeux olympiques d'été de 1996 ; a collaboré en 1997 avec Babyface sur "How Come, How Long", une chanson sur la violence domestique qui a été nominée pour un Grammy Award ; et a joué de l'harmonica sur "Brand New Day" de Sting en 1999. En décembre 1999, Wonder a annoncé qu'il était intéressé par une prothèse rétinienne intraoculaire pour restaurer partiellement sa vue.
Au 21ème siècle, Wonder continue d'enregistrer et de se produire ; bien que principalement des apparitions occasionnelles et des performances en tant qu'invités, il a fait deux tournées et a sorti un album de nouveau matériel, A Time to Love en 2005. Ses principales apparitions incluent la cérémonie d'ouverture des Jeux paralympiques d'hiver de 2002 à Salt Lake City, le concert Live 8 de 2005 à Philadelphie, l'émission d'avant-match du Super Bowl XL en 2006, la célébration inaugurale d'Obama en 2009 et la cérémonie d'ouverture. des Jeux mondiaux d'été Special Olympics de 2011 à Athènes, en Grèce.
Il a chanté au service commémoratif de Michael Jackson en 2009, aux funérailles d'Etta James en 2012 et un mois plus tard au service commémoratif de Whitney Houston.
Le premier nouvel album de Wonder en dix ans, A Time to Love, est sorti en octobre 2005 avec des ventes inférieures à celles des albums précédents et des critiques tièdes - la plupart des critiques semblant frustrés à la fin du long délai pour obtenir un album qui copiait principalement le style de La « période classique » de Wonder sans rien faire de nouveau. Le premier single, "So What the Fuss", est sorti en avril. Un deuxième single, "From the Bottom of My Heart", a été un succès à la radio R&B contemporaine pour adultes. L'album présentait également un duo avec India Arie sur la chanson titre "A Time to Love". En juin 2008, Wonder travaillait simultanément sur deux projets : un nouvel album intitulé The Gospel Inspired By Lula, qui traitera des diverses crises spirituelles et culturelles auxquelles le monde est confronté, et Through The Eyes Of Wonder, un album qu'il a décrit comme un pièce de performance qui reflétera son expérience d'aveugle. Wonder gardait également la porte ouverte à une collaboration avec Tony Bennett et Quincy Jones concernant un album de jazz selon la rumeur. Si Wonder devait s’associer à Bennett, ce ne serait pas la première fois ; leur interprétation de "For Once in My Life" leur a valu un Grammy pour la meilleure collaboration pop avec chant en 2006. Le jeu d'harmonica de Wonder peut être entendu sur "Never Give You Up", nominé aux Grammy Awards 2009, avec CJ Hilton et Raphael Saadiq.Dodds , Dan (17 novembre 2008), [http://www.souljonespresents.com/heroes_raphael.html "Appelle-moi Stevie !"] Raphael Saadiq parle à Soul Jones.
En octobre 2013, Wonder a révélé qu'il avait enregistré du nouveau matériel pour deux albums, When the World Began et Ten Billion Hearts, en collaboration avec le producteur David Foster, les albums qui sortiront en 2014. Il figure sur deux titres du album de Mark Ronson. nouvel album Uptown spécial.
Wonder a fait une tournée de 13 dates en Amérique du Nord en 2007, commençant à San Diego le 23 août ; c'était sa première tournée aux États-Unis depuis plus de dix ans. Le 8 septembre 2008, Wonder a commencé la partie européenne de sa tournée Wonder Summer's Night, la première fois qu'il effectuait une tournée en Europe depuis plus d'une décennie. Son spectacle d'ouverture a eu lieu à la National Indoor Arena de Birmingham. Pendant la tournée, Wonder a joué huit concerts au Royaume-Uni ; quatre à l'O2 Arena de Londres, deux à Birmingham et deux au M.E.N. Arène de Manchester. Les autres étapes de la tournée européenne de Wonder l'ont également amené à se produire aux Pays-Bas (Rotterdam), en Suède (Stockholm), en Allemagne (Cologne, Mannheim et Munich), en Norvège (Hamar), en France (Paris), en Italie (Milan) et au Danemark ( Alborg). Wonder a également effectué une tournée en Australie (Perth, Adélaïde, Melbourne, Sydney et Brisbane) et en Nouvelle-Zélande (Christchurch, Auckland et New Plymouth) en octobre et novembre. Sa tournée de 2010 comprenait un set de deux heures au Bonnaroo Music Festival à Manchester, Tennessee, un arrêt au "Hard Rock Calling" de Londres à Hyde Park, et des apparitions au Glastonbury Festival en Angleterre, au North Sea Jazz Festival de Rotterdam et un concert à Bergen. , Norvège, et un concert à Dublin, Irlande, à l'O2 Arena le 24 juin.
En 2000, Wonder a contribué deux nouvelles chansons à la bande originale de l'album Bamboozled de Spike Lee ("Misrepresented People" et "Some Years Ago"). En juin 2006, Wonder a fait une apparition sur l'album de Busta Rhymes, The Big Bang, sur le morceau "Been through the Storm". Il chante le refrain et joue du piano sur le morceau produit par Dr. Dre et Sha Money XL. Il est apparu de nouveau sur le dernier morceau de l'album Tha Blue Carpet Treatment de Snoop Dogg, "Conversations". La chanson est un remake de "Have a Talk with God" de Songs in the Key of Life. En 2006, Wonder a mis en scène un duo avec Andrea Bocelli sur l'album de ce dernier Amore, proposant de l'harmonica et des voix supplémentaires sur "Canzoni Stonate". Wonder s'est également produit lors de la célébration "A Capitol Fourth" de Washington, D.C. en 2006. Wonder est apparu sur l'album studio de la chanteuse Céline Dion, Loved Me Back to Life, interprétant une reprise de sa chanson de 1985 "Overjoyed". L'album est sorti en octobre 2013.
Héritage
Figure éminente de la musique populaire de la seconde moitié du XXe siècle, Wonder a enregistré plus de 30 succès parmi les dix meilleurs aux États-Unis et a remporté 25 Grammy Awards[http://www.grammy.com/GRAMMY_Awards/Winners/Results.aspx?title
&winnerstevie%20merveille&année
0&genreID0&hp
1 Recherchez « Stevie Wonder » sur Grammy.com]. (le plus grand jamais remporté par un artiste solo) ainsi qu'un Lifetime Achievement Award. Il a également remporté l'Oscar de la meilleure chanson[http://awardsdatabase.oscars.org/ampas_awards/DisplayMain.jsp?curTime
1223760491617 Base de données des Oscars]. Académie des arts et des sciences du cinéma. Récupéré le 11 octobre 2008. et a été intronisé au Rock and Roll [http://www.rockhall.com/inductees/inductee-list Rock and Roll Hall of Fame – Liste des intronisés]. Récupéré le 11 octobre 2008. et Songwriters[http://www.songwritershalloffame.org/exhibits/C25 Songwriters Hall of Fame – Stevie Wonder]. Récupéré le 11 octobre 2008. Temple de la renommée. Il a également reçu le Polar Music Prize.[http://www.polarmusicprize.com/ Polar Music Prize] Récupéré le 11 octobre 2008. Le magazine musical américain Rolling Stone l'a nommé le neuvième plus grand chanteur de tous les temps.[http:/ /www.rollingstone.com/news/coverstory/24161972/page/103 Rolling Stone : Les 100 plus grands chanteurs de tous les temps]. Consulté le 16 juillet 2009.[http://www.rollingstone.com/music/lists/100-greatest-singers-of-all-time-19691231/stevie-wonder-20101202 Rolling Stone : Les 100 plus grands chanteurs de tous les temps : #9 Stevie Wonder]. Récupéré le 16 juillet 2009. En juin 2009, il est devenu le quatrième artiste à recevoir le Spirit Award du Festival de Jazz de Montréal.[http://www.montrealjazzfest.com/maison-du-festival-online/spirit-award.aspx Spirit Award] . Récupéré le 1er juillet 2009.
Il a eu dix succès numéro un aux États-Unis dans les charts pop ainsi que 20 succès numéro un R&B, et a vendu plus de 100 millions de disques, dont 19,5 millions d'albums ; il est l'un des 60 artistes musicaux les plus vendus avec des ventes combinées de singles et d'albums. Wonder a enregistré plusieurs albums et singles à succès acclamés par la critique, et écrit et produit également des chansons pour plusieurs de ses collègues du label et des artistes extérieurs. Wonder joue du piano, du synthétiseur, de l'harmonica, des congas, de la batterie, des bongos, de l'orgue, du mélodica et du Clavinet. Dans son enfance, il était surtout connu pour son travail à l'harmonica, mais aujourd'hui, il est mieux connu pour ses compétences au clavier et ses capacités vocales. Wonder a été le premier artiste Motown et le deuxième musicien afro-américain à remporter un Oscar de la meilleure chanson originale, qu'il a remporté pour son single à succès de 1984 "I Just Called to Say I Love You" du film The Woman in Red.
Il est généralement admis que la « période classique » de Wonder se situe entre 1972 et 1977. Certains observateurs voient dans Where I'm Coming From de 1971 certaines indications du début de la période classique, comme son nouveau style de clavier funky que Wonder a utilisé tout au long de la période classique. . Certains déterminent que le premier album « classique » de Wonder est Music of My Mind de 1972, sur lequel il a pris le contrôle personnel de la production et sur lequel il a programmé une série de chansons intégrées les unes aux autres pour créer un album concept. D'autres sautent le début de 1972 et déterminent que le début de la période classique est Talking Book à la fin de 1972, l'album dans lequel Wonder "a atteint son rythme".
Ses albums classiques des années 1970 ont eu une grande influence sur le monde de la musique : le Rolling Stone Record Guide de 1983 a déclaré qu'ils « ont été des pionniers dans les approches stylistiques qui ont contribué à déterminer la forme de la musique pop pour la décennie suivante » ; La liste 2003 de Rolling Stone des 500 plus grands albums de tous les temps comprenait quatre des cinq albums, dont trois dans le top 90 ; et en 2005, Kanye West a déclaré à propos de son propre travail : « Je n'essaie pas de rivaliser avec ce qui existe actuellement. J'essaie vraiment de rivaliser avec Innervisions et Songs in the Key of Life. Cela semble musicalement blasphématoire de dire quelque chose. comme ça, mais pourquoi ne pas en faire votre bar ? »
Vie privée
;Mariages
Wonder a été marié deux fois : à la chanteuse/compositrice et collaboratrice fréquente de Motown, Syreeta Wright, de 1970 jusqu'à leur divorce à l'amiable en 1972 ; et de 2001 à 2012 au créateur de mode Kai Millard. En octobre 2009, Wonder et Millard se sont séparés et en août 2012, Wonder a demandé le divorce.
;Enfants
Wonder a neuf enfants avec cinq mères différentes. La mère du premier enfant de Wonder est Yolanda Simmons, que Wonder a rencontrée lorsqu'elle a postulé pour un emploi de secrétaire pour sa maison d'édition. Magazine Woman's Own, juillet 1978, pp. Extrait du livre "Stevie Wonder" de Constanza Elsner, publié par Everest. Simmons a donné naissance à une fille à Wonder le 2 février 1975 : Aisha Morris. Après la naissance d'Aisha, Stevie a déclaré "qu'elle était la seule chose dont j'avais besoin dans ma vie et dans ma musique depuis longtemps". Morris a été l'inspiration du single à succès de Wonder "Isn't She Lovely". Morris est une chanteuse qui a tourné avec son père et l'a accompagné sur des enregistrements, notamment son album de 2005, A Time to Love. Wonder et Simmons ont eu un fils, Keita, en 1977.
En 1983, Wonder a eu un fils avec Melody McCulley. Wonder a une fille, Sophia, et un fils, Kwame, avec une femme dont l'identité n'a pas été révélée publiquement.
Wonder a deux fils avec sa seconde épouse Kai Millard Morris ; l'aîné s'appelle Kailand et il se produit occasionnellement comme batteur sur scène avec son père. Le fils cadet, Mandla Kadjay Carl Stevland Morris, est né le 13 mai 2005, jour du 55e anniversaire de son père.
Le neuvième enfant de Wonder, et son deuxième avec Tomeeka Robyn Bracy, est né en décembre 2014. Sierra Marquina, [http://www.usmagazine.com/celebrity-moms/news/stevie-wonder-welcomes-ninth-child-baby- girl-named-nia-20141712 "Stevie Wonder, 64 ans, accueille un neuvième enfant, une petite fille nommée Nia!"], US Magazine, 17 décembre 2014. Initialement considérée comme des triplés, la nouvelle fille du couple s'appelle Nia, ce qui signifie " objectif » – « l’un des sept principes de Kwanzaa ».
;Autre
En mai 2006, la mère de Wonder, Lula Mae Hardaway, est décédée à Los Angeles, à l'âge de 76 ans. Lors de son concert au Royaume-Uni le 8 septembre 2008 à Birmingham, il a évoqué sa décision de recommencer à tourner après sa perte : « Je veux tout prendre. la douleur que je ressens, que je célèbre et que je renverse la situation."
Wonder a été initié à la méditation transcendantale grâce à son mariage avec Syreeta Wright. Conformément à cette vision spirituelle, Wonder est devenu végétarien, puis végétalien, en chantant à ce sujet dans The Late Late Show avec James Corden pendant le segment "Carpool Karaoke" de l'émission.
Discographie
Prix et reconnaissance
Wonder a remporté 22 Grammy Awards : ainsi qu'un Grammy Lifetime Achievement Award en 1996. Il est l'un des deux seuls artistes et groupes à avoir remporté trois fois le Grammy de l'album de l'année en tant qu'artiste principal crédité, avec Frank Sinatra.
Wonder a reçu de nombreux prix pour sa musique et pour son travail en faveur des droits civiques, notamment son intronisation au Temple de la renommée des auteurs-compositeurs et du Rock and Roll ; il a reçu un prix pour l'ensemble de sa carrière décerné par le National Civil Rights Museum, a été nommé l'un des messagers de la paix des Nations Unies et a reçu la Médaille présidentielle de la liberté des mains du président Barack Obama en 2014. | http://www.quizballs.com/ |
Quel est le nom du circuit automobile fictif de la série télévisée pour enfants « Roary the Racing Car » ? | Silver Hatch | [
"Roary the Racing Car est une émission télévisée d'animation britannique en 3D - CGI - Stop Motion pour enfants produite par Chapman Entertainment. Il suit les aventures de Roary et de ses amis voitures de course sur le circuit de Silver Hatch.",
"Roary the Racing Car se déroule autour d'un circuit de course automobile fictif appelé Silver Hatch (un portemanteau des noms des deux circuits de course du Grand Prix britannique, Silverstone et Brands Hatch). La majorité de l'action se déroule dans les stands et dans l'atelier de la piste, même si nous suivons souvent les voitures dans leurs tours de piste. Parfois, les personnages s'aventurent dans des lieux extérieurs tels que la plage voisine.",
"*Roary (du Royaume-Uni) est une jeune et enthousiaste voiture de course monoplace rouge de type Formule 1. Il est le personnage principal de la série et la « star numéro un » de Big Chris. Roary est nouveau sur Silver Hatch. Cependant, avec l’aide de ses amis, il essaie toujours de les copier. Roary porte une casquette de baseball blanche et un numéro 1 arborant une étoile rouge. Le slogan de Roary est \"Allumez-les !\". Maria Darling l'exprime.",
"*Maxi (d'Italie) est une ancienne voiture de course jaune de type Formule 1 qui était la star de Silver Hatch avant l'arrivée de Roary. Il est capricieux et attend le meilleur de tout, y compris la première utilisation des pneus chauffants. Il porte des lunettes de soleil et une casquette bleue et porte le numéro 5. Maxi est italien et est le favori de M. Carburettor. Le slogan de Maxi est \"Mamma Mia!\" Il parle avec un accent italien, bien que celui-ci soit atténué dans la voix off américaine. Au départ d'une course, Maxi peut faire sortir des flammes de son échappement. Il existe une saine rivalité fraternelle entre Maxi et Roary. Il est exprimé par Marc Silk.",
"*Rusty est une vieille caravane rouillée et immobile qui vit à Silver Hatch. On le trouve souvent endormi, mais il se soucie rarement d'être réveillé par les autres personnages et il aime se remémorer son époque en tant que caravane mobile. Il peut donner des conseils utiles, mais souvent par hasard. Big Chris vit à Rusty. Il est exprimé par Dominic Frisby.",
"*Plugger est un véhicule tout-terrain 4x4, ou « mud-plugger ». Plugger est le personnage le plus décontracté de Silver Hatch et il ne se laisse jamais bousculer ni paniquer. Dans la version britannique, il parle avec un doux accent caribéen ; dans la version américaine, il parle avec une légère voix traînante du Sud. Il utilise souvent son treuil télescopique pour sauver Roary et Maxi de la boue, du gravier ou du sable. On peut souvent entendre Plugger prononcer son slogan \"Pas besoin de courir, Plugger est sur l'affaire!\". Il est également connu sous le nom de Lugga.",
"*Nick est la voiture de police Silver Hatch se rapprochant d'une Lamborghini Gallardo ou Murciélago, qui travaille avec P.C. Pete pour assurer la sécurité des voitures. Il aime jouer avec les autres voitures et aimerait pouvoir courir avec elles aussi. Son slogan est « Méchant ! » Il est exprimé par Marc Silk.",
"*Breeze est un buggy de plage qui vit sur la plage de Silver Hatch. Elle est douée pour les cascades, comme Cici, et adore quand les autres voitures viennent lui rendre visite. Son slogan est \"La vie est un jeu d'enfant\" et parle avec un très faux accent australien. Elle est exprimée par Maria Darling.",
"*Conrod (d'Australie) est une voiture de course qui doit son nom au tronçon de piste du circuit Mount Panorama à Bathurst, en Nouvelle-Galles du Sud. Il dispose d'un gros V8 bruyant et arrive sans prévenir à Silver Hatch. Dans la version britannique, il est exprimé par le champion australien de V8 Supercar Craig Lowndes. Dans la version américaine, il est exprimé par Marc Silk.",
"*Big Chris est le mécanicien du circuit de Silver Hatch. Il commente occasionnellement et démarre des courses. Il vit à Rusty la caravane et s'occupe de la piste de course et des voitures. Big Chris a un slogan typiquement nordique : « Vous le pliez, vous le réparez ». (La version américaine, beaucoup moins mélodieuse, est \"Vous le pliez, vous le réparez.\") Big Chris est dépeint comme étant très désordonné et distrait, \"perdant\" souvent des objets directement dans son champ de vision, et éternellement surpris par son propre talkie-walkie. Tout en travaillant sur les voitures, il pratique souvent son karaoké avec une version désaccordée d'une chanson intitulée \"Motor Man\". Il est exprimé par le comédien Peter Kay.",
"*Marsha est commissaire de course et administratrice non officielle du circuit de Silver Hatch. Elle aime que les choses soient bien rangées et organisées, ce qui la met souvent en conflit avec Big Chris. Elle est très en forme et profite d’une bonne course. Elle parle avec un fort accent britannique et son slogan dans la version britannique est \"Les vitesses doivent aller, les freins pour ralentir!\", tandis que dans la version américaine, elle n'a pas de slogan. Elle est exprimée par Maria Darling.",
"*M. Carburettor est le flamboyant propriétaire du circuit de Silver Hatch. Dans la version originale britannique, il parle avec un accent italien prononcé, tandis que son homologue américain a un accent new-yorkais. Sa voiture préférée est la Maxi, qu'il considère comme la plus grande voiture du monde. Il a une dent en or qui scintille au soleil lorsqu'il sourit. Il a un caractère colérique, virant souvent au rouge, faisant sortir de la vapeur de ses oreilles et criant que l'objet de sa colère est de « me faire monter au plafond ! » C'est un perfectionniste qui réprimande parfois Big Chris pour son retard, bien que Marsha couvre souvent Big Chris devant M. Carburettor. M. Carburettor aime souvent regarder ses voitures courir sur la piste, encourageant généralement Maxi, bien qu'il félicite le vainqueur (et non Maxi), quel qu'il soit. Il partage le même slogan que Maxi, \"Mamma Mia\", et on l'entend souvent chanter de l'opéra. Pour une raison quelconque, M. Carburettor ne peut pas prononcer correctement le nom de Tin Top. Son prénom s'est révélé être Antonio. Il est exprimé par Tim Whitnall.",
"*Farmer Green est propriétaire de la ferme située juste à côté de la piste de course de Silver Hatch. Il fait souvent signe de la main lorsque les voitures passent à toute allure. Il possède Dinkie l'Âne et aime inventer des biocarburants, qui fonctionnent parfois, mais souvent non. Son slogan britannique est \"Vert de nom, vert par nature!\", bien que, comme beaucoup d'autres personnages, son homologue américain n'ait pas de slogan. Il est exprimé par Tim Whitnall.",
"*Mama Mia est la mère de M. Carburettor et la propriétaire de James. Lorsqu'elle a visité Silver Hatch pour la première fois, c'est grâce à Flash qu'elle a apprécié la course (ce qui a entraîné la chute de toutes les voitures, sauf Roary). Aujourd’hui, elle visite régulièrement l’hippodrome. Son slogan est \"Home James\" et elle parle avec un accent italien. Elle est exprimée par Maria Darling.",
"*PC Pete est le policier de Silver Hatch et le frère cadet de Marsha. Lorsqu'il voit l'une des voitures de course s'éloigner de la piste, il appelle sa voiture de police, Nick, pour les suivre. Son slogan est \"Suivez cette voiture\", et il est exprimé par Dominc Frisby.",
"*L'inspecteur des pistes est un inspecteur anonyme qui vient parfois sur la piste pour se faire faire visiter la piste. Lorsqu'il a visité la piste pour la première fois, les voitures ont traversé la glace à \"Skid Slope\" et ont commencé à patiner et M. Carburettor a cru que c'était un désastre, mais l'inspecteur n'a pas pensé que c'était grave. Il apparaît plus tard dans \"It's Go Go Go at Silver Hatch\". Il est exprimé par Dominic Frisby.",
"*Pizza Boy est un garçon qui livre des pizzas à Big Chris comme on le voit dans \"Silver Hatch Fun Run\". Pizza Boy est de Dominic Firsby.",
"*Flash AKA Furz est un lapin anthropomorphe, qui vit sous un arbre au bord de la piste de « Hare-Pin Bend » (un jeu de « virage en épingle à cheveux »). Il essaie régulièrement de causer des méfaits, depuis de petites choses comme cacher du matériel jusqu'à tenter intentionnellement de provoquer des accidents en déplaçant des cônes de signalisation pour détourner les voitures de course dans le mauvais sens. Flash veut vraiment être un pilote de course et défie souvent les voitures Silver Hatch de courir contre lui alors qu'il chevauche son skateboard très puissant. Lorsque Flash est surpris en train de faire des bêtises, vous entendrez souvent son slogan : \"Flash doit se précipiter !\" Aux États-Unis, il a plusieurs slogans : \"Furz...must fly!\" et \"Mâche mes carottes!\" étant deux problèmes souvent répétés. Il est exprimé par Marc Silk."
] | Roary the Racing Car est une émission télévisée d'animation britannique en 3D - CGI - Stop Motion pour enfants produite par Chapman Entertainment. Il suit les aventures de Roary et de ses amis voitures de course sur le circuit de Silver Hatch.
Aperçu
Parcelle
La série suit la vie et les aventures des véhicules de course Roary, Maxi, Cici, Drifter, Tin Top et des humains pour lesquels ils travaillent, Big Chris et Marsha les mécaniciens et le propriétaire de la piste de course, M. Carburettor. Il y a aussi P.C. Pete, Farmer Green local, Molecom, Flash et bien d'autres. L'intrigue tourne parfois autour d'autres personnages de véhicules, tels que Rusty, FB, Nick, Plugger, Zippee, Hellie, Breeze, Conrod, James et Loada.
Paramètre
Roary the Racing Car se déroule autour d'un circuit de course automobile fictif appelé Silver Hatch (un portemanteau des noms des deux circuits de course du Grand Prix britannique, Silverstone et Brands Hatch). La majorité de l'action se déroule dans les stands et dans l'atelier de la piste, même si nous suivons souvent les voitures dans leurs tours de piste. Parfois, les personnages s'aventurent dans des lieux extérieurs tels que la plage voisine.
Narration
Chaque histoire commence et se termine par une brève narration du pilote automobile Sir Stirling Moss. Il n'est jamais vu, mais est utilisé comme voix off. La version américaine est racontée par le pilote de stock-car américain Sam Hornish Jr.
Production
La série utilise une combinaison d'images générées par ordinateur et d'animation en stop-motion ; l'animation stop frame a été initialement fournie par Cosgrove Hall Films, le producteur de Postman Pat, et dernièrement par le propre studio interne de Chapman Entertainment. La série a été créée par David Jenkins, qui a passé quatre ans à travailler dans la haute direction du circuit de course de Brands Hatch. L'idée est née alors qu'il regardait le Grand Prix à la télévision avec son fils Tom, alors âgé de 18 mois. Il a été conçu et développé par Keith Chapman, directeur créatif de Chapman Entertainment et créateur de Bob the Builder et Fifi and the Flowertots, et le producteur exécutif de la série est Greg Lynn.
Personnages
Personnages du véhicule
*Roary (du Royaume-Uni) est une jeune et enthousiaste voiture de course monoplace rouge de type Formule 1. Il est le personnage principal de la série et la « star numéro un » de Big Chris. Roary est nouveau sur Silver Hatch. Cependant, avec l’aide de ses amis, il essaie toujours de les copier. Roary porte une casquette de baseball blanche et un numéro 1 arborant une étoile rouge. Le slogan de Roary est "Allumez-les !". Maria Darling l'exprime.
*Maxi (d'Italie) est une ancienne voiture de course jaune de type Formule 1 qui était la star de Silver Hatch avant l'arrivée de Roary. Il est capricieux et attend le meilleur de tout, y compris la première utilisation des pneus chauffants. Il porte des lunettes de soleil et une casquette bleue et porte le numéro 5. Maxi est italien et est le favori de M. Carburettor. Le slogan de Maxi est "Mamma Mia!" Il parle avec un accent italien, bien que celui-ci soit atténué dans la voix off américaine. Au départ d'une course, Maxi peut faire sortir des flammes de son échappement. Il existe une saine rivalité fraternelle entre Maxi et Roary. Il est exprimé par Marc Silk.
*Cici (de France) est une voiture de cascade rose vif et violette avec un numéro 3 peint sur le devant. C'est une voiture électrique et solaire et porte des panneaux solaires sur son toit. Elle a une attitude coquette et défie toujours Roary de "Attrape-moi !" Cici est française et a un fort accent français grinçant. Son slogan est "Faites la course!". Elle est l'une des meilleures amies de Roary et la première voiture à qui parler et faire la course avec Roary lors de son premier jour. Cici semble avoir le béguin pour Maxi, même si Cici est souvent également très impressionnée par Roary ; elle est également connue sous le nom de Zizzy. Elle est exprimée par Maria Darling.
*Tin Top (des États-Unis) est un stock car gros et puissant. Il prend souvent ses virages trop vite et trop larges et se retrouve régulièrement soit dans le bac à sable, soit dans le mur de pneus, soit dans la boue, généralement dans un amas de pièces déconnectées. Le slogan de Tin Top est approprié compte tenu de ses fréquentes visites à l'atelier : « Enregistrez-moi, martelez-moi et envoyez-moi ! » Il porte le numéro 88 et parle avec un accent américain, et est exprimé par Peter Kay. Comme Maxi, Tin Top peut faire sortir des flammes de ses sorties d'échappement. Dans la version américaine, Tin Top parle avec un accent « urbain » stéréotypé, est exprimé par Kerry Shale et ne semble pas avoir de slogan.
*Drifter (du Japon) est une voiture de course Drift de très haute technologie. Conformément à son nom, on peut l'observer présenter des caractéristiques de conduite en survirage extrêmes, avec sa queue s'écartant largement à chaque virage. Il dispose d'un ordinateur de bord avec affichage tête haute dans son pare-brise. Drifter a un fabuleux dragon sur ses côtés et arbore également un éclairage de dessous au néon bleu et il porte le numéro 6 sur le dessus de son pare-brise avant et de son pare-brise arrière. Il parle avec un faux accent japonais. Le slogan de Drifter dans la version britannique est "Go-Go-Go, Nitro Boost!"; il est connu sous le nom de Dragga et n'a pas de slogan dans la version américaine. Il est exprimé par Marc Silk.
*Rusty est une vieille caravane rouillée et immobile qui vit à Silver Hatch. On le trouve souvent endormi, mais il se soucie rarement d'être réveillé par les autres personnages et il aime se remémorer son époque en tant que caravane mobile. Il peut donner des conseils utiles, mais souvent par hasard. Big Chris vit à Rusty. Il est exprimé par Dominic Frisby.
*Plugger est un véhicule tout-terrain 4x4, ou « mud-plugger ». Plugger est le personnage le plus décontracté de Silver Hatch et il ne se laisse jamais bousculer ni paniquer. Dans la version britannique, il parle avec un doux accent caribéen ; dans la version américaine, il parle avec une légère voix traînante du Sud. Il utilise souvent son treuil télescopique pour sauver Roary et Maxi de la boue, du gravier ou du sable. On peut souvent entendre Plugger prononcer son slogan "Pas besoin de courir, Plugger est sur l'affaire!". Il est également connu sous le nom de Lugga.
*FB (abréviation de Flat Bed) est la camionnette de Farmer Green. On le voit généralement avec Farmer Green ou en train de jouer avec Cici et Roary. Son slogan principal est "Roary est mon meilleur ami". Il est exprimé par Dominic Frisby. Il est également connu sous le nom de Trucksy.
*Zippee est le scooter de Marsha. Zippee est de sexe indéterminé car les seules vocalisations émises par Zippee sont un bip, semblable à un petit klaxon de voiture.
*Hellie est un hélicoptère rouge vif et violet qui transporte M. Carburettor sur la piste. Il dispose d'un grand casque qu'il utilise pour communiquer avec l'équipe au sol, diffusant généralement un « Hellie is Go ! » retentissant.
*James est une voiture de sport classique argentée ressemblant à une Aston Martin DB5, qui emmène Mamma Mia partout où elle doit aller. Il possède plusieurs gadgets et gadgets, dont un siège éjectable, un parapluie, des canons à eau et une serviette. Son slogan est « Le nom est James » et il parle avec un accent britannique chic. Il porte le nom de James Bond et est exprimé par Dominic Frisby.
*Nick est la voiture de police Silver Hatch se rapprochant d'une Lamborghini Gallardo ou Murciélago, qui travaille avec P.C. Pete pour assurer la sécurité des voitures. Il aime jouer avec les autres voitures et aimerait pouvoir courir avec elles aussi. Son slogan est « Méchant ! » Il est exprimé par Marc Silk.
*Breeze est un buggy de plage qui vit sur la plage de Silver Hatch. Elle est douée pour les cascades, comme Cici, et adore quand les autres voitures viennent lui rendre visite. Son slogan est "La vie est un jeu d'enfant" et parle avec un très faux accent australien. Elle est exprimée par Maria Darling.
*Loada est un camion de transport qui emmène les voitures lors d'occasions spéciales. Il a beaucoup d'histoires différentes sur la route et il aime les raconter à ses amis. Son slogan est "Lock n' Loada" et il a un accent d'Europe de l'Est. il est exprimé par Dominic Frisby.
*Conrod (d'Australie) est une voiture de course qui doit son nom au tronçon de piste du circuit Mount Panorama à Bathurst, en Nouvelle-Galles du Sud. Il dispose d'un gros V8 bruyant et arrive sans prévenir à Silver Hatch. Dans la version britannique, il est exprimé par le champion australien de V8 Supercar Craig Lowndes. Dans la version américaine, il est exprimé par Marc Silk.
Personnages humains
*Big Chris est le mécanicien du circuit de Silver Hatch. Il commente occasionnellement et démarre des courses. Il vit à Rusty la caravane et s'occupe de la piste de course et des voitures. Big Chris a un slogan typiquement nordique : « Vous le pliez, vous le réparez ». (La version américaine, beaucoup moins mélodieuse, est "Vous le pliez, vous le réparez.") Big Chris est dépeint comme étant très désordonné et distrait, "perdant" souvent des objets directement dans son champ de vision, et éternellement surpris par son propre talkie-walkie. Tout en travaillant sur les voitures, il pratique souvent son karaoké avec une version désaccordée d'une chanson intitulée "Motor Man". Il est exprimé par le comédien Peter Kay.
*Marsha est commissaire de course et administratrice non officielle du circuit de Silver Hatch. Elle aime que les choses soient bien rangées et organisées, ce qui la met souvent en conflit avec Big Chris. Elle est très en forme et profite d’une bonne course. Elle parle avec un fort accent britannique et son slogan dans la version britannique est "Les vitesses doivent aller, les freins pour ralentir!", tandis que dans la version américaine, elle n'a pas de slogan. Elle est exprimée par Maria Darling.
*M. Carburettor est le flamboyant propriétaire du circuit de Silver Hatch. Dans la version originale britannique, il parle avec un accent italien prononcé, tandis que son homologue américain a un accent new-yorkais. Sa voiture préférée est la Maxi, qu'il considère comme la plus grande voiture du monde. Il a une dent en or qui scintille au soleil lorsqu'il sourit. Il a un caractère colérique, virant souvent au rouge, faisant sortir de la vapeur de ses oreilles et criant que l'objet de sa colère est de « me faire monter au plafond ! » C'est un perfectionniste qui réprimande parfois Big Chris pour son retard, bien que Marsha couvre souvent Big Chris devant M. Carburettor. M. Carburettor aime souvent regarder ses voitures courir sur la piste, encourageant généralement Maxi, bien qu'il félicite le vainqueur (et non Maxi), quel qu'il soit. Il partage le même slogan que Maxi, "Mamma Mia", et on l'entend souvent chanter de l'opéra. Pour une raison quelconque, M. Carburettor ne peut pas prononcer correctement le nom de Tin Top. Son prénom s'est révélé être Antonio. Il est exprimé par Tim Whitnall.
*Farmer Green est propriétaire de la ferme située juste à côté de la piste de course de Silver Hatch. Il fait souvent signe de la main lorsque les voitures passent à toute allure. Il possède Dinkie l'Âne et aime inventer des biocarburants, qui fonctionnent parfois, mais souvent non. Son slogan britannique est "Vert de nom, vert par nature!", bien que, comme beaucoup d'autres personnages, son homologue américain n'ait pas de slogan. Il est exprimé par Tim Whitnall.
*Mama Mia est la mère de M. Carburettor et la propriétaire de James. Lorsqu'elle a visité Silver Hatch pour la première fois, c'est grâce à Flash qu'elle a apprécié la course (ce qui a entraîné la chute de toutes les voitures, sauf Roary). Aujourd’hui, elle visite régulièrement l’hippodrome. Son slogan est "Home James" et elle parle avec un accent italien. Elle est exprimée par Maria Darling.
*PC Pete est le policier de Silver Hatch et le frère cadet de Marsha. Lorsqu'il voit l'une des voitures de course s'éloigner de la piste, il appelle sa voiture de police, Nick, pour les suivre. Son slogan est "Suivez cette voiture", et il est exprimé par Dominc Frisby.
*L'inspecteur des pistes est un inspecteur anonyme qui vient parfois sur la piste pour se faire faire visiter la piste. Lorsqu'il a visité la piste pour la première fois, les voitures ont traversé la glace à "Skid Slope" et ont commencé à patiner et M. Carburettor a cru que c'était un désastre, mais l'inspecteur n'a pas pensé que c'était grave. Il apparaît plus tard dans "It's Go Go Go at Silver Hatch". Il est exprimé par Dominic Frisby.
*Hugo Amarillo est un concepteur de voitures de course qui est venu un jour sur la piste pour se faire faire visiter. Marsha a le béguin pour lui. Big Chris a réparé Tin Top à temps pour la visite d'Hugo et pendant la visite, lorsque M. Carburettor lui a montré Maxi Racing, ce dernier s'est écrasé et a perdu un pneu, le faisant reculer vers tout le monde et Tin Top s'est précipité pour l'arrêter et a fini par s'écraser. , mais Hugo fut impressionné et décida de concevoir une voiture comme Tin Top. Big Chris, après lui avoir été présenté, dit "Est-ce le chemin vers Hugo Amarillo ?", faisant référence à "Est-ce le chemin vers Amarillo", pour lequel son acteur Peter Kay est connu pour interpréter. Hugo est exprimé par Dominic Firsby.
*Pizza Boy est un garçon qui livre des pizzas à Big Chris comme on le voit dans "Silver Hatch Fun Run". Pizza Boy est de Dominic Firsby.
Personnages animaux
*Flash AKA Furz est un lapin anthropomorphe, qui vit sous un arbre au bord de la piste de « Hare-Pin Bend » (un jeu de « virage en épingle à cheveux »). Il essaie régulièrement de causer des méfaits, depuis de petites choses comme cacher du matériel jusqu'à tenter intentionnellement de provoquer des accidents en déplaçant des cônes de signalisation pour détourner les voitures de course dans le mauvais sens. Flash veut vraiment être un pilote de course et défie souvent les voitures Silver Hatch de courir contre lui alors qu'il chevauche son skateboard très puissant. Lorsque Flash est surpris en train de faire des bêtises, vous entendrez souvent son slogan : "Flash doit se précipiter !" Aux États-Unis, il a plusieurs slogans : "Furz...must fly!" et "Mâche mes carottes!" étant deux problèmes souvent répétés. Il est exprimé par Marc Silk.
*Molecom est une taupe à lunettes que l'on retrouve souvent en train de nettoyer le désordre laissé après que Flash ait tenté de faire des ravages. Étant une taupe, il vit sous terre et creuse souvent, provoquant l'apparition de taupinières à son arrivée. Par une sorte de sixième sens, Molecom ne semble jamais creuser à travers la piste, même si on le voit souvent creuser à travers la zone d'arrêt en béton. Son slogan est "Je suis une taupe avec un rôle". Exprimé par Dominic Frisby.
*Dinkie est un vieil âne gris que l'on voit souvent au bord de la piste de course (et parfois sur celle-ci), avec ses oreilles qui battent après que les voitures passent devant lui. Ses effets vocaux sont interprétés par Tim Whitnall.
Épisodes
Saison 1
Saison 2
Saison 3
Saison 4
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La « falsification de balle » est une activité illégale associée à quel sport ? | Cricket | [
"Le Conseil de cricket d'Angleterre et du Pays de Galles a remboursé aux spectateurs du quatrième jour 40 % du prix de leur billet (après déduction des frais administratifs) et a accordé un remboursement automatique à 100 % à ceux qui avaient des billets pour le cinquième jour. Il a ensuite demandé au Pakistan Cricket Board de prendre en charge les 800 000 £ nécessaires à cette opération, ce que le PCB a refusé de faire. En mars 2007, le PCB et la BCE sont parvenus à un accord selon lequel le Pakistan jouerait un Twenty20 International en Angleterre et renoncerait à ses frais.",
"À la suite du forfait du Pakistan, le capitaine Inzamam a été inculpé et reconnu coupable de \"discréditer le jeu\", bien qu'il ait été innocenté des accusations liées à \"la modification de l'état du ballon\". En janvier 2008, le comité de cricket du Pakistan a demandé au Conseil international de cricket de modifier le résultat officiel en « match abandonné » ou « match nul », au motif qu'il avait ensuite été innocenté de falsification de balle par un tribunal de la CPI. En juillet 2008, l'International Cricket Council (ICC) a changé le résultat du match en match nul, mais en octobre 2008, le Marylebone Cricket Club (MCC) a publié la déclaration suivante : « L'ICC n'a aucun pouvoir, en vertu des lois du cricket, pour décider que les résultats devrait être modifié, qu'il soit jugé « inapproprié » ou non »,"
] | Dans le sport du cricket, la falsification de balle est une action dans laquelle un joueur défensif modifie illégalement l'état de la balle. La principale motivation de la falsification du ballon est d’interférer avec l’aérodynamisme du ballon.
Définition
En vertu de la loi 42, sous-section 3 des lois du cricket, la balle peut être polie sans utiliser de substance artificielle, peut être séchée avec une serviette si elle est mouillée et la boue peut être retirée sous surveillance ; toutes les autres actions qui modifient l'état de la balle sont illégales. Il s'agit généralement de frotter le ballon sur le sol, de l'érafler avec un ongle ou un autre objet pointu, ou de falsifier la couture du ballon.
But
Généralement, le but de modifier l’état de la balle est d’obtenir des conditions de bowling plus favorables. Des exemples de falsification de balle incluent un joueur défensif appliquant une substance, telle qu'un baume à lèvres ou de la salive sucrée, pour faire briller un côté du ballon ou gratter la couture du ballon pour encourager plus de swing. À l’inverse, rendre rugueux un côté de la balle en utilisant une surface abrasive ou coupante (comme des pointes de bottes ou des capsules de bouteilles) constitue également une falsification de la balle.
Modifier une balle légalement
Utiliser du crachat et/ou de la sueur est courant et, pour les pratiquants de swing bowling, fait partie intégrante. L'humidité générée par les crachats ou la sueur, combinée au polissage, lisse la moitié de la balle, ce qui permet à l'air de passer d'un côté de la balle plus rapidement que de l'autre. Lorsqu’il est joué correctement, un quilleur peut faire bouger la balle d’un côté à l’autre dans les airs. En outre, il est courant que les quilleurs frottent la balle contre leurs vêtements pour la sécher ou la polir, comme on le voit dans la plupart des matchs de cricket.
Sanction
Les arbitres sont chargés de surveiller l'état du ballon et doivent l'inspecter régulièrement. Lorsqu'un arbitre juge un joueur défensif coupable de falsification de balle, cinq points de pénalité sont accordés à l'équipe au bâton et la balle doit être immédiatement replacée. La balle remplacée est normalement choisie par les arbitres, auquel cas la balle choisie doit correspondre le plus possible à l'état de la balle précédente (avant falsification). En fonction d'accords supplémentaires conclus avant le début d'une série de matches, les batteurs peuvent être autorisés à choisir la balle parmi une sélection de balles à différents stades d'utilisation.
Un quilleur coupable de falsification de balle peut se voir interdire de continuer à jouer au cours de cette manche s'il s'avère qu'il falsifie la balle à plusieurs reprises. Après la fin du jeu, des sanctions supplémentaires sont généralement imposées à l'encontre d'un trafiquant de balle, car cela est considéré comme une infraction grave. Le capitaine peut être également pénalisé, car il est responsable du comportement de ses joueurs sur le terrain.
Exemples
L'utilisation de substances étrangères pour polir le ballon, bien qu'illégale, est considérée dans certains coins comme relativement courante et passe sans incident ni sanction. Les substances utilisées à cette fin comprennent le gel capillaire, le sucre et le baume à lèvres.
De plus, le fait de cueillir les fils de la couture principale ou de « soulever » le quart de couture pour faciliter respectivement le balancement conventionnel et inversé est considéré comme illégal. La modification du quart de couture peut être particulièrement difficile à détecter ou à prouver.
Cependant, il y a eu un certain nombre de cas très médiatisés de falsification de balle, en particulier dans le cricket international, en raison de l'augmentation de la couverture télévisée. Waqar Younis est devenu le premier joueur à recevoir une suspension pour falsification de ballon après un match en 2000.
Michael Atherton en 1994
Dans l'affaire de la « saleté dans la poche », Michael Atherton, alors capitaine de l'Angleterre, a été accusé de falsification de ballon lors d'un match test contre l'Afrique du Sud à Lord's en 1994 après que des caméras de télévision ont surpris Atherton fouillant dans sa poche puis frottant une substance sur le ballon. Atherton a nié avoir falsifié le ballon, affirmant qu'il avait de la terre dans sa poche qu'il utilisait pour se sécher les mains. Il a également été accusé d'avoir menti à l'arbitre du match. Atherton a été convoqué par l'arbitre du match et a été condamné à une amende de 2 000 £ pour avoir omis de divulguer les informations à l'arbitre du match.
Sachin Tendulkar en 2001
Lors du deuxième match test de la tournée indienne en Afrique du Sud en 2001, à St George's Park, Port Elizabeth, l'arbitre du match Mike Denness a suspendu Sachin Tendulkar pour un match à la lumière d'une prétendue falsification du ballon. Les caméras de télévision ont capté des images suggérant que Tendulkar était impliqué dans l'éraflure de la couture de la balle de cricket. Alors qu'il était en train de retirer le morceau d'herbe coincé dans la couture du ballon, des allégations ont été portées contre lui selon lesquelles il aurait falsifié le ballon.
L'incident s'est intensifié pour inclure des allégations de racisme et a conduit à l'interdiction à Mike Denness d'entrer sur le lieu du troisième match test. L'ICC a révoqué le statut du match en tant que test car les équipes ont rejeté l'arbitre désigné. Les accusations portées contre l'interdiction de Tendulkar et Sehwag pour recours excessif ont déclenché une réaction massive de la part du public indien. ICC a par la suite innocenté Tendulkar des accusations de falsification de balle.
Le Pakistan en août 2006
En 2006, un problème présumé de falsification de ballon a éclipsé un match test entre le Pakistan et l'Angleterre, au cours duquel le Pakistan a refusé de se rendre sur le terrain pour la séance du soir après avoir été pénalisé pour falsification de ballon dans l'après-midi. Les caméras de télévision ont filmé les arbitres en train de discuter de l'état de la couture des quarts. On pense que le Pakistan avait l'intention de protester contre cette décision en retardant son retour après le thé. Cependant, alors qu'il refusait de jouer, les arbitres ont accordé le match à l'Angleterre conformément aux lois du cricket.
La controverse a éclaté lorsque les arbitres, Darrell Hair et Billy Doctrove, ont statué que l'équipe pakistanaise avait été impliquée dans une falsification de ballon. Ils ont accordé cinq points de pénalité à l'Angleterre et une balle de remplacement a été sélectionnée par le batteur anglais Paul Collingwood. Le jeu s'est poursuivi jusqu'à la pause thé, sans aucune protestation pakistanaise. Après la pause thé, l'équipe pakistanaise, après s'être mutuellement confirmée qu'aucune falsification de ballon n'avait eu lieu et avoir pris en considération la gravité de l'implication, a refusé de prendre le terrain. Les arbitres ont ensuite quitté le terrain, ont averti les joueurs pakistanais et sont revenus 15 minutes plus tard. Après avoir attendu encore deux minutes, les arbitres ont retiré les cautions et ont déclaré l'Angleterre vainqueur par forfait. Un accord a été négocié entre les commissions de cricket anglaise et pakistanaise pour permettre au match de se poursuivre, et l'équipe pakistanaise est effectivement revenue sur le terrain 55 minutes après que les arbitres soient arrivés pour la première fois sur le terrain pour la reprise du jeu. Les arbitres Hair et Doctrove ont cependant refusé de continuer le match, maintenant leur décision selon laquelle le Pakistan avait perdu le match en refusant de jouer.
L'impasse s'est poursuivie tard dans la soirée. Le capitaine pakistanais Inzamam ul-Haq a affirmé que Darrell Hair ne l'avait pas informé, lui ou le reste de son équipe, des raisons pour lesquelles le ballon avait été remplacé, et que Hair avait laissé entendre que le Pakistan trichait. À 19h50 UTC, il a finalement été annoncé lors d'une conférence de presse que le test était annulé. Le communiqué de la BCE indique que les arbitres ont attribué le match à l'Angleterre, car le Pakistan a refusé d'entrer sur le terrain après avoir été averti qu'en vertu de la loi 21.3, ne pas le faire entraînerait un forfait pour le match. C’est la première fois qu’un match test est décidé de cette façon.
Le Conseil de cricket d'Angleterre et du Pays de Galles a remboursé aux spectateurs du quatrième jour 40 % du prix de leur billet (après déduction des frais administratifs) et a accordé un remboursement automatique à 100 % à ceux qui avaient des billets pour le cinquième jour. Il a ensuite demandé au Pakistan Cricket Board de prendre en charge les 800 000 £ nécessaires à cette opération, ce que le PCB a refusé de faire. En mars 2007, le PCB et la BCE sont parvenus à un accord selon lequel le Pakistan jouerait un Twenty20 International en Angleterre et renoncerait à ses frais.
À la suite du forfait du Pakistan, le capitaine Inzamam a été inculpé et reconnu coupable de "discréditer le jeu", bien qu'il ait été innocenté des accusations liées à "la modification de l'état du ballon". En janvier 2008, le comité de cricket du Pakistan a demandé au Conseil international de cricket de modifier le résultat officiel en « match abandonné » ou « match nul », au motif qu'il avait ensuite été innocenté de falsification de balle par un tribunal de la CPI. En juillet 2008, l'International Cricket Council (ICC) a changé le résultat du match en match nul, mais en octobre 2008, le Marylebone Cricket Club (MCC) a publié la déclaration suivante : « L'ICC n'a aucun pouvoir, en vertu des lois du cricket, pour décider que les résultats devrait être modifié, qu'il soit jugé « inapproprié » ou non »,
La décision a également provoqué la colère d'anciens joueurs, dont Michael Holding, qui était à l'époque membre du comité de cricket de l'ICC. Holding a estimé que le refus de jouer du Pakistan ne devrait pas rester impuni même s'il n'était pas coupable de falsification de ballon,
"Je viens d'écrire ma lettre de démission au comité de cricket de l'ICC parce que je ne peux pas être d'accord avec ce qu'ils ont fait", a déclaré Holding lors d'un commentaire pour Sky Sports lors d'un match national en Angleterre. "Ce jeu ne devrait jamais être un match nul. Lorsque vous prenez certaines mesures, vous devez être très heureux d'en subir les conséquences."
Le 1er février 2009, l'ICC est revenue sur sa décision antérieure et a modifié le résultat du match en une victoire pour l'Angleterre.
Incident d'Anderson et Broad en 2010
En janvier 2010, les quilleurs anglais Stuart Broad et James Anderson ont été accusés de falsification de balle en frottant la balle sur le sol avec leurs pointes lors du troisième Test Match contre l'Afrique du Sud.
Broad a soutenu que c'était simplement de la paresse, car il faisait 40 degrés Celsius au Cap ce jour-là.
Andrew Flower a déclaré pour sa défense que "le score suggérait qu'il n'y avait manifestement aucune falsification du ballon".
Nasser Hussain, capitaine d'Anderson, a déclaré : "Stuart Broad et James Anderson ont eu tort de se comporter de la manière dont ils l'ont fait et je suis convaincu que si un joueur d'un autre pays avait fait de même, nous aurions dit qu'ils trichaient."
Aucune accusation n'a été formellement portée par l'Afrique du Sud, même si elle a formulé ces accusations lors d'une conférence de presse.
Incident de falsification de balle de Shahid Afridi, 2010
Shahid Afridi, en tant que capitaine pakistanais, a reçu une suspension de deux matches internationaux T20 pour falsification de ballon lors d'un match contre l'Australie en janvier 2010. Il a été filmé en train de mordre la balle de cricket dans une tentative bizarre de réajuster la couture de la balle. . Le ballon a finalement été remplacé. Il a rapporté au Hindustan Times qu'il essayait de sentir le ballon, mais il a plaidé coupable de falsification du ballon.
Australie contre Sri Lanka, 2012
Lors du premier test, le Sri Lanka a informé Chris Broad que Peter Siddle avait peut-être relevé la couture lors des premières manches du Sri Lanka. Peter Siddle a récolté 5/54. Il a ensuite été innocenté par la CPI.
Afrique du Sud contre Pakistan, 2013
Lors de la troisième journée du 2e test, à Dubaï, des caméras ont capturé des images du voltigeur sud-africain Faf du Plessis frottant le ballon contre la fermeture éclair de son pantalon. Les arbitres sur le terrain ont pénalisé l'Afrique du Sud en ajoutant 5 points au total du Pakistan et en changeant le ballon. L'arbitre du match a imposé une amende de 50 % à du Plessis après que le joueur défensif ait plaidé coupable, bien que le manager de l'équipe Mohammad Mosajee ait soutenu que la sanction était "sévère", et l'équipe a décidé de ne pas contester cette conclusion car cela aurait pu conduire à des sanctions plus lourdes. . Malgré le plaidoyer de « culpabilité », le vice-capitaine de l'équipe AB de Villiers a soutenu que « nous ne sommes pas des tricheurs » et le capitaine de l'équipe, Graeme Smith, a nié que leur participation à la falsification du ballon ait entaché la victoire d'égalisation de la série alors que l'Afrique du Sud enregistrait une manche. victoire lors du test de Dubaï, pour égaliser la série 1-1.
Au cours du même match, des images d'un quilleur sud-africain à rythme moyen montrant Vernon Philander grattant apparemment le ballon avec son index ont également été examinées, mais n'ont finalement pas été considérées par l'arbitre du match comme constituant une falsification illégale du ballon.
Afrique du Sud contre Sri Lanka, 2014
Pour la deuxième fois en neuf mois, l'équipe sud-africaine de test s'est retrouvée dans un scandale de falsification de balle, cette fois avec le quilleur de rythme moyen Vernon Philander reconnu coupable de falsification de balle lors de la 3ème journée du test de Galle contre le Sri Lanka en 2014. Philander a été reconnu coupable d'avoir enfreint la clause 42.1 des Lois, en « grattant le ballon avec ses doigts et son pouce », et a été condamné à une amende de 75 % de ses frais de match. L'Afrique du Sud devait continuer et remporter le test par 153 points.
Cet incident fait suite aux spéculations des batteurs d'essai australiens David Warner en février 2014 sur les pratiques de l'équipe sud-africaine consistant à modifier l'état du ballon lors de la tournée australienne en Afrique du Sud. S'adressant à Sky Sports Radio. Warner a commenté l'utilisation plus "évidente" par les joueurs sud-africains de lancer le ballon dans le sol lors des renvois après le match, et l'habitude du gardien de guichet sud-africain AB de Villiers de prendre "le ballon dans sa main et d'essuyer le ballon avec son gant". côté dur à chaque balle. "
Warner a ensuite été condamné à une amende de 15 % de ses frais de match pour les commentaires qu'il a tenus, en vertu d'une violation du code de conduite de la CCI. | http://www.quizballs.com/ |
Au XVIIIe siècle, la Russie a dirigé une coalition qui a vaincu quel pays lors de la Grande Guerre du Nord ? | Suède | [
"Les premiers efforts militaires de Pierre furent dirigés contre les Turcs ottomans. Son attention se tourna alors vers le Nord. Pierre ne disposait toujours pas d'un port maritime sûr au nord, sauf à Archange, sur la mer Blanche, mais le port y était gelé neuf mois par an. L'accès à la Baltique était bloqué par la Suède, dont le territoire l'entourait sur trois côtés. Les ambitions de Peter pour une « fenêtre sur la mer » l'ont amené à conclure une alliance secrète avec la Saxe en 1699, le Commonwealth polono-lituanien et le Danemark contre la Suède, ce qui a abouti à la Grande Guerre du Nord. La guerre prit fin en 1721 lorsque la Suède, épuisée, demanda la paix avec la Russie. Pierre acquit quatre provinces situées au sud et à l'est du golfe de Finlande. L’accès tant convoité à la mer était désormais assuré. Il y construisit la nouvelle capitale de la Russie, Saint-Pétersbourg, pour remplacer Moscou, qui fut longtemps le centre culturel de la Russie. En 1722, il renversa ses aspirations en tant que premier monarque russe pour accroître l'influence russe dans le Caucase et la mer Caspienne au détriment des Perses safavides alors affaiblis. Pour ce faire, il fit d'Astrakhan le centre des efforts militaires contre la Perse et mena la première guerre à grande échelle contre elle en 1722-1723.",
"Afin d'assurer le soutien continu de la noblesse, essentiel à la survie de son gouvernement, Catherine fut obligée de renforcer son autorité et son pouvoir aux dépens des serfs et des autres classes inférieures. Néanmoins, Catherine comprit qu'il fallait mettre fin au servage, allant jusqu'à dire dans son « Instruction » que les serfs étaient « aussi bons que nous » – un commentaire que la noblesse reçut avec dégoût. Catherine a mené avec succès la guerre contre l'Empire ottoman et a avancé la frontière sud de la Russie jusqu'à la mer Noire. Puis, en complotant avec les dirigeants de l'Autriche et de la Prusse, elle a incorporé les territoires du Commonwealth polono-lituanien lors des partitions de la Pologne, repoussant la frontière russe vers l'ouest jusqu'en Europe centrale. Conformément au traité que la Russie avait signé avec les Géorgiens pour les protéger contre toute nouvelle invasion de leurs suzerains perses et de nouvelles aspirations politiques, Catherine mena une nouvelle guerre contre la Perse en 1796 après qu'ils eurent de nouveau envahi la Géorgie et y établirent leur domination environ un an. avant et expulsa les garnisons russes nouvellement établies dans le Caucase. Au moment de sa mort en 1796, la politique expansionniste de Catherine avait fait de la Russie une grande puissance européenne. Cela s'est poursuivi avec l'arrachage par Alexandre Ier de la Finlande au royaume affaibli de Suède en 1809 et de la Bessarabie à la Principauté de Moldavie, cédée par les Ottomans en 1812.",
"Après la défaite suédoise lors de la guerre finlandaise de 1808-1809 et la signature du traité de Fredrikshamn le 17 septembre 1809, la moitié orientale de la Suède, la région qui devint alors la Finlande, fut incorporée à l'Empire russe en tant que grand-duché autonome. Le tsar a finalement fini par diriger la Finlande en tant que monarque semi-constitutionnel par l'intermédiaire du gouverneur général de la Finlande et d'un Sénat peuplé d'autochtones nommé par lui. Cependant, l'empereur n'a jamais explicitement reconnu la Finlande comme un État de droit à part entière, même si ses sujets finlandais en sont venus à considérer le Grand-Duché comme tel."
] | L'Empire russe (également Empire panrusse ou Russie) était un État qui a existé de 1721 jusqu'à son renversement par l'éphémère révolution libérale de février 1917. L'un des plus grands empires de l'histoire du monde, s'étendant sur trois continents, l'Empire russe L’empire n’a été dépassé en termes de superficie que par les empires britannique et mongol. La montée de l’Empire russe s’est produite en association avec le déclin des puissances rivales voisines : l’Empire suédois, le Commonwealth polono-lituanien, la Perse et l’Empire ottoman. Elle joua un rôle majeur en 1812-1814 dans la défaite des ambitions de Napoléon de contrôler l'Europe et s'étendit vers l'ouest et le sud.
La maison des Romanov a dirigé l'Empire russe de 1721 à 1762 et sa branche de cadets d'origine allemande, la maison de Holstein-Gottorp-Romanov, a régné après 1762.
Au début du XIXe siècle, l'Empire russe s'étendait de l'océan Arctique au nord à la mer Noire au sud, de la mer Baltique à l'ouest jusqu'à l'océan Pacifique et (jusqu'en 1867) jusqu'en Alaska en Amérique du Nord. l'est. Avec 125,6 millions de sujets enregistrés lors du recensement de 1897, elle comptait à l'époque la troisième plus grande population au monde, après la Chine Qing et l'Empire britannique. Comme tous les empires, il présentait une grande disparité en termes d’économie, d’origine ethnique et de religion. Il y avait de nombreux éléments dissidents, qui ont lancé de nombreuses rébellions et tentatives d'assassinat ; ils étaient étroitement surveillés par la police secrète et des milliers de personnes étaient exilées en Sibérie.
Économiquement, l'empire était fortement rural, avec une faible productivité sur les grandes propriétés exploitées par les serfs, jusqu'à leur libération en 1861. L'économie s'est lentement industrialisée grâce aux investissements étrangers dans les chemins de fer et les usines. La terre était gouvernée par une noblesse appelée Boyars du Xe au XVIIe siècle, puis par un empereur. Le tsar Ivan III (1462-1505) a jeté les bases de l’empire qui a émergé plus tard. Il tripla le territoire de son État, mit fin à la domination de la Horde d’Or, rénova le Kremlin de Moscou et posa les bases de l’État russe. Le tsar Pierre le Grand (1682-1725) a mené de nombreuses guerres et construit un immense empire qui est devenu une grande puissance européenne. Il a déplacé la capitale de Moscou vers la nouvelle ville modèle de Saint-Pétersbourg et a mené une révolution culturelle qui a remplacé une partie du système social et politique traditionaliste et médiéval par un système moderne, scientifique, orienté vers l'Europe et rationaliste.
Catherine la Grande (1761-1796) a présidé un âge d'or. Elle a rapidement élargi la nation par la conquête, la colonisation et la diplomatie. Elle a poursuivi la politique de modernisation de Pierre le Grand selon les principes de l'Europe occidentale. Le tsar Alexandre II (1855-1881) promeut de nombreuses réformes, la plus spectaculaire étant l'émancipation des 23 millions de serfs en 1861. Sa politique en Europe de l'Est consistait à protéger les chrétiens orthodoxes sous le règne de l'Empire ottoman. Cette implication, en 1914, conduisit à l’entrée de la Russie dans la Première Guerre mondiale aux côtés de la France, de la Grande-Bretagne et de la Serbie, contre les empires allemand, autrichien et ottoman. La Russie était une monarchie absolue jusqu’à la Révolution de 1905, puis est devenue une monarchie constitutionnelle. L’empire s’est effondré pendant la Révolution de février 1917, en grande partie à cause des échecs massifs de sa participation à la Première Guerre mondiale.
Histoire
Bien que l'Empire n'ait été officiellement proclamé que par le tsar Pierre Ier, à la suite du Traité de Nystad (1721), certains historiens diraient qu'il est véritablement né soit lorsqu'Ivan III de Russie a conquis Veliky Novgorod, soit lorsqu'Ivan le Terrible a conquis le Khanat de Kazan. Selon un autre point de vue, le terme Tsardom, utilisé après le couronnement d'Ivan IV en 1547, était déjà un mot russe contemporain pour désigner l'empire, tandis que Pierre le Grand venait de le remplacer par un synonyme latinisé. Peut-être que cette dernière mesure a été prise pour amener l’Europe à reconnaître la Russie comme un pays davantage européen.
Une grande partie de l'expansion de la Russie s'est produite au XVIIe siècle, culminant avec la première colonisation russe du Pacifique au milieu du XVIIe siècle, la guerre russo-polonaise (1654-1667) qui a incorporé l'Ukraine de la rive gauche et la conquête russe de la Sibérie.
XVIIIe siècle
Pierre le Grand (1672-1725)
Pierre Ier le Grand (1672-1725) a introduit l’autocratie en Russie et a joué un rôle majeur dans l’introduction de son pays dans le système étatique européen. Cependant, ce vaste territoire comptait 14 millions d’habitants. Les rendements céréaliers étaient inférieurs à ceux de l’agriculture occidentale, obligeant la quasi-totalité de la population à cultiver. Seul un petit pourcentage vivait en ville. La classe des kholops, proche de celle de l'esclavage, resta une institution majeure en Russie jusqu'en 1723, date à laquelle Pierre Ier transforma les kholops de maison en serfs de maison, les incluant ainsi dans la capitation. Les kholops agricoles russes furent officiellement convertis en serfs au début de 1679.
Les premiers efforts militaires de Pierre furent dirigés contre les Turcs ottomans. Son attention se tourna alors vers le Nord. Pierre ne disposait toujours pas d'un port maritime sûr au nord, sauf à Archange, sur la mer Blanche, mais le port y était gelé neuf mois par an. L'accès à la Baltique était bloqué par la Suède, dont le territoire l'entourait sur trois côtés. Les ambitions de Peter pour une « fenêtre sur la mer » l'ont amené à conclure une alliance secrète avec la Saxe en 1699, le Commonwealth polono-lituanien et le Danemark contre la Suède, ce qui a abouti à la Grande Guerre du Nord. La guerre prit fin en 1721 lorsque la Suède, épuisée, demanda la paix avec la Russie. Pierre acquit quatre provinces situées au sud et à l'est du golfe de Finlande. L’accès tant convoité à la mer était désormais assuré. Il y construisit la nouvelle capitale de la Russie, Saint-Pétersbourg, pour remplacer Moscou, qui fut longtemps le centre culturel de la Russie. En 1722, il renversa ses aspirations en tant que premier monarque russe pour accroître l'influence russe dans le Caucase et la mer Caspienne au détriment des Perses safavides alors affaiblis. Pour ce faire, il fit d'Astrakhan le centre des efforts militaires contre la Perse et mena la première guerre à grande échelle contre elle en 1722-1723.
Peter a réorganisé son gouvernement sur la base des derniers modèles politiques de l’époque, transformant la Russie en un État absolutiste. Il a remplacé l'ancienne Douma boyarde (conseil des nobles) par un Sénat de neuf membres, en fait un conseil d'État suprême. La campagne fut également divisée en nouvelles provinces et districts. Peter a déclaré au Sénat que sa mission était de percevoir les recettes fiscales. Les recettes fiscales ont triplé au cours de son règne. Dans le cadre de la réforme gouvernementale, l'Église orthodoxe a été partiellement intégrée à la structure administrative du pays, ce qui en a fait un outil au service de l'État. Pierre a aboli le patriarcat et l'a remplacé par un organe collectif, le Saint-Synode, dirigé par un fonctionnaire du gouvernement. Entre-temps, tous les vestiges de l’autonomie locale ont été supprimés. Pierre a continué et intensifié l'exigence de ses prédécesseurs en matière de service public pour tous les nobles.
Peter mourut en 1725, laissant une succession instable. Après un court règne de son épouse Catherine Ier, la couronne passa à l'impératrice Anna qui ralentit les réformes et mena une guerre réussie contre l'Empire ottoman, ce qui affaiblit considérablement le vassal ottoman du Khanat de Crimée, un adversaire de longue date de la Russie.
Le mécontentement suscité par les positions dominantes des Allemands baltes dans la politique russe a amené la fille de Pierre Ier, Elizabeth, sur le trône de Russie. Elizabeth a soutenu les arts, l'architecture et les sciences (par exemple avec la fondation de l'Université de Moscou). Cependant, elle n’a pas mené de réformes structurelles significatives. Son règne, qui dura près de 20 ans, est également connu pour son implication dans la guerre de Sept Ans. Ce fut un succès militaire pour la Russie, mais un échec politique.
Catherine la Grande (1762-1796)
Catherine la Grande était une princesse allemande qui épousa Pierre III, l'héritier allemand de la couronne russe. Après la mort de l'impératrice Elizabeth, elle accède au pouvoir, lorsque son coup d'État contre son impopulaire mari réussit. Elle a contribué au renouveau de la noblesse russe amorcé après la mort de Pierre le Grand. Le service de l'État fut aboli et Catherine ravit davantage les nobles en leur confiant la plupart des fonctions étatiques dans les provinces.
Catherine la Grande a étendu le contrôle politique russe sur les terres du Commonwealth polono-lituanien. Ses actions comprenaient le soutien de la Confédération de Targowica, bien que le coût de ses campagnes, en plus du système social oppressif qui obligeait les serfs à passer presque tout leur temps à travailler sur les terres de leurs propriétaires, ait provoqué un soulèvement paysan majeur en 1773, après Catherine a légalisé la vente de serfs séparés des terres. Inspirés par un cosaque nommé Pougatchev, avec le cri emphatique de « Pendez tous les propriétaires ! », les rebelles ont menacé de prendre Moscou avant d'être impitoyablement réprimés. Au lieu de la punition traditionnelle consistant à être écartelé et écartelé, Catherine a donné des instructions secrètes selon lesquelles le bourreau devrait exécuter la sentence rapidement et avec un minimum de souffrance, dans le cadre de ses efforts pour introduire la compassion dans la loi. Elle a également ordonné le procès public de Daria Nikolaïevna Saltykova, membre de la plus haute noblesse, pour torture et meurtre. Ces gestes de compassion ont attiré à Catherine beaucoup d'attention positive de la part de l'Europe du siècle des Lumières, mais le spectre de la révolution et du désordre a continué à la hanter, elle et ses successeurs.
Afin d'assurer le soutien continu de la noblesse, essentiel à la survie de son gouvernement, Catherine fut obligée de renforcer son autorité et son pouvoir aux dépens des serfs et des autres classes inférieures. Néanmoins, Catherine comprit qu'il fallait mettre fin au servage, allant jusqu'à dire dans son « Instruction » que les serfs étaient « aussi bons que nous » – un commentaire que la noblesse reçut avec dégoût. Catherine a mené avec succès la guerre contre l'Empire ottoman et a avancé la frontière sud de la Russie jusqu'à la mer Noire. Puis, en complotant avec les dirigeants de l'Autriche et de la Prusse, elle a incorporé les territoires du Commonwealth polono-lituanien lors des partitions de la Pologne, repoussant la frontière russe vers l'ouest jusqu'en Europe centrale. Conformément au traité que la Russie avait signé avec les Géorgiens pour les protéger contre toute nouvelle invasion de leurs suzerains perses et de nouvelles aspirations politiques, Catherine mena une nouvelle guerre contre la Perse en 1796 après qu'ils eurent de nouveau envahi la Géorgie et y établirent leur domination environ un an. avant et expulsa les garnisons russes nouvellement établies dans le Caucase. Au moment de sa mort en 1796, la politique expansionniste de Catherine avait fait de la Russie une grande puissance européenne. Cela s'est poursuivi avec l'arrachage par Alexandre Ier de la Finlande au royaume affaibli de Suède en 1809 et de la Bessarabie à la Principauté de Moldavie, cédée par les Ottomans en 1812.
Budget de l'État
La Russie était dans une situation de crise financière continue. Alors que les recettes passèrent de 9 millions de roubles en 1724 à 40 millions en 1794, les dépenses augmentèrent plus rapidement, atteignant 49 millions en 1794. Le budget allouait 46 pour cent à l'armée, 20 pour cent aux activités économiques du gouvernement, 12 pour cent à l'administration et 9 pour cent à l'administration. pour la cour impériale de Saint-Pétersbourg. Le déficit a nécessité des emprunts, principalement auprès d'Amsterdam ; cinq pour cent du budget ont été alloués au remboursement de la dette. Le papier-monnaie était émis pour financer des guerres coûteuses, provoquant ainsi l’inflation. Pour ses dépenses, la Russie obtint une armée nombreuse et glorieuse, une bureaucratie très nombreuse et complexe et une cour splendide qui rivalisait avec Paris et Londres. Cependant, le gouvernement vivait bien au-dessus de ses moyens et la Russie du XVIIIe siècle restait « un pays pauvre, arriéré, majoritairement agricole et illettré ».
Première moitié du XIXe siècle
Napoléon a commis une erreur majeure lorsque, à la suite d'un différend avec le tsar Alexandre Ier, il a lancé une invasion de la Russie en 1812. La campagne a été une catastrophe. Même si la Grande Armée de Napoléon s'est dirigée vers Moscou, la stratégie de la terre brûlée des Russes a empêché les envahisseurs de vivre de ce pays. Au cours du rude hiver russe, des milliers de soldats français ont été pris en embuscade et tués par des guérilleros paysans. Alors que les forces de Napoléon se retiraient, les troupes russes les poursuivirent en Europe centrale et occidentale et jusqu'aux portes de Paris. Après la défaite de Napoléon par la Russie et ses alliés, Alexandre devint connu comme le « sauveur de l'Europe » et il présida au redessinage de la carte de l'Europe au Congrès de Vienne (1815), qui fit finalement d'Alexandre le monarque du Congrès de Pologne.
Même si l’Empire russe allait jouer un rôle politique de premier plan au cours du siècle suivant, grâce à sa défaite contre la France napoléonienne, le maintien du servage empêchait tout progrès économique significatif. Alors que la croissance économique de l’Europe de l’Ouest s’accélérait au cours de la révolution industrielle, la Russie commençait à prendre de plus en plus de retard, créant de nouvelles faiblesses pour l’Empire qui cherchait à jouer un rôle de grande puissance. Ce statut masquait l'inefficacité de son gouvernement, l'isolement de sa population et son retard économique. Après la défaite de Napoléon, Alexandre Ier était prêt à discuter de réformes constitutionnelles, mais même si quelques-unes furent introduites, aucun changement majeur ne fut tenté.
Le tsar libéral fut remplacé par son jeune frère Nicolas Ier (1825-1855), qui, au début de son règne, fut confronté à un soulèvement. Le contexte de cette révolte remonte aux guerres napoléoniennes, lorsqu'un certain nombre d'officiers russes bien éduqués voyageaient en Europe au cours de campagnes militaires, où leur exposition au libéralisme de l'Europe occidentale les encourageait à rechercher le changement à leur retour dans la Russie autocratique. . Le résultat fut la révolte des décembristes (décembre 1825), l'œuvre d'un petit cercle de nobles libéraux et d'officiers de l'armée qui voulaient installer le frère de Nicolas comme monarque constitutionnel. Mais la révolte fut facilement écrasée, ce qui conduisit Nicolas à se détourner du programme de modernisation lancé par Pierre le Grand et à défendre la doctrine de l'orthodoxie, de l'autocratie et de la nationalité.
Les représailles à la révolte ont fait du « 14 décembre » une journée dont les mouvements révolutionnaires ultérieurs se souviendront longtemps. Afin de réprimer de nouvelles révoltes, la censure a été intensifiée, y compris la surveillance constante des écoles et des universités. Les manuels scolaires étaient strictement réglementés par le gouvernement. Des espions de la police étaient postés partout. Les révolutionnaires potentiels furent envoyés en Sibérie – sous Nicolas Ier, des centaines de milliers de personnes y furent envoyées à Katorga.
Après que les armées russes aient libéré la Géorgie alliée (depuis le Traité de Georgievsk de 1783) de l'occupation de la dynastie Qajar en 1802, lors de la guerre russo-persane (1804-1813), elles se sont affrontées avec la Perse pour le contrôle et la consolidation de la Géorgie et se sont également impliquées dans la guerre du Caucase contre l'imamat du Caucase. La conclusion de la guerre de 1804-1813 avec la Perse l’obligea à céder irrévocablement ce qui est aujourd’hui le Daghestan, la Géorgie et la majeure partie de l’Azerbaïdjan à la Russie suite au Traité du Goulistan. Au sud-ouest, la Russie a tenté de s’étendre aux dépens de l’Empire ottoman, en utilisant la Géorgie récemment acquise comme base pour le front du Caucase et de l’Anatolie. La fin des années 1820 fut une année militaire couronnée de succès. Bien qu'elle ait perdu presque tous les territoires récemment consolidés au cours de la première année de la guerre russo-persane de 1826-1828, la Russie a réussi à mettre fin à la guerre avec des conditions très favorables grâce au Traité de Turkmenchay, y compris les gains officiels de ce qui est aujourd'hui l'Arménie. , l'Azerbaïdjan et la province d'Iğdır. Lors de la guerre russo-turque de 1828-1829, la Russie envahit le nord-est de l'Anatolie et occupa les villes stratégiques ottomanes d'Erzurum et de Gümüşhane et, se faisant passer pour la protectrice et le sauveur de la population grecque orthodoxe, reçut un large soutien de la part des Grecs pontiques de la région. Après une brève occupation, l’armée impériale russe se replie en Géorgie.
Les tsars russes ont également dû faire face à deux soulèvements dans leurs territoires nouvellement acquis du Commonwealth polono-lituanien : le soulèvement de novembre en 1830 et le soulèvement de janvier en 1863.
La question de l'orientation de la Russie a retenu l'attention depuis le programme de modernisation de Pierre le Grand. Certains étaient favorables à l’imitation de l’Europe occidentale, tandis que d’autres s’y opposaient et appelaient à un retour aux traditions du passé. Cette dernière voie était défendue par les slavophiles, qui méprisaient l’Occident « décadent ». Les slavophiles étaient des opposants à la bureaucratie qui préféraient le collectivisme de l'obshchina russe médiévale ou mir à l'individualisme de l'Occident. Des doctrines sociales plus extrêmes ont été élaborées par des radicaux russes de gauche comme Alexandre Herzen, Mikhaïl Bakounine et Pierre Kropotkine.
Deuxième moitié du XIXe siècle
Le tsar Nicolas est mort alors que sa philosophie était fortement contestée. Un an plus tôt, la Russie était impliquée dans la guerre de Crimée, un conflit mené principalement dans la péninsule de Crimée et, dans une moindre mesure, dans la Baltique. Depuis qu'elle a joué un rôle majeur dans la défaite de Napoléon, la Russie était considérée comme militairement invincible, mais, une fois opposée à une coalition des grandes puissances européennes, les revers qu'elle a subis sur terre et sur mer ont révélé la décadence et la faiblesse du régime du tsar Nicolas. régime.
Lorsque le tsar Alexandre II monta sur le trône en 1855, le désir de réforme était répandu. Un mouvement humanitaire croissant a critiqué le servage comme étant inefficace. En 1859, il y avait plus de 23 millions de serfs vivant dans des conditions de vie généralement médiocres. Alexandre II a décidé d'abolir le servage par le haut, avec de larges dispositions pour les propriétaires fonciers, plutôt que d'attendre qu'il soit aboli par le bas d'une manière révolutionnaire qui nuirait aux propriétaires fonciers.
La réforme d’émancipation de 1861 qui a libéré les serfs a été l’événement le plus important de l’histoire russe du XIXe siècle. Ce fut le début de la fin du monopole du pouvoir de l’aristocratie foncière. L'émancipation apporta une main d'œuvre gratuite aux villes, l'industrie fut stimulée et la classe moyenne grandit en nombre et en influence. Cependant, au lieu de recevoir leurs terres en cadeau, les paysans libérés devaient payer un impôt spécial pour le montant de leur vie au gouvernement, qui à son tour versait aux propriétaires un prix généreux pour les terres qu'ils avaient perdues. Dans de nombreux cas, les paysans se sont retrouvés avec la plus petite superficie de terre. Tous les biens cédés aux paysans appartenaient collectivement au mir, la communauté villageoise, qui répartissait les terres entre les paysans et supervisait les différentes exploitations. Bien que le servage ait été aboli, puisque son abolition s'est faite dans des conditions défavorables aux paysans, les tensions révolutionnaires ne se sont pas apaisées, malgré les intentions d'Alexandre II. Les révolutionnaires pensaient que les serfs nouvellement libérés étaient simplement vendus comme esclaves salariés au début de la révolution industrielle et que la bourgeoisie avait effectivement remplacé les propriétaires fonciers.
Alexandre II obtint la Mandchourie extérieure de la Chine Qing entre 1858 et 1860 et vendit les derniers territoires de l'Amérique russe, l'Alaska, aux États-Unis en 1867.
À la fin des années 1870, la Russie et l’Empire ottoman s’affrontent à nouveau dans les Balkans. De 1875 à 1877, la crise balkanique s'est intensifiée avec les rébellions contre la domination ottomane de diverses nationalités slaves, dominées par les Turcs ottomans depuis le XVIe siècle. Cela a été considéré comme un risque politique en Russie, qui a également réprimé les musulmans en Asie centrale et dans le Caucase. L’opinion nationaliste russe est devenue un facteur national majeur dans son soutien à la libération des chrétiens des Balkans de la domination ottomane et à l’indépendance de la Bulgarie et de la Serbie. Au début de 1877, la Russie intervint au nom des forces volontaires serbes et russes dans la guerre russo-turque (1877-1878). En moins d’un an, les troupes russes approchaient d’Istanbul et les Ottomans se rendirent. Les diplomates et généraux nationalistes russes persuadèrent Alexandre II de forcer les Ottomans à signer le traité de San Stefano en mars 1878, créant ainsi une Bulgarie élargie et indépendante qui s'étendait jusqu'au sud-ouest des Balkans. Lorsque la Grande-Bretagne a menacé de déclarer la guerre à cause des termes du Traité de San Stefano, la Russie, épuisée, a fait marche arrière. Lors du Congrès de Berlin en juillet 1878, la Russie accepta la création d’une Bulgarie plus petite, en tant que principauté autonome au sein de l’Empire ottoman. En conséquence, les panslavistes se sont retrouvés avec un héritage d’amertume contre l’Autriche-Hongrie et l’Allemagne pour leur échec à soutenir la Russie. La déception face aux résultats de la guerre a stimulé les tensions révolutionnaires dans le pays. Cependant, il a aidé la Serbie, la Roumanie et le Monténégro à obtenir leur indépendance et à se renforcer contre les Ottomans.
Un autre résultat important de la guerre russo-turque de 1877-1878 en faveur de la Russie fut l'acquisition auprès des Ottomans des provinces de Batoumi, Ardahan et Kars en Transcaucasie, qui furent transformées en régions militairement administrées de l'oblast de Batoumi et de l'oblast de Kars. Pour remplacer les réfugiés musulmans qui avaient traversé la nouvelle frontière vers le territoire ottoman, les autorités russes ont installé dans l'oblast de Kars un grand nombre de chrétiens issus de communautés ethniquement diverses, en particulier les Géorgiens orthodoxes grecs et les Grecs du Caucase, ainsi que les chrétiens, mais principalement les Arméniens (qui étaient membres de l’Église apostolique arménienne), chacun espérant réaliser ses propres ambitions régionales sur le dos de l’Empire russe.
Après l'assassinat d'Alexandre par la Narodnaya Volya, une organisation terroriste nihiliste, en 1881, le trône passa à son fils, Alexandre III (1881-1894), un réactionnaire qui fit revivre la maxime « Orthodoxie, autocratie et nationalité » de Nicolas Ier. Slavophile convaincu, Alexandre III pensait que la Russie ne pouvait être sauvée des troubles qu’en se mettant à l’écart des influences subversives de l’Europe occidentale. Durant son règne, la Russie déclara l'Alliance franco-russe destinée à contenir la puissance croissante de l'Allemagne, acheva la conquête de l'Asie centrale et exigea des Qing d'importantes concessions territoriales et commerciales.
Le conseiller le plus influent du tsar fut Konstantin Pobedonostsev, précepteur d'Alexandre III et de son fils Nicolas, et procureur du Saint-Synode de 1880 à 1895. Il enseigna à ses élèves royaux à craindre la liberté d'expression et de la presse, ainsi qu'à détester la démocratie, les constitutions, et le système parlementaire. Sous Pobedonostsev, les révolutionnaires furent persécutés et une politique de russification fut menée dans tout l'Empire.
Début du XXe siècle
En 1894, Alexandre III fut remplacé par son fils, Nicolas II, qui s'était engagé à conserver l'autocratie que son père lui avait léguée. La révolution industrielle a commencé à exercer une influence significative en Russie. Les éléments libéraux parmi les capitalistes industriels et la noblesse croyaient en une réforme sociale pacifique et une monarchie constitutionnelle, formant le Parti Démocratique Constitutionnel ou Kadets. Le Parti socialiste révolutionnaire (SR) a incorporé la tradition populiste et prôné la répartition de la terre entre ceux qui la travaillaient réellement : les paysans. Un autre groupe radical était le Parti travailliste social-démocrate russe, représentant du marxisme en Russie. Les sociaux-démocrates différaient des SR en ce sens qu'ils pensaient qu'une révolution devait s'appuyer sur les travailleurs urbains et non sur la paysannerie.
En 1903, lors du 2e congrès du Parti travailliste social-démocrate russe à Londres, le parti se scinde en deux ailes : les mencheviks progressistes et les bolcheviks plus radicaux. Les mencheviks pensaient que la classe ouvrière russe n’était pas suffisamment développée et que le socialisme ne pourrait être réalisé qu’après une période de régime démocratique bourgeois. Ils ont donc eu tendance à s’allier aux forces du libéralisme bourgeois. Les bolcheviks, sous Vladimir Lénine, soutenaient l'idée de former une petite élite de révolutionnaires professionnels, soumis à une forte discipline de parti, pour agir comme l'avant-garde du prolétariat afin de s'emparer du pouvoir par la force.
La défaite lors de la guerre russo-japonaise (1904-1905) fut un coup dur pour le régime tsariste et augmenta encore le risque de troubles. En janvier 1905, un incident connu sous le nom de « Dimanche sanglant » s'est produit lorsque le père Georgy Gapon a conduit une foule immense au Palais d'Hiver de Saint-Pétersbourg pour présenter une pétition au tsar. Lorsque le cortège a atteint le palais, les soldats ont ouvert le feu sur la foule, tuant des centaines de personnes. Les masses russes étaient si furieuses du massacre qu'une grève générale fut déclarée pour exiger une république démocratique. Cela marqua le début de la Révolution de 1905. Des soviets (conseils ouvriers) apparurent dans la plupart des villes pour diriger l’activité révolutionnaire. La Russie était paralysée et le gouvernement désespéré.
En octobre 1905, Nicolas publia à contrecœur le célèbre Manifeste d'Octobre, qui concédait la création d'une Douma nationale (législature) devant être convoquée sans délai. Le droit de vote fut étendu et aucune loi ne deviendrait définitive sans confirmation par la Douma. Les groupes modérés étaient satisfaits. Mais les socialistes rejetèrent les concessions, les jugeant insuffisantes, et tentèrent d'organiser de nouvelles grèves. À la fin de 1905, la désunion régnait parmi les réformateurs et la position du tsar se renforçait pour le moment.
En 1904, Nicolas et sa femme, la tsarine Alexandra, après avoir eu quatre filles, eurent finalement un fils, Alexeï Nikolaïevitch, tsarévitch de Russie. Cependant, Alexei a hérité d'Alexandra (qui était une petite-fille de la reine Victoria d'Angleterre) de l'hémophilie, une maladie génétique qui avait touché de nombreux autres descendants royaux européens de la reine. La maladie d'Alexei a conduit à l'étonnante ascension à la cour du paysan sibérien semi-illettré Grigori Raspoutine, dont on disait qu'il avait des pouvoirs de guérison pour l'héritier du trône. Avec le temps, il aurait une influence croissante sur la cour, en particulier sur la mystique Alexandra.
Guerre, révolution, effondrement
Le tsar Nicolas II et ses sujets sont entrés dans la Première Guerre mondiale avec enthousiasme et patriotisme, avec comme principal cri de guerre la défense des compatriotes slaves orthodoxes de Russie, les Serbes. En août 1914, l'armée russe envahit la province allemande de Prusse orientale et occupa une partie importante de la Galice sous contrôle autrichien pour soutenir les Serbes et leurs alliés – les Français et les Britanniques. Cependant, les revers militaires et les pénuries au sein de la population civile ont rapidement aigri une grande partie de la population. Le contrôle allemand de la mer Baltique et le contrôle germano-ottoman de la mer Noire ont coupé la Russie de la plupart de ses approvisionnements étrangers et de ses marchés potentiels.
Au milieu de 1915, l’impact de la guerre était démoralisant. La nourriture et le carburant manquaient, le nombre de victimes augmentait et l'inflation montait. Les grèves se sont multipliées parmi les ouvriers d'usines à bas salaire et, selon certaines informations, les paysans, qui voulaient des réformes de la propriété foncière, étaient agités. Le tsar décide finalement de prendre personnellement le commandement de l'armée et part au front, laissant Alexandra aux commandes de la capitale. Alexandra, à son tour, s’est fortement appuyée sur Raspoutine. L'assassinat de Raspoutine fin 1916 par une clique de nobles mit fin au scandale mais ne rétablit pas le prestige perdu de l'autocratie.
Le 3 mars 1917, une grève est organisée dans une usine de la capitale, Saint-Pétersbourg ; en une semaine, presque tous les ouvriers de la ville étaient inactifs et des combats de rue éclatèrent.
Le système tsariste a été renversé par la révolution libérale de février 1917. Rabinowitch affirme : « La révolution de février 1917... est née de l'instabilité politique et économique d'avant-guerre, du retard technologique et des divisions sociales fondamentales, associées à une mauvaise gestion flagrante de l'effort de guerre. défaites militaires continues, bouleversements économiques nationaux et scandales scandaleux entourant la monarchie.
Swain dit : « Le premier gouvernement formé après la révolution de février 1917 avait, à une exception près, été composé de libéraux. » Son autorité étant détruite, Nicolas abdiqua le 2 mars 1917. L'exécution de la famille Romanov par les bolcheviks suivit en 1918.
Territoire
Frontières
Les frontières administratives de la Russie européenne, à l'exception de la Finlande et de sa partie de la Pologne, coïncidaient approximativement avec les limites naturelles des plaines d'Europe de l'Est. Au Nord, il rencontra l'océan Arctique. Novaya Zemlya et les îles Kolguyev et Vaygach en faisaient également partie, mais la mer de Kara était rattachée à la Sibérie. À l'est, elle comprenait les territoires asiatiques de l'Empire, la Sibérie et les steppes kirghizes, dont elle était séparée par les montagnes de l'Oural, le fleuve Oural et la mer Caspienne ; la frontière administrative s'étendait toutefois en partie vers l'Asie du côté Versant sibérien de l'Oural. Au sud, il y avait la mer Noire et le Caucase, séparés de ce dernier par la dépression du fleuve Manych, qui, à l'époque post-pliocène, reliait la mer d'Azov à la Caspienne. La frontière ouest était purement conventionnelle : elle traversait la péninsule de Kola, du Varangerfjord au golfe de Botnie. De là, il courait jusqu'à la lagune de Courlande dans le sud de la mer Baltique, et de là jusqu'à l'embouchure du Danube, prenant un grand mouvement circulaire vers l'ouest pour embrasser la Pologne et séparer la Russie de la Prusse, de la Galicie autrichienne et de la Roumanie.
La particularité de la Russie est qu'elle dispose de peu de débouchés gratuits vers le large, en dehors des côtes glacées de l'océan Arctique. Les profondes échancrures des golfes de Botnie et de Finlande étaient entourées d'un territoire ethniquement finlandais, et ce n'est qu'à l'extrémité même de ce dernier golfe que les Russes avaient pris pied en érigeant leur capitale à l'embouchure de la Neva. Le golfe de Riga et la Baltique appartiennent également à un territoire qui n'était pas habité par des Slaves, mais par des peuples baltes et finlandais et par des Allemands. La côte orientale de la mer Noire appartenait à la Transcaucasie, une grande chaîne de montagnes la séparant de la Russie. Mais même cette nappe d'eau est une mer intérieure dont le seul débouché, le Bosphore, était aux mains des étrangers, tandis que la Caspienne, immense lac peu profond, bordé en grande partie par des déserts, possédait plus d'importance comme lien entre la Russie et ses pays asiatiques. colonies plutôt que comme moyen de relations sexuelles avec d’autres pays.
Géographie
À la fin du 19ème siècle, la taille de l'empire était d'environ 2 240 000 km2, soit près du sixième de la masse continentale de la Terre ; son seul rival en termes de taille à l'époque était l'Empire britannique. Cependant, à cette époque, la majorité de la population vivait en Russie européenne. Plus de 100 groupes ethniques différents vivaient dans l’Empire russe, les Russes représentant environ 45 % de la population.
Développement territorial
En plus de la quasi-totalité du territoire de la Russie moderne, avant 1917, l'Empire russe comprenait la majeure partie de l'Ukraine du Dniepr, la Biélorussie, la Bessarabie, le Grand-Duché de Finlande, l'Arménie, l'Azerbaïdjan, la Géorgie (y compris Samegrelo), les États d'Asie centrale du Turkestan russe. , la plupart des gouvernorats baltes, ainsi qu'une partie importante du Royaume de Pologne et d'Ardahan, Artvin, Iğdır, Kars et la partie nord-est des provinces d'Erzurum de l'Empire ottoman.
Entre 1742 et 1867, l’Alaska, sous administration russe, était une colonie. La société russo-américaine a également établi des colonies à Hawaï, notamment à Fort Elizabeth (1817) et aussi loin au sud de l'Amérique du Nord que la colonie de Fort Ross (créée en 1812) dans le comté de Sonoma, en Californie, juste au nord de San Francisco. Fort Ross et la Russian River en Californie doivent leur nom aux colons russes, qui avaient revendiqué une région revendiquée jusqu'en 1821 par les Espagnols comme faisant partie de la Nouvelle-Espagne.
Après la défaite suédoise lors de la guerre finlandaise de 1808-1809 et la signature du traité de Fredrikshamn le 17 septembre 1809, la moitié orientale de la Suède, la région qui devint alors la Finlande, fut incorporée à l'Empire russe en tant que grand-duché autonome. Le tsar a finalement fini par diriger la Finlande en tant que monarque semi-constitutionnel par l'intermédiaire du gouverneur général de la Finlande et d'un Sénat peuplé d'autochtones nommé par lui. Cependant, l'empereur n'a jamais explicitement reconnu la Finlande comme un État de droit à part entière, même si ses sujets finlandais en sont venus à considérer le Grand-Duché comme tel.
Au lendemain de la guerre russo-turque de 1806-1812 et du Traité de Bucarest qui suivit (1812), les parties orientales de la Principauté de Moldavie, un État vassal ottoman, ainsi que certaines zones autrefois sous domination ottomane directe, passèrent sous la domination de l'Empire. Cette zone (la Bessarabie) était l'une des dernières extensions territoriales de l'Empire russe en Europe. Au Congrès de Vienne (1815), la Russie acquit la souveraineté sur la Pologne du Congrès, qui sur le papier était un royaume autonome en union personnelle avec la Russie. Cependant, cette autonomie fut érodée après un soulèvement en 1831, et fut finalement abolie en 1867.
Saint-Pétersbourg étendit et consolida progressivement son contrôle sur le Caucase au cours du XIXe siècle aux dépens de la Perse jusqu'au | http://www.quizballs.com/ |
Dans quelle étendue d'eau se trouve le Royaume de Bahreïn ? | golfe Persique | [
"Bahreïn (; ), officiellement le Royaume de Bahreïn ( '), est un pays insulaire situé près des rives occidentales du golfe Persique au Moyen-Orient. C'est un archipel dont l'île de Bahreïn, la plus grande masse terrestre, mesure 55 km de long sur 18 km de large. L'Arabie Saoudite se trouve à l'ouest et est reliée à Bahreïn par la Chaussée du Roi Fahd, tandis que l'Iran se trouve à 200 km au nord, à travers le golfe Persique. La péninsule du Qatar se trouve au sud-est, à travers le golfe de Bahreïn. La population en 2010 s'élevait à 1 234 571 habitants, dont 666 172 non-ressortissants.",
"Bahreïn a eu la première économie post-pétrolière du golfe Persique. Depuis la fin du XXe siècle, Bahreïn a investi dans les secteurs bancaire et touristique. La capitale du pays, Manama, abrite de nombreuses grandes structures financières. Bahreïn a un indice de développement humain élevé et a été reconnu par la Banque mondiale comme une économie à revenus élevés.",
"Aujourd'hui, les « deux mers » de Bahreïn sont généralement considérées comme la baie à l'est et à l'ouest de l'île, les mers au nord et au sud de l'île, ou encore l'eau salée et l'eau douce présentes au-dessus et au-dessous du sol. En plus des puits, il existe des zones de la mer au nord de Bahreïn où l'eau douce bouillonne au milieu de l'eau salée, comme le constatent les visiteurs depuis l'Antiquité. Une théorie alternative concernant la toponymie de Bahreïn est proposée par la région d'al-Ahsa, qui suggère que les deux mers étaient le Grand Océan Vert (le golfe Persique) et un lac paisible sur le continent arabe. Une autre supposition d'al-Jawahari suggère que le nom plus formel Bahri (lit. « appartenant à la mer ») aurait été mal compris et a donc été rejeté.",
"Du VIe au IIIe siècle avant JC, Bahreïn faisait partie de l’empire perse dirigé par la dynastie achéménienne. Vers 250 avant JC, la Parthie prit le contrôle du golfe Persique et étendit son influence jusqu'à Oman. Les Parthes établirent des garnisons le long de la côte sud du golfe Persique pour contrôler les routes commerciales.",
"À l'époque classique, les Grecs de l'Antiquité appelaient Bahreïn Tylos, le centre du commerce des perles, lorsque l'amiral grec Nearchus, servant sous Alexandre le Grand, débarqua à Bahreïn. On pense que Nearchus fut le premier des commandants d'Alexandre à visiter l'île et qu'il y trouva une terre verdoyante qui faisait partie d'un vaste réseau commercial ; il rapporte : « Que sur l'île de Tylos, située dans le golfe Persique, se trouvent de grandes plantations de cotonniers, à partir desquels sont fabriqués des vêtements appelés sindones, de degrés de valeur très différents, les uns étant coûteux, les autres moins chers. Leur utilisation ne se limite pas à l’Inde, mais s’étend à l’Arabie. » L'historien grec Théophraste affirme qu'une grande partie de Bahreïn était couverte de ces cotonniers et que Bahreïn était célèbre pour exporter des cannes gravées avec des emblèmes qui étaient habituellement portés à Babylone.",
"L'historien grec Strabon pensait que les Phéniciens étaient originaires de Bahreïn. Hérodote croyait également que la patrie des Phéniciens était Bahreïn. Cette théorie a été acceptée par le classique allemand du XIXe siècle Arnold Heeren qui a déclaré que : « Chez les géographes grecs, par exemple, nous lisons parler de deux îles, nommées Tyrus ou Tylos, et Arad, Bahreïn, qui se vantaient d'être la mère patrie. des Phéniciens et a exposé des reliques de temples phéniciens. Les habitants de Tyr en particulier ont longtemps maintenu leurs origines dans le golfe Persique, et la similitude des mots « Tylos » et « Tyr » a été commentée. Cependant, il existe peu de preuves d'un quelconque établissement humain à Bahreïn à l'époque où une telle migration était censée avoir eu lieu.",
"En 1521, les Portugais s'allièrent à Ormuz et s'emparèrent de Bahreïn au dirigeant de Jabrid, Migrin ibn Zamil, qui fut tué lors de la prise de contrôle. La domination portugaise a duré environ 80 ans, période pendant laquelle ils ont dépendu principalement des gouverneurs sunnites persans. Les Portugais ont été expulsés des îles en 1602 par Abbas Ier de la dynastie safavide de Perse, ce qui a donné une impulsion à l'islam chiite. Pendant les deux siècles suivants, les dirigeants perses conservèrent le contrôle de l'archipel, interrompu par les invasions de 1717 et 1738 des Ibadhis d'Oman. Pendant la majeure partie de cette période, ils ont eu recours à un gouvernement indirect de Bahreïn, soit par l’intermédiaire de la ville de Bouchehr, soit par l’intermédiaire de clans arabes sunnites immigrés. Ces dernières étaient des tribus revenant du côté arabe du golfe Persique depuis les territoires perses du nord et connues sous le nom de Huwala (littéralement : ceux qui ont changé ou déménagé). En 1753, le clan Huwala de Nasr Al-Madhkur envahit Bahreïn au nom du chef iranien Zand Karim Khan Zand et rétablit la domination iranienne directe.",
"Les troubles parmi la population de Bahreïn ont commencé lorsque la Grande-Bretagne a officiellement établi sa domination totale sur le territoire en 1892. La première révolte et soulèvement généralisé a eu lieu en mars 1895 contre Cheikh Issa bin Ali, alors dirigeant de Bahreïn. Cheikh Issa a été le premier des Al Khalifa à gouverner sans relations perses. Sir Arnold Wilson, représentant de la Grande-Bretagne dans le golfe Persique et auteur de The Persique Golfe, arrivait à Bahreïn en provenance de Mascate à cette époque. Le soulèvement s'est encore développé avec la mort de certains manifestants par les forces britanniques.",
"En 1911, un groupe de marchands bahreïnites exigea des restrictions sur l’influence britannique dans le pays. Les dirigeants du groupe ont ensuite été arrêtés et exilés en Inde. En 1923, les Britanniques introduisirent des réformes administratives et remplaçèrent Cheikh Issa bin Ali par son fils. Certains opposants religieux et familles comme al Dossari sont partis ou ont été exilés en Arabie Saoudite et en Iran. Trois ans plus tard, les Britanniques placèrent le pays sous le règne de facto de Charles Belgrave, qui fut conseiller du souverain jusqu'en 1957. Belgrave apporta un certain nombre de réformes telles que la création de la première école moderne du pays en 1919, l'accueil des premières filles du golfe Persique. l'école en 1928 et l'abolition de l'esclavage en 1937. Dans le même temps, l'industrie de la pêche aux perles se développe à un rythme rapide.",
"En 1927, Rezā Shāh, alors Shah d'Iran, exigea la souveraineté sur Bahreïn dans une lettre à la Société des Nations, une décision qui poussa Belgrave à prendre des mesures sévères, notamment en encourageant les conflits entre musulmans chiites et sunnites afin de faire tomber les soulèvements et de limiter les conflits. l'influence iranienne. S'appuyant sur des extraits de Belgrave, il est même allé plus loin en suggérant de renommer le golfe Persique en « golfe Arabique » ; cependant, la proposition fut refusée par le gouvernement britannique. L'intérêt de la Grande-Bretagne pour le développement de Bahreïn était motivé par les inquiétudes suscitées par les ambitions saoudiennes et iraniennes dans la région.",
"Inspirée par le Printemps arabe régional, la majorité chiite de Bahreïn a lancé de grandes manifestations contre ses dirigeants sunnites début 2011. Le gouvernement a initialement autorisé les manifestations à la suite d'un raid avant l'aube contre des manifestants campés au rond-point de la Perle. Un mois plus tard, il a demandé l'aide en matière de sécurité de l'Arabie saoudite et d'autres pays du CCG et a déclaré l'état d'urgence pour trois mois. Le gouvernement a alors lancé une campagne de répression contre l'opposition, qui s'est notamment traduite par des milliers d'arrestations et des actes de torture systématiques. Des affrontements quasi quotidiens entre manifestants et forces de sécurité ont fait des dizaines de morts. Les manifestations, parfois organisées par les partis d’opposition, se poursuivent. Plus de 80 civils et 13 policiers ont été tués en mars 2014. Le manque de couverture médiatique dans le golfe Persique, par rapport aux autres soulèvements du Printemps arabe, a suscité plusieurs controverses.",
"Bahreïn est un archipel généralement plat et aride situé dans le golfe Persique, à l'est de l'Arabie saoudite. Il se compose d'une basse plaine désertique s'élevant doucement jusqu'à un escarpement central bas dont le point culminant est la Montagne de Fumée (Jabal ad Dukhan) de 134 m. Bahreïn avait une superficie totale de 665 km2, mais en raison de la bonification des terres, la superficie est passée à 765 km2, ce qui est légèrement plus grand que Hambourg ou l'île de Man.",
"Les monts Zagros, à travers le golfe Persique en Iran, provoquent des vents de basse altitude dirigés vers Bahreïn. Les tempêtes de poussière en provenance d'Irak et d'Arabie Saoudite transportées par des vents du nord-ouest, appelés localement vent shamal, entraînent une visibilité réduite pendant les mois de juin et juillet.",
"Plus de 330 espèces d'oiseaux ont été recensées dans l'archipel de Bahreïn, dont 26 espèces se reproduisent dans le pays. Des millions d'oiseaux migrateurs traversent la région du golfe Persique pendant les mois d'hiver et d'automne. Une espèce mondialement menacée, Chlamydotis undulata, migre régulièrement en automne. Les nombreuses îles et mers peu profondes de Bahreïn sont mondialement importantes pour la reproduction du cormoran de Socotra ; jusqu'à 100 000 couples de ces oiseaux ont été enregistrés sur les îles Hawar."
] | Bahreïn (; ), officiellement le Royaume de Bahreïn ( '), est un pays insulaire situé près des rives occidentales du golfe Persique au Moyen-Orient. C'est un archipel dont l'île de Bahreïn, la plus grande masse terrestre, mesure 55 km de long sur 18 km de large. L'Arabie Saoudite se trouve à l'ouest et est reliée à Bahreïn par la Chaussée du Roi Fahd, tandis que l'Iran se trouve à 200 km au nord, à travers le golfe Persique. La péninsule du Qatar se trouve au sud-est, à travers le golfe de Bahreïn. La population en 2010 s'élevait à 1 234 571 habitants, dont 666 172 non-ressortissants.
Bahreïn est le site de l'ancienne civilisation Dilmun.[http://www.saudiaramcoworld.com/issue/198303/oman-the.lost.land.htm Saudi Aramco World : Oman : La Terre Perdue] Elle est célèbre depuis l'Antiquité. pour ses pêcheries de perles, considérées comme les meilleures au monde jusqu'au XIXe siècle. Bahreïn a été l'une des premières régions à se convertir à l'islam (628). Après une période de domination arabe, Bahreïn fut occupée par les Portugais en 1521, qui à leur tour furent expulsés en 1602 par Shah Abbas Ier de la dynastie safavide sous l'empire perse. En 1783, le clan Bani Utbah a capturé Bahreïn à Nasr Al-Madhkur et est depuis dirigé par la famille royale Al Khalifa, avec Ahmed al Fateh comme premier hakim de Bahreïn. À la fin des années 1800, à la suite de traités successifs avec les Britanniques, Bahreïn devint un protectorat du Royaume-Uni. En 1971, Bahreïn déclare son indépendance. Ancien État, Bahreïn a été déclaré Royaume en 2002. En 2011, le pays a connu des manifestations inspirées par le Printemps arabe régional.
Bahreïn a eu la première économie post-pétrolière du golfe Persique. Depuis la fin du XXe siècle, Bahreïn a investi dans les secteurs bancaire et touristique. La capitale du pays, Manama, abrite de nombreuses grandes structures financières. Bahreïn a un indice de développement humain élevé et a été reconnu par la Banque mondiale comme une économie à revenus élevés.
Étymologie
En arabe, Bahrayn est la forme double de bahr (« mer »), donc al-Bahrayn signifie « les deux mers », bien que les deux mers initialement prévues restent controversées. Le terme apparaît cinq fois dans le Coran, mais ne fait pas référence à l'île moderne connue à l'origine par les Arabes sous le nom d'Awal, mais plutôt à toute l'Arabie orientale (notamment al-Katif et al-Hasa).
Aujourd'hui, les « deux mers » de Bahreïn sont généralement considérées comme la baie à l'est et à l'ouest de l'île, les mers au nord et au sud de l'île, ou encore l'eau salée et l'eau douce présentes au-dessus et au-dessous du sol. En plus des puits, il existe des zones de la mer au nord de Bahreïn où l'eau douce bouillonne au milieu de l'eau salée, comme le constatent les visiteurs depuis l'Antiquité. Une théorie alternative concernant la toponymie de Bahreïn est proposée par la région d'al-Ahsa, qui suggère que les deux mers étaient le Grand Océan Vert (le golfe Persique) et un lac paisible sur le continent arabe. Une autre supposition d'al-Jawahari suggère que le nom plus formel Bahri (lit. « appartenant à la mer ») aurait été mal compris et a donc été rejeté.
Jusqu'à la fin du Moyen Âge, « Bahreïn » faisait référence à la région de l'Arabie orientale qui comprenait le sud de l'Irak, le Koweït, Al-Hassa, Qatif et Bahreïn. La région s’étend de Bassorah en Irak jusqu’au détroit d’Ormuz en Oman. C'était la « province de Bahrayn » d'Iqlīm al-Bahrayn. La date exacte à laquelle le terme « Bahreïn » a commencé à désigner uniquement l'archipel des Awal est inconnue. L’ensemble de la bande côtière de l’Arabie orientale a été connue sous le nom de « Bahreïn » pendant un millénaire. L'île et le royaume étaient également couramment orthographiés Bahreïn jusque dans les années 1950.
Histoire
Antiquité
Bahreïn abritait la civilisation Dilmun, un important centre commercial de l'âge du bronze reliant la Mésopotamie et la vallée de l'Indus. Bahreïn fut ensuite gouverné par les Assyriens et les Babyloniens.
Du VIe au IIIe siècle avant JC, Bahreïn faisait partie de l’empire perse dirigé par la dynastie achéménienne. Vers 250 avant JC, la Parthie prit le contrôle du golfe Persique et étendit son influence jusqu'à Oman. Les Parthes établirent des garnisons le long de la côte sud du golfe Persique pour contrôler les routes commerciales.
À l'époque classique, les Grecs de l'Antiquité appelaient Bahreïn Tylos, le centre du commerce des perles, lorsque l'amiral grec Nearchus, servant sous Alexandre le Grand, débarqua à Bahreïn. On pense que Nearchus fut le premier des commandants d'Alexandre à visiter l'île et qu'il y trouva une terre verdoyante qui faisait partie d'un vaste réseau commercial ; il rapporte : « Que sur l'île de Tylos, située dans le golfe Persique, se trouvent de grandes plantations de cotonniers, à partir desquels sont fabriqués des vêtements appelés sindones, de degrés de valeur très différents, les uns étant coûteux, les autres moins chers. Leur utilisation ne se limite pas à l’Inde, mais s’étend à l’Arabie. » L'historien grec Théophraste affirme qu'une grande partie de Bahreïn était couverte de ces cotonniers et que Bahreïn était célèbre pour exporter des cannes gravées avec des emblèmes qui étaient habituellement portés à Babylone.
Alexandre avait prévu d'installer des colons grecs à Bahreïn, et bien qu'il ne soit pas sûr que cela se soit produit à l'échelle qu'il envisageait, Bahreïn est devenu une partie intégrante du monde hellénisé : la langue des classes supérieures était le grec (bien que l'araméen soit d'usage quotidien). ), tandis que Zeus était vénéré sous la forme du dieu solaire arabe Shams. Bahreïn est même devenu le site de compétitions sportives grecques.
L'historien grec Strabon pensait que les Phéniciens étaient originaires de Bahreïn. Hérodote croyait également que la patrie des Phéniciens était Bahreïn. Cette théorie a été acceptée par le classique allemand du XIXe siècle Arnold Heeren qui a déclaré que : « Chez les géographes grecs, par exemple, nous lisons parler de deux îles, nommées Tyrus ou Tylos, et Arad, Bahreïn, qui se vantaient d'être la mère patrie. des Phéniciens et a exposé des reliques de temples phéniciens. Les habitants de Tyr en particulier ont longtemps maintenu leurs origines dans le golfe Persique, et la similitude des mots « Tylos » et « Tyr » a été commentée. Cependant, il existe peu de preuves d'un quelconque établissement humain à Bahreïn à l'époque où une telle migration était censée avoir eu lieu.
On pense que le nom Tylos est une hellénisation du sémitique Tilmun (de Dilmun). Le terme Tylos était couramment utilisé pour les îles jusqu'à la Géographie de Ptolémée, lorsque les habitants sont appelés « Thilouanoi ». Certains noms de lieux de Bahreïn remontent à l'ère Tylos ; par exemple, le nom d'Arad, une banlieue résidentielle de Muharraq, proviendrait de « Arados », l'ancien nom grec de Muharraq.
Au IIIe siècle, Ardashir Ier, premier souverain de la dynastie sassanide, marcha sur Oman et Bahreïn, où il battit Sanatruq, le souverain de Bahreïn. À cette époque, Bahreïn était connu sous le nom de Mishmahig (qui signifie en persan moyen/Pahlavi « poisson-brebis »).
Bahreïn était également le lieu de culte d'une divinité requin appelée Awal. Les fidèles ont construit une grande statue à Awal à Muharraq, bien qu'elle soit aujourd'hui perdue. Pendant de nombreux siècles après Tylos, Bahreïn était connu sous le nom d'Awal. Au 5ème siècle, Bahreïn est devenu le centre du christianisme nestorien, avec le village de Samahij comme siège des évêques. En 410, selon les archives synodales de l’Église syriaque orientale, un évêque nommé Batai fut excommunié de l’Église de Bahreïn. En tant que secte, les Nestoriens étaient souvent persécutés comme hérétiques par l'Empire byzantin, mais Bahreïn était hors du contrôle de l'Empire, offrant une certaine sécurité. Les noms de plusieurs villages de Muharraq reflètent aujourd'hui l'héritage chrétien de Bahreïn, Al Dair signifiant « le monastère ».
La population préislamique de Bahreïn était composée d'Arabes chrétiens (principalement Abd al-Qays), de Perses (Zoroastriens), de Juifs et d'agriculteurs parlant l'araméen. Selon Robert Bertram Serjeant, les Baharna pourraient être les « descendants de convertis arabisés de la population d'origine des chrétiens (Araméens), des Juifs et des Perses habitant l'île et les provinces côtières cultivées de l'Arabie orientale au moment de la conquête musulmane ». Les habitants sédentaires du Bahreïn préislamique parlaient l'araméen et, dans une certaine mesure, le persan, tandis que le syriaque fonctionnait comme langue liturgique.
L'époque de Mahomet
La première interaction de Mahomet avec le peuple de Bahreïn fut l'invasion d'Al Kudr. Muhammad a ordonné une attaque surprise contre la tribu Banu Salim pour avoir prétendument comploté pour attaquer Médine. Il avait appris que certaines tribus rassemblaient une armée à Bahreïn et se préparaient à attaquer le continent. Mais les membres de la tribu se retirèrent lorsqu'ils apprirent que Mahomet dirigeait une armée pour les combattre.
Les récits islamiques traditionnels indiquent qu'Al-ʿAlāʾ Al-Haḍrami a été envoyé comme envoyé lors de l'expédition de Zaid ibn Haritha (Hisma) Akbar Shāh Ḵẖān Najībābādī, [https://books.google.com/books?ei
L8VHVM-lPNT77Aaiw4CICw&idPi5tAAAAMAAJ&dq
kalbi Histoire de l'Islam, Volume 1], p. 194. Citation : « Encore une fois, le Saint Prophète « P envoya Dihyah bin Khalifa Kalbi au roi byzantin Héraclius, Hatib bin Abi Baltaeh au roi d'Égypte et d'Alexandrie ; Allabn Al-Hazermi à Munzer bin Sawa le roi de Bahreïn ; Amer bin A quant au roi d'Oman. Salit bin Amri à Hozah bin Ali - le roi de Yamama bin Wahab à Haris bin Ghasanni au roi de Damas" dans la région de Bahreïn par le prophète Mahomet en 628 et que Munzir ibn-Sawa al. -Tamimi, le dirigeant local, a répondu à sa mission et a converti toute la région.
Moyen-âge
En 899, les Qarmates, une secte musulmane ismaélienne millénariste, s'emparent de Bahreïn, cherchant à créer une société utopique basée sur la raison et la redistribution des biens entre initiés. Par la suite, les Qarmates ont exigé un tribut du calife de Bagdad et, en 930, ont pillé La Mecque et Médine, ramenant la Pierre noire sacrée à leur base d'Ahsa, dans le Bahreïn médiéval, contre rançon. Selon l'historien Al-Juwayni, la pierre fut restituée 22 ans plus tard, en 951, dans des circonstances mystérieuses. Enveloppé dans un sac, il a été jeté dans la Grande Mosquée de Koufa en Irak, accompagné d'une note disant "Par ordre, nous l'avons pris, et par ordre nous l'avons ramené". Le vol et l'enlèvement de la Pierre Noire l'ont brisée en sept morceaux.
Après leur défaite en 976 face aux Abbassides, les Qarmations furent renversées par la dynastie arabe ouyunide d'al-Hasa, qui s'empara de toute la région de Bahreïn en 1076. Les Uyunides contrôlèrent Bahreïn jusqu'en 1235, date à laquelle l'archipel fut brièvement occupé par le souverain perse de Fars. En 1253, les Bédouins Usfurides renversèrent la dynastie Uyunide, prenant ainsi le contrôle de l'Arabie orientale, y compris les îles de Bahreïn. En 1330, l'archipel devint un État tributaire des souverains d'Ormuz, Rentz, G. "al-Baḥrayn". Encyclopédie de l'Islam. Edité par : P. Bearman, Th. Bianquis, C.E. Bosworth, E. van Donzel et W.P. Heinrichs. Brill, 2008. Brill en ligne. 15 mars 2008 [http://www.brillonline.nl/subscriber/entry?entry
islam_COM-0089] bien que localement les îles fussent contrôlées par la dynastie chiite Jarwanid de Qatif.
Au milieu du XVe siècle, l'archipel passa sous la domination des Jabrids, une dynastie bédouine également basée à Al-Ahsa qui régnait sur la majeure partie de l'Arabie orientale.
Ère moderne
En 1521, les Portugais s'allièrent à Ormuz et s'emparèrent de Bahreïn au dirigeant de Jabrid, Migrin ibn Zamil, qui fut tué lors de la prise de contrôle. La domination portugaise a duré environ 80 ans, période pendant laquelle ils ont dépendu principalement des gouverneurs sunnites persans. Les Portugais ont été expulsés des îles en 1602 par Abbas Ier de la dynastie safavide de Perse, ce qui a donné une impulsion à l'islam chiite. Pendant les deux siècles suivants, les dirigeants perses conservèrent le contrôle de l'archipel, interrompu par les invasions de 1717 et 1738 des Ibadhis d'Oman. Pendant la majeure partie de cette période, ils ont eu recours à un gouvernement indirect de Bahreïn, soit par l’intermédiaire de la ville de Bouchehr, soit par l’intermédiaire de clans arabes sunnites immigrés. Ces dernières étaient des tribus revenant du côté arabe du golfe Persique depuis les territoires perses du nord et connues sous le nom de Huwala (littéralement : ceux qui ont changé ou déménagé). En 1753, le clan Huwala de Nasr Al-Madhkur envahit Bahreïn au nom du chef iranien Zand Karim Khan Zand et rétablit la domination iranienne directe.
En 1783, Al-Madhkur perdit les îles de Bahreïn suite à sa défaite face à la tribu Bani Utbah lors de la bataille de Zubarah en 1782. Bahreïn n'était pas un nouveau territoire pour les Bani Utbah ; ils y étaient présents depuis le XVIIe siècle. Pendant cette période, ils ont commencé à acheter des jardins de palmiers dattiers à Bahreïn ; un document montre que 81 ans avant l'arrivée des Al-Khalifa, l'un des cheikhs de la tribu Al Bin Ali (une émanation des Bani Utbah) avait acheté une palmeraie à Mariam bint Ahmed Al Sanadi sur l'île de Sitra.
Les Al Bin Ali étaient le groupe dominant contrôlant la ville de Zubarah sur la péninsule du Qatar, à l'origine le centre du pouvoir des Bani Utbah. Après que les Bani Utbah eurent pris le contrôle de Bahreïn, les Al Bin Ali y eurent un statut pratiquement indépendant en tant que tribu autonome. Ils ont utilisé un drapeau à quatre bandes rouges et trois bandes blanches, appelé drapeau Al-Sulami à Bahreïn, au Qatar, au Koweït et dans la province orientale du Royaume d'Arabie saoudite. Plus tard, différents clans familiaux et tribus arabes du Qatar se sont installés à Bahreïn pour s'installer après la chute de Nasr Al-Madhkur de Bushehr. Ces familles comprenaient les Al Khalifa, Al-Ma'awdah, Al-Fadhil, Al-Mannai, Al-Noaimi, Al-Sulaiti, Al-Sadah, Al-Thawadi et d'autres familles et tribus.
La famille Al Khalifa a déménagé du Qatar à Bahreïn en 1799. À l'origine, leurs ancêtres ont été expulsés d'Umm Qasr, en Arabie centrale, par les Ottomans en raison de leurs habitudes prédatrices consistant à s'attaquer aux caravanes de Bassorah et aux navires de commerce dans la voie navigable de Shatt al-Arab jusqu'à ce que les Turcs soient expulsés. les au Koweït en 1716 où ils restèrent jusqu'en 1766.
Vers les années 1760, les clans Al Jalahma et Al Khalifa, tous deux appartenant à la fédération Utub, ont émigré vers Zubarah, dans l'actuel Qatar, laissant Al Sabah comme propriétaire unique du Koweït.
19ème siècle et après
Au début du XIXe siècle, Bahreïn fut envahi à la fois par les Omanais et les Al Saoud. En 1802, elle était gouvernée par un enfant de douze ans, lorsque le souverain omanais Sayyid Sultan installa son fils, Salim, comme gouverneur du fort d'Arad. En 1816, le résident politique britannique du Golfe, William Bruce, reçut une lettre du cheikh de Bahreïn qui s'inquiétait d'une rumeur selon laquelle la Grande-Bretagne soutiendrait une attaque sur l'île par l'imam de Mascate. Il s'est rendu à Bahreïn pour rassurer le cheikh sur le fait que ce n'était pas le cas et a rédigé un accord informel assurant au cheikh que la Grande-Bretagne resterait une partie neutre.
En 1820, la tribu Al Khalifa fut reconnue par la Grande-Bretagne comme dirigeante (« Al-Hakim » en arabe) de Bahreïn après avoir signé un traité. Cependant, dix ans plus tard, ils furent contraints de payer un tribut annuel à l’Égypte malgré la recherche de la protection perse et britannique.
En 1860, les Al Khalifa ont utilisé la même tactique lorsque les Britanniques ont tenté de maîtriser Bahreïn. Écrivant des lettres aux Perses et aux Ottomans, Al Khalifas a accepté de placer Bahreïn sous la protection de ces derniers en mars, car il offrait de meilleures conditions. Finalement, le gouvernement de l'Inde britannique a vaincu Bahreïn lorsque les Perses ont refusé de le protéger. Le colonel Pelly a signé un nouveau traité avec Al Khalifas plaçant Bahreïn sous domination et protection britanniques.
À la suite de la guerre Qatari-Bahreïn en 1868, les représentants britanniques signèrent un autre accord avec les Al Khalifa. Il précisait que le souverain ne pouvait disposer d'aucune partie de son territoire sauf au profit du Royaume-Uni et ne pouvait nouer de relations avec aucun gouvernement étranger sans le consentement britannique. En échange, les Britanniques ont promis de protéger Bahreïn de toute agression maritime et de prêter leur soutien en cas d'attaque terrestre. Plus important encore, les Britanniques ont promis de soutenir le règne d’Al Khalifa à Bahreïn, garantissant ainsi sa position instable en tant que dirigeant du pays. D'autres accords en 1880 et 1892 ont scellé le statut de protectorat de Bahreïn aux Britanniques.
Les troubles parmi la population de Bahreïn ont commencé lorsque la Grande-Bretagne a officiellement établi sa domination totale sur le territoire en 1892. La première révolte et soulèvement généralisé a eu lieu en mars 1895 contre Cheikh Issa bin Ali, alors dirigeant de Bahreïn. Cheikh Issa a été le premier des Al Khalifa à gouverner sans relations perses. Sir Arnold Wilson, représentant de la Grande-Bretagne dans le golfe Persique et auteur de The Persique Golfe, arrivait à Bahreïn en provenance de Mascate à cette époque. Le soulèvement s'est encore développé avec la mort de certains manifestants par les forces britanniques.
Avant le développement du pétrole, l'île était en grande partie consacrée à la pêche aux perles et, jusqu'au XIXe siècle, elle était considérée comme l'une des plus belles au monde. En 1903, l'explorateur allemand Hermann Burchardt visita Bahreïn et prit de nombreuses photographies de sites historiques, dont l'ancien Qaṣr es-Sheikh, photos aujourd'hui conservées au Musée ethnologique de Berlin. Avant la Première Guerre mondiale, il y avait environ 400 navires chassant les perles et une exportation annuelle de plus de 30 000 £.
En 1911, un groupe de marchands bahreïnites exigea des restrictions sur l’influence britannique dans le pays. Les dirigeants du groupe ont ensuite été arrêtés et exilés en Inde. En 1923, les Britanniques introduisirent des réformes administratives et remplaçèrent Cheikh Issa bin Ali par son fils. Certains opposants religieux et familles comme al Dossari sont partis ou ont été exilés en Arabie Saoudite et en Iran. Trois ans plus tard, les Britanniques placèrent le pays sous le règne de facto de Charles Belgrave, qui fut conseiller du souverain jusqu'en 1957. Belgrave apporta un certain nombre de réformes telles que la création de la première école moderne du pays en 1919, l'accueil des premières filles du golfe Persique. l'école en 1928 et l'abolition de l'esclavage en 1937. Dans le même temps, l'industrie de la pêche aux perles se développe à un rythme rapide.
En 1927, Rezā Shāh, alors Shah d'Iran, exigea la souveraineté sur Bahreïn dans une lettre à la Société des Nations, une décision qui poussa Belgrave à prendre des mesures sévères, notamment en encourageant les conflits entre musulmans chiites et sunnites afin de faire tomber les soulèvements et de limiter les conflits. l'influence iranienne. S'appuyant sur des extraits de Belgrave, il est même allé plus loin en suggérant de renommer le golfe Persique en « golfe Arabique » ; cependant, la proposition fut refusée par le gouvernement britannique. L'intérêt de la Grande-Bretagne pour le développement de Bahreïn était motivé par les inquiétudes suscitées par les ambitions saoudiennes et iraniennes dans la région.
La Bahrain Petroleum Company (Bapco), filiale de la Standard Oil Company of California (Socal), a découvert du pétrole en 1931 et la production a commencé l'année suivante. Cela devait apporter une modernisation rapide à Bahreïn. Les relations avec le Royaume-Uni se sont resserrées, comme en témoigne le transfert par la Royal Navy britannique de l’ensemble de son commandement au Moyen-Orient de Bushehr en Iran à Bahreïn en 1935.
Au début des années 1930, l'aéroport de Bahreïn a été développé. Imperial Airways y a volé, y compris l'avion Handley Page HP42. Plus tard dans la même décennie, l'aéroport maritime de Bahreïn a été créé pour les hydravions et les hydravions.
Bahreïn a participé à la Seconde Guerre mondiale aux côtés des Alliés, en les rejoignant le 10 septembre 1939. Le 19 octobre 1940, quatre bombardiers italiens SM.82 ont bombardé Bahreïn aux côtés des champs pétrolifères de Dhahran en Arabie Saoudite, ciblant les raffineries de pétrole exploitées par les Alliés. Bien que des dégâts minimes aient été causés dans les deux endroits, l'attaque a forcé les Alliés à améliorer les défenses de Bahreïn, une action qui a mis encore plus à rude épreuve les ressources militaires alliées.
Après la Seconde Guerre mondiale, le sentiment anti-britannique croissant s’est répandu dans tout le monde arabe et a conduit à des émeutes à Bahreïn. Les émeutes se sont concentrées sur la communauté juive. En 1948, suite à la montée des hostilités et des pillages, la plupart des membres de la communauté juive de Bahreïn abandonnèrent leurs propriétés et évacuèrent vers Bombay, pour s'installer plus tard en Israël (Pardes Hanna-Karkur) et au Royaume-Uni. , 37 Juifs sont restés dans le pays. Dans les années 1950, le Comité syndical national, formé par des réformistes à la suite d'affrontements sectaires, a exigé une assemblée populaire élue, la destitution de Belgrave et a mené un certain nombre de manifestations et de grèves générales. En 1965, un soulèvement qui dura un mois éclata après le licenciement de centaines de travailleurs de la Compagnie pétrolière de Bahreïn.
Indépendance
Le 15 août 1971, Bahreïn déclare son indépendance et signe un nouveau traité d'amitié avec le Royaume-Uni. Bahreïn a rejoint les Nations Unies et la Ligue arabe plus tard dans l'année.
Le boom pétrolier des années 1970 a grandement profité à Bahreïn, même si le ralentissement qui a suivi a nui à l'économie. Le pays avait déjà commencé à diversifier son économie et a davantage bénéficié de la guerre civile libanaise dans les années 1970 et 1980, lorsque Bahreïn a remplacé Beyrouth comme centre financier du Moyen-Orient après que l'important secteur bancaire libanais ait été chassé du pays par la guerre.
À la suite de la révolution islamique de 1979 en Iran, en 1981, des fondamentalistes chiites bahreïnites ont orchestré une tentative de coup d'État manquée sous les auspices d'une organisation de façade, le Front islamique pour la libération de Bahreïn. Le coup d'État aurait installé un religieux chiite exilé en Iran, Hujjatu l-Islām Hādī al-Mudarrisī, comme chef suprême à la tête d'un gouvernement théocratique. En décembre 1994, un groupe de jeunes a lancé des pierres sur des coureuses lors d'un marathon international où l'on courait jambes nues. Les affrontements avec la police qui en ont résulté se sont rapidement transformés en troubles civils.
Un soulèvement populaire a eu lieu entre 1994 et 2000, au cours duquel gauchistes, libéraux et islamistes ont uni leurs forces. L'événement a fait environ quarante morts et a pris fin après que Hamad ibn Isa Al Khalifa est devenu émir de Bahreïn en 1999. Il a institué des élections parlementaires, a donné le droit de vote aux femmes et a libéré tous les prisonniers politiques. Un référendum organisé les 14 et 15 février 2001 a massivement soutenu la Charte d'action nationale. Dans le cadre de l'adoption de la Charte d'action nationale le 14 février 2002, Bahreïn a changé son nom officiel d'État (dawla) de Bahreïn en Royaume de Bahreïn.
Le pays a participé à une action militaire contre les talibans en octobre 2001 en déployant une frégate dans la mer d’Oman pour des opérations de sauvetage et humanitaires. En conséquence, en novembre de la même année, l’administration du président américain George W. Bush a désigné Bahreïn comme « un allié majeur non membre de l’OTAN ». Bahreïn s'est opposé à l'invasion de l'Irak et avait offert l'asile à Saddam Hussein quelques jours avant l'invasion. Les relations se sont améliorées avec le Qatar voisin après que le différend frontalier sur les îles Hawar a été résolu par la Cour internationale de Justice de La Haye en 2001. Suite à la libéralisation politique du pays, Bahreïn a négocié un accord de libre-échange avec les États-Unis en 2004.
soulèvement bahreïnien
Inspirée par le Printemps arabe régional, la majorité chiite de Bahreïn a lancé de grandes manifestations contre ses dirigeants sunnites début 2011. Le gouvernement a initialement autorisé les manifestations à la suite d'un raid avant l'aube contre des manifestants campés au rond-point de la Perle. Un mois plus tard, il a demandé l'aide en matière de sécurité de l'Arabie saoudite et d'autres pays du CCG et a déclaré l'état d'urgence pour trois mois. Le gouvernement a alors lancé une campagne de répression contre l'opposition, qui s'est notamment traduite par des milliers d'arrestations et des actes de torture systématiques. Des affrontements quasi quotidiens entre manifestants et forces de sécurité ont fait des dizaines de morts. Les manifestations, parfois organisées par les partis d’opposition, se poursuivent. Plus de 80 civils et 13 policiers ont été tués en mars 2014. Le manque de couverture médiatique dans le golfe Persique, par rapport aux autres soulèvements du Printemps arabe, a suscité plusieurs controverses.
Géographie
Bahreïn est un archipel généralement plat et aride situé dans le golfe Persique, à l'est de l'Arabie saoudite. Il se compose d'une basse plaine désertique s'élevant doucement jusqu'à un escarpement central bas dont le point culminant est la Montagne de Fumée (Jabal ad Dukhan) de 134 m. Bahreïn avait une superficie totale de 665 km2, mais en raison de la bonification des terres, la superficie est passée à 765 km2, ce qui est légèrement plus grand que Hambourg ou l'île de Man.
Souvent décrit comme un archipel de 33 îles, de vastes projets de remise en état des terres ont changé la donne ; en août 2008, le nombre d'îles et de groupes d'îles était passé à 84. Bahreïn ne partage pas de frontière terrestre avec un autre pays mais possède un littoral de 161 km. Le pays revendique également 22 km supplémentaires de mer territoriale et une zone contiguë de 44 km. Les plus grandes îles de Bahreïn sont l'île de Bahreïn, les îles Hawar, l'île Muharraq, Umm an Nasan et Sitra. Bahreïn a des hivers doux et des étés chauds et humides. Les ressources naturelles du pays comprennent de grandes quantités de pétrole et de gaz naturel ainsi que des poissons dans les eaux offshore. Les terres arables ne représentent que 2,82% de la superficie totale.
Bien que 92 % du territoire de Bahreïn soit désertique, il y a des sécheresses périodiques et des tempêtes de poussière, qui constituent les principaux risques naturels pour les Bahreïniens. Les problèmes environnementaux auxquels Bahreïn est confronté comprennent la désertification résultant de la dégradation de terres arables limitées, la dégradation côtière (dommages aux côtes, aux récifs coralliens et à la végétation marine) résultant des marées noires et autres rejets de grands pétroliers, de raffineries de pétrole, de stations de distribution et de remise en état illégale des terres. dans des endroits comme Tubli Bay. La surexploitation par les secteurs agricole et domestique de l'aquifère de Dammam, le principal aquifère de Bahreïn, a conduit à sa salinisation par les masses d'eau saumâtres et salées adjacentes. Une étude hydrochimique a identifié la localisation des sources de salinisation des aquifères et délimité leurs zones d'influence. L'enquête indique que la qualité de l'eau de l'aquifère est considérablement modifiée à mesure que les eaux souterraines s'écoulent des parties nord-ouest de Bahreïn, où l'aquifère reçoit son eau par sous-verse latérale depuis l'est de l'Arabie saoudite, vers les parties sud et sud-est. Quatre types de salinisation de l'aquifère sont identifiés : le flux ascendant d'eau saumâtre provenant des zones d'eau saumâtre sous-jacentes dans les régions du centre-nord, de l'ouest et de l'est ; intrusion d'eau de mer dans la région orientale ; intrusion de l'eau sabkha dans la région sud-ouest ; et le débit de retour de l'irrigation dans une zone locale de la région occidentale. Quatre alternatives pour la gestion de la qualité des eaux souterraines dont disposent les autorités des eaux de Bahreïn sont discutées et leurs domaines prioritaires sont proposés, en fonction du type et de l'étendue de chaque source de salinisation, en plus de l'utilisation des eaux souterraines dans cette zone.
Climat
Les monts Zagros, à travers le golfe Persique en Iran, provoquent des vents de basse altitude dirigés vers Bahreïn. Les tempêtes de poussière en provenance d'Irak et d'Arabie Saoudite transportées par des vents du nord-ouest, appelés localement vent shamal, entraînent une visibilité réduite pendant les mois de juin et juillet.
Les étés sont très chauds. Les mers autour de Bahreïn sont très peu profondes et se réchauffent rapidement en été pour produire une humidité élevée, surtout la nuit. Les températures estivales peuvent atteindre jusqu'à 50 °C dans de bonnes conditions. Les précipitations à Bahreïn sont minimes et irrégulières. Les précipitations se produisent principalement en hiver, avec un maximum enregistré de .
Biodiversité
Plus de 330 espèces d'oiseaux ont été recensées dans l'archipel de Bahreïn, dont 26 espèces se reproduisent dans le pays. Des millions d'oiseaux migrateurs traversent la région du golfe Persique pendant les mois d'hiver et d'automne. Une espèce mondialement menacée, Chlamydotis undulata, migre régulièrement en automne. Les nombreuses îles et mers peu profondes de Bahreïn sont mondialement importantes pour la reproduction du cormoran de Socotra ; jusqu'à 100 000 couples de ces oiseaux ont été enregistrés sur les îles Hawar.
Seules 18 espèces de mammifères se trouvent à Bahreïn. Des animaux tels que les gazelles, les lapins du désert et les hérissons sont courants à l'état sauvage, mais l'oryx d'Arabie a été chassé jusqu'à l'extinction sur l'île. 25 espèces d'amphibiens et de reptiles ont été recensées ainsi que 21 espèces de papillons et 307 espèces de flore. Les biotopes marins sont diversifiés et comprennent de vastes herbiers marins et vasières, des récifs coralliens inégaux ainsi que des îles au large. Les herbiers marins constituent d’importantes aires d’alimentation pour certaines espèces menacées telles que les dugongs et la tortue verte. En 2003, Bahreïn a interdit la capture de vaches marines, de tortues marines et de dauphins dans ses eaux territoriales.
La zone protégée des îles Hawar constitue une aire d'alimentation et de reproduction précieuse pour une variété d'oiseaux marins migrateurs. C'est un site internationalement reconnu pour la migration des oiseaux. La colonie reproductrice de cormorans de Socotra sur les îles Hawar est la plus grande au monde et les dugongs qui se nourrissent autour de l'archipel forment le deuxième plus grand regroupement de dugongs après l'Australie.
Bahreïn compte cinq zones protégées désignées, dont quatre sont des environnements marins. Ils sont:
*Îles Hawar
*Île de Mashtan, au large de Bahreïn.
*Baie d'Arad, à Muharraq.
*Baie de Tubli
*Le parc animalier d'Al Areen, qui est un zoo et un centre d'élevage d'animaux en voie de disparition, est la seule zone protégée sur terre et également la seule zone protégée gérée au quotidien.
Politique
Bahreïn, sous le régime d'Al-Khalifa, est une monarchie constitutionnelle dirigée par le roi Cheikh Hamad bin Isa Al Khalifa. Le roi Hamad jouit de vastes pouvoirs exécutifs, notamment la nomination du Premier ministre et de ses ministres, le commandement de l'armée, la présidence du Conseil supérieur de la magistrature, la nomination de la moitié supérieure du Parlement et la dissolution de la moitié inférieure élue. Le chef du gouvernement est le Premier ministre non élu, Shaikh Khalīfa bin Salman Al Khalifa, l'oncle du roi actuel qui occupe ce poste depuis 1971, faisant de lui le Premier ministre le plus ancien au monde. En 2010, environ la moitié du gouvernement était composée de la famille Al Khalifa.
Bahreïn a une Assemblée nationale bicamérale (al-Jam'iyyah al-Watani) composée du Conseil de la Choura (Majlis Al-Shura) avec 40 sièges et du Conseil des représentants (Majlis Al-Nuwab) avec 40 sièges. Les 40 membres de la Shura sont nommés par le roi. Au Conseil des représentants, 40 membres sont élus à la majorité absolue dans des circonscriptions uninominales pour un mandat de 4 ans. Le conseil nommé "exerce un veto de facto" sur les élus, car les projets de loi doivent être approuvés pour pouvoir être adoptés. Après approbation, le roi peut ratifier et promulguer la loi ou la renvoyer dans les six mois à l'Assemblée nationale où elle ne peut être promulguée que si elle est approuvée par les deux tiers des deux conseils.
En 1973, le pays a organisé ses premières élections parlementaires ; cependant, deux ans plus tard, le défunt émir a dissous le parlement et suspendu la constitution après que le parlement ait rejeté la loi sur la sécurité de l'État. La période entre 2002 et 2010 a été marquée par trois élections législatives. La première, organisée en 2002, a été boycottée par l'opposition Al Wefaq, qui a obtenu la majorité lors de la deuxième en 2006 et de la troisième en 2010. L'élection partielle de 2011 a eu lieu pour remplacer 18 membres d'Al Wefaq qui ont démissionné pour protester contre la répression gouvernementale. .
L’ouverture politique a permis aux islamistes chiites et sunnites d’importants gains lors des élections, ce qui leur a donné une plateforme parlementaire pour poursuivre leur politique. Cela a donné une nouvelle importance aux religieux au sein du système politique, le plus haut dirigeant religieux chiite, Cheikh Isa Qassim, jouant un rôle essentiel. Cela était particulièrement évident lorsqu'en 2005, le gouvernement a annulé la branche chiite du « Droit de la famille » après que plus de 100 000 chiites soient descendus dans la rue. Les islamistes se sont opposés à la loi parce que « ni les députés élus ni le gouvernement n'ont le pouvoir de modifier la loi car ces institutions pourraient mal interpréter la parole de Dieu ». La loi a été soutenue par des militantes qui ont déclaré qu'elles « souffraient en silence ». Ils ont réussi à organiser un rassemblement auquel ont participé 500 participants. Ghada Jamsheer, une militante de premier plan, a déclaré que le gouvernement utilisait la loi comme « un outil de négociation avec les groupes islamiques d'opposition ».
Les analystes de la démocratisation au Moyen-Orient citent les références des islamistes au respect des droits de l'homme dans leur justification de ces programmes comme preuve que ces groupes peuvent servir de force progressiste dans la région. Certains partis islamistes ont été particulièrement critiques à l'égard de la volonté du gouvernement de signer des traités internationaux tels que la Convention internationale des Nations Unies relative aux droits civils et politiques. Lors d'une session parlementaire en juin 2006 pour discuter de la ratification de la Convention, Cheikh Adel Mouwda, ancien chef du parti salafiste Asalah, a expliqué les objections de son parti : « La convention a été conçue par nos ennemis, que Dieu les tue tous, pour servir leurs intérêts. besoins et protéger leurs intérêts plutôt que les nôtres. C'est pourquoi nous avons des yeux de l'ambassade américaine qui nous surveillent pendant nos sessions, pour nous assurer que les choses évoluent dans leur sens".
Droits humains
La période entre 1975 et 1999, connue sous le nom de « l'ère du droit de la sécurité de l'État », a été marquée par un large éventail de violations des droits humains, notamment des arrestations arbitraires, des détentions sans procès, des actes de torture et des exils forcés. Après que l'émir Hamad Al Khalifa (aujourd'hui roi) ait succédé à son père Isa Al Khalifa en 1999, il a introduit de vastes réformes et les droits de l'homme se sont considérablement améliorés. Ces mouvements ont été décrits | http://www.quizballs.com/ |
Quel est le titre du premier roman publié dans la série « Les Chroniques de Narnia » de C S Lewis ? | Le Lion, la Sorcière et l'Armoire | [
"Bien que Lewis ait initialement conçu ce qui allait devenir Les Chroniques de Narnia en 1939, il n'a terminé l'écriture du premier livre Le Lion, la Sorcière et l'Armoire magique qu'en 1949. Le Neveu du Magicien, l'avant-dernier livre à être publié, mais le dernier à être écrit , a été achevé en 1954. Lewis n'a pas écrit les livres dans l'ordre dans lequel ils ont été initialement publiés, ni dans leur ordre chronologique de présentation actuel. L'illustratrice originale, Pauline Baynes, a créé des dessins à la plume et à l'encre pour les livres de Narnia qui sont encore utilisés dans les éditions publiées aujourd'hui. Lewis a reçu la médaille Carnegie 1956 pour The Last Battle, le dernier livre de la saga. L'auteur pour enfants Roger Lancelyn Green a fait référence pour la première fois à la série sous le nom de Les Chroniques de Narnia, en mars 1951, après avoir lu et discuté avec Lewis son quatrième livre récemment terminé, The Silver Chair, initialement intitulé Night under Narnia.",
"Le Lion, la Sorcière et l'Armoire magique, achevé fin mars 1949 et publié par Geoffrey Bles au Royaume-Uni le 16 octobre 1950, raconte l'histoire de quatre enfants ordinaires : Peter, Susan, Edmund et Lucy Pevensie, qui ont été évacué de Londres vers la campagne anglaise en 1940 après le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale. Ils découvrent une armoire dans la maison du professeur Digory Kirke qui mène au pays magique de Narnia. Les enfants Pevensie aident Aslan, un lion parlant, à sauver Narnia de la méchante sorcière blanche, qui a régné sur le pays de Narnia pendant un siècle d'hiver perpétuel sans Noël. Les enfants deviennent rois et reines de cette nouvelle terre et établissent l'âge d'or de Narnia, laissant un héritage qui sera redécouvert dans les livres ultérieurs.",
"Paul Ford cite plusieurs érudits qui se sont prononcés contre ce point de vue et poursuit : « la plupart des érudits ne sont pas d'accord avec cette décision et la trouvent la moins fidèle aux intentions les plus profondes de Lewis ». Les érudits et les lecteurs qui apprécient l'ordre original pensent que Lewis faisait simplement preuve de gentillesse envers son jeune correspondant et qu'il aurait pu modifier l'ordre des livres de son vivant s'il l'avait souhaité. Ils soutiennent qu'une grande partie de la magie de Narnia vient de la façon dont le monde est progressivement présenté dans Le Lion, la Sorcière et l'Armoire magique – que la garde-robe mystérieuse, en tant que dispositif narratif, est une bien meilleure introduction à Narnia que Le Neveu du Magicien, où le mot « Narnia » apparaît dans le premier paragraphe comme quelque chose de déjà familier au lecteur. De plus, disent-ils, il ressort clairement des textes eux-mêmes que Le Lion, la Sorcière et l'Armoire magique était destiné à être lu en premier. Lorsqu'Aslan est mentionné pour la première fois dans Le Lion, la Sorcière et l'Armoire magique, par exemple, le narrateur dit : \"Aucun des enfants ne savait qui était Aslan, pas plus que vous\" – ce qui n'a aucun sens si l'on a déjà lu Le Neveu du Magicien. . D'autres exemples textuels similaires sont également cités.",
"Les quatre frères et sœurs Pevensie sont les principaux protagonistes humains du Monde de Narnia. Des combinaisons variables de certains ou de la totalité d'entre eux apparaissent dans cinq des sept romans. Ils sont introduits dans Le Lion, la Sorcière et l'Armoire magique, et deviennent finalement les rois et les reines de Narnia régnant comme une tétrarchie : le grand roi Pierre le Magnifique, la reine Suzanne la douce, le roi Edmond le Juste et la reine Lucie la Vaillante. Bien qu'introduits dans la série alors qu'ils étaient enfants, les frères et sœurs grandissent et deviennent adultes tout en régnant à Narnia. Ils redeviennent des enfants une fois de retour dans leur propre monde, mais apparaissent comme des adultes dans Le Cheval et son garçon pendant leur règne sur Narnia.",
"Tous les quatre apparaissent dans Le Lion, la Sorcière et l'Armoire magique et Prince Caspian ; dans ce dernier, cependant, Aslan dit à Peter et Susan qu'ils ne reviendront pas, car ils deviennent trop vieux. Susan, Lucy et Edmund apparaissent dans The Horse and His Boy – Peter serait en train de combattre des géants de l'autre côté de Narnia. Lucy et Edmund apparaissent dans L'Odyssée du Passeur d'aurore, où Aslan leur dit aussi qu'ils deviennent trop vieux. Peter, Edmund et Lucy apparaissent dans The Last Battle.",
"Digory Kirke est le personnage mentionné dans le titre du Neveu du Magicien. Il apparaît pour la première fois comme un personnage mineur dans Le Lion, la Sorcière et l'Armoire magique, mais sa véritable signification dans le récit n'est révélée que dans Le Neveu du Magicien. Il revient dans The Last Battle.",
"* Le Lion, la Sorcière et l'Armoire — Aslan, Jadis",
"Il existe plusieurs cartes de l'univers narnien, y compris ce que beaucoup considèrent comme la carte « officielle », une version en couleur publiée en 1972 par l'illustratrice des livres, Pauline Baynes. Celui-ci est actuellement épuisé, bien que des exemplaires plus petits puissent être trouvés dans la plus récente édition à couverture rigide HarperCollins 2006 des Chroniques de Narnia. Deux autres cartes ont été produites suite à la popularité du film de 2005 Les Chroniques de Narnia : Le Lion, la Sorcière et l'Armoire Magique. L'une, la \"Rose Map of Narnia\", est vaguement basée sur la carte de Baynes et comporte des anecdotes sur Narnia imprimées au verso. L'autre, réalisé dans un style monochrome et archaïque rappelant les cartes de la Terre du Milieu de Tolkien, est disponible en version imprimée et en version interactive sur le DVD du film. Cette dernière carte représente uniquement le pays de Narnia et non le reste du monde de Lewis.",
"La jeunesse de Lewis a des parallèles avec Les Chroniques de Narnia. À l'âge de sept ans, il déménage avec sa famille dans une grande maison à la périphérie de Belfast. Ses longs couloirs et ses pièces vides ont inspiré Lewis et son frère à inventer des mondes imaginaires tout en explorant leur maison, une activité reflétée dans la découverte de Narnia par Lucy dans Le Lion, la Sorcière et l'Armoire magique. Comme Caspian et Rilian, Lewis a perdu sa mère très jeune, passant une grande partie de sa jeunesse dans des internats anglais similaires à ceux fréquentés par les enfants Pevensie, Eustace Scrubb et Jill Pole. Pendant la Seconde Guerre mondiale, de nombreux enfants ont été évacués de Londres et d’autres zones urbaines à cause des raids aériens allemands. Certains de ces enfants, dont une nommée Lucy (la filleule de Lewis), sont restés avec lui dans sa maison de The Kilns, près d'Oxford, tout comme les Pevensie sont restés avec le professeur dans Le Lion, la Sorcière et l'Armoire magique.",
"Drew Trotter, président du Center for Christian Study, a noté que les producteurs du film Les Chroniques de Narnia : Le Lion, la Sorcière et l'Armoire magique estimaient que les intrigues des livres adhèrent au modèle archétypal du « monomythe » tel que détaillé dans Joseph. Campbell, Le héros aux mille visages."
] | Les Chroniques de Narnia est une série de sept romans de haute fantaisie de l'auteur C. S. Lewis. Il est considéré comme un classique de la littérature jeunesse et constitue l'œuvre la plus connue de l'auteur, vendu à plus de 100 millions d'exemplaires en 47 langues. Écrit par Lewis, illustré par Pauline Baynes et initialement publié à Londres entre 1950 et 1956, Les Chroniques de Narnia a été adapté plusieurs fois, en totalité ou en partie, pour la radio, la télévision, la scène et le cinéma.
Se déroulant dans le royaume fictif de Narnia, un monde fantastique de magie, de bêtes mythiques et d'animaux parlants, la série raconte les aventures de divers enfants qui jouent un rôle central dans l'histoire de ce monde. Sauf dans Le Cheval et son garçon, les protagonistes sont tous des enfants du monde réel, transportés comme par magie à Narnia, où ils sont appelés par le lion Aslan pour protéger Narnia du mal et redonner au trône sa lignée légitime. Les livres couvrent toute l'histoire de Narnia, depuis sa création dans Le Neveu du Magicien jusqu'à sa destruction éventuelle dans La Dernière Bataille.
L'inspiration pour la série provient de plusieurs sources ; en plus d'adapter de nombreux thèmes chrétiens traditionnels, Lewis a librement emprunté des personnages et des idées à la mythologie grecque et romaine ainsi qu'aux contes de fées traditionnels britanniques et irlandais. Ces livres ont profondément influencé la littérature fantastique pour adultes et enfants depuis la Seconde Guerre mondiale. L'exploration par Lewis de thèmes qui ne sont généralement pas présents dans la littérature jeunesse, comme la religion, ainsi que le traitement perçu dans les livres de questions telles que la race et le sexe, ont suscité une certaine controverse.
Contexte et conception
Bien que Lewis ait initialement conçu ce qui allait devenir Les Chroniques de Narnia en 1939, il n'a terminé l'écriture du premier livre Le Lion, la Sorcière et l'Armoire magique qu'en 1949. Le Neveu du Magicien, l'avant-dernier livre à être publié, mais le dernier à être écrit , a été achevé en 1954. Lewis n'a pas écrit les livres dans l'ordre dans lequel ils ont été initialement publiés, ni dans leur ordre chronologique de présentation actuel. L'illustratrice originale, Pauline Baynes, a créé des dessins à la plume et à l'encre pour les livres de Narnia qui sont encore utilisés dans les éditions publiées aujourd'hui. Lewis a reçu la médaille Carnegie 1956 pour The Last Battle, le dernier livre de la saga. L'auteur pour enfants Roger Lancelyn Green a fait référence pour la première fois à la série sous le nom de Les Chroniques de Narnia, en mars 1951, après avoir lu et discuté avec Lewis son quatrième livre récemment terminé, The Silver Chair, initialement intitulé Night under Narnia.
Lewis a décrit l'origine du Lion, de la sorcière et de l'armoire magique dans un essai intitulé « Tout a commencé par une image » :
Le Lion a tout commencé avec l'image d'un faune portant un parapluie et des paquets dans un bois enneigé. Cette image me trottait dans la tête depuis l'âge de seize ans environ. Puis un jour, vers la quarantaine, je me suis dit : "Essayons d'en faire une histoire".
Peu avant le début de la Seconde Guerre mondiale, de nombreux enfants furent évacués vers la campagne anglaise en prévision des attaques de l'Allemagne nazie contre Londres et d'autres grandes zones urbaines. En conséquence, le 2 septembre 1939, trois écolières, Margaret, Mary et Katherine, sont venues vivre aux Kilns à Risinghurst, la maison de Lewis à trois miles à l'est du centre-ville d'Oxford. Lewis a suggéré plus tard que l'expérience lui avait donné une nouvelle appréciation des enfants et fin septembre, il a commencé une histoire pour enfants sur une étrange feuille de papier qui a survécu dans le cadre d'un autre manuscrit :
Ce livre parle de quatre enfants nommés Ann, Martin, Rose et Peter. Mais il s’agit surtout de Peter qui était le plus jeune. Ils ont tous dû quitter Londres subitement à cause des raids aériens, et parce que leur père, qui était dans l'armée, était parti à la guerre et que leur mère effectuait une sorte de travail de guerre. Ils furent envoyés chez une sorte de parent de Mère qui était un très vieux professeur qui vivait seul à la campagne.
Dans « Tout a commencé avec une image », C. S. Lewis poursuit :
Au début, je n’avais que très peu d’idées sur le déroulement de l’histoire. Mais soudain, Aslan entra dedans. Je pense que j'avais fait bon nombre de rêves de lions à cette époque. A part ça, je ne sais pas d'où vient le Lion ni pourquoi il est venu. Mais une fois sur place, il rassembla toute l'histoire, et bientôt il entraîna les six autres histoires narniennes après lui.
Le manuscrit du Lion, de la Sorcière et de l’Armoire magique était terminé fin mars 1949.
Nom
Le nom Narnia est basé sur Narni, Italie, écrit en latin Narnia. Lancelyn Green a écrit :
Lorsque Walter Hooper a demandé à [C. S. Lewis] où il a trouvé le mot « Narnia », Lewis lui a montré le Small Classical Atlas de Murray, éd. G.B. Grundy (1904), qu'il a acquis alors qu'il lisait les classiques avec M. Kirkpatrick à Great Bookham [1914-1917]. Sur la planche 8 de l'Atlas se trouve une carte de l'Italie ancienne. Lewis avait souligné le nom d'une petite ville appelée Narnia, simplement parce qu'il en aimait le son. Narnia - ou « Narni » en italien - se trouve en Ombrie, à mi-chemin entre Rome et Assise.
Historique des publications
Les sept livres des Chroniques de Narnia sont en publication continue depuis 1956, se vendant à plus de 100 millions d'exemplaires en 47 langues et avec des éditions en braille.
Les cinq premiers livres ont été initialement publiés au Royaume-Uni par Geoffrey Bles. La première édition du Lion, de la Sorcière et de l'Armoire magique est sortie à Londres le 16 octobre 1950. Bien que trois autres livres, Prince Caspian, L'Odyssée du Passeur d'aurore et Le Cheval et son garçon, soient déjà terminés, ils ne sont pas sortis. immédiatement à cette époque, mais sont apparus (avec The Silver Chair) un par un au cours de chacune des années suivantes (1951-1954). Les deux derniers livres (The Magician's Nephew et The Last Battle) ont été initialement publiés au Royaume-Uni par The Bodley Head en 1955 et 1956.
Aux États-Unis, les droits de publication appartenaient d'abord à Macmillan Publishers, puis à HarperCollins. Les deux ont publié des éditions à couverture rigide et de poche de la série au cours de leur mandat en tant qu'éditeurs, tandis qu'en même temps Scholastic, Inc. produisait des versions de poche à vendre principalement par courrier direct, dans des clubs de lecture et des salons du livre. Harper Collins a également publié plusieurs éditions rassemblées en un seul volume contenant le texte intégral de la série. Comme indiqué ci-dessous (voir l'ordre de lecture), le premier éditeur américain, Macmillan, a numéroté les livres dans l'ordre de publication, mais lorsque Harper Collins a obtenu les droits en 1994, à la suggestion du beau-fils de Lewis, ils ont utilisé l'ordre chronologique interne de la série. Scholastic a changé la numérotation de ses éditions de poche en 1994 pour refléter celle de Harper Collins.
Livres
Les sept livres qui composent Les Chroniques de Narnia sont présentés ici par ordre de date de publication originale :
Le lion, la sorcière et l'armoire magique (1950)
Le Lion, la Sorcière et l'Armoire magique, achevé fin mars 1949 et publié par Geoffrey Bles au Royaume-Uni le 16 octobre 1950, raconte l'histoire de quatre enfants ordinaires : Peter, Susan, Edmund et Lucy Pevensie, qui ont été évacué de Londres vers la campagne anglaise en 1940 après le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale. Ils découvrent une armoire dans la maison du professeur Digory Kirke qui mène au pays magique de Narnia. Les enfants Pevensie aident Aslan, un lion parlant, à sauver Narnia de la méchante sorcière blanche, qui a régné sur le pays de Narnia pendant un siècle d'hiver perpétuel sans Noël. Les enfants deviennent rois et reines de cette nouvelle terre et établissent l'âge d'or de Narnia, laissant un héritage qui sera redécouvert dans les livres ultérieurs.
Prince Caspian : Le retour à Narnia (1951)
Achevé après Noël 1949 et publié le 15 octobre 1951, Prince Caspian : Le retour à Narnia raconte l'histoire du deuxième voyage des enfants Pevensie à Narnia. Ils sont attirés par la puissance de la corne de Susan, soufflée par le prince Caspian pour appeler à l'aide en cas de besoin. Narnia, telle qu'ils la connaissaient, n'est plus, car plus de 1 000 ans se sont écoulés et leur château est en ruines, tandis que tous les Narniens se sont retirés si loin en eux-mêmes que seule la magie d'Aslan peut les réveiller. Caspian s'est enfui dans les bois pour échapper à son oncle Miraz, qui a usurpé le trône. Les enfants repartent pour sauver Narnia.
L'Odyssée du Passeur d'aurore (1952)
Écrit entre janvier et février 1950 et publié le 15 septembre 1952, L'Odyssée du Passeur d'aurore voit Edmund et Lucy Pevensie, ainsi que leur cousin arrogant, Eustace Scrubb, retourner à Narnia. Une fois sur place, ils rejoignent le voyage de Caspian sur le navire Dawn Treader pour retrouver les sept seigneurs qui ont été bannis lorsque Miraz a accédé au trône. Ce voyage périlleux les met face à de nombreuses merveilles et dangers alors qu'ils naviguent vers le pays d'Aslan, au bout du monde.
La chaise d'argent (1953)
Achevé début mars 1951 et publié le 7 septembre 1953, La Chaise d'Argent est le premier livre de Narnia sans aucun des enfants Pevensie. Au lieu de cela, Aslan rappelle Eustace à Narnia avec sa camarade de classe Jill Pole. Là, ils reçoivent quatre signes pour les aider dans la recherche du prince Rilian, le fils de Caspian, disparu après être parti dix ans plus tôt pour venger la mort de sa mère. Cinquante ans se sont écoulés à Narnia et Caspian, qui était à peine adulte dans L'Odyssée du Passeur d'aurore, est désormais un vieil homme, tandis qu'Eustache est encore un enfant.
Eustace et Jill, avec l'aide de Puddleglum le Marsh-wiggle, font face au danger et à la trahison dans leur quête pour retrouver Rilian.
Le cheval et son garçon (1954)
Commencé en mars et achevé fin juillet 1950, Le Cheval et son garçon fut publié le 6 septembre 1954. L'histoire se déroule sous le règne des Pevensie à Narnia, une époque qui commence et se termine dans le dernier chapitre du Lion. , la Sorcière et l'Armoire. Un cheval qui parle appelé Bree et un jeune garçon nommé Shasta, tous deux en esclavage dans le pays de Calormen, sont les protagonistes. Par « hasard », ils se rencontrent et planifient leur retour à Narnia et leur liberté. En chemin, ils rencontrent Aravis et son cheval parlant Hwin qui fuient également vers Narnia.
Le neveu du magicien (1955)
Achevé en février 1954
et publié par Bodley Head à Londres le 2 mai 1955, le préquel Le neveu du magicien ramène le lecteur aux origines de Narnia où l'on apprend comment Aslan a créé le monde et comment le mal y est entré pour la première fois. Digory Kirke et son amie Polly Plummer découvrent des mondes différents en expérimentant des anneaux magiques fabriqués par l'oncle de Digory. Ils rencontrent Jadis (La Sorcière Blanche) dans le monde mourant de Charn et assistent à la création de Narnia. De nombreuses questions de longue date sur le monde trouvent ainsi une réponse. L'histoire se déroule en 1900, lorsque Digory était un garçon de 12 ans. Il est un professeur d'âge moyen et l'hôte des enfants Pevensie à l'époque du Lion, de la Sorcière et de l'Armoire magique 40 ans plus tard.
La dernière bataille (1956)
Achevé en mars 1953 et publié le 4 septembre 1956, La Dernière Bataille raconte la fin du monde de Narnia. Jill et Eustace reviennent pour sauver Narnia de Shift, un singe, qui trompe Puzzle, un âne, pour qu'il se fasse passer pour le lion Aslan, précipitant une confrontation entre les Calormènes et le roi Tirian. Cela mène à la fin de Narnia, révélant le vrai Narnia auquel Aslan les amène.
Ordre de lecture
Les fans de la série ont souvent des opinions bien arrêtées sur l’ordre dans lequel les livres doivent être lus. Le problème tourne autour du placement de The Magician's Nephew et The Horse and His Boy dans la série. Les deux se déroulent beaucoup plus tôt dans l’histoire de Narnia que leur ordre de publication et se situent quelque peu en dehors de l’arc narratif principal reliant les autres. L'ordre de lecture des cinq autres livres n'est pas contesté.
Lors de leur première publication, les livres n'étaient pas numérotés. Le premier éditeur américain, Macmillan, les énuméra selon leur ordre de publication original, tandis que certaines premières éditions britanniques précisaient l'ordre chronologique interne. Lorsque Harper Collins a repris les droits de la série en 1994, ils ont adopté l'ordre chronologique. Pour plaider en faveur de l'ordre chronologique, le beau-fils de Lewis, Douglas Gresham, a cité la réponse de Lewis en 1957 à une lettre d'un fan américain qui se disputait avec sa mère au sujet de l'ordre :
Je pense que je suis plus d'accord avec votre ordre [chronologique] de lecture des livres qu'avec celui de votre mère. La série n’était pas prévue à l’avance comme elle le pense. Quand j’ai écrit Le Lion, je ne savais pas que j’allais continuer à écrire. Ensuite, j'ai écrit P. Caspian comme suite et je ne pensais toujours pas qu'il y en aurait d'autres, et quand j'ai fini Le Voyage, j'étais sûr que ce serait la dernière, mais j'ai découvert que j'avais tort. Alors peut-être que l’ordre dans lequel on les lit n’a pas beaucoup d’importance. Je ne suis même pas sûr que tous les autres aient été écrits dans le même ordre dans lequel ils ont été publiés.
Dans les éditions pour adultes Harper Collins de 2005 des livres, l'éditeur cite cette lettre pour affirmer la préférence de Lewis pour la numérotation qu'ils ont adoptée en incluant cet avis sur la page de droit d'auteur :
Bien que Le Neveu du Magicien ait été écrit plusieurs années après que C. S. Lewis ait commencé Les Chroniques de Narnia, il souhaitait qu'il soit lu comme le premier livre de la série. Harper Collins est heureux de présenter ces livres dans l'ordre préféré du professeur Lewis.
Paul Ford cite plusieurs érudits qui se sont prononcés contre ce point de vue et poursuit : « la plupart des érudits ne sont pas d'accord avec cette décision et la trouvent la moins fidèle aux intentions les plus profondes de Lewis ». Les érudits et les lecteurs qui apprécient l'ordre original pensent que Lewis faisait simplement preuve de gentillesse envers son jeune correspondant et qu'il aurait pu modifier l'ordre des livres de son vivant s'il l'avait souhaité. Ils soutiennent qu'une grande partie de la magie de Narnia vient de la façon dont le monde est progressivement présenté dans Le Lion, la Sorcière et l'Armoire magique – que la garde-robe mystérieuse, en tant que dispositif narratif, est une bien meilleure introduction à Narnia que Le Neveu du Magicien, où le mot « Narnia » apparaît dans le premier paragraphe comme quelque chose de déjà familier au lecteur. De plus, disent-ils, il ressort clairement des textes eux-mêmes que Le Lion, la Sorcière et l'Armoire magique était destiné à être lu en premier. Lorsqu'Aslan est mentionné pour la première fois dans Le Lion, la Sorcière et l'Armoire magique, par exemple, le narrateur dit : "Aucun des enfants ne savait qui était Aslan, pas plus que vous" – ce qui n'a aucun sens si l'on a déjà lu Le Neveu du Magicien. . D'autres exemples textuels similaires sont également cités.
Doris Meyer, auteur de C. S. Lewis in Context et Bareface: A guide to C. S. Lewis, écrit que la réorganisation chronologique des histoires « diminue l'impact des histoires individuelles » et « obscurcit les structures littéraires dans leur ensemble ». Peter Schakel consacre un chapitre entier à ce sujet dans son livre Imagination and the Arts in C. S. Lewis : Journeying to Narnia and Other Worlds, et dans Reading with the Heart : The Way into Narnia, il écrit :
La seule raison de lire d'abord Le Neveu du Magicien [...] est l'ordre chronologique des événements, et cela, comme tout conteur le sait, n'a aucune importance comme raison. Souvent, les premiers événements d'une séquence ont un impact ou un effet plus important sous forme de flash-back, racontés après des événements ultérieurs qui fournissent un contexte et établissent une perspective. Ainsi en est-il [...] des Chroniques. Le talent artistique, les archétypes et le modèle de pensée chrétienne rendent préférable la lecture des livres dans l’ordre de leur publication.
Personnages principaux
Aslan
Aslan, le Grand Lion, est le lion éponyme du Lion, la Sorcière et l'Armoire magique, et son rôle dans Narnia est développé tout au long des livres restants. Il est également le seul personnage à apparaître dans les sept livres. Aslan est un lion parlant, le roi des bêtes, fils de l'empereur des mers. C'est une autorité magique sage, compatissante (à la fois temporelle et spirituelle) qui sert de guide mystérieux et bienveillant aux enfants humains qui lui rendent visite, en plus d'être le gardien et le sauveur de Narnia. C. S. Lewis a décrit Aslan comme une version alternative de Jésus comme la forme sous laquelle le Christ aurait pu apparaître dans une réalité alternative.
Famille Pevensie
Les quatre frères et sœurs Pevensie sont les principaux protagonistes humains du Monde de Narnia. Des combinaisons variables de certains ou de la totalité d'entre eux apparaissent dans cinq des sept romans. Ils sont introduits dans Le Lion, la Sorcière et l'Armoire magique, et deviennent finalement les rois et les reines de Narnia régnant comme une tétrarchie : le grand roi Pierre le Magnifique, la reine Suzanne la douce, le roi Edmond le Juste et la reine Lucie la Vaillante. Bien qu'introduits dans la série alors qu'ils étaient enfants, les frères et sœurs grandissent et deviennent adultes tout en régnant à Narnia. Ils redeviennent des enfants une fois de retour dans leur propre monde, mais apparaissent comme des adultes dans Le Cheval et son garçon pendant leur règne sur Narnia.
Faisant écho au thème chrétien de la trahison, du repentir et de la rédemption ultérieure via un sacrifice de sang, Edmund trahit ses frères et sœurs à Jadis, la sorcière blanche, mais réalise rapidement la vraie nature de la sorcière et ses mauvaises intentions envers ses frères et sœurs, et rejoint le côté d'Aslan. À ce stade, il est racheté par le sacrifice de la vie d'Aslan et rejoint le combat contre la Sorcière Blanche. Lucy est la plus jeune des quatre frères et sœurs Pevensie. De tous les enfants Pevensie, Lucy est la plus proche d'Aslan, et de tous les personnages humains qui visitent Narnia, Lucy est peut-être celle qui croit le plus en Narnia.
Tous les quatre apparaissent dans Le Lion, la Sorcière et l'Armoire magique et Prince Caspian ; dans ce dernier, cependant, Aslan dit à Peter et Susan qu'ils ne reviendront pas, car ils deviennent trop vieux. Susan, Lucy et Edmund apparaissent dans The Horse and His Boy – Peter serait en train de combattre des géants de l'autre côté de Narnia. Lucy et Edmund apparaissent dans L'Odyssée du Passeur d'aurore, où Aslan leur dit aussi qu'ils deviennent trop vieux. Peter, Edmund et Lucy apparaissent dans The Last Battle.
Susan n'apparaît pas dans The Last Battle car à ce moment-là, elle a cessé de croire en Narnia. Lorsqu'un enfant lui a demandé en 1958 s'il accepterait d'écrire un autre livre intitulé "Susan de Narnia" afin que toute la famille Pevensie soit réunie, C. S. Lewis a répondu : "Je suis si heureux que vous aimiez les livres de Narnia et c'était gentil de votre part de écrivez et dites-moi. Cela ne sert à rien de me demander d'écrire davantage. Quand des histoires me viennent à l'esprit, je dois les écrire, et quand elles ne le font pas, je ne peux pas !..."*
Eustache Scrubb
Eustace Clarence Scrubb est un cousin des Pevensie et un camarade de classe de Jill Pole à leur école Experiment House. Il est d'abord dépeint comme un gamin et un tyran, mais il vient améliorer son comportement méchant lorsque sa cupidité le transforme pendant un moment en dragon. Sa détresse de devoir vivre comme un dragon l'amène à réfléchir à quel point il a été horrible, et il devient bientôt une meilleure personne alors Aslan le transforme à nouveau en garçon. Dans les livres ultérieurs, Eustace apparaît comme une personne beaucoup plus gentille, même s'il est encore plutôt grincheux et argumentatif. Néanmoins, il devient un héros aux côtés de Jill Pole lorsque les deux hommes réussissent à libérer le prince Rilian perdu des griffes d'une méchante sorcière. Il apparaît dans L'Odyssée du Passeur d'aurore, La Chaise d'argent et La Dernière bataille.
Jill Pôle
Jill Pole n'a aucun lien de parenté avec les autres enfants qui entrent à Narnia. Elle n'est qu'une camarade de classe et une voisine d'Eustache Scrubb. Elle apparaît dans The Silver Chair, où elle est le personnage du point de vue pour la majeure partie de l'action, et revient dans The Last Battle. Dans The Silver Chair, Eustace lui présente le monde narnien, où Aslan lui confie la tâche de mémoriser une série de signes qui l'aideront, elle et Eustace, dans leur quête pour retrouver le fils perdu de Caspian. Dans La Dernière Bataille, elle et Eustace accompagnent le roi Tirian dans sa malheureuse défense de Narnia contre les Calormènes.
Digory Kirke
Digory Kirke est le personnage mentionné dans le titre du Neveu du Magicien. Il apparaît pour la première fois comme un personnage mineur dans Le Lion, la Sorcière et l'Armoire magique, mais sa véritable signification dans le récit n'est révélée que dans Le Neveu du Magicien. Il revient dans The Last Battle.
Polly Plummer
Polly Plummer apparaît dans The Magician's Nephew et The Last Battle. Elle est la voisine d'à côté du jeune Digory Kirke. Elle est trompée par un méchant magicien (qui est l'oncle de Digory) pour qu'elle touche un anneau magique qui la transporte dans le Bois entre les Mondes et l'y laisse bloquée. Le méchant oncle persuade Digory de la suivre avec un deuxième anneau magique qui a le pouvoir de la ramener. Cela met en place les aventures du couple dans d'autres mondes et ils assistent à la création de Narnia comme décrit dans Le neveu du magicien.
Prince Caspien / Caspien X
Le prince Caspian, qui deviendra plus tard le roi Caspian X de Narnia, seigneur de Cair Paravel et empereur des Îles Solitaires – également appelé « Caspian le marin » et « Caspian le navigateur » — est le personnage principal du deuxième livre de la série, le premier. présenté comme le jeune neveu et héritier du roi Miraz de Narnia. Prince Caspian : Le retour à Narnia se déroule 1 300 ans après le règne du haut roi Pierre et de ses frères et sœurs, lorsque les vieux Narniens ont été poussés à se cacher par les ancêtres de Caspian, les Telmarins. Caspian est également un personnage central de L'Odyssée du Passeur d'aurore et apparaît brièvement au début et à la fin de La Chaise d'argent.
Sorcière Blanche / Jadis
Jadis, communément connue sous le nom de Sorcière Blanche pendant son règne sur Narnia, est le principal antagoniste du Neveu du Magicien et du Lion, de la Sorcière et de l'Armoire Magique. Elle est la sorcière responsable du gel de Narnia, entraînant l'hiver centenaire. La Sorcière Blanche est née dans le monde de Charn, avant la création de Narnia, et est morte au combat en Narnia en l'an 1000.
Shasta / Cor
Shasta, plus tard connu sous le nom de Cor d'Archenland, est le personnage principal de The Horse and His Boy. Né fils aîné et héritier du roi Lune d'Archenland, et jumeau aîné du prince Corin, Cor a été kidnappé alors qu'il était enfant et élevé comme fils de pêcheur dans le pays de Calormen. Apprenant qu'il est sur le point d'être vendu comme esclave au début de The Horse and His Boy, Shasta s'échappe vers la liberté, sauve Archenland et Narnia de l'invasion, apprend sa véritable identité et retrouve son héritage. Shasta grandit pour devenir roi d'Archenland, épouse la Calormene Tarkheena Aravis et engendre le prochain (et le plus célèbre) roi d'Archenland, Ram le Grand.
Aravis
Aravis, fille de Kidrash Tarkaan, est le protagoniste secondaire de The Horse and His Boy. Échappant à des fiançailles forcées avec le répugnant Ahoshta, elle rejoint Shasta dans son voyage et surprend par inadvertance un complot de Rabadash, prince héritier de Calormen, visant à envahir Archenland. Elle épouse plus tard Shasta, désormais connu sous le nom de Prince Cor, et devient reine d'Archenland à ses côtés.
Brée
Bree (Breehy-hinny-brinny-hoohy-hah) est la monture et le mentor de Shasta dans The Horse and His Boy. Cheval parlant de Narnia, il erra à Calormen alors qu'il était poulain et fut capturé. Il apparaît d'abord comme le cheval de guerre d'un noble calormène ; Lorsque le noble achète Shasta comme esclave, Bree organise et réalise leur évasion commune. Bien qu'amical, il est également vaniteux et fanfaron jusqu'à sa rencontre avec Aslan à la fin de l'histoire.
Trompette
Trumpkin the Dwarf est le narrateur de plusieurs chapitres du Prince Caspian ; il est l'un des sauveteurs de Caspian et une figure de proue de la rébellion du « Vieux Narnian », et accompagne les enfants Pevensie depuis les ruines de Cair Paravel jusqu'au camp du Vieux Narnian. Dans L'Odyssée du Passeur d'aurore, nous apprenons que Caspian a fait de lui son régent à Narnia alors qu'il est en mer, et il apparaît brièvement dans ce rôle (maintenant âgé et très sourd) dans La Chaise d'Argent.
Flaque d'eau
Puddleglum le Marsh-wiggle guide Eustace et Jill dans leur quête dans The Silver Chair. Bien que toujours comiquement pessimiste, il donne la voix de la raison et, à ce titre, intervient de manière critique dans la scène culminante de l'enchantement.
Roi Tirian
Le dernier roi de Narnia est le personnage principal d'une grande partie de La Dernière Bataille. Après avoir tué imprudemment un Calormene pour avoir maltraité un cheval parlant narnien, il est emprisonné par le méchant singe Shift mais libéré par Eustace et Jill. Ensemble, ils combattent fidèlement jusqu'au bout et sont accueillis dans le royaume d'Aslan.
Caractères du titre
* Le neveu du magicien — Digory Kirke
* Le Lion, la Sorcière et l'Armoire — Aslan, Jadis
* Le cheval et son garçon — Bree, Shasta
* Prince Caspien — Prince Caspien
Apparitions des personnages principaux
Univers Narnien
Le décor principal des Chroniques de Narnia est le monde de Narnia construit par Lewis et, dans Le Neveu du Magicien, le monde contenant la ville de Charn. Les mondes narnien et charnien sont eux-mêmes posés comme deux mondes dans un multivers d'innombrables mondes qui comprend notre propre univers, le monde d'origine des principaux protagonistes. Le passage entre ces mondes est possible, bien que rare, et peut être accompli par divers moyens. Narnia elle-même est décrite comme peuplée d'une grande variété de créatures, dont la plupart seraient reconnaissables par ceux qui connaissent les mythologies européennes et les contes de fées britanniques.
Habitants
Voir aussi : Créatures de Narnia et Liste des personnages des Chroniques de Narnia
Les histoires de Lewis sont peuplées de deux types de personnages distincts : les humains originaires du monde terrestre du lecteur, et les créatures narniennes et leurs descendants créés par Aslan. Ceci est typique des œuvres qui impliquent des univers parallèles. La majorité des personnages du monde du lecteur sont les protagonistes des différents livres, même si certains ne sont mentionnés qu'en passant selon la chronologie. Lewis ne se limite pas à une seule source d'inspiration ; au lieu de cela, il emprunte à de nombreuses sources, notamment à la mythologie grecque et allemande antique, ainsi qu'à la littérature celtique.
Géographie
Les Chroniques de Narnia décrivent le monde dans lequel Narnia existe comme une masse continentale majeure entourée par un océan. La capitale de Narnia est située à l'extrémité orientale de la masse continentale, sur les rives du Grand océan Est. Cet océan contient les îles explorées dans L'Odyssée du Passeur d'aurore. Sur la masse continentale principale, Lewis place les pays de Narnia, Archenland, Calormen et Telmar, ainsi qu'une variété d'autres régions qui ne sont pas décrites comme des pays. L'auteur donne également un aperçu d'endroits plus fantastiques qui existent dans et autour du monde principal de Narnia, y compris un bord et un monde souterrain.
Il existe plusieurs cartes de l'univers narnien, y compris ce que beaucoup considèrent comme la carte « officielle », une version en couleur publiée en 1972 par l'illustratrice des livres, Pauline Baynes. Celui-ci est actuellement épuisé, bien que des exemplaires plus petits puissent être trouvés dans la plus récente édition à couverture rigide HarperCollins 2006 des Chroniques de Narnia. Deux autres cartes ont été produites suite à la popularité du film de 2005 Les Chroniques de Narnia : Le Lion, la Sorcière et l'Armoire Magique. L'une, la "Rose Map of Narnia", est vaguement basée sur la carte de Baynes et comporte des anecdotes sur Narnia imprimées au verso. L'autre, réalisé dans un style monochrome et archaïque rappelant les cartes de la Terre du Milieu de Tolkien, est disponible en version imprimée et en version interactive sur le DVD du film. Cette dernière carte représente uniquement le pays de Narnia et non le reste du monde de Lewis.
Cosmologie
Un élément récurrent de l'intrigue dans The Chronicles est l'interaction entre les différents mondes qui composent le multivers narnien. Diverses méthodes sont utilisées pour initier ces croisements qui servent généralement à introduire des personnages au pays de Narnia. La cosmologie de Narnia n'est pas aussi cohérente en interne que celle de la Terre du Milieu de Tolkien, le contemporain de Lewis, mais suffit compte tenu de l'atmosphère plus féerique de l'œuvre. Au fil de la série on apprend au passage, que le monde de Narnia est plat et géocentrique et possède des étoiles différentes de celles de la Terre, et que le passage du temps ne correspond pas directement au passage du temps dans notre monde.
Histoire
Voir également : Chronologie de Narnia et Histoire de Narnia
Les Chroniques couvrent toute l'histoire du monde de Narnia, décrivant le processus par lequel il a été créé, offrant des instantanés de la vie à Narnia au fur et à mesure que son histoire se déroule et comment il est finalement détruit. Comme c'est souvent le cas dans une série pour enfants, les enfants eux-mêmes, généralement issus de notre monde, jouent un rôle prépondérant dans tous ces événements. L'histoire de Narnia est généralement divisée selon les périodes suivantes : la création et la période qui suivit peu après, le règne de la Sorcière Blanche, l'âge d'or, l'invasion et le règne des Telmarins, leur défaite ultérieure face à la Caspienne X, le règne du roi Caspien. et ses descendants, et la destruction de Narnia. Comme beaucoup d’histoires, le récit n’est pas nécessairement toujours présenté par ordre chronologique.
Influences
La vie de Lewis
La jeunesse de Lewis a des parallèles avec Les Chroniques de Narnia. À l'âge de sept ans, il déménage avec sa famille dans une grande maison à la périphérie de Belfast. Ses longs couloirs et ses pièces vides ont inspiré Lewis et son frère à inventer des mondes imaginaires tout en explorant leur maison, une activité reflétée dans la découverte de Narnia par Lucy dans Le Lion, la Sorcière et l'Armoire magique. Comme Caspian et Rilian, Lewis a perdu sa mère très jeune, passant une grande partie de sa jeunesse dans des internats anglais similaires à ceux fréquentés par les enfants Pevensie, Eustace Scrubb et Jill Pole. Pendant la Seconde Guerre mondiale, de nombreux enfants ont été évacués de Londres et d’autres zones urbaines à cause des raids aériens allemands. Certains de ces enfants, dont une nommée Lucy (la filleule de Lewis), sont restés avec lui dans sa maison de The Kilns, près d'Oxford, tout comme les Pevensie sont restés avec le professeur dans Le Lion, la Sorcière et l'Armoire magique.
Influences de la mythologie et de la cosmologie
Drew Trotter, président du Center for Christian Study, a noté que les producteurs du film Les Chroniques de Narnia : Le Lion, la Sorcière et l'Armoire magique estimaient que les intrigues des livres adhèrent au modèle archétypal du « monomythe » tel que détaillé dans Joseph. Campbell, Le héros aux mille visages.
Lewis était largement lu dans la littérature celtique médiévale, une influence reflétée dans tous les livres, et plus fortement dans L'Odyssée du Passeur d'aurore. Le livre entier imite l'un des immrama, un type de vieux conte traditionnel irlandais qui combine des éléments du christianisme et de la mythologie irlandaise pour raconter l'histoire du voyage en mer d'un héros vers l'Autre Monde. L'Irlande médiévale avait également une tradition de hauts rois régnant sur des rois, des reines ou des princes inférieurs, comme à Narnia. Le terme « Cair » de Lewis, comme dans Cair Paravel, reflète également « Caer », ou « forteresse » en langue galloise. Le petit bateau de Ripicheep est un coracle, un type de navire traditionnellement utilisé dans les régions celtiques des îles britanniques. Certaines créatures du livre, comme les Dufflepuds à un pied, reflètent des éléments de la mythologie grecque, romaine et médiévale tandis que d'autres créatures narniennes sont empruntées à la mythologie grecque et germanique : par exemple, les centaures de la première et les nains de la seconde.
En 2008, Michael Ward a publié Planet Narnia, qui proposait que chacun des sept livres se rapportait à l'un des sept corps célestes en mouvement ou « planètes » connus au Moyen Âge selon le modèle géocentrique ptolémaïque de la cosmologie (un thème auquel Lewis revenait habituellement). tout au long de son œuvre). À cette époque, on croyait que chacun de ces corps célestes possédait certains attributs, et Ward soutient que ces attributs étaient délibérément mais subtilement utilisés par Lewis pour fournir des éléments des histoires de chaque livre :
Dans Le Lion [les enfants protagonistes] deviennent des monarques sous le souverain Jupiter ; dans le Prince Caspien, ils se durcissent sous la forte présence de Mars ; dans The "Dawn Treader", ils boivent de la lumière sous la recherche de Sol ; dans The Silver Chair, ils apprennent l'obéissance sous la subordonnée Luna ; dans Le Cheval et son garçon, ils en viennent à aimer la poésie sous l'éloquent Mercure ; dans Le Neveu du Magicien, ils obtiennent des fruits vivifiants sous la fertile Vénus ; et dans La Dernière Bataille, ils souffrent et meurent sous le froid glacial de Saturne. »
De même, l'intérêt de Lewis pour le symbolisme littéraire de l'astrologie médiévale et de la Renaissance est plus ouvertement référencé dans d'autres ouvrages tels que son étude de la cosmologie médiévale The Discarded Image, dans ses premières poésies ainsi que dans Space Trilogy. L'érudit de Narnia, Paul F. Ford, trouve invraisemblable l'affirmation de Ward selon laquelle Lewis voulait que les Chroniques soient une incarnation de l'astrologie médiévale, bien que Ford aborde une version antérieure (2003) de la thèse de Ward (également appelée Planet Narnia, publiée dans le Times Literary Supplement). Ford soutient que Lewis n'a pas commencé avec un plan cohérent pour les livres, mais le livre de Ward répond à cette question en affirmant que les associations astrologiques se sont développées au cours de l'écriture.
"Phantastes" (1858) de George MacDonald a influencé la structure et le décor des "Chroniques". C'était une œuvre qui était "un grand baume pour l'âme"
Influences sur d'autres œuvres
Influences sur la littérature
La Chronique | http://www.quizballs.com/ |
Dans quel État des États-Unis se trouve l'église Saint-Fidelis, également connue sous le nom de Cathédrale des Plaines ? | Kansas | [
"La basilique Saint-Fidelis, communément connue sous le nom de cathédrale des Plaines, est une église paroissiale catholique romaine de style roman située à Victoria, Kansas, États-Unis. Elle a été élevée au statut de basilique mineure en 2014 et est également connue sous le nom de basilique des plaines.",
"En 1994, l'église a entamé une série d'efforts de restauration. Plus de 265 000 $ ont été dépensés pour imperméabiliser l'extérieur, repeindre et repeindre l'intérieur et mettre à jour les systèmes de sonorisation, d'électricité et de chauffage. Un sol en marbre a été installé dans le sanctuaire pour 60 000 $, remplaçant les anciens sols en moquette et en linoléum. Le toit de l'église a été refait en 2006 pour 137 000 $. En 2011, l'église a remplacé le parking et les trottoirs pour 225 000 $ et a dépensé 70 000 $ pour réparer les plafonds et les murs en plâtre fissurés avec le temps. Un revêtement en plastique a été installé au milieu des années 1980 pour protéger chaque vitrail des tempêtes du Kansas. Il est devenu opaque au fil des années et a été remplacé par du verre trempé en 2013."
] | La basilique Saint-Fidelis, communément connue sous le nom de cathédrale des Plaines, est une église paroissiale catholique romaine de style roman située à Victoria, Kansas, États-Unis. Elle a été élevée au statut de basilique mineure en 2014 et est également connue sous le nom de basilique des plaines.
Histoire
L'église a été construite de 1908 à 1911. Selon l'histoire de l'église, chaque membre de l'église âgé de 12 ans ou plus devait donner 45 $ par an et six wagons de pierre pour aider à construire le bâtiment. Le surnom de Cathédrale des Plaines a été attribué par l'ancien candidat à la présidentielle William Jennings Bryan après sa visite dans la ville en 1912. Ses 48 vitraux historiques ont été installés en 1916 par les studios Munich à Chicago, au coût de 3 700 $, et maintenant évalué à plus d’un million de dollars. L'église a été inscrite au registre national en 1971.
En 1994, l'église a entamé une série d'efforts de restauration. Plus de 265 000 $ ont été dépensés pour imperméabiliser l'extérieur, repeindre et repeindre l'intérieur et mettre à jour les systèmes de sonorisation, d'électricité et de chauffage. Un sol en marbre a été installé dans le sanctuaire pour 60 000 $, remplaçant les anciens sols en moquette et en linoléum. Le toit de l'église a été refait en 2006 pour 137 000 $. En 2011, l'église a remplacé le parking et les trottoirs pour 225 000 $ et a dépensé 70 000 $ pour réparer les plafonds et les murs en plâtre fissurés avec le temps. Un revêtement en plastique a été installé au milieu des années 1980 pour protéger chaque vitrail des tempêtes du Kansas. Il est devenu opaque au fil des années et a été remplacé par du verre trempé en 2013.
Après l'approbation du Vatican début mars 2014, l'évêque Edward Weisenburger du diocèse de Salina a consacré l'église Saint-Fidèle comme basilique mineure le samedi 7 juin 2014.
Galerie
Image : Cathédrale des Plaines Victoria ks.jpg | Intérieur de l'église catholique St. Fidelis en 2011
Image:Marker.jpg|Plaque près de l'église en 1997 | http://www.quizballs.com/ |
En mars 1951, quel personnage de bande dessinée est apparu pour la première fois dans les journaux des États-Unis ? | Dennis the Menace | [
"Les panneaux individuels ne sont généralement pas brisés et manquent de continuité. Le quotidien Peanuts est une bande dessinée et le quotidien Dennis the Menace est un seul panneau. Le long terme de J. R. Williams, Out Our Way, a continué comme un panel quotidien même après s'être étendu à une bande du dimanche, Out Our Way with the Willets. Jimmy Hatlo's Ils le feront à chaque fois était souvent affiché dans un format à deux panneaux, le premier panneau montrant un comportement humain trompeur, prétentieux, involontaire ou intrigant et le deuxième panneau révélant la vérité de la situation."
] | Une bande dessinée est une séquence de dessins disposés en panneaux interdépendants pour afficher un bref humour ou former un récit, souvent sérialisé, avec du texte dans des bulles et des légendes. Traditionnellement, tout au long du XXe siècle et jusqu'au XXIe, ceux-ci ont été publiés dans des journaux et des magazines, avec des bandes horizontales imprimées en noir et blanc dans les quotidiens, tandis que les journaux du dimanche proposaient des séquences plus longues dans des sections spéciales de bandes dessinées en couleur. Avec le développement d’Internet, ils ont commencé à apparaître en ligne sous forme de bandes dessinées Web.
Il y avait plus de 200 bandes dessinées et panneaux de dessins animés quotidiens rien que dans les journaux américains pendant la majeure partie du 20e siècle, pour un total d'au moins 7 300 000 épisodes.
Les bandes dessinées sont écrites et dessinées par un dessinateur de bande dessinée ou un dessinateur. Comme leur nom l'indique, les bandes dessinées peuvent être humoristiques (par exemple, des bandes dessinées « gag-a-day » telles que Blondie, Bringing Up Father, Marmaduke et Pearls Before Swine).
À partir de la fin des années 1920, les bandes dessinées se sont développées à partir de leurs origines joyeuses pour présenter des histoires d'aventures, comme on le voit dans Popeye, Captain Easy, Buck Rogers, Tarzan et Les Aventures de Tintin. Les bandes dessinées de continuité de feuilletons telles que Judge Parker et Mary Worth ont gagné en popularité dans les années 1940. Toutes sont appelées, de manière générique, bandes dessinées, bien que le dessinateur Will Eisner ait suggéré que « l'art séquentiel » serait un meilleur nom neutre en termes de genre.
Au Royaume-Uni et dans le reste de l'Europe, les bandes dessinées sont également publiées en série dans des magazines de bandes dessinées, l'histoire d'une bande dessinée se prolongeant parfois sur trois pages ou plus. Des bandes dessinées sont apparues dans des magazines américains tels que Liberty et Boys' Life ainsi que sur les couvertures de magazines, comme la série Flossy Frills dans le supplément du journal The American Weekly Sunday.
Histoire
La narration utilisant une séquence d’images existe à travers l’histoire. Un exemple européen médiéval sous forme textile est la Tapisserie de Bayeux. Des exemples imprimés sont apparus en Allemagne au XIXe siècle et en Angleterre au XVIIIe siècle, où certains des premiers dessins narratifs séquentiels satiriques ou humoristiques ont été produits. Les dessins animés anglais du XVIIIe siècle de William Hogarth comprennent à la fois des séquences narratives, telles que A Rake's Progress, et des panneaux uniques.
La Biblia pauperum (« Bible des pauvres »), une tradition de Bibles illustrées commençant à la fin du Moyen Âge, représentait parfois des événements bibliques avec des mots prononcés par les personnages dans les miniatures écrites sur des rouleaux sortant de leur bouche, ce qui les rend à certains dans la mesure où ils sont les ancêtres de la bande dessinée moderne.
En Chine, avec ses traditions d’impression en bloc et d’incorporation de texte avec image, les expériences avec ce qui est devenu le lianhuanhua remontent à 1884.
Journaux
Les premières bandes dessinées de journaux sont apparues en Amérique du Nord à la fin du XIXe siècle. Le Yellow Kid est généralement considéré comme le premier. Cependant, l'art associant mots et images s'est développé progressivement et il existe de nombreux exemples qui ont conduit à la bande dessinée.
L'auteur et caricaturiste suisse Rodolphe Töpffer (Genève, 1799-1846) est considéré comme le père de la bande dessinée moderne. Ses histoires illustrées telles que l'Histoire de M. Vieux Bois (1827), publiée pour la première fois aux États-Unis en 1842 sous le titre Les Aventures d'Obadiah Oldbuck ou l'Histoire de Monsieur Jabot (1831), ont inspiré les générations suivantes de dessinateurs de bandes dessinées allemands et américains. En 1865, le peintre, auteur et caricaturiste allemand Wilhelm Busch crée la bande dessinée Max et Moritz, sur deux garçons fauteurs de troubles, qui a eu une influence directe sur la bande dessinée américaine. Max et Moritz était une série de contes sévèrement moralistes dans la veine des histoires pour enfants allemandes telles que Struwwelpeter ("Pierre choqué"); dans l'une, les garçons, après avoir commis quelque méfait, sont jetés dans un sac de grain, passés dans un moulin et consommés par un troupeau d'oies. Max et Moritz ont inspiré l'immigrant allemand Rudolph Dirks, qui a créé les Katzenjammer Kids en 1897. L'iconographie familière de la bande dessinée, telle que les étoiles pour la douleur, les bûches de sciage pour le ronflement, les bulles de parole et les ballons de réflexion, trouve son origine dans la bande de Dirks.
Très populaire, Katzenjammer Kids a donné lieu à l'une des premières poursuites en matière de propriété des droits d'auteur sur des bandes dessinées dans l'histoire du média. Lorsque Dirks quitta William Randolph Hearst pour la promesse d'un meilleur salaire sous Joseph Pulitzer, c'était une décision inhabituelle, puisque les caricaturistes désertaient régulièrement Pulitzer pour Hearst. Dans une décision de justice très inhabituelle, Hearst a conservé les droits sur le nom « Katzenjammer Kids », tandis que le créateur Dirks a conservé les droits sur les personnages. Hearst a rapidement embauché Harold Knerr pour dessiner sa propre version de la bande dessinée. Dirks a renommé sa version Hans et Fritz (plus tard, Le Capitaine et les Enfants). Ainsi, deux versions distribuées par des syndicats rivaux ont orné les pages de bandes dessinées pendant des décennies. La version de Dirks, finalement distribuée par United Feature Syndicate, a fonctionné jusqu'en 1979.
Aux États-Unis, la grande popularité des bandes dessinées est née de la guerre des journaux (à partir de 1887) entre Pulitzer et Hearst. Les Petits Ours (1893-1896) fut la première bande dessinée américaine avec des personnages récurrents, tandis que le premier supplément de bande dessinée en couleur fut publié par le Chicago Inter-Ocean dans la seconde moitié de 1892, suivi par les premières pages de bande dessinée en couleur du dimanche du New York Journal. en 1897. Le 31 janvier 1912, Hearst a présenté la première page de bande dessinée quotidienne complète du pays dans son New York Evening Journal. L'histoire de cette rivalité journalistique et l'apparition rapide des bandes dessinées dans la plupart des grands journaux américains sont évoquées par Ian Gordon. De nombreux événements dans les bandes dessinées de journaux ont eu des répercussions dans la société dans son ensemble, même si peu de ces événements se sont produits ces dernières années, principalement en raison du rôle déclinant de la bande dessinée de journaux en tant que forme de divertissement.
Les bandes dessinées américaines les plus anciennes sont :
*1. Katzenjammer Enfants (1897-présent)
*2. Allée de l'essence (1918-présent)
*3. Ripley's, croyez-le ou pas ! (1918-présent)
*4. Barney Google et Snuffy Smith (1919-présent)
*5. Théâtre Thimble/Popeye (1919-présent)
*6. Petite orpheline Annie (1924-2010)
*7. Blondie (1930-présent)
Les bandes dessinées de journaux se déclinent en deux types différents : les bandes dessinées quotidiennes et les bandes dessinées du dimanche. La plupart des bandes dessinées des journaux sont souscrites ; un syndicat engage des personnes pour écrire et dessiner une bande dessinée, puis la distribue à de nombreux journaux moyennant des frais. Quelques bandes de journaux sont exclusives à un journal. Par exemple, la bande dessinée Pogo de Walt Kelly n'est apparue à l'origine que dans le New York Star en 1948 et n'a été reprise pour syndication que l'année suivante.
Aux États-Unis, une bande quotidienne apparaît dans les journaux en semaine, du lundi au samedi, contrairement à une bande du dimanche, qui n'apparaît généralement que le dimanche. Les bandes quotidiennes sont généralement imprimées en noir et blanc et les bandes du dimanche sont généralement en couleur. Cependant, quelques journaux ont publié des strips quotidiens en couleur, et certains journaux ont publié des strips du dimanche en noir et blanc. Les deux formats conventionnels pour les bandes dessinées de journaux sont les bandes dessinées et les panneaux gag simples. Les bandes sont généralement affichées horizontalement, plus larges que hautes. Les panneaux simples sont carrés, circulaires ou plus hauts que larges. Les bandes sont généralement, mais pas toujours, divisées en plusieurs panneaux plus petits avec continuité d'un panneau à l'autre. Une bande horizontale peut également être utilisée pour un seul panneau avec un seul gag, comme on le voit occasionnellement dans Mother Goose et Grimm de Mike Peters.
Au cours des années 1930, l'art original d'une bande dessinée quotidienne pouvait mesurer jusqu'à 25 pouces de largeur sur six pouces de hauteur. Les bandes étant devenues plus petites, le nombre de panneaux a été réduit.
La popularité et l'accessibilité des bandes signifiaient qu'elles étaient souvent coupées et sauvegardées ; des auteurs dont John Updike et Ray Bradbury ont écrit sur leurs collections d'enfance de bandes coupées. Souvent affichées sur des tableaux d'affichage, les bandes découpées avaient une forme de distribution accessoire lorsqu'elles étaient télécopiées, photocopiées ou postées. Linda White des Suns de Baltimore se souvient : « J'ai suivi les aventures de Winnie Winkle, Moon Mullins et Dondi, et j'ai attendu chaque automne pour voir comment Lucy parviendrait à tromper Charlie Brown pour qu'il essaie de jouer au football. (Après mon départ pour l'université, mon mon père découpait cette bande chaque année et me l'envoyait juste pour être sûr que je ne la manquais pas.)"
Les feuilles d'épreuves étaient le moyen par lequel les syndicats fournissaient aux journaux des dessins au trait en noir et blanc pour la reproduction des bandes (qu'ils faisaient colorier dans le cas des bandes du dimanche). Randy Scott, bibliothécaire de la Michigan State University Comic Art Collection, les décrit comme « de grandes feuilles de papier sur lesquelles les bandes dessinées de journaux étaient traditionnellement distribuées aux journaux abonnés. En général, chaque feuille contiendra soit six bandes quotidiennes d'un titre donné, soit une bande du dimanche. " La semaine de Beetle Bailey arriverait au Lansing State Journal en deux feuilles, imprimées beaucoup plus grandes que la version finale et prêtes à être découpées et intégrées dans la page de bandes dessinées locale. " L'historien de la bande dessinée Allan Holtz a décrit comment les bandes étaient fournies sous forme de tapis (les plateaux en plastique ou en carton dans lesquels du métal en fusion est versé pour fabriquer des plaques) ou même de plaques prêtes à être placées directement sur la presse à imprimer. Il note également qu'avec la généralisation des moyens de distribution électroniques, les feuilles imprimées "sont définitivement en voie de disparition".
Panneaux de dessins animés
Les panneaux individuels ne sont généralement pas brisés et manquent de continuité. Le quotidien Peanuts est une bande dessinée et le quotidien Dennis the Menace est un seul panneau. Le long terme de J. R. Williams, Out Our Way, a continué comme un panel quotidien même après s'être étendu à une bande du dimanche, Out Our Way with the Willets. Jimmy Hatlo's Ils le feront à chaque fois était souvent affiché dans un format à deux panneaux, le premier panneau montrant un comportement humain trompeur, prétentieux, involontaire ou intrigant et le deuxième panneau révélant la vérité de la situation.
Les premières bandes quotidiennes étaient grandes, s'étendant souvent sur toute la largeur du journal, et mesuraient parfois trois pouces ou plus de hauteur. [http://www.newspaperarchive.com Newspaper Archive] Initialement, une page de journal ne comprenait qu'une seule bande quotidienne, généralement soit en haut, soit en bas de la page. Dans les années 1920, de nombreux journaux avaient une page de bandes dessinées sur laquelle de nombreuses bandes dessinées étaient rassemblées. Au fil des décennies, la taille des bandes quotidiennes est devenue de plus en plus petite, jusqu'à ce qu'en 2000, quatre bandes quotidiennes standards puissent tenir dans une zone autrefois occupée par une seule bande quotidienne.
NEA Syndicate a brièvement expérimenté une bande quotidienne à deux niveaux, Star Hawks, mais après quelques années, Star Hawks est tombé à un seul niveau.
En Flandre, la bande dessinée à deux niveaux est le style de publication standard de la plupart des bandes dessinées quotidiennes comme Spike, Suzy et Nero. Ils apparaissent du lundi au samedi ; jusqu'en 2003, il n'y avait pas de journaux du dimanche en Flandre. Au cours des dernières décennies, ils sont passés du noir et blanc à la couleur.
BD du dimanche
Les journaux du dimanche comprenaient traditionnellement une section spéciale en couleur. Les premières bandes dessinées du dimanche, telles que Thimble Theatre et Little Orphan Annie, remplissaient une page entière de journal, un format connu des collectionneurs sous le nom de pleine page. Les pages du dimanche dans les années 1930 et 1940 comportaient souvent une bande secondaire du même artiste que la bande principale. Qu'elle apparaisse au-dessus ou en dessous d'une bande principale, la bande supplémentaire était connue sous le nom de topper, comme The Squirrel Cage qui courait avec Room et Board, tous deux dessinés par Gene Ahern.
Au cours des années 1930, les illustrations originales d’un strip du dimanche étaient généralement dessinées en assez grand format. Par exemple, en 1930, Russ Westover a dessiné sa page du dimanche de Tillie le Travailleur au format 17" × 37". En 1937, le caricaturiste Dudley Fisher a lancé l'innovant Right Around Home, dessiné comme un immense panneau unique remplissant une page entière du dimanche.
Les bandes pleine page ont finalement été remplacées par des bandes deux fois plus petites. Des bandes dessinées telles que The Phantom et Terry and the Pirates ont commencé à apparaître sous la forme de deux bandes par page dans des journaux de grande taille, comme le New Orleans Times Picayune, ou avec une bande sur une page de tabloïd, comme dans le Chicago Sun. Fois. Lorsque les bandes dessinées du dimanche ont commencé à apparaître dans plus d'un format, il est devenu nécessaire pour le dessinateur de permettre des panneaux réarrangés, recadrés ou supprimés. Pendant la Seconde Guerre mondiale, en raison de la pénurie de papier, la taille des bandes du dimanche a commencé à diminuer. Après la guerre, les bandes ont continué à devenir de plus en plus petites en raison de l'augmentation des coûts de papier et d'impression. La dernière bande dessinée pleine page était la bande dessinée Prince Valiant du 11 avril 1971.
Des bandes dessinées ont également été publiées dans les magazines du dimanche. Les nouvelles aventures de Flossy Frills de Russell Patterson et Carolyn Wells étaient une série de bandes dessinées continue vue sur les couvertures des magazines du dimanche. À partir du 26 janvier 1941, il a fait la couverture du supplément du magazine Hearst's American Weekly, jusqu'au 30 mars de la même année. Entre 1939 et 1943, quatre histoires différentes mettant en vedette Flossy sont apparues sur les couvertures d'American Weekly.
Les sections de bandes dessinées du dimanche utilisaient l'impression couleur offset avec plusieurs tirages imitant une large gamme de couleurs. Les plaques d'impression étaient créées avec quatre couleurs ou plus, traditionnellement le modèle de couleur CMJN : cyan, magenta, jaune et « K » pour le noir. Avec un écran de petits points sur chaque plaque d'impression, les points permettaient d'imprimer une image en demi-teintes qui apparaît à l'œil dans différentes gradations. La propriété semi-opaque de l’encre permet aux points demi-teintes de différentes couleurs de créer un effet optique d’images en couleur.
Bandes dessinées underground
La décennie des années 1960 a vu l'essor des journaux clandestins, qui publiaient souvent des bandes dessinées, comme Fritz the Cat et The Fabulous Furry Freak Brothers. Zippy the Pinhead est apparu pour la première fois dans des publications clandestines dans les années 1970 avant d'être diffusé. Bloom County et Doonesbury ont commencé sous forme de bandes dessinées dans les journaux universitaires sous différents titres, puis sont passés à la syndication nationale. Les bandes dessinées underground couvraient des sujets habituellement tabous dans les bandes dessinées des journaux, comme le sexe et la drogue. De nombreux artistes underground, notamment Vaughn Bode, Dan O'Neill, Gilbert Shelton et Art Spiegelman, ont ensuite dessiné des bandes dessinées pour des magazines tels que Playboy, National Lampoon et CARtoons de Pete Millar. Jay Lynch est passé de l'underground aux hebdomadaires alternatifs à Mad et aux livres pour enfants.
Webcomique
Les webcomics, également connus sous le nom de bandes dessinées en ligne et de bandes dessinées Internet, sont des bandes dessinées disponibles en lecture sur Internet. Beaucoup sont publiées exclusivement en ligne, mais la majorité des bandes dessinées des journaux traditionnels ont une certaine présence sur Internet. King Features Syndicate et d'autres syndicats fournissent souvent des archives de bandes récentes sur leurs sites Web. Certains, comme Scott Adams, créateur de Dilbert, incluent une adresse e-mail dans chaque bande.
Conventions et genres
La plupart des personnages de bandes dessinées ne vieillissent pas tout au long de la vie de la bande dessinée, mais dans certaines bandes, comme pour le meilleur ou pour le pire de Lynn Johnston, les personnages vieillissent au fil des années. La première bande à présenter des personnages vieillissants était Gasoline Alley.
L’histoire de la bande dessinée comprend également des séries qui ne sont pas humoristiques, mais qui racontent une histoire dramatique en cours. Les exemples incluent The Phantom, Prince Valiant, Dick Tracy, Mary Worth, Modesty Blaise, Little Orphan Annie, "Flash Gordon" et Tarzan. Il s’agit parfois de spin-offs de bandes dessinées, par exemple Superman, Batman et The Amazing Spider-Man.
Un certain nombre de bandes dessinées présentent des animaux (« animaux drôles ») comme personnages principaux. Certains sont non verbaux (Marmaduke, The Angriest Dog in the World), certains ont des pensées verbales mais ne sont pas compris par les humains (Garfield, Snoopy in Peanuts), et certains peuvent converser avec les humains (Bloom County, Calvin et Hobbes, Mutts). , Citizen Dog, Buckles, Get Fuzzy, Pearls Before Swine et Pooch Cafe). D'autres bandes sont entièrement centrées sur les animaux, comme dans Pogo et Donald Duck. The Far Side de Gary Larson était inhabituel, car il n'y avait pas de personnages centraux. Au lieu de cela, The Far Side a utilisé une grande variété de personnages, notamment des humains, des monstres, des extraterrestres, des poulets, des vaches, des vers, des amibes et bien plus encore. Close to Home de John McPherson utilise également ce thème, bien que les personnages soient pour la plupart limités aux humains et aux situations réelles. Wiley Miller mélange non seulement des personnages humains, animaux et fantastiques, mais réalise également plusieurs continuités de bandes dessinées sous un seul titre général, Non Sequitur. Frank & Ernest de Bob Thaves a débuté en 1972 et a ouvert la voie à certaines de ces bandes, car ses personnages humains se manifestaient sous diverses formes – sous forme d'animaux, de légumes et de minéraux.
Influence sociale et politique
Les bandes dessinées ont longtemps été un miroir déformé de la société contemporaine et ont été utilisées presque dès le début à des fins de commentaires politiques ou sociaux. Cela allait de la tendance conservatrice de Little Orphan Annie au libéralisme sans vergogne de Doonesbury. Pogo a utilisé les animaux avec un effet particulièrement dévastateur, caricaturant de nombreux hommes politiques éminents de l'époque en les décrivant comme les animaux du marais d'Okeefenokee de Pogo. Dans un geste courageux, le créateur de Pogo, Walt Kelly, s'est attaqué à Joseph McCarthy dans les années 1950, le caricaturant comme un lynx roux nommé Simple J. Malarkey, un mégalomane déterminé à reprendre le club d'observation des oiseaux des personnages et à extirper tous les indésirables. Kelly a également défendu le média contre une éventuelle réglementation gouvernementale à l'époque McCarthy. À une époque où les bandes dessinées étaient critiquées pour leur contenu supposément sexuel, violent et subversif, Kelly craignait que la même chose n'arrive aux bandes dessinées. Devant la sous-commission du Congrès, il a charmé les membres avec ses dessins et la force de sa personnalité. La bande dessinée était sans danger pour la satire.
Au début du XXe siècle, les bandes dessinées étaient largement associées à l'éditeur William Randolph Hearst, dont les journaux avaient le plus grand tirage de bandes dessinées aux États-Unis. Hearst était connu pour sa pratique du journalisme jaune, et il était mal vu par les lecteurs du New York Times et d'autres journaux qui présentaient peu ou pas de bandes dessinées. Les critiques de Hearst ont souvent supposé que toutes les bandes dessinées dans ses journaux étaient des façades pour ses propres opinions politiques et sociales. Hearst a parfois travaillé avec des caricaturistes ou leur a présenté des idées, notamment son soutien continu à Krazy Kat de George Herriman. Inspirateur de Bill Watterson et d'autres dessinateurs, Krazy Kat a gagné un public considérable parmi les intellectuels dans les années 1920 et 1930.
Certaines bandes dessinées, telles que Doonesbury et The Boondocks, peuvent être imprimées sur la page éditoriale ou d'opinion plutôt que sur la page de bandes dessinées en raison de leurs commentaires politiques réguliers. Par exemple, le strip de Doonesbury du 12 août 1974 a reçu un prix Pulitzer en 1975 pour sa description du scandale du Watergate. Dilbert se retrouve parfois dans la section économique d'un journal au lieu de la page de bandes dessinées en raison des commentaires de la bande sur la politique de bureau, et Tank McNamara apparaît souvent sur la page sportive en raison de son sujet. Pour le meilleur ou pour le pire de Lynn Johnston a créé un tollé lorsqu'un de ses personnages secondaires est sorti du placard et a annoncé qu'il était gay.
Publicité et reconnaissance
La bande dessinée la plus longue du monde est exposée à Trafalgar Square dans le cadre du London Comedy Festival. Le London Cartoon Strip a été créé par 15 des dessinateurs britanniques les plus connus et dépeint l'histoire de Londres.
Le Reuben, du nom du dessinateur Rube Goldberg, est la récompense la plus prestigieuse décernée aux artistes américains de bande dessinée. Les prix Reuben sont décernés chaque année par la National Cartoonists Society (NCS).
Les strip-teaseurs d'aujourd'hui, avec l'aide du NCS, promeuvent avec enthousiasme ce médium considéré comme en déclin en raison de la diminution des marchés (aujourd'hui, peu de strips sont publiées dans les journaux en dehors des États-Unis, du Royaume-Uni et du Canada, principalement en raison de l'intérêt y est moindre, les versions traduites de bandes dessinées populaires - notamment en espagnol - étant principalement lues sur Internet) et l'espace réservé aux journaux est de plus en plus restreint. Un exemple particulièrement humoristique de ces efforts promotionnels est la Great Comic Strip Switcheroonie, organisée en 1997 le jour du poisson d'avril, un événement au cours duquel des dizaines d'artistes éminents se sont emparés des bandes dessinées des uns et des autres. Jim Davis de Garfield, par exemple, a échangé avec Stan Drake de Blondie, tandis que Scott Adams (Dilbert) a échangé des strips avec Bil Keane (The Family Circus). Même le service postal des États-Unis s'est lancé dans l'action en émettant une série de timbres commémoratifs marquant le centenaire de la bande dessinée en 1996.
Alors que le Switcheroonie était un coup publicitaire ponctuel, le fait qu'un artiste reprenne un long métrage de son créateur est une vieille tradition dans le dessin de journaux (comme c'est le cas dans l'industrie de la bande dessinée). En fait, cette pratique a rendu possible la longévité des bandes dessinées les plus populaires du genre. Les exemples incluent Little Orphan Annie (dessiné et tracé par Harold Gray de 1924 à 1944 et par la suite par une succession d'artistes dont Leonard Starr et Andrew Pepoy), et Terry and The Pirates, lancé par Milton Caniff en 1934 et repris par George Wunder.
Une variation motivée par l'entreprise a parfois conduit à ce que la même fonctionnalité soit maintenue sous un nom différent. Dans un cas, au début des années 1940, Modest Maidens de Don Flowers était tellement admiré par William Randolph Hearst qu'il a attiré Flowers loin de l'Associated Press et vers King Features Syndicate en doublant le salaire du caricaturiste, et a renommé le long métrage Glamour Girls pour éviter les poursuites judiciaires. action de l’AP. Ce dernier continue de publier Modest Maidens, dessiné par Jay Allen dans le style de Flowers.
Problèmes dans les bandes dessinées des journaux américains
À mesure que les journaux ont décliné, les changements ont touché les bandes dessinées. Jeff Reece, rédacteur en chef du Florida Times-Union, a écrit : « Les bandes dessinées sont en quelque sorte le « troisième rail » du journal.
Taille
Dans les premières décennies du 20e siècle, toutes les bandes dessinées du dimanche recevaient une page entière, et les bandes dessinées quotidiennes faisaient généralement la largeur de la page. La concurrence entre les journaux pour avoir plus de caricatures que les autres à partir du milieu des années 1920, la croissance de la publicité à grande échelle dans les journaux pendant la majeure partie des années trente, le rationnement du papier pendant la Seconde Guerre mondiale, le déclin du lectorat des informations (à mesure que les journaux télévisés commençaient à être diffusés). plus répandue) et l'inflation (qui a entraîné une hausse des coûts d'impression) à partir des années 50 et 60 ont conduit à la publication des bandes dessinées du dimanche dans des formats plus petits et plus diversifiés. Les bandes quotidiennes ont également souffert : en 1910, les bandes avaient un nombre illimité de panneaux, couvrant toute la largeur de la page, tandis qu'en 1930, la plupart des « quotidiens » avaient quatre ou cinq panneaux couvrant six des huit colonnes occupées par un journal grand format traditionnel, par En 1958, ces quatre panneaux seraient plus étroits et auraient la moitié de l'espace dont disposait une bande quotidienne de 1910, et en 1998, la plupart des bandes n'auraient que trois panneaux (à quelques exceptions près), voire deux ou un de façon occasionnelle, à part les bandes étant plus petites, car la plupart des papiers sont devenus légèrement plus étroits. Alors que la plupart des dessinateurs ont décidé de suivre le courant, certains s'en sont plaints, Pogo ayant pris fin en 1975 comme une forme de protestation de ses créateurs contre cette pratique. Depuis lors, le créateur de Calvin et Hobbes, Bill Watterson, a beaucoup écrit sur la question, affirmant que la réduction de la taille et la chute des panneaux réduisent à la fois le potentiel et la liberté d'un dessinateur. Après une longue bataille avec son syndicateur, Watterson a remporté le privilège de réaliser des bandes dessinées du dimanche d'une demi-page où il pouvait disposer les panneaux comme il le souhaitait. De nombreux éditeurs de journaux et quelques caricaturistes s'y sont opposés, et certains journaux ont continué à imprimer Calvin et Hobbes en petits formats. Opus a remporté ce même privilège des années après la fin de Calvin et Hobbes, tandis que Wiley Miller a contourné de nouvelles réductions d'effectifs en rendant sa bande non Sequitur Sunday disponible uniquement dans un arrangement extrêmement vertical (presque une page). Peu de journaux publient encore des bandes d'une demi-page, comme avec Prince Valiant et Hägar l'Horrible en première page de la section BD Reading Eagle Sunday. En fait, Universal Uclick et United Media n'ont pratiquement pas de bandes dessinées d'une demi-page, les bandes restantes des deux syndicats dans ce format étant publiées uniquement sous forme de "tiers", "quarts" et "sixièmes" (également appelés "troisièmes onglets").
Format
Dans un souci lié aux limitations de taille, les bandes dessinées du dimanche sont souvent liées à des formats rigides qui permettent de réorganiser leurs cases de plusieurs manières différentes tout en restant lisibles. De tels formats incluent généralement des panneaux jetables au début, que certains journaux omettent pour gagner de la place. En conséquence, les caricaturistes sont moins incités à consacrer de gros efforts à ces panneaux. Garfield et Mutts étaient connus respectivement du milieu à la fin des années 80 et des années 1990 pour leurs jetables sur leurs bandes du dimanche, mais les deux bandes comportent désormais des panneaux de titre « génériques ».
Avec le succès de The Gumps dans les années 1920, il est devenu courant que les bandes dessinées (chargées de comédie et d'aventure) aient de longues histoires s'étalant sur des semaines ou des mois. L'histoire du "Monarque de Medioka" dans la bande dessinée Mickey Mouse de Floyd Gottfredson s'est déroulée du 8 septembre 1937 au 2 mai 1938. Entre les années 1960 et la fin des années 1980, alors que les informations télévisées reléguaient la lecture des journaux à une base occasionnelle plutôt que quotidienne, les syndicateurs étaient abandonner les longues histoires et exhorter les dessinateurs à passer à de simples gags quotidiens ou à des « scénarios » d'une semaine (avec six bandes consécutives (pour la plupart sans rapport) suivant un même sujet), des scénarios plus longs étant principalement utilisés dans des bandes dramatiques et basées sur l'aventure. Les bandes dessinées commencées au milieu des années 1980 ou après (telles que Get Fuzzy, Over the Hedge, Monty et autres) sont connues pour leur utilisation intensive de scénarios, qui durent entre une et trois semaines dans la plupart des cas.
Le style d’écriture des bandes dessinées a également changé après la Seconde Guerre mondiale. Avec l'augmentation du nombre de lecteurs diplômés de l'université, on s'est éloigné de la comédie burlesque pour se tourner vers un humour plus cérébral. Les burlesques et les gags visuels se limitent davantage aux strips du dimanche, car, comme le dit le créateur de Garfield, Jim Davis, « les enfants sont plus susceptibles de lire les strips du dimanche que les quotidiens ».
Deuxième auteur
De nombreuses bandes dessinées plus anciennes ne sont plus dessinées par le dessinateur original, décédé ou retraité. De telles bandes sont connues sous le nom de « bandes zombies ». Un dessinateur, payé par le syndicat ou parfois un parent du dessinateur original, continue d'écrire la bande dessinée, une tradition devenue monnaie courante au début du XXe siècle. Hägar l'Horrible ainsi que Frank et Ernest sont tous deux dessinés par les fils des créateurs. Certaines bandes dessinées qui sont toujours en affiliation avec le créateur original sont produites par de petites équipes ou des sociétés entières, comme Garfield de Jim Davis, mais il y a un débat quant à savoir si ces bandes entrent dans cette catégorie.
Cet acte est couramment critiqué par les caricaturistes modernes, notamment Watterson et Pearls Before Swines Stephan Pastis. La question a été abordée dans six bandes dessinées consécutives de Pearls en 2005. Charles Schulz, célèbre pour Peanuts, a demandé que sa bande ne soit pas continuée par un autre caricaturiste après sa mort. Il a également rejeté l'idée d'embaucher un encreur ou un lettreur, le comparant à un golfeur qui engagerait un homme pour effectuer ses putts. La famille de Schulz a honoré ses souhaits et a refusé de nombreuses propositions des syndicateurs visant à poursuivre Peanuts avec un nouvel auteur.
Assistants
Depuis la consolidation des bandes dessinées de journaux au cours du premier quart du 20e siècle, la plupart des dessinateurs ont fait appel à un groupe d'assistants (l'un d'entre eux étant généralement crédité). Cependant, de nombreux dessinateurs (par exemple : George Herriman et Charles Schulz, entre autres) ont réalisé leurs bandes dessinées presque entièrement eux-mêmes ; critiquant souvent le recours aux assistants pour les mêmes raisons que la plupart des rédacteurs en chef embauchent quelqu'un d'autre pour continuer leur travail après leur retraite.
Droits sur les bandes
Depuis l’aube de la bande dessinée, la propriété de celle-ci est une question récurrente. Traditionnellement, le syndicat détenait les droits sur les bandes dessinées. Cependant, tout au long de l'histoire, il y a eu des exceptions, Mutt et Jeff étant l'un des premiers cas (sinon le premier) dans lequel le créateur était propriétaire de ses œuvres. Cependant, cela a ensuite été limité aux adaptations de propriétés animées. À ses débuts en 1970, l'Universal Press Syndicate a accordé aux dessinateurs une part de 50 % de la propriété de leurs œuvres, tandis que le Creators Syndicate (fondé en 1987) a accordé aux artistes tous les droits sur les bandes dessinées, ce qu'a fait Universal Press en 1990. par King Features en 1995, alors qu'avant 1999, les services Tribune et United Feature ont commencé à accorder des droits aux créateurs sur leurs œuvres ; cependant, les trois derniers syndicats n'ont appliqué cela qu'aux nouvelles bandes dessinées ou à celles assez populaires.
La censure
À partir de la fin des années 1940, les syndicats nationaux qui distribuaient les bandes dessinées dans les journaux les soumettaient à une censure très stricte. Li'l Abner a été censuré en septembre 1947 et retiré des journaux par Scripps-Howard. La controverse, comme le rapporte Time, était centrée sur la représentation que Capp faisait du Sénat américain. Edward Leech de Scripps a déclaré : « Nous ne pensons pas que ce soit une bonne rédaction ou une bonne citoyenneté de décrire le Sénat comme un assemblage de monstres et d'escrocs... de nichons et d'indésirables. »
Comme les bandes dessinées sont plus faciles d’accès pour les enfants que d’autres types de médias, elles sont soumises à un code de censure nettement plus rigide que les autres médias. Stephan Pastis a déploré que le code de censure « non écrit » soit encore « coincé quelque part dans les années 1950 ». En règle générale, les bandes dessinées ne sont pas autorisées à inclure des mots tels que « putain », « suce », « foutu » et « enfer », bien qu'il y ait eu des exceptions telles que Mother Goose et Grimm du 22 septembre 2010 dans lequel un homme âgé dit , "Cette nourriture dans une maison de retraite est nulle" et deux bandes dessinées Pearls Before Swine du 11 janvier 2011 avec un personnage nommé Ned utilisant le mot "merdique". Les fesses nues et les armes à feu ne peuvent pas être montrées, selon le caricaturiste de Dilbert Scott Adams. De tels tabous sur la bande dessinée ont été détaillés dans le livre de Dave Breger, But That's Unprintable (Bantam, 1955).
De nombreuses questions telles que le sexe, les stupéfiants et le terrorisme ne peuvent pas ou peuvent très rarement être ouvertement discutées dans des strips, bien qu'il y ait des exceptions, généralement pour la satire, comme dans le comté de Bloom. Cela a conduit certains dessinateurs à recourir à des dialogues à double sens ou à des dialogues que les enfants ne comprennent pas, comme dans Luann de Greg Evans. Les jeunes dessinateurs ont affirmé que les mots, les images et les problèmes courants devraient être autorisés dans les bandes dessinées. Certains mots et sujets tabous sont évoqués quotidiennement à la télévision et dans d’autres formes de médias visuels. Les bandes dessinées Web et les bandes dessinées distribuées principalement aux journaux universitaires sont beaucoup plus libres à cet égard. | http://www.quizballs.com/ |
Quel était le prénom du luthier italien Stradivari, décédé en 1737 ? | Antoine | [
"Cette période d'unification fut suivie par celle de conquête en Méditerranée, commençant par la première guerre punique contre Carthage. Au cours de la lutte qui a duré un siècle contre Carthage, les Romains ont conquis la Sicile, la Sardaigne et la Corse. Finalement, en 146 avant JC, à la fin de la troisième guerre punique, Carthage étant complètement détruite et ses habitants réduits en esclavage, Rome devint la puissance dominante de la Méditerranée. Dès sa création, Rome était une cité-État républicaine, mais quatre conflits civils célèbres détruisirent la république : Lucius Cornelius Sulla contre Gaius Marius et son fils (88-82 avant JC), Jules César contre Pompée (49-45 avant JC), Marcus Junius Brutus et Gaius Cassius Longinus contre Marc Antoine et Octave (43 avant JC), et Marc Antoine contre Octave."
] | Les Italiens () sont une nation et un groupe ethnique originaire d'Italie qui partagent une culture et une ascendance italienne communes et parlent la langue italienne comme langue maternelle. Légalement, les Italiens sont citoyens de la République italienne, indépendamment de leur ascendance ou de leur pays de résidence (bien que le principe du jus sanguinis soit largement utilisé et sans doute plus favorablement dans la loi sur la nationalité italienne), et se distinguent des personnes d'origine italienne et des Italiens de souche. vivant dans des territoires adjacents à la péninsule italienne.
En 2014, outre environ 55 millions d'Italiens en Italie (91,00 % de la population italienne), on trouve des groupes autonomes italophones dans les pays voisins : environ un demi-million en Suisse, une population importante en France et des groupes plus petits en Slovénie et Croatie, principalement en Istrie et en Dalmatie. En raison de la vaste diaspora, environ 5 millions de citoyens italiens et près de 80 millions de personnes d'ascendance italienne totale ou partielle vivent hors d'Italie, notamment en Amérique du Sud, en Amérique du Nord, en Australie et dans certaines parties de l'Europe.
Les Italiens ont grandement influencé et contribué à la science, aux arts, à la technologie, à la cuisine, aux sports, à la jurisprudence et à la banque, tant à l'étranger que dans le monde. Les Italiens sont généralement connus pour leur localisme, à la fois régionaliste et municipaliste, leur attention portée à l'habillement et leurs valeurs familiales.
Nom
Le terme italien est vieux d’au moins trois mille ans et son histoire remonte à l’Italie préromaine. Selon l'une des explications les plus courantes, le terme Italia, de ,OLD, p. 974 : "premier syllabe. Naturellement court (cf. Quint.Inst.1.5.18), et ainsi scanné dans Lucil.825, mais en vers dactyliques allongé metri gratia." a été emprunté en grec à l'Oscan Víteliú, signifiant « terre de jeunes bovins » (cf. Lat vitulus « veau », Umb vitlo « veau »). Le taureau était un symbole des tribus italiques du sud et était souvent représenté en train d'encorner le loup romain comme un symbole de défi de l'Italie libre pendant la guerre sociale. L'historien grec Denys d'Halicarnasse rapporte ce récit ainsi que la légende selon laquelle l'Italie tire son nom d'Italus, également mentionnée par Aristote et Thucydide.
Histoire
époque romaine
La civilisation étrusque a atteint son apogée vers le 7ème siècle, mais en 509 avant JC, lorsque les Romains ont renversé leurs monarques étrusques, son contrôle en Italie était sur le déclin. En 350 avant JC, après une série de guerres avec les Grecs et les Étrusques, les Latins, avec Rome comme capitale, prirent l'ascendant en 272 avant JC et réussirent à unifier toute la péninsule italienne.
Cette période d'unification fut suivie par celle de conquête en Méditerranée, commençant par la première guerre punique contre Carthage. Au cours de la lutte qui a duré un siècle contre Carthage, les Romains ont conquis la Sicile, la Sardaigne et la Corse. Finalement, en 146 avant JC, à la fin de la troisième guerre punique, Carthage étant complètement détruite et ses habitants réduits en esclavage, Rome devint la puissance dominante de la Méditerranée. Dès sa création, Rome était une cité-État républicaine, mais quatre conflits civils célèbres détruisirent la république : Lucius Cornelius Sulla contre Gaius Marius et son fils (88-82 avant JC), Jules César contre Pompée (49-45 avant JC), Marcus Junius Brutus et Gaius Cassius Longinus contre Marc Antoine et Octave (43 avant JC), et Marc Antoine contre Octave.
Octavien, le vainqueur final (31 avant JC), reçut le titre d'Auguste par le Sénat et devint ainsi le premier empereur romain. Auguste créa pour la première fois une région administrative appelée Italia avec des habitants appelés « Italicus populus », s'étendant des Alpes à la Sicile : c'est pour cette raison que des historiens comme Emilio Gentile l'appelèrent Père des Italiens.
Sous la domination impériale, Rome entreprit de nombreuses conquêtes qui introduisirent le droit romain, l'administration romaine et la Pax Romana dans une zone s'étendant de l'Atlantique au Rhin, aux îles britanniques, à la péninsule ibérique et à une grande partie de l'Afrique du Nord, ainsi qu'au Moyen-Orient. à l'Est jusqu'à l'Euphrate.
Après deux siècles de domination réussie, au IIIe siècle après JC, Rome était menacée par des discordes internes et par des envahisseurs germaniques et asiatiques, communément appelés barbares (du mot latin barbari, « étrangers »). La division administrative de l'empire en deux parties par l'empereur Dioclétien en 285 n'apporta qu'un soulagement temporaire ; il devint permanent en 395. En 313, l'empereur Constantin accepta le christianisme et des églises se multiplièrent par la suite dans tout l'empire. Cependant, il déplaça également sa capitale de Rome à Constantinople, réduisant considérablement l'importance de la première. Le dernier empereur d'Occident, Romulus Augustule, fut déposé en 476 par un général foederati germanique en Italie, Odoacre. Sa défaite marqua la fin de la partie occidentale de l’Empire romain. Pendant la majeure partie de la période allant de la chute de Rome jusqu'à la création du royaume d'Italie en 1861, la péninsule a été divisée en plusieurs États plus petits.
Le moyen Âge
Odoacre régna bien pendant 13 ans après avoir pris le contrôle de l'Italie en 476. Puis il fut attaqué et vaincu par Théodoric, le roi d'une autre tribu germanique, les Ostrogoths. Théodoric et Odoacre ont gouverné conjointement jusqu'en 493, lorsque Théodoric a assassiné Odoacre. Théodoric a continué à diriger l'Italie avec une armée d'Ostrogoths et un gouvernement majoritairement italien. Après la mort de Théodoric en 526, le royaume commença à s'affaiblir. En 553, l'empereur Justinien Ier expulsa les Ostrogoths. L'ancien Empire romain était en grande partie à nouveau uni, même si au prix de la destruction totale de la péninsule italienne (Rome – sous Auguste la première ville du monde « à un million d'habitants » – était réduite à un petit village de seulement un millier d'habitants). ). Mais la domination byzantine en Italie s'effondra à nouveau en 572 à la suite des invasions d'une autre tribu germanique, les Lombards.
Au cours des Ve et VIe siècles, les papes ont accru leur influence dans les domaines religieux et politiques en Italie. Ce sont généralement les papes qui mènent les tentatives visant à protéger l’Italie de l’invasion ou à adoucir la domination étrangère. Pendant environ 200 ans, les papes s'opposèrent aux tentatives des Lombards, qui s'étaient emparés de la majeure partie de l'Italie, de s'emparer également de Rome. Les papes vainquirent finalement les Lombards avec l'aide de deux rois francs, Pépin le Bref et Charlemagne. Utilisant les terres gagnées pour eux par Pépin en 756, les papes établirent un régime politique dans ce qu'on appelait les États pontificaux en Italie centrale.
Les Lombards restèrent cependant une menace pour le pouvoir papal jusqu'à ce qu'ils soient écrasés par Charlemagne en 774. Charlemagne ajouta le royaume des Lombards à son vaste royaume. En reconnaissance du pouvoir de Charlemagne et pour consolider l'alliance de l'Église avec lui, Charlemagne fut couronné empereur des Romains par le pape Léon III en 800. Après la mort de Charlemagne en 814, son fils Louis le Pieux lui succéda. Louis partagea l'empire entre ses fils, qui se battaient pour le territoire. De telles batailles se sont poursuivies jusqu'à ce qu'Otton le Grand, roi d'Allemagne, soit couronné empereur en 962. Cela a marqué le début de ce qui fut plus tard appelé le Saint Empire romain germanique.
L'essor des cités-États et la Renaissance
À partir du XIe siècle, les villes italiennes commencèrent à croître rapidement en indépendance et en importance. Ils sont devenus des centres de la vie politique, bancaire et du commerce extérieur. Certains sont devenus riches et beaucoup, dont Florence, Rome, Gênes, Milan, Pise, Sienne et Venise, sont devenus des cités-États presque indépendantes. Chacun avait sa propre politique étrangère et sa propre vie politique. Ils ont tous résisté aux efforts des nobles et des empereurs pour les contrôler.
Aux XIVe et XVe siècles, certaines cités-États italiennes comptaient parmi les puissances les plus importantes d’Europe. Venise, en particulier, était devenue une puissance maritime majeure, et les cités-États en tant que groupe servaient de canal pour les marchandises en provenance des empires byzantin et islamique. À ce titre, ils ont donné une grande impulsion au développement de la Renaissance, commencée à Florence au XIVe siècle, et conduit à un épanouissement sans précédent des arts, de la littérature, de la musique et des sciences.
Cependant, les cités-États étaient souvent troublées par de violents désaccords entre leurs citoyens. La division la plus célèbre opposait les Guelfes et les Gibelins. Les Guelfes soutenaient le pouvoir suprême du pape et les Gibelins favorisaient l'empereur. Les cités-États prenaient souvent parti et se faisaient la guerre les unes contre les autres. Durant la Renaissance, l’Italie est devenue une récompense encore plus attractive pour les conquérants étrangers. Après que certaines cités-États eurent demandé une aide extérieure pour régler leurs différends avec leurs voisins, le roi de France Charles VIII entra en Italie en 1494. Charles se retira bientôt, mais il avait montré que la péninsule italienne pouvait être conquise parce qu'elles n'étaient pas unies. Après les guerres d’Italie, l’Espagne est devenue la force dominante de la région. Venise, Milan et d'autres cités-États ont conservé au moins une partie de leur ancienne grandeur au cours de cette période, tout comme la Savoie-Piémont, protégée par les Alpes et bien défendue par ses dirigeants vigoureux.
La Révolution française et Napoléon
La Révolution française et Napoléon ont influencé l’Italie plus profondément qu’ils n’ont affecté tout autre pays d’Europe, à l’exception de la France. La Révolution française débuta en 1789 et trouva immédiatement des partisans parmi le peuple italien. Les dirigeants italiens locaux, sentant le danger dans leur propre pays, se rapprochèrent des rois européens opposés à la France. Après le renversement du roi de France et la transformation de la France en république, des clubs secrets favorables à une république italienne se sont formés dans toute l'Italie. Les armées de la République française commencent à se déplacer à travers l'Europe. En 1796, Napoléon Bonaparte dirigea une armée française dans le nord de l’Italie et chassa les dirigeants autrichiens. Une fois de plus, l'Italie fut le théâtre d'une bataille entre les Habsbourg et les Français. Partout où la France a conquis, des républiques italiennes ont été établies, avec des constitutions et des réformes juridiques. Napoléon s'est fait empereur en 1804 et une partie du nord et du centre de l'Italie a été unifiée sous le nom de Royaume d'Italie, avec Napoléon comme roi. Le reste du nord et du centre de l'Italie a été annexé par la France. Seules la Sicile et l'île de Sardaigne, cédées à la Maison de Savoie en 1720 et restées sous leur domination depuis lors, restent libres du contrôle français.
La domination française a duré moins de 20 ans et elle différait du précédent contrôle étranger de la péninsule italienne. Malgré une fiscalité lourde et des rigueurs fréquentes, les Français introduisirent des assemblées représentatives et de nouvelles lois identiques dans toutes les régions du pays. Pour la première fois depuis l’époque de la Rome antique, les Italiens de différentes régions utilisaient le même argent et servaient dans la même armée. De nombreux Italiens ont commencé à entrevoir la possibilité d’une Italie unie, libre de tout contrôle étranger.
Le Royaume d'Italie
Après la bataille de Waterloo, la réaction déclenchée par le Congrès de Vienne a permis la restauration de nombreux anciens dirigeants et systèmes sous domination autrichienne. Le concept de nationalisme resta cependant fort et des flambées sporadiques menées par des réformateurs aussi invétérés que Giuseppe Mazzini se produisirent dans plusieurs régions de la péninsule jusqu'en 1848-1849. Ce mouvement du Risorgimento a été mené à bien sous la direction avisée de Camillo Benso, conte de Cavour, premier ministre du Piémont.
Cavour réussit à unir la majeure partie de l'Italie sous la direction de Victor Emmanuel II de la maison de Savoie, et le 17 mars 1861, le royaume d'Italie fut proclamé avec Victor Emmanuel II comme roi. Giuseppe Garibaldi, le héros républicain populaire d'Italie, a beaucoup contribué à cet accomplissement et à l'incorporation ultérieure des États pontificaux sous le monarque italien. Les troupes italiennes occupèrent Rome en 1870 et, en juillet 1871, celle-ci devint officiellement la capitale du royaume. Le pape Pie IX, rival de longue date des rois italiens, se considérait comme un « prisonnier » du Vatican et refusait de coopérer avec l'administration royale. Ce n’est qu’en 1929 que le pape romain accepta l’Italie unifiée avec Rome comme capitale.
Dans les décennies qui ont suivi l'unification, l'Italie a commencé à créer des colonies en Afrique et, sous le fascisme de Benito Mussolini, a conquis l'Éthiopie, fondant en 1936 l'Empire italien. La Première Guerre mondiale a achevé le processus d'unification italienne, avec l'annexion de Trieste, de l'Istrie, du Trentin-Haut-Adige et de Zara. Le nombre d'Italiens s'est élevé à 45 millions en 1940 et le pays, dont l'économie était jusqu'alors basée sur l'agriculture, a commencé son développement industriel, principalement dans le nord de l'Italie. Mais la Seconde Guerre mondiale détruisit bientôt l’Italie et sa puissance coloniale.
La République italienne
Entre 1945 et 1948, les contours d’une nouvelle Italie commencent à se dessiner. Victor Emmanuel III abandonna le trône le 9 mai 1946 et son fils Umberto II devint roi. Le 2 juin, l'Italie a organisé ses premières élections libres après 20 ans de régime fasciste (les soi-disant Ventennio). Les Italiens ont choisi une république pour remplacer la monarchie, étroitement associée au fascisme. Ils ont élu une Assemblée constituante pour préparer une nouvelle constitution démocratique. L'Assemblée a approuvé la constitution en 1947, qui est entrée en vigueur le 1er janvier 1948.
Culture
De la période romaine au XVIIe siècle, les habitants de la péninsule italienne étaient à l'avant-garde de la culture occidentale, étant le pivot et l'origine de la Rome antique, de l'Église catholique romaine, de l'humanisme et de la Renaissance.
L'Italie est également devenue le siège d'un grand savoir formel en 1088 avec la création de l'Université de Bologne, la première université du monde occidental. De nombreuses autres universités italiennes suivirent bientôt. Par exemple, la Schola Medica Salernitana, dans le sud de l’Italie, fut la première école de médecine d’Europe. Ces grands centres de savoir préfiguraient le Rinascimento : la Renaissance européenne commença en Italie et fut alimentée dans toute l'Europe par des peintres, sculpteurs, architectes, scientifiques, maîtres de littérature et compositeurs de musique italiens. L'Italie a continué son rôle culturel de premier plan tout au long de la période baroque et jusqu'à la période romantique, lorsque sa domination dans la peinture et la sculpture a diminué mais que les Italiens ont rétabli une forte présence dans la musique.
Les explorateurs et navigateurs italiens des XVe et XVIe siècles ont laissé une marque durable dans l’histoire de l’humanité avec la « découverte de l’Amérique » moderne, due à Christophe Colomb. De plus, le nom des continents américains dérive du prénom du géographe Amerigo Vespucci. On note également l'explorateur Marco Polo qui a beaucoup voyagé à travers le monde oriental pour enregistrer ses voyages.
En raison de l'unification nationale relativement tardive et de l'autonomie historique des régions qui composent la péninsule italienne, de nombreuses traditions et coutumes des Italiens peuvent être identifiées par leurs régions d'origine. Malgré l'isolement politique et social de ces régions, les contributions de l'Italie au patrimoine culturel et historique du monde occidental restent immenses. Les éléments célèbres de la culture italienne sont son opéra et sa musique, sa gastronomie et sa gastronomie emblématiques, généralement considérées comme parmi les plus populaires au monde, son cinéma (avec des cinéastes tels que Federico Fellini, Michelangelo Antonioni, Mario Monicelli, Sergio Leone, Alberto Sordi, etc.), ses collections d'œuvres d'art inestimables et sa mode (Milan et Florence sont considérées comme parmi les rares capitales mondiales de la mode).
Philosophie
Au fil des siècles, la littérature italienne a eu une vaste influence sur la philosophie occidentale, en commençant par les Grecs et les Romains, en passant par la Renaissance, les Lumières et la philosophie moderne.
La philosophie médiévale italienne était principalement chrétienne et comprenait plusieurs philosophes et théologiens importants tels que saint Thomas d'Aquin. Thomas d'Aquin était l'élève d'Albert le Grand, un brillant expérimentateur dominicain, à l'image du franciscain Roger Bacon d'Oxford au XIIIe siècle. Thomas d'Aquin a réintroduit la philosophie aristotélicienne dans le christianisme. Il croyait qu’il n’y avait pas de contradiction entre la foi et la raison laïque. Il croyait qu'Aristote avait atteint le summum de la quête humaine de la vérité et a ainsi adopté la philosophie d'Aristote comme cadre dans la construction de sa vision théologique et philosophique. Il était professeur à la prestigieuse Université de Paris.
L'Italie a également été touchée par le mouvement des Lumières, une conséquence de la Renaissance et qui a changé le chemin de la philosophie italienne. Les adeptes du groupe se réunissaient souvent pour discuter dans des salons privés et des cafés, notamment dans les villes de Milan, Rome et Venise. Les villes dotées d'universités importantes telles que Padoue, Bologne et Naples sont cependant également restées de grands centres d'érudition et d'intellect, avec plusieurs philosophes tels que Giambattista Vico (1668-1744) (qui est largement considéré comme le fondateur de la philosophie italienne moderne). et Antonio Genovesi. La société italienne a également radicalement changé au cours du siècle des Lumières, avec des dirigeants tels que Léopold II de Toscane abolissant la peine de mort. Le pouvoir de l'Église fut considérablement réduit et ce fut une période de grande réflexion et d'invention, avec des scientifiques tels qu'Alessandro Volta et Luigi Galvani découvrant de nouvelles choses et contribuant grandement à la science occidentale. Cesare Beccaria était également l'un des plus grands écrivains italiens des Lumières et est aujourd'hui considéré comme l'un des pères de la théorie criminelle classique ainsi que de la pénologie moderne. Beccaria est célèbre pour son chef-d'œuvre Sur les crimes et les châtiments (1764), un traité (traduit plus tard en 22 langues) qui fut l'une des premières condamnations marquantes de la torture et de la peine de mort et donc un ouvrage historique dans la philosophie anti-peine de mort.
Certaines des philosophies et idéologies les plus importantes en Italie à la fin du XIXe siècle et au milieu du XXe siècle comprennent l'anarchisme, le communisme, le socialisme, le futurisme, le fascisme et la démocratie chrétienne. Le futurisme et le fascisme (sous leur forme originale, aujourd’hui souvent qualifié de fascisme italien) se sont développés en Italie à cette époque. Des années 1920 aux années 1940, le fascisme italien était la philosophie et l'idéologie officielles du gouvernement italien. Giovanni Gentile était l'un des philosophes idéalistes/fascistes les plus importants du XXe siècle. Pendant ce temps, l'anarchisme, le communisme et le socialisme, bien que n'étant pas originaires d'Italie, ont pris une place importante en Italie au début du XXe siècle, le pays produisant de nombreux anarchistes, socialistes et communistes italiens importants. En outre, l’anarcho-communisme s’est d’abord pleinement formé sous sa forme moderne au sein de la section italienne de la Première Internationale. Antonio Gramsci reste un philosophe important de la théorie marxiste et communiste, crédité d'avoir créé la théorie de l'hégémonie culturelle.
Littérature
La littérature italienne remonte au Moyen Âge, les poètes les plus importants de cette période étant Dante Alighieri, Pétrarque et Giovanni Boccace.
À la Renaissance, des humanistes comme Leonardo Bruni, Coluccio Salutati et Niccolò Machiavelli étaient de grands collectionneurs de manuscrits antiques. Beaucoup travaillaient pour l'Église organisée et étaient dans les ordres sacrés (comme Pétrarque), tandis que d'autres étaient avocats et chanceliers de villes italiennes, comme le disciple de Pétrarque, Salutati, chancelier de Florence, et avaient ainsi accès à des ateliers de copie de livres.
L’un des poètes les plus remarquables du début du XIXe et du XXe siècle était Giacomo Leopardi, largement reconnu comme l’un des penseurs les plus radicaux et les plus stimulants du XIXe siècle. Italo Svevo, l'auteur de La coscienza di Zeno (1923), et Luigi Pirandello (lauréat du prix Nobel de littérature en 1934), qui ont exploré la nature changeante de la réalité dans ses fictions en prose et des pièces telles que Sei personaggi in cerca d'autore (Six personnages à la recherche d'un auteur, 1921).
Federigo Tozzi et Giuseppe Ungaretti étaient des romanciers célèbres, appréciés par la critique seulement ces dernières années, et considérés comme l'un des précurseurs de l'existentialisme dans le roman européen.
Fichier:Portrait de Dante.jpg|Dante Alighieri
Fichier:Francesco Petrarca00.jpg|Francesco Petrarch
Fichier:Boccaccio par Morghen.jpg|Giovanni Boccaccio
Fichier:Pietro Bembo2.jpg|Pietro Bembo
Fichier:Torquato Tasso.jpg| Torquato Tasse
Fichier:Ugo Foscolo.jpg| Ugo Foscolo
Fichier:Francesco Hayez 040.jpg|Alessandro Manzoni
Dossier : Leopardi, Giacomo (1798-1837) - portrait. À Ferrazzi, Recanati, maison Leopardi.jpg| Giacomo Léopardi
Fichier:Giosuè Carducci2.jpg|Giosuè Carducci
Fichier:Giovanni Pascoli.jpg|Giovanni Pascoli
Fichier:Gabriele D'Annunzio.png| Gabriele D'Annunzio
Fichier:Luigi Pirandello 1932.jpg|Luigi Pirandello
Fichier:Grazia Deledda 1926.jpg|Grazia Deledda
Fichier:Eugenio Montale 2.jpg|Eugenio Montale
Fichier:Ungaretti Giovane.jpg|Giuseppe Ungaretti
Fichier:Salvatore Quasimodo 1959.jpg|Salvatore Quasimodo
Fichier:Italo-Calvino.jpg|Italo Calvino
Fichier:Dario Fo-Cesena.jpg|Dario Fo
Fichier:Umberto Eco 04.jpg|Umberto Eco
Droit et justice
Depuis l’Empire romain, la plus grande contribution occidentale à la culture juridique occidentale a été l’émergence d’une classe de juristes romains. Au Moyen Âge, saint Thomas d'Aquin, le juriste occidental le plus influent de l'époque, a développé sa théorie du droit naturel dans la notion de loi éternelle et biblique. À la Renaissance, le professeur Alberico Gentili, fondateur de la science du droit international, a transcrit les premiers écrits sur le droit international public et a séparé la laïcité du droit canonique et de la théologie catholique romaine. Les plus grands théoriciens du droit des Lumières, Cesare Beccaria, Giambattista Vico et Francesco Mario Pagano, sont bien connus pour leurs mécanismes juridiques, notamment en matière de droit pénal.
Francesco Carrara était l'un des principaux avocats européens en matière d'abolition de la peine de mort et de pénalisme du XIXe siècle. Au cours des dernières périodes, de nombreux Italiens ont été reconnus comme les procureurs les plus triomphants.
Fichier:Lorenzo de Medici2.jpg|Lorenzo de Medici
Fichier:Saint Thomas d'Aquin.jpg|Thomas d'Aquin
Fichier : Dr Sir Albericus Gentili (Père du droit international).png|Albericus Gentili
Fichier:Cesare Beccaria dans Crimes crop.jpg|Cesare Beccaria
Fichier:GiambattistaVico.jpg|Giambattista Vico
Fichier:Mario Pagano.jpg| Francesco Mario Pagano
Fichier:Francesco Carrara.jpg|Francesco Carrara
Fichier:Enrico De Nicola.jpg| Enrico De Nicola
Fichier:Césare Terranova.jpg|Césare Terranova
Fichier:Antonio Cassese (né en 1937) - Image Flickr 3943365916 par Margaret Zimmerman.jpg| Antonio Cassese
Fichier:Falconebn.jpg|Giovanni Falcone
Fichier:PaoloBorsellino.jpg|Paolo Borsellino
Science et technologie
Les Italiens ont été les figures centrales d’innombrables inventions et découvertes et ont apporté de nombreuses contributions prédominantes dans divers domaines. À la Renaissance, des mathématiciens italiens tels que Léonard de Vinci (1452-1519), Michel-Ange (1475-1564) et Léon Battista Alberti (1404-1472) ont apporté d'importantes contributions à divers domaines, notamment la biologie, l'architecture et l'ingénierie. Galileo Galilei (1564-1642), physicien, mathématicien et astronome, a joué un rôle majeur dans la révolution scientifique. Ses réalisations incluent l'invention du thermomètre et les améliorations clés du télescope et les observations astronomiques qui en ont résulté, et finalement le triomphe du copernicisme sur le modèle ptolémaïque. D'autres astronomes tels que Giovanni Domenico Cassini (1625-1712) et Giovanni Schiaparelli (1835-1910) ont fait de nombreuses découvertes importantes sur le système solaire.
Le physicien Enrico Fermi (1901-1954), lauréat du prix Nobel, a dirigé l'équipe de Chicago qui a construit le premier réacteur nucléaire et est également connu pour ses nombreuses autres contributions à la physique, notamment le co-développement de la théorie quantique. Lui et un certain nombre de physiciens italiens ont été contraints de quitter l'Italie dans les années 1930 en raison des lois fascistes contre les Juifs, notamment Emilio G. Segrè (1905-1989) (qui a découvert les éléments technétium et astatine, ainsi que l'antiproton) et Bruno Rossi (1905). –93), pionnier des rayons cosmiques et de l’astronomie aux rayons X. Parmi d'autres physiciens et scientifiques éminents figurent : Amedeo Avogadro (le plus connu pour ses contributions à la théorie moléculaire, en particulier la loi d'Avogadro et la constante d'Avogadro), Evangelista Torricelli (inventeur du baromètre), Alessandro Volta (inventeur de la batterie électrique), Guglielmo Marconi. (inventeur de la radio), Antonio Meucci (connu pour avoir développé un appareil de communication vocale, souvent considéré comme l'inventeur du premier téléphone avant même Alexander Graham Bell), Galileo Ferraris (l'un des pionniers du système d'alimentation en courant alternatif, a inventé le premier système d'induction moteur), Ettore Majorana (qui a découvert les fermions Majorana) et Carlo Rubbia (prix Nobel de physique 1984 pour les travaux ayant conduit à la découverte des particules W et Z au CERN).
En biologie, Francesco Redi fut le premier à remettre en question la théorie de la génération spontanée en démontrant que les asticots proviennent d'œufs de mouches et il décrivit en détail 180 parasites ; Marcello Malpighi a fondé l'anatomie microscopique ; Lazzaro Spallanzani a mené d'importantes recherches sur les fonctions corporelles, la reproduction animale et la théorie cellulaire ; Camillo Golgi, dont les nombreuses réalisations incluent la découverte du complexe de Golgi, a ouvert la voie à l'acceptation de la doctrine du Neuron ; Rita Levi-Montalcini a découvert le facteur de croissance nerveuse (prix Nobel de physiologie ou médecine en 1986) ; Angelo Ruffini a été le premier à décrire les terminaisons Ruffini et était connu pour ses travaux en histologie et enembryologie ; Filippo Pacini a découvert les corpuscules paciniens et a été le premier à isoler le bacille cholérique Vibrio cholerae en 1854, avant les découvertes plus largement acceptées de Robert Koch 30 ans plus tard. En chimie, Giulio Natta a reçu le prix Nobel de chimie en 1963 pour ses travaux sur les hauts polymères. Giuseppe Occhialini a reçu le prix Wolf de physique pour la découverte de la désintégration du pion ou méson pi en 1947.
Fichier:Francesco Melzi - Portrait de Léonard - WGA14795.jpg|Léonard de Vinci, père de la paléontologie et de l'architecture, a été le mathématicien le plus influent
Fichier:Justus Sustermans - Portrait de Galileo Galilei, 1636.jpg|Galileo Galilei, le père de la science et de la physique moderne, l'une des figures clés de l'astronomie, a été le pionnier du thermomètre et a réalisé des travaux importants dans d'autres domaines scientifiques
Fichier:Elena Piscopia portrait.jpg| Elena Cornaro Piscopia, la première femme à obtenir un doctorat.
Fichier:Libr0367.jpg|Evangelista Torricelli, l'inventeur du baromètre, a réalisé diverses avancées en optique et a travaillé sur la méthode des indivisibles.
Fichier : Luigi Galvani, oil-painting.jpg|Luigi Galvani, l'un des pionniers de la bioélectricité, a découvert que les muscles des cuisses de grenouilles mortes se contractaient lorsqu'ils étaient frappés par une étincelle électrique.
Fichier:Alessandro Volta.jpeg| Alessandro Volta, l'inventeur de la batterie électrique et découvreur du méthane, a réalisé un travail substantiel avec les courants électriques
Fichier:Francesco Redi.jpg| Francesco Redi, le père de la parasitologie moderne, a fondé la biologie expérimentale et démontré que les asticots proviennent d'œufs de mouches.
Fichier : SA 178-Marcello Malpighi (1628-1694).jpg| Marcello Malpighi, surnommé père de l'anatomie microscopique, de l'histologie, de la physiologie et de l'embryologie, fut le premier à voir les capillaires chez les animaux et à découvrir le lien entre les artères et les veines.
Lazzaro Spallanzani a été le premier à réaliser une fécondation in vitro, avec des grenouilles, et une insémination artificielle, à l'aide d'un chien et a apporté diverses contributions substantielles à l'étude expérimentale des fonctions corporelles, de la reproduction animale et de l'écholocation animale.
Fichier:Avogadro Amedeo.jpg| Amedeo Avogadro, a réalisé d'importants travaux sur la théorie moléculaire et a inventé la loi d'Avogadro et la constante d'Avogadro.
Fichier:Enrico Fermi 1943-49.jpg|Enrico Fermi, l'inventeur du Chicago Pile-1 et l'un des constructeurs de la bombe atomique
Fichier:Segre.jpg|Emilio Gino Segrè, l'un des découvreurs du technétium, de l'astatine, de l'antiproton et personnage clé dans la création de l'arme nucléaire
Fichier:Antonio_Meucci.jpg|Antonio Meucci, inventeur du premier téléphone
Fichier :Bruno B Rossi.jpg|Bruno Rossi, pionnier de l'astronomie des rayons X et de la physique des plasmas spatiaux, a grandement contribué à la physique des particules et aux rayons cosmiques.
Fichier:Rita Levi Montalcini.jpg|Rita Levi-Montalcini, la plus ancienne lauréate du prix Nobel à avoir jamais vécu, a découvert le facteur de croissance nerveuse
Fichier:Ettore Majorana.jpg|Ettore Majorana, le découvreur des fermions Majorana
Mathématiques
Au Moyen Âge, Leonardo Fibonacci, le plus grand mathématicien occidental du Moyen Âge, a introduit le système numérique hindou-arabe dans le monde occidental et il a également introduit la séquence de nombres de Fibonacci qu'il a utilisée comme exemple dans Liber Abaci. Gerolamo Cardano, a introduit la probabilité et établi les coefficients binomiaux et le théorème binomial et il a également inventé quelques sujets essentiels. À la Renaissance, Luca Pacioli a établi la comptabilité dans le monde et a publié le premier ouvrage sur le système de comptabilité en partie double. Galileo Galilei a réalisé plusieurs progrès significatifs en mathématiques. Les travaux de Bonaventura Cavalieri ont anticipé le calcul intégral et popularisé les logarithmes en Italie. Jacopo Riccati, qui était également juriste, a inventé l'équation de Riccati. Maria Gaetana Agnesi, la première femme à écrire un manuel de mathématiques, est devenue la première femme professeur de mathématiques dans une université. Gian Francesco Malfatti, a posé le problème de sculpter trois colonnes circulaires dans un bloc de marbre triangulaire, en utilisant autant de marbre que possible, et a émis l'hypothèse que trois cercles mutuellement tangents inscrits dans le triangle fourniraient la solution optimale, qui est maintenant connus sous le nom de cercles de Malfatti. Joseph-Louis Lagrange, qui fut l'un des mathématiciens les plus influents de son époque, a réalisé des travaux essentiels en matière d'analyse, de théorie des nombres et de mécanique classique et céleste. Gregorio Ricci-Curbastro a inventé le calcul tensoriel et réalisé des travaux significatifs sur l'algèbre, l'analyse infinitésimale et des articles sur la théorie des nombres réels. Giuseppe Peano a fondé la logique mathématique, la théorie des ensembles et, aux côtés de John Venn, a dessiné le premier diagramme de Venn. Gregorio Ricci-Curbastro est bien connu pour son invention sur le calcul différentiel absolu (calcul tensoriel), développé davantage par Tullio Levi-Civita, et ses applications à la théorie de la relativité. Beniamino Segre est l'un des principaux contributeurs de la géométrie algébrique et l'un des fondateurs de la géométrie finie. Paolo Ruffini est reconnu pour son travail innovant en mathématiques, créant la « règle de Ruffini » et co-créant le théorème d'Abel-Ruffini. Ennio de Giorgi, lauréat du prix Wolf de mathématiques en 1990, a résolu le problème de Bernstein sur les surfaces minimales et le 19e problème de Hilbert sur la régularité des solutions des équations aux dérivées partielles elliptiques.
Fichier:Fibonacci.jpg|Leonardo Fibonacci
Fichier : Gerolamo Cardano, fondateur de Probability.jpg | Gerolamo Cardano
Fichier:Luca Pacioli (Gemaelde).jpeg|Luca Pacioli
Fichier:Bonaventura Cavalieri.jpeg|Bonaventura Cavalieri
Fichier : Jacopo Francesco Riccati (1676-1754).jpg|Jacopo Francesco Riccati
Fichier:Maria Gaetana Agnesi.jpg|Maria Gaetana Agnesi
Fichier:Gianfrancesco Malfatti.jpg|Gian Francesco Malfatti
Fichier:Langrange portrait.jpg|Joseph-Louis Lagrange
Fichier:Ricci-Curbastro.jpg|Gregorio Ricci-Curbastro
Fichier:Giuseppe Peano.jpg|Giuseppe Peano
Fichier:Levi-civita.jpg|Tullio Levi-Civita
Fichier:Beniamino Segre.jpg|Beniamino Segre
Architecture
Comme l'Italie abrite à ce jour le plus grand nombre de sites du patrimoine mondial de l'UNESCO (51) et abrite la moitié des plus grands trésors artistiques du monde, les Italiens sont connus pour leurs réalisations architecturales importantes, telles que la construction d'arcs, de dômes et de structures similaires. pendant la Rome antique, fondation du mouvement architectural de la Renaissance entre la fin du XIVe et le XVIe siècle, et étant la patrie du palladianisme, un style de construction qui a inspiré des mouvements tels que celui de l'architecture néoclassique et a influencé les conceptions que les nobles ont construit leur pays des maisons partout dans le monde, notamment au Royaume-Uni, en Australie et aux États-Unis entre la fin du XVIIe et le début du XXe siècle. Plusieurs des plus belles œuvres de l'architecture occidentale, telles que le Colisée, les cathédrales de Milan et de Florence, la tour penchée de Pise et les bâtiments de Venise, se trouvent en Italie.
L'architecture italienne a également largement influencé l'architecture du monde. L'architecte britannique Inigo Jones, inspiré par la conception des bâtiments et des villes italiennes, a ramené les idées de l'architecture de la Renaissance italienne dans l'Angleterre du XVIIe siècle, en s'inspirant d'Andrea Palladio. De plus, l'architecture à l'italienne, populaire à l'étranger depuis le 19e siècle, était utilisée pour décrire l'architecture étrangère construite dans un style italien, notamment sur le modèle de l'architecture de la Renaissance.
Fichier:Uffizi Giotto.jpg|Giotto
Fichier : Le plus grand architecte - Brunelleschi.jpg | Filippo Brunelleschi
Fichier:CdM, autoportrait présumé de Leon Battista Alberti, fond blanc.jpg|Leon Battista Alberti
Fichier:Michelangelo-Buonarroti1.jpg|Michelangelo
Fichier:Raffaello Sanzio.jpg|Raphaël
Fichier:Titien - Portrait de Giulio Romano - WGA22947.jpg|Giulio Romano
Fichier:Ajaccio Da Cortona Autoportrait.JPG|Pietro da Cortona
Fichier : Gian Lorenzo Bernini, autoportrait, c1623.jpg| | http://www.quizballs.com/ |
Quel type de créature est un Kokanee ? | Fish | [
"Les populations de saumon rouge des États-Unis sont actuellement répertoriées en vertu de la loi américaine sur les espèces en voie de disparition par le National Marine Fisheries Service comme espèce en voie de disparition dans la rivière Snake (région de l'Idaho, de l'Oregon et de Washington) et comme espèce menacée dans le lac Ozette, dans l'État de Washington. Les autres populations de saumon rouge du cours supérieur du fleuve Columbia et de Puget Sound (Washington) ne sont pas répertoriées en vertu de la Loi."
] | Le saumon rouge (Oncorhynchus nerka), également appelé saumon rouge, saumon kokanee ou saumon à dos bleu, est une espèce de saumon anadrome trouvée dans l'océan Pacifique Nord et dans les rivières qui s'y déversent. Cette espèce est un saumon du Pacifique dont la teinte est principalement rouge pendant le frai. Ils peuvent mesurer jusqu'à 84 cm de long et peser de 2,3 à 7 kg. Les juvéniles restent en eau douce jusqu'à ce qu'ils soient prêts à migrer vers l'océan, sur des distances allant jusqu'à 1 600 km. Leur régime alimentaire est principalement constitué de zooplancton. Le saumon rouge est sémelpare et meurt après le frai. Certaines populations, appelées kokani, ne migrent pas vers l'océan et vivent toute leur vie en eau douce.
Classification et origine du nom
Le saumon rouge est la troisième espèce de saumon du Pacifique la plus répandue, après le saumon rose et le saumon kéta. Oncorhynchus vient du grec ὄγκος (onkos) signifiant « barbe » et ῥύγχος (rhynchos) signifiant « museau ». Nerka est le nom russe de la forme anadrome. Le nom « sockeye » est une anglicisation de suk-kegh (sθə́qəy̓), son nom en Halkomelem, la langue du peuple autochtone du cours inférieur du fleuve Fraser (l'une des nombreuses langues autochtones des Salish de la côte de la Colombie-Britannique). Suk-kegh signifie « poisson rouge ».
Description
Le saumon rouge est parfois appelé saumon rouge ou saumon bleu en raison de sa couleur. Le saumon rouge est bleu teinté d'argent lorsqu'il vit dans l'océan. Lorsqu'ils reviennent aux frayères, leur corps devient rouge et leur tête devient verte. Le saumon rouge peut mesurer entre 60 et 84 centimètres de long et peser entre 2,3 et 7 kg. Deux caractéristiques distinctives sont leurs branchies longues et dentelées, au nombre de 30 à 40, et l'absence de tache sur la queue ou le dos.
Aire de répartition et habitat
Le saumon rouge s'étend au sud jusqu'au fleuve Columbia dans le Pacifique oriental (bien que des individus aient été repérés aussi loin au sud que la rivière 10 Mile sur la côte de Mendocino en Californie) et dans le nord de l'île Hokkaidō au Japon dans le Pacifique occidental. Ils s'étendent aussi loin au nord que l'inlet Bathurst dans l'Arctique canadien à l'est et la rivière Anadyr en Sibérie à l'ouest. Le voyage le plus éloigné du saumon rouge à l'intérieur des terres se fait jusqu'au lac Redfish, Idaho, à plus de 900 milles de l'océan et à 6 500 pieds d'altitude.
Populations enclavées
Des populations complètement enclavées de la même espèce sont également connues. Certains saumons rouges vivent et se reproduisent dans les lacs et sont communément appelés kokanee, qui est le nom du poisson rouge dans la langue des Salish de Sinixt Interior et de la truite argentée dans la langue de l'Okanagan. Ils sont beaucoup plus petits que la variété anadrome et mesurent rarement plus de 35 cm de long. Dans le lac Okanagan et bien d’autres, il existe deux types de populations de kokani : l’une fraye dans les cours d’eau et l’autre près des rives du lac. Les populations enclavées se trouvent dans le territoire du Yukon et en Colombie-Britannique au Canada, ainsi qu'en Alaska, dans l'État de Washington, en Oregon, en Californie, à New York, en Utah, en Idaho, au Montana, au Nevada, au Colorado, au Nouveau-Mexique et au Wyoming aux États-Unis. Le lac Nantahala est le seul endroit en Caroline du Nord où l'on trouve du saumon kokanee. Le poisson, originaire de l'ouest de l'Amérique du Nord, a été ensemencé dans le lac Nantahala au milieu des années 1960 par la Commission des ressources fauniques de Caroline du Nord dans le but d'établir l'espèce comme poisson fourrage pour d'autres poissons prédateurs du lac. Ce stock est resté et est devenu une cible privilégiée des pêcheurs.
Au Japon, une variété enclavée appelée kokanee noir, ou « kunimasu » en japonais, a été considérée comme éteinte après 1940, lorsqu'un projet hydroélectrique a rendu plus acide son lac natal dans le nord de la préfecture d'Akita. L'espèce semble cependant avoir été sauvée en transférant ses œufs vers le lac Saiko, à 500 kilomètres au sud. Ce poisson a été traité comme une sous-espèce du saumon rouge Oncorhynchus nerka kawamurae, voire comme une espèce indépendante Oncorhynchus kawamurae.
Régime
Le saumon rouge utilise des modèles de comportement alimentaire limnétique, qui englobent les mouvements verticaux, les bancs, la chronologie quotidienne de l'alimentation et la sélectivité des proies du zooplancton. Ils peuvent changer leur position dans la colonne d'eau, le moment et la durée de leur alimentation, la formation des bancs et le choix des proies pour minimiser le risque de prédation. Cela garantit également qu’ils reçoivent toujours la quantité minimale de nourriture nécessaire à leur survie. Tous ces comportements contribuent à la capacité de survie, et donc à la condition physique du saumon. Selon l'emplacement et la menace de prédation, les niveaux de comportement alimentaire agressif peuvent varier.
Le saumon rouge, contrairement aux autres espèces de saumon du Pacifique, se nourrit abondamment de zooplancton au cours des stades de vie en eau douce et en eau salée. Ils ont également tendance à se nourrir de petits organismes aquatiques comme les crevettes. Les insectes font partie de leur alimentation au stade juvénile.
Cycle de vie
Le saumon rouge présente de nombreuses histoires de vie différentes, la majorité étant anadrome, où les saumons juvéniles migrent des lacs et des ruisseaux d'eau douce vers l'océan avant de retourner à l'âge adulte dans leur eau douce natale pour frayer. Semblable à la plupart des saumons du Pacifique, le saumon rouge est sémelpare, ce qui signifie qu'il meurt après avoir frayé une fois. Certains saumons rouges, appelés kokanee, ne migrent pas vers l'océan et vivent toute leur vie dans des lacs d'eau douce. La majorité des saumons rouges frayent dans les rivières proches des lacs et les juvéniles passeront un à deux ans dans le lac avant de migrer vers l'océan, bien que certaines populations migrent vers l'eau salée au cours de leur première année. Le saumon rouge adulte passera deux à trois ans dans l'océan avant de retourner en eau douce. Les femelles fraieront dans 3 à 5 nids sur une période de plusieurs jours. Les œufs éclosent généralement dans un délai de six à neuf semaines et les alevins se reproduisent généralement dans les lacs avant de migrer vers l'océan.
la reproduction
Les mâles participent à des tactiques de compétition et de furtivité, à la formation de hiérarchies et à des groupements non hiérarchiques autour de femelles prêtes à s'accoupler. Le succès reproducteur varie davantage chez les mâles que chez les femelles. La plus grande variabilité de la reproduction mâle est associée à une taille moyenne plus grande et à une forme exagérée des mâles. Le succès reproducteur des femelles est déterminé par le nombre d’œufs qu’elles pondent, la taille de leur corps et la survie des œufs, qui est en partie due à la qualité de l’environnement du nid. La répartition spatiale des mâles dépend des changements dans les opportunités de reproduction, des caractéristiques physiques des sites de reproduction, ainsi que du sex-ratio opérationnel (OSR) de l'environnement.
Les mâles non dominants adoptent un comportement subordonné, agissant comme satellite pour les couples accouplés. Pendant le frai, un mâle subordonné se déplacera rapidement dans la nidification et libérera son sperme. Les mâles dominants à proximité d’autres nids le feront également. Le statut social des hommes est positivement corrélé à la longueur et à la taille de la bosse dorsale. Les femelles plus grosses ont tendance à frayer dans des eaux moins profondes, ce qui est préférable aux eaux plus profondes.
Il existe un dimorphisme sexuel dramatique à maturité. Les mâles subissent de nombreux changements morphologiques au cours de la maturation, notamment une augmentation de la profondeur du corps, de la hauteur de la bosse et de la longueur du museau. La taille du museau augmente également chez les femelles, mais la hauteur de la bosse et la longueur des nageoires adipeuses n'augmentent pas. Cela pourrait signifier que les tailles de museau plus longues sont sélectionnées sexuellement, mais pas la hauteur de la bosse et la longueur des nageoires adipeuses. Les femelles développent de grosses gonades qui représentent environ 25 % de la masse corporelle.
Les femmes sont responsables des soins parentaux. Ils sélectionnent, préparent et défendent un site de nidification jusqu'à leur mort ou leur déplacement. Les mâles ne participent pas du tout aux soins parentaux et se déplacent entre les femelles après la ponte des œufs.
Sélection sexuelle et sélection naturelle
La sélection sexuelle favorise les mâles et les femelles de grande taille. Les mâles choisissent les femelles en fonction de leur volonté de frayer et de leur taille afin de maximiser leurs possibilités de reproduction. Les femelles varient leur taux de reproduction en fonction de la taille du mâle qui courtise, s'accouplant plus rapidement avec des mâles plus gros. Cela augmente la probabilité que les mâles plus gros remplacent les mâles plus petits. Les mâles fraient préférentiellement avec des femelles rouges, qui sont la couleur habituelle des femelles. Même de petits changements de longueur d’onde, de saturation et de luminosité peuvent affecter les préférences. Les hommes sexuellement naïfs et les hommes expérimentés ont montré les mêmes préférences, ce qui illustre que la préférence pour une teinte rouge peut être innée.
Certains traits qui conduisent au succès reproducteur, tels que la taille corporelle et le dimorphisme sexuel, peuvent affecter la survie d’une personne. Cela conduit à des pressions opposées de sélection naturelle et de sélection sexuelle. Les mâles plus gros sont favorisés, sauf si le risque de prédation est très élevé. Le saumon rouge qui meurt prématurément à cause de la prédation est généralement le plus gros d'une population. Cela montre la sélection naturelle contre les grands corps. Les populations présentant des niveaux de prédation plus élevés ont tendance à évoluer avec une taille corporelle plus petite. Sans menace de prédation, les saumons qui se reproduisent tôt dans la saison vivent plus longtemps que ceux qui se reproduisent tard dans la saison.
Coût énergétique
La reproduction est marquée par l'épuisement des réserves d'énergie. Les réserves de graisse, de protéines et d'énergie somatique diminuent depuis les derniers instants de la migration marine jusqu'à l'entrée en eau douce, le frai et la mort. Le saumon rouge ne se nourrit pas pendant la reproduction. L'alimentation se termine une fois qu'ils entrent en eau douce, ce qui peut prendre plusieurs mois avant le frai. Les embryons sont maintenus uniquement avec des réserves de nourriture endogène pendant environ 3 à 8 mois. La reproduction du saumon rouge doit être réalisée grâce aux réserves d'énergie apportées aux frayères. La façon dont le saumon utilise son énergie pendant la migration et le frai affecte sa réussite en matière de reproduction ; l’énergie utilisée pour la migration ne peut pas également être utilisée pour la cour. S’ils gaspillent trop d’énergie, ils ne pourront peut-être pas se reproduire. Les mâles doivent également prendre la décision d’investir de l’énergie dans la lutte pour une femelle ou pour la longévité sur les frayères.
Concours
Le comportement agressif affiché par les mâles dominants est principalement dirigé vers les mâles dominants intrus. Parfois, les mâles du saumon rouge se comportent de manière agressive envers les mâles subordonnés. Ces rencontres sont courtes, le mâle intrus partant après une ou deux interactions agressives. Les femelles reproductrices dirigent leur agressivité principalement vers les femelles intruses ou d'autres femelles reproductrices qui se trouvent à proximité. Cependant, ils peuvent également diriger leur agression vers des mâles intrus ou subordonnés. Les interactions agressives entre femelles ne durent qu’une ou deux charges et/ou poursuites. L'intrus se retire et la femelle reproductrice se réinstalle dans son nid. Ces actes d'agression sont importants en termes de succès reproducteur, car ils déterminent la qualité du site de nidification obtenu par la femelle et l'accès des mâles aux femelles.
Une compétition pour la nourriture ou l'espace peut exister pendant que les saumons sont dans leur période de résidence dans le lac. Cela se produit lorsqu’il existe une classe plus peuplée de jeunes saumons rouges ou lorsque plusieurs classes sont présentes. Cela peut également se produire lorsque les ressources sont rares. Une compétition interspécifique peut également se produire et conduire à une ségrégation interactive, c'est-à-dire lorsque les espèces mettent l'accent sur leurs différences de régime alimentaire et d'habitat pour éviter la compétition. La compétition interspécifique peut affecter les taux de croissance du saumon si son accès aux ressources est limité.
Pêche et consommation
La récolte totale enregistrée de saumon rouge en 2010 était d'environ 170 000 tonnes, dont 115 000 tonnes provenaient des États-Unis et le reste était réparti à parts égales entre le Canada et la Russie. Cela correspond à quelque 65 millions de poissons au total et à environ 19 % de la capture en poids de toutes les espèces de saumon du Pacifique.
Les pêcheurs commerciaux de l'Alaska capturent cette espèce à l'aide de sennes et de filets maillants pour la vente et la mise en conserve de filets frais ou congelés. Les captures annuelles peuvent atteindre 30 millions de poissons dans la baie de Bristol, en Alaska, qui est le site de la plus grande récolte de saumon rouge au monde.
Le saumon rouge joue depuis longtemps un rôle important dans le régime alimentaire et la culture du peuple Salish de la côte de la Colombie-Britannique.
Les plus grandes frayères d'Asie se trouvent dans la péninsule du Kamtchatka, dans l'Extrême-Orient russe, en particulier sur la rivière Ozernaya du lac Kourile, qui représente près de 90 % de toute la production asiatique de saumon rouge et est reconnue comme la plus grande frayère en dehors de l'Alaska. La pêche illégale au Kamtchatka suscite des préoccupations environnementales.
Le saumon rouge n'est presque jamais cultivé. Une installation de Langley, en Colombie-Britannique, a pêché son premier saumon en mars 2013 et continue de récolter du saumon d'élevage dans ses installations intérieures.
État de conservation
États-Unis
Les populations de saumon rouge des États-Unis sont actuellement répertoriées en vertu de la loi américaine sur les espèces en voie de disparition par le National Marine Fisheries Service comme espèce en voie de disparition dans la rivière Snake (région de l'Idaho, de l'Oregon et de Washington) et comme espèce menacée dans le lac Ozette, dans l'État de Washington. Les autres populations de saumon rouge du cours supérieur du fleuve Columbia et de Puget Sound (Washington) ne sont pas répertoriées en vertu de la Loi.
Le saumon rouge constitue une exception à la résurgence prévue des stocks de poissons de l'Oregon en 2010. Les populations de saumon quinnat de printemps, de truite arc-en-ciel d'été et de saumon coho devraient augmenter jusqu'à 100 % par rapport à 2008. La population de saumons rouges a culminé à plus de 200 000 individus en 2008 et devrait diminuer jusqu'à un peu plus de 100 000 individus en 2010. Comme première indication de la remontée étonnamment élevée de saumons rouges en 2010, le 2 juillet 2010, le Corps des ingénieurs de l'armée des États-Unis a signalé plus de 300 000 individus. le saumon rouge était passé au-dessus du barrage de Bonneville sur le fleuve Columbia. La baisse des températures en 2008 dans les eaux du Pacifique Nord a amené un plancton plus gras qui, associé à un débit plus important d'eau du fleuve Columbia, a nourri les populations renaissantes.
Les efforts législatifs proposés, tels que la Northern Rockies Ecosystem Protection Act, tentent de protéger les sources du saumon rouge en empêchant le développement industriel dans les zones sans route.
Un nombre record d'une population autrefois en déclin de saumon rouge est revenue dans le bassin du Columbia, dans le nord-ouest (en juin 2012), avec des milliers de personnes supplémentaires traversant les barrages de la rivière en une seule journée par rapport au nombre total observé certaines années précédentes.
Canada
L'état de conservation des populations de saumon rouge au Canada est en cours d'examen par Pêches et Océans Canada dans le cadre de sa stratégie concernant le saumon sauvage visant à normaliser la surveillance de l'état du saumon sauvage. Les montaisons de saumons les plus remarquables sont celles des rivières Skeena et Nass, et la plus célèbre est celle du saumon rouge du fleuve Fraser.
La montaison du saumon du fleuve Fraser a connu une baisse de productivité depuis les années 1990, à l'image d'un déclin similaire dans les années 1960.
L'abondance (population) de montaison du saumon rouge du fleuve Fraser en 2009 a été estimée à un très faible chiffre de 1 370 000 individus, soit 13 % des prévisions d'avant-saison de 10 488 000 individus.
Cela représente une baisse par rapport au récent pic de cycle historique (1993) de 23 631 000
et l'abondance des retours était la plus faible depuis plus de 50 ans. Les raisons de cet (ancien) déclin restent spéculatives. Selon un consortium de scientifiques réunis pour examiner le problème, le déclin met en évidence l'incertitude dans la prévision des retours de saumons.
Après les faibles retours, le gouvernement du Canada a lancé une enquête officielle sur le déclin, la Commission d'enquête sur le déclin du saumon rouge dans le fleuve Fraser.
La Commission a été chargée d'étudier tous les facteurs susceptibles d'avoir une incidence sur le saumon rouge du fleuve Fraser tout au long de son cycle de vie. Selon les termes de référence,
les sujets d'enquête sont « l'impact des changements environnementaux le long du fleuve Fraser, les conditions environnementales marines, l'aquaculture, les prédateurs, les maladies, la température de l'eau et d'autres facteurs qui peuvent avoir affecté la capacité du saumon rouge à atteindre les frayères traditionnelles ou à atteindre l'océan. "
Au cours de la commission, des centaines de milliers de documents et de recherches scientifiques ont été examinés. Douze rapports techniques ont été publiés à partir de ces informations, examinant les impacts possibles des maladies et des parasites, des maladies des écloseries, des contaminants, de l'écologie marine, des élevages de saumons, des pêches, des prédateurs, des changements climatiques et de la gestion gouvernementale sur la productivité des montaisons du saumon rouge du fleuve Fraser.
La commission soumettra son rapport final d'ici le 29 octobre 2012.
Alors que la commission tenait des audiences publiques, à la fin de l'été 2010, la plus grande remonte de saumon rouge depuis 1913 est revenue dans le système du fleuve Fraser.
Les décomptes finaux montrent qu'environ 30 millions de saumons sont retournés dans le fleuve Fraser et ses affluents en 2010. Au total, environ 11 591 000 saumons rouges du Fraser ont été capturés par les pêcheurs canadiens et 1 974 000 saumons rouges du Fraser ont été capturés par les pêcheurs américains. L'échappée finale projetée (poissons non capturés) était de 15 852 990 poissons.
On suppose que les récentes fluctuations imprévisibles des migrations sont dues aux changements de température de l’eau. | http://www.quizballs.com/ |
Le Bunny Chow, également connu sous le nom de Kota, est un plat de restauration rapide composé d'un pain évidé rempli de curry et est originaire de quel pays ? | Afrique du Sud | [
"Les histoires sur l'origine du bunny chow remontent à l'arrivée des travailleurs migrants indiens en Afrique du Sud. Un récit suggère que les travailleurs migrants indiens amenés en Afrique du Sud pour travailler dans les plantations de canne à sucre du Kwazulu-Natal (Port Natal) avaient besoin d'un moyen de transporter leurs déjeuners sur le terrain ; une miche de pain évidée était un moyen pratique de transporter leurs currys végétariens. Les garnitures à base de viande sont arrivées plus tard. L'utilisation d'une miche de pain peut également être attribuée à l'absence du pain roti traditionnel, en l'absence duquel une miche de pain serait acceptable pour accompagner le curry.",
"Aujourd'hui, les lapins sont disponibles dans de nombreux petits plats à emporter et restaurants indiens dans toute l'Afrique du Sud. Le prix varie de 6 R pour un quart de haricots ou de dhal, à 40 R pour un quart de lapin de mouton, et généralement on peut multiplier le prix d'un quart par 3 à 4 pour obtenir le prix d'un lapin complet."
] | Bunny chow, souvent appelé lapin, est un plat de restauration rapide sud-africain composé d'une miche de pain évidée et remplie de curry. Il est originaire de la communauté indienne de Durban. Une petite version du bunny chow qui utilise seulement un quart de miche de pain est parfois appelée kota (« quart »), un nom qu'elle partage avec le spatlo, un plat sud-africain issu du bunny chow.
Histoire
Le Bunny Chow a été créé à Durban, qui abrite une importante communauté de personnes d'origine indienne. Les origines précises de cet aliment sont controversées, bien que sa création soit datée des années 1940. Il a également été vendu à Gwelo, en Rhodésie (aujourd'hui Gweru) pendant la Seconde Guerre mondiale et est toujours vendu dans la ville voisine de Kadoma, anciennement connue sous le nom de Gatooma.
Les histoires sur l'origine du bunny chow remontent à l'arrivée des travailleurs migrants indiens en Afrique du Sud. Un récit suggère que les travailleurs migrants indiens amenés en Afrique du Sud pour travailler dans les plantations de canne à sucre du Kwazulu-Natal (Port Natal) avaient besoin d'un moyen de transporter leurs déjeuners sur le terrain ; une miche de pain évidée était un moyen pratique de transporter leurs currys végétariens. Les garnitures à base de viande sont arrivées plus tard. L'utilisation d'une miche de pain peut également être attribuée à l'absence du pain roti traditionnel, en l'absence duquel une miche de pain serait acceptable pour accompagner le curry.
Étymologie
Une histoire raconte qu'un restaurant dirigé par des personnes connues sous le nom de Banias (une caste indienne) a créé pour la première fois le plat de pain et de curry évidé dans un restaurant-café appelé Kapitan's, au coin des rues Victoria et Albert à Durban. La nourriture était un moyen de servir des plats à emporter aux personnes exclues. Pendant le régime de l'apartheid, les Indiens n'étaient pas autorisés dans certains magasins et cafés et les commerçants ont donc trouvé un moyen de servir les gens par des fenêtres arrière, etc. C'était un moyen simple et efficace de servir les travailleurs. Une histoire estime que l'origine de ce plat à main était due au fait que les cadets de golf indiens n'étaient pas autorisés à transporter des couverts pendant l'apartheid.
Le repas indien traditionnel était composé de roti et de haricots, mais les rotis avaient tendance à se désagréger en tant que plat à emporter. Ils ont donc découpé la partie centrale du pain, l'ont rempli de curry et ont recouvert la garniture avec la partie découpée. La version végétarienne est connue sous le nom de lapin aux haricots. Une autre étymologie, bien que peu probable, est dérivée de bun et achar (cornichons indiens), bien que ces derniers ne soient pas inclus dans le plat.
Cuisine
Les Bunny Chows sont populaires parmi les Indiens, ainsi que parmi d'autres groupes ethniques de la région de Durban. Les Bunny Chows sont généralement remplis de currys préparés à partir de recettes traditionnelles de Durban : le mouton ou l'agneau, le poulet, les haricots et les chips avec une sauce au curry sont désormais des garnitures populaires, bien que le Bunny Chow original soit végétarien. Les Bunny Chows sont souvent servis avec une portion de salade de carottes râpées, de piment et d'oignon, communément appelée sambals. Une caractéristique clé d'un lapin chow est créée lorsque la sauce de la garniture au curry pénètre dans les parois du pain. Partager un seul lapin n’est pas rare.
Les Bunny Chows se présentent sous forme de quarts, de moitiés et de pains complets. Lorsque vous commandez un lapin chow à Durban, l'argot local veut qu'il vous suffit de demander un « quart de mouton » (ou la saveur et la taille de votre choix). Les Bunny Chows se mangent principalement avec les doigts ; il est inhabituel de voir les locaux utiliser des ustensiles pour manger ce plat. Le Bunny Chow est présenté aux clients enveloppé dans les journaux d'hier.
Aujourd'hui, les lapins sont disponibles dans de nombreux petits plats à emporter et restaurants indiens dans toute l'Afrique du Sud. Le prix varie de 6 R pour un quart de haricots ou de dhal, à 40 R pour un quart de lapin de mouton, et généralement on peut multiplier le prix d'un quart par 3 à 4 pour obtenir le prix d'un lapin complet.
Chaque année, le Bunny Chow Barometer a lieu en septembre sur la rive sud de la rivière Umgeni, juste au-dessus de Blue Lagoon (un lieu de pique-nique dominical populaire pour les Indiens de Durban), attirant de nombreux participants de toute la région métropolitaine de Durban pour concourir pour le titre de meilleur créateur de lapins.
Minal Hajratwala a qualifié le petit pain de métaphore de la première génération de la diaspora indienne, locale de l'extérieur mais indienne dans l'âme. | http://www.quizballs.com/ |
Le dramaturge JM Barrie a utilisé un dessin de l'artiste anglais Ben Nicholson comme base pour une affiche pour quelle pièce ? | Peter Pan | [
"Sir James Matthew Barrie, 1er baronnet (9 mai 1860 - 19 juin 1937) était un romancier et dramaturge écossais, surtout connu aujourd'hui comme le créateur de Peter Pan. Il est né et a fait ses études en Écosse, mais a déménagé à Londres, où il a écrit un certain nombre de romans et de pièces de théâtre à succès. Là, il rencontre les garçons Llewelyn Davies, qui l'inspirent à écrire sur un petit garçon qui vit des aventures magiques dans les jardins de Kensington (inclus dans Le petit oiseau blanc), puis à écrire Peter Pan, ou Le garçon qui ne grandirait pas, un \"un jeu de fées\" sur un garçon sans âge et une fille ordinaire nommée Wendy qui vivent des aventures dans le décor fantastique de Neverland.",
"Bien qu'il ait continué à écrire avec succès, Peter Pan a éclipsé ses autres travaux et est crédité d'avoir popularisé le nom alors peu courant de Wendy. Barrie a adopté officieusement les garçons Davies après le décès de leurs parents.",
"Barrie a été fait baronnet par George V le 14 juin 1913 et membre de l'Ordre du mérite lors des honneurs du Nouvel An 1922. Avant sa mort, il a cédé les droits des œuvres de Peter Pan au Great Ormond Street Hospital for Children de Londres, qui continue d'en bénéficier.",
"À l'âge de 8 ans, Barrie a été envoyé à la Glasgow Academy sous la garde de ses frères et sœurs aînés, Alexander et Mary Ann, qui enseignaient à l'école. À l'âge de 10 ans, il rentre chez lui et poursuit ses études à la Forfar Academy. À 14 ans, il quitte la maison pour la Dumfries Academy, toujours sous la surveillance d'Alexander et Mary Ann. Il devint un lecteur vorace et aimait Penny Dreadfuls et les œuvres de Robert Michael Ballantyne et James Fenimore Cooper. A Dumfries, lui et ses amis passaient du temps dans le jardin de la maison Moat Brae, jouant aux pirates \"dans une sorte d'Odyssée qui deviendra longtemps après la pièce de Peter Pan\". Ils formèrent un club de théâtre et produisirent sa première pièce Bandelero le bandit, qui provoqua une petite controverse suite à une dénonciation morale cinglante de la part d'un ecclésiastique du conseil d'administration de l'école.",
"Le personnage de « Peter Pan » est apparu pour la première fois dans Le Petit Oiseau Blanc (ou Aventures dans les jardins de Kensington). Le roman a été publié au Royaume-Uni par Hodder & Stoughton en 1902 et publié en série aux États-Unis la même année dans Scribner's Magazine. L'œuvre la plus célèbre et la plus durable de Barrie, Peter Pan, ou Le garçon qui ne grandirait pas, a eu sa première représentation sur scène le 27 décembre 1904. Cette pièce a fait découvrir au public le nom de Wendy ; il a été inspiré par une jeune fille nommée Margaret Henley qui appelait Barrie \"Friendy\", mais ne pouvait pas très bien prononcer ses R. Les scènes de Bloomsbury montrent les contraintes sociétales de la réalité domestique de la classe moyenne de la fin de l’époque victorienne et édouardienne, en contraste avec Neverland, un monde où la moralité est ambivalente. George Bernard Shaw a décrit la pièce comme « apparemment un divertissement de vacances pour les enfants mais en réalité une pièce pour les adultes », suggérant des métaphores sociales plus profondes à l'œuvre chez Peter Pan.",
"Barrie a connu une longue série de succès sur scène après Peter Pan, dont beaucoup parlent de préoccupations sociales, alors que Barrie continuait d'intégrer son travail et ses convictions. Le Twelve Pound Look concerne une femme qui divorce d'un pair et qui gagne un revenu indépendant. D'autres pièces, comme Mary Rose et une intrigue secondaire dans Dear Brutus, revisitent l'idée de l'enfant sans âge. Une autre pièce ultérieure était What Every Woman Knows (1908). Barrie a participé aux tentatives de 1909 et 1911 visant à contester la censure du théâtre par le Lord Chamberlain, aux côtés d'un certain nombre d'autres dramaturges.",
"En 1911, Barrie développa la pièce de Peter Pan dans le roman Peter et Wendy. En avril 1929, Barrie céda les droits d'auteur des œuvres de Peter Pan au Great Ormond Street Hospital, l'un des principaux hôpitaux pour enfants de Londres. La situation actuelle du droit d'auteur est quelque peu complexe.",
"Sa dernière pièce fut The Boy David (1936), qui dramatisait l'histoire biblique du roi Saül et du jeune David. Comme le rôle de Peter Pan, celui de David a été joué par une femme, Elisabeth Bergner, pour qui Barrie a écrit la pièce.",
"En 1896, son agent Addison Bright le persuada de rencontrer le producteur de Broadway Charles Frohman, qui devint également son bailleur de fonds et un ami proche. Frohman était responsable de la production des débuts de Peter Pan en Angleterre et aux États-Unis, ainsi que d'autres productions des pièces de Barrie. Il a refusé de s'asseoir sur un canot de sauvetage lorsque le RMS Lusitania a été coulé par un sous-marin allemand dans l'Atlantique Nord. L'actrice Rita Jolivet se tenait aux côtés de Frohman, George Vernon et du capitaine Alick Scott à la fin du naufrage du Lusitania, mais elle a survécu au naufrage et se souvient que Frohman avait paraphrasé Peter Pan : « Pourquoi craindre la mort ? C'est la plus belle aventure que la vie nous offre.",
"Le personnage de Peter Pan a été inventé pour divertir George et Jack. Barrie disait, pour les amuser, que leur petit frère Peter savait voler. Il affirmait que les bébés étaient des oiseaux avant leur naissance ; les parents installent des barreaux aux fenêtres des crèches pour empêcher les petits de s'envoler. Cela est devenu l'histoire d'un petit garçon qui s'est envolé.",
"Arthur Llewelyn Davies mourut en 1907 et « Oncle Jim » s'impliqua encore plus auprès de la famille Davies, en leur apportant un soutien financier. (Ses revenus provenant de Peter Pan et d'autres œuvres étaient facilement suffisants pour subvenir à leurs frais de subsistance et à leurs études.) Après la mort de Sylvia en 1910, Barrie a affirmé qu'ils s'étaient récemment fiancés. Son testament n'indiquait rien de tel, mais précisait son souhait pour \"J. M. B.\" être la fiduciaire et la tutrice des garçons, aux côtés de sa mère Emma, de son frère Guy du Maurier et du frère d'Arthur Compton. Il exprimait sa confiance en Barrie en tant que gardien des garçons et son souhait que «les garçons le traitent (ainsi que leurs oncles) avec une confiance et une franchise absolues et lui parlent de tout». En copiant le testament de manière informelle pour la famille de Sylvia quelques mois plus tard, Barrie s'est inséré ailleurs : Sylvia avait écrit qu'elle aimerait que Mary Hodgson, l'infirmière des garçons, continue à prendre soin d'eux, et que « Jenny » (en référence à la sœur de Hodgson ) pour venir l'aider ; Barrie a plutôt écrit \"Jimmy\" (le surnom que Sylvia lui donne). Barrie et Hodgson ne s'entendaient pas bien, mais ils ont servi ensemble de parents de substitution jusqu'à ce que les garçons soient grands.",
"Barrie avait également des amitiés avec d'autres enfants, à la fois avant de rencontrer les garçons Davies et après qu'ils aient grandi, et il y a depuis eu des spéculations selon lesquelles Barrie était un pédophile. Une source de spéculation est une scène du roman Le petit oiseau blanc, dans laquelle le protagoniste aide un petit garçon à se déshabiller pour se coucher et, à la demande du garçon, ils dorment dans le même lit. Cependant, rien ne prouve que Barrie ait eu des contacts sexuels avec des enfants, ni qu'il en ait été soupçonné à l'époque. Nico, le plus jeune des frères, a catégoriquement nié, en tant qu'adulte, que Barrie se soit comporté de manière inappropriée. \"Je ne crois pas que l'oncle Jim ait jamais ressenti ce que l'on pourrait appeler 'un remue-ménage dans les sous-bois' pour qui que ce soit, homme, femme ou enfant\", a-t-il déclaré. \"C'était un innocent, c'est pourquoi il a pu écrire Peter Pan.\" Ses relations avec les garçons Davies survivants se sont poursuivies bien au-delà de leur enfance et de leur adolescence.",
"La statue de Peter Pan dans les jardins de Kensington, érigée secrètement pendant la nuit du matin de mai 1912, était censée être calquée sur de vieilles photographies de Michael habillé en personnage. Cependant, le sculpteur Sir George Frampton a utilisé un autre enfant comme modèle, laissant Barrie déçu du résultat. \"Cela ne montre pas le diable en Peter\", a-t-il déclaré.",
"Barrie mourut d'une pneumonie le 19 juin 1937 et fut enterré à Kirriemuir à côté de ses parents et de deux de ses frères et sœurs. Il a laissé la majeure partie de sa succession (à l'exclusion des œuvres de Peter Pan, qu'il avait précédemment cédées au Great Ormond Street Hospital) à sa secrétaire Cynthia Asquith. Son lieu de naissance, au 4 Brechin Road, est conservé comme musée par le National Trust for Scotland.",
"* The Man Who Was Peter Pan (1998) est une pièce d'Allan Knee, une version semi-biographique de la vie de Barrie et de sa relation avec la famille Llewelyn Davies.",
"*Finding Neverland (2012) de Diane Paulus, est une comédie musicale sur la création de Peter Pan avec Matthew Morrison et Laura Michelle Kelly basée sur le film.",
"* Peter Pan (mise en scène 1904)",
"* Peter Pan dans les jardins de Kensington (1906)",
"* Peter Pan (pièce de théâtre publiée) (1928)"
] | Sir James Matthew Barrie, 1er baronnet (9 mai 1860 - 19 juin 1937) était un romancier et dramaturge écossais, surtout connu aujourd'hui comme le créateur de Peter Pan. Il est né et a fait ses études en Écosse, mais a déménagé à Londres, où il a écrit un certain nombre de romans et de pièces de théâtre à succès. Là, il rencontre les garçons Llewelyn Davies, qui l'inspirent à écrire sur un petit garçon qui vit des aventures magiques dans les jardins de Kensington (inclus dans Le petit oiseau blanc), puis à écrire Peter Pan, ou Le garçon qui ne grandirait pas, un "un jeu de fées" sur un garçon sans âge et une fille ordinaire nommée Wendy qui vivent des aventures dans le décor fantastique de Neverland.
Bien qu'il ait continué à écrire avec succès, Peter Pan a éclipsé ses autres travaux et est crédité d'avoir popularisé le nom alors peu courant de Wendy. Barrie a adopté officieusement les garçons Davies après le décès de leurs parents.
Barrie a été fait baronnet par George V le 14 juin 1913 et membre de l'Ordre du mérite lors des honneurs du Nouvel An 1922. Avant sa mort, il a cédé les droits des œuvres de Peter Pan au Great Ormond Street Hospital for Children de Londres, qui continue d'en bénéficier.
Enfance et adolescence
James Matthew Barrie est né à Kirriemuir, Angus dans une famille calviniste conservatrice. Son père David Barrie était un tisserand au succès modeste. Sa mère Margaret Ogilvy avait assumé les responsabilités ménagères de sa mère décédée à l'âge de huit ans. Barrie était le neuvième enfant sur dix (dont deux sont décédés avant sa naissance), qui ont tous été scolarisés dans au moins les trois R en vue d'une éventuelle carrière professionnelle. Ses frères et sœurs étaient : Alexander (1842-16 juillet 1914), Mary Ann (1845-1918), Jane (14 mars 1847-31 août 1895), Elizabeth (12 mars 1849-1er avril 1851), Agnes (23 décembre 1850-1851). ), David Ogilvy (30 janvier 1853-29 janvier 1867), Sarah (3 juin 1855-1 novembre 1913), Isabella (4 janvier 1858-1902) et Margaret (9 juillet 1863-1936). Il était un petit enfant et attirait l'attention sur lui en racontant des histoires. Il n'a atteint que 5 pieds 3 pouces (161 cm) selon son passeport de 1934.
Lorsqu'il avait 6 ans, David, le prochain frère aîné de Barrie (le préféré de sa mère), est décédé deux jours avant son 14e anniversaire dans un accident de patinage sur glace. Cela a laissé sa mère dévastée et Barrie a essayé de prendre la place de David dans les attentions de sa mère, portant même les vêtements de David et sifflant comme il le faisait. Un jour, Barrie entra dans sa chambre et l'entendit dire : « C'est toi ? "Je pensais que c'était au garçon mort à qui elle parlait", a écrit Barrie dans sa biographie de sa mère Margaret Ogilvy (1896), "et j'ai dit d'une petite voix solitaire: 'Non, ce n'est pas' lui, c'est juste moi. La mère de Barrie a trouvé du réconfort dans le fait que son fils décédé resterait un garçon pour toujours, pour ne jamais grandir et la quitter. Finalement, Barrie et sa mère se sont divertis avec des histoires sur sa brève enfance et des livres tels que Robinson Crusoé. son compatriote écossais Walter Scott et The Pilgrim's Progress.
À l'âge de 8 ans, Barrie a été envoyé à la Glasgow Academy sous la garde de ses frères et sœurs aînés, Alexander et Mary Ann, qui enseignaient à l'école. À l'âge de 10 ans, il rentre chez lui et poursuit ses études à la Forfar Academy. À 14 ans, il quitte la maison pour la Dumfries Academy, toujours sous la surveillance d'Alexander et Mary Ann. Il devint un lecteur vorace et aimait Penny Dreadfuls et les œuvres de Robert Michael Ballantyne et James Fenimore Cooper. A Dumfries, lui et ses amis passaient du temps dans le jardin de la maison Moat Brae, jouant aux pirates "dans une sorte d'Odyssée qui deviendra longtemps après la pièce de Peter Pan". Ils formèrent un club de théâtre et produisirent sa première pièce Bandelero le bandit, qui provoqua une petite controverse suite à une dénonciation morale cinglante de la part d'un ecclésiastique du conseil d'administration de l'école.
Carrière littéraire
Barrie savait qu'il souhaitait poursuivre une carrière d'auteur. Cependant, sa famille a tenté de le persuader de choisir une profession telle que le ministère. Avec les conseils d'Alexandre, il parvient à trouver un compromis : il fréquentera une université, mais étudiera la littérature. Barrie s'est inscrit à l'Université d'Édimbourg où il a écrit des critiques dramatiques pour l'Edinburgh Evening Courant. Il obtient son diplôme et obtient une maîtrise le 21 avril 1882.
Suite à une offre d'emploi trouvée par sa sœur dans The Scotsman, il a travaillé pendant un an et demi comme journaliste au Nottingham Journal. Il retourna ensuite à Kirriemuir. Il a soumis un article à la St. James's Gazette, un journal londonien, utilisant les histoires de sa mère sur la ville où elle a grandi (rebaptisée « Thrums »). L'éditeur "a tellement aimé ce truc écossais" que Barrie a fini par écrire une série de ces histoires. Ils servirent de base à ses premiers romans : Auld Licht Idylls (1888), A Window in Thrums (1890) et The Little Ministry (1891).
Les histoires décrivaient les « Auld Lichts », une secte religieuse stricte à laquelle son grand-père avait autrefois appartenu. La critique littéraire moderne de ces premières œuvres a été défavorable, tendant à les dénigrer comme des représentations sentimentales et nostalgiques d'une Écosse paroissiale, loin des réalités du XIXe siècle industrialisé, mais elles étaient suffisamment populaires à l'époque pour faire de Barrie un écrivain à succès. . Suite à ce succès, il publia Better Dead (1888) en privé et à ses propres frais, mais le livre ne parvint pas à se vendre. Ses deux romans "Tommy", Sentimental Tommy (1896) et Tommy et Grizel (1900), parlent d'un garçon et d'un jeune homme qui s'accroche à une fantaisie enfantine, avec une fin malheureuse.
Pendant ce temps, l'attention de Barrie se tourna de plus en plus vers les œuvres pour le théâtre, à commencer par une biographie de Richard Savage, écrite par Barrie et H.B. Marriott Watson ; malheureusement, il n’a été joué qu’une seule fois et a été critiqué. Il a immédiatement suivi avec Ibsen's Ghost (ou Toole Up-to-Date) (1891), une parodie des drames d'Henrik Ibsen Hedda Gabler et Ghosts. Les fantômes n'avaient pas de licence au Royaume-Uni jusqu'en 1914, mais avaient fait sensation à l'époque grâce à une seule représentation en « club ».
La production du Fantôme d'Ibsen au Toole's Theatre de Londres a été vue par William Archer, le traducteur des œuvres d'Ibsen en anglais. Apparemment à l'aise avec la parodie, il a apprécié l'humour de la pièce et l'a recommandée à d'autres. La troisième pièce de Barrie, Walker, London (1892), lui a valu d'être présenté à une jeune actrice nommée Mary Ansell. Il lui proposa et ils se marièrent le 9 juillet 1894. Barrie lui acheta un chiot Saint-Bernard, qui joua un rôle dans le roman Le petit oiseau blanc. Il a utilisé le prénom d'Ansell pour de nombreux personnages de ses romans. Barrie est également l'auteur de Jane Annie, un opéra-comique pour Richard D'Oyly Carte (1893), qui malheureusement échoue. Il a supplié son ami Arthur Conan Doyle de le réviser et de le terminer pour lui.
En 1901 et 1902, il remporte des succès consécutifs ; Quality Street parlait d'une vieille fille respectable et responsable qui se fait passer pour sa propre nièce coquette pour tenter d'attirer l'attention d'un ancien prétendant revenu de la guerre. Par la suite, The Admirable Crichton était un commentaire social acclamé par la critique avec une mise en scène élaborée, sur une famille aristocratique et ses domestiques naufragés sur une île déserte. Dans ces circonstances difficiles, un membre masculin de la famille semble mieux placé pour assumer des responsabilités de leadership que le seigneur du manoir.
Le personnage de « Peter Pan » est apparu pour la première fois dans Le Petit Oiseau Blanc (ou Aventures dans les jardins de Kensington). Le roman a été publié au Royaume-Uni par Hodder & Stoughton en 1902 et publié en série aux États-Unis la même année dans Scribner's Magazine. L'œuvre la plus célèbre et la plus durable de Barrie, Peter Pan, ou Le garçon qui ne grandirait pas, a eu sa première représentation sur scène le 27 décembre 1904. Cette pièce a fait découvrir au public le nom de Wendy ; il a été inspiré par une jeune fille nommée Margaret Henley qui appelait Barrie "Friendy", mais ne pouvait pas très bien prononcer ses R. Les scènes de Bloomsbury montrent les contraintes sociétales de la réalité domestique de la classe moyenne de la fin de l’époque victorienne et édouardienne, en contraste avec Neverland, un monde où la moralité est ambivalente. George Bernard Shaw a décrit la pièce comme « apparemment un divertissement de vacances pour les enfants mais en réalité une pièce pour les adultes », suggérant des métaphores sociales plus profondes à l'œuvre chez Peter Pan.
Barrie a connu une longue série de succès sur scène après Peter Pan, dont beaucoup parlent de préoccupations sociales, alors que Barrie continuait d'intégrer son travail et ses convictions. Le Twelve Pound Look concerne une femme qui divorce d'un pair et qui gagne un revenu indépendant. D'autres pièces, comme Mary Rose et une intrigue secondaire dans Dear Brutus, revisitent l'idée de l'enfant sans âge. Une autre pièce ultérieure était What Every Woman Knows (1908). Barrie a participé aux tentatives de 1909 et 1911 visant à contester la censure du théâtre par le Lord Chamberlain, aux côtés d'un certain nombre d'autres dramaturges.
En 1911, Barrie développa la pièce de Peter Pan dans le roman Peter et Wendy. En avril 1929, Barrie céda les droits d'auteur des œuvres de Peter Pan au Great Ormond Street Hospital, l'un des principaux hôpitaux pour enfants de Londres. La situation actuelle du droit d'auteur est quelque peu complexe.
Sa dernière pièce fut The Boy David (1936), qui dramatisait l'histoire biblique du roi Saül et du jeune David. Comme le rôle de Peter Pan, celui de David a été joué par une femme, Elisabeth Bergner, pour qui Barrie a écrit la pièce.
Liens sociaux
Barrie évolue dans les cercles littéraires et compte de nombreux amis célèbres en plus de ses collaborateurs professionnels. Le romancier George Meredith fut l’un des premiers mécènes sociaux. Il entretenait une longue correspondance avec son compatriote écossais Robert Louis Stevenson, qui vivait à l'époque aux Samoa, mais les deux ne se sont jamais rencontrés en personne. George Bernard Shaw a été son voisin à Londres pendant plusieurs années et a participé un jour à un western que Barrie a scénarisé et filmé. H. G. Wells était un ami de longue date et a tenté d'intervenir lorsque le mariage de Barrie s'est effondré. Barrie a rencontré Thomas Hardy par l'intermédiaire de Hugh Clifford alors qu'il séjournait à Londres.
Après la Première Guerre mondiale, Barrie séjournait parfois à Stanway House, près du village de Stanway, dans le comté anglais du Gloucestershire. Il a payé le pavillon du terrain de cricket de Stanway. Barrie a également fondé une équipe de cricket amateur pour ses amis. Les personnes qui ont joué dans l'équipe à différents moments comprenaient des sommités telles que H. G. Wells, Rudyard Kipling, Arthur Conan Doyle, P. G. Wodehouse, Jerome K. Jerome, G. K. Chesterton, A. A. Milne, E. W. Hornung, A. E. W. Mason, Walter Raleigh, E. V. Lucas, Maurice Hewlett, Owen Seaman, Bernard Partridge, Augustine Birrell, Paul Du Chaillu, Henry Herbert La Thangue, George Cecil Ives, George Llewelyn Davies (voir ci-dessous) et le fils d'Alfred Tennyson. L'équipe s'appelait Allahakbarries, croyant à tort que « Allah akbar » signifiait « Que le ciel nous aide » en arabe (plutôt que « Dieu est grand »).
Barrie s'est lié d'amitié avec l'explorateur d'Afrique Joseph Thomson et l'explorateur de l'Antarctique Robert Falcon Scott. Il était le parrain du fils de Scott, Peter, et était l'une des sept personnes à qui Scott a écrit des lettres dans les dernières heures de sa vie lors de son expédition au pôle Sud, demandant à Barrie de prendre soin de sa femme Kathleen et de son fils Peter. Barrie était si fier de la lettre qu'il la portait pour le reste de sa vie.
En 1896, son agent Addison Bright le persuada de rencontrer le producteur de Broadway Charles Frohman, qui devint également son bailleur de fonds et un ami proche. Frohman était responsable de la production des débuts de Peter Pan en Angleterre et aux États-Unis, ainsi que d'autres productions des pièces de Barrie. Il a refusé de s'asseoir sur un canot de sauvetage lorsque le RMS Lusitania a été coulé par un sous-marin allemand dans l'Atlantique Nord. L'actrice Rita Jolivet se tenait aux côtés de Frohman, George Vernon et du capitaine Alick Scott à la fin du naufrage du Lusitania, mais elle a survécu au naufrage et se souvient que Frohman avait paraphrasé Peter Pan : « Pourquoi craindre la mort ? C'est la plus belle aventure que la vie nous offre.
Sa secrétaire à partir de 1917, Cynthia Asquith, était la belle-fille d'Herbert Asquith, Premier ministre britannique de 1908 à 1916. Dans les années 1930, Barrie rencontra et raconta des histoires aux jeunes filles du duc d'York, la future reine Elizabeth. II et la princesse Margaret.
Mariage
Barrie a fait la connaissance de l'actrice Mary Ansell en 1891 lorsqu'il a demandé à son ami Jerome K. Jerome une jolie actrice pour jouer un rôle dans sa pièce Walker, Londres. Les deux devinrent amis et elle aida sa famille à prendre soin de lui lorsqu'il tomba très malade en 1893 et 1894. Ils se marièrent à Kirriemuir le 9 juillet 1894, peu après la guérison de Barrie, et Mary se retira de la scène ; mais la relation n'aurait pas été consommée et le couple n'avait pas d'enfants. Le mariage était une petite cérémonie au domicile de ses parents, dans la tradition écossaise.
En 1895, les Barrie achètent une maison sur Gloucester Road, à South Kensington. Barrie faisait de longues promenades dans les jardins de Kensington à proximité et, en 1900, le couple emménagea dans une maison donnant directement sur les jardins au 100 Bayswater Road. Mary avait un talent pour le design d'intérieur et entreprit de transformer le rez-de-chaussée, créant deux grandes salles de réception avec des boiseries peintes et ajoutant des éléments à la mode, comme une véranda. La même année, Mary fonde Black Lake Cottage, à Farnham, Surrey, qui devient le « trou de boulon » du couple où Barrie peut divertir ses amis joueurs de cricket et la famille Llewelyn Davies.
À partir du milieu de 1908, Mary eut une liaison avec Gilbert Cannan (un associé de Barrie dans ses activités anti-censure), y compris une visite ensemble au Black Lake Cottage, connu uniquement du personnel de la maison. Lorsque Barrie apprit l'affaire en juillet 1909, il exigea qu'elle y mette fin, mais elle refusa. Pour éviter le scandale du divorce, il proposa une séparation légale si elle acceptait de ne plus voir Cannan, mais elle refusa toujours. Barrie a demandé le divorce pour infidélité – le divorce a été prononcé en octobre 1909. Sachant à quel point le divorce était douloureux pour lui, certains amis de Barrie ont écrit à un certain nombre de rédacteurs en chef de journaux pour leur demander de ne pas publier l'histoire. En l’occurrence, seuls trois journaux l’ont fait.
Famille Llewelyn Davies
La famille Llewelyn Davies a joué un rôle important dans la vie littéraire et personnelle de Barrie, composée d'Arthur (1863-1907), Sylvia (1866-1910) (fille de George du Maurier) et de leurs cinq fils : George (1893-1915), John (Jack) (1894-1959), Peter (1897-1960), Michael (1900-1921) et Nicholas (Nico) (1903-1980).
Barrie a fait la connaissance de la famille en 1897, rencontrant George et Jack (et bébé Peter) avec leur infirmière (nounou) Mary Hodgson dans les jardins de Kensington à Londres. Il habitait à proximité et promenait souvent son chien Saint-Bernard Porthos dans le parc. Il divertissait régulièrement les garçons avec sa capacité à remuer ses oreilles et ses sourcils, ainsi qu'avec ses histoires. Il n'a rencontré Sylvia que lors d'une rencontre fortuite lors d'un dîner en décembre. Elle a dit à Barrie que Peter avait été nommé d'après le personnage principal de la pièce de son père, Peter Ibbetson.
Barrie est devenu un visiteur régulier de la maison Davies et un compagnon commun de Sylvia et de ses garçons, malgré le fait que lui et elle étaient mariés à d'autres personnes. En 1901, il invita la famille Davies à Black Lake Cottage, où il produisit un album de photographies légendées des garçons exécutant une aventure de pirate, intitulé Les garçons naufragés de l'île de Black Lake. Barrie en fit réaliser deux exemplaires, dont un qu'il donna à Arthur, qui l'égara dans un train. Le seul exemplaire survivant est conservé à la bibliothèque de livres rares et de manuscrits Beinecke de l'Université de Yale.
Le personnage de Peter Pan a été inventé pour divertir George et Jack. Barrie disait, pour les amuser, que leur petit frère Peter savait voler. Il affirmait que les bébés étaient des oiseaux avant leur naissance ; les parents installent des barreaux aux fenêtres des crèches pour empêcher les petits de s'envoler. Cela est devenu l'histoire d'un petit garçon qui s'est envolé.
Arthur Llewelyn Davies mourut en 1907 et « Oncle Jim » s'impliqua encore plus auprès de la famille Davies, en leur apportant un soutien financier. (Ses revenus provenant de Peter Pan et d'autres œuvres étaient facilement suffisants pour subvenir à leurs frais de subsistance et à leurs études.) Après la mort de Sylvia en 1910, Barrie a affirmé qu'ils s'étaient récemment fiancés. Son testament n'indiquait rien de tel, mais précisait son souhait pour "J. M. B." être la fiduciaire et la tutrice des garçons, aux côtés de sa mère Emma, de son frère Guy du Maurier et du frère d'Arthur Compton. Il exprimait sa confiance en Barrie en tant que gardien des garçons et son souhait que «les garçons le traitent (ainsi que leurs oncles) avec une confiance et une franchise absolues et lui parlent de tout». En copiant le testament de manière informelle pour la famille de Sylvia quelques mois plus tard, Barrie s'est inséré ailleurs : Sylvia avait écrit qu'elle aimerait que Mary Hodgson, l'infirmière des garçons, continue à prendre soin d'eux, et que « Jenny » (en référence à la sœur de Hodgson ) pour venir l'aider ; Barrie a plutôt écrit "Jimmy" (le surnom que Sylvia lui donne). Barrie et Hodgson ne s'entendaient pas bien, mais ils ont servi ensemble de parents de substitution jusqu'à ce que les garçons soient grands.
Barrie avait également des amitiés avec d'autres enfants, à la fois avant de rencontrer les garçons Davies et après qu'ils aient grandi, et il y a depuis eu des spéculations selon lesquelles Barrie était un pédophile. Une source de spéculation est une scène du roman Le petit oiseau blanc, dans laquelle le protagoniste aide un petit garçon à se déshabiller pour se coucher et, à la demande du garçon, ils dorment dans le même lit. Cependant, rien ne prouve que Barrie ait eu des contacts sexuels avec des enfants, ni qu'il en ait été soupçonné à l'époque. Nico, le plus jeune des frères, a catégoriquement nié, en tant qu'adulte, que Barrie se soit comporté de manière inappropriée. "Je ne crois pas que l'oncle Jim ait jamais ressenti ce que l'on pourrait appeler 'un remue-ménage dans les sous-bois' pour qui que ce soit, homme, femme ou enfant", a-t-il déclaré. "C'était un innocent, c'est pourquoi il a pu écrire Peter Pan." Ses relations avec les garçons Davies survivants se sont poursuivies bien au-delà de leur enfance et de leur adolescence.
La statue de Peter Pan dans les jardins de Kensington, érigée secrètement pendant la nuit du matin de mai 1912, était censée être calquée sur de vieilles photographies de Michael habillé en personnage. Cependant, le sculpteur Sir George Frampton a utilisé un autre enfant comme modèle, laissant Barrie déçu du résultat. "Cela ne montre pas le diable en Peter", a-t-il déclaré.
Barrie a souffert de deuils avec les garçons, perdant les deux dont il était le plus proche au début de la vingtaine. George a été tué au combat en 1915, pendant la Première Guerre mondiale. Michael, avec qui Barrie correspondait quotidiennement alors qu'il était au pensionnat et à l'université, s'est noyé en 1921, avec son ami et possible amant, Rupert Buxton, dans un endroit dangereux connu à Sandford Lock, près de Oxford, à un mois de son 21e anniversaire. Quelques années après la mort de Barrie, Peter a compilé sa Morgue à partir de lettres et de papiers familiaux, interpolés avec ses propres commentaires éclairés sur sa famille et leur relation avec Barrie. Peter est mort en se jetant devant un train peu après avoir terminé les travaux.
La mort
Barrie mourut d'une pneumonie le 19 juin 1937 et fut enterré à Kirriemuir à côté de ses parents et de deux de ses frères et sœurs. Il a laissé la majeure partie de sa succession (à l'exclusion des œuvres de Peter Pan, qu'il avait précédemment cédées au Great Ormond Street Hospital) à sa secrétaire Cynthia Asquith. Son lieu de naissance, au 4 Brechin Road, est conservé comme musée par le National Trust for Scotland.
Biographies
Livres
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Journaux
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Cinéma, télévision et scène
* Les garçons perdus (1978). Ian Holm (comme J.M. Barrie), Andrew Birkin (écrivain). BBC.
* The Man Who Was Peter Pan (1998) est une pièce d'Allan Knee, une version semi-biographique de la vie de Barrie et de sa relation avec la famille Llewelyn Davies.
* Finding Neverland (2004) avec Johnny Depp (dans le rôle de J.M. Barrie), Kate Winslet (Sylvia Llewelyn Davies), Marc Forster (réalisateur), d'après la pièce d'Allan Knee.
*The Boy James (2012) d'Alexander Wright (du Belt Up Theatre), est une pièce en un acte inspirée de sa vie et de son œuvre.
*Finding Neverland (2012) de Diane Paulus, est une comédie musicale sur la création de Peter Pan avec Matthew Morrison et Laura Michelle Kelly basée sur le film.
Honneurs
Barrie a été nommé baronnet par le roi George V en 1913 ; sa baronnie n'était pas héritée. Il fut nommé membre de l'Ordre du Mérite en 1922. En 1919, il fut élu recteur de l'Université de St Andrews pour un mandat de trois ans. En 1922, il prononça son célèbre discours rectoral sur le courage à St Andrews et visita l'University College Dundee avec Earl Haig pour ouvrir ses nouveaux terrains de jeu, Barrie lançant quelques balles à Haig. Il fut ensuite chancelier de l'Université d'Édimbourg de 1930 à 1937.
Autre
*L'école primaire Sir James Barrie de Wandsworth, dans le sud-ouest de Londres, porte son nom.
*L'école Barrie de Silver Spring, dans le Maryland, est également nommée en son honneur.
Travaux (par année)
* Mieux vaut mourir (1887)
* Auld Licht Idylles (1888)
* Quand un homme est célibataire (1888)
* Une fenêtre dans Thrums (1889)
* My Lady Nicotine (1890), réédité en 1926 sous le sous-titre A Study in Smoke
*Le Petit Ministre (1891)
*Richard Savage (1891)
* Walker, Londres (1892)
* Jane Annie Opera, musique d'Ernest Ford, livret de Barrie et Arthur Conan Doyle (1893)
* Une drogue puissante et autres histoires (1893)
* Un scandale Tillyloss (1893)
*Deux d'entre eux (1893)
* Une chaussure de dame (1894)
* La vie dans un manoir de campagne (1894)
* La complainte de l'Écosse : un poème sur la mort de Robert Louis Stevenson (1895)
* Sentimental Tommy, L'histoire de son enfance (1896)
*Margaret Ogilvy (1896)
*Tommy et Grizel (1900)
* L'invité du mariage (1900)
* Les garçons naufragés de Black Lake Island (1901)
* Quality Street (pièce de théâtre) (1901)
* L'Admirable Crichton (pièce de théâtre) (1902)
* Le petit oiseau blanc ou les aventures dans les jardins de Kensington (1902)
* Petite Marie (1903)
* Peter Pan (mise en scène 1904)
* Alice assise au coin du feu (pièce de théâtre) (1905)
* Pantalon (1905)
* Peter Pan dans les jardins de Kensington (1906)
* Ce que chaque femme sait (pièce de théâtre) (1908)
* Quand Wendy a grandi - Une réflexion après coup (1908)
* Peter et Wendy (roman) (1911)
* Les demi-heures (1914) comprennent :
**Pantalon
**Le look de douze livres
** Rosalinde
**La volonté
* Der Tag (L'Homme Tragique) (Court métrage) (1914)
* Charles Frohman : Un hommage (1915)
* Un baiser pour Cendrillon (1916)
* L'héritage de Shakespeare (1916)
* Cher Brutus (1917) (pièce de théâtre)
* Echoes of the War (1918) Quatre pièces, dont :
**Le nouveau mot
** La vieille dame montre ses médailles (base du film Seven Days Leave (1930), avec Gary Cooper)
**Une voix bien connue
**Le mariage de Barbara
*Marie Rose (1920)
* Le look de douze livres (1921)
* L'Auteur (1925)
* Grillon (1926)
* Devons-nous rejoindre les dames ? (1928) comprend :
** Devons-nous rejoindre les dames ?
**Une demi-heure
**Sept femmes
**Vieux amis
* Peter Pan (pièce de théâtre publiée) (1928)
* Le chapeau Greenwood (1930)
* Adieu Miss Julie Logan (1932)
* Le garçon David (1936)
* M'Connachie et JMB (1938)
* Quand Wendy a grandi : une réflexion après coup (1957)
* Le fantôme d'Ibsen (Toole à jour) (1975)
* traitement de l'histoire pour le film As You Like It (1936)
* Histoires d'auteurs anglais : Londres (sélectionnées par Scribners, en tant que contributeur)
* Histoires d'auteurs anglais : Écosse (sélectionnées par Scribners, en tant que contributeur)
* préface à Les jeunes visiteurs ou le plan de M. Salteena par Daisy Ashford
* Les premières pièces de J. M. Barrie : Bandelero the Bandit, Bohemia et Caught Napping, éditées par R.D.S. Jack (2013) | http://www.quizballs.com/ |
Quelle planète de notre système solaire met environ 165 années terrestres pour orbiter autour du Soleil ? | Neptune | [
"Les planètes sont généralement divisées en deux types principaux : les grandes planètes géantes de faible densité et les petites planètes terrestres rocheuses. Selon les définitions de l'AIU, il y a huit planètes dans le système solaire. Par ordre de distance croissante au Soleil, ce sont les quatre planètes terrestres, Mercure, Vénus, la Terre et Mars, puis les quatre planètes géantes, Jupiter, Saturne, Uranus et Neptune. Six des planètes sont orbitées par un ou plusieurs satellites naturels.",
"Au XIXe siècle, les astronomes ont commencé à se rendre compte que les corps récemment découverts et classés comme planètes depuis près d'un demi-siècle (comme Cérès, Pallas et Vesta) étaient très différents des corps traditionnels. Ces corps partageaient la même région de l’espace entre Mars et Jupiter (la ceinture d’astéroïdes) et avaient une masse beaucoup plus petite ; en conséquence, ils ont été reclassés comme « astéroïdes ». En l'absence de toute définition formelle, une « planète » en est venue à être comprise comme tout « grand » corps en orbite autour du Soleil. Parce qu’il existait un écart de taille considérable entre les astéroïdes et les planètes et que la vague de nouvelles découvertes semblait avoir pris fin après la découverte de Neptune en 1846, il n’était apparemment pas nécessaire d’avoir une définition formelle.",
"Au XXe siècle, Pluton a été découverte. Après que les premières observations aient laissé croire qu’il était plus grand que la Terre, l’objet a été immédiatement accepté comme la neuvième planète. Une surveillance plus approfondie a révélé que le corps était en réalité beaucoup plus petit : en 1936, Raymond Lyttleton a suggéré que Pluton pourrait être un satellite échappé de Neptune, et Fred Whipple a suggéré en 1964 que Pluton pourrait être une comète. Comme il était encore plus gros que tous les astéroïdes connus et qu’il ne semblait pas exister au sein d’une population plus importante, il a conservé son statut jusqu’en 2006.",
"Consciente du problème, l'AIU a entrepris de créer une définition de planète et en a produit une en août 2006. Le nombre de planètes est tombé à huit corps nettement plus grands qui avaient dégagé leur orbite (Mercure, Vénus, Terre, Mars, Jupiter, Saturne, Uranus et Neptune), et une nouvelle classe de planètes naines a été créée, contenant initialement trois objets (Cérès, Pluton et Éris).",
"#Neptune",
"* Planètes géantes (Joviennes) : Planètes massives nettement plus massives que les terrestres : Jupiter, Saturne, Uranus, Neptune.",
"** Les géantes de glace, Uranus et Neptune, sont principalement composées de matériaux à faible point d'ébullition comme l'eau, le méthane et l'ammoniac, avec des atmosphères épaisses d'hydrogène et d'hélium. Leur masse est nettement inférieure à celle des géantes gazeuses (seulement 14 et 17 masses terrestres).",
"La première découverte confirmée d'une planète extrasolaire en orbite autour d'une étoile ordinaire de la séquence principale a eu lieu le 6 octobre 1995, lorsque Michel Mayor et Didier Queloz de l'Université de Genève ont annoncé la détection d'une exoplanète autour de 51 Pegasi. Depuis lors jusqu'à la mission Kepler, les planètes extrasolaires les plus connues étaient des géantes gazeuses comparables en masse à Jupiter ou plus grandes car elles étaient plus faciles à détecter. Le catalogue des planètes candidates à Kepler se compose principalement de planètes de la taille de Neptune et plus petites, voire plus petites que Mercure."
] | Une planète est un objet astronomique en orbite autour d'une étoile ou d'un vestige stellaire qui
* est suffisamment massif pour être arrondi par sa propre gravité,
* n'est pas assez massif pour provoquer une fusion thermonucléaire, et
* a débarrassé sa région voisine des planétésimaux. Cette définition est tirée de deux déclarations distinctes de l'AIU ; une définition formelle convenue par l'AIU en 2006 et une définition de travail informelle établie par l'AIU en 2001/2003 pour les objets en dehors du système solaire. La définition officielle de 2006 s'applique uniquement au système solaire, tandis que la définition de 2003 s'applique aux planètes autour d'autres étoiles. La question des planètes extrasolaires a été jugée trop complexe pour être résolue lors de la conférence de l'AIU de 2006.
Le terme planète est ancien et a des liens avec l’histoire, l’astrologie, la science, la mythologie et la religion. Plusieurs planètes du système solaire sont visibles à l’œil nu. Ceux-ci étaient considérés par de nombreuses cultures anciennes comme divins ou comme émissaires de divinités. À mesure que les connaissances scientifiques progressaient, la perception humaine des planètes a changé, intégrant un certain nombre d’objets disparates. En 2006, l’Union Astronomique Internationale (UAI) a officiellement adopté une résolution définissant les planètes du système solaire. Cette définition est controversée car elle exclut de nombreux objets de masse planétaire en fonction de l'endroit ou de leur orbite. Bien que huit des corps planétaires découverts avant 1950 restent des « planètes » selon la définition moderne, certains corps célestes, tels que Cérès, Pallas, Junon et Vesta (chacune étant un objet de la ceinture d'astéroïdes solaires) et Pluton (le premier corps planétaire transneptunien) objet découvert), qui étaient autrefois considérées comme des planètes par la communauté scientifique, ne le sont plus.
Ptolémée pensait que les planètes orbitaient autour de la Terre selon des mouvements déférents et épicycliques. Bien que l’idée selon laquelle les planètes tournaient autour du Soleil ait été suggérée à plusieurs reprises, ce n’est qu’au XVIIe siècle que cette vision a été étayée par les preuves des premières observations astronomiques télescopiques réalisées par Galileo Galilei. En analysant minutieusement les données d'observation, Johannes Kepler a découvert que les orbites des planètes n'étaient pas circulaires mais elliptiques. À mesure que les outils d’observation se sont améliorés, les astronomes ont constaté que, comme la Terre, les planètes tournaient autour d’axes inclinés et que certaines partageaient des caractéristiques telles que les calottes glaciaires et les saisons. Depuis l’aube de l’ère spatiale, l’observation attentive des sondes spatiales a révélé que la Terre et les autres planètes partagent des caractéristiques telles que le volcanisme, les ouragans, la tectonique et même l’hydrologie.
Les planètes sont généralement divisées en deux types principaux : les grandes planètes géantes de faible densité et les petites planètes terrestres rocheuses. Selon les définitions de l'AIU, il y a huit planètes dans le système solaire. Par ordre de distance croissante au Soleil, ce sont les quatre planètes terrestres, Mercure, Vénus, la Terre et Mars, puis les quatre planètes géantes, Jupiter, Saturne, Uranus et Neptune. Six des planètes sont orbitées par un ou plusieurs satellites naturels.
Plus de deux mille planètes autour d'autres étoiles (« planètes extrasolaires » ou « exoplanètes ») ont été découvertes dans la Voie Lactée. Depuis , des planètes extrasolaires connues dans des systèmes planétaires (y compris plusieurs systèmes planétaires), dont la taille varie de juste au-dessus de la taille de la Lune jusqu'à des géantes gazeuses environ deux fois plus grandes que Jupiter, parmi lesquelles plus de 100 planètes sont identiques. de la taille de la Terre, dont neuf sont à la même distance relative de leur étoile que la Terre du Soleil, c'est-à-dire dans la zone habitable. Le 20 décembre 2011, l'équipe du télescope spatial Kepler a annoncé la découverte des premières planètes extrasolaires de la taille de la Terre, Kepler-20e et Kepler-20f, en orbite autour d'une étoile semblable au Soleil, Kepler-20. Une étude de 2012, analysant les données de microlentilles gravitationnelles, estime en moyenne au moins 1,6 planètes liées pour chaque étoile de la Voie Lactée.
On estime qu’environ une étoile semblable au Soleil sur cinq possède une planète de la taille de la Terre dans sa zone habitable.
Histoire
Le mot « planète » dérive du grec ancien ἀστήρ πλανήτης aster planētēs, ou πλάνης ἀστήρ planēs astēr, qui signifie « étoile errante », et faisait à l'origine référence aux objets du ciel nocturne qui se déplaçaient les uns par rapport aux autres, par opposition au « étoile errante ». étoiles fixes", qui maintenaient une position relative constante dans le ciel.
L’idée des planètes a évolué au cours de son histoire, depuis les lumières divines de l’Antiquité jusqu’aux objets terrestres de l’ère scientifique. Le concept s’est élargi pour inclure des mondes non seulement dans le système solaire, mais aussi dans des centaines d’autres systèmes extrasolaires. Les ambiguïtés inhérentes à la définition des planètes ont donné lieu à de nombreuses controverses scientifiques.
Les cinq planètes classiques, visibles à l’œil nu, sont connues depuis l’Antiquité et ont eu un impact significatif sur la mythologie, la cosmologie religieuse et l’astronomie ancienne. Dans les temps anciens, les astronomes remarquaient comment certaines lumières se déplaçaient dans le ciel par rapport aux autres étoiles. Les Grecs de l'Antiquité appelaient ces lumières (« étoiles errantes ») ou simplement (« vagabonds »), d'où le mot actuel « planète » est dérivé. Dans la Grèce antique, en Chine, à Babylone et dans toutes les civilisations prémodernes, il était presque universellement admis que la Terre était le centre de l’Univers et que toutes les « planètes » tournaient autour de la Terre. Les raisons de cette perception étaient que les étoiles et les planètes semblaient tourner autour de la Terre chaque jour et que la Terre était solide et stable et qu’elle ne bougeait pas mais était au repos.
Babylone
La première civilisation connue pour avoir une théorie fonctionnelle des planètes était celle des Babyloniens, qui vivaient en Mésopotamie aux premier et deuxième millénaires avant JC. Le texte astronomique planétaire le plus ancien survivant est la tablette babylonienne de Vénus d'Ammisaduqa, une copie du 7ème siècle avant JC d'une liste d'observations des mouvements de la planète Vénus, qui date probablement du deuxième millénaire avant JC. Le MUL.APIN est une paire de tablettes cunéiformes datant du 7ème siècle avant JC qui retracent les mouvements du Soleil, de la Lune et des planètes au cours de l'année. Les astrologues babyloniens ont également jeté les bases de ce qui allait devenir l’astrologie occidentale. L'Enuma anu enlil, écrit pendant la période néo-assyrienne au 7ème siècle avant JC, comprend une liste de présages et leurs relations avec divers phénomènes célestes, notamment les mouvements des planètes. Vénus, Mercure et les planètes extérieures Mars, Jupiter et Saturne ont toutes été identifiées par les astronomes babyloniens. Celles-ci resteront les seules planètes connues jusqu’à l’invention du télescope au début des temps modernes.
Astronomie gréco-romaine
Au début, les Grecs de l’Antiquité n’attachaient pas autant d’importance aux planètes que les Babyloniens. Les Pythagoriciens, aux 6ème et 5ème siècles avant JC, semblent avoir développé leur propre théorie planétaire indépendante, composée de la Terre, du Soleil, de la Lune et des planètes tournant autour d'un « feu central » au centre de l'Univers. Pythagore ou Parménide aurait été le premier à identifier l'étoile du soir (Hespéros) et l'étoile du matin (Phosphoros) comme une seule et même (Aphrodite, grec correspondant au latin Vénus). Au IIIe siècle avant JC, Aristarque de Samos proposa un système héliocentrique selon lequel la Terre et les planètes tournaient autour du Soleil. Le système géocentrique est resté dominant jusqu’à la Révolution scientifique.
Au 1er siècle avant JC, pendant la période hellénistique, les Grecs avaient commencé à développer leurs propres schémas mathématiques pour prédire la position des planètes. Ces schémas, qui étaient basés sur la géométrie plutôt que sur l'arithmétique des Babyloniens, finiraient par éclipser les théories babyloniennes en termes de complexité et d'exhaustivité, et expliqueraient la plupart des mouvements astronomiques observés depuis la Terre à l'œil nu. Ces théories atteindront leur expression la plus complète dans l'Almageste écrit par Ptolémée au IIe siècle de notre ère. La domination du modèle de Ptolémée fut si complète qu'il supplanta tous les travaux antérieurs sur l'astronomie et resta le texte astronomique définitif dans le monde occidental pendant 13 siècles. Pour les Grecs et les Romains, il y avait sept planètes connues, chacune étant supposée tourner autour de la Terre selon les lois complexes énoncées par Ptolémée. Il s'agissait, par ordre croissant à partir de la Terre (dans l'ordre de Ptolémée) : la Lune, Mercure, Vénus, le Soleil, Mars, Jupiter et Saturne.
Inde
En 499 de notre ère, l'astronome indien Aryabhata a proposé un modèle planétaire qui intégrait explicitement la rotation de la Terre autour de son axe, qu'il explique comme la cause de ce qui semble être un mouvement apparent des étoiles vers l'ouest. Il croyait également que les orbites des planètes étaient elliptiques.
Les adeptes d'Aryabhata étaient particulièrement nombreux dans le sud de l'Inde, où ses principes de rotation diurne de la Terre, entre autres, étaient suivis et où un certain nombre d'ouvrages secondaires étaient basés sur eux.
En 1500, Nilakantha Somayaji de l'école d'astronomie et de mathématiques du Kerala, dans son Tantrasangraha, révisa le modèle d'Aryabhata. Dans son Aryabhatiyabhasya, un commentaire sur l'Aryabhatiya d'Aryabhata, il a développé un modèle planétaire où Mercure, Vénus, Mars, Jupiter et Saturne gravitent autour du Soleil, qui à son tour orbite autour de la Terre, similaire au système Tychonic proposé plus tard par Tycho Brahe à la fin du 16e siècle. . La plupart des astronomes de l'école du Kerala qui l'ont suivi ont accepté son modèle planétaire.
Astronomie musulmane médiévale
Au XIe siècle, le transit de Vénus fut observé par Avicenne, qui établit que Vénus se trouvait, au moins parfois, sous le Soleil. Au 12ème siècle, Ibn Bajjah a observé « deux planètes comme des points noirs sur la face du Soleil », qui ont ensuite été identifiées comme un transit de Mercure et de Vénus par l'astronome Maragha Qotb al-Din Shirazi au 13ème siècle. Ibn Bajjah n'a pas pu observer de transit de Vénus, car aucun transit ne s'est produit de son vivant.
Renaissance européenne
Avec l'avènement de la révolution scientifique, l'utilisation du terme « planète » a changé : il s'agissait désormais de quelque chose qui se déplaçait dans le ciel (par rapport au champ d'étoiles) ; à un corps qui tournait autour de la Terre (ou qui était censé le faire à l'époque) ; et au XVIIIe siècle, à quelque chose qui tournait directement autour du Soleil lorsque le modèle héliocentrique de Copernic, Galilée et Kepler a pris le dessus.
Ainsi, la Terre a été incluse dans la liste des planètes, tandis que le Soleil et la Lune en ont été exclus. Au début, lorsque les premiers satellites de Jupiter et de Saturne furent découverts au XVIIe siècle, les termes « planète » et « satellite » étaient utilisés de manière interchangeable – même si ce dernier deviendra progressivement plus répandu au siècle suivant. Jusqu'au milieu du XIXe siècle, le nombre de « planètes » augmentait rapidement car tout objet nouvellement découvert en orbite directe autour du Soleil était répertorié comme planète par la communauté scientifique.
19ème siècle
Au XIXe siècle, les astronomes ont commencé à se rendre compte que les corps récemment découverts et classés comme planètes depuis près d'un demi-siècle (comme Cérès, Pallas et Vesta) étaient très différents des corps traditionnels. Ces corps partageaient la même région de l’espace entre Mars et Jupiter (la ceinture d’astéroïdes) et avaient une masse beaucoup plus petite ; en conséquence, ils ont été reclassés comme « astéroïdes ». En l'absence de toute définition formelle, une « planète » en est venue à être comprise comme tout « grand » corps en orbite autour du Soleil. Parce qu’il existait un écart de taille considérable entre les astéroïdes et les planètes et que la vague de nouvelles découvertes semblait avoir pris fin après la découverte de Neptune en 1846, il n’était apparemment pas nécessaire d’avoir une définition formelle.
20ième siècle
Au XXe siècle, Pluton a été découverte. Après que les premières observations aient laissé croire qu’il était plus grand que la Terre, l’objet a été immédiatement accepté comme la neuvième planète. Une surveillance plus approfondie a révélé que le corps était en réalité beaucoup plus petit : en 1936, Raymond Lyttleton a suggéré que Pluton pourrait être un satellite échappé de Neptune, et Fred Whipple a suggéré en 1964 que Pluton pourrait être une comète. Comme il était encore plus gros que tous les astéroïdes connus et qu’il ne semblait pas exister au sein d’une population plus importante, il a conservé son statut jusqu’en 2006.
En 1992, les astronomes Aleksander Wolszczan et Dale Frail annonçaient la découverte de planètes autour d'un pulsar, PSR B1257+12. Cette découverte est généralement considérée comme la première détection définitive d'un système planétaire autour d'une autre étoile. Puis, le 6 octobre 1995, Michel Mayor et Didier Queloz de l'Observatoire de Genève annoncent la première détection définitive d'une exoplanète en orbite autour d'une étoile ordinaire de la séquence principale (51 Pegasi).
La découverte de planètes extrasolaires a conduit à une autre ambiguïté dans la définition d’une planète : le moment où une planète devient une étoile. De nombreuses planètes extrasolaires connues ont une masse plusieurs fois supérieure à celle de Jupiter, se rapprochant de celle des objets stellaires appelés naines brunes. Les naines brunes sont généralement considérées comme des étoiles en raison de leur capacité à fusionner le deutérium, un isotope plus lourd de l'hydrogène. Bien que des objets plus massifs que 75 fois celui de Jupiter fusionnent de l’hydrogène, des objets de seulement 13 masses de Jupiter peuvent fusionner du deutérium. Le deutérium est assez rare et la plupart des naines brunes auraient cessé de fusionner le deutérium bien avant leur découverte, ce qui les rendrait impossibles à distinguer des planètes supermassives.
21e siècle
Avec la découverte, au cours de la seconde moitié du XXe siècle, d'un plus grand nombre d'objets dans le système solaire et de grands objets autour d'autres étoiles, des différends ont surgi sur ce qui devrait constituer une planète. Il y avait des désaccords particuliers sur la question de savoir si un objet devait être considéré comme une planète s'il faisait partie d'une population distincte telle qu'une ceinture, ou s'il était suffisamment grand pour générer de l'énergie par la fusion thermonucléaire du deutérium.
Un nombre croissant d'astronomes ont plaidé pour que Pluton soit déclassifiée en tant que planète, car de nombreux objets similaires approchant sa taille avaient été découverts dans la même région du système solaire (la ceinture de Kuiper) au cours des années 1990 et au début des années 2000. Il s’est avéré que Pluton n’était qu’un petit corps parmi une population de milliers d’habitants.
Certaines d'entre elles, comme Quaoar, Sedna et Eris, ont été présentées dans la presse populaire comme la dixième planète, sans toutefois recevoir une large reconnaissance scientifique. L'annonce d'Eris en 2005, un objet alors considéré comme 27 % plus massif que Pluton, a créé la nécessité et le désir du public d'une définition officielle d'une planète.
Consciente du problème, l'AIU a entrepris de créer une définition de planète et en a produit une en août 2006. Le nombre de planètes est tombé à huit corps nettement plus grands qui avaient dégagé leur orbite (Mercure, Vénus, Terre, Mars, Jupiter, Saturne, Uranus et Neptune), et une nouvelle classe de planètes naines a été créée, contenant initialement trois objets (Cérès, Pluton et Éris).
Planètes extrasolaires
Il n’existe pas de définition officielle des planètes extrasolaires. En 2003, le groupe de travail de l'Union astronomique internationale (AIU) sur les planètes extrasolaires a publié une déclaration de position, mais cette déclaration de position n'a jamais été proposée comme résolution officielle de l'AIU et n'a jamais été votée par les membres de l'AIU. L’énoncé de position intègre les lignes directrices suivantes, principalement axées sur la frontière entre les planètes et les naines brunes :
# Les objets dont la masse réelle est inférieure à la masse limite pour la fusion thermonucléaire du deutérium (actuellement calculée à 13 fois la masse de Jupiter pour les objets ayant la même abondance isotopique que le Soleil) qui orbitent autour d'étoiles ou de restes stellaires sont des "planètes" (peu importe comment ils se sont formés). La masse et la taille minimales requises pour qu'un objet extrasolaire soit considéré comme une planète doivent être les mêmes que celles utilisées dans le système solaire.
# Les objets substellaires dont la masse réelle est supérieure à la masse limite pour la fusion thermonucléaire du deutérium sont des « naines brunes », peu importe comment ils se sont formés ou où ils se trouvent.
# Les objets flottant librement dans les jeunes amas d'étoiles avec des masses inférieures à la masse limite pour la fusion thermonucléaire du deutérium ne sont pas des "planètes", mais des "naines sous-brunes" (ou quel que soit le nom le plus approprié).
Cette définition de travail a depuis été largement utilisée par les astronomes lors de la publication de découvertes d’exoplanètes dans des revues universitaires. Bien que temporaire, cette définition reste une définition de travail efficace jusqu'à ce qu'une définition plus permanente soit formellement adoptée. Il ne traite pas du différend sur la limite inférieure de masse et évite ainsi la controverse concernant les objets du système solaire. Cette définition ne fait également aucun commentaire sur le statut planétaire des objets en orbite autour de naines brunes, comme 2M1207b.
Une définition d’une naine sous-brune est un objet de la masse d’une planète qui s’est formé par l’effondrement des nuages plutôt que par l’accrétion. Cette distinction de formation entre une naine sub-brune et une planète n’est pas universellement acceptée ; les astronomes sont divisés en deux camps quant à savoir s'il convient de considérer le processus de formation d'une planète dans le cadre de sa division en matière de classification. L’une des raisons de cette dissidence est que, souvent, il n’est pas possible de déterminer le processus de formation. Par exemple, une planète formée par accrétion autour d'une étoile peut être éjectée du système pour devenir flottante, et de même, une naine sous-brune qui s'est formée d'elle-même dans un amas d'étoiles suite à l'effondrement d'un nuage peut être capturée en orbite autour d'une étoile. .
Le seuil de masse de 13 Jupiter représente une masse moyenne plutôt qu’une valeur seuil précise. Les gros objets fusionneront la majeure partie de leur deutérium et les plus petits n'en fusionneront qu'un peu, et la valeur 13 se situe quelque part entre les deux. En effet, les calculs montrent qu'un objet fusionne 50 % de sa teneur initiale en deutérium lorsque sa masse totale est comprise entre 12 et 14 . La quantité de deutérium fondu dépend non seulement de la masse mais aussi de la composition de l'objet, de la quantité d'hélium et de deutérium présente. L'Encyclopédie des planètes extrasolaires comprend des objets jusqu'à 25 masses de Jupiter, en disant : "Le fait qu'il n'y ait aucune caractéristique particulière autour de 13 dans le spectre de masse observé renforce le choix d'oublier cette limite de masse." L'Exoplanet Data Explorer inclut des objets jusqu'à 24 masses de Jupiter avec l'avertissement suivant : "La distinction de 13 masses de Jupiter par le groupe de travail de l'IAU est physiquement non motivée pour les planètes à noyau rocheux et problématique sur le plan de l'observation en raison de l'ambiguïté du péché."
Les archives des exoplanètes de la NASA comprennent des objets dont la masse (ou la masse minimale) est égale ou inférieure à 30 masses de Jupiter.
Un autre critère pour séparer les planètes et les naines brunes, plutôt que la fusion du deutérium, le processus de formation ou l'emplacement, est de savoir si la pression du noyau est dominée par la pression coulombienne ou la pression de dégénérescence électronique.
Définition de la planète par l'AIU en 2006
La question de la limite inférieure a été abordée lors de la réunion de 2006 de l'Assemblée générale de l'AIU. Après de nombreux débats et l'échec d'une proposition, 232 membres des 10 000 membres de l'assemblée, qui constituaient néanmoins une large majorité de ceux qui restaient à la réunion, ont voté en faveur d'une résolution. La résolution de 2006 définit les planètes du système solaire comme suit :
Selon cette définition, le système solaire est considéré comme composé de huit planètes. Les corps qui remplissent les deux premières conditions mais pas la troisième (comme Cérès, Pluton et Éris) sont classés comme planètes naines, à condition qu'ils ne soient pas également les satellites naturels d'autres planètes. À l'origine, un comité de l'AIU avait proposé une définition qui aurait inclus un nombre beaucoup plus grand de planètes car elle n'incluait pas (c) comme critère. Après de nombreuses discussions, il a été décidé par un vote que ces corps devraient plutôt être classés comme planètes naines.
Cette définition est basée sur les théories de la formation planétaire, dans lesquelles les embryons planétaires débarrassent initialement leur voisinage orbital d'autres objets plus petits. Comme le décrit l'astronome Steven Soter :
"Le produit final de l'accrétion secondaire des disques est un petit nombre de corps relativement grands (planètes) sur des orbites non sécantes ou résonantes, qui empêchent les collisions entre eux. Les planètes mineures et les comètes, y compris les KBO [objets de la ceinture de Kuiper], diffèrent des planètes. en ce sens qu'ils peuvent entrer en collision les uns avec les autres et avec des planètes.
La définition de l'AIU de 2006 présente certains défis pour les exoplanètes car le langage est spécifique au système solaire et parce que les critères de rondeur et de dégagement de la zone orbitale ne sont pas actuellement observables. L'astronome Jean-Luc Margot a proposé un critère mathématique qui détermine si un objet peut franchir son orbite pendant la durée de vie de son étoile hôte, en fonction de la masse de la planète, de son demi-grand axe et de la masse de son étoile hôte. Cette formule produit une valeur π supérieure à 1 pour les planètes. Les huit planètes connues et toutes les exoplanètes connues ont des valeurs π supérieures à 100, tandis que Cérès, Pluton et Éris ont des valeurs π de 0,1 ou moins. Les objets avec des valeurs π de 1 ou plus devraient également être approximativement sphériques, de sorte que les objets qui satisfont à l'exigence de dégagement de la zone orbitale satisfont automatiquement à l'exigence de rondeur.
Objets autrefois considérés comme des planètes
Le tableau ci-dessous répertorie les corps du système solaire autrefois considérés comme des planètes.
Au-delà de la communauté scientifique, Pluton revêt toujours une importance culturelle pour de nombreuses personnes du grand public en raison de sa classification historique comme planète de 1930 à 2006. Quelques astronomes, comme Alan Stern, considèrent les planètes naines et les plus grandes lunes comme des planètes, sur une définition purement géophysique de la planète.
Mythologie et dénomination
Les noms des planètes du monde occidental dérivent des pratiques de dénomination des Romains, qui dérivent en fin de compte de celles des Grecs et des Babyloniens. Dans la Grèce antique, les deux grands luminaires, le Soleil et la Lune, étaient appelés Hélios et Séléné ; la planète la plus éloignée (Saturne) s'appelait Phainon, le méné ; suivi de Phaéton (Jupiter), « brillant » ; la planète rouge (Mars) était connue sous le nom de Pyroeis, la « fougueuse » ; la plus brillante (Vénus) était connue sous le nom de Phosphoros, le porteur de lumière ; et la dernière planète éphémère (Mercure) s'appelait Stilbon, la lueur. Les Grecs ont également rendu chaque planète sacrée pour l'un de leurs panthéons de dieux, les Olympiens : Hélios et Séléné étaient les noms à la fois des planètes et des dieux ; Phainon était sacré pour Cronos, le Titan qui engendra les Olympiens ; Phaéton était sacré pour Zeus, le fils de Cronos qui le déposa comme roi ; Pyroeis fut donné à Arès, fils de Zeus et dieu de la guerre ; Phosphoros était gouverné par Aphrodite, la déesse de l'amour ; et Hermès, messager des dieux et dieu du savoir et de l'esprit, régnait sur Stilbon.
La pratique grecque consistant à greffer les noms de leurs dieux sur les planètes a presque certainement été empruntée aux Babyloniens. Les Babyloniens ont nommé Phosphoros d'après leur déesse de l'amour, Ishtar ; Pyroeis d'après leur dieu de la guerre, Nergal, Stilbon d'après leur dieu de la sagesse Nabu et Phaethon d'après leur dieu principal, Marduk. Il y a trop de concordances entre les conventions de dénomination grecques et babyloniennes pour qu’elles soient apparues séparément. La traduction n'était pas parfaite. Par exemple, le babylonien Nergal était un dieu de la guerre et les Grecs l’identifiaient donc à Arès. Contrairement à Ares, Nergal était aussi le dieu de la peste et des enfers.
Aujourd’hui, la plupart des habitants du monde occidental connaissent les planètes sous des noms dérivés du panthéon des dieux olympien. Bien que les Grecs modernes utilisent encore leurs anciens noms pour les planètes, d’autres langues européennes, en raison de l’influence de l’Empire romain et, plus tard, de l’Église catholique, utilisent les noms romains (latins) plutôt que les noms grecs. Les Romains, qui, comme les Grecs, étaient Indo-européens, partageaient avec eux un panthéon commun sous des noms différents, mais il leur manquait les riches traditions narratives que la culture poétique grecque avait données à leurs dieux. Au cours de la dernière période de la République romaine, les écrivains romains ont emprunté une grande partie des récits grecs et les ont appliqués à leur propre panthéon, au point qu'ils sont devenus pratiquement impossibles à distinguer. Lorsque les Romains étudiaient l'astronomie grecque, ils donnaient aux planètes leurs propres noms de dieux : Mercure (pour Hermès), Vénus (Aphrodite), Mars (Arès), Iuppiter (Zeus) et Saturne (Cronos). Lorsque des planètes ultérieures furent découvertes aux XVIIIe et XIXe siècles, la pratique de dénomination fut conservée avec Neptūnus (Poséidon). Uranus est unique en ce sens qu'il porte le nom d'une divinité grecque plutôt que de son homologue romaine.
Certains Romains, suivant une croyance peut-être originaire de Mésopotamie mais développée dans l'Égypte hellénistique, croyaient que les sept dieux dont les planètes portaient le nom se relayaient toutes les heures pour s'occuper des affaires sur Terre. L'ordre des changements était Saturne, Jupiter, Mars, Soleil, Vénus, Mercure, Lune (de la planète la plus éloignée à la plus proche). Ainsi, le premier jour a été commencé par Saturne (1ère heure), le deuxième jour par le Soleil (25ème heure), suivi de la Lune (49ème heure), Mars, Mercure, Jupiter et Vénus. Parce que chaque jour a été nommé par le dieu qui l'a commencé, c'est aussi l'ordre des jours de la semaine dans le calendrier romain après le rejet du cycle Nundinal – et encore préservé dans de nombreuses langues modernes. En anglais, samedi, dimanche et lundi sont des traductions simples de ces noms romains. Les autres jours ont été renommés d'après Tiw (mardi), Wóden (mercredi), Thunor (jeudi) et Fríge (vendredi), les dieux anglo-saxons considérés comme similaires ou équivalents à Mars, Mercure, Jupiter et Vénus, respectivement.
La Terre est la seule planète dont le nom en anglais ne dérive pas de la mythologie gréco-romaine. Parce qu’elle n’a été généralement acceptée comme planète qu’au XVIIe siècle, il n’existe aucune tradition lui donnant le nom d’un dieu. (Il en va de même, du moins en anglais, pour le Soleil et la Lune, bien qu'ils ne soient généralement plus considérés comme des planètes.) Le nom provient du mot anglo-saxon erda du VIIIe siècle, qui signifie sol et a été utilisé pour la première fois. écrit comme nom de la sphère terrestre peut-être vers 1300. Comme ses équivalents dans les autres langues germaniques, il dérive finalement du mot proto-germanique ertho, « sol », comme on peut le voir dans l'anglais earth, l'allemand Erde, l'aarde hollandaise et le jord scandinave. De nombreuses langues romanes conservent l'ancien mot romain terra (ou une variante de celui-ci) qui signifiait « terre ferme » par opposition à « mer ». Les langues non romanes utilisent leurs propres mots natifs. Les Grecs conservent leur nom d'origine, Γή (Ge).
Les cultures non européennes utilisent d'autres systèmes de dénomination planétaire. L'Inde utilise un système basé sur le Navagraha, qui intègre les sept planètes traditionnelles (Surya pour le Soleil, Chandra pour la Lune et Budha, Shukra, Mangala, Bṛhaspati| et Shani pour Mercure, Vénus, Mars, Jupiter et Saturne) et le nœuds lunaires ascendants et descendants Rahu et Ketu. La Chine et les pays d'Asie de l'Est historiquement soumis à l'influence culturelle chinoise (comme le Japon, la Corée et le Vietnam) utilisent un système de dénomination basé sur les cinq éléments chinois : l'eau (Mercure), le métal (Vénus), le feu (Mars), le bois ( Jupiter) et la Terre (Saturne). Dans l'astronomie hébraïque traditionnelle, les sept planètes traditionnelles ont (pour la plupart) des noms descriptifs - le Soleil est חמה Ḥammah ou "la chaude", la Lune est לבנה Levanah ou "la blanche", Vénus est כוכב נוגה Kokhav Nogah ou "la planète brillante", Mercure est כוכב Kokhav ou "la planète" (étant donné son manque de caractéristiques distinctives), Mars est מאדים Ma'adim ou "la rouge", et Saturne est שבתאי Shabbatai ou "celle qui se repose" (en référence à son mouvement lent par rapport aux autres planètes visibles). L’intrus est Jupiter, appelé צדק Tzedeq ou « justice ». Steiglitz suggère que cela pourrait être un euphémisme pour le nom original de כוכב בעל Kokhav Ba'al ou « la planète de Baal », considéré comme idolâtre et euphémisé de la même manière qu'Ishbosheth de II Samuel.
Formation
On ne sait pas avec certitude comment se forment les planètes. La théorie dominante est qu’ils se forment lors de l’effondrement d’une nébuleuse en un mince disque de gaz et de poussière. Une protoétoile se forme au noyau, entourée d'un disque protoplanétaire en rotation. Par accrétion (un processus de collision collante), les particules de poussière dans le disque accumulent régulièrement de la masse pour former des corps toujours plus grands. Des concentrations locales de masse appelées planétésimaux se forment, et celles-ci accélèrent le processus d'accrétion en attirant de la matière supplémentaire par leur attraction gravitationnelle. Ces concentrations deviennent de plus en plus denses jusqu'à ce qu'elles s'effondrent vers l'intérieur sous l'effet de la gravité pour former des protoplanètes. Lorsqu'une planète atteint une masse légèrement supérieure à celle de Mars, elle commence à accumuler une atmosphère étendue, augmentant considérablement le taux de capture des planétésimaux au moyen de la traînée atmosphérique. En fonction de l'historique d'accrétion des solides et des gaz, une planète géante, une géante de glace ou une planète tellurique peut en résulter.
Lorsque la protoétoile a grandi de telle sorte qu'elle s'enflamme pour former une étoile, le disque survivant est retiré de l'intérieur vers l'extérieur par photoévaporation, le vent solaire, la traînée de Poynting-Robertson et d'autres effets. Par la suite, il peut encore y avoir de nombreuses protoplanètes en orbite autour de l'étoile ou les unes des autres, mais avec le temps, plusieurs entreront en collision, soit pour former une seule planète plus grande, soit pour libérer de la matière que d'autres protoplanètes ou planètes plus grandes pourront absorber. Les objets devenus suffisamment massifs capteront la majeure partie de la matière dans leur voisinage orbital pour devenir des planètes. Les protoplanètes qui ont évité les collisions peuvent devenir des satellites naturels de planètes grâce à un processus de capture gravitationnelle, ou rester dans des ceintures d'autres objets pour devenir soit des planètes naines, soit de petits corps.
Les impacts énergétiques des petits planétésimaux (ainsi que la désintégration radioactive) réchaufferont la planète en croissance, la faisant fondre au moins partiellement. L’intérieur de la planète commence à se différencier en masse, développant un noyau plus dense. Les petites planètes telluriques perdent la plupart de leur atmosphère à cause de cette accrétion, mais les gaz perdus peuvent être remplacés par les dégazages du manteau et par l'impact ultérieur des comètes. (Les planètes plus petites perdront toute atmosphère qu’elles gagnent grâce à divers mécanismes d’évasion.)
Avec la découverte et l'observation de systèmes planétaires autour d'étoiles autres que le Soleil, il devient possible d'élaborer, de réviser, voire de remplacer ce récit. On pense désormais que le niveau de métallicité – un terme astronomique décrivant l’abondance d’éléments chimiques ayant un numéro atomique supérieur à 2 (hélium) – détermine la probabilité qu’une étoile ait des planètes. Par conséquent, on pense qu’une étoile de population I riche en métaux aura probablement un système planétaire plus substantiel qu’une étoile de population II pauvre en métaux.
Système solaire
Il y a huit planètes dans le système solaire, qui sont de plus en plus éloignées du Soleil :
# Mercure
# Vénus
# Terre
# Mars
# Jupiter
# Saturn
#Uranus
#Neptune
Jupiter est la plus grande, avec 318 masses terrestres, tandis que Mercure est la plus petite, avec 0,055 masse terrestre.
Les planètes du système solaire peuvent être divisées en catégories en fonction de leur composition :
* Terrestres : Planètes semblables à la Terre, dont les corps sont en grande partie composés de roches : Mercure, Vénus, la Terre et Mars. Avec 0,055 masse terrestre, Mercure est la plus petite planète tellurique (et la plus petite planète) du système solaire. La Terre est la plus grande planète terrestre.
* Planètes géantes (Joviennes) : Planètes massives nettement plus massives que les terrestres : Jupiter, Saturne, Uranus, Neptune.
** Les géantes gazeuses, Jupiter et Saturne, sont des planètes géantes principalement composées d'hydrogène et d'hélium et sont les planètes les plus massives du système solaire. Jupiter, avec 318 masses terrestres, est la plus grande planète du système solaire, et Saturne est un tiers de sa masse, avec 95 masses terrestres.
** Les géantes de glace, Uranus et Neptune, sont principalement composées de matériaux à faible point d'ébullition comme l'eau, le méthane et l'ammoniac, avec des atmosphères épaisses d'hydrogène et d'hélium. Leur masse est nettement inférieure à celle des géantes gazeuses (seulement 14 et 17 masses terrestres).
Attributs planétaires
Exoplanètes
Une exoplanète (planète extrasolaire) est une planète située en dehors du système solaire. Plus de 2000 planètes de ce type ont été découvertes
(planètes dans des systèmes planétaires, y compris plusieurs systèmes planétaires à partir de ).
Début 1992, les radioastronomes Aleksander Wolszczan et Dale Frail ont annoncé la découverte de deux planètes en orbite autour du pulsar PSR 1257+12. Cette découverte a été confirmée et est généralement considérée comme la première détection définitive d'exoplanètes. On pense que ces planètes pulsars se sont formées à partir des restes inhabituels de la supernova qui a produit le pulsar, lors d'un deuxième cycle de formation de planètes, ou bien sont les noyaux rocheux restants des planètes géantes qui ont survécu à la supernova et se sont ensuite désintégrées dans leurs orbites actuelles. .
La première découverte confirmée d'une planète extrasolaire en orbite autour d'une étoile ordinaire de la séquence principale a eu lieu le 6 octobre 1995, lorsque Michel Mayor et Didier Queloz de l'Université de Genève ont annoncé la détection d'une exoplanète autour de 51 Pegasi. Depuis lors jusqu'à la mission Kepler, les planètes extrasolaires les plus connues étaient des géantes gazeuses comparables en masse à Jupiter ou plus grandes car elles étaient plus faciles à détecter. Le catalogue des planètes candidates à Kepler se compose principalement de planètes de la taille de Neptune et plus petites, voire plus petites que Mercure.
Il existe des types de planètes qui n'existent pas dans le système solaire : les super-Terres et | http://www.quizballs.com/ |
À 86 ans, quel acteur américain a épousé la maquilleuse Arlene Silver, 40 ans, en 2012 ? | Dick Van Dyke | [
"Van Dyke a joué dans les films Bye Bye Birdie (1963), Mary Poppins (1964) et Chitty Chitty Bang Bang (1968) et dans la série télévisée The Dick Van Dyke Show et Diagnosis : Murder. À partir de 2006, il a été présenté à une nouvelle génération grâce à son rôle de Cecil Fredericks dans la populaire série de films Night at the Museum.",
"Dick Van Dyke est né le 13 décembre 1925 à West Plains, Missouri, de Hazel Victoria (née McCord; 1896-1992), sténographe, et de Loren Wayne Van Dyke (1900-1976), vendeur. Il a grandi à Danville, dans l'Illinois. Il est le frère aîné de l'acteur Jerry Van Dyke, surtout connu pour son rôle dans la série télévisée Coach. Van Dyke a des ancêtres néerlandais, écossais, irlandais et anglais, avec une lignée familiale qui remonte au passager du Mayflower, John Alden.",
"De 1961 à 1966, Van Dyke a joué dans la sitcom CBS The Dick Van Dyke Show, dans laquelle il incarnait un scénariste de comédie nommé Rob Petrie. À l'origine, la série était censée avoir Carl Reiner dans le rôle principal, mais CBS a insisté pour une refonte et Reiner a choisi Van Dyke pour le remplacer dans le rôle. Van Dyke était complété par un casting vétéran d'acteurs comiques, dont Rose Marie, Morey Amsterdam, Jerry Paris, Ann Morgan Guilbert, Richard Deacon et Carl Reiner (dans le rôle d'Alan Brady), ainsi que Mary Tyler Moore, 23 ans, qui jouait Laura Petrie, l'épouse de Rob. Van Dyke a remporté trois Emmy Awards en tant qu'acteur principal exceptionnel dans une série comique, et la série a reçu quatre Emmy Awards en tant que série comique exceptionnelle.",
"De 1971 à 1974, Van Dyke a joué dans une sitcom sans rapport intitulée The New Dick Van Dyke Show dans laquelle il incarnait un animateur de talk-show de télévision locale. Bien que la série ait été développée par Carl Reiner et mettait en vedette Hope Lange dans le rôle de sa femme, et qu'il ait reçu une nomination aux Golden Globes pour sa performance, la série a eu moins de succès que son prédécesseur et Van Dyke a mis fin à la série après seulement trois saisons. En 1973, Van Dyke a exprimé son portrait animé pour le volet du 27 octobre 1973 de Hanna-Barbera Les nouveaux films de Scooby-Doo, \"Scooby-Doo rencontre Dick Van Dyke\", le dernier épisode de première diffusion de la série. L'année suivante, il reçoit une nomination aux Emmy Awards pour son rôle d'homme d'affaires alcoolique dans le téléfilm The Morning After (1974). Van Dyke a révélé après sa sortie qu'il avait récemment surmonté un problème d'alcool réel. Il admet qu'il a été alcoolique pendant 25 ans. La même année, il joue le rôle d'un photographe meurtrier dans un épisode de Columbo, Negative Reaction. Van Dyke est revenu à la comédie en 1976 avec le spectacle de sketchs Van Dyke and Company, qui mettait en vedette Andy Kaufman et Super Dave Osborne. Bien qu'elle ait été annulée au bout de trois mois, la série a remporté un Emmy Award pour une série de variétés comiques exceptionnelle. Après quelques apparitions dans la longue série de variétés comiques The Carol Burnett Show, Van Dyke est devenu un habitué de la série à l'automne 1977. Cependant, il n'est apparu que dans la moitié des épisodes de la dernière saison. Au cours de la décennie suivante, il est apparu principalement dans des téléfilms. Un rôle atypique était celui d'un juge meurtrier dans le deuxième épisode de la série télévisée Matlock en 1986 avec Andy Griffith. En 1987, il a joué dans un épisode de Airwolf, avec son fils Barry Van Dyke, qui était la vedette principale de la quatrième et dernière saison de la série sur USA Network. En 1989, il a joué dans la série comique NBC The Golden Girls, dans le rôle d'un amoureux du personnage de Beatrice Arthur. Ce rôle lui vaut sa première nomination aux Emmy Awards depuis 1977.",
"Son travail cinématographique a affecté sa carrière télévisuelle : les critiques qu'il a reçues pour son rôle de D.A. Fletcher dans Dick Tracy l'a amené à jouer le rôle du personnage du Dr Mark Sloan d'abord dans un épisode de Jake and the Fatman, puis dans une série de téléfilms sur CBS qui sont devenus la base de sa série télévisée populaire Diagnostic: Murder. La série s'est déroulée de 1993 à 2001 avec son fils Barry Van Dyke dans le rôle du fils du Dr Sloan, le lieutenant-détective Steve Sloan. L'actrice de feuilleton de jour Victoria Rowell dans le rôle de la pathologiste/partenaire médicale du Dr Sloan, le Dr Amanda Bentley, et Charlie Schlatter dans le rôle de l'étudiant du Dr Sloan, le Dr Jesse Travis, étaient également en vedette dans la même émission. Van Dyke a continué à trouver du travail à la télévision après la fin de l'émission, y compris une performance dramatique et critique de The Gin Game, produite pour la télévision en 2003 qui l'a réuni avec Mary Tyler Moore. En 2003, il incarne un médecin dans Scrubs. Un spécial de 2004 de The Dick Van Dyke Show intitulé The Dick Van Dyke Show Revisited a été fortement promu comme le premier nouvel épisode de la série classique à être diffusé en 38 ans. Van Dyke et ses acteurs survivants ont recréé leurs rôles ; le programme a été vivement critiqué par les critiques. En 2006, il a joué le rôle du professeur d'université, le Dr Jonathan Maxwell, pour une série de films mystérieux Murder 101 sur Hallmark Channel.",
"Van Dyke a commencé sa carrière cinématographique en jouant le rôle d'Albert J. Peterson dans la version cinématographique de Bye Bye Birdie (1963). Malgré son mécontentement face à l'adaptation – son objectif différait de la version scénique dans la mesure où l'histoire était désormais centrée sur un personnage secondaire auparavant – le film fut un succès. La même année, Van Dyke joue deux rôles : celui du ramoneur Bert et celui du président de la banque, M. Dawes Senior, dans Mary Poppins de Walt Disney (1964). Pour ses scènes en tant que président, il était lourdement costumé pour paraître beaucoup plus âgé et a été crédité dans ce rôle comme \"Nackvid Keyd\" (à la fin du générique, les lettres se déchiffrent en \"Dick Van Dyke\"). La tentative de Van Dyke d'adopter un accent cockney a été critiquée comme l'un des pires accents de l'histoire du cinéma, citée depuis par les acteurs comme un exemple de la façon de ne pas sonner. Dans un sondage réalisé en 2003 par le magazine Empire sur les pires accents jamais vus au cinéma, il est arrivé deuxième (Sean Connery dans Les Incorruptibles est arrivé premier bien que Connery ait remporté un Oscar pour cette performance). Selon Van Dyke, son entraîneur d'accent était irlandais, qui \"n'a pas fait un accent mieux que moi\", et que personne ne l'a alerté à quel point c'était grave pendant la production. Pourtant, Mary Poppins a connu un succès dès sa sortie et son attrait durable en a fait l'un des films les plus célèbres de tous les temps. \"Chim Chim Cher-ee\", l'une des chansons interprétées par Van Dyke dans Mary Poppins, a remporté l'Oscar de la meilleure chanson originale pour les Sherman Brothers, le duo de compositeurs du film.",
"Passionné d'a cappella, il chante dans un groupe appelé \"Dick Van Dyke and The Vantastix\" depuis septembre 2000. Le quatuor s'est produit à plusieurs reprises à Los Angeles ainsi qu'au Larry King Live, aux First Annual TV Land Awards et a chanté l'hymne national lors de trois matchs des Lakers de Los Angeles, dont une représentation télévisée de la finale de la NBA à l'échelle nationale sur NBC. Van Dyke a été nommé membre honoraire de la Barbershop Harmony Society en 1999.",
"Van Dyke est devenu un passionné d'animation par ordinateur après avoir acheté un Commodore Amiga en 1991. On lui attribue la création d'effets de rendu 3D utilisés sur Diagnostic: Murder et The Dick Van Dyke Show Revisited. Van Dyke a exposé son travail d'imagerie générée par ordinateur au SIGGRAPH et continue de travailler avec LightWave 3D.",
"* Chansons que j'aime de Dick Van Dyke (avec Enoch Light et son orchestre/Ray Charles Singers) (1963)",
"* Mettez un visage heureux (avec Dick Van Dyke et The Vantastix) (2008)"
] | Richard Wayne « Dick » Van Dyke (né le 13 décembre 1925) est un acteur, comédien, écrivain, chanteur, danseur et producteur américain dont la carrière dans le divertissement s'étend sur près de sept décennies. Il est le frère aîné de Jerry Van Dyke et le père de Barry Van Dyke.
Van Dyke a joué dans les films Bye Bye Birdie (1963), Mary Poppins (1964) et Chitty Chitty Bang Bang (1968) et dans la série télévisée The Dick Van Dyke Show et Diagnosis : Murder. À partir de 2006, il a été présenté à une nouvelle génération grâce à son rôle de Cecil Fredericks dans la populaire série de films Night at the Museum.
Récipiendaire de cinq Emmy Awards, d'un Tony et d'un Grammy, Van Dyke a été intronisé au Temple de la renommée de la télévision en 1995. Il a reçu la plus haute distinction de la Screen Actors Guild, le SAG Life Achievement Award, en 2013. Van Dyke a une étoile à Hollywood. Walk of Fame au 7021 Hollywood Boulevard et a également été reconnu comme une légende de Disney.
Début de la vie
Dick Van Dyke est né le 13 décembre 1925 à West Plains, Missouri, de Hazel Victoria (née McCord; 1896-1992), sténographe, et de Loren Wayne Van Dyke (1900-1976), vendeur. Il a grandi à Danville, dans l'Illinois. Il est le frère aîné de l'acteur Jerry Van Dyke, surtout connu pour son rôle dans la série télévisée Coach. Van Dyke a des ancêtres néerlandais, écossais, irlandais et anglais, avec une lignée familiale qui remonte au passager du Mayflower, John Alden.
Parmi ses camarades de classe au lycée de Danville se trouvaient Donald O'Connor et Bobby Short, qui poursuivront tous deux une carrière réussie en tant qu'artistes. L'un des amis les plus proches de Van Dyke était un cousin de Gene Hackman, le futur acteur oscarisé, qui vivait également à Danville à l'époque. La famille de la mère de Van Dyke était très religieuse et, pendant une brève période de sa jeunesse, il envisagea une carrière dans le ministère, même si un cours d'art dramatique au lycée l'a convaincu que sa véritable vocation était celle d'artiste professionnel. Dans son autobiographie, il écrit : « Je suppose que je n'ai jamais complètement abandonné l'idée que j'avais de mon enfance d'être ministre. Seuls le médium et le message ont changé. Je me suis toujours efforcé de toucher l'âme des gens, de leur remonter le moral et de leur faire sourire. ". Même après le début de sa carrière d'artiste, il a enseigné à l'école du dimanche dans l'Église presbytérienne, où il était ancien, et il a continué à lire des théologiens tels que Buber, Tillich et Bonhoeffer, qui, selon lui, ont aidé à expliquer en termes pratiques la pertinence de la religion dans la vie quotidienne.
Van Dyke a quitté le lycée en 1944, sa dernière année, avec l'intention de rejoindre l'armée de l'air américaine pour suivre une formation de pilote pendant la Seconde Guerre mondiale. Refusé à plusieurs reprises de s'enrôler en raison de son poids insuffisant, il a finalement été accepté pour servir comme animateur radio avant d'être transféré aux services spéciaux et de divertir les troupes dans la zone continentale des États-Unis. (Il a obtenu son diplôme d'études secondaires en 2004.)
Carrière
Radio et scène
À la fin des années 1940, Van Dyke était DJ radio à Danville, dans l'Illinois. En 1947, Van Dyke fut persuadé par Phil Erickson de former avec lui un duo comique appelé "Eric and Van—the Merry Mutes". L'équipe a parcouru le circuit des discothèques de la côte ouest, exécutant un numéro de mime et une synchronisation labiale sur d'anciens 78 disques. Ils ont amené leur numéro à Atlanta, en Géorgie, au début des années 1950 et ont présenté une émission de télévision locale comprenant des sketches originaux et de la musique intitulée "The Merry Mutes".
En novembre 1959, Van Dyke fait ses débuts à Broadway dans The Girls Against the Boys. Il a ensuite joué le rôle principal d'Albert Peterson dans Bye Bye Birdie, qui s'est déroulé du 14 avril 1960 au 7 octobre 1961. Dans une interview accordée en mai 2011 à Rachael Ray, Van Dyke a noté que lorsqu'il avait auditionné pour un plus petit rôle dans la série il n'avait aucune expérience en danse et qu'après avoir chanté sa chanson d'audition, il a fait une chaussure souple impromptue par pure nervosité. Gower Champion, le directeur et chorégraphe du spectacle, regardait et monta rapidement sur scène pour informer Van Dyke qu'il tenait le rôle principal. Van Dyke, étonné, a protesté qu'il ne savait pas danser, ce à quoi Champion a répondu "Nous vous apprendrons". Cette comédie musicale a remporté quatre Tony Awards, dont celui du meilleur acteur vedette de Van Dyke, Tony, en 1961. En 1980, Van Dyke est apparu dans le rôle-titre de la première reprise à Broadway de The Music Man.
Télévision
Les débuts de Van Dyke à la télévision ont eu lieu avec WDSU-TV New Orleans Channel 6 (NBC), d'abord en tant que comédien célibataire, puis en tant qu'animateur d'un programme comique. La première apparition de Van Dyke à la télévision en réseau fut avec Dennis James dans James' Chance of a Lifetime en 1954. Il apparut plus tard dans deux épisodes de The Phil Silvers Show au cours de sa saison 1957-1958. Il est également apparu au début de sa carrière dans l'émission The Pat Boone Chevy Showroom d'ABC et The Polly Bergen Show de NBC. Pendant ce temps, un ami de l'armée travaillait comme cadre pour la télévision CBS et recommanda Van Dyke à ce réseau. De là est né un contrat de sept ans avec le réseau. Lors d'une interview sur Wait Wait... Don't Tell Me ! programme, Van Dyke a déclaré qu'il était le présentateur de l'émission matinale de CBS pendant cette période avec Walter Cronkite comme journaliste.
De 1961 à 1966, Van Dyke a joué dans la sitcom CBS The Dick Van Dyke Show, dans laquelle il incarnait un scénariste de comédie nommé Rob Petrie. À l'origine, la série était censée avoir Carl Reiner dans le rôle principal, mais CBS a insisté pour une refonte et Reiner a choisi Van Dyke pour le remplacer dans le rôle. Van Dyke était complété par un casting vétéran d'acteurs comiques, dont Rose Marie, Morey Amsterdam, Jerry Paris, Ann Morgan Guilbert, Richard Deacon et Carl Reiner (dans le rôle d'Alan Brady), ainsi que Mary Tyler Moore, 23 ans, qui jouait Laura Petrie, l'épouse de Rob. Van Dyke a remporté trois Emmy Awards en tant qu'acteur principal exceptionnel dans une série comique, et la série a reçu quatre Emmy Awards en tant que série comique exceptionnelle.
De 1971 à 1974, Van Dyke a joué dans une sitcom sans rapport intitulée The New Dick Van Dyke Show dans laquelle il incarnait un animateur de talk-show de télévision locale. Bien que la série ait été développée par Carl Reiner et mettait en vedette Hope Lange dans le rôle de sa femme, et qu'il ait reçu une nomination aux Golden Globes pour sa performance, la série a eu moins de succès que son prédécesseur et Van Dyke a mis fin à la série après seulement trois saisons. En 1973, Van Dyke a exprimé son portrait animé pour le volet du 27 octobre 1973 de Hanna-Barbera Les nouveaux films de Scooby-Doo, "Scooby-Doo rencontre Dick Van Dyke", le dernier épisode de première diffusion de la série. L'année suivante, il reçoit une nomination aux Emmy Awards pour son rôle d'homme d'affaires alcoolique dans le téléfilm The Morning After (1974). Van Dyke a révélé après sa sortie qu'il avait récemment surmonté un problème d'alcool réel. Il admet qu'il a été alcoolique pendant 25 ans. La même année, il joue le rôle d'un photographe meurtrier dans un épisode de Columbo, Negative Reaction. Van Dyke est revenu à la comédie en 1976 avec le spectacle de sketchs Van Dyke and Company, qui mettait en vedette Andy Kaufman et Super Dave Osborne. Bien qu'elle ait été annulée au bout de trois mois, la série a remporté un Emmy Award pour une série de variétés comiques exceptionnelle. Après quelques apparitions dans la longue série de variétés comiques The Carol Burnett Show, Van Dyke est devenu un habitué de la série à l'automne 1977. Cependant, il n'est apparu que dans la moitié des épisodes de la dernière saison. Au cours de la décennie suivante, il est apparu principalement dans des téléfilms. Un rôle atypique était celui d'un juge meurtrier dans le deuxième épisode de la série télévisée Matlock en 1986 avec Andy Griffith. En 1987, il a joué dans un épisode de Airwolf, avec son fils Barry Van Dyke, qui était la vedette principale de la quatrième et dernière saison de la série sur USA Network. En 1989, il a joué dans la série comique NBC The Golden Girls, dans le rôle d'un amoureux du personnage de Beatrice Arthur. Ce rôle lui vaut sa première nomination aux Emmy Awards depuis 1977.
Son travail cinématographique a affecté sa carrière télévisuelle : les critiques qu'il a reçues pour son rôle de D.A. Fletcher dans Dick Tracy l'a amené à jouer le rôle du personnage du Dr Mark Sloan d'abord dans un épisode de Jake and the Fatman, puis dans une série de téléfilms sur CBS qui sont devenus la base de sa série télévisée populaire Diagnostic: Murder. La série s'est déroulée de 1993 à 2001 avec son fils Barry Van Dyke dans le rôle du fils du Dr Sloan, le lieutenant-détective Steve Sloan. L'actrice de feuilleton de jour Victoria Rowell dans le rôle de la pathologiste/partenaire médicale du Dr Sloan, le Dr Amanda Bentley, et Charlie Schlatter dans le rôle de l'étudiant du Dr Sloan, le Dr Jesse Travis, étaient également en vedette dans la même émission. Van Dyke a continué à trouver du travail à la télévision après la fin de l'émission, y compris une performance dramatique et critique de The Gin Game, produite pour la télévision en 2003 qui l'a réuni avec Mary Tyler Moore. En 2003, il incarne un médecin dans Scrubs. Un spécial de 2004 de The Dick Van Dyke Show intitulé The Dick Van Dyke Show Revisited a été fortement promu comme le premier nouvel épisode de la série classique à être diffusé en 38 ans. Van Dyke et ses acteurs survivants ont recréé leurs rôles ; le programme a été vivement critiqué par les critiques. En 2006, il a joué le rôle du professeur d'université, le Dr Jonathan Maxwell, pour une série de films mystérieux Murder 101 sur Hallmark Channel.
Film
Van Dyke a commencé sa carrière cinématographique en jouant le rôle d'Albert J. Peterson dans la version cinématographique de Bye Bye Birdie (1963). Malgré son mécontentement face à l'adaptation – son objectif différait de la version scénique dans la mesure où l'histoire était désormais centrée sur un personnage secondaire auparavant – le film fut un succès. La même année, Van Dyke joue deux rôles : celui du ramoneur Bert et celui du président de la banque, M. Dawes Senior, dans Mary Poppins de Walt Disney (1964). Pour ses scènes en tant que président, il était lourdement costumé pour paraître beaucoup plus âgé et a été crédité dans ce rôle comme "Nackvid Keyd" (à la fin du générique, les lettres se déchiffrent en "Dick Van Dyke"). La tentative de Van Dyke d'adopter un accent cockney a été critiquée comme l'un des pires accents de l'histoire du cinéma, citée depuis par les acteurs comme un exemple de la façon de ne pas sonner. Dans un sondage réalisé en 2003 par le magazine Empire sur les pires accents jamais vus au cinéma, il est arrivé deuxième (Sean Connery dans Les Incorruptibles est arrivé premier bien que Connery ait remporté un Oscar pour cette performance). Selon Van Dyke, son entraîneur d'accent était irlandais, qui "n'a pas fait un accent mieux que moi", et que personne ne l'a alerté à quel point c'était grave pendant la production. Pourtant, Mary Poppins a connu un succès dès sa sortie et son attrait durable en a fait l'un des films les plus célèbres de tous les temps. "Chim Chim Cher-ee", l'une des chansons interprétées par Van Dyke dans Mary Poppins, a remporté l'Oscar de la meilleure chanson originale pour les Sherman Brothers, le duo de compositeurs du film.
De nombreux films comiques dans lesquels Van Dyke a joué tout au long des années 1960 ont connu un succès relatif au box-office, notamment What a Way to Go ! avec Shirley MacLaine, le lieutenant Robin Crusoe, U.S.N., Fitzwilly, The Art of Love avec James Garner et Elke Sommer, Some Kind of a Nut, Never a Dull Moment avec Edward G. Robinson et Divorce American Style avec Debbie Reynolds et Jean Simmons . Mais il a également joué le rôle de Caractacus Pott (avec son accent natif, sur sa propre insistance, malgré le décor anglais) dans la version musicale à succès de Chitty Chitty Bang Bang (1968) de Ian Fleming, qui mettait en vedette Sally Ann Howes et présentait le même rôle. auteurs-compositeurs (The Sherman Brothers) et chorégraphes (Marc Breaux et Dee Dee Wood) comme Mary Poppins.
En 1969, Van Dyke est apparu dans la comédie dramatique The Comic, écrite et réalisée par Carl Reiner. Van Dyke a dépeint un comédien autodestructeur de l’ère du cinéma muet qui lutte contre l’alcoolisme, la dépression et son propre ego rampant. Reiner a écrit le film spécialement pour Van Dyke, qui parlait souvent de son admiration pour les comédiens de l'ère du cinéma muet tels que Charlie Chaplin et son héros Stan Laurel. Sur Larry King Live, Van Dyke a mentionné qu'il avait refusé le rôle principal dans The Omen, joué par Gregory Peck. Il a également mentionné que son rôle de rêve aurait été l'épouvantail dans Le Magicien d'Oz. Vingt et un ans plus tard, en 1990, Van Dyke, dont le rôle habituel était celui d'un aimable héros, a pris une tournure modeste mais crapuleuse dans le rôle du véreux DA Fletcher dans le film Dick Tracy de Warren Beatty. Van Dyke est revenu au cinéma en 2006 avec Curious George dans le rôle de M. Bloomsberry et dans le rôle du méchant Cecil Fredericks dans le film de Ben Stiller Night at the Museum. Il a repris le rôle dans une apparition pour la suite, Night at the Museum: Battle of the Smithsonian (2009), mais il a été coupé du film. Il peut être trouvé dans les fonctionnalités spéciales de la version DVD. Il a également joué à nouveau le personnage dans le troisième film, La Nuit au musée : le secret du tombeau (2014).
Autres projets
Van Dyke a reçu un Grammy Award en 1964, avec Julie Andrews, pour sa performance sur la bande originale de Mary Poppins.
En 1970, il publie Foi, espoir et hilarité : une vision d'enfant de la religion, un livre d'anecdotes humoristiques basées en grande partie sur ses expériences en tant que professeur d'école du dimanche. Van Dyke était directeur de "KXIV Inc." et possédait 14 h 00 KXIV à Phoenix (plus tard KSUN) de 1965 à 1985. KXIV était à un moment donné candidat à une station FM dans la même région.
Passionné d'a cappella, il chante dans un groupe appelé "Dick Van Dyke and The Vantastix" depuis septembre 2000. Le quatuor s'est produit à plusieurs reprises à Los Angeles ainsi qu'au Larry King Live, aux First Annual TV Land Awards et a chanté l'hymne national lors de trois matchs des Lakers de Los Angeles, dont une représentation télévisée de la finale de la NBA à l'échelle nationale sur NBC. Van Dyke a été nommé membre honoraire de la Barbershop Harmony Society en 1999.
Van Dyke est devenu un passionné d'animation par ordinateur après avoir acheté un Commodore Amiga en 1991. On lui attribue la création d'effets de rendu 3D utilisés sur Diagnostic: Murder et The Dick Van Dyke Show Revisited. Van Dyke a exposé son travail d'imagerie générée par ordinateur au SIGGRAPH et continue de travailler avec LightWave 3D.
En 2010, Van Dyke est apparu sur un album pour enfants intitulé Rhythm Train, avec le batteur des Red Hot Chili Peppers Chad Smith et la chanteuse Leslie Bixler. Van Dyke rappe sur l'un des morceaux de l'album.
Vie privée
En 1948, alors qu'il apparaissait au Chapman Park Hotel sur Wilshire Boulevard à Los Angeles, lui et l'ancienne Margerie Willett se sont mariés à l'émission de radio Bride and Groom. Ils ont eu quatre enfants : Christian (Chris) (né en 1949), Barry (né en 1951), Carrie Beth (née en 1952) et Stacy (née en 1954). Ils divorcent en 1984 après une longue séparation.
Van Dyke a vécu avec sa compagne de longue date Michelle Triola pendant plus de 30 ans, jusqu'à sa mort en 2009.
Il a intégré ses enfants et petits-enfants dans ses projets télévisés. Son fils Barry Van Dyke, ses petits-fils Shane Van Dyke et Carey Van Dyke ainsi que d'autres petits-enfants et parents de Van Dyke sont apparus dans divers épisodes de la longue série Diagnosis: Murder. Bien que Stacy Van Dyke n'était pas très connue dans le show business, elle a fait une apparition dans un épisode de Noël "Murder in the Family" de Diagnosis: Murder (saison 4, épisode 12) dans le rôle de Carol Sloan Hilton, l'ex-fille du docteur Mark Sloan. .
Tous les enfants de Van Dyke sont mariés ; il a sept petits-enfants. Son fils Chris était procureur du comté de Marion, Oregon dans les années 1980. En 1987, la petite-fille de Van Dyke, Jessica Van Dyke, est décédée du syndrome de Reye, ce qui l'a amené à réaliser une série de publicités télévisées pour sensibiliser le public au danger de l'aspirine pour les enfants.
Le 29 février 2012, Van Dyke a épousé la maquilleuse Arlene Silver, 40 ans. Ils s'étaient rencontrés six ans plus tôt lors des SAG Awards.
En janvier 2013, Van Dyke a révélé qu'il utilisait la gomme Nicorette depuis dix ans.
En avril 2013, Van Dyke a révélé que depuis sept ans, il présentait les symptômes d'un trouble neurologique, dans lequel il ressentait un martèlement dans la tête chaque fois qu'il s'allongeait ; mais malgré les tests qu'il avait subis, aucun diagnostic n'avait été posé. Il a dû annuler les comparutions prévues en raison de la fatigue due au manque de sommeil en raison de son problème de santé. En mai 2013, il a tweeté qu'il semblait que ses implants dentaires en titane pourraient en être responsables.
Le 19 août 2013, il a été rapporté que Van Dyke, 87 ans, avait été sauvé de sa Jaguar par un passant après que la voiture avait pris feu sur l'autoroute US 101 à Calabasas, dans le comté de Los Angeles. Il n'a pas été blessé dans l'incendie, même si le châssis de la voiture a entièrement brûlé.
Van Dyke a publiquement soutenu Bernie Sanders comme candidat démocrate à l'élection présidentielle américaine de 2016. Van Dyke, un démocrate du New Deal, n'avait pas fait activement campagne pour un candidat depuis Eugene McCarthy en 1968.
Filmographie
Film
*Bien qu'on ne le voie pas dans la sortie régulière de Night at the Museum : Battle of the Smithsonian, le travail de Van Dyke peut être vu dans la section « Scènes supprimées » du DVD du film, aux côtés de Bill Cobbs et Mickey Rooney.
Télévision
Autres travaux
Scène
* Les filles contre les garçons (2 novembre – 14 novembre 1959)
* Bye Bye Birdie (14 avril 1960 – 7 octobre 1961) (a quitté le spectacle lorsqu'il a déménagé au Théâtre Shubert)
* The Music Man (5 juin – 22 juin 1980) (Revival)
* Chita Rivera : The Dancer's Life (guest star du 24 au 26 janvier 2006)
Albums
* Bye Bye Birdie (album original) (1960)
* Bye Bye Birdie (bande originale) (1963)
* Mary Poppins (bande originale) (1964)
* Chansons que j'aime de Dick Van Dyke (avec Enoch Light et son orchestre/Ray Charles Singers) (1963)
* Mettez un visage heureux (avec Dick Van Dyke et The Vantastix) (2008)
* Train rythmique (avec Leslie Bixler et Chad Smith) (2010)
Livres
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* (Mémoires de Van Dyke)
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Récompenses et nominations | http://www.quizballs.com/ |
De quel tableau de Thomas Gainsborogh le costume de valet porté par Django dans le film « Django Unchained » de 2012 a-t-il été inspiré ? | The Blue Boy | [
"Dans une interview accordée à Vanity Fair en janvier 2013, la costumière Sharen Davis a déclaré qu'une grande partie de la garde-robe du film était inspirée des westerns spaghetti et d'autres œuvres d'art. Pour la garde-robe de Django, Davis et Tarantino ont regardé la série télévisée Bonanza et y ont fait fréquemment référence. Le couple a même embauché le chapelier qui a conçu le chapeau porté par le personnage de Bonanza, Little Joe, joué par Michael Landon. Davis a décrit le look de Django comme une \"version rock-n-roll du personnage\". Les lunettes de soleil Django sont inspirées du personnage de Charles Bronson dans Le Buffle Blanc (1977). Davis a utilisé la peinture à l'huile de Thomas Gainsborough de 1770, The Blue Boy, comme référence pour la tenue de valet de Django."
] | Django Unchained est un western américain de 2012 écrit et réalisé par Quentin Tarantino, avec Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, Kerry Washington et Samuel L. Jackson. Situé dans le Far West et le Sud d'avant-guerre, il s'agit d'une variante très stylisée des westerns spaghetti et d'un hommage au film italien Django de 1966 de Sergio Corbucci, dont la star Franco Nero fait une apparition.
Le développement de Django Unchained a commencé en 2007, alors que Tarantino écrivait un livre sur Sergio Corbucci. En avril 2011, Tarantino a envoyé sa version finale du scénario à The Weinstein Company. Le casting a commencé à l'été 2011, Michael K. Williams et Will Smith étant considérés pour le rôle du personnage principal avant le casting de Foxx. Le tournage principal s'est déroulé de novembre 2011 à mars 2012 en Californie, au Wyoming et en Louisiane.
Django Unchained a été créé au Ziegfeld Theatre de New York le 11 décembre 2012 et est sorti le 25 décembre 2012 aux États-Unis. Le film a été nominé pour plusieurs prix de l’industrie cinématographique, dont cinq Oscars. Waltz a remporté plusieurs prix pour sa performance, parmi lesquels celui du meilleur acteur dans un second rôle aux Golden Globes, aux BAFTA et aux Oscars. Tarantino a remporté un Oscar, un Golden Globe et un BAFTA pour l'écriture du scénario original du film. Le film a rapporté plus de 425 millions de dollars dans le monde en salles contre un budget de 100 millions de dollars, ce qui en fait la sortie en salles la plus rentable de Tarantino.
Parcelle
En 1858 au Texas, les frères Speck, Ace et Dicky, conduisent à pied un groupe d'esclaves noirs. Parmi les esclaves enchaînés se trouve Django, vendu et séparé de sa femme, von Shaft. Les frères Speck sont arrêtés par le Dr King Schultz, un dentiste allemand devenu chasseur de primes de Düsseldorf, qui demande à acheter l'un des esclaves. Lorsqu'il interroge Django sur sa connaissance des frères Brittle, un groupe de hors-la-loi pour lesquels Schultz porte un mandat, Ace devient irrité et pointe de manière menaçante son fusil de chasse sur Schultz. Schultz, un flingueur supérieur, tue immédiatement Ace avec un tirage rapide. King insiste pour payer honorablement à Dicky un juste prix pour Django avant de le laisser à la merci des esclaves nouvellement libérés, qui le tuent et suivent l'Étoile du Nord vers la liberté.
Comme Django peut identifier les frères Brittle, Schultz lui offre sa liberté en échange de son aide pour les retrouver. King emmène d'abord Django dans une petite ville où il assassine immédiatement le shérif. Avant qu'un Marshall ne puisse les arrêter, King explique que le shérif était en fait un voleur de bétail recherché avec une prime de 200 $ sur lui que le Marshall furieux est maintenant tenu de payer. Après avoir traqué et tué les Brittles, Django libéré (adoptant le nom de famille « Freeman ») s'associe à Schultz pendant l'hiver et devient son apprenti ; Schultz découvre que Django a un talent naturel pour le flingueur. Schultz explique qu'il se sent responsable de Django puisque Django est la première personne qu'il a jamais libérée, et se sent moralement obligé d'aider Django (qu'il a décrit comme un "Siegfried dans la vraie vie") à retrouver Broomhilda. Django, désormais pleinement entraîné, récupère sa première prime, gardant le prospectus pour lui porter chance.
En 1859, Django et Schultz se rendent au Mississippi, où ils apprennent l'identité du propriétaire de : Calvin J. Candie, le charmant mais cruel propriétaire de la plantation Candyland, où les esclaves sont obligés de se battre jusqu'à la mort dans des combats de lutte brutaux appelés Mandingo. combats. Schultz, s'attendant à ce que Candie ne vende pas s'ils la demandent directement, feint d'être intéressé à acheter l'un des précieux combattants de Candie pour bien plus que le prix normal. Schultz et Django rencontrent Candie au club de ses gentlemen à Greenville et soumettent leur offre. Intrigué, Candie les invite dans son ranch à Candyland. Après avoir secrètement briefé les germanophones, Schultz prétend être charmé par elle et propose également de l'acheter.
Pendant le dîner, Stephen (Samuel L. Jackson), l'esclave de maison fidèle à Candie, se méfie des motivations de Schultz et Django. En déduisant que Django et se connaissent et que la vente du combattant Mandingue est une ruse, Stephen alerte Candie et le réprimande pour sa cupidité. Candie est en colère d'avoir été dupé et d'avoir perdu son temps, mais contient sa colère assez longtemps pour afficher théâtralement sa connaissance de la phrénologie, qu'il utilise pour théoriser pourquoi les esclaves échouent souvent à tuer leurs propriétaires, malgré de nombreuses opportunités.
Le garde du corps de Candie, Butch Pooch, fait irruption dans la pièce avec son fusil de chasse pointé sur les deux chasseurs de primes, et Candie explose de colère. Il propose une modification de l'accord initial, en prenant la place de la combattante mandingue au même prix, et la menace de mort si l'accord est rejeté. Schultz est d'accord et les papiers pour sa liberté sont rédigés et signés. Candie insiste avec suffisance pour que l'accord soit conclu par une poignée de main, ce que Schultz refuse dans un premier temps. Lorsque Candie menace à nouveau de tuer, Schultz claque et tue Candie avec un derringer dissimulé. Butch tue Schultz et Django le tue à son tour, et une vaste fusillade commence. Django abat un grand nombre de ses adversaires, mais se rend lorsqu'il est pris en otage.
Le lendemain matin, Stephen dit à Django qu'il sera vendu à une mine et travaillera jusqu'à la mort. En route vers la mine, Django prouve à ses escortes qu'il est un chasseur de primes en leur montrant le prospectus qui, selon Schultz, portait chance dès son premier meurtre. Il les convainc qu'il existe une prime importante pour les criminels qui se cachent à Candyland et promet qu'ils recevront la majorité de l'argent s'ils le libèrent. Les escortes le libèrent et lui donnent un pistolet, qu'il utilise pour les tuer avant de voler un cheval et de retourner à Candyland avec un sac de dynamite.
À la plantation, Django tue d'autres hommes de main de Candie, prend les papiers de liberté de la poche du défunt Schultz, fait ses adieux à son défunt ami et libère sa femme d'une cabane voisine. Lorsque les personnes en deuil de Candie reviennent de son enterrement, Django tue les hommes de main restants et la sœur de Candie, Lara Lee Candie-Fitzwilly, libère les deux esclaves restants et frappe Stephen. Django enflamme alors la dynamite qu'il a plantée dans tout le manoir, et lui et regarde de loin le manoir exploser avec Stephen incapable d'agir à l'intérieur, avant de partir ensemble.
Casting
* Jamie Foxx as Django "Freeman"
* Christoph Waltz as Dr. King Schultz
* Leonardo DiCaprio as "Monsieur" Calvin J. Candie
* Kerry Washington dans le rôle de "Hildi" von Shaft
* Samuel L. Jackson dans le rôle de Stephen
* Don Johnson dans le rôle de Spencer "Big Daddy" Bennett
* Walton Goggins dans le rôle de Billy Crash
* James Remar dans le rôle d'Ace Speck et Butch Pooch
* Dennis Christopher dans le rôle de Léonide "Leo" Moguy
*James Russo dans le rôle de Dicky Speck
* David Steen dans le rôle de M. Stonecipher
* Tom Wopat dans le rôle du Marshall américain Gill Tatum
* Dana Michelle Gourrier as Cora
* Nichole Galicia as Sheba
* Laura Cayouette as Lara Lee Candie-Fitzwilly
*Ato Essandoh dans le rôle d'Artagnan
* Sammi Rotiby dans le rôle de Rodney
* Clay Donahue dans le rôle de Fontenot
* Escalante Lundy dans le rôle de Big Fred
* Miriam F. Glover dans le rôle de Betina
* Quentin Tarantino dans le rôle de Frankie
* Omar J. Dorsey dans le rôle de Chicken Charlie
* Franco Nero dans le rôle d'Amerigo Vessepi
D'autres rôles incluent Russ Tamblyn dans le rôle du fils d'un tireur, Amber Tamblyn dans le rôle de la fille d'un fils d'un tireur, Don Stroud dans le rôle du shérif Bill Sharp, Bruce Dern dans le rôle du vieil homme Carrucan, M. C. Gainey dans le rôle de Big John Brittle, Cooper Huckabee dans le rôle de Lil Raj Brittle, Doc Duhame dans le rôle d'Ellis Brittle, Jonah Hill dans le rôle de Bag Head #2, membre d'un groupe de type Ku Klux Klan ; Lee Horsley dans le rôle du shérif Gus (Snowy Snow), Rex Linn dans le rôle de Tennessee Harry, Misty Upham dans le rôle de Minnie, Danièle Watts dans le rôle de Coco et Clay Donahue Fontenot dans le rôle de Luigi, l'adversaire de Big Fred dans un combat mandingue. Zoë Bell, Michael Bowen, Robert Carradine, Jake Garber, Ted Neeley, James Parks et Tom Savini jouent les traqueurs de Candyland, tandis que Michael Parks et John Jarratt, aux côtés de Tarantino lui-même dans une apparition dans le rôle de Robert, incarnent les employés de LeQuint Dickey Mining Company.
Production
Développement
En 2007, Tarantino a discuté d'une idée pour un type de western spaghetti se déroulant dans le Sud profond des États-Unis, avant la guerre civile. Il a qualifié ce type de film de « sudiste », déclarant qu'il voulait « faire des films qui traitent du passé horrible de l'Amérique avec l'esclavage et tout ça, mais les faire comme des westerns spaghetti, pas comme des films à gros problèmes. " Il s'agit de films de genre, mais ils traitent de tout ce que l'Amérique n'a jamais abordé parce qu'elle en a honte, et d'autres pays ne s'en occupent pas vraiment parce qu'ils ne sentent pas qu'ils en ont le droit. " Tarantino a expliqué plus tard la genèse de l'idée : « J'écrivais un livre sur Sergio Corbucci quand j'ai trouvé un moyen de raconter l'histoire. ... J'écrivais sur la façon dont ses films ont ce mauvais Far West, un horrible Far West. C'était surréaliste, ça traitait beaucoup du fascisme. Alors j'écris tout cet article là-dessus, et je me dis : « Je ne sais pas vraiment si Sergio pensait à ça pendant qu'il faisait ça. Je sais que j'y pense maintenant. Et je peux le faire !'"
Tarantino a terminé le scénario le 26 avril 2011 et a remis la version finale à The Weinstein Company. En octobre 2012, RZA, collaborateur fréquent de Tarantino, a déclaré que lui et Tarantino avaient l'intention de croiser Django Unchained avec le film d'arts martiaux présenté par Tarantino de RZA, The Man with the Iron Fists. Le crossover aurait vu une version plus jeune du personnage du forgeron du film de RZA apparaître comme un esclave dans une vente aux enchères. Cependant, des conflits d'horaire ont empêché la participation de RZA.
L'une des inspirations du film est le western spaghetti de Corbucci, Django, de 1966, dont la star Franco Nero fait une apparition dans Django Unchained. Une autre source d'inspiration est le film Mandingo de 1975, sur un esclave entraîné à combattre d'autres esclaves. Tarantino a inclus des scènes dans la neige en hommage au Grand Silence. "Silenzio se déroule dans la neige. J'ai tellement aimé l'action dans la neige, Django Unchained a une grande section de neige au milieu", a déclaré Tarantino dans une interview.
Le titre Django Unchained fait allusion aux titres du film Django de Corbucci de 1966 ; Hercules Unchained, le titre américain du film fantastique épique italien de 1959 Ercole e la regina di Lidia, sur la fuite du héros mythique de l'esclavage d'un méchant maître ; et à Angel Unchained, le film de motards américain de 1970 sur un motard se vengeant d'un grand groupe de rednecks.
Fonderie
Parmi ceux considérés pour le rôle titre de Django, Michael K. Williams et Will Smith ont été mentionnés comme possibilités, mais c'est finalement Jamie Foxx qui a été choisi pour le rôle. Smith a déclaré plus tard qu'il avait refusé le rôle parce que "ce n'était pas le rôle principal". Tyrese Gibson a envoyé une cassette d'audition pour incarner le personnage. Franco Nero, le Django original du film italien de 1966, aurait fait l'objet de rumeurs pour le rôle de Calvin Candie, mais a plutôt fait une apparition en tant que personnage mineur. Nero a suggéré qu'il joue un mystérieux cavalier qui hante Django dans des visions et qui se révèle dans un flash-back final comme étant le père de Django ; Tarantino a choisi de ne pas utiliser cette idée. Kevin Costner était en négociations pour rejoindre Ace Woody, un entraîneur mandingue et bras droit de Candie, mais Costner a abandonné en raison de conflits d'horaire. Kurt Russell a été choisi à la place, mais a également quitté le rôle plus tard. Lorsque Kurt Russell a abandonné, le rôle d'Ace Woody n'a pas été refondu ; au lieu de cela, le personnage a été fusionné avec le personnage de Walton Goggins, Billy Crash.
Jonah Hill s'est vu offrir le rôle de Scotty Harmony, un joueur qui perd face à Candie dans une partie de poker, mais il a refusé en raison de conflits d'horaire avec The Watch. Sacha Baron Cohen s'est également vu proposer le rôle, mais a refusé pour apparaître dans Les Misérables. Ni Scotty ni le jeu de poker n'apparaissent dans le montage final du film. Hill est apparu plus tard dans le film dans un rôle différent. Joseph Gordon-Levitt a déclaré qu'il "aurait adoré, adoré" être dans le film mais qu'il ne pourrait pas apparaître en raison d'un engagement préalable à réaliser son premier film, Don Jon. DiCaprio a joué son premier rôle de méchant en tant que cruel propriétaire de plantation Calvin Candie.
Conception de costumes
Dans une interview accordée à Vanity Fair en janvier 2013, la costumière Sharen Davis a déclaré qu'une grande partie de la garde-robe du film était inspirée des westerns spaghetti et d'autres œuvres d'art. Pour la garde-robe de Django, Davis et Tarantino ont regardé la série télévisée Bonanza et y ont fait fréquemment référence. Le couple a même embauché le chapelier qui a conçu le chapeau porté par le personnage de Bonanza, Little Joe, joué par Michael Landon. Davis a décrit le look de Django comme une "version rock-n-roll du personnage". Les lunettes de soleil Django sont inspirées du personnage de Charles Bronson dans Le Buffle Blanc (1977). Davis a utilisé la peinture à l'huile de Thomas Gainsborough de 1770, The Blue Boy, comme référence pour la tenue de valet de Django.
Dans la scène finale, porte une robe similaire à celle du personnage d'Ida Galli dans Blood for a Silver Dollar (1965). Davis a déclaré que l'idée du costume de Calvin Candie venait en partie de Rhett Butler et que le look Miami Vice emblématique de Don Johnson avait inspiré le costume en lin couleur crème de Big Daddy dans le film. Le manteau faux chinchilla de King Schultz a été inspiré par Telly Savalas dans Kojak. Davis a également révélé que bon nombre de ses idées de costumes ne figuraient pas dans le montage final du film, laissant certains personnages inexpliqués tels que le tracker de Zoë Bell, qui avait l'intention de laisser tomber son bandana pour révéler une mâchoire absente.
Tournage
Le tournage principal de Django Unchained a débuté en Californie en novembre 2011, s'est poursuivi dans le Wyoming en février 2012 et à la National Historic Landmark Evergreen Plantation à Wallace, en Louisiane, à l'extérieur de la Nouvelle-Orléans, en mars 2012. Le film a été tourné au format anamorphique sur 35 mm. film. Bien qu'initialement scénarisée, une sous-intrigue centrée sur le traqueur masqué de Zoë Bell a été coupée et n'est pas filmée, en raison de contraintes de temps. Après 130 jours de tournage, le tournage du film s'est terminé en juillet 2012.
Django Unchained a été le premier film de Tarantino non monté par Sally Menke, décédée en 2010. Les tâches de montage ont été assurées par Fred Raskin, qui avait travaillé comme assistant monteur sur Kill Bill de Tarantino. Raskin a été nominé pour un BAFTA Award pour le meilleur montage, mais a perdu contre William Goldenberg pour son travail sur Argo.
Musique
Le film présente des morceaux de musique originaux et existants. Les morceaux composés spécifiquement pour le film incluent "100 Black Coffins" de Rick Ross et produits par et avec Jamie Foxx, "Who Did That To You?" de John Legend, "Ancora Qui" d'Ennio Morricone et Elisa, et "Freedom" d'Anthony Hamilton et Elayna Boynton. Le thème "Django" était également la chanson thème du film de 1966. Le musicien Frank Ocean a écrit une chanson originale pour la bande originale du film, mais elle a été rejetée par Tarantino, qui a expliqué que "Ocean a écrit une ballade fantastique qui était vraiment belle et poétique à tous points de vue, il n'y avait tout simplement pas de scène pour cela." Frank Ocean a ensuite publié la chanson intitulée "Wiseman" sur son blog Tumblr. Le film présente également quelques morceaux célèbres de la musique classique occidentale, dont « Pour Elise » de Beethoven et « Dies Irae » du Requiem de Verdi. Tarantino a déclaré qu'il évitait d'utiliser des partitions complètes de musique originale : "Je n'aime tout simplement pas l'idée de donner autant de pouvoir à qui que ce soit sur l'un de mes films." L'album de la bande originale du film est sorti le 18 décembre 2012. Ennio Morricone a fait des déclarations critiquant l'utilisation par Tarantino de sa musique dans Django Unchained et a déclaré qu'il « ne travaillerait jamais » avec le réalisateur après ce film, mais a ensuite accepté de composer une musique originale. pour The Hateful Eight de Tarantino en 2015. Dans un essai scientifique sur la musique du film, Hollis Robbins note que la grande majorité des emprunts de musique de film proviennent de films réalisés entre 1966 et 1974 et soutient que les résonances politiques et musicales de ces allusions situent Django Unchained carrément à l’époque du Vietnam et du Watergate, pendant l’essor et le déclin du cinéma Black Power. Le hit I Got A Name de Jim Croce figurait dans la bande originale.
Libérer
La première affiche teaser a été inspirée par une affiche de fan-art de l'artiste italien Federico Mancosu. Son œuvre a été publiée en mai 2011, quelques jours après la publication du synopsis et du titre officiel. En août 2011, à la demande de Tarantino, les sociétés de production ont acheté les illustrations conceptuelles à Mancosu pour les utiliser à des fins promotionnelles ainsi que sur les laissez-passer de l'équipe et les vêtements du personnel pendant le tournage.
Django Unchained est sorti le 25 décembre 2012 aux États-Unis par The Weinstein Company et le 18 janvier 2013 par Sony Pictures Releasing au Royaume-Uni. Le film a été projeté pour la première fois à la Guilde des réalisateurs d'Amérique le 1er décembre 2012, et des projections supplémentaires ont été organisées pour les critiques avant la large diffusion du film. La première de Django Unchained a été retardée d'une semaine suite à la fusillade dans une école primaire de Newtown, Connecticut, le 14 décembre 2012.
Le film est sorti le 22 mars 2013 par Sony Pictures en Inde. En mars 2013, Django Unchained a été annoncé comme étant le premier film de Tarantino approuvé pour une distribution officielle sur le marché cinématographique strictement contrôlé de la Chine. Lily Kuo, écrivant pour Quartz, a écrit que "le film dépeint l'une des périodes les plus sombres de l'Amérique, lorsque l'esclavage était légal, que les autorités chinoises aiment utiliser pour repousser les critiques des États-Unis". Le film est sorti en Chine le 12 mai 2013.
Box-office
Après un total de 143 jours, le film a terminé sa sortie en salles aux États-Unis le 16 mai 2013 avec un montant brut de 162 805 434 $ en Amérique du Nord. Il a rapporté 262 562 804 $ à l'étranger, dont 51 597 323 $ en Allemagne, 37 297 979 $ en France et 24 893 462 $ au Royaume-Uni, soit un total brut mondial de 425 368 238 $. En 2013, Django Unchained est devenu le film le plus rentable de Tarantino, dépassant son film de 2009 Inglourious Basterds, qui a rapporté 321,4 millions de dollars dans le monde.
Médias domestiques
Le film est sorti sur DVD, Blu-ray et téléchargement numérique le 16 avril 2013. Aux États-Unis, le film a rapporté 31 939 733 $ grâce aux ventes de DVD et 30 286 838 $ grâce aux ventes de Blu-ray, soit un total de 62 226 571 $.
Réception
Réponse critique et scientifique
Sur Rotten Tomatoes, le film a un taux d'approbation de 88 % sur la base de 247 critiques et une note moyenne de 8/10. Le consensus critique du site se lit comme suit : "Audacieux, sanglant et stylistiquement audacieux, Django Unchained est un autre chef-d'œuvre incendiaire de Quentin Tarantino." Metacritic, qui attribue une note moyenne pondérée aux critiques des critiques grand public, attribue au film une note de 81 sur 100 sur la base de 42 critiques, indiquant une "reconnaissance universelle".
Roger Ebert du Chicago Sun-Times a attribué au film quatre étoiles sur quatre et a déclaré: "Le film propose une séquence sensationnelle après l'autre, le tout autour de ces deux personnages intrigants qui semblent opposés mais partagent des problèmes pragmatiques, financiers et personnels." Ebert a également ajouté: "Si je n'avais pas été empêché de le voir plus tôt à cause d'une blessure, cela aurait été sur la liste des meilleurs films de mon année." Peter Bradshaw, critique de cinéma pour The Guardian, a attribué cinq étoiles au film en écrivant : « Je peux seulement dire que Django délivre, en gros, ce plaisir particulier narcotique et délirant que Tarantino sait encore confectionner au cinéma, quelque chose à voir avec la manipulation. des surfaces. C'est aussi malsain, déplorable et délicieux qu'une cigarette interdite. Écrivant dans le New York Times, le critique A. O. Scott a comparé Django aux précédents Inglourious Basterds de Tarantino : « Comme Inglourious Basterds, Django Unchained est follement divertissant, effrontément irresponsable et aussi éthiquement sérieux d'une manière qui est tout à fait cohérente avec son côté ludique. » Désignant le film comme un choix des critiques du Times, Scott a déclaré que Django est "un film troublant et important sur l'esclavage et le racisme". Le cinéaste Michael Moore a fait l'éloge de Django, tweetant que le film "est l'une des meilleures satires cinématographiques de tous les temps. Un film américain rare sur l'esclavage et les origines de notre histoire raciste malade".
Au contraire, Owen Gleiberman, critique de cinéma pour Entertainment Weekly, a écrit que "Django n'est pas du tout le film qu'Inglourious était. Il est moins intelligent et il n'a pas assez de personnages principaux - ni assez de l'ingéniosité structurelle caractéristique de Tarantino - pour gagner sa durée de fonctionnement de deux heures et 45 minutes. Dans sa critique de l'Indy Week, David Fellerath a écrit : « Django Unchained montre des signes que Tarantino a fait peu de recherches au-delà des visionnages répétés du western spaghetti de 1966 de Sergio Corbucci, Django et d'une blaxploitation de 1975 appelée Boss Nigger, écrite par et avec Fred Williamson. » Le New-Yorkais Anthony Lane a été "dérangé par leurs rires triomphants [des fans de Tarantino], lors de la projection à laquelle j'ai assisté, alors qu'une femme blanche était emportée par les armes de Django".
Selon Bob Hoose, critique de Plugged in : « Ce film s'intéresse beaucoup plus aux bavardages grossiers de Grindhouse, à la rage pleine de vengeance, aux coups de fouet et aux balles déchirants et aux geysers de viande et de sang au ralenti qu'à la communication de quelque chose de véridique. et éclairant."
Un numéro entier de la revue académique [http://www.tandfonline.com/toc/rsaf20/16/3#.VeoVzXgyCfQ Safundi] était consacré à Django Unchained : « Django Unchained and the Global Western », mettant en vedette des chercheurs qui contextualisent l'œuvre de Tarantino. film comme un « western » classique. Dana Phillips écrit : « Le film de Tarantino est extrêmement divertissant, non pas malgré mais parce qu'il est très audacieux, voire parfois carrément sinistre, grâce à son traitement de l'esclavage, des relations raciales et de cet élément essentiel du western, la violence. ce sont des sujets qu'un autre réalisateur aurait traité avec plus de délicatesse et avec moins d'excès stylistiques que Tarantino, qui n'a jamais été timide. Un autre réalisateur aurait également été moins disposé à proclamer son film le premier d'un genre nouveau, le « Sudiste ». »
Les dix meilleures listes
Django Unchained figurait dans le top dix de nombreux critiques.
* 1er – Amy Nicholson, Movieline
* 1er – Chase Whale, Film Twitch
* 2e – Mick LaSalle, Chronique de San Francisco
* 2e – Drew McWeeny, Hitfix
* 2e – Michelle Orange, The Village Voice
* 2e – Nathan Rabin, The A.V. club
* 2e – Betsy Sharkey, Los Angeles Times (à égalité avec Lincoln)
* 3 – Richard Jameson, MSN Movies
* 3ème – Alan Scherstuhl, The Village Voice
* 4e – Mark Mohan, L'Oregonien
* 4 – Joe Neumaier, New York Daily News
* 4 – James Rocchi, MSN Movies
* 4 – Kristopher Tapley, HitFix
* 4e – Drew Taylor et Caryn James, Indiewire
* 5 - - Le Huffington Post
* 5 – David Ehrlich, Movies.com
* 5 – Scott Foundas, The Village Voice
* 5 – Wesley Morris, The Boston Globe
* 6 – James Berardinelli, Reelviews
* 6 – Lisa Kennedy, Denver Post
* 6 – Kat Murphy, MSN Movies
* 6 – Richard Roeper, Chicago Sun-Times
* 6 – Mike Scott, The Times-Picayune
* 7 – Drew Hunt, lecteur de Chicago
* 7 – A.O. Scott, le New York Times
* 8 – Ty Burr, The Boston Globe
* 9 – Todd McCarthy, The Hollywood Reporter
* 10 – Karina Longworth, The Village Voice
* 10 – Joshua Rothkopf, Time Out New York
* 10 – Marlow Stern, The Daily Beast
* 10 – Peter Travers, Rolling Stone
* Top 10 (classé par ordre alphabétique) – Claudia Puig, USA Today
* Top 10 (classé par ordre alphabétique) – Joe Williams, St. Louis Post-Dispatch
* Top 10 (classé par ordre alphabétique) – Stephanie Zacharek, Film.com
Objections à des éléments spécifiques du film
Représentation et descriptions des Afro-Américains et de l'esclavage
Certains commentateurs ont estimé que l'utilisation intensive du mot « nègre » dans le film était inappropriée et les affectait encore plus que la violence dépeinte contre les esclaves. D'autres critiques ont défendu l'usage de la langue dans le contexte historique de la race et de l'esclavage aux États-Unis.
Le cinéaste Spike Lee, dans une interview avec Vibe, a déclaré qu'il ne verrait pas le film, expliquant : "Tout ce que je vais dire, c'est que c'est irrespectueux envers mes ancêtres. C'est juste moi... Je ne parle pas au nom de quelqu'un d'autre." Lee écrivit plus tard : « L'esclavage américain n'était pas un western spaghetti de Sergio Leone. C'était un Holocauste. Mes ancêtres sont des esclaves volés en Afrique. Je les honorerai. » Louis Farrakhan, le leader de la Nation de l'Islam, a interprété le film comme une « préparation à la guerre raciale ».
Wesley Morris du Boston Globe a comparé le personnage de Stephen de Samuel L. Jackson à des républicains noirs comme Clarence Thomas ou Herman Cain. Samuel L. Jackson a déclaré qu'il pensait que son personnage avait «la même boussole morale que Clarence Thomas». Jackson a défendu l'utilisation intensive du mot « nègre » : « Dire que Tarantino a dit « nègre » trop de fois, c'est comme se plaindre qu'ils ont dit « kyke » [sic] trop de fois dans un film sur les nazis. »
Marc Lamont Hill, professeur à l'Université de Columbia, a comparé Christopher Dorner, ancien policier en fuite de Los Angeles, à un Django réel, en disant: "C'est presque comme regarder" Django Unchained "dans la vraie vie. C'est plutôt excitant." Dans le Los Angeles Times, la journaliste Erin Aubry Kaplan a souligné la différence entre Jackie Brown de Tarantino et Django Unchained : « C'est une institution dont les horreurs n'ont pas besoin d'être exagérées, et pourtant Django fait exactement cela, soit pour éclairer, soit pour divertir. le mot en n dans un hommage à la blaxploitation des années 70 à la Jackie Brown est une chose, mais le même réalisateur transformant la sauvagerie de l'esclavage en pulp fiction en est une autre.
Alors qu'il animait l'émission Saturday Night Live sur NBC, Jamie Foxx a plaisanté sur son enthousiasme "à l'idée de tuer tous les Blancs dans le film". Le chroniqueur Jeff Kuhner a écrit une réaction au sketch de SNL pour le Washington Times, en disant : « L'intolérance anti-blanche est devenue ancrée dans notre culture postmoderne. Prenez Django Unchained. Le film se résume à un thème central : l'homme blanc en tant que diable – un fléau moral qui doit être éradiqué comme un virus mortel. »
Recours à la violence
Certaines critiques ont critiqué le film comme étant trop violent. La première initialement prévue de Django a été reportée à la suite de la fusillade à l'école de Sandy Hook le 14 décembre 2012. Thomas Frank a critiqué le recours à la violence dans le film comme suit :
Sans surprise, Quentin Tarantino est récemment devenu la cible de ce type de critiques (sur la relation entre les films et les actes de violence). Le fait que Django Unchained soit arrivé dans les salles juste au moment du massacre de Sandy Hook n'a pas aidé. Pourtant, il a refusé de céder un pouce en discutant du lien entre la violence cinématographique et la vie réelle. Je ne pense évidemment pas que l’un ait à voir avec l’autre. Les films sont imaginaires. C'est une question d'imagination. Une partie du problème consiste à essayer de créer une expérience réaliste, mais nous faisons semblant. Est-il possible que quelqu’un dans notre monde cynique attribue le crédit à un sophisme égoïste comme celui-ci ? Bien sûr, une industrie sous le feu des critiques prétendra avoir les mains propres, tout comme la NRA l’a fait – et bien sûr, on peut compter sur son fils préféré, que ce soit Tarantino ou LaPierre, pour faire valoir cette affirmation plus fort que quiconque. Mais croient-ils vraiment que l’expression de l’imagination est sans conséquence ?
The Independent a déclaré que le film faisait partie du « nouveau sadisme du cinéma » et a ajouté : « Il y a quelque chose de déconcertant à être assis dans un cinéma bondé alors que le public rit aux dernières nouvelles ou tombe dans l'hystérie alors que quelqu'un est décapité ou a un membre. élagué".
Adam Serwer de Mother Jones a fourni un point de vue plus nuancé, affirmant que "Django, comme de nombreux films de Tarantino, a également été critiqué pour sa violence caricaturale, mais ce n'est le cas que lorsque Django tue des propriétaires d'esclaves et des surveillants. La violence contre les esclaves est toujours appropriée. terrifiant. Ceci, à tout le moins, place Django en lice pour le meilleur film de Tarantino, le premier dans lequel il découvre la violence comme une horreur plutôt que comme un simple spectacle. Lorsque Schultz détourne la tête d'un esclave déchiré par des chiens, explique Django. à Calvin Candie, le propriétaire de la plantation joué par Leo DiCaprio, que Schultz n'est tout simplement pas habitué aux Américains."
Inexactitudes historiques
Tarantino a dit à propos des combats mandingues : « J'ai toujours su que ces choses existaient », il n'y a aucune preuve historique définitive que les propriétaires d'esclaves aient jamais organisé des combats à mort de type gladiateur entre esclaves mâles, comme le combat décrit dans le film. L'historienne Edna Greene Medford note qu'il n'existe que des rumeurs non documentées selon lesquelles de tels combats ont eu lieu. David Blight, directeur du centre d'étude de l'esclavage de Yale, a déclaré que ce n'était pas une question de réserves morales ou éthiques qui empêchait les propriétaires d'esclaves de monter les esclaves les uns contre les autres dans des combats, mais plutôt des intérêts économiques personnels : les propriétaires d'esclaves n'auraient pas voulaient mettre en péril leurs investissements financiers substantiels dans des batailles de gladiateurs.
Le terme non historique « Mandingue » désignant un bon esclave combattant ou reproducteur ne vient pas de Tarantino, mais du film précédent Mandingo.
Écrivant dans le New Yorker, William Jelani Cobb a observé que l'élasticité historique occasionnelle de Tarantino jouait parfois à l'avantage du film. "Il y a des moments", a écrit Cobb, "où cette histoire convexe fonctionne à merveille, comme lorsque Tarantino dépeint le Ku Klux Klan une décennie avant sa formation réelle afin de ridiculiser complètement le racisme voilé de ses membres." Le groupe masqué en maraude représenté dans le film était connu sous le nom de « Les régulateurs » et était décrit comme les ancêtres spirituels du KKK d'après-guerre civile et non comme le KKK actuel.
Sur la question de l'exactitude historique, Christopher Caldwell a écrit dans le Financial Times : « Bien sûr, nous ne devons pas confondre un long métrage avec un documentaire télévisé public », soulignant que le film doit être traité comme un divertissement et non comme un récit historique de la période dans laquelle il se déroule. "Django utilise l'esclavage comme un film pornographique pourrait utiliser une convention d'infirmières : comme prétexte à ce qui est réellement destiné à nous divertir. Ce qui est réellement destiné à nous divertir dans Django, c'est la violence." Richard Brody, cependant, a écrit dans le New Yorker que « la vision de Tarantino de la monstruosité de l'esclavage est historiquement exacte... Tarantino décrit à juste titre l'esclavage comme non pas une simple propriété administrative mais comme un acte de cruauté grave et monstrueux ».
Distinctions
Django Unchained a remporté plusieurs prix et nominations. L'American Film Institute l'a nommé l'un de ses dix meilleurs films de l'année en décembre 2012. Le film a reçu cinq nominations aux Golden Globe Awards, dont celui du meilleur film, du meilleur réalisateur et du meilleur scénario pour Tarantino. Tarantino a remporté l'Oscar du meilleur scénario original. Christoph Waltz a reçu l'Oscar du meilleur acteur dans un second rôle, le Golden Globe Award du meilleur acteur dans un second rôle et le BAFTA Award du meilleur acteur dans un second rôle, sa deuxième fois recevant les trois prix, après avoir déjà gagné pour son rôle dans Inglourious Basterds de Tarantino. Les NAACP Image Awards ont attribué au film quatre nominations, tandis que le National Board of Review a nommé DiCaprio meilleur acteur dans un second rôle. Django Unchained a obtenu une nomination pour le meilleur film théâtral de la Producers Guild of America.
Projets futurs potentiels
Mini-série
Tarantino a déclaré dans une interview qu'il disposait de 90 minutes de matériel du film dans la salle de montage et qu'il envisageait de rééditer Django Unchained en une mini-série câblée de quatre heures et quatre nuits. Tarantino a déclaré que diviser l'histoire en quatre parties serait plus satisfaisant pour le public qu'un film de quatre heures : "... ce ne serait pas un test d'endurance. Ce serait une mini-série. Et les gens adorent ça."
Des romans
L'histoire qui est devenue le film de suivi du réalisateur, The Hateful Eight, a d'abord été tentée comme une suite de roman de poche à Django Unchained intitulée Django in White Hell. Tarantino a cependant décidé que la morale établie du personnage ne correspondait pas au ton de l'histoire en développement et a donc commencé à le réécrire sous la forme d'un scénario original sans aucun lien avec le film précédent. Il a exprimé le désir d'écrire une série de romans suite à Django.
Croisement
Sony prévoit un film crossover Django/Zorro, qui existe actuellement sous la forme d'une bande dessinée de Dynamite Entertainment.
Dans le film de 2014 Un million de façons de mourir en Occident, on voit Django tirer sur le propriétaire d'un jeu de tir à caractère raciste, en disant que « des gens meurent à la foire ».
Violation présumée du droit d'auteur
En décembre 2015, une poursuite de 100 millions de dollars a été déposée contre Tarantino par les cinéastes Oscar Colvin Jr. et Torrance J. Colvin, qui ont affirmé que le scénario de Django Unchained présentait de nombreuses similitudes avec leur film, intitulé Freedom. La plainte a été déposée devant un tribunal fédéral de Washington, DC. | http://www.quizballs.com/ |
Dans quelle ville anglaise se trouve le centre commercial White Rose ? | Leeds | [
"Le White Rose Centre est un centre commercial situé dans le quartier de Beeston à Leeds, dans le West Yorkshire, en Angleterre.[http://www.white-rose.co.uk/getting-here/ Comment se rendre aux transports publics et directions de White Rose] Il s'étend deux étages et se trouve à proximité de l'autoroute M621. Elle tire son nom de la Rose Blanche d'York, symbole traditionnel du Yorkshire. Le niveau supérieur abrite l'aire de restauration du centre ainsi que des points de vente. Le centre dispose de 4 800 places de parking gratuites et de policiers de sécurité sur place. Bien que le centre soit plus petit que les autres centres commerciaux de la périphérie, il a attiré des détaillants internationaux tels que Zara et H&M.",
"Le centre dispose d'une gare routière le reliant aux zones suburbaines de Leeds et au centre-ville.",
"Le centre est géré principalement par Land Securities et Evans de Leeds. Il a également remporté des prix, notamment le Gold Award du British Council of Shopping Centre (BCSC), les prix BCSC Purple apple et Green apple.",
"Le Centre White Rose est impliqué dans un certain nombre d'activités sociales dans la région. Il organise des séances de thé dansant pour les personnes âgées qui peuvent participer à des promenades dans le centre commercial dans l'environnement couvert. Il abrite le White Rose Learning Centre, géré en collaboration avec Education Leeds et Leeds City College, pour proposer des cours de danse et d'autres activités éducatives aux enfants risquant d'être exclus de l'école dans un environnement informel."
] | Le White Rose Centre est un centre commercial situé dans le quartier de Beeston à Leeds, dans le West Yorkshire, en Angleterre.[http://www.white-rose.co.uk/getting-here/ Comment se rendre aux transports publics et directions de White Rose] Il s'étend deux étages et se trouve à proximité de l'autoroute M621. Elle tire son nom de la Rose Blanche d'York, symbole traditionnel du Yorkshire. Le niveau supérieur abrite l'aire de restauration du centre ainsi que des points de vente. Le centre dispose de 4 800 places de parking gratuites et de policiers de sécurité sur place. Bien que le centre soit plus petit que les autres centres commerciaux de la périphérie, il a attiré des détaillants internationaux tels que Zara et H&M.
Le centre a ouvert ses portes le 25 mars 1997 et accueille des locataires majeurs dont Sainsbury's, Debenhams, Marks and Spencer, Next, W H Smith, HMV, Bhs, Primark, Zara, H&M, Barratts et 100 autres magasins. La partie sud du centre a été réaménagée en 2005, réduisant ainsi la taille du Sainsbury's Savacentre à un Sainsbury's ordinaire, ce qui a laissé de la place pour d'autres unités.
Le centre dispose d'une gare routière le reliant aux zones suburbaines de Leeds et au centre-ville.
Le centre est géré principalement par Land Securities et Evans de Leeds. Il a également remporté des prix, notamment le Gold Award du British Council of Shopping Centre (BCSC), les prix BCSC Purple apple et Green apple.
Construction
Le site couvre 76 acres et était autrefois l'usine d'épuration de Morley. Avant le début des travaux de construction en 1995, des travaux de validation ont été réalisés, notamment la suppression des canalisations d'épuration, l'obturation des puits de mine désaffectés, l'enlèvement des sols contaminés et le profilage du site en pente. Il a fallu déplacer 750 000 mètres cubes de sol pour niveler une chute de 30 mètres à travers le site et créer des terrasses de niveau pour la structure et les parkings. Les travaux ont commencé sur le projet de 87 semaines le 10 juillet 1995 et en septembre, la première charpente métallique était visible. 600 arbres semi-matures de sept mètres de haut ont été achetés en Allemagne et plantés dans le parking pour réaliser l'aménagement paysager. Cinq mille arbres et arbustes ont été plantés autour des parkings et des routes périphériques.
Le Balcony Food Court occupe la majeure partie de l’étage supérieur de l’atrium central. Il contient un McDonald's, un KFC, un Subway, un Spud-u-like, un Bagel Nash, un Juice, un BB's Coffee, un Muffin, un restaurant Nando's et un Frankie & Benny's.
Pour coïncider avec sa dixième année d'activité, le White Rose Center a été rebaptisé. Son logo, sa publicité, sa signalétique et les uniformes du personnel ont été repensés. La campagne de stratégie de marque et de marketing stratégique a remporté un prix BCSC Purple Apple.
Communauté
Le Centre White Rose est impliqué dans un certain nombre d'activités sociales dans la région. Il organise des séances de thé dansant pour les personnes âgées qui peuvent participer à des promenades dans le centre commercial dans l'environnement couvert. Il abrite le White Rose Learning Centre, géré en collaboration avec Education Leeds et Leeds City College, pour proposer des cours de danse et d'autres activités éducatives aux enfants risquant d'être exclus de l'école dans un environnement informel.
La salle calme du cercle supérieur est à la disposition de tous les clients et du personnel pendant les heures d'ouverture du centre.
des reproches
Une critique du centre est la largeur des centres commerciaux qui sont étroits. Une autre critique est l'absence de gare ferroviaire, malgré la proximité du centre avec les lignes ferroviaires Huddersfield et Wakefield, mais des plans pour ajouter une gare ont été élaborés.
Développement futur
En mai 2013, des plans pour des espaces de vente au détail et des espaces de loisirs sur le site de 76 acres ont été soumis au conseil. Les plans comprennent un cinéma multi-écrans, 9 100 m² de nouveaux espaces commerciaux ; extension des magasins Debenhams et Primark et de trois petites unités de vente au détail, quatre points de restauration et un espace public amélioré et des éléments d'aménagement paysager supplémentaires. le centre est adjacent à une ligne ferroviaire le reliant au centre-ville.
Des inquiétudes ont été soulevées concernant la réduction des places de stationnement. L'équipe d'amélioration et Land Securities prévoient d'acheter et de rénover une casse désaffectée à côté de la station-service de Sainsbury's pour en faire un parking doté d'une « passerelle sécurisée vers le centre ». | http://www.quizballs.com/ |
Dans quel pays se trouve le circuit international de Formule 1 de Sepang ? | Malaisie | [
"AT&T Williams a confirmé vers la fin de 2009 son nouvel accord moteur avec Cosworth, qui a également fourni la vague de nouvelles équipes Virgin Racing, Hispania Racing F1 et la nouvelle équipe Lotus Racing. La sortie des constructeurs automobiles a également ouvert la voie à des équipes représentant leur pays, certaines bénéficiant du financement de leurs gouvernements nationaux respectifs (comme Lotus financé par la Malaisie, Lotus Cars appartenant à Proton, un constructeur malaisien, et Lotus Racing étant dirigée par Tony Fernandes, un homme d'affaires malaisien connu pour sa compagnie aérienne asiatique à bas prix). Williams a ensuite rejoint Renault en 2012, renouant avec un partenariat qui remonte au début et au milieu des années 1990. Cependant, le partenariat a été de courte durée et depuis la saison de F1 2014, Williams est en compétition avec la Mercedes Power Unit."
] | La Formule 1 (également Formule 1 ou F1) est la classe la plus élevée de courses automobiles monoplaces sanctionnée par la Fédération Internationale de l'Automobile (FIA). Le Championnat du Monde de Formule 1 de la FIA est la forme de course par excellence depuis la saison inaugurale en 1950, bien que d'autres courses de Formule 1 aient eu lieu régulièrement jusqu'en 1983. La « formule », désignée dans le nom, fait référence à un ensemble de règles auxquelles toutes les voitures des participants doivent être conformes. La saison de F1 consiste en une série de courses, connues sous le nom de Grands Prix (du français, signifiant grands prix), organisées dans le monde entier sur des circuits de F1 spécialement conçus et sur la voie publique.
Les résultats de chaque course sont évalués à l'aide d'un système de points pour déterminer deux championnats du monde annuels, un pour les pilotes et un pour les constructeurs. Les pilotes de course doivent être titulaires de Super Licences valides, la classe la plus élevée de licence de course délivrée par la FIA. Les courses doivent se dérouler sur des pistes classées 1 (anciennement A), la note la plus élevée qu'une piste puisse recevoir par la FIA. La plupart des événements se déroulent dans des zones rurales sur des pistes spécialement construites, mais il existe plusieurs événements dans les centres-villes du monde entier, le Grand Prix de Monaco étant l'exemple le plus évident et le plus célèbre.
Les voitures de Formule 1 sont les voitures de course sur route les plus rapides au monde, en raison de vitesses de virage très élevées obtenues grâce à la génération de grandes quantités d'appui aérodynamique. Les voitures de Formule 1 courent à des vitesses allant jusqu'à environ 380 km/h avec des moteurs actuellement limités en performances à un maximum de 15 000 tr/min. Les voitures sont capables d’une accélération latérale supérieure à cinq g dans les virages. Les performances des voitures dépendent fortement de l'électronique - même si l'antipatinage et autres aides à la conduite sont interdites depuis 2008 - ainsi que de l'aérodynamisme, de la suspension et des pneus. La formule a radicalement évolué et changé au cours de l’histoire du sport.
Alors que l'Europe est la base traditionnelle de ce sport et accueille environ la moitié des courses chaque année, la portée du sport s'est considérablement élargie et un nombre croissant de Grands Prix ont lieu sur d'autres continents. La F1 a bénéficié d'une audience télévisée mondiale totale de 425 millions de personnes au cours de la saison 2014. Les courses de Grand Prix ont débuté en 1906 et sont devenues le type de course le plus populaire au niveau international dans la seconde moitié du XXe siècle. Le groupe Formula One est le titulaire légal des droits commerciaux.
Avec un coût de conception et de construction de voitures de gamme intermédiaire de l'ordre de 120 millions de dollars, l'impact économique et la création d'emplois de la Formule 1 sont importants, et ses batailles financières et politiques sont largement médiatisées. Sa notoriété et sa popularité ont créé un environnement de marchandisage majeur, qui a entraîné d'importants investissements de la part des sponsors et des budgets de plusieurs centaines de millions pour les constructeurs. Depuis 2000, les dépenses croissantes du sport et la distribution des primes en argent qui favorisent les meilleures équipes établies ont forcé des plaintes de petites équipes et ont conduit plusieurs équipes à la faillite.
Histoire
La série de Formule 1 est née du Grand Prix automobile d'Europe (q.v. pour l'histoire d'avant 1947) des années 1920 et 1930. La formule est un ensemble de règles que toutes les voitures des participants doivent respecter. La Formule 1 était une nouvelle formule convenue après la Seconde Guerre mondiale en 1946, les premières courses hors championnat ayant eu lieu cette année-là. Un certain nombre d'organisations de courses de Grand Prix avaient établi les règles d'un championnat du monde avant la guerre, mais en raison de la suspension des courses pendant le conflit, le Championnat du monde des pilotes n'a été officialisé qu'en 1947. La première course de championnat du monde a eu lieu à Silverstone. , Royaume-Uni en 1950. Un championnat pour les constructeurs a suivi en 1958. Des championnats nationaux existaient en Afrique du Sud et au Royaume-Uni dans les années 1960 et 1970. Des épreuves de Formule 1 hors championnat ont eu lieu pendant de nombreuses années, mais en raison du coût croissant de la compétition, la dernière d'entre elles a eu lieu en 1983.
Retour des courses
Le premier Championnat du Monde des Pilotes a été remporté par l'Italien Giuseppe Farina sur son Alfa Romeo en 1950, battant de justesse son coéquipier argentin Juan Manuel Fangio. Cependant, Fangio a remporté le titre en 1951, 1954, 1955, 1956 et 1957 (son record de cinq titres de champion du monde a duré 45 ans jusqu'à ce que le pilote allemand Michael Schumacher remporte son sixième titre en 2003), sa séquence étant interrompue (après une blessure). par le double champion Alberto Ascari de Ferrari. Bien que le Britannique Stirling Moss ait pu concourir régulièrement, il n'a jamais réussi à remporter le championnat du monde et est désormais largement considéré comme le plus grand pilote à n'avoir jamais remporté le titre. Fangio, cependant, est connu pour avoir dominé la première décennie de la Formule 1 et a longtemps été considéré comme le « Grand Maître » de la Formule 1.
Cette période comprenait des équipes dirigées par les constructeurs automobiles Alfa Romeo, Ferrari, Mercedes-Benz et Maserati ; qui avaient tous concouru avant la guerre. Les premières saisons se sont déroulées avec des voitures d'avant-guerre comme la 158 d'Alfa. Elles étaient à moteur avant, avec des pneus étroits et des moteurs de 1,5 litre suralimenté ou de 4,5 litres atmosphérique. Les championnats du monde de 1952 et 1953 se sont déroulés selon la réglementation de la Formule 2, pour des voitures plus petites et moins puissantes, en raison des inquiétudes concernant le manque de voitures de Formule 1 disponibles. Lorsqu'une nouvelle Formule 1, pour les moteurs limités à 2,5 litres, a été réintégrée au championnat du monde en 1954, Mercedes-Benz a présenté la W196 avancée, qui présentait des innovations telles que des soupapes desmodromiques et l'injection de carburant ainsi qu'une carrosserie profilée fermée. Les pilotes Mercedes ont remporté le championnat pendant deux ans, avant que l'équipe ne se retire de tout sport automobile à la suite de la catastrophe du Mans en 1955.
Les Garagistes
Le premier développement technologique majeur, la réintroduction par Bugatti des voitures à moteur central (à la suite des syndicats automobiles pionniers de Ferdinand Porsche dans les années 1930), s'est produit avec la Type 251, qui a échoué. L'Australien Jack Brabham, champion du monde en 1959, 1960 et 1966, prouva rapidement la supériorité du modèle à moteur central. En 1961, tous les concurrents réguliers étaient passés aux voitures à moteur central. La Ferguson P99, une conception à quatre roues motrices, a été la dernière voiture de F1 à moteur avant à participer à une course de championnat du monde. Elle a été engagée au Grand Prix de Grande-Bretagne de 1961, la seule voiture à moteur avant à concourir cette année-là.
Le premier champion du monde britannique fut Mike Hawthorn, qui conduisit une Ferrari au titre lors de la saison 1958. Cependant, lorsque Colin Chapman est entré en F1 en tant que concepteur de châssis et plus tard fondateur de Team Lotus, les coureurs verts britanniques ont fini par dominer le peloton pendant la décennie suivante. Parmi eux, Brabham, Jim Clark, Jackie Stewart, John Surtees, Graham Hill et Denny Hulme, les équipes britanniques et les pilotes du Commonwealth ont remporté douze championnats du monde entre 1962 et 1973.
En 1962, Lotus a présenté une voiture avec un châssis monocoque en tôle d'aluminium au lieu du design traditionnel à châssis spatial. Il s’agit de la plus grande avancée technologique depuis l’introduction des voitures à moteur central. En 1968, Lotus a peint la livrée Imperial Tobacco sur ses voitures, introduisant ainsi le parrainage dans ce sport.
L’appui aérodynamique a lentement gagné en importance dans la conception automobile depuis l’apparition des profils aérodynamiques à la fin des années 1960. À la fin des années 1970, Lotus a introduit l'aérodynamique à effet de sol (précédemment utilisée sur la Chaparral 2J de Jim Hall en 1970) qui fournissait une force d'appui énorme et des vitesses de virage considérablement accrues. Les forces aérodynamiques pressant les voitures sur la piste étaient si grandes (jusqu'à cinq fois le poids de la voiture) que des ressorts extrêmement rigides étaient nécessaires pour maintenir une hauteur de caisse constante, laissant la suspension pratiquement solide, dépendant entièrement des pneus pour une petite quantité de puissance. amortissement de la voiture et du conducteur contre les irrégularités de la chaussée.
Grosse affaire
À partir des années 1970, Bernie Ecclestone a réorganisé la gestion des droits commerciaux de la Formule 1 ; il est largement reconnu pour avoir transformé le sport en une entreprise multimilliardaire qu’il est aujourd’hui. Lorsqu'Ecclestone a acheté l'équipe Brabham en 1971, il a obtenu un siège au sein de l'Association des constructeurs de Formule 1 et en 1978, il en est devenu le président. Auparavant, les propriétaires du circuit contrôlaient les revenus des équipes et négociaient avec chacune individuellement, mais Ecclestone a persuadé les équipes de « chasser en meute » via la FOCA. Il a proposé la Formule 1 aux propriétaires de circuits sous la forme d'un package qu'ils pouvaient prendre ou laisser. En échange du forfait, il suffisait presque de renoncer à la publicité au bord de la voie.
La création de la Fédération Internationale du Sport Automobile (FISA) en 1979 a déclenché la controverse FISA-FOCA, au cours de laquelle la FISA et son président Jean-Marie Balestre se sont disputés à plusieurs reprises avec la FOCA sur les revenus télévisuels et les règlements techniques. Le Guardian a déclaré à propos de la FOCA qu'Ecclestone et Max Mosley "l'ont utilisée pour mener une guérilla avec un objectif à très long terme". La FOCA a menacé de créer une série rivale, a boycotté un Grand Prix et la FISA a retiré sa sanction sur les courses. Le résultat fut l'Accord Concorde de 1981, qui garantissait la stabilité technique, puisque les équipes devaient être informées dans un délai raisonnable des nouvelles réglementations. Bien que la FISA ait affirmé ses droits sur les revenus télévisés, elle a confié la gestion de ces droits à l'OFAC.
La FISA a imposé une interdiction de l'aérodynamique à effet de sol en 1983. Mais à cette époque, les moteurs turbocompressés, lancés par Renault en 1977, produisaient plus de 700 ch et étaient essentiels pour être compétitifs. En 1986, un moteur turbocompressé de BMW atteignait une pression de 5,5 bars, estimée à plus de 1 300 ch lors des qualifications du Grand Prix d'Italie. L'année suivante, la puissance en version course atteignait environ 1 100 ch, avec une pression de suralimentation limitée à seulement 4,0 bars. Ces voitures étaient les voitures de course sur circuit à roues ouvertes les plus puissantes jamais créées. Pour réduire la puissance du moteur et donc la vitesse, la FIA a limité la capacité du réservoir de carburant en 1984 et augmenté la pression en 1988 avant d'interdire complètement les moteurs turbocompressés en 1989.
Le développement des aides électroniques à la conduite a commencé dans les années 1980. Lotus a commencé à développer un système de suspension active qui est apparu pour la première fois en 1982 sur la 91. En 1987, ce système avait été perfectionné et a été conduit à la victoire par Ayrton Senna au Grand Prix de Monaco cette année-là. Au début des années 1990, d’autres équipes emboîtèrent le pas et les boîtes de vitesses semi-automatiques et l’antipatinage constituèrent une progression naturelle. La FIA, en raison de plaintes selon lesquelles la technologie déterminait l'issue des courses plus que les compétences du pilote, a interdit de nombreuses aides de ce type pour 1994. Cela a eu pour résultat que les voitures qui dépendaient auparavant des aides électroniques sont devenues très « nerveuses » et difficiles à conduire (en particulier la Williams AH16). De nombreux observateurs ont estimé que l'interdiction des aides à la conduite n'était que de nom car elles "s'avéraient difficiles à contrôler efficacement".
Les équipes ont signé un deuxième Accord Concorde en 1992 et un troisième en 1997, qui a expiré le dernier jour de 2007.
Sur la piste, les équipes McLaren et Williams ont dominé les années 1980 et 1990, Brabham étant également compétitif au début des années 1980, remportant deux championnats des pilotes avec Nelson Piquet. Propulsée par Porsche, Honda et Mercedes-Benz, McLaren a remporté seize championnats (sept constructeurs et neuf pilotes) au cours de cette période, tandis que Williams a utilisé des moteurs de Ford, Honda et Renault pour remporter également seize titres (neuf constructeurs et sept pilotes). Conducteurs'). La rivalité entre les pilotes Ayrton Senna et Alain Prost est devenue le point central de la F1 en 1988 et s'est poursuivie jusqu'à ce que Prost prenne sa retraite à la fin de 1993. Senna est décédé au Grand Prix de Saint-Marin 1994 après s'être écrasé contre un mur à la sortie du fameux virage Tamburello, ayant repris la direction de Prost chez Williams cette année-là. La FIA a travaillé pour améliorer les normes de sécurité du sport depuis ce week-end, au cours duquel Roland Ratzenberger a également perdu la vie dans un accident lors des qualifications de samedi. Aucun pilote n'était mort des suites de blessures subies sur la piste au volant d'une Formule 1 depuis 20 ans, jusqu'au Grand Prix du Japon 2014 où Jules Bianchi était entré en collision avec un véhicule de dépannage après un aquaplanage en sortie de circuit. Depuis 1994, trois commissaires de piste ont perdu la vie, l'un au Grand Prix d'Italie 2000, le deuxième au Grand Prix d'Australie 2001 et le troisième au Grand Prix du Canada 2013.
Depuis la mort de Senna et Ratzenberger, la FIA a utilisé la sécurité comme prétexte pour imposer des changements de règles qui autrement, en vertu de l'Accord Concorde, auraient dû être acceptés par toutes les équipes - notamment les changements introduits pour 1998. L'ère des « voies étroites » a abouti à l'apparition de voitures équipées de pneus arrière plus petits, d'une voie globalement plus étroite et de l'introduction de pneus rainurés pour réduire l'adhérence mécanique. Il devait y avoir quatre rainures à l'avant (trois la première année) et à l'arrière qui parcouraient toute la circonférence du pneu. L'objectif était de réduire les vitesses dans les virages et de produire des courses similaires à des conditions pluvieuses en imposant une zone de contact plus petite entre le pneu et la piste. Selon la FIA, cela visait à promouvoir les compétences des pilotes et à offrir un meilleur spectacle.
Les résultats ont été mitigés car le manque d'adhérence mécanique a conduit les concepteurs les plus ingénieux à combler le déficit grâce à l'adhérence aérodynamique – en poussant plus de force sur les pneus via des ailes et des dispositifs aérodynamiques, ce qui a entraîné moins de dépassements car ces dispositifs ont tendance à faire le sillage derrière la voiture est « sale » (turbulent), empêchant les autres voitures de suivre de près en raison de leur dépendance à l'air « pur » pour que la voiture adhère à la piste. Les pneus rainurés avaient également pour effet secondaire malheureux d'être initialement constitués d'un composé plus dur pour pouvoir retenir les blocs de bande de roulement rainurés, ce qui entraînait des accidents spectaculaires en période de défaillance de l'adhérence aérodynamique, car le composé plus dur ne pouvait pas non plus adhérer à la piste.
Les pilotes de McLaren, Williams, Renault (anciennement Benetton) et Ferrari, surnommés les « Big Four », ont remporté tous les championnats du monde de 1984 à 2008 et les équipes elles-mêmes ont remporté tous les championnats des constructeurs de 1979 à 2008. Grâce aux progrès technologiques de Dans les années 1990, le coût de la compétition en Formule 1 a considérablement augmenté. Cette augmentation des charges financières, combinée à la domination de quatre équipes (en grande partie financées par de grands constructeurs automobiles tels que Mercedes-Benz), a amené les équipes indépendantes les plus pauvres à lutter non seulement pour rester compétitives, mais aussi pour rester en activité, et a contraint plusieurs équipes à retirer. Depuis 1990, vingt-huit équipes se sont retirées de la Formule 1. Cela a incité l'ancien propriétaire de Jordan, Eddie Jordan, à déclarer que l'époque des corsaires compétitifs est révolue.
Retour des constructeurs
Michael Schumacher et Ferrari ont remporté cinq championnats des pilotes consécutifs (2000-2004) et six championnats des constructeurs consécutifs (1999-2004). Schumacher a établi de nombreux nouveaux records, notamment ceux de victoires en Grand Prix (91), de victoires en une saison (treize sur dix-huit) et de la plupart des championnats des pilotes (sept). La séquence de championnat de Schumacher s'est terminée le 25 septembre 2005 lorsque le pilote Renault Fernando Alonso est devenu le plus jeune champion de Formule 1 à cette époque. En 2006, Renault et Alonso remportent à nouveau les deux titres. Schumacher a pris sa retraite fin 2006 après seize ans en Formule 1, mais est sorti de sa retraite pour la saison 2010, courant pour la nouvelle équipe d'usine Mercedes pendant trois saisons.
Au cours de cette période, les règles du championnat ont été fréquemment modifiées par la FIA dans le but d'améliorer l'action sur piste et de réduire les coûts. Les ordres d'équipe, légaux depuis le début du championnat en 1950, ont été interdits en 2002 après plusieurs incidents au cours desquels des équipes ont ouvertement manipulé les résultats des courses, générant une publicité négative, notamment de la part de Ferrari lors du Grand Prix d'Autriche 2002. D'autres changements concernaient le format des qualifications, le système de notation des points, les règlements techniques et les règles spécifiant la durée de vie des moteurs et des pneus. Une « guerre des pneus » entre les fournisseurs Michelin et Bridgestone a vu les temps au tour chuter, même si lors du Grand Prix des États-Unis 2005 à Indianapolis, sept équipes sur dix n'ont pas couru lorsque leurs pneus Michelin ont été jugés dangereux, ce qui a conduit Bridgestone à devenir le seul fournisseur de pneus de Formule 1 pour la saison 2007. En 2006, Max Mosley a présenté un avenir « vert » pour la Formule 1, dans lequel l'utilisation efficace de l'énergie deviendrait un facteur important.
Depuis 1983, la Formule 1 était dominée par des équipes de course spécialisées comme Williams, McLaren et Benetton, utilisant des moteurs fournis par de grands constructeurs automobiles comme Mercedes-Benz, Honda, Renault et Ford. À partir de 2000, avec la création par Ford de l'équipe Jaguar, qui a largement échoué, de nouvelles équipes appartenant à des constructeurs sont entrées en Formule 1 pour la première fois depuis le départ d'Alfa Romeo et de Renault à la fin de 1985. En 2006, les équipes constructeurs – Renault, BMW , Toyota, Honda et Ferrari ont dominé le championnat, prenant cinq des six premières places du championnat des constructeurs. La seule exception était McLaren, qui à l’époque appartenait en partie à Mercedes Benz. Par l'intermédiaire de l'Association des constructeurs de Grand Prix (GPMA), ils ont négocié une part plus importante des bénéfices commerciaux de la Formule 1 et un plus grand mot à dire dans la gestion du sport.
Déclin des constructeurs et retour des corsaires
En 2008 et 2009, Honda, BMW et Toyota se sont toutes retirées de la Formule 1 en l’espace d’un an, invoquant la récession économique. Cela a entraîné la fin de la domination des constructeurs dans le sport. L'équipe Honda F1 a fait l'objet d'un rachat par la direction pour devenir Brawn GP, les célèbres designers de F1 Ross Brawn et Nick Fry dirigeant et détenant la majorité de l'organisation. Brawn GP a connu une douloureuse réduction de taille, licenciant des centaines d'employés, mais a finalement remporté les championnats du monde de l'année avec Jenson Button et Rubens Barrichello. BMW F1 a été rachetée par le fondateur original de l'équipe, Peter Sauber. L'équipe Lotus F1 est une autre écurie autrefois détenue par le constructeur qui est revenue à une propriété « privée », parallèlement au rachat de l'équipe Renault F1 par les investisseurs de Genii Capital ces dernières années. Un lien avec leurs précédents propriétaires subsiste cependant, leur voiture restant propulsée par un Renault Power Unit jusqu'en 2014.
McLaren a également annoncé qu'elle allait racheter les actions de son équipe à Mercedes Benz (le partenariat de McLaren avec Mercedes aurait commencé à se détériorer avec le projet de voiture de route McLaren Mercedes SLR et les championnats de F1 difficiles qui comprenaient la reconnaissance de McLaren coupable d'espionnage sur Ferrari. ). Ainsi, au cours de la saison 2010, Mercedes Benz est réintégrée dans le sport en tant que constructeur après le rachat de Brawn GP et s'est séparée de McLaren après 15 saisons avec l'équipe. Cela laisse Mercedes, McLaren et Ferrari comme les seuls constructeurs automobiles du sport, bien que McLaren et Ferrari aient commencé comme équipes de course plutôt que comme constructeurs.
AT&T Williams a confirmé vers la fin de 2009 son nouvel accord moteur avec Cosworth, qui a également fourni la vague de nouvelles équipes Virgin Racing, Hispania Racing F1 et la nouvelle équipe Lotus Racing. La sortie des constructeurs automobiles a également ouvert la voie à des équipes représentant leur pays, certaines bénéficiant du financement de leurs gouvernements nationaux respectifs (comme Lotus financé par la Malaisie, Lotus Cars appartenant à Proton, un constructeur malaisien, et Lotus Racing étant dirigée par Tony Fernandes, un homme d'affaires malaisien connu pour sa compagnie aérienne asiatique à bas prix). Williams a ensuite rejoint Renault en 2012, renouant avec un partenariat qui remonte au début et au milieu des années 1990. Cependant, le partenariat a été de courte durée et depuis la saison de F1 2014, Williams est en compétition avec la Mercedes Power Unit.
Un remaniement des règles en 2014 a permis à Mercedes de devenir la force dominante, avec Lewis Hamilton remportant le championnat suivi de près par son principal rival et coéquipier, Nico Rosberg, l'équipe remportant 16 des 19 courses cette saison (toutes les autres courses). victoires venant de Daniel Ricciardo de Red Bull). 2014 a également été marquée par une crise financière qui a entraîné la mise sous administration des équipes tardives Marussia et Caterham, parallèlement à l'avenir incertain de Force India et Sauber. Marussia est revenue sous le nom de Manor en 2015, une saison au cours de laquelle Ferrari était le seul challenger de Mercedes, Vettel remportant la victoire dans les trois Grands Prix que Mercedes n'a pas remportés. La saison 2016 a débuté de manière dominante pour Nico Rosberg, remportant les 4 premiers Grands Prix. Sa charge a été stoppée par Max Verstappen, qui a remporté sa première victoire en Espagne lors de sa première course pour Red Bull. Après l'arrêt de sa charge, le champion en titre Lewis Hamilton a réduit l'écart de points entre eux à un seul point.
Conflits politiques
Guerre FISA-FOCA
La bataille pour le contrôle de la Formule 1 opposait la Fédération Internationale du Sport Automobile (FISA), à l'époque un sous-comité autonome de la FIA, et la FOCA (l'Association des Constructeurs de Formule 1).
Les débuts du conflit sont nombreux et bon nombre des raisons sous-jacentes pourraient se perdre dans l’histoire. Les équipes (à l'exception de Ferrari et des autres grands constructeurs – Renault et Alfa Romeo en particulier) étaient d'avis que leurs droits et leur capacité à rivaliser avec des équipes plus grandes et mieux financées étaient affectés négativement par un parti pris perçu de la part du contrôle. (FISA) auprès des grands constructeurs.
De plus, la bataille tournait autour des aspects commerciaux du sport (les équipes de l'OFAC étaient mécontentes du déboursement des bénéfices des courses) et de la réglementation technique qui, de l'avis de l'OFAC, avait tendance à être malléable selon la nature du transgresseur. que la nature de la transgression.
La guerre a abouti au boycott de l'OFAC du Grand Prix de Saint-Marin 1982 quelques mois plus tard. En théorie, toutes les équipes de la FOCA étaient censées boycotter le Grand Prix en signe de solidarité et de plainte concernant le traitement des règlements et des compensations financières (et une opposition extrême à l'accession de Balestre au poste de président de la FISA : tant Colin Chapman de Lotus et Frank Williams de Williams a clairement déclaré qu'ils ne continueraient pas en Formule 1 avec Balestre comme gouverneur). Dans la pratique, plusieurs équipes de l'OFAC ont renoncé au boycott, invoquant des "obligations de sponsor". Parmi celles-ci figuraient les équipes Tyrrell et Toleman.
Différend FIA-FOTA
Au cours de la saison 2009 de Formule 1, le sport a été en proie à une crise de gouvernance. Le président de la FIA, Max Mosley, a proposé de nombreuses mesures de réduction des coûts pour la saison suivante, notamment un plafond budgétaire facultatif pour les équipes ; les équipes choisissant de respecter le plafond budgétaire bénéficieraient d'une plus grande liberté technique, d'ailerons avant et arrière réglables et d'un moteur non soumis à un limiteur de régime. L'Association des équipes de Formule 1 (FOTA) estimait que permettre à certaines équipes d'avoir une telle liberté technique aurait créé un championnat « à deux niveaux », et a donc demandé des discussions urgentes avec la FIA. Cependant, les discussions ont échoué et les équipes de la FOTA ont annoncé, à l'exception de Williams et Force India, qu'« elles n'avaient pas d'autre choix » que de former une série de championnats séparatistes.
Le 24 juin, un accord a été conclu entre l'instance dirigeante de la Formule 1 et les équipes pour empêcher une série séparatiste. Il a été convenu que les équipes devraient réduire leurs dépenses au niveau du début des années 1990 d'ici deux ans ; les chiffres exacts n'ont pas été précisés et Max Mosley a convenu qu'il ne se représenterait pas à la présidence de la FIA en octobre. Suite à de nouveaux désaccords après que Max Mosley a suggéré qu'il se présenterait aux élections, la FOTA a clairement indiqué que les projets de sécession étaient toujours en cours. Le 8 juillet, la FOTA a publié un communiqué de presse indiquant qu'elle avait été informée qu'elle n'était pas inscrite pour la saison 2010, et un communiqué de presse de la FIA indiquait que les représentants de la FOTA avaient quitté la réunion. Le 1er août, il a été annoncé que la FIA et la FOTA avaient signé un nouvel accord Concorde, mettant fin à la crise et assurant l'avenir du sport jusqu'en 2012.
Hors championnat du monde
Les termes « course de Formule 1 » et « course de Championnat du Monde » sont en fait synonymes ; depuis 1984, chaque course de Formule 1 compte pour un championnat du monde officiel de la FIA, et chaque course du championnat du monde est régie par les règlements de la Formule 1. Dans l'histoire antérieure de la Formule 1, de nombreuses courses se sont déroulées en dehors du championnat du monde, et des championnats locaux conformes aux réglementations de la Formule 1 ont également eu lieu. Ces événements se déroulaient souvent sur des circuits qui n'étaient pas adaptés au Championnat du Monde et mettaient en vedette des voitures et des pilotes locaux ainsi que ceux participant au Championnat.
Courses européennes hors championnat
Dans les premières années de la Formule 1, avant la création du championnat du monde, une vingtaine de courses se déroulaient de la fin du printemps au début de l'automne en Europe, même si toutes n'étaient pas considérées comme significatives. La plupart des voitures compétitives venaient d'Italie, notamment Alfa Romeo. Après le début du championnat du monde, ces courses hors championnat se sont poursuivies. Dans les années 1950 et 1960, de nombreuses courses de Formule 1 ne comptaient pas pour le Championnat du Monde ; Au total, vingt-deux courses de Formule 1 ont eu lieu, dont six seulement comptaient pour le Championnat du Monde. En 1952 et 1953, lorsque le championnat du monde était organisé pour les voitures de Formule 2, les épreuves hors championnat étaient les seules courses de Formule 1 qui avaient lieu.
Certaines courses, notamment au Royaume-Uni, notamment la Race of Champions, l'Oulton Park International Gold Cup et l'International Trophy, ont réuni la majorité des prétendants au championnat du monde. D'autres événements plus petits étaient régulièrement organisés dans des lieux ne faisant pas partie du championnat, comme les Grands Prix de Syracuse et du Danemark, bien que ceux-ci n'attirent qu'un petit nombre d'équipes du championnat et reposaient sur des inscriptions privées et des voitures de Formule inférieure pour constituer la grille. Celles-ci sont devenues moins courantes au cours des années 1970 et 1983 a vu la dernière course de Formule 1 hors championnat ; la Race of Champions 1983 à Brands Hatch, remportée par le champion du monde en titre Keke Rosberg sur une Williams-Cosworth dans un combat serré avec l'Américain Danny Sullivan.
Championnat sud-africain de Formule 1
Le florissant championnat national de Formule 1 d'Afrique du Sud s'est déroulé de 1960 à 1975. Les voitures de pointe de la série ont récemment été retirées du championnat du monde, bien qu'il y ait également une bonne sélection de machines construites ou modifiées localement. Les pilotes de pointe de la série disputaient généralement leur Grand Prix de Championnat du Monde local, ainsi que des événements européens occasionnels, bien qu'ils aient eu peu de succès à ce niveau.
Série britannique de Formule 1
Le DFV a contribué à rendre possible la série nationale de Formule 1 au Royaume-Uni entre 1978 et 1980. Comme en Afrique du Sud une décennie auparavant, les voitures d'occasion de constructeurs comme Lotus et Fittipaldi Automotive étaient à l'ordre du jour, même si certaines, comme la March 781, ont été construits spécifiquement pour la série. En 1980, la série a vu la Sud-Africaine Desiré Wilson devenir la seule femme à remporter une course de Formule 1 lorsqu'elle a triomphé à Brands Hatch au volant d'une Wolf WR3.
Course et stratégie
Un événement du Grand Prix de Formule 1 s'étend sur un week-end. Cela commence par deux séances d'essais libres le vendredi (sauf à Monaco, où les essais du vendredi sont décalés au jeudi), et un essai libre le samedi. Des pilotes supplémentaires (communément appelés troisièmes pilotes) sont autorisés à courir le vendredi, mais seules deux voitures peuvent être utilisées par équipe, ce qui oblige un pilote de course à céder sa place. Une séance de qualification a lieu après la dernière séance d'essais libres. Cette séance détermine l'ordre de départ de la course du dimanche.
Qualification
Pendant une grande partie de l'histoire du sport, les séances de qualification différaient peu des séances d'entraînement ; les pilotes auraient une ou plusieurs séances au cours desquelles ils établiraient leur meilleur temps, l'ordre de la grille étant déterminé par le meilleur tour de chaque pilote, le plus rapide étant en pole position. Les grilles étaient généralement limitées à 26 voitures – si la course comptait plus d'inscrits, la qualification déciderait également quels pilotes prendraient le départ de la course. Au début des années 1990, le nombre d'inscriptions était si élevé que les équipes les moins performantes devaient participer à une séance de pré-qualification, les voitures les plus rapides étant autorisées à accéder à la séance de qualification principale. Le format des qualifications a commencé à changer à la fin des années 1990, la FIA expérimentant la limitation du nombre de tours, déterminant le temps cumulé sur deux séances et n'accordant à chaque pilote qu'un seul tour de qualification.
Le système de qualification actuel a été adopté lors de la saison 2006. Connues sous le nom de qualifications « à élimination directe », elles sont divisées en trois périodes, appelées Q1, Q2 et Q3. Dans chaque période, les pilotes effectuent des tours de qualification pour tenter de passer à la période suivante, les pilotes les plus lents étant « éliminés » à la fin de la période et leurs positions sur la grille sont définies en fonction de leurs meilleurs temps au tour. Les pilotes ont droit à autant de tours qu'ils le souhaitent au cours de chaque période. Après chaque période, tous les temps sont réinitialisés et seul le tour le plus rapide d'un pilote au cours de cette période (sauf infractions) compte. Tout tour chronométré commencé avant la fin de cette période pourra être complété et comptera pour le classement de ce pilote. Le nombre de voitures éliminées à chaque période dépend du nombre total de voitures engagées dans le championnat. Actuellement, avec 22 voitures, la Q1 dure 18 minutes et élimine les six pilotes les plus lents. Pendant cette période, tout pilote dont le meilleur temps au tour dépasse 107 % du meilleur temps de la Q1 ne sera pas autorisé à prendre le départ de la course sans l'autorisation des commissaires sportifs. Cette règle n’affecte pas les pilotes du deuxième ou du troisième trimestre. En Q2, les 16 pilotes restants disposent de 15 minutes pour réaliser l'un des dix meilleurs temps et passer à la période suivante. Enfin, la Q3 dure 12 minutes et voit les dix pilotes restants décider des dix premières positions sur la grille. Au début de la saison de Formule 1 2016, la FIA a introduit un nouveau format de qualification, selon lequel les pilotes étaient éliminés toutes les 90 secondes après un certain temps dans chaque séance. L'objectif était de mélanger les positions sur la grille pour la course, mais en raison de l'impopularité, la FIA est revenue au format de qualification ci-dessus pour le GP de Chine, après avoir appliqué ce format pour seulement deux courses.
Les pilotes peuvent utiliser l’un des trois composés de pneus disponibles tout au long de la séance de qualification. Depuis la saison 2016, trois composés de pneus sont disponibles pour chaque course. Cela était dû à l'introduction par Pirelli du nouveau composé ultratendre. Au cours des saisons précédentes, seuls deux composés étaient disponibles par course, le composé « primaire » et « option ». Chaque voiture participant à la période finale reçoit un jeu supplémentaire de pneus disponibles les plus tendres. Les dix premiers pilotes sur dix doivent prendre le départ de la course avec le pneu ayant réalisé le meilleur temps en Q2, sauf si la météo impose l'utilisation de pneus pluie. Toutes les pénalités affectant la position sur la grille sont appliquées à la fin des qualifications. Des pénalités sur la grille peuvent être appliquées pour des infractions de conduite lors du Grand Prix précédent ou actuel, ou pour le changement d'une boîte de vitesses ou d'un composant du moteur. Si une voiture échoue aux vérifications techniques, le pilote sera exclu des qualifications, mais sera autorisé à prendre le départ de la course depuis le fond de la grille, à la discrétion du commissaire de course.
Course
La course commence par un tour de chauffe, après quoi les voitures se rassemblent sur la grille de départ dans l'ordre de leur qualification. Ce tour est souvent appelé tour de formation, car les voitures tournent en formation sans dépassement (bien qu'un pilote qui commet une erreur puisse regagner le terrain perdu à condition qu'il ne soit pas tombé en fond de peloton). Le tour de chauffe permet aux pilotes de vérifier l'état de la piste et de leur voiture, donne aux pneus une chance de s'échauffer pour augmenter la traction, et donne également aux équipes des stands le temps de se dégager ainsi que leur équipement de la grille.
Une fois que toutes les voitures se sont formées sur la grille, un système lumineux au-dessus de la piste indique le départ de la course : cinq feux rouges sont allumés à intervalles d'une seconde ; ils s'éteignent alors tous simultanément après un temps indéterminé (typiquement moins de 3 secondes) pour signaler le départ de la course. La procédure de départ pourra être abandonnée si un pilote cale sur la grille, signalé en levant le bras. Si cela se produit, la procédure recommence : un nouveau tour de formation commence avec la voiture fautive retirée de la grille. La course peut également être relancée en cas d'accident grave ou de conditions dangereuses, le départ initial étant annulé. La course peut être lancée derrière la voiture de sécurité si les officiels estiment qu'un départ de course serait excessivement dangereux, comme par exemple en cas de pluie extrêmement forte. Il n’y a pas de tour de formation lorsque les courses démarrent derrière la voiture de sécurité.
Dans des circonstances normales, le vainqueur de la course est le premier pilote à franchir la ligne d'arrivée après avoir effectué un nombre de tours déterminé, ce qui, additionné, devrait donner une distance d'environ 305 km [260 km pour Monaco]. Les officiels de la course peuvent mettre fin à la course plus tôt (en lançant un drapeau rouge) en raison de conditions dangereuses telles que des précipitations extrêmes. | http://www.quizballs.com/ |
La Journée du drapeau national est célébrée en Estonie pendant quel mois de l'année ? | juin | [
"Le 24 septembre 1939, des navires de guerre de la Marine rouge apparurent au large des ports estoniens et des bombardiers soviétiques commencèrent une patrouille au-dessus de Tallinn et de la campagne voisine. Le gouvernement estonien a été contraint de donner son accord à un accord autorisant l'URSS à établir des bases militaires et à stationner 25 000 soldats sur le sol estonien pour une « défense mutuelle ». Le 12 juin 1940, l'ordre d'un blocus militaire total de l'Estonie fut donné à la flotte soviétique de la Baltique.",
"Le 14 juin, alors que l'attention du monde était concentrée la veille sur la chute de Paris aux mains de l'Allemagne nazie, le blocus militaire soviétique sur l'Estonie entra en vigueur : deux bombardiers soviétiques abattirent l'avion de ligne finlandais \"Kaleva\" reliant Tallinn à Helsinki et transportant trois passagers. valises diplomatiques des délégations américaines à Tallinn, Riga et Helsinki. Le 16 juin, l’Union soviétique envahit l’Estonie. L'Armée rouge a quitté ses bases militaires en Estonie le 17 juin. Le lendemain, quelque 90 000 soldats supplémentaires entraient dans le pays. Face à la force soviétique écrasante, le gouvernement estonien capitula le 17 juin 1940 pour éviter une effusion de sang.",
"L'occupation militaire de l'Estonie était terminée le 21 juin.",
"La plupart des forces de défense estoniennes se sont rendues conformément aux ordres du gouvernement estonien, estimant que la résistance était inutile et ont été désarmées par l'Armée rouge. Seul le bataillon estonien indépendant des transmissions a résisté aux unités d'autodéfense populaire de l'Armée rouge et de la milice communiste devant le lycée XXI de Tallinn le 21 juin. Alors que l'Armée rouge apportait des renforts supplémentaires appuyés par six véhicules blindés de combat, la bataille dura plusieurs heures jusqu'au coucher du soleil. Finalement, la résistance militaire a pris fin par des négociations et le bataillon indépendant des transmissions s'est rendu et a été désarmé. Il y a eu deux militaires estoniens morts, Aleksei Männikus et Johannes Mandre, et plusieurs blessés du côté estonien et une dizaine de tués et davantage de blessés du côté soviétique.",
"Le 6 août 1940, l’Estonie fut annexée par l’Union soviétique sous le nom de RSS d’Estonie. Les dispositions de la constitution estonienne exigeant un référendum populaire pour décider de l'adhésion à un organisme supranational ont été ignorées. Au lieu de cela, le vote en faveur de l'adhésion à l'Union soviétique a été remporté par les élus lors des élections tenues le mois précédent. De plus, ceux qui n'avaient pas accompli leur « devoir politique » de faire entrer l'Estonie dans l'URSS, en particulier ceux qui n'avaient pas fait tamponner leur passeport pour voter, ont été condamnés à mort par les tribunaux soviétiques. Les répressions suivirent avec les déportations massives menées par les Soviétiques en Estonie le 14 juin 1941. De nombreux dirigeants politiques et intellectuels du pays furent tués ou déportés vers des régions reculées de l'URSS par les autorités soviétiques en 1940-1941. Des mesures répressives ont également été prises contre des milliers de personnes ordinaires.",
"Après l'invasion de l'Union soviétique par l'Allemagne le 22 juin 1941, la Wehrmacht franchit la frontière sud de l'Estonie le 7 juillet. L'Armée rouge s'est retirée derrière la ligne rivière Pärnu - Emajõgi le 12 juillet. Fin juillet, les Allemands reprirent leur avance en Estonie en travaillant en tandem avec les Frères forestiers estoniens. Les troupes allemandes et les partisans estoniens prirent Narva le 17 août et la capitale estonienne Tallinn le 28 août. Après que les Soviétiques furent chassés d’Estonie, les troupes allemandes désarmèrent tous les groupes partisans."
] | L'Estonie (; ), officiellement la République d'Estonie (), est un pays de la région baltique de l'Europe du Nord. Elle est bordée au nord par le golfe de Finlande, à l'ouest par la mer Baltique, au sud par la Lettonie (343 km) et à l'est par le lac Peipus et la Russie (338,6 km). De l’autre côté de la mer Baltique se trouvent la Suède à l’ouest et la Finlande au nord. Le territoire de l'Estonie se compose d'un continent et de 2 222 îles et îlots dans la mer Baltique, couvrant 45 339 km2 de terre, et est influencé par un climat continental humide.
Le territoire de l’Estonie est habité depuis au moins 6 500 avant notre ère, et les locuteurs finno-ougriens – les ancêtres linguistiques des Estoniens modernes – sont arrivés au plus tard vers 1 800 avant notre ère. Après des siècles de domination successive des Teutoniques, des Danois, des Suédois et des Russes, les Estoniens ont connu un réveil national qui a culminé avec l'indépendance de l'Empire russe vers la fin de la Première Guerre mondiale. Pendant la Seconde Guerre mondiale, l'Estonie a été occupée par l'Union soviétique en 1940, puis l'Allemagne nazie un an plus tard, puis de nouveau annexée par les Soviétiques en 1944, après quoi elle fut reconstituée sous le nom de République socialiste soviétique d'Estonie. En 1988, pendant la Révolution chantante, la RSS d'Estonie a publié la Déclaration de souveraineté estonienne au mépris du régime soviétique illégal, et l'indépendance a été restaurée dans la nuit du 20 août 1991, lors de la tentative de coup d'État des Soviétiques en 1991.
L'Estonie moderne est une république parlementaire démocratique divisée en quinze comtés, dont la capitale et la plus grande ville est Tallinn. Avec une population de 1,3 million d'habitants, c'est l'un des États membres les moins peuplés de l'Union européenne, de la zone euro, de l'Organisation du Traité de l'Atlantique Nord (OTAN), de l'OCDE et de l'espace Schengen.
Les Estoniens de souche sont un peuple finnois partageant des liens culturels étroits avec leur voisin du nord, la Finlande, et la langue officielle, l'estonien, est une langue finno-ougrienne étroitement liée au finnois et aux langues sami, et lointainement au hongrois.
L’Estonie est un pays développé dont l’économie est avancée et à revenus élevés et qui connaît la croissance la plus rapide de l’UE. Il se classe très haut dans l’indice de développement humain et obtient de bons résultats en termes de liberté économique, de libertés civiles, d’éducation et de liberté de la presse.
Étymologie
Dans la langue estonienne, le plus ancien endonyme connu des Estoniens était .
Une hypothèse concernant le nom moderne de l'Estonie est qu'il proviendrait des Aesti, un peuple décrit par l'historien romain Tacite dans son Germania (vers 98 après JC). Cependant, les Aesti historiques semblent avoir été un peuple balte, alors que les Estoniens modernes ont des origines finno-ougriennes.
Les anciennes sagas scandinaves font référence à une terre appelée Eistland, comme le pays est encore appelé en islandais, et proche du terme danois, allemand, néerlandais, suédois et norvégien pour le pays. Les premières versions latines et autres versions anciennes du nom sont Estia et Hestia.
Esthonia était une orthographe anglaise alternative courante avant 1921.
Histoire
Préhistoire
L'établissement humain en Estonie est devenu possible il y a 11 000 à 13 000 ans, lorsque la glace de la dernière ère glaciaire a fondu. La colonie la plus ancienne connue en Estonie est la colonie de Pulli, située sur les rives de la rivière Pärnu, près de la ville de Sindi, dans le sud-ouest de l'Estonie. Selon la datation au radiocarbone, elle a été colonisée il y a environ 11 000 ans, au début du neuvième millénaire avant JC.
Des preuves ont été trouvées de l'existence de communautés de chasseurs et de pêcheurs vers 6 500 avant JC près de la ville de Kunda, dans le nord de l'Estonie. Des objets en os et en pierre similaires à ceux trouvés à Kunda ont été découverts ailleurs en Estonie, ainsi qu'en Lettonie, dans le nord de la Lituanie et dans le sud de la Finlande. La culture Kunda appartient à l’âge de pierre moyen, ou période mésolithique.
La fin de l’âge du bronze et le début de l’âge du fer ont été marqués par de grands changements culturels. Le plus important a été la transition vers l’agriculture, qui est restée au cœur de l’économie et de la culture. Entre le premier et le cinquième siècle après J.-C., l'agriculture résidente s'est largement implantée, la population a augmenté et la colonisation s'est étendue. Les influences culturelles de l'Empire romain ont atteint l'Estonie.
Dans son livre Germania, l'historien romain Tacite (vers 98 après J.-C.) décrit la tribu des Aesti. Tacite mentionne leur terme pour l'ambre sous une forme apparemment latinisée, glesum (cf. glīsas letton). C'est le seul mot de leur langue enregistré depuis l'Antiquité. Pour cette raison, les Aestii sont généralement considérés comme les ancêtres des peuples baltes ultérieurs.
S'ensuivit un Moyen Âge du Fer plus troublé et plus marqué par la guerre, avec des menaces extérieures provenant à la fois des tribus baltes, qui attaquèrent de l'autre côté de la frontière terrestre sud, et de l'étranger. Plusieurs sagas scandinaves font état de campagnes de représailles contre l'Estonie. Les Vikings estoniens ont mené des raids similaires contre les tribus scandinaves, les marquant comme une puissance dominante dans la région baltique. Les « pillards païens » qui pillèrent la ville suédoise de Sigtuna au début du Moyen Âge, en 1187, étaient des Estoniens.
Au cours des premiers siècles de notre ère, des subdivisions politiques et administratives ont commencé à apparaître en Estonie. Deux subdivisions plus grandes sont apparues : la province (estonien : kihelkond) et la terre (estonien : maakond). Plusieurs anciens ou villages constituaient une province. Presque toutes les provinces possédaient au moins une forteresse. Le roi ou un autre haut fonctionnaire administratif dirigeait la défense de la zone locale. Au XIIIe siècle, l'Estonie comprenait les provinces suivantes : Revala, Harjumaa, Saaremaa, Hiiumaa, Läänemaa, Alempois, Sakala, Ugandi, Jogentagana, Soopoolitse, Vaiga, Mõhu, Nurmekund, Järvamaa et Virumaa.
Les premiers Estoniens pratiquaient une religion païenne centrée sur une divinité appelée Tharapita. La Chronique d'Henri de Livonie mentionne Tharapita comme le dieu supérieur des Oéséliens (habitants de l'île de Saaremaa). Therapita était également bien connue des tribus vironiennes du nord de l'Estonie.
Âge viking
Les Oeséliens ou Osiliens (estonien saarlased ; singulier : saarlane) étaient une subdivision historique d'Estoniens habitant Saaremaa (; ; ), une île estonienne de la mer Baltique. Ils ont été mentionnés pour la première fois dès le deuxième siècle avant JC dans la Géographie III de Ptolémée. Les Oeséliens étaient connus dans les sagas islandaises en vieux norrois et à Heimskringla sous le nom de Víkingr frá Esthland (Vikings estoniens). Leurs voiliers étaient appelés bateaux pirates par Henri de Lettonie dans ses chroniques latines écrites au début du XIIIe siècle.
Le raid le plus célèbre des pirates œséliens a peut-être eu lieu en 1187, avec l'attaque de la ville suédoise de Sigtuna par des pillards finlandais venus de Couronie et d'Oesel. Parmi les victimes de ce raid se trouvait l'archevêque suédois Johannes. La ville resta occupée pendant un certain temps, contribuant à son déclin en tant que centre de commerce au XIIIe siècle et à l'essor d'Uppsala, Visby, Kalmar et Stockholm. La Chronique de Livonie décrit les Oéséliens comme utilisant deux types de navires, les piraticas et les liburnes. Le premier était un navire de guerre, le second était principalement un navire marchand. Un piratica pouvait transporter environ 30 hommes et avait une haute proue en forme de dragon ou de tête de serpent et une voile rectangulaire. Les trésors estoniens de l’ère viking contiennent principalement des pièces de monnaie et des lingots d’argent. Saaremaa possède les découvertes de trésors vikings les plus riches après Gotland en Suède. Cela suggère fortement que l’Estonie était un pays de transit important à l’époque viking.
Le dieu supérieur des Oéséliens tel que décrit par Henri de Lettonie s'appelait Tharapita. Selon la légende de la chronique, Tharapita est né sur une montagne boisée à Virumaa (), en Estonie continentale d'où il s'est envolé pour Oesel, Saaremaa. Le nom Taarapita a été interprété comme "Taara, au secours !"/"Thor, au secours !" (Taara a(v)ita en estonien) ou « Taara keeper »/« Thor keeper » (Taara pidaja) Taara est associé au dieu scandinave Thor. L'histoire du vol de Tharapita ou Taara de Vironia à Saaremaa a été associée à un désastre météorique majeur qui aurait eu lieu en 660 ± 85 avant JC et qui a formé le cratère Kaali à Saaremaa.
Estonie danoise
Le Danemark est devenu une grande puissance militaire et marchande au XIIe siècle. Elle s'est battue pour mettre fin aux fréquentes attaques des Vikings estoniens qui menaçaient son commerce avec la Baltique. Les flottes danoises attaquèrent l'Estonie en 1170, 1194 et 1197. En 1206, le roi Valdemar II et l'archevêque Andreas Sunonis menèrent un raid sur l'île d'Ösel (Saaremaa). Les rois du Danemark revendiquèrent l'Estonie comme leur possession, ce qui fut reconnu par le pape.
La capitale de l'Estonie danoise ( ) était Reval (Tallinn), fondée à la place de Lyndanisse après l'invasion de 1219. Les Danois construisirent la forteresse de Castrum Danorum sur la colline de Toompea. Les Estoniens appellent encore leur capitale « Tallinn », qui, selon la légende, dérive de Taani linna (qui signifie ville ou château danois). Reval obtint le droit de ville de Lübeck (1248) et rejoignit la Ligue hanséatique. Aujourd'hui encore, l'influence danoise est visible dans les symboles héraldiques. La croix danoise figure sur les armoiries de la ville de Tallinn, et les armoiries de l'Estonie comportent trois lions similaires à ceux que l'on trouve sur les armoiries danoises.
Lors de la nuit de la Saint-Georges () le 23 avril 1343, la population indigène estonienne du duché d'Estonie, de l'évêché d'Ösel-Wiek et des territoires insulaires de l'État de l'ordre teutonique tenta de se débarrasser des dirigeants et propriétaires danois et allemands. , qui avait conquis le pays au XIIIe siècle lors de la croisade de Livonie, et d'éradiquer la religion chrétienne non autochtone. Après un premier succès, la révolte se termina par l'invasion de l'Ordre Teutonique. En 1346, le duché d'Estonie fut vendu pour 19 000 marks de Cologne à l'ordre teutonique par le roi du Danemark. Le transfert de souveraineté du Danemark à l'État de l'Ordre teutonique eut lieu le 1er novembre 1346.
En 1559, pendant la guerre de Livonie, l'évêque d'Ösel-Wiek en Vieille Livonie vendit ses terres au roi Frédéric II du Danemark pour 30 000 thalers. Le roi danois céda le territoire à son jeune frère Magnus, qui débarqua à Saaremaa avec une armée en 1560. L'ensemble de Saaremaa devint une possession danoise en 1573 et le resta jusqu'à son transfert à la Suède en 1645.
Moyen-âge
Au début du XIIIe siècle, Lembitu de Lehola, chef de Sakala, chercha à unifier le peuple estonien et à contrecarrer les conquêtes danoises et germaniques lors de la croisade de Livonie. Il réussit à rassembler une armée de 6 000 hommes estoniens de différents comtés, mais il fut tué lors de la bataille de la Saint-Matthieu en septembre 1217.
De 1228, après la croisade de Livonie, jusqu'aux années 1560, l'Estonie faisait partie de Terra Mariana, établie le 2 février 1207 en tant que principauté du Saint-Empire romain germanique et proclamée par le pape Innocent III en 1215 comme sujette au Saint-Siège. Les régions méridionales du pays ont été conquises par les Frères d'Épée de Livonie qui ont rejoint l'Ordre Teutonique en 1237 et sont devenus sa branche connue sous le nom d'Ordre de Livonie. Le duché d'Estonie a été créé dans la partie nord du pays et était sous la domination directe du roi du Danemark de 1219 à 1346, date à laquelle il fut vendu à l'Ordre Teutonique et devint une partie de l'Ordenstaat. En 1343, les habitants du nord de l'Estonie et de Saaremaa se sont rebellés contre la domination allemande lors du soulèvement de la nuit de Saint-Georges, qui a été réprimé en 1345. L'échec de la rébellion a conduit à une consolidation du pouvoir de la minorité allemande balte. Au cours des siècles suivants, ils sont restés l’élite dirigeante, tant dans les villes que dans les campagnes.
Reval (connu sous le nom de Tallinn depuis 1918) obtint les droits de Lübeck en 1248 et rejoignit une alliance de guildes commerciales appelée Ligue hanséatique à la fin du XIIIe siècle.
Après le déclin de l'Ordre Teutonique suite à sa défaite lors de la bataille de Grunwald en 1410 et la défaite de l'Ordre de Livonie lors de la bataille de Swienta le 1er septembre 1435, l'Accord de la Confédération de Livonie fut signé le 4 décembre 1435. La Confédération de Livonie cessa exister pendant la guerre de Livonie (1558-1582). Les guerres avaient réduit la population estonienne d'environ 250 à 300 000 personnes avant la guerre de Livonie à 120 à 140 000 personnes dans les années 1620.
Le Grand-Duché de Moscou et le Tsarisme de Russie ont également tenté des invasions en 1481 et 1558, qui ont toutes deux échoué.
Estonie suédoise
La Réforme en Europe a officiellement commencé en 1517 avec Martin Luther (1483-1546) et ses 95 thèses. La Réforme a profondément modifié la région baltique. Ses idées arrivèrent rapidement à la Confédération de Livonie et, dans les années 1520, elles étaient largement répandues. La langue, l'éducation, la religion et la politique ont été transformées. Les services religieux se déroulaient désormais dans la langue vernaculaire au lieu du latin, auparavant utilisé. Pendant la guerre de Livonie en 1561, le nord de l'Estonie se soumit au contrôle suédois. Dans les années 1560, deux voïvodies du sud de l'Estonie actuelle, la voïvodie de Dorpat (région de Tartu) et la voïvodie de Parnawa (région de Pärnu), sont devenues le duché autonome de Livonie au sein du Commonwealth polono-lituanien, sous le contrôle conjoint de la couronne polonaise et du Grand-Duché. . En 1629, l’Estonie continentale passa entièrement sous domination suédoise. L'Estonie était administrativement divisée entre les provinces d'Estonie au nord et de Livonie au sud de l'Estonie et au nord de la Lettonie. Cette division a persisté jusqu'au début du XXe siècle.
En 1631, le roi suédois Gustav II Adolf obligea la noblesse à accorder de plus grands droits à la paysannerie, tout en conservant le servage. Sous le roi Charles XI, les grands domaines nobles revinrent à la couronne suédoise, transformant ainsi les serfs en agriculteurs contribuables. En 1632, une imprimerie et une université furent créées dans la ville de Dorpat (connue sous le nom de Tartu depuis 1918). Cette période est connue dans l’histoire estonienne sous le nom de « la bonne vieille époque suédoise ».
La population de l'Estonie a augmenté régulièrement jusqu'à l'apparition de la peste en 1657. Au cours de la grande famine de 1695-1697, quelque 70 000 personnes ont péri, soit près de 20 % de la population.
Éveil national et empire russe
Après la capitulation de l'Estonie et de la Livonie pendant la Grande Guerre du Nord (1700-1721), l'empire suédois perdit l'Estonie au profit de la Russie par le Traité de Nystad. Cependant, les classes supérieures et la classe moyenne supérieure restaient principalement des Allemands baltes. La guerre a dévasté la population de l’Estonie, mais celle-ci s’est rapidement rétablie. Bien que les droits des paysans aient été initialement affaiblis, le servage a été aboli en 1816 dans la province d'Estonie et en 1819 en Livonie.
À la suite de l'abolition du servage et de l'accès à l'éducation pour la population native de langue estonienne, un mouvement nationaliste estonien actif s'est développé au XIXe siècle. Cela a commencé au niveau culturel, aboutissant à l’établissement de la littérature, du théâtre et de la musique professionnelle en langue estonienne et a conduit à la formation de l’identité nationale estonienne et à l’ère de l’éveil. Parmi les dirigeants du mouvement figuraient Johann Voldemar Jannsen, Jakob Hurt et Carl Robert Jakobson.
Des réalisations importantes furent la publication de l'épopée nationale Kalevipoeg en 1862 et l'organisation du premier festival national de chant en 1869. En réponse à une période de russification initiée par l'Empire russe dans les années 1890, le nationalisme estonien prit une tonalité plus politique, les intellectuels réclamaient d’abord une plus grande autonomie et, plus tard, une indépendance totale vis-à-vis de l’Empire russe.
Indépendance
À la suite de la prise du pouvoir par les bolcheviks en Russie après la Révolution d'Octobre 1917 et des victoires allemandes contre l'armée russe, entre la retraite de l'Armée rouge russe et l'arrivée des troupes allemandes en progression, le Comité des Anciens du Maapäev a publié la Déclaration d'indépendance estonienne en 1917. Pärnu le 23 février et à Tallinn le 24 février 1918.
Le pays fut occupé par les troupes allemandes et le traité de Brest-Litowsk fut signé, par lequel le gouvernement russe renonça à toutes prétentions sur l'Estonie. Les Allemands y restèrent jusqu'en novembre 1918, date à laquelle, avec la fin de la guerre à l'ouest, les soldats retournèrent en Allemagne, laissant une ouverture dont profitèrent les troupes bolcheviques pour se diriger vers l'Estonie. Cela provoqua la guerre d'indépendance estonienne qui devait durer 14 mois.
Après avoir remporté la guerre d'indépendance estonienne contre la Russie soviétique et plus tard contre les volontaires du corps franc allemand et de la Baltische Landeswehr, qui avaient auparavant combattu aux côtés de l'Estonie, le traité de paix de Tartu fut signé le 2 février 1920. La République d'Estonie fut reconnue (de jure) par Finlande le 7 juillet 1920, Pologne le 31 décembre 1920, Argentine le 12 janvier 1921, par les Alliés occidentaux le 26 janvier 1921 et par l'Inde le 22 septembre 1921.
L'Estonie a conservé son indépendance pendant vingt-deux ans. Initialement démocratie parlementaire, le parlement (Riigikogu) a été dissous en 1934, à la suite de troubles politiques provoqués par la crise économique mondiale. Par la suite, le pays fut gouverné par décret par Konstantin Päts, devenu président en 1938, l'année de la reprise des élections législatives.
Deuxième Guerre mondiale
Le sort de l'Estonie pendant la Seconde Guerre mondiale a été décidé par le Pacte de non-agression germano-soviétique et son protocole additionnel secret d'août 1939. Les victimes de la Seconde Guerre mondiale en Estonie sont estimées à environ 25 % de la population. Les décès dus à la guerre et à l'occupation ont été estimés à 90 000. Il s’agit notamment des déportations soviétiques en 1941, des déportations allemandes et des victimes de l’Holocauste.
Occupation soviétique
En août 1939, Joseph Staline obtint l'accord d'Adolf Hitler pour diviser l'Europe de l'Est en « sphères d'intérêt particulier » conformément au pacte Molotov-Ribbentrop et à son protocole additionnel secret.
Le 24 septembre 1939, des navires de guerre de la Marine rouge apparurent au large des ports estoniens et des bombardiers soviétiques commencèrent une patrouille au-dessus de Tallinn et de la campagne voisine. Le gouvernement estonien a été contraint de donner son accord à un accord autorisant l'URSS à établir des bases militaires et à stationner 25 000 soldats sur le sol estonien pour une « défense mutuelle ». Le 12 juin 1940, l'ordre d'un blocus militaire total de l'Estonie fut donné à la flotte soviétique de la Baltique.
Le 14 juin, alors que l'attention du monde était concentrée la veille sur la chute de Paris aux mains de l'Allemagne nazie, le blocus militaire soviétique sur l'Estonie entra en vigueur : deux bombardiers soviétiques abattirent l'avion de ligne finlandais "Kaleva" reliant Tallinn à Helsinki et transportant trois passagers. valises diplomatiques des délégations américaines à Tallinn, Riga et Helsinki. Le 16 juin, l’Union soviétique envahit l’Estonie. L'Armée rouge a quitté ses bases militaires en Estonie le 17 juin. Le lendemain, quelque 90 000 soldats supplémentaires entraient dans le pays. Face à la force soviétique écrasante, le gouvernement estonien capitula le 17 juin 1940 pour éviter une effusion de sang.
L'occupation militaire de l'Estonie était terminée le 21 juin.
La plupart des forces de défense estoniennes se sont rendues conformément aux ordres du gouvernement estonien, estimant que la résistance était inutile et ont été désarmées par l'Armée rouge. Seul le bataillon estonien indépendant des transmissions a résisté aux unités d'autodéfense populaire de l'Armée rouge et de la milice communiste devant le lycée XXI de Tallinn le 21 juin. Alors que l'Armée rouge apportait des renforts supplémentaires appuyés par six véhicules blindés de combat, la bataille dura plusieurs heures jusqu'au coucher du soleil. Finalement, la résistance militaire a pris fin par des négociations et le bataillon indépendant des transmissions s'est rendu et a été désarmé. Il y a eu deux militaires estoniens morts, Aleksei Männikus et Johannes Mandre, et plusieurs blessés du côté estonien et une dizaine de tués et davantage de blessés du côté soviétique.
Le 6 août 1940, l’Estonie fut annexée par l’Union soviétique sous le nom de RSS d’Estonie. Les dispositions de la constitution estonienne exigeant un référendum populaire pour décider de l'adhésion à un organisme supranational ont été ignorées. Au lieu de cela, le vote en faveur de l'adhésion à l'Union soviétique a été remporté par les élus lors des élections tenues le mois précédent. De plus, ceux qui n'avaient pas accompli leur « devoir politique » de faire entrer l'Estonie dans l'URSS, en particulier ceux qui n'avaient pas fait tamponner leur passeport pour voter, ont été condamnés à mort par les tribunaux soviétiques. Les répressions suivirent avec les déportations massives menées par les Soviétiques en Estonie le 14 juin 1941. De nombreux dirigeants politiques et intellectuels du pays furent tués ou déportés vers des régions reculées de l'URSS par les autorités soviétiques en 1940-1941. Des mesures répressives ont également été prises contre des milliers de personnes ordinaires.
Lorsque l’opération allemande Barbarossa a débuté contre l’Union soviétique, environ 34 000 jeunes Estoniens ont été enrôlés de force dans l’Armée rouge, dont moins de 30 % ont survécu à la guerre. Les prisonniers politiques qui n'ont pas pu être évacués ont été exécutés par le NKVD.
De nombreux pays, dont le Royaume-Uni et les États-Unis, n’ont pas reconnu de jure l’annexion de l’Estonie par l’URSS. Ces pays reconnaissaient les diplomates et consuls estoniens qui fonctionnaient toujours au nom de leurs anciens gouvernements. Ces diplomates ont persisté dans cette situation anormale jusqu'à la restauration définitive de l'indépendance balte.
La version officielle soviétique et la version russe actuelle affirment que les Estoniens ont volontairement renoncé à leur statut d'État. Les partisans anticommunistes de 1944 à 1976 sont qualifiés de « bandits » ou de « nazis », bien que la position russe ne soit pas reconnue au niveau international.
Occupation allemande
Après l'invasion de l'Union soviétique par l'Allemagne le 22 juin 1941, la Wehrmacht franchit la frontière sud de l'Estonie le 7 juillet. L'Armée rouge s'est retirée derrière la ligne rivière Pärnu - Emajõgi le 12 juillet. Fin juillet, les Allemands reprirent leur avance en Estonie en travaillant en tandem avec les Frères forestiers estoniens. Les troupes allemandes et les partisans estoniens prirent Narva le 17 août et la capitale estonienne Tallinn le 28 août. Après que les Soviétiques furent chassés d’Estonie, les troupes allemandes désarmèrent tous les groupes partisans.
Bien qu'au départ les Allemands aient été accueillis par la plupart des Estoniens comme des libérateurs de l'URSS et de ses oppressions, et que des espoirs aient été suscités pour la restauration de l'indépendance du pays, on s'est vite rendu compte que les nazis n'étaient qu'une autre puissance occupante. Les Allemands ont utilisé les ressources de l'Estonie pour leur effort de guerre ; pendant la durée de l'occupation, l'Estonie a été incorporée à la province allemande de l'Ostland. Les Allemands et leurs collaborateurs ont également perpétré l’Holocauste en Estonie au cours duquel ils ont établi un réseau de camps de concentration et assassiné des milliers de Juifs estoniens et de Tsiganes estoniens, d’autres Estoniens, de Juifs non estoniens et de prisonniers de guerre soviétiques.
Certains Estoniens, refusant de se ranger directement du côté des nazis, rejoignirent l'armée finlandaise (qui était alliée aux nazis) pour lutter contre l'Union soviétique. Le Régiment d'infanterie finlandais 200 (estonien : soomepoisid) a été formé à partir de volontaires estoniens en Finlande. Bien que de nombreux Estoniens aient été recrutés dans les forces armées allemandes (y compris la Waffen-SS estonienne), la majorité d'entre eux ne l'ont fait qu'en 1944, lorsque la menace d'une nouvelle invasion de l'Estonie par l'Armée rouge était devenue imminente. En janvier 1944, l'Estonie était de nouveau confrontée à la perspective d'une invasion de l'Armée rouge et le dernier Premier ministre légitime de la République d'Estonie (selon la Constitution de la République d'Estonie) prononça un discours radiophonique demandant à tous les hommes valides nés à partir de 1904 jusqu'en 1923 pour se présenter au service militaire. L'appel a abouti à environ 38 000 nouveaux enrôlements et plusieurs milliers d'Estoniens qui avaient rejoint l'armée finlandaise sont revenus pour rejoindre la nouvelle Force de défense territoriale, chargée de défendre l'Estonie contre l'avancée soviétique. On espérait qu'en s'engageant dans une telle guerre, l'Estonie serait en mesure d'attirer le soutien occidental à l'indépendance de l'Estonie.
Estonie soviétique
Les forces soviétiques ont reconquis l'Estonie à l'automne 1944 après des combats dans le nord-est du pays sur la rivière Narva, sur la ligne Tannenberg (Sinimäed), dans le sud-est de l'Estonie, sur la rivière Emajõgi et dans l'archipel estonien occidental.
Face à la réoccupation du pays par l'Armée rouge, des dizaines de milliers d'Estoniens (dont une majorité de spécialistes de l'éducation, de la culture, des sciences, de la politique et du social) ont choisi soit de se retirer avec les Allemands, soit de fuir vers la Finlande ou la Suède. où ils cherchèrent refuge dans d'autres pays occidentaux, souvent à bord de navires de réfugiés tels que le SS Walnut. Le 12 janvier 1949, le Conseil des ministres soviétique publia un décret « sur l'expulsion et la déportation » des États baltes de « tous les koulaks et leurs familles, les familles des bandits et des nationalistes », et autres.
Plus de 10 % de l’ensemble de la population balte adulte a été déportée ou envoyée dans des camps de travail soviétiques. En réponse à l'insurrection continue contre le régime soviétique, plus de 20 000 Estoniens ont été déportés de force vers des camps de travail ou en Sibérie. Presque tous les ménages ruraux restants étaient collectivisés.
Après la Seconde Guerre mondiale, dans le cadre de l’objectif d’intégration plus complète des pays baltes à l’Union soviétique, des déportations massives ont été menées dans les pays baltes et la politique visant à encourager l’immigration soviétique vers les États baltes s’est poursuivie.
La moitié des déportés ont péri et l’autre moitié n’a été autorisée à revenir qu’au début des années 1960 (des années après la mort de Staline). Les activités des forces soviétiques en 1940-1941 et après la réoccupation ont déclenché une guérilla contre les autorités soviétiques en Estonie par les Forest Brothers, composés principalement d'anciens combattants estoniens des armées allemande et finlandaise et de quelques civils. Ce conflit s'est poursuivi jusqu'au début des années 1950. Les dégâts matériels causés par la guerre mondiale et l'ère soviétique qui a suivi ont considérablement ralenti la croissance économique de l'Estonie, créant ainsi un écart de richesse important par rapport à la Finlande et à la Suède voisines.
La militarisation était un autre aspect de l’État soviétique. De grandes parties du pays, en particulier les zones côtières, étaient fermées à tous, sauf à l'armée soviétique. La majeure partie du littoral et toutes les îles maritimes (y compris Saaremaa et Hiiumaa) ont été déclarées « zones frontalières ». Les personnes qui n’y résidaient pas n’avaient pas le droit de s’y rendre sans permis. Une installation militaire fermée notable était la ville de Paldiski, entièrement fermée à tout accès public. La ville disposait d'une base de soutien pour les sous-marins de la flotte soviétique de la Baltique et de plusieurs grandes bases militaires, dont un centre de formation de sous-marins nucléaires doté d'une maquette grandeur nature d'un sous-marin nucléaire doté de réacteurs nucléaires en état de marche. Le bâtiment des réacteurs de Paldiski est passé sous contrôle estonien en 1994 après le départ des dernières troupes russes du pays. L'immigration était un autre effet de l'occupation soviétique. Des centaines de milliers de migrants ont été transférés vers l'Estonie depuis d'autres régions de l'Union soviétique pour soutenir l'industrialisation et la militarisation, contribuant ainsi à une augmentation d'environ un demi-million de personnes en 45 ans.
Retour à l'indépendance
Les États-Unis, le Royaume-Uni, la France, l’Italie et la majorité des autres pays occidentaux considéraient comme illégale l’annexion de l’Estonie par l’URSS. Ils ont entretenu des relations diplomatiques avec les représentants de la République indépendante d'Estonie, n'ont jamais reconnu de jure l'existence de la RSS d'Estonie et n'ont jamais reconnu l'Estonie comme partie juridique constituante de l'Union soviétique. Le retour de l'Estonie à l'indépendance est devenu possible alors que l'Union soviétique était confrontée à des défis de régime internes, relâchant son emprise sur l'empire extérieur. Au fur et à mesure que les années 1980 avançaient, un mouvement en faveur de l’autonomie estonienne commença. Au cours de la période initiale de 1987 à 1989, il s’agissait en partie d’une plus grande indépendance économique, mais à mesure que l’Union soviétique s’affaiblissait et qu’il devenait de plus en plus évident que rien d’autre qu’une indépendance totale ne suffirait, l’Estonie s’est engagée sur la voie de l’autodétermination.
En 1989, lors de la « Révolution chantante », lors d'une manifestation historique en faveur d'une plus grande indépendance, plus de deux millions de personnes ont formé une chaîne humaine s'étendant à travers la Lituanie, la Lettonie et l'Estonie, appelée la Voie Baltique. Les trois nations ont vécu des expériences d’occupation similaires et ontspiré à retrouver leur indépendance. La Déclaration de souveraineté estonienne a été publiée le 16 novembre 1988. Le 20 août 1991, l'Estonie a déclaré son indépendance formelle lors de la tentative de coup d'État militaire soviétique à Moscou, reconstituant ainsi l'État d'avant 1940. L'Union soviétique a reconnu l'indépendance de l'Estonie le 6 septembre 1991. Le premier pays à reconnaître diplomatiquement l'indépendance retrouvée de l'Estonie fut l'Islande. Les dernières unités de l’armée russe sont parties le 31 août 1994.
L'Estonie a rejoint l'OTAN le 29 mars 2004.
Après avoir signé un traité le 16 avril 2003, l'Estonie faisait partie du groupe des dix pays admis dans l'Union européenne le 1er mai 2004.
L'Estonie a célébré son 90e anniversaire entre le 28 novembre 2007 et le 28 novembre 2008.
Chronologie de l'histoire territoriale
Géographie
L'Estonie se trouve sur la rive orientale de la mer Baltique, juste en face du golfe de Finlande, dans la partie nord-ouest de la plate-forme ascendante de l'Europe de l'Est, entre 57,3° et 59,5° N et 21,5° et 28,1° E. L'altitude moyenne atteint seulement 50 m. et le point culminant du pays est le Suur Munamägi au sud-est à 318 m. Il y a 3 794 km de côtes marquées par de nombreuses baies, détroits et criques. Le nombre d'îles et d'îlots est estimé à quelque 2 355 (y compris ceux des lacs). Deux d'entre eux sont suffisamment grands pour constituer des comtés distincts : Saaremaa et Hiiumaa. Un petit groupe récent de cratères de météorites, dont le plus grand s'appelle Kaali, se trouve à Saaremaa, en Estonie.
L'Estonie est située dans la partie nord de la zone climatique tempérée et dans la zone de transition entre le climat maritime et continental. L'Estonie compte quatre saisons de durée presque égale. Les températures moyennes varient des îles baltes à l'intérieur des terres en juillet, le mois le plus chaud, et des îles baltes à l'intérieur des terres en février, le mois le plus froid. La température annuelle moyenne en Estonie est de . Les précipitations moyennes entre 1961 et 1990 variaient entre 535 et par an.
La couverture neigeuse, qui est la plus épaisse dans la partie sud-est de l'Estonie, dure généralement de la mi-décembre à la fin mars. L'Estonie compte plus de 1 400 lacs. La plupart sont très petits, le plus grand, le lac Peipus, mesurant 3 555 km2. Il existe de nombreuses rivières dans le pays. Les plus longs d'entre eux sont Võhandu (162 km), Pärnu (144 km) et Põltsamaa (135 km). L'Estonie possède de nombreux marais et tourbières. Les forêts couvrent 61 % du territoire estonien. Les espèces d'arbres les plus courantes sont le pin, l'épicéa et le bouleau.
Sur le plan phytogéographique, l'Estonie est partagée entre les provinces d'Europe centrale et d'Europe de l'Est de la région circumboréale au sein du royaume boréal. Selon le WWF, le territoire de l'Estonie appartient à l'écorégion des forêts mixtes sarmatiques.
divisions administratives
Fichier:Comtés d'Estonie 2006 blue.svg|350px|right|Comtés d'Estonie
poly 149 174 230 291 137 327 40 263 Comté de Hiiu
poly 197 110 338 228 338 319 263 375 203 242 Comté de l'Ouest
poly 225 294 271 387 233 585 38 511 21 363 Comté de la Sarre
poly 534 33 567 172 515 174 492 245 421 185 342 240 246 141 Comté de Harju
poly 531 35 567 168 514 176 572 197 569 221 594 244 597 263 666 247 693 192 670 170 666 85 Comté de Lääne-Viru
poly 669 77 667 170 693 192 665 246 704 273 805 244 874 107 Comté d'Ida-Viru
poly 340 240 422 185 490 246 475 314 443 318 433 308 374 323 338 322 Comté de Rapla
poly 270 375 337 318 373 327 433 307 486 314 477 352 453 361 449 408 484 421 446 495 345 546 Comté de Pärnu
poly 476 309 515 173 573 197 569 223 594 243 596 275 546 317 505 340 484 335 491 313 Comté de Järva
département de Viljandi
poly 597 367 546 316 597 265 665 246 707 274 735 310 684 344 Comté de Jõgeva
poly 600 365 676 347 748 300 809 443 731 412 662 452 637 439 591 461 Comté de Tartu
poly 525 512 556 461 637 442 662 453 658 495 632 501 652 588 622 598 Comté de Valga
poly 656 492 660 452 732 412 806 445 840 514 756 522 753 501 Comté de Põlva
poly 634 502 659 493 756 502 756 521 816 524 765 612 654 619 Comté de Võru
La République d'Estonie est divisée en quinze comtés (Maakonnad), qui sont les subdivisions administratives du pays. La première référence documentée aux subdivisions politiques et administratives estoniennes vient de la Chronique d'Henri de Livonie, écrite au XIIIe siècle pendant les croisades du Nord.
Un maakond (comté) est la plus grande subdivision administrative.
Le gouvernement de comté (Maavalitsus) de chaque comté est dirigé par un gouverneur de comté (Maavanem), qui représente le gouvernement national au niveau régional. Les gouverneurs sont nommés par le gouvernement estonien pour un mandat de cinq ans. Plusieurs changements ont été apportés aux frontières des comtés après l'indépendance de l'Estonie, notamment la formation du comté de Valga (à partir de parties des comtés de Võru, Tartu et Viljandi) et du comté de Petseri (zone acquise à la Russie avec le traité de paix de Tartu de 1920).
Pendant le régime soviétique, le comté de Petseri a été annexé et cédé à la SFSR russe en 1945, où il est devenu Petchorsky. | http://www.quizballs.com/ |
Qui a remporté le British Open Golf Championship 2013 ? | Phil Mickelson | [
"L'Open Championship 2013 était le 142e Open Championship, organisé du 18 au 21 juillet au Muirfield Golf Links à Gullane, East Lothian, en Écosse. Phil Mickelson a tiré un dernier tour 66 (−5) pour remporter son cinquième titre majeur, trois coups devant le finaliste Henrik Stenson. Mickelson a commencé la ronde cinq coups en arrière, à égalité pour la neuvième place. Ian Poulter, Adam Scott et le leader des 54 trous Lee Westwood sont à égalité au troisième rang, quatre derrière Mickelson.",
"Keegan Bradley (12,14,17), Tim Clark, Jason Day, Jamie Donaldson (6), Jason Dufner (14,17), Gonzalo Fernández-Castaño (6), Rickie Fowler (14), Jim Furyk (14,17). ), Sergio García (14,17), Robert Garrigus (14), Branden Grace (6,20), Bill Haas, Peter Hanson (6,17), Thongchai Jaidee (6), Martin Kaymer (6,12,17) , David Lynn (6), Hunter Mahan (14), Matteo Manassero (6,7), Rory McIlroy (6,10,12,14,17), Phil Mickelson (9,11,14,17), Francesco Molinari ( 6,17), Ryan Moore (14), Carl Pettersson (14), Scott Piercy (14), D. A. Points, Justin Rose (6,10,14,17), Charl Schwartzel (6,11), Webb Simpson (10 ,14,17), Henrik Stenson, Kevin Streelman, Michael Thompson, Bo Van Pelt (14), Nick Watney (14), Bubba Watson (11,14,17), Lee Westwood (6,14,17)",
"Zach Johnson a été le leader du premier tour après avoir tiré un 66 sous la normale de 5. Johnson et l'outsider indien Shiv Kapur ont atteint 6 sous la normale au cours de leurs tours avant de lâcher des tirs sur les neuf arrières les plus difficiles, Kapur le faisant dans des conditions difficiles de l'après-midi en réalisant six birdies. de ses sept premiers trous. Deux Espagnols, Miguel Ángel Jiménez (49 ans) et Rafael Cabrera-Bello, avaient également atteint 5 sous avant des bogeys tardifs, tout comme le vétéran Mark O'Meara. Deux golfeurs seniors figuraient parmi les cinq premiers : O'Meara (56 ans), le champion de 1998, était à égalité au deuxième rang avec 67 et Tom Lehman (54 ans), le champion de 1996, était à égalité au quatrième rang avec 68. Le champion en titre Ernie Els tir 74 (+3), terni par un triple-bogey après un problème de bunker à la 16e. Le numéro un mondial Tiger Woods, jouant dans des conditions difficiles ultérieures, a débuté avec un bogey après avoir accroché son coup de départ et pris un mensonge injouable, mais s'est frayé un chemin pour revenir à 69 (−2) dans la recherche de son 15e championnat majeur. Le numéro deux mondial Rory McIlroy, hors de forme, a cependant eu du mal à atteindre un 79 (+8) malgré une heure de départ précoce. Phil Mickelson, quadruple champion majeur et vainqueur de l'Open d'Écosse de la semaine précédente, a également obtenu un 69 malgré un bogey final."
] | L'Open Championship 2013 était le 142e Open Championship, organisé du 18 au 21 juillet au Muirfield Golf Links à Gullane, East Lothian, en Écosse. Phil Mickelson a tiré un dernier tour 66 (−5) pour remporter son cinquième titre majeur, trois coups devant le finaliste Henrik Stenson. Mickelson a commencé la ronde cinq coups en arrière, à égalité pour la neuvième place. Ian Poulter, Adam Scott et le leader des 54 trous Lee Westwood sont à égalité au troisième rang, quatre derrière Mickelson.
Lieu
L'événement de 2013 était le 16e championnat ouvert disputé à Muirfield. Le plus récent remonte à 2002, lorsque Ernie Els a remporté son troisième championnat majeur en séries éliminatoires contre Stuart Appleby, Steve Elkington, et finalement lors d'une série éliminatoire à mort subite contre Thomas Levet. Nick Faldo a remporté le précédent Open sur place, en 1992 ; le premier était en 1892.
Disposition du cours
Le parcours a été prolongé de 158 mètres depuis le championnat de 2002.
Source:
Durées des parcours pour les Opens depuis 1950 :
Champ
Chaque joueur est classé selon la première catégorie dans laquelle il s'est qualifié, mais les autres catégories sont indiquées entre parenthèses.
1. Les Open Champions âgés de 60 ans ou moins au 21 juillet 2013
Mark Calcavecchia (3,4), Stewart Cink (2,3), Darren Clarke (2,3), Ben Curtis (2,3), David Duval, Ernie Els (2,3,4,5,14), Nick Faldo, Todd Hamilton (2), Pádraig Harrington (2,3,12), Paul Lawrie (5,6,17), Tom Lehman, Justin Leonard (3), Sandy Lyle, Mark O'Meara, Louis Oosthuizen (2, 3,5,6,14), Tiger Woods (2,3,4,5,13,14,17)
* John Daly s'est retiré en raison d'une blessure au coude.
* Éligibles mais n'ont pas concouru : Ian Baker-Finch, Greg Norman (3), Nick Price.
2. Les champions ouverts pour 2003-2012
3. Les Open Champions terminent parmi les 10 premiers et sont à égalité pour la 10e place de l'Open Championship 2008-2012.
Tom Watson
4. Les 10 premiers et tous ceux qui sont à égalité pour la 10e place de l'Open Championship 2012 à Royal Lytham & St Annes
Thomas Aiken, Nicolas Colsaerts (5,6,17), Luke Donald (5,6,7,14,17), Miguel Ángel Jiménez (6), Dustin Johnson (5,14,17), Zach Johnson (5,14 ,17), Matt Kuchar (5,13,14,17), Graeme McDowell (5,6,10,17), Alexander Norén (6), Geoff Ogilvy, Thorbjørn Olesen (5,6), Ian Poulter (5, 6,17), Adam Scott (5,11,14), Vijay Singh, Brandt Snedeker (5,14,17)
5. Les 50 premiers joueurs du classement officiel mondial du golf pour la semaine 21 2013
Keegan Bradley (12,14,17), Tim Clark, Jason Day, Jamie Donaldson (6), Jason Dufner (14,17), Gonzalo Fernández-Castaño (6), Rickie Fowler (14), Jim Furyk (14,17). ), Sergio García (14,17), Robert Garrigus (14), Branden Grace (6,20), Bill Haas, Peter Hanson (6,17), Thongchai Jaidee (6), Martin Kaymer (6,12,17) , David Lynn (6), Hunter Mahan (14), Matteo Manassero (6,7), Rory McIlroy (6,10,12,14,17), Phil Mickelson (9,11,14,17), Francesco Molinari ( 6,17), Ryan Moore (14), Carl Pettersson (14), Scott Piercy (14), D. A. Points, Justin Rose (6,10,14,17), Charl Schwartzel (6,11), Webb Simpson (10 ,14,17), Henrik Stenson, Kevin Streelman, Michael Thompson, Bo Van Pelt (14), Nick Watney (14), Bubba Watson (11,14,17), Lee Westwood (6,14,17)
*Steve Stricker (14,17) n'est pas entré.
6. 30 premiers de la Race to Dubai pour 2012
Rafael Cabrera-Bello, George Coetzee, Marcus Fraser, Shane Lowry, Richie Ramsay, Marcel Siem, Bernd Wiesberger, Danny Willett
7. Les vainqueurs du championnat BMW PGA pour 2011-2013
8. Les 5 premiers membres de l'European Tour et tous les membres de l'European Tour à égalité pour la 5ème place, non exemptés, dans le top 20 de la Race to Dubai à l'issue de l'Alstom Open de France 2013.
Thomas Bjørn, Mikko Ilonen, Brett Rumford, Richard Sterne, Marc Warren
9. Le champion de l'Open d'Écosse pour 2013
10. Les champions de l'US Open pour 2009-2013
Lucas Glover
11. Les champions du tournoi Masters pour 2009-2013
Angel Cabrera
12. Les champions de la PGA pour 2008-2012
YE Yang
13. Les joueurs champions 2011-2013
K.J. Choi
14. Les 30 premiers qualifiés pour le Tour Championship 2012
John Huh, John Senden
15. Les 5 premiers membres du PGA Tour et tous les membres du PGA Tour à égalité pour la 5ème place, non exemptés dans le top 20 de la liste des points de la PGA Tour FedEx Cup pour 2013 à la fin de la The Greenbrier Classic 2013.
Harris English, Russell Henley, Billy Horschel, Jimmy Walker, Boo Weekley
16. Le gagnant de la John Deere Classic 2013
Jordan Spieth
17. Joueurs des équipes de la Ryder Cup 2012
18. Premier et tous ceux qui sont à égalité pour la 1ère place de l'Ordre du mérite de la tournée asiatique pour 2012
Wiratchant dégelé
19. Premier et tous ceux qui sont à égalité pour la 1ère place de l'Ordre du Mérite du Tour d'Australasie pour 2012
Pierre Sénior
20. Premier et tous ceux qui sont à égalité pour la 1ère place de l'Ordre du mérite du Southern Africa PGA Sunshine Tour pour 2012
21. Le champion de l'Open du Japon 2012
Kenichi Kuboya
22. Les 2 premiers et tous ceux qui sont à égalité pour la 2ème place, non exemptés, sur la liste officielle des gains du Japan Golf Tour pour 2012.
Hiroyuki Fujita, Toru Taniguchi
23. Les 4 meilleurs joueurs, non exemptés, des Mizuno OpenTies 2013 ont été départagés en faveur du joueur ayant le classement mondial le plus élevé au début du tournoi.
Makoto Inoue, Brendan Jones, Shingo Katayama, Kim Kyung-tae
24. Les 2 premiers et tous ceux qui sont à égalité pour la 2e place, dans une liste d'argent cumulée tirée de tous les événements officiels du Japan Golf Tour 2013 jusqu'au Mizuno Open 2013 inclus.
Kim Hyung-sung, Satoshi Kodaira
25. Le champion senior ouvert 2012
Fred Couples
26. Le champion amateur de 2013
Garrick Porteous (a)
27. Le champion amateur américain pour 2012
Steven Fox (a)
28. Le champion d'Europe amateur 2012
Rhys Pugh (a)
29. Le lauréat de la médaille Mark H. McCormack pour 2012
*Chris Williams a perdu son exemption en devenant professionnel après l'US Open.
Qualifications finales internationales
Australasie : Mark Brown, Stephen Dartnall, Steven Jeffress
Asie : Kiradech Aphibarnrat, Daisuke Maruyama, Hideki Matsuyama, Wu Ashun
Afrique : Eduardo de la Riva, Justin Harding, Darryn Lloyd
Amérique : Scott Brown, Bud Cauley, Brian Davis, Luke Guthrie, Robert Karlsson, Josh Teater, Camilo Villegas, Johnson Wagner
Europe : Grégory Bourdy, Niclas Fasth, Oliver Fisher, Estanislao Goya, Scott Jamieson, Brooks Koepka, Gareth Maybin, Richard McEvoy, Álvaro Quirós
Qualifications finales locales
Dunbar : Grant Forrest (a), Shiv Kapur, John Wade
Gullane n°1 : Matthew Fitzpatrick (a), Oscar Florén, Ben Stow (a)
North Berwick : Jimmy Mullen (a), George Murray, Gareth Wright
Le Musselburgh : Tyrrell Hatton, Lloyd Saltman, Steven Tiley
* (a) désigne un amateur
Suppléants
Pour compléter le total de 156 inscrits, des joueurs supplémentaires ont été tirés au sort à partir du classement officiel mondial du golf en date du 7 juillet 2013 (à condition que le joueur soit inscrit à l'Open et ne se retire pas des qualifications).
# Jonas Blixt (classé 51)
# Martin Laird (59)
# Fredrik Jacobson (63)
#Marc Leishman (66)
#Graham DeLaet (67)
#Kyle Stanley (68)
#Chris Wood (70)
#Ken Duke (73)
# Stephen Gallacher (75) a remplacé John Daly
# Scott Stallings (76) a pris la place réservée au champion du Scottish Open
Anciens champions dans le domaine
J'ai fait la coupe
J'ai raté la coupe
Résumés des cycles
Premier tour
jeudi 18 juillet 2013
Zach Johnson a été le leader du premier tour après avoir tiré un 66 sous la normale de 5. Johnson et l'outsider indien Shiv Kapur ont atteint 6 sous la normale au cours de leurs tours avant de lâcher des tirs sur les neuf arrières les plus difficiles, Kapur le faisant dans des conditions difficiles de l'après-midi en réalisant six birdies. de ses sept premiers trous. Deux Espagnols, Miguel Ángel Jiménez (49 ans) et Rafael Cabrera-Bello, avaient également atteint 5 sous avant des bogeys tardifs, tout comme le vétéran Mark O'Meara. Deux golfeurs seniors figuraient parmi les cinq premiers : O'Meara (56 ans), le champion de 1998, était à égalité au deuxième rang avec 67 et Tom Lehman (54 ans), le champion de 1996, était à égalité au quatrième rang avec 68. Le champion en titre Ernie Els tir 74 (+3), terni par un triple-bogey après un problème de bunker à la 16e. Le numéro un mondial Tiger Woods, jouant dans des conditions difficiles ultérieures, a débuté avec un bogey après avoir accroché son coup de départ et pris un mensonge injouable, mais s'est frayé un chemin pour revenir à 69 (−2) dans la recherche de son 15e championnat majeur. Le numéro deux mondial Rory McIlroy, hors de forme, a cependant eu du mal à atteindre un 79 (+8) malgré une heure de départ précoce. Phil Mickelson, quadruple champion majeur et vainqueur de l'Open d'Écosse de la semaine précédente, a également obtenu un 69 malgré un bogey final.
Deuxième tour
vendredi 19 juillet 2013
À la fin du deuxième tour, neuf joueurs étaient sous le par et la ligne de coupe était de +8. Jiménez était leader avec 139 (−3). Dustin Johnson, Henrik Stenson, Lee Westwood et Woods étaient tous derrière à 140.
Troisième tour
samedi 20 juillet 2013
Westwood a tiré 70 (−1) pour prendre l'avance sur 54 trous à 210 (−3), qui comprenait un long aigle au 5e trou. Hunter Mahan a tiré 68 (−3) pour se retrouver à égalité au deuxième rang avec 212 (−1). Woods détenait seul la tête au début de la ronde, mais a obtenu un carton de 72 (+1) pour retomber à 212 avec Mahan. Adam Scott a tiré 70 (−1) pour passer au pair 213.
Tour final
dimanche 21 juillet 2013
Au cours des six premiers trous, Westwood, leader des 54 trous, était à égalité pour la journée et contrôlait le tournoi. Cependant, il a hésité dans la dernière ligne droite. Après un bogey de Westwood le 8, il a cédé la tête à Scott, qui avait réussi un birdie au 11 pour passer à deux sous pour le championnat. Westwood a commis trois bogeys supplémentaires pour terminer à +1. "Je n'ai pas mal joué, mais je n'ai pas non plus bien joué", a-t-il remarqué.
Mickelson, qui a commencé la journée à cinq coups de retard, a obtenu un 34 (−2) sur les neuf premiers pour atteindre l'égalité pour le championnat. Après avoir commis un bogey au 10e, il est revenu à égalité avec un birdie au 13e, puis a réussi un birdie au 14e tandis que Scott a commis un bogey au 13e et les deux étaient à égalité en tête à -1. Après deux pars, Mickelson a réussi un birdie sur les deux derniers trous pour terminer à 281 (−3). À ce moment-là, il restait environ une heure de jeu, mais Mickelson savait qu'il avait pratiquement remporté l'événement. Scott a suivi son bogey le 13 avec des bogeys sur chacun des trois trous suivants.
Stenson a tiré 70 (−1) et a terminé à trois coups de Mickelson à la deuxième place à égalité par 284. Ian Poulter s'est échauffé au milieu de son tour et a affiché un 67 (−4) pour être à égalité au troisième rang avec Scott et Westwood. Woods a commencé la journée à deux coups du leader, mais a réussi un 74 (+3) pour égaliser au sixième rang. Mahan, qui a également commencé la journée avec deux coups en arrière, a obtenu un 75 (+4) et est à égalité au neuvième rang.
Mickelson a atteint son cinquième titre majeur et son premier Open Championship. Il avait déjà connu des difficultés lors de cet événement, enregistrant seulement deux classements dans le top 10 en 19 essais. Le cadet de Mickelson, Jim "Bones" Mackay, a qualifié la ronde finale de "meilleure ronde de sa carrière". Mickelson a accepté, en disant "Je me fiche de la façon dont je l'ai obtenu, [le trophée Claret Jug] ... il se trouve que c'était l'une des meilleures rondes de ma carrière ... J'ai toujours essayé de sortir et je l'ai compris ... Et aujourd'hui, je l'ai fait.
fiche d'évaluation
Tour final
Notes et références | http://www.quizballs.com/ |
Chim Chim Cheree, I Love to Laugh et Feed the Birds sont toutes des chansons de quel film ? | Mary Poppins | [
"\"Chim Chim Cher-ee\" est une chanson de Mary Poppins, le film musical de 1964. Il a été chanté à l'origine par Dick Van Dyke et Julie Andrews, et figure également dans la comédie musicale Cameron Mackintosh/Disney Mary Poppins. La chanson peut être entendue dans la scène Mary Poppins de The Great Movie Ride aux studios Disney's Hollywood et pendant le segment Mary Poppins de Magical: Disney's New Nighttime Spectacular of Magical Celebrations à Disneyland.",
"La chanson a été écrite par Robert B. Sherman et Richard M. Sherman (les « Sherman Brothers ») qui ont également remporté un Oscar et un Grammy Award pour la musique de la chanson de Mary Poppins.",
"La chanson a été inspirée par l'un des dessins d'un ramoneur créé par le scénariste de Mary Poppins, Don DaGradi. Interrogé sur le dessin des frères Sherman, DaGradi a expliqué l'ancien folklore britannique attribué aux « balayages » et comment serrer la main de l'un d'entre eux pouvait porter chance à une personne. Lors de leur traitement de 1961, les frères Sherman avaient déjà fusionné de nombreux membres du P.L. Personnages Travers dans la création de \"Bert\". Son thème musical est devenu \"Chim Chim Cher-ee\".",
"* Duke Ellington a sorti un album complet avec des chansons de Mary Poppins, Duke Ellington Plays Mary Poppins."
] | "Chim Chim Cher-ee" est une chanson de Mary Poppins, le film musical de 1964. Il a été chanté à l'origine par Dick Van Dyke et Julie Andrews, et figure également dans la comédie musicale Cameron Mackintosh/Disney Mary Poppins. La chanson peut être entendue dans la scène Mary Poppins de The Great Movie Ride aux studios Disney's Hollywood et pendant le segment Mary Poppins de Magical: Disney's New Nighttime Spectacular of Magical Celebrations à Disneyland.
La chanson a remporté l'Oscar de la meilleure chanson originale en 1964. En 2005, Julie Andrews a inclus cette chanson dans « Julie Andrews Selects Her Favorite Disney Songs ».
Auteurs-compositeurs
La chanson a été écrite par Robert B. Sherman et Richard M. Sherman (les « Sherman Brothers ») qui ont également remporté un Oscar et un Grammy Award pour la musique de la chanson de Mary Poppins.
Inspiration
La chanson a été inspirée par l'un des dessins d'un ramoneur créé par le scénariste de Mary Poppins, Don DaGradi. Interrogé sur le dessin des frères Sherman, DaGradi a expliqué l'ancien folklore britannique attribué aux « balayages » et comment serrer la main de l'un d'entre eux pouvait porter chance à une personne. Lors de leur traitement de 1961, les frères Sherman avaient déjà fusionné de nombreux membres du P.L. Personnages Travers dans la création de "Bert". Son thème musical est devenu "Chim Chim Cher-ee".
En plus de la version "standard" de la chanson que Bert chante aux enfants, il se chante de courts extraits de la chanson à différents moments, avec différents couplets spécifiques à un élément de l'intrigue qui se déroule.
Le groupe de musique « [https://www.oocto.com/mentsh Mentsch] » note certaines similitudes avec une chanson yiddish écrite par Itsik Manger intitulée « Vaylu ». La chanson partage également certaines similitudes sonores avec la chanson folklorique yiddish Tumbalalaika.
Couvertures
* John Coltrane sur l'album de 1965 The John Coltrane Quartet Plays.
* Duke Ellington a sorti un album complet avec des chansons de Mary Poppins, Duke Ellington Plays Mary Poppins.
* Le Howard Roberts Quartet a repris cette chanson en 1965.
* The New Christy Minstrels sur l'album de 1965 Chim Chim Cher-ee et autres chansons joyeuses
* Mme Miller a repris la chanson de son premier album de Capitol Records, Mme Miller - Greatest Hits (1966).
* The Tinseltown Players sur divers albums, dont Chim Chim Charee & Other Kiddie Favorites
* Alvin et les Chipmunks sur l'album de 1969 Les Chipmunks vont au cinéma
* Louis Armstrong sur l'album Disney Songs The Satchmo Way.
* Rex Gildo, en allemand sur Chim-Chim-Cheri de 1965
* Mannheim Steamroller sur l'album de 1999, Mannheim Steamroller Meets the Mouse.
* Pete Doherty a interprété cette chanson en live au festival Meltdown en 2007.
* Joe Pernice (comme "Chim Cheree") sur l'album de 2009 Ça fait du bien quand je m'arrête.
* Esperanza Spalding sur l'album 2010 Tout le monde veut être un chat.
* Plastic Tree (en japonais sur l'album V-Rock Disney de 2011
* Turin Brakes en tant que single de 2011, tous les bénéfices britanniques étant reversés à Shelter (association caritative).
* Sur l'album Disney de 2013 - Koe no Oujisama Vol.3, qui présente divers doubleurs japonais reprenant des chansons de Disney, cette chanson a été reprise par Takuma Terashima.
* David Alan Grier dans Amazon Women on the Moon.
* La Scène Rarement dans l'album Act3.
* Adrian H et The Wounds sur l'album 2012 "Adrian H and The Wounds".
Parodies
La chanson a été parodiée par le parodiste Allan Sherman (aucun lien avec les Sherman Brothers), en utilisant le même titre de la chanson. Dans sa version, il se moquait des produits américains vus dans les publicités télévisées.
Les supporters des équipes de football anglaises, Millwall, West Bromwich Albion et Blackburn Rovers, chantent une version de la chanson qui fait référence aux rivaux locaux de chaque équipe, West Ham, Aston Villa et Burnley, qui portent tous des chemises bordeaux et bleues. | http://www.quizballs.com/ |
Quel ancien champion du monde de fléchettes est connu sous le surnom de « The Limestone Cowboy » ? | Bob Anderson | [
"Bob Anderson le cowboy de calcaire"
] | Les fléchettes sont une forme de jeu de lancer dans lequel de petits missiles sont lancés sur un jeu de fléchettes circulaire fixé à un mur. Bien que divers plateaux et règles aient été utilisés dans le passé, le terme « fléchettes » fait généralement référence à un jeu standardisé impliquant une conception de plateau et un ensemble de règles spécifiques. En plus d'être un sport de compétition professionnel, les fléchettes sont un jeu de pub traditionnel, couramment joué au Royaume-Uni, dans le Commonwealth, aux Pays-Bas, en Allemagne, en Belgique, en France, en République d'Irlande, dans les pays scandinaves, aux États-Unis et ailleurs. .
Équipement
Cible de fléchettes
Les fléchettes étaient historiquement utilisées dans la guerre dans l’histoire ancienne ; les tirailleurs utilisaient des fléchettes de différentes tailles, semblables à des javelots miniatures. C’est la pratique de cette compétence qui s’est transformée en un jeu d’adresse.
Avant la Première Guerre mondiale, les pubs du Royaume-Uni disposaient de jeux de fléchettes fabriqués à partir de blocs de bois massif, généralement de l'orme. Il fallait les tremper toute la nuit pour réparer les trous faits par les fléchettes, et c'était une affaire compliquée pour le publicain, même si les fléchettes étaient un jeu populaire. Cela a changé lorsqu'une entreprise appelée Nodor, dont l'activité principale était de fabriquer de la pâte à modeler (qui n'a pas d'odeur, d'où le nom Nodor), a commencé à produire des jeux de fléchettes en argile en 1923. Les jeux de fléchettes en argile n'ont jamais pris de l'ampleur et Nodor s'est tourné vers la fabrication de jeux de fléchettes traditionnels en orme. qui étaient populaires à l'époque. Leur modèle de jeu de fléchettes n'a pas connu un grand succès jusqu'à ce que quelqu'un ait l'idée d'utiliser l'usine centenaire pour fabriquer un jeu de fléchettes. De petits paquets de fibres de sisal de même longueur étaient regroupés. Les paquets étaient ensuite compressés en un disque et liés avec un anneau métallique. Ce fut un succès instantané, car les fléchettes n'endommagent que peu ou pas la planche : elles séparent simplement les fibres lorsqu'elles entrent dans la planche ; ce type de planche était plus durable et nécessitait peu d'entretien.
Les cibles de fléchettes de qualité sont fabriquées à partir de fibres de sisal ; les planches moins chères sont parfois en liège ou en papier enroulé. Cependant, plusieurs types de fibres de sisal sont aujourd’hui utilisées dans les jeux de fléchettes, originaires d’Afrique de l’Est, du Brésil ou de Chine. Malgré la croyance largement répandue selon laquelle certains jeux de fléchettes sont fabriqués à partir de poils de porc, de poils de chameau ou de crin de cheval, il n'existe aucune preuve que des jeux de fléchettes aient jamais été produits commercialement à partir de ces matériaux.
Un tableau de régulation mesure 451 mm de diamètre et est divisé en 20 sections radiales. Chaque section est séparée par un fil métallique ou une fine bande de tôle. Les meilleures cibles de fléchettes ont le fil le plus fin, de sorte que les fléchettes ont moins de chances de heurter un fil et de rebondir. Les chiffres indiquant les différentes sections de notation du plateau sont également normalement constitués de fil de fer, en particulier sur les plateaux de qualité tournoi. L'anneau métallique sur lequel les chiffres sont soudés peut être tourné pour faciliter une usure uniforme de la planche. Les tableaux de moindre qualité ont souvent les numéros imprimés directement sur le tableau.
Récemment, certaines entreprises ont produit des jeux de fléchettes électroniques. Ces jeux de fléchettes sont équipés d'ordinateurs de notation électroniques préprogrammés avec une grande variété de types de jeux. La planche est constituée de parements en plastique percés de petits trous. Les trous sont inclinés vers l'extérieur, permettant aux fléchettes à pointe en plastique de rester à l'intérieur. Lorsqu'une fléchette touche le plateau, la section entre en contact avec une plaque métallique, indiquant à l'ordinateur où le joueur a lancé.
L'éclairage doit être disposé de manière à éclairer vivement la cible et à minimiser les ombres des fléchettes lancées.
L'alimentation principale de l'éclairage doit être protégée contre tout perçage accidentel ou placée à l'écart du tableau.
Histoire
Le jeu de fléchettes peut trouver son origine dans la section transversale d’un arbre. Un ancien nom pour un jeu de fléchettes est « fesses » ; le mot vient du mot français mais, signifiant « cible ». En particulier, les planches Yorkshire et Manchester Log End diffèrent de la planche standard en ce sens qu'elles n'ont pas de triple, seulement un double et un bullseye, la planche Manchester étant d'un diamètre plus petit, avec une surface de jeu de seulement 25 cm de diamètre avec des zones doubles et taureaux. mesurant seulement 4 mm. Le tableau London Fives est une autre variante. Celui-ci ne comporte que 12 segments égaux numérotés 20, 5, 15, 10, 20, 5, 15, 10, 20, 5, 15, 10, les doubles et les triples mesurant un quart de pouce de large.
Il existe une hypothèse selon laquelle ce jeu serait né des soldats qui lançaient des flèches courtes au fond d'un tonneau ou au pied de troncs d'arbres. Au fur et à mesure que le bois séchait, des fissures se développeraient, créant des « sections ». Bientôt, des normes régionales ont émergé et de nombreux menuisiers ont complété les onglets de bar en fabriquant des jeux de fléchettes pour les pubs locaux.
On dit généralement que le plan de numérotation standard avec un 20 en haut a été créé en 1896 par le menuisier du Lancashire Brian Gamlin, bien que cela soit contesté. Cependant, de nombreuses autres configurations ont été utilisées au fil des années et dans différentes zones géographiques. La mise en page de Gamlin a été conçue pour pénaliser les inexactitudes. Bien que cela s'applique à la majeure partie du plateau, le côté gauche (près de la section 14) est préféré par les débutants, en raison de sa concentration de plus grands nombres. Mathématiquement, en supprimant la symétrie de rotation en plaçant le « 20 » en haut, il y a 19 !, soit 121 645 100 408 832 000 cibles de fléchettes possibles. De nombreuses configurations différentes pénaliseraient davantage un joueur que la configuration actuelle ; cependant, la configuration actuelle fait le travail plutôt efficacement. Plusieurs articles mathématiques ont été publiés qui considèrent le jeu de fléchettes « optimal ».
Fléchettes
Au départ, les missiles étaient simplement des flèches coupées ou des carreaux d'arbalète. Les premières fléchettes spécialement conçues étaient fabriquées d'une seule pièce à partir de bois ; enveloppé d'une bande de plomb pour le poids et équipé de vols en plumes de dinde fendues. Ces fléchettes étaient principalement importées de France et sont devenues connues sous le nom de fléchettes françaises. Les fûts en métal ont été brevetés en 1906, mais le bois a continué à être utilisé jusque dans les années 1950.
Les premiers fûts métalliques étaient fabriqués à partir de laiton, relativement bon marché et facile à travailler. Les tiges en bois, qui étaient désormais filetées pour s'adapter au canon taraudé, étaient soit empennées comme auparavant, soit conçues pour prendre un vol en papier. Ce type de fléchette a continué à être utilisé jusque dans les années 1970. Lorsque les avantages de l'utilisation du plastique ont été réalisés, la tige et la raclette sont devenues des entités distinctes, bien que la tige et les raclettes en plastique moulé d'une seule pièce étaient également disponibles.
Les fléchettes modernes comportent quatre parties : les pointes, les canons, les flèches et les vols. Les pointes en acier sont disponibles en 2 longueurs courantes, 32 mm et 41 mm et sont parfois moletées ou revêtues pour améliorer l'adhérence. D'autres sont conçus pour se rétracter légèrement lors de l'impact afin de réduire les risques de rebond.
Les barils sont disponibles dans une variété de poids et sont généralement construits en laiton, en argent-nickel ou en alliage de tungstène. Le laiton est bon marché mais léger et les fûts en laiton ont donc tendance à être très volumineux. Le tungstène, en revanche, est deux fois plus dense que le laiton, de sorte qu'un baril de poids équivalent pourrait avoir un diamètre trente pour cent plus petit. Le tungstène est cependant très fragile et c'est pourquoi un alliage contenant entre 80 et 95 % de tungstène est utilisé. Le reste est généralement du nickel, du fer ou du cuivre. Les fléchettes argent-nickel offrent un compromis entre densité et coût.
Les barils se présentent sous 3 formes de base : cylindrique, torpille ou tonne. Les fûts cylindriques ont le même diamètre sur toute leur longueur et ont donc tendance à être longs et fins. Leur finesse les rend plus adaptés au regroupement, mais comme ils sont longs, le centre de gravité est plus en arrière. Les barils en forme de tonne sont minces à chaque extrémité mais renflés au milieu. Cela les rend plus gros qu'un canon cylindrique de poids équivalent mais le centre de gravité est plus en avant et donc théoriquement plus facile à lancer. Les canons en forme de torpille sont plus larges à l'extrémité de la pointe et se rétrécissent vers l'arrière. Cela maintient le poids aussi loin que possible vers l'avant mais, comme la tonne, lui donne un diamètre plus grand que le cylindre.
Les arbres sont fabriqués en différentes longueurs et certains sont conçus pour être coupés à longueur. Les arbres sont généralement fabriqués à partir de plastiques, de polymères de nylon ou de métaux tels que l'aluminium et le titane ; et peut être rigide ou flexible. Des arbres plus longs offrent une plus grande stabilité et permettent une réduction de la taille des vols, ce qui peut conduire à un regroupement plus étroit ; mais ils déplacent également le poids vers l'arrière, provoquant l'inclinaison de la fléchette vers l'arrière pendant le vol, nécessitant un lancer plus dur et plus rapide. Un manche plus long rendra cependant la fléchette moins réactive et augmentera le risque de « vaciller ».
Le but premier du vol est de produire de la traînée et ainsi d'empêcher l'arrière de la fléchette de dépasser la pointe. Cela a également un effet sur la stabilité en réduisant les oscillations. Les ailettes modernes sont généralement fabriquées à partir de plastique, de nylon ou de papier d'aluminium et sont disponibles dans une gamme de formes et de tailles. Les trois formes les plus courantes, par ordre de taille, sont la forme standard, le cerf-volant et la plus petite forme de poire. Moins il y a de surface, moins il y a de stabilité, mais les vols plus grands gênent les regroupements rapprochés. Certains fabricants ont cherché à résoudre ce problème en créant un vol long et fin, mais cela crée à son tour d'autres problèmes, tels que le changement du centre de gravité de la fléchette. De manière générale, une fléchette plus lourde nécessitera un vol plus grand.
Le choix du canon, de la flèche et du vol dépendra en grande partie du style de lancer de chaque joueur. À des fins de compétition, une fléchette ne peut pas peser plus de 50 g, manche et vol compris, et ne peut pas dépasser une longueur totale de 300 mm.
Dimensions de jeu
La WDF utilise les normes suivantes pour le jeu :
Hauteur – Le jeu de fléchettes est suspendu de manière à ce que le centre de la cible se trouve à 1,73 m (5 pi 8 po) du sol. Ceci est considéré comme le niveau des yeux pour un homme de six pieds.
Distance - L'oche doit être à 7 pieds 9¼pouces (2,37 m) de la face de la planche. Notez qu'il s'agit de la face du panneau et ne doit pas inclure la distance jusqu'au mur (si le panneau dépasse du mur).
Notation
Le jeu de fléchettes standard est divisé en 20 sections numérotées, marquant de 1 à 20 points, par des fils allant du petit cercle central au fil circulaire extérieur. Les fils circulaires à l'intérieur du fil extérieur subdivisent chaque section en zones simples, doubles et triples. Le jeu de fléchettes présenté dans l'émission télévisée "Indoor League" des années 1970 ne comportait pas de triple section et, selon l'animateur Fred Trueman lors du premier épisode, il s'agit du jeu de fléchettes traditionnel du Yorkshire.
Divers jeux peuvent être joués (et sont toujours joués de manière informelle) en utilisant le jeu de fléchettes standard. Cependant, dans le jeu officiel, toute fléchette atterrissant à l’intérieur du fil extérieur marque comme suit :
* Frapper l'une des grandes parties de chacune des sections numérotées, traditionnellement colorées alternativement en noir et blanc, rapporte la valeur en points de cette section.
* Frapper les fines parties intérieures de ces sections, à peu près à mi-chemin entre le fil extérieur et le cercle central coloré en rouge ou vert, rapporte le triple de la valeur en points de cette section.
* Frapper les fines parties extérieures de ces sections, à nouveau colorées en rouge ou en vert, rapporte le double de la valeur en points de cette section. Le double-20 est souvent appelé double-top, reflétant la position des années 20 sur le jeu de fléchettes.
*Le cercle central est divisé en un anneau extérieur vert valant 25 points (appelé « extérieur », « taureau extérieur » ou « iris ») et un cercle intérieur rouge ou noir (généralement appelé « taureau », « taureau intérieur »). ou "double taureau"), valant 50 points. Le terme « bullseye » peut désigner soit toute la partie centrale du tableau, soit simplement la section intérieure rouge/noire. Le terme « arène » désigne généralement uniquement l’anneau extérieur vert. Le taureau intérieur compte comme un double lorsqu'il double en entrée ou en sortie.
* Frapper à l'extérieur du fil extérieur ne rapporte rien.
*Toute fléchette qui ne reste pas dans le plateau jusqu'à ce qu'elle soit récupérée par le joueur (par exemple, une fléchette qui touche un fil et rebondit hors du plateau ou tombe sous l'impact d'un lancer ultérieur) ne rapporte rien non plus ; une exception doit être notée si le jeu se déroule sur un tableau électronique : les fléchettes qui tombent sont comptées.
*Une fléchette ne marque que si sa pointe est incrustée ou touche la surface de jeu. Une fléchette qui frappe le côté du plateau sur ou sous un angle mais qui ne tombe pas parce qu'elle est maintenue en place par deux autres fléchettes, par exemple, obtiendra un score soit égal à l'endroit où sa pointe touche, soit pas du tout.
Le score le plus élevé possible avec trois fléchettes est de 180, communément appelé "ton 80" (100 points s'appellent une tonne), obtenu lorsque les trois fléchettes atterrissent dans le triple 20. Dans le match télévisé, l'arbitre annonce fréquemment un score de 180 dans un style exubérant. Un anneau « quad » est apparu brièvement entre le triple anneau et le taureau dans les années 1990, conduisant à un maximum potentiel de 240 (trois quad-20), un paiement maximum de 210 (Q20-Q20-Bull) et sept arrivées de fléchettes à partir d'un départ de 501. (cinq quad-20, triple-17, bullseye), mais a été rapidement exclu des tournois professionnels après seulement deux ans. L'une des marques de cette carte était la Harrows Quadro 240.
Niveau de compétence et visée
En supposant un score standard, la zone optimale à viser sur le jeu de fléchettes afin de maximiser le score du joueur varie considérablement en fonction des compétences du joueur. Le joueur expérimenté doit viser le centre du T20 et, à mesure que ses compétences diminuent, sa visée se déplace légèrement vers le haut et vers la gauche du T20. À σ 16,4 mm, le meilleur endroit pour viser est le T19. À mesure que les compétences du joueur diminuent, le meilleur endroit pour viser se situe au centre du plateau, en s'arrêtant un peu plus bas et à gauche de la cible à σ.
100.
Où σ peut faire référence à l'écart type pour une population spécifique : Liste des joueurs de fléchettes.
Jeux
Il existe de nombreux jeux qui peuvent être joués sur un jeu de fléchettes, mais les fléchettes font généralement référence à un jeu dans lequel le joueur lance trois fléchettes par visite au jeu de fléchettes dans le but de réduire à zéro un score fixe, généralement 501 ou 301 (« vérifier). "), avec la fléchette finale atterrissant soit dans la cible, soit dans un double segment. Une partie de fléchettes se joue généralement entre deux joueurs, qui se relaient. Chaque tour consiste à lancer trois fléchettes. Lorsque deux équipes jouent, le score de départ est parfois porté à « 701 », voire « 1001 » ; les règles restent les mêmes.
Un lancer qui réduit le score d'un joueur en dessous de zéro, à exactement un ou à zéro mais ne se termine pas par un double est connu sous le nom de « faire faillite », le score du joueur étant réinitialisé à la valeur avant le début du tour, et le reste du tour. le tour étant perdu.
Dans certaines variantes (appelées « buste du nord » à Londres) seule la fléchette qui provoque le buste n'est pas comptée. Certains pensent qu'il s'agit d'une version plus pure du jeu, car selon les règles normales, comme expliqué ci-dessus, un joueur repart avec une fin difficile, par ex. 5 et une fléchette restante la « cassent » souvent délibérément afin de revenir à la finition plus facile qu'ils avaient au début de leur parcours. Par exemple, un joueur avec 20 au début de son parcours pourrait rater le double 10 et obtenir un simple, rater le double 5 et obtenir un simple, lui laissant 5 et une seule fléchette restante. Leur meilleure option est de le briser délibérément pour revenir au double 10. Dans le cadre du « buste du nord », ils resteraient sur 5.
Un match de fléchettes se joue sur un nombre fixe de parties, appelées jambes. Un match peut être divisé en sets, chaque set étant disputé sur un nombre fixe de manches.
Bien que jouer directement à partir de 501 soit standard dans les fléchettes, il faut parfois frapper un double pour commencer à marquer, ce que l'on appelle "doubler", toutes les fléchettes lancées avant de frapper un double n'étant pas comptées. Le Grand Prix Mondial du PDC utilise ce format.
Le nombre minimum de fléchettes lancées requis pour terminer une étape de 501 est de neuf. La finition à neuf fléchettes la plus courante consiste en deux maximums de 180 suivis d'un contrôle de 141 (T20-T19-D12), mais il existe de nombreuses autres façons possibles de réaliser cet exploit. Trois 167 (T20-T19-Bull) sont considérés comme une finition pure ou parfaite à neuf fléchettes par certains joueurs.
Autres jeux et variantes
Il existe un certain nombre de variantes régionales des règles standard et des systèmes de notation.
24 heures sur 24
"24 heures sur 24" est une variante qui consiste à frapper les chiffres dans l'ordre, connue sous le nom de "autour du monde" en Australie et en Nouvelle-Zélande. "Jumpers" est une variante un peu plus rapide et plus excitante de Round the Clock qui serait originaire de la communauté des expatriés britanniques en Asie.
20 contre 1
20 contre 1 est une variante néerlandaise du jeu de fléchettes du monde entier qui diffère beaucoup en raison de toutes sortes de règles supplémentaires. Ce jeu utilise le jeu de fléchettes standard à 20 chiffres avec les anneaux triples et doubles. En néerlandais, cela s'appelle "Van 20 naar 1". Le 20 contre 1 se joue généralement entre 2, 3, 4 ou 5 joueurs, ou 2 équipes de 5 joueurs maximum. Le but du 20 contre 1 est d'être le premier joueur ou équipe à lancer tous les chiffres dans un ordre consécutif de 20 à 1 et à gagner la partie avec la cible extérieure ou intérieure.
Autour du monde
"Autour du monde" est un jeu dans lequel chaque joueur doit trouver des numéros consécutifs sur le plateau pour passer au tour suivant. Dans une bataille en tête-à-tête, le vainqueur est la personne qui atteint le dernier numéro ou cible. Dans une compétition par équipe, le vainqueur est la première équipe à atteindre le dernier numéro ou cible une fois le tour terminé ou lorsque chaque membre de chaque équipe a lancé ce tour spécifique.
Fléchettes américaines
American Darts est une variante régionale du jeu aux États-Unis (la plupart des joueurs de fléchettes américains jouent aux jeux traditionnels décrits ci-dessus). Ce style de jeu de fléchettes se trouve le plus souvent dans l’est de la Pennsylvanie, dans le New Jersey, le Delaware, le Maryland et dans certaines parties de l’État de New York.
Fléchettes de tir à l'arc
Ce jeu se joue exactement de la même manière qu'un jeu de fléchettes classique, mais en utilisant des arcs recourbés ou à poulies pour tirer des flèches sur toute la longueur à distance afin d'atteindre une cible en papier de 60 cm ou 90 cm qui ressemble à un jeu de fléchettes. Ceux-ci sont produits commercialement, mais généralement uniquement en noir et blanc.
Fléchettes audio
Une variante des fléchettes traditionnelles jouées avec un bandeau sur les yeux. Souvent joué par des personnes ayant une déficience visuelle. Généralement, un jeu de fléchettes électronique parlant est utilisé pour annoncer les nombres touchés, conserver les scores et annoncer qui lancera ensuite.
Criquet
Le cricket est un jeu de fléchettes largement joué impliquant une course pour contrôler et marquer des nombres entre 20 et 15 et la cible, en frappant chacune de ces cibles pendant trois marques pour l'ouvrir ou la posséder pour marquer. Une touche sur la cible compte pour une marque, tandis que les touches dans l'anneau double de la cible comptent pour deux marques en un seul lancer, et sur l'anneau triple comme trois. Une fois ouvert de cette manière, jusqu'à ce que l'adversaire ferme ce numéro avec trois marques, chaque coup supplémentaire du propriétaire/ouvreur rapporte des points égaux au numéro de la cible (qui peut également être doublé et triplé, par exemple un triple). -20 vaut 60 points). La cible extérieure compte pour 25 points et la cible intérieure pour 50.
Fléchette
Dartball est un jeu de fléchettes basé sur le sport du baseball. Il se joue sur un plateau en forme de losange et a un score similaire à celui du baseball.
Golf aux fléchettes
Le golf de fléchettes est un jeu de fléchettes basé sur le sport du golf et est réglementé par la Fédération mondiale de golf (WDFF). Il se joue à la fois sur des cibles de golf spéciales et sur des cibles de fléchettes traditionnelles. Le score est similaire au golf.
Cinq
Il s’agit d’une variante régionale encore pratiquée dans certaines parties de l’East End de Londres. Le plateau comporte moins de segments plus grands, tous numérotés 5, 10, 15 ou 20. Les joueurs jouent à partir de 505 plutôt que de 501 et se tiennent le plus loin (9 pieds) du plateau de toutes les variantes traditionnelles.
Réduisez-le de moitié
Halve it est un jeu de fléchettes populaire au Royaume-Uni et dans certaines régions d'Amérique du Nord, où les concurrents tentent d'atteindre des cibles préalablement convenues sur un jeu de fléchettes standard.
Ne pas le faire en un seul lancer (3 fléchettes) entraîne la perte par le joueur de la moitié de son score accumulé. N'importe quel nombre de joueurs peut participer et la durée du jeu peut varier en fonction du nombre de cibles sélectionnées.
Le jeu peut être adapté au niveau de compétence des joueurs en sélectionnant des cibles faciles ou difficiles.
Tueur
"Killer" est un jeu à élimination directe pour deux joueurs ou plus (à son meilleur à 4 à 6 joueurs). Au départ, chaque joueur lance une fléchette sur le plateau avec sa main non dominante pour obtenir son « numéro ». Deux joueurs ne peuvent pas avoir le même numéro. Une fois que tout le monde a un numéro, chaque joueur, à tour de rôle, obtient son numéro cinq fois avec ses trois fléchettes (les doubles comptent deux fois et les triples trois fois). Une fois qu'une personne atteint 5 ans, elle devient un « tueur ». Cela signifie qu'ils peuvent viser les numéros des autres, en retirant un point à chaque fois qu'ils réussissent (double x2, triple x3). Si une personne atteint zéro, elle est éliminée. Un tueur peut viser les numéros de n'importe qui, même ceux d'un autre tueur. Vous ne pouvez pas obtenir plus de 5 points. Le gagnant est « le dernier homme debout ».
Fléchettes de pelouse
Les fléchettes de pelouse (également appelées Jarts ou fléchettes de cour) sont un jeu de pelouse basé sur les fléchettes. Le jeu et l'objectif sont similaires à ceux des fers à cheval et des fléchettes. Les fléchettes sont similaires à l'ancienne plumbata romaine.
Shanghai
Shanghai est un jeu de fléchettes de précision. Frapper des doubles et des triples est primordial pour la victoire. Ce jeu se joue avec au moins deux joueurs. La version standard se joue en 7 tours. Au premier tour, les joueurs lancent leurs fléchettes en visant la 1ère section, le tour 2, la 2ème section et ainsi de suite jusqu'au tour 7. Le score standard est utilisé et les doubles et triples sont comptés. Seuls les coups sur le wedge pour ce tour sont comptés. Le gagnant est la personne qui a le plus de points à la fin des sept tours (1 à 7) ; ou vous pouvez marquer un Shanghai et gagner instantanément. Pour marquer un Shanghai, vous devez frapper un triple, un double et un simple (dans n'importe quel ordre) du numéro en jeu.
Shanghai peut également être joué pendant 20 tours pour utiliser tous les numéros. Un départ plus juste pour Shanghai : Pour éviter que les joueurs ne s'entraînent trop à tirer pour le 1, la séquence de numéros peut commencer par le numéro de la fléchette qui a perdu le lancer pour que la cible détermine le lanceur de départ. Par exemple; Le lanceur A tire vers la cible et touche le 17. Le lanceur B tire vers la cible et la frappe. Le lanceur B commence alors la partie en commençant par le numéro 17, puis 18, 19, 20, 1, 2, 3, etc. jusqu'au 16 (si aucun joueur ne touche Shanghai).
Dix-sept mouffettes
Une forme inversée de cricket non marqué, commençant par la cible. Une fois qu'un joueur a effacé le 17, tous les joueurs qui n'ont pas effacé la cible sont éliminés.
Organisations de fléchettes
Organisations de ligue amateur
L'American Darts Organization promulgue des règles et des normes pour les tournois de fléchettes des ligues amateurs et sanctionne les tournois aux États-Unis. L'American Darts Organization a commencé ses activités le 1er janvier 1976 avec 30 clubs membres fondateurs et 7 500 joueurs. Aujourd'hui, l'ADO compte en moyenne 250 clubs par an, représentant environ 50 000 membres. je
Organisations professionnelles
Des deux organisations professionnelles, la British Darts Organisation (BDO), fondée en 1973, est la plus ancienne. Ses tournois sont souvent diffusés sur la BBC au Royaume-Uni. Le BDO est membre de la World Darts Federation (WDF) (fondée en 1976), ainsi que d'organisations présentes dans une soixantaine d'autres pays à travers le monde. Le BDO organisait à l'origine un certain nombre de tournois britanniques les plus prestigieux, à quelques exceptions notables près, tels que le News of the World Championship et les événements nationaux organisés sous les auspices de la National Darts Association of Great Britain. Cependant, de nombreux sponsors ont été perdus et la couverture télévisée britannique a été considérablement réduite au début des années 90.
En 1992, une organisation dissidente a été créée, initialement connue sous le nom de World Darts Council (WDC), mais peu après connue sous le nom de Professional Darts Corporation (PDC). Les tournois PDC ont un public considérable, bien que le Championnat du monde PDC attire des chiffres d'audience télévisés inférieurs à celui du BDO en raison du fait que le Championnat du monde BDO est gratuit sur la BBC, cependant, en raison de la BBC qui a repris la première Ligue des champions PDC. de fléchettes qui devrait débuter le 24 septembre 2016, ils ne diffuseront plus le Championnat du monde BDO.
Les tournois PDC offrent souvent des prix plus élevés et mettent en vedette le principal joueur de l'histoire du jeu, Phil Taylor, 16 fois champion du monde. Le très talentueux joueur du BDO Raymond van Barneveld est passé au PDC et a remporté le championnat du monde PDC dès sa première tentative en 2007.
Jeu professionnel
Le BDO et le PDC organisent tous deux un Championnat du Monde Professionnel. Ils ont lieu chaque année pendant la période de Noël et du Nouvel An, le championnat PDC se terminant légèrement plus tôt que le tournoi BDO. Le championnat du monde BDO existe depuis 1978 ; le championnat du monde PDC a débuté en 1994.
Les deux organisations organisent d'autres tournois professionnels. Le BDO organise les World Masters et de nombreux tournois Open. Ils organisent également des jeux de fléchettes pour leurs 66 membres de comté au Royaume-Uni, y compris des événements individuels et par équipe.
Les tournois majeurs du PDC sont le Championnat du monde, la Premier League, le UK Open, le World Matchplay, le World Grand Prix et le Grand Slam of Darts. Tous ces événements sont diffusés en direct sur la télévision Sky Sports au Royaume-Uni. Ils organisent également des événements PDC Pro Tour et des événements de plus petite catégorie à travers le Royaume-Uni.
Deux tournois majeurs organisés indépendamment par les Pays-Bas, l'International Darts League et le World Darts Trophy, ont introduit un mélange de joueurs BDO et PDC en 2006 et 2007. Les deux organisations ont attribué des classements aux tournois, mais ces deux événements sont désormais interrompus.
La Coupe du monde WDF pour les équipes nationales et un tournoi en simple ont lieu tous les deux ans depuis 1977. La WDF organise également la Coupe d'Europe. Le PDC a sa propre compétition de coupe du monde, la Coupe du monde de fléchettes PDC.
Joueurs de fléchettes professionnels
Champions du monde
Plusieurs champions du monde
16 Phil Taylor Le pouvoir (14 PDC, 2 BDO)
dixTrina Gulliver la fille d'or
5 Eric Bristow le Cockney astucieux
5 Raymond van Barneveld Barney (4 BDO, 1 PDC)
3Martin Adams Wolfie
3 Anastasia Dobromyslova de Russie avec amour
3 John Lowe vieux visage de pierre
3John Part Dark Maple (1 BDO, 2 PDC)
2 Gary Anderson l'Écossais volant
2 Lisa Ashton La Rose du Lancashire
2 Ted Hankey le comte
2 Jackpot Adrian Lewis
2 Dennis Priestley La Menace (1 BDO, 1 PDC)
2 Scott Waites Scotty 2 Chaud
2Jocky WilsonJocky
Anciens champions du monde
Bob Anderson le cowboy de calcaire
Steve Beaton L'Adonis de bronze
Stephen Bunting La balle
Richie Burnett, le prince de Galles
Tony David Le Boomerang mortel
Keith Deller le gars
Andy Fordham le Viking
Michael van Gerwen, le puissant Mike
Christian Kist Le Rouge À Lèvres
Jelle Klaasen Le Cobra
Scott Mitchell Scotty Chien
Leighton Rees Marathonien
Les Wallace McDanger
John Walton
Mark Webster l'araignée
Classements mondiaux
La WDF, le BDO et le PDC tiennent chacun leur propre classement. Ces listes sont couramment utilisées pour déterminer les classements de divers tournois. Le classement WDF est basé sur les performances des 12 mois précédents, le BDO remet tous les points de classement à zéro une fois que les classements de son championnat du monde ont été déterminés, et l'Ordre du mérite du PDC est basé sur les prix en argent gagnés sur une période de deux ans.
Télévision
Les fléchettes sont apparues pour la première fois à la télévision britannique en 1962 lorsque Westward Television a diffusé le Westward TV Invitational dans le sud-ouest de l'Angleterre. 1972 a été une grande année pour les fléchettes lorsqu'ITV a commencé à diffuser les informations du championnat du monde. C'est également en 1972 que débuta la Indoor League, qui présentait un tournoi de fléchettes, bien qu'elle n'ait été diffusée dans la région de Yorkshire Television qu'en 1972. La Indoor League a été diffusée dans toute la Grande-Bretagne sur le réseau ITV à partir de 1973. Au cours de la décennie suivante, la couverture des fléchettes s'est élargie avec de nombreux tournois majeurs apparaissant à la fois sur ITV et sur la BBC dans les années 1970 et au début des années 1980, à tel point qu'environ 14 tournois ont été couverts. En 1978, les Championnats du monde ont commencé et ont été couverts par la BBC. La BBC a innové avec l'écran partagé montrant le lancer de la fléchette et l'endroit où elle a touché le plateau. Cependant, l'annulation de l'émission World of Sport d'ITV en 1985 les a obligés à réduire la couverture des fléchettes, mais malgré cela, ils ont continué à diffuser le MFI World Matchplay et les World Masters jusqu'en 1988. La BBC a également réduit sa couverture après 1988 à un tel point. dans la mesure où un seul événement majeur était encore diffusé sur l'une ou l'autre chaîne en 1989, le Championnat du monde, ce qui a contribué à la division des fléchettes.
Avec la création du WDC/PDC en 1992/93, les fléchettes sont progressivement revenues à la télévision avec Sky Television couvrant les événements du Championnat du monde et du World Matchplay de la nouvelle organisation à partir de 1994. La couverture de Sky a continué d'augmenter tout au long des années 1990, avec l'ajout de nouveaux événements. Le Championnat du monde, la Premier League, l'Open du Royaume-Uni, le Grand Slam of Darts, le World Matchplay et le Grand Prix mondial du PDC sont tous retransmis en direct sur Sky. Le BDO a conservé le contrat avec la BBC pour continuer le championnat du monde BDO et c'était le seul tournoi diffusé à la télévision gratuite au Royaume-Uni entre 1994 et 2001, à l'exception de la confrontation entre le champion PDC Phil Taylor et le champion BDO Raymond van. Barneveld en 1999, diffusé sur ITV, la BBC a finalement commencé à étendre sa couverture des fléchettes en 2001 en ajoutant les World Masters à son portefeuille. Cependant, ce n'est qu'en 2005 que les téléspectateurs ont pu voir en direct toutes les fléchettes lancées lors du Championnat du monde. C'est l'année où la BBC a introduit une couverture interactive sur son service BBCi. La BBC a continué à couvrir le tournoi BDO exclusivement jusqu'en 2012-2013, lorsque ESPN UK a commencé à couvrir les séances du soir tandis que la BBC avait une séance de l'après-midi. Après l'acquisition d'ESPN UK par BT Sport, BT a abandonné les fléchettes en 2014 mais a recommencé à couvrir les séances du soir. 2015. Setanta Sports a également télédiffusé certains événements BDO en 2008-2009 et la première League of Legends. Eurosport a couvert le BDO Finland Open, les BDO British Internationals, le BDO England Open et le BDO British Open en 2006-2007, mais a abandonné la couverture de ces tournois, mais ils sont ensuite revenus aux Darts en 2013 pour couvrir le Winmau World Masters. couverture pour couvrir le nouveau tournoi majeur BDO, le World Trophy de Blackpool et les tournois existants du BDO tels que les 6 Nations, l'Open d'Angleterre, l'Open d'Écosse et l'Open d'Irlande du Nord.
ITV est revenu à la couverture des fléchettes en novembre 2007, diffusant le premier Grand Slam of Darts - sa première couverture majeure d'un tournoi de fléchettes en près de vingt ans. Ils ont continué à couvrir ce sujet jusqu'en 2010, date à laquelle Sky Sports a repris les droits. ITV a également diffusé le Championnat d'Europe en 2008 et le Championnat des joueurs depuis sa création. ITV a ensuite augmenté sa couverture en 2013 en signant un accord pour couvrir 4 tournois PDC par an, le Players Championship, le European Championship, le UK Open et le nouveau tournoi le Masters. Elle a été augmentée à 5 tournois en 2015 pour couvrir les finales des World Series.
Les fléchettes ont continué de croître à nouveau à la télévision et plusieurs tournois majeurs sont désormais diffusés au Royaume-Uni, en Europe et dans le reste du monde. La chaîne néerlandaise Sport One, DSF en Allemagne et plusieurs autres chaînes de télévision à travers le monde ont également diffusé les événements du PDC. En Europe, Eurosport a diffusé les Championnats du monde Lakeside, après avoir signé un contrat de trois ans en 2006.
Aux Pays-Bas, SBS6 diffuse le Lakeside (depuis 1998) et le Dutch Open. Ils ont également présenté la Ligue internationale de fléchettes et le Trophée mondial de fléchettes, mais ils sont aujourd'hui disparus. RTL 5 a diffusé les Dutch Grand Masters en 2005. Certains de ces tournois peuvent également être regardés gratuitement sur Internet en direct, en fonction des restrictions contractuelles.
Le PDC a également tenté de percer le marché de la télévision aux États-Unis en introduisant les World Series of Darts en 2006. Il a reçu un prix d'un million de dollars pour présenter les fléchettes professionnelles aux États-Unis. Malheureusement, le programme n'a pas été un succès d'audience et a été retiré de sa tranche de diffusion aux heures de grande écoute sur ESPN après seulement quelques semaines. Le tournoi a été remplacé par un événement de l'US Open en 2007 qui a été projeté au Royaume-Uni sur la chaîne de télévision numérique Challenge TV, avec Nuts TV diffusant le tournoi de 2008.
Pari
Dans les endroits où l'on consomme des boissons alcoolisées, la loi anglaise a longtemps autorisé les paris uniquement sur les jeux d'adresse, par opposition aux jeux de hasard, et uniquement sur de petites mises. Un récit apocryphe raconte qu'en 1908, Jim Garside, le propriétaire de l'Adelphi Inn, à Leeds, en Angleterre, fut convoqué devant les magistrats locaux pour répondre à l'accusation selon laquelle il avait autorisé les paris sur un jeu de hasard, les fléchettes, dans ses locaux. Garside a demandé l'aide du champion local William "Bigfoot" Annakin qui était présent en tant que témoin et a démontré qu'il pouvait atteindre n'importe quel numéro sur le tableau nommé par le tribunal. Garside a été libéré car les magistrats ont estimé que les fléchettes étaient en effet un jeu d'adresse. Plus récemment, conformément à la forte association des fléchettes avec les pubs et la boisson, les matchs entre amis ou équipes de pub se jouent souvent pour des pintes de bière.
Dans le jeu professionnel, les paris occupent une place importante, de nombreuses grandes sociétés de paris parrainant des événements (en particulier au sein du PDC). Sky Bet (2012 - NOW McCOYS) (Premier League), Bodog (World Grand Prix), Stan James (World Matchplay), Blue Square (2012 - NOW SPEEDY SERVICES - Equipment Hire) (UK Open) et Ladbrokes (Wor | http://www.quizballs.com/ |
L'Opération Félix était le nom de code d'un projet d'invasion allemande de quel territoire britannique d'outre-mer pendant la Seconde Guerre mondiale ? | Gibraltar | [
"L'opération Félix était le nom de code d'un projet de saisie allemand de Gibraltar pendant la Seconde Guerre mondiale. Le projet n'a jamais dépassé le stade de l'étude d'état-major, même si la planification s'est poursuivie jusqu'en 1944, principalement en raison de la réticence du dirigeant espagnol Francisco Franco à engager l'Espagne à entrer en guerre aux côtés de l'Axe.",
"Après la chute de la France en juin 1940, Hermann Göring conseilla à Adolf Hitler d'occuper l'Espagne et l'Afrique du Nord plutôt que d'envahir le Royaume-Uni. Dès juin 1940, avant la signature de l'armistice avec la France, le général Heinz Guderian plaida également en faveur de la saisie de la base navale britannique de Gibraltar, d'importance stratégique. Guderian a même exhorté Hitler à reporter l'armistice afin qu'il puisse se précipiter à travers l'Espagne avec deux divisions Panzer, prendre Gibraltar, puis envahir l'Afrique du Nord française. Le général Alfred Jodl, chef des opérations de l'Oberkommando der Wehrmacht (OKW), présenta à Hitler un plan formel visant à couper la Grande-Bretagne de son empire oriental en envahissant l'Espagne, Gibraltar, l'Afrique du Nord et le canal de Suez au lieu d'envahir les îles britanniques.",
"Le 12 juillet 1940, l'OKW créa un groupe spécial pour la planification nécessaire. Le 22 juillet, l'amiral Wilhelm Canaris, chef de l'Abwehr et expert reconnu de l'Espagne, s'est rendu avec plusieurs autres officiers allemands à Madrid, en Espagne, où ils ont eu des entretiens avec le général Francisco Franco et le général Juan Vigón, son ministre de la Guerre. . Ils se rendirent ensuite à Algésiras, où ils restèrent quelques jours pour reconnaître les abords de Gibraltar, et revinrent en Allemagne avec la conclusion que le régime de Franco était réticent à entrer en guerre. Cependant, il est devenu connu depuis que Canaris s’est montré déloyal envers Hitler et a en fait encouragé Franco à ne pas rejoindre l’Axe. L'équipe de Canaris a cependant déterminé que Gibraltar pourrait être saisi grâce à un assaut terrestre appuyé par au moins deux régiments d'infanterie, trois bataillons du génie et 12 régiments d'artillerie. Canaris a déclaré que sans canon d'assaut lourd de 380 mm - dont il savait qu'ils n'étaient pas disponibles - Gibraltar ne pourrait pas être pris. Lorsqu'il rendit compte au maréchal Wilhelm Keitel, il donna son opinion personnelle selon laquelle même si l'Allemagne parvenait, avec la coopération de l'Espagne, à s'emparer de Gibraltar, les Britanniques débarqueraient au Maroc et en Afrique occidentale française.",
"Le 8 août, rassuré par les pourparlers secrets avec Canaris, Franco a présenté des conditions extravagantes pour sa coopération à l'ambassadeur d'Allemagne en Espagne, Eberhard von Stohrer ; il a déclaré qu'il ne rejoindrait Hitler que si l'on promettait à l'Espagne Gibraltar et le Maroc français. L'Allemagne doit également promettre une aide militaire et économique sous forme de blé et de pétrole pour aider l'économie espagnole chancelante. De plus, les forces allemandes doivent d’abord débarquer sur le continent britannique dans le cadre d’une invasion à grande échelle.",
"Le 24 août, Hitler approuva un plan général visant à s'emparer de Gibraltar. Le 23 octobre, il rencontra personnellement Franco à Hendaye, en France, et proposa que l'Espagne entre en guerre aux côtés de l'Axe dès janvier 1941 ; Gibraltar serait pris par des unités spéciales de la Wehrmacht et remis à l'Espagne. Franco a cependant refusé l'offre, soulignant le besoin de l'Espagne d'une assistance militaire et économique à grande échelle. Hitler s'est offusqué lorsque Franco a exprimé des doutes quant à la possibilité d'une victoire allemande dans la lutte contre le Royaume-Uni sur son territoire. Franco a également souligné que même si les îles britanniques étaient envahies et conquises, le gouvernement britannique, ainsi que la majeure partie de l'armée britannique et de la très puissante Royal Navy, se retireraient probablement au Canada et poursuivraient la bataille de l'Atlantique, avec le soutien des États-Unis.",
"Malgré ces problèmes, les dirigeants militaires allemands se préparèrent à une opération à grande échelle contre Gibraltar. Nom de code Opération Félix, le plan prévoyait que deux corps d'armée allemands entrent en Espagne par les Pyrénées. Un corps, dirigé par le général Ludwig Kübler, devait traverser l'Espagne et attaquer Gibraltar, tandis que l'autre, commandé par le général Rudolf Schmidt, devait sécuriser ses flancs. Le soutien aérien nécessiterait un chasseur et deux ailes de bombardiers en piqué. Le commandement général du Félix devait être confié au maréchal Walther von Reichenau. Le plan prévoyait également l'occupation des possessions espagnoles en Afrique du Nord : le Maroc espagnol, le Río de Oro et les îles Canaries, dont les ports pourraient alors servir de bases aux sous-marins allemands.",
"Le 5 décembre 1940, Hitler rencontra le haut commandement allemand et décida de demander à Franco l'autorisation pour que les troupes allemandes franchissent la frontière espagnole le 10 janvier 1941. Il était prévu que le général Jodl se rende en Espagne pour préparer l'attaque de Gibraltar. dès que Canaris eut obtenu l'accord de Franco. Canaris rencontra donc Franco le 7 décembre et lui fit valoir la nécessité d'une entrée immédiate de l'Espagne dans la guerre. Franco a répondu que l'Espagne n'était tout simplement pas capable de soutenir l'armée allemande, en raison du manque de nourriture, des infrastructures paralysées et de la nature du pays, encore en train de se remettre de sa récente guerre civile. Il a également exprimé sa crainte que la saisie allemande de Gibraltar n'entraîne la perte des îles Canaries et des autres possessions espagnoles d'outre-mer par une contre-invasion britannique.",
"Les Britanniques étaient bien conscients de la valeur stratégique de Gibraltar et de sa vulnérabilité aux attaques provenant du continent espagnol. Lors du déclenchement de la guerre avec l'Italie, la plupart de la population civile a été évacuée vers le Royaume-Uni et d'autres parties de l'Empire, à l'exception de ceux qui occupaient des emplois vitaux dans les chantiers navals ou qui étaient membres des forces de défense de Gibraltar. La garnison fut plus que doublée et les défenses anti-aériennes furent grandement améliorées. Les travaux ont commencé sur un programme d'amélioration des fortifications de Gibraltar, comprenant un nouveau réseau de tunnels au plus profond du Rocher et un système de points forts et de champs de mines couvrant la frontière terrestre.",
"Sur l'insistance d'Hitler, l'OKW élabora un plan révisé pour la capture de Gibraltar, qui pourrait être mis en œuvre une fois l'invasion allemande de l'Union soviétique terminée. Baptisé Felix-Heinrich, le plan fut soumis au général Franz Halder le 10 mars 1941. Il proposait que dès que les forces d'invasion de l'Union soviétique auraient atteint une ligne entre Kiev et Smolensk, si possible avant le 15 juillet, les unités pourraient alors être retirées vers préparer l'opération Gibraltar, dont on pensait qu'elle pourrait commencer le 15 octobre. Felix-Heinrich suivrait globalement le plan initial, avec les mêmes forces, mais avec de nouvelles unités de soutien."
] | L'opération Félix était le nom de code d'un projet de saisie allemand de Gibraltar pendant la Seconde Guerre mondiale. Le projet n'a jamais dépassé le stade de l'étude d'état-major, même si la planification s'est poursuivie jusqu'en 1944, principalement en raison de la réticence du dirigeant espagnol Francisco Franco à engager l'Espagne à entrer en guerre aux côtés de l'Axe.
Arrière-plan
Après la chute de la France en juin 1940, Hermann Göring conseilla à Adolf Hitler d'occuper l'Espagne et l'Afrique du Nord plutôt que d'envahir le Royaume-Uni. Dès juin 1940, avant la signature de l'armistice avec la France, le général Heinz Guderian plaida également en faveur de la saisie de la base navale britannique de Gibraltar, d'importance stratégique. Guderian a même exhorté Hitler à reporter l'armistice afin qu'il puisse se précipiter à travers l'Espagne avec deux divisions Panzer, prendre Gibraltar, puis envahir l'Afrique du Nord française. Le général Alfred Jodl, chef des opérations de l'Oberkommando der Wehrmacht (OKW), présenta à Hitler un plan formel visant à couper la Grande-Bretagne de son empire oriental en envahissant l'Espagne, Gibraltar, l'Afrique du Nord et le canal de Suez au lieu d'envahir les îles britanniques.
Le 12 juillet 1940, l'OKW créa un groupe spécial pour la planification nécessaire. Le 22 juillet, l'amiral Wilhelm Canaris, chef de l'Abwehr et expert reconnu de l'Espagne, s'est rendu avec plusieurs autres officiers allemands à Madrid, en Espagne, où ils ont eu des entretiens avec le général Francisco Franco et le général Juan Vigón, son ministre de la Guerre. . Ils se rendirent ensuite à Algésiras, où ils restèrent quelques jours pour reconnaître les abords de Gibraltar, et revinrent en Allemagne avec la conclusion que le régime de Franco était réticent à entrer en guerre. Cependant, il est devenu connu depuis que Canaris s’est montré déloyal envers Hitler et a en fait encouragé Franco à ne pas rejoindre l’Axe. L'équipe de Canaris a cependant déterminé que Gibraltar pourrait être saisi grâce à un assaut terrestre appuyé par au moins deux régiments d'infanterie, trois bataillons du génie et 12 régiments d'artillerie. Canaris a déclaré que sans canon d'assaut lourd de 380 mm - dont il savait qu'ils n'étaient pas disponibles - Gibraltar ne pourrait pas être pris. Lorsqu'il rendit compte au maréchal Wilhelm Keitel, il donna son opinion personnelle selon laquelle même si l'Allemagne parvenait, avec la coopération de l'Espagne, à s'emparer de Gibraltar, les Britanniques débarqueraient au Maroc et en Afrique occidentale française.
En août, Canaris a rencontré le beau-frère de Franco, Ramón Serrano Súñer, qui était sur le point de devenir ministre espagnol des Affaires étrangères. Canaris a exhorté Serrano Súñer à faire tout son possible pour convaincre Franco de rester en dehors de la guerre. Peu de temps après, Franco envoya Serrano Súñer à Berlin pour avoir une idée de l'attitude d'Hitler, puisque Canaris lui avait assuré que l'Allemagne n'interviendrait pas de force en Espagne. Lorsque Serrano Súñer a rencontré Hitler le 16 septembre, Hitler n’a pas insisté beaucoup pour que l’Espagne s’implique dans la guerre, peut-être parce qu’il prévoyait de rencontrer Franco lui-même très prochainement.
Canaris a rencontré Franco à peu près au même moment et l'a averti que si l'Espagne rejoignait l'Axe, les îles espagnoles – et même l'Espagne continentale elle-même – seraient menacées par une attaque britannique. Sachant que Franco craignait une invasion allemande hostile de l'Espagne s'il refusait de coopérer, Canaris l'informa que Hitler n'avait pas une telle intention en raison de l'invasion prévue de la Russie. Canaris a également surpris Franco en admettant qu'il était convaincu que l'Allemagne ne pouvait pas gagner la guerre.
Le 8 août, rassuré par les pourparlers secrets avec Canaris, Franco a présenté des conditions extravagantes pour sa coopération à l'ambassadeur d'Allemagne en Espagne, Eberhard von Stohrer ; il a déclaré qu'il ne rejoindrait Hitler que si l'on promettait à l'Espagne Gibraltar et le Maroc français. L'Allemagne doit également promettre une aide militaire et économique sous forme de blé et de pétrole pour aider l'économie espagnole chancelante. De plus, les forces allemandes doivent d’abord débarquer sur le continent britannique dans le cadre d’une invasion à grande échelle.
Cela a incité Hitler à envoyer à nouveau Canaris en Espagne dans le but de convaincre Franco de rejoindre l'Axe et d'adoucir ses exigences « scandaleuses ». Au contraire, Canaris a une fois de plus rappelé à Franco qu’il serait insensé de rejoindre le camp voué à perdre la guerre.
Le 24 août, Hitler approuva un plan général visant à s'emparer de Gibraltar. Le 23 octobre, il rencontra personnellement Franco à Hendaye, en France, et proposa que l'Espagne entre en guerre aux côtés de l'Axe dès janvier 1941 ; Gibraltar serait pris par des unités spéciales de la Wehrmacht et remis à l'Espagne. Franco a cependant refusé l'offre, soulignant le besoin de l'Espagne d'une assistance militaire et économique à grande échelle. Hitler s'est offusqué lorsque Franco a exprimé des doutes quant à la possibilité d'une victoire allemande dans la lutte contre le Royaume-Uni sur son territoire. Franco a également souligné que même si les îles britanniques étaient envahies et conquises, le gouvernement britannique, ainsi que la majeure partie de l'armée britannique et de la très puissante Royal Navy, se retireraient probablement au Canada et poursuivraient la bataille de l'Atlantique, avec le soutien des États-Unis.
Un mémorandum d’accord dénué de sens fut signé à Hendaye par Franco et Hitler, aucune des deux parties n’obtenant ce qu’elle voulait. Quelques jours plus tard, Hitler aurait déclaré à Benito Mussolini : « Je préférerais me faire arracher quatre dents plutôt que de revivre une autre rencontre avec cet homme !
Planification des opérations
Malgré ces problèmes, les dirigeants militaires allemands se préparèrent à une opération à grande échelle contre Gibraltar. Nom de code Opération Félix, le plan prévoyait que deux corps d'armée allemands entrent en Espagne par les Pyrénées. Un corps, dirigé par le général Ludwig Kübler, devait traverser l'Espagne et attaquer Gibraltar, tandis que l'autre, commandé par le général Rudolf Schmidt, devait sécuriser ses flancs. Le soutien aérien nécessiterait un chasseur et deux ailes de bombardiers en piqué. Le commandement général du Félix devait être confié au maréchal Walther von Reichenau. Le plan prévoyait également l'occupation des possessions espagnoles en Afrique du Nord : le Maroc espagnol, le Río de Oro et les îles Canaries, dont les ports pourraient alors servir de bases aux sous-marins allemands.
Ordre de bataille allemand proposé
Corps expéditionnaire (formant la force de couverture) ; Général Rudolf Schmidt
*16e Division d'infanterie motorisée (à concentrer à Valladolid)
*16ème Division Panzer (Cáceres)
* Division SS Totenkopf Division SS Totenkopf (Séville)
49 Gebirgsarmeekorps ou Army Mountain Corps (formant la force d'assaut) ; Général Ludwig Kübler
*Régiment d'infanterie du Grossdeutschland
*98e Régiment de la 1re Division de Montagne
*26 bataillons d'artillerie moyenne et lourde
*3 bataillons d'observation
*3 bataillons du génie, qui utiliseraient jusqu'à 150 véhicules de déminage télécommandés "Goliath"
*2 bataillons Nebelwerfer
*Régiment Brandenburg (détachement de 150)
Questions diplomatiques
Le 12 novembre, Hitler a publié la directive n° 18 du Führer, qui déclarait que « des mesures politiques visant à inciter l'Espagne à entrer rapidement dans la guerre ont été prises » et que « le but de l'intervention allemande dans la péninsule ibérique (nom de code Félix) sera être de chasser les Anglais de la Méditerranée occidentale. » Il mentionnait également la possibilité d'une invasion du Portugal si les Britanniques prenaient pied et demandait qu'une enquête soit menée sur l'occupation de Madère et des Açores.
Le 5 décembre 1940, Hitler rencontra le haut commandement allemand et décida de demander à Franco l'autorisation pour que les troupes allemandes franchissent la frontière espagnole le 10 janvier 1941. Il était prévu que le général Jodl se rende en Espagne pour préparer l'attaque de Gibraltar. dès que Canaris eut obtenu l'accord de Franco. Canaris rencontra donc Franco le 7 décembre et lui fit valoir la nécessité d'une entrée immédiate de l'Espagne dans la guerre. Franco a répondu que l'Espagne n'était tout simplement pas capable de soutenir l'armée allemande, en raison du manque de nourriture, des infrastructures paralysées et de la nature du pays, encore en train de se remettre de sa récente guerre civile. Il a également exprimé sa crainte que la saisie allemande de Gibraltar n'entraîne la perte des îles Canaries et des autres possessions espagnoles d'outre-mer par une contre-invasion britannique.
Après avoir reçu le rapport de Canaris, Hitler décida d'annuler l'opération Félix. Sa déception se reflétait dans une lettre ultérieure à Mussolini dans laquelle il disait : « Je crains que Franco ne commette ici la plus grande erreur de sa vie ».
Au cours des premières semaines de 1941, les deux ambassadeurs à Berlin et à Rome tentèrent en vain d'encourager le gouvernement espagnol à changer de position. Franco a répondu négativement à une autre demande d'Hitler de rejoindre la guerre, reçue le 6 février, en utilisant comme prétexte l'état précaire de l'économie et de l'armée espagnole en raison de sa brutale guerre civile. Joachim von Ribbentrop, ministre allemand des Affaires étrangères, a déclaré à Hitler que, selon lui, « Franco n'a pas l'intention de rejoindre un jour la guerre ».
En février 1941, l'OKW informa le haut commandement naval que l'opération Félix était pour le moment hors de question, car les troupes qui lui étaient destinées seraient bientôt nécessaires ailleurs.
Contre-mesures britanniques
Les Britanniques étaient bien conscients de la valeur stratégique de Gibraltar et de sa vulnérabilité aux attaques provenant du continent espagnol. Lors du déclenchement de la guerre avec l'Italie, la plupart de la population civile a été évacuée vers le Royaume-Uni et d'autres parties de l'Empire, à l'exception de ceux qui occupaient des emplois vitaux dans les chantiers navals ou qui étaient membres des forces de défense de Gibraltar. La garnison fut plus que doublée et les défenses anti-aériennes furent grandement améliorées. Les travaux ont commencé sur un programme d'amélioration des fortifications de Gibraltar, comprenant un nouveau réseau de tunnels au plus profond du Rocher et un système de points forts et de champs de mines couvrant la frontière terrestre.
La garnison britannique : printemps 1941
*2e Bataillon, Régiment du Roi
*2e Bataillon, Infanterie légère du Somerset
*4e Bataillon, The Black Watch (à partir de juillet 1940)
*4e Bataillon, Devonshire Regiment (à partir de juillet 1940)
*3e Régiment lourd, Royal Artillery, avec 8 x 9,2 pouces, 7 x 6 pouces et 6 x canons d'artillerie côtière jumelés de 6 livres
*10e Régiment antiaérien, Royal Artillery, avec canons anti-aériens de 4 x 3 pouces, 4 x 3,7 pouces et 2 x 2 livres
*82nd Heavy AA Regiment, Royal Artillery, (à partir de juillet 1940), avec 16 canons de 3,7 pouces, 8 canons Bofors AA de 40 mm de 40 mm et un radar
*3e batterie de projecteurs, Artillerie royale.
*« Détachement spécial » de la No. 1 Tunneling Company, Royal Canadian Engineers (à partir de novembre 1940)
*Non. 2 Tunnelling Company, Royal Canadian Engineers (à partir de mars 1941)
*Royal Engineers, Royal Signals et armes de soutien.
Une autre contre-mesure fut la création d'un groupe d'officiers spécialisés de l'armée et de la marine, connu sous le nom de 128e Délégation de liaison, qui serait activé en cas d'entrée de l'armée allemande en Espagne. Il avait deux rôles alternatifs ; le rôle initial serait de fournir un soutien au général Franco s'il décidait de résister aux Allemands et d'assurer la liaison avec toute force britannique envoyée pour soutenir les forces espagnoles. Le deuxième rôle, en cas de collusion entre Franco et les Allemands, était de démolir les ports et les infrastructures espagnols et d’organiser la résistance et le sabotage avec la participation du Special Operations Executive. Ce rôle est devenu prééminent plus tard dans la guerre lorsque le groupe a été rebaptisé Joint Intelligence Centre.
Félix-Heinrich
Sur l'insistance d'Hitler, l'OKW élabora un plan révisé pour la capture de Gibraltar, qui pourrait être mis en œuvre une fois l'invasion allemande de l'Union soviétique terminée. Baptisé Felix-Heinrich, le plan fut soumis au général Franz Halder le 10 mars 1941. Il proposait que dès que les forces d'invasion de l'Union soviétique auraient atteint une ligne entre Kiev et Smolensk, si possible avant le 15 juillet, les unités pourraient alors être retirées vers préparer l'opération Gibraltar, dont on pensait qu'elle pourrait commencer le 15 octobre. Felix-Heinrich suivrait globalement le plan initial, avec les mêmes forces, mais avec de nouvelles unités de soutien. | http://www.quizballs.com/ |
Dans la série télévisée pour enfants « Fireball XL5 », quel est le nom du robot copilote de XL5 ? | Robert le robot | [
"* Robert le robot, copilote de XL5, un robot transparent inventé par le professeur Matic et l'homme mécanique le plus avancé de la Terre (exprimé par un Gerry Anderson non crédité utilisant un larynx artificiel et le seul personnage principal que Gerry Anderson ait jamais exprimé dans l'une de ses séries) ."
] | Fireball XL5 est une émission télévisée pour enfants sur le thème de la science-fiction qui suit les missions du vaisseau spatial Fireball XL5, commandé par le colonel Steve Zodiac de la World Space Patrol. L'émission a été produite de 1962 à 1963 par l'équipe mari et femme Gerry et Sylvia Anderson par l'intermédiaire de leur société APF, en association avec ATV pour ITC Entertainment, et diffusée pour la première fois sur ATV le dimanche 28 octobre 1962. Lors du développement de sa nouvelle émission, Anderson pensait qu'un La marque d’huile moteur – Castrol XL – avait un son intéressant. Un changement phonétique a créé le nom "Fireball XL", avec le "5" ajouté car le titre semblait un peu plat sans le chiffre.
Le spectacle présentait la Supermarionation des Anderson, une forme de marionnettes introduite pour la première fois dans Four Feather Falls (1960) et Supercar (1961) et utilisée à nouveau dans leurs productions ultérieures telles que Stingray, Thunderbirds et Captain Scarlet. Trente-neuf épisodes d'une demi-heure en noir et blanc de Fireball XL5 ont été réalisés sur film 35 mm : toutes les séries ultérieures d'Anderson ont été produites en couleur.
Plusieurs séries Anderson ont été diffusées en syndication aux États-Unis, mais Fireball XL5 est la seule série Anderson à avoir été diffusée sur un réseau américain. NBC (la National Broadcasting Company) a diffusé la série dans son bloc pour enfants du samedi matin de 1963 à septembre 1965.
Un programme similaire souvent confondu avec Fireball XL5 en raison d'un certain nombre de similitudes et de paramètres est Space Patrol (connu sous le nom de Planet Patrol aux États-Unis), produit par l'ancien partenaire commercial de Gerry Anderson et co-fondateur d'AP Films, Arthur Provis.
La série complète est disponible sur DVD au Royaume-Uni, en Australie, au Canada et aux États-Unis.
Paramètre
Se déroulant entre 2062 et 2063, la série présentait les missions du vaisseau spatial Fireball XL5, commandé par le colonel Steve Zodiac de la World Space Patrol. L’équipage comprenait le glamour Docteur Venus, docteur en médecine spatiale ; le navigateur et ingénieur d'âge moyen, le professeur Matthew Matic, et le copilote Robert, un robot anthropomorphe transparent qui proclamerait le plus souvent ON-OUR-WAY-HOME. Robert était le seul personnage d'une série d'Anderson qui était en fait exprimé par Anderson lui-même, mais avec l'aide d'un larynx artificiel. Comme Anderson le décrit dans une scène supprimée de Filmed in Supermarionation :
Ensuite, il était très, très difficile, voire impossible, de produire le genre de voix de robot qui devait être monotone. Nous avons donc découvert qu'à l'Université d'Édimbourg, ils créaient artificiellement la voix humaine. Ils nous ont donné un vibrateur - bien sûr, bien sûr, tout le monde souriait - pas ce genre de vibromasseur. Et c'était un vibrateur que les personnes dont le larynx avait été enlevé à cause d'un cancer pouvaient mettre le vibromasseur sous leur menton, et cela faisait un bourdonnement constant. [Fait un bourdonnement.] Et puis, bien sûr, ce son a été transmis à l'air à l'intérieur de la bouche. Et j’ai ensuite pu moduler cela en prononçant les mots. Alors, mettons les choses au clair, les gars. Ce n'était pas ma voix. C'était le son du vibrateur que je modulais, et c'est pour ça, euh... Robert disait toujours : "[Faire une impression de Robert.] En route pour rentrer.".
Dans la série, la World Space Patrol est basée à Space City, située sur une île sans nom du Pacifique Sud, dirigée par le commandant Zero. Zero est assisté du lieutenant Ninety. Pour des raisons non précisées, la tour de contrôle en forme de T de 25 étages de Space City tourne ; dans un épisode, un personnage le fait tourner par inadvertance assez vite pour que ceux à l'intérieur souffrent de vertige.
Fireball XL5 a patrouillé le secteur 25 de l'espace interstellaire cartographié (bien qu'il ne semble y avoir que trois secteurs marqués sur la carte spatiale vue dans la salle de contrôle de Space City). Les patrouilles étaient des missions d'une durée de trois mois mais le navire était également de garde lorsqu'il était à la base.
Vaisseau spatial Fireball XL5
Le vaisseau spatial de patrouille Fireball XL5 décolle en utilisant un rail de lancement d'un kilomètre de long culminant dans une inclinaison de 40 degrés, ou rampe aérienne, qui, comme le prétend Anderson, a été inspirée par un vieux design soviétique, un concept également utilisé dans le film When Worlds. Entrer en collision.
La World Space Patrol exploite apparemment une flotte d'au moins trente vaisseaux « Fireball XL » (un XL30 est mentionné dans l'épisode Les Pompiers), dont XL5 est le plus célèbre. Le navire lui-même est composé de deux sections détachables. Un cône avant ailé, connu sous le nom de Fireball Junior, contient le cockpit et se sépare du corps principal pour atterrir sur d'autres mondes. Le reste du navire contient une baie de navigation, un laboratoire, un grand salon, des ateliers et des quartiers séparés de l'équipage, ainsi que du carburant et les principaux moteurs de fusée utilisés pour les voyages interstellaires. Le vaisseau principal reste généralement en orbite après son arrivée sur une planète extraterrestre. Lorsque Fireball XL5 retourne à sa base sur Terre, Space City, le vaisseau entier atterrit horizontalement, sans se séparer, à l'aide de rétro-fusées montées sous le vaisseau.
Bien que la série utilise de nombreux thèmes classiques de science-fiction du début du XXe siècle rappelant l'opéra spatial de E. E. "Doc" Smith, il s'agissait d'une émission pour enfants et n'était pas destinée à être réaliste. Fireball XL5 est représenté voyageant à travers la galaxie à des vitesses inférieures à la lumière (jusqu'à l'épisode Faster than Light), et la série a observé peu des limites de la science et des fusées connues. Les téléspectateurs ont été informés que les moteurs-fusées du navire étaient propulsés par un « réacteur nutomique » et que XL5 pouvait voyager en toute sécurité à des vitesses allant jusqu'à « la vitesse spatiale 7 », lui permettant d'atteindre les systèmes stellaires éloignés de l'espace cartographié en quelques mois. De plus, l’équipage n’a jamais porté de combinaison spatiale ; au lieu de cela, ils ont pris des « pilules d’oxygène » pour survivre dans le vide de l’espace, où ils ont manœuvré en apesanteur à l’aide de propulseurs. La « radio Neutroni » a permis une communication pratiquement instantanée dans les secteurs de l'espace cartographié, et le XL5 et ses navires jumeaux ont été équipés d'« activateurs de gravité » qui généraient des champs de gravité artificiels en leur sein.
Voix des personnages
Les personnages réguliers ont été exprimés par Paul Maxwell, Sylvia Anderson, David Graham et John Bluthal. Comme dans de nombreux spectacles de marionnettes d'Anderson, la plupart des personnages importants ont un accent américain, à quelques exceptions notables près : le Dr Venus est français, Jock l'ingénieur est écossais et certains extraterrestres ont un accent britannique remarquablement calme (par exemple, l'épisode 33, le jour où la Terre a gelé). Les problèmes linguistiques entre les races extraterrestres et la Terre étaient rarement rencontrés car la plupart des races semblaient parler un anglais parfait.
Chanson thème et merchandising
Fireball XL5 avait un thème musical instrumental d'ouverture séparé et une chanson thème de clôture. Le thème final, Fireball, écrit par Barry Gray et chanté par Don Spencer, est devenu un succès mineur en Grande-Bretagne. Gray entretiendra une longue relation avec les productions des Anderson, écrivant des thèmes pour des séries telles que Thunderbirds et Space : 1999. Don Spencer deviendra le premier artiste pour enfants d'Australie et fondateur de l'Australian Children's Music Foundation. Un groupe, The Flee-Rekkers, produit par Joe Meek, a sorti une version instrumentale à la manière de Telstar.
En plus de la chanson thème, la série a donné naissance à un certain nombre d'autres produits dérivés sous licence, notamment des jouets, un ensemble de jeu MPC avec une fusée et des figurines, des maquettes comprenant un kit en plastique de Fireball XL5 lui-même, des marionnettes, des pistolets à rayons, des bandes dessinées et annuelles. En Grande-Bretagne, une bande dessinée Fireball XL5 en noir et blanc de 2 pages est apparue dans l'hebdomadaire TV Comic entre 1962 et 1964 avant de passer à la nouvelle bande dessinée hebdomadaire TV Century 21 en janvier 1965 pendant encore 5 ans. Les bandes dessinées parues entre 1965 et 1968 étaient en couleur et ne revinrent au noir et blanc qu'en 1969. Quatre livres annuels à couverture rigide ont été publiés en Grande-Bretagne par Collins entre 1963 et 1966, contenant des bandes dessinées et des histoires textuelles en couleur et en noir et blanc, tandis que aux États-Unis, Gold Key Comics a imprimé une bande dessinée couleur en un seul numéro en 1963. Little Golden Books a publié un livre d'histoires illustré en couleur à couverture rigide en 1964 (publié plus tard sous le titre « Fireball XL5 – A Big Television Book » en Grande-Bretagne).
Au milieu des années 1960, trois livres de coloriage/puzzles à couverture souple ont également été publiés en Grande-Bretagne et un livre de coloriage/d'histoires à couverture souple publié aux États-Unis.
Sorties vidéo à domicile
Comme la plupart des séries Supermarionation d'Anderson, celle-ci a reçu une "série complète" dans la région 1 par A&E Home Video. Une version Région 2 contenant du nouveau matériel bonus est sortie sur DVD dans ces territoires en 2009, remplaçant une version de 2004 sans extras. Le 22 octobre, dans les territoires de la région B, un Blu-ray individuel présentant une version colorisée de l'épisode Une journée dans la vie d'un général de l'espace est sorti. Le disque comprend également un épisode de Four Feather Falls et une version étendue du documentaire Wonderland of Stardust sorti en bonus sur le coffret Région B sorti plus tôt en 2009. [http://www.blu-ray.com/movies/ Fireball-XL5-A-Day-in-the-Life-of-a-Space-General-Blu-ray/6823/]
Casting de personnages
* Colonel Steve Zodiac, pilote et commandant de Fireball XL5 (exprimé par Paul Maxwell). Commandant de Fireball XL5. Zodiac a reçu le titre d'Astronaute de l'année dans l'épisode "Space City Special".
* Docteur Vénus, Docteur en Médecine Spatiale, d'origine française. Personnellement choisi pour faire partie de son équipage par Steve Zodiac et avec 5 ans de service sur le XL5 selon l'épisode "Le Dernier des Zanadus" (exprimé par Sylvia Anderson).
* Professeur Matthew "Matt" Matic, ingénieur, navigateur et scientifique de XL5 (exprimé par David Graham, parlant d'une voix similaire à celle de l'acteur Walter Brennan).
* Robert le robot, copilote de XL5, un robot transparent inventé par le professeur Matic et l'homme mécanique le plus avancé de la Terre (exprimé par un Gerry Anderson non crédité utilisant un larynx artificiel et le seul personnage principal que Gerry Anderson ait jamais exprimé dans l'une de ses séries) .
* Zoonie the Lazoon, animal de compagnie paresseux et semi-télépathique du Dr Vénus de la planète Colevio (exprimé par David Graham). Lors de ses premières apparitions, il ne pouvait rien dire d'autre que « bienvenue à la maison », mais son vocabulaire s'est enrichi au fur et à mesure que la série progressait, souvent parce qu'il imitait d'autres personnages.
* Commandant Wilbur Zero, commandant en chef opérationnel de la patrouille spatiale mondiale et contrôleur en chef de Space City (exprimé par John Bluthal). Malgré son extérieur bourru, il se soucie profondément de ses subordonnés et les respecte, en particulier Steve.
* Lieutenant Ninety, contrôleur adjoint de Space City (exprimé par David Graham). Ninety est jeune, inexpérimenté et le personnage le plus souvent victime de l'attitude cinglante du commandant Zero. Malgré la tension apparente entre lui et Zero, Zero l'a appelé "le meilleur lieutenant de Space City".
* Jock Campbell, ingénieur en chef écossais de Space City (exprimé par John Bluthal). Il indique clairement qu'il n'a pas une très haute opinion des femmes, mais lorsque Vénus lui sauve la vie au cours d'une mission malheureuse, il commence à changer d'avis.
* Eleanor Zero, l'épouse du commandant Zero (exprimée par Sylvia Anderson)
* Jonathan Zero, le jeune fils du commandant Zero (exprimé par Sylvia Anderson). Selon le livre d'histoires Little Golden Book « Fireball XL5 » publié aux États-Unis en 1964, le jeune Jonathan a eu la chance d'être passager à bord du voyage inaugural de Fireball XL5 qui comprenait un arrêt imprévu sur la planète Geminy.
* Les méchants récurrents comprenaient les espions spatiaux Boris et Griselda, avec leur vaisseau spatial désuet S.S.Thor (S.S. signifiait Space Spy) et les méchants sous-terrains extraterrestres verts de la planète 46.
Planètes
De nombreux épisodes de Fireball XL5 se sont déroulés sur des planètes exotiques :
* Amazonie – une planète mentionnée dans l'épisode Prisonnier sur la planète perdue comme étant membre de l'Organisation des Planètes Unies aux côtés de la Terre et qui avait banni sa reine folle sur une planète sans nom de volcans actifs.
* Aridan - la planète désertique qui avait autrefois de l'eau mais qui est maintenant une nature sauvage et aride vue dans l'épisode "Space Pirates"
* Conva – une planète régulièrement présentée pour la première fois dans l'épisode « Space Pen » comme une prison planétaire pour les criminels et figurée en bonne place dans l'épisode « Convict in Space », dans lequel l'un de ses condamnés s'échappe.
* Granatoid – foyer des robots Granatoid qui apparaissent dans "The Granatoid Tanks" et décrits (bien que non vus) comme ayant une société complètement technocratique, dirigée par un robot exprimé par un Gerry Anderson non crédité.
* Granvenia – une planète mentionnée comme destination des pétroliers détournés vers la planète Suventa dans l'épisode « Hypnotic Sphere ».
* Hedera – une planète riche en vie végétale qui a été visitée dans l'épisode « Plant Man from Space » et qui abrite une souche rampante de lierre appelée Hedera helixa.
* Herbos – une planète jungle vue brièvement dans l'épisode "Le Dernier des Zanadus".
* Magneton – une planète visitée dans l'épisode « Space Magnet » et habitée par les solaires invisibles.
* Membrono – une planète qui a été presque détruite (par une autre planète sans nom) dans l'épisode « The Doomed Planet ». Une race extraterrestre avancée vivait sur la lune de Membrono.
* Minerra - une planète riche en minéraux radioactifs nécessaires aux ressources terrestres vue dans l'épisode "Space Pirates"
* Mirana – une planète en feu perpétuel vue dans l'épisode « Hypnotic Sphere ».
* Monotane – une planète désertique habitée par un monstre spatial dans "Space Monster".
* Nouvelle Terre – une planète avec une atmosphère mince et peu de gravité qui devait être colonisée par l'équipage du vaisseau spatial Mayflower-3 dans l'épisode Space Immigrants jusqu'au vaisseau spatial Fireball XL7, envoyé pour préparer l'arrivée du Mayflower-3, a été capturé par des extraterrestres mégalomanes.
* Planète 46 – foyer des sous-terrains et planète aride avec une atmosphère d'oxygène ; introduit dans l'épisode pilote Planet 46 et apparaissant dans de nombreux autres épisodes.
* Planète 73 – une planète colonisée par la Terre et attaquée par les Granatoïdes dans l'épisode The Granatoid Tanks.
* Planète 82 – une planète renommée Robotvia par le professeur Al Himber.
* Platonia – une planète présentée dans l'épisode Planet of Platonia et révélée riche en platine et habitée par des extraterrestres à la peau argentée qui mangent des repas de 23 plats. Un accord commercial avec la Terre avait créé une lutte de pouvoir sur la planète, que l'équipage du XL5 avait été envoyé pour calmer.
* Rajusca - Une planète désertique présentée dans l'épisode Sun Temple, dans lequel la Terre est attaquée par des Rajuscans adorateurs du soleil vivant dans le désert.
* Suventa – une planète de glace qui abrite une créature cérébrale sans nom qui espère utiliser des satellites hypnotiques pour prendre le contrôle de l'univers.
*Triade – une planète présentée dans l'épisode Les Triades, qui est presque identique à la Terre en tous points, sauf qu'elle est trois fois plus grande. Par conséquent, tout ce qui s’y trouve, les plantes, les gens, les animaux, etc., est également trois fois plus grand que sur terre. Les gigantesques habitants humains sont sympathiques, mais ont au moins 100 ans de retard technologique sur la Terre et tentaient tout juste leurs premiers lancements spatiaux lorsque l'équipage du XL5 s'est rendu sur place.
* Zanadu – une planète qui présentait un temple mystérieux dans l'épisode Last of the Zanadus
* Zofeit – une planète dont les habitants, les Zofeits, ont été presque anéantis (seuls deux mâles ont survécu) par un extraterrestre solitaire dans les épisodes XL5 à H20. L'équipage du XL5 a secouru les deux survivants, qui ont été évacués vers Terre.
Épisodes
Traductions
* : Fusée XL5
* : Le Captain Mars et son XL5. Dans la version présentée dans les pays d'Amérique latine, le colonel Zodiac est rebaptisé Captain Mars (« Captain Mars »).
* : Πύρινη Σφαίρα (pyrine sphaera = boule de feu). | http://www.quizballs.com/ |
En janvier 1973, qui a battu Joe Frazier pour remporter le championnat du monde de boxe poids lourd ? | George Foreman | [
"Frazier est devenu le principal prétendant à la fin des années 1960, battant des adversaires tels que Jerry Quarry, Oscar Bonavena, Buster Mathis, Eddie Machen, Doug Jones, George Chuvalo et Jimmy Ellis, en route pour devenir champion incontesté des poids lourds en 1970, et a ensuite battu Muhammad Ali par décision unanime lors du très attendu « Combat du siècle » en 1971. Deux ans plus tard, Frazier perdit son titre lorsqu'il fut vaincu par George Foreman. Il a continué à se battre, battant Joe Bugner, perdant un match revanche contre Ali et battant à nouveau Quarry et Ellis.",
"Le style de Frazier était souvent comparé à celui d'Henry Armstrong et parfois de Rocky Marciano, dépendant du saut, du tissage et d'une pression incessante pour épuiser ses adversaires. Son coup de poing le plus connu était un puissant crochet gauche, qui représentait la plupart de ses KO. Au cours de sa carrière, il n'a perdu que contre deux combattants, anciens champions olympiques et champions du monde des poids lourds : deux fois contre Muhammad Ali et deux fois contre George Foreman.",
"Perd le titre face à George Foreman",
"Frazier a perdu son record d'invincibilité de 29-0 et son championnat du monde, aux mains de George Foreman, invaincu, le 22 janvier 1973, à Kingston, en Jamaïque. Bien que Frazier soit le grand favori, Foreman dominait de 10 cm (4 pouces) le champion plus compact et dominait dès le départ. Deux minutes après le début du premier tour, Foreman a renversé Frazier pour la première fois. Après avoir été renversé une sixième fois au deuxième tour par l'arbitre Arthur Mercante, Sr. a arrêté le combat.",
"En mars 1975, Frazier a combattu une revanche avec Jimmy Ellis à Melbourne, en Australie, l'éliminant en neuf rounds. Cette victoire a de nouveau établi Frazier comme le challenger numéro un des poids lourds pour le titre, qu'Ali avait remporté contre George Foreman dans le célèbre \"Rumble in the Jungle\" cinq mois plus tôt.",
"En 1976, Frazier (32-3) combattit George Foreman pour la deuxième fois. Crâne rasé pour nouvelle image, Frazier s'est assez bien battu, un peu plus retenu que d'habitude, évitant de marcher sur les gros coups qu'il avait réalisés lors de leur premier match. Cependant, Foreman a attendu son moment et a ensuite lancé un énorme crochet gauche qui a soulevé Frazier de ses pieds. Après un deuxième renversement, il a été arrêté au cinquième. Peu de temps après le combat, Frazier a annoncé sa retraite.",
"Selon un article du New York Times, « au fil des années, Frazier a perdu une fortune à cause d'une combinaison de sa propre générosité et de sa naïveté, de ses excès de folie et d'opportunités commerciales ratées. Les autres têtes d'affiche de ses jours de combat : Ali, George Foreman , et Larry Holmes, sont millionnaires.\" Interrogé sur sa situation, Frazier est devenu ludique sur la défensive, mais n'a pas voulu révéler sa situation financière. \"Est-ce que vous me demandez combien d'argent j'ai ?\" il a dit. \"J'ai beaucoup d'argent. J'ai une pile de billets de 100 $ enroulés là-bas, au fond de la pièce.\" Frazier s'est reproché, en partie, de ne pas promouvoir efficacement sa propre image. Dans un documentaire HBO de 2006 sur le combat à Manille, Frazier a été interviewé vivant dans un appartement d'une pièce au deuxième étage de sa salle de sport."
] | Joseph William « Joe » Frazier (12 janvier 1944 – 7 novembre 2011), surnommé Smokin' Joe, était un boxeur professionnel américain, médaillé d'or olympique et champion du monde incontesté des poids lourds, dont la carrière professionnelle a duré de 1965 à 1976, avec un - retour en combat en 1981. Frazier était connu pour sa force, sa durabilité, sa puissance de frappe et son attaque implacable.
Frazier est devenu le principal prétendant à la fin des années 1960, battant des adversaires tels que Jerry Quarry, Oscar Bonavena, Buster Mathis, Eddie Machen, Doug Jones, George Chuvalo et Jimmy Ellis, en route pour devenir champion incontesté des poids lourds en 1970, et a ensuite battu Muhammad Ali par décision unanime lors du très attendu « Combat du siècle » en 1971. Deux ans plus tard, Frazier perdit son titre lorsqu'il fut vaincu par George Foreman. Il a continué à se battre, battant Joe Bugner, perdant un match revanche contre Ali et battant à nouveau Quarry et Ellis.
Le dernier défi de Frazier pour le titre mondial a eu lieu en 1975, mais il a été battu par Ali lors de leur brutal match en caoutchouc. Il a pris sa retraite en 1976 suite à une deuxième défaite contre Foreman. Il fait son retour en 1981, combattant une seule fois, avant de prendre sa retraite. L'Organisation internationale de recherche sur la boxe (IBRO) classe Frazier parmi les dix plus grands poids lourds de tous les temps. En 1999, le magazine The Ring le classe au 8ème rang des poids lourds. Il est intronisé à la fois au Temple de la renommée internationale de la boxe et au Temple de la renommée mondiale de la boxe.
Le style de Frazier était souvent comparé à celui d'Henry Armstrong et parfois de Rocky Marciano, dépendant du saut, du tissage et d'une pression incessante pour épuiser ses adversaires. Son coup de poing le plus connu était un puissant crochet gauche, qui représentait la plupart de ses KO. Au cours de sa carrière, il n'a perdu que contre deux combattants, anciens champions olympiques et champions du monde des poids lourds : deux fois contre Muhammad Ali et deux fois contre George Foreman.
Après avoir pris sa retraite, Frazier a fait des apparitions dans plusieurs films hollywoodiens et dans deux épisodes des Simpsons. Son fils Marvis est devenu boxeur – formé par Frazier lui-même – mais n'a pas pu égaler le succès de son père. Sa fille Jackie Frazier-Lyde boxait également professionnellement. Frazier a continué à entraîner des combattants dans son gymnase de Philadelphie. Ses dernières années furent marquées par des insultes périodiques et des sentiments amers envers Ali, entrecoupés de brèves réconciliations.
Frazier a reçu un diagnostic de cancer du foie fin septembre 2011 et a été admis en soins palliatifs. Il est décédé des complications de la maladie le 7 novembre 2011.
Début de la vie
Joe Frazier était le 12e enfant de Dolly Alston-Frazier et Rubin à Beaufort, en Caroline du Sud. Il a grandi dans une communauté rurale de Beaufort appelée Laurel Bay. Frazier a déclaré qu'il a toujours été proche de son père, qui l'a porté quand il était enfant "sur les 10 acres de terres agricoles" où les Frazier travaillaient comme métayers "jusqu'à l'alambic où il fabriquait sa liqueur de maïs de contrebande, et en ville le samedi pour acheter les nécessités dont une famille de 10 personnes avait besoin. Le jeune Frazier était affectueusement surnommé « Billie Boy ».
Rubin Frazier a eu la main gauche brûlée et une partie de son avant-bras amputée lors d'un accident de tracteur l'année de la naissance de son fils. Rubin Frazier et sa femme Dolly étaient dans leur voiture lorsqu'Arthur Smith, qui était ivre, est passé par là et a fait un geste pour Dolly mais a été repoussé. Stefan Gallucci, un barman local, a raconté son expérience. Lorsque les Frazier sont partis, Smith leur a tiré dessus à plusieurs reprises, touchant Dolly au pied et Rubin à plusieurs reprises au bras. Smith a été reconnu coupable et envoyé en prison, mais n'y est pas resté longtemps. Dolly Frazier a déclaré : « Si vous étiez un bon ouvrier, l'homme blanc vous faisait sortir de prison et vous occupait à la ferme. »
Les parents de Frazier travaillaient dans leur ferme avec deux mules, nommées Buck et Jenny. Les terres agricoles étaient ce que les gens de la campagne appelaient « de la terre blanche, ce qui est une autre façon de dire que ça ne vaut rien ». Ils ne pouvaient pas y faire pousser de pois ou de maïs, seulement du coton et des pastèques.
Au début des années 1950, le père de Frazier achète une télévision en noir et blanc. La famille et d’autres personnes à proximité sont venues y regarder des matchs de boxe. La mère de Frazier vendait des boissons pour un quart alors qu'ils regardaient des boxeurs comme Sugar Ray Robinson, Rocky Marciano, Willie Pep et Rocky Graziano. Une nuit, l'oncle Israël de Frazier remarqua sa carrure trapue. "Ce garçon-là... ce garçon sera un autre Joe Louis", remarqua-t-il. Les mots ont fait une impression sur Joe. Ses camarades de classe à l'école lui donnaient un sandwich ou une pièce de monnaie pour les accompagner à la dernière cloche afin que les intimidateurs ne les dérangent pas. Frazier a déclaré: "N'importe quel 'camboogah' (une personne irrespectueuse, bas et grossière) qui se mettait en face de moi le regretterait bientôt; Billie Boy pourrait botter le cul de n'importe qui." Le lendemain du commentaire de son oncle, Frazier a rempli un vieux sac en toile de jute de chiffons, d'épis de maïs, d'une brique et de mousse espagnole. Il a accroché le sac de fortune à un chêne dans le jardin. "Pendant les 6 ou 7 années suivantes, presque tous les jours, je frappais ce sac lourd pendant une heure à la fois. J'enroulais mes mains avec une cravate de mon père, ou un bas de ma mère ou de ma sœur, et je recevais à cela", a fait remarquer Joe.
Peu de temps après que Frazier ait commencé à travailler, son bras gauche a été grièvement blessé alors qu'il fuyait le porc de 300 livres de la famille. Un jour, Frazier a poussé le porc avec un bâton et s'est enfui. La porte de la porcherie était cependant ouverte ; et le porc le poursuivit. Frazier est tombé et s'est cogné le bras gauche contre une brique. Son bras était gravement déchiré ; mais comme la famille n'avait pas les moyens de payer un médecin, le bras a dû guérir tout seul. Joe n'a plus jamais été capable de le garder complètement droit.
À l'âge de 15 ans, Frazier travaillait dans une ferme pour une famille nommée Bellamy. C'étaient tous deux des hommes blancs : Mac, qui était le plus jeune des deux et le plus facile à vivre, et Jim, qui était un peu plus rude et quelque peu arriéré. Un jour, un petit garçon noir d'environ 12 ans a endommagé un des tracteurs des Bellamy sans le vouloir. Jim Bellamy est devenu tellement en colère qu'il a enlevé sa ceinture et a fouetté le garçon avec sa ceinture juste là, sur le terrain. Joe a vu l'événement et est retourné à l'usine de conditionnement de la ferme et a raconté à ses amis noirs ce qu'il avait vu. Peu de temps après, Jim Bellamy a vu Joe et lui a demandé pourquoi il avait raconté ce dont il avait été témoin. Joe a alors dit à Bellamy qu'il ne savait pas de quoi il parlait, mais Bellamy ne l'a pas cru et a dit à Joe de quitter la ferme avant d'enlever à nouveau sa ceinture. Joe lui a dit qu'il ferait mieux de garder son pantalon parce qu'il n'allait pas utiliser sa ceinture sur lui. Jim a ensuite analysé Joe un peu et a finalement dit "Allez, foutez le camp d'ici." Joe savait à partir de ce moment qu'il était temps pour lui de quitter Beaufort ; il ne pouvait voir que des temps difficiles et des loyers bas par lui-même. Même sa maman pouvait le voir. Elle a dit à Joe "Fils, si tu ne peux pas t'entendre avec les Blancs, alors quitte la maison parce que je ne veux pas qu'il t'arrive quoi que ce soit."
Le billet de train de Beaufort aux villes du Nord était coûteux et l'arrêt de bus le plus proche se trouvait à Charleston, à 120 km. Heureusement, en 1958, le bus (The Dog, comme l'appellent les habitants de Beaufort) avait finalement fait de Beaufort un arrêt sur sa route en Caroline du Sud. Joe avait un frère, Tommy, à New York. On lui a dit qu'il pouvait rester avec Tommy et sa famille. Joe a dû économiser un peu avant de pouvoir prendre le bus pour New York et avoir encore un peu d'argent en poche. Il est donc d'abord allé travailler à l'usine Coca-Cola locale. Joe a fait remarquer que le Blanc conduirait le camion et qu'il ferait le vrai travail, en empilant et en déchargeant les caisses. Joe est resté chez Coca-Cola jusqu'à ce que le gouvernement commence à construire des maisons pour les Marines stationnés à Parris Island ; à ce moment-là, il a été embauché dans une équipe de travail.
Neuf mois se sont finalement écoulés depuis qu'il a reçu la botte de la ferme Bellamy. Un jour, sans fanfare ni au revoir en larmes, Joe a fait ses valises rapidement et a pris le premier bus en direction du nord. Il s'est finalement installé à Philadelphie. "J'ai grimpé sur le dos du chien et j'ai roulé toute la nuit", a fait remarquer Joe. "C'était en 1959, j'avais 15 ans et j'étais seul."
Carrière amateur
Au cours de la carrière amateur de Frazier, il a remporté les championnats poids lourds Golden Gloves en 1962, 1963 et 1964. Sa seule défaite en trois ans en tant qu'amateur était contre Buster Mathis. Mathis s'avérera être le plus grand obstacle de Joe à faire partie de l'équipe olympique américaine de boxe de 1964. Ils se sont rencontrés lors de la finale des épreuves olympiques américaines à l'Exposition universelle de New York à l'été 1964. Leur combat était prévu sur trois rounds et ils se sont battus avec des gants de 10 onces et un casque, même si les boxeurs qui se sont rendus à Tokyo le feraient. ne portez pas de couvre-chef et portez des gants de 8 oz. Joe était impatient de revenir contre Mathis pour sa seule défaite amateur et a mis deux adversaires KO pour se qualifier pour la finale. Mais une fois de plus, une fois la poussière retombée, les juges avaient prononcé un jugement en faveur de Mathis, pensa injustement Joe. "Tout ce que ce gros garçon avait fait, c'était courir comme un voleur, me frapper avec un bisou et faire marche arrière comme un fou." Joe ferait remarquer.
Mathis avait porté son maillot très haut, de sorte que lorsque Joe a frappé Mathis avec des coups de corps légitimes, l'arbitre les a vu d'un mauvais œil. Au deuxième tour, l'arbitre était allé jusqu'à pénaliser Joe de deux points pour avoir frappé sous la ceinture. "Dans un combat en trois rounds, un homme ne peut pas se permettre une telle déduction de points", disait Joe. Joe est ensuite retourné à Philadelphie en se sentant aussi déprimé qu'il ne l'avait jamais été et envisageait même d'abandonner la boxe. Duke Dugent et son entraîneur Yank Durham ont réussi à sortir Joe de son marasme et ont même suggéré à Joe de faire le voyage à Tokyo comme remplaçant, au cas où quelque chose arriverait à Mathis. Joe a accepté et pendant son séjour, il était un bourreau de travail, s'entraînant avec tous les boxeurs olympiques qui voulaient de l'action. "Poids moyen, mi-lourd, cela n'avait pas d'importance pour moi, je suis entré là-dedans et j'ai boxé tous les arrivants", disait Joe. En revanche, Mathis se relâchait. Le matin, lorsque l'équipe olympique faisait ses travaux routiers, Mathis courait un kilomètre, puis se mettait à marcher en disant : « Vas-y, grand Joe. Je te rattraperai. Son record amateur était de 38-2.
Jeux olympiques de 1964
En 1964, le représentant des poids lourds Buster Mathis s'est qualifié mais a été blessé et Frazier a donc été envoyé en remplacement. Lors de l'épreuve de boxe poids lourd, Frazier a éliminé George Oywello de l'Ouganda au premier tour, puis a éliminé Athol McQueen d'Australie 40 secondes après le troisième tour. Il était alors en demi-finale, en tant que seul boxeur américain restant, face à Vadim Yemelyanov, de 6 pieds 2 pouces et 214 livres, de l'Union soviétique.
"Mon crochet gauche était un missile à recherche de chaleur, frappant son visage et son corps à maintes reprises. Deux fois au deuxième tour, je l'ai projeté sur la toile. Mais alors que je m'éloignais, j'ai senti une secousse de douleur traverser mon bras gauche. Oh putain, le pouce." dirait Joe. Joe a immédiatement su que le pouce de sa main gauche était endommagé, même s'il n'était pas sûr de l'ampleur. "Au milieu du combat, avec votre montée d'adrénaline, il est difficile d'évaluer de telles choses. Mon esprit était tourné vers des sujets plus importants. Comme la façon dont j'allais gérer Yemelyanov pour le reste du combat." Le match s'est terminé lorsque les soviétiques ont jeté l'éponge à 1:49 au deuxième tour et que l'arbitre a levé la main blessée de Joe en signe de victoire.
Maintenant que Joe était en finale, il n'a parlé à personne de son pouce cassé. Il est retourné dans sa chambre et a trempé son pouce dans de l'eau chaude et du sel d'Epsom. "Douleur ou pas, Joe Frazier de Beaufort, Caroline du Sud, visait l'or." » proclama Joe. Joe combattrait un mécanicien allemand de 30 ans nommé Hans Huber, qui n'a pas réussi à faire partie de l'équipe olympique allemande de lutte. À présent, Joe était habitué à combattre des gars plus gros, mais il n’était pas habitué à le faire avec une main gauche endommagée. Lorsque la cloche d'ouverture a sonné le soir du combat, Joe est sorti et a commencé à donner des coups de poing, il a lancé sa main droite plus que d'habitude cette nuit-là. De temps en temps, il avait utilisé son crochet gauche, mais rien n'atteignait le genre d'impact qu'il avait réussi lors des combats précédents. Selon les règles olympiques, 5 juges jugent un combat et, ce soir-là, trois ont voté pour Joe.
Carrière professionnelle
Après que Frazier ait remporté la seule médaille d'or olympique de boxe des États-Unis en 1964, son entraîneur Yancey "Yank" Durham a aidé à constituer Cloverlay, un groupe d'hommes d'affaires locaux (dont un jeune Larry Merchant) qui ont investi dans la carrière professionnelle de Frazier et lui ont permis de s'entraîner à temps plein. . Durham était l'entraîneur en chef et le manager de Frazier jusqu'à la mort de Durham en août 1973.
Frazier est devenu professionnel en 1965, battant Woody Goss par KO technique au premier tour. Il a remporté trois autres combats cette année-là, tous par KO, aucun ne dépassant le troisième tour. Plus tard cette année-là, il a eu un accident d'entraînement, où il a subi une blessure qui l'a rendu légalement aveugle de l'œil gauche. Pendant les examens physiques d'avant-combat, après avoir lu le tableau des yeux avec son œil droit, lorsqu'il lui a été demandé de couvrir son autre œil, Frazier a changé de main, mais a couvert son œil gauche une deuxième fois, et les médecins de la commission sportive de l'État ne semblaient pas le remarquer ou agir.
Le deuxième concours de Joe était intéressant dans la mesure où il a été battu au premier tour par Mike Bruce. Frazier a pris un décompte de « 8 » par l'arbitre Bob Polis, mais s'est rallié à un TKO contre Bruce au troisième tour.
En 1966, alors que la carrière de Frazier décollait, Durham contacta l'entraîneur de Los Angeles, Eddie Futch. Les deux hommes ne s'étaient jamais rencontrés, mais Durham avait entendu parler de Futch grâce à la réputation de ce dernier comme l'un des entraîneurs de boxe les plus respectés. Frazier a été envoyé à Los Angeles pour s'entraîner, avant que Futch n'accepte de rejoindre Durham en tant qu'entraîneur adjoint. Avec l'aide de Futch, Durham a organisé trois combats à Los Angeles contre le compagnon Al Jones, le vétéran Eddie Machen et George "Scrap Iron" Johnson. Frazier a éliminé Jones et Machen, mais a étonnamment disputé 10 tours avec le compagnon Johnson pour remporter une décision unanime. Johnson avait apparemment parié toute sa bourse qu'il survivrait jusqu'à la dernière cloche, a noté Ring Magazine, et il y est parvenu d'une manière ou d'une autre. Mais Johnson était connu dans le commerce comme étant « incroyablement durable ».
Après le match contre Johnson, Futch est devenu un membre à part entière du camp Frazier en tant qu'entraîneur adjoint et stratège, qui a conseillé Durham sur le jumelage. C'est Futch qui a suggéré à Frazier de boycotter le tournoi d'élimination des poids lourds WBA de 1967 pour trouver un successeur à Muhammad Ali après que le champion des poids lourds ait été déchu de son titre pour avoir refusé d'être intronisé dans l'armée, bien que Frazier était le prétendant le mieux classé à l'époque. .
Futch s'est avéré inestimable pour Frazier en tant qu'entraîneur adjoint, l'aidant à modifier son style. Sous sa tutelle, Frazier a adopté le style défensif bob-and-weave, le rendant plus difficile à frapper pour les adversaires plus grands, tout en donnant à Frazier plus de puissance avec ses propres coups de poing. Alors que Futch restait basé à Los Angeles, où il travaillait comme superviseur auprès du service postal américain, il a été transporté par avion à Philadelphie pour travailler avec Frazier lors des derniers préparatifs de tous ses combats.
Après la mort de Durham d'un accident vasculaire cérébral le 30 août 1973, Futch fut invité à lui succéder en tant qu'entraîneur en chef et manager de Frazier, en même temps qu'il entraînait le concurrent poids lourd Ken Norton. Norton a perdu un match revanche contre Ali moins de deux semaines après la mort de Durham. À ce stade, les managers de Norton, Robert Biron et Aaron Rivkind, ont exigé que Futch choisisse entre former Frazier et Norton, Futch choisissant Frazier.
Milieu à la fin des années 1960
Maintenant dans sa deuxième année, en septembre 1966 et quelque peu vert, Frazier a remporté une décision serrée contre le robuste concurrent Oscar Bonavena, bien que Bonavena l'ait battu deux fois au deuxième tour. Un troisième renversement dans ce round aurait mis fin au combat selon la règle des trois renversements. Frazier s'est rallié et a remporté une décision après 12 tours. La victoire de Machen a suivi ce concours.
En 1967, Frazier a pris l'avantage en remportant ses six combats, y compris un KO au sixième round contre Doug Jones et un brutal quatrième round (TKO) contre le Canadien George Chuvalo. Aucun boxeur n'avait jamais arrêté Chuvalo auparavant, bien que Frazier, malgré l'arrêt, ait été incapable de vaincre Chuvalo, qui ne serait jamais abandonné de toute sa carrière malgré le fait qu'il combattait d'innombrables grands noms.
En février 1967, Joe avait remporté 14 victoires et son étoile commençait à monter. Cela a culminé avec sa première apparition sur la couverture de Ring Magazine. Ce mois-là, il rencontre Ali, qui n'a pas encore été déchu de son titre. Ali a déclaré que Joe n'aurait jamais la chance de le « fouetter », même dans ses rêves les plus fous. Plus tard cette année-là, Muhammad Ali a été déchu de son titre mondial des poids lourds en raison de son refus d'être intronisé dans l'armée pendant la guerre du Vietnam.
Pour combler le poste vacant, la Commission sportive de l'État de New York a organisé un combat entre Frazier et Buster Mathis, tous deux invaincus avant le match, le vainqueur étant reconnu comme « Champion du monde » par l'État de New York. Bien que le combat n'ait pas été reconnu comme un combat de championnat du monde par certains, Frazier a gagné par KO au 11e round et a revendiqué le championnat des poids lourds. Il a ensuite défendu sa prétention en battant l'espoir percutant Manuel Ramos, du Mexique, en deux rounds.
Il a clôturé l'année 1968 en battant à nouveau Oscar Bonavena via une décision en 15 rounds dans un match revanche âprement disputé. Bonavena s'est battu quelque peu défensivement, se laissant souvent mettre dans les cordes, ce qui a permis à Frazier de se constituer une large marge de points. Ring Magazine a ensuite montré Bonavena avec un visage horriblement meurtri. Cela avait été un match punitif.
1969 a vu Frazier défendre son titre du NYSAC au Texas, battant Dave Zyglewicz, qui n'avait perdu qu'une seule fois en 29 combats, par KO au premier tour. Puis il a battu Jerry Quarry dans un arrêt du 7e round. Le match compétitif et passionnant avec Quarry a été nommé combat de l'année 1969 par Ring Magazine. Frazier a montré qu'il pouvait faire bien plus que simplement tirer. Il avait utilisé ses compétences défensives nouvellement perfectionnées pour glisser, bouger et tisser un barrage de coups de poing de Quarry malgré la réputation de Quarry comme un excellent poids lourd en contre-poing.
Remporte le championnat du monde – Ellis
Le 16 février 1970, Frazier affronte le champion WBA Jimmy Ellis au Madison Square Garden. Ellis avait devancé Jerry Quarry lors du dernier combat du tournoi éliminatoire WBA pour la ceinture vacante d'Ali. Frazier avait lui-même refusé de participer au tournoi WBA pour protester contre leur décision de dépouiller Ali. Ellis a remporté une victoire impressionnante contre Oscar Bonavena, entre autres. Auparavant, Ali avait annoncé sa retraite et renoncé au titre des poids lourds, permettant à Ellis et Frazier de se battre pour le titre incontesté. Frazier a gagné par TKO lorsque l'entraîneur d'Ellis, Angelo Dundee, ne l'a pas laissé sortir pour le 5ème tour après deux renversements au 4ème tour (les premiers renversements de la carrière d'Ellis). La victoire décisive de Frazier sur Ellis était une effrayante démonstration de puissance et de ténacité.
Lors de sa première défense de titre, Frazier s'est rendu à Détroit pour combattre le champion du monde des poids légers et lourds Bob Foster, qui allait établir un record du nombre de défenses de titre dans la division des poids mi-lourds. Frazier (26-0) a conservé son titre en frappant à deux reprises Foster au deuxième tour. Le deuxième renversement s'est produit sur un crochet gauche dévastateur et Foster n'a pas pu battre le décompte. Puis vint ce qui était surnommé le « Combat du siècle », son premier combat avec Muhammad Ali, qui avait fait son retour en 1970 après une suspension de trois ans de la boxe. Ce serait la première rencontre entre deux champions invaincus des poids lourds (et la dernière jusqu'à ce que Mike Tyson affronte Michael Spinks en 1988), puisque Ali (31-0) n'avait pas perdu son titre sur le ring, mais avait plutôt été déchu en raison de son refus d'être Enrôlé dans les forces armées, certains le considéraient comme le véritable champion. Ce combat devait couronner le seul et véritable champion des poids lourds.
Combat du siècle – premier combat contre Ali
Le 8 mars 1971, au Madison Square Garden, Frazier et Ali se rencontrèrent lors du premier de leurs trois combats qui fut appelé le « Combat du siècle » dans la publicité d'avant-combat et par la presse. Avec une audience télévisée internationale et un public interne qui comprenait des sommités Frank Sinatra (en tant que photographe pour le magazine Life pour être aux premières loges), le comédien Woody Allen, la chanteuse Diana Ross et les acteurs Dustin Hoffman et Burt Lancaster (qui ont servi de "couleur" commentateur" avec le commentateur des combats Don Dunphy), les deux poids lourds invaincus se sont rencontrés dans une ambiance médiatique frénétique qui n'est pas sans rappeler la jeunesse de Joe Louis.
Plusieurs facteurs se sont réunis pour Frazier dans ce combat. Il avait 27 ans et, au sommet de sa forme physique et mentale, Ali, 29 ans, revenait d'une absence de trois ans mais était resté actif. Il avait remporté deux belles victoires, dont une bataille meurtrière avec Oscar Bonavena, qu'Ali avait battu par TKO en 15 rounds. Frazier a travaillé sur la stratégie avec l'entraîneur Eddie Futch. Ils ont noté la tendance d'Ali à lancer un uppercut de la main droite depuis une position debout droite après avoir laissé tomber la main en vue de la lancer avec force. Futch a demandé à Frazier de surveiller la main droite d'Ali et, au moment où Ali la laissait tomber, de lancer un crochet gauche à l'endroit où ils savaient que le visage d'Ali serait une seconde plus tard. Frazier a fait chanceler Ali au 11e round et a ainsi renversé Ali au 15e.
Dans une compétition brutale et compétitive, Frazier a perdu les deux premiers tours mais a réussi à résister aux combinaisons d'Ali. Frazier était connu pour s’améliorer dans les tours intermédiaires, et c’était le cas d’Ali. Frazier est arrivé en force après le troisième tour, réussissant des tirs durs au corps et de puissants crochets du gauche à la tête.
En fin de compte, Frazier a remporté une décision unanime en 15 tours. Ali a été transporté à l'hôpital immédiatement après le combat pour vérifier que sa mâchoire droite gravement enflée (qui était apparente lors des entretiens d'après-combat) n'était pas réellement cassée. Frazier a également passé du temps à l'hôpital au cours du mois suivant, les efforts du combat ayant été exacerbés par l'hypertension et une infection rénale.
Plus tard dans l'année, il a combattu une exposition de 3 rounds contre le vétéran vétéran Cleveland Williams.
En 1972, Frazier a défendu avec succès le titre à deux reprises, battant Terry Daniels et Ron Stander, tous deux par KO, respectivement aux quatrième et cinquième tours. Daniels avait déjà fait match nul avec Jerry Quarry et Stander avait éliminé Earnie Shavers.
Perd le titre face à George Foreman
Frazier a perdu son record d'invincibilité de 29-0 et son championnat du monde, aux mains de George Foreman, invaincu, le 22 janvier 1973, à Kingston, en Jamaïque. Bien que Frazier soit le grand favori, Foreman dominait de 10 cm (4 pouces) le champion plus compact et dominait dès le départ. Deux minutes après le début du premier tour, Foreman a renversé Frazier pour la première fois. Après avoir été renversé une sixième fois au deuxième tour par l'arbitre Arthur Mercante, Sr. a arrêté le combat.
Frazier a remporté son prochain combat, une décision en 12 rounds contre Joe Bugner, à Londres pour commencer sa quête pour retrouver le titre.
Milieu des années 1970 – deuxième combat contre Ali
Le deuxième combat de Frazier contre Ali a eu lieu le 28 janvier 1974 à New York. Contrairement à leur rencontre précédente, le combat était un combat sans titre, Ali remportant une décision unanime en 12 rounds. Le combat a été remarquable par le nombre de corps à corps.
Cinq mois plus tard, Frazier a de nouveau affronté Jerry Quarry au Madison Square Garden, avec un puissant crochet gauche aux côtes de Frazier mettant fin au combat au cinquième round.
En mars 1975, Frazier a combattu une revanche avec Jimmy Ellis à Melbourne, en Australie, l'éliminant en neuf rounds. Cette victoire a de nouveau établi Frazier comme le challenger numéro un des poids lourds pour le titre, qu'Ali avait remporté contre George Foreman dans le célèbre "Rumble in the Jungle" cinq mois plus tôt.
Thrilla In Manila – troisième combat contre Ali
Ali et Frazier se sont rencontrés pour la troisième et dernière fois à Quezon City (un quartier de la zone métropolitaine de Manille), aux Philippines, le 1er octobre 1975 : le « Thrilla à Manille ». Avant le combat, Ali a profité de l'occasion pour se moquer de Frazier en le traitant de « gorille » et en essayant généralement de l'irriter.
Le combat a été une démonstration punitive des deux côtés dans des conditions extrêmement chaudes. Pendant le combat, Ali a dit à Frazier : "Ils ont dit que tu avais fini, Joe." Frazier a déclaré: "Ils ont menti." Après 14 rounds épuisants, Futch a arrêté le combat, Frazier ayant un œil gauche fermé, un œil droit presque fermé et une coupure. Ali a déclaré plus tard que c'était "la chose la plus proche de la mort que je connaisse". En 1977, Ali a déclaré à l'intervieweur Reg Gutteridge qu'il estimait que ce troisième combat contre Frazier était sa meilleure performance. Lorsque Gutteridge a suggéré sa victoire sur Cleveland Williams, Ali a répondu : "Non, Frazier est beaucoup plus dur et plus dur que Cleveland Williams".
Encore contremaître
En 1976, Frazier (32-3) combattit George Foreman pour la deuxième fois. Crâne rasé pour nouvelle image, Frazier s'est assez bien battu, un peu plus retenu que d'habitude, évitant de marcher sur les gros coups qu'il avait réalisés lors de leur premier match. Cependant, Foreman a attendu son moment et a ensuite lancé un énorme crochet gauche qui a soulevé Frazier de ses pieds. Après un deuxième renversement, il a été arrêté au cinquième. Peu de temps après le combat, Frazier a annoncé sa retraite.
Frazier a fait une apparition dans le film Rocky plus tard en 1976 et s'est consacré à la formation de boxeurs locaux à Philadelphie, où il a grandi, y compris certains de ses propres enfants. Il a également aidé à former Duane Bobick.
Carrière musicale
À la fin des années 1970, Frazier a créé un groupe soul-funk appelé « Joe Frazier and the Knockouts », mentionné dans Billboard et enregistrant un certain nombre de singles.
Joe a fait de nombreuses tournées partout aux États-Unis et en Europe, y compris en Irlande où, entre autres endroits, il s'est produit à Donegal, en Irlande et à Athy Co Kildare, en Irlande avec son groupe. Joe Frazier et les Knockouts ont chanté dans une publicité pour la bière Miller de 1978.
Retour dans les années 1980 et carrière d'entraîneur
En 1981, Frazier tente un retour. Il a fait match nul plus de 10 tours avec l'imposant Floyd "Jumbo" Cummings à Chicago, Illinois. Ce fut une bataille meurtrière avec des critiques mitigées. Il prend alors définitivement sa retraite.
Après cela, Frazier s'est impliqué dans diverses activités. Parmi ses fils qui se sont tournés vers la boxe comme carrière, il a aidé à former Marvis Frazier, un challenger pour le titre mondial des poids lourds de Larry Holmes et a entraîné sa fille, Jackie Frazier-Lyde, dont le combat le plus remarquable à ce jour a été une défaite serrée aux points contre Laila Ali, la fille de son rival.
Le bilan global de Frazier était de 32 victoires, 4 défaites et 1 nul, avec 27 victoires par KO. Il a remporté 73 pour cent de ses combats par KO, contre 60 pour cent pour Ali et 84 pour cent pour Foreman. Il était membre du Temple de la renommée internationale de la boxe.
En 1984, Frazier était l'arbitre spécial du match de championnat du monde poids lourd NWA entre Ric Flair et Dusty Rhodes à Starrcade '84, attribuant le match à Flair en raison du saignement excessif de Rhodes.
En 1986, Frazier est apparu comme "l'homme de coin" de M. T contre Roddy Piper au Nassau Veterans Memorial Coliseum dans le cadre de WrestleMania 2. En 1989, Frazier a rejoint Ali, Foreman, Norton et Holmes pour l'hommage spécial Champions Forever.
Apparitions dans les médias
Frazier est apparu comme lui-même dans un épisode des Simpsons ("Brother, Can You Spare Two Dimes?") En 1992, dans lequel il était censé avoir été battu par Barney Gumble à Moe's Tavern. Le fils de Frazier s'y est opposé et Frazier a été montré en train de battre Gumble et de le mettre dans une poubelle. Frazier est apparu dans un autre épisode des Simpsons ("Homer's Paternity Coot") en 2006. Il est apparu à l'écran dans la 8e série de l'émission télévisée The Celebrity Apprentice (USA) en tant qu'invité à l'événement Silent Auction organisé pour la saison. finale (remportée par Joan Rivers). Frazier est apparu comme lui-même dans le film primé aux Oscars de 1976, Rocky. Depuis les débuts de la série de jeux Fight Night, Frazier est apparu dans Fight Night 2004, Fight Night Round 2, Fight Night Round 3, Fight Night Round 4 et Fight Night Champion, des jeux créés par EA Sports.
Livres
Frazier a publié son autobiographie en mars 1996, intitulée Smokin' Joe : L'autobiographie d'un champion du monde poids lourd, Smokin' Joe Frazier. Frazier a fait la promotion du livre avec une apparition mémorable au Howard Stern Show le 19 avril 1996.
Il a également écrit Box like the Pros, « une introduction complète au sport, comprenant l'histoire du jeu, les règles du ring, la façon dont les combats sont marqués, comment s'entraîner, les bases de la défense et de l'attaque, l'entraînement du combattant, un répertoire de la boxe. gymnases, et bien plus encore. Box Like the Pros est un manuel d'instructions, un outil de référence historique et un guide d'initié sur le sport le plus controversé au monde.
Problèmes financiers et batailles juridiques
Selon un article du New York Times, « au fil des années, Frazier a perdu une fortune à cause d'une combinaison de sa propre générosité et de sa naïveté, de ses excès de folie et d'opportunités commerciales ratées. Les autres têtes d'affiche de ses jours de combat : Ali, George Foreman , et Larry Holmes, sont millionnaires." Interrogé sur sa situation, Frazier est devenu ludique sur la défensive, mais n'a pas voulu révéler sa situation financière. "Est-ce que vous me demandez combien d'argent j'ai ?" il a dit. "J'ai beaucoup d'argent. J'ai une pile de billets de 100 $ enroulés là-bas, au fond de la pièce." Frazier s'est reproché, en partie, de ne pas promouvoir efficacement sa propre image. Dans un documentaire HBO de 2006 sur le combat à Manille, Frazier a été interviewé vivant dans un appartement d'une pièce au deuxième étage de sa salle de sport.
Sa fille Jackie Frazier-Lyde est avocate et a travaillé pour le compte de son père à la recherche de l'argent qui, selon eux, lui était dû dans le cadre d'une transaction foncière en Pennsylvanie. En 1973, Frazier a acheté 140 acres dans le comté de Bucks, en Pennsylvanie, pour 843 000 $. Cinq ans plus tard, un promoteur a accepté d'acheter les terres agricoles pour 1,8 million de dollars. Frazier recevait des paiements annuels d'une fiducie qui achetait le terrain avec l'argent qu'il avait gagné sur le ring. Cependant, lorsque la fiducie a fait faillite, les paiements ont cessé.
Frazier a poursuivi ses partenaires commerciaux, insistant sur le fait que sa signature avait été falsifiée sur des documents et qu'il n'avait aucune connaissance de la vente. Au cours des années suivantes, les 140 acres ont été subdivisés et transformés en communauté résidentielle. Le terrain vaut désormais environ 100 millions de dollars.
Relation avec Muhammad Ali
Frazier et Ali étaient amis. Pendant la mise à pied forcée d'Ali de la boxe pendant trois ans pour avoir refusé d'être enrôlé dans l'armée américaine, Frazier lui a prêté de l'argent, a témoigné devant le Congrès et a adressé une pétition au président américain Richard Nixon pour que le droit d'Ali de boxer soit rétabli. Frazier a soutenu le droit d'Ali de ne pas servir dans l'armée, déclarant : « Si les baptistes n'étaient pas autorisés à se battre, je ne me battrais pas non plus. »
Cependant, lors de la préparation de leur premier combat, Le Combat du siècle, Ali en a fait un « référendum culturel et politique », se décrivant comme un champion révolutionnaire et des droits civiques et Frazier comme l'espoir de l'homme blanc, un « oncle ». Tom" et un pion de l'establishment blanc. Ali a réussi à retourner de nombreux Noirs américains contre Frazier. Bryant Gumbel a rejoint le mouvement pro-Ali et anti-Frazier en écrivant un article dans un magazine majeur qui demandait "Joe Frazier est-il un champion blanc à la peau noire ?" Frazier pensait qu'il s'agissait d'une "tentative cynique de Clay pour me faire sentir isolé des miens. Il pensait que cela m'affaiblirait quand viendrait le temps de l'affronter sur ce ring. Eh bien, il avait tort. Cela ne m'a pas affaibli, cela m'a fait prendre conscience à quel point il était un fils de pute bon marché." Il a noté l'hypocrisie d'Ali le traitant d'oncle Tom alors que son entraîneur [d'Ali] (Angelo Dundee) était blanc.
À la suite de la campagne d'Ali, les enfants de Frazier ont été victimes d'intimidation à l'école et sa famille a bénéficié d'une protection policière après avoir reçu des menaces de mort. Ali a déclaré que si Frazier gagnait, il traverserait le ring en rampant et admettrait que Frazier était le plus grand. Après que Frazier ait gagné par décision unanime, il a demandé à Ali de tenir sa promesse et de ramper sur le ring, mais il ne l'a pas fait. Ali a qualifié cela de « décision de l'homme blanc » et a insisté sur le fait qu'il avait gagné.
Au cours d'une interview conjointe télévisée avant leur deuxième combat en 1974, Ali a continué à insulter Frazier, qui s'est opposé au fait qu'Ali l'ait qualifié d'"ignorant" et l'a défié à se battre, ce qui a abouti à une bagarre entre eux dans le studio. Ali a ensuite remporté l'affaire sans titre en 12 rounds par décision. Ali est allé plus loin dans la préparation de leur dernier combat, The Thrilla in Manila, et a qualifié Frazier de "l'autre type de nègre" et de "moche", de "idiot" et de "gorille". À un moment donné, il s'est battu avec un homme. dans un costume de gorille et frappé sur une poupée de gorille en caoutchouc, en disant "C'est la conscience de Joe Frazier... Je la garde partout où je vais. C'est à quoi il ressemble quand tu le frappes." Selon le promoteur du combat, Don King, cela a enragé Frazier, qui l'a pris comme un "assassinat de personnage" et une "invective personnelle". Une nuit avant le combat, Ali a agité un pistolet-jouet devant la chambre d'hôtel de Frazier. Lorsque Frazier est arrivé sur le balcon, il a pointé son arme sur Frazier et a crié "Je vais vous tirer dessus". Après le combat, Ali a convoqué le fils de Frazier, Marvis, dans sa loge et lui a dit qu'il n'avait pas pensé ce qu'il avait dit à propos de son père. Lorsqu'il en a été informé par Marvis, Frazier a répondu : « tu n'es pas moi, fils. Pourquoi ne s'excuse-t-il pas auprès de moi ?
Pendant des années, Frazier a conservé son amertume envers Ali et a suggéré | http://www.quizballs.com/ |
Quel est l'âge minimum légal pour qu'une femme puisse se marier au Koweït ? | 15 ans | [
"En France, en vertu du Code Napoléon, l'âge du consentement a été fixé à 11 ans en 1832, et a été porté à 13 ans en 1863. Il a été porté à 15 ans en 1945.",
"; Croyance raisonnable que la victime a dépassé l'âge de consentement : dans certaines juridictions (comme l'Angleterre et le Pays de Galles), il s'agit d'un moyen de défense si l'accusé peut démontrer qu'il ou elle croyait raisonnablement que la victime avait dépassé l'âge de consentement. Cependant, lorsqu'un tel moyen de défense est prévu, il ne s'applique normalement que lorsque la victime est proche de l'âge de consentement ou que l'accusé peut faire preuve de diligence raisonnable pour déterminer l'âge de la victime (par exemple, un jeune de 15 ans qui a utilisé une fausse pièce d'identité document affirmant avoir 18 ans ou plus).",
"; : Certaines juridictions ont des lois autorisant explicitement les actes sexuels avec des mineurs n'ayant pas atteint l'âge du consentement si leur partenaire est proche du leur. Par exemple, au Canada, l'âge du consentement est de 16 ans, mais il existe deux exemptions liées à la proximité d'âge : les relations sexuelles avec des mineurs âgés de 14 à 15 ans sont autorisées si le partenaire a moins de cinq ans de plus, et les relations sexuelles avec des mineurs âgés de 12 à 15 ans sont autorisées. 13 est autorisé si le partenaire a moins de deux ans de plus. D'autres pays stipulent que le comportement sexuel avec un mineur ne doit pas être puni si les partenaires ont un âge et un développement similaires : par exemple, l'âge du consentement en Finlande est de 16 ans, mais la loi stipule que l'acte ne sera pas puni si \"il n'y a pas de grande différence dans l'âge ou la maturité mentale et physique des personnes concernées\". Une autre approche consiste à stipuler que les rapports sexuels entre un mineur et un adulte sont légaux à condition que ce dernier ne dépasse pas un certain âge. Par exemple, l'âge du consentement dans l'État américain du Delaware est de 18 ans, mais les adolescents âgés de 16 et 17 ans sont autorisés à avoir des rapports sexuels à condition que le partenaire le plus âgé ait moins de 30 ans. En Slovénie, l'âge du consentement en 15, mais la loi exige qu'il y ait « un écart marqué entre la maturité de l'auteur et celle de la victime ».",
"; Différences entre les sexes et l'âge : dans certaines juridictions (comme l'Indonésie), il existe différents âges de consentement pour une activité sexuelle hétérosexuelle qui sont basés sur le sexe de chaque personne. Dans les pays où il existe des différences entre les sexes et l’âge, l’âge du consentement peut être plus élevé pour les filles – par exemple en Papouasie-Nouvelle-Guinée, où l’âge du consentement aux relations hétérosexuelles est de 16 ans pour les filles et de 14 ans pour les garçons, ou il peut être plus élevé pour les filles. les hommes, comme en Indonésie, où les hommes doivent avoir 19 ans et les femmes 16 ans. Il existe également de nombreuses juridictions – comme le Koweït et les Territoires palestiniens – dans lesquelles les lois sur le mariage régissent la différence entre sexe et âge. Dans ces juridictions, il est illégal d'avoir des rapports sexuels en dehors du mariage, de sorte que l'âge de consentement de facto est l'âge du mariage. Au Koweït, cela signifie que les garçons doivent avoir au moins 17 ans et les filles au moins 15 ans."
] | L'âge du consentement est l'âge auquel une personne est considérée comme légalement compétente pour consentir à des actes sexuels, et constitue donc l'âge minimum d'une personne avec laquelle une autre personne est légalement autorisée à avoir une activité sexuelle. L’aspect distinctif des lois sur l’âge de consentement est que la personne n’ayant pas atteint l’âge minimum est considérée comme la victime et son partenaire sexuel comme le délinquant.
Le terme « âge de consentement » apparaît rarement dans les textes juridiques. Généralement, une loi établira plutôt l’âge en dessous duquel il est illégal de se livrer à une activité sexuelle avec cette personne. Il a parfois été utilisé avec d’autres significations, comme l’âge auquel une personne devient apte à consentir au mariage, mais la signification donnée ci-dessus est celle généralement comprise aujourd’hui. Il ne faut pas le confondre avec l'âge de la majorité, l'âge de la responsabilité pénale, l'âge de voter, l'âge de boire, l'âge de conduire, etc.
Les lois sur l'âge du consentement varient considérablement d'une juridiction à l'autre, bien que la plupart des juridictions fixent l'âge du consentement entre 14 et 18 ans. Les lois peuvent également varier en fonction du type d'acte sexuel, du sexe des participants ou d'autres restrictions telles que les abus. d'une position de confiance; certaines juridictions peuvent également prévoir des allocations pour les mineurs engagés dans des actes sexuels entre eux, plutôt qu'un seul âge. Les accusations résultant d'une violation de ces lois peuvent aller d'un délit tel que la corruption d'un mineur à ce que l'on appelle communément le viol légal (qui est considéré comme équivalent au viol, tant en termes de gravité que de peine).
Il existe de nombreuses « zones grises » dans ce domaine du droit, certaines concernant une législation peu spécifique et non testée, d'autres provoquées par des débats sur l'évolution des attitudes sociétales, et d'autres encore dues à des conflits entre les lois fédérales et étatiques. Tous ces facteurs font de l’âge du consentement un sujet souvent déroutant et un sujet de débats très animés.
Histoire et attitudes sociales
Attitudes traditionnelles
Dans les sociétés traditionnelles, l'âge du consentement à une union sexuelle était une question de décision familiale ou une coutume tribale. Dans la plupart des cas, cela coïncidait avec des signes de puberté, des règles pour une femme et des poils pubiens pour un homme. L'ancien poète grec Hésiode dans Works and Days (vers 700 avant JC) suggère qu'un homme devrait se marier vers l'âge de trente ans et qu'il devrait prendre une femme qui a dépassé la puberté de cinq ans.
Les données fiables sur l’âge au mariage sont rares. En Angleterre, par exemple, les seules données fiables au début de la période moderne proviennent des registres de propriété établis après le décès. Non seulement les registres étaient relativement rares, mais tous ne prenaient pas la peine d'enregistrer l'âge des participants, et il semble que plus les registres sont complets, plus ils sont susceptibles de révéler de jeunes mariages. Les historiens modernes se sont parfois montrés réticents à accepter des preuves d'un jeune âge de mariage, les rejetant comme une « lecture erronée » par un copieur ultérieur des documents.
Au XIIe siècle, Gratien, l'influent fondateur du droit canonique dans l'Europe médiévale, acceptait que l'âge de la puberté pour le mariage se situe autour de 12 ans (filles) et de 14 ans (garçons), mais reconnaissait que le consentement avait un sens si les enfants avaient plus de 7 ans. Certaines autorités ont dit que le consentement pouvait avoir lieu plus tôt. Le mariage serait alors valable tant qu'aucun des deux époux n'annulait le contrat matrimonial avant d'atteindre la puberté, ou s'ils avaient déjà consommé le mariage. Les juges honoraient parfois les mariages par consentement mutuel à des âges de moins de 7 ans : contrairement au canon établi, il existe des mariages enregistrés d'enfants de 2 et 3 ans.
La première loi enregistrée sur l’âge du consentement date de 1275 en Angleterre ; dans le cadre de ses dispositions sur le viol, le Statut de Westminster de 1275 érigeait en délit le fait de « ravir » une « jeune fille mineure », que ce soit avec ou sans son consentement. L'expression « dans les limites de l'âge » a ensuite été interprétée par le juriste Sir Edward Coke comme désignant l'âge du mariage, qui était à l'époque de 12 ans.
Les colonies américaines suivaient la tradition anglaise et la loi jouait plutôt un rôle de guide. Par exemple, Mary Hathaway (Virginie, 1689) n’avait que 9 ans lorsqu’elle s’est mariée avec William Williams. Sir Edward Coke (Angleterre, XVIIe siècle) « a clairement indiqué que le mariage des filles de moins de 12 ans était normal et que l'âge auquel une fille qui était épouse était éligible à une dot sur la succession de son mari était de 9 ans, même si son mari était seulement quatre ans. »
Au XVIe siècle, un petit nombre d'États italiens et allemands ont fixé l'âge minimum des relations sexuelles pour les filles, le fixant à 12 ans. Vers la fin du XVIIIe siècle, d’autres pays européens ont également commencé à adopter des lois similaires. La première Constitution française de 1791 fixe l'âge minimum à 11 ans. Le Portugal, l'Espagne, le Danemark et les cantons suisses ont initialement fixé l'âge minimum entre 10 et 12 ans.
Les lois sur l'âge de consentement étaient, historiquement, difficiles à suivre et à appliquer : les normes juridiques basées sur l'âge n'étaient, en général, courantes qu'au XIXe siècle, car une preuve claire de l'âge exact et de la date de naissance précise était souvent indisponible.
Dans les sociétés chrétiennes, les relations sexuelles hors mariage étaient interdites. Les enfants plus âgés étaient souvent eux-mêmes punis pour avoir été complices d’une interaction sexuelle avec un adulte. Jusqu'à la fin du XVIIIe siècle, l'enfance était peu comprise en tant que concept et les enfants étaient considérés comme de « petits adultes ». En effet, avant le XIIe siècle, la notion d’enfance n’existait pratiquement pas. Le christianisme considérait également que les enfants étaient nés dans le péché originel et, en tant que tels, étaient perçus comme intrinsèquement immoraux. Les enfants avaient très peu de droits et étaient considérés comme le bien du père. Les taux élevés de mortalité infantile signifiaient également que les parents se distanciaient émotionnellement de leurs enfants. À partir de la fin du XVIIIe siècle, et surtout au XIXe siècle, les mentalités commencent à changer. Au milieu du XIXe siècle, les abus sexuels sur les enfants suscitent de plus en plus d’inquiétudes.
Réformes aux XIXe et XXe siècles
Un changement général dans les attitudes sociales et juridiques à l'égard des questions de sexe s'est produit à l'ère moderne. Les attitudes quant à l’âge approprié pour l’autorisation des femmes de se livrer à une activité sexuelle ont dérivé vers l’âge adulte. Alors que l'âge de 10 à 13 ans était généralement considéré comme un âge acceptable pour le consentement sexuel dans les pays occidentaux au milieu du XIXe siècle, à la fin du XIXe siècle, l'évolution des attitudes à l'égard de la sexualité et de l'enfance a entraîné une augmentation de l'âge du consentement.
La common law anglaise avait traditionnellement fixé l'âge du consentement entre 10 et 12 ans, mais en 1875, cet âge a été porté à 13 ans. Les premières féministes du mouvement Social Purity, comme Josephine Butler et d'autres, ont joué un rôle déterminant dans l'abrogation de la loi. les Contagious Diseases Acts, ont commencé à se tourner vers le problème de la prostitution enfantine à la fin des années 1870. Les révélations médiatiques sensationnelles sur le fléau de la prostitution enfantine à Londres dans les années 1880 ont ensuite provoqué l'indignation des classes moyennes respectables, conduisant à des pressions pour que l'âge du consentement soit à nouveau relevé.
Le journaliste d'investigation William Thomas Stead de la Pall Mall Gazette a joué un rôle central en révélant le problème de la prostitution enfantine dans la pègre londonienne à travers un coup publicitaire. En 1885, il « acheta » une victime, Eliza Armstrong, la fille de 13 ans d'un ramoneur, pour cinq livres et l'emmena dans un bordel où elle fut droguée. Il a ensuite publié une série de quatre exposés intitulés The Maiden Tribute of Modern Babylon, qui ont choqué ses lecteurs avec des histoires de prostitution enfantine et d'enlèvement, d'approvisionnement et de vente de jeunes vierges anglaises aux « palais du plaisir » continentaux. Le « Maiden Tribute » a fait sensation instantanément auprès du public de lecture, et la société victorienne a été plongée dans un tollé à propos de la prostitution. Craignant des émeutes à l'échelle nationale, le ministre de l'Intérieur, Sir William Harcourt, supplia en vain Stead de cesser la publication des articles. Une grande variété de groupes réformateurs ont organisé des réunions de protestation et ont défilé ensemble jusqu'à Hyde Park pour exiger que l'âge du consentement soit relevé. Le gouvernement a été contraint de proposer le Criminal Law Amendment Act 1885, qui a relevé l'âge du consentement à 16 ans et réprimé la prostitution.
Aux États-Unis, jusque dans les années 1880, la plupart des États fixaient l'âge minimum entre 10 et 12 ans (dans le Delaware, il était de 7 ans en 1895). Inspirées par les articles "Maiden Tribute", des réformatrices aux États-Unis ont lancé leur propre campagne demandant aux législateurs de relever l'âge minimum légal à au moins 16 ans, avec pour objectif ultime de porter cet âge à 18 ans. La campagne a été couronnée de succès, avec près de 16 ans. tous les États ont augmenté l'âge minimum à 16-18 ans d'ici 1920.
En France, au Portugal, au Danemark, dans les cantons suisses et dans d'autres pays, l'âge minimum a été relevé entre 13 et 16 ans au cours des décennies suivantes. Même si les arguments initiaux en faveur du relèvement de l'âge du consentement étaient fondés sur la moralité, depuis lors, la raison d'être des lois s'est transformée en protection de l'enfance et en un soi-disant droit à l'enfance ou à l'innocence.
En France, en vertu du Code Napoléon, l'âge du consentement a été fixé à 11 ans en 1832, et a été porté à 13 ans en 1863. Il a été porté à 15 ans en 1945.
En Espagne, il a été fixé en 1822 à « l'âge de la puberté », et est passé à 12 ans en 1870, qui a été conservé jusqu'en 1999, date à laquelle il est devenu 13 ; et en 2015, il a été porté à 16.
21ème siècle et situation actuelle
Au XXIe siècle, les préoccupations concernant le tourisme sexuel impliquant des enfants et l'exploitation sexuelle commerciale des enfants ont pris une importance internationale et ont donné lieu à des changements législatifs dans plusieurs juridictions, ainsi qu'à l'adoption de plusieurs instruments internationaux.
La Convention du Conseil de l'Europe pour la protection des enfants contre l'exploitation et les abus sexuels (Lanzarote, 25 octobre 2007) et la Directive 2011/92/UE de l'Union européenne du Parlement européen et du Conseil du 13 décembre 2011 relative à la lutte contre les violences sexuelles. les abus et l’exploitation sexuelle des enfants ainsi que la pédopornographie ont été adoptés.
Le Protocole facultatif concernant la vente d’enfants, la prostitution des enfants et la pornographie mettant en scène des enfants est entré en vigueur en 2002.
Le Protocole visant à prévenir, réprimer et punir la traite des personnes, en particulier des femmes et des enfants, entré en vigueur en 2003, interdit l'exploitation sexuelle des enfants à des fins commerciales.
La Convention du Conseil de l'Europe sur la lutte contre la traite des êtres humains (entrée en vigueur en 2008) traite également de l'exploitation sexuelle des enfants à des fins commerciales.
Plusieurs pays occidentaux ont récemment relevé leur âge de consentement. Il s'agit notamment du Canada (en 2008 - de 14 à 16) ; et en Europe, l'Islande (en 2007 - de 14 à 15), la Lituanie (en 2010 - de 14 à 16), la Croatie (en 2013 - de 14 à 15) et l'Espagne (en 2015 - de 13 à 16).
Le Statut de la Cour pénale internationale ne prévoit pas d'âge spécifique pour le consentement dans sa loi sur le viol et la violence sexuelle, mais fait référence aux actes sexuels commis contre des personnes « incapables de donner un véritable consentement » ; et la note explicative indique : « Il est entendu qu'une personne peut être incapable de donner un véritable consentement si elle est affectée par une incapacité naturelle, induite ou liée à l'âge. » (voir note 51)
Loi
Les relations sexuelles avec une personne mineure constituent un crime dans la plupart des pays. Les juridictions utilisent divers termes pour désigner cette infraction, notamment abus sexuel sur enfant, viol légal, rapports sexuels illégaux, corruption de mineur, entre autres.
Les pratiques d'application des lois sur l'âge de consentement varient en fonction des sensibilités sociales d'une culture particulière (voir ci-dessus). Souvent, l'application de la loi n'est pas appliquée à la lettre de la loi, et des poursuites judiciaires ne sont engagées que lorsqu'il existe un écart d'âge suffisamment socialement inacceptable entre les deux individus, ou si l'auteur de l'infraction est en position de pouvoir sur le mineur (par exemple, un enseignant, pasteur ou médecin). Le sexe de chaque participant peut également influencer les perceptions de culpabilité d'un individu et donc l'application de la loi.
Âge
L’âge seuil pour se livrer à une activité sexuelle varie selon les juridictions (voir ci-dessous). La plupart des juridictions ont fixé un âge fixe pour le consentement. Cependant, certaines juridictions autorisent les relations sexuelles avec une personne après la puberté, comme l'État de Nayarit (au Mexique) (et le Yémen, mais uniquement dans le cadre du mariage). Les âges peuvent également varier en fonction du type de calendrier utilisé, tel que le calendrier lunaire, de la façon dont les dates de naissance des années bissextiles sont gérées ou même de la méthode par laquelle la date de naissance est calculée.
Défenses et exceptions
L'âge du consentement est un obstacle juridique à la capacité du mineur à consentir et, par conséquent, l'obtention du consentement ne constitue pas en général un moyen de défense pour avoir des relations sexuelles avec une personne n'ayant pas atteint l'âge prescrit, par exemple :
; Croyance raisonnable que la victime a dépassé l'âge de consentement : dans certaines juridictions (comme l'Angleterre et le Pays de Galles), il s'agit d'un moyen de défense si l'accusé peut démontrer qu'il ou elle croyait raisonnablement que la victime avait dépassé l'âge de consentement. Cependant, lorsqu'un tel moyen de défense est prévu, il ne s'applique normalement que lorsque la victime est proche de l'âge de consentement ou que l'accusé peut faire preuve de diligence raisonnable pour déterminer l'âge de la victime (par exemple, un jeune de 15 ans qui a utilisé une fausse pièce d'identité document affirmant avoir 18 ans ou plus).
; Mariage : dans la plupart des juridictions, les lois sur l'âge du consentement ne s'appliquent pas si les parties sont légalement mariées.
; : Certaines juridictions ont des lois autorisant explicitement les actes sexuels avec des mineurs n'ayant pas atteint l'âge du consentement si leur partenaire est proche du leur. Par exemple, au Canada, l'âge du consentement est de 16 ans, mais il existe deux exemptions liées à la proximité d'âge : les relations sexuelles avec des mineurs âgés de 14 à 15 ans sont autorisées si le partenaire a moins de cinq ans de plus, et les relations sexuelles avec des mineurs âgés de 12 à 15 ans sont autorisées. 13 est autorisé si le partenaire a moins de deux ans de plus. D'autres pays stipulent que le comportement sexuel avec un mineur ne doit pas être puni si les partenaires ont un âge et un développement similaires : par exemple, l'âge du consentement en Finlande est de 16 ans, mais la loi stipule que l'acte ne sera pas puni si "il n'y a pas de grande différence dans l'âge ou la maturité mentale et physique des personnes concernées". Une autre approche consiste à stipuler que les rapports sexuels entre un mineur et un adulte sont légaux à condition que ce dernier ne dépasse pas un certain âge. Par exemple, l'âge du consentement dans l'État américain du Delaware est de 18 ans, mais les adolescents âgés de 16 et 17 ans sont autorisés à avoir des rapports sexuels à condition que le partenaire le plus âgé ait moins de 30 ans. En Slovénie, l'âge du consentement en 15, mais la loi exige qu'il y ait « un écart marqué entre la maturité de l'auteur et celle de la victime ».
; Écarts d'âge entre homosexuels et hétérosexuels : certaines juridictions, comme les Bahamas, les Bermudes, le Chili et le Paraguay, ont un âge de consentement plus élevé pour les activités sexuelles entre personnes de même sexe. Au Royaume-Uni et en Australie occidentale, par exemple, l'âge du consentement était à l'origine de 21 ans pour les activités sexuelles homosexuelles entre hommes (sans aucune loi concernant les activités sexuelles lesbiennes), alors qu'il était de 16 ans pour les activités sexuelles hétérosexuelles ; Ce n'est plus le cas. Toutefois, ces divergences sont de plus en plus contestées. Au Canada et dans l'État australien du Queensland, l'âge du consentement aux relations sexuelles anales est officiellement plus élevé, soit 18 ans, contre 16 ans pour les relations sexuelles vaginales et orales. Dans les cinq provinces canadiennes de la Colombie-Britannique, de la Nouvelle-Écosse, de l'Alberta, de l'Ontario et du Québec, cette divergence a été déclarée inconstitutionnelle par les tribunaux.
; Différences entre les sexes et l'âge : dans certaines juridictions (comme l'Indonésie), il existe différents âges de consentement pour une activité sexuelle hétérosexuelle qui sont basés sur le sexe de chaque personne. Dans les pays où il existe des différences entre les sexes et l’âge, l’âge du consentement peut être plus élevé pour les filles – par exemple en Papouasie-Nouvelle-Guinée, où l’âge du consentement aux relations hétérosexuelles est de 16 ans pour les filles et de 14 ans pour les garçons, ou il peut être plus élevé pour les filles. les hommes, comme en Indonésie, où les hommes doivent avoir 19 ans et les femmes 16 ans. Il existe également de nombreuses juridictions – comme le Koweït et les Territoires palestiniens – dans lesquelles les lois sur le mariage régissent la différence entre sexe et âge. Dans ces juridictions, il est illégal d'avoir des rapports sexuels en dehors du mariage, de sorte que l'âge de consentement de facto est l'âge du mariage. Au Koweït, cela signifie que les garçons doivent avoir au moins 17 ans et les filles au moins 15 ans.
; Position d'autorité/de confiance : dans la plupart des juridictions où l'âge du consentement est inférieur à 18 ans (comme l'Angleterre et le Pays de Galles), dans les cas où une personne âgée de 18 ans ou plus occupe une position de confiance par rapport à une personne de moins de 18 ans, l'âge du consentement est généralement atteint. s'élève à 18 ou plus. Des exemples de telles positions de confiance incluent les relations entre les enseignants et les étudiants. Par exemple, en Angleterre et au Pays de Galles, l'âge du consentement est de 16 ans, mais si la personne est l'élève de la personne plus âgée, il devient 18 ans.
Extraterritorialité
Certains pays ont des lois sur l'âge de consentement qui s'appliquent non seulement aux actes commis dans le pays, mais également à ceux commis par ses citoyens ou habitants lorsqu'ils se trouvent sur le sol étranger. Par exemple, une loi fédérale des États-Unis interdit l'activité sexuelle de ses citoyens avec des étrangers ou avec des citoyens américains d'un autre État, si le partenaire a moins de 18 ans et que l'activité est illégale en vertu de la loi fédérale, étatique ou locale. Cela s'applique dans les cas où l'un des partenaires voyage vers ou hors des États-Unis, ou d'un État vers un autre, dans le but d'une relation sexuelle illégale.
Autres issues
Sexe des participants
Il y a un débat sur la question de savoir si le sexe des personnes impliquées devrait conduire à un traitement différent de la relation sexuelle, en droit ou en pratique. Traditionnellement, les lois sur l'âge de consentement concernant les rapports vaginaux visaient souvent à protéger la chasteté des filles célibataires. De nombreuses féministes et militants sociaux des années 1970 se sont opposés à l'importance sociale de la virginité et ont également tenté de changer les stéréotypes de la passivité féminine et de l'agressivité masculine ; exigeant que la loi protège les enfants de l’exploitation quel que soit leur sexe, plutôt que de répondre aux préoccupations de chasteté. Cela a conduit à l’adoption de lois non sexistes dans de nombreuses juridictions. D'un autre côté, il existe un point de vue opposé selon lequel l'acte sexuel vaginal est un « acte inégal » entre les hommes et les femmes, en raison de problèmes tels que la grossesse, le risque accru de MST et le risque de blessure physique si la fille est enceinte. trop jeune et pas prêt physiquement. Aux États-Unis, dans l'affaire Michael M. c. Superior Ct.450 U.S. 464 (1981), il a été statué que le double standard consistant à offrir davantage de protection juridique aux filles est valide parce que « la clause d'égalité de protection ne signifie pas que les différences physiologiques entre les hommes et les femmes doivent être ignorées".
Traditionnellement, de nombreuses lois sur l'âge de consentement traitaient principalement des hommes se livrant à des actes sexuels avec des filles et des garçons mineurs (ces derniers actes tombant souvent sous le coup des lois sur la sodomie et la sodomie). Cela signifie que dans certains systèmes juridiques, les femmes ayant des contacts sexuels avec des mineurs étaient rarement reconnues. Par exemple, jusqu'en 2000, au Royaume-Uni, avant la loi de 2000 sur les infractions sexuelles (amendement), il n'y avait pas d'âge légal de consentement pour les relations sexuelles lesbiennes. En Nouvelle-Zélande, avant 2005, il n’existait aucune loi sur l’âge de consentement pour les femmes ayant des relations sexuelles avec des garçons mineurs. Des situations comme celles-ci ont été attribuées aux visions sociétales des rôles traditionnels de genre et aux constructions de la sexualité masculine et de la sexualité féminine ; selon E Martellozzo, « [Considérer les femmes comme des auteurs d'abus sexuels va à l'encontre de tous les stéréotypes que la société a sur les femmes : les femmes en tant que mères et soignantes et non en tant que personnes qui maltraitent et nuisent ». Alissa Nutting soutient que les femmes ne sont pas reconnues comme auteurs de crimes sexuels parce que la société n'accepte pas que les femmes aient leur propre sexualité.
Mariage et âge du consentement
L’âge auquel une personne peut être légalement mariée peut différer de l’âge du consentement. Dans les juridictions où l'âge du mariage est inférieur à l'âge du consentement, ces lois prévalent généralement sur les lois sur l'âge du consentement dans le cas d'un couple marié où l'un ou les deux partenaires ont moins de l'âge du consentement. Certaines juridictions interdisent toutes les relations sexuelles en dehors du mariage, quel que soit l'âge, comme dans le cas du Yémen.
La prostitution
Dans de nombreux pays, il existe des lois spécifiques traitant de la prostitution des enfants.
Images pornographiques et « jailbait »
Dans certains pays, États ou autres juridictions, l'âge du consentement peut être inférieur à l'âge auquel une personne peut apparaître dans des images et des films pornographiques. Dans de nombreuses juridictions, l'âge minimum pour participer et même visionner de tels contenus est de 18 ans. Ainsi, dans certaines juridictions, les films et images montrant des individus de moins de 18 ans, mais au-dessus de l'âge de consentement, répondent à la définition légale de la pornographie juvénile. sont interdits même si les actes sexuels représentés sont légaux en vertu des lois sur l'âge de consentement de cette juridiction. Dans ces cas-là, seul le tournage de l’acte sexuel constitue un crime, car l’acte lui-même ne serait pas considéré comme un crime sexuel. Par exemple, aux États-Unis, en vertu de la loi fédérale, filmer des mineurs de moins de 18 ans en train de commettre des actes sexuels constitue un crime, même dans les États où l'âge de consentement est inférieur à 18 ans. Dans ces États, des accusations telles que la pédopornographie peuvent être utilisées pour poursuivre quelqu'un. avoir des relations sexuelles avec une personne mineure, qui ne pourrait autrement être poursuivie pour viol statutaire, à condition qu'elle ait filmé ou photographié l'acte.
Les images Jailbait peuvent être différenciées de la pédopornographie, car elles ne mettent pas en scène de mineurs avant le début de la puberté et ne contiennent pas non plus de nudité. Les images sont cependant généralement sexualisées, mettant souvent en scène des préadolescentes ou de jeunes adolescentes en bikini, jupes, sous-vêtements ou lingerie. La question de savoir si ces images sont légales ou non est débattue. Interrogé sur leur légalité, l'analyste juridique Jeffrey Toobin a déclaré qu'il pensait que ce n'était pas illégal, bien que l'expert juridique Sunny Hostin soit plus sceptique, décrivant les images de jailbait comme de la pédopornographie « limite » qui peut être illégale.
Santé
Le système immunitaire humain continue de se développer après la puberté. L'âge d'exposition a une influence sur la capacité du système immunitaire à repousser les infections en général, et cela est également vrai dans le cas de certaines maladies sexuellement transmissibles. Par exemple, un facteur de risque pour les souches de VPH provoquant des verrues génitales est le début des relations sexuelles à un jeune âge ; si cela s'étend aux souches cancérigènes, alors les débuts sexuels à un jeune âge pourraient également augmenter le risque de persistance des infections par le VPH qui sont à l'origine des cancers induits par le VPH qui sont diagnostiqués chez un nombre croissant de personnes relativement jeunes.
Initiatives pour modifier l’âge du consentement
La réforme de l'âge de consentement fait référence aux efforts de certains individus ou groupes, pour différentes raisons, pour modifier ou abolir les lois sur l'âge de consentement. Ces efforts défendent cinq positions principales :
* Introduction d'exceptions de proximité d'âge.
* Un changement dans la manière dont les lois sur l'âge de consentement sont examinées devant les tribunaux.
* Soit une augmentation de l'âge du consentement, soit des sanctions plus sévères, ou les deux.
* Soit une diminution de l'âge du consentement, soit des sanctions moins sévères, ou les deux.
* Abolition des lois sur l'âge de consentement, soit de façon permanente, soit à titre temporaire et pratique.
Par pays ou région
Les lois spécifiques des juridictions relatives à l'âge de consentement peuvent être consultées, organisées par région, sur les pages suivantes :
*Âges de consentement en Afrique
*Âges de consentement en Asie
*Âges de consentement en Europe
*Âges de consentement en Amérique du Nord
**Âges de consentement aux États-Unis
*Âges de consentement en Océanie
*Âges de consentement en Amérique du Sud | http://www.quizballs.com/ |
Quel est le prénom de Blackadder dans la série télévisée britannique « Blackadder » ? | Edmond | [
"L'arrivée de Ben Elton après la première série a annoncé le recrutement plus fréquent d'acteurs comiques de la célèbre ère « alternative » pour des apparitions, notamment Robbie Coltrane, Rik Mayall (qui était apparu dans le dernier épisode de la première série sous le nom de « Mad Gerald »). , Adrian Edmondson, Nigel Planer, Mark Arden, Stephen Frost, Chris Barrie et Jeremy Hardy. Elton lui-même a joué un anarchiste dans Blackadder the Third."
] | Blackadder est une série de quatre sitcoms britanniques de la période BBC1, ainsi que plusieurs versements uniques. Tous les épisodes télévisés mettaient en vedette Rowan Atkinson dans le rôle de l'anti-héros Edmund Blackadder et Tony Robinson dans le rôle du corps de chien de Blackadder, Baldrick. Chaque série se déroule dans une période historique différente, avec les deux protagonistes accompagnés de personnages différents, même si plusieurs réapparaissent dans une série ou une autre, par exemple Melchett (Stephen Fry) et Lord Flashheart (Rik Mayall).
La première série, The Black Adder, a été écrite par Richard Curtis et Rowan Atkinson, tandis que les épisodes suivants ont été écrits par Curtis et Ben Elton. Les spectacles ont été produits par John Lloyd. En 2000, la quatrième série, Blackadder Goes Forth, s'est classée 16e dans les « 100 plus grands programmes de télévision britanniques », une liste créée par le British Film Institute. Également dans le sondage télévisé de 2004 pour trouver « la meilleure sitcom de Grande-Bretagne », Blackadder a été élue deuxième meilleure sitcom britannique de tous les temps, dominée par Only Fools and Horses. Elle a également été classée 20e meilleure émission télévisée de tous les temps par le magazine Empire.
Prémisse
Bien que chaque série se déroule dans une époque différente, toutes suivent les « malheurs » d'Edmund Blackadder (joué par Atkinson), qui dans chacune d'elles est membre d'une dynastie familiale britannique présente à de nombreuses périodes et lieux importants de l'histoire britannique. Il est sous-entendu dans chaque série que le personnage de Blackadder est un descendant du précédent (les paroles du thème final de la série 2, épisode « Heads », précisent qu'il est l'arrière-petit-fils du précédent), bien qu'il ne soit jamais précisé comment ou lorsque l'un des Blackadders (qui sont généralement célibataires et sans relation) a réussi à engendrer des enfants., URL consultée le 25 juillet 2010.
Au fil des générations, chaque Blackadder devient de plus en plus intelligent et perspicace, tandis que le statut social de la famille s'érode progressivement. Cependant, chaque Blackadder reste un opportuniste cynique et lâche, maintenant et augmentant son propre statut et sa fortune, quel que soit son environnement.
La vie de chaque Blackadder est également liée à celle de son serviteur, chacun issu de la lignée de la famille Baldrick (joué par Tony Robinson). Chaque génération agit comme le corps du chien de son Blackadder respectif. Leur intelligence (et leurs normes d'hygiène personnelle) diminuent à mesure que l'intellect de leur maître augmente. Blackadder et Baldrick doivent également tolérer la présence d'un aristocrate stupide. Ce rôle a été repris dans les deux premières séries par Lord Percy Percy, joué par Tim McInnerny ; avec Hugh Laurie jouant le rôle dans les troisième et quatrième séries, dans le rôle de Prince George, prince régent ; et le lieutenant George, respectivement.
Chaque série se déroulait dans une période différente de l'histoire britannique, commençant en 1485 et se terminant en 1917, et comprenait six épisodes d'une demi-heure. La première série, réalisée en 1983, s'appelait The Black Adder et se déroulait sous le règne fictif de « Richard IV ». La deuxième série, Blackadder II (1986), s'est déroulée sous le règne d'Elizabeth I. Blackadder the Third (1987) s'est déroulée à la fin du 18e et au début du 19e siècle, sous le règne de George III, et Blackadder Goes Forth (1989) a été se déroulant en 1917 dans les tranchées de la Grande Guerre.
Séries et spéciaux
Série 1 : La vipère noire
The Black Adder, la première série de Blackadder, a été écrite par Richard Curtis et Rowan Atkinson et produite par John Lloyd. Il a été diffusé à l'origine sur BBC1 du 15 juin 1983 au 20 juillet 1983 et était une production conjointe avec l'Australian Seven Network.
Se déroulant en 1485, à la fin du Moyen Âge britannique, la série est écrite comme une histoire alternative dans laquelle le roi Richard III a remporté la bataille de Bosworth Field avant d'être pris pour quelqu'un d'autre et assassiné, et c'est Richard IV (Brian Blessed) qui lui succède. ), l'un des Princes de la Tour. La série suit les exploits du deuxième fils défavorisé de Richard IV, Edmund, le duc d'Édimbourg (qui se fait appeler "The Black Adder") dans ses diverses tentatives pour accroître sa position auprès de son père et sa quête éventuelle pour le renverser.
Conçue alors qu'Atkinson et Curtis travaillaient sur Not the Nine O'Clock News, la série traitait de manière comique d'un certain nombre de problèmes médiévaux en Grande-Bretagne : la sorcellerie, la succession royale, les relations européennes, les croisades et le conflit entre l'Église et la Couronne. Parallèlement à l'histoire secrète, de nombreux événements historiques décrits dans la série étaient anachroniques (par exemple, la dernière croisade en Terre Sainte s'est terminée en 1291) ; cette licence dramatique se poursuivra dans les Blackadders ultérieurs. Le tournage de la série était très ambitieux, avec un casting important et de nombreux tournages en extérieur. La série présentait également des dialogues shakespeariens, souvent adaptés pour un effet comique ; le générique de fin comportait les mots « Dialogue supplémentaire de William Shakespeare ».
Série 2 : Vipère noire II
Blackadder II se déroule en Angleterre sous le règne de la reine Elizabeth I (1558-1603), interprétée par Miranda Richardson. Le personnage principal est Edmund, Lord Blackadder, l'arrière-petit-fils du Black Adder original. Au cours de la série, il traite régulièrement avec la reine, son obséquieux Lord Chamberlain Lord Melchett (Stephen Fry) - son rival - et l'ancienne nounou démente de la reine, Nursie (Patsy Byrne).
Suite à la demande d'améliorations de la BBC (et à une forte réduction budgétaire), plusieurs changements ont été apportés. La deuxième série a été la première à établir le personnage familier de Blackadder : rusé, astucieux et plein d'esprit, en contraste frappant avec le prince Edmund maladroit de la première série. Pour rendre la série plus rentable, elle a également été tournée sans pratiquement aucune scène extérieure (la première série a été tournée en grande partie sur place) et avec plusieurs décors intérieurs fréquemment utilisés, tels que la salle du trône de la reine et la salle de devant de Blackadder.
Une citation de cette série classée troisième dans une liste des 25 plus grandes « réprimandes » télévisées des 40 dernières années par le magazine Radio Times : « Les yeux sont ouverts, la bouche bouge, mais M. Brain est parti depuis longtemps, n'a n'est-ce pas, Percy ?
Série 3 : Blackadder le Troisième
Blackadder III se déroule à la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle, une période connue sous le nom de Régence. Dans la série, Edmund Blackadder Esquire est le majordome du prince régent, le prince de Galles (le prince est joué par Hugh Laurie comme un idiot et un idiot). Malgré l'intelligence et les capacités respectées d'Edmund, il n'a aucune fortune personnelle à proprement parler, à part son salaire qui fluctue fréquemment (ainsi que, semble-t-il, le vol et la vente des chaussettes du Prince) du Prince : « Si je cours À court d’argent, je n’ai qu’à monter demander une augmentation au Prince Gros-Tête. »
Outre Rowan Atkinson et Tony Robinson dans leurs rôles habituels, cette série mettait en vedette Hugh Laurie dans le rôle du prince régent et Helen Atkinson-Wood dans le rôle de Mme Miggins. La série met en vedette le Dr Samuel Johnson (Robbie Coltrane), William Pitt le Jeune (Simon Osborne), la Révolution française (avec Chris Barrie, Nigel Planer et Tim McInnerny dans le rôle de Scarlet Pimpernel), des acteurs de théâtre exagérés, un écureuil. -détestant le bandit de grand chemin travesti (Miranda Richardson) et un duel avec le duc de Wellington (Stephen Fry).
Série 4 : Blackadder va de l’avant
Cette série se déroule en 1917, sur le front occidental, dans les tranchées de la Première Guerre mondiale. Une autre "grande poussée" est prévue, et le seul objectif du capitaine Blackadder est d'éviter d'être tué, mais ses plans le ramènent toujours dans les tranchées. Blackadder est rejoint par son Batman, le soldat S. Baldrick (Tony Robinson) et l'idéaliste édouardien, le lieutenant George (Hugh Laurie). Le général Melchett (Stephen Fry) rallie ses troupes depuis un château français à trente-cinq milles du front, où il est aidé et encouragé par son assistant, le capitaine Kevin Darling (Tim McInnerny), pousse-crayon suprême et ennemi juré de Blackadder, dont le nom est joué pour une valeur comique maximale.
Le ton de la série est un peu plus sombre que celui des autres Blackadders ; il détaille les privations de la guerre des tranchées ainsi que l’incompétence et les stratégies ruineuses des hauts gradés. Par exemple, Baldrick en est réduit à préparer du café avec de la boue et à cuisiner des rats, tandis que le général Melchett élabore un plan pour que les troupes marchent très lentement vers les lignes allemandes, car « ce sera la dernière chose à laquelle Fritz s'attendra ».
Le dernier épisode, "Goodbyeee", est connu pour être extraordinairement poignant pour une comédie, en particulier la scène finale, qui voit les personnages principaux (Blackadder, Baldrick, George et Darling) aller enfin "au-dessus" et charger dans le le brouillard et la fumée du no man's land pour mourir. Dans une liste des 100 plus grands programmes de télévision britanniques, établie par le British Film Institute en 2000 et votée par les professionnels de l'industrie, Blackadder Goes Forth a été classé 16ème.
Offres spéciales
Épisode pilote
Le pilote de Blackadder a été tourné mais n'a jamais été diffusé à la télévision terrestre au Royaume-Uni (bien que certaines scènes aient été diffusées dans l'émission spéciale du 25e anniversaire, Blackadder Rides Again). Une différence notable dans le pilote, comme dans de nombreux pilotes, est le casting. Baldrick n'est pas joué par Tony Robinson, mais par Philip Fox. Une autre différence significative est que le personnage du prince Edmund présenté dans le pilote est beaucoup plus proche du Blackadder intelligent et complice de la série ultérieure que du bouffon pleurnicheur et faible de l'original. Se déroulant en 1582, le scénario du pilote est à peu près le même que celui de l'épisode "Born to be King", bien qu'avec des blagues différentes, certaines lignes apparaissant dans d'autres épisodes de la série.
Blackadder : Les années Cavalier
Cette émission spéciale, qui se déroule pendant la guerre civile anglaise, a été diffusée dans le cadre du Red Nose Day de Comic Relief, le vendredi 5 février 1988. L'épisode de 15 minutes se déroule en novembre 1648, pendant les derniers jours de la guerre civile. Sir Edmund Blackadder et son serviteur Baldrick sont les deux derniers hommes fidèles au roi vaincu Charles Ier d'Angleterre (joué par Stephen Fry, dépeint comme un personnage à la voix douce, inefficace et légèrement sombre, avec la voix et les manières de Charles Ier. homonyme, l'actuel prince de Galles). Cependant, en raison d'un malentendu entre Oliver Cromwell (star invitée Warren Clarke) et Baldrick, le roi est arrêté et envoyé à la Tour de Londres. Le reste de l'épisode tourne autour des tentatives de Blackadder pour sauver le roi et améliorer sa position.
Le chant de Noël de Blackadder
La deuxième émission spéciale a été diffusée le vendredi 23 décembre 1988. Dans une variante de A Christmas Carol de Charles Dickens, Ebenezer Blackadder est l'homme « le plus gentil et le plus charmant » d'Angleterre. L'Esprit de Noël montre à Blackadder les pitreries contraires de ses ancêtres et descendants, et l'informe à contrecœur que s'il devient méchant, ses descendants jouiront du pouvoir et de la fortune, tandis que s'il reste le même, un futur Blackadder vivra honteusement soumis à un futur Baldrick incompétent. . Cette rencontre remarquable l'amène à proclamer : « Les méchants s'amusent tous » et à adopter la personnalité que les téléspectateurs connaissent mieux.
Blackadder : aller-retour
Blackadder: Back & Forth a été initialement projeté au Millennium Dome en 2000, suivi d'une projection sur Sky One la même année (et plus tard sur BBC1). Il se déroule au tournant du millénaire et met en scène Lord Blackadder faisant un pari avec ses amis – des versions modernes de Queenie (Miranda Richardson), Melchett (Stephen Fry), George (Hugh Laurie) et Darling (Tim McInnerny) – qu'il a construit une machine à voyager dans le temps. Bien qu'il s'agisse d'une arnaque astucieuse, la machine, étonnamment, fonctionne, renvoyant Blackadder et Baldrick à l'époque des dinosaures, où ils parviennent à provoquer l'extinction des dinosaures, grâce à l'utilisation du meilleur, du pire et du meilleur de Baldrick. -seulement une paire de caleçons comme arme contre un T. Rex affamé. Constatant que Baldrick a oublié d'écrire des dates sur les cadrans de la machine, le reste du film suit leurs tentatives pour retrouver le chemin de 1999, créant souvent d'énormes anomalies historiques dans le processus qui doivent être corrigées avant la fin. Le film comprend des apparitions de Kate Moss et Colin Firth.
Ordre chronologique
Production
Développement de séries
Rowan Atkinson et Richard Curtis ont développé l'idée de la sitcom tout en travaillant sur Not the Nine O'Clock News. Désireux d'éviter les comparaisons avec Fawlty Towers, acclamé par la critique, ils ont proposé l'idée d'une sitcom historique. Un épisode pilote non diffusé a été réalisé en 1982 et une série de six épisodes a été commandée. Le budget de la série était considérable, avec de nombreux tournages en extérieur, notamment au château d'Alnwick dans le Northumberland et dans la campagne environnante en février 1983. La série utilisait également de grands castings de figurants, des chevaux et des costumes coûteux de style médiéval. Atkinson a déclaré à propos de la réalisation de la première série :
La première série était bizarre, elle était très extravagante. Cela a coûté un million de livres pour les six programmes ... [ce qui] représentait beaucoup d'argent à dépenser ... Cela avait l'air génial, mais ce n'était pas aussi drôle que nous l'aurions souhaité.
En raison du coût élevé de la première série, Michael Grade, alors contrôleur de la programmation de BBC1, était réticent à signer une deuxième série sans améliorations majeures et sans réduction des coûts à apporter à l'émission, laissant un intervalle de trois ans entre les deux séries. Atkinson ne souhaitait pas continuer à écrire pour la deuxième série.
Une rencontre fortuite entre Richard Curtis et le comédien Ben Elton a conduit à la décision de collaborer sur une nouvelle série de Blackadder. Reconnaissant les principaux défauts de la première série, Curtis et Elton ont convenu que Blackadder II serait une production uniquement en studio (avec l'inclusion d'un public en direct pendant l'enregistrement, au lieu de montrer les épisodes à un seul après l'enregistrement). En plus d'ajouter une plus grande dimension comique, Elton a suggéré un changement majeur dans l'accent mis sur le personnage : Baldrick deviendrait le stupide acolyte, tandis qu'Edmund Blackadder deviendrait un courtisan rusé. Cela a conduit à la configuration familière qui a été conservée dans la série suivante.
Ce n'est que dans l'émission spéciale du millénaire Back & Forth que le tournage a eu lieu à nouveau sur place, car il s'agissait d'une production avec un budget estimé à 3 millions de livres sterling et une coentreprise entre Tiger Aspect, Sky Television, la New Millennium Experience Company et la BBC. , plutôt que la BBC seule.
Fonderie
Chaque série avait tendance à présenter le même ensemble d'acteurs réguliers dans des contextes d'époque différents, bien que tout au long des quatre séries et émissions spéciales, seuls Blackadder et Baldrick étaient des personnages constants. Plusieurs membres réguliers de la distribution sont réapparus en tant que personnages portant des noms similaires, ce qui implique, comme Blackadder, qu'ils étaient des descendants.
Casting récurrent
Divers acteurs sont apparus dans plus d’une série et/ou spéciale Blackadder. Ceux-ci sont:
Le casting principal
*Rowan Atkinson dans le rôle d'Edmund Blackadder, le protagoniste de la série.
*Tony Robinson dans le rôle de S. Baldrick, son serviteur.
*Stephen Fry a joué Melchett dans deux séries, d'abord en tant que Lord Melchett, le conseiller flagorneur de la reine Elizabeth I dans la deuxième série et deuxièmement en tant que général Melchett, un bouffon fanfaron et descendant présumé dans la quatrième série. Fry est également apparu dans le rôle d'Arthur Wellesley, le duc de Wellington dans la troisième série et dans divers personnages de Blackadder Back & Forth.
*Tim McInnerny a joué Lord Percy Percy, l'acolyte idiot de Blackadder dans les séries un et deux avant un changement de personnage pour l'antagoniste, le capitaine Kevin Darling, dans la quatrième série. Il est également apparu sous le nom de The Scarlet Pimpernel (alias Lord Topper et Le Comte de Frou Frou) pour un épisode de la troisième série, et a repris son rôle de Darling dans Blackadder: Back & Forth.
*Hugh Laurie a joué George dans les séries trois et quatre, d'abord en tant que SAR le Prince Régent, puis en tant que lieutenant George dans la quatrième série. Laurie est également apparue deux fois dans la deuxième série ; d'abord en tant que Simon "Farters Parters" Partridge, puis en tant que Prince Ludwig l'Indestructible dans le dernier volet de Blackadder II. Il a également repris ce rôle dans Back & Forth.
*Miranda Richardson n'était qu'un membre régulier du casting de la deuxième série, où elle incarnait la reine Elizabeth I, reprenant le rôle dans Blackadder's Christmas Carol et Back & Forth. Cependant, elle a également joué des rôles ponctuels importants comme Amy Hardwood (alias The Shadow) dans « Amy and Amiability » dans la troisième série et Mary Fletcher-Brown, une infirmière dévouée dans « General Hospital » à partir de la quatrième.
Casting non récurrent
*Brian Blessed, Elspet Gray et Robert East sont apparus dans les six épisodes de la première série en tant que père, mère et frère de Black Adder respectivement. Gray était également apparu dans le pilote non diffusé.
*Patsy Byrne a joué Nursie dans les six épisodes de Blackadder II, mais n'a jamais figuré dans aucune des séries suivantes, que ce soit en tant que personnage régulier ou unique. Elle a brièvement repris le personnage dans Blackadder: Back & Forth et Blackadder's Christmas Carol.
*Helen Atkinson-Wood a joué le rôle de Mme Miggins dans les six épisodes de Blackadder the Third, mais n'est plus réapparue dans la série, bien que le personnage ait été mentionné à plusieurs reprises dans Blackadder II et dans le dernier épisode de Blackadder Goes Forth.
Casting invité
L'arrivée de Ben Elton après la première série a annoncé le recrutement plus fréquent d'acteurs comiques de la célèbre ère « alternative » pour des apparitions, notamment Robbie Coltrane, Rik Mayall (qui était apparu dans le dernier épisode de la première série sous le nom de « Mad Gerald »). , Adrian Edmondson, Nigel Planer, Mark Arden, Stephen Frost, Chris Barrie et Jeremy Hardy. Elton lui-même a joué un anarchiste dans Blackadder the Third.
Gabrielle Glaister a joué Bob - une jolie fille qui se fait passer pour un homme - dans les séries 2 et 4. Rik Mayall incarne Lord Flashheart, un ami vulgaire lors de sa première apparition, puis un rival à succès de Blackadder dans un épisode ultérieur des séries 2 et 4. Il a également joué un Robin des Bois résolument Flashheart dans Back & Forth. Lee Cornes est également apparu dans un épisode des trois séries Curtis-Elton. Il est apparu comme garde dans l'épisode « Chains » de Blackadder II ; en tant que poète Shelley dans l'épisode « Encre et incapacité » de Blackadder the Third ; et en tant que soldat du peloton d'exécution, le soldat Fraser dans l'épisode « Corporal Punishment » de Blackadder Goes Forth.
Des acteurs plus « établis », certains au stade vétéran de leur carrière, ont également été recrutés pour des rôles. Il s'agissait notamment de Peter Cook, John Grillo, Simon Jones, Tom Baker, Jim Broadbent, Hugh Paddick, Frank Finlay, Kenneth Connor, Bill Wallis, Ronald Lacey, Roger Blake, Denis Lill, Warren Clarke et Geoffrey Palmer, qui jouait le rôle du maréchal Sir Douglas. Haig dans "Goodbyeee", le dernier épisode de Blackadder Goes Forth. Miriam Margolyes a joué trois rôles d'invité différents : l'infante espagnole dans La barbe de la reine d'Espagne, Lady Whiteadder dans Beer et la reine Victoria dans Blackadder's Christmas Carol.
Fait inhabituel pour une sitcom vaguement basée sur des événements factuels et sur le passé historique, un homme a été recruté pour un épisode essentiellement pour jouer son propre rôle. Le commentateur politique Vincent Hanna a joué un personnage présenté comme « son propre arrière-arrière-arrière-grand-père » dans l'épisode « Dish and Dishonesty » de Blackadder the Third. Hanna a été invitée à participer parce qu'il s'agissait d'une élection partielle à laquelle Baldrick était candidat et, à la manière de la télévision moderne, Hanna a longuement commenté « en direct » les événements du décompte (et a interviewé les candidats et agents électoraux) à la foule par la fenêtre de la mairie.
Thème musical
Le thème musical de Howard Goodall a la même mélodie tout au long de la série, mais est joué à peu près dans le style de la période dans laquelle il se déroule. Il est interprété principalement avec des trompettes et des timbales dans The Black Adder, les fanfares utilisées suggérant des fanfares typiques de la cour médiévale ; avec une combinaison de flûte à bec, quatuor à cordes et guitare électrique dans Blackadder II ; au hautbois, violoncelle et clavecin (à la manière d'un menuet) pour Blackadder III ; par la Musique du 3e Bataillon, Royal Anglian Regiment à Blackadder Goes Forth ; chanté par des chanteurs de Noël dans Blackadder's Christmas Carol ; et par un orchestre dans Blackadder : The Cavalier Years et Blackadder : Back & Forth.
Prix
En 2000, la quatrième série, Blackadder Goes Forth, s'est classée 16e dans les « 100 plus grands programmes de télévision britanniques », une liste créée par le British Film Institute. En 2004, un sondage de la BBC TV pour « la meilleure sitcom de Grande-Bretagne », Blackadder a été élue deuxième meilleure sitcom britannique de tous les temps, dominée par Only Fools and Horses. Elle a également été classée 20e meilleure émission télévisée de tous les temps par le magazine Empire.
Avenir
Malgré les déclarations régulières niant tout projet de cinquième série, les acteurs sont régulièrement interrogés sur la possibilité d'une nouvelle série.
En janvier 2005, Tony Robinson a déclaré à This Morning d'ITV que Rowan Atkinson était plus désireux que par le passé de faire une cinquième série, se déroulant dans les années 1960 (centrée sur un groupe de rock appelé "Black Adder Five", avec Baldrick – alias « Bald Rick » – en tant que batteur). Robinson, lors d'une représentation sur scène le 1er juin 2007, a de nouveau mentionné cette idée, mais dans le contexte d'un film. Une idée mentionnée par Curtis était que c'était Baldrick qui avait accidentellement assassiné John F. Kennedy. Cependant, hormis une brève mention en juin 2005,
il n'y a eu aucune autre annonce de la BBC indiquant qu'une nouvelle série était prévue. De plus, en novembre 2005, Rowan Atkinson a déclaré à BBC Breakfast que, bien qu'il aimerait beaucoup faire une nouvelle série se déroulant à Colditz ou dans un autre camp de prisonniers de guerre pendant la Seconde Guerre mondiale, ce que lui et Stephen Fry ont réitéré au À la fin de Blackadder Rides Again, les chances que cela se produise sont extrêmement minces.
Quelques idées avaient déjà été avancées pour la cinquième série. Batadder était destiné à être une parodie de Batman avec Baldrick comme homologue de Robin (suggéré par John Lloyd). Cette idée a finalement fait surface dans le cadre du sketch Comic Relief "Spider-Plant Man" en 2005, avec Atkinson comme héros principal, Robinson comme Robin, Jim Broadbent comme Batman et Rachel Stevens comme Mary Jane. Star Adder devait se dérouler dans l'espace dans le futur (suggéré par Atkinson), bien que cela ait également été évoqué dans le chant de Noël de Blackadder.
Le 10 avril 2007, Bonjour ! a rapporté qu'Atkinson allait de l'avant avec ses idées pour une cinquième série. Il a déclaré: "J'aime l'idée qu'il soit prisonnier de guerre à Colditz. Cela aurait le bon niveau d'autorité et de hiérarchie qui est apparent chez tous les Blackadders."
Un article publié sur BlackAdderHall.com par Ben Elton début 2007 indiquait que Blackadder reviendrait sous une forme ou une autre, qu'il s'agisse d'une série télévisée ou d'un film. Elton n'a depuis donné plus d'informations sur le putatif Blackadder 5.
Lors d'une interview en août 2007 à propos de son film Mr. Bean's Holiday, Atkinson a été interrogé sur la possibilité d'une autre série Blackadder, à laquelle la simple réponse "Non, aucune chance" a été donnée :
"Il y avait un projet pour un film se déroulant pendant la révolution russe, un film très intéressant intitulé La Vipère Rouge. Il aurait été lieutenant dans la police secrète. Puis la révolution a eu lieu et à la fin, il se trouve dans le même bureau en train de faire le même travail mais juste les couleurs de son uniforme ont changé. C'était une idée plutôt douce et nous avons parcouru un long chemin avec elle, mais à la fin, c'est mort."
Stephen Fry a exprimé l'opinion que, puisque la série a connu un si bon succès, un film n'était peut-être pas une bonne idée.
Lors de sa performance sur scène en juin 2007, relatée sur le DVD Cunning Night Out de Tony Robinson, Robinson déclare qu'après le tournage du spécial Back & Forth, l'idée générale était de se réunir pour un autre spécial en 2010. Robinson a fait remarquer en plaisantant que le succès de Hugh Laurie sur House peut rendre cela difficile.
À la fin de Blackadder Rides Again, Robinson a demandé à Tim McInnerny s'il ferait une autre série et il a répondu "non", car il pensait que les gens ne voudraient pas les voir tels qu'ils sont maintenant et préféreraient se souvenir d'eux tels qu'ils étaient. Dans le même documentaire, Rowan Atkinson a exprimé un point de vue similaire : « Les temps sont passés ; c'est ce qu'ils étaient ! Cependant, Miranda Richardson et Tony Robinson ont exprimé leur enthousiasme envers l'idée d'une série se déroulant dans le Far West, tandis que John Lloyd était favorable à l'idée d'une série avec un Blackadder de Néandertal. Enfin, Stephen Fry a suggéré une série se déroulant dans un camp de prisonniers de guerre pendant la Seconde Guerre mondiale, mais a fait remarquer plus tard qu'« il est peut-être préférable de laisser ces choses en souvenir ».
Le 28 novembre 2012, Rowan Atkinson a repris le rôle lors du gala comique « Nous sommes les plus amusés » pour le Prince's Trust au Royal Albert Hall. Il a été rejoint par Tony Robinson dans le rôle de Baldrick. Le sketch impliquait Blackadder en tant que PDG de Melchett, Melchett et Darling Bank face à une enquête sur la crise bancaire.
En août 2015, Tony Robinson a déclaré dans une interview : « Je pense qu'une nouvelle série de Blackadder est à l'ordre du jour. J'en ai parlé à pratiquement tous les acteurs maintenant. Le seul problème est les honoraires de Hugh [Laurie]. une énorme étoile maintenant. »
Médias domestiques
Toutes les séries et de nombreuses émissions spéciales sont disponibles sur DVD et vidéo. Beaucoup sont également disponibles sur cassette audio de la BBC. Depuis 2008, un coffret édition "Best of BBC" est disponible contenant les quatre séries majeures ainsi que Blackadder's Christmas Carol et Back & Forth. Les quatre séries et le spécial Noël sont également disponibles en téléchargement sur iTunes.
Sorties VHS
Le 5 février 1990, BBC Enterprises Ltd a sorti la première série sur deux vidéos uniques.
Le 2 octobre 1989, BBC Enterprises Ltd a sorti la deuxième série sur deux vidéos uniques.
Le 6 mars 1989, BBC Enterprises Ltd a sorti la troisième série sur deux vidéos uniques.
Le 10 septembre 1990, BBC Enterprises Ltd a sorti la quatrième et dernière série sur deux vidéos uniques.
Le 7 septembre 1992, les huit sorties vidéo simples de Blackadder ont été rééditées sous la forme de quatre versions doubles VHS « complètes ». Les quatre vidéos entières de la série ont été rééditées sous forme de vidéos uniques le 2 octobre 1995.
Le 5 janvier 1998, cinq épisodes des deux premières séries ont été diffusés sur une vidéo compilée classée 15 par BBC Worldwide Ltd.
Le 4 novembre 1991, Blackadder's Christmas Carol a été diffusé sur une seule vidéo classée PG (Cat. No. BBCV 4646)
Sorties DVD uniques
Sorties DVD du coffret | http://www.quizballs.com/ |
Quel est le nom du Seigneur joué par Rik Mayall dans la série télévisée britannique « Blackadder Goes Forth » ? | Lord Flashheart | [
"Mayall a continué à travailler sur les films The Comic Strip. Il est revenu à la comédie stand-up, en se produisant sur Saturday Live, une version britannique de l'américain Saturday Night Live, diffusé pour la première fois en 1985. Lui et Edmondson avaient une section régulière sous le nom de \"The Dangerous Brothers\", leur numéro de scène précédent. En 1985, Mayall a lancé une autre création de bande dessinée. Il avait joué dans le dernier épisode de la première série de Blackadder (1983) dans le rôle de \"Mad Gerald\". Il est revenu pour jouer Lord Flashheart dans l'épisode Blackadder II intitulé \"Bells\". Un descendant de ce personnage, le commandant d'escadron Flashheart, était dans l'épisode \"Private Plane\" de Blackadder Goes Forth. Dans le même épisode, il a retrouvé Edmondson, qui incarnait l'as de l'aviation allemand Baron von Richthofen le \"Baron Rouge\", dans une scène où il vient sauver le capitaine Blackadder des Allemands. Près d'une décennie plus tard, Mayall est également apparu dans Blackadder : Back & Forth dans le rôle de Robin des Bois."
] | Richard Michael « Rik » Mayall (7 mars 1958 – 9 juin 2014) était un comédien, écrivain, acteur et doubleur anglais.
Mayall fut un pionnier de la comédie alternative au début des années 1980. Il a formé un partenariat comique avec Ade Edmondson et est apparu dans de nombreuses sitcoms classiques cultes, notamment The Young Ones (1982-1984), Filthy Rich & Catflap (1987), "The Comic Strip Presents", The New Statesman (1987-1994). , Bottom (1991-1995), Blackadder et dans les films comiques Drop Dead Fred (1991) et Guest House Paradiso (1999). Son style d'acteur a été décrit comme un « post-punk » énergique.
En 1998, il a subi un grave traumatisme crânien lors d'un accident de quad près de son domicile dans le Devon et est resté dans le coma pendant plusieurs jours. Il s'est ensuite rétabli.
Mayall est décédé d'une crise cardiaque présumée le 9 juin 2014 à l'âge de 56 ans. Au moment de sa mort, Mayall a été décrit par Danny Cohen, directeur de BBC Television, comme un comédien « vraiment brillant » avec une présence scénique unique, dont La « créativité en forme de boule de feu » et l'approche de la sitcom ont inspiré une génération de stars de la comédie.
Début de la vie
Mayall, le deuxième de quatre enfants, est né à Harlow, Essex, de John et Gillian (Harrild) Mayall. Il avait un frère aîné, Anthony, et deux sœurs cadettes, Libby et Kate. Quand Mayall avait trois ans, lui et ses parents, qui enseignaient l'art dramatique, ont déménagé à Droitwich Spa, dans le Worcestershire, où il a passé le reste de son enfance et a joué dans les pièces de théâtre de ses parents.
Après avoir fréquenté la King's School de Worcester, où il a échoué à la plupart de ses O-levels et a réussi son A-level, Mayall est allé à l'Université de Manchester en 1975 pour étudier l'art dramatique, où il s'est lié d'amitié avec son futur partenaire de comédie Ade Edmondson. Il n'a jamais obtenu son diplôme. Là, il rencontre également Ben Elton, un camarade de classe, et Lise Mayer, avec qui il co-écrit plus tard The Young Ones.
Carrière
Les jeunes et la bande dessinée
Edmondson et Mayall ont acquis leur réputation au Comedy Store à partir de 1980. En plus de jouer dans leur double acte, 20th Century Coyote, Mayall a développé des routines solo, utilisant des personnages tels que Kevin Turvey et un poète anarchiste pompeux nommé Rick. Cela a conduit Edmondson et Mayall, ainsi que le compère de Comedy Store Alexei Sayle et d'autres comédiens à venir, dont Nigel Planer, Peter Richardson, French et Saunders, Arnold Brown et Pete Richens, à créer leur propre club de comédie appelé "The Comic Strip" dans le Raymond Revuebar, un club de strip-tease à Soho. Le personnage de Kevin Turvey de Mayall a obtenu une place régulière dans A Kick Up the Eighties, diffusé pour la première fois en 1981. Il est apparu sous le nom de "Rest Home" Ricky dans Richard O'Brien's Shock Treatment, une suite de The Rocky Horror Picture Show. Il a joué le rôle du préposé résident de Dentonvale en tant qu'intérêt amoureux de l'infirmière Ansalong de Nell Campbell.
Les apparitions télévisées de Mayall dans le rôle de Kevin Turvey justifiaient un faux documentaire basé sur le personnage intitulé Kevin Turvey – L'homme derrière la porte verte, diffusé en 1982. L'année précédente, il est apparu dans un petit rôle dans An American Werewolf in London. Son partenariat scénique avec Edmondson s'est poursuivi, ils apparaissant souvent ensemble sous le nom de "The Dangerous Brothers", de malheureux casse-cou dont les pitreries hyper-violentes préfiguraient leurs personnages dans Bottom. Channel 4 a proposé au groupe Comic Strip six courts métrages, qui sont devenus The Comic Strip Presents..., débutant le 2 novembre 1982. La série, qui s'est poursuivie sporadiquement pendant de nombreuses années, a vu Mayall jouer une grande variété de rôles. Il était connu pour son humour contestataire et pour ses parodies telles que Bad News on Tour, une parodie de « rockumentaire » mettant en vedette Mayall, Richardson, Edmondson et Planer dans le rôle d'un groupe de heavy metal.
Au moment des négociations sur The Comic Strip Presents..., la BBC s'intéresse à The Young Ones, une sitcom écrite par Mayall et sa petite amie de l'époque, Lise Mayer, dans la même veine anarchique que Comic Strip. Ben Elton a rejoint les scénaristes. La série a été commandée et diffusée pour la première fois en 1982, peu avant Comic Strip. Mayall a joué Rick, un étudiant en sociologie pompeux et passionné de Cliff Richard. Malgré le format sitcom, Mayall a maintenu son double acte avec Edmondson, qui jouait le rôle du punk violent Vyvyan. Nigel Planer (dans le rôle du hippie Neil) et Christopher Ryan (dans le rôle de "Mike la personne cool") ont également joué, avec du matériel supplémentaire écrit et interprété par Alexei Sayle.
La première série a été un succès et une seconde a été projetée en 1984. La série avait une dette comique envers Spike Milligan, mais Milligan désapprouvait Mayall. Milligan a écrit un jour : « Rik Mayall est putride – absolument ignoble. Il pense que se curer le nez est drôle et péter et tout ça. Il est le connard de la comédie britannique. » En 1986, Mayall a joué le détective dans la vidéo de "Peter Gunn" de Art of Noise avec Duane Eddy.
Devenir un nom familier
Mayall a continué à travailler sur les films The Comic Strip. Il est revenu à la comédie stand-up, en se produisant sur Saturday Live, une version britannique de l'américain Saturday Night Live, diffusé pour la première fois en 1985. Lui et Edmondson avaient une section régulière sous le nom de "The Dangerous Brothers", leur numéro de scène précédent. En 1985, Mayall a lancé une autre création de bande dessinée. Il avait joué dans le dernier épisode de la première série de Blackadder (1983) dans le rôle de "Mad Gerald". Il est revenu pour jouer Lord Flashheart dans l'épisode Blackadder II intitulé "Bells". Un descendant de ce personnage, le commandant d'escadron Flashheart, était dans l'épisode "Private Plane" de Blackadder Goes Forth. Dans le même épisode, il a retrouvé Edmondson, qui incarnait l'as de l'aviation allemand Baron von Richthofen le "Baron Rouge", dans une scène où il vient sauver le capitaine Blackadder des Allemands. Près d'une décennie plus tard, Mayall est également apparu dans Blackadder : Back & Forth dans le rôle de Robin des Bois.
En 1986, Mayall rejoint Planer, Edmondson et Elton pour jouer le rôle de Richie Rich dans Filthy Rich & Catflap, présenté comme une suite à The Young Ones. L'idée de Filthy Rich et Catflap était une réaction aux commentaires de Jimmy Tarbuck à propos des Young Ones. L'objectif principal de la série était de mettre en évidence le statut « has been » du divertissement léger. Bien que Mayall ait reçu des critiques positives, les chiffres d'audience étaient médiocres et la série n'a jamais été répétée sur la BBC. Au cours des années suivantes, la sortie sur vidéo, DVD et rediffusions à la télévision britannique a trouvé un public. Mayall a suggéré que la série n'avait pas duré parce qu'il n'était pas à l'aise de jouer dans un projet d'Elton, alors qu'ils étaient co-scénaristes de The Young Ones. La même année, Mayall a eu un succès n ° 1 dans le UK Singles Chart, lorsque lui et ses co-stars de The Young Ones ont fait équipe avec Cliff Richard pour enregistrer "Living Doll" pour la campagne inaugurale Comic Relief. Mayall a joué Rick une dernière fois dans le spectacle Comic Relief et a soutenu la cause Comic Relief pour le reste de sa vie. 1987 a vu Mayall co-star avec Edmondson dans un épisode de la sitcom ITV Hardwicke House, bien que la réaction négative de la presse et des téléspectateurs ait vu ITV retirer la série après deux épisodes, laissant leur apparition non diffusée. Il est apparu dans la série télévisée pour enfants Jackanory. Son interprétation folle de George's Marvelous Medicine de Roald Dahl s'est avérée mémorable. Cependant, la BBC a reçu des plaintes « de téléspectateurs affirmant que l'histoire et la présentation étaient à la fois dangereuses et offensantes ».
En 1987, Mayall a joué le député conservateur fictif Alan Beresford B'Stard dans la sitcom The New Statesman (Yorkshire Television) écrite par Laurence Marks et Maurice Gran. Le personnage était un portrait satirique des députés conservateurs du Royaume-Uni dans les années 1980 et au début des années 1990. Le programme a duré quatre séries, dont deux émissions spéciales de la BBC, entre 1987 et 1994 et a connu un succès critique et d'audience. Dans la même veine que son apparition dans Jackanory, en 1989, Mayall a joué dans une série de petites émissions pour ITV appelées Grim Tales, dans lesquelles il racontait les contes de fées des frères Grimm pendant que des marionnettes jouaient les histoires. Au début des années 1990, Mayall a joué dans des publicités humoristiques pour les jeux et consoles Nintendo. Avec l'argent des publicités, il a acheté sa maison à Londres qu'il a appelée "Nintendo Towers".
années 1990
En 1991, Edmondson et Mayall ont joué dans la production du West End de Waiting for Godot de Beckett au Queen's Theatre, avec Mayall jouant Vladimir, Edmondson dans le rôle d'Estragon et Christopher Ryan dans le rôle de Lucky. Ici, ils ont eu l'idée de Bottom, qui, selon eux, était un cousin plus grossier de En attendant Godot. Bottom a été commandé par la BBC et trois séries ont été diffusées entre 1991 et 1995. Mayall a joué dans Bottom dans le rôle de Richard « Richie » Richard aux côtés d'Edmondson Eddie Elizabeth Hitler. La série présentait une violence burlesque poussée à de nouveaux extrêmes et a gagné un fort culte.
En 1993, après la deuxième série, Mayall et Edmondson ont décidé de présenter une version sur scène de la série lors d'une tournée nationale, Bottom: Live. Ce fut un succès commercial, remplissant de grandes salles. Quatre spectacles supplémentaires ont été lancés en 1995, 1997, 2001 et 2003, chacun rencontrant un grand succès. La nature violente de ces émissions a vu Edmondson et Mayall se retrouver à l'hôpital à différents moments. Une version cinématographique, Guest House Paradiso, est sortie en 1999. Une quatrième série télévisée a également été écrite, mais non commandée par la BBC.
Mayall a joué aux côtés de Phoebe Cates dans Drop Dead Fred (1991) dans le rôle du personnage éponyme, un ami imaginaire gênant qui réapparaît de l'enfance d'une femme. Il est également apparu dans Carry On Columbus (1992) avec d'autres comédiens alternatifs. Mayall a également fourni la voix du personnage Froglip, le chef des gobelins, dans l'adaptation cinématographique d'animation de 1992 du conte pour enfants de 1872 La princesse et le gobelin de George MacDonald. En 1993, il apparaît dans Rik Mayall Presents, six comédies dramatiques individuelles (Micky Love / Briefest Encounter / Dancing Queen / The Big One / Dirty Old Town / Clair de Lune). Les performances de Mayall lui ont valu le prix du meilleur interprète de comédie aux British Comedy Awards de cette année-là, et une deuxième série de trois a été diffusée au début de 1995. Il a fourni la voix de Little Sod dans How to Be a Little Sod de Simon Brett, écrit en 1991 et adapté. sous forme de dix épisodes consécutifs diffusés par la BBC en 1995. Au début des années 1990, il auditionne pour les rôles de Banzai, Zazu et Timon dans Le Roi Lion (1994) ; le parolier Tim Rice lui a demandé de passer une audition, mais le rôle de Zazu a finalement été attribué à Rowan Atkinson.
En 1995, Mayall a participé à une production de la pièce Cell Mates aux côtés de Stephen Fry. Peu de temps après, Fry a fait une dépression nerveuse et s'est enfui en Belgique, où il est resté plusieurs jours, et la pièce s'est terminée plus tôt. En 2007, Mayall a déclaré à propos de l'incident : « Vous ne quittez pas les tranchées… l'égoïsme est une chose, être un con en est une autre. Je ne dois pas recommencer cette guerre. » Edmondson s'est moqué de l'événement lors de leurs tournées sur scène. Dans Bottom Live: The Big Number Two Tour, après que Mayall ait fait des gestes moqueurs au public et insulté leur ville d'une voix idiote, Edmondson a déclaré : « Avez-vous déjà fini ? C'est juste que je commence à comprendre pourquoi Stephen Fry s'est foutu. " Dans Bottom Live 2003 : Armes Grade Y-Fronts Tour, après que Richie ait accidentellement caressé Eddie, il répond : "Je comprends pourquoi Stephen Fry a quitté cette pièce." Vers la fin de la course Cell Mates, Mayall a révélé une réplique d'arme à feu – un accessoire de la pièce – à un passant dans la rue. Mayall a été averti de l'incident et a admis plus tard que c'était "incroyablement stupide, même selon mes critères". À partir de 1999, Mayall était la voix de la mouette rieuse Kehaar, dans la première et la deuxième série du programme télévisé d'animation Watership Down. À la fin des années 1990, Mayall figurait dans un certain nombre de publicités pour Virgin Trains.
En 1998, Mayall a été impliqué dans un grave accident de quad. Pour plus de détails, voir ci-dessous. Le couple a écrit la première version de leur long métrage Guest House Paradiso alors que Mayall était encore hospitalisé. Ils prévoyaient de co-diriger, mais Edmondson a assumé lui-même les fonctions. Mayall est retourné au travail en faisant des voix off. Son premier travail d'acteur après l'accident était dans le spécial de Noël de Jonathan Creek en 1998, dans le rôle de DI Gideon Pryke, un rôle qu'il a repris en 2013.
années 2000
En 2000, Mayall a prêté sa voix au jeu vidéo Hogs of War sur PlayStation et Windows PC. Cette année-là également, Mayall est apparu dans la production vidéo de Jesus Christ Superstar dans le rôle du roi Hérode. Il a plaisanté dans le "making of" du documentaire, inclus dans la sortie du DVD, en disant que "la vraie raison pour laquelle des millions de personnes veulent venir voir ça, c'est parce que j'y suis ! Moi et Jésus !" En 2001, Mayall a joué le rôle du lieutenant Daniel Blaney dans l'épisode « Le stratagème du chevalier blanc » de la série « Murder Rooms : Les mystères du vrai Sherlock Holmes ». En 2002, Mayall a de nouveau fait équipe avec Marks et Gran lorsqu'il a joué le rôle du professeur Adonis Cnut dans la sitcom ITV, Believe Nothing. Cependant, la sitcom n'a pas réussi à répéter le succès de The New Statesman et n'a duré qu'une seule série.
Après la tournée Bottom: Live de 2003, Bottom 5: Weapons Grade Y-Fronts, Mayall a déclaré que lui et Edmondson reviendraient avec une autre tournée. Peu de temps après, cependant, Edmondson a déclaré au Daily Mail qu'il ne souhaitait plus travailler sur Bottom. Cela a effectivement dissous leur partenariat d’un quart de siècle. Edmondson a affirmé qu'ils étaient "trop vieux" pour continuer à incarner les personnages. Edmondson a ajouté que depuis que Mayall s'était remis de son coma, sa prise était plus lente et qu'il était devenu plus difficile de travailler avec lui, citant également qu'en raison de la prise de médicaments, il avait été conseillé à Mayall d'arrêter de boire de l'alcool. Cependant, Edmondson a déclaré que les deux hommes restaient des amis très proches.
Mayall a exprimé Edwin dans l'émission de la BBC Shoebox Zoo. En septembre 2005, il a publié une autobiographie semi-fictionnelle « en personnage » intitulée Plus grand que Hitler, meilleur que le Christ (ISBN 0-00-720727-1). Parallèlement, il joue dans une nouvelle série pour ITV, All About George. En 2006, Mayall a repris le rôle d'Alan B'Stard dans la pièce The New Statesman 2006: Blair B'stard Project, écrite par Marks et Gran. À cette époque, B'Stard avait quitté les conservateurs en difficulté et était devenu député travailliste. En 2007, après une diffusion réussie de deux mois dans le West End de Londres aux studios Trafalgar, une version fortement réécrite a fait une tournée dans les cinémas du pays, Marks et Gran mettant constamment à jour le scénario pour le garder d'actualité. Cependant, Mayall a succombé à une fatigue chronique et à la grippe en mai 2007 et s'est retiré de la série. Alan B'Stard a été joué par sa doublure, Mike Sherman pendant sa pause.
Mayall a été choisi pour incarner le poltergeist Peeves dans Harry Potter et la pierre philosophale (2001), le premier des films de Harry Potter, bien que toutes ses scènes aient été coupées du film. Il a affirmé dans son livre semi-autobiographique Plus grand que Hitler, meilleur que le Christ qu'il n'avait pas été informé que ses scènes avaient été coupées jusqu'à ce que le film complet soit officiellement dévoilé lors de la première. Il a raconté l'histoire de cette embauche/licenciement sur son deuxième blog pour son film, Evil Calls: The Raven (2008). Pour Evil Calls, le rôle de Mayall dans le rôle de Winston le majordome a été tourné en 2002, lorsque le film s'intitulait Alone in the Dark. Le film n'a été achevé qu'en 2008 et est sorti sous son nouveau titre Evil Calls, pour l'éloigner du film de jeu informatique Alone in the Dark.
Mayall a fourni la voix du chiot Andrex dans les publicités télévisées britanniques pour le papier toilette Andrex, et a également joué un rôle vocal dans les publicités britanniques pour les produits de nettoyage Domestos. Il a interprété la voix du roi Arthur dans la série de dessins animés télévisés pour enfants, King Arthur's Disasters, aux côtés de Matt Lucas qui joue Merlin. Mayall a également joué un rôle récurrent dans le remake de Channel Five de la série dramatique légère Minder. Il a également fourni la voix de Cufflingk dans le film d'animation Valiant de 2005.
En septembre 2009, Mayall a joué un rôle de soutien dans l'émission de télévision britannique Midsomer Murders, diffusée sur ITV1 et réalisée par Meridian Broadcasting, dans le rôle de David Roper, un fêtard en convalescence et un ami ténu des familles de Chettham Park House et des environs.
2010-2014
En avril 2010, Motivation Records a sorti l'hymne du football anglais de Mayall "Noble England" pour la Coupe du Monde de la FIFA 2010 qu'il a enregistré avec le producteur Dave Loughran aux Brick Lane Studios à Londres. La sortie, le 26 avril, devait coïncider avec la Saint-Georges et le baptême de Shakespeare. Sur le morceau, Mayall interprète un discours adapté de Henry V de Shakespeare. En juin 2010, le CD de compilation officiel BBC Match of the Day (édition 2010) a été publié par Sony/Universal avec Noble England. Après la mort de Mayall en 2014, une campagne menée par des fans a commencé pour propulser la « Noble Angleterre » au premier rang lors de la Coupe du Monde de la FIFA 2014. Il a rapidement grimpé dans les charts officiels au Royaume-Uni et s'est hissé au 7e rang.
En septembre 2010, un livre audio, narré par Mayall, Cutey et le Sofaguard, a été publié par Digital Download. Le livre a été écrit par Chris Wade et publié par Wisdom Twins Books. Au cours du même mois, Mayall a joué la voix du père de Roy et a enregistré cinq épisodes d'animation. En novembre, Mayall a fourni la narration de cinq personnages différents pour les CD accompagnant les livres pour enfants publiés par Clickety Books. Les livres facilitent le développement de la parole et du langage en bombardant l'enfant de cibles sonores gênantes. Il a enregistré les introductions et les récits des titres.
Le 5 mars 2011, Mayall est apparu dans Let's Dance for Comic Relief dans lequel il est monté sur scène et a attaqué Ade Edmondson avec une poêle à frire lors de sa représentation du ballet The Dying Swan. Edmondson a mentionné dans les coulisses que c'était la première fois en huit ans qu'ils faisaient quelque chose comme ça ensemble et a affirmé que Mayall avait laissé sa tête avec une petite bosse. Ce serait la dernière fois que le duo se produirait ensemble en public.
En avril 2011, Mayall a de nouveau relancé le personnage d'Alan B'Stard pour faire une apparition dans une publicité télévisée satirique pour la campagne No2AV avant le référendum sur la réforme du vote de 2011 au Royaume-Uni. Le personnage est montré en train d'être élu selon le système de vote alternatif, puis d'utiliser sa position de pouvoir nouvellement acquise pour revenir sur ses promesses de campagne. Dans sa vie personnelle, Rik Mayall n’a pas soutenu le vote alternatif. En mai, Mayall est devenu le « Bombardier » éponyme dans une campagne publicitaire télévisée pour Bombardier Bitter au Royaume-Uni. Les publicités ont mis la chaîne UKTV Dave en difficulté avec l'Ofcom lorsqu'il a été constaté qu'elle enfreignait le code de l'Ofcom pour lier l'alcool à l'attractivité ou au succès sexuels.
Le 23 août 2012, la BBC a annoncé que les personnages d'Edmondson et Mayall, Richie et Eddie, reviendraient en 2013 dans Hooligan's Island, une adaptation télévisée de leur tournée de 1997 du même nom. Cependant, le 15 octobre 2012, Edmondson a annoncé lors d'une interview avec le présentateur de radio de la BBC Mark Powlett que le projet avait été annulé avant la production car il souhaitait poursuivre d'autres intérêts.
En septembre 2012, Mayall a joué dans The Last Hurrah, une série audio complète de six épisodes qu'il a également co-écrit avec Craig Green et Dominic Vince.
En novembre 2012, Mayall a raconté plusieurs livres pour enfants sur l'application Me Books, tels que The Getaway et Banana ! par l'illustrateur et auteur pour enfants Ed Vere.
En octobre 2013, il est apparu dans la sitcom Man Down de Channel 4, dans le rôle du père du protagoniste, Greg Davies, bien qu'il n'ait que dix ans de plus.
Le 7 mai 2014, Mayall a réalisé l'une de ses dernières performances enregistrées sous forme de poésie et de voix off sur le deuxième album du groupe de rock anglais Magic Eight Ball, « Last Of The Old Romantics » (sorti le 10 novembre 2014).
La dernière apparition télévisée de Mayall était dans le premier épisode de la deuxième série de Crackanory qui a été diffusée le 24 septembre 2014 sur Dave.
Vie privée
Famille
Mayall a épousé la maquilleuse écossaise Barbara Robbin en 1985 et le couple a eu trois enfants : Rosie (née en 1986), Sidney (née en 1988) et Bonnie (née en 1995). Le couple s'est rencontré en 1981 lors du tournage de A Kick Up the Eighties et s'est lancé dans une liaison secrète. À l'époque, Mayall entretenait une relation à long terme avec Lise Mayer. Après avoir découvert que Robbin était enceinte, Mayall a quitté Mayer alors qu'elle faisait du shopping avec elle et Ben Elton, et s'est enfuie avec Robbin à la Barbade. Mayer ferait plus tard une fausse couche. Dans un article de journal de 2002, Mayall a déclaré que Mayer lui avait depuis pardonné.
Opinions politiques
Mayall s'est impliqué à deux reprises dans la politique. En 2002, il s'est déguisé en Adolf Hitler pour une publicité contre l'adhésion du Royaume-Uni à l'euro et, en 2011, il est apparu dans le personnage d'Alan B'Stard pour s'opposer à la proposition d'utiliser un système de vote alternatif lors des élections britanniques.
Accident de quad
Le 9 avril 1998, Mayall a été blessé après avoir écrasé un quad près de son domicile dans le Devon. La fille de Mayall, Bonnie, et sa cousine lui avaient demandé de les emmener faire un tour à vélo – un cadeau de Noël de sa femme – mais il a refusé parce qu'il pleuvait, et il est ensuite parti seul. Barbara, l'épouse de Mayall, a regardé par la fenêtre et l'a vu allongé sur le sol avec le vélo. Croyant qu'il plaisantait, elle l'a d'abord quitté pendant quelques minutes. Mayall a été transporté par avion à l'hôpital Derriford de Plymouth, avec deux hématomes et une fracture du crâne. Au cours des 96 heures suivantes, il a été maintenu sous sédatif pour éviter tout mouvement susceptible de provoquer une pression sur son cerveau. Sa famille a été avertie qu'il pourrait mourir ou subir des lésions cérébrales. Il est resté dans le coma pendant plusieurs jours. Après cinq jours, les médecins ont estimé qu'il était prudent de ramener Mayall à la conscience.
Pendant l'hospitalisation de Mayall, le spécial Bande dessinée, Quatre hommes dans une voiture, a été diffusé pour la première fois. Le film met en scène le personnage de Mayall se faisant heurter par une voiture. Mayall et Edmondson ont plaisanté sur l'événement dans les versions scéniques de Bottom, Edmondson plaisantant "Si seulement j'avais réparé ces freins correctement", et Mayall se référant à lui-même: "Vous devez le connaître, ce lanceur qui est tombé du quad." Dans sa fausse autobiographie de 2005, Mayall affirme qu'il est ressuscité des morts.
La mort
Le 9 juin 2014, Mayall est décédé à son domicile de Barnes, Richmond-upon-Thames, Londres, à l'âge de 56 ans. Après avoir été appelé à la maison avec un rapport faisant état d'une mort subite à 13 h 19, la police métropolitaine a déclaré que la mort n'était pas considérée comme suspecte. Son décès a été annoncé par son équipe dirigeante. Des hommages ont été rendus par le producteur de comédie John Lloyd, le comédien David Walliams, l'acteur et écrivain Stephen Fry, le surréaliste et acteur Noel Fielding, le réalisateur Edgar Wright et bien d'autres.
Le 12 juin, le bureau du coroner de l'ouest de Londres a constaté que les examens post-mortem de Mayall ne s'étaient pas révélés concluants et que d'autres tests seraient nécessaires. Une confirmation publique complète de la cause du décès n'a pas encore été annoncée, bien que l'épouse de Mayall ait déclaré qu'il était décédé d'un « événement cardiaque aigu » après une course matinale.
Les funérailles de Mayall ont eu lieu le 19 juin 2014 à Dittisham, Devon. Parmi les participants figuraient Dawn French, Jennifer Saunders, Peter Richardson, Alan Rickman et les co-stars de Young Ones de Mayall, Edmondson, Nigel Planer, Alexei Sayle et le co-scénariste de Young Ones, Ben Elton. Edmondson a également servi de porteur de cercueil. Il est enterré dans sa ferme familiale, East Allington, Totnes, lieu de son accident de quad 16 ans plus tôt.
Reconnaissance, opinion critique et héritage
*2005, sondage Channel 4, Comedians' Comedian, Mayall a été élu parmi les 50 meilleurs comédiens de tous les temps.
*2008, Mayall a reçu un doctorat honorifique en lettres (DLitt) de l'Université d'Exeter. Fidèle à son habitude, son discours d'acceptation contient un juron et une référence à sa performance extrêmement indifférente en tant qu'étudiant.
*2010, sondage « Top 100 Stand-Up Comedians », Mayall a été classé 91e.
*2014, à sa mort, The Guardian a décrit Mayall comme un acteur dont « les performances à l'écran étaient si pleines de vie. Ses personnages n'étaient pas des croquis soigneusement dessinés : c'étaient de vastes gribouillages fous, coincés dans les marges avec du bruit et de l'énergie ». Commentant son rôle dans la sitcom Blackadder, il a noté: "Éclipser toute une flotte de comédiens de classe mondiale aurait dû être impossible. Mayall a donné l'impression que cela se faisait sans effort", et qu'il avait reproduit ce succès dans ses autres émissions les plus connues, en devenant le « visage de la série » dans The Young Ones et créant une figure « emblématique » dans le personnage de The New Statesman, Alan B'Stard.
*2014, en hommage à Mayall, une plaque bleue non officielle est apparue à Hammersmith, Londres, faisant référence à la séquence titre d'ouverture de la série de sitcom de la BBC Bottom. Dans le même temps, une pétition en ligne a été lancée dans le but de persuader le conseil d'Hammersmith & Fulham d'installer un banc commémoratif sur Hammersmith Broadway. Le 14 novembre 2014, un banc commémoratif pour Mayall a été dévoilé au même endroit où se trouvait le banc de Bottom avant son retrait.
*2014, une fresque murale de 6 m de haut représentant Rik Mayall a été créée par l'artiste de rue Gnasher, dans sa ville natale de Harlow, dans l'Essex.
Filmographie
Télévision
Film
Scène
Jeux vidéo
Livres audio
*Contes sinistres (1992)
*Plus de contes de fées des frères Grimm (1992)
*Krindlekrax (1994)
*Le son des trompettes (1999)
*Comment le Grinch a volé Noël (1999)
*La collection Dr Seuss (2000)
*Déclin et chute (2006)
*Haute Société (2007)
*La cuillère d'argent de Solomon Snow (2008)
*Je vous dis que c'est Burt Reynolds (2009)
*Cutey et le Sofaguard (2010)
*Le dernier hourra (2012)
Récompenses et nominations
* 1993 – British Comedy Award du meilleur acteur de comédie télévisée – remporté
* 1997 – Primetime Emmy Award pour une performance exceptionnelle en voix off – remporté | http://www.quizballs.com/ |
La série télévisée britannique « Blackadder Goes Forth » se déroule pendant quelle guerre ? | Première Guerre mondiale | [
"Blackadder Goes Forth est la quatrième et dernière série de la sitcom de la BBC Blackadder, écrite par Richard Curtis et Ben Elton, diffusée du 28 septembre au 2 novembre 1989 sur BBC One. La série a placé les personnages récurrents de Blackadder, Baldrick et George dans une tranchée en Flandre pendant la Première Guerre mondiale, et a suivi leurs diverses tentatives vouées à l'échec pour s'échapper des tranchées pour éviter une mort certaine sous le commandement malavisé du général Melchett. La série est particulièrement connue pour ses critiques à l'égard des dirigeants de l'armée britannique pendant la campagne et fait également référence à un certain nombre de personnalités célèbres de l'époque. De plus, la série reste dans les mémoires pour la fin poignante du dernier épisode.",
"Blackadder Goes Forth se déroule en 1917 sur le front occidental, dans les tranchées de la Première Guerre mondiale. Le capitaine Edmund Blackadder (Rowan Atkinson) est un soldat professionnel de l'armée britannique qui, jusqu'au déclenchement de la Grande Guerre, a joui d'un rôle relativement actif. existence libre combattant des indigènes qui mesuraient généralement « deux pieds de haut et étaient armés d'herbe séchée ». Se retrouvant piégé dans les tranchées avec une autre « grande poussée » prévue, son souci est d'éviter d'être envoyé par-dessus bord vers une mort certaine. La série raconte ainsi les tentatives de Blackadder pour s'échapper des tranchées à travers divers plans, dont la plupart échouent en raison de la malchance, des malentendus et de l'incompétence générale de ses camarades. Les camarades susmentionnés sont son commandant en second, idéaliste édouardien de la classe supérieure, le lieutenant George (Hugh Laurie) et leur batman profondément stupide mais obstiné, le soldat S. Baldrick (Tony Robinson).",
"La mélodie du thème était une variation du thème Blackadder de Howard Goodall sur les images du titre d'ouverture de Blackadder et George faisant défiler leurs hommes devant Melchett et Darling, tandis que Baldrick joue le triangle. La musique du titre commence par les premières mesures de \"The British Grenadiers\" avant de passer au thème familier de Blackadder. Dans le générique de clôture, le thème complet de Blackadder joue sur des visuels d'hommes armés marchant sur un terrain de parade. Les séquences ont été filmées et enregistrées sur place dans l'ancienne caserne de cavalerie de Colchester, la production faisant appel à cinquante membres du 3e bataillon, le Royal Anglian Regiment, pour représenter les hommes de Blackadder, vêtus de reproductions d'uniformes de la Première Guerre mondiale, le groupe du bataillon fournissant la musique. .",
"Emma Hanna, dans son livre La Grande Guerre sur le petit écran, a noté que certains critiques contemporains estimaient que le sujet de la Première Guerre mondiale était inapproprié pour une série comique, un critique de journal étant incertain des motivations des scénaristes : « est [ la série] justifie-t-elle d'utiliser des situations tragiques comme tremplin pour la comédie simplement à des fins de divertissement ?\". L'oncle de Ben Elton, l'historien Geoffrey Elton, \"était au début très mécontent de ce qu'il considérait comme une représentation insultante de l'armée\", même s'il convient de noter \"qu'il a ensuite estimé que la satire avait été dessinée avec un grand respect\".",
"Le co-scénariste Richard Curtis a déclaré qu'avant d'écrire la série, les scénaristes avaient lu un certain nombre de livres sur la guerre et avaient décidé que la Première Guerre mondiale était un sujet particulièrement approprié pour une comédie de situation, constatant qu'« en fait, toute la période qui a précédé la première guerre mondiale était très drôle, tous les gens venaient de communautés où ils n'avaient jamais croisé de gens chics... et tous étaient si enthousiastes et optimistes... les cent premières pages de n'importe quel livre sur la guerre mondiale sont hilarantes ; alors bien sûr, tout le monde meurt.",
"Les universitaires ont noté que la série télévisée est devenue une vision omniprésente de la guerre dans la perception du public de la Première Guerre mondiale, Max Hastings appelant la vision britannique commune de la guerre « la vision Blackadder de l'histoire ». L'historien militaire Richard Holmes a commenté dans son livre The Western Front : « Les aphorismes de Blackadder sont devenus des faits... Une ligne de script bien tournée peut parfois avoir plus de poids que toutes les notes de bas de page savantes du monde. » Stephen Badsey, analysant les tendances des programmes télévisés sur la guerre, a fait remarquer que Blackadder Goes Forth, en tant que série comique populaire, a fait l'objet de critiques particulières de la part des historiens, remarquant que la série \"a consciemment échangé sur chaque cliché et chaque morceau d'histoire mal mémorisé sur le front occidental, et a été suffisamment influent pour susciter un degré surprenant de critiques colériques de la part des historiens professionnels.",
"Esther MacCallum-Stewart de l'Université du Sussex a noté dans son essai « Television Docu-Drama and The First World War » que « Blackadder Goes Forth est utilisé comme outil pédagogique dans les écoles ; et non comme un texte secondaire qui devrait être analysé et discuté pour son propre compte. fiabilité, mais comme une parodie véridique des conditions de la Première Guerre mondiale. »"
] | Blackadder Goes Forth est la quatrième et dernière série de la sitcom de la BBC Blackadder, écrite par Richard Curtis et Ben Elton, diffusée du 28 septembre au 2 novembre 1989 sur BBC One. La série a placé les personnages récurrents de Blackadder, Baldrick et George dans une tranchée en Flandre pendant la Première Guerre mondiale, et a suivi leurs diverses tentatives vouées à l'échec pour s'échapper des tranchées pour éviter une mort certaine sous le commandement malavisé du général Melchett. La série est particulièrement connue pour ses critiques à l'égard des dirigeants de l'armée britannique pendant la campagne et fait également référence à un certain nombre de personnalités célèbres de l'époque. De plus, la série reste dans les mémoires pour la fin poignante du dernier épisode.
Malgré les craintes initiales que la série comique pourrait banaliser les événements de 1914-1918, la série a été largement acclamée dès sa sortie et a remporté le British Academy Television Award pour la meilleure série comique en 1989. Elle est depuis devenue considérée comme une sitcom télévisée classique, et en 2000, il a été classé 16ème par les professionnels de l'industrie dans une liste des 100 plus grands programmes de télévision britanniques établie par le British Film Institute. Cependant, certains historiens lui ont reproché de présenter une vision trop simpliste de la guerre, renforçant la notion populaire de « lions menés par des ânes ».
Scénario
Blackadder Goes Forth se déroule en 1917 sur le front occidental, dans les tranchées de la Première Guerre mondiale. Le capitaine Edmund Blackadder (Rowan Atkinson) est un soldat professionnel de l'armée britannique qui, jusqu'au déclenchement de la Grande Guerre, a joui d'un rôle relativement actif. existence libre combattant des indigènes qui mesuraient généralement « deux pieds de haut et étaient armés d'herbe séchée ». Se retrouvant piégé dans les tranchées avec une autre « grande poussée » prévue, son souci est d'éviter d'être envoyé par-dessus bord vers une mort certaine. La série raconte ainsi les tentatives de Blackadder pour s'échapper des tranchées à travers divers plans, dont la plupart échouent en raison de la malchance, des malentendus et de l'incompétence générale de ses camarades. Les camarades susmentionnés sont son commandant en second, idéaliste édouardien de la classe supérieure, le lieutenant George (Hugh Laurie) et leur batman profondément stupide mais obstiné, le soldat S. Baldrick (Tony Robinson).
Plutôt que les Allemands, qui restent généralement invisibles (à l'exception de "Private Plane", où ils sont un moyen d'échapper aux tranchées), les ennemis de Blackadder se présentent sous la forme de son supérieur, l'excentrique général Melchett (Stephen Fry) qui rallie ses troupes depuis un château français à 35 km du front, et l'assistant bureaucratique de Melchett, le capitaine Kevin Darling (Tim McInnerny). Bien que les deux soient de rang égal, Blackadder traite Darling avec mépris : tandis que le premier est en première ligne, le second « plie le pyjama du général ». Leur animosité est mutuelle, en grande partie parce que Blackadder exploite le potentiel comique du nom de famille de Darling à chaque occasion.
Thèmes
Blackadder Goes Forth a un ton plus satirique que les trois précédentes séries Blackadder et la plupart des sitcoms, profitant de l'occasion pour présenter un message anti-guerre. Le dialogue est marqué tout au long par des réflexions satiriques sur la nature de la guerre, ses origines et ses effets sur les soldats qui ont souffert au cours de son déroulement. Le fait que les soldats souffraient alors que leurs commandants restaient à distance de l'action a également été mentionné à plusieurs reprises, comme lorsque Melchett dit à Baldrick : « Ne vous inquiétez pas, mon garçon, si vous hésitez, rappelez-vous que le capitaine Darling et moi sont derrière vous!", ce à quoi Blackadder répond: "Oui, à environ 35 milles derrière!". Dans l'épisode "Corporal Punishment", Blackadder justifie le tir pour se nourrir d'un pigeon voyageur (qui s'avère être l'animal de compagnie de Melchett) en disant : "Avec 50 000 hommes tués par semaine, qui va manquer un pigeon ?" Cet épisode voit Blackadder être condamné à mort par un peloton d'exécution pour cet acte, reflétant les sévères punitions infligées aux déserteurs en vertu des lois de la guerre et la dictature des officiers supérieurs sur ceux des rangs inférieurs.
Dans "Private Plane", après avoir appris que Blackadder et Baldrick auraient pu être tués lorsqu'ils furent abattus au-dessus des lignes allemandes, Melchett tente de remonter le moral de George en lui montrant un modèle grandeur nature (mesurant dix-sept pieds carrés) d'un terrain reconquis par les Britanniques. , un commentaire sur le coût humain élevé et les faibles gains physiques obtenus par les attaques au milieu de la guerre. Plus tard dans le même épisode, Blackadder décrit la Grande Guerre comme : « une guerre qui serait bien plus simple si nous restions simplement en Angleterre et fusillions cinquante mille de nos hommes par semaine ».
Le maréchal Sir Douglas Haig, dont les ordres auraient entraîné la mort de centaines de milliers de Britanniques à Passchendaele et dans la Somme, est continuellement mentionné. Blackadder lui-même décrit les tentatives d'avancée de Haig comme rien de plus qu'« un autre effort gargantuesque pour rapprocher son armoire à boissons de six pouces de Berlin ». Dans "Goodbyeee", une scène parodie les capacités professionnelles de Haig en représentant le feld-maréchal jouant avec des soldats de plomb, qu'il balaie nonchalamment de tranchée en tranchée puis dans une poubelle, tout en écoutant l'appel de Blackadder pour sortir de la grande poussée sur le Téléphone.
La série rappelle un certain nombre d'événements historiques célèbres de la guerre, tels que la trêve de Noël de 1914. Blackadder se souvient de l'événement : « Les deux camps ont avancé plus loin au cours d'une crise de Noël qu'ils ne l'ont fait au cours des deux ans et demi de guerre suivants. ". Des références sont également faites à la culture populaire de l’époque, ainsi qu’aux séries précédentes. L'épisode "Private Plane" voit le retour des personnages de Lord Flashheart et Bob de l'épisode de la deuxième série "Bells" ainsi qu'une apparition du célèbre as du vol Baron von Richthofen. Un fil conducteur du troisième épisode "Major Star" implique l'aversion de Blackadder pour la star du cinéma muet Charlie Chaplin, qu'il trouve "aussi drôle que de se faire passer une flèche dans le cou, puis de découvrir qu'il y a une facture de gaz qui y est liée".
Dans le cinquième épisode, le sentiment anti-allemand en Grande-Bretagne pendant la guerre est évoqué à plusieurs reprises. Le général Melchett ordonne à Blackadder de découvrir ce qui se cache derrière la fuite dans les plans de bataille top-secrets et immédiatement, bien qu'à tort, l'épingle sur un « espion allemand » (qui se révèle plus tard être par inadvertance l'un des leurs). Blackadder profite de l'occasion pour "interroger" le capitaine Darling, qui nie avec véhémence être un espion et dit qu'il est "aussi britannique que la reine Victoria", ce à quoi Blackadder répond sarcastiquement "Donc, votre père est allemand, vous êtes à moitié allemand et vous êtes marié. un Allemand?". La réplique de Blackadder fait référence au fait que Victoria était membre de la maison de Hanovre et que son mari était un prince de la maison de Saxe-Cobourg et Gotha. En 1917, le petit-fils de Victoria, le roi George V, changea le nom de la maison royale de Saxe-Coburg et Gotha à Windsor dans le but d'apaiser les sentiments nationalistes britanniques.
Le dernier épisode de cette série, "Goodbyeee", bien que fidèle au style comique habituel de la série à travers la plupart des scènes précédentes, est connu pour présenter une scène finale très dramatique et extraordinairement poignante, où les personnages principaux (à l'exception du général Melchett lui-même) sont finalement envoyés par-dessus. Au son d'une version piano lente, minimale et pessimiste du thème titre, les quatre sont vus au ralenti, chargeant dans le brouillard et la fumée du no man's land, avec des coups de feu et des explosions tout autour, avant que la scène ne se transforme en images. d'un champ de coquelicots ensoleillé et le chant des oiseaux. Le sort des quatre reste ambigu. La dernière phrase de Blackadder avant l'accusation est également étayée par un ton inhabituellement réfléchi et sentimental, offert après que Baldrick prétend avoir un dernier plan astucieux pour les sauver de la catastrophe imminente :
Épisodes
La série a été diffusée pendant six épisodes diffusés sur BBC One les jeudis à 21h30 entre le 28 septembre et le 2 novembre 1989, se terminant neuf jours avant le jour du Souvenir. Les titres des cinq premiers épisodes, "Captain Cook", "Corporal Punishment", "Major Star", "Private Plane" et "General Hospital" sont des jeux de mots basés sur l'association d'un grade militaire et d'un autre mot lié au contenu de l'épisode. . Le dernier épisode, "Goodbyeee", était le titre d'une chanson d'époque. Goodbye-ee, Goodbye-ee,
Essuie la larme, bébé chéri, de tes yeux
Mais c'est difficile de se séparer, je sais,
Je serai chatouillé à mort d'y aller,
Ne pleure pas, ne soupire pas,
Il y a une lueur d’espoir dans le ciel !
Bon Soir, vieux truc ! Bravo! Chin-Chin,
Nah-Poo, Toodle-oo, Au revoir-ee
Production
Écriture et répétitions
Les écrivains Ben Elton et Richard Curtis ont écrit les scripts des épisodes de Blackadder séparément à l'aide de traitements de texte, puis ont échangé les disques contenant les scripts les uns contre les autres pour ajouter ou supprimer des blagues et des dialogues. Curtis se souvient qu'ils s'en tenaient à une politique selon laquelle si l'on supprimait une ligne parce qu'elle n'était pas drôle, elle n'était jamais remise.
Pendant les répétitions, le scénario a été discuté et remanié de manière exhaustive par les acteurs, Richard Curtis ayant le dernier mot sur le contenu. Fry, Laurie et Atkinson étaient eux-mêmes auteurs et interprètes de bandes dessinées, et ayant travaillé ensemble sur des séries précédentes, ils n'avaient pas peur de remettre en question le scénario et de faire des suggestions. Par exemple, le capitaine Darling s'appelait à l'origine « Capitaine Cartwright » et a été renommé lorsque Stephen Fry s'est souvenu d'un garçon de son école portant le nom de famille « Darling », qui avait trouvé ce nom constamment embarrassant. Curtis se souvient qu'il était initialement réticent à changer le nom, car il considérait cela comme une blague ponctuelle.
S'adressant au Times à propos de la fin de la série en 1989, Curtis a laissé entendre que le processus d'écriture collaboratif avait provoqué des tensions parmi les acteurs : "Tout le monde dans la série pense pouvoir faire de bonnes blagues, malgré le fait que Ben Elton et moi pensons qu'il y a Il y en a déjà pas mal de bons pour commencer. Cela finit généralement par être plus drôle, mais il est temps de faire quelque chose sur lequel j'ai plus de contrôle. Vingt ans plus tard, Curtis a rappelé dans le documentaire Blackadder Rides Again que : « Ils restaient littéralement assis tout le temps à discuter du scénario... parfois nous leur disions simplement « si vous vous leviez et essayiez de jouer ce scénario, vous découvririez des choses à ce sujet." Ben Elton a déclaré qu'en l'ouvrant, ils ont permis aux acteurs de remettre en question chaque aspect du scénario.
Lors de Blackadder Rides Again, Tony Robinson rappelle également que ces réunions de scénario pouvaient être inconfortables, et se montre depuis moins réservé en parlant des répétitions de scénario. Dans une interview avec le Daily Telegraph, il suggère que même si les relations entre les acteurs étaient généralement cordiales, « il y avait un mauvais sentiment entre les scénaristes et les interprètes – les scénaristes avaient le sentiment que nous modifiions unilatéralement le scénario et que nous le modifiions pour le pire. Le premier jour de répétition, les scénaristes partaient et au moment où ils revenaient, nous avions énormément changé le tout. À la fin, ils avaient l'impression que nous nous étions enfuis. Il y avait beaucoup d'émotions à ce sujet. ".
Le producteur John Lloyd, s'adressant au Times en 1989, a laissé entendre que c'était le processus épuisant de scénario et de répétition qui avait conduit les scénaristes à décider de ne pas faire une autre série : « Les choses deviennent très tendues à la fin d'une série, parce que toutes les personnes impliquées dans l' C'est très intelligent et très drôle, et ils veulent tous faire avancer les scripts. C'est un processus très épuisant, et à la fin, nous jurons tous que nous n'en ferons jamais un autre. pensez à quel point il est rare d'avoir autant de bonnes personnes dans la même pièce et vous vous persuadez de faire une autre série. "
Fonderie
Rowan Atkinson et Tony Robinson ont repris leur rôle d'Edmund Blackadder
et Baldrick respectivement. Hugh Laurie est également revenu pour jouer le lieutenant George. La quatrième série a élargi le casting principal de la troisième série pour inclure Stephen Fry dans le rôle du général Melchett et Tim McInnerny dans le rôle du capitaine Kevin Darling, qui étaient tous deux apparus dans des rôles invités dans Blackadder the Third et étaient apparus régulièrement dans Blackadder II. Ce casting est apparu ensemble dans chaque épisode de la quatrième série, bien que le seul épisode à ne présenter aucune apparition d'invité soit "Captain Cook". Miranda Richardson, qui avait joué Elizabeth I dans la deuxième série, est apparue dans un rôle d'invité dans un épisode (comme elle l'avait fait dans la troisième série). Dans leurs performances invitées, des acteurs tels que Rik Mayall et Gabrielle Glaister ont repris des personnages qu'ils avaient joués dans des séries précédentes. D'autres interprètes, tels que Bill Wallis et Lee Cornes, qui avaient joué des rôles mineurs dans les séries précédentes, sont également apparus brièvement dans la quatrième série.
Enregistrement
Cette série de Blackadder a été l'un des premiers programmes télévisés en Grande-Bretagne à être réalisé et transmis avec un son stéréo, en utilisant le système numérique NICAM, même si la plupart des téléspectateurs ne pouvaient se permettre, ou ne pouvaient recevoir qu'en raison de leur emplacement, le standard FM. signal porteur audio mono.
La série a été réalisée par Richard Boden et toutes les scènes intérieures ont été tournées au BBC Television Center devant un public de studio en direct. Rowan Atkinson rappelle que le tournage en studio pourrait lui poser des problèmes :
Cette tradition des sitcoms est très étrange quand on se produit à la fois devant une caméra et devant un public... Ce qui nous a parfois retenu, c'est mon bégaiement. Certains mots et certaines phrases m'ont surpris... notamment les B. Je me souviens d'un épisode dans lequel Stephen Fry et Hugh Laurie faisaient souvent "woof", et ma réplique était "c'est comme la maison des Battersea Dogs ici". Le B de Battersea était un problème pour moi. Le responsable d'étage m'a suggéré de dire "Crufts" à la place.
Atkinson a déclaré que dans la préparation de l'épisode final, il avait commencé à ressentir psychologiquement quelque chose de l'appréhension de son personnage. S'adressant à Michael Parkinson en 2003, il se souvient : « Je me souviens... dans les semaines qui ont précédé l'enregistrement d'une journée de ce dernier épisode, lorsque nous avons dépassé les limites, pour la première fois de ma carrière d'acteur... sachant que même bien que le reste de l'épisode ait été comme d'habitude une sitcom drôle, il y a eu cette profonde torsion dans mon estomac tout au long de cette semaine en pensant avec votre personnage que vous étiez condamné. C'était très particulier, je suis sûr que les acteurs sérieux ressentent tout cela. le moment... Évidemment, si vous essayez de ressentir le personnage et son dilemme, vous allez ressentir certains des sentiments fictifs pour de vrai. Vous vous êtes senti emporté par cela.
Hormis la séquence titre, la série a utilisé peu de prises de vue externes. Pour réaliser les séquences de vol de l'épisode « Private Plane », des images du film Aces High de 1976 ont été rééditées et doublées avec les voix des acteurs. La scène la plus difficile à tourner a été la séquence finale « exagérée », qui a été enregistrée dans un studio séparé, à l'écart du public, et équipé d'effets spéciaux pour simuler un champ de bataille.
En visionnant les rushes originaux du studio pour le documentaire du 20e anniversaire Blackadder Rides Again, John Lloyd se souvient qu'à l'origine, la scène finale était "très embarrassante", car les acteurs n'avaient que 15 pieds à parcourir avant d'atteindre les barbelés devant la caméra. , où ils devaient faire semblant de mourir, un effet décrit par Atkinson comme « quelque peu peu convaincant ». Ce n'est qu'en post-production que l'effet final a été obtenu en faisant tourner la vidéo et l'audio au ralenti et en estompant une autre vidéo du décor vide par-dessus pour donner l'impression que les personnages avaient disparu. Cette image d'un paysage aride a ensuite été fondue en une image fixe d'un champ de coquelicots trouvée dans la bibliothèque d'images de la BBC.
Titres et musique
La mélodie du thème était une variation du thème Blackadder de Howard Goodall sur les images du titre d'ouverture de Blackadder et George faisant défiler leurs hommes devant Melchett et Darling, tandis que Baldrick joue le triangle. La musique du titre commence par les premières mesures de "The British Grenadiers" avant de passer au thème familier de Blackadder. Dans le générique de clôture, le thème complet de Blackadder joue sur des visuels d'hommes armés marchant sur un terrain de parade. Les séquences ont été filmées et enregistrées sur place dans l'ancienne caserne de cavalerie de Colchester, la production faisant appel à cinquante membres du 3e bataillon, le Royal Anglian Regiment, pour représenter les hommes de Blackadder, vêtus de reproductions d'uniformes de la Première Guerre mondiale, le groupe du bataillon fournissant la musique. .
Les titres sont présentés sous forme de légendes statiques au lieu d'être roulés comme dans les trois séries précédentes. Les crédits de l'équipage sont présentés de façon pseudo-militaire : par exemple, le concepteur est crédité ainsi : « Dgr – 404371 Hull, C ». La séquence d'ouverture est filmée en couleur, tandis que la séquence de clôture a été traitée en post-production pour apparaître granuleuse, striée et sépia à l'imitation des actualités de l'époque.
"Goodbyeee" n'a pas de titre final, passant simplement des protagonistes chargeant à travers le no man's land sous le feu à un champ de coquelicots au soleil, une référence au poème "Au champ d'honneur" et à la signification symbolique de la fleur. La musique a également été modifiée pour un arrangement de piano solo lent et résonant, se terminant par trois notes de grosse caisse fortes, interposées avec des effets sonores de coups de feu, et plus tard de chants d'oiseaux. Dans l'interview spéciale du 25e anniversaire, Richard Curtis a déclaré que l'équipe de production n'avait pas prévu une telle fin et que l'idée de la scène se fondant dans le champ de coquelicots n'a été conçue qu'après que certains acteurs ont déclaré leur réticence à faire une deuxième prise.
Réception
Sujet
Emma Hanna, dans son livre La Grande Guerre sur le petit écran, a noté que certains critiques contemporains estimaient que le sujet de la Première Guerre mondiale était inapproprié pour une série comique, un critique de journal étant incertain des motivations des scénaristes : « est [ la série] justifie-t-elle d'utiliser des situations tragiques comme tremplin pour la comédie simplement à des fins de divertissement ?". L'oncle de Ben Elton, l'historien Geoffrey Elton, "était au début très mécontent de ce qu'il considérait comme une représentation insultante de l'armée", même s'il convient de noter "qu'il a ensuite estimé que la satire avait été dessinée avec un grand respect".
Certes, la question du sujet de la série préoccupait les producteurs. Atkinson a rappelé dans une interview avec Michael Parkinson que la fin poignante du dernier épisode avait été en partie écrite pour contrer la possibilité de critiques selon lesquelles le sujet était inapproprié pour une comédie, tout en notant que le public acceptait la série pour ce qu'elle était. Rowan Atkinson entretien sur Parkinson, 29 mars 2003. Disponible sur BBC Worldwide [http://www.youtube.com/watch?v
-Gr0Fa_QPNU&feature=page YouTube associée]. S'exprimant lors du tournage en 1989, il a fait remarquer que malgré le décor du XXe siècle, les tranchées étaient particulièrement adaptées à la série Blackadder :
Nous voulions un lieu et une époque qui puissent reproduire dans une certaine mesure la claustrophobie et la sordidité de l’Angleterre médiévale, et la meilleure façon d’y parvenir est de la placer en pleine guerre.
Le co-scénariste Richard Curtis a déclaré qu'avant d'écrire la série, les scénaristes avaient lu un certain nombre de livres sur la guerre et avaient décidé que la Première Guerre mondiale était un sujet particulièrement approprié pour une comédie de situation, constatant qu'« en fait, toute la période qui a précédé la première guerre mondiale était très drôle, tous les gens venaient de communautés où ils n'avaient jamais croisé de gens chics... et tous étaient si enthousiastes et optimistes... les cent premières pages de n'importe quel livre sur la guerre mondiale sont hilarantes ; alors bien sûr, tout le monde meurt.
Michael Brooke, évaluant la série pour le British Film Institute, suggère que la caractérisation et le sentiment omniprésent de danger ont empêché la sitcom de banaliser son sujet : « La perspective de voir ses personnages mourir subitement d'une mort violente a fourni une source constante de tension et de gags, bien que lorsqu'ils ont été réellement tués à la fin du dernier épisode... le résultat a été si émouvant de manière inattendue que le programme a ensuite été répété dans le cadre d'un programme par ailleurs tout à fait sérieux de la BBC2 sur le jour de l'Armistice, sans que personne ne sourcille.
Prix
La série a remporté le British Academy Television Award de la meilleure série comique en 1989. De plus, pour son interprétation du capitaine Blackadder, Rowan Atkinson a remporté le prix de la meilleure performance de divertissement léger. En 2000, la série a été classée 16ème par les professionnels de l'industrie dans une liste des 100 plus grands programmes de télévision britanniques établie par le British Film Institute. En 2004, défendue par John Sergeant, toute la série Blackadder est arrivée deuxième dans le sondage de la BBC pour désigner la meilleure sitcom britannique avec 282 106 votes.
Héritage
Les universitaires ont noté que la série télévisée est devenue une vision omniprésente de la guerre dans la perception du public de la Première Guerre mondiale, Max Hastings appelant la vision britannique commune de la guerre « la vision Blackadder de l'histoire ». L'historien militaire Richard Holmes a commenté dans son livre The Western Front : « Les aphorismes de Blackadder sont devenus des faits... Une ligne de script bien tournée peut parfois avoir plus de poids que toutes les notes de bas de page savantes du monde. » Stephen Badsey, analysant les tendances des programmes télévisés sur la guerre, a fait remarquer que Blackadder Goes Forth, en tant que série comique populaire, a fait l'objet de critiques particulières de la part des historiens, remarquant que la série "a consciemment échangé sur chaque cliché et chaque morceau d'histoire mal mémorisé sur le front occidental, et a été suffisamment influent pour susciter un degré surprenant de critiques colériques de la part des historiens professionnels.
Esther MacCallum-Stewart de l'Université du Sussex a noté dans son essai « Television Docu-Drama and The First World War » que « Blackadder Goes Forth est utilisé comme outil pédagogique dans les écoles ; et non comme un texte secondaire qui devrait être analysé et discuté pour son propre compte. fiabilité, mais comme une parodie véridique des conditions de la Première Guerre mondiale. »
Communiqués de presse
Blackadder Goes Forth est disponible sur une variété de versions vidéo DVD et VHS distribuées par BBC Worldwide, soit en série individuelle, soit dans le cadre d'un coffret avec les autres séries de Blackadder. De plus, une version audio de la BBC Radio Collection créée à partir de la bande originale du téléviseur est disponible sur cassette et sur CD. Les 4 saisons et le spécial Noël sont également disponibles en téléchargement sur iTunes. Les scripts complets des quatre séries télévisées ont été publiés en 1998 sous le titre Blackadder: The Whole Damn Dynasty 1485-1917, puis réédités par Penguin Books en 2009.
Sorties VHS
Sorties DVD | http://www.quizballs.com/ |
Dans quel film de 1956 l'actrice Gina Lollobrigida a-t-elle fait ses débuts dans les films américains ? | Trapeze | [
"*Trapeze, réalisé par Carol Reed, avec Burt Lancaster, Tony Curtis, Gina Lollobrigida"
] | L’année 1956 au cinéma a été marquée par des événements marquants.
Événements
* 5 octobre - Les Dix Commandements sort en salles et devient l'un des films les plus réussis et les plus populaires de tous les temps, se classant actuellement au 5ème rang sur la liste des films les plus lucratifs de tous les temps (après ajustement à l'inflation)
* 5 février - Première projection de films documentaires du mouvement Free Cinema, au National Film Theatre de Londres.
* Février - Warner Bros. vend une grande partie de sa bibliothèque d'avant 1950 à Associated Artists Productions (a.a.p.), uniquement pour que les films reviennent à la WB 40 ans plus tard.
* 4 août - Sortie de la dernière série de films, Blazing the Overland Trail de Columbia Pictures.
* 15 novembre – Ouverture du premier film d'Elvis Presley, Love Me Tender.
Films les plus rentables (États-Unis)
(*) Après réédition(s) en salles
Prix
Oscars:
Meilleur film : Le tour du monde en 80 jours - Todd, United Artists
Meilleur réalisateur : George Stevens - Géant
Meilleur acteur : Yul Brynner - Le Roi et moi
Meilleure actrice : Ingrid Bergman pour Anastasia
Meilleur acteur dans un second rôle : Anthony Quinn pour Lust for Life
Meilleure actrice dans un second rôle : Dorothy Malone pour Écrit par le vent
Meilleur film en langue étrangère : La strada, réalisé par Federico Fellini, Italie
Prix des Golden Globes :
Drame:
Meilleur film : Le tour du monde en 80 jours
Meilleur acteur : Kirk Douglas pour Lust for Life
Meilleure actrice : Ingrid Bergman pour Anastasia
Comédie musicale ou comédie :
Meilleur film : Le roi et moi
Meilleur acteur : Cantinflas - Le tour du monde en 80 jours
Meilleure actrice : Deborah Kerr pour Le Roi et moi
Autre
Meilleur réalisateur : Elia Kazan pour Baby Doll
Golden Globe Award du meilleur acteur dans un second rôle – Film : Earl Holliman - The Rainmaker
Golden Globe Award de la meilleure actrice dans un second rôle – Film : Eileen Heckart - The Bad Seed
Meilleur film étranger : Before Sundown, Allemagne de l'Ouest
Meilleur film étranger : Une Fille en noir, Grèce
Meilleur film étranger : Richard III, Royaume-Uni
Meilleur film étranger : Roses sur le bras, Japon
Meilleur film étranger : Guerre et Paix, Italie
Meilleur film étranger : Le Renne blanc, Finlande
Palme d'Or (Cannes Film Festival):
The Silent World (Le monde du silence), directed by Jacques-Yves Cousteau and Louis Malle, France
Golden Lion (Venice Film Festival): Not awarded
Ours d'Or (Festival du Film de Berlin) :
Invitation to the Dance, réalisé par Gene Kelly, États-Unis
Top 10 des stars qui gagnent de l'argent
Films notables sortis en 1956
États-Unis, sauf indication contraire
#
*7e cavalerie, avec Randolph Scott et Barbara Hale
*23 pas vers Baker Street, avec Van Johnson et Vera Miles
*1984, réalisé par Michael Anderson, avec Edmond O'Brien et Michael Redgrave - (GB)
UN
*Accusé de meurtre, avec Vera Ralston
*Alexandre le Grand, avec Richard Burton
*Ali Baba et les 40 voleurs (Alibabavum 40 Thirudargalum) - (Inde)
*La Fille de l'Ambassadeur, avec Olivia de Havilland, Myrna Loy, John Forsythe
*Anastasia, avec Ingrid Bergman et Yul Brynner
*Et Dieu créa la femme, réalisé par Roger Vadim, avec Brigitte Bardot - (France)
*Aparajito (The Unvanquished), réalisé par Satyajit Ray - (Inde)
*Le Tour du monde en 80 jours, réalisé par Michael Anderson, avec David Niven, Cantinflas, Shirley MacLaine - Oscar du meilleur film
*At Gunpoint, avec Fred MacMurray, Walter Brennan, Dorothy Malone
*Attack, alias Attack !, réalisé par Robert Aldrich, avec Jack Palance, Eddie Albert, Lee Marvin
*Feuilles d'automne, avec Joan Crawford et Cliff Robertson
*À l'écart de tous les bateaux, avec Jeff Chandler
B
*Baby Doll, réalisé par Elia Kazan, avec Carroll Baker, Karl Malden, Eli Wallach
*De retour d'éternité, avec Robert Ryan, Anita Ekberg, Rod Steiger
*Backlash, avec Richard Widmark et Donna Reed
*La mauvaise graine, avec Nancy Kelly et Patty McCormack
*Bandido, avec Robert Mitchum
*La bataille de River Plate, alias Pursuit of the Graf Spee, écrit et réalisé par Powell et Pressburger, avec John Gregson et Peter Finch - (GB)
*Avant le coucher du soleil (Vor Sonnenuntergang) - (Allemagne de l'Ouest)
*Derrière les gros titres, avec Paul Carpenter et Hazel Court
*L'histoire de Benny Goodman, avec Steve Allen et Donna Reed
*Les meilleures choses de la vie sont gratuites, avec Gordon MacRae, Dan Dailey, Sheree North
*Entre le paradis et l'enfer, réalisé par Richard Fleischer, avec Robert Wagner et Buddy Ebsen
*Au-delà d'un doute raisonnable, réalisé par Fritz Lang, avec Dana Andrews et Joan Fontaine
*Bhowani Junction, avec Ava Gardner et Stewart Granger - (GB/États-Unis)
*Bigger Than Life, réalisé par Nicholas Ray, avec James Mason, Barbara Rush, Walter Matthau
*Les oiseaux et les abeilles, avec George Gobel et Mitzi Gaynor
*The Black Tent, réalisé par Brian Desmond Hurst, avec Donald Sinden, Anthony Steel, Anna Maria Sandri et Andre Morell - (Royaume-Uni)
*Bob le flambeur (Bob the Gambler), réalisé par Jean-Pierre Melville - (France)
*Audacieux et Brave, avec Wendell Corey et Mickey Rooney
*Le Boss, avec John Payne et Doe Avedon
*Le fond de la bouteille, réalisé par Henry Hathaway, avec Van Johnson, Joseph Cotten, Ruth Roman
*The Brave One, réalisé par Irving Rapper
*La Harpe Birmane (Biruma no tategoto), réalisé par Kon Ichikawa - (Japon)
*The Burning Hills, avec Natalie Wood et Tab Hunter
*Arrêt de bus, avec Marilyn Monroe et Don Murray
C
*C.I.D., avec Dev Anand - (Inde)
*Calabuch (alias The Rocket from Calabuch), réalisé par Luis Garcia Berlanga, avec Edmund Gwenn et Valentina Cortese - (Espagne)
*Calle Mayor (Main Street), réalisé par Juan Antonio Bardem, avec Betsy Blair - (Espagne)
*Nuit du Carnaval (Karnavalnaya noch) - (URSS)
*Carousel, réalisé par Henry King, avec Shirley Jones et Gordon MacRae
*The Case of the Mukkinese Battle Horn, court métrage comique avec Peter Sellers, Spike Milligan, Dick Emery - (GB)
*The Catering Affair, avec Bette Davis, Ernest Borgnine, Debbie Reynolds
*Checkpoint (film de 1956), réalisé par Ralph Thomas, avec Anthony Steel, Odile Versois, Stanley Baker et James Robertson Justice - (Royaume-Uni)
*Enfant du chagrin (Anak dalita) - (Philippines)
*Chori Chori, avec Nargis et Raj Kapoor - (Inde)
*Comanche, avec Dana Andrews et Linda Cristal
*Come Next Spring, avec Ann Sheridan et Steve Cochran
*Congo Crossing, avec Virginia Mayo et Peter Lorre
*Le Conquérant, réalisé par Dick Powell, avec John Wayne (dans le rôle de Gengis Khan)
*Le bouffon de la cour, avec Danny Kaye
*Crazed Fruit (Kurutta kajitsu), réalisé par Kō Nakahira - (Japon)
*Crime contre Joe, avec Julie London
*Crime in the Streets, réalisé par Don Siegel, avec James Whitmore et John Cassavetes
*Un cri dans la nuit, avec Edmond O'Brien, Natalie Wood, Raymond Burr
D
* Jour J, le 6 juin, avec Robert Taylor
*Dakota Incident, avec Dale Robertson
*Danse avec moi, Henry, avec Bud Abbott et Lou Costello
*Mort dans le jardin (La mort en ce jardin), réalisé par Luis Buñuel, avec Simone Signoret et Charles Vanel - (France)
*Mort d'un scélérat, avec George Sanders et Zsa Zsa Gabor
*Diane, avec Lana Turner dans son dernier film MGM après près de 20 ans au studio
*Donatella, réalisé par Mario Monicelli, avec Elsa Martinelli - (Italie)
*Ne regarde pas en arrière, mon fils (Recevoir) - (Yougoslavie)
*Le Dragon (Ou Drakos) - (Grèce)
IL
*Early Spring (Soshun), réalisé par Yasujirō Ozu - (Japon)
*La Terre contre les soucoupes volantes, avec Hugh Marlowe
*L'histoire d'Eddy Duchin, avec Tyrone Power et Kim Novak
*Elena and Her Men, avec Ingrid Bergman - (France/Italie)
F
*L'arme la plus rapide du monde, avec Glenn Ford et Broderick Crawford
*Le premier Texan, avec Joel McCrea
*La première vendeuse itinérante, avec Ginger Rogers, Barry Nelson, Carol Channing
*Forbidden Planet, avec Walter Pidgeon, Leslie Nielsen, Anne Francis
*Pour toujours, chérie, avec Desi Arnaz, Lucille Ball, James Mason
*Friendly Persuasion, réalisé par William Wyler, avec Gary Cooper, Dorothy McGuire, Anthony Perkins
*Funtoosh (Funny Man), avec Dev Anand - (Inde)
G
*Gaby, starring Leslie Caron
*Gervaise, directed by René Clément, starring Maria Schell - (France)
*Giant, réalisé par George Stevens, avec Elizabeth Taylor, Rock Hudson et James Dean dans son dernier film
*The Girl Can't Help It, avec Tom Ewell et Jayne Mansfield dans son premier rôle principal
*La fille qu'il a laissée derrière, avec Tab Hunter et Natalie Wood
*A Girl in Black, réalisé par Michael Cacoyannis - lauréat du Golden Globe - (Grèce)
*Godzilla, roi des monstres !, avec Raymond Burr et Takashi Shimura - (Japon/États-Unis)
*Au revoir, My Lady, réalisé par William A. Wellman, avec Brandon deWilde, Walter Brennan, Phil Harris
*Great Day in the Morning, réalisé par Jacques Tourneur, avec Robert Stack et Virginia Mayo
*La grande poursuite en locomotive, avec Fess Parker et Jeffrey Hunter
*Le Grand Homme, réalisé par et avec José Ferrer, avec Julie London, Keenan Wynn, Ed Wynn
*L'Homme Vert, avec Alastair Sim, George Cole, Terry-Thomas - (GB)
*Gun the Man Down, avec James Arness et Angie Dickinson dans son premier film
*Gunslinger, réalisé par Roger Corman, avec John Ireland et Beverly Garland
H
*The Harder They Fall, avec Humphrey Bogart dans son dernier film
*Le mois des récoltes (Elokuu) - (Finlande)
*Hélène de Troie, avec Rossana Podestà, Stanley Baker
*High Society, avec Bing Crosby, Frank Sinatra et Grace Kelly dans son dernier film
*Hilda Crane, avec Jean Simmons
*Retiens la nuit, avec John Payne
*Hollywood or Bust, avec Dean Martin et Jerry Lewis, avec Anita Ekberg, dans le film final de Martin et Lewis
*Hot Blood, avec Jane Russell et Cornel Wilde
*Le Bossu de Notre-Dame, avec Gina Lollobrigida et Anthony Quinn - (France/Italie)
je
*Ich suche Dich (Je te cherche), avec O. W. Fischer et Anouk Aimée - (Allemagne de l'Ouest)
*The Indian Fighter, avec Kirk Douglas et Walter Matthau
*Invasion of the Body Snatchers, réalisé par Don Siegel, avec Kevin McCarthy
*Invitation à la danse, réalisé par et avec Gene Kelly
*Il a conquis le monde, réalisé par Roger Corman, avec Peter Graves et Beverly Garland
J.
*Jagte Raho (Stay Awake), avec Raj Kapoor - (Inde)
*Johnny Concho, avec Frank Sinatra
*Jubal, avec Glenn Ford, Rod Steiger, Ernest Borgnine, Felicia Farr, Charles Bronson
*Jugement de Coyote
*Julie, avec Doris Day et Louis Jourdan
K
*Kanal, réalisé par Andrzej Wajda - (Pologne)
*The Killer Is Loose, réalisé par Budd Boetticher, avec Joseph Cotten, Rhonda Fleming, Wendell Corey
*The Killers, un court métrage réalisé par Andrei Tarkovski - (U.R.S.S.)
*The Killing, réalisé par Stanley Kubrick, avec Sterling Hayden, Coleen Gray, Marie Windsor, Vince Edwards
*Le Roi et les Quatre Reines, avec Clark Gable
*Le roi et moi, avec Deborah Kerr et Yul Brynner
*Un baiser avant de mourir, avec Robert Wagner et Joanne Woodward
L
*La Dernière Chasse, réalisé par Richard Brooks, avec Robert Taylor et Stewart Granger
*Le Dernier Chariot, avec Richard Widmark
*La Sangsue (Shabab emraa) - (Egypte)
*Le lieutenant portait des jupes, réalisé par Frank Tashlin, avec Tom Ewell et Sheree North
*Lisbonne, réalisé par et avec Ray Milland, avec Maureen O'Hara et Claude Rains
*The Long Arm, avec Jack Hawkins - (GB)
*Love Me Tender, avec Elvis Presley dans son premier film
*Lust for Life, avec Kirk Douglas (dans le rôle de Vincent van Gogh) et Anthony Quinn
M
*A Man Escaped (Un condamné à mort s'est échappé ou Le vent souffle où il veut), directed by Robert Bresson - (France)
*The Man in the Gray Flannel Suit, starring Gregory Peck, Jennifer Jones, Fredric March, Keenan Wynn, Lee J. Cobb
*L'homme sur les rails (Człowiek na torze) - (Pologne)
*L'Homme qui en savait trop, réalisé par Alfred Hitchcock (un remake de son propre film britannique de 1934), avec James Stewart et Doris Day
*L'homme qui n'a jamais été, avec Clifton Webb et Gloria Grahame - (GB)
*Meet Me in Las Vegas, avec Cyd Charisse
*Merry-Go-Round (Körhinta) - (Hongrie)
*Michel Strogoff
*Miracle sous la pluie, avec Jane Wyman
*Moby Dick, réalisé par John Huston, avec Gregory Peck, Richard Basehart, Leo Genn
*Mukh O Mukhosh (Le visage et le masque) - (Pakistan oriental)
N
*Naked Gun avec Mara Corday et Willard Parker
*Nagareru (Flowing), réalisé par Mikio Naruse - (Japon)
*Never Say Goodbye, avec Rock Hudson, David Janssen, Cornell Borchers
*New Delhi, Inde)
Ô
*Vieux Khottabych (Starik Khottabych) - (URSS)
*Au seuil de l'espace, avec Guy Madison
*Le sexe opposé, avec June Allyson, Leslie Nielson, Joan Collins
*Surexposé, avec Cleo Moore
P-Q
* Partenaires, avec Dean Martin et Jerry Lewis
*Modèles, avec Van Heflin et Ed Begley
*Piliers du Ciel, avec Jeff Chandler et Dorothy Malone
*S'il vous plaît, assassinez-moi, avec Angela Lansbury et Raymond Burr
*Pauvre mais beau (Poveri ma belli) - (Italie)
*Le pouvoir et le prix, avec Robert Taylor, Burl Ives, Mary Astor, Cedric Hardwicke, Elisabeth Müller
*Private's Progress, un film des Boulting Brothers avec Ian Carmichael et Richard Attenborough - (GB)
*Professeur Hannibal, mise en scène Zoltán Fábri (Hongrie)
*Le fier et le profane, avec William Holden et Deborah Kerr
*Les Proud Ones, avec Robert Ryan et Virginia Mayo
*Qivitoq - (Danemark)
R.
*The Rack, avec Paul Newman, Edmond O'Brien, Walter Pidgeon, Anne Francis
*Le cheminot (Il Ferroviere), réalisé par et avec Pietro Germi - (Italie)
*The Rainmaker, avec Burt Lancaster et Katharine Hepburn
*Rançon !, avec Glenn Ford et Donna Reed
*Reach for the Sky, un biopic de Douglas Bader avec Kenneth More - (GB)
*Le Ballon Rouge (Le Ballon rouge) - (France)
*La route de la vie (El camino de la vida) - (Mexique)
*Rock Around the Clock, avec Bill Haley et ses comètes
*Rodan, réalisé par Ishirō Honda - (Japon)
*Le Toit (Il Tetto), réalisé par Vittorio De Sica - (Italie)
*Run for the Sun, avec Richard Widmark, Trevor Howard, Jane Greer
S
*Samurai III : Duel at Ganryu Island, réalisé par Hiroshi Inagaki, avec Toshiro Mifune - (Japon)
*The Searchers, réalisé par John Ford, avec John Wayne, Jeffrey Hunter, Vera Miles, Ward Bond, Ken Curtis, Natalie Wood
*Sérénade, réalisée par Anthony Mann, avec Mario Lanza et Joan Fontaine
*Seven Men from Now, réalisé par Budd Boetticher, avec Randolph Scott et Lee Marvin
*Seven Wonders of the World, un film documentaire réalisé par Tay Garnett et d'autres
*Sept ans au Tibet - (GB)
*La créature, avec Marla English
*Le Monde silencieux, un documentaire marin de Jacques-Yves Cousteau et Louis Malle - (France)
*Sira` Fi al-Mina (alias Dark Water), réalisé par Youssef Chahine, avec Omar Sharif - (Egypte)
*Slightly Scarlet, avec John Payne et Rhonda Fleming
*La Cadillac en or massif, avec Judy Holliday
*Quelqu'un là-haut m'aime, avec Paul Newman
*Le Jardinier espagnol, avec Dirk Bogarde - (GB)
*La Jungle Carrée, avec Tony Curtis et Patricia Crowley
*Star in the Dust, avec John Agar et Mamie Van Doren
*Des étoiles dans vos yeux - (GB)
*Storm Center, avec Bette Davis et Kim Hunter
*Street of Shame (Akasen chitai), réalisé par Kenji Mizoguchi - (Japon)
LA TÉLÉ
*Thé et sympathie, réalisé par Vincente Minnelli, avec Deborah Kerr et John Kerr
*Le salon de thé de la lune d'août, avec Marlon Brando et Glenn Ford
*Les Dix Commandements, réalisé par Cecil B. DeMille, avec Charlton Heston, Yul Brynner, Anne Baxter, Yvonne De Carlo, Edward G. Robinson
*Il y a toujours demain, avec Barbara Stanwyck, Fred MacMurray, Joan Bennett
*Trois hommes courageux, avec Ray Milland
*Time Table, réalisé par et avec Mark Stevens, avec Felicia Farr
*Vers l'inconnu, avec William Holden et Virginia Leith
*Une ville comme Alice, avec Virginia McKenna et Peter Finch - (GB)
*Trapeze, réalisé par Carol Reed, avec Burt Lancaster, Tony Curtis, Gina Lollobrigida
*Hommage à un mauvais homme, réalisé par Robert Wise, avec James Cagney, Irene Papas, Stephen McNally, Don Dubbins, Vic Morrow
*Les Douze Mois (Dvenadtsat mesyatsev) - (URSS)
*Oncle Hyacynth (Mi tío Jacinto) - (Espagne)
*Vallée de la Paix (Dolina miru) - (Yougoslavie)
*I Vampiri (Le Vampire) - (Italie)
W
*Guerre et Paix, réalisé par King Vidor, avec Audrey Hepburn, Henry Fonda, Mel Ferrer, Anita Ekberg
*Quelle femme !, avec Sophia Loren, Charles Boyer et Marcello Mastroianni - (Italie)
*Pendant que la ville dort, avec Dana Andrews, Ida Lupino, Rhonda Fleming, George Sanders, Vincent Price
*Qui l'a fait ?, avec Benny Hill - (GB)
*La dévotion d'une femme, avec Ralph Meeker et Janice Rule
*Écrit sur le vent, réalisé par Douglas Sirk, avec Rock Hudson, Lauren Bacall, Robert Stack, Dorothy Malone
*The Wrong Man, réalisé par Alfred Hitchcock, avec Henry Fonda et Vera Miles
X-Z
*X the Unknown, avec Dean Jagger et Leo McKern - (GB)
*Yield to the Night, avec Diana Dors - (GB)
*Vous ne pouvez pas le fuir, réalisé par Dick Powell, avec June Allyson et Jack Lemmon
*Zarak, avec Victor Mature - (GB)
Séries
*Blazing the Overland Trail, avec Lee Roberts et Dennis Moore
*Les périls du désert
Série de courts métrages
* Looney Tunes (1930-1969)
* Terrytoons (1930-1964)
* Mélodies Merrie (1931-1969)
* Popeye (1933-1957)
* Les Trois Stooges (1934-1959)
* Bugs Lapin (1940-1962)
*Tom et Jerry (1940-1958)
* Droopy (1943-1958)
*Yosemite Sam (1945-1963)
* Rapide Gonzales (1953-1968)
Se terminer cette année
*Donald Canard (1934-1956)
* Chip'n'Dale (1943-1956)
*Ranger Don (1953-1956)
Naissances
* 3 janvier - Mel Gibson, acteur et réalisateur irlandais américain
* 7 janvier - David Caruso, acteur
* 9 janvier - Kimberly Beck, actrice
* 21 janvier - Geena Davis, actrice
* 25 janvier - Dinah Manoff, actrice et réalisatrice
* 27 janvier - Mimi Rogers, actrice
* 3 février - Nathan Lane, acteur
* 17 février - Richard Karn, acteur
* 19 février - Kathleen Beller, actrice
* 1er mars - Tim Daly, acteur
* 7 mars - Bryan Cranston, acteur et réalisateur
* 13 mars - Dana Delany, actrice
* 12 avril - Andy García, acteur cubano-américain
* 30 avril - Lars von Trier, réalisateur danois
* 10 mai - Jonathan Roberts, scénariste, producteur et auteur américain
* 12 mai - Kimiko Yo, actrice japonaise
* 4 juin - Keith David, acteur
* 1er juillet - Alan Ruck, acteur
* 9 juillet - Tom Hanks, acteur et réalisateur
* 11 juillet - Sela Ward, actrice
* 31 juillet - Michael Biehn, acteur
* 12 août - Bruce Greenwood, acteur canadien
* 20 août - Joan Allen, actrice
* 21 août - Kim Cattrall, actrice canadienne d'origine anglaise
* 20 septembre - Gary Cole, acteur
* 26 septembre - Linda Hamilton, actrice
* 20 octobre - Danny Boyle, réalisateur et producteur anglais
* 21 octobre - Carrie Fisher, actrice
* 26 octobre – Rita Wilson, actrice et productrice
* 8 novembre - Richard Curtis, réalisateur et scénariste britannique né en Nouvelle-Zélande
* 20 novembre - Bo Derek, actrice et mannequin
Décès
* 9 janvier - Marion Leonard, 74 ans, première actrice américaine du muet, At the Crossroads of Life, The Gibson Goddess
* 12 janvier - Norman Kerry, 61 ans, acteur américain, Le Fantôme de l'Opéra, L'Inconnu
* 23 janvier - Alexander Korda, 62 ans, réalisateur hongrois, fondateur de London Films, That Hamilton Woman, The Private Life of Henry VIII
* 17 mars – Fred Allen, 61 ans, c'est dans le sac !, O. Henry's Full House
* 25 mars - Robert Newton, 50 ans, acteur anglais, Oliver Twist, Odd Man Out
* 15 avril - Kathleen Howard, 71 ans, chanteuse d'opéra et actrice canado-américaine, It's a Gift, Ball of Fire
* 26 avril - Edward Arnold, 66 ans, acteur américain, M. Smith Goes to Washington, Diamond Jim
* 12 mai – Louis Calhern, 61 ans, Duck Soup, Notorious
* 6 juin - Margaret Wycherly, 74 ans, actrice anglo-américaine, White Heat, Sergeant York
* 30 juin - Thorleif Lund, 76 ans, acteur norvégien, Skibsrotten, Republikaneren
* 8 juillet - Mona Mårtenson, 54 ans, actrice suédoise, Pippi Longstocking, La Saga de Gosta Berling
* 16 juillet - Olof Winnerstrand, 80 ans, acteur suédois, Torment, A Lesson in Love
* 16 août - Bela Lugosi, 73 ans, acteur américain d'origine hongroise, Dracula, White Zombie
* 2 octobre - George Bancroft, 74 ans, acteur américain, Stagecoach, Mr. Deeds Goes to Town
* 9 octobre - Marie Doro, 74 ans, actrice américaine, Oliver Twist, Sally Bishop
* 30 novembre - Viggo Wiehe, 81 ans, acteur danois, Docteur Nicholson et le Diamant Bleu, Røverne fra Rold
* 12 décembre - E. A. Dupont, 64 ans, écrivain, réalisateur allemand, Jalousie, L'Écharpe
* 26 décembre - Holmes Herbert, 74 ans, acteur britannique, Dr Jekyll et Mr. Hyde, The Invisible Man
Film Debuts
*Jean-Paul Belmondo - Molière
*Michael Caine - Panic in the Parlor
*James Garner - Vers l'inconnu
*Robert Loggia - Quelqu'un là-haut m'aime
*Robert Morse - Le fier et le profane
*Leslie Nielsen - Planète Interdite
*Elvis Presley - Aime-moi tendrement
*John Schlesinger - Dimanche au parc
*Maggie Smith - Enfant dans la maison
*Rip Torn - Poupée bébé
*Christopher Walken – Le garçon qui a vu clair | http://www.quizballs.com/ |
En 1985, quel grand magasin londonien les frères Fayed ont acheté ? | Harrods | [
"Toutes les grandes villes britanniques possédaient des grands magasins florissants au milieu ou à la fin du XIXe siècle. De plus en plus, les femmes sont devenues les principales clientes et les ménages de la classe moyenne. Kendals (anciennement Kendal Milne & Faulkner) à Manchester prétend être l'un des premiers grands magasins et est toujours connu par nombre de ses clients sous le nom de Kendal's, malgré son changement de nom en 2005 pour House of Fraser. L'institution de Manchester remonte à 1836 mais existait sous le nom de Watts Bazaar depuis 1796. À son apogée, le magasin avait des bâtiments des deux côtés de Deansgate reliés par un passage souterrain \"Kendals Arcade\" et une salle de restauration carrelée Art nouveau. Le magasin était particulièrement connu pour l'accent mis sur la qualité et le style plutôt que sur les prix bas, ce qui lui a valu le surnom de « Harrods du Nord », bien que cela soit dû en partie à l'acquisition du magasin par Harrods en 1919. Parmi les autres grands magasins de Manchester, citons Paulden's (actuellement Debenhams). ) et Lewis's (maintenant une Primark).",
"L'entreprise Harrods à Londres remonte à 1834, tandis que le magasin actuel de Brompton Road, sur un site acquis en 1849, a été construit entre 1894 et 1905. Gamages a été fondé à High Holborn à Londres par Arthur Walter Gamage en 1878.",
"À Buenos Aires, les grands magasins haut de gamme sont apparus au début du XXe siècle. Gath & Chávez a ouvert ses portes en 1905 et Harrods Buenos Aires en 1912. Aujourd'hui, le grand magasin chilien Falabella est l'un des plus importants du pays, avec des succursales à Buenos Aires, Córdoba, San Juan, Mendoza et Rosario."
] | Un grand magasin est un établissement de vente au détail proposant une large gamme de biens de consommation dans différentes catégories de produits appelées « rayons ». Dans les grandes villes modernes, les grands magasins ont fait une apparition spectaculaire au milieu du XIXe siècle et ont définitivement remodelé les habitudes d'achat ainsi que la définition du service et du luxe. Des développements similaires étaient en cours à Londres (avec Whiteleys), à Paris (Le Bon Marché en 1852) et à New York (avec Stewart's).
Les grands magasins ont aujourd'hui des sections qui vendent les produits suivants : vêtements, meubles, appareils électroménagers, jouets, cosmétiques, articles ménagers, jardinage, articles de toilette, articles de sport, bricolage, peinture et quincaillerie, et sélectionnent en outre d'autres gammes de produits tels que de la nourriture, des livres. , bijoux, appareils électroniques, papeterie, matériel photographique, produits pour bébés et produits pour animaux de compagnie. Les clients passent à la caisse près de la devanture du magasin ou, alternativement, aux comptoirs de vente de chaque rayon. Certains font partie d’une chaîne de vente au détail regroupant de nombreux magasins, tandis que d’autres peuvent être des détaillants indépendants. Dans les années 1970, ils subissent une forte pression de la part des discounters. Depuis 2010, ils subissent une pression encore plus forte de la part des magasins en ligne comme Amazon.
Les magasins à grande surface, les hypermarchés et les magasins discount sont les équivalents modernes des grands magasins historiques.
Histoire
Origines
Les origines du grand magasin remontent à la croissance de la société de consommation ostentatoire au tournant du XIXe siècle. À mesure que la révolution industrielle accélérait l’expansion économique, la classe moyenne aisée augmentait en taille et en richesse. Ce groupe social urbanisé, partageant une culture de consommation et de mode changeante, a été le catalyseur de la révolution du commerce de détail. À mesure que la prospérité croissante et la mobilité sociale augmentaient le nombre de personnes, en particulier les femmes (qui découvraient qu'elles pouvaient faire leurs achats seules dans les grands magasins sans nuire à leur réputation), disposant d'un revenu disponible à la fin de la période géorgienne, le lèche-vitrines se transforma en une activité de loisir et les entrepreneurs, comme le potier Josiah Wedgwood, a été le pionnier de l'utilisation de techniques de marketing pour influencer les goûts et les préférences dominants de la société.
L'un des premiers grands magasins a peut-être été Bennett's à Derby, créé pour la première fois en tant que quincaillerie en 1734. Il existe toujours aujourd'hui et fait son commerce dans le même bâtiment. Cependant, le premier grand magasin fiable à être créé fut Harding, Howell & Co, qui a ouvert ses portes en 1796 sur Pall Mall, à Londres. Un observateur écrivant dans Ackermann's Repository, un périodique britannique sur le goût et la mode contemporains, a décrit l'entreprise en 1809 comme suit :
La maison a cent cinquante pieds de longueur d'avant en arrière et de largeur proportionnelle. Il est aménagé avec beaucoup de goût et est divisé par des cloisons vitrées en quatre départements, pour les diverses branches de la vaste entreprise qui s'y exerce. Immédiatement à l'entrée se trouve le premier département exclusivement réservé à la vente de fourrures et d'éventails. La seconde contient des articles de mercerie de toute espèce, soieries, mousselines, dentelles, gants, etc. Dans la troisième boutique, à droite, vous rencontrez un riche assortiment de bijoux, d'articles d'ornementation en bronze doré, d'horloges françaises, etc.; et à gauche, toutes les sortes de parfumerie nécessaires à la toilette. Le quatrième est réservé à la chapellerie et aux robes ; de sorte qu'il n'y a aucun article de tenue ou de décoration féminine, qui ne puisse être acheté ici dans le premier style d'élégance et de mode. Cette entreprise a été menée depuis douze ans par les propriétaires actuels qui n'ont épargné ni peine ni dépenses pour assurer l'établissement d'une supériorité sur toutes les autres en Europe, et la rendre parfaitement unique en son genre.
Cette entreprise est décrite comme possédant toutes les caractéristiques de base du grand magasin ; c'était un établissement public de vente au détail proposant une large gamme de biens de consommation dans différents départements. Cette boutique pionnière a fermé ses portes en 1820, suite à la dissolution de la société commerciale.
Les grands magasins ont commencé à s'implanter à grande échelle dans les années 1840 et 1850, en France, au Royaume-Uni et aux États-Unis.
Grande-Bretagne
Toutes les grandes villes britanniques possédaient des grands magasins florissants au milieu ou à la fin du XIXe siècle. De plus en plus, les femmes sont devenues les principales clientes et les ménages de la classe moyenne. Kendals (anciennement Kendal Milne & Faulkner) à Manchester prétend être l'un des premiers grands magasins et est toujours connu par nombre de ses clients sous le nom de Kendal's, malgré son changement de nom en 2005 pour House of Fraser. L'institution de Manchester remonte à 1836 mais existait sous le nom de Watts Bazaar depuis 1796. À son apogée, le magasin avait des bâtiments des deux côtés de Deansgate reliés par un passage souterrain "Kendals Arcade" et une salle de restauration carrelée Art nouveau. Le magasin était particulièrement connu pour l'accent mis sur la qualité et le style plutôt que sur les prix bas, ce qui lui a valu le surnom de « Harrods du Nord », bien que cela soit dû en partie à l'acquisition du magasin par Harrods en 1919. Parmi les autres grands magasins de Manchester, citons Paulden's (actuellement Debenhams). ) et Lewis's (maintenant une Primark).
L'entreprise Harrods à Londres remonte à 1834, tandis que le magasin actuel de Brompton Road, sur un site acquis en 1849, a été construit entre 1894 et 1905. Gamages a été fondé à High Holborn à Londres par Arthur Walter Gamage en 1878.
Bainbridge's (maintenant propriété de John Lewis) remonte à 1838, lorsqu'Emerson Muschamp Bainbridge s'est associé à William Alder Dunn et a ouvert une boutique de drapiers et de mode dans Market Street à Newcastle. En 1849, il y avait 23 départements distincts, avec des recettes hebdomadaires enregistrées par département, ce qui en faisait le premier véritable grand magasin au monde. Anne Pimlott Baker, « Bainbridge, Emerson Muschamp (1817-1892) », Oxford Dictionary of National Biography, Oxford University. Presse, 2004 ; édition en ligne, janvier 2010 [http://www.oxforddnb.com/view/article/56163, consulté le 29 avril 2011] Ce grand livre survit et est maintenant conservé dans les archives du John Lewis Partnership.
En 1900, Londres, Glasgow et Liverpool étaient les trois plus grands centres commerciaux du pays. La société Lewis's a débuté à Liverpool en 1856 et a expérimenté de nouvelles méthodes de publicité (comme l'inondation du sous-sol du magasin de Manchester pour créer une mini Venise.) Lewis's a construit la plus grande chaîne de magasins du pays, ouvrant des succursales à Manchester (1877). ), Birmingham, Glasgow, Leeds, Hanley, Londres, Blackpool, Bristol et Leicester.
Selfridges a été fondée en 1909 par Harry Gordon Selfridge, d'origine américaine, sur Oxford Street. Le marketing innovant de l'entreprise promouvait la notion radicale de shopping pour le plaisir plutôt que pour la nécessité et ses techniques ont été adoptées par les grands magasins modernes du monde entier. Le magasin a été largement promu grâce à de la publicité payante. Les magasins ont été structurés de manière à rendre les marchandises plus accessibles aux clients. Il y avait des restaurants élégants aux prix modestes, une bibliothèque, des salles de lecture et d'écriture, des salles de réception spéciales pour la clientèle française, allemande, américaine et « coloniale », une salle de premiers secours et une salle de silence, avec des lumières douces, des chaises profondes et des lits doubles. -des vitrages, tous destinés à retenir les clients dans le magasin le plus longtemps possible. Les membres du personnel ont appris à être disponibles pour aider les clients, mais pas de manière trop agressive, et à vendre la marchandise. Selfridge a attiré les acheteurs avec des expositions éducatives et scientifiques ; – en 1909, le monoplan de Louis Blériot est exposé chez Selfridges (Blériot fut le premier à survoler la Manche), et la première démonstration publique de télévision par John Logie Baird a lieu dans le grand magasin en 1925.
En Écosse, Jenners a été fondée par Charles Jenner et Charles Kennington et maintient sa position sur Princes Street à Édimbourg depuis 1838. Elle prétend être le plus ancien grand magasin indépendant d'Écosse.
En Irlande du Nord, Austin's à Derry a été créé en tant que grand magasin en 1830 et, selon certaines affirmations, il s'agissait du premier grand magasin au monde. Le bâtiment imposant mesurait 25 000 pieds carrés et mesurait cinq étages avec un extérieur de style édouardien.
France
Le grand magasin parisien trouve ses racines dans le magasin de nouveautés ; le premier, le Tapis Rouge, est créé en 1784. Ils fleurissent au début du XIXe siècle, avec La Belle Jardinière (1824), Aux Trois Quartiers (1829) et Le Petit Saint Thomas (1830). Balzac a décrit leur fonctionnement dans son roman César Birotteau. Dans les années 1840, avec l'arrivée des chemins de fer à Paris et le nombre croissant de clients qu'ils attiraient, ils grossirent et commencèrent à avoir de grandes vitrines en verre, des prix et des étiquettes de prix fixes et de la publicité dans les journaux.
Un magasin de nouveautés appelé Au Bon Marché avait été fondé à Paris en 1838 pour vendre de la dentelle, des rubans, des draps, des matelas, des boutons, des parapluies et d'autres articles divers. Elle comptait à l’origine quatre départements, douze employés et une superficie de trois cents mètres. L'entrepreneur Aristide Boucicaut devient associé en 1852 et modifie le plan de commercialisation en instituant des prix fixes et des garanties qui permettent les échanges et les remboursements, la publicité et une plus grande variété de marchandises. Le revenu annuel du magasin passe de 500 000 francs en 1852 à cinq millions en 1860. En 1869, il construit un bâtiment beaucoup plus grand au 24 rue de Sèvres sur la rive gauche, et agrandit à nouveau le magasin en 1872, avec l'aide de la société d'ingénierie de Gustave Eiffel, créateur de la Tour Eiffel. Les revenus passèrent de vingt millions de francs en 1870 à 72 millions au moment de la mort de Boucicaut en 1877. La surface utile passa de trois cents mètres carrés en 1838 à cinquante mille, et le nombre d'employés passa de douze en 1838 à 1788 en 1879. Boucicaut était célèbre pour ses innovations marketing ; une salle de lecture pour les maris pendant que leurs femmes font leurs courses ; une publicité abondante dans les journaux; divertissement pour enfants; et six millions de catalogues envoyés aux clients. En 1880, la moitié des employés étaient des femmes ; Les employées célibataires vivaient dans des dortoirs aux étages supérieurs.
Au Bon Marché eut bientôt des concurrents. Le Printemps a été fondé en 1865 ; La Samaritaine est fondée en 1869 par Ernest Cognacq et Marie-Louise Jay, un nouveau Tapis Rouge en 1867, La Ville de Saint-Denis, avec le premier ascenseur de France (1869) ; La Paix; Les Nouvelles Galeries ; Les Magasins Dufayel (1890) ; le Bazar de Hôtel de Ville (BHV) ; et les Galeries Lafayette, fondées par Alphonse Kahn en 1895.
Les Français se glorifient du prestige national apporté par les grands magasins parisiens. Le grand écrivain Émile Zola (1840-1902) a placé son roman Au Bonheur des Dames (1882-1883) dans un grand magasin typique. Zola le représentait comme le symbole de la nouvelle technologie qui à la fois améliorait la société et la dévorait. Le roman décrit le marchandisage, les techniques de gestion, le marketing et le consumérisme.
Les Grands Magasins Dufayel étaient un immense grand magasin à prix bon marché construit en 1890 dans le nord de Paris, où il touchait une nouvelle clientèle très large dans la classe ouvrière. Dans un quartier avec peu d’espaces publics, il propose une version grand public de la place publique. Il a amené les travailleurs à considérer le shopping comme une activité sociale passionnante et non comme un simple exercice de routine consistant à se procurer des produits de première nécessité, comme le faisait la bourgeoisie dans les célèbres grands magasins du centre-ville. À l’instar des magasins bourgeois, il a contribué à transformer la consommation d’une transaction commerciale en une relation directe entre le consommateur et les biens recherchés. Ses publicités promettaient la possibilité de participer au consumérisme le plus récent et le plus en vogue à un coût raisonnable. Les dernières technologies ont été présentées, comme des cinémas et des expositions d'inventions comme les machines à rayons X (qui pouvaient être utilisées pour ajuster les chaussures) et le gramophone.
De plus en plus après 1870, la main-d'œuvre des magasins se féminise, ouvrant des opportunités d'emploi prestigieuses aux jeunes femmes. Malgré les bas salaires et les longues heures de travail, ils appréciaient les interactions complexes et passionnantes avec les produits les plus récents et les plus en vogue et les clients haut de gamme.
Au XXIe siècle, les grands magasins parisiens ont du mal à survivre dans le nouveau monde économique. En 2015, il n’en restait que quatre ; Au Bon Marché, désormais propriété de la société de produits de luxe LVMH ; BHV; Galeries Lafayette et Printemps.
États-Unis
La ville de New York
Arnold, Constable fut le premier grand magasin américain. Elle a été fondée en 1825 par Aaron Arnold (1794 ?-1876), un émigré de Grande-Bretagne, comme petit magasin de produits secs sur Pine Street à New York. En 1857, le magasin a emménagé dans un palais de marchandises sèches en marbre blanc de cinq étages connu sous le nom de Marble House. Pendant la guerre civile Arnold, Constable a été l'un des premiers magasins à émettre des factures de crédit à ses clients chaque mois au lieu de semestriellement. Reconnu comme un magasin de mode de haute qualité, le magasin est rapidement devenu trop grand pour Marble House et a érigé un bâtiment en fonte sur Broadway et la dix-neuvième rue en 1869 ; ce « Palais du Commerce » s'agrandit au fil des années jusqu'à ce qu'il soit nécessaire de déménager dans un espace plus grand en 1914. En 1925, Arnold, Constable fusionne avec Stewart & Company et s'étend en banlieue, d'abord avec un magasin en 1937 à New Rochelle, New York. York et plus tard à Hempstead et Manhasset à Long Island et dans le New Jersey. Des problèmes financiers conduisirent à la faillite en 1975.
À New York, en 1846, Alexander Turney Stewart fonde le « Marble Palace » sur Broadway, entre les rues Chambers et Reade. Il proposait des marchandises européennes au détail à des prix fixes sur une variété de produits secs et annonçait une politique visant à offrir « l'entrée gratuite » à tous les clients potentiels. Bien qu'il soit revêtu de marbre blanc pour ressembler à un palais de la Renaissance, la construction en fonte du bâtiment permettait de grandes fenêtres en verre qui permettaient de grandes expositions saisonnières, en particulier pendant la saison des achats de Noël. En 1862, Stewart construisit un nouveau magasin sur un pâté de maisons complet de huit étages et dix-neuf départements d'articles vestimentaires et de matériaux d'ameublement, de tapis, de verre et de porcelaine, de jouets et d'équipements sportifs, répartis autour d'une cour centrale couverte de verre. Ses innovations comprenaient l'achat auprès des fabricants au comptant et en grandes quantités, le maintien de sa marge bénéficiaire et de ses prix bas, la présentation véridique des marchandises, la politique du prix unique (donc il n'y avait pas de marchandage), les retours de marchandises simples et la politique de remboursement en espèces, la vente au comptant. et non du crédit, des acheteurs qui recherchaient dans le monde entier des marchandises de qualité, une départementalisation, une intégration verticale et horizontale, des ventes en volume et des services gratuits pour les clients tels que des salles d'attente et la livraison gratuite des achats. Ses innovations furent rapidement copiées par d'autres grands magasins.
En 1858, Rowland Hussey Macy fonde Macy's en tant que magasin de produits secs. Benjamin Altman et Lord & Taylor rivalisèrent bientôt avec Stewart en tant que premiers grands magasins de New York, suivis plus tard par « McCreary's » et, à Brooklyn, « Abraham & Straus ». (La famille Straus dirigerait à la fois Macy's et A&S.)
Dans les années 1880, le centre commercial de New York s'était déplacé vers les quartiers chics, formant une zone commerciale à partir du « Marble Palace » qui s'appelait le « Ladies' Mile ». Par Matt Haag Les magasins rivalisaient pendant la saison de Noël avec des vitrines de Noël élaborées ; en 1895, Macy's présentait 13 tableaux, dont des scènes de Jack and the Beanstalk, Les Voyages de Gulliver et d'autres favoris des enfants.
crême Philadelphia
En 1877, John Wanamaker a ouvert le premier grand magasin moderne des États-Unis dans un ancien terminal de fret du Pennsylvania Railroad à Philadelphie. Wanamakers a été le premier grand magasin à proposer des prix fixes indiqués sur chaque article et a également introduit l'éclairage électrique (1878), le téléphone (1879) et l'utilisation de tubes pneumatiques pour transporter de l'argent et des documents (1880) vers les grands magasins. Les grands magasins fondés ultérieurement à Philadelphie comprenaient Strawbridge and Clothier, Gimbels, Lit Brothers et Snellenbergs.
Chicago
Marshall Field & Company a vu le jour en 1852. C'était le premier grand magasin de la principale rue commerçante du Midwest, State Street à Chicago. Les acheteurs haut de gamme arrivaient en train de toute la région, fréquentant les hôtels voisins. Elle est devenue une chaîne majeure avant de passer au nom Macy's le 9 septembre 2006. Marshall Field's A servi de modèle pour d'autres grands magasins dans la mesure où il offrait un service client exceptionnel. Field's a également apporté avec lui la désormais célèbre marque de menthes Frango qui est devenue si étroitement identifiée avec Marshall Field's et Chicago du grand magasin Frederick & Nelson, aujourd'hui disparu. Marshall Field's a également eu les premières, parmi de nombreuses innovations de Marshall Field's. Field's possédait le premier bureau d'achat européen, situé à Manchester, en Angleterre, et le premier registre des mariages. L'entreprise a été la première à introduire le concept de personal shopper, et ce service était fourni gratuitement dans chaque magasin Field's, jusqu'aux derniers jours de la chaîne sous le nom de Marshall Field's. Ce fut le premier magasin à proposer un crédit renouvelable et le premier grand magasin à utiliser des escaliers mécaniques. Le rayon livres de Marshall Field dans le magasin State Street était légendaire ; il a été le pionnier du concept de « signature de livre ». De plus, chaque année à Noël, les vitrines des magasins du centre-ville de Marshall Field étaient remplies d'expositions animées dans le cadre de l'exposition du quartier commerçant du centre-ville ; les vitrines « thématiques » sont devenues célèbres pour leur ingéniosité et leur beauté, et visiter les vitrines du Marshall Field à Noël est devenu une tradition pour les Chicagoans et les visiteurs, une pratique locale aussi populaire que la visite de la Walnut Room avec son tout aussi célèbre arbre de Noël ou sa réunion. sous l'horloge" sur State Street.
La marque Carson Pirie Scott est fortement associée au bâtiment historique Carson, Pirie, Scott and Company conçu par Louis Sullivan. Il a été construit en 1899 pour la société de vente au détail Schlesinger & Mayer, puis agrandi et vendu à Carson Pirie Scott en 1904. Le bâtiment, situé sur State Street dans le Loop de Chicago, a abrité le magasin phare de la chaîne pendant plus d'un siècle avant de fermer définitivement en 2007. Target occupe désormais le bâtiment.
Des pays
Argentine
À Buenos Aires, les grands magasins haut de gamme sont apparus au début du XXe siècle. Gath & Chávez a ouvert ses portes en 1905 et Harrods Buenos Aires en 1912. Aujourd'hui, le grand magasin chilien Falabella est l'un des plus importants du pays, avec des succursales à Buenos Aires, Córdoba, San Juan, Mendoza et Rosario.
Falabella est aujourd’hui l’un des magasins les plus populaires d’Argentine.
Australie
David Jones a été fondé par David Jones, un marchand gallois qui a rencontré l'homme d'affaires de Hobart, Charles Appleton, à Londres. Appleton a ouvert un magasin à Sydney en 1825 et Jones a ensuite établi un partenariat avec Appleton, a déménagé en Australie en 1835 et le magasin de Sydney est devenu connu sous le nom d'Appleton & Jones. Lorsque le partenariat fut dissous en 1838, Jones déménagea son entreprise dans des locaux situés au coin de George Street et de Barrack Lane, à Sydney. David Jones prétend être le plus ancien grand magasin au monde encore commercialisé sous son nom d'origine.
Bien qu'il y ait eu un certain nombre de grands magasins en Australie pendant une grande partie du XXe siècle, notamment des chaînes telles que Grace Bros. et Waltons, beaucoup ont disparu au cours des années 1980 et 1990. Aujourd'hui, Myer et David Jones, implantés à l'échelle nationale, constituent pratiquement le duopole national des grands magasins en Australie. Lorsque Sidney Myer, un migrant d'origine russe, est arrivé en Australie en 1899, il a créé le groupe de vente au détail Myer avec son frère Elcon Myer. En 1900, ils ouvrent le premier grand magasin Myer, à Bendigo, Victoria. Depuis lors, le groupe de vente au détail Myer est devenu le plus grand détaillant d'Australie. Myer et David Jones sont tous deux des chaînes haut de gamme, proposant une grande variété de produits allant des marques de milieu de gamme aux marques de luxe. D'autres chaînes de magasins de détail telles que Target (sans rapport avec la chaîne américaine du même nom), Venture (aujourd'hui disparue), Kmart et Big W, également implantées à l'échelle nationale, sont considérées comme les grands magasins discount d'Australie. Harris Scarfe, bien qu'il n'opère que dans quatre États et un territoire, est un grand magasin utilisant à la fois les formats de grands magasins à gamme complète et de petits magasins discount. La plupart des grands magasins en Australie ont leurs propres sociétés de cartes de crédit, chacune ayant ses propres avantages, tandis que les grands magasins discount n'ont pas leurs propres droits de carte de crédit.
Brésil
Les plus grands grands magasins brésiliens sont : Carrefour, Pão de Açúcar, Extra et Lojas Americanas. En avril 2010, Wal-Mart exploitait 64 magasins Super-Bompreço et 33 magasins Hyper-Bompreço. Elle gère également 45 supercentres Wal-Mart, 24 magasins Sam's Club et 101 magasins Todo Dia. Avec l'acquisition de Bompreço et Sonae, Walmart était en 2010 la troisième chaîne de supermarchés au Brésil, derrière Carrefour et Pão de Açúcar.
Canada
Depuis ses origines dans le commerce des fourrures, la Compagnie de la Baie d'Hudson est la plus ancienne société en Amérique du Nord et le plus grand exploitant de grands magasins au Canada jusqu'au milieu des années 1980, avec des succursales partout au pays. Elle possédait également auparavant Zellers, un autre grand magasin canadien qui a cessé d'exister en mars 2013 après avoir vendu ses baux à Target Canada. Les autres grands magasins au Canada sont : Canadian Tire, Sears Canada, Ogilvy, Les Ailes de la Mode, Giant Tiger, Co-op, Costco et Holt Renfrew. Les grandes surfaces géantes de l'épicerie proposent de nombreux articles non alimentaires, semblables à ceux d'un grand magasin. Woolco comptait 160 magasins au Canada lorsque ses activités ont cessé (Walmart a racheté Woolco en 1994). Aujourd'hui, Walmart à bas prix est de loin le détaillant à grands magasins le plus dominant au Canada, avec des points de vente partout au pays. Historiquement, les grands magasins ont joué un rôle important dans la vie économique canadienne, et les chaînes de magasins comme Eaton's, Charles Ogilvy Limited, Freiman's, Spencer's, Simpsons, Morgan's et Woodward's étaient des incontournables dans leurs communautés respectives. Les grands magasins au Canada ressemblent en termes de conception et de style aux grands magasins aux États-Unis.
Dans les communautés nordiques ou isolées, la Compagnie du Nord-Ouest (du nom de l'entreprise historique de commerce des fourrures de la Compagnie du Nord-Ouest) exploite de petits grands magasins.
Avant les années 1950, le grand magasin occupait une place éminente au Canada et en Australie, tant pendant la Grande Dépression que pendant la Seconde Guerre mondiale. Depuis, ils subissent la forte concurrence des magasins spécialisés. Plus récemment, la concurrence s'est intensifiée avec l'avènement des grandes surfaces (Jones et al. 1994 ; Merrilees et Miller 1997). La concurrence n'est pas la seule raison de l'affaiblissement des grands magasins ; la structure changeante des villes les a également affectés. La ville compacte et centralisée du XIXe siècle, avec ses lignes de transport en commun convergeant vers le centre-ville, constituait un environnement parfait pour la croissance des grands magasins. Mais à mesure que les habitants quittaient les centres-villes pour s'installer en banlieue, les grands magasins du centre-ville devenaient gênants et perdaient des affaires au profit des centres commerciaux de banlieue plus récents. En 2003, les ventes des grands magasins aux États-Unis ont été dépassées pour la première fois par les ventes des magasins à grande surface (bien que certains magasins puissent être classés comme « grande surface » par leur disposition physique et comme « grands magasins » par marchandise).
Chili
Bien que relativement petit, le marché de détail chilien s'est révélé extrêmement compétitif, avec plusieurs grands magasins qui ont vu le jour à Santiago et se sont ensuite étendus au nord et au sud du pays. Aujourd'hui, les principaux grands magasins comprennent Falabella, Ripley, Almacenes París, La Polar et Johnson's. Falabella, fondée en 1889, a ouvert des succursales en Argentine, en Colombie et au Pérou, suivie par Paris, son principal concurrent chilien.
Chine
Depuis la politique d'ouverture en 1979, les grands magasins chinois se sont également développés rapidement parallèlement à une économie en croissance rapide. Il existe différents groupes de grands magasins dominant différentes régions. Par exemple, le grand magasin INTIME est le plus présent sur le marché de la province du Zhejiang, tandis que les grands magasins Jinying dominent la province du Jiangsu. En outre, il existe de nombreux autres groupes de grands magasins, tels que Pacific, Parkson, Wangfujing, New World, etc., dont beaucoup connaissent une croissance rapide en étant cotés sur le marché financier.
Hong Kong
Les premiers grands magasins Lane Crawford ont été ouverts en 1850 par les Écossais Thomas Ash Lane et Ninian Crawford sur Des Voeux Road, sur l'île de Hong Kong. Au début, le magasin accueillait principalement les équipages des navires en visite ainsi que le personnel de la marine britannique et leurs familles. En 1900, le premier grand magasin Sincere appartenant à des Chinois d'origine ethnique a été ouvert par Ma Ying Piu, revenu d'Australie et inspiré par David Jones. En 1907, un autre ancien expatrié de Hong Kong en Australie, la famille Kwok, retourna à Hong Kong et fonda Wing On.
Depuis les années 1960, un certain nombre de grands magasins japonais ont commencé à pénétrer le marché de Hong Kong. Daimaru a été ouvert au coin de Great George Street et Paterson Street en 1960, suivi de Matsuzakaya, Isetan, Seibu, Sogo et Yaohan. Yaohan a été racheté par JUSCO dans les années 1990 et est devenu plus tard Æon.
Colombie
En Colombie, les grands magasins haut de gamme sont apparus au milieu du 20e siècle lorsque SEARS est entré dans le pays. Aujourd'hui, le grand magasin chilien Falabella est l'un des plus importants du pays, avec des succursales à Barranquilla, Cali, Bogota, Medellin, Pereira et Bucaramanga. Falabella est aujourd’hui l’un des magasins les plus populaires en Colombie.
Chypre
La chaîne de grands magasins la plus célèbre de Chypre est Debenhams (anciennement Woolworths).
Danemark
Au Danemark, on trouve trois chaînes de grands magasins : Magasin (1868), Illum (1891), Salling (1906).
Magasin est de loin le plus grand avec 6 magasins dans tout le pays, le magasin phare étant Magasin du Nord sur Kongens Nytorv à Copenhague. Le seul magasin Illums sur Amagertorv à Copenhague a l'apparence d'un grand magasin, géré à 20 % par Magasin, mais avec des propriétaires de magasins individuels, ce qui en fait un centre commercial. Mais dans l'esprit des gens, cela reste un grand magasin.
Salling possède deux magasins dans le Jutland, l'un d'eux étant à l'origine de la fermeture d'un magasin en raison de la concurrence.
Le Salvador
*SIMAN
* Charogne
* Sears
* Sanborns
Finlande
Les chaînes de grands magasins les plus célèbres de Finlande sont Stockmann, une société cotée en bourse, et Sokos, propriété d'une coopérative nationale de vente au détail. Le grand magasin Stockmann, situé au centre d'Helsinki, est le plus grand magasin des pays nordiques et un monument célèbre d'Helsinki.
France
Les principaux grands magasins haut de gamme de France sont les Galeries Lafayette et Le Printemps, qui possèdent tous deux des magasins phares sur le boulevard Haussmann à Paris et des succursales dans tout le pays. Le premier grand magasin de France, Le Bon Marché à Paris, a été fondé en 1852 et appartient aujourd'hui au conglomérat de produits de luxe LVMH. La Samaritaine, autre grand magasin haut de gamme également détenu par LVMH, a fermé ses portes en 2005. Des chaînes de grands magasins milieu de gamme existent également en France comme le BHV (Bazar de l'Hôtel de Ville), qui fait partie du même groupe que les Galeries Lafayette.
Allemagne
La conception et la fonction des grands magasins en Allemagne ont suivi l'exemple de Londres, Paris et New York. L'Allemagne comptait autrefois un certain nombre de grands magasins ; il n’en reste aujourd’hui que quelques-uns. À côté de quelques grands magasins indépendants plus petits, il y a Karstadt (repris en 2010 par Nicolas Berggruen, qui exploite également le KaDeWe à Berlin, l'Alsterhaus à Hambourg et l'Oberpollinger à Munich), GALERIA Kaufhof (qui fait partie de Metro AG). D'autres, comme Hertie, Wertheim et Horten AG, ont été reprises par d'autres et soit entièrement intégrées, soit fermées plus tard.
Certains grands magasins ne vendent que des vêtements. La plus grande chaîne de grands magasins de vêtements est C&A.
Les grands magasins allemands contiennent généralement un restaurant libre-service, des rayons vêtements, un rayon jouets, un rayon informatique et électronique, un petit rayon livres (pour les best-sellers), un rayon journaux et magazines et un rayon alimentation (comme un supermarché). ).
L'un des grands magasins les plus célèbres d'Allemagne est le Kaufhaus des Westens (KaDeWe, en allemand pour « grand magasin de l'Ouest »), situé à Berlin.
Inde
En Inde, des sociétés comme Big Bazaar, Shopper's Stop, Pantaloon, Ezone, Reliance Fresh et D-Mart se lancent dans le commerce de détail.
Les petits grands magasins – ou dépanneurs comme on les appelle mieux dans la plupart des pays occidentaux – voient également le jour. Bien que ces magasins soient beaucoup plus grands qu’un dépanneur de taille habituelle, par exemple aux États-Unis, ils sont beaucoup plus petits qu’un grand magasin de taille normale. Les exemples incluent Sabka Bazaar, Big Apple, Spencer's et Dailymart. L'hypermarché indien LULU est considéré comme l'un des plus grands magasins commerciaux d'Asie.
Indonésie
La plus grande chaîne de grands magasins d'Indonésie est Ramayana, avec plus de quatre-vingt-dix succursales à travers le pays. Le même groupe opère également sous la direction de Robinsons, tous ciblant les secteurs à faible revenu. Un autre grand magasin local positionné pour le segment intermédiaire inférieur est Matahari, désormais propriété du groupe Lippo. Le groupe parvenait auparavant à opérer sous les marques Mega M, Galeria, JC Penney, Parisian et Walmart, toutes progressivement fermées.
Le segment milieu de gamme est principalement occupé par le Metro Department Store originaire de Singapour et le Sogo du Japon. 2007 a vu la réouverture du Seibu de Jakarta, en passe de devenir le plus grand et le deuxième grand magasin le plus haut de gamme d'Indonésie après Harvey Nichols, que ce dernier a fermé en 2010 et envisage pourtant de revenir. Parmi les autres grands magasins internationaux figurent Debenhams et Marks & Spencer. Les Galeries Lafayette rejoignent également le marché indonésien en 2013 au sein du Pacific Place Mall. Ce grand magasin cible le marché moyen haut de gamme avec une gamme de prix allant de l'abordable au luxe, en passe de devenir le plus grand grand magasin haut de gamme. Les Galeries Lafayette, Debenhams, Harvey Nichols, Marks & Spencer, Seibu et Sogo sont toutes exploitées par PT. Mitra Adiperkasa.
Central Group de Thaïlande entre en Indonésie en remplacement de Harvey Nichols au Grand Indonesia de Jakarta, apportant sa marque phare Central. Son entrée a connu du succès sur le marché indonésien, en attirant des marques de mode et de vie basées en Thaïlande. Parkson, Lotte et AEON entrent également en Indonésie respectivement dans les années 2010.
Parkson entre en acquérant la marque locale Centro Department Store en 2011. Centro opère toujours pour le marché intermédiaire tandis que la marque « Parkson » elle-même, positionnée pour le segment intermédiaire, entre en 2014 en ouvrant son premier magasin à Medan, suivi de son deuxième magasin à Medan. Djakarta. Lotte, quant à elle, entre sur le marché en concluant un partenariat avec Ciputra Group, en créant ce qu'elle appelle « Lotte Shopping Avenue » à l'intérieur du complexe Ciputra World Jakarta, ainsi qu'en acquérant Makro et en le rebaptisant Lotte Mart.
AEON signe également un partenariat avec Sinarmas Land et ouvrira son magasin phare dans son centre commercial AEON dans la ville phare de Sinar Mas Land, BSD City, le 30 mai 2015. Il est prévu d'ouvrir le centre commercial AEON et son grand magasin AEON à Jakarta Garden City, Sentul City et Kota. Deltamas a été annoncé.
Les autres marques de grands magasins locaux comprennent STAR Department Store, Surya, Suzuya Department Store, JM Department Store, Java/Lotus (la marque de grand magasin bas de gamme de PT. Mitra Adiperkasa), The Grand Palace, Yogya, Lima Cahaya, Chandra Department Store, Galeri. Keris, Pasaraya et le plus ancien grand magasin d'Indonésie, Sarinah, ouvert en 1963.
L'Iran
La plus grande chaîne de grands magasins d'Iran est Shahrvand avec 31 magasins, tous situés à Téhéran. L'autre grand magasin créé récemment est Hyperstar, investi par le groupe MafCarrefour, à Téhéran, Chiraz et Ispahan.
Irlande
L'Irlande a développé une classe moyenne forte, en particulier dans les grandes villes, au milieu du XIXe siècle. Ils étaient des clients actifs des grands magasins.
Le Delany's New Mart a été ouvert en 1853 à Dublin, en Irlande. Contrairement à d'autres, Delany's n'a pas évolué progressivement à partir d'un petit magasin sur place. Ainsi, il pourrait prétendre être le premier grand magasin au monde spécialement construit. Le mot grand magasin n'avait pas été inventé à cette époque et c'est pourquoi on l'appelait la "Monster House". Le magasin a été complètement détruit lors de l'Insurrection de Pâques de 1916, mais a rouvert ses portes en 1922.
Arnotts est l'un des plus grands magasins d'Irlande. Cependant, plusieurs grandes enseignes possèdent désormais des chaînes de grands magasins, comme :
*Thomas Brun
*Debenhams
*Magasins Dunnes
*Marks & Spencer
La chaîne la plus haut de gamme est sans aucun doute Brown Thomas (connue familièrement sous le nom de BT), fondée comme mercerie en 1849 sur Grafton Street à Dublin. L'entreprise (qui appartient au même groupe que le britannique Selfridges ou le canadien Holt Renfrew) a racheté en 1995 son concurrent de longue date, Switzers, de l'autre côté de la rue. BT a ensuite déménagé sur un site plus grand. Elle a également acquis et rebaptisé les anciens magasins Switzer à Cork. | http://www.quizballs.com/ |
Qui est devenu président des États-Unis en 1913 ? | Woodrow Wilson | [
"Thomas Woodrow Wilson (28 décembre 1856 – 3 février 1924) était un homme politique et universitaire américain qui fut le 28e président des États-Unis de 1913 à 1921. Né à Staunton, en Virginie, il passa ses premières années à Augusta, en Géorgie. et Columbia, Caroline du Sud. Wilson a obtenu un doctorat en sciences politiques à l'Université Johns Hopkins et a été professeur et chercheur dans diverses institutions avant d'être choisi comme président de l'Université de Princeton, poste qu'il a occupé de 1902 à 1910. Lors de l'élection de 1910, il fut gouverneur. candidat du Parti démocrate du New Jersey et a été élu 34e gouverneur du New Jersey, servant de 1911 à 1913. Candidat à la présidence en 1912, Wilson a bénéficié d'une scission au sein du Parti républicain, qui a permis à sa pluralité d'un peu plus de quarante pour cent de gagner. lui une large marge de collège électoral. Il fut le premier sudiste élu président depuis 1848, et Wilson était une force dirigeante du mouvement progressiste, renforcé par le contrôle gagnant de son parti démocrate sur la Maison Blanche et le Congrès en 1912.",
"Wilson est né dans une famille d'origine écossaise-irlandaise à Staunton, en Virginie, le 28 décembre 1856, au 18-24 North Coalter Street (maintenant la bibliothèque présidentielle Woodrow Wilson). Il était le troisième des quatre enfants de Joseph Ruggles Wilson (1822-1903) et de Jessie Janet Woodrow (1826-1888). Les grands-parents paternels de Wilson ont immigré aux États-Unis depuis Strabane, dans le comté de Tyrone, en Irlande (aujourd'hui Irlande du Nord), en 1807. Sa mère est née à Carlisle, Cumberland, en Angleterre, fille du révérend Thomas Woodrow de Paisley, en Écosse, et Marion Williamson de Glasgow. C'était l'un des comtés frontaliers qui fournissaient de nombreux immigrants aux colonies nord-américaines à la fin du XVIIIe siècle.",
"Après leur mariage, Joseph et Jessie Wilson ont déménagé dans le Sud en 1851 et se sont pleinement identifiés à ce pays, quittant la Virginie pour s'enfoncer plus profondément dans la région alors que Wilson était appelé à devenir ministre en Géorgie et en Caroline du Sud. Joseph Wilson possédait des esclaves, défendait l'esclavage et créait également une école du dimanche pour ses esclaves. Les deux parents se sont identifiés à la Confédération pendant la guerre civile américaine ; ils soignaient les soldats blessés dans leur église et le père de Wilson servit brièvement comme aumônier de l'armée confédérée. Le premier souvenir de Woodrow Wilson, dès l'âge de trois ans, était d'entendre qu'Abraham Lincoln avait été élu et qu'une guerre était imminente. Wilson se souviendra toujours d'être resté un moment aux côtés du général Robert E. Lee et de le regarder en face."
] | Thomas Woodrow Wilson (28 décembre 1856 – 3 février 1924) était un homme politique et universitaire américain qui fut le 28e président des États-Unis de 1913 à 1921. Né à Staunton, en Virginie, il passa ses premières années à Augusta, en Géorgie. et Columbia, Caroline du Sud. Wilson a obtenu un doctorat en sciences politiques à l'Université Johns Hopkins et a été professeur et chercheur dans diverses institutions avant d'être choisi comme président de l'Université de Princeton, poste qu'il a occupé de 1902 à 1910. Lors de l'élection de 1910, il fut gouverneur. candidat du Parti démocrate du New Jersey et a été élu 34e gouverneur du New Jersey, servant de 1911 à 1913. Candidat à la présidence en 1912, Wilson a bénéficié d'une scission au sein du Parti républicain, qui a permis à sa pluralité d'un peu plus de quarante pour cent de gagner. lui une large marge de collège électoral. Il fut le premier sudiste élu président depuis 1848, et Wilson était une force dirigeante du mouvement progressiste, renforcé par le contrôle gagnant de son parti démocrate sur la Maison Blanche et le Congrès en 1912.
Au pouvoir, Wilson a réintroduit l'État de l'Union parlé, qui n'était plus utilisé depuis 1801. À la tête du Congrès, désormais aux mains des démocrates, il a supervisé l'adoption de politiques législatives progressistes sans précédent jusqu'au New Deal de 1933. Parmi celles-ci figuraient la Federal Reserve Act, la Federal Trade Commission Act, la Clayton Antitrust Act et la Federal Farm Loan Act. Ayant pris ses fonctions un mois après la ratification du seizième amendement, Wilson a convoqué une session extraordinaire du Congrès, dont les travaux ont culminé avec le Revenue Act de 1913, réintroduisant un impôt sur le revenu et abaissant les tarifs. Grâce à l'adoption de la loi Adamson, imposant une journée de travail de 8 heures aux chemins de fer, il a évité une grève des cheminots et la crise économique qui en a résulté. Lors du déclenchement de la Première Guerre mondiale en 1914, Wilson maintint une politique de neutralité, tout en poursuivant une politique plus agressive face à la guerre civile au Mexique.
Wilson a affronté l'ancien gouverneur de New York, Charles Evans Hughes, lors de l'élection présidentielle de 1916. De peu, il est devenu le premier démocrate depuis qu'Andrew Jackson a élu pour deux mandats consécutifs. Le deuxième mandat de Wilson a été dominé par l'entrée des États-Unis dans la Première Guerre mondiale. En avril 1917, lorsque l'Allemagne a repris la guerre sous-marine sans restriction, Wilson a demandé au Congrès de déclarer la guerre afin de rendre « le monde sûr pour la démocratie ». Les États-Unis ont mené des opérations militaires aux côtés des Alliés, mais sans alliance formelle. Également en 1917, il a refusé l'asile à Nicolas II de la Russie tsariste et à sa famille immédiate lorsque Nicolas a été renversé lors de la Révolution de février de cette année-là et contraint d'abdiquer en mars de la même année, une décision qui est devenue controversée l'année suivante avec la fusillade de la famille Romanov en 1918. Pendant la guerre, Wilson se concentra sur la diplomatie et les considérations financières, laissant la stratégie militaire aux généraux, en particulier au général John J. Pershing. En prêtant des milliards de dollars à la Grande-Bretagne, à la France et à d’autres Alliés, les États-Unis les ont aidés à financer l’effort de guerre. Grâce à la loi sur le service sélectif, la conscription envoya chaque jour 10 000 soldats fraîchement entraînés en France dès l'été 1918. Sur le front intérieur, il augmenta les impôts sur le revenu, empruntant des milliards de dollars grâce à l'achat par le public de Liberty Bonds. Il créa le War Industries Board, promouva la coopération syndicale, réglementa l'agriculture et la production alimentaire par le biais du Lever Act et accorda au secrétaire au Trésor, William McAdoo, le contrôle direct du système ferroviaire du pays.
Dans son État de l'Union de 1915, Wilson a demandé au Congrès ce qui est devenu la loi sur l'espionnage de 1917 et la loi sur la sédition de 1918, réprimant les militants anti-conscription. La répression a été intensifiée par son procureur général A. Mitchell Palmer pour inclure l'expulsion des radicaux non citoyens lors de la première peur rouge de 1919-1920. Après des années de plaidoyer en faveur du suffrage au niveau des États, il approuva en 1918 le dix-neuvième amendement, dont la ratification en 1920 accordait le droit de vote égal aux femmes à travers les États-Unis, malgré l'opposition du Sud. Wilson a doté son gouvernement de démocrates du Sud qui croyaient en la ségrégation. Il donne aux chefs de service une plus grande autonomie dans leur gestion. Au début de 1918, il publia ses principes de paix, les Quatorze Points, et en 1919, après l'armistice, il se rendit à Paris, promouvant la formation d'une Société des Nations et concluant le Traité de Versailles. Après son retour d'Europe, Wilson entreprit une tournée nationale en 1919 pour faire campagne en faveur du traité, souffrant d'un grave accident vasculaire cérébral. Le traité a suscité de sérieuses inquiétudes de la part des républicains du Sénat et Wilson a rejeté un effort de compromis mené par Henry Cabot Lodge, conduisant au rejet du traité par le Sénat. En raison de son accident vasculaire cérébral, Wilson s'est isolé à la Maison Blanche, son handicap ayant diminué son pouvoir et son influence. Élaborant une stratégie de réélection, Wilson a bloqué la Convention nationale démocrate de 1920, mais sa candidature à un troisième mandat a été négligée.
Presbytérien dévoué, Wilson a insufflé de la moralité dans son internationalisme, une idéologie maintenant qualifiée de « wilsonienne » – une politique étrangère militante appelant la nation à promouvoir la démocratie mondiale. Pour son parrainage de la Société des Nations, Wilson a reçu le prix Nobel de la paix en 1919, le deuxième des trois présidents en exercice ainsi honorés.
Début de la vie
Wilson est né dans une famille d'origine écossaise-irlandaise à Staunton, en Virginie, le 28 décembre 1856, au 18-24 North Coalter Street (maintenant la bibliothèque présidentielle Woodrow Wilson). Il était le troisième des quatre enfants de Joseph Ruggles Wilson (1822-1903) et de Jessie Janet Woodrow (1826-1888). Les grands-parents paternels de Wilson ont immigré aux États-Unis depuis Strabane, dans le comté de Tyrone, en Irlande (aujourd'hui Irlande du Nord), en 1807. Sa mère est née à Carlisle, Cumberland, en Angleterre, fille du révérend Thomas Woodrow de Paisley, en Écosse, et Marion Williamson de Glasgow. C'était l'un des comtés frontaliers qui fournissaient de nombreux immigrants aux colonies nord-américaines à la fin du XVIIIe siècle.
La famille d'immigrants de Joseph Wilson s'est installée à Steubenville, Ohio. Là, son père a publié un journal pro-tarifaire et anti-esclavagiste, The Western Herald and Gazette.
Après leur mariage, Joseph et Jessie Wilson ont déménagé dans le Sud en 1851 et se sont pleinement identifiés à ce pays, quittant la Virginie pour s'enfoncer plus profondément dans la région alors que Wilson était appelé à devenir ministre en Géorgie et en Caroline du Sud. Joseph Wilson possédait des esclaves, défendait l'esclavage et créait également une école du dimanche pour ses esclaves. Les deux parents se sont identifiés à la Confédération pendant la guerre civile américaine ; ils soignaient les soldats blessés dans leur église et le père de Wilson servit brièvement comme aumônier de l'armée confédérée. Le premier souvenir de Woodrow Wilson, dès l'âge de trois ans, était d'entendre qu'Abraham Lincoln avait été élu et qu'une guerre était imminente. Wilson se souviendra toujours d'être resté un moment aux côtés du général Robert E. Lee et de le regarder en face.
En 1861, le père de Wilson fut l'un des fondateurs de l'Église presbytérienne du sud des États-Unis (PCUS) après sa séparation des presbytériens du nord. Il a été le premier greffier permanent de l'Assemblée générale de l'Église du Sud, a été greffier déclaré pendant plus de trois décennies, de 1865 à 1898, et a été modérateur de l'Assemblée générale du PCUS en 1879. Il est devenu ministre de la première église presbytérienne d'Augusta, en Géorgie. , et la famille y vécut jusqu'en 1870, lorsque le jeune Wilson avait 14 ans. Wilson, en 1873, devint officiellement membre de la première église presbytérienne de Columbia en Caroline du Sud et le resta tout au long de sa vie.
Éducation
La lecture de Wilson a commencé à l'âge de dix ans, peut-être retardée par la dyslexie ; il a ensuite blâmé le manque d'écoles dans le Sud de l'après-guerre. Adolescent, il a appris lui-même le système de sténographie de Graham pour compenser et a réussi ses études avec autodiscipline, étudiant à la maison avec son père, puis dans des cours dans une petite école d'Augusta, en Géorgie.
Pendant la Reconstruction, Wilson a vécu à Columbia, en Caroline du Sud, de 1870 à 1874, tandis que son père était professeur au Columbia Theological Seminary.
Son père a déménagé la famille à Wilmington, en Caroline du Nord, en 1874, où il fut ministre de la Première église presbytérienne jusqu'en 1882. Wilson fréquenta le Davidson College en Caroline du Nord pendant l'année scolaire 1873-1874, interrompue par la maladie, puis transférée à Princeton. un étudiant de première année. Il est diplômé en 1879, membre de la fraternité Phi Kappa Psi. Au cours de sa deuxième année, il a étudié la philosophie politique et l'histoire, a été actif dans la société littéraire et de débat Whig et a écrit pour la Nassau Literary Review. Il a organisé la Liberal Debating Society et a ensuite dirigé le panel de débat Whig-Clio. Lors de l'élection présidentielle très contestée de 1876, Wilson déclara son soutien au Parti démocrate et à son candidat, Samuel J. Tilden.
En 1879, Wilson fréquenta la faculté de droit de l'Université de Virginie pendant un an ; il a été impliqué dans le Virginia Glee Club et a été président de la Jefferson Literary and Debating Society. Là-bas, il aimait se rendre fréquemment dans sa ville natale de Staunton. Il rendit visite à des cousins et tomba amoureux d'une d'entre elles, Hattie Woodrow, même si ses affections n'étaient pas partagées.
Sa santé étant devenue fragile et dictant le retrait, il rentra chez ses parents, vivant alors à Wilmington, en Caroline du Nord, où il poursuivit ses études de droit. Wilson fut admis au barreau de Géorgie et fit une brève tentative d'exercer le droit en janvier 1882 ; il trouvait l'histoire juridique et la jurisprudence substantielle intéressantes, mais abhorrait les aspects procéduraux quotidiens. Après moins d’un an, il abandonne cette pratique pour poursuivre ses études de sciences politiques et d’histoire. Les deux parents ont exprimé leur inquiétude face à une décision potentiellement prématurée.
À l'automne d'avril 1883, Wilson entre à l'Université Johns Hopkins pour étudier l'histoire, les sciences politiques et la langue allemande. Trois ans plus tard, il termine sa thèse de doctorat, Congressional Government: A Study in American Politics, et obtient un doctorat.
Mariage et famille
À la fin du printemps 1883, Wilson fut convoqué à Rome, en Géorgie, pour aider au règlement de la succession de son oncle maternel William, qui était mal gérée par un beau-frère. Là-bas, il rencontra et tomba amoureux d'Ellen Louise Axson, la fille d'un pasteur de Savannah, en Géorgie ; il lui a proposé et ils se sont fiancés à Asheville.
Le mariage de Wilson avec Ellen a été retardé par des développements traumatisants dans sa famille ; à la fin de 1883, le père d'Ellen, Edward, souffrant de dépression, fut admis à l'hôpital psychiatrique de l'État de Géorgie, où, en 1884, il se suicida. Après avoir fermé la maison familiale à Rome, en Géorgie, et s'être remise du choc initial, Ellen a été admise à l'Art Students League de New York. Après avoir obtenu son diplôme, elle poursuit l'art du portrait et reçoit une médaille pour l'une de ses œuvres à l'Exposition internationale de Paris. Elle accepta volontiers de sacrifier ses activités artistiques indépendantes afin de respecter son engagement matrimonial et, en 1885, elle et Wilson se marièrent.
Intérêts personnels
Wilson était un passionné d'automobile et faisait des promenades quotidiennes alors qu'il était président dans sa voiture préférée, une Pierce-Arrow de 1919. Son plaisir pour l'automobile a fait de lui un partisan du financement des routes publiques. Wilson était un fervent fan de baseball et, en 1915, il devint le premier président en exercice à assister et à lancer la première balle lors d'un match de la Série mondiale. Wilson avait été défenseur central pendant ses années au Davidson College et était le directeur adjoint de l'équipe de Princeton. Il faisait régulièrement du vélo et prenait plusieurs vacances à vélo dans la région des lacs anglais. Wilson s'est ensuite mis au golf.
Carrière académique
Wilson a travaillé comme maître de conférences à l'Université Cornell en 1886-1887, où il a rejoint l'Irving Literary Society. Il a ensuite enseigné au Bryn Mawr College de 1885 à 1888, enseignant l'histoire grecque et romaine ancienne ; là-bas, il a refusé les offres des universités du Michigan et de l'Indiana. Lorsqu'Ellen était enceinte de leur premier enfant en 1886, le couple décida qu'Ellen devait se rendre à la résidence de sa tante Louisa Brown à Gainesville, en Géorgie, pour avoir leur premier enfant ; elle est arrivée juste un jour avant la naissance du bébé, Margaret, en avril 1886. Leur deuxième enfant, Jessie, est née en août 1887.
En 1888, Wilson quitta Bryn Mawr pour l'Université Wesleyan ; c'était une décision controversée, car il avait signé un contrat de trois ans avec Bryn Mawr en 1887. Les deux parties ont affirmé des violations du contrat et l'affaire s'est calmée. À Wesleyan, il a entraîné l'équipe de football et fondé l'équipe de débat qui porte son nom.
En février 1890, avec l'aide d'amis, Wilson fut élu par le conseil d'administration de l'Université de Princeton à la chaire de jurisprudence et d'économie politique, avec un salaire annuel de 3 000 $. Il a poursuivi une pratique antérieure consistant à réserver du temps pour un cours de six semaines en administration à Johns Hopkins. Il a également été membre du corps professoral du collège coordonné de courte durée, Evelyn College for Women. De plus, Wilson est devenu le premier professeur de droit constitutionnel à la New York Law School, où il a enseigné avec Charles Evans Hughes. Représentant l'American Whig Society, Wilson a prononcé un discours lors de la célébration du cent cinquantenaire de Princeton (1896) intitulé « Princeton au service de la nation », qui était à l'origine de la devise de l'école. Wilson est devenu ennuyé que Princeton ne soit pas à la hauteur de son potentiel, se plaignant: "Il y a une petite université dans le Kentucky qui, en 60 ans, a diplômé plus d'hommes qui ont acquis de l'importance et de la renommée que Princeton en 150 ans."
Auteur de sciences politiques
Contraste entre la république démocratique américaine et le parlement britannique
Wilson, disciple de Walter Bagehot, considérait la Constitution des États-Unis comme lourde et ouverte à la corruption. Wilson était favorable à un système parlementaire pour les États-Unis et écrivait au début des années 1880 : « Je vous demande de vous poser cette question : ne devrions-nous pas rapprocher l'exécutif et le législatif ? les leaders d'opinion au Congrès ont une meilleure chance d'avoir un parti intime pour déterminer qui devrait être président, et le président, d'autre part, une meilleure chance de s'affirmer comme un homme d'État et ses conseillers comme des hommes d'affaires capables, sous la direction de Congrès."
Le premier ouvrage politique de Wilson, Congressional Government (1885), préconisait un système parlementaire. Il a décrit de manière critique le gouvernement des États-Unis, avec de fréquentes comparaisons négatives avec Westminster. Les critiques ont soutenu que le livre avait été écrit sans que l'auteur ait observé aucun aspect opérationnel du Congrès américain, et les partisans ont affirmé que l'ouvrage était le produit de l'imagination d'un futur homme d'État. Le livre reflétait le plus grand pouvoir du législatif, par rapport à l'exécutif, au cours de la période d'après-guerre. Wilson est devenu plus tard un contributeur régulier à Political Science Quarterly, une revue universitaire.
La deuxième publication de Wilson en 1890 était un manuel intitulé The State, largement utilisé dans les cours universitaires à travers le pays jusque dans les années 1920. Il a fait valoir que le gouvernement ne devrait pas être considéré comme mauvais et a préconisé son utilisation pour apaiser les maux sociaux et faire progresser le bien-être de la société. en 1889, Wilson a contribué à une série historique américaine, couvrant la période allant du Prés. Jackson à travers la reconstruction. Son troisième livre, intitulé Division and Reunion, fut publié en 1893 et considéré comme une contribution exceptionnelle à l'écriture historique américaine. La quatrième publication de Wilson, un ouvrage en cinq volumes intitulé History of the American People, fut le point culminant d'une série d'articles écrits pour Harper's et fut publiée en 1902. En 1899, Wilson écrivait dans « The State » que les gouvernements pouvaient légitimement promouvoir le bien-être général « en interdisant le travail des enfants, en surveillant les conditions sanitaires des usines, en limitant l'emploi des femmes à des travaux nuisibles à leur santé, en instituant des contrôles officiels de la pureté ou de la qualité des marchandises vendues, en limitant la durée du travail dans les certains métiers, [et] par cent et une limitations du pouvoir des hommes sans scrupules ou sans cœur de surpasser les scrupuleux et miséricordieux dans le commerce ou l'industrie.
Wilson pensait que le système américain de freins et contrepoids compliquait la gouvernance américaine. Si le gouvernement se comportait mal, Wilson se demandait : « Comment le maître d'école, la nation, peut-il savoir quel garçon a besoin d'être fouetté ? » Wilson, Congressional Government (1885), pp. 186-187. Wilson a particulièrement critiqué la Chambre des représentants des États-Unis, en déclarant :
"... divisés, pour ainsi dire, en quarante-sept seigneuries, dans chacune desquelles un comité permanent est le baron de la cour et son président seigneur-propriétaire. Ces petits barons, certains d'entre eux pas peu puissants, mais aucun certains d'entre eux à la portée [des] pleins pouvoirs de gouvernement, peuvent à volonté exercer une influence presque despotique sur leurs propres comtés, et peuvent parfois menacer de convulser même le royaume lui-même. » Wilson Congressional Government 1885, p. 76.
Dans son dernier ouvrage scientifique, Constitutional Government of the United States (1908), Wilson a déclaré que la présidence « sera aussi grande et aussi influente que l'homme qui l'occupe ». Au moment de sa présidence, Wilson espérait que les présidents pourraient être des chefs de parti au même titre que les premiers ministres britanniques. Wilson espérait également que les partis pourraient être réorganisés selon des lignes idéologiques et non géographiques. Il a écrit : « Huit mots contiennent la somme de la dégradation actuelle de nos partis politiques : pas de dirigeants, pas de principes ; pas de principes, pas de partis. »
Wilson a également écrit que les efforts de charité devraient être retirés du domaine privé et « faire du devoir juridique impératif de l'ensemble », une position qui, selon Robert M. Saunders, semblait indiquer que Wilson « préparait le terrain pour l'aide sociale moderne ». État."
Administration publique
Wilson a également étudié l'administration publique, qu'il a appelée « ... le gouvernement en action ; c'est l'exécutif, l'opérationnel, le côté le plus visible du gouvernement, et est bien sûr aussi vieux que le gouvernement lui-même ». Il pensait que l'étude de l'administration publique pourrait permettre aux fonctionnaires d'accroître l'efficacité gouvernementale. Il a critiqué les dirigeants politiques qui se concentraient sur les questions philosophiques et la nature du gouvernement et a rejeté les questions critiques de l'administration gouvernementale comme de simples « détails pratiques ». Il estime que de telles attitudes correspondent aux exigences de pays et de populations plus petits. À son époque, pensait-il, « ... il devient de plus en plus difficile de mettre en œuvre une constitution que d'en élaborer une. » Il a estimé qu'il était temps "... de redresser les voies du gouvernement, de rendre ses activités moins commerciales, de renforcer et de purifier son organisation, et de couronner son devoir". Il a résumé la croissance d’États étrangers comme la Prusse, la France et l’Angleterre, en soulignant les événements qui ont conduit aux progrès de l’administration.
En revanche, il estime que les États-Unis ont besoin de plus de compromis en raison de la diversité de l'opinion publique et de la difficulté de former une opinion majoritaire ; la réforme pratique du gouvernement était donc nécessairement lente. Pourtant, Wilson a insisté sur le fait que « ... l'administration se situe en dehors de la sphère propre de la politique » et que « ... les lois générales qui ordonnent que ces choses soient faites sont tout aussi évidemment en dehors et au-dessus de l'administration. » Il a comparé l’administration à une machine qui fonctionne indépendamment des changements d’humeur de ses dirigeants. Une telle ligne de démarcation vise à concentrer la responsabilité des actions entreprises sur les personnes ou les responsables. Comme le dit Wilson, « ... l'attention du public doit être facilement dirigée, dans chaque cas de bonne ou de mauvaise administration, vers l'homme qui mérite des éloges ou des reproches. Il n'y a aucun danger au pouvoir, pourvu qu'il ne soit pas irresponsable. Si qu'il soit divisé, distribué en partage à un grand nombre, il est obscurci..." Essentiellement, les éléments relevant du pouvoir discrétionnaire de l'administration doivent avoir une portée limitée, de manière à ne pas bloquer, annuler, obscurcir ou modifier la mise en œuvre du décret gouvernemental pris. par le pouvoir exécutif.
Président de l'Université de Princeton
Wilson s'était déjà vu offrir la présidence de l'Université de l'Illinois en 1892 et de l'Université de Virginie en 1901, qu'il refusa toutes deux. Les administrateurs de Princeton promurent le professeur Wilson au poste de président en juin 1902, en remplacement de Francis Landey Patton, que les administrateurs considéraient comme un administrateur inefficace.
Bien que la dotation de l'école soit d'à peine 4 millions de dollars, Wilson cherchait 2 millions de dollars pour un système d'enseignement préceptoral, 1 million de dollars pour une école des sciences et près de 3 millions de dollars pour de nouveaux bâtiments et des augmentations de salaire. Comme objectif à long terme, Wilson recherchait 3 millions de dollars pour une école supérieure et 2,5 millions de dollars pour des écoles de jurisprudence et de génie électrique, ainsi qu'un musée d'histoire naturelle. Il a augmenté le nombre d'enseignants de 112 à 174, dont il a sélectionné lui-même la plupart sur la base de leurs antécédents en tant qu'enseignants exceptionnels. Les lignes directrices des programmes d'études qu'il a élaborées se sont révélées d'importantes innovations progressistes dans le domaine de l'enseignement supérieur. Wilson a également fait des études bibliques une activité scientifique, a nommé le premier juif et le premier catholique romain à la faculté et a contribué à libérer le conseil d'administration de la domination des presbytériens conservateurs.
Pour mettre l'accent sur le développement de l'expertise, Wilson a institué des départements universitaires et un système d'exigences de base. Les étudiants devaient se réunir en groupes de six avec des précepteurs, suivis de deux années de concentration dans une spécialité sélectionnée. Il a essayé d'élever les normes d'admission et de remplacer le « gentleman's C » par des études sérieuses. Wilson aspirait, comme il l'a dit aux anciens élèves, « à transformer les garçons irréfléchis accomplissant des tâches en hommes réfléchis ».
En 1906, Wilson se réveilla et se retrouva aveugle de l'œil gauche, résultat d'un caillot sanguin et d'une hypertension. L'opinion médicale moderne suppose que Wilson avait subi un accident vasculaire cérébral - on lui a diagnostiqué plus tard, comme son père, un durcissement des artères ; il a pris des vacances aux Bermudes. Il commença à montrer les traits d'impatience et d'intolérance de son père, ce qui conduisait parfois à des erreurs de jugement. En 1896, Wilson avait décrit son problème de manière quelque peu prophétique, dans le discours du cent cinquantenaire prononcé à Princeton : « ... votre presbytérien minutieux n'est pas soumis aux lois ordinaires de la vie, est d'une fibre trop têtue, a un objectif trop peu détendu, pour souffrir. un simple inconvénient pour apporter la défaite".
Lorsque Wilson commença ses vacances aux Bermudes en 1906, il rencontra une mondaine, Mary Hulbert Peck. Leurs visites ensemble devinrent régulières à son retour. Wilson, dans ses lettres à Ellen, racontait ouvertement ces rassemblements ainsi que ses autres événements sociaux. Selon le biographe August Heckscher, Ellen pouvait sentir un problème et c'est devenu le sujet d'une discussion franche entre eux. Les historiens de Wilson n'ont pas établi de manière concluante qu'il y avait eu une liaison ; mais Wilson a écrit à une occasion une réflexion en sténographie - au verso d'un brouillon pour un éditorial : "ma précieuse, ma bien-aimée Mary".; Wilson envoya également des lettres très personnelles qui seront ensuite utilisées contre lui par ses adversaires.
Pendant son séjour à Princeton, il a tenté de réduire l'influence des élites sociales en abolissant les clubs de restauration de la classe supérieure. Il a proposé de déplacer les étudiants dans des collèges, également appelés quadrangles. Le plan Quad de Wilson s'est heurté à une opposition farouche de la part des anciens élèves de Princeton. Wilson a persisté, affirmant que céder « reviendrait à temporiser avec le mal ». En octobre 1907, en raison de l'intensité de l'opposition des anciens élèves, le conseil d'administration retira son soutien au plan Quad et ordonna à Wilson de le retirer. Peu de temps après, Wilson souffrit d'une récidive de sa maladie de 1906 ; comme autrefois, des vacances furent prescrites et se révélèrent bénéfiques.
À la fin de son mandat, Wilson a eu une confrontation avec Andrew Fleming West, doyen de l'école supérieure, et également avec l'ancien président Grover Cleveland, allié de West, qui était administrateur. Wilson souhaitait intégrer un bâtiment d'école supérieure proposé au cœur du campus, tandis que West préférait un site de campus plus éloigné. En 1909, la dernière année de Wilson à Princeton commença par un don fait à la campagne des études supérieures, à condition que l'école supérieure soit située hors campus ; l'acceptation de cette condition par le conseil d'administration a été une défaite cruciale pour Wilson. La presse nationale a présenté la confrontation comme une bataille entre les élites, représentées par West, et les populistes, représentés par Wilson.
Dès le début, Wilson fut désenchanté par la résistance à ses recommandations à Princeton ; il a réfléchi sur le futur leadership politique. Avant la convention d'investiture démocrate à la présidence en 1908, Wilson avait laissé entendre à certains acteurs influents du Parti démocrate son intérêt pour le ticket démocrate. Même s'il ne s'attendait pas vraiment à être inscrit sur la liste, il a laissé des instructions selon lesquelles il ne devrait pas se voir proposer la nomination à la vice-présidence. Et puis il est parti en vacances en Écosse. Les habitués du parti considéraient ses idées comme politiquement et géographiquement détachées et fantaisistes. Mais les graines avaient été semées. Wilson a fait remarquer plus tard que la politique était moins brusque que l'administration universitaire.
Wilson a été élu président de l'American Political Science Association en 1910, mais a rapidement décidé de quitter son poste à Princeton et de se lancer dans la politique de l'État du New Jersey. McGeorge Bundy a décrit en 1956 la contribution de Wilson à Princeton : « Wilson avait raison dans sa conviction que Princeton doit être plus qu'un foyer merveilleusement agréable et décent pour de gentils jeunes hommes ; cela l'a été davantage depuis son époque ».
Gouverneur du New Jersey
En janvier 1910, Wilson avait attiré l'attention du sénateur américain du New Jersey James Smith, Jr. et de George Harvey en tant que porte-drapeau démocrate potentiel lors des prochaines élections de gouverneur. Le 12 juillet 1910, il fut présenté aux acteurs puissants du New Jersey au Lawyers Club de New York, notamment James Richard Nugent, Robert S. Hudspeth, Millard F. Ross et Richard V. Lindabury. Les patrons avaient choisi leur homme, mais sa nomination n'était pas une évidence : beaucoup, y compris les syndicats, estimaient que Wilson était un nouveau venu inexpérimenté. Néanmoins, les patrons rassemblèrent leurs forces lors du congrès du parti et, le 14 septembre, Wilson fut nommé ; ceci, malgré son soutien à l’option locale sur la question de l’alcool – en opposition à la machine politique. Il a soumis sa lettre de démission à Princeton le 20 octobre.
L'adversaire de Wilson aux élections générales était la candidate républicaine Vivian M. Lewis, commissaire d'État aux banques et aux assurances. La campagne de Wilson s'est concentrée sur sa promesse d'être indépendant des chefs de parti. Wilson abandonna rapidement son style professoral pour un discours plus audacieux et se présenta comme un progressiste à part entière. Il a battu Lewis avec une marge de plus de 650 000 voix, bien que le républicain William Howard Taft ait remporté le New Jersey à l'élection présidentielle de 1908 par plus de 82 000 voix. L'historien Edmund Morris a qualifié Wilson de «cheval noir» dans la course au gouverneur. Il a attribué son succès et celui d'autres contre les républicains de Taft en 1910 en partie au message progressiste national émergent énoncé par Theodore Roosevelt après sa présidence.
Lors des élections de 1910, les démocrates prirent également le contrôle de l’Assemblée générale, même si le Sénat de l’État resta aux mains des républicains. Wilson a nommé Joseph Patrick Tumulty comme secrétaire particulier, poste qu'il a occupé tout au long de la carrière politique de Wilson. Il a commencé à formuler son programme réformiste, avec l’intention d’ignorer les exigences de l’appareil parti. Après l'élection de Wilson, le chef politique du sénateur américain Smith a demandé à Wilson d'approuver sa propre candidature à la réélection à la législature de l'État (c'était avant l'élection populaire des sénateurs) ; Wilson a refusé et a soutenu l'adversaire de Smith, James E Martine. Lorsque Martine a remporté le siège, Wilson s'était manifestement positionné comme un nouveau leader du parti dans cet État.
Wilson s'est concentré sur quatre réformes majeures de l'État : des modifications dans les lois électorales, une loi sur les pratiques de corruption, l'indemnisation des accidents du travail et la création d'une commission chargée de réglementer les services publics. Le projet de loi Geran, rédigé par Del. Elmer H Geran, élargissait la participation du public aux primaires pour tous les postes, y compris les responsables et les délégués du parti ; elle était donc dirigée contre le pouvoir des chefs politiques. Il a été adopté par l’Assemblée nationale, quoique avec une faible marge. La loi sur les pratiques de corruption et la loi sur l'indemnisation des accidents du travail ont rapidement suivi.
Élection présidentielle de 1912
Nomination démocrate
L'importance de Wilson en tant que gouverneur et dans les médias nationaux a déclenché sa campagne présidentielle en 1912. Wilson s'est engagé à tenter d'obtenir l'investiture démocrate en mars de l'année précédente lorsqu'il a pris la parole lors d'une réunion du Southern Commercial Congress à Atlanta ; il dit ensuite : « On m'a offert un dîner, un petit-déjeuner et une réception, et à chaque occasion possible, j'ai été nommé à la présidence ! Pendant que Wilson était à Atlanta, sa femme Ellen, avertie que le démocrate clé William Jennings Bryan était en visite à Princeton et rappelant l'opposition de Wilson à son égard en 1896, l'invita à dîner au retour de Wilson. L’établissement de relations avec Bryan, le dernier porte-drapeau du parti, a été un succès.
Wilson a lancé une campagne publique pour l'investiture dans le Sud, avec un discours devant le Pewter Platter Club à Norfolk, en Virginie. Bien qu'il ait été accueilli avec enthousiasme, son discours, de nature réformiste, a été considéré comme provocateur et radical par le public conservateur, rendant la visite dans l'ensemble moins que positive. Cependant, Wilson étant le premier sudiste à avoir une chance sérieuse à la Maison Blanche depuis 1848, les démocrates du Sud en général ont fortement soutenu la campagne de Wilson pour l'investiture en 1912. Le soutien de Wilson provenait davantage de jeunes progressistes de cette région, notamment d'intellectuels, de rédacteurs en chef et d'avocats. . Wilson a réussi à manœuvrer à travers les complexités de la politique locale. Par exemple, au Tennessee, le Parti démocrate était divisé sur la prohibition ; Wilson était progressiste et sobre, mais pas sec, et séduisait les deux côtés. Ils se sont unis derrière lui pour remporter l'élection présidentielle dans l'État, mais se sont divisés sur la politique de l'État et ont perdu l'élection du gouverneur.
Après Norfolk, Wilson s'est ensuite dirigé vers l'ouest jusqu'au Kansas, au Colorado, en Californie, à l'Oregon et à Washington ; il était favorable aux réformes électorales qui donnaient du pouvoir à la population, comme l'initiative, le référendum et la révocation (à l'exception des juges). En Californie, Wilson a été interrogé sur son point de vue sur le droit de vote des femmes et, bien qu'il y soit fermement opposé, il a répondu évasivement que c'était une question qui revenait aux États de décider.
En juillet 1911, Wilson fit appel à William Gibbs McAdoo et Edward Mandell House pour gérer la campagne. La convention démocrate de Baltimore en 1912 fut l’une des conventions les plus dramatiques de l’histoire américaine ; seules les conventions républicaines de 1880 et 1940 et la convention démocrate de 1952 sont comparables. William F. McCombs, qui a aidé Wilson à remporter le poste de gouverneur, a été président de la convention. Lors de leur congrès, les Républicains avaient préparé le terrain une semaine plus tôt, en nommant le président sortant William Howard Taft, tandis que Theodore Roosevelt se retirait, pour lancer une campagne indépendante visant à diviser les voix du parti. Wilson était convaincu que la convention de Baltimore devait être autorisée à exprimer sa volonté sans son ingérence. Il s'est donc mis au golf et à l'automobile. Quant à son assistant Tumulty, il "a failli s'effondrer" sous la pression
La convention s'est retrouvée dans l'impasse pendant plus de quarante scrutins : aucun candidat n'a pu atteindre la majorité des deux tiers requise. Le principal concurrent était le président de la Chambre des représentants, Champ Clark, un éminent progressiste, le plus fort des États frontaliers. D'autres prétendants moins charismatiques étaient le gouverneur Judson Harmon de l'Ohio et le représentant Oscar Underwood de l'Alabama. L'éditeur William Randolph Hearst, leader de l'aile gauche du parti, a soutenu Clark. William Jennings Bryan, candidat en 1896, 1900 et 1908, a joué un rôle crucial dans son opposition déclarée à tout candidat soutenu par « les financiers de Wall Street ». En effet, au dixième tour de scrutin, la délégation de New York s'est prononcée à l'unanimité en faveur de Clark, et les lignes de bataille étaient clairement tracées entre les patrons et les délégués de base. Bryan a ensuite annoncé au quatorzième tour de scrutin que son vote pour Clark serait refusé en raison du vote à New York. Le décompte de Wilson a commencé à grimper régulièrement et il a d'abord dominé le vote de Clark au trentième tour de scrutin. Bryan a annoncé pour Wilson, qui a finalement remporté la nomination au 46e tour. Wilson a choisi le gouverneur de l'Indiana, Thomas R. Marshall, comme candidat à la vice-présidence.
Élection générale
Wilson a ordonné au président des finances, Henry Morgenthau, de ne pas accepter les contributions de c | http://www.quizballs.com/ |
Dans la série télévisée pour enfants « Scooby Doo », quel est le nom de famille de Velma ? | Dinkley | [
"Scooby-Doo est une franchise américaine de dessins animés, comprenant plusieurs séries télévisées d'animation produites de 1969 à nos jours. La série originale, Scooby-Doo, où es-tu !, a été créée pour Hanna-Barbera Productions par les scénaristes Joe Ruby et Ken Spears en 1969. Cette série de dessins animés du samedi matin mettait en vedette quatre adolescents : Fred Jones, Daphne Blake, Velma Dinkley et Norville \"Shaggy\" Rogers - et leur dogue allemand parlant nommé Scooby-Doo, qui résolvent des mystères impliquant des créatures soi-disant surnaturelles à travers une série de pitreries et de faux pas."
] | Scooby-Doo est une franchise américaine de dessins animés, comprenant plusieurs séries télévisées d'animation produites de 1969 à nos jours. La série originale, Scooby-Doo, où es-tu !, a été créée pour Hanna-Barbera Productions par les scénaristes Joe Ruby et Ken Spears en 1969. Cette série de dessins animés du samedi matin mettait en vedette quatre adolescents : Fred Jones, Daphne Blake, Velma Dinkley et Norville "Shaggy" Rogers - et leur dogue allemand parlant nommé Scooby-Doo, qui résolvent des mystères impliquant des créatures soi-disant surnaturelles à travers une série de pitreries et de faux pas.
Suite au succès de la série originale, Hanna-Barbera et son successeur Warner Bros. Animation ont produit de nombreuses séries animées de suivi et dérivées et plusieurs œuvres connexes, y compris des émissions spéciales télévisées et des films conçus pour la télévision, une ligne de direct -des films en vidéo et deux longs métrages de cinéma produits par Warner Bros. Certaines versions de Scooby-Doo présentent différentes variations sur le thème surnaturel de la série et incluent des personnages tels que le cousin de Scooby, Scooby-Dum, et son neveu Scrappy-Doo en plus ou à la place de certains des personnages originaux.
Scooby-Doo a été initialement diffusé sur CBS de 1969 à 1976, date à laquelle il a été transféré sur ABC. ABC a diffusé l'émission jusqu'à son annulation en 1986 et a présenté un spin-off mettant en vedette les personnages enfants, A Pup Named Scooby-Doo, de 1988 à 1991. La nouvelle série Scooby-Doo a été diffusée dans le cadre de Kids WB sur The WB Network et son successeur, The CW Network, de 2002 à 2008. Scooby-Doo ! Mystery Incorporated a été diffusé sur Cartoon Network de 2010 à 2013, et Be Cool, Scooby-Doo ! a fait ses débuts sur Cartoon Network en 2015. Des rediffusions des différentes séries Scooby-Doo sont fréquemment diffusées sur Cartoon Network et sa chaîne sœur Boomerang aux États-Unis ainsi que dans d'autres pays.
En 2013, TV Guide a classé Scooby-Doo au cinquième rang des meilleurs dessins animés télévisés de tous les temps.
Développement
En 1968, des organisations dirigées par des parents, notamment Action for Children's Television (ACT), ont commencé à protester contre ce qu'elles considéraient comme une violence excessive dans les dessins animés du samedi matin. La plupart de ces émissions étaient des dessins animés d'action de Hanna-Barbera comme Space Ghost, The Herculoids et Birdman and the Galaxy Trio, et pratiquement toutes ont été annulées en 1969 en raison de la pression des groupes de parents. Les membres de ces groupes de surveillance ont servi de conseillers à Hanna-Barbera et à d'autres studios d'animation pour garantir que leurs nouveaux programmes seraient sans danger pour les enfants.
Fred Silverman, directeur en charge de la programmation de jour du réseau CBS à l'époque, cherchait une émission qui redynamiserait sa ligne du samedi matin et plairait en même temps aux groupes de surveillance. Le résultat fut The Archie Show, basé sur la bande dessinée humoristique pour adolescents Archie de Bob Montana. Les numéros musicaux interprétés par The Archies au cours de chaque programme ont également été un succès (dont l'un, "Sugar, Sugar", était le hit numéro un du Billboard le plus réussi de 1969). Silverman était impatient de s'appuyer sur ce succès et a contacté les producteurs William Hanna et Joseph Barbera pour éventuellement créer un autre spectacle basé sur un groupe de rock adolescent, celui-ci mettant en vedette des adolescents qui ont résolu des mystères entre les concerts. Silverman a envisagé l'émission comme un croisement entre les séries radiophoniques populaires I Love a Mystery des années 1940 et soit les personnages d'Archie, soit la série télévisée populaire du début des années 1960, The Many Loves of Dobie Gillis.
Après avoir tenté de développer sa propre version du spectacle proposé appelé House of Mystery, Joseph Barbera, qui s'occupait du développement et de la vente des spectacles Hanna-Barbera tandis que William Hanna s'occupait de la production, a confié la tâche aux scénaristes Joe Ruby et Ken Spears et à l'artiste. /Créateur de personnages Iwao Takamoto. Leur traitement original, basé en partie sur The Archie Show, s'intitulait Mysteries Five et mettait en vedette cinq adolescents : Geoff, Mike, Kelly, Linda, le frère de Linda, W.W. et leur chien joueur de bongo, Too Much, qui étaient tous membres du groupe Mysteries Five. Lorsque les Mysteries Five ne se produisaient pas en concert, ils résolvaient des mystères effrayants impliquant des fantômes, des zombies et d'autres créatures surnaturelles. Ruby et Spears étaient incapables de décider si Too Much serait un gros chien lâche ou un petit chien fougueux. Lorsque le premier a été choisi, Ruby et Spears ont écrit Too Much as a Great Dane mais ont révisé le personnage du chien en un grand chien de berger (semblable au chien de berger des Archies, Hot Dog) juste avant leur présentation à Silverman, car Ruby craignait que le personnage ne soit. trop similaire au personnage de bande dessinée Marmaduke. Silverman a rejeté leur argumentaire initial et, après avoir consulté Barbera sur les prochaines étapes, a obtenu la permission de Barbera d'aller de l'avant avec Too Much étant un grand danois au lieu d'un chien de berger.
Le concepteur principal des personnages, Takamoto, lors de la conception des personnages, a consulté un collègue du studio qui se trouvait être un éleveur de grands danois. Après avoir appris auprès d'elle les caractéristiques d'un dogue allemand primé, Takamoto a enfreint la plupart des règles et a conçu Too Much avec des jambes trop courbées, un double menton et un dos incliné, entre autres anomalies.
Le deuxième passage de Ruby et Spears à l'émission a utilisé Dobie Gillis comme modèle pour les adolescents plutôt qu'Archie. Le traitement a retenu le chien Too Much, tout en réduisant le nombre d'adolescents à quatre, en supprimant le personnage de Mike et en conservant Geoff, Kelly, Linda et W.W. Au fur et à mesure que leurs personnalités ont été modifiées, les noms des personnages ont également changé : Geoff est devenu « Ronnie » – rebaptisé plus tard « Fred » (à la demande de Silverman), Kelly est devenue « Daphné », Linda « Velma » et W.W. "Hirsute". Les adolescents étaient désormais basés sur quatre personnages adolescents de Les nombreuses amours de Dobie Gillis : Dobie Gillis, Thalia Menninger, Zelda Gilroy et Maynard G. Krebs, respectivement.
L'émission révisée a été relancée à Silverman, qui a aimé le matériel mais, n'aimant pas le titre Mysteries Five, a décidé d'appeler l'émission Who's S-S-Scared ? Silverman a présenté Who's S-S-Scared ? aux dirigeants de CBS comme pièce maîtresse du bloc de dessins animés du samedi matin de la prochaine saison 1969-1970. Le président de CBS, Frank Stanton, a estimé que les illustrations de présentation étaient trop effrayantes pour les jeunes téléspectateurs et, pensant que l'émission serait la même, a décidé de les transmettre.
Désormais sans pièce maîtresse pour la programmation de la saison à venir, Silverman a demandé à Ruby, Spears et au personnel de Hanna-Barbera de réviser les traitements et le matériel de présentation pour atténuer le spectacle et mieux refléter ses éléments comiques. L'élément groupe de rock a été abandonné et davantage d'attention s'est concentrée sur Shaggy et Too Much. Selon Ruby et Spears, Silverman s'est inspiré du scat "doo-be-doo-be-doo" de Frank Sinatra à la fin de son enregistrement de "Strangers in the Night" lors d'un vol vers l'une des réunions de développement, et a décidé de renommez le chien « Scooby-Doo » et rebaptisez la série Scooby-Doo, où es-tu ! L'émission révisée a été présentée à nouveau aux dirigeants de CBS, qui ont approuvé sa production.
Série télévisée originale diffusée
Les années CBS (1969-1975)
Scooby-Doo, où es-tu !
Scooby-Doo, où es-tu ! a fait ses débuts sur le réseau CBS le samedi 13 septembre 1969 avec son premier épisode, "Quelle nuit pour un chevalier". La distribution originale comprenait le doubleur vétéran Don Messick dans le rôle de Scooby-Doo, le DJ radio Casey Kasem (plus tard animateur de l'émission de radio American Top 40) dans le rôle de Shaggy, l'acteur Frank Welker (plus tard un doubleur vétéran à part entière) dans le rôle de Fred, actrice. Nicole Jaffe dans le rôle de Velma et la musicienne Indira Stefanianna Christopherson dans le rôle de Daphné. Les modèles de discours de Scooby ressemblaient beaucoup à un chien de dessin animé antérieur, Astro de The Jetsons (1962-1963), également exprimé par Messick. Dix-sept épisodes de Scooby-Doo Où es-tu ! ont été produits en 1969-70. La chanson thème de la série a été écrite par David Mook et Ben Raleigh et interprétée par Larry Marks.
Chacun de ces épisodes présente Scooby et les quatre membres adolescents de Mystery, Inc., Fred, Shaggy, Daphné et Velma, arrivant à un endroit dans la "Mystery Machine", une camionnette peinte de couleurs psychédéliques et d'images flower power. Rencontrant un fantôme, un monstre ou une autre créature surnaturelle qui terrorise la population locale, ils décident d'enquêter. Les enfants se séparent pour chercher des indices et des suspects tout en étant pourchassés tour à tour par le monstre. Finalement, les enfants réalisent que le fantôme et les autres activités paranormales sont en réalité un canular élaboré et, souvent avec l'aide d'un piège de type Rube Goldberg conçu par Fred, ils capturent le méchant et le démasquent. Révélé comme un escroc en chair et en os essayant de dissimuler des crimes en utilisant l'histoire et le costume de fantômes, le criminel est arrêté et emmené en prison, répétant souvent quelque chose de presque identique à "... et je m'en serais bien sorti aussi, s'il n'y avait pas eu votre ingérence, les enfants !"
Programmé en face d'une autre émission de résolution de mystères pour adolescents, The Hardy Boys d'ABC, Scooby-Doo est devenu un succès d'audience, les audiences de Nielsen rapportant que jusqu'à 65 % des téléspectateurs du samedi matin étaient à l'écoute de CBS lorsque Scooby-Doo était diffusé. La série a été renouvelée pour une deuxième saison en 1970, pour laquelle huit épisodes ont été produits. Sept des épisodes de la deuxième saison présentaient des séquences de poursuite sur des chansons pop bubblegum enregistrées par Austin Roberts, qui a également réenregistré la chanson thème de cette saison. Stefanianna Christopherson étant mariée et retraitée du doublage, Heather North assume le rôle de Daphné et continuera à interpréter le personnage jusqu'en 1997.
Les influences de I Love a Mystery et Dobie Gillis étaient particulièrement évidentes dans ces premiers épisodes. Parmi les similitudes entre les adolescents Scooby-Doo et les adolescents Dobie Gillis, les similitudes entre Shaggy et Maynard sont les plus remarquables ; les deux personnages partagent la même barbichette de style beatnik, des coiffures et des comportements similaires. Le principe de base de Scooby-Doo, Où es-tu ! était également similaire aux livres Famous Five d'Enid Blyton. Les deux séries mettaient en vedette quatre jeunes avec un chien, et les histoires de Famous Five tournaient souvent autour d'un mystère qui se révélait invariablement non pas surnaturel, mais simplement une ruse pour dissimuler la véritable intention du méchant.
Les rôles de chaque personnage sont fortement définis dans la série : Fred est le leader et le détective déterminé, Velma est l'analyste intelligente, Daphné est sujette au danger, Shaggy est un lâche plus motivé par la faim que par le désir de résoudre des mystères, et Scooby est similaire à Shaggy, à l'exception d'une tendance inspirée par Bob Hope vers une bravoure temporaire. Les versions ultérieures de la série apporteraient de légers changements aux rôles établis des personnages, notamment dans le personnage de Daphné, montré dans les productions Scooby-Doo des années 1990 et 2000 comme connaissant de nombreuses formes de karaté et ayant la capacité de se défendre, et moins de une tendance à se faire kidnapper.
Scooby-Doo lui-même aura une influence sur de nombreux autres dessins animés du samedi matin des années 1970. Au cours de cette décennie, Hanna-Barbera et ses concurrents ont produit plusieurs programmes d'animation mettant également en vedette des détectives adolescents résolvant des mystères avec un animal de compagnie ou une mascotte quelconque, notamment Josie et les Pussycats (1970-1971), The Funky Phantom (1971-1972), The Amazing Chan et le Chan Clan (1972-1973), Speed Buggy (1973-1974), Goober et les Ghost Chasers (1973-1974), Jabberjaw (1976-1978), Captain Caveman et les Teen Angels (1977-1980), entre autres.
Les nouveaux films de Scooby-Doo
En 1972, de nouveaux épisodes d'une heure sous le titre Les nouveaux films Scooby-Doo ont été créés ; chaque épisode met en vedette une star invitée réelle ou fictive aidant le gang à résoudre des mystères, y compris des personnages d'autres séries Hanna-Barbera telles que Harlem Globetrotters, Josie et les Pussycats et Speed Buggy, les personnages de bandes dessinées Batman et Robin (adaptés plus tard dans leur propre Hanna -Série Barbera, Super Friends, un an plus tard), et des célébrités telles que Sandy Duncan, La Famille Addams, Cass Elliot, Phyllis Diller, Don Knotts et Les Trois Stooges. Le directeur musical de Hanna-Barbera, Hoyt Curtin, a composé une nouvelle chanson thème pour cette série, et le thème de Curtin restera utilisé pour une grande partie de la diffusion originale de Scooby-Doo. Après deux saisons et 24 épisodes du format New Movies de 1972 à 1974, CBS a commencé à diffuser des rediffusions de l'original Scooby-Doo, Où es-tu ! série jusqu'à ce que son option sur la série expire en 1976.
Les années ABC (1976-1991)
Le spectacle Scooby-Doo et les All-Star Laff-A-Lympics de Scooby
Aujourd'hui président d'ABC, Fred Silverman a conclu un accord avec Hanna-Barbera pour apporter de nouveaux épisodes de Scooby-Doo à la programmation du samedi matin d'ABC, où la série a subi des changements de programmation presque chaque année. Pour leur saison 1976-1977, 16 nouveaux épisodes de Scooby-Doo ont été rejoints par une nouvelle émission de Hanna-Barbera, Dynomutt, Dog Wonder, pour créer The Scooby-Doo/Dynomutt Hour (la série est devenue The Scooby-Doo/Dynomutt Show lorsque une rediffusion bonus de Scooby-Doo, Where Are You! a été ajoutée au package en novembre 1976). Joe Ruby et Ken Spears, qui travaillent maintenant pour Silverman en tant que superviseurs des programmes ABC du samedi matin, ont ramené le programme à son original Scooby-Doo, Où es-tu ! format, avec l'ajout du cousin country idiot de Scooby, Scooby-Dum, exprimé par Daws Butler, en tant que personnage récurrent. Le casting de voix a été conservé de Les nouveaux films de Scooby-Doo, à l'exception de Nicole Jaffe, qui a pris sa retraite d'acteur en 1973. Pat Stevens a repris son rôle de voix de Velma.
Pour la saison 1977-1978, The Scooby-Doo/Dynomutt Show est devenu le bloc de programmation de deux heures Scooby's All-Star Laff-A-Lympics (1977-1978) avec l'ajout de Laff-a-Lympics et Captain Caveman and the Teen. Anges. En plus de huit nouveaux épisodes de Scooby-Doo et des rediffusions de la série de 1969, Scooby-Doo est également apparu lors de la série Laff-a-Lympics du bloc All-Star, qui mettait en vedette 45 personnages d'Hanna-Barbera en compétition dans Battle of the Network Stars. des parodies esques d'événements sportifs olympiques. Scooby était considéré comme le capitaine de l'équipe Laff-a-Lympics "Scooby Doobies", qui comprenait également Shaggy et Scooby-Dum parmi ses membres.
Scooby's All-Star Laff-a-Lympics a été rebaptisé Scooby's All Stars pour la saison 1978-1979, réduit à 90 minutes lorsque Dynomutt a été divisé en sa propre demi-heure et les rediffusions de 1969 ont été abandonnées. Scooby's All-Stars a continué à diffuser des rediffusions de Scooby-Doo de 1976 et 1977, tandis que de nouveaux épisodes de Scooby-Doo ont été diffusés pendant une demi-heure séparée sous le titre Scooby-Doo, où es-tu ! bannière. Après neuf semaines, le séparé Where are You! la diffusion a été annulée et le reste des 16 nouveaux épisodes de 1978 ont fait leurs débuts pendant le bloc Scooby's All-Stars. Les 40 épisodes de Scooby-Doo produits au total entre 1976 et 1978 ont ensuite été regroupés pour être syndiqués sous le nom de The Scooby-Doo Show, sous quel titre ils continuent d'être diffusés.
Scooby-Doo et Scrappy-Doo
Les personnages de Scooby-Doo sont apparus pour la première fois en dehors de leur format habituel du samedi matin dans Scooby Goes Hollywood, une émission spéciale d'une heure sur ABC diffusée aux heures de grande écoute le 13 décembre 1979. L'émission spéciale tournait autour de Shaggy et Scooby tentant de convaincre le réseau de déménager. Scooby est sorti du samedi matin et est entré dans une série aux heures de grande écoute, et a présenté des parodies de séries télévisées et de films alors en cours tels que Happy Days, Superman: The Movie, Laverne & Shirley et Charlie's Angels.
En 1979, le petit neveu de Scooby, Scrappy-Doo, a été ajouté à la fois à la série et à la facturation, dans le but d'augmenter les notes en baisse de Scooby-Doos. Les épisodes de 1979 à 1980, diffusés sous le nouveau titre Scooby-Doo et Scrappy-Doo sous la forme d'une émission indépendante d'une demi-heure, ont réussi à régénérer l'intérêt pour la série. Lennie Weinrib a exprimé Scrappy dans les épisodes de 1979 à 1980, Don Messick assumant le rôle par la suite. Marla Frumkin a remplacé Pat Stevens comme voix de Velma à la mi-saison.
Short Scooby-Doo et Scrappy-Doo
À la suite du succès de Scooby-Doo et Scrappy-Doo, l'ensemble de la série a été remanié en 1980 pour se concentrer davantage sur Scrappy-Doo. À cette époque, Scooby-Doo a commencé à marcher et à courir de manière anthropomorphe sur deux pieds plus souvent, plutôt que sur quatre comme un chien normal comme il le faisait auparavant. Fred, Daphné et Velma ont été retirés de la série, et le nouveau format Scooby-Doo et Scrappy-Doo était désormais composé de trois aventures comiques de sept minutes mettant en vedette Scooby, Scrappy et Shaggy au lieu d'un mystère d'une demi-heure. La plupart des méchants surnaturels des dessins animés de sept minutes de Scooby et Scrappy, qui dans les séries précédentes de Scooby s'étaient révélés être des criminels humains en costume, étaient désormais réels dans le contexte de la série.
Cette version de Scooby-Doo et Scrappy-Doo a été diffusée pour la première fois de 1980 à 1982 dans le cadre de The Richie Rich/Scooby-Doo Show, un programme d'une heure présentant également des épisodes du nouveau dessin animé Richie Rich de Hanna-Barbera, adapté des Harvey Comics. personnage. De 1982 à 1983, Scooby-Doo et Scrappy-Doo faisaient partie de The Scooby-Doo/Scrappy-Doo/Puppy Hour, une coproduction avec Ruby-Spears Productions qui présentait deux courts métrages Scooby et Scrappy, un Scrappy et Yabba-Doo. court métrage mettant en vedette Scrappy-Doo et son oncle adjoint occidental Yabba-Doo, et The Puppy's New Adventures, basé sur les personnages d'une émission spéciale Ruby-Spears de 1977.
À partir de 1980, une demi-heure de rediffusions des incarnations précédentes de Scooby-Doo ont été diffusées sur ABC le samedi matin en plus des épisodes de première diffusion. Diffusé sous les titres Scooby-Doo Classics, The Scary Scooby Funnies, The Best of Scooby-Doo et Scooby's Mystery Funhouse, le package de rediffusion est resté en ondes jusqu'à la fin de la saison 1986.
Le nouveau spectacle de Scooby et Scrappy-Doo
Scooby-Doo a été restauré en une demi-heure autonome en 1983 avec The New Scooby and Scrappy-Doo Show en 1983, qui comprenait deux mystères de 11 minutes par épisode dans un format rappelant l'original Scooby-Doo, où es-tu ! mystères. Heather North est revenue à la voix de Daphné, qui, dans cette incarnation, a résolu des mystères avec Shaggy, Scooby et Scrappy tout en travaillant sous couverture en tant que journaliste pour un magazine pour adolescents.
Cette version de l'émission a duré deux saisons, la deuxième saison étant diffusée sous le titre Les nouveaux mystères de Scooby-Doo. Les épisodes de la saison 1984-1985 présentaient des apparitions semi-régulières de Fred et Velma, Frank Welker et Marla Frumkin reprenant leurs rôles respectifs pour ces épisodes.
Les 13 fantômes de Scooby-Doo
1985 a vu les débuts des 13 fantômes de Scooby-Doo, qui mettaient en vedette Daphné, Shaggy, Scooby, Scrappy et de nouveaux personnages Flim-Flam (exprimé par Susan Blu) et Vincent Van Ghoul (basé sur et exprimé par Vincent Price) voyageant à travers le monde. globe pour capturer « treize des fantômes les plus terrifiants de la surface de la terre ». Le dernier épisode de première diffusion des 13 fantômes de Scooby-Doo a été diffusé en décembre 1985, et après que ses rediffusions ont été supprimées de la programmation ABC en mars suivant, aucune nouvelle série Scooby n'a été diffusée sur le réseau pendant les deux années suivantes.
Un chiot nommé Scooby-Doo
Hanna-Barbera a réincarné le Scooby-Doo original, Où es-tu ! Incarnés comme lycéens pour une nouvelle série intitulée A Pup Named Scooby-Doo, qui a fait ses débuts sur ABC en 1988. A Pup Named Scooby-Doo était une réimagination irrévérencieuse de la série, fortement inspirée des dessins animés classiques de Tex Avery. et Bob Clampett, et a évité la quasi-réalité de la série originale Scooby pour un style plus proche des Looney Tunes, y compris un épisode dans lequel les parents de Scooby-Doo se présentent et révèlent que son vrai nom est "Scoobert". La série a également établi « Coolsville » comme nom de la ville natale du gang ; ce paramètre a été retenu pour plusieurs des productions ultérieures de Scooby. L'émission réorganisée a été un succès, restant en production pendant quatre saisons et sur la programmation d'ABC jusqu'en 1991.
Un chiot nommé Scooby-Doo a été développé et produit par Tom Ruegger, qui était le rédacteur en chef de l'histoire de Scooby-Doo depuis 1983. Après la première saison d'Un chiot nommé Scooby-Doo, Ruegger et une grande partie de son unité ont quitté Hanna-Doo. Barbera à Warner Bros. Animation pour développer Steven Spielberg présente Tiny Toon Adventures et plus tard Animaniacs, Pinky and the Brain et Freakazoid !.
Rediffusions et reprises (depuis 1987)
Téléfilms, rediffusions et films directement en vidéo
De 1987 à 1988, Hanna-Barbera Productions a produit Hanna-Barbera Superstars 10, une série de téléfilms souscrits mettant en vedette leurs personnages les plus populaires, dont Yogi Bear, Huckleberry Hound, The Flintstones et The Jetsons. Scooby-Doo, Scrappy-Doo et Shaggy ont joué dans trois de ces films : Scooby-Doo rencontre les Boo Brothers (1987), Scooby-Doo et l'école des goules (1988) et Scooby-Doo et le loup-garou réticent (1988). Ces trois films ont pris le ton des entrées Scooby-Doo et Scrappy-Doo du début des années 1980 et mettaient en scène les personnages rencontrant de vrais monstres et fantômes plutôt que des personnes masquées. Scooby-Doo et Shaggy sont apparus plus tard en tant que narrateurs du téléfilm Arabian Nights, diffusé à l'origine par TBS en 1994, la dernière sortie de Don Messick en tant que voix originale de Scooby-Doo.
Les rediffusions de Scooby-Doo sont en syndication depuis 1980 et ont également été diffusées sur des réseaux de télévision par câble tels que TBS Superstation (jusqu'en 1989) et USA Network (dans le cadre de USA Cartoon Express de 1990 à 1994). En 1993, A Pup Named Scooby-Doo, qui venait tout juste de mettre fin à sa diffusion sur ABC, a commencé à être rediffusé sur Cartoon Network. Avec l'achat de Hanna-Barbera par Turner Broadcasting en 1991, en 1994, la franchise Scooby-Doo est devenue exclusive aux réseaux Turner : Cartoon Network, TBS Superstation et TNT. La chaîne canadienne Teletoon a commencé à diffuser Scooby-Doo, où es-tu ! en 1997, suivi bientôt par l'autre série Scooby. Lorsque TBS et TNT ont mis fin à la diffusion des dessins animés HB en 1998, Scooby-Doo est devenu la propriété exclusive de Cartoon Network et de la station sœur Boomerang.
Avec la popularité restaurée de Scooby-Doo dans les rediffusions sur Cartoon Network, Warner Bros. Animation et Hanna-Barbera (alors filiale de Warner Bros. suite à la fusion de Time Warner et Turner Entertainment en 1996) ont commencé à produire un nouveau film direct de Scooby-Doo. film en vidéo par an à partir de 1998. Ces films présentaient une version légèrement plus ancienne du casting original de cinq personnages de Scooby-Doo, Où es-tu ! jours. Les quatre premières entrées DTV étaient Scooby-Doo sur Zombie Island (1998), Scooby-Doo ! et le fantôme de la sorcière (1999), Scooby-Doo et les envahisseurs extraterrestres (2000) et Scooby-Doo et la Cyber Chase (2001). Frank Welker était le seul acteur original à revenir pour ces productions. Don Messick était décédé en 1997 et Casey Kasem, un végétarien strict, avait abandonné le rôle de Shaggy après avoir dû prêter sa voix à une publicité de Burger King en 1995. Par conséquent, Scott Innes a succédé à la fois à Scooby-Doo et à Shaggy (Billy West a exprimé Shaggy dans Scooby-Doo sur Zombie Island). B.J. Ward a succédé à Velma et Mary Kay Bergman a exprimé Daphné jusqu'à sa mort en novembre 1999 et a été remplacée par Gray DeLisle.
Ces quatre premiers films directement en vidéo différaient du format de la série originale en plaçant les personnages dans des intrigues au ton plus sombre et en les opposant à de véritables forces surnaturelles. Scooby-Doo sur Zombie Island, mettait en vedette le gang original de 1969, réuni après des années de séparation, combattant des créatures félines adoratrices du vaudou dans le bayou de Louisiane. Scooby Doo! et The Witch's Ghost mettait en vedette un auteur (voix de Tim Curry) retournant dans sa ville natale avec le gang, pour découvrir qu'un événement est hanté par la grande tante Sarah décédée de l'auteur, qui était une véritable sorcière. The Witch's Ghost a présenté un groupe de rock gothique connu sous le nom de The Hex Girls, qui sont devenus des personnages récurrents de la franchise Scooby-Doo.
Scooby-Doo and the Cyber Chase était la dernière production réalisée par le studio Hanna-Barbera, qui a été absorbé par la société mère Warner Bros. Animation après la mort de William Hanna en 2001. Warner Animation poursuivrait la production de la série directe en vidéo tout en produit également une nouvelle série Scooby-Doo pour la télévision.
Les productions directement en vidéo ont continué d'être produites simultanément avec au moins une entrée par an. Deux de ces entrées, Scooby-Doo ! et la Légende du Vampire et Scooby-Doo ! et le Monstre du Mexique (tous deux en 2003) ont été produits dans un style rétro rappelant la série originale, et mettaient en vedette Heather North et Nicole Jaffe comme voix de Daphné et Velma, respectivement. Les entrées ultérieures produites entre 2004 et 2009 ont été réalisées dans le style de Quoi de neuf, Scooby-Doo, en utilisant la distribution vocale de cette émission. Les entrées de 2010 utilisent les designs originaux de 1969 et présentent Matthew Lillard dans le rôle de Shaggy, le personnage représenté par Lillard dans les films théâtraux d'action réelle de Scooby-Doo. Il y aura d'autres films Scooby jusqu'en 2018.
De plus, un téléfilm en direct, Scooby-Doo ! The Mystery Begins est sorti sur DVD et diffusé simultanément sur Cartoon Network le 13 septembre 2009, à l'occasion du quarantième anniversaire des débuts de la série. Le film mettait en vedette Nick Palatas dans le rôle de Shaggy, Robbie Amell dans le rôle de Fred, Kate Melton dans le rôle de Daphné, Hayley Kiyoko dans le rôle de Velma et Frank Welker dans le rôle de Scooby-Doo. Un deuxième téléfilm en live-action, Scooby-Doo ! Curse of the Lake Monster, a retenu le même réalisateur et le même casting et a été diffusé le 16 octobre 2010.
Films de théâtre
Une version long métrage d'action réelle de Scooby-Doo a été publiée par Warner Bros. le 14 juin 2002. Réalisé par Raja Gosnell, le film mettait en vedette Freddie Prinze, Jr., dans le rôle de Fred, Sarah Michelle Gellar dans le rôle de Daphné, Matthew Lillard. comme Shaggy et Linda Cardellini comme Velma. Scooby-Doo, exprimé par Neil Fanning, a été créé à l'écran grâce à des effets spéciaux générés par ordinateur. Scooby-Doo a été une sortie financièrement réussie, avec un box-office national brut de plus de 130 millions de dollars américains.
Une suite, Scooby-Doo 2 : Monsters Unleashed, a suivi en mars 2004 avec le même casting et le même réalisateur. Scooby-Doo 2 a rapporté 84 millions de dollars (55,98 euros) au box-office américain. Une deuxième suite était prévue, mais abandonnée plus tard après Warner Bros. déception aux retours de Scooby-Doo 2.
Le 26 août 2013, il a été annoncé que Warner Bros. développait un long métrage d'animation Scooby-Doo avec Atlas Entertainment. Charles Roven et Richard Suckle, qui ont produit les deux premiers films d'action réelle, produiront le film d'animation et Matt Lieberman écrira le film. Le 17 juin 2014, le studio Warner Brothers a annoncé qu'il redémarrerait la série de films avec Randall Green écrivant un nouveau film. Le 17 août 2015, Warner Bros a annoncé que Tony Cervone réaliserait le film d'animation, avec Allison Abbate comme producteur et Dan Povenmire comme producteur exécutif. La sortie du film est prévue pour le 21 septembre 2018. Le 13 avril 2016, il a été annoncé qu'il s'intitulerait S.C.O.O.B. et serait le premier film d'un univers cinématographique Hanna-Barbera.
Les années WB des enfants (2002-08)
Quoi de neuf, Scooby-Doo ?
En 2002, suite au succès des rediffusions de Cartoon Network, de la franchise directe en vidéo et du premier long métrage, Scooby-Doo revient au samedi matin pour la première fois en 17 ans avec Quoi de neuf, Scooby-Doo ?, diffusé sur Kids' WB de 2002 à 2006. Produite par Warner Bros. Animation, la série suit le format de la série originale mais la place dans le 21e siècle, avec une forte promotion de la technologie moderne (ordinateurs, DVD, Internet, téléphones portables) et culturelle.
À partir de cette série, Frank Welker a pris la relève en tant que doubleur de Scooby, tout en continuant à fournir également la voix de Fred. Casey Kasem est revenu sous le nom de Shaggy, à condition que le personnage soit représenté comme un végétarien comme Kasem lui-même. Gray DeLisle a continué à exprimer Daphné, et l'ancienne star de Facts of Life Mindy Cohn a exprimé Velma. La série a été produite par Chuck Sheetz, qui avait travaillé sur Les Simpsons.
Shaggy et Scooby-Doo obtiennent un indice !
Après trois saisons, Quoi de neuf, Scooby-Doo a été remplacé en septembre 2006 par Shaggy & Scooby-Doo Get a Clue !, une refonte majeure de la série qui a fait ses débuts sur le bloc de programmation du samedi matin de The CW's Kids' WB. Dans le nouveau lieu, Shaggy hérite de l'argent et d'un manoir d'un oncle, un inventeur qui s'est caché des méchants essayant de voler son invention secrète. Les méchants, dirigés par le "Dr Phibes" (basé principalement sur le Dr Evil de la série Austin Powers et nommé d'après le personnage de Vincent Price dans L'Abominable Dr Phibes), utilisent ensuite différents stratagèmes pour tenter d'obtenir l'invention de Shaggy et Scooby, qui gère seul les intrigues. Fred, Daphné et Velma sont normalement absents, mais font parfois des apparitions pour aider. Les personnages ont été repensés et le style artistique révisé pour la nouvelle série. Scott Menville a exprimé Shaggy dans la série, avec Casey Kasem apparaissant comme la voix de l'oncle Albert de Shaggy. Shaggy et Scooby-Doo obtiennent un indice ! a couru pendant deux saisons sur The CW.
Les années Cartoon Network (2010-présent)
Scooby Doo! Mystère incorporé
La prochaine série Scooby, Scooby-Doo ! Mystery Incorporated, créée sur Cartoon Network le 5 avril 2010. Première série Scooby produite pour la télévision par câble, Mystery Incorporated est un redémarrage de la franchise, rétablissant les relations, les personnalités et les lieux des personnages, et élargissant leur monde pour présenter leurs parents, leur lycée et leurs voisins. La série a également emprunté des morceaux de nombreuses parties de la longue histoire de Scooby-Doo, ainsi que des personnages et des éléments d'autres émissions de Hanna-Barbera pour former son histoire et les bases de certains de ses épisodes. Matthew Lillard a été ramené de la série directe en vidéo en tant que nouvelle voix de Shaggy, tandis que Welker, Cohn et DeLisle ont continué dans leurs rôles respectifs. Patrick Warburton, Linda Cardellini, Lewis Black, Vivica A. Fox, Gary Cole, Udo Kier, Tim Matheson, Tia Carrere et Kate Higgins ont été ajoutés en tant que nouveaux membres semi-réguliers. Casey Kasem est apparu dans un rôle récurrent en tant que père de Shaggy, l'un de ses derniers rôles avant de prendre sa retraite en raison de sa santé déclinante.
La série, tout en suivant le format de base de résolution de mystères de ses prédécesseurs, a été diffusée sous la forme d'une telenovela animée de 52 chapitres et comprenait des éléments similaires aux émissions de mystère/aventure en direct telles que Buffy contre les vampires et Lost. Un mystère global entourant la ville natale du gang, Crystal Cove, en Californie, est devenu l'arc narratif principal de la série, avec des éléments du mystère se déroulant épisode par épisode. Des enchevêtrements romantiques et des conflits interpersonnels entre les personnages principaux étaient également présentés. La série a duré 52 épisodes répartis sur deux saisons, avec une finale en trois parties diffusée les 4 et 5 avril 2013, soit exactement trois ans après les débuts.
Sois cool, Scooby-Doo !
Le 10 mars 2014, Cartoon Network a annoncé plusieurs nouvelles séries basées sur des dessins animés classiques, dont une nouvelle série animée Scooby-Doo intitulée Be Cool, Scooby-Doo !. L'émission présente le gang « en train de vivre » l'été après la dernière année de lycée du gang. En chemin, ils rencontrent des monstres et du chaos. www.bcdb.com, 13 mars 2014 La série a été créée le 5 octobre 2015 sur Cartoon Network.
Scooby Doo! épisodes directement en vidéo
À partir de 2012, Warner Bros. Animation a commencé à produire des épisodes spéciaux directement en vidéo dans le style des films produits simultanément pour les inclure sur les coffrets DVD de compilation Scooby-Doo, comprenant autrement des épisodes des séries Scooby précédentes. Ceux-ci incluent Scooby-Doo ! Spooky Games, inclus dans la version de juillet 2012 Scooby-Doo ! Laff-A-Lympics : Jeux effrayants, Scooby-Doo ! Vacances hantées, de la sortie d'octobre 2012 Scooby-Doo ! 13 contes effrayants : frissons et sensations fortes des fêtes, et Scooby-Doo ! et l'épouvantail effrayant et Scooby-Doo ! Mecha Mutt Menace, tiré du DVD de septembre 2013 Scooby-Doo ! 13 Contes effrayants : Courez pour votre 'Rife ! et Scooby-Doo ! 13 Contes effrayants : Robot Ruh-Roh !. Le 13 mai 2014, un autre épisode, Scooby-Doo ! Ghastly Goals est sorti sur Scooby-Doo ! 13 Contes effrayants : DVD du champ des cris. Le 5 mai 2015, Scooby-Doo ! et Beach Beastie, le sixième spécial directement en vidéo, est sorti sur Scooby-Doo ! 13 Contes effrayants : DVD Surf's Up Scooby-Doo.
Casting
*Scooby-Doo : Don Messick était la voix originale de Scooby-Doo de 1969 à 1997. Hadley Kay a interprété la voix de l'épisode de Johnny Bravo "Bravo Dooby Doo" en 1997. Scott Innes était la voix de Scooby-Doo de 1998 à 2001. Neil Fanning a exprimé Scooby-Doo dans les films théâtraux en direct de Warner Bros. produits en 2002 et 2004. Frank Welker est la voix actuelle de Scooby-Doo, ayant repris le rôle d'Innes en 2002, bien qu'Innes ait exprimé le personnage. dans les projets de jeux vidéo Scooby-Doo jusqu'en 2007.
*Norville "Shaggy" Rogers : Casey Kasem était la voix originale de Shaggy de 1969 à 1997. Billy West a exprimé Shaggy dans le long métrage direct en vidéo de 1998 Scooby-Doo sur Zombie Island, tandis que Scott Innes a exprimé le personnage de 1999 à 2001. et il continuera à exprimer Shaggy dans les jeux vidéo jusqu'en 2009. Casey Kasem est revenu au rôle de voix en 2002 et a continué comme Shaggy jusqu'en 2009. En 2006, Kasem a continué à exprimer Shaggy sur | http://www.quizballs.com/ |
En décembre 1965, qui est devenu président des Philippines ? | Ferdinand Marcos | [
"Dans le passé, les élections avaient lieu en novembre et l'investiture du président avait lieu le 30 décembre (jour de Rizal). Cela garantissait que lorsque l'inauguration avait lieu habituellement à la tribune Quirino, le nouveau président pouvait voir le monument Rizal à l'occasion de l'anniversaire de sa mort. Ferdinand Marcos a reporté les dates des élections et de l'investiture respectivement à mai et juin, et cela reste ainsi jusqu'à aujourd'hui."
] | Le président des Philippines () est le chef de l'État et du gouvernement des Philippines. Le président dirige le pouvoir exécutif du gouvernement philippin et est le commandant en chef des forces armées des Philippines.
Les Philippins appellent leur président Pangulo ou Presidente et le président exerce un mandat fixe de six ans sans possibilité de réélection.
Chronologie
Nomenclature locale
En philippin, l'une des deux langues officielles des Philippines, le président est appelé Pangulo. Dans les autres langues principales des Philippines, telles que les langues visayanes, Presidente est plus courant lorsque les Philippins ne changent pas de code avec le mot anglais.
Histoire
Premières républiques
République Tagalog de Bonifacio
Selon la définition choisie pour ces termes, un certain nombre de personnes pourraient alternativement être considérées comme le premier titulaire de la fonction. Andrés Bonifacio pourrait être considéré comme le premier président des Philippines unies puisqu'il était le troisième président suprême du Katipunan, une société révolutionnaire secrète. Son Conseil suprême, dirigé par le Président suprême, coordonnait les conseils provinciaux et de district. Lorsque le Katipunan commença une révolte ouverte contre le gouvernement colonial espagnol en août 1896, Bonifacio transforma la société en un gouvernement révolutionnaire avec lui à sa tête. Le gouvernement de Bonifacio était également connu sous le nom de République Tagalog (espagnol : República Tagala ; philippin : Republikang Tagalog). Bien que le mot tagalog fasse référence au peuple tagalog, un groupe ethnolinguistique spécifique, Bonifacio l'a utilisé pour désigner tous les peuples non espagnols des Philippines au lieu des Philippins, qui avaient des origines coloniales. (Élément 3 de la liste, faisant référence à la note 41 à la p.
PA61#PPA61,M1 61], citant );
^ , « Formation d'un gouvernement révolutionnaire » ;
^ (dans "Document G", Récit de M. Bricco Brigado Pantos). Le gouvernement révolutionnaire de Bonifacio n'a jamais contrôlé beaucoup de territoire pendant une période significative. Certains historiens soutiennent que le fait d'inclure Bonifacio parmi les anciens présidents impliquerait que Macario Sacay et Miguel Malvar soient également inclus.
Le gouvernement d'Aguinaldo et la Première République
En mars 1897, lors de la révolution philippine contre l'Espagne, Emilio Aguinaldo fut élu président du gouvernement révolutionnaire lors de la Convention de Tejeros. Le nouveau gouvernement était censé remplacer le Katipunan, bien que ce dernier ne soit formellement aboli qu'en 1899. Aguinaldo fut de nouveau élu président à Biak-na-Bato en novembre, dirigeant la République de Biak-na-Bato. Aguinaldo signe donc le Pacte de Biak-na-Bato et s'exile à Hong Kong fin 1897.
En avril 1898, la guerre hispano-américaine éclate et l'escadron asiatique de la marine américaine s'embarque pour les Philippines. Lors de la bataille de la baie de Manille, le 1er mai 1898, la marine américaine a vaincu de manière décisive la marine espagnole, mettant ainsi fin à la domination espagnole aux Philippines. Aquinaldo est ensuite retourné aux Philippines à bord d'un navire de la marine américaine et a renouvelé la révolution. Il forma un gouvernement dictatorial le 24 mai 1898 et publia la Déclaration d'indépendance des Philippines le 12 juin 1898. Le 23 juin 1898, Aguinaldo transforma son gouvernement dictatorial en un gouvernement révolutionnaire. Le 23 janvier 1899, il fut alors élu président de la Première République des Philippines, un gouvernement constitué par le Congrès Malolos en vertu de la Constitution Malolos. Par conséquent, ce gouvernement est aussi appelé la République Malolos.
La Première République des Philippines a été de courte durée et n’a jamais été reconnue internationalement. Les Philippines ont été transférées du contrôle espagnol au contrôle américain par le Traité de Paris de 1898, signé en décembre de la même année. La guerre américano-philippine éclate entre les États-Unis et le gouvernement d'Aguinaldo. Son gouvernement a effectivement cessé d'exister le 1er avril 1901, après qu'il ait prêté allégeance aux États-Unis après sa capture par les forces américaines en mars.
Le gouvernement actuel de la République des Philippines considère Emilio Aguinaldo comme le premier président des Philippines.
Autres demandeurs
Miguel Malvar a continué à diriger la République des Philippines par Aguinaldo après la capture de ce dernier jusqu'à sa propre capture en 1902, tandis que Macario Sakay a fondé une République tagalog en 1902 en tant qu'État continu du Katipunan de Bonifacio. Ils sont tous deux considérés par certains chercheurs comme des « présidents non officiels » et, avec Bonifacio, ne sont pas reconnus comme présidents par le gouvernement.
Occupation américaine
Entre 1901 et 1935, le pouvoir exécutif aux Philippines a été exercé par une succession de quatre gouverneurs généraux militaires américains et de onze gouverneurs généraux civils.
Commonwealth des Philippines
En octobre 1935, Manuel L. Quezon fut élu premier président du Commonwealth des Philippines, qui avait été créé, toujours sous souveraineté américaine, en vertu d'une constitution ratifiée le 14 mai de la même année. Au cours de ses cinq premières années, le président pourrait exercer un mandat de six ans non renouvelable. Il a ensuite été modifié en 1940 pour limiter un président à un mandat maximum de deux mandats de quatre ans. Lorsque le président Quezon s'est exilé aux États-Unis après la chute des Philippines aux mains de l'Empire du Japon pendant la Seconde Guerre mondiale, il a nommé le juge en chef José Abad Santos président par intérim. Abad Santos fut ensuite exécuté par l'armée impériale japonaise le 2 mai 1942.
La Seconde République sous les Japonais
Le 14 octobre 1943, José P. Laurel devient président en vertu d'une constitution imposée par l'occupation japonaise. Laurel, juge associé de la Cour suprême des Philippines, avait été chargé de rester dans la ville de Manille par le président Quezon, qui s'est retiré à Corregidor puis aux États-Unis pour établir un gouvernement en exil aux États-Unis.
Après que les forces combinées américaines et philippines aient libéré les îles en 1945, Laurel a officiellement dissous la république le 17 août 1945.
Après la Seconde Guerre mondiale
La Constitution de 1935 a été rétablie après la capitulation du Japon, qui a mis fin à la Seconde Guerre mondiale, le vice-président Sergio Osmeña devenant président en raison de la mort de Quezon le 1er août 1944. Elle est restée en vigueur après que les États-Unis ont reconnu la souveraineté de la République des Philippines en tant que nation autonome distincte le 4 juillet 1946.
Constitution de 1973
Une nouvelle Constitution ratifiée le 17 janvier 1973 sous le règne de Ferdinand E. Marcos a introduit un gouvernement de type parlementaire. Marcos s'est institué Premier ministre alors qu'il était président en 1978. Il a ensuite nommé César Virata Premier ministre en 1981.
Cette Constitution était en vigueur jusqu'à ce que la Révolution du pouvoir populaire de 1986 renverse le régime autoritaire de Marcos pendant 21 ans et le remplace par Corazon C. Aquino.
Cinquième République
Dirigant par décret au début de son mandat et en tant que présidente installée par des moyens révolutionnaires, la présidente Corazon C. Aquino a publié la Proclamation n° 3 le 25 mars 1986 qui a abrogé de nombreuses dispositions de la Constitution de 1973 d'alors, y compris les dispositions associées. avec le régime Marcos qui donnait au président des pouvoirs législatifs, ainsi qu'avec le corps législatif monocaméral appelé Batasang Pambansa (littéralement corps législatif national en philippin). Souvent appelée « Constitution de la liberté », la proclamation ne conservait que les parties de la Constitution de 1973 qui étaient essentielles au retour à un régime démocratique, comme la déclaration des droits. Cette constitution a été remplacée le 2 février 1987 par la constitution actuelle.
Autres issues
Bonifacio et Aguinaldo pourraient tous deux être considérés comme les premiers présidents d’un gouvernement insurgé. Quezon a été le premier président d'un État prédécesseur de l'actuel, tandis qu'Aquino, mère, a été le premier président du gouvernement actuellement constitué.
Le gouvernement considère qu'Aguinaldo a été le premier président des Philippines, suivi de Quezon et de ses successeurs. Malgré les différences de constitutions et de gouvernement, la lignée des présidents est considérée comme continue. Par exemple, le président actuel, Rodrigo R. Duterte, est considéré comme le 16e président.
Bien que le gouvernement puisse considérer Aguinaldo comme le premier président, la Première République tomba sous la juridiction des États-Unis en raison du Traité de Paris de 1898 qui mit fin à la guerre hispano-américaine ; les États-Unis ne considèrent donc pas son mandat comme légitime. Manuel L. Quezon est considéré comme le premier président des États-Unis. Il est également le premier à remporter une élection populaire et une élection nationale.
La position de Laurier
Comme dans de nombreux autres pays occupés par l’Axe pendant la Seconde Guerre mondiale, les Philippines ont eu à un moment donné deux présidents à la tête de deux gouvernements. L’un était Quezon et le gouvernement du Commonwealth en exil à Washington, D.C., et l’autre était Laurel, basé à Manille, à la tête de la Deuxième République parrainée par le Japon. Notamment, Laurel a lui-même reçu pour instruction de rester à Manille par le président Quezon. Laurel n'a pas été officiellement reconnue comme présidente jusqu'au règne de Diosdado Macapagal. Son inscription sur la liste officielle a coïncidé avec le transfert de la date officielle du Jour de l'Indépendance du 4 juillet (anniversaire de l'indépendance des Philippines vis-à-vis des États-Unis) au 12 juin (anniversaire de la Déclaration d'indépendance de 1898).
L'inclusion de Laurel pose donc quelques problèmes dans la détermination de l'ordre des présidents. Il est inexact d'appeler Laurel le successeur d'Osmeña ou vice-versa, puisque la Seconde République de Laurel a été formellement répudiée après la Seconde Guerre mondiale, ses actions n'étant pas considérées comme légales ou contraignantes. Quezon, Osmeña et Roxas étaient considérés comme faisant partie d'une ligne contiguë selon la Constitution de 1935, tandis que Laurel était le seul président de la Deuxième République à avoir une charte distincte. Ainsi, Laurel n'avait ni prédécesseur ni successeur, tandis qu'Osmeña succéda à Quezon après la mort de ce dernier et fut à son tour succédé par Roxas à la présidence de la Troisième République.
Pouvoirs et devoirs
Directeur général
Le président des Philippines, en tant que chef de l'exécutif, est à la fois chef de l'État et chef du gouvernement des Philippines. La Constitution confère le pouvoir exécutif au Président qui dirige ainsi le pouvoir exécutif du gouvernement, qui comprend le Cabinet et tous les départements exécutifs.
Le Président a également le pouvoir d'accorder des grâces pour contracter des emprunts étrangers avec l'accord préalable du Conseil monétaire.
Le Président exerce également une supervision générale sur les unités gouvernementales locales.
Commandant en chef
Le président est également commandant en chef des forces armées des Philippines. Cela inclut le pouvoir de suspendre l’ordonnance d’habeas corpus et de déclarer la loi martiale.
Pouvoir de nomination
Avec l'accord de la Commission des nominations, le Président nomme également les chefs des départements exécutifs, les ambassadeurs, les autres ministres publics et consuls, les officiers de haut rang des forces armées et d'autres fonctionnaires. Les membres de la Cour suprême et des tribunaux inférieurs sont également nommés par le Président, mais uniquement à partir de la liste de candidats préparée par le Conseil de la magistrature et du barreau. De telles nominations ne nécessitent pas l'approbation de la Commission des nominations.
Organismes gouvernementaux
Certaines agences gouvernementales ne relèvent d'aucun département spécifique mais relèvent plutôt du Bureau du Président. Il s'agit notamment d'agences importantes telles que le Conseil national de sécurité, le Bureau du conseiller présidentiel pour le processus de paix, la Commission des droits de l'homme, la Securities and Exchange Commission, le Conseil anti-blanchiment d'argent, la Commission présidentielle pour la bonne gouvernance, le Conseil professionnel. Commission de régulation, la Commission de l'enseignement supérieur, la Commission sur le changement climatique, la Commission de la population, le Conseil de réglementation du logement et de l'utilisation des terres et la Metropolitan Manila Development Authority. Le Groupe de sécurité présidentielle, composé principalement de membres des forces armées des Philippines et de la police nationale philippine, relève directement du Bureau du Président.
Processus de sélection
Admissibilité
L'article 7, section 2 de la Constitution stipule que nul ne peut être élu président s'il n'est pas :
* un citoyen né aux Philippines ;
* un électeur inscrit ;
* capable de lire et d'écrire;
* être âgé d'au moins quarante ans au jour de l'élection ;
* et résident des Philippines depuis au moins dix ans immédiatement avant cette élection.
La Constitution prévoit également des limites de mandat lorsque le président n'est pas rééligible et qu'une personne qui a succédé à la présidence et qui a occupé ce poste pendant plus de quatre ans ne sera pas rééligible pour un second mandat. Cependant, dans le cas de Joseph Ejercito Estrada qui a été élu président en 1998, a servi jusqu'en 2001 et s'est de nouveau présenté à la présidence en 2010, la formulation de la Constitution selon laquelle « [le] président ne sera éligible à aucune réélection » reste floue. car son cas n'a jamais été porté devant la Cour suprême. On ne sait toujours pas si la limite de non-réélection s'applique uniquement au président sortant ou à toute personne qui a été élue président.
Élection
Le président est élu au suffrage direct tous les six ans, généralement le deuxième lundi de mai.
Les rapports de chaque élection à la présidence et à la vice-présidence, dûment certifiés par le conseil des solliciteurs de chaque province ou ville, seront transmis au Congrès, adressés au président du Sénat. Dès réception des certificats de démarchage, le Président du Sénat ouvrira tous les certificats en présence d'une séance publique conjointe du Congrès au plus tard 30 jours après le jour du scrutin. Le Congrès examine ensuite les votes après avoir déterminé que les sondages sont authentiques et ont été effectués de la manière prévue par la loi.
La personne ayant obtenu le plus grand nombre de voix est déclarée vainqueur, mais dans le cas où deux ou plusieurs obtiennent le plus grand nombre de voix, le président est élu à la majorité de tous les membres des deux chambres, votant séparément pour chacune.
Inauguration
Le président des Philippines prête généralement serment d'office le 30 juin à midi après l'élection présidentielle.
Traditionnellement, le vice-président prête serment en premier, un peu avant midi. Cela pour deux raisons : premièrement, selon le protocole, personne ne suit le président (qui est le dernier en raison de sa suprématie), et deuxièmement, pour désigner un successeur constitutionnellement valide avant l'adhésion du président élu. Cependant, lors de l'investiture de Quezon, le vice-président et le corps législatif ont prêté serment après le président, pour symboliser un nouveau départ.
Dès que le président prête serment, une salve de 21 coups de canon est tirée pour saluer le nouveau chef de l'État et l'hymne présidentiel Mabuhay est joué. Le président prononce son discours inaugural, puis se rend au palais de Malacañang pour monter le grand escalier, un rituel qui symbolise la possession formelle du palais. Le président intronise ensuite le cabinet nouvellement formé dans ses fonctions dans l'une des salles d'apparat.
La coutume a consacré trois lieux comme lieu traditionnel de la cérémonie d'inauguration : l'église Barasoain de la ville de Malolos, Bulacan ; devant l'ancien bâtiment législatif (qui fait maintenant partie du Musée national) à Manille ; ou à la tribune Quirino, où la plupart ont eu lieu. En 2004, Gloria Macapagal Arroyo a prononcé son discours pré-investiture à la tribune Quirino, a prêté serment dans la ville de Cebu devant le juge en chef Hilario Davide Jr. et a tenu le lendemain la première réunion du cabinet dans la ville de Butuan. Elle a rompu avec le précédent, estimant qu'elle souhaitait célébrer son investiture dans chacun des trois principaux groupes d'îles des Philippines : Luçon, Visayas et Mindanao. Sa première investiture a également brisé un précédent puisqu'elle a prêté serment au sanctuaire EDSA le 20 janvier 2001, lors de la révolution EDSA de 2001 qui a destitué Joseph Estrada de ses fonctions.
Dans le passé, les élections avaient lieu en novembre et l'investiture du président avait lieu le 30 décembre (jour de Rizal). Cela garantissait que lorsque l'inauguration avait lieu habituellement à la tribune Quirino, le nouveau président pouvait voir le monument Rizal à l'occasion de l'anniversaire de sa mort. Ferdinand Marcos a reporté les dates des élections et de l'investiture respectivement à mai et juin, et cela reste ainsi jusqu'à aujourd'hui.
Le code vestimentaire lors de la cérémonie inaugurale moderne est constitué de vêtements philippins traditionnels et formels, autrement appelés vaguement Filipiniana. Les dames doivent porter le terno, baro't saya (les vêtements de cérémonie des autres groupes autochtones sont autorisés), tandis que les hommes portent le Barong Tagalog. Les non-Philippins présents à la cérémonie peuvent porter leurs versions respectives de tenue formelle, mais les diplomates étrangers ont souvent été vus revêtir la Philippiniana en signe de respect culturel.
Serment d'office
La Constitution prévoit le serment ou l'affirmation suivante pour le président et le vice-président élu qui doivent être prêtés avant leur entrée en fonction :
Le texte philippin du serment tel qu'il a été utilisé pour les investitures de Fidel V. Ramos, Joseph Ejercito Estrada et Benigno S. Aquino III se lit comme suit :
Mise en accusation
Aux Philippines, la destitution suit des procédures similaires à celles des États-Unis. La Chambre des représentants, l'une des chambres du Congrès bicaméral, a le pouvoir exclusif d'engager toutes les procédures de destitution contre le président, le vice-président, les membres de la Cour suprême, les membres des commissions constitutionnelles et le médiateur. Lorsqu'un tiers de ses membres ont approuvé les articles de mise en accusation, ceux-ci sont ensuite transmis au Sénat des Philippines qui juge et tranche, en tant que tribunal de mise en accusation, l'affaire de mise en accusation. Toutefois, la principale différence avec les procédures américaines est que seul un tiers des membres de la Chambre sont tenus d'approuver la motion visant à destituer le président (contrairement à la majorité requise aux États-Unis). Au Sénat, des membres sélectionnés de la Chambre des représentants font office de procureurs et les sénateurs font office de juges, le président du Sénat et le juge en chef de la Cour suprême présidant conjointement les débats. Comme aux États-Unis, pour condamner le responsable en question, il faut qu’au moins les deux tiers (c’est-à-dire 16 membres sur 24) du Sénat votent en faveur de la condamnation. Si une tentative de mise en accusation échoue ou si le fonctionnaire est acquitté, aucune nouvelle plainte ne peut être déposée contre ce fonctionnaire mis en accusation pendant au moins une année complète.
Infractions pouvant être mises en accusation
La Constitution énumère les violations coupables de la Constitution, la trahison, les pots-de-vin, la corruption, d'autres crimes graves et la trahison de la confiance du public comme motifs de destitution du président. Il en va de même pour le vice-président, les membres de la Cour suprême, les membres des commissions constitutionnelles et le médiateur.
Tentatives et procédures de mise en accusation
Joseph Ejercito Estrada
Joseph Ejercito Estrada a été le premier président à être mis en accusation lorsque la Chambre des représentants a voté pour porter la procédure de destitution au Sénat en 2000. Cependant, le procès s'est terminé prématurément lorsque les sénateurs anti-Estrada ont quitté les séances de destitution lorsque les alliés d'Estrada au Sénat a voté de justesse pour bloquer l'ouverture d'une enveloppe qui contiendrait des preuves critiques sur la richesse d'Estrada. Estrada a ensuite été évincé de ses fonctions lorsque la révolution EDSA de 2001 l'a forcé à quitter le palais présidentiel et lorsque la Cour suprême a confirmé que son départ du palais constituait sa démission de facto de ses fonctions.
Gloria Macapagal-Arroyo
Plusieurs plaintes en impeachment ont été déposées contre Gloria Macapagal-Arroyo, mais aucune n'a obtenu l'approbation requise d'un tiers de la Chambre des représentants.
Titre
Le titre officiel du chef de l'État et du gouvernement est « Président des Philippines ». Le titre en philippin est « Pangulo » (apparenté au malais penghulu « leader », « chef »). Le titre honorifique du président est « Votre Excellence » ou « Son Excellence », adopté du titre de gouverneur général des Philippines pendant l'occupation espagnole et américaine.
Titres historiques
Le terme « Président de la République des Philippines », utilisé sous l'occupation japonaise des Philippines, distinguait le gouvernement du président de l'époque, José P. Laurel, du gouvernement du Commonwealth en exil sous le président Manuel L. Quezon. La restauration du Commonwealth en 1945 et l'indépendance ultérieure des Philippines, titre de « Président des Philippines » sanctionné par la constitution de 1935. La Constitution de 1973, bien que faisant généralement référence au président comme « Président des Philippines », utilisait autrefois, dans l'article XVII, section 12, le terme « Président de la République ». Dans le texte de la proclamation n° 1081 annonçant la loi martiale en septembre 1972, le président Ferdinand E. Marcos se présentait systématiquement comme « président des Philippines ».
Discours sur l'état de la nation
Le discours sur l'état de la nation (en abrégé SONA) est un événement annuel aux Philippines, au cours duquel le président des Philippines rend compte de l'état de la nation, normalement à la reprise d'une session conjointe du Congrès (la Chambre des représentants et le Sénat). Il s'agit d'un devoir du président, comme le stipule l'article VII, section 23 de la Constitution de 1987 :
Mandat et limites de mandat
La Constitution de 1935 prévoyait à l'origine un mandat unique de six ans pour un président sans réélection. En 1940, cependant, la Constitution de 1935 a été amendée et le mandat du président (et du vice-président) a été raccourci à quatre ans, mais a permis une réélection. Depuis l'amendement, seuls les présidents Manuel L. Quezon (1941) et Ferdinand E. Marcos (1969) ont été réélus. Les présidents Sergio Osmeña (1946), Elpidio Quirino (1953), Carlos P. Garcia (1961) et Diosdado Macapagal (1965) n'ont pas réussi à briguer un nouveau mandat.
Cependant, en 1973, une nouvelle Constitution a été promulguée et a permis au président alors en exercice, Ferdinand E. Marcos, de briguer un nouveau mandat. En 1981, Marcos fut de nouveau élu président contre Alejo Santos – faisant de lui le seul président à être élu pour un troisième mandat. BIBLIOTHÈQUE DE DROIT VIRTUELLE ROBLES]
Aujourd'hui, en vertu de l'article 7, section 4 de la Constitution des Philippines de 1987, le mandat du président commencera à midi le 30 juin suivant le jour de l'élection et se terminera à midi du même jour, six ans après. Le Président en exercice ne peut être réélu. Aucune personne qui a été président et a servi comme tel pendant plus de quatre ans ne peut à aucun moment être qualifiée pour l'élection à la présidence. – BIBLIOTHÈQUE DE DROIT VIRTUELLE CHAN ROBLES]
poste vacant
Au début du mandat
En vertu de l'article 7, section 7 de la Constitution des Philippines, si le président élu ne se qualifie pas, le vice-président élu agira en tant que président jusqu'à ce que le président élu se qualifie.
Si au début du mandat du Président, le Président élu est décédé ou est devenu invalide de façon permanente, le Vice-Président élu devient Président.
Lorsqu'aucun président et aucun vice-président n'ont été choisis ou n'ont été qualifiés, ou lorsque tous deux sont décédés ou sont devenus handicapés à vie, le président du Sénat ou, en cas d'incapacité, le président de la Chambre des représentants, agira comme Président jusqu'à ce qu'un président ou un vice-président ait été choisi et qualifié.
Pendant le mandat
L'article 7, les sections 8 et 11 de la Constitution des Philippines prévoient les règles de succession à la présidence. En cas de décès, d'invalidité permanente, de destitution ou de démission du président, le vice-président deviendra président pour le mandat non expiré. En cas de décès, d'invalidité permanente, de destitution ou de démission du président et du vice-président ; le Président du Sénat ou, en cas d'empêchement, le Président de la Chambre des Représentants, exercera alors les fonctions de Président jusqu'à ce que le Président ou le Vice-Président soit élu et qualifié.
Le Congrès devra, par la loi, déterminer qui exercera les fonctions de président en cas de décès, d'invalidité permanente ou de démission du président par intérim. Il servira jusqu'à ce que le président ou le vice-président ait été élu et qualifié, et soit soumis aux mêmes restrictions de pouvoirs et disqualifications que le président par intérim.
La ligne de succession présidentielle telle que spécifiée par l'article 7, section 10 de la Constitution des Philippines est le vice-président, le président du Sénat et le président de la Chambre des représentants.
La ligne de succession présidentielle actuelle est la suivante :
Remarques:
* Contrairement à la croyance populaire, la Constitution ne nomme pas le juge en chef de la Cour suprême des Philippines dans la ligne de succession.
* Si les postes de président et de vice-président deviennent vacants en même temps, le Congrès promulguera une loi prévoyant des élections spéciales. Toutefois, si l’élection présidentielle est prévue dans 18 mois, aucune élection spéciale ne sera convoquée.
Privilèges de fonction
Résidence officielle
Avant que le palais Macalanang ne soit désigné comme résidence officielle du président, divers établissements servaient de résidence au chef de l'exécutif. Le gouverneur général espagnol, le plus haut fonctionnaire des Philippines à l'époque espagnole, résidait au Palacio del Gobernador, à l'intérieur de la ville fortifiée d'Intramuros. Cependant, après un tremblement de terre en 1863, le Palacio del Gobernador fut détruit et la résidence et le bureau du gouverneur général furent transférés au palais de Malacañang. Pendant la Révolution philippine, le président Aguinaldo résidait dans sa propre maison à Kawit, Cavite. Après sa défaite dans la guerre américano-philippine, Aguinaldo a transféré la capitale des Philippines dans différentes régions alors qu'il luttait dans la poursuite des forces américaines. Lorsque les Américains occupèrent les Philippines, ils utilisèrent également le palais comme résidence officielle. Pendant l'occupation japonaise des Philippines, les bureaux gouvernementaux et la résidence présidentielle ont été transférés à Baguio, et la Mansion House a été utilisée comme résidence officielle. Pendant ce temps, le président Quezon du Commonwealth des Philippines résidait à l'hôtel Omni Shoreham à Washington D.C. Après la restauration de l'indépendance, des plans furent élaborés pour la construction d'une nouvelle capitale. Cependant, les plans n'ont pas abouti et Manille est restée la capitale et le palais de Malacañang la résidence officielle du président. [http://www.philstar.com/modern-living/591489/grandstands-and-grand-public-spaces Tribunes et grands espaces publics | Vie moderne, caractéristiques du style de vie, The Philippine Star | philstar.com]
Le palais de Malacañang sert de résidence officielle au président des Philippines, un privilège qui lui est accordé en vertu de l'article VII, section 6 de la Constitution. Le palais est situé le long de la rive nord de la rivière Pasig, le long de la rue JP Laurel, dans le quartier de San Miguel, à Manille.
Le nom philippin est dérivé de l'expression tagalog « may lakán diyán » (« il y a un noble là-bas »), et celle-ci a finalement été abrégée en Malakanyáng. Il existe deux variantes du nom en usage officiel : « Malacañang Palace » fait référence à la structure du palais, tandis que « Malacañang » identifie le bureau du président. Ce dernier, ainsi que le terme « le Palais » (« ang Palasyo ») sont des métonymes interchangeables pour le président et sa maison dans le discours familier et dans les médias.
Le palais de Malacañang est représenté au verso du billet de 20 pesos dans les séries New Design et New Generation.
Bahay Pangarap
C'est l'actuel résident du président Rodrigo Duterte pendant sa présidence.
La résidence actuelle de l'ancien président Benigno S. Aquino III est Bahay Pangarap (anglais : Maison des rêves), une plus petite structure située de l'autre côté de la rivière Pasig du palais Malacañang dans le parc Malacañang, qui fait lui-même partie du complexe du groupe de sécurité présidentielle. Aquino a été le premier président à vivre à Bahay Pangarap, sa résidence officielle.
Le parc Malacañang a été construit à l'origine par l'ancien président Manuel L. Quezon comme maison de repos et lieu d'activités informelles et de réceptions sociales pour la première famille. La maison a été construite et conçue par l'architecte Juan Arellano dans les années 1930 et a subi de nombreuses rénovations. En 2008, la maison a été démolie et reconstruite dans un style contemporain par l'architecte Conrad Onglao, et une nouvelle piscine a été construite, remplaçant celle de l'époque du Commonwealth. La maison avait à l'origine une chambre, mais elle a été rénovée pour qu'Aquino ait quatre chambres, une chambre d'amis, une chambre pour son personnel de maison et une pièce pour sa sécurité rapprochée. Le parc Malacañang a été rénové grâce aux efforts de la Première Dame Eva Macapagal, la deuxième épouse du président Diosdado Macapagal, au début des années 1960. Mme Macapagal a renommé la maison de repos Bahay Pangarap.
Sous Fidel V. Ramos, Bahay Pangarap a été transformé en club-house pour le Malacañang Golf Club. La maison a ensuite été utilisée par la présidente Gloria Macapagal-Arroyo pour accueillir des invités spéciaux. Aquino a clairement indiqué avant de prendre ses fonctions qu'il refusait de vivre dans le palais principal ou dans le manoir voisin d'Arlegui (où il a vécu sous le règne de sa mère et où Ramos est resté plus tard), affirmant que les deux étaient trop grands. Il a vécu dans la résidence de la famille Aquino le long de Times Street, à Quezon City, au cours des premiers jours de son règne, bien qu'il ait été transféré à Bahay Panagarap parce que cela était considéré comme un problème de sécurité pour ses voisins s'il restait dans leur petite maison des années 1970.
Autres résidences
Le président possède également d'autres complexes dans tout le pays à usage officiel :
* Le Manoir – Baguio
* Malacañang de Sugbo – Ville de Cebu
* Malacañang du Sud – Davao City
Transport aérien
La 250e Escadre de transport aérien (présidentielle) de l'armée de l'air philippine a pour mandat de fournir un transport aérien sûr et efficace au président des Philippines et à la première famille. À l'occasion, l'aile a également été chargée d'assurer le transport d'autres membres du gouvernement, de chefs d'État en visite et d'autres invités d'État.
La flotte comprend : 1 Fokker F28, principalement utilisé pour les voyages intérieurs du Président et également appelé « Kalayaan One » lorsque le Président est à bord, 4 hélicoptères Bell 412, 3 hélicoptères Sikorsky S-76, 1 Sikorsky S-70. -5 Black Hawk, un certain nombre de Bell UH-1N Twin Huey, ainsi que des Fokker F-27 Friendships. Pour les voyages en dehors des Philippines, l'Armée de l'Air emploie un Bombardier Global Express ou affrète des avions appropriés auprès de la compagnie aérienne nationale du pays, Philippine Airlines. En 1962, l'Air Force a affrété des avions auprès de Pan American World Airways alors que les services internationaux de Philippine Airlines étaient suspendus. Pan Am a disparu plus tard en 1991. Pour les vols court-courriers, PAL a utilisé le Boeing 737 jusqu'à ce qu'ils soient remplacés par des Airbus A320 et des Airbus A321. Pour les vols moyen-long-courriers, les Boeing 747-400 de la compagnie aérienne ont été utilisés jusqu'à leur mise hors service en septembre 2014. Les Airbus A340-300, Airbus A330-300 et Boeing 777-300ER remplissent depuis ces rôles. Tout avion PAL portant le numéro de vol PR/PAL 001 et l'indicatif PHILIPPINE 001 est un avion spécial exploité par Philippine Airlines pour transporter le président des Philippines.
Un hélicoptère présidentiel Bell 412 s'est écrasé le 7 avril 2009 dans la province montagneuse d'Ifugao, au nord de Manille. À bord se trouvaient huit personnes, dont deux sous-secrétaires de cabinet et plusieurs militaires. Le vol était en route vers Ifugao depuis la ville de Baguio en tant qu'avant-garde du président Macapagal-Arroyo, lorsque la tour de contrôle de l'aéroport de Loakan, aujourd'hui disparu, a perdu la communication avec l'engin plusieurs minutes après le décollage.
L'administration Arroyo prévoyait d'acheter un autre avion d'une valeur d'environ 1,2 milliard de pesos avant la fin de son mandat en juin 2010,[http://www.gmanews.tv/story/169716/Palace-shops-for-P12-B-jet-10 -des mois avant la sortie d'Arroyo Palace magasine pour le jet P1.2-B 10 mois avant la sortie d'Arroyo – Nation – GMANews.TV – Site officiel de GMA News and Public Affairs – Dernières nouvelles des Philippines] mais a annulé l'achat en raison d'autres problèmes .[http://www.gmanews.tv/story/169954/malacaang-cancels-plan-to-purchase-p12-b-jet Malacañangg annule son projet d'achat du jet P1.2-B – Nation – GMANews.TV – De | http://www.quizballs.com/ |
Quel monarque britannique a introduit la George Cross ? | le roi George VI | [
"La monarchie du Royaume-Uni, communément appelée monarchie britannique, est la monarchie constitutionnelle du Royaume-Uni et de ses territoires d'outre-mer. Le titre du monarque est « Roi » (homme) ou « Reine » (femme). L'actuelle monarque et chef de l'État, la reine Elizabeth II, est montée sur le trône à la mort de son père, le roi George VI, le 6 février 1952."
] | La monarchie du Royaume-Uni, communément appelée monarchie britannique, est la monarchie constitutionnelle du Royaume-Uni et de ses territoires d'outre-mer. Le titre du monarque est « Roi » (homme) ou « Reine » (femme). L'actuelle monarque et chef de l'État, la reine Elizabeth II, est montée sur le trône à la mort de son père, le roi George VI, le 6 février 1952.
Le monarque et sa famille immédiate assument diverses fonctions officielles, cérémoniales, diplomatiques et de représentation. La monarchie étant constitutionnelle, le monarque est limité à des fonctions non partisanes telles que décerner des honneurs et nommer le Premier ministre. Le monarque est, par tradition, commandant en chef des forces armées britanniques. Bien que l'autorité exécutive officielle ultime sur le gouvernement du Royaume-Uni relève toujours de la prérogative royale du monarque, ces pouvoirs ne peuvent être utilisés que conformément aux lois promulguées par le Parlement et, en pratique, dans les limites des conventions et des précédents.
La monarchie britannique tire ses origines des petits royaumes de l'Écosse médiévale et de l'Angleterre anglo-saxonne, qui se sont regroupés en royaumes d'Angleterre et d'Écosse au 10e siècle après JC. En 1066, le dernier monarque anglo-saxon couronné, Harold II, fut vaincu et tué lors de la conquête normande de l'Angleterre et la monarchie anglaise passa au chef victorieux des Normands, Guillaume le Conquérant, et à ses descendants.
Au XIIIe siècle, le Pays de Galles, en tant que principauté, est devenu un État client du royaume anglais, tandis que la Magna Carta entamait un processus de réduction des pouvoirs politiques du monarque anglais.
À partir de 1603, lorsque le monarque écossais, le roi Jacques VI, hérita du trône anglais sous le nom de Jacques Ier, les royaumes anglais et écossais étaient gouvernés par un seul souverain. De 1649 à 1660, la tradition monarchique fut brisée par le Commonwealth républicain d’Angleterre, qui suivit les guerres des Trois Royaumes. L'Act of Settlement de 1701, toujours en vigueur, excluait les catholiques romains, ou ceux qui épousent des catholiques, de la succession au trône anglais. En 1707, les royaumes d’Angleterre et d’Écosse fusionnèrent pour créer le Royaume de Grande-Bretagne, et en 1801, le Royaume d’Irlande s’unit pour créer le Royaume-Uni de Grande-Bretagne et d’Irlande. Le monarque britannique est devenu le chef nominal du vaste Empire britannique, qui couvrait un quart de la surface mondiale dans sa plus grande étendue en 1921.
Dans les années 1920, les cinq sixièmes de l'Irlande ont fait sécession de l'Union pour devenir l'État libre d'Irlande, et la Déclaration Balfour a reconnu l'évolution des dominions de l'empire vers des pays séparés et autonomes au sein d'un Commonwealth de nations. Après la Seconde Guerre mondiale, la grande majorité des colonies et territoires britanniques sont devenus indépendants, mettant ainsi fin à l’empire. George VI et son successeur, Elizabeth II, ont adopté le titre de chef du Commonwealth comme symbole de la libre association de ses États membres indépendants.
Le Royaume-Uni et quinze autres monarchies du Commonwealth qui partagent la même personne que leur monarque sont appelés royaumes du Commonwealth. Les termes monarchie britannique et monarque britannique sont encore fréquemment utilisés en référence à l'individu et à l'institution partagés ; cependant, chaque pays est souverain et indépendant des autres, et le monarque a un titre et un style nationaux différents, spécifiques et officiels pour chaque royaume.
Rôle constitutionnel
Dans la Constitution non codifiée du Royaume-Uni, le monarque (autrement appelé le souverain ou « Sa Majesté », en abrégé H.M.) est le chef de l'État. Des serments d'allégeance sont prêtés à la reine et à ses successeurs légitimes. God Save the Queen (ou God Save the King) est l'hymne national britannique et le monarque apparaît sur les timbres-poste, les pièces de monnaie et les billets de banque.
Le monarque participe peu directement au gouvernement. Les décisions d'exercer les pouvoirs souverains sont déléguées par le monarque, soit par loi, soit par convention, aux ministres ou officiers de la Couronne, ou à d'autres organismes publics, à l'exclusion du monarque personnellement. Ainsi, les actes d'État accomplis au nom de la Couronne, tels que les nominations à la Couronne, même s'ils sont accomplis personnellement par le monarque, comme le discours de la Reine et l'ouverture officielle du Parlement, dépendent de décisions prises ailleurs :
* Le pouvoir législatif est exercé par la Reine au Parlement, sur l'avis et avec le consentement du Parlement, de la Chambre des Lords et de la Chambre des communes.
* Le pouvoir exécutif est exercé par le gouvernement de Sa Majesté, qui comprend des ministres, principalement le Premier ministre et le Cabinet, qui est techniquement un comité du Conseil privé. Ils ont la direction des forces armées de la Couronne, de la fonction publique et d'autres fonctionnaires de la Couronne tels que les services diplomatiques et secrets (la Reine reçoit certains rapports de renseignements étrangers avant le Premier ministre). A Londres, les révélations du transfuge soviétique de 1989 Vladimir] Pasechnik ont été résumés dans une note rapide destinée au Comité conjoint du renseignement. Le premier destinataire de tels rapports est toujours Sa Majesté la Reine, le second est le Premier ministre, qui à l'époque était Margaret Thatcher|[Margaret] Thatcher. Hoffman, David E. (Emanuel), The Dead Hand: The Untold Story of the Cold War Arms Race and Its Dangerous Legacy (N.Y. : Doubleday, 1ère éd. [1ère impression ?] (ISBN 978-0-385-52437-7 ) 2009), p. 336 (auteur collaborateur et ancien correspondant diplomatique de la Maison Blanche des États-Unis et de Jérusalem, chef du bureau de Moscou et rédacteur en chef adjoint des informations étrangères pour The Wash. Post).).
* Le pouvoir judiciaire est conféré au pouvoir judiciaire, qui, par la constitution et la loi, jouit d'une indépendance judiciaire par rapport au gouvernement.
* L'Église d'Angleterre, dont le monarque est le chef, possède ses propres structures législatives, judiciaires et exécutives.
* Des pouvoirs indépendants du gouvernement sont légalement accordés à d'autres organismes publics par une loi ou un instrument statutaire tel qu'un décret, une commission royale ou autre.
Le rôle du souverain en tant que monarque constitutionnel se limite en grande partie à des fonctions non partisanes, telles que l'octroi de distinctions honorifiques. Ce rôle est reconnu depuis le XIXe siècle. L'auteur constitutionnel Walter Bagehot a identifié la monarchie en 1867 comme la « partie digne » plutôt que la « partie efficace » du gouvernement.
Nomination du Premier ministre
Chaque fois que cela est nécessaire, le monarque est chargé de nommer un nouveau Premier ministre (qui, par convention, nomme et peut révoquer tous les autres ministres de la Couronne, et constitue et contrôle ainsi le gouvernement). Conformément aux conventions constitutionnelles non écrites, le souverain doit nommer une personne qui bénéficie du soutien de la Chambre des communes, généralement le chef du parti ou de la coalition qui détient la majorité à cette Chambre. Le Premier ministre prend ses fonctions en assistant au monarque en audience privée, et après s'être « baisé les mains », cette nomination prend effet immédiatement sans aucune autre formalité ou instrument.
Dans un parlement sans majorité, où aucun parti ou coalition ne détient la majorité, le monarque dispose d'une plus grande latitude pour choisir l'individu susceptible de recueillir le plus de soutien, même s'il s'agit généralement du chef du parti le plus important. Depuis 1945, il n’y a eu que deux parlements sans majorité. La première a suivi les élections générales de février 1974, lorsque Harold Wilson a été nommé Premier ministre après la démission d'Edward Heath suite à son échec à former une coalition. Même si le Parti travailliste de Wilson n'avait pas de majorité, il était le parti le plus important. La seconde a suivi les élections générales de mai 2010, au cours desquelles les Conservateurs (le plus grand parti) et les Libéraux-Démocrates (le troisième parti) ont convenu de former le premier gouvernement de coalition depuis la Seconde Guerre mondiale.
Dissolution du Parlement
En 1950, le secrétaire particulier du roi, écrivant sous un pseudonyme au journal The Times, affirmait une convention constitutionnelle : selon les principes de Lascelles, si un gouvernement minoritaire demandait de dissoudre le Parlement pour convoquer des élections anticipées afin de renforcer sa position, le monarque pourrait refuser, et il le ferait. sous trois conditions. Lorsque le premier ministre Wilson demanda la dissolution du parti à la fin de 1974, la reine accéda à sa demande car Heath n'avait déjà pas réussi à former une coalition. Les élections générales qui en ont résulté ont donné à Wilson une petite majorité. Le monarque pourrait en théorie révoquer unilatéralement un Premier ministre, mais le mandat d'un Premier ministre ne prend désormais fin que par une défaite électorale, un décès ou une démission. Le dernier monarque à destituer un Premier ministre fut Guillaume IV, qui renvoya Lord Melbourne en 1834. La loi de 2011 sur les parlements à durée déterminée a supprimé le pouvoir du monarque de dissoudre le Parlement ; la loi a cependant spécifiquement conservé le pouvoir de prorogation du monarque, qui est une caractéristique régulière du calendrier parlementaire.
Prérogative royale
Une partie du pouvoir exécutif du gouvernement est théoriquement et nominalement dévolue au souverain et est connue sous le nom de prérogative royale. Le monarque agit dans le respect des conventions et des précédents, n'exerçant sa prérogative que sur l'avis des ministres responsables devant le Parlement, souvent par l'intermédiaire du Premier ministre ou du Conseil privé. Dans la pratique, les prérogatives ne sont exercées que sur les conseils du Premier ministre – c'est le Premier ministre, et non le souverain, qui exerce le contrôle. Le monarque tient une audience hebdomadaire avec le Premier ministre. Aucun enregistrement de ces audiences n’est enregistré et les débats restent totalement confidentiels. Le monarque peut exprimer son point de vue, mais, en tant que dirigeant constitutionnel, il doit en fin de compte accepter les décisions du Premier ministre et du Cabinet (à condition qu'elles obtiennent le soutien de la Chambre). Selon les mots de Bagehot : « le souverain a, dans une monarchie constitutionnelle ... trois droits : le droit d'être consulté, le droit d'encourager, le droit d'avertir. »
Même si la prérogative royale est étendue et que l'approbation du Parlement n'est pas formellement requise pour son exercice, elle est limitée. De nombreuses prérogatives de la Couronne sont devenues inutilisables ou ont été définitivement transférées au Parlement. Par exemple, le monarque ne peut pas imposer et collecter de nouveaux impôts ; une telle action nécessite l’autorisation d’une loi du Parlement. Selon un rapport parlementaire, « la Couronne ne peut pas inventer de nouveaux pouvoirs de prérogative » et le Parlement peut passer outre à tout pouvoir de prérogative en adoptant une loi.
La prérogative royale comprend les pouvoirs de nommer et de révoquer les ministres, de réglementer la fonction publique, de délivrer des passeports, de déclarer la guerre, de faire la paix, de diriger les actions de l'armée et de négocier et ratifier des traités, des alliances et des accords internationaux. Cependant, un traité ne peut pas modifier les lois nationales du Royaume-Uni ; une loi du Parlement est nécessaire dans de tels cas. Le monarque est commandant en chef des forces armées (la Royal Navy, l'armée britannique et la Royal Air Force), accrédite les hauts-commissaires et les ambassadeurs britanniques et reçoit les diplomates des États étrangers.
C'est la prérogative du monarque de convoquer et de proroger le Parlement. Chaque session parlementaire commence par la convocation du monarque. La nouvelle session parlementaire est marquée par l'ouverture officielle du Parlement, au cours de laquelle le Souverain lit le discours du trône dans la Chambre de la Chambre des Lords, décrivant le programme législatif du Gouvernement. La prorogation a généralement lieu environ un an après le début d'une session et conclut officiellement la session. La dissolution met fin à une législature et est suivie d'élections générales pour tous les sièges de la Chambre des communes. Une élection générale a normalement lieu cinq ans après la précédente en vertu de la loi de 2011 sur les parlements à durée déterminée, mais peut avoir lieu plus tôt si le Premier ministre perd une motion de confiance ou si les deux tiers des membres de la Chambre des communes votent. d'organiser des élections anticipées.
Avant qu'un projet de loi adopté par les chambres législatives puisse devenir loi, la sanction royale (l'approbation du monarque) est requise. En théorie, l'assentiment peut être soit accordé (faire du projet de loi une loi), soit refusé (opposer son veto au projet de loi), mais depuis 1707, l'assentiment a toujours été accordé.
Le monarque entretient des relations similaires avec les gouvernements décentralisés d’Écosse, du Pays de Galles et d’Irlande du Nord. Le Souverain nomme le Premier ministre d'Écosse sur proposition du Parlement écossais et le Premier ministre du Pays de Galles sur proposition de l'Assemblée nationale du Pays de Galles. En matière écossaise, le souverain agit sur l'avis du gouvernement écossais. Cependant, comme la décentralisation est plus limitée au Pays de Galles, dans les affaires galloises, le souverain agit sur l'avis du Premier ministre et du Cabinet du Royaume-Uni. Le souverain peut opposer son veto à toute loi adoptée par l'Assemblée d'Irlande du Nord, si elle est jugée inconstitutionnelle par le secrétaire d'État pour l'Irlande du Nord.
Le Souverain est considéré comme la « source de la justice » ; bien que le Souverain ne statue pas personnellement sur les affaires judiciaires, les fonctions judiciaires sont exercées en son nom. Par exemple, les poursuites sont intentées au nom du monarque et les tribunaux tirent leur autorité de la Couronne. La common law soutient que le souverain « ne peut faire de mal » ; le monarque ne peut être poursuivi pour des infractions pénales. La Crown Proceedings Act 1947 autorise les poursuites civiles contre la Couronne en sa qualité publique (c'est-à-dire les poursuites contre le gouvernement), mais pas les poursuites contre le monarque personnellement. Le Souverain exerce la « prérogative de miséricorde », qui lui permet de gracier les condamnés ou de réduire les peines.
Le monarque est la « source de l'honneur », la source de tous les honneurs et dignités au Royaume-Uni. La Couronne crée toutes les pairies, nomme les membres des ordres de chevalerie, accorde les titres de chevalerie et décerne d'autres honneurs. Bien que les pairies et la plupart des autres distinctions honorifiques soient accordées sur l'avis du Premier ministre, certaines distinctions relèvent du don personnel du souverain et ne sont pas accordées sur l'avis du ministre. Le monarque nomme seul les membres de l'Ordre de la Jarretière, de l'Ordre du Chardon, de l'Ordre royal de Victoria et de l'Ordre du mérite.
Histoire
monarchie anglaise
À la suite des raids et de la colonisation des Vikings au IXe siècle, le royaume anglo-saxon du Wessex est devenu le royaume anglais dominant. Alfred le Grand s'empara du Wessex, parvint à dominer l'ouest de la Mercie et prit le titre de « roi des Anglais ». Son petit-fils Æthelstan fut le premier roi à régner sur un royaume unitaire correspondant à peu près aux frontières actuelles de l'Angleterre, même si ses éléments constitutifs conservèrent de fortes identités régionales. Le XIe siècle a vu l'Angleterre devenir plus stable, malgré plusieurs guerres avec les Danois, qui ont abouti à une monarchie danoise pendant une génération. La conquête de l'Angleterre par Guillaume, duc de Normandie en 1066, fut cruciale en termes de changement politique et social. Le nouveau monarque poursuit la centralisation du pouvoir commencée à l'époque anglo-saxonne, tandis que le système féodal continue de se développer.
Guillaume Ier fut remplacé par deux de ses fils : Guillaume II, puis Henri Ier. Henri prit la décision controversée de nommer sa fille Mathilde (sa seule enfant survivante) comme son héritière. Après la mort d'Henri en 1135, l'un des petits-fils de Guillaume Ier, Stephen, revendique le trône et prend le pouvoir avec le soutien de la plupart des barons. Mathilde a contesté son règne ; en conséquence, l’Angleterre est tombée dans une période de désordre connue sous le nom d’Anarchie. Stephen a maintenu une emprise précaire sur le pouvoir, mais a accepté un compromis en vertu duquel le fils de Mathilde, Henry, lui succéderait. Henri devint ainsi le premier roi angevin d'Angleterre et le premier monarque de la dynastie Plantagenêt sous le nom d'Henri II en 1154.
Les règnes de la plupart des monarques angevins furent marqués par des troubles civils et des conflits entre le monarque et la noblesse. Henri II fait face aux rébellions de ses propres fils, les futurs monarques Richard Ier et Jean. Néanmoins, Henri réussit à étendre son royaume, formant ce qui est rétrospectivement connu sous le nom d'Empire angevin. À la mort d'Henri, son fils aîné Richard accède au trône ; il fut absent d'Angleterre pendant la majeure partie de son règne, alors qu'il partit combattre dans les croisades. Il fut tué en assiégeant un château et Jean lui succéda.
Le règne de Jean fut marqué par des conflits avec les barons, notamment sur les limites du pouvoir royal. En 1215, les barons contraignirent le roi à publier la Magna Carta (du latin « Grande Charte ») pour garantir les droits et libertés de la noblesse. Peu de temps après, de nouveaux désaccords plongèrent l'Angleterre dans une guerre civile connue sous le nom de Première Guerre des Barons. La guerre prit fin brusquement après la mort de Jean en 1216, laissant la couronne à son fils Henri III, âgé de neuf ans. Plus tard sous le règne d'Henri, Simon de Montfort mena les barons dans une autre rébellion, déclenchant la Seconde Guerre des Barons. La guerre s'est terminée par une nette victoire royaliste et par la mort de nombreux rebelles, mais pas avant que le roi ait accepté de convoquer un parlement en 1265.
Le monarque suivant, Édouard Ier (« Edward Longshanks »), réussit bien mieux à maintenir le pouvoir royal et fut responsable de la conquête du Pays de Galles. Il tenta d'établir la domination anglaise sur l'Écosse. Cependant, les progrès réalisés en Écosse furent annulés sous le règne de son successeur, Édouard II, qui fut également confronté à un conflit avec la noblesse. En 1311, Édouard II fut contraint d'abandonner bon nombre de ses pouvoirs à un comité d'« ordonnateurs » baronnials ; cependant, les victoires militaires l'ont aidé à reprendre le contrôle en 1322. Néanmoins, en 1327, Édouard fut destitué puis assassiné par son épouse Isabelle. Son fils de 14 ans devint Édouard III. Édouard III revendique la couronne de France, déclenchant la guerre de Cent Ans entre l'Angleterre et la France.
Ses campagnes conquirent une grande partie du territoire français, mais en 1374, tous les gains avaient été perdus. Le règne d'Édouard fut également marqué par le développement du Parlement, qui fut divisé en deux chambres. En 1377, Édouard III mourut, laissant la couronne à son petit-fils Richard II, âgé de 10 ans. Comme beaucoup de ses prédécesseurs, Richard II entra en conflit avec les nobles en tentant de concentrer le pouvoir entre ses propres mains. En 1399, alors qu'il fait campagne en Irlande, son cousin Henry Bolingbroke prend le pouvoir. Richard fut déposé, emprisonné et finalement assassiné, probablement par faim, et Henri devint roi sous le nom d'Henri IV.
Henri IV était le petit-fils d'Édouard III et le fils de Jean de Gand, duc de Lancastre ; par conséquent, sa dynastie était connue sous le nom de Maison de Lancastre. Pendant la majeure partie de son règne, Henri IV fut contraint de lutter contre les complots et les rébellions ; son succès était en partie dû aux compétences militaires de son fils, le futur Henri V. Le propre règne d'Henri V, qui commença en 1413, fut en grande partie exempt de conflits domestiques, laissant le roi libre de poursuivre la guerre de Cent Ans en France. Bien qu'il ait été victorieux, sa mort soudaine en 1422 a laissé son fils Henri VI sur le trône et a donné aux Français l'occasion de renverser la domination anglaise.
L'impopularité des conseillers d'Henri VI et de son épouse belliqueuse, Marguerite d'Anjou, ainsi que son propre leadership inefficace, conduisirent à l'affaiblissement de la maison de Lancastre. Les Lancastriens furent confrontés à un défi de la part de la Maison d'York, ainsi appelée parce que son chef, un descendant d'Édouard III, était Richard, duc d'York. Bien que le duc d'York soit mort au combat en 1460, son fils aîné, Édouard IV, mena les Yorkistes à la victoire en 1461. Les guerres des Deux-Roses se poursuivirent néanmoins par intermittence pendant son règne et celui de son fils Édouard V et de son frère Richard III. . Edward V a disparu, vraisemblablement assassiné par Richard. En fin de compte, le conflit a abouti au succès de la branche lancastrienne dirigée par Henry Tudor, en 1485, lorsque Richard III a été tué lors de la bataille de Bosworth Field.
Aujourd'hui roi Henri VII, il neutralisa les forces yorkistes restantes, en partie en épousant Elizabeth d'York, une héritière yorkiste. Grâce à ses compétences et à ses capacités, Henri rétablit la suprématie absolue dans le royaume et les conflits avec la noblesse qui avaient tourmenté les monarques précédents prirent fin. Le règne du deuxième roi Tudor, Henri VIII, fut marqué par de grands changements politiques. Les bouleversements religieux et les différends avec le pape ont conduit le monarque à rompre avec l'Église catholique romaine et à fonder l'Église d'Angleterre (l'Église anglicane).
Le Pays de Galles – qui avait été conquis des siècles plus tôt, mais était resté un dominion distinct – fut annexé à l'Angleterre en vertu des lois du Pays de Galles de 1535 et 1542. Le fils et successeur d'Henri VIII, le jeune Édouard VI, poursuivit ses réformes religieuses, mais ses premiers pas la mort en 1553 précipita une crise de succession. Il hésitait à permettre à sa demi-sœur aînée catholique Mary de réussir et rédigea donc un testament désignant Lady Jane Grey comme son héritière. Le règne de Jane ne dura cependant que neuf jours ; Avec un énorme soutien populaire, Marie la déposa et se déclara souveraine légitime. Marie Ier épousa Philippe d'Espagne, qui fut déclaré roi et co-dirigeant, mena des guerres désastreuses en France et tenta de ramener l'Angleterre au catholicisme romain, brûlant ainsi les protestants comme hérétiques. À sa mort en 1558, sa demi-sœur protestante Elizabeth I leur succéda. L'Angleterre revint au protestantisme et poursuivit sa croissance pour devenir une puissance mondiale majeure en construisant sa marine et en explorant le Nouveau Monde.
monarchie écossaise
En Écosse, comme en Angleterre, les monarchies sont apparues après le retrait de l’empire romain de Grande-Bretagne au début du Ve siècle. Les trois groupes qui vivaient en Écosse à cette époque étaient les Pictes au nord-est, les Britanniques au sud, dont le royaume de Strathclyde, et les Gaels ou Scotti (qui donneront plus tard leur nom à l'Écosse), du petit peuple irlandais. royaume de Dál Riata à l'ouest. Kenneth MacAlpin est traditionnellement considéré comme le premier roi d'une Écosse unie (connue sous le nom de Scotia pour les écrivains latins, ou d'Alba pour les Écossais). L'expansion des dominions écossais s'est poursuivie au cours des deux siècles suivants, à mesure que d'autres territoires tels que Strathclyde étaient absorbés.
Les premiers monarques écossais n’héritèrent pas directement de la Couronne ; au lieu de cela, la coutume de la tanistique a été suivie, où la monarchie alternait entre différentes branches de la Maison Alpin. En conséquence, cependant, les lignées dynastiques rivales se sont affrontées, souvent violemment. De 942 à 1005, sept monarques consécutifs furent assassinés ou tués au combat. En 1005, Malcolm II monta sur le trône après avoir tué de nombreux rivaux. Il continua d'éliminer impitoyablement l'opposition et, à sa mort en 1034, son petit-fils, Duncan Ier, lui succéda, au lieu d'un cousin, comme d'habitude. En 1040, Duncan fut vaincu au combat par Macbeth, qui fut lui-même tué en 1057 par le fils de Duncan, Malcolm. L'année suivante, après avoir tué Lulach, le beau-fils de Macbeth, Malcolm monta sur le trône sous le nom de Malcolm III.
Avec une nouvelle série de batailles et de dépositions, cinq des fils de Malcolm ainsi qu'un de ses frères devinrent successivement roi. Finalement, la couronne revint à son plus jeune fils, David. David a été remplacé par ses petits-fils Malcolm IV, puis par Guillaume le Lion, le roi d'Écosse qui a régné le plus longtemps avant l'Union des couronnes. Guillaume participa à une rébellion contre le roi Henri II d'Angleterre mais lorsque la rébellion échoua, Guillaume fut capturé par les Anglais. En échange de sa libération, William fut contraint de reconnaître Henry comme son suzerain féodal. Le roi anglais Richard Ier accepta de mettre fin à l'accord en 1189, en échange d'une importante somme d'argent nécessaire aux croisades. Guillaume mourut en 1214 et fut remplacé par son fils Alexandre II. Alexandre II, ainsi que son successeur Alexandre III, tentèrent de s'emparer des îles occidentales, qui étaient encore sous la suzeraineté de la Norvège. Sous le règne d'Alexandre III, la Norvège lança une invasion infructueuse de l'Écosse ; le traité de Perth qui a suivi a reconnu le contrôle écossais des îles occidentales et d'autres zones contestées.
La mort inattendue d'Alexandre III dans un accident de cheval en 1286 précipita une crise de succession majeure. Les dirigeants écossais ont fait appel au roi Édouard Ier d'Angleterre pour l'aider à déterminer qui était l'héritier légitime. Edward a choisi Margaret, la petite-fille norvégienne d'Alexandre, âgée de trois ans. Cependant, alors qu'elle se rendait en Écosse en 1290, Margaret mourut en mer et Edward fut de nouveau invité à trancher entre 13 prétendants rivaux au trône. Un tribunal fut créé et après deux ans de délibérations, il prononça le titre de roi Jean Balliol. Cependant, Edward traita Balliol comme un vassal et tenta d'exercer une influence sur l'Écosse. En 1295, lorsque Balliol renonça à son allégeance à l'Angleterre, Édouard Ier l'envahit. Durant les dix premières années des guerres d'indépendance écossaises qui suivirent, l'Écosse n'eut pas de monarque, jusqu'à ce que Robert Bruce se déclare roi en 1306.
Les efforts de Robert pour contrôler l'Écosse ont abouti à un succès et l'indépendance écossaise a été reconnue en 1328. Cependant, seulement un an plus tard, Robert mourut et fut remplacé par son fils de cinq ans, David II. Sous prétexte de restaurer l'héritier légitime de John Balliol, Edward Balliol, les Anglais envahirent à nouveau en 1332. Au cours des quatre années suivantes, Balliol fut couronné, déposé, restauré, déposé, restauré et déposé jusqu'à ce qu'il finisse par s'installer en Angleterre, et David resta. roi pour les 35 prochaines années.
David II mourut sans enfant en 1371 et fut remplacé par son neveu Robert II de la maison Stuart. Les règnes de Robert II et de son successeur, Robert III, furent marqués par un déclin général du pouvoir royal. À la mort de Robert III en 1406, des régents durent diriger le pays ; le monarque, le fils de Robert III, Jacques Ier, avait été fait prisonnier par les Anglais. Après avoir payé une grosse rançon, James retourna en Écosse en 1424 ; pour restaurer son autorité, il a eu recours à des mesures impitoyables, notamment l'exécution de plusieurs de ses ennemis. Il fut assassiné par un groupe de nobles. Jacques II poursuivit la politique de son père en soumettant des nobles influents, mais il fut tué dans un accident à l'âge de trente ans et un conseil de régents reprit le pouvoir. Jacques III fut vaincu lors d'une bataille contre les comtes écossais rebelles en 1488, ce qui donna naissance à un autre enfant-roi : Jacques IV.
En 1513, Jacques IV lance une invasion de l'Angleterre, tentant de profiter de l'absence du roi anglais Henri VIII. Ses forces rencontrèrent un désastre à Flodden Field ; le roi, de nombreux nobles de haut rang et des centaines de soldats furent tués. Comme son fils et successeur, Jacques V, était un enfant, le gouvernement fut de nouveau repris par les régents. Jacques V mena une autre guerre désastreuse contre les Anglais en 1542, et sa mort la même année laissa la couronne entre les mains de sa fille de six jours, Mary. Une fois de plus, une régence fut instituée.
Mary, catholique romaine, a régné pendant une période de grands bouleversements religieux en Écosse. Grâce aux efforts de réformateurs tels que John Knox, un ascendant protestant s'est établi. Mary a semé l'inquiétude en épousant son cousin catholique, Lord Darnley, en 1565. Après l'assassinat de Lord Darnley en 1567, Mary a contracté un mariage encore plus impopulaire avec le comte de Bothwell, largement soupçonné du meurtre de Darnley. La noblesse se rebelle contre la reine, la forçant à abdiquer. Elle s'enfuit en Angleterre et la couronne revint à son fils Jacques VI, qui fut élevé dans la religion protestante. Mary a été emprisonnée puis exécutée par la reine anglaise Elizabeth I.
Union personnelle et phase républicaine
La mort d'Elizabeth en 1603 mit fin au règne des Tudor en Angleterre. Comme elle n'avait pas d'enfants, le monarque écossais James VI lui succéda, qui était l'arrière-petit-fils de la sœur aînée d'Henri VIII et donc le cousin germain d'Elizabeth à deux reprises. Jacques VI régna en Angleterre sous le nom de Jacques Ier après ce qu'on appelait « l'Union des couronnes ». Bien que l'Angleterre et l'Écosse fussent en union personnelle sous un seul monarque – Jacques Ier devint le premier monarque à se qualifier de « roi de Grande-Bretagne et d'Irlande » en 1604 – elles restèrent des royaumes séparés. Le successeur de Jacques Ier, Charles Ier, connut de fréquents conflits avec le Parlement anglais liés à la question des pouvoirs royaux et parlementaires, notamment le pouvoir d'imposer des impôts. Il a provoqué l'opposition en gouvernant sans Parlement de 1629 à 1640, en prélevant unilatéralement des impôts et en adoptant des politiques religieuses controversées (dont beaucoup étaient offensantes pour les presbytériens écossais et les puritains anglais). Sa tentative d'imposer l'anglicanisme a conduit à une rébellion organisée en Écosse (les « guerres des évêques ») et a déclenché les guerres des Trois Royaumes. En 1642, le conflit entre le roi et le Parlement anglais atteint son paroxysme et la guerre civile anglaise commence.
La guerre civile a culminé avec l'exécution du roi en 1649, le renversement de la monarchie anglaise et la création du Commonwealth d'Angleterre. Le fils de Charles Ier, Charles II, fut proclamé roi de Grande-Bretagne en Écosse, mais il fut contraint de fuir à l'étranger après avoir envahi l'Angleterre et fut vaincu à la bataille de Worcester. En 1653, Oliver Cromwell, le leader militaire et politique le plus éminent du pays, prit le pouvoir et se déclara Lord Protecteur (devenant ainsi un dictateur militaire, mais refusant le titre de roi). Cromwell régna jusqu'à sa mort en 1658, date à laquelle son fils Richard lui succéda. Le nouveau Lord Protector avait peu d'intérêt à gouverner ; il a bientôt démissionné. Le manque de leadership clair a conduit à des troubles civils et militaires et à un désir populaire de restaurer la monarchie. En 1660, la monarchie fut restaurée et Charles II retourna en Grande-Bretagne.
Le règne de Charles II fut marqué par le développement des premiers partis politiques modernes en Angleterre. Charles n'avait pas d'enfants légitimes et devait être remplacé par son frère catholique, James, duc d'York. Un effort parlementaire pour exclure James de la ligne de succession surgit ; les « pétitionnaires », favorables à l'exclusion, sont devenus le parti Whig, tandis que les « abhorrers », opposés à l'exclusion, sont devenus le parti conservateur. Le projet de loi d’exclusion a échoué ; à plusieurs reprises, Charles II dissout le Parlement parce qu'il craignait que le projet de loi ne soit adopté. Après la dissolution du Parlement en 1681, Charles régna sans Parlement jusqu'à sa mort en 1685. Lorsque James succéda à Charles, il poursuivit une politique d'offre de tolérance religieuse aux catholiques romains, suscitant ainsi la colère de nombre de ses sujets protestants. Beaucoup se sont opposés aux décisions de James de maintenir une grande armée permanente, de nommer des catholiques romains à de hautes fonctions politiques et militaires et d'emprisonner les religieux de l'Église d'Angleterre qui contestaient sa politique. En conséquence, un groupe de protestants connu sous le nom des Sept Immortels a invité la fille de Jacques II, Marie, et son mari Guillaume d'Orange à déposer le roi. William obéit et arriva en Angleterre le 5 novembre 1688 avec un grand soutien public. Face à la défection d'un grand nombre de ses fonctionnaires protestants, Jacques fuit le royaume et Guillaume et Marie (plutôt que le fils catholique de Jacques II) furent déclarés souverains conjoints de l'Angleterre, de l'Écosse et de l'Irlande.
Le renversement de Jacques, connu sous le nom de Glorieuse Révolution, fut l'un des événements les plus importants de la longue évolution du pouvoir parlementaire. La Déclaration des droits de 1689 affirmait la suprématie parlementaire et déclarait que le peuple anglais détenait certains droits, notamment l'absence d'impôts imposés sans le consentement du Parlement. La Déclaration des droits exigeait que les futurs monarques soient protestants et prévoyait qu'après les enfants de William et Mary, la sœur de Mary, Anne, hériterait de la couronne. Mary mourut sans enfant en 1694, laissant William comme seul monarque. En 1700, une crise politique éclata, car tous les enfants d'Anne étaient morts, la laissant seule dans la ligne de succession. Le Parlement craignait que l'ancien Jacques II ou ses partisans, connus sous le nom de Jacobites, ne tentent de reconquérir le trône. Le Parlement a adopté l'Act of Settlement 1701, qui excluait James et ses relations catholiques de la succession et faisait des relations protestantes les plus proches de William, la famille de Sophia, électrice de Hanovre, la prochaine sur le trône après sa belle-sœur Anne. Peu de temps après l'adoption de la loi, Guillaume III mourut, laissant la couronne à Anne.
Après les Actes d'Union de 1707
Après l'avènement d'Anne, le problème de la succession refait surface. Le Parlement écossais, furieux que le Parlement anglais ne les ait pas consultés sur le choix de la famille de Sophia comme prochains héritiers, adopta l'Act of Security 1704, menaçant de mettre fin à l'union personnelle entre l'Angleterre et l'Écosse. Le Parlement d'Angleterre a riposté avec l'Alien Act 1705, menaçant de dévaster l'économie écossaise en restreignant le commerce. Les parlements écossais et anglais ont négocié les Actes d'Union de 1707, en vertu desquels l'Angleterre et l'Écosse étaient unies en un seul royaume de Grande-Bretagne, avec succession selon les règles prescrites par l'Act of Settlement.
En 1714, la reine Anne fut remplacée par son cousin germain et fils de Sophia, George Ier, électeur de Hanovre, qui consolida sa position en battant les rébellions jacobites en 1715 et 1719. | http://www.quizballs.com/ |
En quelle année l’émission télévisée pour enfants « Sesame Street » a-t-elle fait ses débuts à la télévision américaine ? | 1969 | [
"Sesame Street est une série télévisée américaine pour enfants créée par Joan Ganz Cooney et Lloyd Morrisett. Le programme est connu pour son contenu éducatif et ses images communiquées à travers l'utilisation des Muppets de Jim Henson, de l'animation, des courts métrages, de l'humour et des références culturelles. La série a été créée le 10 novembre 1969, avec des critiques positives, une certaine controverse et une audience élevée ; il a été diffusé sur la chaîne de télévision publique nationale (PBS) des États-Unis depuis ses débuts, sa première diffusion étant transférée sur la chaîne premium HBO le 16 janvier 2016.",
"Sesame Street a été conçue en 1966 lors de discussions entre le producteur de télévision Joan Ganz Cooney et le vice-président de la Fondation Carnegie, Lloyd Morrisett. Leur objectif était de créer une émission de télévision pour enfants qui « maîtriserait les qualités addictives de la télévision et ferait quelque chose de bien avec elles », comme aider les jeunes enfants à se préparer à l'école. Après deux années de recherche, le nouveau Children's Television Workshop (CTW) a reçu une subvention combinée de 8 millions de dollars américains (millions de dollars) de la Fondation Carnegie, de la Fondation Ford et du gouvernement fédéral américain pour créer et produire une nouvelle télévision pour enfants. montrer. Le programme a été créé sur les chaînes de télévision publiques le 10 novembre 1969. Il s'agissait du premier programme télévisé éducatif préscolaire à baser son contenu et ses valeurs de production sur des recherches en laboratoire et formatives. Les premières réponses à l'émission comprenaient des critiques élogieuses, une certaine controverse et des notes élevées. À l'occasion de son 40e anniversaire en 2009, Sesame Street était diffusé dans plus de 120 pays et 20 versions internationales avaient été produites.",
"Bien que les producteurs aient décidé de ne pas dépendre d'un seul animateur pour Sesame Street, mais plutôt de choisir un groupe d'acteurs ethniquement divers, ils ont réalisé qu'une émission de télévision pour enfants devait avoir, comme le dit Lesser, « une variété de personnalités distinctives et fiables », à la fois humain et Muppet. Jon Stone, dont l'objectif était de recruter des acteurs blancs en minorité, était responsable du recrutement du premier casting de la série. Il n'auditionna les acteurs qu'au printemps 1969, quelques semaines avant le tournage des cinq émissions tests. Stone a filmé les auditions et Ed Palmer les a emmenés sur le terrain pour tester les réactions des enfants. Les acteurs qui ont reçu le « coup de pouce le plus enthousiaste » ont été choisis. Par exemple, Loretta Long a été choisie pour jouer Susan lorsque les enfants qui ont vu son audition se sont levés et ont chanté avec son interprétation de \"I'm a Little Teapot\". Comme l'a dit Stone, le casting était le seul aspect de la série qui était \"complètement aléatoire\". La plupart des acteurs et de l'équipe ont trouvé un emploi sur Sesame Street grâce à des relations personnelles avec Stone et les autres producteurs.",
"Lorsque Sesame Street a été créée en 1969, elle n'était diffusée que sur 67,6 % des télévisions américaines, mais elle a obtenu une note Nielsen de 3,3, qui a totalisé 1,9 million de foyers. Au dixième anniversaire de l'émission en 1979, 9 millions d'enfants américains de moins de six ans regardaient quotidiennement Sesame Street. Selon une enquête menée en 1993 par le ministère américain de l'Éducation, sur les 6,6 millions de téléspectateurs de l'émission, 2,4 millions d'élèves de maternelle la regardaient régulièrement. 77 % des enfants d'âge préscolaire le regardaient une fois par semaine, et 86 % des élèves de maternelle et de première et deuxième années l'avaient regardé une fois par semaine avant de commencer l'école. L'émission a touché la plupart des jeunes enfants de presque tous les groupes démographiques.",
"Sesame Street a été saluée dès ses débuts en 1969. Newsday a rapporté que plusieurs journaux et magazines avaient écrit des rapports « élogieux » sur le CTW et Cooney. La presse a massivement salué le nouveau spectacle ; plusieurs magazines populaires et magazines spécialisés en ont fait l'éloge. En 1970, Sesame Street remporte vingt prix, dont un Peabody Award, trois Emmys, un prix de la Public Relations Society of America, une Clio et un Prix Jeunesse. En 1995, la série avait remporté deux Peabody Awards et quatre Parents' Choice Awards. De plus, il a fait l'objet de rétrospectives à la Smithsonian Institution et au Museum of Modern Art."
] | Sesame Street est une série télévisée américaine pour enfants créée par Joan Ganz Cooney et Lloyd Morrisett. Le programme est connu pour son contenu éducatif et ses images communiquées à travers l'utilisation des Muppets de Jim Henson, de l'animation, des courts métrages, de l'humour et des références culturelles. La série a été créée le 10 novembre 1969, avec des critiques positives, une certaine controverse et une audience élevée ; il a été diffusé sur la chaîne de télévision publique nationale (PBS) des États-Unis depuis ses débuts, sa première diffusion étant transférée sur la chaîne premium HBO le 16 janvier 2016.
Le spectacle a subi des changements importants au cours de son histoire. Le format de Sesame Street consiste en une combinaison d'éléments et de techniques de production télévisuelle commerciale qui ont évolué pour refléter les changements de la culture américaine et les habitudes de visionnage du public. Avec la création de Sesame Street, les producteurs et les scénaristes d'une émission de télévision pour enfants ont utilisé, pour la première fois, des objectifs éducatifs et un programme pour façonner son contenu. C'était également la première fois que les effets pédagogiques d'un spectacle étaient étudiés.
Peu de temps après la création de Sesame Street, ses producteurs ont développé ce qu'on a appelé le « modèle CTW » (du nom de la société de production de l'émission, le Children's Television Workshop), un système de planification, de production et d'évaluation d'émissions de télévision basé sur des collaborations entre producteurs, écrivains, éducateurs et chercheurs. L'émission a été initialement financée par le gouvernement et des fondations privées, mais est devenue quelque peu autonome grâce aux revenus provenant des accords de licence, des ventes internationales et d'autres médias. En 2006, des versions produites indépendamment, ou « coproductions », de Sesame Street étaient diffusées dans vingt pays. En 2001, les différentes versions internationales de Sesame Street ont attiré plus de 120 millions de téléspectateurs et, à l'occasion du 40e anniversaire de l'émission en 2009, elle était diffusée dans plus de 140 pays.
À l'occasion de son 40e anniversaire en 2009, Sesame Street était la quinzième émission de télévision pour enfants la mieux notée aux États-Unis. Une enquête de 1996 a révélé que 95 % de tous les enfants d'âge préscolaire américains avaient regardé l'émission avant l'âge de trois ans. En 2008, on estimait que 77 millions d’Américains avaient regardé la série lorsqu’ils étaient enfants. En 2014, Sesame Street a remporté 159 Emmy Awards et 8 Grammy Awards, soit plus que toute autre émission pour enfants.
Histoire
Sesame Street a été conçue en 1966 lors de discussions entre le producteur de télévision Joan Ganz Cooney et le vice-président de la Fondation Carnegie, Lloyd Morrisett. Leur objectif était de créer une émission de télévision pour enfants qui « maîtriserait les qualités addictives de la télévision et ferait quelque chose de bien avec elles », comme aider les jeunes enfants à se préparer à l'école. Après deux années de recherche, le nouveau Children's Television Workshop (CTW) a reçu une subvention combinée de 8 millions de dollars américains (millions de dollars) de la Fondation Carnegie, de la Fondation Ford et du gouvernement fédéral américain pour créer et produire une nouvelle télévision pour enfants. montrer. Le programme a été créé sur les chaînes de télévision publiques le 10 novembre 1969. Il s'agissait du premier programme télévisé éducatif préscolaire à baser son contenu et ses valeurs de production sur des recherches en laboratoire et formatives. Les premières réponses à l'émission comprenaient des critiques élogieuses, une certaine controverse et des notes élevées. À l'occasion de son 40e anniversaire en 2009, Sesame Street était diffusé dans plus de 120 pays et 20 versions internationales avaient été produites.
Sesame Street a évolué depuis sa création initiale. Selon l'écrivain Michael Davis, au milieu des années 1970, la série était devenue « une institution américaine ». Le casting et l'équipe se sont élargis pendant cette période, en mettant l'accent sur l'embauche de femmes membres de l'équipe et l'ajout de minorités au casting. Le succès de la série se poursuit jusque dans les années 1980. En 1981, lorsque le gouvernement fédéral a retiré son financement, CTW s'est tournée vers d'autres sources de revenus et les a élargies, notamment sa division des magazines, les redevances sur les livres, les licences de produits et les revenus de diffusion à l'étranger. Le programme Sesame Streets s'est élargi pour inclure des sujets plus affectifs tels que les relations, l'éthique et les émotions. De nombreux scénarios de la série sont tirés des expériences de son équipe de scénaristes, de ses acteurs et de son équipe, notamment la mort en 1982 de Will Lee, qui jouait M. Hooper, et le mariage de Luis et Maria en 1988.
Ces dernières années, Sesame Street a été confrontée à des défis sociétaux et économiques, notamment des changements dans les habitudes de visionnage des jeunes enfants, la concurrence d'autres émissions, le développement de la télévision par câble et une baisse des audiences. Au tournant du 21e siècle, Sesame Street a subi des changements structurels majeurs. Par exemple, à partir de 2002, son format est devenu plus narratif et comprenait des intrigues continues. Après son trentième anniversaire en 1999 et en raison de la popularité du Muppet Elmo, la série a également incorporé un segment populaire connu sous le nom de « Elmo's World ». À l'occasion de son quarantième anniversaire en 2009, la série a reçu un Emmy pour l'ensemble de sa carrière lors de la 36e édition des Daytime Emmy Awards.
Le 13 août 2015, dans le cadre d'un accord de programmation et de développement de cinq ans, Sesame Workshop a annoncé que les premiers épisodes de Sesame Street seraient transférés au service de télévision premium HBO à partir de la saison 46, dont la première a eu lieu le 16 janvier 2016. HBO détiendra les droits de première diffusion sur tous les épisodes les plus récents de la série, après quoi ils seront diffusés sur les stations membres de PBS après une fenêtre d'exclusivité de neuf mois, sans frais pour les stations pour la diffusion du contenu. L'accord donne également à HBO les droits exclusifs pour diffuser les épisodes passés et futurs de Sesame Street sur HBO Go et HBO Now – en assumant ces droits d'Amazon Video et de Netflix ; le 14 août, Sesame Workshop a annoncé qu'il supprimerait progressivement son service de streaming par abonnement interne, Sesame Go, en tant que service autonome ; le service restera opérationnel, probablement avec ses offres réduites à une liste de contenus disponibles gratuitement ou servant de portail pour le site Web Sesame Streets. L'accord fait suite aux coupes budgétaires qui ont affecté la série ces dernières années, à l'évolution des habitudes des téléspectateurs des enfants américains au cours des dix années précédentes et à la dépendance de Sesame Workshop vis-à-vis des revenus provenant des ventes de DVD.
Format
Dès son premier épisode, Sesame Street a structuré son format en utilisant « un style visuel fort, une action rapide, de l'humour et de la musique », ainsi que des courts métrages d'animation et d'action réelle. Lors de la première de Sesame Street, la plupart des chercheurs pensaient que les jeunes enfants n'avaient pas une longue capacité d'attention. C'est pourquoi les producteurs de la nouvelle émission craignaient qu'une émission d'une heure ne retienne pas l'attention de leur public. Au début, les « scènes de rue » de la série – l'action se déroulant sur le plateau – consistaient en des interactions axées sur les personnages et n'étaient pas écrites comme des histoires continues. Au lieu de cela, ils consistaient en segments individuels basés sur le programme qui étaient interrompus par des « inserts » constitués de croquis de marionnettes, de courts métrages et d'animations. Cette structure a permis aux producteurs d'utiliser un mélange de styles et de personnages, et de varier le rythme de la série. Dès la saison 20, les recherches avaient montré que les enfants étaient capables de suivre une histoire et que les scènes de rue, bien que toujours entrecoupées d'autres segments, devenaient des intrigues évolutives.
Sur les recommandations de psychologues pour enfants, les producteurs ont initialement décidé que les acteurs humains de la série et les Muppets n'interagiraient pas parce qu'ils craignaient que cela ne confonde les jeunes enfants. Lorsque le CTW a testé l'attrait de la nouvelle émission, ils ont constaté que même si les enfants prêtaient attention aux émissions pendant les segments Muppet, leur intérêt était perdu pendant les segments "Street". Les producteurs ont demandé à Henson et à son équipe de créer des Muppets tels que Big Bird et Oscar the Grouch pour interagir avec les acteurs humains, et les segments de Street ont été refaits. Le format Sesame Streets est resté intact jusqu'aux dernières décennies de la série, lorsque l'évolution du public a exigé que les producteurs passent à un format plus narratif. En 1998, le segment populaire "Elmo's World", un segment de 15 minutes animé par le Muppet Elmo, a été créé. À partir de 2014, lors de la 45e saison de l'émission, les producteurs ont introduit une version bonus d'une demi-heure du programme. La nouvelle version, qui complétait la série d'une heure complète, était à la fois diffusée les après-midi de semaine et diffusée sur Internet.
Objectifs pédagogiques
Comme l'a déclaré l'auteur Malcolm Gladwell, « Sesame Street a été construite autour d'une idée unique et révolutionnaire : si vous pouvez retenir l'attention des enfants, vous pouvez les éduquer ». Gerald S. Lesser, premier président du conseil consultatif du CTW, est allé encore plus loin, affirmant que l'utilisation efficace de la télévision comme outil éducatif devait capter, concentrer et maintenir l'attention des enfants. Sesame Street a été la première émission pour enfants à structurer chaque épisode et les segments qu'ils contiennent, pour capter l'attention des enfants et pour faire, comme le dit Gladwell, « des ajustements petits mais critiques » pour la conserver. Selon Rosemarie Truglio et Shalom Fisch, chercheurs du CTW, Sesame Street était l'un des rares programmes télévisés pour enfants à utiliser un programme éducatif détaillé et complet, issu de recherches formatives et sommatives.
Les créateurs de Sesame Street et leurs chercheurs ont formulé des objectifs à la fois cognitifs et affectifs pour la série. Initialement, ils se sont concentrés sur les objectifs cognitifs, tout en abordant indirectement les objectifs affectifs, dans la conviction que cela augmenterait l'estime de soi et le sentiment de compétence des enfants. L'un de leurs principaux objectifs était de préparer les très jeunes enfants à l'école, en particulier les enfants issus de familles à faible revenu, en utilisant le modelage, la répétition et l'humour pour atteindre ces objectifs. Ils ont apporté des modifications au contenu de l'émission pour accroître l'attention de leurs téléspectateurs et accroître son attrait, et ont encouragé le « co-visionnage » pour inciter les enfants plus âgés et les parents à regarder l'émission en incluant un humour plus sophistiqué, des références culturelles et des apparitions de célébrités.
Après la première saison de Sesame Streets, ses critiques ont forcé ses producteurs et chercheurs à aborder plus ouvertement des objectifs affectifs tels que la compétence sociale, la tolérance de la diversité et les moyens non agressifs de résoudre les conflits. Ces problèmes ont été résolus à travers des conflits interpersonnels entre les personnages de Street. Au cours des années 1980, la série a incorporé les expériences réelles des acteurs et de l'équipe de la série, notamment la mort de Will Lee (M. Hooper) et la grossesse de Sonia Manzano (Maria) pour répondre aux préoccupations affectives. Au cours des saisons suivantes, Sesame Street a abordé des catastrophes réelles telles que les attentats terroristes du 11 septembre et l'ouragan Katrina.
Les objectifs de sensibilisation de l'émission ont été atteints à travers une série de programmes axés d'abord sur la promotion puis, après la première saison, sur le développement de matériel pédagogique utilisé en milieu préscolaire. Des programmes innovants ont été développés parce que leur public cible, les enfants et leurs familles vivant dans des foyers à faible revenu des centres-villes, ne regardaient pas traditionnellement les programmes éducatifs à la télévision et parce que les méthodes traditionnelles de promotion et de publicité n'étaient pas efficaces auprès de ces groupes.
Financement
À la suite de la proposition initiale de Cooney en 1968, le Carnegie Institute lui a accordé une subvention de 8 millions de dollars (millions de dollars) pour créer un nouveau programme de télévision pour enfants et créer le CTW, rebaptisé en juin 2000 Sesame Workshop (SW). Cooney et Morrisett ont obtenu des subventions supplémentaires de plusieurs millions de dollars du gouvernement fédéral américain, des fondations Arthur Vining Davis, du CPB et de la Fondation Ford. Davis a rapporté que Cooney et Morrisett avaient décidé que s'ils n'obtenaient pas le financement intégral dès le début, ils abandonneraient l'idée de produire la série. Comme l'a rapporté Lesser, les fonds obtenus auprès d'une combinaison d'agences gouvernementales et de fondations privées les ont protégés des pressions économiques subies par les réseaux de télévision commerciaux, mais ont créé des difficultés pour obtenir des financements futurs.
Après le succès initial de Sesame Street, ses producteurs ont commencé à réfléchir à sa survie au-delà de son développement et de sa première saison et ont décidé d'explorer d'autres sources de financement. Dès la première saison, ils ont compris que la source de leur financement, qu'ils considéraient comme un « capital d'amorçage », devait être remplacée. Les années 1970 ont été marquées par des conflits entre le CTW et le gouvernement fédéral ; en 1978, le ministère américain de l'Éducation a refusé de remettre un chèque de 2 millions de dollars jusqu'au dernier jour de l'exercice financier de CTW. En conséquence, le CTW a décidé de dépendre pour son financement des accords de licence avec les fabricants de jouets et d'autres fabricants, de l'édition et des ventes internationales.
En 1998, le CTW a accepté le parrainage d'entreprises pour collecter des fonds pour Sesame Street et d'autres projets. Pour la première fois, ils ont autorisé la diffusion de courtes publicités du fabricant de jeux d'intérieur Discovery Zone, leur premier sponsor corporatif, avant et après chaque épisode. Le défenseur des droits des consommateurs Ralph Nader, qui était déjà apparu dans Sesame Street, a appelé au boycott de l'émission, affirmant que la CTW "exploitait des enfants impressionnables".
Production
Recherche
La productrice Joan Ganz Cooney a déclaré : « Sans recherche, il n'y aurait pas de rue Sésame ». En 1967, lorsque Cooney et son équipe ont commencé à planifier le développement de la série, combiner la recherche et la production télévisuelle était, comme elle le disait, « positivement hérétique ». Peu de temps après la création de Sesame Street, ses producteurs ont commencé à développer ce qu'on a appelé « le modèle CTW », un système de planification, de production et d'évaluation qui n'a pleinement émergé qu'à la fin de la première saison de la série. Voir Gikow, p. 155, pour une représentation visuelle du modèle CTW. Selon Morrow, le modèle CTW se composait de quatre parties : "l'interaction de producteurs de télévision réceptifs et d'experts en sciences de l'enfance, la création d'un programme spécifique et adapté à l'âge, la recherche pour façonner directement le programme et la mesure indépendante de l'apprentissage des téléspectateurs". .
Cooney a attribué le haut niveau des procédures de recherche de l'émission aux professeurs de Harvard, Gerald S. Lesser, que le CTW a embauché pour concevoir les objectifs éducatifs de l'émission, et Edward L. Palmer, qui était chargé de mener la recherche formative de l'émission et de combler le fossé entre les producteurs et chercheurs de l'émission. Le CTW a mené des recherches de deux manières : une recherche formative interne qui a informé et amélioré la production, et des évaluations sommatives indépendantes, menées par l'Educational Testing Service (ETS) au cours des deux premières saisons de l'émission, qui mesuraient son efficacité éducative. Cooney a déclaré : « Dès le début, nous, les planificateurs du projet, avons conçu l'émission comme un projet de recherche expérimental avec des conseillers pédagogiques, des chercheurs et des producteurs de télévision collaborant en tant que partenaires égaux ». Cooney a également décrit la collaboration comme un « mariage arrangé ».
En écrivant
Sesame Street a fait appel à de nombreux écrivains au cours de sa longue histoire. Comme l'a déclaré Dave Connell, l'un des producteurs originaux de Sesame Streets, il était difficile de trouver des adultes capables d'identifier le niveau d'intérêt d'un enfant d'âge préscolaire. Quinze scénaristes travaillaient chaque année sur les scénarios de la série, mais très peu duraient plus d'une saison. Norman Stiles, rédacteur en chef en 1987, a rapporté que la plupart des écrivains s'épuiseraient après avoir écrit une douzaine de scénarios. Selon Gikow, Sesame Street allait à l'encontre de la convention consistant à embaucher des enseignants pour écrire pour l'émission, comme le faisaient la plupart des programmes télévisés éducatifs à l'époque. Au lieu de cela, Cooney et les producteurs ont estimé qu'il serait plus facile d'enseigner aux écrivains comment interpréter le programme plutôt que d'apprendre aux éducateurs comment écrire une comédie. Comme l'a déclaré Stone, « Ecrire pour les enfants n'est pas si facile ». L'écrivain de longue date Tony Geiss était d'accord, déclarant en 2009 : « Ce n'est pas une série facile à écrire. Il faut connaître les personnages et le format et savoir enseigner et être drôle en même temps, ce qui est un gros coup ambidextre. » .
L'équipe de recherche de l'émission a développé un document annoté, ou « Carnet de l'écrivain », qui a servi de pont entre les objectifs du programme d'études de l'émission et l'élaboration du scénario. Le cahier était une compilation d'idées de programmation conçues pour enseigner des points spécifiques du programme, fournissait des définitions détaillées des objectifs du programme et aidait les écrivains et les producteurs à traduire les objectifs en matériel télévisé. Les suggestions contenues dans le cahier étaient exemptes de références à des personnages et à des contextes spécifiques de la série afin qu'elles puissent être mises en œuvre de la manière la plus ouverte et flexible possible.
L'équipe de recherche, au cours d'une série de réunions avec les scénaristes, a également élaboré « une fiche pédagogique » décrivant les objectifs et les priorités de la série pour chaque saison. Après avoir reçu l'orientation du programme et les objectifs de la saison, les scénaristes se sont rencontrés pour discuter des idées et des arcs d'histoire pour les personnages, et une « feuille de devoirs » a été créée qui suggérait le temps alloué à chaque objectif et sujet. Lorsqu'un scénario était terminé, l'équipe de recherche de la série l'analysait pour s'assurer que les objectifs étaient atteints. Ensuite, chaque département de production s'est réuni pour déterminer les besoins de chaque épisode en termes de costumes, de lumières et de décors. Les scénaristes étaient présents lors de l'enregistrement de la série, qui, pendant les vingt-quatre premières années de la série, a eu lieu à Manhattan, et après 1992, aux studios Kaufman Astoria dans le Queens pour apporter des révisions de dernière minute si nécessaire. a été tourné dans un studio près de Broadway, mais une grève les a forcés à déménager aux studios Teletape. Au début, l'ensemble était simple, composé de quatre structures (Gikow, pp. 66-67). En 1982, Sesame Street a commencé à tourner aux studios Unitel sur la 57e rue, mais a déménagé aux studios Kaufman Astoria en 1993, lorsque les producteurs ont décidé qu'ils avaient besoin de plus d'espace (Gikow, pp. 206-207).
Médias
Au début de leur histoire, Sesame Street et CTW ont commencé à rechercher des sources de financement alternatives et se sont tournés vers la création de produits et la rédaction d'accords de licence. Ils sont devenus, comme le dit Cooney, « une institution multimédia ». En 1970, le CTW a créé une division « non-diffusion » chargée de créer et de publier des livres et le magazine Sesame Street. Ils ont décidé que tous les documents créés par leur programme de licence "souligneraient et amplifieraient" le programme de l'émission. En 2004, plus de 68 % des revenus de Sesame Streets provenaient de licences et de produits tels que des jouets et des vêtements. En 2008, les Sesame Street Muppets représentaient entre 15 et 17 millions de dollars par an en frais de licence et de marchandisage, répartis entre Sesame Workshop et The Jim Henson Company.
Jim Henson, le créateur des Muppets, possédait les marques de ces personnages et hésitait au début à les commercialiser. Il a accepté lorsque la CTW a promis que les bénéfices provenant des jouets, des livres, des jeux informatiques et d'autres produits seraient utilisés exclusivement pour financer la CTW et ses efforts de sensibilisation. Même si Cooney et le CTW avaient très peu d'expérience en matière de marketing, ils exigeaient un contrôle total sur tous les produits et les décisions relatives aux produits. Toute gamme de produits associée à l'émission devait être éducative et peu coûteuse, et ne pouvait pas faire l'objet de publicité pendant les diffusions de l'émission. Comme l'a rapporté Davis, « Cooney a mis l'accent sur la retenue, la prudence et la prudence » dans ses efforts de marketing et de licence.
Le réalisateur Jon Stone, parlant de la musique de Sesame Street, a déclaré : "Il n'y avait aucun autre son pareil à la télévision". Pour la première fois dans une télévision pour enfants, les chansons de l'émission remplissaient un objectif précis et soutenaient son programme. Afin d'attirer les meilleurs compositeurs et paroliers, la CTW a permis à des auteurs-compositeurs comme le premier directeur musical de Sesame Street, Joe Raposo, de conserver les droits sur les chansons qu'ils ont écrites, ce qui leur a valu des bénéfices lucratifs et a aidé le spectacle à maintenir l'intérêt du public. En 1991, Sesame Street et ses auteurs-compositeurs avaient reçu huit Grammys.
Sesame Street a utilisé des animations et des courts métrages commandés à des studios extérieurs, intercalés dans chaque épisode, pour aider à enseigner à ses téléspectateurs des concepts de base tels que les chiffres et les lettres. Jim Henson a été l'un des nombreux producteurs à créer des courts métrages pour la série. Peu de temps après les débuts de Sesame Street aux États-Unis, le CTW a été approché indépendamment par des producteurs de plusieurs pays pour produire des versions de la série dans leur pays. Ces versions sont devenues appelées « coproductions ». En 2001, toutes les versions internationales de Sesame Street comptaient plus de 120 millions de téléspectateurs, et en 2006, il y avait vingt coproductions dans le monde. À l'occasion du 40e anniversaire de l'émission en 2009, Sesame Street était diffusée dans plus de 140 pays. En 2005, Doreen Carvajal du New York Times a rapporté que les revenus provenant des coproductions et des licences internationales représentaient 96 millions de dollars.
Casting, équipe et personnages
Peu de temps après la création du CTW en 1968, Joan Ganz Cooney en fut nommé premier directeur exécutif. Elle fut l'une des premières femmes cadres de la télévision américaine. Sa nomination a été qualifiée de "l'un des développements télévisuels les plus importants de la décennie". Elle a réuni une équipe de producteurs, qui avaient tous déjà travaillé sur Captain Kangaroo. Jon Stone était responsable de l'écriture, du casting et du format ; Dave Connell a repris l'animation ; et Sam Gibbon a servi de principal agent de liaison entre l'équipe de production et l'équipe de recherche. Le caméraman Frankie Biondo a travaillé sur Sesame Street dès le premier épisode.
L'implication de Jim Henson et des Muppets dans Sesame Street a commencé lorsque lui et Cooney se sont rencontrés lors d'un des séminaires de planification des programmes à Boston. L'auteur Christopher Finch a rapporté que Stone, qui avait déjà travaillé avec Henson, estimait que s'ils ne pouvaient pas le faire participer, ils devraient « se débrouiller sans marionnettes ». Henson était initialement réticent, mais il a accepté de rejoindre Sesame Street pour atteindre ses propres objectifs sociaux. Il a également accepté de renoncer à ses honoraires de performance pour la pleine propriété des Sesame Street Muppets et de partager tous les revenus qu'ils ont générés avec le CTW. Comme l'a déclaré Morrow, les marionnettes de Henson ont joué un rôle crucial dans la popularité de la série et ont attiré l'attention nationale de Henson. Davis a rapporté que Henson était capable de prendre des « objectifs académiques obscurs » et de les traduire en « un visionnage efficace et agréable ». Lors des premières recherches, les segments Muppet de la série ont obtenu des résultats élevés et davantage de Muppets ont été ajoutés au cours des premières saisons. Morrow a rapporté que les Muppets étaient des outils pédagogiques efficaces parce que les enfants les reconnaissaient facilement, qu'ils étaient stéréotypés et prévisibles et qu'ils attiraient les adultes et les frères et sœurs plus âgés.
Bien que les producteurs aient décidé de ne pas dépendre d'un seul animateur pour Sesame Street, mais plutôt de choisir un groupe d'acteurs ethniquement divers, ils ont réalisé qu'une émission de télévision pour enfants devait avoir, comme le dit Lesser, « une variété de personnalités distinctives et fiables », à la fois humain et Muppet. Jon Stone, dont l'objectif était de recruter des acteurs blancs en minorité, était responsable du recrutement du premier casting de la série. Il n'auditionna les acteurs qu'au printemps 1969, quelques semaines avant le tournage des cinq émissions tests. Stone a filmé les auditions et Ed Palmer les a emmenés sur le terrain pour tester les réactions des enfants. Les acteurs qui ont reçu le « coup de pouce le plus enthousiaste » ont été choisis. Par exemple, Loretta Long a été choisie pour jouer Susan lorsque les enfants qui ont vu son audition se sont levés et ont chanté avec son interprétation de "I'm a Little Teapot". Comme l'a dit Stone, le casting était le seul aspect de la série qui était "complètement aléatoire". La plupart des acteurs et de l'équipe ont trouvé un emploi sur Sesame Street grâce à des relations personnelles avec Stone et les autres producteurs.
Selon les recherches du CTW, les enfants préféraient regarder et écouter d'autres enfants plutôt que les marionnettes et les adultes, c'est pourquoi ils ont inclus des enfants dans de nombreuses scènes. Dave Connell a insisté pour qu'aucun enfant acteur ne soit utilisé, ces enfants étaient donc des non-professionnels, non scénarisés et spontanés. Beaucoup de leurs réactions étaient imprévisibles et difficiles à contrôler, mais les acteurs adultes ont appris à gérer la spontanéité des enfants avec souplesse, même lorsque cela entraînait des écarts par rapport au scénario ou à la leçon prévue. Les recherches de CTW ont également révélé que les hésitations et les erreurs des enfants à l'antenne servaient de modèles aux téléspectateurs. Selon Morrow, cela a donné au spectacle une "qualité fraîche", surtout dans ses premières années. Des enfants ont également été utilisés dans les commentaires en voix off de la plupart des films d'action réelle produits par CTW.
Réception
Notes
Lorsque Sesame Street a été créée en 1969, elle n'était diffusée que sur 67,6 % des télévisions américaines, mais elle a obtenu une note Nielsen de 3,3, qui a totalisé 1,9 million de foyers. Au dixième anniversaire de l'émission en 1979, 9 millions d'enfants américains de moins de six ans regardaient quotidiennement Sesame Street. Selon une enquête menée en 1993 par le ministère américain de l'Éducation, sur les 6,6 millions de téléspectateurs de l'émission, 2,4 millions d'élèves de maternelle la regardaient régulièrement. 77 % des enfants d'âge préscolaire le regardaient une fois par semaine, et 86 % des élèves de maternelle et de première et deuxième années l'avaient regardé une fois par semaine avant de commencer l'école. L'émission a touché la plupart des jeunes enfants de presque tous les groupes démographiques.
Les audiences de l'émission ont considérablement diminué au début des années 1990, en raison de changements dans les habitudes de visionnage des enfants et dans le marché de la télévision. Les producteurs ont réagi en apportant des changements structurels à grande échelle à la série. En 2006, Sesame Street était devenue « l'émission de télévision pour enfants la plus regardée au monde », avec 20 versions indépendantes internationales et des diffusions dans plus de 120 pays. Une enquête de 1996 a révélé que 95 % de tous les enfants d'âge préscolaire américains avaient regardé l'émission avant l'âge de trois ans. En 2008, on estimait que 77 millions d’Américains avaient regardé la série lorsqu’ils étaient enfants. À l'occasion du 40e anniversaire de l'émission en 2009, elle était classée quinzième émission pour enfants la plus populaire à la télévision.
Influence
En 2001, il y avait plus de 1 000 études de recherche concernant l’efficacité, l’impact et l’effet de Sesame Streets sur la culture américaine. Le CTW a sollicité l'Educational Testing Service (ETS) pour mener une recherche sommative sur l'émission. Les deux évaluations sommatives « historiques » d'ETS, menées en 1970 et 1971, ont démontré que l'émission avait un impact éducatif significatif sur ses téléspectateurs. Ces études ont été citées dans d'autres études sur les effets de la télévision sur les jeunes enfants. Des études supplémentaires menées tout au long de l'histoire de Sesame Streets ont démontré que l'émission continuait d'avoir un effet positif sur ses jeunes téléspectateurs.
Lesser pensait que les recherches de Sesame Street « auraient pu conférer une nouvelle respectabilité aux études sur les effets des médias visuels sur les enfants ». Il pensait également que l'émission avait le même effet sur le prestige de la production d'émissions pour enfants dans l'industrie de la télévision. L'historien Robert Morrow, dans son livre Sesame Street and the Reform of Children's Television, qui retrace l'influence de l'émission sur la télévision pour enfants et sur l'industrie de la télévision dans son ensemble, a rapporté que de nombreux critiques de la télévision commerciale considéraient Sesame Street comme une « illustration simple d'une réforme ». ". Les Brown, écrivain pour Variety, a vu dans Sesame Street "un espoir pour un avenir plus substantiel" pour la télévision.
Morrow a rapporté que les réseaux avaient réagi en créant davantage de programmes télévisés de haute qualité, mais que de nombreux critiques les considéraient comme des « gestes d'apaisement ». Selon Morrow, malgré l'efficacité du modèle CTW dans la création d'une émission populaire, la télévision commerciale « n'a fait qu'un effort limité pour imiter les méthodes de CTW » et n'a pas utilisé de programme ni évalué ce que les enfants en ont appris. Au milieu des années 1970, la télévision commerciale a abandonné ses expériences visant à créer de meilleures émissions pour enfants. D'autres critiques espéraient que Sesame Street, avec sa représentation d'une communauté multiculturelle fonctionnelle, nourrirait la tolérance raciale chez ses jeunes téléspectateurs. Ce n'est qu'au milieu des années 1990 qu'un programme éducatif télévisé pour enfants, Blue's Clues, a utilisé les méthodes du CTW pour créer et modifier son contenu. Les créateurs de Blue's Clues ont été influencés par Sesame Street, mais ont voulu utiliser les recherches menées au cours des 30 années écoulées depuis ses débuts. Angela Santomero, l'une de ses productrices, a déclaré : "Nous voulions apprendre de Sesame Street et aller plus loin".
Comme l'a déclaré le critique Richard Roeper, l'un des indicateurs les plus forts de l'influence de Sesame Street a été les rumeurs persistantes et les légendes urbaines entourant la série et ses personnages, en particulier celles concernant Bert et Ernie.
Réception critique
Sesame Street a été saluée dès ses débuts en 1969. Newsday a rapporté que plusieurs journaux et magazines avaient écrit des rapports « élogieux » sur le CTW et Cooney. La presse a massivement salué le nouveau spectacle ; plusieurs magazines populaires et magazines spécialisés en ont fait l'éloge. En 1970, Sesame Street remporte vingt prix, dont un Peabody Award, trois Emmys, un prix de la Public Relations Society of America, une Clio et un Prix Jeunesse. En 1995, la série avait remporté deux Peabody Awards et quatre Parents' Choice Awards. De plus, il a fait l'objet de rétrospectives à la Smithsonian Institution et au Museum of Modern Art.
Sesame Street n’était cependant pas sans détracteurs. En mai 1970, une commission d'État du Mississippi, l'État dont Henson était originaire, a voté l'interdiction de Sesame Street en raison de sa « distribution d'enfants hautement intégrée » pour laquelle « les membres de la commission estimaient… que le Mississippi n'était pas encore prêt ». Selon Children and Television, le récit de Lesser sur le développement et les premières années de Sesame Street, il y a eu peu de critiques à l'égard de la série dans les mois qui ont suivi sa première, mais elles ont augmenté à la fin de sa première saison et au début de la deuxième saison. L'historien Robert W. Morrow a émis l'hypothèse qu'une grande partie des premières critiques, qu'il a qualifiées d'« étonnamment intenses », provenaient de raisons culturelles et historiques en ce qui concerne, comme il l'a dit, « la place des enfants dans la société américaine et les controverses sur les effets de la télévision ». sur eux".
Selon Morrow, les études « les plus importantes » révélant les effets négatifs de Sesame Street ont été menées par l'éducateur Herbert A. Sprigle et le psychologue Thomas D. Cook au cours de ses deux premières saisons. Le spécialiste des sciences sociales et fondateur du programme Head Start, Urie Bronfenbrenner, a critiqué l'émission comme étant trop saine. Le psychologue Leon Eisenberg considérait le cadre urbain de Sesame Street comme « superficiel » et n'avait pas grand-chose à voir avec les problèmes rencontrés par l'enfant du centre-ville. Le réalisateur de Head Start, Edward Zigler, était probablement le critique le plus virulent de Sesame Street au cours des premières années de la série.
Malgré leur engagement en faveur du multiculturalisme, le CTW a connu des conflits avec les dirigeants de groupes minoritaires, en particulier les groupes latinos et les féministes, qui s'opposaient à la représentation des Latinos et des femmes dans Sesame Streets. Le CTW a pris des mesures pour répondre à leurs objections. En 1971, le CTW embaucha des acteurs, du personnel de production et des chercheurs hispaniques, et au milieu des années 1970, Morrow rapporta que « l'émission comprenait des acteurs chicanos et portoricains, des films sur les vacances et la nourriture mexicaines, et des dessins animés qui enseignaient les mots espagnols ». . Comme l'a déclaré le New York Times, créer des personnages féminins forts « qui font rire les enfants, mais pas... comme des stéréotypes féminins » a été un défi pour les producteurs de Sesame Street. Selon Morrow, le changement dans la façon dont les femmes et les filles étaient représentées dans Sesame Street s'est produit lentement. Au fur et à mesure que de plus en plus d'interprètes féminines des Muppets comme Fran Brill, Pam Arciero, Carmen Osbahr, Stephanie D'Abruzzo, Jennifer Barnhart et Leslie Carrara-Rudolph étaient embauchées et formées, des personnages féminins plus forts comme Rosita et Abby Cadabby ont été créés.
En 2002, Sesame Street a été classée 27e parmi les 50 plus grandes émissions de télévision de tous les temps du TV Guide. Il a également remporté un autre Peabody Award en 2009 pour sesamestreet.org. En 2013, TV Guide a classé la série n°30 sur sa liste des 60 meilleures séries. En 2016, Sesame Street a reçu 167 Emmy Awards, soit plus que toute autre série télévisée. | http://www.quizballs.com/ |
Dans quelle série dramatique fantastique de la télévision américaine ? | Game of Thrones | [
"Robert Baratheon est un personnage fictif de la série de romans fantastiques A Song of Ice and Fire de l'auteur américain George R. R. Martin et de son adaptation télévisée Game of Thrones.",
"Introduit dans A Game of Thrones en 1996, Robert Baratheon est le fils aîné de Steffon Baratheon, du royaume fictif de Westeros. Après que Robert ait remporté la rébellion qui porte son nom, il a pris le trône de fer à Aerys II Targaryen, surnommé \"Le Roi Fou\", écrasant la dynastie Targaryen. Robert a mené la guerre pour reconquérir sa fiancée, Lyanna Stark, avec l'aide de son frère, son ami proche, Eddard Stark. Cependant, en raison de la mort de Lyanna, Robert a épousé Cersei, la fille de Tywin Lannister, après la fin de la guerre pour assurer la stabilité politique.",
"Robert est dans la trentaine lorsque les événements des livres commencent. Il est jovial et amusant, friand de combats, de femmes et de boisson. Dans sa jeunesse, Robert était un formidable guerrier, connu pour sa chevalerie, son sens de l'honneur et son immense charisme. Il a gagné plusieurs bannières Targaryen fidèles à sa cause grâce à la seule force de sa personnalité. Très grand et incroyablement musclé, Robert était considéré comme l'un des hommes les plus attirants de Westeros, désiré par toutes les jeunes filles du royaume, étant décrit dans Game of Thrones comme \"musclé comme le fantasme d'une jeune fille\". Cependant, une fois devenu roi, Robert se laissa quelque peu aller, devenant gros, mou et indolent, tout en restant capable d'une grande générosité envers ses amis. Robert est également devenu plus amer après la mort de Lyanna et son mariage malheureux avec Cersei, malgré leurs multiples enfants.",
"Robert Baratheon est le roi des Sept Royaumes au début de Game of Thrones. Il était la pupille de Jon Arryn et a grandi aux Eyrie aux côtés d'Eddard Stark. Quinze ans avant les romans, Robert était fiancé à Lyanna, la sœur de Ned, et après la disparition de Lyanna et Rhaegar Targaryen, Robert tua Rhaegar et s'empara du trône. Il épousa ensuite Cersei Lannister pour s'assurer du soutien de la Maison Lannister à son règne, mais resta attaché à la mémoire de Lyanna, ce qui éloigna Cersei.",
"Au début de Game of Thrones, Robert, alors roi, vient de venir à Winterfell pour nommer Eddard Stark la Main du Roi. Il ignorait que les trois enfants de Cersei étaient donc engendrés par son frère Jaime. Plus intéressé par la nourriture, les boissons et les tournois que par la gouvernance, Robert a dilapidé le trésor royal, laissant la couronne lourdement endettée. Après sa mort dans un accident de chasse orchestré par Cersei, les royaumes plongent dans la guerre civile. Sa mort déclenche la guerre qui englobe l'intégralité des deux livres suivants, la Guerre des Cinq Rois, dans laquelle ses deux frères, Lords Renly et Stannis Baratheon, se déclarent rois légitimes. Robb Stark est également déclaré roi du Nord et roi du Trident, et Lord Balon Greyjoy se déclare roi des îles de fer."
] | Robert Baratheon est un personnage fictif de la série de romans fantastiques A Song of Ice and Fire de l'auteur américain George R. R. Martin et de son adaptation télévisée Game of Thrones.
Introduit dans A Game of Thrones en 1996, Robert Baratheon est le fils aîné de Steffon Baratheon, du royaume fictif de Westeros. Après que Robert ait remporté la rébellion qui porte son nom, il a pris le trône de fer à Aerys II Targaryen, surnommé "Le Roi Fou", écrasant la dynastie Targaryen. Robert a mené la guerre pour reconquérir sa fiancée, Lyanna Stark, avec l'aide de son frère, son ami proche, Eddard Stark. Cependant, en raison de la mort de Lyanna, Robert a épousé Cersei, la fille de Tywin Lannister, après la fin de la guerre pour assurer la stabilité politique.
Robert est interprété par Mark Addy dans l'adaptation télévisée de HBO.
Description du personnage
Robert est dans la trentaine lorsque les événements des livres commencent. Il est jovial et amusant, friand de combats, de femmes et de boisson. Dans sa jeunesse, Robert était un formidable guerrier, connu pour sa chevalerie, son sens de l'honneur et son immense charisme. Il a gagné plusieurs bannières Targaryen fidèles à sa cause grâce à la seule force de sa personnalité. Très grand et incroyablement musclé, Robert était considéré comme l'un des hommes les plus attirants de Westeros, désiré par toutes les jeunes filles du royaume, étant décrit dans Game of Thrones comme "musclé comme le fantasme d'une jeune fille". Cependant, une fois devenu roi, Robert se laissa quelque peu aller, devenant gros, mou et indolent, tout en restant capable d'une grande générosité envers ses amis. Robert est également devenu plus amer après la mort de Lyanna et son mariage malheureux avec Cersei, malgré leurs multiples enfants.
Aperçu
Robert Baratheon n'est pas un personnage de point de vue dans les romans, ses actions sont donc vues et interprétées à travers les yeux d'autres personnes, comme Ned Stark.
Scénarios
Dans les livres
Robert Baratheon est le roi des Sept Royaumes au début de Game of Thrones. Il était la pupille de Jon Arryn et a grandi aux Eyrie aux côtés d'Eddard Stark. Quinze ans avant les romans, Robert était fiancé à Lyanna, la sœur de Ned, et après la disparition de Lyanna et Rhaegar Targaryen, Robert tua Rhaegar et s'empara du trône. Il épousa ensuite Cersei Lannister pour s'assurer du soutien de la Maison Lannister à son règne, mais resta attaché à la mémoire de Lyanna, ce qui éloigna Cersei.
Au début de Game of Thrones, Robert, alors roi, vient de venir à Winterfell pour nommer Eddard Stark la Main du Roi. Il ignorait que les trois enfants de Cersei étaient donc engendrés par son frère Jaime. Plus intéressé par la nourriture, les boissons et les tournois que par la gouvernance, Robert a dilapidé le trésor royal, laissant la couronne lourdement endettée. Après sa mort dans un accident de chasse orchestré par Cersei, les royaumes plongent dans la guerre civile. Sa mort déclenche la guerre qui englobe l'intégralité des deux livres suivants, la Guerre des Cinq Rois, dans laquelle ses deux frères, Lords Renly et Stannis Baratheon, se déclarent rois légitimes. Robb Stark est également déclaré roi du Nord et roi du Trident, et Lord Balon Greyjoy se déclare roi des îles de fer.
Dans le spectacle
Robert Baratheon, ancien guerrier féroce, est devenu roi des Sept Royaumes après avoir mené une rébellion contre Aerys II Targaryen. Il était fiancé à Lyanna, la sœur de Ned Stark, et l'aimait profondément. Elle a été kidnappée par Rhaegar Targaryen. Son père et un autre frère ont été tués alors qu'ils se rendaient à King's Landing pour la récupérer, ce qui a entraîné la révolte de Robert et Ned Stark connue sous le nom de Rébellion de Robert, après quoi les Targaryen ont tous été massacrés ou chassés des royaumes. Étant donné que la famille de Robert avait des liens plus étroits avec l'ancienne famille royale, cela a placé Robert sur le trône de fer. Maintenant, Robert est devenu gros et misérable ; il n'a plus de guerres à mener, est entouré de comploteurs et de courtisans, déteste et s'ennuie du travail constant nécessaire à la bonne gestion des royaumes, et est piégé dans un mariage politique avec l'intrigante Cersei Lannister, qu'il n'a jamais aimée. Il ignore qu'aucun de ses trois enfants n'est le sien, mais plutôt celui de Jaime Lannister. Sous son règne, le royaume est en faillite et Robert est lourdement endetté envers la famille de sa femme. Tué alors qu'il chassait, il ne laisse sans le savoir aucun héritier légitime. Ses bâtards sont tués par Joffrey, dont beaucoup sont tués, et Gendry est ensuite contraint de fuir la capitale.
Arbre généalogique de la Maison Baratheon
Adaptation télévisée
Robert Baratheon est joué par Mark Addy dans l'adaptation télévisée de la série de livres. | http://www.quizballs.com/ |
L'atychiphobie est la peur irrationnelle de quoi ? | Failure | [
"Ces symptômes se manifestent lorsque l’on est confronté à la possibilité d’un échec, par exemple lorsqu’on lui demande d’accomplir une tâche pour laquelle il pense ne pas réussir à 100 %. L'individu peut souffrir d'une panne et, si rien n'est fait, ces symptômes continueront de s'aggraver. Une baisse de confiance en soi et une perte de motivation sont susceptibles de se produire, David E. Conroy, Jason P. Willow et Jonathan N. Metzler (2002) : Multidimensionnel Fear of Failure Measurement : The Performance Failure Appraisal Inventory, Journal of Applied Sport Psychology , 14:2, 76-90, ce qui peut conduire à la dépression. En conséquence, il est courant d’éviter les situations où cette confrontation pourrait survenir. Cependant, c’est cet évitement qui porte atteinte à la liberté du patient, car des opportunités sont perdues dans tous les aspects de la vie, comme la carrière et la famille. De plus, l’incapacité à surmonter cette anxiété est en soi une forme d’échec. Les individus axés sur la réussite apprennent… à viser l’excellence, à maintenir des attentes optimistes et à ne pas se laisser facilement décourager par l’échec. À l’inverse, les individus qui craignent constamment l’échec… se fixent des objectifs trop élevés ou trop bas et se laissent facilement décourager par les obstacles."
] | L'atychiphobie est la peur anormale, injustifiée et persistante de l'échec, un type de phobie spécifique. Bauers, Deborah. «Un aperçu de l'atychiphobie». Hélium. (23 novembre 2010). Récupéré le 17/11/2011. Comme pour de nombreuses phobies, l’atychiphobie conduit souvent à un mode de vie restreint, la PHOBIE. [série en ligne]. s.d. ; Disponible sur : Funk & Wagnalls New World Encyclopedia, Ipswich, MA. Consulté le 18 novembre 2012. et est particulièrement dévastateur pour ses effets sur la volonté d’une personne de tenter certaines activités. Le terme atychiphobie vient du grec phóbos, signifiant « peur » ou « peur morbide » et atyches signifiant « malheureux ». Colman, Andrew M. A Dictionary of Psychology. (3e éd., 2009). WP : ISBN 978-0-19-953406-7
Les personnes souffrant d’atychiphobie considèrent la possibilité d’un échec si intense qu’elles choisissent de ne pas prendre de risque. Souvent, ces personnes sapent inconsciemment leurs propres efforts afin de ne plus avoir à continuer d'essayer. Williams, Glen. "Atychiphobie – Peur de l'échec." E Home Fellowship Aide à la vie. Récupéré le 18/11/2011. Parce que l'effort est proportionné à la réalisation des objectifs personnels et à leur épanouissement, cette réticence à essayer, qui découle de l'inégalité perçue entre les possibilités de réussite et d'échec, retient l'atychiphobe d'une vie pleine de sens et de la réalisation de son potentiel. . [En ligne], (1998) Disponible : http://www.allaboutcounseling.com (30 juin 2010)
Par définition, l’anxiété liée à une phobie particulière est considérée comme disproportionnée par rapport à la réalité, et la victime est généralement consciente que la peur est irrationnelle, ce qui rend le problème largement inconscient. Pour cette raison, il n’existe pas de traitement simple contre l’atychiphobie, mais plusieurs options sont disponibles.
Origines et causes
On pense généralement que les phobies résultent d’une combinaison d’hérédité, de génétique, de chimie cérébrale et d’expérience de vie. On pense que les parents ou les membres de la famille humiliants, les événements traumatisants et embarrassants qui surviennent à la suite d'un échec mineur au début de la vie, ou lorsqu'un individu subit un échec important et est mal équipé pour faire face efficacement aux sentiments qui en résultent, sont tous considérés comme engendrant la peur de l'échec. le long terme. Lorsqu’un cerveau en développement est élevé dans un foyer où l’approbation ou le sentiment d’être aimé est lié à la performance, il devient difficile de séparer les deux. Une telle personne en vient à croire que de tels sentiments doivent être mérités et qu’ils peuvent être retirés en cas d’échec. De plus, certaines personnes souffrant de phobies ont une prédisposition génétique à l’anxiété, ce qui aggrave le problème de l’atychiphobie et le rend plus difficile à gérer. En raison de ces facteurs, ceux qui ont une peur irrationnelle de l’échec se contentent souvent de la médiocrité pour éviter les risques inhérents à la distinction.
Les personnes atteintes d'atychiphobie créent un lien direct entre la possibilité d'échec et la compétition ; et dans une société intrinsèquement compétitive, ils estiment qu’il est préférable d’éviter complètement le problème. La personne la plus fortement motivée à éviter l’échec plutôt qu’à réussir a tendance à avoir des aspirations plus irréalistes. Mahone, Charles H. The Journal of Abnormal and Social Psychology, Vol 60(2), mars 1960, 253-261.
Parce que la société moderne met tellement l’accent sur la perfection dans tous les aspects de la vie, une personne atteinte d’atychiphobie ne risque souvent pas d’essayer jusqu’à ce que la perfection soit assurée. Ils tirent leur valeur en tant qu'individu de leur réussite par rapport aux normes sociétales. Cette dynamique est plus facilement observée en classe, où les étudiants sont obligés de concourir pour un nombre limité de récompenses, le plus souvent la rareté des bonnes notes. Une offre limitée de récompenses pousse les aspirations des élèves à obtenir des notes et d'autres formes de reconnaissance au-delà des capacités de nombreux enfants, avec pour résultat qu'ils sont incapables de suivre le rythme de ces objectifs inappropriés. De telles circonstances ont tendance à contraindre d’innombrables jeunes à prendre une décision fatidique. L’enfant peut penser, sans le vouloir et sans reconnaître les conséquences, que s’il n’est pas sûr de réussir, il peut au moins essayer de protéger son sentiment de dignité en évitant l’échec. Essentiellement, l’atychiphobe cherche à éviter à tout prix la même expérience qu’il a pu subir et qui a déclenché une peur de l’échec aussi puissante et irrationnelle.
Symptômes
Les personnes souffrant d'atychiphobie peuvent ressentir des symptômes physiologiques typiques des phobies tels que :
* Rythme cardiaque irrégulier
* Essoufflement
* Respiration rapide
* Nausée
* Sentiments généraux de terreur
* Diarrhée
* Troubles de l'estomac
* Rougeur du visage
* Transpiration
* Tension musculaire
* Tremblement
* Évanouissement
Ces symptômes se manifestent lorsque l’on est confronté à la possibilité d’un échec, par exemple lorsqu’on lui demande d’accomplir une tâche pour laquelle il pense ne pas réussir à 100 %. L'individu peut souffrir d'une panne et, si rien n'est fait, ces symptômes continueront de s'aggraver. Une baisse de confiance en soi et une perte de motivation sont susceptibles de se produire, David E. Conroy, Jason P. Willow et Jonathan N. Metzler (2002) : Multidimensionnel Fear of Failure Measurement : The Performance Failure Appraisal Inventory, Journal of Applied Sport Psychology , 14:2, 76-90, ce qui peut conduire à la dépression. En conséquence, il est courant d’éviter les situations où cette confrontation pourrait survenir. Cependant, c’est cet évitement qui porte atteinte à la liberté du patient, car des opportunités sont perdues dans tous les aspects de la vie, comme la carrière et la famille. De plus, l’incapacité à surmonter cette anxiété est en soi une forme d’échec. Les individus axés sur la réussite apprennent… à viser l’excellence, à maintenir des attentes optimistes et à ne pas se laisser facilement décourager par l’échec. À l’inverse, les individus qui craignent constamment l’échec… se fixent des objectifs trop élevés ou trop bas et se laissent facilement décourager par les obstacles.
Traitement
L'atychiphobie peut souvent être traitée avec des ISRS (inhibiteur sélectif du recaptage de la sérotonine), conçus pour augmenter les niveaux de sérotonine dans le cerveau, ce qui a un impact sur le niveau d'anxiété d'une personne, le rendant ainsi plus gérable. Les médicaments seuls ne sont cependant pas encouragés, car ils semblent simplement masquer le problème. La plupart des médecins recommandent plutôt une combinaison de thérapies comportementales/cognitives et médicinales.
Le conseil est également une option populaire pour lutter contre l'atychiphobie. Un conseiller de confiance peut aider un patient à mieux accepter sa peur et à développer de nouvelles méthodes d'adaptation pour faire face aux situations stressantes. En comprenant les déclencheurs associés à l’atychiphobie, les patients apprennent à développer des systèmes de croyances plus sains concernant l’échec et sont ensuite capables de gérer efficacement leur anxiété. Si nécessaire, un professionnel de la santé peut même prescrire des traitements plus sérieux contre l'anxiété, tels que l'hypnothérapie, la psychothérapie, la programmation neurolinguistique et la psychologie énergétique. Cependant, la programmation neurolinguistique a été discréditée et est considérée comme une pseudoscience (voir la description de Wikipédia). De nombreuses techniques utilisées en psychologie énergétique n’ont pas non plus fait leurs preuves et sont souvent considérées par beaucoup comme de la pseudoscience.
Diverses formes de programmes et de méthodes d’auto-assistance peuvent également s’avérer efficaces pour vaincre l’atychiphobie. L’une de ces méthodes, la désensibilisation systématique, consiste à se confronter progressivement à des situations ou à des circonstances qui se rapprochent de plus en plus de celles redoutées. La thérapie d'exposition est cependant plus efficace, dans laquelle le phobique est exposé à plusieurs reprises à ce qu'il craint jusqu'à ce que la peur elle-même s'estompe progressivement. Dans le cas de l’atychiphobie, diviser les tâches plus importantes en éléments plus petits et plus faciles à gérer est une première étape. La pratique de l’activité qu’une personne a peur d’échouer peut également atténuer les effets de l’anxiété. De manière générale, l’acceptation progressive de l’échec dans le cadre d’un processus d’apprentissage nécessaire à la réussite peut apporter les résultats souhaités. Comprendre ou apprécier l'expérience de l'échec est vital pour un individu, et tant que l'objectif d'un individu est de développer un sentiment plus précis de bien-être et d'estime de soi plutôt que d'apparence, il ou elle sera finalement capable de surmonter l'échec. peur de l'échec. | http://www.quizballs.com/ |
« The Way I Am » est une autobiographie de 2008 par quel chanteur américain ? | Eminem | [
"The Way I Am est une autobiographie de 2008 du rappeur américain Eminem. Le livre a été publié pour la première fois le 21 octobre 2008 par Dutton Adult. Il s'agit d'une collection d'histoires personnelles, de réflexions, de photographies, d'œuvres d'art originales et de feuilles de paroles d'Eminem. Il détaille ses luttes contre la pauvreté, la drogue, la célébrité, le chagrin, la famille et la dépression, ainsi que des histoires sur son ascension vers la gloire et des commentaires sur les controverses passées. Le livre est illustré de photos inédites de la vie d'Eminem. Il contient également des dessins originaux, des feuilles de paroles inédites et d'autres souvenirs rares. L'autobiographie porte le nom de la chanson du même nom."
] | The Way I Am est une autobiographie de 2008 du rappeur américain Eminem. Le livre a été publié pour la première fois le 21 octobre 2008 par Dutton Adult. Il s'agit d'une collection d'histoires personnelles, de réflexions, de photographies, d'œuvres d'art originales et de feuilles de paroles d'Eminem. Il détaille ses luttes contre la pauvreté, la drogue, la célébrité, le chagrin, la famille et la dépression, ainsi que des histoires sur son ascension vers la gloire et des commentaires sur les controverses passées. Le livre est illustré de photos inédites de la vie d'Eminem. Il contient également des dessins originaux, des feuilles de paroles inédites et d'autres souvenirs rares. L'autobiographie porte le nom de la chanson du même nom. | http://www.quizballs.com/ |
Le chanteur Dan Reynolds est le leader de quel groupe de rock américain ? | Imagine Dragons | [
"Daniel Coulter \"Dan\" Reynolds (né le 14 juillet 1987) est un musicien américain, surtout connu en tant que leader du groupe de rock Imagine Dragons, basé à Las Vegas. Il a également sorti un Extended Play intitulé Egyptien - EP en duo avec Aja Volkman (de Nico Vega) sous le surnom d'Egyptian. Il est également récipiendaire du prix Hal David Starlight du Songwriters Hall of Fame.",
"Reynolds était réticent à devenir musicien professionnel en partie parce que son camarade de groupe Wayne Sermon lui avait dit : « Ne fais pas de musique parce que tu veux faire de la musique, fais de la musique si tu dois faire de la musique. » Après avoir commencé ses études à l'Université Brigham Young, Reynolds a découvert qu'il ne pouvait « rien faire d'autre » et s'est pleinement engagé dans une carrière musicale professionnelle. Dans l'Utah, Reynolds a rencontré et recruté le batteur Andrew Tolman pour former Imagine Dragons. Avec Reynolds comme chanteur principal, Imagine Dragons a remporté la \"Battle of the Bands\" de BYU et d'autres compétitions locales. Le bassiste Ben McKee a rejoint le groupe à Las Vegas et le batteur Daniel Platzman, également ami de Wayne du Berklee College of Music, a finalisé le groupe. Le groupe a déménagé à Las Vegas pour jouer et perfectionner son art presque tous les soirs dans le cadre d'un numéro de salon. Là, ils ont eu leur première grande chance lorsque le leader de Train est tombé malade juste avant le Bite of Las Vegas Festival 2010. Imagine Dragons a été appelé pour le remplacer et s'est produit devant une foule de plus de 26 000 personnes. En novembre 2011, ils ont signé avec Interscope Records et ont commencé à travailler avec le producteur Alex da Kid, lauréat d'un Grammy Award.",
"Imagine Dragons a sorti son premier album Night Visions et son premier single \"It's Time\" en septembre 2012. Night Visions figurait parmi les dix meilleurs albums aux États-Unis en 2012, 2013 et 2014. Il a remporté un Billboard Music Award pour le meilleur album rock et a été nominé pour un prix Juno pour l'album international de l'année. Le deuxième single \"Radioactive\" a atteint la troisième place du Billboard Hot 100. \"Radioactive\" a également établi le record de tous les temps du plus long règne au sommet du palmarès Billboard Rock Songs, avec 23 semaines consécutives et le record de tous les temps du plus long règne. couru sur le Billboard Hot 100, avec 87 semaines. Rolling Stone l'a qualifié de \"plus gros succès rock de l'année\". Il s'agit de la chanson rock la plus vendue de l'histoire numérique avec des ventes de plus de 7,5 millions d'exemplaires aux États-Unis et a été certifiée diamant par la RIAA. Le troisième single \"Demons\" a atteint la 6e place du Billboard Hot 100 et est la huitième chanson rock la plus vendue de l'histoire numérique avec des ventes de plus de 5 millions d'exemplaires aux États-Unis. Imagine Dragons a été nominé dans deux catégories aux Grammy Awards, dont celui du disque de l'année, mais n'a remporté que la meilleure performance rock. Ils ont également remporté deux AMA pour l'artiste alternatif préféré, un Teen Choice Award pour Choice Rock Group, un World Music Award pour le meilleur groupe rock au monde et un Billboard Music Award pour le meilleur artiste rock. Imagine Dragons a fait ses débuts en tête d'affiche au Made In America Music Festival (2014) et a également attiré de grandes foules et des critiques positives lors de festivals tels que Lollapalooza Brazil (2014).",
"Imagine Dragons a sorti son deuxième album Smoke + Mirrors en février 2015. Smoke + Mirrors a fait ses débuts au sommet du Billboard 200, du UK Albums Chart et du Canadian Albums Chart. Il contient les singles \"I Bet My Life\" et \"Shots\", qui ont tous deux figuré sur le Billboard Hot 100. En août 2015, ils ont sorti un nouveau single intitulé Roots.",
"Depuis 2013, Imagine Dragons et la famille de Tyler Robinson soutiennent la Fondation Tyler Robinson, aidant les jeunes à lutter contre le cancer. Imagine Dragons s'est également associé à Do The Write Thing : National Campaign to Stop Violence, à \"Bringing Human Rights Home\" d'Amnesty International, à \"All Is One Orlando Unity Concert\" de OneOrlando Fund et à \"Playing It Forward\" de Crackle (S1 E2). En 2015, Imagine Dragons a sorti le morceau « I Was Me » dont tous les bénéfices ont été reversés au projet One4 visant à aider les réfugiés en fuite, en particulier au Moyen-Orient."
] | Daniel Coulter "Dan" Reynolds (né le 14 juillet 1987) est un musicien américain, surtout connu en tant que leader du groupe de rock Imagine Dragons, basé à Las Vegas. Il a également sorti un Extended Play intitulé Egyptien - EP en duo avec Aja Volkman (de Nico Vega) sous le surnom d'Egyptian. Il est également récipiendaire du prix Hal David Starlight du Songwriters Hall of Fame.
Début de la vie
Reynolds, septième de neuf enfants, est né le 14 juillet 1987 à Las Vegas, fils de Christene M. (née Callister) et de Ronald Reynolds, avocat et auteur. Tous deux sont originaires du Nevada et Dan est un Nevadan de 4e génération. Il a obtenu le grade d'Eagle Scout en 2005. Reynolds est membre de l'Église de Jésus-Christ des Saints des Derniers Jours. À l'âge de 19 ans, il s'est porté volontaire comme missionnaire à plein temps dans le Nebraska pendant deux ans. Il a écrit la chanson "I Bet My Life" pour célébrer et réfléchir sur sa relation durable avec ses parents.
Carrière
Imaginez les dragons (2008-présent)
Reynolds était réticent à devenir musicien professionnel en partie parce que son camarade de groupe Wayne Sermon lui avait dit : « Ne fais pas de musique parce que tu veux faire de la musique, fais de la musique si tu dois faire de la musique. » Après avoir commencé ses études à l'Université Brigham Young, Reynolds a découvert qu'il ne pouvait « rien faire d'autre » et s'est pleinement engagé dans une carrière musicale professionnelle. Dans l'Utah, Reynolds a rencontré et recruté le batteur Andrew Tolman pour former Imagine Dragons. Avec Reynolds comme chanteur principal, Imagine Dragons a remporté la "Battle of the Bands" de BYU et d'autres compétitions locales. Le bassiste Ben McKee a rejoint le groupe à Las Vegas et le batteur Daniel Platzman, également ami de Wayne du Berklee College of Music, a finalisé le groupe. Le groupe a déménagé à Las Vegas pour jouer et perfectionner son art presque tous les soirs dans le cadre d'un numéro de salon. Là, ils ont eu leur première grande chance lorsque le leader de Train est tombé malade juste avant le Bite of Las Vegas Festival 2010. Imagine Dragons a été appelé pour le remplacer et s'est produit devant une foule de plus de 26 000 personnes. En novembre 2011, ils ont signé avec Interscope Records et ont commencé à travailler avec le producteur Alex da Kid, lauréat d'un Grammy Award.
Imagine Dragons a sorti son premier album Night Visions et son premier single "It's Time" en septembre 2012. Night Visions figurait parmi les dix meilleurs albums aux États-Unis en 2012, 2013 et 2014. Il a remporté un Billboard Music Award pour le meilleur album rock et a été nominé pour un prix Juno pour l'album international de l'année. Le deuxième single "Radioactive" a atteint la troisième place du Billboard Hot 100. "Radioactive" a également établi le record de tous les temps du plus long règne au sommet du palmarès Billboard Rock Songs, avec 23 semaines consécutives et le record de tous les temps du plus long règne. couru sur le Billboard Hot 100, avec 87 semaines. Rolling Stone l'a qualifié de "plus gros succès rock de l'année". Il s'agit de la chanson rock la plus vendue de l'histoire numérique avec des ventes de plus de 7,5 millions d'exemplaires aux États-Unis et a été certifiée diamant par la RIAA. Le troisième single "Demons" a atteint la 6e place du Billboard Hot 100 et est la huitième chanson rock la plus vendue de l'histoire numérique avec des ventes de plus de 5 millions d'exemplaires aux États-Unis. Imagine Dragons a été nominé dans deux catégories aux Grammy Awards, dont celui du disque de l'année, mais n'a remporté que la meilleure performance rock. Ils ont également remporté deux AMA pour l'artiste alternatif préféré, un Teen Choice Award pour Choice Rock Group, un World Music Award pour le meilleur groupe rock au monde et un Billboard Music Award pour le meilleur artiste rock. Imagine Dragons a fait ses débuts en tête d'affiche au Made In America Music Festival (2014) et a également attiré de grandes foules et des critiques positives lors de festivals tels que Lollapalooza Brazil (2014).
Imagine Dragons a sorti son deuxième album Smoke + Mirrors en février 2015. Smoke + Mirrors a fait ses débuts au sommet du Billboard 200, du UK Albums Chart et du Canadian Albums Chart. Il contient les singles "I Bet My Life" et "Shots", qui ont tous deux figuré sur le Billboard Hot 100. En août 2015, ils ont sorti un nouveau single intitulé Roots.
Égyptien (2010)
Invité à interpréter un set d'ouverture pour Nico Vega, Reynolds a rencontré Aja Volkman, la chanteuse principale du groupe, en 2010. Il l'a invitée à l'aider à terminer certaines démos sur lesquelles il travaillait. Les deux hommes ont entamé un processus de collaboration qu’ils ont intitulé Égyptien. Ils ont enregistré, produit et sorti indépendamment un EP éponyme de quatre titres en numérique. Ils ont exécuté ce matériel une fois au
Vie privée
Le 5 mars 2011, Reynolds a épousé Aja Volkman. Les deux ont une fille nommée Arrow Eve Reynolds, née le 8 août 2012. Reynolds souffre de spondylarthrite ankylosante, une maladie auto-inflammatoire qui affecte principalement la colonne vertébrale ainsi que d'autres articulations.
Discographie
Filmographie
Récompenses et nominations
Temple de la renommée des auteurs-compositeurs
*Prix Hal David Starlight (2014)
Contributions philanthropiques
Depuis 2013, Imagine Dragons et la famille de Tyler Robinson soutiennent la Fondation Tyler Robinson, aidant les jeunes à lutter contre le cancer. Imagine Dragons s'est également associé à Do The Write Thing : National Campaign to Stop Violence, à "Bringing Human Rights Home" d'Amnesty International, à "All Is One Orlando Unity Concert" de OneOrlando Fund et à "Playing It Forward" de Crackle (S1 E2). En 2015, Imagine Dragons a sorti le morceau « I Was Me » dont tous les bénéfices ont été reversés au projet One4 visant à aider les réfugiés en fuite, en particulier au Moyen-Orient. | http://www.quizballs.com/ |
De quel comté anglais provient le fromage Bosworth ? | Staffordshire | [
"Le Buckinghamshire, le Cambridgeshire, le Derbyshire, le Devon, le Dorset, l'East Sussex, l'Essex, le Gloucestershire, le Hampshire, le Kent, le Lancashire, le Leicestershire, le Lincolnshire, le North Yorkshire, le Nottinghamshire, le Somerset et le Staffordshire sont des comtés non métropolitains dotés de plusieurs districts et d'un conseil de comté, où l'un ou plusieurs districts ont été divisés pour former des autorités unitaires. L'effet est que le comté cérémonial correspondant est plus grand que le comté non métropolitain du même nom et que le conseil de comté n'est responsable de la fourniture de services que dans une partie du comté. Dans les Cornouailles, Durham, East Riding of Yorkshire, Shropshire et Wiltshire, la majeure partie de la zone est une autorité unitaire qui partage le nom du comté cérémonial et le reste du comté fait partie d'une ou plusieurs autres autorités unitaires.",
"Il existe dix-sept équipes de cricket de comté de première classe basées sur des comtés anglais historiques. Il s'agit du Derbyshire, Durham, Essex, Gloucestershire, Hampshire, Kent, Lancashire, Leicestershire, Middlesex, Northamptonshire, Nottinghamshire, Somerset, Surrey, Sussex, Warwickshire, Worcestershire et Yorkshire. Il existe également dix-neuf équipes de comté mineures. Il s'agit du Bedfordshire, du Berkshire, du Buckinghamshire, du Cambridgeshire, du Cheshire, des Cornouailles, du Cumberland, du Devon, du Dorset, du Herefordshire, du Hertfordshire, du Lincolnshire, du Norfolk, du Northumberland, de l'Oxfordshire, du Shropshire, du Staffordshire, du Suffolk et du Wiltshire. Les associations de football de comté sont à peu près basées sur les comtés anglais, à l'exception des combinaisons de Berkshire et Buckinghamshire et Leicestershire et Rutland."
] | Les comtés d'Angleterre sont des zones utilisées à des fins de démarcation administrative, géographique et politique.
À des fins administratives, l'Angleterre en dehors du Grand Londres et des îles Scilly est divisée en 83 comtés métropolitains et non métropolitains. Ces comtés peuvent être constitués d'un seul district ou être divisés en plusieurs districts. Depuis avril 2009, 27 de ces comtés sont divisés en districts et disposent d'un conseil de comté. Six des comtés, couvrant les principales agglomérations, sont connus sous le nom de comtés métropolitains, qui ne disposent pas de conseils de comté, bien que certaines fonctions soient organisées à l'échelle du comté par leurs districts (arrondissements métropolitains) agissant conjointement.
L'ensemble de l'Angleterre (y compris le Grand Londres et les îles Scilly) est également divisé en 48 comtés cérémoniaux, également appelés comtés géographiques. La plupart des comtés cérémoniaux correspondent à un comté métropolitain ou non métropolitain du même nom mais souvent aux frontières réduites.
Le dispositif actuel est le résultat d’une réforme progressive. De nombreux comtés ont leurs origines au Moyen Âge, bien que les plus grands comtés du Yorkshire et du Sussex aient perdu la plupart ou la totalité de leurs fonctions administratives il y a des siècles. Les comtés géographiques qui existaient avant les réformes du gouvernement local de 1965 et 1974 sont appelés comtés anciens ou comtés historiques. De 1889 à 1974, les zones dotées de conseils de comté étaient connues sous le nom de comtés administratifs, ce qui excluait les grandes villes connues sous le nom d'arrondissements de comté et comprenait les divisions de certains comtés géographiques. De 1974 à 1996, les comtés métropolitains et non métropolitains, dont certains n'ont été créés qu'en 1974, correspondaient directement aux comtés cérémoniaux.
Les comtés, généralement des comtés historiques ou des comtés cérémoniaux actuels, servent de base géographique à un certain nombre d'institutions telles que la police et les pompiers, les clubs sportifs et d'autres organisations non gouvernementales.
Aux fins du tri et de la livraison du courrier, l'Angleterre était divisée en 48 comtés postaux jusqu'en 1996 ; ceux-ci ont été abandonnés par Royal Mail au profit des codes postaux.
Portée et structure
Gouvernement local
Cumbria, Hertfordshire, Norfolk, Northamptonshire, Oxfordshire, Suffolk, Surrey, Warwickshire, West Sussex et Worcestershire sont des comtés non métropolitains constitués de districts multiples dotés d'un conseil de comté. Dans ces comtés, la plupart des services sont assurés par le conseil de comté et les conseils de district ont un rôle plus limité. Leurs zones correspondent chacune exactement à des comtés cérémoniaux.
Il existe six comtés métropolitains basés sur les grandes agglomérations anglaises ; et ils correspondent également exactement à un comté cérémonial et ont plusieurs districts, mais n'ont pas de conseils de comté. Il s’agit du Grand Manchester, du Merseyside, du South Yorkshire, de Tyne and Wear, des West Midlands et du West Yorkshire.
Dans ces comtés, les conseils de district fournissent la majorité des services. De même, le Berkshire est un comté non métropolitain sans conseil de comté et avec plusieurs districts et cartes directement liées à un comté cérémonial. Bristol, Herefordshire, l'île de Wight, Northumberland et Rutland sont des comtés cérémoniaux constitués d'un comté non métropolitain d'un seul district et sont connus sous le nom d'autorités unitaires.
Le Buckinghamshire, le Cambridgeshire, le Derbyshire, le Devon, le Dorset, l'East Sussex, l'Essex, le Gloucestershire, le Hampshire, le Kent, le Lancashire, le Leicestershire, le Lincolnshire, le North Yorkshire, le Nottinghamshire, le Somerset et le Staffordshire sont des comtés non métropolitains dotés de plusieurs districts et d'un conseil de comté, où l'un ou plusieurs districts ont été divisés pour former des autorités unitaires. L'effet est que le comté cérémonial correspondant est plus grand que le comté non métropolitain du même nom et que le conseil de comté n'est responsable de la fourniture de services que dans une partie du comté. Dans les Cornouailles, Durham, East Riding of Yorkshire, Shropshire et Wiltshire, la majeure partie de la zone est une autorité unitaire qui partage le nom du comté cérémonial et le reste du comté fait partie d'une ou plusieurs autres autorités unitaires.
Au total, il existe 39 autorités unitaires qui ne partagent les noms d'aucun des comtés cérémoniaux. Le Bedfordshire et le Cheshire sont des comtés composés d'un certain nombre d'autorités unitaires, dont aucune ne porte le même nom que le comté cérémonial. La City de Londres et le Grand Londres sont anormaux en tant que comtés cérémoniaux qui ne correspondent à aucun comté métropolitain ou non métropolitain et sont antérieurs à leur création.
Établissements
Les comtés métropolitains ont des responsables du transport de passagers pour gérer les transports publics, un rôle assumé par les autorités locales des comtés non métropolitains et Transport for London dans le Grand Londres. Les grands comtés cérémoniaux correspondent souvent à une seule force de police. Par exemple, les quatre autorités unitaires qui composent le Cheshire correspondent à la même zone que la Cheshire Constabulary.
Certains comtés sont regroupés à cet effet, comme Northumberland avec Tyne et Wear pour former la zone de police de Northumbria. Dans d'autres régions, un groupe d'autorités unitaires dans plusieurs comtés sont regroupés pour former des zones de police, telles que la police de Cleveland et la police de Humberside.
Le Grand Londres et la City de Londres ont chacun leurs propres forces de police, le Metropolitan Police Service et la City of London Police. Les services d'incendie fonctionnent sur une base similaire et le service d'ambulance est organisé par les régions d'Angleterre. La plupart des comtés cérémoniaux font partie d'une seule région, bien que le Lincolnshire et le North Yorkshire soient divisés entre les régions. Le développement économique est assuré par les régions, tout comme la planification stratégique.
Zones et populations comparées
Depuis 2009, le comté le plus grand en termes de superficie est le Yorkshire du Nord et le plus petit est la ville de Londres. Le plus petit comté avec plusieurs districts est Tyne et Wear et le plus petit comté non métropolitain avec un conseil de comté est le Buckinghamshire. Le comté le plus peuplé est le Grand Londres et le plus faible est la City de Londres.
Le Grand Londres et les comtés métropolitains figurent tous parmi les 15 plus grands en termes de population et les 15 plus petits en termes de superficie. Le Grand Londres a la densité de population la plus élevée, tandis que la plus faible se trouve dans le Northumberland. Par superficie, le plus grand comté cérémonial composé d'un comté non métropolitain à district unique est Northumberland et le plus petit est Bristol. En termes de population, le plus grand comté est Bristol et le plus petit est Rutland.
Slough est la plus petite autorité unitaire par zone qui n'est pas également un comté cérémonial et Cheshire East est la plus grande. Hartlepool est la plus petite autorité unitaire en termes de population et Cheshire West et Chester sont les plus grandes. Les îles Scilly sui generis sont plus petites tant en termes de superficie que de population. La densité de population la plus élevée de tous les comtés métropolitains ou non métropolitains se trouve à Portsmouth et la plus faible se trouve à Northumberland.
Histoire
Origines
La plupart des comtés anglais ont été créés au Moyen Âge entre le VIIe et le XIe siècle. Les premières divisions forment la plupart des comtés actuels, mais avec des limites adaptées. Les comtés étaient utilisés pour l'administration de la justice, l'organisation de l'armée, le gouvernement local et la représentation parlementaire. Certains grands comtés ont été divisés dès le début à de nombreuses fins, notamment le Yorkshire (en circonscriptions), le Lincolnshire (en parties) et le Sussex (en est et en ouest). En 1832, la Great Reform Act divisa les plus grands comtés à des fins parlementaires. Les changements dans l'administration de la loi sur les pauvres en 1832 et plus tard la mise en place d'autorités sanitaires ont entraîné un déclin du recours aux divisions traditionnelles pour l'administration civile. Les comtés d'enregistrement portant le même nom et de forme globalement similaire existaient à ces fins à partir de 1851 et ont été utilisés pour les rapports de recensement de 1851 à 1911. Leurs limites différaient de celles des comtés existants car elles étaient formées à partir des zones combinées de districts d'enregistrement plus petits, qui traversaient les comtés historiques. frontières.
À la fin du XIXe siècle, la pression s’accentuait en faveur d’une réforme de la structure des comtés anglais. Une commission de délimitation fut nommée en 1887 pour examiner tous les comtés anglais et gallois, et un projet de loi sur le gouvernement local fut présenté au Parlement l'année suivante. La loi de 1888 sur le gouvernement local qui en a résulté a divisé les comtés en comtés administratifs, contrôlés par des conseils de comté et des zones indépendantes connues sous le nom d'arrondissements de comté.
Les conseils de comté ont repris bon nombre des fonctions des tribunaux des sessions trimestrielles et se sont vu attribuer des pouvoirs supplémentaires au fil des ans. Le comté de London a été créé à partir de parties du Kent, du Middlesex et du Surrey. Chaque arrondissement de comté était techniquement un comté administratif d'un seul district, tandis qu'un certain nombre de comtés étaient divisés en plus d'un comté administratif ; il s'agissait du Cambridgeshire, du Hampshire, du Lincolnshire, du Northamptonshire, du Suffolk, du Sussex et du Yorkshire.
Les comtés utilisés à des fins autres que le gouvernement local, comme la lieutenance, ont également changé, étant soit un seul comté administratif, soit un groupement de comtés administratifs et d'arrondissements de comté associés. La seule exception était la ville de Londres, qui seule parmi les comtés constitués en société conservait une lieutenance distincte et, bien qu'une partie du comté administratif de Londres, était également un comté à part entière à toutes autres fins. Dans la législation postérieure à 1888, l'utilisation sans réserve du terme « comté » fait référence à ces entités, bien que le terme informel « comté géographique » ait également été utilisé pour les distinguer des comtés administratifs. Ils ont été montrés sur les cartes de l'Ordnance Survey de l'époque sous les deux titres et sont équivalents aux comtés cérémoniaux modernes.
Il y a eu des changements considérables dans les limites entre les comtés au fil des ans, avec des zones échangées et des zones suburbaines d'un comté annexées par des arrondissements de comté dans un autre. Un réalignement majeur a eu lieu en 1931, lorsque les frontières entre le Gloucestershire, le Warwickshire et le Worcestershire ont été ajustées par la loi sur la confirmation de l'ordonnance provisoire (Gloucestershire, Warwickshire et Worcestershire) qui a transféré 26 paroisses entre les trois comtés, en grande partie pour éliminer les enclaves.
Propositions et réforme
Une Commission de délimitation du gouvernement local a été créée en 1945 avec le pouvoir de fusionner, de créer ou de diviser tous les comtés administratifs et arrondissements de comté existants. Si les recommandations de la commission avaient été mises en œuvre, la carte des comtés d'Angleterre aurait été entièrement redessinée. Le processus de révision a plutôt été abandonné après les élections générales de 1950. Une Commission royale sur le gouvernement local du Grand Londres a été créée en 1957 et une Commission du gouvernement local pour l'Angleterre en 1958 pour recommander de nouvelles structures de gouvernement local.
Les principaux résultats du travail des commissions sont survenus en 1965 : le comté d'origine de Londres a été aboli et remplacé par la zone administrative du Grand Londres, qui comprenait également la majeure partie du reste du Middlesex et des zones qui faisaient autrefois partie du Surrey, du Kent et de l'Essex. et Hertfordshire; Le Huntingdonshire a fusionné avec le Soke de Peterborough pour former Huntingdon et Peterborough, et le Cambridgeshire d'origine a fusionné avec l'île d'Ely pour former le Cambridgeshire et l'île d'Ely. Une Commission royale sur le gouvernement local en Angleterre a été créée en 1966 et a fait rapport en 1969, et a largement recommandé le redessinage complet des zones de gouvernement local en Angleterre, en abandonnant les comtés existants. En raison d'un changement de gouvernement, le rapport n'a pas été traduit en législation.
Le 1er avril 1974, la loi de 1972 sur le gouvernement local est entrée en vigueur. Cela a aboli la structure de gouvernement local existante des comtés administratifs et des arrondissements de comté en Angleterre et au Pays de Galles en dehors du Grand Londres, en la remplaçant par un nouveau système entièrement « à deux niveaux ». Il a créé un nouvel ensemble de 45 comtés, dont six métropolitains et 39 non métropolitains. Les limites historiques du comté ont été conservées partout où cela était possible.
Cependant, certains des comtés créés par la loi étaient entièrement nouveaux, comme Avon, Cleveland, Cumbria, Hereford et Worcester et Humberside, ainsi que les nouveaux comtés métropolitains du Grand Manchester, du Merseyside, du South Yorkshire, de Tyne et Wear, des West Midlands. et le Yorkshire de l'Ouest ; en fonction des grandes agglomérations. Les comtés de Cumberland, Herefordshire, Rutland, Westmorland, Huntingdon & Peterborough et Worcestershire ont été supprimés. La suppression des arrondissements départementaux a rendu inutile la distinction faite entre les comtés pour la Lieutenance et ceux pour les conseils départementaux. L'article 216 de la loi a adopté les nouveaux comtés à des fins cérémonielles et judiciaires, remplaçant les anciens comtés non administratifs.
Royal Mail n'a pas été en mesure de suivre les changements apportés aux limites des comtés en 1965 et 1974 en raison de contraintes de coûts et parce que plusieurs nouveaux comtés portaient des noms trop similaires à ceux des villes postales. Les principales différences étaient que Hereford et Worcester, le Grand Manchester et le Grand Londres ne pouvaient pas être adoptés et que Humberside devait être divisé en North Humberside et South Humberside.
De plus, un certain nombre d'anomalies ont été créées lorsque des villages qui faisaient partie d'une ville postale dans un autre comté ont pris le comté de la ville postale à des fins d'adressage postal. Cela signifiait que pour l'acheminement du courrier, l'Angleterre était divisée en un ensemble de frontières de comté quelque peu différentes de celles établies dans les réformes. Il y avait également une série d'abréviations officielles de noms de comté dont l'utilisation était autorisée. L'utilisation de ces comtés postaux a été abandonnée par la Royal Mail en 1996.
Autres changements
Les comtés métropolitains ont cessé d'avoir des conseils de comté en 1986 et une nouvelle réforme dans les années 1990 a permis la création de comtés non métropolitains d'un seul district. Celles-ci sont devenues connues sous le nom d'autorités unitaires et ont effectivement rétabli les arrondissements de comté. La réforme a amené à nouveau à définir séparément les comtés géographiques, et ils sont devenus connus sous le nom de comtés cérémoniaux.
Outre les autorités unitaires couvrant les grandes villes, certains petits comtés tels que Rutland et Herefordshire ont été rétablis en tant qu'autorités unitaires. En 2009, des autorités unitaires ont été créées pour remplacer chacun des conseils de comté de Cornwall, du comté de Durham, du Northumberland, du Shropshire et du Wiltshire. Le Bedfordshire et le Cheshire ont ainsi été abolis en tant que comtés non métropolitains mais sont conservés en tant que comtés cérémoniaux, divisés entre leurs autorités unitaires.
Culture
Il n'existe pas de série bien établie de symboles ou de drapeaux officiels couvrant tous les comtés. À partir de 1889, les conseils de comté nouvellement créés pouvaient demander au Collège des armes des armoiries, incorporant souvent des symboles traditionnels associés au comté. Cette pratique s'est poursuivie avec la création de nouveaux conseils de comté en 1965 et 1974. Cependant, ces armoiries appartiennent au corps constitué en société du conseil de comté et non à la zone géographique des comtés eux-mêmes. À mesure que les conseils de comté ont été abolis et que des autorités unitaires ont été créées, ces symboles deviennent obsolètes ou ne représentent effectivement plus l'ensemble du comté cérémonial. Une série récente de drapeaux, de différents niveaux d'adoption officielle, a été établie dans de nombreux comtés par concours ou sondage public. Les journées de comté sont une innovation récente dans certaines régions.
Il existe dix-sept équipes de cricket de comté de première classe basées sur des comtés anglais historiques. Il s'agit du Derbyshire, Durham, Essex, Gloucestershire, Hampshire, Kent, Lancashire, Leicestershire, Middlesex, Northamptonshire, Nottinghamshire, Somerset, Surrey, Sussex, Warwickshire, Worcestershire et Yorkshire. Il existe également dix-neuf équipes de comté mineures. Il s'agit du Bedfordshire, du Berkshire, du Buckinghamshire, du Cambridgeshire, du Cheshire, des Cornouailles, du Cumberland, du Devon, du Dorset, du Herefordshire, du Hertfordshire, du Lincolnshire, du Norfolk, du Northumberland, de l'Oxfordshire, du Shropshire, du Staffordshire, du Suffolk et du Wiltshire. Les associations de football de comté sont à peu près basées sur les comtés anglais, à l'exception des combinaisons de Berkshire et Buckinghamshire et Leicestershire et Rutland. | http://www.quizballs.com/ |
De quel politicien américain est l'auteur l'autobiographie de 1995 « Dreams From My Father » ? | Barack Obama | [
"Dreams from My Father: A Story of Race and Inheritance est un mémoire de Barack Obama, qui sera plus tard élu président des États-Unis, qui raconte les événements de ses premières années jusqu'à son entrée à la faculté de droit en 1988. Dreams from My Father a été le premier à être publié. publié en 1995 alors qu'Obama se préparait à lancer sa carrière politique dans une campagne pour le Sénat de l'Illinois, cinq ans après avoir été élu premier président afro-américain de la Harvard Law Review en 1990.",
"Obama raconte sa vie jusqu'à son inscription à la Harvard Law School. Il est né à Honolulu, à Hawaï, de Barack Obama, père du Kenya, et d'Ann Dunham de Wichita, au Kansas, qui s'étaient rencontrés alors qu'ils étaient étudiants à l'Université d'Hawaï. Les parents d'Obama se sont séparés en 1963 et ont divorcé en 1964, alors qu'il avait deux ans. Le père d’Obama est allé à Harvard pour poursuivre son doctorat. en économie. Après cela, il est retourné au Kenya pour tenir sa promesse envers sa nation. Obama s'est forgé une image de son père absent à partir des histoires racontées par sa mère et ses parents. Il n'a revu son père qu'une seule fois, en 1971, lorsqu'Obama Sr. est venu à Hawaï pour une visite d'un mois. L'ancien Obama est décédé dans un accident de voiture en 1982.",
"Sur la photo de gauche de la couverture : Habiba Akumu Hussein et Barack Obama, Sr. (respectivement la grand-mère paternelle du président Obama et son père lorsqu'il était jeune garçon). Sur la photo de droite de la couverture : Stanley Dunham et Ann Dunham (le grand-père maternel du président Obama et sa mère lorsqu'elle était jeune fille).",
"À l’exception des membres de sa famille et d’une poignée de personnalités publiques, Barack Obama est ouvert dans la préface sur l’utilisation de noms modifiés pour des raisons de confidentialité et a créé des personnages composites pour accélérer le flux narratif. Certaines de ses connaissances ont publiquement admis leurs vrais noms, et divers chercheurs ont fait des suggestions quant aux vrais noms de certains personnages :"
] | Dreams from My Father: A Story of Race and Inheritance est un mémoire de Barack Obama, qui sera plus tard élu président des États-Unis, qui raconte les événements de ses premières années jusqu'à son entrée à la faculté de droit en 1988. Dreams from My Father a été le premier à être publié. publié en 1995 alors qu'Obama se préparait à lancer sa carrière politique dans une campagne pour le Sénat de l'Illinois, cinq ans après avoir été élu premier président afro-américain de la Harvard Law Review en 1990.
La victoire d'Obama aux primaires démocrates du Sénat américain dans l'Illinois en 2004 a conduit à la réédition du livre en août de la même année. Cela a été suivi de son discours d'ouverture à la Convention nationale démocratique (DNC) de 2004. Obama lancera plus tard sa campagne pour être élu président des États-Unis trois ans plus tard. L'édition 2004 comprend une nouvelle préface d'Obama et son discours d'ouverture du DNC.
Narratif
Obama raconte sa vie jusqu'à son inscription à la Harvard Law School. Il est né à Honolulu, à Hawaï, de Barack Obama, père du Kenya, et d'Ann Dunham de Wichita, au Kansas, qui s'étaient rencontrés alors qu'ils étaient étudiants à l'Université d'Hawaï. Les parents d'Obama se sont séparés en 1963 et ont divorcé en 1964, alors qu'il avait deux ans. Le père d’Obama est allé à Harvard pour poursuivre son doctorat. en économie. Après cela, il est retourné au Kenya pour tenir sa promesse envers sa nation. Obama s'est forgé une image de son père absent à partir des histoires racontées par sa mère et ses parents. Il n'a revu son père qu'une seule fois, en 1971, lorsqu'Obama Sr. est venu à Hawaï pour une visite d'un mois. L'ancien Obama est décédé dans un accident de voiture en 1982.
Après son divorce, Ann Dunham a épousé Lolo Soetoro, un géomètre javanais d'Indonésie qui a obtenu un financement pour ses études supérieures grâce au Centre Est-Ouest. La famille a déménagé à Jakarta. Quand Obama avait dix ans, il est retourné à Hawaï sous la garde de ses grands-parents (et plus tard de sa mère) pour bénéficier des meilleures opportunités éducatives qui y étaient disponibles. Il était inscrit en cinquième année à l'école Punahou, une école privée préparatoire à l'université, où il était l'un des six élèves noirs seulement. Obama a fréquenté l'école de Punahou depuis la 5e année jusqu'à l'obtention de son diplôme d'études secondaires en 1979. Obama écrit : « Pour mes grands-parents, mon admission à l'Académie de Punahou a marqué le début de quelque chose de grandiose, une élévation du statut familial qu'ils ont pris grand soin de laisser. tout le monde le sait." Là, il rencontre Ray (Keith Kakugawa), qui lui fait découvrir la communauté afro-américaine.
Après avoir terminé ses études secondaires, Obama a déménagé à Los Angeles, où il s'est inscrit à l'Occidental College, où il décrit un style de vie « festif » basé sur la consommation de drogues et d'alcool. Après deux ans à Occidental, il a été transféré au Columbia College de l'Université Columbia, à New York, où il s'est spécialisé en sciences politiques. Après avoir obtenu son diplôme, il a travaillé pendant un an dans le monde des affaires. Il a déménagé à Chicago, où il a travaillé pour une organisation communautaire à but non lucratif dans le projet de logement Altgeld Gardens, dans le côté sud de la ville. Obama raconte la difficulté de l'expérience, car son programme s'est heurté à la résistance des dirigeants communautaires bien établis et à l'apathie de la part de la bureaucratie établie. Au cours de cette période, Obama a visité pour la première fois la Trinity United Church of Christ de Chicago, qui est devenue le centre de sa vie spirituelle. Avant de fréquenter la Harvard Law School, Obama a décidé de rendre visite à des parents au Kenya. Il raconte une partie de cette expérience dans le dernier tiers émouvant du livre. Obama a utilisé ses mémoires pour réfléchir sur ses expériences personnelles en matière de race et de relations raciales aux États-Unis.
Couverture du livre
Sur la photo de gauche de la couverture : Habiba Akumu Hussein et Barack Obama, Sr. (respectivement la grand-mère paternelle du président Obama et son père lorsqu'il était jeune garçon). Sur la photo de droite de la couverture : Stanley Dunham et Ann Dunham (le grand-père maternel du président Obama et sa mère lorsqu'elle était jeune fille).
Personnes dans le livre
À l’exception des membres de sa famille et d’une poignée de personnalités publiques, Barack Obama est ouvert dans la préface sur l’utilisation de noms modifiés pour des raisons de confidentialité et a créé des personnages composites pour accélérer le flux narratif. Certaines de ses connaissances ont publiquement admis leurs vrais noms, et divers chercheurs ont fait des suggestions quant aux vrais noms de certains personnages :
Réception
À propos des Rêves de mon père, Toni Morrison, romancière lauréate du prix Nobel, a qualifié Obama d'"écrivain dans ma haute estime" et son livre "assez extraordinaire". Elle a loué
"sa capacité à réfléchir sur cet extraordinaire maillage d'expériences qu'il a vécues, certaines familières et d'autres non, et à vraiment méditer sur cela comme il le fait, et à mettre en place des scènes dans une structure narrative, un dialogue, une conversation - toutes ces choses que l'on ne voit pas souvent, évidemment, dans les biographies politiques habituelles. ... C'est le sien.
Dans une interview pour The Daily Beast, l'auteur Philip Roth a déclaré qu'il avait lu Dreams from My Father "avec beaucoup d'intérêt" et a commenté qu'il l'avait trouvé "bien fait et très convaincant et mémorable".
Le livre "est peut-être le mémoire le mieux écrit jamais produit par un homme politique américain", a écrit le chroniqueur du Time, Joe Klein. En 2008, Rob Woodard du Guardian a écrit que Dreams from My Father « est de loin le volume le plus honnête, audacieux et ambitieux publié par un homme politique américain majeur au cours des 50 dernières années ». Michiko Kakutani, critique lauréate du prix Pulitzer pour le New York Times, l'a décrit comme « l'autobiographie la plus évocatrice, lyrique et franche écrite par un futur président ».
L'édition du livre audio a valu à Obama le Grammy Award du meilleur album de créations orales en 2006. Cinq jours avant de prêter serment en tant que président en 2009, Obama a obtenu une avance de 500 000 $ pour une version abrégée de Dreams from My Father destinée aux enfants d'âge scolaire.
Liste des 100 meilleurs du magazine Time
En 2011, Time Magazine a classé le livre parmi ses 100 meilleurs livres de non-fiction écrits en anglais depuis 1923.
Versions
*New York : Times Books ; 1ère édition (18 juillet 1995) ; Relié : 403 pages ; ISBN0-8129-2343-X
** Cette impression est très rare. Seuls quelques exemplaires signés sont connus et leur valeur est estimée à 13 000 $ (selon l'état).
* New York : Kodansha International (août 1996) ; Broché : 403 pages ; ISBN1-56836-162-9
* New York : Presse de Trois-Rivières ; Édition réimprimée (10 août 2004) ; Broché : 480 pages ; ISBN1-4000-8277-3
* New York : Random House Audio ; Édition abrégée (3 mai 2005) ; CD audio; ISBN0-7393-2100-5 ; Comprend le discours du sénateur lors de la Convention nationale démocrate de 2004.
* New York : Random House Audio ; Édition abrégée sur lecteur audio numérique Playaway
* New York : Random House en gros caractères ; 1ère édition en gros caractères (4 avril 2006); Relié : 720 pages ; ISBN0-7393-2576-0
* New York : Crown Publishers (9 janvier 2007) ; Relié : 464 pages ; ISBN0-307-38341-5
* New York : Random House (9 janvier 2007) ; livre électronique ; ISBN0-307-39412-3
* Melbourne : Publication de textes (2008) ; Broché : 442 pages ; ISBN978-1-921351-43-3
; Traductions
* Arabe : Aḥlām min abī : qiṣṣat ʻirq wa-irth, traduit par Hibah Najīb al-Sayyid Maghrabi ; Īmān 'Abd al-Ghanī Najm; Majdī 'Abd al-Wāḥid 'Inabah, (2009),
* Bosniaque : Snovi moga oca : priča o rasi i naslijeđu, Sarajevo : Buybook (2008),
* Chinois : The Dream Road of Obama : Yi Fu Chih Ming, traduit par Yao-Hui Wang, Kuan-Lan Shih China Times Publishing Company, Taipei, Taiwan, (2008), ISBN 978-957-13-4926-8
* Croate : Snovi mojega oca : priča o rasi i naslijeđu, (2004), ISBN 978-953-182-079-0
* Tchèque : Cesta za sny mého otce : jedna z nejpůsobivějších autobiografických knih o sebepoznání a hledání vlastní identité, traduit par Marie Čermáková, Praha : Štrob, Širc & Slovák, (2009), ISBN 978-80-903947-6-6
* Danois : Arven fra min far : selvbiografi, Gyldendals Bogklubber, (2009),
* Néerlandais : Dromen van mijn vader, traduit par Joost Zwart, Atlas, (2007), ISBN 978-90-450-0089-3
* Finnois : Unelmia isältäni : kertomus rodusta ja sukuperinnöstä, traduit par Seppo Raudaskoski et Mika Tiirinen, (2009), ISBN 978-951-692-723-0
* Français : Les rêves de mon père, traduit par Paris Presses de La Cité, Paris, France, (2008), ISBN 978-2-258-07597-9
* Allemand : Ein amerikanischer Traum, Carl Hanser Verlag (2008), ISBN 978-3-446-23021-7
* Grec, moderne : Eikones tou patera mou : he historia henos genous kai mias klēronomias, (2004), ISBN 978-960-6689-41-3
* Hébreu : חלומות מאבי (Ḥalomot me-avi), traduit par Edna Shemesh, Tel Aviv, Israël, (2008),
* Hindi : Pitā se mile sapane, traduit par Aśoka Kumāra, Aravinda Kumāra Pabliśarsa, Guṛagām̐va, (2009), ISBN 978-81-8452-017-0
* Indonésien : Rêves de mon père : pergulatan hidup Obama, (2009), ISBN 978-979-433-544-4
* Japonais : , traduit par Yuya Kiuchi, Mikiko Shirakura, (2007) ISBN 978-4-478-00362-6
* Coréen : Nae abŏji robutŏ ŭi kkum (내 아버지로부터의 꿈), traduit par Kyŏng-sik Yi, Random House Korea, Séoul, Corée, (2007), ISBN 978-89-255-1014-9
* Marathi : Ḍrīmsa phrôma māya phādara, traduit par Yamājī Mālakara et Nītā Kulakarṇī, Ameya Prakāśana, (2009),
* Persan : Ruyāhā-ye pedaram, traduit par Rītū Baḥrī, (2009), ISBN 978-964-174-082-7
* Persan : Ruyāhā-ye pidaram, traduit par Manīzhih Shaykh Javadī, (2009), ISBN 978-600-5253-09-2
* Polonais : Odziedziczone marzenia, traduit par Piotr Szymczak, (2008), ISBN 978-83-7278-333-2
* Serbe : Snovi moga oca : priča o rasi i nasleđu, traduit par Vesna Džuverović ; Jasna Simonović, (2008), ISBN 978-86-505-1029-2
* Espagnol : Los sueños de mi padre : una historia de raza y herencia, Vintage Español, New York City, New York, (2009), ISBN 978-0-307-47387-5
* Espagnol : Los sueños de mi padre : una historia de raza y herencia, traduit par Fernando Miranda ; Evaristo Páez Rasmussen, Grenade : Almed, (2008), ISBN 978-84-936685-0-1
* Suédois : Min far hade en dröm, Albert Bonniers förlag (2008), ISBN 978-91-0-011728-3
* Thaï : Bārak 'Ōbāmā : phom likhit chiwit 'ēng, traduit par Nopphadon Wētsawat, Krung Thēp : Samnakphim Matichon, (2008), ISBN 978-974-02-0139-7
* Turc : Babamdan hayaller : [ırk ve kimlik mirasının öyküsü], Istanbul : Pegasus Yayınlar (2008), ISBN 978-605-5943-32-5
* Ourdou : Obāmā kī āp bītī, traduit par Yāsar Javvād, (2009),
* Vietnamien : Những giấc mơ từ cha tôi, traduit par Quang Nguyễn, (2008), | http://www.quizballs.com/ |
Quel est le nom du parfum lancé par le boys band britannique JLS en janvier 2013 ? | Love | [
"Suite à leur apparition dans The X Factor, JLS a signé chez Epic Records. Leurs deux premiers singles \"Beat Again\" et \"Everybody in Love\" sont tous deux devenus numéro un du UK Singles Chart. Le premier album éponyme du groupe est sorti le 9 novembre 2009 et s'est depuis vendu à plus d'un million d'exemplaires au Royaume-Uni. JLS a remporté les prix du British Breakthrough et du British Single (\"Beat Again\") aux BRIT Awards 2010. Ils ont également remporté plusieurs prix aux MOBO Awards pour la meilleure chanson pour \"Beat Again\" en 2009 et également pour le meilleur nouveau venu la même année. En 2010, ils ont remporté les MOBO Awards du meilleur groupe britannique et du meilleur album. Ils ont également remporté leur cinquième MOBO en 2012 en remportant le prix de la meilleure vidéo pour \"Do You Feel What I Feel?\". Ils ont remporté le titre du groupe le plus travailleur du Royaume-Uni pendant deux années constitutives, en 2011 et 2012.",
"En 2010, JLS a signé un contrat d'enregistrement avec le label américain Jive Records et a sorti \"Everybody in Love\" comme premier single américain, mais il n'a pas réussi à figurer dans les charts. \"The Club Is Alive\", le premier single de leur deuxième album studio, est sorti au Royaume-Uni en juillet 2010 et a valu au groupe son troisième numéro un sur le UK Singles Chart. Leur single \"Love You More\", était le single officiel de Children in Need en 2010, et a donné au groupe son quatrième single numéro un au Royaume-Uni. Leur single \"She Makes Me Wanna\" avec Dev était leur cinquième numéro un au Royaume-Uni. Depuis 2012, leur premier album et single a été nommé l'un des dix premiers singles et albums les plus vendus de The X Factors. En 2013, ils sont les 16e stars de télé-réalité les plus riches du Royaume-Uni, avec une fortune estimée à 6 millions de livres sterling par membre, donnant ainsi au groupe une valeur financière d'environ 24 millions de livres sterling.",
"Dès la signature du contrat, Nick Raphael et Jo Charrington, d'Epic A&R, ont commencé la préparation de l'album en contactant les auteurs-compositeurs et producteurs pop qu'ils considéraient comme les meilleurs de l'industrie. Ceux-ci comprenaient Steve Mac, Wayne Hector, J.R. Rotem et DEEKAY. Quand ils sont allés voir Mac, il leur a joué \"Beat Again\", une chanson qu'il avait écrite avec Hector, et les deux hommes ont convenu avec enthousiasme que c'était parfait pour JLS. Charrington a déclaré: \"Une fois que vous avez cette chanson spéciale, tout le reste semble se mettre en place.\" La chanson est sortie comme premier single en juillet, six mois seulement après la signature du groupe avec le label. Il a atteint la première place du UK Singles Chart le 19 juillet 2009. Le 9 novembre 2009, JLS a sorti son premier album éponyme, JLS. L'album a fait ses débuts au n ° 1 du UK Album Chart, se vendant à plus d'un million d'exemplaires et a été nommé sixième album le plus vendu au Royaume-Uni en 2009, n'étant sorti que 8 semaines avant la compilation de la liste. Leur deuxième single \"Everybody in Love\", sorti le 2 novembre 2009, est également en tête du UK Singles Chart. Leur troisième single, \"One Shot\", a atteint la sixième place malgré une sortie physique, mais il est resté dans les charts pendant plusieurs semaines malgré la baisse. En raison du succès de leur album, le groupe entame sa première tournée, avec vingt-cinq dates à travers le Royaume-Uni et l'Irlande. Le groupe est également devenu le premier candidat de The X Factor à remporter un BRIT Award en 2010, remportant le British Breakthrough et le meilleur single britannique pour \"Beat Again\". Jay-Z a prédit qu'ils deviendraient aussi gros que 'N Sync.",
"Début 2010, une guerre d'enchères était en cours entre Epic Records (basé aux États-Unis) et Jive Records pour signer JLS dans le cadre d'un accord américain. Le groupe s'est installé avec Jive Records, tout en continuant à rester avec leur signature native sur Epic Records de Sony Music UK. En août 2010, l'album s'était vendu à plus de 1,2 million d'exemplaires et avait été certifié 4x Platine au Royaume-Uni. L'album est sorti sous forme d'EP de six titres aux États-Unis, comprenant les titres \"Beat Again\", \"Everybody in Love\", \"One Shot\", \"Only Tonight\" et \"Close to You\" de l'édition britannique de l'album. , avec \"The Club Is Alive\" du deuxième album britannique. Il est sorti le 3 août 2010 et JLS a également remporté deux prix aux BT Digital Music Awards 2010, remportant le prix du meilleur groupe et de la meilleure vidéo pour \"Everybody in Love\".",
"\"The Club Is Alive\" a été annoncé comme premier single en avril et sorti le 4 juillet 2010. Le groupe a fait la promotion du single sur Britain's Got Talent et GMTV. Le single a fait ses débuts au numéro un, devenant ainsi le troisième single numéro un du groupe au Royaume-Uni. Des rapports ont ensuite suggéré qu'un deuxième single, \"Ay Mama\", devait sortir aux États-Unis le 14 septembre 2010 et mettrait en vedette l'auteur-compositeur-interprète barbadien Shontelle. Cependant, le groupe a déclaré à Digital Spy que même si une chanson avait été enregistrée avec Shontelle, elle n'avait jamais été confirmée pour l'album. Le 16 septembre 2010, le groupe a dévoilé le deuxième single, \"Love You More\" et était un single de la BBC Children in Need. C'était leur 4e numéro un au Royaume-Uni. Le groupe a écrit la chanson avec Toby Gad et Wayne Hector.",
"En plus d'apparaître dans de nombreux programmes télévisés pour la promotion de leurs albums/singles, JLS a diffusé deux émissions télévisées spéciales. Le premier était un documentaire d'une heure pour ITV2, intitulé JLS Revealed, diffusé pour la première fois le 7 novembre 2009. Le documentaire les a suivis l'année après avoir terminé deuxième dans The X Factor, les capturant alors qu'ils tournaient avec Lemar, sortaient leur célibataires et a assisté aux MOBO Awards, entre autres moments forts. La deuxième émission était une émission de divertissement d'une heure pour ITV intitulée This Is JLS, diffusée pour la première fois le 11 décembre 2010 avant la première émission de la finale de X Factor de cette année-là. Filmé devant un public de studio en direct, le groupe a interprété tous ses succès, des morceaux de l'album Outta This World et un duo spécial avec Kylie Minogue sur sa chanson à succès \"All the Lovers\", ainsi que des cascades surprises en caméra cachée pour les plus chanceux. fans qui avaient été invités à faire partie du public pour le spectacle.",
"En plus de lancer sa propre ligne de vêtements et le merchandising habituel de calendriers, d'affiches, etc., JLS a également lancé des préservatifs de marque avec Durex sous la ligne de campagne \"Just Love Safe\", dans le cadre d'une organisation caritative qu'ils ont créée appelée JLS. Foundation, où ils travaillent en collaboration avec des organisations caritatives de santé sexuelle telles que Brook pour sensibiliser à la pratique du sexe sans risque et à la planification familiale. L'initiative a été lancée lors d'une conférence de presse en septembre 2010. Individuellement, le groupe est également devenu mécène de différentes œuvres caritatives, à savoir Beatbullying (Merrygold), Childline (Humes), Rays of Sunshine Children's Charity (Gill) et National MS Society (Williams). . Williams a reçu le prix « Inspiration Award » de la Multiple Sclerosis Society of Great Britain en avril 2010 pour son travail pour l'association caritative.",
"En mars 2012, ils lancent leur premier parfum, Kiss, qui se vend à 100 000 flacons le premier jour. Les quatre membres du groupe ont travaillé avec le parfumeur Azzi Glasser pour créer le parfum. En février 2013, ils ont lancé leur deuxième parfum, Love, dont le parfum varie de notes de jasmin, de thé blanc, d'orchidée rose et de fleur d'oranger.",
"JLS est apparu à chaque soirée Children in Need depuis 2010. Toutes les ventes du single numéro un de JLS, Love You More (chanson JLS), ont été reversées à Children In Need. En 2011, Merrygold a fait un VT pour l'association caritative dans laquelle il a rencontré Emily, 7 ans, qui souffre d'ostéogenèse imparfaite. En 2012, JLS s'est produit au concert « Children in Need Rocks Manchester » en interprétant Take a Chance on Me (chanson de JLS). En 2013, Aston est apparu pour la dernière fois sur Children In Need en tant que membre de JLS où le groupe a chanté un medley de chansons de JLS sur le plateau d'EastEnders.",
"Au total, JLS est apparu dans 5 singles caritatifs : une reprise de Hero (chanson de Mariah Carey) parmi les finalistes de X Factor 2008 (pour Help for Heroes), Wishing On A Star, finalistes de Xfactor ft. JLS et One Direction (pour l'organisation Together). pour Short Lives) Love You More (chanson JLS) (pour Children In Need), Proud (chanson JLS) (pour Sport Relief) et Everybody Hurts (pour Helping Haiti). 4 de ces singles caritatifs sur 5 ont atteint la première place du classement des singles britanniques."
] | JLS (un sigle de Jack the Lad Swing) était un boys band pop/R&B anglais composé des membres d'origine noire Aston Merrygold, Oritsé Williams, Marvin Humes et JB Gill, formé à l'origine par Oritsé Williams. Ils ont d'abord signé avec la société de production Tracklacers, New Track City, puis sont devenus finalistes de la cinquième série de l'émission de télé-réalité ITV The X Factor en 2008, arrivant deuxième derrière Alexandra Burke.
Suite à leur apparition dans The X Factor, JLS a signé chez Epic Records. Leurs deux premiers singles "Beat Again" et "Everybody in Love" sont tous deux devenus numéro un du UK Singles Chart. Le premier album éponyme du groupe est sorti le 9 novembre 2009 et s'est depuis vendu à plus d'un million d'exemplaires au Royaume-Uni. JLS a remporté les prix du British Breakthrough et du British Single ("Beat Again") aux BRIT Awards 2010. Ils ont également remporté plusieurs prix aux MOBO Awards pour la meilleure chanson pour "Beat Again" en 2009 et également pour le meilleur nouveau venu la même année. En 2010, ils ont remporté les MOBO Awards du meilleur groupe britannique et du meilleur album. Ils ont également remporté leur cinquième MOBO en 2012 en remportant le prix de la meilleure vidéo pour "Do You Feel What I Feel?". Ils ont remporté le titre du groupe le plus travailleur du Royaume-Uni pendant deux années constitutives, en 2011 et 2012.
En 2010, JLS a signé un contrat d'enregistrement avec le label américain Jive Records et a sorti "Everybody in Love" comme premier single américain, mais il n'a pas réussi à figurer dans les charts. "The Club Is Alive", le premier single de leur deuxième album studio, est sorti au Royaume-Uni en juillet 2010 et a valu au groupe son troisième numéro un sur le UK Singles Chart. Leur single "Love You More", était le single officiel de Children in Need en 2010, et a donné au groupe son quatrième single numéro un au Royaume-Uni. Leur single "She Makes Me Wanna" avec Dev était leur cinquième numéro un au Royaume-Uni. Depuis 2012, leur premier album et single a été nommé l'un des dix premiers singles et albums les plus vendus de The X Factors. En 2013, ils sont les 16e stars de télé-réalité les plus riches du Royaume-Uni, avec une fortune estimée à 6 millions de livres sterling par membre, donnant ainsi au groupe une valeur financière d'environ 24 millions de livres sterling.
JLS a vendu plus de 6 millions de disques rien qu'au Royaume-Uni et plus de 10 millions de disques dans le monde. Le groupe s'est ensuite séparé en raison de différences personnelles.
Membres
Oritse Williams
Oritsé Jolomi Matthew Soloman Williams (né le 27 novembre 1986) a fréquenté la St Edwards School dans l'ouest de Londres, où il était connu sous le nom de Music Boy. Il a deux frères et une sœur. Quand il avait 12 ans, sa mère a reçu un diagnostic de sclérose en plaques. Il devait s'occuper de ses frères et sœurs tout en fréquentant des écoles et des clubs. Il a fréquenté la British International School de Lagos, au Nigeria. Ici, il s'est lié d'amitié avec le chanteur anglo-nigérien L Marshall (qui a également fréquenté l'école de Lagos) et a remporté son premier spectacle de talents aux côtés de L au cours de sa dernière année. Il a également fréquenté l'école primaire catholique Larmenier Sacred Heart et l'école Cardinal Vaughan Memorial. Williams rêvait d'être un artiste solo dès son plus jeune âge. Il a été recruté pour de nombreux boys bands mais pensait qu'un bon boys band devait avoir de bonnes relations entre les membres. Il a décidé de créer son propre groupe de garçons, UFO, qui a ensuite changé son nom pour JLS (il existait déjà un autre groupe de rock britannique appelé UFO). Il a également écrit la chanson "Wow Oh Wow" pour Jedward. Le 28 septembre 2013, Williams a remporté la première série de l'émission de danse ITV Stepping Out, animée par Davina McCall.
Marvin Humes
Marvin Richard James Humes (né le 18 mars 1985 à Greenwich, Londres, Angleterre) est le membre le plus âgé du groupe. Humes était auparavant membre d'un autre groupe appelé VS, créé par Simon Webbe, membre de Blue, mais ils se sont séparés peu de temps après la sortie d'un album. Après avoir rencontré Aston Merrygold, futur membre du groupe, Humes a rejoint UFO. Humes est apparu à Holby City sur la BBC pendant trois ans, de 2000 à 2003, dans le rôle de Robbie Waring pendant 14 épisodes. À l'âge de 14 ans, il a joué dans un programme pour enfants appelé K-Club, qui aidait les gens à utiliser les ordinateurs et à les utiliser. Humes entretient une relation publique avec Rochelle Wiseman depuis mars 2010. Ils se sont fiancés le 31 décembre 2011 et se sont mariés le 27 juillet 2012 au palais de Blenheim. Il a été annoncé sur Twitter le 22 novembre 2012 qu'ils attendaient leur premier enfant et le 20 mai 2013, elle a donné naissance à leur fille Alaia-Mai*.
Il anime désormais The Voice avec Emma Willis
Jonathan Benjamin Gill
Jonathan Benjamin "JB" Gill (né le 7 décembre 1986) est le fils de Cynthia et Keith Gill et a un frère appelé Neequaye. Gill a passé les cinq premières années de sa vie à Antigua, découvrant très tôt son talent musical. Après avoir terminé ses examens universitaires, il décide de passer une audition pour The X Factor en 2008. C'est à ce moment-là qu'il entre en contact avec les autres membres de JLS. Gill a grandi principalement à Croydon et a commencé à faire de la musique à l'âge de sept ans lorsqu'il jouait de la flûte à bec, du piano, de la flûte et de la guitare. À l'âge de neuf ans, il rejoint la chorale et se produit à l'église locale. Gill s'est concentré sur sa musique et a commencé à étudier au Centre pour jeunes musiciens (CYM).[http://www.jlsofficial.com/gb/biography/jls/ JLS | Toutes les dernières actualités officielles | JLS] Après avoir quitté le CYM, Gill est restée impliquée dans la scène musicale scolaire. Il était impliqué dans la chorale de l'école. Il a continué cela jusqu'à l'âge de 15 ans mais a dû y renoncer en raison des pressions de l'école pour se concentrer sur sa carrière de rugby ; il a été impliqué dans le club de rugby irlandais de Londres jusqu'à l'âge de 18 ans. Gill a finalement décidé qu'il voulait chanter plutôt que jouer au rugby et Melon a suivi un cours de coaching vocal pendant un an avant d'aller à l'université. Pendant cette période, Gill a été contacté par Oritse pour essayer le groupe en raison de son oreille musicale et de son attention aux harmonies. Il a étudié la théologie au King's College de Londres, séjournant dans des salles de Russell Square, avant d'abandonner ses études pour poursuivre une carrière musicale.
En décembre 2012, il a remporté l'édition spéciale de Noël du programme de la BBC Strictly Come Dancing, interprétant le Jive avec Ola Jordan. JB Gill est maintenant propriétaire d'une ferme en Écosse et il va faire une pause dans la musique et commencer une vie différente d'agriculteur.
En janvier 2014, il a été révélé que JB ferait équipe avec le DJ et producteur de musique Charlie Hedges pour sortir son premier single solo Best Night of My Life, faisant de lui le premier membre de JLS à sortir du matériel solo.
Gill a commencé à sortir avec la danseuse Chloe Tangney fin 2008, le couple a annoncé ses fiançailles le 25 janvier. Le couple s'est marié en Écosse en mai 2014
Aston Merrygold
Aston Merrygold (né le 13 février 1988 à Peterborough, en Angleterre) est né d'un père jamaïcain et d'une mère anglo-irlandaise. Il est l'un des sept enfants ; il a cinq frères et une sœur. Il est né et a grandi à Peterborough, où il a fréquenté la Jack Hunt School. En 2002, Merrygold est entré dans Stars in Their Eyes où il est apparu dans le rôle de Michael Jackson, chantant "Rockin' Robin" et a terminé à la deuxième place. Il est arrivé deuxième encore une fois avec JLS sur The X Factor à 20 ans. Aston a joué dans des productions scolaires et, après avoir quitté l'école en 2004, a été sélectionné dans un nouveau programme ITV, Fun Song Factory aux côtés de la présentatrice de télévision pour enfants Laura Hamilton. Dans la série, Merrygold a joué le personnage "Cookie". Factor star] Retfordo Times, 24 décembre 2008 Alors qu'il fréquentait encore l'école secondaire, il a joué au football pour le compte de l'Angleterre aux Jeux européens de la jeunesse. Son ambition initiale était de jouer au football professionnellement. Cependant, après avoir développé un problème nerveux au pied gauche, il a plutôt essayé de chanter et de jouer. En jouant, il a rencontré Humes. En conséquence, il a reçu un appel de Williams (une connaissance de Humes) lui proposant de rejoindre un boys band. Aston vient de sortir son nouveau single « Get Stupid » en tant qu'artiste solo.
Chronologie
Carrière musicale
2006-08 : Formation en tant qu'OVNI
Oritsé Williams a décidé de se lancer dans le monde de la musique principalement parce que sa mère est atteinte de sclérose en plaques et qu'il souhaitait collecter des fonds pour aider à trouver un remède. Il a été initialement recherché pour un certain nombre de boys bands, mais il ne pensait pas qu'ils avaient raison et pensait qu'un groupe devait avoir une « vraie » connexion les uns avec les autres, comme ses héros Boyz II Men. Williams a décidé de former son propre groupe de garçons et, par l'intermédiaire d'amis, a rencontré Marvin Humes qui avait de l'expérience dans le R&B et la musique pop, faisant partie de VS en 2004. Le prochain à rejoindre était Aston Merrygold, qui a déjà participé au programme pour enfants d'ITV Fun. Song Factory, en raison de ses capacités athlétiques. Retford Times, 24 décembre 2008 Le dernier à rejoindre le groupe fut JB Gill, pour son « oreille musicale » et ses harmonies. Ils se sont liés d’amitié, sont devenus amis et ensemble ils s’appelaient UFO (un sigle de Unique Famous Outrageous). Ils signent chez Tracklacers pour développer un son qu'ils appellent alors "Jack the Lad Swing", combinant la phrase "Jack the lad" et la musique urbaine du nouveau jack swing. Tout en se frayant un chemin dans le monde de la musique, UFO a immédiatement signé chez Epic Records, avant de remporter son premier prix fin 2007 aux Urban Music Awards du meilleur acte non signé grâce à son mash-up de "Stand by Me" de Ben E. King. et "Beautiful Girls" de Sean Kingston. Peu de temps après, ils sortent leur deuxième single, "Slap Ya Elbow". Le groupe rend hommage à « DJ Triz » qui a produit l'une des premières chansons d'UFO et les a aidés à l'écrire.
2008-09 : The X Factor et nouveau nom
En 2008, UFO a auditionné pour la cinquième série de The X Factor, mais a dû changer de nom car il était déjà utilisé par un autre groupe, ils ont donc décidé d'opter pour le nom JLS (un sigle de Jack the Lad Swing, le style créé avec Tracklacers il y a quelques mois). Après l'élimination des groupes féminins Bad Lashes et Girlband respectivement au cours des première et deuxième semaines, JLS était le dernier groupe de Louis Walsh dans la compétition, mais tout au long des concerts, les juges les ont qualifiés de meilleur groupe issu de The X Factor. Au cours de la semaine 7, JLS figurait parmi les deux derniers avec Rachel Hylton. Cependant, ils ont survécu grâce aux votes de Walsh, Cheryl Cole et Simon Cowell. Cowell a déclaré lors de son vote décisif que JLS ne méritait pas d'être parmi les deux derniers. Au cours de la semaine 8, JLS a interprété "...Baby One More Time" et a reçu des commentaires négatifs de deux des quatre juges, Cowell disant "pour le moment, vous êtes absent", mais après leur deuxième représentation, "You Light Up My Life", Cowell a commenté qu'ils étaient "de retour dans la course" et qu'ils pourraient "avoir un record de succès" grâce à leur performance.
Au cours de la semaine 9, JLS a interprété "Umbrella" et "I'm Déjà Là". Cowell a alors prédit qu'ils gagneraient la compétition. Ils ont atteint la finale et ont interprété leur propre version de la chanson du gagnant, "Hallelujah", que l'autre finaliste Alexandra Burke a également interprétée. Le public a voté pour la deuxième fois ce soir-là et Burke a remporté le concours, JLS arrivant deuxième. Ils étaient le quatrième groupe à atteindre la finale. Suite à leur succès sur The X Factor, la maison de disques de Cowell, Syco, a annoncé qu'elle allait signer JLS avec un acompte de 75 000 £. Le Sun a rapporté plus tard le 20 janvier 2009 que Cowell avait révoqué cette offre, ayant plutôt décidé de se concentrer sur Alexandra Burke. Le manager de JLS pensait que le groupe conviendrait bien à Epic Records, avec qui ils ont signé un contrat d'enregistrement en janvier 2009.
2009-10 : JLS
Dès la signature du contrat, Nick Raphael et Jo Charrington, d'Epic A&R, ont commencé la préparation de l'album en contactant les auteurs-compositeurs et producteurs pop qu'ils considéraient comme les meilleurs de l'industrie. Ceux-ci comprenaient Steve Mac, Wayne Hector, J.R. Rotem et DEEKAY. Quand ils sont allés voir Mac, il leur a joué "Beat Again", une chanson qu'il avait écrite avec Hector, et les deux hommes ont convenu avec enthousiasme que c'était parfait pour JLS. Charrington a déclaré: "Une fois que vous avez cette chanson spéciale, tout le reste semble se mettre en place." La chanson est sortie comme premier single en juillet, six mois seulement après la signature du groupe avec le label. Il a atteint la première place du UK Singles Chart le 19 juillet 2009. Le 9 novembre 2009, JLS a sorti son premier album éponyme, JLS. L'album a fait ses débuts au n ° 1 du UK Album Chart, se vendant à plus d'un million d'exemplaires et a été nommé sixième album le plus vendu au Royaume-Uni en 2009, n'étant sorti que 8 semaines avant la compilation de la liste. Leur deuxième single "Everybody in Love", sorti le 2 novembre 2009, est également en tête du UK Singles Chart. Leur troisième single, "One Shot", a atteint la sixième place malgré une sortie physique, mais il est resté dans les charts pendant plusieurs semaines malgré la baisse. En raison du succès de leur album, le groupe entame sa première tournée, avec vingt-cinq dates à travers le Royaume-Uni et l'Irlande. Le groupe est également devenu le premier candidat de The X Factor à remporter un BRIT Award en 2010, remportant le British Breakthrough et le meilleur single britannique pour "Beat Again". Jay-Z a prédit qu'ils deviendraient aussi gros que 'N Sync.
Début 2010, une guerre d'enchères était en cours entre Epic Records (basé aux États-Unis) et Jive Records pour signer JLS dans le cadre d'un accord américain. Le groupe s'est installé avec Jive Records, tout en continuant à rester avec leur signature native sur Epic Records de Sony Music UK. En août 2010, l'album s'était vendu à plus de 1,2 million d'exemplaires et avait été certifié 4x Platine au Royaume-Uni. L'album est sorti sous forme d'EP de six titres aux États-Unis, comprenant les titres "Beat Again", "Everybody in Love", "One Shot", "Only Tonight" et "Close to You" de l'édition britannique de l'album. , avec "The Club Is Alive" du deuxième album britannique. Il est sorti le 3 août 2010 et JLS a également remporté deux prix aux BT Digital Music Awards 2010, remportant le prix du meilleur groupe et de la meilleure vidéo pour "Everybody in Love".
2010-2011 : Hors de ce monde
Dans une interview avec HitQuarters enregistrée en mars, l'auteur-compositeur-producteur Steve Mac a déclaré qu'il travaillait actuellement à l'écriture du deuxième album de JLS. Un autre contributeur de l'album, Lucas Secon, a déclaré que le style des chansons sur lesquelles il a travaillé pour l'album était « un peu plus acoustique", préfigurant ce qu'il considère comme un changement de tendance de la musique pop des sons synthétiques vers une approche plus live. L'auteur-compositeur-producteur Chris Braide a confirmé en août qu'il venait d'écrire et de produire deux morceaux pour l'album. Braide a déclaré qu'il avait composé lui-même des versions "squelettes" des chansons, puis deux membres de JLS sont ensuite venus dans son studio londonien pour l'aider à les compléter. Une chanson a été écrite et enregistrée en l’espace d’une journée.
"The Club Is Alive" a été annoncé comme premier single en avril et sorti le 4 juillet 2010. Le groupe a fait la promotion du single sur Britain's Got Talent et GMTV. Le single a fait ses débuts au numéro un, devenant ainsi le troisième single numéro un du groupe au Royaume-Uni. Des rapports ont ensuite suggéré qu'un deuxième single, "Ay Mama", devait sortir aux États-Unis le 14 septembre 2010 et mettrait en vedette l'auteur-compositeur-interprète barbadien Shontelle. Cependant, le groupe a déclaré à Digital Spy que même si une chanson avait été enregistrée avec Shontelle, elle n'avait jamais été confirmée pour l'album. Le 16 septembre 2010, le groupe a dévoilé le deuxième single, "Love You More" et était un single de la BBC Children in Need. C'était leur 4e numéro un au Royaume-Uni. Le groupe a écrit la chanson avec Toby Gad et Wayne Hector.
Outta This World est sorti le 22 novembre 2010 et a fait ses débuts au numéro 2 du UK Albums Chart en vendant 152 000 exemplaires, étant retenu à la première place par les ventes de la deuxième semaine de l'album record Progress de Take That. Le troisième single de l'album, "Eyes Wide Shut", a été remixé pour présenter Tinie Tempah et a jusqu'à présent atteint la huitième place du UK Singles Chart. En plus de promouvoir le single, le groupe a confirmé au journal The Sun qu'ils commençaient déjà les travaux préparatoires pour leur troisième album studio. Merrygold a également révélé que le groupe s'était associé à Bruno Mars pour les chansons de l'album, et avait évoqué la possibilité de travailler avec Usher ou Rihanna. JLS devrait également jouer une série de spectacles d'été avec Olly Murs, concurrent de la série 6 de X Factor. Le 7 janvier 2011, l'album a été certifié double platine par BPI, représentant des ventes de plus de 600 000 exemplaires au Royaume-Uni.
2011-2012 : Jukebox et évolution
JLS a commencé à travailler sur son troisième album, Jukebox, en mars 2011. En mai 2011, il a été confirmé que le premier single mettrait en vedette l'auteur-compositeur-interprète américain Dev et s'intitule "She Makes Me Wanna". La chanson a été produite par BeatGeek, Jimmy Joker et Teddy Sky, qui font partie de la société de production RedOne, après que le groupe a offert 30 000 £ pour une session d'enregistrement avec le producteur au Black Charity Ball d'Alicia Keys en 2010. Elle a été diffusée auprès des stations de radio. le 25 mai 2011, alors qu'il est sorti en téléchargement numérique le 24 juillet 2011. L'album est sorti le 14 novembre 2011 et le groupe se lancera dans une autre tournée des arènes au Royaume-Uni pour soutenir l'album en mars et avril 2012. Le 15 septembre. , JLS a annoncé que "Take a Chance on Me" serait leur deuxième single de leur album Jukebox. Il est sorti le 4 novembre 2011 et s'est classé numéro deux du UK Singles Chart. La chanson a été écrite par Emile Ghantous, Frankie Bautista, Nasri Atweh et Nick Turpin. Le troisième single du groupe "Do You Feel What I Feel?" est sorti le 1er janvier 2012 et est devenu leur single le plus bas à ce jour, culminant au seizième rang. L'album s'est classé numéro 2 dans les charts britanniques, ce qui en fait le deuxième album consécutif à manquer la première place, et est entré dans les charts irlandais au numéro 5.
En 2012, JLS a enregistré le single caritatif officiel de Sport Relief, "Proud". Elle est sortie le 18 mars 2012. La chanson a été co-écrite avec Daniel Davidsen, Jason Gill, Cutfather et Ali Tennant, qui ont également travaillé sur l'album Jukebox.
True&blnArtistTrue&keyID
12997557&ShowNbr0&ShowSeqNbr
0&querytype=WorkID IMC | Recherche de répertoire] Le groupe figurait parmi les interprètes du concert du Jubilé de diamant tenu devant le palais de Buckingham le 4 juin 2012. Le 7 juin 2012, ils se sont produits au Royal Albert Hall pour le concert Rays of Sunshine, qui exauce les vœux des jeunes gravement malades de au Royaume-Uni âgés de 3 à 18 ans. Le 8 juin 2012, ils ont été annoncés pour se produire au iTunes Festival 2012, aux côtés des anciens de X Factor Olly Murs, One Direction et Rebecca Ferguson.
Le 21 août 2012, JLS a commencé le tournage d'un clip pour "Hottest Girl in the World", le premier single de leur quatrième album. Le 25 août, le groupe a annoncé que son quatrième album à venir s'appellerait Evolution. L'album sortira le 5 novembre. Sur la direction de l'album, Merrygold a dit : "Nous n'avons suivi aucune sorte de directives ou quoi que ce soit du genre, nous avons juste fait ce qui nous semblait juste et nous sommes vraiment excités à ce sujet." Le groupe a également confirmé qu'une version Deluxe du LP sera disponible, contenant des bonus et des morceaux inédits. Les producteurs de l'album incluent les studios américains en tête des charts Rodney Jerkins, Bangladesh et Midi Mafia. Le 6 septembre, ils ont créé le premier single, "Hottest Girl in the World", sur BBC Radio 1. Le single est sorti le 21 octobre et a fait ses débuts au numéro 6 du UK Singles Chart.
Avril-décembre 2013 : Goodbye – The Greatest Hits et split
Le 14 décembre 2012, JLS a été invité à Friday Download en tant qu'invités spéciaux. Le 17 décembre, Humes a révélé que le groupe allait sortir un album de suivi d'Evolution en 2013. Le 1er février 2013, il a été confirmé que le travail sur ce qui aurait été leur cinquième album studio avait commencé.
Le 24 avril 2013, JLS a publié une déclaration sur son site officiel annonçant qu'ils se sépareraient après avoir sorti leur collection de plus grands succès et terminé leur troisième et dernière tournée dans les arènes. Le 24 avril 2013, le groupe a confirmé son intention de sortir Goodbye – The Greatest Hits fin 2013, qui serait précédé d'un nouveau single pour coïncider avec leur tournée d'adieu dans les arènes à travers le Royaume-Uni. Il a été confirmé le 26 septembre que leur dernier single s'appellerait "Billion Lights", sorti le 17 novembre 2013 et classé numéro 1 du UK Singles Chart.
JLS s'est officiellement séparé après le dernier concert de sa tournée Goodbye à l'O2 Arena de Londres le 22 décembre 2013.
Autres entreprises
Apparitions à la télévision
En plus d'apparaître dans de nombreux programmes télévisés pour la promotion de leurs albums/singles, JLS a diffusé deux émissions télévisées spéciales. Le premier était un documentaire d'une heure pour ITV2, intitulé JLS Revealed, diffusé pour la première fois le 7 novembre 2009. Le documentaire les a suivis l'année après avoir terminé deuxième dans The X Factor, les capturant alors qu'ils tournaient avec Lemar, sortaient leur célibataires et a assisté aux MOBO Awards, entre autres moments forts. La deuxième émission était une émission de divertissement d'une heure pour ITV intitulée This Is JLS, diffusée pour la première fois le 11 décembre 2010 avant la première émission de la finale de X Factor de cette année-là. Filmé devant un public de studio en direct, le groupe a interprété tous ses succès, des morceaux de l'album Outta This World et un duo spécial avec Kylie Minogue sur sa chanson à succès "All the Lovers", ainsi que des cascades surprises en caméra cachée pour les plus chanceux. fans qui avaient été invités à faire partie du public pour le spectacle.
Le groupe a également sorti son propre film documentaire intitulé JLS : Eyes Wide Open 3D, ce qui en fait le premier groupe musical britannique à sortir un film en 3D. Filmé à l'O2 Arena lors de la tournée de leur deuxième album Outta This World en décembre 2010/janvier 2011, et incorporé à des séquences documentaires tournées par Ben Winston et Andy Morahan, il a été diffusé en exclusivité pendant trois jours seulement à partir du 3 juin 2011 dans plus de 300 Cinémas britanniques. En raison du fait que de nombreux cinémas vendaient leurs billets pour le week-end initial, des projections supplémentaires ont été organisées dans les cinémas pour le week-end suivant à partir du 10 juin 2011, ainsi davantage de billets étaient disponibles à l'achat en ligne ou le jour de la projection. Il a ouvert au numéro 5 du classement du box-office britannique, récoltant 463 914 £ rien que pour les projections du week-end du 3 juin. Un DVD du film est sorti le 5 décembre 2011. JLS a également créé un programme télévisé spécial de Noël unique intitulé A Very JLS Christmas, dans lequel diverses célébrités sont apparues telles qu'Alesha Dixon.
Le 28 juin 2013, JLS est apparu sur The Million Pound Drop, jouant pour une œuvre caritative.
Produits et mentions
Ils ont également publié deux livres à succès, tous deux présentant des photographies du célèbre photographe de mode Dean Freeman. Le premier, Our Story So Far, a été publié chez HarperCollins en septembre 2009 et est devenu un best-seller du Sunday Times. Le second, intitulé Just Between Us: Our Private Diary, a également été publié chez HarperCollins en septembre 2010 et a de nouveau été un best-seller à l'approche de Noël cette année-là.
En plus de lancer sa propre ligne de vêtements et le merchandising habituel de calendriers, d'affiches, etc., JLS a également lancé des préservatifs de marque avec Durex sous la ligne de campagne "Just Love Safe", dans le cadre d'une organisation caritative qu'ils ont créée appelée JLS. Foundation, où ils travaillent en collaboration avec des organisations caritatives de santé sexuelle telles que Brook pour sensibiliser à la pratique du sexe sans risque et à la planification familiale. L'initiative a été lancée lors d'une conférence de presse en septembre 2010. Individuellement, le groupe est également devenu mécène de différentes œuvres caritatives, à savoir Beatbullying (Merrygold), Childline (Humes), Rays of Sunshine Children's Charity (Gill) et National MS Society (Williams). . Williams a reçu le prix « Inspiration Award » de la Multiple Sclerosis Society of Great Britain en avril 2010 pour son travail pour l'association caritative.
En janvier 2011, il a été annoncé qu'ils avaient travaillé ensemble avec Alexandra Burke pour créer une toute nouvelle ligne de mode, 2KX. Burke et JLS ont déclaré : « Nous attendons avec impatience les premiers stocks de la gamme ultra-médiatisée de vêtements pour hommes et femmes, qui arriveront très bientôt. » Pour coïncider avec le lancement de leur 3ème album "Jukebox", ils figureront dans leur propre édition de "TheirMag", une nouvelle publication sœur du magazine "#5" de Rio Ferdinand.
En mars 2012, ils lancent leur premier parfum, Kiss, qui se vend à 100 000 flacons le premier jour. Les quatre membres du groupe ont travaillé avec le parfumeur Azzi Glasser pour créer le parfum. En février 2013, ils ont lancé leur deuxième parfum, Love, dont le parfum varie de notes de jasmin, de thé blanc, d'orchidée rose et de fleur d'oranger.
Philanthropie
En 2010, le groupe a fondé « The JLS Foundation », une fondation qui vise à collecter des fonds pour 6 associations caritatives différentes : Cancer Research UK, Rays of Sunshine, Brook, Childline, Beat Bullying et MS Society. Malgré la scission, la fondation existe toujours et tous les membres sont toujours déterminés à poursuivre la fondation.
JLS est apparu à chaque soirée Children in Need depuis 2010. Toutes les ventes du single numéro un de JLS, Love You More (chanson JLS), ont été reversées à Children In Need. En 2011, Merrygold a fait un VT pour l'association caritative dans laquelle il a rencontré Emily, 7 ans, qui souffre d'ostéogenèse imparfaite. En 2012, JLS s'est produit au concert « Children in Need Rocks Manchester » en interprétant Take a Chance on Me (chanson de JLS). En 2013, Aston est apparu pour la dernière fois sur Children In Need en tant que membre de JLS où le groupe a chanté un medley de chansons de JLS sur le plateau d'EastEnders.
JLS a également contribué à collecter des fonds pour le soulagement des bandes dessinées, apparaissant dans des sketches comiques avec Miranda Hart et James Corden.
En 2012, tous les membres du groupe se sont rendus en Ouganda pour Sport Relief, apparaissant dans des VT émouvants toute la nuit. La même année, JLS a sorti le single officiel de Sport Relief Charity, fier (chanson JLS), qui a culminé au numéro 6 du classement, ainsi que l'organisation d'un concert de charité spécial "JLS sing for Sport Relief" et le Sport Relief Mile.
Au total, JLS est apparu dans 5 singles caritatifs : une reprise de Hero (chanson de Mariah Carey) parmi les finalistes de X Factor 2008 (pour Help for Heroes), Wishing On A Star, finalistes de Xfactor ft. JLS et One Direction (pour l'organisation Together). pour Short Lives) Love You More (chanson JLS) (pour Children In Need), Proud (chanson JLS) (pour Sport Relief) et Everybody Hurts (pour Helping Haiti). 4 de ces singles caritatifs sur 5 ont atteint la première place du classement des singles britanniques.
Récompenses et nominations
Visites
*The X Factor Tour 2009 (février – mars 2009)
*Only Tonight Theatre Tour (janvier – mars 2010) (soutenu par Phacebook) (sorti sur DVD britannique le 6 décembre 2010)
*Tournée d'été 2010 (juin – juillet 2010) (soutenu par Diana Vickers)
*Outta This World Arena Tour (décembre 2010 – janvier 2011) (soutenu par Edei, Starboy Nathan et Six D)
*Summer Tour 2011 (juin – juillet 2011) (soutenu par Olly Murs, Alexis Jordan et The Kixx)
*The 4th Dimensions Tour (mars – septembre 2012) (soutenu par Starboy Nathan et Vida)
*Goodbye - The Greatest Hits Tour (décembre 2013) (soutenu par NVS, Hatty Keane et Mike Hough)
Discographie
* JLS (2009)
* Hors de ce monde (2010)
* Juke-box (2011)
*Évolution (2012)
* Au revoir – Les plus grands succès (2013) | http://www.quizballs.com/ |
De quel fruit Stinking Bishop est-il une variété ? | Pear | [
"Le nom officiel de la poire est en fait Moorcroft et Stinking Bishop est l'un de ses nombreux autres noms, notamment Malvern Pear, Choke Pear et Choker."
] | Stinking Bishop est une variété de poire élevée près de Dymock, en Angleterre, principalement pour le poiré.
Le nom officiel de la poire est en fait Moorcroft et Stinking Bishop est l'un de ses nombreux autres noms, notamment Malvern Pear, Choke Pear et Choker.
Il a été nommé à titre posthume en l'honneur de l'éleveur, un certain M. Bishop, qui aurait un tempérament laid. Dans une interview accordée à la radio publique nationale américaine en 2005, Charles Martell, le fabricant du fromage Stinking Bishop, a raconté qu'un jour Bishop s'était mis en colère contre sa bouilloire parce qu'elle ne chauffait pas assez vite et, en représailles, lui avait tiré dessus. Cette histoire, bien que peut-être apocryphe, illustre le genre de comportement qui a valu à Bishop sa réputation d'irascibilité. | http://www.quizballs.com/ |
Quel est le prénom du frère de Ragnar dans la série télévisée dramatique historique « Vikings » ? | Rollo | [
"Vikings s'inspire des sagas du Viking Ragnar Lothbrok, l'un des héros légendaires nordiques les plus connus et connu comme le fléau de l'Angleterre et de la France. La série dépeint Ragnar comme un agriculteur qui devient célèbre grâce à des raids réussis en Angleterre et devient finalement un roi scandinave, avec le soutien de sa famille et de ses compagnons guerriers : son frère Rollo, son fils Bjorn Ironside et ses épouses, la servante Lagertha. et la princesse Aslaug.",
"* Clive Standen dans le rôle de Rollo",
"Selon l'acteur Clive Standen (Rollo), les saisons à venir pourraient mettre en vedette des personnages tels qu'Alfred le Grand, Leif Ericson et Ivar le Désossé, ainsi que des voyages en Islande, en Russie, en France et outre-Atlantique.",
"Zenescope s'est associé à History Channel pour créer une bande dessinée gratuite Vikings basée sur la série. Elle a été distribuée pour la première fois au Comic-Con 2013 et par comiXology en février 2014. La bande dessinée a été écrite par Michael Hirst, présente des illustrations intérieures de Dennis Calero (X-Men Noir) et se déroule avant les événements de la saison 1. En plus de mettant en vedette Ragnar et Rollo se battant aux côtés de leur père, la bande dessinée dépeint la première rencontre des frères avec Lagertha."
] | Vikings est une série télévisée dramatique historique irlandaise-canadienne écrite et créée par Michael Hirst pour la chaîne de télévision History. Tourné en Irlande, il a été créé le 3 mars 2013 au Canada et aux États-Unis.
Vikings s'inspire des sagas du Viking Ragnar Lothbrok, l'un des héros légendaires nordiques les plus connus et connu comme le fléau de l'Angleterre et de la France. La série dépeint Ragnar comme un agriculteur qui devient célèbre grâce à des raids réussis en Angleterre et devient finalement un roi scandinave, avec le soutien de sa famille et de ses compagnons guerriers : son frère Rollo, son fils Bjorn Ironside et ses épouses, la servante Lagertha. et la princesse Aslaug.
Vikings a été renouvelé pour une quatrième saison en mars 2015 avec une commande prolongée de 20 épisodes, dont la première a eu lieu le 18 février 2016. Le 17 mars 2016, History a renouvelé Vikings pour une cinquième saison de 20 épisodes.
Prémisse
La série s'inspire des récits de raids, de commerce et d'exploration des Scandinaves du début du Moyen Âge. Il suit les exploits du légendaire chef viking Ragnar Lothbrok, de son équipage et de sa famille, tels qu'ils sont notamment décrits dans les sagas du XIIIe siècle Ragnars saga Loðbrókar et Ragnarssona þáttr, ainsi que dans l'ouvrage du XIIe siècle de Saxo Grammaticus, Gesta Danorum. Les sagas légendaires nordiques étaient des contes partiellement fictifs basés sur la tradition orale nordique, écrits environ 200 à 400 ans après les événements qu'ils décrivent. Une autre inspiration est tirée de sources historiques de l'époque, telles que les enregistrements du raid viking sur Lindisfarne représentés dans le deuxième épisode, ou le récit d'Ahmad ibn Fadlan au Xe siècle sur les Vikings de la Volga. La série se déroule au début de l'ère viking, marqué par le raid de Lindisfarne en 793.
Casting
* Travis Fimmel dans le rôle de Ragnar Lothbrok
* Katheryn Winnick dans le rôle de Lagertha
* Clive Standen dans le rôle de Rollo
* Jessalyn Gilsig dans le rôle de Siggy (saisons 1 à 3)
*Gustaf Skarsgård dans le rôle de Floki
* George Blagden dans le rôle d'Athelstan (saisons principales 1 à 3, saison invitée 4)
* Gabriel Byrne dans le rôle d'Earl Haraldson (saison 1)
* Alexander Ludwig dans le rôle de Bjorn Ironside (saisons 2–)
** Nathan O'Toole dans le rôle du jeune Bjorn (saisons principales 1-2, saison invitée 4)
* Alyssa Sutherland dans le rôle de la reine Aslaug
* Donal Logue dans le rôle du roi Horik du Danemark (saisons 1-2)
* Linus Roache dans le rôle du roi Ecbert de Wessex (saisons 2–)
* Ben Robson dans le rôle de Kalf (saisons 3-4)
* Kevin Durand dans le rôle de Harbard (saison 3–)
* Lothaire Bluteau dans le rôle de l'empereur Charles de Francie occidentale (saison 3–)
* John Kavanagh dans le rôle du Voyant / Pape Léon IV (saisons récurrentes 1-3, saison principale 4-)
* Peter Franzén dans le rôle du roi Harold Finehair (saison 4–)
* Jasper Pääkkönen dans le rôle de Halfdan le Noir (saison 4–)
Production
Coproduction irlandaise-canadienne, Vikings a été développé et produit par Octagon Films et Take 5 Productions. Michael Hirst, Morgan O'Sullivan, John Weber, Sherry Marsh, Alan Gasmer, James Flynn et Sheila Hockin sont reconnus comme producteurs exécutifs. Le budget de la première saison a été estimé à 40 millions de dollars américains.
Le tournage de la série a commencé en juillet 2012 aux Ashford Studios, un studio nouvellement construit en Irlande, choisi comme lieu pour ses avantages fiscaux. Le 16 août 2012, des scènes de drakkar ont été tournées à Luggala, ainsi que sur le réservoir Poulaphouca, au cœur des montagnes de Wicklow. 70 pour cent de la première saison a été tournée en extérieur. Quelques plans d'arrière-plan supplémentaires ont été réalisés dans l'ouest de la Norvège.
Johan Renck, Ciarán Donnelly et Ken Girotti ont chacun réalisé trois épisodes. L'équipe de production comprend le directeur de la photographie John Bartley, la costumière Joan Bergin, le chef décorateur Tom Conroy, le compositeur Trevor Morris et la chorale irlandaise Crux Vocal Ensemble, dirigée par Paul McGough.
Selon l'acteur Clive Standen (Rollo), les saisons à venir pourraient mettre en vedette des personnages tels qu'Alfred le Grand, Leif Ericson et Ivar le Désossé, ainsi que des voyages en Islande, en Russie, en France et outre-Atlantique.
Le 5 avril 2013, History a renouvelé Vikings pour une deuxième saison de dix épisodes.
Deux nouveaux habitués de la série ont été annoncés le 11 juin 2013. Alexander Ludwig, incarnant l'adolescent Björn, et Linus Roache, incarnant le roi Ecbert de Wessex. La saison 2 subira un saut dans le temps, faisant vieillir le jeune Bjorn (Nathan O’Toole) pour devenir un épéiste plus âgé interprété par Ludwig. Selon certaines informations, l'aîné Bjorn n'aura pas vu son père, Ragnar, pendant "une longue période". Lagertha se sera remariée avec un puissant Jarl, un beau-père qui donne des conseils sévères à Bjorn.
Plusieurs médias suédois ont rapporté que les acteurs Edvin Endre, fils de l'actrice suédoise Lena Endre, et Anna Åström s'étaient engagés pour des rôles dans la deuxième saison. Il fut confirmé qu'Endre avait obtenu le rôle d'Erlendur, l'un des fils du roi Horik.
Jeff Woolnough et Kari Skogland ont rejoint Ken Girotti et Ciaran Donnelly en tant que réalisateurs de la saison 2.
Michael Hirst a annoncé ses plans pour la saison 4 avant le début de la diffusion de la saison 3. La production de la saison 4 a commencé dans la région de Dublin en avril 2015.
Les acteurs finlandais Peter Franzén et Jasper Pääkkönen, ainsi que l'actrice canadienne Dianne Doan ont rejoint le casting de la saison 4. Franzén a obtenu le rôle du roi norvégien Harald Finehair, un rival potentiel de Ragnar. Pääkkönen a été choisi pour incarner Halfdan le Noir, le frère de Finehair. Doan incarne Yidu, un personnage chinois qui joue un rôle majeur dans la première moitié de la quatrième saison. Au moment même où la série était renouvelée pour une cinquième saison, il a été annoncé que l'acteur irlandais Jonathan Rhys Meyers rejoindrait le casting pour cette saison.
Diffuser
Vikings a été créé le 3 mars 2013 au Canada et aux États-Unis.
Au Royaume-Uni, Vikings a été créé le 24 mai 2013, où il est disponible exclusivement sur le service de streaming vidéo à la demande LoveFilm. La deuxième saison a débuté le 24 mars 2015. La troisième saison a commencé à être diffusée le 20 février 2015 sur Amazon Video.
En Australie, la série a été créée le 8 août 2013 sur SBS One. Elle a ensuite été déplacée vers FX, qui a lancé la deuxième saison le 4 février 2015. La saison 3 de Vikings a commencé à diffuser en Australie sur SBS One le 19 mars 2015. La saison 4 de Vikings a commencé à diffuser en Australie sur SBS One le 24 février 2015. 2016.
Réception
Commentaires
La série a reçu des notes très favorables de la part des critiques après la diffusion du premier épisode, avec une note moyenne de 71 % selon Metacritic. Alan Sepinwall de HitFix a fait l'éloge du casting de la série, notamment de Fimmel dans le rôle de Ragnar, et a observé que Vikings "n'est pas compliqué. Cela (...) s'appuie sur l'attrait inhérent de l'époque et de ces personnages pour conduire l'histoire." Nancy DeWolf Smith du Wall Street Journal a noté le décor et les costumes « naturels et authentiques », et a apprécié que Vikings n'était (contrairement, par exemple, Spartacus) pas une célébration du sexe et de la violence, mais « une étude du caractère, de l'endurance, du pouvoir et de la violence ». (...) d'éveil social, émotionnel et même intellectuel". Hank Stuever, écrivant pour le Washington Post, a constaté que "la nouvelle série dramatique convaincante et robuste (...) offre tout le sang et les éclaboussures de sang attendus". Mais il a également écrit qu'il avait réussi à adapter les compétences des séries télévisées par câble, avec un soin apporté au jeu des acteurs, à l'écriture et au sens de l'envergure qui rappellent des séries telles que Rome, Sons of Anarchy et Game of Thrones. Il a également suggéré que la façon dont la série mettait l'accent sur « une fierté et une noblesse fondamentales dans cette tribu de voyous » reflétait « juste une autre itération de Tony Soprano ». Neil Genzlinger, dans le New York Times, a loué la cinématographie « saisissante » et les performances des acteurs, notamment celle de Fimmel, et a comparé favorablement Vikings à Game of Thrones et Spartacus pour l'absence de nudité gratuite.
Dans TIME, James Poniewozik a noté que le conflit générationnel relativement simple qui sous-tend Vikings "n'a pas l'ambition narrative d'un Game of Thrones ou les subtilités politiques d'une Rome", ni l'habileté de ces séries en matière de dialogue, mais qu'il a résisté. assez bien comparé à « l’histoire tabloïd » de séries comme Les Tudors et Les Borgias. Il a conclu que "l'arc narratif plus large des Vikings concerne en réalité davantage les forces historiques" que ses personnages peu complexes. Clark Collis de Entertainment Weekly a apprécié la performance du casting, mais a considéré les Vikings comme "une sorte de gâchis", manquant de l'intrigue des Tudors et de Game of Thrones. Brian Lowry a critiqué la série dans Variety comme une « fête du fromage implacable » et comme une « version plus simpliste de « Game of Thrones » », mais la considérait comme atteignant « un niveau d'atmosphère et d'élan qui la fait fonctionner comme une légère diversion ». ". Dans le San Francisco Chronicle, David Wiegand a été déçu par le « rythme glacial » et le manque d'action de la série ainsi que par « la mise en scène molle et un scénario gazeux », tout en appréciant les performances et les personnages.
La deuxième saison a reçu une note Metacritic de 77 % et une note Rotten Tomatoes de 92 % sur la base de 12 critiques professionnelles.
Notes
Selon Nielsen, la première de la série a attiré 6 millions de téléspectateurs aux États-Unis, dépassant tous les réseaux de diffusion en termes d'audience dans la tranche des 18 à 49 ans. Une affirmation antérieure de plus de 18 millions de téléspectateurs a ensuite été rétractée par la chaîne avec des excuses.
Au Canada, la première a été regardée par 1,1 million de téléspectateurs. La première saison a réuni en moyenne 942 000 téléspectateurs.
Exactitude historique
Certains critiques ont souligné des inexactitudes historiques dans la représentation de la société viking dans la série. Lars Walker, dans le magazine The American Spectator, a critiqué sa représentation du gouvernement de l'ère Viking (en la personne d'Earl Haraldson) comme étant autocratique plutôt qu'essentiellement démocratique. Joel Robert Thompson a critiqué la représentation de la série sur la prétendue ignorance des peuples nordiques de l'existence de la Grande-Bretagne et de l'Irlande et le recours à la peine de mort au lieu de l'interdiction (skoggangr) comme punition pour des crimes odieux.
Monty Dobson, historien à la Central Michigan University, a critiqué les représentations des vêtements de l'ère Viking dans l'émission, mais a poursuivi en déclarant que des émissions de fiction comme Vikings pourraient toujours être un outil pédagogique utile. Le journal norvégien Aftenposten a rapporté que la série décrivait à tort le temple d'Uppsala comme une église en bois debout dans les montagnes, alors que le temple historique était situé sur un terrain plat et que les églises en bois debout étaient une caractéristique de l'architecture chrétienne ultérieure en Scandinavie. D'un autre côté, le temple tel que représenté dans l'exposition présente des similitudes avec les reconstructions de l'Uppåkra hof. Le spectacle dépeint également la crucifixion d'un personnage éminent à l'instigation d'un évêque chrétien près du Wessex, apparemment comme une punition standard pour apostasie, un événement qui peut ou non avoir un fondement historique, puisque l'empereur Constantin a officiellement interdit la crucifixion au 4ème siècle. .
Concernant l'exactitude historique de la série, le showrunner Michael Hirst commente : « J'ai surtout dû prendre des libertés avec « Vikings » parce que personne ne sait avec certitude ce qui s'est passé au Moyen Âge » et que « nous voulons que les gens la regardent. des Vikings atteindrait des centaines, parfois des milliers de personnes. Ici, nous devons atteindre des millions. »
Lorsqu'on a demandé à Katheryn Winnick pourquoi elle avait léché la main du voyant, elle a répondu "Ce n'était pas initialement prévu dans le scénario et nous voulions juste proposer quelque chose d'unique et de différent".
Médias associés
Zenescope s'est associé à History Channel pour créer une bande dessinée gratuite Vikings basée sur la série. Elle a été distribuée pour la première fois au Comic-Con 2013 et par comiXology en février 2014. La bande dessinée a été écrite par Michael Hirst, présente des illustrations intérieures de Dennis Calero (X-Men Noir) et se déroule avant les événements de la saison 1. En plus de mettant en vedette Ragnar et Rollo se battant aux côtés de leur père, la bande dessinée dépeint la première rencontre des frères avec Lagertha. | http://www.quizballs.com/ |
Dans quel palais britannique Marble Arch, à Londres, était autrefois l'entrée cérémonielle ? | Le palais de Buckingham | [
"Le palais de Buckingham est resté inoccupé et en grande partie inachevé, jusqu'à ce qu'il soit achevé à la hâte lors de l'avènement de la reine Victoria en 1837. En quelques années, le palais s'est avéré trop petit pour la grande cour et la famille grandissante de la reine. La solution fut d'agrandir le palais en entourant la cour d'honneur d'un nouveau rang est. Cette façade constitue aujourd'hui la façade principale et la face publique du palais et protège les façades intérieures contenant des frises et des marbres assortis et complétant ceux de l'arc."
] | Marble Arch est un arc de triomphe en marbre blanc du XIXe siècle et un monument londonien. La structure a été conçue par John Nash en 1827 pour être l'entrée officielle de la cour d'honneur du palais de Buckingham ; il se trouvait à proximité de l'emplacement de ce qui est aujourd'hui la projection centrale à trois travées du palais contenant le balcon bien connu. En 1851, il a été déplacé et, suite à l'élargissement de Park Lane au début des années 1960, il est désormais situé, isolé et de manière incongrue, sur un grand îlot de circulation à la jonction d'Oxford Street, Park Lane et Edgware Road.
Historiquement, seuls les membres de la famille royale et de la troupe du roi, la Royal Horse Artillery, sont autorisés à traverser l'arche ; cela ne se produit que lors des processions cérémonielles.
L'arche donne son nom aux environs de son site, en particulier à la partie sud d'Edgware Road, ainsi qu'à la station de métro voisine.
Conception et construction
La conception de l'arc est basée sur celle de l'Arc de Constantin à Rome et de l'Arc de Triomphe du Carrousel à Paris. L'arc est revêtu de marbre de Carrare avec des ornements en marbre extrait près de Seravezza.
John Flaxman a été choisi pour réaliser la sculpture commémorative. Après sa mort en 1826, la commission fut partagée entre Sir Richard Westmacott, Edward Hodges Baily et J.C.F. Rossi. En 1829, une statue équestre en bronze de George IV fut commandée à Sir Francis Chantrey, avec l'intention de la placer au sommet de l'arc.
La construction commença en 1827, mais fut interrompue en 1830, à la suite du décès du roi dépensier George IV. Les coûts croissants étaient inacceptables pour le nouveau roi, Guillaume IV, qui tenta plus tard de confier le palais inachevé au Parlement en remplacement du Palais de Westminster récemment détruit.
Les travaux reprirent en 1832, cette fois sous la supervision d'Edward Blore, qui réduisit considérablement l'étage mansardé prévu par Nash et omis sa sculpture, y compris la statue de George IV. L'arc a été achevé en 1833.
Certaines des sculptures inutilisées, notamment des parties de la frise de Waterloo de Westmacott et les panneaux Nelson, ont été utilisées au palais de Buckingham. Ses statues de victoire et les reliefs de Rossi représentant l'Europe et l'Asie ont été utilisés à la National Gallery. En 1843, la statue équestre de George IV fut installée sur l'un des piédestaux de Trafalgar Square.
Le marbre blanc a vite perdu sa couleur claire dans l’atmosphère polluée de Londres. En 1847, le Sharpe's London Magazine le décrivait comme « décoloré par la fumée et l'humidité, et ressemblant en apparence à une énorme érection de sucre dans la vitrine d'un confiseur ».
Déménagement
Le palais de Buckingham est resté inoccupé et en grande partie inachevé, jusqu'à ce qu'il soit achevé à la hâte lors de l'avènement de la reine Victoria en 1837. En quelques années, le palais s'est avéré trop petit pour la grande cour et la famille grandissante de la reine. La solution fut d'agrandir le palais en entourant la cour d'honneur d'un nouveau rang est. Cette façade constitue aujourd'hui la façade principale et la face publique du palais et protège les façades intérieures contenant des frises et des marbres assortis et complétant ceux de l'arc.
Lorsque les travaux de construction commencèrent en 1847, l'arc fut démonté et reconstruit par Thomas Cubitt comme entrée cérémonielle du coin nord-est de Hyde Park, à Cumberland Gate. La reconstruction a été achevée en mars 1851. Une histoire populaire raconte que l'arc a été déplacé parce qu'il était trop étroit pour que le carrosse d'État de la reine puisse le traverser, mais, en fait, le carrosse d'or d'État est passé en dessous lors du couronnement d'Elizabeth II en 1953.
Trois petites pièces à l'intérieur de l'arche reconstruite ont été utilisées comme commissariat de police de 1851 jusqu'en 1968 au moins (John Betjeman a réalisé un programme à l'intérieur en 1968 et l'a qualifié de commissariat de police entièrement fonctionnel). Il abrita d'abord les connétables royaux du Parc et plus tard la Police Métropolitaine. L'un des policiers en poste là-bas au début des années 1860 était Samuel Parkes, qui a remporté la Croix de Victoria dans la charge de la brigade légère en 1854, pendant la guerre de Crimée.
Il a été émis l'hypothèse que l'arche pourrait être déplacée de l'autre côté de la rue jusqu'à Hyde Park, ou vers un endroit plus accessible que sa position actuelle sur un grand îlot de circulation.
Élargissement de Park Lane
Park Lane a été élargie dans le cadre du programme d'amélioration de Park Lane du conseil du comté de Londres et Marble Arch s'est retrouvé bloqué sur un îlot de circulation. Le projet nécessitait une loi du Parlement en 1958, et lors de l'adoption du projet de loi sur l'amélioration de Park Lane, la possibilité de fournir un passage souterrain au lieu d'un rond-point a été rejetée en raison du coût excessif et de la nécessité de démolir les bâtiments sur Edgware Road. Dans le cadre de ce projet, des jardins ont été aménagés autour de l'arche sur l'îlot de circulation. Les travaux se sont déroulés entre 1960 et 1964.
Zone de Marble Arch
Avoir une station de métro signifie qu'il donne naissance à un « quartier » londonien familier et entièrement moderne, sans paroisses ni institutions établies portant son nom. Cela équivaut généralement à des parties en vue de l'arche de Mayfair, Marylebone et souvent de l'ensemble de St George's Fields, Marylebone (à l'ouest d'Edgware Road), le tout dans la ville de Westminster, Londres, W1H.
La station éponyme du métro de Londres est Marble Arch, sur la ligne Central.
La zone autour de l'arche forme un carrefour routier majeur reliant Oxford Street à l'est, Park Lane (A4202) au sud, Bayswater Road (A402) à l'ouest et Edgware Road (A5) au nord-ouest. La courte route directement au nord de l'arche est également connue sous le nom de Marble Arch.
Le carrefour est presque adjacent à un cinéma, l'Odeon Marble Arch. Avant 1997, il possédait le plus grand écran de cinéma de Londres. L’écran mesurait à l’origine plus de 75 pieds de large. L'Odéon a présenté des films 70 mm dans un grand auditorium en cercle et en stalles.
L'arc se trouve également à proximité de l'ancien site de la potence de Tyburn (parfois appelée « Tyburn Tree »), un lieu d'exécution publique de 1388 à 1793.
Galerie d'images
Fichier:Marble Arch Gate.JPG| Détail d'une des portes
Fichier:Marble Arch Gate 2.JPG |Détail de l'une des portes
Fichier:Marble Arch Carving 1.JPG|Une sculpture sur Marble Arch
Fichier:Marble Arch Carving 2.JPG|Une sculpture sur Marble Arch
Fichier:Marble Arch Carving 3.JPG|Une sculpture sur Marble Arch
Sculptures destinées à l'arc utilisées ailleurs
Fichier:Statue du roi George IV à Trafalgar Square, Londres (recadrée).jpg|Statue équestre de George IV
Fichier:Sculptures de la National Gallery Marble Arch 001.jpg|Europe
Fichier : Sculptures de la National Gallery Marble Arch 002.jpg | Asie/Inde
Fichier : Britannia, National Gallery.jpg | Britannia, maintenant Minerva, patronne des arts | http://www.quizballs.com/ |
Edith Cresson est devenue la première femme Premier ministre de quel pays européen ? | France | [
"Édith Cresson (née Édith Campion le 27 janvier 1934) est une femme politique française. Elle a été la première et jusqu'à présent la seule femme à avoir occupé le poste de Premier ministre de France. Élisabeth Schemla dans la biographie Édith Cresson, la femme piégée (1993) soutient que son échec et sa faible popularité étaient en grande partie dus à la misogynie des élites socialistes, de la classe politique française et des médias français. Sa carrière politique s'est ensuite terminée par un scandale suite à des accusations de corruption alors qu'elle était commissaire européenne à la recherche, à la science et à la technologie.",
"La loi exigeait que « les organismes locaux assurent des conditions de vie et d’habitation qui favorisent la cohésion sociale et permettent d’éviter les conditions de ségrégation ». Le gouvernement Cresson a également mis l'accent, au cours de son mandat, sur la facilitation de la compétitivité internationale des entreprises de moins de 500 salariés. Une loi adoptée en juillet 1991 comprenait plusieurs mesures visant à améliorer l'accès des personnes handicapées au logement, aux lieux de travail et aux bâtiments publics. Par ailleurs, une loi de juillet 1991 relative à l’aide judiciaire « a donné au public (surtout aux étrangers légalement domiciliés en France) un accès plus large aux tribunaux ». En janvier 1992, les allocations de logement ont été étendues à tous les ménages à faible revenu des villes de plus de 100 000 habitants. En vertu d’une loi du 10 juillet 1991, l’accès à l’information juridique « fait également partie du système d’aide judiciaire ». Une loi sur l’eau a été adoptée en janvier 1992 « pour assurer la protection de la qualité et de la quantité de l’eau ainsi que des écosystèmes aquatiques », et en février 1992 une loi a été adoptée pour promouvoir la consultation des citoyens.",
"Assemblée nationale de France"
] | Édith Cresson (née Édith Campion le 27 janvier 1934) est une femme politique française. Elle a été la première et jusqu'à présent la seule femme à avoir occupé le poste de Premier ministre de France. Élisabeth Schemla dans la biographie Édith Cresson, la femme piégée (1993) soutient que son échec et sa faible popularité étaient en grande partie dus à la misogynie des élites socialistes, de la classe politique française et des médias français. Sa carrière politique s'est ensuite terminée par un scandale suite à des accusations de corruption alors qu'elle était commissaire européenne à la recherche, à la science et à la technologie.
Premier ministre français
Cresson a été nommée au poste de Premier ministre par le président François Mitterrand le 15 mai 1991. Elle est rapidement devenue très impopulaire parmi l'électorat et a dû quitter ses fonctions après moins d'un an, suite à la mauvaise performance des socialistes aux élections régionales de 1992. Jusqu'à présent, elle a passé le moins de temps au pouvoir parmi tous les Premiers ministres de la Ve République.
Ses critiques virulentes à l'égard des pratiques commerciales japonaises, allant jusqu'à comparer les Japonais à des "fourmis jaunes tentant de conquérir le monde", ont conduit certains à la considérer également comme une raciste.
Elle a également déclaré, à propos des activités sexuelles des hommes anglo-saxons : "L'homosexualité me semble étrange. Elle est différente et marginale. Elle existe davantage dans la tradition anglo-saxonne que dans la tradition latine."
En matière de politique sociale, le gouvernement Cresson a promulgué la loi-cadre urbaine de 1991, qui cherchait à garantir un « droit à la ville » pour tous les citoyens. Le
La loi exigeait que « les organismes locaux assurent des conditions de vie et d’habitation qui favorisent la cohésion sociale et permettent d’éviter les conditions de ségrégation ». Le gouvernement Cresson a également mis l'accent, au cours de son mandat, sur la facilitation de la compétitivité internationale des entreprises de moins de 500 salariés. Une loi adoptée en juillet 1991 comprenait plusieurs mesures visant à améliorer l'accès des personnes handicapées au logement, aux lieux de travail et aux bâtiments publics. Par ailleurs, une loi de juillet 1991 relative à l’aide judiciaire « a donné au public (surtout aux étrangers légalement domiciliés en France) un accès plus large aux tribunaux ». En janvier 1992, les allocations de logement ont été étendues à tous les ménages à faible revenu des villes de plus de 100 000 habitants. En vertu d’une loi du 10 juillet 1991, l’accès à l’information juridique « fait également partie du système d’aide judiciaire ». Une loi sur l’eau a été adoptée en janvier 1992 « pour assurer la protection de la qualité et de la quantité de l’eau ainsi que des écosystèmes aquatiques », et en février 1992 une loi a été adoptée pour promouvoir la consultation des citoyens.
Cresson est membre du Council of Women World Leaders, un réseau international de femmes présidentes et premiers ministres actuelles et anciennes dont la mission est de mobiliser les femmes leaders de plus haut niveau dans le monde pour une action collective sur des questions d'importance cruciale pour les femmes et le développement équitable.
Commissaire européen
Alors qu'elle était commissaire européenne, Cresson était la principale cible des allégations de fraude qui ont conduit à la démission de la Commission Santer en 1999. À la suite d'une enquête pour fraude, la Commission européenne a déclaré que Cresson, en sa qualité de commissaire à la recherche, « n'avait pas réagi à des irrégularités connues, graves et persistantes depuis plusieurs années". Cresson a été reconnu coupable de ne pas avoir signalé les échecs d'un programme de formation des jeunes dont d'importantes sommes ont disparu.
Nommer un ami
Lorsque Cresson prendra ses fonctions, elle compte nommer le chirurgien-dentiste Philippe Berthelot, un de ses proches, comme "conseiller personnel". Berthelot ayant 66 ans, il ne pouvait pas être nommé membre du cabinet d’un commissaire. Lorsque Cresson a pris ses fonctions, son cabinet était déjà doté de conseillers personnels au complet. Berthelot a plutôt été engagé comme « scientifique invité » en septembre 1995.[http://europa.eu/rapid/pressReleasesAction.do?reference
CJE/06/56&formatHTML&âgé
0&langueFR&guiLangue
fr La Cour déclare que Mme Edith Cresson a violé ses obligations de commissaire européen], 11 juillet 2006
Berthelot ne travaillait que comme conseiller personnel de Cresson. Son contrat a expiré le 1er mars 1997 et il s’est vu proposer un autre contrat de scientifique invité pour une durée d’un an. Les règles de l'UE fixent une durée maximale de 24 mois pour les scientifiques invités, mais Berthelot a occupé ce poste pendant deux ans et demi.
Le 31 décembre 1997, Berthelot a demandé la résiliation de son contrat pour raisons médicales et sa candidature a été acceptée. Une plainte a été déposée par un député et une information pénale concernant Berthelot a été ouverte en Belgique en 1999. En juin 2004, la Chambre du conseil du Tribunal de première instance de Bruxelles a décidé qu'aucun des mesures supplémentaires devraient être prises dans cette affaire.
Commission européenne contre Édith Cresson
Le 11 juillet 2006, dans un arrêt de la Cour de justice européenne dans l'affaire C-432/04 (Commission des Communautés européennes contre Édith Cresson), la Cour a déclaré qu'Édith Cresson avait agi en violation de ses obligations en tant que commissaire européen. Si le manquement aux obligations découlant de la fonction de membre de la Commission appelle, en principe, une sanction, la Cour a jugé que, compte tenu des circonstances de l'espèce, le constat de manquement constituait, à lui seul, une sanction appropriée et, en conséquence, a décidé de ne pas imposer à Cresson une sanction sous la forme d'une privation de son droit à une pension ou à d'autres prestations.
Cresson a affirmé que lorsque la conduite reprochée dans les procédures pénales et disciplinaires était la même, les conclusions du tribunal pénal étaient contraignantes pour les autorités disciplinaires. La Cour a toutefois estimé qu'elle n'était pas liée par la qualification juridique des faits effectuée dans le cadre de la procédure pénale et qu'il lui appartenait, en exerçant pleinement son pouvoir discrétionnaire, de rechercher si le comportement dénoncé dans la procédure engagée dans le cadre de L'article 213, paragraphe 2, CE aurait constitué une violation des obligations découlant de la fonction de commissaire. Dès lors, la décision de la Chambre du conseil du Tribunal de première instance de Bruxelles selon laquelle il n’existait aucune preuve d’un comportement criminel de la part de Cresson ne pouvait lier la Cour.
Carrière politique
Commissaire européen à la recherche, à l'innovation et à la science, 1995-1999.
Fonctions gouvernementales
Premier ministre, 1991-1992 (démission).
Ministre de l'Agriculture, 1981-1983.
Ministre du Commerce extérieur et du Tourisme, 1983-1984.
Ministre du redéploiement industriel et du commerce extérieur, 1984-1986.
Ministre des Affaires européennes, 1988-1990 (démission).
Mandats électoraux
Parlement européen
Député européen, 1979-1981 (élu aux élections parlementaires et devenu ministre en 1981). Élu en 1979.
Assemblée nationale de France
Députée de la Vienne (4e circonscription) à l'Assemblée nationale française, élue en 1981, mais devient ministre en juin / 1986-1988. Élu en 1981, réélu en 1986, 1988.
Conseil général
Conseiller général de la Vienne, 1982-1998 (Démission). Réélu en 1988, 1994.
Conseil municipal
Maire de Châtellerault, 1983-1997 (Démission). Réélu en 1989, 1995.
Adjoint au maire de Châtellerault, 1997-2008. Réélu en 2001.
Conseiller municipal de Châtellerault, 1983-2008. Réélu en 1989, 1995, 2001.
Maire de Thuré, 1977-1983.
Conseiller municipal de Thuré, 1977-1983.
Cabinet Cresson, 15 mai 1991 – 2 avril 1992
Édith Cresson – Premier ministre
*Roland Dumas – Ministre des Affaires étrangères
*Pierre Joxe – Ministre de la Défense
*Philippe Marchand – Ministre de l'Intérieur
*Pierre Bérégovoy – Ministre de l'Économie, des Finances, du Budget et de la Privatisation
*Roger Fauroux – Ministre de l'Industrie
*Martine Aubry – Ministre du Travail, de l'Emploi et de la Formation professionnelle
*Henri Nallet – Ministre de la Justice
*Lionel Jospin – Ministre de l'Éducation Nationale
*Jack Lang – Ministre de la Culture et de la Communication
*Louis Mermaz – Ministre de l'Agriculture et des Forêts
*Brice Lalonde – Ministre de l'Environnement
*Frédérique Bredin – Ministre de la Jeunesse et des Sports
*Louis Le Pensec – Ministre des Départements et Territoires d'Outre-mer
*Paul Quilès – Ministre des Transports, du Logement, de l'Espace et de l'Equipement
*Jean Poperen – Ministre des Relations avec le Parlement
*Edwige Avice – Ministre de la Coopération et du Développement
*Jean-Pierre Soisson – Ministre de la Fonction publique et de la Modernisation administrative
*Michel Delebarre – Ministre de la Ville et de l'Aménagement du territoire
*Hubert Curien – Ministre de la Recherche et de la Technologie
*Jean-Louis Bianco – Ministre des Affaires sociales et de l'Intégration
Vie privée
Cresson est marié et père de deux filles.
Publications sélectionnées
*1976 : Avec le soleil, Paris : Éditions Jean-Claude Lattès
*1989 : L'Europe à votre porte : manuel pratique sur les actions de la CEE intéressant les opérateurs économiques, Centre français du commerce extérieur (avec Henri Malosse)
*1998 : Innover ou subir. Paris : éditions Flammarion ISBN 2-08-035504-X
*2006 : Histoires françaises. Monaco : Éditions du Rocher ISBN 2-268-06015-2 (autobiographie) | http://www.quizballs.com/ |
Qui a été élu président des États-Unis en novembre 2012 ? | Barack Obama | [
"Le président est élu indirectement par le peuple par le biais du collège électoral pour un mandat de quatre ans et est l'un des deux seuls officiers fédéraux élus au niveau national, l'autre étant le vice-président des États-Unis. Le vingt-deuxième amendement, adopté en 1951, interdit à quiconque d'être élu à la présidence pour un troisième mandat complet. Il interdit également à une personne d'être élue à la présidence plus d'une fois si elle a déjà occupé le poste de président, ou de président par intérim, pendant plus de deux ans du mandat d'une autre personne en tant que président. Au total, 43 personnes ont exercé 44 présidences (en comptant séparément les deux mandats non consécutifs de Cleveland) s'étendant sur 56 mandats complets de quatre ans. Le 20 janvier 2009, Barack Obama est devenu le 44e et actuel président. Le 6 novembre 2012, il a été réélu et exerce actuellement son 57e mandat. La prochaine élection présidentielle est prévue pour le 8 novembre 2016 ; le 20 janvier 2017, le président nouvellement élu prendra ses fonctions.",
"Depuis l'adoption de l'amendement, quatre présidents ont accompli deux mandats complets : Dwight D. Eisenhower, Ronald Reagan, Bill Clinton et George W. Bush. Barack Obama a été élu pour un second mandat et achèvera son mandat le 20 janvier 2017, s'il ne décède pas ou ne démissionne pas avant cette date. Jimmy Carter et George H. W. Bush ont brigué un second mandat, mais ont été vaincus. Richard Nixon a été élu pour un second mandat, mais a démissionné avant de le terminer. Lyndon B. Johnson était le seul président en vertu de l'amendement à être éligible pour remplir plus de deux mandats au total, après avoir servi seulement quatorze mois après l'assassinat de John F. Kennedy. Cependant, Johnson s'est retiré de la Primaire démocrate de 1968, surprenant de nombreux Américains. Gerald Ford a brigué un mandat complet, après avoir purgé les deux dernières années et cinq mois du deuxième mandat de Nixon, mais n'a pas été élu."
] | Le président des États-Unis d'Amérique (POTUS) est le chef d'État et chef du gouvernement élu des États-Unis. Le président dirige le pouvoir exécutif du gouvernement fédéral et est le commandant en chef des forces armées américaines.
Le président des États-Unis est considéré comme l’une des personnes les plus puissantes du monde, à la tête de la seule superpuissance mondiale contemporaine. Le rôle consiste notamment à être le commandant en chef de l'armée la plus coûteuse du monde, dotée du plus grand arsenal nucléaire, et à diriger le pays doté de la plus grande économie en termes de PIB réel et nominal. La fonction présidentielle détient un pouvoir dur et doux important, tant aux États-Unis qu’à l’étranger.
L'article II de la Constitution américaine confère le pouvoir exécutif des États-Unis au président. Ce pouvoir comprend l'exécution de la loi fédérale, ainsi que la responsabilité de nommer les responsables fédéraux de l'exécutif, de la diplomatie, de la réglementation et de la justice, ainsi que de conclure des traités avec des puissances étrangères avec l'avis et le consentement du Sénat. Le président est en outre habilité à accorder des grâces et des sursis fédéraux, ainsi qu'à convoquer et ajourner l'une ou les deux chambres du Congrès dans des circonstances extraordinaires. Le président est en grande partie chargé de dicter le programme législatif du parti auquel il est inscrit. Le président dirige également la politique étrangère et intérieure des États-Unis. Depuis la création des États-Unis, le pouvoir du président et du gouvernement fédéral s’est considérablement accru.
Le président est élu indirectement par le peuple par le biais du collège électoral pour un mandat de quatre ans et est l'un des deux seuls officiers fédéraux élus au niveau national, l'autre étant le vice-président des États-Unis. Le vingt-deuxième amendement, adopté en 1951, interdit à quiconque d'être élu à la présidence pour un troisième mandat complet. Il interdit également à une personne d'être élue à la présidence plus d'une fois si elle a déjà occupé le poste de président, ou de président par intérim, pendant plus de deux ans du mandat d'une autre personne en tant que président. Au total, 43 personnes ont exercé 44 présidences (en comptant séparément les deux mandats non consécutifs de Cleveland) s'étendant sur 56 mandats complets de quatre ans. Le 20 janvier 2009, Barack Obama est devenu le 44e et actuel président. Le 6 novembre 2012, il a été réélu et exerce actuellement son 57e mandat. La prochaine élection présidentielle est prévue pour le 8 novembre 2016 ; le 20 janvier 2017, le président nouvellement élu prendra ses fonctions.
Origine
En 1776, les Treize Colonies, agissant par l’intermédiaire du Deuxième Congrès Continental, ont déclaré leur indépendance politique de la Grande-Bretagne pendant la Révolution américaine. Les nouveaux États, bien qu’indépendants les uns des autres en tant qu’États-nations, reconnaissaient la nécessité de coordonner étroitement leurs efforts contre les Britanniques. Désireux d'éviter tout ce qui ressemblait de loin à une monarchie, le Congrès a négocié les articles de la Confédération pour établir une alliance faible entre les États. En tant qu'autorité centrale, le Congrès, en vertu des Articles, était dépourvu de tout pouvoir législatif ; il pouvait prendre ses propres résolutions, déterminations et règlements, mais pas de lois, ni de taxes ou de réglementations commerciales locales opposables aux citoyens. Cette conception institutionnelle reflétait la conception selon laquelle les Américains pensaient que le système britannique déchu de la Couronne et du Parlement aurait dû fonctionner par rapport à la domination royale : un organe de surveillance des affaires qui concernaient l'empire tout entier. Hors de toute monarchie, les États ont attribué certaines prérogatives autrefois royales (par exemple, faire la guerre, recevoir des ambassadeurs, etc.) au Congrès, tout en hébergeant individuellement le reste au sein de leurs propres gouvernements d'État respectifs. Ce n'est qu'après que tous les États se sont mis d'accord sur une résolution réglant les revendications territoriales concurrentes de l'Ouest que les articles sont entrés en vigueur le 1er mars 1781, lorsque le Maryland est devenu le dernier État à les ratifier.
En 1783, le Traité de Paris assure l'indépendance de chacune des anciennes colonies. La paix étant proche, les États se tournèrent chacun vers leurs propres affaires intérieures. En 1786, les Américains trouvèrent leurs frontières continentales assiégées et faibles, leurs économies respectives en crise alors que les États voisins agitaient les rivalités commerciales les uns avec les autres, voyaient leurs devises fortes affluer sur les marchés étrangers pour payer les importations, leur commerce méditerranéen la proie des pirates nord-africains, et leurs dettes de guerre révolutionnaire financées par l’étranger, impayées et portant intérêts. Des troubles civils et politiques menaçaient.
Après la résolution réussie des différends commerciaux et de pêche entre la Virginie et le Maryland lors de la conférence de Mount Vernon en 1785, la Virginie a appelé à une conférence commerciale entre tous les États, prévue pour septembre 1786 à Annapolis, dans le Maryland, dans le but de résoudre les conflits interétatiques de plus grande envergure. antagonismes commerciaux. Lorsque la convention échoua faute de participation en raison des suspicions de la plupart des autres États, les délégués d'Annapolis appelèrent à une convention pour proposer des révisions aux articles, qui se tiendrait au printemps prochain à Philadelphie. Les perspectives pour la prochaine convention semblaient sombres jusqu'à ce que James Madison et Edmund Randolph réussissent à obtenir la présence de George Washington à Philadelphie en tant que délégué pour la Virginie.
Lorsque la Convention constitutionnelle s'est réunie en mai 1787, les 12 délégations d'État présentes (le Rhode Island n'a pas envoyé de délégués) ont apporté avec elles une expérience accumulée sur un ensemble diversifié d'arrangements institutionnels entre les pouvoirs législatif et exécutif au sein de leurs gouvernements d'État respectifs. La plupart des États ont maintenu un pouvoir exécutif faible, sans veto ni pouvoir de nomination, élu chaque année par le corps législatif pour un seul mandat, partageant le pouvoir avec un conseil exécutif et contré par un corps législatif fort. New York offrait la plus grande exception, avec un gouverneur unitaire fort avec droit de veto et pouvoir de nomination, élu pour un mandat de trois ans et rééligible pour un nombre indéfini de mandats par la suite. C’est grâce aux négociations à huis clos de Philadelphie que la présidence inscrite dans la Constitution américaine a émergé.
Pouvoirs et devoirs
Rôle législatif de l'article I
Le premier pouvoir que la Constitution confère au président est le veto. La clause de présentation exige que tout projet de loi adopté par le Congrès soit présenté au président avant de pouvoir devenir loi. Une fois le projet de loi présenté, le président dispose de trois options :
# Signer la législation ; le projet de loi devient alors loi.
# opposer son veto à la législation et la renvoyer au Congrès, en exprimant ses éventuelles objections ; le projet de loi ne devient pas loi, à moins que chaque chambre du Congrès ne vote pour annuler le veto à la majorité des deux tiers.
# Ne pas agir. Dans ce cas, le président ne signe ni n’oppose son veto à la législation. Au bout de 10 jours, sans compter les dimanches, deux issues possibles se dessinent :
#* Si le Congrès est toujours convoqué, le projet de loi devient loi.
#* Si le Congrès s'est ajourné, empêchant ainsi le retour de la législation, le projet de loi ne devient pas loi. Ce dernier résultat est connu sous le nom de veto de poche.
En 1996, le Congrès a tenté de renforcer le pouvoir de veto du président avec le Line Item Veto Act. La législation autorise le président à signer tout projet de loi de dépenses tout en supprimant simultanément certains postes de dépenses du projet de loi, en particulier toute nouvelle dépense, tout montant de dépense discrétionnaire ou tout nouvel avantage fiscal limité. Le Congrès pourrait alors revoir ce point particulier. Si le président opposait son veto à la nouvelle législation, le Congrès pourrait annuler ce veto par ses moyens ordinaires, un vote à la majorité des deux tiers dans les deux chambres. Dans l'affaire Clinton c. Ville de New York, la Cour suprême des États-Unis a jugé inconstitutionnelle une telle modification législative du droit de veto.
Pouvoirs exécutifs de l'article II
Pouvoirs de guerre et des affaires étrangères
Le plus important de tous les pouvoirs présidentiels est peut-être le commandement des forces armées américaines en tant que commandant en chef. Même si le pouvoir de déclarer la guerre est constitutionnellement conféré au Congrès, le président a la responsabilité ultime de la direction et de la disposition de l'armée. Le commandement opérationnel actuel des forces armées (appartenant au ministère de la Défense) est normalement exercé par l'intermédiaire du secrétaire à la Défense, avec l'assistance du président des chefs d'état-major interarmées, auprès des commandements des combattants, comme indiqué dans le décret présidentiel approuvé. Plan de commandement unifié (UCP). Les rédacteurs de la Constitution ont pris soin de limiter les pouvoirs du président en matière militaire ; Alexander Hamilton l’explique dans le Federalist n°69 : le Congrès, conformément à la résolution sur les pouvoirs de guerre, doit autoriser tout déploiement de troupes d’une durée supérieure à 60 jours, bien que ce processus repose sur des mécanismes de déclenchement qui n’ont jamais été utilisés, ce qui le rend inefficace. De plus, le Congrès constitue un frein au pouvoir militaire présidentiel grâce à son contrôle sur les dépenses et la réglementation militaires. Alors qu'historiquement, les présidents ont lancé le processus d'entrée en guerre, les critiques ont accusé plusieurs conflits dans lesquels les présidents n'ont pas obtenu de déclarations officielles, notamment l'intervention militaire de Theodore Roosevelt au Panama en 1903, la guerre de Corée, la guerre du Vietnam et les invasions. de Grenade en 1983 et du Panama en 1990.
Aux côtés des forces armées, le président dirige également la politique étrangère américaine. Par l'intermédiaire du Département d'État et du Département de la Défense, le président est responsable de la protection des Américains à l'étranger et des ressortissants étrangers aux États-Unis. Le président décide de reconnaître ou non de nouvelles nations et de nouveaux gouvernements, et négocie des traités avec d'autres nations, qui deviennent contraignants pour les États-Unis lorsqu'ils sont approuvés par les deux tiers des voix du Sénat.
Bien que cela ne soit pas prévu par la Constitution, les présidents ont aussi parfois recours à des « accords exécutifs » dans les relations extérieures. Ces accords portent fréquemment sur des choix de politique administrative relevant du pouvoir exécutif ; par exemple, la mesure dans laquelle l'un ou l'autre pays présente une présence armée dans une zone donnée, la manière dont chaque pays appliquera les traités sur le droit d'auteur ou la manière dont chaque pays traitera le courrier étranger. Cependant, le XXe siècle a été témoin d’une vaste expansion du recours aux accords exécutifs, et les critiques ont contesté l’ampleur de ce recours en supplantant le processus de traité et en supprimant les freins et contrepoids constitutionnellement prescrits sur l’exécutif dans les relations étrangères. Les partisans rétorquent que les accords offrent une solution pragmatique lorsque le besoin d’une action rapide, secrète et/ou concertée se fait sentir.
Pouvoirs administratifs
Le président est le chef du pouvoir exécutif du gouvernement fédéral et est tenu par la Constitution de « veiller à ce que les lois soient fidèlement exécutées ». Le pouvoir exécutif compte plus de quatre millions d’employés, dont des militaires.
Les présidents procèdent à de nombreuses nominations au sein du pouvoir exécutif : un nouveau président peut en nommer jusqu'à 6 000 avant de prendre ses fonctions et 8 000 de plus pendant son mandat. Les ambassadeurs, membres du Cabinet et autres agents fédéraux sont tous nommés par un président avec « l'avis et le consentement » de la majorité du Sénat. Lorsque le Sénat est en vacances pendant au moins dix jours, le président peut procéder à des nominations pour les vacances. Les nominations pour les vacances sont temporaires et expirent à la fin de la prochaine session du Sénat.
Le pouvoir d’un président de licencier des responsables exécutifs est depuis longtemps une question politique controversée. En règle générale, un président peut révoquer à sa guise les fonctionnaires purement exécutifs. Cependant, le Congrès peut restreindre et restreindre le pouvoir d'un président de licencier les commissaires des agences de régulation indépendantes et certains dirigeants exécutifs inférieurs par la loi.
Le président possède en outre la capacité de diriger une grande partie du pouvoir exécutif par le biais de décrets fondés sur la loi fédérale ou sur un pouvoir exécutif constitutionnellement accordé. Les décrets sont révisables par les tribunaux fédéraux et peuvent être remplacés par une législation fédérale.
Pour gérer la bureaucratie fédérale croissante, les présidents se sont progressivement entourés de plusieurs niveaux de personnel, qui ont finalement été organisés au sein du bureau exécutif du président des États-Unis. Au sein du bureau exécutif, la couche la plus interne des collaborateurs du président (et leurs assistants) se trouve au bureau de la Maison Blanche.
Pouvoirs juridiques
Le président a également le pouvoir de nommer les juges fédéraux, notamment les membres des cours d'appel des États-Unis et de la Cour suprême des États-Unis. Cependant, ces nominations nécessitent la confirmation du Sénat. Obtenir l’approbation du Sénat peut constituer un obstacle majeur pour les présidents qui souhaitent orienter le système judiciaire fédéral vers une position idéologique particulière. Lorsqu’ils nomment des juges dans les tribunaux de district des États-Unis, les présidents respectent souvent la longue tradition de courtoisie sénatoriale. Les présidents peuvent également accorder des grâces et des sursis, comme cela se fait souvent juste avant la fin d'un mandat présidentiel, non sans controverse.
Historiquement, deux doctrines concernant le pouvoir exécutif se sont développées et permettent au président d'exercer le pouvoir exécutif avec un certain degré d'autonomie. Le premier est le privilège exécutif, qui permet au président de ne pas divulguer toute communication faite directement au président dans l'exercice de ses fonctions exécutives. George Washington a invoqué pour la première fois le privilège lorsque le Congrès a demandé à voir les notes du juge en chef John Jay sur une négociation de traité impopulaire avec la Grande-Bretagne. Bien qu’elle ne soit pas inscrite dans la Constitution ou dans toute autre loi, l’action de Washington a créé un précédent pour ce privilège. Lorsque Richard Nixon a tenté d'utiliser le privilège exécutif comme raison pour ne pas remettre au Congrès les preuves assignées à comparaître lors du scandale du Watergate, la Cour suprême a statué dans l'affaire États-Unis c. Nixon, que le privilège exécutif ne s'appliquait pas dans les cas où un président tentait de éviter des poursuites pénales. Lorsque le président Bill Clinton a tenté d'utiliser le privilège exécutif concernant le scandale Lewinsky, la Cour suprême a statué dans l'affaire Clinton contre Jones, que ce privilège ne pouvait pas non plus être utilisé dans des poursuites civiles. Ces affaires ont établi un précédent juridique selon lequel le privilège exécutif est valide, même si l'étendue exacte de ce privilège n'a pas encore été clairement définie. De plus, les tribunaux fédéraux ont permis à ce privilège de rayonner vers l’extérieur et de protéger d’autres employés du pouvoir exécutif, mais ont affaibli cette protection pour les communications du pouvoir exécutif qui n’impliquent pas le président.
Le privilège des secrets d’État permet au président et au pouvoir exécutif de dissimuler des informations ou des documents lors de procédures judiciaires si une telle divulgation risque de nuire à la sécurité nationale. Un précédent en faveur de ce privilège est apparu au début du XIXe siècle lorsque Thomas Jefferson a refusé de divulguer des documents militaires lors du procès pour trahison d'Aaron Burr et de nouveau dans l'affaire Totten c. États-Unis, lorsque la Cour suprême a rejeté une affaire intentée par un ancien espion de l'Union. Cependant, ce privilège n'a pas été formellement reconnu par la Cour suprême des États-Unis jusqu'à l'affaire United States v. Reynolds, où il a été considéré comme un privilège de preuve de common law. Avant les attentats du 11 septembre, le recours à ce privilège était rare, mais de plus en plus fréquent. Depuis 2001, le gouvernement a fait valoir ce privilège dans un plus grand nombre de cas et à des stades antérieurs du litige, entraînant ainsi dans certains cas le rejet des poursuites avant d'avoir atteint le fond des réclamations, comme dans la décision du neuvième circuit dans l'affaire Mohamed c. Jeppesen Dataplan, Inc. Les critiques du privilège affirment que son utilisation est devenue un outil permettant au gouvernement de dissimuler des actions gouvernementales illégales ou embarrassantes.
Facilitateur législatif
La clause d'inéligibilité de la Constitution empêche le président (et tous les autres dirigeants) d'être simultanément membre du Congrès. Par conséquent, le président ne peut pas présenter directement des propositions législatives pour examen au Congrès. Cependant, le président peut jouer un rôle indirect dans l'élaboration de la législation, en particulier si son parti politique détient la majorité dans l'une ou les deux chambres du Congrès. Par exemple, le président ou d'autres responsables du pouvoir exécutif peuvent rédiger un projet de loi, puis demander aux sénateurs ou aux représentants de présenter ces projets au Congrès. Le président peut influencer davantage le pouvoir législatif par le biais de rapports périodiques mandatés par la Constitution au Congrès. Ces rapports peuvent être écrits ou oraux, mais sont aujourd'hui présentés sous forme de discours sur l'état de l'Union, qui présente souvent les propositions législatives du président pour l'année à venir. De plus, le président peut tenter de convaincre le Congrès de modifier la législation proposée en menaçant d'y opposer son veto à moins que les modifications demandées ne soient apportées.
Au XXe siècle, les critiques ont commencé à accuser trop de pouvoirs législatifs et budgétaires de tomber entre les mains de présidents qui devraient appartenir au Congrès. En tant que chef du pouvoir exécutif, les présidents contrôlent un large éventail d’agences qui peuvent émettre des réglementations avec peu de contrôle de la part du Congrès. Un critique a accusé les présidents de nommer une « armée virtuelle de « tsars » – chacun n’ayant aucun compte à rendre au Congrès, mais chargé de diriger les efforts politiques majeurs pour la Maison Blanche ». Les présidents ont été critiqués pour avoir fait des déclarations lors de la signature d'une loi du Congrès sur la façon dont ils comprennent un projet de loi ou envisagent de l'exécuter. Cette pratique a été critiquée par l'American Bar Association comme étant inconstitutionnelle. Le commentateur conservateur George Will a parlé d'un « pouvoir exécutif de plus en plus gonflé » et de « l'éclipse du Congrès ».
Selon l'article II, section 3, clause 2 de la Constitution, le président peut convoquer l'une ou les deux chambres du Congrès. Si les deux chambres ne parviennent pas à s'entendre sur une date d'ajournement, le président peut fixer une date d'ajournement du Congrès.
Rôles cérémoniels
En tant que chef de l’État, le président peut respecter les traditions établies par les présidents précédents. William Howard Taft a lancé la tradition de lancer le premier lancer de cérémonie en 1910 au Griffith Stadium, à Washington, D.C., le jour de l'ouverture des sénateurs de Washington. Tous les présidents depuis Taft, à l'exception de Jimmy Carter, ont lancé au moins un premier ballon ou lancer de cérémonie pour la journée d'ouverture, le All-Star Game ou les World Series, généralement en grande pompe.
Le président des États-Unis est président d'honneur des Boy Scouts of America depuis la fondation de l'organisation.
D'autres traditions présidentielles sont associées aux fêtes américaines. Rutherford B. Hayes a lancé en 1878 le premier roulage d'œufs à la Maison Blanche pour les enfants de la région. À partir de 1947, sous l'administration Harry S. Truman, chaque année de Thanksgiving, le président reçoit une dinde domestique vivante lors de la présentation annuelle de la dinde de Thanksgiving nationale qui a lieu à la Maison Blanche. Depuis 1989, date à laquelle George H. W. Bush a officialisé la coutume de « pardonner » la dinde, la dinde a été emmenée dans une ferme où elle vivra le reste de sa vie naturelle.
Les traditions présidentielles impliquent également le rôle du président en tant que chef du gouvernement. De nombreux présidents sortants depuis James Buchanan donnent traditionnellement des conseils à leur successeur lors de la transition présidentielle. Ronald Reagan et ses successeurs ont également laissé un message privé sur le bureau du bureau ovale le jour de l'investiture du nouveau président.
Lors d'une visite d'État d'un chef d'État étranger, le président organise généralement une cérémonie d'arrivée d'État sur la pelouse sud, une coutume lancée par John F. Kennedy en 1961. Elle est suivie d'un dîner d'État offert par le président qui a lieu dans la salle à manger d'État plus tard dans la soirée.
La présidence moderne considère le président comme l’une des principales célébrités du pays. Certains soutiennent que les images de la présidence ont tendance à être manipulées par les responsables des relations publiques de l'administration ainsi que par les présidents eux-mêmes. Un critique a décrit la présidence comme un « leadership faisant la propagande » qui exerce un « pouvoir fascinant autour du bureau ». Les responsables des relations publiques de l'administration ont organisé des séances de photos soigneusement conçues de présidents souriants avec des foules souriantes devant les caméras de télévision. Un critique a écrit que l'image de John F. Kennedy était décrite comme étant soigneusement encadrée « avec de riches détails » qui « s'appuyaient sur le pouvoir du mythe » concernant l'incident du PT 109 et a écrit que Kennedy comprenait comment utiliser les images pour promouvoir ses ambitions présidentielles. En conséquence, certains commentateurs politiques ont estimé que les électeurs américains ont des attentes irréalistes à l'égard des présidents : les électeurs s'attendent à ce qu'un président « dirige l'économie, vainc les ennemis, dirige le monde libre, réconforte les victimes de la tornade, guérisse l'âme nationale et protège les emprunteurs du crédit caché. -frais de carte."
Critiques de l'évolution de la présidence
La plupart des pères fondateurs de la nation s'attendaient à ce que le Congrès, qui était la première branche du gouvernement décrite dans la Constitution, soit la branche dominante du gouvernement ; ils ne s’attendaient pas à un exécutif fort. Cependant, le pouvoir présidentiel a évolué au fil du temps, ce qui a donné lieu à des affirmations selon lesquelles la présidence moderne est devenue trop puissante, incontrôlée, déséquilibrée et de nature « monarchiste ». La critique Dana D. Nelson estime que les présidents des trente dernières années ont œuvré en faveur d'un « contrôle présidentiel indivis du pouvoir exécutif et de ses agences ». Elle critique les partisans de l'exécutif unitaire pour avoir élargi « les nombreux pouvoirs exécutifs incontrôlables existants – tels que les décrets, les décrets, les mémorandums, les proclamations, les directives de sécurité nationale et les déclarations de signature législatives – qui permettent déjà aux présidents d'adopter une grande partie de la politique étrangère et intérieure. sans aide, ingérence ou consentement du Congrès. Le militant Bill Wilson a estimé que la présidence élargie était « la plus grande menace jamais vue pour la liberté individuelle et le régime démocratique ».
Processus de sélection
Admissibilité
L'article II, section 1, clause 5 de la Constitution fixe les qualifications suivantes pour exercer la présidence :
* être un citoyen américain de naissance ; les citoyens américains nés à l'étranger qui remplissaient les conditions d'âge et de résidence au moment de l'adoption de la Constitution étaient également éligibles à la présidence. Cependant, cette allocation est depuis devenue obsolète.
* être âgé d'au moins trente-cinq ans ;
* être résident des États-Unis depuis au moins quatorze ans.
Le douzième amendement interdit à toute personne inéligible au poste de président de devenir vice-président.
Une personne qui répond aux qualifications ci-dessus est toujours inhabile à occuper le poste de président dans l'une des conditions suivantes :
* En vertu du vingt-deuxième amendement, personne ne peut être élu président plus de deux fois. L'amendement précise également que si une personne éligible exerce les fonctions de président ou de président par intérim pendant plus de deux ans d'un mandat pour lequel une autre personne éligible a été élue président, la première ne peut être élue président qu'une seule fois. Les chercheurs ne sont pas d'accord sur la question de savoir si une personne exclue par le vingt-deuxième amendement d'être élue présidente est également empêchée d'être vice-présidente.
* En vertu de l'article I, section 3, clause 7, en cas de condamnation dans des affaires de destitution, le Sénat a la possibilité de disqualifier les personnes reconnues coupables d'exercer des fonctions fédérales, y compris celles de président.
* En vertu de l'article 3 du quatorzième amendement, aucune personne ayant prêté serment de soutenir la Constitution et s'étant ensuite rebellée contre les États-Unis ne peut devenir président. Toutefois, cette disqualification peut être levée par un vote des deux tiers de chaque chambre du Congrès.
Campagnes et nomination
La campagne présidentielle moderne commence avant les élections primaires, que les deux principaux partis politiques utilisent pour vider le champ des candidats avant leurs conventions nationales de nomination, où le candidat le plus vainqueur est nommé candidat du parti à la présidence. Généralement, le candidat du parti à la présidentielle choisit un candidat à la vice-présidence, et ce choix est approuvé sans discussion par la convention. La profession antérieure la plus courante des présidents américains est celle d’avocat.
Les candidats participent à des débats télévisés à l'échelle nationale et, bien que les débats soient généralement limités aux candidats démocrates et républicains, des candidats tiers peuvent être invités, comme Ross Perot lors des débats de 1992. Les candidats font campagne à travers le pays pour expliquer leurs points de vue, convaincre les électeurs et solliciter des contributions. Une grande partie du processus électoral moderne consiste à remporter des États charnières grâce à des visites fréquentes et à des campagnes publicitaires dans les médias de masse.
Élection et serment
Le président est élu au suffrage indirect. Un certain nombre d'électeurs, collectivement connus sous le nom de Collège électoral, choisissent officiellement le président. Le jour du scrutin, les électeurs de chacun des États et du District de Columbia ont voté pour ces électeurs. Chaque État se voit attribuer un nombre d’électeurs égal à la taille de sa délégation dans les deux chambres du Congrès réunies. Généralement, le ticket qui remporte le plus de voix dans un État remporte tous les votes électoraux de cet État et voit donc sa liste d'électeurs choisie pour voter au Collège électoral.
La liste électorale gagnante se réunit dans la capitale de l'État le premier lundi après le deuxième mercredi de décembre, environ six semaines après l'élection, pour voter. Ils envoient ensuite un compte rendu de ce vote au Congrès. Le vote des électeurs est ouvert par le vice-président en exercice – agissant en qualité de président du Sénat – et lu à haute voix lors d'une session conjointe du nouveau Congrès, qui a été élu en même temps que le président.
Conformément au vingtième amendement, le mandat du président commence à midi le 20 janvier de l'année suivant l'élection. Cette date, connue sous le nom de Jour d'Inauguration, marque le début des mandats de quatre ans du président et du vice-président. Avant d'exercer les pouvoirs de sa fonction, un président est constitutionnellement tenu de prêter le serment présidentiel :
Bien que cela ne soit pas obligatoire, les présidents ont traditionnellement tenu une Bible dans la main tout en prêtant serment et ont ajouté : « Alors, aide-moi, Dieu ! jusqu'à la fin du serment. En outre, bien que le serment puisse être administré par toute personne autorisée par la loi à faire prêter serment, les présidents prêtent traditionnellement serment par le juge en chef des États-Unis.
Mandat et limites de mandat
La durée du mandat du président et du vice-président est de quatre ans. George Washington, le premier président, a créé un précédent officieux en ne remplissant que deux mandats, que les présidents suivants ont suivis jusqu'en 1940. Avant Franklin D. Roosevelt, les tentatives d'un troisième mandat étaient encouragées par les partisans d'Ulysses S. Grant et de Theodore Roosevelt ; aucune de ces tentatives n’a réussi. En 1940, Franklin D. Roosevelt a refusé de briguer un troisième mandat, mais a permis à son parti politique de le « désigner » comme candidat à la présidentielle et a ensuite été élu pour un troisième mandat. En 1941, les États-Unis sont entrés dans la Seconde Guerre mondiale, ce qui a conduit les électeurs à élire Roosevelt pour un quatrième mandat en 1944. Mais Roosevelt est décédé seulement 82 jours après avoir pris ses fonctions pour un quatrième mandat, le 12 avril 1945.
Après la guerre, et en réponse à l'élection de Roosevelt pour les troisième et quatrième mandats, le vingt-deuxième amendement fut adopté. L'amendement interdit à quiconque d'être élu président plus de deux fois, ou une fois si cette personne a accompli plus de la moitié du mandat d'un autre président. Harry S. Truman, président au moment de l'adoption de cet amendement, fut exempté de ses limitations et brigua brièvement un troisième (un deuxième mandat complet) avant de se retirer des élections de 1952.
Depuis l'adoption de l'amendement, quatre présidents ont accompli deux mandats complets : Dwight D. Eisenhower, Ronald Reagan, Bill Clinton et George W. Bush. Barack Obama a été élu pour un second mandat et achèvera son mandat le 20 janvier 2017, s'il ne décède pas ou ne démissionne pas avant cette date. Jimmy Carter et George H. W. Bush ont brigué un second mandat, mais ont été vaincus. Richard Nixon a été élu pour un second mandat, mais a démissionné avant de le terminer. Lyndon B. Johnson était le seul président en vertu de l'amendement à être éligible pour remplir plus de deux mandats au total, après avoir servi seulement quatorze mois après l'assassinat de John F. Kennedy. Cependant, Johnson s'est retiré de la Primaire démocrate de 1968, surprenant de nombreux Américains. Gerald Ford a brigué un mandat complet, après avoir purgé les deux dernières années et cinq mois du deuxième mandat de Nixon, mais n'a pas été élu.
Poste vacant ou handicap
Des vacances au poste de Président peuvent survenir dans plusieurs circonstances possibles : décès, démission et destitution.
L'article II, section 4 de la Constitution autorise la Chambre des représentants à destituer de hauts fonctionnaires fédéraux, y compris le président, pour « trahison, corruption ou autres crimes et délits graves ». L'article I, section 3, clause 6 donne au Sénat le pouvoir de révoquer les fonctionnaires mis en accusation, moyennant un vote des deux tiers pour les condamner. La Chambre a jusqu'à présent mis en accusation deux présidents : Andrew Johnson en 1868 et Bill Clinton en 1998. Aucun des deux n'a été condamné par le Sénat ; cependant, Johnson a été acquitté par une seule voix.
En vertu de l'article 3 du vingt-cinquième amendement, le président peut transférer les pouvoirs et fonctions présidentielles au vice-président, qui devient alors président par intérim, en transmettant une déclaration au président de la Chambre et au président pro tempore du Sénat indiquant le raisons du transfert. Le président reprend l'exercice des pouvoirs et devoirs présidentiels après avoir transmis à ces deux responsables une déclaration écrite constatant cette reprise. Ce transfert de pouvoir peut avoir lieu pour toute raison que le président juge appropriée ; en 2002, puis à nouveau en 2007, le président George W. Bush a brièvement transféré le pouvoir présidentiel au vice-président Dick Cheney. Dans les deux cas, cela a été fait pour accommoder une procédure médicale qui nécessitait que Bush soit mis sous sédation ; à chaque fois, Bush a repris ses fonctions plus tard le même jour.
En vertu de l'article 4 du vingt-cinquième amendement, le vice-président, en conjonction avec une majorité du Cabinet, peut transférer les pouvoirs et fonctions présidentiels du président au vice-président en transmettant une déclaration écrite au président de la Chambre et au président pro tempore du Sénat que le président est incapable de s'acquitter de ses pouvoirs et devoirs présidentiels. Si cela se produit, le vice-président assumera les pouvoirs et fonctions présidentiels en tant que président par intérim ; cependant, le président peut déclarer qu'une telle incapacité n'existe pas et reprendre l'exercice des pouvoirs et devoirs présidentiels. Si le vice-président et le Cabinet contestent cette affirmation, il appartient au Congrès, qui doit se réunir dans les deux jours s'il n'est pas déjà en session, de décider du bien-fondé de la réclamation.
La Constitution des États-Unis mentionne la démission du président, mais ne réglemente pas sa forme ni les conditions de sa validité. Conformément à la loi fédérale, la seule preuve valable de la démission du président est un instrument écrit à cet effet, signé par le président et remis au bureau du secrétaire d'État. Cela ne s’est produit qu’une seule fois, lorsque Richard Nixon a remis une lettre à Henry Kissinger dans ce sens.
L'article 1 du vingt-cinquième amendement stipule que le vice-président devient président en cas de destitution, de décès ou de démission du président précédent. La loi sur la succession présidentielle de 1947 prévoit que si les postes de président et de vice-président sont vacants ou occupés par une personne handicapée, le prochain officier dans la ligne de succession présidentielle, le président de la Chambre, devient président par intérim. La ligne s'étend ensuite au président pro tempore du Sénat, suivi de tous les membres du Cabinet. Ces personnes doivent remplir toutes les conditions d'éligibilité au poste de président pour pouvoir devenir président par intérim ; les personnes inéligibles sont ignorées. Il n'y a jamais eu d'élection spéciale pour le poste de président.
Compensation
Depuis 2001, le président gagne un salaire annuel de 400 000 $, ainsi qu'un compte de dépenses annuel de 50 000 $, un compte de voyage non imposable de 100 000 $ et 19 000 $ pour ses divertissements. La plus récente augmentation de salaire a été approuvée par le Congrès et le président Bill Clinton en 1999 et est entrée en vigueur en 2001.
La Maison Blanche à Washington, D.C., sert de lieu de résidence officielle du président. Outre l'accès au personnel de la Maison Blanche, les installations dont dispose le président comprennent des soins médicaux, des loisirs, des services d'entretien ménager et de sécurité. Le gouvernement finance les dîners d'État et autres réceptions officielles, mais le président paie le nettoyage à sec et la nourriture du personnel, de la famille et des invités ; la facture alimentaire élevée surprend souvent les nouveaux résidents. L'installation de soutien naval Thurmont, populairement connue sous le nom de Camp David, est un camp militaire basé en montagne dans le comté de Frederick, Maryland, utilisé comme retraite de campagne et pour la protection d'alerte élevée du président et du gu | http://www.quizballs.com/ |
Dans quelle ville se déroule la série télévisée britannique « Boys From the Black Stuff » ? | Liverpool | [
"La série Boys from the Blackstuff suit les histoires de cinq hommes désormais au chômage qui ont perdu leur emploi à cause des événements de la pièce originale The Black Stuff. Situé à Liverpool, la ville natale de Bleasdale, et reflétant bon nombre de ses propres expériences de vie dans la ville, chaque épisode se concentre sur un membre différent du groupe. La série a été très appréciée pour sa représentation puissante et émotionnelle du désespoir provoqué par un chômage élevé et le manque de soutien social qui en résulte. La série est et a été notée par de nombreux critiques comme une critique de l'ère Margaret Thatcher, qui était considérée comme responsable du sort de nombreuses classes populaires et populaires au chômage, en particulier dans le nord de l'Angleterre (et alimentant en fait le Nord). -Division Sud). Au début de 1982, le chômage avait atteint 3 millions (environ une main-d'œuvre sur huit) en raison de la récession économique et de la restructuration de l'industrie.",
"La série a été réalisée par le département Drama des régions anglaises basé à la BBC Birmingham et a été tournée sur place à Liverpool. Le producteur était Michael Wearing, basé à Birmingham avec pour mission spécifique de réaliser des « drames régionaux », et qui jouera plus tard un rôle déterminant dans la diffusion des séries dramatiques de la BBC Edge of Darkness (1985) et Our Friends in the North (1996). les écrans. L'écrivain Alan Bleasdale a ensuite écrit les scénarios de The Monocled Mutineer (BBC1, 1986) et de G.B.H. (Chaîne 4, 1991)",
": The Black Stuff était le précurseur original de la série 'Boys from the Blackstuff' de 1982, dans laquelle nous faisons la connaissance des personnages principaux Yosser, Loggo, Chrissie, George, Dixie et son fils, Kevin. Il suit le groupe alors qu'ils partent de Liverpool pour entreprendre un travail occasionnel de pose de tarmac sur un nouveau lotissement à Middlesbrough. L'épisode lui-même a été produit en 1978 mais n'a été diffusé qu'en 1980.",
": Comme mentionné précédemment, c'est la série la plus souvent citée, suite à la lutte de Yosser pour éviter de perdre ses enfants (qui sont joués par les propres enfants d'Alan Bleasdale) au profit des autorités alors que sa santé mentale se désintègre. Il est également remarquable pour être le seul de la série tourné sur un film 16 mm, par opposition à une bande vidéo, bien que la pièce originale ait également été tournée sur ce format. Graeme Souness et Sammy Lee, alors du Liverpool F.C. faire des apparitions dans cet épisode. L'épisode contient également la scène souvent répétée dans laquelle Yosser se confesse pour chercher de l'aide et dit au prêtre qu'il est désespéré. Le prêtre, essayant de réconforter Yosser, lui dit « Appelle-moi Dan – Dan » ; à quoi Yosser répond \"Je suis désespéré, Dan\".",
": Dans cet épisode, nous découvrons quelque chose du passé politiquement actif de George (Peter Kerrigan). Son voyage (Chrissie le fait rouler dans sa chaise à travers les quais) l'amène à se remémorer sa jeunesse, le contraste entre sa jeunesse pleine d'espoir et l'infrastructure industrielle abandonnée qui l'entoure est marqué. La mort de George provoque la réunion des personnages principaux, même si, dans certains cas, seulement brièvement. L'épisode se termine par une scène bien connue mais surréaliste au pub Green Man à Liverpool."
] | Boys from the Blackstuff est une série dramatique télévisée britannique de cinq épisodes, initialement transmise du 10 octobre au 7 novembre 1982 sur BBC2.
La série a été écrite par le dramaturge Liverpudlian Alan Bleasdale, comme suite à une pièce télévisée, The Black Stuff. Le British Film Institute l'a décrit comme une « série dramatique phare... un regard chaleureux, humoristique mais finalement tragique sur la manière dont l'économie affecte les gens ordinaires... la réponse dramatique la plus complète de la télévision à l'ère Thatcher et comme une lamentation sur la fin de l'ère Thatcher. une culture britannique masculine et ouvrière.
Les trucs noirs
La pièce télévisée The Black Stuff a été écrite à l'origine par Bleasdale pour la série d'anthologies Play for Today de la BBC1 en 1978. Après le tournage, cependant, la pièce est restée non diffusée jusqu'à sa projection le 2 janvier 1980. Elle concernait un groupe de couches de tarmac de Liverpudlian (d'où l'argot pour tarmac : « le truc noir ») sur un chantier près de Middlesbrough.
Les éloges que The Black Stuff a reçu lors de sa transmission éventuelle ont conduit à la commande de la série suivante, dont Bleasdale avait déjà écrit une quantité considérable.
Les garçons du Blackstuff
La série Boys from the Blackstuff suit les histoires de cinq hommes désormais au chômage qui ont perdu leur emploi à cause des événements de la pièce originale The Black Stuff. Situé à Liverpool, la ville natale de Bleasdale, et reflétant bon nombre de ses propres expériences de vie dans la ville, chaque épisode se concentre sur un membre différent du groupe. La série a été très appréciée pour sa représentation puissante et émotionnelle du désespoir provoqué par un chômage élevé et le manque de soutien social qui en résulte. La série est et a été notée par de nombreux critiques comme une critique de l'ère Margaret Thatcher, qui était considérée comme responsable du sort de nombreuses classes populaires et populaires au chômage, en particulier dans le nord de l'Angleterre (et alimentant en fait le Nord). -Division Sud). Au début de 1982, le chômage avait atteint 3 millions (environ une main-d'œuvre sur huit) en raison de la récession économique et de la restructuration de l'industrie.
En effet, le personnage le plus mémorable et le plus poignant était Yosser Hughes, un homme poussé au bord de la raison par la perte de son emploi, de sa femme, les tentatives continues des autorités pour lui retirer ses enfants et ses tentatives constantes de sauver sa fierté masculine (étant souvent le principal révélateur de son insécurité). Ses slogans, "Le boulot de Gizza !" (« donnez-nous un travail ») et « Je peux le faire ! » est devenu partie intégrante de la conscience populaire des années 80, résumant l’état d’esprit de nombreuses personnes qui cherchaient désespérément du travail à cette époque. Hughes a été joué par Bernard Hill, qui utilise son accent mancunien évident, avec de légères manières vocales de Scouse. Il a ensuite joué dans des films tels que Drowning By Numbers (1988), Titanic (1997) et la trilogie Le Seigneur des Anneaux (2001-03). La série a également contribué à établir la carrière de Julie Walters, qui a joué le rôle féminin le plus important en tant qu'Angie, l'épouse de Chrissie, interprétée par Michael Angelis.
La série a été réalisée par le département Drama des régions anglaises basé à la BBC Birmingham et a été tournée sur place à Liverpool. Le producteur était Michael Wearing, basé à Birmingham avec pour mission spécifique de réaliser des « drames régionaux », et qui jouera plus tard un rôle déterminant dans la diffusion des séries dramatiques de la BBC Edge of Darkness (1985) et Our Friends in the North (1996). les écrans. L'écrivain Alan Bleasdale a ensuite écrit les scénarios de The Monocled Mutineer (BBC1, 1986) et de G.B.H. (Chaîne 4, 1991)
Réception
La série a connu un tel succès lors de sa diffusion originale que neuf semaines seulement après la fin de sa transmission, elle a été rediffusée sur la très médiatisée BBC1. Il a également été retransmis sur BBC2 dans le cadre de la saison du vingt-cinquième anniversaire de cette station en 1989. En 1983, il a remporté le British Academy Television Award pour la meilleure série dramatique et, en 2000, il a été classé septième dans un sondage de l'industrie du British Film Institute. professionnels pour retrouver le BFI TV 100 du 20ème siècle. Elle a également été désignée comme l'une des quarante plus grandes émissions de télévision dans une liste de 2003 compilée par la rédactrice en chef de la télévision du magazine Radio Times, Alison Graham. En mars 2007, Channel 4 a diffusé un « Top 50 des drames », basé sur les commentaires des professionnels de l'industrie plutôt que du public, avec Boys from the Blackstuff au numéro deux.
Épisodes
*The Black Stuff (épisode pilote « Play for Today »)
: The Black Stuff était le précurseur original de la série 'Boys from the Blackstuff' de 1982, dans laquelle nous faisons la connaissance des personnages principaux Yosser, Loggo, Chrissie, George, Dixie et son fils, Kevin. Il suit le groupe alors qu'ils partent de Liverpool pour entreprendre un travail occasionnel de pose de tarmac sur un nouveau lotissement à Middlesbrough. L'épisode lui-même a été produit en 1978 mais n'a été diffusé qu'en 1980.
: En chemin, dans une station-service d'autoroute, le groupe rencontre une étudiante qui fait du stop en ascenseur jusqu'à Leeds. Une partie du groupe (en particulier Yosser) se moque d'elle, mais l'insécurité de Yosser et son refus d'être dominé par les femmes se manifestent particulièrement après qu'elle se soit moqué de lui lorsqu'elle est déposée. A Middlesbrough, le groupe est approché par deux gitans irlandais, Brendan et Dominic, qui leur proposent un emploi secondaire, prétextant qu'ils ont été licenciés. Bien qu'au départ mal à l'aise à l'idée de travailler avec eux, le groupe (à l'exception du chef du groupe, Dixie et de son fils, Kevin), poussé par le rêve de Yosser d'escroquer les gitans et de démarrer leur propre entreprise de pose de tarmac, accepte d'investir de grandes sommes de son côté. économies pour entreprendre le travail « à l'étranger ». Le chef du groupe, McKenna, le découvre plus tard et les licencie tous. Cependant, bien qu'ils soient convaincus d'avoir pris la bonne décision, le groupe est néanmoins déjoué par les gitans qui prétendent qu'ils ont reçu un chèque (alors qu'en fait ils ont été payés en espèces) et prétendent qu'ils feraient encaisser le chèque dans une banque. . Chrissie accepte d'accompagner Brendan dans la camionnette de Brendan (qui parvient plus tard à perdre Chrissie en le trompant pour qu'il pousse la camionnette afin de la relancer après avoir prétendu qu'elle était en panne), tandis que Yosser décide de tenir Dominic en otage jusqu'à leur retour. Yosser découvre bientôt que l'argent a en fait été remis, mais Dominic parvient à s'échapper vers Brendan qui l'attend - Loggo trébuchant et dégringolant alors qu'il le poursuivait à travers le champ d'un fermier.
: Yosser fonce dans la camionnette du groupe et poursuit Brendan et Dominic, qui tentent de crever les pneus de Yosser en brisant des bouteilles de lait vides sur la route depuis l'arrière de la camionnette. Yosser fait un écart et les évite, mais tombe en panne d'essence, crie et exprime sa colère en se cognant la tête contre le volant. Il trouve un bidon d'essence à l'arrière du camion, fait en partie le plein et part en vain à la recherche des deux hommes, avant d'abandonner sur un rond-point, interrompant la circulation et fondant en larmes, ignorant les embouts et les klaxons. étant soufflé derrière lui. Il revient dans le groupe après s'être arrêté là où il avait abandonné un certain nombre d'objets de la camionnette, avoir donné un coup de tête à un homme qu'il croit être un gitan irlandais et avoir jeté au sol son compagnon, qui proteste qu'il n'est ni gitan ni irlandais et qu'il était " je prends juste un ascenseur". Yosser est clairement affligé à son retour dans le groupe et commence à briser le tarmac qu'ils avaient posé avec une pioche, mais est retenu par Loggo et Chrissie avant de jeter Chrissie au sol pour sa vision optimiste malgré ce qui s'est passé. Yosser lance un monologue émotionnel sur le fait de vouloir être riche, remarqué et vu, et est clairement proche du point de rupture, dans la mesure où Loggo et George continuent de l'empêcher d'attaquer davantage Chrissie qui est par terre avec le nez qui saigne. George rassure Yosser et lui conseille gentiment de grandir, mais Yosser n'est pas convaincu et donne un coup de pied dans la calandre de la camionnette. L'épisode se termine avec l'arrivée du groupe, presque sans le sou, au Tees Transporter Bridge. Un homme qu'ils ont rencontré plus tôt est en route pour les Shetland pour y entreprendre un travail occasionnel, et Loggo choisit rapidement de le rejoindre. L'épisode se termine par un plan à longue distance du Tees Transporter Bridge et la chanson thème d'ouverture, chantée par les acteurs, est jouée au générique de fin.
*Le marché musculaire
: Présenté en 1981 de manière autonome entre le drame initial et la série suivante, il est centré sur Danny Duggan joué par Peter Postlethwaite, le patron de l'immeuble qui emploie des gens à bas prix en étant complice de la fraude à la sécurité sociale de ses employés et donc coupable d'un crime. lui-même.
* Des emplois pour les garçons
: Mettant en vedette la plupart des personnages du drame initial. Ils acceptent un travail rémunéré sur un chantier tout en continuant à prétendre aux allocations de chômage. Typique de l'humour de l'émission, il est révélé plus tard que le bâtiment en cours de rénovation va être utilisé par le ministère de l'Emploi. Ils sont suivis par les autorités et Snowy Malone, un plâtrier, tombe à mort en tentant de s'enfuir lors d'un raid ultérieur des "sniffers" (agents de la sécurité sociale travaillant sous couverture).
* Au clair de lune
: Suit Dixie Dean (Tom Georgeson) dans son nouveau poste d'agent de sécurité, où il est forcé d'accepter des pots-de-vin pour avoir autorisé l'enlèvement des marchandises dont il a la charge dans un navire à quai. Outre le fils de Dixie, Kevin, cet épisode présente également Chrissie, Loggo et George, les autres membres du gang d'origine, lors d'une scène précédant les funérailles de Snowy Malone (Chris Darwin).
* Achetez votre voisin
: Se concentre sur Chrissie (Michael Angelis) et la pression domestique que le chômage et les attentions des agents de fraude aux allocations accordent à lui et à sa femme (Julie Walters). Nous voyons également davantage son ami le plus proche, Loggo (Alan Igbon), et apprécions davantage le personnage de Loggo comme étant le moins affecté par le climat social. À la fin de l'épisode, dans un acte de désespoir, manquant d'argent et de nourriture, Chrissie est amenée à étrangler et à tirer sur ses oies pour tenter de leur fournir le dîner. Il s'inquiète également pour les lapins de ses enfants, ce qui peut être une référence ironique au rôle révolutionnaire d'Angelis à la télévision dans le rôle de Lucien dans The Liver Birds, qui était excessivement sentimental à leur égard.
* L'histoire de Yosser
: Comme mentionné précédemment, c'est la série la plus souvent citée, suite à la lutte de Yosser pour éviter de perdre ses enfants (qui sont joués par les propres enfants d'Alan Bleasdale) au profit des autorités alors que sa santé mentale se désintègre. Il est également remarquable pour être le seul de la série tourné sur un film 16 mm, par opposition à une bande vidéo, bien que la pièce originale ait également été tournée sur ce format. Graeme Souness et Sammy Lee, alors du Liverpool F.C. faire des apparitions dans cet épisode. L'épisode contient également la scène souvent répétée dans laquelle Yosser se confesse pour chercher de l'aide et dit au prêtre qu'il est désespéré. Le prêtre, essayant de réconforter Yosser, lui dit « Appelle-moi Dan – Dan » ; à quoi Yosser répond "Je suis désespéré, Dan".
* Le dernier tour de George
: Dans cet épisode, nous découvrons quelque chose du passé politiquement actif de George (Peter Kerrigan). Son voyage (Chrissie le fait rouler dans sa chaise à travers les quais) l'amène à se remémorer sa jeunesse, le contraste entre sa jeunesse pleine d'espoir et l'infrastructure industrielle abandonnée qui l'entoure est marqué. La mort de George provoque la réunion des personnages principaux, même si, dans certains cas, seulement brièvement. L'épisode se termine par une scène bien connue mais surréaliste au pub Green Man à Liverpool.
Sortie DVD
La série, y compris la pièce originale The Black Stuff mais sans l'épisode The Muscle Market, est sortie sur DVD sous forme de trois disques par BBC Worldwide en 2003.
Une contrepartie de la série est le livre Boys from the Blackstuff, la réalisation d'une série télévisée, de Bob Millington et Robin Nelson. | http://www.quizballs.com/ |
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