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Quelle comédie musicale de Lloyd Webber a été créée aux États-Unis le 10 décembre 1993 ?

Sunset Boulevard

Andrew Lloyd Webber, baron Lloyd-Webber (né le 22 mars 1948) est un compositeur et imprésario anglais de théâtre musical. Plusieurs de ses comédies musicales ont été diffusées pendant plus d'une décennie dans le West End et à Broadway. Il a composé 13 comédies musicales, un cycle de chansons, un ensemble de variations, deux musiques de film et une messe de requiem latin. Plusieurs de ses chansons ont été largement enregistrées et ont été des succès en dehors de leurs comédies musicales parentes, notamment "La Musique de la Nuit". du Fantôme de l'Opéra, "Je ne sais pas comment l'aimer" de Jesus Christ Superstar, "Ne pleure pas pour moi, Argentine" et "Tu dois m'aimer" d'Evita, "Any Dream Will Do" de Joseph et l'incroyable Dreamcoat Technicolor et "Memory" de Cats. Il a reçu de nombreux prix, dont le titre de chevalier en 1992, suivi d'une pairie de la reine Elizabeth II pour services rendus à la musique, sept Tonys, trois Grammys (ainsi que le Grammy Legend Award), un Oscar et quatorze Ivor Novello Awards. , sept Olivier Awards, un Golden Globe, un Brit Award, les Kennedy Center Honors 2006 et le Classic Brit Award 2008 pour sa contribution exceptionnelle à la musique. Il a une étoile sur le Hollywood Walk of Fame, est intronisé au Songwriter's Hall of Fame et est membre de la British Academy of Songwriters, Composers and Authors. Sa compagnie, le Really Useful Group, est l'un des plus grands exploitants de théâtre de Londres. Des producteurs de plusieurs régions du Royaume-Uni ont organisé des productions, y compris des tournées nationales, des comédies musicales de Lloyd Webber sous licence du Really Useful Group. Lloyd Webber est également président des Arts Educational Schools London, une école des arts du spectacle située à Chiswick, dans l'ouest de Londres. Il est impliqué dans un certain nombre d'activités caritatives, notamment la Elton John AIDS Foundation, Nordoff Robbins, Prostate Cancer UK et War Child. En 1992, il crée la Fondation Andrew Lloyd Webber qui soutient les arts, la culture et le patrimoine au Royaume-Uni. Début de la vie Andrew Lloyd Webber est né à Kensington, Londres, fils aîné de William Lloyd Webber (1914-1982), compositeur et organiste, et de Jean Hermione Johnstone (1921-1993), violoniste et pianiste. Son jeune frère, Julian Lloyd Webber, est un violoncelliste soliste renommé. Lloyd Webber a commencé à écrire sa propre musique dès son plus jeune âge, une suite de six morceaux à l'âge de neuf ans. Il a également monté des « productions » avec Julian et sa tante Viola dans son théâtre de jouets (qu'il a construit sur la suggestion de Viola). Plus tard, il deviendra propriétaire de plusieurs théâtres du West End, dont le Palace. Sa tante Viola, actrice, l'a emmené voir plusieurs de ses spectacles et franchir la porte de la scène dans le monde du théâtre. Il avait également initialement mis la musique du Book of Practical Cats d'Old Possum à l'âge de 15 ans. En 1965, Lloyd Webber était Queen's Scholar à la Westminster School et a étudié l'histoire pendant un trimestre au Magdalen College d'Oxford, bien qu'il ait abandonné le cours à l'hiver 1965 pour étudier au Royal College of Music et poursuivre son intérêt pour le théâtre musical. Carrière professionnelle Premières années La première collaboration de Lloyd Webber avec le parolier Tim Rice fut The Likes of Us, une comédie musicale basée sur l'histoire vraie de Thomas John Barnardo. Bien que composé en 1965, il n'a été joué publiquement qu'en 2005, lorsqu'une production a été présentée au Sydmonton Festival de Lloyd Webber. En 2008, les droits des amateurs ont été libérés par la National Operatic and Dramatic Association (NODA) en association avec le Really Useful Group. La première représentation amateur a été celle d'une troupe de théâtre pour enfants de Cornwall appelée "Kidz R Us". Stylistiquement, The Likes of Us s'inspire de la comédie musicale de Broadway des années 1940 et 1950 ; il s'ouvre sur une ouverture traditionnelle comprenant un mélange de morceaux du spectacle, et la partition reflète certaines des premières influences de Lloyd Webber, en particulier Richard Rodgers, Frederick Loewe et Lionel Bart. À cet égard, elle se distingue nettement des œuvres ultérieures du compositeur, qui tendent à être soit majoritairement, soit entièrement composées, et plus proches dans leur forme de l'opéra que de la comédie musicale de Broadway. En 1968, Rice et Lloyd Webber furent chargés d'écrire une pièce pour l'école préparatoire de Colet Court, qui aboutit à Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat, un récit de l'histoire biblique de Joseph dans lequel Lloyd Webber et Rice pastichent avec humour un certain nombre de comédies musicales. des styles tels que le rock'n'roll à la Elvis, le Calypso et la musique country. Joseph a commencé sa vie comme une courte cantate qui a gagné une certaine reconnaissance dès sa deuxième mise en scène avec une critique favorable dans le Times. Pour ses performances ultérieures, Rice et Lloyd Webber ont révisé le spectacle et ajouté de nouvelles chansons pour l'étendre à une durée plus substantielle. Cela a abouti à une production de deux heures organisée dans le West End grâce au succès de Jesus Christ Superstar. En 1969, Rice et Lloyd Webber ont écrit une chanson pour le Concours Eurovision de la chanson intitulée « Try It and See », qui n'a pas été sélectionnée. Avec des paroles réécrites, il est devenu "King Herod's Song" dans leur troisième comédie musicale, Jesus Christ Superstar (1970). La suite prévue de Jesus Christ Superstar était une comédie musicale basée sur les romans Jeeves et Wooster de P. G. Wodehouse. Tim Rice était incertain quant à cette entreprise, en partie à cause de sa crainte de ne pas pouvoir rendre justice aux romans que lui et Lloyd Webber admiraient tant. Après avoir effectué un premier travail sur les paroles, il s'est retiré du projet et Lloyd Webber a ensuite écrit la comédie musicale avec Alan Ayckbourn, qui a fourni le livre et les paroles. Jeeves n'a eu aucun impact au box-office et a fermé ses portes après une courte période de seulement trois semaines. Plusieurs années plus tard, Lloyd Webber et Ayckbourn revisitèrent ce projet, produisant une version entièrement retravaillée et plus réussie intitulée By Jeeves (1996). Seules deux des chansons de la production originale sont restées ("Half a Moment" et "Banjo Boy"). Milieu des années 1970 Lloyd Webber a de nouveau collaboré avec Rice pour écrire Evita (1978 à Londres/1979 aux États-Unis), une comédie musicale basée sur la vie d'Eva Perón. Comme avec Jesus Christ Superstar, Evita est sorti d'abord sous forme d'album concept (1976) et mettait en vedette Julie Covington chantant le rôle d'Eva Perón. La chanson "Don't Cry for Me Argentina" est devenue un single à succès et la comédie musicale a été mise en scène au Prince Edward Theatre dans une production dirigée par Harold Prince et mettant en vedette Elaine Paige dans le rôle titre. Patti LuPone a créé le rôle d'Eva à Broadway pour lequel elle a remporté un Tony. Evita a été un spectacle très réussi qui a duré dix ans dans le West End. Il a été transféré à Broadway en 1979. Rice et Lloyd Webber se sont séparés peu de temps après Evita. Dans une interview en 2011, LuPone a commenté "Il écrit de la musique de merde... Evita était sa meilleure partition, Evita dans sa bizarrerie - quand je l'ai entendu pour la première fois, j'ai pensé 'Je jure devant Dieu, il détestait les femmes' [...] Là Il y a des moments très romantiques dans sa musique, et il y a de vrais... trash dont il ne pense même pas à se séparer. Il n'est pas un très bon éditeur de ses propres trucs. En 1978, Lloyd Webber se lance dans un projet solo, les "Variations", avec son frère violoncelliste Julian, basé sur le 24e Caprice de Paganini, qui atteint la deuxième place du classement des albums pop au Royaume-Uni. Le thème principal a été utilisé comme thème musical pour l'émission de longue date d'ITV, South Bank Show, tout au long de ses 32 années d'existence. La même année, Lloyd Webber compose également un nouveau thème musical pour la longue série documentaire Whicker's World, utilisée de 1978 à 1980. années 1980 Lloyd Webber a fait l'objet de This Is Your Life en novembre 1980 lorsqu'il a été surpris par Eamonn Andrews dans le hall des studios Euston Road de Thames Television. Il sera honoré une seconde fois par l'émission télévisée en novembre 1994 lorsque Michael Aspel le surprendra au Théâtre Adelphi. Lloyd Webber s'est lancé dans son prochain projet sans parolier, se tournant plutôt vers la poésie de T. S. Eliot. Cats (1981) allait devenir la comédie musicale la plus ancienne à Londres, où elle a duré 21 ans avant de fermer. À Broadway, Cats a duré 18 ans, un record qui sera finalement battu par une autre comédie musicale de Lloyd Webber, The Phantom of the Opera. Starlight Express (1984) fut un succès commercial, mais reçut des critiques négatives de la part des critiques. Il a connu un record dans le West End, mais a duré moins de deux ans à Broadway. Le spectacle a également fait l'objet de deux tournées aux États-Unis, ainsi que d'une production australo-japonaise, une production en tournée britannique de trois ans, transférée en Nouvelle-Zélande plus tard en 2009. Le spectacle se déroule également à plein temps dans un théâtre construit sur mesure. à Bochum, en Allemagne, où il existe depuis 1988. Lloyd Webber a écrit une messe de requiem dédiée à son père, William, décédé en 1982. Elle a été créée à l'église Saint-Thomas de New York le 24 février 1985. La musique religieuse faisait partie de l'éducation du compositeur et la composition s'inspire de un article qu'il avait lu sur le sort des orphelins cambodgiens. Lloyd Webber avait écrit à plusieurs reprises de la musique sacrée pour le festival annuel de Sydmonton. Lloyd Webber a reçu un Grammy Award en 1986 pour Requiem dans la catégorie de la meilleure composition classique. Pie Jesu de Requiem a obtenu une place élevée dans les charts pop britanniques. Peut-être en raison de sa grande orchestration, les représentations live du Requiem sont rares. Cricket (1986), également appelé Cricket (Hearts and Wickets), a réuni Lloyd Webber avec Tim Rice pour créer cette courte comédie musicale pour le 60e anniversaire de la reine Elizabeth, jouée pour la première fois au château de Windsor. Plusieurs morceaux ont ensuite été utilisés pour Aspects of Love et Sunset Boulevard. Lloyd Webber a également créé Le Fantôme de l'Opéra en 1986, inspiré du roman de Gaston Leroux de 1911. Il a écrit le rôle de Christine pour son épouse d'alors, Sarah Brightman, qui a joué le rôle dans les productions originales de Londres et de Broadway aux côtés de Michael Crawford dans le rôle du Fantôme. La production a été dirigée par Harold Prince, qui avait également dirigé Evita auparavant. Charles Hart a écrit les paroles de Phantom avec du matériel supplémentaire fourni par Richard Stilgoe, avec qui Lloyd-Webber a co-écrit le livre de la comédie musicale. Il est devenu un succès et est toujours diffusé dans le West End et à Broadway ; en janvier 2006, elle a dépassé Cats en tant que comédie musicale la plus ancienne à Broadway. Le 11 février 2012, le Fantôme de l'Opéra a donné son 10 000e spectacle à Broadway. Aspects of Love a suivi en 1989, une comédie musicale basée sur l'histoire de David Garnett. Les paroles étaient de Don Black et Charles Hart et la production originale a été réalisée par Trevor Nunn. Aspects a duré quatre ans à Londres, mais a fermé après moins d'un an à Broadway. Depuis, il a fait une tournée au Royaume-Uni. années 1990 Lloyd Webber a été invité à écrire une chanson pour les Jeux olympiques de Barcelone de 1992 et a composé "Amigos Para Siempre - Friends for Life" avec Don Black fournissant les paroles. Cette chanson a été interprétée par Sarah Brightman et José Carreras. Lloyd Webber avait caressé l'idée d'écrire une comédie musicale basée sur le film acclamé par la critique de Billy Wilder, Sunset Boulevard, depuis le début des années 1970, lorsqu'il avait vu le film, mais le projet ne s'est concrétisé qu'après l'achèvement d'Aspects of Love lorsque le compositeur a finalement réussi à obtenir les droits de Paramount Pictures. Le compositeur a travaillé avec deux collaborateurs, comme il l'avait fait sur Aspects of Love ; cette fois, Christopher Hampton et Don Black partageaient le même crédit pour le livre et les paroles. Le spectacle a débuté au Adelphi Theatre de Londres le 12 juillet 1993 et ​​a duré 1 529 représentations. Malgré la popularité de la série et sa diffusion étendue dans le West End de Londres, elle a perdu de l'argent en raison des dépenses considérables liées à la production. En 1994, Sunset Boulevard est devenu un spectacle à succès à Broadway, ouvrant avec la plus grande avancée de l'histoire de Broadway et remportant sept Tony Awards cette année-là. Malgré cela, lors de sa fermeture en 1997, « l'entreprise n'avait pas récupéré son investissement déclaré de 13 millions de dollars ». De 1995 à 2000, Lloyd Webber a écrit la chronique Matters of Taste dans le Daily Telegraph où il passait en revue les restaurants et les hôtels, et ceux-ci ont été illustrés par Lucinda Rogers. En 1998, Lloyd Webber a sorti une version cinématographique de "Cats", filmée au Adelphi Theatre de Londres. David Mallet a réalisé le film et Gillian Lynne l'a chorégraphié. Le casting était composé d'interprètes qui avaient déjà participé au spectacle, dont Ken Page (l'original Old Deuteronomy à Broadway), Elaine Paige (l'original Grizabella à Londres) et Sir John Mills dans le rôle de Gus : le chat du théâtre. En 1998, Whistle Down the Wind a fait ses débuts, une comédie musicale écrite avec des paroles fournies par Jim Steinman. Initialement ouvert à Washington, Lloyd Webber n'aurait pas été satisfait du casting ou de la production d'Harold Prince et le spectacle a ensuite été révisé pour une mise en scène londonienne dirigée par Gale Edwards. La production est probablement plus remarquable pour le succès numéro un de Boyzone "No Matter". What" qui n'a quitté que les charts britanniques lorsque le prix du CD single a été modifié pour le faire sortir du top dix officiel. Son The Beautiful Game a ouvert ses portes à Londres et n'a jamais été vu à Broadway. Le spectacle a eu une diffusion respectable au Cambridge Theatre de Londres. Le spectacle a été retravaillé en une nouvelle comédie musicale, The Boys in the Photograph, qui a eu sa première mondiale au Liverpool Institute for Performing Arts en avril 2008. années 2000 Ayant obtenu un grand succès populaire dans le théâtre musical, Lloyd Webber a été désigné par le New York Times en 2001 comme « le compositeur le plus prospère de l'histoire sur le plan commercial ». En 2002, il devient producteur et amène la comédie musicale Bombay Dreams à Londres. Avec la musique du compositeur de Bollywood A.R. Rahman et paroles de Don Black, il a été diffusé pendant deux ans au Apollo Victoria Theatre. Une production révisée de Broadway au Broadway Theatre deux ans plus tard n'a duré que 284 représentations. Le 16 septembre 2004, sa production de The Woman in White a débuté au Palace Theatre de Londres. Il a duré 19 mois et 500 représentations. Une production révisée a débuté à Broadway au Marquis Theatre le 17 novembre 2005. Recueillant des critiques mitigées de la part des critiques, en partie à cause des absences fréquentes de la star de la série Maria Friedman en raison d'un traitement contre le cancer du sein, elle n'a fermé que trois mois plus tard, le 19. Février 2006. Lloyd Webber a produit une mise en scène de The Sound of Music, qui a débuté en novembre 2006. Il a pris la décision controversée de choisir une inconnue pour jouer le rôle principal de Maria, qui a été découverte grâce à l'émission de télé-réalité de la BBC, How Do You Solve a Problem like Maria?, dans lequel il était juge. La gagnante de l'émission était Connie Fisher. Il a été annoncé le 25 août 2006, sur son site personnel, que son prochain projet serait Le Maître et Marguerite ; cependant, il a été annoncé fin mars 2007 qu'il avait abandonné le projet. En septembre 2006, Lloyd Webber a été nommé récipiendaire des prestigieux Kennedy Center Honors avec Zubin Mehta, Dolly Parton, Steven Spielberg et Smokey Robinson. Il a été reconnu pour sa contribution exceptionnelle aux arts du spectacle américains. [http://www.kennedy-center.org/programs/specialevents/honors/home.html The Kennedy Center Honors] Il a assisté à la cérémonie le 3 décembre 2006 ; il a été diffusé le 26 décembre 2006. Le 11 février 2007, Lloyd Webber a été présenté comme juge invité dans l'émission de télé-réalité Grease : You're the One that I Want ! Les concurrents ont tous chanté "Le Fantôme de l'Opéra". Entre avril et juin 2007, il est apparu dans Any Dream Will Do ! de BBC One, qui suivait le même format que How Do You Solve a Problem Like Maria ?. Son objectif était de trouver un nouveau Joseph pour sa renaissance de Joseph et de l'incroyable Dreamcoat Technicolor. Lee Mead a remporté le concours après avoir quitté son rôle dans l'ensemble – et en tant que doublure dans Le Fantôme de l'Opéra – pour concourir pour le rôle. Le vote téléphonique des téléspectateurs pendant la série a permis de récolter plus de 500 000 £ pour l'appel caritatif annuel de la BBC pour les enfants dans le besoin, selon l'animateur Graham Norton à l'antenne lors de la finale. Le 1er juillet 2007, Lloyd Webber a présenté des extraits de ses comédies musicales dans le cadre du Concert for Diana organisé au stade de Wembley, à Londres, un événement organisé pour célébrer la vie de la princesse Diana près de 10 ans après sa mort. BBC Radio 2 a diffusé un concert de musique des comédies musicales de Lloyd-Webber le 24 août 2007. Denise Van Outen a présenté des chansons de Whistle Down the Wind, The Beautiful Game, Tell Me on a Sunday, The Woman in White, Evita et Joseph and the. Amazing Technicolor Dreamcoat – ainsi que The Sound of Music de Rodgers et Hammerstein, que Lloyd Webber a relancé en 2006 au London Palladium, et la comédie musicale Bombay Dreams de 2002. En avril 2008, Lloyd Webber a repris son rôle de juge, cette fois dans l'émission musicale de la BBC, I'd Do Anything. Le spectacle a suivi un format similaire à celui de ses prédécesseurs Maria et Joseph, impliquant cette fois une recherche d'une actrice pour jouer le rôle de Nancy dans une prochaine production du West End de la comédie musicale Oliver Bart de Lionel Bart ! La série présentait également une recherche de trois jeunes acteurs pour jouer et partager le rôle du personnage principal, mais la série se concentrait principalement sur la recherche de Nancy. Le rôle a été remporté par Jodie Prenger malgré la préférence déclarée de Lloyd Webber pour l'un des autres candidats ; les gagnants du rôle d'Oliver étaient Harry Stott, Gwion Wyn-Jones et Laurence Jeffcoate. Également en avril 2008. Lloyd Webber a participé à l'émission américaine American Idol, agissant en tant que mentor lorsque les 6 finalistes ont dû sélectionner l'une de ses chansons à interpréter devant les juges cette semaine-là. Lloyd Webber a accepté le défi de gérer les candidatures du Royaume-Uni au Concours Eurovision de la chanson 2009, qui se tiendra à Moscou. Début 2009, une série intitulée Eurovision : Votre pays a besoin de vous a été diffusée pour trouver un interprète pour une chanson qu'il composerait pour le concours. Jade Ewen a obtenu le droit de représenter la Grande-Bretagne, gagnant avec It's My Time, de Lloyd Webber et Diane Warren. Lors du concours, Lloyd Webber l'a accompagnée au piano pendant la représentation. Le Royaume-Uni a terminé 5ème du concours. Le gagnant a été le Norvégien Alexander Rybak avec sa composition record du monde "Fairytale". Le 8 octobre 2009, Lloyd Webber a lancé la comédie musicale Love Never Dies lors d'une conférence de presse tenue au Her Majesty's Theatre, où le Phantom original est diffusé depuis 1986. Étaient également présents Sierra Boggess, qui a joué le rôle de Christine Daaé, et Ramin Karimloo. , qui a interprété Phantom, un rôle qu'il a récemment joué dans le West End. années 2010 Après l'ouverture de Love Never Dies, Lloyd Webber a de nouveau commencé à rechercher un nouvel interprète de théâtre musical dans la série BBC One Over the Rainbow. Il a choisi la gagnante, Danielle Hope, dans le rôle de Dorothy et d'un chien pour jouer Toto dans sa prochaine production scénique du Magicien d'Oz. Lui et le parolier et compositeur Tim Rice ont écrit un certain nombre de nouvelles chansons pour la production afin de compléter les chansons du film. Le 26 février 2010, il est apparu dans l'émission Friday Night de la BBC avec Jonathan Ross pour promouvoir Love Never Dies. Le 1er mars 2011, Le Magicien d'Oz a ouvert ses portes au Palladium Theatre, avec Danielle Hope dans le rôle de Dorothy et Michael Crawford dans le rôle du sorcier. En 2012, Lloyd Webber a dirigé une nouvelle émission ITV aux heures de grande écoute, Superstar, qui a donné au public britannique la possibilité de décider qui jouerait le rôle principal de Jésus lors d'une prochaine tournée des arènes de Jesus Christ Superstar. La tournée des arènes a débuté en septembre 2012 et mettait également en vedette le comédien Tim Minchin dans le rôle de Judas Iscariot, l'ancienne Spice Girl Melanie C dans le rôle de Mary Magdalene et le DJ de la BBC Radio 1 Chris Moyles dans le rôle du roi Hérode. Les billets pour la plupart des salles ont été mis en vente le 18 mai 2012. Webber a suscité la controverse avec une série de commentaires sur l'Eurovision dans une interview accordée au Radio Times. Il a déclaré : "Je ne pense pas que cela serve à quoi que ce soit de tourner autour du pot. Je n'ai vu aucun visage noir au programme de l'Eurovision 2012. J'ai été interrogé par la presse sur la course de Jade Ewen, et je pense que nous aurions terminé deuxièmes, mais Il y a un problème quand on va plus à l'est. Si vous parlez de l'Europe occidentale, c'est bien, mais de l'Ukraine, ce n'est pas très bien. » L'UER a corrigé Webber en lui disant que la chanteuse ukrainienne Gaitana était noire, que la gagnante suédoise de cette année, Loreen, était d'origine nord-africaine et accompagnée d'un danseur noir, et que la candidate française Anggun était indonésienne. Les organisateurs du concours ont également déclaré à Webber que le chanteur noir Dave Benton avait gagné pour l'Estonie en 2001. L'UER a catégoriquement nié le racisme dans son émission et a insisté sur le fait qu'elle unissait l'Europe trois soirs par an. En 2013, Webber a retrouvé Christopher Hampton et Don Black sur Stephen Ward the Musical. En 2014, il a été annoncé que le prochain projet de Webber serait une adaptation musicale du film School of Rock de 2003. Le 19 janvier 2015, des auditions ont été ouvertes pour les enfants âgés de neuf à quinze ans en coopération avec le programme d'éducation musicale School of Rock, qui a précédé le film de plusieurs années. Accusations de plagiat Lloyd Webber a été accusé de plagiat dans ses œuvres. Le compositeur néerlandais Louis Andriessen a commenté : « Il existe deux sortes de vol (dans la musique) : prendre quelque chose et ne rien faire avec, ou aller travailler sur ce que vous avez volé. La première est le plagiat. Andrew Lloyd Webber n'a pas encore imaginez une seule note ; en fait, le pauvre n'a jamais inventé une seule note tout seul. C'est plutôt pauvre". Cependant, le biographe de Lloyd Webber, John Snelson, a réfuté ces accusations. Il a reconnu une similitude entre le mouvement Andante du Concerto pour violon en mi mineur de Mendelssohn et la chanson de Jesus Christ Superstar "I Don't Know How to Love Him", mais a écrit que Lloyd Webber : ...apporte une nouvelle tension dramatique à la mélodie originale de Mendelssohn à travers les émotions confuses de Marie-Madeleine. Le thème d'ouverture est peut-être Mendelssohn, mais le traitement rythmique et harmonique ainsi que les nouvelles lignes de développement mélodique très efficace sont ceux de Lloyd Webber. La chanson fonctionne à part entière, comme peuvent en témoigner ses nombreux interprètes et son public. Dans des interviews faisant la promotion d'Amused to Death, Roger Waters, anciennement de Pink Floyd, a affirmé que Lloyd Webber avait copié un court riff chromatique de la chanson « Echoes » de 1971 pour des sections de Le Fantôme de l'Opéra, sorti en 1986 ; néanmoins, il a décidé qu’il ne voulait pas intenter de poursuite. L'auteur-compositeur Ray Repp a également affirmé que Lloyd Webber avait volé une mélodie différente de sa propre chanson "Till You". Contrairement à Roger Waters, Ray Repp a décidé d'intenter une action en justice, mais le tribunal s'est prononcé en faveur de Lloyd Webber. Vie privée Lloyd Webber s'est marié trois fois. Il épousa pour la première fois Sarah Hugill le 24 juillet 1971 et ils divorcèrent le 14 novembre 1983. Ensemble, ils eurent deux enfants ; une fille et un fils : *L'hon. Imogen Lloyd Webber (née le 31 mars 1977) *L'hon. Nicholas Lloyd Webber (né le 2 juillet 1979) Il épousa ensuite la chanteuse Sarah Brightman le 22 mars 1984 dans le Hampshire. Il a choisi Brightman dans le rôle principal de sa comédie musicale Le Fantôme de l'Opéra, entre autres rôles notables. Ils divorcent le 3 janvier 1990. Troisièmement, il épousa Madeleine Gurdon à Westminster le 9 février 1991. Ils ont trois enfants, deux fils et une fille, tous nés à Westminster : *L'hon. Alastair Adam Lloyd Webber (né le 3 mai 1992) *L'hon. William Richard Lloyd Webber (né le 24 août 1993) *L'hon. Isabella Aurora Lloyd Webber (née le 30 avril 1996). La Sunday Times Rich List 2006 l'a classé au 87e rang des hommes les plus riches de Grande-Bretagne, avec une fortune estimée à 700 millions de livres sterling. Sa richesse est passée à 750 millions de livres sterling en 2007, mais la publication l'a classé 101e en 2008. Il vit à Sydmonton Court, dans le Hampshire, et possède une grande partie de Watership Down, à proximité. Lloyd Webber est un collectionneur d'art passionné par l'art victorien. Une exposition d'œuvres de sa collection a été présentée à la Royal Academy en 2003 sous le titre Préraphaélite et autres maîtres – La collection Andrew Lloyd Webber. En 2006, Lloyd Webber envisageait de vendre le Portrait d'Angel Fernández de Soto de Pablo Picasso au profit de la Fondation Andrew Lloyd Webber. En novembre 2006, il a retiré le tableau des enchères après avoir affirmé que l'ancien propriétaire avait été contraint de le vendre sous la contrainte dans l'Allemagne nazie. Un règlement à l'amiable a été conclu, dans le cadre duquel la fondation a conservé ses droits de propriété. Le 23 juin 2010, le tableau a été vendu aux enchères pour 34,7 millions de livres sterling à un enchérisseur téléphonique anonyme. Lloyd Webber a été nommé pair à vie du Parti conservateur en 1997, mais fin 2015, il n'avait voté que 33 fois. Politiquement, Lloyd Webber a soutenu le Parti conservateur du Royaume-Uni, autorisant l'utilisation de sa chanson "Take That Look Off Your Face" dans un film promotionnel du parti vu par environ un million de personnes avant les élections générales de 2005. En 2009, il a publiquement critiqué l'introduction par le gouvernement travailliste d'un nouveau taux d'impôt sur le revenu de 50 % pour les plus hauts revenus britanniques, affirmant que cela nuirait au pays en encourageant les personnes talentueuses à partir. En août 2014, Lloyd Webber était l'une des 200 personnalités publiques signataires d'une lettre adressée au Guardian s'opposant à l'indépendance de l'Écosse à l'approche du référendum de septembre sur cette question. En octobre 2015, Lloyd Webber a participé à un vote controversé de la Chambre des Lords sur un projet de réduction des crédits d'impôt, votant avec le gouvernement en faveur du plan. Fin 2009, Lloyd Webber a été opéré d'un cancer de la prostate à un stade précoce, mais a dû être réadmis à l'hôpital en novembre pour une infection postopératoire. En janvier 2010, il a déclaré qu'il n'avait plus de cancer. Il s'est fait retirer complètement la prostate à titre préventif. Honneurs et styles d'adresse Honneurs Andrew Lloyd Webber a été fait chevalier par la reine en 1992. En 1997, il a été créé pair à vie en tant que baron Lloyd-Webber, de Sydmonton dans le comté de Hampshire. Il est correctement appelé The Lord Lloyd-Webber ; le titre est avec un trait d'union, bien que son nom de famille ne l'est pas. Il siège en tant que membre conservateur de la Chambre des Lords. Styles d'adresse *1948-1992 : Monsieur Andrew Lloyd Webber *1992-1997 : Sir Andrew Lloyd Webber Kt. *1997-présent : Le très honorable Lord Lloyd-Webber Kt Prix Oscars *1996 – Meilleure chanson originale pour « You Must Love Me » d'Evita (prix partagé avec Sir Tim Rice) Une nomination pour la meilleure musique originale et adaptation : film Jesus Christ Superstar de 1973 Une nomination pour la meilleure chanson originale : "Learn to Be Lonely" du film de 2004 Le Fantôme de l'Opéra. Globes dorés * 1997 – Meilleure chanson originale pour « You Must Love Me » d'Evita (prix partagé avec Sir Tim Rice) Plus une nomination pour la meilleure chanson originale : « Learn to Be Lonely » du film de 2004 Le Fantôme de l'Opéra. Grammy Awards *1980 – Meilleur album de casting pour Evita *1983 – Meilleur album de casting pour chats *1986 – Grammy Award de la meilleure composition contemporaine pour Requiem *1990 – Prix Légende Grammy Prix ​​​​Tony *1979 – Meilleure comédie musicale pour Evita *1980 – Meilleure musique originale pour Evita (prix partagé avec Tim Rice) *1983 – Meilleure comédie musicale pour chats *1983 – Meilleure musique originale pour chats *1988 – Meilleure comédie musicale pour Le Fantôme de l'Opéra *1995 – Meilleure comédie musicale pour Sunset Boulevard *1995 – Meilleure musique originale pour Sunset Boulevard Prix ​​Olivier *1978 - Meilleure comédie musicale pour Evita *1981 - Meilleure comédie musicale pour chats *1986 - Meilleure comédie musicale pour Le Fantôme de l'Opéra *2008 - Prix Spécial de la Société *Trois autres prix de production Autres récompenses * 1988 - Drama Desk Award pour les orchestrations exceptionnelles pour Le Fantôme de l'Opéra * 1993 - Étoile sur le Hollywood Walk of Fame pour le théâtre live * 1995 - Praemium Impériale * 1995 - Temple de la renommée des auteurs-compositeurs * 2006 - Kennedy Center Honors * 2008 - Prix Woodrow Wilson pour la fonction publique * 2009 - Temple de la renommée du théâtre américain. * 14 Ivor Novello Awards de la British Academy of Songwriters, Composers and Authors * 7 Laurence Olivier Awards (dont Prix Spécial décerné pour son 60ème anniversaire en 2008) Montre Remarque : Musique composée par Andrew Lloyd Webber, sauf indication contraire. * Nos goûts (1965) Paroles de Tim Rice Pas produit avant 2005 * Joseph et l'incroyable Dreamcoat Technicolor (1968) Paroles de Tim Rice * Jésus-Christ Superstar (1970) Paroles de Tim Rice * Jeeves (1975) Paroles de Alan Ayckbourn Révisé en 1996 sous le titre By Jeeves *Evita (1976) Paroles de Tim Rice * Dis-moi un dimanche (1979) Paroles de Don Black * Chats (1981) Paroles basées sur le livre des chats pratiques d'Old Possum par T. S. Eliot Paroles supplémentaires d'après Eliot par Richard Stilgoe et Trevor Nunn * Chanson et danse (1982) Paroles de Don Black (révisées par Richard Maltby, Jr. pour Broadway) Combinaison de variations (1978) et Dis-moi un dimanche (1979) * Starlight Express (1984) Paroles de Richard Stilgoe Révisions ultérieures par Don Black et David Yazbek Inspiré des livres Thomas the Tank Engine and Friends du révérend W. Awdry. *Cricket (1986) Paroles de Tim Rice Créé pour le 60e anniversaire de la reine Elizabeth II * Le Fantôme de l'Opéra (1986) Paroles de Charles Hart Paroles supplémentaires de Richard Stilgoe D'après le roman de Gaston Leroux * Aspects de l'amour (1989) Paroles de Don Black et Charles Hart D'après le roman de David Garnett * Sunset Boulevard (1993) Livre et paroles de Christopher Hampton et Don Black Basé sur le film de Billy Wilder (1950) * Sifflez dans le vent (1996) Paroles de Jim Steinman * Le Beau Jeu (2000) Paroles de Ben Elton Mis à jour sous le titre Les garçons dans la photographie (2009) * La Femme en blanc (2004) Paroles de David Zippel D'après le roman de Wilkie Collins * L'amour ne meurt jamais (2010) Livre et paroles de Glenn Slater Livre de Ben Elton et Frederick Forsyth Paroles supplémentaires de Charles Hart * Le Magicien d'Oz (2011) Adapté du film Le Magicien d'Oz de 1939 Musique de Harold Arlen Paroles de E.Y. Hambourg Musique supplémentaire d'Andrew Lloyd Webber Paroles supplémentaires de Tim Rice * Stephen Ward la comédie musicale (2013) Livre et paroles de Christopher Hampton et Don Black * École du rock (2015) Paroles de Glenn Slater Livre de Julian Fellowes Basé sur le film de 2003 Adaptations cinématographiques Il y a eu un certain nombre d'adaptations cinématographiques des comédies musicales de Lloyd Webber. Jesus Christ Superstar (1973) a été réalisé par Norman Jewison ; Evita (1996) a été réalisé par Alan Parker ; et Le Fantôme de l'Opéra (2004) a été réalisé par Joel Schumacher et coproduit par Lloyd Webber. Cats, Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat, Jesus Christ Superstar et By Jeeves ont été adaptés en téléfilms sortis sur DVD et VHS et souvent diffusés sur la BBC. Une représentation spéciale du Fantôme de l'Opéra au Royal Albert Hall pour le 25e anniversaire a été diffusée en direct dans les cinémas début octobre 2011, puis diffusée sur DVD et Blu-ray en février 2012. La même chose a également été faite avec une version retravaillée de L'amour ne meurt jamais. Tourné à Melbourne, en Australie, le film a bénéficié d'une sortie cinématographique limitée aux États-Unis et au Canada en 2012, pour voir s'il serait viable de présenter le spectacle à Broadway. Il a reçu des critiques positives et s'est classé n°1 dans les charts DVD au Royaume-Uni et en Irlande, et a bien fonctionné en Amérique. En février 2014, il a été annoncé que la société de production d'Elton John avait acquis les droits de Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat et prévoyait de l'adapter en tant que nouveau film musical d'animation théâtral. Autres travaux *Variations (1978) – Un ensemble de variations musicales sur le Caprice en la mineur de Niccolò Paganini que Lloyd Webber a composé pour son frère, le violoncelliste Julian. Cet album mettait en vedette quinze musiciens de rock, dont le guitariste Gary Moore et le pianiste Rod Argent, et a atteint le numéro 2 du classement des albums britanniques dès sa sortie. Il a ensuite été combiné avec Tell Me on a Sunday pour former un seul spectacle, Song and Dance. Lloyd Webber a également utilisé la cinquième variation comme base pour Unexpected Song in Song and Dance. Le thème principal est utilisé comme thème musical du South Bank Show. *Requiem (1985) – Une œuvre chorale classique composée en l'honneur de son père, William. *Watership Down (1999) - Lloyd Webber et Mike Batt, compositeur principal de la bande originale de l'adaptation en série animée du roman du même nom de Richard Adams, ont composé la chanson "Fields of Sun". La chanson elle-même n'a jamais été utilisée dans la série et n'était pas non plus disponible sur la bande originale du CD sortie à l'époque. Il était cependant toujours crédité pour la chanson inutilisée dans les titres d'ouverture de la série.

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Qui a eu un hit n°1 des années 70 avec Kiss You All Over ?

Exile

" Kiss You All Over " est une chanson de 1978 interprétée par le groupe Exile. C'était écrit par Mike Chapman et Nicky Chinn. Il a été inclus sur l'album du groupe Mixed Emotions, et il mettait en vedette Jimmy Stokley et le guitariste JP Pennington au chant principal. C'était un single numéro un aux États-Unis, mais s'est avéré être le seul grand succès d'Exile sur le marché du pop rock. Billboard l'a classée comme la chanson n ° 5 en 1978. Au Royaume-Uni, la chanson est sortie sur RAK Records de Mickie Most et a culminé au numéro 6 du UK Singles Chart. Dans cette chanson, un synthétiseur à cordes est utilisé. Le chanteur principal de la chanson Stokley a été évincé du groupe en 1979, sa santé déclinant par la suite jusqu'à sa mort à l'âge de 41 ans en 1985. Le groupe s'est tourné vers la musique country après le succès synth-pop de "Kiss You All Over" et le Succès de 1979 "You Thrill Me" (atteignant la 40e place (Royaume-Uni n°67)) et "How Could This Go Wrong", #88 dans les charts. "Take Me Down" a atteint la troisième place de l'Euro Hit 40 au milieu des années 1980. Versions de couverture * 1978 : Une version de Jim Mundy et Terri Melton atteint la 87e place des charts Hot Country Songs. * 1978 : Une version Disco a été reprise par Broadway * 1979 : Avec le morceau "So Strange", Phyllis Hyman a repris cette chanson et a eu un petit succès disco, culminant au numéro 75. * Toujours en 1979, Millie Jackson a repris cette chanson pour son album A Moment's Pleasure et elle est sortie en single en Europe. * 1982 : Une version lovers rock de Samantha Rose produite par le producteur de reggae Winston Curtis est enregistrée à Londres. * 1993 : Tiffany publie une version de son album Dreams Never Die, uniquement en Asie. L'album (et la chanson) ont été réédités aux États-Unis en 2005. * 1997 : La version remixée du groupe No Mercy par Johnny Vicious et Darrin "Spike" Friedman atteint la première place du classement Billboard Hot Dance Club Play. Il a également atteint la 16e place du UK Singles Chart et la 47e place en Australie. * 2013 : Sur l'album Love Will..., Trace Adkins enregistre une reprise avec Exile (J.P. Pennington et Les Taylor). * 2016 : Une reprise de la chanson apparaît sur l'album Orders of Magnitude de la société de l'information. Apparitions dans d'autres médias La chanson a été présentée dans les films Happy Gilmore, Wild Hogs, Man on the Moon, Employee of the Month et Zookeeper. Il a également été utilisé en 2007 lors de l'émission Hockey Night In Canada de CBC lors d'un montage des célébrations de la Coupe Stanley à la fin du dernier match des séries éliminatoires de la Coupe Stanley. La chanson clôt la finale de la première saison de la série Amazon Red Oaks.

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Qu'est-ce qui a coûté la vie à la chanteuse Kathleen Ferrier ?

cancer

Kathleen Mary Ferrier, CBE (22 avril 1912 - 8 octobre 1953) était une chanteuse contralto anglaise qui acquit une réputation internationale en tant qu'artiste de scène, de concert et d'enregistrement, avec un répertoire s'étendant de la chanson folklorique et des ballades populaires aux œuvres classiques de Bach, Brahms. , Mahler et Elgar. Sa mort d'un cancer, au sommet de sa renommée, fut un choc pour le monde musical et particulièrement pour le grand public, qui resta dans l'ignorance de la nature de sa maladie jusqu'après sa mort. Fille d'un maître d'école du village du Lancashire, Ferrier a montré très tôt un talent de pianiste et a remporté de nombreux concours de piano amateur tout en travaillant comme téléphoniste à la Poste générale. Elle ne commença à chanter sérieusement qu'en 1937, lorsqu'après avoir remporté un prestigieux concours de chant au Carlisle Festival, elle commença à recevoir des offres d'engagements professionnels en tant que chanteuse. Par la suite, elle prend des cours de chant, d'abord avec J.E. Hutchinson et plus tard avec Roy Henderson. Après le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, Ferrier fut recruté par le Conseil pour l'encouragement de la musique et des arts (CEMA) et, au cours des années suivantes, chanta lors de concerts et de récitals dans toute l'Angleterre. En 1942, sa carrière prend un nouvel essor lorsqu'elle rencontre le chef d'orchestre Malcolm Sargent, qui la recommande à l'influente agence de gestion de concerts Ibbs and Tillett. Elle est devenue une artiste régulière dans les principales salles de Londres et de province et a réalisé de nombreuses émissions de radio sur la BBC. En 1946, Ferrier fait ses débuts sur scène, lors de la première au Festival de Glyndebourne de l'opéra de Benjamin Britten, The Rape of Lucretia. Un an plus tard, elle fait sa première apparition dans le rôle d'Orfeo dans Orfeo ed Euridice de Gluck, œuvre à laquelle elle devient particulièrement associée. De son propre choix, ce furent ses deux seuls rôles à l'opéra. Au fur et à mesure que sa réputation grandissait, Ferrier noua d'étroites relations de travail avec des personnalités musicales majeures, dont Britten, Sir John Barbirolli, Bruno Walter et l'accompagnateur Gerald Moore. Elle se fait connaître internationalement grâce à ses trois tournées aux États-Unis entre 1948 et 1950 et ses nombreux séjours en Europe continentale. Ferrier reçut un diagnostic de cancer du sein en mars 1951. Entre les périodes d'hospitalisation et de convalescence, elle continua à se produire et à enregistrer ; sa dernière apparition publique fut dans le rôle d'Orfeo, au Royal Opera House en février 1953, huit mois avant sa mort. Parmi ses nombreux monuments commémoratifs, le Fonds de recherche sur le cancer Kathleen Ferrier a été lancé en mai 1954. Le Fonds de bourses d'études Kathleen Ferrier, administré par la Royal Philharmonic Society, décerne depuis 1956 des prix annuels aux jeunes chanteurs professionnels en herbe. Début de la vie Enfance La famille Ferrier est originaire du Pembrokeshire, dans le sud-ouest du Pays de Galles. La succursale du Lancashire est née au 19e siècle, lorsque Thomas Ferrier (le plus jeune fils du soldat Thomas Ferrier du Pembrokeshire Regiment) s'est installé dans la région après avoir été stationné près de Blackburn pendant une période de troubles industriels. Cardus, pp. 19-20 Kathleen Ferrier était née le 22 avril 1912, dans le village de Higher Walton, dans le Lancashire, où son père William Ferrier (le quatrième enfant de Thomas et Elizabeth, née Gorton) était le directeur de l'école du village. Bien que sans formation musicale, William était un membre enthousiaste de la société d'opéra locale et de plusieurs chorales, et sa femme Alice (née Murray), qu'il épousa en 1900, était une chanteuse compétente avec une forte voix de contralto. Ferrier, pp. 14– 16 Kathleen était la troisième et la plus jeune des enfants du couple, après une sœur et un frère ; quand elle avait deux ans, la famille a déménagé à Blackburn, après que William ait été nommé directeur de l'école St Paul de la ville. Dès son plus jeune âge, Kathleen s'est montrée prometteuse en tant que pianiste et a suivi des cours avec Frances Walker, une célèbre professeur de piano du nord de l'Angleterre qui avait été l'élève de Tobias Matthay. Le talent de Kathleen s'est développé rapidement ; en 1924, elle arriva quatrième sur 43 participants au concours de piano du Lytham St Annes Festival, et l'année suivante à Lytham, elle obtint la deuxième place. Téléphoniste et pianiste En raison de la retraite imminente de William et de la baisse des revenus familiaux qui en résulte, les espoirs de Ferrier de fréquenter une école de musique n'ont pas pu se réaliser. En août 1926, elle quitta l'école pour commencer à travailler comme stagiaire au central téléphonique GPO de Blackburn. Elle poursuivit ses études de piano auprès de Frances Walker et, en novembre 1928, fut lauréate régionale d'un concours national pour jeunes pianistes, organisé par le Daily Express. Bien qu'il n'ait pas réussi lors de la finale de Londres qui a suivi, Ferrier a remporté un piano droit Cramer en guise de prix. Le 10 mars 1929, elle fit une apparition bien accueillie en tant qu'accompagnatrice lors d'un concert au King George's Hall de Blackburn. Après d'autres succès au concours de piano, elle fut invitée à donner un court récital radiophonique dans les studios de Manchester de la BBC et, le 3 juillet 1930, fit sa première émission, interprétant des œuvres de Brahms et Percy Grainger. C'est à cette époque qu'elle termine sa formation et devient téléphoniste à part entière. En 1931, âgée de 19 ans, Ferrier réussit ses examens de licence à la Royal Academy of Music. Cette année-là, elle commença des cours de chant occasionnels et, en décembre, chanta un petit rôle de mezzo-soprano dans une représentation à l'église de l'oratorio Elijah de Mendelssohn. Cependant, sa voix n'était pas considérée comme exceptionnelle ; sa vie musicale était centrée sur le piano et sur les concerts locaux, au King George's Hall et ailleurs. Leonard, pp. 19-20. Au début de 1934, elle fut transférée au central téléphonique de Blackpool et s'installa à proximité, pour être proche de son nouveau petit ami, un employé de banque nommé Albert Wilson. À Blackpool, elle a auditionné pour le nouveau service « d'horloge parlante » que le GPO s'apprêtait à introduire. Dans son enthousiasme, Ferrier a inséré une aspiration supplémentaire dans son audition et n'a pas été choisie pour la sélection finale à Londres. Sa décision en 1935 d'épouser Wilson signifiait la fin de son emploi au central téléphonique, car à cette époque, le GPO n'employait pas de femmes mariées. À propos de la carrière de Ferrier jusqu'à ce point, le biographe musical Humphrey Burton a écrit : « Pendant plus d'une décennie, alors qu'elle aurait dû étudier la musique avec les meilleurs professeurs, apprendre la littérature anglaise et les langues étrangères, acquérir des compétences scéniques et motrices et voyager à Londres allait régulièrement voir de l'opéra, Miss Ferrier répondait au téléphone, se mariait avec un directeur de banque et gagnait des concours de tinpot pour son jeu de piano." Mariage Ferrier rencontre Albert Wilson en 1933, probablement grâce à la danse, qu'ils adorent tous deux. Lorsqu'elle annonça qu'ils allaient se marier, sa famille et ses amis avaient de fortes réserves, au motif qu'elle était jeune et inexpérimentée, et qu'elle et Wilson partageaient peu d'intérêts sérieux. Le mariage eut néanmoins lieu le 19 novembre 1935. Peu de temps après, le couple déménagea à Silloth, une petite ville portuaire du Cumberland, où Wilson avait été nommé directeur de la succursale de sa banque. Le mariage n’a pas réussi ; la lune de miel avait révélé des problèmes d'incompatibilité physique et l'union n'était pas consommée. Leonard, pp. 26-28 Dans un article hommage écrit pour le 50e anniversaire de la mort de Ferrier, le journaliste Rupert Christiansen a écrit à propos de la sexualité de Ferrier qu'« il n'y a absolument aucune justification ». pour l'idée qu'elle était lesbienne, mais elle était peut-être sexuellement frigide". Les apparences extérieures furent maintenues pendant quelques années, jusqu'à ce que le départ de Wilson pour le service militaire en 1940 mette effectivement fin au mariage. Le couple divorce en 1947, mais reste en bons termes. Wilson épousa par la suite un ami de Ferrier, Wyn Hetherington ; il est décédé en 1969. Début de carrière de chanteur En 1937, Ferrier participa au concours ouvert de piano du Carlisle Festival et, grâce à un petit pari avec son mari, s'inscrivit également au concours de chant. Elle a facilement remporté le trophée du piano ; lors de la finale de chant, elle a chanté To Daisies de Roger Quilter, une performance qui lui a valu le meilleur prix vocal du festival. Pour marquer son double triomphe au piano et au chant, Ferrier a reçu une coupe de rose spéciale en tant que championne du festival. Après ses victoires à Carlisle, Ferrier a commencé à recevoir des offres d'engagements de chant. Sa première apparition en tant que chanteuse professionnelle, à l'automne 1937, eut lieu lors d'une célébration de la fête des récoltes dans l'église du village d'Aspatria. Elle était payée une guinée. Après avoir remporté la coupe d'or au Workington Festival de 1938, Ferrier chanta Ma Curly-Headed Babby lors d'un concert à l'Opéra de Workington. Cecil McGivern, producteur d'une émission de variétés radiophonique de la BBC Northern, était dans le public et fut suffisamment impressionné pour la réserver pour la prochaine édition de son programme, diffusé depuis Newcastle le 23 février 1939. Cette émission - sa première en tant que chanteuse - a attiré une grande attention et a conduit à davantage de travail à la radio, même si pour Ferrier, l'événement a été éclipsé par la mort de sa mère au début du mois de février. Ferrier, pp. 39-40 Au Festival de Carlisle de 1939, Ferrier a chanté la chanson All Soul's Day de Richard Strauss, une performance qui a particulièrement impressionné l'un des juges, J. E. Hutchinson, un professeur de musique jouissant d'une réputation considérable. Ferrier devient son élève et, sous sa direction, commence à élargir son répertoire pour inclure des œuvres de Bach, Haendel, Brahms et Elgar. Lorsqu'Albert Wilson rejoignit l'armée en 1940, Ferrier reprit son nom de jeune fille, chantant jusqu'alors sous le nom de « Kathleen Wilson ». En décembre 1940, elle apparut pour la première fois professionnellement dans le rôle de « Kathleen Ferrier » dans une représentation du Messie de Haendel, sous la direction de Hutchinson. Au début de 1941, elle auditionne avec succès comme chanteuse auprès du Conseil pour l'encouragement des arts (CEMA), qui organise des concerts et autres divertissements dans les camps militaires, les usines et autres lieux de travail. Au sein de cette organisation, Ferrier commence à travailler avec des artistes de renommée internationale ; en décembre 1941, elle chante avec l'Orchestre Hallé dans une interprétation du Messie avec Isobel Baillie, l'éminente soprano. Cependant, sa candidature auprès du responsable musical de la BBC à Manchester pour une audition a été rejetée. Fifield (éd.), p. 17 Ferrier a eu plus de chance lorsqu'elle a été présentée à Malcolm Sargent après un concert de Hallé à Blackpool. Sargent a accepté de l'entendre chanter et l'a ensuite recommandée à Ibbs and Tillett, l'agence de gestion de concerts basée à Londres. John Tillett l'accepta sans hésitation comme client après quoi, sur les conseils de Sargent, Ferrier décida de s'installer à Londres. Le 24 décembre 1942, elle emménage avec sa sœur Winifred dans un appartement à Frognal Mansions, Hampstead. Célébrité Réputation croissante Ferrier donna son premier récital à Londres le 28 décembre 1942 à la National Gallery, lors d'un concert à l'heure du déjeuner organisé par Dame Myra Hess. Leonard, pp. 50-51 Bien qu'elle ait écrit « cela s'est très bien passé » dans son journal, Ferrier était déçue. avec sa performance et a conclu qu'elle avait besoin d'une formation vocale supplémentaire. Elle s'adresse au distingué baryton Roy Henderson avec qui, une semaine auparavant, elle avait chanté dans Elijah de Mendelssohn. Henderson a accepté de lui enseigner et a été son coach vocal régulier pour le reste de sa vie. Il expliqua plus tard que son « ton chaleureux et spacieux » était en partie dû à la taille de la cavité au fond de sa gorge : « on aurait pu tirer une pomme de bonne taille jusqu'au fond de la gorge sans obstruction ». Cependant, cet avantage physique naturel ne suffisait pas à lui seul à assurer la qualité de sa voix ; cela était dû, dit Henderson, à « son travail acharné, son talent artistique, sa sincérité, sa personnalité et surtout son caractère ». Le 17 mai 1943, Ferrier chante dans Le Messie de Haendel à l'abbaye de Westminster, aux côtés d'Isobel Baillie et Peter Pears, sous la direction de Reginald Jacques. Selon le critique Neville Cardus, c'est ici par la qualité de son chant que Ferrier "a fait son premier appel sérieux aux musiciens". Sa performance assurée l'a conduit à d'autres engagements importants et à des travaux de radiodiffusion ; ses apparitions de plus en plus fréquentes dans des programmes populaires tels que Forces Favorites et Housewives' Choice lui ont rapidement valu une reconnaissance nationale. En mai 1944, aux studios Abbey Road d'EMI avec Gerald Moore comme accompagnateur, elle réalisa des enregistrements tests de musique de Brahms, Gluck et Elgar. Son premier disque publié, réalisé en septembre 1944, fut publié sous le label Columbia ; il s'agissait de deux chansons de Maurice Greene, toujours accompagnées par Moore. Son temps en tant qu'artiste d'enregistrement à Columbia a été bref et malheureux ; elle avait de mauvaises relations avec son producteur, Walter Legge, et après quelques mois, elle fut transférée chez Decca. Au cours des derniers mois de guerre, Ferrier a continué à voyager à travers le pays pour répondre aux demandes croissantes de ses services de la part des organisateurs de concerts. À Leeds en novembre 1944, elle chanta le rôle de l'Ange dans l'œuvre chorale d'Elgar The Dream of Gerontius, sa première performance dans ce qui devint l'un de ses rôles les plus connus. En décembre, elle rencontre John Barbirolli alors qu'elle travaille sur une autre pièce d'Elgar, Sea Pictures ; le chef d’orchestre devint plus tard l’un de ses amis les plus proches et de ses plus fervents défenseurs. Le 15 septembre 1945, Ferrier fait ses débuts aux London Proms, en chantant L'Air des Adieux de l'opéra de Tchaïkovski La Pucelle d'Orléans. Même si elle chantait souvent des airs individuels, l'opéra n'était pas le point fort naturel de Ferrier ; elle n'avait pas aimé chanter le rôle-titre dans une version de concert de Carmen de Bizet à Stourbridge en mars 1944 et évitait généralement des engagements similaires. Néanmoins, Benjamin Britten, qui avait entendu son spectacle du Messie à l'abbaye de Westminster, la persuada de créer le rôle de Lucretia dans son nouvel opéra The Rape of Lucretia, qui devait ouvrir le premier festival de Glyndebourne d'après-guerre en 1946. Elle partagerait le rôle avec Nancy. Evans. Britten, pp. 83-85 Malgré ses réticences initiales, début juillet, Ferrier écrivait à son agent qu'elle « appréciait énormément [les répétitions] et je devrais penser que c'est la meilleure partie que l'on puisse avoir ». Les représentations de Ferrier dans la course de Glyndebourne, qui débuta le 12 juillet 1946, lui valurent des critiques favorables, même si l'opéra lui-même fut moins bien accueilli. Lors de la tournée provinciale qui a suivi le festival, le festival n'a pas réussi à attirer le public et a subi de lourdes pertes financières. En revanche, lorsque l'opéra arriva à Amsterdam, il fut chaleureusement accueilli par le public néerlandais, particulièrement enthousiaste pour l'interprétation de Ferrier. C'était le premier voyage de Ferrier à l'étranger et elle écrivit une lettre enthousiaste à sa famille : « Les maisons et les fenêtres les plus propres que vous ayez jamais vues, et des fleurs dans les champs tout le long ! » Suite à son succès dans le rôle de Lucretia, elle accepta de retourner à Glyndebourne en 1947 pour chanter Orfeo dans l'opéra Orfeo ed Euridice de Gluck. Elle avait souvent chanté l'air d'Orfeo Che farò (« Qu'est-ce que la vie ») en concert et l'avait récemment enregistré avec Decca. À Glyndebourne, les capacités d'acteur limitées de Ferrier ont causé quelques difficultés dans sa relation avec le chef d'orchestre Fritz Stiedry ; néanmoins, sa performance lors de la première soirée, le 19 juin 1947, suscita de chaleureux éloges critiques. L'association de Ferrier avec Glyndebourne porte encore ses fruits lorsque Rudolf Bing, le directeur général du festival, la recommande à Bruno Walter comme soliste contralto dans une interprétation du cycle de chansons symphoniques de Mahler Das Lied von der Erde. Cela était prévu pour le Festival international d'Édimbourg de 1947. Walter hésitait au départ à travailler avec une chanteuse relativement nouvelle, mais après son audition, ses craintes se sont apaisées ; "J'ai reconnu avec plaisir qu'il s'agissait là potentiellement d'un des plus grands chanteurs de notre époque", écrira-t-il plus tard. Das Lied von der Erde était à cette époque largement inconnu en Grande-Bretagne, et certains critiques le trouvaient peu attrayant ; néanmoins, l'Edinburgh Evening News l'a trouvé "tout simplement superbe". Dans une biographie ultérieure de Ferrier, Lord Harewood a décrit le partenariat entre Walter et elle, qui a duré jusqu'à la dernière maladie du chanteur, comme « une association rare de musique, de voix et de tempérament ». Sommet de carrière, 1948-1951 Le 1er janvier 1948, Ferrier part pour une tournée de quatre semaines en Amérique du Nord, le premier des trois voyages transatlantiques qu'elle effectuera au cours des trois années suivantes. À New York, elle a chanté deux représentations de Das Lied von der Erde, avec Bruno Walter et le New York Philharmonic. Alma Mahler, la veuve du compositeur, était présente à la première, le 15 janvier. Dans une lettre écrite le lendemain, Ferrier dit à sa sœur : « Certains critiques sont enthousiastes, d'autres peu impressionnés ». Après la deuxième représentation, diffusée d'un océan à l'autre, Ferrier donne des récitals à Ottawa et à Chicago avant de retourner à New York et de rentrer chez lui le 4 février. En 1948, au milieu de nombreux engagements, Ferrier interpréta la Rhapsodie alto de Brahms aux Proms en août et chanta dans la Messe en si mineur de Bach au Festival d'Édimbourg de cette année-là. Le 13 octobre, elle rejoint Barbirolli et l'Orchestre Hallé pour une interprétation diffusée du cycle de chansons Kindertotenlieder de Mahler. Elle retourne aux Pays-Bas en janvier 1949 pour une série de récitals, puis quitte Southampton le 18 février pour entamer sa deuxième tournée américaine. Celui-ci s'est ouvert à New York avec un concert d'Orfeo ed Euridice qui a remporté les éloges de la critique new-yorkaise. Lors de la tournée qui suivit, son accompagnateur était Arpád Sándor (1896-1972), qui souffrait d'une maladie dépressive qui affectait gravement son jeu. Ignorant son problème, Ferrier fustige dans des lettres à son domicile « cet abominable accompagnateur » qui mérite « un coup de pied dans le pantalon ». Lorsqu'elle a appris qu'il était malade depuis des mois, elle a tourné sa fureur contre les organisateurs de la tournée : "Quel culot de me le confier". Finalement, alors que Sándor était trop malade pour comparaître, Ferrier réussit à recruter un pianiste canadien, John Newmark, avec qui elle noua une relation de travail chaleureuse et durable. Peu de temps après son retour en Angleterre au début de juin 1949, Ferrier part pour Amsterdam où, le 14 juillet, elle chante lors de la première mondiale de la Spring Symphony de Britten, avec Eduard van Beinum et l'Orchestre du Concertgebouw. Britten avait écrit cet ouvrage spécialement pour elle. Au Festival d'Édimbourg en septembre, elle a donné deux récitals dans lesquels Bruno Walter l'accompagnait au piano. Ferrier estime que ces récitals représentent « un sommet auquel je tâtonnais depuis trois ans ». Une diffusion de l'un des récitals a été enregistrée plusieurs années plus tard; à ce sujet, le critique Alan Blyth a écrit : « Le soutien très personnel et positif de Walter pousse évidemment Ferrier à donner le meilleur d'elle-même ». Les 18 mois suivants furent marqués par une activité presque ininterrompue, comprenant un certain nombre de visites en Europe continentale et une troisième tournée américaine entre décembre 1949 et avril 1950. Ce voyage américain innova pour Ferrier – la côte ouest – et comprenait trois représentations à San Francisco de Orfeo ed Euridice, sous la direction de Pierre Monteux. Lors des répétitions, Ferrier a rencontré la célèbre contralto américaine Marian Anderson, qui aurait dit de son homologue anglaise : « Mon Dieu, quelle voix et quel visage ! Au retour de Ferrier, le rythme effréné se poursuit, avec une succession rapide de concerts à Amsterdam, Londres et Édimbourg, suivis d'une tournée en Autriche, en Suisse et en Italie. À Vienne, la soprano Elisabeth Schwarzkopf était la co-soliste de Ferrier dans une interprétation enregistrée de la Messe en si mineur de Bach, avec l'Orchestre symphonique de Vienne sous la direction d'Herbert von Karajan. Schwarzkopf a rappelé plus tard le chant de l'Agnus Dei par Ferrier lors de la messe comme son point culminant de l'année. Au début de 1951, alors qu'elle était en tournée à Rome, Ferrier apprit la mort de son père à l'âge de 83 ans. Bien que bouleversée par cette nouvelle, elle décida de poursuivre la tournée ; son journal du 30 janvier indique : "Mon papa est mort paisiblement après une grippe et un léger accident vasculaire cérébral". Elle rentre à Londres le 19 février et se met aussitôt à répéter avec Barbirolli et le Hallé une œuvre qui est nouvelle pour elle : le Poème de l'amour et de la mer d'Ernest Chausson. Cela a été joué à Manchester le 28 février, acclamé par la critique. Deux semaines plus tard, Ferrier a découvert une grosseur sur sa poitrine. Elle a néanmoins rempli plusieurs engagements en Allemagne, aux Pays-Bas et à Glyndebourne avant de consulter son médecin le 24 mars. Après des tests à l'University College Hospital, un cancer du sein a été diagnostiqué et une mastectomie a été réalisée le 10 avril. Tous les engagements immédiats furent annulés ; parmi celles-ci figurait une série de représentations prévues de The Rape of Lucretia par l'English Opera Group, programmées dans le cadre du Festival of Britain de 1951. Carrière ultérieure Une santé défaillante Ferrier reprend sa carrière le 19 juin 1951, dans la Messe en si mineur au Royal Albert Hall. Elle a ensuite fait sa visite habituelle au Holland Festival, où elle a donné quatre représentations d'Orfeo et a chanté dans la Deuxième Symphonie de Mahler avec Otto Klemperer et l'Orchestre du Concertgebouw. Tout au long de l'été, son programme de concerts était entrecoupé de visites à l'hôpital ; cependant, elle était assez bien pour chanter au Festival d'Edimbourg en septembre, où elle donna deux récitals avec Walter et chanta le Poème de Chausson avec Barbirolli et le Hallé. En novembre, elle a chanté Land of Hope and Glory lors de la réouverture du Free Trade Hall de Manchester, un point culminant de la soirée qui, a écrit Barbirolli, "a ému tout le monde, notamment le chef d'orchestre, aux larmes". Après cela, Ferrier s'est reposée pendant deux mois pendant qu'elle subissait une radiothérapie ; son seul engagement professionnel en décembre était une session d'enregistrement de trois jours de chansons folkloriques aux studios Decca. En janvier 1952, Ferrier rejoint Britten et Pears dans une courte série de concerts visant à collecter des fonds pour l'English Opera Group de Britten. Écrivant plus tard, Britten a rappelé cette tournée comme « peut-être la plus belle de toutes » de ses associations artistiques avec Ferrier. Malgré des problèmes de santé persistants, elle chante dans la Passion selon saint Matthieu au Royal Albert Hall le 30 mars, le Messie au Free Trade Hall le 13 avril et Das Lied von der Erde avec Barbirolli et le Hallé les 23 et 24 avril.Fifield ( éd.), p. Le 30 avril, Ferrier assista à une soirée privée à laquelle étaient présentes la nouvelle reine Elizabeth II et sa sœur, la princesse Margaret. Dans son journal, Ferrier note : « La princesse M a chanté, très bien ! ». Sa santé a continué à se détériorer ; elle a refusé d'envisager une série d'injections d'androgènes, estimant que ce traitement détruirait la qualité de sa voix. En mai, elle s'est rendue à Vienne pour enregistrer Das Lied et les Rückert-Lieder de Mahler avec Walter et la Philharmonie de Vienne ; le chanteur et le chef d'orchestre cherchaient depuis longtemps à préserver leur partenariat sur disque. Malgré des souffrances considérables, Ferrier a achevé les sessions d'enregistrement entre le 15 et le 20 mai. Pendant le reste de l'année 1952, Ferrier assista à son septième Festival d'Édimbourg consécutif, chantant dans des performances de Das Lied, The Dream of Gerontius, Messiah et quelques chansons de Brahms. Elle a entrepris plusieurs sessions d'enregistrement en studio, dont une série d'airs de Bach et de Haendel avec Sir Adrian Boult et le London Philharmonic Orchestra en octobre. En novembre, après un récital au Royal Festival Hall, elle fut bouleversée par une critique dans laquelle Neville Cardus critiquait sa performance pour avoir introduit des « appels vocaux supplémentaires distrayants » destinés à plaire au public au détriment des chansons. Cependant, elle a accepté ses commentaires de bonne grâce, remarquant que "... c'est difficile de plaire à tout le monde - pendant des années, on m'a critiqué pour être un chanteur incolore et monotone". En décembre, elle a chanté dans Christmas Messiah de la BBC, la dernière fois qu'elle interprétait cette œuvre. Le jour du Nouvel An 1953, elle fut nommée Commandeur de l'Ordre de l'Empire britannique (CBE) sur la liste des honneurs du Nouvel An de la Reine. Représentations finales, maladie et mort Au début de 1953, Ferrier était occupé à répéter pour Orpheus, une version anglaise d'Orfeo ed Euridice qui sera présentée en quatre représentations au Royal Opera House en février. Barbirolli avait lancé ce projet, avec l'approbation enthousiaste de Ferrier, quelques mois auparavant. Son seul autre engagement en janvier était un enregistrement de récital à la BBC, dans lequel elle chantait des œuvres de trois compositeurs anglais vivants : Howard Ferguson, William Wordsworth et Edmund Rubbra. Au cours de son traitement hospitalier régulier, elle a discuté avec les médecins de l'opportunité d'une ovariectomie (ablation des ovaires), mais en apprenant que l'impact sur son cancer serait probablement insignifiant et que sa voix pourrait être gravement affectée, elle a choisi de ne pas se faire opérer. . La première représentation d'Orpheus, le 3 février, a été accueillie avec une approbation critique unanime. Selon Barbirolli, Ferrier était particulièrement satisfaite du commentaire d'un critique selon lequel ses mouvements étaient aussi gracieux que ceux de n'importe lequel des danseurs sur scène. Cependant, elle était physiquement affaiblie par sa radiothérapie prolongée ; lors de la deuxième représentation, trois jours plus tard, son fémur gauche s'est partiellement désintégré. L'action rapide des autres membres de la distribution, qui se sont déplacés pour la soutenir, a maintenu le public dans l'ignorance. Bien que pratiquement immobilisée, Ferrier a chanté ses derniers airs et a pris ses rappels avant d'être transférée à l'hôpital. Cela s'est avéré être sa dernière apparition publique; les deux représentations restantes, initialement reportées au mois d'avril, ont finalement été annulées. Pourtant, le grand public ignorait la nature de l'incapacité de Ferrier ; une annonce dans The Guardian déclarait : « Miss Ferrier souffre d'une souche résultant d'une arthrite qui nécessite un traitement ultérieur immédiat. Elle a été causée par le stress physique impliqué dans la répétition et l'exécution de son rôle dans Orpheus ». Ferrier a passé deux mois à l’hôpital universitaire. En conséquence, elle a raté son investiture au CBE ; le ruban lui a été apporté à l'hôpital par un ami. Pendant ce temps, sa sœur lui a trouvé un appartement au rez-de-chaussée à St John's Wood, car elle ne pourrait plus emprunter les nombreux escaliers de Frognal Mansions. Elle a déménagé dans sa nouvelle maison début avril, mais après seulement sept semaines, elle a été forcée de retourner à l'hôpital où, malgré deux autres opérations, son état a continué à se détériorer. Leonard, pp. 241-245. Début juin, elle a appris qu'elle avait été soignée. a reçu la médaille d'or de la Royal Philharmonic Society, la première chanteuse à recevoir cet honneur depuis Muriel Foster en 1914. Dans une lettre au secrétaire de la Société, elle a écrit que « cette nouvelle incroyable et merveilleuse a fait plus que tout pour me faire je me sens tellement mieux". Cette lettre, datée du 9 juin, est probablement la dernière que Ferrier a elle-même signée. À mesure qu'elle s'affaiblissait, elle ne voyait que sa sœur et quelques amis très proches et, même s'il y avait de courtes périodes de répit, son déclin était incessant. Elle est décédée à l'University College Hospital le 8 octobre 1953, à l'âge de 41 ans; date pour laquelle, tout en espérant encore se rétablir, elle avait entrepris de chanter A Mass of Life de Frederick Delius au Festival de Leeds en 1953. Ferrier a été incinérée quelques jours plus tard, au crématorium Golders Green, après un court service privé. Leonard, pp. 246-51. Elle a laissé une succession d'une valeur de 15 134 £, qui, selon son biographe Maurice Leonard, n'était « pas une fortune pour un homme de renommée mondiale ». chanteur, même selon les standards de l'époque". Bilan et héritage La nouvelle de la mort de Ferrier fut un choc considérable pour le public. Même si certains dans les cercles musicaux connaissaient ou soupçonnaient la vérité, le mythe persistait selon lequel son absence de la scène des concerts était temporaire. Le critique d'opéra Rupert Christiansen, écrivant à l'approche du 50e anniversaire de la mort de Ferrier, affirmait qu'« aucune chanteuse dans ce pays n'a jamais été plus profondément aimée, autant pour la personne qu'elle était que pour la voix qu'elle exprimait ». Sa mort, poursuit-il, « a littéralement brisé l'euphorie du couronnement » (qui avait eu lieu le 2 juin 1953). Ian Jack, rédacteur en chef de Granta, pensait qu'elle « pourrait bien être la femme la plus célèbre de Grande-Bretagne après la reine ». Parmi les nombreux hommages de ses collègues, celui de Bruno Walter a été souligné par des biographes : « La plus grande chose dans la musique dans ma vie a été d'avoir connu Kathleen Ferrier et Gustav Mahler, dans cet ordre. Très peu de chanteurs, écrit Lord Harewood, « ont mérité un discours aussi puissant de la part d'un collègue aussi expérimenté ». Lors d'un service commémoratif à la cathédrale de Southwark le 14 novembre 1953, l'évêque de Croydon, dans son éloge funèbre, dit à propos de la voix de Ferrier : « Elle semblait apporter dans ce monde un rayonnement d'un autre monde. » De temps en temps, des commentateurs ont spéculé sur les directions que la carrière de Ferrier aurait pu prendre si elle avait vécu. En 1951, alors qu'elle se remettait de sa mastectomie, elle reçut une offre pour chanter le rôle de Brangäne dans l'opéra Tristan et Isolde de Wagner au Festival de Bayreuth de 1952. Selon Christiansen, elle aurait été "glorieuse" dans ce rôle et était également sollicitée par la direction de Bayreuth pour chanter Erda dans le cycle Ring. Christiansen suggère en outre que, compte tenu des changements de style au cours des 50 dernières années, Ferrier aurait pu avoir moins de succès dans le monde du 21e siècle : « Nous n'aimons pas les voix basses, d'une part - les contraltos ont maintenant un son bizarre et directeur, et même le La majorité des mezzo-sopranos devraient plus précisément être classées dans la catégorie des quasi-sopranos". Cependant, elle était « une chanteuse de et pour son époque – une époque de chagrin et de lassitude, de respect de soi national et de croyance en la noblesse humaine ». Dans ce contexte, « son art se dresse droit, austère, sans prétention, fondamental et sincère ». Peu de temps après la mort de Ferrier, un appel fut lancé par Barbirolli, Walter, Myra Hess et d'autres pour créer un fonds de recherche sur le cancer au nom de Ferrier. Des dons ont été reçus du monde entier. Pour faire connaître le fonds, un concert spécial fut donné au Royal Festival Hall le 7 mai 1954, au cours duquel Barbirolli et Walter se partagèrent gratuitement la direction d'orchestre. Parmi les objets figurait une interprétation de Quand je suis couché en terre de Purcell, que Ferrier avait souvent chanté ; à cette occasion, la partie vocale était jouée par un cor anglais solo. Le Fonds de recherche sur le cancer Kathleen Ferrier a contribué à la création de la chaire Kathleen Ferrier d'oncologie clinique à l'University College Hospital, en 1984. , il continuait de financer la recherche en oncologie. À la suite d'un appel distinct, augmenté du produit de la vente d'un mémoire édité par Neville Cardus, le Kathleen Ferrier Memorial Scholarship Fund a été créé pour encourager les jeunes chanteurs britanniques et du Commonwealth des deux sexes. Le Fonds, qui fonctionne depuis 1956 sous les auspices de la Royal Philharmonic Society, offrait initialement une récompense annuelle couvrant le coût d'une année d'études à un seul lauréat. Avec l'avènement de sponsors supplémentaires, le nombre et la portée des récompenses se sont considérablement élargis depuis lors ; la liste des lauréats des Ferrier Awards comprend de nombreux chanteurs de renommée internationale, parmi lesquels Felicity Palmer, Yvonne Kenny, Lesley Garrett et Bryn Terfel. La Kathleen Ferrier Society, fondée en 1993 pour promouvoir l'intérêt pour tous les aspects de la vie et de l'œuvre de la chanteuse, attribue depuis 1996 des bourses annuelles aux étudiants des principales écoles de musique britanniques. La Société a organisé une série d'événements pour commémorer le centenaire de la naissance de Ferrier en 2012. En février 2012, Ferrier était l'un des dix Britanniques éminents honorés par le Royal Mail dans la série de timbres « Britons of Distinction ». Un autre était Frederick Delius. Un film documentaire biographique, Kathleen Ferrier, également connue sous le nom de ', a été réalisé par Diane Perelsztejn et produit par ARTE France en 2012. Il présentait des entretiens avec ses proches parents, amis et collègues pour produire une nouvelle vision de sa vie et de ses contributions aux arts. Kathleen Ferrier Crescent, à Basildon, Essex, est nommée en son honneur. Enregistrements La discographie de Ferrier se compose d'enregistrements en studio initialement réalisés sur les labels Columbia et Decca, et d'enregistrements tirés de performances live qui ont ensuite été publiés sous forme de disques. Dans les années qui ont suivi sa mort, nombre de ses enregistrements ont été réédités à plusieurs reprises sur les médias modernes ; entre 1992 et 1996, Decca a publié l'édition Kathleen Ferrier, incorporant une grande partie du répertoire enregistré de Ferrier, sur 10 disques compacts. Le discographe Paul Campion a attiré l'attention sur de nombreuses œuvres qu'elle a interprétées mais qu'elle n'a pas enregistrées ou pour lesquelles aucun enregistrement complet n'a encore fait surface. Par exemple, un seul air du Rêve de Gerontius d'Elgar, et aucune de ses interprétations de chansons du XXe siècle de Holst, Bax, Delius et d'autres, n'a été enregistrée. Seule une petite partie de sa Passion selon saint Jean a été capturée sur disque. L'enregistrement de la chanson folklorique non accompagnée de Northumbrie "Blow the Wind Southerly", initialement réalisé par Decca en 1949, a été réédité à plusieurs reprises et fréquemment diffusé à la radio dans des émissions telles que Desert Island Discs, Housewives' Choice et Your Hundred Best Tunes. Une autre signature

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Quelle actrice a été élue Miss Greenwich Village en 1942 ?

Lauren Bacall

Lauren Bacall (née Betty Joan Perske ; 16 septembre 1924 – 12 août 2014) était une actrice américaine connue pour sa voix distinctive et son look sensuel. Elle a été nommée 20e plus grande star féminine du cinéma hollywoodien classique par l'American Film Institute et a reçu un Oscar Honorary Award de l'Academy of Motion Picture Arts and Sciences en 2009, « en reconnaissance de sa place centrale dans l'âge d'or du cinéma ». ". Bacall a commencé sa carrière en tant que mannequin, avant de faire ses débuts en tant qu'actrice principale avec Humphrey Bogart dans le film To Have and Have Not en 1944. Elle a continué dans le genre du film noir avec des apparitions avec Bogart dans The Big Sleep (1946), Dark Passage (1947) et Key Largo (1948), et a joué dans les comédies romantiques Comment épouser un millionnaire (1953) avec Marilyn Monroe et Designing Woman (1957) avec Gregory Peck. Elle a partagé la vedette avec John Wayne dans son dernier film, The Shootist (1976). Bacall a également travaillé à Broadway dans des comédies musicales, remportant les Tony Awards pour Applause (1970) et Femme de l'année (1981). Sa performance dans The Mirror Has Two Faces (1996) lui a valu un Golden Globe Award et une nomination aux Oscars. Un mois avant son 90e anniversaire, Bacall est décédée à New York des suites d'un accident vasculaire cérébral. Début de la vie Bacall est née Betty Joan Perske le 16 septembre 1924 dans le Bronx, New York, fille unique de Natalie, née Weinstein-Bacal (1901-1977), une secrétaire qui a plus tard légalement changé son nom de famille en Bacall, et de William Perske, qui travaillait dans la vente. Ses deux parents étaient juifs. Selon Bacall, sa mère a immigré du Royaume de Roumanie via Ellis Island et son père est né dans le New Jersey, de parents nés dans une région de la Pologne appelée Terre de la Vistule, dans l'Empire russe. Peu de temps après sa naissance, la famille de Bacall a déménagé à Ocean Parkway à Brooklyn. Elle a fait ses études avec le soutien financier de ses riches oncles dans un internat privé fondé par le philanthrope Eugene Heitler Lehman, nommé The Highland Manor Boarding School for Girls, à Tarrytown, New York, et à la Julia Richman High School à Manhattan. Par son père, elle était une parente de Shimon Peres (né Szymon Perski), le neuvième président d'Israël. Peres a déclaré : « En 1952 ou 1953, je suis arrivé à New York... Lauren Bacall m'a appelé et m'a dit qu'elle voulait se rencontrer, et nous l'avons fait. Nous nous sommes assis et avons parlé de l'endroit d'où venaient nos familles et avons découvert que nous étions originaires. la même famille... mais je ne sais pas exactement quelle est notre relation... C'est elle qui a dit plus tard qu'elle était ma cousine, je n'ai pas dit ça". Ses parents ont divorcé quand elle avait cinq ans ; elle prit plus tard la forme roumaine du nom de famille de sa mère, Bacall. Elle ne voit plus son père et noue des liens très étroits avec sa mère, qui se remarie avec Lee Goldberg et est venue vivre en Californie après que Bacall soit devenue une star de cinéma. Début de carrière et mannequin En 1941, Bacall prend des cours à l'American Academy of Dramatic Arts, où elle est camarade de classe avec Kirk Douglas, tout en travaillant comme ouvreuse de théâtre au St. James Theatre et mannequin. Elle a fait ses débuts d'actrice à Broadway en 1942, à l'âge de 17 ans, en tant que figurante dans Johnny 2 X 4. À cette époque, elle vivait avec sa mère sur Bank Street, à Greenwich Village, et en 1942, elle fut couronnée Miss Greenwich Village. En tant que mannequin adolescente, elle est apparue sur la couverture de Harper's Bazaar (la couverture a depuis été qualifiée d'« emblématique »), ainsi que dans des magazines tels que Vogue. Elle était connue pour sa « grâce féline, ses cheveux blond fauve et ses yeux bleu-vert ». Bien que l'on attribue souvent à Diana Vreeland la découverte de Bacall pour Harper's Bazaar, c'est en fait Nicolas de Gunzburg qui a fait découvrir Vreeland à la jeune fille de 18 ans. Il avait rencontré Bacall pour la première fois chez Tony's, un club de l'Est des années 50. De Gunzburg a suggéré à Bacall de passer à son bureau du Bazar le lendemain. Il confia ensuite sa trouvaille à Vreeland, qui s'arrangea pour que Louise Dahl-Wolfe photographie Bacall en Kodachrome pour la couverture de mars 1943. La couverture de Harper's Bazaar a attiré l'attention de Slim, l'épouse du producteur et réalisateur hollywoodien Howard Hawks, qui a exhorté Hawks à demander à Bacall de passer un test d'écran pour To Have and Have Not. Hawks a demandé à sa secrétaire d'en savoir plus sur elle, mais la secrétaire a mal compris et a envoyé à Bacall un billet pour venir à Hollywood pour l'audition. Hollywood Après avoir rencontré Bacall à Hollywood, Hawks lui a immédiatement signé un contrat de sept ans avec un salaire hebdomadaire de 100 dollars américains et a commencé personnellement à gérer sa carrière. Il a changé son prénom en Lauren et elle a choisi « Bacall » (une variante du nom de jeune fille de sa mère) comme nom de famille. Slim Hawks a également pris Bacall sous son aile, l'habillant avec style et la guidant en matière d'élégance, de manières et de goût. À la suggestion de Hawks, Bacall a également été entraînée à rendre sa voix plus basse et plus grave au lieu de sa voix nasale aiguë et normale. Hawks lui a demandé, sous la tutelle d'un coach vocal, de baisser le ton de sa voix. Dans le cadre de sa formation, elle devait crier des vers de Shakespeare pendant des heures chaque jour. Sa taille de 5 pieds 8½ pouces, inhabituelle parmi les jeunes actrices du cinéma dans les années 1940 et 1950, l'a également aidée à se démarquer. Sa voix a été qualifiée de « grognement enfumé et sexuel » par la plupart des critiques et de « ronronnement de gorge ». Lors de ses tests d'écran pour To Have and Have Not (1944), Bacall était si nerveuse que, pour minimiser ses tremblements, elle appuya son menton contre sa poitrine, fit face à la caméra et leva les yeux vers le haut. Cet effet, connu sous le nom de "The Look", est devenu une autre marque de fabrique de Bacall avec sa voix sensuelle. Le personnage de Bacall dans le film a utilisé le surnom de Slim Hawks "Slim", et Bogart a utilisé le surnom de Howard Hawks "Steve". L'alchimie entre les deux a été immédiate selon Bacall. Elle et Bogart (qui était alors marié à Mayo Methot) ont entamé une relation amoureuse plusieurs semaines après le tournage. Le rôle de Bacall dans le scénario était à l'origine beaucoup plus petit, mais pendant le tournage, son rôle a été révisé plusieurs fois pour l'étendre au rôle principal qu'il est devenu dans le film sorti. Une fois sorti, To Have and Have Not a catapulté Bacall au rang de célébrité instantanée, et sa performance est devenue la pierre angulaire de son image de star, dont l'impact s'est étendu à la culture populaire en général, influençant même la mode, ainsi que les cinéastes et autres acteurs. Warner Bros. a lancé une vaste campagne de marketing pour promouvoir le film et faire de Bacall une star de cinéma. Dans le cadre de ses relations publiques, Bacall se rendit au National Press Club à Washington, D.C., le 10 février 1945. C'est là que l'agent de presse de Bacall, chef de la publicité chez Warner Bros. Charlie Enfield, demanda au 20- Bacall, 1 an, à s'asseoir au piano pendant que le vice-président américain Harry S. Truman jouait. Après To Have and Have Not, Bacall fut vu aux côtés de Charles Boyer dans Confidential Agent (1945), qui fut mal accueilli par la critique. Selon sa propre estimation, cela aurait pu causer des dommages considérables à sa carrière, si son interprétation de la mystérieuse Vivian Rutledge à la langue acide dans le film noir de Hawks, The Big Sleep (1946), avec Bogart, n'avait pas permis une résurgence rapide de sa carrière. The Big Sleep a jeté les bases de son statut d’icône du film noir. Elle serait fortement associée au genre pour le reste de sa carrière et serait souvent interprétée comme des variations du personnage de femme fatale indépendante et sensuelle de Vivian qu'elle jouait dans le film. Comme le décrit le spécialiste du cinéma Joe McElhaney, "Vivian affiche une maîtrise presque totale du mouvement et des gestes. Elle ne rampe jamais." Bacall a joué avec Bogart dans deux autres films. Dans Dark Passage (1947), un autre film noir, elle incarne une énigmatique artiste de San Francisco. "Miss Bacall - génère beaucoup de pression en tant que fille aux yeux perçants et qui sait ce qu'elle veut", a écrit Bosley Crowther du New York Times à propos de sa performance. Et, en 1948, elle était dans le film à suspense mélodramatique de John Huston, Key Largo, avec Bogart et Edward G. Robinson. Dans le film, selon la critique de cinéma Jessica Kiang, "Bacall apporte au rôle une touche d'ambivalence et d'indépendance qui rend son personnage beaucoup plus intéressant que ce qui était écrit." années 1950 Bacall a refusé des scénarios qu'elle ne trouvait pas intéressants et a ainsi acquis la réputation d'être difficile. Malgré cela, elle consolida encore davantage son statut de star dans les années 1950 en apparaissant comme la protagoniste d’une série de films qui remportèrent des critiques favorables. Bacall a été choisi aux côtés de Gary Cooper dans Bright Leaf (1950). La même année, elle incarne une femme fatale à deux visages dans Young Man with a Horn (1950), une comédie musicale de jazz avec Kirk Douglas, Doris Day et Hoagy Carmichael. De 1951 à 1952, Bacall a partagé la vedette avec Bogart dans la série radiophonique d'action-aventure souscrite Bold Venture. En 1953, elle joue dans la comédie CinemaScope Comment épouser un millionnaire, un succès fulgurant parmi les critiques et au box-office. Réalisé par Jean Negulesco et avec Marilyn Monroe et Betty Grable, Bacall a reçu des avis positifs pour son tour dans le rôle de Schatze Page, une chercheuse d'or pleine d'esprit. "Les premiers honneurs en matière de propagation de la gaieté reviennent à Miss Bacall", a écrit Alton Cook dans le New York World-Telegram & Sun. "La plus intelligente et la plus prédatrice du trio, elle prend le contrôle total de chaque scène avec sa prestation acide de répliques vicieusement pleines d'esprit." Après le succès de Comment épouser un millionnaire, on lui a proposé, mais elle a refusé, avec le soutien de Bogart, l'invitation convoitée du Grauman's Chinese Theatre à presser ses empreintes de mains et de pieds dans la cour cimentée du théâtre. Mais elle avait estimé à l'époque que "toute personne possédant une photo d'ouverture pouvait y être représentée, les normes avaient été tellement abaissées". Elle ne pensait pas avoir encore atteint le statut de grande star et était donc indigne de cet honneur : "Je veux sentir que j'ai mérité ma place parmi ce que mon entreprise a produit de meilleur." À l’époque, Bacall était encore sous contrat avec la 20th Century Fox. Après Comment épouser un millionnaire, elle apparut dans une autre comédie CinemaScope réalisée par Jean Negulesco, Le Monde de la femme (1954), qui ne parvint pas à égaler le succès de son prédécesseur au box-office. En 1955, une version télévisée du film révolutionnaire de Bogart, The Petrified Forest, a été jouée en direct dans Producers' Showcase, une anthologie dramatique hebdomadaire, mettant en vedette Bogart dans le rôle de Duke Mantee, Henry Fonda dans le rôle d'Alan et Bacall dans le rôle de Gabrielle, le rôle joué à l'origine. dans le film de 1936 de Bette Davis. Bogart avait initialement joué le rôle à Broadway avec la star du film suivant, Leslie Howard, qui avait assuré une carrière cinématographique à Bogart en insistant pour que Warner Bros. le jette dans le film à la place d'Edward G. Robinson ; Bogart et Bacall ont nommé leur fille « Leslie Howard Bogart » en signe de gratitude. À la fin des années 1990, Bacall a fait don du seul kinéscope connu de la performance de 1955 au Museum Of Television & Radio (maintenant le Paley Center for Media), où il reste archivé pour être visionné à New York et à Los Angeles. En 1955, Bacall a joué dans deux longs métrages, The Cobweb et Blood Alley. Réalisé par Vincente Minnelli, The Cobweb se déroule dans un établissement psychiatrique dans lequel le personnage de Bacall travaille comme thérapeute. C'était sa deuxième collaboration avec Charles Boyer et mettait également en vedette Richard Widmark et Lillian Gish. "Dans les deux seuls rôles vraiment sympathiques, M. Widmark est excellent et Miss Bacall sous-estime astucieusement", écrit le New York Times. De nombreux spécialistes du cinéma considèrent Written on the Wind, réalisé par Douglas Sirk en 1956, comme une œuvre phare du genre mélodrame. Aux côtés de Rock Hudson, Dorothy Malone et Robert Stack, Bacall incarne une femme de carrière dont la vie est bouleversée de manière inattendue par une famille de magnats du pétrole. Bacall a écrit dans son autobiographie qu'elle ne pensait pas beaucoup au rôle, mais que les critiques étaient favorables. A écrit Variety, "Bacall s'inscrit fortement comme une fille sensée entraînée dans la folie de la famille pétrolière". Alors qu'il luttait à la maison contre le cancer de l'œsophage de Bogart, Bacall a joué avec Gregory Peck dans Designing Woman et a reçu de solides critiques. La comédie musicale était son deuxième long métrage avec le réalisateur Vincente Minnelli et sortit à New York le 16 mai 1957, quatre mois après la mort de Bogart le 14 janvier. Bacall est apparu dans deux autres films dans les années 1950 : le mélodrame réalisé par Jean Negulesco, The Gift of Love (1958), avec Robert Stack ; et le film d'aventure North West Frontier (1959), qui fut un succès au box-office. Années 1960 et 1970 La carrière cinématographique de Bacall a décliné dans les années 1960 et elle n'a été vue que dans une poignée de films. Elle a joué à Broadway dans Goodbye, Charlie en 1959 et a connu une carrière réussie sur scène dans Cactus Flower (1965), Applause (1970) et Woman of the Year (1981). Elle a remporté des Tony Awards pour ses performances dans les deux derniers. Applause était une version musicale du film All About Eve, dans lequel Bette Davis avait joué le rôle de la diva de la scène Margo Channing. Selon l'autobiographie de Bacall, elle et une petite amie ont eu l'opportunité en 1940 de rencontrer son idole Bette Davis à l'hôtel Davis. Des années plus tard, Davis a rendu visite à Bacall dans les coulisses pour la féliciter pour sa performance dans Applause. Davis a dit à Bacall: "Vous êtes le seul à pouvoir jouer ce rôle." Les quelques films réalisés par Bacall pendant cette période étaient des véhicules de stars tels que Sex and the Single Girl (1964) avec Henry Fonda, Tony Curtis et Natalie Wood ; Harper (1966) avec Paul Newman, Shelley Winters, Julie Harris, Robert Wagner et Janet Leigh ; et Meurtre sur l'Orient Express (1974), avec Ingrid Bergman, Albert Finney, Vanessa Redgrave, Martin Balsam et Sean Connery.[http://www.imdb.com/name/nm0000002/?ref_ nv_sr_1 Lauren Bacall - IMDb] Récupéré le 13/08/2015 En 1964, elle est apparue dans deux épisodes de Mr. Broadway de Craig Stevens : d'abord dans "Take a Walk Through a Cemetery", avec son mari d'alors, Jason Robards, Jr., et plus tard dans le rôle de Barbara Lake dans l'épisode "Something to Sing About", avec la future co-star Balsam. Pour son travail au théâtre de Chicago, Bacall a remporté le prix Sarah Siddons en 1972, puis à nouveau en 1984. En 1976, elle partage la vedette avec John Wayne dans son dernier film, The Shootist. Les deux hommes sont devenus amis, malgré d’importantes différences politiques entre eux. Ils avaient déjà travaillé ensemble dans Blood Alley (1955). Carrière ultérieure Au cours des années 1980, Bacall est apparu dans le véhicule vedette mal reçu The Fan (1981), ainsi que dans certains films de stars tels que Health de Robert Altman (1980) et Appointment with Death de Michael Winner (1988). En 1990, elle a joué un petit rôle dans Misery, mettant en vedette Kathy Bates et James Caan. En 1997, Bacall a été nominée pour l'Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle pour son rôle dans The Mirror Has Two Faces (1996), sa première nomination après une carrière de plus de cinquante ans. Bacall avait déjà remporté un Golden Globe et était largement attendu pour remporter l'Oscar, mais il a perdu face à Juliette Binoche pour Le Patient anglais. Bacall a reçu le Kennedy Center Honors en 1997 et, en 1999, elle a été élue l'une des 25 stars féminines de cinéma les plus importantes de l'histoire par l'American Film Institute. Sa carrière cinématographique a connu une sorte de renaissance et elle a attiré des critiques respectueuses pour ses performances dans des projets de grande envergure tels que Dogville (2003), Birth (2004), tous deux avec Nicole Kidman, et dans "Howl's Moving Castle" (2004), en tant que sorcière des déchets. Elle a joué un rôle principal dans The Walker de Paul Schrader (2007). En 1999, Bacall a joué à Broadway dans une reprise de Waiting in the Wings de Noël Coward. Ses activités commerciales dans les années 2000 comprenaient le fait d'être porte-parole de la chaîne discount Tuesday Morning (les publicités la montraient dans une limousine attendant l'ouverture du magasin au début de l'un de leurs événements de vente) et la production d'une ligne de bijoux avec la société Weinman Brothers. Elle était auparavant porte-parole célèbre de la nourriture pour chats High Point (café) et Fancy Feast. En mars 2006, Bacall a été vu à la 78e cérémonie annuelle des Oscars, présentant un montage cinématographique dédié au film noir. Elle a fait une apparition dans son propre rôle dans Les Sopranos, dans l'épisode d'avril 2006, "Luxury Lounge", au cours duquel elle a été agressée par Chris Moltisanti (joué par Michael Imperioli). En septembre 2006, Bacall a reçu la première médaille Katharine Hepburn, qui récompense « les femmes dont la vie, le travail et les contributions incarnent l'intelligence, le dynamisme et l'indépendance de l'actrice quatre fois oscarisée », décernée par le Katharine Houghton Hepburn Center du Bryn Mawr College. . Elle a prononcé un discours lors du service commémoratif d'Arthur M. Schlesinger, Jr. au Reform Club de Londres en juin 2007. Elle a terminé son rôle dans The Forger en 2009. Bacall a été sélectionné par l'Académie des arts et des sciences du cinéma pour recevoir un Oscar d'honneur. Le prix a été remis lors de la première cérémonie des Governors Awards le 14 novembre 2009. En juillet 2013, Bacall a exprimé son intérêt pour le rôle principal dans le film Trouble Is My Business. En novembre, elle rejoint le casting du doublage anglais du film d'animation Ernest et Célestine de StudioCanal. Son dernier rôle remonte à 2014 : une apparition vocale dans l'épisode de la douzième saison de Family Guy "Mom's the Word". Vie privée Relations et famille Le 21 mai 1945, Bacall épousa l'acteur Humphrey Bogart. Leur mariage et leur lune de miel ont eu lieu à Malabar Farm, Lucas, Ohio, la maison de campagne de l'auteur lauréat du prix Pulitzer Louis Bromfield, un ami proche de Bogart. Le mariage a eu lieu dans la Grande Maison. Bacall avait 20 ans et Bogart 45 ans ; ainsi, elle était surnommée « Bébé ». Ils sont restés mariés jusqu'à la mort de Bogart d'un cancer de l'œsophage en 1957. Pressée par l'intervieweur Michael Parkinson de parler de son mariage avec Bogart et interrogée sur sa réticence notable à le faire, elle a répondu qu '«être veuve n'est pas une profession». Lors du tournage de The African Queen (1951), Bacall et Bogart se lient d'amitié avec Katharine Hepburn et Spencer Tracy. Elle a commencé à fréquenter des cercles non-acteurs, se liant d'amitié avec l'historien Arthur Schlesinger, Jr. et le journaliste Alistair Cooke. En 1952, elle prononça des discours de campagne pour le candidat démocrate à la présidentielle Adlai Stevenson. Avec d’autres personnalités hollywoodiennes, Bacall était un farouche opposant au maccarthysme. Peu de temps après la mort de Bogart en 1957, Bacall entretint une relation avec le chanteur et acteur Frank Sinatra. Lors d'une interview avec Robert Osborne de Turner Classic Movies, Bacall a déclaré qu'elle avait mis fin à la romance, mais dans son autobiographie, elle a écrit que Sinatra avait brusquement mis fin à la relation après s'être mise en colère parce que l'histoire de sa proposition à Bacall avait atteint la presse. Lorsque Bacall était sortie avec son ami Irving Paul Lazar, ils ont rencontré la chroniqueuse de potins Louella Parsons, à qui Lazar a révélé les détails de la proposition. Bacall a rencontré plus tard l'acteur Jason Robards. Leur mariage devait initialement avoir lieu à Vienne, en Autriche, le 16 juin 1961 ; cependant, les projets ont été abandonnés après que les autorités autrichiennes ont refusé d'accorder au couple une licence de mariage. Ils se sont également vu refuser un mariage à Las Vegas, Nevada. Le 4 juillet 1961, le couple se rendit à Ensenada, au Mexique, où ils se marièrent. Le couple a divorcé en 1969. Selon l'autobiographie de Bacall, elle a divorcé de Robards principalement à cause de son alcoolisme. Bacall a eu deux enfants avec Bogart et un avec Robards. Son fils Stephen Humphrey Bogart (né le 6 janvier 1949) est un producteur de nouvelles, un réalisateur de documentaires et un auteur nommé d'après le personnage de Bogart dans « To Have and Have Not ». Sa fille Leslie Howard Bogart (née le 23 août 1952) porte le nom de l'acteur Leslie Howard. Infirmière et professeur de yoga, elle est mariée à Erich Schiffmann. Dans ses mémoires de 1995, Stephen Bogart a écrit : « Ma mère était une juive non pratiquante, et mon père était un épiscopalien non pratiquant », et que lui et sa sœur avaient été élevés épiscopaliens « parce que ma mère pensait que cela rendrait la vie plus facile pour Leslie et moi pendant cette période. ces années qui ont suivi la Seconde Guerre mondiale. Sam Robards (né le 16 décembre 1961), le fils de Bacall avec Robards, est un acteur. Bacall a écrit deux autobiographies, Lauren Bacall By Myself (1978) et Now (1994). En 2006, le premier volume de Lauren Bacall By Myself a été réimprimé sous le titre By Myself and Then Some avec un chapitre supplémentaire. Opinions politiques Bacall était une fervente démocrate libérale et a proclamé ses opinions politiques à de nombreuses reprises. Bacall et Bogart faisaient partie des quelque 80 personnalités hollywoodiennes à envoyer un télégramme pour protester contre les enquêtes du House Un-American Activities Committee sur les « Américains soupçonnés de communisme ». Le télégramme indiquait qu'enquêter sur les convictions politiques des individus violait les principes fondamentaux de la démocratie américaine. En octobre 1947, Bacall et Bogart se rendirent à Washington, D.C., avec un certain nombre d'autres stars hollywoodiennes, au sein d'un groupe qui se faisait appeler le Comité pour le premier amendement (CFA), qui comprenait également Danny Kaye, John Garfield, Gene Kelly, John Huston, Ira Gershwin et Jane Wyatt. Elle est apparue aux côtés d'Humphrey Bogart sur une photographie imprimée à la fin d'un article qu'il a écrit, intitulé "Je ne suis pas communiste", dans l'édition de mai 1948 du magazine Photoplay, écrit pour contrecarrer la publicité négative résultant de sa comparution devant le comité de la Chambre. Bogart et Bacall ont pris leurs distances avec les Dix d'Hollywood et ont déclaré : « Nous sommes à peu près aussi favorables au communisme que J. Edgar Hoover. » Bacall a fait campagne pour le candidat démocrate Adlai Stevenson lors de l'élection présidentielle de 1952, l'accompagnant dans des cortèges avec Bogart et volant vers l'est pour aider dans les derniers tours de la campagne de Stevenson à New York et Chicago. Elle a également fait campagne pour Robert Kennedy lors de sa candidature au Sénat américain en 1964. Dans une interview accordée en 2005 à Larry King, Bacall s'est décrite comme « anti-républicaine… libérale. Le mot en L ». Elle a ajouté qu '"être libéral est la meilleure chose que l'on puisse être au monde. Lorsque l'on est libéral, on est accueillant envers tout le monde. On n'a pas un petit esprit". La mort Lauren Bacall est décédée le 12 août 2014 dans son appartement de longue date du Dakota, l'immeuble de l'Upper West Side surplombant Central Park à Manhattan. Elle avait 89 ans, soit cinq semaines avant son 90e anniversaire. Selon son petit-fils Jamie Bogart, l'actrice est décédée des suites d'un grave accident vasculaire cérébral. Son décès a été confirmé à l'hôpital presbytérien de New York. Elle est enterrée au Forest Lawn Memorial Park à Glendale, en Californie. Bacall avait une succession estimée à 26,6 millions de dollars et, dans son testament, elle a laissé 10 000 $ à son plus jeune fils, Sam Robards, pour qu'il prenne soin de son chien, Sophie. Bacall a également laissé de l'argent à deux de ses employées, Ilsa Hernandez et Maria Santos ; Hernandez a reçu 15 000 $ tandis que Santos a reçu 20 000 $. Bacall a laissé 250 000 $ chacun à ses plus jeunes petits-fils, les fils de Sam Robards pour l'université, et la majeure partie de sa succession a été partagée entre ses trois enfants : Leslie Bogart, Stephen Humphrey Bogart et Sam Robards. Elle possédait des œuvres d'art de plusieurs artistes, dont John James Audubon, Max Ernst, David Hockney, Henry Moore et Jim Dine. L'Institut suédois du cinéma de Gärdet, Östermalm à Stockholm lui a rendu hommage avec une soirée spéciale trois mois après sa mort, le 12 novembre 2014. Le magazine Life a publié une édition spéciale sur sa vie. Et Turner Classic Movies (TCM) lui a rendu deux hommages télévisés, l'un raconté par Kelsey Grammer et l'autre raconté par Gregory Peck, un de ses amis depuis l'âge de dix-sept ans. Dans une interview de 1996, Bacall, réfléchissant à sa vie, a déclaré à l'intervieweur qu'elle avait eu de la chance : « J'ai eu un mariage formidable, j'ai trois grands enfants et quatre petits-enfants. Je suis encore vivant. Je peux encore fonctionner. Je peux encore travailler », ajoutant : « Vous apprenez simplement à faire face à tout ce à quoi vous devez faire face. J'ai passé mon enfance à New York, dans le métro et les bus. Et vous savez ce que vous apprenez si vous êtes New-Yorkais ? Le monde ne vous doit rien. Filmographie Apparitions à la radio Livres * Lauren Bacall par moi-même (1978) *Maintenant (1994) * Par moi-même et ensuite certains (2005) Récompenses et nominations * 1967 : Femme au Pudding Hasty de l'Année * 1970 Tony Award de la meilleure actrice dans une comédie musicale, applaudissements * Prix Sarah Siddons de l'actrice de l'année 1972 * 1980 National Book Award dans la catégorie un an : Autobiographie[http://www.nationalbook.org/nba1980.html "National Book Awards – 1980"], nationalbook.org ; récupéré le 16 mars 2012. Il s'agissait du prix de 1980 pour l'autobiographie à couverture rigide. De 1980 à 1983, dans l'histoire du National Book Award, il y a eu deux prix pour les livres reliés et de poche dans la plupart des catégories, ainsi que plusieurs sous-catégories de non-fiction. La plupart des livres de poche primés étaient des réimpressions, y compris l'Autobiographie de 1980. * 1981 Tony Award de la meilleure actrice dans une comédie musicale, femme de l'année * Prix Sarah Siddons de l'actrice de l'année 1984 * Prix George Eastman 1990 * Prix Donostia 1992 (honoraire) * Prix Golden Globe Cecil B. DeMille 1993 * 1994 National Board of Review Award pour la meilleure distribution, Prêt-à-Porter : Prêt-à-porter * César d'honneur 1996 * Festival international du film de Berlin 1997, Berlinale Camera * 1997 Screen Actors Guild Award pour la performance exceptionnelle d'une actrice dans un second rôle, Le miroir a deux visages * 1997 Golden Globe Award de la meilleure actrice dans un second rôle – Film, Le miroir a deux visages * 1997, San Diego Film Critics Society Award de la meilleure actrice dans un second rôle, Le miroir a deux visages * Honneurs du Kennedy Center 1997 * Prix pour l'ensemble de sa carrière au Festival international du film de Stockholm 2000 * Prix pour l'ensemble de sa carrière au Festival international du film norvégien 2007 * Prix d'honneur de l'Académie 2009 en reconnaissance de sa place centrale dans l'âge d'or du cinéma. ;Nominations * 1977 BAFTA Award de la meilleure actrice dans un rôle principal, The Shootist * 1980 Primetime Emmy Award pour l'actrice principale exceptionnelle dans une série dramatique, The Rockford Files * 1997 BAFTA Award de la meilleure actrice dans un second rôle, Le miroir a deux visages * 1997 Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle, Le Miroir a deux visages En 1991, Bacall a reçu une étoile sur le Hollywood Walk of Fame au 1724 Vine Street. En 1997, une Golden Palm Star sur le Walk of Stars de Palm Springs, en Californie, lui a été dédiée. En 1998, Bacall a été intronisé au American Theatre Hall of Fame. Dans la culture populaire Film * Le téléfilm de 1980, Bogie, réalisé par Vincent Sherman et basé sur un livre de Joe Hyams, raconte l'histoire de Bogart rencontrant Bacall alors qu'il tournait To Have and Have Not en 1943, et commençant la liaison avec elle qui conduisit à la dissolution de Le mariage de Bogart avec Mayo Methot. Bacall est interprété par Kathryn Harrold dans le film, Kevin O'Connor joue Bogart et Methot est joué par Ann Wedgeworth. Animation * Bacall et Bogart sont parodiés dans le court métrage Bacall to Arms (1946) de Warner Brothers Merrie Melodies. Musique * Bacall et Bogart sont référencés dans la chanson "Key Largo" de Bertie Higgins (1981). * Bacall est référencé dans la chanson "Car Jamming" de The Clash (1982). * Bacall et Bogart sont référencés dans la chanson "Freeze Tag" de Suzanne Vega (1985). * Elle est référencée dans "Vogue", la chanson de Madonna de 1990. Bacall fut le dernier à mourir parmi les célébrités mentionnées. * Elle fait l'objet de la chanson "Just Like Lauren Bacall" (2008), écrite par Kevin Roth. Livres * Bacall et son appartement de Manhattan sont présentés dans The Dakota Scrapbook (2014), un volume de photojournalisme sur l'histoire de l'immeuble Dakota à New York et de ses célèbres résidents au fil des ans. Homonyme des Îles Marshall * La ville de Laura, sur l'île de Majuro dans les Îles Marshall, est l'une des nombreuses villes insulaires portant le nom de code de célèbres pin-ups des forces américaines de la Seconde Guerre mondiale.

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Quel était le nom de l'autobiographie de Michael Jackson écrite en 1988 ?

Moonwalk

Michael Joseph Jackson (29 août 1958 – 25 juin 2009) était un chanteur, auteur-compositeur, producteur de disques, danseur et acteur américain. Surnommé le roi de la pop, ses contributions à la musique, à la danse et à la mode ainsi que sa vie personnelle médiatisée ont fait de lui une figure mondiale de la culture populaire pendant plus de quatre décennies. Huitième enfant de la famille Jackson, Michael a fait ses débuts professionnels en 1964 avec ses frères aînés Jackie, Tito, Jermaine et Marlon en tant que membre des Jackson 5, et a commencé sa carrière solo en 1971. Au début des années 1980, Jackson est devenu une figure dominante de la musique populaire. Ses vidéoclips, dont ceux de "Beat It", "Billie Jean" et "Thriller" de son album Thriller de 1982, sont reconnus pour avoir brisé les barrières raciales et transformé le médium en une forme d'art et un outil promotionnel. La popularité de ces vidéos a contribué à la renommée de la chaîne de télévision MTV. L'album de Jackson en 1987, Bad, a donné naissance aux singles numéro un du Billboard Hot 100 américain " I Just Can't Stop Loving You ", " Bad ", " The Way You Make Me Feel ", " Man in the Mirror " et " Dirty Diana ". , devenant ainsi le premier album à avoir cinq singles numéro un sur le Billboard Hot 100. Il a continué à innover avec des vidéos telles que "Black or White" et "Scream" tout au long des années 1990 et s'est forgé une réputation d'artiste solo en tournée. À travers des performances scéniques et vidéo, Jackson a popularisé un certain nombre de techniques de danse complexes, telles que le robot et le moonwalk, auxquels il a donné son nom. Son son et son style distinctifs ont influencé de nombreux artistes de divers genres musicaux. Thriller est l'album le plus vendu de tous les temps, avec des ventes estimées à 65 millions d'exemplaires dans le monde. Les autres albums de Jackson, dont Off the Wall (1979), Bad (1987), Dangerous (1991) et HIStory (1995), figurent également parmi les albums les plus vendus au monde. Il est reconnu comme l'artiste le plus titré de tous les temps par le Guinness World Records. Jackson est l'un des rares artistes à avoir été intronisé deux fois au Rock and Roll Hall of Fame, et a également été intronisé au Songwriters Hall of Fame et au Dance Hall of Fame en tant que seul danseur de la musique pop et rock. Ses autres réalisations incluent plusieurs Guinness World Records, 13 Grammy Awards, le Grammy Legend Award, le Grammy Lifetime Achievement Award, 26 American Music Awards – plus que tout autre artiste – y compris « l'Artiste du siècle » et « l'Artiste des années 1980 ». , 13 singles numéro un aux États-Unis au cours de sa carrière solo, soit plus que tout autre artiste masculin de l'ère Hot 100, et des ventes estimées à plus de 400 millions de disques dans le monde. Jackson a remporté des centaines de prix, faisant de lui l'artiste le plus récompensé de l'histoire de la musique populaire. Il est devenu le premier artiste de l'histoire à figurer dans le top 10 du Billboard Hot 100 au cours de cinq décennies différentes lorsque "Love Never Felt So Good" a atteint la neuvième place le 21 mai 2014. Jackson a parcouru le monde pour assister à des événements honorant son humanisme et , en 2000, le Guinness World Records l'a reconnu pour son soutien à 39 œuvres caritatives, plus que tout autre artiste. Certains aspects de la vie personnelle de Jackson, notamment son apparence changeante, ses relations personnelles et son comportement, ont suscité la controverse. En 1993, il a été accusé d'abus sexuels sur des enfants, mais l'affaire civile a été réglée à l'amiable pour un montant non divulgué et aucune accusation formelle n'a été portée. En 2005, il a été jugé et acquitté de nouvelles allégations d'abus sexuels sur des enfants et de plusieurs autres chefs d'accusation après que le jury l'a déclaré non coupable de tous les chefs d'accusation. Alors qu'il se préparait pour sa série de concerts de retour, This Is It, Jackson est décédé d'une intoxication aiguë au propofol et aux benzodiazépines le 25 juin 2009, après avoir souffert d'un arrêt cardiaque. Le coroner du comté de Los Angeles a qualifié sa mort d'homicide et son médecin personnel, Conrad Murray, a été reconnu coupable d'homicide involontaire. La mort de Jackson a déclenché une vague mondiale de chagrin et une retransmission en direct de son service commémoratif public a été vue dans le monde entier. Forbes classe Jackson comme la célébrité décédée la mieux rémunérée, un titre détenu pour la sixième année consécutive, avec 115 millions de dollars de revenus. vie et carrière 1958-1975 : Les débuts de la vie et les Jackson 5 Michael Joseph Jackson est né le 29 août 1958. Il était le huitième de dix enfants d'une famille afro-américaine de la classe ouvrière vivant dans une maison de deux chambres sur Jackson Street à Gary, Indiana, une ville industrielle et une partie de la région de Chicago. Zone métropolitaine. Sa mère, Katherine Esther Scruse, était une fervente Témoin de Jéhovah. Elle jouait de la clarinette et du piano et aspirait autrefois à devenir une artiste country et western, mais elle travaillait à temps partiel chez Sears pour subvenir aux besoins de la famille. Le père de Michael, Joseph Walter « Joe » Jackson, un ancien boxeur, était métallurgiste chez US Steel. Joe a également joué de la guitare avec un groupe de rythme et de blues local, les Falcons, pour compléter le revenu du ménage familial. Michael a grandi avec trois sœurs (Rebbie, La Toya et Janet) et cinq frères (Jackie, Tito, Jermaine, Marlon et Randy). Un sixième frère, Brandon, le jumeau de Marlon, est décédé peu de temps après sa naissance. Jackson avait une relation difficile avec son père, Joe. En 2003, Joe a reconnu qu'il le fouettait régulièrement lorsqu'il était enfant. Joe aurait également abusé verbalement son fils, disant souvent qu'il avait un "gros nez". Jackson a déclaré qu'il avait été maltraité physiquement et émotionnellement lors des répétitions incessantes, bien qu'il attribue à la discipline stricte de son père le rôle important dans son succès. Dans une interview avec Martin Bashir pour le documentaire Living with Michael Jackson de 2003, Jackson a rappelé que Joe était souvent assis sur une chaise avec une ceinture à la main pendant que lui et ses frères et sœurs répétaient, et que « si vous ne le faisiez pas de la bonne manière , il te déchirerait, t'aurait vraiment." Les parents de Jackson ont contesté les allégations d'abus de longue date, Katherine déclarant que même si le fouet est considéré aujourd'hui comme un abus, c'était une manière courante de discipliner les enfants à l'époque. Jackie, Tito, Jermaine et Marlon ont également déclaré que leur père n'était pas violent et que les coups de fouet, qui étaient plus durs pour Michael parce qu'il était plus jeune, les maintenaient disciplinés et à l'abri des ennuis. Parlant ouvertement de son enfance dans une interview avec Oprah Winfrey diffusée en février 1993, Jackson a reconnu que sa jeunesse avait été solitaire et isolée. Son profonde insatisfaction à l'égard de son apparence, ses cauchemars et ses problèmes de sommeil chroniques, sa tendance à rester hyper-compliant, notamment avec son père, et à rester enfantin tout au long de sa vie d'adulte sont cohérents avec les effets des mauvais traitements qu'il a subis lorsqu'il était jeune enfant. En 1964, Michael et Marlon rejoignirent les Jackson Brothers, un groupe formé par leur père et qui comprenait les frères Jackie, Tito et Jermaine, en tant que musiciens suppléants jouant des congas et du tambourin. En 1965, Jackson a commencé à partager le chant principal avec son frère aîné Jermaine, et le nom du groupe a été changé pour Jackson 5. L'année suivante, le groupe a remporté un important spectacle de talents local avec Jackson interprétant la danse sur le tube de Robert Parker de 1965 "Barefootin' ". De 1966 à 1968, le groupe fait une tournée dans le Midwest, se produisant fréquemment dans une série de clubs noirs connus sous le nom de « circuit chitlin » en première partie d'artistes tels que Sam & Dave, les O'Jays, Gladys Knight et Etta James. Les Jackson 5 se sont également produits dans des clubs et des salons à cocktails, où des spectacles de strip-tease et d'autres numéros pour adultes étaient présentés, ainsi que dans des auditoriums locaux et des bals de lycée. En août 1967, lors d'une tournée sur la côte Est, le groupe remporte un concert nocturne amateur hebdomadaire au Apollo Theatre de Harlem. Les Jackson 5 ont enregistré plusieurs chansons, dont "Big Boy" (1968), leur premier single, pour Steeltown Records, un label de Gary, Indiana, avant de signer avec Motown en 1969. Ils ont quitté Gary en 1969 et ont déménagé à Los Angeles. région, où ils ont continué à enregistrer de la musique pour Motown. Rolling Stone a décrit plus tard le jeune Michael comme « un prodige » doté de « dons musicaux écrasants » qui « est rapidement devenu le principal attrait et le chanteur principal ». Le groupe a établi un record avec ses quatre premiers singles : "I Want You Back" (1969), "ABC" (1970), "The Love You Save" (1970) et "I'll Be There" (1970). - a culminé au numéro un du Billboard Hot 100. En mai 1971, la famille Jackson a emménagé dans une grande maison sur un domaine de deux acres à Encino, en Californie. Au cours de cette période, Michael est passé du statut d’enfant artiste à celui d’idole des adolescents. Alors que Jackson commençait à émerger en tant qu'artiste solo au début des années 1970, il entretenait des liens avec les Jackson 5 et la Motown. Entre 1972, date du début de sa carrière solo, et 1975, Michael a sorti quatre albums studio solo avec Motown : Got to Be There (1972), Ben (1972), Music & Me (1973) et Forever, Michael (1975). "Got to Be There" et "Ben", les titres de ses deux premiers albums solo, sont tous deux devenus des singles à succès, tout comme une reprise de "Rockin' Robin" de Bobby Day. Les Jackson 5 ont ensuite été décrits comme « un exemple avant-gardiste d’artistes noirs crossover ». Bien que les ventes du groupe aient commencé à décliner en 1973 et que les membres du groupe soient irrités par le refus de la Motown de leur permettre une contribution créative, ils ont réalisé plusieurs succès dans le top 40, dont le top cinq "Dancing Machine" (1974), avant de quitter la Motown en 1975. 1975-1981 : passer à Epic et Off the Wall En juin 1975, les Jackson 5 signent avec Epic Records, une filiale de CBS Records, et se rebaptisent les Jacksons. Le frère cadet Randy a officiellement rejoint le groupe à cette époque, tandis que Jermaine a choisi de rester avec Motown et de poursuivre une carrière solo. Les Jacksons ont continué à tourner à l'international et ont sorti six autres albums entre 1976 et 1984. Michael, l'auteur-compositeur principal du groupe à cette époque, a écrit des tubes tels que "Shake Your Body (Down to the Ground)" (1979), "This Place Hotel " (1980) et " Can You Feel It " (1980). Son travail au cinéma a commencé en 1978, lorsqu'il a joué le rôle de l'Épouvantail dans The Wiz, une comédie musicale réalisée par Sidney Lumet qui mettait également en vedette Diana Ross, Nipsey Russell et Ted Ross. Le film fut un échec au box-office. Alors qu'il travaillait sur le film, Jackson a rencontré le producteur Quincy Jones, même si ce n'était pas la première fois qu'ils se rencontraient (ils se sont rencontrés pour la première fois quand Michael avait 12 ans, chez Sammy Davis Jr.). Jones arrangeait la musique du film et accepta de produire le prochain album solo de Jackson, Off the Wall. En 1979, Jackson s'est cassé le nez lors d'un numéro de danse complexe. Sa rhinoplastie ultérieure ne fut pas un succès complet ; il se plaignait de difficultés respiratoires qui allaient affecter sa carrière. Il a été référé au Dr Steven Hoefflin, qui a réalisé la deuxième rhinoplastie de Jackson et les opérations ultérieures. Off the Wall (1979), coproduit par Jones et Jackson, a établi Jackson en tant qu'artiste solo. L'album a aidé Jackson à passer de la pop bubblegum de sa jeunesse aux sons plus complexes qu'il créerait en tant qu'adulte. Les auteurs-compositeurs de l'album comprenaient Jackson, Rod Temperton, Stevie Wonder et Paul McCartney. Off the Wall a été le premier album solo à générer quatre succès dans le top 10 aux États-Unis : " Off the Wall ", " She's Out of My Life " et les singles en tête des charts " Don't Stop 'Til You Get Enough ". et "Rock avec toi". L'album atteint la troisième place du Billboard 200 et se vend finalement à plus de 20 millions d'exemplaires dans le monde. En 1980, Jackson a remporté trois prix aux American Music Awards pour ses efforts solo : album Soul/R&B préféré, artiste masculin Soul/R&B préféré et single Soul/R&B préféré pour "Don't Stop 'Til You Get Enough". Il a également remporté les prix Billboard Year-End pour le meilleur artiste noir et le meilleur album noir, ainsi qu'un Grammy Award pour la meilleure performance vocale R&B masculine en 1979 avec "Don't Stop 'Til You Get Enough". En 1981, Jackson a remporté les American Music Awards pour l'album Soul/R&B préféré et l'artiste masculin Soul/R&B préféré. Malgré son succès commercial, Jackson a estimé qu'Off the Wall aurait dû avoir un impact plus important et était déterminé à dépasser les attentes avec sa prochaine sortie. En 1980, il a obtenu le taux de redevances le plus élevé de l’industrie musicale : 37 % des bénéfices de gros des albums. Jackson a enregistré avec le chanteur Queen Freddie Mercury de 1981 à 1983, y compris une démo de "State of Shock", "Victory" et "There Must Be More to Life Than This". Les enregistrements étaient destinés à un album de duos mais, selon Jim Beach, alors manager de Queen, la relation entre les chanteurs s'est détériorée lorsque Jackson a insisté pour amener un lama dans le studio d'enregistrement. Les collaborations n'ont été officiellement publiées qu'en 2014. Jackson a ensuite enregistré le single "State of Shock" avec Mick Jagger pour l'album Victory des Jacksons (1984). Mercury a inclus la version solo de "There Must Be More To Life Than This" sur son album Mr. Bad Guy (1985). 1982-1983 : Thriller et Motown 25 : Hier, aujourd'hui, pour toujours En 1982, Jackson a combiné ses intérêts pour l'écriture de chansons et le cinéma lorsqu'il a contribué la chanson "Someone in the Dark" au livre d'histoires du film E.T. l'extraterrestre. La chanson, avec Quincy Jones comme producteur, a remporté un Grammy du meilleur enregistrement pour enfants en 1983. Plus de succès est venu avec la sortie de son sixième album, Thriller, à la fin de 1982. L'album a valu à Jackson sept Grammys supplémentaires et huit American Music Awards, dont le Award of Merit, le plus jeune artiste à le remporter. C'était l'album le plus vendu au monde en 1983, et est devenu l'album le plus vendu de tous les temps aux États-Unis et l'album le plus vendu de tous les temps dans le monde, vendant un nombre estimé d'exemplaires. Il a dominé le classement Billboard 200 pendant 37 semaines et a été dans le top 10 des 200 pendant 80 semaines consécutives. C'était le premier album à contenir sept singles dans le top 10 du Billboard Hot 100, dont "Billie Jean", "Beat It" et "Wanna Be Startin' Somethin'". En décembre 2015, Thriller a été certifié pour 30 millions d'expéditions par la RIAA, ce qui en fait le seul album à réaliser cet exploit aux États-Unis. Thriller a remporté à Jackson et Quincy Jones le prix Grammy du producteur de l'année (non classique) en 1983. Il a également remporté l'album de l'année, avec Jackson comme artiste de l'album et Jones comme coproducteur, ainsi que la meilleure performance vocale pop. , Homme, récompense pour Jackson. "Beat It" a remporté le disque de l'année, avec Jackson comme artiste et Jones comme coproducteur, et le prix de la meilleure performance vocale rock masculine pour Jackson. "Billie Jean" a remporté à Jackson deux Grammy Awards, celui de la meilleure chanson R&B, avec Jackson comme auteur-compositeur, et celui de la meilleure performance vocale R&B masculine, comme artiste. Thriller a également remporté un autre Grammy pour le meilleur enregistrement technique – non classique en 1984, récompensant Bruce Swedien pour son travail sur l'album. Les AMA Awards de 1984 ont décerné à Jackson un prix du mérite et des AMA pour l'artiste masculin préféré, Soul/R&B, et l'artiste masculin préféré, Pop/Rock. "Beat It" a remporté les Jackson AMA pour la vidéo préférée, Soul/R&B, la vidéo préférée, Pop/Rock et le single préféré, Pop/Rock. Thriller lui a valu des AMA pour l'album préféré, Soul/R&B, et l'album préféré, Pop/Rock. En plus de l'album, Jackson a sorti "Thriller", un clip vidéo de 14 minutes réalisé par John Landis, en 1983. Il "a défini les vidéoclips et a brisé les barrières raciales" sur Music Television Channel (MTV), une nouvelle chaîne de télévision de divertissement. à l'époque. En décembre 2009, la Bibliothèque du Congrès a sélectionné le clip vidéo « Thriller » pour l'inclure dans le National Film Registry. C'était l'un des 25 films désignés cette année-là comme « œuvres d'une importance durable pour la culture américaine » qui seraient « préservées pour toujours ». Depuis 2009, le « Thriller » sur le thème des zombies est le seul clip vidéo à avoir été inscrit au registre. L'avocat de Jackson, John Branca, a noté que Jackson avait à ce moment-là le taux de redevances le plus élevé de l'industrie musicale : environ 2 $ pour chaque album vendu. Il réalisait également des bénéfices record grâce à la vente de ses enregistrements. La cassette vidéo du documentaire The Making of Michael Jackson's Thriller s'est vendue à plus de 350 000 exemplaires en quelques mois. L'époque voit l'arrivée de nouveautés telles que des poupées sur le modèle de Michael Jackson, apparues dans les magasins en mai 1984 au prix de 12 dollars. Le biographe J. Randy Taraborrelli écrit que « Thriller a cessé de se vendre comme un article de loisir – comme un magazine, un jouet, des billets pour un film à succès – et a commencé à se vendre comme un produit de base pour la maison. » En 1985, The Making of Michael Jackson's Thriller a remporté un Grammy pour le meilleur clip vidéo long format. Time a décrit l'influence de Jackson à cette époque comme "une star du disque, de la radio et du vidéo rock. Une équipe de sauvetage composée d'un seul homme pour le secteur de la musique. Un auteur-compositeur qui donne le ton pendant une décennie. Un danseur avec les pieds les plus chics de la rue. chanteur qui dépasse toutes les frontières des goûts, des styles et des couleurs". Le New York Times a écrit que « dans le monde de la musique pop, il y a Michael Jackson et il y a tout le monde ». Le 25 mars 1983, Jackson a retrouvé ses frères pour une performance live enregistrée au Pasadena Civic Auditorium pour Motown 25: Yesterday, Today, Forever, une émission spéciale de NBC. L'émission a été diffusée le 16 mai 1983 devant un public estimé de téléspectateurs et mettait en vedette les Jacksons et d'autres stars de la Motown. On se souvient surtout du spectacle pour la performance solo de Jackson de "Billie Jean", qui a valu à Jackson sa première nomination aux Emmy. Vêtu d'une veste à paillettes noires distinctive et d'un gant de golf orné de strass, il a fait ses débuts avec son mouvement de danse emblématique, le moonwalk, que l'ancien danseur de Soul Train et membre de Shalamar, Jeffrey Daniel, lui avait enseigné trois ans plus tôt. Jackson a initialement refusé l'invitation à se produire au spectacle, estimant qu'il faisait trop de télévision à l'époque ; cependant, à la demande de Berry Gordy, Jackson a accepté de se produire en échange de temps pour faire une performance solo. Selon le journaliste de Rolling Stone, Mikal Gilmore, "Il y a des moments où vous savez que vous entendez ou voyez quelque chose d'extraordinaire... qui s'est produit cette nuit-là." La performance de Jackson a établi des comparaisons avec les apparitions d'Elvis Presley et des Beatles au Ed Sullivan Show. Anna Kisselgoff du New York Times écrivit plus tard : « Le moonwalk qu'il a rendu célèbre est une métaphore appropriée pour son style de danse. Comment s'y prend-il ? En tant que technicien, c'est un grand illusionniste, un véritable mime. Sa capacité à garder une jambe tendue pendant qu'il glisse tandis que l'autre se plie et semble marcher nécessite un timing parfait. Berry Gordy a déclaré à propos de la performance: "Dès le premier temps de Billie Jean, j'ai été hypnotisé, et quand il a fait son emblématique moonwalk, j'ai été choqué, c'était magique, Michael Jackson est entré en orbite et n'est jamais descendu." 1984-1985 : Pepsi, « We Are the World » et carrière dans les affaires En novembre 1983, Jackson et ses frères se sont associés à PepsiCo dans le cadre d'un accord promotionnel de 5 millions de dollars qui a battu les records de l'industrie de la publicité pour le soutien d'une célébrité. La première campagne Pepsi Cola, qui s'est déroulée aux États-Unis de 1983 à 1984 et a lancé son thème « Nouvelle génération », comprenait le parrainage de tournées, des événements de relations publiques et des vitrines en magasin. Jackson, qui a participé activement à la création de la publicité emblématique, a suggéré d'utiliser sa chanson "Billie Jean" comme jingle avec un refrain révisé. Selon un rapport de Billboard de 2009, Brian J. Murphy, vice-président exécutif de la gestion de la marque chez TBA Global, a déclaré : « Vous ne pouviez pas séparer la tournée de l'approbation de la licence de la musique, puis de l'intégration de la musique dans le tissu Pepsi." Le 27 janvier 1984, Michael et d'autres membres des Jacksons ont filmé une publicité pour Pepsi supervisée par le directeur Phil Dusenberry, directeur de l'agence de publicité BBDO, et Alan Pottasch, directeur créatif mondial de Pepsi, au Shrine Auditorium de Los Angeles. Lors d'un concert simulé devant une salle comble de fans, des pièces pyrotechniques ont accidentellement mis le feu aux cheveux de Jackson, provoquant des brûlures au deuxième degré de son cuir chevelu. Jackson a subi un traitement pour cacher les cicatrices et a subi sa troisième rhinoplastie peu de temps après. Pepsi a réglé à l'amiable et Jackson a fait don de son règlement de 1,5 million de dollars au Brotman Medical Center de Culver City, en Californie. Son Michael Jackson Burn Center est nommé en son honneur. Dusenberry a raconté plus tard l'épisode dans ses mémoires, Puis nous avons mis le feu à ses cheveux : aperçus et accidents d'une carrière au Temple de la renommée dans la publicité. Jackson a signé un deuxième accord avec Pepsi à la fin des années 1980 pour un montant de 10 millions de dollars. La deuxième campagne avait une portée mondiale dans plus de 20 pays et fournirait un soutien financier à l'album Bad de Jackson et à la tournée mondiale 1987-1988. Bien que Jackson ait eu des accords de soutien et de publicité avec d'autres sociétés, telles que LA Gear, Suzuki et Sony, aucun n'était aussi important que ses accords avec Pepsi, qui a ensuite signé avec d'autres stars de la musique telles que Britney Spears et Beyoncé pour promouvoir ses produits. Le travail humanitaire de Jackson a été reconnu le 14 mai 1984, lorsqu'il a été invité à la Maison Blanche pour recevoir un prix du président Ronald Reagan pour son soutien aux œuvres caritatives qui aidaient les gens à surmonter l'abus d'alcool et de drogues, et en reconnaissance de son soutien à la publicité. Campagne de prévention de l'alcool au volant du Conseil et de la National Highway Traffic Safety Administration. Jackson a fait don de l'utilisation de « Beat It » pour les messages d'intérêt public de la campagne. Contrairement aux albums ultérieurs, Thriller n'a pas eu de tournée officielle, mais le Victory Tour de 1984 a mis en vedette les Jacksons et a présenté une grande partie du nouveau matériel solo de Jackson à plus de deux millions d'Américains. C'était la dernière tournée qu'il ferait avec ses frères. Suite à une controverse sur la vente des billets du concert, Jackson a tenu une conférence de presse et a annoncé qu'il donnerait sa part des bénéfices, estimée à , à une œuvre caritative. Son travail caritatif et ses récompenses humanitaires se sont poursuivis avec la sortie de "We Are the World" (1985), qu'il a co-écrit avec Lionel Richie. La chanson a été enregistrée le 28 janvier 1985 et a été diffusée dans le monde entier en mars 1985 pour aider les pauvres aux États-Unis et en Afrique. La chanson a rapporté 63 millions de dollars pour lutter contre la famine et est devenue l'un des singles les plus vendus de tous les temps, avec 20 millions d'exemplaires vendus. "We Are the World" a remporté quatre Grammys en 1985, dont celui de la chanson de l'année décerné à Jackson et Richie en tant que co-auteurs-compositeurs. Bien que les directeurs des American Music Awards aient retiré la chanson caritative de la compétition parce qu'ils estimaient qu'elle serait inappropriée, le spectacle de l'AMA en 1986 s'est terminé par un hommage à la chanson en l'honneur de son premier anniversaire. Les créateurs du projet ont reçu deux distinctions spéciales de l'AMA : une pour la création de la chanson et une autre pour l'idée USA for Africa. Jackson, Quincy Jones et le promoteur du divertissement Ken Kragan ont reçu des prix spéciaux pour leur rôle dans la création de la chanson. Les intérêts financiers de Jackson dans le secteur de l'édition musicale se sont accrus après que Jackson ait collaboré avec Paul McCartney au début des années 1980. Il a ensuite appris que McCartney gagnait environ 40 millions de dollars par an grâce aux chansons d'autres personnes. En 1983, Jackson avait commencé à investir dans les droits d'édition de chansons que d'autres avaient écrites, mais il était prudent avec ses acquisitions, n'enchérissant que sur quelques-unes des dizaines qui lui étaient proposées. Les premières acquisitions par Jackson de catalogues de musique et de droits d'auteur sur des chansons telles que la collection Sly Stone comprenaient "Everyday People" (1968), "1-2-3" de Len Barry (1965) et "The Wanderer" (1961) et "Runaround" de Dion DiMucci. Sue" (1961); cependant, l'achat le plus important de Jackson a eu lieu en 1985, lorsqu'il a acquis les droits d'édition d'ATV Music Publishing après des mois de négociation. ATV avait acquis les droits d'édition de près de 4 000 chansons, y compris le catalogue Northern Songs qui contenait la majorité des compositions de Lennon-McCartney enregistrées par les Beatles. En 1984, Robert Holmes à Court, le riche investisseur australien propriétaire d'ATV Music Publishing, a annoncé qu'il mettait en vente le catalogue ATV. En 1981, McCartney s'est vu offrir le catalogue musical ATV pour 20 millions de livres sterling (40 millions de dollars). Selon McCartney, il a contacté Yoko Ono au sujet d'un achat commun en divisant le coût à 10 millions de livres sterling chacun, mais Ono pensait qu'ils pourraient l'acheter pour 5 millions de livres sterling chacun. Lorsqu'ils n'ont pas pu conclure un achat commun, McCartney, qui ne voulait pas être l'unique propriétaire des chansons des Beatles, n'a pas présenté d'offre seul. Selon un négociateur de Holmes à Court lors de la vente de 1984, McCartney a obtenu le premier droit de refus et a refusé d'acheter. Jackson a été informé de la vente par son avocat, John Branca, en septembre 1984. Un avocat de McCartney a également assuré à Branca que McCartney n'était pas intéressé par une offre. McCartney aurait estimé que c'était trop cher, mais plusieurs autres sociétés et investisseurs étaient intéressés à soumissionner. Jackson a soumis une offre de 46 millions de dollars le 20 novembre 1984. Ses agents ont cru avoir conclu un accord à plusieurs reprises, mais ont rencontré de nouveaux soumissionnaires ou de nouveaux sujets de débat. En mai 1985, l'équipe de Jackson a quitté les négociations après avoir dépensé plus d'un million de dollars et quatre mois de travail de diligence raisonnable dans les négociations. En juin 1985, Jackson et Branca apprirent que The Entertainment Company de Charles Koppelman et Marty Bandier avait conclu un accord de principe avec Holmes à Court pour acheter ATV Music pour 50 millions de dollars ; cependant, début août, l'équipe de Holmes à Court a contacté Jackson et les pourparlers ont repris. Jackson a augmenté son offre à 47,5 millions de dollars, ce qui a été accepté car il pouvait conclure l'affaire plus rapidement, ayant déjà effectué la vérification préalable d'ATV Music. Jackson a également accepté de rendre visite à Holmes à Court en Australie, où il apparaîtrait au Channel Seven Perth Telethon. L'achat d'ATV Music par Jackson a été finalisé le 10 août 1985. 1986-1990 : Changement d'apparence, tabloïds, Bad, films, autobiographie et Neverland La peau de Jackson était d'une couleur brun moyen dans sa jeunesse, mais à partir du milieu des années 1980, elle est progressivement devenue plus pâle. Le changement a bénéficié d’une large couverture médiatique, y compris des rumeurs selon lesquelles il aurait pu blanchir sa peau. Selon la biographie de J. Randy Taraborrelli, en 1984, Jackson a reçu un diagnostic de vitiligo, qui, selon Taraborrelli, pourrait être une conséquence du blanchiment de la peau. Il a affirmé que Jackson avait reçu un diagnostic de lupus. Le vitiligo a partiellement éclairci sa peau et le lupus était en rémission. Les deux maladies ont rendu sa peau sensible au soleil. Les traitements que Jackson a utilisés pour son état ont encore éclairci son teint, et avec l'application de maquillage en forme de crêpe pour uniformiser les taches, il pouvait paraître pâle. Jackson a également reçu un diagnostic de vitiligo lors de son autopsie, mais pas de lupus. Jackson a affirmé qu'il n'avait subi que deux rhinoplasties et aucune autre chirurgie faciale, bien qu'il ait mentionné à un moment donné qu'il avait une fossette créée au menton. Il a perdu du poids au début des années 1980 en raison d'un changement de régime alimentaire et du désir d'avoir « un corps de danseur ». Des témoins ont rapporté qu'il avait souvent des vertiges et ont émis l'hypothèse qu'il souffrait d'anorexie mentale. Les périodes de perte de poids deviendraient un problème récurrent plus tard dans la vie. Au cours de son traitement, Jackson s'est fait deux amis proches : son dermatologue, le Dr Arnold Klein, et l'infirmière de Klein, Debbie Rowe. Rowe est finalement devenue la deuxième épouse de Jackson et la mère de ses deux enfants aînés. Il comptait également beaucoup sur Klein pour des conseils médicaux et commerciaux. Jackson est devenu le sujet de rapports de plus en plus sensationnels. En 1986, les tabloïds ont publié un article affirmant que Jackson dormait dans une chambre à oxygène hyperbare pour ralentir le processus de vieillissement ; il a été photographié allongé dans une boîte en verre. Bien que cette affirmation soit fausse, selon les rapports des tabloïds largement cités, Jackson avait lui-même diffusé l’histoire fabriquée. Lorsque Jackson a acheté un chimpanzé nommé Bubbles dans un laboratoire, il a été rapporté qu'il était de plus en plus détaché de la réalité. Il a été rapporté que Jackson avait proposé d'acheter les os de Joseph Merrick (le "Elephant Man") et, bien que faux, Jackson n'a pas nié cette histoire. Bien qu’il ait initialement considéré ces histoires comme des opportunités de publicité, il a cessé de divulguer des contrevérités à la presse à mesure qu’elles devenaient plus sensationnelles. En conséquence, les médias ont commencé à fabriquer des histoires. Ces rapports sont devenus ancrés dans la conscience publique, inspirant le surnom de « Wacko Jacko », que Jackson en est venu à mépriser. Répondant aux rumeurs, Jackson fit remarquer à Taraborrelli : Pourquoi ne pas simplement dire aux gens que je suis un extraterrestre venu de Mars ? Dis-leur que je mange des poulets vivants et que je fais une danse vaudou à minuit. Ils croiront tout ce que vous dites, parce que vous êtes journaliste. Mais si moi, Michael Jackson, je disais : « Je suis un extraterrestre venu de Mars, je mange des poulets vivants et je fais une danse vaudou à minuit », les gens diraient : « Oh, mec, ce Michael Jackson est cinglé. Vous ne pouvez pas croire un seul mot qui sort de sa bouche. Jackson a collaboré avec les cinéastes George Lucas et Francis Ford Coppola sur le film 3D de 17 minutes Captain EO, qui a fait ses débuts en septembre 1986 à Disneyland original et à Epcot en Floride, et en mars 1987 à Tokyo Disneyland. Le film de 30 millions de dollars était une attraction populaire dans les trois parcs. Une attraction Captain EO a ensuite été présentée à Euro Disneyland après l'ouverture de ce parc en 1992. Les installations Captain EO des quatre parcs sont restées ouvertes jusque dans les années 1990 : l'installation parisienne a été la dernière à fermer, en 1998. L'attraction reviendra plus tard à Disneyland. en 2010 après la mort de Jackson. En 1987, Jackson s'est dissocié des Témoins de Jéhovah, en réponse à leur désapprobation de la vidéo Thriller. Alors que l'industrie s'attendait à un autre succès majeur, le premier album de Jackson en cinq ans, Bad (1987), était très attendu. L'album a produit sept singles à succès aux États-Unis, dont cinq ("I Just Can't Stop Loving You", "Bad", "The Way You Make Me Feel", "Man in the Mirror" et "Dirty Diana". ) a atteint le numéro un du Billboard Hot 100. Il s'agissait d'un record pour la plupart des singles Hot 100 numéro un d'un album, y compris Thriller. En 2012, l'album s'était vendu entre 30 et 45 millions d'exemplaires dans le monde. Bruce Swedien et Humberto Gatica ont remporté un Grammy en 1988 pour le meilleur enregistrement technique – non classique et Michael Jackson a remporté un Grammy pour le meilleur clip vidéo, forme courte pour "Leave Me Alone" en 1989. La même année, Jackson a remporté un prix d'excellence. aux American Music Awards parce que Bad est le premier album à générer cinq singles numéro un aux États-Unis, le premier album à atteindre le sommet dans 25 pays et l'album le plus vendu dans le monde en 1987 et 1988. En 1988, "Bad" a remporté un American Music Award pour le single Soul/R&B préféré. Le Bad World Tour a débuté le 12 septembre de la même année et s'est terminé le 14 janvier 1989. Rien qu'au Japon, la tournée a enregistré 14 salles combles et a attiré 570 000 personnes, soit presque le triple du précédent record de 200 000 en une seule tournée. Jackson a battu un record du monde Guinness lorsque 504 000 personnes ont assisté à sept spectacles à guichets fermés au stade de Wembley. Il a donné un total de 123 concerts devant un public de 4,4 millions de personnes. En 1988, Jackson a publié sa seule autobiographie, Moonwalk, qui a duré quatre ans et s'est vendu à 200 000 exemplaires. Il a écrit sur son enfance, les Jackson 5 et les abus qu'il a subis. Il a également écrit sur son changement d'apparence faciale, l'attribuant à la puberté, à la perte de poids, à un régime végétarien strict, à un changement de coiffure et à l'éclairage de la scène. Moonwalk a atteint la première place sur la liste des best-sellers du New York Times. Jackson a sorti un film, Moonwalker, qui présentait des images en direct et des courts métrages mettant en vedette Jackson et Joe Pesci. En raison de problèmes financiers, le film n'est sorti en salles qu'en Allemagne ; sur d'autres marchés, il a été diffusé directement en vidéo. Il a fait ses débuts au sommet du classement Billboard Top Music Video Cassette, y restant pendant 22 semaines. Il a finalement été détrôné par Michael Jackson : The Legend Continues. En mars 1988, Jackson a acheté un terrain près de Santa Ynez, en Californie, pour construire Neverland Ranch, pour un coût de 17 millions de dollars. Il a installé plusieurs manèges sur la propriété de 2 700 acres, dont une grande roue, un carrousel, une ménagerie, ainsi qu'une salle de cinéma et un zoo. Une quarantaine de personnes patrouillaient sur le terrain. En 2003, sa valeur était estimée à environ 100 millions de dollars. En 1989, les revenus annuels de Jackson provenant des ventes d'albums, des promotions et des concerts étaient estimés à 125 millions de dollars pour cette seule année. Peu de temps après, il devient le premier Occidental à apparaître dans une publicité télévisée en Union soviétique. Le succès de Jackson lui a valu d'être surnommé le « roi de la pop ». Le surnom a été popularisé par Elizabeth Taylor lorsqu'elle lui a remis le Soul Train Heritage Award en 1989, le proclamant « le vrai roi de la pop, du rock et de la soul ». Le président George H. W. Bush l'a désigné « Artiste de la décennie » de la Maison Blanche. De 1985 à 1990, il a fait don de 455 000 $ au United Negro College Fund, et tous les bénéfices de son single « Man in the Mirror » ont été reversés à des œuvres caritatives. L'interprétation live de "You Were There" par Jackson lors de la célébration du 60e anniversaire de Sammy Davis Jr. a valu à Jackson une deuxième nomination aux Emmy. 1991-1993 : Dangerous, Fondation Heal the World et Super Bowl XX

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Quel volcan de Tanzanie est la plus haute montagne d'Afrique ?

Kilimandjaro

Tanzanie, cela se rapproche de la prononciation kiswahili. Cependant, on l'entend également en anglais. Officiellement, la République-Unie de Tanzanie (), est un grand pays d'Afrique de l'Est situé dans la région des Grands Lacs africains. Certaines parties du pays se trouvent en Afrique australe. Il est bordé au nord par le Kenya et l'Ouganda ; le Rwanda, le Burundi et la République démocratique du Congo à l'ouest ; la Zambie, le Malawi et le Mozambique au sud ; et par l'océan Indien à l'est. Le Kilimandjaro, la plus haute montagne d'Afrique, se trouve au nord-est de la Tanzanie. La population tanzanienne de 51,82 millions d'habitants (2014) est diversifiée et composée de plusieurs groupes ethniques, linguistiques et religieux. La Tanzanie est une république constitutionnelle présidentielle et, depuis 1996, sa capitale officielle est Dodoma, où se trouvent le bureau du président, l'Assemblée nationale et certains ministères. Dar es Salaam, l'ancienne capitale, conserve la plupart des bureaux gouvernementaux et est la plus grande ville, le principal port et le principal centre commercial du pays. Le colonialisme européen a commencé en Tanzanie continentale à la fin du XIXe siècle, lorsque l'Allemagne a formé l'Afrique orientale allemande, qui a cédé la place à la domination britannique après la Première Guerre mondiale. Le continent était gouverné sous le nom de Tanganyika, l'archipel de Zanzibar restant une juridiction coloniale distincte. Après leur indépendance respective en 1961 et 1963, les deux entités fusionnèrent en avril 1964 pour former la République-Unie de Tanzanie. Étymologie Le nom « Tanzanie » a été créé comme un composé tronqué des noms des deux États qui se sont unifiés pour créer le pays : Tanganyika et Zanzibar. Le nom « Tanganyika » est dérivé des mots swahili tanga (« voile ») et nyika (« plaine inhabitée », « nature sauvage »), créant l'expression « naviguer dans le désert ». Il est parfois compris comme une référence au lac Tanganyika. Le nom de Zanzibar vient de « zengi », le nom d'un peuple local (qui signifierait « noir »), et du mot arabe « barr », qui signifie côte ou rivage. Histoire Précolonial On pense que les populations autochtones d’Afrique de l’Est sont les chasseurs-cueilleurs Hadza et Sandawe parlant le clic de Tanzanie. La première vague de migration était celle des locuteurs du Couchitique du Sud, qui sont les ancêtres des Iraqw, Gorowa et Burunge et qui se sont déplacés vers le sud depuis l'Éthiopie vers la Tanzanie. Sur la base de preuves linguistiques, il peut également y avoir eu deux mouvements vers la Tanzanie de peuples couchitiques orientaux il y a environ 4 000 et 2 000 ans, originaires du nord du lac Turkana. Les preuves archéologiques soutiennent la conclusion selon laquelle les Nilotes du Sud, y compris les Datoog, se sont déplacés vers le sud depuis la région frontalière actuelle entre le Soudan du Sud et l'Éthiopie vers le centre-nord de la Tanzanie il y a entre 2 900 et 2 400 ans. Ces mouvements ont eu lieu à peu près en même temps que l'installation des bantous Mashariki sidérurgistes d'Afrique de l'Ouest dans les régions du lac Victoria et du lac Tanganyika. Ils ont apporté avec eux la tradition de plantation d’Afrique de l’Ouest et l’igname, l’aliment de base principal. Ils ont ensuite migré hors de ces régions vers le reste de la Tanzanie il y a entre 2 300 et 1 700 ans. Les peuples nilotiques orientaux, y compris les Massaï, représentent une migration plus récente depuis le Soudan du Sud actuel au cours des 1 500 à 500 dernières années. Le peuple tanzanien est associé à la production de fer et d’acier. Le peuple Pare était le principal producteur de fer très demandé par les peuples qui occupaient les régions montagneuses du nord-est de la Tanzanie. Le peuple Haya, sur la rive ouest du lac Victoria, a inventé il y a plus de 1 500 ans un type de haut fourneau à haute température qui leur permettait de forger de l'acier au carbone à des températures supérieures à 1 820 °C. Les voyageurs et les marchands du golfe Persique et de l'Inde ont visité la côte est-africaine depuis le début du premier millénaire après J.-C. L'islam était pratiqué par certains sur la côte swahili dès le huitième ou le neuvième siècle après J.-C. Colonial En 1498, l'explorateur portugais Vasco de Gama visita la côte tanzanienne. Plus tard, en 1506, les Portugais réussirent à contrôler la majeure partie du littoral sud-africain. En 1699, les Portugais furent chassés de Zanzibar par les Arabes omanais. Revendiquant la bande côtière, le sultan omanais Seyyid Said a déplacé sa capitale vers la ville de Zanzibar en 1840. Pendant cette période, Zanzibar est devenue le centre de la traite des esclaves arabes. Entre 65 et 90 % de la population arabo-swahili de Zanzibar était réduite en esclavage. L’un des marchands d’esclaves les plus tristement célèbres de la côte est-africaine était Tippu Tip, lui-même petit-fils d’un esclave africain. Les marchands d'esclaves Nyamwezi opéraient sous la direction de Msiri et Mirambo. Selon Timothy Insoll, « les chiffres font état de l'exportation de 718 000 esclaves de la côte swahili au cours du XIXe siècle et de la rétention de 769 000 sur la côte ». À la fin du XIXe siècle, l’Allemagne impériale a conquis les régions qui constituent aujourd’hui la Tanzanie (sans Zanzibar) et les a incorporées à l’Afrique orientale allemande. Les accords d'après-Première Guerre mondiale et la charte de la Société des Nations ont désigné la région comme un mandat britannique, à l'exception du Triangle de Kionga, une petite zone du sud-est qui a été incorporée à l'Afrique orientale portugaise (plus tard le Mozambique). Pendant la Seconde Guerre mondiale, environ 100 000 personnes du Tanganyika ont rejoint les forces alliées et faisaient partie des 375 000 Africains qui ont combattu dans leurs rangs. Les Tanganyikans ont combattu dans des unités des King's African Rifles pendant la campagne d'Afrique de l'Est en Somalie et en Abyssinie contre les Italiens, à Madagascar contre les Français de Vichy pendant la campagne de Madagascar et en Birmanie contre les Japonais pendant la campagne de Birmanie. Le Tanganyika était une source importante de nourriture pendant cette guerre, et ses revenus d'exportation ont considérablement augmenté par rapport aux années d'avant-guerre de la Grande Dépression. La demande en temps de guerre a cependant provoqué une augmentation des prix des matières premières et une inflation massive au sein de la colonie. En 1954, Julius Nyerere a transformé une organisation en Union nationale africaine du Tanganyika (TANU), à vocation politique. L'objectif principal de la TANU était d'atteindre la souveraineté nationale du Tanganyika. Une campagne visant à enregistrer de nouveaux membres a été lancée et, en un an, la TANU était devenue la principale organisation politique du pays. Nyerere est devenu ministre du Tanganyika sous administration britannique en 1960 et est resté Premier ministre lorsque le Tanganyika est devenu indépendant en 1961. Postcolonial La domination britannique a pris fin le 9 décembre 1961, mais pendant la première année de son indépendance, le Tanganyika avait un gouverneur général qui représentait le monarque britannique. Le 9 décembre 1962, le Tanganyika est devenu une république démocratique dirigée par un président exécutif. Après que la révolution de Zanzibar ait renversé la dynastie arabe du Zanzibar voisin, devenu indépendant en 1963, l'archipel fusionna avec le Tanganyika continental le 26 avril 1964. Le 29 octobre de la même année, le pays fut rebaptisé République-Unie de Tanzanie (« Tan " vient du Tanganyika et " Zan " de Zanzibar). L'union des deux régions jusqu'alors distinctes a été controversée parmi de nombreux Zanzibariens (même parmi ceux qui sympathisaient avec la révolution), mais a été acceptée à la fois par le gouvernement Nyerere et le gouvernement révolutionnaire de Zanzibar en raison de valeurs et d'objectifs politiques communs. En 1967, la première présidence de Nyerere a pris un virage à gauche après la Déclaration d'Arusha, qui codifiait un engagement en faveur du socialisme ainsi que du panafricanisme. Après la déclaration, les banques et de nombreuses grandes industries furent nationalisées. La Tanzanie s'est également alignée sur la Chine qui, de 1970 à 1975, a financé et aidé à construire le chemin de fer TAZARA de 1 860 km reliant Dar es Salaam à la Zambie. Néanmoins, à partir de la fin des années 1970, l'économie tanzanienne s'est dégradée, dans le contexte d'une crise économique internationale affectant à la fois les économies développées et en développement. À partir du milieu des années 1980, le régime s’est financé en empruntant auprès du Fonds monétaire international et a entrepris quelques réformes. Depuis lors, le produit intérieur brut par habitant de la Tanzanie a augmenté et la pauvreté a diminué, selon un rapport de la Banque mondiale. En 1992, la Constitution tanzanienne a été amendée pour autoriser la pluralité de partis politiques. Lors des premières élections multipartites organisées en Tanzanie en 1995, le parti au pouvoir Chama Cha Mapinduzi a remporté 186 des 232 sièges élus à l'Assemblée nationale et Benjamin Mkapa a été élu président. Géographie Avec 947 303 km2, la Tanzanie est le 13e plus grand pays d'Afrique et le 31e au monde, classé entre la grande Égypte et le petit Nigeria. Il borde le Kenya et l'Ouganda au nord ; le Rwanda, le Burundi et la République démocratique du Congo à l'ouest ; et la Zambie, le Malawi et le Mozambique au sud. La Tanzanie est située sur la côte orientale de l’Afrique et possède un littoral de l’océan Indien long d’environ 800 km. Il comprend également plusieurs îles au large, dont Unguja (Zanzibar), Pemba et Mafia. Le pays est le site des points les plus élevés et les plus bas d'Afrique : le mont Kilimandjaro, au-dessus du niveau de la mer, et le fond du lac Tanganyika, à 352 m sous le niveau de la mer, respectivement. La Tanzanie est montagneuse et densément boisée au nord-est, là où se trouve le mont Kilimandjaro. Trois des Grands Lacs d'Afrique se trouvent en partie en Tanzanie. Au nord et à l'ouest se trouvent le lac Victoria, le plus grand lac d'Afrique, et le lac Tanganyika, le lac le plus profond du continent, connu pour ses espèces de poissons uniques. Au sud-ouest se trouve le lac Nyasa. Le centre de la Tanzanie est un grand plateau composé de plaines et de terres arables. La côte est est chaude et humide, avec l'archipel de Zanzibar juste au large. Les chutes d'eau de Kalambo, dans la région sud-ouest de Rukwa, constituent la deuxième plus haute chute ininterrompue d'Afrique et sont situées près de la rive sud-est du lac Tanganyika, à la frontière avec la Zambie. La zone de conservation de Menai Bay est la plus grande zone marine protégée de Zanzibar. Climat Le climat varie considérablement en Tanzanie. Dans les hautes terres, les températures varient entre 10 et pendant les saisons froides et chaudes respectivement. Dans le reste du pays, les températures descendent rarement en dessous de 20 °C. La période la plus chaude s'étend entre novembre et février (25 -) tandis que la période la plus froide se situe entre mai et août (15 -). La température annuelle est de 20 °C. Le climat est frais dans les régions de haute montagne. La Tanzanie a deux régimes pluviométriques majeurs : l’un est unimodal (octobre-avril) et l’autre est bimodal (octobre-décembre et mars-mai). Le premier est présent dans le sud, le centre et l’ouest du pays, et le second se trouve au nord, depuis le lac Victoria, s’étendant vers l’est jusqu’à la côte. Le régime bimodal est provoqué par la migration saisonnière de la zone de convergence intertropicale. Faune et conservation Environ 38 % de la superficie de la Tanzanie est réservée aux zones protégées à des fins de conservation. La Tanzanie compte 16 parcs nationaux, ainsi qu'une variété de réserves de gibier et de forêts, dont la zone de conservation du Ngorongoro. Dans l'ouest de la Tanzanie, le parc national de Gombe Stream est le site de l'étude en cours de Jane Goodall sur le comportement des chimpanzés, qui a débuté en 1960. La Tanzanie est très riche en biodiversité et contient une grande variété d'habitats animaux. Dans la plaine du Serengeti en Tanzanie, le gnou à barbe blanche (Connochaetes taurinus mearnsi) et d'autres bovidés participent à une migration annuelle à grande échelle. La Tanzanie abrite également environ 130 espèces d'amphibiens et plus de 275 espèces de reptiles, dont beaucoup sont strictement endémiques et figurent sur les listes rouges de l'Union internationale pour la conservation de la nature de différents pays. La Tanzanie a élaboré un plan d'action pour la biodiversité pour aborder la conservation des espèces. Politique Gouvernement La Tanzanie est un État à parti unique, avec le parti Chama Cha Mapinduzi (CCM) au pouvoir. Depuis sa création jusqu'en 1992, c'était le seul parti légalement autorisé dans le pays. Cela a changé le 1er juillet 1992, lorsque des amendements à la Constitution et un certain nombre de lois autorisant et réglementant la formation et le fonctionnement de plus d'un parti politique ont été adoptés par l'Assemblée nationale. Les dernières élections présidentielles et pour tous les sièges de l'Assemblée nationale ont eu lieu en octobre 2010. Le CCM détient environ 75 % des sièges à l'Assemblée. En octobre 2015, la Tanzanie a annoncé que John Pombe Magufuli avait remporté l'élection présidentielle, obtenant une majorité des deux tiers au Parlement. Exécutif Le Président de la Tanzanie et les membres de l'Assemblée nationale sont élus simultanément au suffrage populaire direct pour un mandat de cinq ans. Le vice-président est élu pour un mandat de cinq ans en même temps que le président et sur la même liste. Ni le président ni le vice-président ne peuvent être membres de l'Assemblée nationale. Le président nomme un Premier ministre, sous réserve de confirmation par l'assemblée, pour exercer les fonctions de chef du gouvernement à l'assemblée. Le président choisit son cabinet parmi les membres de l'assemblée. Corps législatif Tout le pouvoir législatif relatif à la Tanzanie continentale et aux questions syndicales est confié à l'Assemblée nationale, qui est monocamérale et compte un maximum de 357 membres. Il s'agit notamment des membres élus pour représenter les circonscriptions, du procureur général, de cinq membres élus par la Chambre des représentants de Zanzibar parmi ses propres membres, des sièges spéciaux réservés aux femmes qui constituent au moins 30 % des sièges dont dispose tout parti à l'assemblée, du président de l'assemblée (s'il n'est pas autrement membre de l'assemblée), et les personnes (pas plus de dix) nommées par le président. La Commission électorale tanzanienne délimite le continent en circonscriptions dont le nombre est déterminé par la commission avec le consentement du président. Judiciaire Le système juridique tanzanien est basé sur la common law anglaise. La Tanzanie a un système judiciaire à quatre niveaux. Les tribunaux du niveau le plus bas sur le continent tanzanien sont les tribunaux primaires. À Zanzibar, les tribunaux du niveau le plus bas sont les tribunaux du Kadhi pour les affaires familiales islamiques et les tribunaux primaires pour toutes les autres affaires. Sur le continent, l'appel s'effectue soit devant les tribunaux de district, soit devant les tribunaux de première instance résidents. À Zanzibar, l'appel s'effectue devant les cours d'appel du Kadhi pour les affaires familiales islamiques et devant les tribunaux de première instance pour toutes les autres affaires. De là, l'appel peut être interjeté auprès de la Haute Cour de Tanzanie continentale ou de Zanzibar. Aucun appel concernant les affaires familiales islamiques ne peut être interjeté auprès de la Haute Cour de Zanzibar. Dans le cas contraire, le dernier appel se fera devant la Cour d'appel de Tanzanie. La Haute Cour de Tanzanie continentale comprend trois divisions – commerciale, du travail et foncière – et 15 zones géographiques. La Haute Cour de Zanzibar dispose d'une division industrielle qui connaît uniquement les conflits du travail. Les juges du continent et de l'Union sont nommés par le juge en chef de Tanzanie, à l'exception de ceux de la Cour d'appel et de la Haute Cour, qui sont nommés par le président de la Tanzanie. La Tanzanie est partie au Statut de Rome de la Cour pénale internationale. Zanzibar L'autorité législative à Zanzibar sur toutes les questions non syndicales est confiée à la Chambre des représentants (conformément à la constitution tanzanienne) ou au Conseil législatif (conformément à la constitution de Zanzibar). Le Conseil législatif comprend deux parties : le Président de Zanzibar et la Chambre des représentants. Le président est le chef du gouvernement de Zanzibar et le président du Conseil révolutionnaire, dans lequel est investi le pouvoir exécutif de Zanzibar. Zanzibar a deux vice-présidents, le premier étant issu du principal parti d'opposition à la Chambre. Le deuxième est issu du parti au pouvoir et est le leader des affaires gouvernementales à la Chambre. Le président et les membres de la Chambre des représentants ont un mandat de cinq ans. Le Président sélectionne les ministres parmi les membres de la Chambre des représentants, les ministres étant répartis en fonction du nombre de sièges à la Chambre remportés par les partis politiques. Le Conseil révolutionnaire est composé du président, des deux vice-présidents, de tous les ministres, du procureur général de Zanzibar et d'autres membres de la Chambre jugés compétents par le président. La Chambre des Représentants est composée de membres élus, de dix membres nommés par le président, de tous les commissaires régionaux de Zanzibar, du procureur général et de membres féminins nommés dont le nombre doit être égal à 30% des membres élus. La Chambre détermine le nombre de ses membres élus, la Commission électorale de Zanzibar déterminant les limites de chaque circonscription électorale. En 2013, la Chambre compte au total 81 membres : cinquante membres élus, cinq commissaires régionaux, le procureur général, dix membres nommés par le président et quinze membres féminins nommés. Subdivisions administratives En 1972, le gouvernement local sur le continent a été aboli et remplacé par un gouvernement direct du gouvernement central. Le gouvernement local a cependant été réintroduit au début des années 1980, lorsque les conseils ruraux et les autorités rurales ont été rétablis. Les élections locales ont eu lieu en 1983 et les conseils ont commencé à fonctionner en 1984. En 1999, un programme de réforme du gouvernement local a été adopté par l'Assemblée nationale, fixant « un programme global et ambitieux… [couvrant] quatre domaines : la décentralisation politique, les finances publiques ». décentralisation, décentralisation administrative et relations centrales-locales modifiées, le gouvernement du continent ayant des pouvoirs prépondérants dans le cadre de la Constitution. La Tanzanie est divisée en trente régions (mkoa), vingt-cinq sur le continent et cinq à Zanzibar (trois à Unguja, deux à Pemba). 169 districts (wilaya), également appelés collectivités territoriales, ont été créés. Sur les 169 districts, 34 sont des unités urbaines, elles-mêmes classées en trois conseils municipaux (Arusha, Mbeya et Mwanza), dix-neuf conseils municipaux et douze conseils municipaux. Les unités urbaines ont un conseil municipal, municipal ou municipal autonome et sont subdivisées en quartiers et mtaa. Les unités non urbaines disposent d'un conseil de district autonome mais sont subdivisées en conseils de village ou autorités de canton (premier niveau) puis en vitongoji. La ville de Dar es Salaam est unique car elle possède un conseil municipal dont la compétence territoriale chevauche trois conseils municipaux. Le maire du conseil municipal est élu par ce conseil. Le conseil municipal de vingt membres est composé de onze personnes élues par les conseils municipaux, de sept membres de l'Assemblée nationale et de « membres du Parlement nommés au titre de « sièges spéciaux » pour les femmes ». Chaque conseil municipal a également un maire. "Le conseil municipal joue un rôle de coordination et s'occupe des questions qui concernent les trois municipalités", y compris les services de sécurité et d'urgence. Relations étrangères Relations bilatérales Outre son différend frontalier avec le Malawi, la Tanzanie entretenait des relations cordiales avec ses voisins en 2012. Les relations entre la Tanzanie et le Malawi sont tendues en raison d'un différend sur la frontière entre les deux pays sur le lac Nyasa (lac Malawi). Une médiation infructueuse sur cette question a eu lieu en mars 2014. Les deux pays ont convenu en 2013 de demander à la Cour internationale de Justice (CIJ) de résoudre le différend si la médiation échouait. Le Malawi, mais pas la Tanzanie, a accepté la juridiction obligatoire de la CIJ. Les relations entre la Tanzanie et le Rwanda se sont détériorées en 2013 lorsque le président tanzanien Jakaya Kikwete a déclaré que si la République démocratique du Congo (RDC) pouvait négocier avec certains de ses ennemis, le Rwanda devrait être capable de faire de même. Le président rwandais Paul Kagame a alors exprimé son « mépris » pour la déclaration de Kikwete. La tension s'est renouvelée en mai 2014 lorsque, dans un discours devant l'Assemblée nationale tanzanienne, le ministre des Affaires étrangères Bernard Membe a réaffirmé que les Rwandais étaient à l'origine de l'instabilité en RDC. La ministre rwandaise des Affaires étrangères, Louise Mushikiwabo, a répondu : "Quant au ministre des Affaires étrangères de Tanzanie dont j'ai entendu les propos anti-rwandais au Parlement, il bénéficierait d'une leçon sur l'histoire de la région." Les relations entre la Tanzanie et la Chine se sont renforcées ces dernières années à mesure que les échanges commerciaux entre les deux pays et les investissements chinois dans les infrastructures tanzaniennes ont augmenté rapidement. Les relations avec les États-Unis sont chaleureuses, le président Barack Obama s'étant rendu en Tanzanie en 2013. Les relations de la Tanzanie avec d'autres pays donateurs, notamment le Japon et les membres de l'Union européenne, sont généralement bonnes, même si les donateurs s'inquiètent de l'engagement de la Tanzanie à réduire la corruption gouvernementale. Relations multilatérales La Tanzanie est membre de la Communauté de l'Afrique de l'Est (EAC), aux côtés de l'Ouganda, du Kenya, du Rwanda et du Burundi. Selon le Protocole du Marché commun de l'Afrique de l'Est de 2010, le libre-échange et la libre circulation des personnes sont garantis, y compris le droit de résider dans un autre pays membre à des fins d'emploi. Ce protocole n’a cependant pas été mis en œuvre en raison du permis de travail et d’autres obstacles bureaucratiques, juridiques et financiers. La Tanzanie est également membre de la Communauté de développement de l'Afrique australe (SADC). La CAE, la SADC et le Marché commun de l’Afrique orientale et australe ont convenu en juin 2011 de négocier la création d’une zone de libre-échange tripartite couvrant 26 pays africains, dans le but d’achever la première phase de négociations dans un délai de 36 mois. Au 31 octobre 2014, la Tanzanie fournissait 2 253 soldats et autres personnels à diverses opérations de maintien de la paix des Nations Unies. L'armée tanzanienne participe aux côtés des militaires sud-africains et malawiens à la Brigade d'intervention de la Force des Nations Unies (MONUSCO) en République démocratique du Congo (RDC). Le Conseil de sécurité des Nations Unies a autorisé la force le 28 mars 2013 à mener des opérations offensives ciblées pour neutraliser les groupes qui menacent la paix en RDC. La Tanzanie participe également à des missions de maintien de la paix dans la région du Darfour au Soudan (MINUAD) ; Abyei, dont le contrôle est contesté entre le Soudan du Sud et le Soudan (FISNUA) ; la République centrafricaine (MINUSCA) ; Liban (FINUL) ; et Soudan du Sud (MINUSS). Militaire Les forces armées comprennent l'armée de terre, la marine et l'aviation. L'actuel chef des forces de défense est le général Davis Mwamunyange. Les forces armées ont été engagées dans la guerre Ouganda-Tanzanie, dans la guerre civile mozambicaine et, plus récemment, dans l’invasion d’Anjouan en 2008. La Tanzanie est également impliquée dans les missions de maintien de la paix des Nations Unies suivantes : MINUAD (Soudan), FINUL (Liban) et Brigade d'intervention de la Force (qui fait partie de la MONUSCO en RD Congo). Économie et infrastructures La Tanzanie est l'un des pays les plus pauvres du monde. , le produit intérieur brut (PIB) de la Tanzanie était estimé à 43,8 milliards de dollars, soit 86,4 milliards de dollars sur une base de parité de pouvoir d'achat (PPA). La Tanzanie est un pays de puissance moyenne, avec un PIB par habitant de 1 813 dollars (PPA), soit 32 % de moins que la moyenne de 2 673 dollars des 45 pays d'Afrique subsaharienne et se classe au 23e rang parmi ces pays. De 2009 à 2013, le PIB par habitant de la Tanzanie (en monnaie locale constante) a augmenté en moyenne de 3,5 % par an, soit un taux supérieur à celui de tout autre membre de la Communauté d'Afrique de l'Est (CAE) et dépassé par seulement neuf pays d'Afrique subsaharienne : la République démocratique du Congo, l'Éthiopie, le Ghana, le Lesotho, le Libéria, le Mozambique, la Sierra Leone, la Zambie et le Zimbabwe. En 2012, les principaux partenaires commerciaux de la Tanzanie, pour ses exportations de 5,5 milliards de dollars américains, étaient l'Afrique du Sud, la Suisse et la Chine. Ses importations ont totalisé 11,7 milliards de dollars, la Suisse, la Chine et les Émirats arabes unis étant les principaux partenaires. La Tanzanie a relativement bien résisté à la Grande Récession, qui a débuté fin 2008 ou début 2009. Les prix élevés de l'or, le soutien de l'industrie minière du pays et la mauvaise intégration de la Tanzanie dans les marchés mondiaux ont contribué à protéger le pays du ralentissement économique. Depuis la fin de la récession, l'économie tanzanienne s'est développée rapidement grâce à la vigueur des secteurs du tourisme, des télécommunications et de la banque. Toutefois, selon le Programme des Nations Unies pour le développement, la récente croissance de l'économie nationale n'a profité qu'à « un très petit nombre », laissant de côté la majorité de la population. L'indice de la faim dans le monde de la Tanzanie en 2013 était pire que celui de tout autre pays de la CAE, à l'exception du Burundi. La proportion de personnes sous-alimentées en 2010-2012 était également pire que dans tout autre pays de la CAE, à l’exception du Burundi. Pauvreté Le niveau de pauvreté en Tanzanie est très élevé. La Tanzanie a fait peu de progrès dans la réduction de l’extrême faim et de la malnutrition. L’Indice de la faim dans le monde 2010 qualifie la situation d’« alarmante ». Les enfants des zones rurales souffrent de taux de malnutrition et de faim chronique beaucoup plus élevés, même si les disparités entre zones urbaines et zones rurales se sont réduites en ce qui concerne le retard de croissance et l’insuffisance pondérale. La faible productivité du secteur rural résulte principalement d’un investissement insuffisant dans les infrastructures ; accès limité aux intrants agricoles, aux services de vulgarisation et au crédit ; une technologie limitée ainsi qu'un soutien au commerce et au marketing ; et une forte dépendance à l’égard de l’agriculture pluviale et des ressources naturelles. Environ 68 pour cent des 44,9 millions de citoyens tanzaniens vivent en dessous du seuil de pauvreté de 1,25 dollar par jour et 16 pour cent des enfants de moins de 5 ans souffrent de malnutrition. Les défis les plus importants auxquels la Tanzanie est confrontée en matière de réduction de la pauvreté sont l'exploitation non durable de ses ressources naturelles, la culture incontrôlée, le changement climatique et l'empiétement sur les sources d'eau, selon le Programme des Nations Unies pour le développement (PNUD). Il y a très peu de ressources pour les Tanzaniens en termes de services de crédit, d'infrastructures ou de disponibilité de technologies agricoles améliorées, ce qui exacerbe encore la faim et la pauvreté dans le pays selon le PNUD. La Tanzanie se classe au 159ème rang sur 187 pays pauvres selon l’Indice de développement humain des Nations Unies (2014). Agriculture L'économie tanzanienne repose fortement sur l'agriculture, qui représente 24,5 % du produit intérieur brut, fournit 85 % des exportations et représente la moitié de la main-d'œuvre employée ; Le secteur agricole a connu une croissance de 4,3 % en 2012, soit moins de la moitié de l'objectif du Millénaire pour le développement de 10,8 %. 16,4 % des terres sont arables, dont 2,4 % sont plantées en cultures permanentes. Le maïs était la plus grande culture vivrière sur le continent tanzanien en 2013 (5,17 millions de tonnes), suivi du manioc (1,94 millions de tonnes), des patates douces (1,88 millions de tonnes), des haricots (1,64 millions de tonnes), des bananes (1,31 millions de tonnes), du riz. (1,31 million de tonnes) et le mil (1,04 million de tonnes). Le sucre était la culture de rente la plus importante sur le continent en 2013 (296 679 tonnes), suivi du coton (241 198 tonnes), des noix de cajou (126 000 tonnes), du tabac (86 877 tonnes), du café (48 000 tonnes), du sisal (37 368 tonnes) et thé (32 422 tonnes). Le bœuf était le produit carné le plus important sur le continent en 2013 (299 581 tonnes), suivi de l'agneau/mouton (115 652 tonnes), du poulet (87 408 tonnes) et du porc (50 814 tonnes). Selon le Plan directeur national d'irrigation de 2002, 29,4 millions d'hectares en Tanzanie sont adaptés à l'agriculture irriguée ; cependant, seuls 310 745 hectares étaient effectivement irrigués en juin 2011 . Industrie et construction L'industrie et la construction constituent une composante majeure et croissante de l'économie tanzanienne, contribuant à 22,2 % du PIB en 2013. Cette composante comprend les industries extractives, l'industrie manufacturière, l'électricité et le gaz naturel, l'approvisionnement en eau et la construction. L'exploitation minière a contribué à 3,3 % du PIB en 2013. La grande majorité des revenus d'exportation de minéraux du pays proviennent de l'or, représentant 89 % de la valeur de ces exportations en 2013. Le pays exporte également des quantités importantes de pierres précieuses, notamment des diamants et de la tanzanite. La totalité de la production de charbon de la Tanzanie, qui s'élevait à 106 000 tonnes courtes en 2012, est utilisée au niveau national. Seuls 15 % des Tanzaniens avaient accès à l’électricité en 2011. La société publique Tanzanie Electric Supply Company Limited (TANESCO) domine le secteur de l’approvisionnement en électricité en Tanzanie. Le pays a produit 6,013 milliards de kilowattheures (kWh) d'électricité en 2013, soit une augmentation de 4,2 % par rapport aux 5,771 milliards de kWh produits en 2012. La production a augmenté de 63 % entre 2005 et 2012 ; Près de 18 % de l’électricité produite en 2012 a été perdue à cause de vols et de problèmes de transport et de distribution. L'approvisionnement en électricité varie, en particulier lorsque les sécheresses perturbent la production d'électricité hydroélectrique ; des pannes d'électricité progressives sont mises en œuvre si nécessaire. Le manque de fiabilité de l’approvisionnement électrique a entravé le développement de l’industrie tanzanienne. En 2013, 49,7 % de la production d'électricité de la Tanzanie provenait du gaz naturel, 28,9 % de sources hydroélectriques, 20,4 % de sources thermiques et 1,0 % de l'extérieur du pays. Le gouvernement construit un gazoduc de 532 km de Mnazi Bay à Dar es Salaam, dont l'achèvement est prévu en 2015. Ce gazoduc devrait permettre au pays de doubler sa capacité de production d'électricité pour la porter à 3 000 mégawatts d'ici 2016. L'objectif du gouvernement est d'augmenter capacité à au moins 10 000 mégawatts d’ici 2025. Selon PFC Energy, entre 25 et 30 000 milliards de pieds cubes de ressources récupérables en gaz naturel ont été découverts en Tanzanie depuis 2010. Ce qui porte les réserves totales à plus de 43 000 milliards de pieds cubes à la fin de 2013. La valeur du gaz naturel réellement produit en 2013 était de 52,2 millions de dollars américains, soit une augmentation de 42,7 % par rapport à 2012. La production commerciale de gaz du champ de l'île Songo Songo, dans l'océan Indien, a débuté en 2004, trente ans après sa découverte. Plus de 35 milliards de pieds cubes de gaz ont été produits à partir de ce champ en 2013, avec des réserves prouvées, probables et possibles totalisant 1,1 billion de pieds cubes. Le gaz est transporté par gazoduc jusqu'à Dar es Salaam. Au 27 août 2014, TANESCO devait à l'opérateur de ce champ, Orca Exploration Group Inc., 50,4 millions de dollars américains, contre 63,8 millions de dollars américains deux mois plus tôt. Un nouveau champ de gaz naturel dans la baie de Mnazi en 2013 a produit environ un septième de la quantité produite près de l'île de Songo Songo, mais possède des réserves prouvées, probables et possibles de 2,2 billions de pieds cubes. La quasi-totalité de ce gaz est utilisée pour la production d’électricité à Mtwara. Les régions de Ruvuma et Nyuna en Tanzanie ont été explorées principalement par la société de découverte qui détient une participation de 75 %, Aminex (AEX), et il a été démontré qu'elles détiennent plus de 3,5 TCF de gaz naturel. Un pipeline reliant les champs de gaz naturel offshore aux champs commerciaux de la Tanzanie Dar es Salaam, la capitale, a été achevé fin avril 2015, mais des problèmes techniques empêcheront sa mise en service avant novembre 2015. Tourisme Les voyages et le tourisme ont contribué à 12,7 % du produit intérieur brut de la Tanzanie et employaient 11,0 % de la population active du pays (1 189 300 emplois) en 2013. Le secteur connaît une croissance rapide, avec des recettes globales passant de 1,74 milliard de dollars américains en 2004 à 4,48 milliards de dollars américains en 2013. et les recettes des touristes internationaux sont passées de 1,255 milliard de dollars en 2010 à 1,880 milliard de dollars en 2013. En 2012, 1 043 000 touristes sont arrivés aux frontières de la Tanzanie, contre 590 000 en 2005. La grande majorité des touristes visitent Zanzibar ou un « circuit nord » du Serengeti National. Parc, la zone de conservation du Ngorongoro (NCA), le parc national de Tarangire, le parc national du lac Manyara et le mont Kilimandjaro. En 2013, le parc national le plus visité était le Serengeti (452 485 touristes), suivi de Manyara (187 773) et de Tarangire (165 949). Selon un rapport publié en 2013, environ 600 000 personnes visitent la NCA chaque année, gagnant 56 milliards de shillings tanzaniens en 2012. Bancaire La Banque de Tanzanie est la banque centrale de Tanzanie et est principalement responsable du maintien de la stabilité des prix, avec une responsabilité subsidiaire pour l'émission de billets et de pièces en shillings tanzaniens. Fin 2013, le total des actifs du secteur bancaire tanzanien s'élevait à 19 500 milliards de shillings tanzaniens, soit une augmentation de 15 % par rapport à 2012. Transport La plupart des transports en Tanzanie se font par route ; Le transport routier représente plus de 75 % du trafic de marchandises du pays et 80 % de son trafic de passagers. Le réseau routier de 86 500 kilomètres est généralement en mauvais état. La Tanzanie compte deux compagnies ferroviaires : TAZARA, qui assure le service entre Dar es Salaam et Kapiri Mposhi (dans un district minier de cuivre en Zambie), et Tanzanie Railways Limited, qui relie Dar es Salaam au centre et au nord de la Tanzanie. Les voyages en train en Tanzanie impliquent souvent des voyages lents avec des annulations ou des retards fréquents ; les chemins de fer ont également un bilan de sécurité déficient. La Tanzanie compte quatre aéroports internationaux, ainsi que plus de 100 petits aéroports ou pistes d'atterrissage ; les infrastructures aéroportuaires sont généralement en mauvais état. Les compagnies aériennes en Tanzanie comprennent Air Tanzanie, Precision Air, Fastjet, Coastal Aviation et ZanAir. Plusieurs bateaux hydroptères modernes assurent le transport à travers l'océan Indien entre Dar es Salaam et Zanzibar. Communications Le secteur des communications est celui qui connaît la croissance la plus rapide en Tanzanie, avec une croissance de 22,8 % en 2013 ; cependant, le secteur ne représentait cette année-là que 2,4 % du produit intérieur brut. , la Tanzanie comptait 56 abonnés à la téléphonie mobile pour 100 habitants, un taux légèrement supérieur à la moyenne subsaharienne. Très peu de Tanzaniens disposent d’un téléphone fixe. Environ 12 % de Tanz

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Le drapeau de la Libye est un rectangle uni de quelle couleur ?

vert

Le drapeau de la Libye a été introduit en 1951, suite à la création du Royaume de Libye. Il a été conçu par Omar Faiek Shennib et approuvé par le roi Idris Al Senussi, qui comprenait la délégation de l'ONU représentant les régions de Cyrénaïque, du Fezzan et de la Tripolitaine lors des discussions d'unification de l'ONU. Le drapeau est tombé hors d'usage en 1969, mais a ensuite été adopté par le Conseil national de transition et les forces anti-Kadhafi et effectivement rétabli comme drapeau national du pays dans l'article trois du projet de charte constitutionnelle libyenne pour la phase de transition publié le 3 août 2011. Origine du drapeau de la Libye Omar Faiek Shennib, chef des Diwans royaux, vice-président de l'Assemblée nationale et ministre de la Défense sous le roi Idris Al Senussi, est crédité dans les mémoires d'Adrian Pelt, commissaire de l'ONU pour la Libye (1949 à 1951), pour la conception du drapeau original. de la Libye. Ce drapeau représentait la Libye depuis son indépendance de 1951 à 1969 et a été adopté par le mouvement pro-démocratie pendant la guerre civile libyenne. Un extrait des mémoires d'Adrian Pelt déclare que « lors des délibérations de la Convention constitutionnelle nationale libyenne, un dessin sur papier d'un projet de drapeau national a été présenté à la convention par Omar Faiek Shennib (membre distingué de la délégation de Cyrénaïque). Le dessin a été composé de trois couleurs : rouge, noir et vert, avec un croissant blanc et une étoile centrés au milieu de la bande noire. M. Shennib a informé les délégués que ce dessin avait reçu l'approbation de Son Altesse l'émir de Cyrénaïque, le roi Idris Al Senussi (plus tard). devenir roi de Libye). L'assemblée a ensuite approuvé ce projet. Des entretiens avec Ibtisam Shennib et Amal Omar Shennib, les deux seuls enfants restants d'Omar Faeik Shennib, qui résident tous deux toujours en Libye, ont confirmé le récit d'Adrian Pelt sur l'origine du drapeau. Ibtisam Shennib se souvient du matin où son père a apporté une ébauche du drapeau à la table du petit-déjeuner et l'a montré à elle et à ses frères et sœurs, expliquant l'intention initiale derrière la sélection des couleurs et des symboles du drapeau. Selon Omar Faiek Shennib, « le rouge a été choisi pour le sang sacrifié pour la liberté de la Libye, le noir pour rappeler les jours sombres que les Libyens ont vécus sous l'occupation des Italiens (la Libye italienne) et le vert pour représenter sa principale richesse, l'agriculture, ( La Libye étant autrefois appelée le « panier agricole » ou « grenier » de l'Empire ottoman) et la prospérité future du pays. L'étoile et le croissant ont été placés dans la bande centrale noire du drapeau en référence au drapeau Senussi et. le rôle du roi Idris dans la conduite du pays vers l'indépendance". Base juridique et construction Le drapeau de la Libye est décrit à l'article 7 de la Constitution du 7 octobre 1951. Il a été officiellement adopté le 24 décembre 1951. Le passage de la constitution se lit comme suit : La nuance précise et la construction juridique sont décrites dans une brochure publiée par le ministère de l'Information et de l'Orientation du Royaume de Libye en 1951. Le passage se lit comme suit : Drapeaux historiques Le nom « Libye » a été introduit par le colonialisme italien en 1934. Avant 1911, le vilayet ottoman de Tripolitaine (le « royaume de Tripoli ») comprenait une grande partie du même territoire que la Libye moderne. Tripolitaine L'éphémère République tripolitaine, dans l'ouest de la Libye, avait son propre drapeau, composé d'un champ bleu clair et d'un palmier vert au centre, surmonté d'une étoile blanche. Il a été déclaré unilatéralement en 1918 et a revendiqué la souveraineté sur l'ensemble de l'ancien vilayet, mais n'a jamais eu de gouvernance de facto complète. Libye italienne (1934-1943) De 1934 à 1943, la Libye était une colonie italienne et utilisait le drapeau du Royaume d'Italie. Occupation alliée de la Libye (Seconde Guerre mondiale) Administration militaire britannique (1942-1951) Les régions de Libye sous administration militaire britannique (Cyrénaïque 1942-1949 et Tripolitaine 1943-1951) n'avaient pas leur propre drapeau et utilisaient donc le drapeau de l'Union du Royaume-Uni. Territoire militaire du Fezzan-Ghadamès (1943-1951) Sous l'administration française de l'ancien territoire militaire du Sud, le Fezzan-Ghadamès possédait un drapeau rouge avec un croissant et une étoile, très similaire au drapeau de la Turquie. Emirat de Cyrénaïque (1949-1951) Pendant la Seconde Guerre mondiale, la Libye italienne était occupée par la France et le Royaume-Uni. L'émirat de Cyrénaïque a été déclaré en Cyrénaïque occupée par les Britanniques en 1949 avec le soutien des autorités britanniques. L'« émir de Cyrénaïque », Idris de Libye, a conservé le drapeau de l'émirat (un croissant blanc et une étoile sur fond noir) comme drapeau personnel après être devenu roi de Libye en 1951. Royaume de Libye (1951-1969) Le drapeau du Royaume de Libye a été adopté lorsque la Libye a obtenu son indépendance totale en 1951. Il se composait d'une étoile blanche et d'un croissant sur un motif tribande rouge-noir-vert, la bande centrale noire étant deux fois plus large que les bandes extérieures. Le dessin était basé sur la bannière de la dynastie Senussi de Cyrénaïque, qui consistait en un champ noir et un motif d'étoile et de croissant, et a ensuite été utilisée comme drapeau de la région. Le rouge représentait le sang du peuple libyen décédé sous le régime fasciste italien, tandis que le vert représente l'ère de l'indépendance, de la liberté et un nouveau départ pour le peuple libyen et la religion islamique. Le croissant et l'étoile représentent la religion principale de la Libye qui est l'Islam. République arabe libyenne (1969-1972) À la suite du coup d'État de 1969, le drapeau a été remplacé par le drapeau tricolore panarabe rouge-blanc-noir du drapeau de libération arabe, arboré pour la première fois après la révolution égyptienne de 1952 (qui a également constitué la base des drapeaux égyptiens, Irak, Syrie et Yémen). Fédération des républiques arabes (1972-1977) En 1972, lorsque la Libye a rejoint la Fédération des Républiques Arabes, son drapeau a été adopté par le pays, le reliant à l'Égypte et à la Syrie. Il représentait un faucon doré (le « faucon de Qureish »), tenant un parchemin portant le nom arabe de la Fédération. Grande Jamahiriya arabe libyenne populaire et socialiste (1977-2011) Le drapeau de la Jamahiriya arabe libyenne a été adopté le 11 novembre 1977 et consistait en un champ vert. C'était le seul drapeau national au monde avec une seule couleur et sans dessin, insigne ou autre détail. Il a été choisi par le dirigeant libyen Mouammar Kadhafi pour symboliser sa philosophie politique (d'après son Livre vert). La couleur verte symbolise traditionnellement l’Islam, reflétant les bannières vertes historiques du califat fatimide. En Libye, le vert était aussi une couleur traditionnellement utilisée pour représenter la région de la Tripolitaine. État de Libye (2011) Pendant la guerre civile libyenne contre le régime de Mouammar Kadhafi, le drapeau de 1951 à 1969 – ainsi que diverses versions improvisées sans le croissant ni l'étoile, ou sans la bande verte – sont revenus en usage dans les zones contrôlées par l'opposition libyenne et par les forces armées libyennes. manifestants dans plusieurs missions diplomatiques libyennes à l’étranger. Le Conseil national de transition, formé le 27 février 2011, a adopté le drapeau précédemment utilisé dans le Royaume de Libye entre 1951 et 1969 comme « emblème de la République libyenne ». Le drapeau a été officiellement défini dans l'article trois du projet de charte constitutionnelle libyenne pour la phase de transition : Le drapeau national aura la forme et les dimensions suivantes : Sa longueur sera le double de sa largeur, elle sera divisée en trois bandes colorées parallèles, la plus haute étant rouge, la centrale noire et la plus basse verte, la bande noire sera égale en superficie aux deux autres bandes ensemble et portera en son centre un croissant blanc, entre les deux extrémités duquel sera placée une étoile blanche à cinq branches. Le drapeau a été initialement utilisé par les manifestants pendant la guerre civile libyenne. Le 10 mars 2011, la France a été le premier pays à reconnaître le Conseil comme gouvernement officiel de la Libye, ainsi que le premier à autoriser le personnel de l'ambassade libyenne à hisser le drapeau. Le 21 mars, le drapeau a été arboré par la Mission permanente de la Libye auprès des Nations Unies et est apparu sur son site officiel, puis fin août par la Ligue arabe et par l'autorité libyenne des télécommunications, la Libye Telecom & Technology, de sa propre initiative. site web. Dans les mois suivants, de nombreuses autres ambassades libyennes ont remplacé le drapeau vert de Kadhafi par le drapeau tricolore. Ce drapeau original de la Libye est désormais le seul drapeau utilisé par les Nations Unies pour représenter la Libye, selon la déclaration suivante de l'ONU : << Suite à l'adoption par l'Assemblée générale de la résolution 66/1, la Mission permanente de la Libye auprès de l'Organisation des Nations Unies a officiellement notifié à l'Organisation des Nations Unies une déclaration du Conseil national de transition du 3 août 2011 modifiant le nom officiel de la Jamahiriya arabe libyenne en "Libye", ainsi que la décision de remplacer le drapeau national libyen par l'original." Tous les postes diplomatiques libyens, tels que les ambassades et les consulats, utilisent le drapeau original de la Libye. Liste des drapeaux de la Libye Fichier:Drapeau de l'Italie (1861-1946).svg|Drapeau de la Libye italienne (1934-1942) Fichier:Drapeau du Royaume-Uni.svg|Administration militaire britannique (1942-1951) Fichier:Drapeau de Libye.svg|Royaume de Libye (1951-1969) Fichier : Drapeau de la Libye (1969-1972).svg|République arabe libyenne (1969-1972) Fichier : Drapeau de la Libye (1972-1977).svg|Fédération des Républiques arabes (1972-1977) Fichier:Drapeau de la Libye (1977-2011).svg|Grande Jamahiriya arabe libyenne populaire et socialiste (1977-2011) Fichier:Drapeau de la Libye.svg|État de la Libye (2011—)

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De quel pays africain Niamey est-elle la capitale ?

Niger

Niamey est la capitale et la plus grande ville du Niger, pays d'Afrique de l'Ouest. Niamey se trouve sur le fleuve Niger, principalement sur la rive est. C'est un centre administratif, culturel et économique. La population de Niamey, estimée à 774 235 habitants en 2006, devrait désormais être bien plus élevée. La ville est située dans une région productrice de mil, tandis que les industries manufacturières comprennent les briques, les produits céramiques, le ciment et le tissage. Histoire Niamey a probablement été fondée au XVIIIe siècle, mais n'avait que peu d'importance pour la majeure partie du pays jusqu'à ce que les Français développent un poste colonial dans les années 1890. Celui-ci est rapidement devenu un centre important. En 1926, elle devient la capitale du Niger et la population augmente progressivement, passant d'environ 3 000 habitants en 1930 à environ 30 000 habitants en 1960. La période de 1970 à 1988 a été celle d’une économie nigérienne en plein essor, tirée par les revenus des mines d’uranium d’Arlit. Durant cette période, la population de Niamey est passée de 108 000 à 398 365 habitants. La ville s'est étendue de 1 367 ha en 1970 à 4 400 ha en 1977, annexant ainsi des villages périphériques tels que Lazaret. Selon certaines estimations, la population aurait atteint 800 000 habitants en 2000. En 2011, la presse gouvernementale estimait la population urbaine totale à plus de 1,5 million. L'une des principales causes de cette augmentation est la migration pour le travail et pendant les sécheresses, ainsi qu'une forte croissance démographique. Ce dernier facteur signifie que la majorité des citoyens de la ville sont des jeunes. Géographie et climat D'une superficie de plus de 250 km2, la zone métropolitaine s'étend au sommet de deux plateaux atteignant 218 m d'altitude, traversés par le fleuve Niger. A Niamey, le fleuve, qui coule presque tout droit au SSE depuis Gao, présente une série de larges courbes. La ville a été fondée sur l'est (« rive gauche ») du fleuve alors qu'il serpente d'ouest en est pour s'écouler presque directement vers le sud. Une série d'îles marécageuses commencent à Niamey et s'étendent vers le sud dans le fleuve. Le climat est semi-aride chaud (classification climatique de Köppen BSh), avec des précipitations attendues entre 500 mm et 750 mm par an, commençant principalement par quelques tempêtes en mai, puis passant à une saison des pluies, qui dure généralement à partir de juin. jusqu'au début septembre, lorsque les pluies diminuent assez rapidement. La plupart des précipitations se situent entre fin juin et mi-août. Il n'y a pratiquement pas de pluie de mi-octobre à avril. Niamey est remarquablement chaud tout au long de l’année. En fait, c’est l’une des grandes villes les plus chaudes de la planète. Les températures mensuelles moyennes élevées atteignent 38 °C quatre mois par an et aucun mois les températures moyennes élevées ne descendent en dessous de 32 °C. Pendant la saison sèche, particulièrement de novembre à février, les nuits sont généralement fraîches. Les minimums nocturnes moyens entre novembre et février varient de 14 à 14 -. Population Alors que la population de Niamey n'a cessé de croître depuis l'indépendance, les sécheresses du début des années 1970 et 1980, ainsi que la crise économique du début des années 1980, ont provoqué un exode de la population rurale vers la plus grande ville du Niger. Sous le gouvernement militaire du général Seyni Kountché, les contrôles de résidence étaient stricts et le gouvernement rassemblait et « expulsait » régulièrement les sans-papiers vers leurs villages. Patrick Gilliard et Laurent Pédenon "[http://www.politique -africaine.com/numeros/pdf/063051.pdf Rues de Niamey, espace et territoires de la mendicité]" Politique africaine, Paris (octobre 1996) n°63 pp. 51-60. Les libertés croissantes de la fin des années 1980 et des années 1990, ainsi que la rébellion touarègue des années 1990 et la famine des années 2000, ont renforcé le processus d’immigration, avec l’apparition de vastes établissements informels à la périphérie des villes. Depuis les années 1980, on remarque dans le centre-ville des groupes de mendiants pauvres, jeunes ou handicapés. Au sein des quartiers les plus riches ou les plus victimes de trafic, ces mendiants ont en fait formé un système hiérarchique bien réglementé dans lequel les mendiants récoltent la sadaka selon des normes culturelles et religieuses. Sites et institutions Les attractions de la ville comprennent le Musée national du Niger, comprenant un zoo, un musée d'architecture vernaculaire, un centre d'artisanat et des expositions comprenant des squelettes de dinosaures et l'arbre du Ténéré. Il existe également des centres culturels américains, français et nigériens, sept grands centres commerciaux dont le grand Grand Marché de Niamey, une arène de lutte traditionnelle et un hippodrome. La ville abrite également l'aéroport international Diori Hamani, l'École nationale d'administration, l'Université Abdou Moumouni, l'Institut supérieur des mines, de l'industrie et de la géologie qui se trouve sur la rive droite du fleuve, et de nombreux instituts (Centre numérique de Niamey, IRD, ICRISAT, Institut hydrologique, etc.) L'AMU a connu un certain nombre d'actions de protestation au fil des années, notamment les manifestations de 2006 à l'Université Abdou Moumouni. Plusieurs hôpitaux sont situés à Niamey, dont l'Hôpital CURE des Enfants au Niger, l'Hôpital National et l'Hôpital Universitaire Lamordé. En décembre 2005, elle a accueilli les Jeux de la Francophonie. Niamey constitue une circonscription particulière de la capitale du Niger, entourée par le département de Tillabéri. Niamey abrite le Centre africain d'application de la météorologie pour le développement. Religion Plus de 90 % du Niger est peuplé de musulmans. Niamey abrite la plus grande mosquée du pays, la Grande Mosquée de Niamey. Au sein du christianisme, la ville est le siège de l'archidiocèse catholique romain de Niamey. Il existe également une petite communauté bahá'íe à Niamey. Gouvernance Aperçu La ville de Niamey elle-même est gouvernée comme un bloc administratif autonome de premier niveau, la Communauté Urbaine de Niamey (fr. Communauté Urbaine de Niamey, CUN). Il comprend cinq Communes Urbaines, divisées en 44 « Districts » et 99 « Quartiers », dont des villes autrefois indépendantes. Il s'agit d'une subdivision de première division à égalité avec les sept régions du Niger. La Communauté Urbaine de Niamey comprend une administration et un gouverneur nommés par les dirigeants nationaux. Comme le reste du Niger, Niamey a connu une décentralisation de la gouvernance depuis 2000. L'ordonnance gouvernementale n°2010-56 et le décret présidentiel n°2010-679 de septembre 2010 ont mandaté un conseil municipal élu pour la ville de Niamey, intégré à la CUN. Cela exclut certaines zones périphériques du CUN. Quarante-cinq conseillers sont élus au suffrage universel et élisent à leur tour le Maire de la Ville de Niamey. En juillet 2011, le premier maire du nouveau système, Oumarou Dogari Moumouni, a été installé par la gouverneure de la CUN Mme Aïchatou Boulama Kané et le conseil municipal. Le conseil municipal et le maire ont des rôles limités par rapport au gouverneur de la CUN. Niamey dispose d'un troisième niveau de gouvernement dans le système communal. Chaque commune élit son propre conseil et, en dehors des grandes villes, ceux-ci fonctionnent comme des villes indépendantes. Niamey et d'autres grandes villes ont, depuis l'avènement de la décentralisation, développé la coordination des gouvernements communaux dans les grandes villes composées de plusieurs communes. Dans le cadre de ce processus de décentralisation formalisé dans la Constitution du Niger de 1999, la CUN comprend cinq « Communes urbaines » et aucune « Communes rurales ». Comme toutes les communes urbaines nigériennes, elles sont divisées en quartiers (« Quartiers ») avec des conseils d'administration élus. Communes et quartiers Le CUN comprend 99 Quartiers : La CUN comprend des terres où se trouvaient autrefois plusieurs villes et villages environnants que la ville de Niamey a désormais annexés. Il s'agit notamment de Soudouré, Lamordé, Gamkallé, Yantala et Gaweye. Le CUN couvre un territoire de , soit 0,02% du territoire national. Amadou Oumarou. [http://www.ace-recit.org/rapport_ace/RapportFinalLASDELSPSay2007.pdf État et contexte de la fourniture des services publics dans la commune urbaine de Say]. LASDEL – Laboratoire d'études et recherches sur les dynamiques sociales et le développement local, Niamey, Niger. (avril 2007) Jusqu'en 1998, l'ensemble du grand Niamey faisait partie de la région de Tillabery, qui avant 1992 s'appelait département de Niamey. Le CUN reste encerclé de toutes parts par la région de Tillabéry. Transport Niamey est desservie par l'aéroport international Diori Hamani, situé à 12 km au sud-est de la ville et traversée par l'autoroute RN1. La gare de Niamey, officiellement inaugurée en avril 2014, est la première construite au Niger. Éducation Collèges et universités: *Université Abdou Moumouni Écoles primaires et secondaires : * Lycée La Fontaine (école internationale française) * Ecole Internationale Américaine de Niamey

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Quelle comédie musicale présentait la chanson The Street Where You Live ?

My Fair Lady

Le théâtre musical est une forme de représentation théâtrale qui combine chants, dialogues parlés, jeu d’acteur et danse. L'histoire et le contenu émotionnel d'une comédie musicale – humour, pathétique, amour, colère – sont communiqués à travers les mots, la musique, le mouvement et les aspects techniques du divertissement dans son ensemble intégré. Bien que le théâtre musical recoupe d’autres formes théâtrales comme l’opéra et la danse, il se distingue par l’importance égale accordée à la musique par rapport au dialogue, au mouvement et à d’autres éléments. Depuis le début du XXe siècle, les œuvres scéniques du théâtre musical sont généralement appelées simplement comédies musicales. Bien que la musique fasse partie des représentations dramatiques depuis l'Antiquité, le théâtre musical occidental moderne a émergé au XIXe siècle, avec de nombreux éléments structurels établis par les œuvres de Gilbert et Sullivan en Grande-Bretagne et celles de Harrigan et Hart en Amérique. Viennent ensuite les nombreuses comédies musicales édouardiennes et les œuvres de théâtre musical de créateurs américains comme George M. Cohan. Les comédies musicales du Princess Theatre et d'autres spectacles intelligents comme Of Thee I Sing (1931) ont été des avancées artistiques au-delà des revues et autres divertissements mousseux du début du 20e siècle et ont conduit à des œuvres aussi révolutionnaires que Show Boat (1927) et Oklahoma ! (1943). Certaines des comédies musicales les plus célèbres et emblématiques des décennies qui ont suivi incluent West Side Story (1957), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1985), Le Fantôme de l'Opéra (1986), Rent (1996), The Producers (2001) , Méchant (2003) et Hamilton (2015). Les comédies musicales sont jouées partout dans le monde. Ils peuvent être présentés dans de grandes salles, telles que des productions à gros budget de Broadway ou du West End à New York ou à Londres. Alternativement, les comédies musicales peuvent être présentées dans des théâtres marginaux plus petits, dans des productions théâtrales Off-Broadway ou régionales, ou en tournée. Les comédies musicales sont souvent présentées par des groupes amateurs et scolaires dans les églises, les écoles et autres espaces de représentation. Outre les États-Unis et la Grande-Bretagne, il existe des scènes de théâtre musical dynamiques en Europe continentale, en Asie, en Australasie, au Canada et en Amérique latine. Définitions et portée Livres musicaux Depuis le XXe siècle, le « livre musical » est défini comme une pièce de théâtre musicale où les chants et les danses sont pleinement intégrés dans une histoire bien faite avec des objectifs dramatiques sérieux et capables d'évoquer de véritables émotions autres que le rire. Les trois éléments principaux d'un livre musical sont sa musique, ses paroles et son livre. Le livre ou le scénario d'une comédie musicale fait référence à l'histoire, au développement des personnages et à la structure dramatique, y compris les dialogues parlés et les mises en scène, mais il peut également faire référence au dialogue et aux paroles ensemble, qui sont parfois appelés le livret (en italien pour « petit livre »). La musique et les paroles forment ensemble la partition d'une comédie musicale et comprennent des chansons ; musique accessoire; et les scènes musicales, qui sont « des séquences théâtrales mises en musique, combinant souvent chant et dialogue parlé ». L'interprétation d'une comédie musicale est influencée par son équipe de création, qui comprend un metteur en scène, un directeur musical, généralement un chorégraphe et parfois un orchestrateur. La production d'une comédie musicale est également caractérisée de manière créative par des aspects techniques, tels que la scénographie, les costumes, les propriétés scéniques (accessoires), l'éclairage et le son, qui changent généralement de la production originale aux productions suivantes. Certains éléments de production célèbres peuvent cependant être conservés de la production originale ; par exemple, la chorégraphie de Bob Fosse à Chicago. Il n’y a pas de durée fixe pour une comédie musicale. Bien que cela puisse aller d'un court divertissement en un acte à plusieurs actes et durer plusieurs heures (ou même une présentation sur plusieurs soirées), la plupart des comédies musicales durent d'une heure et demie à trois heures. Les comédies musicales sont généralement présentées en deux actes, avec un court entracte et le premier acte est souvent plus long que le second. Le premier acte présente généralement presque tous les personnages et la plupart de la musique et se termine souvent par l'introduction d'un conflit dramatique ou d'une complication de l'intrigue tandis que le deuxième acte peut introduire quelques nouvelles chansons mais contient généralement des reprises de thèmes musicaux importants et résout le problème. conflit ou complication. Un livre musical est généralement construit autour de quatre à six thèmes principaux qui sont repris plus tard dans le spectacle, bien qu'il se compose parfois d'une série de chansons sans rapport direct musical. Le dialogue parlé est généralement intercalé entre les numéros musicaux, bien que le « dialogue chanté » ou le récitatif puissent être utilisés, en particulier dans les comédies musicales dites « chantées » telles que Jesus Christ Superstar, Les Misérables et Evita. Plusieurs comédies musicales plus courtes à Broadway et dans le West End ont été présentées en un seul acte au cours des dernières décennies. Les moments de la plus grande intensité dramatique dans un livre musical sont souvent interprétés en chanson. Proverbialement, « quand l’émotion devient trop forte pour la parole, vous chantez ; quand elle devient trop forte pour la chanson, vous dansez ». Dans un livre musical, une chanson est idéalement conçue pour convenir au(x) personnage(s) et à sa situation dans l'histoire ; bien qu’il y ait eu des moments dans l’histoire de la comédie musicale (par exemple des années 1890 aux années 1920) où cette intégration entre musique et histoire a été ténue. Comme Ben Brantley, critique du New York Times, a décrit l'idéal de la chanson au théâtre lors de sa critique de la reprise de Gypsy en 2008 : « Il n'y a aucune séparation entre la chanson et le personnage, ce qui se produit dans ces moments rares où les comédies musicales s'élèvent pour atteindre leur idéal. raisons de l'être." Généralement, beaucoup moins de mots sont chantés dans une chanson de cinq minutes que prononcés dans un bloc de dialogue de cinq minutes. Par conséquent, il y a moins de temps pour développer le drame dans une comédie musicale que dans une pièce de théâtre directe de durée équivalente, puisqu'une comédie musicale consacre généralement plus de temps à la musique qu'au dialogue. Dans le cadre compressé d’une comédie musicale, les scénaristes doivent développer les personnages et l’intrigue. Le matériel présenté dans une comédie musicale peut être original, ou il peut être adopté ou né de romans (Wicked et Man of La Mancha), de pièces de théâtre (Hello Dolly !), de légendes classiques (Camelot), d'événements historiques (Evita) ou de films ( Les producteurs et Billy Elliot). D'autre part, de nombreuses œuvres de théâtre musical à succès ont été adaptées pour des films musicaux, comme West Side Story, My Fair Lady, The Sound of Music, Oliver ! et Chicago. Comparaisons avec l'opéra Le théâtre musical est étroitement lié à la forme théâtrale de l'opéra, mais les deux se distinguent généralement par un certain nombre de facteurs. Les comédies musicales mettent généralement davantage l'accent sur le dialogue parlé (bien que certaines comédies musicales soient entièrement accompagnées et chantées ; et d'un autre côté, certains opéras, comme Die Zauberflöte, et la plupart des opérettes, ont des dialogues non accompagnés) ; sur la danse (notamment par les principaux interprètes ainsi que par le chœur) ; sur l'utilisation de divers genres de musique populaire (ou du moins de styles de chant populaires) ; et sur l'évitement de certaines conventions d'opéra. En particulier, une comédie musicale est presque toujours jouée dans la langue de son public. Les comédies musicales produites à Broadway ou dans le West End, par exemple, sont invariablement chantées en anglais, même si elles ont été initialement écrites dans une autre langue. Alors qu'un chanteur d'opéra est avant tout un chanteur et seulement en second lieu un acteur (et a rarement besoin de danser), un artiste de théâtre musical est souvent d'abord un acteur, puis un chanteur et un danseur. Quelqu'un qui est également accompli dans les trois domaines est appelé une « triple menace ». Les compositeurs de musique pour comédies musicales considèrent souvent les exigences vocales des rôles en pensant aux artistes de théâtre musical. Aujourd'hui, les grands théâtres organisant des comédies musicales utilisent généralement des microphones et une amplification des voix chantées des acteurs d'une manière qui serait généralement désapprouvée dans un contexte d'opéra. Certaines œuvres (par exemple de George Gershwin, Leonard Bernstein et Stephen Sondheim) ont reçu à la fois des productions de « théâtre musical » et d'« opéra ». De même, certaines opérettes ou opéras légers plus anciens (comme Les Pirates de Penzance de Gilbert et Sullivan) ont fait l'objet de productions ou d'adaptations modernes qui les traitent comme des comédies musicales. Pour certaines œuvres, les styles de production sont presque aussi importants que le contenu musical ou dramatique de l'œuvre pour définir dans quelle forme d'art s'inscrit la pièce. Sondheim a déclaré : "Je pense vraiment que quand quelque chose joue à Broadway, c'est une comédie musicale, et quand c'est joué dans un opéra, c'est de l'opéra. C'est tout. C'est le terrain, la campagne, les attentes du public qui en font une chose ou une autre. " Bien que cet article concerne principalement les œuvres de théâtre musical « non opératiques », le chevauchement demeure entre des formes lyriques plus légères et des comédies musicales plus complexes ou ambitieuses musicalement. Dans la pratique, il est souvent difficile de distinguer les différents types de théâtre musical, notamment la « pièce musicale », la « comédie musicale », l'« opérette » et l'« opéra léger ». Comme l'opéra, le chant du théâtre musical est généralement accompagné par un ensemble instrumental appelé orchestre de fosse, situé dans une zone surbaissée devant la scène. Alors que l'opéra utilise généralement un orchestre symphonique conventionnel, les comédies musicales sont généralement orchestrées pour des ensembles allant de 27 musiciens à quelques musiciens seulement. Les comédies musicales rock emploient généralement un petit groupe d'instruments principalement rock, et certaines comédies musicales peuvent ne faire appel qu'à un piano ou deux instruments. La musique des comédies musicales utilise une gamme de « styles et d'influences, notamment l'opérette, les techniques classiques, la musique folklorique, le jazz [et] des styles locaux ou historiques [qui] sont appropriés au contexte ». Les comédies musicales peuvent commencer par une ouverture jouée par l'orchestre qui « tisse ensemble des extraits des célèbres mélodies de la partition ». Autres formes Il existe diverses traditions théâtrales orientales qui incluent la musique, comme l'opéra chinois, l'opéra taïwanais, le nô et le théâtre musical en Inde, notamment le théâtre sanskrit, la danse classique indienne et le Yakshagana. L'Inde a, depuis le 20e siècle, produit de nombreux films musicaux, appelés comédies musicales « Bollywood », et au Japon, une série de comédies musicales basées sur des bandes dessinées populaires d'anime et de manga s'est développée au cours des dernières décennies. Des versions « juniors » plus courtes ou simplifiées de nombreuses comédies musicales sont disponibles pour les écoles et les groupes de jeunes, et des œuvres très courtes créées ou adaptées pour être interprétées par des enfants sont parfois appelées minimusicales. Histoire Les premiers antécédents du théâtre musical Les antécédents du théâtre musical en Europe remontent au théâtre de la Grèce antique, où la musique et la danse étaient incluses dans les comédies et tragédies sur scène au cours du 5ème siècle avant notre ère.Thornton, Shay| dernier Thornton. [http://web.archive.org/web/20071127051412/http://www.tuts.com/season07/wonderful_study.pdf "Une vie merveilleuse"], Theatre Under the Stars, Houston, Texas, p. 2 (2007), consulté le 26 mai 2009. La musique des formes anciennes est cependant perdue et elles ont eu peu d'influence sur le développement ultérieur du théâtre musical. Kenrick, John. [http://www.musicals101.com/stagecap.htm "A Capsule History"], Musicals101.com, 2003, consulté le 12 octobre 2015 Aux XIIe et XIIIe siècles, les drames religieux enseignaient la liturgie. Des groupes d'acteurs utilisaient des wagons extérieurs du concours (scènes sur roues) pour raconter chaque partie de l'histoire. Les formes poétiques alternent parfois avec les dialogues en prose, et les chants liturgiques laissent place à de nouvelles mélodies. La Renaissance européenne a vu des formes plus anciennes évoluer vers deux antécédents du théâtre musical : la commedia dell'arte, où des clowns bruyants improvisaient des histoires familières, et plus tard, l'opéra bouffe. En Angleterre, les pièces élisabéthaines et jacobéennes incluaient fréquemment de la musique, et de courtes pièces musicales commençaient à être incluses dans les divertissements dramatiques des soirées. Les masques de cour se sont développés pendant la période Tudor et impliquaient de la musique, de la danse, du chant et du théâtre, souvent avec des costumes coûteux et une scénographie complexe. Celles-ci se sont transformées en pièces chantées reconnaissables comme des opéras anglais, la première étant généralement considérée comme Le siège de Rhodes (1656). En France, Molière transforme plusieurs de ses comédies farfelues en divertissements musicaux avec chants (musique fournie par Jean Baptiste Lully) et danse à la fin du XVIIe siècle. Ceux-ci ont influencé une brève période d'opéra anglais de compositeurs tels que John Blow et Henry Purcell. À partir du XVIIIe siècle, les formes de théâtre musical les plus populaires en Grande-Bretagne étaient les opéras de ballade, comme The Beggar's Opera de John Gay, qui comprenaient des paroles écrites sur des airs de chansons populaires de l'époque (souvent une parodie d'opéra), et plus tard la pantomime, qui développa de la commedia dell'arte et des opéras-comiques avec des intrigues principalement romantiques, comme The Bohemian Girl de Michael Balfe (1845). Pendant ce temps, sur le continent, le singspiel, la comédie en vaudeville, l'opéra comique, la zarzuela et d'autres formes de divertissement musical léger faisaient leur apparition. L'Opéra du Mendiant fut la première pièce de théâtre de longue durée enregistrée, quelle qu'elle soit, avec 62 représentations successives en 1728. Il fallut près d'un siècle plus tard avant qu'une pièce ne dépasse les 100 représentations, mais le record atteignit bientôt 150 à la fin des années 1820. D'autres formes de théâtre musical se sont développées en Angleterre au XIXe siècle, comme le music-hall, le mélodrame et la burletta, qui ont été popularisées en partie parce que la plupart des théâtres londoniens n'étaient autorisés qu'en tant que music-halls et n'étaient pas autorisés à présenter des pièces sans musique. L'Amérique coloniale n'avait pas de présence théâtrale significative jusqu'en 1752, lorsque l'entrepreneur londonien William Hallam envoya dans les colonies une compagnie d'acteurs dirigée par son frère Lewis. Wilmeth et Miller, p. 182 À New York, au cours de l’été 1753, ils exécutèrent des ballades-opéras, comme The Beggar’s Opera, et des ballades-farces. Dans les années 1840, P.T. Barnum exploitait un complexe de divertissement dans le sud de Manhattan. D'autres premiers théâtres musicaux en Amérique consistaient en des formes britanniques, telles que la burletta et la pantomime, mais le nom d'une pièce ne définissait pas nécessairement de quoi il s'agissait. L'extravagance de Broadway de 1852, The Magic Deer, s'est présentée comme "Un conte d'enchantement burletique extravagant historique opératique Serio Comico Tragico." Kenrick, John. [http://www.musicals101.com/erastage.htm "History of Stage Musicals"], Musicals101.com, 2003, consulté le 26 mai 2009. Le théâtre de New York s'est progressivement déplacé du centre-ville vers le centre-ville à partir de 1850 environ, et n'a pas arrivent dans le quartier de Times Square jusque dans les années 1920 et 1930. The Elves (1857) de Broadway a franchi la barre des 50 représentations. Les performances new-yorkaises sont restées loin derrière celles de Londres, mais la « burletta musicale » de Laura Keene, Seven Sisters (1860), a brisé les précédents records new-yorkais avec une série de 253 représentations. Années 1850 à 1880 Vers 1850, le compositeur français Hervé expérimente une forme de théâtre musical comique qu'il appelle opérette. Les compositeurs d'opérettes les plus connus étaient Jacques Offenbach des années 1850 aux années 1870 et Johann Strauss II dans les années 1870 et 1880. Les mélodies fertiles d'Offenbach, combinées à la satire pleine d'esprit de ses librettistes, formèrent un modèle pour le théâtre musical qui suivit.Lubbock, Mark. [http://www.jstor.org/stable/937354 "La musique des 'comédies musicales'",] The Musical Times, Vol. 98, n° 1375 (septembre 1957), pp. 483-485. Adaptations des opérettes françaises (jouées dans des traductions pour la plupart mauvaises et risquées), des burlesques musicaux, du music-hall, de la pantomime et de la burletta ont dominé la scène musicale londonienne jusque dans les années 1870. Bond, Jessie. [http://math.boisestate.edu/gas/books/bond/intro.html Introduction to The Life and Reminiscences of Jessie Bond], réimprimé dans The Gilbert and Sullivan Archive, consulté le 4 mars 2011 En Amérique, les divertissements du théâtre musical du milieu du XVIIIe siècle comprenaient des revues de variétés grossières, qui se sont finalement développées en vaudeville, en spectacles de ménestrels, qui ont rapidement traversé l'Atlantique jusqu'en Grande-Bretagne, et en burlesque victorien, popularisé pour la première fois aux États-Unis par des troupes britanniques. La première pièce de théâtre originale en anglais qui se conforme à de nombreuses définitions modernes d'une comédie musicale, y compris la danse et la musique originale qui ont contribué à raconter l'histoire, est généralement considérée comme The Black Crook, dont la première a eu lieu à New York le 12 septembre 1866. la production a duré cinq heures et demie, mais malgré sa durée, elle a duré un record de 474 représentations. La même année, The Black Domino/Between You, Me and the Post fut la première série à se qualifier de « comédie musicale ». Les comédiens Edward Harrigan et Tony Hart ont produit et joué dans des comédies musicales à Broadway entre 1878 (The Mulligan Guard Picnic) et 1885. Ces comédies musicales mettaient en scène des personnages et des situations tirés de la vie quotidienne des classes inférieures de New York et représentaient un pas en avant significatif vers une société plus moderne. forme théâtrale légitime. Ils mettaient en vedette des chanteuses de grande qualité (Lillian Russell, Vivienne Segal et Fay Templeton) au lieu des dames à la réputation douteuse qui avaient joué dans des formes musicales antérieures. À mesure que les transports s'amélioraient, que la pauvreté diminuait à Londres et à New York et que l'éclairage public rendait les déplacements nocturnes plus sûrs, le nombre de spectateurs dans le nombre croissant de théâtres augmenta énormément. Les pièces duraient plus longtemps, ce qui entraînait de meilleurs profits et une meilleure valeur de production, et les hommes commençaient à amener leur famille au théâtre. La première pièce de théâtre musical à dépasser les 500 représentations consécutives fut l'opérette française Les Carillons de Normandie en 1878. L'opéra comique anglais adopta bon nombre des idées à succès de l'opérette européenne, aucune avec plus de succès que la série de plus d'une douzaine de Gilbert et Opéras comiques de Sullivan, dont H.M.S. Tablier (1878) et Le Mikado (1885). Ces sensations ont fait sensation des deux côtés de l'Atlantique et en Australie et ont contribué à élever le niveau de ce qui était considéré comme un spectacle à succès.Kenrick, John. [http://www.musicals101.com/usafter.htm "G&S in the USA" sur le site musicals101] La Cyber ​​Encyclopédie du théâtre musical, de la télévision et du cinéma (2008). Récupéré le 4 mai 2012. Ces spectacles étaient conçus pour un public familial, un contraste marqué avec les burlesques risqués, les spectacles de music-hall de débauche et les opérettes françaises qui attiraient parfois une foule en quête de divertissements moins sains. Seules quelques pièces musicales du XIXe siècle ont dépassé la diffusion du Mikado, comme Dorothy, qui a ouvert ses portes en 1886 et a établi un nouveau record avec une série de 931 représentations. L'influence de Gilbert et Sullivan sur le théâtre musical ultérieur a été profonde, créant des exemples de la façon « d'intégrer » des comédies musicales afin que les paroles et les dialogues fassent avancer une histoire cohérente. Jones, 2003, [https://books.google.com/books?id X31kno&pgpaya&lpg PAYA&diabordman+singe&sourtse bl&ots-CHA-Dm231b&sig UwT_XytKbxkRXtLo_OV7-_VTlps&reach&ei RPzlSezEBpeUMcSs4I4J&saX&oi book_result&ctresult&resnum 7#PPA4,M1 pp. 10-11] Leurs œuvres ont été admirées et copiées par les premiers auteurs et compositeurs de comédies musicales en Grande-Bretagne et en Amérique. Des années 1890 au nouveau siècle A Trip to Chinatown (1891) fut le champion de longue date de Broadway (jusqu'à Irene en 1919), avec 657 représentations, mais les courses à New York restèrent relativement courtes, à quelques exceptions près, par rapport aux courses de Londres, jusqu'aux années 1920. Gilbert et Sullivan ont tous deux été piratés et imités à New York par des productions telles que Robin des Bois de Reginald de Koven (1891) et El Capitan de John Philip Sousa (1896). A Trip to Coontown (1898) fut la première comédie musicale entièrement produite et interprétée par des Afro-Américains à Broadway (largement inspirée des routines des spectacles de ménestrels), suivie de spectacles teintés de ragtime. Des centaines de comédies musicales ont été mises en scène à Broadway dans les années 1890 et au début du XXe siècle, composées de chansons écrites dans la Tin Pan Alley de New York, notamment celles de George M. Cohan, qui a travaillé à créer un style américain distinct des œuvres de Gilbert et Sullivan. Les spectacles new-yorkais les plus réussis étaient souvent suivis de vastes tournées nationales. Pendant ce temps, les comédies musicales envahissaient la scène londonienne dans les années 90 gay, dirigées par le producteur George Edwardes, qui percevait que le public voulait une nouvelle alternative aux opéras-comiques de style savoyard et à leur satire intellectuelle, politique et absurde. Il a expérimenté un style de théâtre musical moderne et familial, avec des chansons populaires et légères, des plaisanteries vives et romantiques et un spectacle élégant au Gaiety et dans ses autres théâtres. Ceux-ci s'inspirent des traditions de l'opéra-comique et utilisent des éléments du burlesque et des pièces de Harrigan et Hart. Il a remplacé les femmes de débauche du burlesque par son corps « respectable » de Gaiety Girls pour compléter le plaisir musical et visuel. Le succès des premiers d’entre eux, In Town (1892) et A Gaiety Girl (1893), définit le style des trois décennies suivantes. Les intrigues étaient généralement des spectacles légers et romantiques « la pauvre jeune fille aime l'aristocrate et le gagne contre toute attente », avec la musique d'Ivan Caryll, Sidney Jones et Lionel Monckton. Ces spectacles furent immédiatement largement copiés en Amérique, et la comédie musicale édouardienne balaya les formes musicales antérieures de l’opéra-comique et de l’opérette. La Geisha (1896) fut l'une des œuvres les plus réussies des années 1890, fonctionnant pendant plus de deux ans et remportant un grand succès international. La Belle de New York (1898) est devenue la première comédie musicale américaine à être diffusée pendant plus d'un an à Londres. La comédie musicale britannique Florodora (1899) fut un succès populaire des deux côtés de l'Atlantique, tout comme A Chinese Honeymoon (1901), qui fut un record de 1 074 représentations à Londres et 376 à New York. Au tournant du 20e siècle, Seymour Hicks s'est associé à Edwardes et au producteur américain Charles Frohman pour créer une autre décennie de spectacles populaires. Parmi les autres succès de comédie musicale édouardienne durables, citons The Arcadians (1909) et The Quaker Girl (1910). Début du 20ème siècle Quasiment éliminées de la scène anglophone par la concurrence des comédies musicales édouardiennes omniprésentes, les opérettes reviennent à Londres et à Broadway en 1907 avec The Merry Widow, et les adaptations d'opérettes continentales deviennent des concurrentes directes des comédies musicales. Franz Lehár et Oscar Straus composèrent de nouvelles opérettes qui furent populaires en anglais jusqu'à la Première Guerre mondiale. En Amérique, Victor Herbert produisit une série d'opérettes durables, dont The Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle. Modiste (1905), Le Moulin Rouge (1906) et La Coquine Marietta (1910). Dans les années 1910, l'équipe composée de P. G. Wodehouse, Guy Bolton et Jerome Kern, suivant les traces de Gilbert et Sullivan, créa les « Princess Theatre shows » et ouvrit la voie au travail ultérieur de Kern en montrant qu'une comédie musicale pouvait combiner lumière, musique populaire divertissement avec continuité entre son histoire et ses chansons. L'historien Gerald Bordman a écrit : Le public qui allait au théâtre avait besoin de divertissements d'évasion pendant les périodes sombres de la Première Guerre mondiale, et il affluait vers le théâtre. La comédie musicale à succès Irene de 1919 a été jouée à 670 reprises, un record à Broadway qui a duré jusqu'en 1938. Kenrick, John. [http://www.musicals101.com/1930bway3.htm Hellzapoppin - History of The Musical Stage 1930s: Part III - Revues], Musicals101.com, consulté le 8 octobre 2015. Le public du théâtre britannique a soutenu des productions bien plus longues comme celle de Maid des Montagnes (1 352 représentations) et surtout Chu Chin Chow. Sa série de 2 238 représentations était plus de deux fois plus longue que n'importe quelle comédie musicale précédente, établissant un record qui a duré près de quarante ans. and Musical Numbers"] guidetomusicaltheatre.com, consulté le 16 mars 2012. Des revues comme The Bing Boys Are Here en Grande-Bretagne et celles de Florenz Ziegfeld et de ses imitateurs en Amérique ont également été extrêmement populaires. Les comédies musicales des années folles, empruntant au vaudeville, au music-hall et à d'autres divertissements légers, avaient tendance à mettre l'accent sur les grandes routines de danse et les chansons populaires au détriment de l'intrigue. Les productions légères comme Sally, Lady Be Good, No, No, Nanette, Oh, Kay! et drôle de tête. Malgré des histoires inoubliables, ces comédies musicales mettaient en vedette des stars telles que Marilyn Miller et Fred Astaire et produisaient des dizaines de chansons populaires durables de Kern, George et Ira Gershwin, Irving Berlin, Cole Porter et Rodgers et Hart. La musique populaire était dominée par les standards du théâtre musical, tels que « Fascinating Rhythm », « Tea for Two » et « Someone to Watch Over Me ». De nombreux spectacles étaient des revues, des séries de sketchs et des chansons avec peu ou pas de lien entre eux. Les plus connues d'entre elles étaient les Ziegfeld Follies annuelles, des revues spectaculaires de chant et de danse à Broadway avec des décors extravagants, des costumes élaborés et de belles choristes. Ces spectacles ont également augmenté la valeur de la production et le montage d'une comédie musicale est généralement devenu plus coûteux. Shuffle Along (1921), un spectacle entièrement afro-américain fut un succès à Broadway. Une nouvelle génération de compositeurs d'opérettes émerge également dans les années 1920, comme Rudolf Friml et Sigmund Romberg, pour créer une série de succès populaires à Broadway. À Londres, des écrivains vedettes comme Ivor Novello et Noël Coward sont devenus populaires, mais la primauté du théâtre musical britannique du XIXe siècle jusqu'en 1920 a été progressivement remplacée par l'innovation américaine après la guerre, alors que Kern et d'autres compositeurs de Tin Pan Alley commençaient à apporter de nouveaux des styles musicaux tels que le ragtime et le jazz sont introduits dans les théâtres et les frères Shubert prennent le contrôle des théâtres de Broadway. L'auteur de théâtre musical Andrew Lamb note : « Les styles lyriques et théâtraux des structures sociales du XIXe siècle ont été remplacés par un style musical mieux adapté à la société du XXe siècle et à son langage vernaculaire. C'est d'Amérique que le style le plus direct a émergé, et en Amérique, qu'elle a pu s'épanouir dans une société en développement, moins enfermée dans la tradition du XIXe siècle. » Show Boat et la Grande Dépression Progressant bien au-delà des comédies musicales relativement frivoles et des opérettes sentimentales de la décennie, Show Boat de Broadway (1927) représentait une intégration encore plus complète du livre et de la partition que les comédies musicales du Princess Theatre, avec des thèmes dramatiques racontés à travers la musique, les dialogues, le décor et le mouvement. . Ceci a été accompli en combinant le lyrisme de la musique de Kern avec le livret habile d'Oscar Hammerstein II. Un historien a écrit : « Nous arrivons ici à un genre complètement nouveau – la pièce musicale par opposition à la comédie musicale. Maintenant… tout le reste était subordonné à cette pièce. Maintenant… est venue l'intégration complète de la chanson, de l'humour et des numéros de production dans une entité artistique unique et inextricable. "Lubbock (2002) Alors que la Grande Dépression s'installait lors de la tournée nationale de Show Boat après Broadway, le public se tourna vers des divertissements principalement légers et évasifs, composés de chants et de danses. Le public des deux côtés de l’Atlantique avait peu d’argent à dépenser en divertissement, et seuls quelques spectacles sur scène dépassaient la barre des 500 représentations au cours de la décennie. La revue The Band Wagon (1931) mettait en vedette les partenaires de danse Fred Astaire et sa sœur Adele, tandis que Anything Goes (1934) de Porter confirmait la position d'Ethel Merman en tant que première dame du théâtre musical, titre qu'elle conserva pendant de nombreuses années. Coward et Novello ont continué à présenter des comédies musicales sentimentales à l'ancienne, telles que The Dancing Years, tandis que Rodgers et Hart revenaient d'Hollywood pour créer une série de spectacles à succès à Broadway, notamment On Your Toes (1936, avec Ray Bolger, la première comédie musicale de Broadway à être diffusée sur Broadway). faire un usage dramatique de la danse classique), Babes In Arms (1937) et The Boys From Syracuse (1938). Porter a ajouté DuBarry Was a Lady (1939). La pièce de théâtre musical la plus ancienne des années 1930 fut Hellzapoppin (1938), une revue avec participation du public, qui a joué pendant 1 404 représentations, établissant un nouveau record à Broadway. Pourtant, quelques équipes créatives ont commencé à s’appuyer sur les innovations de Show Boats. Of Thee I Sing (1931), une satire politique des Gershwin, fut la première comédie musicale à recevoir le prix Pulitzer. As Thousands Cheer (1933), une revue d'Irving Berlin et Moss Hart dans laquelle chaque chanson ou sketch était basé sur un titre de journal, marqua le premier spectacle de Broadway dans lequel une Afro-Américaine, Ethel Waters, jouait aux côtés d'acteurs blancs. Les numéros de Waters incluaient "Supper Time", la plainte d'une femme pour son mari qui a été lynché. Porgy and Bess (1935) des Gershwin présentait une distribution entièrement afro-américaine et un mélange d'idiomes d'opéra, de folk et de jazz. The Cradle Will Rock (1937), réalisé par Orson Welles, était une pièce hautement politique et pro-syndicale qui, malgré la controverse qui l'entourait, a été présentée à 108 représentations. I'd Rather Be Right (1937) de Rodgers et Hart était une satire politique avec George M. Cohan dans le rôle du président Franklin D. Roosevelt, et Knickerbocker Holiday de Kurt Weill dépeint les débuts de l'histoire de la ville de New York tout en satirisant avec bonhomie les bonnes intentions de Roosevelt. Le film a lancé un défi à la scène. Les films muets n'avaient présenté qu'une concurrence limitée, mais à la fin des années 1920, des films comme The Jazz Singer pouvaient être présentés avec un son synchronisé. Les films « talkie » à bas prix ont effectivement tué le vaudeville au début des années 1930. Malgré les difficultés économiques des années 1930 et la concurrence du cinéma, la comédie musicale a survécu. En fait, il a continué à évoluer thématiquement au-delà des gags et des comédies musicales des années 90 et des années folles et de la romance sentimentale de l'opérette, en ajoutant l'expertise technique et la mise en scène rapide et le style de dialogue naturaliste dirigé par le réalisateur George Abbott. L'âge d'or (des années 1940 aux années 1960) années 1940 Les années 1940 commenceraient avec davantage de succès de Porter, Irving Berlin, Rodgers et Hart, Weill et Gershwin, certains avec plus de 500 représentations alors que l'économie rebondissait, mais un changement artistique était dans l'air. L'Oklahoma de Rodgers et Hammerstein ! (1943) a achevé la révolution commencée par Show Boat, en intégrant étroitement tous les aspects du théâtre musical, avec une intrigue cohérente, des chansons qui faisaient avancer l'action de l'histoire, et des ballets de rêve et d'autres danses qui faisaient avancer l'intrigue et développaient les personnages. , plutôt que d'utiliser la danse comme excuse pour faire défiler des femmes légèrement vêtues sur scène. Rodgers et Hammerstein ont embauché la chorégraphe de ballet Agnès de Mille, qui a utilisé des mouvements quotidiens pour aider les personnages à exprimer leurs idées. Il a défié les conventions musicales en levant le rideau de son premier acte non pas sur une bande de choristes, mais plutôt sur une femme barattant du beurre, avec une voix hors scène chantant les premières lignes de Oh, What a Beautiful Mornin' sans accompagnement. Il a suscité des critiques élogieuses, a déclenché une frénésie au box-office et a reçu un prix Pulitzer. Brooks Atkinson a écrit dans le New York Times que le numéro d'ouverture du spectacle a changé l'histoire du théâtre musical : « Après un couplet comme celui-là, chanté sur une mélodie entraînante, les banalités de l'ancienne scène musicale sont devenues intolérables. » Gordon, John Steele. http://www.americanheritage.com/articles/magazine/ah/1993/1/1993_1_58.shtml Oklahoma'!'] Récupéré le 13 juin 2010. Il s'agissait du premier spectacle « à succès » de Broadway, avec un total de 2 212 représentations. , et a été transformé en un film à succès. Il reste l'un des projets les plus fréquemment produits par l'équipe. William A. Everett et Paul R. Laird ont écrit qu'il s'agissait d'un « spectacle qui, comme Show Boat, est devenu une étape importante, donc ». que les historiens ultérieurs écrivant sur des moments importants du théâtre du XXe siècle commenceraient à identifier les époques en fonction de leur relation avec l'Oklahoma ! » « Après Oklahoma !, Rodgers et Hammerstein ont été les contributeurs les plus importants à la forme de jeu musical... Les exemples qu'ils ont donnés en créant des pièces vitales, souvent riches en pensée sociale, ont fourni l'encouragement nécessaire à d'autres écrivains doués pour créer des pièces musicales de les leurs". Les deux collaborateurs ont créé une collection extraordinaire de certains des classiques les plus appréciés et les plus durables du théâtre musical, notamment Carousel (1945), South Pacific (1949), The King and I (1951) et The Sound of Music (1959). Certaines de ces comédies musicales traitent de sujets plus sérieux que la plupart des spectacles précédents : le méchant d'Oklahoma ! est un meurtrier présumé et psychopathe avec un penchant pour les cartes postales obscènes ; Carousel traite de la violence conjugale, du vol, du suicide et de l'au-delà ; South Pacific explore le métissage encore plus en profondeur que Show Boat ; et le héros du Roi et moi meurt sur scène. La créativité du spectacle a stimulé les contemporains de Rodgers et Hammerstein et a marqué le début de « l'âge d'or » du théâtre musical américain. Americana a été présentée à Broadway pendant « l'âge d'or », alors que le cycle de spectacles de guerre commençait à arriver. Un exemple en est On the Town (1944), écrit par Betty Comden et Adolph Green, composé par Leonard Bernstein et chorégraphié par Jerome Robbins. L'histoire se déroule en temps de guerre et concerne trois marins en permission à terre de 24 heures à New York, au cours de laquelle chacun tombe amoureux. Le spectacle donne également l’impression d’un pays à l’avenir incertain, comme l’ont aussi les marins et leurs femmes. Irving Berlin a utilisé la carrière du tireur d'élite Annie Oakley comme base pour son Annie Get Your Gun (1946, 1 147 représentations) ; Burton Lane, E. Y. Harburg et Fred Saidy ont combiné la satire politique avec la fantaisie irlandaise pour leur fantaisie.

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« Qui était la cible du « complot de bombes » raté de 1944 ? »

Hitler

Le 20 juillet 1944, une tentative d'assassinat d'Adolf Hitler, Führer de l'Allemagne nazie, a été commise par Claus von Stauffenberg et d'autres conspirateurs, à l'intérieur de son quartier général de Wolf's Lair, près de Rastenburg, en Prusse orientale. Le nom d'Opération Valkyrie, faisant à l'origine référence à un élément du complot global des conspirateurs, est désormais associé à l'événement. Le but apparent de la tentative d'assassinat était de prendre le contrôle politique de l'Allemagne et de ses forces armées au parti nazi (y compris les SS) afin d'obtenir la paix avec les Alliés occidentaux le plus rapidement possible. Le désir sous-jacent de nombreux officiers de haut rang de la Wehrmacht impliqués était apparemment de montrer au monde que tous les Allemands n’étaient pas comme Hitler et le parti nazi. Les détails des initiatives de paix des conspirateurs restent inconnus, mais elles auraient probablement inclus des demandes d'acceptation de vastes annexions territoriales par l'Allemagne en Europe. Le complot était le point culminant des efforts déployés par plusieurs groupes de la Résistance allemande pour renverser le gouvernement allemand dirigé par les nazis. L'échec de l'assassinat et du coup d'État militaire qui devait suivre ont conduit à l'arrestation d'au moins 7 000 personnes par la Gestapo. Selon les archives des conférences du Führer sur les affaires navales, 4 980 d’entre eux furent exécutés. Arrière-plan Depuis 1938, des groupes conspirateurs planifiant un renversement existaient au sein de l’armée allemande (Wehrmacht Heer) et de l’Organisation de renseignement militaire allemande (Abwehr). Les premiers dirigeants de ces complots comprenaient le général de brigade Hans Oster, le général Ludwig Beck et le maréchal Erwin von Witzleben. Oster était le chef adjoint du bureau du renseignement militaire. Beck était un ancien chef d'état-major du haut commandement de l'armée allemande (Oberkommando des Heeres, OKH). Von Witzleben était l'ancien commandant de la 1re armée allemande et l'ancien commandant en chef du commandement de l'armée allemande à l'Ouest (Oberbefehlshaber West, ou OB West). Ils établirent bientôt des contacts avec plusieurs civils éminents, dont Carl Goerdeler, ancien maire de Leipzig, et Helmuth James Graf von Moltke, arrière-petit-neveu du héros de la guerre franco-prussienne. Les groupes conspirateurs militaires ont échangé des idées avec des groupes de résistance civile, politique et intellectuelle dans le Kreisauer Kreis (qui se sont réunis au domaine von Moltke à Kreisau) et dans d'autres cercles secrets. Moltke était contre le fait de tuer Hitler ; au lieu de cela, il voulait qu'il soit jugé. Moltke a déclaré: "Nous sommes tous des amateurs et nous ne ferions que gâcher". Moltke pensait également que tuer Hitler serait hypocrite. Hitler et le national-socialisme avaient transformé les « actes répréhensibles » en un système que la résistance devait éviter. Des plans visant à renverser Hitler et à empêcher Hitler de déclencher une nouvelle guerre mondiale furent élaborés en 1938 et 1939, mais furent avortés en raison de l'indécision des généraux d'armée Franz Halder et Walther von Brauchitsch et de l'échec des puissances occidentales à s'opposer à l'agression d'Hitler jusqu'à 1939. Ce premier groupe de résistance militaire retarde ses plans après l'extrême popularité d'Hitler suite au succès étonnamment rapide de la bataille pour la France. En 1942, un nouveau groupe conspirateur se forme, dirigé par le colonel Henning von Tresckow, membre de l'état-major du maréchal Fedor von Bock, qui commande le groupe d'armées Centre dans l'opération Barbarossa. Tresckow recrutait systématiquement des opposants dans l'état-major du Groupe, ce qui en faisait le centre névralgique de la résistance militaire. On ne pouvait pas faire grand-chose contre Hitler car il était fortement gardé et aucun des conspirateurs ne pouvait s'approcher suffisamment de lui. Au cours de l'année 1942, Oster et Tresckow réussirent néanmoins à reconstruire un réseau de résistance efficace. Leur recrue la plus importante était le général Friedrich Olbricht, chef du quartier général du bureau général de l'armée au Bendlerblock, au centre de Berlin, qui contrôlait un système de communication indépendant avec les unités de réserve dans toute l'Allemagne. Relier cet atout au groupe de résistance de Tresckow dans le groupe d'armées Centre a créé un appareil de coup d'État viable. À la fin de 1942, Tresckow et Olbricht ont formulé un plan pour assassiner Hitler et organiser un renversement lors de la visite d'Hitler au quartier général du groupe d'armées Centre à Smolensk en mars 1943, en plaçant une bombe sur son avion (opération Spark). La bombe n'a pas explosé et une deuxième tentative, une semaine plus tard, avec Hitler lors d'une exposition d'armes soviétiques capturées à Berlin a également échoué. Ces échecs ont démoralisé les conspirateurs. Au cours de l'année 1943, Tresckow tenta sans succès de recruter des commandants de haut rang de l'armée, tels que le maréchal Erich von Manstein et le maréchal Gerd von Rundstedt, pour soutenir une prise de pouvoir. Tresckow en particulier a travaillé avec son commandant en chef du groupe d'armées Centre, le maréchal Günther von Kluge, pour le persuader d'agir contre Hitler et a parfois réussi à obtenir son consentement, pour ensuite le trouver indécis à la dernière minute. Cependant, malgré leurs refus, aucun des maréchaux n'a signalé ses activités de trahison à la Gestapo ou à Hitler. Motivation et objectifs de l'intrigue Si l’objectif principal des conspirateurs était de chasser Hitler du pouvoir, ils l’ont fait pour diverses raisons. La majorité du groupe derrière le complot du 20 juillet était constitué de nationalistes conservateurs qui partageaient de nombreux objectifs avec Hitler et ne croyaient pas nécessairement aux idées démocratiques ni ne les comprenaient. Martin Borschat écrit que le complot a été principalement réalisé par des élites conservatrices qui ont été initialement intégrées au gouvernement nazi, mais qui ont perdu leur influence pendant la guerre et qui craignaient de la retrouver. Attitude envers la Pologne Les objectifs globaux envers la Pologne étaient mitigés au sein des conspirateurs. La plupart des conspirateurs ont jugé souhaitable de restaurer les anciennes frontières allemandes de 1914, tandis que d'autres ont souligné que les exigences étaient irréalistes et qu'il fallait y apporter des modifications. Certains comme Friedrich-Werner Graf von der Schulenburg ont même vu toute la Pologne annexée à l'Allemagne. Pour la Pologne, qui combattait en allié avec son armée et son gouvernement en exil, les vastes revendications territoriales et les visions nationalistes traditionnelles de la résistance faisaient perdre toute crédibilité aux conspirateurs, et les Polonais ne voyaient que peu de différence entre eux et la politique raciste d’Hitler. Stauffenberg, l'un des dirigeants du complot, avait déclaré cinq ans avant le coup d'État de 1939, lors de la campagne de Pologne contre les Polonais et la Pologne : « Il est essentiel que nous commencions une colonisation systémique en Pologne. Mais je n'ai aucune crainte que cela ne se produise pas. se produire." Implication dans des crimes de guerre et des atrocités L'implication des conspirateurs dans les crimes de guerre et les atrocités a été étudiée par des historiens tels que Christian Gerlach. Gerlach a prouvé que des conspirateurs comme Tresckow ou Gersdorff étaient au courant des meurtres de masse qui se produisaient à l'Est dès 1941 au moins. Il écrit : « Surtout en ce qui concerne le meurtre des Juifs, [on dit que] 'les SS' avaient trompé les officiers. en tuant en secret, en déposant des rapports incomplets ou pas du tout ; si les bureaux de l'état-major protestaient, les SS les menaçaient. » Gerlach conclut : "C'est évidemment un non-sens." Tresckow a également « signé des ordres pour l'expulsion de milliers d'enfants orphelins vers le travail forcé dans le Reich » (la soi-disant Heu-Aktion). De telles actions amènent les historiens à s’interroger sur les motivations des conspirateurs, qui semblaient plus préoccupés par la situation militaire que par les atrocités nazies et les crimes de guerre allemands. Cependant, d'autres affirment que, dans de telles actions, Tresckow a dû agir par principe pour poursuivre ses plans de coup d'État. Gerlach a souligné que les conspirateurs avaient des « critères moraux sélectifs » et que, même s’ils étaient préoccupés par l’extermination des Juifs lors de l’Holocauste, ils étaient beaucoup moins préoccupés par les massacres de civils à l’Est. Pour Gerlach, la motivation première des conspirateurs était d’assurer la victoire allemande dans la guerre ou du moins de ne pas la perdre. Les arguments de Gerlach furent ensuite soutenus par l'historien Hans Mommsen, qui déclara que les conspirateurs étaient avant tout intéressés par la victoire militaire. Mais les arguments de Gerlach ont également été critiqués par certains chercheurs, parmi lesquels Peter Hoffmann de l'Université McGill et Klaus Jochen Arnold (de) de la Konrad-Adenauer-Stiftung.Peter Hoffmann, Carl Goerdeler et la question juive, 1933-1942, Cambridge ; New York : Cambridge University Press, 2011, xvi. Klaus Jochen Arnold, [http://www.zeitgeschichte-online.de/sites/default/files/media/20juli_arnold.pdf Verbrecher aus eigener Initiative ? Le 20 juillet 1944 et la thésen Christian Gerlachs] Planifier un coup d'État Von Stauffenberg rejoint les conspirateurs Au milieu de l’année 1943, le cours de la guerre se retournait de manière décisive contre l’Allemagne. Les conspirateurs de l'armée et leurs alliés civils furent convaincus qu'Hitler devait être assassiné, afin qu'un gouvernement acceptable pour les Alliés occidentaux puisse être formé et qu'une paix séparée puisse être négociée à temps pour empêcher une invasion soviétique de l'Allemagne. En août 1943, Tresckow rencontra pour la première fois un jeune officier d'état-major nommé lieutenant-colonel Claus Schenk Graf von Stauffenberg. Gravement blessé en Afrique du Nord, Claus von Stauffenberg était un conservateur politique, un nationaliste allemand zélé et un catholique romain. Dès le début de 1942, il en était venu à partager deux convictions fondamentales avec de nombreux officiers militaires : que l’Allemagne était conduite au désastre et que le retrait d’Hitler du pouvoir était nécessaire. Après la bataille de Stalingrad en décembre 1942, malgré ses scrupules religieux, il conclut que l'assassinat du Führer était un mal moral moindre que le maintien d'Hitler au pouvoir. Stauffenberg a apporté un nouveau ton de détermination dans les rangs du mouvement de résistance. Lorsque Tresckow fut affecté sur le front de l'Est, Stauffenberg prit en charge la planification et l'exécution de la tentative d'assassinat. Un nouveau plan Olbricht propose désormais une nouvelle stratégie pour organiser un coup d’État contre Hitler. L'Armée de remplacement (Ersatzheer) avait un plan opérationnel appelé Opération Valkyrie, qui devait être utilisé dans le cas où les perturbations causées par les bombardements alliés sur les villes allemandes provoquaient un effondrement de l'ordre public ou un soulèvement de millions de travailleurs forcés. provenant des pays occupés et désormais utilisés dans les usines allemandes. Olbricht a suggéré que ce plan pourrait être utilisé pour mobiliser l'armée de réserve aux fins du coup d'État. En août et septembre 1943, Tresckow rédigea le plan Valkyrie « révisé » et de nouvelles commandes supplémentaires. Une déclaration secrète commençait par ces mots : « Le Führer Adolf Hitler est mort ! Un groupe perfide de dirigeants du parti a tenté d'exploiter la situation en attaquant par l'arrière nos soldats en difficulté afin de s'emparer du pouvoir. Des instructions détaillées ont été rédigées pour l'occupation des ministères gouvernementaux à Berlin, du quartier général de Heinrich Himmler en Prusse orientale, des stations de radio et des bureaux téléphoniques, ainsi que d'autres appareils nazis à travers les districts militaires et les camps de concentration. Auparavant, on pensait que Stauffenberg était principalement responsable du plan Valkyrie, mais les documents récupérés par l'Union soviétique après la guerre et publiés en 2007 suggèrent que le plan a été élaboré par Tresckow à l'automne 1943. Toutes les informations écrites ont été traitées par l'épouse de Tresckow. , Erika, et par Margarethe von Oven, sa secrétaire. Les deux femmes portaient des gants pour éviter de laisser des empreintes digitales. À au moins deux autres reprises, Tresckow avait tenté d'assassiner le Führer. Le premier plan était de lui tirer dessus pendant le dîner au camp de base militaire, mais ce plan a été avorté car il était largement admis qu'Hitler portait un gilet pare-balles. Les conspirateurs envisageaient également de l’empoisonner, mais cela n’a pas été possible car sa nourriture était spécialement préparée et dégustée. Cela laissait une bombe à retardement comme seule option. L'opération Valkyrie ne pouvait être mise en œuvre que par le général Friedrich Fromm, commandant de l'armée de réserve. Il fallait donc soit qu'il soit rallié à la conspiration, soit qu'il soit neutralisé d'une manière ou d'une autre pour que le plan réussisse. Fromm, comme de nombreux officiers supérieurs, était au courant en général des conspirations militaires contre Hitler, mais ne les soutenait pas ni ne les signalait à la Gestapo. Tentatives précédentes infructueuses En 1943 et au début de 1944, von Tresckow et von Stauffenberg organisèrent au moins quatre tentatives pour rapprocher l'un des conspirateurs militaires suffisamment près d'Hitler, suffisamment longtemps pour le tuer avec des grenades à main, des bombes ou un revolver : * en mars 1943 par Rudolf Christoph Freiherr von Gersdorff * fin novembre 1943 par Axel Freiherr von dem Bussche-Streithorst * en février 1944 par Ewald-Heinrich von Kleist-Schmenzin * le 11 mars 1944 par Eberhard Freiherr von Breitenbuch À mesure que la situation de guerre se détériorait, Hitler n'apparaissait plus en public et se rendait rarement à Berlin. Il passait la plupart de son temps à son quartier général au Wolfsschanze (La Tanière du Loup) près de Rastenburg en Prusse orientale, avec des pauses occasionnelles dans sa retraite bavaroise d'Obersalzberg près de Berchtesgaden. Dans les deux endroits, il était fortement gardé et voyait rarement des gens qu'il ne connaissait pas ou en qui il ne faisait pas confiance. Himmler et la Gestapo se méfiaient de plus en plus des complots contre Hitler et soupçonnaient à juste titre les officiers de l'état-major, qui était en effet à l'origine de nombreux complots contre Hitler. Les préparatifs À l’été 1944, la Gestapo se rapprochait des conspirateurs. On avait le sentiment que le temps presse, tant sur le champ de bataille, où le front de l'Est est en pleine retraite et où les Alliés ont débarqué en France le 6 juin, qu'en Allemagne, où la marge de manœuvre de la résistance se réduit rapidement. Lorsque Stauffenberg envoya à Tresckow un message par l'intermédiaire du lieutenant Heinrich Graf von Lehndorff-Steinort lui demandant s'il y avait une raison quelconque de tenter d'assassiner Hitler étant donné qu'aucun objectif politique ne serait servi, la réponse de Tresckow fut : « L'assassinat doit être tenté, coûte que coûte [quoi qu'il en soit ». le coût]. Même en cas d’échec, nous devons agir à Berlin. Car l’objectif pratique n’a plus d’importance ; ce qui compte maintenant, c’est que le mouvement de résistance allemand doive franchir le pas sous les yeux du monde et de l’histoire. , rien d'autre ne compte." Himmler a eu au moins une conversation avec un opposant connu lorsqu'en août 1943, le ministre prussien des Finances Johannes Popitz, impliqué dans le réseau de Goerdeler, est venu le voir et lui a proposé le soutien de l'opposition s'il entreprenait une démarche pour déplacer Hitler et obtenir une fin négociée à la guerre. Rien n’est sorti de cette réunion, mais Popitz n’a pas été immédiatement arrêté (bien qu’il ait été exécuté plus tard vers la fin de la guerre) et Himmler n’a apparemment rien fait pour traquer le réseau de résistance dont il savait qu’il opérait au sein de la bureaucratie d’État. Il est possible que Himmler, qui savait à la fin de 1943 que la guerre était impossible à gagner, ait permis au complot de se dérouler en sachant que s'il réussissait, il serait le successeur d'Hitler et pourrait alors parvenir à un accord de paix. Popitz n’était pas le seul à voir en Himmler un allié potentiel. Le général von Bock a conseillé à Tresckow de rechercher son soutien, mais rien ne prouve qu'il l'ait fait. Goerdeler était apparemment également en contact indirect avec Himmler via une connaissance commune, Carl Langbehn. Le biographe de Wilhelm Canaris, Heinz Höhne, suggère que Canaris et Himmler travaillaient ensemble pour provoquer un changement de régime, mais cela reste une spéculation. Tresckow et le cercle restreint des conspirateurs n'avaient pas l'intention d'éliminer Hitler simplement pour le voir remplacé par le redoutable et impitoyable chef SS, et le plan était de les tuer tous les deux si possible - à tel point que la première tentative de Stauffenberg, le 11 juillet, fut avortée parce que Himmler n'était pas présent. Dossier : Image des Archives fédérales 146-2004-0007, Hans Oster.jpg|Hans Oster Dossier : Archives fédérales Image 146-1980-033-04, Ludwig Beck.jpg|Ludwig Beck Dossier : Archives fédérales, image 146-1971-069-87, Erwin c. Witzleben.jpg|Erwin von Witzleben Fichier : Archives fédérales Image 146-1993-069-06, Carl Friedrich Goerdeler.jpg|Carl Friedrich Goerdeler Dossier : Archives fédérales, image 146-1976-130-53, Henning c. Tresckow.jpg|Henning von Tresckow Fichier : Archives fédérales Image 146-1981-072-61, Friedrich Olbricht.jpg|Friedrich Olbricht Fichier:Claus von Stauffenberg (1907-1944).jpg|Claus von Stauffenberg Dossier : Archives fédérales, image 146III-347, Werner Karl c. Haeften.jpg|Werner von Haeften Compte à rebours avant la tentative de Stauffenberg 1er-6 juillet 1944 Le samedi 1er juillet 1944, Stauffenberg fut nommé chef d'état-major du général Fromm au quartier général de l'armée de réserve de la Bendlerstraße, au centre de Berlin. Cette position permettait à Stauffenberg d'assister aux conférences militaires d'Hitler, soit à la Wolfsschanze en Prusse orientale, soit à Berchtesgaden, et lui donnerait ainsi l'occasion, peut-être la dernière qui se présenterait, de tuer Hitler avec une bombe ou un pistolet. Entre-temps, de nouveaux alliés clés avaient été gagnés. Parmi eux figurait le général Carl-Heinrich von Stülpnagel, le commandant militaire allemand en France, qui prendrait le contrôle de Paris après la mort d'Hitler et, espérait-on, négocierait un armistice immédiat avec les armées d'invasion alliées. 7-14 juillet 1944 L’intrigue était désormais entièrement préparée. Le 7 juillet 1944, le général Stieff devait tuer Hitler lors d'une exposition de nouveaux uniformes au château de Klessheim, près de Salzbourg. Cependant, Stieff se sentait incapable de tuer Hitler. Stauffenberg décida alors de faire les deux : assassiner Hitler, où qu’il se trouve, et gérer le complot à Berlin. Le 14 juillet, Stauffenberg assista aux conférences d'Hitler avec une bombe dans sa mallette, mais comme les conspirateurs avaient décidé que Heinrich Himmler et Hermann Göring devaient être tués simultanément pour que la mobilisation prévue de l'opération Valkyrie ait une chance de réussir, il se retient. dernière minute parce que Himmler n'était pas présent. En fait, il était inhabituel pour Himmler d’assister à des conférences militaires. 15 juillet 1944 : tentative avortée Le 15 juillet, lorsque Stauffenberg s'envola de nouveau vers la Wolfsschanze, cette condition avait été abandonnée. Le plan était que Stauffenberg placerait la mallette contenant la bombe dans la salle de conférence d'Hitler avec un minuteur en marche, s'excuserait de la réunion, attendrait l'explosion, puis rentrerait à Berlin et rejoindrait les autres conspirateurs au Bendlerblock. L'opération Valkyrie serait mobilisée, l'armée de réserve prendrait le contrôle de l'Allemagne et les autres dirigeants nazis seraient arrêtés. Beck serait nommé chef de l'État provisoire, Goerdeler chancelier et Witzleben commandant en chef des forces armées. Le 15 juillet encore, la tentative fut annulée à la dernière minute. Himmler et Göring étaient présents, mais Hitler fut appelé hors de la pièce au dernier moment. Stauffenberg a pu intercepter la bombe et empêcher sa découverte. 20 juillet 1944 Lancement de l'opération Valkyrie Le 18 juillet, des rumeurs parvinrent à Stauffenberg selon lesquelles la Gestapo aurait eu vent du complot et qu'il pourrait être arrêté à tout moment. Cela n'était apparemment pas vrai, mais on avait le sentiment que le filet se resserrait et que la prochaine occasion de tuer Hitler devait être pris parce qu'il n'y en aura peut-être pas d'autre. Le 20 juillet à 10 heures, Stauffenberg retourna au Wolfsschanze pour une autre conférence militaire hitlérienne, une fois de plus avec une bombe dans sa mallette. La conférence a eu lieu dans la salle principale de Wolf's Lair au lieu du bunker souterrain en raison de la chaleur. Vers 12h30, alors que la conférence commençait, Stauffenberg a trouvé un prétexte pour utiliser les toilettes du bureau de Wilhelm Keitel où il a utilisé des pinces pour écraser l'extrémité d'un détonateur en forme de crayon inséré dans un bloc de 1 kg d'explosif plastique enveloppé dans du papier brun, qui était préparé par Wessel von Freytag-Loringhoven. Le détonateur consistait en un mince tube de cuivre contenant du chlorure de cuivre qui prendrait environ dix minutes pour ronger silencieusement le fil retenant le percuteur de l'amorce de percussion. Cela a été lent en raison des blessures de guerre qui avaient coûté à Stauffenberg un œil, sa main droite et deux doigts de sa main gauche. Interrompu par un garde frappant à la porte l'informant que la réunion était sur le point de commencer, il ne put amorcer la deuxième bombe qu'il remit à son aide de camp, Werner von Haeften. Stauffenberg a placé l'unique bombe amorcée dans sa mallette et, avec l'aide involontaire du major Ernst John von Freyend, est entré dans la salle de conférence contenant Hitler et 20 officiers, plaçant la mallette sous la table près d'Hitler. Après quelques minutes, Stauffenberg reçut un appel téléphonique prévu et quitta la pièce. On suppose que le colonel Heinz Brandt, qui se tenait à côté d'Hitler, a utilisé son pied pour écarter la mallette en la poussant derrière le pied de la table de conférence, détournant ainsi involontairement l'explosion d'Hitler mais causant sa propre mort avec la perte de une de ses jambes lorsque la bombe a explosé. Entre 12h40 et 12h50[http://www.spiegel.de/panorama/0,1518,309271,00.html Spiegel.de] la bombe a explosé, démolissant la salle de conférence. Trois policiers et le sténographe ont été grièvement blessés et sont décédés peu après. Hitler a survécu, tout comme tous ceux qui ont été protégés de l'explosion par le pied de la table de conférence. Le pantalon d'Hitler était roussis et en lambeaux (voir photo ci-dessous) et il souffrait d'un tympan perforé, tout comme la plupart des 24 autres personnes présentes dans la pièce. Si le deuxième bloc d'explosif avait été utilisé, il est probable que toutes les personnes présentes auraient été tuées. Évasion de la Tanière du Loup et vol vers Berlin Stauffenberg a été aperçu en train de quitter le bâtiment de la conférence par Kurt Salterberg, un soldat de garde qui ne considérait pas cela comme inhabituel, car les participants partaient parfois chercher des documents. Il a ensuite vu un « énorme » nuage de fumée, des éclats de bois, du papier et des hommes projetés à travers une fenêtre et une porte. Hitler/a-17792469 L'Allemagne se souvient du complot visant à tuer Hitler à DW]. Récupéré le 22 juillet 2015. Après avoir entendu l'explosion et vu la fumée, Stauffenberg a supposé qu'Hitler était mort. Il est ensuite monté dans une voiture d'état-major avec son assistant Werner von Haeften et a réussi à passer trois points de contrôle en bluff pour sortir du complexe Wolfsschanze. Werner von Haeften a ensuite lancé la deuxième bombe non amorcée dans la forêt alors qu'ils se précipitaient vers l'aérodrome de Rastenburg, l'atteignant avant que l'on puisse se rendre compte que Stauffenberg pourrait être responsable de l'explosion. À 13 heures, il décollait à bord d'un Heinkel He 111 organisé par le général Eduard Wagner. Au moment où l'avion de Stauffenberg atteignait Berlin vers 16 heures, le général Erich Fellgiebel, un officier de la Wolfsschanze qui était impliqué dans le complot, avait téléphoné au Bendlerblock et avait dit aux conspirateurs qu'Hitler avait survécu à l'explosion. En conséquence, le complot visant à mobiliser l’Opération Valkyrie n’aurait aucune chance de réussir une fois que les officiers de l’armée de réserve sauraient qu’Hitler était vivant. La confusion fut encore plus grande lorsque l'avion de Stauffenberg atterrit et qu'il téléphona depuis l'aéroport pour dire qu'Hitler était en fait mort. Les conspirateurs de Bendlerblock ne savaient pas qui croire. Finalement, à 16 heures, Olbricht a donné l'ordre de mobiliser l'opération Valkyrie. Le général Fromm, hésitant, téléphona cependant au maréchal Wilhelm Keitel à la Tanière du Loup et fut assuré que Hitler était vivant. Keitel a demandé où se trouvait Stauffenberg. Cela indiqua à Fromm que le complot avait été retracé jusqu'à son quartier général et qu'il était en danger de mort. Fromm a répondu qu'il pensait que Stauffenberg était avec Hitler. Pendant ce temps, Carl-Heinrich von Stülpnagel, gouverneur militaire de la France occupée, réussit à désarmer le SD et les SS et captura la plupart de leurs dirigeants. Il s'est rendu au quartier général de Günther von Kluge et lui a demandé de contacter les Alliés, mais il a été informé que Hitler était vivant. A 16h40, Stauffenberg et Haeften arrivèrent au Bendlerblock. Fromm, vraisemblablement pour se protéger, a changé de camp et a tenté de faire arrêter Stauffenberg. Olbricht et Stauffenberg l'ont retenu sous la menace d'une arme et Olbricht a ensuite nommé le général Erich Hoepner pour prendre ses fonctions. À ce moment-là, Himmler avait pris la situation en main et avait émis des ordres annulant la mobilisation d'Olbricht dans le cadre de l'opération Valkyrie. Dans de nombreux endroits, le coup d’État se déroulait, mené par des officiers qui croyaient qu’Hitler était mort. Le commandant de la ville et conspirateur, le général Paul von Hase, a ordonné au Wachbataillon Großdeutschland, sous le commandement du major Otto Ernst Remer, de sécuriser la Wilhelmstraße et d'arrêter le ministre de la Propagande Joseph Goebbels. À Vienne, à Prague et dans de nombreux autres endroits, les troupes occupèrent les bureaux du parti nazi et arrêtèrent des Gauleiters et des officiers SS. Le coup d’État échoue Vers 18 heures, le commandant du district militaire (Wehrkreis) III (Berlin), le général Joachim von Kortzfleisch, a été convoqué au Bendlerblock ; il refusa avec colère les ordres d'Olbricht, continua de crier « le Führer est vivant », fut arrêté et placé sous surveillance. Le général Karl Freiherr von Thüngen fut nommé à sa place, mais ne fut d'aucune utilité. Le général Fritz Lindemann, qui était censé faire une proclamation au peuple allemand par radio, ne s'est pas présenté et comme il détenait le seul exemplaire, Beck a dû en rédiger un nouveau. Le moment décisif est survenu à 19 heures, lorsque Hitler était suffisamment rétabli pour passer des appels téléphoniques. Il appela Goebbels au ministère de la Propagande. Goebbels s'est arrangé pour qu'Hitler parle au major Remer, commandant des troupes entourant le ministère. Après lui avoir assuré qu'il était toujours en vie, Hitler ordonna à Remer de reprendre le contrôle de la situation à Berlin. Le major Remer a ordonné à ses troupes d'encercler et de boucler le Bendlerblock, mais de ne pas pénétrer dans les bâtiments. À 20 heures, Witzleben, furieux, arriva au Bendlerblock et eut une âpre dispute avec Stauffenberg, qui insistait toujours sur le fait que le coup d'État pouvait avoir lieu. Witzleben est parti peu de temps après. À peu près à la même époque, la prise du pouvoir prévue à Paris fut avortée lorsque le maréchal Günther von Kluge, récemment nommé commandant en chef à l'Ouest, apprit que Hitler était vivant. Alors que Remer reprenait le contrôle de la ville et que la rumeur se répandait selon laquelle Hitler était toujours en vie, les membres les moins résolus de la conspiration à Berlin commencèrent à changer de camp. Des combats ont éclaté dans le Bendlerblock entre officiers partisans et opposants au coup d'État, et Stauffenberg a été blessé. Vers 23h00, Fromm avait repris le contrôle, espérant, grâce à une démonstration de loyauté zélée, se sauver. Beck, réalisant que la situation était désespérée, s'est suicidé – le premier d'une longue série de suicides dans les jours à venir. Bien qu'au début Beck ait tout juste réussi à se blesser gravement, les soldats lui ont tiré une balle dans le cou. Fromm a convoqué une cour martiale impromptue composée de lui-même et a condamné à mort Olbricht, Stauffenberg, Haeften et un autre officier, Albrecht Mertz von Quirnheim. Le 21 juillet à 00h10, ils ont été exécutés dans la cour extérieure, peut-être pour les empêcher de révéler l'implication de Fromm. D'autres auraient également été exécutés, mais à 00h30, le personnel SS dirigé par Otto Skorzeny est arrivé et de nouvelles exécutions ont été interdites. Possibilités alternatives En 2005, l'émission Unsolved History de Military Channel a diffusé un épisode intitulé Killing Hitler dans lequel chaque scénario a été recréé à l'aide d'explosifs réels et de mannequins de test. Les résultats ont conforté la conclusion selon laquelle Hitler aurait été tué si l’un des trois autres scénarios s’était produit : * les deux bombes ont explosé ; * la réunion s'est tenue à l'intérieur du bunker d'Hitler ; * la mallette n'a pas bougé. Si Hitler avait effectivement été tué par les conspirateurs, certains historiens affirment que le complot se serait déroulé (et aurait échoué) relativement de la même manière, mais avec Hermann Göring prenant la place d'Hitler et ordonnant à son tour au major Remer de changer de camp et d'arrêter les conspirateurs. . Un État nazi sous Göring aurait cependant différé d'un régime hitlérien en ce sens qu'il aurait été plus réceptif à la paix avec les Alliés, et aurait également pu « faire le ménage » de plusieurs nazis fanatiques, dont de nombreux hauts dirigeants des SS et du parti nazi. Participants à la réunion Conséquences Au cours des semaines suivantes, la Gestapo de Himmler, dirigée par un Hitler furieux, a arrêté presque tous ceux qui avaient le moindre lien avec le complot. La découverte de lettres et de journaux intimes dans les maisons et bureaux des personnes arrêtées a révélé les complots de 1938, 1939 et 1943, ce qui a conduit à de nouvelles séries d'arrestations, dont celle de Franz Halder, qui a terminé la guerre dans un camp de concentration. En vertu des nouvelles lois Sippenhaft (culpabilité du sang) de Himmler, tous les proches des principaux conspirateurs furent également arrêtés. Plus de 7 000 personnes ont été arrêtées et 4 980 exécutées. Tous n'étaient pas liés au complot, puisque la Gestapo profitait de l'occasion pour régler ses comptes avec de nombreuses autres personnes soupçonnées de sympathies pour l'opposition. Alfons Heck, ancien membre des Jeunesses hitlériennes et plus tard historien, décrit la réaction de nombreux Allemands face aux châtiments infligés aux conspirateurs : La radio britannique a également cité des suspects possibles qui n'avaient pas encore été mis en cause mais qui ont ensuite été arrêtés. Très peu de conspirateurs ont tenté de s'échapper ou de nier leur culpabilité lors de leur arrestation. Ceux qui ont survécu à l'interrogatoire ont été jugés superficiellement devant le tribunal populaire (Volksgerichtshof), un tribunal fantoche qui s'est toujours prononcé en faveur de l'accusation. Le président du tribunal, Roland Freisler, était un nazi fanatique vu crier furieusement et insulter les accusés lors du procès, filmé à des fins de propagande. Les officiers impliqués dans le complot ont été « jugés » devant la Cour d'honneur militaire, une cour martiale qui s'est contentée d'examiner les preuves fournies par la Gestapo avant d'expulser les accusés de l'armée en disgrâce et de les remettre au Tribunal populaire. . Les premiers procès eurent lieu les 7 et 8 août 1944. Hitler avait ordonné que les coupables soient « pendus comme du bétail ». De nombreuses personnes se sont suicidées avant leur procès ou leur exécution, y compris Kluge, accusé d'avoir eu connaissance du complot au préalable et de ne pas l'avoir révélé à Hitler. Stülpnagel a tenté de se suicider, mais a survécu et a été pendu. Tresckow s'est suicidé le lendemain de l'échec du complot en utilisant une grenade à main dans le no man's land entre les lignes russes et allemandes. Selon les souvenirs d'après-guerre de Fabian von Schlabrendorff, Tresckow a déclaré ce qui suit avant sa mort : Le monde entier va nous vilipender désormais, mais je reste totalement convaincu que nous avons fait le bon choix. Hitler est l’ennemi juré non seulement de l’Allemagne mais du monde. Quand, dans quelques heures, je me présenterai devant Dieu pour rendre compte de ce que j'ai fait et de ce que j'ai laissé de côté, je sais que je pourrai justifier ce que j'ai fait dans la lutte contre Hitler. Aucun de nous ne peut pleurer sa propre mort ; ceux qui consentirent à rejoindre notre cercle revêtirent la robe de Nessus. L'intégrité morale d'un être humain commence lorsqu'il est prêt à sacrifier sa vie pour ses convictions. La tentative de Fromm de gagner les faveurs en exécutant Stauffenberg et d'autres dans la nuit du 20 juillet avait simplement révélé son propre manque d'action et son incapacité apparente à signaler le complot. Ayant été arrêté le 21 juillet, Fromm a ensuite été reconnu coupable et condamné à mort par le tribunal populaire. Bien qu'il ait connaissance du complot, sa condamnation formelle l'a accusé de mauvaise performance dans l'exercice de ses fonctions. Il a été exécuté à Brandebourg-sur-la-Havel. Hitler a personnellement commué sa peine de mort de la pendaison au peloton d'exécution « plus honorable ». Erwin Planck, le fils du célèbre physicien Max Planck, a été exécuté pour son implication. Le rapport Kaltenbrunner à Adolf Hitler, daté du 29 novembre 1944, sur le contexte du complot, déclare que le pape était en quelque sorte un conspirateur, nommant spécifiquement Eugenio Pacelli, le pape Pie XII, comme étant partie prenante à la tentative. Les preuves indiquent que les conspirateurs du 20 juillet, le colonel Wessel von Freytag-Loringhoven, le colonel Erwin von Lahousen et l'amiral Wilhelm Canaris, ont été impliqués dans la déjouation du prétendu complot d'Hitler visant à kidnapper ou assassiner le pape Pie XII en 1943, lorsque Canaris a signalé le complot à un officier du contre-espionnage italien. Le général Cesare Amè, qui a transmis l'information. Un membre des SA reconnu coupable d'avoir participé au complot était Wolf-Heinrich Graf von Helldorf, qui était le chef de la police de l'Orpo de Berlin et qui était en contact avec des membres de la résistance depuis avant la guerre. Collaborant étroitement avec Nebe, il était censé ordonner à toutes les forces de police de Berlin de se retirer et de ne pas s'immiscer dans les actions militaires visant à s'emparer du gouvernement. Cependant, ses actions du 20 juillet n’ont eu que peu d’influence sur les événements. Pour son implication dans le complot, il fut ensuite arrêté, reconnu coupable de trahison et exécuté. Après le 3 février 1945, lorsque Freisler fut tué lors d'un raid aérien américain, il n'y eut plus de procès formel, mais pas plus tard qu'en avril, à quelques semaines de la fin de la guerre, le journal de Canaris fut retrouvé et de nombreuses autres personnes furent impliquées. Les exécutions se sont poursuivies jusqu'aux derniers jours de la guerre. Hitler considérait sa survie comme un « moment divin de l'histoire » et commanda la réalisation d'une décoration spéciale. Le résultat fut l'insigne de blessure.

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Qui a eu un hit n°1 des années 80 avec Hold On To The Nights ?

Richard Marx

"Hold On to the Nights" est une ballade puissante et un succès numéro un du chanteur/compositeur/musicien de rock américain Richard Marx. Il s'agissait du quatrième et dernier single de son premier album éponyme, et du premier à atteindre le sommet du classement Billboard Hot 100. Écrit par Richard Marx, "Hold On to the Nights" a atteint la première place du Billboard Hot 100 le 23 juillet 1988, empêchant "Pour Some Sugar On Me" de Def Leppard d'atteindre la première place la même semaine. La chanson est restée dans le classement pendant vingt et une semaines et a quitté le classement au numéro 65. Tirée du premier album de Marx en 1987, Richard Marx, la chanson a également atteint la troisième place du classement Billboard Adult Contemporary. "Hold On to the Nights" a été réédité de nombreux albums et est inclus sur le DVD de performance live de Marx, A Night Out with Friends (2012). Graphiques

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Qui a réalisé le western classique des années 30, Stagecoach ?

John Ford

Stagecoach est un western américain de 1939 réalisé par John Ford, avec Claire Trevor et John Wayne dans son rôle révolutionnaire. Le scénario, écrit par Dudley Nichols, est une adaptation de "The Stage to Lordsburg", une nouvelle de 1937 d'Ernest Haycox. Le film suit un groupe d'étrangers chevauchant une diligence à travers le dangereux territoire Apache. Stagecoach a été le premier des nombreux westerns tournés par Ford en utilisant Monument Valley, dans le sud-ouest américain à la frontière entre l'Arizona et l'Utah, comme lieu, dont beaucoup mettaient également en vedette John Wayne. Des scènes de Stagecoach, y compris une séquence célèbre présentant le personnage de John Wayne, Ringo Kid, mélangeaient des plans de Monument Valley avec des plans filmés au Iverson Movie Ranch à Chatsworth, en Californie, et dans d'autres endroits. En 1995, ce film a été jugé « culturellement, historiquement ou esthétiquement significatif » par la Bibliothèque du Congrès des États-Unis et sélectionné pour être conservé dans son National Film Registry. Parcelle En 1880, un groupe hétéroclite d'étrangers monte à bord de la diligence en direction est de Tonto, dans le territoire de l'Arizona, à Lordsburg, dans le territoire du Nouveau-Mexique. Ces voyageurs sont banals et ordinaires à première vue. Parmi eux se trouvent Dallas (Claire Trevor), une prostituée chassée de la ville par la moraliste « Law and Order League » ; un médecin alcoolique, Doc Boone (Thomas Mitchell) ; Lucy Mallory (Louise Platt), enceinte, qui voyage pour rencontrer son mari, officier de cavalerie ; et le vendeur de whisky Samuel Peacock (Donald Meek). Lorsque le pilote d'étape, Buck (Andy Devine), cherche son garde-fusil normal, le maréchal Curly Wilcox (George Bancroft) lui dit que le garde est à la recherche du fugitif Ringo Kid. Ringo s'est évadé de prison après avoir appris que son père et son frère avaient été assassinés par Luke Plummer (Tom Tyler). Buck dit à Curly que Plummer est à Lordsburg. Sachant que Ringo a juré de venger son père et son frère, Curly décide de l'accompagner en tant que garde. Alors que le décor se prépare, le lieutenant de cavalerie américain Blanchard (Tim Holt) annonce que Geronimo et ses Apaches sont sur le sentier de la guerre ; sa petite troupe fournira une escorte jusqu'à Dry Fork. À la périphérie de la ville, deux autres passagers descendent sur scène et montent à bord : le joueur et gentleman du Sud Hatfield (John Carradine) et le banquier Henry Gatewood (Berton Churchill), qui s'enfuit avec 50 000 $ détournés de sa banque. Plus loin sur la route, la scène croise Ringo Kid (John Wayne), dont le cheval est devenu boiteux et l'a laissé pied. Même s'ils sont amis, Curly n'a d'autre choix que d'arrêter Ringo. Au fur et à mesure que le voyage avance, Ringo prend une forte sympathie pour Dallas. Doc Boone s'enivre des échantillons de Peacock. Lorsque Doc Boone dit à Peacock qu'il a servi comme médecin dans l'armée de l'Union pendant la « Guerre de rébellion », Hatfield utilise rapidement un terme sudiste, la « Guerre pour la Confédération du Sud ». L'étape atteint Dry Fork, mais le détachement de cavalerie attendu est parti vers Apache Wells. Buck veut faire demi-tour, mais Curly exige que le groupe vote. Seuls Buck et Peacock s'y opposent, ils décident de se rendre à Apache Wells. Au déjeuner avant de partir, le groupe est surpris lorsque Ringo invite Dallas à s'asseoir à la table principale, et Mme Mallory est clairement mal à l'aise de déjeuner avec une prostituée. Hatfield donne à boire à Mme Mallory dans sa flasque de poche en argent. Elle reconnaît l'emblème familial sur la fiole et demande à Hatfield s'il a déjà été en Virginie. Il dit qu'il a gagné la flasque dans un jeu de cartes, mais aussi qu'il a servi dans l'armée confédérée sous le commandement de son père. Lorsque la scène atteint Apache Wells, Mme Mallory apprend que son mari a été blessé au combat et est parti ; elle s'évanouit et entre en travail. Doc Boone doit se dégriser et accoucher, et plus tard, Dallas émerge avec une petite fille en bonne santé. Plus tard dans la nuit, Ringo demande à Dallas de l'épouser et de vivre dans un ranch qu'il possède au Mexique. Peur de révéler son passé mouvementé, elle ne répond pas immédiatement. Le lendemain matin, elle accepte, s'il renonce à se venger des Plummer. Il est d'accord. Mais elle ne veut pas quitter Mme Mallory et le nouveau bébé, alors elle lui dit d'y aller seul et qu'elle le retrouvera plus tard. Encouragé, Ringo s'échappe, mais voit ensuite des signaux de fumée annonçant une attaque Apache et revient. Les passagers rassemblent rapidement leurs affaires et repartent. L'étape atteint Lee's Ferry, où les Apaches ont incendié la gare et le ferry, et tué le gardien de la gare et sa famille. Curly défait Ringo pour aider à attacher les bûches à la diligence et à la faire flotter à travers la rivière. Alors qu'ils pensent que le danger est passé, les Apaches attaquent. S'ensuit une longue scène de poursuite, avec des cascades spectaculaires mises en scène par Yakima Canutt. Peacock et Buck sont touchés et le groupe est à court de munitions. Alors que Hatfield est sur le point d'utiliser sa dernière balle pour sauver Mme Mallory d'être prise vivante, il est mortellement blessé. À ce moment-là, la 6e cavalerie américaine arrive pour sauver la scène. L'étape arrive enfin à Lordsburg. Gatewood est arrêté par le shérif local et Mme Mallory apprend que la blessure de son mari n'est pas grave. Peacock invite tout le monde à lui rendre visite à Kansas City. Mme Mallory remercie Dallas, qui donne son châle à Mme Mallory, mais les épouses des autres officiers snobent Dallas. Alors qu'il meurt, Hatfield demande à Mme Mallory de dire à sa famille qu'il est mort courageusement. Dallas supplie Ringo de ne pas affronter les Plummers, mais il est déterminé à régler les problèmes. Curly le laisse partir (avec une arme à feu, mais avec seulement trois balles après le combat indien). Luke Plummer, apprenant que Ringo est en ville, se lève d'une partie de poker, laissant une main d'as et de huit. Plummer prend un fusil de chasse (une arme injuste), mais Doc Boone lui bloque le chemin, exigeant qu'il le quitte – ou qu'il tue Doc d'abord. Plummer abandonne le fusil de chasse, au grand soulagement de Doc, et rejoint ses deux frères. Une fusillade s’ensuit, qui est entendue mais pas vue. Ringo réapparaît, après avoir tué les trois Plummers, et se rend à Curly, espérant retourner en prison. Il demande à Curly d'emmener Dallas dans son ranch. Ringo monte à bord d'un wagon et dit au revoir à Dallas, et Curly invite Dallas à les accompagner jusqu'à la périphérie de la ville. Après qu'elle soit montée à bord, Curly et Doc rient et font bouger les chevaux, laissant Ringo « s'échapper » avec Dallas. Casting *Claire Trevor dans le rôle de Dallas * John Wayne dans le rôle d'Henry le "Ringo Kid" * Thomas Mitchell dans le rôle de Doc Boone *Andy Devine dans le rôle de Buck *John Carradine dans le rôle de Hatfield * George Bancroft dans le rôle du maréchal Curly Wilcox * Louise Platt dans le rôle de Lucy Mallory *Donald Meek dans le rôle de Samuel Peacock * Berton Churchill dans le rôle d'Henry Gatewood * Tim Holt dans le rôle du lieutenant Blanchard * Tom Tyler dans le rôle de Luke Plummer * Chris-Pin Martin dans le rôle de Chris, aubergiste * Elvira Ríos dans le rôle de Yakima, la femme de Chris * Brenda Fowler dans le rôle de Mme Gatewood * Nora Cecil comme gouvernante de Boone * Francis Ford dans le rôle de Billy Pickett, aubergiste * Marga Ann Deighton dans le rôle de Mme Pickett * Vester Pegg dans le rôle d'Ike Plummer *Joe Rickson dans le rôle de Hank Plummer * Jack Pennick dans le rôle de Jerry, barman à Tonto * Duke R. Lee dans le rôle du shérif de Lordsburg * Chef White Horse dans le rôle de Geronimo * Yakima Canutt en tant qu'éclaireur de cavalerie, coordinateur des cascades non crédité et directeur de la deuxième unité * Chef John Big Tree en tant que scout indien Pré-production Le scénario est une adaptation par Dudley Nichols de « The Stage to Lordsburg », une nouvelle d'Ernest Haycox. Les droits de "Lordsburg" ont été achetés par John Ford peu de temps après sa publication dans le magazine Collier's le 10 avril 1937. Selon Thomas Schatz, Ford a affirmé que son inspiration dans l'expansion de Stagecoach au-delà de l'intrigue simple donnée dans "The Stage to Lordsburg" » était sa familiarité avec une autre nouvelle, « Boule de Suif » de Guy de Maupassant. Schatz estime que "cela ne résiste guère à un examen minutieux" et soutient qu'une inspiration plus probable était la nouvelle de Bret Harte de 1892 "Les exclus du poker flat". La déclaration de Ford semble également être à la base de l'affirmation selon laquelle Haycox lui-même s'est appuyé sur l'histoire de Guy de Maupassant. Cependant, il ne semble y avoir aucune preuve concrète que Haycox soit réellement familier avec l'histoire précédente, d'autant plus qu'il a été documenté comme faisant tout son possible pour éviter de lire le travail d'autrui qui pourrait inconsciemment influencer son écriture, et il a concentré sa lecture personnelle sur dans le domaine de l'histoire. Bien que Ford ait réalisé de nombreux westerns à l’époque du cinéma muet, il n’avait jamais réalisé de western sonore auparavant. Entre 1929 et 1939, il réalise des films dans presque tous les autres genres, dont Wee Willie Winkie (1937), avec Shirley Temple. Ford a refusé d'utiliser Wayne dans aucun de ses projets au cours des années 1930 malgré leur étroite amitié, disant à Wayne d'attendre qu'il soit « prêt » en tant qu'acteur. En 1938, Ford a donné à Wayne une copie du scénario du film de Nichols avec une demande de recommander un acteur pour jouer le Ringo Kid. Après l'avoir lu, Wayne a suggéré Lloyd Nolan pour le rôle, mais Ford ne s'est pas engagé sur l'idée. Le lendemain cependant, Ford annonça à Wayne qu'il voulait qu'il joue le rôle. L'offre a laissé Wayne avec le sentiment d'avoir été "frappé au ventre avec une batte de baseball"... et craignant que Ford change d'avis et embauche Nolan à la place. Avant la production, John Ford a confié le projet à plusieurs studios hollywoodiens, qui l'ont tous refusé parce que les westerns à gros budget n'étaient plus à la mode et parce que Ford insistait pour que John Wayne joue un rôle clé dans le film. Wayne n'était auparavant apparu que dans un seul western à gros budget, The Big Trail (1930, réalisé par Raoul Walsh), qui fut un énorme échec au box-office. Entre 1930 et 1939, selon les propres estimations de Wayne, il est apparu dans environ quatre-vingts westerns « Poverty Row ». Le producteur indépendant David O. Selznick a finalement accepté de produire le film, mais a été frustré par l'indécision de Ford quant au début du tournage et par ses propres doutes sur le casting. Ford a retiré le film de la société de Selznick et a contacté le producteur indépendant Walter Wanger à propos du projet. Wanger avait les mêmes réserves quant à la production d'un western "A" et encore plus concernant un western mettant en vedette John Wayne. Ford n'avait pas réalisé de western depuis l'époque du cinéma muet, dont le plus notable était The Iron Horse (1924). Wanger a déclaré qu'il ne risquerait pas son argent à moins que Ford ne remplace John Wayne par Gary Cooper et ne fasse appel à Marlene Dietrich pour jouer à Dallas. Ford a refusé de bouger ; ce serait Wayne ou personne. Finalement, ils ont fait un compromis, Wanger versant 250 000 $, soit un peu plus de la moitié de ce que Ford recherchait, et Ford donnerait la tête d'affiche à Claire Trevor, un nom plus connu que John Wayne en 1939. Après la sortie du film en mars Le 2 décembre 1939, la confiance de Ford en John Wayne fut récompensée puisque le film rencontra un succès critique immédiat et dans les journaux commerciaux. L'actrice Louise Platt, dans une lettre racontant l'expérience de la production du film, a cité Ford disant à propos de l'avenir de Wayne dans le cinéma : « Il sera la plus grande star de tous les temps parce qu'il est le « tout le monde » parfait ». Production Les membres de l'équipe de production étaient hébergés à Kayenta, dans le nord-est de l'Arizona, dans un ancien camp du CCC. Les conditions étaient spartiates, les heures de production duraient et les conditions météorologiques à cette altitude de 5 700 pieds étaient extrêmes avec des vents forts constants et des températures basses. Néanmoins, le réalisateur John Ford était satisfait du travail de localisation de l'équipe. Pour cet endroit, le tournage a eu lieu près du poste de traite de Goulding, à la frontière de l'Utah, à environ 25 miles de Kayenta. Réception Stagecoach a été salué comme l’un des films les plus influents jamais réalisés. Orson Welles a fait valoir qu'il s'agissait d'un parfait manuel de réalisation cinématographique et a affirmé l'avoir regardé plus de 40 fois en préparation à la réalisation de Citizen Kane. Le film a réalisé un bénéfice de 297 690 $. Récompenses et honneurs Oscars ;Gagne * Meilleur acteur dans un second rôle - Thomas Mitchell * Meilleure musique (composition) - Richard Hageman, W. Franke Harling, John Leipold, Leo Shuken ;Nominations * Meilleure image * Meilleur réalisateur - John Ford * Meilleure direction artistique – Alexander Toluboff * Meilleure photographie (noir et blanc) - Bert Glennon * Montage de films - Otho Lovering, Dorothy Spencer Autres * John Ford a remporté les New York Film Critics Circle Awards du meilleur réalisateur en 1939. D'autres critiques ont donné au film des critiques uniformément élogieuses. * En juin 2008, l'American Film Institute a dévoilé son « Ten Top Ten » – les dix meilleurs films dans dix genres cinématographiques américains « classiques » – après avoir interrogé plus de 1 500 personnes de la communauté créative. Stagecoach a été reconnu comme le neuvième meilleur film du genre western. Rééditions et restauration Le film a été initialement diffusé par United Artists, mais en vertu de sa règle de droits de sept ans, la société a cédé les droits de distribution au producteur Walter Wanger en 1946. De nombreuses sociétés indépendantes ont été responsables de ce film dans les années qui ont suivi. Les droits d'auteur du film (à l'origine par Walter Wanger Productions) ont été renouvelés par 20th Century Fox, qui a produit un remake de Stagecoach en 1966. Les droits d'auteur ont depuis été réattribués à Wanger Productions par l'intermédiaire de la famille du défunt producteur sous la Caidin Trust/Caidin Film Company, le détenteur des droits accessoires. Cependant, les droits de distribution sont désormais détenus par Shout ! Factory, qui a acquis en 2014 Jumer Productions/Westchester Films (qui à son tour avait racheté les participations de Caidin Film après le repli de l'ancien distributeur Castle Hill Productions). Warner Bros. Pictures gère les ventes et la distribution supplémentaire. Les négatifs originaux de Stagecoach ont été perdus ou détruits. John Wayne avait une empreinte positive qui n'avait jamais traversé la porte d'un projecteur. En 1970, il autorise son utilisation pour produire un nouveau négatif : c'est le film qu'on voit aujourd'hui dans les festivals de cinéma. L'UCLA a entièrement restauré le film en 1996 à partir des éléments survivants et l'a présenté en première sur le réseau câblé American Movie Classics. Les versions DVD précédentes de Warner Home Video ne contenaient pas la copie restaurée, mais plutôt une copie vidéo conservée dans la bibliothèque Castle Hill/Caidin Trust. Une version Blu-ray/DVD restaurée numériquement a été publiée en mai 2010 via The Criterion Collection. Remakes * L'épisode radiophonique du 4 mai 1946 de l'Academy Award Theatre a vu Claire Trevor reprendre son rôle aux côtés de Randolph Scott. * L'épisode radiophonique du 7 décembre 1946 de Hollywood Star Time présentait Stagecoach, adapté par Milton Geiger. * Dans l'épisode radiophonique du 9 janvier 1949 de Screenmakers Playhouse, John Wayne et Claire Trevor reprenaient tous deux leurs rôles. * Le remake de Stagecoach de 1966 mettait en vedette (par ordre alphabétique) Ann-Margret, Red Buttons, Mike Connors, Alex Cord, Bing Crosby, Robert Cummings, Van Heflin, Slim Pickens et Stefanie Powers. * Une version télévisée de 1986 mettait en vedette Willie Nelson, Kris Kristofferson, Johnny Cash et Waylon Jennings.

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Dave Gilmour et Roger Waters faisaient partie de quel groupe de rock ?

Pink Floyd

George Roger Waters (né le 6 septembre 1943) est un chanteur, auteur-compositeur, multi-instrumentiste et compositeur anglais. En 1965, il cofonde le groupe de rock progressif Pink Floyd avec le batteur Nick Mason, le claviériste Rick Wright et le guitariste, chanteur et auteur-compositeur Syd Barrett. Waters a d'abord été le bassiste du groupe, mais après le départ de Barrett en 1968, il est également devenu leur parolier, leader conceptuel et co-chanteur principal. Waters avait la 9e gamme vocale la plus large sur une liste de plus de 150 chanteurs rock et pop contemporains, avec une gamme totale de B1-C7, le magazine commentant "Ce n'est pas un ténor, c'est une mutation". Pink Floyd a ensuite connu un succès international avec les albums concept The Dark Side of the Moon, Wish You Were Here, Animals et The Wall. Au début des années 1980, ils étaient devenus l’un des groupes les plus acclamés par la critique et les plus vendus de l’histoire de la musique populaire ; en 2013, ils ont vendu plus de 250 millions d'albums dans le monde. Au milieu de divergences créatives au sein du groupe, Waters quitta le groupe en 1985 et entama un litige juridique avec les membres restants concernant l'utilisation prévue du nom et du matériel du groupe. Ils se sont réglés à l'amiable en 1987 et près de dix-huit ans se sont écoulés avant qu'il ne se produise à nouveau avec eux. La carrière solo de Waters comprend trois albums studio : The Pros and Cons of Hitch Hiking, Radio K.A.O.S. et amusé à mort. En 1990, il organise l'un des concerts de rock les plus grands et les plus extravagants de l'histoire, The Wall – Live in Berlin, avec une fréquentation officielle de 200 000 personnes. En tant que membre de Pink Floyd, il a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame américain en 1996 et au Music Hall of Fame britannique en 2005. La même année, il sort ', un opéra en trois actes traduit d'Étienne et Nadine Roda- Livret de Gils sur la Révolution française. Plus tard cette année-là, il retrouve les camarades du groupe Pink Floyd, Mason, Wright et David Gilmour, pour l'événement de sensibilisation mondial Live 8 ; c'était la première apparition du groupe avec Waters depuis 1981. Il a fait de nombreuses tournées en solo depuis 1999 et a joué The Dark Side of the Moon dans son intégralité pour sa tournée mondiale de 2006 à 2008. En 2010, il lance The Wall Live et en 2011, Gilmour et Mason apparaissent avec lui lors d'une représentation du double album à Londres. Depuis 2013, la tournée est la plus rentable de tous les temps pour un artiste solo. 1943-1964 : premières années George Roger Waters est né le 6 septembre 1943, le plus jeune de deux garçons, de Mary (née Whyte ; 1913-2009) et d'Eric Fletcher Waters (1914-1944), à Great Bookham, Surrey. Son père, fils d'un mineur de charbon et militant du Parti travailliste, était professeur d'école, fervent chrétien et membre du Parti communiste. Dans les premières années de la Seconde Guerre mondiale, son père était un objecteur de conscience qui conduisait une ambulance pendant le Blitz. Il a ensuite changé sa position sur le pacifisme et a rejoint l'armée britannique, et en tant que sous-lieutenant. du 8e Royal Fusiliers est mort à Aprilia, entre Anzio et Rome en Italie, le 18 février 1944, alors que Roger avait cinq mois. Le 19 février 2014, Waters y a dévoilé un monument à son père et à d'autres victimes de guerre et a été nommé citoyen d'honneur d'Anzio. Après la mort de son mari, Mary Waters, également enseignante, a déménagé avec ses deux fils à Cambridge et y a grandi. Le premier souvenir de Roger Waters est celui des célébrations du VJ Day. Mary Waters est décédée en 2009, à l'âge de 96 ans. Waters a fréquenté la Morley Memorial Junior School à Cambridge, puis la Cambridgeshire High School for Boys (maintenant Hills Road Sixth Form College) avec Syd Barrett, tandis que son futur partenaire musical, David Gilmour, vivait à proximité sur Mill Road de la ville et fréquentait la Perse School. . À 15 ans, Waters était président de la Cambridge Youth Campaign for Nuclear Disarmament (YCND), après avoir conçu son affiche publicitaire et participé à son organisation. Bien qu'il soit un sportif passionné et un membre très apprécié des équipes de cricket et de rugby du lycée, il n'aimait pas son expérience éducative ; selon Waters, "J'en détestais chaque seconde, à l'exception des jeux. Le régime à l'école était très oppressif ... les mêmes enfants qui sont susceptibles d'être intimidés par d'autres enfants sont également susceptibles d'être intimidés par les enseignants." Alors que Waters connaissait Barrett et Gilmour depuis son enfance à Cambridge, il a rencontré les futurs membres fondateurs de Pink Floyd, Nick Mason et Richard Wright, à Londres, à l'école d'architecture de Regent Street Polytechnic (plus tard l'Université de Westminster). Waters s'y est inscrit en 1962, après qu'une série de tests d'aptitude ait indiqué qu'il était bien adapté à ce domaine. Il avait initialement envisagé une carrière en génie mécanique. 1965-1985 : Pink Floyd Formation et période dirigée par Barrett En septembre 1963, Waters et Mason avaient perdu tout intérêt pour leurs études ; ils avaient emménagé dans l'appartement inférieur de Stanhope Gardens, propriété de Mike Leonard, tuteur à temps partiel à la Regent Street Polytechnic. Waters, Mason et Wright ont joué de la musique ensemble pour la première fois à la fin de 1963, dans un groupe formé par le chanteur Keith Noble et le bassiste Clive Metcalfe. Ils s'appelaient généralement Sigma 6, mais utilisaient également le nom de Meggadeaths. Waters jouait de la guitare rythmique et Mason jouait de la batterie, Wright jouait sur n'importe quel clavier qu'il pouvait utiliser et la sœur de Noble, Sheilagh, fournissait un accompagnement vocal occasionnel. Dans les premières années, le groupe se produisait lors de réceptions privées et répétait dans un salon de thé au sous-sol de Regent Street Polytechnic. Lorsque Metcalfe et Noble partent pour former leur propre groupe en septembre 1963, les membres restants demandent à Barrett et au guitariste Bob Klose de se joindre au groupe. Waters est passé à la basse et en janvier 1964, le groupe est devenu connu sous le nom de Abdabs, ou Screaming Abdabs. À la fin de 1964, le groupe a utilisé les noms de Leonard's Lodgers, Spectrum Five et finalement The Tea Set. À la fin de 1965, le Tea Set a commencé à s'appeler Pink Floyd Sound, plus tard Pink Floyd Blues Band et au début de 1966, Pink Floyd. Au début de 1966, Barrett était le leader, guitariste et auteur-compositeur de Pink Floyd. Il a écrit ou co-écrit tous les morceaux sauf un de leur premier album The Piper at the Gates of Dawn, sorti en août 1967. Waters a contribué à la chanson "Take Up Thy Stethoscope and Walk" (son premier seul crédit d'écriture) à l'album. À la fin de 1967, la détérioration de la santé mentale de Barrett et son comportement de plus en plus erratique le rendaient « incapable ou peu disposé » à continuer à exercer ses fonctions d'auteur-compositeur-interprète et de guitariste principal de Pink Floyd. Début mars 1968, Pink Floyd rencontra les managers Peter Jenner et Andrew King de Blackhill Enterprises pour discuter de l'avenir du groupe. Barrett a accepté de quitter Pink Floyd, et le groupe "a accepté le droit de Blackhill à perpétuité" concernant les "activités passées". Le nouveau manager du groupe, Steve O'Rourke, annonce officiellement le départ de Barrett et l'arrivée de David Gilmour en avril 1968. Période dirigée par les eaux Comblant le vide laissé par le départ de Barrett en mars 1968, Waters commença à définir la direction artistique de Pink Floyd. Il est devenu le principal auteur-compositeur, parolier et co-chanteur principal (avec Gilmour et parfois Wright) et restera la figure créative dominante du groupe jusqu'à son départ en 1985. Il a écrit les paroles des cinq albums de Pink Floyd précédant son propre départ, en commençant par The Dark Side of the Moon (1973) et en terminant par The Final Cut (1983), tout en exerçant un contrôle de plus en plus créatif sur le groupe et sa musique. Chaque album studio de Waters depuis The Dark Side of the Moon est un album concept. Avec des paroles entièrement écrites par Waters, The Dark Side of the Moon a été l'un des albums rock les plus réussis commercialement. Il a passé 736 semaines consécutives dans le palmarès Billboard 200, jusqu'en juillet 1988, et s'est vendu à plus de 40 millions d'exemplaires dans le monde. Il continuait à vendre plus de 8 000 unités chaque semaine depuis 2005. Selon le biographe de Pink Floyd, Glen Povey, Dark Side est le deuxième album le plus vendu au monde et le 21e album le plus vendu de tous les temps aux États-Unis. Waters a produit des idées thématiques qui sont devenues l'impulsion des albums concept de Pink Floyd The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977) et The Wall (1979) - écrits en grande partie par Waters - et The Final Cut (1983) — entièrement écrit par Waters. Il a fait référence ou fait allusion au coût de la guerre et à la perte de son père tout au long de son œuvre, de "Caporal Clegg" (A Saucerful of Secrets, 1968) et "Free Four" (Obscured by Clouds, 1972) à "Us and Them". de The Dark Side of the Moon, "When the Tigers Broke Free", utilisé pour la première fois dans le long métrage The Wall (1982), inclus plus tard avec "The Fletcher Memorial Home" sur The Final Cut, un album dédié à son père. Le thème et la composition de The Wall ont été influencés par son éducation dans une société anglaise dépourvue d’hommes après la Seconde Guerre mondiale. Le double album The Wall a été écrit presque entièrement par Waters et est en grande partie basé sur l'histoire de sa vie. Après avoir vendu plus de 23 millions d'unités certifiées RIAA aux États-Unis en 2013, il est l'un des trois albums les plus vendus de tous les temps. Amérique, selon la RIAA. Pink Floyd a embauché Bob Ezrin pour coproduire l'album et le dessinateur Gerald Scarfe pour illustrer la pochette de l'album. Le groupe s'est lancé dans la tournée The Wall à Los Angeles, New York, Londres et Dortmund. La dernière représentation du groupe The Wall a eu lieu le 16 juin 1981, à Earls Court à Londres, et ce fut la dernière apparition de Pink Floyd avec Waters jusqu'à la brève réunion du groupe lors du concert Live 8 du 2 juillet 2005 à Hyde Park à Londres, 24 ans plus tard. En mars 1983, la dernière collaboration Waters-Gilmour-Mason, The Final Cut, est sortie. L'album était sous-titré : « Un requiem pour le rêve d'après-guerre de Roger Waters, interprété par Pink Floyd ». Waters a écrit toutes les paroles de l'album ainsi que la musique. Ses paroles critiquaient le gouvernement du Parti conservateur de l'époque et mentionnaient le nom du premier ministre Margaret Thatcher. À l'époque, Gilmour n'avait pas de nouveau matériel, il a donc demandé à Waters de retarder l'enregistrement jusqu'à ce qu'il puisse écrire quelques chansons, mais Waters a refusé. Selon Mason, après des luttes de pouvoir au sein du groupe et des disputes créatives à propos de l'album, le nom de Gilmour "a disparu" du générique de production, bien qu'il ait conservé son salaire. Le magazine Rolling Stone a attribué cinq étoiles à l'album, Kurt Loder le décrivant comme « une réalisation superlative » et « le chef-d'œuvre suprême de l'art rock ». Loder considérait l'œuvre comme « essentiellement un album solo de Roger Waters ». Au milieu de différences créatives au sein du groupe, Waters a quitté Pink Floyd en 1985 et a entamé une bataille juridique avec les membres restants du groupe concernant leur utilisation continue du nom et du matériel. En décembre 1985, Waters « a publié une déclaration à EMI et CBS invoquant la clause « Membre sortant » » sur son contrat. En octobre 1986, il a engagé une procédure devant la Haute Cour pour dissoudre officiellement le partenariat Pink Floyd. Dans son mémoire devant la Haute Cour, il a qualifié Pink Floyd de « force dépensée en termes de créativité ». Gilmour et Mason se sont opposés à la candidature et ont annoncé leur intention de continuer sous le nom de Pink Floyd. Waters affirme avoir été contraint de démissionner un peu comme Wright quelques années plus tôt, et il a décidé de quitter Pink Floyd sur la base de considérations juridiques, déclarant "... parce que, si je ne l'avais pas fait, les répercussions financières m'auraient complètement anéanti. " En décembre 1987, un accord entre Waters et Pink Floyd est conclu. Selon Mason : Waters a été libéré de son obligation contractuelle avec O'Rourke et il a conservé les droits d'auteur du concept The Wall et du cochon gonflable Animals. Pink Floyd a sorti trois albums studio sans Waters : A Momentary Lapse of Reason (1987), The Division Bell (1994) et The Endless River (2014). En 2013, Pink Floyd avait vendu plus de 250 millions d'albums dans le monde, dont 74,5 millions d'albums certifiés RIAA aux États-Unis. 1984-présent : carrière solo 1984-1996 Après la sortie de The Final Cut, Waters s'est lancé dans une carrière solo qui a produit trois albums concept et une bande originale de film. En 1984, il sort son premier album solo, The Pros and Cons of Hitch Hiking, un projet sur les rêves d'un homme au cours d'une nuit qui traitait des sentiments de Waters à propos de la monogamie et de la vie de famille par rapport à « l'appel de la nature ». En fin de compte, le personnage, Reg, choisit l'amour et le mariage plutôt que la promiscuité. L'album présentait le guitariste Eric Clapton, le saxophoniste de jazz David Sanborn et des illustrations de Gerald Scarfe. Kurt Loder a décrit Les avantages et les inconvénients de l'auto-stop comme un "disque étrangement statique et légèrement hideux". Rolling Stone a attribué à l'album une étoile "au plus bas". Des années plus tard, Mike DeGagne d'AllMusic a fait l'éloge de l'album pour son "symbolisme ingénieux" et "l'utilisation brillante du flux de conscience dans un royaume subconscient", lui attribuant quatre sur 4. cinq étoiles Waters a commencé une tournée pour soutenir le nouvel album, aidé par Clapton, un nouveau groupe, du nouveau matériel et une sélection de favoris de Pink Floyd. Waters a débuté sa tournée à Stockholm le 16 juin 1984. Les mauvaises ventes de billets ont tourmenté la tournée. et certaines des plus grandes salles ont dû être annulées. Selon sa propre estimation, il a perdu 400 000 £ lors de la tournée. En mars 1985, Waters se rendit en Amérique du Nord pour jouer dans des salles plus petites avec le groupe Pros and Cons Plus Some Old Pink Floyd Stuff—North. America Tour 1985. Les avantages et les inconvénients de l'auto-stop ont été certifiés Or par la RIAA. En 1986, Waters a contribué des chansons et une partition à la bande originale du film d'animation When the Wind Blows, basé sur le livre du même nom de Raymond Briggs. Son groupe d'accompagnement avec Paul Carrack a été crédité sous le nom de The Bleeding Heart Band. En 1987, Waters a sorti Radio K.A.O.S., un album concept basé sur un homme muet nommé Billy, originaire d'une ville minière galloise pauvre, qui a la capacité de se connecter physiquement aux ondes radio dans sa tête. Billy apprend d'abord à communiquer avec un DJ de radio, puis à contrôler les ordinateurs du monde. En colère contre l'état du monde dans lequel il vit, il simule une attaque nucléaire. Waters a suivi la sortie avec une tournée de soutien également en 1987. En novembre 1989, le mur de Berlin est tombé et, en juillet 1990, Waters a organisé l'un des concerts de rock les plus grands et les plus élaborés de l'histoire, The Wall – Live in Berlin, sur le terrain vacant entre la Potsdamer Platz et la porte de Brandebourg. L'émission a fait état d'une fréquentation officielle de 200 000 personnes, même si certaines estimations la chiffrent au double, avec environ un milliard de téléspectateurs. Leonard Cheshire lui a demandé de faire le concert afin de récolter des fonds pour une œuvre caritative. Le groupe de musiciens de Waters comprenait Joni Mitchell, Van Morrison, Cyndi Lauper, Bryan Adams, Scorpions et Sinéad O'Connor. Waters a également utilisé un orchestre symphonique et une chorale est-allemande, une fanfare soviétique et une paire d'hélicoptères du 7e Escadron aéroporté de commandement et de contrôle des États-Unis. Conçu par Mark Fisher, le mur mesurait 25 mètres de haut et 170 mètres de long et était construit sur tout le décor. Les marionnettes gonflables de Scarfe ont été recréées à une échelle agrandie, et bien que de nombreuses icônes du rock aient reçu des invitations au spectacle, Gilmour, Mason et Wright ne l'ont pas fait. Waters a sorti un double album de concert de la performance qui a été certifié platine par la RIAA. En 1990, Waters engagea le manager Mark Fenwick et quitta EMI pour un accord mondial avec Columbia. Il a sorti son troisième album studio, Amused to Death, en 1992. Le disque est fortement influencé par les événements des manifestations de la place Tiananmen en 1989 et de la guerre du Golfe, ainsi que par une critique de la notion de guerre devenue un sujet de divertissement, en particulier sur télévision. Le titre est dérivé du livre Amusing Ourselves to Death de Neil Postman. Patrick Leonard, qui a travaillé sur A Momentary Lapse of Reason, a coproduit l'album. Jeff Beck a joué de la guitare solo sur de nombreux morceaux de l'album, qui ont été enregistrés avec un groupe impressionnant de musiciens dans dix studios d'enregistrement différents. Il s'agit de l'enregistrement solo le plus acclamé par la critique de Waters, comparable à son travail précédent avec Pink Floyd. Waters a décrit le disque comme un « travail époustouflant », classant l'album avec Dark Side of the Moon et The Wall comme l'un des meilleurs de sa carrière. L'album a eu un succès, la chanson "What God Wants, Pt. 1", qui a atteint le numéro 35 au Royaume-Uni en septembre 1992 et le numéro 5 du classement Mainstream Rock Tracks de Billboard aux États-Unis. Amused to Death a été certifié Argent par la British Phonographic Industry. Les ventes d'Amused to Death ont atteint environ un million et il n'y a pas eu de tournée pour soutenir l'album. Waters en interprétera pour la première fois sept ans plus tard lors de sa tournée In the Flesh. En 1996, Waters a été intronisé au Rock and Roll Halls of Fame des États-Unis et du Royaume-Uni en tant que membre de Pink Floyd. 1999-2004 En 1999, après une interruption de 12 ans de tournée et une absence de sept ans de l'industrie musicale, Waters se lance dans la tournée In the Flesh, interprétant à la fois du solo et du matériel de Pink Floyd. La tournée fut un succès financier aux États-Unis et, même si Waters avait réservé pour la plupart des salles plus petites, les billets se vendirent si bien que de nombreux concerts furent surclassés dans des salles plus grandes. La tournée s'étendra finalement à travers le monde et durera trois ans. Un film de concert est sorti sur CD et DVD, nommé In the Flesh – Live. Au cours de la tournée, il a joué deux nouvelles chansons "Flickering Flame" et "Each Small Candle" comme rappel final de nombreux spectacles. En juin 2002, il termine la tournée avec une performance devant 70 000 personnes au Glastonbury Festival of Performing Arts, interprétant 15 chansons de Pink Floyd et cinq chansons de son catalogue solo. Miramax a annoncé à la mi-2004 qu'une production de The Wall devait apparaître à Broadway avec Waters jouant un rôle de premier plan dans la direction créative. Les rapports indiquaient que la comédie musicale contenait non seulement les morceaux originaux de The Wall, mais également des chansons de Dark Side of the Moon, Wish You Were Here et d'autres albums de Pink Floyd, ainsi que du nouveau matériel. Dans la nuit du 1er mai 2004, des extraits enregistrés de l'opéra, y compris son ouverture, ont été joués à l'occasion des célébrations de Welcome Europe dans le pays candidat à l'adhésion, Malte. Gert Hof a mixé des extraits enregistrés de l'opéra dans un morceau de musique continu qui a été joué en accompagnement d'un grand spectacle de lumières et de feux d'artifice au-dessus du Grand Harbour de La Valette. En juillet 2004, Waters a publié deux nouveaux morceaux sur Internet : « To Kill the Child », inspiré de l'invasion de l'Irak en 2003, et « Leaving Beirut », une chanson anti-guerre « inspirée de ses voyages au Moyen-Orient en tant que adolescent". 2005-présent En juillet 2005, Waters a retrouvé Mason, Wright et Gilmour pour ce qui serait leur dernière performance ensemble lors du concert Live 8 2005 à Hyde Park à Londres, la seule apparition de Pink Floyd avec Waters depuis leur dernière performance de The Wall à Earls Court London 24. années plus tôt. Ils ont joué un set de 23 minutes composé de "Speak to Me/Breathe"/"Breathe (Reprise)", "Money", "Wish You Were Here" et "Comfortably Numb". Waters a déclaré à l'Associated Press que même si l'expérience de jouer à nouveau avec Pink Floyd était positive, les chances d'une véritable réunion seraient "faibles" compte tenu de ses différences musicales et idéologiques persistantes avec Gilmour. Bien que Waters ait eu des idées divergentes sur les chansons qu'ils devraient jouer, il "a accepté de rester pour une nuit seulement", a déclaré Gilmour à l'Associated Press, "Les répétitions m'ont convaincu que ce n'était pas quelque chose que je voulais faire beaucoup. Là Il y a eu toutes sortes de moments d'adieu dans la vie et la carrière des gens, qu'ils ont ensuite annulés, mais je pense pouvoir dire de manière assez catégorique qu'il n'y aura plus de tournée ni d'album auquel je participerai. avec animosité ou quelque chose comme ça. C'est juste que… j'y suis allé, je l'ai fait. En novembre 2005, Pink Floyd a été intronisé au UK Music Hall of Fame par Pete Townshend des Who. En septembre 2005, Waters a sorti ' (prononcé en français pour « tout ira bien » ; Waters a ajouté le sous-titre « There is Hope »), un opéra en trois actes traduit du livret français de feu Étienne Roda-Gil basé sur l'histoire historique. sujet de la Révolution française. ' est sorti sous forme d'album double CD, avec le baryton Bryn Terfel, la soprano Ying Huang et le ténor Paul Groves. Se déroulant au début de la Révolution française, le livret original a été co-écrit en français par Roda-Gil et son épouse Nadine Delahaye. Waters avait commencé à réécrire le livret en anglais en 1989 et disait à propos de la composition : « J'ai toujours été un grand fan de la musique chorale de Beethoven, de Berlioz et de Borodine... C'est sans vergogne romantique et réside dans cette tradition du début du XIXe siècle. , parce que c'est là que se situent mes goûts, dans la musique classique et chorale." Waters est apparu à la télévision pour discuter de l'opéra, mais les interviews se sont souvent concentrées sur sa relation avec Pink Floyd, quelque chose que Waters "prenait dans la foulée", un signe que le biographe de Pink Floyd, Mark Blake, considère comme "un témoignage de sa vieillesse plus douce". ou vingt ans de psychothérapie dédiée". ' a atteint la cinquième place du Billboard Classical Music Chart aux États-Unis. En juin 2006, Waters a commencé la tournée The Dark Side of the Moon Live, un effort mondial de deux ans qui a débuté en Europe en juin et en Amérique du Nord en septembre. La première moitié du spectacle présentait à la fois des chansons de Pink Floyd et du matériel solo de Waters, tandis que la seconde moitié comprenait une performance live complète de l'album de Pink Floyd de 1973, The Dark Side of the Moon, la première fois en plus de trois décennies que Waters jouait. l'album. Les spectacles se sont terminés par un rappel du troisième côté de The Wall. Il a utilisé une mise en scène élaborée par le concepteur d'éclairage de concert Marc Brickman avec des lumières laser, des machines à brouillard, des pièces pyrotechniques, des projections psychédéliques et des marionnettes flottantes gonflables (Spaceman et Pig) contrôlées par un « manipulateur » habillé en boucher et un système quadriphonique complet à 360 degrés. un système de sonorisation a été utilisé. Nick Mason a rejoint Waters pour le set The Dark Side of the Moon et les rappels à certaines dates de la tournée 2006. Waters a continué sa tournée en janvier 2007 en Australie et en Nouvelle-Zélande, puis en Asie, en Europe, en Amérique du Sud et de retour en Amérique du Nord en juin. En mars 2007, la chanson de Waters "Hello (I Love You)" a été présentée dans le film de science-fiction The Last Mimzy. La chanson joue au générique de fin du film. Il l'a sorti en single, sur CD et en téléchargement, et l'a décrit comme « une chanson qui capture les thèmes du film, le choc entre les meilleurs et les pires instincts de l'humanité, et comment l'innocence d'un enfant peut l'emporter ». Il s'est produit au festival Coachella en Californie en avril 2008 et devait faire partie des artistes vedettes du Live Earth 2008 à Mumbai, en Inde, en décembre 2008, mais ce concert a été annulé à la lumière des attentats terroristes du 26 novembre à Mumbai. Waters a confirmé la possibilité d'un prochain album solo qui "pourrait s'appeler" Heartland, et a déclaré qu'il avait de nombreuses chansons écrites (certaines déjà enregistrées) qu'il avait l'intention de sortir lorsqu'elles seraient un album complet. En juin 2010, Waters a sorti une reprise de "We Shall Overcome", une chanson protestataire réécrite et arrangée par Guy Carawan et Pete Seeger. Il a joué avec David Gilmour lors de la soirée-bénéfice de la Hoping Foundation en juillet 2010. L'ensemble de quatre chansons comprenait : " To Know Him Is to Love Him ", qui a été joué lors des premières vérifications sonores de Pink Floyd, suivi de " Wish You Were Here ". , "Comfortably Numb" et "Another Brick in the Wall (Part Two)". En septembre 2010, Waters a commencé la tournée The Wall Live, une version mise à jour des spectacles originaux de Pink Floyd, avec une performance complète de The Wall. Waters a déclaré à l'Associated Press que The Wall Tour serait probablement sa dernière, déclarant : "Je ne suis plus aussi jeune qu'avant. Je ne suis pas comme B.B. King ou Muddy Waters. Je ne suis pas un grand chanteur ou un grand instrumentiste ou autre, mais j'ai toujours le feu au ventre et j'ai quelque chose à dire, j'ai un chant du cygne en moi et je pense que ce sera probablement celui-là. À l'O2 Arena de Londres le 12 mai 2011, Gilmour et Mason sont de nouveau apparus avec Waters et Gilmour interprétant "Comfortably Numb", et Gilmour et Mason rejoignant Waters pour "Outside the Wall". Pour le premier semestre 2012, la tournée de Waters a dominé les ventes mondiales de billets de concert avec plus de 1,4 million de billets vendus dans le monde. Depuis 2013, The Wall Live est la tournée la plus rentable de tous les temps réalisée par un artiste solo. Waters s'est produit au Concert for Sandy Relief au Madison Square Garden le 12 décembre 2012. Le 24 juillet 2015, Waters a été la tête d'affiche du Newport Folk Festival à Newport, Rhode Island. Waters était accompagné du groupe My Morning Jacket et de deux chanteurs du groupe Lucius. Le 3 mai 2016, Waters a été annoncé comme l'un des artistes du festival de musique Desert Trip, qui doit avoir lieu du 7 au 9 octobre. Vie privée En 1969, Waters épousa son amie d'enfance Judy Trim, une potière à succès ; elle figurait sur la pochette gatefold de la version originale d'Ummagumma, mais exclue des rééditions ultérieures de CD. Ils n'ont pas eu d'enfants ensemble et ont divorcé en 1975. Trim est décédé en 2001. En 1976, Waters épousa Lady Carolyne Christie, la nièce du 3e marquis de Zetland. Son mariage avec Christie a donné naissance à un fils, Harry Waters, un musicien qui joue du clavier avec le groupe en tournée de son père depuis 2006, et une fille, India Waters, qui a travaillé comme mannequin. Christie et Waters ont divorcé en 1992. En 1993, il épouse Priscilla Phillips ; ils ont eu un fils ensemble, Jack Fletcher. Leur mariage a pris fin en 2001. En 2004, Waters s'est fiancée à l'actrice et cinéaste Laurie Durning (née en 1963) ; les deux se sont mariés le 14 janvier 2012 et ont demandé le divorce en septembre 2015. Waters est athée. Activisme Après le séisme de 2004 dans l'océan Indien et le tsunami qui a suivi, Waters a interprété "Wish You Were Here" avec Eric Clapton lors d'un concert-bénéfice sur la chaîne américaine NBC. Il s'est prononcé ouvertement contre la loi sur la chasse de 2004 et a donné un concert et assisté à des marches de soutien à la Countryside Alliance. Waters a expliqué que, qu'il soutienne ou non la chasse, il était important de la défendre en tant que droit. Il a quitté le Royaume-Uni peu de temps après. Il a précisé en octobre 2005 qu'il n'avait pas quitté le pays pour protester contre la législation sur la chasse mais pour des raisons familiales et qu'il revenait souvent au Royaume-Uni. Après avoir quitté la Grande-Bretagne, il a déménagé à Long Island à New York avec sa fiancée Laurie Durning. En juin 2007, Waters est devenu porte-parole de Millennium Promise, une organisation à but non lucratif qui aide à lutter contre l'extrême pauvreté et le paludisme. Il a écrit un article d'opinion pour CNN pour soutenir le sujet. En juillet, il a participé à l'étape américaine du concert Live Earth, un concert international multi-sites visant à sensibiliser au changement climatique mondial, mettant en vedette le Trenton Youth Choir et son cochon gonflable de marque. Waters a expliqué à David Fricke pourquoi il pense que The Wall est toujours d'actualité aujourd'hui : En 2012, Waters a dirigé une initiative destinée aux vétérans de l’armée américaine appelée Stand Up for Heroes. Il a invité un groupe de musique composé d'anciens combattants blessés au combat, appelé MusiCorps, à se produire avec lui. En juin 2013, Waters et de nombreuses autres célébrités sont apparues dans une vidéo montrant leur soutien à Chelsea Manning. En juin 2009, il s'est prononcé contre la barrière israélienne en Cisjordanie et, plus tard cette année-là, il a promis son soutien à la Marche pour la liberté de Gaza. En 2011, il a annoncé avoir rejoint le mouvement de Boycott, Désinvestissement et Sanctions (BDS) contre Israël. Il s’est dit déçu par la politique étrangère du Royaume-Uni à l’égard d’Israël. En octobre 2010, après qu'un bombardier B-52 animé ait été montré en train de lâcher des symboles, notamment l'étoile de David et des signes de dollar, dans le cadre de la tournée The Wall Live, l'Anti-Defamation League (ADL) a critiqué les images et les a affirmées antisémites. . En réponse, Waters a modifié la vidéo et a écrit une lettre ouverte à The Independent dans laquelle il a nié être antisémite et distingué la critique d’Israël de l’antijudaïsme. En mars 2013, lors d’un entretien avec Electronic Intifada, Waters a critiqué les médias américains pour leur couverture d’Israël. Pendant de nombreuses années, les concerts de Pink Floyd et de Waters ont utilisé un ballon en forme de cochon peint de symboles politiques et religieux survolé pendant les spectacles alors qu'il se produisait en uniforme fasciste. En juillet 2013, les médias israéliens se sont plaints du symbolisme. Le directeur national de l'ADL, Abraham H. Foxman, l'a accusé d'antisémitisme, tout comme le rabbin Abraham Cooper, doyen associé du Centre Simon Wiesenthal. Waters a déclaré que l'accusation de Cooper était fanatique. Le 2 octobre 2015, Waters a publié une lettre ouverte dans Salon critiquant le groupe Bon Jovi pour s'être produit à Tel Aviv, ce qui a conduit Howard Stern à critiquer Waters dans son émission de radio. Équipements et instruments L'instrument principal de Waters dans Pink Floyd était la guitare basse électrique. Il a brièvement joué sur une basse Höfner mais l'a remplacée par une Rickenbacker RM-1999/4001S, jusqu'en 1970, date à laquelle elle a été volée avec le reste de l'équipement du groupe à la Nouvelle-Orléans. Il a commencé à utiliser des Fender Precision Basses en 1968, à l'origine aux côtés de la Rickenbacker 4001, puis exclusivement après la perte de la Rickenbacker en 1970. Vu pour la première fois lors d'un concert à Hyde Park, Londres en juillet 1970, la P-Bass noire était rarement utilisée jusqu'en avril. En 1972, elle est devenue sa guitare de scène principale et, à partir du 2 octobre 2010, la base d'un modèle Fender Artist Signature. Waters approuve les cordes à filage plat RotoSound Jazz Bass 77. Tout au long de sa carrière, il a utilisé des amplificateurs Selmer, WEM, Hiwatt et Ashdown, mais a utilisé Ampeg pour les dernières tournées, employant également des effets de delay, trémolo, chorus, panoramique stéréo et phaser dans son jeu de basse. Waters a expérimenté les synthétiseurs EMS Synthi A et VCS 3 sur des morceaux de Pink Floyd tels que "On the Run", "Welcome to the Machine" et "In the Flesh?" Il a joué de la guitare électrique et acoustique sur les morceaux de Pink Floyd en utilisant les guitares Fender, Martin, Ovation et Washburn. Il a joué de la guitare électrique sur la chanson "Sheep" de Pink Floyd, de Animals, et de la guitare acoustique sur plusieurs enregistrements de Pink Floyd, tels que "Pigs on the Wing 1 & 2", également de Animals, "Southampton Dock" de The Final Cut, et sur "Mother" de The Wall. Un effet d'écho Binson Echorec 2 a été utilisé sur son morceau principal de guitare basse "One of These Days". Waters joue de la trompette lors des concerts de "Outside the Wall". Discographie * Les avantages et les inconvénients de l'auto-stop (1984) *Radio K.A.O.S. (1987) * Amusé à mort (1992) *' (2005) Citations Sources * * * * * * * * * * * * *

http://www.triviacountry.com/

Quelle autoroute a été revisitée dans un album classique des années 60 de Bob Dylan ?

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Bob Dylan (né Robert Allen Zimmerman le 24 mai 1941) est un auteur-compositeur-interprète, artiste et écrivain américain. Il exerce une influence sur la musique et la culture populaires depuis plus de cinq décennies. Une grande partie de son œuvre la plus célèbre date des années 1960, lorsque ses chansons faisaient la chronique des troubles sociaux, bien que Dylan ait rejeté les suggestions des journalistes selon lesquelles il était le porte-parole de sa génération. Néanmoins, les premières chansons telles que « Blowin' in the Wind » et « The Times They Are a-Changin' » sont devenues des hymnes pour les droits civiques américains et les mouvements anti-guerre. Après avoir quitté sa base initiale dans le renouveau de la musique folk américaine, son single de six minutes "Like a Rolling Stone" a modifié l'éventail de la musique populaire en 1965. Ses enregistrements du milieu des années 1960, soutenus par des musiciens de rock, ont atteint le haut de gamme. Palmarès musical des États-Unis tout en suscitant des dénonciations et des critiques de la part d'autres acteurs du mouvement folk. Les paroles de Dylan intègrent diverses influences politiques, sociales, philosophiques et littéraires. Ils ont défié les conventions existantes de la musique pop et ont fait appel à la contre-culture naissante. Initialement inspiré par les performances de Little Richard et les compositions de Woody Guthrie, Robert Johnson et Hank Williams, Dylan a amplifié et personnalisé les genres musicaux. Sa carrière d'enregistrement, qui s'étend sur plus de 50 ans, a exploré les traditions de la chanson américaine : du folk, du blues et de la country au gospel, au rock and roll et au rockabilly, en passant par la musique folk anglaise, écossaise et irlandaise, englobant même le jazz et le Grand Recueil de chansons américaines. Dylan joue avec de la guitare, des claviers et de l'harmonica. Soutenu par une formation changeante de musiciens, il tourne régulièrement depuis la fin des années 1980 dans le cadre de ce qui a été surnommé le Never Ending Tour. Ses réalisations en tant qu'artiste d'enregistrement et interprète ont été au cœur de sa carrière, mais l'écriture de chansons est considérée comme sa plus grande contribution. Depuis 1994, Dylan a publié six livres de dessins et de peintures et son travail a été exposé dans de grandes galeries d'art. En tant que musicien, Dylan a vendu plus de 100 millions de disques, ce qui en fait l'un des artistes les plus vendus de tous les temps. Il a également reçu de nombreux prix, dont onze Grammy Awards, un Golden Globe Award et un Academy Award. Dylan a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame, au Minnesota Music Hall of Fame, au Nashville Songwriters Hall of Fame et au Songwriters Hall of Fame. Le jury du prix Pulitzer en 2008 lui a décerné une citation spéciale pour « son profond impact sur la musique populaire et la culture américaine, marqué par des compositions lyriques d'une puissance poétique extraordinaire ». En mai 2012, Dylan a reçu la Médaille présidentielle de la liberté des mains du président Barack Obama. vie et carrière Origines et débuts musicaux Bob Dylan est né Robert Allen Zimmerman (nom hébreu [Shabtai Zisl ben Avraham]) à l'hôpital St Mary le 24 mai 1941 à Duluth, Minnesota, et a grandi à Hibbing, Minnesota, sur la chaîne Mesabi à l'ouest du lac Supérieur. Il a un frère cadet, David. Les grands-parents paternels de Dylan, Zigman et Anna Zimmerman, ont émigré d'Odessa, dans l'Empire russe (aujourd'hui Ukraine), vers les États-Unis à la suite des pogroms antisémites de 1905. Sounes, pp. 12-13. Ses grands-parents maternels, Ben et Florence Stone, étaient des Juifs lituaniens arrivés aux États-Unis en 1902. Dans son autobiographie, Chronicles: Volume One, Dylan a écrit que le nom de jeune fille de sa grand-mère paternelle était Kirghiz et que sa famille était originaire du district de Kağızman de la province de Kars. dans le nord-est de la Turquie. Les parents de Dylan, Abram Zimmerman et Beatrice « Beatty » Stone, faisaient partie d’une communauté juive petite mais très unie. Ils ont vécu à Duluth jusqu'à l'âge de six ans de Robert, lorsque son père a eu la polio et que la famille est retournée dans la ville natale de sa mère, Hibbing, où ils ont vécu pour le reste de l'enfance de Robert. Dans ses premières années, il écoutait la radio, d'abord les stations de blues et de country de Shreveport, en Louisiane, et plus tard, lorsqu'il était adolescent, le rock and roll. Shelton, pp. 38-40. Il a formé plusieurs groupes alors qu'il fréquentait le lycée Hibbing. Dans les Golden Chords, il a interprété des reprises de chansons de Little Richard et d'Elvis Presley. Leur performance de "Rock and Roll Is Here to Stay" de Danny & the Juniors lors de leur spectacle de talents au lycée était si forte que le directeur a coupé le micro. En 1959, son annuaire de lycée portait la légende « Robert Zimmerman : rejoindre « Little Richard » ». La même année, sous le nom d'Elston Gunnn, il donne deux dates avec Bobby Vee, jouant du piano et applaudissant. Une interview avec Vee suggère que Zimmerman a peut-être été excentrique en épelant son premier pseudonyme : "[Dylan] était dans la région de Fargo/Moorhead .. . Bill [Velline] était dans un magasin de disques à Fargo, Sam's Record Land, et ce type est venu vers lui et s'est présenté comme étant Elston Gunnn – avec trois n, G-U-N-N-N. » Interview de Bobby Vee, juillet 1999, Goldmine Reproduit en ligne : Zimmerman a déménagé à Minneapolis en septembre 1959 et s'est inscrit à l'Université du Minnesota. Son intérêt pour le rock and roll a cédé la place à la musique folk américaine. En 1985, il disait : Il a commencé à se produire au Ten O'Clock Scholar, un café situé à quelques pâtés de maisons du campus, et s'est impliqué dans le circuit de musique folk de Dinkytown. Ceci est relaté dans le film documentaire No Direction Home, réalisé par Martin Scorsese. diffusé le 26 septembre 2005, PBS et BBC Two. Durant ses années à Dinkytown, Zimmerman a commencé à se présenter comme « Bob Dylan ». Selon le biographe de Dylan, Robert Shelton, le chanteur a confié pour la première fois son changement de nom à sa petite amie du lycée, Echo Helstrom, en 1958, lui disant qu'il avait trouvé un « super nom, Bob Dillon ». Shelton suppose que Dillon avait deux sources : le maréchal Matt Dillon était le héros du western télévisé Gunsmoke ; Dillon était aussi le nom de l'une des principales familles de Hibbing. Alors que Shelton écrivait la biographie de Dylan dans les années 1960, Dylan lui dit : « Précise dans ton livre que je n'ai pas pris mon nom de Dylan Thomas. La poésie de Dylan Thomas est destinée aux gens qui ne sont pas vraiment satisfaits dans leur lit, aux gens qui je creuse la romance masculine. À l'Université du Minnesota, le chanteur a déclaré à quelques amis que Dillon était le nom de jeune fille de sa mère, ce qui était faux. Il a ensuite déclaré aux journalistes qu'il avait un oncle nommé Dillon. Shelton a ajouté que ce n'est que lorsqu'il est arrivé à New York en 1961 que le chanteur a commencé à épeler son nom "Dylan", date à laquelle il connaissait la vie et l'œuvre de Dylan Thomas. Shelton (2011), p. 44-45. Dans ses mémoires, Dylan a reconnu avoir été influencé par la poésie de Dylan Thomas. Expliquant son changement de nom dans une interview en 2004, Dylan a déclaré : "Vous êtes né, vous savez, avec de mauvais noms, de mauvais parents. Je veux dire, cela arrive. Vous vous appelez comme vous voulez vous appeler. C'est le pays de le libre." années 1960 Déménagement à New York et contrat d'enregistrement En mai 1960, Dylan abandonna ses études à la fin de sa première année. En janvier 1961, il se rend à New York pour s'y produire et rendre visite à son idole musicale Woody Guthrie, gravement malade de la maladie de Huntington à l'hôpital psychiatrique de Greystone Park. Guthrie a été une révélation pour Dylan et a influencé ses premières performances. Décrivant l'impact de Guthrie, il a écrit : « Les chansons elles-mêmes contenaient en elles une dimension infinie d'humanité... [Il] était la véritable voix de l'esprit américain. Je me suis dit que j'allais être le plus grand disciple de Guthrie. En plus de rendre visite à Guthrie à l'hôpital, Dylan s'est lié d'amitié avec l'acolyte de Guthrie, Ramblin' Jack Elliott. Une grande partie du répertoire de Guthrie passait par Elliott, et Dylan a rendu hommage à Elliott dans Chronicles: Volume One. À partir de février 1961, Dylan joue dans des clubs autour de Greenwich Village. Il s'est lié d'amitié et a récupéré du matériel auprès de chanteurs folk, notamment Dave Van Ronk, Fred Neil, Odetta, les New Lost City Ramblers et les musiciens irlandais Clancy Brothers et Tommy Makem. En septembre, Dylan a acquis une reconnaissance publique lorsque Robert Shelton a écrit une critique dans le New York Times sur un spectacle à Gerde's Folk City. Le même mois, Dylan a joué de l'harmonica sur le troisième album de la chanteuse folk Carolyn Hester, ce qui a attiré l'attention du producteur de l'album, John Hammond. Hammond a signé Dylan chez Columbia Records en octobre. Les performances de son premier album de Columbia, Bob Dylan, en mars 1962, consistaient en du folk, du blues et du gospel familiers avec deux compositions originales. L'album ne s'est vendu qu'à 5 000 exemplaires la première année, juste assez pour atteindre le seuil de rentabilité. Scaduto, p. 110. Au sein de Columbia Records, certains ont qualifié le chanteur de « Hammond's Folly » et ont suggéré d'abandonner son contrat, mais Hammond a défendu Dylan et a été soutenu par Johnny Cash. En mars 1962, Dylan contribue à l'harmonica et aux chœurs de l'album Three Kings and the Queen, accompagnant Victoria Spivey et Big Joe Williams sur un enregistrement pour Spivey Records. Tout en travaillant pour Columbia, Dylan a enregistré sous le pseudonyme de Blind Boy Grunt, pour Broadside, un magazine folk et un label. Dylan a utilisé le pseudonyme de Bob Landy pour enregistrer en tant que pianiste sur The Blues Project, un album d'anthologie de 1964 d'Elektra Records. En tant que Tedham Porterhouse, Dylan jouait de l'harmonica sur l'album de Ramblin' Jack Elliott de 1964, Jack Elliott. Dylan a fait deux changements de carrière importants en août 1962 : il a légalement changé son nom pour Robert Dylan et il a signé un contrat de gestion avec Albert Grossman. (En juin 1961, Dylan avait signé un accord avec Roy Silver. En 1962, Grossman paya Silver 10 000 $ pour devenir l'unique manager.) Grossman resta le manager de Dylan jusqu'en 1970 et se distinguait par sa personnalité parfois conflictuelle et sa loyauté protectrice. Dylan a déclaré: "Il ressemblait un peu à une figurine du colonel Tom Parker ... on pouvait le sentir arriver." Les tensions entre Grossman et John Hammond ont conduit Hammond à être remplacé en tant que producteur du deuxième album de Dylan par le jeune producteur de jazz afro-américain Tom Wilson. Dylan a effectué son premier voyage au Royaume-Uni de décembre 1962 à janvier 1963. Heylin (1996), pp. 35-39. Il avait été invité par le réalisateur de télévision Philip Saville à apparaître dans un drame, Madhouse on Castle Street, que Saville réalisait pour BBC Television. A la fin de la pièce, Dylan a interprété "Blowin' in the Wind", l'une de ses premières représentations publiques. L'enregistrement cinématographique de Madhouse on Castle Street a été détruit par la BBC en 1968. À Londres, Dylan s'est produit dans des clubs folk londoniens, notamment le Troubadour, Les Cousins ​​et Bunjies. Il a également appris du matériel auprès d'artistes britanniques, dont Martin Carthy. Au moment de la sortie du deuxième album de Dylan, The Freewheelin' Bob Dylan, en mai 1963, il avait commencé à se faire un nom en tant que chanteur et auteur-compositeur. De nombreuses chansons de cet album étaient qualifiées de chansons de protestation, inspirées en partie par Guthrie et influencées par la passion de Pete Seeger pour les chansons d'actualité. "Oxford Town", par exemple, était un récit du calvaire de James Meredith en tant que premier étudiant noir à risquer de s'inscrire à l'Université du Mississippi. La première chanson de l'album Freewheelin, "Blowin' in the Wind", tirait en partie sa mélodie de la chanson traditionnelle des esclaves "No More Auction Block", tandis que ses paroles remettaient en question le statu quo social et politique. La chanson a été largement enregistrée par d'autres artistes et est devenue un succès pour Peter, Paul et Mary. Une autre chanson de Freewheelin, "A Hard Rain's a-Gonna Fall" était basée sur la ballade folk "Lord Randall". Avec des références voilées à une apocalypse imminente, la chanson a gagné en résonance lorsque la crise des missiles de Cuba s'est développée quelques semaines après que Dylan a commencé à l'interpréter. Dans une interview accordée à Studs Terkel en mai 1963, Dylan élargit le sens de la chanson, affirmant que « les boulettes de poison qui inondent les eaux » font référence aux « mensonges que l'on raconte aux gens à la radio et dans leurs journaux ». Cott (2006), p. 8. Comme "Blowin' in the Wind", "A Hard Rain's a-Gonna Fall" a marqué une nouvelle direction dans l'écriture de chansons, mêlant une attaque lyrique imagiste et une forme folklorique traditionnelle. Les chansons d'actualité de Dylan ont renforcé sa réputation initiale et il est devenu plus qu'un simple auteur-compositeur. Janet Maslin a écrit à propos de Freewheelin : « Ce sont les chansons qui ont fait de [Dylan] la voix de sa génération – quelqu'un qui comprenait implicitement à quel point les jeunes Américains étaient préoccupés par le désarmement nucléaire et le mouvement croissant pour les droits civiques : son mélange d'autorité morale et de non-conformité. était peut-être le plus opportun de ses attributs. Le titre de « porte-parole d'une génération » a été considéré par Dylan avec dégoût au cours des années suivantes. Il en est venu à penser que c'était une étiquette que les médias lui avaient collée, et dans son autobiographie, Chronicles, Dylan a écrit : « La presse ne s'est jamais arrêtée. De temps en temps, je devais me lever et me proposer pour une interview afin qu'ils Je n'aurais pas enfoncé la porte. Plus tard, un article est sorti dans les rues avec le titre "Le porte-parole nie qu'il soit un porte-parole". Dylan (2004), p.119 Freewheelin comprenait également des chansons d'amour et du blues parlant surréaliste. L'humour était une partie importante de la personnalité de Dylan et la gamme de contenus de l'album a impressionné les auditeurs, y compris les Beatles. George Harrison a déclaré à propos de l'album: "Nous venons de le jouer, nous l'avons simplement épuisé. Le contenu des paroles de la chanson et juste l'attitude - c'était incroyablement original et merveilleux." Le côté rugueux du chant de Dylan était déstabilisant pour certains mais attirant pour d'autres. Joyce Carol Oates a écrit : « Lorsque nous avons entendu pour la première fois cette voix brute, très jeune et apparemment inexpérimentée, franchement nasale, comme si du papier de verre pouvait chanter, l'effet a été dramatique et électrisant. De nombreuses premières chansons ont atteint le public grâce à des versions plus agréables au goût d'autres interprètes, comme Joan Baez, qui est devenue l'avocate et l'amante de Dylan. Baez a contribué à faire connaître Dylan en enregistrant plusieurs de ses premières chansons et en l'invitant sur scène lors de ses concerts. Parmi les autres succès avec les chansons de Dylan au début des années 1960 figuraient les Byrds, Sonny & Cher, les Hollies, Peter, Paul and Mary, l'Association, Manfred Mann et les Turtles. La plupart ont tenté une sensation et un rythme pop, tandis que Dylan et Baez les ont interprétés principalement comme des chansons folkloriques clairsemées. Les reprises sont devenues si omniprésentes que CBS en a fait la promotion avec le slogan « Personne ne chante Dylan comme Dylan ». "Mixed-Up Confusion", enregistré lors des sessions Freewheelin avec un groupe d'accompagnement, est sorti en single puis rapidement retiré. Contrairement aux performances acoustiques principalement solo de l'album, le single montre une volonté d'expérimenter un son rockabilly. Cameron Crowe l'a décrit comme "un regard fascinant sur un artiste folk dont l'esprit s'égare vers Elvis Presley et Sun Records". Protestation et autre côté En mai 1963, la notoriété politique de Dylan s'est accrue lorsqu'il a quitté le Ed Sullivan Show. Pendant les répétitions, le responsable des programmes de la télévision CBS avait dit à Dylan que "Talkin' John Birch Paranoid Blues" était potentiellement diffamatoire envers la John Birch Society. Plutôt que de se plier à la censure, Dylan a refusé de comparaître. À cette époque, Dylan et Baez jouaient un rôle important dans le mouvement des droits civiques, chantant ensemble lors de la marche sur Washington le 28 août 1963. Le troisième album de Dylan, The Times They Are a-Changin', reflétait un Dylan plus politisé et cynique. Les chansons prenaient souvent pour sujet des histoires contemporaines, avec "Only A Pawn In Their Game" traitant du meurtre du défenseur des droits civiques Medgar Evers ; et le brechtien « La mort solitaire de Hattie Carroll », la mort de la barmaid noire de l'hôtel Hattie Carroll, aux mains du jeune mondain blanc William Zantzinger. Sur un thème plus général, « Ballad of Hollis Brown » et « North Country Blues » abordent le désespoir engendré par l'effondrement des communautés agricoles et minières. Ce matériel politique était accompagné de deux chansons d'amour personnelles, "Boots of Spanish Leather" et "One Too Many Mornings". À la fin de l’année 1963, Dylan se sentait à la fois manipulé et contraint par les mouvements populaires et protestataires. En acceptant le « Prix Tom Paine » du Comité national d'urgence pour les libertés civiles peu après l'assassinat de John F. Kennedy, Dylan, en état d'ébriété, a remis en question le rôle du comité, a qualifié les membres de vieux et de chauves, et a affirmé voir quelque chose de lui-même et de chaque homme de l'assassin de Kennedy, Lee Harvey Oswald. Another Side of Bob Dylan, enregistré en une seule soirée en juin 1964, était d'humeur plus légère. L'humoriste Dylan est réapparu dans "I Shall Be Free No. 10" et "Motorpsycho Nightmare". "Spanish Harlem Incident" et "To Ramona" sont des chansons d'amour passionnées, tandis que "Black Crow Blues" et "I Don't Believe You (She Acts Like We Never Have Met)" suggèrent le rock and roll qui dominera bientôt la musique de Dylan. "It Ain't Me Babe", en apparence une chanson sur l'amour rejeté, a été décrit comme un rejet du rôle de porte-parole politique qui lui est imposé. Sa nouvelle direction a été signalée par deux longues chansons : l'impressionniste « Chimes of Freedom », qui oppose un commentaire social à un paysage métaphorique dans un style caractérisé par Allen Ginsberg comme « des chaînes d'images clignotantes », et « My Back Pages », qui attaque le sérieux simpliste et archaïque de ses propres chansons d'actualité antérieures et semble prédire la réaction négative qu'il était sur le point de rencontrer de la part de ses anciens champions alors qu'il prenait une nouvelle direction. Dans la seconde moitié des années 1964 et 1965, Dylan est passé du statut d'auteur-compositeur folk à celui de star de la musique pop folk-rock. Ses jeans et chemises de travail ont été remplacés par une garde-robe Carnaby Street, des lunettes de soleil de jour comme de nuit et des « bottes Beatle » pointues. Un journaliste londonien a écrit : « Des cheveux qui feraient irriter les dents d'un peigne. Une chemise bruyante qui atténuerait les néons de Leicester Square. Il ressemble à un cacatoès sous-alimenté. Dylan a commencé à s'entraîner avec les intervieweurs. Apparaissant dans l'émission télévisée Les Crane et interrogé sur un film qu'il prévoyait, il a dit à Crane que ce serait un film d'horreur de cow-boy. Lorsqu'on lui a demandé s'il jouait le cow-boy, Dylan a répondu : "Non, je joue ma mère." Passer à l'électrique L'album de Dylan fin mars 1965, Bringing It All Back Home, fut un autre pas en avant, avec ses premiers enregistrements avec des instruments électriques. Le premier single, "Subterranean Homesick Blues", doit beaucoup à "Too Much Monkey Business" de Chuck Berry ; ses paroles d'association libre sont décrites comme rappelant l'énergie de la poésie beat et comme un précurseur du rap et du hip-hop. La chanson était accompagnée d'une première vidéo, qui ouvrait la présentation cinéma vérité de D. A. Pennebaker de la tournée de Dylan en Grande-Bretagne en 1965, Dont Look Back. Au lieu de mimer, Dylan a illustré les paroles en jetant au sol des cartes aide-mémoire contenant les mots clés de la chanson. Pennebaker a déclaré que la séquence était l'idée de Dylan et qu'elle avait été imitée dans des vidéoclips et des publicités. La deuxième face de Bringing It All Back Home contenait quatre longues chansons sur lesquelles Dylan s'accompagnait à la guitare acoustique et à l'harmonica. Sounes, pp. 168-169. "Mr. Tambourine Man" est devenu l'une de ses chansons les plus connues lorsque The Byrds ont enregistré une version électrique qui a atteint le numéro un aux États-Unis et au Royaume-Uni. "It's All Over Now, Baby Blue" et "It's Alright Ma (I'm Only Bleeding)" étaient deux des compositions les plus importantes de Dylan. En 1965, à la tête du Newport Folk Festival, Dylan a joué son premier set électrique depuis le lycée avec un groupe de pick-up principalement du Paul Butterfield Blues Band, comprenant Mike Bloomfield (guitare), Sam Lay (batterie) et Jerome Arnold (basse), plus Al Kooper (orgue) et Barry Goldberg (piano). Dylan était apparu à Newport en 1963 et 1964, mais en 1965, il fut acclamé et hué et quitta la scène après trois chansons. Selon une version, les huées provenaient de fans de folk que Dylan s'était aliénés en apparaissant, de manière inattendue, avec une guitare électrique. Murray Lerner, qui a filmé la performance, a déclaré : "Je pense absolument qu'ils huaient Dylan en passant à l'électrique." Un récit alternatif affirme que les membres du public ont été contrariés par un son médiocre et un set court. Ce récit est soutenu par Kooper et l'un des directeurs du festival, qui rapporte que son enregistrement prouve que les seules huées étaient en réaction à l'annonce du MC selon laquelle il n'y avait que suffisamment de temps pour un court set. Néanmoins, la performance de Dylan a provoqué une réaction hostile de la part de l'establishment de la musique folk. Dans le numéro de septembre de Sing Out !, Ewan MacColl a écrit : « Nos chansons et ballades traditionnelles sont les créations d'artistes extraordinairement talentueux travaillant dans des disciplines formulées au fil du temps... « Mais qu'en est-il de Bobby Dylan ? crient les adolescents indignés ... Seul un public totalement non critique, nourri à la bouillie aqueuse de la musique pop, aurait pu se laisser prendre à des bêtises aussi médiocres. Le 29 juillet, quatre jours après Newport, Dylan était de retour en studio à New York pour enregistrer "Positively 4th Street". Les paroles contenaient des images de vengeance et de paranoïa, et elles ont été interprétées comme une réprimande de Dylan envers d'anciens amis de la communauté folk – des amis qu'il avait connus dans les clubs de West 4th Street. Autoroute 61 revisitée et blonde sur blonde En juillet 1965, le single "Like a Rolling Stone" atteint la deuxième place aux États-Unis et la quatrième dans les charts britanniques. En plus de six minutes, la chanson a modifié ce qu'un single pop pouvait véhiculer. Bruce Springsteen, dans son discours pour l'inauguration de Dylan au Rock and Roll Hall of Fame, a déclaré qu'à la première écoute du single, "ce coup de caisse claire sonnait comme si quelqu'un avait ouvert la porte de votre esprit". En 2004 et en 2011, Rolling Stone l'a classée numéro un des « 500 plus grandes chansons de tous les temps ». La chanson a ouvert le prochain album de Dylan, Highway 61 Revisited, du nom de la route qui menait du Minnesota de Dylan au foyer musical de la Nouvelle-Orléans. Les chansons étaient dans la même veine que le single à succès, parfumées par la guitare blues de Mike Bloomfield et les riffs d'orgue d'Al Kooper. "Desolation Row", soutenu par une guitare acoustique et une basse discrète, constitue la seule exception, Dylan faisant allusion à des figures de la culture occidentale dans une chanson décrite par Andy Gill comme "une épopée d'entropie de 11 minutes, qui prend la forme d'un Fellini". -un défilé de grotesques et de bizarreries mettant en vedette un grand nombre de personnages célèbres, certains historiques (Einstein, Néron), certains bibliques (Noé, Caïn et Abel), certains fictifs (Ophélie, Roméo, Cendrillon), certains littéraires (T.S. Eliot et Ezra). Pound), et d'autres qui n'entrent dans aucune des catégories ci-dessus, notamment le Dr Filth et son infirmière douteuse. Pour soutenir l'album, Dylan a été réservé pour deux concerts aux États-Unis avec Al Kooper et Harvey Brooks de son équipe de studio et Robbie Robertson et Levon Helm, anciens membres du groupe d'accompagnement de Ronnie Hawkins, les Hawks. Le 28 août au Forest Hills Tennis Stadium, le groupe a été chahuté par un public toujours agacé par le son électrique de Dylan. L'accueil du groupe le 3 septembre au Hollywood Bowl fut plus favorable. À partir du 24 septembre 1965, à Austin, au Texas, Dylan part en tournée aux États-Unis et au Canada pendant six mois, soutenu par les cinq musiciens des Hawks qui sont devenus connus sous le nom de The Band. Alors que Dylan et les Hawks rencontraient un public de plus en plus réceptif, leurs efforts en studio échouèrent. Le producteur Bob Johnston a persuadé Dylan d'enregistrer à Nashville en février 1966 et l'a entouré d'hommes de session de premier ordre. Sur l'insistance de Dylan, Robertson et Kooper sont venus de New York pour jouer lors des sessions. Les sessions de Nashville ont produit le double album Blonde on Blonde (1966), mettant en vedette ce que Dylan appelait « ce mince son de mercure sauvage ». Kooper l'a décrit comme « prenant deux cultures et les brisant ensemble avec une énorme explosion » : le monde musical de Nashville et le monde du « hipster new-yorkais par excellence » Bob Dylan. Le 22 novembre 1965, Dylan épousa secrètement l'ancienne mannequin de 25 ans Sara Lownds.Sounes, p. 193. Certains amis de Dylan, dont Ramblin' Jack Elliott, affirment qu'immédiatement après l'événement, Dylan a nié être marié. La journaliste Nora Ephron a rendu la nouvelle publique dans le New York Post en février 1966 avec le titre « Chut ! Bob Dylan est marié ». Dylan fit une tournée en Australie et en Europe en avril et mai 1966. Chaque spectacle était divisé en deux. Dylan s'est produit en solo pendant la première mi-temps, s'accompagnant à la guitare acoustique et à l'harmonica. Dans le second, soutenu par les Hawks, il a joué de la musique amplifiée électriquement. Ce contraste a provoqué de nombreux fans, qui se sont moqués et ont applaudi lentement. La tournée a culminé avec une confrontation bruyante entre Dylan et son public au Manchester Free Trade Hall en Angleterre le 17 mai 1966. Un enregistrement de ce concert est sorti en 1998 : The Bootleg Series Vol. 4 : Bob Dylan Live 1966. Au point culminant de la soirée, un membre du public, irrité par le soutien électrique de Dylan, a crié : « Judas ! ce à quoi Dylan a répondu : "Je ne te crois pas ... Tu es un menteur !" Dylan s'est tourné vers son groupe et a dit : "Joue-le fort !" alors qu'ils se lançaient dans la dernière chanson de la soirée : "Like a Rolling Stone". Au cours de sa tournée de 1966, Dylan a été décrit comme épuisé et agissant « comme s'il était en voyage vers la mort ». D. A. Pennebaker, le cinéaste accompagnant la tournée, a décrit Dylan comme « prenant beaucoup d'amphétamines et qui sait quoi d'autre ». Dans une interview accordée à Jann Wenner en 1969, Dylan a déclaré : "J'ai été sur la route pendant près de cinq ans. Cela m'a épuisé. Je me droguais, beaucoup de choses... juste pour continuer, vous savez ?" En 2011, BBC Radio 4 a rapporté que, dans une interview enregistrée par Robert Shelton en 1966, Dylan avait déclaré qu'il s'était débarrassé de l'héroïne à New York : « J'ai été très, très tendu pendant un moment... J'avais environ 25 $. une habitude d'une journée et je l'ai abandonnée. Certains journalistes ont mis en doute la validité de ces aveux, soulignant que Dylan avait "raconté aux journalistes des mensonges insensés sur son passé depuis les premiers jours de sa carrière". Accident de moto et réclusion Après sa tournée, Dylan retourne à New York, mais les pressions augmentent. ABC Television avait payé une avance pour une émission télévisée. Son éditeur, Macmillan, exigeait un manuscrit du poème/roman Tarantula. Le manager Albert Grossman avait programmé une tournée de concerts pour la fin de l'année. Le 29 juillet 1966, Dylan a écrasé sa moto Triumph Tiger 100 de 500 cm3 près de son domicile à Woodstock, New York et a été projeté au sol. Bien que l'étendue de ses blessures n'ait jamais été révélée, Dylan a déclaré qu'il s'était fracturé plusieurs vertèbres au cou.Sounes, pp. 217-219. Le mystère entoure toujours les circonstances de l'accident puisqu'aucune ambulance n'a été appelée sur les lieux et Dylan n'a pas été hospitalisé. Les biographes de Dylan ont écrit que l'accident avait offert à Dylan la possibilité d'échapper aux pressions qui l'entouraient. Dylan a confirmé cette interprétation dans son autobiographie : "J'avais eu un accident de moto et j'avais été blessé, mais j'ai récupéré. La vérité était que je voulais sortir de la course effrénée." Dylan s'est retiré du public et, à part quelques apparitions, n'a plus tourné pendant près de huit ans. Une fois que Dylan fut suffisamment rétabli pour reprendre son travail créatif, il commença à monter le film de D. A. Pennebaker sur sa tournée de 1966. Un premier montage a été montré à ABC Television et rejeté comme incompréhensible pour le grand public. Le film a ensuite été intitulé Eat the Document sur des copies pirates, et il a été projeté dans une poignée de festivals de cinéma. En 1967, il commence à enregistrer avec les Hawks chez lui et dans le sous-sol de la maison voisine des Hawks, "Big Pink". Ces chansons, initialement des démos destinées à être enregistrées par d'autres artistes, ont fourni des succès pour Julie Driscoll et Brian Auger Trinity ("This Wheel's on Fire"), The Byrds ("You Ain't Goin' Nowhere", "Nothing Was Delivered"), et Manfred Mann ("Puissant Quinn"). Columbia a publié des sélections en 1975 sous le nom de The Basement Tapes. Au fil des années, d'autres chansons enregistrées par Dylan et son groupe en 1967 sont apparues sur des enregistrements bootleg, aboutissant à un coffret de cinq CD intitulé The Genuine Basement Tapes, contenant 107 chansons et prises alternatives. Au cours des mois suivants, les Hawks ont enregistré l'album Music from Big Pink en utilisant des chansons sur lesquelles ils ont travaillé dans leur sous-sol à Woodstock, et se sont rebaptisés The Band, commençant ainsi une longue carrière d'enregistrement et d'interprétation. En octobre et novembre 1967, Dylan retourna à Nashville. De retour en studio après 19 mois, il était accompagné de Charlie McCoy à la basse, Kenny Buttrey à la batterie et Pete Drake à la steel guitar. Le résultat fut John Wesley Harding, un disque contemplatif de chansons plus courtes, situé dans un paysage inspiré de l’Ouest américain et de la Bible. La structure et l'instrumentation clairsemées, avec des paroles qui prenaient au sérieux la tradition judéo-chrétienne, s'éloignaient du propre travail de Dylan et de la ferveur psychédélique des années 1960. Il comprenait « All Along the Watchtower », avec des paroles dérivées du Livre d'Isaïe (21 : 5-9). La chanson a ensuite été enregistrée par Jimi Hendrix, dont Dylan a reconnu la version comme définitive. Biographie, 1985, notes de doublure et texte de Cameron Crowe. Woody Guthrie est décédé le 3 octobre 1967 et Dylan a fait sa première apparition live en vingt mois lors d'un concert commémoratif de Guthrie tenu au Carnegie Hall le 20 janvier 1968, où il était soutenu par le groupe. La sortie suivante de Dylan, Nashville Skyline (1969), était un country grand public mettant en vedette des musiciens de Nashville, un Dylan à la voix douce, un duo avec Johnny Cash et le single à succès "Lay Lady Lay". Variety a écrit : "Dylan fait définitivement quelque chose que l'on peut appeler chanter. D'une manière ou d'une autre, il a réussi à ajouter une octave à sa tessiture." Dylan et Cash ont également enregistré une série de duos, mais seul leur enregistrement de "Girl from the North Country" de Dylan a été utilisé sur l'album. En mai 1969, Dylan est apparu dans le premier épisode de l'émission télévisée de Johnny Cash, en duo avec Cash sur "Girl from the North Country", "I Threw It All Away" et "Living the Blues". Dylan s'est ensuite rendu en Angleterre pour être en tête d'affiche du festival de l'île de Wight le 31 août 1969, après avoir rejeté les propositions de se produire au festival de Woodstock, plus près de chez lui. années 1970 Au début des années 1970, les critiques affirmaient que la production de Dylan était variée et imprévisible. L'écrivain de Rolling Stone, Greil Marcus, a demandé "C'est quoi cette merde ?" à la première écoute de Self Portrait, sorti en juin 1970. Self Portrait, un double LP comprenant quelques chansons originales, fut mal accueilli. En octobre 1970, Dylan sort New Morning, considéré comme un retour en forme. Cet album comprenait "Day of the Locusts", une chanson dans laquelle Dylan racontait avoir reçu un diplôme honorifique de l'Université de Princeton le 9 juin 1970. En novembre 1968, Dylan avait co-écrit "I'd Have You Anytime" avec George Harrison; Harrison a enregistré "I'd Have You Anytime" et "If Not for You" de Dylan pour son triple album solo de 1970, All Things Must Pass. L'apparition surprise de Dylan au concert d'Harrison pour le Bangladesh en 1971 a attiré une couverture médiatique, reflétant que les apparitions live de Dylan étaient devenues rares. Entre le 16 et le 19 mars 1971, Dylan réserve trois jours à Blue Rock, un petit studio de Greenwich Village, pour enregistrer avec Leon Russell. Ces sessions ont abouti à "Watching the River Flow" et à un nouvel enregistrement de "When I Paint My Masterpiece". Le 4 novembre 1971, Dylan enregistre "George Jackson", qu'il sort une semaine plus tard. Pour beaucoup, le single était un retour surprenant au matériel de protestation, pleurant le meurtre de Black Panther George Jackson dans la prison d'État de San Quentin cette année-là. Dylan a contribué au piano et à l'harmonie à l'album de Steve Goodman, Somebody Else's Troubles, sous le pseudonyme de Robert Milkwood Thomas en septembre 1972. En 1972, Dylan a signé pour le film Pat Garrett et Billy the Kid de Sam Peckinpah, fournissant des chansons et de la musique d'accompagnement pour le film et jouant "Alias", un membre du gang de Billy avec une base historique. Malgré l'échec du film au box-office, la chanson "Knockin' on Heaven's Door" est devenue l'une des chansons les plus reprises de Dylan. Reprise des tournées Dylan a commencé l'année 1973 en signant avec un nouveau label, Asylum Records de David Geffen, à l'expiration de son contrat avec Columbia Records. Sur son prochain album, Planet Waves, il a utilisé le groupe comme groupe d'accompagnement, tout en répétant pour une tournée. L'album comprenait deux versions de "Forever Young", qui devint l'une de ses chansons les plus populaires. Sounes, pp. 273-274. Comme l'a décrit un critique, la chanson projetait « quelque chose de cantique et de sincère qui parlait du père de Dylan », et Dylan lui-même a commenté : « Je l'ai écrit en pensant à un de mes garçons et en ne voulant pas être trop sentimental. » Columbia Records a publié simultanément Dylan, une collection de prises de studio (presque exclusivement des reprises), largement interprétées comme une réponse grossière à la signature de Dylan avec un label rival. En janvier 1974, Dylan reprend les tournées après sept ans ; soutenu par le groupe, il entreprend une tournée nord-américaine de 40 concerts. Un double album live, Before the Flood, était sur Asylum Records. Bientôt, selon Clive Davis, Columbia Records a fait savoir qu'ils « n'épargneraient rien pour ramener Dylan dans le giron ». Shelton, p. 378. Dylan avait des doutes sur Asylum, vexé que alors qu'il y avait eu des millions de demandes de billets non satisfaites pour la tournée de 1974, Geffen n'avait vendu que 700 000 exemplaires de Planet Waves. Dylan est revenu

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Quelle série de science-fiction des années 90 avec James Belushi était basée sur la bande dessinée du même nom de Bruce Wagner ?

Wild Palms

James Adam « Jim » Belushi (né le 15 juin 1954) est un acteur, comédien et musicien américain. Il est le frère cadet de l'acteur comique John Belushi et le père de l'acteur Robert Belushi, surtout connu pour avoir joué le rôle de James "Jim" Orenthal dans la sitcom de longue date Selon Jim (2001-2009). Belushi a également été une figure éminente du cinéma, jouant dans des films tels que Thief (1981), Little Shop of Horrors (1986), Trading Places (1983), Salvador (1986), Red Heat (1988), Who's Harry Crumb ? (1989), M. Destiny (1990), [Last Action Hero] (1993), Jingle All the Way (1996), Wag the Dog (1997), Return to Me (2000), Joe Somebody (2001), Trompé ! (2005), The Ghost Writer (2010), Home Sweet Hell (2014) et The Whole Truth (2016). Début de la vie Belushi est né à Chicago. à Adam Anastos Belushi un Albanais de la ville de Korçë et Agnes Demetri Samaras Belushi. Il a grandi à Wheaton, une banlieue de Chicago, avec ses trois frères et sœurs : son frère aîné John, sa sœur Marian et un frère cadet, Billy. Après avoir obtenu son diplôme de la Wheaton Central High School, Jim Belushi a fréquenté le College of DuPage et a obtenu un diplôme en arts de la parole et du théâtre de la Southern Illinois University Carbondale. Carrière De 1977 à 1980, Belushi, comme son frère aîné John Belushi, a travaillé avec la troupe de théâtre de Chicago The Second City. Au cours de cette période, Belushi a fait ses débuts à la télévision dans Who's Watching the Kids en 1978 et a également joué un petit rôle dans The Fury de Brian De Palma. Son premier rôle important fut dans Thief de Michael Mann (1981). Après la mort de son frère aîné John, de 1983 à 1985, il est apparu dans Saturday Night Live ; il a incarné des personnages tels que Hank Rippy de "Hello, Trudy!" et "Ce type blanc". Belushi est également apparu dans le film Trading Places en tant qu'homme ivre en costume de gorille lors d'une fête du Nouvel An. Il a fait une apparition dans l'épisode de la troisième saison du Faerie Tale Theatre, Pinocchio, avec Paul Reubens dans le rôle de la marionnette titulaire. Belushi a acquis une plus grande notoriété avec ses rôles de soutien dans L'Homme à la chaussure rouge (1985), About Last Night..., Salvador et Little Shop of Horrors (comme Patrick Martin) (tous 1986), qui ont ouvert des opportunités pour des rôles principaux. . Il a joué dans des films tels que Real Men, The Principal, Red Heat, Homer and Eddie, K-9, Dimenticare Palermo, Taking Care of Business, Mr. Destiny, Only the Lonely, Curly Sue, Once Upon A Crime, Wild Palms, Royce, Race the Sun, Jingle All The Way, Separate Lives, Retroactive, Gang Related, Angel's Dance et Joe Somebody (2001). Son travail vocal comprend The Mighty Ducks, The Pebble and the Penguin, Babes in Toyland, Gargoyles et Hey Arnold !, et le plus récent Hoodwinked, Scooby-Doo ! et le Roi Gobelin et The Wild. Il a également prêté ses talents vocaux pour 9 : The Last Resort (un jeu PC sorti en 1995), dans lequel il incarne "Salty", un personnage grossier mais serviable. En 1997, il a incarné le "Masked Mutant" dans le jeu vidéo PC Goosebumps, aux côtés d'Adam West dans le rôle de "The Galloping Gazelle". Le 4 janvier 2001, Belushi est apparu dans l'épisode ER " Piece of Mind ". L'épisode se concentrait à la fois sur l'opération cérébrale de vie ou de mort du Dr Mark Greene à New York et sur le personnage de Belushi, qui avait eu un accident de voiture avec son fils à Chicago. La performance de Belushi a contribué à sa réémergence aux yeux du public, et l'année suivante, il a été choisi pour le rôle titre dans Selon Jim d'ABC. Sa première voix off d'animation était comme un bouton sur la tête de Krum dans Aaahh !!! De vrais monstres sur Nickelodeon. Cette performance l'a amené à jouer le rôle continu de Simon le chasseur de monstres dans cette série, où il a improvisé une grande partie de son propre dialogue. En 2003, Belushi et Dan Aykroyd sortent l'album Have Love, Will Travel et participent à une tournée d'accompagnement. Il se produit également dans diverses salles du pays sous le nom de Zee Blues dans une version mise à jour de The Blues Brothers. Il a publié son premier livre, Real Men Don't Apologize, en mai 2006. Récemment, Belushi était le narrateur d'une publicité pour les joueurs de ligne offensive de la NFL. Belushi a également présenté les formations de départ de l'équipe de football de l'Université de l'Illinois lors de la retransmission sur ABC du Rose Bowl 2008. Belushi a commencé à s'intéresser à son ascendance albanaise. Lors de sa visite à Tirana le 11 novembre 2008, il a reçu l'Ordre d'Honneur de la Nation des mains du Président de l'Albanie, S.E. Bamir Topi. Le 9 octobre 2009, il a obtenu la nationalité albanaise. Il est apparu dans la vidéo de MC Hammer "Too Legit to Quit" en 1991 (dans la version intégrale étendue). Il a également organisé un rassemblement de célébration pour la série éliminatoire des Cubs de Chicago à Chicago avant les World Series 2008. Steve Dahl l'a surnommé « le Belushi vivant le plus drôle ». En 2010, Belushi a participé à un pilote pour CBS intitulé The Defenders, une série sur les avocats de la défense. La série d'une heure a été créée le 22 septembre 2010. Dans deux épisodes en 2011, Belushi a été jumelé à Dan Aykroyd, partenaire des Blues Brothers. Le 15 mai 2011, The Defenders a été annulé par CBS. En 2011, il incarne l'homme d'affaires corrompu Harry Brock dans Born Yesterday, qui a débuté à Broadway fin avril. Vie privée Belushi a été marié trois fois et a trois enfants. Il épousa Sandra Davenport le 17 mai 1980 et le couple eut un fils, Robert James (également acteur, né le 23 octobre 1980). Belushi a été marié à l'actrice Marjorie Bransfield de 1990 à 1992. Il est marié à Jennifer Sloan depuis le 2 mai 1998. Le couple a une fille, Jamison Bess (née le 28 juillet 1999), et un fils, Jared James (né en février 1999). 8, 2002). Belushi est étroitement lié à son héritage albanais et a reçu la citoyenneté albanaise honoraire des mains du président albanais, Bamir Topi. Belushi est un fervent fan des Blackhawks de Chicago, des Bears de Chicago, des Cubs de Chicago, des Bulls de Chicago et du Chicago Fire Soccer Club. En 2011, Belushi a annoncé qu'il souffrait de goutte et est devenu porte-parole de la campagne éducative de Savient Pharmaceuticals « Check Out Your Gout ». Il est également apparu sur la couverture et a été interviewé par le magazine Cigar Aficionado. Belushi a soutenu la campagne de réélection du président démocrate Barack Obama en 2012. Dans une interview accordée à Fox News, il a expliqué : « Quand vous parlez au président en privé, c'est un gars cool, qui sait ce qu'il fait. de Chicago aussi." Filmographie Personnages de Saturday Night Live *Hank Rippy (Bonjour Trudy !) *L'homme de la rue Jesse Donnelly *Ce type blanc, un homme caucasien stéréotypé qui sait rapper Usurpations d'identité de célébrités *Romarin Clooney *Joe Cocker *Joan Collins *Bob Guccione *Hulk Hogan *Pape Jean-Paul II *Bob Keeshan dans le rôle du capitaine Kangourou *Josef Mengele *Willie Nelson *Thomas Noguchi *Michael Reagan *Bébé Ruth *Arnold Schwarzenegger

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Si j'étais un homme riche, quel spectacle a été un grand succès ?

violon sur le toit

"Si j'étais un homme riche" est une chanson populaire de la comédie musicale Un violon sur le toit de 1964. C'était écrit par Sheldon Harnick et Jerry Bock. La chanson est interprétée par Tevye, le personnage principal de la comédie musicale, et reflète ses rêves de gloire. Le titre est inspiré d'un monologue de 1902 de Sholem Aleichem en yiddish, Ven ikh bin a Rothschild (Si j'étais un Rothschild), une référence à la richesse de la famille Rothschild, bien que le contenu soit tout à fait différent. Les paroles sont basées en partie sur des passages de la nouvelle de Sholem Aleichem de 1899 « The Bubble Bursts ». Les deux histoires sont apparues en anglais dans le recueil d'histoires de 1949, Tevye's Daughters. Analyse L'Oxford Companion to the American Musical a écrit que la chanson a "un chant semblable à celui d'un chantre" et qu'elle est "le plus révélateur des nombreux numéros de personnages". The Broadway Musical: A Critical and Musical Survey a expliqué que la chanson contenait le plus grand nombre de « lieux communs » juifs que tout autre nombre dans la partition ; il a ajouté que la chanson a un double effet : elle "offre une si forte dose d'idiome au début de la série [qui] est bonne pour l'unité globale", et la "fonction dramatique importante" d'introduire le personnage central de Tevye à travers la chanson. L'Histoire des cultures littéraires de l'Europe centrale et orientale soutient que la chanson est basée sur un poème intitulé "Si j'étais Rothchild", en référence à un célèbre et riche entrepreneur juif. Mener votre famille à l'eau note que, compte tenu d'une existence riche, Tevye dit de manière intéressante qu'il utiliserait le temps qu'il ne passe pas à travailler pour "en apprendre davantage sur sa foi". Le Grammar Devotional compare l'expression « si j'étais un homme riche » à celle du Lion lâche « si j'étais le roi de la forêt » dans Le Magicien d'Oz dans le contexte de l'imagination d'un scénario. La chanson est inspirée d'une chanson folklorique hassidique. Paroles et style La chanson est divisée en quatre couplets, avec un pont entre le troisième et le quatrième et un refrain chanté au début de la chanson, et après les deuxième et quatrième couplets. Musicalement, il est écrit dans un style klezmer juif. À travers les deux premiers versets, Tevye rêve du confort matériel que lui apporterait la richesse. Chanté de manière bruyante et comique, Tevye considère d'abord l'énorme maison qu'il achèterait et le luxe inutile dont il la remplirait, y compris un troisième escalier "ne menant nulle part, juste pour le spectacle", puis la volaille qu'il achèterait pour remplir sa cour. Tevye porte son attention sur le luxe dans lequel il couvrirait sa femme, Golde, dans le troisième couplet. Il parle de domestiques pour alléger sa charge de travail, de vêtements de luxe pour son plaisir et de montagnes de nourriture. La chanson est chantée dans le même style bruyant et comique. La musique et le chant s'intensifient pendant le pont, lorsque Tevye commence à déplorer sa place dans la communauté en tant que modeste laitier et considère l'estime et l'importance que la richesse lui apporterait. Dans le dernier verset, Tevye s'adoucit alors qu'il réfléchit davantage à sa dévotion à Dieu. Il exprime son regret que les longues heures de travail qu'il effectue l'empêchent de passer autant de temps à la synagogue qu'il le souhaiterait, et que la richesse lui permettrait de passer moins de temps à travailler et plus de temps à prier et à étudier la Torah, et enfin à demander à Dieu. si "cela gâcherait un vaste projet éternel" s'il était riche. Une phrase répétée tout au long de la chanson, « Toute la journée, je ferais du bidi-bidi-bum », est souvent interprétée à tort comme faisant référence au désir de Tevye de ne pas avoir à travailler. Cependant, dans une interview avec Terry Gross, Sheldon Harnick a déclaré qu'il avait essentiellement inventé des syllabes qui, selon lui, donneraient l'effet du chant hassidique. La première personne à jouer Tevye, Zero Mostel, a ensuite remplacé les syllabes écrites par Harnick par celles que Mostel pensait être plus authentiques. Les paroles sont les suivantes : "Cher Dieu, tu as fait beaucoup, beaucoup de pauvres. Bien sûr, je me rends compte qu'il n'y a pas de honte à être pauvre. Mais ce n'est pas non plus un grand honneur ! Alors, qu’est-ce qui aurait été si terrible si j’avais eu une petite fortune ? » Si j'étais un homme riche, Yubby dibby dibby dibby dibby dibby dibby dum. Toute la journée, je faisais des enchères. Si j'étais un homme riche. Je n'aurais pas à travailler dur. Ya ha deedle deedle, bubba bubba deedle deedle dum. Si j'étais un biddy biddy riche, Homme oisif-diddle-daidle-daidle. Je construirais une grande maison haute avec des pièces par douzaine, En plein milieu de la ville. Un beau toit de tôle avec de véritables planchers en bois en dessous. Il y aurait un long escalier qui monterait, Et un encore plus long qui descend, Et un de plus qui ne mène nulle part, juste pour le spectacle. Je remplirais mon jardin de poussins, de dindes, d'oies et de canards Pour que la ville puisse voir et entendre. (:Insérer)Criquant aussi bruyamment qu'ils le peuvent. (Fin de l'insertion) À chaque "piou" "swaqwk" "klaxon" "coin" fort Atterrirait comme une trompette sur l'oreille, Comme pour dire « Ici vit un homme riche ». Si j'étais un homme riche, Yubby dibby dibby dibby dibby dibby dibby dum. Toute la journée, je faisais des enchères. Si j'étais un homme riche. Je n'aurais pas à travailler dur. Yubby dibby dibby dibby dibby dibby dibby dum. Si j'étais un biddy biddy riche, Homme oisif-diddle-daidle-daidle. Je verrais ma femme, ma Golde, ressembler à la femme d'un homme riche Avec un vrai double menton. Superviser les repas pour le plus grand plaisir de son cœur. Je la vois prendre des airs et se pavaner comme un paon. Oy, quelle bonne humeur elle est. Crier après les domestiques, jour et nuit. Les hommes les plus importants de la ville viendraient me flatter ! Ils me demandaient de les conseiller, Comme un Salomon le Sage. "S'il vous plaît, Reb Tevye..." "Pardonnez-moi, Reb Tevye..." Poser des problèmes qui traverseraient les yeux d'un rabbin ! Et cela ne fera aucune différence si je réponds bien ou mal. Quand tu es riche, ils pensent que tu sais vraiment ! Si j'étais riche, j'aurais le temps qui me manque S'asseoir dans la synagogue et prier. Et peut-être vous asseoir près du mur est. Et je discutais des livres saints avec les érudits, sept heures par jour. Ce serait la chose la plus douce de toutes. Si j'étais un homme riche, Yubby dibby dibby dibby dibby dibby dibby dum. Toute la journée, je faisais des enchères. Si j'étais un homme riche. Je n'aurais pas à travailler dur. Homme oisif-diddle-daidle-daidle. Seigneur qui a fait le lion et l'agneau, Vous avez décrété que je devrais être ce que je suis. Cela gâcherait-il un vaste plan éternel ? Si j'étais un homme riche. Versions de couverture et traductions * Les paroles de la version hébraïque (publiée pour la première fois en 1965) sont tirées directement de l'histoire originale de Sholem Aleichem. Le titre et le refrain sont « לו הייתי רוטשילד » Lu hayiti Rotschild : « Si j'étais Rothschild ». * En 1966, Herb Alpert & the Tijuana Brass enregistrent une version instrumentale pour leur album What Now My Love. * En septembre 1967, la version de Bill et Boyd a atteint la 24e place du Top 40 national Go-Set en Australie. * En 1967, Chaim Topol a enregistré une version, présentée sous le nom de Topol et également créditée comme « De la production londonienne « Fiddler On The Roof » » (CBS 202651). * En 1967, Ronnie Hilton enregistra une version. * En 1967, Roger Whittaker en enregistre une version. * En 1967, Rolf Harris en enregistre une version. * En 1967, Herschel Bernardi figure dans les charts avec sa version (Billboard "Bubbling Under The Top 100", enquêtes Record World "Non-Rock"). * En 1968, Sergio Franchi a enregistré cette chanson dans sa version anglais/hébreu à couper le souffle dans un medly avec "To Life/Le Chaim" sur son album RCA Wine and Song. *En 1968, la chanson est reprise dans « Ah ! Si j'étais riche », d'Ivan Rebroff, et « Si j'avais des millions », sur des paroles de Charles Aznavour et chantées par Dalida. * En 1968, Lasse Mårtenson a repris la chanson en . * Big Boss et Winsome ont réalisé une nouvelle version française : "Ah! Si j'étais riche", différente de la version d'Ivan Rebroff. * En 1970, le groupe de rock roumain Mondial a sorti une reprise de la chanson sur un EP mettant en vedette le chanteur Gică Petrescu, avec "The Impossible Dream" (précédemment enregistré par Jack Jones en 1966) et deux autres reprises. Seuls le refrain et le premier couplet peuvent être entendus sur cet enregistrement, principalement en raison des limitations temporelles d'un seul disque. * En 1970, version turque des paroles d'Ah Bir Zengin Olsam écrites par "Y. Taşer" et interprétées par Tanju Okan. * Dans les années 1980, Frankie Vaughan a enregistré sa version pour son album Love Hits and High Kicks. * En 1999, Lady Saw a repris la chanson. * En 2001, le groupe punk australien Yidcore a enregistré la chanson pour son premier album éponyme. * Le groupe indépendant The Magnetic Fields a repris la chanson de l'album hommage à Fiddler on the Roof, Knitting on the Roof. * En 2013, le baryton français David Serero en enregistre une version française qu'il modernise sur un vidéoclip. Échantillonnage * En 1991, il a été échantillonné sur la chanson Daydreaming de Massive Attack, tirée de leur premier album Blue Lines. * En 1993, il a été interpolé pour la chanson "Rich Girl" de Louchie Lou & Michie One. Cette version sera plus tard refaite en 2004 par Gwen Stefani et Eve sous le même nom pour le premier album solo de Stefani, Love. Ange. Musique. Bébé.. Parodies * La chanson a été parodiée dans un épisode de The Man Show, qui mettait en vedette Jimmy Kimmel dans le rôle d'une petite personne, accompagné d'une chanson intitulée « If I Were a Midget ». * Allan Sherman a chanté une satire sur la chanson "Si j'étais un Tishman" sur la construction de structures dans les grandes villes, tirée de son album "Together". * Dans la comédie musicale parodique A Shoggoth on the Roof, basée sur les œuvres de H.P. Lovecraft, le personnage Obed Marsh chante une parodie de la chanson intitulée "If I was a Deep One". *Dans l'épisode d'Animaniacs "Pigeon sur le toit", qui est exactement une parodie du film, la chanson a été parodiée par Pesto Goodfeather, intitulée "Si j'étais le Godpigeon". *Dans le cadre d'une action-bénéfice pour la Journée mondiale du sida, les acteurs originaux d'Avenue Q et ceux d'une récente reprise à Broadway de Fiddler On The Roof ont présenté une performance de 10 minutes qui était essentiellement une parodie de Fiddler et Avenue Q intitulée "Avenue Jew" ; Shprintze tombe amoureux du juif américain de Princeton, mais Tevye interdit leur union parce qu'il est une marionnette, même lorsqu'il dit à Princeton qu'il l'aime bien. Princeton dit seulement "Je sais, je sais. Si j'étais un humain..." *Le numéro de janvier 1973 de Mad Magazine présentait une parodie de l'adaptation cinématographique alors récente de Fiddler intitulée Antenne sur le toit et représentait les personnages comme les riches descendants juifs des personnages originaux, vivant dans une banlieue américaine moderne. Le patriarche récite « Si j'étais un pauvre », décrivant en termes ironiques les problèmes de richesse. *Sesame Street usurpe la chanson comme "Si j'étais la lettre B". Apparitions dans d'autres médias * En 1983, Matthew Smith l'a utilisé comme musique de fond dans le jeu phare ZX Spectrum, Jet Set Willy. * Dans un épisode de la saison 4 de la sitcom Perfect Strangers des années 1980, Balki Bartokomous, dans son espoir de gagner, a chanté une partie de la chanson après avoir acheté un billet de loterie. * Un œuf de Pâques sur le DVD du film Spider-Man 2 de 2004 présente le docteur Octopus (Alfred Molina) chantant la chanson. Molina avait joué le rôle de Tevye à Broadway. * Dans l'épisode de Seinfeld The Limo, on peut entendre George Costanza siffler distraitement la chanson dans une limousine remplie de membres de l'Union aryenne. * La chanson a été entendue dans l'épisode "Hi-Def Jam" de King of Queens. * Une partie de la chanson est également entendue fredonnée par certains gardes dans le premier jeu de la série Tom Clancy's Splinter Cell. * John Safran chante la chanson à divers Palestiniens, notamment aux dirigeants du Hamas et de l'Organisation de libération de la Palestine, dans le troisième épisode de son émission Les relations raciales de John Safran. * Dans un épisode de la saison 3 de 'Til Death', un juif chante la chanson du personnage de Brad Garrett, Eddie Stark.

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Quel était le nom de famille de Truman Capote avant d'être adopté par son beau-père ?

Persons

Truman Garcia Capote (né Truman Streckfus Persons, 30 septembre 1924 – 27 juin 1984) était un romancier, scénariste, dramaturge et acteur américain, dont beaucoup de nouvelles, romans, pièces de théâtre et non-fiction sont des classiques littéraires reconnus, notamment la nouvelle Breakfast at Tiffany's (1958) et le véritable roman policier In Cold Blood (1966), qu'il a qualifié de « roman de non-fiction ». Au moins 20 films et séries télévisées ont été produits à partir des romans, des histoires et des pièces de théâtre de Capote. Capote a surmonté une enfance troublée par le divorce, une longue absence de sa mère et de multiples migrations. Il a découvert sa vocation d'écrivain à l'âge de 11 ans et pendant le reste de son enfance, il a perfectionné ses capacités d'écriture. Capote a commencé sa carrière professionnelle en écrivant des nouvelles. Le succès critique d'une histoire, "Miriam" (1945), a attiré l'attention de l'éditeur de Random House, Bennett Cerf, et a abouti à un contrat pour écrire le roman Other Voices, Other Rooms (1948). Capote a acquis la plus grande renommée avec In Cold Blood, un travail journalistique sur le meurtre d'une famille agricole du Kansas dans leur maison. Capote a passé quatre ans à écrire le livre avec l'aide de son ami de toujours Harper Lee, qui a écrit To Kill a Mockingbird (1960). Une étape importante dans la culture populaire, In Cold Blood fut l'apogée de la carrière littéraire de Capote ; ce devait être son dernier livre entièrement publié. Dans les années 1970, il a maintenu son statut de célébrité en apparaissant dans des talk-shows télévisés. Début de la vie Né à la Nouvelle-Orléans, en Louisiane, Capote était le fils de Lillie Mae Faulk, 17 ans, et du vendeur Archulus Persons. Ses parents ont divorcé quand il avait quatre ans et il a été envoyé à Monroeville, en Alabama, où, pendant les quatre à cinq années suivantes, il a été élevé par les proches de sa mère. Il a noué un lien rapide avec la parente éloignée de sa mère, Nanny Rumbley Faulk, que Truman appelait « Sook ». "Son visage est remarquable – un peu comme celui de Lincoln, escarpé comme ça et teinté par le soleil et le vent", c'est ainsi que Capote décrit Sook dans "A Christmas Memory" (1956). À Monroeville, il était voisin et ami de l'auteur Harper Lee, qui aurait basé le personnage de Dill sur Capote. Enfant solitaire, Capote a appris tout seul à lire et à écrire avant d'entrer en première année d'école. Capote était souvent vu à l'âge de cinq ans portant son dictionnaire et son bloc-notes, et commença à écrire de la fiction à l'âge de 11 ans. On lui donna le surnom de « Bulldog » à cet âge. Le samedi, il se rendait de Monroeville à la ville voisine de Mobile sur la côte du Golfe et soumettait à un moment donné une nouvelle, "Old Mrs. Busybody", à un concours d'écriture pour enfants parrainé par le Mobile Press Register. Capote a reçu une reconnaissance pour ses premiers travaux des Scholastic Art & Writing Awards en 1936. En 1933, il s'installe à New York pour vivre avec sa mère et son deuxième mari, Joseph Capote, un courtier en textile d'origine cubaine, qui l'adopte comme son beau-fils et le rebaptise Truman García Capote. Cependant, Joseph a été reconnu coupable de détournement de fonds et peu de temps après, lorsque ses revenus se sont effondrés, la famille a été contrainte de quitter Park Avenue. À propos de ses débuts, Capote raconte : « J'ai commencé à écrire très sérieusement vers l'âge de onze ans. Je dis sérieusement dans le sens où, comme les autres enfants, rentrent à la maison et pratiquent le violon ou le piano ou autre, je rentrais chez moi de l'école tous les jours, et j'écrivais pendant environ trois heures. J'en étais obsédé. » En 1935, il fréquente la Trinity School de New York. Il a ensuite fréquenté l'Académie militaire Saint-Joseph. En 1939, la famille Capote a déménagé à Greenwich, Connecticut, et Truman a fréquenté le Greenwich High School, où il a écrit à la fois pour le journal littéraire de l'école, The Green Witch, et pour le journal de l'école. À leur retour à New York en 1942, il fréquenta la Franklin School, une école privée de l'Upper West Side maintenant connue sous le nom de Dwight School, et obtint son diplôme en 1943. Ce fut la fin de ses études formelles. Alors qu'il fréquentait Franklin en 1943, Capote commença à travailler comme copiste dans le département artistique du New Yorker, poste qu'il occupa pendant deux ans avant d'être licencié pour avoir mis en colère le poète Robert Frost. Des années plus tard, il se souvient : « Ce n'était pas un travail très ambitieux, car tout ce que cela impliquait était de trier des dessins animés et de couper des journaux. Pourtant, j'ai eu de la chance de l'avoir, d'autant plus que j'étais déterminé à ne jamais mettre les pieds studieux dans une salle de classe universitaire. J'avais le sentiment que l'un ou l'autre était ou non un écrivain, et qu'aucune combinaison de professeurs ne pouvait influencer le résultat. Je pense toujours que j'avais raison, du moins dans mon propre cas. Il a quitté son emploi pour vivre chez des parents en Alabama et a commencé à écrire son premier roman, Summer Crossing. Amitié avec Harper Lee Capote a basé le personnage d'Idabel dans Other Voices, Other Rooms sur son voisin et meilleur ami de Monroeville, Harper Lee. Capote l'a reconnu un jour : "M. et Mme Lee, la mère et le père de Harper Lee, vivaient très près. Elle était ma meilleure amie. Avez-vous déjà lu son livre, To Kill a Mockingbird ? Je suis un personnage de ce livre, qui se déroule dans la même petite ville de l'Alabama où nous vivions. Son père était avocat, et elle et moi allions tout le temps aux procès lorsque nous étions enfants. Nous allions aux procès au lieu d'aller au cinéma. Après que le prix Pulitzer ait été attribué à Lee en 1961 et que Capote ait publié In Cold Blood en 1966, les deux auteurs se sont de plus en plus éloignés l'un de l'autre. Carrière d'écrivain Phase de l'histoire courte Capote a commencé à écrire des nouvelles vers l'âge de huit ans. En 2013, 14 histoires inédites écrites alors que Capote avait entre 11 et 19 ans ont été découvertes dans les archives de la bibliothèque publique de New York par l'éditeur suisse Peter Haag. Celles-ci ont été publiées par Random House en 2015 sous le titre « The Early Stories of Truman Capote ». Entre 1943 et 1946, Capote écrit un flux continu de courtes fictions, dont "Miriam", "My Side of the Matter" et "Shut a Final Door" (pour lequel il remporte le prix O. Henry en 1948, à l'âge du 24). Ses histoires ont été publiées dans des revues littéraires trimestrielles et dans des magazines populaires bien connus, notamment The Atlantic Monthly, Harper's Bazaar, Harper's Magazine, Mademoiselle, The New Yorker, Prairie Schooner et Story. En juin 1945, "Miriam" fut publié par Mademoiselle et remporta le prix de la meilleure première publication en 1946. Au printemps 1946, Capote fut accepté à Yaddo, la colonie d'artistes et d'écrivains de Saratoga Springs, New York. York. (Il a ensuite soutenu Patricia Highsmith comme candidate de Yaddo, et elle a écrit Strangers on a Train pendant qu'elle y était.) Lors d'une interview pour The Paris Review en 1957, Capote a dit ceci à propos de sa technique de nouvelle : Random House, l'éditeur de son roman Other Voices, Other Rooms (voir ci-dessous), a décidé de capitaliser sur le succès de ce roman avec la publication de A Tree of Night and Other Stories en 1949. En plus de "Miriam", cette collection comprend également "Shut a Final Door", publié pour la première fois dans The Atlantic Monthly (août 1947). Après A Tree of Night, Capote a publié un recueil de ses écrits de voyage, Local Color (1950), qui comprenait neuf essais initialement publiés dans des magazines entre 1946 et 1950. "A Christmas Memory", une histoire en grande partie autobiographique se déroulant dans les années 1930, a été publiée dans le magazine Mademoiselle en 1956. Elle a été publiée sous forme d'édition autonome à couverture rigide en 1966 et a depuis été publiée dans de nombreuses éditions et anthologies. Premier roman publié à titre posthume Dans les années 1940, Capote a écrit un roman se déroulant à New York sur la romance estivale d'un mondain et d'un gardien de parking. Capote a affirmé plus tard avoir détruit le manuscrit de ce roman ; mais vingt ans après sa mort, en 2004, il est apparu que le manuscrit avait été récupéré des poubelles en 1950 par un gardien de maison dans un appartement anciennement occupé par Capote. Le roman a été publié en 2006 par Random House sous le titre Summer Crossing. Les droits cinématographiques de Summer Crossing ont été achetés par l'actrice Scarlett Johansson et une version cinématographique est en préparation. Les écrivains chevronnés Tristine Skyler et T. Rafael Cimino ont été engagés pour rédiger le scénario. Le film marquera les débuts de Johansson en tant que réalisateur. Premier roman, Autres voix, Autres pièces Le succès critique de l'une de ses nouvelles, "Miriam" (1945), attire l'attention de l'éditeur Bennett Cerf, qui lui vaut un contrat avec Random House pour écrire un roman. Avec une avance de 1 500 $, Capote retourna à Monroeville et commença Other Voices, Other Rooms, continuant à travailler sur le manuscrit à la Nouvelle-Orléans, Saratoga Springs, New York et Caroline du Nord, pour finalement l'achever à Nantucket, Massachusetts. Il a été publié en 1948. Capote a décrit ce conte symbolique comme « une explosion poétique d'émotion hautement réprimée ». Le roman est une réfraction semi-autobiographique de l'enfance de Capote en Alabama. Des décennies plus tard, écrivant dans The Dogs Bark (1973), il commentait : Other Voices, Other Rooms était une tentative d'exorciser les démons, une tentative inconsciente, tout à fait intuitive, car je n'avais pas conscience, à l'exception de quelques incidents et descriptions, qu'elle était sérieusement autobiographique. En le relisant maintenant, je trouve qu’une telle auto-illusion est impardonnable. L'histoire se concentre sur Joel Knox, 13 ans, suite à la perte de sa mère. Joel est envoyé de la Nouvelle-Orléans pour vivre avec son père, qui l'a abandonné au moment de sa naissance. En arrivant à Skully's Landing, un vaste manoir en ruine dans la campagne de l'Alabama, Joel rencontre sa belle-mère maussade Amy, le travesti débauché Randolph et la rebelle Idabel, une fille qui devient son amie. Il voit également une "dame pédé" spectrale avec de "grosses boucles dribbleuses" qui l'observe depuis une fenêtre supérieure. Malgré les questions de Joel, l'endroit où se trouve son père reste un mystère. Lorsqu'il est enfin autorisé à voir son père, Joel est stupéfait de découvrir qu'il est tétraplégique, après avoir dévalé un escalier après avoir été abattu par inadvertance par Randolph. Joel s'enfuit avec Idabel mais attrape une pneumonie et retourne finalement au Landing, où il est soigné par Randolph. L'implication dans le dernier paragraphe est que la « dame pédé » qui fait signe depuis la fenêtre est Randolph dans son vieux costume de Mardi Gras. Gerald Clarke, dans Capote : A Biography (1988), décrit la conclusion : Finalement, lorsqu'il va rejoindre la dame pédé à la fenêtre, Joël accepte son destin, qui est d'être homosexuel, d'entendre toujours d'autres voix et de vivre dans d'autres pièces. Pourtant, l’acceptation n’est pas un abandon ; c'est une libération. "Je suis moi", crie-t-il. "Je m'appelle Joel, nous sommes les mêmes personnes." Ainsi, dans un sens, Truman s’était réjoui lorsqu’il avait fait la paix avec sa propre identité. Photographie d'Harold Halma Other Voices, Other Rooms figurait sur la liste des best-sellers du New York Times et y resta neuf semaines, se vendant à plus de 26 000 exemplaires. La promotion et la controverse entourant ce roman ont propulsé Capote vers la gloire. Une photographie d'Harold Halma de 1947 utilisée pour promouvoir le livre montrait un Capote allongé regardant fixement l'appareil photo. Gerald Clarke, dans Capote : A Biography (1988), a écrit : « La célèbre photographie : la photo de Harold Halma sur la jaquette de Other Voices, Other Rooms (1948) a suscité autant de commentaires et de controverses que la prose qu'elle contient. Truman a affirmé que l'appareil photo l'avait pris au dépourvu, mais en fait il s'était posé et était responsable à la fois de la photo et de la publicité. Une grande partie de l’attention portée à Capote s’est concentrée sur différentes interprétations de cette photographie, considérée par certains comme une pose suggestive. Selon Clarke, la photo a créé un « tollé » et a donné à Capote « non seulement la personnalité littéraire, mais aussi la personnalité publique qu'il avait toujours voulue ». La photo a fait une énorme impression sur Andy Warhol, 20 ans, qui en parlait souvent et écrivait des lettres de fans à Capote. Lorsque Warhol s'installe à New York en 1949, il fait de nombreuses tentatives pour rencontrer Capote, et la fascination de Warhol pour l'auteur conduit à la première exposition personnelle de Warhol à New York, Quinze dessins basés sur les écrits de Truman Capote à la galerie Hugo (16 juin). – 3 juillet 1952). Lorsque la photo a été réimprimée avec des critiques dans des magazines et des journaux, certains lecteurs ont été amusés, mais d'autres ont été indignés et offensés. Le Los Angeles Times a rapporté que Capote avait l'air « comme s'il envisageait rêveusement une sorte d'indignation contre la moralité conventionnelle ». Le romancier Merle Miller a déposé une plainte concernant la photo sur un forum d'édition, et la photo de "Truman Remote" a été satirisée dans le troisième numéro de Mad (faisant de Capote l'une des quatre premières célébrités à être usurpées dans Mad). L'humoriste Max Shulman a pris une pose identique pour la photo de la jaquette de sa collection, Max Shulman's Large Economy Size (1948). La revue scénique de Broadway New Faces (et la version cinématographique qui a suivi) présentait un sketch dans lequel Ronny Graham parodiait Capote, copiant délibérément sa pose sur la photo de Halma. Random House a présenté la photo de Halma dans ses publicités "This is Truman Capote", et de grandes agrandissements ont été affichés dans les vitrines des librairies. En marchant sur la Cinquième Avenue, Halma a entendu deux femmes d'âge moyen regarder une explosion de Capote dans la vitrine d'une librairie. Lorsqu'une femme dit : « Je vous le dis : il est juste jeune », l'autre femme répond : « Et je vous le dis, s'il n'est pas jeune, il est dangereux ! Capote se plaisait à raconter cette anecdote. Travail sur scène, sur écran et dans des magazines Au début des années 1950, Capote s'attaque à Broadway et au cinéma, adaptant sa nouvelle de 1951, The Grass Harp, en une pièce de théâtre de 1952 (plus tard une comédie musicale de 1971 et un film de 1995), suivie de la comédie musicale House of Flowers (1954), qui a engendré le chanson "Une abeille endormie". Capote a co-écrit avec John Huston le scénario du film de Huston Beat the Devil (1953). Voyageant à travers l'Union soviétique avec une production en tournée de Porgy et Bess, il a produit une série d'articles pour The New Yorker qui est devenu son premier livre de non-fiction, The Muses Are Heard (1956). Au cours de cette période, il a également écrit un essai autobiographique pour Holiday Magazine – l'un de ses favoris personnels – sur sa vie à Brooklyn Heights à la fin des années 1950, intitulé Brooklyn Heights : A Personal Memoir (1959). En novembre 2015, The Little Bookroom a publié une nouvelle édition de cet ouvrage, qui comprend les portraits inédits de Capote par David Attie ainsi que les photographies de rue d'Attie prises dans le cadre de l'essai intitulé "Brooklyn: A Personal Memoir, Avec Les Photographies Perdues de David Attie." Cette édition a reçu de nombreuses critiques en Amérique et à l'étranger et a également été finaliste pour un Indie Book Award 2016. Petit déjeuner chez Tiffany Breakfast at Tiffany's : A Short Novel and Three Stories (1958) a réuni la nouvelle principale et trois contes plus courts : "House of Flowers", "A Diamond Guitar" et "A Christmas Memory". L'héroïne de Breakfast at Tiffany's, Holly Golightly, est devenue l'une des créations les plus connues de Capote, et le style de prose du livre a incité Norman Mailer à qualifier Capote de « l'écrivain le plus parfait de ma génération ». La nouvelle elle-même était initialement censée être publiée dans le numéro de juillet 1958 de Harper's Bazaar, plusieurs mois avant sa publication sous forme de livre par Random House. Mais l'éditeur de Harper's, Hearst Corporation, a commencé à exiger des modifications au langage acidulé de Capote, ce qu'il a fait à contrecœur parce qu'il avait aimé les photos de David Attie et le travail de conception du directeur artistique de Harper, Alexey Brodovitch, qui devaient accompagner le texte. Mais malgré son obéissance, Hearst a ordonné à Harper de ne pas publier le roman de toute façon. Son langage et son sujet étaient toujours jugés « non adaptés », et on craignait que Tiffany's, un annonceur majeur, ne réagisse négativement. Capote, indigné, revendit la nouvelle à Esquire pour son numéro de novembre 1958 ; selon son propre récit, il a déclaré à Esquire qu'il ne serait intéressé à le faire que si la série originale de photos d'Attie était incluse, mais à sa grande déception, le magazine n'a publié qu'une seule image pleine page d'Attie (une autre a ensuite été utilisée comme couverture). d'au moins une édition de poche de la nouvelle). La nouvelle a été publiée par Random House peu de temps après. Pour Capote, Breakfast at Tiffany's fut un tournant, comme il l'expliqua à Roy Newquist (Counterpoint, 1964) : De sang-froid Le « nouveau livre », In Cold Blood : A True Account of a Multiple Murder and Its Consequences (1965), s'inspire d'un article de 300 mots paru à la page 39 du New York Times du 16 novembre 1959 (reproduit ci-dessous). ). L'histoire décrivait le meurtre inexpliqué de la famille Clutter dans la campagne de Holcomb, au Kansas. Fermier riche, 4 membres de la famille tués Un riche cultivateur de blé, sa femme et leurs deux jeunes enfants ont été retrouvés abattus aujourd'hui à leur domicile. Ils avaient été tués par des tirs de fusil de chasse à bout portant après avoir été ligotés et bâillonnés. Le père, Herbert W. Clutter, 48 ans, a été retrouvé dans le sous-sol avec son fils Kenyon, 15 ans. Son épouse Bonnie, 45 ans, et leur fille, Nancy, 16 ans, étaient dans leurs lits. Il n’y avait aucun signe de lutte et rien n’avait été volé. Les lignes téléphoniques avaient été coupées. "Il s'agit apparemment du cas d'un tueur psychopathe", a déclaré le shérif Earl Robinson. M. Clutter a été le fondateur de la Kansas Wheat Growers Association. En 1954, le président Eisenhower le nomme à la Farm Credit Administration, mais il n’a jamais vécu à Washington. Le conseil représente les douze districts de crédit agricole du pays. M. Clutter a servi de décembre 1953 à avril 1957. Il a refusé une reconduction de son mandat. Il était également membre local du Conseil de stabilisation des prix du ministère de l'Agriculture et était actif au sein de la Great Plains Wheat Growers Association. La ferme et le ranch Clutter couvrent près de 1 000 acres dans l’une des régions de blé les plus riches. M. Clutter, sa femme et sa fille étaient en pyjama. Le garçon portait un jean bleu et un T-shirt. Les corps ont été découverts par deux camarades de classe de Nancy, Susan Kidwell et Nancy Ewalt. Le shérif Robinson a déclaré que la dernière communication signalée avec M. Clutter a eu lieu hier soir vers 21h30, lorsque la victime a appelé Gerald Van Vleet, son partenaire commercial, qui habite à proximité. M. Van Vleet a déclaré que la conversation concernait la ferme et le ranch. Deux filles étaient absentes. Il s'agit de Beverly, étudiante à l'Université du Kansas, et de Mme Donald G. Jarchow de Mount Carroll, Illinois. Fasciné par cette brève nouvelle, Capote se rendit avec Harper Lee à Holcomb et visita les lieux du massacre. Au cours des années suivantes, il a fait la connaissance de toutes les personnes impliquées dans l'enquête et de la plupart des habitants de la petite ville et de la région. Plutôt que de prendre des notes pendant les entretiens, Capote a mémorisé les conversations et a immédiatement écrit des citations dès la fin d'un entretien. Il a affirmé que sa rétention de mémoire pour les conversations textuelles avait été testée à « plus de 90 % ». Lee a fait des incursions dans la communauté en se liant d'amitié avec les épouses de ceux que Capote voulait interviewer. Capote a rappelé ses années au Kansas lorsqu'il a pris la parole au Festival international du film de San Francisco en 1974 : In Cold Blood a été publié en 1966 par Random House après avoir été publié en série dans The New Yorker. Le « roman de non-fiction », comme l'appelait Capote, lui a valu une renommée littéraire et est devenu un best-seller international, mais Capote n'achèvera jamais un autre roman après celui-ci. Une querelle entre Capote et le critique d'art britannique Kenneth Tynan a éclaté dans les pages de The Observer après que la critique de Tynan sur In Cold Blood ait laissé entendre que Capote voulait une exécution pour que le livre ait une fin efficace. Tynan a écrit : Véracité de In Cold Blood et autres non-fiction In Cold Blood a apporté à Capote de nombreux éloges de la part de la communauté littéraire, mais certains ont remis en question certains événements rapportés dans le livre. Écrivant dans Esquire en 1966, Phillip K. Tompkins a noté des divergences factuelles après son voyage au Kansas et s'est entretenu avec certaines des mêmes personnes interrogées par Capote. Lors d'un entretien téléphonique avec Tompkins, Mme Meier a nié avoir entendu Perry pleurer et lui avoir tenu la main comme l'avait décrit Capote. Dans Cold Blood indique que Meier et Perry sont devenus proches, mais elle a dit à Tompkins qu'elle passait peu de temps avec Perry et ne parlait pas beaucoup avec lui. Tompkins a conclu : Capote a, en somme, réalisé une œuvre d'art. Il a extrêmement bien raconté, à sa manière, une histoire de grande terreur. Mais, malgré l’éclat de ses efforts d’auto-publicité, il a commis une erreur à la fois tactique et morale qui lui fera du mal à court terme. En insistant sur le fait que « chaque mot » de son livre est vrai, il s'est rendu vulnérable aux lecteurs prêts à examiner sérieusement une affirmation aussi radicale. L'écrivain de vrais crimes Jack Olsen a également commenté ces fabrications : Alvin Dewey Jr., le détective du Kansas Bureau of Investigation décrit dans In Cold Blood, a déclaré plus tard que la dernière scène, dans laquelle il visite les tombes des Clutters, était l'invention de Capote, tandis que d'autres résidents du Kansas interrogés par Capote ont affirmé qu'eux-mêmes ou leurs proches ont été mal interprétés ou mal cités. Dewey et sa femme Marie sont devenus amis de Capote pendant le temps que Capote a passé au Kansas à faire des recherches pour son livre. Dewey a donné à Capote accès aux dossiers et à d'autres éléments liés à l'enquête et aux membres de la famille Clutter, y compris le journal de Nancy Clutter. Lorsque la version cinématographique du livre a été réalisée en 1967, Capote a fait en sorte que Marie Dewey reçoive 10 000 $ de Columbia Pictures en tant que consultante rémunérée pour la réalisation du film. Une autre œuvre décrite par Capote comme « non-fiction » aurait par la suite été en grande partie fabriquée. Dans un article du Sunday Times de 1992, les journalistes Peter et Leni Gillman ont enquêté sur la source de "Handcarved Coffins", l'histoire du dernier ouvrage de Capote Music for Chameleons sous-titré "un récit non fictionnel d'un crime américain". Ils n'ont trouvé aucune série de meurtres américains dans la même ville qui incluait tous les détails décrits par Capote – l'envoi de cercueils miniatures, un meurtre par serpent à sonnette, une décapitation, etc. affaire sur laquelle l'enquêteur Al Dewey avait travaillé. Leur conclusion était que Capote avait inventé le reste de l'histoire, y compris ses rencontres avec le tueur présumé, Quinn. Célébrité Capote était ouvertement homosexuel. L'un de ses premiers amants sérieux fut Newton Arvin, professeur de littérature au Smith College, qui remporta le National Book Award pour sa biographie d'Herman Melville en 1951 et à qui Capote dédia Other Voices, Other Rooms. Cependant, Capote a passé la majeure partie de sa vie jusqu'à sa mort en partenariat avec Jack Dunphy, un collègue écrivain. Dans son livre "Dear Genius ..." A Memoir of My Life with Truman Capote, Dunphy tente à la fois d'expliquer le Capote qu'il a connu et aimé au sein de leur relation et le fait qu'il soit très motivé par le succès et, finalement, toxicomane et alcoolique. personne qui existait en dehors de leur relation. Il offre peut-être le regard le plus approfondi et le plus intime sur la vie de Capote, en dehors de ses propres œuvres. Bien que la relation entre Capote et Dunphy ait duré la majeure partie de la vie de Capote, il semble qu'ils aient tous deux vécu, parfois, des vies différentes. Leurs quartiers d'habitation parfois séparés permettaient une autonomie au sein de la relation et, comme l'admettait Dunphy, "[lui] épargnaient l'angoisse de regarder Capote boire et se droguer". Capote était bien connu pour sa voix distinctive et aiguë et ses manières vocales étranges, sa manière vestimentaire décalée et ses fabrications. Il prétendait souvent connaître intimement des personnes qu'il n'avait en fait jamais rencontrées, comme Greta Garbo. Il a affirmé avoir eu de nombreuses liaisons avec des hommes considérés comme hétérosexuels, dont, selon lui, Errol Flynn. Il a voyagé dans un éventail éclectique de cercles sociaux, côtoyant des auteurs, des critiques, des magnats des affaires, des philanthropes, des célébrités hollywoodiennes et théâtrales, des membres de la royauté et des membres de la haute société, tant aux États-Unis qu'à l'étranger. Une partie de sa personnalité publique était une rivalité de longue date avec l'écrivain Gore Vidal. Leur rivalité a incité Tennessee Williams à se plaindre : "On aurait pu penser qu'ils couraient au coude à coude pour un fabuleux prix d'or." Outre ses auteurs préférés (Willa Cather, Isak Dinesen et Marcel Proust), Capote avait de légers éloges à l'égard d'autres écrivains. Cependant, celui qui a reçu son soutien favorable était la journaliste Lacey Fosburgh, auteur de Closing Time: The True Story of the Goodbar Murder (1977). Il a également revendiqué son admiration pour La Philosophie d'Andy Warhol : de A à B et retour d'Andy Warhol. Bien que Capote ne semble jamais avoir vraiment embrassé le mouvement des droits des homosexuels, sa propre ouverture sur l'homosexualité et son encouragement à l'ouverture envers les autres font néanmoins de lui un acteur important dans le domaine des droits des homosexuels. Dans son article « Capote and the Trillings: Homophobia and Literary Culture at Midcentury », Jeff Solomon détaille une rencontre entre Capote et Lionel et Diana Trilling – deux intellectuels et critiques littéraires new-yorkais – au cours de laquelle Capote a remis en question les motivations de Lionel, qui avait récemment a publié un livre sur E.M. Forster mais avait ignoré l'homosexualité de l'auteur. Salomon affirme : Les années qui ont suivi de sang-froid Aujourd'hui plus recherché que jamais, Capote écrit occasionnellement de brefs articles pour des magazines et s'ancre également plus profondément dans le monde de la jet set. Gore Vidal a observé un jour : « Truman Capote a essayé, avec un certain succès, d'entrer dans un monde dont j'ai essayé, avec un certain succès, de sortir. » À la fin des années 1960, il se lie d'amitié avec Lee Radziwill, la sœur de Jacqueline Kennedy Onassis. Radziwill était une actrice en herbe et avait été critiquée pour sa performance dans une production de The Philadelphia Story à Chicago. Capote a été chargé d'écrire le téléplay pour une production télévisuelle de 1967 mettant en vedette Radziwill : une adaptation du film classique d'Otto Preminger Laura (1944). L'adaptation, et la performance de Radziwill en particulier, ont reçu des critiques indifférentes et de mauvaises notes ; c'était sans doute le premier revers professionnel majeur de Capote. Radziwill a supplanté Babe Paley plus âgée comme sa principale compagne en public pendant la majeure partie des années 1970. Le 28 novembre 1966, en l'honneur de Katharine Graham, éditrice du Washington Post, Capote a organisé un bal masqué désormais légendaire, appelé le Black and White Ball, dans la grande salle de bal du Plaza Hotel de New York. C'était considéré comme l'événement social non seulement de cette saison, mais de nombreuses autres à suivre. Le New York Times et d'autres publications lui ont accordé une couverture considérable, et Deborah Davis a écrit un livre entier sur l'événement, Party of the Century (2006), extrait de The Independent. Différents récits de la soirée ont été rassemblés par George Plimpton dans son livre Truman Capote. Capote a fait miroiter les précieuses invitations pendant des mois, snobant les premiers partisans comme son compatriote écrivain sudiste Carson McCullers alors qu'il déterminait qui était « dedans » et qui était « dehors ». Malgré l'affirmation plus tôt dans la vie selon laquelle on « perdait un point de QI pour chaque année passée sur la côte ouest », il a acheté une maison à Palm Springs et a commencé à se livrer à un style de vie plus sans but et à une consommation excessive d'alcool. Cela a entraîné d'âpres querelles avec Dunphy, avec qui il partageait une relation non exclusive depuis les années 1950. Leur partenariat a changé de forme et est resté non sexuel, et ils ont été séparés pendant une grande partie des années 1970. Capote n'a jamais terminé un autre roman après In Cold Blood. Le manque de nouvelles écritures et d'autres échecs, y compris un scénario rejeté pour l'adaptation de Paramount en 1974 de The Great Gatsby, ont été contrebalancés par la fréquentation par Capote du circuit des talk-shows. En 1972, Capote accompagne les Rolling Stones lors de leur tournée américaine de 1972 en tant que correspondant du magazine Rolling Stone. Il refuse finalement d'écrire l'article et le magazine récupère ses intérêts en publiant, en avril 1973, une interview de l'auteur réalisée par Andy Warhol. Un recueil d'essais et de reportages déjà publiés, The Dogs Bark: Public People and Private Places, est paru plus tard cette année-là. En juillet 1973, Capote rencontra John O'Shea, vice-président d'âge moyen de la Marine Midland Bank à Long Island, alors qu'il visitait un bain public. Ce père marié de trois enfants ne s'identifie pas comme homosexuel ou bisexuel, percevant ses visites comme une « sorte de masturbation ». Cependant, O'Shea trouvait la fortune de Capote séduisante et nourrissait des aspirations à devenir un écrivain professionnel. Après avoir consommé leur relation à Palm Springs, les deux hommes se sont engagés dans une guerre continue de jalousie et de manipulation pour le reste de la décennie. Des amis de longue date ont été consternés lorsque O'Shea, qui était officiellement employé comme manager de Capote, a tenté de prendre le contrôle total des intérêts littéraires et commerciaux de l'auteur. Prières exaucées Grâce à sa vie sociale dans la jet-set, Capote avait rassemblé des observations pour un roman révélateur, Answered Prayers (qui sera finalement publié sous le titre Answered Prayers: The Unfinished Novel). Le livre, en préparation depuis 1958, était destiné à être l'équivalent américain de À la recherche du temps perdu de Marcel Proust et un point culminant du format « roman de non-fiction ». Initialement prévu pour la publication en 1968, le roman a finalement été retardé, sur l'insistance de Capote, jusqu'en 1972. En raison de ce retard, il a été contraint de restituer l'argent reçu pour les droits du film à la 20th Century Fox. Capote a parlé du roman dans des interviews, mais a continué à reporter la date de livraison. Capote a autorisé Esquire à publier quatre chapitres du roman inachevé en 1975 et 1976. Le premier à paraître, "Mojave", a été présenté comme une nouvelle autonome et a été accueilli favorablement, mais le second, "La Côte Basque 1965", basé sur en partie sur la vie personnelle dysfonctionnelle des amis de Capote, William S. Paley et Babe Paley, a suscité la controverse. Bien que le numéro consacré à "La Côte Basque" soit épuisé immédiatement après sa publication, sa trahison de confiance très discutée a éloigné Capote de sa base établie d'amies riches et d'âge moyen, qui craignaient les détails intimes et souvent sordides de leur vie ostensiblement glamour. serait exposé au public. Deux autres chapitres, « Unspoiled Monsters » et « Kate McCloud », sont apparus par la suite ; destinés à former la longue section d'ouverture du roman, ils ont montré un changement marqué dans la voix narrative, ont introduit une structure d'intrigue plus élaborée et ont formé ensemble une mosaïque de romans de mémoires et de potins romancés. "Unspoiled Monsters", qui en soi était presque aussi long que Breakfast at Tiffany's, contenait une satire à peine voilée de Tennessee Williams, dont l'amitié avec Capote était déjà devenue tendue. "La Côte Basque 1965" "La Côte Basque 1965" a été publié sous forme de chapitre individuel dans le magazine Esquire en novembre 1975. Le début méchant de son roman encore inachevé, Answered Prayers, marque le catalyseur du suicide social de Truman Capote. De nombreuses amies de Capote, qu'il surnommait ses « cygnes », figuraient dans le texte, certaines sous des pseudonymes et d'autres sous leurs vrais noms. Le chapitre aurait révélé les sales secrets de ces femmes et aurait donc diffusé le « linge sale » de l’élite de New York. Les retombées de « La Côte Basque 1965 » ont vu Truman Capote ostracisé par la société new-yorkaise et par nombre de ses anciens amis. Le chapitre de Answered Prayers, "La Côte Basque", commence avec Jonesy, le personnage principal qui serait basé sur un mélange de Truman Capote lui-même et de la victime du tueur en série Herbert Clutter (sur lequel In Cold Blood était basé), rencontre un Lady Ina Coolbirth dans une rue de New York. Cette femme, décrite comme "une Américaine mariée à un magnat britannique de la chimie et beaucoup de femmes dans tous les sens", est largement répandue comme étant basée sur le mondain new-yorkais Slim Keith. Lady Ina Coolbirth invite Jonesy à déjeuner à La Côte Basque. S'ensuit une histoire de ragots sur l'élite new-yorkaise. Les personnages de Gloria Vanderbilt et Carol Matthau sont rencontrés en premier, les deux femmes bavardant sur la princesse Margaret, le prince Charles et le reste de la famille royale britannique. Un moment gênant se produit alors lorsque Gloria Vanderbilt a une altercation avec son premier mari et ne parvient pas à le reconnaître. Ce n'est qu'au rappel de Mme Matthau que Gloria réalise qui il est. Les deux femmes écartent l’incident et le mettent sur le compte de l’histoire ancienne. Les personnages de Lee Radziwill et Jacqueline Kennedy Onassis sont ensuite rencontrés lorsqu'ils entrent ensemble dans le restaurant. Mes sœurs, elles attirent l'attention de la salle bien qu'elles ne se parlent qu'entre elles. Lady Coolbirth se permet de décrire Lee comme « merveilleusement réalisé, comme une figurine de Tanagra » et Jacqueline comme « photogénique » mais « non raffinée, exagérée ». Le personnage d'Ann Hopkins est ensuite présenté lorsqu'elle entre subrepticement dans le restaurant et s'assoit avec un pasteur. Ann Hopkins est comparée à Ann Woodward. Ina Coolbirth raconte comment Mme Hopkins a fini par assassiner son mari lorsqu'il a menacé de divorcer.

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Quel film de Michelle Pfeiffer a bénéficié de la chanson Gangsta's Paradise de Coolio ?

Dangerous Minds

Michelle Marie Pfeiffer (née le 29 avril 1958) est une actrice américaine et chanteuse occasionnelle. Elle a commencé sa carrière d'actrice en 1978 et a eu son premier rôle principal au cinéma dans Grease 2 (1982), avant de retenir l'attention du grand public pour sa performance exceptionnelle dans Scarface (1983). Ses plus grands succès commerciaux incluent Batman Returns (1992), Dangerous Minds (1995), What Lies Beneath (2000) et Hairspray (2007). Pfeiffer a été nominée pour l'Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle et a remporté le BAFTA Award de la meilleure actrice dans un second rôle pour Dangerous Liaisons (1988), et a été nominée pour l'Oscar de la meilleure actrice et a remporté le Golden Globe Award de la meilleure actrice. Drame cinématographique pour The Fabulous Baker Boys (1989). Elle a reçu une troisième nomination aux Oscars pour Love Field (1992). Ses autres rôles notables au cinéma incluent Les Sorcières d'Eastwick (1987), Married to the Mob (1988), Frankie et Johnny (1991), The Age of Innocence (1993), Wolf (1994) et White Oleander (2002). Début de la vie Pfeiffer est né à Santa Ana, en Californie, le deuxième des quatre enfants de Richard Pfeiffer, créateur de la série de jeux vidéo à succès Fifa, et de Donna (née Taverna), femme au foyer. Elle a un frère aîné, Rick (né en 1955), et deux sœurs cadettes, Dedee Pfeiffer, actrice de télévision et de cinéma, et Lori Pfeiffer (née en 1965). Ses parents étaient tous deux originaires du Dakota du Nord. Son grand-père paternel était d'origine allemande et sa grand-mère paternelle était d'origine anglaise, galloise, française, irlandaise et néerlandaise, tandis que son grand-père maternel était d'origine suisse-allemande et sa grand-mère maternelle était d'origine suédoise. La famille a déménagé à Midway City, où Pfeiffer a passé son enfance. Elle a fréquenté le Fountain Valley High School et a obtenu son diplôme en 1976. Elle a travaillé comme caissière au supermarché Vons et a fréquenté le Golden West College où elle était membre de la sororité Alpha Delta Pi. Après une courte formation de sténographe judiciaire, elle décide de se lancer dans une carrière d'actrice. Elle a remporté le concours de beauté Miss Orange County en 1978 et a participé à Miss Californie la même année, terminant en sixième position. Suite à sa participation à ces concours, elle acquiert un agent d'acteur et commence à auditionner pour la télévision et le cinéma. Carrière Premières apparitions à la télévision et au cinéma Les premières apparitions d'acteur de Pfeiffer comprenaient des rôles à la télévision dans Fantasy Island, Delta House et BAD Cats, entre autres. Elle était l'une des nombreuses candidates à auditionner pour remplacer Kate Jackson dans la série télévisée Charlie's Angels en 1979, bien que le rôle soit allé à Shelley Hack. Elle a eu de petits rôles dans quelques films de théâtre, dont Falling in Love Again (1980) avec Susannah York, The Hollywood Knights (1980) aux côtés de Tony Danza et Charlie Chan et la malédiction de la reine dragon (1981), dont aucun n'a rencontré avec beaucoup de succès critique ou au box-office. Pfeiffer a déclaré plus tard à propos de ses premiers travaux au cinéma : "J'avais besoin d'apprendre à jouer... en attendant, je jouais aux bimbos et je profitais de mon apparence." Elle est apparue dans une publicité télévisée pour le feuilleton Lux et a pris des cours de théâtre au Beverly Hills Playhouse, avant d'apparaître dans trois autres téléfilms - Callie and Son (1981) avec Lindsay Wagner, The Children Nobody Wanted (1981) et un film télévisé de 1981. remake du film Splendor in the Grass. Elle décroche ensuite son premier grand rôle au cinéma en tant que Stephanie Zinone dans Grease 2 (1982), la suite de la comédie musicale à succès Grease (1978). Le film a été un échec critique et commercial, et la sortie unique par Pfeiffer de "Cool Rider" de la bande originale du film sur PolyGram n'a pas réussi à ébranler les palmarès musicaux. Néanmoins, Pfeiffer a reçu une attention positive pour sa performance, notamment de la part du New York Times, qui a déclaré que "bien qu'elle soit une nouvelle venue à l'écran, Miss Pfeiffer parvient à paraître beaucoup plus insouciante et à l'aise que quiconque dans le casting". Bien qu'elle ait échappé aux critiques, l'agent de Pfeiffer a admis plus tard que son association avec le film signifiait qu'"elle ne pouvait trouver aucun emploi. Personne ne voulait l'embaucher". Attention générale Le réalisateur Brian De Palma, après avoir vu Grease 2, a refusé d'auditionner Pfeiffer pour Scarface (1983), mais a cédé devant l'insistance de Martin Bregman, le producteur du film. Elle a été choisie pour incarner Elvira Hancock, épouse du trophée, cocaïnomane. Le film a été considéré comme excessivement violent par la plupart des critiques, mais est devenu un succès commercial et a gagné un grand culte au cours des années suivantes. Pfeiffer a reçu des critiques positives pour son tour de soutien ; Richard Corliss de Time Magazine a écrit : « La plupart des grands acteurs vont bien : Michelle Pfeiffer est meilleure… » tandis que Dominick Dunne, dans un article pour Vanity Fair intitulé « Blonde Ambition », a écrit : « [s]il est sur le au bord de la célébrité. Dans le langage de l'industrie, elle est sexy". Après Scarface, elle incarne Diana dans la comédie Into the Night (1985) de John Landis, face à Jeff Goldblum, Isabeau d'Anjou dans le film fantastique de Richard Donner Ladyhawke (1985), face à Rutger Hauer et Matthew Broderick, Faith Healy dans Sweet Liberty d'Alan Alda. (1986), face à Michael Caine, et Brenda Landers dans un segment de la parodie de science-fiction des années 1950 Amazon Women on the Moon (1987), qui, malgré un succès commercial modeste, ont contribué à l'établir en tant qu'actrice. Elle a finalement remporté un succès majeur au box-office dans le rôle de Sukie Ridgemont dans l'adaptation de 1987 du roman de John Updike Les Sorcières d'Eastwick, aux côtés de Jack Nicholson, Cher et Susan Sarandon. Le film a rapporté 63 766 510 $ au niveau national (l'équivalent d'un million de dollars). Fin des années 1980 Pfeiffer a été choisie contre type, en tant que veuve d'un gangster assassiné, dans la comédie mafieuse de Jonathan Demme Married to the Mob (1988), face à Matthew Modine, Dean Stockwell et Mercedes Ruehl. Pour le rôle d'Angela de Marco, elle a enfilé une perruque brune bouclée et un accent de Brooklyn, et a reçu sa première nomination aux Golden Globe Awards en tant que meilleure actrice dans une comédie musicale ou une comédie, marquant ainsi le début d'une séquence de six années consécutives de nominations consécutives pour la meilleure actrice. les Golden Globes. Pfeiffer est ensuite apparu dans le rôle de la restauratrice chic Jo Ann Vallenari dans Tequila Sunrise (1988) aux côtés de Mel Gibson et Kurt Russell, mais a connu des différences créatives et personnelles avec le réalisateur Robert Towne, qui l'a décrite plus tard comme l'actrice « la plus difficile » avec laquelle il ait jamais travaillé. Sur la recommandation personnelle de Demme, Pfeiffer rejoint le casting de Liaisons dangereuses (1988) de Stephen Frears aux côtés de Glenn Close et John Malkovich, dans le rôle de la vertueuse victime de la séduction, Madame Marie de Tourvel. Sa performance lui a valu un large succès; Hal Hinson du Washington Post considérait le rôle de Pfeiffer comme « le moins évident et le plus difficile. Rien n'est plus difficile à jouer que la vertu, et Pfeiffer est assez intelligente pour ne pas essayer. Au lieu de cela, elle l'incarne. Sa beauté à la peau de porcelaine, dans ce à cet égard, est un grand atout, et la façon dont il est utilisé le fait apparaître comme un aspect de sa spiritualité". Elle a remporté le BAFTA Award de la meilleure actrice dans un second rôle et a reçu une nomination pour l'Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle. Pfeiffer a ensuite accepté le rôle de Susie Diamond, une ancienne call-girl intransigeante devenue chanteuse de lounge, dans The Fabulous Baker Boys (1989), qui mettait en vedette Jeff Bridges et Beau Bridges dans le rôle des Baker Boys éponymes. Elle a suivi une formation vocale intensive pour le rôle pendant quatre mois et a interprété toutes les voix de son personnage. Le film a connu un succès modeste, rapportant 18 428 904 $ aux États-Unis (l'équivalent d'un million de dollars en dollars). Le portrait de Susie par Pfeiffer a cependant suscité les éloges des critiques. Janet Maslin, du New York Times, a écrit à propos de la performance "[...] elle s'avère avoir raison de manière électrisante. L'introduction de Susie furieusement dure et d'une beauté dévastatrice de Mme Pfeiffer dans le monde des boulangers affecte le film de la même manière qu'un match pourrait affecter un fusible », tandis que Roger Ebert la comparait à Rita Hayworth dans Gilda et Marilyn Monroe dans Some Like It Hot, et décrivait le film comme « l'un des films qu'ils utiliseront comme document, dans des années, quand ils commenceront à retrace les étapes par lesquelles Pfeiffer est devenu une grande star. Variety a souligné sa performance de "Makin' Whoopee", écrivant que Pfeiffer "fait mouche dans le point culminant du film dont on se souviendra certainement... rampant partout sur un piano dans une robe rouge flamboyante. Elle est de la dynamite." Au cours de la saison des récompenses 1989-1990, Pfeiffer a dominé la catégorie de la meilleure actrice à chaque cérémonie de remise de prix majeure, remportant des prix aux Golden Globes, au National Board of Review, à la National Society of Film Critics, au New York Film Critics Circle, au Los Angeles Prix ​​​​de la Film Critics Association pour la meilleure actrice et de la Chicago Film Critics Association. Aux Oscars, elle a été favorisée pour remporter l'Oscar de la meilleure actrice, mais le prix est allé à Jessica Tandy pour Driving Miss Daisy dans ce qui a été considéré comme une surprise. Le seul autre prix d'acteur majeur pour lequel elle a été nominée et qu'elle n'a pas remporté pour The Fabulous Baker Boys était le BAFTA Award de la meilleure actrice dans un rôle principal, qui a également été attribué à Tandy. années 1990 Dans les années 1990, Pfeiffer a accepté et refusé de nombreux rôles de premier plan, à commencer par le rôle-titre dans Pretty Woman (1990), qui a valu à Julia Roberts une nomination pour l'Oscar de la meilleure actrice. Elle a joué le rôle de l'éditrice soviétique Katya Orlova dans l'adaptation cinématographique de 1990 de The Russia House de John le Carré, face à Sean Connery, un rôle qui l'obligeait à adopter un accent russe. Pour ses efforts, elle a été récompensée par une nomination au Golden Globe de la meilleure performance féminine dans un film dramatique. Pfeiffer a ensuite décroché le rôle de la serveuse endommagée Frankie dans Frankie and Johnny (1991) de Garry Marshall, une adaptation cinématographique de la pièce de Broadway de Terrence McNally Frankie and Johnny in the Clair de Lune, qui l'a réunie avec sa co-star de Scarface, Al Pacino. Le casting a été considéré comme controversé par beaucoup, car Pfeiffer était considéré comme beaucoup trop beau pour jouer une serveuse « ordinaire » ; Kathy Bates, la première Frankie à Broadway, a également exprimé sa déception face au choix des producteurs. Pfeiffer elle-même a déclaré qu'elle avait accepté le rôle parce que "ce n'était pas ce que les gens attendaient d'elle". Pfeiffer a de nouveau été nominée pour le Golden Globe Award de la meilleure actrice dans un film dramatique pour sa performance. Durant cette période, elle refuse le rôle de Clarice Starling dans Le Silence des agneaux (1991), qui valut à Jodie Foster l'Oscar de la meilleure actrice, le rôle de Catherine Tramell dans Basic Instinct (1992), finalement interprété par Sharon Stone. , et le rôle de Louise dans Thelma & Louise de Ridley Scott, attribué à Susan Sarandon. En 1990, Michelle a créé sa propre société de production cinématographique appelée Via Rosa Productions, qui a duré dix ans. La société permettrait à Pfeiffer de produire et/ou de jouer dans des films adaptés aux femmes fortes. Elle a demandé à sa meilleure amie Kate Guinzburg d'être sa partenaire de production dans l'entreprise. Les deux se sont rencontrés sur le tournage du film Sweet Liberty (1986) et sont rapidement devenus amis. Kate était la coordinatrice de production du film et est devenue proche de Pfeiffer au cours du tournage. Via Rosa Productions était sous contrat d'image avec Touchstone Pictures, un label de cinéma des Walt Disney Studios. Le premier film produit par le duo était Love Field (1992). Pfeiffer a remporté une nomination aux Oscars pour l'actrice dans un rôle principal et une nomination aux Golden Globes pour la meilleure performance d'une actrice dans un film dramatique pour son interprétation de Lurene Hallett dans le drame indépendant nostalgique Love Field (1992). Ce film avait été temporairement mis de côté par Orion Pictures, en difficulté financière. Il est finalement sorti fin 1992, à temps pour être examiné aux Oscars. La revue du New York Times a écrit à propos de Pfeiffer comme « démontrant une fois de plus qu'elle est aussi subtile et surprenante que belle ». Pour son interprétation de la femme au foyer excentrique de Dallas, elle a remporté l'Ours d'argent de la meilleure actrice au Festival international du film de Berlin. Pfeiffer a joué le rôle de Catwoman (Selina Kyle) dans Batman Returns (1992) de Tim Burton aux côtés de Michael Keaton et Danny DeVito. Pour le rôle de Catwoman, elle s'est formée aux arts martiaux et au kickboxing. Pfeiffer a reçu des critiques universelles pour sa performance et est régulièrement considérée comme la plus grande représentation de Selina Kyle/Catwoman de tous les temps par les critiques et les fans. Elle était constamment félicitée pour la dimension et l’authenticité qu’elle apportait au personnage. Peter Travers de Rolling Stone l'a félicitée pour avoir donné à la « vengeuse féministe un noyau dur d'intelligence et d'esprit » et l'a qualifiée d'« éblouissante classique ». Premiere a salué rétrospectivement sa performance : « Sans doute le méchant exceptionnel de l'ère Tim Burton, le chaton mortel de Michelle Pfeiffer avec un fouet a apporté le sexe à la franchise normalement castrée. Son costume en cuir verni noir cousu ensemble, basé sur un croquis de Burton, reste le look le plus emblématique du personnage. Et Michelle Pfeiffer surmonte le dialogue féministe autoritaire de Batman Returns pour offrir une performance grondante et féroce". Le film a rencontré un grand succès au box-office, rapportant plus de 266 millions de dollars dans le monde (l'équivalent de millions de dollars). L'année suivante, elle incarne la comtesse Ellen Olenska dans l'adaptation cinématographique de Martin Scorsese de The Age of Innocence (1993) d'Edith Wharton aux côtés de Daniel Day-Lewis et Winona Ryder. Pour ce rôle, elle a reçu le prix Elvira Notari au Festival du film de Venise et une nomination au Golden Globe de la meilleure interprétation féminine dans un film. La même année, elle a reçu le Crystal Award de Women in Film Los Angeles, récompensant des femmes exceptionnelles qui, par leur endurance et l'excellence de leur travail, ont contribué à élargir le rôle des femmes dans l'industrie du divertissement. Les choix de carrière ultérieurs de Pfeiffer ont rencontré plus ou moins de succès. Après The Age of Innocence, elle a joué le rôle de Laura Alden face à Jack Nicholson dans Wolf (1994), un film d'horreur qui a reçu un accueil critique mitigé. Le New York Times a écrit : « Le rôle de Mme Pfeiffer est garanti, mais sa performance est suffisamment experte pour rendre convaincante même la méfiance ». Le film a rapporté 65 millions de dollars américains (équivalent à un million de dollars) au box-office national et 131 millions de dollars américains dans le monde (l'équivalent d'un million de dollars). Son rôle suivant fut celui de l'enseignante du secondaire et ancienne marine américaine LouAnne Johnson dans le succès surprise au box-office Dangerous Minds (1995), semi-produit par la société de production cinématographique de Pfeiffer, Via Rosa Productions. Elle est apparue comme son personnage dans le clip du premier single de la bande originale, « Gangsta's Paradise » de Coolio (avec L.V.), qui a été utilisé par le producteur Jerry Bruckheimer pour la publicité télévisée. Une version de 60 secondes a été diffusée sur les chaînes musicales, tandis qu'un montage de 30 secondes a été diffusé sur le reste des réseaux. La chanson a remporté le Grammy Award 1996 de la meilleure performance rap solo et la vidéo a remporté le MTV Video Music Award de la meilleure vidéo rap. En 1996, elle a refusé le rôle d'Eva Perón, lauréat d'un Golden Globe Award, dans le biopic Evita, qui a été attribué à Madonna. Pfeiffer a ensuite interprété Sally Atwater dans le drame romantique Up Close & Personal (1996) aux côtés de Robert Redford. Le scénario du film, co-écrit par l'équipe mari et femme John Gregory Dunne et Joan Didion, était destiné à être un récit biographique de la carrière de la présentatrice de nouvelles Jessica Savitch, mais la version finale n'avait presque rien à voir avec la vie de Savitch, menant Dunne pour écrire un exposé sur sa bataille de huit ans avec les producteurs hollywoodiens, Monster : Living Off the Big Screen. Elle a joué le rôle de Gillian Lewis dans To Gillian on Her 37th Birthday (1996), adapté par son mari David Kelley de la pièce du même nom de Michael Brady. Pfeiffer et son partenaire de production Guinzburg étaient sur une séquence de victoires en produisant trois films consécutifs sous leur en-tête Via Rosa Productions, dont One Fine Day (1996), A Thousand Acres (1997) et The Deep End of the Ocean ( 1998). Elle a été productrice exécutive et a joué le rôle de l'architecte mère célibataire divorcée Melanie Parker dans la comédie romantique One Fine Day (1996) aux côtés de George Clooney. Les performances ultérieures comprenaient Rose Cook Lewis dans l'adaptation cinématographique du roman lauréat du prix Pulitzer de Jane Smiley, A Thousand. Acres (1997) avec Jessica Lange et Jennifer Jason Leigh ; Beth Cappadora dans The Deep End of the Ocean (1998) sur un couple marié qui a retrouvé leur fils kidnappé il y a neuf ans ; Titania la reine des fées dans Le Songe d'une nuit d'été (1999) avec Kevin Kline, Rupert Everett et Stanley Tucci ; et Katie Jordan dans la comédie dramatique de Rob Reiner, The Story of Us (1999), aux côtés de Bruce Willis. Au cours des années 1990, Pfeiffer a suscité des commentaires dans les médias pour sa beauté. En 1990, elle est apparue sur la couverture du premier numéro des 50 plus belles personnes du monde du magazine People. Elle a de nouveau fait la couverture du numéro annuel en 1999, après avoir figuré sur la liste des « plus belles » à six reprises au cours de la décennie (1990, 1991, 1992, 1993, 1996, 1999). Pfeiffer est la première célébrité à avoir fait deux fois la couverture du numéro annuel, et la seule personne à figurer deux fois sur la couverture au cours des années 1990. En 1999, Pfeiffer a choisi d'entamer le processus de dissolution de sa société de production cinématographique, Via Rosa Productions, et de prendre une semi-retraite afin de passer plus de temps de qualité avec ses enfants et sa famille. Elle continuera à jouer sporadiquement dans des films dans les années 2000 et au-delà. Pfeiffer a confié à son partenaire de production Guinzburg un dernier film à produire sous l'en-tête de Via Rosa Productions. Le film s’appelait Original Sin (2001). Il était initialement prévu de mettre en vedette Pfeiffer, qui a ensuite changé d'avis alors qu'elle cherchait à travailler moins pendant un certain temps. Le film a été produit par sa société, mais mettait en vedette Angelina Jolie et Antonio Banderas. Le thriller hitchcockien What Lies Beneath (2000) avec Harrison Ford, fut un succès commercial, débutant numéro un au box-office en juillet 2000. Elle accepta ensuite le rôle de l'avocate très tendue Rita Harrison dans I Am Sam (2001) aux côtés de Sean Penn. . Le film a reçu des critiques défavorables, le Seattle Post-Intelligencer a écrit : « Pfeiffer, apparemment bloquée par les clichés fades qui soutiennent son rôle criard, livre sa performance la plus plate et la plus bidon de tous les temps ». Bien qu'un autre journaliste ait imputé sa performance au mauvais matériel avec lequel travailler. SF Gate a écrit: "Dans une scène, elle fond en larmes alors qu'elle se confie à lui sur sa vie misérable. Il est difficile de ne pas grincer des dents, en regardant cette actrice émotionnellement prête se jeter tête baissée dans du faux matériel". Pour sa performance en tant qu'artiste meurtrière Ingrid Magnussen dans White Oleander (2002), aux côtés d'Alison Lohman (à ses débuts au cinéma), Renée Zellweger et Robin Wright Penn, Pfeiffer a reçu de nombreux éloges critiques. Stephen Holden du New York Times a écrit que « Mme Pfeiffer, donnant la performance à l'écran la plus complexe de sa carrière, rend sa séductrice olympienne à la fois irrésistible et diabolique ». Kenneth Turan du Los Angeles Times l'a décrite comme « incandescente », apportant « une puissance et une volonté inébranlable à son rôle de mère-maître manipulatrice » dans une « performance fascinante et impeccable ». Elle a remporté les prix de la meilleure actrice dans un second rôle de la San Diego Film Critics Society et du Kansas City Film Critics Circle, ainsi qu'une nomination aux Screen Actors Guild Awards. Pfeiffer a également fait du doublage dans deux films d'animation au cours de cette période, exprimant Tzipporah dans Le Prince d'Egypte (1998), dans lequel elle a présenté la chanson primée aux Oscars, « When You Believe », et Eris dans Sinbad : Legend of the Seven. Mers (2003). Retour au cinéma Après une interruption de quatre ans, pendant laquelle elle est restée largement hors de la vue du public pour consacrer du temps à son mari et à ses enfants, elle a refusé le rôle de la Sorcière Blanche dans le film fantastique de 2005 Les Chroniques de Narnia : Le Lion, La Sorcière. et The Armoire, qui est allé à Tilda Swinton. Pfeiffer est revenu à l'écran en 2007 avec des rôles crapuleux dans deux superproductions estivales majeures, comme Velma Von Tussle dans l'adaptation cinématographique de la comédie musicale de Broadway Hairspray (2007) avec John Travolta, Christopher Walken, Zac Efron et Queen Latifah, et comme l'ancienne sorcière Lamia. dans l'aventure fantastique Stardust (2007) face à Claire Danes, Charlie Cox et Robert De Niro. Pfeiffer a ensuite accepté les rôles de Rosie dans I Could Never Be Your Woman (2007) d'Amy Heckerling avec Paul Rudd et Saoirse Ronan, et de Linda dans Personal Effects (2009), qu'elle a joué aux côtés d'Ashton Kutcher et Kathy Bates, et a été créée dans l'Iowa. Théâtre Englert de la ville. Son film suivant, une adaptation de Chéri de Colette (2009), la réunit avec le réalisateur (Stephen Frears) et le scénariste (Christopher Hampton) de Liaisons dangereuses (1988), un film pour lequel tous trois étaient nominés (et, dans le cas de Hampton , récipiendaire) d'un Oscar. Pfeiffer a joué le rôle de Léa de Lonval face à Rupert Friend dans le rôle titre, avec Kathy Bates comme mère. Chéri a été présenté en première au Festival international du film de Berlin en février 2009 et a reçu une nomination pour le prix Ours d'or. Le Times de Londres a évalué le film favorablement, décrivant le scénario de Hampton comme un "flux constant de plaisanteries sèches et de répliques acerbes" et la performance de Pfeiffer comme "magnétique et subtile, sa nonchalance mondaine étant un masque de vulnérabilité et de chagrin". Roger Ebert dans le Chicago Sun-Times a écrit qu'il était « fascinant d'observer comment Pfeiffer contrôle son visage et sa voix pendant les périodes de douleur douloureuse ». Kenneth Turan dans le Los Angeles Times a fait l'éloge des « scènes muettes qui surprennent Léa, la caméra seule voyant le désespoir et le regret qu'elle cache au monde. C'est le genre de jeu raffiné et délicat que Pfeiffer fait si bien, et c'est un autre rappelant à quel point elle nous a manqué depuis qu'elle est partie". Après une autre courte pause du cinéma, Pfeiffer est apparu dans la comédie romantique de Garry Marshall en 2011, New Year's Eve (Marshall a également réalisé Pfeiffer dans Frankie and Johnny en 1991), et est apparu aux côtés de Chris Pine dans People Like Us (2012). Elle a joué dans une adaptation de l'ancienne série télévisée Dark Shadows, réalisée par Tim Burton (avec qui Pfeiffer a déjà travaillé sur Batman Returns en 1992), aux côtés de Johnny Depp, Helena Bonham Carter et Chloë Grace Moretz. Dans le film, elle incarne la matriarche de la famille, Elizabeth Collins Stoddard. En 2013, Pfeiffer incarne la « mère dure » et épouse du personnage de Robert De Niro, dans la comédie policière de Luc Besson, The Family. Dans des interviews faisant la promotion de The Family, Pfeiffer a déclaré son désir de faire un film entièrement d'action. "...Je veux être comme le personnage de Kiefer Sutherland dans "24". Jack Bauer ? Je veux être comme lui !... Je veux me botter les fesses... Je ferais mieux de le faire bientôt". Pfeiffer a déclaré que son manque d'action au cours des années 2000 était dû à ses enfants, et maintenant que ses deux enfants sont à l'université, elle a l'intention de "travailler beaucoup". Pfeiffer a déclaré qu'elle sentait que sa meilleure performance était "toujours en elle" et qu'elle pensait que c'était ce qui la faisait continuer. Films et projets à venir Le 7 novembre 2012, The Hollywood Reporter a annoncé que Pfeiffer jouerait aux côtés de Tim Robbins (également réalisateur) et Chloë Grace Moretz dans la comédie noire Man Under. "Le film est décrit comme étant dans la veine d'American Beauty et des Royal Tenenbaums. Il raconte l'histoire d'une famille dysfonctionnelle de Yonkers, New York, dont la vie a changé après qu'une photo d'eux se soit retrouvée au Musée d'Art Moderne de New York. , les transformant en célébrités". Sur le tapis rouge de la première de The Family à New York, Pfeiffer a révélé qu'elle tournerait un film en février 2014 intitulé "Whatever Makes You Happy" avec Viola Davis et Diane Keaton. En septembre 2013, il a été révélé que Pfeiffer jouerait dans Best Boy réalisé par Robert Rodriguez, écrit par Nick Thiel. Le 13 décembre 2012, Sonya Sones, auteur du livre Le Bossu de Neiman Marcus : un roman sur le mariage, la maternité et le chaos, a annoncé que Pfeiffer avait opté pour les droits cinématographiques du livre. Le 1er avril 2015, Variety a révélé que l'ancienne présentatrice de Today, Katie Couric, magasinait une série comique se déroulant dans les coulisses d'une émission d'information matinale, avec Pfeiffer attaché à la vedette. L'émission a été présentée à HBO, Showtime, AMC, Netflix et Amazon. Le 22 août 2015, il a été rapporté que Pfeiffer avait été sélectionné pour devenir la star invitée du Muppets Show redémarré. Le 27 août 2015, il a été confirmé que Pfeiffer avait joué le rôle de Ruth Madoff pour The Wizard of Lies de HBO Films, basé sur le livre du même nom. Le film la réunit avec l'acteur Robert De Niro, qui incarne le financier en disgrâce Bernard Madoff. Le film sera réalisé par Barry Levinson. Le 27 octobre 2015, il a été annoncé que Pfeiffer jouerait dans Beat-up Little Seagull pour Killer Films. Son personnage, décrit comme sensible et fragile, perd sa mère et "fait face à une crise dans laquelle elle doit trouver un moyen de survivre, tout en cachant ses luttes à son nouvel amant". L'acteur Kiefer Sutherland a été choisi pour incarner l'intérêt amoureux du personnage. Le 15 avril 2016, il a été annoncé que Pfeiffer était en négociations pour rejoindre le drame Day 6 de Darren Aronofsky de Paramount Pictures, aux côtés des acteurs Jennifer Lawrence et Javier Bardem. Le tournage a débuté le 13 juin 2016 et devrait sortir en salles le 29 décembre 2017, juste à temps pour la saison des Oscars. Théâtre En 1989, Pfeiffer fait ses débuts sur scène dans le rôle d'Olivia dans Twelfth Night, une production du New York Shakespeare Festival mise en scène à Central Park. Parmi les autres acteurs de cinéma apparaissant dans la pièce figuraient Jeff Goldblum dans le rôle de Malvolio et Mary Elizabeth Mastrantonio dans le rôle de Viola. La critique de Frank Rich dans le New York Times a été extrêmement critique à l'égard de la production, déclarant que « Mme Pfeiffer offre une leçon de choses sur la façon dont des stars douées avec de jeunes carrières peuvent être utilisées à mauvais escient par ceux qui sont plus intéressés à exploiter leur statut de célébrité qu'à promouvoir leur développement artistique. » . Rich a salué la performance de Pfeiffer dans ce qui était alors son film le plus récent, la comédie loufoque Married to the Mob, mais a déclaré qu'il était "malheureux qu'on ait demandé à l'actrice de faire à la fois ses débuts sur scène et dans la bande dessinée shakespearienne dans un rôle enchaîné à la mélancolie et au deuil". ". Vie privée Alors qu'il suivait des cours de théâtre à Los Angeles, Pfeiffer a été accueilli par un couple apparemment amical qui dirigeait une secte métaphysique et végétarienne. Tout en aidant Pfeiffer à ne plus boire, fumer ou se droguer, le couple a pris le contrôle de sa vie entière. Une grande partie de son argent est allée au groupe. "J'ai subi un lavage de cerveau... Je leur ai donné une énorme somme d'argent." Pfeiffer, peu sûre d'elle, sentait qu'elle ne pouvait plus vivre sans eux. Lors d'un cours de théâtre dispensé par Milton Katselas à Los Angeles, Pfeiffer a rencontré un autre acteur en herbe, Peter Horton. Pfeiffer et Horton ont commencé à sortir ensemble. Pfeiffer et Horton se sont finalement mariés à Santa Monica en 1981, et c'est lors de leur lune de miel qu'elle a découvert qu'elle avait décroché le rôle principal dans Grease 2. Horton a dirigé Pfeiffer dans une émission spéciale sur ABC en 1985, One Too Many, dans laquelle elle a joué le rôle principal. petite amie d'école d'un étudiant alcoolique (Val Kilmer); et en 1987, le couple réel a joué un couple à l'écran dans le segment « Hôpital » de la compilation de sketches comiques de John Landis, Amazon Women on the Moon. Cependant, ils décident de se séparer en 1988 et divorcent deux ans plus tard. Horton a ensuite imputé la séparation à leur dévouement à leur travail plutôt qu'à leur mariage. Après son mariage avec Horton, Pfeiffer a eu une relation de trois ans avec l'acteur/producteur Fisher Stevens. Ils se sont rencontrés lorsque Pfeiffer jouait dans la production du New York Shakespeare Festival de Twelfth Night, dans laquelle Stevens jouait le rôle de Sir Andrew Aguecheek. Pfeiffer était également impliquée dans une liaison avec John Malkovich, sa co-star dans Liaisons dangereuses, qui était à l'époque mariée à Glenne Headly. En janvier 1993, Pfeiffer a été invitée à un rendez-vous à l'aveugle par sa meilleure amie et ancienne partenaire de production Kate Guinzburg, avec le scénariste et producteur de télévision David E. Kelley, qui l'a emmenée au cinéma pour voir Dracula de Bram Stoker la semaine suivante, et ils a commencé à sortir sérieusement. Ils se sont mariés le 13 novembre 1993. Elle a fait une brève apparition non crédité dans un épisode de la série télévisée Picket Fences de Kelley et a joué le personnage principal dans To Gillian On Her 37th Birthday, pour lequel Kelley a écrit le scénario. Pfeiffer avait entamé une procédure d'adoption privée avant de rencontrer Kelley. En mars 1993, elle a adopté une fille nouveau-née, Claudia Rose, qui a été baptisée le jour du mariage de Pfeiffer et Kelley. En août 1994, Pfeiffer a donné naissance à un fils, John Henry. Fumeuse depuis dix ans et ayant une nièce atteinte de leucémie depuis dix ans, elle décide de soutenir l'American Cancer Society. Son travail caritatif comprend également son soutien à la Humane Society. Pfeiffer est végétalien. Récompenses et nominations Au cours de sa carrière, Pfeiffer a remporté de nombreux prix, dont le Golden Globe Award de la meilleure actrice dans un film dramatique, le BAFTA Award de la meilleure actrice dans un second rôle et les prix de la meilleure actrice du National Board of Review, de la National Society of Film Critics. , le New York Film Critics Circle, la Chicago Film Critics Association et la Los Angeles Film Critics Association, ainsi que les prix de la meilleure actrice dans un second rôle décernés par le Kansas City Film Critics Circle et la San Diego Film Critics Society. Elle a reçu trois nominations aux Oscars à ce jour : meilleure actrice dans un second rôle pour Dangerous Liaisons (1988) et meilleure actrice dans The Fabulous Baker Boys (1989) et Love Field (1992). Dans la culture populaire * Les commentateurs culturels ont noté qu'en 2014, Pfeiffer, qui ne faisait la promotion d'aucun film à l'époque, était devenue une "muse de la musique pop" et était mentionnée par son nom dans les paroles de deux chansons distinctes qui grimpaient dans les charts à cette époque : " Uptown Funk" de Mark Ronson et Bruno Mars et "Riptide" de Vance Joy. * Pfeiffer est mentionnée dans la chanson de Vance Joy de 2013, "Riptide" ("Je jure qu'elle est destinée à l'écran, la chose la plus proche de Michelle Pfeiffer que vous ayez jamais vue") Joy a déclaré aux journalistes que le moment du film Pfeiffer qui l'avait amené à l'inclure Le nom dans sa chanson était son interprétation de Selina Kyle dans Batman Returns. Il a déclaré : "Elle revient à son appartement après avoir été jetée par la fenêtre par Christopher Walken et elle devient folle. Son appartement est tout rose et beau, et plutôt effrayant et infantile, puis elle détruit tout et pulvérise des trucs de peinture et se transforme en Catwoman. C'est vraiment ce genre de scène sexuelle, c'est incroyable." * Pfeiffer est mentionné dans la chanson de Mark Ronson et Bruno Mars de 2014, "Uptown Funk" ("Ce hit, Ce froid glacial, Michelle Pfeiffer, Cet or blanc") Dans une interview, Ronson a répondu à un journaliste en disant que son film préféré de Pfeiffer était "Le Fabuleux". Baker Boys. Je l'aimais aussi dans Scarface et Tequila Sunrise. Elle était vraiment une fille. * Les joueurs de cricket australiens parlent de « obtenir une Michelle » lorsqu'ils remportent cinq guichets en une manche. Cela signifie qu'ils ont pris "Five for" qui est devenu un "Pfeiffer" et donc une "Michelle". Filmographie

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Quel était le deuxième prénom du président Gerald Ford ?

Rudolph

Gerald Rudolph Ford Jr. (né Leslie Lynch King Jr. ; 14 juillet 1913 – 26 décembre 2006) était un homme politique américain qui a été le 38e président des États-Unis de 1974 à 1977. Avant cela, il était le 40e vice-président. Président des États-Unis, en poste de 1973 jusqu'à la démission du président Richard Nixon en 1974. Il fut la première personne nommée à la vice-présidence selon les termes du 25e amendement, suite à la démission du vice-président Spiro Agnew le 10 octobre 1973. Devenant président après le départ de Richard Nixon le 9 août 1974, il a revendiqué cette distinction comme la première et à ce jour la seule personne à avoir été à la fois vice-président et président des États-Unis sans avoir été élu à l'un ou l'autre de ces postes. Comme il a été nommé pour combler un poste vacant puis a succédé à la présidence, Ford a également gagné la distinction d'être la seule personne dans l'histoire américaine à ne pas commencer ni terminer un mandat présidentiel ou vice-présidentiel à la date d'une investiture régulièrement prévue. Avant d'accéder à la vice-présidence, Ford a servi pendant 25 ans en tant que représentant du 5e district du Congrès du Michigan, les 9 dernières années en tant que leader de la minorité parlementaire. En tant que président, Ford a signé les accords d’Helsinki, marquant un pas vers la détente dans la guerre froide. Avec la conquête du Sud-Vietnam par le Nord-Vietnam neuf mois après le début de sa présidence, l’implication américaine au Vietnam a pratiquement pris fin. Au niveau national, Ford a connu la pire économie des quatre décennies qui ont suivi la Grande Dépression, avec une inflation croissante et une récession au cours de son mandat. L'un de ses actes les plus controversés a été d'accorder une grâce présidentielle au président Richard Nixon pour son rôle dans le scandale du Watergate. Sous la présidence de Ford, la politique étrangère était caractérisée, en termes de procédure, par le rôle croissant que commençait à jouer le Congrès et par la restriction correspondante des pouvoirs du président. Lors de la campagne primaire présidentielle du GOP en 1976, Ford a battu l'ancien gouverneur de Californie, Ronald Reagan, pour l'investiture républicaine. Il a perdu de peu l'élection présidentielle face au challenger démocrate, alors ancien gouverneur de Géorgie, Jimmy Carter, le 2 novembre. Après ses années en tant que président, Ford est resté actif au sein du Parti républicain. Après avoir connu des problèmes de santé, il est décédé à son domicile le 26 décembre 2006. Ford a vécu plus longtemps que tout autre président américain, 93 ans et 165 jours, tandis que sa présidence de 895 jours reste le mandat le plus court de tous les présidents qui ne sont pas morts en exercice. . Depuis 2016, il est également le dernier ancien président et vice-président à décéder. Début de la vie Gerald Rudolph Ford est né Leslie Lynch King Jr., le 14 juillet 1913, au 3202 Woolworth Avenue à Omaha, Nebraska, où ses parents vivaient avec ses grands-parents paternels. Sa mère était Dorothy Ayer Gardner et son père était Leslie Lynch King Sr., un commerçant de laine et fils de l'éminent banquier Charles Henry King et de Martha Alicia King (née Porter). Dorothy s'est séparée de King seize jours seulement après la naissance de son fils. Elle a emmené son fils avec elle à Oak Park, dans l'Illinois, domicile de sa sœur Tannisse et de son beau-frère, Clarence Haskins James. De là, elle a déménagé au domicile de ses parents, Levi Addison Gardner et Adele Augusta Ayer, à Grand Rapids, Michigan. Dorothy et King divorcèrent en décembre 1913 ; elle a obtenu la garde complète de son fils. Le grand-père paternel de Ford, Charles Henry King, a payé une pension alimentaire pour enfants jusqu'à peu de temps avant sa mort en 1930. Ford a déclaré plus tard que son père biologique avait déjà frappé sa mère. James M. Cannon, membre de l'administration Ford, a écrit dans une biographie de Ford que la séparation et le divorce des Kings ont été déclenchés lorsque, quelques jours après la naissance de Ford, Leslie King a pris un couteau de boucher et a menacé de tuer sa femme, sa fils en bas âge et la nourrice de Ford. Ford a déclaré plus tard à des confidents que son père avait d'abord frappé sa mère pendant leur lune de miel pour avoir souri à un autre homme. Après deux ans et demi avec ses parents, le 1er février 1916, Dorothy épousa Gerald Rudolff Ford, vendeur dans une entreprise familiale de peinture et de vernis. Ils appelèrent alors son fils Gerald Rudolff Ford Jr. Le futur président ne fut jamais officiellement adopté et ne changea légalement de nom que le 3 décembre 1935 ; il a également utilisé une orthographe plus conventionnelle de son deuxième prénom. Il a grandi à Grand Rapids avec ses trois demi-frères issus du deuxième mariage de sa mère : Thomas Gardner « Tom » Ford (1918-1995), Richard Addison « Dick » Ford (1924-2015) et James Francis « Jim » Ford ( 1927-2001). Ford avait également trois demi-frères et sœurs issus du deuxième mariage de Leslie King Sr., son père biologique : Marjorie King (1921-1993), Leslie Henry King (1923-1976) et Patricia Jane King (née en 1925). Ils ne se sont jamais vus enfants et il ne les connaissait pas du tout. Ford n'a connu son père biologique qu'à l'âge de 17 ans, lorsque ses parents lui ont parlé des circonstances de sa naissance. Cette année-là, son père biologique, que Ford a décrit comme un « homme insouciant et aisé qui ne se souciait pas vraiment des espoirs et des rêves de son fils aîné », a approché Ford alors qu'il servait à table dans un restaurant de Grand Rapids. restaurant. Les deux "entretinrent un contact sporadique" jusqu'à la mort de Leslie King Sr. en 1941. Ford a déclaré: "Mon beau-père était une personne magnifique et ma mère tout aussi merveilleuse. Je n'aurais donc pas pu rédiger une meilleure prescription pour une superbe éducation familiale." Ford a été impliqué dans les Boy Scouts of America et a obtenu le rang le plus élevé de ce programme, Eagle Scout. Il est le seul Eagle Scout à avoir accédé à la présidence des États-Unis. Ford a fréquenté le Grand Rapids South High School, où il était un athlète vedette et capitaine de son équipe de football. En 1930, il fut sélectionné dans l'équipe All-City de la Grand Rapids City League. Il a également attiré l’attention des recruteurs universitaires. Collège et faculté de droit Étudiant à l'Université du Michigan en tant qu'étudiant de premier cycle, Ford est devenu membre de la fraternité Delta Kappa Epsilon (chapitre Omicron) et a fait la vaisselle dans sa maison de fraternité pour gagner de l'argent pour ses dépenses universitaires. Ford a joué au centre, secondeur et long vivaneau pour l'équipe de football de l'école, et a aidé les Wolverines à remporter des saisons invaincues et des titres nationaux en 1932 et 1933. L'équipe a cependant subi une forte baisse au cours de sa dernière année 1934, ne remportant qu'un seul match. Ford était néanmoins la star de l'équipe. Après un match au cours duquel le Michigan a tenu le Minnesota (l'éventuel champion national) largement favori, à égalité sans but en première mi-temps, l'entraîneur adjoint Bennie Oosterbaan a déclaré plus tard : « Quand je suis entré dans le vestiaire à la mi-temps, j'avais les larmes aux yeux. était si fier d'eux. Ford et [Cedric] Sweet ont joué à fond. Ils étaient partout en défense. Ford a rappelé plus tard : « Pendant 25 ans dans le monde agité de la politique, j'ai souvent pensé aux expériences avant, pendant et après ce match de 1934. S'en souvenir m'a aidé à plusieurs reprises à faire face à une situation difficile, prendre action et faire tous les efforts possibles malgré les obstacles." Ses coéquipiers ont ensuite élu Ford leur joueur le plus précieux, un entraîneur adjoint notant: "Ils pensaient que Jerry était un gars qui resterait et se battrait pour une cause perdante." Au cours de la dernière année de Ford, une controverse s'est développée lorsque les Georgia Tech Yellow Jackets ont refusé de jouer un match programmé si un joueur noir nommé Willis Ward entrait sur le terrain. Même après les protestations des étudiants, des joueurs et des anciens élèves, les responsables de l'université ont choisi de garder Ward hors du jeu. Ford était le meilleur ami de Ward dans l'équipe et ils partageaient une chambre lors de voyages en voiture. Ford aurait menacé de quitter l'équipe en réponse à la décision de l'université, mais aurait finalement accepté de jouer contre Georgia Tech lorsque Ward lui aurait personnellement demandé de jouer. Au cours de la même saison, lors d'un match contre l'Université de Chicago, Ford est devenu le seul futur président américain à affronter un futur vainqueur du trophée Heisman lorsqu'il a renversé le porteur de ballon Jay Berwanger, qui a remporté le trophée Heisman l'année suivante. En 1934, Ford a été sélectionné pour l'équipe de l'Est lors du match Shriner's East West Crippled Children à San Francisco (un avantage pour les enfants infirmes), joué le 1er janvier 1935. Dans le cadre de l'équipe de football collégiale All-Star de 1935, Ford a joué contre les Bears de Chicago lors du match des étoiles du Chicago College à Soldier Field. En l'honneur de ses réalisations sportives et de sa carrière politique ultérieure, l'Université du Michigan a retiré le maillot n°48 de Ford en 1994. Avec la bénédiction de la famille Ford, il a été remis en circulation en 2012 dans le cadre du programme Michigan Football Legends et délivré au secondeur de deuxième année Desmond Morgan avant un match à domicile contre l'Illinois le 13 octobre. Ford est resté intéressé par le football et son école tout au long de sa vie, assistant occasionnellement à des matchs. Ford a également rendu visite aux joueurs et aux entraîneurs pendant les entraînements, demandant à un moment donné de se joindre aux joueurs dans le groupe. Ford demandait souvent au groupe naval de jouer la chanson de combat de l'Université du Michigan, The Victors, avant les événements d'État au lieu de Hail to the Chief. Après avoir obtenu en 1935 un baccalauréat ès arts en économie, Ford a refusé les offres de contrat des Lions de Détroit et des Packers de Green Bay de la Ligue nationale de football. Au lieu de cela, en septembre 1935, il accepta le poste d'entraîneur de boxe et d'entraîneur adjoint de football universitaire à l'Université de Yale, et postula à sa faculté de droit. Ford espérait fréquenter la faculté de droit de Yale à partir de 1935. Les responsables de Yale ont d'abord refusé son admission à la faculté de droit en raison de ses responsabilités d'entraîneur à plein temps. Il passa l'été 1937 comme étudiant à la faculté de droit de l'Université du Michigan et fut finalement admis au printemps 1938 à la faculté de droit de Yale. Ford a obtenu son LL.B. diplôme en 1941 (plus tard modifié en Juris Doctor), obtenant son diplôme parmi les 25 pour cent des meilleurs de sa classe. Alors qu'il fréquentait la Yale Law School, Ford a rejoint un groupe d'étudiants dirigé par R. Douglas Stuart Jr. et a signé une pétition pour faire appliquer la loi sur la neutralité de 1939. La pétition a été diffusée à l’échelle nationale et a inspiré l’America First Committee, un groupe déterminé à maintenir les États-Unis en dehors de la Seconde Guerre mondiale. À l'été 1940, il participa à la campagne présidentielle de Wendell Willkie. Ford est diplômé de la faculté de droit en 1941 et a été admis au barreau du Michigan peu de temps après. En mai 1941, il ouvrit un cabinet d'avocats à Grand Rapids avec un ami, Philip W. Buchen, qui deviendra plus tard avocat de Ford à la Maison Blanche. Réserve de la marine américaine : Seconde Guerre mondiale Ford a répondu à l'attaque de Pearl Harbor le 7 décembre 1941 en s'enrôlant dans la Marine. Il reçut une commission d'enseigne dans la Réserve navale américaine le 13 avril 1942. Le 20 avril, il se présenta au service actif à l'école d'instructeurs V-5 à Annapolis, Maryland. Après un mois de formation, il est allé à la Navy Preflight School à Chapel Hill, en Caroline du Nord, où il était l'un des 83 instructeurs et a enseigné les compétences élémentaires de navigation, les munitions, le tir, les premiers secours et les exercices militaires. De plus, il a été entraîneur dans les neuf sports proposés, mais principalement en natation, en boxe et en football. Au cours de l'année où il était à l'école de contrôle en amont, il fut promu lieutenant, niveau junior, le 2 juin 1942, et lieutenant, en mars 1943. Service maritime Après avoir postulé pour le service en mer, Ford fut envoyé en mai 1943 au détachement de pré-mise en service du nouveau porte-avions, à la New York Shipbuilding Corporation, à Camden, New Jersey. Depuis la mise en service du navire le 17 juin 1943 jusqu'à la fin décembre 1944, Ford a servi comme navigateur adjoint, officier sportif et officier de batterie antiaérienne à bord du Monterey. Alors qu'il était à bord, le porte-avions a participé à de nombreuses actions sur le théâtre du Pacifique avec les troisième et cinquième flottes à la fin de 1943 et en 1944. En 1943, le porte-avions a aidé à sécuriser l'île de Makin dans les Gilberts et a participé à des frappes de porte-avions contre Kavieng, New York. Irlande en 1943. Au printemps 1944, le Monterey a soutenu les débarquements à Kwajalein et Eniwetok et a participé à des frappes de porte-avions dans les Mariannes, les Carolines occidentales et le nord de la Nouvelle-Guinée, ainsi qu'à la bataille de la mer des Philippines. Après une révision, de septembre à novembre 1944, les avions du Monterey lancèrent des frappes contre l'île de Wake, participèrent à des frappes aux Philippines et à Ryukyus et soutenèrent les atterrissages à Leyte et Mindoro. Bien que le navire n'ait pas été endommagé par les forces japonaises, le Monterey était l'un des nombreux navires endommagés par le typhon qui a frappé la troisième flotte de l'amiral William Halsey les 18 et 19 décembre 1944. La troisième flotte a perdu trois destroyers et plus de 800 hommes pendant le typhon. Le Monterey a été endommagé par un incendie déclenché par plusieurs avions du navire se détachant de leurs câbles et entrant en collision sur le pont du hangar. Pendant la tempête, Ford a évité de peu de devenir lui-même une victime. Alors qu'il se dirigeait vers son poste de combat sur le pont du navire tôt le matin du 18 décembre, le navire a roulé de vingt-cinq degrés, ce qui a fait perdre pied à Ford et a glissé vers le bord du pont. La crête en acier de deux pouces entourant le bord du porte-avions le ralentit suffisamment pour qu'il puisse rouler, et il se dirigea vers la passerelle située sous le pont. Comme il l'a déclaré plus tard : « J'ai eu de la chance ; j'aurais facilement pu aller par-dessus bord. » Ford, officier du quartier général du pont, reçut l'ordre de descendre en dessous pour évaluer l'incendie qui faisait rage. Il l'a fait en toute sécurité et a rapporté ses découvertes au commandant du navire, le capitaine Stuart Ingersoll. L'équipage du navire a réussi à contenir l'incendie et le navire a repris la route. Après l'incendie, le Monterey a été déclaré inapte au service et le transporteur paralysé a atteint Ulithi le 21 décembre avant de continuer à travers le Pacifique jusqu'à Bremerton, Washington, où il a subi des réparations. Le 24 décembre 1944, à Ulithi, Ford fut détaché du navire et envoyé à la Navy Pre-Flight School du Saint Mary's College of California, où il fut affecté au département des sports jusqu'en avril 1945. L'une de ses tâches était d'entraîner football. De fin avril 1945 à janvier 1946, il faisait partie du personnel du Commandement de l'entraînement de la Réserve navale, de la base aéronavale de Glenview, dans l'Illinois, en tant qu'officier d'entraînement physique et militaire de l'état-major. Le 3 octobre 1945, il est promu lieutenant-commandant. Ford a reçu les récompenses militaires suivantes : la Médaille de campagne américaine, la Médaille de campagne Asie-Pacifique avec neuf étoiles de bronze (pour les opérations dans les îles Gilbert, l'archipel Bismarck, les îles Marshall, les raids aéronavals en Asie et dans le Pacifique, Hollandia, Marianas, Carolines occidentales, Nouvelle-Guinée occidentale et opération de Leyte), la Médaille de la libération des Philippines avec deux « étoiles de bronze » (pour Leyte et Mindoro) et la Médaille de la victoire de la Seconde Guerre mondiale. Après la guerre En janvier 1946, Ford fut envoyé au centre de séparation des Grands Lacs pour y être traité. Il fut libéré du service actif dans des conditions honorables le 23 février 1946. Le 28 juin 1946, le secrétaire à la Marine accepta la démission de Ford de la Réserve navale. Ford était membre de plusieurs organisations civiques, dont la Jeune Chambre de Commerce (Jaycees), l'American Legion, l'AMVETS, l'Ordre bienveillant et protecteur des élans, les fils de la révolution et les anciens combattants des guerres étrangères. Ford a été initié à la franc-maçonnerie le 30 septembre 1949. Il a déclaré plus tard en 1975 : « Lorsque j'ai pris mes fonctions de maître maçon – d'ailleurs avec mes trois jeunes frères – je me suis souvenu de la valeur que mon propre père attachait à cet ordre. Je n'avais aucune idée que je serais un jour ajouté à la compagnie du Père de notre pays et de 12 autres membres de l'ordre qui ont également été présidents des États-Unis. Mariage et enfants Le 15 octobre 1948, à l'église épiscopale Grace de Grand Rapids, Ford épousa Elizabeth Bloomer Warren (1918-2011), consultante en mode dans les grands magasins. Warren avait été mannequin pour John Robert Powers et danseur dans la troupe auxiliaire de la Martha Graham Dance Company. Elle avait déjà été mariée et divorcée de William G. Warren. Au moment de ses fiançailles, Ford faisait campagne pour ce qui serait le premier de ses treize mandats en tant que membre de la Chambre des représentants des États-Unis. Le mariage a été retardé jusqu'à peu de temps avant les élections parce que, comme le rapportait le New York Times dans un profil de Betty Ford en 1974, "Jerry était candidat au Congrès et n'était pas sûr de ce que les électeurs pourraient penser à l'idée de son mariage avec une ex-danseuse divorcée." Le couple a eu quatre enfants : *Michael Gerald, né en 1949 *John Gardner, dit Jack, né en 1951 *Steven Meigs, né en 1956 *Susan Elizabeth, née en 1958 Chambre des députés Après son retour à Grand Rapids en 1946, Ford est devenu actif dans la politique républicaine locale et ses partisans l'ont exhorté à affronter Bartel J. Jonkman, le député républicain sortant. Le service militaire a changé sa vision du monde. "Je suis revenu en internationaliste converti", a écrit Ford, "et bien sûr, notre membre du Congrès de l'époque était un isolationniste avoué et dévoué. Et j'ai pensé qu'il devait être remplacé. Personne ne pensait que je pouvais gagner. J'ai fini par gagner deux contre un. ". Au cours de sa première campagne en 1948, Ford rendit visite aux électeurs à leur porte et à leur sortie des usines où ils travaillaient. Ford a également visité des fermes locales où, dans un cas, un pari l'a amené à passer deux semaines à traire des vaches après sa victoire électorale. Ford a été membre de la Chambre des représentants pendant 25 ans, occupant le siège du district du Congrès de Grand Rapids de 1949 à 1973. Ce fut un mandat largement remarquable par sa modestie. Comme le décrit un éditorial du New York Times, Ford « se considérait comme un négociateur et un conciliateur, et les faits le montrent : il n’a pas rédigé un seul texte législatif majeur au cours de toute sa carrière ». Nommé au comité des crédits de la Chambre deux ans après son élection, il était un membre éminent du sous-comité des crédits de la défense. Ford a décrit sa philosophie comme « modérée dans les affaires intérieures, internationaliste dans les affaires étrangères et conservatrice dans la politique fiscale ». Ford était connu de ses collègues de la Chambre comme un « membre du Congrès ». Au début des années 1950, Ford a décliné les offres de candidature au Sénat ou au poste de gouverneur du Michigan. Son ambition était plutôt de devenir président de la Chambre. Commission Warren Le 29 novembre 1963, le président démocrate Lyndon B. Johnson nomma Ford à la Commission Warren, un groupe de travail spécial créé pour enquêter sur l'assassinat du président John F. Kennedy. Ford a été chargé de préparer une biographie de Lee Harvey Oswald, l'assassin accusé. Selon une note du FBI de 1963 publiée en 2008, Ford était en contact avec le FBI tout au long de son mandat à la Commission Warren et transmettait des informations à la directrice adjointe, Cartha DeLoach, sur les activités du panel. Dans la préface de son livre A Presidential Legacy and The Warren Commission, Ford a défendu le travail de la commission et a réitéré son soutien à ses conclusions. Leader de la minorité parlementaire En 1964, Lyndon Johnson a remporté une victoire écrasante pour son parti, obtenant un nouveau mandat de président et remportant 36 sièges aux républicains à la Chambre des représentants. Après les élections, les membres du caucus républicain ont cherché à choisir un nouveau chef de la minorité. Trois membres ont approché Ford pour voir s'il serait prêt à servir ; après avoir consulté sa famille, il a accepté. Après une élection très disputée, Ford a été choisi pour remplacer Charles Halleck de l'Indiana en tant que chef de la minorité. En janvier 1965, les républicains disposaient de 140 sièges à la Chambre, contre 295 sièges pour les démocrates. Avec cette large majorité, ainsi qu'une majorité au Sénat américain, l'administration Johnson a proposé et adopté une série de programmes que Johnson a appelés la « Grande Société ». Au cours de la seule première session du Quatre-vingt-neuvième Congrès, l’administration Johnson a soumis 87 projets de loi au Congrès et Johnson en a signé 84, soit 96 %, sans doute le programme législatif le plus réussi de l’histoire du Congrès. En 1966, les critiques sur la gestion de la guerre du Vietnam par l'administration Johnson ont commencé à se multiplier, Ford et les républicains du Congrès exprimant leur inquiétude quant au fait que les États-Unis ne faisaient pas ce qui était nécessaire pour gagner la guerre. L'opinion publique a également commencé à s'orienter contre Johnson, et les élections de mi-mandat de 1966 ont vu un basculement de 47 sièges en faveur des Républicains. Cela n'a pas suffi à donner aux Républicains une majorité à la Chambre, mais la victoire a donné à Ford l'occasion d'empêcher l'adoption de nouveaux programmes de Grande Société. Les critiques privées de Ford sur la guerre du Vietnam sont devenues publiques à la suite d'un discours prononcé à la Chambre des représentants, dans lequel il se demandait si la Maison Blanche avait un plan clair pour mener à bien la guerre. Ce discours a provoqué la colère du président Johnson, qui a accusé Ford de jouer "trop ​​de football sans casque". En tant que leader de la minorité à la Chambre, Ford est apparu dans une série populaire de conférences de presse télévisées avec le sénateur de l'Illinois Everett Dirksen, dans lesquelles ils ont proposé des alternatives républicaines à la politique de Johnson. Beaucoup dans la presse ont appelé cela en plaisantant « The Ev and Jerry Show ». Johnson avait déclaré à l'époque : "Jerry Ford est tellement stupide qu'il ne peut pas péter et mâcher du chewing-gum en même temps." La presse, habituée à assainir le langage salé de LBJ, a rapporté que "Gerald Ford ne peut pas marcher et mâcher du chewing-gum en même temps". Après l'élection du président Nixon en novembre 1968, le rôle de Ford est devenu celui d'un défenseur du programme de la Maison Blanche. Le Congrès a adopté plusieurs propositions de Nixon, notamment la loi sur la politique nationale de l'environnement et la loi sur la réforme fiscale de 1969. Une autre victoire très médiatisée pour la minorité républicaine a été la loi sur l'assistance fiscale de l'État et des collectivités locales. Adoptée en 1972, la loi a établi un programme de partage des revenus pour les gouvernements des États et locaux. Le leadership de Ford a joué un rôle déterminant dans le partage des revenus au Congrès et a abouti à une coalition bipartite qui a soutenu le projet de loi avec 223 voix pour (contre 185 contre). Au cours des huit années (1965-1973) pendant lesquelles Ford a été chef de la minorité, il s'est fait de nombreux amis à la Chambre grâce à son leadership juste et à sa personnalité inoffensive. Vice-présidence (1973-1974) Le 10 octobre 1973, le vice-président Spiro Agnew a démissionné puis n'a pas contesté les accusations criminelles d'évasion fiscale et de blanchiment d'argent, dans le cadre d'une résolution négociée à un stratagème dans lequel il avait accepté 29 500 $ de pots-de-vin alors qu'il était gouverneur du Maryland. Selon le New York Times, Nixon « a demandé l'avis des hauts dirigeants du Congrès au sujet d'un remplacement. L'avis a été unanime. « Nous n'avons donné à Nixon d'autre choix que Ford », a rappelé plus tard le président de la Chambre, Carl Albert. Ford a été nommé pour prendre le poste d'Agnew le 12 octobre, la première fois que la disposition relative aux postes vacants à la vice-présidence du 25e amendement était mise en œuvre. Le Sénat américain a voté par 92 voix contre 3 pour confirmer Ford le 27 novembre. Seuls trois sénateurs, tous démocrates, ont voté contre la confirmation de Ford : Gaylord Nelson du Wisconsin, Thomas Eagleton du Missouri et William Hathaway du Maine. Le 6 décembre 1973, la Chambre a confirmé Ford par 387 voix contre 35. Une heure après le vote de confirmation à la Chambre, Ford a prêté serment en tant que vice-président des États-Unis. Ford est devenu vice-président alors que le scandale du Watergate se déroulait. Le jeudi 1er août, le chef d'état-major Alexander Haig a contacté Ford pour lui dire que des preuves « irréfutables » avaient été trouvées. Les preuves laissent peu de doute sur la participation du président Nixon à la dissimulation du Watergate. À l'époque, Ford et sa femme, Betty, vivaient dans la banlieue de Virginie, attendant leur emménagement prévu dans la résidence du vice-président nouvellement désigné à Washington, D.C. Cependant, « Al Haig [a demandé] de venir me voir », a déclaré Ford. a déclaré plus tard : « pour me dire qu'une nouvelle cassette serait diffusée un lundi, et il a dit que les preuves qu'elle contenait étaient dévastatrices et qu'il y aurait probablement soit une destitution, soit une démission. » Et il a dit : « Je vous préviens simplement ». que vous devez être préparé, que les choses pourraient changer radicalement et que vous pourriez devenir président. Et j'ai dit : « Betty, je ne pense pas que nous vivrons un jour dans la maison du vice-président. Présidence (1974-1977) Assermentation Lorsque Nixon a démissionné le 9 août 1974, Ford a assumé la présidence, faisant de lui la seule personne à assumer la présidence sans avoir été élu au préalable aux postes présidentiels ou vice-présidentiels. Immédiatement après avoir prêté serment dans la salle Est de la Maison Blanche, il s'est adressé à l'auditoire rassemblé dans un discours diffusé en direct à la nation. Ford a noté la particularité de sa position : « Je suis parfaitement conscient que vous ne m'avez pas élu président par vos bulletins de vote, et je vous demande donc de me confirmer comme votre président par vos prières. Il a poursuivi en déclarant : Il a également déclaré : Une partie du discours sera plus tard commémorée par une plaque à l'entrée de son musée présidentiel. Le 20 août, Ford a nommé l'ancien gouverneur de New York, Nelson Rockefeller, pour occuper le poste de vice-président qu'il avait quitté. Le principal concurrent de Rockefeller était George H. W. Bush. Rockefeller a subi de longues auditions devant le Congrès, ce qui a provoqué l'embarras lorsqu'il a été révélé qu'il avait fait d'importants cadeaux à des collaborateurs de haut rang, tels qu'Henry Kissinger. Même si les républicains conservateurs n'étaient pas satisfaits du choix de Rockefeller, la plupart d'entre eux ont voté pour sa confirmation et sa nomination a été adoptée à la fois par la Chambre et le Sénat. Certains, dont Barry Goldwater, ont voté contre lui. Pardon de Nixon Le 8 septembre 1974, Ford a publié la Proclamation 4311, qui accordait à Nixon une grâce complète et inconditionnelle pour tous les crimes qu'il aurait pu commettre contre les États-Unis alors qu'il était président. Dans une émission télévisée à la nation, Ford a expliqué qu'il estimait que la grâce était dans le meilleur intérêt du pays et que la situation de la famille Nixon « est une tragédie dans laquelle nous avons tous joué un rôle. ou quelqu'un doit en écrire la fin. J'ai conclu que je suis le seul à pouvoir le faire, et si je peux, je dois le faire. La grâce de Nixon était très controversée. Les critiques ont tourné en dérision cette décision et ont déclaré qu'un « marché corrompu » avait été conclu entre les hommes. Ils ont déclaré que la grâce de Ford avait été accordée en échange de la démission de Nixon, qui avait élevé Ford à la présidence. Le premier attaché de presse et ami proche de Ford, Jerald terHorst, a démissionné de son poste en signe de protestation après la grâce. Selon Bob Woodward, le chef de cabinet de Nixon, Alexander Haig, a proposé un accord de grâce à Ford. Il a ensuite décidé de pardonner à Nixon pour d'autres raisons, principalement l'amitié qu'il partageait avec Nixon. Quoi qu’il en soit, les historiens pensent que la controverse a été l’une des principales raisons pour lesquelles Ford a perdu les élections en 1976, une observation avec laquelle Ford était d’accord. Dans un éditorial de l'époque, le New York Times déclarait que la grâce de Nixon était un « acte profondément imprudent, source de division et injuste » qui, d'un seul coup, avait détruit « la crédibilité du nouveau président en tant qu'homme de jugement, de franchise et de compétence ». Le 17 octobre 1974, Ford a témoigné devant le Congrès au sujet de la grâce. Il a été le premier président en exercice depuis Abraham Lincoln à témoigner devant la Chambre des représentants. Dans les mois qui ont suivi la grâce, Ford a souvent refusé de mentionner le nom du président Nixon, le désignant en public comme « mon prédécesseur » ou « l'ancien président ». Lorsque, lors d'un voyage en Californie en 1974, le correspondant de la Maison Blanche, Fred Barnes, a insisté sur la question, Ford a répondu d'une manière étonnamment franche : « Je ne peux tout simplement pas me résoudre à le faire. » Après que Ford ait quitté la Maison Blanche en janvier 1977, l'ancien président a justifié en privé sa grâce accordée à Nixon en portant dans son portefeuille une partie du texte de l'affaire Burdick c. États-Unis, une décision de la Cour suprême des États-Unis de 1915 qui déclarait qu'une grâce indiquait une présomption. de culpabilité, et que l'acceptation d'un pardon équivalait à un aveu de cette culpabilité. En 2001, la John F. Kennedy Library Foundation a décerné le John F. Kennedy Profile in Courage Award à Ford pour sa grâce envers Nixon. En remettant le prix à Ford, le sénateur Edward Kennedy a déclaré qu'il s'était initialement opposé à la grâce de Nixon, mais qu'il avait ensuite décidé que l'histoire avait prouvé que Ford avait pris la bonne décision. Les insoumis et les déserteurs Le 16 septembre, peu après avoir annoncé la grâce de Nixon, Ford a introduit un programme d'amnistie conditionnelle pour les réfractaires à la guerre du Vietnam qui avaient fui vers des pays comme le Canada, et pour les déserteurs militaires, dans la proclamation présidentielle 4313. Les conditions de l'amnistie exigeaient que ces personnes réaffirmer leur allégeance aux États-Unis et servir deux ans dans la fonction publique ou un total de deux ans de service pour ceux qui ont servi moins de deux ans de service honorable dans l'armée. Le programme pour le retour des évadés et des déserteurs militaires de l'ère du retour du Vietnam a établi un Conseil de grâce pour examiner les dossiers et faire des recommandations pour recevoir une grâce présidentielle et un changement de statut de démobilisation militaire. Le pardon complet pour les réfractaires a été accordé sous l'administration Carter. Fonctionnaires administratifs Dès son entrée en fonction, Ford a hérité du cabinet de Nixon. Au cours de la brève administration de Ford, tous les membres ont été remplacés à l'exception du secrétaire d'État Kissinger et du secrétaire au Trésor William E. Simon. La réorganisation spectaculaire de son cabinet par Ford à l'automne 1975 a été qualifiée par les commentateurs politiques de « massacre d'Halloween ». L'un des nommés par Ford, William Coleman, au poste de secrétaire aux Transports, fut le deuxième homme noir à siéger dans un cabinet présidentiel (après Robert C. Weaver) et le premier nommé dans une administration républicaine. Autres postes au niveau du cabinet : *Chef de cabinet de la Maison Blanche **Alexandre Haig (1974) ** Donald Rumsfeld (1974-1975) **Dick Cheney (1975-1977) *Directeur du Bureau de la Gestion et du Budget **Roy Cendre (1974-1975) **James Thomas Lynn (1975-1977) *Représentant commercial des États-Unis **William Denman Eberle (1974-1975) **Frederick B. Dent (1975-1977) *Administrateur de l'Agence de Protection de l'Environnement ** Russell E. Train (1974-1977) *Ambassadeur des États-Unis auprès des Nations Unies ** John A. Scali (1974-1975) **Daniel Patrick Moynihan (1975-1976) **William Scranton (1976-1977) Autres messages importants : *Conseiller à la sécurité nationale des États-Unis **Henry Kissinger (1974-1975) **Brent Scowcroft (1975-1977) *Directeur du renseignement central **William Colby (1974-1976) **George HW Bush (1976-1977) *Attaché de presse **Jerald TerHorst (1974) **Ron Nessen (1974-1977) Ford a choisi George H.W. Bush comme chef du bureau de liaison américain auprès de la République populaire de Chine en 1974, puis comme directeur de la Central Intelligence Agency fin 1975. Le président de transition et premier chef de cabinet de Ford était l'ancien membre du Congrès et ambassadeur Donald Rumsfeld. En 1975, Rumsfeld a été nommé par Ford le plus jeune secrétaire à la Défense de l’histoire. Ford a choisi un jeune homme politique du Wyoming, Richard Cheney, pour remplacer Rumsfeld comme nouveau chef de cabinet ; Cheney est devenu le directeur de campagne de la campagne présidentielle de Ford en 1976. Élections de mi-mandat Les élections de mi-mandat au Congrès de 1974 ont eu lieu moins de trois mois après l’entrée en fonction de Ford et à la suite du scandale du Watergate. Le Parti démocrate a transformé le mécontentement des électeurs en gains importants lors des élections législatives, remportant 49 sièges au Parti républicain, portant ainsi sa majorité à 291 des 435 sièges. C'était un de plus que le nombre nécessaire (290) pour obtenir une majorité des deux tiers, le nombre nécessaire pour passer outre un veto présidentiel ou pour proposer un amendement constitutionnel. Peut-être en partie à cause de ce fait, le 94e Congrès a annulé le pourcentage de veto le plus élevé depuis qu'Andrew Johnson était président des États-Unis (1865-1869). Même l'ancien siège républicain de Ford à la Chambre des représentants a été remporté par un démocrate, Richard Vander Veen, qui a battu Robert VanderLaan. Lors des élections sénatoriales, la majorité démocrate est passée à 61 sièges sur 100 sièges. Politique intérieure Inflation L’économie était une grande préoccupation sous l’administration Ford. L'une des premières mesures prises par le nouveau président fut de s'occuper de l'économie et de créer, par décret du 30 septembre 1974, le Conseil de politique économique. En octobre 1974, en réponse à la hausse de l’inflation, Ford s’est adressé au public américain et lui a demandé de « fouetter l’inflation maintenant ». Dans le cadre de ce programme, il a exhorté les gens à porter des boutons « WIN ». À l’époque, l’inflation était considérée comme la principale menace pour l’économie, plus encore que la montée du chômage ; on pensait que contrôler l’inflation contribuerait à réduire le chômage. Pour maîtriser l'inflation, il était nécessaire de contrôler les dépenses publiques. Pour tenter de concilier service et sacrifice, « WIN » a appelé les Américains à réduire leurs dépenses et leur consommation. Le 4 octobre 1974, Ford a donné un sp

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Qui était le dernier détenu de la prison de Spandau à Berlin ?

Rudolf Hess

La prison de Spandau était située dans le quartier de Spandau, à l'ouest de Berlin. Il a été construit en 1876 et démoli en 1987 après la mort de son dernier prisonnier, Rudolf Hess, pour éviter qu'il ne devienne un sanctuaire néo-nazi. Le site a ensuite été reconstruit en centre commercial pour les forces britanniques stationnées en Allemagne. Histoire La prison de Spandau a été construite en 1876 sur la Wilhelmstraße. Il servait initialement de centre de détention militaire. À partir de 1919, il fut également utilisé pour les détenus civils. Il accueillait alors jusqu'à 600 détenus. Après l'incendie du Reichstag en 1933, des opposants à Hitler et des journalistes comme Egon Kisch et Carl von Ossietzky y furent détenus dans ce qu'on appelle une détention protectrice. La prison de Spandau est devenue une sorte de prédécesseur des camps de concentration nazis. Alors qu'elle était officiellement gérée par le ministère prussien de la Justice, la Gestapo torturait et maltraitait ses détenus, comme le rappelle Egon Erwin Kisch dans ses souvenirs de la prison de Spandau. À la fin de 1933, les premiers camps de concentration nazis étaient érigés (à Dachau, Osthofen, Oranienburg, Sonnenburg, Lichtenburg et dans les camps des marais autour d'Esterwegen) ; tous les prisonniers restants qui étaient détenus dans des prisons d'État en détention dite protectrice ont été transférés dans ces camps de concentration. Après la Seconde Guerre mondiale, il fut exploité par les autorités des quatre puissances pour héberger les criminels de guerre nazis condamnés à la prison lors du procès de Nuremberg. Seuls sept prisonniers y furent finalement incarcérés. Arrivés de Nuremberg le 18 juillet 1947, ils étaient : Sur les sept, trois ont été libérés après avoir purgé l'intégralité de leur peine, tandis que trois autres (dont Raeder et Funk, condamnés à la prison à vie) ont été libérés plus tôt en raison de problèmes de santé. Entre 1966 et 1987, Rudolf Hess était le seul détenu de la prison et son seul compagnon était le directeur, Eugene K. Bird, qui devint un ami proche. Bird a écrit un livre sur l'emprisonnement de Hess intitulé L'homme le plus solitaire du monde. Spandau était l'une des deux seules organisations quadri-puissances à continuer de fonctionner après l'effondrement du Conseil de contrôle allié ; l'autre était le Centre de sécurité aérienne de Berlin. Les quatre puissances occupantes de Berlin ont alterné le contrôle de la prison sur une base mensuelle, chacune ayant la responsabilité d'un total de trois mois par an. L'observation des drapeaux des quatre puissances qui flottaient sur le bâtiment de l'Autorité de contrôle alliée pourrait déterminer qui contrôlait la prison. La prison a été démolie en 1987, en grande partie pour l'empêcher de devenir un sanctuaire néo-nazi, après la mort de son dernier prisonnier, Rudolf Hess, qui avait été le seul occupant de la prison après la libération de Speer et von Schirach en 1966. Pour assurer davantage son effacement, le site a été transformé en un parking et un centre commercial NAAFI, nommé The Britannia Center Spandau et surnommé Hessco's en l'honneur de la célèbre chaîne de supermarchés britannique Tesco. Tous les matériaux de la prison démolie ont été réduits en poudre et dispersés dans la mer du Nord ou enterrés dans l'ancienne base aérienne de la RAF Gatow. En 2013, une seule brique est apparue dans l'émission Antiques Roadshow de la BBC. Depuis 2006, un supermarché Kaiser, ALDI et un magasin d'électronique grand public Media Markt occupaient l'ancien terrain de la prison. Fin 2008, Media Markt a quitté le principal complexe commercial. L'espace est désormais abandonné. En 2011, le nouveau propriétaire, une société de développement, a demandé l'autorisation de démolir le complexe cinématographique du Britannia Centre, utilisé par ALDI. Les contrats avec Kaiser's pour le complexe cinématographique et le complexe commercial ont été résiliés. La prison La prison, initialement conçue pour une population de plusieurs centaines d'habitants, était un vieux bâtiment en brique entouré d'un mur de 4,5 m (15 pi) de hauteur, d'un autre de 9 m (30 pi) et d'un mur de 3 m (10 pi) de hauteur. surmonté de fil électrifié, suivi d'un mur de barbelés. En outre, certains des soixante soldats de garde occupaient 6 tours de garde armées de mitrailleuses 24 heures sur 24. En raison du nombre de cellules disponibles, une cellule vide a été laissée entre les cellules des prisonniers, pour éviter la possibilité que les prisonniers communiquent en code Morse. Les autres cellules restantes de l'aile ont été désignées à d'autres fins, l'une étant utilisée pour la bibliothèque de la prison et l'autre pour une chapelle. Les cellules mesuraient environ 3 mètres (10 pieds) de long sur 2,7 mètres (9 pieds) de large et 4 mètres (13 pieds) de haut. Jardin Le point culminant de la prison, du point de vue des détenus, était le jardin. Très spacieux étant donné le petit nombre de prisonniers qui l'utilisaient, l'espace jardin était initialement divisé en petites parcelles personnelles qui étaient utilisées par chaque prisonnier de diverses manières, généralement pour la culture de légumes. Dönitz favorisait la culture des haricots, des tomates Funk et des marguerites Speer ; cependant, le directeur soviétique a par la suite interdit les fleurs pendant un certain temps. Selon la réglementation, tous les produits devaient être utilisés dans la cuisine de la prison, mais les prisonniers et les gardiens contournaient souvent cette règle et se livraient aux offrandes du jardin. À mesure que les règlements pénitentiaires se sont assouplis et que les prisonniers sont devenus apathiques ou trop malades pour entretenir leurs parcelles, le jardin a été regroupé en une seule grande zone exploitable. Cela convenait à l'ancien architecte Speer, qui, étant l'un des détenus les plus jeunes et les plus vivants, se chargea plus tard de transformer l'ensemble du terrain en un grand jardin complexe, doté d'allées, de rocailles et de compositions florales. Les jours sans accès au jardin, par exemple lorsqu'il pleuvait, les prisonniers passaient leur temps à confectionner ensemble des enveloppes dans le couloir principal. Controverse Les puissances alliées ont initialement réquisitionné la prison en novembre 1946, espérant qu'elle pourrait accueillir une centaine de criminels de guerre ou plus. Outre la soixantaine de soldats en service à l'intérieur ou aux alentours de la prison, il y avait des équipes de gardiens civils professionnels de chacun des quatre pays, quatre directeurs de prison et leurs adjoints, quatre médecins militaires, des cuisiniers, des traducteurs, des serveurs, porteurs et autres. Cela a été perçu comme une mauvaise répartition des ressources et est devenu un sérieux sujet de discorde entre les directeurs de prison, les hommes politiques de leurs pays respectifs et, en particulier, le gouvernement de Berlin-Ouest, qui a dû payer la facture de Spandau tout en souffrant d'un manque d'espace dans ses locaux. leur propre système pénitentiaire. Le débat autour de l’emprisonnement des sept criminels de guerre dans un espace aussi vaste, avec un personnel complémentaire aussi nombreux et coûteux, n’a fait que s’intensifier au fil du temps et des libérations des prisonniers. L'acrimonie a atteint son paroxysme après la libération de Speer et Schirach en 1966, ne laissant qu'un seul détenu, Hess, dans une prison par ailleurs sous-utilisée. Diverses propositions ont été faites pour remédier à cette situation, allant du transfert des prisonniers dans une aile de taille appropriée d'une autre prison plus grande et occupée, jusqu'à leur libération ; l'assignation à résidence a également été envisagée. Néanmoins, une « ordonnance d'interdiction » officielle est entrée en vigueur, interdisant l'approche des prisonniers non installés ; et ainsi, la prison est restée exclusivement réservée aux sept criminels de guerre pour le reste de son existence. La vie en prison Règlement pénitentiaire Chaque aspect de la vie en prison était strictement défini par un système complexe de réglementation pénitentiaire conçu avant l'arrivée des prisonniers par les quatre puissances : la France, la Grande-Bretagne, l'Union soviétique et les États-Unis. Comparées aux autres règlements pénitentiaires en vigueur à l'époque, les règles de Spandau étaient assez strictes. Les lettres des prisonniers aux familles étaient d'abord limitées à une page par mois, il était interdit de parler avec les codétenus, les journaux étaient interdits, les journaux et les mémoires étaient interdits, les visites des familles étaient limitées à une visite de quinze minutes tous les deux mois et les lumières ont été projetés dans les cellules des prisonniers toutes les quinze minutes pendant la nuit en guise de surveillance anti-suicide. Une partie considérable des réglementations les plus strictes ont ensuite été révisées pour les rendre plus clémentes ou délibérément ignorées par le personnel pénitentiaire. Les directeurs et les gardiens des puissances occidentales (France, Grande-Bretagne et États-Unis) ont exprimé à plusieurs reprises leur opposition à bon nombre des mesures les plus strictes et ont protesté quasiment constamment à leur sujet auprès de leurs supérieurs tout au long de l'existence de la prison, mais ils se sont toujours heurtés au veto du gouvernement. Union soviétique, qui privilégiait une approche plus dure. L'Union soviétique, qui a subi 19 millions de morts civiles pendant la guerre et qui avait insisté lors du procès de Nuremberg pour que tous les détenus actuels soient exécutés, n'était pas disposée à faire de compromis avec les puissances occidentales à cet égard, à la fois en raison des sanctions plus sévères qu'elles ressentaient était justifiée, et pour souligner la ligne de propagande communiste selon laquelle les puissances capitalistes n'auraient jamais pris au sérieux la dénazification. Cela contrastait avec la prison de Werl, qui abritait des centaines d'anciens officiers et d'autres hommes nazis de rang inférieur qui étaient soumis à un régime relativement laxiste. Les commentateurs occidentaux ont accusé les Russes de maintenir la prison de Spandau en activité principalement comme centre d'opérations d'espionnage soviétique. La vie quotidienne Chaque jour, les prisonniers devaient se lever à 6 heures du matin, se laver, nettoyer ensemble leur cellule et le couloir, prendre leur petit-déjeuner, rester dans le jardin jusqu'à l'heure du déjeuner à midi (si le temps le permet), se reposer après le déjeuner dans leur cellules, puis retournez au jardin. Le dîner a suivi à 17 heures, après quoi les prisonniers ont été ramenés dans leurs cellules. L'extinction des lumières s'est produite à 22 heures. Les détenus recevaient un rasage et une coupe de cheveux, si nécessaire, tous les lundis, mercredis et vendredis ; ils faisaient leur propre lessive tous les lundis. Cette routine, à l'exception du temps passé dans le jardin, a très peu changé au fil des années, bien que chacune des nations contrôlantes ait fait sa propre interprétation des règlements de la prison. Quelques années après leur arrivée à la prison, toutes sortes de lignes de communication illicites avec le monde extérieur ont été ouvertes aux détenus par un personnel sympathique. Ces lignes supplémentaires étaient exemptes de la censure imposée aux communications autorisées et étaient également d'un volume pratiquement illimité, passant habituellement le dimanche ou le jeudi (sauf pendant les périodes de verrouillage total des échanges). Chaque morceau de papier remis aux prisonniers était enregistré et suivi ; ainsi, les notes secrètes étaient le plus souvent rédigées par d'autres moyens, l'approvisionnement restant officiellement sans surveillance pendant toute la durée de l'existence de la prison. De nombreux détenus en ont pleinement profité. Albert Speer, après que sa demande officielle d'écrire ses mémoires ait été refusée, a finalement commencé à exposer ses expériences et ses perspectives de son temps avec le régime nazi, qui ont été sorties clandestinement puis publiées sous la forme d'un livre à succès, Inside the Third Reich. Dönitz a écrit des lettres à son ancien adjoint concernant la protection de son prestige à l'extérieur. À l'approche de sa libération, il a donné des instructions à sa femme sur la meilleure façon de faciliter sa transition vers la politique, ce qu'il avait prévu, mais n'a jamais réellement réalisé. Walther Funk a réussi à obtenir un approvisionnement apparemment constant de cognac (tout alcool était interdit) et d'autres friandises qu'il partageait avec d'autres prisonniers lors d'occasions spéciales. Tous les prisonniers craignaient les mois pendant lesquels les Soviétiques prenaient le commandement ; les Russes étaient beaucoup plus stricts dans leur application des règlements carcéraux et proposaient des repas de moins bonne qualité. Chaque nation aux commandes amènerait son propre chef ; pendant les mois américains, français et britanniques, les prisonniers étaient mieux nourris que ne l'exigeaient les règlements. Les Soviétiques, en revanche, proposeraient un régime alimentaire inchangé composé de café, de pain, de soupe et de pommes de terre. Cette rigidité était principalement due au directeur soviétique très détesté, qui faisait perpétuellement respecter ces mesures et que les gardes russes et occidentaux craignaient et méprisaient. Jusqu'au départ soudain de ce directeur au début des années 1960, le « mois soviétique » était redouté. Par la suite, les choses, y compris l’alimentation, ont été améliorées. Les Sept de Spandau Les prisonniers, toujours soumis aux petites rivalités personnelles et aux luttes de prestige qui caractérisaient la politique des partis nazis, se divisèrent en groupes : Albert Speer et Rudolf Hess étaient les solitaires, généralement détestés par les autres – le premier pour son aveu de culpabilité et son rejet de Hitler au procès de Nuremberg, ce dernier pour sa personnalité antisociale et son instabilité mentale perçue. Les deux anciens grands amiraux, Erich Raeder et Karl Dönitz, sont restés ensemble malgré leur vive antipathie mutuelle. Cette situation s'est produite lorsque Dönitz a remplacé Raeder au poste de commandant en chef de la marine allemande en 1943. Baldur von Schirach et Walther Funk étaient décrits comme « inséparables ». Konstantin von Neurath était, en tant qu'ancien diplomate, aimable et disposé envers tous les autres. Malgré le temps passé ensemble, très peu de progrès ont été réalisés sur la voie de la réconciliation. Un exemple notable était l'aversion de Dönitz à l'égard du maintien constant de Speer pendant toute sa peine de dix ans, qui n'a atteint son paroxysme qu'au cours des derniers jours de son emprisonnement. Dönitz a toujours cru qu'Hitler l'avait nommé son successeur en raison de la recommandation de Speer, ce qui avait conduit à son procès à Nuremberg (Speer a toujours nié cela). Il existe une collection de rapports médicaux sur Baldur von Schirach, Albert Speer et Rudolf Hess pendant leur détention à Spandau. Albert Speer Les détenus se voyaient attribuer des numéros correspondant à l'ordre dans lequel ils avaient été assignés pour la première fois à leurs cellules et étaient, selon le règlement, désignés uniquement par leur numéro. Speer, numéro cinq, était le plus ambitieux des prisonniers, se consacrant à un régime de travail physique et mental rigoureux, puis planifiant des « vacances » de deux semaines tous les quelques mois où il se soulageait de la routine qu'il s'était imposée. Il a secrètement écrit deux livres, un brouillon de ses mémoires intitulé Inside the Third Reich et un recueil de notes de journal, Spandau : The Secret Diaries. Speer s'est également occupé de travaux architecturaux, concevant une résidence d'été californienne pour un gardien. Il faisait fréquemment des « tours du monde à pied » en commandant des livres de géographie et de voyage à la bibliothèque locale et en faisant des tours dans le jardin de la prison pour visualiser son voyage. Méticuleusement calculé, il a « parcouru » plus de 24 000 km avant sa libération. Erich Raeder et Karl Dönitz « L'Amirauté », comme les autres prisonniers appelaient Dönitz et Raeder, étaient souvent réunis en équipe pour diverses tâches. Raeder, amateur de systèmes et d'organisations rigides, se désigna comme bibliothécaire en chef de la bibliothèque de la prison, avec Dönitz comme assistant. Les deux hommes se sont souvent tenus à l'écart des autres prisonniers, Dönitz affirmant pendant ses dix années de prison qu'il était toujours le chef légitime de l'État allemand, et Raeder méprisant l'insolence et le manque de discipline endémiques de ses camarades de prison non militaires. . Bien qu'ils préféraient rester ensemble, les deux hommes poursuivirent leur querelle de guerre et se disputèrent la plupart du temps pour savoir si les cuirassés de Raeder ou les sous-marins de Dönitz étaient responsables de la « perte » de la guerre. Après la libération de Dönitz en 1956, il écrivit deux livres, un sur ses débuts, My Ever-Changing Life, et un sur sa période en tant qu'amiral, Ten Years and Twenty Days. Raeder, en mauvaise santé et apparemment proche de la mort, fut libéré en 1955 et mourut en 1960. Rudolf Hess Rudolf Hess, condamné à perpétuité mais non libéré en raison de problèmes de santé comme Raeder, Funk ou Neurath, purgeait la peine la plus longue sur sept et était de loin le plus exigeant des prisonniers. Considéré comme « l'homme le plus paresseux de Spandau », Hess évitait tout travail qu'il considérait comme indigne de sa dignité, comme arracher les mauvaises herbes. Il était le seul des sept à ne jamais assister au service religieux dominical de la prison. Hypocondriaque paranoïaque, il se plaignait à plusieurs reprises de toutes formes de maladies, principalement de douleurs à l'estomac, et se méfiait de toute nourriture qui lui était donnée, prenant toujours le plat le plus éloigné de lui pour éviter d'être empoisonné. Ses douleurs à l'estomac provoquaient souvent des gémissements et des cris de douleur sauvages et excessifs tout au long de la journée et de la nuit et leur authenticité faisait à plusieurs reprises l'objet de débats entre les prisonniers et les directeurs de la prison. Raeder, Dönitz et Schirach méprisaient ce comportement et le considéraient comme un appel à l'attention ou comme un moyen d'éviter le travail. Speer et Funk, parfaitement conscients de la nature psychosomatique probable de la maladie, se montrèrent plus accommodants avec Hess. Speer, dans un geste qui suscitait la colère de ses codétenus, s'occupait souvent des besoins de Hess, lui apportant son manteau quand il avait froid et venant à sa défense lorsqu'un directeur ou un gardien tentait de faire sortir Hess du lit et de le faire entrer. travail. Hess pleurait parfois de douleur la nuit, affectant le sommeil des autres prisonniers. Le médecin de la prison injectait à Hess ce qui était décrit comme un « sédatif » mais qui était en réalité de l'eau distillée et réussissait à endormir Hess. Le fait que Hess s'est soustrait à plusieurs reprises aux devoirs que les autres devaient assumer et a reçu d'autres traitements préférentiels en raison de sa maladie, a irrité les autres prisonniers et lui a valu le titre de « Sa Seigneurie emprisonnée » par les amiraux. Hess était également unique parmi les prisonniers dans la mesure où, pour des raisons de dignité, il a refusé tous les visiteurs pendant plus de vingt ans, consentant finalement à voir son fils et sa femme adultes depuis longtemps en 1969 après avoir souffert d'un ulcère perforé qui a nécessité son traitement. dans un hôpital à l'extérieur de la prison. Craignant pour sa santé mentale, maintenant qu'il était le seul détenu restant et que sa mort était imminente, les directeurs de la prison ont accepté d'assouplir la plupart des réglementations restantes, déplaçant Hess dans l'ancien espace plus spacieux de la chapelle, lui donnant un chauffe-eau pour permettre de lui préparer du thé ou du café quand il le souhaitait et déverrouiller définitivement sa cellule afin qu'il puisse accéder librement aux sanitaires et à la bibliothèque de la prison. Hess était fréquemment déplacé de pièce en pièce chaque nuit pour des raisons de sécurité. Il était souvent emmené au BMH (British Military Hospital), non loin de la prison de Spandau, où tout le deuxième étage de l'hôpital était bloqué pour lui. Il a continué à être sous haute surveillance pendant son séjour à l'hôpital. La sécurité du quartier était assurée par des soldats, notamment du personnel de protection rapprochée de la Police militaire royale (RMP). La sécurité extérieure était assurée par l'un des bataillons d'infanterie britanniques alors stationnés à Berlin. Dans certaines occasions inhabituelles, les Russes assouplirent leurs réglementations strictes ; pendant ces périodes, Hess était autorisé à passer plus de temps dans le jardin de la prison, et l'un des gardiens des superpuissances emmenait Hess hors de la prison pour une promenade et parfois pour un dîner. Dans la culture populaire * La prison présentée dans le film Wild Geese II de 1985, sur un groupe fictif de mercenaires chargés de kidnapper Rudolf Hess (joué par Laurence Olivier). * Le groupe britannique Spandau Ballet doit son nom à un ami du groupe, le journaliste et DJ Robert Elms, qui a vu le nom « Spandau Ballet » griffonné sur le mur des toilettes d'une discothèque lors d'une visite à Berlin. Ce graffiti d'humour de potence fait référence à la méthode standard de pendaison à la prison de Spandau, lorsque le condamné se contractait et sautait au bout d'une corde. * Le livre Spandau Phoenix de Greg Iles est un récit fictif de Rudolph Hess et de la prison de Spandau. *The Novak Legacy de John Douglas-Gray est un thriller fictif qui commence avec le meurtre de Hess à Spandau.

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Dans les années 80, qui a écrit le roman L'Empire du Soleil ?

J. G. Ballard

Empire of the Sun est un duo de musique électronique australien de Sydney, formé en 2007. Le groupe est une collaboration entre Luke Steele du groupe de rock alternatif The Sleepy Jackson et Nick Littlemore du groupe de danse électronique Pnau. Leur premier album de 2008, Walking on a Dream, a apporté au duo un succès international et a été certifié double platine en Australie et or au Royaume-Uni (UK). L'album a fourni un certain nombre de singles dans les charts internationaux, dont "Walking on a Dream" qui a culminé à la dixième place du classement australien des singles ARIA et a atteint le numéro soixante-quatre du UK Singles Chart, et "We Are the People", qui a culminé au numéro 1. quatorze sur le UK Singles Chart. Le deuxième album du duo, Ice on the Dune, est sorti en juin 2013, précédé du premier single "Alive" le 16 avril. Le groupe est signé chez EMI/Virgin. Un groupe live, dirigé par Steele, s'est produit à l'échelle internationale et est connu pour son apparence flamboyante et ses décors élaborés. Le duo a remporté de nombreux prix de musique australiens. Histoire 2007-08 : Formation Luke Steele et Nick Littlemore se sont rencontrés en 2000 après avoir été présentés par Simon Moor, directeur A&R de Steele, dans un bar de Sydney. Tous deux étaient à l'époque signés chez EMI et travaillaient déjà sur différents projets. Au cours des années qui suivirent, les deux hommes collaborèrent à plusieurs reprises. Littlemore a aidé à écrire la chanson "Tell the Girls That I'm Not Hangin' Out", qui est apparue sur le premier album de The Sleepy Jackson en 2003, Lovers, et Steele a apporté une contribution artistique au projet art-rock de Littlemore en 2006, Teenager. Après une dispute sur la chanson sur Lovers, la coopération a cessé pendant un certain temps, Littlemore commentant "Je suis une personne très intense et je prends les choses à cœur". Les deux se sont réunis de nouveau en 2006 pour travailler sur deux chansons de l'album Pnau sorti fin 2007. Ils ont collaboré sur les morceaux "Freedom" et l'ouverture "With You Forever" où Steele a fourni le chant. Cela a incité un changement de direction pour le groupe qui a commencé à créer un album plus centré sur la voix avec des performances d'invités. Une analyse piste par piste de l'album Pnau a révélé que l'écriture de "With You Forever" avec Luke Steele a inspiré le groupe de Littlemore à commencer à travailler sur un projet collaboratif. Littlemore a déclaré: "Nous sommes de nouveau tombés amoureux de la musique avec [With You Forever] ; je pense que c'est la première grande chanson de [Pnau]." La libération de Pnau a suscité l'intérêt d'Elton John, qui a signé Littlemore dans sa société de gestion. Le nouveau projet a commencé à se développer sous le titre provisoire de "Steelemore" en tant que collaboration entre Steele et Littlemore, avec le partenaire de Pnau, Peter Mayes, répertorié comme producteur et co-scénariste occasionnel. Comme Steele vivait à Perth et Littlemore était à Sydney, les deux passèrent du temps à écrire des chansons séparément tout en se réunissant occasionnellement à Sydney pour décider de la direction et du style musicaux. Lorsqu'ils eurent accumulé suffisamment de matériel, Mayes et le duo commencèrent à enregistrer l'album tout au long de 2007 avec l'aide de Jonathan Sloan. 2008 : Marcher sur un rêve Alors que le disque avait été en grande partie enregistré et mixé, l'album éponyme Pnau a pris la priorité pour Littlemore et Mayes au premier semestre 2008. Le duo a sorti la chanson titre "Walking on a Dream" en prévision de la sortie de l'album. Il est apparu au format numérique le 30 août 2008, a été diffusé à la radio australienne et a atteint la dixième place du classement australien des singles ARIA. Un deuxième single, intitulé "We Are the People", est sorti le 30 septembre et a culminé au numéro vingt-quatre en Australie. L'album Walking on a Dream est apparu le 3 octobre 2008 et a fait ses débuts au huitième rang des classements ARIA Albums Charts, culminant au sixième rang. Le duo s'est lancé dans une tournée promotionnelle internationale pour soutenir l'album sorti en Europe en février/mars 2009, suivi d'une sortie nord-américaine en avril de la même année. Alors que le projet avait initialement été conçu uniquement en studio, le succès croissant a amené « un public [vers lequel] nous nous sentions le devoir d'être bons envers eux ». À leur retour en Australie, Steele a commencé à préparer les débuts live du groupe au Parklife Festival en septembre/octobre 2009. Les trois spectacles en tête d'affiche, décrits comme une « surcharge visuelle [où] des graphismes géants nageaient et tournaient sur la scène comme des costumes costumés ». les danseurs se tordaient au rythme et Steele sur un piédestal sur scène, [portant] un gigantesque casque métallique et sa robe habituelle 'Ming The Merciless'". Un troisième single, "Standing on the Shore" est sorti en juin 2009 tandis qu'une version remixée "Without You" est sortie comme quatrième single de l'album en septembre suivant. Littlemore a décidé de ne plus jouer avec le groupe en live, citant "J'ai toujours pensé qu'une fois que vous avez enregistré un disque, il ne vous appartient plus". Steele a donné l'impression que son partenaire avait quitté le groupe en septembre 2009, cependant, Littlemore a refait surface le mois suivant, citant son travail de production et un projet avec le Cirque du Soleil comme raison du manque de communication. Il partageait son temps entre le Royaume-Uni et Montréal tout en travaillant sur d'autres engagements créatifs. Steele a continué à se produire en live avec le groupe lors de plusieurs événements en plein air en Australie. Vers la fin de l'année 2009, le groupe a reçu de nombreux ARIA Awards pour Walking on a Dream, dont celui du meilleur album de l'année. Le groupe s'est produit en tant que co-tête d'affiche lors de la tournée Future Music Festival en Australie en février/mars 2010. Le groupe a fait ses débuts internationaux au Vivo Latino Festival à Mexico en avril de la même année. Ils ont déménagé en Europe pour la saison des festivals d'été où ils se sont produits entre autres à Glastonbury et Rock Werchter. Le groupe a fait ses débuts américains au festival Lollapalooza. En octobre 2010, "We Are the People" a été utilisé comme bande originale pour une publicité télévisée de Vodafone en Allemagne et a ensuite dominé le classement des singles allemands. En novembre 2010, Littlemore a indiqué qu'il avait « parlé à Luke (Steele) l'autre jour ; nous faisons un nouvel album. Nous avons déjà écrit quelques morceaux. Vous savez quand c'est juste, je suppose ». En juillet 2011, Littlemore a annoncé que le groupe était entré en studio fin juin pour commencer à travailler sur un deuxième album d'Empire of the Sun, tout en confirmant qu'il "rejoindrait cette fois, se réunirait et tournerait". Alors que l'enregistrement se poursuivait, Littlemore a continué à avoir des engagements liés à Pnau, sortant l'album Soft Universe en 2011 et l'album de remix d'Elton John Good Morning to the Night en 2012. 2013-présent : Glace sur la dune Pendant une grande partie de 2012, le duo et leurs collaborateurs ont passé du temps à enregistrer du matériel pendant que Steele et le groupe se retiraient des tournées. Le 11 mars 2013, le groupe a dévoilé une bande-annonce de son deuxième album intitulé Ice on the Dune réalisé par J.D. Dillard et a confirmé la date de sortie comme juin 2013. Le premier single "Alive" est sorti le 16 avril et le même jour, le L'album a été mis à disposition en précommande sur iTunes. Le single connaît un succès modéré en Australie et en Europe. Le 18 avril 2013, les frères Farrelly ont annoncé que le groupe composerait Dumb and Dumber To. Ice on the Dune est sorti le 14 juin 2013 en Australie et en Nouvelle-Zélande. Steele a attiré l'attention des médias mondiaux à la suite d'une interview qu'il a réalisée avec la publication musicale NME en août 2013 au Festival Sziget à Budapest. Au cours de l'interview, Steele a comparé Ice on the Dune avec l'album Random Access Memories de Daft Punk en 2013, déclarant : "Ils ont eu une excellente campagne marketing, mais nous avons de meilleures chansons." En 2014, le groupe s'est produit au Festival de Coachella, en tête d'affiche de la Sahara Tent. "Alive" a été utilisé dans la vidéo d'introduction de Google I/O 2013. Il a également été diffusé dans la vidéo d'introduction du nouveau Yahoo! logo le 5 septembre 2013, diffusé au générique de fin du film Paranoia de 2013 et présenté dans le film Dumb and Dumber To. "Alive" figurait également sur la bande originale du jeu EA Sports, FIFA 14. En décembre 2014, Empire of the Sun a sorti deux chansons, "Tonight" et "Wandering Star", écrites pour le film des frères Farrelly, Dumb and Dumber To. Le 21 mars 2015, le groupe s'est produit au Cumbre Tajín 2015 à Veracruz, au Mexique. Le 30 décembre 2015, Empire of the Sun a annoncé la sortie d'un nouvel album en 2016 sur sa page Facebook. En janvier 2016, la chanson titre de l'album 2008 du groupe, « Walking on a Dream », a été présentée dans une publicité nationale intitulée « The Dreamer » aux États-Unis pour le constructeur automobile japonais Honda afin de promouvoir la Honda Civic 2016. La chanson a finalement conduit le groupe à une percée dans les charts américains, culminant au numéro 3 des charts de musique alternative de Billboard, en tête des charts de musique dance et culminant à la 40e place du classement Mainstream Top 40. Nom Bien que le nom du projet ait été attribué au roman du même nom de 1984 de J. G. Ballard, Littlemore a nié cela et propose une explication en disant : « le nom vient davantage de l'idée de (et vous le verrez dans le projet en cours) vidéos) le fait que nous voyageons à travers le monde en visitant tous les lieux des empires de la civilisation où le soleil a été un thème de culte. Ce n'est pas basé sur le roman de Ballard ni sur le film de Spielberg du même nom". Style Le groupe utilise des décors et une coiffure élaborés, qui reflètent l'expérience du duo dans les arts visuels. Littlemore a expliqué que "nous avons vu la Montagne sacrée d'Alejandro Jodorowsky et cela a influencé la façon dont nous pouvions penser à la visualisation". Il a toutefois souligné que l’inspiration provenait de diverses sources. Prix ​​​​et distinctions Au Royaume-Uni, ils ont atteint la quatrième position dans le sondage Sound of 2009 du site Web BBC News. Empire of the Sun est apparu pour la première fois dans un Triple J Hottest 100 avec deux entrées dans le compte à rebours de 2008 : « We Are the People » au numéro soixante-huit et « Walking on a Dream » au numéro quatre. "Walking on a Dream" a été nominée "Chanson de l'année" aux prix 2009 de l'Australian Performing Rights Association. Empire of the Sun a été nominé pour six prix aux ARIA Awards 2009. Ils ont été nominés pour l'album de l'année, le single de l'année, le meilleur groupe, la meilleure sortie pop, le single le plus vendu et l'album le plus vendu, remportant tous les prix sauf celui de la meilleure vente. Steele a également interprété "Walking on a Dream" lors de l'événement. Empire of the Sun a également reçu cinq nominations supplémentaires - Producteur de l'année, Ingénieur de l'année, Meilleure vidéo et Meilleure pochette - dans le cadre de la section Artisan Awards des ARIA Awards 2009, et a remporté tous ces prix sauf deux. Discographie Albums studios Simple Faces B Autres apparitions Remixes Vidéos musicales Récompenses et nominations Prix ​​ARIA Les nominations aux ARIA Music Awards 2009 ont été annoncées le 8 octobre 2009. Empire of the Sun a reçu le plus grand nombre de nominations parmi tous les artistes,[http://www.walkingonadream.com/blog/aria_noms MARCHER SUR UN RÊVE AVEC 11 NOMINATIONS ARIA ! avec un total de onze. Les gagnants ont été annoncés le 26 novembre 2009, Empire of the Sun gagnant dans sept catégories. Les nominations pour les ARIA Music Awards de 2010 ont été annoncées le 28 septembre 2010 et les gagnants ont été annoncés le 7 novembre 2010. Les nominés finaux pour les ARIA Music Awards de 2013 ont été annoncés le 14 octobre, ainsi que les nominés et les gagnants pour le Prix ​​des Beaux-Arts et Prix des Artisans. |- | envergure de ligne "11" | 2009 || envergure "2" | Marcher sur un rêve || Album de l'année || |- | Album le plus vendu || |- | durée de ligne="3" | "Marcher sur un rêve" || Single de l'année || |- | Single le plus vendu || |- | durée de ligne="2" | Meilleure vidéo (réalisée par Josh Logue pour Mathematics www.xy-1.com) || |- | "Nous sommes le peuple" || |- | durée de ligne="2" | Empire du Soleil || Meilleur groupe || |- | Meilleure sortie pop || |- | Empire du Soleil et Donnie Sloan avec Peter Mayes || Producteur de l'année || |- | Aaron Hayward et David Homer de Debaser || Meilleure pochette || |- | Peter Mayes || Ingénieur de l'année || |- | durée de ligne="3" | 2010 || "En berne" || Meilleure sortie pop || |- | Marcher sur un rêve || Album australien le plus populaire (voté par les fans) || |- | Bande originale d'Accidents Happen – Luke Steele, L'Empire du Soleil et le Moyen-Orient || Meilleur album de bande originale/casting/spectacle (Prix des Beaux-Arts) || |- | envergure de ligne "5" | 2013 || envergure "2" | Empire du Soleil – Glace sur la Dune || Meilleur groupe || |- | Meilleure sortie pop || |- | Aaron Hayward et David Homer (Debaser) || Meilleure pochette || |- | Peter Mayes || Ingénieur de l'année || |- | Luke Steele, Nick Littlemore, Peter Mayes et Jonathan Sloan || Producteur de l'année || Prix ​​APRA Les prix APRA sont décernés chaque année depuis 1982 par l'Australasian Performing Right Association (APRA). |- | durée de ligne="3" | 2010 || "Nous sommes le peuple" || Chanson de l'année || |- | Luke Steele, Jonathon Sloan, Nick Littlemore – Empire du Soleil || Auteur-compositeur révolutionnaire de l'année || |- | "Marcher sur un rêve" || Œuvre de danse de l'année || Membres du groupe de performances live * Luke Steele – chant, guitares, claviers * Ian Ball – guitare * Olly Peacock – batterie *Tony Mitolo – batterie (2008-2015) *Surahn Sidhu – guitare, basse, chant (2008-2015)

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Dans quel pays se trouve l'aéroport international de Kagoshima ?

Japon

est un aéroport situé à Kirishima, dans la préfecture de Kagoshima, au Japon, au nord-est de la gare de Kagoshima-Chūō dans la ville de Kagoshima. Il s'agit du deuxième aéroport le plus fréquenté de Kyushu après l'aéroport de Fukuoka. Japan Air Commuter, une filiale régionale de Japan Airlines, a son siège social à l'aéroport. Histoire L'aéroport a ouvert ses portes en 1972, remplaçant un ancien aérodrome de la marine impériale japonaise dans la région de Kamoike, près du centre-ville, qui servait d'aéroport principal de la ville depuis 1957. Le site de l'ancien aéroport a été réaménagé en « nouvelle ville » avec des immeubles de bureaux et des projets de logements à haute densité, et abrite aujourd'hui, entre autres bâtiments, le bureau du gouvernement de la préfecture de Kagoshima. La piste de l'aéroport avait une longueur initiale de 2 500 m, qui a été étendue à 3 000 m en 1980. Un terminal international a ouvert ses portes en 1982 et un terminal de fret en 1987. Air Niugini, Cathay Pacific Airways, China Airlines et Nauru Airlines ont assuré un service international vers Kagoshima des années 1970 aux années 1980, et JAL a exploité une route vers Singapour via Hong Kong et Bangkok dans les années 1980. Kagoshima a servi de destination du dernier vol programmé du NAMC YS-11 en 2006. Installations Le terminal domestique de Kagoshima compte neuf portes. ANA et JAL exploitent toutes deux des salons dans le terminal. Le terminal international a une seule porte. Compagnies aériennes et destinations Passager

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Où au Canada se trouve le pont Lion's Gate?

Vancouver

Le Canada (; français :) est un pays situé dans la moitié nord de l'Amérique du Nord. Ses dix provinces et trois territoires s'étendent de l'Atlantique au Pacifique et vers le nord jusqu'à l'océan Arctique, ce qui en fait le deuxième plus grand pays du monde en termes de superficie totale et le quatrième plus grand pays en termes de superficie. La frontière du Canada avec les États-Unis est la plus longue frontière terrestre du monde. Le Canada est peu peuplé, la majorité de son territoire terrestre étant dominée par la forêt, la toundra et les montagnes Rocheuses ; environ les quatre cinquièmes de la population du pays, soit 35 millions d'habitants, vivent près de la frontière sud. La majorité du Canada a un climat hivernal froid ou très froid, mais les régions du sud sont chaudes en été. Le Canada est habité depuis des millénaires par divers peuples autochtones. À partir des XVe et XVIe siècles, des revendications britanniques et françaises ont été formulées sur la région, la colonie du Canada étant établie pour la première fois par les Français en 1537. À la suite de divers conflits, le Royaume-Uni a gagné et perdu des territoires en Amérique du Nord britannique. jusqu'à ce qu'il soit laissé, à la fin du XVIIIe siècle, avec ce qui constitue essentiellement géographiquement le Canada aujourd'hui. Conformément à l'Acte de l'Amérique du Nord britannique, le 1er juillet 1867, les colonies du Canada, du Nouveau-Brunswick et de la Nouvelle-Écosse se sont jointes pour former le Dominion fédéral semi-autonome du Canada. Cela a commencé une accrétion de provinces et de territoires au sein du Dominion, pour la plupart autonome, jusqu'aux dix provinces et trois territoires actuels qui forment le Canada moderne. En 1931, le Canada a obtenu une indépendance presque totale du Royaume-Uni avec le Statut de Westminster de 1931, et la pleine souveraineté a été atteinte lorsque la Loi sur le Canada de 1982 a supprimé les derniers liens de dépendance juridique envers le Parlement du Royaume-Uni. Le Canada est une démocratie parlementaire fédérale et une monarchie constitutionnelle, avec la reine Elizabeth II comme chef de l'État. Le pays est officiellement bilingue au niveau fédéral. C'est l'une des nations les plus diversifiées sur le plan ethnique et multiculturelle au monde, fruit d'une immigration à grande échelle en provenance de nombreux autres pays. Son économie avancée est la onzième au monde et repose principalement sur ses abondantes ressources naturelles et ses réseaux commerciaux internationaux bien développés. Les relations longues et complexes du Canada avec les États-Unis ont eu un impact significatif sur son économie et sa culture. Le Canada est un pays développé et possède le dixième revenu nominal par habitant le plus élevé au monde ainsi que le neuvième rang en termes d'indice de développement humain. Il se classe parmi les plus élevés dans les mesures internationales de transparence gouvernementale, de libertés civiles, de qualité de vie, de liberté économique et d’éducation. Le Canada est un membre du Commonwealth du Commonwealth des Nations, un membre de la Francophonie et fait partie de plusieurs institutions ou groupements internationaux et intergouvernementaux majeurs, notamment les Nations Unies, l'Organisation du Traité de l'Atlantique Nord, le G8, le Groupe des Dix, le G20. , l'Accord de libre-échange nord-américain et le forum de coopération économique Asie-Pacifique. Étymologie Bien que diverses théories aient été avancées sur les origines étymologiques du Canada, le nom est maintenant accepté comme venant du mot iroquoien du Saint-Laurent kanata, qui signifie « village » ou « établissement ». En 1535, les habitants autochtones de la région actuelle de Québec utilisèrent ce mot pour diriger l'explorateur français Jacques Cartier vers le village de Stadacona. Cartier utilisa plus tard le mot Canada pour désigner non seulement ce village particulier, mais toute la région soumise à Donnacona (le chef de Stadacona) ; dès 1545, les livres et cartes européens commençaient à désigner cette petite région située le long du fleuve Saint-Laurent sous le nom de Canada. Du XVIe au début du XVIIIe siècle, le « Canada » désignait la partie de la Nouvelle-France située le long du fleuve Saint-Laurent. En 1791, la région est devenue deux colonies britanniques appelées Haut-Canada et Bas-Canada collectivement appelées Les Canadas ; jusqu'à leur union sous le nom de Province britannique du Canada en 1841. Lors de la Confédération en 1867, Canada fut adopté comme nom légal du nouveau pays, et le mot Dominion fut conféré comme titre du pays. La transition vers l'abandon de l'utilisation de Dominion s'est officiellement reflétée en 1982 avec l'adoption de la Loi sur le Canada, qui fait référence uniquement au Canada. Plus tard cette année-là, la fête nationale a été rebaptisée Fête du Dominion en Fête du Canada. Le terme Dominion est également utilisé pour distinguer le gouvernement fédéral des provinces, même si, après la Seconde Guerre mondiale, le terme fédéral a remplacé celui de dominion. Histoire peuples autochtones Les peuples autochtones du Canada actuel comprennent les Premières Nations, les Inuits et les Métis, ces derniers étant un peuple métis né au milieu du XVIIe siècle, lorsque les Premières Nations et les Inuits ont épousé des colons européens. Les premiers habitants de l'Amérique du Nord ont émigré de Sibérie via le pont terrestre de Béring et sont arrivés il y a au moins 15 000 ans, bien que de plus en plus de preuves suggèrent une arrivée encore plus précoce. Les sites archéologiques paléo-indiens d'Old Crow Flats et de Bluefish Caves sont deux des plus anciens sites d'habitation humaine au Canada. Les caractéristiques des sociétés autochtones canadiennes comprenaient les établissements permanents, l'agriculture, les hiérarchies sociétales complexes et les réseaux commerciaux. Certaines de ces cultures s'étaient effondrées au moment de l'arrivée des explorateurs européens à la fin du XVe et au début du XVIe siècle et n'ont été découvertes que grâce à des recherches archéologiques. La population autochtone au moment des premiers établissements européens était estimée entre 200 000 et deux millions, le chiffre de 500 000 étant accepté par la Commission royale sur les peuples autochtones du Canada. À la suite du contact avec les maladies européennes, les peuples autochtones du Canada ont souffert d'épidémies répétées de maladies infectieuses nouvellement introduites, comme la grippe, la rougeole et la variole (contre lesquelles ils n'avaient aucune immunité naturelle), ce qui a entraîné une diminution de 40 à 80 % de la population. les siècles qui ont suivi l'arrivée des Européens. Même si cela n'a pas été sans conflit, les premières interactions des Canadiens d'origine européenne avec les populations des Premières Nations et des Inuits ont été relativement pacifiques. La Couronne et les peuples autochtones ont commencé à interagir pendant la période de colonisation européenne, même si les Inuits, en général, ont eu des interactions plus limitées avec les colons européens. À partir de la fin du XVIIIe siècle, les Canadiens d'origine européenne ont encouragé les Autochtones à s'assimiler à leur propre culture. Ces tentatives ont atteint leur paroxysme à la fin du XIXe et au début du XXe siècle avec des intégrations forcées et des délocalisations. Une période de réparation est en cours, qui a débuté avec la nomination de la Commission de vérité et réconciliation du Canada par le gouvernement canadien. Colonisation européenne La première tentative connue de colonisation européenne a commencé lorsque les Normands se sont brièvement installés à L'Anse aux Meadows, à Terre-Neuve, vers 1000 après JC. Aucune autre exploration européenne n'a eu lieu avant 1497, lorsque le marin italien John Cabot a exploré et revendiqué la côte atlantique du Canada au nom du roi Henri VII d'Angleterre. Ensuite, les marins basques et portugais ont établi des avant-postes saisonniers de chasse à la baleine et de pêche le long de la côte atlantique au début du XVIe siècle. En 1534, l'explorateur français Jacques Cartier explore le fleuve Saint-Laurent où, le 24 juillet, il plante une croix de 10 m portant les mots « Vive le roi de France » et prend possession du territoire (connu sous le nom de colonie du Canada). au nom du roi François Ier. En général, les colonies semblent avoir été de courte durée, peut-être en raison de la similitude des productions productibles en Scandinavie et dans le nord du Canada et des problèmes de navigation sur les routes commerciales à cette époque. En 1583, Sir Humphrey Gilbert, par la prérogative royale de la reine Elizabeth I, fonda St. John's, à Terre-Neuve, comme première colonie anglaise d'Amérique du Nord. L'explorateur français Samuel de Champlain est arrivé en 1603 et a établi les premières colonies européennes permanentes à Port Royal (en 1605) et à Québec (en 1608). Parmi les colons de la Nouvelle-France, les Canadiens se sont largement installés dans la vallée du fleuve Saint-Laurent et les Acadiens se sont installés dans les Maritimes actuelles, tandis que les commerçants de fourrures et les missionnaires catholiques ont exploré les Grands Lacs, la baie d'Hudson et le bassin versant du Mississippi jusqu'en Louisiane. La guerre des castors a éclaté au milieu du XVIIe siècle pour contrôler le commerce des fourrures en Amérique du Nord. Les Anglais établirent des colonies supplémentaires à Cupids et à Ferryland, à Terre-Neuve, à partir de 1610. Les Treize Colonies au sud furent fondées peu de temps après. Une série de quatre guerres ont éclaté dans l’Amérique du Nord coloniale entre 1689 et 1763 ; les guerres ultérieures de la période constituèrent le théâtre nord-américain de la guerre de Sept Ans. La Nouvelle-Écosse continentale est passée sous domination britannique avec le Traité d'Utrecht de 1713 et le Traité de Paris de 1763 a cédé le Canada et la majeure partie de la Nouvelle-France à la Grande-Bretagne après la guerre de Sept Ans. La Proclamation royale de 1763 créa la province de Québec à partir de la Nouvelle-France et annexa l'île du Cap-Breton à la Nouvelle-Écosse. L'Île Saint-Jean (aujourd'hui l'Île-du-Prince-Édouard) est devenue une colonie distincte en 1769. Pour éviter un conflit au Québec, le Parlement britannique a adopté la Loi sur le Québec de 1774, étendant le territoire du Québec aux Grands Lacs et à la vallée de l'Ohio. Il y rétablit la langue française, la foi catholique et le droit civil français. Cela a provoqué la colère de nombreux habitants des Treize Colonies, alimentant le sentiment anti-britannique dans les années précédant le déclenchement de la Révolution américaine en 1775. Le Traité de Paris de 1783 reconnut l'indépendance américaine et céda aux nouveaux États-Unis les territoires nouvellement ajoutés au sud (mais pas au nord) des Grands Lacs. Le Nouveau-Brunswick a été séparé de la Nouvelle-Écosse dans le cadre d'une réorganisation des colonies loyalistes dans les Maritimes. Pour accueillir les loyalistes anglophones au Québec, la Loi constitutionnelle de 1791 a divisé la province en Bas-Canada francophone (plus tard Québec) et Haut-Canada anglophone (plus tard Ontario), accordant à chacun sa propre assemblée législative élue. Les Canadas constituèrent le principal front de la guerre de 1812 entre les États-Unis et la Grande-Bretagne. La paix est arrivée en 1815 ; aucune frontière n'a été modifiée. L'immigration a repris à un niveau plus élevé, avec plus de 960 000 arrivées en provenance de Grande-Bretagne entre 1815 et 1850. Les nouveaux arrivants comprenaient des réfugiés irlandais fuyant la grande famine irlandaise ainsi que des Écossais parlant le gaélique déplacés par les Highland Clearances. Les maladies infectieuses ont tué entre 25 et 33 pour cent des Européens ayant immigré au Canada avant 1891. Le désir d'un gouvernement responsable a donné lieu aux rébellions avortées de 1837. Le rapport Durham a par la suite recommandé un gouvernement responsable et l'assimilation des Canadiens français à la culture anglaise. L'Acte d'Union de 1840 fusionna les Canadas en une seule Province du Canada et un gouvernement responsable fut établi pour toutes les provinces de l'Amérique du Nord britannique en 1849. La signature du Traité de l'Oregon par la Grande-Bretagne et les États-Unis en 1846 mit fin au conflit frontalier de l'Oregon, étendant ainsi la frontière vers l'ouest le long du 49e parallèle. Cela a ouvert la voie aux colonies britanniques sur l'île de Vancouver (1849) et en Colombie-Britannique (1858). Confédération et expansion À la suite de plusieurs conférences constitutionnelles, la Loi constitutionnelle de 1867 a officiellement proclamé la Confédération canadienne le 1 juillet 1867, comprenant initialement quatre provinces : l'Ontario, le Québec, la Nouvelle-Écosse et le Nouveau-Brunswick. Le Canada a pris le contrôle de la Terre de Rupert et du Territoire du Nord-Ouest pour former les Territoires du Nord-Ouest, où les griefs des Métis ont déclenché la rébellion de la rivière Rouge et la création de la province du Manitoba en juillet 1870. La Colombie-Britannique et l'île de Vancouver (qui avaient été unies en 1866) s'est jointe à la confédération en 1871, tandis que l'Île-du-Prince-Édouard l'a rejoint en 1873. Le Parlement canadien a adopté un projet de loi présenté par le Cabinet conservateur qui établissait une politique nationale de tarifs douaniers pour protéger les industries manufacturières canadiennes naissantes. Pour ouvrir l'Ouest, le Parlement a également approuvé la construction de trois chemins de fer transcontinentaux (dont le chemin de fer Canadien Pacifique), l'ouverture des Prairies à la colonisation avec la Loi sur les terres fédérales et la création de la Police à cheval du Nord-Ouest pour affirmer son autorité sur ce territoire. En 1898, lors de la ruée vers l'or du Klondike dans les Territoires du Nord-Ouest, le Parlement crée le territoire du Yukon. Le Cabinet du premier ministre libéral Wilfrid Laurier a encouragé les immigrants d'Europe continentale à s'établir dans les Prairies, et l'Alberta et la Saskatchewan sont devenues des provinces en 1905. Début du 20ème siècle Parce que la Grande-Bretagne maintenait toujours le contrôle des affaires étrangères du Canada en vertu de la Loi sur la Confédération, sa déclaration de guerre en 1914 entraîna automatiquement le Canada dans la Première Guerre mondiale. Les volontaires envoyés sur le front occidental devinrent plus tard membres du Corps canadien, qui joua un rôle important dans la bataille. de la crête de Vimy et d'autres engagements majeurs de la guerre. Sur environ 625 000 Canadiens qui ont servi pendant la Première Guerre mondiale, quelque 60 000 ont été tués et 172 000 autres ont été blessés. La crise de la conscription de 1917 a éclaté lorsque la proposition du Cabinet unioniste d'augmenter le nombre décroissant de membres actifs de l'armée par la conscription s'est heurtée à des objections véhémentes de la part des Québécois francophones. La Loi sur le service militaire a instauré le service militaire obligatoire, mais elle, associée aux différends concernant les écoles de langue française à l'extérieur du Québec, a profondément aliéné les Canadiens francophones et a temporairement divisé le Parti libéral. En 1919, le Canada s'est joint à la Société des Nations indépendamment de la Grande-Bretagne, et le Statut de Westminster de 1931 a affirmé l'indépendance du Canada. La Grande Dépression au Canada au début des années 1930 a entraîné un ralentissement économique, entraînant des difficultés partout au pays. En réponse au ralentissement économique, la Fédération du Commonwealth coopératif (CCF) de la Saskatchewan a introduit de nombreux éléments d'un État-providence (comme l'a lancé Tommy Douglas) dans les années 1940 et 1950. Sur les conseils du premier ministre William Lyon Mackenzie King, la guerre avec l'Allemagne fut déclarée effective le 10 septembre 1939 par le roi George VI, sept jours après le Royaume-Uni. Ce retard a souligné l'indépendance du Canada. Les premières unités de l'Armée canadienne sont arrivées en Grande-Bretagne en décembre 1939. Au total, plus d'un million de Canadiens ont servi dans les forces armées pendant la Seconde Guerre mondiale et environ 42 000 ont été tués et 55 000 autres ont été blessés. Les troupes canadiennes ont joué un rôle important dans de nombreuses batailles clés de la guerre, notamment l'échec du raid sur Dieppe en 1942, l'invasion alliée de l'Italie, le débarquement de Normandie, la bataille de Normandie et la bataille de l'Escaut en 1944. Le Canada a fourni l'asile aux Néerlandais. monarchie alors que ce pays était occupé et est crédité par les Pays-Bas pour ses contributions majeures à sa libération de l'Allemagne nazie. L'économie canadienne a prospéré pendant la guerre alors que ses industries fabriquaient du matériel militaire pour le Canada, la Grande-Bretagne, la Chine et l'Union soviétique. Malgré une autre crise de la conscription au Québec en 1944, le Canada a terminé la guerre avec une armée nombreuse et une économie forte. Les temps modernes La crise financière de la Grande Dépression avait conduit le Dominion de Terre-Neuve à abandonner le gouvernement responsable en 1934 et à devenir une colonie de la Couronne dirigée par un gouverneur britannique. Après deux référendums amers, les Terre-Neuviens ont voté en faveur de l'adhésion au Canada en 1949 en tant que province. La croissance économique du Canada d'après-guerre, combinée aux politiques des gouvernements libéraux successifs, a conduit à l'émergence d'une nouvelle identité canadienne, marquée par l'adoption de l'actuel drapeau de la feuille d'érable en 1965, la mise en œuvre du bilinguisme officiel (anglais et français) dans 1969, et l'institution du multiculturalisme officiel en 1971. Des programmes socialement démocratiques ont également été institués, tels que Medicare, le Régime de pensions du Canada et le Programme canadien de prêts aux étudiants, bien que les gouvernements provinciaux, en particulier le Québec et l'Alberta, se soient opposés à bon nombre d'entre eux, les considérant comme des incursions dans leurs juridictions. . Enfin, une autre série de conférences constitutionnelles a abouti au rapatriement de la constitution canadienne du Royaume-Uni en 1982, parallèlement à la création de la Charte canadienne des droits et libertés. En 1999, le Nunavut est devenu le troisième territoire du Canada après une série de négociations avec le gouvernement fédéral. Parallèlement, le Québec a connu de profonds changements sociaux et économiques grâce à la Révolution tranquille des années 1960, donnant naissance à un mouvement nationaliste moderne. Le Front de libération du Québec (FLQ) radical a déclenché la crise d'octobre avec une série d'attentats à la bombe et d'enlèvements en 1970 et le mouvement pour la souveraineté du Québec | Le Parti Québécois a été élu en 1976, organisant un référendum infructueux sur la souveraineté-association en 1980. Les tentatives visant à accommoder constitutionnellement le nationalisme québécois par le biais de l'Accord du lac Meech ont échoué en 1990. Cela a conduit à la formation du Bloc Québécois au Québec et à la revigoration du Parti réformiste. Parti du Canada dans l'Ouest. Un deuxième référendum a suivi en 1995, au cours duquel la souveraineté a été rejetée par une marge plus mince de 50,6 à 49,4 pour cent. En 1997, la Cour suprême a statué que la sécession unilatérale d'une province serait inconstitutionnelle et la Loi sur la clarté a été adoptée par le Parlement, décrivant les conditions d'une sortie négociée de la Confédération. Outre les enjeux de souveraineté du Québec, plusieurs crises ont ébranlé la société canadienne à la fin des années 1980 et au début des années 1990. Il s'agit notamment de l'explosion du vol 182 d'Air India en 1985, le plus grand massacre de l'histoire du Canada ; le massacre de l'École Polytechnique en 1989, une fusillade universitaire visant des étudiantes ; et la crise d'Oka en 1990, la première d'une série d'affrontements violents entre le gouvernement et les groupes autochtones. Le Canada s'est également joint à la guerre du Golfe en 1990 au sein d'une force de coalition dirigée par les États-Unis et a participé à plusieurs missions de maintien de la paix dans les années 1990, notamment la mission de la FORPRONU en ex-Yougoslavie. Le Canada a envoyé des troupes en Afghanistan en 2001, mais a refusé de se joindre à l'invasion de l'Irak menée par les États-Unis en 2003. En 2009, l'économie canadienne a souffert de la Grande Récession mondiale, mais elle a depuis largement rebondi. En 2011, les forces canadiennes ont participé à l’intervention menée par l’OTAN dans la guerre civile en Libye et ont également participé à la lutte contre l’insurrection de l’État islamique en Irak au milieu des années 2010. Géographie et climat Le Canada occupe une grande partie du continent nord-américain et partage ses frontières terrestres avec les États-Unis contigus au sud et avec l'État américain de l'Alaska au nord-ouest. Le Canada s'étend de l'océan Atlantique à l'est jusqu'à l'océan Pacifique à l'ouest ; au nord se trouve l'océan Arctique. Le Groenland est au nord-est. En termes de superficie totale (y compris ses eaux), le Canada est le deuxième plus grand pays au monde, après la Russie. Cependant, en termes de superficie seulement, le Canada se classe au quatrième rang, la différence étant due au fait qu'il possède la plus grande proportion de lacs d'eau douce au monde. Depuis 1925, le Canada revendique la partie de l'Arctique située entre 60° et 141° de longitude ouest, mais cette revendication n'est pas universellement reconnue. Le Canada abrite la colonie la plus septentrionale du monde, la Station des Forces canadiennes Alert, à la pointe nord de l'île d'Ellesmere – latitude 82,5°N – qui se trouve à 817 km du pôle Nord. Une grande partie de l'Arctique canadien est recouverte de glace et de pergélisol. Le Canada possède le plus long littoral au monde, avec une longueur totale de ; De plus, sa frontière avec les États-Unis est la plus longue frontière terrestre du monde, s'étendant sur 8 891 km. Depuis la fin de la dernière période glaciaire, le Canada se compose de huit régions forestières distinctes, dont une vaste forêt boréale sur le Bouclier canadien. Le Canada compte plus de 2 000 000 de lacs (563 de plus de 100 km2), plus que tout autre pays, contenant la majeure partie de l'eau douce de la planète. Il existe également des glaciers d'eau douce dans les Rocheuses canadiennes et dans la chaîne côtière. Le Canada est géologiquement actif, avec de nombreux tremblements de terre et volcans potentiellement actifs, notamment le mont Meager, le mont Garibaldi, le mont Cayley et le complexe volcanique du mont Edziza. L'éruption volcanique du cône Tseax en 1775 a été l'une des pires catastrophes naturelles au Canada, tuant 2 000 Nisga'a et détruisant leur village dans la vallée de la rivière Nass, au nord de la Colombie-Britannique. L'éruption a produit une coulée de lave et, selon la légende Nisga'a, a bloqué le débit de la rivière Nass. La densité de population du Canada, à , est parmi les plus faibles au monde. La partie la plus densément peuplée du pays est le corridor Québec-Windsor, situé dans le sud du Québec et le sud de l'Ontario, le long des Grands Lacs et du fleuve Saint-Laurent. Les températures moyennes élevées en hiver et en été au Canada varient d’une région à l’autre. Les hivers peuvent être rigoureux dans de nombreuses régions du pays, en particulier dans les provinces de l'intérieur et des Prairies, qui connaissent un climat continental, où les températures moyennes quotidiennes avoisinent −15 °C (5 °F), mais peuvent descendre en dessous avec de forts refroidissements éoliens. Dans les régions non côtières, la neige peut recouvrir le sol pendant près de six mois de l'année, tandis que dans certaines parties du nord, la neige peut persister toute l'année. La côte de la Colombie-Britannique jouit d'un climat tempéré, avec un hiver doux et pluvieux. Sur les côtes est et ouest, les températures moyennes élevées se situent généralement dans les basses années 20 °C (70 °F), tandis qu'entre les côtes, la température estivale moyenne maximale varie de 25 à 40 °C, avec des températures dans certaines régions intérieures dépassant parfois 40 °C. . Gouvernement et politique Le Canada a un système parlementaire dans le contexte d'une monarchie constitutionnelle, la monarchie du Canada étant le fondement des pouvoirs exécutif, législatif et judiciaire. La souveraine est la reine Elizabeth II, qui est également monarque de 15 autres pays du Commonwealth et de chacune des 10 provinces du Canada. À ce titre, le représentant de la Reine, le gouverneur général du Canada (actuellement David Johnston), exerce la plupart des fonctions royales fédérales au Canada. La participation directe des personnalités royales et vice-royales dans les domaines de la gouvernance est limitée. Dans la pratique, leur utilisation des pouvoirs exécutifs est dirigée par le Cabinet, un comité de ministres de la Couronne responsable devant la Chambre des communes élue et choisi et dirigé par le Premier ministre du Canada (actuellement Justin Trudeau), le chef du gouvernement. . Le gouverneur général ou le monarque peuvent cependant, dans certaines situations de crise, exercer leur pouvoir sans l'avis du ministre. Pour assurer la stabilité du gouvernement, le gouverneur général nommera généralement comme premier ministre la personne qui est l'actuel chef du parti politique qui peut obtenir la confiance de la majorité parlementaire à la Chambre des communes. Le Bureau du Premier ministre (CPM) est donc l'une des institutions les plus puissantes du gouvernement, proposant la plupart des lois soumises à l'approbation parlementaire et sélectionnant pour nomination par la Couronne, outre les éléments susmentionnés, le gouverneur général, les lieutenants-gouverneurs, les sénateurs, les juges de la Cour fédérale et dirigeants de sociétés d’État et d’organismes gouvernementaux. Le chef du parti ayant obtenu le deuxième plus grand nombre de sièges devient généralement le chef de la loyale opposition de Sa Majesté et fait partie d'un système parlementaire contradictoire destiné à garder le gouvernement sous contrôle. Chacun des 338 députés de la Chambre des communes est élu au scrutin majoritaire simple dans une circonscription électorale ou une circonscription. Des élections générales doivent être déclenchées par le gouverneur général, soit sur l'avis du premier ministre, dans les quatre ans suivant l'élection précédente, soit si le gouvernement perd un vote de confiance à la Chambre. Les 105 membres du Sénat, dont les sièges sont répartis sur une base régionale, siègent jusqu'à 75 ans. Cinq partis ont eu des représentants élus au Parlement fédéral lors des élections de 2015 : le Parti libéral du Canada qui forme actuellement le gouvernement, le Parti conservateur du Canada qui sont l'opposition officielle, le Nouveau Parti démocratique, le Bloc québécois et le Parti vert du Canada. La liste des partis historiques dotés d’une représentation élue est importante. La structure fédérale du Canada divise les responsabilités gouvernementales entre le gouvernement fédéral et les dix provinces. Les législatures provinciales sont monocamérales et fonctionnent selon un mode parlementaire semblable à celui de la Chambre des communes. Les trois territoires du Canada ont également des assemblées législatives, mais celles-ci ne sont pas souveraines et ont moins de responsabilités constitutionnelles que les provinces. Les législatures territoriales diffèrent également structurellement de leurs homologues provinciales. La Banque du Canada est la banque centrale du pays. De plus, le ministre des Finances et le ministre de l'Industrie utilisent l'agence de Statistique Canada pour la planification financière et l'élaboration de politiques économiques. La Banque du Canada est la seule autorité autorisée à émettre de la monnaie sous forme de billets de banque canadiens. La banque n'émet pas de pièces canadiennes; ils sont émis par la Monnaie royale canadienne. Loi La Constitution du Canada est la loi suprême du pays et se compose de textes écrits et de conventions non écrites. La Loi constitutionnelle de 1867 (connue sous le nom d'Acte de l'Amérique du Nord britannique avant 1982) affirmait une gouvernance fondée sur un précédent parlementaire et répartissait les pouvoirs entre les gouvernements fédéral et provinciaux. Le Statut de Westminster de 1931 accordait une autonomie totale et la Loi constitutionnelle de 1982 mettait fin à tous les liens législatifs avec le Royaume-Uni, tout en ajoutant une formule de modification constitutionnelle et la Charte canadienne des droits et libertés. La Charte garantit des droits et libertés fondamentaux qui ne peuvent généralement être dérogés par aucun gouvernement, bien qu'une clause dérogatoire permette au Parlement fédéral et aux législatures provinciales de déroger à certains articles de la Charte pour une période de cinq ans. La Loi sur les Indiens, divers traités et jurisprudences ont été établis pour servir de médiateur dans les relations entre les Européens et les peuples autochtones. Plus particulièrement, une série de onze traités connus sous le nom de traités numérotés ont été signés entre les autochtones du Canada et le monarque régnant du Canada entre 1871 et 1921. Ces traités sont des accords avec la Couronne en conseil canadienne, administrés par le droit autochtone canadien, et supervisé par le ministre des Affaires autochtones et du Développement du Nord canadien. Le rôle des traités et les droits qu'ils soutiennent ont été réaffirmés par l'article trente-cinq de la Loi constitutionnelle de 1982. Ces droits peuvent inclure la fourniture de services, tels que les soins de santé, et l'exonération fiscale. Le cadre juridique et politique dans lequel le Canada et les Premières Nations opèrent a été formalisé davantage en 2005, grâce à l'Accord politique entre les Premières Nations et la Couronne fédérale. Le pouvoir judiciaire du Canada joue un rôle important dans l'interprétation des lois et a le pouvoir d'annuler les lois du Parlement qui violent la Constitution. La Cour suprême du Canada est le plus haut tribunal et l'arbitre final et est dirigée depuis 2000 par la juge en chef Beverley McLachlin (la première femme juge en chef). Ses neuf membres sont nommés par le gouverneur général sur avis du premier ministre et du ministre de la Justice. Tous les juges des niveaux supérieur et d'appel sont nommés après consultation d'organismes juridiques non gouvernementaux. Le Cabinet fédéral nomme également les juges des cours supérieures des juridictions provinciales et territoriales. La common law prévaut partout sauf au Québec, où le droit civil prédomine. Le droit criminel relève uniquement de la responsabilité fédérale et est uniforme partout au Canada. L'application de la loi, y compris les tribunaux pénaux, relève officiellement de la responsabilité provinciale et est assurée par les forces de police provinciales et municipales. Cependant, dans la plupart des zones rurales et dans certaines zones urbaines, les responsabilités policières sont confiées à la Gendarmerie royale du Canada fédérale. Relations extérieures et militaire Le Canada est reconnu comme une puissance moyenne pour son rôle dans les affaires internationales et a tendance à rechercher des solutions multilatérales. La politique étrangère du Canada, fondée sur le maintien de la paix et la sécurité internationales, est mise en œuvre par l'intermédiaire de coalitions et d'organisations internationales, ainsi que par le travail de nombreuses institutions fédérales. Le rôle de maintien de la paix du Canada au XXe siècle a joué un rôle majeur dans son image mondiale. La stratégie de la politique d'aide étrangère du gouvernement canadien reflète l'accent mis sur la réalisation des objectifs du millénaire pour le développement, tout en fournissant également une assistance en réponse aux crises humanitaires étrangères. Le Canada est un membre fondateur des Nations Unies et est membre de l'Organisation mondiale du commerce, du G20 et de l'Organisation de coopération et de développement économiques (OCDE). Le Canada est également membre de diverses autres organisations et forums internationaux et régionaux consacrés aux affaires économiques et culturelles. Le Canada a adhéré au Pacte international relatif aux droits civils et politiques en 1976. Le Canada s'est joint à l'Organisation des États américains (OEA) en 1990 et a accueilli l'Assemblée générale de l'OEA en 2000 et le 3e Sommet des Amériques en 2001. Le Canada cherche à élargir ses liens aux économies de la région du Pacifique grâce à son adhésion au forum de coopération économique Asie-Pacifique (APEC). Le Canada et les États-Unis partagent la plus longue frontière non défendue au monde, coopèrent dans le cadre de campagnes et d'exercices militaires et sont l'un pour l'autre le plus grand partenaire commercial. Le Canada a néanmoins une politique étrangère indépendante, entretenant depuis lors des relations complètes avec Cuba et refusant de participer officiellement à l’invasion de l’Irak en 2003. Le Canada entretient également des liens historiques avec le Royaume-Uni et la France ainsi qu'avec d'autres anciennes colonies britanniques et françaises grâce à son appartenance au Commonwealth des Nations et à la Francophonie. Le Canada est connu pour entretenir des relations positives avec les Pays-Bas, en partie à cause de sa contribution à la libération des Pays-Bas pendant la Seconde Guerre mondiale. Le fort attachement du Canada à l'Empire britannique et au Commonwealth a conduit à une participation majeure aux efforts militaires britanniques lors de la Seconde Guerre des Boers, de la Première et de la Seconde Guerre mondiale. Depuis lors, le Canada défend le multilatéralisme et s’efforce de résoudre les problèmes mondiaux en collaboration avec d’autres pays. Pendant la guerre froide, le Canada a été un contributeur majeur aux forces de l'ONU pendant la guerre de Corée et a fondé le Commandement de la défense aérospatiale de l'Amérique du Nord (NORAD) en coopération avec les États-Unis pour se défendre contre d'éventuelles attaques aériennes de l'Union soviétique. Lors de la crise de Suez en 1956, le futur Premier ministre Lester B. Pearson a apaisé les tensions en proposant la création de la Force de maintien de la paix des Nations Unies, pour laquelle il a reçu le prix Nobel de la paix en 1957. Comme il s’agissait de la première mission de maintien de la paix de l’ONU, Pearson est souvent considéré comme l’inventeur du concept. Le Canada a depuis servi dans plus de 50 missions de maintien de la paix, y compris toutes les opérations de maintien de la paix de l'ONU jusqu'en 1989, et a depuis maintenu des forces dans des missions internationales au Rwanda, en ex-Yougoslavie et ailleurs ; Le Canada a parfois été confronté à une controverse concernant son implication dans des pays étrangers, notamment dans l'affaire de la Somalie en 1993. En 2001, le Canada a déployé des troupes en Afghanistan dans le cadre de la force de stabilisation américaine et de la Force internationale d'assistance à la sécurité, autorisée par l'ONU et dirigée par l'OTAN. En février 2007, le Canada, l’Italie, le Royaume-Uni, la Norvège et la Russie ont annoncé leur engagement commun dans un projet de 1,5 milliard de dollars visant à développer des vaccins pour les pays en développement, et ont appelé d’autres pays à les rejoindre. En août 2007, les revendications territoriales du Canada dans l'Arctique ont été contestées après une expédition sous-marine russe au pôle Nord ; Le Canada considère cette région comme un territoire souverain depuis 1925. Le Canada emploie actuellement une force militaire professionnelle et volontaire composée de 92 000 militaires actifs et d'environ 51 000 réservistes. Les Forces canadiennes (FC) unifiées comprennent l'Armée canadienne, la Marine royale canadienne et l'Aviation royale canadienne. En 2013, les dépenses militaires du Canada s'élevaient à environ 19 milliards de dollars canadiens, soit environ 1 % du PIB du pays. Provinces et territoires Le Canada est une fédération composée de dix provinces et de trois territoires. À leur tour, ceux-ci peuvent être regroupés en quatre régions principales : l'Ouest du Canada, le Centre du Canada, le Canada atlantique et le Nord du Canada (l'Est du Canada désigne ensemble le Centre du Canada et le Canada atlantique). Les provinces ont plus d'autonomie que les territoires, étant responsables des programmes sociaux tels que les soins de santé, l'éducation et l'aide sociale. Ensemble, les provinces perçoivent plus de revenus que le gouvernement fédéral, une structure presque unique parmi les fédérations au monde. En utilisant ses pouvoirs de dépenser, le gouvernement fédéral peut lancer des politiques nationales dans les domaines provinciaux, comme la Loi canadienne sur la santé ; les provinces peuvent s'en retirer, mais elles le font rarement dans la pratique. Les paiements de péréquation sont effectués par le gouvernement fédéral pour garantir que des normes de services et de fiscalité raisonnablement uniformes soient maintenues entre les provinces les plus riches et les plus pauvres. Économie

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Quel a été le premier film de Walter Matthau ?

The Kentuckian

Walter Matthau (né le 1er octobre 1920 et mort le 1er juillet 2000) est un acteur américain surtout connu pour son rôle d'Oscar Madison dans The Odd Couple et ses fréquentes collaborations avec la co-star d'Odd Couple, Jack Lemmon. Il a remporté l'Oscar du meilleur acteur dans un second rôle pour sa performance dans le film de Billy Wilder de 1966, The Fortune Cookie. Outre l'Oscar, il a remporté les prix BAFTA, Golden Globe et Tony. Début de la vie Matthau est né Walter John Matthow le 1er octobre 1920 dans le Lower East Side de New York. Sa mère, Rose (née Berolsky), était une immigrante juive lituanienne qui travaillait dans un atelier clandestin de vêtements, et son père, Milton Matthow, était un colporteur et électricien juif russe, originaire de Kiev, en Ukraine.abonnement requis Dans le cadre d'un amour de toujours pour En plaisantant, Matthau lui-même a créé des rumeurs selon lesquelles son deuxième prénom était Foghorn et son nom de famille était à l'origine Matuschanskayasky (sous lequel il est crédité pour un rôle de camée dans le film Earthquake). En tant que jeune garçon, Matthow a fréquenté un camp juif à but non lucratif, Tranquility Camp, où il a commencé à jouer dans les spectacles que le camp mettait en scène le samedi soir. Il a également participé au camp Surprise Lake. Son lycée était le lycée Seward Park. Il a travaillé pendant une courte période comme caissier de stand de concession dans le quartier des théâtres yiddish. Carrière Pendant la Seconde Guerre mondiale, Matthau a servi dans l'armée de l'air américaine avec la huitième force aérienne en Grande-Bretagne en tant que mitrailleur radio B-24 Liberator, dans le même 453e groupe de bombardement que James Stewart. Il était basé à la RAF Old Buckenham, dans le Norfolk, à cette époque. Il atteint le grade de sergent d'état-major et s'intéresse au métier d'acteur. Il suit des cours de théâtre à l'Atelier Dramatique de la Nouvelle École auprès du réalisateur allemand Erwin Piscator. Il plaisantait souvent en disant que sa meilleure première critique était venue dans une pièce de théâtre dans laquelle il se faisait passer pour un abandonné. Un critique a déclaré: "Les autres ressemblaient juste à des acteurs maquillés, Walter Matthau ressemble vraiment à un clochard !" Matthau a été un acteur de théâtre respecté pendant des années dans des films tels que Will Success Spoil Rock Hunter ? et Un tir dans le noir. Il a remporté le Tony Award du meilleur acteur vedette en 1962 dans une pièce de théâtre. Matthau est apparu dans le pilote de Mister Peepers (1952) avec Wally Cox. Pour des raisons inconnues, il a utilisé le nom de Leonard Elliot. Son rôle était celui du professeur de gym, M. Wall. Il a fait ses débuts au cinéma en tant que méchant brandissant un fouet dans The Kentuckian (1955) aux côtés de Burt Lancaster. Il incarne un méchant dans King Creole (1958), dans lequel il se fait tabasser par Elvis Presley. À peu près à la même époque, il réalise Ride a Crooked Trail avec Audie Murphy et Onionhead (tous deux en 1958) avec Andy Griffith ; ce dernier a été un échec. Matthau a joué un rôle principal face à Griffith dans le drame bien reçu A Face in the Crowd (1957), réalisé par Elia Kazan. Matthau a également réalisé un film à petit budget intitulé The Gangster Story (1960) et était un shérif sympathique dans Lonely are the Brave (1962), mettant en vedette Kirk Douglas. Il est apparu face à Audrey Hepburn dans Charade (1963). Les apparitions à la télévision étaient également courantes, dont deux dans Naked City, ainsi qu'un épisode de The Eleventh Hour ("A Tumble from a Tall White House", 1963). Il est apparu huit fois entre 1962 et 1964 dans The DuPont Show of the Week et dans le rôle de Franklin Gaer dans un épisode du Dr Kildare ("Man Is a Rock", 1964). De plus, il a figuré dans le drame policier syndiqué Tallahassee 7000, en tant qu'enquêteur de la police d'État basé en Floride (1961-1962). Les comédies étaient rares dans l'œuvre de Matthau à cette époque. Il a joué dans un certain nombre de drames austères, tels que Fail Safe (1964), dans lequel il incarnait le conseiller du Pentagone, le Dr Groeteschele, qui préconisait une attaque nucléaire totale contre l'Union soviétique en réponse à la transmission accidentelle d'un signal d'attaque. aux bombardiers de l’US Air Force. Neil Simon l'a engagé dans la pièce The Odd Couple en 1965, avec Matthau dans le rôle du journaliste sportif négligé Oscar Madison, face à Art Carney dans le rôle de Felix Unger. Matthau a ensuite repris le rôle dans la version cinématographique, avec Jack Lemmon dans le rôle de Felix Ungar. Il a joué le détective Ted Casselle dans le thriller hitchcockien Mirage (1965), réalisé par Edward Dmytryk. Il a obtenu un grand succès dans le film comique The Fortune Cookie (1966), dans le rôle d'un avocat escroc, William H. "Whiplash Willie" Gingrich, avec Lemmon, et la première de nombreuses collaborations avec Billy Wilder, et un rôle qui lui vaudrait lui un Oscar du meilleur acteur dans un second rôle. Le tournage a dû être interrompu pendant cinq mois après que Matthau ait subi une grave crise cardiaque. En conséquence, il a abandonné ses trois paquets de tabac par jour. Matthau est apparu lors de l'émission télévisée des Oscars peu de temps après avoir été blessé dans un accident de vélo ; néanmoins, il a réprimandé les acteurs qui n'avaient pas assisté à la cérémonie, en particulier les autres grands lauréats ce soir-là : Paul Scofield, Elizabeth Taylor et Sandy Dennis. Les nominations aux Oscars reviendront à Matthau pour Kotch (1971), réalisé par Lemmon, et The Sunshine Boys (1975), une autre adaptation d'une pièce de théâtre de Neil Simon, cette fois sur deux anciennes stars du vaudeville. Pour ce dernier rôle, il a remporté le Golden Globe Award du meilleur acteur dans une comédie musicale ou une comédie. Les succès de Broadway transformés en films ont continué à confier à Matthau les rôles principaux dans Hello, Dolly ! et Fleur de cactus (tous deux en 1969) ; pour ce dernier film, Goldie Hawn a reçu l'Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle. Matthau a joué trois rôles dans la version cinématographique de Simon's Plaza Suite (1971) et faisait partie du casting de sa suite California Suite (1978). Matthau a joué dans trois drames policiers au milieu des années 1970, en tant que détective enquêtant sur un meurtre de masse dans un bus dans The Laughing Policeman (1973), en tant que braqueur de banque fuyant la mafia et la loi dans Charley Varrick (également 1973) et en tant que policier des transports en commun de New York dans l'action-aventure The Taking of Pelham One Two Three (1974). Un changement de rythme concernant les marginaux d'une équipe de baseball de la Petite Ligue s'est avéré être un solide succès lorsque Matthau a joué le rôle de l'entraîneur Morris Buttermaker dans la comédie The Bad News Bears (1976). Matthau a interprété Herbert Tucker dans Je devrais être en images (1982), avec Ann-Margret et Dinah Manoff. Matthau a joué Albert Einstein dans le film I.Q. (1994), avec Tim Robbins et Meg Ryan. Son partenariat avec Lemmon est devenu l'un des duos les plus réussis d'Hollywood. Ils sont devenus amis pour la vie après avoir réalisé The Fortune Cookie et ont réalisé un total de 10 films ensemble, dont 11 en comptant Kotch, dans lequel Lemmon fait une apparition en tant que passager endormi d'un bus. Outre leurs nombreuses comédies, les deux sont apparus (bien qu'ils n'aient partagé aucune scène) dans le drame d'Oliver Stone, JFK (1991). Matthau a raconté les classiques vidéo de Doctor Seuss : Comment le Grinch a volé Noël ! (1992) et a joué le rôle de M. Wilson dans le film Dennis the Menace (1993). Matthau et Lemmon se sont réunis pour la comédie Grumpy Old Men (1993), avec Ann-Margret, et sa suite, Grumpier Old Men (1995), avec également Sophia Loren. Cela a conduit à d'autres couples à la fin de leur carrière, Out to Sea (1997) et à une suite scénarisée par Simon de leur succès beaucoup plus antérieur, The Odd Couple II (1998). Raccrocher (2000), réalisé par Diane Keaton, était la dernière apparition de Matthau à l'écran. Vie privée Mariages Matthau s'est marié deux fois ; d'abord à Grace Geraldine Johnson de 1948 à 1958, puis à Carol Marcus de 1959 jusqu'à sa mort en 2000. Il a eu deux enfants, Jenny et David, de sa première femme, et un fils, Charlie Matthau, avec sa seconde épouse. David est journaliste radio, actuellement à WKXW "New Jersey 101.5" à Trenton, New Jersey. Jenny est présidente du Natural Gourmet Institute de New York. Matthau a également aidé à élever ses beaux-enfants, Aram Saroyan et Lucy Saroyan. Ses petits-enfants comprennent William Matthau, ingénieur, et Emily Rose Roman, étudiante à l'Université de Binghamton. Charlie Matthau a dirigé son père dans The Grass Harp (1995). Problèmes de santé Gros fumeur et buveur, Matthau a subi une crise cardiaque en 1966, la première d'au moins trois au cours de sa vie. En 1976, dix ans après sa première crise cardiaque, il subit un pontage cardiaque. Après avoir travaillé dans le temps glacial du Minnesota pour Grumpy Old Men (1993), il a été hospitalisé pour une double pneumonie. En décembre 1995, on lui a enlevé une tumeur du côlon ; il s’est avéré bénin. Il a également été hospitalisé en mai 1999 pendant plus de deux mois en raison d'une nouvelle pneumonie. La mort Matthau souffrait d'une maladie cardiaque athéroscléreuse. Il est décédé d'une crise cardiaque à Santa Monica le 1er juillet 2000. Il avait 79 ans. Ses restes sont enterrés au cimetière Westwood Village Memorial Park à Los Angeles. Moins d'un an plus tard, les restes de Jack Lemmon (décédé d'un cancer du côlon et de la vessie) ont été enterrés dans le même cimetière. Après la mort de Matthau, Lemmon ainsi que d'autres amis et parents étaient apparus sur Larry King Live dans une heure d'hommage et de souvenir ; beaucoup de ces mêmes personnes sont apparues dans la série un an plus tard, se souvenant de Lemmon. Carol Marcus, également originaire de New York, est décédée d'un anévrisme cérébral en 2003. Ses restes sont enterrés au-dessus de ceux de son mari, Matthau. Les restes de l'acteur George C. Scott sont enterrés à gauche de ceux de Walter Matthau, dans une tombe anonyme. Travail Filmographie Scène Télévision

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Dans la mythologie grecque, qui étaient Argès, Brontès et Stéropès ?

Cyclopes

La mythologie grecque est l'ensemble des mythes et des enseignements appartenant aux Grecs de l'Antiquité, concernant leurs dieux et héros, la nature du monde, ainsi que les origines et la signification de leurs propres cultes et pratiques rituelles. Cela faisait partie de la religion de la Grèce antique. Les érudits modernes se réfèrent et étudient les mythes dans le but de faire la lumière sur les institutions religieuses et politiques de la Grèce antique et de sa civilisation, et de comprendre la nature même de la création des mythes. La mythologie grecque est explicitement incarnée dans une vaste collection de récits et implicitement dans les arts figuratifs grecs, tels que les peintures sur vases et les cadeaux votifs. Le mythe grec tente d'expliquer les origines du monde et détaille la vie et les aventures d'une grande variété de dieux, déesses, héros, héroïnes et créatures mythologiques. Ces récits furent initialement diffusés dans une tradition orale-poétique ; aujourd'hui, les mythes grecs sont principalement connus de la littérature grecque. Les sources littéraires grecques les plus anciennes connues, les poèmes épiques d'Homère, l'Iliade et l'Odyssée, se concentrent sur la guerre de Troie et ses conséquences. Deux poèmes d'Hésiode, proche contemporain d'Homère, la Théogonie et les Travaux et Jours, contiennent des récits sur la genèse du monde, la succession des dirigeants divins, la succession des âges humains, l'origine des malheurs humains et l'origine des pratiques sacrificielles. Les mythes sont également préservés dans les hymnes homériques, dans des fragments de poèmes épiques du cycle épique, dans des poèmes lyriques, dans les œuvres des tragédiens et des comédiens du Ve siècle avant JC, dans les écrits des savants et des poètes de l'époque hellénistique, et dans des textes de l'époque de l'Empire romain d'écrivains tels que Plutarque et Pausanias. Les découvertes archéologiques constituent une source principale de détails sur la mythologie grecque, les dieux et les héros figurant en bonne place dans la décoration de nombreux artefacts. Les dessins géométriques sur les poteries du VIIIe siècle avant JC représentent des scènes du cycle troyen ainsi que les aventures d'Héraclès. Dans les périodes archaïque, classique et hellénistique suivantes, des scènes homériques et diverses autres scènes mythologiques apparaissent, complétant les preuves littéraires existantes. La mythologie grecque a eu une grande influence sur la culture, les arts et la littérature de la civilisation occidentale et fait toujours partie du patrimoine et de la langue occidentale. Les poètes et les artistes de l’Antiquité jusqu’à nos jours se sont inspirés de la mythologie grecque et ont découvert l’importance et la pertinence contemporaines des thèmes. Sources La mythologie grecque est connue aujourd'hui principalement à partir de la littérature grecque et des représentations sur supports visuels datant de la période géométrique de c. 900-800 avant JC. En fait, les sources littéraires et archéologiques s'intègrent, parfois se soutiennent mutuellement et parfois s'opposent ; cependant, dans de nombreux cas, l’existence de ce corpus de données indique clairement que de nombreux éléments de la mythologie grecque ont de fortes racines factuelles et historiques. Sources littéraires La narration mythique joue un rôle important dans presque tous les genres de la littérature grecque. Néanmoins, le seul manuel mythographique général à avoir survécu de l'Antiquité grecque était la Bibliothèque du Pseudo-Apollodore. Cet ouvrage tente de réconcilier les récits contradictoires des poètes et fournit un grand résumé de la mythologie grecque traditionnelle et des légendes héroïques. Apollodore d'Athènes a vécu de c. 180-125 avant JC et a écrit sur plusieurs de ces sujets. Ses écrits ont peut-être constitué la base de la collection ; cependant la « Bibliothèque » discute des événements survenus longtemps après sa mort, d'où le nom de Pseudo-Apollodorus. Parmi les premières sources littéraires figurent les deux poèmes épiques d'Homère, l'Iliade et l'Odyssée. D'autres poètes ont complété le « cycle épique », mais ces poèmes plus récents et de moindre importance sont maintenant presque entièrement perdus. Malgré leur nom traditionnel, les « Hymnes homériques » n'ont aucun lien direct avec Homère. Ce sont des hymnes choraux du début de l’ère dite lyrique. Hésiode, un contemporain possible d'Homère, offre dans sa Théogonie (Origine des Dieux) le récit le plus complet des premiers mythes grecs traitant de la création du monde ; l'origine des dieux, des Titans et des Géants ; ainsi que des généalogies élaborées, des contes populaires et des mythes étiologiques. Les Œuvres et les Jours d'Hésiode, un poème didactique sur la vie agricole, comprend également les mythes de Prométhée, de Pandore et des Cinq Âges. Le poète donne des conseils sur la meilleure façon de réussir dans un monde dangereux, rendu encore plus dangereux par ses dieux. Les poètes lyriques tiraient souvent leurs sujets du mythe, mais leur traitement devenait progressivement moins narratif et plus allusif. Les poètes lyriques grecs, dont Pindare, Bacchylides et Simonides, et les poètes bucoliques tels que Théocrite et Bion, racontent des incidents mythologiques individuels. De plus, le mythe était au cœur du drame athénien classique. Les dramaturges tragiques Eschyle, Sophocle et Euripide ont tiré la plupart de leurs intrigues des mythes de l'âge des héros et de la guerre de Troie. Beaucoup de grandes histoires tragiques (par exemple Agamemnon et ses enfants, Œdipe, Jason, Médée, etc.) ont pris dans ces tragédies leur forme classique. Le dramaturge comique Aristophane a également utilisé des mythes, dans Les Oiseaux et Les Grenouilles. Les historiens Hérodote et Diodore de Sicile, ainsi que les géographes Pausanias et Strabon, qui ont voyagé à travers le monde grec et noté les histoires qu'ils ont entendues, ont fourni de nombreux mythes et légendes locales, donnant souvent des versions alternatives peu connues. Hérodote en particulier, a fouillé les différentes traditions qui lui étaient présentées et a trouvé les racines historiques ou mythologiques de la confrontation entre la Grèce et l'Orient. Hérodote a tenté de concilier les origines et le mélange de concepts culturels différents. La poésie des époques hellénistique et romaine était avant tout composée comme un exercice littéraire plutôt que cultuel. Néanmoins, il contient de nombreux détails importants qui autrement seraient perdus. Cette catégorie comprend les œuvres de : # Les poètes romains Ovide, Statius, Valerius Flaccus, Sénèque et Virgile avec le commentaire de Servius. # Les poètes grecs de l'Antiquité tardive : Nonnus, Antoninus Liberalis et Quintus Smyrnaeus. # Les poètes grecs de la période hellénistique : Apollonius de Rhodes, Callimaque, Pseudo-Eratosthène et Parthénius. Les prosateurs des mêmes périodes qui font référence aux mythes incluent Apulée, Pétrone, Lollianus et Héliodore. Deux autres sources non poétiques importantes sont les Fabulae et Astronomica de l'écrivain romain intitulées Pseudo-Hyginus, les Imagines de Philostrate l'Ancien et de Philostrate le Jeune, et les Descriptions de Callistrate. Enfin, un certain nombre d’écrivains grecs byzantins fournissent des détails importants sur le mythe, largement dérivés d’œuvres grecques antérieures aujourd’hui perdues. Ces conservateurs du mythe comprennent Arnobius, Hesychius, l'auteur de la Suda, John Tzetzes et Eustathius. Ils traitent souvent la mythologie dans une perspective moralisatrice chrétienne. Sources archéologiques La découverte de la civilisation mycénienne par l'archéologue amateur allemand Heinrich Schliemann au XIXe siècle, et la découverte de la civilisation minoenne en Crète par l'archéologue britannique Sir Arthur Evans au XXe siècle, ont contribué à expliquer de nombreuses questions existantes sur les épopées d'Homère et ont fourni des preuves archéologiques de nombreux détails mythologiques sur les dieux et les héros. Malheureusement, les preuves des mythes et des rituels sur les sites mycéniens et minoens sont entièrement monumentales, car l'écriture linéaire B (une forme ancienne du grec trouvée en Crète et en Grèce continentale) était principalement utilisée pour enregistrer des inventaires, bien que certains noms de dieux et de héros ont été provisoirement identifiés. Les dessins géométriques sur les poteries du VIIIe siècle avant JC représentent des scènes du cycle troyen, ainsi que les aventures d'Héraclès. Ces représentations visuelles des mythes sont importantes pour deux raisons. Premièrement, de nombreux mythes grecs sont attestés sur des vases plus tôt que dans les sources littéraires : parmi les douze travaux d'Héraclès, par exemple, seule l'aventure de Cerbère apparaît dans un texte littéraire contemporain. Deuxièmement, les sources visuelles représentent parfois des mythes ou des scènes mythiques qui ne sont attestées dans aucune source littéraire existante. Dans certains cas, la première représentation connue d'un mythe dans l'art géométrique est antérieure de plusieurs siècles à sa première représentation connue dans la poésie archaïque tardive. Dans les périodes archaïque (vers 750-vers 500 avant JC), classique (vers 480-323 avant JC) et hellénistique (323-146 avant JC), des scènes homériques et diverses autres scènes mythologiques apparaissent, complétant les preuves littéraires existantes. Enquête sur l'histoire mythique La mythologie grecque a changé au fil du temps pour s'adapter à l'évolution de leur culture, dont la mythologie, tant ouvertement que dans ses hypothèses tacites, est un indice des changements. Dans les formes littéraires survivantes de la mythologie grecque, que l'on retrouve principalement à la fin des changements progressifs, elle est intrinsèquement politique, comme l'a soutenu Gilbert Cuthbertson. Les premiers habitants de la péninsule balkanique étaient un peuple agricole qui, utilisant l'animisme, attribuait un esprit à chaque aspect de la nature. Finalement, ces esprits vagues ont pris des formes humaines et sont entrés dans la mythologie locale en tant que dieux. Lorsque les tribus du nord de la péninsule balkanique ont envahi le pays, elles ont amené avec elles un nouveau panthéon de dieux, basé sur la conquête, la force, les prouesses au combat et l'héroïsme violent. D’autres dieux plus anciens du monde agricole ont fusionné avec ceux des envahisseurs plus puissants ou sont devenus insignifiants. Après le milieu de la période archaïque, les mythes sur les relations entre les dieux masculins et les héros masculins sont devenus de plus en plus fréquents, indiquant le développement parallèle de la pédérastie pédagogique (erospaidikos, ), qui aurait été introduite vers 630 avant JC. À la fin du Ve siècle avant JC, les poètes avaient attribué au moins un éromène, un adolescent qui était leur compagnon sexuel, à tous les dieux importants à l'exception d'Arès et à de nombreuses figures légendaires. Les mythes antérieurs, comme ceux d'Achille et de Patrocle, étaient également présentés sous un jour pédérastique. Les poètes alexandrins d’abord, puis plus généralement les mythographes littéraires du début de l’Empire romain, réadaptèrent souvent ainsi les histoires de personnages mythologiques grecs. L’accomplissement de la poésie épique a été de créer des cycles d’histoires et, par conséquent, de développer un nouveau sens de la chronologie mythologique. Ainsi, la mythologie grecque se déroule comme une phase du développement du monde et des humains. Bien que les contradictions de ces histoires rendent impossible une chronologie absolue, une chronologie approximative peut être discernée. L'« histoire du monde » mythologique qui en résulte peut être divisée en trois ou quatre périodes plus larges : # Les mythes d'origine ou d'âge des dieux (Théogonies, « naissances des dieux ») : mythes sur les origines du monde, des dieux et du genre humain. # L'époque où les dieux et les mortels se mêlaient librement : histoires des premières interactions entre dieux, demi-dieux et mortels. # L'âge des héros (âge héroïque), où l'activité divine était plus limitée. La dernière et la plus grande des légendes héroïques est l’histoire de la guerre de Troie et après (qui est considérée par certains chercheurs comme une quatrième période distincte). Alors que l'âge des dieux a souvent été d'un plus grand intérêt pour les étudiants contemporains des mythes, les auteurs grecs des époques archaïque et classique avaient une nette préférence pour l'âge des héros, établissant une chronologie et un enregistrement des réalisations humaines après s'être demandé comment le monde est né ont été expliqués. Par exemple, l’Iliade et l’Odyssée héroïques ont éclipsé la Théogonie et les Hymnes homériques à caractère divin en termes de taille et de popularité. Sous l'influence d'Homère, le « culte des héros » conduit à une restructuration de la vie spirituelle, qui s'exprime dans la séparation du royaume des dieux et du royaume des morts (héros), du chthonien de l'Olympien. Dans les Travaux et les Jours, Hésiode utilise un schéma de quatre âges de l'homme (ou races) : l'or, l'argent, le bronze et le fer. Ces races ou âges sont des créations distinctes des dieux, l'âge d'or appartenant au règne de Cronos, les races ultérieures à la création de Zeus. La présence du mal était expliquée par le mythe de Pandore, lorsque tout le meilleur des capacités humaines, à l'exception de l'espoir, s'était répandu de son pot renversé. Dans Métamorphoses, Ovide suit le concept des quatre âges d'Hésiode. Origines du monde et des dieux Les « mythes d'origine » ou « mythes de création » représentent une tentative d'expliquer les débuts de l'univers en langage humain. La version la plus largement acceptée à l'époque, bien qu'il s'agisse d'un récit philosophique du début des choses, est rapportée par Hésiode, dans sa Théogonie. Il commence par le Chaos, un néant béant. Du vide ont émergé Gaia (la Terre) et quelques autres êtres divins primaires : Eros (l'Amour), les Abysses (le Tartare) et l'Erebus. Sans l'aide des hommes, Gaia a donné naissance à Uranus (le Ciel) qui l'a ensuite fécondée. De cette union naquirent d'abord les Titans, six mâles : Coeus, Crius, Cronus, Hyperion, Iapetus et Oceanus ; et six femelles : Mnemosyne, Phoebe, Rhea, Theia, Themis et Tethys. Après la naissance de Cronos, Gaia et Uranus ont décrété qu'aucun Titan ne devait plus naître. Ils furent suivis par les Cyclopes borgnes et les Hécatonchires ou Cent-Mains, qui furent tous deux jetés dans le Tartare par Uranus. Cela rendit Gaia furieuse. Cronos (« le rusé, le plus jeune et le plus terrible des enfants de Gaia ») fut convaincu par Gaia de castrer son père. Il fit cela et devint le dirigeant des Titans avec sa sœur-épouse Rhéa comme épouse, et les autres Titans devinrent sa cour. Un motif de conflit père contre fils s'est répété lorsque Cronos a été confronté à son fils, Zeus. Parce que Cronos avait trahi son père, il craignait que sa progéniture fasse de même, et donc chaque fois que Rhéa accoucheait, il s'emparait de l'enfant et le mangeait. Rhéa détestait cela et le trompa en cachant Zeus et en enveloppant une pierre dans une couverture de bébé, que Cronos mangea. Quand Zeus fut adulte, il donna à Cronos une boisson droguée qui le fit vomir, vomissant les autres enfants de Rhéa et la pierre qui était restée dans l'estomac de Cronos depuis le début. Zeus défia alors Cronos de faire la guerre pour la royauté des dieux. Finalement, avec l'aide des Cyclopes (que Zeus libéra du Tartare), Zeus et ses frères et sœurs furent victorieux, tandis que Cronos et les Titans furent jetés en prison dans le Tartare. Zeus était tourmenté par la même inquiétude et, après une prophétie selon laquelle la progéniture de sa première épouse, Métis, donnerait naissance à un dieu « plus grand que lui », Zeus l'avala. Mais elle était déjà enceinte d'Athéna, et elle sortit de sa tête, adulte et habillée pour la guerre. La première pensée grecque sur la poésie considérait les théogonies comme le genre poétique prototypique – le mythe prototypique – et lui imputait des pouvoirs presque magiques. Orphée, le poète archétype, était également l'archétype du chanteur des théogonies, qu'il utilise pour calmer les mers et les tempêtes dans l'Argonautique d'Apollonios, et pour émouvoir les cœurs de pierre des dieux du monde souterrain lors de sa descente vers l'Hadès. Lorsqu’Hermès invente la lyre dans l’Hymne homérique à Hermès, la première chose qu’il fait est de chanter la naissance des dieux. La Théogonie d'Hésiode est non seulement le récit le plus complet des dieux, mais aussi le récit le plus complet de la fonction du poète archaïque, avec sa longue invocation préliminaire aux Muses. La théogonie a également fait l'objet de nombreux poèmes perdus, y compris ceux attribués à Orphée, Musée, Épiménide, Abaris et d'autres voyants légendaires, qui étaient utilisés dans des purifications rituelles privées et des rites mystérieux. Certains éléments indiquent que Platon connaissait une certaine version de la théogonie orphique. Cependant, on aurait pu s'attendre à un silence sur les rites et croyances religieuses, et cette nature de la culture n'aurait pas été signalée par les membres de la société pendant que ces croyances étaient pratiquées. Une fois qu’ils ont cessé de devenir des croyances religieuses, peu de gens auraient connu ces rites et rituels. Il y avait cependant souvent des allusions à des aspects qui étaient tout à fait publics. Des images existaient sur des poteries et des œuvres d’art religieuses qui étaient interprétées et, plus probablement, mal interprétées dans de nombreux mythes et contes divers. Quelques fragments de ces œuvres survivent dans des citations de philosophes néoplatoniciens et des restes de papyrus récemment découverts. L'un de ces fragments, le Papyrus Derveni, prouve maintenant qu'au moins au cinquième siècle avant JC, un poème théogonique-cosmogonique d'Orphée existait.W. Burkert, Religion grecque, 236* G. Betegh, Le Papyrus Derveni, 147 Les premiers cosmologistes philosophiques ont réagi contre, ou parfois se sont appuyés sur, des conceptions mythiques populaires qui existaient depuis un certain temps dans le monde grec. Certaines de ces conceptions populaires peuvent être tirées de la poésie d’Homère et d’Hésiode. Chez Homère, la Terre était considérée comme un disque plat flottant sur le fleuve Océan et surplombé par un ciel hémisphérique avec le soleil, la lune et les étoiles. Le Soleil (Hélios) traversait les cieux comme un conducteur de char et naviguait autour de la Terre dans un bol doré la nuit. Le soleil, la terre, le ciel, les rivières et les vents pouvaient être abordés dans des prières et appelés à témoigner sous serment. Les fissures naturelles étaient généralement considérées comme les entrées de la maison souterraine d'Hadès et de ses prédécesseurs, la demeure des morts.* K. Algra, The Beginnings of Cosmology, 45. Les influences d'autres cultures ont toujours offert de nouveaux thèmes. Panthéon grec Selon la mythologie de l’époque classique, après le renversement des Titans, le nouveau panthéon des dieux et des déesses fut confirmé. Parmi les principaux dieux grecs figuraient les Olympiens, résidant sur le mont Olympe sous l'œil de Zeus. (La limitation de leur nombre à douze semble avoir été une idée relativement moderne.) Outre les Olympiens, les Grecs adoraient divers dieux de la campagne, le dieu satyre Pan, les Nymphes (esprits des rivières), les Naïades (qui habitaient les sources). ), les Dryades (qui étaient les esprits des arbres), les Néréides (qui habitaient la mer), les dieux des rivières, les Satyres et d'autres. À cela s’ajoutaient les puissances obscures du monde souterrain, comme les Erinyes (ou Furies), censées poursuivre les coupables de crimes contre les membres de la famille. Afin d’honorer le panthéon de la Grèce antique, les poètes ont composé les Hymnes homériques (un groupe de trente-trois chants). Gregory Nagy considère « les plus grands hymnes homériques comme de simples préludes (par rapport à la théogonie), dont chacun invoque un dieu ». Les dieux de la mythologie grecque sont décrits comme ayant des corps essentiellement corporels mais idéaux. Selon Walter Burkert, la caractéristique déterminante de l'anthropomorphisme grec est que « les dieux grecs sont des personnes, et non des abstractions, des idées ou des concepts ». Quelle que soit leur forme sous-jacente, les dieux de la Grèce antique possèdent de nombreuses capacités fantastiques ; Plus important encore, les dieux ne sont pas affectés par la maladie et ne peuvent être blessés que dans des circonstances très inhabituelles. Les Grecs considéraient l’immortalité comme le caractère distinctif de leurs dieux ; cette immortalité, ainsi que cette jeunesse indéfectible, était assurée par l'usage constant du nectar et de l'ambroisie, par lesquels le sang divin se renouvelait dans leurs veines. Chaque dieu descend de sa propre généalogie, poursuit des intérêts différents, possède un certain domaine d'expertise et est gouverné par une personnalité unique ; cependant, ces descriptions résultent d'une multiplicité de variantes locales archaïques, qui ne concordent pas toujours entre elles. Lorsque ces dieux sont invoqués dans la poésie, la prière ou le culte, ils sont désignés par une combinaison de leur nom et d'épithètes, qui les identifient par ces distinctions par rapport à d'autres manifestations d'eux-mêmes (par exemple, Apollon Musagetes est « Apollon, [en tant que] chef des Muses"). Alternativement, l'épithète peut identifier un aspect particulier et localisé du dieu, parfois considéré comme déjà ancien à l'époque classique de la Grèce. La plupart des dieux étaient associés à des aspects spécifiques de la vie. Par exemple, Aphrodite était la déesse de l’amour et de la beauté, Ares était le dieu de la guerre, Hadès le souverain des enfers et Athéna la déesse de la sagesse et du courage. Certains dieux, comme Apollon et Dionysos, révélaient des personnalités complexes et des mélanges de fonctions, tandis que d'autres, comme Hestia (littéralement « foyer ») et Hélios (littéralement « soleil »), n'étaient guère plus que des personnifications. Les temples les plus impressionnants étaient généralement dédiés à un nombre limité de dieux, qui faisaient l'objet de grands cultes panhelléniques. Il était cependant courant que des régions et des villages individuels vouent leurs propres cultes à des dieux mineurs. De nombreuses villes honoraient également les dieux les plus connus avec des rites locaux inhabituels et leur associaient d'étranges mythes inconnus ailleurs. A l'époque héroïque, le culte des héros (ou demi-dieux) complétait celui des dieux. L'ère des dieux et des mortels Entre l’époque où les dieux vivaient seuls et l’époque où l’ingérence divine dans les affaires humaines était limitée, il y avait une époque de transition au cours de laquelle les dieux et les mortels évoluaient ensemble. C’étaient les premiers jours du monde où les groupes se mélangeaient plus librement qu’ils ne le furent plus tard. La plupart de ces contes ont été racontés plus tard par les Métamorphoses d'Ovide et sont souvent divisés en deux groupes thématiques : les contes d'amour et les contes de punition. Les histoires d'amour impliquent souvent l'inceste, ou la séduction ou le viol d'une femme mortelle par un dieu mâle, donnant naissance à une progéniture héroïque. Les histoires suggèrent généralement que les relations entre les dieux et les mortels sont quelque chose à éviter ; même les relations consentantes ont rarement une fin heureuse. Dans quelques cas, une divinité féminine s'accouple avec un homme mortel, comme dans l'hymne homérique à Aphrodite, où la déesse couche avec Anchise pour produire Enée. Le deuxième type (les récits de punition) implique l'appropriation ou l'invention d'un artefact culturel important, comme lorsque Prométhée vole le feu aux dieux, lorsque Tantale vole le nectar et l'ambroisie de la table de Zeus et les donne à ses propres sujets, leur révélant ainsi le secrets des dieux, quand Prométhée ou Lycaon inventent le sacrifice, quand Déméter enseigne l'agriculture et les Mystères à Triptolème, ou quand Marsyas invente l'aulos et se livre à un concours musical avec Apollon. Ian Morris considère les aventures de Prométhée comme « un lieu entre l'histoire des dieux et celle des hommes ». Un fragment de papyrus anonyme, daté du troisième siècle, décrit de manière vivante le châtiment infligé par Dionysos au roi de Thrace, Lycurgue, dont la reconnaissance du nouveau dieu est arrivée trop tard, entraînant d'horribles sanctions qui se sont prolongées jusque dans l'au-delà. L'histoire de l'arrivée de Dionysos pour établir son culte en Thrace a également fait l'objet d'une trilogie eschyléenne. Dans une autre tragédie, Les Bacchantes d'Euripide, le roi de Thèbes, Penthée, est puni par Dionysos, parce qu'il a manqué de respect au dieu et a espionné ses Ménades, les adoratrices du dieu. Dans une autre histoire, basée sur un vieux motif de conte populaire et faisant écho à un thème similaire, Déméter cherchait sa fille, Perséphone, ayant pris la forme d'une vieille femme appelée Doso, et reçut un accueil hospitalier de Celeus, le roi d'Eleusis. en Attique. En cadeau à Celeus, en raison de son hospitalité, Déméter avait prévu de faire de son fils Démophon un dieu, mais elle n'a pas pu terminer le rituel car sa mère Metanira est entrée et a vu son fils dans le feu et a crié de peur, ce qui a irrité Déméter. , qui déplorait que les mortels insensés ne comprennent pas le concept et le rituel. Âge héroïque L’époque dans laquelle vivaient les héros est connue sous le nom d’époque héroïque. La poésie épique et généalogique créait des cycles d'histoires regroupées autour de héros ou d'événements particuliers et établissait les relations familiales entre les héros de différentes histoires ; ils arrangeaient ainsi les histoires en séquence. Selon Ken Dowden, « il y a même un effet de saga : on peut suivre le destin de certaines familles au fil des générations successives ». Après l'essor du culte des héros, dieux et héros constituent la sphère sacrée et sont invoqués ensemble dans les serments et les prières qui leur sont adressées. Burkert note que « la liste des héros, encore une fois contrairement aux dieux, ne reçoit jamais de forme fixe et définitive. Les grands dieux ne naissent plus, mais de nouveaux héros peuvent toujours surgir de l'armée des morts ». Une autre différence importante entre le culte du héros et le culte des dieux est que le héros devient le centre de l’identité du groupe local. Les événements monumentaux d’Héraclès sont considérés comme l’aube de l’ère des héros. À l'âge héroïque sont également attribués trois grands événements : l'expédition argonautique, le cycle thébain et la guerre de Troie. Héraclès et les Héraclides Certains érudits pensent que derrière la mythologie complexe d'Héraclès se cachait probablement un homme réel, peut-être un chef vassal du royaume d'Argos. Certains érudits suggèrent que l'histoire d'Héraclès est une allégorie du passage annuel du soleil à travers les douze constellations du zodiaque. D'autres évoquent des mythes antérieurs provenant d'autres cultures, montrant l'histoire d'Héraclès comme une adaptation locale de mythes de héros déjà bien établis. Traditionnellement, Héraclès était le fils de Zeus et d'Alcmène, petite-fille de Persée. Ses fantastiques exploits solitaires, avec leurs nombreux thèmes de contes populaires, ont fourni beaucoup de matière à la légende populaire. Selon Burkert, « il est dépeint comme un sacrificateur, mentionné comme fondateur d'autels, et imaginé lui-même comme un mangeur vorace ; c'est dans ce rôle qu'il apparaît dans la comédie, tandis que sa fin tragique a fourni beaucoup de matière à la tragédie — Héraclès est considéré par Thalia Papadopoulou comme « une pièce de grande importance dans l'examen d'autres drames euripidiens ». Dans l'art et la littérature, Héraclès était représenté comme un homme extrêmement fort de taille modérée ; son arme caractéristique était l'arc mais souvent aussi la massue. la popularité sans précédent d'Héraclès, son combat avec le lion étant représenté plusieurs centaines de fois. Héraclès est également entré dans la mythologie et le culte étrusques et romains, et l'exclamation « mehercule » est devenue aussi familière aux Romains que « Hérakleis » l'était aux Grecs. En Italie, il était vénéré comme le dieu des marchands et des commerçants, bien que d'autres le priaient également pour ses dons caractéristiques de bonne chance ou de sauvetage du danger. Héraclès a atteint le plus haut prestige social grâce à sa nomination comme ancêtre officiel des rois doriens. Cela a probablement servi de légitimation aux migrations doriennes vers le Péloponnèse. Hyllus, le héros éponyme d'un phyle dorien, devint le fils d'Héraclès et l'un des Héraclès ou Héraclides (les nombreux descendants d'Héraclès, en particulier les descendants d'Hyllus - d'autres Héraclés comprenaient Macaria, Lamos, Manto, Bianor, Tlepolemus et Telephus. ). Ces Héraclides ont conquis les royaumes du Péloponnèse de Mycènes, Sparte et Argos, revendiquant, selon la légende, le droit de les gouverner par l'intermédiaire de leur ancêtre. Leur ascension vers la domination est souvent appelée « l'invasion dorienne ». Les rois lydiens et plus tard macédoniens, en tant que dirigeants du même rang, devinrent également des Heracleidae. D'autres membres de cette première génération de héros, tels que Persée, Deucalion, Thésée et Bellérophon, ont de nombreux traits communs avec Héraclès. Comme lui, leurs exploits sont solitaires, fantastiques et confinent au conte de fées, puisqu'ils tuent des monstres comme la Chimère et la Méduse. Les aventures de Bellérophon sont de type banal, semblables aux aventures d'Héraclès et de Thésée. Envoyer un héros à sa mort présumée est également un thème récurrent de cette première tradition héroïque, utilisée dans les cas de Persée et de Bellérophon. Argonautes La seule épopée hellénistique survivante, l'Argonautique d'Apollonios de Rhodes (poète épique, érudit et directeur de la Bibliothèque d'Alexandrie) raconte le mythe du voyage de Jason et des Argonautes pour récupérer la Toison d'or du pays mythique de Colchide. Dans l'Argonautica, Jason est poussé dans sa quête par le roi Pélias, qui reçoit une prophétie selon laquelle un homme avec une seule sandale serait son ennemi juré. Jason perd une sandale dans une rivière, arrive à la cour de Pélias, et l'épopée se déclenche. Presque tous les membres de la génération suivante de héros, ainsi qu'Héraclès, accompagnèrent Jason à bord du navire Argo pour récupérer la Toison d'Or. Cette génération comprenait également Thésée, qui se rendit en Crète pour tuer le Minotaure ; Atalante, l'héroïne féminine, et Méléagre, qui avait autrefois son propre cycle épique pour rivaliser avec l'Iliade et l'Odyssée. Pindare, Apollonius et la Bibliotheca s'efforcent de donner des listes complètes des Argonautes. Bien qu'Apollonius ait écrit son poème au IIIe siècle avant JC, la composition de l'histoire des Argonautes est antérieure à l'Odyssée, ce qui montre une familiarité avec les exploits de Jason (l'errance d'Ulysse peut en avoir été en partie fondée). Dans les temps anciens, l’expédition était considérée comme un fait historique, un incident dans l’ouverture de la mer Noire au commerce et à la colonisation grecque. Il était également extrêmement populaire, formant un cycle auquel se rattachaient de nombreuses légendes locales. L’histoire de Médée, en particulier, a captivé l’imagination des poètes tragiques. Maison d'Atrée et cycle thébain Entre l’Argo et la guerre de Troie, il y avait une génération connue principalement pour ses crimes horribles. Cela inclut les actions d'Atreus et de Thyeste à Argos. Derrière le mythe de la maison d'Atrée (une des deux principales dynasties héroïques avec la maison de Labdacus) se cache le problème de la dévolution du pouvoir et du mode d'accession à la souveraineté. Les jumeaux Atrée et Thyeste et leurs descendants ont joué le rôle principal dans la tragédie de la passation du pouvoir à Mycènes. Le cycle thébain traite des événements associés notamment à Cadmus, le fondateur de la ville, et plus tard aux actions de Laïos et d'Œdipe à Thèbes ; une série d'histoires qui mènent au pillage éventuel de cette ville par les Sept contre Thèbes et Epigoni. (On ne sait pas si les Sept contre Thèbes figuraient dans les premières épopées.) En ce qui concerne Œdipe, les premiers récits épiques semblent le faire continuer à régner à Thèbes après la révélation que Iokaste était sa mère, et épouser par la suite une seconde épouse. qui devient la mère de ses enfants - ce qui est très différent du conte que nous connaissons à travers la tragédie (par exemple Œdipe le roi de Sophocle) et les récits mythologiques ultérieurs. Guerre de Troie et conséquences La mythologie grecque culmine avec la guerre de Troie, menée entre la Grèce et Troie, et ses conséquences. Dans les œuvres d'Homère, comme l'Iliade, les récits principaux ont déjà pris forme et substance, et des thèmes individuels ont été élaborés plus tard, notamment dans le drame grec. La guerre de Troie a également suscité un grand intérêt dans la culture romaine en raison de l'histoire d'Énée, un héros troyen dont le voyage depuis Troie a conduit à la fondation de la ville qui allait devenir un jour Rome, comme le raconte l'Énéide de Virgile (Livre II de l'Énéide de Virgile). contient le récit le plus connu du sac de Troie). Il existe enfin deux pseudo-chroniques écrites en latin qui passaient sous les noms de Dictys Cretensis et Dares Phrygius. Le cycle de la guerre de Troie, recueil de poèmes épiques, commence par les événements qui ont précédé la guerre : Éris et la pomme d'or de Kallisti, le jugement de Pâris, l'enlèvement d'Hélène, le sacrifice d'Iphigénie à Aulis. Pour récupérer Hélène, les Grecs lancèrent une grande expédition sous le commandement général du frère de Ménélas, Agamemnon, roi d'Argos ou Mycènes, mais les Troyens refusèrent de restituer Hélène. L'Iliade, qui se déroule la dixième année de la guerre, raconte la querelle entre Agamemnon et Achille, qui était le meilleur guerrier grec, et la mort qui en résulta au combat du camarade bien-aimé d'Achille, Patrocle, et du fils aîné de Priam, Hector. Après la mort d'Hector, les Troyens furent rejoints par deux alliés exotiques, Penthésilée, reine des Amazones, et Memnon, roi des Éthiopiens et fils de la déesse de l'aube Eos. Achille les tua tous les deux, mais Pâris réussit ensuite à tuer Achille d'une flèche dans le talon. Le talon d'Achille était la seule partie de son corps qui n'était pas invulnérable aux dommages causés par les armes humaines. Avant de pouvoir prendre Troie, les Grecs durent voler dans la citadelle l'image en bois de Pallas Athéna (le Palladium). Finalement, avec l'aide d'Athéna, ils construisirent le cheval de Troie. Malgré les avertissements de Cassandra, la fille de Priam, les Troyens furent persuadés par Sinon, un Grec qui feignait la désertion, d'emmener le cheval à l'intérieur des murs de Troie en offrande à Athéna ; le prêtre Laocoon, qui tentait de faire détruire le cheval, fut tué par des serpents de mer. La nuit, la flotte grecque revint et les Grecs à cheval ouvrirent les portes de Troie. Dans le pillage total qui suivit, Priam et ses fils restants furent massacrés ; les femmes troyennes passèrent en esclavage dans diverses villes de Grèce. Les voyages aventureux des dirigeants grecs (y compris les pérégrinations d'Ulysse et d'Énée (l'Énéide) et le meurtre d'Agamemnon) ont été racontés dans deux épopées, les Retours (le Nostoi perdu) et l'Odyssée d'Homère. Le cycle troyen comprend également les aventures des enfants de la génération troyenne (par exemple Oreste et Télémaque). La guerre de Troie a fourni une variété de thèmes et est devenue une source d'inspiration principale pour

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Quel musicien a fondé les Red Hot Peppers ?

Jelly Roll Morton

Red Hot Peppers était un groupe de jazz enregistré dirigé par Jelly Roll Morton de 1926 à 1930. Il s'agissait d'un groupe de sept ou huit musiciens formé à Chicago qui enregistrait pour Victor et mettait en vedette les meilleurs musiciens indépendants de style Nouvelle-Orléans disponibles, dont le cornettiste George Mitchell, le tromboniste Kid Ory, les clarinettistes Omer Simeon et Johnny Dodds, les banjoistes Johnny St. Cyr. et Bud Scott, le contrebassiste John Lindsay et les batteurs Andrew Hilaire et Baby Dodds. Les enregistrements réalisés par le groupe à Chicago en 1926-1927, tels que "Black Bottom Stomp", "Smoke-House Blues" et "Doctor Jazz", ont établi une norme encore inégalée pour le jazz en petits groupes. Les compétences de Morton en tant que compositeur et arrangeur sont apparentes dans la structure des pièces, qui allie clarté et variété et parvient à maintenir un équilibre entre le jeu d'ensemble et le jeu solo tout en permettant un solo substantiel de chaque membre du groupe. La qualité des enregistrements est encore renforcée par les répétitions minutieuses du groupe, ce qui était rare dans les premiers concerts de jazz. Un certain nombre des meilleurs solos de piano de Morton peuvent également être entendus sur ces enregistrements. En 1928, Morton s'installe à New York, où il continue à faire des enregistrements sous le nom de Red Hot Peppers, mais collabore avec des musiciens de son groupe habituel ou d'autres orchestres. En 1930, le nom Red Hot Peppers n’était plus utilisé. Les enregistrements réalisés par les Red Hot Peppers ont constitué une contribution significative à l'industrie des records de course, à son apogée dans les années 1920 et 1930. Le mélange magistral de composition et d'improvisation démontré par Morton et ses collègues a créé un précédent pour les débuts du jazz. Sélectionner la discographie Une discographie partielle des Red Hot Peppers est disponible dans la Discography of American Historical Recordings, une base de données éditée par l'Université de Californie à Santa Barbara. * Victor BVE-36239 "Black Bottom Stomp" (Jelly Roll Morton)Enregistré le 15 septembre 1926 au Webster Hotel de Chicago, IllinoisJelly Roll Morton (piano), Andrew Hilaire (batterie), John Lindsay (basse), George Mitchell ( cornet), Kid Ory (trombone), Johnny St. Cyr (banjo), Omer Simeon (clarinette) * Victor BVE-36284"Dead Man Blues" (Jelly Roll Morton)Enregistré le 21 septembre 1926 au Webster Hotel de Chicago, IllinoisJelly Roll Morton (piano, voix), Barney Bigard (clarinette), Marty Bloom (effets sonores), Andrew Hilaire (batterie), Darnell Howard (clarinette), John Lindsay (basse), George Mitchell (cornet), Kid Ory (trombone), Johnny St. Cyr (banjo, voix), Omer Simeon (clarinette) * Victor BVE-37256 "Original Jelly-Roll Blues" (Jelly Roll Morton) Enregistré le 16 décembre 1926 au Webster Hotel de Chicago, Illinois Jelly Roll Morton (piano), Andrew Hilaire (batterie), John Lindsay (basse), George Mitchell (cornet), Kid Ory (trombone), Johnny St. Cyr (banjo), Omer Simeon (clarinette) * Victor BVE-37257 "Doctor Jazz" (King Oliver)Enregistré le 16 décembre 1926 au Webster Hotel de Chicago, IllinoisJelly Roll Morton (piano), Andrew Hilaire (batterie), John Lindsay (basse), George Mitchell (cornet) , Kid Ory (trombone), Johnny St. Cyr (banjo), Omer Simeon (clarinette) * Victor BVE-38661 "Beale Street Blues" (W. C. Handy) Enregistré le 10 juin 1927 au 952 N. Michigan Avenue, Chicago, Illinois Jelly Roll Morton (piano), Baby Dodds (batterie), Johnny Dodds (clarinette), Stump Evans (saxophone alto), George Mitchell (cornet), Gerald Reeves (trombone), Bud Scott (guitare), Quinn Wilson (tuba) * Victor BVE-45619 "Georgia Swing" (Jelly Roll Morton, Santo Pecora) Enregistré le 11 juin 1928 au Liederkranz Hall, New York, New York

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Où les terroristes du Sentier lumineux ont-ils opéré ?

Pérou

Le Parti communiste du Pérou (espagnol : Partido Comunista del Perú), plus communément connu sous le nom de Sentier lumineux (Sendero Luminoso), est une organisation radicale au Pérou. Lorsqu'il a lancé pour la première fois le conflit interne au Pérou en 1980, son objectif déclaré était de remplacer ce qu'il considérait comme une démocratie bourgeoise par une « Nouvelle Démocratie ». Le Sentier Lumineux croyait qu’en établissant une dictature du prolétariat, en provoquant une révolution culturelle et en déclenchant finalement une révolution mondiale, ils pourraient parvenir au communisme pur. Leurs représentants disaient que les pays socialistes existants étaient révisionnistes et prétendaient être l’avant-garde du mouvement communiste mondial. L'idéologie et les tactiques du Sentier lumineux ont eu une influence sur d'autres groupes insurgés maoïstes, notamment le Parti communiste du Népal (maoïste) et d'autres organisations affiliées au Mouvement internationaliste révolutionnaire. Largement condamné pour sa brutalité,[http://www.britannica.com/eb/article-9067404/ "Shining-Path"], Encyclopædia Britannica. Récupéré le 11 juin 2009, y compris les violences déployées contre les paysans, les organisateurs syndicaux, les élus populaires et la population civile en général, le Sentier lumineux est classé par le gouvernement péruvien, les États-Unis, l'Union européenne et le Canada comme organisation terroriste. Depuis la capture de son chef Abimael Guzmán en 1992, le Sentier Lumineux a décliné en activité. Semblables aux groupes militants en Colombie, certaines factions du Sentier lumineux ont fonctionné comme une opération de contrebande de cocaïne très efficace, avec une relation ostensiblement paternaliste avec les villageois. Simon Romero, [http://www.nytimes.com/2009/03/ 18/monde/Amériques/18peru.html?_r 1 « Le commerce de la cocaïne aide les rebelles à relancer la guerre au Pérou »], The New York Times, 17 mars 2009. Nom Le nom commun de ce groupe, Sentier lumineux, le distingue de plusieurs autres partis communistes péruviens portant des noms similaires (voir Communisme au Pérou). Le nom est dérivé d'une maxime de José Carlos Mariátegui, fondateur du Parti communiste péruvien dans les années 1920 : « El Marxismo-Léninismo abrirá el sendero luminoso hacia la revolución » (« Le marxisme-léninisme ouvrira la voie brillante à la révolution »). . Cette maxime figurait dans l’en-tête du journal d’un groupe de façade du Sentier lumineux. Les groupes communistes péruviens se distinguent souvent par le nom de leurs publications. Les adeptes de ce groupe sont généralement appelés senderistas. Tous les documents, périodiques et autres matériels produits par l'organisation sont signés par le Parti communiste du Pérou (PCP). Les universitaires les appellent souvent PCP-SL. Origines Le Sentier lumineux a été fondé à la fin des années 1960 par Abimael Guzmán, un ancien professeur de philosophie universitaire (désigné par ses partisans sous son nom de guerre Presidente Gonzalo). Ses enseignements ont jeté les bases de sa doctrine militante maoïste. C'était une émanation du Parti communiste du Pérou — Bandera Roja (drapeau rouge), qui à son tour s'est séparé du Parti communiste péruvien original, une dérivation du Parti socialiste péruvien fondé par José Carlos Mariátegui en 1928. Le Sentier Lumineux s’est d’abord implanté à San Cristóbal de l’Université Huamanga, à Ayacucho, où Guzmán enseignait la philosophie. L'université avait récemment rouvert ses portes après avoir été fermée pendant environ un demi-siècle, et de nombreux étudiants de la promotion nouvellement formée ont adopté l'idéologie radicale du Sentier lumineux. Entre 1973 et 1975, les membres du Sentier lumineux ont pris le contrôle des conseils étudiants des universités de Huancayo et de La Cantuta et ont développé une présence significative à l'Université nationale d'ingénierie de Lima et à l'Université nationale de San Marcos. Quelque temps plus tard, il a perdu de nombreuses élections étudiantes dans les universités, y compris celle de San Cristóbal de Huamanga de Guzmán. Il a décidé d'abandonner le recrutement dans les universités et de se reconsolider. À partir du 17 mars 1980, le Sentier lumineux a tenu une série de réunions clandestines à Ayacucho, connues sous le nom de deuxième séance plénière du Comité central. Il forme un « Directoire révolutionnaire » à caractère politique et militaire et ordonne à ses milices de se transférer dans les zones stratégiques des provinces pour lancer la « lutte armée », malgré le révisionnisme institué en Chine par Deng Xiaoping et ses succès économiques depuis 1978. Le groupe a également organisé sa « Première école militaire » où ses membres ont été formés aux tactiques militaires et à l'utilisation des armes. Ils se sont également livrés à la « Critique et à l'autocritique », une pratique maoïste destinée à purger les mauvaises habitudes et à éviter la répétition des erreurs, mais les assassinats aveugles ont été leurs premières erreurs, qui ont provoqué la peur de la population mais pas son soutien (Lucanamarca). Durant l'existence de la Première École militaire, les membres du Comité central ont fait l'objet de vives critiques. Guzmán ne l’a pas fait et il est sorti de la Première École Militaire comme le leader incontesté du Sentier Lumineux. Guerre de guérilla Lorsque le gouvernement militaire péruvien a autorisé des élections pour la première fois depuis une douzaine d'années en 1980, le Sentier lumineux était l'un des rares groupes politiques de gauche à refuser d'y participer. Il a choisi de déclencher une guérilla dans les hauts plateaux de la région d'Ayacucho. Le 17 mai 1980, à la veille des élections présidentielles, il brûle les urnes dans la ville de Chuschi. Ce fut le premier « acte de guerre » du Sentier Lumineux. Les auteurs ont été rapidement arrêtés et des bulletins supplémentaires ont été expédiés à Chuschi. Les élections se sont déroulées sans autre problème et l'incident a reçu peu d'attention dans la presse péruvienne. Tout au long des années 1980, le Sentier lumineux s’est développé, tant en termes de territoire qu’il contrôlait que de nombre de militants au sein de son organisation, notamment dans les hauts plateaux andins. Il a obtenu le soutien des paysans locaux en comblant le vide politique laissé par le gouvernement central et en assurant une « justice populaire ». Cela a amené les paysans de nombreux villages péruviens à exprimer une certaine sympathie pour le Sentier Lumineux, en particulier dans les régions pauvres et négligées d'Ayacucho, Apurímac et Huancavelica. Parfois, la population civile des petites villes négligées participait à des procès populaires, en particulier lorsque les victimes de ces procès étaient largement détestées. La crédibilité du Sentier lumineux a été renforcée par la réaction initialement tiède du gouvernement à l'insurrection. Pendant plus d’un an, le gouvernement a refusé de déclarer l’état d’urgence dans la région où opérait le Sentier lumineux. Le ministre de l'Intérieur, José María de la Jara, a estimé que le groupe pourrait être facilement vaincu grâce à des actions policières. De plus, le président Fernando Belaúnde Terry, revenu au pouvoir en 1980, était réticent à céder l'autorité aux forces armées, car son premier gouvernement s'était soldé par un coup d'État militaire. Le résultat fut que les paysans des régions où le Sentier Lumineux était actif pensaient que l’État était impuissant ou ne s’intéressait pas à leurs problèmes. Le 29 décembre 1981, le gouvernement a déclaré une « zone d'urgence » dans les trois régions andines d'Ayacucho, Huancavelica et Apurímac, et a accordé à l'armée le pouvoir de détenir arbitrairement toute personne suspecte. L'armée a abusé de ce pouvoir, arrêtant de très nombreux innocents, les soumettant parfois à la torture lors d'interrogatoires et à des viols. La police, les forces militaires et les membres de l'Armée de guérilla populaire (Ejército Guerrillero Popular, ou EGP) ont perpétré plusieurs massacres tout au long du conflit. Les militaires ont commencé à porter des masques de ski noirs pour cacher leur identité et protéger leur sécurité et celle de leurs familles. Cependant, les masques étaient intimidants et cachaient également l’identité des militaires lorsqu’ils commettaient des crimes. Dans certaines régions, l'armée a entraîné les paysans et les a organisés en milices anti-rebelles, appelées « rondes ». Ils étaient généralement mal équipés, même s’ils recevaient des armes de l’État. Les rondas ont attaqué les guérilleros du Sentier lumineux. La première attaque de ce type a eu lieu en janvier 1983, près de Huata, lorsque des « ronderos » ont tué 13 « senderistas » en février, à Sacsamarca. En mars 1983, les ronderos tuèrent brutalement Olegario Curitomay, l'un des commandants de la ville de Lucanamarca. Ils l'ont emmené sur la place de la ville, l'ont lapidé, poignardé, incendié et finalement abattu.Comisión de la Verdad y Reconciliación. 28 août 2003. [http://www.cverdad.org.pe/ifinal/pdf/TOMO%20VII/Casos%20Ilustrativos-UIE/2.6.%20LUCANAMARCA.pdf "La Masacre de Lucanamarca (1983)"]. (en espagnol) Récupéré le 13 janvier 2008. Lors d'une réponse en avril, le Sentier Lumineux est entré dans la province de Huanca Sancos et dans les villes de Yanaccollpa, Ataccara, Llacchua, Muylacruz et Lucanamarca, où ils ont tué 69 personnes, dans ce qui est devenu connu sous le nom de massacre de Lucanamarca. C'était la première fois que le Sentier Lumineux massacrait des paysans. Des événements similaires ont suivi, comme ceux de Hauyllo, dans le district de Tambo. Les guérilleros ont tué 47 paysans, dont 14 enfants âgés de quatre à quinze ans. D'autres massacres perpétrés par le Sentier lumineux ont eu lieu, comme celui de Marcas le 29 août 1985. Les attaques du Sentier Lumineux ne se sont pas limitées à la campagne. Il a lancé des attaques contre les infrastructures de Lima, tuant ainsi des civils. En 1983, il a saboté plusieurs pylônes de transmission électrique, provoquant une panne d'électricité dans toute la ville, et incendié et détruit l'usine industrielle de Bayer. La même année, il fait exploser une puissante bombe dans les locaux du parti au pouvoir, l'Action Populaire. Intensifiant ses activités à Lima, en juin 1985, elle fit exploser des pylônes de transport d'électricité à Lima, provoquant une panne d'électricité, et fit exploser des voitures piégées près du palais du gouvernement et du palais de justice. Il serait responsable de l'attentat à la bombe contre un centre commercial. A cette époque, le président Fernando Belaúnde Terry recevait le président argentin Raúl Alfonsín. Lors d'une de ses dernières attaques à Lima, le 16 juillet 1992, le groupe a fait exploser une puissante bombe dans la rue Tarata, dans le district de Miraflores, pleine de civils, adultes et enfants, tuant 25 personnes et en blessant 155 autres. Au cours de cette période, le Sentier lumineux a assassiné des individus spécifiques, notamment des dirigeants d’autres groupes de gauche, des partis politiques locaux, des syndicats et des organisations paysannes, dont certains étaient des marxistes anti-Sentier lumineux. Le 24 avril 1985, en pleine élection présidentielle, elle tente d'assassiner Domingo García Rada, président du Conseil national électoral péruvien, le blessant grièvement et blessant mortellement son chauffeur. En 1988, Constantin Gregory, un citoyen américain travaillant pour l’Agence des États-Unis pour le développement international, a été assassiné. Deux humanitaires français ont été tués le 4 décembre de la même année. En août 1991, le groupe a tué un prêtre italien et deux prêtres polonais dans la région d'Ancash. En février suivant, il assassine María Elena Moyano, une organisatrice communautaire bien connue de Villa El Salvador, un vaste bidonville de Lima. En 1991, le Sentier Lumineux contrôlait une grande partie des campagnes du centre et du sud du Pérou et était largement présent dans la banlieue de Lima. À mesure que l'organisation gagnait en puissance, un culte de la personnalité se développait autour de Guzmán. L'idéologie officielle du Sentier lumineux a cessé d'être « marxisme-léninisme-pensée Mao Tsé-toung » et a été plutôt appelée « marxisme-léninisme-maoïsme-pensée Gonzalo ». Le Sentier lumineux a combattu l'autre grand groupe de guérilla du Pérou, le Mouvement révolutionnaire Túpac Amaru (MRTA), ainsi que les groupes d'autodéfense paysans organisés par les forces armées péruviennes. Bien que la fiabilité des rapports concernant les atrocités du Sentier lumineux reste un sujet de controverse au Pérou pour certaines personnes, le recours à la violence par l'organisation est bien documenté. Lisa North, experte du Pérou à l'Université York, a noté que « les assassinats qu'ils ont perpétrés étaient absolument impitoyables... C'était tellement extrémiste – absolument, totalement doctrinaire et absolument, totalement impitoyable dans la poursuite de ses objectifs ». De plus, le Sentier Lumineux a tué brutalement ses victimes et rejeté l’idée des droits de l’homme. Un document du Sentier Lumineux déclarait : Niveau de soutien Alors que le Sentier Lumineux a rapidement pris le contrôle de vastes zones du Pérou, il a rapidement été confronté à de graves problèmes. Le maoïsme du Sentier Lumineux n'a jamais eu le soutien de la majorité du peuple péruvien ; selon les sondages d'opinion, seulement 15 % de la population considérait la subversion comme justifiable en juin 1988, alors qu'ils n'étaient que 17 % à la considérer comme justifiable en 1991. En juin 1991, « l'ensemble de l'échantillon désapprouvait le Sentier Lumineux avec une marge de 83 à 7 pour cent ». Cependant, parmi les plus pauvres, seuls 58 % ont déclaré qu'ils désapprouvaient le Sentier lumineux ; 11 % ont déclaré avoir une opinion favorable du Sentier lumineux, et environ 31 % n'ont pas répondu à la question. » Kenney , Charles D. 2004. Le coup d'État de Fujimori et l'effondrement de la démocratie en Amérique latine. Notre Dame, Indiana : Université de Notre Dame. Un sondage de septembre 1991 a révélé que 21 pour cent des personnes interrogées à Lima pensaient que le Sentier lumineux n'avait pas tué ni torturé des innocents. Le même sondage a révélé que 13 % pensaient que la société serait plus juste si le Sentier Lumineux gagnait la guerre et 22 % pensaient que la société serait tout aussi juste sous le Sentier Lumineux que sous le gouvernement. De nombreux paysans étaient mécontents du régime du Sentier lumineux pour diverses raisons, telles que son manque de respect pour la culture et les institutions indigènes, et la brutalité de ses « procès populaires » qui comprenaient parfois « des égorgements, des étranglements, des lapidations et des incendies ». Alors que punir et tuer les voleurs de bétail était populaire dans certaines régions du Pérou, le Sentier lumineux tuait également des paysans et des dirigeants populaires pour des délits mineurs. Isbell, p. 79 Les paysans ont été offensés par l'injonction des rebelles de ne pas enterrer les corps des victimes du Sentier lumineux. Le Sentier Lumineux est devenu peu apprécié en raison de sa politique de fermeture des petits marchés ruraux afin de mettre fin au capitalisme à petite échelle et d’affamer Lima. En tant qu’organisation maoïste, elle s’oppose fermement à toutes les formes de capitalisme. Cela faisait suite au dicton de Mao selon lequel la guérilla devait commencer dans les campagnes et étouffer progressivement les villes. Comme les moyens de subsistance des paysans dépendaient du commerce sur les marchés, ils ont rejeté de telles fermetures. Dans plusieurs régions du Pérou, le Sentier lumineux a lancé des campagnes restrictives impopulaires, telles que l'interdiction des fêtes et de la consommation d'alcool. Réponse du gouvernement et abus En 1991, le président Alberto Fujimori a promulgué une loi qui a donné un statut juridique aux rondas, et à partir de ce moment-là, elles ont été officiellement appelées Comités de auto defensa (« Comités d'autodéfense »). Ils étaient officiellement armés, généralement avec des fusils de chasse de calibre 12, et entraînés par l'armée péruvienne. Selon le gouvernement, il existait environ 7 226 comités de auto defensa en 2005 ; près de 4 000 sont situés dans la région centrale du Pérou, fief du Sentier Lumineux. Le gouvernement péruvien a également réprimé le Sentier Lumineux par d’autres moyens. Du personnel militaire a été envoyé dans les zones dominées par le Sentier lumineux, notamment à Ayacucho, pour combattre les rebelles. Ayacucho elle-même a été déclarée zone d'urgence et les droits constitutionnels ont été suspendus dans la région. Les efforts initiaux du gouvernement pour lutter contre le Sentier lumineux n’ont été ni très efficaces ni prometteurs. Les unités militaires se sont rendues coupables de nombreuses violations des droits humains, ce qui a amené le Sentier lumineux à apparaître aux yeux de beaucoup comme le moindre mal. Ils ont eu recours à une force excessive et ont tué de nombreux civils innocents. Les forces gouvernementales ont détruit des villages et tué des paysans soupçonnés de soutenir le Sentier lumineux. Ils ont finalement ralenti le rythme auquel les forces armées commettaient des atrocités telles que des massacres. En outre, l’État a commencé à recourir largement aux agences de renseignement dans sa lutte contre le Sentier lumineux. Cependant, des atrocités ont été commises par le Service national de renseignement et le Service de renseignement de l'armée, notamment le massacre de La Cantuta et le massacre de Barrios Altos, tous deux commis par le Grupo Colina. Après l'effondrement du gouvernement Fujimori, le président par intérim Valentín Paniagua a créé une Commission Vérité et Réconciliation pour enquêter sur le conflit. La Commission a constaté dans son rapport final de 2003 que 69 280 personnes sont mortes ou ont disparu entre 1980 et 2000 à cause du conflit armé.Comisión de la Verdad y Reconciliación. [http://www.cverdad.org.pe/ifal/pdf/Tomo%20-%20ANEXOS/ANEXO%202.pdf Annexe 2] Page 17. Consulté le 14 janvier 2008. Le Sentier Lumineux s'est avéré responsable de environ 54% des décès et disparitions signalés à la Commission. Une analyse statistique des données disponibles a conduit la Commission Vérité et Réconciliation à estimer que le Sentier Lumineux était responsable de la mort ou de la disparition de 31 331 personnes, soit 46 % du total des décès et disparitions. Selon un résumé du rapport de Human Rights Watch, « Le Sentier lumineux… a tué environ la moitié des victimes, et environ un tiers est mort aux mains des forces de sécurité gouvernementales… La commission a attribué certains des autres meurtres à un groupe de guérilla plus petit et milices locales. Le reste reste inconnu. Le MRTA a été tenu responsable de 1,5% des décès. Prise de Guzmán et effondrement Le 12 septembre 1992, la police péruvienne a capturé Guzmán et plusieurs dirigeants du Sentier lumineux dans un appartement au-dessus d'un studio de danse dans le quartier Surquillo de Lima. La police surveillait l'appartement, car un certain nombre de militants présumés du Sentier lumineux s'y étaient rendus. Une inspection des poubelles de l'appartement a révélé des tubes vides d'une crème pour la peau utilisée pour traiter le psoriasis, une maladie dont Guzmán était connu pour être atteint. Peu de temps après le raid qui a capturé Guzmán, la plupart des dirigeants restants du Sentier lumineux sont également tombés. La capture du chef rebelle Abimael Guzmán a laissé un énorme vide de leadership pour le Sentier Lumineux. "Il n'y a pas de numéro 2. Il n'y a que le président Gonzalo et ensuite le parti", a déclaré un responsable politique du Sentier lumineux lors d'une célébration de l'anniversaire de Guzmán à la prison de Lurigancho en décembre 1990. "Sans le président Gonzalo, nous n'aurions rien." Dans le même temps, le Sentier lumineux a subi des défaites militaires embarrassantes face aux organisations d’autodéfense des paysans ruraux – censées constituer sa base sociale. Lorsque Guzmán a appelé à des pourparlers de paix, l’organisation s’est divisée en groupes dissidents, certains membres du Sentier lumineux étant favorables à de tels pourparlers et d’autres opposés. Le rôle de Guzmán en tant que leader du Sentier Lumineux a été repris par Óscar Ramírez, qui a lui-même été capturé par les autorités péruviennes en 1999. Après la capture de Ramírez, le groupe s'est divisé, l'activité de guérilla a fortement diminué et la paix est revenue dans les régions où le Sentier Lumineux avait été implanté. été actif.Rochlin, pp. 71-72. 21e siècle, résurgence et chute Bien que les effectifs de l'organisation aient diminué en 2003, une faction militante du Sentier lumineux appelée Proseguir (« En avant ») a continué à être active. Le 21 mars 2002, une voiture piégée a explosé devant l'ambassade américaine à Lima, juste avant la visite du président George W. Bush. Neuf personnes ont été tuées et 30 ont été blessées ; il a été déterminé que l'attaque était l'œuvre du Sentier Lumineux. Le 9 juin 2003, un groupe du Sentier lumineux a attaqué un camp à Ayacucho et a pris en otages 68 employés de l'entreprise argentine Techint et trois gardes de police. Ils travaillaient sur le projet de gazoduc Camisea qui transporterait le gaz naturel de Cusco à Lima. Selon des sources du ministère de l'Intérieur péruvien, les rebelles ont demandé une rançon importante pour libérer les otages. Deux jours plus tard, après une réponse militaire rapide, les rebelles abandonnèrent les otages ; selon des sources gouvernementales, aucune rançon n'a été versée. Cependant, des rumeurs circulaient selon lesquelles 200 000 dollars auraient été versés aux rebelles. Les forces gouvernementales ont capturé trois membres importants du Sentier lumineux. En avril 2000, le commandant José Arcela Chiroque, dit "Ormeño", a été capturé, suivi par un autre leader, Florentino Cerrón Cardozo, dit "Marcelo" en juillet 2003. En novembre de la même année, Jaime Zuñiga, dit "Cirilo" ou " Dalton", a été arrêté après un affrontement au cours duquel quatre guérilleros ont été tués et un officier blessé. Les responsables ont déclaré qu'il avait participé à la planification de l'enlèvement des travailleurs du pipeline Techint. Il aurait également mené une embuscade contre un hélicoptère de l'armée en 1999, au cours de laquelle cinq soldats sont morts. En 2003, la police nationale péruvienne a démantelé plusieurs camps d'entraînement du Sentier lumineux et capturé de nombreux membres et dirigeants.Département d'État des États-Unis, Bureau du coordonnateur pour la lutte contre le terrorisme. 29 avril 2004. [http://www.state.gov/s/ct/rls/crt/2003/31640.htm « Modèles du terrorisme mondial : aperçu de l'hémisphère occidental »]. Récupéré le 13 janvier 2008. Il a également libéré environ 100 autochtones détenus en esclavage.Département d'État des États-Unis. 25 février 2004. [http://www.state.gov/g/drl/rls/hrrpt/2003/27916.htm Rapports nationaux sur les pratiques en matière de droits de l'homme – 2003 : Pérou]. Récupéré le 13 janvier 2008. Fin octobre 2003, il y avait eu 96 incidents terroristes au Pérou, soit une diminution de 15 % par rapport aux 134 enlèvements et attaques armées de 2002. Au cours de l'année également, huit ou neuf personnes ont été tuées par le Sentier lumineux, et 6 senderistas ont été tués et 209 ont été capturés. En janvier 2004, un homme connu sous le nom de camarade Artemio et s'identifiant comme l'un des dirigeants du Sentier lumineux, a déclaré dans une interview aux médias que le groupe reprendrait ses opérations violentes à moins que le gouvernement péruvien n'accorde l'amnistie aux autres dirigeants du Sentier lumineux dans un délai de 60 jours. Le ministre péruvien de l'Intérieur, Fernando Rospigliosi, a déclaré que le gouvernement réagirait « de manière drastique et rapide » à toute action violente. En septembre de la même année, une vaste opération de ratissage menée par la police dans cinq villes a permis de découvrir 17 membres présumés. Selon le ministre de l'Intérieur, huit des personnes arrêtées étaient des enseignants et des administrateurs scolaires de haut niveau. Malgré ces arrestations, le Sentier Lumineux continue d'exister au Pérou. Le 22 décembre 2005, le Sentier lumineux a tendu une embuscade à une patrouille de police dans la région de Huánuco, tuant huit personnes. Plus tard dans la journée, ils ont blessé deux autres policiers. En réponse, le président Alejandro Toledo a déclaré l'état d'urgence à Huánuco et a donné à la police le pouvoir de perquisitionner les maisons et d'arrêter les suspects sans mandat. Le 19 février 2006, la police péruvienne a tué Héctor Aponte, soupçonné d'être le commandant responsable de l'embuscade. En décembre 2006, des troupes péruviennes ont été envoyées pour contrer la reprise des activités de guérilla et, selon de hauts responsables gouvernementaux, l'effectif du Sentier lumineux a atteint environ 300 membres. En novembre 2007, la police a affirmé avoir tué le commandant en second d'Artemio, un guérillero connu sous le nom de JL. En septembre 2008, les forces gouvernementales ont annoncé l'assassinat de cinq rebelles dans la région de Vizcatan. Cette affirmation a ensuite été contestée par l'APRODEH, un groupe péruvien de défense des droits de l'homme, qui estime que ceux qui ont été tués étaient en fait des agriculteurs locaux et non des rebelles. Le même mois, Artemio a donné sa première interview enregistrée depuis 2006. Dans cette interview, il a déclaré que le Sentier lumineux continuerait à se battre malgré l'escalade de la pression militaire. En octobre 2008, dans la région de Huancavelica, les guérilleros ont engagé un convoi militaire avec des explosifs et des armes à feu, démontrant ainsi leur capacité continue à frapper et à infliger des pertes à des cibles militaires. Le conflit a entraîné la mort de 12 soldats et de deux à sept civils. Cela s'est produit un jour après un affrontement dans la région de Vizcatan, qui a fait cinq morts parmi les rebelles et un soldat. En novembre 2008, les rebelles ont utilisé des grenades à main et des armes automatiques lors d'un assaut qui a coûté la vie à quatre policiers. En avril 2009, le Sentier lumineux a tendu une embuscade et tué 13 soldats gouvernementaux à Ayacucho. Des grenades et de la dynamite ont été utilisées lors de l'attaque. Parmi les morts figurent onze soldats et un capitaine, et deux soldats ont également été blessés, dont un porté disparu. Les mauvaises communications auraient rendu difficile la transmission de la nouvelle. Le ministre de la Défense du pays, Antero Flores Aráoz, a affirmé que de nombreux soldats étaient "plongés du haut d'une falaise". Son Premier ministre Yehude Simon a déclaré que ces attaques étaient « des réponses désespérées du Sentier lumineux face à l'avancée des forces armées », et a exprimé sa conviction que la région serait bientôt libérée des « terroristes restants ». Dans la foulée, un dirigeant du Sendero a qualifié cela de « coup [antigouvernemental] le plus fort... ... depuis un bon moment ». En novembre 2009, le ministre de la Défense Rafael Rey a annoncé que des militants du Sentier lumineux avaient attaqué un avant-poste militaire dans la province méridionale d'Ayacucho. Un soldat a été tué et trois autres blessés lors de l'assaut. Le 28 avril 2010, les rebelles du Sentier lumineux au Pérou ont tendu une embuscade et tué un policier et deux civils qui détruisaient les plantations de coca d'Aucayacu, dans la région centrale de Haunuco, au Pérou. Les victimes ont été abattues par des tirs de tireurs isolés venant de l'épaisse forêt alors que plus de 200 ouvriers détruisaient des plants de coca. Depuis cette attaque, la faction du Sentier Lumineux, basée dans la haute vallée de Huallaga au Pérou et dirigée par Florindo Eleuterio Flores Hala, alias le camarade Artemio, fonctionne en mode survie et a perdu 9 de ses 10 principaux dirigeants au profit de la police nationale péruvienne. (PNP) opérations de capture dirigées. Deux des huit dirigeants ont été tués par le personnel de la PNP lors des tentatives de capture. Parmi les neuf dirigeants du Sentier lumineux (faction de la Haute Vallée de Huallaga) arrêtés/tués figurent Mono (août 2009), Rubén (mai 2010), Izula (octobre 2010), Sergio (décembre 2010), Yoli/Miguel/Jorge (juin 2010). 2011), Gato Larry (juin 2011), Oscar Tigre (août 2011), Vicente Roger (août 2011) et Dante/Delta (janvier 2012). Cette perte de leadership, associée à une vague de partisans du Sentier lumineux (haute vallée de Huallaga) exécutés par le PNP en novembre 2010, a incité le camarade Artemio à déclarer en décembre 2011 à plusieurs journalistes internationaux que la guérilla contre le gouvernement péruvien était perdue, et que son seul espoir était de négocier un accord d'amnistie avec le Gouvernement péruvien. Le 12 février 2012, le camarade Artemio a été retrouvé grièvement blessé après un affrontement avec des troupes dans une région reculée de la jungle du Pérou. Le président Ollanta Humala a déclaré que la capture d'Artemio marquait la défaite du Sentier lumineux dans la vallée de l'Alto Huallaga, un centre de production de cocaïne. Le président Humala a déclaré qu'il allait désormais intensifier la lutte contre les dernières bandes de rebelles du Sentier lumineux dans la vallée d'Ene-Apurímac. Le 3 mars, Walter Díaz, le principal candidat à la succession d'Artemio, a été capturé, assurant ainsi la désintégration de la faction de la vallée d'Alto Huallaga. Le 3 avril 2012, Jaime Arenas Caviedes, un haut dirigeant des restes du groupe dans la vallée de l'Alto Huallaga, qui était également considéré comme le principal candidat à la succession d'Artemio après l'arrestation de Diaz, a été capturé. Après la capture de Caviedes, alias « Braulio », Humala a déclaré que le Sentier lumineux était désormais incapable d'opérer dans la vallée de l'Alto Huallaga. Le 7 octobre 2012, les rebelles du Sentier lumineux ont attaqué trois hélicoptères utilisés par un consortium international de gazoducs, dans la région centrale de Cusco. Selon le porte-parole du commandement militaire conjoint, le colonel Alejandro Lujan, personne n'a été kidnappé ni blessé lors de l'attaque. Le 7 juin 2013, le camarade Artemio a été reconnu coupable de terrorisme, de trafic de drogue et de blanchiment d'argent. Il a été condamné à la prison à vie et à une amende de 183 millions de dollars. Le 11 août 2013, le camarade Alipio, leader du Sentier lumineux dans la vallée d'Ene-Apurímac, a été tué dans une bataille avec les forces gouvernementales à Llochegua. Le 9 avril 2016, à la veille des élections présidentielles du pays, le gouvernement péruvien a imputé aux restes du Sentier lumineux une attaque de guérilla qui a tué huit soldats et deux civils.

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Quel âge avait Jimi Hendrix à sa mort ?

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James Marshall « Jimi » Hendrix (né Johnny Allen Hendrix ; 27 novembre 1942 – 18 septembre 1970) était un guitariste, chanteur et auteur-compositeur de rock américain. Bien que sa carrière professionnelle n'ait duré que quatre ans, il est largement considéré comme l'un des guitaristes électriques les plus influents de l'histoire de la musique populaire et l'un des musiciens les plus célèbres du XXe siècle. Le Rock and Roll Hall of Fame le décrit comme « sans doute le plus grand instrumentiste de l'histoire de la musique rock ». Né à Seattle, Washington, Hendrix a commencé à jouer de la guitare à l'âge de 15 ans. En 1961, il s'est enrôlé dans l'armée américaine et a suivi une formation de parachutiste dans la 101e division aéroportée ; il a obtenu une décharge honorable l'année suivante. Peu de temps après, il a déménagé à Clarksville, Tennessee, et a commencé à jouer des concerts sur le circuit chitlin', gagnant une place dans le groupe d'accompagnement des Isley Brothers et plus tard avec Little Richard, avec qui il a continué à travailler jusqu'au milieu de 1965. Il joue ensuite avec Curtis Knight and the Squires avant de déménager en Angleterre fin 1966 après avoir été découvert par Linda Keith, qui à son tour intéresse le bassiste Chas Chandler des Animals à devenir son premier manager. En quelques mois, Hendrix avait remporté trois succès parmi les dix premiers au Royaume-Uni avec Jimi Hendrix Experience : " Hey Joe ", " Purple Haze " et " The Wind Cries Mary ". Il est devenu célèbre aux États-Unis après sa performance au Monterey Pop Festival en 1967, et en 1968 son troisième et dernier album studio, Electric Ladyland, a atteint le numéro un aux États-Unis ; c'était la sortie la plus réussie commercialement de Hendrix et son premier et unique album numéro un. Artiste le mieux payé au monde, il a été la tête d'affiche du Festival de Woodstock en 1969 et du Festival de l'île de Wight en 1970 avant sa mort accidentelle par asphyxie liée aux barbituriques le 18 septembre 1970, à l'âge de 27 ans. Hendrix s'est inspiré musicalement du rock and roll américain et du blues électrique. Il privilégiait les amplificateurs saturés avec un volume et un gain élevés, et jouait un rôle déterminant dans l'utilisation des sons auparavant indésirables provoqués par le feedback des amplificateurs de guitare. Il a contribué à populariser l'utilisation d'une pédale wah-wah dans le rock grand public et a été le premier artiste à utiliser des effets de phase stéréophoniques dans les enregistrements musicaux. Holly George-Warren de Rolling Stone a commenté : « Hendrix a été le pionnier de l'utilisation de l'instrument comme source sonore électronique. Les musiciens avant lui avaient expérimenté le feedback et la distorsion, mais Hendrix a transformé ces effets et d'autres en un vocabulaire contrôlé et fluide tout aussi personnel. comme le blues avec lequel il a commencé. Hendrix a reçu plusieurs prix musicaux de son vivant et à titre posthume. En 1967, les lecteurs de Melody Maker l'ont élu musicien pop de l'année et en 1968, Rolling Stone l'a déclaré interprète de l'année. Disc and Music Echo lui a décerné le prix du meilleur musicien du monde de 1969 et en 1970, Guitar Player l'a nommé guitariste rock de l'année. The Jimi Hendrix Experience a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 1992 et au UK Music Hall of Fame en 2005. Rolling Stone a classé les trois albums studio du groupe, Are You Experienced, Axis: Bold as Love et Electric Ladyland, parmi les 100 plus grands albums de tous les temps, et ils ont classé Hendrix comme le plus grand guitariste et le sixième plus grand artiste de tous les temps. Ascendance et enfance Jimi Hendrix était d'origine afro-américaine. Sa mère Lucille et son père Al étaient tous deux afro-américains. Sa grand-mère paternelle, Zenora "Nora" Rose Moore, était afro-américaine et un quart Cherokee. Le grand-père paternel de Hendrix, Bertran Philander Ross Hendrix (né en 1866), était le résultat d'une liaison extraconjugale entre une femme nommée Fanny et un marchand de céréales d'Urbana, Ohio ou Illinois, l'un des hommes les plus riches de la région à cette époque. Le 10 juin 1919, Hendrix et Moore eurent un fils qu'ils nommèrent James Allen Ross Hendrix ; les gens l'appelaient Al. En 1941, Al rencontra Lucille Jeter (1925-1958) lors d'un bal à Seattle ; ils se sont mariés le 31 mars 1942. Al, qui avait été enrôlé par l'armée américaine pour servir pendant la Seconde Guerre mondiale, est parti commencer sa formation de base trois jours après le mariage. Johnny Allen Hendrix est né le 27 novembre 1942 à Seattle, Washington ; il était le premier des cinq enfants de Lucille. En 1946, les parents de Johnny ont changé son nom pour James Marshall Hendrix, en l'honneur d'Al et de son défunt frère Leon Marshall. En poste en Alabama au moment de la naissance d'Hendrix, Al s'est vu refuser le congé militaire standard accordé aux militaires pour l'accouchement ; son commandant l'a placé dans la palissade pour l'empêcher de s'absenter pour voir son fils en bas âge à Seattle. Il passa deux mois en prison sans procès et, alors qu'il se trouvait dans la palissade, reçut un télégramme lui annonçant la naissance de son fils. Pendant les trois années d'absence d'Al, Lucille a eu du mal à élever leur fils. Quand Al était absent, Hendrix était principalement pris en charge par les membres de la famille et les amis, en particulier la sœur de Lucille, Delores Hall, et son amie Dorothy Harding. Al reçut une libération honorable de l'armée américaine le 1er septembre 1945. Deux mois plus tard, incapable de retrouver Lucille, Al se rendit à Berkeley, en Californie, au domicile d'une amie de la famille nommée Mme Champ, qui avait pris soin et avait tenté de adoptez Hendrix; c'est là qu'Al a vu son fils pour la première fois. Après son retour du service, Al a retrouvé Lucille, mais son incapacité à trouver un emploi stable a appauvri la famille. Ils luttaient tous les deux contre l’alcool et se battaient souvent en état d’ébriété. La violence a parfois poussé Hendrix à se retirer et à se cacher dans un placard de leur maison. Sa relation avec son frère Léon (né en 1948) était étroite mais précaire ; avec Léon placé et sorti d'une famille d'accueil, ils vivaient avec une menace presque constante de séparation fraternelle. En plus de Leon, Hendrix avait trois frères et sœurs plus jeunes : Joseph, né en 1949, Kathy en 1950 et Pamela, née en 1951, qu'Al et Lucille ont tous abandonnés en famille d'accueil et en adoption. La famille déménageait fréquemment, séjournant dans des hôtels et des appartements bon marché autour de Seattle. À l'occasion, des membres de la famille emmenaient Hendrix à Vancouver pour séjourner chez sa grand-mère. Garçon timide et sensible, il a été profondément marqué par ses expériences de vie. Des années plus tard, il confia à une petite amie qu'il avait été victime d'abus sexuels de la part d'un homme en uniforme. Le 17 décembre 1951, alors qu'Hendrix avait neuf ans, ses parents divorcèrent ; le tribunal a accordé à Al la garde de lui et de Leon. Premiers instruments À l'école primaire Horace Mann de Seattle au milieu des années 1950, l'habitude d'Hendrix de porter un balai avec lui pour imiter une guitare a attiré l'attention du travailleur social de l'école. Après plus d'un an où il s'est accroché à un balai comme à une couverture de sécurité, elle a écrit une lettre demandant un financement scolaire destiné aux enfants défavorisés, insistant sur le fait que le laisser sans guitare pourrait entraîner des dommages psychologiques. Ses efforts ont échoué et Al a refusé de lui acheter une guitare. En 1957, alors qu'il aidait son père dans un travail secondaire, Hendrix trouva un ukulélé parmi les ordures qu'ils retiraient de la maison d'une femme âgée. Elle lui a dit qu'il pouvait garder l'instrument, qui n'avait qu'une seule corde. Apprenant à l'oreille, il a joué des notes simples, en suivant les chansons d'Elvis Presley, en particulier la reprise par Presley de "Hound Dog" de Leiber et Stoller. À l'âge de trente-trois ans, la mère d'Hendrix, Lucille, avait développé une cirrhose du foie et le 2 février 1958, elle mourut suite à une rupture de la rate. Al a refusé d'emmener James et Leon assister aux funérailles de leur mère ; il leur a plutôt donné des verres de whisky et leur a expliqué que c'était ainsi que les hommes étaient censés gérer la perte. Au milieu de l'année 1958, à l'âge de 15 ans, Hendrix acquiert sa première guitare acoustique pour 5 $. Il s'appliquait sérieusement, jouant de l'instrument plusieurs heures par jour, observant les autres et obtenant des conseils de guitaristes plus expérimentés, et écoutant des artistes de blues tels que Muddy Waters, B.B. King, Howlin' Wolf et Robert Johnson. Le premier morceau qu’Hendrix a appris à jouer était le thème de Peter Gunn. Peu de temps après avoir acquis la guitare acoustique, Hendrix forme son premier groupe, les Velvetones. Sans guitare électrique, on pouvait à peine l'entendre dans le son du groupe. Après environ trois mois, il s'est rendu compte qu'il avait besoin d'une guitare électrique pour continuer. Au milieu de 1959, son père céda et lui acheta un Supro Ozark blanc. Le premier concert de Hendrix était avec un groupe anonyme dans le sous-sol d'une synagogue, le Temple De Hirsch de Seattle, mais après trop de frimousse, le groupe l'a renvoyé entre les sets. Il a ensuite rejoint les Rocking Kings, qui ont joué professionnellement dans des lieux tels que le club Birdland. Quand quelqu'un lui a volé sa guitare après l'avoir laissée dans les coulisses pendant la nuit, Al lui a acheté une Danelectro Silvertone rouge. En 1958, Hendrix a terminé ses études à la Washington Junior High School, bien qu'il n'ait pas obtenu son diplôme de Garfield High School. Service militaire Avant qu'Hendrix n'ait 19 ans, les forces de l'ordre l'avaient surpris à deux reprises dans des voitures volées. Lorsqu'on lui a donné le choix entre passer du temps en prison ou rejoindre l'armée, il a choisi cette dernière solution et s'est enrôlé le 31 mai 1961. Après avoir terminé huit semaines d'entraînement de base à Fort Ord, en Californie, il a été affecté à la 101e division aéroportée et stationné à Fort Campbell, Kentucky. Il y est arrivé le 8 novembre et, peu de temps après, il a écrit à son père : "Il n'y a que de l'entraînement physique et du harcèlement ici pendant deux semaines, puis quand tu vas sauter l'école... c'est l'enfer. Ils te travaillent à mort, s'agitent." et des combats." Dans sa lettre suivante, Hendrix, qui avait laissé sa guitare chez sa petite amie Betty Jean Morgan à Seattle, a demandé à son père de la lui envoyer le plus tôt possible, déclarant : « J'en ai vraiment besoin maintenant. » Son père a obligé et a envoyé le Danelectro rouge argenté sur lequel Hendrix avait peint à la main les mots « Betty Jean », à Fort Campbell. Son obsession apparente pour l'instrument a contribué à sa négligence de ses devoirs, ce qui a conduit à des railleries verbales et à des violences physiques de la part de ses pairs, qui lui ont au moins une fois caché la guitare jusqu'à ce qu'il l'ait supplié de la rendre. En novembre 1961, son camarade militaire Billy Cox passa devant un club militaire et entendit Hendrix jouer de la guitare. Intrigué par le jeu compétent, qu'il décrit comme une combinaison de "John Lee Hooker et Beethoven", Cox a emprunté une guitare basse et les deux ont joué. En quelques semaines, ils ont commencé à se produire dans les clubs de base le week-end avec d'autres musiciens au sein d'un groupe vaguement organisé appelé les Casuals. Hendrix a terminé sa formation de parachutiste en un peu plus de huit mois et le major-général C. W. G. Rich lui a décerné le prestigieux écusson des Screaming Eagles le 11 janvier 1962. En février, sa conduite personnelle avait commencé à susciter des critiques de la part de ses supérieurs. Ils l'ont qualifié de tireur d'élite non qualifié et l'ont souvent surpris en train de faire une sieste alors qu'il était en service et de ne pas se présenter aux contrôles de lit. Le 24 mai, le sergent du peloton de Hendrix, James C. Spears, a déposé un rapport dans lequel il a déclaré : « Il n'a aucun intérêt dans l'armée ... J'estime que le soldat Hendrix ne sera jamais à la hauteur des normes exigées d'un soldat. Je pense que le service militaire bénéficiera s'il est libéré le plus tôt possible. Le 29 juin 1962, le capitaine Gilbert Batchman accorda à Hendrix une libération honorable pour inaptitude. Hendrix a ensuite parlé de son aversion pour l'armée et a faussement déclaré qu'il avait reçu une décharge médicale après s'être cassé la cheville lors de son 26e saut en parachute. Carrière musicale Premières années En septembre 1963, après que Cox ait été démis de ses fonctions de l'armée, lui et Hendrix ont déménagé à Clarksville, Tennessee et ont formé un groupe appelé King Kasuals. Hendrix avait regardé Butch Snipes jouer avec ses dents à Seattle et Alphonso 'Baby Boo' Young, l'autre guitariste du groupe, jouait ce gadget de guitare. Pour ne pas être éclipsé, Hendrix a appris à jouer avec ses dents. Il a commenté plus tard : " L'idée de faire ça m'est venue... dans le Tennessee. Là-bas, vous devez jouer avec vos dents, sinon vous vous faites tirer dessus. Il y a une traînée de dents cassées partout sur la scène. " Bien qu'ils aient commencé à jouer des concerts peu rémunérés dans des lieux obscurs, le groupe a finalement déménagé à Jefferson Street à Nashville, qui était le cœur traditionnel de la communauté noire de la ville et qui abritait une scène musicale rythmique et blues florissante. Ils ont obtenu une brève résidence en jouant dans une salle populaire de la ville, le Club del Maroc, et pendant les deux années suivantes, Hendrix a gagné sa vie en se produisant dans un circuit de salles à travers le Sud affiliées à la Theatre Owners' Booking Association (TOBA). , largement connu sous le nom de Circuit Chitlin. En plus de jouer dans son propre groupe, Hendrix a joué en tant que musicien d'accompagnement pour divers musiciens de soul, de R&B et de blues, dont Wilson Pickett, Slim Harpo, Sam Cooke et Jackie Wilson. En janvier 1964, se sentant dépassé artistiquement et frustré de devoir suivre les règles des chefs d'orchestre, Hendrix décida de se lancer seul. Il a emménagé à l'hôtel Theresa à Harlem, où il s'est lié d'amitié avec Lithofayne Pridgon, connue sous le nom de « Faye », qui est devenue sa petite amie. Originaire de Harlem et ayant des relations sur la scène musicale de la région, Pridgon lui a fourni abri, soutien et encouragement. Hendrix a également rencontré les jumeaux Allen, Arthur et Albert. En février 1964, Hendrix remporte le premier prix du concours amateur du Théâtre Apollo. Dans l'espoir d'obtenir une opportunité de carrière, il a joué sur le circuit des clubs de Harlem et a fait partie de divers groupes. Sur recommandation d'un ancien associé de Joe Tex, Ronnie Isley a accordé à Hendrix une audition qui a conduit à une offre de devenir guitariste du groupe de soutien des Isley Brothers, l'I.B. Offres spéciales, qu'il accepta volontiers. Premiers enregistrements En mars 1964, Hendrix enregistre le single en deux parties "Testify" avec les Isley Brothers. Sorti en juin, il n’a pas réussi à figurer dans les charts. En mai, il a fourni l'instrumentation de guitare pour la chanson de Don Covay, "Mercy Mercy". Publié en août par Rosemart Records et distribué par Atlantic, le morceau a atteint la 35e place du classement Billboard. Hendrix part en tournée avec les Isleys pendant une grande partie de 1964, mais vers la fin octobre, fatigué de jouer le même set tous les soirs, il quitte le groupe. Peu de temps après, Hendrix rejoint le groupe en tournée de Little Richard, les Upsetters. Lors d'un arrêt à Los Angeles en février 1965, il enregistre son premier et unique single avec Richard, "I Don't Know What You Got (But It's Got Me)", écrit par Don Covay et publié par Vee-Jay Records. La popularité de Richard déclinait à l'époque et le single culmina au numéro 92, où il resta pendant une semaine avant de disparaître des charts. Hendrix a rencontré la chanteuse Rosa Lee Brooks lors de son séjour à l'hôtel Wilcox à Hollywood, et elle l'a invité à participer à une session d'enregistrement de son single, qui comprenait "My Diary" écrit par Arthur Lee en face A et "Utee" en face A. la face B. Hendrix a joué de la guitare sur les deux morceaux, qui comprenaient également des voix de fond de Lee. Le single n'a pas réussi à figurer dans les charts, mais Hendrix et Lee ont commencé une amitié qui a duré plusieurs années ; Hendrix est devenu plus tard un ardent partisan du groupe de Lee, Love. En juillet 1965, sur Channel 5 Night Train de Nashville, Hendrix fit sa première apparition à la télévision. Jouant dans le groupe d'ensemble de Little Richard, il a accompagné les chanteurs Buddy et Stacy sur "Shotgun". L'enregistrement vidéo du spectacle constitue la première séquence connue d'Hendrix en train de jouer. Richard et Hendrix se disputaient souvent à propos des retards, de la garde-robe et des pitreries scéniques d'Hendrix, et fin juillet, le frère de Richard, Robert, l'a renvoyé. Il rejoint ensuite brièvement les Isley Brothers et enregistre un deuxième single avec eux, " Move Over and Let Me Dance " accompagné de " Have You Ever Been Disappointed ". Plus tard cette année-là, il rejoint un groupe de R&B basé à New York, Curtis Knight and the Squires, après avoir rencontré Knight dans le hall d'un hôtel où logeaient les deux hommes. Hendrix a joué avec eux pendant huit mois. En octobre 1965, lui et Knight enregistrèrent le single "How Should You Feel" accompagné de "Welcome Home" et le 15 octobre, Hendrix signa un contrat d'enregistrement de trois ans avec l'entrepreneur Ed Chalpin. Bien que la relation avec Chalpin ait été de courte durée, son contrat est resté en vigueur, ce qui a ensuite causé des problèmes juridiques et de carrière à Hendrix. Pendant son temps avec Knight, Hendrix a brièvement tourné avec Joey Dee et les Starliters, et a travaillé avec King Curtis sur plusieurs enregistrements, dont le single en deux parties de Ray Sharpe, "Help Me". Hendrix a obtenu ses premiers crédits de compositeur pour deux instrumentaux, "Hornets Nest" et "Knock Yourself Out", sortis en single de Curtis Knight and the Squires en 1966. Se sentant limité par ses expériences en tant que sideman R&B, Hendrix a déménagé à Greenwich Village à New York en 1966, qui avait une scène musicale dynamique et diversifiée. Là, on lui propose une résidence au Café Wha? sur MacDougal Street et forme son propre groupe en juin, Jimmy James and the Blue Flames, qui comprend le futur guitariste de Spirit, Randy California. Les Blue Flames ont joué dans plusieurs clubs de New York et Hendrix a commencé à développer son style de guitare et son matériel qu'il utiliserait bientôt avec l'Experience. En septembre, ils ont donné certains de leurs derniers concerts au Café au Go Go, en tant que groupe d'accompagnement de John Hammond Jr.. L'expérience Jimi Hendrix En mai 1966, Hendrix avait du mal à gagner sa vie en jouant sur le circuit R&B, alors il rejoignit brièvement Curtis Knight and the Squires pour un engagement dans l'une des boîtes de nuit les plus populaires de New York, le Cheetah Club. Lors d'une représentation, Linda Keith, la petite amie du guitariste des Rolling Stones Keith Richards, a remarqué Hendrix. Elle se souvient: "[Son] jeu m'a fasciné". Elle l'invita à la rejoindre pour prendre un verre ; il a accepté et les deux sont devenus amis. Alors qu'il jouait avec Jimmy James et les Blue Flames, Keith a recommandé Hendrix au manager des Stones Andrew Loog Oldham et au producteur Seymour Stein. Ils n'ont pas vu le potentiel musical d'Hendrix et l'ont rejeté. Elle l'a ensuite recommandé à Chas Chandler, qui quittait les Animals et qui s'intéressait à la gestion et à la production d'artistes. Chandler aimait la chanson de Billy Roberts "Hey Joe" et était convaincu qu'il pouvait créer un single à succès avec le bon artiste. Impressionné par la version de Hendrix de la chanson, il l'a amené à Londres le 24 septembre 1966 et lui a signé un contrat de gestion et de production avec lui-même et l'ancien manager d'Animals Michael Jeffery. Le 24 septembre, Hendrix a donné une performance solo impromptue au Scotch of St James, et plus tard dans la nuit, il a entamé une relation avec Kathy Etchingham qui a duré deux ans et demi. Après l'arrivée d'Hendrix à Londres, Chandler a commencé à recruter des membres pour un groupe conçu pour mettre en valeur les talents du guitariste, le Jimi Hendrix Experience. Hendrix a rencontré le guitariste Noel Redding lors d'une audition pour les New Animals, où la connaissance de Redding des progressions du blues a impressionné Hendrix, qui a déclaré qu'il aimait aussi la coiffure de Redding. Chandler a demandé à Redding s'il voulait jouer de la guitare basse dans le groupe de Hendrix ; Redding accepta. Chandler a alors commencé à chercher un batteur et peu de temps après, il a contacté Mitch Mitchell par l'intermédiaire d'un ami commun. Mitchell, qui avait récemment été renvoyé de Georgie Fame et des Blue Flames, a participé à une répétition avec Redding et Hendrix où ils ont trouvé un terrain d'entente dans leur intérêt commun pour le rythme et le blues. Lorsque Chandler a téléphoné à Mitchell plus tard dans la journée pour lui proposer le poste, il a facilement accepté. Chandler a également convaincu Hendrix de changer l'orthographe de son prénom de Jimmy en Jimi au look exotique. Le 30 septembre, Chandler a amené Hendrix à la London Polytechnic à Regent Street, où Cream devait se produire et où Hendrix et Eric Clapton se sont rencontrés. Clapton a commenté plus tard : "Il m'a demandé s'il pouvait jouer quelques numéros. J'ai répondu : 'Bien sûr', mais j'avais un drôle de sentiment à son sujet." À mi-chemin du set de Cream, Hendrix est monté sur scène et a interprété une version frénétique de la chanson de Howlin' Wolf "Killing Floor". En 1989, Clapton a décrit sa performance : « Il a joué à peu près tous les styles imaginables, et pas de manière tape-à-l'œil. Je veux dire, il a fait quelques-uns de ses tours, comme jouer avec ses dents et dans son dos, mais c'était pas du tout dans un sens éclipsant, et c'est tout ... Il est parti, et ma vie n'a plus jamais été la même". Succès au Royaume-Uni À la mi-octobre 1966, Chandler organisa un engagement pour The Experience en tant que premier acte de Johnny Hallyday lors d'une brève tournée en France. Ainsi, le Jimi Hendrix Experience donne son tout premier spectacle le 13 octobre 1966, au Nouveauté d'Evreux. Leur performance de 15 minutes, accueillie avec enthousiasme, au théâtre Olympia à Paris le 18 octobre, marque le premier enregistrement connu du groupe. Fin octobre, Kit Lambert et Chris Stamp, managers des Who, ont signé l'Experience sur leur nouveau label, Track Records, qui a sorti le premier single de l'Experience le 23 octobre. "Hey Joe", qui comprenait un chœur féminin fourni par le groupe. Breakaways, a été soutenu par le premier effort d'écriture de chansons d'Hendrix après son arrivée en Angleterre, "Stone Free". À la mi-novembre, ils se sont produits à la discothèque Bag O'Nails à Londres, en présence de Clapton, John Lennon, Paul McCartney, Jeff Beck, Pete Townshend, Brian Jones, Mick Jagger et Kevin Ayers. Ayers a décrit la réaction de la foule comme une incrédulité stupéfaite : "Toutes les stars étaient là, et j'ai entendu des commentaires sérieux, vous savez 'merde', 'Jésus', 'putain' et d'autres mots pires que ça." Cette performance réussie a valu à Hendrix sa première interview, publiée dans Record Mirror avec le titre : "M. Phenomenon". "Maintenant, écoutez ceci... nous prédisons que [Hendrix] va tourbillonner autour de l'entreprise comme une tornade", a écrit Bill Harry, qui a posé la question rhétorique : "Est-ce que ce son plein, puissant et swingant est vraiment créé par seulement trois personnes?" Hendrix a commenté : "Nous ne voulons être classés dans aucune catégorie ... S'il doit y avoir un tag, j'aimerais qu'il s'appelle 'Free Feeling'. C'est un mélange de rock, de freak-out, de rave. et le bleu". Après des apparitions dans les émissions de télévision britanniques Ready Steady Go! et le Top of the Pops, "Hey Joe" est entré dans les charts britanniques le 29 décembre 1966, atteignant la sixième place. Un autre succès vint en mars 1967 avec le hit numéro trois britannique "Purple Haze", et en mai avec "The Wind Cries Mary", qui resta dans les charts britanniques pendant onze semaines, culminant au numéro six. Le 31 mars 1967, alors que The Experience attendait de se produire au London Astoria, Hendrix et Chandler discutèrent des moyens d'accroître la visibilité médiatique du groupe. Lorsque Chandler a demandé conseil au journaliste Keith Altham, Altham a suggéré qu'ils devaient faire quelque chose de plus dramatique que le spectacle sur scène des Who, qui impliquait le bris d'instruments. Hendrix a plaisanté : « Peut-être que je peux briser un éléphant », ce à quoi Altham a répondu : « Eh bien, c'est dommage que vous ne puissiez pas mettre le feu à votre guitare ». Chandler a ensuite demandé au directeur routier Gerry Stickells de se procurer de l'essence à briquet. Pendant le spectacle, Hendrix a donné une performance particulièrement dynamique avant de mettre le feu à sa guitare à la fin d'un set de 45 minutes. À la suite de cette cascade, des membres de la presse londonienne ont qualifié Hendrix d '«Elvis noir» et d'«Homme sauvage de Bornéo». Es-tu expérimenté Après le succès modéré des charts britanniques de leurs deux premiers singles, "Hey Joe" et "Purple Haze", The Experience a commencé à rassembler le matériel pour un LP complet. L'enregistrement a commencé aux studios De Lane Lea et a ensuite été transféré aux prestigieux studios Olympic. L'album, Are You Experienced, présente une diversité de styles musicaux, y compris des morceaux de blues tels que "Red House" et "Highway Chile", et la chanson R&B "Remember". Il comprenait également la pièce de science-fiction expérimentale "Third Stone from the Sun" et les paysages sonores post-modernes de la chanson titre, avec une guitare et une batterie proéminentes à l'envers. "I Don't Live Today" a servi de support à l'improvisation de feedback de guitare d'Hendrix et "Fire" a été piloté par la batterie de Mitchell. Sorti au Royaume-Uni le 12 mai 1967, Are You Experienced a passé 33 semaines dans les charts, atteignant la deuxième place. Il a été empêché d'atteindre la première place par le Sgt des Beatles. Groupe du Pepper's Lonely Hearts Club. Le 4 juin 1967, Hendrix ouvre un spectacle au Saville Theatre de Londres avec son interprétation du Sgt. La chanson titre de Pepper, sortie trois jours auparavant. Le manager des Beatles, Brian Epstein, était alors propriétaire du Saville, et George Harrison et Paul McCartney ont assisté au spectacle. McCartney a décrit ce moment : "Les rideaux se sont relevés et il s'est avancé en jouant" Sgt. Pepper ". C'est un compliment assez important pour quiconque. Je considère cela comme l'un des grands honneurs de ma carrière." Sorti aux États-Unis le 23 août par Reprise Records, Are You Experienced a atteint la cinquième place du Billboard 200. En 1989, Noe Goldwasser, rédacteur en chef fondateur du magazine Guitar World, a décrit Are You Experienced comme « l'album qui a secoué le monde... le laissant changé à jamais ». En 2005, Rolling Stone a qualifié le LP double platine d'Hendrix de « début historique », et l'a classé 15e plus grand album de tous les temps, notant son « exploitation du hurlement d'ampli » et qualifiant son jeu de guitare d'« incendiaire ... historique ». en soi". Festival pop de Monterey Bien que populaire en Europe à l'époque, le premier single américain de The Experience, "Hey Joe", n'a pas réussi à atteindre le palmarès Billboard Hot 100 lors de sa sortie le 1er mai 1967. La fortune du groupe s'est améliorée lorsque McCartney les a recommandés aux organisateurs du Monterey. Fête Pop. Il a insisté sur le fait que l'événement serait incomplet sans Hendrix, qu'il a appelé "un as absolu de la guitare", et il a accepté de rejoindre le conseil d'organisation à condition que l'Expérience se produise au festival à la mi-juin. Présenté par Brian Jones comme "l'interprète le plus excitant [qu'il ait] jamais entendu", Hendrix a débuté avec un arrangement rapide de la chanson "Killing Floor" de Howlin' Wolf, portant ce que l'auteur Keith Shadwick a décrit comme "des vêtements aussi exotiques que ceux exposés ailleurs". ". Shadwick a écrit : « [Hendrix] n'était pas seulement quelque chose de complètement nouveau musicalement, mais une vision tout à fait originale de ce à quoi un artiste noir américain devrait et pourrait ressembler. » The Experience a ensuite interprété "Hey Joe", "Rock Me Baby" de B.B. King, "Wild Thing" de Chip Taylor et "Like a Rolling Stone" de Bob Dylan, ainsi que quatre compositions originales : "Foxy Lady", "Pouvez-vous me voir", "Le vent crie Mary" et "Purple Haze". Le set s'est terminé avec Hendrix détruisant sa guitare et en jetant des morceaux au public. Alex Vadukul du Rolling Stone a écrit : Caraeff se tenait sur une chaise près du bord de la scène tout en prenant une série de quatre photos monochromes d'Hendrix brûlant sa guitare. Caraeff était suffisamment proche du feu pour qu'il ait dû utiliser son appareil photo comme bouclier pour protéger son visage de la chaleur. Rolling Stone a ensuite colorisé l'image, en la faisant correspondre avec d'autres photos prises lors du festival avant d'utiliser la photo pour une couverture de magazine de 1987. Selon l'auteur Gail Buckland, la quatrième et dernière image de "Hendrix agenouillé devant sa guitare en feu, les mains levées, est l'une des images les plus célèbres du rock". L'auteur et historien Matthew C. Whitaker a écrit : « L'incendie de sa guitare par Hendrix est devenu une image emblématique de l'histoire du rock et lui a attiré l'attention nationale. Le Los Angeles Times a affirmé qu'en quittant la scène, Hendrix "est passé de la rumeur à la légende". L'auteur John McDermott a commenté: "Hendrix a laissé le public de Monterey stupéfait et incrédule face à ce qu'il venait d'entendre et de voir." Selon Hendrix : "J'ai décidé de détruire ma guitare à la fin d'une chanson en guise de sacrifice. Vous sacrifiez des choses que vous aimez. J'aime ma guitare." La performance a été filmée par D. A. Pennebaker, puis incluse dans le documentaire de concert Monterey Pop, qui a aidé Hendrix à gagner en popularité auprès du public américain. Immédiatement après le festival, les Experience ont été réservés pour une série de cinq concerts au Fillmore de Bill Graham, avec Big Brother and the Holding Company et Jefferson Airplane. The Experience a surpassé Jefferson Airplane au cours des deux premières nuits et les a remplacés en tête d'affiche la cinquième. Après leur introduction réussie sur la côte Ouest, qui comprenait un concert gratuit en plein air au Golden Gate Park et un concert au Whiskey a Go Go, l'Experience a été réservée comme première partie de la première tournée américaine des Monkees. Ils ont demandé Hendrix comme première partie parce qu'ils étaient fans, mais leur jeune public n'a pas aimé l'Experience, qui a quitté la tournée après six concerts. Chandler a admis plus tard qu'il avait organisé la tournée dans le but de faire de la publicité pour Hendrix. Axe : Audacieux comme l'amour Le deuxième album Experience, Axis: Bold as Love, s'ouvre avec le morceau "EXP", qui utilise de manière innovante le feedback microphonique et harmonique. Il présentait également un effet de panoramique stéréo expérimental dans lequel les sons émanant de la guitare de Hendrix se déplacent à travers l'image stéréo, tournant autour de l'auditeur. La pièce reflète son intérêt croissant pour la science-fiction et l’espace. Il a composé la chanson titre et le final de l'album autour de deux couplets et de deux refrains, au cours desquels il associe émotions et personnages, les comparant à des couleurs. La coda de la chanson présente le premier enregistrement de mise en phase stéréo. Shadwick a décrit la composition comme « peut-être la pièce la plus ambitieuse d'Axis, les métaphores extravagantes des paroles suggérant une confiance croissante » dans l'écriture de chansons d'Hendrix. Son jeu de guitare tout au long de la chanson est marqué par des arpèges d'accords et des mouvements contrapuntiques, avec des accords partiels choisis par un trémolo fournissant la base musicale du refrain, qui culmine dans ce que le musicologue Andy Aledort a décrit comme "tout simplement l'un des plus grands solos de guitare électrique jamais joués". . La piste disparaît sur des doubles arrêts de trente secondes sélectionnés par un trémolo. La date de sortie prévue d'Axis a été presque retardée lorsque Hendrix a perdu la bande originale de la première face du LP, la laissant sur la banquette arrière d'un taxi londonien. À l'approche de la date limite, Hendrix, Chandler et l'ingénieur du son Eddie Kramer ont remixé la majeure partie de la première face en une seule session d'une nuit, mais ils n'ont pas pu égaler la qualité du mix perdu de "If 6 Was 9". Le bassiste Noel Redding possédait un enregistrement sur cassette de ce mix, qui a dû être lissé au fer à repasser car il était froissé. Pendant les couplets, Hendrix a doublé son chant avec une ligne de guitare qu'il a jouée une octave plus bas que sa voix. Hendrix a exprimé sa déception d'avoir remixé l'album si rapidement, et il a estimé que cela aurait pu être mieux s'ils avaient eu plus de temps. Axis présentait une pochette psychédélique qui représente Hendrix et l'expérience comme diverses formes de Vishnu, incorporant une peinture d'eux par Roger Law, à partir d'un photo-portrait de Karl Ferris. Le tableau a ensuite été superposé à une copie d’une affiche religieuse produite en série. Hendrix a déclaré que la couverture, pour laquelle Track a dépensé 5 000 $, aurait été plus appropriée si elle avait mis en valeur son héritage amérindien. Il a commenté : "Vous vous êtes trompé ... Je ne suis pas ce genre d'Indien." Track a sorti l'album au Royaume-Uni le 1er décembre 1967, où il a atteint la cinquième place, passant 16 semaines dans les charts. En février 1968, Axis : Bold as Love atteint la troisième place aux États-Unis. Alors que l'auteur et journaliste Richie Unterberger a décrit Axis comme l'album Experience le moins impressionnant, selon l'auteur Peter Doggett, la sortie "a annoncé une nouvelle subtilité dans le travail de Hendrix". Mitchell a commenté : "Axis était la première fois qu'il devenait évident que Jimi travaillait plutôt bien derrière la table de mixage, en plus de jouer, et avait des idées positives sur la façon dont il voulait que les choses soient enregistrées. Cela aurait pu être le début de tout potentiel. conflit entre lui et Chas en studio. » Ladyland électrique L'enregistrement du troisième et dernier album studio de The Experience, Electric Ladyland, a commencé dans les studios Record Plant récemment ouverts, avec Chandler comme producteur et les ingénieurs Eddie Kramer et Gary Kellgren. Au fur et à mesure que les séances avançaient, Chandler devenait de plus en plus frustré par le perfectionnisme d'Hendrix et ses exigences de prises répétées. Hendrix a également permis à de nombreux amis et invités de les rejoindre dans le studio, ce qui a contribué à un environnement chaotique et surpeuplé dans la salle de contrôle et a conduit Chandler à rompre sa relation professionnelle avec Hendrix. Redding se souviendra plus tard : "Il y avait des tonnes de monde dans le studio ; on ne pouvait pas bouger. C'était une fête, pas une session." Redding, qui avait formé son propre groupe au milieu de 1968, Fat Mattress, avait de plus en plus de mal à remplir ses engagements avec The Experience, alors Hendrix joua de nombreuses parties de basse sur Electric Ladyland. La pochette de l'album indiquait qu'il avait été "produit et réalisé par Jimi Hendrix". Au cours des sessions d'enregistrement d'Electric Ladyland, Hendrix a commencé à expérimenter avec d'autres combinaisons de musiciens, notamment Jack Casady de Jefferson Airplane et

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Quel Britannique a battu le record de vitesse terrestre en 1990 dans Thrust 2 ?

Richard Noble

Thrust2 est une voiture à réaction conçue et construite au Royaume-Uni, qui a détenu le record du monde de vitesse sur terre du 4 octobre 1983 au 25 septembre 1997. La voiture a été conçue par John Ackroyd et conduite par Richard Noble. Le projet a démarré avec un budget de seulement 175 £. Le 4 octobre 1983, la voiture atteint une vitesse de pointe et bat le record de (vitesse moyenne de deux courses en une heure). Ceci a été réalisé dans le désert de Black Rock, au Nevada, aux États-Unis. Il est propulsé par un seul moteur à réaction Rolls-Royce Avon provenant d'un Electric Lightning anglais et a une configuration ressemblant quelque peu à celle des voitures de record de vitesse terrestre propulsées par turboréacteur J79 du milieu des années 1960 d'Art Arfons, collectivement connues sous le nom de " Voitures "Monstre Vert". Les reporters/photographes de KTVN TV (Reno, Nevada), Michael Hagerty et Gary Martin, ont couvert la tentative d'établissement du record dans les jours qui ont précédé l'enregistrement. La voiture a été stockée sans cérémonie sous une bâche dans le seul garage automobile du désert de Black Rock alors que l'équipe n'y travaillait pas. Une torche au propane a été utilisée pour brûler la ligne directement sur la terre craquelée du désert afin que le conducteur puisse la suivre. Aucune autre voiture n'était autorisée à s'approcher de la piste de course, sauf sur la perpendiculaire, de peur que le conducteur ne suive accidentellement ces traces de voiture comme un chemin différent à travers le mile mesuré. En 1997, le record de Thrust2 a été battu par la voiture suivante de Richard Noble, ThrustSSC. (Vitesse de pointe - 1 228 km/h) Lorsque la voiture a été proposée à la vente à 90 000 £ en 1991, une vaste campagne de collecte de fonds a été organisée sans aide gouvernementale pour conserver la voiture en Grande-Bretagne. L'offre a été retenue et aujourd'hui, Thrust2 et son successeur, ThrustSSC, sont exposés au Coventry Transport Museum à Coventry, en Angleterre.

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Dans quel état est né Gene Vincent ?

Virginie

Vincent Eugene Craddock (11 février 1935 – 12 octobre 1971), connu sous le nom de Gene Vincent, était un musicien américain pionnier des styles rock and roll et rockabilly. Son succès dans le top dix de 1956 avec ses Blue Caps, "Be-Bop-A-Lula", est considéré comme l'un des premiers exemples significatifs de rockabilly. Il est membre du Rock and Roll Hall of Fame et du Rockabilly Hall of Fame. Biographie Début de la vie Vincent Eugene Craddock est né à Norfolk, en Virginie. Ses influences musicales comprenaient la country, le rythme et le blues et la musique gospel. Il a montré son premier véritable intérêt pour la musique alors que sa famille vivait à Munden Point, dans le comté de Princess Anne (aujourd'hui Virginia Beach), en Virginie, près de la ligne de Caroline du Nord, où ils tenaient un magasin de campagne. Il a reçu sa première guitare à l'âge de douze ans, cadeau d'un ami. Son père, Ezekiah Jackson Craddock, s'est porté volontaire pour servir dans la Garde côtière américaine et a patrouillé les eaux côtières américaines pour protéger les navires alliés contre les sous-marins allemands pendant la Seconde Guerre mondiale. Sa mère, Mary Louise Craddock, tenait un magasin général à Munden Point. Les parents de Craddock ont ​​déménagé la famille et ont ouvert un magasin général et un atelier de couture pour marins à Norfolk. Après avoir passé sa jeunesse dans la région de Norfolk, Craddock a abandonné ses études à dix-sept ans et s'est enrôlé dans la marine américaine en 1952. Les parents de Craddock ont ​​signé les formulaires lui permettant de rejoindre la marine. Il a terminé le camp d'entraînement et a rejoint la flotte en tant que membre d'équipage à bord du pétrolier de la flotte, bien qu'il ait passé deux semaines de formation sur le navire de réparation avant de retourner au Chukawan. Craddock n'a jamais assisté au combat mais a effectué un déploiement pendant la guerre de Corée. Il est rentré des eaux coréennes à bord du cuirassé , mais ne faisait pas partie de l'équipage du navire. Craddock envisagea une carrière dans la Marine et, en 1955, utilisa sa prime de réengagement de 612 $ pour acheter une nouvelle moto Triumph. En juillet 1955, alors qu'il se trouvait à Norfolk, un accident de moto lui brisa la jambe gauche. Il a refusé de le faire amputer. La jambe a été sauvée, mais l'accident l'a laissé boiteux et douloureux. Il a porté une gaine d'acier autour de la jambe pour le reste de sa vie. La plupart des récits attribuent l'accident à un conducteur ivre qui l'a frappé, bien que certains affirment que Craddock roulait ivre. Des années plus tard, dans certaines de ses biographies musicales professionnelles, il n'y a aucune mention d'accident, mais il a été affirmé qu'il avait été blessé au combat en Corée. Il a passé du temps à l'hôpital naval de Portsmouth et a été libéré de la marine pour des raisons médicales peu de temps après. Carrière de musique ancienne Craddock s'est impliqué dans la scène musicale locale de Norfolk. Il a changé son nom pour Gene Vincent et a formé un groupe de rockabilly appelé les Blue Caps (terme utilisé en référence aux marins enrôlés dans la marine américaine). Le groupe comprenait Willie Williams à la guitare rythmique, Jack Neal à la contrebasse, Dickie Harrell à la batterie et le guitariste principal Cliff Gallup. Lui et son groupe s'appelaient Gene Vincent and His Blue Caps. Il a également collaboré avec un autre musicien montant, Jay Chevalier de la paroisse des Rapides, en Louisiane. Gene Vincent et ses Blue Caps ont rapidement acquis une réputation en jouant dans divers bars country de sa ville natale de Norfolk, en Virginie. Là, ils ont remporté un concours de talents organisé par le DJ de la radio locale "Sheriff Tex" Davis, qui est devenu son manager. Les plus grands succès En 1956, il écrit "Be-Bop-A-Lula", qui fait des comparaisons avec Elvis Presley Track 3. et que le magazine Rolling Stone classe au 103e rang des 500 plus grandes chansons de tous les temps de Rolling Stone. Le DJ de la radio locale "Sheriff Tex" Davis a organisé une démo, ce qui lui a assuré un contrat avec Capitol Records. Il a signé un contrat d'édition avec Bill Lowery du Lowery Group d'éditeurs de musique à Atlanta, en Géorgie. "Be-Bop-A-Lula" ne figurait pas sur le premier album de Vincent et a été choisi par le producteur de Capitol Ken Nelson comme face B de son premier single. Avant la sortie du single, Lowery a pressé des copies promotionnelles de "Be-Bop-A-Lula" et les a envoyées aux stations de radio à travers le pays. Au moment où Capitol a sorti le single, "Be-Bop-A-Lula" avait déjà attiré l'attention du public et des DJ de radio. La chanson a été reprise et jouée par d'autres stations de radio américaines (masquant la chanson originale "A-side"), et est devenue un succès et a lancé Vincent en tant que star du rock'n'roll. Après que "Be-Bop-A-Lula" soit devenu un succès ( culminant au n ° 5 et passant 20 semaines sur le Billboard Pop Chart, et n ° 5 et 17 semaines dans le Cashbox Chart), Gene Vincent et His Blue Caps n'ont pas pu pour le suivre avec le même niveau de succès commercial, mais a sorti des chansons acclamées par la critique comme "Race with the Devil" (n°96 au Billboard et n°50 dans Cashbox) et "Bluejean Bop" (n°49 au Billboard, et un autre million de disques vendus). Cliff Gallup quitte le groupe en 1956 et Russell Williford le rejoint en tant que nouveau guitariste des Blue Caps. Williford a joué et fait une tournée au Canada avec Vincent à la fin de 1956 et est parti au début de 1957. Gallup est revenu pour faire l'album suivant, est reparti, puis Russell est revenu et est parti avant que Johnny Meeks n'entre dans le groupe. Le groupe a eu un autre succès avec "Lotta Lovin'" de 1957 (position la plus élevée n°13 et passant 19 semaines dans Billboard, et n°17 ​​et 17 semaines dans Cashbox). Vincent a reçu des records d'or pour deux millions de ventes de "Be-Bop-A-Lula" et 1,5 million de ventes de "Lotta Lovin'". La même année, il effectue une tournée sur la côte est de l'Australie avec Little Richard et Eddie Cochran, attirant un public total de 72 000 personnes à leurs concerts au Sydney Stadium. Vincent a également fait une apparition dans le film The Girl Can't Help It avec Jayne Mansfield, interprétant "Be-Bop-A-Lula" avec The Blue Caps dans une salle de répétition. "Dance to the Bop" a été publié par Capitol Records le 28 octobre 1957. Le 17 novembre 1957, Vincent and His Blue Caps a interprété la chanson à l'émission nationale Ed Sullivan Show. La chanson a passé neuf semaines dans les charts Billboard et a culminé au n ° 23 le 23 janvier 1958 et au n ° 36 et 8 semaines dans Cashbox, et serait le dernier single américain de Vincent. La chanson a été utilisée dans le film Hot Rod Gang pour une scène de répétition de danse mettant en vedette des danseurs faisant du West Coast Swing. Vincent et ses Blue Caps sont également apparus à plusieurs reprises à la « Town Hall Party », la plus grande danse de musique country de Californie organisée à l'hôtel de ville de Compton, en Californie. La « Town Hall Party » a attiré plus de 2 800 entrées payantes chaque vendredi et samedi avec une salle pouvant accueillir 1 200 danseurs. L'émission était également diffusée de 20h30 à 21h30 sur le réseau NBC Radio. L'émission a également été diffusée sur KTTV, chaîne 11, de 22 heures à 1 heure du matin le samedi soir. Les apparitions ont eu lieu le 25 octobre 1958, ainsi que les 25 juillet et 7 novembre 1959. Les chansons interprétées étaient : "Be-Bop-A-Lula", "High Blood Pressure", "Rip It Up", "Dance to the Bop". ", " You Win Again ", " For Your Precious Love ", " Rocky Road Blues ", " Pretty Pearly ", " High School Confidential ", " Over The Rainbow ", " Roll Over Beethoven " et " She She Little Sheila " . L'Europe  Un différend avec les autorités fiscales américaines et l'American Musicians' Union concernant les paiements à son groupe et le fait qu'il ait vendu l'équipement du groupe pour payer une facture fiscale l'a amené à quitter les États-Unis et à s'essayer en Europe. Le 15 décembre 1959, Vincent apparut dans l'émission télévisée Boy Meets Girl de Jack Good, sa première apparition en Angleterre. Il portait du cuir noir, des gants et un médaillon et se tenait voûté. On attribue au bien la transformation de l'image de Vincent. Après l'apparition à la télévision, il a fait une tournée en France, aux Pays-Bas, en Allemagne et au Royaume-Uni, portant ses vêtements de scène américains. Le 16 avril 1960, alors qu'ils étaient en tournée au Royaume-Uni, Vincent, Eddie Cochran et la compositrice Sharon Sheeley furent impliqués dans un accident de la route à grande vitesse dans un taxi privé à Chippenham, dans le Wiltshire. Vincent s'est cassé les côtes et la clavicule et a encore endommagé sa jambe affaiblie. Sheeley a subi une fracture du bassin. Cochran, qui avait été éjecté du véhicule, a subi de graves lésions cérébrales et est décédé le lendemain. Vincent est retourné aux États-Unis après l'accident. Le promoteur Don Arden a fait revenir Vincent au Royaume-Uni en 1961 pour faire une longue tournée dans les théâtres et les salles de bal avec Chris Wayne and the Echoes. En raison du succès retentissant de cette tournée, Vincent a ensuite déménagé en Grande-Bretagne en 1963. Le groupe qui l'accompagnait, Sounds Incorporated, un groupe de six musiciens comprenant trois saxophones, une guitare, une basse et une batterie, a ensuite joué avec les Beatles lors de leur tournée. Concert au Stade Karité. Il fait une nouvelle tournée au Royaume-Uni en 1963 avec les Outlaws, avec le futur guitariste de Deep Purple Ritchie Blackmore, comme groupe d'accompagnement. Les problèmes d'alcool de Vincent ont gâché la tournée, entraînant des problèmes tant sur scène qu'avec le groupe et le management. Carrière ultérieure Les tentatives de Vincent pour rétablir sa carrière américaine dans le folk rock et le country rock se sont avérées infructueuses ; On se souvient aujourd'hui de lui pour ses enregistrements des années 1950 et du début des années 1960 parus sur le label Capitol. Au début des années soixante, il a également sorti des morceaux sur le label Columbia d'EMI (le label britannique, et non le label américain CBS/Columbia), y compris une reprise de "Where Have You Been All My Life?" d'Arthur Alexander. Un groupe d'accompagnement appelé The Shouts l'a rejoint. En 1966 et 1967, aux États-Unis, il enregistre pour Challenge Records, soutenu par d'anciens membres des Champs et Glen Campbell. Challenge a sorti trois singles aux États-Unis, et le label britannique de Londres a sorti deux singles et rassemblé des enregistrements sur un LP, Gene Vincent, sur le label britannique de Londres en 1967. Bien que bien reçu, aucun ne s'est bien vendu. En 1968, dans un hôtel en Allemagne, Gene Vincent tente de tirer sur Gary Glitter, qu'il soupçonne de se rapprocher trop de sa petite amie. Vincent a tiré plusieurs coups de feu et l'a raté et Glitter effrayé a quitté le pays le lendemain. Vincent a réussi à donner un coup de pied dans les fesses de Glitter alors qu'il s'enfuyait. En 1969, il enregistre l'album I'm Back and I'm Proud pour le label Dandelion, fan de longue date de John Peel, produit par Kim Fowley avec des arrangements de Skip Battin des Byrds et des chœurs de Linda Ronstadt. Il a enregistré deux autres albums pour le label Kama Sutra, réédités sur un CD par Rev-Ola en mars 2008. Lors de sa tournée au Royaume-Uni en 1969, il fut soutenu par les Wild Angels, un groupe britannique qui avait travaillé au Royal Albert Hall avec Bill Haley & His Comets et Duane Eddy. Sous la pression de son ex-femme, de l'Inland Revenue et du promoteur Don Arden, Vincent est retourné aux États-Unis. Ses derniers enregistrements américains étaient quatre titres pour le label Rolling Rock de Rockin' Ronny Weiser, quelques semaines avant sa mort. Celles-ci sont sorties sur un album de compilation de chansons hommage, dont "Say Mama" de sa fille, Melody Jean Vincent, accompagnée de Johnny Meeks à la guitare. Il enregistra ensuite quatre titres (publiés des années plus tard sous le nom de The Last Session) en Grande-Bretagne en octobre 1971 dans le cadre de sa dernière tournée. Il était soutenu par Richard Cole (des Bluecaps) et Kansas Hook. Ils ont enregistré cinq titres dans les studios de la BBC à Maida Vale, à Londres, pour l'émission de radio de Johnnie Walker. Il a dirigé un spectacle au Garrick Night Club de Leigh, dans le Lancashire, et deux spectacles au Wookey Hollow Club de Liverpool les 3 et 4 octobre avant que sa santé ne se détériore. Vincent est retourné aux États-Unis et est décédé quelques jours plus tard. Quatre de ces morceaux ont ensuite été publiés sur le préfixe BEEB001 du propre label de la BBC appelé The Last Session ; cela inclut une version de "Say Mama". Les quatre titres sont désormais sur l'album White Lightning de Vincent. Mort et héritage Vincent est décédé le 12 octobre 1971 d'une rupture d'un ulcère d'estomac alors qu'il rendait visite à son père en Californie et est enterré au Eternal Valley Memorial Park, à Newhall, en Californie. Il a été le premier à être intronisé au Rockabilly Hall of Fame lors de sa création en 1997. L'année suivante, il a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame. Vincent a une étoile sur le Hollywood Walk of Fame au 1749 N. Vine Street. En 2012, son groupe, les Blue Caps, a été intronisé rétroactivement au Rock and Roll Hall of Fame par un comité spécial, aux côtés de Vincent. Le mardi 23 septembre 2003, Vincent a reçu une étoile de bronze du Norfolk's Legends of Music Walk of Fame incrustée dans le trottoir de la rue Granby. Discographie Simple * "Woman Love"/"Be-Bop-A-Lula" (Capitol F 3450 US) (6/4/56) (Capitol 45-CL 14599 UK) * "Race With the Devil"/"Gonna Back Up Baby" (Capitol F3530 US) (10/09/56) (Capitol 45-CL 14628 UK) * "Blue Jean Bop"/"Who Slapped John" (Capitol F3558 US) (10/56) (Capitol 45-CL 14637 UK) * "Sauts, rires et cris"/"Wedding Bells" (Capitol 14681 UK) * "Crazy Legs"/"Mots importants" (Capitol F3617 US) (1/7/57) (Capitol 45-CL 14693 UK) * "Cinq jours"/"B I Bickey Bi Bo Bo Go" (Capitol F3678 US) (25/03/57) (Capitol 45-CL 14722 UK) * "Lotta Lovin'"/"Wear My Ring" (Capitol F3763 US) (22/07/57) (Capitol 45-CL 14763 UK) * "Danse sur le Bop"/"I Got It" (Capitol F3839 US) (18/11/57) (Capitol 45-CL 14808) * "Lotta Lovin'"/Be Bop A Lula" (Capitol F3871 US) (20/11/57) (Réédition) * "J'ai un bébé"/"Rentrer de l'école à pied" (Capitol F3874 US) (1/58) (Capitol 45-CL 14830) * « Baby Blue »/« True to You » (Capitol F3959 US) (5/58) (Capitol 45-CL 14868 UK) * "Rocky Road Blues"/"Yes I Love You Baby" (Capitol F4010 US) (7/58) (Capitol 45-CL 14908 UK) * "Git It"/"Little Lover" (Capitol F4051 US) (9/58) (Capitol 5-CL 14935 UK) * "Say Mama"/"Be Bop Boogie Boy" (Capitol F4105 US) (11/58) (Capitol 45-CL 14974 UK) * "Au-dessus de l'arc-en-ciel"/"Qui pousse votre swing" (Capitol F4153 US) (1/59) (Capitol 45-CL 15000 UK) * "Summertime"/"Frankie et Johnnie" (Capitol 45-CL 15035 Royaume-Uni) * "La nuit est si solitaire"/"En ce moment" (Capitol F4237 US) (6/59) (Capitol 45-CL 15053 UK) * "Wild Cat"/"Juste ici sur Terre" (Capitol F4313 US) (11/59) (Capitol 45-CL 15099 UK) * "Mon coeur"/"Je dois encore t'atteindre" (Capitol 45-CL 15115 UK) * "Pistol Packin' Mama"/"Saule pleureur" (Capitol 45-CL 15136 UK) (6/60) * "Pistol Packin' Mama"/"Anna Annabelle" (Capitol F4442 US) (9/60) * "Anna Annabelle"/"Accentuez le positif" (Capitol 45-CL 15169 UK) (60) * "Jézabel"/"Peut-être" (Capitol 45-CL 15179 UK) (61) * "Si vous voulez mon amour"/"Mister Loneliness" (Capitol F4525 US) (61) (Capitol 45-CL 15185 UK) * "She She Little Sheila"/"Hot Dollar" (Capitol 45-CL 15202 Royaume-Uni) (61) * "Je rentre à la maison (pour voir mon bébé)"/"L'amour d'un homme" (Capitol 45-CL 15215 UK) (61) * "Brand New Beat"/"Unchained Melody" (Capitol 45-CL 15231 Royaume-Uni) (61) * "Lucky Star"/"Baby Don't Believe Him" ​​(Capitol F4665 US) (61) (Capitol 45-CL 15243 UK (62) * "Roi des fous"/"Be-Bop-A-Lula '62" (Capitol 45-CL 15264 Royaume-Uni) (62) * « Contenu pour interrogatoire »/« Tu es toujours dans mon cœur » (Capitol 45-CL 15290 UK) (63) * "Crazy Beat"/"Hypertension artérielle" (Capitol 45-CL 15307 UK) (63) * "Où es-tu allé toute ma vie"/"Temptation Baby" (Columbia DB 7174 UK) (63) * "Humpity Dumpity"/"A Love 'Em and Leave' Em Kinda Guy" (Columbia DB 7218 UK) (64) * "La Den Da Den Da Da"/"Le début de la fin" (Columbia DB 7293 UK) (64) * "Détective privé"/"Tu es mon soleil" (Columbia DB 7343 UK) (64) * "Bird Doggin'"/"Ain't That Too Much" (Challenge 59337 US) (66) (Londres HLH 10079 UK) * "Lonely Street"/"I've Got My Eyes on You" (Challenge 59347 US) (66) (Londres HLH 10099 UK) * "Born To Be a Rolling Stone"/"Hurtin' For You Baby" (Défi 59365 US) (67) * "Be-Bop-A-Lula '69"/"Ruby Baby" (Dandelion S 4596 UK) (69) * "White Lightning"/"Scarlet Ribbons" (Pissenlit S 4974 UK) (70) * "Story of the Rockers"/"Pickin' Poppies" (Forever FR6001 US) (70) (Spark SRL 1091 UK) (73) * "Sunshine"/"Oies" (Kama Sutra KA514 US) (70) * "Le jour où le monde est devenu bleu"/"Comment je les aime vieilles chansons" (Kama Sutra KA518 US) (70) * "Le jour où le monde est devenu bleu"/"High on Life" (Kama Sutra KS2013018 UK) (71) * "Roll Over Beethoven"/"Say Mama"/"Be-Bop-A-Lula" (Beeb 001 Royaume-Uni) (74) * "Hound Dog" (live)/"Be-Bop-A-Lula" (live) (Norton 45-114 US) (04) (NB : hormis la première réédition de 1957, cette liste omet les très nombreux singles réédités sortis au fil des décennies) Albums *Blejean Bop ! (Capitol T764 États-Unis et Royaume-Uni) (13/08/56) * Gene Vincent et ses casquettes bleues (Capitol T811 US & UK) (1957) * Gene Vincent est génial ! Et le Blue Caps Roll (Capitol T970 US & UK) (3/58) * Une date d'enregistrement de Gene Vincent (Capitol T1059 US & UK) (11/58) * On dirait Gene Vincent (Capitol T1207 US & UK) (6/59) * Crazy Times (Capitol T1342 mono US & UK) (Capitol ST1342 stéréo US & UK) (3/60) * Le Crazy Beat de Gene Vincent (Capitol T 20453 UK) (63) * Secouer une tempête (Columbia 33-OSX 1646 Royaume-Uni) (64) * Gene Vincent (Londres HAH 8333 UK) (67) * Je suis de retour et je suis fier (Dandelion D9 102 US)(69) (Dandelion 63754 UK) (70) * Gene Vincent (Kama Sutra KSBS 2019 US) (70) rebaptisé Si seulement tu pouvais me voir aujourd'hui (Kama Sutra 2361009 UK) (71) * Le jour où le monde est devenu bleu (Kama Sutra KSBS 2027 US) (70) (Kama Sutra 2316005 (UK) (71) * Rhythm in Blue (bootleg) (Bluecap Records BC2-11-35 Canada) (79) * Be-Bop-A-Lula (bootleg) (Koala KOA 14617 US) (80) * Forever Gene Vincent (Rolling Rock LP 022 US) (80) (contient 4 enregistrements rares de Gene Vincent) * Habillé en noir (Magnum Force MFLP 016 UK) (82) * Gene Vincent avec interview de Red Robinson (bootleg) (The Great Northwest Music Company GNW 4016 US) (82) * De Los Angeles à Frisco (Magnum Force MFLP 1023 UK) (82) * Pour les collectionneurs uniquement (Magnum Force MFLP 020 UK) (84) * Raretés (sic) (bootleg) (Dr Collector CRA 001 France) (86) * Rarities Vol 2 (bootleg) (The Collector's Doctor DK 005 France) (85) * Mots importants (Rockstar RSR LP 1020 UK) (90) * Séances perdues de Dallas (Rollercoaster RCCD 3031) (98) * Salut maman! (Rollercoaster ROLL 2021 Royaume-Uni) (98) (NB Cette liste omet les nombreux albums de réédition sortis au fil des décennies) EP * Hot Rod Gang (Capitol EAP 1–985 États-Unis et Royaume-Uni) (9/58) * Be-Bop-A-Lula '62 (Capitol EAP 1-20448 France) (62) * Live and Rockin (numéro du fan club au Royaume-Uni) (69) * Le Screamin' Kid en direct ! (bootleg) (pas de label 20240 France) (69) * The Screaming Kid (bootleg) (pas de label 20.266 France) (69) * Rainyday Sunshine (Rollin' Danny RD1 Royaume-Uni) (80) * En tournée avec Gene Vincent et Eddie Cochran (Rockstar RSR-EP 2013 UK) (86) * In Concert Vol 1 (bootleg) (Savas SA 178305 France) (88) * La dernière session (Strange Fruit SFNT 001 UK) (88) * Salut maman! (Montagnes russes RCEP 123 Royaume-Uni) (98) * Blue Gene (Norton EP-076 États-Unis) (99) (NB Cette liste omet les nombreux EP de morceaux d'album et de compilations) Apparitions au cinéma * La fille n'y peut rien (1956) * Hot Rod Gang (alias Fury Unleashed) (1958) * Profitez au maximum! (alias Chanter et Swing) (1960) * C'est Trad, papa ! (alias Ring a Ding Rhythm) (1962) * Vincent a été joué par Carl Barât dans le film de 2009, Telstar

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Comment le programme de relance européen des années 1940 était-il plus connu ?

Plan Marshall

Le Plan Marshall (officiellement le Programme de relance européen, ERP) était une initiative américaine visant à aider l'Europe occidentale, dans laquelle les États-Unis ont donné plus de 12 milliards de dollars (environ 120 milliards de dollars en valeur actuelle en juin 2016) en soutien économique pour aider à reconstruire l'Ouest. Les économies européennes après la fin de la Seconde Guerre mondiale. Le plan fut en vigueur pendant quatre ans à compter du 8 avril 1948. Les objectifs des États-Unis étaient de reconstruire les régions dévastées par la guerre, de supprimer les barrières commerciales, de moderniser l’industrie, de rendre l’Europe à nouveau prospère et d’empêcher la propagation du communisme. Le plan Marshall exigeait une diminution des barrières interétatiques, l'abandon de nombreuses réglementations et encourageait une augmentation de la productivité, de l'adhésion aux syndicats, ainsi que l'adoption de procédures commerciales modernes. L'aide du Plan Marshall a été répartie entre les États participants à peu près sur une base par habitant. Une somme plus importante fut accordée aux grandes puissances industrielles, l'opinion dominante étant que leur réanimation était essentielle à la renaissance générale de l'Europe. Un peu plus d'aide par habitant a également été dirigée vers les nations alliées, et une moindre vers celles qui avaient fait partie de l'Axe ou sont restées neutres. Le plus grand bénéficiaire de l'argent du Plan Marshall était le Royaume-Uni (recevant environ 26 % du total), suivi de la France (18 %) et de l'Allemagne de l'Ouest (11 %). Quelque 18 pays européens ont bénéficié des prestations du Plan. Bien qu'elle ait proposé de participer, l'Union soviétique a refusé les avantages du plan et a également bloqué les avantages accordés aux pays du bloc de l'Est, comme l'Allemagne de l'Est et la Pologne. Les États-Unis ont mis en place des programmes d’aide similaires en Asie, mais ils ne s’appelaient pas « Plan Marshall ». L'initiative porte le nom du secrétaire d'État George Marshall. Le plan bénéficiait du soutien des deux partis à Washington, où les Républicains contrôlaient le Congrès et les Démocrates contrôlaient la Maison Blanche avec Harry S. Truman comme président. Le plan était en grande partie l’œuvre de responsables du Département d’État, en particulier William L. Clayton et George F. Kennan, avec l’aide de la Brookings Institution, comme l’avait demandé le sénateur Arthur H. Vandenberg, président de la commission sénatoriale des relations étrangères. Marshall a parlé du besoin urgent d'aider à la reprise européenne dans son discours à l'Université Harvard en juin 1947. Le but du plan Marshall était d'aider à la reprise économique des nations après la Seconde Guerre mondiale ainsi que de contrarier l'Union soviétique. Afin de lutter contre les effets du plan Marshall, l’URSS a élaboré son propre plan économique, connu sous le nom de plan Molotov. L’expression « équivalent du Plan Marshall » est souvent utilisée pour décrire un programme de sauvetage économique à grande échelle proposé. Développement et déploiement Le plan de reconstruction, élaboré lors d'une réunion des États européens participants, fut rédigé le 5 juin 1947. Il offrait la même aide à l'Union soviétique et à ses alliés, mais ceux-ci refusèrent de l'accepter, car cela permettrait un certain degré de reconstruction. Contrôle américain sur les économies communistes. En fait, l’Union soviétique a empêché ses États satellites (c’est-à-dire l’Allemagne de l’Est, la Pologne, etc.) d’accepter. Le secrétaire Marshall devint convaincu que Staline n’avait aucun intérêt à contribuer au rétablissement de la santé économique en Europe occidentale. Le président Harry Truman a signé le plan Marshall le 3 avril 1948, accordant une aide de 5 milliards de dollars à 16 pays européens. Au cours des quatre années où le plan était en vigueur, les États-Unis ont fait don de 13 milliards de dollars d'assistance économique et technique pour aider au redressement des pays européens qui ont rejoint l'Organisation européenne de coopération économique. En 2013, la somme équivalente reflétant l’inflation monétaire depuis 1948 était d’environ 148 milliards de dollars. Ces 13 milliards de dollars s'inscrivaient dans le contexte d'un PIB américain de 258 milliards de dollars en 1948, et s'ajoutaient aux 13 milliards de dollars d'aide américaine à l'Europe entre la fin de la guerre et le début du Plan, qui sont comptabilisés séparément du Plan Marshall. Le Plan Marshall a été remplacé par le Plan de sécurité mutuelle à la fin de 1951 ; ce nouveau plan a distribué environ 7 milliards de dollars par an jusqu'en 1961, date à laquelle il a été remplacé par un autre programme. L’ERP s’est penché sur chacun des obstacles au relèvement d’après-guerre. Le plan était tourné vers l’avenir et ne se concentrait pas sur les destructions causées par la guerre. Les efforts visant à moderniser les pratiques industrielles et commerciales européennes en utilisant des modèles américains à haute efficacité, en réduisant les barrières commerciales artificielles et en instillant un sentiment d’espoir et d’autonomie ont été bien plus importants. En 1952, lorsque le financement prit fin, l’économie de chaque État participant avait dépassé les niveaux d’avant-guerre ; pour tous les bénéficiaires du Plan Marshall, la production en 1951 était d'au moins 35 % supérieure à celle de 1938. Au cours des deux décennies suivantes, l'Europe occidentale a connu une croissance et une prospérité sans précédent, mais les économistes ne savent pas exactement quelle proportion était due directement au PRE, quelle proportion indirectement. , et combien de choses se seraient passées sans cela. Une interprétation américaine courante du rôle du programme dans la relance européenne a été exprimée par Paul Hoffman, chef de l’Administration de coopération économique, en 1949, lorsqu’il a déclaré au Congrès que l’aide Marshall avait fourni la « marge critique » dont dépendaient les autres investissements nécessaires à la relance européenne. Le Plan Marshall a été l’un des premiers éléments de l’intégration européenne, car il a effacé les barrières commerciales et mis en place des institutions pour coordonner l’économie au niveau continental – c’est-à-dire qu’il a stimulé la reconstruction politique totale de l’Europe occidentale. L'historien économique belge Herman Van der Wee conclut que le plan Marshall a été un « grand succès » : Destruction en temps de guerre À la fin de la Seconde Guerre mondiale, une grande partie de l’Europe était dévastée. Les bombardements aériens soutenus pendant la guerre ont gravement endommagé la plupart des grandes villes, et les installations industrielles ont été particulièrement touchées. Les flux commerciaux de la région ont été complètement perturbés ; des millions de personnes se trouvaient dans des camps de réfugiés et vivaient de l’aide de l’Administration des Nations Unies pour les secours et la réhabilitation et d’autres agences. Les pénuries alimentaires étaient graves, en particulier pendant l'hiver rigoureux de 1946-1947. De juillet 1945 à juin 1946, les États-Unis ont expédié 16,5 millions de tonnes de denrées alimentaires, principalement du blé, vers l’Europe et le Japon. Cela représentait 1/6 de l’approvisionnement alimentaire américain et fournissait 35 000 milliards de calories, soit suffisamment pour fournir 400 calories par jour pendant un an à 300 millions de personnes. Les infrastructures de transport ont été particulièrement endommagées, car les voies ferrées, les ponts et les quais avaient été spécifiquement visés par les frappes aériennes, tandis qu'une grande partie des navires marchands avait été coulée. Même si la plupart des petites villes et villages n’ont pas subi autant de dégâts, la destruction des moyens de transport les a isolés économiquement. Aucun de ces problèmes ne pouvait être facilement résolu, car la plupart des pays engagés dans la guerre avaient épuisé leurs trésors ce faisant. Les seules grandes puissances dont les infrastructures n’ont pas été considérablement endommagées pendant la Seconde Guerre mondiale sont les États-Unis et le Canada. Ils étaient beaucoup plus prospères qu’avant la guerre, mais les exportations ne représentaient qu’un faible facteur dans leur économie. Une grande partie de l’aide du plan Marshall serait utilisée par les Européens pour acheter des produits manufacturés et des matières premières aux États-Unis et au Canada. Premiers événements d'après-guerre Récupération lente Les économies européennes se redressaient lentement, le chômage et les pénuries alimentaires entraînant des grèves et des troubles dans plusieurs pays. En 1947, les économies européennes étaient encore bien en dessous de leurs niveaux d’avant-guerre et ne montraient que peu de signes de croissance. La production agricole représentait 83 % des niveaux de 1938, la production industrielle 88 % et les exportations seulement 59 %. En Grande-Bretagne, la situation n’était pas aussi grave. En Allemagne, en 1945-1946, les conditions de logement et d’alimentation étaient mauvaises, la perturbation des transports, des marchés et des finances ralentissant le retour à la normale. À l’Ouest, les bombardements avaient détruit 5 000 000 de maisons et d’appartements et 12 000 000 de réfugiés venus de l’Est s’étaient entassés. l'est. La baisse de la production alimentaire peut être attribuée à une sécheresse qui a détruit une grande partie de la récolte de blé, tandis qu'un hiver rigoureux a détruit la majorité de la récolte de blé l'année suivante. Cela a amené la plupart des Européens à suivre un régime alimentaire de 1 500 calories par jour. De plus, les importantes expéditions de nourriture volées aux pays occupés pendant la guerre n’atteignaient plus l’Allemagne. La production industrielle a chuté de plus de moitié et n’a atteint son niveau d’avant-guerre qu’à la fin de 1949. Alors que l’Allemagne luttait pour se remettre des destructions causées par la guerre, les efforts de reconstruction commencèrent en juin 1948, passant des secours d’urgence. La réforme monétaire de 1948, dirigée par le gouvernement militaire, a aidé l'Allemagne à rétablir la stabilité en encourageant la production. La réforme a réévalué l’ancienne monnaie et les dépôts et a introduit une nouvelle monnaie. Les impôts ont également été réduits et l'Allemagne s'est préparée à supprimer les barrières économiques. Au cours des trois premières années d’occupation de l’Allemagne, le Royaume-Uni et les États-Unis ont vigoureusement poursuivi un programme de désarmement militaire en Allemagne, en partie par le retrait d’équipements mais principalement par un embargo sur les importations de matières premières, dans le cadre du plan Morgenthau approuvé par le président Franklin D. Roosevelt. Nicholas Balabkins conclut que « tant que la capacité industrielle allemande restait inutilisée, la reprise économique de l'Europe était retardée ». En juillet 1947, Washington se rendit compte que la reprise économique en Europe ne pouvait pas se poursuivre sans la reconstruction de la base industrielle allemande, décidant qu'une « Europe ordonnée et prospère exigeait les contributions économiques d'une Allemagne stable et productive ». En outre, la force des partis communistes contrôlés par Moscou en France et en Italie a inquiété Washington. Selon le Département d’État du président Harry S. Truman, les États-Unis devaient adopter une position définitive sur la scène mondiale sous peine de perdre leur crédibilité. La doctrine émergente de l’endiguement (par opposition au démantèlement) affirmait que les États-Unis devaient aider de manière substantielle les pays non communistes pour arrêter la propagation de l’influence soviétique. On espérait également que les pays du bloc de l’Est rejoindraient le plan et seraient ainsi retirés du bloc soviétique émergent, mais cela ne s’est pas produit. En janvier 1947, Truman nomma le général à la retraite George Marshall au poste de secrétaire d'État. En juillet 1947, Marshall a abandonné la directive 1067 des chefs d'état-major interarmées mise en œuvre dans le cadre du plan Morgenthau sous la supervision personnelle du secrétaire au Trésor de Roosevelt, Henry Morgenthau, Jr., qui avait décrété « ne prendre aucune mesure en vue de la réhabilitation économique de l'Allemagne [ou] conçue pour maintenir ou renforcer l’économie allemande. » Par la suite, le JCS 1067 a été supplanté par le JCS 1779, déclarant qu'« une Europe ordonnée et prospère nécessite les contributions économiques d'une Allemagne stable et productive ». Les restrictions imposées à la production de l'industrie lourde allemande furent en partie assouplies ; les niveaux de production d'acier autorisés ont été augmentés de 25 % de la capacité d'avant-guerre à une nouvelle limite placée à 50 % de la capacité d'avant-guerre. Alors qu'une insurrection communiste menaçait la Grèce et que la Grande-Bretagne était financièrement incapable de poursuivre son aide, le président annonça sa doctrine Truman le 12 mars 1947, « pour soutenir les peuples libres qui résistent aux tentatives d'assujettissement par des minorités armées ou par des pressions extérieures », avec une demande d'aide. pour examen et décision, concernant la Grèce et la Turquie. Toujours en mars 1947, l'ancien président américain Herbert Hoover, dans l'un de ses rapports sur l'Allemagne, plaidait en faveur d'un changement dans la politique d'occupation américaine, déclarant entre autres : Il existe l'illusion que la Nouvelle Allemagne laissée après les annexions peut être réduite à un « État pastoral » (vision de Morgenthau). Cela ne peut être réalisé que si nous exterminons ou expulsons 25 000 000 de personnes. Hoover a en outre noté que « l'économie européenne dans son ensemble est liée à l'économie allemande par l'échange de matières premières et de produits manufacturés. La productivité de l'Europe ne peut être restaurée sans la restauration de l'Allemagne en tant que contributeur à cette productivité. » Le rapport Hoover a fait comprendre à Washington qu'une nouvelle politique était nécessaire ; "presque toute action constituerait une amélioration par rapport à la politique actuelle." À Washington, les chefs d'état-major ont déclaré que la « relance complète de l'industrie allemande, en particulier des mines de charbon » était désormais « d'une importance primordiale » pour la sécurité américaine. Les États-Unis dépensaient déjà beaucoup pour aider l’Europe à se redresser. Plus de 14 milliards de dollars ont été dépensés ou prêtés au cours de la période d’après-guerre jusqu’à la fin de 1947 et ne sont pas comptabilisés dans le cadre du Plan Marshall. Une grande partie de cette aide était destinée à restaurer les infrastructures et à aider les réfugiés. La Grande-Bretagne, par exemple, a reçu un prêt d’urgence de 3,75 milliards de dollars. Les Nations Unies ont également lancé une série d’efforts humanitaires et de secours presque entièrement financés par les États-Unis. Ces efforts ont eu des effets importants, mais ils manquaient d'organisation et de planification centrales et n'ont pas réussi à répondre à bon nombre des besoins les plus fondamentaux de l'Europe. Déjà en 1943, l'Administration des Nations Unies pour les secours et la réhabilitation (UNRRA) avait été fondée pour apporter des secours aux zones libérées de l'Allemagne. L'UNRRA a fourni des milliards de dollars d'aide à la réhabilitation et a aidé environ 8 millions de réfugiés. Elle a mis fin aux opérations des camps de personnes déplacées en Europe en 1947 ; bon nombre de ses fonctions ont été transférées à plusieurs agences des Nations Unies. Négociations soviétiques Après la nomination de Marshall en janvier 1947, les responsables de l'administration rencontrèrent le ministre soviétique des Affaires étrangères Viatcheslav Molotov et d'autres pour faire pression en faveur d'une Allemagne économiquement autosuffisante, y compris une comptabilité détaillée des installations industrielles, des biens et des infrastructures déjà supprimés par les Soviétiques dans leur zone occupée. Molotov s'est abstenu de fournir des comptes sur les avoirs soviétiques. Les Soviétiques ont adopté une approche punitive, insistant pour un retard plutôt qu’une accélération de la réhabilitation économique, exigeant le respect inconditionnel de toutes les demandes de réparation antérieures et insistant pour que des progrès soient réalisés vers une transformation socio-économique à l’échelle nationale. Après six semaines de négociations, Molotov rejeta toutes les propositions américaines et britanniques. Molotov a également rejeté la contre-offre visant à supprimer la « Bizonia » anglo-américaine et à inclure la zone soviétique dans l’Allemagne nouvellement construite. Marshall était particulièrement découragé après avoir personnellement rencontré Staline pour lui expliquer que les États-Unis ne pouvaient pas abandonner leur position sur l'Allemagne, tandis que Staline exprimait peu d'intérêt pour une solution aux problèmes économiques allemands. Le discours de Marshall Après l’ajournement de la conférence de Moscou après six semaines de discussions infructueuses avec les Soviétiques concernant une éventuelle reconstruction allemande, les États-Unis ont conclu qu’une solution ne pouvait plus attendre. Pour clarifier la position américaine, un discours important du secrétaire d'État George Marshall était prévu. Marshall a prononcé le discours devant la classe des diplômés de l'Université Harvard le 5 juin 1947. Debout sur les marches de l'église Memorial à Harvard Yard, il a proposé l'aide américaine pour promouvoir le redressement et la reconstruction de l'Europe. Le discours décrivait le dysfonctionnement de l’économie européenne et présentait une justification de l’aide américaine. Le système moderne de division du travail sur lequel repose l’échange des produits risque de s’effondrer. ... Outre l'effet démoralisant sur le monde entier et les risques de perturbations provoqués par le désespoir des populations concernées, les conséquences sur l'économie des Etats-Unis devraient être évidentes pour tous. Il est logique que les États-Unis fassent tout ce qu’ils peuvent pour contribuer au retour d’une santé économique normale dans le monde, sans laquelle il ne peut y avoir de stabilité politique ni de paix assurée. Notre politique n’est dirigée contre aucun pays, mais contre la faim, la pauvreté, le désespoir et le chaos. Tout gouvernement disposé à contribuer au redressement bénéficiera de la pleine coopération des États-Unis. Son objectif devrait être la renaissance d’une économie active dans le monde afin de permettre l’émergence de conditions politiques et sociales dans lesquelles des institutions libres peuvent exister. Marshall était convaincu que la stabilité économique assurerait la stabilité politique en Europe. Il a proposé son aide, mais les pays européens ont dû organiser eux-mêmes le programme. Le discours, rédigé par Charles Bohlen, ne contenait pratiquement aucun détail ni aucun chiffre. Plus une proposition qu’un plan, c’était un défi pour les dirigeants européens de coopérer et de se coordonner. Il a demandé aux Européens de créer leur propre plan de reconstruction de l’Europe, indiquant que les États-Unis financeraient ensuite ce plan. L’administration estimait que le projet serait probablement impopulaire auprès de nombreux Américains et le discours s’adressait principalement à un public européen. Dans une tentative de garder le discours hors de la presse américaine, les journalistes n'ont pas été contactés et, le même jour, Truman a convoqué une conférence de presse pour faire disparaître les gros titres. En revanche, Dean Acheson, sous-secrétaire d'État, a été dépêché pour contacter les médias européens, notamment britanniques, et le discours a été lu dans son intégralité sur la BBC. Rejet par les Soviétiques Le ministre britannique des Affaires étrangères Ernest Bevin a entendu le discours radiophonique de Marshall et a immédiatement contacté le ministre français des Affaires étrangères Georges Bidault pour commencer à préparer une réponse européenne rapide à (et à accepter) l'offre, ce qui a conduit à la création du Comité européen de coopération économique. Les deux hommes ont convenu qu’il serait nécessaire d’inviter les Soviétiques en tant qu’autre grande puissance alliée. Le discours de Marshall incluait explicitement une invitation aux Soviétiques, estimant que les exclure aurait été un signe de méfiance. Les responsables du Département d’État savaient cependant que Staline n’y participerait presque certainement pas et qu’il était peu probable que tout plan visant à envoyer de grandes quantités d’aide aux Soviétiques soit approuvé par le Congrès. Premières réactions Alors que l’ambassadeur soviétique à Washington soupçonnait que le plan Marshall pourrait conduire à la création d’un bloc antisoviétique, Staline était ouvert à cette offre. Il a ordonné que, lors des négociations qui se tiendraient à Paris concernant l'aide, les pays du bloc de l'Est ne devraient pas rejeter les conditions économiques qui leur étaient imposées. Staline n'a changé d'avis que lorsqu'il a appris que (a) le crédit ne serait accordé que dans des conditions de coopération économique et (b) l'aide serait également accordée à l'Allemagne dans son ensemble, une éventualité qui, selon Staline, entraverait la capacité des Soviétiques à exercer leurs activités. influence en Allemagne occidentale. Initialement, Staline a manœuvré pour tuer le Plan, ou du moins l'entraver au moyen d'une participation destructrice aux pourparlers de Paris sur les conditions. Mais il se rendit vite compte que cela serait impossible après que Molotov eut rapporté – après son arrivée à Paris en juillet 1947 – que les conditions du crédit n'étaient pas négociables. L'empressement des Tchécoslovaques à accepter l'aide, ainsi que les indications d'une attitude polonaise similaire, étaient tout aussi préoccupants. Staline soupçonnait la possibilité que ces pays du bloc de l'Est défient les directives soviétiques de ne pas accepter l'aide, entraînant potentiellement une perte de contrôle du bloc de l'Est. En outre, la condition la plus importante était que chaque pays choisissant de profiter du plan devait faire évaluer sa situation économique de manière indépendante – un niveau de contrôle auquel les Soviétiques ne pouvaient pas accepter. Bevin et Bidault ont également insisté pour que toute aide soit accompagnée de la création d’une économie européenne unifiée, incompatible avec la stricte économie dirigée soviétique. Rejet obligatoire du bloc de l’Est Le ministre soviétique des Affaires étrangères Viatcheslav Molotov a quitté Paris, rejetant le projet. Par la suite, des déclarations ont été faites suggérant une confrontation future avec l’Occident, qualifiant les États-Unis à la fois de puissance « fascisante » et de « centre de la réaction mondiale et de l’activité antisoviétique », tous les pays alignés sur les États-Unis étant qualifiés d’ennemis. Les Soviétiques accusèrent également les États-Unis d'être responsables des défaites communistes lors des élections en Belgique, en France et en Italie quelques mois plus tôt, au printemps 1947. Ils affirmèrent qu'il fallait résister et empêcher la « marshallisation » par tous les moyens, et que les partis communistes français et italiens devaient déployer tous leurs efforts pour saboter la mise en œuvre du Plan. En outre, les ambassades occidentales à Moscou étaient isolées, leur personnel se voyant refuser tout contact avec les responsables soviétiques. Le 12 juillet, une réunion plus large a été convoquée à Paris. Tous les pays d'Europe ont été invités, à l'exception de l'Espagne (un pays neutre de la Seconde Guerre mondiale qui avait sympathisé avec les puissances de l'Axe) et des petits États d'Andorre, de Saint-Marin, de Monaco et du Liechtenstein. L’Union soviétique a été invitée, étant entendu qu’elle refuserait probablement. Les États du futur bloc de l'Est ont également été approchés et la Tchécoslovaquie et la Pologne ont accepté d'y participer. L’un des signes les plus évidents du contrôle soviétique sur la région est que le ministre tchécoslovaque des Affaires étrangères, Jan Masaryk, a été convoqué à Moscou et réprimandé par Staline pour avoir envisagé de rejoindre le plan Marshall. Le Premier ministre polonais Józef Cyrankiewicz a été récompensé par Staline pour le rejet polonais du plan. La Russie a récompensé la Pologne avec un accord commercial lucratif sur cinq ans, l'équivalent de 450 millions de dollars de 1948 (4,4 milliards de dollars en dollars de 2014) de crédit, 200 000 tonnes de céréales, de machinerie lourde et d'usines. Les participants au plan Marshall n'ont pas été surpris lorsque les délégations tchécoslovaque et polonaise ont été empêchées d'assister à la réunion de Paris. Les autres États du bloc de l’Est ont immédiatement rejeté l’offre. La Finlande a également décliné afin d'éviter de contrarier les Soviétiques (voir aussi Finlandisation). L'« alternative » de l'Union soviétique au plan Marshall, qui était censé impliquer des subventions soviétiques et des échanges commerciaux avec l'Europe occidentale, est devenue connue sous le nom de Plan Molotov, et plus tard de COMECON. Dans un discours prononcé aux Nations Unies en 1947, le vice-ministre soviétique des Affaires étrangères Andreï Vychinski a déclaré que le plan Marshall violait les principes des Nations Unies. Il a accusé les États-Unis de tenter d'imposer leur volonté à d'autres États indépendants, tout en utilisant comme instrument de pression politique les ressources économiques distribuées pour venir en aide aux pays dans le besoin. Yougoslavie Bien que tous les autres pays communistes européens aient cédé à Staline et rejeté l'aide, les Yougoslaves, menés par Josip Broz (Tito), ont d'abord accepté et rejeté le plan Marshall. Cependant, en 1948, Tito rompit définitivement avec Staline sur d’autres questions, faisant de la Yougoslavie un État communiste indépendant. La Yougoslavie a demandé l'aide américaine. Les dirigeants américains étaient divisés en interne, mais ils ont finalement accepté et ont commencé à envoyer de l’argent à petite échelle en 1949, puis à une échelle beaucoup plus grande en 1950-53. L'aide américaine ne faisait pas partie du plan Marshall. Réunion à Szklarska Poręba Fin septembre, l’Union soviétique a convoqué neuf partis communistes européens dans le sud-ouest de la Pologne. Un rapport du Parti communiste de l'Union soviétique (PCUS) a été lu dès le début pour donner un ton fortement anti-occidental, déclarant désormais que « la politique internationale est dominée par la clique dirigeante des impérialistes américains » qui se sont lancés dans « l'asservissement du les pays capitalistes affaiblis d’Europe ». Les partis communistes devaient lutter contre la présence américaine en Europe par tous les moyens nécessaires, y compris le sabotage. Le rapport affirmait en outre que « des éléments impérialistes réactionnaires à travers le monde, particulièrement aux États-Unis, en Grande-Bretagne et en France, avaient placé des espoirs particuliers dans l'Allemagne et le Japon, principalement dans l'Allemagne hitlérienne – d'abord comme force la plus capable de porter un coup à l'Union soviétique. Syndicat". Faisant référence au bloc de l'Est, le rapport déclare que « le rôle libérateur de l'Armée rouge a été complété par une recrudescence de la lutte de libération des peuples épris de liberté contre les prédateurs fascistes et leurs mercenaires ». Il affirmait que « les patrons de Wall Street » « prenaient la place de l’Allemagne, du Japon et de l’Italie ». Le plan Marshall a été décrit comme « le plan américain pour l’asservissement de l’Europe ». Il décrivait le monde désormais divisé « en deux camps essentiellement : le camp impérialiste et antidémocratique d'une part, et le camp antiimpérialiste et démocratique de l'autre ». Bien que les pays du bloc de l’Est, à l’exception de la Tchécoslovaquie, aient immédiatement rejeté l’aide du plan Marshall, les partis communistes du bloc de l’Est ont été accusés d’avoir permis une influence même mineure de la part de non-communistes dans leurs pays respectifs pendant la période précédant le plan Marshall. Le président de la réunion, Andreï Jdanov, qui était en contact radio permanent avec le Kremlin dont il recevait des instructions, a également fustigé les partis communistes en France et en Italie pour leur collaboration avec les agendas nationaux de ces pays. Jdanov a averti que s'ils continuaient à ne pas maintenir des contacts internationaux avec Moscou pour des consultations sur toutes les questions, cela entraînerait "des conséquences extrêmement néfastes pour le développement du travail des partis frères". Les dirigeants communistes italiens et français ont été empêchés par les règles du parti de souligner que c'était en réalité Staline qui leur avait ordonné de ne pas prendre de positions dans l'opposition en 1944. Le parti communiste français, comme d'autres, devait alors réorienter sa mission visant à « détruire l'économie capitaliste ». et que le Bureau d'information communiste soviétique (Cominform) prendrait le contrôle des activités du Parti communiste français pour s'opposer au plan Marshall. Lorsqu'ils ont demandé à Jdanov s'ils devaient se préparer à une révolte armée à leur retour chez eux, il n'a pas répondu. Dans une conversation ultérieure avec Staline, il expliqua qu'une lutte armée serait impossible et que la lutte contre le plan Marshall devait être menée sous le mot d'ordre de l'indépendance nationale. Négociations Pour transformer ce plan en réalité, il a fallu des négociations entre les nations participantes et faire adopter le plan par le Congrès des États-Unis. Seize nations se sont réunies à Paris pour déterminer quelle forme prendrait l’aide américaine et comment elle serait répartie. Les négociations furent longues et complexes, chaque nation ayant ses propres intérêts. La principale préoccupation de la France était que l'Allemagne ne redevienne pas son ancienne puissance menaçante. Les pays du Benelux (Belgique, Pays-Bas et Luxembourg), bien qu’ayant également souffert du régime nazi, étaient depuis longtemps étroitement liés à l’économie allemande et estimaient que leur prospérité dépendait de sa relance. Les pays scandinaves, en particulier la Suède, ont insisté pour que leurs relations commerciales de longue date avec les pays du bloc de l’Est ne soient pas perturbées et que leur neutralité ne soit pas violée. Le Royaume-Uni a insisté sur un statut spécial en tant que belligérant de longue date pendant la guerre, craignant que s'il était traité sur un pied d'égalité avec les puissances continentales dévastées, il ne recevrait pratiquement aucune aide. Les Américains insistaient sur l’importance du libre-échange et de l’unité européenne pour constituer un rempart contre le communisme. L'administration Truman, représentée par William L. Clayton, a promis aux Européens qu'ils seraient libres de structurer eux-mêmes le plan, mais l'administration a également rappelé aux Européens que sa mise en œuvre dépendait de l'adoption du plan par le Congrès. La majorité des membres du Congrès étaient attachés au libre-échange et à l’intégration européenne et hésitaient à dépenser trop d’argent pour l’Allemagne. Cependant, avant l’entrée en vigueur du plan Marshall, la France, l’Autriche et l’Italie avaient besoin d’une aide immédiate. Le 17 décembre 1947, les États-Unis acceptent de donner 40 millions de dollars à la France, à l’Autriche, à la Chine et à l’Italie. Un accord fut finalement trouvé et les Européens envoyèrent à Washington un plan de reconstruction, qui fut formulé et approuvé par le Comité européen de coopération économique en 1947. Dans le document, les Européens demandaient une aide de 22 milliards de dollars. Truman a réduit ce montant à 17 milliards de dollars dans le projet de loi qu'il a soumis au Congrès. Le plan a rencontré une vive opposition au Congrès, principalement de la part de la partie du Parti républicain dirigée par Robert A. Taft qui prônait une politique plus isolationniste et était las des dépenses gouvernementales massives. Le plan avait également des opposants à gauche, parmi lesquels Henry A. Wallace notamment. Wallace considérait le plan comme une subvention pour les exportateurs américains et ne manquerait pas de polariser le monde entre l’Est et l’Ouest. Wallace, l'ancien vice-président et secrétaire à l'Agriculture, a qualifié cela d'un air moqueur de « plan martial », arguant qu'il s'agissait simplement d'un pas de plus vers la guerre. Cependant, l'opposition au plan Marshall fut considérablement réduite par le choc du coup d'État communiste en Tchécoslovaquie en février 1948. Peu de temps après, un projet de loi accordant un montant initial de 5 milliards de dollars fut adopté par le Congrès avec un fort soutien bipartisan. Le Congrès allait finalement allouer 12,4 milliards de dollars d'aide sur les quatre années du plan. Le 17 mars 1948, le président Harry S. Truman s'est adressé à la sécurité européenne et a condamné l'Union soviétique devant une session conjointe du Congrès convoquée à la hâte. Tentant de contenir la propagation de l'influence soviétique dans le bloc de l'Est, Truman a demandé au Congrès de rétablir un projet militaire en temps de paix et d'adopter rapidement la loi sur la coopération économique, nom donné au plan Marshall. À propos de l'Union soviétique, Truman a déclaré : « La situation dans le monde d'aujourd'hui n'est pas principalement le résultat des difficultés naturelles qui suivent une grande guerre. Elle est principalement due au fait qu'une nation a non seulement refusé de coopérer à l'établissement d'une une paix juste et honorable mais, pire encore, a activement cherché à l'empêcher. Les membres du 80e Congrès sous contrôle républicain (1947-1949) étaient sceptiques. "En effet, il a dit à la Nation que nous avons perdu la paix, que tout notre effort de guerre était vain", a noté le représentant Frederick Smith de l'Ohio. D’autres pensaient qu’il n’avait pas été assez énergique pour contenir l’URSS. "Ce que [Truman] a dit n'est pas à la hauteur", a noté le représentant Eugene Cox, un démocrate de Géorgie, "il n'y a aucune chance de gagner un jour la coopération russe". Malgré ses réserves, le 80e Congrès a mis en œuvre les demandes de Truman, aggravant encore la guerre froide avec l'URSS. Truman a signé la loi sur la coopération économique le 3 avril 1948 ; la loi a créé l'Administration de la coopération économique (ECA) pour administrer le programme. La CEA était dirigée par l'administrateur de la coopération économique Paul G. Hoffman. La même année, les pays participants (Autriche, Belgique, Danemark, France, Allemagne de l'Ouest, Royaume-Uni, Grèce, Islande, Irlande, Italie, Luxembourg, Pays-Bas, Norvège, Suède, Suisse, Turquie et États-Unis) a signé un accord établissant une agence principale de coordination de l'aide financière, l'Organisation européenne de coopération économique (appelée plus tard Organisation de coopération et de développement économiques ou OCDE), dirigée par le Français Robert Marjolin. Mise en œuvre La première aide substantielle est allée à la Grèce et à la Turquie en janvier 1947, qui étaient considérées comme la ligne de front de la bataille contre l’expansion communiste et recevaient déjà une aide dans le cadre de la doctrine Truman. Initialement, la Grande-Bretagne avait soutenu les factions anticommunistes dans ces pays, mais en raison de sa situation économique désastreuse, elle décida de se retirer et, en février 1947, demanda aux États-Unis de poursuivre leurs efforts. L'ECA a officiellement commencé ses activités en juillet 1948. La mission officielle de l'ECA était de donner un coup de pouce à l'économie européenne : promouvoir la production européenne, renforcer la monnaie européenne et faciliter le commerce international, en particulier avec les États-Unis, dont l'intérêt économique exigeait que l'Europe devienne suffisamment riche pour importer des produits américains. . Un autre objectif officieux de l’ECA (et du Plan Marshall) était de contenir l’influence soviétique croissante en Europe, évidente notamment dans la force croissante des partis communistes en Tchécoslovaquie, en France et en Italie. L’argent du Plan Marshall a été transféré aux gouvernements des pays européens. Les fonds étaient administrés conjointement par les gouvernements locaux et la CEA. Chaque capitale européenne avait un envoyé de la CEA, généralement un éminent homme d'affaires américain, qui donnait des conseils sur le processus. L'allocation coopérative de fonds a été encouragée et des panels de dirigeants gouvernementaux, d'entreprises et de syndicats ont été convoqués pour examiner l'économie et voir où l'aide était nécessaire. L’aide du Plan Marshall a été principalement utilisée pour l’achat de marchandises en provenance des États-Unis. Les nations européennes avaient pratiquement épuisé leurs réserves de change pendant la guerre, et l’aide du Plan Marshall représentait presque leur seul moyen d’importer des marchandises de l’étranger. Au début du plan, ces importations concernaient principalement des produits de première nécessité tels que de la nourriture et du carburant, mais plus tard, les achats ont été orientés vers les besoins de reconstruction, comme cela était initialement prévu. Au cours des dernières années, sous la pression du Congrès américain et avec le déclenchement de la guerre de Corée, une part croissante de l'aide a été consacrée à la reconstruction des forces armées d'Europe occidentale. Sur les quelque 13 milliards de dollars alloués au milieu de 1951, 3,4 milliards avaient été dépensés pour l'importation de matières premières et de produits semi-manufacturés ; 3,2 milliards de dollars

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Brandon Lee est décédé pendant le tournage de quel film ?

The Crow

Brandon Bruce Lee (1er février 1965 – 31 mars 1993) était un acteur et artiste martial américain. Il était le fils de l'artiste martial et acteur de cinéma Bruce Lee et de l'enseignante Linda Lee Cadwell, le petit-fils du chanteur d'opéra cantonais Lee Hoi-chuen et le frère de Shannon Lee. Débutant sa carrière avec un second rôle dans le téléfilm Kung Fu: The Movie de 1986, Lee a joué dans plusieurs films d'action à petit budget à la fin des années 1980 et au début des années 1990. Il est décédé dans un accident d'arme à feu lors du tournage de The Crow en 1993. Le film est sorti à titre posthume en 1994 avec l'aide d'une doublure et d'effets spéciaux. Début de la vie Lee est né le 1er février 1965 à Oakland, en Californie, fils de l'artiste martial et acteur Bruce Lee et de Linda Emery. La famille a déménagé à Los Angeles, en Californie, quand il avait trois mois, mais ils ont également passé une partie de ses premières années à Hong Kong. Lee était d'origine chinoise, irlandaise, anglaise, allemande et suédoise. Il a fréquenté l'école secondaire de Chadwick School, mais on lui a demandé de le quitter pour insubordination, plus précisément pour avoir descendu la colline de l'école à reculons. Il a brièvement fréquenté le lycée Bishop Montgomery, situé à Torrance de 1979 à 1980. Il a obtenu son GED en 1983 à l'âge de 18 ans, puis est allé à l'Emerson College de Boston, dans le Massachusetts, où il s'est spécialisé en théâtre. Après un an, Lee a déménagé à New York où il a suivi des cours de théâtre au célèbre Lee Strasberg Theatre and Film Institute et a fait partie du groupe American New Theatre fondé par son ami John Lee Hancock. La majeure partie de l'enseignement des arts martiaux de Lee provenait des meilleurs élèves de son père et des meilleurs amis Dan Inosanto et Richard Bustillo. Carrière Lee est retourné à Los Angeles en 1985, où il a travaillé pour Ruddy Morgan Productions en tant que scénariste, faisant une apparition non crédité dans le film d'action Crime Killer (1985) avec George Pan Andreas. Il a été invité à auditionner pour un rôle par la directrice de casting Lyn Stalmaster et a obtenu son premier rôle d'acteur crédité dans Kung Fu: The Movie, un long métrage télévisé qui faisait suite à la série télévisée des années 1970 Kung Fu. Le film a été diffusé sur ABC le 1er février 1986, date du 21e anniversaire de Lee. Dans Kung Fu : le film, Lee a joué Chung Wang, le fils présumé de Kwai Chang Caine (David Carradine). Le vrai père de Lee était à l'origine considéré comme jouant le rôle principal dans la série télévisée Kung Fu. Lee a obtenu son premier rôle principal au cinéma plus tard cette année-là dans le thriller policier d'action hongkongais Legacy of Rage dans lequel il a joué aux côtés de Michael Wong, Regina Kent et Mang Hoi (sosie de la star de cinéma Yuen Biao). Il présentait également une apparition de Bolo Yeung qui est apparu dans le film de son père, Enter the Dragon. Réalisé en cantonais et réalisé par Ronny Yu, c'était le seul film réalisé par Lee à Hong Kong. Il a également été nominé pour un Hong Kong Film Award du meilleur nouvel interprète dans ce rôle. En 1987, Lee a joué dans le pilote télévisé invendu Kung Fu: The Next Generation, diffusé sur CBS Summer Playhouse et qui faisait suite à la série télévisée Kung Fu. Dans ce film, l'histoire s'est déplacée jusqu'à nos jours et s'est centrée sur l'histoire de Johnny Caine (Lee), l'arrière-petit-fils de Kwai Chang Caine (David Carradine). En 1988, Lee a fait une apparition aux côtés de Pat Morita dans un épisode de la série télévisée américaine de courte durée Ohara, jouant un personnage méchant nommé Kenji. À l'été 1988, Lee a également commencé à tourner son premier film d'action en anglais de qualité B, Laser Mission ; il a été tourné à moindre coût en Afrique du Sud et a finalement été diffusé sur le marché européen en 1990. En 1991, il a joué aux côtés de Dolph Lundgren dans le film d'action copain policier Showdown in Little Tokyo. Il s'agit de son premier film en studio et de son premier film américain. Lee a signé un contrat multi-images avec 20th Century Fox en 1991. Il a eu son premier rôle principal dans le thriller d'action Rapid Fire en 1992 et devait faire deux autres films pour eux. En août de la même année, le biographe de Bruce Lee, John Little, a demandé à Brandon Lee quelle était sa philosophie de vie, et il a répondu : « Manger ou mourir ! Brandon a parlé plus tard des arts martiaux et de la connaissance de soi : En 1992, Lee décroche le rôle principal d'Eric Draven dans l'adaptation cinématographique de The Crow, une bande dessinée underground populaire. Pendant le tournage, juste avant sa mort, Brandon a signé pour faire deux suites au film s'il s'avérait un succès. Vie privée En 1990, Lee a rencontré Eliza "Lisa" Hutton dans le bureau du réalisateur Renny Harlin, situé au siège de la 20th Century Fox. Hutton travaillait comme assistant personnel de Harlin, puis devint rédacteur en chef pour Stillwater Productions en 1991. Lee et Hutton ont emménagé ensemble au début de 1991 et se sont fiancés en octobre 1992. Brandon et Eliza prévoyaient de fonder une famille immédiatement après leur mariage. étaient mariés, mais ils n'avaient pas encore conçu quand il est mort. Ils devaient se marier à Ensenada, au Mexique, le 17 avril 1993, une semaine après que Lee ait terminé le tournage de The Crow. Au moment de la mort de Lee, Hutton travaillait comme assistante de casting et était tellement sur le tournage de The Crow qu'elle a ensuite été créditée d'être l'assistante de Lee sur le tournage. Après sa mort, Hutton a demandé que les règles de sécurité des armes à feu soient renforcées sur les plateaux de tournage. Le Corbeau est dédié au couple. Brandon Lee a été formé au Jeet Kune Do, au Wing Chun, au Muay Thai et au Shaolin Kung-Fu. La mort Lee est décédé des suites d'une blessure par balle le 31 mars 1993 au studio de tournage de Wilmington, en Caroline du Nord, à l'âge de 28 ans, après une fusillade accidentelle sur le tournage de The Crow. Dans la scène dans laquelle Lee a été abattu accidentellement, le personnage de Lee entre dans son appartement et découvre que sa fiancée est battue et violée par des voyous. Le personnage de l'acteur Michael Massee tire avec un revolver .44 Magnum sur Lee alors qu'il entre dans la pièce. Une scène précédente utilisant le même pistolet avait demandé que des cartouches factices inertes équipées de balles (mais pas de poudre ni d'amorce) soient chargées dans le revolver pour une scène en gros plan ; pour les scènes de films qui utilisent un revolver (où les balles sont visibles de face) et ne nécessitent pas que le pistolet soit réellement tiré, les cartouches factices donnent l'apparence réaliste des cartouches réelles. Au lieu d'acheter des cartouches factices commerciales, l'équipe d'accessoires du film a créé les leurs en retirant les balles des balles réelles, en jetant la charge de poudre puis en réinsérant les balles. Cependant, sans le savoir ou involontairement, ils ont laissé l’amorce active en place à l’arrière de la cartouche. À un moment donné pendant le tournage, le revolver a apparemment été déchargé avec une de ces cartouches mal désactivées dans la chambre, déclenchant l'amorce avec suffisamment de force pour enfoncer la balle à mi-chemin dans le canon, où elle est restée coincée (une condition connue sous le nom de charge de pétard). ). L'équipage des hélices soit n'a pas remarqué cela, soit n'a pas reconnu l'importance de ce problème. Dans la scène fatale, qui exigeait que le revolver soit effectivement tiré sur Lee à une distance de 3,6 à 4,5 mètres (12 à 15 pieds), les cartouches factices ont été remplacées par des cartouches à blanc, qui comportent une charge de poudre active et une amorce, mais pas de balle, permettant ainsi de tirer avec l'arme sans risque de projectile. Mais comme la balle de la balle factice était déjà coincée dans le canon, la balle de .44 Magnum a été tirée hors du canon avec pratiquement la même force que si l'arme avait été chargée d'une balle réelle, et elle a frappé Lee. à l'abdomen, le blessant mortellement. Il a été transporté d'urgence au centre médical régional de New Hanover à Wilmington, en Caroline du Nord, où il a subi une opération chirurgicale de 6 heures. Cependant, les tentatives pour le sauver ont échoué et Lee a été déclaré mort à 13 h 03. HNE. La fusillade a été considérée comme accidentelle. La séquence vidéo de sa mort a été utilisée comme preuve dans l’enquête, puis détruite dans le cadre du règlement du procès. Le corps de Lee a été transporté par avion à Jacksonville, en Caroline du Nord, où une autopsie a été pratiquée. Il a ensuite été transporté par avion à Seattle, Washington, où il a été enterré à côté de son père au cimetière de Lake View. Recherchez Lee. Utilisez uniquement le nom de famille. dans une intrigue que Linda Lee Cadwell s'était initialement réservée. Des funérailles privées ont eu lieu à Seattle le 3 avril 1993. Seuls la famille proche et les amis étaient autorisés à y assister, y compris la famille immédiate de Lee ainsi que les parents et la sœur cadette de la fiancée Eliza Hutton, venus du Missouri par avion. Le lendemain, 250 membres de la famille, amis et associés de Lee ont assisté à un service commémoratif à Los Angeles, organisé dans la maison de l'actrice Polly Bergen. La pierre tombale, conçue par le sculpteur du comté de North Snohomish, Kirk McLean, est un hommage à Lee et Hutton. Ses deux rectangles tordus de granit charbonneux se rejoignent en bas et se séparent en haut. "Il représente Eliza et Brandon, tous les deux, et comment la tragédie de sa mort a séparé leur vie commune", a déclaré sa mère, Linda Lee Cadwell, qui a décrit son fils, comme son père avant lui, comme un personnage poétique et romantique. personne. Héritage Après la mort de Lee, sa fiancée Eliza Hutton et sa mère ont soutenu la décision du réalisateur Alex Proyas de terminer The Crow. Au moment de la mort de Lee, il ne restait que huit jours avant la fin du film. La majorité du film était déjà terminée avec Lee et seules quelques scènes restaient à faire. Pour compléter le film, le cascadeur Chad Stahelski, qui était un ami de Lee à l'Académie Inosanto, a servi de remplaçant ; des effets spéciaux ont été utilisés pour lui donner le visage de Lee. Un autre doublé, Jeff Cadiente, a également été utilisé pour compléter les rôles de Lee pour le film. The Crow est sorti en mai 1994 et est devenu un succès au box-office, rapportant plus de 50 millions de dollars aux États-Unis et conservant un culte fidèle plusieurs années après sa sortie. Le portrait d'Eric Draven par Lee lui a valu à titre posthume une nomination aux MTV Movie Awards pour la meilleure performance masculine et au Fangoria Chainsaw Award du meilleur acteur. Le film est dédié à Brandon et Eliza. Dans une interview juste avant sa mort, Lee a cité un passage du livre de Paul Bowles, The Sheltering Sky, qu'il avait choisi pour ses invitations de mariage ; il est désormais inscrit sur sa pierre tombale : La citation n'est pas attribuée à Bowles sur sa pierre tombale. L'interview peut être vue sur les versions VHS, DVD et Blu-ray de The Crow. Au moment de sa mort, le biopic de son père, Dragon : The Bruce Lee Story, était prêt à sortir. Le film est sorti deux mois après la mort de Lee, avec une dédicace à sa mémoire au générique de fin. Dans le film, son père était interprété par l'acteur Jason Scott Lee (aucun lien de parenté). Sept ans après la mort de Lee, un film suédois directement en vidéo intitulé Sex, Lögner & Videovåld (Sexe, mensonges et violence vidéo) est sorti dans lequel Lee a fait une très brève apparition. Lee avait filmé son apparition en 1992, au moment où il faisait la promotion de Rapid Fire en Suède, mais le film a été retardé de sept ans avant de finalement sortir en 2000. Il était également dédié à Lee au générique de fin. Filmographie

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Qui a eu un hit n°1 des années 70 avec Let's Do It Again ?

Staple Singers

"Let's Do It Again" était une chanson à succès des Staple Singers. Écrit par Curtis Mayfield, il faisait partie de la bande originale du film de Bill Cosby/Sidney Poitier, Let's Do It Again. Le single atteint le sommet du classement des singles Billboard Hot 100 le 27 décembre 1975, la veille du 61e anniversaire de Roebuck "Pops" Staples, et passe également deux semaines non consécutives au sommet du classement Hot Soul Singles. Ce fut le dernier grand succès du groupe. La chanson a été reprise par George Benson pour son album de 1988, Twice the Love, et est également sortie en single. Le quatuor R&B Xscape a échantillonné la chanson sur son premier single, "Just Kickin' It", de l'album de 1993 Hummin' Comin' at 'Cha et quatre ans plus tard, le groupe a échantillonné la chanson du même nom sur le refrain final avant la fin. de la chanson de la bande originale du film Soul Food, initialement produit par Jermaine Dupri. Ice Cube a échantillonné la chanson dans le remix de "It Was a Good Day". Il a également été échantillonné dans la chanson "Number One" de John Legend. Positions dans le graphique

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Qui a fait une tournée Too Legit To Quit ?

MC Hammer

" 2 Legit 2 Quit " est un single de MC Hammer avec Saja alias Sonia Moore, sorti le 5 septembre 1991 à la fois comme chanson titre et premier single de son quatrième album studio, Too Legit to Quit (1991). Il s'est avéré un succès aux États-Unis, culminant au Top 10 du Billboard Hot 100, à la 5e place. Le single a également atteint la 60e place du UK Singles Chart. Les chansons à succès "This Is the Way We Roll" et "2 Legit 2 Quit" ont été interprétées par Hammer sur Saturday Night Live. Avec "Addams Groove" et d'autres chansons, "2 Legit 2 Quit" a été présenté dans le film La Famille Addams en 1991. En mars 2003, MC Hammer a sorti une version de la chanson mettant en vedette Saja. Le 2 octobre (télévisé le 12 octobre), Hammer a ouvert les BET Hip Hop Awards 2010 en interprétant "2 Legit 2 Quit" à Atlanta avec Rick Ross, Diddy et DJ Khaled (interprétant "MC Hammer" de l'album Teflon Don). Lors de la 40e cérémonie des American Music Awards en novembre 2012, Hammer a dansé sur "Gangnam Style" et "2 Legit 2 Quit" aux côtés de Psy, tous deux portant son pantalon Hammer emblématique. L'idée du spectacle pour la collaboration avec Hammer est venue du manager de Psy. Le mashup a ensuite été publié sur iTunes. Ils l'ont tous deux interprété à nouveau ensemble le 31 décembre 2012 lors du Rockin' Eve du Nouvel An de Dick Clark. Clip musical Le clip a été réalisé par Rupert Wainwright et, d'une durée de près de 15 minutes, était l'une des vidéos les plus chères jamais produites. La version intégrale de la vidéo commence par un présentateur (joué par Jim Belushi) rendant compte de la décision apparente de Hammer de quitter le secteur de la musique, ainsi que des réponses d'un certain nombre de célébrités. Il passe ensuite à une foule impatiente attendant que Hammer se produise, tandis que Hammer a une longue conversation avec James Brown, qui appelle Hammer "Godson" et l'enrôle pour obtenir le gant de Michael Jackson. Brown donne à Hammer plusieurs explosions d'énergie, avant de l'envoyer jouer. Le spectacle est à gros budget et chargé de pièces pyrotechniques impressionnantes. La vidéo se termine avec un prétendu Jackson (vu uniquement de dos) ayant vu la performance et concédant à Hammer qu'il était le danseur supérieur, tout en faisant le geste de la main "2 Legit 2 Quit". Hammer a personnellement parlé avec Jackson au téléphone à propos de la vidéo, Jackson l'ayant approuvé. Le clip vidéo de la chanson présente plusieurs athlètes faisant des apparitions. Ces athlètes peuvent être vus dans l'ordre suivant : José Canseco, Isiah Thomas, Kirby Puckett, Jerry Rice, Rickey Henderson, Deion Sanders, Andre Rison, Wayne Gretzky, Chris Mullin, Roger Clemens, Roger Craig, Ronnie Lott, Lynette Woodard, le Les pom-pom girls des Cowboys de Dallas, David Robinson et l'ancien entraîneur des Falcons d'Atlanta Jerry Glanville. La version complète de la vidéo présentait également des camées de Danny Glover, Mark Wahlberg, Donnie Wahlberg, Eazy-E, Tony Danza, Queen Latifah et Milli Vanilli, entre autres, commentant la décision apparente de Hammer de "arrêter". La vidéo était numéro 5 dans le compte à rebours de la pire vidéo au monde de MAX Music et numéro 1 dans son compte à rebours Forgotten Video Clips en 2008. Elle a également été votée numéro 24 sur le compte à rebours de tous les temps "25 Lame" de MTV en 1999. Cependant, elle a été sélectionné comme favori des téléspectateurs par VH1. Un geste de la main est devenu populaire grâce à la chanson titre et à la vidéo qui ont également été diffusées dans la vidéo du film "Addams Groove" et sur MTV. Il s'agissait de former le numéro deux pour "Too", un L pour "Legit" et un mouvement "coupé" pour "Quit" avec la main et les doigts (comme on le voit dans la vidéo). Défi de danse À la fin du clip vidéo "2 Legit 2 Quit", après que James Brown ait demandé à Hammer d'obtenir le gant de Michael Jackson, un gant à paillettes blanc argenté est montré sur la main d'un sosie de Jackson faisant le "2 Legit 2". Quitter" geste de la main. C'était une référence à Hammer voulant défier Jackson à une danse pour les droits sur le célèbre gant, qui est également référencé sur l'album. M.C. Hammer est apparu au Wendy Williams Show (27 juillet 2009) et a ensuite raconté l'histoire d'un appel téléphonique qu'il avait reçu de Michael Jackson, concernant la partie de la vidéo "2 Legit 2 Quit" qui incluait un faux Jackson, donnant son son approbation et son inclusion. Il a expliqué comment Jackson avait vu la vidéo et l'avait appréciée, et tous deux ont déclaré qu'ils étaient fans l'un de l'autre. Hammer et Jackson apparaîtront plus tard, parleront et se produiront lors des funérailles de James Brown en 2006. Liste des pistes # "2 Legit 2 Quit" (remix d'édition 7") # "2 Legit 2 Quitter" (Remix) # "2 Legit 2 Quit" (Instrumental) Graphiques Positions de pointe Graphique de fin d'année

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De quel pays est originaire la compagnie aérienne TAAG ?

Angola

TAAG Angola Airlines E.P. () est la compagnie aérienne nationale d'État de l'Angola. Basée à Luanda, la compagnie aérienne exploite une flotte entièrement composée de Boeing sur des services intérieurs en Angola, des services moyen-courriers en Afrique et des services long-courriers vers le Brésil, Cuba, la Chine, le Portugal et les Émirats arabes unis. La compagnie aérienne a été initialement créée par le gouvernement sous le nom de DTA - Divisão dos Transportes Aéreos en 1938, rebaptisée TAAG Angola Airlines en 1973 et a obtenu le statut de compagnie nationale en 1975. Elle est désormais membre de l'Association du transport aérien international et d'African Airlines. Association. Histoire DTA : 1938-1973 Les origines du transporteur remontent à 1937, lorsque le président portugais Óscar Carmona a recommandé à Joaquim de Almedia Baltazar de créer une compagnie aérienne en Angola. En septembre 1938, la DTA - Divisão dos Transportes Aéreos a été créée en tant que division de l'Administration des chemins de fer, des ports et du transport aérien de l'Afrique occidentale portugaise. Il appartenait et était géré par le gouvernement, qui a autorisé l'acquisition de trois Dragon et de deux Junkers Ju 52, mais ces deux derniers appareils n'ont pas été livrés en raison du déclenchement de la Seconde Guerre mondiale. Les opérations ont commencé le , à l'aide de biplans De Havilland Dragon Rapide. Les premières routes exploitées ont été fondées par l'Aéro Club d'Angola et comprenaient deux lignes principales : l'une entre Luanda et Pointe Noire, ayant des connexions avec les services Aeromaritime vers l'Europe, et l'autre Luanda-Benguela-Lobito qui a ensuite été étendue à Moçâmedes. . Les vols ont été interrompus par intermittence pendant la Seconde Guerre mondiale en raison de la rareté des pièces de rechange, mais à la fin de la guerre, la compagnie aérienne a repris ses activités. Deux Stinson Reliant achetés au Congo belge en 1944 permettent au transporteur de reprendre ses services côtiers. Le DC-3 et le Beech 18 rejoignent la flotte en 1946. Cette année-là, une nouvelle route vers Léopoldville est lancée. La compagnie aérienne a rejoint l'Association du transport aérien international en 1951. Cette année également, la compagnie a prolongé la route de Léopoldville vers l'extrême est, en desservant Lourenço Marques, mais cette destination a ensuite été abandonnée en raison de mauvaises performances financières. DTA exploitait également une route reliant Luanda à Lourenço Marques via Livingstone entre 1951 et 1952 ; une mauvaise occupation a incité la compagnie aérienne à mettre fin au service. Une route de 700 milles vers São Tomé a été lancée en 1956. En , la flotte était composée de quatre Beech 18, sept DC-3 et trois DH.89. Un an plus tard, DTA est devenue la troisième compagnie aérienne africaine à commander le Fokker F-27, avec l'acquisition de deux appareils. À cette époque, l'entreprise disposait d'un réseau de routes d'une longueur de 3 300 milles. Les F-27 ont été incorporés à la flotte en 1962. Servi avec ces tout nouveaux avions, Windhoek a été ajouté au réseau de routes cette année-là. TAAG Angola Airlines Après avoir été renommée TAAG - Transportes Aéreos de Angola le , la compagnie aérienne a été réorganisée et reconstituée. Les actionnaires de l'entreprise étaient à l'époque le gouvernement angolais (51 %), TAP Air Portugal (29 %) et d'anciens employés de DTA (20 %). Quatre Boeing 737-200 sont commandés en 1974. La même année, une nouvelle livrée incluant la Palança Negra est dévoilée. Trois F-27 et six DC-3 composaient la flotte. Suite à l’arrivée au pouvoir des communistes, cette année-là, le pays obtint son indépendance du Portugal ; la compagnie aérienne est devenue la compagnie aérienne nationale de l'Angola en . En , la société a pris livraison du premier Boeing 737-200. En , la livraison de deux Boeing 737-200C a été bloquée par le Département d'État américain ; l'embargo a été levé deux mois plus tard, après la fin de la guerre civile dans le pays. Évalués à environ millions d'euros, ces deux avions ont finalement été livrés à la fin de cette année-là. La même année, un Fairchild FH-227 de l'ex-Allegheny Airlines en vol de livraison à destination de Suidwes Lugdiens a été contraint d'atterrir à Luanda alors qu'il survolait le territoire angolais. Le pays a pris le contrôle de l'avion, qui aurait ensuite été en service chez TAAG, aux côtés d'une ancienne Caravelle de l'armée de l'air argentine et de deux anciens F-27 de THY Turkish Airlines. Trois Yak-40 sont entrés dans la flotte en 1977, ainsi que d'autres avions de construction soviétique ; à la fin de cette année, un Boeing 707-320C de l'ex-British Caledonian Airways a été vendu à TAAG. En 1978, TAAG a acquis deux F27 d'occasion auprès de Fokker et un autre Boeing 737 a été commandé un an plus tard. Un Lockheed L-100-20, immatriculé D2-FAF, a été impliqué dans un accident lors de son atterrissage à São Tomé. En , le transporteur disposait d'une flotte de trois Boeing 707-320C, trois Boeing 737-200C, six Fokker F27 — quatre -600 et deux -200 —, trois L-100 — deux -20 et un -30 — et quatre Yakovlev Yak. -40 pour desservir un certain nombre de destinations intérieures, ainsi que Brazzaville, São Tomé, Lagos, Maputo, Lisbonne, Moscou, Paris et Rome. L'entreprise a été à nouveau réorganisée au cours de l'année. Le , un Yak-40 immatriculé D2-TYC s'est écrasé près de Matala, tuant les 19 occupants à bord. Le 16 mai 1981, l'équipage de quatre personnes à bord d'un Lockheed L-100-20 Hercules, immatriculé D2-EAS, a perdu la vie dans un accident à Mongua. Au début des années 1980, la flotte comprenait également un petit nombre d'Antonov An-26 qui ont commencé à être progressivement abandonnés. L'un de ces exemplaires (D2-TAB) a été impliqué dans un accident à Monte Bibala le ; 15 personnes ont perdu la vie. Un autre accident mortel a eu lieu près d'un an plus tard, le , lorsque le crash d'un Boeing 737-200 (D2-TBN) à Lubango a fait 130 morts. De graves difficultés financières ont été découvertes en 1984. Au milieu des années 1980, un L-100 Hercules a été retiré du service et deux Ilyushin Il-62M ont été acquis pour des opérations à Cuba. Le transporteur a progressivement installé le premier de ces deux avions en 1988. Le , un Boeing 707 cargo appartenant à la compagnie aérienne s'est écrasé à 20 km de l'aéroport international Murtala Muhammed ; des membres d'équipage ont perdu la vie dans l'accident. En , TAAG Angola Airlines avait TAAG-Air Charter et TAAG Aviacao Ligeira comme sociétés associées ; le nombre d'employés était de 5 770. A cette époque, la flotte était composée de Boeing 707-320 (-320B et -320C), Boeing 737-200, Boeing 737-200C, Lockheed L100-200, Fokker F.27 (-100, -400M, -500 et - 600) et les Yakovlev Yak-40. Le réseau de transporteurs comprenait des points intérieurs en Angola desservis depuis Luanda ainsi que des vols internationaux vers Berlin-Schonefeld, Brazaville, La Havane, Kinshasa, Lisbonne, Lusaka, Maputo, Moscou, Paris, Rio de Janeiro, Rome, Sal et Sao Tomé. TAAG a acheté un Boeing 747-300 Combi à Singapore Airlines en 1997. En , TAAG Angola Airlines a informé qu'elle avait confirmé une commande de trois Boeing 777-200ER et quatre Boeing 737-700, et qu'elle avait également pris des options sur un et deux autres de ces appareils, respectivement. Les avions commandés fermement devaient initialement être livrés en . Les nouveaux avions visaient à remplacer les Boeing 747-300 et Boeing 737-200 vieillissants. La commande a été partiellement exécutée en novembre 2006, lorsque deux Boeing 777-200ER et trois 737-700 ont été livrés. L'un de ces Boeing 777-200ER a établi une distance record pour la livraison de ce type, en parcourant 12 860 km entre Seattle et Luanda en 16 heures et 47 minutes. Interdiction de l'Union européenne en 2007 et restructuration ultérieure En , l'Union européenne (UE) a interdit aux avions TAAG d'entrer dans l'espace aérien européen pour des raisons de sécurité, avec effet précoce . Dans le même temps, le Royaume-Uni a interdit à TAAG de desservir son territoire, juste avant que la compagnie aérienne soit sur le point de démarrer ses vols vers Londres-Gatwick ; en représailles, l'Angola a interdit à British Airways d'atterrir en Angola. Le transporteur a annoncé qu'il perdait des millions par mois à cause de l'interdiction. Pour continuer à opérer des vols vers l'Europe, TAAG a loué avec équipage un Boeing 747-400 à South African Airways (SAA). Suite à l'interdiction de l'UE, en novembre 2008, l'ensemble du conseil d'administration de TAAG a été remplacé et un nouveau conseil d'administration a été nommé dans le but de redresser le transporteur, et notamment de le retirer de la liste noire de l'UE. À l'époque, selon le ministre des Transports, Augusto da Silva Tomás, en 14 mois, l'entreprise avait perdu environ 70 millions de dollars (55,6 millions d'euros). Le plan de redressement prévoyait des réductions de personnel – avant que cette mesure ne soit prise, il y avait environ 5 000 employés. En 2008, TAAG a lancé une nouvelle route vers Pékin. Le 29 mai 2009, il a été annoncé que TAAG avait réussi les inspections de l'IATA. En novembre de la même année, TAAG a redémarré ses services vers La Havane ; de nombreux médecins et enseignants cubains résident en Angola et le vol existe pour aider à les transporter. Le 29 avril 2010, il a été annoncé que TAAG avait commandé deux Boeing 777-300ER, avec une option pour deux autres. En janvier 2011, des inquiétudes ont de nouveau été exprimées concernant l'entretien inadéquat de ses avions, après une série d'incidents impliquant la flotte de Boeing 777-200ER. Cependant, il a été déterminé que l'entreprise respectait toujours les exigences internationales de sécurité après une inspection de l'IATA à Luanda. En , TAAG a reçu l'autorisation d'opérer des vols vers l'Europe dans des conditions restreintes ; il n'était autorisé à voler qu'au Portugal et ne pouvait utiliser que ses trois Boeing 777-200ER pour effectuer ces vols. L'autorisation a été étendue à ses quatre Boeing 737-700 fin 2009. Le nombre maximum de vols a été fixé à dix par semaine. Le 1er août 2009, le premier vol de TAAG a décollé de Luanda à destination de Lisbonne, après près de deux ans d'interdiction de l'espace aérien de l'UE. TAAG a ensuite restitué le Boeing 747-400 à South African Airways. En , la flotte de Boeing 747-300 a été retirée du service. La même année, la compagnie aérienne a reçu son premier Boeing 777-300ER nouvellement acquis, sur deux commandés en octobre 2009 ; TAAG est devenu le premier transporteur africain à acheter et à exploiter ce type d'avion. Trois Boeing 777-300ER supplémentaires de 293 places ont été commandés en , pour un montant d'un million de dollars. Fin mars 2010, les restrictions sur les opérations de TAAG ont de nouveau été assouplies suite à l'annonce selon laquelle la compagnie aérienne pourrait faire voler ses Boeing 777-200ER et 737-700 vers tous les aéroports européens. En , l'interdiction a été partiellement levée, mais certains avions n'ont toujours pas pu survoler l'espace aérien européen. Une version mise à jour de la liste des compagnies aériennes interdites dans l'UE, publiée au début, incluait encore une partie de la flotte de TAAG ; cependant, cinq Boeing 777 et quatre Boeing 737-700 ont été autorisés à opérer dans l'UE ; il y a eu peu ou pas de changements dans la liste concernant les avions que la compagnie aérienne était autorisée à voler vers l'UE, suite à la publication des dernières versions de la liste en , , , et . Fin , un accord de gestion de dix ans a été signé avec Emirates ; l'accord couvre également le partage de codes de vol et la coordination des programmes de fidélisation. L'accord est soumis à l'approbation du gouvernement ; il n'est pas envisagé qu'Emirates prenne une quelconque participation dans TAAG. Affaires corporatives Siège social TAAG a son siège social à Luanda, en Angola. La compagnie aérienne possède également des bureaux en Afrique, en Asie, en Europe et en Amérique du Nord et du Sud, et a ouvert un bureau dans le district de Chaoyang, à Pékin, en 2010. Propriété et structure Créée à l'origine au sein d'un ministère gouvernemental, TAAG Angola Airlines reste détenue à 100% par le gouvernement angolais. , Peter Hill occupe le poste de président-directeur général. TAAG est elle-même propriétaire unique d'Angola Air Charter, également basée à Luanda, qui opère des charters de fret en Afrique. Tendances commerciales Les rapports annuels de la compagnie aérienne ne semblent pas être publiés. En l’absence de ces éléments, les principales sources d’informations sur les tendances sont les rapports de presse et les rapports de l’industrie sur la taille de la flotte ; même ceux-ci ne sont qu'indicatifs, car il n'est pas toujours clair si les avions enregistrés sont réellement en service : Destinations , TAAG Angola Airlines dessert 31 destinations, dont 13 nationales, 11 en Afrique, trois en Amérique latine, deux en Europe Schengen et trois au Moyen-Orient et dans la région Asie-Pacifique. Accords de partage de code , TAAG Angola Airlines a des accords de partage de code avec les compagnies aériennes suivantes : * Air France * Air Namibie * British Airways *Bruxelles Airlines *Kenya Airways * LAM Mozambique Airlines * Lufthansa * Royal Air Maroc Flotte Flotte actuelle , la flotte active de TAAG comprend les avions suivants : Flotte historique L'entreprise exploitait auparavant les équipements suivants : *Airbus A340-300 *Antonov An-26 *Boeing 707-320B *Boeing 707-320C *Boeing 727-100C * Boeing 737-200 avancé *Boeing 737-200C *Boeing 747-300 * Boeing 747-300 Combi *Boeing 747-400 * Caravelle * Douglas C-47A * Douglas DC-8-30 *Douglas DC-8-50 *Fokker 50 *Fokker F27-100 *Fokker F27-200 *Fokker F27-400 *Fokker F27-500 *Fokker F27-600 * Iliouchine Il-62M *Lockheed L-100-20 *Lockheed L-100-30 *Lockheed L-1011-500 *Yakovlev Yak-40FG Service en vol TAAG Angola Airlines est devenue le premier client d'OnAir en Afrique subsaharienne. Le transporteur prévoit d'offrir une connectivité en vol à bord de la flotte de Boeing 777-300ER à partir de . ;Première classe La Première Classe, baptisée Diamond First Class, est disponible uniquement sur les Boeing 777 de TAAG. La première classe comprend des sièges entièrement plats avec divertissement AVOD en vol. De plus, des kits de commodités, des oreillers et des couvertures sont remis aux passagers de première classe. Les passagers disposent également de comptoirs d'enregistrement désignés et ont accès au salon Welwitchia de TAAG à l'aéroport de Luanda. ;Classe affaire La classe affaires, connue sous le nom de classe Executiva, se trouve sur tous les avions TAAG. Sur la flotte Boeing 777, les sièges sont inclinés à plat avec un système de divertissement AVOD en vol dans chaque siège. Des kits de commodités, des oreillers et des couvertures sont remis à tous les passagers de la classe affaires. De plus, ils ont droit à un enregistrement prioritaire et ont également accès au salon Welwitchia de TAAG à l'aéroport de Luanda. ;Classe économique Baptisée HighFly Economic Class, la cabine de classe économique long-courrier de TAAG est équipée de divertissements en vol AVOD. Les sièges sont dotés de repose-pieds et d'appuie-têtes à ailes pour plus de confort. Des oreillers et des couvertures sont remis à tous les passagers de la classe économique et des repas chauds sont servis sur tous les vols internationaux. ;Divertissement en vol Tous les avions long-courriers TAAG sont équipés de divertissements AVOD dans toutes les cabines. Connu sous le nom de Palanca, il existe deux variantes dans la flotte de Boeing 777. Le système dTES de Rockwell Collins est installé sur les B777-200ER, tandis que les B777-300ER plus récents possèdent le système audio-vidéo à la demande Thales TopSeries™. La flotte de B737-700 est équipée d'écrans LCD déroulants, utilisés pour afficher des films dans toute la cabine et un affichage de carte mobile. De plus, TAAG propose un magazine de bord et un guide de divertissement à bord, tous deux connus sous le nom d'austral. Accidents et incidents Accidents mortels * : Un Antonov 26, immatriculé D2-TAB, qui exploitait un service de passagers non régulier, a volé en terrain montagneux et s'est écrasé. Les 15 occupants de l'avion ont péri dans l'accident. * : Un Fokker F-27-600, numéro de queue D2-TFP, exploitant un service de fret Brazzaville-Luanda, a roulé à droite après la rotation depuis l'aéroport de Maya-Maya, est tombé sur la piste d'où il avait décollé et a dérapé jusqu'à ce qu'il s'immobilise. la fin, se brisant en deux et s'enflammant. Il y a eu trois décès signalés. * : un Boeing 737-200 s'est écrasé dans le nord de l'Angola. L'agence de presse portugaise Lusa a déclaré que l'avion avait décollé de la capitale angolaise, Luanda, et tentait d'atterrir à M'banza-Kongo, dans la province du Zaïre, située au nord de l'Angola, près de la frontière avec la République démocratique du Congo. Au moins cinq personnes ont été tuées et 66 blessées. Parmi les personnes tuées dans l'accident figuraient l'administrateur municipal de M'banza-Kongo et un prêtre catholique italien de haut rang. L'avion transportait 78 passagers lorsqu'il s'est écrasé à 13h30 heure locale (12h30 GMT). L'agence a déclaré que le contrôle de l'avion avait été perdu à l'atterrissage et qu'il s'était écrasé sur un bâtiment, le détruisant. Le directeur de l'Aeroportos de Angola (l'autorité aéroportuaire angolaise) a déclaré à la radio nationale que le pilote avait raté la piste pour une raison inconnue alors qu'il tentait un atterrissage d'urgence. Selon des sources aériennes à Luanda, l'avion aurait crevé deux pneus à l'atterrissage, provoquant l'inclinaison d'une aile et son contact avec la piste. L'avion est alors devenu incontrôlable et s'est écrasé contre le bâtiment. Les premiers rapports de presse indiquaient que l'avion s'était posé à peu près à mi-chemin de la piste alors qu'il tentait d'atterrir à M'banza-Kongo. Incidents mortels * : Un Yakovlev Yak-40K, immatriculé D2-TYC, a été abattu par un MiG-19 près de Matala, en Angola. Il y a eu 19 décès signalés. *: Un Lockheed L-100-20 Hercules, numéro de queue D2-EAS, qui exploitait un service de fret, a été abattu par un missile à l'approche de l'aéroport de Menongue. Les quatre occupants de l'avion ont péri dans l'incident. * : Un Boeing 737-2M2, immatriculé D2-TBN, s'est écrasé immédiatement après le décollage de l'aéroport de Lubango à destination de l'aéroport Quatro de Fevereiro ; les 130 occupants de l'avion, dont 126 passagers, sont morts. Les guérilleros de l'UNITA ont affirmé avoir abattu l'avion de ligne. Incidents sans décès *: Un Boeing 737-2M2, immatriculé D2-TDB, qui avait décollé de l'aéroport international Hosea Kutako de Windhoek à destination de Luanda en exploitant le vol 572, a été impliqué dans une collision en vol au-dessus de l'espace aérien namibien avec un Cessna 404, immatriculé V5-WAA, qui a décollé de l'aéroport de Windhoek Eros. La collision s'est produite à environ 28 km au nord de l'aéroport d'Hosea Kutako. Le Boeing a subi des dommages mineurs à l'une de ses ailes, mais a poursuivi son vol vers Luanda ; le pilote du Cessna, seul occupant de l'avion léger, a réussi à l'atterrir en toute sécurité malgré les dommages subis lors de l'incident. Tous les occupants des deux avions sont sortis indemnes. Pertes de coque non mortelles * : Un Lockheed L-100-20 Hercules, immatriculé D2-FAF, s'est écrasé à l'atterrissage à l'aéroport international de São Tomé. * : Un Boeing 737-2M2C, numéro d'empennage D2-TAA, qui a atterri avant la piste de l'aéroport de Benguela, a glissé d'environ 900 m suite à l'effondrement du train ; un incendie s'est déclaré dans l'aile droite mais aucun décès n'a été signalé. L'avion a pris feu lors des opérations de récupération le 10 novembre et a été radié. *: Un Boeing 737-2M2, immatriculé D2-TBV, qui partait de l'aéroport d'Albano Machado pour assurer un service régulier de passagers, a souffert de problèmes hydrauliques suite à une explosion à l'arrière de l'avion et est retourné à l'aéroport de départ pour un atterrissage d'urgence. L'avion s'est posé rapidement et est sorti de la piste. * : Un Yakovlev Yak-40K, numéro de queue D2-TYD, a quitté la piste lors de son atterrissage à l'aéroport Quatro de Fevereiro. * : Un Boeing 707-349C, immatriculé D2-TOI, a vu ses conduites hydrauliques et de commande rompues après avoir heurté une antenne en approche à l'aéroport Quatro de Fevereiro ; le train avant s'est effondré lorsqu'il est sorti de la piste. * : Un Boeing 707-349C, numéro de queue D2-TOJ, a connu une défaillance du train avant lors du roulage à l'aéroport Quatro de Fevereiro.

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Quel single numéro 1 aux États-Unis est issu de l'album platine de Diana Ross ?

Upside Down

Diana Ernestine Earle Ross (née le 26 mars 1944) est une chanteuse, compositrice, actrice et productrice de disques américaine. Née et élevée à Détroit, elle est devenue célèbre en tant que membre fondatrice et chanteuse principale du groupe vocal The Supremes, qui, dans les années 1960, est devenu le groupe le plus réussi de la Motown et est à ce jour le groupe vocal le plus titré d'Amérique ainsi que l'un des les groupes de filles les plus vendus au monde de tous les temps. En tant que membre des Supremes, son succès a permis aux futurs groupes de R&B et de soul afro-américains de connaître un succès grand public. Le groupe a sorti un record, douze singles à succès numéro un sur le Billboard Hot 100, dont les hits "Where Did Our Love Go", "Baby Love", "Come See About Me", "Stop! In the Name of Love". , "You Can't Hurry Love", "You Keep Me Hangin' On", "Love Child" et "Un jour, nous serons ensemble". Après son départ des Supremes en 1970, Ross sort son premier album solo, Diana Ross, qui contient les tubes "Reach Out and Touch (Somebody's Hand)" et le hit numéro un "Ain't No Mountain High Enough". Elle sort l'album Touch Me in the Morning en 1973. Sa chanson titre atteint le numéro 1, devenant ainsi son deuxième succès solo. En 1975, la bande originale de Mahogany incluait son troisième hit numéro un "Thème de Mahogany (Do You Know Where You Going To)". Son album de 1976, Diana Ross, comprenait son quatrième hit numéro un "Love Hangover". En 1979, Ross sort l'album The Boss. Son album Diana de 1980, qui a atteint le numéro 2 du classement des albums Billboard et a donné naissance au hit numéro un "Upside Down" et au hit international "I'm Coming Out". Après avoir quitté Motown, Ross a réalisé son sixième et dernier succès numéro un avec le duo "Endless Love". Ross s'est également aventuré dans le métier d'acteur, avec une performance nominée aux Golden Globe Awards et aux Oscars dans Lady Sings the Blues (1972). Elle a également joué dans deux autres longs métrages, Mahogany (1975) et The Wiz (1978) ; plus tard, elle a joué des rôles dans les téléfilms Out of Darkness (1994), pour lesquels elle a également été nominée pour un Golden Globe Award, et Double Platinum (1999). Ross a été nommée « artiste féminine du siècle » par le magazine Billboard. En 1993, le Livre Guinness des records a déclaré Ross l'artiste musicale féminine la plus titrée de l'histoire en raison de son succès aux États-Unis et au Royaume-Uni pour avoir eu plus de succès que n'importe quelle artiste féminine dans les charts avec un total de 70 singles à succès en carrière avec son travail avec les Supremes et en tant qu'artiste solo. Ross a vendu plus de 100 millions de disques dans le monde si l'on compte ses sorties avec les Supremes et en tant qu'artiste solo. En 1988, Ross a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en tant que membre des Supremes aux côtés de Mary Wilson et Florence Ballard. Elle est récipiendaire des Kennedy Center Honors en 2007. Elle a été nominée 12 fois aux Grammy Awards, sans jamais remporter d'honneur compétitif, mais devenant plus tard la récipiendaire du Grammy Lifetime Achievement Award en 2012. Début de la vie Diana Ross est née au Hutzel Women's Hospital de Détroit le 26 mars 1944. Elle était la deuxième enfant aînée d'Ernestine (née Moten ; 27 janvier 1916 - 9 octobre 1984), institutrice, et de Fred Ross, Sr. (juillet 1984). 4 novembre 1920 - 21 novembre 2007), ancien soldat de l'armée. On a beaucoup parlé de savoir si son prénom se termine par un « a » ou un « e ». Selon Ross, sa mère l'avait en fait nommée « Diane », mais une erreur matérielle a fait que son nom a été enregistré comme « Diana » sur son acte de naissance. Bien qu'elle soit parfois répertoriée sous le nom de « Diana » lors des premiers disques des Supremes, elle s'est présentée sous le nom de « Diane » jusqu'au début de l'apogée du groupe. Ses amis l'appellent encore « Diane ». Le grand-père de Ross, John E. Ross, originaire du comté de Gloucester, en Virginie, est né de Washington Ross et de Virginia Baytop. La mère de Virginia Baytop, Francis "Frankey" Baytop, était une ancienne esclave devenue sage-femme après la guerre civile. Ross et sa famille vivaient à l'origine à Belmont Road dans le quartier North End de Détroit, près de Highland Park, Michigan, où elle était voisine du chanteur Smokey Robinson. Quand Ross avait sept ans, sa mère a contracté la tuberculose, la rendant gravement malade. Le père de Ross a déménagé ses enfants pour vivre chez des parents à Bessemer, en Alabama. Après que sa mère se soit rétablie, sa famille est retournée à Détroit. Le jour de son 14e anniversaire en 1958, sa famille a déménagé dans les projets d'habitation de la classe ouvrière Brewster-Douglass, s'installant sur la rue Saint-Antoine. En fréquentant la Cass Technical High School, une école préparatoire à l'université de trois ans, dans le centre-ville de Détroit, Ross a commencé à suivre des cours comprenant des cours de design, de chapellerie, de marquage de motifs et de couturière, car elle aspirait à devenir créatrice de mode. Ross a également suivi des cours de mannequin et de cosmétologie à l'école et a participé au moins à trois ou quatre autres activités parascolaires. Ross a également travaillé au grand magasin Hudson où, selon des biographies, elle a été la première employée noire « autorisée à sortir de la cuisine ». Pour gagner un revenu supplémentaire, elle fournissait des services de coiffure à ses voisins. Ross est diplômé de Cass Tech en janvier 1962. Carrière Les Suprêmes : 1959-1970 À quinze ans, Ross rejoint les Primettes, un groupe sœur d'un groupe vocal masculin appelé Primes, après avoir été porté à l'attention du directeur musical Milton Jenkins par Paul Williams, membre de Primes. Aux côtés de Ross, les autres membres comprenaient Florence Ballard, Mary Wilson et Betty McGlown. Après avoir remporté un concours de talents à Windsor, en Ontario, en 1960, les Primettes ont auditionné pour Motown Records. Dans l'autobiographie de Berry Gordy, To Be Loved, Gordy se souvient qu'il se dirigeait vers une réunion d'affaires lorsqu'il a entendu Ross chanter "There Goes My Baby" et que la voix de Ross "m'a arrêté dans mon élan". Il s'est ensuite approché du groupe et leur a demandé de le rejouer. Ayant appris leur âge, Gordy leur a conseillé de revenir après l'obtention de leur diplôme. Sans se laisser décourager, Ross a amené quotidiennement le groupe au siège social de la Motown à Hitsville aux États-Unis, proposant de fournir une aide supplémentaire pour les enregistrements de la Motown, comprenant souvent des applaudissements et des chants de fond. Cette année-là, le groupe enregistre deux morceaux pour Lu Pine Records, avec Ross chantant sur l'un des morceaux. Au cours des premières années du groupe, Ross a été coiffeur, maquilleur, couturière et costumière. À la fin des années 1960, après avoir remplacé McGlown par Barbara Martin, les Primettes furent autorisées à enregistrer elles-mêmes des chansons au studio de Hitsville. En janvier 1961, Gordy accepta de signer le groupe à condition qu'il change de nom. Finalement, Janie Bradford a demandé à Florence Ballard de choisir l'un des trois noms, auquel Ballard a choisi "Supremes". En entendant le nouveau nom, les autres membres n'ont pas été impressionnés, Ross disant à Ballard qu'elle craignait que le groupe soit pris pour un groupe vocal masculin. Gordy signe le groupe sous ce nom le 15 janvier. Un an plus tard, Barbara Martin quitte le groupe, réduisant le quatuor à un trio. Fin 1963, le groupe connaît son premier succès avec "When the Lovelight Starts Shining Through His Eyes". À la fin de l'année, Gordy a désigné Ross comme chanteur principal du groupe, car à l'origine le groupe n'avait pas de chanteur principal désigné. Le groupe a enregistré son premier succès numéro un avec "Where Did Our Love Go", ouvrant la voie à un succès sans précédent : entre août 1964 et mai 1967, Ross, Wilson et Ballard ont chanté sur dix singles à succès numéro un, tous également fait partie du top 40 du Royaume-Uni. Le groupe est également devenu un succès auprès du public tant au niveau national qu'à l'étranger, devenant ensuite l'acte vocal le plus réussi de la Motown tout au long des années soixante. Suite à des problèmes importants liés à son comportement, à son poids et à son alcoolisme, Florence Ballard a été renvoyée des Supremes par Gordy en juillet 1967, embauchant Cindy Birdsong de Patti LaBelle and the Blue-Bells pour la remplacer. Simultanément, Gordy a renommé le groupe Diana Ross & the Supremes, ce qui a permis de facturer plus facilement des frais de représentation plus élevés pour une star solo et un groupe d'accompagnement, comme il l'a fait pour d'autres groupes Motown renommés. Gordy a d'abord pensé que Ross quitterait les Supremes pour une carrière solo en 1966, mais il a changé d'avis lorsqu'il a pensé que le succès du groupe était encore trop important pour que Ross puisse poursuivre ses obligations en solo. Ross restera dans le groupe jusqu'au début des années 1970. Le groupe est apparu comme un trio de nonnes chanteuses dans un épisode de 1968 de la populaire série télévisée NBC Tarzan. Entre leur single "Forever Came Today" du début de 1968 et leur dernier single avec Ross, "Someday We'll Be Together", Ross serait le seul membre des Supremes à figurer sur plusieurs de leurs enregistrements, accompagné des chanteurs de session les Andantes. Gordy a travaillé avec diligence sur Ross tout au long de cette période et Ross, en raison de l'anxiété découlant des exigences de Gordy à son égard, a commencé à souffrir d'anorexie mentale, selon son autobiographie, Secrets of A Sparrow. En 1968, Ross a commencé à se produire en tant qu'artiste solo dans des émissions spéciales télévisées, y compris les propres émissions spéciales des Supremes telles que TCB et G.I.T. à Broadway, le Dinah Shore Show et un spécial Bob Hope, entre autres. Au milieu de l'année 1969, Gordy décida que Ross quitterait le groupe d'ici la fin de l'année et Ross commença à enregistrer son premier travail solo en juillet. L'un des premiers plans de Ross pour établir sa propre carrière solo était de présenter publiquement un nouveau groupe d'enregistrement Motown. Bien qu'elle-même n'ait pas revendiqué leur découverte, Motown a épinglé Ross comme ayant découvert les Jackson 5. Ross présenterait le groupe lors de plusieurs événements publics, notamment au Hollywood Palace. En novembre, Ross a confirmé sa séparation des Supremes dans Billboard. Le premier enregistrement solo présumé de Ross, "Someday We'll Be Together", a finalement été publié en tant qu'enregistrement Supremes et est devenu le dernier succès numéro un du groupe sur le Hot 100. C'était aussi le dernier single numéro un du Billboard Hot 100 de les années 1960. Ross a fait sa dernière apparition avec les Supremes au Frontier Hotel de Las Vegas, Nevada, le 14 janvier 1970. Début de carrière solo : 1970-1981 En mai 1970, Ross sort son premier solo éponyme, qui comprend ses chansons phares, "Reach Out and Touch (Somebody's Hand)" et "Ain't No Mountain High Enough", cette dernière devenant le premier single solo numéro un de Ross. Les albums suivants, Everything Is Everything et Surrender, sont sortis peu de temps après. En 1971, la ballade "I'm Still Waiting" devient son premier single numéro un au Royaume-Uni. Plus tard en 1971, Ross a joué dans sa première émission spéciale solo, Diana !, qui comprenait The Jackson 5. En 1972, la bande originale de son premier film, Lady Sings the Blues, a atteint la première place du Billboard 200, se vendant à deux millions d'unités. En 1973, Ross obtient son deuxième succès numéro un avec la ballade " Touch Me in the Morning ". Plus tard dans l'année, Motown a publié Diana & Marvin, un album en duo avec un autre artiste de Motown, Marvin Gaye. L'album est devenu un succès international. En tournée tout au long de l'année 1973, Ross est devenu le premier artiste de l'histoire du Japon à recevoir une invitation au palais impérial pour une audience privée avec l'impératrice Nagako, épouse de l'empereur Hirohito. Après la sortie d'un LP au succès modeste, Last Time I Saw Him, Ross a eu un troisième succès numéro un avec "Theme from Mahogany (Do You Know Where You Going To)", de son deuxième long métrage, Mahogany. Un an plus tard, en 1976, elle commence à enregistrer de la musique disco, marquant avec le tube international "Love Hangover", qui donne à la chanteuse une quatrième place en tête des charts aux États-Unis. Un séjour de deux semaines au Palace Theatre de Broadway en 1977 a conduit à l'émission spéciale télévisée nominée aux Emmy, An Evening with Diana Ross, et à un Special Tony Award. Après le tank des albums Baby It's Me et Ross, elle sort The Boss en 1979. Cet album continue de gagner en popularité auprès du public dance alors que la chanson titre devient un single dance numéro un. Cette année-là, Ross a organisé sa propre émission spéciale HBO, Standing Room Only, qui a eu lieu à Las Vegas lors de la tournée de concerts "Tour '79" de Ross, la plupart des performances provenant de l'album The Boss. En 1980, Ross sort son album le plus réussi à ce jour, Diana. Composé par Nile Rodgers et Bernard Edwards de Chic, l'album comprenait les tubes "I'm Coming Out" et "Upside Down", ce dernier devenant son cinquième single en tête des charts. Avant de quitter Motown, Ross a enregistré la ballade en duo "Endless Love", avec Lionel Richie. La chanson deviendra son sixième et dernier single à atteindre le numéro un du Billboard Hot 100. Ross a commencé à négocier pour quitter Motown à la fin des années 1980 après avoir découvert qu'elle n'avait accès qu'à 300 000 dollars américains, malgré les millions de dollars gagnés pour le label. Ross s'est finalement vu proposer un contrat de 20 millions de dollars avec RCA Records. Avant de prendre la décision, elle a eu une conversation avec Berry Gordy au sujet de l'accord pour voir s'il pouvait l'égaler. Lorsque Gordy lui a dit qu'il était impossible d'égaler, Ross a finalement décidé de signer avec RCA, le 20 mai 1981, faisant ainsi de l'accord à l'époque le contrat le plus lucratif dans le domaine de la musique. Carrière cinématographique : 1972-1999 En 1971, Diana Ross a commencé à travailler sur son premier film, Lady Sings the Blues, qui était une biographie vague de la chanteuse Billie Holiday. Malgré quelques critiques à son encontre pour avoir accepté le rôle, une fois le film sorti en octobre 1972, Ross fut acclamée par la critique pour sa performance dans le film. Le critique de jazz Leonard Feather, un ami de Holiday, a félicité Ross pour « avoir habilement capturé l'essence de Lady Day ». Le rôle de Ross dans le film lui a valu des nominations aux Golden Globe Awards et aux Oscars de la meilleure actrice. La bande originale de Lady Sings the Blues connaît tout autant de succès, atteignant la première place du Billboard 200 et y restant pendant deux semaines. Le deuxième film de Ross, Mahogany, est sorti en 1975. Le film la réunit avec Billy Dee Williams, sa co-star dans Lady Sings the Blues, et présentait des costumes conçus par Ross elle-même. L'histoire d'un créateur de mode en herbe qui devient mannequin et porte-parole de l'industrie, Mahogany a été une production troublée dès sa création. Le réalisateur original du film, Tony Richardson, a été licencié pendant la production et Berry Gordy a lui-même assumé la présidence du réalisateur. De plus, Gordy et Ross se sont affrontés pendant le tournage, Ross quittant la production avant la fin du tournage, forçant Gordy à utiliser la secrétaire Edna Anderson comme doublure pour Ross. Bien qu'il ait été un succès au box-office, le film n'a pas été bien accueilli par la critique : la critique du film par le magazine Time a réprimandé Gordy pour « avoir dilapidé l'une des ressources les plus naturelles d'Amérique : Diana Ross ». En 1977, Motown a acquis les droits cinématographiques de la pièce de Broadway The Wiz, une réinterprétation afro-américaine du Merveilleux Magicien d'Oz de L. Frank Baum. Le film devait initialement inclure les acteurs de scène qui avaient joué dans la pièce. Cependant, le rôle de Dorothy, qui avait été interprété sur scène par Stephanie Mills, serait confié à Ross après avoir convaincu le producteur de films Rob Cohen de la choisir dans le rôle de Dorothy. Cette décision a finalement conduit à un changement dans le scénario du film dans lequel Dorothy est passée d'écolière à institutrice. Le rôle de l'Épouvantail, également interprété par quelqu'un d'autre sur scène, a finalement été confié à l'ancien compagnon du label Motown de Ross, Michael Jackson. L'adaptation cinématographique de The Wiz avait représenté une production de 24 millions de dollars, mais lors de sa sortie en octobre 1978, elle n'a rapporté que 21 049 053 $ au box-office. Bien que les droits de diffusion télévisée en avant-première aient été vendus à CBS pour plus de 10 millions de dollars, le film a généré une perte nette de 10,4 millions de dollars pour Motown et Universal. À l’époque, c’était le film musical le plus cher jamais réalisé. L'échec du film a mis fin à la courte carrière de Ross sur grand écran et a contribué à la réticence des studios hollywoodiens à produire les projets de films entièrement noirs qui étaient devenus populaires pendant plusieurs années pendant l'ère de la blaxploitation du début au milieu des années 1970. The Wiz était le dernier film de Ross pour Motown. Ross a eu du succès avec des chansons sur le thème des films. Alors que sa version de "Good Morning Heartache" de Holiday ne fonctionnait que modestement au début de 1973, son enregistrement de "Theme from Mahogany (Do You Know Where You're Going To)" a donné à Ross son troisième succès numéro un, à la fin de 1975. Trois ans plus tard, Ross et Michael Jackson ont connu un modeste succès dance avec leur enregistrement de « Ease on Down the Road ». Leur deuxième duo, faisant actuellement partie de l'ensemble de The Wiz, "Brand New Day", connaît un certain succès à l'étranger. Ross a marqué un succès dans le Top 10 à la fin des années 1980 avec la chanson thème du film de 1980 C'est mon tour. L'année suivante, elle collabore avec l'ancien auteur-compositeur-interprète des Commodores, Lionel Richie, sur la chanson thème du film Endless Love. Le single-titre nominé aux Oscars est devenu son dernier succès sur Motown Records et le disque numéro un de l'année. Plusieurs années plus tard, en 1988, Ross enregistre la chanson thème de The Land Before Time. "If We Hold on Together" est devenu un succès international, atteignant le numéro un au Japon. En 1993, Ross revient au théâtre avec un rôle dramatique dans le téléfilm Out of Darkness. Ross a été acclamée pour son rôle dans le téléfilm et a remporté sa troisième nomination aux Golden Globes, même si elle n'a pas gagné. En 1999, elle et Brandy Norwood ont joué dans le téléfilm Double Platinum, diffusé avant la sortie de l'album de Ross, Every Day Is a New Day. Poursuite de la carrière solo et développement : 1981–99 En octobre 1981, Ross sort son premier album RCA, Why Do Fools Fall in Love. L'album s'est vendu à plus d'un million d'exemplaires et présentait des singles à succès tels que son remake du hit classique du même nom et "Mirror Mirror". À la même époque, Ross crée sa propre société de production, qu'elle nomme Anaid Productions (le « Anaid » étant « Diana » à l'envers), et commence également à investir dans l'immobilier, tout en effectuant de nombreuses tournées aux États-Unis et à l'étranger. Avant la sortie de Why Do Fools Fall in Love, Ross a animé sa première émission spéciale télévisée en quatre ans, mettant en vedette Michael Jackson dans l'émission spéciale. Au début de 1982, Ross a chanté "Star-Spangled Banner" au Super Bowl XVI et est apparu dans le spectacle de danse Soul Train. Le programme lui a consacré un épisode complet et Ross a interprété plusieurs chansons de l'album Why Do Fools Fall in Love. En 1982, elle a suivi le succès de Why Do Fools Fall in Love avec Silk Electric, qui présentait "Muscles", écrit et produit par Michael Jackson, ce qui a donné lieu à un autre succès dans le top dix pour Ross. L'album est finalement devenu disque d'or grâce à cette chanson. En 1983, Ross s'est aventurée plus loin de son son antérieur basé sur la soul pour un son plus pop rock après la sortie de l'album de Ross. Bien que l'album contienne le single à succès " Pieces of Ice ", dont le clip a fait l'objet d'une forte rotation sur les chaînes vidéo, à l'exception de MTV, l'album de Ross n'a pas réussi à générer plus de succès et n'a pas réussi à devenir disque d'or, sortant des charts comme rapidement dès son entrée. Le 21 juillet 1983, Ross donne un concert à Central Park pour une émission spéciale Showtime enregistrée. Les bénéfices du concert seraient reversés pour construire un terrain de jeu au nom du chanteur. Au début du spectacle, une averse torrentielle s'est produite. Ross a essayé de continuer à jouer, mais les intempéries ont nécessité l'arrêt du spectacle. Ross a exhorté la grande foule à quitter la salle en toute sécurité, promettant de se produire le lendemain. Le deuxième concert organisé le lendemain s'est déroulé sans pluie. Les fonds pour le terrain de jeu devaient provenir de la vente de différents articles lors du concert ; cependant, tous les bénéfices tirés du premier concert ont été dépensés pour le second. Lorsque les grands médias découvrent les coûts exorbitants des deux concerts, Ross fait face à des critiques et à une mauvaise publicité. Bien que ses représentants aient initialement refusé de payer quoi que ce soit pour le terrain de jeu proposé, Ross elle-même a ensuite payé de sa poche les 150 000 $ nécessaires à la construction du parc. Le terrain de jeu Diana Ross a finalement été construit trois ans plus tard. En 1984, Ross sort Swept Away. Cela comprenait un duo avec Julio Iglesias, "All of You", qui figurait sur les deux albums qu'ils avaient alors sortis - son 1100 Bel Air Place ainsi que son Swept Away. Il est devenu un succès international, tout comme la ballade "Missing You", qui était un hommage à Marvin Gaye, décédé plus tôt cette année-là après que le clip émouvant et poignant ait fait une rare première lors de l'émission des American Music Awards de cette année-là. Swept Away s'est avéré être un succès en générant des ventes de niveau or. Son album de 1985, Eaten Alive, a connu un succès majeur à l'étranger avec la chanson titre et "Chain Reaction", bien qu'aucune des chansons ne soit devenue le best-seller auquel elle était autrefois habituée en Amérique. Les deux chansons étaient accompagnées de vidéoclips puissants qui ont propulsé les morceaux vers le succès. La vidéo Eaten Alive s'inspire du film d'horreur des années 1960, L'Île du Dr Moreau, tandis que le clip vidéo "Chain Reaction" salue le kiosque à musique américain des années 1960. "Experience", la vidéo du troisième single international a relancé le scénario romantique "Eaten Alive" avec Diana et l'acteur américain Joseph Gian. Le morceau Eaten Alive, une collaboration avec Barry Gibb et Michael Jackson, est devenu l'un des 20 meilleurs succès internationaux. L'album produit par Barry Gibb a remporté un numéro un international dans "Chain Reaction" et un album parmi les 20 meilleurs vendeurs. Plus tôt en 1985, elle était apparue dans le cadre de USA for Africa sur le single caritatif « We Are the World », qui s'est vendu à plus de 20 millions d'exemplaires dans le monde. La suite de Ross en 1987 à Eaten Alive, Red Hot Rhythm & Blues, a rencontré moins de succès que l'album précédent. Cependant, l'émission télévisée acclamée qui l'accompagne a été nominée pour plusieurs Emmys (4). En 1988, Ross a choisi de ne pas renouveler son contrat avec RCA. À peu près à la même époque, Ross était en pourparlers avec son ancien mentor Berry Gordy pour revenir à Motown. Lorsqu'elle a appris le projet de Gordy de vendre la Motown, Ross a essayé de lui déconseiller cette décision, mais il l'a vendue à MCA Records en 1988. (Le premier et unique single, "If We Hold on Together", chanson thème du film d'animation de Steven Spielberg , The Land Before Time, est devenu un énorme single international numéro un au Japon et se classe actuellement au 24e rang des singles internationaux les plus vendus de tous les temps au Japon). Suite à cette décision, Gordy a proposé à Ross un nouveau contrat pour retourner chez Motown à la condition qu'elle détienne des actions dans l'entreprise en tant que copropriétaire. Ross a accepté l'offre. Malgré sa forte promotion, le prochain album de Diana, Workin' Overtime, fut un échec critique et commercial. Les suivis ultérieurs tels que The Force Behind the Power (1991), Take Me Higher (1995) et Every Day Is a New Day (1999) ont produit des ventes tout aussi décevantes. Ross a eu plus de succès à l’étranger avec ces albums qu’en Amérique. En 1991, Ross est devenue l'une des rares artistes américaines à avoir été la tête d'affiche du Royal Variety Performance annuel, lorsqu'elle a interprété une sélection de ses succès britanniques en présence de la reine Elizabeth II et du prince Philip, duc d'Édimbourg au Victoria Palace Theatre de Londres. . "The Force Behind the Power" a déclenché une sorte de retour international lorsque l'album est devenu double platine au Royaume-Uni. dirigé par le single à succès n ° 2 au Royaume-Uni "Quand tu me dis que tu m'aimes". Ross verra l'album se produire avec succès à travers l'Europe jusqu'au Japon alors que "The Force Behind the Power" y remporte l'or. Ce single serait un porte-bonheur lorsqu'une version en duo avec le groupe irlandais Westlife a également atteint la deuxième place au Royaume-Uni en 2005. L'album a produit un nombre incroyable de 9 singles à travers les territoires internationaux, dont un autre Top 10, "One Shining Moment". Ross a connu du succès au Royaume-Uni jusqu'en 1994, lorsque "One Woman: The Ultimate Collection", une compilation rétrospective de carrière, est devenue numéro un au Royaume-Uni, vendant quatre disques de platine au Royaume-Uni. Cet album a bien marché à travers l’Europe et dans l’anglosphère. La rétrospective était l'alternative d'EMI au coffret de Motown Forever Diana: Musical Memoirs. La musique de Ross s'est bien vendue sur les marchés internationaux de 1991 à 1994. Ross s'est produit lors de la cérémonie d'ouverture de la Coupe du Monde de la FIFA 1994 à Chicago et lors du divertissement d'avant-match de la finale de la Coupe du Monde de Rugby 1995 au stade de Wembley. Le 28 janvier 1996, elle a donné le Halftime Show au Super Bowl XXX. En 1999, elle a été nommée la chanteuse la plus titrée de l'histoire des charts britanniques, sur la base du décompte de ses succès en carrière. Madonna finira par succéder à Ross en tant qu'artiste féminine la plus titrée du Royaume-Uni. Plus tard cette année-là, Ross s'est présenté aux MTV Video Music Awards 1999 en septembre de la même année et a choqué le public en touchant la poitrine exposée du rappeur Lil' Kim, son mamelon couvert de pâte, étonné par l'impertinence du jeune rappeur. ew.com/ew/article/0,,345909__339339_4,00.html "Le moment sauvage VMA de Diana Ross et Lil' Kim"], Lisa Costantini, 21 août 2002, Entertainment Weekly. Récupéré le 26 mars 2007. Réunions Supremes, Return to Love, tournée solo 2002 Ross a retrouvé Mary Wilson pour la première fois en 1976 pour assister aux funérailles de Florence Ballard, décédée en février de la même année. En mars 1983, Ross accepta de retrouver Wilson et Cindy Birdsong pour l'émission spéciale "Motown 25: Yesterday, Today, Forever". L'arrivée de Wilson à l'auditorium Pasadena Civic était en retard en raison d'un vol retardé. Les Supremes n'ont pas répété leur prestation ce soir-là. Un mélange de hits a été éliminé à la demande de Ross. Avant que l'émission spéciale ne soit enregistrée plus tard dans la soirée, Wilson aurait prévu avec Birdsong de faire un pas en avant à chaque fois que Ross faisait de même. Cela a semblé frustrer Ross, l'amenant à pousser l'épaule de Wilson. Ross a momentanément oublié les paroles de "Someday We'll Be Together". Wilson a commencé à chanter le rôle principal. Plus tard, Wilson n'était pas au courant du scénario établi par la productrice Suzanne DePasse, dans lequel Ross devait présenter Berry Gordy. Wilson l'a fait, à quel point Ross a baissé le microphone à main de Wilson, déclarant: "Cela a été réglé." Ross présenta alors Gordy. Ces incidents ont été supprimés du montage final de l'émission spéciale enregistrée, mais ont quand même fait leur chemin dans les médias d'information ; Le magazine People a rapporté que « Ross [a fait] quelques coups de coude pour sortir Wilson des projecteurs ». En 1999, Ross et le promoteur de la méga-tournée SFX (qui deviendra plus tard LiveNation) entamèrent des négociations concernant une tournée de Diana Ross qui comprendrait un segment Supremes. En raison de la réponse du public, les promoteurs ont plutôt lancé l'idée d'une tournée Supremes. Certains fans ont suggéré une tournée des Supremes à laquelle tous les anciens Supremes vivants participeraient. Ni Jean Terrell ni Susaye Greene, membre de la fin des années 1970, n'ont choisi de participer. Lynda Laurence et Scherrie Payne étaient alors en tournée en tant que membres des Former Ladies of the Supremes. Mary Wilson a accepté d'entamer les négociations, tout comme Cindy Birdsong. Cependant, les négociations pour que la formation 1967-1970 du groupe se produise ensemble pour la première fois lors d'une tournée de concerts depuis 1970 ont échoué lorsque Wilson et SFX n'ont pas réussi à s'entendre. SFX a embauché Payne et Laurence pour chanter avec Ross pendant la tournée. Ross, Payne et Laurence n'avaient jamais joué ensemble pendant leur mandat chez Supremes. Laurence et Payne diront plus tard qu'ils s'entendaient bien avec Ross. La tournée Return to Love a été lancée en juin 2000, devant un public plein à Philadelphie, en Pennsylvanie. La tournée de retrouvailles, cependant, n'a jamais réussi à traverser la première mi-temps en raison du manque d'intérêt du public. Il a été annulé à mi-tournée en raison d'un retard dans la vente des billets. Certaines arènes sont à peine remplies à 25 % de leur capacité. La plupart pensent qu'il y avait un manque d'intérêt en raison du prix élevé des billets, des salles trop grandes et de la campagne négative de Mary Wilson envers Ross et les anciens « Suprêmes » avec lesquels elle avait travaillé dans les années 70. En 2002, Ross est entré en rééducation en mai, a lancé et annulé une tournée solo en Amérique du Nord et a été arrêté pour conduite en état d'ébriété en décembre. Ross a annulé les dates restantes de sa tournée de concerts d'été aux États-Unis et au Canada deux mois après être entrée au centre de désintoxication pour toxicomanes et alcooliques Promises, à Malibu, en Californie, en mai, pour "éclaircir certains problèmes personnels". Aucune raison n'a été donnée pour interrompre la tournée nord-américaine dans 10 villes, qui a débuté en avril au Westbury Music Fair de New York. La chanteuse de 58 ans a donné des concerts à Boston, dans le Massachusetts et en Ontario, au Canada, avant que sa porte-parole ne confirme les informations selon lesquelles elle avait annulé le reste des dates. Carrière ultérieure : 2004-présent En 2002, après avoir passé deux ans loin des projecteurs et après un passage en prison pour conduite en état d'ébriété, Ross a repris les tournées, d'abord en Europe puis aux États-Unis la même année. En 2005, elle a participé à Thank for the Memory: The Great American Songbook, Volume IV de Rod Stewart en enregistrant une version en duo du standard de Gershwin, "I've Got a Crush on You". La chanson est sortie comme promotion de l'album et a ensuite atteint le numéro 19 du palmarès Billboard Hot Adult Contemporary, marquant sa première entrée dans le palmarès Billboard depuis 2000. Ross a figuré dans un autre duo à succès, cette fois avec Westlife, sur une reprise de Ross's 1991. hit "When You Tell Me You Love Me", répétant le succès des charts de l'enregistrement original, remportant un hit numéro 2 du Billboard britannique (numéro 1 en Irlande). En juin 2006, Universal a sorti l'album Blue de Ross de 1972. Il a culminé au numéro 2 du palmarès des albums de jazz de Billboard. Plus tard en 2006, Ross a sorti son premier album studio en sept ans avec I Love You. Il sortira sur EMI/Manhattan Records aux États-Unis en janvier 2007. EMI Inside a rapporté plus tard que l'album s'était vendu à plus de 622 000 exemplaires dans le monde. Ross s'est ensuite aventuré dans une tournée mondiale pour promouvoir I Love You, qui a recueilli des critiques élogieuses. En 2007, elle a été honorée à deux reprises, d'abord avec le Lifetime Achievement Award aux BET Awards, puis comme l'une des lauréates des Kennedy Center Honors. En janvier 2008, au Air Jamaica Jazz & Blues Festival de la Jamaïque, la performance de Ross a été huée par les membres du public - assis près de l'arrière de la salle - qui étaient agacés par sa décision d'éteindre les grands écrans vidéo adjacents à la scène. Plus tard, l'ensemble du public a hué les organisateurs du festival, lorsque Ross a annoncé que le raccourcissement de son set, afin de s'adapter à l'emploi du temps de la chanteuse r&b Mary J. Blige, qui est arrivée en retard et a insisté pour être autorisée à quitter le festival plus tôt que prévu. prévu. Ross est revenu au festival en 2009, recueillant des critiques positives. En 2010, Ross s'est lancée dans sa première tournée en tête d'affiche en trois ans intitulée More Today Than Yesterday: The Greatest Hits Tour. Dédiée à la mémoire de son défunt ami Michael Jackson, la tournée de concerts a reçu des critiques positives dans tout le pays. En février 2012, Ross a reçu son tout premier Grammy Award, pour l'ensemble de sa carrière, et a annoncé les nominés pour l'album de l'année. En mai, un DVD de ses concerts à Central Park, For One & For All, est sorti et présentait les commentaires de Steve Binder, qui a réalisé le spécial. Le 6 novembre 2012, Ross s'est produit devant une foule en Inde pour le petit ami milliardaire de Naomi Campbell, Vladimir Doronin, à l'occasion de son 50e anniversaire, gagnant 500 000 $ pour la performance. Après sa dernière sortie d'étape, Ross a trébuché et s'est cassé la cheville. Un mois plus tard, le 9 décembre, elle s'est produite en tant qu'artiste vedette et tête d'affiche lors du concert de Noël à Washington organisé par la Maison Blanche, où elle s'est produite (avec une jambe plâtrée) devant le président Barack Obama, le premier président afro-américain des États-Unis. L'événement a ensuite été diffusé sous forme d'émission spéciale annuelle sur la TNT. Ross continue sa tournée, complétant une tournée sud-américaine en 2013 avec des concerts au Brésil, en Argentine et au Chili. Et une tournée de fin d'été dans plusieurs villes américaines (Lancement : 2 août à Los Angeles – 13 septembre à Dallas). Le 3 juillet 2014, Ross a reçu le prix Ella Fitzgerald pour « son extraordinaire contribution au chant du jazz contemporain », au Festival International de Jazz de Montréal. Le 20 novembre 2014, Ross a remis pour la toute première fois le Dick Clark Award for Excellence à Taylor Swift lors des American Music Awards. En 2015, Ross est apparue dans le clip de la chanson « How To Live Alone » interprétée par son fils Evan Ross. Le 1er avril 2015, Ross a commencé la première de neuf représentations dans le cadre de sa mini-résidence, The Essential Diana Ross: Some Memories Never Fade au Venetian Las Vegas Hotel and Casino, à Las Vegas, Nevada. Le 27 novembre 2015, Motown Records/Universal a sorti l'album Sings Songs From The Wiz enregistré en 1978. L'album présente les versions de Ross de chansons de la version cinématographique de la comédie musicale The Wiz, dans laquelle elle a joué avec Michael Jackson. En février 2016, Ross a repris sa tournée In the Name of Love qui a débuté en 2013. Vie privée Ross a été marié deux fois et a cinq enfants. En 1965, Ross a eu une relation amoureuse avec Berry Gordy, PDG de Motown. La relation a duré plusieurs années, aboutissant à la naissance de l'aîné de Ross, Rhonda Suzanne Silberstein, en août 1971. Deux mois après le début de sa grossesse avec Rhonda, en janvier 1971, Ross a épousé le directeur musical Robert Ellis Silberstein, qui a choisi d'élever Rhonda comme son propre fille. Avec Silberstein, Ross a deux autres filles, Tracee Joy et Chudney Lane Silberstein, nées en 1972 et 1975.

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River Phoenix est mort pendant le tournage de quel film ?

Dark Blood

River Jude Phoenix (né River Jude Bottom le 23 août 1970 et mort le 31 octobre 1993) est un acteur, musicien et activiste américain. Il était le frère aîné de Rain Phoenix, Joaquin Phoenix, Liberty Phoenix et Summer Phoenix. Le travail de Phoenix comprenait 24 films et apparitions à la télévision, et son ascension vers la gloire lui a valu le statut d '«idole des adolescents». Il débute sa carrière d'acteur à l'âge de 10 ans, dans des publicités télévisées. Il a joué dans le film d'aventure de science-fiction Explorers (1985) et a eu son premier rôle notable dans Stand By Me en 1986, un film sur le passage à l'âge adulte basé sur une nouvelle de Stephen King. Phoenix a fait une transition vers des rôles plus destinés aux adultes avec Running on Empty (1988), incarnant le fils de parents fugitifs dans une performance bien accueillie qui lui a valu une nomination pour l'Oscar du meilleur acteur dans un second rôle, et My Own Private Idaho ( 1991), incarnant un arnaqueur gay à la recherche de son ex-mère. Pour sa performance dans ce dernier film, Phoenix a reçu d'énormes éloges et a remporté la Coupe Volpi du meilleur acteur au Festival du film de Venise, ainsi que celui du meilleur acteur de la Société nationale de la critique de cinéma. Lui et son frère Joaquin Phoenix ont la distinction d'être les premiers et les seuls frères à être nominés aux Oscars d'acteur. Le 31 octobre 1993, Phoenix s'est effondré et est décédé d'une insuffisance cardiaque liée à la drogue sur le trottoir devant la discothèque de West Hollywood, The Viper Room, à l'âge de 23 ans. Au moment de sa mort, Phoenix était en plein tournage de Dark Blood. (1993). Début de la vie Phoenix est né le 23 août 1970 à Madras, Oregon, premier enfant d'Arlyn Dunetz et John Lee Bottom. Les parents de Phoenix lui ont donné le nom du fleuve de la vie du roman Siddhartha de Hermann Hesse, et il a reçu son deuxième prénom de la chanson des Beatles "Hey Jude". Dans une interview avec People, Phoenix a décrit ses parents comme « hippies ». Sa mère est née dans le Bronx, à New York, de parents juifs dont les familles avaient émigré de Russie et de Hongrie. Son père était un catholique non pratiquant de Fontana, en Californie, d'ascendance anglaise, allemande et française. En 1968, la mère de Phoenix a quitté sa famille à New York et a voyagé à travers les États-Unis, rencontrant John Lee Bottom alors qu'elle faisait de l'auto-stop dans le nord de la Californie. Ils se sont mariés le 13 septembre 1969, moins d'un an après leur rencontre. La famille de Phoenix a déménagé à travers le pays quand il était très jeune. Phoenix a grandi à Micanopy, en Floride, une petite banlieue de Gainesville. Ils ne recevaient aucun soutien financier et vivaient dans la pauvreté, Phoenix déclarant qu'ils vivaient dans une « situation désespérée ». Phoenix jouait souvent de la guitare pendant que lui et sa sœur chantaient au coin des rues pour gagner de l'argent et de la nourriture afin de subvenir aux besoins de leur famille toujours grandissante. À la fin des années 1970, la famille de Phoenix a emménagé chez les grands-parents maternels de River en Floride après avoir passé plusieurs années au Venezuela avec les Enfants de Dieu. Peu de temps après leur retour aux États-Unis, la famille a officiellement changé son nom pour Phoenix, du nom de l'oiseau mythique qui renaît de ses propres cendres, symbolisant un nouveau départ. Phoenix n'a jamais fréquenté une école formelle. La scénariste Naomi Foner a commenté plus tard : « Il était totalement, totalement sans éducation. Je veux dire, il savait lire et écrire, et il en avait un appétit, mais il n'avait aucune racine profonde dans un quelconque sens de l'histoire ou de la littérature. Enfants de Dieu En 1973, la famille a rejoint un nouveau mouvement religieux chrétien controversé appelé les Enfants de Dieu en tant que missionnaires. La famille s’était installée à Caracas, au Venezuela, où les Enfants de Dieu les avaient postés pour travailler comme missionnaires et cueilleurs de fruits. Bien que Phoenix ait rarement parlé de la secte, il a été cité par Arlyn Phoenix dans un article d'Esquire de 1994 comme ayant déclaré : « Ils sont dégoûtants, ils ruinent la vie des gens. » Dans une interview avec le magazine Details en novembre 1991, Phoenix a déclaré qu'il avait perdu sa virginité à l'âge de quatre ans alors qu'il faisait partie des Enfants de Dieu, "mais je l'ai bloqué". Arlyn et John ont finalement été déçus par les enfants de Dieu ; Arlyn dira plus tard à un journaliste qu'elle et son mari étaient opposés à la pratique du groupe de « Flirty Fishing », déclarant : « Le groupe était déformé par le leader, David Berg, qui devenait puissant et riche. Il cherchait à attirer les riches. disciples par le sexe. Pas question. Carrière d'acteur De retour aux États-Unis, Arlyn a commencé à travailler comme secrétaire pour une chaîne NBC et John comme architecte extérieur. La meilleure agente pour enfants, Iris Burton, a repéré River, Joaquin et leurs sœurs Summer et Rain chantant pour de la monnaie à Westwood, Los Angeles, et a été tellement charmée par la famille qu'elle a rapidement représenté les quatre frères et sœurs. River a commencé à faire des publicités pour Mitsubishi, Ocean Spray et Saks Fifth Avenue, et peu de temps après, lui et les autres enfants ont été signés par la directrice de casting Penny Marshall de Paramount Pictures. River et Rain ont été immédiatement affectés à un spectacle intitulé Real Kids en tant qu'interprètes d'échauffement pour le public. En 1980, Phoenix a commencé à poursuivre pleinement son travail d'acteur, faisant sa première apparition dans une émission télévisée intitulée Fantasy en chantant avec sa sœur Rain. En 1982, River a participé à la série télévisée éphémère de CBS, Seven Brides for Seven Brothers, dans laquelle il a joué le rôle du plus jeune frère, Guthrie McFadden. River, qui est arrivé aux auditions avec sa guitare, a rapidement fait irruption dans une imitation convaincante d'Elvis Presley, charmant le producteur de la série. À cet âge, Phoenix était également un danseur de claquettes accompli. Près d'un an après la fin de Seven Brides en 1983, Phoenix a trouvé un nouveau rôle dans le téléfilm Celebrity de 1984, où il a joué le rôle du jeune Jeffie Crawford. Même s’il n’est resté à l’écran qu’une dizaine de minutes, son personnage était central. Moins d’un mois après Celebrity est sorti le spécial ABC Afterschool : Backwards : The Riddle of Dyslexia. River a joué le rôle d'un jeune garçon qui découvre qu'il souffre de dyslexie. Joaquin a joué dans un petit rôle aux côtés de son frère. En septembre, l'épisode pilote de la série télévisée éphémère It's Your Move a été diffusé. Phoenix a été choisi pour incarner Brian et n'a eu qu'une seule ligne de dialogue. Il a également joué le rôle du fils de Robert Kennedy, Robert Kennedy, Jr., dans le téléfilm Robert Kennedy and His Times. Après que son rôle dans Dyslexia ait été acclamé par la critique, Phoenix a presque immédiatement été choisi pour jouer un rôle majeur dans son prochain téléfilm, Surviving: A Family in Crisis. Il a joué le rôle de Philip Brogan aux côtés de Molly Ringwald et Heather O'Rourke. A mi-chemin du tournage de Surviving, Iris Burton le contacte au sujet d'un éventuel rôle dans le film Explorers. En octobre 1984, Phoenix obtient le rôle du jeune scientifique geek Wolfgang Müller dans le film de science-fiction à gros budget de Joe Dante, Explorers, aux côtés d'Ethan Hawke, et la production commence peu de temps après. Sorti à l'été 1985, ce fut le premier grand rôle cinématographique de Phoenix. En octobre 1986, Phoenix a joué aux côtés de Tuesday Weld et Geraldine Fitzgerald dans le téléfilm acclamé de CBS Circle of Violence: A Family Drama, qui racontait l'histoire tragique de la maltraitance domestique des personnes âgées. C'était le dernier rôle télévisé de Phoenix avant de devenir une célébrité au cinéma. À l'âge de 15 ans, Phoenix a joué un rôle important dans le film populaire sur le passage à l'âge adulte de Rob Reiner, Stand By Me (1986), qui a fait de lui un nom connu. Le Washington Post a estimé que Phoenix avait donné au film son « centre de gravité ». Phoenix a commenté : "La vérité est que je m'identifiais tellement au rôle de Chris Chambers que si je n'avais pas pu retrouver ma famille après le tournage, j'aurais probablement dû consulter un psychiatre." Plus tard cette année-là, Phoenix a terminé The Mosquito Coast (1986) de Peter Weir, dans le rôle du fils du personnage d'Harrison Ford. "Il allait évidemment devenir une star de cinéma", a observé Weir. "C'est autre chose que la capacité d'agir. Laurence Olivier n'a jamais eu ce que River avait." Au cours du tournage de cinq mois au Belize, Phoenix a entamé une relation amoureuse avec sa co-star Martha Plimpton, une relation qui s'est poursuivie sous une forme ou une autre pendant de nombreuses années. Phoenix a été surpris par la mauvaise réception du film, se sentant plus en sécurité dans son travail que dans Stand By Me. Phoenix fut ensuite choisi pour jouer le rôle principal dans la comédie dramatique pour adolescents Une nuit dans la vie de Jimmy Reardon (1988), mais il fut déçu de sa performance : « Ça ne s'est pas passé comme je le pensais, et j'ai mis le Je voulais faire une comédie, et c'était vraiment exagéré, mais je ne suis même pas sûr d'être la bonne personne pour le rôle. En 1988, Phoenix a joué dans Little Nikita (1988) aux côtés de Sidney Poitier. Pendant ce temps, la famille Phoenix a continué à déménager régulièrement, déménageant plus de quarante fois à l'âge de 18 ans. Après avoir terminé son sixième long métrage, Running on Empty (1988) de Sidney Lumet, Phoenix a acheté à sa famille un ranch à Micanopy. , Floride, près de Gainesville en 1987, en plus d'une propagation au Costa Rica. Au début de 1989, Phoenix a été nominé pour l'Oscar du meilleur acteur dans un second rôle (ainsi que pour un Golden Globe) et a reçu le prix du meilleur acteur dans un second rôle du National Board of Review pour son rôle dans Running on Empty. Phoenix s'est levé lors de la cérémonie lorsque Kevin Kline l'a battu pour l'Oscar. "J'ai dû empêcher River de courir pour embrasser Kevin", se souvient sa mère Arlyn. "Il ne lui est jamais venu à l'esprit qu'il n'avait pas gagné." Cette année-là, il incarne également un jeune Indiana Jones dans le film à succès Indiana Jones et la dernière croisade réalisé par Steven Spielberg. En 1990, Phoenix a été photographié par Bruce Weber pour Vogue et a été porte-parole d'une campagne pour Gap. En 1991, Phoenix a tourné un film indépendant acclamé intitulé Dogfight avec Lili Taylor et réalisé par Nancy Savoca. Dans le drame romantique sur le passage à l'âge adulte qui se déroule à San Francisco, Phoenix incarne un jeune marine américain la nuit précédant son expédition au Vietnam en novembre 1963. Taylor a fait remarquer que Phoenix souffrait parce qu'il ne pouvait pas se distancer de son personnage : " Il n'avait pas non plus pris de [drogues] – il buvait juste à l'époque aussi. C'était différent... C'était en fait une partie difficile pour lui, parce que c'était tellement différent de qui il était. hippie, et là, il jouait ce marine. En fait, cela lui causait beaucoup d'inconfort, je ne pense pas qu'il aimait ça, en fait, entrer dans cette psyché. Phoenix a rencontré l'acteur Keanu Reeves pendant que Reeves tournait Parenthood avec le frère de Phoenix, Joaquin. Les deux hommes ont joué ensemble pour la première fois (avec Kevin Kline, Tracey Ullman et Joan Plowright) dans I Love You to Death des années 1990 et à nouveau dans le film d'avant-garde de Gus Van Sant, My Own Private Idaho. Dans sa critique pour Newsweek, David Ansen a salué la performance de Phoenix : « La scène du feu de camp dans laquelle Mike déclare maladroitement son amour non partagé pour Scott est une merveille de délicatesse. Dans cette scène et dans chaque scène, Phoenix s'immerge si profondément dans son personnage qu'on en oublierait presque. vous l'avez déjà vu : c'est un spectacle incroyablement sensible, poignant et comique à la fois". Pour son rôle dans My Own Private Idaho, Phoenix a remporté les prix du meilleur acteur au Festival du film de Venise, à la National Society of Film Critics et aux Independent Spirit Awards. Le film et son succès ont solidifié l'image de Phoenix en tant qu'acteur au potentiel audacieux et de premier plan. À cette époque, Phoenix commençait à consommer des drogues comme la marijuana, la cocaïne et l'héroïne avec quelques amis. Dans le livre que Gus Van Sant a écrit sur Phoenix, Pink, le réalisateur dit clairement que Phoenix n'était pas un consommateur de drogue régulier mais seulement occasionnel, et que l'acteur avait un problème d'alcool plus grave. Phoenix avait toujours essayé de cacher ses dépendances parce qu'il craignait qu'elles ne ruinent sa carrière, tout comme sa relation avec Martha Plimpton. Phoenix a fait équipe avec Robert Redford et encore avec Sidney Poitier pour le thriller de conspiration/espionnage Sneakers (1992). Un mois plus tard, il commença la production du western fantôme d'art et essai de Sam Shepard, Silent Tongue (sorti en 1994) ; il a également été battu pour le rôle de Paul par Brad Pitt dans A River Runs Through It. Il a fait une apparition dans Even Cowgirls get the Blues (1993) de Van Sant, avec sa sœur Rain. Phoenix a ensuite joué dans le film sur le thème de la musique country de Peter Bogdanovich, The Thing Called Love (1993), le dernier film terminé avant sa mort. Phoenix a commencé une relation avec sa co-star Samantha Mathis sur le tournage. Musique Bien que la carrière cinématographique de Phoenix ait généré l'essentiel des revenus de sa famille, des amis proches et des parents ont déclaré que sa véritable passion était la musique. Phoenix était un chanteur, auteur-compositeur et guitariste accompli. Il avait commencé à apprendre la guitare en autodidacte à l'âge de cinq ans et avait déclaré dans une interview pour E! en 1988, le déménagement de sa famille à Los Angeles alors qu'il avait neuf ans avait pour but que lui et sa sœur "... puissent devenir artistes du disque. Je suis tombé dans les publicités pour des raisons financières et le métier d'acteur est devenu un concept attrayant ..." Avant d'obtenir Agent par intérim, Phoenix et ses frères et sœurs ont tenté de se forger une carrière dans la musique en jouant des reprises dans les rues du quartier de Westwood à Los Angeles, souvent déplacés par la police parce que les foules rassemblées obstruaient le trottoir. Avec les premiers fruits de son succès cinématographique, Phoenix a économisé 650 $ pour son bien précieux, une guitare sur laquelle il a écrit ce qu'il a décrit comme du « folk-rock progressif et éthéré ». Alors qu'il travaillait sur A Night in the Life of Jimmy Reardon en 1986, Phoenix avait écrit et enregistré une chanson, "Heart to Get", spécifiquement pour le générique de fin du film. La 20th Century Fox l'a coupé du film terminé, mais le réalisateur William Richert l'a remis en place pour son réalisateur quelques années plus tard. C'est pendant le tournage que Phoenix a rencontré Chris Blackwell d'Island Records ; cette réunion garantirait plus tard à Phoenix un accord de développement de deux ans avec le label. Phoenix n'aimait pas l'idée d'être un artiste solo et appréciait la collaboration ; il s'est donc concentré sur la constitution d'un groupe. Aleka's Attic a été formé en 1987 et la formation comprenait sa sœur Rain. Phoenix s'est engagé à gagner en crédibilité grâce à son propre mérite et a soutenu que le groupe n'utiliserait pas son nom pour obtenir des performances qui ne bénéficieraient pas aux organisations caritatives. Le premier album de Phoenix était "Across the Way", co-écrit avec son coéquipier Josh McKay, sorti en 1989 sur un album-bénéfice pour PETA intitulé Tame Yourself. En 1991, Phoenix a écrit et enregistré un morceau de création orale intitulé "Curi Curi" pour l'album TXAI de Milton Nascimento. Également en 1991, le morceau "Too Many Colors" d'Aleka's Attic a été prêté à la bande originale de My Own Private Idaho de Gus Van Sant qui comprenait Phoenix dans un rôle principal. En 1996, le morceau "Note to a Friend" d'Aleka's Attic est sorti sur l'album-bénéfice de 1996 In Defence of Animals ; Volume II et présentait Flea of ​​Red Hot Chili Peppers à la basse. Phoenix avait collaboré avec son ami John Frusciante après son premier départ des Red Hot Chili Peppers et les chansons "Height Down" et "Well I've Been" sont sorties sur le deuxième album solo de Frusciante, Smile from the Streets You Hold en 1997. Phoenix était un investisseur dans la House of Blues originale (fondée par son bon ami et co-star de Sneakers Dan Aykroyd) à Cambridge, Massachusetts, qui a ouvert ses portes au public après avoir servi un groupe de sans-abri le jour de Thanksgiving 1992. Activisme Phoenix était un militant dévoué aux droits des animaux, à l’environnement et à la politique. Il a été un éminent porte-parole de PETA et a remporté le prix humanitaire en 1992 pour ses efforts de collecte de fonds. En 1990, Phoenix a écrit un essai de sensibilisation à l'environnement sur le Jour de la Terre destiné à ses jeunes fans, qui a été imprimé dans le magazine Seventeen. Phoenix a toujours été végétalien. Sa première petite amie, Martha Plimpton, se souvient : « Un jour, quand nous avions quinze ans, River et moi sommes sortis pour un dîner chic à Manhattan et j'ai commandé des crabes à carapace molle. Il a quitté le restaurant et s'est promené sur Park Avenue en pleurant. et il a dit : 'Je t'aime tellement, pourquoi ?...' Il avait tellement mal que je mangeais un animal, qu'il ne m'avait pas fait comprendre ce qui était bien." Il a aidé financièrement de nombreuses organisations environnementales et humanitaires et a acheté 800 acres de forêt tropicale menacée au Costa Rica. En plus de prononcer des discours lors de rassemblements pour divers groupes, Phoenix et son groupe jouaient souvent des prestations environnementales pour des œuvres caritatives bien connues ainsi que des organisations locales de la région de Gainesville, en Floride. La mort Le soir du 30 octobre 1993, Phoenix devait se produire avec son ami proche Flea des Red Hot Chili Peppers sur scène au Viper Room, une discothèque hollywoodienne appartenant en partie à l'époque à l'acteur Johnny Depp. Phoenix était revenu à Los Angeles en début de semaine depuis l'Utah pour terminer les trois semaines de plans intérieurs restants sur son dernier projet Dark Blood, un film qui a finalement été achevé en 2012. Sa sœur cadette Rain et son frère Joaquin s'étaient envolés pour le rejoindre à l'Hôtel Nikko (maintenant l'Hôtel SLS) sur le boulevard La Cienega. La petite amie de Phoenix, Samantha Mathis, était également venue le rencontrer. Tous étaient présents sur les lieux de la mort de Phoenix. Aux petites heures du matin du 31 octobre 1993, Phoenix a subi une overdose de drogue, s'est effondrée à l'extérieur et a eu des convulsions pendant plus de cinq minutes. Lorsque son frère Joaquin a appelé le 9-1-1, il n'a pas pu déterminer si Phoenix respirait. Sa sœur Rain a procédé au bouche-à-bouche pour lui faire du bouche-à-bouche. Pendant l'épisode, Johnny Depp et son groupe P (avec Gibby Haynes, ami de Flea et Phoenix des Butthole Surfers) étaient sur scène. Selon Haynes, le groupe était au milieu de leur chanson "Michael Stipe" tandis que Phoenix était à l'extérieur de la salle en train de faire des convulsions sur le trottoir. Lorsque la nouvelle a filtré dans le club, Flea a quitté la scène et s'est précipité dehors. À ce moment-là, les ambulanciers étaient arrivés sur les lieux et ont trouvé Phoenix devenu bleu foncé, en arrêt cardiaque complet et dans un état plat. Ils lui ont administré des médicaments pour tenter de relancer son cœur. Il a été transporté d'urgence au centre médical Cedars-Sinai, accompagné de Flea, via une ambulance. D'autres tentatives pour ressusciter Phoenix ont échoué. Il a été déclaré mort à 1 h 51 (heure du Pacifique) le matin du 31 octobre 1993, à l'âge de 23 ans. Le lendemain, le club est devenu un sanctuaire de fortune avec des fans et des personnes en deuil laissant des fleurs, des photos et des bougies sur le trottoir et des graffitis sur les murs de la salle. Une pancarte a été placée sur la fenêtre indiquant : "Avec beaucoup de respect et d'amour pour River et sa famille, The Viper Room est temporairement fermé. Nos plus sincères condoléances à toute sa famille, ses amis et ses proches. Il nous manquera." Le club est resté fermé pendant une semaine. Depp a continué à fermer le club chaque année le 31 octobre jusqu'à vendre ses parts en 2004. Avant sa mort, l'image de Phoenix – qu'il déplorait dans ses interviews – était irréprochable, en partie grâce à son dévouement public à ses divers intérêts sociaux, politiques, humanitaires et alimentaires, pas toujours populaires dans les années 1980. En conséquence, sa mort a suscité une large couverture médiatique. Phoenix a été décrit par un écrivain comme « le végétalien James Dean », et des comparaisons ont été faites concernant la jeunesse et la mort subite des deux acteurs. L'autopsie de Phoenix, signée le 15 novembre 1993, se lit comme suit dans la section intitulée « Opinion » de Christopher Rogers, MD : « Des études toxicologiques ont montré des concentrations élevées de morphine et de cocaïne dans le sang, ainsi que d'autres substances en concentrations plus faibles. » La cause du décès était une « intoxication aiguë à plusieurs drogues », notamment à la cocaïne et à la morphine. L'appel de Joaquín au 9-1-1 a été enregistré et diffusé par plusieurs émissions de radio et de télévision. Après la mort de River et l'attitude envahissante des médias dans sa vie privée (un journaliste est entré par effraction dans la maison funéraire de Miami et a pris une photo de Phoenix reposant dans son cercueil qui a été vendu au National Enquirer), Joaquin a quitté Hollywood pour la deuxième fois. Le 24 novembre 1993, Arlyn "Heart" Phoenix a publié une lettre ouverte dans le Los Angeles Times sur la vie et la mort de son fils. On y lisait notamment : :Ses amis, collègues et le reste de notre famille savent que River n'était pas un consommateur régulier de drogue. Il vivait chez nous en Floride avec nous et ne faisait presque jamais partie de la « scène des clubs » de Los Angeles. Il venait d'arriver à Los Angeles après avoir quitté la beauté immaculée et la tranquillité de l'Utah où il tournait pendant six semaines. Nous pensons que l’excitation et l’énergie de la discothèque et de la scène festive d’Halloween dépassaient largement son expérience et son contrôle habituels. Combien d’autres belles jeunes âmes, qui restent anonymes pour nous, sont mortes en consommant des drogues à des fins récréatives ? Je prie pour que le départ de River de cette manière attire l'attention du monde sur la façon dont les esprits de sa génération sont douloureusement épuisés. :River a fait une grande impression au cours de sa vie sur Terre. Il a trouvé sa voix et sa place. Et même River, qui avait le monde entier à portée de main pour l’écouter, ressentait une profonde frustration que personne n’entendait. Que faudra-t-il ? Tchernobyl n’a pas suffi. Exxon Valdez n'était pas suffisant. Une guerre sanglante pour le pétrole n’a pas suffi. Si le décès de River ouvre notre cœur mondial, alors je dis merci, cher fils bien-aimé, pour encore un autre cadeau pour nous tous. Phoenix a été incinéré et ses cendres ont été dispersées dans son ranch familial à Micanopy, en Floride. Après sa mort, Aleka's Attic s'est dissoute. À l'occasion du 20e anniversaire de la mort de Phoenix, le musicien Bob Forrest a parlé de la mort prématurée du jeune acteur en disant que même si Phoenix entretenait une image de pacifiste hippie végétalien, la réalité de sa consommation de drogue était beaucoup plus sombre que quiconque ne le pensait. Forrest a déclaré que Phoenix résidait avec le musicien John Frusciante quelques jours avant sa mort. Le duo se livrait à de longues consommations de drogue, dormant à peine. Ils fumaient du crack et s'injectaient ensemble de l'héroïne et de la cocaïne. La nuit de sa mort, Phoenix et Frusciante sont arrivés ensemble au Viper Room, où ils ont rencontré le frère et la sœur de Mathis et River. Forrest affirme que la cocaïne a été instantanément distribuée au sein du groupe ; cependant, il remarqua que Phoenix n'avait déjà pas l'air bien. Pendant la prestation du groupe de Depp, Phoenix a informé Forrest qu'il ne se sentait pas bien et pensait qu'il faisait une overdose. Forrest a déclaré que Phoenix s'était rallié et était revenu dans la foule, mais quelques instants plus tard, quelqu'un avait frénétiquement appelé le 9-1-1 alors que Phoenix s'effondrait à l'extérieur et commençait à avoir des convulsions. Forrest a conduit sa propre voiture jusqu'à l'hôpital, mais Phoenix a été déclaré mort peu de temps après son arrivée. Projets inédits et non filmés La mort subite de River l'a empêché de jouer divers rôles pour lesquels il avait déjà été choisi : *Phoenix devait commencer à travailler sur Interview with the Vampire: The Vampire Chronicles (1994) de Neil Jordan deux semaines après sa mort. Il devait jouer Daniel Molloy, l'intervieweur, qui a ensuite été confié à Christian Slater, qui a fait don de la totalité de son salaire de 250 000 $ à deux des organisations caritatives préférées de Phoenix : Earth Save et Earth Trust. Le film est dédié à Phoenix après le générique de fin. *The Guardian a suggéré en 2003 "qu'il était probable que Phoenix aurait suivi [Interview with the Vampire] en apparaissant comme le fils de Susan Sarandon dans Safe Passage" (1994), un rôle attribué à Sean Astin. * Phoenix avait signé le rôle principal dans Broken Dreams, un scénario écrit par John Boorman et Neil Jordan (réalisé par Boorman), et avec Winona Ryder. Le film a été suspendu en raison de la mort de Phoenix. En juin 2012, il a été annoncé que Caleb Landry Jones avait été choisi pour le rôle. * Gus Van Sant avait convaincu Phoenix d'accepter de jouer le rôle de Cleve Jones dans Milk alors qu'il envisageait initialement de faire le film au début des années 1990. Le rôle a finalement été joué par Emile Hirsch en 2008. Lorsqu'on lui a demandé dans le magazine Interview : "Vous alliez faire un film avec River sur Andy Warhol, n'est-ce pas ?" Van Sant a déclaré: "Ouais. River ressemblait en quelque sorte à Andy dans sa jeunesse. Mais ce projet n'a jamais vraiment abouti." Seule la première page de quatre pages archivée ; Le commentaire sur le lait apparaît sur la page non archivée. *En 1988, Phoenix aurait transporté une copie des mémoires de 1978, The Basketball Diaries. Il avait entendu dire qu'une version cinématographique était en préparation et souhaitait jouer le rôle autobiographique de Jim Carroll. Le film a été mis en pause à de nombreuses reprises, Phoenix étant à chaque fois cité comme le principal prétendant au rôle. The Basketball Diaries a été réalisé en 1994 avec Leonardo DiCaprio en tête. *Il avait exprimé son intérêt pour le rôle du poète du XIXe siècle Arthur Rimbaud dans Total Eclipse (1995) de la réalisatrice polonaise Agnieszka Holland. Phoenix est décédé avant le casting du film, le rôle étant finalement attribué à Leonardo DiCaprio. Héritage River Phoenix est l'un des jeunes acteurs les plus célèbres et les plus influents du XXIe siècle. Chaque année, le 31 octobre, les fans rendent hommage à la vie de l'acteur. Sa célèbre citation "Agir, c'est comme un masque d'Halloween que l'on met". est fréquemment mentionné par les fans sur les réseaux sociaux. Parmi les autres acteurs masculins qui ont également attribué à Phoenix une influence majeure pour leur avoir ouvert la voie, citons Leonardo DiCaprio, Jared Leto, James Franco, Dylan O'Brien Will Peltz et bien d'autres. Dans la culture et les médias Le statut de Phoenix en tant qu'idole des adolescents et jeune acteur prometteur, ainsi que sa mort prématurée qui a suivi, ont fait de lui un sujet fréquent dans les médias de la culture populaire. Il a d'abord acquis des références musicales avec le chanteur brésilien Milton Nascimento en écrivant la chanson "River Phoenix: Letter to a Young Actor" à son sujet après avoir vu Phoenix dans The Mosquito Coast (1986). La chanson apparaît sur la sortie de 1989 Miltons. Les amis de Phoenix, les Red Hot Chili Peppers, ont écrit quelques lignes pour lui dans leur chanson à succès "Give It Away" de l'album Blood Sugar Sex Magik de 1991 : "Il y a une rivière née pour être un donateur, te garder au chaud ne le laissera pas tu frissonnes, son cœur ne se fanera jamais..." Phoenix apparaît également dans le clip de leur chanson "Breaking the Girl" et après sa mort, le groupe lui a rendu hommage avec la chanson "Transcending" (intitulé à l'origine " River") sur leur album de 1995, One Hot Minute. L'ancien guitariste des Chili Peppers, John Frusciante, a dédié la chanson "Smile From The Streets You Hold" à River Phoenix. Frusciante a écrit la première partie de la chanson sur leur amitié alors que Phoenix était encore en vie. Après la mort de Phoenix, Frusciante a écrit la deuxième partie en sa mémoire. Phoenix a fait l'objet de nombreux autres hommages en chanson et dans d'autres médias. Le groupe R.E.M. a dédié leur album Monster à Phoenix (car Michael Stipe et Phoenix étaient des amis proches), et leur chanson "E-Bow the Letter" de New Adventures in Hi-Fi de 1996 aurait été écrite à partir d'une lettre que Michael Stipe a écrite à Phoenix, mais jamais envoyé en raison du décès de l'acteur. River Phoenix est référencée dans la chanson « Sacred Life » de l'album éponyme du groupe britannique The Cult : « River Phoenix était si jeune, ne sais-tu pas que ton prince est parti ? L'ancienne chanteuse des 10000 Maniacs, Natalie Merchant, a écrit et enregistré une chanson mémorablement controversée, simplement intitulée "River", présentée sur son album solo de 1995, Tigerlily (Elektra). Tout en déplorant cette mort tragique d'un « jeune et fort fils d'Hollywood » qui était « l'un des nôtres », elle critique vivement les excès de la « candeur de vautour » du peuple et l'attention avide des médias à l'égard de l'événement et ajoute : « Pourquoi ne pas "Tu ne le laisses pas tranquille… /Donnez la paix à son père et à sa mère", ainsi que : "Ce n'est qu'une tragédie", se terminant par la vraie question qui se cache derrière : "Comment pourrions-nous le sauver / De lui-même ?" Ainsi, elle est allée bien au-delà du pur éloge funèbre que la plupart des chansons et des écrits sur le décès de River Phoenix étaient au moment où cela s'est produit. La musicienne Sam Phillips a la dédicace "For River" sur son album Martinis & Bikinis. D'autres chansons inspirées par Phoenix incluent "Song For River Phoenix (If I Had Known)" de Dana Lyons, "Halloween" de Grant Lee Buffalo, × la chanson "River" d'Ellis Paul, trouvée sur son album Stories de 1994, "Matinee Idol" de Rufus Wainwright. , "River Phoenix" de Nada Surf et "Chris Chambers" de Stereophonics. Dans son album Woman & a Man de 1996, Belinda Carlisle a fait référence à River dans la chanson "California". La chanson s'ouvre et se termine par la phrase "Je me souviens que j'étais dans un salon de bronzage, quand j'ai entendu que River Phoenix avait disparu." Dans l'album de Jay-Z, Kingdom Come, les paroles de "Hollywood" le citent comme l'une des nombreuses victimes des pressions hollywoodiennes. Le groupe new-yorkais Japanther a présenté une chanson sur leur album Skuffed Up My Huffy (2008) intitulée "River Phoenix", qui parle de certains événements de sa vie et livre le refrain "River Phoenix ne le pensait pas". Dans la chanson "The Viper Room", Wesley Willis prend un tournant brusque par rapport à un récit par ailleurs élogieux du club en notant la mort de Phoenix, déclarant qu'il "... s'est effondré et est mort comme un Doberman". Sur son album de 2013 Not Thinking Straight, l'artiste britannique Matt Fishel a fait référence à Phoenix dans la chanson « When Boy Meets Boy ». Ses paroles décrivent une chambre dans laquelle les murs sont "recouverts d'affiches d'idoles et de rock stars décédées trop jeunes" et le troisième couplet de la chanson contient la phrase "J'ai rendu hommage avec un petit clin d'œil à River Phoenix accroché au mur". Dans le clip vidéo qui accompagne la chanson, une affiche animée de Phoenix est accrochée sur un mur à côté de Jimi Hendrix, Freddie Mercury et Kurt Cobain. Gus Van Sant, avec qui Phoenix a travaillé dans le film My Own Private Idaho, lui a dédié son film de 1994 Even Cowgirls Get the Blues ainsi que son roman de 1997 Pink. Le cinéaste expérimental de Santa Cruz, Cam Archer, a également produit un documentaire intitulé Drowning River Phoenix dans le cadre de sa série American Fame. Lors des représentations des 13 et 15 novembre 1993 et ​​du 12 février 1994, ainsi que de l'un des derniers concerts de Nirvana aux États-Unis à Seattle le 7 janvier 1994, Kurt Cobain de Nirvana a dédié la chanson " Jesus Doesn't Want Me for a Sunbeam ". à Phoenix (parmi d'autres célébrités décédées jeunes), quelques mois seulement avant la mort de Cobain. Tom Petty a dédié "Ballad of Easy Rider" à Phoenix lorsqu'il a joué dans sa ville natale et celle de Phoenix, Gainesville, en Floride, en novembre 1993. Le groupe britannique Manic Street Preachers mentionne River dans leur chanson "Ifwhiteamericatoldthetruthforonedayitsworldwouldfallapart" (extrait de l'album The Holy Bible, 1994) dans la ligne suivante : "...Je pense en ce moment à la tragédie hollywoodienne ; Big Mac ; smack ; Phoenix, R ; s'il vous plaît, souriez à tous..." Phoenix a fait l'objet d'une chanson controversée du groupe australien TISM intitulée "(He'll Never Be An) Ol' Man River", le single présentait à l'origine une maquette de la pierre tombale de Phoenix comme sa pochette en 1995. Le refrain comporte la phrase "Je prends la drogue qui a tué River Phoenix". Sur la chanson "Love Me, Hate Me" du rappeur Ja Rule, il énumère différentes façons dont il pourrait mourir en tant que célébrité, et l'une des paroles dit "Je pourrais faire une overdose dans un club à cause de drogues comme River Phoenix". Dans la comédie musicale de 1997, The Fix, Phoenix est évoqué dans la chanson "Mistress of Deception" dans les lignes "Un jeune acteur sexy est mort la nuit dernière dans un club de Los Angeles/Ecstasy et alcool/Et trop de NyQuil/Avait le visage le plus doux/ Chaleureux, timide et innocent/Sexy de cette manière insouciante/Le journaliste a dit que son cœur s'était arrêté comme ça..." La chanson de Hugh Cornwell "Rain on the River" de son album Hooverdam de 2009 parle directement de la mort de Phoenix, comme sa sœur Rain est assise au-dessus de son frère mourant sur le trottoir devant The Viper Room. Une référence moins connue à River Phoenix était le principal protagoniste de Final Fantasy VIII, Squall Leonhart. Tetsuya Nomura, le concepteur principal des personnages du jeu, a déclaré qu'il avait modelé Squall sur le visage de River pendant le développement et qu'il avait même donné à Squall la même date de naissance. La scène de la mort de Phoenix mérite également plusieurs mentions dans le livre de William Gibson, Spook Country. La chanson "River, Run" du groupe Soudain, Tammy ! de leur disque We Get There When We Do a été écrit à son sujet. Honneurs et classements Phoenix a été classé à plusieurs reprises sur plusieurs listes reconnaissant son talent et sa carrière. Il a été répertorié comme l'un des douze « nouveaux acteurs prometteurs de 1986 » dans « John Willis' Screen World » (2004). Phoenix a été élu n ° 64 dans le cadre d'un sondage "Les plus grandes stars de cinéma de tous les temps" réalisé par la télévision Channel 4 au Royaume-Uni. Le sondage était entièrement composé de votes de personnalités éminentes des communautés d’acteurs et de réalisateurs. Il a été classé n°86 dans la liste des « 100 meilleures stars de cinéma de tous les temps » du magazine Empire en 1997. Sa vie et sa mort ont fait l'objet d'un article de E! True Hollywood Story, une biographie A&E et un épisode de Final 24, qui contient une reconstitution dramatique de ses dernières heures et de sa mort. Il a également été surnommé « James Dean de ce siècle » dans l'épisode 10 (« Mi Casa, Su Casa Loma ») de la première saison de Being Erica. Sa mort a été classée n°16 dans le top 101 des événements d'E! "Les 101 moments les plus choquants du divertissement" à la télévision. En 2010, Phoenix a été élu par le magazine GQ comme l'un des

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Quel artiste David est né à Bradford au Royaume-Uni ?

Hockney

David Hockney (né le 9 juillet 1937) est un peintre, dessinateur, graveur, scénographe et photographe anglais. Contributeur important au mouvement Pop art des années 1960, il est considéré comme l'un des artistes britanniques les plus influents du XXe siècle. Musée Paul Getty. [http://www.getty.edu/art/gettyguide/artMakerDetails?maker 3283 David Hockney.] Récupéré le 13 septembre 2008. Hockney vit à Bridlington, dans l'East Riding of Yorkshire et à Kensington, Londres. Il possède deux résidences en Californie, où il a vécu de manière intermittente pendant plus de 30 ans : une à Nichols Canyon, à Los Angeles, et un bureau et des archives sur Santa Monica Boulevard à West Hollywood. Vie privée Hockney est né à Bradford, en Angleterre, de Laura et Kenneth Hockney (objecteurs de conscience pendant la Seconde Guerre mondiale), le quatrième de cinq enfants. Il a fait ses études à l'école primaire de Wellington, à la Bradford Grammar School et au Bradford College of Art (où ses professeurs comprenaient Frank Lisle ) et au Royal College of Art de Londres, où il rencontre R. B. Kitaj. Pendant son séjour, Hockney a déclaré qu'il se sentait chez lui et qu'il était fier de son travail. Au Royal College of Art, Hockney a participé à l'exposition Young Contemporaries, aux côtés de Peter Blake, qui annonçait l'arrivée du pop art britannique. Il était associé au mouvement, mais ses premières œuvres présentent des éléments expressionnistes, semblables à certaines œuvres de Francis Bacon. Lorsque le RCA a déclaré qu'il ne lui permettrait pas d'obtenir son diplôme en 1962, Hockney a dessiné le croquis The Diploma en signe de protestation. Il avait refusé de rédiger une dissertation requise pour l'examen final, affirmant qu'il devait être évalué uniquement sur ses œuvres. Reconnaissant son talent et sa réputation grandissante, le RCA modifie ses règlements et décerne le diplôme. Une visite en Californie, où il a vécu par la suite pendant de nombreuses années, l'a inspiré à réaliser une série de peintures de piscines dans un médium acrylique relativement nouveau, rendues dans un style très réaliste utilisant des couleurs vibrantes. L'artiste s'installe à Los Angeles en 1964, revient à Londres en 1968 et vit à Paris de 1973 à 1975. Il a déménagé à Los Angeles en 1978, louant d'abord la maison du canyon dans laquelle il vivait, puis a acheté la propriété et l'a agrandie pour y inclure son studio. Il possédait également une maison de plage de 1 643 pieds carrés au 21039 Pacific Coast Highway à Malibu, qu'il a vendue en 1999 pour environ 1,5 million de dollars. Hockney est ouvertement gay et contrairement à Andy Warhol, avec qui il s'est lié d'amitié, il a ouvertement exploré la nature de l'amour gay dans ses portraits. Parfois, comme dans We Two Boys Together Clinging (1961), du nom d'un poème de Walt Whitman, les œuvres font référence à son amour pour les hommes. Déjà en 1963, il peignit deux hommes ensemble dans le tableau Domestic Scene, Los Angeles, l'un se douchant tandis que l'autre se lave le dos. À l'été 1966, alors qu'il enseignait à l'UCLA, il rencontra Peter Schlesinger, un étudiant en art qui posait pour des peintures et des dessins, et avec qui il entretenait une relation amoureuse. Le matin du 18 mars 2013, l'assistant de Hockney, Dominic Elliott, âgé de 23 ans, est décédé des suites de drogues, de consommation d'acide et d'alcool au studio de Hockney à Bridlington. Elliott était un joueur de la première et de la deuxième équipe du club de rugby de Bridlington. Il a été rapporté que le partenaire de Hockney avait conduit Elliott à l'hôpital général de Scarborough, où il est décédé plus tard. Travail Hockney a réalisé des gravures, des portraits d'amis et des scénographies pour le Royal Court Theatre, Glyndebourne, La Scala et le Metropolitan Opera de New York. Né avec la synesthésie, il voit les couleurs synesthésiques en réponse à des stimuli musicaux. Cela n'apparaît pas dans ses œuvres de peinture ou de photographie, mais constitue un principe sous-jacent commun dans ses conceptions de décors de ballet et d'opéra, où il base les couleurs de fond et l'éclairage sur les couleurs qu'il voit en écoutant la musique de la pièce. Portraits Hockney a peint des portraits à différentes périodes de sa carrière. À partir de 1968 et au cours des années suivantes, il a peint des amis, des amants et des parents en grandeur nature et dans des images qui représentaient de bonnes ressemblances avec ses sujets. La présence même de Hockney est souvent sous-entendue, puisque les lignes de perspective convergent pour suggérer le point de vue de l'artiste. Hockney est revenu à plusieurs reprises sur les mêmes sujets : ses parents, l'artiste Mo McDermott (Mo McDermott, 1976), divers écrivains qu'il a connus, les créateurs de mode Celia Birtwell et Ossie Clark (M. et Mme Clark et Percy, 1970-1971), le conservateur Henry Geldzahler, le marchand d'art Nicholas Wilder, George Lawson et son amant danseur de ballet, Wayne Sleep. À son arrivée en Californie, Hockney est passé de la peinture à l'huile à la peinture acrylique, l'appliquant sous forme de couleur lisse, mate et brillante. En 1965, l'atelier d'imprimerie Gemini G.E.L. l'a approché pour créer une série de lithographies sur le thème de Los Angeles. Hockney a répondu en créant une collection d'art prête à l'emploi. Les "menuisiers" Au début des années 1980, Hockney a commencé à produire des collages de photos, qu'il appelait « menuisiers », d'abord en utilisant des tirages Polaroid, puis des tirages couleur 35 mm traités commercialement. À l’aide de clichés Polaroid ou de tirages photo en laboratoire d’un seul sujet, Hockney a organisé un patchwork pour créer une image composite. Un des premiers photomontages était celui de sa mère. Parce que les photographies sont prises sous des angles différents et à des moments légèrement différents, le résultat est un travail qui a une affinité avec le cubisme, l'un des objectifs majeurs de Hockney : discuter du fonctionnement de la vision humaine. Certaines pièces sont des paysages, comme Pearblossom Highway #2, d'autres des portraits, comme Kasmin 1982 et My Mother, Bolton Abbey, 1982. La création des « menuisiers » s’est produite par hasard. Il a remarqué à la fin des années soixante que les photographes utilisaient des appareils photo dotés d'objectifs grand angle. Il n'aimait pas ces photographies parce qu'elles semblaient quelque peu déformées. Alors qu'il travaillait sur une peinture représentant un salon et une terrasse à Los Angeles, il a pris des photos Polaroid du salon et les a collées ensemble, sans vouloir qu'elles constituent une composition en soi. En regardant la composition finale, il s'est rendu compte qu'elle créait un récit, comme si le spectateur se déplaçait dans la pièce. Après cette découverte, il commence à travailler davantage avec la photographie et arrête temporairement de peindre pour se consacrer exclusivement à cette nouvelle technique. Frustré par les limites de la photographie et son approche « borgne », il revient cependant à la peinture. Travaux ultérieurs En 1976, à l'Atelier Crommelynck, Hockney crée un portfolio de 20 gravures, The Blue Guitar: Etchings By David Hockney Who Was Inspired By Wallace Stevens Who Was Inspired By Pablo Picasso. Les gravures font référence à des thèmes d'un poème de Wallace Stevens, "L'homme à la guitare bleue". Il a été publié par Petersburg Press en octobre 1977. Cette année-là, Petersburg a également publié un livre dans lequel les images étaient accompagnées du texte du poème. Hockney a été chargé de concevoir la couverture et les pages du numéro de décembre 1985 de l'édition française de Vogue. Conformément à son intérêt pour le cubisme et à son admiration pour Pablo Picasso, Hockney a choisi de peindre Celia Birtwell (qui apparaît dans plusieurs de ses œuvres) sous différents angles, comme si l'œil avait scanné son visage en diagonale. En décembre 1985, Hockney a utilisé Quantel Paintbox, un programme informatique qui permettait à l'artiste de dessiner directement sur l'écran. L'utilisation du programme revenait à dessiner sur un film PET pour des impressions, avec lequel il avait beaucoup d'expérience. Le travail qui en résulte a été présenté dans une série de la BBC présentant un certain nombre d’artistes. Ses œuvres ont été utilisées sur la couverture de l'annuaire téléphonique de British Telecom de 1989 pour Bradford. Hockney retournait plus fréquemment dans le Yorkshire dans les années 1990, généralement tous les trois mois, pour rendre visite à sa mère décédée en 1999. Il restait rarement plus de deux semaines jusqu'en 1997, lorsque son ami Jonathan Silver, en phase terminale, l'encouragea à capturer le local. alentours. Il l'a fait au début avec des peintures basées sur la mémoire, certaines datant de son enfance. Hockney est retourné dans le Yorkshire pour des séjours de plus en plus longs et, en 2005, il peignait la campagne en plein air. Il a installé sa résidence et un immense studio en bord de mer en briques rouges, un espace de travail industriel reconverti, dans la ville balnéaire de Bridlington, à environ 75 miles de son lieu de naissance. Les peintures à l'huile qu'il réalise après 2005 sont influencées par ses études intensives d'aquarelle (pendant plus d'un an en 2003-2004). Il a créé des peintures composées de plusieurs toiles plus petites (neuf, 15 ou plus) placées ensemble. Pour l'aider à visualiser son travail à cette échelle, il a utilisé des reproductions photographiques numériques ; le travail quotidien était photographié et Hockney emportait généralement un tirage photographique chez lui. En juin 2007, le plus grand tableau de Hockney, Bigger Trees Near Warter, qui mesure 15 pieds sur 40 pieds, a été accroché dans la plus grande galerie de la Royal Academy lors de son exposition d'été annuelle. Cette œuvre "est une vue à l'échelle monumentale d'un taillis dans le Yorkshire natal de Hockney, entre Bridlington et York. Elle a été peinte sur 50 toiles individuelles, travaillant pour la plupart in situ, pendant cinq semaines l'hiver dernier". En 2008, il en a fait don à la Tate Gallery de Londres en déclarant : « Je pensais que si je devais donner quelque chose à la Tate, je voulais leur offrir quelque chose de vraiment bien. Je ne veux pas donner des choses dont je ne suis pas trop fier ... J'ai pensé que c'était un bon tableau parce qu'il représente l'Angleterre ... cela semble être une bonne chose à faire. "Simon Crerar [http://entertainment.timesonline. co.uk/tol/arts_and_entertainment/visual_arts/article3700618.ece "David Hockney fait don de plus grands arbres près de Warter à la Tate",] The Times, 7 avril 2008. Le tableau a fait l'objet d'un film documentaire BBC1 Imagine de Bruno Wollheim intitulé David Hockney : A Bigger Picture' (2009) qui a suivi Hockney alors qu'il travaillait à l'extérieur au cours des deux années précédentes. Depuis 2009, Hockney a peint des centaines de portraits, natures mortes et paysages à l'aide de l'application [http://brushesapp.com/ Brushes] pour iPhone et iPad, les envoyant souvent à ses amis. Son exposition Fleurs fraîches s'est tenue à La Fondation Pierre Bergé à Paris. Une exposition Fresh-Flowers a ouvert ses portes en 2011 au Musée royal de l'Ontario à Toronto, présentant plus de 100 de ses dessins sur 25 iPad et 20 iPod. Fin 2011, Hockney est retourné en Californie pour peindre le parc national de Yosemite sur son iPad. Pour la saison 2012-2013 à l'Opéra national de Vienne, il a conçu, sur son iPad, un tableau à grande échelle (176 m²) dans le cadre de la série d'expositions Safety Curtain, conçue par Museum in Progress. Scénographies Les premières créations d'opéra de Hockney, pour The Rake's Progress de Stravinsky au Glyndebourne Festival Opera en Angleterre en 1975 et La Flûte enchantée (1978), étaient des gouttes peintes. En 1981, il accepte de concevoir les décors et les costumes de trois œuvres françaises du XXe siècle au Metropolitan Opera House intitulées Parade. Les œuvres étaient Parade, un ballet avec la musique d'Erik Satie ; Les mamelles de Tirésias, un opéra sur un livret de Guillaume Apollinaire et une musique de Francis Poulenc, et L'enfant et les sortilèges, un opéra sur un livret de Colette et une musique de Maurice Ravel. Le décor de L'enfant et les sortilèges est une installation permanente de la succursale Spalding House du Honolulu Museum of Art. Il a conçu des décors pour Turandot de Puccini en 1991 au Chicago Lyric Opera et pour Die Frau ohne Schatten de Richard Strauss en 1992 au Royal Opera House de Londres. En 1994, il conçoit les costumes et les décors de douze airs d'opéra pour la diffusion télévisée d'Operalia de Plácido Domingo à Mexico. Les progrès techniques lui permettent de devenir de plus en plus complexe dans le modélisme. Dans son atelier, il disposait d'un avant-scène d'ouverture de 6 pieds sur 4 pieds dans lequel il construisait des décors à l'échelle 1:8. Il a également utilisé une configuration informatisée qui lui permettait d'insérer et de programmer des signaux lumineux à volonté et de les synchroniser avec une bande sonore de la musique. Des expositions Hockney a eu sa première exposition personnelle à l'âge de 26 ans, en 1963, et en 1970, la Whitechapel Gallery de Londres avait organisé la première de plusieurs grandes rétrospectives, qui ont ensuite voyagé dans trois institutions européennes. En 2004, il a été inclus dans la Biennale intergénérationnelle de Whitney, où ses portraits sont apparus dans une galerie avec ceux d'une jeune artiste qu'il avait inspirée, Elizabeth Peyton. En octobre 2006, la National Portrait Gallery de Londres a organisé l'une des plus grandes expositions jamais réalisées sur le travail de portrait de Hockney, comprenant 150 peintures, dessins, gravures, carnets de croquis et photocollages de plus de cinq décennies. La collection allait de ses premiers autoportraits aux œuvres qu'il a achevées en 2005. Hockney a contribué à la présentation des œuvres et l'exposition, qui s'est déroulée jusqu'en janvier 2007, a été l'une des plus réussies de la galerie. En 2009, « David Hockney : Just Nature » a attiré quelque 100 000 visiteurs à la Kunsthalle Würth de Schwäbisch Hall, en Allemagne. Du 21 janvier 2012 au 9 avril 2012, la Royal Academy a présenté A Bigger Picture, qui comprenait plus de 150 œuvres, dont beaucoup occupent des murs entiers dans les salles bien éclairées de la galerie. L'exposition est consacrée aux paysages, notamment aux arbres et aux tunnels d'arbres. Les œuvres comprennent des peintures à l'huile et des aquarelles inspirées de son Yorkshire natal. Une cinquantaine de dessins ont été réalisés sur iPad et imprimés sur papier. Hockney a déclaré dans une interview en 2012 : « Il s'agit de grandes choses. Vous pouvez agrandir les peintures. Nous agrandissons également les photographies et les vidéos, tout cela en rapport avec le dessin. » L'exposition a été déplacée au Musée Guggenheim de Bilbao, en Espagne, du 15 mai au 30 septembre, puis au Musée Ludwig de Cologne, en Allemagne, entre le 27 octobre 2012 et le 3 février 2013. Du 26 octobre 2013 au 30 janvier 2014, David Hockney : A Bigger Exhibition a été présentée au De Young Museum, l'un des musées des Beaux-Arts de San Francisco, présentant des œuvres réalisées depuis 2002 et comprenant des portraits Photoshop, des huiles multi-toiles, des paysages iPad et des images numériques. films tournés avec plusieurs caméras. « Hockney, Printmaker », organisée par Richard Lloyd, responsable international des estampes chez Christie's, a été la première grande exposition à se concentrer sur la carrière prolifique de Hockney en tant que graveur. L'exposition s'est déroulée du 5 février 2014 au 11 mai 2014 à la Dulwich Picture Gallery avant de partir en tournée au Bowes Museum, Barnard Castle. Collections De nombreuses œuvres de Hockney sont conservées à Salts Mill, à Saltaire, près de sa ville natale de Bradford. La collection de l'écrivain Christopher Isherwood est considérée comme la plus importante collection privée de son œuvre. Dans les années 1990, Don Bachardy, partenaire de longue date d'Isherwood, a fait don de la collection à une fondation. Son travail fait partie de nombreuses collections publiques et privées à travers le monde, notamment : * Musée d'art d'Honolulu * Musée des Beaux-Arts de Boston * Galerie nationale d'Australie, Canberra * Musée d'art moderne de Louisiane, Humlebæk, Danemark * Institut d'art de Chicago * National Portrait Gallery, Londres * Musée d'art Kennedy, Athènes, Ohio *Tate Gallery, Londres * Musée J.Paul Getty, Los Angeles * Musée d'art du comté de Los Angeles * Walker Art Center, Minneapolis * Metropolitan Museum of Art, New York * Musée d'Art Moderne, New York * Centre Georges Pompidou, Paris * Philadelphia Museum of Art * De Young Museum, San Francisco * Musée d'Art Contemporain, Tokyo * MUMOK, Vienne * Musée Hirshhorn et jardin de sculptures, Washington, D.C. * Smithsonian American Art Museum, Washington, D.C. Reconnaissance En 1967, le tableau de Hockney, Peter Getting Out Of Nick's Pool, remporte le prix de peinture John Moores à la Walker Art Gallery de Liverpool. Hockney s'est vu offrir le titre de chevalier en 1990, mais a refusé, avant d'accepter un Ordre du mérite en janvier 2012. Il a reçu la médaille du progrès de la Royal Photographic Society en 1988 ainsi que la médaille spéciale du 150e anniversaire et la bourse d'honneur (HonFRPS) en reconnaissance d'un travail soutenu et significatif. contribution à l'art de la photographie en 2003. Il a été nommé Compagnon d'Honneur en 1997 et est Académicien Royal. En 2012, la reine Elizabeth II l'a nommé à l'Ordre du Mérite, un honneur réservé à 24 membres à la fois pour leur contribution aux arts et aux sciences. Il a été honoré de la National Arts Association de Los Angeles en 1991 et a reçu le premier prix annuel d'excellence des Archives of American Art de Los Angeles en 1993. Il a été nommé au conseil d'administration de l'American Associates of le Royal Academy Trust de New York en 1992 et a reçu le titre de membre honoraire étranger de l'Académie américaine des arts et des sciences de Cambridge, Massachusetts en 1997. En 2003, Hockney a reçu le Lorenzo de' Medici Lifetime Career Award de la Biennale de Florence, Italie. Commandé par The Other Art Fair, un sondage réalisé en novembre 2011 auprès de 1 000 peintres et sculpteurs britanniques l'a déclaré l'artiste britannique le plus influent de tous les temps. Marché de l'art Depuis 1963, Hockney est représenté par le marchand d'art John Kasmin, ainsi que par Annely Juda Fine Art, Londres. Le 21 juin 2006, le tableau de Hockney, The Splash, s'est vendu pour 2,6 millions de livres sterling. Son A Bigger Grand Canyon, une série de 60 peintures combinées pour produire une énorme image, a été achetée par la National Gallery of Australia pour 4,6 millions de dollars. Beverly Hills Housewife (1966-1967), une acrylique de 12 pieds de long qui représente la collectionneuse Betty Freeman debout au bord de sa piscine dans une longue robe rose vif, vendue pour 7,9 millions de dollars chez Christie's à New York en 2008, le lot le plus vendu. la vente et un prix record pour un Hockney. La thèse Hockney-Falco Dans l'émission télévisée et le livre de 2001, Secret Knowledge, Hockney a postulé que les maîtres anciens utilisaient des techniques de camera obscura qui projetaient l'image du sujet sur la surface du tableau. Hockney soutient que cette technique a migré progressivement vers l'Italie et la majeure partie de l'Europe, et est à l'origine du style de peinture photographique que nous voyons à la Renaissance et dans les périodes artistiques ultérieures. Il a publié ses conclusions dans le livre de 2001 « Secret Knowledge : Rediscovering the Lost Techniques of the Old Masters », qui a été révisé en 2006. Vie publique Comme son père, Hockney était un objecteur de conscience et a travaillé comme infirmier dans les hôpitaux pendant son service national, 1957-1959. Hockney a été l'un des fondateurs du Museum of Contemporary Art de Los Angeles en 1979. Il siège au conseil consultatif du magazine politique Standpoint et a contribué à des croquis originaux pour son édition de lancement, en juin 2008. Il est un fervent militant en faveur du tabac et a été invité à devenir rédacteur invité de l'émission Today le 29 décembre 2009 pour exprimer son point de vue sur le sujet. En octobre 2010, lui et une centaine d'autres artistes ont signé une lettre ouverte au secrétaire d'État à la Culture, aux Médias et aux Sports, Jeremy Hunt, pour protester contre les coupes dans le secteur des arts. Dans la culture populaire En 1966, alors qu'il travaillait sur une série de gravures basées sur des poèmes d'amour du poète grec/alexandrin Cavafy, Hockney a joué dans un documentaire du cinéaste James Scott, intitulé Love's Present. Il a fait l'objet du film de Jack Hazan, A Bigger Splash (1974), du nom de l'une des peintures de piscine les plus célèbres de Hockney de 1967. Hockney a également inspiré l'artiste Billy Pappas dans le film documentaire Waiting for Hockney (2008), qui a fait ses débuts au Tribeca Film Festival en 2008. En 2005, le directeur créatif de Burberry, Christopher Bailey, a centré toute sa collection printemps/été de vêtements pour hommes autour de l'artiste et en 2012, la créatrice de mode Vivienne Westwood, une amie proche, a donné à une veste à carreaux le nom d'Hockney. En 2011, le magazine britannique GQ l'a nommé l'un des 50 hommes les plus stylés de Grande-Bretagne et en mars 2013, il a été classé parmi les cinquante personnes de plus de 50 ans les mieux habillées par The Guardian. David Hockney : A Rake's Progress (2012) est une biographie de Hockney couvrant les années 1937-1975, par l'écrivain/photographe Christopher Simon Sykes. Le 14 août 2012, Hockney a fait l'objet de l'émission The New Elizabethans de BBC Radio Four, présentée par James Naughtie. En décembre 2012, le Sunday Times a publié pour la première fois des œuvres qu'il avait commandé à Hockney lors d'un voyage en Égypte en 1963 et qui avaient été mises de côté en raison de l'assassinat de John F. Kennedy. Hockney avait été entièrement payé mais les œuvres n'avaient jamais été publiées auparavant. L'album 2012 Mia Pharaoh, du groupe indie pop américain Miniature Tigers, contient une chanson intitulée "Afternoons with David Hockney". Deux versions d'une chanson du groupe punk britannique Television Personalities, intitulée "David Hockney's Diaries" apparaissent sur l'album de 1982 They Could Have Been Bigger Than The Beatles et sur l'album de 1984 The Painted Word. La série originale Netflix 2014 BoJack Horseman présente une parodie du tableau de Hockney Portrait d'un artiste (piscine avec deux personnages) dans un décor central du bureau du protagoniste. Le film A Bigger Splash de Luca Guadagnino de 2015 doit son nom à la peinture de Hockney. Fondation David Hockney En 2012, Hockney, d'une valeur estimée à 55,2 millions de dollars (environ 36,1 millions de livres sterling), a transféré des peintures d'une valeur de 124,2 millions de dollars (environ 81,5 millions de livres sterling) à la Fondation David Hockney et a donné 1,2 million de dollars supplémentaires (environ 0,79 million de livres sterling) en des liquidités pour aider à financer les opérations de la fondation. L'artiste envisage de donner les peintures, par l'intermédiaire de la fondation, à des galeries dont le Los Angeles County Museum of Art et la Tate de Londres. Livres par Hockney * 72 dessins (1971), Jonathan Cape, Londres, ISBN 0-224-00655-X * David Hockney (1976), Thames and Hudson, Londres, ISBN 0-500-09108-0 * Voyages avec stylo, crayon et encre (1978), Petersburg Press, New York, ISBN 0-902825-07-0 * Photos de David Hockney (éd. Nikos Stangos) (1979), Thames and Hudson, Londres, ISBN 0-500-27163-1 * Guitare bleue : gravures de David Hockney inspirées par Wallace Stevens inspiré par Pablo Picasso (1977), Petersburg Press, New York, ISBN 0-902825-03-8 * Voyages avec stylo, crayon et encre (1980), Tate Gallery, Londres ISBN 0-905005-58-9 * Photographies (1982), Petersburg Press, New York, ISBN 0-902825-15-1 * Hockney's Photographs (1983), Arts Council of Great Britain, Londres, ISBN 0-7287-0382-3 * Martha's Vineyard et autres lieux : Mon troisième carnet de croquis de l'été 1982 (avec Nikos Stangos), (1985), Thames and Hudson, Londres, ISBN 0-500-23446-9 * David Hockney : Faces 1966-1984 (1987), Thames and Hudson, Londres, ISBN 0-500-27464-9 * Hockney's Alphabet (avec Stephen Spender) (1991) Random House, Londres, ISBN 0-679-41066-X * David Hockney : Quelques très nouvelles peintures (Intro de William Hardie) (1993), William Hardie Gallery, Glasgow, ISBN 1-872878-03-2 * Off the Wall : Une collection d'affiches de David Hockney 1987-1994 (avec Brian Baggott) (1994), Pavilion Books, ISBN 1-85793-421-0 *Picasso (1999), Galerie Lelong ISBN 2-86882-026-3 * Une éducation artistique (1999), Galerie Lelong ISBN 2-86882-028-X * Hockney's Pictures (2006), Thames and Hudson, Londres, ISBN 0-500-28671-X * David Hockney : Affiche (1995), Chronicle Books, ISBN 0-8118-0915-3 * C'est comme ça que je le vois (avec Nikos Stangos) (1989), Thames and Hudson, Londres, ISBN 0-500-28085-1 * Connaissance secrète : redécouvrir les techniques perdues des maîtres anciens (2006), Thames and Hudson, Londres, ISBN 0-500-28638-8 * Hockney On Art : Conversations avec Paul Joyce (2008), Little, Brown and Company, New York, ISBN 1-4087-0157-X * Dog Days de David Hockney (2011), Thames and Hudson, Londres, ISBN 0-500-28627-2 * Un carnet de croquis du Yorkshire (2011), Royal Academy of Arts, Londres, ISBN 1-907533-23-0

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Richard Daley a été maire de quelle ville pendant 21 ans ?

Chicago

Richard Michael Daley (né le 24 avril 1942) est un homme politique américain qui a été le 54e maire de Chicago, dans l'Illinois, de 1989 à 2011. Daley a été élu maire en 1989 et a été réélu cinq fois jusqu'à ce qu'il refuse de se présenter pour un septième. terme. À 22 ans, il a été le maire de Chicago le plus ancien, dépassant le mandat de son père, Richard J. Daley. Le maire Daley a repris les écoles publiques de Chicago, développé le tourisme, supervisé la construction du Millennium Park, accru les efforts environnementaux et le développement rapide du quartier central des affaires de la ville, au centre-ville et adjacent aux côtés nord, sud et ouest. Daley a étendu les avantages sociaux aux partenaires de même sexe des travailleurs municipaux et a plaidé pour le contrôle des armes à feu. Daley était un leader national dans le domaine de la privatisation ainsi que de la location et de la vente d'actifs publics à des sociétés privées. Daley a été critiqué lorsque sa famille, ses amis personnels et ses alliés politiques semblaient bénéficier de manière disproportionnée des contrats municipaux. Le maire Daley a pris ses fonctions dans une ville avec des excédents budgétaires annuels réguliers et a laissé la ville avec d'énormes déficits structurels. Ses budgets ont enregistré les déficits les plus importants de l'histoire de Chicago. Avant de devenir maire, Daley a siégé au Sénat de l'Illinois, puis en tant que procureur de l'État du comté de Cook. Le recours à la force par la police a été un problème pendant les mandats de Daley en tant que procureur et maire de l'État. Vie précoce et personnelle Richard M. Daley est le quatrième de sept enfants et le fils aîné de Richard J. et d'Eleanor Daley, défunt maire et première dame de Chicago. Daley a grandi à Bridgeport, un quartier historiquement irlandais-américain situé dans le côté sud de Chicago. Daley est le frère de William M. Daley, ancien chef de cabinet de la Maison Blanche et ancien secrétaire au Commerce des États-Unis sous le président Bill Clinton ; John P. Daley, commissaire du conseil des commissaires du comté de Cook et président du comité des finances du conseil ; et Michael Daley, avocat chez Daley & Georges, un cabinet d'avocats fondé par leur père Richard J. Daley, spécialisé dans le droit du zonage et souvent embauché par les promoteurs pour aider à obtenir des changements de zonage par l'intermédiaire de la mairie. Daley était marié à Margaret "Maggie" Corbett jusqu'à sa mort le jour de Thanksgiving, le 24 novembre 2011, après une bataille d'une décennie contre un cancer du sein métastatique, qui s'était propagé à ses os et à son foie ; Maggie Daley Park dans le Chicago Loop la commémore. Ils ont quatre enfants : Nora, Patrick, Elizabeth et Kevin, tous nés au Mercy Hospital and Medical Center de Chicago. Leur deuxième fils, Kevin, est décédé à l'âge de deux ans des complications du spina bifida en 1981. Daley est diplômé du lycée De La Salle Institute de Chicago et a obtenu son baccalauréat du Providence College de Providence, Rhode Island en 1964. En 1962, à 19 ans, chez lui pendant les vacances de Noël, Daley a reçu une contravention pour avoir exécuté un panneau d'arrêt à Huron et Rush, et le titre du Chicago Sun-Times était "Le fils du maire obtient un ticket, n'utilise aucun poids", avec un sous-titre indiquant "Quiet Boy". Les sources sont en conflit sur le dossier militaire de Daley. La seule biographie complète de Daley ne fait aucune mention du service militaire. Un profil de 1995 dans le Chicago Sun-Times indiquait que Daley avait servi dans la réserve du Corps des Marines des États-Unis de 1961 à 1967, tandis qu'un profil de 1996 dans People Magazine citait de 1960 à 1964. Un site Web civil pour les Marines et leurs familles n'a trouvé aucun dossier militaire pour Daley. Daley a obtenu un diplôme Juris Doctor de l'Université DePaul. Il a réussi l'examen du barreau de l'Illinois à sa troisième tentative. Daley a réfléchi plus tard: "J'ai raté l'examen du barreau deux fois. J'ai dû continuer à étudier de plus en plus fort. Je l'ai réussi la troisième fois." Daley n'a jamais jugé une affaire. Daley a été élu à son premier poste de parti en tant que délégué à la Convention constitutionnelle de l'Illinois de 1969. Selon le journaliste Rick Perlstein, en juin 1972, Daley a dirigé une foule au nom des habitués du Parti démocrate de son père contre les réformateurs pro-McGovern réunis dans une église du cinquième district du Congrès de l'Illinois. L'action a échoué et la liste des réformateurs (qui comprenait le révérend Jesse Jackson) a remplacé la liste Daley à la Convention nationale démocrate à Miami Beach, en Floride. Après la mort de son père en 1976, Daley a succédé à son père en tant que membre du comité démocrate du 11e quartier, un poste du parti, jusqu'à ce que son frère John P. Daley lui succède en 1980. John P. Daley occupant le poste de 1980 à aujourd'hui. , un certain Daley occupe le poste de membre du comité du 11e quartier depuis 60 ans. Sénat de l'État de l'Illinois (1972-1980) Avec le soutien de l'organisation politique démocrate, Daley a été élu au Sénat de l'Illinois, où il a servi de 1972 à 1980. Le sénateur de l'État Daley parlait rarement aux journalistes et n'a pas tenu de conférence de presse pendant six ans. Daley a présidé la commission judiciaire du Sénat. Daley a été nommé l'un des dix pires législateurs de l'État de l'Illinois par le Chicago Magazine « pour son arrogance, pour ses qualités de requin, pour avoir vécu du nom de son père et pour avoir tiré les ficelles des marionnettes attachées à certains des pires membres du Sénat ». Il était considéré comme "trop ​​malin pour être l'un des pires, mais il contrôle tellement de sénateurs parmi les pires qu'il appartient à la liste pour les représenter tous". Après la session législative de l'État du printemps 1975, la démocrate de Chicago Dawn Clark Netsch, qui a servi avec Daley en tant que déléguées à la Convention constitutionnelle de l'Illinois et en tant que sénateurs de l'État, a blâmé le « sale petit Richie » pour avoir frustré son programme législatif de bon gouvernement à l'Assemblée législative de l'État. Procureur de l'État du comté de Cook (1981-1989) Daley a défié le républicain sortant Bernard Carey pour le poste de procureur de l'État du comté de Cook. La maire démocrate Jane Byrne a soutenu l'échevin Edward M. Burke lors de la primaire démocrate, et après la victoire de Daley à la primaire, elle a soutenu Carey aux élections générales. Daley a prévalu et a servi de 1981 à 1989. Torture policière signalée à Daley, 1982 En février 1982, Andrew Wilson est arrêté pour le meurtre de deux policiers de Chicago. Wilson a été emmené au quartier général des détectives de la zone 2, dans le côté sud, pour être interrogé par le détective de la police de Chicago, Jon Burge. Le Dr John Raba, directeur médical des services de santé Cermak, l'hôpital pénitentiaire du système hospitalier du comté de Cook, a examiné Wilson, a déterminé que Wilson avait été torturé et s'est plaint par écrit au surintendant de la police de Chicago, Richard Brzeczek : J'ai examiné M. Andrew Wilson les 15 et 16 février 1982. Il présentait de multiples contusions, gonflements et écorchures au visage et à la tête. Son œil droit était battu et présentait une lacération superficielle. Andrew Wilson avait plusieurs ampoules linéaires sur la cuisse droite, la joue droite et la partie antérieure de la poitrine, ce qui correspondait à des brûlures du radiateur. Il a déclaré qu'il avait été menotté à un radiateur et poussé dedans. Il a également déclaré que des décharges électriques avaient été administrées sur ses gencives, ses lèvres et ses parties génitales. Toutes ces blessures sont survenues avant son arrivée à la prison. Une enquête approfondie doit être menée sur cette prétendue brutalité. Brzeczek a transmis la lettre au procureur Daley. Daley n'a jamais répondu et aucune accusation n'a été portée contre aucun officier. Les procureurs de Daley ont reconnu Wilson et son frère Jackie coupables de meurtre, et Andrew Wilson a été condamné à mort. Le 2 avril 1987, la Cour suprême de l'Illinois a annulé les condamnations, statuant que Wilson avait été contraint d'avouer involontairement après avoir été battu par la police. Première campagne à la mairie, 1983 : défi lancé à Jane Byrne En novembre 1982, Daley annonça sa première campagne à la mairie. Les candidats à la primaire démocrate à trois, qui comprenait la maire sortante Jane Byrne, ancienne protégée de son père, et le député Harold Washington, ont tenu une série de quatre débats télévisés. Daley a terminé troisième. De nombreux alliés politiques de Richard J. ont reproché à Richard M. d'avoir divisé le vote blanc, permettant ainsi à Washington de devenir le premier maire noir de Chicago. Deuxième campagne à la mairie, 1989 : défi lancé à Eugene Sawyer Le 25 novembre 1987, le maire de Washington décède en fonction d'une crise cardiaque. Le 2 décembre 1987, le conseil municipal de Chicago a nommé l'échevin Eugene Sawyer maire jusqu'à ce qu'une élection spéciale pour les deux années restantes du mandat puisse avoir lieu en 1989. Daley a annoncé sa candidature le 6 décembre 1988, déclarant Soyons réalistes : nous avons un problème à Chicago. Les injures et la politique à l'hôtel de ville nous empêchent d'aborder les vrais problèmes ... Je ne suis peut-être pas le meilleur orateur de la ville, mais je sais comment diriger un gouvernement et comment rassembler les gens. Rahm Emanuel a travaillé pour la campagne Daley en tant que collecteur de fonds, David Axelrod en tant que stratège de campagne, William Daley en tant que stratège en chef et Forrest Claypool en tant qu'assistant de campagne. Parmi les quatre apparitions de Daley dans la campagne un dimanche peu avant la primaire, il y avait un rassemblement de Highlanders polonais au 4808 S. Archer Ave. Dans un journal télévisé enregistré sur vidéo, il est apparu que Daley avait déclaré : « Vous voulez qu'un maire blanc s'assoie avec tout le monde. Sawyer s'est dit "choqué". Daley a expliqué: "C'était mon discours standard. Je ne suis peut-être pas le meilleur orateur de la ville, mais je n'ai jamais utilisé le mot [blanc]." Ce vendredi-là, le groupe de surveillance de la campagne CONDUCT a censuré Daley et a félicité Sawyer pour son « rejet des commentaires racistes incendiaires ». Daley a battu Sawyer à la primaire. Aux élections générales de 1989, Daley a affronté le candidat républicain Edward Vrdolyak, un ancien échevin démocrate qui s'était opposé au maire de Washington, et l'échevin Timothy C. Evans, le candidat du parti Harold Washington nouvellement créé. Après avoir remporté les élections générales du 4 avril 1989, Daley a été inauguré maire de Chicago le 24 avril 1989, jour de son 47e anniversaire, lors d'une cérémonie à l'Orchestra Hall. Maire de Chicago (1989-2011) Premier mandat (1989-1991) Daley a présidé le conseil municipal le plus docile depuis son père. L'un des premiers actes du nouveau maire fut d'arroger le pouvoir du conseil municipal d'approuver les contrats municipaux, un droit que les échevins exerçaient sous les anciens maires Washington et Sawyer. La première proposition budgétaire de Daley, le budget de 1990, prévoyait 3 milliards de dollars de dépenses, soit 50 millions de dollars de plus que 1989, prévoyait une réduction de 25 millions de dollars de l'impôt foncier, prolongeait le gel des embauches du maire Sawyer, pilotait le recyclage et privatisait la flotte de dépanneuses de la ville. Daley est devenu le premier maire de Chicago à diriger le défilé de la fierté gay et lesbienne de Chicago, lors du 20e défilé annuel, le dimanche 26 juin 1989. Le 22 août 1990, Daley a déclaré aux journalistes que « des gens sont blessés lors d'une fusillade en voiture. -longtemps." En décembre 1990, Amnesty International a publié un rapport intitulé «Allégations de torture policière à Chicago, Illinois» appelant à une enquête approfondie sur les allégations selon lesquelles certains policiers de Chicago auraient torturé des suspects entre 1972 et 1984. Deuxième mandat (1991-1995) Le 2 avril 1991, Daley a été réélu pour un deuxième mandat (son premier mandat complet de quatre ans), avec 70,7 % des voix, contre l'avocat afro-américain des droits civiques et juge d'appel R. Eugene Pincham. Interrogé sur l'augmentation du taux d'homicides dans la ville le 10 septembre 1991, Daley a déclaré : « Plus vous avez de meurtres et d'homicides, plus cela évite des ravages. » Bagarre chez Daley dans le Michigan Le week-end du 1er et du 2 mars 1992, Daley et sa femme ont fait en sorte que leur fils Patrick, 16 ans, reste chez des proches pendant qu'ils assistaient à un événement familial à New York. Patrick a dit à ses proches qu'il séjournait chez des amis, a conduit le nouveau véhicule utilitaire sport de son père jusqu'à la résidence secondaire des Daley à Grand Beach, dans le Michigan, et a organisé une fête samedi soir sans le consentement de ses parents ni la surveillance d'un adulte. Quelqu'un a demandé à deux jeunes Philippins et à deux jeunes blancs de partir, des épithètes raciales ont été échangées et une bagarre a éclaté. Patrick est allé chercher le fusil de chasse de Richard J. Daley à la maison et l'a donné à son cousin, âgé de 17 ans. Un jeune a été grièvement blessé lorsqu'un mineur l'a frappé à la tête avec une batte de baseball. Lundi, le maire Daley, en sanglotant, a lu une déclaration lors d'une conférence de presse à l'hôtel de ville, s'arrêtant à plusieurs reprises pour tenter de garder son sang-froid : Je suis très déçu, comme n'importe quel parent le serait, après que son fils ait organisé une fête chez eux pendant que ses parents étaient absents. Je suis plus profondément affligé par le bien-être du jeune homme qui a été blessé dans ce combat. Patrick a plaidé coupable aux accusations de délit de fourniture d'alcool à des mineurs et de trouble à l'ordre public et a été condamné à six mois de probation, 50 heures de travaux d'intérêt général à Grand Beach, à une amende de 1 950 $ et à une indemnisation à ses parents pour les dommages matériels. Son cousin a plaidé coupable d'avoir pointé une arme à feu sans méchanceté et a été condamné à une amende de 1 235 $. Seize autres jeunes ont été accusés de délits juvéniles et adultes. Le jeune blessé s'est rétabli. Troisième mandat (1995-1999) Daley a pris le contrôle du système des écoles publiques de Chicago en 1995 et a nommé Paul Vallas. Lorsque Vallas a quitté son poste pour se présenter au poste de gouverneur, Daley a choisi le relativement obscur Arne Duncan, aujourd'hui secrétaire américain à l'Éducation, pour diriger le district. Le 19 mars 1997, le conseil municipal de Chicago a adopté la Domestic Partners Ordinance, qui accordait des avantages sociaux aux partenaires de même sexe des employés de la ville. Daley a déclaré que c'était une question d'équité. Le chef de file de Daley au conseil municipal démissionne Le premier grand scandale de corruption publique du mandat de Daley en tant que maire concernait les circonstances de la démission de son chef du conseil municipal, l'échevin Patrick Huels, en octobre 1997. Daley, Huels et un autre ami proche Michael Tadin ont grandi à deux pâtés de maisons de S. Avenue Émeraude à Bridgeport. Huels a fréquenté l'Institut De La Salle, le même lycée fréquenté par Daley, son père et Michael Bilandic. Huels a travaillé pour le service des travaux publics de la ville comme ouvrier et élagueur, puis comme assistant administratif au service de l'environnement, puis comme enquêteur du conseil municipal. Il a répondu au téléphone pour l'organisation démocratique du 11e quartier et en a été le secrétaire pendant plusieurs années. À la mort du maire Richard J. Daley, l'échevin du 11e arrondissement Bilandic a été nommé maire par intérim et Huels, alors âgé de 26 ans, a remplacé Bilandic comme échevin. Huels a présidé le comité des transports du conseil et est devenu le chef d'étage du maire Richard J. Daley. À l'été 2007, en réaction aux mises en accusation et aux condamnations des échevins, Daley et Huels ont dirigé un ensemble de réformes éthiques par le biais du conseil municipal. Huels possédait une entreprise de sécurité, SDI Security, Inc. avec sa femme et son frère, lieutenant de police de Chicago. Au milieu des années 1990, l'entreprise comptait environ 390 employés à temps plein et gagnait 7 millions de dollars par an. Huels était président et administrateur, et le président du comité des finances du conseil, l'échevin Edward M. Burke (14e), était secrétaire. Huels et Burke ont autorisé 633 971 $ en honoraires de consultation juridique de la part de leurs comités respectifs du Conseil à l'avocat Michael A. Pedicone, un dirigeant de longue date du SDI. En mars 1995, l'Internal Revenue Service a placé un privilège sur SDI pour 326 951 $ et en juin 1996 pour 997 382 $ pour non-paiement des charges sociales, y compris l'argent retenu sur les chèques de paie de ses employés. En 1970, après le lycée, Tadin part travailler pour Marina Cartage ; en une décennie, il était propriétaire de l'entreprise et, au cours des 15 années suivantes, elle l'a fait passer de 20 camions à 150. Entre 1992 et 1997, la ville a versé 49 millions de dollars à Marina Cartage et à une autre entreprise de Tadin pour approvisionner la ville en déneigement et autres équipements lourds. et les opérateurs. Tadin a gagné des millions de dollars en achetant des terrains à bas prix, puis en les louant ou en les vendant à la ville. Marina Cartage a utilisé les services de sécurité SDI de Huels depuis 1992. En 1995, avec le soutien de Huels, le conseil municipal a approuvé une réduction d'impôt qui a réduit de moitié l'évaluation d'un nouveau siège social et d'un terminal de camionnage de 4,5 millions de dollars pour Marina Cartage au 4450 S. Morgan à Huels. quartier, une économie d'impôt pouvant atteindre 80 000 $ par année. En 1996, avec le soutien de Huels, le conseil municipal a approuvé une subvention directe de 1,1 million de dollars pour la construction de l'installation. Quelques semaines plus tard, Tadin a créé une nouvelle société qui a été utilisée pour octroyer un prêt de sauvetage de 1,25 million de dollars au SDI. Daley a déclaré que Huels "avait fait la bonne chose en démissionnant" et a affirmé n'avoir aucune connaissance des relations commerciales de Huels. "Je ne m'immisce pas dans la vie privée des gens. Ce n'est pas ce qui m'intéresse", a déclaré Daley. Daley a annoncé un décret et une nouvelle législation sur l’éthique, en déclarant : L’objectif de ce décret est de contribuer à répondre aux questions de favoritisme dans les contrats municipaux en prévenant les conflits d’intérêts, voire l’apparition de tels conflits. … Il devrait y avoir des règles du jeu équitables, dans lesquelles personne n'a un avantage – ou un désavantage – dans l'obtention de contrats avec la ville, simplement parce qu'il me connaît ou connaît quelqu'un d'autre au gouvernement. ... Grâce aux mesures que je prends aujourd'hui et que je recommande au conseil municipal, le public peut facilement apprendre tout ce qu'il y a à savoir sur un contrat municipal : qui est impliqué, qui en profite et si la ville paie un prix équitable. Moi-même et tous les autres responsables municipaux devons être prêts à défendre chaque contrat selon ses mérites. Quatrième mandat (1999-2003) Le 23 février 1999, Daley a été réélu pour un quatrième mandat avec 68,9 % des voix contre son challenger, le membre du Congrès américain Bobby Rush. En août 1999, à la suite d'incidents policiers faisant appel à une force excessive à Chicago, New York et dans d'autres villes, la filiale américaine d'Amnesty International a publié un rapport intitulé « Race, droits et brutalité : portraits d'abus aux États-Unis », qui appelait les responsables fédéraux à mieux documenter les cas de recours excessif à la force et engager des poursuites contre les agents impliqués. En octobre 1999, l'organisation a publié un rapport « Résumé des préoccupations d'Amnesty International concernant les abus policiers à Chicago » qui exprimait des préoccupations telles que des tactiques d'interrogatoire inappropriées, une force excessive, des tirs sur des suspects non armés, ainsi que la détention et l'interrogatoire d'enfants. La famille Duff a créé une entreprise de services de conciergerie, Windy City Maintenance Inc., un mois après l'investiture de Daley. Bruce DuMont, président du Museum of Broadcast Communications, a déclaré que Daley avait recommandé à l'épouse de Dumont, Kathy Osterman, alors directrice du bureau du maire des événements spéciaux, d'attribuer des contrats municipaux aux entreprises de la famille Duff. Daley a nié avoir attribué des contrats aux Duff et a déclaré qu'il "examinerait" les allégations, sans toutefois promettre de le faire, en disant "Je ne promets pas. Ce n'est pas le bon mot à utiliser. Vous savez... promettant, prometteur. Nous y réfléchissons, oui. En septembre 2003, une enquête fédérale a conduit à l'inculpation de Patricia Green Duff, de ses fils John M. Duff et James Duff, ainsi que d'autres personnes, accusés d'avoir remporté près de 100 millions de dollars en contrats municipaux grâce au programme de mise en jachère de la ville en présentant à tort leurs entreprises comme des femmes. et appartenant à des minorités. John M. Duff a plaidé coupable de 33 chefs d'accusation de racket, de fraude et d'autres accusations le 10 janvier 2004. Une loi de l'État de 1978 conçue par les démocrates de l'Illinois a donné au maire le pouvoir de nommer pour pourvoir les postes vacants au conseil municipal plutôt que d'organiser des élections spéciales. et en 2002, plus d'un tiers des 50 échevins du Conseil étaient initialement nommés par Daley. Le Conseil est devenu encore plus une approbation automatique que dans les termes de Richard J. Daley. Au cours des 18 mois allant du 12 janvier 2000 au 6 juin 2001, seules 13 voix au Conseil ont été divisées, soit moins d'une par mois. 32 échevins ont soutenu le bourgmestre 90 à 100 % du temps et 14 autres 80 à 89 % du temps. Cinquième mandat (2003-2007) Le 26 février 2003, Daley a remporté 78,5 % des voix pour l'emporter sur son challenger, le révérend Paul Jakes Jr. Daley a approuvé le mariage homosexuel, affirmant que le 18 février 2004, il n'aurait « aucun problème » à ce que le comté de Cook délivre des licences de mariage aux homosexuels. des couples. Le magazine Time, dans son numéro du 25 avril 2005, a désigné Daley comme le meilleur des cinq maires des grandes villes des États-Unis et a caractérisé Daley comme ayant un style et un pouvoir « impériaux ». En mai 2006 à Genève, en Suisse, le Comité des Nations Unies contre la torture a publié un rapport qui soulignait « les enquêtes limitées et l'absence de poursuites » sur les allégations de torture dans les zones 2 et 3 du département de police de Chicago et a appelé les autorités américaines à « rapidement, enquêter de manière approfondie et impartiale sur les allégations et fournir davantage d'informations au comité. Daley a été intronisé au Temple de la renommée gay et lesbienne de Chicago en 2006 en tant qu'ami de la communauté. Daley ordonne la démolition de Meigs Field Un accord de longue date entre la ville et l'État obligeait la ville à entretenir et à exploiter Meigs Field, un petit aéroport du centre-ville au bord du lac sur l'île du Nord, utilisé par les avions et les hélicoptères de l'aviation générale, jusqu'en 2011, ou à le remettre à l'État. Le 12 septembre 1996, le conseil municipal a approuvé le projet de Daley de transformer l'aéroport en parc, et l'État a commencé à planifier la reprise de l'exploitation de l'aéroport. Fraîchement réélu en 2003, l'un des premiers actes majeurs de Daley fut d'ordonner la démolition de Meigs Field. Dans la nuit du dimanche 30 mars 2003, peu avant minuit, des camions de transport transportant du matériel de construction se sont dirigés vers Meigs sous l'escorte de la police de Chicago. Tôt lundi matin, les équipes municipales ont creusé six grands X dans l'unique piste. Les 50 échevins de la ville, le gouverneur de l'Illinois, Rod Blagojevich, la Federal Aviation Administration et le ministère de la Sécurité intérieure n'ont pas été consultés sur ce plan. La démolition des avions piégés sur la piste. Dans les jours qui ont suivi, nombre de ces avions ont pu décoller en empruntant la voie de circulation. "Faire cela autrement aurait été inutilement controversé", a expliqué Daley lors d'une conférence de presse lundi matin. Daley a fait valoir que l'aéroport constituait une menace pour le paysage urbain de Chicago et ses gratte-ciel prestigieux, tels que la Sears Tower et le John Hancock Center. Daley a critiqué la Federal Aviation Administration, en disant "Maintenant, pensez-y ; Mickey et Minnie l'ont. Je veux dire, je ne peux pas croire cela. Ils l'ont d'abord avant que nous l'obtenions ?", faisant référence à l'après-11 septembre. restrictions de l'espace aérien en place au-dessus d'Orlando, en Floride. "L'acte marquant des 22 années de mandat de Richard Daley a été la destruction au bulldozer de Meigs Field à minuit", selon le chroniqueur du Chicago Tribune, Eric Zorn. "Il a ruiné Meigs parce qu'il le voulait, parce qu'il le pouvait", a écrit le chroniqueur du Chicago Tribune, John Kass, à propos de Daley. "Le problème est le style de plus en plus autoritaire de Daley qui ne tolère aucun désaccord, contestation juridique, négociation, compromis ou tout ce qui est généralement associé à un gouvernement démocratique", a écrit le Chicago Tribune. La Federal Aviation Administration a cité la ville pour non-respect de la loi fédérale exigeant un préavis de trente jours à la FAA en cas de projet de fermeture d'un aéroport. La ville a été condamnée à une amende de 33 000 $, soit le maximum autorisé. La ville a payé l’amende et remboursé 1 million de dollars en subventions fédérales mal dépensées pour le développement de l’aéroport. Daley a défendu ses actions en affirmant que l'aéroport avait été abandonné, malgré le fait que les pompiers de Chicago disposaient à l'époque de plusieurs hélicoptères basés sur le terrain, en plus des dizaines d'avions privés restés bloqués. Scandale du programme de location de camions Le programme de location de camions, d'une valeur de 40 millions de dollars par an, a été le plus grand scandale des 15 premières années de Daley en tant que maire. Le programme Hired Truck a embauché des entreprises de camions privées pour effectuer des travaux urbains. Une enquête de six mois menée par le Chicago Sun-Times a donné lieu à une série d'articles de trois jours en janvier 2004 révélant que certaines entreprises participantes étaient payées pour faire peu ou pas de travail, avaient des liens avec la mafia américaine ou étaient liées à des employés de la ville, ou encore payé des pots-de-vin pour participer au programme. Entre 1996 et 2004, les entreprises participant au programme de location de camions ont versé plus de 800 000 $ en contributions électorales à divers politiciens, dont Daley, le président de la Chambre des représentants Michael Madigan et le gouverneur Rod Blagojevich ; Daley a reçu au moins 108 575 $ et son frère John Daley et son organisation de paroisse plus de 47 500 $. Mark Gyrion, le cousin germain de Daley, était surintendant des garages du service de gestion de l'eau de la ville et, parmi ses tâches, il était de décider quand les camions appartenant à la ville devaient être vendus à la ferraille. L'entreprise de la belle-mère de Gyrion, Jacz Transportation, a participé au programme de location de camions, recevant environ 1 million de dollars entre 1998 et 2004. Jacz Transportation a acheté un camion trois jours après que la ville l'a vendu à un concessionnaire de Franklin Park, puis l'a reloué à la ville. Gyrion a été accusé d'avoir omis de divulguer le rôle de sa belle-mère dans le programme de location de camions et le transfert du camion. Gyrion a été licencié et Jacz Transportation était l'une des 13 entreprises de camions suspendues du programme Hired Truck. Environ 35 % des 70 entreprises participant au programme ont été suspendues ou déférées à l'inspecteur général de la ville. Le programme a été remanié en 2004 et progressivement supprimé en 2005. Daley, chef du favoritisme parmi les fonctionnaires reconnus coupables de fraude Le 5 juillet 2006, Robert Sorich, officiellement directeur du bureau des affaires intergouvernementales du maire et, officieusement, chef du favoritisme de Daley, et Timothy McCarthy, assistant de Sorich, ont chacun été reconnus coupables de deux chefs d'accusation de fraude postale liée au truquage des cols bleus de la ville. emplois et promotions. Le meilleur ami de Sorich, l'ancien responsable des rues et de l'assainissement, Patrick Slattery, a été reconnu coupable d'un chef d'accusation de fraude postale. Un ancien commissaire adjoint chargé de la gestion des rues et de l'assainissement a été reconnu coupable d'avoir menti à des agents fédéraux au sujet de l'embauche politique. Sorich, McCarthy et Slattery vivaient dans le quartier de Bridgeport, dans le 11e quartier, le quartier et le quartier d'origine de la famille Daley. "Je ne les ai jamais vus autrement que comme travaillant dur, et je compatis pour eux en ces temps difficiles", a déclaré Daley. "C'est une critique légitime de dire que j'aurais dû exercer une plus grande surveillance pour garantir que chaque travailleur embauché par la ville, quelle que soit la personne qui les recommandait, était qualifié et que les procédures appropriées étaient toujours suivies", a admis Daley quelques jours plus tard. Quelques semaines plus tard, David Axelrod, un consultant politique démocrate dont Daley comptait parmi ses clients, a défendu le favoritisme dans un éditorial paru dans le Chicago Tribune. Le fils de Daley a caché les contrats de la ville Le fils du maire Daley, Patrick R. Daley, était étudiant en MBA à la Graduate School of Business de l'Université de Chicago et travaillait comme stagiaire non rémunéré chez Cardinal Growth, une société de capital-risque de Chicago, lorsqu'il a profité de deux entreprises Cardinal Growth créées pour remporter des contrats municipaux tout en dissimulant son rôle. Le cousin de Patrick et neveu du maire Daley est Robert G. Vanecko. En juin 2003, Patrick et Vanecko ont créé une société du Delaware, MSS Investors LLC, et ont investi 65 000 $ chacun. MSS Investors LLC a à son tour acheté une participation de 5 % dans Municipal Sewer Services, une entreprise de Cardinal Growth. Patrick et Vanecko n'ont pas divulgué leur participation dans Municipal Sewer Services, comme l'exigent les ordonnances d'éthique de la ville. Brunt Brothers Transfer Inc. était l'un des plus grands entrepreneurs noirs du programme Hired Truck. Municipal Sewer Services s'est associé à Brunt Brothers Transfer Inc. dans le cadre de leur offre pour des contrats d'inspection des égouts de la Ville. Cinq mois après que Patrick et Vanecko soient devenus propriétaires, le contrat municipal de Municipal Sewer Services a été prolongé de 3 millions de dollars, la première des deux prolongations de contrat sans appel d'offres, totalisant 23 mois supplémentaires et 4 millions de dollars. Patrick et Vanecko ont encaissé leur investissement initial après environ un an, alors que l'enquête fédérale sur le programme Hired Truck avançait. Patrick et Vanecko ont reçu une « distribution fiscale » de 13 114 $ en décembre 2004. Patrick, alors âgé de 29 ans et récemment diplômé d'un MBA de l'Université de Chicago, s'est enrôlé dans l'armée américaine. Le lendemain de la révélation par le Chicago Sun-Times de l'implication cachée du fils et du neveu du maire dans le contrat de la ville, Daley a pris la parole lors d'une cérémonie de remise des diplômes des recrues de la police de Chicago, puis est parti pour Fort Bragg, en Caroline du Nord, pour voir son fils déployé. Avant de partir, le maire Daley a lu une déclaration aux journalistes, la voix brisée, retenant ses larmes : Je ne connaissais pas l'implication de [Patrick] dans cette entreprise. En tant qu'adulte, il a pris cette décision. C'était une erreur de jugement de sa part de s'impliquer dans cette entreprise. J'aurais aimé qu'il ne l'ait pas fait. Je sais que les attentes envers les élus et leurs familles sont très élevées – à juste titre – surtout pour moi. ... Patrick est un très bon fils. Je l'aime. Maggie et moi sommes très fiers de lui. J'espère que vous respectez, je n'ai plus rien à dire à ce sujet. Le maire Daley a également déclaré qu'il ne savait pas s'il existait d'autres contrats municipaux impliquant le jeune Daley. L'inspecteur général de la ville et les autorités fédérales ont ouvert une enquête en décembre 2007. Patrick et Vanecko ont engagé des avocats de la défense pénale. Municipal Sewer Services LLC a fermé ses portes en avril 2008. En janvier 2011, Anthony Duffy, président de Municipal Sewer Services, a été accusé de trois chefs d'accusation de fraude postale en conjonction avec des contrats minoritaires et Jesse Brunt et sa société, Brunt Brothers Transfer Inc., ont été inculpés de trois chefs de fraude postale. Patrick et Vanecko n'ont pas été inculpés. En 2005, Concourse Communications, une autre entreprise de Cardinal Growth, a signé un contrat municipal pour un service Wi-Fi dans les aéroports O'Hare et Midway appartenant à la ville. Pendant des années, l’administration Daley a soutenu que Patrick n’avait aucun intérêt financier dans l’accord. Concourse a divulgué ses investisseurs à la ville, comme requis, mais Patrick n'a pas été signalé. Patrick a aligné des investisseurs pour Concourse. Le 27 juin 2006, neuf mois après la signature du contrat par Concourse, Concourse a été vendu avec un bénéfice de 33 % à Boingo Wireless Inc. pour 45 millions de dollars. Le 30 juin 2006, Patrick a reçu le premier de cinq paiements totalisant 708 999 $. Le 3 décembre 2007, peu de temps après que Patrick ait reçu le dernier de ces paiements, l'attachée de presse du maire Daley, Jacquelyn Heard, a déclaré que Patrick Daley "n'avait aucun intérêt financier dans le contrat Wi-Fi à O'Hare". Le Chicago Sun-Times a écrit : « ... le conflit d'intérêts était flagrant. » Scandale des contrats de Park Grill En 2003, une société d'exploitation composée de plus de 80 investisseurs, dont certains amis et voisins du maire Daley, a remporté, dans des circonstances controversées, un contrat lucratif pour exploiter le Park Grill, le seul restaurant du nouveau Millennium Park. En 2005, Daley a critiqué l'accord, affirmant que la ville souhaitait renégocier l'accord. Le Chicago Sun-Times a surnommé le Park Grill le « Clout Café » et a inclus le processus d'attribution des contrats dans un examen de fin d'année des scandales de l'administration Daley en 2005. Le contrat n'a jamais été renégocié et après que Daley a annoncé qu'il ne briguerait pas un septième mandat, les propriétaires du Park Grill ont cherché à vendre. Destitué en août 2013 dans le cadre du procès intenté par l'administration du maire Rahm Emanuel pour renégocier le contrat, l'ancien maire Daley a répondu « Je ne me souviens pas » 139 fois. Baux à long terme d’infrastructures publiques En janvier 2006, Skyway Concession Company, une coentreprise entre l'australien Macquarie Infrastructure Group et l'espagnole Cintra Concessiones de Infraestructuras de Transporte S.A., a versé à la ville 1,83 milliard de dollars pour les droits d'exploitation du Chicago Skyway et de perception des péages pendant 99 ans. Cet accord était le premier du genre aux États-Unis. En décembre 2006, Morgan Stanley a payé à Chicago 563 millions de dollars pour un bail de 99 ans pour les parkings de la ville. "C'est moi qui ai commencé à parler de location de biens publics. Aucune autre ville n'a fait cela en Amérique", se souvient Daley en 2009. George F. Will, commentateur lauréat du prix Pulitzer, a écrit à propos de ces accords dans le Washington Post : Malheureusement, la théorie de Daley – selon laquelle il peut être préférable d'obtenir une somme X immédiatement, plutôt que d'obtenir sur plusieurs années une somme Y sensiblement supérieure à X – suppose quelque chose qui ne peut être supposé. Cela suppose que les gouvernements géreront prudemment les augmentations soudaines de revenus provenant de la location ou de la vente d’actifs. Sixième mandat (2007-2011) Le 6 février 2008, le conseil municipal de Chicago a approuvé, par 41 voix contre 6, une augmentation des droits de mutation immobilière de la ville pour financer la Chicago Transit Authority. Présidant la réunion, Daley a sévèrement réprimandé les échevins dissidents. Le 15 mars 2010, Daley a nommé deux échevins le même jour, portant à 19 le nombre d'échevins initialement nommés par Daley. Davantage de baux à long terme pour les infrastructures publiques En septembre 2008, Chicago a accepté une offre de 2,52 milliards de dollars pour un bail de 99 ans de l'aéroport international de Midway à un groupe d'investisseurs privés, mais l'accord a échoué en raison de l'effondrement des marchés du crédit pendant la récession mondiale de 2008-2012. En 2008, alors que Chicago luttait pour combler un déficit budgétaire croissant, la ville a accepté un accord de 1,16 milliard de dollars sur 75 ans pour louer son système de parcomètres à une société d'exploitation créée par Morgan Stanley. Daley a déclaré que "l'accord est une très bonne nouvelle pour les contribuables de Chicago car il fournira plus d'un milliard de dollars de recettes nettes qui pourront être utilisées pendant cette économie très difficile". L'accord a quadruplé les tarifs, rien que la première année, tandis que les heures de stationnement payantes ont été élargies de 9h00 à 18h00. à 8h00 – 21h00 et du lundi au

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"Dans quel film Garbo a-t-il dit : ""Je veux être seul""."

Grand Hotel

Greta Garbo, née Greta Lovisa Gustafsson (18 septembre 1905 - 15 avril 1990), était une actrice suédoise et une star et icône internationale des années 1920 et 1930. Garbo a été nominée trois fois pour l'Oscar de la meilleure actrice et a reçu un prix honorifique en 1954 pour ses « performances à l'écran lumineuses et inoubliables ». En 1999, l'American Film Institute a classé Garbo au cinquième rang de sa liste des plus grandes stars féminines du cinéma hollywoodien classique, après Katharine Hepburn, Bette Davis, Audrey Hepburn et Ingrid Bergman. Garbo a lancé sa carrière avec un rôle secondaire dans le film suédois de 1924 La Saga de Gosta Berling. Sa performance a attiré l'attention de Louis B. Mayer, directeur général de Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), qui l'a amenée à Hollywood en 1925. Elle a immédiatement suscité l'intérêt avec son premier film muet, Torrent, sorti en 1926 ; un an plus tard, sa performance dans La Chair et le Diable, son troisième film, fait d'elle une star internationale. Le premier film parlant de Garbo fut Anna Christie (1930). Les spécialistes du marketing de MGM ont attiré le public avec le slogan « Garbo parle ! » La même année, elle joue dans Romance. Pour ses performances dans ces films, elle a reçu la première des trois nominations aux Oscars de la meilleure actrice. (Les règles de l'Académie de l'époque permettaient à un artiste de recevoir une seule nomination pour son travail dans plus d'un film.) En 1932, sa popularité lui permettait de dicter les termes de son contrat et elle devint de plus en plus sélective quant à ses rôles. Son succès se poursuit dans des films tels que Mata Hari (1931) et Grand Hotel (1932). De nombreux critiques et historiens du cinéma considèrent son interprétation de la courtisane condamnée Marguerite Gautier dans Camille (1936) comme sa meilleure. Ce rôle lui a valu une deuxième nomination aux Oscars. Cependant, la carrière de Garbo déclina bientôt et elle fut l'une des nombreuses stars étiquetées "Box Office Poison" en 1938. Sa carrière reprit grâce à son tour vers la comédie dans Ninotchka (1939), qui lui valut une troisième nomination aux Oscars, mais après la échec de La Femme à deux visages (1941), elle se retire du cinéma, à l'âge de 35 ans, après avoir joué dans vingt-huit films. Dès lors, Garbo a refusé toutes les opportunités de revenir à l’écran. Fuyant la publicité, elle commença une vie privée, sans se marier ni avoir d'enfants. Garbo est également devenue collectionneuse d'art plus tard dans sa vie ; sa collection, comprenant des œuvres de peintres tels que Pierre-Auguste Renoir, Pierre Bonnard et Kees van Dongen, valait des millions au moment de sa mort. Enfance et jeunesse Greta Lovisa Gustafsson est née à Södermalm, Stockholm, Suède. Elle était le troisième et le plus jeune enfant d'Anna Lovisa (née Karlsson, 1872-1944) - une femme au foyer qui travailla plus tard dans une usine de confiture - et de Karl Alfred Gustafsson (1871-1920), un ouvrier. Garbo avait un frère aîné, Sven Alfred (1898-1967) et une sœur aînée, Alva Maria (1903-1926). Ses parents se sont rencontrés à Stockholm où son père lui rendait visite depuis Frinnaryd. Il a déménagé à Stockholm pour devenir indépendant et a occupé divers petits boulots : nettoyeur de rue, épicier, ouvrier d'usine et boucher. Il épousa Anna, qui avait récemment déménagé de Högsby. Les Gustafsson étaient pauvres et vivaient dans un appartement de trois chambres avec eau froide au Blekingegatan n°32. Ils élevaient leurs trois enfants dans un quartier ouvrier considéré comme le bidonville de la ville. Garbo se souviendra plus tard : Garbo était un rêveur timide lorsqu'il était enfant. Elle détestait l'école et préférait jouer seule. Pourtant, c’était une enfant imaginative et une leader naturelle qui s’est intéressée au théâtre dès son plus jeune âge. Elle dirigeait ses amis dans des jeux et des performances imaginaires et rêvait de devenir actrice. Plus tard, elle participera au théâtre amateur avec ses amis et fréquentera le Théâtre Mosebacke. À l'âge de 13 ans, Garbo est diplômée de l'école et, typique d'une jeune fille suédoise de la classe ouvrière à cette époque, elle n'a pas fréquenté le lycée. Elle avouera plus tard qu'elle avait un complexe d'infériorité à ce sujet. Au cours de l'hiver 1919, la grippe espagnole se propage à Stockholm et le père de Garbo, dont elle était très proche, tombe malade. Il a commencé à s'absenter du travail et a finalement perdu son emploi. Garbo est resté à la maison pour s'occuper de lui et l'emmener à l'hôpital pour des traitements hebdomadaires. Il mourut en 1920 alors qu'elle avait 14 ans. Carrière Débuts (1920-1924) Garbo a d'abord travaillé comme mousseuse de savon dans un salon de coiffure, mais finalement, sur les conseils de ses amis, elle a postulé et accepté un poste dans le grand magasin PUB, où elle faisait des courses et travaillait dans le département de la chapellerie. Peu de temps après, elle a commencé à modéliser des chapeaux pour les catalogues du magasin, ce qui l'a conduite à un travail plus lucratif de mannequin. À la fin des années 1920, un réalisateur de publicités cinématographiques pour le magasin commença à confier à Garbo des rôles faisant la publicité de vêtements pour femmes. Sa première publicité fut créée le 12 décembre 1920 et fut suivie par d'autres l'année suivante. MOVIE&itemid=18583 "Herrskapet Stockholm ute på inköp (1920)"] La base de données sur le film suédois, Institut suédois du film. Récupéré le 3 avril 2012. Ainsi commença la carrière cinématographique de Garbo. En 1922, Garbo attire l'attention du réalisateur Erik Arthur Petschler qui lui confie un rôle dans sa courte comédie, Pierre le Clochard. De 1922 à 1924, elle étudie à l'école de théâtre du Royal Dramatic Theatre de Stockholm. Elle a été recrutée en 1924 par l'éminent réalisateur suédois Mauritz Stiller pour jouer un rôle principal dans son film classique La Saga de Gösta Berling, une dramatisation du célèbre roman de la lauréate du prix Nobel Selma Lagerlöf. Elle a joué aux côtés de Lars Hanson, un acteur suédois bien connu. Stiller est devenu son mentor, la formant comme actrice de cinéma et gérant tous les aspects de sa carrière naissante. Elle a suivi son rôle dans Gösta Berling avec un rôle principal dans le film allemand de 1925 Die freudlose Gasse (Joyless Street ou The Street of Sorrow), réalisé par G. W. Pabst et avec Asta Nielsen. Les récits diffèrent sur les circonstances de son premier contrat avec Louis B. Mayer, alors vice-président et directeur général de Metro-Goldwyn-Mayer. Victor Seastrom, un réalisateur suédois respecté à la MGM, était un bon ami de Stiller et a encouragé Mayer à le rencontrer lors d'un voyage à Berlin. Il existe deux versions récentes de ce qui s’est passé ensuite. Dans l'un d'eux, Mayer, toujours à la recherche de nouveaux talents, avait fait ses recherches et s'intéressait à Stiller. Il a fait une offre mais Stiller a exigé que Garbo fasse partie de tout contrat, convaincu qu'elle serait un atout pour sa carrière. Mayer a hésité, mais a finalement accepté une visite privée de Gösta Berling. Il fut immédiatement frappé par le magnétisme de Garbo et s'intéressa davantage à elle qu'à Stiller. "C'étaient ses yeux", se souvient sa fille en disant; "Je peux faire d'elle une star." Dans la deuxième version, Mayer avait déjà vu Gösta Berling avant son voyage à Berlin et Garbo, et non Stiller, était son principal intérêt. Sur le chemin de la projection, Mayer a dit à sa fille : "Ce réalisateur est merveilleux mais ce qu'il faut vraiment regarder, c'est la fille... La fille, regarde la fille !" Après la projection, sa fille a rapporté qu'il était inébranlable : "Je l'emmènerai sans lui. Je l'emmènerai avec lui. La première, c'est la fille." Célébrité du cinéma muet (1925-1929) En 1925, Garbo, alors âgé de vingt ans et incapable de parler anglais, fut amené de Suède à la demande de Mayer. Garbo et Stiller arrivèrent à New York en juillet 1925 après un voyage de dix jours à bord du SS Drottningholm. Cependant, ils sont restés à New York pendant plus de six mois sans aucune nouvelle de la MGM. Ils ont choisi de partir seuls à Los Angeles, mais cinq semaines supplémentaires se sont écoulées sans aucun contact du studio. Maintenant sur le point de retourner en Suède, elle a écrit à son petit ami resté au pays : "Tu as tout à fait raison quand tu penses que je ne me sens pas chez moi ici. . . Oh, adorable petite Suède, je te promets que quand je reviendrai en Suède, toi, mon triste visage sourira comme jamais auparavant. "Sands, Frederick. Le divin Garbo, Grosset et Dunlap (1979) pp. 69-73 Un ami suédois de Los Angeles a décidé de l'aider en contactant le producteur de MGM Irving Thalberg, qui a accepté de lui faire un test d'écran. Selon l'auteur Frederick Sands, "le résultat du test a été électrisant. Thalberg a été impressionné et a commencé à soigner la jeune actrice le lendemain, en s'arrangeant pour lui réparer les dents, en s'assurant qu'elle perdait du poids et en lui donnant des cours d'anglais." Au cours de son ascension vers la célébrité, l'historien du cinéma Mark Vieira note que "Thalberg a décrété que Garbo jouerait désormais une femme jeune mais sage du monde..." Vieira, Mark A. Irving Thalberg: Boy Wonder to Producer Prince, Univ. of California Press pp. 70-71 (2010) Cependant, selon l'épouse actrice de Thalberg, Norma Shearer, Garbo n'était pas nécessairement d'accord avec ses idées : Même si elle s'attendait à travailler avec Stiller sur son premier film, elle fut choisie pour Torrent (1926), une adaptation d'un roman de Vicente Blasco Ibáñez, avec le réalisateur Monta Bell. Elle remplace Aileen Pringle, de dix ans son aînée, et incarne un vampire face à Ricardo Cortez. Torrent a été un succès et malgré son accueil froid par la presse spécialisée, la performance de Garbo a été acclamée par la critique. Le succès a conduit Irving Thalberg, chef de production chez MGM, à lui confier un rôle similaire dans La Tentatrice (1926), basé sur un autre roman d'Ibáñez. Après un seul film, elle se retrouve en tête d'affiche, jouant aux côtés d'Antonio Moreno. Son mentor Stiller, qui l'avait persuadée de prendre le rôle, fut chargé de la réalisation. Pour Garbo (qui ne voulait pas jouer un autre vampire et n'aimait pas plus le scénario que le premier) et Stiller, The Temptress a été une expérience déchirante. Stiller, qui parlait peu anglais, avait du mal à s'adapter au système des studios et ne s'entendait pas avec Moreno, fut licencié par Thalberg et remplacé par Fred Niblo. Refaire The Temptress coûtait cher et même s'il est devenu l'un des films les plus rentables de la saison 1926-1927, c'était le seul film de Garbo de la période à perdre de l'argent. Cependant, Garbo a reçu des critiques élogieuses et MGM a eu une nouvelle étoile. Après son ascension fulgurante, Garbo a continué à réaliser huit autres films muets et tous ont été des succès. Elle a joué dans trois d’entre eux avec le leader populaire John Gilbert. À propos de leur premier film, Flesh and the Devil (1926), l'expert du cinéma muet Kevin Brownlow déclare qu '"elle a donné une performance plus érotique que Hollywood n'avait jamais vu". Leur alchimie à l’écran s’est rapidement traduite par une romance hors caméra et à la fin de la production, ils ont commencé à vivre ensemble. Le film a également marqué un tournant dans la carrière de Garbo. Vieira a écrit : "Le public était fasciné par sa beauté et titillé par ses scènes d'amour avec Gilbert. Elle faisait sensation." Les bénéfices de son troisième film avec Gilbert, A Woman of Affairs (1928), la propulsèrent au rang de première star de Metro de la saison 1928-1929 au box-office, usurpant la reine du silence de longue date, Lillian Gish. En 1929, le critique Pierre de Rohan écrivait dans le New York Telegraph : « Elle a un glamour et une fascination pour les deux sexes qui n'ont jamais été égalés à l'écran. » L'impact du jeu d'acteur et de la présence à l'écran de Garbo a rapidement établi sa réputation comme l'une des plus grandes actrices d'Hollywood. L'historien et critique du cinéma David Denby soutient que Garbo a introduit une subtilité d'expression dans l'art du jeu muet et que son effet sur le public ne peut être exagéré. Elle "baisse la tête pour avoir un air calculateur ou bat des lèvres", dit-il. "Son visage s'assombrit avec un léger resserrement autour des yeux et de la bouche ; elle enregistre une idée passagère avec une contraction de ses sourcils ou un affaissement de ses paupières. Les mondes tournaient selon ses mouvements." Durant cette période, Garbo a commencé à exiger des conditions inhabituelles lors du tournage de ses scènes. Elle a interdit aux visiteurs, y compris les cuivres du studio, d'accéder à ses plateaux et a exigé que des appartements ou des écrans noirs l'entourent pour empêcher les figurants et les techniciens de la regarder. Interrogée sur ces exigences excentriques, elle a répondu : « Si je suis seule, mon visage fera des choses que je ne pourrais pas faire autrement. » Malgré sa popularité en tant que star du silence, le studio craignait que son accent suédois puisse nuire à son travail sonore et retardait le changement le plus longtemps possible. MGM elle-même fut le dernier studio hollywoodien à se convertir au son et son dernier film muet, The Kiss (1929), appartenait également au studio. Garbo allait devenir l'un des plus grands tirages au box-office de la prochaine décennie. Transition vers un succès solide et continu (1930-1939) À la fin de 1929, MGM choisit Garbo dans Anna Christie (1930), une adaptation cinématographique de la pièce de 1922 d'Eugene O'Neill, son premier rôle parlant. Le scénario a été adapté par Frances Marion et le film a été produit par Irving Thalberg et Paul Bern. Seize minutes après le début du film, elle prononce sa première phrase célèbre : "Donne-moi un whisky, du soda au gingembre à part, et ne sois pas avare, bébé". Le film a été créé à New York le 21 février 1930, annoncé avec le slogan "Garbo talks!", et a été le film le plus rentable de l'année. Garbo a reçu sa première nomination aux Oscars de la meilleure actrice pour sa performance, bien qu'elle ait perdu contre sa collègue de la MGM Norma Shearer. Sa nomination cette année-là comprenait sa performance dans Romance (1930). Une fois le tournage terminé, Garbo, avec un réalisateur et un casting différents, a filmé une version en langue allemande d'Anna Christie qui est sortie en décembre 1930. Le succès du film a certifié la transition réussie de Garbo vers le cinéma parlant. Dans son film suivant, Romance (1930), elle incarna une star de l'opéra italienne aux côtés de Lewis Stone. Elle fut associée à Robert Montgomery dans Inspiration (1931), et sa popularité fut utilisée pour stimuler la carrière du relativement inconnu Clark Gable dans Susan Lenox (Her Fall and Rise) (1931). Bien que les films n'aient pas égalé le succès de Garbo avec ses débuts sonores, elle a été classée comme la star féminine la plus populaire aux États-Unis en 1930 et 1931. Garbo a suivi avec deux de ses rôles les plus célèbres. En 1931, elle incarne l'espion allemand de la Première Guerre mondiale dans la somptueuse production de Mata Hari, aux côtés de Ramón Novarro. Lorsque le film est sorti, il "a semé la panique parmi les policiers de réserve nécessaires pour maintenir l'ordre dans la foule en attente". L'année suivante, elle incarne une ballerine russe dans Grand Hotel (1932), face à un ensemble composé de John Barrymore, Joan Crawford et Wallace Beery, entre autres. Le film a remporté cette année-là l'Oscar du meilleur film. Les deux films étaient respectivement les films les plus rémunérateurs de la MGM en 1931 et 1932, et Garbo était surnommé "la plus grande machine à gagner de l'argent jamais mise à l'écran". L'amie proche de Garbo, Mercedes de Acosta, a ensuite écrit un scénario pour qu'elle incarne Jeanne d'Arc, mais les producteurs ont rejeté l'idée et le film a été abandonné. Après être apparue dans As You Desire Me (1932), le premier des trois films de Garbo mettant en vedette Melvyn Douglas, le contrat de Garbo avec la MGM a expiré et elle est retournée en Suède. Après près d'un an de négociations, Garbo a accepté de renouveler son contrat avec la MGM à la condition qu'elle joue dans Queen Christina et que son salaire soit augmenté à 300 000 $ par film. Le scénario du film avait été écrit par Viertel, et bien que la MGM ait été réticente à faire le film, elle a cédé face à l'insistance de Garbo. Pour son homme principal, MGM a suggéré Charles Boyer ou Laurence Olivier, mais Garbo a rejeté les deux, préférant son ancien co-star et amant, John Gilbert. Le studio a hésité à l'idée de choisir Gilbert, craignant que sa popularité déclinante ne nuise aux bénéfices du film, mais Garbo a prévalu. Queen Christina était une production somptueuse, devenant l'une des plus grandes productions du studio à l'époque. Publicisé sous le titre "Garbo Returns", le film a été créé en décembre 1933 et a été acclamé par la critique et triomphé au box-office et est devenu le film le plus rentable de l'année. Le film a cependant suscité une controverse lors de sa sortie ; les censeurs se sont opposés aux scènes dans lesquelles Garbo se déguisait en homme et embrassait une co-star féminine. Bien que sa popularité nationale soit restée intacte au début des années 1930, les bénéfices élevés des films de Garbo après Queen Christina en 1933 dépendaient du marché étranger pour leur succès. Les films historiques et mélodramatiques qu'elle commença à réaliser sur les conseils de Viertel connurent un grand succès à l'étranger mais beaucoup moins aux États-Unis. En pleine Grande Dépression, le public américain semblait privilégier les couples de cinéma « locaux », tels que Clark Gable et Jean Harlow. En 1935, David O. Selznick voulait lui confier le rôle de l'héritière mourante dans Dark Victory, mais Garbo choisit Anna Karénine (1935) de Léon Tolstoï dans lequel elle interpréta un autre de ses rôles célèbres. Sa performance acclamée par la critique lui a valu le New York Film Critics Circle Award de la meilleure actrice. Le film a connu un succès international et a fait mieux que ce que MGM espérait au niveau national. Pourtant, son bénéfice a été considérablement diminué en raison de son salaire exorbitant. Garbo a choisi le drame romantique Camille (1936) de George Cukor comme son prochain projet. Thalberg a choisi ses talents opposés, Robert Taylor et son ancien co-star, Lionel Barrymore. Cukor a soigneusement conçu le portrait de Marguerite Gatier par Garbo, une femme de la classe inférieure, qui devient la maîtresse de renommée mondiale Camille. La production a cependant été gâchée par la mort subite de Thalberg, alors âgé de trente-sept ans seulement, qui a plongé les studios hollywoodiens dans un « état de choc profond », écrit David Bret. Garbo s'était rapproché de Thalberg et de sa femme, Norma Shearer, et était souvent passé chez eux à l'improviste. Selon certains, son chagrin pour Thalberg était plus profond que pour John Gilbert, décédé plus tôt la même année. Bret, David. Greta Garbo : Divine Star, Robson Press (2012) Sa mort a également ajouté à l'ambiance sombre requise pour les scènes finales de Camille. Lorsque le film fut créé à New York le 12 décembre 1936, il devint un succès international, le premier grand succès de Garbo en trois ans. Elle a remporté le New York Film Critics Circle Award de la meilleure actrice pour sa performance et a de nouveau été nominée pour un Oscar. Le projet de suivi de Garbo fut la somptueuse production de Clarence Brown de Conquest (1937) aux côtés de Charles Boyer. L'intrigue était la romance dramatisée entre Napoléon et Marie Walewska. C'était le film le plus important et le plus médiatisé de la MGM en 1937, mais à sa sortie, il a perdu plus d'un million de dollars au box-office, devenant ainsi l'un des plus gros échecs du studio de la décennie. La popularité de Garbo avait considérablement chuté et lorsque son contrat expira peu après, elle retourna brièvement en Suède. Le 3 mai 1938, Garbo faisait partie des nombreuses stars, dont Joan Crawford, Norma Shearer, Luise Rainer, Katharine Hepburn, Mae West, Marlene Dietrich, Fred Astaire, Dolores del Río et d'autres, surnommées "Box Office Poison" dans un article publié par Harry Brandt au nom des Independent Theatre Owners of America. Après l'échec au box-office de Conquest, MGM a décidé que Garbo avait besoin d'un changement de rythme pour son prochain film afin de ressusciter sa popularité déclinante. Le studio l'a associée au producteur-réalisateur Ernst Lubitsch pour filmer Ninotchka, sa première comédie. Le film a été l'un des premiers films hollywoodiens qui, sous le couvert d'une romance satirique et légère, a dépeint l'Union soviétique sous Joseph Staline comme étant rigide et grise par rapport à ses années d'avant-guerre. Ninotchka a été créée en octobre 1939, publiée avec le slogan "Garbo rit!", commentant le départ de l'image sérieuse et mélancolique de Garbo alors qu'elle passait à la comédie. Malgré le favoritisme critique et le succès du film aux États-Unis et à l'étranger, le film a été interdit en Union soviétique et dans ses satellites. Dernier travail et retraite anticipée (1941-1948) Avec Two-Faced Woman de George Cukor (1941), MGM tenta de capitaliser sur le succès de Garbo dans Ninotchka en la mettant dans une comédie romantique qui cherchait à la dépeindre comme une femme chic et moderne. Elle a joué un rôle « double » dans lequel elle dansait la rumba, nageait et skiait. Le film a été un échec critique mais, contrairement à la croyance populaire, il s'est assez bien comporté au box-office. Garbo a qualifié le film de « ma tombe ». Two-Faced Woman était son dernier film ; elle avait trente-six ans et avait réalisé vingt-huit longs métrages en seize ans. Bien que Garbo ait été humiliée par les critiques négatives de Two-Faced Woman, elle n'avait pas au début l'intention de prendre sa retraite. Mais ses films dépendaient du marché européen et lorsque celui-ci échoua avec la guerre, trouver un véhicule fut problématique pour la MGM. Elle a signé un contrat pour un film en 1942 pour réaliser La Fille de Leningrad, mais le projet s'est rapidement dissous. Elle pensait toujours qu'elle continuerait une fois la guerre terminée, même si elle était ambivalente et indécise quant à son retour à l'écran. Salka Viertel, amie proche et collaboratrice de Garbo, disait en 1945 : « Greta est impatiente de travailler. Mais d'un autre côté, elle en a peur ». Garbo s'inquiétait également de son âge. "Le temps laisse des traces sur nos petits visages et nos corps. Ce n'est plus pareil, pouvoir s'en sortir." George Cukor, réalisateur de Two-Faced Woman, et souvent blâmé pour son échec, a déclaré : « Les gens disent souvent avec désinvolture que l'échec de Two-Faced Woman a mis fin à la carrière de Garbo. C'est une simplification grotesque. Cela l'a certainement bouleversée, mais je pense que ce Ce qui s'est vraiment passé, c'est qu'elle a tout simplement abandonné. Pourtant, Garbo signa un contrat en 1948 avec le producteur Walter Wanger, qui avait produit Queen Christina, pour tourner un film basé sur La Duchesse de Langeais de Balzac. Max Ophüls devait adapter et réaliser. Elle fit plusieurs tests d'écran, apprit le scénario et arriva à Rome à l'été 1949 pour tourner le film. Mais le financement ne s’est pas concrétisé et le projet a été abandonné. On pensait que les tests d'écran - la dernière fois que Garbo s'était présenté devant une caméra - avaient été perdus pendant quarante et un ans jusqu'à ce qu'ils soient redécouverts en 1990 par les historiens du cinéma Leonard Maltin et Jeanine Basinger. Certaines parties des images ont été incluses dans le documentaire TCM 2005 Garbo. En 1949, on lui propose le rôle de la star du cinéma muet fictif Norma Desmond dans Sunset Boulevard. Cependant, après une rencontre avec le producteur du film Charles Brackett, elle a insisté sur le fait qu'elle n'était absolument pas intéressée par ce rôle. On lui a proposé de nombreux rôles dans les années 1940 et tout au long de ses années de retraite, mais elle en a rejeté tous, sauf quelques-uns. Dans les rares cas où elle a accepté, le moindre problème l’a amenée à abandonner. Bien qu'elle ait refusé tout au long de sa vie de parler à ses amis des raisons qui l'avaient poussée à prendre sa retraite, elle a déclaré au biographe suédois Sven Broman quatre ans avant sa mort : « J'en avais marre d'Hollywood. Je n'aimais pas mon travail. Il y avait de nombreux jours où je devais forcer moi-même pour aller au studio... Je voulais vraiment vivre une autre vie." Personnalité publique Dès le début de sa carrière, Garbo a évité les réceptions sociales de l'industrie, préférant passer son temps seule ou avec des amis. Elle n'a jamais signé d'autographes ni répondu au courrier des fans et a rarement donné des interviews. Elle n'est jamais non plus apparue aux cérémonies des Oscars, même lorsqu'elle était nominée. Son aversion pour la publicité et la presse était indéniablement authentique et, au début, exaspérante pour le studio. Dans une interview en 1928, elle expliqua que son désir d'intimité avait commencé lorsqu'elle était enfant, déclarant "d'aussi loin que je me souvienne, j'ai voulu être seule. Je déteste les foules, je n'aime pas beaucoup de gens". Mais MGM a fini par en tirer profit, car cela a renforcé l’image de la femme mystérieuse, silencieuse et recluse. Elle est étroitement associée à une phrase de Grand Hotel, que l'American Film Institute a élue en 2005 comme la 30e citation cinématographique la plus mémorable de tous les temps : « Je veux être seule ; je veux juste être seule ». Le thème est devenu un gag courant à partir de ses images muettes. Vie privée Service de guerre Pendant la Seconde Guerre mondiale, Garbo a travaillé secrètement pour le MI6. Daily Express, 6 juillet 2012 En tandem avec un autre agent du MI6, le producteur d'origine britannique Alexander Korda, ils ont utilisé le prétexte de produire un film pour accéder à des lieux d'intérêt pour les services de renseignement. Les réalisations spécifiques comprenaient la collecte d'informations sur Axel Wenner-Gren, un industriel millionnaire suédois et ami réputé d'Hermann Goering, et l'ouverture de la voie à une rencontre entre le physicien danois Niels Bohr et le roi Gustav V de Suède, qui a contribué au sauvetage du danois. Les Juifs. Retraite À la retraite, Garbo menait généralement une vie privée de simplicité et de loisirs. Elle ne fit aucune apparition publique et essaya assidûment d’éviter la publicité qu’elle détestait. Comme elle l'avait été pendant ses années hollywoodiennes, Garbo, avec son besoin inné de solitude, était souvent recluse. Mais contrairement au mythe, elle avait dès le début de nombreux amis et connaissances avec qui elle socialisait et, plus tard, voyageait. Parfois, elle voyage en jet set avec des personnalités connues et riches, s'efforçant de protéger sa vie privée comme elle l'a fait au cours de sa carrière. Pourtant, elle se demandait souvent quoi faire et comment passer son temps (« dérive » était le mot qu'elle utilisait fréquemment), toujours aux prises avec ses nombreuses excentricités, sa mélancolie, sa dépression et ses sautes d'humeur de toute une vie. A l'approche de son soixantième anniversaire, elle a déclaré à un compagnon de marche fréquent : "Dans quelques jours, ce sera l'anniversaire du chagrin qui ne me quitte jamais, qui ne me quittera jamais de ma vie." À une autre amie, elle a dit, en 1971 : « Je suppose que je souffre d'une très profonde dépression ». On peut également soutenir, dit un biographe, qu'elle était bipolaire. "Je suis très heureuse un instant, l'instant d'après il ne me reste plus rien", disait-elle en 1933. À partir des années 1940, elle devient une sorte de collectionneuse d’art. La plupart des tableaux qu'elle a achetés étaient d'une valeur négligeable, mais elle a acheté des tableaux de Renoir, Rouault, Kandinsky, Bonnard et Jawlensky. Sa collection d'art valait des millions à sa mort en 1990. Le 9 février 1951, elle devint citoyenne naturalisée américaine et, en 1953, acheta un appartement de sept pièces au 450 East 52nd Street à Manhattan, à New York, où elle vécut pour le reste de sa vie. Le 13 novembre 1963, Garbo était invité à un dîner à la Maison Blanche. Elle a passé la nuit au domicile de la philanthrope Florence Mahoney, à Washington, DC. La nièce de Garbo, Gray Reisfield, a déclaré au spécialiste des musées James Wagner à la bibliothèque et musée présidentiels John F. Kennedy, cité dans un communiqué de presse de 2000 : "[Garbo] en a toujours parlé comme d'une soirée magique." Le réalisateur italien Luchino Visconti aurait tenté de ramener Garbo à l'écran en 1969 avec un petit rôle, Maria Sophia, reine de Naples, dans son adaptation du Souvenir des choses passées de Proust. Il s'exclame : « Je suis très heureux à l'idée que cette femme, avec sa présence sévère et autoritaire, puisse figurer dans le climat décadent et raréfié du monde décrit par Proust. » Les affirmations selon lesquelles Garbo était intéressé par le rôle ne peuvent être étayées. En 1971, Garbo est en vacances avec son amie proche, la baronne Cécile de Rothschild, dans sa résidence d'été du sud de la France. De Rothschild lui a présenté Samuel Adams Green, collectionneur d’art et conservateur bien connu à New York, et les deux ont formé un lien immédiat. Green, qui est devenu un ami important et un compagnon de marche, avait l'habitude d'enregistrer tous ses appels téléphoniques et, avec la permission de Garbo, a enregistré plusieurs de ses conversations avec elle. En 1985, Garbo a mis fin à leur amitié lorsqu'elle a été faussement informée que Green avait fait écouter les cassettes à des amis. Dans son dernier testament, Green a légué en 2011 toutes les bandes, qui révèlent la personnalité de Garbo plus tard dans la vie, son sens de l'humour et diverses excentricités, aux archives cinématographiques de l'Université Wesleyenne. Même si elle est devenue de plus en plus renfermée dans ses dernières années, elle s'est rapprochée au fil du temps de sa cuisinière et femme de ménage, Claire Koger, qui a travaillé pour elle pendant trente et un ans. "Nous étions très proches, comme des sœurs", a déclaré Koger, réticente. Tout au long de sa vie, Garbo était connue pour faire de longues promenades quotidiennes avec des compagnons ou seule. À la retraite, elle arpentait les rues de New York, habillée de manière décontractée et portant de grandes lunettes de soleil. "Observer des garbos" est devenu un sport pour les photographes, les médias, les admirateurs et les New-Yorkais curieux, mais elle a maintenu sa mystique insaisissable jusqu'au bout. Des relations Garbo ne s'est jamais marié, n'a pas eu d'enfants et a vécu seul à l'âge adulte. Sa romance la plus célèbre fut avec son partenaire fréquent, John Gilbert, avec qui elle vécut par intermittence en 1926 et 1927. Peu de temps après le début de leur romance, Gilbert commença à l'aider à jouer sur le plateau, lui apprenant à se comporter comme une star, à socialiser lors des fêtes et comment gérer les patrons de studio.Gross, Michael. Magazine new-yorkais, "Garbo's Last Days", 21 mai 1990, pp. 39-46. Ils ont de nouveau joué dans trois autres succès, Love (1927), A Woman of Affairs (1928) et Queen Christina (1933). Gilbert lui aurait proposé à plusieurs reprises, Garbo ayant accepté mais se retirant à la dernière minute. "J'étais amoureuse de lui", a-t-elle déclaré. "Mais je me suis figé. J'avais peur qu'il me dise quoi faire et me dirige. J'ai toujours voulu être le patron." En 1937, elle rencontre le chef d'orchestre Leopold Stokowski avec qui elle entretient une amitié ou une romance très médiatisée lors d'un voyage à travers l'Europe l'année suivante. Dans son journal, Erich Maria Remarque évoque une liaison avec Garbo en 1941 et dans ses mémoires, Cecil Beaton décrit une liaison avec elle en 1947 et 1948. En 1941, elle rencontra le millionnaire d'origine russe George Schlee, qui lui fut présenté par sa femme, la créatrice de mode Valentina. Nicholas Turner, un ami proche de Garbo depuis 33 ans, a déclaré qu'après que Garbo ait acheté un appartement dans le même immeuble, "Garbo a emménagé et a immédiatement emmené Schlee à Valentina". Schlee partagerait son temps entre les deux, devenant le proche compagnon et conseiller de Garbo jusqu'à sa mort en 1964. Des biographes récents et d'autres pensent que Garbo était bisexuelle ou lesbienne et qu'elle avait des relations intimes avec des femmes ainsi qu'avec des hommes. En 1927, Garbo a été présenté à l'actrice de théâtre et de cinéma Lilyan Tashman et ils pourraient avoir eu une liaison, selon certains écrivains. La star du cinéma muet Louise Brooks a déclaré qu'elle et Garbo avaient eu une brève liaison l'année suivante. En 1931, Garbo se lie d'amitié avec l'écrivain et lesbienne reconnue Mercedes de Acosta, présentée par son amie proche, Salka Viertel, et, selon les biographes de Garbo et de Acosta, a commencé une romance sporadique et volatile. Les deux sont restés amis - avec des hauts et des bas - pendant près de trente ans, période pendant laquelle Garbo a écrit à de Acosta 181 lettres, cartes et télégrammes qui sont conservés au musée et bibliothèque Rosenbach à Philadelphie. La famille de Garbo, qui contrôle sa succession, n'en a mis que 87 à la disposition du public. En 2005, la succession de Mimi Pollak a publié soixante lettres que Garbo lui avait écrites dans leur longue correspondance. Plusieurs lettres suggèrent qu'elle pourrait avoir des sentiments amoureux pour Pollak depuis de nombreuses années. Après avoir appris la grossesse de Pollak en 1930, par exemple, Garbo a écrit : « Nous ne pouvons pas aider notre nature, telle que Dieu l'a créée. Mais j'ai toujours pensé que vous et moi étions ensemble ». En 1975, elle a écrit un poème sur le fait de ne pas pouvoir toucher la main de son amie avec qui elle aurait pu vivre sa vie. La mort Garbo a été traitée avec succès pour un cancer du sein en 1984. Vers la fin de sa vie, seuls les amis les plus proches de Garbo savaient qu'elle recevait des traitements de dialyse six heures trois fois par semaine à l'Institut Rogosin de l'hôpital de New York. Une photographie est apparue dans les médias au début des années 1990, montrant Koger aidant Garbo, qui marchait avec une canne, à l'hôpital. Greta Garbo est décédée le 15 avril 1990, à l'âge de 84 ans, à l'hôpital des suites d'une pneumonie et d'une insuffisance rénale. Daum a affirmé plus tard que vers la fin, elle souffrait également de maladies gastro-intestinales et parodontales. Garbo a été incinérée à Manhattan et ses cendres ont été enterrées en 1999 au cimetière Skogskyrkogården, juste au sud de sa ville natale de Stockholm. Garbo avait investi judicieusement, principalement dans des actions et des obligations, et a laissé l'intégralité de sa succession, 32 042 429 $, soit 57 000 000 $ aux taux de 2013, à sa nièce, Gray Reisfield. Héritage Garbo était une superstar internationale à la fin de l'ère du cinéma muet et de « l'âge d'or » d'Hollywood et est largement considéré comme une légende du cinéma. Presque immédiatement, avec la popularité soudaine de ses premières photos, elle est devenue une icône du cinéma. Pendant la majeure partie de sa carrière, elle a été l'actrice ou l'acteur le mieux payé de la MGM, faisant d'elle pendant de nombreuses années sa « première star de prestige ». La nécrologie du Washington Post d'avril 1990 indiquait qu '«au sommet de sa popularité, elle était une figure virtuellement culte». Garbo possédait une subtilité et un naturalisme dans son jeu qui la distinguaient des autres acteurs et actrices de l'époque. À propos de son travail dans les films muets, le critique de cinéma Ty Burr a déclaré : « C'était un nouveau type d'acteur – pas l'acteur de théâtre qui devait jouer jusqu'aux sièges les plus éloignés, mais quelqu'un qui pouvait simplement

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Qu'est-ce qu'Osbert Lancaster est le plus connu pour produire ?

Cartoons

Sir Osbert Lancaster, CBE (4 août 1908 – 27 juillet 1986) était un dessinateur, auteur, critique d'art et scénographe anglais, surtout connu du grand public pour ses dessins publiés dans le Daily Express. Biographie Lancaster est né à Londres et a fait ses études à la St Ronan's School, puis à Charterhouse et au Lincoln College d'Oxford. À Oxford, il se lie d'amitié avec John Betjeman et dessine des dessins pour le magazine universitaire Cherwell. Il a obtenu un diplôme de quatrième classe en anglais après une année supplémentaire au-delà des trois années normales d'études. Ayant l'intention de faire carrière dans le droit, il échoue à ses examens du barreau et entre à la Slade School of Art de Londres. Lancaster a d'abord travaillé aux côtés de Betjeman à l'Architectural Review. En 1936, il publie Progress at Pelvis Bay, le premier de ses nombreux livres de satire sociale et architecturale. En 1939, il devient caricaturiste au Daily Express, où il est le pionnier du dessin animé de poche, un dessin d'actualité à un seul panneau et une seule colonne apparaissant en première page, imité depuis dans plusieurs journaux britanniques. Dans ceux-ci, il se moquait avec sympathie des classes supérieures britanniques, personnifiées par ses personnages William (8e comte de Littlehampton, anciennement vicomte Draynflete) et son épouse Maudie. Au cours de sa carrière dans l'Express, Lancaster a dessiné quelque 10 000 dessins sur une période de 40 ans. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Lancaster a travaillé dans la censure de la presse, puis en Grèce comme attaché de presse du ministère des Affaires étrangères. Pendant les années de guerre, ses dessins apportèrent un soulagement comique aux privations dues au rationnement et aux bombardements. Après la guerre, Lancaster publia Classical Landscape with Figures (1947), The Saracen's Head (1948) et Drayneflete Revealed (1949), le dernier traitant de l'héritage architectural et artistique des Littlehampton. Avec The Littlehampton Bequest (1973, préface de Sir Roy Strong), il a fourni une étude humoristique et satirique mais très bien informée des tendances architecturales et esthétiques de l'histoire britannique et européenne. En 1951, Lancaster a travaillé avec John Piper sur des créations pour le Festival of Britain. Cela a été suivi par des travaux de scénographie pour l'opéra, le ballet et le théâtre, y compris des productions à Sadler's Wells et à Glyndebourne, parmi lesquelles la production de Frederick Ashton de La Fille mal gardée. Lancaster était fermement ancré dans la classe moyenne supérieure britannique, comme le montrent clairement ses autobiographies All Done From Memory (1963) et With an Eye to the Future (1967), ainsi que dans ses livres illustrés par lui-même. Plus tard dans sa vie, on a observé qu'il affectait un personnage caricatural similaire à ceux représentés dans ses dessins. Lorsqu'il fut fait chevalier en 1975, il devint l'un des rares caricaturistes à avoir reçu cet honneur, parmi lesquels John Tenniel et David Low. Lancaster a été l'illustrateur de nombreux livres d'autres écrivains, dont Noblesse Oblige (Londres, Hamish Hamilton, 1973, édité par Nancy Mitford, et de certaines éditions des livres de C. Northcote Parkinson, dont Parkinson's Law, sa suite The Law and the Profits, In -lois et hors-la-loi , et la loi du retard. Lancaster s'est marié deux fois : d'abord avec Karen Elizabeth Harris, fille de Sir Austen Harris, avec qui il a eu un fils, William et une fille, Kara ; deuxièmement, après la mort de Karen en 1964, avec la journaliste Anne Scott-James, qu'il épousa en 1967 et qui devint sa veuve. Outre son titre de chevalier, les honneurs de Lancaster comprenaient un CBE en 1953 et un DLitt honoraire d'Oxford, ainsi que des diplômes honorifiques de Birmingham (1964), Newcastle upon Tyne (1970) et St Andrews (1974). Lancaster est décédé de causes naturelles, à l'âge de 77 ans, à Chelsea. La nécrologie du Times résumait sa carrière : « Le plus poli et le plus simple des caricaturistes, il n'a jamais été un croisé, restant toujours un critique spirituel et civilisé avec une profonde compréhension des caprices de la nature humaine. » Il est enterré à West Winch, Norfolk. Des expositions Les dessins et caricatures de Lancaster ont fait l'objet d'une exposition marquant le centenaire de sa naissance, intitulée "Cartoons and Coronets: The Genius of Osbert Lancaster" à la Wallace Collection d'octobre 2008 à janvier 2009. Organisée par James Knox et soutenue par le John R. . Murray Charitable Trust de John Murray, elle a coïncidé avec la publication d'une nouvelle biographie portant le même titre que l'exposition. Publications sélectionnées *Drayneflete Revealed (1949) – une histoire humoristique de l'architecture britannique, retraçant le développement de la ville fictive de Draynflete au fil des siècles * Ici de tous les lieux * Façades et visages (Londres, John Murray, 1950) * Naviguer vers Byzance : un compagnon architectural (Londres, John Murray, 1969) * All Done from Memory (1963) et With an Eye to the Future (1973), autobiographie. * Caricatures et couronnes : le génie d'Osbert Lancaster (Londres, Frances Lincoln Publishers, 2008)

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Qui était la championne en titre lorsque Martina Navratilova a remporté pour la première fois le simple à Wimbledon ?

Virginia Wade

Les Championnats de Wimbledon, communément appelés simplement Wimbledon, sont le tournoi de tennis le plus ancien au monde et sont largement considérés comme les plus prestigieux. Il a lieu au All England Club de Wimbledon, Londres depuis 1877. Wimbledon est l'un des quatre tournois de tennis du Grand Chelem, les autres étant l'Open d'Australie, l'Open de France et l'US Open. Depuis que l'Open d'Australie s'est déroulé sur terrain dur en 1988, Wimbledon est le seul tournoi majeur encore joué sur gazon. Le tournoi se déroule sur deux semaines fin juin et début juillet, culminant avec la finale du simple dames et messieurs, toujours prévue respectivement le deuxième samedi et le dimanche de juillet. Cinq événements majeurs, juniors et sur invitation ont lieu chaque année. Les traditions de Wimbledon incluent un code vestimentaire strict pour les concurrents et le patronage royal. Le tournoi se distingue également par l'absence de publicité des sponsors autour des courts. En 2009, le court central de Wimbledon a été équipé d'un toit rétractable pour réduire la perte de temps de jeu due à la pluie. Histoire Début Le All England Lawn Tennis and Croquet Club est un club privé fondé le 23 juillet 1868, à l'origine sous le nom de « The All England Croquet Club ». Son premier terrain était à côté de Worple Road, Wimbledon. En 1876, le tennis sur gazon, un jeu conçu par le major Walter Clopton Wingfield environ un an plus tôt et initialement appelé Sphairistikè, fut ajouté aux activités du club. Au printemps 1877, le club fut rebaptisé « The All England Croquet and Lawn Tennis Club » et signala son changement de nom en instituant le premier championnat de tennis sur gazon. Un nouveau code de lois, remplaçant le code administré par le Marylebone Cricket Club, a été élaboré pour l'événement. Les règles d'aujourd'hui sont similaires à l'exception de détails tels que la hauteur du filet et des poteaux et la distance entre la ligne de service et le filet. Le premier championnat de Wimbledon de 1877 s'est ouvert le 9 juillet 1877. Le simple messieurs était le seul événement organisé et a été remporté par Spencer Gore, un vieux joueur de raquettes harrovien, sur un peloton de 22. Environ 200 spectateurs ont payé un shilling chacun pour assister à la finale. Les pelouses au sol étaient disposées de manière à ce que le court principal soit au milieu et les autres disposés autour, d'où le titre de « Court Centre ». Le nom a été conservé lorsque le club a déménagé en 1922 sur le site actuel de Church Road, bien qu'il ne corresponde plus à une véritable description de son emplacement. Cependant, en 1980, quatre nouveaux courts ont été mis en service du côté nord du terrain, ce qui a permis de définir à nouveau correctement le court central. L'ouverture du nouveau tribunal n°1 en 1997 a accentué cette description. En 1882, l'activité du club se limitait presque exclusivement au tennis sur gazon et cette année-là, le mot « croquet » fut supprimé du titre. Cependant, pour des raisons sentimentales, elle fut restaurée en 1899. En 1884, le club a ajouté des compétitions en simple dames et en double messieurs. Les épreuves de double dames et de double mixte ont été ajoutées en 1913. Jusqu'en 1922, le champion en titre ne devait jouer qu'en finale, contre celui qui avait gagné pour le défier. Comme pour les trois autres événements majeurs ou du Grand Chelem, Wimbledon était disputé par les meilleurs joueurs amateurs, les joueurs professionnels n'ayant pas le droit d'y participer. Cela a changé avec l'avènement de l'ère ouverte en 1968. Aucun Britannique n'a remporté l'épreuve en simple à Wimbledon entre Fred Perry en 1936 et Andy Murray en 2013, tandis qu'aucune Britannique n'a gagné depuis Virginia Wade en 1977, bien qu'Annabel Croft et Laura Robson a remporté le championnat féminin en 1984 et 2008 respectivement. Le championnat a été télévisé pour la première fois en 1937. Bien que correctement appelé « Les Championnats de Wimbledon », selon les sources, l'événement est également connu sous le nom de « Championnats d'Angleterre de tennis sur gazon », « Championnats de Wimbledon » ou simplement « Wimbledon ». De 1912 à 1924, le tournoi a été reconnu par la Fédération internationale de tennis sur gazon sous le nom de « Championnats du monde sur gazon ». 21e siècle Wimbledon est considéré comme le premier tournoi de tennis au monde et la priorité du Club est de maintenir son leadership. À cette fin, un plan à long terme a été dévoilé en 1993, destiné à améliorer la qualité de l'événement pour les spectateurs, les joueurs, les officiels et les voisins. La première étape (1994-1997) du plan a été achevée pour les championnats de 1997 et impliquait la construction du nouveau terrain n°1 à Aorangi Park, un centre de diffusion, deux courts en gazon supplémentaires et un tunnel sous la colline reliant Church Road et Somerset Road. La deuxième étape (1997-2009) impliquait la suppression de l'ancien complexe du court n°1 pour faire place au nouveau bâtiment Millennium, offrant de nombreuses installations aux joueurs, à la presse, aux officiels et aux membres, ainsi que l'extension de la tribune ouest du court central. avec 728 sièges supplémentaires. La troisième étape (2000-2011) a été achevée avec la construction d'un bâtiment d'entrée, de logements pour le personnel du club, d'un musée, d'une banque et d'une billetterie. Un nouveau toit rétractable a été construit à temps pour les championnats de 2009, marquant la première fois que la pluie n'arrêtait pas le jeu pendant une longue période sur le court central. Le club a testé le nouveau toit lors d'un événement appelé A Center Court Celebration le dimanche 17 mai 2009, qui comprenait des matchs d'exhibition impliquant Andre Agassi, Steffi Graf, Kim Clijsters et Tim Henman. Le premier match de championnat qui s'est déroulé sous le toit a été la clôture du match du quatrième tour en simple féminin entre Dinara Safina et Amélie Mauresmo. Le premier match joué dans son intégralité sous le nouveau toit a eu lieu entre Andy Murray et Stanislas Wawrinka le 29 juin 2009, que Murray a remporté. Murray a également participé au match qui s'est terminé le plus tard dans la journée à Wimbledon, qui s'est terminé à 23 h 02 par une victoire contre Marcos Baghdatis sur le court central au troisième tour des championnats 2012. La finale du simple messieurs 2012, le 8 juillet 2012, entre Roger Federer et Murray, a été la première finale à se jouer sous le toit, activé lors du troisième set. Un nouveau court n°2 de 4 000 places a été construit sur le site de l'ancien court n°13 à temps pour les championnats de 2009. Un nouveau tribunal n°3 de 2 000 places a été construit sur le site des anciens tribunaux n°2 et n°3. Le 17 janvier 2016, il a été rapporté que les championnats de Wimbledon faisaient partie de plusieurs tournois de tennis de haut niveau faisant l'objet d'une enquête pour des cas de matchs truqués présumés. Événements Wimbledon comprend cinq événements principaux, cinq événements juniors et cinq événements sur invitation. Événements principaux Les cinq épreuves principales et le nombre de joueurs (ou d'équipes, dans le cas des doubles) sont : * Simples messieurs (128) * Simple dames (128) *Doubles Messieurs (64) *Double Dames (64) * Doubles Mixtes (48) Événements juniors Les cinq épreuves juniors et le nombre de joueurs ou d'équipes sont : * Simples garçons (64) * Simple filles (64) *Doubles Garçons (32) * Doubles Filles (32) * Doubles handicapés (12) Aucune épreuve de double mixte n'est organisée à ce niveau. Événements sur invitation Les cinq événements sur invitation et le nombre de paires sont : * Doubles sur invitation messieurs (8 paires Round Robin) * Doubles sur invitation senior messieurs (8 paires Round Robin) * Doubles sur invitation dames (8 paires Round Robin) * Doubles en fauteuil roulant pour hommes (4 paires) * Doubles en fauteuil roulant pour dames (4 paires) À partir de 2016, des tirages en simple pour les épreuves en fauteuil roulant existantes ont été ajoutés. Formats de correspondance Les matchs des simples messieurs et des doubles messieurs se déroulent au meilleur des cinq sets ; tous les autres événements se déroulent au meilleur des trois sets. Un jeu décisif est joué si le score atteint 6-6 dans n'importe quel set, à l'exception du cinquième (dans un match de cinq sets) ou du troisième (dans un match de trois sets), auquel cas une avance de deux matchs doit être atteinte. Tous les événements sont des tournois à élimination simple, à l'exception des doubles sur invitation pour messieurs, seniors pour messieurs et dames, qui sont des tournois à la ronde. Jusqu'en 1922, les vainqueurs de la compétition de l'année précédente (sauf en double dames et en double mixte) étaient automatiquement exclus du tour final (alors connu sous le nom de tour de défi). Cela a conduit de nombreux vainqueurs à conserver leurs titres au fil des années successives, car ils ont pu se reposer pendant que leur adversaire concourait dès le début de la compétition. À partir de 1922, les champions de l'année précédente devaient jouer tous les tours, comme les autres concurrents du tournoi. Calendrier Chaque année, le tournoi commence le dernier lundi de juin, deux semaines après les Championnats du Queen's Club, qui est l'un des principaux tournois d'échauffement masculins, avec le Gerry Weber Open, qui se tient à Halle, en Allemagne, au cours du même semaine. D'autres tournois sur gazon avant Wimbledon sont Eastbourne, en Angleterre, et Rosmalen aux Pays-Bas, tous deux combinant des épreuves mixtes. L'autre tournoi de préparation féminin pour Wimbledon aura lieu à Birmingham, également en Angleterre. Le seul tournoi sur gazon prévu après les Championnats est le Championnat de tennis du Temple de la renommée à Newport, Rhode Island, États-Unis, qui a lieu la semaine après Wimbledon. Wimbledon est prévu sur 14 jours, commençant un lundi et se terminant un dimanche. Les cinq événements principaux s'étendent sur les deux semaines, mais les événements juniors et sur invitation ont lieu principalement au cours de la deuxième semaine. Traditionnellement, il n'y a pas de représentation le « dimanche du milieu », qui est considéré comme un jour de repos. Cependant, la pluie a forcé quatre fois à jouer le dimanche du milieu, en 1991, 1997, 2004 et 2016. À chacune de ces occasions, Wimbledon a organisé un « dimanche du peuple », avec des places sans réservation et des billets bon marché et facilement disponibles, permettant à ceux qui ont plus de moyens limités pour siéger sur les courts d’exposition. Depuis 2015, les championnats démarrent une semaine plus tard que les années précédentes, prolongeant l'écart entre le tournoi et Roland-Garros de deux à trois semaines. De plus, le tournoi masculin de l'Open de Stuttgart s'est converti en gazon et a été reporté de juillet à juin, prolongeant ainsi la saison sur gazon. Joueurs et classement Les simples messieurs et dames comptent 128 joueurs. Les joueurs et les doubles sont admis aux épreuves principales sur la base de leur classement international, avec 104 inscriptions directes chez les hommes et 108 chez les dames. Les deux tournois comptent 8 participants wild card, le reste de chacun étant constitué de qualifiés. Depuis le tournoi de 2001, 32 joueurs ont été classés en simple messieurs et dames, 16 équipes en double. Le système de classement a été introduit lors des championnats de Wimbledon en 1924. Il s'agissait d'une version simplifiée permettant aux pays de désigner quatre joueurs placés dans différents quarts du tirage au sort. Ce système a été remplacé pour les championnats de Wimbledon de 1927 et à partir de ce moment-là, les joueurs ont été classés au mérite. Les premiers joueurs à être classés non. 1 étaient René Lacoste et Helen Wills. Le Comité de Direction décide quels joueurs recevront des wildcards. Habituellement, les jokers sont des joueurs qui ont bien performé lors des tournois précédents ou qui stimuleraient l'intérêt du public pour Wimbledon en y participant. Le seul joker à remporter le championnat en simple messieurs était Goran Ivanišević en 2001. Les joueurs et les paires qui n'ont ni un classement suffisamment élevé ni qui ne reçoivent pas de wild card peuvent participer à un tournoi de qualification organisé une semaine avant Wimbledon au Bank of England Sports Ground à Roehampton. Les compétitions de qualification en simple se déroulent en trois tours ; les compétitions de double homosexuel ne durent qu'un seul tour. Il n’y a pas de tournoi de qualification pour les doubles mixtes. Le plus loin qu'un qualifié ait progressé dans un tournoi en simple est la demi-finale : John McEnroe en 1977 (simple messieurs), Vladimir Voltchkov en 2000 (simple messieurs) et Alexandra Stevenson en 1999 (simple dames). Les joueurs sont admis aux tournois juniors sur recommandation de leurs associations nationales de tennis, sur la base de leur classement mondial de la Fédération Internationale de Tennis et, dans le cas des épreuves en simple, sur la base d'une compétition de qualification. Le comité de gestion détermine quels joueurs peuvent participer aux quatre événements sur invitation. Le comité classe les meilleurs joueurs et paires sur la base de leur classement, mais il peut modifier le classement en fonction des performances précédentes d'un joueur sur gazon. Depuis 2002, aucun comité de classement n'est requis pour les simples messieurs suite à un accord avec l'ATP. Bien que les têtes de série soient toujours les 32 meilleurs joueurs selon le classement, l'ordre de classement est déterminé à l'aide de la formule : points de position du système d'entrée ATP + 100 % de points gagnés pour tous les tournois sur gazon au cours des 12 derniers mois + 75 % de points gagnés pour les meilleurs. tournoi sur gazon au cours des 12 mois précédents. La majorité des participants ne sont pas classés. Seuls deux joueurs non classés ont remporté le simple messieurs : Boris Becker en 1985 et Goran Ivanišević en 2001. En 1985, il n'y avait que 16 têtes de série et Becker était classé 20e ; Ivanišević était classé 125e lorsqu'il a gagné en tant que participant à la Wild Card, bien qu'il ait déjà été finaliste à trois reprises et ait été classé numéro 1. 2 dans le monde ; son mauvais classement était dû au fait qu'il avait été gêné par une blessure persistante à l'épaule pendant trois ans, qui venait tout juste de se résorber. En 1996, le titre a été remporté par Richard Krajicek, qui n'était pas tête de série à l'origine (classé 17e et seulement 16 joueurs étaient têtes de série), mais a été promu tête de série (toujours avec le numéro 17) lorsque Thomas Muster s'est retiré avant le tournoi. Aucune joueuse non classée n'a remporté le titre en simple dames ; la championne féminine la moins bien classée était Venus Williams, qui a gagné en 2007 en tant que 23e tête de série ; Williams revenait d'une blessure qui l'avait empêchée de jouer lors des tournois précédents, lui donnant un classement inférieur à celui qu'elle aurait normalement eu. Les paires non classées ont remporté les titres en double à de nombreuses reprises ; les champions du double messieurs 2005 n'étaient pas seulement non classés, mais aussi (pour la toute première fois) qualifiés. Terrains Depuis 2001, les courts utilisés pour Wimbledon sont semés à 100 % de ray-grass vivace. Avant 2001, une combinaison de 70 % de ray-grass et de 30 % de fétuque rouge traçante était utilisée. Le changement a été apporté pour améliorer la durabilité et renforcer la pelouse afin de mieux résister à l'usure croissante du gibier moderne. Les principaux courts de compétition, le Court Central et le Court N°1, ne sont normalement utilisés que deux semaines par an, pendant les Championnats, mais le jeu peut s'étendre sur une troisième semaine dans des circonstances exceptionnelles. Les 17 courts restants sont régulièrement utilisés pour d'autres événements organisés par le Club. Les courts de spectacle étaient en action pour la deuxième fois en trois mois en 2012 alors que Wimbledon accueillait les épreuves de tennis des Jeux Olympiques de 2012. L'un des courts d'exposition est également utilisé à l'occasion pour les matchs à domicile des équipes britanniques en Coupe Davis. Wimbledon est le seul événement du Grand Chelem joué sur gazon. À une époque, tous les Majors, à l’exception de Roland-Garros, se jouaient sur gazon. L’US Open a abandonné le gazon en 1975 et l’Open d’Australie en 1988. Le court principal, Centre Court, a été ouvert en 1922 lorsque le club a déménagé de Worple Road à Church Road. Le site de Church Road était plus grand et était nécessaire pour répondre à la demande toujours croissante du public. En raison de la possibilité de pluie pendant Wimbledon, un toit rétractable a été installé avant le championnat 2009. Il est conçu pour fermer/ouvrir dans environ 20 minutes et sera fermé principalement pour protéger le jeu des intempéries (et, si nécessaire, extrêmement chaudes) pendant les championnats. Lorsque le toit est ouvert ou fermé, le jeu est suspendu. La première fois que le toit a été fermé lors d'un match de championnat de Wimbledon, c'était le lundi 29 juin 2009, impliquant Amélie Mauresmo et Dinara Safina. En raison du climat estival du sud de l'Angleterre, Wimbledon emploie chaque année des « Court Attendants » qui travaillent au maintien des conditions sur le terrain. Leur principale responsabilité est de veiller à ce que les terrains soient rapidement couverts lorsqu'il commence à pleuvoir, afin que le jeu puisse reprendre le plus rapidement possible une fois que les arbitres décident de découvrir les terrains. Les assistants judiciaires sont principalement des étudiants universitaires qui travaillent pour gagner de l'argent pendant l'été. Le court central est cependant couvert par du personnel de terrain à plein temps. Le tribunal a une capacité de 15 000 personnes. À son extrémité sud se trouve la loge royale, depuis laquelle les membres de la famille royale et d'autres dignitaires regardent les matchs. Le court central accueille généralement les finales et les demi-finales des événements principaux, ainsi que de nombreux matchs des tours précédents impliquant des joueurs têtes de série ou des favoris locaux. Le deuxième tribunal le plus important est le tribunal n°1. Le tribunal a été construit en 1997 pour remplacer l'ancien tribunal n°1, adjacent au court central. L'ancien court n°1 a été démoli car sa capacité d'accueil pour les spectateurs était trop faible. On disait que le terrain avait une atmosphère unique, plus intime et qu'il était l'un des favoris de nombreux joueurs. Le nouveau tribunal n°1 a une capacité d'environ 11 000 personnes. Depuis 2009, un nouveau court n°2 est utilisé à Wimbledon avec une capacité de 4 000 personnes. Pour obtenir le permis de construire, la surface de jeu se situe à environ 3,5 m sous le niveau du sol, ce qui garantit que la structure à un étage ne se trouve qu'à environ 3,5 m au-dessus du niveau du sol et n'affecte donc pas les vues locales. Les projets de construction sur le site actuel du court 13 ont été rejetés en raison de la grande capacité des matchs disputés aux Jeux olympiques de 2012. L'ancien tribunal n°2 a été rebaptisé tribunal n°3. L'ancien terrain n°2 était connu comme le « Cimetière des Champions » car de nombreux joueurs hautement classés y ont été éliminés lors des premiers tours au fil des ans, notamment Ilie Năstase, John McEnroe, Boris Becker, Andre Agassi, Pete Sampras, Martina Hingis, Venus. Williams, Serena Williams et Maria Sharapova. Le tribunal a une capacité de 2 192 + 770 places debout. En 2011, un nouveau court n°3 et un nouveau court 4 ont été inaugurés sur les emplacements des anciens courts n°2 et 3. À l’extrémité nord du terrain se trouve un écran de télévision géant sur lequel sont retransmis les matchs importants. Les fans regardent depuis une zone d'herbe officiellement connue sous le nom de terrasse Aorangi. Lorsque les joueurs britanniques réussissent bien à Wimbledon, la colline attire les fans pour eux et est souvent renommée par la presse pour eux : les partisans de Greg Rusedski se sont réunis à « Rusedski Ridge », et Tim Henman a fait surnommer la colline Henman Hill. Comme tous deux ont maintenant pris leur retraite et qu'Andy Murray est le joueur britannique numéro 1, la colline est parfois appelée "Murray Mound" ou "Murrayfield", en référence à son héritage écossais et au terrain écossais du même nom, mais cela n’a pas réussi à faire son chemin – la zone est encore généralement appelée Henman Hill. Aucun de ces surnoms n'est officiel. ;Horaire des terrains Le terrain ouvre à 10h30 chaque jour. Sur le Court Central, le jeu commence à 13 heures, à l'exception des deux derniers jours de compétition (finales dames et messieurs), où le jeu commence à 14 heures. Sur les courts 2 à 19, le jeu commence à midi pendant au moins les huit premiers jours de la compétition. Il démarre ensuite à 11 h pour les matchs Juniors du milieu du samedi et de la deuxième semaine. Traditions Le commentateur social Ellis Cashmore décrit Wimbledon comme ayant « une propriété à la David Niven », conforme aux normes de comportement courantes dans les années 1950. L'écrivain Peter York considère l'événement comme représentant un type particulier de britannicité blanche et aisée, décrivant la région de Wimbledon comme « une banlieue sud aisée de la fin de l'époque victorienne avec un caractère social particulier ». Cashmore a critiqué l'événement comme étant « éloigné et isolé » du caractère multiculturel changeant de la Grande-Bretagne moderne, le décrivant comme « l'idée que personne n'a de tout ce qui est britannique ». Garçons de balle et filles de balle Lors des matchs de championnat, les ramasseurs de balles, appelés BBG, jouent un rôle crucial dans le bon déroulement du tournoi, avec pour consigne qu'un bon BBG « ne doit pas être vu. travaille tranquillement. » À partir de 1947, les ramasseurs de balle ont été fournis par Goldings, la seule école de Barnardos à les fournir. Avant cela, à partir des années 1920, les ramasseurs de balles étaient fournis par le Shaftesbury Children's Home. Depuis 1969, les BBG sont dispensés par les écoles locales. Depuis 2008, ils proviennent d'écoles des arrondissements londoniens de Merton, Sutton, Kingston et Wandsworth, ainsi que de Surrey. Traditionnellement, la Wandsworth Boys Grammar School à Sutherland Grove, Southfields et la Mayfield Girls School à West Hill à Wandsworth, toutes deux aujourd'hui disparues, étaient les écoles de choix pour la sélection des BBG. Cela était peut-être dû à leur proximité avec le club. Les BBG ont en moyenne 15 ans et sont issus de la neuvième et de la dixième année scolaire. Les BBG serviront pour un, ou s'ils sont résélectionnés, jusqu'à cinq tournois, de la neuvième à la treizième année. À partir de 2005, les BBG travaillent en équipes de six, deux au filet, quatre dans les coins, et les équipes tournent une heure sur le terrain, une heure libre (deux heures selon le terrain) pour le jeu de la journée. Les équipes ne sont pas informées du tribunal sur lequel elles travailleront ce jour-là, afin de garantir les mêmes normes dans tous les tribunaux. Avec l'augmentation du nombre de courts et l'allongement de la journée de tennis, à partir de 2008, le nombre de BBG requis est d'environ 250. À partir du deuxième mercredi, les BBG sont invités à quitter les championnats, n'en laissant qu'environ 80 le dimanche final. Chaque BBG reçoit à son départ un certificat, une canette de balles usagées, une photo de groupe et un programme. Le service BBG est payant, avec un total de 120 à 180 £ payés à chaque ramasseur de balles. ou une fille après la période de 13 jours selon le nombre de jours purgés. Chaque BBG conserve l'intégralité de son équipement, généralement composé de trois ou quatre chemises, deux ou trois shorts ou jupes-shorts, un bas et un haut de survêtement, douze paires de chaussettes, trois paires de bracelets, un chapeau, un porte-bouteille d'eau, un sac et des baskets. Parallèlement à cela, il est considéré comme un privilège et comme un ajout précieux au curriculum vitae d'un sortant de l'école, démontrant sa discipline. Les places BBG sont réparties à parts égales entre garçons et filles, les filles étant utilisées depuis 1977 et apparaissant sur le court central depuis 1985. Les futurs BBG sont d'abord nommés par le directeur de leur école, pour être pris en compte pour la sélection. Pour être sélectionné, un candidat doit réussir des tests écrits sur les règles du tennis et réussir des tests de condition physique, de mobilité et d'autres tests d'aptitude, sur la base du matériel d'instruction préliminaire initial. Les candidats retenus entament ensuite une phase de formation, à partir de février, au cours de laquelle les BBG finaux sont choisis par le biais d'une évaluation continue. En 2008, ce nombre de formations était de 600. La formation comprend des séances hebdomadaires d'enseignement physique, procédural et théorique, pour garantir que les BBG soient rapides, alertes, sûrs d'eux et adaptables aux situations. Depuis 2011, les premiers entraînements ont lieu sur les courts couverts du Wimbledon All England Lawn Tennis Club, sur le côté du terrain, puis se déplacent sur les courts extérieurs (8, 9, 10) la semaine précédant les championnats pour une sensation de terrain en gazon. . Couleurs et uniformes Le vert foncé et le violet sont les couleurs traditionnelles de Wimbledon. Cependant, tous les joueurs de tennis participant au tournoi doivent porter des vêtements entièrement blancs ou au moins presque entièrement blancs, une tradition de longue date à Wimbledon. Le port de vêtements blancs avec quelques accents de couleur est également acceptable, à condition que la palette de couleurs ne soit pas celle d'un logo de marque commerciale identifiable (le logo de la marque de la pourvoirie étant la seule exception). Une controverse a suivi le port de la marque de Martina Navratilova pour les cigarettes « Kim » en 1982. Des vêtements verts étaient portés par l'arbitre de chaise, les juges de lignes, les ramasseurs de balles et les ramasseurs de balles jusqu'aux championnats de 2005 ; cependant, à partir des championnats de 2006, les officiels, les ramasseurs de balles et les ramasseurs de balles étaient vêtus de nouveaux uniformes bleu marine et crème du designer américain Ralph Lauren. C'était la première fois dans l'histoire des championnats qu'une entreprise extérieure était utilisée pour concevoir les vêtements de Wimbledon ; le contrat avec Polo Ralph Lauren devrait prendre fin en 2015. Se référant aux joueurs Par tradition, les compétitions « Hommes » et « Femmes » sont appelées compétitions « Gentlemen » et « Dames » à Wimbledon. Les compétitions juniors sont appelées compétitions « Garçons » et « Filles ». Avant 2009, les joueuses étaient désignées par le titre « Miss » ou « Mme » sur les tableaux d'affichage. Conformément aux règles strictes de l'étiquette, les joueuses mariées sont désignées par le nom de leur mari : par exemple, Chris Evert-Lloyd est apparu sur les tableaux d'affichage sous le nom de "Mme J. M. Lloyd" lors de son mariage avec John Lloyd, depuis "Mme X". désigne essentiellement l'épouse de X. Cette tradition s'est perpétuée au moins dans une certaine mesure. Pour la première fois lors du tournoi de 2009, les joueurs étaient mentionnés sur les tableaux d'affichage par leur prénom et leur nom. Le titre « Mr » n'est pas utilisé pour les joueurs masculins professionnels sur les tableaux d'affichage, mais le préfixe est conservé pour les amateurs, bien que les arbitres de chaise appellent les joueurs « Mr » lorsqu'ils utilisent le défi de rediffusion. L'arbitre de chaise dira "M. conteste la décision..." et "M. a encore X défis à relever". Cependant, les arbitres disent toujours Miss lorsqu'ils annoncent le score des matchs dames. Si un match se joue avec deux concurrents du même nom (par exemple Venus et Serena Williams, Bob et Mike Bryan), l'arbitre de chaise précisera à qui ils font référence en indiquant le prénom et le nom du joueur lors des annonces (par exemple "Game , Mlle Serena Williams", "Avantage, Mike Bryan"). Famille royale Auparavant, les joueurs s'inclinaient ou faisaient la révérence devant les membres de la famille royale assis dans la loge royale en entrant ou en sortant du court central. Cependant, en 2003, le président du All England Club, Son Altesse Royale le duc de Kent, a décidé de mettre un terme à cette tradition. Désormais, les joueurs ne sont tenus de s'incliner ou de faire une révérence que si SAR le prince de Galles ou Sa Majesté la Reine est présente, comme c'était le cas lors des championnats de 2010 lorsque la reine était présente à Wimbledon le 24 juin. Le 27 juin 2012, Roger Federer a déclaré dans son entretien d'après-match que lui et son adversaire avaient été invités à s'incliner vers la loge royale en présence du prince Charles et de son épouse, affirmant que cela ne lui posait aucun problème. Commissaires aux services Avant la Seconde Guerre mondiale, les membres de la Brigade des Gardes et les retraités de la Royal Artillery jouaient le rôle d'intendants. En 1946, l'AELTC offrit un emploi aux militaires de guerre retournant à la vie civile pendant leur congé de démobilisation. Initialement, ce programme s'étendait uniquement à la Royal Navy, suivie par l'Armée en 1947 et la Royal Air Force en 1949. En 1965, les membres des pompiers de Londres rejoignirent les rangs des stewards. Les stadiers de service, en uniforme, sont présents sur le court central et sur les courts n°1 et 2. En 2015, 595 stewards des services et des pompiers de Londres y ont participé. Seuls les membres enrôlés des forces armées peuvent postuler pour ce poste, qui doit être pris en congé, et la moitié des recrues de chaque année doivent avoir déjà été steward à Wimbledon. L'AELTC verse une indemnité de subsistance aux militaires travaillant comme stewards pour couvrir leurs frais d'hébergement pendant la durée des Championnats. Les commissaires de service ne doivent pas être confondus avec les 185 commissaires honoraires. Des billets La majorité des billets pour les centres et les courts de spectacle vendus au grand public sont depuis 1924 mis à disposition par un scrutin public organisé par le All England Lawn Tennis and Croquet Club au début de l'année. Le scrutin a toujours été largement sursouscrit. Les candidats retenus sont sélectionnés au hasard par ordinateur. Les chiffres les plus récents datant de 2011 suggèrent qu'il y avait quatre candidats pour chaque bulletin de vote. Les candidatures doivent être envoyées à l'AELTC avant la mi-décembre, l'année précédant le tournoi. Les sièges et les jours sont attribués au hasard et les bulletins de vote ne sont pas transférables. Le All England Club, par l'intermédiaire de sa filiale The All England Lawn Tennis Ground plc, émet des débentures aux fans de tennis tous les cinq ans afin de lever des fonds pour les dépenses en capital. Les supporters qui investissent ainsi dans le club reçoivent une paire de billets pour chaque jour des championnats de Wimbledon pendant les cinq années que dure l'investissement. Seuls les détenteurs d'obligations sont autorisés à vendre leurs billets à des tiers et la demande d'obligations a augmenté ces dernières années, à tel point qu'elles sont même négociées à la Bourse de Londres. Wimbledon et Roland-Garros sont les seuls tournois du Grand Chelem où les fans sans billet pour jouer peuvent faire la queue et obtenir néanmoins des places sur les trois courts de spectacle le jour du match. Des cartes de file d'attente numérotées séquentiellement ont été introduites en 2003. Depuis 2008, il existe une seule file d'attente, dotée d'environ 500 sièges pour chaque tribunal. Lorsqu'ils rejoignent la file d'attente, les fans reçoivent des cartes de file d'attente. Quiconque souhaite ensuite quitter temporairement la file d'attente, même s'il est en possession d'une carte de file d'attente, doit convenir de sa position avec les autres personnes présentes dans la file d'attente et/ou avec un steward. Pour accéder aux courts de compétition, les fans devront normalement faire la queue pendant la nuit. Cela est fait par des fans du monde entier et, bien que considéré comme du vagabondage, cela fait partie de l'expérience Wimbledon en soi. Le All-England Club permet de faire la queue pendant la nuit et fournit des toilettes et de l'eau aux campeurs. Tôt le matin, lorsque la file se dirige vers le terrain, les stadiers marchent le long de la file et distribuent des bracelets portant un code couleur au terrain concerné. Le bracelet (et le paiement) sont échangés en billetterie contre le billet à l'ouverture du parc. L'admission générale au domaine donne accès aux courts extérieurs et est possible sans faire la queue pendant la nuit. Les billets restitués par les personnes partant plus tôt sont mis en vente à 14h30 et l'argent est reversé à une œuvre caritative. La file d'attente pour les courts d'exposition se termine une fois les quarts de finale terminés. À 14h40, lors de la septième journée (lundi 28 juin) des Championnats 2010, la millionième carte numérotée de file d'attente de Wimbledon a été remise à Rose Stanley d'Afrique du Sud. Parrainage Wimbledon se distingue par le parrainage le plus ancien de l'histoire du sport en raison de son association avec Slazenger qui a fourni toutes les balles de tennis pendant le tournoi depuis 1902. Depuis 1935, Wimbledon a une association de parrainage avec la marque de boissons aux fruits Robinsons. Médias Radio Wimbledon Vendredi avant le début du tournoi. Radio Wimbledon peut être entendue dans un rayon de huit kilomètres sur 87,7 FM, ainsi qu'en ligne. Il fonctionne sous une licence de service restreinte et est sans doute le RSL le plus sophistiqué chaque année au Royaume-Uni. Les principaux présentateurs sont Sam Lloyd et Ali Barton. En règle générale, ils travaillent en alternance pendant quatre heures jusqu'à la fin du dernier match de la journée. Les journalistes et commentateurs incluent Gigi Salmon, Nick Lestor, Rupert Bell, Nigel Bidmead, Guy Swindells, Lucie Ahl, Nadine Towell et Helen Whitaker. Souvent, ils rapportent depuis le "Crow's Nest", un bâtiment surélevé abritant les tableaux d'affichage des courts 3 et 4 et offrant une vue sur la plupart des courts extérieurs. Les invités réguliers incluent Sue Mappin. Ces dernières années, Radio Wimbledon a acquis une deuxième fréquence FM de faible puissance (à l'intérieur du terrain uniquement) de 96,3 FM pour les commentaires ininterrompus du court central et, à partir de 2006, une troisième pour la couverture du court n°1 sur 97,8 FM. Des bulletins d'information horaires et de voyages (via RDS) sont également diffusés. Couverture télévisée Royaume-Uni Depuis 1937, la BBC diffuse le tournoi à la télévision au Royaume-Uni. Les matchs couverts sont répartis entre ses deux principales chaînes terrestres, BBC One et BBC Two. La BBC détient les droits de diffusion de Wimbledon jusqu'en 2017 et distribue son flux sans publicité aux médias du monde entier. À l'époque de British Satellite Broadcasting, sa chaîne sportive proposait une couverture supplémentaire de Wimbledon aux abonnés. L'un des commentateurs britanniques les plus remarquables était Dan Maskell, connu comme la « voix du tennis » de la BBC jusqu'à sa retraite en 1991. John Barrett lui a succédé à ce poste jusqu'à sa retraite en 2006. Les commentateurs actuels travaillant pour la BBC à Wimbledon incluent les anciens joueurs britanniques Andrew Castle, John Lloyd, Tim Henman, Greg Rusedski, Samantha Smith et Mark Petchey ; des légendes du tennis telles que John McEnroe, Tracy Austin, Boris Becker et Lindsay Davenport ; et des commentateurs sportifs généraux, dont David Mercer, Barry Davies, Andrew Cotter et Nick Mullins. La couverture est présentée par Sue Barker et met en lumière avec Claire Balding. Les présentateurs précédents de la BBC incluent Des Lynam, David Vine, John Inverdale et Harry Carpenter. Les finales de Wimbledon doivent être retransmises en direct et dans leur intégralité sur la télévision terrestre (BBC Television Service, ITV, Channel 4 ou Channel 5) sur mandat du gouvernement. Les temps forts du reste du tournoi doivent être diffusés par les stations terrestres ; la couverture en direct (à l'exception des finales) peut être recherchée par télévision par satellite ou par câble. La BBC a été obligée de s'excuser après que de nombreux téléspectateurs se soient plaints des « propos excessifs » de la part de son équipe de commentateurs lors de la couverture télévisée de l'événement en 2011. Elle a déclaré dans un communiqué que les opinions sur les commentaires étaient subjectives mais qu'ils « apprécient cette sur- parler peut irriter notre public". La BBC a ajouté qu'elle espérait avoir atteint "le bon équilibre" dans sa couverture

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Qui a été le premier vainqueur né aux États-Unis du British Open de golf ?

Walter Hagen

L'Open Championship, souvent appelé The Open ou British Open, est le plus ancien des quatre championnats majeurs de golf professionnel. Organisée au Royaume-Uni, elle est administrée par The R&A et est la seule major en dehors des États-Unis. L'Open est actuellement le troisième tournoi majeur de l'année, entre l'US Open et le PGA Championship, et se joue à la mi-juillet. Le champion actuel est Henrik Stenson, qui a remporté le 145e Open au Royal Troon en 2016 avec un score record de -20. Histoire L'Open a été joué pour la première fois le 17 octobre 1860 au Prestwick Golf Club en Écosse. Le tournoi inaugural était réservé aux professionnels et a attiré un peloton de huit golfeurs qui ont joué trois rondes du parcours de douze trous de Prestwick en une seule journée. Willie Park Sr. a gagné avec un score de 174, battant Old Tom Morris, par deux coups. L'année suivante, le tournoi est ouvert aux amateurs ; huit d'entre eux ont rejoint dix professionnels du domaine. James Ogilvie Fairlie fut le principal organisateur du premier Open Championship organisé à Prestwick en 1860. Avec le décès prématuré d'Allan Robertson, âgé de 43 ans en 1859, les membres de Prestwick décidèrent d'organiser l'année suivante un défi qui déterminerait le plus grand golfeur du pays. Dans un projet de compétition pour une « Ceinture de défi », Fairlie a envoyé une série de lettres à Blackheath, Perth, Édimbourg, Musselburgh et St Andrews, invitant un joueur connu comme un « cadet respectable » à représenter chacun des clubs dans un tournoi pour aura lieu le 17 octobre 1860. À l'origine, le trophée remis au vainqueur de l'événement était la Challenge Belt, une ceinture en cuir rouge avec une boucle argentée. La ceinture de défi a été retirée en 1870, lorsque le jeune Tom Morris a été autorisé à la conserver pour avoir remporté le tournoi trois fois consécutives. Comme aucun trophée n'était disponible, le tournoi fut annulé en 1871. En 1872, après que le jeune Tom Morris gagna à nouveau pour la quatrième fois consécutive, il reçut une médaille. Le trophée actuel, le Golf Champion Trophy, mieux connu sous son nom populaire de Claret Jug, est alors créé. Prestwick a administré l'Open de 1860 à 1870. En 1871, elle a accepté de l'organiser conjointement avec le Royal and Ancient Golf Club de St Andrews et l'Honorable Company of Edinburgh Golfers. En 1892, la longueur de l'événement a été doublée, passant de 36 à 72 trous, soit quatre tours de ce qui était alors le complément standard de 18 trous. L'Open de 1894 a été le premier organisé en dehors de l'Écosse, au Royal St George's Golf Club en Angleterre. En raison du nombre croissant de participants, un cut fut introduit après deux tours en 1898. En 1920, l'entière responsabilité de l'Open Championship fut confiée au Royal & Ancient Golf Club. Les premiers gagnants étaient tous des professionnels écossais qui travaillaient à l'époque comme gardiens de terrain, créateurs de clubs et caddies pour compléter leurs modestes gains lors de championnats et de matchs de défi. L'Open a toujours été dominé par les professionnels, avec seulement six victoires d'amateurs, toutes survenues entre 1890 et 1930. La dernière d'entre elles était le troisième Open de Bobby Jones et une partie de son célèbre Grand Chelem. Jones était l'un des six Américains qui ont remporté l'Open entre la Première et la Seconde Guerre mondiale, le premier d'entre eux ayant été Walter Hagen en 1922. Ces Américains et le vainqueur français de l'Open de 1907, Arnaud Massy, ​​étaient les seuls vainqueurs extérieurs à l'Écosse. et l'Angleterre jusqu'en 1939. Le premier vainqueur de l'après-Seconde Guerre mondiale fut l'Américain Sam Snead, en 1946. En 1947, l'Irlandais du Nord Fred Daly fut victorieux. Bien qu'il y ait eu de nombreux champions anglais et écossais, Daly était le seul vainqueur irlandais jusqu'à la victoire de Pádraig Harrington en 2007. Il n’y a jamais eu de champion gallois. Au début de l'après-guerre, l'Open était dominé par les golfeurs du Commonwealth, le Sud-Africain Bobby Locke et l'Australien Peter Thomson remportant le Claret Jug dans huit des 11 championnats de 1948 à 1958. Durant cette période, l'Open était souvent en conflit d'horaire avec le match-play PGA Championship, ce qui signifiait que Ben Hogan, le meilleur golfeur américain de l'époque, ne participa qu'une seule fois à l'Open, en 1953 à Carnoustie, un tournoi qu'il remporta. Un autre Sud-Africain, Gary Player, fut champion en 1959. C'était au début de l'ère des « Big Three » du golf professionnel, les trois joueurs en question étant Player, Arnold Palmer et Jack Nicklaus. Palmer a concouru pour la première fois en 1960, lorsqu'il est arrivé deuxième derrière le peu connu Australien Kel Nagle, mais il a gagné les deux années suivantes. S'il était loin d'être le premier Américain à devenir champion de l'Open, il a été le premier que de nombreux Américains ont vu remporter le tournoi à la télévision, et son succès charismatique est souvent crédité pour avoir persuadé les principaux golfeurs américains de faire de l'Open une partie intégrante de leur programme. , plutôt qu'un supplément facultatif. L'amélioration des voyages transatlantiques a également accru la participation américaine. Les victoires de Nicklaus ont eu lieu en 1966, 1970 et 1978. Bien que son total de trois victoires soit le moindre de ses tournois majeurs, il sous-estime grandement l'importance de Nicklaus à l'Open tout au long des années 1960 et 1970. Il a terminé sept fois deuxième, ce qui est le record, et a obtenu un total de seize top-5, ce qui est le plus à égalité dans l'histoire de l'Open avec John Henry Taylor et de loin le plus élevé de l'après-guerre. Nicklaus détient également les records du plus grand nombre de tours sous le par (61) et du plus grand nombre de agrégats sous le par (14). À Turnberry en 1977, il a participé à l'une des compétitions les plus célèbres de l'histoire du golf, lorsque son duel avec Tom Watson s'est déroulé jusqu'au dernier coup avant que Watson ne devienne champion pour la deuxième fois avec un score record de 268 (12 sous le par). . Watson a remporté cinq Opens, plus que quiconque depuis les années 1950, mais sa victoire finale en 1983 a mis fin à une ère de domination américaine. Au cours des 11 années suivantes, il n'y eut qu'un seul vainqueur américain, les autres venant d'Europe et du Commonwealth. Les vainqueurs européens de cette époque, l'Espagnol Seve Ballesteros, Sandy Lyle, qui fut le premier vainqueur écossais depuis plus d'un demi-siècle, et l'Anglais Nick Faldo, étaient également des vedettes parmi le groupe de joueurs qui commençaient à prendre le dessus sur les Américains. en Ryder Cup pendant cette période. En 1995, la victoire de John Daly en séries éliminatoires contre l'Italien Costantino Rocca a marqué le début d'une nouvelle ère de domination américaine. Tiger Woods a remporté trois championnats à ce jour, deux à St Andrews en 2000 et 2005, et un à Hoylake en 2006. Il y a eu un moment dramatique à St Andrews en 2000, lorsque le vieillissant Jack Nicklaus a fait ses adieux à la foule, tandis que le jeune le challenger de sa couronne était observé depuis un tee-shirt à proximité. Nicklaus a ensuite décidé de jouer à l'Open pour la dernière fois en 2005, lorsque le R&A a annoncé que St Andrews serait le lieu, faisant ses derniers adieux aux fans du Home of Golf. Il y a également eu des victoires de golfeurs jusqu'alors peu connus, notamment la victoire en séries éliminatoires de Paul Lawrie après l'effondrement au 72e trou de Jean van de Velde en 1999, Ben Curtis en 2003 et Todd Hamilton en 2004. En 2007, les Européens ont finalement mis fin à une disette de huit ans dans les tournois majeurs lorsque l'Irlandais Pádraig Harrington a battu Sergio García d'un coup lors d'un match éliminatoire de quatre trous à Carnoustie. Harrington a conservé le championnat en 2008. En 2009, Tom Watson, 59 ans, a réalisé l'une des performances les plus remarquables jamais vues à l'Open. Menant le tournoi sur 71 trous et n'ayant besoin que d'un par sur le dernier trou pour devenir le plus vieux vainqueur d'un championnat majeur, Watson a commis un bogey, organisant des séries éliminatoires de quatre trous, qu'il perdrait contre Stewart Cink. En 2013, Phil Mickelson a remporté son premier Open Championship à Muirfield. Sa victoire signifiait qu'il avait remporté 3 des 4 tournois majeurs en quête du grand chelem en carrière, juste après l'US Open, où il a terminé deuxième à six reprises. En 2015, Zach Johnson a refusé à Jordan Spieth sa chance de remporter le Grand Chelem en remportant les séries éliminatoires au total contre Louis Oosthuizen et Marc Leishman au Old Course de St Andrews. Format L'Open est un tournoi par coups de 72 trous disputé sur quatre jours, du jeudi au dimanche. Depuis 1979, il se joue la semaine qui comprend le 3e vendredi de juillet. Actuellement, 156 joueurs sont sur le terrain, pour la plupart composés des meilleurs professionnels mondiaux, qui bénéficient d'exemptions, ainsi que des vainqueurs des meilleurs championnats amateurs. Des places supplémentaires sont attribuées aux joueurs, amateurs et professionnels, qui réussissent dans un certain nombre d'épreuves de qualification. Il y a un cut après 36 trous, après quoi seuls les 70 premiers joueurs (et les égalités) jouent dans les 36 derniers trous le week-end. En cas d'égalité après 72 trous, des séries éliminatoires globales de quatre trous ont lieu ; si deux joueurs ou plus sont toujours à égalité, cela continue comme une mort subite jusqu'à ce qu'il y ait un gagnant. Chronologie des changements de format *1860 : Disputé sur 36 trous, joués sur une seule journée *1892 : étendu à 72 trous, joué sur deux jours *1898 : Coupe introduite après 36 trous. Les 20 coups ou plus derrière le leader ont été exclus *1904 : Prolongé à une troisième journée avec 18 trous sur chacun des deux premiers jours. Règle de coupe inchangée *1905 : La règle de coupe a été modifiée pour exclure les 15 coups ou plus derrière le leader. *1907 : introduction des qualifications, remplaçant la coupe de 36 trous et le concours réduit à nouveau à deux jours *1910 : Cut réintroduit au lieu des qualifications, le jeu étant à nouveau prolongé à trois jours. Top 60 et cravates ont été retenues. *1911 : Avec l'augmentation du nombre d'inscrits, les deux premiers tours s'étalent sur trois jours, avec 36 trous le quatrième jour *1912 : Qualifications réintroduites pour remplacer la coupure. Concours réduit à nouveau à deux jours *1926 : Coupe réintroduite. Premier Open avec à la fois des qualifications et un cut. Prolongé à nouveau jusqu'à un troisième jour avec 18 trous les deux premiers jours. Les 15 coups ou plus derrière le leader ont été exclus de la dernière journée. Jours standardisés du mercredi au vendredi *1929 : La règle du cut a été modifiée pour garantir qu'au moins 60 joueurs réussissent le cut même s'ils sont à 15 coups ou plus derrière le leader. *1930 : règle de coupe modifiée pour passer au top 60 et aux égalités *1937 : règle de coupe modifiée pour passer au top 40 et aux égalités *1938 : La règle de coupe a été modifiée pour atteindre un maximum de 40 joueurs. Les égalités pour la 40ème place n'ont pas été retenues *1939 : La règle du cut a été modifiée pour atteindre un maximum de 44 joueurs. Les égalités pour la 44ème place n'ont pas été retenues *1946 : La règle de coupe a été modifiée pour atteindre un maximum de 40 joueurs. Les égalités pour la 40ème place n'ont pas été retenues *1951 : La règle de coupe a été modifiée pour atteindre un maximum de 50 joueurs. Les égalités pour la 50ème place n'ont pas été retenues *1957 : Les leaders après 36 trous partent en dernier, remplaçant le tirage au sort *1963 : règle de coupe modifiée pour passer au top 45 et aux égalités *1964 : Playoff réduit de 36 trous à 18, suivi d'une mort subite si toujours à égalité *1966 : Le jeu s'étend sur quatre jours, 18 trous par jour du mercredi au samedi. La règle de coupe a été modifiée pour passer au top 55 et aux égalités *1968 : La règle de coupe a été modifiée pour devenir le top 70 et les égalités après 36 trous, puis le top 45 et les égalités après 54 trous. *1970 : La règle de coupe a été modifiée pour devenir le top 80 et les égalités après 36 trous, puis le top 55 et les égalités après 54 trous. *1971 : règle de coupe modifiée pour passer au top 80 et aux égalités après 36 trous, puis au top 60 et aux égalités après 54 trous *1973 : Introduction du jeu par groupes de trois pour les deux premiers tours *1974 : Utilisation de la « plus grosse balle » () rendue obligatoire *1978 : introduction de la « règle des 10 coups » afin que les joueurs à moins de 10 coups du leader soient retenus même s'ils ne font pas partie du top 80/60. *1980 : Jouer du jeudi au dimanche *1986 : arrêt de la coupe à 54 trous. La règle de coupe a été modifiée pour passer au top 70 et aux égalités après 36 trous. Lancement des séries éliminatoires de quatre trous *1996 : abandon de la « règle des 10 coups » Trophées et médailles Un certain nombre de médailles et de trophées sont ou ont été décernés pour diverses réalisations lors de l'Open. *La ceinture de défi – décernée au vainqueur de 1860 à 1870, lorsque le jeune Tom Morris a remporté la ceinture en remportant le championnat trois années de suite. *Le Golf Champion Trophy (communément appelé Claret Jug) – a remplacé la Challenge Belt et est décerné au vainqueur depuis 1873, bien que Young Tom Morris, vainqueur en 1872, soit le premier nom gravé dessus. *Médaille d'or – décernée au gagnant. Distribué pour la première fois en 1872, alors que le Claret Jug n'était pas encore prêt, et depuis décerné à tous les champions. *Médaille d'argent – ​​décernée depuis 1949 au meilleur amateur ayant terminé la ronde finale. *Médaille de bronze – décernée depuis 1972 à tous les autres amateurs ayant terminé la ronde finale. L'Association des golfeurs professionnels de Grande-Bretagne et d'Irlande souligne également les réalisations de ses propres membres lors de l'Open. *Médaille commémorative Ryle – décernée depuis 1901 au gagnant s'il est membre de la PGA. *Médaille commémorative Braid Taylor – décernée depuis 1966 au membre le mieux classé de la PGA. *Coupe Tooting Bec – décernée depuis 1924 au membre de la PGA qui enregistre la ronde la plus basse du championnat. La médaille commémorative Braid Taylor et la Tooting Bec Cup sont réservées aux membres nés ou avec un ou plusieurs parents nés au Royaume-Uni ou en République d'Irlande. Accueillir des cours Le point commun entre les sites sont les cours en lien. L'Open a toujours été joué en Écosse et dans le nord-ouest et le sud-est de l'Angleterre, ainsi qu'un parcours en Irlande du Nord qui accueillera à nouveau la compétition en 2019. De 1860 à 1870, l'Open a été organisé et joué au Prestwick Golf Club. Depuis sa renaissance en 1872 jusqu'en 1891, il a été joué sur trois parcours en rotation : Prestwick, The Old Course at St Andrews et Musselburgh Links. En 1892, le Muirfield nouvellement construit remplaça Musselburgh dans la rotation. En 1893, deux parcours anglais, le Royal St George's et le Royal Liverpool Golf Club, Hoylake, furent invités à rejoindre la rotation, le Royal St George's se voyant attribuer l'Open de 1894 et le Royal Liverpool l'événement de 1897. Lors d'une réunion en 1907, le Royal Cinque Ports Golf Club est devenu le sixième parcours de la rotation, se voyant attribuer l'Open de 1909. Avec trois parcours en Angleterre et en Écosse, la réunion a également convenu que le championnat devait se jouer alternativement en Angleterre et en Écosse. L'alternance des lieux en Angleterre et en Écosse s'est poursuivie jusqu'à la Seconde Guerre mondiale. La rotation des six parcours a été rétablie après la Première Guerre mondiale, Royal Cinque Ports accueillant le premier Open d'après-guerre en 1920. Il avait été choisi comme lieu de l'Open de 1915 annulé. En 1923, Troon a été utilisé à la place de Muirfield lorsque "des doutes existent quant au désir de l'Honorable Company of Edinburgh Golfers de souhaiter que son parcours soit utilisé pour l'événement". Muirfield est revenu comme lieu en 1929. De sérieux problèmes de surpopulation à Prestwick en 1925 signifiaient que le parcours ne fut plus jamais utilisé pour l'Open et fut remplacé par Carnoustie comme troisième parcours écossais. Alors que le Royal St George's et le Royal Liverpool continuaient à être utilisés à intervalles de six ans, le troisième cours d'anglais variait. Après Royal Cinque Ports en 1920, Royal Lytham fut utilisé en 1926, puis Prince's en 1932. Royal Cinque Ports était prévu comme lieu d'accueil en 1938, mais en février de la même année, des marées hautes anormales provoquèrent de graves inondations sur le parcours, le laissant comme « un parcours intérieur ». mer de plusieurs pieds de profondeur" et le lieu a été transféré au Royal St George's. Birkdale a été choisi comme lieu de l'événement en 1940, bien que l'événement ait été annulé en raison de la Seconde Guerre mondiale. Il y a neuf cours dans la rotation actuelle, quatre en Écosse, quatre en Angleterre et un en Irlande du Nord. Ces derniers temps, le Old Course a accueilli l'Open tous les cinq ans. Les parcours restants accueillent l'Open tous les 10 ans environ, mais les intervalles entre les ouvertures peuvent être plus longs ou plus courts que cela. En 2014, The R&A a annoncé que Royal Portrush revenait à la rotation active et en octobre 2015, Portrush a été confirmé comme lieu de l'Open 2019. Le parcours le plus récent à avoir été retiré de la rotation active était celui de Muirfield en mai 2016, à la suite du refus de l'Honorable Company of Edinburgh Golfers d'autoriser les membres féminins à rejoindre leur club. De 1894 (date à laquelle il a été joué pour la première fois en Angleterre) à 2016, il a été joué 62 fois en Écosse, 49 fois en Angleterre et une fois en Irlande du Nord. Ce n’est qu’en 2011 et 2012 que l’Angleterre a accueilli des Open consécutifs. Futurs lieux Qualification Le peloton pour l’Open est de 156 personnes et les golfeurs gagnent une place de plusieurs manières. La majeure partie du peloton est composée d’acteurs de premier plan bénéficiant d’exemptions. Des places supplémentaires sont accordées aux joueurs qui réussissent dans les Open Qualifying Series et dans les qualifications finales. Toutes les places restantes, ainsi que les places rendues disponibles parce que des joueurs qualifiés ne participent pas à la compétition, sont mises à la disposition des joueurs les mieux classés au classement officiel mondial du golf. Il existe actuellement 26 catégories d'exonération. Parmi les plus significatifs figurent : *Le top 50 du classement officiel mondial du golf. Cette catégorie signifie qu’aucun membre de l’élite actuelle du golf mondial ne sera exclu. *Le top 30 de l'European Tour Race to Dubai et de la PGA Tour FedEx Cup de la saison précédente. La plupart de ces joueurs figureront également dans le top 50 mondial. *Tous les précédents champions ouverts âgés de 60 ans ou moins le dernier jour du tournoi. Chaque année, un certain nombre d'anciens champions choisissent de ne pas concourir. *Tous les joueurs ayant remporté l'un des trois autres tournois majeurs au cours des cinq années précédentes. *Le top 10 de l'Open Championship de l'année précédente. *Les gagnants du Championnat Amateur et de l'U.S. Amateur (à condition que les gagnants conservent leur statut d'amateur avant le tournoi). Les qualifications internationales se font via les « Open Qualifying Series » qui comprennent dix événements disputés en dehors du Royaume-Uni. Un nombre pré-attribué de places est mis à disposition lors de ces épreuves (de 1 à 4) qui sont attribuées aux meilleurs joueurs de ces épreuves qui ne sont pas, à ce moment-là, qualifiés pour l'Open, à condition qu'ils terminent dans un classement suffisamment élevé. position. Au total, 32 places sont disponibles. Les qualifications locales étaient le moyen traditionnel pour les joueurs non exemptés de gagner une place à l'Open. Ces dernières années, il a compris un certain nombre de compétitions de « qualification régionale » en Grande-Bretagne et en Irlande avec des concurrents performants, rejoints par les joueurs exemptés des qualifications régionales, disputant quatre tournois de « qualification finale » de 36 trous. Il y a 12 places disponibles lors des qualifications finales, trois sur chacun des quatre sites. Chronologie des changements de qualification Jusqu’en 1920, divers systèmes de qualification étaient utilisés. De 1921 à 1962 (sauf 1926), les qualifications locales ont été utilisées. Tous ceux qui se sont inscrits ont joué 18 trous sur l'un des deux parcours, puis ont joué 18 trous sur l'autre parcours le lendemain. Les qualifications ont eu lieu juste avant le championnat lui-même. En 1963, un système d'exemptions pour les meilleurs joueurs a été introduit, les qualifications locales se poursuivant pour les joueurs restants. Depuis lors, de nombreux changements ont été apportés aux critères d'exemption et au système de qualification pour les joueurs restants. *1907 : Introduction des qualifications pour la première fois. Les joueurs jouent 36 trous sur une journée sur deux. Top 30 et égalités se qualifient chaque jour *1908 : Les joueurs jouent soit le premier matin et le deuxième après-midi, soit le premier après-midi et le deuxième matin. Top 30 et égalités se qualifient dans chaque groupe *1909 : Idem mais chacun des deux groupes doit contenir au moins 30 professionnels *1910 : abandon des qualifications *1912 : Réintroduction des qualifications. Les joueurs jouent 36 trous sur l'un des trois jours. Top 20 et égalités se qualifient chaque jour *1914. Qualification sur deux jours à travers deux parcours. Exactement 100 joueurs se qualifient. Playoffs de 18 trous le lendemain pour ceux à égalité pour les places finales. C'était la première fois que les qualifications n'avaient pas lieu sur le parcours de championnat. *1920 : Qualifications séparées pour les amateurs et les professionnels. Les amateurs se qualifient sur le site Open (total de 8 places, le champion amateur recevant une inscription automatique). Professionnels qualifiés grâce à deux cours à Surrey. Top 72 et égalités qualifiées *1921 : qualification locale réintroduite en utilisant deux cours. Généralement, le parcours de championnat est utilisé avec un parcours voisin. Top 80 et égalités qualifiées *1926 : qualification régionale utilisée. Total de 101 et égalités qualifiées sur l'un des trois sites (sud, centre, nord) *1927 : réintroduction des qualifications locales. Top 100 et égalités qualifiées *1937 : Top 140 et égalités qualifiées *1938 : 130 joueurs maximum se qualifient. Les égalités pour la 130ème place ne sont pas qualifiées *1946 : 100 joueurs maximum se qualifient. Les égalités pour la 100ème place ne sont pas qualifiées *1961 : 120 joueurs maximum se qualifient. Les égalités pour la 120e place ne sont pas qualifiées *1963 : Exonération des qualifications introduite pour les meilleurs joueurs, y compris les 10 derniers champions de l'Open. Les qualifications locales se poursuivent pour le reste du peloton, mais deux compétitions distinctes sont désormais organisées avec un nombre de places disponibles pré-attribué. Deux parcours proches du site Open sont utilisés mais pas le site Open lui-même. Playoffs pour ceux qui sont à égalité pour les places finales. Total de 120 qualifiés *1965 : 130 au total *1968 : Exonération étendue à tous les précédents champions de l'Open *1971 : 150 au total *1984 : Exonération pour les anciens champions de l'Open âgés de moins de 65 ans *1995 : Exonération pour les anciens champions de l'Open étendue aux personnes âgées de 65 ans ou moins *2004 : Introduction des qualifications finales internationales *2008 : Exonération pour les anciens champions de l'Open réservée aux personnes âgées de 60 ans ou moins (avec disposition transitoire pour les personnes nées entre 1942 et 1948) *2014 : Introduction des séries de qualification ouvertes en remplacement des qualifications finales internationales Nom du tournoi En Grande-Bretagne, le tournoi est surtout connu sous son titre officiel, The Open Championship. Les médias britanniques l'appellent généralement l'Open (avec « le » en minuscules) ou The Open Championship (avec chaque mot en majuscule). En dehors du Royaume-Uni, le tournoi est généralement appelé British Open, en partie pour le distinguer d'un autre des quatre tournois majeurs au format « ouvert », l'US Open, mais principalement parce que d'autres pays organisent des événements de golf au format « ouvert » similaires. se réfèrent à l'événement ouvert de leur propre nation comme « l'Open ». Jusqu’en 2014, le PGA Tour faisait référence au tournoi sous le nom de British Open, et de nombreux médias américains continuent de le faire. Cependant, en 2014, avec la nouvelle série de qualification ouverte qui sélectionne les joueurs pour l'Open en fonction des résultats obtenus lors de divers événements du PGA Tour, le PGA Tour a commencé à appeler l'événement The Open Championship pour la première fois. Le détenteur des droits de télévision américain ESPN/ABC a appelé l'événement le British Open jusqu'en 2004. Pour l'événement de 2005 à St Andrews, ESPN/ABC a commencé à appeler le tournoi The Open Championship, et l'a fait depuis, avec Golf Channel. et NBC continue de reconnaître la même chose lors de la prise en charge des droits américains en 2016. Statut de la tournée Il s'agit d'un événement officiel du PGA Tour depuis 1995, ce qui signifie que les prix en argent remportés à l'Open par les membres du PGA Tour sont inclus dans la liste officielle des gains. De plus, tous les championnats ouverts avant 1995 ont été classés rétroactivement comme des victoires du PGA Tour, et la liste des principaux vainqueurs du PGA Tour a été ajustée pour refléter cela. L'European Tour a reconnu l'Open comme un événement officiel depuis sa première saison officielle en 1972 et c'est également un événement financier officiel sur le Japan Golf Tour. Prix ​​en argent L'Open 2015 disposait d'un fonds total de 6,3 millions de livres sterling et d'un premier prix de 1,15 million de livres sterling. Au moment de l'Open, ces montants équivalaient respectivement à environ 9,8 millions de dollars et 1,8 million de dollars. Les trois autres championnats majeurs de 2015 avaient des prix en argent de 10,0 millions de dollars et des premiers prix de 1,8 million de dollars, de sorte que les quatre tournois majeurs avaient des prix en argent similaires. Les prix en argent sont attribués à tous les professionnels qui réussissent la sélection et, étant donné que le nombre de professionnels sélectionnés change d'année en année, le montant total des prix varie quelque peu par rapport au nombre annoncé (actuellement 6,3 millions de livres sterling). En 2016, le montant total des prix s'élevait à 6,5 millions de livres sterling, avec un premier prix de 1,175 million de livres sterling. Cela équivalait respectivement à environ 8,6 millions de dollars et 1,55 millions de dollars au moment de l'Open. Les autres majors avaient des prix en argent d'au moins 10,0 millions de dollars et des premiers prix d'au moins 1,8 million de dollars. La baisse relative des prix en argent, en termes de dollars, était imputable à une baisse du taux de change £/$. Il n'y a pas eu de prix en argent lors des trois premiers Open. En 1863, un fonds de prix de 10 £ a été introduit, qui a été partagé entre les professionnels classés deuxième, troisième et quatrième, le champion gardant la ceinture pendant un an. Le vieux Tom Morris a remporté le premier prix en espèces de champion de 6 £ en 1864. Enregistrements *Le plus vieux gagnant : Old Tom Morris (), 1867. *Plus jeune gagnant : le jeune Tom Morris (), 1868. *Plus grand nombre de victoires : 6, Harry Vardon (1896, 1898, 1899, 1903, 1911, 1914). *Plus grand nombre de victoires consécutives : 4, Young Tom Morris (1868, 1869, 1870, 1872 – il n'y a pas eu de championnat en 1871). *Score le plus bas après 36 trous : 130, Nick Faldo (66-64), 1992 ; Brandt Snedeker (66-64), 2012 *Score final le plus bas (72 trous) : 264, Henrik Stenson (68-65-68-63, 264), 2016. *Score final le plus bas (72 trous) par rapport au par : −20, Henrik Stenson (68-65-68-63, 264), 2016. *Plus grande marge de victoire : 13 coups, Old Tom Morris, 1862. Cela est resté un record pour tous les tournois majeurs jusqu'en 2000, lorsque Woods a remporté l'US Open par 15 coups à Pebble Beach. La marge de 13 coups du vieux Tom a été réalisée sur seulement 36 trous. *Tour le plus bas : 63 – Mark Hayes, 2e tour, 1977 ; Isao Aoki, 3e, 1980 ; Greg Norman, 2e, 1986 ; Paul Broadhurst, 3e, 1990 ; Jodie Mudd, 4e, 1991 ; Nick Faldo, 2e, 1993 ; Payne Stewart, 4e, 1993 ; Rory McIlroy, 1er, 2010, Phil Mickelson, 1er, 2016 ; Henrik Stenson. 4, 2016 *Tour le plus bas par rapport au par : −9, Paul Broadhurst, 3e, 1990 ; Rory McIlroy, 1er, 2010. *Gagnants fil à fil (après 72 trous sans égalité après les tours) : Ted Ray en 1912, Bobby Jones en 1927, Gene Sarazen en 1932, Henry Cotton en 1934, Tom Weiskopf en 1973, Tiger Woods en 2005 et Rory McIlroy en 2014. *Plus grand nombre de finalistes : 7, Jack Nicklaus (1964, 1967, 1968, 1972, 1976, 1977, 1979) Champions (a) désigne un amateur La colonne « Dates » comprend tous les jours où le match a eu lieu ou était prévu, y compris les séries éliminatoires. Gagnants de la médaille d'argent Depuis 1949, la Médaille d'Argent est décernée au meilleur amateur, à condition que le joueur termine les 72 trous. Lors des 68 Championnats de 1949 à 2016, il a été remporté par 43 joueurs à 49 reprises. Frank Stranahan l'a remporté quatre fois au cours des cinq premières années (et était également le faible amateur en 1947), tandis que Joe Carr, Michael Bonallack et Peter McEvoy l'ont chacun remporté deux fois. La médaille n'a pas été décernée à 19 reprises. * 1949 – Frank Stranahan * 1950 – Frank Stranahan (2) * 1951 – Frank Stranahan (3) * 1952 – Jackie Jones * 1953 – Frank Stranahan (4) * 1954 – Peter Toogood * 1955 – Joe Conrad * 1956 – Joe Carr * 1957 – Dickson Smith * 1958 – Joe Carr (2) * 1959 – Reid Jack * 1960 – Guy Wolstenholme * 1961 – Ronnie Blanc * 1962 – Charlie Green * 1963 – aucun * 1964 – aucun * 1965 – Michael Burgess * 1966 – Ronnie Shade * 1967 – aucun * 1968 – Michael Bonallack * 1969 – Peter Tupling * 1970 – Steve Melnyk * 1971 – Michael Bonallack (2) * 1972 – aucun * 1973 – Danny Edwards * 1974 - aucun * 1975 - aucun * 1976 - aucun * 1977 – aucun * 1978 – Peter McEvoy * 1979 – Peter McEvoy (2) * 1980 – Jay Sigel * 1981 – Hal Sutton * 1982 – Malcolm Lewis * 1983 – aucun * 1984 – aucun * 1985 – José María Olazábal * 1986 – aucun * 1987 – Paul Mayo * 1988 – Paul Broadhurst * 1989 – Russell Claydon * 1990 – aucun * 1991 – Jim Payne * 1992 – Daren Lee * 1993 – Iain Pyman * 1994 – Warren Bennett * 1995 – Steve Webster * 1996 – Tigre Woods * 1997 – Barclay Howard * 1998 – Justin Rose * 1999 – aucun * 2000 – aucun * 2001 – David Dixon * 2002 – aucun * 2003 – aucun * 2004 – Stuart Wilson * 2005 – Lloyd Saltman * 2006 – Marius Thorp * 2007 – Rory McIlroy * 2008 – Chris Wood * 2009 – Matteo Manassero * 2010 – Jin Jeong * 2011 – Tom Lewis * 2012 – aucun * 2013 – Matthieu Fitzpatrick * 2014 – aucun * 2015 – Jordan Niebrugge * 2016 – aucun Diffusion Depuis 2016, European Tour Productions est le diffuseur hôte de l'Open Championship. Le diffuseur hôte, ainsi que les diffuseurs britanniques et américains Sky Sports et NBC Sports, ont utilisé un total de 175 caméras lors du tournoi 2016. Royaume-Uni Au Royaume-Uni, l'Open Championship était auparavant diffusé par la BBC, une relation qui a duré de 1955 à 2015. Les droits de la BBC sur l'Open avaient été menacés par le retrait de l'événement de la catégorie A des événements « répertoriés » par l'Ofcom, qui imposait auparavant que le tournoi soit couvert dans son intégralité par un diffuseur terrestre. Il a depuis été transféré en catégorie B, ce qui signifie que les droits de télévision du tournoi peuvent désormais être acquis par une chaîne de télévision payante, telle que BT Sport ou Sky Sports, mais doivent diffuser les moments forts sur la télévision terrestre. L'ancien directeur général de R&A, Peter Dawson, avait critiqué la qualité de la couverture télévisée de la BBC, déclarant lors de son dernier renouvellement en 2010 : « Ils savent que nous les surveillons. technologie." Le Guardian a estimé que le R&A subissait des « pressions » pour négocier un accord de diffusion plus lucratif, comme avec les trois autres majors basées aux États-Unis, mais a également fait valoir que l'intérêt des téléspectateurs pour le golf pourrait subir de nouvelles baisses au Royaume-Uni sans une couverture largement disponible. Le 3 février 2015, le R&A a annoncé que Sky Sports avait acquis les droits de diffusion de l'Open à partir de 2017, dans le cadre d'un contrat de cinq ans évalué à 15 millions de livres sterling par an, doublant la valeur du contrat précédent de la BBC. Comme l'exige la loi, les droits de diffusion d'un programme de temps forts nocturnes ont également été vendus : la BBC a acquis ce bouquet de temps forts. Dawson a salué l'implication passée de Sky Sports dans le golf télévisé, expliquant que "la façon dont les gens consomment le sport en direct change considérablement et ce nouvel accord garantit aux fans une gamme d'options pour profiter du championnat à la télévision et via les chaînes numériques". La BBC a choisi de se retirer de la dernière année de son contrat existant, ce qui fait que les droits de diffusion de Sky Sports commencent un an plus tôt, en 2016. États-Unis Aux États-Unis, ABC détenait historiquement les droits sur l'Open. À partir de 2010, dans le cadre d'un accord de huit ans, l'Open est passé exclusivement à la chaîne de télévision payante ESPN, avec uniquement les temps forts diffusés sur ABC. En juin 2015, il a été annoncé que NBC Sports et Golf Channel acquerraient les droits de l'Open Championship dans le cadre d'un accord de 12 ans commençant en 2017. À l'instar de la BBC, ESPN a choisi de se retirer de sa dernière année de droits Open, ce qui a entraîné la suspension de NBC. les droits devraient plutôt commencer en 2016. Notes et références

http://www.triviacountry.com/

Comment s’appelait à l’origine la Paramount Film Company ?

Famous Players Film Company

Paramount Pictures Corporation (communément connue sous le nom de Paramount Studios ou simplement Paramount, et anciennement connue sous le nom de Famous Players-Lasky Corporation) est un studio de cinéma américain, une société de production télévisuelle et un distributeur de films, régulièrement classé parmi les « six grands » studios de cinéma de Hollywood. Il s'agit d'une filiale du conglomérat médiatique américain Viacom. Paramount est membre de la Motion Picture Association of America (MPAA). En 2014, Paramount Pictures est devenu le premier grand studio hollywoodien à distribuer tous ses films uniquement sous forme numérique. Fondé en 1912, Paramount est le cinquième studio de cinéma le plus ancien au monde et le plus ancien studio en activité aux États-Unis. Histoire 1911-1920 : début de l'histoire Paramount est le cinquième studio de cinéma le plus ancien au monde après les studios français Gaumont Film Company (1895) et Pathé (1896), suivis par la société Nordisk Film (1906) et Universal Studios (1912). Il s'agit du dernier grand studio de cinéma encore basé dans le quartier hollywoodien de Los Angeles. Paramount Pictures date son existence de la date de fondation en 1912 de la Famous Players Film Company. Le fondateur d'origine hongroise, Adolph Zukor, qui a été l'un des premiers investisseurs dans les nickelodeons, a constaté que les films attiraient principalement les immigrants de la classe ouvrière. Avec ses partenaires Daniel Frohman et Charles Frohman, il prévoyait de proposer des longs métrages qui plairaient à la classe moyenne en mettant en vedette les principaux acteurs de théâtre de l'époque (ce qui a conduit au slogan « Des acteurs célèbres dans des pièces célèbres »). Au milieu de l’année 1913, Famous Players avait terminé cinq films et Zukor était sur la voie du succès. Son premier film était Les Amours de la reine Élisabeth, avec Sarah Bernhardt. La même année, un autre producteur en herbe, Jesse L. Lasky, ouvre sa Lasky Feature Play Company avec de l'argent emprunté à son beau-frère, Samuel Goldfish, plus tard connu sous le nom de Samuel Goldwyn. La société Lasky a embauché comme premier employé un metteur en scène sans pratiquement aucune expérience cinématographique, Cecil B. DeMille, qui trouverait un site approprié à Hollywood, près de Los Angeles, pour son premier long métrage, The Squaw Man. À partir de 1914, Lasky et Famous Players ont sorti leurs films par l'intermédiaire d'une start-up, Paramount Pictures Corporation, créée au début de cette année-là par un propriétaire de théâtre de l'Utah, W. W. Hodkinson, qui avait acheté et fusionné plusieurs petites entreprises. Hodkinson et l'acteur, réalisateur et producteur Hobart Bosworth avaient commencé la production d'une série de films de Jack London. Paramount a été le premier distributeur national à succès ; jusqu'à cette époque, les films étaient vendus à l'échelle de l'État ou de la région, ce qui s'avérait coûteux pour les producteurs de films. De plus, Famous Players et Lasky appartenaient à des intérêts privés tandis que Paramount était une société. En 1916, Zukor a manœuvré une fusion à trois de ses Famous Players, de la Lasky Company et de Paramount. Zukor et Lasky ont racheté Hodkinson à Paramount et ont fusionné les trois sociétés en une seule. La nouvelle société fondée par Lasky et Zukor, Famous Players-Lasky Corporation, s'est développée rapidement, avec Lasky et ses partenaires Goldwyn et DeMille dirigeant la production, Hiram Abrams en charge de la distribution et Zukor élaborant de grands projets. Avec pour seul rival First National, propriété des exploitants, Famous Players-Lasky et ses « Paramount Pictures » ont rapidement dominé le secteur. 1921-1930 : montée en puissance Parce que Zukor croyait aux stars, il a signé et développé plusieurs des premières stars de premier plan, notamment Mary Pickford, Marguerite Clark, Pauline Frederick, Douglas Fairbanks, Gloria Swanson, Rudolph Valentino et Wallace Reid. Avec autant d'acteurs importants, Paramount a pu introduire la « réservation en bloc », ce qui signifiait qu'un exploitant souhaitant les films d'une star particulière devait acheter l'équivalent d'un an d'autres productions Paramount. C'est ce système qui a conféré à Paramount une position de leader dans les années 1920 et 1930, mais qui a conduit le gouvernement à le poursuivre pour des raisons antitrust pendant plus de vingt ans. La force motrice derrière la montée en puissance de Paramount était Zukor. Au cours de l'adolescence et des années vingt, il a fondé la Publix Theatres Corporation, une chaîne de près de 2 000 écrans, dirigé deux studios de production (à Astoria, New York, aujourd'hui Kaufman Astoria Studios, et Hollywood, Californie) et est devenu l'un des premiers investisseurs dans la radio. , prenant une participation de 50 % dans le nouveau Columbia Broadcasting System en 1928 (le vendant en quelques années ; ce ne serait pas la dernière fois que Paramount et CBS se croiseraient). En 1926, Zukor engagea le producteur indépendant B. P. Schulberg, un œil infaillible pour les nouveaux talents, pour diriger les nouvelles opérations sur la côte Ouest. Ils ont acheté les studios Robert Brunton, une installation de 26 acres située au 5451 Marathon Street pour 1 million de dollars américains. En 1927, Famous Players-Lasky prit le nom de Paramount Famous Lasky Corporation. Trois ans plus tard, en raison de l'importance des théâtres Publix, elle est devenue Paramount Publix Corporation. En 1928, Paramount commença à sortir Inkwell Imps, des dessins animés produits par les studios Fleischer de Max et Dave Fleischer à New York. Les Fleischer, vétérans de l'industrie de l'animation, étaient parmi les rares producteurs d'animation capables de contester la notoriété de Walt Disney. La série d'actualités Paramount, Paramount News, s'est déroulée de 1927 à 1957. Paramount a également été l'un des premiers studios hollywoodiens à sortir ce qu'on appelait à l'époque des « talkies » et, en 1929, a sorti sa première comédie musicale, Innocents of Paris. Richard A. Whiting et Leo Robin ont composé la musique du film ; Maurice Chevalier a joué et chanté la chanson la plus célèbre du film, "Louise". Publix, Balaban et Katz, concours de Loew et théâtres merveilleux En acquérant la chaîne à succès Balaban & Katz en 1926, Zukor s'adjoint les services de Barney Balaban (qui deviendra finalement président de Paramount en 1936), de son frère A. J. Balaban (qui finira par superviser toutes les productions scéniques à l'échelle nationale et produire des courts métrages parlants), et leur partenaire Sam Katz (qui dirigerait la chaîne de théâtre Paramount-Publix à New York depuis le Paramount Theatre Building de trente-cinq étages sur Times Square). Balaban et Katz avaient développé le concept du Wonder Theatre, annoncé pour la première fois vers 1918 à Chicago. Le Chicago Theatre a été créé comme un théâtre très orné et présenté comme un « théâtre merveilleux ». Lorsque Publix a acquis Balaban, ils se sont lancés dans un projet visant à agrandir les théâtres Wonder et ont commencé à en construire à New York en 1927. Alors que Balaban et Public dominaient à Chicago, Loew's était le grand acteur à New York et ne voulait pas des théâtres Publix. pour éclipser les leurs. Les deux sociétés ont négocié un accord de non-concurrence pour New York et Chicago, et Loew's a repris les projets de la région de New York, développant cinq théâtres Wonder. Publix a poursuivi le développement du théâtre merveilleux de Balaban dans sa région d'origine. 1931-1940 : mise sous séquestre Finalement, Zukor s'est débarrassé de la plupart de ses premiers partenaires ; les frères Frohman, Hodkinson et Goldwyn étaient absents en 1917 tandis que Lasky tenait bon jusqu'en 1932, date à laquelle, accusé du quasi-effondrement de la Paramount au cours des années de la Grande Dépression, il fut lui aussi expulsé. L'expansion excessive de Zukor et l'utilisation d'actions surévaluées de Paramount pour ses achats ont conduit l'entreprise à la mise sous séquestre en 1933. Une équipe de réorganisation mandatée par la banque, dirigée par John Hertz et Otto Kahn, a maintenu l'entreprise intacte et, miraculeusement, Zukor a été maintenu. En 1935, Paramount-Publix fait faillite. En 1936, Barney Balaban devint président et Zukor fut nommé président du conseil d'administration. Dans ce rôle, Zukor a réorganisé la société sous le nom de Paramount Pictures, Inc. et a réussi à sortir le studio de la faillite. Comme toujours, les films de Paramount ont continué à mettre l'accent sur les stars ; dans les années 1920, il y avait Swanson, Valentino et Clara Bow. Dans les années 1930, le cinéma parlant a apporté toute une série de nouveaux personnages puissants : Miriam Hopkins, Marlene Dietrich, Mae West, W.C. Fields, Jeanette MacDonald, Claudette Colbert, les Marx Brothers (dont les deux premiers films ont été tournés au studio Paramount d'Astoria, New York), Dorothy Lamour, Carole Lombard, Bing Crosby, le chef d'orchestre Shep Fields, le célèbre chanteur de tango argentin Carlos Gardel et Gary Cooper parmi eux. À cette époque, Paramount peut véritablement être décrite comme une usine à films, produisant entre soixante et soixante-dix films par an. Tels étaient les avantages d’avoir une énorme chaîne de cinémas à remplir et de réserver en bloc pour persuader d’autres chaînes de suivre. En 1933, Mae West contribuera également grandement au succès de Paramount avec ses films suggestifs She Done Him Wrong et I'm No Angel. Cependant, le sex-appeal donné par West dans ces films conduirait également à l'application du Code de production, car la nouvelle organisation, la Légion catholique de la décence, menaçait de boycotter si ce code n'était pas appliqué. Les dessins animés Paramount produits par Fleischer Studios ont continué à connaître du succès, avec des personnages tels que Betty Boop et Popeye le marin connaissant un large succès. Une série de Fleischer, Screen Songs, mettait en vedette des stars de la musique live-action sous contrat avec Paramount hébergeant des chansons populaires. Le studio d'animation va rebondir avec Popeye, et en 1935, des sondages montrent que Popeye est encore plus populaire que Mickey Mouse. Après une expansion infructueuse dans les longs métrages, ainsi que le fait que Max et Dave Fleischer ne se parlaient plus, Fleischer Studios fut racheté par Paramount, qui rebaptisa l'opération Famous Studios. Cette incarnation du studio d'animation a continué à produire des dessins animés jusqu'en 1967, mais a été historiquement rejetée comme ayant largement échoué à maintenir la renommée artistique obtenue par les frères Fleischer sous leur direction. 1941-1950 : États-Unis c. Paramount Pictures, Inc. En 1940, la Paramount accepta un décret de consentement institué par le gouvernement : les réservations en bloc et la « prévente » (la pratique consistant à collecter de l'argent d'avance pour les films pas encore en production) prendraient fin. Immédiatement, Paramount réduisit sa production, passant de soixante et onze films à dix-neuf plus modestes par an pendant les années de guerre. Pourtant, avec davantage de nouvelles stars comme Bob Hope, Alan Ladd, Veronica Lake, Paulette Goddard et Betty Hutton, et avec une fréquentation astronomique en temps de guerre, Paramount et les autres associations studio-théâtre intégrées ont gagné plus d'argent que jamais. La Federal Trade Commission et le ministère de la Justice ont alors décidé de rouvrir leur dossier contre les cinq studios intégrés. Paramount détenait également un monopole sur les salles de cinéma de Détroit par l'intermédiaire de sa filiale United Detroit Theatres. Cela a conduit à la décision de la Cour suprême États-Unis contre Paramount Pictures, Inc. (1948), selon laquelle les studios de cinéma ne pouvaient pas également posséder des chaînes de cinéma. Cette décision a mis fin à la création d'Adolph Zukor et a effectivement mis fin au système classique des studios hollywoodiens. 1951-1966 : Split et après Avec la séparation de la production et de l'exploitation imposée par la Cour suprême des États-Unis, Paramount Pictures Inc. a été scindée en deux. Paramount Pictures Corporation a été créée pour être la société de distribution de production, la chaîne de cinéma de 1 500 écrans étant confiée aux nouveaux United Paramount Theatres le 31 décembre 1949. Leonard Goldenson, qui dirigeait la chaîne depuis 1938, est resté président de la nouvelle société. La division théâtre Balaban et Katz a été scindée avec l'UPT ; sa marque est finalement devenue la propriété de la Fondation historique Balaban et Katz. La Fondation a récemment acquis la propriété de la marque Famous Players. Riche en liquidités et contrôlant l'immobilier de premier ordre du centre-ville, Goldenson a commencé à rechercher des investissements. Interdit de tourner des films en raison de décisions antitrust antérieures, il acquiert la chaîne de télévision ABC en difficulté en février 1953, la conduisant d'abord à la santé financière, puis finalement, au milieu des années 1970, à la première place du classement national Nielsen, avant de vendre à Capital Cities en 1985 (Capital Cities finira par se vendre, à son tour, à The Walt Disney Company en 1996). United Paramount Theatres a été rebaptisé ABC Theatres en 1965 et vendu à l'homme d'affaires Henry Plitt en 1974. La chaîne de cinéma a été rebaptisée Plitt Theatres. En 1985, Cineplex Odeon Corporation a fusionné avec Plitt. Au cours des années suivantes, la division TV de Paramount développera une relation solide avec ABC, fournissant de nombreuses séries à succès au réseau. Le réseau DuMont Paramount Pictures a été l'un des premiers soutiens de la télévision en lançant des stations expérimentales en 1939 à Los Angeles et à Chicago. La station de Los Angeles est finalement devenue KTLA, la première station commerciale de la côte ouest. La station de Chicago a obtenu une licence commerciale sous le nom de WBKB en 1943, mais a été vendue à UPT avec Balaban & Katz en 1948 et a finalement été revendue à CBS sous le nom de WBBM-TV. En 1938, Paramount acquiert une participation dans le fabricant de téléviseurs DuMont Laboratories. Grâce à cette participation, elle est devenue actionnaire minoritaire du réseau de télévision DuMont. Paramount a également lancé son propre réseau, Paramount Television Network, en 1948 par l'intermédiaire de son unité de télévision, Television Productions, Inc. La direction de Paramount prévoyait d'acquérir des stations supplémentaires détenues et exploitées (« O&O ») ; la société a déposé une demande auprès de la FCC pour des stations supplémentaires à San Francisco, Detroit et Boston. La FCC a cependant rejeté les demandes de Paramount. Quelques années plus tôt, le régulateur fédéral avait imposé un plafond de cinq chaînes à tous les réseaux de télévision : aucun réseau n'était autorisé à posséder plus de cinq chaînes de télévision VHF. Paramount a été gênée par sa participation minoritaire dans le réseau de télévision DuMont. Bien que les dirigeants de DuMont et de Paramount aient déclaré que les sociétés étaient distinctes, la FCC a statué que la propriété partielle de Paramount dans DuMont signifiait que DuMont et Paramount étaient en théorie des succursales de la même société. Étant donné que DuMont possédait trois chaînes de télévision et que Paramount en possédait deux, l'agence fédérale a statué qu'aucun des deux réseaux ne pouvait acquérir de chaînes de télévision supplémentaires. La FCC a demandé à Paramount de renoncer à sa participation dans DuMont, mais Paramount a refusé. Selon l'historien de la télévision William Boddy, « l'histoire antitrust mouvementée de Paramount » a contribué à convaincre la FCC que Paramount contrôlait DuMont. DuMont et Paramount Television Network en ont souffert, aucune des deux sociétés n'ayant pu acquérir cinq O&O. Pendant ce temps, CBS, ABC et NBC avaient chacun acquis un maximum de cinq stations au milieu des années 1950. Lorsqu'ABC a accepté une offre de fusion de l'UPT en 1953, DuMont s'est rapidement rendu compte qu'ABC disposait désormais de plus de ressources qu'elle ne pouvait espérer égaler. Elle a rapidement trouvé un accord de principe pour fusionner avec ABC. En 1951, Paramount a acheté une participation dans International Telemeter, un service expérimental de télévision payante qui fonctionnait avec une pièce de monnaie insérée dans une boîte. Le service a commencé à fonctionner à Palm Springs, en Californie, le 27 novembre 1953, mais en raison de la pression de la FCC, le service a pris fin le 15 mai 1954. Avec la perte de la chaîne de cinéma, Paramount Pictures a connu un déclin, supprimant la production soutenue par les studios, libérant ses acteurs sous contrat et concluant des accords de production avec des indépendants. Au milieu des années 1950, tous les grands noms avaient disparu ; seul Cecil B. DeMille, associé à la Paramount depuis 1913, a continué à réaliser des tableaux dans le grand style ancien. Malgré les pertes de la Paramount, DeMille allait cependant donner un certain soulagement au studio et créer son film le plus réussi à la Paramount, un remake de 1956 de son film de 1923 Les Dix Commandements. DeMille est décédé en 1959. Comme certains autres studios, Paramount voyait peu de valeur dans sa cinémathèque et vendait 764 de ses films d'avant 1948 à MCA Inc. (aujourd'hui Universal Studios Inc.) en février 1958. 1966-1970 : début de l’ère Golfe et Occident Au début des années 1960, l’avenir de Paramount était incertain. Le secteur cinématographique à haut risque était bancal ; la chaîne de théâtres avait disparu depuis longtemps ; les investissements dans DuMont et dans les premières télévisions payantes n'ont abouti à rien ; et l'âge d'or d'Hollywood venait de se terminer, même le bâtiment phare de la Paramount à Times Square a été vendu pour récolter des fonds, tout comme KTLA (vendu à Gene Autry en 1964 pour la somme alors phénoménale de 12,5 millions de dollars). À cette époque, leur seule propriété prospère était Dot Records, que Paramount avait acquis en 1957, et même ses bénéfices ont commencé à décliner au milieu des années 1960. Le père fondateur Adolph Zukor (né en 1873) était toujours président émérite ; il a qualifié le président Barney Balaban (né en 1888) de « le garçon ». Une direction aussi âgée était incapable de suivre le rythme de l'évolution des temps et, en 1966, une Paramount en train de couler fut vendue au conglomérat industriel de Charles Bluhdorn, Gulf + Western Industries Corporation. Bluhdorn a immédiatement imprimé son empreinte sur le studio en installant un producteur pratiquement inconnu nommé Robert Evans à la tête de la production. Malgré des moments difficiles, Evans a occupé ce poste pendant huit ans, rétablissant la réputation de succès commercial de Paramount avec The Odd Couple, Rosemary's Baby, Love Story, The Godfather, Chinatown et 3 Days of the Condor. Gulf + Western Industries a également acheté le studio de télévision voisin Desilu (autrefois le lot de RKO Pictures) à Lucille Ball en 1967. Utilisant certaines des émissions établies de Desilu telles que Star Trek, Mission : Impossible et Mannix comme pied dans la porte du réseaux, la Paramount Television, nouvellement réincorporée, est finalement devenue connue comme un spécialiste des comédies de situation d'une demi-heure. 1971-1980 : formation du CIC et ère du haut concept En 1970, Paramount s'associe à Universal Studios pour former Cinema International Corporation, une nouvelle société qui distribuerait les films des deux studios en dehors des États-Unis. Metro-Goldwyn-Mayer deviendra partenaire au milieu des années 1970. Paramount et CIC sont entrés sur le marché de la vidéo avec Paramount Home Video (maintenant Paramount Home Entertainment) et CIC Video, respectivement. Robert Evans abandonne son poste de chef de production en 1974 ; son successeur, Richard Sylbert, s'est révélé trop littéraire et de trop bon goût pour Bluhdorn de Gulf + Western. En 1976, une nouvelle équipe formée à la télévision était en place, dirigée par Barry Diller et ses « Killer-Dillers », comme les appelaient les admirateurs ou les « Dillettes » comme les appelaient les détracteurs. Ces associés, composés de Michael Eisner, Jeffrey Katzenberg, Dawn Steel et Don Simpson, dirigeront chacun leurs propres studios de cinéma majeurs plus tard dans leur carrière. La spécialité Paramount était désormais plus simple. Les films « high concept » tels que Saturday Night Fever et Grease ont frappé fort, fort et vite partout dans le monde, et l'expérience télévisuelle de Diller l'a amené à proposer au conseil d'administration l'une de ses idées les plus anciennes : Paramount Television Service, un quatrième réseau commercial. Paramount Pictures a acheté le Hughes Television Network (HTN), y compris son heure satellite, dans le cadre de la planification du PTVS en 1976. Paramount a vendu HTN au Madison Square Garden en 1979. Mais Diller croyait fermement au concept et a donc emporté avec lui son idée de quatrième réseau lorsque il a rejoint la 20th Century Fox en 1984, où le propriétaire de Fox alors fraîchement installé, Rupert Murdoch, était un auditeur plus intéressé. Cependant, la division télévision a rattrapé son retard pendant plus d'une décennie après le départ de Diller en 1984 avant de lancer son propre réseau de télévision – UPN – en 1995. D'une durée de onze ans avant de fusionner avec le réseau The WB pour devenir The CW en 2006, UPN présenterait de nombreuses émissions qu'il avait produites à l'origine pour d'autres réseaux et prendrait de nombreux paris sur des séries telles que Star Trek : Voyager et Star Trek : Enterprise qui autrement seraient passées directement au câble ou seraient devenues une syndication de première diffusion à des indépendants. stations à travers le pays (comme Star Trek : Deep Space Nine et Star Trek : The Next Generation). Paramount Pictures n'était liée ni à Paramount Records (années 1910-1935) ni à ABC-Paramount Records (1955-1966) jusqu'à ce qu'elle achète les droits d'utilisation du nom (mais pas du catalogue de ce dernier) à la fin des années 1960. Le nom Paramount était utilisé pour les albums de bandes originales et certaines rééditions pop du catalogue Dot Records que Paramount avait acquis en 1957. En 1970, Dot était devenu un label all-country et en 1974, Paramount vendit tous ses fonds de disques à ABC. Records, qui à son tour fut vendu à MCA (maintenant Universal Music Group) en 1979. 1980-1994 : Succès continu La série de films à succès de Paramount s'est étendue dans les années 1980 et 1990, générant des succès comme Airplane!, American Gigolo, Ordinary People, An Officer and a Gentleman, Flashdance, Terms of Endearment, Footloose, Pretty in Pink, Top Gun, "Crocodile" Dundee, Fatal Attraction, Ghost, la série slasher du vendredi 13, ainsi que Les Aventuriers de l'Arche Perdue et ses suites. D'autres exemples sont la série de films Star Trek et une série de films mettant en vedette le comédien Eddie Murphy comme Trading Places, Coming to America et Beverly Hills Cop et ses suites. Même si l'accent était résolument mis sur la publicité, il y avait parfois des efforts moins commerciaux mais plus artistiques et intellectuels comme I'm Dancing as Fast as I Can, Atlantic City, Reds, Witness, Children of a Lesser God et The Accused. Durant cette période, la responsabilité de la gestion du studio est passée d'Eisner et Katzenberg à Frank Mancuso, Sr. (1984) et Ned Tanen (1984) à Stanley R. Jaffe (1991) et Sherry Lansing (1992). Plus que la plupart des films, la liste des films de Paramount comprenait de nombreux remakes et retombées télévisées ; bien que parfois couronnés de succès commercialement, il y a eu peu de films convaincants du genre qui ont fait de Paramount le leader de l'industrie. Le 25 août 1983, les studios Paramount prennent feu. Deux ou trois scènes sonores et quatre décors extérieurs ont été détruits. Lorsque Charles Bluhdorn est décédé subitement, son successeur Martin Davis a abandonné toutes les filiales industrielles, minières et sucrières de G+W et a recentré l'entreprise, la rebaptisant Paramount Communications en 1989. Avec l'afflux de liquidités provenant de la vente des activités industrielles de G+W propriétés au milieu des années 1980, Paramount a acheté une série de chaînes de télévision et les opérations de parcs à thème de KECO Entertainment, les rebaptisant Paramount Parks. Ces parcs comprenaient Great America de Paramount, Wonderland de Paramount Canada, Carowinds de Paramount, Kings Dominion de Paramount et Kings Island de Paramount. En 1993, Viacom, le conglomérat de divertissement de Sumner Redstone, a fait une offre de fusion avec Paramount Communications ; cela a rapidement dégénéré en une guerre d'enchères avec QVC de Barry Diller. Mais Viacom a eu gain de cause, payant finalement 10 milliards de dollars pour les participations de Paramount. Viacom et Paramount avaient prévu de fusionner dès 1989. Paramount est le dernier grand studio de cinéma situé à Hollywood proprement dit. Lorsque la Paramount a emménagé dans son domicile actuel en 1927, elle se trouvait au cœur de la communauté cinématographique. Depuis lors, l'ancien voisin d'à côté, RKO, a fermé boutique en 1957 (Paramount a finalement absorbé son ancien terrain) ; Warner Bros. (dont l'ancien studio Sunset Boulevard a été vendu à Paramount en 1949 pour accueillir KTLA) a déménagé à Burbank en 1930 ; Columbia a rejoint Warners à Burbank en 1973, puis a déménagé à Culver City en 1989 ; et le lot Pickford-Fairbanks-Goldwyn-United Artists, après une histoire mouvementée, a été transformé en un centre de post-production et de composition musicale pour Warners, connu simplement sous le nom de « The Lot ». Pendant un certain temps, le quartier semi-industriel autour de Paramount était en déclin, mais il est aujourd'hui revenu. Le studio récemment rénové est devenu le symbole d'Hollywood pour de nombreux visiteurs, et sa visite des studios est une attraction populaire. 1994-2004 : Dolgen/Lansing et « l'ancienne » ère Viacom Pendant cette période, Paramount Pictures a été dirigée par Jonathan Dolgen, président et Sherry Lansing, présidente. Au cours de leur administration sur Paramount, le studio a connu une période de films extrêmement réussie avec deux des dix films les plus rentables de Paramount étant produits au cours de cette période. Le plus grand succès de ces films, Titanic, une coproduction avec la 20th Century Fox, est devenu le film le plus rentable à cette époque, avec plus de 1,8 milliard de dollars de recettes dans le monde. Durant cette période également, trois films de Paramount Pictures ont remporté l'Oscar du meilleur film ; Titanic, Braveheart et Forrest Gump. La propriété la plus importante de Paramount était cependant Star Trek. Les dirigeants du studio avaient commencé à l'appeler « la franchise » dans les années 1980 en raison de ses revenus fiables, et d'autres studios enviaient son succès « intouchable et induplicable ». En 1998, les émissions de télévision, les films, les livres, les bandes vidéo et les licences de Star Trek fournissaient une telle part des bénéfices du studio qu '«il n'est pas possible de passer un temps raisonnable à Paramount et de ne pas être conscient de [sa] présence»; le tournage de Star Trek : Voyager et Star Trek : Deep Space Nine a nécessité jusqu'à neuf des plus grandes des 36 scènes sonores du studio. En 1995, Viacom et United Television de Chris-Craft Industries ont lancé United Paramount Network (UPN) avec Star Trek : Voyager comme série phare, réalisant ainsi le plan de Barry Diller d'un réseau Paramount de 25 ans plus tôt. En 1999, Viacom a racheté les intérêts de United Television et a confié la responsabilité du réseau de start-up à l'unité CBS nouvellement acquise, que Viacom a achetée en 1999 - une confluence ironique d'événements puisque Paramount avait autrefois investi dans CBS et Viacom avait été autrefois la branche de syndication de CBS également. Au cours de cette période, le studio a acquis une trentaine de chaînes de télévision pour soutenir le réseau UPN, ainsi qu'en acquérant et en fusionnant les actifs de Republic Pictures, Spelling Television et Viacom Television, doublant presque la taille de la bibliothèque télévisée du studio. La division TV a produit l'émission dominante aux heures de grande écoute de la décennie à Frasier ainsi que des succès de longue date comme NCIS et Becker et l'émission de magazine dominante aux heures de grande écoute Entertainment Tonight. Au cours de cette période, Paramount et ses filiales et sociétés affiliées, opérant sous le nom de « Viacom Entertainment Group », comprenaient également le quatrième plus grand groupe de parcs à thème aux États-Unis et au Canada qui, en plus des manèges et attractions traditionnels, ont lancé avec succès de nombreux parcs à thème. des unités de divertissement, dont une attraction "Star Trek" de longue date au Hilton de Las Vegas. Famous Music – la célèbre branche d'édition musicale de la société a presque doublé de taille et a développé des artistes tels que Pink, Bush, Green Day, ainsi que des favoris du catalogue, notamment Duke Ellington et Henry Mancini. Le groupe de licences Paramount/Viacom, sous la direction de Tom McGrath, a créé les bars et restaurants franchisés « Cheers » ainsi qu'une chaîne de restaurants empruntant au film du studio primé aux Oscars « Forrest Gump » – The Bubba Gump Shrimp Company. Grâce aux efforts combinés de Famous Music et du studio, plus de dix comédies musicales « Broadway » ont été créées, dont White Christmas d'Irving Berlin, Footloose, Saturday Night Fever, Sunset Boulevard d'Andrew Lloyd Weber, entre autres. La branche internationale de la société, United International Pictures (UIP), a été le distributeur dominant à l'échelle internationale pendant dix années consécutives, représentant Paramount, Universal et MGM. Simon et Schuster sont devenus membres du groupe Viacom Entertainment, qui est devenu le principal éditeur de livres commerciaux aux États-Unis. En 2002, Paramount, Buena Vista Distribution, 20th Century Fox, Sony Pictures, Universal Studios et Warner Bros. ont formé les Digital Cinema Initiatives. Opérant en vertu d'une dérogation à la loi antitrust, les studios se sont associés sous la direction du directeur de l'exploitation de Paramount, Tom McGrath, pour développer des normes techniques pour l'éventuelle introduction de la projection de films numériques, remplaçant la technologie cinématographique désormais vieille de 100 ans. DCI a été créée « pour établir et documenter des spécifications volontaires pour une architecture ouverte pour le cinéma numérique qui garantit un niveau uniforme et élevé de performances techniques, de fiabilité et de contrôle qualité ». McGrath a également dirigé l'initiative de Paramount pour la création et le lancement du DVD Blu-ray. 2005 : Dissolution du groupe Viacom Entertainment et de Paramount En 2005, Viacom a annoncé la scission de CBS en une entité publique distincte. Dans le cadre de cette scission, le groupe Entertainment dirigé par Dolgen, Lansing et McGrath a été dissous et Paramount divisé en ses actifs distincts. Famous Music, qui fait partie de la société depuis sa création par Jesse Lasky, a été vendue à Sony Music. Le réseau UPN et ses chaînes de télévision ont été transférés à CBS. Paramount elle-même a été divisée en deux parties et la production télévisuelle et les actifs ont été dépouillés et intégrés à CBS. Le groupe de parcs à thème a été vendu à Cedar Fair en 2006 et a renommé les parcs en supprimant le préfixe « Paramount ». Simon et Schuster sont également devenus membres de CBS. Les trois chaînes de cinéma de l'entreprise ont été cédées – Famous Players Theatres, le circuit cinématographique dominant au Canada, a été vendu à son concurrent Cineplex Odeon. UCI, qui dominait les marchés internationaux du cinéma, composé de plus de 1 300 écrans dans 11 pays, a été vendue à la société de rachat Terra Firma. Les théâtres Mann ont été lentement cédés écran par écran, le célèbre « Théâtre chinois de Graumann » étant vendu à un consortium dirigé par Eli Samaha. L'entreprise qui en résulte, représentant environ 20 % de sa taille antérieure, a fusionné en 2006 sous la direction de son nouveau PDG, Brad Gray, qui détenait le même titre que Sherry Lansing malgré la taille beaucoup plus petite de l'entreprise sous sa direction. 2005-présent : Paramount aujourd'hui Scission CBS Corporation/Viacom Reflétant en partie les difficultés du secteur de la radiodiffusion, Viacom a radié en 2005 plus de 18 milliards de dollars de ses acquisitions de radio et, au début de l'année, a annoncé qu'elle se scindrait en deux. La scission a été finalisée en janvier 2006. Avec l'annonce de la scission de Viacom, Dolgen et Lansing ont été remplacés par les anciens dirigeants de la télévision Brad Gray et Gail Berman. Le conseil d'administration de Viacom Inc. a divisé la société en CBS Corporation et en une société distincte sous le nom de Viacom. Le conseil d'administration a programmé la division pour le premier trimestre 2006. Selon le plan, CBS Corp. comprendrait les réseaux CBS et UPN, Viacom Television Stations Group, Infinity Broadcasting, Viacom Outdoor, Paramount Television, KingWorld, Showtime, Simon and Schuster, Paramount Parks. , et CBS News. Le Viacom remanié comprendrait "MTV, VH1, Nickelodeon, BET et plusieurs autres réseaux câblés ainsi que le studio de cinéma Paramount". L'unité de divertissement à domicile de Paramount continue de distribuer la bibliothèque Paramount TV via CBS DVD, car Viacom et CBS Corporation sont contrôlées par National Amusements de Sumner Redstone. En 2009, CBS a cessé d'utiliser le nom Paramount dans ses séries et a changé le nom de la branche de production en CBS Television Studios, éliminant ainsi le nom Paramount de la télévision, pour se démarquer de cette dernière. DreamWorks acheté Le 11 décembre 2005, le groupe Paramount Motion Pictures a annoncé avoir acheté DreamWorks SKG (cofondé par l'ancien cadre de Paramount Jeffrey Katzenberg) dans le cadre d'un accord d'une valeur de 1,6 milliard de dollars. L'annonce a été faite par Brad Grey, président-directeur général de Paramount Pictures, qui a souligné que l'amélioration du portefeuille d'images de Paramount est un "objectif stratégique clé pour restaurer la stature de Paramount en tant que leader du divertissement filmé". L'accord n'inclut pas DreamWorks Animation SKG Inc., la partie la plus rentable de la société introduite en bourse l'année précédente. Le 6 octobre 2008, les dirigeants de DreamWorks ont annoncé qu'ils quittaient Paramount et relançaient DreamWorks indépendant. Les marques DreamWorks sont restées chez DreamWorks Animation lorsque cette société a été scindée avant l'achat de Paramount, et DreamWorks Animation a transféré la licence du nom à la nouvelle société. UIP, musique célèbre et divertissement numérique En 2007, Paramount a vendu une autre de ses unités « patrimoniales », Famous Music, à Sony/ATV Music Publishing (mieux connu pour avoir publié de nombreuses chansons des Beatles et pour être la copropriété de Michael Jackson), mettant ainsi fin à une période de près de huit ans. -décennie gérée en tant que division de Paramount, étant la branche d'édition musicale du studio depuis la période où l'ensemble de la société s'appelait "Famous Players". Début 2008, Paramount s'est associé au développeur FanRocket, basé à Los Angeles, pour mettre de courtes scènes tirées de sa cinémathèque à la disposition des utilisateurs sur Facebook. L'application, appelée VooZoo, permet aux utilisateurs d'envoyer des clips vidéo à d'autres utilisateurs de Facebook et de publier des clips sur leurs pages de profil. Paramount a conclu un accord similaire avec Makena Technologies pour permettre aux utilisateurs de vMTV et There.com de visualiser et d'envoyer des clips vidéo. En mars 2010, Paramount a fondé Insurge Pictures, un distributeur indépendant de films « à micro budget ». Le distributeur avait prévu dix films avec un budget de 100 000 $ chacun. Le premier film était The Devil Inside, un film doté d'un budget d'environ 1 million de dollars. En mars 2015, suite à la baisse des retours au box-office, Paramount a fermé Insurge Pictures et a transféré ses opérations au studio principal. Autre En juillet 2011, à la suite du succès critique et au box-office du long métrage d'animation Rango et du départ de DreamWorks Animation à la fin de leur contrat de distribution en 2012, Paramount a annoncé la création d'une nouvelle division, consacrée à la création d'animation.

http://www.triviacountry.com/

Quel journaliste a le premier parlé au monde du massacre de My Lai ?

Seymour Hersh

Le massacre de Mỹ Lai (,;,, ou) était le massacre de la guerre du Vietnam entre 347 et 504 civils non armés au Sud-Vietnam le 16 mars 1968. Il a été commis par des soldats de l'armée américaine de la compagnie C du 1er bataillon, 20e Régiment d'infanterie, 11e brigade de la 23e division d'infanterie (américaine). Les victimes comprenaient des hommes, des femmes, des enfants et des nourrissons. Certaines femmes ont été violées collectivement et leurs corps mutilés. [http://news.bbc.co.uk/2/hi/asia-pacific/64344.stm Meurtre au nom de la guerre : My Lai]. BBC News, 20 juillet 1998. Vingt-six soldats ont été accusés d'infractions pénales, mais seul le lieutenant William Calley Jr., chef de peloton de la compagnie C, a été reconnu coupable. Reconnu coupable du meurtre de 22 villageois, il avait initialement été condamné à perpétuité, mais n'a purgé que trois ans et demi en résidence surveillée. Le massacre, qui fut plus tard qualifié d'« épisode le plus choquant de la guerre du Vietnam », a eu lieu dans deux hameaux du village de Sơn Mỹ dans la province de Quảng Ngãi.Département de l'Armée. [http://www.loc.gov/rr/frd/Military_Law/Peers_inquiry.html Rapport du Département de l'armée sur l'examen des enquêtes préliminaires sur l'incident de My Lai], volumes I-III (1970). Ces hameaux ont été marqués sur les cartes topographiques de l'armée américaine comme My Lai et My Khe. [http://www.law.umkc.edu/faculty/projects/ftrials/mylai/summary_rpt.html Résumé du rapport des pairs]. Le mot de passe militaire américain pour le prétendu bastion du Viet Cong dans cette région était Pinkville, et le carnage a été initialement appelé le massacre de Pinkville. Plus tard, lorsque l’armée américaine a commencé son enquête, les médias l’ont remplacée par le massacre de Songmy. Actuellement, l'événement est appelé massacre de My Lai aux États-Unis et massacre de Sơn Mỹ au Vietnam. L'incident a suscité l'indignation mondiale lorsqu'il est devenu public en novembre 1969. Le massacre de My Lai a accru dans une certaine mesure l'opposition nationale à l'implication des États-Unis dans la guerre du Vietnam lorsque l'ampleur des meurtres et des tentatives de dissimulation a été révélée. Initialement, trois militaires américains qui avaient tenté de mettre fin au massacre et de sauver les civils cachés ont été rejetés et même dénoncés comme traîtres par plusieurs membres du Congrès américain, dont Mendel Rivers, président de la commission des services armés de la Chambre des représentants. Ce n’est qu’après trente ans qu’ils furent reconnus et décorés, dont un à titre posthume, par l’armée américaine pour avoir protégé les non-combattants contre tout danger dans une zone de guerre. Incident La Compagnie Charlie du 1er Bataillon, 20e Régiment d'infanterie, 11e Brigade, 23e Division d'infanterie, arrive au Sud-Vietnam en décembre 1967. Bien que leurs trois premiers mois au Vietnam se soient déroulés sans aucun contact direct avec l'ennemi, à la mi-mars, la compagnie avait subi 28 pertes. impliquant des mines ou des pièges. Au cours de l'offensive du Têt de janvier 1968, des attaques ont été menées à Quảng Ngãi par le 48e bataillon des forces locales du Front de libération nationale (NLF), communément appelé par l'armée américaine sous le nom de Viet Cong. Les renseignements militaires américains ont supposé que le 48e bataillon du FNL, s'étant retiré et dispersé, se réfugiait dans le village de Sơn Mỹ, dans la province de Quảng Ngãi. Un certain nombre de hameaux spécifiques de ce village – désignés de My Lai (1) à My Lai (6) – étaient soupçonnés d'héberger le 48e. En février et mars 1968, le Commandement d'assistance militaire américain au Vietnam tentait de manière agressive de reprendre l'initiative stratégique au Sud-Vietnam après l'offensive du Têt, et l'opération de recherche et de destruction contre le 48e bataillon du FLN que l'on pensait situé à Sơn Mỹ devint une petite partie de la grande stratégie américaine. La Task Force Barker (TF Barker), une unité ad hoc de la taille d'un bataillon de la 11e Brigade, devait être employée pour cette tâche. Elle a été créée en janvier 1968, composée de trois compagnies de fusiliers de la 11e brigade, dont la compagnie C de la 20e infanterie, dirigée par le lieutenant-colonel (LTC) Frank A. Barker. Le village de Sơn Mỹ était inclus dans la zone d'opérations de TF Barker, nom de code Muscatine AO. (Le comté de Muscatine, dans l'Iowa, était le comté d'origine du commandant de la 23e division, le major général (MG) Samuel W. Koster.) En février 1968, la TF Barker avait déjà tenté de sécuriser Sơn Mỹ, avec un succès limité. Après cela, la zone du village a commencé à être appelée Pinkville par les troupes de la TF Barker. Du 16 au 18 mars, la TF Barker prévoyait d'engager et de détruire les restes du 48e bataillon du NLF, qui se seraient cachés dans la zone du village de Sơn Mỹ. Avant l'engagement, le colonel (COL) Oran K. Henderson, commandant de la 11e brigade, a exhorté ses officiers à « y entrer de manière agressive, à se rapprocher de l'ennemi et à l'éliminer pour de bon ». À son tour, le LTC Barker aurait ordonné aux commandants du 1er bataillon de brûler les maisons, de tuer le bétail, de détruire les réserves de nourriture et de détruire les puits. À la veille de l'attaque, lors du briefing de la Compagnie Charlie, le capitaine (CPT) Ernest Medina a déclaré à ses hommes que presque tous les habitants civils des hameaux du village de Sơn Mỹ seraient partis pour le marché à 7 heures du matin, et que quiconque Il resterait des sympathisants du NLF ou du NLF. On lui a demandé si l'ordre incluait le meurtre de femmes et d'enfants. Les personnes présentes ont ensuite donné des versions différentes de la réponse de Médine. Certains, y compris les chefs de section, ont témoigné que les ordres tels qu'ils les comprenaient étaient de tuer tous les guérilleros et combattants nord-vietnamiens et « suspects » (y compris les femmes et les enfants, ainsi que tous les animaux), d'incendier le village et de polluer les puits. Il aurait également déclaré : « Ils sont tous des VC, maintenant allez les chercher », et a été entendu répondre à la question « Qui est mon ennemi ? » en disant : « Quiconque nous fuyait, se cachait ou semblait être l'ennemi. Si un homme courait, tirez-lui dessus, parfois même si une femme avec un fusil courait, tirez-lui dessus. Lors du procès de Calley, un témoin de la défense a déclaré qu'il se souvenait que Medina avait ordonné de détruire tout ce qui « marchait, rampait ou poussait » dans le village. La Compagnie Charlie devait entrer dans le village de Sơn Mỹ, dirigée par son 1er peloton, engager l'ennemi et le débusquer. Les deux autres compagnies de TF Barker ont reçu l'ordre de sécuriser la zone et de fournir un soutien si nécessaire. La zone a été désignée zone de tir libre, où les forces américaines ont été autorisées à déployer des frappes d'artillerie et aériennes dans les zones peuplées. Meurtres Le samedi matin du 16 mars à 7h30, une centaine de soldats de la Compagnie Charlie dirigée par le CPT Ernest Medina, à la suite d'un bref barrage d'artillerie et d'hélicoptères de combat, ont atterri en hélicoptère à Sơn Mỹ, un patchwork d'habitations, de rizières, d'irrigations. des fossés, des digues et des chemins de terre, reliant un assortiment de hameaux et sous-hameaux. Les plus grands d'entre eux étaient les hameaux My Lai, Co Luy, My Khe et Tu Cung. Bien que les GI n'aient pas reçu de tirs après l'atterrissage, ils soupçonnaient toujours que des guérilleros vietcongs se cachaient sous terre ou dans les huttes. Confirmant leurs soupçons, les hélicoptères de combat ont engagé plusieurs ennemis armés à proximité de My Lai ; plus tard, une arme (une carabine) a été récupérée sur le site. Selon le plan opérationnel, le 1er peloton dirigé par le sous-lieutenant (2LT) William Calley et le 2e peloton dirigé par le 2LT Stephen Brooks sont entrés dans le hameau de Tu Cung en formation en ligne à 08h00, tandis que le 3e peloton commandé par le 2LT Jeffrey U Le poste de commandement de Lacross et du capitaine Medina est resté à l'extérieur. A l'approche, les deux pelotons ont tiré sur les personnes aperçues dans les rizières et dans les broussailles. Les villageois, qui se préparaient pour un jour de marché, n'ont d'abord pas paniqué ni pris la fuite, et ils ont été parqués dans les communs du hameau. Harry Stanley, un mitrailleur de la Compagnie Charlie, a déclaré lors de l'enquête de la Division des enquêtes criminelles de l'armée américaine (CID) que les meurtres avaient commencé sans avertissement. Il a d'abord observé un membre du 1er peloton frapper un Vietnamien avec une baïonnette. Ensuite, le même soldat a poussé un autre villageois dans un puits et a lancé une grenade dans le puits. De plus, il vit quinze ou vingt personnes, principalement des femmes et des enfants, agenouillées autour d'un temple où l'on brûlait de l'encens. Ils priaient et pleuraient. Ils ont tous été tués d'une balle dans la tête. La plupart des meurtres ont eu lieu dans la partie sud de Tu Cung, un sous-hameau de Xom Lang, qui abritait 700 habitants. Xom Lang a été marqué par erreur sur les cartes opérationnelles militaires américaines de la province de Quảng Ngãi comme étant My Lai. Un grand groupe d'environ 70 à 80 villageois a été rassemblé par le 1er peloton à Xom Lang, puis conduit vers un fossé d'irrigation à l'est de la colonie. Tous les détenus ont été poussés dans le fossé puis tués sur ordres répétés du lieutenant Calley, qui tirait également. Paul Meadlo, un soldat de première classe (PFC), a déclaré avoir utilisé plusieurs chargeurs M16. Il se souvient que des femmes auraient dit « Pas de VC » et essayaient de protéger leurs enfants. Il se souvenait qu'il tirait sur des femmes avec des bébés à la main car il était alors convaincu qu'elles étaient toutes piégées avec des grenades et prêtes à attaquer. À une autre occasion, lors du contrôle de sécurité de My Lai, Meadlo a de nouveau tiré sur des civils aux côtés du lieutenant Calley. Le PFC Dennis Konti, témoin à charge, a raconté un épisode particulièrement horrible lors de la fusillade : « Beaucoup de femmes s'étaient jetées sur les enfants pour les protéger, et les enfants étaient vivants au début. étaient en âge de marcher, se sont levés et Calley a commencé à tirer sur les enfants". D'autres membres du 1er peloton ont témoigné que de nombreux décès d'hommes, de femmes et d'enfants vietnamiens se sont produits à l'intérieur de My Lai lors du ratissage de sécurité. Le bétail a également été abattu. Lorsque le PFC Michael Bernhardt entra dans le sous-hameau de Xom Lang, le massacre était en cours : Un groupe de 20 à 50 villageois a été emmené à pied vers le sud de Xom Lang et tué sur un chemin de terre. Selon le témoignage oculaire du massacre de Ronald Haeberle, dans un cas, Le lieutenant Calley a témoigné qu'il avait entendu la fusillade et qu'il était arrivé sur les lieux. Il a observé ses hommes tirer dans un fossé avec des Vietnamiens à l'intérieur, puis il a commencé à tirer, avec un M16, à une distance de 1,50 mètre. Ensuite, un hélicoptère a atterri de l'autre côté du fossé et un pilote a demandé à Calley s'il pouvait fournir une assistance médicale aux civils blessés à My Lai ; Calley a admis avoir répondu qu'une grenade à main était le seul moyen dont il disposait pour leur évacuation. Après cela, vers 11h00, le capitaine Medina a demandé par radio un cessez-le-feu et le 1er peloton a pris une pause déjeuner. Les membres du 2e peloton ont tué au moins 60 à 70 Vietnamiens alors qu'ils balayaient la moitié nord de Mỹ Lai et Binh Tay, un petit sous-hameau situé à environ 400 m au nord de Mỹ Lai. Le peloton a subi un mort et sept blessés par des mines et des pièges. Après les premiers balayages par les 1er et 2e pelotons, le 3e peloton a été envoyé pour faire face à toute « résistance restante ». Le 3e peloton, resté en réserve, aurait également rassemblé et tué un groupe de sept à douze femmes et enfants. Comme la Compagnie Charlie n'avait rencontré aucune opposition ennemie à My Lai et n'avait pas demandé de renfort, la Compagnie Bravo du 4e Bataillon, 3e Régiment d'infanterie de la TF Barker a été transportée par voie aérienne entre 8 h 15 et 8 h 30, à 3 km de là. Il a attaqué le sous-hameau My Hoi du hameau de Co Luy, qui a été cartographié par l'armée comme étant My Khe. Au cours de cette opération, entre 60 et 155 personnes, dont des femmes et des enfants, ont été tuées. Le lendemain, les deux sociétés ont été impliquées dans de nouveaux incendies et destructions d'habitations, ainsi que dans des mauvais traitements infligés aux détenus vietnamiens. Si certains soldats de la Compagnie Charlie n’ont pas participé aux crimes, ils n’ont ni protesté ouvertement ni porté plainte ultérieurement auprès de leurs supérieurs. William Thomas Allison, professeur d'histoire militaire à la Georgia Southern University, a écrit : « En milieu de matinée, les membres de la Compagnie Charlie avaient tué des centaines de civils et violé ou agressé d'innombrables femmes et jeunes filles. Ils n'ont rencontré aucun feu ennemi et n'ont trouvé aucune arme dans mon camp. Lai lui-même". Intervention de l'équipage de l'hélicoptère L'adjudant (WO1) Hugh Thompson, Jr., pilote d'hélicoptère de la compagnie B (Aero-Scouts), 123e bataillon d'aviation, division américaine, a vu des civils morts et blessés alors qu'il survolait le village de Sơn Mỹ pour fournir un soutien aérien rapproché. pour les forces terrestres. L'équipage a tenté à plusieurs reprises d'appeler par radio de l'aide pour les blessés. Ils ont posé leur hélicoptère près d'un fossé qu'ils ont constaté rempli de cadavres et dans lequel il y avait du mouvement. Thompson a demandé à un sergent qu'il a rencontré là-bas (David Mitchell du 1er peloton) s'il pouvait aider à sortir les gens du fossé, et le sergent a répondu qu'il « les aiderait à sortir de leur misère ». Thompson, choqué et confus, s'est ensuite entretenu avec le 2LT Calley, qui a affirmé « simplement suivre les ordres ». Alors que l'hélicoptère décollait, Thompson a vu Mitchell tirer dans le fossé. Thompson et son équipage ont vu une femme non armée se faire donner des coups de pied et tirer à bout portant par le capitaine Medina, qui a affirmé plus tard qu'il pensait qu'elle avait une grenade à main. Thompson a alors vu un groupe de civils (à nouveau composé d'enfants, de femmes et d'hommes âgés) dans un bunker approché par le personnel au sol. Thompson a débarqué et a dit à son équipage que si les soldats tiraient sur les Vietnamiens alors qu'il essayait de les faire sortir du bunker, ils ouvriraient le feu sur ces soldats. Thompson a témoigné plus tard qu'il avait parlé avec un lieutenant (identifié comme Stephen Brooks du 2e peloton) et lui avait dit qu'il y avait des femmes et des enfants dans le bunker, et lui avait demandé si le lieutenant pouvait les aider à sortir. Selon Thompson, "il [le lieutenant] a dit que le seul moyen de les faire sortir était d'utiliser une grenade à main". Thompson a témoigné qu'il avait ensuite dit à Brooks de « tenir vos hommes là où ils sont, et je ferai sortir les enfants ». Il a trouvé 12 à 16 personnes dans le bunker, les a persuadées d'en sortir et les a conduites jusqu'à l'hélicoptère, se tenant à leurs côtés pendant qu'elles étaient évacuées en deux groupes. De retour à Mỹ Lai, Thompson et d'autres membres de l'équipage aérien ont remarqué plusieurs grands groupes de corps. Repérant quelques survivants dans le fossé, Thompson atterrit à nouveau. Un membre de l'équipage, Glenn Andreotta, est entré dans le fossé et est revenu avec un enfant ensanglanté, mais apparemment indemne, qui a été transporté en lieu sûr. On pensait que l’enfant était un garçon, mais il s’est avéré plus tard qu’il s’agissait d’une fillette de quatre ans. Thompson a ensuite rapporté ce qu'il avait vu à son commandant de compagnie, le major (MAJ) Frederic W. Watke, en utilisant des termes tels que « meurtre » et « meurtres inutiles et inutiles ». Les déclarations de Thompson ont été confirmées par d'autres pilotes d'hélicoptère et membres d'équipage. Pour les actions à My Lai, Thompson a reçu la Distinguished Flying Cross (DFC) et ses membres d'équipage Glenn Andreotta et Lawrence Colburn ont reçu des médailles Bronze Star. Glenn Andreotta a reçu sa médaille à titre posthume, car il a été tué au Vietnam le 8 avril 1968. Comme la citation du DFC incluait un récit fabriqué sur le sauvetage d'une jeune fille de My Lai d'un « feu croisé intense », Thompson a jeté sa médaille. Il a ensuite reçu un Purple Heart pour d'autres services au Vietnam. En mars 1998, les médailles des équipages d'hélicoptère ont été remplacées par la Médaille du soldat, « la plus haute distinction que l'armée américaine puisse décerner pour un acte de bravoure n'impliquant pas de conflit direct avec l'ennemi ». Les citations des médailles indiquent qu'elles étaient « pour un héroïsme au-delà de l'appel du devoir tout en sauvant la vie d'au moins 10 civils vietnamiens lors du massacre illégal de non-combattants par les forces américaines à My Lai ». Thompson a d'abord refusé la médaille lorsque l'armée américaine a voulu la décerner discrètement. Il a exigé que cela soit fait publiquement et que son équipage soit également honoré de la même manière. Les vétérans prirent également contact avec les survivants de Mỹ Lai. Conséquences De retour à la base vers 11 heures, Thompson rapporta le massacre à ses supérieurs. Ses allégations de meurtres de civils sont rapidement parvenues au LTC Barker, le commandant général de l'opération. Barker a contacté par radio son officier exécutif pour savoir auprès du capitaine Medina ce qui se passait sur le terrain. Medina a ensuite donné l'ordre de cessez-le-feu à la Compagnie Charlie pour « mettre fin au massacre ». Depuis que Thompson a fait un rapport officiel sur les meurtres de civils, il a été interrogé par le colonel Oran Henderson, commandant de la 11e brigade d'infanterie (l'organisation mère de la 20e infanterie). Inquiets, des officiers supérieurs américains ont annulé des opérations similaires prévues par la Task Force Barker contre d'autres villages (My Lai 5, My Lai 1, etc.) de la province de Quảng Ngãi. Malgré les informations révélatrices de Thompson, le colonel Henderson a adressé une lettre de félicitations au capitaine Medina le 27 mars 1968. Le lendemain, le 28 mars 1968, le commandant de la Force opérationnelle Barker a soumis un rapport d'action de combat pour l'opération du 16 mars dans lequel il a déclaré que l'opération de My Lai a été un succès avec 128 partisans Viet Cong tués. Le commandant de la Division américaine, le major-général S. W. Koster, a envoyé un message de félicitations à la compagnie C. Le général William C. Westmoreland, chef du Commandement de l'assistance militaire au Vietnam (MACV), a également félicité la compagnie C, 1er bataillon, 20e d'infanterie pour « son action exceptionnelle ». ", affirmant qu'ils avaient "porté [à] l'ennemi [un] coup dur". Plus tard, il se renversa en écrivant dans ses mémoires qu'il s'agissait « du massacre conscient de bébés, d'enfants, de mères et de vieillards sans défense dans une sorte de cauchemar diabolique au ralenti qui durait pendant la majeure partie de la journée, avec un pause de sang-froid pour le déjeuner". En raison des circonstances chaotiques de la guerre et de la décision de l'armée américaine de ne pas entreprendre un décompte définitif des non-combattants au Vietnam, le nombre de civils tués à Mỹ Lai ne peut être établi avec certitude. Les estimations varient d'une source à l'autre, 347 et 504 étant les chiffres les plus fréquemment cités. Le mémorial situé sur le site du massacre répertorie 504 noms, âgés de un à 82 ans. Une enquête ultérieure menée par l'armée américaine est arrivée à un chiffre inférieur à 347 morts, selon l'estimation officielle américaine. L'estimation officielle du gouvernement local reste de 504. Reportage, dissimulation et enquête Les premiers rapports affirmaient que « 128 Viet Cong et 22 civils » avaient été tués dans le village au cours d'une « violente fusillade ». Le général Westmoreland, commandant du MACV, a félicité l'unité pour son « travail exceptionnel ». Comme le relayait à l'époque le magazine Stars and Stripes, « les fantassins américains avaient tué 128 communistes au cours d'une bataille sanglante qui avait duré toute une journée. » Le 16 mars 1968, lors du point de presse officiel connu sous le nom de "Five O'Clock Follies", un communiqué polycopié comprenait ce passage : "Au cours d'une action aujourd'hui, les forces de la Division américaine ont tué 128 ennemis près de la ville de Quang Ngai. Des hélicoptères de combat et de l'artillerie. les missions ont soutenu les éléments au sol tout au long de la journée. » Les premières enquêtes sur l'opération Mỹ Lai ont été entreprises par le commandant de la 11e brigade d'infanterie légère, le colonel Henderson, sous les ordres du directeur général de la division américaine, le général de brigade George H. Young. Henderson a interrogé plusieurs soldats impliqués dans l'incident, puis a publié un rapport écrit fin avril affirmant qu'une vingtaine de civils avaient été tués par inadvertance au cours de l'opération. L’armée à cette époque qualifiait encore cet événement de victoire militaire ayant entraîné la mort de 128 combattants ennemis. Six mois plus tard, Tom Glen, un soldat de 21 ans de la 11e brigade d'infanterie légère, écrit une lettre au général Creighton Abrams, le nouveau commandant du MACV. Il a décrit une brutalité continue et routinière contre les civils vietnamiens de la part des forces américaines au Vietnam dont il a personnellement été témoin et a ensuite conclu : Il serait en effet terrible de croire qu’un soldat américain qui nourrit une telle intolérance raciale et un tel mépris de la justice et des sentiments humains est un prototype de tout le caractère national américain ; Pourtant, la fréquence de tels soldats prête de la crédulité à de telles croyances. ... Ce qui a été décrit ici, je l'ai vu non seulement dans ma propre unité, mais aussi dans d'autres avec lesquels nous avons travaillé, et je crains que ce soit universel. Si tel est effectivement le cas, il s’agit d’un problème qui ne peut être négligé, mais qui pourrait peut-être être éradiqué grâce à une mise en œuvre plus ferme des codes du MACV (Military Assistance Command Vietnam) et des Conventions de Genève. Colin Powell, alors major de l'armée âgé de 31 ans, a été chargé d'enquêter sur la lettre, qui ne faisait pas spécifiquement référence à Mỹ Lai, car Glen avait une connaissance limitée des événements qui s'y déroulaient. Dans son rapport, Powell a écrit : « Ce qui réfute directement cette description est le fait que les relations entre les soldats de la Division américaine et le peuple vietnamien sont excellentes. » La gestion de la mission par Powell a ensuite été qualifiée par certains observateurs de « blanchiment » des atrocités de Mỹ Lai. et Norman Solomon, Consortium for Independent Journalism, 22 juillet 1996. En mai 2004, Powell, alors secrétaire d'État des États-Unis, a déclaré à Larry King de CNN : « Je veux dire, j'étais dans une unité responsable de My Lai. là-bas, après que My Lai se soit produit. Ainsi, en temps de guerre, ce genre de choses horribles se produisent de temps en temps, mais elles sont toujours déplorables. Indépendamment de Glen, le spécialiste 5 Ronald L. Ridenhour, ancien mitrailleur de porte de la section Aviation, compagnie du quartier général de la 11e brigade d'infanterie, envoya une lettre en mars 1969 à trente membres du Congrès les implorant d'enquêter sur les circonstances entourant le "Pinkville". incident. Lui et son pilote, l'adjudant Gilbert Honda, ont survolé My Lai plusieurs jours après l'opération et ont observé une scène de destruction complète. À un moment donné, ils ont survolé une femme vietnamienne morte avec un écusson de la 11e brigade sur son corps. Ridenhour avait entendu parler des événements de Mỹ Lai en discutant avec des membres de la Compagnie Charlie pendant plusieurs mois à partir d'avril 1968. Il devint convaincu que quelque chose « d'assez sombre et sanglant s'était effectivement produit » à Mỹ Lai, et fut tellement perturbé par les histoires qu'il a entendues selon lesquelles, trois mois après avoir été démis de ses fonctions de l'armée, il avait fait part de ses préoccupations au Congrès. Il a inclus le nom de Michael Bernhardt, un témoin oculaire qui a accepté de témoigner, dans la lettre. La plupart des destinataires de la lettre de Ridenhour l'ont ignoré, à l'exception du membre du Congrès Mo Udall et des sénateurs Barry Goldwater et Edward Brooke. Udall a exhorté la commission des services armés de la Chambre des représentants à demander aux responsables du Pentagone de mener une enquête. Le journaliste d'investigation indépendant Seymour Hersh, après de longs entretiens avec Calley, a dévoilé l'histoire de Mỹ Lai le 12 novembre 1969 sur le service de presse Associated Press ; le 20 novembre, les magazines Time, Life et Newsweek ont ​​tous couvert l'histoire et CBS a télévisé une interview de Paul Meadlo, un soldat de l'unité de Calley lors du massacre. Le Plain Dealer (Cleveland, Ohio) a publié des photographies explicites de villageois morts tués à Mỹ Lai. Alors que les membres du Congrès réclamaient une enquête et que les correspondants de presse à l’étranger exprimaient leur horreur face au massacre, l’avocat général de l’armée, Robert Jordan, fut chargé de s’adresser à la presse. Il a refusé de confirmer les allégations contre Calley. Notant l'importance du fait que cette déclaration ait été faite, Bill Downs d'ABC News a déclaré qu'il s'agissait de la première expression publique d'inquiétude de la part d'un « haut responsable de la défense » quant au fait que les troupes américaines « pourraient avoir commis un génocide ». En novembre 1969, le lieutenant-général William R. Peers a été nommé par le secrétaire de l'armée et le chef d'état-major de l'armée pour mener un examen approfondi de l'incident de My Lai, du 16 au 19 mars 1968, et de son enquête par l'armée. Le rapport final de Peers, présenté aux supérieurs le 17 mars 1970, critiquait vivement les officiers supérieurs des brigades et des divisions pour leur participation à la dissimulation, ainsi que les officiers de la Compagnie Charlie pour leurs actions à Mỹ Lai. Selon les conclusions de Peers : Les membres du [1er bataillon] avaient tué au moins 175 à 200 hommes, femmes et enfants vietnamiens. Les preuves indiquent que seuls 3 ou 4 ont été confirmés comme étant Viet Cong, bien qu'il y ait sans aucun doute parmi eux plusieurs VC non armés (hommes, femmes et enfants) et de nombreux autres partisans et sympathisants actifs. Un homme de la compagnie aurait été blessé par la décharge accidentelle de son arme. ... une tragédie aux proportions majeures s'était produite à Son My. Les critiques du rapport Peers ont souligné qu'il cherchait à rejeter la véritable faute sur quatre officiers déjà morts, au premier rang desquels le commandant de la Force opérationnelle Barker, le LTC Frank Barker, qui a été tué dans une collision en vol le 13 juin. 1968. En outre, le rapport Peers a évité de tirer des conclusions ou des recommandations concernant un examen plus approfondi du traitement des civils dans une zone de guerre. En 1967, le journaliste américain Jonathan Schell écrivait que dans la province vietnamienne de Quang Ngai, où s'est produit le massacre de My Lai, jusqu'à 70 % de tous les villages ont été détruits par les frappes aériennes et les bombardements d'artillerie, y compris l'utilisation du napalm ; 40 % de la population était composée de réfugiés et le nombre total de victimes civiles s'élevait à près de 50 000 par an. Concernant le massacre de My Lai, il a déclaré : « Il ne fait aucun doute qu'une telle atrocité n'a été possible que parce qu'un certain nombre d'autres méthodes visant à tuer des civils et à détruire leurs villages sont devenues la règle, et non l'exception, dans notre pays. conduite de la guerre ». En mai 1970, un sergent qui a participé à l'opération Speedy Express a écrit une lettre confidentielle au chef d'état-major de l'armée de l'époque, Westmoreland, décrivant les meurtres de civils qui, selon lui, étaient à l'échelle du massacre survenu comme « un My Lai chaque mois pendant plus d'un an » en 1968. –1969. Deux autres lettres à cet effet de soldats enrôlés à des chefs militaires en 1971, toutes signées « Sergent concerné », ont été découvertes dans des documents déclassifiés des Archives nationales. Les lettres décrivent des cas courants de meurtres de civils lors d'opérations de pacification de la population. La politique de l'armée mettait également l'accent sur un nombre très élevé de morts, ce qui a conduit à considérer les civils morts comme des combattants. Faisant allusion aux meurtres aveugles décrits comme inévitables, le commandant de la 9e division, alors major-général Julian Ewell, soumit en septembre 1969 un rapport confidentiel à Westmoreland et à d'autres généraux décrivant la campagne de certaines régions du Vietnam comme ressemblant aux champs de bataille de Verdun. En juillet 1969, le Bureau du grand prévôt général de l'armée a commencé à examiner les preuves recueillies par l'enquête General Peers concernant d'éventuelles accusations criminelles. Finalement, Calley a été inculpé de plusieurs chefs de meurtre avec préméditation en septembre 1969, et 25 autres officiers et hommes de troupe ont ensuite été inculpés de crimes connexes. Cours martiales Le 17 novembre 1970, une cour martiale aux États-Unis a accusé 14 officiers, dont le major-général Samuel Koster, commandant de la Division américaine, d'avoir supprimé des informations liées à l'incident. La plupart des accusations ont ensuite été abandonnées. Le commandant de brigade, le colonel Henderson, était le seul commandant de haut rang à avoir été jugé pour des accusations liées à la dissimulation du massacre de My Lai ; il fut acquitté le 17 décembre 1971. Au cours du procès qui a duré quatre mois, le lieutenant Calley a constamment affirmé qu'il suivait les ordres de son commandant, le capitaine Medina. Malgré cela, il a été reconnu coupable et condamné à la prison à vie le 29 mars 1971, après avoir été reconnu coupable du meurtre avec préméditation d'au moins vingt personnes. Deux jours plus tard, le président Richard Nixon a pris la décision controversée de libérer Calley de sa détention armée à Fort Benning, en Géorgie, et de l'assigner à résidence en attendant l'appel de sa condamnation. La condamnation de Calley a été confirmée par la Cour militaire de révision de l'armée en 1973 et par la Cour d'appel militaire des États-Unis en 1974. En août 1971, la peine de Calley a été réduite par l'autorité convocatrice de la perpétuité à vingt ans. Calley purgera finalement trois ans et demi en résidence surveillée à Fort Benning, dont trois mois dans une caserne disciplinaire à Fort Leavenworth, Kansas. En septembre 1974, il fut libéré sur parole par le secrétaire de l'armée, Howard Callaway. Dans un procès distinct, le capitaine Medina a nié avoir donné les ordres qui ont conduit au massacre et a été acquitté de toutes les charges retenues, niant ainsi la théorie de l'accusation sur la « responsabilité du commandement », désormais appelée « norme de Medina ». Plusieurs mois après son acquittement, Medina a toutefois admis qu'il avait supprimé des preuves et qu'il avait menti au colonel Henderson sur le nombre de morts civils. Le capitaine Kotouc, un officier des renseignements de la 11e brigade, a également été traduit en cour martiale et déclaré non coupable. Le major-général Koster a été rétrogradé au rang de général de brigade et a perdu son poste de surintendant de West Point. Son adjoint, le général de brigade Young, a reçu une lettre de censure. Tous deux ont été dépouillés des médailles du service distingué qui avaient été décernées pour leur service au Vietnam. La plupart des hommes enrôlés impliqués dans les événements de My Lai avaient déjà quitté le service militaire. En fin de compte, sur les 26 hommes initialement inculpés, le lieutenant Calley a été le seul condamné. Certains ont soutenu que le résultat des cours martiales de Mỹ Lai n'a pas respecté les lois de la guerre établies par les tribunaux pour crimes de guerre de Nuremberg et de Tokyo. Par exemple, Telford Taylor, procureur américain à Nuremberg, a écrit que les principes juridiques établis lors des procès pour crimes de guerre auraient pu être utilisés pour poursuivre en justice de hauts commandants militaires américains pour avoir échoué à empêcher des atrocités telles que celle de My Lai. Le secrétaire de l'armée, Howard Callaway, a été cité dans le New York Times comme déclarant que la peine de Calley avait été réduite parce que Calley croyait honnêtement que ce qu'il avait fait faisait partie de ses ordres - une justification qui contredit les normes établies à Nuremberg et à Tokyo, où, à la suite les ordres ne constituaient pas un moyen de défense pour commettre des crimes de guerre. Au total, outre la cour martiale de My Lai, trente-six procès militaires ont eu lieu par l'armée américaine de janvier 1965 à août 1973 pour des crimes contre des civils au Vietnam. Survivants Début 1972, le camp de Mỹ Lai (2) où les survivants du massacre de Mỹ Lai avaient été relocalisés, fut en grande partie détruit par l'artillerie et les bombardements aériens de l'armée de la République du Vietnam, et les témoins oculaires restants furent dispersés. La destruction a été officiellement attribuée aux « terroristes vietnamiens ». La vérité a été révélée par les travailleurs des services Quaker de la région grâce au témoignage en mai 1972 de Martin Teitel lors d'audiences devant le sous-comité du Congrès chargé d'enquêter sur les problèmes liés aux réfugiés et aux évadés au Sud-Vietnam. En juin 1972, le récit de Teitel fut publié dans le New York Times. De nombreux soldats américains qui se trouvaient à My Lai lors du massacre ont assumé leur responsabilité personnelle dans la perte de vies civiles. Certains d'entre eux ont exprimé leurs regrets sans reconnaître aucune culpabilité personnelle, comme par exemple Ernest Medina, qui a déclaré : « J'ai des regrets pour cela, mais je n'en ai aucune culpabilité parce que ce n'est pas moi qui l'ai causé. en particulier l'armée des États-Unis, est formé pour cela. Lawrence La Croix, chef d'escouade de la Compagnie Charlie à My Lai, a déclaré en 2010 : « Beaucoup de gens parlent de My Lai et disent : « Eh bien, vous savez, oui, mais vous ne pouvez pas suivre un ordre illégal. ' Fais-moi confiance. Il n'y a pas une telle chose. Pas dans l'armée. Si je me retrouve dans une situation de combat et que je leur dis : « Non, je n’y vais pas. Je ne vais pas faire ça. Je ne vais pas suivre cet ordre, eh bien, ils me mettraient contre le mur et me tireraient dessus. "[http://www.pbs.org/wgbh/americanexperience/features/transcript/mylai-transcript/ Transcription complète du programme. Mon expérience américaine WGBH | Le 16 mars 1998, un rassemblement de populations locales et d'anciens soldats américains et vietnamiens s'est réuni sur le lieu du massacre de My Lai au Vietnam pour commémorer son 30e anniversaire. Les vétérans américains Hugh Thompson et Lawrence Colburn, qui protégeaient les civils lors du massacre, se sont adressés à la foule. Parmi les auditeurs se trouvait Phan Thi Nhanh, une jeune fille de 14 ans au moment du massacre. Elle a été sauvée par Thompson et se souvient très bien de ce jour tragique : « Nous ne disons pas que nous oublions. Nous essayons simplement de ne pas penser au passé, mais dans nos cœurs, nous gardons une place pour y penser ». Colburn a mis le lieutenant Calley au défi : « ... de faire face aux femmes auxquelles nous avons été confrontés aujourd'hui qui ont posé les questions qu'elles ont posées, de regarder les larmes dans leurs yeux et de leur dire pourquoi cela s'est produit ». Aucun diplomate américain ni aucun autre responsable n'a assisté à la réunion. Plus d'un millier de personnes se sont rassemblées le 16 mars 2008, quarante ans après le massacre, pour rendre hommage aux victimes de l'un des chapitres les plus notoires de la guerre du Vietnam. Le Son My Memorial a attiré les survivants du massacre, les familles des victimes et les anciens combattants américains de retour au pays.

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Quel est le nom du fils de la créatrice de robes de Terence et Shirley Conran ?

Jaspe

Shirley Conran (née le 21 septembre 1932) est une romancière et journaliste britannique. Vie et écrits Conran est un auteur à succès, dont les livres incluent Lace et Superwoman. Elle a été chroniqueuse pour Vanity Fair, rédactrice en chef féminine du Daily Mail et rédactrice de longs métrages pour The Observer. Lace a passé 13 semaines sur la liste des meilleures ventes du New York Times, atteignant la 6e place, et a été adaptée dans une mini-série américaine des années 1980. Conran a fait ses études à l'Université de Portsmouth. Elle a été traitée avec succès pour un cancer de la peau et a souffert d'EM. Elle est l'ex-épouse du designer, restaurateur, détaillant et écrivain britannique Sir Terence Conran et la mère de Sebastian Conran et Jasper Conran, tous deux designers. Ses deux maris ultérieurs comprenaient Kevin O'Sullivan, maintenant le mari de Victoria Glendinning. Conran a des maisons en France et à Londres et a vécu à Monaco pendant plusieurs années. Elle est connue pour avoir inventé les expressions « La vie est trop courte pour farcir un champignon » et « Les premières choses d'abord, les secondes jamais ». ;Fondateur de Maths Action Organisation indépendante à but non lucratif et sans affiliation politique, Maths Action vise à améliorer les performances en mathématiques en Grande-Bretagne. Travaux Fiction *Dentelle (Simon & Schuster, 1982) *Dentelle 2 (1985) *L'histoire complète (omnibus, 1986) *Savages (1987, droits cinématographiques détenus par Warner Brothers mais jamais réalisé) *Pourpre (1992) *Yeux de tigre (1994) *La Vengeance (alias La Vengeance de Mimi Quinn, 1998) *L'incroyable boutique de parapluies (1990) Non-fiction *Superwoman (1975) *Superwoman 2 (1977) *Futurewoman : Comment survivre après trente ans (1979) *Superwoman en action (1979) *Le Jardin Magique (1983) *A bas Superwoman : pour tous ceux qui détestent les travaux ménagers (1990) *Des trucs d'argent (2014) Autre *The Magic Garden a été adapté en tant que programme informatique et publié par Acornsoft pour BBC Micro sous le nom de Shirley Conran's Magic Garden.

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Quelle boisson les Spice Girls ont-elles fait la promotion ?

Pepsi

Les Spice Girls sont un groupe de pop girl anglais formé en 1994. Le groupe était initialement composé de Melanie Brown ("Scary Spice"), Melanie Chisholm ("Sporty Spice"), Emma Bunton ("Baby Spice"), Geri Halliwell ("Ginger Spice"), et Victoria Beckham, née Adams ("Posh Spice"). Ils ont signé chez Virgin Records et ont sorti leur premier single "Wannabe" en 1996, qui a atteint le numéro un dans 37 pays. culture pop] BBC. Récupéré le 18 septembre 2011 et les a établis comme un phénomène mondial. Leur premier album Spice s'est vendu à plus de 31 millions d'exemplaires dans le monde, devenant ainsi l'album le plus vendu par un groupe féminin de l'histoire. Leur album suivant, Spiceworld, s'est vendu à plus de 20 millions d'exemplaires dans le monde. Les Spice Girls ont vendu plus de 80 millions de disques dans le monde, ce qui en fait le groupe féminin le plus vendu de tous les temps, l'un des groupes pop les plus vendus de tous les temps et le plus grand phénomène pop britannique depuis la Beatlemania. Les mesures de leur succès comprennent des ventes de disques internationaux, une tournée de retrouvailles 2007-2008, du merchandising, des réalisations record, un symbolisme emblématique tel que la robe Union Jack d'Halliwell représentant le « girl power » et un film, Spice World. Le groupe est devenu l'un des moteurs de marketing les plus performants de tous les temps, gagnant jusqu'à 75 millions de dollars par an, avec un chiffre d'affaires global estimé entre 500 et 800 millions de dollars entre 1996 et 1998. Sous la direction de leur mentor et manager Simon Fuller, les Spice Girls ont adopté merchandising et est devenu un sujet régulier de la presse britannique et mondiale. En 1996, le magazine Top of the Pops a donné à chaque membre du groupe des pseudonymes, qui ont été adoptés par le groupe et les médias. Selon le journaliste et biographe de Rolling Stone David Sinclair, « Scary, Baby, Ginger, Posh et Sporty étaient le groupe d'individus le plus largement reconnu depuis John, Paul, George et Ringo ». Avec le phénomène du « girl power », les Spice Girls sont devenues des icônes culturelles populaires des années 1990. Ils sont cités comme faisant partie de la « deuxième vague » d’invasion britannique des États-Unis dans les années 1990. Le 8 juillet 2016, Mel B, Emma Bunton et Geri Halliwell se sont réunies en trio sous le nom de « Spice Girls - GEM ». Histoire du groupe 1994-96 : Formation et premières années Au milieu des années 1990, l'équipe de direction familiale Bob Herbert et Chris Herbert de Heart Management ont décidé de créer un groupe de filles pour rivaliser avec les groupes de garçons populaires, tels que Take That et East 17, qui dominaient la scène musicale pop à l'époque. En février 1994, avec le financier Chic Murphy, ils ont placé une annonce dans le magazine spécialisé The Stage demandant aux chanteurs d'auditionner pour un groupe pop entièrement féminin dans les studios Danceworks. Spice Girls Official. [http://www.thespicegirls.com/facts/timeline Chronologie]. Récupéré le 16 mars 2009. Environ 400 femmes ont assisté à l'audition, au cours de laquelle elles ont été placées en groupes de dix et ont dansé une routine sur "Stay" d'Eternal, suivies d'auditions en solo au cours desquelles il leur a été demandé d'interpréter les chansons de leur choix. Après plusieurs semaines de délibérations, Victoria Adams, Melanie Brown, Melanie Chisholm et Michelle Stephenson figuraient parmi les douze femmes choisies pour un deuxième tour d'auditions en avril ; Geri Halliwell a également assisté à la deuxième audition, bien qu'elle ait raté la première en raison de son travail. Une semaine après la deuxième audition, les femmes ont été invitées à assister à un rappel aux studios Nomis à Shepherds Bush, interprétant "Signed, Sealed, Delivered" seules et en groupe. Au cours de la session, Adams, Brown, Chisholm, Halliwell et Stephenson ont été sélectionnés dans le groupe, initialement nommé Touch. Le groupe a déménagé dans une maison à Maidenhead, dans le Berkshire, et a passé la majeure partie de 1994 à s'entraîner. Au cours des deux premiers mois, ils ont travaillé sur des démos aux studios d'enregistrement de South Hill Park à Bracknell avec le producteur/propriétaire du studio Michael Sparkes et l'auteur-compositeur/arrangeur Tim Hawes. Selon Stephenson, le matériel donné au groupe était de la « pop très, très jeune » ; l'une des chansons qu'ils ont enregistrées, "Sugar and Spice", serait la source du nom final de leur groupe. Ils ont également travaillé sur diverses routines de danse aux Trinity Studios à Knaphill, près de Woking, dans le Surrey. Pendant la période de formation, Stephenson a été renvoyé du groupe et remplacé par Emma Bunton, qui a proposé le nom du groupe Spice. Le groupe ne se sentait pas en sécurité face à l’absence de contrat et était frustré par la direction dans laquelle Heart Management les dirigeait. En octobre 1994, armés d'un catalogue de démos et de routines de danse, ils se lancent en tournée dans des agences de gestion. Ils ont persuadé Bob Herbert d'organiser une vitrine pour le groupe devant des écrivains, des producteurs et des hommes d'A&R de l'industrie en décembre 1994 aux studios Nomis, où ils ont reçu une réaction « extrêmement positive ». En raison du grand intérêt porté au groupe, les Herbert ont rapidement entrepris de créer un contrat contraignant pour eux. Encouragés par les réactions qu'ils avaient reçues lors de la vitrine Nomis, les cinq membres ont retardé la signature des contrats sur les conseils juridiques, entre autres, du père d'Adams. En mars 1995, le groupe s'est séparé de Heart Management en raison de sa frustration face au refus de l'entreprise d'écouter ses visions et ses idées. Pour s'assurer de garder le contrôle de leur propre travail, ils auraient volé les enregistrements originaux de leur discographie aux bureaux de direction. Le même jour, le groupe a retrouvé le producteur Eliot Kennedy, basé à Sheffield, qui était présent au showcase, et l'a persuadé de travailler avec eux. Ils ont été présentés aux producteurs de disques Absolute, qui les ont à leur tour attirés l'attention de Simon Fuller de 19 Entertainment, qui les a signés dans sa société en mars 1995. Au cours de l'été de la même année, le groupe a effectué une tournée sur des labels de disques à Londres et à Los Angeles. avec Fuller, signant un accord avec Virgin Records en septembre 1995. Leur nom a été changé pour Spice Girls, car un rappeur utilisait déjà le nom de "Spice". À partir de ce moment et jusqu'à l'été 1996, le groupe a continué à écrire et à enregistrer des morceaux pour leur premier album tout en effectuant de nombreuses tournées sur la côte ouest des États-Unis, où ils ont signé un contrat d'édition avec Windswept Pacific. 1996-1997 : piquant et percée Le 7 juillet 1996, les Spice Girls sortent leur premier single "Wannabe" au Royaume-Uni. Dans les semaines qui ont précédé sa sortie, le clip de "Wannabe" (réalisé par le réalisateur suédois de publicités Johan Camitz et tourné en avril au St Pancras Chambers à Londres), a été diffusé à l'essai sur la chaîne musicale The Box. La vidéo a connu un succès instantané et a été diffusée jusqu'à soixante-dix fois par semaine à son apogée. Après la sortie de la vidéo, les Spice Girls ont diffusé leur premier créneau télévisé en direct sur Surprise Surprise de LWT. La première interview avec la presse musicale paraît dans Music Week. En juillet 1996, le groupe a mené sa première interview avec Paul Gorman, rédacteur en chef du journal musical Music Week, au siège parisien de Virgin Records. Son article reconnaissait que les Spice Girls étaient sur le point d'instaurer un changement dans les charts, passant de la Britpop à la pop pure et simple. Il a écrit : « JUSTE QUAND LES GARÇONS avec leurs guitares menacent de régner sur la vie pop – Damon est partout dans les Smash Hits, Ash est grand dans Big ! et Liam ne peut pas bouger à cause de la frénésie des tabloïds – un groupe pop entièrement féminin et en face a est arrivé avec assez d'audace pour faire éclater cette bulle rockiste." La chanson est entrée dans les charts au numéro 3 avant de passer au numéro 1 la semaine suivante et y rester pendant sept semaines. La chanson s'est avérée être un succès mondial, atteignant le numéro un dans 37 pays et devenant non seulement le premier single le plus vendu d'un groupe entièrement féminin, mais également le single le plus vendu d'un groupe entièrement féminin de tous les temps. Surfant sur une vague de publicité et de battage médiatique, le groupe a sorti ses prochains singles au Royaume-Uni et en Europe ; en octobre, "Say You'll Be There" est sorti en tête des charts au numéro un pendant deux semaines. En décembre, "2 Become 1" est sorti, devenant ainsi leur premier numéro un de Noël et se vendant à 430 000 exemplaires la première semaine, ce qui en fait le single le plus vendu de l'année. Les deux titres ont poursuivi les ventes remarquables du groupe en se plaçant en tête des charts dans plus de cinquante-trois pays et en consolidant la réputation du groupe en tant que plus grand groupe pop au monde. En novembre 1996, les Spice Girls sortent leur premier album Spice en Europe. Le succès était sans précédent et faisait des comparaisons avec la Beatlemania. En sept semaines, Spice avait vendu 1,8 million d'exemplaires rien qu'en Grande-Bretagne, [http://www.bpi.co.uk/certifiedawards/search.aspx Base de données des certificats de vente au Royaume-Uni]. Industrie phonographique britannique. Récupéré le 25 novembre 2009. faisant des Spice Girls l'acte britannique qui s'est vendu le plus rapidement depuis les Beatles. Au total, l'album s'est vendu à plus de 3 millions d'exemplaires en Grande-Bretagne, l'album le plus vendu de tous les temps au Royaume-Uni par un groupe féminin, certifié 10 × Platine, et a culminé au numéro un pendant quinze semaines non consécutives. En Europe, l'album est devenu l'album le plus vendu de 1997 et a été certifié 8 × Platine par l'IFPI pour des ventes de plus de 8 millions d'exemplaires. Le même mois, les Spice Girls ont attiré une foule de 500 000 personnes lorsqu'elles ont allumé les lumières de Noël d'Oxford Street, à Londres. Dans le même temps, Simon Fuller a commencé à mettre en place des contrats de sponsoring d'un million de livres pour les Spice Girls avec Pepsi, Walkers, Impulse, Cadbury's et Polaroid. En décembre 1996, le groupe remporte trois trophées aux Smash Hits Awards à la London Arena, dont celui du meilleur clip pour "Say You'll Be There". En janvier 1997, le groupe sort "Wannabe" aux États-Unis. Le single, écrit par les Spice Girls, Richard Stannard et Matt Rowe, s'est également révélé être un catalyseur pour aider les Spice Girls à percer sur le marché américain notoirement difficile lorsqu'il a fait ses débuts au numéro 11 du Hot 100 Chart. était le début le plus élevé jamais réalisé par un groupe non américain, battant le précédent record détenu par les Beatles pour " I Want to Hold Your Hand " et l'entrée la plus élevée commune pour un premier acte battant Alanis Morissette avec " Ironic ". "Wannabe" a atteint la première place aux Etats-Unis pendant quatre semaines. En février 1997, Spice est sorti aux États-Unis et est devenu l'album le plus vendu de 1997 aux États-Unis, culminant au numéro un, et a été certifié 7 × Platine par la RIAA. /database/default.asp Base de données des certificats de vente aux États-Unis]. RIAA. Récupéré le 10 mars 2006. pour des ventes supérieures à 7,4 millions copies. L'album est également inclus dans la liste des 100 meilleurs albums de tous les temps de la Recording Industry Association of America (RIAA) sur la base des ventes aux États-Unis. Au total, l'album s'est vendu à 28 millions d'exemplaires dans le monde, devenant ainsi l'album le plus vendu de tous les temps par un groupe entièrement féminin. Plus tard ce mois-là, les Spice Girls ont remporté deux Brit Awards pour la meilleure vidéo britannique, "Say You'll Be There" et le meilleur single britannique pour "Wannabe". Le groupe a interprété "Who Do You Think You Are" pour ouvrir les BRIT Awards 1997 avec Geri Halliwell portant une mini-robe Union Jack, ce qui en a fait l'une des tenues les plus célèbres de l'histoire de la pop. En mars 1997, une double face A de "Mama"/"Who Do You Think You Are" est sortie en Europe, la dernière de Spice, qui les a de nouveau vus numéro un, faisant des Spice Girls le premier groupe de l'histoire. depuis les Jackson 5 pour avoir quatre succès numéro un consécutifs. Girl Power !, le premier livre et manifeste des Spice Girls a été lancé plus tard ce mois-là au Virgin Megastore. Il s'est vendu à 200 000 exemplaires en une journée et a finalement été traduit dans plus de 20 langues. En avril, Spice: the Official Video Volume One est sorti et s'est vendu à un demi-million d'exemplaires. En mai, Spice World a été annoncé par les Spice Girls au Festival de Cannes. Le groupe a également présenté son premier spectacle britannique en direct, pour la royauté de Grande-Bretagne. Lors du spectacle, ils ont enfreint le protocole royal lorsque Mel B puis Geri Halliwell ont déposé des baisers sur les joues du prince Charles et lui ont pincé les fesses, provoquant la controverse. Aux Ivor Novello Awards, le groupe a remporté les prix du succès international de l'année et du single britannique le plus vendu pour "Wannabe". En juin 1997, le tournage de Spice World a commencé et s'est terminé en août. En septembre, les Spice Girls ont interprété "Say You'll Be There" aux MTV Video Music Awards 1997 au Radio City Music Hall de New York et ont remporté le prix de la meilleure vidéo de danse pour "Wannabe". Aux Billboard Music Awards 1997, le groupe a remporté quatre prix ; Nouvel artiste de l'année, groupe Hot 100 Singles de l'année, groupe d'album de l'année et album de l'année pour Spice. 1997-1998 : succès révolutionnaire, départ de Spiceworld et Halliwell En octobre 1997, les Spice Girls sortent le premier single de Spiceworld, "Spice Up Your Life". Il est entré dans le UK Albums Chart au numéro un le 19 octobre 1997, ce qui en fait le cinquième single consécutif numéro un du groupe. Le même mois, Simon Fuller a emmené les Spice Girls vers l'est pour donner leur premier grand concert live devant 40 000 fans à Istanbul, en Turquie. Plus tard, les filles se sont rendues en Afrique du Sud pour rencontrer Nelson Mandela, qui a déclaré : « Ce sont mes héros ». C’est l’année où les Spice Girls atteignent l’apogée de leur carrière. En novembre, les Spice Girls sortent leur deuxième album, Spiceworld. L'album fut un best-seller mondial. Il a établi un nouveau record pour l'album le plus vendu en vendant sept millions d'exemplaires en deux semaines. Bénéficiant de critiques favorables, l'album s'est vendu à plus de 10 millions d'exemplaires en Europe et au Canada, [http://www.cria.ca/cert_db_search.php Base de données des certificats de vente canadiens CRIA]. Association de l'industrie canadienne de l'enregistrement. Récupéré le 11 mars 2006. et les États-Unis combinés, et 20 millions d’exemplaires dans le monde. Critiquées aux États-Unis pour avoir sorti l'album neuf mois seulement après leurs débuts là-bas, et souffrant d'une surexposition dans leur pays, les Spice Girls commencent à subir une réaction médiatique. Le groupe a été critiqué pour le nombre d'accords de sponsoring signés - plus d'une vingtaine au total - et ils ont commencé à constater une diminution des positions dans les charts internationaux. Néanmoins, les Spice Girls restent le groupe pop le plus vendu en 1997 et 1998. Le 7 novembre 1997, le groupe interprète "Spice Up Your Life" aux MTV Europe Music Awards 1997. Après cette performance, les Spice Girls ont pris la décision de reprendre elles-mêmes la direction du groupe et ont licencié leur manager Simon Fuller. Ce tir a fait la une des journaux du monde entier. De nombreux commentateurs ont émis l'hypothèse que Fuller avait été le véritable cerveau derrière le groupe et que c'était le moment où le groupe perdait son élan et sa direction. En décembre 1997, le deuxième single de Spiceworld, "Too Much", est sorti. C'est devenu le deuxième numéro un de Noël pour le groupe et le sixième single consécutif numéro un au Royaume-Uni. Aux American Music Awards 1998, le 26 janvier, les Spice Girls ont remporté trois prix ; Album pop préféré, nouvel artiste préféré et groupe pop préféré. En février 1998, les Spice Girls ont remporté un prix spécial pour leur succès à l'étranger lors des BRIT Awards 1998, avec des ventes combinées d'albums et de singles représentant plus de 45 millions de disques dans le monde, au 7 février 1998, selon Billboard. Cette nuit-là, le groupe a interprété son prochain single, "Stop". C'était leur seul morceau à ne pas atteindre le numéro un en Grande-Bretagne (il est entré et a culminé au numéro deux). D'autres singles sortis de l'album incluaient "Viva Forever", qui devait sortir en double face A avec "Never Give Up on the Good Times", mais ces plans ont été abandonnés en raison du départ de Halliwell du groupe en mai 1998. La chanson est devenue le septième numéro un et la vidéo comprend des scènes d'animation stop motion de Halliwell. Début 1998, les Spice Girls se lancent dans la tournée mondiale que Fuller leur avait organisée, couvrant l'Europe et l'Amérique du Nord. Le Spiceworld Tour a débuté à Dublin, en Irlande, le 24 février 1998, avant de se rendre en Europe continentale, puis de retourner en Grande-Bretagne pour deux concerts à la Wembley Arena et douze concerts à la NEC Arena de Birmingham. Se produisant devant 150 000 fans au cours de la tournée. C'est ici que les enregistrements ont été réalisés pour un album live prévu, ce qui a été confirmé par le groupe : "Nous avons montré à tout le monde que nous pouvons faire du business sur scène, alors maintenant nous voulons faire un album live pour les fans". Malgré la réalisation des masters de l'enregistrement, l'idée a finalement été abandonnée. Plus tard cette année-là, les Spice Girls ont été invitées à chanter sur la chanson officielle de la Coupe du monde d'Angleterre "How Does It Feel (To Be on Top of the World)", cependant, elle a été ridiculisée par les fans de football anglais en faveur d'une réédition. de l'hymne de Lightning Seeds "Three Lions", qui l'a confortablement battu au premier rang du classement des singles. C'était aussi la dernière chanson que le groupe enregistrait avec la voix de Geri jusqu'en 2007. Le 31 mai 1998, Halliwell annonça son départ des Spice Girls. Par l'intermédiaire de son avocat, elle a déclaré : « Malheureusement, je voudrais confirmer que j'ai quitté les Spice Girls. Cela est dû à des différences entre nous. Je suis sûre que le groupe continuera à réussir et je leur souhaite à tous le meilleur. meilleur." Halliwell a affirmé qu'elle souffrait d'épuisement et qu'elle voulait faire une pause. Le départ d'Halliwell du groupe a choqué les fans, au milieu des rumeurs de bagarre avec Mel B, la nouvelle du départ d'Halliwell a été couverte comme un fait divers majeur par les médias du monde entier, elle a fait la couverture des tabloïds les plus importants et est devenue l'une des les plus grandes actualités de divertissement de l'année, faisant la une des journaux du monde entier. Geri a ensuite lancé une carrière solo initialement réussie. Les quatre membres restants étaient catégoriques sur le fait que le groupe continuerait et que leur prochaine tournée nord-américaine se poursuivrait normalement. Cependant, le départ d'Halliwell a bouleversé la plupart des plans du groupe. Cela signifiait également que la plupart du matériel que le groupe avait enregistré au cours de la première moitié de 1998 aux studios Windmill Lane de Dublin avec ses collaborateurs de longue date, Richard Stannard et Matt Rowe, avait finalement été abandonné. Une rumeur de projet d'animation de Disney ne s'est pas non plus concrétisée. Enfin, le départ de Halliwell a fait l'objet d'un procès de la part d'Aprilia World Service BV, constructeur de motos et scooters. Le 9 mars 1998, Halliwell a informé les autres membres du groupe de son intention de se retirer du groupe, mais les filles ont signé un accord avec AWS le 24 mars puis le 30 avril et ont participé à une séance photo commerciale le 4 mai à Milan. , concluant finalement un contrat avec AWS le 6 mai 1998. La Cour d'appel d'Angleterre et du Pays de Galles a jugé que leur conduite constituait une fausse déclaration, permettant à AWS de résilier son contrat avec les Spice Girls. Il s’agit désormais de l’affaire phare du droit anglais en matière de fausse déclaration par comportement. "Viva Forever" était le dernier single extrait de Spiceworld. La vidéo du single a été réalisée avant le départ de Geri et présente les filles sous forme animée – une décision prise parce qu'il n'y avait pas de temps pour produire une vidéo en raison du calendrier chargé de la tournée mondiale. Initialement prévue comme une double face A avec "Never Give Up on the Good Times", l'idée a été abandonnée pour plusieurs raisons, principalement en raison de contraintes de temps (puisqu'il n'y avait pas de temps pour réenregistrer et éditer la voix d'Halliwell ou faire un vidéo pour le morceau). La tournée nord-américaine a été un grand succès, a débuté à West Palm Beach le 15 juin et a rapporté 60 millions de dollars en 40 dates à guichets fermés. 1998-2000 : interruption permanente et indéfinie Lors d'une tournée aux États-Unis, le groupe a continué à enregistrer du nouveau matériel et a sorti une nouvelle chanson, "Goodbye", avant Noël 1998. La chanson a été considérée comme un hommage à Geri Halliwell, et lorsqu'elle a dominé les singles britanniques Chart It est devenu leur troisième numéro un consécutif à Noël – égalant le record précédemment établi par les Beatles. Plus tard en 1998, Bunton et Chisholm sont apparus aux MTV Europe Music Awards 1998 sans les autres membres du groupe, et le groupe a remporté deux prix : « Meilleur groupe pop » et « Meilleur groupe » pour la deuxième fois. Fin 1998, Brown et Adams ont annoncé qu'ils étaient tous deux enceintes à ce moment-là. Le premier était également marié au danseur Jimmy Gulzer et est devenu connu sous le nom de Mel G pendant une brève période. Elle a donné naissance à une fille Phoenix Chi en février 1999. Un mois plus tard, Adams a donné naissance à un fils Brooklyn, dont le père était alors le joueur de Manchester United David Beckham. Plus tard cette année-là, elle épousa Beckham lors d'un mariage très médiatisé en Irlande. Les Spice Girls sont retournées en studio en août 1999, après une pause d'enregistrement de huit mois pour commencer à travailler sur leur troisième et dernier album studio. Le son de l'album était initialement plus influencé par la pop, similaire à leurs deux premiers albums, et comprenait une production d'Eliot Kennedy. Le son de l'album a pris une direction plus mature lorsque des producteurs américains comme Rodney Jerkins, Jimmy Jam et Terry Lewis ont commencé à collaborer avec le groupe. En décembre 1999, ils se sont produits en direct pour une tournée uniquement au Royaume-Uni, intitulée Christmas in Spiceworld, à Londres et Manchester, présentant également de nouvelles chansons du troisième album. En 1999, le groupe a enregistré la chanson du personnage d'Amneris "My Strongest Suit" dans Aida d'Elton John et Tim Rice, un album concept qui alimentera plus tard la version musicale d'Aida de Verdi. Le groupe s'est produit à nouveau aux BRIT Awards 2000 et il a été annoncé qu'ils avaient reçu le prix pour réalisation exceptionnelle en musique. Bien qu'elle soit présente à l'événement, Halliwell n'a pas rejoint ses anciens camarades du groupe sur scène. En novembre 2000, le groupe sort Forever. Arborant un nouveau son R&B plus audacieux, l'album a reçu une réponse tiède de la part des critiques. Aux États-Unis, l'album a atteint la trente-neuvième place du classement des albums Billboard 200. Au Royaume-Uni, l'album est sorti la même semaine que l'album Coast to Coast de Westlife et la bataille des charts a été largement rapportée par les médias, où Westlife a remporté la bataille en atteignant le numéro un au Royaume-Uni, laissant les Spice Girls au numéro deux. Le premier single de Forever, le double face A "Holler"/"Let Love Lead the Way", est devenu le neuvième single numéro un du groupe au Royaume-Uni. Cependant, la chanson n'a pas réussi à figurer dans le classement des singles Billboard Hot 100 aux États-Unis, atteignant plutôt la septième place du Bubbling Under Hot 100 Singles. "Holler" a atteint la trente et unième place du classement Hot Dance Music/Club Play en 2000. La seule performance majeure du premier single a eu lieu aux MTV Europe Music Awards le 16 novembre 2000. Au total, Forever n'a réalisé qu'une fraction du succès de ses deux prédécesseurs à succès, vendus à cinq millions d'exemplaires. En décembre 2000, le groupe a annoncé officieusement qu'il entamait une pause indéfinie et qu'il se concentrerait sur sa carrière solo en ce qui concerne son avenir prévisible, tout en soulignant que le groupe ne se séparait pas. 2007-08 : Le retour des Spice Girls et les plus grands succès Le 28 juin 2007, le groupe a tenu une conférence de presse à l'O2 Arena révélant son intention de se réunir. Le projet de réforme avait longtemps été spéculé par les médias, mais le groupe a finalement confirmé son intention de se lancer dans une tournée mondiale de concerts, qui débuterait à Vancouver le 2 décembre 2007. Le cinéaste Bob Smeaton, a réalisé un documentaire officiel sur les retrouvailles. Il s'intitulait Spice Girls: Giving You Everything et a été diffusé pour la première fois sur Fox8 en Australie le 16 décembre 2007, suivi par BBC One au Royaume-Uni, le 31 décembre. Les ventes de billets pour la première date londonienne de la tournée mondiale "The Return of the Spice Girls" se sont vendues en 38 secondes. Il a été rapporté que plus d'un million de personnes se sont inscrites rien qu'au Royaume-Uni et plus de cinq millions dans le monde pour le vote sur le site officiel du groupe.BBC News. [http://news.bbc.co.uk/2/hi/entertainment/7021976.stm Les fans achètent des billets pour les Spice Girls]. BBC. Récupéré le 14 octobre 2007. Seize dates supplémentaires à Londres avaient été ajoutées et épuisées. Aux États-Unis, les spectacles de Las Vegas, Los Angeles et San Jose ont également affiché complet, ce qui a conduit à l'ajout de dates supplémentaires. Il a été annoncé que le Les Spice Girls joueraient à Chicago, à Détroit (Auburn Hills) et à Boston, ainsi qu'à des dates supplémentaires à New York pour répondre à la demande. Lors de leur premier concert au Canada, ils se sont produits devant un public de 15 000 personnes, chantant vingt chansons et changeant huit fois au total. Parallèlement à la tournée à guichets fermés, les Spice Girls ont concédé leur nom et leur image à la chaîne de supermarchés britannique Tesco. Le single de retour du groupe, "Headlines (Friendship Never Ends)", a été annoncé comme le single caritatif officiel de Children in Need pour 2007 et est sorti le 5 novembre. La première apparition publique sur scène des Spice Girls a eu lieu au Kodak Theatre à Hollywood, où le groupe s'est produit au défilé de mode Victoria's Secret. Ils ont interprété deux chansons, le single "Stop" de 1998 et le premier single de leur album à succès, "Headlines (Friendship Never Ends)". L'émission a été filmée par CBS le 15 novembre 2007 pour être diffusée le 4 décembre 2007. Ils ont également interprété la chanson en direct pour le téléthon BBC Children in Need le 16 novembre 2007 depuis Los Angeles, dans des robes Roberto Cavalli. La sortie a culminé au numéro 11 du UK Singles Chart, ce qui en fait le single britannique le plus bas du groupe à ce jour. Cependant, l'album s'en sort mieux, atteignant la deuxième place du UK Albums Chart. Le 1er février 2008, il a été annoncé qu'en raison d'engagements personnels et familiaux, leur tournée se terminerait à Toronto le 26 février 2008, ce qui signifie que les dates de tournée à Pékin, Hong Kong, Shanghai, Sydney, Le Cap et Buenos Aires ont été annulées. .Nouvelles de la BBC. [http://news.bbc.co.uk/2/hi/entertainment/7223629.stm Les Spice Girls ont écourté leur tournée mondiale]. BBC. Récupéré le 2 février 2008. En mars 2008, le groupe a remporté les très convoités « Icon Awards » aux 95.8 Capital Awards ; Bunton et Chisholm ont reçu le prix. En juin, ils ont remporté le Glamour Award du meilleur groupe ; Bunton, Brown et Halliwell ont reçu le prix lors de l'événement. En septembre, les Spice Girls ont remporté le « Best Live Return Award » aux Live Vodafone Music Awards 2008, battant des artistes tels que Led Zeppelin et les Sex Pistols. Bunton était là pour récupérer le prix. 2010-2012 : comédie musicale Viva Forever et Jeux olympiques de Londres En 2010, le groupe a été nominé pour un BRIT Award dans la nouvelle catégorie « Meilleure performance de la 30e année » pour sa performance aux Brit Awards de ses chansons « Wannabe » et « Who Do You Think You Are ». Le groupe a ensuite remporté le prix qui a été reçu par Halliwell et Brown. Le groupe avec Simon Fuller a également fait équipe avec Judy Craymer et Jennifer Saunders pour développer une comédie musicale pour les Spice Girls intitulée Viva Forever !. Bien que le groupe ne soit pas dans la comédie musicale, ils ont influencé les choix de distribution et de production de la série dans une histoire qui utilise : similaire à celle de la musique d'ABBA dans Mamma Mia !. Deux ans plus tard, en juin 2012, le groupe s'est réuni pour la première fois en quatre ans pour la conférence de presse à Londres pour promouvoir le lancement de Viva Forever : The Musical. La conférence de presse s'est tenue au St. Pancras Renaissance London Hotel, lieu où le groupe a tourné le clip de "Wannabe", seize ans plus tôt, jour pour jour. En août 2012, après de nombreuses spéculations de la part de la presse et du public, le groupe a interprété un medley de « Wannabe » et « Spice Up Your Life » lors de la cérémonie de clôture des Jeux olympiques d'été de 2012, se réunissant uniquement pour l'événement. Leur performance a reçu un grand écho de la part du public et est devenue le moment le plus tweeté des Jeux olympiques avec plus de 116 000 tweets par minute sur Twitter. En décembre 2012, le groupe s'est réuni à nouveau pour la première de Viva Forever: The Musical au Piccadilly Theatre du West End. En plus de la promotion de la comédie musicale, le groupe est apparu dans le documentaire Spice Girls' Story : Viva Forever ! diffusé le 24 décembre 2012 sur ITV1. 2016 : Spice Girls - GEM Le 8 juillet 2016, Mel B, Bunton et Halliwell ont dévoilé un nouveau site Web et publié une courte vidéo célébrant le 20e anniversaire de leur premier single "Wannabe", et annonçant leurs nouvelles à venir sous la forme d'un trio intitulé Spice Girls - GEM. Impact et héritage culturels scène musicale britannique L’image des Spice Girls s’adressait délibérément aux jeunes filles, un public d’une taille et d’un potentiel formidables ; Les cinq personnalités distinctes des membres du groupe ont renforcé l'attrait au sein de la population cible, ce qui a encouragé les fans à s'identifier à un membre ou à un autre. Ce marketing a été grandement facilité par les pseudonymes attribués à chaque membre du groupe, similaires au stratagème marketing utilisé dans la littérature en série pour enfants consistant à inclure plusieurs types de personnages différents dans le scénario. Peu de temps après la sortie de "Wannabe", le groupe est apparu dans le magazine Top of the Pops où chaque membre a reçu un surnom basé sur son image : Adams est devenu "Posh Spice", Bunton est devenu "Baby Spice", Brown est devenu "Scary Spice". , Halliwell est devenu "Ginger Spice" et Chisholm est devenu "Sporty Spice". "Pouvoir des filles" L’expression « girl power » a donné un nom à un phénomène social, mais le slogan a suscité des réactions mitigées. L'expression était une étiquette pour la facette particulière de l'autonomisation néo-féministe post-classique adoptée par le groupe : qu'une apparence sensuelle et féminine et l'égalité entre les sexes ne doivent pas nécessairement s'exclure mutuellement. Ce concept n’était en aucun cas original dans le monde de la pop : Madonna et Bananarama avaient adopté des perspectives similaires. L'expression, bien qu'inventée par le groupe indépendant gallois Helen Love en 1993 et ​​utilisée comme titre d'un album du duo pop britannique Shampoo en 1995, avait été utilisée en 1987 par un groupe exclusivement féminin a capella de Londres appelé Mint Juleps. Avec la puissance de production de Trevor Horn derrière eux, ce groupe avait sorti un morceau intitulé "Girl to the Power of 6". Le format de la chanson, tout en ayant un son évident des années 1980, avait un format similaire à "Wannabe" des Spice Girls, où chaque fille présentait un trait de personnalité distinct. Les expressions « Girl to the Power » et « Girl Power » sont mentionnées à plusieurs reprises, ainsi que de fortes connotations d'autonomisation, d'unité et de loyauté des femmes. Cependant, la formule n’a pas fonctionné pour le Mint Juleps, peut-être trop en avance sur son temps. Il faudra attendre l’émergence des Spice Girls en 1996 avec « Wannabe », plus de 9 ans plus tard, pour que le concept de « Girl power » explose dans la conscience commune. La version des Spice Girls était distinctive. Son message d'autonomisation s'adressait aux jeunes filles, aux adolescentes et aux femmes adultes, et soulignait l'importance d'une amitié forte et loyale entre les femmes. Dans l'ensemble, la présentation ciblée et cohérente du « girl power » constitue la pièce maîtresse de leur attrait en tant que groupe. Certains critiques l'ont rejeté comme n'étant qu'une simple tactique de marketing superficielle, tandis que d'autres ont contesté l'accent mis sur l'apparence physique, préoccupés par l'impact potentiel sur les jeunes gênés et/ou impressionnables. Quoi qu’il en soit, l’expression est devenue un phénomène culturel, adoptée comme mantra par des millions de filles et figurant même dans l’Oxford English Dictionary. Pour résumer le concept, l'auteur Ryan Dawson a déclaré : « Les Spice Girls ont suffisamment changé la culture britannique pour que Girl Power semble désormais complètement banale. » Bretagne cool Le terme « Cool Britannia » est devenu important dans les médias et représente le nouveau climat politique et social qui émergeait avec les avancées réalisées par le New Labour et le nouveau Premier ministre britannique Tony Blair. Au terme d'une période de 18 ans de gouvernement conservateur, Tony Blair et le New Labour étaient considérés comme des hommes jeunes, cool et très attrayants, l'une des principales forces motrices qui ont donné à la Grande-Bretagne un sentiment d'euphorie et d'optimisme. Bien qu'elle ne soit en aucun cas responsable de l'apparition du "Cool Britannia", l'arrivée des Spice Girls a ajouté à la nouvelle image et au changement de marque de la Grande-Bretagne, et a souligné la popularité mondiale croissante de la musique pop britannique plutôt qu'américaine. Ce fait a été souligné lors des BRIT Awards 1997. Le groupe a remporté deux prix, mais c'est la mini-robe Union Jack rouge, blanche et bleue désormais emblématique de Halliwell qui est apparue dans la couverture médiatique du monde entier et est devenue une image durable de "Cool Britannia". Statut emblématique des années 1990 La robe Union Jack que portait Halliwell est devenue une icône, devenant l'un des symboles les plus importants de la culture pop des années 1990. La robe a été vendue lors d'une vente aux enchères caritative au Hard Rock Cafe de Las Vegas pour la somme record de 41 320 £, donnant à Halliwell le record du monde Guinness du vêtement de pop star le plus cher jamais vendu après l'intérêt d'une frénésie d'enchérisseurs. La robe était l'un des nombreux objets souvenirs des Spice Girls vendus aux enchères, où les ventes totales ont atteint 146 511 £ au profit d'une œuvre caritative. Le symbolisme emblématique des Spice Girls dans les années 1990 est également attribué à leur merchandising et à leur volonté de faire partie d'un monde dominé par les médias. Ils ont fait de la publicité pour de nombreuses marques et se sont même parodiés dans le clip de la chanson "Spice Up Your Life", dans laquelle le groupe vole dans un vaisseau spatial entouré de panneaux d'affichage et de publicités les mettant en vedette. Grâce à leurs apparitions régulières dans les publicités et dans les médias, le groupe s'est imposé comme un phénomène, une icône de la décennie et de la musique britannique. Les Spice Girls classées n°10 dans Les 101 raisons

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Qui était le plus jeune frère des Beach Boys ?

Carl Wilson

Les Beach Boys sont un groupe de rock américain formé à Hawthorne, en Californie, en 1961. La formation originale du groupe était composée des frères Brian, Dennis et Carl Wilson, de leur cousin Mike Love et de leur ami Al Jardine. Ils ont émergé à l'avant-garde du "California Sound", interprétant initialement des chansons de surf originales qui ont gagné une popularité internationale pour leurs harmonies vocales distinctes et leurs paroles reflétant une culture jeune du sud de la Californie faite de surf, de voitures et de romance. Enraciné dans les groupes vocaux basés sur le jazz, le rock and roll des années 1950 et le doo-wop, Brian a conduit le groupe à concevoir de nouvelles approches de la production musicale, à organiser ses compositions pour des orchestres de studio et à expérimenter plusieurs genres allant des ballades pop au psychédélique et au baroque. . Le groupe a commencé comme un groupe de garage dirigé par le père des Wilson, Murry, avec les ambitions créatives de Brian et ses capacités sophistiquées d'écriture de chansons dominant la direction musicale du groupe. Après 1964, leurs albums empruntent un chemin stylistique différent avec des paroles plus personnelles, des sons multicouches et des expériences d'enregistrement. En 1966, l'album Pet Sounds et le single "Good Vibrations" propulsent le groupe au plus haut niveau des innovateurs du rock et font du groupe un symbole de l'ère naissante de la contre-culture. Après la dissolution de Smiles, Brian a progressivement cédé le contrôle au reste du groupe, réduisant ainsi sa contribution en raison de problèmes de santé mentale et de toxicomanie. Bien que l'incarnation plus démocratique des Beach Boys ait enregistré une série d'albums dans divers styles musicaux, l'image publique du groupe a faibli et ils ont eu du mal à retrouver leur élan commercial en Amérique. Le succès continu de leurs albums à succès au milieu des années 1970 a précipité la transition du groupe vers un groupe oldies, une décision qui a été dénigrée par les fans et les critiques. Depuis les années 1980, des querelles juridiques très médiatisées concernant les redevances, les crédits d'écriture et l'utilisation du nom du groupe ont eu lieu. Dennis s'est noyé en 1983 et Carl est décédé d'un cancer du poumon en 1998. Après la mort de Carl, de nombreuses formations live du groupe dirigé par Mike Love et Bruce Johnston ont continué à tourner dans les années 2000 tandis que d'autres membres poursuivaient des projets solo. Pour le 50e anniversaire du groupe, tous les membres survivants actuels se sont brièvement réunis pour un nouvel album studio et une tournée mondiale. Même si Wilson et Jardine ne jouent pas avec le groupe de Love et Johnston, ils font toujours partie de la société des Beach Boys, Brother Records Inc. Les Beach Boys sont considérés comme le groupe américain le plus emblématique et l'un des groupes les plus acclamés par la critique, les plus réussis commercialement et les plus influents de tous les temps, tandis qu'AllMusic a déclaré que leur « capacité infaillible... en a fait le premier et le meilleur groupe de rock d'Amérique. " Le groupe comptait plus de quatre-vingts chansons dans le monde, dont trente-six dans le Top 40 américain (le plus grand nombre d'un groupe de rock américain), quatre atteignant la première place du classement Billboard Hot 100. Les Beach Boys ont vendu plus de 100 millions de disques dans le monde, ce qui en fait l'un des groupes les plus vendus au monde de tous les temps et figurent au 12e rang de la liste 2004 du magazine Rolling Stone des « 100 plus grands artistes de tous les temps ». Ils ont reçu un Grammy Award pour The Smile Sessions (2011). Le quintette principal composé des trois Wilson, Love et Jardine a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 1988. 1958-1966 : ère Brian Wilson Formation Au moment de son seizième anniversaire, le 20 juin 1958, Brian Wilson partageait une chambre avec ses frères Dennis et Carl – âgés respectivement de treize et onze ans – dans leur maison familiale à Hawthorne. Il avait vu son père, Murry Wilson, jouer du piano et avait écouté attentivement les harmonies de groupes vocaux tels que les Four Freshmen. Après avoir disséqué des chansons telles que « Ivory Tower » et « Good News », Brian enseignait aux membres de la famille comment chanter les harmonies de fond. Pour son anniversaire cette année-là, Brian a reçu un magnétophone à bobines. Il a appris à faire des overdubs, en utilisant sa voix et celle de Carl et de leur mère. Brian jouait du piano avec Carl et David Marks, un voisin de longue date de onze ans, jouant des guitares qu'ils avaient chacun reçus en cadeau de Noël. Bientôt, Brian et Carl écoutaient avidement l'émission de radio KFOX de Johnny Otis. Inspiré par la structure simple et le chant des chansons rythmiques et blues qu'il a entendues, Brian a changé son style de jeu de piano et a commencé à écrire des chansons. Son enthousiasme a interféré avec ses études de musique à l'école. Les réunions de famille ont mis les Wilson en contact avec leur cousin Mike Love. Brian a enseigné les harmonies à la sœur de Love, Maureen et à un ami. Plus tard, Brian, Mike Love et deux amis se sont produits à Hawthorne High School. Brian connaissait également Al Jardine, un camarade de classe au lycée qui avait déjà joué de la guitare dans un groupe folk appelé les Islanders. Brian a suggéré à Jardine de faire équipe avec son cousin et frère Carl. Love a donné son nom au nouveau groupe : "The Pendletones", un portemanteau de "Pendleton", un style de chemise en laine populaire à l'époque et "tone", le terme musical. Bien que les thèmes du surf occupent une place importante dans leurs premières chansons, Dennis était le seul surfeur passionné du groupe. Il a suggéré que le groupe compose des chansons célébrant le sport et le style de vie qu'il a inspiré en Californie du Sud. Jardine et un ami chanteur, Gary Winfrey, sont allés voir Brian pour voir s'il pouvait l'aider avec une version d'une chanson folk qu'ils voulaient enregistrer : "Sloop John B". En l'absence de Brian, les deux hommes ont parlé avec leur père, un vétéran de l'industrie musicale au succès modeste. Murry a organisé une rencontre entre les Pendletones et son éditeur, Hite Morgan. Le groupe a interprété une ballade plus lente, " Their Hearts Were Full of Spring ", mais n'a pas réussi à impressionner Morgan. Après une pause gênante, Dennis a mentionné qu'ils avaient une chanson originale, "Surfin'". Brian a terminé la chanson et, avec Mike Love, a écrit "Surfin' Safari". Le groupe a loué des guitares, des batteries, des amplificateurs et des microphones et s'est entraîné pendant trois jours pendant que les parents des Wilson étaient en courtes vacances. En octobre 1961, les Pendletones enregistrèrent les deux démos de chansons de surf en douze prises au Keen Recording Studio. Murry a apporté les démos à Herb Newman, propriétaire de Candix Records et Era Records, et il a signé le groupe le 8 décembre 1961. Lorsque les garçons ont déballé avec impatience la première boîte de singles – sortis à la fois sous le label Candix et également en promotion numéro sous X Records (le label de Morgan) - ils ont été choqués de voir que leur groupe avait été renommé Beach Boys. Murry Wilson a appelé Morgan et a appris que Candix voulait nommer le groupe les Surfers pour les associer directement au sport adolescent de plus en plus populaire. Mais Russ Regan, un jeune promoteur d'Era Records – qui deviendra plus tard président de 20th Century Fox Records – a noté qu'il existait déjà un groupe portant ce nom et a suggéré de l'appeler les Beach Boys. Période sur le thème de la plage Sorti en décembre 1961, "Surfin'" fut bientôt diffusé sur KFWB et KRLA, deux des stations de radio pour adolescents les plus influentes de Los Angeles. Ce fut un succès sur la côte ouest, se classant numéro trois en Californie du Sud et culminant à la 75e place des charts pop nationaux. Dans les dernières semaines de 1961, "Surfin'" s'était vendu à plus de 40 000 exemplaires. À cette époque, le manager de facto des Beach Boys, Murry Wilson, a décroché le premier concert payant du groupe (pour lequel ils ont gagné 300 $) le soir du Nouvel An 1961, au Ritchie Valens Memorial Dance à Long Beach, avec en tête d'affiche Ike et Tina. Tourneur. Lors de leurs premières apparitions publiques, le groupe portait des chemises en laine épaisse ressemblant à des vestes que les surfeurs locaux préféraient avant de passer à leurs chemises à rayures et pantalons blancs. Murry a effectivement pris le contrôle de la direction du groupe, et Brian a reconnu qu'il "mérite le mérite de nous avoir fait décoller ... il nous a traqués sans pitié ... [mais] a également travaillé dur lui-même." Dans la première moitié de février 1962, Jardine quitte le groupe et est remplacé par Marks. Le groupe a enregistré deux autres originaux le 19 avril aux Western Studios de Los Angeles : "Lonely Sea" et "409". Ils ont également réenregistré "Surfin' Safari". Au début de 1962, Morgan a demandé à certains membres d'ajouter du chant à quelques pistes instrumentales qu'il avait enregistrées avec d'autres musiciens. Cela a conduit à la création du groupe éphémère Kenny & the Cadets, que Brian dirigeait sous le pseudonyme de « Kenny ». Les autres membres étaient Carl, Jardine et Audree, la mère des Wilson. Le 4 juin, les Beach Boys sortent leur deuxième single "Surfin' Safari" accompagné de "409". Cette publication a suscité une couverture nationale dans le numéro du 9 juin de Billboard. Le magazine a fait l'éloge de la voix principale de Love et a déclaré que la chanson avait un fort potentiel de succès. Le 16 juillet 1962, après avoir été refusés par Dot et Liberty, les Beach Boys signèrent un contrat de sept ans avec Capitol Records, basé sur la force de la session de démo de juin. C'était à la demande du directeur du Capitole, Nick Venet, qui a signé le groupe, les considérant comme « l'or des adolescents » qu'il recherchait. En novembre, leur premier album était prêt, Surfin' Safari, qui atteignait la 32e place du classement américain Billboard. Leur production de chansons s'est poursuivie dans le même sens commercial, en se concentrant sur le style de vie des jeunes californiens. En janvier 1963, trois mois après la sortie de leur premier album, le groupe commença à enregistrer son deuxième album, Surfin' U.S.A., une percée pour Brian, qui commença à s'affirmer en tant qu'auteur-compositeur et arrangeur. Le LP marque le début du penchant de Brian pour le chant à double piste, une innovation pionnière. Sorti le 25 mars 1963, Surfin' USA rencontre un accueil plus enthousiaste, atteignant la deuxième place du classement Billboard. Cela a propulsé le groupe sous les projecteurs à l'échelle nationale et a été essentiel pour lancer la musique surf comme un engouement national. Cinq jours avant la sortie de Surfin' USA, Brian a produit "Surf City", une chanson qu'il avait écrite pour Jan et Dean. "Surf City" a atteint la première place des charts Billboard en juillet 1963, un développement qui a plu à Brian mais a mis Murry en colère, qui estimait que son fils avait "offert" ce qui aurait dû être le premier sommet des charts des Beach Boys. Au début d'une tournée dans le Mid-West en avril 1963, Jardine rejoint les Beach Boys à la demande de Brian. Alors qu'il recommençait à jouer des concerts, Brian a quitté la route pour se concentrer sur l'écriture et l'enregistrement. Le résultat de cet arrangement donna naissance aux albums Surfer Girl, sorti le 16 septembre 1963 et Little Deuce Coupe, sorti moins d'un mois plus tard, le 7 octobre 1963. Cette incarnation en sextet des Beach Boys ne s'étendit pas au-delà de ces deux albums, car Marks a officiellement quitté le groupe début octobre en raison d'un conflit avec le manager Murry, ramenant Brian en tournée. À cette époque, Brian a commencé à faire appel aux membres du Wrecking Crew pour augmenter ses arrangements de studio de plus en plus exigeants. Les musiciens de session qui ont participé aux productions de Wilson auraient été émerveillés par ses capacités musicales. Pour le compositeur Frank Zappa, la chose la plus excitante pour lui dans la "musique des personnes blanches" a été lorsque les Beach Boys ont utilisé la progression V-II sur "Little Deuce Coupe", la qualifiant de "pas en avant important en reculant". Le groupe a sorti un single autonome sur le thème de Noël, "Little Saint Nick", en décembre 1963, accompagné d'une interprétation a capella de la chanson scripturaire "The Lord's Prayer". La face A a culminé au numéro 3 du classement américain Billboard Christmas. Après une tournée réussie en Australasie en janvier et février 1964, le groupe rentre chez lui pour affronter l'invasion britannique à travers les apparitions des Beatles au Ed Sullivan Show. Représentant également les Beatles, le soutien du Capitole aux Beach Boys a immédiatement commencé à décliner. Cela a amené Murry à se battre pour le groupe au sein du label plus qu'avant, se rendant souvent dans leurs bureaux sans avertissement pour « tordre les bras de la direction ». Brian a réagi aux Beatles avec perplexité : "J'étais bouleversé. Je ne comprenais pas comment un groupe pouvait se faire crier dessus. La musique qu'ils faisaient, 'I Want to Hold Your Hand' par exemple, n'était même pas ça. c'est un super disque, mais ils ont juste crié dessus. ... Cela nous a dérangés en studio. Nous avons commencé à couper - nous avons dit "écoutez, ne vous inquiétez pas pour les Beatles, nous allons couper nos propres trucs." Apparemment, Brian voulait plus de temps pour terminer leur prochain album, mais Capitol a insisté pour qu'ils terminent l'enregistrement rapidement pour éviter d'être oublié dans les affres de l'invasion imminente. Répondant à ces demandes, le groupe termina précipitamment les sessions le 20 février 1964 et intitula l'album Shut Down Volume 2. "Fun, Fun, Fun" est sorti en single de l'album (accompagné de " Why Do Fools Fall in Love ". ) et a connu un grand succès. Le LP, bien que contenant plusieurs morceaux de remplissage, a été propulsé par d'autres chansons telles que le mélancolique "The Warmth of the Sun" et le style de production avancé de "Don't Worry Baby". Brian écrivit bientôt sa dernière chanson de surf en avril 1964. Ce mois-là, lors de l'enregistrement du single "I Get Around", Murry fut démis de ses fonctions de manager. Brian a déclaré : "Nous aimons le truc de la famille – vous savez : trois frères, un cousin et un ami est une très belle façon de former un groupe – mais la génération supplémentaire peut devenir un blocage." Lorsque le single sortit en mai de la même année, il grimpa au numéro un, leur premier single à y parvenir, prouvant que les Beach Boys pouvaient rivaliser avec les groupes pop britanniques contemporains. Deux mois plus tard, l'album sur lequel la chanson est apparue, All Summer Long, a atteint la quatrième place du classement Billboard 200. All Summer Long a introduit des textures exotiques dans le son des Beach Boys, illustrées par les piccolos et les xylophones de sa chanson titre. L'album était un chant du cygne pour la musique de surf et de voiture sur laquelle les Beach Boys ont bâti leur réputation commerciale. Les albums ultérieurs ont emprunté un chemin stylistique et lyrique différent. Avant cela, un album live, Beach Boys Concert, est sorti en octobre et est resté quatre semaines au numéro un des charts, contenant une setlist de succès et de reprises déjà enregistrés qu'ils n'avaient pas encore enregistrés. C'était le premier album live à figurer en tête des charts de musique pop. Aujourd'hui! et jours d'été En juin 1964, Brian commença à enregistrer la majeure partie de l'album de Noël des Beach Boys avec un orchestre de studio de quarante et un musiciens en collaboration avec l'arrangeur de Four Freshmen, Dick Reynolds. Sorti en décembre, il était divisé entre cinq nouvelles chansons originales sur le thème de Noël et sept réinterprétations de chants traditionnels de Noël. Il serait considéré comme l’un des meilleurs albums de vacances de l’ère rock. Un single de l'album, "The Man with All the Toys", est sorti, atteignant la 6e place du classement américain Billboard Christmas. Le 29 octobre, les Beach Boys se sont produits pour The T.A.M.I. Show, un film-concert destiné à réunir un large éventail de musiciens à succès pour une performance unique. Le résultat est sorti en salles un mois plus tard. À la fin de l'année, le stress du voyage en voiture, de la composition, de la production et du maintien d'un haut niveau de créativité est devenu trop lourd pour Brian. Le 23 décembre, alors qu'il était sur un vol de Los Angeles à Houston, il a subi une crise de panique quelques heures seulement après avoir joué avec les Beach Boys dans la série de variétés musicales Shindig !. En janvier 1965, il annonce son retrait des tournées pour se concentrer entièrement sur l'écriture de chansons et la production de disques. Pour le reste de 1964 et jusqu'en 1965, Glen Campbell remplaça temporairement Wilson en concert, jusqu'à ce que son propre succès professionnel le retire du groupe en avril 1965. Bruce Johnston fut invité à trouver un remplaçant pour Campbell; N'ayant pas réussi à en trouver un, Johnston lui-même devint membre à plein temps du groupe le 19 mai 1965, remplaçant d'abord Brian sur la route, puis contribuant en studio, en commençant par les sessions vocales de "California Girls" le 4 juin. 1965. Après que Brian ait arrêté ses tournées en 1965, il est devenu artiste de studio à plein temps, réalisant un grand pas en avant avec The Beach Boys Today !, un album contenant une structure semblable à une suite divisée par des chansons et des ballades, et préfigurant l'ère de l'album avec sa cohésion. déclaration artistique. Pendant les sessions d'enregistrement de Today !, Love a déclaré à Melody Maker que lui et le groupe voulaient regarder au-delà du surf rock et éviter de vivre dans le passé ou de se reposer sur leurs lauriers. Le LP résultant contenait des chansons pop largement orientées guitare telles que "Dance, Dance, Dance" et "Good to My Baby" sur la face A avec des ballades sur la face B telles que " Please Let Me Wonder " et " She Knows Me Too Well ". . Aujourd'hui! a établi les Beach Boys en tant qu'artistes d'album et a marqué une maturation dans leur contenu lyrique en abandonnant les thèmes liés au surf, aux voitures ou à l'amour des adolescents. Quelques chansons d'amour sont restées, mais avec une nette augmentation en profondeur, ainsi que des morceaux introspectifs accompagnés d'arrangements aventureux et distincts. Tandis que les contemporains du groupe devenaient plus conscients intellectuellement, Capitol continuait de les présenter comme « le meilleur groupe de surf américain ! » s'attendant à ce que Brian écrive davantage de matériel de surf pour les marchés d'été annuels malgré son désintérêt. En juin 1965, le groupe sort Summer Days (And Summer Nights !!). L'album comprenait un arrangement retravaillé de "Help Me, Rhonda" qui devint le deuxième single numéro un du groupe au printemps 1965, remplaçant "Ticket to Ride" des Beatles. "Let Him Run Wild" exploite l'angoisse de la jeunesse qui imprègne plus tard leur musique. En novembre 1965, le groupe suivit leur "California Girls" numéro trois aux États-Unis de Summer Days (And Summer Nights !!) avec un autre single parmi les vingt premiers, "The Little Girl I Once Knew". C'était considéré comme la déclaration la plus expérimentale du groupe jusqu'à présent, utilisant le silence comme pré-refrain, des claviers conflictuels, des cuivres maussades et des tics vocaux. Le single poursuit les ambitions de Brian en matière d'arrangements audacieux, avec des changements de tempo inattendus et de nombreuses fausses fins. Peut-être un arrangement trop extrême pour aller beaucoup plus haut que son sommet numéro 20, c'était le deuxième single du groupe à ne pas atteindre le top dix depuis leur percée en 1962. Capitol a exigé un LP des Beach Boys pour la saison de Noël 1965, et pour les apaiser, Brian a conçu Beach Boys' Party !, un album live en studio composé principalement de reprises acoustiques de chansons rock et R&B des années 1950, en plus de reprises. de trois chansons des Beatles, "The Times They Are a-Changin'" de Bob Dylan et des réenregistrements idiosyncratiques des premiers succès du groupe. En décembre, ils ont marqué un succès inattendu numéro deux (numéro trois au Royaume-Uni) avec "Barbara Ann", que Capitol a sorti en single sans contribution du groupe. Initialement écrit par les Regents, il est devenu l'un des succès les plus reconnus des Beach Boys. Sons d'animaux En 1966, les Beach Boys ont officiellement établi leur utilisation d'instruments non conventionnels et de couches élaborées d'harmonies vocales sur leur album Pet Sounds. Il s'agit de la démonstration la plus concise de Brian de son expertise en matière de production et d'écriture de chansons. Avec des chansons telles que "Wouldn't It Be Nice" et "Sloop John B", le paysage sonore innovant de l'album intègre des éléments de jazz, classique, pop, exotique et avant-gardiste. L'instrumentation combine des sons trouvés tels que des cloches de vélo et des sifflets de chien avec des orchestrations d'inspiration classique et la configuration rock habituelle de la batterie et des guitares ; entre autres, de l'argenterie, des accordéons, des cordes de piano pincées, des chiens qui aboient et des carafes d'eau en plastique. Pour la sensation rythmique de base de "God Only Knows", le clavecin, le piano avec écho slapback, les cloches de traîneau et les cordes se sont répandues les unes dans les autres pour créer une riche couverture sonore. Sorti en mai, Pet Sounds a finalement atteint la onzième place aux États-Unis et la deuxième au Royaume-Uni. Cela a aidé les Beach Boys à devenir l'album le plus vendu au Royaume-Uni pour le dernier trimestre de 1966, détrônant le règne de trois ans de groupes locaux tels que les Beatles. Rencontré un accueil critique tiède aux États-Unis, Pet Sounds a été promu avec indifférence par Capitol et n'a pas réussi à devenir le succès majeur que Wilson avait espéré. Son échec à obtenir une plus grande reconnaissance aux États-Unis, combiné à la décision du Capitole de publier Best of The Beach Boys en juillet, a découragé Brian, qui considérait Pet Sounds comme une œuvre extrêmement personnelle. Certains ont supposé que le label considérait l'album comme un risque, attirant davantage un groupe démographique plus âgé que le public féminin plus jeune sur lequel les Beach Boys ont bâti leur réputation commerciale. Les ventes de Pet Sounds se sont élevées à environ 500 000 unités, une baisse significative par rapport à la chaîne d'albums vendus à des millions de dollars qui l'a immédiatement précédé. Best of The Beach Boys a rapidement été certifié Or par la RIAA. Pet Sounds est considéré par certains comme un album solo de Brian Wilson, sauf le nom, car les autres membres ont relativement peu contribué aux compositions ou aux enregistrements. Influencé par les drogues psychédéliques, Brian s'est replié sur lui-même et a sondé ses doutes profondément ancrés et ses désirs émotionnels ; le morceau n'abordait pas les problèmes du monde qui les entourait, contrairement à d'autres groupes de rock psychédélique. Comme Jim Miller l'a écrit à propos du ton de l'album, "[Cela] a libéré l'obsession de Wilson pour l'isolement en cataloguant une quête désespérée de sécurité. L'ensemble de l'entreprise, qui sentait les prétentions de cycles de chansons, était striée de regret et de langueur romantique." Selon Brian, l'album a été conçu comme une collection d'œuvres d'art qui vont ensemble mais qui peuvent être autonomes. Dans une rétrospective de l'album en 1972, le journaliste musical Stephen Davis a écrit : « Du premier montage au dernier, nous avons eu droit à une vision personnelle intense et linéaire des aléas d'une histoire d'amour et des angoisses douloureuses et introverties qui sont les précipités déchirants de l'album. la chimie instable de toute relation amoureuse. Ce cycle tranchant de chansons d'amour a l'impact émotionnel d'un roman bouleversant et évocateur... personne n'était préparé à quelque chose d'aussi émouvant, d'aussi beau, quelque chose auquel il fallait tant réfléchir. Pet Sounds a eu une énorme influence lors de sa sortie, vantant le groupe au plus haut niveau des innovateurs du rock. Il s'agit de l'un des premiers albums concept rock, de l'ère de la contre-culture et d'un des premiers albums du style rock psychédélique émergent, signalant un tournant dans lequel le rock, qui était auparavant considéré comme de la musique de danse, est devenu une musique qui a été fait pour être écouté. En 2016, Barbara Ellen des Guardians a déclaré que l'album avait été « salué comme une révolution dans les harmonies et les techniques de production… Wilson à lui seul a réinventé l'album comme une illumination en profondeur de l'âme d'un artiste, ouvrant une porte coupe-feu créative. , libérant l'album pour qu'il existe en tant que forme d'art autonome au même titre que la littérature, le théâtre, l'art, le cinéma, la danse… tout ce que l'artiste désirait. En réfléchissant à l'album à l'occasion de son 50e anniversaire, PopMatters Danilo Castro a ajouté : Dans The Album: A Guide to Pop Music's Most Provocative, Influential, and Important Creations, l'auteur James Perone a défendu l'album pour ses orchestrations complexes, ses compositions sophistiquées et ses couleurs sonores variées, le qualifiant de "à peu près tout ce qui se passait". sur la musique pop de 1966. " En 1976, le journaliste Robin Denselow écrivait : « Avec l'album Pet Sounds de 1966... ​​Wilson était devenu l'équivalent américain des Beatles avec sa capacité à repousser les limites du goût populaire. Paul McCartney l'a nommé à plusieurs reprises l'un de ses albums préférés de tous les temps, le qualifiant de principal élan pour l'album des Beatles Sgt. Groupe du Pepper's Lonely Hearts Club (1967). En 2003, Pet Sounds a été classé deuxième dans la liste des « 500 plus grands albums de tous les temps » sélectionnée par Rolling Stone, derrière Sgt. Poivre. En 2004, l'album a été reconnu comme une œuvre historique et culturelle importante par la Bibliothèque du Congrès. "Bonnes vibrations" et sourire Cherchant à développer les avancées de Pet Sounds, Wilson a lancé un projet encore plus ambitieux : « Good Vibrations ». Comme Pet Sounds, Brian a opté pour une gamme éclectique d’instruments rarement entendus dans la musique pop. Décrit par Brian comme une « symphonie de poche », il contient un mélange d'instruments classiques, rock et exotiques structurés autour d'une mosaïque découpée de sections musicales représentées par plusieurs tonalités discordantes et changements modaux. Il est devenu le plus grand succès des Beach Boys à ce jour et un single numéro un aux États-Unis et au Royaume-Uni en 1966. Arrivant à une époque où les singles pop étaient généralement réalisés en moins de deux heures, il s'agissait de l'une des productions pop les plus complexes jamais entreprises, et le single le plus cher jamais enregistré à ce jour. Les coûts de production ont été estimés entre 50 000 et 75 000 dollars (et aujourd'hui), les sessions de la chanson s'étalant sur plusieurs mois dans au moins quatre grands studios. Selon Domenic Priore, la réalisation de "Good Vibrations" ne ressemblait à rien de précédent dans les domaines du classique, du jazz, de l'international, de la bande originale ou de tout autre type d'enregistrement. Le single a été une étape sans équivoque dans les productions en studio et a continué à faire de Brian un prolongateur des goûts populaires. À la contre-culture des années 1960, « Good Vibrations » faisait office d’hymne. Le critique rock Gene Sculatti a prophétisé en 1968 : « [Cela] pourrait encore s'avérer être la pièce la plus révolutionnaire de la renaissance du rock actuelle. » Son instrumentation comprenait l'Electro-Theremin de Paul Tanner, un oscillateur à commande manuelle avec un son similaire à celui d'un thérémine, qui a aidé les Beach Boys à conquérir un nouveau public hippie. Dès sa sortie, le single a provoqué un renouveau inattendu des thérémines tout en augmentant la notoriété des synthétiseurs analogiques, conduisant Moog Music à produire sa propre marque d'instruments contrôlés par ruban. Réfléchissant sur cette période en 1971, le magazine Cue écrivait : « Au cours de l'année et demie qui a suivi Pet Sounds, les Beach Boys étaient à l'avant-garde dans pratiquement tous les aspects de la contre-culture – psychédélisme, art rock, retour aux racines, écologie. , la nourriture biologique, le son refroidi – anticipant des changements que le rock n'a accomplis qu'en 1969-1970. Le groupe a créé pendant cette période une société de production cinématographique éphémère, appelée Home Movies. Il était censé avoir créé des films et des émissions de télévision en direct mettant en vedette les Beach Boys. Cependant, la société n'a réalisé qu'un seul clip vidéo, pour "Good Vibrations", bien que diverses autres séquences et segments psychédéliques existent. Brian a rencontré le parolier et musicien Van Dyke Parks alors qu'il travaillait sur Pet Sounds. Un an plus tard, alors qu'ils étaient en train d'enregistrer "Good Vibrations", le duo entame une intense collaboration qui aboutit à une suite de nouvelles chansons stimulantes pour le prochain album des Beach Boys, Smile, destiné à surpasser Pet Sounds. L'enregistrement de l'album a duré environ un an, de 1966 à 1967. Wilson et Parks voulaient que Smile soit une suite continue de chansons liées à la fois thématiquement et musicalement, les chansons principales étant liées entre elles par de petits morceaux vocaux et des segments instrumentaux qui élaboraient sur les thèmes musicaux des chansons majeures. Les enregistrements survivants ont montré que la musique incorporait des chants, des chansons de cow-boy, des explorations de la musique indienne et hawaïenne, du jazz, des poèmes symphoniques avec des éléments classiques, des effets sonores de dessins animés, de la musique concrète et du yodel. Dans les interviews d'octobre 1966, Brian a vanté l'album "une symphonie adolescente pour Dieu". Ses objectifs spirituels étaient explicites dans le contenu musical et les paroles de l'album, qui incluaient également l'angoisse existentielle, l'exploration de l'innocence humaine et la philosophie de l'enfance. Parks a déclaré : lui et Brian étaient conscients de la contre-culture, et les deux s'en sentaient éloignés, mais il était nécessaire d'y adhérer en raison d'une volonté de « sortir de la mentalité d'Eisenhower ». Parks souligne : « En même temps, il ne voulait pas perdre ce genre de sensibilité gauche qu'il possédait. Il faisait des trucs que personne ne rêverait de faire », citant un exemple où Brian a demandé à un joueur de banjo de ne jouer qu'un seul morceau. corde, un style de jeu "gauche" qui "n'était tout simplement pas fait". Smile deviendra l’album inédit le plus légendaire de l’histoire de la musique populaire. Dans les décennies qui ont suivi sa non-sortie, il est devenu le sujet d'intenses spéculations et de mystique. Beaucoup pensent que si l'album était sorti, il aurait considérablement modifié l'orientation du groupe et l'aurait placé à l'avant-garde des innovateurs du rock. Écrivant à propos de l'album de la série de livres 33⅓, Luis Sanchez a déclaré : « Si Brian Wilson et les Beach Boys voulaient survivre en tant que force déterminante de la musique pop américaine, Smile était une tentative consciente de redécouvrir les impulsions et les idées qui animent la musique. La conscience américaine de l'intérieur. C'est une collaboration qui a conduit à une musique incroyable qui, si elle avait été achevée sous forme d'album et livrée au public en 1966, aurait pu avoir un impact incroyable. S'il était sorti comme prévu, le compositeur Frank Oteri pense que l'album aurait été le premier morceau de rock orienté album. Sa pochette, désormais considérée comme emblématique, représentait une illustration d'un magasin vendant des sourires, aurait également été l'une des premières couvertures d'un groupe de musique populaire à présenter des illustrations originales spécifiquement commandées plutôt qu'une photographie des interprètes. Tout au long des années 1980 et 1990, des bootlegs de ses sessions d'enregistrement ont été divulgués, inspirant de nombreuses tentatives de réassemblage de l'album et devenant finalement l'ancêtre du rock indépendant. De nombreux facteurs se sont combinés pour exercer une pression intense sur Brian Wilson alors que Smile était presque terminé : son instabilité mentale, la pression de créer malgré une farouche opposition interne à sa nouvelle musique, la réponse relativement peu enthousiaste à Pet Sounds aux États-Unis, la résistance au recrutement de Carl Wilson et un différend majeur avec Capitol Records. De plus, la dépendance de Wilson aux médicaments sur ordonnance et aux amphétamines a exacerbé ses problèmes de santé mentale sous-jacents. Comparable à Brian Jones et Syd Barrett, la consommation de drogues psychédéliques par Brian Wilson, en particulier le LSD, a conduit à une dépression nerveuse à la fin des années 1960. Au fur et à mesure que sa légende grandissait, la période Smile en est venue à être considérée comme l'épisode charnière de son déclin, et il a été étiqueté comme une victime de la drogue. 1967-1977 : leadership fluctuant Smiley Smile et Miel Sauvage Certains morceaux de Smile ont été récupérés et réenregistrés dans des versions réduites dans le nouveau home studio de Brian. Avec la version unique de "Good Vibrations", ces morceaux sont sortis sur l'album Smiley Smile de septembre 1967, qui a suscité une réponse critique et commerciale positive à l'étranger, mais a été le premier véritable échec commercial du groupe aux États-Unis. En plus des récents revers du groupe, leur image publique a pris un coup cataclysmique après leur retrait du Monterey Pop Festival de 1967 parce qu'ils n'avaient pas de nouveau matériel à jouer alors que leur prochain single et leur prochain album étaient dans les limbes. Leur annulation a été considérée comme "... un aveu accablant qu'ils ont été échoués [et] incapables de rivaliser avec la nouvelle musique". Cette notion a été exacerbée par l'écrivain de Rolling Stone Jann Wenner, qui, dans des publications contemporaines, a critiqué Brian Wilson pour son étiquette de « génie » souvent répétée, qu'il a qualifiée de « merde promotionnelle » et de tentative de le comparer aux Beatles. Lors d'une interview en août 1967 pour l'album live avorté Lei'd in Hawaii, Brian a déclaré : « Je pense que le rock n' roll – la scène pop – est en train de se produire. C'est génial. Mais je pense qu'au fond, les Beach Boys sont des carrés. ça n'arrive pas." L'ancien publiciste du groupe, Derek Taylor, a rappelé plus tard une conversation avec Brian et Dennis au cours de laquelle ils ont nié que le groupe ait jamais écrit de la musique de surf ou des chansons sur les voitures, et que les Beach Boys n'aient jamais été impliqués dans les modes du surf et du hot rod, comme l'a affirmé Taylor : "... ils ne céderaient pas." En raison de leur cible démographique initiale et de leur échec ultérieur à se fondre dans le mouvement hippie, le groupe était considéré comme une relique unhip, même s'il avait été autrefois, comme l'écrivait le biographe Peter Ames Carlin, « le centre absolu du rock'n américain ». 'roll scene", une époque où ils avaient inauguré l'ère psychédélique. Au début de 1969, Brian proposa au groupe de changer son nom de « The Beach Boys » à « The Beach », estimant que les membres du groupe étaient désormais des hommes adultes. S'attaquant à l'effort d'acquérir un contrat qui déclarerait un accord à cinq pour renommer officiellement le groupe, Stephen Desper a rapporté : « Ils ont tous simplement haussé les épaules et ont dit : « Oh, allez, Brian, nous ne voulons pas faire ça ». C'est comme ça que le public nous connaît, mec. Et c'est tout. Il a mis le papier sur le piano et il est resté là jusqu'à ce que je le ramasse et l'emporte. En 1966, le groupe avait intenté une action en justice devant la Cour supérieure de Los Angeles contre Capitol Records pour plus de deux millions de dollars, ce qui avait brièvement rompu leur relation avec le label. À cette époque, la direction des Beach Boys (Nick Grillo et David Anderle) créait leur propre label, Brother. L'un des premiers labels appartenant au groupe de rock Brother Records était destiné à la sortie de projets parallèles des Beach Boys et à une invitation à de nouveaux talents. La production initiale du label se limitait cependant à Smiley Smile et à deux singles issus de l'album. L'échec de "Gettin' Hungry" a amené le groupe à mettre Brother de côté jusqu'en 1970. Après l'annulation de Smile, certains de ses t

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Qui a hébergé pour la première fois Family Feud ?

Richard Dawson

Family Feud est un jeu télévisé américain créé par Mark Goodson dans lequel deux familles s'affrontent pour nommer les réponses les plus populaires aux questions d'une enquête afin de gagner de l'argent et des prix. Le programme a été créé sur ABC le 12 juillet 1976 et a été diffusé dans le cadre de sa programmation de jour jusqu'au 14 juin 1985. Le programme a été relancé par CBS le 4 juillet 1988 et s'est déroulé jusqu'au 10 septembre 1993. Trois éditions distinctes pour la syndication ont également été produits. La première a été diffusée du 19 septembre 1977 au 6 septembre 1985. La seconde a été diffusée du 19 septembre 1988 au 8 septembre 1995. La série souscrite actuelle a été créée le 20 septembre 1999. La version réseau ABC de l'émission et la première série souscrite ont été animées par Richard Dawson. Ray Combs a animé la série CBS et les six premières saisons de la version syndiquée qui l'accompagne, puis a été remplacé par Dawson pour la dernière saison. La série syndiquée de 1999 a été animée par Louie Anderson (1999-2002), Richard Karn (2002-06), John O'Hurley (2006-10) et Steve Harvey (2010-présent). Les annonceurs de la série incluent Gene Wood (1976-1995), Burton Richardson (1999-2010), Joey Fatone (2010-15) et Rubin Ervin (2015-présent). Le programme a donné lieu à de multiples adaptations régionales sur plus de 50 marchés internationaux en dehors des États-Unis. Moins d'un an après ses débuts, la version originale est devenue le jeu télévisé numéro un de la télévision de jour ; cependant, à mesure que les habitudes de visionnage ont changé, les audiences ont diminué. Le rachat de Harvey en 2010 a considérablement augmenté les audiences de Nielsen et a finalement placé le programme parmi les cinq émissions de télévision souscrites les plus populaires du pays. En 2013, TV Guide a classé Family Feud au troisième rang de sa liste des 60 plus grands jeux télévisés de tous les temps. Gameplay Chaque épisode de Family Feud présente dix concurrents de deux familles différentes en compétition pour gagner de l'argent et des prix, y compris une nouvelle voiture pour les familles qui remportent cinq matchs, avec cinq membres chacun représentant chaque famille. La version originale de l'émission commençait par la présentation des familles, assises l'une en face de l'autre comme si elles posaient pour des portraits de famille, après quoi Dawson les interviewait. Chaque tour commence par une question de « mise au jeu » qui sert de tirage au sort entre deux joueurs adverses, l'hôte posant une question d'enquête qui a été préalablement posée à un groupe de 100 personnes. (Exemple : « Nommez l'heure à laquelle vous vous levez le dimanche matin. ») Un certain nombre de réponses sont masquées au tableau, en commençant par la plus populaire. Seules les réponses qui reçoivent deux réponses ou plus peuvent apparaître sur le tableau. Le premier joueur à intervenir donne une réponse ; si c'est le plus populaire, sa famille remporte immédiatement la mise au jeu. Sinon, l’adversaire répond également et la réponse la mieux classée l’emporte. Les égalités sont brisées en faveur du joueur qui arrive en premier. Si la réponse d'aucun joueur n'est sur le plateau, les huit autres joueurs ont la possibilité de répondre, un à la fois en alternant les côtés, jusqu'à ce qu'une réponse soit trouvée. La famille qui remporte la mise au jeu peut choisir de jouer la question ou de passer le contrôle à ses adversaires. La famille qui contrôle la question tente maintenant de remporter la manche en devinant toutes les réponses cachées restantes, chaque membre donnant une réponse dans l'ordre. Donner une réponse qui ne figure pas sur le tableau ou ne pas répondre dans le temps imparti donne droit à un strike. Si la famille obtient trois strikes, ses adversaires ont une chance de voler les points du tour en devinant toute réponse encore cachée ; à défaut, les points reviennent à la famille qui détenait initialement le contrôle. Les réponses valent un point pour chaque personne interrogée auprès des 100 membres qui les a données. La famille gagnante à chaque tour marque le total des points pour toutes les réponses révélées à cette question, y compris celles données lors de la mise au jeu mais à l'exclusion de celle utilisée pour voler (le cas échéant). Le nombre de réponses sur le tableau diminue de tour en tour, et certains tours sont joués pour une valeur double ou triple. La première famille à marquer 300 points remporte la partie et accède au tour de bonus Fast Money pour avoir une chance de gagner un bonus en espèces. Jusqu'en 1992, les deux équipes recevaient 1 $ par point marqué. Avant 1999, le jeu se poursuivait normalement jusqu'à ce qu'une famille atteigne le total nécessaire pour gagner. Depuis lors, si aucune équipe n'atteint l'objectif après quatre tours, une dernière question est jouée pour une valeur triple avec seule la réponse n°1 affichée. L'objectif de 300 points a été mis en place dans presque toutes les versions des règles. Cependant, lors de la première du programme en 1975, l’objectif était de 200 points. Pour la saison 1984-1985 du programme de jour et du programme syndiqué, l'objectif a été porté à 400 points. Pendant plusieurs saisons après le retour à la syndication en 1999, il n'y a pas eu de but précis. Au lieu de cela, quatre tours ont été joués, le dernier étant marqué par des triples points et un seul strike. La famille avec le plus de points après le quatrième tour a remporté la partie. Argent rapide Deux membres de la famille gagnante ont joué à Fast Money pour tenter de remporter un bonus en espèces. Pour commencer le tour, l'un des deux joueurs se voit poser une série de cinq questions d'enquête de manière rapide et doit y répondre dans un délai déterminé. La limite était initialement de quinze secondes, mais a été étendue en 1994 à vingt secondes. Le chronomètre ne démarre qu'après que la première question a été posée et que la transmission d'une question est autorisée, toutes les questions réussies étant revisitées une fois que les cinq ont été posées si le temps le permet. Une fois que les cinq questions ont été répondues, ou si le temps est écoulé avant cela, le premier joueur voit combien de personnes participant à l'enquête, le cas échéant, ont donné ses réponses particulières. Une fois le score total des cinq questions calculé, le plateau est vidé et le deuxième joueur prend son tour. Les cinq mêmes questions sont posées avec les mêmes règles, mais le deuxième joueur n'est pas autorisé à répéter une réponse donnée par le premier joueur (indiquée par un buzzer) et dispose de vingt-cinq secondes (à l'origine vingt) pour terminer le tour. Si à eux deux les joueurs marquent au moins 200 points, la famille remporte le bonus. Dans le cas contraire, ils reçoivent cinq dollars par point marqué comme prix de consolation. Le grand prix pour gagner Fast Money est varié. Lorsque l'émission était diffusée pendant la journée, les familles jouaient pour 5 000 $. Le grand prix pour les épisodes syndiqués était de 10 000 $ pendant une grande partie de son existence. En 2001, le prix a été doublé pour atteindre 20 000 $ à la demande de Louie Anderson, alors animateur. Des champions de retour Lorsque Family Feud a été créé sur ABC, les règles du réseau dictaient combien une famille pouvait gagner. Une fois qu'une famille atteignait 25 000 $, elle prenait sa retraite en tant que champion. La série souscrite qui l'accompagnait, créée en 1977, présentait deux nouvelles familles à chaque épisode en raison du vélo de bande (une pratique alors courante dans la télévision souscrite). Les versions de jour et syndiquées de CBS qui ont commencé à être diffusées en 1988 présentaient également des champions de retour, qui pouvaient apparaître pendant un maximum de cinq jours. Pendant une brève période de la saison 1994-1995 diffusée en syndication, aucun champion n'est revenu. Pour ces épisodes, deux nouvelles familles s'affrontaient dans cette première moitié de chaque épisode. La seconde moitié mettait en vedette d'anciennes familles de champions apparues dans Family Feud entre 1975 et 1985, le vainqueur de la première moitié de l'émission jouant l'une de ces familles dans la seconde moitié. De 1999 à 2002, deux nouvelles familles sont apparues à chaque épisode. La règle des champions de retour a été rétablie avec la même limite de cinq jours à partir de la saison 2002-03. À partir de la saison 2009-2010, une famille qui remporte cinq matchs remporte une nouvelle voiture. Jeu Bullseye En juin 1992, l'édition de jour CBS de Feud est passée de trente à soixante minutes et est devenue connue sous le nom de Family Feud Challenge. Dans le cadre de ce changement, un nouveau tour a été ajouté au début de chaque jeu appelé "Bullseye". Ce tour a déterminé la mise potentielle de Fast Money pour chaque équipe. Chaque équipe s'est vu attribuer une valeur de départ pour sa banque et a tenté de trouver la meilleure réponse à une question d'enquête à ajouter. La ronde Bullseye a été ajoutée à l'édition syndiquée en septembre 1992. Les deux premiers membres de chaque famille sont apparus sur le podium de mise au jeu et se sont vu poser une question à laquelle seule la réponse numéro un était disponible. Donner la meilleure réponse a ajouté de la valeur à cette question pour la banque familiale. Le processus s'est ensuite répété avec les quatre membres restants de chaque famille. Dans la première moitié de la version de jour, les familles ont reçu 2 500 $. La première question valait 500 $, chaque question suivante valait 500 $ de plus que la précédente, et la dernière question valait 2 500 $. Cela permettait une banque potentielle maximale de 10 000 $. Pour la seconde moitié de la version de jour, ainsi que pour la version syndiquée, toutes les valeurs ont été doublées, ce qui porte la banque potentielle maximale à 20 000 $. L'équipe qui a finalement remporté la partie a joué pour sa banque en Fast Money. Lorsque Richard Dawson est revenu en tant qu'animateur du programme en 1994, le nom du tour a été changé en tour « Bankroll ». Bien que l'objectif soit toujours de donner uniquement la réponse numéro un, le format a été modifié à trois questions sur cinq, avec un seul membre de chaque famille participant aux trois questions. La mise initiale pour chaque famille est restée la même (2 500 $ dans la première moitié de l'heure et 5 000 $ dans la seconde). Cependant, la valeur de chaque question était de 500 $, 1 500 $ et 2 500 $ dans la première moitié, les valeurs doublant pour la seconde moitié. Cela signifiait une banque potentielle maximale de 7 000 $ au premier semestre et de 14 000 $ au second. Le tour Bullseye est temporairement revenu au cours de la saison 2009-10. Il a été joué de la même manière que le format utilisé de 1992 à 1994 sur la version syndiquée, avec cinq questions d'une valeur allant de 1 000 $ à 5 000 $. Cependant, chaque famille a reçu une mise de départ de 15 000 $, ce qui représente un maximum potentiel de 30 000 $ en banque. Hôtes et annonceurs L'ABC et les premières versions syndiquées de Family Feud ont été hébergées par Richard Dawson. Comme l'a dit l'écrivain David Marc, la personnalité de Dawson à l'antenne "se situait quelque part entre la sincérité stupide de Wink Martindale et le cynisme torride de Chuck Barris". Dawson s'est montré attaché à toutes les femmes membres de chaque famille participant à l'émission, quel que soit leur âge. Les écrivains Tim Brooks, Jon Ellowitz et Earle F. Marsh doivent la popularité de Family Feuds à la « familiarité désinvolte » de Dawson (il avait déjà joué Newkirk dans Hogan's Heroes) et à « l'esprit prêt ». L'annonceur original de l'émission était Gene Wood, avec Johnny Gilbert et Rod Roddy servant de remplaçants occasionnels. En 1988, Ray Combs a repris le rôle de Dawson en tant qu'hôte sur CBS et en syndication avec Wood revenant en tant qu'annonceur et Roddy, Art James et Charlie O'Donnell occupant ce rôle lorsque Wood n'était pas disponible. Combs a hébergé le programme jusqu'à l'annulation de la version de jour en 1993 et ​​de la version syndiquée jusqu'à la fin de la saison 1993-1994. Dawson est revenu à la série à la demande de Mark Goodson Productions pour la saison 1994-1995. Lorsque Feud est revenu à la syndication en 1999, il était initialement animé par Louie Anderson, tandis que Burton Richardson a pris la relève en tant que nouvel annonceur. Richard Karn a été sélectionné pour succéder à Anderson lors de la première de la saison quatre en 2002, et lors de la première de la saison huit en 2006, Karn a été remplacé par John O'Hurley. En 2010, O'Hurley et Richardson ont quitté la série ; Le comédien Steve Harvey a été nommé nouvel animateur de la saison douze, et une piste préenregistrée de la voix de l'ancien membre de 'N Sync, Joey Fatone, a été utilisée jusqu'en 2015, lorsque Rubin Ervin, qui a été membre de l'équipe de production en tant qu'homme d'échauffement pour le public depuis qu'Harvey a pris la relève, est devenu l'annonceur. (Richardson annonce toujours pour Celebrity Family Feud.) Production Les quatre premières versions de la série ont été réalisées par Paul Alter et produites par Howard Felsher et Cathy Dawson. Pour les versions de 1988, Gary Dawson a travaillé sur la série en tant que troisième producteur, et Alter a été rejoint par deux autres réalisateurs, Marc Breslow et Andy Felsher. L'équipe principale de la version 1999 comprend la productrice exécutive Gabrielle Johnston, les producteurs superviseurs Kristin Bjorklund et Brian Hawley et le réalisateur Ken Fuchs ; Johnston et Bjorklund travaillaient auparavant comme producteurs associés de la version des années 1980. Le thème classique de l'émission a été écrit par Walt Levinsky, non crédité, pour Score Productions. Les thèmes utilisés de 1999 à 2008 ont été écrits par John Lewis Parker. Les droits de production de l'émission appartenaient à l'origine à la société de production que Goodson partageait avec son partenaire Bill Todman, mais ont été vendus à leur détenteur actuel, FremantleMedia, lorsqu'elle a acquis toutes les œuvres de Goodson et Todman en 2002. Historique de diffusion 1975-1985 Mark Goodson a créé Family Feud au cours de la popularité croissante de son précédent jeu télévisé Match Game, qui a établi des records d'audience en journée en 1976 et sur lequel Dawson était auparavant apparu comme l'un de ses panélistes les plus populaires. Match Game a été diffusé sur CBS et, en 1976, le vice-président de CBS, Fred Silverman (qui avait initialement commandé Match Game) avait accédé à un nouveau poste de président d'ABC. L'émission a été créée sur la programmation de jour d'ABC le 12 juillet 1976, et bien qu'elle n'ait pas été un succès immédiat, elle est rapidement devenue un gagnant d'audience et a finalement dépassé Match Game pour devenir le jeu télévisé n ° 1 de jour. Il est resté le jeu télévisé de jour le plus populaire jusqu'à ce que le jeu télévisé Wheel of Fortune de Merv Griffin le surpasse en 1984. De 1978 à 1984, ABC a diffusé périodiquement des "All-Star Specials" d'une heure aux heures de grande écoute, dans lesquels des célébrités de diverses séries télévisées aux heures de grande écoute. concouru à la place des familles ordinaires. La popularité du programme a incité Goodson à envisager de produire une édition nocturne, qui a été lancée en syndication le 18 septembre 1977. Comme beaucoup d'autres jeux télévisés à l'époque, l'émission nocturne Feud était diffusée une fois par semaine ; il est passé à deux fois par semaine en janvier 1979, et finalement à cinq soirs par semaine (du lundi au vendredi) à l'automne 1980. Cependant, les habitudes de visionnage des audiences diurnes et syndiquées évoluaient. Lorsque Griffin a lancé la version syndiquée de Wheels, avec Pat Sajak et Vanna White, en 1983, cette émission a grimpé dans les audiences au point de renverser Feud en tant qu'émission syndiquée la mieux notée ; la première syndiquée de l'émission sœur de Wheels, Jeopardy ! avec Alex Trebek comme hôte a également siphonné les audiences de Feud avec ses premiers succès. ABC a décidé de ne pas renouveler Feud pour la saison 1985-1986, et un avis d'annulation a également été émis pour la version syndiquée. La version de jour a pris fin le 14 juin 1985. La version syndiquée a diffusé son dernier nouvel épisode le 17 mai 1985 et a continué à être diffusée en rediffusion par la suite jusqu'au 6 septembre 1985. 1988-1995 Trois ans après la fin de la version originale, Family Feud est revenu sur CBS avec l'hébergement Combs le 4 juillet 1988. Comme son prédécesseur, cette version était également accompagnée d'une édition syndiquée lancée en septembre 1988. En juin 1992, la version réseau s'est étendue de son format original d'une demi-heure à une heure complète, et a été rebaptisé The Family Feud Challenge ; ce nouveau format présentait trois familles par épisode, dont deux nouvelles familles en compétition dans la première demi-heure pour le droit de jouer contre les champions de retour dans la seconde mi-temps. The Family Feud Challenge a diffusé son dernier nouvel épisode le 26 mars 1993, avec des rediffusions jusqu'au 10 septembre. Le programme syndiqué Feud, quant à lui, est resté en production et a entamé sa sixième saison à l'automne 1993. Cependant, il s'est retrouvé dans le même des problèmes de notation et ont dû apporter quelques modifications pour éviter l'annulation elle-même. Lorsque cette édition particulière de Feud était en phase de développement, Mark Goodson a clairement indiqué qu'il n'envisagerait pas que Dawson soit l'hôte, ayant des sentiments négatifs persistants suite aux affrontements répétés que Dawson a eu avec l'équipe de production de l'émission. Goodson, cependant, était décédé en 1992 et son fils, Jonathan Goodson, contrôlait désormais la société de production. Ainsi, il a été chargé de trouver une solution aux problèmes de notation. Malgré la loyauté de son père envers Combs, Jonathan Goodson était prêt à envisager d'apporter tous les changements nécessaires pour améliorer les notes de Feud en difficulté. Après avoir rencontré son équipe, Goodson a décidé que la meilleure solution pour l'entreprise était de demander à Dawson, qui était à la retraite du show business, de remplacer Combs en tant qu'animateur, ce qu'il a accepté de faire. Combs a terminé le reste de la saison mais, bouleversé par la décision de le remplacer, il a quitté le studio dès la fin de l'enregistrement du dernier épisode de l'année. Une Family Feud remaniée est revenue pour une septième saison en septembre 1994 avec Dawson dans son rôle d'hôte. L'émission est passée de trente à soixante minutes, a rétabli le format Family Feud Challenge et a fait diverses autres choses pour essayer d'améliorer les audiences de l'émission, comme construire un décor plus moderne, mettant en vedette des familles qui avaient auparavant été championnes de l'original. Feud, et ayez plus de semaines thématiques. Bien que Dawson ait provoqué une brève augmentation des audiences à son retour, la série n'a pas pu la maintenir à long terme et Feud est arrivée à sa conclusion à la fin de la saison 1994-1995. 1999-présent Après une interruption de quatre ans, Family Feud est revenu en syndication le 20 septembre 1999 avec le comédien Louie Anderson comme hôte. Après que Richard Karn ait repris l'émission, le format a été modifié pour réintroduire les champions de retour, leur permettant d'apparaître jusqu'à cinq jours. Cependant, même après le rachat de Karn, les épisodes hébergés par Anderson ont continué dans les rediffusions diffusées sur PAX Network. Dans les derniers jours de John O'Hurley, les cotes d'écoute Nielsen de la série étaient de 1,5 (ce qui la mettait en danger d'annulation), mais lorsque le comédien Steve Harvey a pris la relève, les cotes ont augmenté jusqu'à 40 %, et en deux ans seulement, la série était noté 4,0 et était devenu le cinquième programme syndiqué le plus populaire. Paulette Cohn de Fox News a fait valoir que la « responsabilité » de Harvey, ou « la compréhension de ce que les gens à la maison veulent savoir », est ce qui a sauvé l'émission de l'annulation ; Harvey lui-même a soutenu : « Si quelqu'un donnait une réponse aussi ridicule, je savais que les gens à la maison derrière la caméra devaient se demander : « Qu'est-ce qu'ils viennent de dire ? … Ils ont donné cette réponse qui n'a aucune chance d'être là-haut. Le fait que je reconnaisse cela, c'est un génie comique pour moi, je pense que cela fait la différence. Depuis qu'Harvey est devenu animateur, Family Feud s'est régulièrement classé parmi les 10 programmes les mieux notés de tous les programmes télévisés de jour et au troisième rang parmi les jeux télévisés (derrière Wheel of Fortune et Jeopardy !) ; en février 2014, l'émission a atteint une part de 6,0 dans les audiences de Nielsen, avec environ 8,8 millions de téléspectateurs. En juin 2015, Family Feud a éclipsé Wheel of Fortune en tant que jeu télévisé syndiqué le plus regardé à la télévision. Les rediffusions des épisodes hébergés par Dawson, Combs, Anderson, Karn et O'Hurley ont été incluses parmi les acquisitions de Buzzr depuis son lancement le 1er juin 2015. Le 13 juin 2016, les épisodes américains hébergés par Harvey ont commencé à être diffusés sur le réseau numérique terrestre britannique et chaîne satellite Défi. Réception Family Feud a remporté le Daytime Emmy Award pour un jeu exceptionnel/émission de participation du public en 1977, et l'émission a remporté à deux reprises le Daytime Emmy pour l'animateur exceptionnel d'un jeu télévisé, une fois avec Dawson (1978) et de nouveau avec Harvey (2014). Feud s'est classé numéro 3 sur la liste 2006 de Game Show Network (GSN) des 50 plus grands jeux télévisés de tous les temps, ainsi que sur la liste TV Guides 2013 des 60 plus grands jeux télévisés de tous les temps. Tara Ariano et Sarah D. Bunting, fondatrices du site Television Without Pity, ont écrit qu'elles détestaient la version syndiquée de 1999, en disant "Donnez-nous le classique Feud à chaque fois", citant à la fois Dawson et Combs comme hôtes. De plus, ils ont qualifié Anderson de « harceleur sexuel présumé et de sphère à plein temps ». Il a été rapporté que le public avait répondu négativement à plusieurs vidéos publiées sur le site Web officiel de Family Feud en septembre 2015, dans lesquelles les candidats de la version actuelle donnaient des réponses sexuellement explicites aux questions de l'enquête. Dan Gainor du Media Research Center a suggéré que les réponses correspondent au fait que le contenu sexuel est de plus en plus courant à la télévision. La popularité de Family Feud aux États-Unis l'a amené à devenir une franchise mondiale, avec plus de 50 adaptations en dehors des États-Unis. Les pays qui ont diffusé leurs propres versions de l'émission comprennent, entre autres, l'Australie, le Canada, la France, l'Allemagne, l'Indonésie, le Japon, le Mexique, les Pays-Bas, la Nouvelle-Zélande, la Pologne, la Russie, la Thaïlande, le Royaume-Uni et le Vietnam. Marchandise Depuis la première de la série en 1976, de nombreuses versions familiales de Family Feud ont été diffusées sous différents formats. Milton Bradley, Pressman Games et Endless Games ont tous sorti des jeux de société traditionnels basés sur la série, tandis qu'Imagination Entertainment a publié le programme sous forme de jeu DVD. Le jeu a été publié dans d'autres formats par plusieurs sociétés ; Coleco Adam a publié la première version informatique de l'émission en 1983, et Sharedata a suivi en 1987 avec des versions pour les ordinateurs MS-DOS, Commodore 64 et Apple II. GameTek a publié des versions pour Nintendo Entertainment System, Super NES, Genesis, 3DO et PC (sur CD-ROM) entre 1990 et 1995. Hasbro Interactive a publié une version en 2000 pour PC et PlayStation. En 2006, des versions sont sorties pour PlayStation 2, Game Boy Advance et PC. Mobliss Inc., basée à Seattle, a également publié une version mobile de Family Feud disponible sur Sprint, Verizon et Cingular. Glu Mobile a ensuite publié une version mobile plus récente de Family Feud pour d'autres opérateurs. Plus récemment, en collaboration avec Ludia, Ubisoft propose des jeux vidéo pour plusieurs plateformes. Le premier d'entre eux s'intitulait Family Feud: 2010 Edition et est sorti sur Wii, Nintendo DS et PC en septembre 2009. Ubisoft a ensuite publié Family Feud Decades l'année suivante, qui présentait des décors et des questions d'enquête provenant des versions télévisées des quatre décennies. l'émission a été diffusée. Un troisième jeu, intitulé Family Feud: 2012 Edition, est sorti sur Wii et Xbox 360 en 2011. En plus des matchs à domicile, un coffret DVD intitulé All-Star Family Feud est sorti le 8 janvier 2008 et présentait un total de 15 épisodes de célébrités des versions originales ABC/syndiquées sur ses quatre disques. Il a été réédité sous le titre The Best of All-Star Family Feud le 2 février 2010.

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Quelle série des années 70 était basée sur la série britannique Till Death Us Do Part ?

All In The Family

Till Death Us Do Part est une sitcom télévisée britannique diffusée sur BBC1 de 1965 à 1975. D'abord diffusée en tant que pilote de Comedy Playhouse, l'émission a été diffusée en sept séries jusqu'en 1975. Six ans plus tard, ITV a continué la sitcom, l'appelant Till Death. ... De 1985 à 1992, la BBC a produit une suite In Sickness and in Health. Créé par Johnny Speight, Till Death Us Do Part est centré sur la famille East End Garnett, dirigée par le patriarche Alf Garnett (Warren Mitchell), un ouvrier blanc réactionnaire qui a des opinions racistes et antisocialistes. Son épouse, Else, qui souffre depuis longtemps, était interprétée par Dandy Nichols et sa fille Rita par Una Stubbs. Le mari de Rita, Mike Rawlins (Anthony Booth) est un fainéant socialiste. Le personnage d'Alf Garnett est devenu un personnage bien connu de la culture britannique et Mitchell l'a joué sur scène et à la télévision jusqu'à la mort de Speight en 1998. En plus du spin-off In Sickness and in Health, Till Death Us Do Part a été refait dans de nombreux pays dont le Brésil, l'Allemagne (Ein Herz und eine Seele), les Pays-Bas (In Voor- En Tegenspoed), et est connu aux États-Unis comme le spectacle qui a inspiré All in the Family. On pense que de nombreux épisodes des trois premières séries n'existent plus, ayant été effacés à la fin des années 1960 et au début des années 1970, comme c'était la politique de l'époque. Série Années de réussite La série est devenue un succès instantané car, bien qu’il s’agisse d’une comédie, dans le contexte de son époque, elle traitait d’aspects de la vie de la classe ouvrière de manière relativement réaliste. Il abordait des questions raciales et politiques à une époque difficile pour la société britannique. L'attitude de ceux qui ont réalisé le programme était que les opinions d'Alf étaient si clairement inacceptables qu'elles étaient risibles, mais certains ont considéré la série inconfortable et dérangeante. Certains ignoraient que Johnny Speight faisait la satire des attitudes racistes. Ironiquement, beaucoup de ceux qui avaient des opinions similaires sur le personnage ont apprécié la série, manquant peut-être le fait que les opinions d'Alf étaient considérées comme offensantes et qu'elles étaient ridiculisées. Mitchell a imprégné le personnage d'Alf Garnett d'un charme terreux qui a servi à humaniser Alf et à le rendre sympathique. Selon les interviews qu'il a données, le fait que certains téléspectateurs aient ignoré les opinions d'Alf et l'ont considéré comme un diamant brut a déçu Speight. L'émission a capturé une caractéristique clé de la Grande-Bretagne dans les années 1960 : le fossé générationnel grandissant. Alf (et dans une moindre mesure sa femme) représentait la vieille garde, les attitudes traditionnelles et conservatrices de l'ancienne génération. Les combats d'Alf avec son gendre de gauche n'étaient pas seulement idéologiques mais générationnels et culturels. Son gendre et sa fille représentaient la jeune génération. Ils soutenaient les aspects de la nouvelle ère tels que les mœurs sexuelles détendues, les modes, la musique, etc. Les mêmes choses étaient un anathème pour Alf - et révélatrices de tout ce qui n'allait pas avec la jeune génération et les attitudes libérales qu'elle adoptait. Alf était dépeint comme l’archétype du conservateur de la classe ouvrière. Les sujets qui l'intéressaient le plus étaient le football et la politique, même si sa connaissance réelle de l'un ou l'autre était limitée. Il a utilisé un langage qui n'était pas considéré comme acceptable à la télévision dans les années 1960. Il qualifiait souvent les minorités raciales de « coons » et de termes similaires. Il a qualifié son gendre de Liverpudlian de « Shirley Temple » ou de « Randy Scouse git » (Randy Scouse Git, comme expression, a attiré l'oreille de Micky Dolenz des Monkees qui l'a entendu lors d'une tournée au Royaume-Uni et l'a utilisé comme titre du single suivant du groupe - bien que leur label l'ait renommé « Titre alternatif » sur le marché britannique pour éviter toute controverse), et à sa femme comme un « [vieux] meuglement idiot » (un substitut de « vache » qui a été opposé par le directeur de la comédie de la BBC, Frank Muir). Cependant, Michael Palin écrit dans son journal du 16 juillet 1976 que Warren Mitchell lui a dit que "Silly Moo" n'était pas scénarisé, "Il est sorti lors d'une répétition quand il a oublié la phrase" Silly old mare ". " De manière controversée, l'émission a été l'un des premiers programmes grand public à présenter le gros mot « sanglant ». L'émission était l'une des nombreuses présentées par Mary Whitehouse comme un exemple du laxisme moral de la BBC. Voir par exemple ses réponses à un épisode intitulé "Bird Fancier" (transmis pour la première fois le 20 septembre 1972), qui présente une discussion sur le Naissance vierge de Jésus, comme détaillé dans Michael Tracey et David Morrison Whitehouse, Londres et Basingstoke : Macmillan, 1979, p.110-16. L'épisode est également connu sous le nom de "Pigeon Fancier", mais l'enregistrement tel que diffusé ne contient aucune légende d'identification. Dans une démonstration des talents satiriques de Speight - après une action en diffamation intentée contre Speight par Mary Whitehouse - il a créé un épisode, diffusé pour la première fois le 27 février 1967, dans lequel Alf Garnett est décrit comme un admirateur de Whitehouse. Garnett a été vue en train de lire fièrement son premier livre. "Ce que tu lis?" demande son gendre. Quand il raconte qu'il s'agit de Mary Whitehouse, son gendre ricane. La réplique d'Alf est "Elle s'inquiète pour la fibre morale de la nation!" L'épisode se termine avec le livre brûlé. En fin de compte, « meuglement idiot » est devenu un slogan comique. Une autre phrase de Garnett était « cela va de soi », généralement avant de faire un commentaire manifestement déraisonnable. Alf était un admirateur d'Enoch Powell, un homme politique conservateur de droite connu particulièrement pour sa forte opposition à l'immigration de races non blanches au Royaume-Uni. Alf était également un partisan de West Ham United (un club de football basé dans l'East End) et connu pour faire des remarques désobligeantes sur « les Juifs des Spurs » (en référence à Tottenham Hotspur, un club du nord de Londres avec une clientèle juive importante). C'était une touche ludique de la part de Speight, sachant que dans la vraie vie, Mitchell était à la fois juif et partisan des Spurs. Dans des interviews, Speight a expliqué qu'il avait initialement basé Alf sur son père, un docker de l'East End qui était résolument réactionnaire et avait des attitudes « non éclairées » envers les Noirs. Speight a clairement indiqué qu'il regrettait que son père ait eu de telles attitudes - des croyances que Speight considérait comme répréhensibles. Speight considérait la série comme un moyen de ridiculiser de tels points de vue et de gérer ses sentiments complexes à l'égard de son père. La série est passée à la couleur à son retour en 1972 et Rita a eu un bébé, Michael. Déclin Vers la fin de la série, Dandy Nichols est tombé malade et n'a pas pu assister aux enregistrements en direct. Le problème a été résolu en lui faisant pré-enregistrer ses répliques qui ont ensuite été montées dans l'émission. Finalement, c'en était trop et ainsi, dans un épisode ultérieur, Else a été vu partir pour l'Australie, au grand désarroi d'Alf. Patricia Hayes, qui avait été vue de temps en temps auparavant comme sa voisine d'à côté, Mme Reed, a reçu un prénom Min et est devenue un personnage principal aux côtés de son mari Bert, précédemment joué par Bill Maynard et maintenant par Alfie Bass. La cote de la série commença à souffrir et en 1975, la série fut abandonnée. Le dernier épisode a vu Alf perdre son emploi et recevoir un télégramme d'Else demandant le divorce. Production Comme pour la plupart des sitcoms de la BBC, Till Death Us Do Part a été enregistré devant un public de studio en direct. Les programmes ont été enregistrés sur une bande vidéo Quadruplex de 2 pouces. De 1966 à 1968, l'émission a été diffusée en noir et blanc. Lorsque la série revient en 1972, elle est diffusée en couleur. Les titres d'ouverture et le générique de fin des premiers épisodes en couleur utilisaient à l'origine la séquence n/b des années 60 teintée en rouge, comme on le voit sur les rediffusions d'UKTV Gold en 2006. La maison vue dans les titres d'ouverture et de clôture des épisodes des années 1960 était située sur Garnet Street à Wapping (d'où l'écrivain Johnny Speight a pris le nom de famille Garnett) et cette terrasse a été démolie dans les années 1980. Une terrasse de maisons multicolores plus récentes et une agence immobilière prennent leur place. Ils sont situés sur la rue Garnet, à proximité immédiate du magasin local Wallace James, de l'école primaire St Peter, du bar Gastronomica, du magasin général Docklands et de Crane Wharf. Épisodes en noir et blanc manquants La plupart des 26 épisodes de la série 1 à 3 qui ont été filmés en noir et blanc et diffusés entre 1965 et 1968 n'existent plus ; ils ont été effacés par la BBC à la fin des années 1960 et au début des années 1970. Actuellement, la plupart des éléments de douze épisodes survivent encore, avec un épisode sur la bande originale et le reste sur film ou au format national. Les épisodes N&B survivants des années 1960 sont : « Arguments, Arguments » ; « Une maison avec de l'amour dedans » ; « Paix et bonne volonté » ; « En maladie et en bonne santé » ; « Visite d'État » ; "Le dilemme d'Alf" ; « Jusqu'à ce que l'heure de fermeture nous sépare » ; "Le téléphone"; « Le donneur de sang » ; et "Tante Maud". Des séquences existent à partir de : l'épisode pilote ; "Intolérance"; « Sexe avant le mariage » ; « La race bouledogue » ; « Une mythologie Wapping (Le roi des travailleurs) » ; et "Le chiot". La campagne d'appel au public BBC Archive Treasure Hunt continue de rechercher les épisodes perdus. En 1997, l'épisode perdu depuis longtemps "Le dilemme d'Alf" a été retrouvé dans une collection privée sur un téléenregistrement 16 mm de 21 minutes. Il s'agit de l'épisode dans lequel Garnett lit le premier livre de Mary Whitehouse. Certaines sources affirment que l'épisode est une version éditée, d'autres qu'il ne s'agissait que d'un court épisode. L'épisode a été rediffusé en 1998 sur UK Gold. En août 2009, deux autres épisodes en noir et blanc, « En maladie et en santé » et « Visite d'État », ont été restitués par un collectionneur de films. Épisodes Séquelles En 1980, la société ITV ATV a repris la série et a produit une émission personnelle mettant en vedette Alf, intitulée Les pensées du président Alf à Noël, diffusée le 26 décembre. La copie originale a été effacée, mais un enregistrement vidéo personnel est actuellement disponible au National Media Museum (Bradford), dans leurs cabines de télévision. En 1981, ATV a réalisé six épisodes sous le titre Till Death.... Dans la série, Alf et Else partageaient un bungalow avec Min (Patricia Hayes) après la mort de son mari Bert (Alfie Bass) à Eastbourne. Bien que Rita soit restée dans le casting, Anthony Booth a refusé de revenir. Michael, le fils de Rita, était maintenant un adolescent et un punk rocker (même s'il était né en 1972 et n'aurait donc dû avoir que 9 ou 10 ans). La série n'a pas été un succès et lorsque Central Television a obtenu le contrat pour la région des Midlands à partir de 1982, il a été décidé que Till Death... ne reviendrait pas. En 1985, Alf Garnett revient à la BBC pour In Sickness and in Health. Cela a amené Alf et Else (qui était maintenant en fauteuil roulant) à un âge avancé, et certaines des opinions les plus extrêmes d'Alf se sont adoucies. Una Stubbs a fait quelques apparitions, mais Anthony Booth n'était apparemment pas intéressé à reprendre son rôle. Finalement, Mike et Rita ont divorcé et Rita a commencé à sortir avec un médecin. Après la mort de la première série, Dandy Nichols est décédé, et les épisodes suivants ont montré qu'Alf devait faire face à la plus grande perte de sa vie, Else, qu'il aimait vraiment. La perte d'Else et de Rita en tant que personnages réguliers du casting signifiait que de nouveaux personnages devaient être introduits en tant qu'antagonistes d'Alf. Il s'agissait notamment de son aide à domicile, Winston (joué par Eamonn Walker), qui était à la fois noir et gay, et de la voisine d'étage d'Alf, Mme Hollingberry (jouée par Carmel McSharry), qui a finalement accepté d'épouser Alf. En 1988, Speight a été averti de l'utilisation d'un langage raciste - et après discussion, il a été décidé que le langage offensant de Garnett devait être interrompu et que le personnage de Winston devait être écrit. Avec de tels personnages contribuant à mettre à jour le concept de base, la série « Maladie et santé » s'est déroulée jusqu'en 1992. Warren Mitchell est également apparu en solo sur scène et à la télévision dans le rôle d'Alf Garnett, dispensant des variations sur la philosophie réactionnaire d'Alf et chantant de vieilles chansons de music-hall. Le plus remarquable a été l'émission LWT An Audience With Alf Garnett - qui a permis à Garnett de revenir à son attitude raciste. Une autre émission s'appelait It Stands To Reason - The Thoughts Of Chairman Alf ; un critique a conclu que "Speight et Mitchell doivent être félicités pour avoir si bien compris l'esprit d'un homme qu'ils détestent". Casting * Warren Mitchell - Alfred 'Alf' Garnett * Dandy Nichols - Elsie 'Else' Garnett * Una Stubbs - Rita Rawlins, née Garnett * Antony Booth-Mike Rawlins * Joan Sims - Gran * Patricia Hayes - Mme Min Reed * Alfie Bass - Bert Reed * Hugh Lloyd - M. Wally Carey * Pat Coombs - Mme Carey * Will Stampe - Fred le barman Dans le pilote Comedy Playhouse, Alf était Alf Ramsey, mais la BBC a changé son nom en Garnett pour la série suivante, ne souhaitant pas utiliser le même nom que celui de l'entraîneur anglais vainqueur de la Coupe du monde de football 1966. Adaptations cinématographiques Deux longs métrages ont été réalisés sur la base de la série - le premier était Till Death Us Do Part (1969), dont la première moitié traitait des jeunes Alf et Else pendant la Seconde Guerre mondiale, et dont la seconde moitié traitait de tous les Garnett d'aujourd'hui. le déménagement de leur bidonville de l'East End vers la nouvelle ville de Hemel Hempstead, ainsi que les ajustements et les changements que cela a apportés à la famille. Cela donnait un aperçu nuancé de la vie britannique à l’époque. Le deuxième film, The Alf Garnett Saga (1972), avait Adrienne Posta jouant le rôle de Rita et Paul Angelis jouant Mike. Il est remarquable pour présenter Alf Garnett lors d'un voyage au LSD. DVD Au Royaume-Uni, Network a publié les deux premières séries couleur sur DVD (séries 4 et 5), mais ces versions ne sont plus imprimées - la licence a expiré et les droits sont revenus à BBC Worldwide, qui publie ses titres via 2 Entertain. Certains fans ont exhorté BBC DVD à sortir la série ; cependant, In Sickness & In Health a récemment vu toutes les six séries 1, 2, 3, 4, 5, 6 et les spéciaux de Noël publiés sur DVD par 2|entertain. La quatrième série était disponible aux États-Unis et au Canada, ayant été publiée avant l'édition Network et comportant quelques variations de séquence de titres. Le film de 1969 est disponible au Royaume-Uni et aux États-Unis, le film de 1972 étant uniquement disponible sur DVD via bootlegs. Différences avec tous les membres de la famille Si la série est célèbre aux États-Unis pour avoir inspiré All in the Family, Norman Lear s'est également inspiré des relations de sa famille et y a ajouté quelques différences : * Là où All in the Family, l'homologue d'Else, Edith Bunker, était une "dingbat", et une épouse loyale et aimante, Else Garnett était une femme qui souffrait depuis longtemps, qui était amère de son mariage malheureux et qui fumait beaucoup. Elle s'en prenait souvent à son mari (qui la traitait de « vieille idiote »). Cette divergence a évolué avec le temps ; au début de All in the Family, Edith ressemblait davantage à son homologue anglaise, mais son personnage a évolué vers sa forme plus connue au cours de la série. *Dans All in the Family, Mike Stivic et Archie Bunker étaient toujours en désaccord et s'entendaient rarement. Dans Till Death Us Do Part, Alf et Mike, bien qu'ils ne soient jamais d'accord l'un avec l'autre, étaient pour la plupart polis l'un envers l'autre et allaient souvent au pub ensemble. Alf et Mike ont également assisté ensemble à la Coupe du monde et Mike protégeait son beau-père. *Mike Rawlins était un véritable trotskiste dans Till Death Us Do Part. Pour All In The Family, CBS avait considérablement adouci cela ; dans l'émission américaine, Mike Stivic, bien que sympathique aux convictions de gauche du mouvement Students for a Democratic Society, était simplement un démocrate libéral. * Là où les Bunkers vivaient dans un environnement confortable (bien qu'un peu délabré) dans le Queens, à New York, malgré leur statut de classe ouvrière, les Garnett vivaient dans un quartier d'habitation pauvre de la classe inférieure de Wapping.

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À quelle date en 1969 Neil Armstrong a-t-il posé pour la première fois le pied sur la Lune ?

20 juillet

Neil Alden Armstrong (5 août 1930 – 25 août 2012) était un astronaute américain et la première personne à marcher sur la Lune. Il était également ingénieur aérospatial, aviateur naval, pilote d'essai et professeur d'université. Avant de devenir astronaute, Armstrong était officier dans la marine américaine et a servi pendant la guerre de Corée. Après la guerre, il a obtenu son baccalauréat à l'Université Purdue et a servi comme pilote d'essai à la station de vol à grande vitesse du Comité consultatif national de l'aéronautique (NACA), où il a enregistré plus de 900 vols. Il a ensuite complété des études supérieures à l'Université de Californie du Sud. Participant aux programmes de vols spatiaux habités Man in Space Soonest et X-20 Dyna-Soar de l'US Air Force, Armstrong a rejoint le Corps des astronautes de la NASA en 1962. Il a effectué son premier vol spatial en tant que pilote de commandement de Gemini 8 en mars 1966, devenant ainsi le premier de la NASA. astronaute civil pour voler dans l'espace. Il a effectué le premier amarrage de deux vaisseaux spatiaux, avec le pilote David Scott. Cette mission a été interrompue après qu'Armstrong ait utilisé une partie de son carburant de contrôle de rentrée pour empêcher une vrille dangereuse causée par un propulseur bloqué, lors de la première urgence spatiale en vol. Le deuxième et dernier vol spatial d'Armstrong était en tant que commandant d'Apollo 11, la première mission habitée d'alunissage en juillet 1969. Armstrong et le pilote du module lunaire Buzz Aldrin sont descendus sur la surface lunaire et ont passé deux heures et demie à l'extérieur du vaisseau spatial, tandis que Michael Collins restait à l'intérieur. orbite lunaire dans le module de commande/service. Avec Collins et Aldrin, Armstrong a reçu la Médaille présidentielle de la liberté des mains du président Richard Nixon. Le président Jimmy Carter a remis à Armstrong la Médaille d'honneur du Congrès pour l'espace en 1978. Armstrong et ses anciens coéquipiers ont reçu la Médaille d'or du Congrès en 2009. Armstrong est décédé à Cincinnati, Ohio, le 25 août 2012, à l'âge de 82 ans, des suites d'un pontage aorto-coronarien. Premières années Neil Armstrong est né le 5 août 1930 de Stephen Koenig Armstrong et de Viola Louise Engel dans le comté d'Auglaize, près de Wapakoneta, Ohio. Hansen 2005, p. 49-50. Il était d'origine écossaise, irlandaise et allemande et avait deux frères et sœurs plus jeunes, June et Dean. Stephen Armstrong a travaillé comme auditeur pour le gouvernement de l'État de l'Ohio ; la famille a déménagé à plusieurs reprises dans l'État après la naissance d'Armstrong, vivant dans 20 villes. L'amour de Neil pour le vol s'est développé au cours de cette période, ayant commencé très tôt lorsque son père a emmené son fils de deux ans aux Cleveland Air Races. À l'âge de cinq ans, il a effectué son premier vol en avion à Warren, Ohio, le 20 juillet 1936, lorsque lui et son père ont fait un tour dans un Ford Trimotor, également connu sous le nom de « Tin Goose ». Le dernier déménagement de son père remonte à 1944, vers le lieu de naissance de Neil, Wapakoneta, dans le comté d'Auglaize. Armstrong a fréquenté le Blume High School et a pris des cours de pilotage sur l'aérodrome herbeux de Wapakoneta. Il a obtenu un certificat de vol étudiant le jour de son 16e anniversaire, puis s'est lancé en solo plus tard en août ; tout cela avant d'avoir un permis de conduire. Armstrong était actif dans les Boy Scouts et a obtenu le rang d'Eagle Scout. En tant qu'adulte, il a été reconnu par les Boy Scouts of America avec son Distinguished Eagle Scout Award et son Silver Buffalo Award. Le 18 juillet 1969, alors qu'il volait vers la Lune à l'intérieur du Columbia, Armstrong salua les scouts : « J'aimerais dire bonjour à tous mes collègues scouts et animateurs du Farragut State Park dans l'Idaho qui y organisent un Jamboree national cette semaine ; et Apollo 11 souhaite leur adresser ses meilleurs vœux". Houston a répondu : "Merci, Apollo 11. Je suis sûr que s'ils n'ont pas entendu cela, ils le feront passer par les médias. Je l'apprécierai certainement." Parmi les très rares objets personnels que Neil Armstrong emportait avec lui sur la Lune et en revenait, il y avait un insigne du Scoutisme mondial. En 1947, à l'âge de 17 ans, Armstrong commence à étudier le génie aéronautique à l'Université Purdue. Il était la deuxième personne de sa famille à fréquenter l'université. Il a également été accepté au Massachusetts Institute of Technology (MIT). Le seul ingénieur qu'il connaissait (qui avait fréquenté le MIT) l'en dissuada, disant à Armstrong qu'il n'était pas nécessaire d'aller jusqu'à Cambridge, dans le Massachusetts, pour avoir une bonne éducation. Ses frais de scolarité étaient payés dans le cadre du plan Holloway. Les candidats retenus se sont engagés à suivre deux années d'études, suivies de deux années de formation au pilotage et d'une année de service dans la marine américaine en tant qu'aviateur, puis d'achever les deux dernières années de leur baccalauréat. Les candidats devaient promettre de ne pas se marier avant l'obtention de leur diplôme, signer la « Garantie aéronautique » pour servir en service actif pendant au moins quatre ans et ne recevraient de promotion au grade d'enseigne que deux ans après avoir reçu leur mandat d'aspirant. Service de la Marine L'appel d'Armstrong de la Marine est arrivé le 26 janvier 1949, l'obligeant à se présenter à la base aéronavale de Pensacola pour une formation de pilotage à l'âge de 18 ans. Cela a duré près de 18 mois, au cours desquels il s'est qualifié pour l'atterrissage sur un porte-avions. Le 16 août 1950, deux semaines après son 20e anniversaire, Armstrong fut informé par lettre qu'il était un aviateur naval pleinement qualifié. Sa première affectation était au sein du Fleet Aircraft Service Squadron 7 au NAS San Diego (maintenant connu sous le nom de NAS North Island). Deux mois plus tard, il est affecté au Fighter Squadron 51 (VF-51), un escadron entièrement à réaction, et effectue son premier vol à bord d'un avion à réaction, un F9F-2B Panther, le 5 janvier 1951. En juin, il effectue son premier porte-avions à réaction atterrissant sur et a été promu la même semaine d'aspirant à enseigne. À la fin du mois, l'Essex avait appareillé avec le VF-51 à son bord, à destination de la Corée, où son VF-51 ferait office d'avion d'attaque au sol. Armstrong a participé pour la première fois à la guerre de Corée le 29 août 1951, en tant qu'escorte d'un avion de reconnaissance photographique au-dessus de Songjin. Cinq jours plus tard, le 3 septembre, il a effectué une reconnaissance armée au-dessus des principales installations de transport et de stockage au sud du village de Majon-ni, à l'ouest de Wonsan. Alors qu'il effectuait un bombardement à basse vitesse à environ 350 mph, le F9F Panther d'Armstrong a été touché par des tirs antiaériens. Alors qu'il tentait de reprendre le contrôle, il est entré en collision avec un poteau à une hauteur d'environ 20 pieds, qui a coupé environ 1 m de l'aile droite du Panther. Armstrong a ramené l'avion en territoire ami, mais en raison de la perte de l'aileron, l'éjection était sa seule option sûre. Il prévoyait de s'éjecter au-dessus de l'eau et d'attendre les secours des hélicoptères de la Marine. Il s'est donc envolé vers un aérodrome près de Pohang, mais son siège éjectable a été projeté au-dessus de la terre. Une jeep conduite par un colocataire de l'école de pilotage est venue chercher Armstrong ; on ne sait pas ce qui est arrivé à l'épave du n° 125122 F9F-2. Armstrong a effectué 78 missions au-dessus de la Corée pour un total de 121 heures de vol, dont la plupart ont eu lieu en janvier 1952. Il a reçu la Médaille de l'Air pour 20 missions de combat, une Étoile d'Or pour les 20 suivantes, ainsi que la Médaille du Service Coréen et l'Étoile de Fiançailles. . Armstrong a quitté la Marine à 22 ans le 23 août 1952 et est devenu lieutenant (grade junior) dans la Réserve navale américaine. Il reste dans la réserve pendant huit ans, puis démissionne de sa commission le 21 octobre 1960. Années universitaires Après son service dans la Marine, Armstrong est retourné à Purdue, où ses meilleures notes ont été obtenues au cours des quatre semestres suivant son retour de Corée. Il avait déjà obtenu des notes moyennes, mais sa moyenne finale était de 4,8 sur 6,0. Il a promis la fraternité Phi Delta Theta après son retour et il a écrit et co-dirigé sa comédie musicale dans le cadre de la revue réservée aux étudiants ; il était également membre de la Kappa Kappa Psi National Honorary Band Fraternity et baryton du Purdue All-American Marching Band. Armstrong a obtenu en 1955 un baccalauréat ès sciences en génie aéronautique. De retour à Purdue, il rencontre Janet Elizabeth Shearon, qui se spécialise en économie domestique. Selon le couple, il n'y a pas eu de véritable cour, et aucun des deux ne pouvait se souvenir des circonstances exactes de leurs fiançailles, sauf que cela s'est produit alors qu'Armstrong travaillait au Lewis Flight Propulsion Laboratory de la NACA. Ils se sont mariés le 28 janvier 1956 à l'église congrégationaliste de Wilmette, Illinois. Lorsqu'il a déménagé à la base aérienne d'Edwards, il vivait dans les quartiers des célibataires de la base, tandis que Janet vivait dans le quartier de Westwood à Los Angeles. Après un semestre, ils ont emménagé dans une maison à Antelope Valley. Janet n’a jamais terminé ses études, un fait qu’elle a regretté plus tard dans sa vie. Le couple a eu trois enfants ensemble : Eric, Karen et Mark. En juin 1961, sa fille Karen reçut un diagnostic de tumeur maligne de la partie médiane de son tronc cérébral ; Le traitement aux rayons X a ralenti sa croissance, mais sa santé s'est détériorée au point qu'elle ne pouvait plus marcher ni parler. Karen, deux ans, est décédée d'une pneumonie, liée à sa santé affaiblie, le 28 janvier 1962. Armstrong a ensuite obtenu sa maîtrise ès sciences en génie aérospatial à l'Université de Californie du Sud en 1970. Il recevra finalement des doctorats honorifiques de plusieurs universités. Test pilote Après avoir obtenu son diplôme de Purdue, Armstrong a décidé de devenir pilote d'essai de recherche expérimentale. Il a postulé à la station de vol à grande vitesse du Comité consultatif national de l'aéronautique (NACA) à la base aérienne d'Edwards, qui a ensuite été rebaptisée « NASA Neil A. Armstrong Flight Research Center » en 2014. Bien que le comité n'ait pas ouvert postes, il a transmis sa candidature au Lewis Flight Propulsion Laboratory de Cleveland, où Armstrong a commencé à travailler en mars 1955. Le séjour d'Armstrong à Cleveland a duré quelques mois et, en juillet 1955, il était retourné à Edwards AFB pour un nouvel emploi. Lors de son premier jour à Edwards, Armstrong se vit confier ses premières missions, qui consistaient à piloter des avions de chasse lors des largages d'avions expérimentaux de bombardiers modifiés. Il a également piloté des bombardiers modifiés et, lors de l'une de ces missions, a eu son premier incident de vol à Edwards. Le 22 mars 1956, Armstrong se trouvait à bord d'un Boeing B-29 Superfortress, qui devait larguer un Douglas D-558-2 Skyrocket. Il était assis dans le siège du pilote de droite tandis que le commandant du siège de gauche, Stan Butchart, pilotait le B-29. Alors qu'ils montaient à 30 000 pieds, le moteur numéro quatre s'est arrêté et l'hélice a commencé à tourner en moulinet (tournant librement) dans le courant d'air. En appuyant sur l'interrupteur qui arrêterait la rotation de l'hélice, Butchart constata que l'hélice ralentissait mais recommençait à tourner, cette fois encore plus vite que les autres moteurs ; s'il tournait trop vite, il se briserait. Leur avion devait maintenir une vitesse de 210 mph pour lancer sa charge utile Skyrocket, et le B-29 ne pouvait pas atterrir avec le Skyrocket attaché à son ventre. Armstrong et Butchart ont aligné l'avion en piqué pour augmenter la vitesse, puis ont lancé le Skyrocket. Au moment du lancement, l'hélice du moteur numéro quatre s'est désintégrée. Des morceaux ont endommagé le moteur numéro trois et ont heurté le moteur numéro deux. Butchart et Armstrong ont été contraints d'arrêter le moteur numéro trois, en raison de dommages, et le moteur numéro un, en raison du couple qu'il créait. Ils ont effectué une lente descente circulaire à partir de 30 000 pieds en utilisant uniquement le moteur numéro deux et ont atterri en toute sécurité. En tant que pilote de recherche, Armstrong a servi comme pilote de projet sur les variantes F-100 Super Sabre A et C, le F-101 Voodoo et le Lockheed F-104A Starfighter. Il a également piloté le Bell X-1B, le Bell X-5, le North American X-15, le F-105 Thunderchief, le F-106 Delta Dart, le B-47 Stratojet, le KC-135 Stratotanker, et a été l'un des huit pilotes d'élite impliqués dans le programme de véhicules de recherche parapente (Paresev). Le premier vol d'Armstrong dans un avion-fusée a eu lieu le 15 août 1957, à bord du Bell X-1B, à une altitude de . Le train d'atterrissage avant s'est cassé à l'atterrissage, ce qui s'était produit lors d'une douzaine de vols précédents du Bell X-1B en raison de la conception de l'avion. Il a ensuite piloté sept fois le North American X-15 ; son avant-dernier vol a atteint une altitude de . Armstrong a été impliqué dans plusieurs incidents qui sont entrés dans le folklore d'Edwards et/ou ont été relatés dans les mémoires de collègues. Le premier s'est produit lors de son sixième vol X-15 le 20 avril 1962, alors qu'Armstrong testait un système de contrôle auto-ajustable. Il a volé à une hauteur de plus de 1 000 m (la plus haute qu'il ait volé avant Gemini 8), mais le nez de l'avion est resté trop longtemps relevé pendant la descente et le X-15 a rebondi sur l'atmosphère jusqu'à . À cette altitude, l’air est si raréfié que les surfaces aérodynamiques n’ont pratiquement aucun effet. Il a survolé le terrain d'atterrissage à Mach 3 (2 000 mph) à plus de 100 000 pieds d'altitude et s'est retrouvé à 40 miles au sud d'Edwards. Après une descente suffisante, il s'est retourné vers la zone d'atterrissage et a à peine réussi à atterrir sans heurter les arbres de Josué à l'extrémité sud. Il s'agissait du vol X-15 le plus long en termes de temps et de distance depuis la piste au sol. Quatre jours plus tard, Armstrong a été impliqué dans un deuxième incident, lorsqu'il a volé pour la seule fois avec Chuck Yeager. Leur travail, aux commandes d'un Lockheed T-33 Shooting Star, consistait à évaluer Smith Ranch Dry Lake en vue de son utilisation comme site d'atterrissage d'urgence pour le X-15. Dans son autobiographie, Yeager a écrit qu'il savait que le lit du lac n'était pas propice aux atterrissages après les pluies récentes, mais Armstrong a quand même insisté pour s'envoler. Alors qu'ils tentaient un posé-décollé, les roues se sont bloquées et ils ont dû attendre les secours. Armstrong raconte une version différente des événements, dans laquelle Yeager n'a jamais essayé de l'en dissuader et ils ont réussi un premier atterrissage sur la rive est du lac. Puis Yeager lui a dit de réessayer, cette fois un peu plus lentement. Au deuxième atterrissage, ils sont restés coincés et selon Armstrong, Yeager était dans des éclats de rire. De nombreux pilotes d'essai chez Edwards ont loué les capacités d'ingénierie d'Armstrong. Milt Thompson a déclaré qu'il était "le plus capable techniquement des premiers pilotes de X-15". Bill Dana a déclaré qu'Armstrong "avait un esprit qui absorbait les choses comme une éponge". Ceux qui ont volé pour l’Air Force avaient tendance à avoir une opinion différente, en particulier des gens comme Yeager et Pete Knight, qui n’avaient pas de diplôme d’ingénieur. Knight a déclaré que les pilotes-ingénieurs volaient d'une manière « plus mécanique que de voler », et a donné cela comme raison pour laquelle certains pilotes-ingénieurs ont eu des ennuis : leurs compétences de vol ne leur sont pas venues naturellement. Quelques semaines plus tard, le 21 mai 1962, Armstrong fut impliqué dans ce que le folklore d'Edwards appelait « l'affaire Nellis ». Il a été envoyé à bord d'un Lockheed F-104 Starfighter pour inspecter Delamar Dry Lake, dans le sud du Nevada, toujours pour des atterrissages d'urgence. Il a mal évalué son altitude et n'a pas non plus réalisé que le train d'atterrissage n'était pas complètement sorti. Alors qu'il atterrissait, le train d'atterrissage a commencé à se rétracter ; Armstrong a appliqué toute la puissance pour interrompre l'atterrissage, mais l'aileron ventral et la trappe du train d'atterrissage ont heurté le sol, endommageant la radio et libérant du liquide hydraulique. Sans communication radio, Armstrong a volé vers le sud jusqu'à la base aérienne de Nellis, devant la tour de contrôle, et a agité ses ailes, signal d'une approche sans radio. La perte de liquide hydraulique a provoqué le relâchement du crochet de queue et, à l'atterrissage, il a attrapé le fil d'arrêt attaché à une chaîne d'ancre et a traîné la chaîne le long de la piste. Il a fallu trente minutes pour dégager la piste et installer un câble d'arrêt et Armstrong a téléphoné à Edwards et a demandé que quelqu'un vienne le chercher. Milt Thompson a été envoyé dans un F-104B, le seul biplace disponible, mais un avion que Thompson n'avait jamais piloté. Avec beaucoup de difficulté, Thompson a atteint Nellis, mais un fort vent latéral a provoqué un atterrissage difficile et le pneu principal gauche a éclaté. La piste fut de nouveau fermée pour la dégager, et Bill Dana fut envoyé à Nellis à bord d'un T-33 Shooting Star, mais il faillit atterrir longtemps – et le bureau des opérations de la base de Nellis décida que pour éviter tout problème supplémentaire, il serait préférable de trouver les trois pilotes de la NASA retournent au sol à Edwards. Armstrong a effectué sept vols avec le X-15 de novembre 1960 à juillet 1962. Il a atteint une altitude maximale de 3 989 km/h avec le X-15-3 et une vitesse maximale de Mach 5,74 (3 989 mph) avec le X-15-1 ; il a quitté le Dryden Flight Research Centre avec un total de 2 400 heures de vol. Au cours de sa carrière, il a piloté plus de 200 modèles d’avions différents. Carrière d'astronaute En 1958, Armstrong avait été sélectionné pour le programme Man In Space Soonest de l'US Air Force. En novembre 1960, il est choisi comme membre du groupe de consultants pilotes pour le X-20 Dyna-Soar, un avion spatial militaire en cours de développement par Boeing pour l'US Air Force, et le 15 mars 1962, il est sélectionné par les États-Unis. Air Force comme l'un des sept pilotes-ingénieurs qui piloteraient l'avion spatial une fois qu'il quitterait le plan de conception. Dans les mois qui ont suivi l'annonce de la recherche de candidatures pour le deuxième groupe d'astronautes de la NASA, Armstrong est devenu de plus en plus enthousiasmé par les perspectives du programme Apollo et de l'étude d'un nouvel environnement aéronautique. La candidature d'Armstrong est arrivée environ une semaine après la date limite du 1er juin 1962. Dick Day, avec qui Armstrong avait travaillé en étroite collaboration chez Edwards, a vu l'arrivée tardive de la candidature et l'a glissée dans la pile avant que quiconque ne s'en aperçoive. À la base aérienne de Brooks, fin juin, Armstrong a subi un examen médical que de nombreux candidats ont décrit comme douloureux et parfois apparemment inutile. Deke Slayton a appelé Armstrong le 13 septembre 1962 et lui a demandé s'il serait intéressé à rejoindre le Corps des astronautes de la NASA dans le cadre de ce que la presse a surnommé « les New Nine » ; sans hésitation, Armstrong a dit oui. Les sélections sont restées secrètes jusqu'à trois jours plus tard, même si des articles de journaux circulaient depuis le début de l'année selon lesquels il serait sélectionné comme « premier astronaute civil ». Armstrong était l'un des deux pilotes civils sélectionnés pour le deuxième groupe ; l'autre était Elliot See, également ancien aviateur naval. See devait commander Gemini 9, mais il est décédé dans un accident de T-38 en 1966 qui a également coûté la vie à son coéquipier Charles Bassett. Armstrong a été le premier civil américain dans l’espace, mais la première civile était Valentina Terechkova, de l’Union soviétique, près de trois ans plus tôt. Ouvrière du textile et parachutiste amateur, elle était à bord du Vostok 6 lors de son lancement le 16 juin 1963. Programme Gémeaux Gémeaux 8 Les affectations de l'équipage du Gemini 8 ont été annoncées le 20 septembre 1965, avec Armstrong comme pilote de commandement et David Scott comme pilote. Scott a été le premier membre du troisième groupe d'astronautes à recevoir une mission d'équipage principal. La mission a été lancée le 16 mars 1966 ; ce devait être le plus complexe à ce jour, avec un rendez-vous et un amarrage avec le véhicule cible sans pilote Agena, la deuxième activité extra-véhiculaire (EVA) américaine de Scott. Au total, la mission devait durer 75 heures et 55 orbites. Après le décollage de l'Agena à 10 h 00 (heure de l'Est), le Titan II transportant Armstrong et Scott s'est enflammé à 11 h 41 min 02 s (heure de l'Est), les plaçant sur une orbite d'où ils poursuivraient l'Agena. Le rendez-vous et le tout premier amarrage entre deux engins spatiaux ont été réalisés avec succès après 6,5 heures en orbite. Le contact avec l'équipage était intermittent en raison du manque de stations de suivi couvrant l'intégralité de leurs orbites. Hors de contact avec le sol, le vaisseau spatial amarré a commencé à rouler et Armstrong a tenté de corriger cela avec le système d'attitude et de manœuvre orbitale (OAMS) du vaisseau spatial Gemini. Suivant les conseils antérieurs de Mission Control, ils se sont désamarrés, mais ont constaté que le roulis augmentait considérablement au point qu'ils tournaient sur eux-mêmes une fois par seconde, ce qui signifiait que le problème résidait dans le contrôle d'attitude de leur Gemini. Armstrong a décidé que la seule solution était d'activer le système de contrôle de réentrée (RCS) et de désactiver l'OAMS. Les règles de mission stipulaient qu'une fois ce système activé, le vaisseau spatial devrait rentrer à la prochaine occasion possible. On a pensé plus tard qu'un câblage endommagé avait bloqué l'un des propulseurs en position de marche. Dans tout le bureau des astronautes, il y avait quelques personnes, notamment Walter Cunningham, qui ont déclaré publiquement qu'Armstrong et Scott avaient ignoré les procédures de dysfonctionnement lors d'un tel incident et qu'Armstrong aurait pu sauver la mission s'il n'avait allumé qu'un des deux. Le RCS sonne, réservant l'autre pour les objectifs de la mission. Ces critiques n'étaient pas fondées ; aucune procédure de dysfonctionnement n'était écrite et il était possible d'allumer uniquement les deux anneaux RCS, pas seulement l'un ou l'autre. Gene Kranz a écrit : « L'équipage a réagi au fur et à mesure qu'ils étaient entraînés, et ils ont mal réagi parce que nous les avons mal entraînés ». Les planificateurs et contrôleurs de mission n’avaient pas réalisé que lorsque deux engins spatiaux sont amarrés ensemble, ils doivent être considérés comme un seul engin spatial. Armstrong lui-même était déprimé que la mission ait été écourtée, annulant la plupart des objectifs de la mission et privant Scott de son EVA. Gémeaux 11 La dernière mission d'Armstrong dans le programme Gemini était celle de pilote de commandement de secours pour Gemini 11, annoncée deux jours après l'atterrissage de Gemini 8. Après s'être entraîné pour deux vols, Armstrong connaissait assez bien les systèmes et était davantage dans le domaine de l'enseignement. rôle du pilote de secours débutant, William Anders. Le lancement a eu lieu le 12 septembre 1966, avec à bord Pete Conrad et Dick Gordon, qui ont atteint avec succès les objectifs de la mission, tandis qu'Armstrong servait de CAPCOM. Après le vol, le président Lyndon B. Johnson a demandé à Armstrong et à son épouse de participer à une tournée de bonne volonté de 24 jours en Amérique du Sud. Étaient également présents lors de la tournée, qui a eu lieu dans 11 pays et 14 grandes villes, Dick Gordon, George Low, leurs épouses et d'autres représentants du gouvernement. Au Paraguay, Armstrong a impressionné les dignitaires en les saluant dans leur langue locale, le guarani ; au Brésil, il a parlé des exploits du Brésilien Alberto Santos-Dumont, considéré comme ayant battu les frères Wright avec la première machine volante avec son 14-bis. Programme Apollon Le 27 janvier 1967, date de l'incendie d'Apollo 1, Armstrong était à Washington, D.C., avec Gordon Cooper, Dick Gordon, Jim Lovell et Scott Carpenter pour la signature du Traité des Nations Unies sur l'espace extra-atmosphérique. Les astronautes ont discuté avec les dignitaires rassemblés jusqu'à 18h45. lorsque Carpenter se rendit à l'aéroport et que les autres retournèrent au Georgetown Inn, où ils trouvèrent chacun des messages pour téléphoner au Manned Spacecraft Center. Lors de ces appels téléphoniques, ils ont appris les décès de Gus Grissom, Ed White et Roger Chaffee. Armstrong et le groupe ont passé le reste de la nuit à boire du scotch et à discuter de ce qui s'était passé. Le 5 avril 1967, le jour même où l'enquête Apollo 1 publiait son rapport sur l'incendie, Armstrong se réunit avec 17 autres astronautes pour une réunion avec Deke Slayton. La première chose que Slayton a dite a été : "Les gars qui vont effectuer les premières missions lunaires sont les gars dans cette salle." Selon Eugene Cernan, Armstrong n'a montré aucune réaction à cette déclaration. Pour Armstrong, cela n'a pas été une surprise : la salle était pleine de vétérans du projet Gemini, les seules personnes capables de piloter les missions lunaires. Slayton a parlé des missions prévues et a nommé Armstrong au sein de l'équipage de secours d'Apollo 9, qui à ce stade était prévu pour être un test en orbite terrestre moyenne de la combinaison module lunaire-module de commande/module de service. Après des retards dans la conception et la fabrication du module lunaire (LM), Apollo 9 et Apollo 8 ont permuté leurs équipages. Sur la base du schéma normal de rotation de l'équipage, Armstrong commanderait Apollo 11. Pour donner aux astronautes une expérience de la façon dont le LM volerait lors de sa descente finale à l'atterrissage, la NASA a chargé Bell Aircraft de construire deux véhicules de recherche sur l'atterrissage lunaire, complétés plus tard par trois véhicules d'entraînement à l'atterrissage lunaire (LLTV). Surnommés les « Flying Bedsteads », ils ont simulé le sixième de la gravité terrestre de la Lune en utilisant un turboréacteur à double flux pour supporter les cinq sixièmes restants du poids de l'engin. Le 6 mai 1968, à environ 30 m au-dessus du sol, les commandes d'Armstrong ont commencé à se dégrader et la LLTV a commencé à effectuer des opérations bancaires. Il s'est éjecté en toute sécurité (une analyse ultérieure a suggéré que s'il s'était éjecté une demi-seconde plus tard, son parachute ne se serait pas ouvert à temps). Sa seule blessure était de se mordre la langue. Même s'il a failli être tué, Armstrong a soutenu que sans le LLRV et le LLTV, les alunissages n'auraient pas été réussis, car ils ont donné aux commandants une expérience précieuse sur le comportement des péniches de débarquement lunaire. Apollon 11 Après qu'Armstrong ait servi comme commandant suppléant d'Apollo 8, Slayton lui a proposé le poste de commandant d'Apollo 11 le 23 décembre 1968, alors qu'Apollo 8 tournait autour de la Lune. Lors d'une réunion qui n'a été rendue publique qu'à la publication de la biographie d'Armstrong en 2005, Slayton lui a dit que même si l'équipage prévu était composé d'Armstrong en tant que commandant, du pilote du module lunaire Buzz Aldrin et du pilote du module de commande Michael Collins, il offrait la possibilité de remplacer Aldrin. avec Jim Lovell. Après y avoir réfléchi pendant une journée, Armstrong a dit à Slayton qu'il resterait avec Aldrin, car il n'avait aucune difficulté à travailler avec lui et pensait que Lovell méritait son propre commandement. Remplacer Aldrin par Lovell aurait fait de Lovell le pilote du module lunaire, officieusement le membre le moins bien classé, et Armstrong ne pouvait pas justifier de placer Lovell, le commandant de Gemini 12, à la position numéro 3 de l'équipage. Une réunion en mars 1969 entre Slayton, George Low, Bob Gilruth et Chris Kraft a déterminé qu'Armstrong serait la première personne sur la Lune, en partie parce que la direction de la NASA considérait Armstrong comme une personne qui n'avait pas un grand ego. Une conférence de presse tenue le 14 avril 1969 a donné la conception de la cabine du LM comme raison pour laquelle Armstrong était le premier ; la trappe s'ouvrait vers l'intérieur et vers la droite, rendant difficile pour le pilote du module lunaire, sur le côté droit, de sortir en premier. Slayton a ajouté : "Deuxièmement, sur une base purement protocolaire, j'ai pensé que le commandant devrait être le premier à sortir ... Je l'ai changé dès que j'ai découvert qu'ils avaient le calendrier qui le montrait. Bob Gilruth a approuvé ma décision. " Au moment de leur rencontre, les quatre hommes n’étaient pas au courant de l’étude de l’écoutille. La première connaissance de la réunion en dehors du petit groupe est survenue lorsque Kraft a écrit son autobiographie en 2001. Le 16 juillet 1969, Armstrong reçut un croissant de Lune sculpté dans de la mousse de polystyrène des mains du chef du pad, Guenter Wendt, qui le décrit comme une clé de la Lune. En échange, Armstrong a offert à Wendt un billet pour un « taxi spatial » « bon entre deux planètes ». Voyage vers la Lune Lors du lancement d'Apollo 11, le cœur d'Armstrong a atteint une fréquence maximale de 110 battements par minute. Il a trouvé que le premier étage était le plus bruyant – beaucoup plus bruyant que le lancement du Gemini 8 Titan II – et que l’Apollo CSM était relativement spacieux par rapport à la capsule Gemini. On soupçonne que cette capacité de se déplacer est la raison pour laquelle aucun membre de l'équipage d'Apollo 11 n'a souffert du mal de l'espace, contrairement aux membres des équipages précédents. Armstrong était particulièrement heureux, car il avait été sujet au mal des transports lorsqu'il était enfant et pouvait ressentir des nausées après de longues périodes de voltige. L'objectif d'Apollo 11 était d'atterrir en toute sécurité plutôt que d'atterrir avec précision à un endroit particulier. Trois minutes après le début de la descente lunaire, Armstrong a noté que les cratères passaient environ deux secondes trop tôt, ce qui signifiait que l'Aigle atterrirait probablement au-delà de la zone d'atterrissage prévue de plusieurs kilomètres. Lorsque le radar d'atterrissage des Eagles a acquis la surface, plusieurs alarmes d'erreur informatique sont apparues. La première était une alarme code 1202, et même avec leur formation approfondie, ni Armstrong ni Aldrin ne savaient ce que signifiait ce code. Ils ont rapidement reçu un message du CAPCOM Charles Duke à Houston leur indiquant que les alarmes n'étaient pas un problème ; les alarmes 1202 et 1201 ont été provoquées par un débordement exécutif dans l'ordinateur du module lunaire. Comme décrit par Buzz Aldrin dans le documentaire In the Shadow of the Moon, la condition de débordement a été causée par son propre choix de contre-liste de contrôle consistant à laisser le radar d'amarrage allumé pendant le processus d'atterrissage, de sorte que l'ordinateur a dû traiter des données radar inutiles et n'a pas avoir suffisamment de temps pour exécuter toutes les tâches, en supprimant celles de moindre priorité. Aldrin a déclaré qu'il l'avait fait dans le but de faciliter le ré-amarrage avec le CM si un abandon devenait nécessaire, sans se rendre compte que cela provoquerait une condition de débordement. Lorsqu'Armstrong a remarqué qu'ils se dirigeaient vers une zone d'atterrissage qu'il croyait dangereuse, il a pris le contrôle manuel du LM et a tenté de trouver une zone qui semblait plus sûre, ce qui a pris plus de temps que prévu et plus longtemps que la plupart des simulations. Pour cette raison, le contrôle de mission craignait que le LM manquait de carburant. À l'atterrissage, Aldrin et Armstrong pensaient qu'il leur restait environ 40 secondes de carburant, y compris les 20 secondes de carburant qui devaient être économisées en cas d'interruption. Au cours de l'entraînement, Armstrong avait posé le LLTV avec moins de 15 secondes à plusieurs reprises, et il était également convaincu que le LM pourrait survivre à une chute directe de 50 pieds si nécessaire. L'analyse après la mission a montré qu'au moment de l'atterrissage, il restait 45 à 50 secondes de temps de combustion du propulseur. L'atterrissage sur la surface de la Lune a eu lieu quelques secondes après 20 h 17 min 40 s UTC le 20 juillet 1969, moment auquel l'une des trois sondes de 67 pouces de long attachées à trois des quatre pattes du module lunaire est entrée en contact avec la surface, un panneau lumineux à l'intérieur du LM s'est allumé et Aldrin a crié : « Lumière de contact ». Armstrong a coupé le moteur et a dit « arrêtez-vous ». Alors que le LM s'installait à la surface, Aldrin a dit : "D'accord. Moteur arrêté", puis ils ont tous deux annoncé certains éléments de la liste de contrôle après l'atterrissage. Après une pause de dix secondes, Duke a reconnu l'atterrissage avec : "Nous vous copions, Eagle." Armstrong a annoncé l'atterrissage à Mission Control et au monde entier avec les mots "Houston, base Tranquility ici. L'Aigle a atterri." Aldrin et Armstrong ont célébré avec une vive poignée de main et une tape dans le dos avant de revenir rapidement à la liste de contrôle des tâches nécessaires pour préparer le module lunaire au décollage de la Lune en cas d'urgence dès les premiers instants sur la surface lunaire. Après qu'Armstrong eut confirmé l'atterrissage, Duke accusa à nouveau réception et exprima l'anxiété des contrôleurs de vol : "Roger, ... Tranquillité. Nous vous copions au sol. Vous avez une bande de gars sur le point de devenir bleus. Nous sommes respirer à nouveau. Merci beaucoup. Lors de l'atterrissage, la fréquence cardiaque d'Armstrong a atteint, à un moment donné, 160 battements par minute, selon le rapport de la mission Apollo 11 de la NASA. Promenade sur la première lune Bien que le plan de vol officiel de la NASA prévoyait une période de repos de l'équipage avant toute activité extra-véhiculaire, Armstrong a demandé que l'EVA soit déplacée plus tôt dans la soirée, heure de Houston. Une fois qu'Armstrong et Aldrin furent prêts à sortir, Eagle fut dépressurisé, la trappe fut ouverte et Armstrong descendit l'échelle en premier. Au bas de l'échelle, Armstrong a déclaré : « Je vais descendre du LEM maintenant » (en référence au module lunaire Apollo). Il s'est ensuite retourné et a posé sa botte gauche sur la surface lunaire à 02h56 UTC le 21 juillet 1969, puis a prononcé les mots célèbres : "C'est un petit pas pour [un] homme, un pas de géant pour l'humanité." Armstrong a préparé lui-même sa célèbre épigramme. Lors d'une conférence de presse après le vol, il a déclaré qu'il avait choisi les mots "juste avant de quitter le LM [module lunaire]". Dans une interview accordée en 1983 au magazine Esquire, Armstrong expliqua à George Plimpton : « J'ai toujours su qu'il y avait de bonnes chances de pouvoir revenir sur Terre, mais je pensais que les chances d'un atterrissage réussi sur la surface de la Lune étaient à égalité : cinquante. -cinquante ... La plupart des gens ne réalisent pas à quel point la mission était difficile. Il ne m'a donc pas semblé utile de penser à quelque chose à dire si nous devions annuler l'atterrissage. En 2012, son frère Dean Armstrong a affirmé que Neil lui avait montré une note contenant un brouillon de la ligne quelques mois avant le lancement, bien que l'historien Andrew Chaikin, qui avait interviewé l'astronaute en 1988 pour son livre A Man on the Moon, ait contesté qu'il avait jamais prétendu avoir inventé cette phrase spontanément pendant la mission. Les enregistrements de la transmission d'Armstrong ne prouvent pas l'article indéfini « a » avant « homme », bien que la NASA et Armstrong aient insisté pendant des années sur le fait que l'électricité statique l'avait obscurci. Armstrong a déclaré qu'il ne ferait jamais une telle erreur, mais après avoir écouté plusieurs enregistrements, il a finalement admis qu'il avait dû laisser tomber le « a ». Il a dit plus tard qu'il "espérerait que l'histoire me donnerait une marge de manœuvre pour abandonner la syllabe et comprendre que c'était certainement intentionnel, même si cela n'était pas dit - même si cela aurait pu l'être". Depuis, on a affirmé que l'analyse acoustique de l'enregistrement révélait la présence du « a » manquant ; Peter Shann Ford, un programmeur informatique basé en Australie, a effectué une analyse audio numérique et affirme qu'Armstrong a effectivement prononcé « un homme », mais que le « a » était inaudible en raison des limites de la technologie de communication de l'époque. Ford et James R. Hansen, biographe autorisé d'Armstrong, ont présenté ces résultats aux représentants d'Armstrong et de la NASA, qui ont mené leur propre analyse.

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Dans quel pays se trouve l'aéroport international Bandar Seri Begawan ?

Brunéi

Bandar Seri Begawan ou (Jawi : بندر سري بڬاوان ;) anciennement connue sous le nom de ville de Brunei, est la capitale et la plus grande ville du sultanat de Brunei. Bandar Seri Begawan a une population estimée à 50 000 habitants, et en incluant l'ensemble du district de Brunei-Muara, la zone métropolitaine compte une population estimée à 279 924 habitants. Étymologie Le nom original de cette ville était « Bandar Brunei » ou « Brunei Town » en anglais. En 1967, le sultan Omar Ali Saifuddien III abdique en faveur de son fils aîné, Hassanal Bolkiah et prend le titre de « Seri Begawan ». Bolkiah fut alors nommé ministre de la Défense et le 5 octobre 1970, il renomma la ville en l'honneur de son défunt père. Le mot « Begawan » a également été utilisé pour les monarques brunéiens qui ont abdiqué, le mot venant à l'origine du mot sanscrit pour « dieu » : भगवान् bhagavān. En plus de cela, Seri Begawan était connu comme « le bienheureux » en sanskrit. Seri vient du mot sanskrit honorifique श्री Sri, et Bandar vient du persan via les langues indiennes et signifiait à l'origine « port » ou « port » ou « refuge ». En malais, Bandar est connu comme une « ville » ou une « ville ». Histoire L'établissement humain à Brunei remonte aux 6ème et 7ème siècles avec un centre commercial malais et un port de pêche situés à proximité du site actuel de cette ville. La première colonie sur les rives du fleuve Brunei remonte au 8ème siècle, où il y avait des colonies similaires à celles de Kampong Ayer, situées près du site actuel du musée de Brunei avec la ville moderne sur la rive opposée. Pendant la période de l'Empire Brunéien du XVe au XVIIe siècle, le sultanat dirigeait une grande partie de Bornéo, y compris la partie sud des Philippines et sa capitale, Manille, la colonie d'eau près de la ville devenant le troisième centre de l'administration après avoir été déplacée à deux reprises. de Kota Batu et Kampong Ayer. Lorsque la domination du sultanat déclina au XVIIIe siècle en raison de l'arrivée des puissances occidentales telles que les Espagnols, les Néerlandais et les Britanniques, la population des colonies fut totalement réduite par rapport à son sommet de 20 000 habitants. De 1888 jusqu'à son indépendance en 1984, Brunei était un protectorat britannique et le développement foncier a commencé en 1906 lorsque les résidents britanniques ont encouragé les citoyens du Sultanat à s'installer sur des terres récupérées sur la rive ouest de la crique. En 1899, le premier puits de pétrole a été foré à Ayer Bekunchi près de Kampung Kasat, Bandar Seri Begawan. Bien que le puits de pétrole ait été foré jusqu'à une profondeur de 259 mètres (850 pieds), aucun pétrole n'a été trouvé dans le puits. L'exploration pétrolière au Brunei s'est ensuite déplacée vers Seria et le district de Belait en 1924. Le sultan Muhammad Jamalul Alam II a établi un nouveau palais sur la Cisjordanie en 1909 après avoir été persuadé par les Britanniques et par l'arrivée de commerçants chinois de stimuler l'économie. Des mosquées et des bâtiments gouvernementaux ont également été construits le long de la côte ouest en 1920. La même année, la nouvelle colonie a été déclarée nouvelle capitale du Brunei et est devenue une zone municipale. Cependant, la prospérité de la ville a presque pris fin lorsque la ville a été capturée par les Japonais en 1941, avant d'être reprise par les forces alliées en 1945. Pendant la guerre, la plupart des infrastructures ont été détruites par les bombardements japonais et alliés. Les Britanniques ont commencé à reconstruire la plupart de leurs possessions à Bornéo à la fin de 1945 avec le rétablissement de l'ordre public et la réouverture des écoles. En 1950, le sultan Omar Ali Saifuddien III, lors de son accession au trône, a négocié avec les Britanniques une augmentation de l'impôt sur les sociétés, passant de 10 % à 30 % en 1953. Une allocation de 1,2 million de M$ (0,39 million de dollars US) à Brunei pour la guerre. les dommages causés pendant l'occupation japonaise sont passés de 1 million de dollars en 1946 à 100 millions de dollars (32,6 millions de dollars) en 1952. Un plan de développement quinquennal avec un budget total de 100 millions de dollars a également été mis en œuvre en 1953, les infrastructures recevant le plus grand pourcentage. (80%) et le reste va aux programmes sociaux. Parallèlement à l'expansion de l'industrie pétrolière et gazière, la commercialisation a commencé à transformer la capitale du Brunei et un grand nombre de bâtiments publics ont été construits, parallèlement au développement d'un quartier central des affaires dans les années 1970 et 1980. Le 1er août 2007, le sultan Hassanal Bolkiah a donné son accord pour l'agrandissement de la ville de à . Capitale Istana Nurul Iman est le siège du gouvernement de Brunei et est le plus grand palais résidentiel du monde selon Guinness World Records. Il y a deux bureaux du Premier ministre dans la ville : l'un est situé à l'Istana Nurul Iman et l'autre est situé à Jalan Kumbang Pasang. Définition des autorités locales et de la ville La ville est administrée par le département municipal de Bandar Seri Begawan, un département qui était à l'origine chargé de maintenir la propreté et de fournir des services à la municipalité. La ville obtient le statut de ville en 1920. D'une superficie de 100,36 kilomètres carrés, la ville est située dans le district le plus peuplé du Brunei, à savoir le district de Brunei-Muara. La ville comprend les Mukims (subdivisions d'un quartier) suivants : * Kianggeh *Burong Pinggai Ayer *Sungai Kebun *Sungai Kedayan * Peramu * Saba *Tamoi *Bérakas A *Bérakas B * Gadong A * Gadong B *Kilanas * Kota Batu *Lumapas *Sengkurong Cependant, 6 mukims sont collectivement connus sous le nom de Kampong Ayer ou Water Village, à savoir : Burong Pinggai Ayer, Sungai Kebun, Sungai Kedayan, Peramu, Saba et Tamoi. Géographie Bandar Seri Begawan est situé à 4°53'25"N, 114°56'32"E, sur la rive nord du fleuve Brunei. Climat Brunei présente un climat de forêt tropicale humide relativement chaud et humide. La ville connaît de fortes précipitations tout au long de l'année, avec la mousson du nord-est de décembre à mars, tandis que la mousson du sud-est souffle de juin à octobre. En 2010, la température moyenne de la ville varie de 24 °C à 35 °C}}, mars étant le mois le plus chaud et décembre le plus froid.

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Qui est né en premier, Kiefer Sutherland ou Christian Slater ?

Kiefer Sutherland

Kiefer Sutherland (né Kiefer William Frederick Dempsey George Rufus Sutherland le 21 décembre 1966) est un acteur, producteur, réalisateur et auteur-compositeur-interprète canadien d'origine britannique. Il a remporté un Emmy Award, un Golden Globe Award, deux Screen Actors Guild Awards et deux Satellite Awards pour son interprétation de Jack Bauer dans la série Fox 24. Il a également joué le rôle de Martin Bohm dans le drame Fox Touch et a fourni le mouvement du visage. capture et voix anglaises de Big Boss et Venom Snake dans les jeux vidéo Metal Gear Solid V : Ground Zeroes et Metal Gear Solid V : The Phantom Pain. Sutherland a obtenu son premier rôle principal au cinéma dans un drame canadien The Bay Boy (1984), ce qui lui a valu une nomination aux prix Génie. Depuis, il a entamé une carrière cinématographique à succès et a joué dans des films tels que Stand by Me (1986), Young Guns (1988), A Few Good Men (1992), Les Trois Mousquetaires (1993), Dark City (1998) et Melancholia (2011) pour lequel il a été nominé pour le grand prix du cinéma danois Bodil. Il est également connu pour ses collaborations avec le réalisateur Joel Schumacher, notamment The Lost Boys (1987), Flatliners (1990), A Time to Kill (1996) et Phone Booth (2003). Sutherland a été intronisé au Hollywood Walk of Fame et au Canada's Walk of Fame et a également reçu un Lifetime Achievement Award du Zurich Film Festival. Début de la vie Sutherland est né à l'hôpital St Mary de Paddington, à Londres, de Donald Sutherland et Shirley Douglas, tous deux acteurs canadiens à succès. Il a une sœur jumelle, Rachel. Son grand-père maternel était un homme politique canadien d'origine écossaise et ancien premier ministre de la Saskatchewan, Tommy Douglas, largement reconnu pour avoir introduit les soins de santé universels au Canada. Sutherland doit son nom à l'écrivain et réalisateur d'origine américaine Warren Kiefer, qui, sous le nom d'emprunt de Lorenzo Sabatini, a réalisé Donald Sutherland dans son premier long métrage, le film d'horreur italien à petit budget de 1964 Il castello dei morti vivi (Le Château des Vivants). Dead).[http://www.guardian.co.uk/film/2008/mar/30/television.television The Observer 30 mars 2008 : On the money – entretien avec Donald Sutherland] Récupéré le 16 juin 2012 La famille de Sutherland a déménagé à Corona, en Californie. Ses parents ont divorcé en 1970. En 1975, Sutherland a déménagé avec sa mère à Toronto. Il a fréquenté l'école primaire de Crescent Town Elementary School, St. Clair Junior High East York et John G. Althouse Middle School à Toronto. Il a fréquenté cinq écoles secondaires différentes, dont le St. Andrew's College, le Martingrove Collegiate Institute, le Harbord Collegiate Institute, le Silverthorn Collegiate Institute, le Malvern Collegiate Institute et l'Annexe Village Campus. Il a également passé un semestre au Regina Mundi Catholic College à London, en Ontario et a suivi des cours de théâtre le week-end à l'école secondaire Sir Frederick Banting. Sutherland a déclaré à Jimmy Kimmel Live! (2009) que lui et Robert Downey, Jr. ont été colocataires pendant trois ans lorsqu'il a déménagé pour la première fois à Hollywood pour poursuivre sa carrière d'acteur. Lui et Downey Jr. ont également joué ensemble dans le film 1969. Carrière Années 1980 : ascension vers la gloire à Hollywood Sutherland a fait ses débuts à l'écran dans Max Dugan Returns (le même cas avec Matthew Broderick), dans lequel son père Donald Sutherland a également joué. Sutherland était l'un des prétendants au rôle de Glen Lantz dans le film original A Nightmare on Elm Street (1984), qui est finalement devenu le premier long métrage de Johnny Depp. Après avoir été acclamé par la critique pour son rôle de Donald Campbell dans The Bay Boy, Sutherland a déménagé à Hollywood. Stand by Me est le premier film réalisé par Sutherland aux États-Unis. Dans le film réalisé par Rob Reiner, il incarne un tyran du quartier dans une histoire de passage à l'âge adulte sur la recherche d'un cadavre. Avant cela, il incarnait un personnage secondaire et muet, comme l'un des amis de Sean Penn qui affronte Christopher Walken dans le thriller policier de James Foley At Close Range. Son film Promised Land, avec Meg Ryan, a été le premier film commandé par le Sundance Film Festival. Son rôle de vampire David dans The Lost Boys est l'un de ses rôles emblématiques dans les critiques de sa carrière par de nombreux critiques et publics. Dans le western Young Guns (1988), il a joué aux côtés d'Emilio Estevez et Lou Diamond Phillips. Il a été considéré pour le rôle de Robin dans Batman (1989), aux côtés de Michael Keaton, au début de la production, avant que le personnage ne soit supprimé du scénario de tournage. Il a ensuite joué à nouveau avec son ami proche Lou Diamond Phillips, dans le film policier Renegades. La même année, lui et son père sont apparus à la 61e cérémonie des Oscars en tant que présentateurs du Prix d'honneur de l'Académie décerné à l'Office national du film du Canada. années 1990 Dans la suite Young Guns II (1990), Sutherland a continué à jouer « Doc » aux côtés de certains membres de la distribution originale et du nouveau venu Christian Slater. C'est la seule suite d'un long métrage dans lequel il a joué. Sutherland a joué le rôle principal dans Flatliners, sur un étudiant qui veut « faire l'expérience » de la mort après la mort et enregistrer ce qui se passe pendant celle-ci, avec l'aide d'un groupe de jeunes étudiants. qui sont « un peu » fous comme lui ; le film a reçu des critiques positives de la part des critiques. Dans A Few Good Men (1992), nominé pour l'Oscar du meilleur film, il incarne un officier subalterne du colonel Nathan P. Jessup de Jack Nicholson. Dans The Vanishing (1993), il a joué le rôle d'un mari cherchant sa femme trois ans après sa mystérieuse disparition. Dans Les Trois Mousquetaires (1993), Sutherland a joué le personnage central d'Athos. Dans The Cowboy Way (1994), il incarne un frère « grand et réticent » aux côtés de Woody Harrelson. En 1996, il a la chance de jouer avec Sally Field et Ed Harris dans le film Eye for an Eye. Dans Dark City (1998), mettant également en vedette William Hurt, il a joué un rôle petit mais clé lié au personnage principal (Rufus Sewell), afin de pouvoir vaincre l'antagoniste et le pouvoir de son armée. Les autres films notables de Sutherland au cours de la décennie étaient Flashback (1990), dans le rôle d'un jeune flic aux côtés de Dennis Hopper, Twin Peaks: Fire Walk with Me (1992), la suite de la série télévisée éphémère du même nom qui s'est déroulée de 1990 à 1991, et Article 99 (1992) avec Ray Liotta. Années 2000 : 24 Depuis 2001, Sutherland est le plus largement associé au rôle de Jack Bauer, dans la série télévisée acclamée par la critique 24. Après avoir été nominé quatre fois pour le Primetime Emmy Award « Acteur principal exceptionnel dans une série dramatique », Sutherland a remporté le prix en 2006. pour son rôle dans la cinquième saison de 24. Dans le sketch d'ouverture des Primetime Emmy Awards 2006, Sutherland a fait une apparition dans le rôle de son 24e personnage, Jack Bauer. Il a également été nominé pour le meilleur acteur dans une série télévisée dramatique aux Golden Globe Awards 2007 pour 24. Selon son contrat de 2006, son salaire de 40 millions de dollars pour trois saisons de la série faisait de lui l'acteur le mieux rémunéré de la télévision. Sutherland souligne constamment que le spectacle n'est qu'un simple « divertissement ». Le doyen de l'Académie militaire des États-Unis, le général de brigade Patrick Finnegan, s'est rendu sur le tournage du 24 février 2007 pour exhorter les réalisateurs de la série à réduire le nombre de scènes de torture et Sutherland a accepté une invitation de l'armée américaine pour dire aux cadets de West Point que cela c'est mal de torturer les prisonniers. Dans une interview avec OK! Magazine, Howard Gordon a déclaré que ce serait une « perte insupportable » s'ils tuaient le personnage de Sutherland. En raison de son emploi du temps chargé avec 24, il a passé moins de temps au cinéma. En 2004, il a joué dans Taking Lives, aux côtés d'Angelina Jolie et Ethan Hawke, dans lequel il a fait une « apparition flashy ». Dans The Sentinel (2006), il a joué aux côtés de son frère aîné dans l'industrie cinématographique, Michael Douglas, en tant que protégé. Il a joué les rôles principaux dans le film d'horreur surnaturel d'Alexandre Aja, Mirrors (2008). En 2009, il rejoint le film d'animation Monsters vs. Aliens de DreamWorks et le réunit avec l'actrice Reese Witherspoon, dans lequel ils ont joué ensemble dans Freeway. L'animation est également le film le plus rentable de Sutherland. L'acteur est également un collaborateur fréquent du réalisateur Joel Schumacher et est apparu dans The Lost Boys, Flatliners, Phone Booth, The Associated Press, l'adaptation sur grand écran de A Time to Kill (le film mettait également en vedette son père Donald, bien que leurs personnages l'aient fait). ne pas interagir), et Douze. Dans The Lost Boys, Sutherland a retrouvé l'acteur Corey Feldman, avec qui il avait déjà travaillé sur Stand by Me. En 2005, Sutherland a été intronisé à l'Allée des célébrités canadiennes à Toronto, où ses deux parents ont également été intronisés. Il s'est classé au 68e rang sur la liste Forbes Celebrity 100 2006 des célébrités les plus puissantes du monde, ses revenus s'élevant à 23 millions de dollars. En 2009, il a reçu une étoile sur le Hollywood Walk of Fame. Sutherland a été le premier invité d'Inside the Actors Studio à être l'enfant d'un ancien invité ; son père, Donald, est apparu dans l'émission en 1998. Sutherland a fait la couverture de l'édition d'avril 2006 de Rolling Stone, dans un article intitulé "Alone in the Dark with Kiefer Sutherland". L'article commençait avec Sutherland révélant son intérêt à être tué en 24. Cependant, il a déclaré: "Ne vous méprenez pas. J'aime ce que je fais." Il a également révélé qu'il consacrait 10 mois par an à travailler sur 24 heures. Il a joué dans des publicités japonaises pour CalorieMate, interprétant une parodie de son personnage de Jack Bauer. Sutherland fournit également des voix off pour la campagne publicitaire actuelle de la Ford Motor Company du Canada. À la mi-2006, il a diffusé la publicité d'Apple, Inc. annonçant l'inclusion de puces Intel dans leur gamme d'ordinateurs Macintosh. Il exprime également l'introduction des matchs de la LNH sur le réseau Versus aux États-Unis. Années 2010 : continuer avec les festivals de télévision et de cinéma Le 14 février 2010, Fox TV a annoncé qu'elle suspendait temporairement la production de la saison 8 de 24 en raison d'une rupture de kyste près de l'un des reins de Sutherland. Selon le rapport, il a attendu quelques jours avant de se rendre pour subir une « intervention chirurgicale élective ». Il était prévu qu'il reviendrait après une semaine, mais quelques jours supplémentaires étaient nécessaires et Fox a rapporté que son retour sur le plateau aurait lieu le 1er mars. Dans le thriller dramatique Melancholia de 2011 réalisé par Lars Von Trier, il a joué le personnage principal masculin et a eu la chance de partager l'écran avec des co-stars perdues depuis longtemps telles que Charlotte Rampling et John Hurt. Kiefer a également partagé l'écran avec Hurt une autre fois, cette fois sur le petit écran, dans la websérie The Confession. Dans The Reluctant Fundamentalist, l'adaptation du roman à succès réalisé par Mira Nair, il a joué un personnage secondaire pour le nouveau venu Riz Ahmed, en tant que patron nommé Jim Cross. Et dans le film catastrophe historique de 2014, Pompéi, réalisé par Paul W. S. Anderson, il incarne un sénateur romain corrompu qui complote pour mettre fin à l'amour entre la fille du dirigeant de la ville et un esclave romain dont la famille a été tuée par le sénateur ; le film s'est terminé avec l'éruption du Vésuve en 79. Sutherland a également fourni la narration de plusieurs spots promotionnels pour l'équipe nationale masculine de football des États-Unis lors de la Coupe du Monde de la FIFA 2014 pour ESPN. Il est apparu dans une publicité télévisée brésilienne pour la berline Citroën C4 et dans la voix off d'une publicité pour Bank of America. Il exprime le Sgt. Roebuck dans le jeu vidéo de Treyarch Call of Duty : World at War et exprime Snake (alias Big Boss) dans le jeu vidéo Metal Gear Solid V : Ground Zeroes et sa suite Metal Gear Solid V : The Phantom Pain, reprenant le rôle joué à l'origine par David Hayter. En 2011, il a fait ses débuts à Broadway, aux côtés de Brian Cox, Jim Gaffigan, Chris Noth et Jason Patric, dans la reprise à Broadway de That Championship Season, qui a débuté en mars 2011. Le spectacle est depuis fermé. Il y avait des rumeurs sur la réalisation d'un film avec Kate Bosworth sur un projet nommé "Fairytale of New York", une histoire d'amour sur un comique irlandais qui rencontre une Américaine dans une galerie d'art de New York lors d'une tournée, sous la direction de Lee Cleary, mais cela n'est pas arrivé. En 2012, Sutherland a joué dans la série télévisée Fox Touch. Il incarne le père d'un garçon autiste qui n'aime pas être touché, tandis que le fils communique également à son père les événements liés à l'humanité future à travers les chiffres et les mathématiques. Le 14 mai 2013, il a été confirmé que l'émission 24 reviendrait pour une série limitée. Avant cela, on lui avait également proposé le rôle principal dans le drame NBC The Blacklist. En mai et juillet 2014, Fox a diffusé les douze épisodes 24 : Live Another Day, qui a reçu des critiques acclamées par la critique. Vie privée Famille et relations Sutherland a une fille (Sarah) issue de son premier mariage avec Camelia Kath, la veuve du guitariste/chanteur de Chicago Terry Kath, avec qui il a été marié de 1987 à 1990, et grâce à son mariage avec Camelia, il est devenu le beau-père de Michelle Kath, qui a deux fils. Sarah Sutherland est une actrice et apparaît dans la série télévisée Veep. Julia Roberts a rencontré Sutherland en 1990, alors qu'ils jouaient dans Flatliners. En août 1990, Roberts et Sutherland ont annoncé leurs fiançailles, avec un mariage élaboré en studio prévu pour le 14 juin 1991. Roberts a rompu les fiançailles trois jours avant le mariage, prétendument parce que Sutherland avait rencontré une danseuse go-go nommée Amanda Rice. Sutherland a nié avoir eu une liaison avec Rice et a déclaré qu'ils ne s'étaient rencontrés que parce qu'il aimait jouer au billard. Le jour de ce qui était censé être leur mariage, Roberts s'est rendu en Irlande avec l'ami de Sutherland, Jason Patric. À la fin des années 1990, Sutherland a acheté un ranch de 900 acres dans le Montana et a voyagé sur la route avec le rodéo. Le 29 juin 1996, Sutherland épousa Kelly Winn. Le couple s'est séparé en 1999 et il a demandé le divorce en 2004. Le divorce a été finalisé le 16 mai 2008. Il est sorti avec Bo Derek en 2000. Problèmes juridiques Sutherland a été arrêté à Los Angeles le 25 septembre 2007, pour conduite en état d'ébriété, après avoir échoué à un test de sobriété sur le terrain. Son test dépassait la limite légale d'alcoolémie de l'État et il a ensuite été libéré sous caution de 25 000 $. Il s'agissait de la quatrième arrestation de Sutherland pour conduite en état d'ébriété depuis 1989. Sutherland n'a pas contesté l'accusation de conduite en état d'ébriété et a été condamné à 48 jours de prison. Initialement, il s'est arrangé pour diviser sa peine et passer 18 jours en prison pendant les vacances d'hiver de 24, fin décembre et début janvier 2008 ; la grève des écrivains hollywoodiens interrompt la production, lui permettant de purger sa peine pendant 48 jours consécutifs. Sutherland s'est rendu au département de police de New York (NYPD) le 7 mai 2009 pour avoir frappé le créateur de mode Jack McCollough, fondateur et co-concepteur de Proenza Schouler, à l'hôtel Mercer de SoHo à la suite d'une collecte de fonds pour le Metropolitan Museum of Art. Plusieurs semaines plus tard, Sutherland et McCollough ont publié une déclaration commune dans laquelle Sutherland s'est excusé ; la police a par la suite abandonné les accusations. Entreprises commerciales Sutherland est copropriétaire (avec Jude Cole) du label indépendant Ironworks. Sutherland aurait été victime d'une escroquerie financière impliquant du bétail en 2010. Selon l'Associated Press, l'auteur, Michael Wayne Carr, aurait volé 869 000 $ US à Sutherland, apparemment pour le compte de bœufs à acheter. Les procureurs ont allégué que Carr n'avait jamais acheté les bœufs. Carr a plaidé coupable et a été condamné à verser 956 000 $ US en dédommagement à Sutherland et à son partenaire d'investissement. Filmographie Discographie Albums studios * Au fond d'un trou (2016) Simple * 2016 : « Pas assez de whisky » Vidéos musicales Jeux vidéo Scène

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Aux deux près, combien de titres du Grand Chelem de tennis Jimmy Connors a-t-il remportés ?

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Le tennis est un sport de raquette qui peut se jouer individuellement contre un seul adversaire (simple) ou entre deux équipes de deux joueurs chacune (double). Chaque joueur utilise une raquette de tennis munie d'une corde pour frapper une balle creuse en caoutchouc recouverte de feutre sur ou autour d'un filet et dans le terrain adverse. Le but du jeu est de jouer le ballon de telle manière que l'adversaire ne soit pas en mesure de jouer un retour valable. Le joueur incapable de renvoyer le ballon ne gagnera pas de point, contrairement au joueur adverse. Le tennis est un sport olympique et se pratique à tous les niveaux de la société et à tout âge. Ce sport peut être pratiqué par toute personne capable de tenir une raquette, y compris les utilisateurs de fauteuils roulants. Le jeu de tennis moderne est né à Birmingham, en Angleterre, à la fin du 19e siècle sous le nom de « tennis sur gazon ». Il avait des liens étroits à la fois avec divers jeux de terrain (« pelouse ») tels que le croquet et la pétanque, ainsi qu'avec le sport de raquette plus ancien qu'est le vrai tennis. En fait, pendant la majeure partie du XIXe siècle, le terme « tennis » faisait référence au vrai tennis et non au tennis sur gazon : par exemple, dans le roman Sybil de Disraeli (1845), Lord Eugene De Vere annonce qu'il « descendra à Hampton Court et jouer au tennis." Les règles du tennis ont peu changé depuis les années 1890. Deux exceptions sont le fait que de 1908 à 1961, le serveur devait garder un pied sur terre à tout moment, et l'adoption du tie-break dans les années 1970. Un ajout récent au tennis professionnel a été l'adoption de la technologie de révision électronique couplée à un système de défi de points, qui permet à un joueur de contester l'annonce d'un point. Le tennis est joué par des millions de joueurs récréatifs et est également un sport de spectateurs populaire dans le monde entier. Les quatre tournois du Grand Chelem (également appelés « Majors ») sont particulièrement populaires : l'Open d'Australie joué sur des courts en dur, l'Open de France joué sur des courts en terre battue rouge, Wimbledon joué sur des courts en gazon et l'US Open joué également sur des courts en dur. tribunaux. Histoire Prédécesseurs Les historiens pensent que l'origine ancienne de ce jeu remonte au nord de la France, au XIIe siècle, où l'on frappait la balle avec la paume de la main. Louis X de France était un passionné du jeu de paume, qui a évolué vers le vrai tennis, et s'est fait remarquer comme la première personne à construire des courts de tennis couverts dans le style moderne. Louis n'était pas content de jouer au tennis en plein air et fit donc construire des courts couverts et fermés à Paris « vers la fin du XIIIe siècle ». Au fil du temps, cette conception s'est répandue dans les palais royaux de toute l'Europe. En juin 1316 à Vincennes, Val-de-Marne et à la suite d'un jeu particulièrement épuisant, Louis but une grande quantité de vin frais et mourut par la suite soit d'une pneumonie, soit d'une pleurésie, même si l'on soupçonnait également un empoisonnement. En raison des récits contemporains de sa mort, Louis X est le premier joueur de tennis de l'histoire connu par son nom. Un autre des premiers passionnés de ce jeu était le roi de France Charles V, qui fit installer une cour au palais du Louvre. Ce n'est qu'au XVIe siècle que les raquettes sont devenues utilisées et que le jeu a commencé à être appelé « tennis », du vieux terme français tenez, qui peut être traduit par « tenir ! », « recevoir ! ou "take!", une interjection utilisée comme un appel du serveur à son adversaire. Il était populaire en Angleterre et en France, même si le jeu ne se jouait qu'à l'intérieur, où la balle pouvait être frappée contre le mur. Henri VIII d'Angleterre était un grand fan de ce jeu, désormais connu sous le nom de vrai tennis. Au XVIIIe siècle et au début du XIXe siècle, alors que le tennis réel déclinait, de nouveaux sports de raquette sont apparus en Angleterre. En outre, le brevet de la première tondeuse à gazon en 1830, en Grande-Bretagne, est considéré comme le catalyseur, dans le monde entier, de la préparation de courts en gazon, d'ovales sportifs, de terrains de jeu, de terrains, de greens, etc. Cela a conduit à la codification de règles modernes pour de nombreux sports, notamment le tennis sur gazon, la plupart des codes du football, le boulingrin et autres. Origines du jeu moderne Entre 1859 et 1865, Harry Gem et son ami Augurio Perera ont développé un jeu combinant des éléments de raquettes et de pelote basque, auquel ils ont joué sur la pelouse de croquet de Perera à Birmingham, en Angleterre, au Royaume-Uni. En 1872, avec deux médecins locaux, ils fondèrent le premier club de tennis au monde à Leamington Spa. En décembre 1873, le major Walter Clopton Wingfield, officier de l'armée britannique, conçut et breveta un jeu similaire – qu'il appela sphairistikè (qui signifie « jouer au ballon »), et fut bientôt connu simplement sous le nom de « collant » – pour le divertissement des invités d'un événement. garden-party sur la propriété de son ami, Nantclwyd Hall, à Llanelidan, au Pays de Galles. Selon R. D. C. Evans, agronome du gazon, « les historiens du sport conviennent tous que [Wingfield] mérite une grande partie du mérite du développement du tennis moderne. » Selon Honor Godfrey, conservateur du musée de Wimbledon, Wingfield « a énormément popularisé ce jeu. Il a produit un coffret qui comprenait un filet, des bâtons, des raquettes, des balles pour jouer au jeu - et surtout, vous aviez ses règles. Il était absolument génial. au marketing et il a envoyé son jeu partout dans le monde. Il avait de très bonnes relations avec le clergé, la profession juridique et l'aristocratie et il a envoyé des milliers de jeux au cours de la première année environ, en 1874. " Le plus ancien tournoi de tennis au monde, les Championnats de Wimbledon, a eu lieu pour la première fois à Londres en 1877.[http://edition.cnn.com/2011/SPORT/tennis/06/14/tennis.wimbledon.125th.anniversary.museum/index .html "125 ans de Wimbledon : de la naissance du tennis sur gazon aux merveilles modernes"]. CNN. Récupéré le 21 septembre 2011. Les premiers championnats ont abouti à un débat important sur la manière de standardiser les règles. Aux États-Unis, en 1874, Mary Ewing Outerbridge, une jeune mondaine, revint des Bermudes avec un ensemble sphairistikè. Elle est devenue fascinée par le tennis après avoir regardé jouer des officiers de l’armée britannique. Elle a aménagé un court de tennis au Staten Island Cricket Club au Camp Washington, Tompkinsville, Staten Island, New York. Le premier championnat national américain y fut disputé en septembre 1880. Un Anglais nommé O.E Woodhouse remporta le titre en simple et une coupe d'argent d'une valeur de 100 $ en battant le Canadien I. F. Hellmuth. Il y a également eu un match de double remporté par une paire locale. Il y avait des règles différentes dans chaque club. Le ballon à Boston était plus gros que celui normalement utilisé à New York. Le 21 mai 1881, la National Lawn Tennis Association des États-Unis (aujourd'hui la United States Tennis Association) a été créée pour normaliser les règles et organiser des compétitions. Le championnat national américain en simple masculin, aujourd'hui l'US Open, a eu lieu pour la première fois en 1881 au Newport Casino, Newport, Rhode Island. Les championnats nationaux américains en simple féminin ont eu lieu pour la première fois en 1887 à Philadelphie. Le tennis est également devenu populaire en France, où les Championnats de France datent de 1891, même si jusqu'en 1925 ils n'étaient ouverts qu'aux joueurs de tennis membres de clubs français. Ainsi, Wimbledon, l’US Open, l’Open de France et l’Open d’Australie (datant de 1905) sont devenus et sont restés les événements les plus prestigieux du tennis. Ensemble, ces quatre événements sont appelés Majors ou Slams (un terme emprunté au bridge plutôt qu'au baseball). Les règles complètes promulguées en 1924 par la Fédération internationale de tennis sur gazon, aujourd'hui connue sous le nom de Fédération internationale de tennis (ITF), sont restées largement stables au cours des quatre-vingts années qui ont suivi, le seul changement majeur étant l'ajout du système de bris d'égalité conçu par Jimmy Van Alen. . La même année, le tennis s'est retiré des Jeux olympiques après les Jeux de 1924, mais est revenu 60 ans plus tard en tant qu'épreuve de démonstration pour les 21 ans et moins en 1984. Cette réintégration a été attribuée aux efforts du président de l'ITF de l'époque, Philippe Chatrier, et du secrétaire général de l'ITF, David Gray. et le vice-président de l'ITF, Pablo Llorens, et le soutien du président du CIO, Juan Antonio Samaranch. Le succès de l'événement a été immense et le CIO a décidé de réintroduire le tennis comme sport médaillé à part entière à Séoul en 1988. La Coupe Davis, une compétition annuelle entre équipes nationales masculines, date de 1900. La compétition analogue pour les équipes nationales féminines, la Fed Cup, a été fondée sous le nom de Coupe de la Fédération en 1963 pour célébrer le 50e anniversaire de la fondation de l'ITF. En 1926, le promoteur C. C. Pyle créa la première tournée de tennis professionnel avec un groupe de joueurs de tennis américains et français jouant des matchs d'exhibition devant un public payant. Les plus remarquables de ces premiers professionnels étaient l'Américain Vinnie Richards et la Française Suzanne Lenglen. Une fois qu'un joueur est devenu professionnel, il ne pouvait plus participer aux tournois majeurs (amateurs). En 1968, les pressions commerciales et les rumeurs selon lesquelles certains amateurs prendraient de l'argent sous la table conduisirent à l'abandon de cette distinction, inaugurant l'ère Open, dans laquelle tous les joueurs pouvaient concourir dans tous les tournois et où les meilleurs joueurs pouvaient vivre du tennis. Avec le début de l'Open Era, la création d'un circuit international de tennis professionnel et les revenus issus de la vente des droits de télévision, la popularité du tennis s'est répandue dans le monde entier et le sport a perdu son image de classe moyenne anglophone (même s'il est reconnu que ce stéréotype existe toujours). En 1954, Van Alen a fondé l'International Tennis Hall of Fame, un musée à but non lucratif à Newport, Rhode Island. Le bâtiment contient une grande collection de souvenirs de tennis ainsi qu'un Temple de la renommée honorant des membres éminents et des joueurs de tennis du monde entier. Chaque année, un tournoi sur gazon et une cérémonie d'intronisation honorant les nouveaux membres du Temple de la renommée sont organisés sur son terrain. Équipement Une partie de l’attrait du tennis vient de la simplicité de l’équipement nécessaire pour jouer. Les débutants n'ont besoin que d'une raquette et de balles. Raquettes Les composants d'une raquette de tennis comprennent une poignée, appelée grip, reliée à un manche qui rejoint un cadre à peu près elliptique qui maintient une matrice de cordes étroitement tirées. Au cours des 100 premières années du jeu moderne, les raquettes étaient en bois et de taille standard, et les cordages étaient en boyau d'animal. La construction en bois lamellé a donné plus de résistance aux raquettes utilisées pendant la majeure partie du 20e siècle jusqu'à l'introduction du métal, puis des composites de graphite de carbone, de céramique et de métaux plus légers tels que le titane. Ces matériaux plus résistants ont permis la production de raquettes surdimensionnées qui produisaient encore plus de puissance. Parallèlement, la technologie a conduit à l'utilisation de cordages synthétiques qui correspondent à la sensation du boyau tout en offrant une durabilité accrue. Selon les règles modernes du tennis, les raquettes doivent respecter les directives suivantes : * La zone de frappe, composée des cordes, doit être plate et généralement uniforme. * Le cadre de la zone de frappe ne doit pas mesurer plus de 29 pouces (73,66 cm) de longueur et 12,5 pouces (31,75 cm) de largeur. * La raquette entière doit avoir une forme, une taille, un poids et une répartition du poids fixes. Aucune source d’énergie ne peut être intégrée aux raquettes. * Les raquettes ne doivent fournir aucune sorte de communication, d'instruction ou de conseil au joueur pendant le match. Les règles concernant les raquettes ont changé au fil du temps, à mesure que les matériaux et l'ingénierie progressaient. Par exemple, la longueur maximale du cadre était de 32 pouces (81,28 cm) jusqu'en 1997, date à laquelle elle a été raccourcie à 29 pouces (73,66 cm). De nombreuses entreprises fabriquent et distribuent des raquettes de tennis. Wilson, Head et Babolat sont quelques-unes des marques les plus couramment utilisées ; cependant, il existe de nombreuses autres entreprises. Les mêmes sociétés parrainent des joueurs pour qu'ils utilisent ces raquettes dans l'espoir que le nom de la société devienne plus connu du public. Des balles Les balles de tennis étaient à l’origine constituées de bandes de tissu cousues ensemble avec du fil et bourrées de plumes. Les balles de tennis modernes sont fabriquées en caoutchouc vulcanisé creux avec un revêtement en feutre. Traditionnellement blanche, la couleur prédominante a été progressivement remplacée par le jaune optique à la fin du XXe siècle pour permettre une meilleure visibilité. Les balles de tennis doivent être conformes à certains critères de taille, de poids, de déformation et de rebond pour être approuvées pour le jeu réglementaire. La Fédération internationale de tennis (ITF) définit le diamètre officiel comme étant compris entre 65,41 et 68,58 mm (2,575 et 2,700 pouces). Les balles doivent peser entre 56,0 et 59,4 grammes (1,975 et 2,095 onces). Les balles de tennis étaient traditionnellement fabriquées aux États-Unis et en Europe. Bien que le processus de production des balles soit resté pratiquement inchangé au cours des 100 dernières années, la majorité de la fabrication a désormais lieu en Extrême-Orient. La délocalisation est due aux coûts de main-d'œuvre et aux matériaux moins chers dans la région. Divers Les joueurs avancés améliorent leurs performances grâce à un certain nombre d'équipements. Des amortisseurs de vibrations peuvent être entrelacés dans la partie proximale du réseau de cordes pour une meilleure sensation. Les poignées de raquette peuvent être personnalisées avec des matériaux absorbants ou caoutchouteux pour améliorer l'adhérence des joueurs. Les joueurs utilisent souvent des bandeaux anti-transpiration sur leurs poignets pour garder leurs mains au sec et des bandeaux ou des bandanas pour empêcher la sueur de leurs yeux également. Enfin, bien que le jeu puisse être joué avec une variété de chaussures, les chaussures de tennis spécialisées ont des semelles larges et plates pour plus de stabilité et une structure avant renforcée pour éviter une usure excessive. Manière de jouer Pour les termes individuels, voir : Glossaire du tennis Tribunal Le tennis se joue sur une surface rectangulaire et plane. Le terrain mesure 78 pieds (23,77 m) de long et 27 pieds (8,23 m) de large pour les matchs en simple et 36 pieds (10,97 m) pour les matchs en double. Un espace libre supplémentaire autour du terrain est nécessaire pour que les joueurs puissent atteindre les balles dépassées. Un filet est tendu sur toute la largeur du terrain, parallèlement aux lignes de fond, le divisant en deux extrémités égales. Il est maintenu par un câble ou un cordon métallique dont la longueur ne doit pas dépasser 0,8 cm (1/3 pouce). Le filet mesure 3 pieds 6 pouces (1,067 m) de hauteur aux poteaux et 3 pieds (0,914 m) de hauteur au centre. Les poteaux du filet se trouvent à 3 pieds (0,914 m) à l'extérieur du terrain de double de chaque côté ou, pour un filet en simple, à 3 pieds (0,914 m) à l'extérieur du terrain de simple de chaque côté. Le court de tennis moderne doit sa conception au major Walter Clopton Wingfield qui, en 1873, a breveté un court à peu près identique à l'actuel pour son tennis stické (sphairistike). Ce modèle a été modifié en 1875 pour correspondre à la conception du terrain qui existe aujourd'hui, avec des marques similaires à la version de Wingfield, mais avec la forme de sablier de son terrain changée en rectangle. Le tennis a la particularité de se jouer sur diverses surfaces. L'herbe, l'argile et les terrains durs en béton ou en asphalte recouverts d'acrylique sont les plus courants. Parfois, la moquette est utilisée pour les jeux intérieurs, le parquet en bois dur ayant été historiquement utilisé. Des courts en gazon synthétique peuvent également être trouvés. Lignes Les lignes qui délimitent la largeur du terrain sont appelées ligne de base (la plus en arrière) et ligne de service (au milieu du terrain). La marque courte au centre de chaque ligne de base est appelée soit la marque dièse, soit la marque centrale. Les lignes les plus extérieures qui composent la longueur sont appelées lignes de touche doubles. Ce sont les limites utilisées lorsque le double est joué. Les lignes à l'intérieur des lignes de touche du double sont les lignes de touche du simple et sont utilisées comme limites dans le jeu en simple. La zone située entre la ligne de touche du double et la ligne de touche du simple la plus proche est appelée l'allée du double, qui est considérée comme jouable en double. La ligne qui traverse le centre du côté du terrain d'un joueur est appelée ligne de service car le service doit être délivré dans la zone située entre la ligne de service et le filet du côté qui reçoit. Malgré son nom, ce n'est pas là que se situe légalement un joueur lorsqu'il effectue un service. La ligne divisant la ligne de service en deux est appelée ligne médiane ou ligne de service centrale. Les cases créées par cette ligne centrale sont appelées cases de service ; selon la position du joueur, il devra frapper la balle dans l'une d'entre elles au moment de servir. Une balle est retirée seulement si aucune d'entre elle n'a touché la ligne ou la zone à l'intérieur des lignes lors de son premier rebond. Toutes les lignes doivent avoir une largeur comprise entre 1 et 1. La ligne de base peut mesurer jusqu'à 4 pouces de largeur. Jeu d'un seul point Les joueurs (ou équipes) commencent des côtés opposés du filet. Un joueur est désigné comme serveur et le joueur adverse est désigné comme receveur. Le choix d'être serveur ou receveur lors de la première partie et le choix des extrémités sont décidés par un tirage au sort avant le début de l'échauffement. Le service alterne jeu par jeu entre les deux joueurs (ou équipes). Pour chaque point, le serveur démarre derrière la ligne de fond, entre la marque centrale et la ligne de touche. Le receveur peut commencer n'importe où de son côté du filet. Lorsque le receveur est prêt, le serveur servira, même si le receveur doit jouer au rythme du serveur. Lors d'un service légal, le ballon passe au-dessus du filet (sans le toucher) et dans la zone de service diagonalement opposée. Si la balle touche le filet mais atterrit dans la zone de service, il s'agit d'un service let ou net, qui est nul, et le serveur reprend ce service. Le joueur peut servir n'importe quel nombre de services laissés dans un point et ils sont toujours traités comme des vides et non comme des fautes. Une faute est un service qui tombe long ou large de la surface de service, ou qui ne dégage pas le filet. Il existe également une « faute de pied », qui se produit lorsque le pied d'un joueur touche la ligne de fond ou une extension de la marque centrale avant que le ballon ne soit frappé. Si le deuxième service est également une faute, le serveur fait une double faute et le receveur remporte le point. Cependant, si le service est effectué, il est considéré comme un service légal. Un service légal déclenche un échange au cours duquel les joueurs frappent alternativement le ballon à travers le filet. Un retour légal consiste pour le joueur ou l'équipe à frapper la balle avant qu'elle n'ait rebondi deux fois ou qu'elle n'ait touché un match à l'exception du filet, à condition qu'elle tombe toujours dans le camp du serveur. Un joueur ou une équipe ne peut pas frapper la balle deux fois de suite. Le ballon doit passer le filet et entrer dans le camp des autres joueurs. Une balle qui touche le filet lors d'un échange est toujours considérée comme un retour légal tant qu'elle passe du côté opposé du terrain. Le premier joueur ou équipe qui ne parvient pas à effectuer un retour légal perd le point. Le serveur se déplace ensuite de l'autre côté de la ligne de service au début d'un nouveau point. Notation Jeu, set, match Jeu Un jeu consiste en une séquence de points joués avec le même joueur au service. Une partie est gagnée par le premier joueur à avoir gagné au moins quatre points au total et au moins deux points de plus que son adversaire. Le score courant de chaque jeu est décrit d'une manière propre au tennis : les scores de zéro à trois points sont décrits respectivement comme « amour », « quinze », « trente » et « quarante ». Si au moins trois points ont été marqués par chaque joueur, ce qui rend les scores des joueurs égaux à quarante chacun, le score n'est pas annoncé comme « quarante-quarante », mais plutôt comme « deux ». Si au moins trois points ont été marqués par chaque camp et qu'un joueur a un point de plus que son adversaire, le score de la partie est « avantage » pour le joueur en tête. Lors des jeux informels, « avantage » peut également être appelé « ad in » ou « van in » lorsque le joueur au service est en avance, et « ad out » ou « van out » lorsque le joueur qui reçoit est en avance. Le score d'une partie de tennis pendant le jeu est toujours lu avec le score du joueur au service en premier. Dans les tournois, l'arbitre de chaise annonce le décompte des points (par exemple, « quinze-amour ») après chaque point. À la fin d'une partie, l'arbitre de chaise annonce également le vainqueur de la partie et le score global. Ensemble Un ensemble consiste en une séquence de jeux joués avec service en alternance entre les jeux, se terminant lorsque le décompte des jeux gagnés répond à certains critères. Généralement, un joueur remporte un set en remportant au moins six jeux et au moins deux jeux de plus que son adversaire. Si un joueur a gagné six parties et l'adversaire cinq, une partie supplémentaire est jouée. Si le premier joueur remporte cette partie, il remporte le set 7–5. Si le joueur derrière gagne la partie, un tie-break est joué. Un tie-break, joué selon un ensemble de règles distinctes, permet à un joueur de gagner une partie supplémentaire et donc le set, pour donner un score final de 7 à 6. Un set « amour » signifie que le perdant du set n'a remporté aucun jeu, ce que l'on appelle familièrement un « jam donut » aux États-Unis. En tournoi, l'arbitre de chaise annonce le vainqueur du set et le score global. Le score final des sets est toujours lu avec le score du joueur gagnant en premier, par ex. "6-2, 4-6, 6-0, 7-5". Correspondre Un match consiste en une séquence de sets. Le résultat est déterminé selon un système au meilleur des trois ou cinq sets. Les joueurs récréatifs peuvent accepter de jouer n'importe quel nombre de sets, en fonction du temps disponible ou de leur endurance. Sur le circuit professionnel, les hommes jouent des matchs au meilleur des cinq sets dans les quatre tournois du Grand Chelem, la Coupe Davis et la finale des Jeux Olympiques, ainsi que des matchs au meilleur des trois sets dans tous les autres tournois, tandis que les femmes jouent le mieux. -des matchs en trois sets dans tous les tournois. Le premier joueur à remporter deux sets au meilleur des trois ou trois sets au meilleur des cinq remporte le match. Ce n'est que dans les dernières séries de matches de l'Open d'Australie, de l'Open de France, de Wimbledon, des Jeux Olympiques, de la Coupe Davis (jusqu'en 2015) et de la Fed Cup que les tie-breaks ne sont pas joués. Dans ces cas-là, les sets sont joués indéfiniment jusqu'à ce qu'un joueur ait une avance de deux jeux, ce qui conduit à des matchs remarquablement longs. En tournoi, l'arbitre de chaise annonce la fin du match avec la phrase bien connue « Jeu, set, match » suivie du nom de la personne ou de l'équipe gagnante. Conditions de points spéciaux Point de jeu Un point de jeu se produit au tennis chaque fois que le joueur qui est en tête du jeu n'a besoin que d'un point de plus pour gagner la partie. La terminologie est étendue aux sets (point de set), aux matchs (point de match) et même aux championnats (point de championnat). Par exemple, si le joueur qui sert a un score de 40-amour, le joueur a un triple point de jeu (triple point de set, etc.) car le joueur a trois chances consécutives de gagner la partie. Les points de jeu, les points de set et les balles de match ne font pas partie du score officiel et ne sont pas annoncés par l'arbitre de chaise lors d'un tournoi. Point de rupture Un point de break se produit si le receveur, et non le serveur, a une chance de gagner la partie avec le point suivant. Les points de break sont particulièrement importants car servir est généralement considéré comme avantageux, les serveurs étant censés gagner les parties dans lesquelles ils servent. Un receveur qui a une (score de 30 à 40 ou avantage), deux (score de 15 à 40) ou trois (score d'amour-40) chances consécutives de gagner la partie a un point de break, un double point de break ou un triple point de break, respectivement. Si le receveur remporte effectivement son point de break, la partie est attribuée au receveur et on dit que le receveur a converti son point de break. Si le receveur ne parvient pas à gagner son point de break, cela s'appelle un échec de conversion. Gagner des points de break, et donc le jeu, est également appelé service de break, car le receveur a perturbé ou brisé l'avantage naturel du serveur. Si, dans la partie suivante, le serveur précédent remporte également un point de break, on parle de «break back». Sauf lorsque des tie-breaks s'appliquent, au moins un bris de service est requis pour remporter un set. Variations de règles * Pas de publicité Extrait de « Aucun avantage ». Méthode de notation créée par Jimmy Van Alen. Le premier joueur ou l'équipe de double à remporter quatre points remporte la partie, que le joueur ou l'équipe soit en avance de deux points ou non. Lorsque le score du jeu atteint trois points chacun, le receveur choisit de quel côté du terrain (terrain avantageux ou terrain égalité) le service doit être rendu au septième point décisif. Utilisé par les compétitions professionnelles de World Team Tennis, les circuits ATP, les circuits WTA, ITF Pro Doubles et ITF Junior Doubles. * Ensemble professionnel Au lieu de jouer plusieurs sets, les joueurs peuvent jouer un seul « set professionnel ». Un set professionnel comprend d'abord 8 (ou 10) jeux avec une marge de deux jeux, au lieu du premier à 6 jeux. Un tie-break de 12 points est généralement joué lorsque le score est de 8 à 8 (ou de 10 à 10). Ceux-ci sont souvent joués sans publicité. * Match décisif Ceci est parfois joué à la place d'un troisième set. Un tie-break de match (également appelé super tie-break) se joue comme un tie-break classique, mais le vainqueur doit gagner dix points au lieu de sept. Les tie-breaks sont utilisés dans la Coupe Hopman, les Grands Chelems (à l'exclusion de Wimbledon) et les Jeux Olympiques pour les doubles mixtes ; sur les tournées ATP (depuis 2006), WTA (depuis 2007) et ITF (à l'exclusion de quatre tournois du Grand Chelem et de la Coupe Davis) pour le double et en tant que choix du joueur dans la ligue USTA. Un autre format de tennis, quoique informel, est appelé double canadien. Cela implique trois joueurs, dont une personne jouant dans une équipe de double. Le joueur solo peut utiliser les allées normalement réservées uniquement à une équipe de double. A l’inverse, l’équipe de double n’utilise pas les allées pour exécuter un tir. Le score est le même que pour un match régulier. Ce format n'est sanctionné par aucun organisme officiel. Le « double australien », une autre forme de tennis informelle et non sanctionnée, se joue avec des règles similaires à celles du style de double canadien, sauf que dans cette version, les joueurs changent de position sur le terrain après chaque partie. Ainsi, chaque joueur joue en double et en simple au cours d'un match, le joueur en simple servant toujours. Les styles de notation varient, mais une méthode populaire consiste à attribuer une valeur de 2 points à chaque jeu, le serveur prenant les deux points s'il détient le service et l'équipe de double en prenant chacune un si elle casse le service. Le tennis en fauteuil roulant peut être joué par des joueurs valides ainsi que par des personnes ayant besoin d'un fauteuil roulant pour se déplacer. Un rebond supplémentaire est autorisé. Cette règle permet d'avoir des matchs mixtes en fauteuil roulant et valides. Il est possible qu'une équipe de double soit composée d'un joueur en fauteuil roulant et d'un joueur valide (appelé « one-up, one-down »), ou qu'un joueur en fauteuil roulant joue contre un joueur valide. Dans de tels cas, le rebond supplémentaire n'est autorisé que pour les utilisateurs de fauteuil roulant. Fonctionnaires Dans la plupart des jeux professionnels et dans certaines compétitions amateurs, il y a un juge en chef ou un arbitre de chaise (généralement appelé arbitre), qui est assis sur une chaise surélevée d'un côté du terrain. L'arbitre a le pouvoir absolu de prendre des décisions factuelles. L'arbitre peut être assisté par des juges de ligne, qui déterminent si le ballon a atterri dans la partie requise du terrain et qui signalent également les fautes de pied. Il peut également y avoir un juge du filet qui détermine si le ballon a touché le filet pendant le service. L'arbitre a le droit d'annuler un juge de ligne ou un juge de filet s'il est sûr qu'une erreur évidente a été commise. Dans certains tournois, les juges de ligne qui annonçaient le service étaient assistés par des capteurs électroniques qui émettaient un bip pour indiquer que le service était terminé. Ce système s'appelait « Cyclope ». Cyclops a depuis été largement remplacé par le système Hawk-Eye. Dans les tournois professionnels utilisant ce système, les joueurs ont droit à trois appels infructueux par set, plus un appel supplémentaire lors du tie-break pour contester les appels serrés au moyen d'un examen électronique. L'US Open, le Miami Masters, l'US Open Series et le World Team Tennis ont commencé à utiliser ce système de défi en 2006 et l'Open d'Australie et Wimbledon ont introduit le système en 2007. Dans les matchs sur terre battue, comme à Roland-Garros, un appel peut être interrogé en référence à la marque laissée par l'impact du ballon sur la surface du terrain. L'arbitre, qui se trouve généralement en dehors du terrain, est l'autorité finale en matière de règles du tennis. Lorsqu'il est appelé sur le terrain par un joueur ou un capitaine d'équipe, l'arbitre peut annuler la décision de l'arbitre si les règles du tennis ont été violées (question de droit), mais ne peut pas modifier la décision de l'arbitre sur une question de fait. Toutefois, si l'arbitre est sur le terrain pendant le jeu, il peut annuler sa décision (cela ne se produirait que lors des matches de Coupe Davis ou de Fed Cup, et non au niveau du Groupe mondial, lorsqu'un arbitre de chaise d'un pays non neutre est sur la chaise). Les ramasseurs de balles et les filles peuvent être employés pour récupérer les balles, les passer aux joueurs et leur remettre leurs serviettes. Ils n'ont aucun rôle juridictionnel. Dans de rares cas (par exemple, s'ils sont blessés ou s'ils ont causé un obstacle), l'arbitre peut leur demander une déclaration sur ce qui s'est réellement passé. L'arbitre peut prendre en compte leurs déclarations lorsqu'il prend une décision. Dans certaines ligues, notamment les ligues juniors, les joueurs prennent leurs propres décisions, se faisant confiance pour être honnêtes. C’est le cas de nombreux matchs de niveau scolaire et universitaire. L'arbitre ou l'assistant de l'arbitre peut cependant être appelé sur le terrain à la demande d'un joueur, et l'arbitre ou l'assistant peut modifier l'appel d'un joueur. Dans les matchs sans officiel, une balle n'est retirée que si le joueur autorisé à faire l'annonce est sûr que la balle est retirée. Tennis juniors Au tennis, un junior est un joueur de moins de 18 ans qui est toujours légalement protégé par un parent ou un tuteur. Les joueurs de moins de 18 ans du circuit adulte principal doivent avoir des documents signés par un parent ou un tuteur. Ces joueurs sont toutefois toujours éligibles pour participer aux tournois juniors. La Fédération internationale de tennis (ITF) organise une tournée junior qui permet aux juniors d'établir un classement mondial et un classement de l'Association des professionnels du tennis (ATP) ou de la Women's Tennis Association (WTA). La plupart des juniors qui entrent dans le circuit international le font en progressant dans les tournois ITF, Satellite, Future et Challenger avant d'entrer dans le circuit principal. Ces trois derniers circuits accueillent également des adultes. Certains juniors cependant, comme l'Australien Lleyton Hewitt et le Français Gaël Monfils, se sont catapultés directement du circuit junior au circuit ATP en dominant la scène junior ou en profitant des opportunités qui leur étaient offertes pour participer à des tournois professionnels. En 2004, l'ITF a mis en place un nouveau système de classement pour encourager une plus grande participation en double, en combinant deux classements (simple et double) en un seul décompte combiné. Les tournois juniors n'offrent pas de prix en argent, à l'exception des tournois du Grand Chelem, qui sont les événements juniors les plus prestigieux. Les juniors peuvent gagner un revenu du tennis en participant aux circuits Future, Satellite ou Challenger. Les tournois sont divisés en différents niveaux offrant différents nombres de points de classement, culminant avec le grade A. Les meilleurs juniors sont autorisés à participer pour leur nation aux compétitions de la Fed Cup Junior et de la Coupe Davis. Pour réussir au tennis, il faut souvent commencer à jouer très jeune. Pour faciliter et favoriser la croissance des juniors dans le tennis, presque toutes les nations pratiquant le tennis ont développé un système de développement junior. Les juniors développent leur jeu à travers une gamme de tournois sur toutes les surfaces, s'adaptant à tous les différents niveaux de jeu. Les juniors talentueux peuvent également recevoir des parrainages d’instances dirigeantes ou d’institutions privées. Jouer a un match Continuité Un match de tennis est censé être continu. L’endurance étant un facteur pertinent, les retards arbitraires ne sont pas autorisés. Dans la plupart des cas, le service ne doit pas avoir lieu plus de 20 secondes après la fin du point précédent. Cette durée est portée à 90 secondes lorsque les joueurs changent de côté (après chaque partie impaire), et une pause de 2 minutes est autorisée entre les sets. En dehors de cela, les pauses ne sont autorisées que lorsqu'elles sont forcées par des événements indépendants de la volonté des joueurs, tels que la pluie, des chaussures endommagées, une raquette endommagée ou la nécessité de récupérer une balle égarée. S'il est déterminé qu'un joueur décroche à plusieurs reprises, l'arbitre de chaise peut d'abord donner un avertissement suivi de pénalités ultérieures de « point », de « jeu » et d'annulation du match pour le joueur qui prend systématiquement plus de temps que le temps imparti. En cas de retard dû à la pluie, à l'obscurité ou à d'autres conditions extérieures interrompant le jeu, le match reprend plus tard, avec le même score qu'au moment du retard, et les joueurs se trouvaient à la même extrémité du terrain lorsque la pluie s'est arrêtée. jeu, ou à la même position (nord ou sud) si le jeu reprend sur un autre terrain. Changements de balle Les balles s'usent rapidement dans le jeu sérieux et, par conséquent, dans les tournois ATP et WTA, elles sont changées tous les neuf matchs, le premier changement ayant lieu après seulement sept matchs, car le premier jeu de balles est également utilisé pour l'échauffement d'avant-match. en haut. Par courtoisie envers le receveur, le serveur signalera souvent au receveur avant le premier service du jeu dans lequel de nouvelles balles sont utilisées pour lui rappeler qu'il utilise de nouvelles balles. Cependant, dans les tournois ITF comme la Fed Cup, les balles sont changées dans le style 9-11. La continuité de l'état des balles est considérée comme faisant partie du jeu, donc si un rééchauffement est nécessaire après une pause prolongée du jeu (généralement à cause de la pluie), alors le rééchauffement est effectué à l'aide d'un ensemble séparé de balles. ballons, et l'utilisation des ballons de match ne reprend qu'à la reprise du jeu. Coaching sur le terrain Un récent changement de règle consiste à autoriser l'entraînement sur le terrain de manière limitée pendant un match. Cela a été introduit dans le tennis féminin pour les événements du WTA Tour en 2009 et permet à la joueuse de demander son entraîneur une fois par set. Coups Un joueur de tennis compétent possède huit coups de base dans sa répétition.

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Qui a mis le feu à sa guitare au festival Monterey Pop en 19676 ?

Jimi Hendrix

"Fire" est une chanson écrite par Jimi Hendrix et enregistrée par Jimi Hendrix Experience au début de 1967. Elle a été décrite comme "un exercice de soul, de rock psychédélique et de batterie polyrythmique inspirée du jazz" par le critique d'AllMusic Matthew Greenwald. La chanson a été remixée en stéréo pour la sortie américaine de l'album. En 1969, il est sorti en single stéréo au Royaume-Uni avec le titre "Let Me Light Your Fire". L'une des chansons les plus populaires d'Hendrix, il la jouait fréquemment en concert. Plusieurs enregistrements live ont été publiés et la chanson originale est incluse sur de nombreuses compilations Hendrix, telles que Smash Hits, Experience Hendrix : The Best of Jimi Hendrix, Voodoo Child : The Jimi Hendrix Collection et Fire : The Jimi Hendrix Collection. Aperçu Malgré ses connotations sexuelles, la chanson avait une origine anodine. Noel Redding, bassiste de The Experience, a invité Hendrix chez sa mère lors d'un froid réveillon du Nouvel An à Folkestone, en Angleterre, après un concert. Hendrix a demandé à la mère de Noel s'il pouvait se tenir près de sa cheminée pour se réchauffer. Elle a accepté, mais son Dogue Allemand était sur le chemin, alors Hendrix a laissé échapper : "Oh, bouge, Rover, et laisse Jimi prendre le relais". Hendrix a ensuite plaisanté avec les paroles : « La vieille mère Hubbard est allée au placard pour trouver un os à son pauvre chien, mais quand elle s'est penchée, Rover a pris le relais, parce que Rover avait son propre os ! Shakespeare, page 35 ! Les Red Hot Chili Peppers l'ont repris sur leur album de 1989, Mother's Milk, en changeant certaines paroles telles que « Move over, Rover, and let Jimi take over » par « Move over, Rover, and let Mr. Huckleberry take over » comme un hommage au regretté guitariste du RHCP, Hillel Slovak (également connu sous son surnom de "M. Huckleberry"), décédé des mois avant le début de l'enregistrement de l'album Mother's Milk. Kingston Wall l'a repris sur leur premier album de 1992 I. En 1994, le groupe de rock à base d'accordéon These Darn Accordions a enregistré une version pour leur album de 1994 Squeeze This !, où il a été chanté par Clyde Forsman, alors âgé de 79 ans, l'un des des accordéonistes du groupe. Alice Cooper l'a couvert sur son album de compilation de 1995 Classicks. SSQ a repris la chanson en face B de leur single "Synthicide".

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Della Street était la secrétaire de qui ?

Perry Mason

Della Street est le secrétaire fictif de Perry Mason dans la longue série de romans, de nouvelles, de films et d'émissions de radio et de télévision mettant en vedette l'avocat de la défense fictif créé par Erle Stanley Gardner. Description Dans le premier roman de Perry Mason, The Case of the Velvet Claws, écrit au début de la Grande Dépression, il est révélé que Della Street était issue d'une famille riche, ou du moins aisée, qui a été anéantie par le krach boursier de 1929. Della a été contrainte de trouver un emploi de secrétaire. À l’époque de la série télévisée dans les années 1950 et 1960, cela ne correspondait pas bien à l’âge des personnages tels qu’ils étaient alors représentés. Selon The Case of The Caretaker's Cat, elle a environ 15 ans de moins que Perry Mason. Un personnage nommé Della Street est apparu pour la première fois dans le roman inédit de Gardner, Reasonable Doubt, où elle était secrétaire, mais pas la secrétaire de l'avocat Ed Stark. Gardner l'a décrite ainsi : « Della Street… Secrétaire, vingt-sept ans, calme, rapide comme l'enfer, avait été dans des endroits. Elle a travaillé dans un carnaval ou un spectacle parallèle, connaît toutes les lignes, extérieure dure, discrètement efficace, perplexe face à l'avocat, cheveux châtains, silhouette élancée, quelques rides sur le visage, un soupçon de lassitude au coin des yeux. Lorsque Gardner a soumis un doute raisonnable à William Morrow, un éditeur a suggéré que « Della Street est un meilleur personnage que la secrétaire ». Gardner a accepté cette suggestion lorsqu'il a réécrit le doute raisonnable sous le titre L'Affaire des griffes de velours et a nommé Della Street Perry Mason le secrétaire de. Dans le roman publié, le carnaval ou le spectacle parallèle a été abandonné et Street venait d'un milieu plus respectable. C’est un bon exemple de la différence entre l’écriture pulp et l’écriture lisse des années 1930. En 1950, Gardner a publié la nouvelle « The Case of the Suspect Sweethearts » sous le pseudonyme de Della Street. Il existe plusieurs cas de tension sexuelle entre Mason et Street dans les romans de Gardner ; plusieurs regards, baisers, etc. Il y a eu également plusieurs propositions de mariage, que Della a toutes refusées parce qu'elle voulait faire partie de la vie de Mason et qu'elle savait que cela signifiait faire partie de son travail. Dans le cas du Weary Watchdog, Della est arrêtée et se présente à l'officier comme « Mme BRANDON Street, Della Street ». Adaptations Erle Stanley Gardner, le créateur de Perry Mason dans une série de romans, était un auteur très prolifique, qui employait simultanément trois secrétaires, toutes sœurs, pour suivre sa production. Il a finalement épousé l’une d’elles après la mort de sa première femme, dont il a été séparé pendant 30 ans. Il s'agissait de Jean Gardner, née Agnes Helene Walter. Les gens qui la connaissaient pensaient qu'elle était l'inspiratrice de Della Street, même si ni elle ni Erle Stanley Gardner lui-même ne l'ont admis. Mme Gardner a déclaré qu'elle pensait qu'il avait réuni plusieurs femmes pour créer le personnage. Représentations Dans les adaptations cinématographiques réalisées dans les années 1930, Della Street était interprétée par cinq actrices différentes : Helen Trenholme, Claire Dodd, Genevieve Tobin, June Travis et Ann Dvorak. À la télévision, Della Street a été interprétée par Barbara Hale dans la série, pour laquelle elle a reçu un Emmy Award, et dans les 30 téléfilms. Sharon Acker a joué Della Street dans la série de relance éphémère The New Perry Mason, avec Monte Markham dans le rôle de Mason. Gertrude Warner a été la première actrice à incarner Street régulièrement, bien que dans la série radiophonique, suivie par "Madge" de Joan Alexander et Palmolive, Jan Miner. Le personnage représenté dans la série radiophonique a été retravaillé en Sara Lane dans l'émission de jour Edge of Night, qui devait être le Perry Mason de jour, jusqu'à ce que Gardner retire son soutien au projet.

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En musique, qui était Sweet and Innocent et Too Young ?

Donny Osmond

"Sweet and Innocent" est une chanson écrite par Rick Hall et Billy Sherrill, enregistrée pour la première fois par Roy Orbison en 1958. Elle est sortie en face B du single "Seems to Me". En 1970, le chanteur pop Donny Osmond a repris la chanson et elle a été présentée comme son premier single solo. Osmond a porté la chanson à la 7e place du classement des singles Billboard Hot 100 le 5 juin 1971. Elle a été certifiée Or par la RIAA le 30 août 1971.

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Qui apparaît dans Can't Hold Me Down de Puff Daddy ?

Mase

Sean John Combs (né le 4 novembre 1969), également connu sous ses noms de scène Puff Daddy, Puffy, Diddy et P. Diddy, est un artiste hip hop américain, producteur de disques, entrepreneur et acteur. Il est né à Harlem et a grandi à Mount Vernon, New York. Il a travaillé comme directeur artistique chez Uptown Records avant de fonder son label Bad Boy Entertainment en 1993. Son premier album No Way Out (1997) a été certifié sept fois platine et a été suivi par des albums à succès tels que Forever (1999), The Saga Continues. ... (2001) et Appuyez sur Play (2006). En 2009, Combs a formé le groupe musical Diddy – Dirty Money et a sorti l'album Last Train to Paris (2010), très apprécié par la critique et à succès commercial. Combs a remporté trois Grammy Awards et deux MTV Video Music Awards, et est le producteur de Making the Band de MTV. Ses activités commerciales non musicales incluent les lignes de vêtements Sean John et "Sean by Sean Combs" – pour lesquelles il a remporté un prix du Council of Fashion Designers of America – une société de production cinématographique et deux restaurants. En 2015, Forbes a estimé la valeur nette de Combs à 735 millions de dollars. Début de la vie Sean John Combs est né dans un projet de logements sociaux à Harlem, New York, et a grandi à Mount Vernon, New York. Sa mère, Janice (Smalls), était mannequin et assistante pédagogique et son père, Melvin Earl Combs, était un associé du trafiquant de drogue new-yorkais Frank Lucas, reconnu coupable. À 33 ans, il a été abattu alors qu'il était assis dans sa voiture à Central Park West, alors que Combs était enfant. Combs est diplômé de l'Académie catholique romaine Mount Saint Michael en 1987. Il a joué au football pour l'académie et son équipe a remporté un titre de division en 1986. Combs a déclaré qu'on lui avait donné le surnom de « Puff » lorsqu'il était enfant, parce qu'il « souffrait ». et souffler" quand il était en colère. Carrière 1990-1996 : débuts de carrière Après avoir abandonné ses études à l'Université Howard en 1990, après deux ans en tant que spécialiste des affaires, Combs est devenu stagiaire chez Uptown Records à New York. Alors qu'il était directeur des talents chez Uptown, il a contribué au développement de Jodeci et Mary J. Blige. À l'époque où il était à l'université, Combs avait la réputation d'organiser des fêtes, dont certaines attiraient jusqu'à un millier de participants. En 1991, Combs a promu une collecte de fonds contre le SIDA avec Heavy D organisée au gymnase du City College de New York (CCNY), à la suite d'un match de basket-ball caritatif. L'événement a été survendu et une bousculade s'est produite au cours de laquelle neuf personnes sont mortes. En 1993, après avoir été renvoyé d'Uptown, Combs a créé son nouveau label Bad Boy Entertainment en tant que joint-venture avec Arista Records, prenant alors le nouveau venu The Notorious B.I.G. avec lui. The Notorious B.I.G. et Craig Mack ont ​​rapidement sorti des singles à succès, suivis de LP à succès, notamment Ready to Die de The Notorious B.I.G. Combs a signé plus d'actes avec Bad Boy, dont Carl Thomas, Faith Evans, 112, Total et Father MC. The Hitmen, son équipe de production interne, a travaillé avec Jodeci, Mary J. Blige, Usher, Lil' Kim, TLC, Mariah Carey, Boyz II Men, SWV, Aretha Franklin et d'autres. Mase et The Lox rejoignirent Bad Boy au moment même où commençait une rivalité largement médiatisée avec le label Death Row Records de la côte ouest. Combs et The Notorious B.I.G. ont été critiqués et parodiés par Tupac Shakur et Suge Knight dans des chansons et des interviews au milieu des années 1990. De 1994 à 1995, Combs a produit plusieurs chansons pour CrazySexyCool de TLC, qui a terminé la décennie au 25e rang de la liste Billboard des meilleurs albums pop de la décennie. 1997-1998 : « Puff Daddy » et No Way Out En 1997, sous le nom de Puff Daddy, Combs enregistre sa première œuvre vocale commerciale en tant que rappeur. Son premier single, "Can't Nobody Hold Me Down", a passé 28 semaines sur le palmarès Billboard Hot 100, culminant au numéro un. Son premier album, No Way Out, est sorti le 1er juillet 1997 chez Bad Boy Records. Initialement intitulé Hell up in Harlem, l'album a subi plusieurs changements après The Notorious B.I.G. a été tué le 9 mars 1997. Plusieurs artistes du label ont fait des apparitions sur l'album. No Way Out connaît un succès important, notamment aux États-Unis, où il atteint la première place du Billboard 200 dès sa première semaine de sortie, se vendant à 561 000 exemplaires. L'album a produit cinq singles : "I'll Be Missing You", un hommage à The Notorious B.I.G., a été la première chanson de rap à faire ses débuts au numéro un du Billboard Hot 100 ; il est resté en tête du classement pendant onze semaines consécutives et a dominé plusieurs autres classements dans le monde. Quatre autres singles ; "Can't Nobody Hold Me Down", "It's All About the Benjamins", "Been Around the World" et "Victory" sont également sortis. Combs a collaboré avec Jimmy Page sur la chanson "Come with Me" pour le film Godzilla de 1998. L'album a valu à Combs cinq nominations aux 40e Grammy Awards en 1998, remportant le Grammy Award du meilleur album rap. Le 7 septembre 2000, l'album a été certifié septuple platine par la Recording Industry Association of America pour des ventes de plus de 7 millions d'exemplaires. En 1997, Combs a été poursuivi pour négligence du propriétaire par Inge Bongo. Combs a nié les accusations. À la fin des années 1990, il a été critiqué pour avoir édulcoré et commercialisé à outrance le hip hop, et pour avoir utilisé trop d'apparitions, d'échantillons et d'interpolations de succès passés dans ses nouvelles chansons. 1999-2000 : Pour toujours et Club New York En avril 1999, Combs a été accusé d'agression à la suite d'un incident avec Steve Stoute d'Interscope Records. Stoute était le manager de Nas, avec qui Combs avait tourné une vidéo plus tôt cette année-là pour la chanson "Hate Me Now". Combs craignait que la vidéo, qui présentait une photo de Nas et Combs crucifiés, soit blasphématoire. Il a demandé que la vidéo soit retirée, mais après sa diffusion sur MTV le 15 avril, Combs s'est rendu dans les bureaux de Stoute et a blessé Stoute. Combs a été accusé de voies de fait au deuxième degré et de méfait criminel, et a été condamné à suivre un cours de gestion de la colère. Forever, le premier album studio solo de Combs, est sorti par Bad Boy Records le 24 août 1999 en Amérique du Nord et au Royaume-Uni le lendemain. Il a atteint le numéro deux du Billboard 200 et le numéro un du classement Top R&B/Hip-Hop Albums, où il est resté pendant une semaine avant d'être éliminé par le quatrième album de Mary J. Blige, Mary. L'album a reçu des critiques positives et mitigées de la part des critiques musicaux et a donné naissance à trois singles qui ont figuré dans les charts Billboard. Il a culminé à la quatrième place du classement des albums canadiens, l'album le mieux classé de Combs dans ce pays. Le 27 décembre 1999, Combs et sa petite amie de l'époque, Jennifer Lopez, se trouvaient au Club New York à Manhattan lorsque des coups de feu ont éclaté. Après une enquête policière, Combs et son collègue rappeur Shyne ont été arrêtés pour violations d'armes et autres accusations. Combs a été inculpé de quatre accusations liées aux armes et de corruption de son chauffeur, Wardel Fenderson, pour qu'il revendique la propriété de son arme. Avec une ordonnance de silence en place, le procès très médiatisé a commencé. Les avocats de Combs étaient Johnnie L. Cochran Jr. et Benjamin Brafman. Combs a été déclaré non coupable de tous les chefs d'accusation; Shyne a été reconnu coupable de cinq de ses huit chefs d'accusation et condamné à dix ans de prison. Combs et Lopez se sont séparés peu de temps après. Un procès intenté par Fenderson, qui affirmait avoir subi un préjudice émotionnel après la fusillade, a été réglé en février 2004. Les avocats des deux parties, ayant accepté de garder secrets les termes du règlement, ont déclaré que l'affaire avait été "résolue à la satisfaction de toutes les parties". . 2001-04 : « P. Diddy » et La saga continue Combs a changé son nom de scène de "Puff Daddy" à "P. Diddy" en 2001. L'album gospel, Thank You, qui avait été achevé juste avant le début du procès sur les armes, est sorti en mars. Il est apparu comme trafiquant de drogue dans le film Made et a joué avec Halle Berry et Billy Bob Thornton dans Monster's Ball (tous deux en 2001). Il a été arrêté pour conduite avec un permis suspendu en Floride. Combs a commencé à travailler avec une série d’artistes inhabituels (pour lui). Pendant une courte période, il fut le directeur de Kelis ; ils ont une collaboration intitulée "Let's Get Ill". Il a fait la première partie de 'N Sync lors de leur tournée des célébrités du printemps 2002, et il a signé avec le groupe pop girl californien Dream sur son label. Combs a été producteur de l'album de la bande originale du film Training Day (2001). En juin 2001, Combs a mis fin à la coentreprise de Bad Boy Entertainment avec Arista Records, prenant le contrôle total de Bad Boy, de son catalogue et de sa liste d'artistes. The Saga Continues..., sorti le 10 juillet en Amérique du Nord, était le dernier album studio sorti par la coentreprise. L'album a atteint la deuxième place du Billboard 200 et des meilleurs albums R&B/Hip-Hop, et a finalement été certifié Platine. C'est le seul album studio sous le nom de P. Diddy et le premier album de Sean Combs à ne présenter aucune apparition d'invité de Jay-Z ou de Lil Kim. Combs a été producteur exécutif de l'émission de télé-réalité Making the Band, diffusée sur MTV de 2002 à 2009. L'émission impliquait d'interviewer des candidats et de créer des numéros musicaux qui entreraient ensuite dans le secteur de la musique. Les artistes qui ont débuté de cette façon incluent Da Band, Danity Kane, Day26 et Donnie Klang. En 2003, Combs a participé au marathon de New York, récoltant 2 millions de dollars pour le système éducatif de la ville de New York. Le 10 mars 2004, il est apparu au Oprah Winfrey Show pour discuter du marathon, qu'il a terminé en quatre heures et dix-huit minutes. En 2004, Combs a dirigé la campagne « Votez ou mourez » pour l'élection présidentielle de 2004. Le 1er février 2004, Combs (sous le nom de P. Diddy) s'est produit au spectacle de mi-temps du Super Bowl XXXVIII. 2005-09 : « Diddy » et Appuyez sur Play Le 16 août 2005, Combs a annoncé dans Today qu'il modifiait encore une fois son nom de scène ; il s'appellerait "Diddy". Combs a déclaré que les fans ne savaient pas comment s'adresser à lui, ce qui a semé la confusion. En novembre 2005, l'artiste musical et DJ basé à Londres Richard Dearlove, qui se produisait sous le nom de « Diddy » depuis 1992 – neuf ans avant que Combs ne commence même à utiliser « P. Diddy » – a demandé une injonction à la Haute Cour de justice de l'État. Londres. Il a accepté un règlement à l'amiable de 10 000 £ de dommages et intérêts et de plus de 100 000 £ de dépens. Combs ne peut plus utiliser le nom de Diddy au Royaume-Uni, où il est toujours connu sous le nom de P. Diddy. Une accusation d'agression contre Combs déposée par l'animateur de télévision du Michigan Rogelio Mills a été résolue en faveur de Combs en 2005. Combs a joué dans le film de 2005 Carlito's Way : Rise to Power. Il a joué Walter Lee Younger dans la reprise à Broadway de A Raisin in the Sun en 2004 et dans l'adaptation télévisée diffusée en février 2008. En 2005, Combs a vendu la moitié de sa maison de disques au Warner Music Group. Il a accueilli les MTV Video Music Awards 2005 et a été nommé l'une des 100 personnes les plus influentes de 2005 par le magazine Time. Il a été mentionné dans la chanson country "Play Something Country" de Brooks & Dunn : le parolier dit qu'il "n'est pas venu entendre P. Diddy", qui rime avec "quelque chose qui vient de la ville". En 2006, lorsque Combs a refusé de libérer le musicien Mase de ses obligations contractuelles pour lui permettre de rejoindre le groupe G-Unit, 50 Cent a enregistré une chanson dis, "Hip-Hop". Les paroles impliquent que Combs connaissait l'identité du meurtrier de The Notorious B.I.G. Les deux ont ensuite résolu la querelle. Combs a sorti son premier album en quatre ans, Press Play, le 17 octobre 2006 sur le label Bad Boy Records. L'album, avec des apparitions de nombreux artistes populaires, a fait ses débuts au numéro un du classement américain Billboard 200 avec des ventes de plus de 173 009 exemplaires. Ses singles "Come to Me" et "Last Night" ont tous deux atteint le top dix du Billboard Hot 100. L'album est devenu disponible en avant-première sur The Leak de MTV le 10 octobre 2006, une semaine avant d'être vendu en magasin. Press Play a reçu des critiques mitigées à positives de la part des critiques et a été certifié Or selon les classements RIAA. Le 18 septembre 2007, Combs s'est associé à 50 Cent et Jay-Z pour le "Forbes I Get Money Billion Dollar Remix". En mars 2008, le Los Angeles Times a affirmé que The Notorious B.I.G. et Combs ont orchestré le vol et la fusillade de Tupac en 1994, étayant cette affirmation avec de supposés documents du FBI ; le journal a ensuite rétracté l'article, reconnaissant que les documents avaient été fabriqués. Dexter Isaac, un associé du directeur de la gestion de disques Jimmy Henchman, a avoué en 2012 qu'il avait tiré sur Tupac sur ordre de Henchman. En juin 2008, le représentant de Combs a démenti les rumeurs d'un autre changement de nom. Combs s'est aventuré dans la télé-réalité en août 2008 avec la première de sa série VH1 Je veux travailler pour Diddy. Après la finale de la saison de Making The Band 4, Combs a déclaré qu'il retournerait en studio pour enregistrer son prochain album. Dans une interview avec le Daily Mail, il a déclaré: "J'avais Christina Aguilera sur mon dernier album, mais tout tourne autour de Leona Lewis sur mon prochain." Il est apparu — crédité sous son vrai nom — dans deux épisodes de la saison 7 des Experts : Miami : « Présumé coupable » et « Couler ou nager », dans le rôle de l'avocat Derek Powell. 2010-13 : Dirty Money et jeu d'acteur Combs a créé un supergroupe de rap en 2010 connu sous le nom de The Dream Team. Le groupe est composé de Combs, Rick Ross, DJ Khaled, Fat Joe, Busta Rhymes, Red Café et Fabolous. Combs a fait une apparition au spectacle live du comédien Chris Gethard en janvier 2010 au Upright Citizens Brigade Theatre de New York. En juin 2010, Combs a joué un rôle (crédité sous le nom de Sean Combs) dans le film comique Amenez-le au grec, dans le rôle de Sergio Roma, un dirigeant d'une maison de disques. Un représentant de la série Entourage a annoncé que Combs serait l'invité vedette d'un épisode au cours de la saison 2010. Last Train to Paris est sorti par le groupe Diddy - Dirty Money de Combs le 13 décembre 2010. La sortie a été précédée de quatre singles "Angels", "Hello Good Morning", "Loving You No More" et "Coming Home", qui a connu un succès mitigé sur le Billboard Hot 100. "Coming Home" a été la chanson la plus réussie, atteignant la douzième place du US Hot 100, la quatrième au Royaume-Uni et la septième au Canada. Le 10 mars 2011, Diddy – Dirty Money a interprété "Coming Home" en direct sur American Idol. Le 18 avril 2011, Combs est apparu dans la première saison de Hawaii Five-0, invité dans le rôle d'un détective infiltré du NYPD. En novembre 2012, Combs est apparu dans un épisode de la huitième saison de la sitcom américaine It's Always Sunny in Philadelphia. 2014-présent : MMM (Money Making Mitch) et No Way Out 2 Le 26 février 2014, Combs a créé "Big Homie", avec Rick Ross et French Montana, comme premier single de sa mixtape MMM (Money Making Mitch), dont la sortie était initialement prévue cette année-là. La chanson est sortie en téléchargement numérique le 24 mars et deux jours plus tard, la bande-annonce du clip est sortie. La version complète du clip est sortie le 31 mars. Combs utilise son ancien nom de scène Puff Daddy pour l'album. MMM est sorti sous forme d'album mixtape gratuit de 12 titres le 4 novembre 2015. En 2014, Puff et Guy Gerber ont annoncé que leur album commun 11 11 serait disponible en téléchargement gratuit. Un nouveau single intitulé "Finna Get Loose" avec Combs et Pharrell Williams est sorti le 29 juin 2015. En juillet 2015, Gizzle, artiste de Bad Boy Entertainment, a déclaré à la presse qu'elle collaborait avec Combs sur ce qu'elle décrit comme son dernier album, intitulé No Way Out 2, une suite de ses débuts en 1997. Elle décrit la musique comme unique : "L'état d'esprit est simplement d'être classique et épique. Et pour être vraiment à la hauteur ... nous savons que c'est un défi de taille, mais nous relevons le défi." En avril 2016, Combs a annoncé qu'après ce dernier album et cette dernière tournée, il prévoyait de se retirer de l'industrie musicale pour se concentrer sur le métier d'acteur. Carrière commerciale Le magazine Fortune a classé Combs au douzième rang de son top 40 des entrepreneurs de moins de 40 ans en 2002. Le magazine Forbes estime que pour l'année se terminant en mai 2012, Combs a gagné 45 millions de dollars, le classant au quinzième rang des musiciens. En 2015, sa valeur nette estimée était de 735 millions de dollars. Sean John En 1998, Combs a lancé une ligne de vêtements, Sean John. Elle a été nominée pour le prix du créateur de vêtements pour hommes de l'année du Council of Fashion Designers of America (CFDA) en 2000 et a remporté le prix en 2004. La ligne de vêtements est devenue le sujet d'une controverse en 2003, lorsque le Comité national du travail a révélé que les usines produisant le les vêtements au Honduras violaient la législation du travail hondurienne. Parmi les accusations figuraient que les travailleuses avaient été soumises à des fouilles corporelles et à des tests de grossesse involontaires. Les salles de bains étaient verrouillées et l'accès étroitement contrôlé. Les employés étaient obligés de faire des heures supplémentaires et recevaient des salaires d'atelier clandestin. Charles Kernaghan, du Comité national du travail, a déclaré au New York Times que « Sean Puff Daddy a évidemment beaucoup d'influence, il peut littéralement faire beaucoup du jour au lendemain pour aider ces travailleurs ». Combs a répondu par une enquête approfondie, déclarant aux journalistes "Je suis aussi pro-travailleur que possible". Le 14 février 2004, Kernaghan a annoncé que des améliorations avaient été mises en œuvre à l'usine, notamment l'ajout de systèmes de climatisation et de purification d'eau, le licenciement des superviseurs les plus abusifs et l'autorisation de la formation d'un syndicat. Fin 2006, le grand magasin Macy's a retiré les vestes Sean John de ses étagères après avoir découvert que les vêtements étaient fabriqués à partir de fourrure de chien (d'une espèce appelée chien viverrin). Combs ne savait pas que les vestes étaient fabriquées avec de la fourrure de chien, mais dès qu'il a été alerté, il a arrêté la production. En novembre 2008, Combs a ajouté un parfum pour hommes appelé « I Am King » à la marque Sean John. Le parfum, dédié à Barack Obama, Muhammad Ali et Martin Luther King, mettait en vedette le mannequin Bar Refaeli dans ses publicités. Autres entreprises En plus de sa ligne de vêtements, Combs possédait deux restaurants appelés Justin's, du nom de son fils. Le site d'origine de New York a fermé ses portes en septembre 2007 ; le site d'Atlanta a fermé ses portes en juin 2012. Il est le concepteur du maillot alternatif des Dallas Mavericks. En octobre 2007, Combs a accepté d'aider au développement de la marque de vodka Cîroc pour une part de 50 pour cent des bénéfices. Combs a acquis la ligne de vêtements Enyce de Liz Claiborne pour 20 millions de dollars le 21 octobre 2008. Combs détient une participation importante dans Revolt TV, une chaîne de télévision qui possède également une branche de production cinématographique. Sa diffusion a commencé en 2014. En février 2015, Combs s'est associé à l'acteur Mark Wahlberg et à l'homme d'affaires Ronald Burkle de Yucaipa Companies pour acheter une participation majoritaire dans Aquahydrate, une boisson sans calories destinée aux athlètes. John Cochran, ancien président de Fiji Water, est PDG de la société. Vie privée Famille Combs est père de six enfants. Son premier enfant, Justin, est né en 1993 de sa chérie du lycée, la créatrice Misa Hylton-Brim. Justin fréquente l'UCLA grâce à une bourse de football. Combs a eu une relation intermittente avec Kimberly Porter, qui a duré de 1994 à juillet 2007. Il a adopté et élevé Quincy (né en 1991), le fils de Porter issu d'une relation antérieure avec le chanteur/producteur Al B. Sure. Ensemble, ils ont eu un fils Christian (né en 1998) et des filles jumelles D'Lila Star et Jessie James (nées le 21 décembre 2006). Cinq mois avant la naissance de ses jumeaux, sa fille Chance est née de Sarah Chapman. Il a assumé la responsabilité juridique de Chance en octobre 2007. Les fils de Combs, Quincy et Justin, sont tous deux apparus dans l'émission My Super Sweet 16 de MTV. Combs a organisé à Quincy une fête remplie de célébrités et lui a offert deux voitures comme cadeau de son seizième anniversaire. Pour le seizième anniversaire de Justin, Combs lui a offert une voiture Maybach d'une valeur de 360 ​​000 $, avec chauffeur. Combs possède une maison à Alpine, dans le New Jersey, qu'il a achetée pour 7 millions de dollars. Œuvre caritative et honneurs Combs a fondé Daddy's House Social Programs, une organisation pour aider les jeunes des quartiers défavorisés, en 1995. Les programmes comprennent du tutorat, des cours de compétences de vie et un camp d'été annuel. Aux côtés de Jay-Z, il a promis 1 million de dollars pour aider les victimes de l'ouragan Katrina en 2005 et a fait don de vêtements de sa ligne Sean John aux victimes. Il a fait don d'ordinateurs et de livres aux écoles de New York. Le maire de Chicago, Richard M. Daley, a nommé le 13 octobre 2006 « Diddy Day » en l'honneur du travail caritatif de Combs. En 2008, Combs a reçu une étoile sur le Hollywood Walk of Fame. En 2014, Combs a reçu un doctorat honorifique de l'Université Howard, où il a été le conférencier principal de sa 146e cérémonie d'ouverture. Dans son discours, Combs a reconnu que ses expériences en tant qu'étudiant de Howard avaient influencé positivement sa vie. Style de garde-robe Combs décrit son style de garde-robe comme « fanfaron, intemporel et diversifié ». Le 2 septembre 2007, Combs a organisé sa neuvième « White Party » annuelle, au cours de laquelle les invités sont limités à un code vestimentaire entièrement blanc. La White Party, qui a également eu lieu à Saint-Tropez, s'est déroulée à son domicile d'East Hampton, à Long Island. Combs a déclaré: "Cette fête est parmi les trois premières que j'ai organisées. C'est une fête qui a un statut légendaire. Il est difficile d'organiser une fête à la hauteur de sa légende." Problèmes juridiques Le 22 juin 2015, Combs a été arrêté pour agression avec une arme mortelle par le département de police de l'Université de Californie à Los Angeles. Il a été accusé d'avoir agressé l'un des entraîneurs de football de son fils après avoir vu l'entraîneur crier après son fils. Son fils, Justin Combs, joue au football pour les Bruins de l'UCLA. Discographie Albums studios * Pas d'issue (1997) * Pour toujours (1999) * La saga continue... (2001) * Appuyez sur Play (2006) * Dernier train pour Paris (2010) *MMM (2015) * Pas d'issue 2 (2016) Filmographie * Réalisé (2001) * Le bal des monstres (2001) * MTV Video Music Awards 2005 (2006) * Sans couture (2005) * Carlito's Way : montée au pouvoir (2005) * Un raisin au soleil (2008) * Amenez-le au grec (2010) * Journée de repêchage (2014) * Les Muppets les plus recherchés (2014) Distinctions Prix ​​​​de l'image de la NAACP * 2009, Acteur exceptionnel dans un téléfilm, une mini-série ou un spécial dramatique, A Raisin in the Sun (Gagnant) Prix ​​PARI * 2007, Meilleur artiste hip hop masculin (nominé) Prix ​​​​de la musique vidéo MTV Grammy Awards |- | style"text-align:center;" envergure "6"| 1998 | Papa Puff | Meilleur nouvel artiste | |- | Sans issue | Meilleur album rap | |- | "Chérie" (en tant qu'auteur-compositeur) | Meilleure chanson rythmique et blues | |- | "Tu vas me manquer" (avec Faith Evans & 112) | rowspan="7"|Meilleure performance rap par un duo ou un groupe | |- | "Mo Money Mo Problems" (avec The Notorious B.I.G. & Mase) | |- | "Personne ne peut me retenir" (avec Mase) | |- | style"text-align:center;"| 2000 | "Vous satisfaire" (avec R. Kelly) | |- | style"text-align:center;"| 2002 | "Bad Boy for Life" (avec Black Rob et Mark Curry) | |- | style"text-align:center;"| 2003 | "Passez le Courvoisier, Partie II" (avec Busta Rhymes & Pharrell) | |- | style"text-align:center;"| 2004 | "Shake Ya Tailfeather" (avec Nelly et Murphy Lee) | |- | style="text-align:center;"| 2016 | "All Day" (en tant qu'auteur-compositeur) | Meilleure chanson rap | |- Les 500 plus grands albums de tous les temps selon Rolling Stone (albums produits par Sean Combs) Citations Sources * * *

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Dans quel État américain se trouve le musée Isabella Stewart Gardner ?

Massachusetts

Le musée Isabella Stewart Gardner (ISGM) ou Fenway Court, comme on l'appelait du vivant d'Isabella Stewart Gardner, est un musée situé dans le quartier Fenway-Kenmore de Boston, dans le Massachusetts, situé à quelques pas du musée des beaux-arts (bien que le L'emplacement du Musée des Beaux-Arts sur Huntington Avenue a été construit après Fenway Court) et à proximité des Back Bay Fens. Le musée abrite une collection d'art d'importance mondiale, comprenant des exemples significatifs d'art européen, asiatique et américain, des peintures et sculptures aux tapisseries et arts décoratifs. En 1990, treize œuvres du musée ont été volées ; le crime très médiatisé n'est toujours pas résolu et l'emplacement de l'œuvre d'art est toujours inconnu. Aujourd'hui, le musée accueille des expositions d'art historique et contemporain, ainsi que des concerts, des conférences, des programmes familiaux et communautaires et des expositions changeantes dans la cour. Conformément à la volonté d'Isabella Stewart Gardner, l'entrée est à prix réduit pour ceux qui portent des souvenirs des Red Sox de Boston et est gratuite pour toute personne nommée Isabella. Histoire Le musée a été constitué en société en 1900 et ouvert en 1903 par Isabella Stewart Gardner (1840-1924), collectionneuse d'art, philanthrope et mécène américaine. Il est situé dans un bâtiment conçu pour imiter un palais vénitien du XVe siècle, s'inspirant particulièrement du palais vénitien Barbaro. Gardner a commencé à collectionner sérieusement après avoir reçu un héritage important de son père en 1891. Son achat du Concert de Vermeer aux enchères à Paris en 1892 fut sa première acquisition majeure. En 1894, Bernard Berenson lui propose ses services pour l'aider à acquérir un Botticelli. Avec son aide, Gardner est devenu le premier Américain à posséder un tableau du maître de la Renaissance. Berenson a aidé à acquérir près de 70 œuvres d'art pour sa collection. Après la mort de son mari John L. Gardner en 1898, Isabella Gardner a réalisé leur rêve commun : construire un musée pour leurs trésors. Elle a acheté un terrain pour le musée dans le quartier marécageux de Fenway à Boston et a embauché l'architecte Willard T. Sears pour construire un musée sur le modèle des palais Renaissance de Venise. Gardner a cependant été profondément impliqué dans tous les aspects de la conception, ce qui a amené Sears à plaisanter en disant qu'il n'était que l'ingénieur en structure qui a rendu la conception de Gardner possible. Une fois la construction du bâtiment terminée, Gardner a passé une année complète à installer soigneusement sa collection d'une manière qui évoque des réponses intimes à l'art, en mélangeant des peintures, des meubles, des textiles et des objets de différentes cultures et périodes parmi des peintures et sculptures européennes bien connues. . Les installations de la galerie étaient très différentes de ce qu’elles apparaissent aujourd’hui. La salle des premières peintures italiennes, par exemple, lui servit de salle chinoise jusqu'en 1914 environ. Le musée a ouvert ses portes le 1er janvier 1903 avec une grande célébration comprenant une représentation de membres de l'Orchestre Symphonique de Boston et un menu comprenant du champagne et des beignets. Du vivant de Gardner, elle a accueilli des artistes, des interprètes et des universitaires à Fenway Court pour s'inspirer de la riche collection et du cadre vénitien éblouissant, notamment John Singer Sargent, Charles Martin Loeffler et Ruth St. Denis, entre autres. Gardner a également accueilli occasionnellement des expositions d'artistes au sein de Fenway Court, dont celle d'Anna Coleman Ladd. Aujourd'hui, le programme d'artistes contemporains en résidence du musée, les expositions dans les jardins de la cour, les concerts et les programmes éducatifs innovants perpétuent l'héritage d'Isabella Gardner. À la mort d'Isabella Stewart Gardner en 1924, son testament créait une dotation de 1 million de dollars et décrivait les stipulations du soutien du musée, y compris l'obligation que sa collection soit exposée en permanence « pour l'éducation et le plaisir du public pour toujours » selon son esthétique. vision et intention. Gardner a stipulé que si ses souhaits pour le musée n'étaient pas honorés, la propriété et la collection devaient être vendues et l'argent donné à l'Université Harvard. Gardner a nommé son secrétaire et ancien bibliothécaire du Musée des Beaux-Arts de Boston, Morris Carter (1877-1965), comme premier directeur du musée. Carter a catalogué toute la collection et a écrit la biographie définitive de Gardner, Isabella Stewart Gardner et Fenway Court. George L. Stout (1897-1978), Monuments Man, a été le deuxième directeur du musée. Père de la conservation moderne, Stout a assuré la préservation à long terme de la collection et de la structure historique. Rollin Van Nostrand Hadley (1927-1992) est devenu le troisième directeur du musée en 1964. Quittant le musée avec un héritage mitigé en 1988, Hadley a publié plusieurs catalogues et articles sur la collection au cours de son mandat, mais a également cédé une grande partie des œuvres d'art asiatiques du musée en 1971. Anne Hawley a été directrice du musée de 1989 à 2015. Elle a été nommée résidente à l'Institute of Politics de Harvard depuis le printemps 2016. La directrice actuelle du musée est Peggy Fogelman. Conception Construit pour évoquer un palais vénitien du XVe siècle, le musée lui-même offre un cadre atmosphérique à la création inventive d'Isabella Stewart Gardner. Gardner a embauché Willard T. Sears pour concevoir le bâtiment près des marécageuses de Back Bay Fens afin d'abriter sa collection d'art grandissante. À l’intérieur du musée, trois étages de galeries entourent une cour-jardin fleurie de vie en toutes saisons. On croit souvent à tort que le bâtiment a été importé de Venise en Amérique et reconstruit. Il a été construit à Boston à partir de nouveaux matériaux, incorporant de nombreux fragments architecturaux de structures gothiques et Renaissance européennes. Des éléments anciens sont intégrés à la conception de ce bâtiment du début du siècle. Des carreaux spéciaux ont été conçus sur mesure pour les sols, du béton moderne a été utilisé pour certains éléments structurels et des chapiteaux antiques reposent sur des colonnes modernes. La cour intérieure du jardin est couverte par une verrière, avec une structure porteuse en acier originale au bâtiment. Le musée Gardner est très admiré pour l'atmosphère intimiste dans laquelle sont exposées ses œuvres d'art et pour sa cour fleurie. La plupart des œuvres d'art ne sont pas étiquetées et l'éclairage généralement faible s'apparente davantage à une maison privée qu'à un musée d'art moderne. En 2013, le musée a été désigné monument de Boston par la Boston Landmarks Commission. Collection Isabella Stewart Gardner a rassemblé et soigneusement exposé une collection de plus de 2 500 objets (peintures, sculptures, meubles, textiles, éléments architecturaux, dessins, argenterie, céramiques, manuscrits enluminés, livres rares, photographies et lettres) de la Rome antique, de l'Europe médiévale, de la Renaissance. L'Italie, l'Asie, le monde islamique, la France et l'Amérique du XIXe siècle. Parmi les artistes représentés dans les galeries figurent Titien, Rembrandt, Michel-Ange, Raphaël, Botticelli, Manet, Degas, Whistler et Sargent. Le premier Matisse à entrer dans une collection américaine est abrité dans la Chambre Jaune. Les œuvres d'art bien connues de la collection du musée comprennent Le Viol d'Europe de Titien, El Jaleo et Portrait d'Isabella Stewart Gardner de John Singer Sargent, Mort et Assomption de la Vierge de Fra Angelico, Autoportrait de Rembrandt, 23 ans, Bindo Altoviti de Cellini et Piero. Hercule de della Francesca. Les archives contiennent plus de 7 000 lettres provenant de 1 000 correspondants, dont Henry Adams, T.S. Eliot, Sarah Bernhardt et Oliver Wendell Holmes, en plus des albums de voyage, des reçus des marchands et des livres d'or. Les galeries contiennent également la collection de livres peu connue mais vaste d'Isabella Stewart Gardner, qui comprend les premières éditions imprimées et les manuscrits de Dante, les œuvres du miniaturiste Jean Bourdichon, les incunables et les manuscrits enluminés. Projet d'extension et de préservation En 2002, après un processus de planification générale de deux ans, le conseil d'administration du musée a déterminé qu'une nouvelle aile était nécessaire pour préserver le bâtiment historique et fournir des espaces améliorés pour les programmes qui perpétuent l'héritage d'Isabella Gardner. En 2004, l'architecte Renzo Piano, lauréat du prix Pritzker, et l'atelier de construction Renzo Piano (Gênes, Italie) ont été sélectionnés pour concevoir la nouvelle aile. La conception de la nouvelle aile est conçue comme un complément respectueux au bâtiment historique du musée en termes d'échelle, de forme et de matériaux. En mars 2009, la Cour judiciaire suprême du Massachusetts a approuvé les plans du musée, confirmant que le projet est conforme à l'objectif principal du testament d'Isabella Stewart Gardner et qu'il est dans l'intérêt public. Le projet a également reçu l’approbation de toutes les agences compétentes d’examen de la préservation et du développement de la ville et de l’État. La nouvelle extension comprend des espaces pour les services aux visiteurs, des concerts, des expositions spéciales et des programmes éducatifs et paysagers, renforçant ainsi l'héritage d'Isabella Gardner en matière d'art, de musique et d'horticulture tout en réduisant la pression du 21e siècle sur la collection et les galeries. La date d'achèvement était 2012 et le projet a coûté 118 millions de dollars. Vol d'art de 1990 Aux petites heures du matin du 18 mars 1990, deux voleurs déguisés en policiers de Boston sont entrés dans le musée et ont volé treize œuvres d'art. La valeur totale des pièces volées a été estimée à 500 millions de dollars, faisant de ce vol le plus grand vol de propriété de l'histoire du monde. Parmi les œuvres volées figurait Le Concert, l'une des 34 œuvres connues de Vermeer et considérée comme la peinture non retrouvée la plus précieuse, avec plus de 200 millions de dollars. Il manque également La Tempête sur la mer de Galilée, le seul paysage marin connu de Rembrandt. Malgré les efforts du FBI, les œuvres n'ont pas encore été retrouvées. L'affaire n'est toujours pas résolue, le musée offrant une récompense de 5 millions de dollars pour toute information permettant de récupérer l'œuvre d'art. Des cadres vides sont suspendus dans la galerie Dutch Room comme espaces réservés pour les œuvres manquantes, dans l'espoir de leur retour. La sélection des œuvres volées a intrigué les experts, car des œuvres d'art de plus grande valeur étaient présentes dans le musée. Selon le FBI, les œuvres d'art volées ont été déplacées dans la région et mises en vente à Philadelphie au début des années 2000. Ils pensent que les voleurs étaient membres d’une organisation criminelle basée au centre de l’Atlantique et en Nouvelle-Angleterre. Programmes actuels Le Gardner Museum produit régulièrement des expositions scientifiques, ainsi que des conférences, des programmes familiaux et des colloques, qui donnent un aperçu de la collection historique. Grâce au programme d'artistes en résidence du Gardner, des artistes de nombreuses disciplines sont invités à vivre et à s'inspirer du musée. Le musée accueille souvent des expositions d'art contemporain, des performances et des programmes d'artistes en résidence. La série de concerts du Gardner accueille des musiciens et des artistes émergents pour interpréter des chefs-d'œuvre classiques, de la nouvelle musique et du jazz le dimanche après-midi et certains jeudis soir. La programmation musicale est également disponible sous forme de vidéos de concerts, d'enregistrements audio et d'un podcast gratuit de musique classique. Reflétant la passion d'Isabella Gardner pour l'horticulture et la conception de jardins, la cour intérieure du Gardner est une œuvre d'art étonnante, combinant des expositions horticoles en constante évolution avec des sculptures et des éléments architecturaux. L'interaction unique entre la cour et les galeries du musée offre aux visiteurs une nouvelle vue sur la cour depuis presque toutes les pièces, invitant à des liens entre l'art et le paysage. Des programmes tels que la série de conférences Landscape Visions et les heures spéciales Ask the Gardener engagent davantage les visiteurs dans l'art du paysage. Le Gardner propose une variété de réductions sur les entrées. Parce qu'Isabella Gardner était une fan des Red Sox, les visiteurs portant l'attirail des Red Sox bénéficient d'une réduction sur l'entrée. Également en l'honneur de sa fondatrice, le musée propose une entrée gratuite et des événements spéciaux occasionnels pour toute personne nommée Isabella. De plus, les visiteurs bénéficient d'une entrée gratuite au musée le jour de leur anniversaire. Expositions récentes Des expositions Voici une liste des expositions de Gardner depuis 2002. Expositions d'art contemporain Le Gardner a également accueilli les expositions d'art contemporain suivantes. Galerie Fichier : Piero, hercules.jpg|Hercules de Piero della Francesca (après 1465) Fichier : Michel-Ange, Étude pour la Colonna Pietà.jpg | Étude pour la Colonna Pietà (vers 1538) de Michel-Ange Fichier:Domenico Tintoretto - Dame en noir.jpg|Dame en noir (1598–99) par Tintoret Fichier : Rembrandt van Rijn 198.jpg|Autoportrait, âgé de 23 ans (1629) par Rembrandt Fichier:EL JALEO-SINGER.jpg|El Jaleo (1882) de John Singer Sargent Fichier:Zorn, Anders - Isabella Stewart Gardner à Venise - 1894.jpg|Isabella Stewart Gardner à Venise (1894) par Anders Zorn

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L'aéroport international de Benina se trouve dans quel pays ?

Libye

L'aéroport international de Benina () dessert Benghazi, en Libye. Il est situé dans la ville de Benina, à 19 kilomètres (12 mi) à l'est de Benghazi, d'où il tire son nom. L'aéroport est exploité par le Bureau de l'aviation civile et de la météorologie de Libye et est le deuxième plus grand du pays après l'aéroport international de Tripoli. Benina International est également la plaque tournante secondaire de Buraq Air et de la compagnie nationale Libyen Airlines. Depuis le 17 juillet 2014, tous les vols vers l'aéroport ont été suspendus en raison des combats dans la région. Histoire Pendant la Seconde Guerre mondiale, l'aéroport a été utilisé par la neuvième force aérienne de l'armée de l'air américaine pendant la campagne du désert oriental. Connu sous le nom d'aérodrome de Souch, il a été utilisé par le 376e groupe de bombardement, qui a piloté des bombardiers lourds B-24 Liberator depuis l'aérodrome entre le 22 février et le 6 avril 1943. Une fois les unités de combat déplacées vers l'ouest, il a été utilisé comme plate-forme logistique par le transport aérien. Commande. Il servait d'escale en route vers Payne Field près du Caire ou vers Mellaha Field près de Tripoli sur la route de transport nord-africaine Le Caire-Dakar pour le fret, les avions en transit et le personnel. Un nouveau terminal d'une capacité de 5 millions de passagers devait être développé au nord de la piste existante à Benina International dans le cadre d'un premier contrat de 720 millions LYD (415 millions d'euros) attribué à la société canadienne SNC-Lavalin à partir de 2008. Le coût final était de estimé à 1,1 milliard LYD (630 millions €). Comme pour l'aéroport international de Tripoli, le nouveau terminal a été conçu par Aéroports de Paris Engineering. Les travaux préliminaires et la préparation du site ont commencé en mai 2008, mais on ne sait toujours pas quand le terminal sera ouvert à l'exploitation. Le contrat pour l'aéroport international de Benina comprenait la construction d'un nouveau terminal international, d'une piste et d'une aire de trafic. Le nouvel aéroport aurait fait partie d'un vaste nouveau programme d'infrastructure entrepris par le gouvernement libyen dans tout le pays. En , les forces fidèles à Mouammar Kadhafi ont bombardé l'aéroport. Aucun dommage n’a été signalé aux installations. L'aéroport est fermé depuis le 16 mai 2014, en raison d'affrontements dans la zone entre milices et forces fidèles au général Khalifa Haftar. Depuis le 1er août 2014, les compagnies aériennes internationales ont suspendu tous leurs vols vers la Libye. Depuis le 5 août 2015, l'aéroport est fermé au trafic passagers. Compagnies aériennes et destinations Passager Depuis décembre 2015, Air Libye opère à partir de l'aéroport international de Benina et exploite des vols vers Tripoli, Alexandrie, Kufra et Tunis, tandis que Libyen Airlines opère vers Amman et Kufra. Cargaison Accidents et incidents *Le 4 avril 1943, Lady Be Good, un B-24 Liberator de la Seconde Guerre mondiale basé à Soluch Field, a raté l'aéroport alors qu'il revenait d'une mission de bombardement en Italie. Il s'est écrasé dans le désert libyen à 699 km au sud-est de Soluch Field et a été perdu pendant 15 ans. *Le 9 août 1958, un Vickers Viscount immatriculé VP-YNE de Central African Airways s'est écrasé à 9 kilomètres (5,6 mi) au sud-est de l'aéroport international de Benina, tuant 36 des 54 personnes à bord.

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Quel est le premier film de Beloved en 1999 depuis La Couleur Pourpre en 1985 ?

Oprah Winfrey

Beloved est un film d'horreur américain de 1998 basé sur le roman du même nom de Toni Morrison de 1987, réalisé par Jonathan Demme et mettant en vedette Oprah Winfrey, Danny Glover et Thandie Newton. L'intrigue est centrée sur une ancienne esclave après la guerre civile américaine, sa hantise par un poltergeist et la visite de sa fille réincarnée qu'elle a assassinée par désespoir pour la sauver d'un propriétaire d'esclaves. Bien qu'il soit une bombe au box-office, Beloved a reçu une nomination aux Oscars pour la meilleure conception de costumes pour Colleen Atwood, et Danny Glover et Kimberly Elise ont reçu des éloges pour leurs performances. Parcelle Sethe est une ancienne esclave vivant à la périphérie de Cincinnati peu après la guerre civile. Un poltergeist en colère terrorise Sethe et ses trois enfants, provoquant la fuite de ses deux fils pour toujours. Huit ans plus tard, Sethe (Oprah Winfrey) vit seule avec sa fille, Denver (Kimberly Elise). Paul D. (Danny Glover), un vieil ami de Sweet Home, la plantation dont Sethe s'était échappé des années plus tôt, trouve la maison de Sethe, où il chasse l'esprit en colère. Ensuite, Paul D. lui propose de rester et Sethe répond favorablement. Peu de temps après que Paul D. ait emménagé, une jeune femme propre et handicapée mentale (Thandie Newton) nommée Beloved tombe par hasard dans la cour de Sethe et reste également avec eux. Denver est d'abord heureuse d'avoir Beloved dans les parages, mais apprend qu'elle est la fille réincarnée de Sethe. Néanmoins, elle choisit de ne pas divulguer les origines de Beloved à Sethe. Une nuit, Beloved, conscient que Paul D. ne l'aime pas, l'immobilise avec un sort et procède à l'agresser sexuellement. Paul D. décide de dire à Sethe ce qui s'est passé, mais raconte à la place ce qui est arrivé à un collègue, Stamp Paid (Albert Hall). Stamp Paid, qui connaît Sethe depuis de nombreuses années, sort une coupure de journal mettant en vedette Sethe et raconte son histoire à l'analphabète Paul D. Il y a des années, Sethe a été violée par les neveux de Schoolteacher, le propriétaire de Sweet Home. Elle s'est plainte auprès de Mme Garner, la belle-sœur de l'institutrice, qui l'a confronté. En représailles, l'instituteur et ses neveux fouettent Sethe. Très enceinte de son quatrième enfant, Sethe envisageait de s'enfuir. Ses autres enfants ont été envoyés plus tôt vivre avec Baby Suggs, la belle-mère de Sethe, mais Sethe est restée sur place pour chercher son mari, Halle (Hill Harper). Sethe a été agressée alors qu'elle le cherchait dans la grange. Les neveux de l'institutrice l'ont maintenue au sol, l'ont violée et lui ont arraché de force le lait maternel. Lorsque Halle n'a pas obéi, Sethe s'est enfuie seule. Elle a croisé la route d'Amy Denver, une fille blanche qui a soigné les blessures de Sethe et a accouché de l'enfant de Sethe, que Sethe a nommé Denver en l'honneur d'Amy. Sethe a finalement atteint la maison de Baby Suggs, mais son bonheur initial a été de courte durée lorsque l'institutrice est venue réclamer Sethe et ses enfants. En désespoir de cause, Sethe tranche la gorge de sa fille aînée et tente de tuer ses autres enfants. Stamp Paid parvient à l'arrêter et l'instituteur dégoûté s'en va. Paul D., horrifié par la révélation et comprenant soudain l'origine du poltergeist, confronte Sethe. Sethe justifie sa décision sans excuses, affirmant que ses enfants feraient mieux d'être morts que réduits en esclavage. Paul D. part peu de temps après en signe de protestation. Après le départ de Paul D., Sethe se rend compte que Beloved est la réincarnation de sa fille décédée. Se sentant à la fois ravie et coupable, Sethe gâte Beloved avec des cadeaux élaborés tout en négligeant Denver. Bien-aimée fait bientôt une crise de colère destructrice et sa présence malveillante provoque une détérioration des conditions de vie dans la maison. Les femmes vivent dans la misère et Sethe est incapable de travailler. Denver devient déprimée mais, inspirée par le souvenir de la confiance de sa grand-mère en elle, elle finit par trouver le courage de quitter la maison et de chercher un emploi. Une fois que Denver a trouvé un emploi, des femmes de l'église locale visitent la maison de Sethe à la demande de son nouveau collègue pour effectuer un exorcisme. Les femmes de l'église réconfortent la famille, et elles prient et chantent fort lorsque le nouvel employeur de Denver arrive pour la chercher au travail. Sethe le voit et, rappelant l'arrivée du professeur, tente de l'attaquer avec un pic à glace, mais est maîtrisée par Denver et les femmes. Pendant l'agitation, Beloved disparaît complètement et Sethe, libérée de l'emprise de Beloved, devient définitivement clouée au lit. Quelques mois plus tard, Paul D. rencontre Denver au marché. Il remarque qu'elle s'est transformée en une jeune femme confiante et mature. Lorsque Paul D. arrive plus tard chez Sethe, il la trouve souffrant d'un profond malaise. Il assure à Sethe que lui et Denver vont désormais prendre soin d'elle. Sethe lui dit qu'elle n'en voit pas l'intérêt, car Beloved, sa "meilleure chose", a disparu. Paul D. n'est pas d'accord, disant à Sethe qu'elle-même est ce qu'elle a de mieux. Casting *Oprah Winfrey dans le rôle de Sethe *Danny Glover dans le rôle de Paul D. * Thandie Newton dans le rôle de la bien-aimée * Kimberly Elise dans le rôle de Denver * Hill Harper dans le rôle de Halle * Beah Richards dans le rôle de Baby Suggs * Lisa Gay Hamilton dans le rôle de Sethe la jeune * Jason Robards dans le rôle de M. Bodwin * Harry Northup comme shérif * Jude Ciccolella comme professeur d'école * Wes Bentley comme neveu de l'instituteur * Irma P. Hall dans le rôle d'Ella * Dorothy Love Coates dans le rôle de M. Lucille Williams Production Avant que Morrison ne reçoive le prix Pulitzer pour Beloved, Winfrey a acheté les droits du roman en 1987 ; la traduction au cinéma a ensuite eu lieu une décennie plus tard. Il y a eu un conflit sur le crédit du scénario, Akosua Busia exigeant le crédit exclusif et affirmant qu'Adam Brooks et Richard LaGravenese en avaient trop. WGA a donné du crédit aux trois. Busia a déclaré qu'ils n'étaient tous guère plus que des script doctor. Lieux de tournage Les lieux de tournage comprenaient une scène sonore à Philadelphie, en Pennsylvanie et un champ dans la zone de gestion des ressources naturelles de Fair Hill, dans le comté de Cecil, dans le Maryland, à un endroit juste à l'est de Big Elk Creek et juste au sud de la frontière avec le comté de Chester, en Pennsylvanie. En 1998, l'État du Maryland a compilé un document comprenant une carte de localisation et des photographies des bâtiments construits pour le film tels qu'ils se trouvaient à Fair Hill NRMA. Le tournage a également eu lieu dans le comté de Montgomery en Pennsylvanie, du côté nord de la rivière Schuylkill, dans le parc historique national de Valley Forge. Les lieux de tournage comprenaient également New Castle, Delaware Éloge de Winfrey Lors de la promotion du film, Thandie Newton a déclaré au magazine Vogue : "Ici, nous travaillions sur ce projet avec le ventre lourd du réalisme politique et social, et elle a réussi à alléger les choses... J'ai travaillé avec beaucoup de bons acteurs, et je sais qu'Oprah n'a pas fait beaucoup de films. J'ai été stupéfait. C'est une actrice technique très forte et c'est parce qu'elle est si intelligente. Elle a un esprit comme une lame de rasoir. Réception critique L'accueil critique a été positif, avec une note « fraîche » de 78 % sur Rotten Tomatoes sur la base de 67 avis. Le film, cependant, a été un échec au box-office et n'a pas pu dépasser son budget de 80 millions de dollars. Selon BoxOfficeMojo.com et TheNumbers.com, le film n'a rapporté que 8 165 551 $ lors de son week-end d'ouverture, se classant n°5 et étant battu par le film d'horreur Bride of Chucky qui s'est classé n°2 et a rapporté environ 11 830 855 $ le même week-end. Winfrey a déclaré publiquement qu'elle avait mangé 30 livres de macaroni au fromage lorsqu'elle a été informée le samedi après l'ouverture du film que "nous avons été battus par quelque chose appelé Chucky". Oprah a également affirmé que l'échec de Beloved au box-office était le pire moment de sa carrière et l'avait plongée dans une dépression majeure. "C'était la seule fois de ma vie où j'étais déprimé, et j'ai reconnu que j'étais déprimé parce que j'avais fait assez d'émissions (sur le sujet). 'Oh, c'est ce que doivent ressentir les gens qui sont déprimés.' .'" Le réalisateur Jonathan Demme a commenté : "Beloved n'a joué dans les salles que pendant quatre semaines. Il a rapporté 22 millions de dollars - je pense que c'est beaucoup d'argent. Et la seule raison pour laquelle il a quitté les salles après un mois, c'est parce que la société Disney qui a sorti le film Ils voulaient tous les cinémas Beloved – où nous nous en sortions très bien, dans un certain nombre de situations. La société Walt Disney voulait ces cinémas pour Waterboy d'Adam Sandler. On nous a donc dit qu'ils nous ramèneraient à la fin de l'année. , et ils ne l'ont pas fait." Les records au box-office ont montré que Beloved est resté dans les salles jusqu'à la période des fêtes et, le 27 décembre 1998, il avait rapporté 22 746 521 $. Le film est ensuite revenu en salles pendant deux semaines en mars 1999, rapportant 1 000 $ supplémentaires. En 2013, Winfrey a réfléchi au film en disant : « À ce jour, je me demande si c'était une erreur ? Était-ce une erreur de ne pas essayer d'en faire un film plus commercial ? De retirer certaines choses et de raconter l'histoire. différemment pour qu'il soit plus acceptable pour le public ? Eh bien, si vous vouliez faire un film que tout le monde verrait, ce serait une erreur. Mais à l'époque, j'étais content du film que nous faisions parce qu'il représentait. pour moi l'essence du livre Bien-Aimé." Distinctions *Oscars **Meilleure création de costumes : Colleen Atwood (nominée) *Critiques de cinéma de Chicago **Actrice la plus prometteuse : Kimberly Elise (gagnante) **Meilleure actrice dans un second rôle : Kimberly Elise (nominée) **Meilleure photographie : Tak Fujimoto (nominé) *Prix d'image NAACP **Acteur exceptionnel dans un film : Danny Glover (gagnant) **Actrice exceptionnelle dans un film : Oprah Winfrey (nominée) **Actrice de soutien exceptionnelle dans un film : Beah Richards (nominée) **Actrice de soutien exceptionnelle dans un film : Kimberly Elise (nominée) **Actrice de soutien exceptionnelle dans un film : Thandie Newton (nominée) **Film exceptionnel : (Nominé)

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Quelle star de Star Trek a réalisé Trois hommes et un bébé ?

Leonard Nimoy

Star Trek est une franchise américaine de divertissement de science-fiction créée par Gene Roddenberry et détenue par CBS et Paramount Pictures. Pour un historique plus détaillé de la propriété de la franchise, voir la section sur la propriété de l'entreprise. La série télévisée Star Trek : la série originale, Star Trek : la série animée, consultez la section Problèmes Canon de la page La série animée pour plus de détails. Star Trek : The Next Generation, Star Trek : Deep Space Nine, Star Trek : Voyager, Star Trek : Enterprise, Star Trek : Discovery ainsi que la franchise cinématographique Star Trek constituent le canon de la franchise. La première série, désormais appelée The Original Series, a débuté en 1966 et a duré trois saisons sur NBC. Il suivait les aventures galactiques de James T. Kirk et de l'équipage du vaisseau spatial Enterprise, un vaisseau d'exploration d'une « Fédération unie des planètes » interstellaire du 23e siècle. En créant le premier Star Trek, Roddenberry s'est inspiré de westerns tels que Wagon Train, les romans d'Horatio Hornblower et les Voyages de Gulliver. En fait, la série originale était initialement décrite comme Wagon Train to the Stars. Ces aventures se sont poursuivies dans l'éphémère Star Trek : la série animée et six longs métrages. Quatre séries télévisées dérivées ont finalement été produites : Star Trek : The Next Generation a suivi l'équipage d'un nouveau vaisseau Enterprise se déroulant un siècle après la série originale ; Star Trek : Deep Space Nine et Star Trek : Voyager, qui se déroulent simultanément avec The Next Generation ; et Star Trek : Enterprise, qui se déroule avant la série originale, aux débuts du voyage interstellaire humain. Quatre longs métrages supplémentaires The Next Generation ont été produits. En 2009, la franchise cinématographique a subi un « redémarrage » se déroulant dans une chronologie alternative, la « Kelvin Timeline », intitulée simplement Star Trek. Ce film présentait un nouveau casting représentant des versions plus jeunes de l'équipe de la série originale. Une suite de ce film, Star Trek Into Darkness, a été créée le 16 mai 2013. Un treizième long métrage et suite, Star Trek Beyond, est sorti en juillet 2016, pour coïncider avec le 50e anniversaire de la franchise. Une nouvelle série télévisée Star Trek, intitulée Star Trek : Discovery, sera diffusée en janvier 2017 sur la plateforme numérique CBS All Access. Star Trek est un phénomène culte depuis des décennies. Les fans de la franchise sont appelés Trekkies ou Trekkers. La franchise couvre un large éventail de retombées, notamment des jeux, des figurines, des romans, des jouets et des bandes dessinées. Star Trek avait une attraction thématique à Las Vegas qui a ouvert ses portes en 1998 et fermée en septembre 2008. Au moins deux expositions muséales d'accessoires parcourent le monde. La série possède son propre langage construit à part entière, le Klingon. Plusieurs parodies ont été réalisées de Star Trek. De plus, les téléspectateurs ont réalisé plusieurs productions de fans. Star Trek est connu pour son influence sur le monde en dehors de la science-fiction. Il a été cité comme source d’inspiration pour plusieurs inventions technologiques, notamment le téléphone portable et les tablettes. La franchise est également connue pour ses positions progressistes en matière de droits civiques. La série originale comprenait l'une des premières distributions multiraciales de la télévision. Les références à Star Trek peuvent être trouvées dans toute la culture populaire, depuis des films tels que le thriller sous-marin Crimson Tide jusqu'à la série animée South Park. Conception et mise en scène Dès 1964, Gene Roddenberry rédigeait une proposition pour la série de science-fiction qui allait devenir Star Trek. Bien qu'il l'ait publiquement commercialisé comme un western dans l'espace – un soi-disant « Wagon Train to the Stars » (comme la populaire série télévisée occidentale) – il a déclaré en privé à ses amis qu'il le modélisait sur les Voyages de Gulliver de Jonathan Swift, avec l'intention de chaque épisode agir à deux niveaux : comme un récit d'aventures à suspense et comme un conte moral. La plupart des histoires de Star Trek décrivent les aventures des humains. Les membres de l'espèce humaine sont parfois appelés « Terriens » dans Star Trek, bien que l'usage soit incohérent. et des extraterrestres qui servent dans Starfleet, l'armada spatiale humanitaire et de maintien de la paix de la Fédération Unie des Planètes. Les protagonistes ont des valeurs altruistes et doivent appliquer ces idéaux à des dilemmes difficiles. De nombreux conflits et dimensions politiques de Star Trek représentent des allégories des réalités culturelles contemporaines. Star Trek : La série originale a abordé les problèmes des années 1960, tout comme les spin-offs ultérieurs ont reflété les problèmes de leurs décennies respectives. Les questions abordées dans les différentes séries comprennent la guerre et la paix, la valeur de la loyauté personnelle, l'autoritarisme, l'impérialisme, la guerre des classes, l'économie, le racisme, la religion, les droits de l'homme, le sexisme, le féminisme et le rôle de la technologie. Roddenberry a déclaré : « [En créant] un nouveau monde avec de nouvelles règles, je pouvais faire des déclarations sur le sexe, la religion, le Vietnam, la politique et les missiles intercontinentaux. En effet, nous les avons faites sur Star Trek : nous envoyions des messages et heureusement, ils ont tous fait des déclarations. obtenu par le réseau. Roddenberry voulait que l'émission ait un programme politique progressiste reflétant la contre-culture émergente du mouvement de jeunesse, bien qu'il n'ait pas été entièrement ouvert aux réseaux à ce sujet. Il voulait que Star Trek montre à l'humanité ce qu'elle pourrait devenir, si elle pouvait tirer les leçons du passé, plus particulièrement en mettant fin à la violence. Un exemple extrême est celui des espèces extraterrestres, les Vulcains, qui ont eu un passé violent mais ont appris à contrôler leurs émotions. Roddenberry a également donné à Star Trek un message anti-guerre et a décrit la Fédération Unie des Planètes comme une version idéale et optimiste des Nations Unies. Le réseau s'est opposé à ses efforts en raison de préoccupations concernant la valeur marchande. Par exemple, ils se sont opposés à l'insistance de Roddenberry pour que l'Enterprise ait un équipage racialement diversifié. Star Trek a également été accusé de faire preuve de racisme et d'impérialisme, en décrivant fréquemment Starfleet et la Fédération essayant d'imposer leurs valeurs et leurs coutumes sur d'autres planètes. Mythologie Le trio central de Kirk, Spock et McCoy de Star Trek : la série originale a été calqué sur la narration mythologique classique. William Shatner a déclaré : « Il y a une composante mythologique [dans la culture pop], en particulier dans la science-fiction. Ce sont des gens qui cherchent des réponses – et la science-fiction propose d'expliquer l'inexplicable, tout comme la religion a tendance à le faire… Si nous acceptons l'hypothèse selon laquelle elle comporte un élément mythologique, alors tout ce qui concerne le fait d'aller dans l'espace et de rencontrer une nouvelle vie – essayer l'expliquer et y mettre un élément humain – c'est une vision pleine d'espoir. Toutes ces choses offrent de l’espoir et des solutions imaginatives pour l’avenir. Richard Lutz a écrit : « La popularité durable de Star Trek est due à la mythologie sous-jacente qui lie les fans ensemble en vertu de leur amour commun pour les histoires impliquant l'exploration, la découverte, l'aventure et l'amitié qui promeuvent une société égalitaire et épris de paix où la technologie et la diversité sont présentes. valorisés plutôt que craints et les citoyens travaillent ensemble pour le bien commun. Ainsi Star Trek offre une vision pleine d’espoir de l’avenir et un modèle pour nos vies et notre société auquel nous pouvons aspirer. » Histoire et fabrication Les débuts Au début de 1964, Roddenberry a présenté un bref traitement pour un projet de série télévisée Star Trek à Desilu Productions en le comparant à Wagon Train, "un Wagon Train vers les étoiles". Desilu a travaillé avec Roddenberry pour développer le traitement dans un scénario, qui a ensuite été présenté à NBC. NBC a payé pour réaliser un pilote, "The Cage", avec Jeffrey Hunter dans le rôle du capitaine de l'entreprise Christopher Pike. NBC a rejeté The Cage, mais les dirigeants ont toujours été impressionnés par le concept et ont pris la décision inhabituelle de commander un deuxième pilote : "Where No Man Has Gone Before". Le premier épisode régulier (« The Man Trap ») de Star Trek : La série originale a été diffusé le jeudi 8 septembre 1966. Alors que la série bénéficiait initialement d'audiences élevées, la note moyenne de la série à la fin de sa première saison est tombée à 52e (sur 94 programmes). Mécontente des audiences de l'émission, NBC a menacé d'annuler l'émission au cours de sa deuxième saison. La base de fans de l'émission, dirigée par Bjo Trimble, a mené une campagne de lettres sans précédent, demandant au réseau de maintenir l'émission à l'antenne. NBC a renouvelé l'émission, mais l'a déplacée des heures de grande écoute vers le « créneau de la mort du vendredi soir » et a considérablement réduit son budget. En signe de protestation, Roddenberry a démissionné de son poste de producteur et a réduit son implication directe dans Star Trek, ce qui a conduit Fred Freiberger à devenir producteur pour la troisième et dernière saison de la série. Roddenberry a cependant co-écrit deux scénarios pour la troisième saison. Malgré une autre campagne de rédaction de lettres, NBC a annulé la série après trois saisons et 79 épisodes. Renaissance Après l'annulation de la série originale, Paramount Studios, qui avait acheté la série à Desilu, a accordé une licence sur les droits de syndication de diffusion pour aider à récupérer les pertes de production. Les rediffusions ont commencé à l'automne 1969 et à la fin des années 1970, la série a été diffusée sur plus de 150 marchés nationaux et 60 marchés internationaux. Cela a aidé Star Trek à développer un culte plus grand que sa popularité lors de sa diffusion originale. Un signe de la popularité croissante de la série fut la première convention Star Trek qui eut lieu du 21 au 23 janvier 1972 à New York. Même si l'estimation initiale du nombre de participants n'était que de quelques centaines, plusieurs milliers de fans sont venus. Les fans de Star Trek continuent d'assister à des conventions similaires dans le monde entier. Le nouveau succès de la série a conduit à l’idée de relancer la franchise. Filmation avec Paramount Television a produit la première émission post-série originale, Star Trek: The Animated Series. Elle a été diffusée sur NBC pendant 22 épisodes d'une demi-heure répartis sur deux saisons le samedi matin de 1973 à 1974. Bien que de courte durée, typique des productions d'animation dans cette tranche horaire pendant cette période, la série a remporté le seul Emmy Award de la « Meilleure série » de la franchise. par opposition aux versions techniques ultérieures de la franchise. Paramount Pictures et Roddenberry ont commencé à développer une nouvelle série, Star Trek : Phase II, en mai 1975 en réponse à la nouvelle popularité de la franchise. Le travail sur la série a cependant pris fin lorsque le service de télévision Paramount proposé a été fermé. Suite au succès des films de science-fiction Star Wars et Rencontres du troisième type, Paramount a adapté l'épisode pilote prévu de la phase II dans le long métrage Star Trek: The Motion Picture. Le film est sorti en Amérique du Nord le 7 décembre 1979, avec des critiques mitigées de la part des critiques. Le film a rapporté 139 millions de dollars dans le monde, un montant inférieur aux attentes mais suffisant pour que Paramount puisse créer une suite. Le studio a forcé Roddenberry à renoncer au contrôle créatif des futures suites. Le succès de la suite acclamée par la critique, Star Trek II : La Colère de Khan, a renversé la fortune de la franchise. Alors que la suite a rapporté moins que le premier film, les coûts de production inférieurs de The Wrath of Khan lui ont valu un bénéfice net plus important. Paramount a produit six longs métrages Star Trek entre 1979 et 1991. En réponse à la popularité des longs métrages Star Trek, la franchise est revenue à la télévision avec Star Trek : The Next Generation (TNG) en 1987. Paramount a choisi de le distribuer en tant que premier film. organisez une émission de syndication plutôt qu’une émission en réseau. Après Roddenberry Après Star Trek : The Motion Picture, le rôle de Roddenberry est passé de producteur à consultant créatif avec une contribution minimale aux films tout en étant fortement impliqué dans la création de Star Trek : The Next Generation. Roddenberry est décédé le 24 octobre 1991, donnant au producteur exécutif Rick Berman le contrôle de la franchise. Star Trek était devenu connu des membres de Paramount comme « la franchise », en raison de son grand succès et de son rôle récurrent de poteau de tente pour le studio lorsque d'autres projets échouaient. TNG a obtenu les audiences les plus élevées de toutes les séries Star Trek et est devenue l'émission syndiquée n°1 au cours des dernières années de sa série originale de sept saisons. En réponse au succès de TNG, Paramount a publié une série dérivée Deep Space Nine en 1993. Bien qu'elle n'ait jamais été aussi populaire que TNG, la série avait suffisamment d'audience pour durer sept saisons. En janvier 1995, quelques mois après la fin de TNG, Paramount a sorti une quatrième série télévisée, Voyager. La saturation de Star Trek a atteint un sommet au milieu des années 1990 avec la diffusion simultanée de DS9 et Voyager et de trois des quatre longs métrages basés sur TNG sortis en 1994, 1996 et 1998. En 1998, Star Trek était la propriété la plus importante de Paramount ; les énormes bénéfices de « la franchise » ont financé une grande partie du reste des opérations du studio. Voyager est devenu l'émission phare du nouveau United Paramount Network (UPN) et donc la première série majeure du réseau Star Trek depuis l'original. Après la fin de Voyager, UPN a produit Enterprise, une série télévisée préquelle à l'émission originale. Enterprise n'a pas bénéficié des notes élevées de ses prédécesseurs et UPN a menacé de l'annuler après la troisième saison de la série. Les fans ont lancé une campagne qui rappelle celle qui a sauvé la troisième saison de la Série Originale. Paramount a renouvelé Enterprise pour une quatrième saison, mais l'a déplacée vers le créneau de la mort du vendredi soir. Comme la série originale, les notes d'Enterprise ont chuté au cours de cette tranche horaire et UPN a annulé Enterprise à la fin de sa quatrième saison. Enterprise a diffusé son dernier épisode le 13 mai 2005. Des groupes de fans, "Save Enterprise", ont tenté de sauver la série et ont tenté de collecter 30 millions de dollars pour financer en privé une cinquième saison d'Enterprise. Bien que cet effort ait suscité une presse considérable, le ventilateur n'a pas réussi à sauver la série. L'annulation d'Enterprise a mis fin à dix-huit ans de production continue de programmes télévisés Star Trek. La mauvaise performance au box-office en 2002 du film Nemesis jette une lumière incertaine sur l'avenir de la franchise. Paramount a relevé Berman, le producteur de la franchise, du contrôle de Star Trek. 2009 "redémarrage" Paramount a rejeté plusieurs propositions au milieu des années 2000 pour relancer la franchise. Ceux-ci comprenaient des présentations du réalisateur Bryan Singer, du créateur de Babylon 5 J. Michael Straczynski et des acteurs de Trek Jonathan Frakes et William Shatner. Le studio a également refusé une websérie animée. Au lieu de cela, Paramount a embauché une nouvelle équipe créative pour revigorer la franchise en 2007. Les écrivains Roberto Orci et Alex Kurtzman et le producteur de Lost, J. J. Abrams, ont eu la liberté de réinventer l'ambiance de Trek. L'équipe a créé le onzième film de la franchise, intitulé simplement Star Trek, et l'a sorti en mai 2009. Le film présentait un nouveau casting représentant l'équipe de la série originale. Star Trek était une préquelle de la série originale se déroulant dans une chronologie alternative, connue sous le nom de « Kelvin Timeline ». Cela a donné au film et à ses futures suites la liberté de se conformer à la chronologie canonique de la franchise. La campagne marketing du onzième film Star Trek ciblait les non-fans, déclarant même dans les publicités du film que "ce n'est pas le Star Trek de votre père". Le film a remporté un succès critique et financier considérable, générant en dollars corrigés de l'inflation plus de ventes au box-office que n'importe quel film Star Trek précédent. Les applaudissements incluent le premier Oscar de la franchise (pour le maquillage). Les principaux acteurs du film sont engagés pour deux suites. La suite de Paramount du film de 2009, Star Trek Into Darkness, a été créée à Sydney, en Australie, le 23 avril 2013, mais le film n'est sorti aux États-Unis que le 17 mai 2013. Bien que le film n'ait pas eu autant de succès en Amérique du Nord au box-office comme son prédécesseur, à l'international, en termes de recettes au box-office, Into Darkness a été la plus réussie de la franchise. Un treizième film intitulé Star Trek Beyond est sorti le 22 juillet 2016. Star Trek reviendra à la télévision par abonnement en janvier 2017. La nouvelle série, intitulée Star Trek : Discovery, sera la première série produite spécifiquement pour CBS All Access. Les épisodes seront également disponibles sur Netflix dans les 24 heures suivant leur première aux États-Unis. Séries télévisées Six séries télévisées constituent l'essentiel du mythe de Star Trek : la série originale, la série animée, la nouvelle génération, Deep Space Nine, Voyager et Enterprise. Toutes les différentes versions totalisent 726 épisodes de Star Trek répartis sur les 30 saisons de la série télévisée. Ce nombre d'épisodes comprend la série animée et le pilote original, "The Cage". Les épisodes en deux parties qui n'ont pas été diffusés à l'origine en même temps sont considérés comme deux épisodes distincts. Dix épisodes de long métrage ont été initialement diffusés sous forme de présentations de deux heures et sont parfois considérés comme des épisodes uniques, mais dans ce décompte, ils sont également considérés comme deux épisodes individuels. Le wiki Star Trek Memory Alpha diffère du décompte indiqué car il inclut les longs métrages dans son total et utilise la méthode qui compte les épisodes de long métrage comme des épisodes uniques. Cela porte le nombre total de versions de ce wiki à 728. La série originale (1966-1969) Star Trek : la série originale ou « TOS » Initialement intitulé Star Trek, il est devenu ces dernières années connu sous le nom de Star Trek : la série originale ou « Classic Star Trek » — des rétronymes qui le distinguent de ses suites et de la franchise dans son ensemble. . a fait ses débuts aux États-Unis sur NBC le 8 septembre 1966. La série raconte l'histoire de l'équipage du vaisseau spatial Enterprise et de sa mission de cinq ans « d'aller hardiment là où aucun homme n'est allé auparavant ». La série télévisée originale de 1966-1969 mettait en vedette William Shatner dans le rôle du capitaine James T. Kirk, Leonard Nimoy dans le rôle de Spock, DeForest Kelley dans le rôle du Dr Leonard "Bones" McCoy, James Doohan dans le rôle de Montgomery "Scotty" Scott, Nichelle Nichols dans le rôle d'Uhura, George Takei dans le rôle de Hikaru Sulu et Walter Koenig dans le rôle de Pavel Chekov. Au cours de la diffusion originale de la série, elle a remporté plusieurs nominations pour le prix Hugo de la meilleure présentation dramatique et a gagné deux fois : pour le film en deux parties "La Ménagerie" et l'épisode écrit par Harlan Ellison "La ville au bord de l'éternité". NBC a annulé la série après trois saisons ; le dernier épisode original a été diffusé le 3 juin 1969. La pétition vers la fin de la deuxième saison pour sauver l'émission signée par de nombreux étudiants de Caltech et ses multiples nominations à Hugo indiquerait cependant que malgré les faibles notes de Nielsen, elle était très populaire auprès fans de science-fiction et étudiants en ingénierie. La série est ensuite devenue populaire lors des rediffusions et a trouvé un culte. La série animée (1973-1974) Star Trek : la série animée, produite par Filmation, a duré deux saisons de 1973 à 1974. La plupart des acteurs originaux ont interprété les voix de leurs personnages de la série originale, et de nombreux scénaristes qui ont travaillé sur la série originale, D. C. Fontana. , David Gerrold et Paul Schneider ont écrit pour la série. Alors que le format animé a permis aux producteurs de créer des paysages et des formes de vie extraterrestres plus exotiques, les erreurs d'animation et la réutilisation libérale des plans et des signaux musicaux ont terni la réputation de la série. Bien qu'il ait été initialement sanctionné par Paramount, propriétaire de la franchise Star Trek après l'acquisition de Desilu en 1967, Gene Roddenberry a souvent qualifié TAS de non-canon. Les scénaristes de Star Trek ont ​​utilisé des éléments de la série animée dans des séries et des films d'action réelle ultérieurs, et la série animée a des références dans la section bibliothèque du site Web officiel Startrek.com, faisant officiellement de la série le canon principal de la franchise. La série animée a remporté le premier Emmy Award de Star Trek le 15 mai 1975. Star Trek TAS est brièvement revenu à la télévision au milieu des années 1980 sur le réseau câblé pour enfants Nickelodeon. Evan McGuire de Nickelodeon a beaucoup admiré la série et a utilisé ses différents composants créatifs comme source d'inspiration pour sa courte série intitulée Piggly Wiggly Hears A Sound qui n'a jamais été diffusée. La société mère de Nickelodeon, Viacom, achèterait Paramount en 1994. Au début des années 1990, la chaîne Sci-Fi a également commencé à rediffuser TAS. Le TAS complet a également été publié au format Laserdisc dans les années 1980. La série complète est sortie pour la première fois aux États-Unis sur onze volumes de cassettes VHS en 1989. Les 22 épisodes sont sortis sur DVD en 2006. La prochaine génération (1987-1994) Star Trek : La Nouvelle Génération, également connu sous le nom de « TNG », se déroule environ un siècle après la série originale (2364-2370). Il comprend un nouveau vaisseau, l'Enterprise-D, et un nouvel équipage dirigé par le capitaine Jean-Luc Picard (Patrick Stewart) et le commandant William Riker (Jonathan Frakes). Certains membres de l'équipage représentent de nouvelles races extraterrestres, notamment Deanna Troi, une conseillère à moitié bêtazoïde jouée par Marina Sirtis. Michael Dorn incarne Worf, le premier officier Klingon de Starfleet, aux côtés de Gates McFadden dans le rôle du Dr Beverly Crusher, LeVar Burton dans le rôle de l'ingénieur en chef Geordi La Forge, l'androïde Data interprété par Brent Spiner et le fils du Dr Crusher, Wesley Crusher, joué par Wil Wheaton. L'émission a été créée le 28 septembre 1987 et a duré sept saisons, se terminant le 23 mai 1994. Elle a obtenu les audiences les plus élevées de toutes les séries Star Trek et est devenue l'émission syndiquée n°1 au cours des dernières années de sa diffusion originale. , lui permettant de servir de tremplin pour des idées dans d’autres séries. De nombreuses relations et races introduites dans TNG sont devenues la base des épisodes de Deep Space 9 et Voyager. Au cours de sa diffusion, elle a remporté plusieurs prix et nominations aux Emmy – dont une nomination pour la meilleure série dramatique lors de sa dernière saison – deux prix Hugo et un prix Peabody pour une programmation télévisée exceptionnelle pour l'épisode « The Big Goodbye ». Espace profond neuf (1993-1999) Star Trek : Deep Space Nine, également connu sous le nom de « DS9 », se déroule au cours des dernières années et immédiatement après The Next Generation (2369-2375) et est diffusé pendant sept saisons, débutant la semaine du 3 janvier 1993. Comme Star Trek : The Next Generation, il a été diffusé en syndication aux États-Unis et au Canada. Contrairement aux autres séries Star Trek, DS9 se déroule principalement sur une station spatiale plutôt qu'à bord d'un vaisseau spatial. Le spectacle commence après l'occupation brutale cardassienne de la planète Bajor. Le peuple Bajoran libéré demande à la Fédération Unie des Planètes de l'aider à gérer une station spatiale construite par Cardassien, Deep Space Nine, près de Bajor. Une fois que la Fédération a pris le contrôle de la station, les protagonistes de la série découvrent un trou de ver particulièrement stable qui fournit un accès immédiat au lointain quadrant Gamma, faisant de Bajor et de la station l'un des endroits les plus stratégiquement importants de la galaxie. L'émission raconte les événements de l'équipage de la station, dirigé par le commandant (plus tard capitaine) Benjamin Sisko, joué par Avery Brooks, et le major (plus tard colonel) Kira Nerys, joué par Nana Visitor. Les éléments récurrents de l'intrigue incluent les répercussions de l'occupation cardassienne de Bajor, le rôle spirituel de Sisko pour les Bajorans en tant qu'émissaire des prophètes et, dans les saisons suivantes, une guerre avec le Dominion. Deep Space Nine se distingue des séries précédentes de Trek par sa longue narration sérialisée, ses conflits au sein de l'équipage et ses thèmes religieux - autant d'éléments loués par les critiques et le public mais que Roddenberry a interdit dans la série originale et The Next Generation. Néanmoins, il a été informé avant sa mort de DS9, ce qui en fait la dernière série Star Trek liée à Gene Roddenberry. Voyageur (1995-2001) Star Trek : Voyager a duré sept saisons, diffusées du 16 janvier 1995 au 23 mai 2001, lançant un nouveau réseau de télévision UPN appartenant à Paramount. Il présente Kate Mulgrew dans le rôle du capitaine Kathryn Janeway, la première femme commandant dans un rôle principal dans une série Star Trek, et le commandant Chakotay, joué par Robert Beltran. Voyager se déroule à peu près à la même période que Deep Space Nine et dans les années qui suivent la fin de cette série (2371-2378). Dans le premier épisode, l'USS Voyager et son équipage poursuivent un navire du Maquis (rebelles de la Fédération). Les deux vaisseaux se retrouvent bloqués dans le quadrant Delta à environ 70 000 années-lumière de la Terre. Confronté à un voyage de 75 ans vers la Terre, l'équipage doit apprendre à travailler ensemble pour surmonter les défis de leur long et périlleux voyage de retour, tout en cherchant des moyens de raccourcir le voyage. Comme Deep Space Nine, les premières saisons de Voyager présentent plus de conflits entre ses membres d'équipage que dans les épisodes ultérieurs. De tels conflits naissent souvent de frictions entre l'équipage de Starfleet « selon les règles » et les fugitifs rebelles du Maquis forcés par les circonstances de travailler ensemble sur le Voyager. Finalement, cependant, ils règlent leurs différends, après quoi le ton général rappelle davantage celui de la série originale. Le vaisseau Voyager, isolé de son domicile, fait face à de nouvelles cultures et à de nouveaux dilemmes impossibles dans les émissions basées dans le quadrant Alpha. Les saisons ultérieures, cependant, ont apporté un afflux de personnages et de cultures des séries précédentes, les Borgs, Q, les Ferengis, les Romuliens, les Klingons, les Cardassiens et les acteurs de The Next Generation. Entreprise (2001-05) Star Trek : Enterprise, initialement intitulé Enterprise, est une préquelle de la série originale Star Trek. Il a été diffusé du 26 septembre 2001 au 13 mai 2005. Enterprise se déroule dans les années 2150, environ 90 ans après les événements du premier vol de distorsion de Zefram Cochrane et environ une décennie avant la fondation de la Fédération. L'émission est centrée sur les voyages du premier vaisseau spatial capable de distorsion cinq sur Terre, l'Enterprise, commandé par le capitaine Jonathan Archer (joué par Scott Bakula) et le sous-commandant vulcain T'Pol (joué par Jolene Blalock). Au cours des deux premières saisons de la série, Enterprise a présenté des épisodes autonomes, comme The Original Series, The Next Generation et Voyager. La troisième saison consistait en un arc, "Xindi mission", qui avait un ton plus sombre et une nature sérialisée similaire à celle de Deep Space 9. La saison 4 se composait de plusieurs mini-arcs de deux à trois épisodes. La dernière saison a montré les origines des éléments vus dans les séries précédentes, et a rectifié et résolu certains problèmes fondamentaux de continuité entre les différentes séries Star Trek. Les notes d'Enterprise ont commencé fort mais ont diminué rapidement. Bien que les critiques aient bien accueilli la quatrième saison, les fans et les acteurs ont vilipendé la finale de la série, en partie à cause de l'accent mis par l'épisode sur l'apparition des membres de la distribution de The Next Generation. L'annulation d'Enterprise a mis fin à une série de 18 années consécutives de nouveaux spectacles Star Trek, commençant par The Next Generation en 1987. Découverte (2017–) Le 2 novembre 2015, il a été annoncé qu'une nouvelle série télévisée Star Trek était en cours de développement par Bryan Fuller et Alex Kurtzman. La nouvelle série sera diffusée sur CBS All Access en janvier 2017. Longs métrages Paramount Pictures a produit treize longs métrages Star Trek, le plus récent étant sorti en juillet 2016.[http://www.imdb.com/title/tt2660888/] Les six premiers films poursuivent les aventures du casting de The Original Series ; le septième film, Generations, a été conçu comme une transition entre ce casting et la série télévisée The Next Generation ; les trois films suivants, 8 à 10, se concentraient entièrement sur le casting de Next Generation. Les titres des films des sorties nord-américaines et britanniques ne contenaient plus le numéro du film après le sixième film (le sixième était Star Trek VI : The Pays inconnu mais le septième était Star Trek Generations). Cependant, les sorties européennes ont continué à utiliser des numéros dans les titres des films jusqu'à Nemesis. Les onzième et douzième films se déroulent dans une chronologie alternative par rapport au reste de la franchise, avec un nouveau casting jouant les personnages de la série originale et avec Leonard Nimoy dans le rôle d'un Spock âgé fournissant un lien physique avec la chronologie originale. Cette chronologie alternative a été nommée par CBS, car l'ordinateur est venu Star Trek Online, la chronologie Kelvin. Star Trek, Into Darkness et Beyond se déroulent dans une chronologie distincte du reste de la série. Marchandise De nombreux produits sous licence sont basés sur la franchise Star Trek. Le merchandising est très lucratif tant pour le studio que pour les acteurs ; en 1986, Nimoy avait gagné plus de 500 000 $ en redevances. Les produits comprennent des romans, des bandes dessinées, des jeux vidéo et d’autres supports généralement considérés comme non canoniques. Livres Depuis 1967, des centaines de romans originaux, de nouvelles et d’adaptations télévisuelles et cinématographiques ont été publiés. Le premier roman original de Star Trek était Mission to Horatius de Mack Reynolds, publié en couverture rigide par Whitman Books en 1968. Le premier éditeur de fiction Star Trek destiné aux lecteurs adultes fut Bantam Books. En 1970, James Blish a écrit le premier roman original de Star Trek publié par Bantam, Spock Must Die !. Pocket Books est l'éditeur des romans Star Trek. Les romanciers prolifiques de Star Trek incluent Peter David, Diane Carey, Keith R. A. DeCandido, J. M. Dillard, Diane Duane, Michael Jan Friedman et Judith et Garfield Reeves-Stevens. Plusieurs acteurs de la série télévisée ont également écrit ou co-écrit des livres mettant en scène leurs personnages respectifs : William Shatner, John de Lancie, Andrew J. Robinson, J. G. Hertzler et Armin Shimerman. Le producteur du Voyager, Jeri Taylor, a écrit deux romans racontant l'histoire des personnages du Voyager, et les auteurs de films David Gerrold, D. C. Fontana et Melinda Snodgrass ont également écrit des livres. Un livre scientifique publié par Springer Science+Business Media en 2014 discute de l'actualisation du holodeck de Star Trek dans le futur en faisant un usage intensif de l'intelligence artificielle et des cyborgs. Des bandes dessinées Les bandes dessinées basées sur Star Trek ont ​​été publiées presque continuellement depuis 1967. Elles ont été proposées par plusieurs sociétés, dont Marvel, DC, Malibu, Wildstorm et Gold Key. Tokyopop publie une anthologie d'histoires basées sur Next Generation présentées dans le style des mangas japonais. , IDW Publishing a obtenu les droits d'édition des bandes dessinées Star Trek et a publié une préquelle du film de 2009, Star Trek : Countdown. En 2012, ils ont publié le volume I de Star Trek – The Newspaper Strip présentant le travail de Thomas Warkentin. Jeux La franchise Star Trek propose de nombreux jeux dans de nombreux formats. Commençant en 1967 avec un jeu de société basé sur la série originale et se poursuivant jusqu'à aujourd'hui avec des jeux en ligne et sur DVD, les jeux Star Trek continuent d'être populaires parmi les fans. Les jeux vidéo de la série incluent Star Trek : Legacy et Star Trek : Conquest. Un MMORPG basé sur Star Trek appelé Star Trek Online a été développé par Cryptic Studios et publié par Perfect World. Il se déroule dans l'univers TNG environ 30 ans après les événements de Star Trek : Nemesis. Le jeu vidéo le plus récent, se déroulant dans la nouvelle chronologie lancée dans le film de J. J. Abrams, s'intitulait Star Trek. Le 8 juin 2010, Wiz Kids Games, propriété de NECA, a annoncé le développement d'un jeu de miniatures à collectionner Star Trek utilisant le système de jeu HeroClix. Les magazines Star Trek a conduit directement ou indirectement à la création d'un certain nombre de magazines axés soit sur la science-fiction, soit spécifiquement sur Star Trek. Starlog était un magazine fondé dans les années 1970. Au départ, il se concentrait sur les acteurs de Star Trek, mais il a ensuite commencé à élargir sa portée. En 2013, Star Trek Magazine était une publication importante du Royaume-Uni, vendue dans les kiosques à journaux et également par abonnement. D'autres magazines au fil des années comprenaient des magazines professionnels ainsi que des magazines produits par des fans, appelés « fanzines ». Star Trek : The Magazine était un magazine publié aux États-Unis qui a cessé de paraître en 2003. Impact culturel La franchise médiatique Star Trek est une industrie multimilliardaire appartenant à CBS. Gene Roddenberry a vendu Star Trek à NBC comme un drame d'aventure classique ; il a présenté le spectacle sous le titre "Wagon Train to the Stars" et sous le nom d'Horatio Hornblower in Space. La phrase d'ouverture, "aller hardiment là où aucun homme n'est allé auparavant", est tirée presque mot pour mot d'un livret de la Maison Blanche sur l'espace produit après le vol Spoutnik en 1957. Le trio central composé de Kirk, Spock et McCoy était calqué sur le modèle classique. récit mythologique. Star Trek et ses spin-offs se sont révélés très populaires en matière de syndication et sont diffusés sur les chaînes de télévision du monde entier. L'impact culturel du spectacle va bien au-delà de sa longévité et de sa rentabilité. Les conventions de Star Trek sont devenues populaires parmi ses fans, qui se font appeler « trekkies » ou « trekkers ». Toute une sous-culture s'est développée autour du spectacle qui a été documenté dans le film Trekkies. Star Trek était l'émission culte la mieux classée par TV Guide. La franchise a également suscité de nombreuses comparaisons selon lesquelles la franchise Star Wars était rivale dans le genre de la science-fiction auprès de nombreux fans et universitaires. La franchise Star Trek a inspiré certains concepteurs de technologies, du Palm PDA et du téléphone portable. Michael Jones, technologue en chef de Google Earth, a cité la capacité de cartographie du tricordeur comme une source d'inspiration dans le développement de Keyhole/Google Earth. Le Tricorder X Prize, un concours visant à construire un tricordeur médical, a été annoncé en 2012. Dix finalistes ont été sélectionnés en 2014 et le gagnant sera sélectionné en janvier 2016. Star Trek a également attiré l'attention du public sur la téléportation avec sa représentation de la « matière ». -transport d'énergie", avec la célèbre phrase mal citée "Beam me up, Scotty" entrant dans la langue vernaculaire. Le réplicateur Star Trek est reconnu dans la littérature scientifique pour avoir inspiré le domaine de la nanotechnologie des diatomées. En 1976, à la suite d'une campagne de rédaction de lettres, la NASA a baptisé son prototype spatial shu

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Quelle star de la sitcom est apparue sur grand écran L'objet de mon affection ?

Jennifer Aniston

L'objet de mon affection est un film de comédie romantique de 1998, adapté du livre du même nom de Stephen McCauley et mettant en vedette Jennifer Aniston et Paul Rudd. L'histoire concerne une assistante sociale new-yorkaise enceinte qui développe des sentiments amoureux pour son meilleur ami gay et décide d'élever son enfant avec lui, et les complications qui en découlent. Le film est réalisé par Nicholas Hytner et le scénario a été écrit par Wendy Wasserstein. Le film a été tourné en 1997 dans divers endroits de New York, du New Jersey et du Connecticut. Parcelle L'assistante sociale Nina Borowski (Jennifer Aniston) est une jeune femme brillante vivant dans un appartement confortable de Brooklyn. Nina assiste à une fête donnée par sa demi-soeur Constance (Allison Janney) et son mari, Sidney (Alan Alda). Là, Nina rencontre George Hanson (Paul Rudd), un jeune, beau et gay professeur de première année. Nina dit à George que sa demi-soeur essaie constamment de la mettre en relation avec quelqu'un de la société supérieure, ignorant complètement le fait que Nina a un petit ami, Vince (John Pankow). Au cours de la conversation, Nina propose à George une chambre dans son appartement car elle vient d'apprendre de son petit ami, le Dr Robert Joley (Tim Daly), que George cherche un endroit où vivre. George, ne connaissant pas les projets de Robert, est déconcerté et navré, et après la fête, les deux se séparent. George accepte l'offre de Nina et emménage dans son appartement. Les deux deviennent bientôt les meilleurs amis ; ils regardent des films ensemble et vont danser dans un salon. Tout va bien jusqu'à ce que Nina annonce qu'elle est enceinte. Vince, le père du bébé, veut l'épouser, mais ses soins constants rendent Nina folle ; elle le quitte et demande à George de l'aider à élever son enfant. Depuis quelque temps, ils vivent ensemble dans son appartement à Brooklyn. Tout est à nouveau parfait jusqu'à ce que Nina découvre que son amour pour George grandit de jour en jour, surtout après qu'il lui a dit qu'il avait une petite amie au lycée, ce qui lui a fait croire qu'ils pourraient avoir une relation sexuelle. Un après-midi, George et Nina sont sur le point de faire l'amour lorsque George reçoit un appel téléphonique de Robert qui lui dit à quel point il lui a manqué et l'invite à partir pour le week-end. George est confus mais accepte d'y aller. Nina se sent menacée et devient jalouse. George et Robert ne rétablissent pas leur relation, mais George rencontre Paul James (Amo Gulinello), un jeune acteur, et les deux tombent amoureux et font l'amour. Pendant ce temps, Nina séjourne avec Constance dans une maison de vacances et est extrêmement maussade. Elle passe un moment horrible et décide de rentrer chez elle et demande à George de revenir également. Elle est agressée en chemin et un sympathique policier, Louis (Kevin Carroll), la reconduit chez elle. Nina et George décident d'inviter Paul et son mentor par intérim âgé, Rodney, pour Thanksgiving. Paul passe la nuit et couche avec George, ce qui entraîne des retombées entre George et Nina. Le lendemain, ils recommencent à se disputer lors du mariage du frère de George. Nina explique pleinement à George ses sentiments pour lui. George, qui aime Nina comme sa meilleure amie, lui dit qu'il veut être avec Paul. Quelques heures plus tard, Nina donne naissance à une belle fille qu'elle prénomme Molly. Vince, ravi, lui rend visite à l'hôpital, mais quand il part terminer la paperasse, Nina et George restent seuls avec Molly. Nina demande à George quand il envisage de déménager, ce à quoi il répond qu'il ne le sait pas. Elle lui demande de quitter son appartement avant de rentrer de l'hôpital, déclarant que cela lui ferait trop de mal de le laisser rester plus longtemps sachant qu'il ne l'aime pas. La fin du film se déroule à l'école de George huit ans plus tard, dans laquelle tous les personnages vont voir Molly dans une production musicale dirigée par George. Nina est maintenant en couple avec Louis et George est avec Paul, tous deux désormais heureux. Le film se termine alors que Nina, George et la jeune Molly (Sarah Hyland) (qui appelle George son « oncle George ») marchent ensemble sur le trottoir, main dans la main, en route pour prendre un café. Casting * Jennifer Aniston dans le rôle de Nina Borowski *Paul Rudd dans le rôle de George Hanson *John Pankow dans le rôle de Vince McBride *Allison Janney dans le rôle de Constance Miller *Alan Alda dans le rôle de Sidney Miller * Tim Daly dans le rôle du Dr Robert Joley * Joan Copeland dans le rôle de Madame Reynolds * Steve Zahn dans le rôle de Frank Hanson *Amo Gulinello dans le rôle de Paul James * Nigel Hawthorne dans le rôle de Rodney Fraser * Kali Rocha dans le rôle de Mélissa *Gabriel Macht dans le rôle de Steve Casillo *Sarah Hyland dans le rôle de Molly * Hayden Panettiere dans le rôle de la sirène *Liam Aiken dans le rôle de Nathan * Bruce Altman dans le rôle du Dr Goldstein * Daniel Cosgrove dans le rôle de Trotter Bull * Samia Shoaib dans le rôle de Suni * Audra McDonald comme chanteuse de mariage *Lauren Pratt dans le rôle de Sally ** Paz de la Huerta dans le rôle de Sally, 13 ans * Salem Ludwig dans le rôle de M. Shapiro * Antonia Rey dans le rôle de Mme Ochoa * John Roland comme présentateur de télévision * Rosanna Scotto comme présentatrice de télévision * Kevin Carroll dans le rôle de Louis Crowley * Kia Goodwin dans le rôle de Juliette Libérer Box-office L'objet de mon affection est sorti dans les salles américaines le 17 avril 1998 et a rapporté 9 725 855 $ lors de son week-end d'ouverture, se classant au deuxième rang du box-office dans 1 890 salles, avec une moyenne de 5 146 $ par salle. Le film a rapporté 29 187 243 $ de recettes rien qu'aux États-Unis, sur une période de cinq week-ends. Le film a continué à sortir dans les pays européens tout au long de l'automne et de l'hiver 1998 et a finalement rapporté 17 718 646 $ en dehors des États-Unis. Réception critique La réaction critique au film a été mitigée. Roger Ebert a donné deux étoiles au film, en disant "L'objet de mon affection traite de problèmes réels et comporte des scènes qui fonctionnent, mais vous pouvez voir les roues de l'intrigue tourner si clairement que vous doutez que les personnages aient beaucoup de liberté pour agir selon leur propre." Ruthe Stein du San Francisco Chronicle a déclaré que le film "frise parfois le fait d'être trop intelligent. Mais c'est un petit reproche à propos d'un film qui a tellement raison". Le film détient actuellement une note de 49% sur le site de critique de cinéma Rotten Tomatoes.com. Metacritic, qui attribue une note moyenne pondérée de 1 à 100 aux critiques des critiques grand public, a attribué au film une note de 51 sur la base de 18 critiques.

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"Quel personnage Julia ""Roberts a-t-elle joué dans Hook de Steven Spielberg ?"

Fée Clochette

Julia Fiona Roberts (née le 28 octobre 1967) est une actrice et productrice américaine. Elle est devenue une star hollywoodienne après avoir joué dans la comédie romantique Pretty Woman (1990), qui a rapporté 464 millions de dollars dans le monde. Elle a remporté trois Golden Globe Awards (sur huit nominations) et a été nominée pour quatre Oscars pour son jeu d'acteur, remportant l'Oscar de la meilleure actrice pour sa performance dans Erin Brockovich (2000). Ses films Mystic Pizza (1988), Dormir avec l'ennemi (1991), Hook (1991), The Pelican Brief (1993), Le mariage de mon meilleur ami (1997), Conspiracy Theory (1997), Notting Hill (1999), Runaway Bride (1999), Ocean's Eleven (2001), Mona Lisa Smile (2003), Ocean's Twelve (2004), Charlie Wilson's War (2007), Valentine's Day (2010), Eat Pray Love (2010) et Mirror Mirror (2012) ont ont collectivement rapporté des recettes au box-office de plus de 2,6 milliards de dollars, ce qui en fait l'une des actrices les plus titrées en termes de recettes au box-office. Roberts était l'actrice la mieux payée au monde tout au long des années 1990 et de la première moitié des années 2000. Son cachet pour Pretty Woman des années 1990 était de 300 000 $ ; en 2003, elle a reçu un montant sans précédent de 25 millions de dollars pour son rôle dans Mona Lisa Smile (2003). En 2010, la valeur nette de Roberts était estimée à 140 millions de dollars. Elle a été nommée onze fois parmi les « 50 plus belles personnes du monde » par le magazine People, à égalité avec Halle Berry. Première vie et famille Roberts est né le 28 octobre 1967 à Smyrna, en Géorgie, de Betty Lou Bredemus (1934-2015) et de Walter Grady Roberts (1933-1977). Elle est d'origine anglaise, écossaise, irlandaise, galloise, allemande et suédoise. Son père était baptiste, sa mère catholique et elle a grandi dans la religion catholique. Son frère aîné, Eric Roberts, dont elle était séparée jusqu'en 2004, sa sœur Lisa Roberts Gillan et sa nièce Emma Roberts, sont également des acteurs. Les parents de Roberts, anciens acteurs et dramaturges, se sont rencontrés alors qu'ils jouaient des productions théâtrales pour les forces armées. Ils ont ensuite cofondé l'Atlanta Actors and Writers Workshop à Atlanta, en Géorgie, près de Juniper Street à Midtown. Ils dirigeaient une école de théâtre pour enfants à Decatur, en Géorgie, alors qu'ils attendaient Julia. Les enfants de Martin Luther King, Jr. et Coretta Scott King fréquentaient l'école ; Walter Roberts était le coach par intérim de leur fille Yolanda Denise King. En guise de remerciement pour ses services, Mme King a payé la facture d'hôpital de Mme Roberts à la naissance de Julia. Ses parents se sont mariés en 1955. La mère de Roberts a demandé le divorce en 1971 ; le divorce a été finalisé au début de 1972. À partir de 1972, Roberts a vécu à Smyrna, en Géorgie, où elle a fréquenté l'école primaire Fitzhugh Lee, la Griffin Middle School et la Campbell High School. En 1972, sa mère a épousé Michael Motes, qui était violent et souvent au chômage ; Roberts le méprisait. Le couple a eu une fille, Nancy Motes, décédée à 37 ans le 9 février 2014 d'une apparente surdose de drogue. Le mariage a pris fin en 1983, avec Betty Lou divorçant de Motes pour des raisons de cruauté ; elle avait déclaré que l'épouser était la plus grosse erreur de sa vie. Le propre père de Roberts est mort d'un cancer quand elle avait dix ans.[http://www.info2india.com/hollywood/celebrity/julia-roberts.html Profil] Info 2 India Roberts voulait devenir vétérinaire lorsqu'il était enfant. Elle a également joué de la clarinette dans l'orchestre de son école. Après avoir obtenu son diplôme de la Campbell High School de Smyrna, elle a fréquenté la Georgia State University, mais n'a pas obtenu son diplôme. Elle s'est ensuite rendue à New York pour poursuivre une carrière d'actrice. Une fois sur place, elle a signé avec l'agence de mannequins Click et s'est inscrite à des cours de théâtre. Carrière d'acteur années 1980 Roberts a fait sa première apparition sur grand écran dans le film Satisfaction (1988), aux côtés de Liam Neeson et Justine Bateman, en tant que membre d'un groupe à la recherche d'un concert d'été. Elle avait déjà joué un petit rôle aux côtés de son frère Eric dans Blood Red (elle a deux mots de dialogue), filmé en 1987, bien qu'il ne soit sorti qu'en 1989. Sa première apparition à la télévision fut en tant que victime de viol juvénile dans le premier film. saison de la série Crime Story avec Dennis Farina, dans l'épisode intitulé "The Survivor", diffusé le 13 février 1987. Son premier succès critique auprès des cinéphiles fut sa performance dans le film indépendant Mystic Pizza en 1988 ; déclaré sur Inside the Actors Studio , 1997, la même année, elle a joué un rôle dans la finale de la quatrième saison de Miami Vice. En 1989, elle est apparue dans Steel Magnolias, en tant que jeune mariée atteinte de diabète, et a reçu à la fois sa première nomination aux Oscars (en tant que meilleure actrice dans un second rôle) et sa première victoire au Golden Globe Award (meilleure actrice dans un second rôle) pour sa performance. années 1990 Roberts s'est fait connaître du public mondial lorsqu'elle a joué avec Richard Gere dans l'histoire de Cendrillon/Pygmalionesque, Pretty Woman, en 1990. Roberts a remporté le rôle après Michelle Pfeiffer, Molly Ringwald, Meg Ryan, Jennifer Jason Leigh, Karen Allen et Daryl Hannah ( sa co-star dans Steel Magnolias) a refusé. Le rôle lui a également valu une deuxième nomination aux Oscars, cette fois dans la catégorie de la meilleure actrice, et un deuxième Golden Globe Award, dans la catégorie de la meilleure actrice de cinéma (comédie musicale ou comédie). Son prochain succès au box-office fut le thriller Sleeping with the Enemy, dans le rôle d'une femme battue qui échappe à son mari violent, joué par Patrick Bergin, et commence une nouvelle vie dans l'Iowa. Elle a joué la Fée Clochette dans Hook de Steven Spielberg en 1991, et a également joué une infirmière dans le film de 1991, Dying Young. Ce travail a été suivi d'une interruption de deux ans, pendant laquelle elle n'a réalisé aucun film autre qu'une apparition dans The Player de Robert Altman (1992). Au début de 1993, elle a fait l'objet d'un article de couverture du magazine People demandant : « Qu'est-il arrivé à Julia Roberts ? On lui a proposé le rôle d'Annie Reed dans Sleepless in Seattle (1993), mais elle l'a refusé. Roberts a partagé la vedette avec Denzel Washington dans The Pelican Brief (1993), basé sur le roman du même nom de John Grisham de 1992. En 1996, elle apparaît dans la saison 2 de Friends (épisode 13 « Celui après le Superbowl »). Elle avait à l'époque une relation avec l'acteur Matthew Perry. Selon un membre du public, Roberts a dit à Perry à propos de leur baiser à l'écran : "Je suis content que nous ayons répété ça ce week-end." On lui a proposé le rôle de Lucy Eleanor Moderatz dans Pendant que tu dormais (1995), mais elle l'a refusé. Roberts a partagé la vedette avec Liam Neeson dans Michael Collins (1996). Au cours des années suivantes, elle a joué dans Mary Reilly (1996) de Stephen Frears, suivi de My Best Friend's Wedding en 1997. En 1998, elle est apparue dans Sesame Street face au personnage d'Elmo, démontrant sa capacité à changer les émotions. On lui a proposé le rôle de Viola de Lesseps dans Shakespeare in Love (1998), mais elle l'a refusé. Elle a joué dans les films Stepmom (1998), aux côtés de Susan Sarandon, Notting Hill (1999), avec Hugh Grant, et, également en 1999, dans Runaway Bride, son deuxième film avec Richard Gere. Roberts était une star invitée de l'épisode "Empire" de la série télévisée Law & Order avec Benjamin Bratt, un habitué de la série (à l'époque son petit ami). Elle a été nominée pour le Primetime Emmy Award de la meilleure actrice invitée dans une série dramatique. En 2000, elle a joué le rôle principal de la véritable militante écologiste Erin Brockovich dans le film Erin Brockovich. En décembre 2000, Roberts, qui avait été l'actrice la mieux payée des années 1990, est devenue la première actrice à figurer sur la liste du Hollywood Reporters des 50 femmes les plus influentes du show business depuis le début de cette liste en 1992. années 2000 En 2001, Roberts a reçu l'Oscar de la meilleure actrice pour son rôle dans Erin Brockovich. Le discours d'acceptation de Roberts pour le prix a dépassé le délai imparti, mais n'a pas mentionné la vraie vie de Brockovich, pour laquelle Roberts s'est excusée plus tard, affirmant qu'elle avait oublié. En remettant le prix du meilleur acteur à Denzel Washington l'année suivante, Roberts a fait une gaffe, disant qu'elle était heureuse que Tom Conti ne soit pas là ; elle parlait du chef d'orchestre, Bill Conti, qui avait tenté de hâter la conclusion de son discours aux Oscars l'année précédente, mais qui avait plutôt nommé l'acteur écossais. Le premier film de Roberts après Erin Brockovich était la comédie romantique America's Sweethearts avec Billy Crystal, John Cusack et Catherine Zeta-Jones. Réalisée par Joe Roth, la farce hollywoodienne est centrée sur un supercouple, Gwen et Eddie, qui se séparent lorsqu'elle le laisse tomber pour un autre homme. Roberts a dépeint la sœur et assistante autrefois en surpoids de Gwen qui est secrètement amoureuse d'Eddie (Cusack) depuis des années. Les critiques du film ont été généralement défavorables : les critiques ont estimé que malgré son casting célèbre, le film manquait de « personnages sympathiques » et n'était « drôle que par à-coups ». Succès commercial, il a cependant rapporté plus de 138 millions de dollars américains dans le monde. Plus tard en 2001, elle a joué dans la comédie de gangsters de la route de Gore Verbinski, The Mexican, lui donnant la chance de travailler avec son ami de longue date Brad Pitt. Le scénario du film était initialement destiné à être tourné comme une production indépendante sans grandes stars du cinéma, mais Roberts et Pitt, qui cherchaient depuis un certain temps un projet qu'ils pourraient réaliser ensemble, l'ont appris et ont décidé de s'y joindre. Bien qu'annoncé comme un véhicule typique d'une comédie romantique, le film ne se concentre pas uniquement sur la relation Pitt/Roberts et les deux ont partagé relativement peu de temps à l'écran ensemble. Le Mexicain a gagné 66,8 millions de dollars au box-office américain. À l'automne 2001, Roberts a fait équipe avec le réalisateur d'Erin Brockovich Steven Soderbergh pour Ocean's Eleven (2001), un film de comédie et de crime et un remake du film Rat Pack de 1960 du même nom, mettant en vedette un ensemble comprenant également George Clooney, Brad Pitt, et Matt Damon. Roberts a joué Tess Ocean, l'ex-épouse du leader Danny Ocean (Clooney), joué à l'origine par Angie Dickinson, qui flirte avec un propriétaire de casino, joué par Andy Garcia. En préparation pour son rôle, Roberts a étudié la performance de Dickinson en regardant le film original au moins sept fois afin de bien jouer son rôle. Succès tant auprès de la critique qu'au box-office, Ocean's Eleven est devenu le cinquième film le plus rentable de l'année avec un total de 450 millions de dollars américains dans le monde. En 2003, Roberts a été choisi pour le film dramatique de Mike Newell, Mona Lisa Smile, avec également Kirsten Dunst, Maggie Gyllenhaal et Julia Stiles. Roberts a reçu un montant record de 25 millions de dollars pour son interprétation d'un professeur d'histoire de l'art avant-gardiste au Wellesley College en 1953 – le montant le plus élevé jamais gagné par une actrice jusqu'alors. Le film a reçu des critiques largement tièdes de la part des critiques, qui l'ont trouvé "prévisible et sûr". En 2004, Roberts a remplacé Cate Blanchett dans Closer de Mike Nichols, un film dramatique romantique écrit par Patrick Marber, basé sur sa pièce primée du même nom de 1997. Le film mettait également en vedette Jude Law, Natalie Portman et Clive Owen. Toujours en 2004, l'actrice a repris le rôle de Tess Ocean dans la suite Ocean's Twelve. Ce film était délibérément beaucoup moins conventionnel que le premier, incarné par une séquence dans laquelle le personnage de Roberts se fait passer pour la vraie Julia Roberts en raison de leur forte ressemblance. Bien que moins apprécié qu'Eleven, le film est devenu un autre succès majeur au box-office avec un montant brut de 363 millions de dollars américains dans le monde, principalement grâce à sa diffusion internationale. Contrairement à tous les acteurs masculins, Roberts n'est pas apparu dans le troisième et dernier volet de la série Ocean's Thirteen (2007) en raison de problèmes de script. En 2005, elle a figuré dans le clip du single « Dreamgirl » du Dave Matthews Band ; c'était sa première apparition dans un clip. Roberts figurait chaque année dans la liste des 10 actrices les mieux payées du Hollywood Reporters, de 2002 (date à laquelle le magazine a commencé à dresser sa liste) à 2005. Roberts a sorti deux films en 2006 : The Ant Bully et Charlotte's Web. Les deux films étaient des longs métrages d’animation pour lesquels elle a assuré le doublage. Son film suivant fut Charlie Wilson's War (2007), avec Tom Hanks et Philip Seymour Hoffman, réalisé par Mike Nichols ; il est sorti le 21 décembre 2007. Fireflies in the Garden (2008), avec également Ryan Reynolds et Willem Dafoe, est sorti au Festival international du film de Berlin en février 2008 et a ensuite été projeté dans les cinémas européens ; il n'a été diffusé en Amérique du Nord qu'en 2011. Roberts a fait ses débuts à Broadway le 19 avril 2006 dans le rôle de Nan dans une reprise de la pièce de Richard Greenberg de 1997, Three Days of Rain, aux côtés de Bradley Cooper et Paul Rudd. Bien que la pièce ait rapporté près d'un million de dollars de ventes de billets au cours de sa première semaine et ait été un succès commercial tout au long de sa diffusion limitée, sa performance a suscité des critiques. Ben Brantley du New York Times a décrit Roberts comme étant pleine de « conscience de soi (surtout dans le premier acte) [et] ne connaissant que d'un coup d'œil les deux personnages qu'elle joue ». Brantley a également critiqué la production globale, écrivant qu '"il est presque impossible de discerner ses vertus artistiques à partir de cette interprétation en bois et éclatée, réalisée par Joe Mantello". Écrivant dans le New York Post, Clive Barnes a déclaré : « J'ai détesté la pièce. Pour être malheureusement honnête, je l'ai même détestée. Au moins, j'ai aimé la pluie, même si trois jours peuvent sembler une éternité. En 2009, Lancôme a annoncé que Roberts deviendrait l'ambassadeur mondial de son entreprise. années 2010 Roberts a joué avec Clive Owen dans la comédie-thriller Duplicity pour lequel elle a reçu sa septième nomination aux Golden Globes. En 2010, elle est apparue dans la comédie romantique d'ensemble Valentine's Day, avec Cooper, et a joué dans l'adaptation cinématographique de Eat Pray Love. Eat Pray Love a connu les meilleurs débuts au box-office pour Roberts dans un rôle de premier plan depuis America's Sweethearts. Plus tard dans l'année, elle a signé une prolongation de cinq ans avec Lancôme pour un montant de millions (millions). En 2011, elle a joué le rôle de Mercedes Tainot dans la comédie romantique Larry Crowne aux côtés de Tom Hanks, qui a réalisé et joué le rôle titre. Le film a reçu des critiques généralement mauvaises, avec seulement 35 % des 175 critiques de Rotten Tomatoes lui attribuant des notes élevées, bien que la performance comique de Roberts ait été saluée. Roberts est apparu dans l'adaptation de Tarsem Singh de Blanche-Neige en 2012, intitulée Mirror Mirror, dans le rôle de la reine Clementianna, la méchante belle-mère de Blanche-Neige. En 2013, Roberts est apparu dans August: Osage County, incarnant l'une des trois filles du personnage de Meryl Streep. Sa performance lui a valu des nominations pour le Golden Globe Award, le Screen Actors Guild Award, le Critics' Choice Award et l'Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle, entre autres distinctions. C'était sa quatrième nomination aux Oscars. En 2014, Roberts a raconté « Women in Hollywood », un épisode de la saison 2 de Makers : Women Who Make America. Roberts apparaît dans la campagne printemps/été 2015 de Givenchy. En 2016, elle a joué dans le film Mother's Day. Production du film Roberts dirige la société de production Red Om Films avec sa sœur, Lisa Roberts Gillan, et Marisa Yeres Gill. Grâce à Red Om, Roberts a été producteur exécutif des quatre premiers films de la série de films American Girl (basée sur la gamme de poupées American Girl), sortie entre 2004 et 2008. Filmographie Récompenses et nominations Vie privée Relations et mariages Roberts aurait eu des relations amoureuses avec les acteurs Jason Patric, Liam Neeson, Kiefer Sutherland, Dylan McDermott et Matthew Perry. Elle fut brièvement fiancée à Sutherland ; ils se sont séparés trois jours avant leur mariage prévu le 11 juin 1991. Le 25 juin 1993, elle a épousé le chanteur country Lyle Lovett ; le mariage a eu lieu à l'église luthérienne St. James à Marion, Indiana. Ils se sont séparés en mars 1995, puis ont divorcé. De 1998 à 2001, Roberts a fréquenté l'acteur Benjamin Bratt. Roberts et son mari, le caméraman Daniel Moder, se sont rencontrés sur le tournage de son film The Mexican en 2000, alors qu'elle sortait encore avec Bratt. À l'époque, Moder était marié à Vera Steimberg. Il a demandé le divorce un peu plus d'un an plus tard, et une fois le divorce finalisé, lui et Roberts se sont mariés le 4 juillet 2002 dans son ranch à Taos, au Nouveau-Mexique. Ensemble, ils ont trois enfants : les jumeaux Hazel Patricia et Phinnaeus « Finn » Walter Moder (né le 28 novembre 2004) et leur fils, Henry Daniel Moder (né le 18 juin 2007). Croyances religieuses Roberts a révélé dans une interview pour le magazine Elle en 2010 qu'elle croyait et pratiquait l'hindouisme. Roberts est un dévot de Neem Karoli Baba (Maharaj-ji). Une photo de Neem Karoli Baba a attiré Roberts vers l'hindouisme. En septembre 2009, Swami Daram Dev de l'Ashram Hari Mandir à Pataudi, où Roberts tournait Eat Pray Love, a donné à ses enfants de nouveaux noms d'après les dieux hindous : Laxmi pour Hazel, Ganesh pour Phinnaeus et Krishna Balram pour Henry. Les organismes de bienfaisance Roberts a consacré son temps et ses ressources à l'UNICEF ainsi qu'à d'autres organisations caritatives. Le 10 mai 1995, Roberts est arrivée à Port-au-Prince, comme elle l'a dit, « pour m'instruire ». La pauvreté qu’elle a trouvée était écrasante. "Mon cœur éclate", dit-elle. Les responsables de l'UNICEF espéraient que sa visite de six jours déclencherait une explosion de dons : une aide de 10 millions de dollars avait alors été demandée. En 2000, Roberts a raconté Silent Angels, un documentaire sur le syndrome de Rett, un trouble neurodéveloppemental, tourné à Los Angeles, Baltimore et New York. Le documentaire a été conçu pour contribuer à sensibiliser le public à la maladie. En juillet 2006, Earth Biofuels a annoncé Roberts comme porte-parole de l'entreprise et comme président du nouveau conseil consultatif de l'entreprise promouvant l'utilisation de carburants renouvelables. Elle soutient également la campagne « Chime For Change » de Gucci qui vise à promouvoir l'autonomisation des femmes. Roberts était la voix de Mère Nature dans un court métrage de 2014 pour Conservation International, destiné à sensibiliser au changement climatique.

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Quel président américain Anthony Hopkins a-t-il joué dans un film dont le titre était simplement son nom ?

Nixon

Le président des États-Unis d'Amérique (POTUS) est le chef d'État et chef du gouvernement élu des États-Unis. Le président dirige le pouvoir exécutif du gouvernement fédéral et est le commandant en chef des forces armées américaines. Le président des États-Unis est considéré comme l’une des personnes les plus puissantes du monde, à la tête de la seule superpuissance mondiale contemporaine. Le rôle consiste notamment à être le commandant en chef de l'armée la plus coûteuse du monde, dotée du plus grand arsenal nucléaire, et à diriger le pays doté de la plus grande économie en termes de PIB réel et nominal. La fonction présidentielle détient un pouvoir dur et doux important, tant aux États-Unis qu’à l’étranger. L'article II de la Constitution américaine confère le pouvoir exécutif des États-Unis au président. Ce pouvoir comprend l'exécution de la loi fédérale, ainsi que la responsabilité de nommer les responsables fédéraux de l'exécutif, de la diplomatie, de la réglementation et de la justice, ainsi que de conclure des traités avec des puissances étrangères avec l'avis et le consentement du Sénat. Le président est en outre habilité à accorder des grâces et des sursis fédéraux, ainsi qu'à convoquer et ajourner l'une ou les deux chambres du Congrès dans des circonstances extraordinaires. Le président est en grande partie chargé de dicter le programme législatif du parti auquel il est inscrit. Le président dirige également la politique étrangère et intérieure des États-Unis. Depuis la création des États-Unis, le pouvoir du président et du gouvernement fédéral s’est considérablement accru. Le président est élu indirectement par le peuple par le biais du collège électoral pour un mandat de quatre ans et est l'un des deux seuls officiers fédéraux élus au niveau national, l'autre étant le vice-président des États-Unis. Le vingt-deuxième amendement, adopté en 1951, interdit à quiconque d'être élu à la présidence pour un troisième mandat complet. Il interdit également à une personne d'être élue à la présidence plus d'une fois si elle a déjà occupé le poste de président, ou de président par intérim, pendant plus de deux ans du mandat d'une autre personne en tant que président. Au total, 43 personnes ont exercé 44 présidences (en comptant séparément les deux mandats non consécutifs de Cleveland) s'étendant sur 56 mandats complets de quatre ans. Le 20 janvier 2009, Barack Obama est devenu le 44e et actuel président. Le 6 novembre 2012, il a été réélu et exerce actuellement son 57e mandat. La prochaine élection présidentielle est prévue pour le 8 novembre 2016 ; le 20 janvier 2017, le président nouvellement élu prendra ses fonctions. Origine En 1776, les Treize Colonies, agissant par l’intermédiaire du Deuxième Congrès Continental, ont déclaré leur indépendance politique de la Grande-Bretagne pendant la Révolution américaine. Les nouveaux États, bien qu’indépendants les uns des autres en tant qu’États-nations, reconnaissaient la nécessité de coordonner étroitement leurs efforts contre les Britanniques. Désireux d'éviter tout ce qui ressemblait de loin à une monarchie, le Congrès a négocié les articles de la Confédération pour établir une alliance faible entre les États. En tant qu'autorité centrale, le Congrès, en vertu des Articles, était dépourvu de tout pouvoir législatif ; il pouvait prendre ses propres résolutions, déterminations et règlements, mais pas de lois, ni de taxes ou de réglementations commerciales locales opposables aux citoyens. Cette conception institutionnelle reflétait la conception selon laquelle les Américains pensaient que le système britannique déchu de la Couronne et du Parlement aurait dû fonctionner par rapport à la domination royale : un organe de surveillance des affaires qui concernaient l'empire tout entier. Hors de toute monarchie, les États ont attribué certaines prérogatives autrefois royales (par exemple, faire la guerre, recevoir des ambassadeurs, etc.) au Congrès, tout en hébergeant individuellement le reste au sein de leurs propres gouvernements d'État respectifs. Ce n'est qu'après que tous les États se sont mis d'accord sur une résolution réglant les revendications territoriales concurrentes de l'Ouest que les articles sont entrés en vigueur le 1er mars 1781, lorsque le Maryland est devenu le dernier État à les ratifier. En 1783, le Traité de Paris assure l'indépendance de chacune des anciennes colonies. La paix étant proche, les États se tournèrent chacun vers leurs propres affaires intérieures. En 1786, les Américains trouvèrent leurs frontières continentales assiégées et faibles, leurs économies respectives en crise alors que les États voisins agitaient les rivalités commerciales les uns avec les autres, voyaient leurs devises fortes affluer sur les marchés étrangers pour payer les importations, leur commerce méditerranéen la proie des pirates nord-africains, et leurs dettes de guerre révolutionnaire financées par l’étranger, impayées et portant intérêts. Des troubles civils et politiques menaçaient. Après la résolution réussie des différends commerciaux et de pêche entre la Virginie et le Maryland lors de la conférence de Mount Vernon en 1785, la Virginie a appelé à une conférence commerciale entre tous les États, prévue pour septembre 1786 à Annapolis, dans le Maryland, dans le but de résoudre les conflits interétatiques de plus grande envergure. antagonismes commerciaux. Lorsque la convention échoua faute de participation en raison des suspicions de la plupart des autres États, les délégués d'Annapolis appelèrent à une convention pour proposer des révisions aux articles, qui se tiendrait au printemps prochain à Philadelphie. Les perspectives pour la prochaine convention semblaient sombres jusqu'à ce que James Madison et Edmund Randolph réussissent à obtenir la présence de George Washington à Philadelphie en tant que délégué pour la Virginie. Lorsque la Convention constitutionnelle s'est réunie en mai 1787, les 12 délégations d'État présentes (le Rhode Island n'a pas envoyé de délégués) ont apporté avec elles une expérience accumulée sur un ensemble diversifié d'arrangements institutionnels entre les pouvoirs législatif et exécutif au sein de leurs gouvernements d'État respectifs. La plupart des États ont maintenu un pouvoir exécutif faible, sans veto ni pouvoir de nomination, élu chaque année par le corps législatif pour un seul mandat, partageant le pouvoir avec un conseil exécutif et contré par un corps législatif fort. New York offrait la plus grande exception, avec un gouverneur unitaire fort avec droit de veto et pouvoir de nomination, élu pour un mandat de trois ans et rééligible pour un nombre indéfini de mandats par la suite. C’est grâce aux négociations à huis clos de Philadelphie que la présidence inscrite dans la Constitution américaine a émergé. Pouvoirs et devoirs Rôle législatif de l'article I Le premier pouvoir que la Constitution confère au président est le veto. La clause de présentation exige que tout projet de loi adopté par le Congrès soit présenté au président avant de pouvoir devenir loi. Une fois le projet de loi présenté, le président dispose de trois options : # Signer la législation ; le projet de loi devient alors loi. # opposer son veto à la législation et la renvoyer au Congrès, en exprimant ses éventuelles objections ; le projet de loi ne devient pas loi, à moins que chaque chambre du Congrès ne vote pour annuler le veto à la majorité des deux tiers. # Ne pas agir. Dans ce cas, le président ne signe ni n’oppose son veto à la législation. Au bout de 10 jours, sans compter les dimanches, deux issues possibles se dessinent : #* Si le Congrès est toujours convoqué, le projet de loi devient loi. #* Si le Congrès s'est ajourné, empêchant ainsi le retour de la législation, le projet de loi ne devient pas loi. Ce dernier résultat est connu sous le nom de veto de poche. En 1996, le Congrès a tenté de renforcer le pouvoir de veto du président avec le Line Item Veto Act. La législation autorise le président à signer tout projet de loi de dépenses tout en supprimant simultanément certains postes de dépenses du projet de loi, en particulier toute nouvelle dépense, tout montant de dépense discrétionnaire ou tout nouvel avantage fiscal limité. Le Congrès pourrait alors revoir ce point particulier. Si le président opposait son veto à la nouvelle législation, le Congrès pourrait annuler ce veto par ses moyens ordinaires, un vote à la majorité des deux tiers dans les deux chambres. Dans l'affaire Clinton c. Ville de New York, la Cour suprême des États-Unis a jugé inconstitutionnelle une telle modification législative du droit de veto. Pouvoirs exécutifs de l'article II Pouvoirs de guerre et des affaires étrangères Le plus important de tous les pouvoirs présidentiels est peut-être le commandement des forces armées américaines en tant que commandant en chef. Même si le pouvoir de déclarer la guerre est constitutionnellement conféré au Congrès, le président a la responsabilité ultime de la direction et de la disposition de l'armée. Le commandement opérationnel actuel des forces armées (appartenant au ministère de la Défense) est normalement exercé par l'intermédiaire du secrétaire à la Défense, avec l'assistance du président des chefs d'état-major interarmées, auprès des commandements des combattants, comme indiqué dans le décret présidentiel approuvé. Plan de commandement unifié (UCP). Les rédacteurs de la Constitution ont pris soin de limiter les pouvoirs du président en matière militaire ; Alexander Hamilton l’explique dans le Federalist n°69 : le Congrès, conformément à la résolution sur les pouvoirs de guerre, doit autoriser tout déploiement de troupes d’une durée supérieure à 60 jours, bien que ce processus repose sur des mécanismes de déclenchement qui n’ont jamais été utilisés, ce qui le rend inefficace. De plus, le Congrès constitue un frein au pouvoir militaire présidentiel grâce à son contrôle sur les dépenses et la réglementation militaires. Alors qu'historiquement, les présidents ont lancé le processus d'entrée en guerre, les critiques ont accusé plusieurs conflits dans lesquels les présidents n'ont pas obtenu de déclarations officielles, notamment l'intervention militaire de Theodore Roosevelt au Panama en 1903, la guerre de Corée, la guerre du Vietnam et les invasions. de Grenade en 1983 et du Panama en 1990. Aux côtés des forces armées, le président dirige également la politique étrangère américaine. Par l'intermédiaire du Département d'État et du Département de la Défense, le président est responsable de la protection des Américains à l'étranger et des ressortissants étrangers aux États-Unis. Le président décide de reconnaître ou non de nouvelles nations et de nouveaux gouvernements, et négocie des traités avec d'autres nations, qui deviennent contraignants pour les États-Unis lorsqu'ils sont approuvés par les deux tiers des voix du Sénat. Bien que cela ne soit pas prévu par la Constitution, les présidents ont aussi parfois recours à des « accords exécutifs » dans les relations extérieures. Ces accords portent fréquemment sur des choix de politique administrative relevant du pouvoir exécutif ; par exemple, la mesure dans laquelle l'un ou l'autre pays présente une présence armée dans une zone donnée, la manière dont chaque pays appliquera les traités sur le droit d'auteur ou la manière dont chaque pays traitera le courrier étranger. Cependant, le XXe siècle a été témoin d’une vaste expansion du recours aux accords exécutifs, et les critiques ont contesté l’ampleur de ce recours en supplantant le processus de traité et en supprimant les freins et contrepoids constitutionnellement prescrits sur l’exécutif dans les relations étrangères. Les partisans rétorquent que les accords offrent une solution pragmatique lorsque le besoin d’une action rapide, secrète et/ou concertée se fait sentir. Pouvoirs administratifs Le président est le chef du pouvoir exécutif du gouvernement fédéral et est tenu par la Constitution de « veiller à ce que les lois soient fidèlement exécutées ». Le pouvoir exécutif compte plus de quatre millions d’employés, dont des militaires. Les présidents procèdent à de nombreuses nominations au sein du pouvoir exécutif : un nouveau président peut en nommer jusqu'à 6 000 avant de prendre ses fonctions et 8 000 de plus pendant son mandat. Les ambassadeurs, membres du Cabinet et autres agents fédéraux sont tous nommés par un président avec « l'avis et le consentement » de la majorité du Sénat. Lorsque le Sénat est en vacances pendant au moins dix jours, le président peut procéder à des nominations pour les vacances. Les nominations pour les vacances sont temporaires et expirent à la fin de la prochaine session du Sénat. Le pouvoir d’un président de licencier des responsables exécutifs est depuis longtemps une question politique controversée. En règle générale, un président peut révoquer à sa guise les fonctionnaires purement exécutifs. Cependant, le Congrès peut restreindre et restreindre le pouvoir d'un président de licencier les commissaires des agences de régulation indépendantes et certains dirigeants exécutifs inférieurs par la loi. Le président possède en outre la capacité de diriger une grande partie du pouvoir exécutif par le biais de décrets fondés sur la loi fédérale ou sur un pouvoir exécutif constitutionnellement accordé. Les décrets sont révisables par les tribunaux fédéraux et peuvent être remplacés par une législation fédérale. Pour gérer la bureaucratie fédérale croissante, les présidents se sont progressivement entourés de plusieurs niveaux de personnel, qui ont finalement été organisés au sein du bureau exécutif du président des États-Unis. Au sein du bureau exécutif, la couche la plus interne des collaborateurs du président (et leurs assistants) se trouve au bureau de la Maison Blanche. Pouvoirs juridiques Le président a également le pouvoir de nommer les juges fédéraux, notamment les membres des cours d'appel des États-Unis et de la Cour suprême des États-Unis. Cependant, ces nominations nécessitent la confirmation du Sénat. Obtenir l’approbation du Sénat peut constituer un obstacle majeur pour les présidents qui souhaitent orienter le système judiciaire fédéral vers une position idéologique particulière. Lorsqu’ils nomment des juges dans les tribunaux de district des États-Unis, les présidents respectent souvent la longue tradition de courtoisie sénatoriale. Les présidents peuvent également accorder des grâces et des sursis, comme cela se fait souvent juste avant la fin d'un mandat présidentiel, non sans controverse. Historiquement, deux doctrines concernant le pouvoir exécutif se sont développées et permettent au président d'exercer le pouvoir exécutif avec un certain degré d'autonomie. Le premier est le privilège exécutif, qui permet au président de ne pas divulguer toute communication faite directement au président dans l'exercice de ses fonctions exécutives. George Washington a invoqué pour la première fois le privilège lorsque le Congrès a demandé à voir les notes du juge en chef John Jay sur une négociation de traité impopulaire avec la Grande-Bretagne. Bien qu’elle ne soit pas inscrite dans la Constitution ou dans toute autre loi, l’action de Washington a créé un précédent pour ce privilège. Lorsque Richard Nixon a tenté d'utiliser le privilège exécutif comme raison pour ne pas remettre au Congrès les preuves assignées à comparaître lors du scandale du Watergate, la Cour suprême a statué dans l'affaire États-Unis c. Nixon, que le privilège exécutif ne s'appliquait pas dans les cas où un président tentait de éviter des poursuites pénales. Lorsque le président Bill Clinton a tenté d'utiliser le privilège exécutif concernant le scandale Lewinsky, la Cour suprême a statué dans l'affaire Clinton contre Jones, que ce privilège ne pouvait pas non plus être utilisé dans des poursuites civiles. Ces affaires ont établi un précédent juridique selon lequel le privilège exécutif est valide, même si l'étendue exacte de ce privilège n'a pas encore été clairement définie. De plus, les tribunaux fédéraux ont permis à ce privilège de rayonner vers l’extérieur et de protéger d’autres employés du pouvoir exécutif, mais ont affaibli cette protection pour les communications du pouvoir exécutif qui n’impliquent pas le président. Le privilège des secrets d’État permet au président et au pouvoir exécutif de dissimuler des informations ou des documents lors de procédures judiciaires si une telle divulgation risque de nuire à la sécurité nationale. Un précédent en faveur de ce privilège est apparu au début du XIXe siècle lorsque Thomas Jefferson a refusé de divulguer des documents militaires lors du procès pour trahison d'Aaron Burr et de nouveau dans l'affaire Totten c. États-Unis, lorsque la Cour suprême a rejeté une affaire intentée par un ancien espion de l'Union. Cependant, ce privilège n'a pas été formellement reconnu par la Cour suprême des États-Unis jusqu'à l'affaire United States v. Reynolds, où il a été considéré comme un privilège de preuve de common law. Avant les attentats du 11 septembre, le recours à ce privilège était rare, mais de plus en plus fréquent. Depuis 2001, le gouvernement a fait valoir ce privilège dans un plus grand nombre de cas et à des stades antérieurs du litige, entraînant ainsi dans certains cas le rejet des poursuites avant d'avoir atteint le fond des réclamations, comme dans la décision du neuvième circuit dans l'affaire Mohamed c. Jeppesen Dataplan, Inc. Les critiques du privilège affirment que son utilisation est devenue un outil permettant au gouvernement de dissimuler des actions gouvernementales illégales ou embarrassantes. Facilitateur législatif La clause d'inéligibilité de la Constitution empêche le président (et tous les autres dirigeants) d'être simultanément membre du Congrès. Par conséquent, le président ne peut pas présenter directement des propositions législatives pour examen au Congrès. Cependant, le président peut jouer un rôle indirect dans l'élaboration de la législation, en particulier si son parti politique détient la majorité dans l'une ou les deux chambres du Congrès. Par exemple, le président ou d'autres responsables du pouvoir exécutif peuvent rédiger un projet de loi, puis demander aux sénateurs ou aux représentants de présenter ces projets au Congrès. Le président peut influencer davantage le pouvoir législatif par le biais de rapports périodiques mandatés par la Constitution au Congrès. Ces rapports peuvent être écrits ou oraux, mais sont aujourd'hui présentés sous forme de discours sur l'état de l'Union, qui présente souvent les propositions législatives du président pour l'année à venir. De plus, le président peut tenter de convaincre le Congrès de modifier la législation proposée en menaçant d'y opposer son veto à moins que les modifications demandées ne soient apportées. Au XXe siècle, les critiques ont commencé à accuser trop de pouvoirs législatifs et budgétaires de tomber entre les mains de présidents qui devraient appartenir au Congrès. En tant que chef du pouvoir exécutif, les présidents contrôlent un large éventail d’agences qui peuvent émettre des réglementations avec peu de contrôle de la part du Congrès. Un critique a accusé les présidents de nommer une « armée virtuelle de « tsars » – chacun n’ayant aucun compte à rendre au Congrès, mais chargé de diriger les efforts politiques majeurs pour la Maison Blanche ». Les présidents ont été critiqués pour avoir fait des déclarations lors de la signature d'une loi du Congrès sur la façon dont ils comprennent un projet de loi ou envisagent de l'exécuter. Cette pratique a été critiquée par l'American Bar Association comme étant inconstitutionnelle. Le commentateur conservateur George Will a parlé d'un « pouvoir exécutif de plus en plus gonflé » et de « l'éclipse du Congrès ». Selon l'article II, section 3, clause 2 de la Constitution, le président peut convoquer l'une ou les deux chambres du Congrès. Si les deux chambres ne parviennent pas à s'entendre sur une date d'ajournement, le président peut fixer une date d'ajournement du Congrès. Rôles cérémoniels En tant que chef de l’État, le président peut respecter les traditions établies par les présidents précédents. William Howard Taft a lancé la tradition de lancer le premier lancer de cérémonie en 1910 au Griffith Stadium, à Washington, D.C., le jour de l'ouverture des sénateurs de Washington. Tous les présidents depuis Taft, à l'exception de Jimmy Carter, ont lancé au moins un premier ballon ou lancer de cérémonie pour la journée d'ouverture, le All-Star Game ou les World Series, généralement en grande pompe. Le président des États-Unis est président d'honneur des Boy Scouts of America depuis la fondation de l'organisation. D'autres traditions présidentielles sont associées aux fêtes américaines. Rutherford B. Hayes a lancé en 1878 le premier roulage d'œufs à la Maison Blanche pour les enfants de la région. À partir de 1947, sous l'administration Harry S. Truman, chaque année de Thanksgiving, le président reçoit une dinde domestique vivante lors de la présentation annuelle de la dinde de Thanksgiving nationale qui a lieu à la Maison Blanche. Depuis 1989, date à laquelle George H. W. Bush a officialisé la coutume de « pardonner » la dinde, la dinde a été emmenée dans une ferme où elle vivra le reste de sa vie naturelle. Les traditions présidentielles impliquent également le rôle du président en tant que chef du gouvernement. De nombreux présidents sortants depuis James Buchanan donnent traditionnellement des conseils à leur successeur lors de la transition présidentielle. Ronald Reagan et ses successeurs ont également laissé un message privé sur le bureau du bureau ovale le jour de l'investiture du nouveau président. Lors d'une visite d'État d'un chef d'État étranger, le président organise généralement une cérémonie d'arrivée d'État sur la pelouse sud, une coutume lancée par John F. Kennedy en 1961. Elle est suivie d'un dîner d'État offert par le président qui a lieu dans la salle à manger d'État plus tard dans la soirée. La présidence moderne considère le président comme l’une des principales célébrités du pays. Certains soutiennent que les images de la présidence ont tendance à être manipulées par les responsables des relations publiques de l'administration ainsi que par les présidents eux-mêmes. Un critique a décrit la présidence comme un « leadership faisant la propagande » qui exerce un « pouvoir fascinant autour du bureau ». Les responsables des relations publiques de l'administration ont organisé des séances de photos soigneusement conçues de présidents souriants avec des foules souriantes devant les caméras de télévision. Un critique a écrit que l'image de John F. Kennedy était décrite comme étant soigneusement encadrée « avec de riches détails » qui « s'appuyaient sur le pouvoir du mythe » concernant l'incident du PT 109 et a écrit que Kennedy comprenait comment utiliser les images pour promouvoir ses ambitions présidentielles. En conséquence, certains commentateurs politiques ont estimé que les électeurs américains ont des attentes irréalistes à l'égard des présidents : les électeurs s'attendent à ce qu'un président « dirige l'économie, vainc les ennemis, dirige le monde libre, réconforte les victimes de la tornade, guérisse l'âme nationale et protège les emprunteurs du crédit caché. -frais de carte." Critiques de l'évolution de la présidence La plupart des pères fondateurs de la nation s'attendaient à ce que le Congrès, qui était la première branche du gouvernement décrite dans la Constitution, soit la branche dominante du gouvernement ; ils ne s’attendaient pas à un exécutif fort. Cependant, le pouvoir présidentiel a évolué au fil du temps, ce qui a donné lieu à des affirmations selon lesquelles la présidence moderne est devenue trop puissante, incontrôlée, déséquilibrée et de nature « monarchiste ». La critique Dana D. Nelson estime que les présidents des trente dernières années ont œuvré en faveur d'un « contrôle présidentiel indivis du pouvoir exécutif et de ses agences ». Elle critique les partisans de l'exécutif unitaire pour avoir élargi « les nombreux pouvoirs exécutifs incontrôlables existants – tels que les décrets, les décrets, les mémorandums, les proclamations, les directives de sécurité nationale et les déclarations de signature législatives – qui permettent déjà aux présidents d'adopter une grande partie de la politique étrangère et intérieure. sans aide, ingérence ou consentement du Congrès. Le militant Bill Wilson a estimé que la présidence élargie était « la plus grande menace jamais vue pour la liberté individuelle et le régime démocratique ». Processus de sélection Admissibilité L'article II, section 1, clause 5 de la Constitution fixe les qualifications suivantes pour exercer la présidence : * être un citoyen américain de naissance ; les citoyens américains nés à l'étranger qui remplissaient les conditions d'âge et de résidence au moment de l'adoption de la Constitution étaient également éligibles à la présidence. Cependant, cette allocation est depuis devenue obsolète. * être âgé d'au moins trente-cinq ans ; * être résident des États-Unis depuis au moins quatorze ans. Le douzième amendement interdit à toute personne inéligible au poste de président de devenir vice-président. Une personne qui répond aux qualifications ci-dessus est toujours inhabile à occuper le poste de président dans l'une des conditions suivantes : * En vertu du vingt-deuxième amendement, personne ne peut être élu président plus de deux fois. L'amendement précise également que si une personne éligible exerce les fonctions de président ou de président par intérim pendant plus de deux ans d'un mandat pour lequel une autre personne éligible a été élue président, la première ne peut être élue président qu'une seule fois. Les chercheurs ne sont pas d'accord sur la question de savoir si une personne exclue par le vingt-deuxième amendement d'être élue présidente est également empêchée d'être vice-présidente. * En vertu de l'article I, section 3, clause 7, en cas de condamnation dans des affaires de destitution, le Sénat a la possibilité de disqualifier les personnes reconnues coupables d'exercer des fonctions fédérales, y compris celles de président. * En vertu de l'article 3 du quatorzième amendement, aucune personne ayant prêté serment de soutenir la Constitution et s'étant ensuite rebellée contre les États-Unis ne peut devenir président. Toutefois, cette disqualification peut être levée par un vote des deux tiers de chaque chambre du Congrès. Campagnes et nomination La campagne présidentielle moderne commence avant les élections primaires, que les deux principaux partis politiques utilisent pour vider le champ des candidats avant leurs conventions nationales de nomination, où le candidat le plus vainqueur est nommé candidat du parti à la présidence. Généralement, le candidat du parti à la présidentielle choisit un candidat à la vice-présidence, et ce choix est approuvé sans discussion par la convention. La profession antérieure la plus courante des présidents américains est celle d’avocat. Les candidats participent à des débats télévisés à l'échelle nationale et, bien que les débats soient généralement limités aux candidats démocrates et républicains, des candidats tiers peuvent être invités, comme Ross Perot lors des débats de 1992. Les candidats font campagne à travers le pays pour expliquer leurs points de vue, convaincre les électeurs et solliciter des contributions. Une grande partie du processus électoral moderne consiste à remporter des États charnières grâce à des visites fréquentes et à des campagnes publicitaires dans les médias de masse. Élection et serment Le président est élu au suffrage indirect. Un certain nombre d'électeurs, collectivement connus sous le nom de Collège électoral, choisissent officiellement le président. Le jour du scrutin, les électeurs de chacun des États et du District de Columbia ont voté pour ces électeurs. Chaque État se voit attribuer un nombre d’électeurs égal à la taille de sa délégation dans les deux chambres du Congrès réunies. Généralement, le ticket qui remporte le plus de voix dans un État remporte tous les votes électoraux de cet État et voit donc sa liste d'électeurs choisie pour voter au Collège électoral. La liste électorale gagnante se réunit dans la capitale de l'État le premier lundi après le deuxième mercredi de décembre, environ six semaines après l'élection, pour voter. Ils envoient ensuite un compte rendu de ce vote au Congrès. Le vote des électeurs est ouvert par le vice-président en exercice – agissant en qualité de président du Sénat – et lu à haute voix lors d'une session conjointe du nouveau Congrès, qui a été élu en même temps que le président. Conformément au vingtième amendement, le mandat du président commence à midi le 20 janvier de l'année suivant l'élection. Cette date, connue sous le nom de Jour d'Inauguration, marque le début des mandats de quatre ans du président et du vice-président. Avant d'exercer les pouvoirs de sa fonction, un président est constitutionnellement tenu de prêter le serment présidentiel : Bien que cela ne soit pas obligatoire, les présidents ont traditionnellement tenu une Bible dans la main tout en prêtant serment et ont ajouté : « Alors, aide-moi, Dieu ! jusqu'à la fin du serment. En outre, bien que le serment puisse être administré par toute personne autorisée par la loi à faire prêter serment, les présidents prêtent traditionnellement serment par le juge en chef des États-Unis. Mandat et limites de mandat La durée du mandat du président et du vice-président est de quatre ans. George Washington, le premier président, a créé un précédent officieux en ne remplissant que deux mandats, que les présidents suivants ont suivis jusqu'en 1940. Avant Franklin D. Roosevelt, les tentatives d'un troisième mandat étaient encouragées par les partisans d'Ulysses S. Grant et de Theodore Roosevelt ; aucune de ces tentatives n’a réussi. En 1940, Franklin D. Roosevelt a refusé de briguer un troisième mandat, mais a permis à son parti politique de le « désigner » comme candidat à la présidentielle et a ensuite été élu pour un troisième mandat. En 1941, les États-Unis sont entrés dans la Seconde Guerre mondiale, ce qui a conduit les électeurs à élire Roosevelt pour un quatrième mandat en 1944. Mais Roosevelt est décédé seulement 82 jours après avoir pris ses fonctions pour un quatrième mandat, le 12 avril 1945. Après la guerre, et en réponse à l'élection de Roosevelt pour les troisième et quatrième mandats, le vingt-deuxième amendement fut adopté. L'amendement interdit à quiconque d'être élu président plus de deux fois, ou une fois si cette personne a accompli plus de la moitié du mandat d'un autre président. Harry S. Truman, président au moment de l'adoption de cet amendement, fut exempté de ses limitations et brigua brièvement un troisième (un deuxième mandat complet) avant de se retirer des élections de 1952. Depuis l'adoption de l'amendement, quatre présidents ont accompli deux mandats complets : Dwight D. Eisenhower, Ronald Reagan, Bill Clinton et George W. Bush. Barack Obama a été élu pour un second mandat et achèvera son mandat le 20 janvier 2017, s'il ne décède pas ou ne démissionne pas avant cette date. Jimmy Carter et George H. W. Bush ont brigué un second mandat, mais ont été vaincus. Richard Nixon a été élu pour un second mandat, mais a démissionné avant de le terminer. Lyndon B. Johnson était le seul président en vertu de l'amendement à être éligible pour remplir plus de deux mandats au total, après avoir servi seulement quatorze mois après l'assassinat de John F. Kennedy. Cependant, Johnson s'est retiré de la Primaire démocrate de 1968, surprenant de nombreux Américains. Gerald Ford a brigué un mandat complet, après avoir purgé les deux dernières années et cinq mois du deuxième mandat de Nixon, mais n'a pas été élu. Poste vacant ou handicap Des vacances au poste de Président peuvent survenir dans plusieurs circonstances possibles : décès, démission et destitution. L'article II, section 4 de la Constitution autorise la Chambre des représentants à destituer de hauts fonctionnaires fédéraux, y compris le président, pour « trahison, corruption ou autres crimes et délits graves ». L'article I, section 3, clause 6 donne au Sénat le pouvoir de révoquer les fonctionnaires mis en accusation, moyennant un vote des deux tiers pour les condamner. La Chambre a jusqu'à présent mis en accusation deux présidents : Andrew Johnson en 1868 et Bill Clinton en 1998. Aucun des deux n'a été condamné par le Sénat ; cependant, Johnson a été acquitté par une seule voix. En vertu de l'article 3 du vingt-cinquième amendement, le président peut transférer les pouvoirs et fonctions présidentielles au vice-président, qui devient alors président par intérim, en transmettant une déclaration au président de la Chambre et au président pro tempore du Sénat indiquant le raisons du transfert. Le président reprend l'exercice des pouvoirs et devoirs présidentiels après avoir transmis à ces deux responsables une déclaration écrite constatant cette reprise. Ce transfert de pouvoir peut avoir lieu pour toute raison que le président juge appropriée ; en 2002, puis à nouveau en 2007, le président George W. Bush a brièvement transféré le pouvoir présidentiel au vice-président Dick Cheney. Dans les deux cas, cela a été fait pour accommoder une procédure médicale qui nécessitait que Bush soit mis sous sédation ; à chaque fois, Bush a repris ses fonctions plus tard le même jour. En vertu de l'article 4 du vingt-cinquième amendement, le vice-président, en conjonction avec une majorité du Cabinet, peut transférer les pouvoirs et fonctions présidentiels du président au vice-président en transmettant une déclaration écrite au président de la Chambre et au président pro tempore du Sénat que le président est incapable de s'acquitter de ses pouvoirs et devoirs présidentiels. Si cela se produit, le vice-président assumera les pouvoirs et fonctions présidentiels en tant que président par intérim ; cependant, le président peut déclarer qu'une telle incapacité n'existe pas et reprendre l'exercice des pouvoirs et devoirs présidentiels. Si le vice-président et le Cabinet contestent cette affirmation, il appartient au Congrès, qui doit se réunir dans les deux jours s'il n'est pas déjà en session, de décider du bien-fondé de la réclamation. La Constitution des États-Unis mentionne la démission du président, mais ne réglemente pas sa forme ni les conditions de sa validité. Conformément à la loi fédérale, la seule preuve valable de la démission du président est un instrument écrit à cet effet, signé par le président et remis au bureau du secrétaire d'État. Cela ne s’est produit qu’une seule fois, lorsque Richard Nixon a remis une lettre à Henry Kissinger dans ce sens. L'article 1 du vingt-cinquième amendement stipule que le vice-président devient président en cas de destitution, de décès ou de démission du président précédent. La loi sur la succession présidentielle de 1947 prévoit que si les postes de président et de vice-président sont vacants ou occupés par une personne handicapée, le prochain officier dans la ligne de succession présidentielle, le président de la Chambre, devient président par intérim. La ligne s'étend ensuite au président pro tempore du Sénat, suivi de tous les membres du Cabinet. Ces personnes doivent remplir toutes les conditions d'éligibilité au poste de président pour pouvoir devenir président par intérim ; les personnes inéligibles sont ignorées. Il n'y a jamais eu d'élection spéciale pour le poste de président. Compensation Depuis 2001, le président gagne un salaire annuel de 400 000 $, ainsi qu'un compte de dépenses annuel de 50 000 $, un compte de voyage non imposable de 100 000 $ et 19 000 $ pour ses divertissements. La plus récente augmentation de salaire a été approuvée par le Congrès et le président Bill Clinton en 1999 et est entrée en vigueur en 2001. La Maison Blanche à Washington, D.C., sert de lieu de résidence officielle du président. Outre l'accès au personnel de la Maison Blanche, les installations dont dispose le président comprennent des soins médicaux, des loisirs, des services d'entretien ménager et de sécurité. Le gouvernement finance les dîners d'État et autres réceptions officielles, mais le président paie le nettoyage à sec et la nourriture du personnel, de la famille et des invités ; la facture alimentaire élevée surprend souvent les nouveaux résidents. L'installation de soutien naval Thurmont, populairement connue sous le nom de Camp David, est un camp militaire basé en montagne dans le comté de Frederick, Maryland, utilisé comme retraite de campagne et pour la protection d'alerte élevée du président et du gu

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Quel film était un biopic sur la vie de David Helfgott ?

Shine

David Helfgott (né le 19 mai 1947) est un pianiste concertiste australien. La vie de Helfgott a inspiré le film Shine, lauréat d'un Oscar, dans lequel il est interprété par Geoffrey Rush. Biographie Début de la vie Helfgott est né à Melbourne de parents juifs polonais Rachel (née Granek) et Elias Peter Helfgott. Il est devenu connu comme un enfant prodige après que son père ait commencé à lui apprendre le piano à l'âge de cinq ans. À l'âge de dix ans, il étudia auprès de Frank Arndt, professeur de piano à Perth, et remporta plusieurs concours locaux, parfois seul et parfois avec sa sœur aînée Margaret. À l'âge de quatorze ans, alors qu'il étudiait au Mount Lawley Senior High School, des personnes comme le compositeur de Perth James Penberthy et l'écrivain Katharine Susannah Prichard ont collecté des fonds pour lui permettre d'aller aux États-Unis pour étudier la musique. Cependant, son père lui a refusé la permission. Dès l'âge de 17 ans, il étudie avec Alice Carrard, ancienne élève de Béla Bartók et István Thomán. Il a remporté six fois la finale d'État du concours instrumental et vocal ABC. Études à Londres et maladie mentale À l'âge de dix-neuf ans, Helfgott remporte une bourse pour étudier au Royal College of Music de Londres, où il étudie pendant trois ans auprès du pianiste Cyril Smith. Parmi les prix qu'il a remportés au RCM, citons le prix Dannreuther pour la meilleure interprétation de concerto pour son interprétation du Concerto pour piano n° 3 de Rachmaninov et le prix Marmaduke Barton. Durant son séjour à Londres, il a commencé à montrer des manifestations plus précises de troubles schizo-affectifs. Il retourne à Perth en 1970. L'année suivante, il épouse Clare Papp, une femme plus âgée avec quatre enfants. Qui, 24 mars 1997 Il travaille comme pianiste répétiteur pour la Western Australian Opera Company et participe également à plusieurs concerts d'ABC. Après la rupture de son bref mariage, il a été interné à Graylands, un hôpital psychiatrique de Perth. Au cours des dix années suivantes, il a suivi un traitement psychiatrique comprenant des médicaments psychotropes et une thérapie par électrochocs. En 1983, son frère Les Helfgott l'a trouvé travaillant dans un bar à vin de Perth appelé Riccardo's. En 1984, chez Riccardo, Helfgott rencontre Gillian Murray, une astrologue. Ils se sont mariés plus tard cette année-là. Briller Helfgott a fait l'objet du film Shine de 1996, qui traitait des années de formation du pianiste et de sa lutte contre la maladie mentale. Helfgott a été interprété par les acteurs Geoffrey Rush (adulte), Noah Taylor (adolescent) et Alex Rafalowicz (enfant). Le film a fait l'objet de vives critiques de la part de Margaret, la sœur de Helfgott, pour une série d'inexactitudes présumées, en particulier pour la représentation de son père Peter comme un despote violent et tyrannique. Son frère Les a décrit le portrait de Peter dans Shine et dans la biographie de Gillian Helfgott comme "... tous des mensonges purs et simples". Clare Papp, la première épouse de David Helfgott, a également déclaré que Peter Helfgott avait été "assez gravement calomnié" dans le film. En 1998, Margaret a publié le livre désaccordé : David Helfgott et le mythe de la brillance. Dans une lettre adressée au rédacteur en chef du magazine Limelight, publiée dans l'édition de septembre 2013, Margaret et Les Helfgott font référence à certaines affirmations formulées dans un article de l'édition d'août 2013 et déclarent que... il n'y a eu aucune séparation avec les membres de la famille de David. après son retour en Australie. Au contraire, (...) il est retourné directement dans la maison familiale et a été pris en charge par notre famille. ... Papa n'était pas « autoritaire » et sa principale objection au départ de David à l'étranger était son souci du bien-être de son fils. Dans une lettre adressée au directeur du Royal College of Music de Londres, David écrit que son père « était un être surhumain ». Carrière musicale actuelle Helfgott préfère généralement interpréter de la musique romantique, principalement Moussorgski, Rachmaninov, Chopin, Liszt, Schumann et Rimski-Korsakov. Cependant, ses enregistrements et ses interprétations, en particulier celui du Concerto pour piano n°3 de Rachmaninov, ont été critiqués comme étant « pâles, erratiques et incohérents ». Public lors d'un récital, l'éclat est intact - New York Times] Parmi les deux enregistrements commerciaux publiés par RCA, le journal américain Fanfare Magazine critiquait non seulement Helfgott lui-même, mais aussi ses producteurs, qui « commercialisaient la douleur de Helfgott ». Le magazine britannique Gramophone s'est également montré cinglant quant à la nature exploiteuse de son numéro, qui, selon le magazine, présentait faussement Helfgott comme un "génie méconnu". Sur scène, Helfgott est connu pour son attitude inhabituelle sur scène. En 1997, le critique Anthony Tommasini a noté que Helfgott « regarde fixement la salle et émet un commentaire ininterrompu de grognements, de gémissements et de marmonnements ». un récital, l'éclat est intact - New York Times] À propos d'un récital Helfgott en Nouvelle-Zélande en 1997, le critique Denis Dutton a écrit : « Si, comme Goethe le prétendait, l'architecture est une musique figée, David Helfgott est le musicien qui prouve finalement l'inverse : que la musique peut aussi être une architecture fondue – un débris de notes sans structure. » En décembre 1999, Helfgott a ouvert la conférence « Génies, savants et prodiges » du Center for the Mind d'Allan Snyder. Également en 1999, Helfgott est apparu sur l'album Neon Ballroom du groupe de rock Silverchair (sur le morceau d'ouverture, Emotion Sickness). Ben Gillies, le batteur de Silverchair, a décrit l'ajout par Helfgott de la piste de piano brillante et difficile à la chanson, comme l'une des plus grandes choses qu'il ait vu un musicien faire. L'arrangement pour piano a été réalisé par Larry Muhoberac. Helfgott effectue une tournée annuelle en Australie et donne un petit nombre de récitals dans d'autres pays. [http://www.davidhelfgott.com/tour/ Site officiel de David Helfgott] Vie privée Helfgott et sa seconde épouse, Gillian, vivent à The Promised Land, une vallée près de Bellingen en Nouvelle-Galles du Sud. Elle a écrit une biographie de David, Love You to Bits and Pieces, qui s'est très bien vendue mais a fait l'objet de critiques considérables de la part de la famille de David, en particulier son portrait de Peter Helfgott. Lorsqu'il n'est pas au piano, ses autres intérêts incluent la lecture, regarder la télévision, écouter de la musique (de préférence tout en même temps), les chats, les échecs, la philosophie, la natation et rester en forme. Ancien fumeur de cigarettes, Helfgott a arrêté il y a de nombreuses années en raison de l'influence de sa première femme. Prix * Finaliste d'État du Concours Instrumental et Vocal ABC (6 fois) * Le temps de la paix * Doctorat honorifique en musique. Université Edith Cowan (Perth, Australie occidentale) - Western Australian Academy of Performing Arts (WAAPA) * Le 26 novembre 2006, David Helfgott a été officiellement intronisé au Walk of Fame australien. Lors de la cérémonie, il a interprété plusieurs pièces classiques, dont l'arrangement pour piano de Rachmaninov du Vol du bourdon de Rimski-Korsakov. *Prix Dannreuther de la meilleure interprétation de concerto pour son interprétation du Concerto pour piano n°3 de Rachmaninov

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Quel réalisateur a joué le rôle du directeur du FBI dans Le Silence des agneaux ?

Roger Corman

Un réalisateur est une personne qui dirige la réalisation d’un film. Généralement, un réalisateur contrôle les aspects artistiques et dramatiques d'un film et visualise le scénario tout en guidant l'équipe technique et les acteurs dans la réalisation de cette vision. Le réalisateur joue un rôle clé dans le choix des acteurs, la conception de la production et les aspects créatifs du tournage. Selon le droit de l'Union européenne, le réalisateur est considéré comme l'auteur du film. Le réalisateur donne des orientations aux acteurs et à l'équipe et crée une vision globale à travers laquelle un film finit par se réaliser ou être remarqué. Les réalisateurs doivent être capables de concilier les différences de visions créatives et de rester dans les limites du budget du film. Il existe de nombreuses voies pour devenir réalisateur. Certains réalisateurs ont débuté comme scénaristes, directeurs de la photographie, monteurs ou acteurs. D'autres réalisateurs ont fréquenté une école de cinéma. Les réalisateurs utilisent différentes approches. Certains décrivent une intrigue générale et laissent les acteurs improviser le dialogue, tandis que d'autres contrôlent chaque aspect et exigent que les acteurs et l'équipe suivent les instructions avec précision. Certains réalisateurs écrivent également leurs propres scénarios ou collaborent sur des scénarios avec des partenaires d'écriture de longue date. Certains réalisateurs montent ou apparaissent dans leurs films, ou composent la musique de leurs films. Responsabilité Les réalisateurs créent une vision globale à travers laquelle un film finit par être réalisé/remarqué. La réalisation de cette vision implique de superviser les éléments artistiques et techniques de la production cinématographique, ainsi que de diriger le calendrier de tournage et de respecter les délais. Cela implique d'organiser l'équipe de tournage de manière à réaliser sa vision du film. Cela nécessite des compétences en leadership de groupe, ainsi que la capacité de maintenir une concentration unique, même dans l'environnement stressant et rapide d'un plateau de tournage. De plus, il est nécessaire d'avoir un œil artistique pour cadrer les plans et donner un feedback précis aux acteurs et à l'équipe. D'excellentes compétences en communication sont donc indispensables. Étant donné que le réalisateur dépend de la coopération réussie de nombreux créateurs différents dont les idéaux et les visions artistiques peuvent être fortement contradictoires, il a également besoin de posséder des compétences en matière de résolution de conflits afin d'intervenir en tant que médiateur chaque fois que cela est nécessaire. Ainsi, le réalisateur s'assure que toutes les personnes impliquées dans la production du film travaillent vers une vision identique du film terminé. L'ensemble des défis variés qu'il ou elle doit relever a été décrit comme « un puzzle multidimensionnel avec des egos et des conditions météorologiques ajoutés pour faire bonne mesure ». Cela ajoute à la pression que le succès d’un film peut influencer le moment et la manière dont il fonctionnera à nouveau. Les limites du budget des films sont omniprésentes. De plus, le directeur peut également devoir garantir une tranche d’âge prévue. Théoriquement, le seul supérieur hiérarchique d'un réalisateur est le studio qui finance le film, mais une mauvaise relation de travail entre un réalisateur et un acteur pourrait éventuellement entraîner le remplacement du réalisateur si l'acteur est une grande star du cinéma. Néanmoins, on peut soutenir que le réalisateur consacre plus de temps à un projet que quiconque, étant donné que le réalisateur est l’un des rares postes qui nécessite une implication intime à chaque étape de la production cinématographique. Ainsi, le poste de réalisateur est largement considéré comme très stressant et exigeant. On a dit que "les journées de 20 heures ne sont pas inhabituelles". En vertu du droit de l'Union européenne, le réalisateur est considéré comme « l'auteur » ou l'un des auteurs d'un film, en grande partie en raison de l'influence de la théorie de l'auteur. La théorie de l'auteur est un concept de critique cinématographique selon lequel le film d'un réalisateur reflète la vision créative personnelle du réalisateur, comme s'il était le principal « auteur » (le mot français pour « auteur »). Malgré – et parfois même grâce – à la production du film dans le cadre d'un processus industriel, la voix créatrice de l'auteur est suffisamment distincte pour briller à travers l'interférence du studio et le processus collectif. Parcours de carrière Certains réalisateurs ont commencé comme scénaristes, monteurs ou acteurs. Plusieurs cinéastes américains sont devenus réalisateurs, parmi lesquels Barry Sonnenfeld, à l'origine directeur de la photographie des frères Coen ; Jan de Bont, directeur de la photographie sur des films comme Die Hard et Basic Instinct, a réalisé Speed ​​et Twister. Récemment, Wally Pfister, directeur de la photographie des trois films Batman de Christopher Nolan, a fait ses débuts en tant que réalisateur avec Transcendence. D'autres réalisateurs ont fréquenté une école de cinéma pour « recevoir une formation formelle et une éducation dans leur métier ». Les étudiants en cinéma étudient généralement les compétences de base utilisées pour réaliser un film. Cela inclut, par exemple, la préparation, les listes de plans et les storyboards, le blocage, les protocoles de traitement avec des acteurs professionnels et la lecture des scripts. Certaines écoles de cinéma sont équipées de scènes sonores et d'installations de post-production. Outre les compétences techniques et logistiques de base, les étudiants reçoivent également une formation sur la nature des relations professionnelles qui s'établissent lors de la production cinématographique. Un cursus complet peut être conçu pour une durée maximale de cinq années d'études. Les futurs réalisateurs terminent généralement des courts métrages lors de leur inscription. L'École nationale de cinéma du Danemark présente les projets finaux des étudiants à la télévision nationale. Certaines écoles de cinéma conservent les droits sur les œuvres de leurs étudiants. De nombreux réalisateurs se sont préparés avec succès à la réalisation de longs métrages en travaillant à la télévision. L'Académie allemande du cinéma et de la télévision de Berlin coopère par conséquent avec la chaîne de télévision berlinoise/brandebourgeoise RBB (Berlin-Brandenburg Broadcasting) et ARTE. Une poignée de grands réalisateurs ont gagné entre 13 et 257 millions de dollars en 2011, comme James Cameron et Steven Spielberg. En mai 2011, le réalisateur américain moyen gagnait 122 220 dollars. Caractéristiques Les différents administrateurs peuvent varier énormément entre eux, sous diverses caractéristiques. Plusieurs exemples sont : * Ceux qui dessinent une intrigue générale et laissent les acteurs improviser le dialogue. Des exemples notables incluent Ingmar Bergman, Christopher Guest, Spike Lee, Wim Wenders, Mike Leigh, Barry Levinson, Jean-Luc Godard, Miklós Jancsó, Gus Van Sant, Judd Apatow, Terrence Malick, Harmony Korine, Jay et Mark Duplass, et occasionnellement Robert. Altman, Joe Swanberg, Sergio Leone et Federico Fellini. * Ceux qui contrôlent chaque aspect et exigent que les acteurs et l'équipe suivent les instructions avec précision. Des exemples notables incluent David Lean, Akira Kurosawa, Steven Spielberg, Ridley Scott, Victor Fleming, Erich von Stroheim, James Cameron, George Lucas, Stanley Kubrick, Sidney Lumet, Andrew Bujalski, Christopher Nolan, David Fincher, Guillermo del Toro et Alfred Hitchcock. * Ceux qui écrivent leurs propres scénarios. Des exemples notables incluent Woody Allen, Werner Herzog, Alejandro Jodorowsky, John Cassavetes, Ingmar Bergman, Stanley Kubrick, Quentin Tarantino, James Cameron, George Lucas, J. F. Lawton, David Cronenberg, Charlie Chaplin, Billy Wilder, Ed Wood, David Lynch, le Coen frères, Francis Ford Coppola, Sofia Coppola, Pier Paolo Pasolini, Pedro Almodóvar, John Hughes, Nick Park, Edward Burns, Kevin Smith, Todd Field, Cameron Crowe, Terrence Malick, Oren Peli, Eli Roth, Harmony Korine, Paul Thomas Anderson, Guillermo del Toro, Rainer Werner Fassbinder, Daryush Shokof, Oliver Stone, John Singleton, Spike Lee, Orson Welles, Akira Kurosawa, Hayao Miyazaki, M. Night Shyamalan, Paul Haggis, Billy Bob Thornton, James Wong, Tyler Perry, Robert Rodriguez, Christopher Nolan, George A. Romero, Sergio Leone, Satyajit Ray, Joss Whedon et David O. Russell. Steven Spielberg et Sidney J. Furie ont écrit les scénarios d'un petit nombre de leurs films. * Ceux qui collaborent sur des scénarios avec des partenaires d'écriture de longue date. Des exemples notables incluent Alejandro González Iñárritu et Guillermo Arriaga, Elia Kazan et Tennessee Williams, Terry Gilliam et Charles McKeown/Tony Grisoni, Wes Anderson et Owen Wilson/Noah Baumbach, Edgar Wright et Simon Pegg, Martin Scorsese et Nicholas Pileggi/Paul Schrader/Jay. Cocks, Yasujirō Ozu et Kôgo Noda, Peter Jackson et Fran Walsh, Alexander Payne et Jim Taylor, Robert Zemeckis et Bob Gale, Luis Buñuel et Jean-Claude Carrière/Luis Alcoriza, Krzysztof Kieślowski/Krzysztof Piesiewicz, Rajkumar Hirani/Abhijat Joshi/Vidhu Vinod Chopra, Frank Capra/Robert Riskin, Michelangelo Antonioni/Tonino Guerra, Billy Wilder/I.A.L. Diamond, Sergio Leone et Sergio Donati, Guillermo del Toro et Matthew Robbins, et Christopher Nolan/Jonathan Nolan/David S. Goyer. * Ceux qui montent leurs propres films. Des exemples notables incluent Akira Kurosawa, Alfonso Cuarón, David Fincher Mike Cahill, Jean-Marc Vallée, Steven Soderbergh, David Lean, Don Coscarelli, Charlie Chaplin, Robert Rodriguez, Rajkumar Hirani, James Cameron, Ed Wood, Gaspar Noe, Takeshi Kitano, John Woo, Andy Warhol, Shinya Tsukamoto, Kenneth Anger, Gregg Araki, Gus Van Sant, Xavier Dolan, Ben Wheatley, Kelly Reichardt, Leni Riefenstahl, Kevin Smith, Rodrigo Cortes, Joe Swanberg, Steve James, Jafar Panahi, Ti West, Joel et Ethan Coen et de nombreux cinéastes indépendants, Internet et d'art et d'essai. * Ceux qui tournent leurs propres films. Des exemples notables incluent Nicolas Roeg, Mike Cahill, Peter Hyams, Steven Soderbergh, Joe Swanberg, Tony Kaye, Gaspar Noe, Gregg Araki, Robert Rodriguez, Don Coscarelli, Josef von Sternberg, Shinya Tsukamoto et Kenneth Anger. *Ceux qui apparaissent dans leurs films. Des exemples notables incluent Clint Eastwood, Orson Welles, Mel Gibson, Martin Scorsese, Peter Jackson, John Waters, John Carpenter, Spike Lee, Tyler Perry, Rainer Werner Fassbinder, Kevin Costner, Kenneth Anger, Woody Allen, Jon Favreau, Quentin Tarantino, Eli. Roth, Michael Bay, Mel Brooks, Ben Stiller, Alejandro Jodorowsky, Charlie Chaplin, Terry Jones, Edward Burns, Pier Paolo Pasolini, Sam Raimi, Roman Polanski, Erich von Stroheim, Billy Bob Thornton, Sylvester Stallone, M. Night Shyamalan, Harold Ramis, Robert De Niro, John Woo, Kevin Smith, Warren Beatty, Robert Redford, Takeshi Kitano, Kenneth Branagh et Ed Wood. Alfred Hitchcock, Abel Ferrara, Shawn Levy, Edgar Wright et Spike Jonze ont fait des apparitions dans leurs films. * Ceux qui composent la musique de leurs films. Des exemples notables incluent Charlie Chaplin, Clint Eastwood, David Lynch, Alejandro Jodorowsky, John Carpenter, Mike Figgis, Hal Hartley, Alejandro Amenábar, Satyajit Ray, Robert Rodriguez et Tom Tykwer. *Une autre façon de catégoriser les réalisateurs est leur appartenance à une « école » de cinéma, comme la Nouvelle Vague française, la Nouvelle Vague britannique ou l'école de cinéastes du New Hollywood. Organisations professionnelles Aux États-Unis, les réalisateurs appartiennent généralement à la Guilde des réalisateurs américains. L'équivalent canadien est la Guilde canadienne des réalisateurs. Au Royaume-Uni, les réalisateurs appartiennent généralement à la Guilde des réalisateurs britanniques ou à la Guilde des réalisateurs de Grande-Bretagne. En Europe, la FERA, la Fédération des réalisateurs européens, représente 37 guildes nationales de réalisateurs dans 30 pays. Individus notables Pour chaque réalisateur, un film remarquable qu'il a réalisé est donné à titre d'exemple de son travail. Le film choisi peut être le film qui a remporté les plus hautes récompenses ou l'un de leurs films les plus connus. *J.J. Abrams (Star Wars : Le Réveil de la Force - 2015) *Ben Affleck (Argo - 2012) * Robert Aldrich (Les Douze sales - 1967) * Lewis Allen (Les non invités - 1944) * Woody Allen (Annie Hall - 1977) * Pedro Almodóvar (Tout sur ma mère - 1999) *Robert Altman (MASH - 1970) * Lindsay Anderson (si.... - 1968) * Michael Anderson (Les Dam Busters - 1955) *Paul Thomas Anderson (Boogie Nights - 1997) * Paul WS Anderson (Resident Evil - 2002) * Wes Anderson (Les Royal Tenenbaums - 2001) * Theodoros Angelopoulos (L'éternité et un jour - 1998) *Jean-Jacques Annaud (Le Nom de la Rose - 1986) * Sathyan Anthikad (Rasathanthram - 2006) * Michelangelo Antonioni (L'Avventura - 1960) *Dario Argento (Suspiria - 1977) * Darren Aronofsky (Cygne Noir - 2010) * Dorothy Arzner (La mariée portait du rouge - 1937) * Hal Ashby (Rentrer à la maison - 1978) *Richard Attenborough (Gandhi - 1982) * John G. Avildsen (Rocky - 1976) * John Badham (La fièvre du samedi soir - 1977) * Sooraj Barjatya (Hum Aapke Hain Koun..! - 1994) * Mario Bava (Lisa et le Diable - 1972) * Michael Bay (Transformateurs - 2007) * Warren Beatty (Rouges - 1981) * Robert Benton (Kramer contre Kramer - 1979) * Ingmar Bergman (Fraises des bois - 1957) * Busby Berkeley (Emmène-moi au jeu de balle - 1949) * Bernardo Bertolucci (Le Dernier Empereur - 1987) *Luc Besson (Lucy - 2014) *Sanjay Leela Bhansali (Devdas - 2002) * Kathryn Bigelow (The Hurt Locker - 2008) *Brad Bird (Ratatouille - 2007) *Neill Blomkamp (District 9 - 2009) * Don Bluth (La Terre avant le temps - 1988) * Budd Boetticher (Sept hommes à partir de maintenant - 1956) * Peter Bogdanovich (Le dernier film - 1971) * John Boorman (Délivrance - 1972) * Frank Borzage (L'Adieu aux armes - 1932) * Danny Boyle (Slumdog Millionaire - 2008) * Robert Bresson (Au Hasard Balthazar - 1966) * James L. Brooks (Terms of Endearment - 1983) * Mel Brooks (Spaceballs - 1987) * Tod Browning (Dracula - 1931) * Luis Buñuel (Un Chien Andalou - 1929) * Tim Burton (Gros Poisson - 2003) *James Cameron (Titanic - 1997) * Jane Campion (Le Piano - 1993) * Frank Capra (C'est arrivé une nuit - 1934) * Marcel Carné (Les Enfants du Paradis - 1945) * John Carpenter (Halloween - 1978) * John Cassavetes (Une femme sous influence - 1974) * Liliana Cavani (Le Porteur de nuit - 1974) * Nuri Bilge Ceylan (Il était une fois en Anatolie - 2011) *Claude Chabrol (Madame Bovary - 1991) * Charlie Chaplin (Les Temps Modernes - 1936) * Michael Cimino (Le chasseur de cerfs - 1978) * George Clooney (Bonne nuit et bonne chance - 2005) * Henri-Georges Clouzot (Le Salaire de la peur - 1953) *Joël et Ethan Coen (Fargo - 1996) * Chris Columbus (Seul à la maison - 1990) * Ryan Coogler (Credo - 2015) * Francis Ford Coppola (Le Parrain - 1972) * Sofia Coppola (Perdu dans la traduction - 2003) * Roger Corman (La Petite Boutique des Horreurs - 1960) * Kevin Costner (Danse avec les loups - 1990) * Wes Craven (Un cauchemar sur Elm Street - 1984) * David Cronenberg (La Mouche - 1986) * Cameron Crowe (Jerry Maguire - 1996) * Alfonso Cuarón (Gravité - 2013) *Michael Curtiz (Casablanca - 1942) * Stephen Daldry (Billy Elliot - 2000) *Joe Dante (Gremlins - 1984) * Frank Darabont (La Rédemption de Shawshank - 1994) * Jean-Pierre et Luc Dardenne (L'Enfant au vélo - 2011) * Delmer Daves (L'Arbre suspendu - 1959) * Andrew Davis (Le Fugitif - 1993) * Cecil B. DeMille (Les Dix Commandements - 1956) * Jonathan Demme (Le Silence des agneaux - 1991) * Pete Docter (À l'envers - 2015) * Andrew Dominik (L'Assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford - 2007) * Stanley Donen (Chantons sous la pluie - 1952) * Richard Donner (Arme fatale - 1987) * Carl Theodor Dreyer (La Passion de Jeanne d'Arc - 1928) * Guru Dutt (Pyaasa - 1957) * Clint Eastwood (L'Impardonné - 1992) * Atom Egoyan (Le doux au-delà - 1997) * Sergueï Eisenstein (Cuirassé Potemkine - 1925) * Roland Emmerich (Jour de l'Indépendance - 1996) * Ray Enright (Coroner Creek - 1948) * Víctor Erice (Rêve de lumière - 1992) * Asghar Farhadi (Une séparation - 2011) * Rainer Werner Fassbinder (Le Mariage de Maria Braun - 1979) * Federico Fellini (8½ - 1963) * Todd Field (Petits enfants - 2006) * David Fincher (Gone Girl - 2014) * Victor Fleming (Autant en emporte le vent - 1939) * John Ford (Les Raisins de la colère - 1940) * Miloš Forman (Vol au-dessus d'un nid de coucou - 1975) *Bob Fosse (Cabaret - 1972) * John Frankenheimer (Le candidat mandchou – 1962) * William Friedkin (L'Exorciste - 1973) * Kinji Fukasaku (Battle Royale - 2000) *Lucio Fulci (Zombie 2 - 1979) * Samuel Fuller (Le Baiser nu - 1964) * Hrithik Ghatak (Yukti Takk et Gopp - 1974) *Mel Gibson (Braveheart - 1995) *Louise Gilbert (Éduquer Rita - 1983) * Terry Gilliam (Brésil - 1985) *Jean-Luc Godard (A bout de souffle - 1960) * Michel Gondry (Eternal Sunshine of the Spotless Mind - 2004) *Adoor Gopalakrishnan (Swayamvaram - 1972) *Ashutosh Gowariker (Lagan - 2001) *P. Gary Gree (Caftan panier droit - 2015) * Paul Greengrass (L'Ultimatum Bourne - 2007) * D. W. Griffith (La Naissance d'une nation - 1915) * James Gunn (Les Gardiens de la Galaxie - 2014) *Paul Haggis (Crash - 2004) * Lasse Hallström (Ma vie de chien - 1985) * Michael Haneke (Le Ruban Blanc - 2009) *Renny Harlin (Die Hard 2 - 1990) * Henry Hathaway (Vies d'un lancier du Bengale - 1935) * Howard Hawks (Les hommes préfèrent les blondes - 1953) * Michel Hazanavicius (L'Artiste - 2011) * Stuart Heisler (Le long de Came Jones - 1945) * Werner Herzog (Aube de sauvetage - 2006) * George Roy Hill (Abattoir-Cinq - 1972) * Walter Hill (48 heures - 1982) * Rajkumar Hirani (3 idiots - 2009) * Oliver Hirschbiegel (La Chute - 2004) *Alfred Hitchcock (Psycho - 1960) * Tobe Hooper (Massacre à la tronçonneuse - 1974) * Tom Hooper (Le Discours du Roi - 2010) * Ron Howard (Un bel esprit - 2001) * John Hughes (Le jour de congé de Ferris Bueller - 1986) * John Huston (Le Faucon Maltais - 1941) * Kon Ichikawa (Feux dans la plaine - 1959) * Alejandro Gonzalez Iñarritu (Birdman ou La vertu inattendue de l'ignorance) - 2014) * Miklós Jancsó (Le Rouge et le Blanc - 1967) * Peter Jackson (Le Seigneur des Anneaux - 2001-2003) * Jim Jarmusch (Fleurs brisées - 2005) * Jean-Pierre Jeunet (Amélie - 2001) * Norman Jewison (In the Heat of the Night - 1967) * Alejandro Jodorowsky (El Topo - 1970) * Karan Johar (Kuch Kuch Hota Hai - 1998) *Rian Johnson (Looper-2012) * Joe Johnston (Chérie, nous avons rétréci les enfants - 1989) * Chuck Jones (Qu'est-ce que l'Opéra, Doc ? - 1957) * Spike Jonze (Elle - 2013) * Neil Jordan (Le jeu des pleurs - 1992) * Deborah Kampmeier (Chien de chasse - 2003) * Raj Kapoor (Awaara - 1951) * Lawrence Kasdan (Le grand froid - 1983) * Philip Kaufman (Les bonnes choses - 1983) * Elia Kazan (Un tramway nommé Désir - 1951) * Buster Keaton (Sherlock, Jr. - 1928) * Burt Kennedy (Les Rounders - 1965) * Mehboob Khan (Mère Inde - 1957) * Abbas Kiarostami (Le goût de la cerise - 1997) * Krzysztof Kieślowski (trilogie Les Trois Couleurs - 1993-1994) * Masaki Kobayashi (La Condition humaine - 1959-1961) * Barbara Kopple (Comté de Harlan, États-Unis - 1976) * Stanley Kremer (Jugement de Nuremberg - 1961) * Stanley Kubrick (2001 : L'Odyssée de l'espace - 1968) * Thiagarajam Kumararaja (Aranya Kandam - 2011) * Akira Kurosawa (Sept Samouraïs - 1954) *Emir Kusturica (Métro - 1995) * Fritz Lang (Métropole - 1927) * John Lasseter (Histoire de jouets - 1995) * Charles Laughton (La Nuit du chasseur - 1955) * David Lean (Lawrence d'Arabie - 1962) * Ang Lee (Brokeback Mountain - 2005) * Spike Lee (Faites la bonne chose - 1989) * Mike Leigh (Nu - 1993) * Sergio Leone (Le Bon, la Brute et le Truand - 1966) *Barry Levinson (Rain Man - 1988) * Joseph H. Lewis (Le Grand Combo - 1955) * Richard Linklater (Enfance - 2014) * Ken Loach (Le vent qui secoue l'orge - 2006) *Joseph Losey (Monsieur Klein - 1976) *George Lucas (Guerres des étoiles - 1977) * Sidney Lumet (Après-midi de chien - 1975) * Ernst Lubitsch (Le paradis peut attendre - 1943) *Baz Luhrmann (Moulin Rouge ! - 2001) * David Lynch (Dr Mulholland - 2001) * Adrian Lyne (Attraction fatale - 1987) * Kevin Macdonald (Le dernier roi d'Écosse - 2006) * Mahendran (Mullum Malarum - 1978) * Samira Makhmalbaf (À cinq heures de l'après-midi - 2003) * Terrence Malick (The Tree of Life - 2011) * Louis Malle (Au revoir les enfants - 1987) * Joseph L. Mankiewicz (Guys and Dolls - 1955) *Anthony Mann (L'Homme de l'Ouest - 1958) * Delbert Mann (Marty - 1955) * Michael Mann (Chaleur - 1995) * Garry Marshall (Jolie femme - 1990) * Penny Marshall (Une ligue à part - 1992) * Rob Marshall (Chicago - 2002) *Steve McQueen (12 ans d'esclavage - 2013) *John McTiernan (Die Hard - 1988) * Deepa Mehta (Eau - 2005) * Georges Méliès (Un Voyage sur la Lune - 1902) * Sam Mendes (Beauté américaine - 1999) * Márta Mészáros (Journal de mes enfants - 1984) * Nancy Meyers (Quelque chose doit donner - 2003) * Takashi Miike (13 Assassins - 2010) * Lewis Milestone (Tout est calme sur le front occidental - 1930) *George Miller (Mad Max : Fury Road - 2015) *Anthony Minghella (Le Patient anglais - 1996) * Hayao Miyazaki (Le Voyage de Chihiro - 2001) *Kenji Mizoguchi (Ugetsu - 1953) *Mario Monicelli (Rossini ! Rossini ! - 1991) *Michael Moore (Fahrenheit 9/11 - 2004) * Hrishikesh Mukherjee (Anand - 1971) * F. W. Murnau (Nozferatu - 1922) *Meera Nair (Salaam Bombay ! - 1988) * Mike Nichols (Le diplômé - 1967) * Christopher Nolan (Le Chevalier Noir - 2008) * Frank Oz (La partition - 2001) * Yasujirō Ozu (Histoire de Tokyo - 1953) * Padmarajan (Aparan - 1988) *Brian De Palma (Scarface - 1983) * Park Chan-Wook (Oldboy - 2003) * Sergueï Parajanov (La Couleur des Grenades - 1969) *Alan Parker (Midnight Express - 1978) * Pier Paolo Pasolini (Salò, ou les 120 Journées de Sodome - 1975) * Sam Peckinpah (La Bande Sauvage - 1969) *Arthur Penn (Bonnie et Clyde - 1967) * Sean Penn (Dans la nature - 2007) *Wolfgang Pettersson (Dix bottes - 1981) * Dadasaheb Phalke (Gangavataran - 1937) *Roman Polanski (Chinatown - 1974) *Sydney Pollack (Tootsie - 1982) * Sally Potter (L'Homme qui criait - 2000) * Otto Preminger (Anatomie d'un meurtre - 1959) * Powell et Pressburger (Les Souliers Rouges - 1948) * Bob Rafelson (Cinq pièces faciles - 1970) *Sam Raimi (Spider-Man - 2002) * S. S. Rajamouli (Baahubali : Le Commencement - 2015) * Harold Ramis (Jour de la marmotte - 1993) *Mani Ratnam (Nayakan - 1987) * Nicholas Ray (Rebelle sans cause - 1955) * Satyajit Ray (La trilogie Apu - 1955-1959) * Robert Redford (Quiz Show - 1994) *Nicolas Winding Refn (Drive - 2011) * Rob Reiner (La princesse à marier - 1987) * Ivan Reitman (SOS Fantômes - 1984) * Jason Reitman (Dans les airs - 2009) *Jean Renoir (Grande Illusion - 1937) * Alain Resnais (L'année dernière à Marienbad - 1961) * Leni Riefenstahl (Triomphe de la Volonté - 1935) * Guy Ritchie (Arracher - 2000) * Robert Rodriguez (Du crépuscule à l'aube - 1996) *Éric Rohmer (Pauline à la plage - 1983) * George A. Romero (La Nuit des morts-vivants - 1968) * Roberto Rossellini (Rome, Ville Ouverte - 1945) * Eli Roth (Auberge - 2005) * Bimal Roy (Do Bigha Zamin - 1953) *Anthony et Joe Russo (Captain America : Civil War - 2016) * Mark Rydell (Sur l'étang doré - 1981) * Gus Van Sant (Chasse de bonne volonté - 1997) * John Sayles (Le Secret de Roan Inish - 1994) * Franklin J. Schaffner (Patton - 1970) * John Schlesinger (Cowboy de minuit - 1969) * Volker Schlöndorff (Le Tambour - 1979) * Joel Schumacher (Les Garçons Perdus - 1987) *Ettore Scola (Le Bal - 1983) * Martin Scorsese (Les Affranchis - 1990) * Ridley Scott (Blade Runner - 1982) *Tony Scott (Top Gun - 1986) * Leslie Silander (Grand homme à cheval - 1955) * Shankar (Enthiran - 2010) *V. Shantaram (Deux yeux, douze mains - 1958) * Daryush Shokof (Sept serviteurs - 1996) * M. Night Shyamalan (Le Sixième Sens - 1999) * Vittorio De Sica (Voleurs de vélos - 1948) *Don Siegel (Le Sale Harry - 1971) * Bryan Singer (Les suspects habituels - 1995) * Tarsem Singh (La Chute - 2006) * John Singleton (Boyz n the Hood - 1991) * Robert Siodmak (Les Tueurs - 1946) * Kevin Smith (commis - 1994) * Zack Snyder (Batman contre Superman : L'aube de la justice - 2016) * Steven Soderbergh (Ocean's Eleven - 2001) * Paolo Sorrentino (La Grande Beauté - 2013) * Steven Spielberg (La Liste de Schindler - 1993) *Morgan Spurlock (Super Size Me - 2004) * Sylvester Stallone (Rocky Balboa - 2006) * George Stevens (Géant - 1956) * Oliver Stone (Peloton - 1986) * John Sturges (La Grande Évasion - 1963) * Preston Sturges (Le Grand McGinty - 1940) * István Szabó (Méphisto - 1981) * Quentin Tarantino (Pulp Fiction - 1994) * Andreï Tarkovski (Solaris - 1972) * Béla Tarr (Sátántango - 1994) * Giuseppe Tornatore (Cinéma Paradiso - 1988) * Guillaume le Taureau (Le Labyrinthe de Pan - 2006) *André De Toth (Maison de Cire - 1953) *Jacques Tourneur (Les Gens Chats - 1942) * Lars von Trier (Mélancolie - 2011) * Jiří Trnka (Le Rossignol de l'Empereur - 1949) * François Truffaut (Les 400 coups - 1959) * Tom Tykwer (Run Lola Run - 1998) * Jean-Marc Vallée (Dallas Buyers Club - 2013) * Agnès Varda (Cléo from 5 to 7 - 1962) * Gore Verbinski (Pirates des Caraïbes : La Malédiction du Black Pearl - 2003) *Paul Verhoeven (RoboCop - 1987) * Roi Vidor (Le Champion - 1931) *Denis Villeneuve (Sicario - 2015) * Thomas Vinterberg (La Chasse - 2012) * Luchino Visconti (Le Léopard - 1963) * Les Wachowski (The Matrix - 1999) * James Wan (La Conjuration - 2013) *John Waters (Cry-Baby - 1990) * Peter Weir (Le Truman Show - 1998) *Orson Welles (Citizen Kane - 1941) * Wim Wenders (Paris, Texas - 1984) *James Baleine (Frankenstein - 1931) * Joss Whedon (Les Vengeurs - 2012) * Robert Wiene (Le Cabinet du Dr Caligari - 1920) * Cornel Wilde (Plage rouge - 1967) * Billy Wilder (L'Appartement - 1960) * Robert Wise (West Side Story - 1961) * John Woo (Face/Off - 1997) * Ed Wood (Plan 9 depuis l'espace extra-atmosphérique - 1959) * Sam Wood (Pour qui sonne le glas - 1943) * Edgar Wright (Shaun des morts - 2004) * Joe Wright (Expiation - 2007) *William Wyler (Ben-Hur - 1959) * Edward Yang (Yi Yi : Un Un et un Deux - 2000) * David Yates (Harry Potter et l'Ordre du Phénix - 2007) *Peter Yates (Bullitt - 1968) * Karel Zeman (Le Fabuleux Baron Munchausen - 1961) *Robert Zemeckis (Forrest Gump - 1994) * Mai Zetterling (Couples amoureux - 1964) * Fred Zinnemann (D'ici à l'éternité - 1953) * Rob Zombie (Les rejets du diable - 2005)

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Dans quel classique de science-fiction le vaisseau spatial Nostromo est-il apparu pour la première fois ?

Alien

La science-fiction est un genre de fiction spéculative traitant de concepts imaginatifs tels que la science et la technologie futuristes, les voyages dans l'espace, les voyages dans le temps, les voyages plus rapides que la lumière, les univers parallèles et la vie extraterrestre. La science-fiction explore souvent les conséquences potentielles des innovations scientifiques et autres et a été qualifiée de « littérature d'idées ». Il évite généralement le surnaturel et, contrairement au genre connexe de la fantasy, les histoires de science-fiction étaient historiquement censées avoir au moins un faible fondement sur des faits ou des théories scientifiques au moment où l'histoire a été créée, mais ce lien est devenu ténu ou non. -existant dans une grande partie de la science-fiction. Définitions La science-fiction est difficile à définir car elle comprend un large éventail de sous-genres et de thèmes. L'auteur et éditeur Damon Knight a résumé la difficulté en disant que « la science-fiction est ce que nous indiquons lorsque nous la disons », une définition reprise par l'auteur Mark C. Glassy, ​​qui soutient que la définition de la science-fiction est comme la définition de la pornographie : vous ne savez pas ce que c'est, mais vous le savez quand vous le voyez. Hugo Gernsback, qui fut l'un des premiers à utiliser le terme « science-fiction », décrit sa vision du genre : « Par « science-fiction », j'entends le type d'histoire de Jules Verne, H. G. Wells et Edgar Allan Poe – une charmante romance entremêlée avec des faits scientifiques et une vision prophétique. En 1970, William Atheling Jr. écrivait à propos du terme anglais « science-fiction » : « Wells a utilisé ce terme à l'origine pour désigner ce que nous appellerions aujourd'hui la science-fiction « dure », dans laquelle une tentative consciencieuse d'être fidèle à des faits déjà connus (à partir de la date d'écriture) était le substrat sur lequel l'histoire devait être construite, et si l'histoire devait aussi contenir un miracle, elle ne devait pas du moins en contenir tout un arsenal. Selon l'écrivain de science-fiction Robert A. Heinlein, « une courte définition pratique de presque toute science-fiction pourrait se lire comme suit : spéculation réaliste sur d'éventuels événements futurs, solidement fondée sur une connaissance adéquate du monde réel, passé et présent, et sur une compréhension approfondie de la nature et la signification de la méthode scientifique. La définition de Rod Serling est « la fantaisie est l'impossible rendu probable. La science-fiction est l'improbable rendu possible ». Lester del Rey a écrit : « Même l'aficionado – ou le fan – dévoué a du mal à expliquer ce qu'est la science-fiction », et que la raison pour laquelle il n'y a pas de « définition pleinement satisfaisante » est qu'« il n'y a pas de limites faciles à délimiter ». à la science-fiction." Caractéristiques La science-fiction repose en grande partie sur l’écriture rationnelle d’autres mondes ou futurs possibles. Il est lié au fantastique, mais différent du fantastique dans la mesure où, dans le contexte de l'histoire, ses éléments imaginaires sont largement possibles dans le cadre de lois physiques scientifiquement établies ou postulées scientifiquement (bien que certains éléments d'une histoire puissent encore être de pures spéculations imaginatives). Les contextes de la science-fiction sont souvent contraires à ceux de la réalité consensuelle, mais la plupart des œuvres de science-fiction reposent sur un degré considérable de suspension de l'incrédulité, qui est facilité dans l'esprit du lecteur par des explications scientifiques potentielles ou des solutions à divers éléments de fiction. Les éléments de science-fiction comprennent : * Une époque située dans le futur, dans des chronologies alternatives ou dans un passé historique qui contredit les faits historiques connus ou les archives archéologiques. * Un décor spatial ou des scènes dans l'espace (par exemple un vol spatial), sur d'autres mondes ou sur la terre souterraine. * Personnages comprenant des extraterrestres, des mutants, des androïdes ou des robots humanoïdes et d'autres types de personnages issus d'une future évolution humaine. * Technologie futuriste ou plausible telle que les pistolets à rayons, les machines de téléportation et les ordinateurs humanoïdes. * Principes scientifiques nouveaux ou qui contredisent les lois physiques acceptées, par exemple le voyage dans le temps, les trous de ver ou les voyages ou communications plus rapides que la lumière. * Systèmes politiques ou sociaux nouveaux et différents, par ex. utopique, dystopique, post-rareté ou post-apocalyptique. * Capacités paranormales telles que le contrôle mental, la télépathie, la télékinésie (par exemple "La Force" dans Star Wars). * D'autres univers ou dimensions et voyagez entre eux. Histoire En tant que moyen de comprendre le monde à travers la spéculation et la narration, la science-fiction a des antécédents qui remontent à une époque où la ligne de démarcation entre le mythologique et l'historique tend à devenir quelque peu floue, bien que des précurseurs de la science-fiction en tant que littérature puissent être vus dans l'œuvre de Lucian. L'Histoire vraie au IIe siècle, certains contes des Mille et Une Nuits, Le Conte du coupeur de bambou au Xe siècle et le Théologue Autodidacte d'Ibn al-Nafis au XIIIe siècle. Produit de l'ère naissante de la raison et du développement de la science moderne elle-même, « The Blazing World » de Margaret Cavendish (1666) et Les Voyages de Gulliver de Jonathan Swift (1726) comptent parmi les premières véritables œuvres scientifiques fantastiques, qui présentent toutes deux les aventures de le protagoniste dans des lieux fictifs et fantastiques, aux côtés de Micromégas de Voltaire (1752) et de Somnium de Johannes Kepler (1620-1630). Isaac Asimov et Carl Sagan considéraient cette dernière œuvre comme la première histoire de science-fiction. Il représente un voyage vers la Lune et comment le mouvement de la Terre est observé à partir de là. The Blazing World (1666), de la noble anglaise Margaret Cavendish, a également été décrit comme l'un des premiers précurseurs de la science-fiction. Un autre exemple est le roman Nicolai Klimii Iter Subterraneum (1741) de Ludvig Holberg. Suite au développement du roman en tant que forme littéraire au XVIIIe siècle, au début du XIXe siècle, les livres de Mary Shelley, Frankenstein (1818) et The Last Man, ont contribué à définir la forme du roman de science-fiction, et Brian Aldiss a soutenu que Frankenstein était le roman de science-fiction. première œuvre de science-fiction. Plus tard, Edgar Allan Poe a écrit une histoire sur un vol vers la lune. D'autres exemples sont apparus tout au long du XIXe siècle. Puis, avec l’avènement de nouvelles technologies telles que l’électricité, le télégraphe et de nouvelles formes de transport motorisé, des écrivains comme H. G. Wells et Jules Verne ont créé un ensemble d’œuvres qui sont devenues populaires dans de larges pans de la société. Wells' La Guerre des Mondes (1898) décrit une invasion de la fin de l'Angleterre victorienne par des Martiens utilisant des machines de combat sur trépied équipées d'armes avancées. C'est une représentation fondamentale d'une invasion extraterrestre de la Terre. À la fin du XIXe siècle, le terme « romance scientifique » était utilisé en Grande-Bretagne pour décrire une grande partie de cette fiction. Cela a produit des ramifications supplémentaires, telles que la nouvelle de 1884 Flatland : A Romance of Many Dimensions d'Edwin Abbott Abbott. Le terme continuera à être utilisé jusqu'au début du XXe siècle pour des écrivains tels qu'Olaf Stapledon. Au début du XXe siècle, les magazines pulp ont contribué au développement d'une nouvelle génération d'écrivains de SF principalement américains, influencés par Hugo Gernsback, le fondateur du magazine Amazing Stories. En 1912, Edgar Rice Burroughs publia A Princess of Mars, le premier de sa série de trois décennies de romans Barsoom, situés sur Mars et mettant en vedette John Carter comme héros. La publication en 1928 de l'histoire originale de Buck Rogers de Philip Francis Nowlan, Armageddon 2419, dans Amazing Stories fut un événement marquant. Cette histoire a donné naissance à des bandes dessinées mettant en vedette Buck Rogers (1929), Brick Bradford (1933) et Flash Gordon (1934). Les bandes dessinées et les feuilletons dérivés de films ont grandement popularisé la science-fiction. À la fin des années 1930, John W. Campbell devient rédacteur en chef d'Astounding Science Fiction, et une masse critique de nouveaux écrivains émerge à New York au sein d'un groupe appelé les Futuriens, parmi lesquels Isaac Asimov, Damon Knight, Donald A. Wollheim, Frederik Pohl, James Blish, Judith Merril et autres. Parmi les autres écrivains importants de cette période figurent E.E. (Doc) Smith, Robert A. Heinlein, Arthur C. Clarke, Olaf Stapledon et A. E. van Vogt. Ray Bradbury et Stanisław Lem travaillaient en dehors de l'influence de Campbell. Le mandat de Campbell chez Astounding est considéré comme le début de l'âge d'or de la science-fiction, caractérisé par des histoires dures de SF célébrant les réalisations et les progrès scientifiques. Cela a duré jusqu'à ce que les progrès technologiques d'après-guerre, de nouveaux magazines tels que Galaxy, édités par H. L. Gold, et qu'une nouvelle génération d'écrivains commencent à écrire des histoires en mettant moins l'accent sur les sciences dures et davantage sur les sciences sociales. Dans les années 1950, la génération Beat comprenait des écrivains spéculatifs tels que William S. Burroughs. Dans les années 1960 et au début des années 1970, des écrivains comme Frank Herbert, Samuel R. Delany, Roger Zelazny et Harlan Ellison ont exploré de nouvelles tendances, idées et styles d'écriture, tandis qu'un groupe d'écrivains, principalement britanniques, est devenu connu sous le nom de Nouvelle Vague pour leur adhésion à un haut degré d'expérimentation, à la fois dans la forme et dans le contenu, et une sensibilité intellectuelle et consciemment « littéraire » ou artistique. Dans les années 1970, des écrivains comme Larry Niven ont donné un nouveau souffle à la science-fiction dure. Ursula K. Le Guin et d’autres ont été les pionniers de la science-fiction douce. Dans les années 1980, des auteurs cyberpunk comme William Gibson se sont détournés de l’optimisme et du soutien au progrès de la science-fiction traditionnelle. Cette vision dystopique du futur proche est décrite dans les travaux de Philip K. Dick, comme Do Androids Dream of Electric Sheep ? et We Can Remember It for You Wholesale, qui a donné naissance aux films Blade Runner et Total Recall. La franchise Star Wars a contribué à susciter un nouvel intérêt pour le space opera. Les explorations détaillées de C. J. Cherryh sur la vie extraterrestre et les défis scientifiques complexes ont influencé toute une génération d'écrivains. Les thèmes émergents dans les années 1990 comprenaient les problèmes environnementaux, les implications de l'Internet mondial et de l'univers de l'information en expansion, les questions sur la biotechnologie et la nanotechnologie, ainsi que l'intérêt de l'après-guerre froide pour les sociétés post-pénurie ; The Diamond Age de Neal Stephenson explore de manière exhaustive ces thèmes. Les romans Vorkosigan de Lois McMaster Bujold ont redonné de l'importance à l'histoire axée sur les personnages. La série télévisée Star Trek : The Next Generation (1987) a lancé un torrent de nouvelles émissions de SF, dont trois autres émissions dérivées de Star Trek (Deep Space 9, Voyager et Enterprise) et Babylon 5. Stargate, un film sur un ancien portail vers d'autres portes à travers la galaxie, est sorti en 1994. Stargate SG-1, une série télévisée, créée le 27 juillet 1997 et a duré 10 saisons avec 214 épisodes. Les spin-offs incluent la série télévisée d'animation Stargate Infinity, les séries télévisées Stargate Atlantis et Stargate Universe, ainsi que les films directement sur DVD Stargate : L'Arche de Vérité et Stargate : Continuum. Stargate SG-1 a surpassé The X-Files en tant que série télévisée de science-fiction nord-américaine la plus ancienne, un record battu plus tard par Smallville. L'inquiétude face au rythme rapide du changement technologique s'est cristallisée autour du concept de singularité technologique, popularisé par le roman Marooned in Realtime de Vernor Vinge puis repris par d'autres auteurs. Le terme « science-fiction » Forrest J Ackerman est crédité d'avoir utilisé pour la première fois le terme science-fiction (analogue au terme « hi-fi » alors à la mode) en 1954. À mesure que la science-fiction entrait dans la culture populaire, les écrivains et les fans actifs dans le domaine en sont venus à associer le terme à une faible -des "films B" à petit budget, low-tech et avec de la science-fiction pulp de mauvaise qualité. Dans les années 1970, des critiques du domaine tels que Terry Carr et Damon Knight utilisaient la science-fiction pour distinguer le hack-work de la science-fiction sérieuse. Vers 1978, la critique Susan Wood et d'autres ont introduit l'utilisation de la prononciation étrange « skiffy », qui se veut un humour d'autodérision mais qui est incompatible avec la genèse documentée du terme « science-fiction » (c'est-à-dire qu'on ne prononcerait pas « salut ». -fi" comme "hiffy") et les propres mots d'Ackerman gravés sur sa plaque de crypte qui disait "La science-fiction était mon high". Peter Nicholls écrit que « SF » (ou « SF ») est « l'abréviation préférée au sein de la communauté des écrivains et des lecteurs de SF ». Le fanzine mensuel de David Langford, Ansible, comprend une section régulière « Comme les autres nous voient » qui propose de nombreux exemples de « science-fiction » utilisée dans un sens péjoratif par des personnes extérieures au genre. Innovation La science-fiction a critiqué les technologies en développement et futures, mais elle est également à l'origine de l'innovation et des nouvelles technologies. Ce sujet a été plus souvent abordé dans les forums littéraires et sociologiques que dans les forums scientifiques. La théoricienne du cinéma et des médias Vivian Sobchack examine le dialogue entre les films de science-fiction et l'imaginaire technologique. La technologie a un impact sur les artistes et sur la façon dont ils représentent leurs sujets romancés, mais le monde fictif redonne à la science en élargissant l'imagination. Comment William Shatner a changé le monde est un documentaire qui donne un certain nombre d'exemples concrets d'imaginations technologiques actualisées. Bien que plus répandus dans les premières années de la science-fiction avec des écrivains comme Arthur C. Clarke, les nouveaux auteurs trouvent encore des moyens de faire en sorte que les technologies actuellement impossibles semblent plus proches de leur réalisation. Catégories Science-fiction dure La science-fiction dure, ou « SF dure », se caractérise par une attention rigoureuse portée aux détails précis des sciences naturelles, en particulier la physique, l'astrophysique et la chimie, ou par la représentation précise de mondes qu'une technologie plus avancée peut rendre possible. Certaines prédictions précises sur l’avenir proviennent du sous-genre de la science-fiction dure, mais de nombreuses prédictions inexactes ont également émergé. Certains auteurs de SF dure se sont distingués en tant que scientifiques en activité, notamment Gregory Benford, Geoffrey A. Landis, David Brin et Robert L. Forward, tandis que les auteurs mathématiciens incluent Rudy Rucker et Vernor Vinge. Parmi les autres auteurs remarquables de SF hard figurent Isaac Asimov, Arthur C. Clarke, Hal Clement, Greg Bear, Larry Niven, Robert J. Sawyer, Stephen Baxter, Alastair Reynolds, Charles Sheffield, Ben Bova, Kim Stanley Robinson, Anne McCaffrey, Andy Weir et Greg Egan. Science-fiction douce La description de science-fiction « douce » peut décrire des œuvres basées sur les sciences sociales telles que la psychologie, l'économie, les sciences politiques, la sociologie et l'anthropologie. Le terme est parfois utilisé pour décrire des intrigues improbables, une « science » absurde et des personnages en carton. Les écrivains remarquables de cette catégorie comprennent Ursula K. Le Guin et Philip K. Dick. Le terme peut décrire des histoires axées principalement sur le caractère et l'émotion ; Le Grand Maître SFWA Ray Bradbury était un maître reconnu de cet art. Le bloc de l’Est a produit une grande quantité de science-fiction sociale, notamment des œuvres des auteurs polonais Stanislaw Lem et Janusz Zajdel, ainsi que d’auteurs soviétiques tels que les frères Strugatsky, Kir Bulychov, Yevgeny Zamyatin et Ivan Yefremov. Certains auteurs brouillent la frontière entre science-fiction dure et science-fiction douce. Les histoires utopiques et dystopiques sont liées à la SF sociale et à la SF douce ; Nineteen Eighty-Four de George Orwell, Le Meilleur des Mondes d'Aldous Huxley et The Handmaid's Tale et Oryx and Crake de Margaret Atwood en sont des exemples. Sous-genres Cyberpunk Le genre cyberpunk est apparu au début des années 1980 ; mêlant cybernétique et punk, le terme a été inventé par l'auteur Bruce Bethke pour sa nouvelle Cyberpunk de 1980. Le cadre temporel est généralement proche d’un futur et les décors sont souvent de nature dystopique et caractérisés par la misère. Les thèmes communs du cyberpunk incluent les progrès des technologies de l'information et en particulier d'Internet, visuellement abstraits sous forme de cyberespace, d'intelligence artificielle, de cybernétique et de contrôle sociétal post-démocratique où les entreprises ont plus d'influence que les gouvernements. Le nihilisme, le postmodernisme et les techniques du film noir sont des éléments communs, et les protagonistes peuvent être des anti-héros mécontents ou réticents. Les auteurs remarquables de ce genre sont William Gibson, Bruce Sterling, Neal Stephenson et Pat Cadigan. James O'Ehley a qualifié le film Blade Runner de 1982 d'exemple définitif du style visuel cyberpunk. Voyage dans le temps Les récits de voyages dans le temps ont des antécédents aux XVIIIe et XIXe siècles. Le premier grand roman de voyage dans le temps fut A Connecticut Yankee in King Arthur's Court de Mark Twain. Le plus célèbre est le roman de H. G. Wells de 1895, The Time Machine, qui utilise un véhicule qui permet à un opérateur de voyager de manière ciblée et sélective, tandis que le voyageur temporel de Twain est frappé à la tête. Le terme machine à voyager dans le temps, inventé par Wells, est désormais universellement utilisé pour désigner un tel véhicule. Retour vers le futur est l'une des franchises cinématographiques les plus populaires de cette catégorie ; Doctor Who est une franchise télévisée de longue date tout aussi populaire. Les histoires de ce type sont compliquées par des problèmes logiques tels que le paradoxe du grand-père, comme en témoigne l'histoire classique de Robert Heinlein "—All You Zombies—" et l'épisode de Futurama "Roswell That Ends Well". Le voyage dans le temps continue d’être un sujet populaire dans la science-fiction moderne, dans la presse écrite, au cinéma et à la télévision. Histoire alternative Les récits historiques alternatifs partent du principe que les événements historiques auraient pu se dérouler différemment. Ces histoires peuvent utiliser le voyage dans le temps pour changer le passé, ou peuvent simplement se dérouler dans un univers avec une histoire différente de la nôtre. Les classiques du genre incluent Bring the Jubilee de Ward Moore, dans lequel le Sud gagne la guerre civile américaine, et The Man in the High Castle de Philip K. Dick, dans lequel l'Allemagne et le Japon gagnent la Seconde Guerre mondiale. Le Sidewise Award récompense les meilleures œuvres de ce sous-genre ; le nom est tiré de l'histoire de Murray Leinster de 1934, Sidewise in Time. Harry Turtledove est l'un des auteurs les plus éminents du sous-genre et est parfois appelé le « maître de l'histoire alternative ». * * Science-fiction militaire La science-fiction militaire se déroule dans le contexte de conflits entre forces armées nationales, interplanétaires ou interstellaires ; les personnages principaux du point de vue sont généralement des soldats. Les histoires comprennent des détails sur la technologie militaire, les procédures, les rituels et l'histoire ; les histoires militaires peuvent utiliser des parallèles avec des conflits historiques. Starship Troopers de Heinlein en est un des premiers exemples, avec les romans Dorsai de Gordon Dickson. The Forever War de Joe Haldeman est une critique du genre, une réponse de l'ère vietnamienne aux histoires de style Seconde Guerre mondiale des auteurs précédents. Parmi les principaux auteurs militaires de SF figurent John Scalzi, John Ringo, David Drake, David Weber, Tom Kratman, Michael Z. Williamson, S. M. Stirling et John Carr. La maison d’édition Baen Books est connue pour cultiver plusieurs de ces auteurs de science-fiction militaire. Surhumain Les histoires surhumaines traitent de l’émergence d’humains dotés de capacités dépassant la norme. Cela peut provenir de causes naturelles, comme dans le roman Odd John d'Olaf Stapledon, More Than Human de Theodore Sturgeon et Gladiator de Philip Wylie, ou être le résultat de progrès scientifiques, comme l'augmentation intentionnelle dans le roman Slan d'AE van Vogt. Ces histoires se concentrent généralement sur l'aliénation que ressentent ces êtres ainsi que sur la réaction de la société à leur égard. Ces histoires ont joué un rôle dans le débat réel sur l’amélioration humaine. Le Man Plus de Frederik Pohl appartient également à cette catégorie. Apocalyptique et post-apocalyptique La fiction apocalyptique concerne la fin de la civilisation à travers la guerre (Sur la plage), la pandémie (Le dernier homme), l'impact astronomique (Quand les mondes entrent en collision), le désastre écologique (Le vent de nulle part) ou tout autre désastre général ou avec un monde ou la civilisation après un tel désastre. Le roman Earth Abides de George R. Stewart et le roman Alas, Babylon de Pat Frank sont typiques du genre. La fiction apocalyptique concerne généralement le désastre lui-même et ses conséquences directes, tandis que la fiction post-apocalyptique peut traiter de tout, depuis les conséquences proches (comme dans The Road de Cormac McCarthy) jusqu'à 375 ans dans le futur (comme dans By The Waters of Babylon) et des centaines d'années. ou des milliers d'années dans le futur, comme dans le roman Riddley Walker de Russell Hoban et A Canticle for Leibowitz de Walter M. Miller, Jr.. La science-fiction apocalyptique est un genre populaire dans les jeux vidéo. La série de jeux vidéo d'action et d'aventure Fallout, acclamée par la critique, se déroule sur une Terre post-apocalyptique, où la civilisation se remet d'une guerre nucléaire alors que les survivants luttent pour survivre et cherchent à reconstruire la société. Opéra spatial Le Space Opera est une science-fiction d'aventure se déroulant principalement ou entièrement dans l'espace ou sur plusieurs planètes (parfois lointaines). Le conflit est héroïque et généralement à grande échelle. Il est également utilisé de manière nostalgique, et le space opera moderne pourrait être une tentative de retrouver le sentiment d’émerveillement de l’âge d’or de la science-fiction. Le pionnier de ce sous-genre est généralement reconnu comme étant Edward E. (Doc) Smith, avec ses séries Skylark et Lensman. La série Star Wars de George Lucas fait partie des franchises les plus populaires et les plus célèbres du space opera cinématographique. Il couvre des batailles épiques entre le bien et le mal à travers une galaxie entière. La série Revelation Space d'Alastair Reynolds, Void, Night's Dawn de Peter F. Hamilton, la série Pandora's Star, la série Sliding Void de Stephen Hunt, A Fire Upon the Deep, A Deepness in the Sky de Vernor Vinge sont des exemples plus récents de ce genre. Espace occidental Le western spatial transpose les thèmes des livres et des films occidentaux américains sur fond de frontières spatiales futuristes. Ces histoires impliquent généralement des mondes coloniaux qui ont été récemment terraformés et/ou colonisés, servant de substituts au contexte d’anarchie et d’expansion économique qui prédominait dans l’Ouest américain. Les exemples incluent le film de Sean Connery Outland, Farmer in the Sky de Heinlein, Sparks Nevada: Marshall on Mars de Thrilling Adventure Hour, la série télévisée Firefly et la suite du film Serenity de Joss Whedon, ainsi que la série manga et animée Cowboy Bebop. , Étoile hors-la-loi et Trigun. Science-fiction sociale La science-fiction sociale se concentre sur les thèmes de la société et de la nature humaine dans un contexte de science-fiction. Puisqu'il se concentre généralement davantage sur la spéculation sur l'humanité et moins sur l'exactitude scientifique, il est généralement placé dans la science-fiction douce. Fiction climatique La fiction climatique est un genre basé sur des thèmes de réaction aux changements climatiques majeurs. On l'appelle parfois « cli-fi », tout comme la « science-fiction » est souvent abrégée en « science-fiction ». Les romans et les films Cli-Fi se déroulent souvent dans le présent ou dans un avenir proche ou lointain, mais ils peuvent également se dérouler dans le passé. De nombreuses œuvres cli-fi sensibilisent aux menaces majeures que le réchauffement climatique et le changement climatique font peser sur la vie sur Terre. Science-fiction maritime La science-fiction maritime est un sous-genre de la science-fiction qui se déroule dans l'océan ou dans la mer et qui comporte généralement des monstres marins et/ou une technologie maritime. Il existe diverses œuvres de science-fiction, comme Star Trek, qui ne se déroulent pas en mer mais dans un cadre comparable, comme l'espace ; où la menace et le thème des dangers de l'inconnu (par exemple : les monstres marins/spatiaux) sont toujours présents. Bien qu'il ne s'agisse pas essentiellement d'une science-fiction maritime, l'univers Star Wars comprend des éléments de science-fiction maritime tels que la ville sous-marine de Jar Jar Binks dans Star Wars : Épisode I – La menace fantôme. Science-fiction banale La science-fiction banale est un sous-genre qui se déroule sur Terre et n'inclut pas les aventures spatiales ou la vie extraterrestre. Parce qu’il se concentre sur des aspects modernes, il est généralement associé à la science-fiction dure. Biopunk Biopunk se concentre sur la biotechnologie et les subversifs. Le principal thème sous-jacent de ces histoires est la tentative de changer le corps humain et de concevoir des humains à des fins spécifiques grâce à des améliorations de la constitution génétique et moléculaire. De nombreux exemples de ce sous-genre incluent des sujets tels que l'expérimentation humaine, l'utilisation abusive de la biotechnologie et de la biotechnologie synthétique. Ce sous-genre comprend également des œuvres impliquant le clonage humain et la manière dont les clones pourraient exister au sein de la société humaine à l'avenir. Autres sous-genres * La science-fiction anthropologique est un sous-genre qui absorbe et discute de l'anthropologie et de l'étude du genre humain. Les exemples incluent les Hominidés de Robert J. Sawyer et Néandertal de John Darnton. * Kaiju est un mot japonais qui se traduit littéralement par « bête étrange ». Le mot a été traduit et défini en anglais par « monstre » et est utilisé pour désigner un genre de divertissement tokusatsu. Les films Kaiju présentent de grandes créatures de toute forme, attaquant généralement une grande ville ou engageant un ou plusieurs autres (ou plusieurs) monstres au combat. Le sous-genre a débuté en 1954 avec Godzilla. * La science-fiction libertaire est un sous-genre axé sur la politique et l'ordre social impliqués par les philosophies libertaires en mettant l'accent sur l'individualisme. * La science-fiction comique est un sous-genre qui exploite les conventions du genre pour obtenir un effet comique. * La science-fiction féministe pose des questions sur des problèmes sociaux tels que la manière dont la société construit les rôles de genre, le rôle que joue la reproduction dans la définition du genre et le pouvoir politique et personnel inégal des hommes sur les femmes. Certaines des œuvres de science-fiction féministe les plus remarquables ont illustré ces thèmes en utilisant des utopies pour explorer une société dans laquelle les différences entre les sexes ou les déséquilibres de pouvoir entre les sexes n'existent pas, ou des dystopies pour explorer des mondes dans lesquels les inégalités entre les sexes sont intensifiées, affirmant ainsi la nécessité d'un travail féministe. continuer. Le travail de Joanna Russ et une partie du travail d'Ursula K. Le Guin peuvent être ainsi classés. Le féminisme magique est un sous-genre de la science-fiction féministe. * Steampunk est basé sur l'idée d'une technologie futuriste existant dans le passé, généralement au 19e siècle, et se déroulant souvent dans l'Angleterre de l'ère victorienne, mais avec des éléments importants de science-fiction ou de fantasy, tels que des inventions technologiques fictives comme celles trouvées dans les œuvres. de H. G. Wells et de Jules Verne, ou de véritables développements technologiques comme l'ordinateur survenus à une date antérieure. Les exemples populaires incluent The Difference Engine de William Gibson et Bruce Sterling, la série Leviathan de Scott Westerfeld, la série Bas-Lag de China Miéville, ainsi que la bande dessinée Web Girl Genius de Phil et Kaja Foglio, bien que des graines du sous-genre puissent être vues dans certains œuvres de Michael Moorcock, Philip José Farmer et Steve Stiles, ainsi que dans des jeux tels que Space : 1889 et Forgotten Futures de Marcus Rowland. Les machines sont le plus souvent alimentées à la vapeur dans ce genre (d'où le nom). Le film Brazil de Terry Gilliam, sorti en 1985, est considéré comme une source d'inspiration pour les écrivains et les artistes de la sous-culture steampunk. * L'opéra de science-fiction est un opéra dans un décor de science-fiction sans espace extra-atmosphérique ni cadre multiplanétaire, ce qui le distingue du Space Opera. * Action de science-fiction : partageant de nombreuses conventions d'un film de science-fiction, les films d'action de science-fiction mettent l'accent sur les jeux d'armes à feu, les batailles spatiales, les armes inventées et d'autres éléments de science-fiction intégrés dans les prémisses du film d'action. Les exemples incluent G.I. Samouraï, Terminator 2 : Judgment Day, The Matrix, Total Recall, Minority Report, The Island, Star Wars, Aliens, I Robot, Transformers, The Hunger Games, The Maze Runner, Equilibrium, District 9, Serenity, Akira, Paycheck, Predator , Robocop, Avatar, Mad Max 2, Divergent, They Live, Escape From New York et Le Cinquième Élément. * Horreur de science-fiction – Tourne souvent autour de sujets qui incluent, sans toutefois s'y limiter, des extraterrestres tueurs, des scientifiques fous et/ou des expériences qui ont mal tourné. * Dieselpunk prend le relais là où Steampunk s'arrête. Ce sont des histoires qui prennent le dessus alors que nous inaugurons les époques lourdes de machines de la Première et de la Seconde Guerre mondiale. L'utilisation de machines fonctionnant au diesel joue un rôle important. Dans ce cas (comme dans son homologue à vapeur), l’accent est mis sur la technologie. * La poésie de science-fiction est une poésie qui présente les caractéristiques ou le sujet de la science-fiction. Les principales sources de la poésie de science-fiction sont les sciences et le mouvement littéraire de la prose de science-fiction. Une discussion approfondie du domaine est donnée dans The Science Fiction Poetry Handbook de Suzette Haden Elgin, où elle le compare et le met en contraste à la fois avec la poésie traditionnelle et avec la science-fiction en prose. La première, affirme-t-elle, utilise des figures de style non encombrées de détails non conformes, alors que ces détails peuvent être des éléments clés de la poésie de science-fiction. La prose de science-fiction a le temps de développer un décor et une histoire, alors qu'un poème dans le domaine est normalement contraint par sa courte durée à s'appuyer sur un dispositif pour faire passer rapidement un message. Elgin dit que l’efficacité de ce type de poésie repose sur l’utilisation correcte des présupposés. La Science Fiction Association est une organisation internationale de poètes spéculatifs, qui décerne chaque année les Rhysling Awards pour la poésie spéculative. Un des premiers exemples de science-fiction en poésie se trouve dans Alfred, Lord Tennyson's Locksley Hall, où il introduit une image du futur avec "Quand je plonge dans le futur aussi loin que l'œil humain peut voir..." Ce poème a été écrit en 1835. , vers la fin de la première révolution industrielle. Jusqu'à la Nouvelle Vague, la poésie n'était publiée qu'avec parcimonie dans les médias de science-fiction traditionnels tels que les magazines pulp. Dans les années 1980, des magazines étaient spécifiquement consacrés à la poésie de science-fiction. Genres associés Autres fictions spéculatives, fantastiques et horreurs La catégorie plus large de la fiction spéculative comprend la science-fiction, la fantasy, les histoires alternatives (qui peuvent ne pas avoir de composante scientifique ou futuriste particulière) et même les histoires littéraires contenant des éléments fantastiques, comme les œuvres de Jorge Luis Borges ou de John Barth. Pour certains éditeurs, le réalisme magique est considéré comme entrant dans la définition large de la fiction spéculative. Fantaisie La fantasy est généralement associée à la science-fiction et un certain nombre d'écrivains ont travaillé dans les deux genres, tandis que des écrivains tels que Anne McCaffrey, Ursula K. Le Guin et Marion Zimmer Bradley ont écrit des œuvres qui semblent brouiller la frontière entre les deux genres liés. . L'organisation professionnelle des auteurs s'appelle Science Fiction and Fantasy Writers of America (SFWA). Les conventions de SF proposent régulièrement des programmes sur des sujets fantastiques, et des auteurs fantastiques tels que J. K. Rowling ont remporté la plus haute distinction dans le domaine de la science-fiction, le prix Hugo. En général, la science-fiction diffère du fantastique dans la mesure où la première concerne des choses qui pourraient un jour être possibles ou qui incarnent au moins un semblant de réalisme. Le surnaturalisme, habituellement absent de la science-fiction, est la caractéristique distinctive de la littérature fantastique. Une définition du dictionnaire faisant référence à la littérature fantastique est « fiction caractérisée par des éléments hautement fantaisistes ou surnaturels ». Des exemples de surnaturalisme fantastique incluent la magie (sorts, dommages causés aux adversaires), les lieux magiques (Narnia, Oz, Terre du Milieu, Poudlard), les créatures surnaturelles (sorcières, vampires, orcs, trolls), les transports surnaturels (balais volants, pantoufles en rubis, fenêtres entre mondes) et la métamorphose (bête en homme, homme en loup ou ours, lion en mouton). De telles choses sont des thèmes fondamentaux de la fantasy. Le critique littéraire Fredric Jameson a caractérisé la différence entre les deux genres en décrivant la science-fiction comme s'appuyant « sur un cadre formel déterminé par les concepts du mode de production plutôt que par ceux de la religion » – c'est-à-dire que les textes de science-fiction sont liés par une logique interne. basé davantage sur le matérialisme historique que sur la magie ou les forces du bien et du mal. Certains récits sont décrits comme étant essentiellement de la science-fiction mais « avec des éléments fantastiques ». Le terme « science fantastique » est parfois utilisé pour décrire ce type de matériel. Science fantastique La science fantastique est un genre dans lequel des éléments de science-fiction et de fantasy coexistent ou se combinent. Les histoires et les franchises qui présentent de la science fictive ainsi que des éléments surnaturels, de la sorcellerie ou/et de la « technologie magique » sont considérées comme de la science fantastique. Fiction d'horreur La fiction d'horreur est la littérature sur le contre-nature et le surnaturel, dont le but est de déstabiliser ou d'effrayer le lecteur, parfois avec une violence graphique. Historiquement, cela a également été connu sous le nom de fiction étrange. Bien que l'horreur ne soit pas en soi une branche de la science-fiction, certaines œuvres de la littérature d'horreur incorporent des éléments de science-fiction. L'une des œuvres classiques de l'horreur, le roman Frankenstein de Mary Shelley, est la première œuvre de science-fiction entièrement réalisée, où la fabrication du monstre repose sur une base science-fictionnelle rigoureuse. Les œuvres d’Edgar Allan Poe ont également contribué à définir les genres de la science-fiction et de l’horreur. Aujourd’hui, l’horreur est l’une des catégories de films les plus populaires. L’horreur est souvent classée à tort dans la catégorie de la science-fiction au moment de sa distribution par les bibliothèques, les points de location de vidéos, etc. Fiction surnaturelle La fiction surnaturelle est un genre qui présente des phénomènes surnaturels et paranormaux dans des histoires et des décors. Spy-Fi Un genre mixte qui combine des éléments de science-fiction et de fiction d'espionnage. Fiction mystérieuse Les œuvres dans lesquelles la science et la technologie constituent un thème dominant, mais basées sur la réalité actuelle, peuvent être considérées comme de la fiction grand public. Une grande partie du genre thriller serait incluse, comme les romans de Tom Clancy ou de Michael Crichton, ou les films de James Bond. Moder

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Nigel Hawthorne a été nominé aux Oscars pour La folie de quel roi ?

George

Sir Nigel Barnard Hawthorne CBE (5 avril 1929 – 26 décembre 2001) est un acteur anglais. Il a dépeint Sir Humphrey Appleby, le secrétaire permanent dans la sitcom des années 1980 Oui Ministre et le Secrétaire du Cabinet dans sa suite, Oui, Premier Ministre. Pour ce rôle, il a remporté quatre BAFTA TV Awards pour la meilleure performance de divertissement léger. Il a remporté le BAFTA Award du meilleur acteur dans un rôle principal et a été nominé pour l'Oscar du meilleur acteur pour son interprétation du roi George III dans La Folie du roi George (1994). Il a ensuite remporté le BAFTA TV Award du meilleur acteur pour la mini-série de 1996 The Fragile Heart. Il a également reçu un Olivier Award et un Tony Award pour son travail au théâtre. Début de la vie Hawthorne est né à Coventry, Warwickshire, Angleterre, fils d'Agnes Rosemary (née Rice) et de Charles Barnard Hawthorne, médecin. Quand Nigel avait trois ans, la famille a déménagé au Cap, en Afrique du Sud, où son père avait acheté un cabinet. Au départ, ils vivaient dans les jardins, puis ont déménagé dans une maison nouvellement construite près de Camps Bay. Kathleen Riley (2004) [https://books.google.com/books?id ucs-FWpTjp8C Nigel Hawthorne sur scène], Univ. de Hertfordshire Press, Hatfield ISBN 978-1-90280-629-7 Il a fait ses études à la St George's Grammar School de Cape Town et, lorsque la famille a déménagé, au Christian Brothers College, aujourd'hui disparu, où il a joué dans l'équipe de rugby. Michael Green (2004) Autour et environ : Mémoires d'un journaliste sud-africain, David Philip Publishers, Cape Town ISBN 0-86486-660-7 Il a décrit son séjour chez ce dernier comme n'étant pas une expérience particulièrement heureuse. Il s'est inscrit à l'Université du Cap mais s'est retiré et est retourné au Royaume-Uni dans les années 1950 pour poursuivre une carrière d'acteur. Carrière Hawthorne a fait ses débuts professionnels sur scène en 1950, en incarnant Archie Fellows dans une production du Cap de The Shop at Sly Corner. Il a fait ses débuts à Broadway en 1974 dans As You Like It. Il revient sur la scène new-yorkaise en 1990 dans Shadowlands et remporte le Tony Award 1991 du meilleur acteur dans une pièce de théâtre. Au cours d'une carrière longue et variée, qui a débuté avec une publicité pour Mackeson Stout et un petit rôle dans Dad's Army, ses rôles les plus célèbres ont été ceux de Sir Humphrey Appleby, le secrétaire permanent du ministère fictif des Affaires administratives dans la série télévisée Yes Ministry ( et Secrétaire du Cabinet dans sa suite, Oui, Premier Ministre), pour lequel il a remporté quatre prix BAFTA dans les années 1980, et dans le rôle du roi George III dans la pièce de théâtre d'Alan Bennett, La Folie de George III (pour laquelle il a remporté le prix Olivier du meilleur acteur) et la version cinématographique intitulée The Madness of King George, pour laquelle il a reçu une nomination aux Oscars du meilleur acteur et a remporté le BAFTA Film Award du meilleur acteur. Il a remporté un sixième BAFTA pour la mini-série télévisée de 1996 The Fragile Heart. Hawthorne était également doubleur et a prêté sa voix à deux films Disney : en 1985, Fflewddur Fflam dans The Black Cauldron ; et en 1999, le professeur Porter dans Tarzan. Vie privée Personne intensément privée, il était contrarié d'avoir été involontairement "dénoncé" comme gay en 1995 dans la publicité entourant les Oscars, mais il a assisté à la cérémonie avec son partenaire de longue date Trevor Bentham, parlant ouvertement de son homosexualité dans des interviews et son autobiographie, Straight Face, publiée à titre posthume. La mort Hawthorne a subi plusieurs opérations pour un cancer du pancréas, bien que la cause immédiate de son décès soit due à une crise cardiaque, à l'âge de 72 ans. Bentham lui a survécu et a été enterré à l'église paroissiale de Thundridge près de Ware, Hertfordshire. En apprenant la mort de Hawthorne, Alan Bennett le décrit dans son journal : « Courtois, grandiose, un homme du monde et superbe dans ce qu'il faisait, avec sa technique jamais aussi évidente qu'elle ne devienne familière comme, disons, celle d'Olivier ou celle d'Alec Guinness. ". Honneurs Il a été nommé Commandeur de l'Ordre de l'Empire britannique (CBE) en 1987 et fait chevalier en 1999. Filmographie Télévision *Le Journal de Mme Wilson (1969)… Roy Jenkins *Dad's Army - La puissance blindée du caporal suppléant Jones (1969)… Angry Man *Alma Mater (1971)… Majeur *Le flotteur (1975) *Eleanor Marx (1977) … Franz *Marie Curie (1977)… Pierre Curie *Destin (1978) *Holocauste (1978)… Général Otto Ohlendorf *Reine guerrière (1978)… Catus Decianus *Edward et Mme Simpson (1978)… Walter Monkton *Aller tout droit (1978)… Worm Wellings *Thomas et Sarah (1979)… Wilson *La Connaissance (1979)… M. Burgess *Oui Ministre (1980-1984)… Sir Humphrey Appleby, secrétaire permanent *La Tempête (1980)… Stephano *A Tale of Two Cities (1980)… MCJ Stryver *Jessie (1980)… M. Edmonds *Jukes de Piccadilly (1980)… Brinsley Jukes *Un contact avec M. Porter sur la route de l'Eldorado (1981)… Fulton *Le Bossu de Notre-Dame (1982)… Magistrat au procès d'Esmeralda *Une femme appelée Golda (1982)… Roi Abdallah *La Coupe du monde : l'histoire d'un capitaine (1982)… John Westwood *Le Critique (1982)… M. Sneer *Les Chroniques de Barchester (1982)… Archidiacre Grantly *Le Tartuffe ou l'Imposteur (1983)… Orgon *Pape Jean-Paul II (1984)… Cardinal Stefan Wyszynski *La Maison (1984)… Général Fagg *Mapp et Lucia (1985)… Georgie Pillson *La guerre de Jenny (1985)… Colonel *Oui, Premier ministre (1986-1988)… Sir Humphrey Appleby, secrétaire du Cabinet *Spirit of Man (1989)… Révérend Jonathan Guerdon (segment « From Sleep and Shadow ») *Relativement parlant (1990)… Philip Carter *Les Essais d'Oz (1991)… Brian Leary *Piqûres de puces (1991)… Kryst *À l'intérieur (1996)… Colonel Kruger *Le cœur fragile (1996)… Edgar Pascoe *Territoire interdit : La recherche de Livingstone par Stanley (1997) … David Livingstone *Histoires d'animaux (1998-2000)… Narrateur *Victoria & Albert (2001)… William Lamb, 2e vicomte de Melbourne *Appelle-moi Noël (2001)… Saint-Nick Film *Carve Her Name with Pride (1958)… Soldat dans un parc (non-crédité) *Young Winston (1972)… Sentinelle Boer (non-crédité) *S*P*Y*S (1974)… Croft *La Cachette (1975) … Pasteur De Ruiter *Toile d'araignée (1977) … Llonrot *Sweeney 2 (1978)… Dilke *Watership Down (1978)… Capitaine Campion (voix) *Le Retour du Marin (1978)… M. Fosse *Histoire du monde : Partie I (1981)… Citoyen officiel *Mémoires d'un survivant (1981)… Père victorien *Firefox (1982)… Dr Piotr Baranovich *The Plague Dogs (1982)… Dr Robert Boycott (voix) *Gandhi (1982)… Kinnoch *Mort à temps (1983)… Docteur *Le sens de la vie de Monty Python (1983)… Homme marchant devant le bâtiment de Crimson Insurance alors que l'ancre est levée *La Chaîne (1984)… M. Thorn *Le Chaudron Noir (1985)… Fflewddur Fflam (voix) *Turtle Diary (1985)… L'éditeur *Rarg (1988)… Conteur (voix) *À la main (1989)… Ted Walker *Roi du vent (1990) … Achmet *Freddie dans le rôle de F.R.O.7 (1992)… Brigadier G (voix) *Démolisseur (1993) … Dr Raymond Cocteau *La folie du roi George (1994)… George III *Richard III (1995)… George, duc de Clarence *Douzième Nuit (1996)… Malvolio * Meurtre en tête (1997)… Dr Ellis *Amistad (1997)… Président Martin Van Buren *L'objet de mon affection (1998)… Rodney Fraser *Madeline (1998)… Lord Covington (segment "Lord Cucuface") *À la ferme Sachem (1998)… Oncle Cullen *Le grand anneau de laiton (1999)… Kim Mennaker *Le garçon Winslow (1999)… Arthur Winslow *Un homme raisonnable (1999)… Juge Wendon *Tarzan (1999)… Professeur Porter (voix) *Le mariage clandestin (1999)… Lord Ogleby

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Quel film nominé aux Oscars avait You Sexy Thing comme chanson thème ?

The Full Monty

" You Sexy Thing " est une chanson enregistrée par le groupe britannique Hot Chocolate. Il a été écrit par le chanteur principal de Hot Chocolate, Errol Brown, et produit par Mickie Most. Il a atteint le numéro 2 du UK Singles Chart en 1975 et le numéro 3 des charts pop américains un an plus tard. Billboard l'a classée comme la chanson n°22 en 1976. La chanson a acquis une notoriété durable en étant présente dans de nombreux films à succès, tels que The Full Monty de 1997. Très souvent, la chanson est attribuée à tort à Barry White. Aperçu La chanson était à l'origine une face B de 1975. Pas encore convaincu que la chanson pourrait être un succès, le producteur Most l'a mise sur le revers du single "Blue Night" de Hot Chocolate. La chanson a ensuite été remixée par Most, qui l'a rééditée en face A quelques mois plus tard sur son label RAK. La chanson a été un succès et est finalement devenue la chanson la plus connue du groupe. Au Royaume-Uni, la chanson était sur le point de devenir numéro 1. 1 place, mais a été battu par "Bohemian Rhapsody", lorsque le 29 novembre 1975, le single Queen a bondi au-dessus de la première place. 9. Un remix de Ben Liebrand en 1987 a atteint le numéro 10, revigorant à son tour l'intérêt du public pour le groupe et a incité la sortie de l'album de compilation The Very Best Of Hot Chocolate (avec le remix de Liebrand) qui a ensuite atteint le numéro 1 du classement des albums britanniques. en février 1987. Dix ans plus tard, lorsqu'il figurait dans le film The Full Monty en 1997, il se classa au sixième rang du classement. Dans l'une des scènes les plus mémorables du film, le protagoniste masculin, Gaz (joué par Robert Carlyle) exécute un "strip-tease" sur la musique de "You Sexy Thing". La chanson est entendue plus tard au générique de clôture et est également incluse dans la version 2013 de The Full Monty. "You Sexy Thing" a également été entendu dans d'autres films, notamment Boogie Nights, Reservoir Dogs, Bicentennial Man, Heavyweights, Rat Race, Dude, Where's My Car, Deuce Bigalow: Male Gigolo, About Schmidt et Nick and Norah's Infinite Playlist, Big Mommas. : Tel père, tel fils et adultes. Une autre résurgence aux États-Unis en 1999 peut être attribuée à une publicité télévisée de Burger King dans laquelle la chanson était diffusée pendant que la caméra examinait un Double Whopper. En 2010, la chanson a été présentée dans des publicités télévisées pour la série Hot in Cleveland sur TV Land et pour le produit de nettoyage Swiffer Dusters. Elle a été présentée dans une publicité télévisée pour le Chevrolet Silverado 2014 diffusée lors de la couverture par Fox du Super Bowl XLVIII le 2 février 2014. De plus, c'est la seule chanson à entrer dans le Top Ten britannique dans les années 1970, 1980 et 1990. Structure "You Sexy Thing" a une structure simple, la majeure partie de la chanson alternant entre deux accords majeurs (F et Bb). Il a une forme de couplet de refrain. L'un des aspects les plus mémorables de la chanson est son riff distinctif à six notes qui est répété par intermittence tout au long, joué sur une guitare électrique légèrement saturée sur un réglage d'aigus élevé et avec un vibrato perceptible. En plus d'une batterie rock traditionnelle, la chanson utilise des tambours à main, joués dans un style rappelant le tabla. Un certain nombre de violons accompagnent la section rythmique. La voix de Brown est chantée d'une manière soul énergique, accentuée par des cris aigus occasionnels à la manière des Isley Brothers. Versions de couverture "You Sexy Thing" a été repris par Tom Tom Club en 1992 sur leur album Dark Sneak Love Action. Il a également été repris par Deee-Lite en 1994. Deux autres reprises ont été publiées presque en même temps que la réédition de 1997 de l'original Hot Chocolate. Ainsi, pendant une semaine, le UK Singles Chart a présenté trois versions de la chanson. Une reprise était celle du groupe pop/dance Clock. L'autre version, du duo pop T-shirt, mettant en vedette l'actrice Chloé Treend et la compositrice Miranda Cooper, est passée au numéro 5 en Nouvelle-Zélande et s'est vendue triple platine en Australie, où le single a atteint la 6e place et est resté dans les charts ARIA pendant 32 semaines. Le chanteur principal de Hot Chocolate, Errol Brown, est apparu dans le clip. Les deux étaient des remaniements avec la musique et les paroles originales, mais avec de nouveaux segments rap/vocaux supplémentaires. Le groupe gallois Stereophonics a également repris la chanson de l'album Radio 1: establishment 1967. Bruce Springsteen a repris la chanson à plusieurs reprises lors de ses performances live, notamment lors de son dernier concert au Giants Stadium le 9 octobre 2009, au cours duquel il a accepté le signe d'un fan demandant la chanson et l'a montré au public pendant qu'il interprétait. il. Graphiques

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Quelle carrière de Joan a-t-elle relancée dans What Happened to Baby Jane ?

Crawford

Qu'est-il arrivé à Baby Jane ? est un thriller psychologique américain de 1962 produit et réalisé par Robert Aldrich, avec Bette Davis et Joan Crawford, sur une actrice qui retient captive sa sœur infirme dans un vieux manoir hollywoodien. Le scénario de Lukas Heller est basé sur le roman du même nom de Henry Farrell de 1960. Dès sa sortie, le film a été largement acclamé par la critique et au box-office et a ensuite été nominé pour cinq Oscars, dont un pour la meilleure conception de costumes, en noir et blanc. La rivalité hollywoodienne extrêmement amère entre les deux stars du film, Bette Davis et Joan Crawford, a joué un rôle très important dans le succès du film à l'époque. Cela a en partie conduit à la revitalisation des carrières alors en déclin des deux stars. Dans les années qui ont suivi la sortie du film, les critiques ont continué à acclamer le film pour sa comédie noire psychologiquement motivée, son camp et la création du sous-genre psycho-biddy. L'intrigue alors inédite et controversée du film lui a valu à l'origine une note X au Royaume-Uni. En raison de l'attrait des stars du film, Dave Itzkoff dans le New York Times l'a identifié comme étant un "classique culte". En 2003, le personnage de Baby Jane Hudson a été classé 44e sur la liste des 50 meilleurs méchants du cinéma américain de l'American Film Institute. Parcelle En 1917, Baby Jane Hudson est une enfant star vaudevillienne tandis que sa sœur Blanche Hudson n'est pas célèbre et négligée par leur père. En 1935, les deux sœurs sont actrices de cinéma, mais Blanche est devenue une célébrité, tandis que les films de Jane ont échoué, ce qui a amené Jane à boire beaucoup. Un soir, au retour d'une fête, l'une des sœurs descend de la voiture pour ouvrir le portail menant à la maison, tandis que l'autre tente de l'écraser. L'accident qui en résulte laisse Blanche paralysée. En 1962, Blanche (Joan Crawford) en fauteuil roulant et Jane (Bette Davis) amère et irritable vivent ensemble dans le manoir de Blanche. Parce qu'elle est en fauteuil roulant, Blanche quitte rarement sa chambre au deuxième étage et se rapproche de sa femme de ménage, Elvira (Maidie Norman). Elvira pense que Jane présente des symptômes de maladie mentale et s'inquiète du bien-être de Blanche, mais Blanche défend sa sœur. Plus tard, lorsque Blanche informe Jane qu'elle vend peut-être la maison, la santé mentale de Jane commence à se détériorer davantage. Lors d'une dispute, elle retire le téléphone de la chambre de Blanche, coupant Blanche du monde extérieur. Plus tard, Jane commence à refuser de la nourriture à Blanche, tuant sa perruche de compagnie et la lui servant sur un plateau. Plus tard, lorsque Jane quitte la maison pour mettre une annonce dans le journal, Blanche tente d'attirer l'attention de sa voisine, Mme Bates (Anna Lee), en écrivant une note demandant de l'aide et en la jetant par la fenêtre de sa chambre. Jane revient à temps pour remarquer la note et empêche Mme Bates de la voir. Lorsque Jane lit la note, les deux sœurs se disputent à nouveau. La prochaine fois qu'Elvira vient nettoyer la maison, Jane la congédie brusquement et la renvoie. Pendant ce temps, Edwin Flagg (Victor Buono) voit l'annonce dans le journal de Jane pour un pianiste et arrive au manoir, où il est officiellement embauché par Jane pour l'aider dans son plan délirant visant à retrouver sa célébrité d'enfance. Pendant que Jane ramène Edwin chez lui, Blanche fouille la maison à la recherche de nourriture et découvre que Jane a contrefait sa signature sur les chèques. Désespérée d'avoir de l'aide, Blanche descend les escaliers et appelle leur médecin, lui parlant du comportement erratique de Jane et le suppliant de venir à la maison. Jane revient à temps pour trouver Blanche au téléphone et la bat jusqu'à ce qu'elle perde connaissance avant d'imiter sa voix au téléphone et de dire au médecin de ne pas venir. Elle lie et bâillonne ensuite Blanche et l'enferme dans sa chambre à l'étage. Elvira, toujours méfiante à l'égard de Jane, revient le lendemain et découvre Blanche affaiblie et affamée. Cependant, avant de pouvoir la sauver, Jane bat Elvira à mort avec un marteau et se débarrasse de son corps. Une semaine plus tard, la police appelle la maison Hudson et dit à Jane qu'un cousin de sa femme de chambre a signalé sa disparition. Paniquée, Jane se prépare à partir avec sa sœur. Avant de partir, Edwin se présente sans y être invité, entend du bruit dans la chambre de Blanche et découvre ce que Jane lui a fait. Effrayé, Edwin s'enfuit et Jane conduit Blanche à la plage. La découverte du corps d'Elvira est annoncée dans le journal du matin. À la plage, Blanche révèle qu'elle était en fait la conductrice la nuit de l'accident de voiture et qu'elle a tenté d'écraser Jane pour avoir été méchante avec elle lors de la fête. Jane était trop ivre pour se souvenir de ce qui s'était passé et se reprochait l'accident. Jane répond pensivement : "Pendant tout ce temps, nous aurions pu être amis." La police arrive pour arrêter Jane, et pendant qu'ils s'occupent de Blanche, Jane danse devant les spectateurs perplexes, croyant qu'elle a encore une fois la même attention et la même admiration qu'elle a reçue lorsqu'elle était enfant. Casting *Bette Davis dans le rôle de Jane Hudson *Joan Crawford dans le rôle de Blanche Hudson * Victor Buono dans le rôle d'Edwin Flagg * Maidie Norman dans le rôle d'Elvira Stitt * Anna Lee dans le rôle de Mme Bates * BD Merrill dans le rôle de Liza Bates * Marjorie Bennett dans le rôle de Dehlia Flagg *Dave Willock dans le rôle de Ray Hudson * Julie Allred dans le rôle de la jeune Jane * Gina Gillespie dans le rôle de la jeune Blanche * Debbie Burton dans le rôle de la voix chantée de la jeune Jane Production L'extérieur de la maison du manoir Hudson est situé au 172 South McCadden Place, dans le quartier Hancock Park de Los Angeles. D'autres extérieurs résidentiels montrent des cottages sur DeLongpre Avenue, près de Harvard Avenue à Hollywood, sans leurs cours fermées actuelles. La scène sur la plage a été tournée à Malibu, apparemment sur le même site où Aldrich a filmé la scène finale de Kiss Me Deadly (1955). Des images des films de Bette Davis Parachute Jumper et Ex-Lady (tous deux de 1933) et du film de Joan Crawford Sadie McKee (1934) ont été utilisées pour représenter respectivement le jeu d'acteur de Baby Jane et Blanche. La fille du voisin a été jouée par la fille de Davis, B. D. Merrill, qui, suivant les traces de la fille de Crawford, Christina, a ensuite écrit un mémoire décrivant sa mère sous un jour défavorable. C'était un secret de Polichinelle que Davis et Crawford se détestaient, et le tournage était controversé car leur haine réelle l'un envers l'autre s'est répandue dans la production, et même après la fin du tournage. Crawford devait apparaître aux côtés de Davis lors d'une tournée publicitaire de Baby Jane mais annulée à la dernière minute. Davis a affirmé que Crawford s'était retirée parce qu'elle ne voulait pas partager la scène avec elle. Dans une conversation téléphonique de 1972, Crawford a raconté au futur auteur Shaun Considine qu'après avoir vu une projection du film, elle avait exhorté Davis à aller y jeter un œil. N'ayant pas eu de réponse de sa co-star, Crawford a appelé Davis et lui a demandé ce qu'elle pensait du film, ce à quoi Davis a répondu : "Tu avais tellement raison, Joan. L'image est bonne. Et j'ai été formidable." Crawford a répondu : "C'était tout. Elle n'a jamais rien dit à propos de ma performance. Pas un mot." Considine allègue que ce déni de Davis (en ce qui concerne le talent d'actrice de Joan) a incité Crawford à annuler la tournée publicitaire et à monter sur la scène de Davis aux Oscars. Avant la cérémonie des Oscars, Crawford a contacté les nominées de la meilleure actrice qui n'avaient pas pu assister aux cérémonies et leur a proposé d'accepter le prix en leur nom s'ils gagnaient. Davis a affirmé que Crawford avait fait pression contre elle parmi les électeurs de l'Académie. Lorsqu'Anne Bancroft a été déclarée gagnante pour The Miracle Worker, elle était à New York pour jouer dans une pièce de théâtre et avait demandé à Crawford d'accepter son prix si elle gagnait. Crawford est monté triomphalement sur scène pour récupérer le trophée. Davis a commenté plus tard: "Cela aurait signifié un million de dollars de plus pour notre film si j'avais gagné. Joan était ravie que je ne l'aie pas fait." Comme Davis et Crawford avaient accepté des salaires inférieurs en échange d'une part des bénéfices du film, Davis considérait qu'il était particulièrement stupide de la part de Crawford d'avoir travaillé contre leurs intérêts communs, surtout à une époque où les rôles pour les actrices de leur génération étaient difficiles à trouver. Pendant le tournage de Chut… Chut, douce Charlotte (1964), Crawford a reconnu au journaliste/auteur en visite Lawrence J. Quirk les difficultés qu'elle avait avec Davis à cause de l'incident des Oscars, mais a ajouté : « Elle a agi comme si Baby Jane était une personne unique. après qu'ils l'aient nominée. Qu'étais-je censé faire, la laisser accaparer toute la gloire, agir comme si je n'avais même pas été dans le film ? Ça aurait été sympa si elle avait été un peu aimable lors des interviews et m'avait accordé un peu de crédit, je l'aurais fait pour elle. Héritage Le succès du film a conduit à la naissance du sous-genre psycho-biddy des films d'horreur/thriller mettant en vedette des femmes psychotiques âgées, parmi lesquelles Hush d'Aldrich… Chut, douce Charlotte, qu'est-il arrivé à tante Alice ? et Quel est le problème avec Helen ?. Il a été parodié par la comédie italienne Qu'est-il arrivé à bébé Toto ?. Le film a été refait en 1991 en tant que téléfilm mettant en vedette les vraies sœurs Vanessa et Lynn Redgrave. Réception critique Le film a reçu des critiques positives et a suscité des réponses mitigées sur la combinaison Davis/Crawford. Dans sa critique du New York Times, Bosley Crowther a observé : « [Davis et Crawford] réussissent à faire des démonstrations amusantes et finalement effrayantes de haine sororale hurlante et de monstruosité générale… Les faibles tentatives que M. Aldrich a faites pour suggèrent l'ironie de deux femmes autrefois idolâtrées et riches vivant dans une telle dépravation, et le pathétique de leur envie profonde les ayant amenées à cela, se dissipe très rapidement sous le flot de pure grotesque. Variety a déclaré : « Bien que les résultats favorisent largement Davis (et elle en mérite le mérite), il faut reconnaître que l'intrigue, par nécessité, lui permet de courir sans entrave à travers toutes les étapes de la folie imminente... Crawford donne un ton calme, remarquablement belle interprétation de Blanche infirme, retenue émotionnellement par la nature et le tempérament du rôle. TV Guide a attribué quatre étoiles au film, le qualifiant de "Star Wars, servi avec brio" et ajoutant : "Si cela ressemble parfois à une émission empoisonnée pour personnes âgées avec du jambon gâté exagéré, essayez simplement de détourner le regard... Comme dans " Dans les meilleurs films d'Hitchcock, c'est le suspense, plutôt que le véritable chaos, qui anime le film. " Le film maintient une note de 91 % sur le site Web d'agrégation de critiques Rotten Tomatoes, sur la base de 46 critiques, ce qui indique un succès critique. Distinctions Le film a été nominé pour cinq Oscars, dont un pour la meilleure conception de costumes. * Oscar de la meilleure actrice (Bette Davis, nominée) * Oscar du meilleur acteur dans un second rôle (Victor Buono, nominé) * Oscar de la meilleure conception de costumes, noir et blanc (Norma Koch, gagnante) * Oscar de la meilleure photographie, noir et blanc (Ernest Haller, nominé) * Oscar du meilleur son (Joseph D. Kelly, nominé) * BAFTA Award de la meilleure actrice étrangère (Crawford, nominée) * BAFTA Award de la meilleure actrice étrangère (Davis, nominé) * Golden Globe Award de la meilleure actrice dans un film dramatique (Davis, nominé) * Golden Globe Award du meilleur acteur dans un second rôle - Film (Buono, nominé) * Laurel Award pour le Golden Laurel du dormeur de l'année (gagnant) * Palme d'Or – Festival de Cannes 1963 (nominé) Box-office Le film a été un succès surprise au box-office, rapportant 9 millions de dollars au box-office mondial et 4 050 000 $ en location de salles en Amérique du Nord. Au Royaume-Uni, le film a initialement reçu un certificat X du BBFC en 1962, avec quelques coupures mineures. Ces coupures ont été supprimées pour une soumission vidéo, qui a reçu un certificat 18 en 1988, ce qui signifie qu'aucune personne de moins de 18 ans ne pouvait acheter une copie du film. Cependant, en 2004, le film a été soumis à nouveau pour une réédition en salles et il a reçu un certificat 12A, ce qui signifie désormais que les personnes de moins de 12 ans peuvent le voir si elles sont accompagnées d'un adulte. Il reste dans cette catégorie.

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Quel acteur bien-aimé a remporté l'Oscar du meilleur acteur pour The Philadelphia Story ?

James Stewart

The Philadelphia Story est un film de comédie romantique américain de 1940 réalisé par George Cukor, avec Cary Grant, Katharine Hepburn et James Stewart et mettant en vedette Ruth Hussey. Basé sur la pièce de Broadway du même nom de Philip Barry, le film raconte l'histoire d'une mondaine dont les projets de mariage sont compliqués par l'arrivée simultanée de son ex-mari et d'un journaliste de tabloïd. Le personnage mondain de la pièce, interprété par Hepburn dans le film, a été inspiré par Helen Hope Montgomery Scott (1904-1995), une mondaine de Philadelphie connue pour ses hijinks, qui a épousé un ami du dramaturge Barry. Écrit pour le cinéma par Donald Ogden Stewart et Waldo Salt, non crédité, il est considéré comme l'un des meilleurs exemples de comédie sur le remariage, un genre populaire dans les années 1930 et 1940, dans lequel un couple divorce, flirte avec des étrangers puis se remarie. un stratagème narratif utile à une époque où la représentation des relations extraconjugales était bloquée par le code de production. Le film fut le premier grand succès de Hepburn après plusieurs échecs, ce qui lui avait valu d'être incluse sur une liste de 1938 que le propriétaire du cinéma de Manhattan, Harry Brandt, avait compilée d'acteurs considérés comme "poison au box-office". Elle a acquis les droits cinématographiques de la pièce, dans laquelle elle avait également joué, avec l'aide de Howard Hughes, afin de la contrôler comme véhicule de son retour à l'écran. Selon un documentaire de Turner Broadcasting MGM : When the Lion Roars, après que MGM ait acheté les droits du film, ils étaient sceptiques quant à l'attrait de Hepburn au box-office, alors Louis B. Mayer de Metro-Goldwyn-Mayer a pris une précaution inhabituelle en choisissant deux stars masculines de premier plan. (Grant et Stewart) pour soutenir Miss Hepburn. Nominé pour six Oscars, le film en a remporté deux ; James Stewart pour le meilleur acteur et Donald Ogden Stewart pour le meilleur scénario adapté. Il a été refait en 1956 sous la forme d'une comédie musicale rebaptisée High Society. The Philadelphia Story a été produit par Joseph L. Mankiewicz et a été sélectionné pour être conservé au National Film Registry des États-Unis en 1995. Parcelle Tracy Lord (Katharine Hepburn) est une riche mondaine de Main Line Philadelphie qui avait divorcé de C.K. Dexter Haven (Cary Grant), un membre de son groupe social, parce qu'il n'était pas à la hauteur de ses normes exigeantes, en raison de son alcoolisme et du manque de confiance de Tracy en lui, ce qui a exacerbé son état. Elle est sur le point d'épouser le nouveau riche "l'homme du peuple" George Kittredge (John Howard). L'éditeur du magazine Spy Sidney Kidd (Henry Daniell) est impatient de couvrir le mariage et il demande à Dexter, l'un de ses anciens employés, de présenter le journaliste Macaulay "Mike" Connor (James Stewart) et la photographe Liz Imbrie (Ruth Hussey) comme amis de Junius, le frère de Tracy, pour qu'ils puissent faire un rapport sur le mariage. Tracy n'est pas dupe mais accepte à contrecœur de les laisser rester - après que Dexter explique que Sidney a un article chargé d'insinuations sur le père de Tracy, Seth (John Halliday), qui, croit-elle, a une liaison avec une danseuse. Bien qu'il soit séparé de sa mère, Margaret (Mary Nash), et que Tracy nourrisse un grand ressentiment contre lui, elle souhaite protéger la réputation de sa famille. Dexter est accueilli à bras ouverts par Margaret et Dinah (Virginia Weidler), la sœur adolescente de Tracy, à son grand mécontentement. De plus, elle découvre peu à peu que Mike a des qualités admirables, et elle prend même la peine de retrouver ses histoires publiées dans la bibliothèque. Ainsi, à l'approche du mariage, elle se retrouve déchirée entre George, Dexter et Mike. La veille du mariage, Tracy se saoule pour la deuxième fois seulement de sa vie et se baigne innocemment avec Mike. Quand George voit ensuite Mike transporter une Tracy ivre dans la maison, il pense au pire. Le lendemain, il lui dit qu'il a été choqué et qu'il estime avoir droit à une explication avant de procéder au mariage. Elle s'offusque de son manque de confiance en elle et rompt les fiançailles. Elle se rend alors compte que tous les invités sont arrivés et attendent le début de la cérémonie. Mike se porte volontaire pour l'épouser (au grand désarroi de Liz), mais elle refuse gracieusement. À ce stade, Dexter fait une offre pour sa main, qu'elle accepte. Casting * Cary Grant dans le rôle de C.K. Dexter Havre * Katharine Hepburn dans le rôle de Tracy Samantha Lord * James Stewart dans le rôle de Mike Connor * Ruth Hussey dans le rôle d'Elizabeth Imbrie * John Howard dans le rôle de George Kittredge * Roland Young dans le rôle de William Q. Tracy (Oncle Willie) * John Halliday dans le rôle de Seth Lord * Mary Nash dans le rôle de Margaret Lord * Virginia Weidler dans le rôle de Dinah Lord *Henry Daniell dans le rôle de Sidney Kidd * Lionel Pape dans le rôle d'Edward, un valet de pied * Rex Evans dans le rôle de Thomas, le majordome * David Clyde dans le rôle de Mac, le veilleur de nuit Production Le dramaturge de Broadway Barry a écrit le film spécifiquement pour Hepburn, qui a fini par soutenir la pièce et a renoncé à un salaire en échange d'un pourcentage de ses bénéfices. Avec Hepburn à Broadway, Joseph Cotten dans le rôle de Dexter Haven, Van Heflin dans le rôle de Mike Connor et Shirley Booth dans le rôle de Liz Imbrie. Dans l'espoir de créer un film pour elle-même qui effacerait l'étiquette de "poison au box-office" que les Independent Theatre Owners of America lui avaient attribuée après un certain nombre d'échecs commerciaux (y compris le classique Bringing Up Baby), Hepburn a accepté le film avec joie. les droits de la pièce de Howard Hughes qui les avait achetés pour elle. Elle a ensuite convaincu Mayer de la MGM de les lui acheter pour seulement 250 000 $ en échange du droit de veto de Hepburn sur le producteur, le réalisateur, le scénariste et le casting. Hepburn a sélectionné le réalisateur George Cukor, dans les films duquel elle avait joué A Bill of Divorcement (1932) et Little Women (1933), et Donald Ogden Stewart, un ami de Barry et spécialiste de l'adaptation de pièces de théâtre sur grand écran, comme écrivain. Hepburn voulait que Clark Gable joue Dexter Haven et Spencer Tracy joue Mike Connor, mais tous deux avaient d'autres engagements. Grant a accepté de jouer ce rôle à condition qu'il reçoive la première place et que son salaire soit de 137 000 $, qu'il a reversé à la British War Relief Society. Le couple Cukor et Gable aurait été problématique de toute façon, car ils ne s'étaient pas entendus sur le récent Autant en emporte le vent, et Cukor avait été remplacé par Victor Fleming. Le film était en production du 5 juillet au 14 août 1940 dans les studios MGM de Culver City. Il a été tourné en six semaines et est arrivé cinq jours plus tard que prévu. TCM [http://www.tcm.com/tcmdb/title.jsp?stid 12778&category=Notes Notes] À un moment donné, Stewart a eu le hoquet pendant la scène d'ivresse. Grant se tourna vers lui, surpris, et dit « Excusez-moi », puis semble étouffer un rire. La scène a été conservée et n'a pas été refaite. Stewart avait été extrêmement nerveux à propos de la scène dans laquelle Connor récitait de la poésie à Tracy et pensait qu'il jouerait mal. Noël Coward visitait le plateau ce jour-là et Cukor lui a demandé de dire quelque chose pour l'encourager. Stewart était également assez mal à l'aise avec certains dialogues, notamment dans la scène de la piscine. Hepburn a effectué le plongeon dans la piscine entièrement seule, sans l'aide des doubles. Quarante ans plus tard, pendant le tournage de On Golden Pond, Jane Fonda avait peur de faire sa propre plongée, ce à quoi Hepburn, agacé, a répondu : "J'ai fait ma propre plongée dans The Philadelphia Story." Le film fut présenté pour la première fois à New York dans la semaine du 27 décembre 1940 et fut projeté dans certaines salles en décembre, mais la MGM avait accepté de maintenir sa sortie générale jusqu'en janvier 1941 afin de ne pas concurrencer la pièce de théâtre, qui n'était plus disponible. jouant à Broadway, mais faisait une tournée à travers le pays. Il est sorti aux États-Unis le 17 janvier 1941. Il a battu un record au box-office au Radio City Music Hall en rapportant 600 000 $ en seulement six semaines. Réception Box-office Le film était le cinquième film le plus populaire au box-office américain en 1941. Selon les archives de la MGM, il a rapporté 2 374 000 $ aux États-Unis et au Canada et 885 000 $ ailleurs, ce qui a généré un bénéfice de 1 272 000 $. Critique Selon Bosley Crowther, le film « a à peu près tout ce qu'une comédie de premier ordre devrait avoir : un scénario plein d'esprit et romantique dérivé par Donald Ogden Stewart de la pièce à succès de Philip Barry ; le goût de l'élégance de la haute société, dans lequel les clients invariablement luxueux, et un splendide casting d'artistes dirigés par Hepburn, Stewart et Grant. Si cela ne se produit pas cette année et au cours de l'année prochaine, ils devraient transformer le Music Hall en un stand de tir... Metro et le réalisateur George Cukor l'ont fait. a gracieusement fait comprendre, selon les mots d'un personnage, que l'un des « plus beaux spectacles de ce joli monde est celui des classes privilégiées jouissant de leurs privilèges ». Et ainsi, dans ce cas, vous le ferez aussi. » Le film a une note de 100 % sur Rotten Tomatoes sur la base de 54 critiques, avec une note moyenne de 8,8/10. Le consensus se lit comme suit : "Offrant un scénario merveilleusement spirituel, une mise en scène impeccable de George Cukor et généralement d'excellentes performances principales, The Philadelphia Story est un classique sans réserve." Le site l'a également classée meilleure comédie romantique de tous les temps. Le film était le dernier des quatre mettant en vedette Grant et Hepburn, les autres étant Sylvia Scarlett (1935), Bringing Up Baby (1938) et Holiday (1938). Tous, sauf Sylvia Scarlett, appartiennent à un sous-genre de comédie loufoque appelé la comédie du remariage décrite par le philosophe Stanley Cavell comme le couronnement d'Hollywood. Récompenses et honneurs Aux Oscars de 1940, The Philadelphia Story a reçu six nominations : * Production exceptionnelle : MGM (Joseph L. Mankiewicz, producteur) * Meilleur réalisateur : George Cukor * Meilleur acteur : James Stewart *Meilleure actrice : Katharine Hepburn * Meilleure écriture, scénario : Donald Ogden Stewart * Meilleure actrice dans un second rôle : Ruth Hussey James Stewart et Donald Ogden Stewart ont remporté les Oscars. Stewart ne s'attendait pas à gagner et n'avait pas l'intention d'assister à la cérémonie de remise des prix. Il a été appelé et « conseillé » de se présenter en smoking. Stewart lui-même a déclaré qu'il avait voté pour Henry Fonda pour sa performance dans Les Raisins de la colère et qu'il avait toujours estimé que le prix lui avait été décerné en guise de compensation pour ne pas avoir remporté l'Oscar pour son interprétation de Jefferson Smith dans M. Smith Goes to Washington the. année précédente. Donald Ogden Stewart, quant à lui, a déclaré après avoir remporté son Oscar : "Je n'ai personne d'autre à remercier que moi-même !" Hepburn a remporté un New York Film Critics Circle Award en 1940 pour sa performance, et le film a été nommé l'un des dix meilleurs de l'année par Film Daily. En 1995, le film a été jugé « culturellement, historiquement ou esthétiquement significatif » par la Bibliothèque du Congrès et a été sélectionné pour être conservé au National Film Registry des États-Unis. Reconnaissance de l'American Film Institute * 1998 : 100 ans d'AFI... 100 films – #51 * 2000 : 100 ans d'AFI...100 rires – #15 * 2002 : Les 100 ans d'AFI...100 Passions – #44 * 2005 : 100 ans d'AFI... 100 citations de films : ** Mike Connor : "Tu es éclairée de l'intérieur, Tracy. Tu as des feux accumulés en toi, des feux de foyer et des holocaustes." – Nominé * 2005 : 100 ans de musiques de films de l'AFI – Nominé * 2007 : 100 ans d'AFI... 100 films (édition 10e anniversaire) – #44 * 2008 : 10 Top 10 de l'AFI : ** #5 Film de comédie romantique Adaptations Les stars du film sont apparues sur l'adaptation radiophonique de la pièce de Barry de Lux Radio Theatres en 1942. Lux l'a présentée à nouveau en 1943 avec Robert Taylor, Loretta Young et Robert Young. Il a également été adapté sur deux épisodes de The Screen Guild Theatre, d'abord avec Greer Garson, Henry Fonda et Fred MacMurray (5 avril 1942), puis avec Hepburn, Grant et Stewart reprenant leurs rôles au cinéma (17 mars 1947). Le film a été adapté en 1956 sous le nom de High Society musicale MGM, avec Bing Crosby, Grace Kelly, Frank Sinatra, Celeste Holm et Louis Armstrong, réalisé par Charles Walters. Galerie Fichier:Histoire de Philadelphie 20.jpg| Fichier : Snapshot20071107102421.jpg| Fichier:Histoire de Philadelphie 3.jpg| Fichier:PhiladelphiaStory trailer Stewart.png| Fichier:Histoire de Philadelphie 5.jpg| Fichier:Histoire de Philadelphie 14.jpg| Fichier:Histoire de Philadelphie 7.jpg| Fichier:Histoire de Philadelphie 16.jpg| Fichier:Histoire de Philadelphie 17.jpg| Fichier:Katharine Hepburn dans la bande-annonce de The Philadelphia Story.jpg Fichier:Histoire de Philadelphie 9.jpg| Fichier:Histoire de Philadelphie 15.jpg|

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Quel danseur légendaire a été nominé aux Oscars pour The Towering Inferno ?

Fred Astaire

The Towering Inferno est un film catastrophe américain de 1974 produit par Irwin Allen avec un casting de stars dirigé par Paul Newman et Steve McQueen. Le film a été réalisé par John Guillermin. Coproduction entre 20th Century Fox et Warner Bros. (ce fut le premier film à être une coentreprise de deux grands studios hollywoodiens), il a été adapté par Stirling Silliphant de deux romans, The Tower de Richard Martin Stern et The Verre Inferno par Thomas N. Scortia et Frank M. Robinson. Le film a été un succès critique, gagnant une nomination pour l'Oscar du meilleur film, et a été le film le plus rentable sorti en 1974. Le film a été nominé pour huit Oscars au total, en remportant trois. Outre McQueen et Newman, le casting comprend William Holden, Faye Dunaway, Fred Astaire, Susan Blakely, Richard Chamberlain, O. J. Simpson, Robert Vaughn, Robert Wagner, Susan Flannery, Gregory Sierra, Dabney Coleman et, dans son dernier film, Jennifer Jones. Parcelle L'architecte Doug Roberts revient à San Francisco pour l'inauguration de la Glass Tower, qu'il a conçue pour le propriétaire James Duncan. Avec ses 138 étages (550 m), c'est le bâtiment le plus haut du monde. Peu de temps après son arrivée, un court-circuit électrique déclenche un incendie non détecté au 81e étage. Alors que Roberts accuse l'ingénieur électricien du bâtiment, Roger Simmons, de prendre des raccourcis, Simmons insiste sur le fait que le bâtiment est conforme aux normes. Lors de la cérémonie d'inauguration, le chef des relations publiques Dan Bigelow reçoit l'ordre d'allumer les lumières extérieures de la tour pour impressionner les invités et les dignitaires. L'éclairage surcharge le système électrique et Roberts ordonne de l'éteindre. De la fumée est visible au 81e étage et les pompiers de San Francisco sont convoqués. Roberts et l'ingénieur Will Giddings se rendent au 81e étage mais ne parviennent pas à empêcher un agent de sécurité d'ouvrir une porte, provoquant un incendie qui brûle Giddings (et dont il est révélé plus tard qu'il est décédé). Roberts signale l'incendie à Duncan dédaigneux, qui refuse d'ordonner une évacuation. Des pompiers mal équipés arrivent pour lutter contre l'incendie, qui devient rapidement incontrôlable. Le chef du SFFD, Michael O'Halloran, force Duncan à évacuer les invités de la salle Promenade au 135e étage, en les dirigeant vers les ascenseurs express. Une invitée, Lisolette Mueller, courtisée par l'escroc Harlee Claiborne, se précipite au 87e étage pour voir une jeune famille. Simmons admet à Duncan qu'il a fait des économies pour respecter le budget. Duncan, aidé du sénateur Parker et du maire Ramsey, dirige l'évacuation de l'ascenseur de la salle Promenade jusqu'à ce que l'incendie rende les ascenseurs express dangereux. Ne tenant pas compte des instructions de Duncan, un dernier groupe prend un ascenseur jusqu'au sol, mais est tué lorsqu'il s'arrête sur le feu. L'incendie emprisonne également Bigelow et sa secrétaire/maîtresse Lorrie dans son bureau du 65ème étage, les tuant. Le chef de la sécurité Harry Jernigan et Roberts sauvent Mueller et la famille du 87. Jernigan fait sortir la mère en toute sécurité mais Roberts, Mueller et les deux enfants sont arrêtés par une cage d'escalier effondrée. Ils descendent les escaliers périlleux mais le feu les force à monter dans la salle Promenade. Les efforts d'extinction des incendies devenant inefficaces, le bâtiment perd l'alimentation électrique et les hommes d'O'Halloran sont obligés de descendre en rappel dans une cage d'ascenseur. Un sauvetage sur le toit entraîne un désastre alors que les invités se précipitent sur l'hélicoptère, le faisant s'écraser, mettant le feu au toit et rendant impossible tout autre sauvetage sur le toit. Les équipes de secours navals attachent une bouée culotte au bâtiment Peerless adjacent et sauvent un certain nombre d'invités, dont la fille de Duncan, l'épouse de Simmons, Patty. Roberts installe un frein à gravité sur l'ascenseur panoramique externe permettant à douze personnes, dont la petite amie de Roberts, Susan, Mueller et les enfants, de faire un seul voyage. Une explosion laisse l'ascenseur descendant suspendu par un seul câble au 110e étage, où Mueller tombe à mort. O'Halloran et d'autres sauvent le reste. Simmons dit à Duncan que lui et d'autres utiliseront ensuite la bouée culotte, mais Duncan le frappe, disant que les autres tireront des numéros mais que lui et son gendre seront les derniers à partir. Le feu atteint la salle Promenade et Simmons se fraye un chemin sur la bouée, menant à une lutte. Parker est poussé à mort par Simmons, qui est tué par une explosion quelques instants plus tard. Un chef adjoint du SFFD convoque O'Halloran avec un plan visant à faire exploser les réservoirs d'eau d'un million de gallons au sommet du bâtiment pour éteindre l'incendie. Sachant que cela pourrait entraîner sa mort, O'Halloran rencontre Roberts et ils placent du C-4 sur les six réservoirs d'eau du 138ème étage. Ils retournent à la Salle Promenade, où les invités restants s'attachent. O'Halloran, Roberts, Duncan, Claiborne et la plupart des fêtards survivent alors que l'eau se précipite à travers le bâtiment, éteignant les flammes. Sur le terrain, Claiborne apprend que Mueller n'a pas survécu et a le cœur brisé. Jernigan lui donne le chat de Mueller. Duncan console Patty de la mort de son mari mais ne révèle pas la façon lâche dont Simmons est mort. Roberts dit à Susan qu'il ne sait pas ce qu'il adviendra du bâtiment et qu'il devrait peut-être être laissé dans son état endommagé par le feu comme "une sorte de sanctuaire pour toutes les conneries du monde". Informant Roberts que le nombre de victimes était inférieur à 200, O'Halloran dit qu'ils ont eu de la chance. Roberts accepte de consulter les pompiers à l'avenir lorsque de tels bâtiments seront conçus. O'Halloran s'en va, épuisé. Casting *Paul Newman dans le rôle de Doug Roberts, l'architecte *Steve McQueen dans le rôle de Michael "Mike" O'Halloran, chef du 5e bataillon SFFD *William Holden dans le rôle de James "Jim" Duncan, le bâtisseur *Faye Dunaway dans le rôle de Susan Franklin, la fiancée de Doug Roberts *Fred Astaire dans le rôle de Harlee Claiborne, l'escroc qui flirte avec Mme Mueller *Susan Blakely dans le rôle de Patty Duncan Simmons, la fille de James Duncan *Richard Chamberlain dans le rôle de Roger Simmons, l'ingénieur électricien et gendre de Duncan *Jennifer Jones dans le rôle de Lisolette Mueller *O. J. Simpson dans le rôle de Harry Jernigan, le chef de la sécurité *Robert Vaughn dans le rôle du sénateur américain Gary Parker *Robert Wagner dans le rôle de Dan Bigelow, responsable des relations publiques *Susan Flannery dans le rôle de Lorrie *Sheila Matthews Allen dans le rôle de Paula Ramsay *Norman Burton dans le rôle de Will Giddings, ingénieur électricien *Jack Collins dans le rôle du maire Robert "Bob" Ramsay *Don Gordon dans le rôle de Kappy, capitaine des pompiers de SFFD Truck Co. 12 *Felton Perry dans le rôle de Scott, pompier SFFD Engine Co. 4 *Gregory Sierra dans le rôle de Carlos, le barman *Ernie Orsatti dans le rôle de Mark Powers, pompier SFFD Engine Co. 4 *Dabney Coleman en tant que chef adjoint du SFFD 1 *Elizabeth Rogers dans le rôle de la Dame à la bouée *Ann Leicester en tant qu'invitée *Norm Grabowski dans le rôle de Flaker, chef du Navy Air Rescue *Ross Elliott en tant que chef adjoint du SFFD 2 *Olan Soule dans le rôle de Johnson *Carlena Gower dans le rôle d'Angela Allbright *Mike Lookinland dans le rôle de Phillip Allbright *Carol McEvoy dans le rôle de Mme Allbright *Scott Newman dans le rôle du jeune pompier *Paul Comi dans le rôle de Tim *George Wallace en tant que directeur général *Patrick Culliton en tant que technicien *William Bassett comme agent de location *John Crawford dans le rôle de Callahan *Erik Nelson dans le rôle de Wes *Art Balinger en tant qu'annonceur *Lcdr. Norman Hicks comme pilote *Ltjg. Thomas Karnahan comme copilote *Maureen McGovern en tant que chanteuse à la fête *William Traylor dans le rôle de Bill Harton, agent de sécurité Plusieurs acteurs apparus dans de petits rôles, dont John Crawford, Erik Nelson, Elizabeth Rogers, Ernie Orsatti et Sheila Matthews, étaient déjà apparus dans The Poseidon Adventure, également produit par Irwin Allen. Le fils de Paul Newman, Scott, jouait le rôle du pompier acrophobe qui avait peur de descendre en rappel dans la cage d'ascenseur. McQueen et Newman McQueen, Newman et William Holden voulaient tous figurer en tête d'affiche. Holden a été refusé, sa position à long terme en tant que tirage au sort au box-office ayant été éclipsée par McQueen et Newman. Pour fournir une double affichage en haut, les crédits ont été disposés en diagonale, avec McQueen en bas à gauche et Newman en haut à droite. Ainsi, chacun semblait avoir une « première » facturation selon que le crédit était lu de gauche à droite ou de haut en bas,[http://www.art.com/asp/sp-asp/_/pd- -10134441/The_Towering_Inferno_Style_A.htm The Towering Inferno Masterprint sur Art.com] la première des innombrables fois où la facturation serait affichée de cette façon dans les films. McQueen est mentionné en premier dans les bandes-annonces du film. Cependant, dans la liste des acteurs qui défilait de haut en bas à la fin du film, les noms de McQueen et de Newman étaient disposés en diagonale comme au début ; en conséquence, le nom de Newman y est entièrement visible en premier. McQueen et Newman se sont vu promettre le même salaire et le même nombre de répliques, ce qui signifiait qu'il fallait tourner des scènes supplémentaires pour égaliser le dialogue. Musique La partition a été composée et dirigée par John Williams, orchestrée par Herbert W. Spencer et Al Woodbury, et enregistrée au stade de notation de la 20th Century Fox les 31 octobre et 4, 7 et 11 novembre 1974. L'ingénieur du son d'origine était Ted Keep. La musique source dans certaines parties du film comprend des versions instrumentales de "Again" de Lionel Newman et Dorcas Cochran, "You Make Me Feel So Young" de Josef Myrow et Mack Gordon et "The More I See You" de Harry Warren et Mack Gordon. . Un extrait d'un extrait de la partition de Williams pour Cendrillon Liberty intitulé "Maggie Shoots Pool" est entendu dans une scène où le personnage de William Holden converse au téléphone avec le personnage de Paul Newman. Il ne s'agit pas de l'enregistrement de l'album de la bande originale mais d'un arrangement plus récent enregistré pour The Towering Inferno. Une version étendue est entendue, apparemment comme musique source dans une scène théâtrale supprimée, parfois présentée dans le cadre d'une scène plus longue de la version diffusée à la télévision. L'un des morceaux musicaux inédits les plus recherchés du film est celui où Williams fournit de la musique lounge discrète lors d'une fête avant l'annonce d'un incendie. O'Halloran ordonne à Duncan d'évacuer le groupe ; la musique devient plus forte alors que Lisolette et Harlee sont vues danser et que Duncan donne une leçon à son gendre Roger. Intitulé "The Promenade Room" sur la feuille de repère du chef d'orchestre, le morceau présente une fin irrégulière alors que Duncan demande au groupe house d'arrêter de jouer. Pour cette raison, Film Score Monthly n'a pas pu ajouter cet élément à l'album de la bande originale étendue. La chanson primée aux Oscars "We May Never Love Like This Again" a été composée par Al Kasha et Joel Hirschhorn et interprétée par Maureen McGovern, qui apparaît dans une apparition en tant que chanteuse lounge et sur l'album de la bande originale de la partition, qui présente l'enregistrement du film. plus la version unique commercialisée. De plus, le thème musical est interpolé dans le soulignement du film par Williams. Les auteurs de la chanson ont collaboré à "The Morning After" de The Poseidon Adventure qui a également été chanté par McGovern, bien que la sienne ne soit pas la voix de ce film. La première sortie de parties de la partition de The Towering Inferno était sur Warner Bros. Records au début de 1975 (numéro de catalogue BS-2840) # "Titre principal" (5h00) # "Le rêve d'un architecte" (3:28) # "Lisolette et Harlee" (2:34) # "Quelque chose pour Susan" (2:42) # "Amoureux piégés" (4:28) # "Nous n'aimerons peut-être plus jamais comme ça" - Kasha/Hirschhorn, interprété par Maureen McGovern (2:11) # "Susan et Doug" (2:30) # "L'explosion de l'hélicoptère" (2:50) # "Planter les charges - et finale" (10:17) Une sortie presque complète est sortie sur le label Film Score Monthly (FSM) le 1er avril 2001 et a été produite par Lukas Kendall et Nick Redman. FSM était une version presque entièrement étendue, remixée à partir des masters d'album des archives de Warner Bros. et du film magnétique multipiste 35 mm provenant de la 20th Century Fox. Placé dans l'ordre chronologique et rétablissant les repères d'action, il est devenu l'un des plus gros vendeurs de l'entreprise ; seuls 4 000 exemplaires ont été pressés et il est aujourd'hui épuisé. Les informations selon lesquelles cette bande originale et celle du film Earthquake (également composé par Williams) s'empruntaient des éléments l'une de l'autre sont inexactes. La version de « Main Title » sur le disque FSM est la version cinématographique. Il diffère de la version originale de l'album de la bande originale. Il y a un équilibre différent des instruments à deux endroits, et en particulier la caisse claire est plus importante que la version album qui comporte également un travail de cymbales supplémentaire. Bien que l'album ne soit pas un réenregistrement, les pistes originales du LP ont été enregistrées au cours des mêmes sessions et plusieurs signaux ont été combinés. Le son de la version cinématographique aurait été meilleur que celui de l'album maître à deux pistes WB d'un quart de pouce. Bien que quelques signaux accessoires mineurs aient été perdus, certains signaux sonores « endommagés » – ainsi appelés en raison d'une détérioration des éléments audio survivants – sont placés à la fin du programme du disque après le morceau « An Architect's Dream » qui est utilisé sur le séquence de générique de fin. # "Titre principal" (5:01) # "Quelque chose pour Susan" (2:42) # "Lisolette et Harlee" (2:35) # "La flamme s'enflamme" (1:01) # "Plus pour Susan" (1:55) # "Harlee Dressing" (1:37) # "Que la lumière soit" (:37) # "Enfin seul" (:51) # "Nous n'aimerons peut-être plus jamais comme ça (version cinématographique)" - Maureen McGovern (2:04) # "Les premières victimes" (3:24) # "Pas une cigarette" (1:18) # "Amoureux piégés" (4:44) # "La chute/Piggy Back Ride de Doug" (2:18) # "La Descente de Lisolette" (3:07) # "Dans les tuyaux/La porte s'ouvre" (2:59) # "Couples" (3:38) # "Courts adieux" (2:26) # "Sauvetage par hélicoptère" (3:07) # "Passer le mot" (1:12) # "Planter les charges" (9:04) # "Finale" (3:57) # "Le rêve d'un architecte" (3:28) # "Nous n'aimerons peut-être plus jamais comme ça (version album)" - Maureen McGovern (2:13) # "Le lendemain matin (Instrumental)" (2:07) # "Susan et Doug (piste de l'album)" (2:33) # "La fierté départementale et le chat (endommagé)" (2:34) # "Explosion d'hélicoptère (endommagé)" (2:34) # "Réveil (endommagé)" (2:39) Réaction Réception critique The Towering Inferno a reçu des critiques positives de la part des critiques, obtenant une note « Frais » de 77 % sur le site Web de l'agrégateur d'avis Rotten Tomatoes. Roger Ebert du Chicago Sun-Times a salué le film comme "le meilleur de la vague de films catastrophe du milieu des années 1970". Prix Héritage Listes de l'American Film Institute *Les 100 ans de l'AFI...100 sensations fortes – Nominé *100 ans d'AFI... 100 chansons : ** "Nous n'aimerons peut-être plus jamais comme ça" - Nominé

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Quel était le nom du bordel dans Le meilleur petit bordel du Texas ?

Chicken Ranch

Le meilleur petit bordel du Texas est une comédie musicale avec un livre de l'auteur texan Larry L. King et Peter Masterson et une musique et des paroles de Carol Hall. Il est basé sur une histoire de King inspirée du véritable Chicken Ranch de La Grange, au Texas. Historique de fabrication Le meilleur petit bordel du Texas a ouvert ses portes à Broadway au 46th Street Theatre le 19 juin 1978 et a donné 1 584 représentations. La production a été dirigée par Peter Masterson et Tommy Tune et chorégraphiée par Tune et Thommie Walsh. Le casting d'ouverture comprenait Carlin Glynn, Henderson Forsythe, Jay Garner, Joan Ellis, Delores Hall et Pamela Blair. Glynn a été remplacée par Fannie Flagg et Anita Morris plus tard dans la course. Alexis Smith a joué le rôle de Miss Mona dans la National Company, qui a parcouru les grandes villes pendant plus d'un an, se terminant par une tournée de sept mois à Los Angeles. Dans ce qui a été décrit comme « un engagement de retour », le spectacle a débuté à Broadway au Théâtre Eugene O'Neill le 31 mai 1982 et s'est terminé le 24 juillet 1982 après neuf avant-premières et 63 représentations. Le casting comprenait Glynn et Hall. La production théâtrale du West End a débuté au Theatre Royal de Drury Lane le 26 février 1981, avec à nouveau Glynn et Forsythe. Il a duré 204 représentations. Une suite éphémère intitulée The Best Little Whorehouse Goes Public a été mise en scène à Broadway en 1994. "The Aggie Song" a été interprété lors de l'émission des Tony Awards, mais a été fortement censuré en raison de la nature des paroles et de la chorégraphie. Une tournée nationale américaine mettant en vedette Ann-Margret a débuté le 14 février 2001. Une production de renaissance de la comédie musicale a été organisée au Fringe de Londres à l'Union Theatre d'octobre 2011 à novembre 2011, avec Sarah Lark dans le rôle de Miss Mona, Nancy Sullivan dans le rôle de Shy et Leon Craig dans le rôle de Melvin P. Thorpe. Les membres de l'ensemble comprenaient Jarred Page, Sasi Strallen, Katy Streader, Frankie Jenna, Patrick George, Dayle Hodge et Dan O'Brian. La production a été dirigée par Paul Taylor-Mills. Une reprise à Broadway, sous la direction et la chorégraphie de Rob Ashford, aurait été en préparation en 2015. Synopsis Nous sommes à la fin des années 1970 et un bordel opère à l'extérieur de la ville fictive de Gilbert, au Texas (sous-titre du lieu réel de La Grange) depuis plus d'un siècle. Il appartient à Miss Mona Stangley, qui lui a été laissé par le propriétaire d'origine. Tout en s'occupant de ses filles, elle est également en bons termes avec le shérif local, Ed Earl Dodd. Lorsque le journaliste de télévision Melvin P. Thorpe (basé sur la personnalité de l'information de Houston, Marvin Zindler) décide de faire de cette activité illégale un problème, les ramifications politiques entraînent la fermeture de l'endroit. Liste des chansons ; Acte I * "Prologue" - Le chef du Rio Grande Band et le Rio Grande Band * "20 Fans" – Entreprise * "A Lil' Ole Bitty Pissant Country Place" - Mona Stangley et les filles * "Fille, tu es une femme" - Mona Stangley, Shy, Jewel and the Girls * "Thème Watch Dog" - Les Dogettes * "Le Texas a un bordel" - Melvin P. Thorpe, les Thorpe Singers et les Dogettes * "Vingt-quatre heures d'amour" - Jewel and the Girls * "Thème Watch Dog" (Reprise) – Les Dogettes * "Le Texas a un bordel" (Reprise) – Melvin P. Thorpe et les Dogettes * "Doatsy Mae" – Doatsy Mae * "Angelette March" – Angelette Imogène Charlène et les Angelettes * "La chanson Aggie" – Les Aggies * "Le bus d'Amarillo" – Mona Stangley ; Acte II * "The Sidestep" - Le gouverneur du Texas & Company * "No Lies" – Mona Stangley, Jewel et les filles * "Good Old Girl" - Le shérif Ed Earl Dodd et les Aggies * "Hard Candy Christmas" - Les filles * "Finale" – Compagnie Récompenses et nominations Production originale de Broadway Remarques Bibliographie *Salle, Carol. Sélections vocales du meilleur petit bordel du Texas. Melville, New York : MCA Music, 1979. *King, Larry L. et Masterson, Peter. Le meilleur petit bordel du Texas. Musique et paroles de Carol Hall. Bibliothèque musicale française. New York, New York : S. French, 1978. ISBN 0-573-68111-2 *King, Larry L. Les papiers du bordel. New York : Viking Press, 1982. ISBN0-670-15919-0 Discographie *Le meilleur petit bordel du Texas : distribution originale. CD audio. MCA, 1997. MCAD-11683 ; MCA-3049. *Meilleur petit bordel du Texas : nouvel enregistrement du casting. CD audio. Allée Fynsworth/Varèse Sarabande, 2001. 302 062 117 2.

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Qui était la star masculine du film L'Homme de La Manche ?

Peter O'Toole

Man of La Mancha est une comédie musicale de 1964 avec un livre de Dale Wasserman, des paroles de Joe Darion et une musique de Mitch Leigh. Il est adapté du téléplay non musical de Wasserman de 1959, I, Don Quichotte, qui s'inspire à son tour de Miguel de Cervantes et de son chef-d'œuvre du XVIIe siècle, Don Quichotte. Il raconte l'histoire du chevalier « fou », Don Quichotte, comme une pièce dans la pièce, interprétée par Cervantes et ses codétenus alors qu'il attend une audience avec l'Inquisition espagnole. L'œuvre n'est pas, et ne prétend pas être, une interprétation fidèle ni de la vie de Cervantes ni de Don Quichotte. Wasserman s'est plaint à plusieurs reprises de prendre l'œuvre comme une version musicale de Don Quichotte. La production originale de Broadway de 1965 a donné 2 328 représentations et a remporté cinq Tony Awards, dont celui de la meilleure comédie musicale. La comédie musicale a été reprise quatre fois à Broadway, devenant ainsi l'une des œuvres les plus durables du théâtre musical.[http://www.ibdb.com/show.php?id 5817 inscriptions à Broadway « Man of La Mancha », 1965, 1972, 1977, 1992 et 2002] Base de données Internet Broadway. Récupéré le 26 janvier 2010 La chanson principale, "The Impossible Dream", est devenue un standard. La comédie musicale a été jouée dans de nombreux autres pays du monde, avec des productions en néerlandais, français (traduction de Jacques Brel), allemand, hébreu, japonais, coréen, islandais, gujarati, ouzbek, hongrois, serbe, slovène, swahili, finnois, ukrainien. et neuf dialectes distinctement différents de la langue espagnole. Man of La Mancha a été joué pour la première fois au Goodspeed Opera House à East Haddam, Connecticut en 1965, et a eu sa première à New York sur la scène principale de l'ANTA Washington Square Theatre en 1965. Histoire Man of La Mancha a commencé comme un téléplay non musical écrit par Dale Wasserman pour le programme DuPont Show of the Month de CBS. Cette émission télévisée originale mettait en vedette Lee J. Cobb, Colleen Dewhurst (qui a remplacé Viveca Lindfors) et Eli Wallach, et n'a pas été jouée sur une scène de poussée, mais sur une scène sonore de télévision. La DuPont Corporation n'aimait pas le titre Man of La Mancha, pensant que son public ne saurait pas ce que La Mancha signifiait réellement, alors un nouveau titre, Moi, Don Quichotte, a été choisi. La pièce a été diffusée en direct le 9 novembre 1959, avec une audience estimée à 20 millions de personnes. Malheureusement, en raison de la mise en scène de la production au début de la bande vidéo et de l'infériorité des kinéscopes, aucune séquence de cette production n'a survécu. Des années après cette émission télévisée, et après que le téléplay original ait été choisi sans succès comme pièce non musicale de Broadway, le réalisateur Albert Marre a appelé Wasserman et lui a suggéré de transformer sa pièce en comédie musicale. Mitch Leigh a été sélectionné comme compositeur, avec des orchestrations de Carlyle W. Hall. Fait inhabituel pour l'époque, le spectacle a été composé pour un orchestre sans violons ni autres instruments à cordes orchestraux traditionnels à l'exception d'une contrebasse, utilisant plutôt davantage de cuivres, de bois, de percussions et utilisant des guitares flamenco comme seuls instruments à cordes de toute sorte. Le parolier original de la comédie musicale était le poète W. H. Auden, mais ses paroles ont été abandonnées, certaines d'entre elles étant jugées trop ouvertement satiriques et mordantes, attaquant parfois le public bourgeois. Les paroles d'Auden ont été remplacées par celles de Joe Darion. Productions La comédie musicale a été jouée pour la première fois au Goodspeed Opera House dans le Connecticut en 1965. Rex Harrison devait être la star originale de cette production, mais bien que Harrison ait joué un rôle musical dans les versions scénique et cinématographique de My Fair Lady, les exigences musicales de le rôle de Don Quichotte était trop lourd pour lui. Après 21 avant-premières, la comédie musicale a débuté au théâtre expérimental ANTA Washington Square à Greenwich Village le 22 novembre 1965. Le spectacle a été transféré au Martin Beck Theatre le 20 mars 1968, puis au Eden Theatre le 3 mars. 1971, et enfin au Mark Hellinger Theatre le 26 mai 1971 pour son dernier mois, une série originale totale de 2 329 représentations à New York. La mise en scène musicale et la direction étaient d'Albert Marre, la chorégraphie de Jack Cole et Howard Bay était le scénographe et l'éclairage, avec des costumes de Bay et Patton Campbell. Richard Kiley a remporté un Tony Award pour sa performance dans le rôle de Cervantes/Quichotte dans la production originale, ce qui a fait de Kiley une véritable star de Broadway. Kiley a été remplacé dans le Broadway original dirigé, d'abord, par Jose Ferrer à Broadway et lors de la tournée nationale de 1966, puis par le baryton d'opéra David Atkinson. Atkinson a également interprété Cervantes/Quichotte lors de la tournée nationale de 1968 et pour toutes les représentations en matinée de la reprise de Broadway en 1972, qui mettait également en vedette Kiley. Le casting original comprenait également Irving Jacobson (Sancho), Ray Middleton (aubergiste), Robert Rounseville (The Padre) et Joan Diener (Aldonza). John Cullum, Hal Holbrook et Lloyd Bridges ont également joué Cervantes et Don Quichotte pendant la production. Keith Andes a également joué le rôle. La comédie musicale a été jouée sur un seul décor évoquant un donjon. Tous les changements de lieu ont été créés par des modifications de l'éclairage, par l'utilisation d'accessoires censés traîner sur le sol du donjon et par le recours à l'imagination du public. Les productions plus récentes ont cependant ajouté davantage de décors. La production originale du West End de Londres a eu lieu au Piccadilly Theatre, a débuté le 24 avril 1968 et a duré 253 représentations. Keith Michell a joué, avec Joan Diener reprenant son rôle original et Bernard Spear dans le rôle de Sancho. La pièce a été reprise à Broadway quatre fois : * 1972 – avec Richard Kiley dans le rôle de Cervantes/Quichotte, pour 140 représentations * 1977 – avec Richard Kiley dans le rôle de Cervantes/Quichotte, Tony Martinez dans le rôle de Sancho Panza et Emily Yancy dans le rôle d'Aldonza/Dulcinea, pour 124 représentations * 1992 – avec Raúl Juliá dans le rôle de Cervantes/Quichotte et Sheena Easton dans le rôle d'Aldonza/Dulcinea, pour 108 représentations. Easton a été remplacé, en fin de course, par Joan Diener. * 2002 – avec Brian Stokes Mitchell dans le rôle de Cervantes/Quichotte, Mary Elizabeth Mastrantonio dans le rôle d'Aldonza/Dulcinea et Ernie Sabella dans le rôle de Sancho Panza, pour 304 représentations ; Marin Mazzie a succédé à Aldonza (Dulcinea) le 1er juillet 2003. Cette production présentait la conception des paysages et des costumes de Paul Brown, la conception de l'éclairage de Paul Gallo, la conception sonore de Tony Meola et la conception de la projection d'Elaine J. McCarthy. Dans le film Man of La Mancha (1972), le rôle titre revient à Peter O'Toole (voix doublée par Simon Gilbert), James Coco était Sancho et Sophia Loren était Aldonza. Hal Linden a joué Quichotte lors de la tournée nationale américaine de la série en 1988, et Robert Goulet a joué Quichotte lors de la tournée nationale américaine de 1997 à 1998. Un enregistrement en studio de la partition est sorti en 1996, dirigé par Paul Gemignani et mettant en vedette Plácido Domingo dans le rôle de Quichotte, Mandy Patinkin dans le rôle de Sancho, Julia Migenes dans le rôle d'Aldonza, Jerry Hadley dans le rôle du prêtre et Samuel Ramey dans celui de l'aubergiste. En 2014, Man of La Mancha a été présenté dans le cadre du Stratford Festival, à Stratford, Ontario, Canada. La Shakespeare Theatre Company a produit Man of La Mancha dans le cadre de sa saison 2014-2015. La production mettait en vedette Anthony Warlow dans le rôle de Quichotte et Amber Iman dans le rôle d'Aldonza/Dulcinea. Synopsis Nous sommes à la fin du XVIe siècle, l'auteur-soldat-acteur et collecteur d'impôts raté Miguel de Cervantes a été jeté dans un cachot par l'Inquisition espagnole, avec son domestique. Ils ont été accusés d'avoir saisi un monastère. Les deux ont emporté tous leurs biens avec eux dans le donjon. Là, ils sont attaqués par leurs codétenus, qui organisent immédiatement un simulacre de procès. Si Cervantes est reconnu coupable, il devra remettre tous ses biens. Cervantes accepte de le faire, à l'exception d'un précieux manuscrit que les prisonniers n'ont que trop hâte de brûler. Il demande à pouvoir présenter une défense, et la défense sera une pièce de théâtre, jouée par lui et tous les prisonniers. Le « juge », un criminel sympathique appelé « le gouverneur », est d'accord. Cervantes sort une trousse de maquillage de sa malle et le domestique l'aide à enfiler un costume. En quelques instants, Cervantes s'est transformé en Alonso Quijana, un vieux monsieur qui a lu tant de livres de chevalerie et tellement réfléchi à l'injustice qu'il en a perdu la tête et croit maintenant qu'il devrait devenir chevalier errant. . Quijana se rebaptise Don Quichotte de La Mancha et part à l'aventure avec son « écuyer », Sancho Panza. ("L'Homme de La Manche (Moi, Don Quichotte)") Don Quichotte prévient Sancho que le couple risque toujours d'être attaqué par l'ennemi mortel de Quichotte, un magicien maléfique connu sous le nom d'Enchanteur. Soudain, il aperçoit un moulin à vent. Voyant ses voiles tourbillonner, il le prend pour un géant à quatre bras, l'attaque et reçoit un coup de poing lors de la rencontre. Il pense savoir pourquoi il a été vaincu : c'est parce qu'il n'a pas été correctement surnommé chevalier. En regardant au loin, il imagine apercevoir un château (c'est en réalité une auberge délabrée en bord de route). Il ordonne à Sancho d'annoncer leur arrivée en sonnant dans son clairon, et les deux se dirigent vers l'auberge. Cervantes persuade certains prisonniers d'assumer les rôles d'Aldonza, servante de l'auberge et prostituée à temps partiel, et d'un groupe de muletiers, qui lui proposent. Les repoussant sarcastiquement ("It's All The Same"), elle daigne finalement accepter leur chef, Pedro, qui paie d'avance. Don Quichotte entre avec Sancho, contrarié de ne pas avoir été « annoncé » par un « nain ». L'aubergiste (joué par le gouverneur) les traite avec sympathie et fait plaisir à Don Quichotte, mais quand Quichotte aperçoit Aldonza, il la croit être la dame Dulcinée, à qui il a juré fidélité éternelle (« Dulcinée »). Aldonza, habituée à être maltraitée, est sidérée, puis ennuyée, par le traitement étrange et gentil de Quichotte à son égard, et est encore aggravée lorsque les Muletiers transforment la tendre ballade de Quichotte en une sérénade moqueuse. Pendant ce temps, Antonia, la nièce de Don Quichotte, est allée avec la gouvernante de Quichotte demander conseil au prêtre local, qui se rend compte que les deux femmes sont plus préoccupées par l'embarras que la folie du chevalier peut causer que par son bien-être ("Je ne pense qu'à Lui"). Le procureur du procès simulé, un cynique appelé "Le Duc", est choisi par Cervantes pour incarner le Dr Sanson Carrasco, le fiancé d'Antonia, un homme tout aussi cynique et égocentrique que le prisonnier qui l'incarne. Carrasco est bouleversé à l'idée d'avoir un fou dans sa future nouvelle famille, mais le père le convainc intelligemment que ce serait un défi digne de ses capacités de guérir son futur oncle, alors lui et le prêtre entreprirent de l'amener. Don Quichotte de retour à la maison ("Je ne pense qu'à lui [Reprise]"). De retour à l'auberge, Sancho remet une missive de Don Quichotte à Aldonza pour courtiser ses faveurs et lui demander un jeton. Au lieu de cela, Aldonza jette un vieux torchon à Sancho, mais pour Don Quichotte, le torchon est une écharpe en soie. Quand Aldonza demande à Sancho pourquoi il suit Quichotte, il ne peut trouver aucune explication autre que "Je l'aime vraiment". Seule, Aldonza s'interroge sur le comportement du chevalier et son incapacité à se moquer de lui (« Que veux-tu de moi ? »). Dans la cour, les muletiers la narguent une fois de plus avec une chanson suggestive (« Petit oiseau, petit oiseau »). Pedro prend des dispositions avec Aldonza pour un rendez-vous plus tard. Le prêtre et le Dr Carrasco arrivent, mais n'arrivent pas à raisonner Don Quichotte, qui aperçoit soudain un barbier portant sa cuvette à raser sur la tête pour conjurer la chaleur du soleil ("La Chanson du Barbier"). Quichotte arrache immédiatement le bassin au barbier à la pointe de l'épée, croyant qu'il s'agit du miraculeux "Casque d'or de Mambrino", qui le rendra invulnérable. Le Dr Carrasco et le prêtre partent, le prêtre impressionné par la vision de la vie de Don Quichotte et se demandant si le guérir en vaut vraiment la peine ("À chacun sa Dulcinée"). Pendant ce temps, Quichotte demande à l'aubergiste de le surnommer chevalier. L'aubergiste est d'accord, mais Quichotte doit d'abord veiller toute la nuit sur son armure. Quichotte demande à être guidé jusqu'à la "chapelle" pour sa veillée, et l'aubergiste concocte à la hâte une excuse : la "chapelle" est "en réparation". Quichotte décide de veiller dans la cour. Ce faisant, Aldonza, en route vers son rendez-vous avec Pedro, le confronte finalement, mais Quichotte explique gentiment pourquoi il se comporte comme il le fait (« Le rêve impossible »). Pedro entre, furieux d'avoir attendu, et gifle Aldonza. Enragé, Don Quichotte l'emmène, lui et tous les autres muletiers, dans un immense combat ("Le Combat"). Don Quichotte n'a aucune compétence martiale, mais par chance et détermination – et avec l'aide d'Aldonza et de Sancho – il l'emporte, et les muletiers perdent tous connaissance. Mais le bruit a réveillé l'aubergiste, qui entre et dit gentiment à Quichotte qu'il doit partir. Quichotte s'excuse pour le dérangement, mais rappelle à l'aubergiste sa promesse de le surnommer chevalier. C'est ce que fait l'aubergiste (« Chevalier au visage triste »). Quichotte annonce alors qu'il doit tenter d'aider les muletiers. Aldonza, que Quichotte appelle encore Dulcinée, est choqué, mais après que le chevalier explique que les lois de la chevalerie exigent qu'il secoure un ennemi déchu, Aldonza accepte de l'aider. Pour ses efforts, elle est battue, violée et emmenée par les muletiers qui quittent l'auberge (« L'Enlèvement »). Quichotte, dans sa petite chambre, rumine avec bonheur sa récente victoire et le nouveau titre que l'aubergiste lui a donné – et ignore complètement ce qui vient d'arriver à Aldonza ("Le Rêve Impossible" - première reprise). À ce stade, la pièce de Don Quichotte est brutalement interrompue lorsque l'Inquisition entre dans le donjon et entraîne un prisonnier réticent pour le juger. Le duc se moque de Cervantes pour son air effrayé et l'accuse de ne pas faire face à la réalité. Cela incite Cervantes à défendre passionnément l’idéalisme. La pièce de Don Quichotte reprend ("L'Homme de la Manche" – première reprise). Quichotte et Sancho ont quitté l'auberge et rencontrent une bande de gitans ("Danse maure") qui profitent de la naïveté de Quichotte et volent tout ce qu'ils possèdent, y compris le cheval de Quichotte, Rocinante, et l'âne de Sancho, Dapple. Les deux sont obligés de retourner à l'auberge. L'aubergiste essaie de les empêcher d'entrer, mais ne peut finalement pas s'empêcher de les laisser rentrer par pitié. Aldonza se présente avec plusieurs contusions. Quichotte jure de la venger, mais elle le gronde avec colère, le suppliant de la laisser tranquille, lui jetant sa véritable et pitoyable histoire à la face et lui reprochant de lui avoir laissé un aperçu d'une vie qu'elle ne pourra jamais avoir. Elle le supplie de la voir telle qu'elle est réellement mais Quichotte ne peut la voir que comme sa Dulcinée ("Aldonza"). Soudain, un autre chevalier entre. Il s'annonce comme l'ennemi mortel de Don Quichotte, l'Enchanteur, apparaissant cette fois comme le "Chevalier des Miroirs". Il insulte Aldonza et est rapidement mis au défi par Don Quichotte. Le Chevalier aux Miroirs et ses serviteurs portent d'énormes boucliers avec des miroirs, et lorsqu'ils les balancent sur Quichotte ("Chevalier des Miroirs"), l'éblouissement du soleil l'aveugle. Le chevalier attaquant se moque de lui, le forçant à se voir tel que le monde le voit – comme un imbécile et un fou. Don Quichotte s'effondre en pleurant. Le Chevalier des Miroirs enlève son propre casque – il s'agit en réalité du Dr Carrasco, revenu avec son dernier plan pour guérir Quichotte. Cervantes annonce que l'histoire est terminée au moins pour autant qu'il l'a écrite, mais les prisonniers ne sont pas satisfaits de la fin. Ils s'apprêtent à brûler son manuscrit, lorsqu'il demande la possibilité de présenter une dernière scène. Le gouverneur est d'accord et nous nous trouvons maintenant dans la chambre d'Alonso Quijana, où il est tombé dans le coma. Antonia, Sancho, la gouvernante, le curé et Carrasco sont tous là. Sancho essaie de remonter le moral de Quijana ("A Little Gossip"). Alonso Quijana finit par se réveiller et, interrogé, révèle qu'il est désormais sain d'esprit, se souvenant de sa carrière de chevalier comme d'un vague rêve. Il se rend compte qu'il est en train de mourir et demande au prêtre de l'aider à rédiger son testament. Alors que Quijana commence à dicter, Aldonza entre de force. Elle est venue rendre visite à Quichotte parce qu'elle a découvert qu'elle ne pouvait plus supporter d'être quelqu'un d'autre que Dulcinée. Lorsqu'il ne la reconnaît pas, elle lui chante une reprise de "Dulcinea" et essaie de l'aider à se souvenir des paroles de "The Impossible Dream". Soudain, il se souvient de tout et se lève de son lit en réclamant son armure et son épée pour pouvoir repartir. ("L'Homme de La Mancha" – deuxième reprise) Mais il est trop tard – au milieu d'une chanson, il crie soudainement et tombe mort. Le prêtre chante « Le Psaume » (Psaume 130 en latin) pour les morts. Cependant, Aldonza croit maintenant tellement en lui que, pour elle, Don Quichotte vivra toujours : "Un homme est mort. Il semblait être un homme bon, mais je ne le connaissais pas... Don Quichotte n'est pas mort. Croyez, Sancho. .. croire." Lorsque Sancho l'appelle par son nom, elle répond : « Je m'appelle Dulcinée ». L'Inquisition entre pour amener Cervantes à son procès, et les prisonniers, le déclarant non coupable, rendent son manuscrit. Il s'agit de son roman (encore) inachevé, "Don Quichotte de la Manche". Alors que Cervantes et son serviteur montent les escaliers pour se rendre à leur procès imminent, les prisonniers, menés par la jeune fille qui jouait Dulcinée, chantent en chœur "Le Rêve Impossible". Numéros musicaux * "Ouverture" * "Homme de La Manche" – Don Quichotte, Sancho * "Nourriture, vin, Aldonza!" – Muletiers * "C'est pareil" - Aldonza * "Dulcinée" – Don Quichotte * "Je ne pense qu'à lui" - Antonia, Padre, gouvernante * "Nous ne pensons qu'à lui" - Antonia, Carasco, Padre, gouvernante * "La Missive" – Sancho * "Je l'aime vraiment" - Sancho * "Que veut-il de moi?" – Aldonza * "Petit oiseau, petit oiseau" – Muletiers * "La chanson du barbier" – Barbier * "Casque d'or de Mambrino" – Don Quichotte, Sancho et Barbier * "À chacun sa Dulcinée" – Padre * "Le rêve impossible" – Don Quichotte * "Le Combat (instrumental)" – orchestre * "Le doublage" – aubergiste, Aldonza et Sancho * "Chevalier au visage triste" - Aubergiste * "Little Bird, Little Bird (reprise)" débouchant sur un instrumental intitulé... * "L'Enlèvement" – Muletiers * "Le Rêve Impossible (reprise)" – Don Quichotte * "L'Homme de La Manche (reprise)" – Don Quichotte * "Danse maure (instrumentale)" – Maures * "Aldonza" – Aldonza * "Chevalier des Miroirs (séquence instrumentale chorégraphiée)" – orchestre * "A Little Gossip" – Sancho * "Dulcinea (reprise)" – Aldonza * "The Impossible Dream (reprise)" – Aldonza & Don Quixote * "Man of La Mancha (reprise)" – Don Quixote, Aldonza & Sancho * "The Psalm" – Padre * "Finale Ultimo: The Impossible Dream (reprise)" – Company Adaptations scéniques en langues étrangères bulgare * Une adaptation bulgare pour la télévision (/ Chovekat ot La Mancha) est sortie en 1968, réalisée par Asen Trayanov, avec Kosta Tsonev, Nikola Anastasov, Grigor Vachkov, Konstantin Kotsev, Vasil Mihaylov et Tatyana Lolova. * Une adaptation scénique bulgare a été réalisée sous la direction de Grisha Ostrovski. Français * Adaptation française créée au Théâtre des Champs-Élysées le 11 décembre 1968. L'auteur-compositeur-interprète belge Jacques Brel a traduit les chansons et a joué le rôle principal (la seule fois où il a adapté des chansons écrites par d'autres écrivains ou est apparu dans une comédie musicale) . Joan Diener a repris son rôle d'Aldonza (cette fois en chantant en français). Il a été enregistré et publié en 1968 sous le nom d'album L'Homme de la Mancha. * Une autre version française basée sur la traduction de Brel a été réalisée à Liège en 1998 et 1999 avec José van Dam dans le rôle principal. * En mars 2012, le baryton français David Serero incarne le rôle principal de Don Quichotte dans une nouvelle production, réalisée par lui-même, à Paris et Deauville. hébreu Une production en hébreu a été produite par Giora Godik à Tel Aviv, Israël, en 1967. Japonais Une production en langue japonaise intitulée The Impossible Dream a été produite à Tokyo, au Japon, où Matsumoto Kōshirō IX (comme Ichikawa Somegorō VI) a joué le rôle principal. coréen * La production coréenne a débuté au Théâtre Haeorum du Théâtre national de Corée en 2005, sous le nom de Don Quichotte. Ryu Jung-han et Kim Seong-ki ont joué le rôle du personnage principal. * Dans la production de 2007, cette fois mise en scène sous son nom d'origine, Jo Seung-woo et Jung Sung-hwa ont joué le rôle de Quichotte/Cervantes. Ils ont repris leurs rôles un an plus tard et en 2010. * Plusieurs stars ont joué le rôle principal dans la production de 2012, dont Hwang Jung-min (qui a dû démissionner parce qu'il dirigeait et jouait dans une production des Assassins de Sondheim, et a été remplacé par Ryu Jung-han), Seo Bum-suk. , et Hong Kwang-ho. * Jung Sung-hwa et Jo Seung-woo ont joué le personnage principal dans la production de 2013. * Lors de la production de 2015, marquant le dixième anniversaire de la première représentation de la comédie musicale en Corée, Jo et Ryu sont revenus dans le rôle principal. Espagnol * La première production espagnole a débuté en 1966 à Madrid, en Espagne, avec Nati Mistral dans le rôle d'Aldonza et le grand baryton espagnol Luis Sagi-Vela dans le rôle de Quichotte/Cervantes. Un album de casting a été publié par Columbia Records avec quatre chansons, toutes sauf la dernière chantée par Sagi-Vela : " The Impossible Dream ", " Dulcinea ", " Little Bird " et " What Do You Want From Me ". * La première production mexicaine s'est déroulée de 1969 à 1970 au Teatro Manolo Fábregas, avec Mistral reprenant sa célèbre Aldonza, Claudio Brook dans le rôle de Quichotte/Cervantes et Oscar Pulido dans le rôle de Sancho. L'enregistrement le plus vendu a été publié par MCA/Decca sur LP, puis réédité sur CD par Honda Music International. * José Sacristán et Paloma San Basilio ont joué dans une reprise madrilène acclamée, El Hombre de la Mancha, en 1998. Un album de 2 disques a été publié par EMI-Odeón, enregistré en direct au Teatro Lope de Vega. * Dans la production de 2004, la comédie musicale a débuté au Teatro Caldedrón (Madrid). La production était également en tournée en Espagne et se terminait à Barcelone. suédois * La première production suédoise a débuté le 1er septembre 1967 au Malmö Stadsteater (aujourd'hui Malmö Opera). Les trois rôles principaux étaient Lars Ekman, Maj Lindström et KG Lindström. Chinois * Une production cantonaise intitulée "L'esprit héroïque d'un guerrier" a débuté en 1982 à Hong Kong, avec Yiu Tsang-Pak dans le rôle principal. Une autre production cantonaise avec un nouveau titre « Le Chevalier somnambule de La Mancha » a débuté à Hong Kong en 2004, avec Yiu Tsang-Pak de retour dans le rôle principal. Le livre a été retraduit par Rupert Chan. * La première production en chinois mandarin de la comédie musicale a débuté en décembre 2015 à Shanghai, en Chine, avec Kain Liu dans le rôle de Don Quichotte/Cervantes. Cette production utilisait "Moi, Don Quichotte" comme titre et était dirigée par le réalisateur américain Joseph Graves. En mai 2016, la série a été créée à Pékin avec Kain Liu reprenant le rôle titre. Autres La comédie musicale a été et continue d'être produite dans de nombreuses autres langues à travers le monde et a été jouée en 2012 et 2013 en Allemagne, en Hongrie, en République tchèque, en Roumanie, en Chine, en Pologne, en République dominicaine, au Chili, en Russie et à Rio de Janeiro. Brésil. Les albums des acteurs sont disponibles dans de nombreuses langues, y compris l'autrichien du spectacle viennois de 1968 (Der Mann von La Mancha), le casting néerlandais de 1969 (De Man van La Mancha), le casting péruvien de 1969 (El Hombre de La Mancha), l'allemand de 1969. langue Casting hambourgeois (Der Mann von La Mancha), casting norvégien de 1970 (Mannen frå La Mancha), casting polonais de 1997 (Człowiek Z La Manchy), casting tchèque de 1997 (Muž Z la Manchy), casting hongrois de 2001 (La Mancha Lovagja), et bien d'autres. Une version autrichienne de la comédie musicale, en allemand, a été présentée à la télévision autrichienne en 1994, avec Karl Merkatz (jouant Cervantes et Quichotte à l'âge de soixante-quatre ans) et Dagmar Hellberg dans les rôles principaux. .com/title/tt0461540/ Der Mann von La Mancha (TV 1994) – IMDb] Récompenses et nominations Production originale de Broadway Reprise de Broadway en 1977 Reprise de Broadway en 2002

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Dans quel pays Marc Dutroux a défrayé la chronique à propos d'une "maison des horreurs" ?

Belgique

Marc Dutroux (né le 6 novembre 1956) est un tueur en série et agresseur d'enfants belge, reconnu coupable d'avoir kidnappé, torturé et abusé sexuellement six filles de 1995 à 1996, âgées de 8 à 19 ans, dont il a assassiné quatre. Son épouse, Michelle Martin, a été reconnue coupable de complicité. Dutroux a également été reconnu coupable d'avoir tué un ancien complice présumé, Bernard Weinstein. Il a été arrêté en 1996 et est depuis en prison, même s'il s'est brièvement évadé en avril 1998. Auparavant, en 1989, Dutroux et Martin avaient été condamnés respectivement à 13 ans et demi et 5 ans de prison pour l'enlèvement et le viol de cinq jeunes filles, dont la plus jeune avait onze ans. Dutroux a été libéré après avoir purgé trois ans. Le procès de Dutroux, largement médiatisé, a eu lieu en 2004. Un certain nombre de lacunes dans l'enquête Dutroux ont provoqué un mécontentement généralisé en Belgique à l'égard du système de justice pénale du pays, et le scandale qui a suivi a été l'une des raisons de la réorganisation des forces de l'ordre belges. Début de la vie Né à Ixelles, en Belgique, le 6 novembre 1956, Dutroux était l'aîné d'une famille de cinq enfants. Ses parents, tous deux enseignants, ont émigré au Congo belge, mais sont revenus en Belgique au début de la crise du Congo, alors que Dutroux avait quatre ans. Ils se séparent en 1971 et Dutroux reste avec sa mère. Vie privée Il s'est marié à l'âge de 19 ans et a eu deux enfants ; le mariage s'est terminé par un divorce en 1983. À cette époque, il avait déjà eu une liaison avec Michelle Martin. Ils auront finalement trois enfants ensemble et se marieront en 1989 alors qu'ils étaient tous deux en prison. Ils ont divorcé en 2003, également en prison. Il a été décrit par les experts comme un psychopathe. Électricien souvent au chômage, Dutroux avait un long passé criminel, notamment des condamnations pour vol de voiture, agressions et trafic de drogue. La carrière criminelle de Dutroux impliquait également le commerce de voitures volées vers la Tchécoslovaquie et la Hongrie ; toutes ces activités lui ont permis de gagner suffisamment d'argent pour vivre dans un confort relatif à Charleroi, une ville de la province de Hainaut qui connaissait à l'époque un taux de chômage élevé et ce depuis des décennies. Il possédait sept petites maisons, pour la plupart vacantes, et en utilisait trois pour torturer les filles qu'il avait kidnappées. Dans sa résidence de Marcinelle près de Charleroi, il construit un donjon dissimulé en sous-sol. Cachée derrière une porte massive en béton déguisée en étagère, la cellule était longue, mesurant moins d'un mètre de largeur et de hauteur. Première arrestation et libération En février 1986, Dutroux et Martin sont arrêtés pour avoir enlevé et violé cinq jeunes filles. En avril 1989, Dutroux est condamné à treize ans et demi de prison. Martin a été condamné à cinq ans de prison. Faisant preuve de bonne conduite en prison, Dutroux a été libéré sur parole en avril 1992, après avoir purgé seulement trois ans, par le ministre de la Justice Melchior Wathelet. À sa libération, la commission des libérations conditionnelles a reçu une lettre de la propre mère de Dutroux adressée au directeur de la prison, dans laquelle elle exprimait son inquiétude quant au fait qu'il gardait des jeunes filles captives dans sa maison – ce qui a été pour l'essentiel ignoré. Après sa sortie de prison, Dutroux a convaincu un psychiatre qu'il souffrait d'un handicap psychiatrique, ce qui lui a valu une pension du gouvernement. Il a également reçu des prescriptions de somnifères et de sédatifs, qu’il utiliserait plus tard sur ses victimes. Enlèvements après arrestation Julie Lejeune et Mélissa Russo (toutes deux âgées de huit ans) ont été enlevées ensemble à Grâce-Hollogne le 24 juin 1995, probablement par Dutroux, et incarcérées dans la cave de Dutroux. Dutroux a abusé sexuellement des filles à plusieurs reprises et a produit des vidéos pornographiques de ces abus. Le 22 août 1995, Dutroux a kidnappé An Marchal, 17 ans, et Eefje Lambrecks, 19 ans, alors qu'ils étaient en camping à Ostende. Il était probablement assisté de son complice Michel Lelièvre, payé en drogue. Comme le donjon contenait déjà Lejeune et Russo, Dutroux enchaîna les filles à un lit dans une pièce de sa maison. Sa femme était au courant de toutes ces activités. Deuxième arrestation Fin 1995, Dutroux a été arrêté par la police pour implication dans un trafic de voitures de luxe volées. Il a été détenu pendant trois mois, entre le 6 décembre 1995 et le 20 mars 1996. La police a perquisitionné le domicile de Dutroux le 13 décembre 1995, puis six jours plus tard dans le cadre de l'accusation de vol de voiture. Pendant ce temps, Julie Lejeune et Mélissa Russo étaient encore en vie dans le donjon du sous-sol, mais malgré leurs cris entendus, la police n'a pas réussi à les découvrir. Michelle Martin aurait nourri les chiens de berger allemand de son mari, mais n'aurait pas suivi ses ordres de nourrir les filles, affirmant plus tard qu'elle avait trop peur pour entrer dans le donjon. Lejeune et Russo sont morts de faim et ont ensuite été enterrés dans des sacs poubelles dans le jardin. Deux mois après sa libération, Dutroux, avec l'aide de Lelièvre, enlève Sabine Dardenne, 12 ans, alors qu'elle se rendait à l'école, le 28 mai 1996. Elle est de nouveau incarcérée par lui dans le cachot où il avait gardé son fils. victimes précédentes. Troisième arrestation et découverte des crimes Le 9 août 1996, Dutroux et Lelièvre kidnappent Laetitia Delhez, 14 ans, alors qu'elle rentre chez elle après une piscine publique. Un témoin oculaire avait précédemment observé la camionnette de Dutroux, l'avait décrite et identifié une partie de la plaque d'immatriculation. Dutroux, son épouse et Lelièvre ont tous été arrêtés le 13 août 1996. Une première perquisition à son domicile s'est révélée peu concluante, mais deux jours plus tard, Dutroux et Lelièvre ont tous deux fait des aveux. Dutroux a conduit la police au cachot du sous-sol où Dardenne et Delhez ont été retrouvés vivants le 15 août 1996. Dans une interview menée plusieurs années plus tard, Dardenne a révélé que Dutroux lui avait dit qu'elle avait été kidnappée par un gang mais que ses parents ne voulaient pas le dire. payer la rançon et le gang prévoyait de la tuer. Dutroux a déclaré qu'il l'avait sauvée et qu'il ne faisait pas partie des membres du gang qu'elle devait craindre. Il l'a laissée écrire des lettres à sa famille, qu'il a lu mais qu'il n'a jamais envoyées. Le 17 août 1996, Dutroux a conduit la police dans une autre de ses maisons à Sars-la-Buissière dans la province du Hainaut. Les corps de Julie Lejeune et Mélissa Russo ainsi que d'un complice, Bernard Weinstein, ont été retrouvés dans le jardin. L'autopsie a révélé que les deux filles étaient mortes de faim. Dutroux a déclaré qu'il avait écrasé les testicules de Weinstein jusqu'à ce qu'il lui donne de l'argent, puis l'avait drogué et enterré vivant. Plus tard, Dutroux a indiqué à la police où se trouvaient les corps d'An Marchal et d'Eefje Lambrecks. Ils ont été retrouvés le 3 septembre 1996 à Jumet dans le Hainaut, enterrés sous une cabane à côté d'une maison appartenant à Dutroux. Weinstein vivait dans cette maison depuis trois ans. Des centaines de vidéos pornographiques commerciales pour adultes, ainsi qu'un grand nombre de films sexuels faits maison que Dutroux avait réalisés avec sa femme Michelle Martin, ont été récupérés dans ses propriétés. Critique des enquêtes policières Les autorités ont été critiquées sur divers aspects de l'affaire. Plusieurs incidents suggèrent que malgré plusieurs avertissements adressés aux autorités, les intentions de Dutroux n'ont pas été suivies d'effet. Dutroux avait proposé de l'argent à un informateur de la police pour lui fournir des filles et lui avait dit qu'il construisait une cellule dans sa cave. Sa mère a également écrit une deuxième lettre à la police, affirmant qu'il détenait des filles en captivité dans ses maisons. Dutroux était en fait sous surveillance par caméra de police la nuit où il a kidnappé Marchal et Lambrecks, la police avait programmé la caméra uniquement pour fonctionner pendant les heures de clarté, de 8 heures à 18 heures. Peut-être plus particulièrement, la perquisition policière au domicile de Dutroux le 13 décembre 1995 et à nouveau six jours plus tard en relation avec son accusation de vol de voiture, a fait l'objet d'un examen des plus sévères. Pendant ce temps, Julie Lejeune et Mélissa Russo étaient toujours en vie dans le donjon du sous-sol, mais la police n'a pas réussi à les découvrir. Comme la fouille n'était pas liée à des accusations d'enlèvement, la police fouillant la maison ne disposait pas de chiens ni d'équipement spécialisé qui auraient pu découvrir la présence des filles, et dans un sous-sol par ailleurs décrépit et sale, ils n'ont pas réussi à reconnaître l'importance du mur fraîchement plâtré et peint qui cachait le donjon. Alors qu'il se trouvait au sous-sol, un serrurier qui accompagnait la police a déclaré avoir entendu des cris d'enfants venant de l'intérieur de la maison, mais la police n'a pas répondu, qui a conclu que les cris devaient provenir de la rue à l'extérieur. Cela était d’autant plus remarquable que le pays était à cette époque en pleine recherche d’enfants disparus à l’échelle nationale. Plusieurs cassettes vidéo ont également été saisies dans la maison, montrant Dutroux en train de construire l'entrée secrète et le donjon où les filles étaient alors détenues. Les cassettes n'ont jamais été visionnées par la police, qui a affirmé plus tard que c'était parce qu'elle ne disposait pas de lecteur de cassettes vidéo. Allégations de dissimulation La colère et la frustration étaient généralisées parmi les Belges en raison des erreurs de la police, de la lenteur générale de l'enquête et de l'issue désastreuse des événements. Ce soupçon selon lequel Dutroux avait été, ou était en train d'être, a été soulevé lorsque le public a pris connaissance des affirmations de Dutroux selon lesquelles il faisait partie d'un réseau sexuel comprenant des membres de haut rang de la police et du gouvernement. Ces soupçons, ainsi que la colère générale face au résultat, ont culminé lorsque le juge populaire chargé d'enquêter sur les plaintes, , a été démis de ses fonctions au motif qu'il avait participé à un dîner de collecte de fonds pour les parents des filles. L'enquête elle-même a été interrompue pour cause de conflit d'intérêts. Son licenciement et la fin de l'enquête ont donné lieu à une marche de protestation massive (la "Marche Blanche") de 300 000 personnes dans la capitale, Bruxelles, en octobre 1996, deux mois après l'arrestation de Dutroux, au cours de laquelle des exigences ont été formulées pour des réformes de la police belge et le système judiciaire. A la barre des témoins, , le premier juge de l'affaire, a fondu en larmes en décrivant "les véhicules pare-balles et les gardes armés nécessaires pour le protéger contre les ombres déterminées à empêcher que toute la vérité ne soit révélée. Du jamais vu en Belgique". Un juge d'instruction au service du roi a-t-il subi de telles pressions. La police nous a dit que des contrats [d'assassinat] avaient été souscrits contre les magistrats." Connerotte a déclaré que l'enquête avait été sérieusement entravée par la protection des suspects par des membres du gouvernement. "Rarement autant d'énergie a été dépensée pour s'opposer à une enquête", a-t-il déclaré. Il pensait que la mafia avait pris le contrôle de l'affaire. Enquête parlementaire et évasion Une enquête de 17 mois menée par une commission parlementaire sur l'affaire Dutroux a produit un rapport en février 1998, qui concluait que si Dutroux n'avait pas de complices occupant des postes élevés dans la police et la justice, comme il continuait de le prétendre, il avait profité de la corruption, négligence et incompétence. L'indignation du public éclate à nouveau en avril 1998. Alors qu'il est transféré sans menottes au palais de justice, Dutroux maîtrise l'un de ses gardes, prend son arme et s'enfuit. La police de sa Belgique natale, ainsi qu'en France, au Luxembourg et en Allemagne, ont placé leurs forces de police en "alerte à toutes les frontières" ainsi qu'une chasse à l'homme majeure. Il a été rattrapé quelques heures plus tard. En conséquence, le ministre de la Justice Stefaan De Clerck, le ministre de l'Intérieur Johan Vande Lanotte et le chef de la police ont démissionné. En 2000, Dutroux a été condamné à cinq ans de prison pour avoir menacé un policier lors de son évasion. En 2002, il a été condamné à une autre peine de cinq ans pour des crimes sans rapport avec cette affaire. Procès Le procès de Dutroux s'est ouvert le 1er mars 2004, environ sept ans et demi après sa première arrestation. Il s'agissait d'un procès devant jury et jusqu'à 450 personnes ont été appelées à témoigner. Le procès s'est déroulé à Arlon, capitale de la province belge du Luxembourg, où l'enquête avait commencé. Dutroux a été jugé pour les meurtres d'An Marchal, Eefje Lambrecks et Bernard Weinstein, complice présumé. Tout en admettant les enlèvements, il a nié les trois meurtres, même s'il avait auparavant avoué avoir tué Weinstein. Dutroux a également été accusé de nombreux autres crimes : vol de voiture, enlèvement, tentative de meurtre et tentative d'enlèvement, agression et trois viols sans rapport sur des femmes slovaques. Martin a été jugé pour complicité, tout comme Lelièvre et . Pour protéger les accusés, ils ont été obligés de s'asseoir dans une cage de verre pendant le procès. Au cours de la première semaine du procès, les photos du visage de Dutroux n'ont pas été autorisées à être imprimées dans les journaux belges pour des raisons de confidentialité ; cette interdiction est restée en vigueur jusqu'au 9 mars. Tout au long du procès, Dutroux a continué à insister sur son appartenance à un réseau pédophile à l'échelle européenne avec pour complices des policiers, des hommes d'affaires, des médecins et même des hommes politiques belges de haut niveau. Fait rare, le jury du procès d'assises a publiquement protesté contre la manière dont le président du tribunal, Stéphane Goux, avait géré les débats et les témoignages des victimes. Le 14 juin 2004, après trois mois de procès, le jury s'est mis en isolement pour rendre son verdict sur Dutroux et les trois autres accusés. Les verdicts ont été rendus le 17 juin 2004 après trois jours de délibérations. Dutroux, Martin et Lelièvre furent reconnus coupables de toutes les accusations; le jury n'a pas pu se prononcer sur le rôle de Michel Nihoul. Détermination de la peine Le 22 juin, Dutroux a été condamné à la peine maximale de réclusion à perpétuité, tandis que Martin a été condamné à 30 ans et Lelièvre à 25 ans. Michel Nihoul a ensuite été acquitté par le tribunal de l'accusation d'enlèvement et de meurtre de jeunes filles. Le jury a été invité à retourner en isolement pour décider si Michel Nihoul était complice ou non. Le 23 juin, Dutroux a fait appel de sa condamnation. Dutroux est actuellement détenu à l'isolement à la prison de Nivelles. Bien que Michel Nihoul ait été acquitté des accusations d'enlèvement et de complot, il a été reconnu coupable d'accusations liées à la drogue et a été condamné à cinq ans de prison. Le 19 août 2012, environ 2 000 manifestants ont manifesté à Bruxelles contre une éventuelle libération anticipée de Michelle Martin. Elle a depuis été libérée, après 13 ans de prison. Le 4 février 2013, Dutroux a demandé au tribunal de Bruxelles une libération anticipée. Il a insisté sur le fait qu'il n'était "plus dangereux" et souhaitait être assigné à résidence avec une étiquette électronique placée sur lui. Le 18 février, le tribunal a rejeté cette demande. Héritage L'affaire Dutroux est si tristement célèbre que plus d'un tiers des Belges portant le nom de famille "Dutroux" ont demandé un changement de nom entre 1996 et 1998. Les maisons de Dutroux Marc Dutroux possédait sept maisons, dont quatre qu'il utilisait pour ses enlèvements : *La maison de la Route de Philippeville 128 à Marcinelle est la plus souvent citée dans les médias. Toutes les filles étaient retenues captives ici, dans le sous-sol et dans la chambre. La commune de Charleroi s'est emparée de cette maison, en raison de ce qui s'y passait et du mauvais état de la maison. Il est prévu de créer ici un espace ouvert avec un site commémoratif. Dans la procédure belge d'expropriation, un propriétaire dispose d'un dernier droit de visite d'une maison. Dutroux s'est donc rendu dans cette maison le 10 septembre 2009, sous haute surveillance policière. *Une maison à Jumet, démolie depuis. An et Eefje furent enterrés dans le jardin de cette maison de Dutroux. Weinstein a vécu dans cette maison pendant un certain temps. Un petit monument est placé à cet endroit. *Une maison à Marchienne-au-Pont. Julie et Mélissa ont été retenues captives ici peu de temps après leur enlèvement. *Une maison à Sars-la-Buissière. Julie, Mélissa et Bernard Weinstein ont été enterrés ici après que Dutroux les ait tués. La maison a été achetée par la commune de Lobbes au cours des premiers mois de 2009. Il est prévu d'y créer un parc avec un monument à la mémoire des victimes de Dutroux. Fichier:Maison Marc Dutroux - Avenue Philippeville 128, Marcinelle - murals.jpg| Peintures murales sur un mur en face de la maison à Marcinelle. Fichier:Site_du_maison_de_Marc_Dutroux_-_Rue_Daubresse_63,_Jumet.jpg|Localisation de la maison de Dutroux à Jumet. File:Maison Marc Dutroux - Marchienne-au-Pont.jpg|House owned by Dutroux in Marchienne-au-Pont.

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Dans quelle rivière se trouve le barrage de Boulder ?

Colorado

Le barrage Hoover, autrefois connu sous le nom de Boulder Dam, est un barrage-poids à voûte en béton situé dans le Black Canyon du fleuve Colorado, à la frontière entre les États américains du Nevada et de l'Arizona. Il a été construit entre 1931 et 1936 pendant la Grande Dépression et a été inauguré le 30 septembre 1935 par le président Franklin D. Roosevelt. Sa construction fut le résultat d'un effort massif impliquant des milliers d'ouvriers et coûta la vie à plus d'une centaine de personnes. Le barrage porte le nom controversé du président Herbert Hoover. Depuis environ 1900, le Black Canyon et le Boulder Canyon voisin avaient été étudiés pour leur potentiel à soutenir un barrage qui contrôlerait les inondations, fournirait de l'eau d'irrigation et produirait de l'énergie hydroélectrique. En 1928, le Congrès autorise le projet. L'offre gagnante pour la construction du barrage a été soumise par un consortium appelé Six Companies, Inc., qui a commencé la construction du barrage au début de 1931. Une structure en béton d'une telle envergure n'avait jamais été construite auparavant et certaines techniques n'avaient pas fait leurs preuves. Le temps torride de l'été et le manque d'installations à proximité du site ont également présenté des difficultés. Néanmoins, Six Compagnies remirent le barrage au gouvernement fédéral le 1er mars 1936, plus de deux ans avant la date prévue. Le barrage Hoover retient le lac Mead, le plus grand réservoir des États-Unis en volume (quand il est plein). Le barrage est situé près de Boulder City, dans le Nevada, une municipalité construite à l'origine pour les travailleurs du projet de construction, au sud-est de Las Vegas, dans le Nevada. Les générateurs du barrage fournissent de l'électricité aux services publics et privés du Nevada, de l'Arizona et de la Californie. Le barrage Hoover est une attraction touristique majeure ; près d'un million de personnes visitent le barrage chaque année. L'US 93, très fréquenté, a longé la crête du barrage jusqu'en octobre 2010, date à laquelle le contournement du barrage Hoover a été ouvert. Arrière-plan Rechercher des ressources À mesure que les États-Unis développaient le Sud-Ouest, le fleuve Colorado était considéré comme une source potentielle d’eau d’irrigation. Une première tentative de détournement de la rivière à des fins d'irrigation a eu lieu à la fin des années 1890, lorsque le spéculateur foncier William Beatty a construit le canal Alamo juste au nord de la frontière mexicaine ; le canal plongeait dans le Mexique avant de se diriger vers une zone désolée que Beatty nommait la Vallée Impériale. Bien que l'eau du canal impérial ait permis le peuplement généralisé de la vallée, l'entretien du canal s'est avéré coûteux. Après une brèche catastrophique qui a amené le fleuve Colorado à remplir la mer de Salton, la Southern Pacific Railroad a dépensé 3 millions de dollars en 1906-1907 pour stabiliser la voie navigable, une somme qu'elle espérait en vain être remboursée par le gouvernement fédéral. Même après la stabilisation de la voie navigable, celle-ci s'est révélée insatisfaisante en raison de conflits constants avec les propriétaires fonciers du côté mexicain de la frontière. À mesure que la technologie du transport d'énergie électrique s'améliorait, le Lower Colorado était considéré pour son potentiel hydroélectrique. En 1902, la Edison Electric Company de Los Angeles a étudié la rivière dans l'espoir de construire un barrage rocheux de 40 pieds qui pourrait générer . Cependant, à l'époque, la limite de transport d'énergie électrique était de 80 milles et il y avait peu de clients (principalement des mines) dans cette limite. Edison a laissé expirer les options foncières qu'il détenait sur la rivière, y compris une option pour ce qui est devenu le site du barrage Hoover. Au cours des années suivantes, le Bureau of Reclamation (BOR), connu à l'époque sous le nom de Reclamation Service, a également considéré le Bas Colorado comme le site d'un barrage. Le chef du service Arthur Powell Davis a proposé d'utiliser de la dynamite pour effondrer les murs de Boulder Canyon, à 20 miles au nord du site éventuel du barrage, dans la rivière. La rivière emporterait les plus petits débris et un barrage serait construit avec les décombres restants. En 1922, après y avoir réfléchi pendant plusieurs années, le Reclamation Service a finalement rejeté la proposition, invoquant des doutes sur la technique non éprouvée et des questions quant à savoir si elle permettrait réellement d'économiser de l'argent. Planification et accords En 1922, le Reclamation Service a présenté un rapport appelant à la construction d'un barrage sur le fleuve Colorado pour contrôler les crues et produire de l'électricité. Le rapport a été principalement rédigé par Davis et a été appelé rapport Fall-Davis en l'honneur du secrétaire de l'Intérieur Albert Fall. Le rapport Fall-Davis a cité l'utilisation du fleuve Colorado comme une préoccupation fédérale, car le bassin du fleuve couvrait plusieurs États et le fleuve a finalement pénétré au Mexique. Bien que le rapport Fall-Davis appelle à un barrage « à Boulder Canyon ou à proximité », le Reclamation Service (qui a été rebaptisé Bureau of Reclamation l'année suivante) a jugé que le canyon ne convenait pas. Un site potentiel à Boulder Canyon était divisé en deux par une faille géologique ; deux autres étaient si étroits qu'il n'y avait pas de place pour un camp de construction au fond du canyon ou pour un déversoir. Le Service a enquêté sur Black Canyon et l'a trouvé idéal ; une voie ferrée pourrait être posée depuis la tête de ligne de Las Vegas jusqu'au sommet du site du barrage. Malgré le changement de site, le projet de barrage a été appelé « Projet Boulder Canyon ». Avec peu de directives sur l'allocation de l'eau de la part de la Cour suprême, les partisans du barrage craignaient des litiges sans fin. Un avocat du Colorado a proposé que les sept États situés dans le bassin du fleuve (Californie, Nevada, Arizona, Utah, Nouveau-Mexique, Colorado et Wyoming) forment un pacte interétatique, avec l'approbation du Congrès. De tels pactes étaient autorisés par l'article I de la Constitution des États-Unis mais n'avaient jamais été conclus entre plus de deux États. En 1922, des représentants de sept États ont rencontré Herbert Hoover, alors secrétaire au Commerce. Les premières discussions n’ont produit aucun résultat, mais lorsque la Cour suprême a rendu l’arrêt Wyoming c. Colorado, qui sapait les revendications des États en amont, ils ont commencé à s’empresser de parvenir à un accord. Le Colorado River Compact qui en résulte a été signé le 24 novembre 1922. La législation autorisant le barrage a été présentée à plusieurs reprises par le représentant Phil Swing (Républicain de Californie) et le sénateur Hiram Johnson (Républicain de Californie), mais les représentants d'autres régions du pays considéraient le projet comme extrêmement coûteux et qui profiterait principalement à la Californie. . L'inondation du Mississippi en 1927 a rendu les membres du Congrès et les sénateurs du Midwest et du Sud plus favorables au projet de barrage. Le 12 mars 1928, la rupture du barrage St. Francis, construit par la ville de Los Angeles, provoque une inondation désastreuse qui tue jusqu'à 600 personnes. Comme ce barrage était de type à gravité courbe, de conception similaire à celle proposée pour le barrage de Black Canyon, les opposants ont affirmé que la sécurité du barrage de Black Canyon ne pouvait pas être garantie. Le Congrès a autorisé un comité d'ingénieurs à examiner les plans du barrage proposé. Le Conseil du fleuve Colorado a jugé le projet réalisable, mais a averti que si le barrage échouait, toutes les communautés situées en aval du fleuve Colorado seraient détruites et que le fleuve pourrait changer de cap et se jeter dans la mer de Salton. Le Conseil a mis en garde : « Pour éviter de telles possibilités, le barrage proposé devrait être construit selon des lignes conservatrices, voire ultra-conservatrices. » Le 21 décembre 1928, le président Coolidge signa le projet de loi autorisant le barrage. Le Boulder Canyon Project Act a affecté 165 millions de dollars au barrage Hoover ainsi qu'au barrage impérial en aval et au canal All-American, un remplacement du canal Beatty entièrement du côté américain de la frontière. Cela a également permis au pacte d’entrer en vigueur lorsqu’au moins six des sept États l’ont approuvé. Cela s'est produit le 6 mars 1929 avec la ratification de l'Utah ; L'Arizona ne l'a approuvé qu'en 1944. Conception, préparation et sous-traitance Même avant que le Congrès n'approuve le projet Boulder Canyon, le Bureau of Reclamation réfléchissait au type de barrage à utiliser. Les responsables ont finalement opté pour un énorme barrage-poids à voûte en béton, dont la conception a été supervisée par l'ingénieur de conception en chef du Bureau, John L. Savage. Le barrage monolithique serait épais en bas et mince vers le haut, et présenterait une face convexe vers l'eau au-dessus du barrage. L'arche incurvée du barrage transmettrait la force de l'eau dans les culées, en l'occurrence les parois rocheuses du canyon. Le barrage en forme de coin serait épais en bas et se rétrécirait en haut, laissant ainsi la place à une autoroute reliant le Nevada et l'Arizona. Le 10 janvier 1931, le Bureau met les documents d'appel d'offres à la disposition des parties intéressées, au prix de cinq dollars l'exemplaire. Le gouvernement devait fournir le matériel ; mais l'entrepreneur devait préparer le site et construire le barrage. Le barrage a été décrit dans les moindres détails, couvrant 100 pages de texte et 76 dessins. Une caution de soumission de 2 millions de dollars devait accompagner chaque offre ; le gagnant devra verser une caution de bonne exécution de 5 millions de dollars. L'entrepreneur disposait de sept ans pour construire le barrage, sous peine de sanctions. Les frères Wattis, dirigeants de l'Utah Construction Company, étaient intéressés à soumissionner pour le projet, mais n'avaient pas les moyens financiers nécessaires pour garantir la bonne exécution du projet. Ils manquaient de ressources suffisantes, même en combinaison avec leur partenaire de longue date, Morrison-Knudsen, qui employait le principal constructeur de barrages du pays, Frank Crowe. Ils ont formé une coentreprise pour soumissionner pour le projet avec Pacific Bridge Company de Portland, Oregon ; Société Henry J. Kaiser & W. A. ​​Bechtel de San Francisco ; MacDonald & Kahn Ltd. de Los Angeles ; et la J.F. Shea Company de Portland, Oregon. La coentreprise s'appelait Six Companies, Inc., car Bechtel et Kaiser étaient considérés comme une seule société aux fins du nom 6. Le nom était descriptif et constituait une plaisanterie parmi les San Franciscains participant à la candidature, où « Six Companies » était également une association caritative chinoise de la ville. Il y a eu trois offres valides, et l'offre de six sociétés de 48 890 955 $ était la plus basse, à 24 000 $ près l'estimation confidentielle du gouvernement du coût de construction du barrage, et cinq millions de dollars de moins que l'offre la plus basse suivante. La ville de Las Vegas avait fait pression pour devenir le siège de la construction du barrage, fermant ses nombreux bars clandestins lorsque le décideur, le secrétaire de l'Intérieur, Ray Wilbur, est arrivé en ville. Au lieu de cela, Wilbur annonça au début des années 1930 qu'une ville modèle devait être construite dans le désert, près du site du barrage. Cette ville est devenue connue sous le nom de Boulder City, Nevada. La construction d'une ligne ferroviaire reliant Las Vegas et le site du barrage commença en septembre 1930. Construction Force de travail Peu de temps après l'autorisation du barrage, un nombre croissant de chômeurs ont convergé vers le sud du Nevada. Las Vegas, alors petite ville de quelque 5 000 habitants, a vu affluer entre 10 000 et 20 000 chômeurs. Un camp gouvernemental a été établi pour les géomètres et autres personnels à proximité du site du barrage ; celui-ci fut bientôt entouré d'un camp de squatters. Connu sous le nom de McKeeversville, le camp abritait des hommes espérant travailler sur le projet, avec leurs familles. Un autre camp, sur les plaines le long du fleuve Colorado, s'appelait officiellement Williamsville, mais était connu de ses habitants sous le nom de « Ragtown ». Lorsque la construction commença, Six Compagnies embauchèrent un grand nombre d'ouvriers, avec plus de 3 000 salariés en 1932 et un pic d'emploi à 5 251 en juillet 1934. La main d'œuvre « mongole » (chinoise) fut empêchée par le contrat de construction, tandis que le nombre de Noirs employés par Six Compagnies n'a jamais dépassé trente, pour la plupart des ouvriers les moins bien payés dans une équipe séparée, qui ont reçu des seaux d'eau séparés. Dans le cadre du contrat, Six Companies, Inc. devait construire Boulder City pour loger les travailleurs. Le calendrier initial prévoyait la construction de Boulder City avant le début du projet de barrage, mais le président Hoover a ordonné que les travaux sur le barrage commencent en mars 1931 plutôt qu'en octobre. L'entreprise a construit des dortoirs, fixés au mur du canyon, pour loger 480 hommes célibataires dans ce qui est devenu connu sous le nom de River Camp. Les travailleurs avec des familles ont dû fournir leur propre logement jusqu'à ce que Boulder City puisse être achevé, et beaucoup vivaient à Ragtown. Le site du barrage Hoover subit un temps extrêmement chaud et l'été 1931 fut particulièrement torride, avec une moyenne diurne élevée de . Seize ouvriers et autres riverains sont morts de prostration due à la chaleur entre le 25 juin et le 26 juillet 1931. Les Travailleurs industriels du monde (IWW ou « Wobblies »), bien que très réduits par rapport à leur apogée en tant que militants syndicaux du début du siècle, espéraient syndiquer les travailleurs des Six Compagnies en capitalisant sur leur mécontentement. Ils ont envoyé onze organisateurs, dont plusieurs ont été arrêtés par la police de Las Vegas. Le 7 août 1931, l'entreprise réduisit les salaires de tous les ouvriers du tunnel. Bien que les travailleurs aient renvoyé les organisateurs, ne voulant pas être associés aux "Wobblies", ils ont formé un comité pour les représenter auprès de l'entreprise. Le comité dressa une liste de revendications ce soir-là et les présenta à Crowe le lendemain matin. Il ne s'est pas engagé. Les ouvriers espéraient que Crowe, le surintendant général du chantier, se montrerait sympathique ; au lieu de cela, il a accordé une interview cinglante à un journal, décrivant les travailleurs comme des « mécontents ». Le 9 au matin, Crowe rencontra le comité et leur dit que la direction refusait leurs demandes, arrêtait tout travail et licenciait toute la main-d'œuvre, à l'exception de quelques employés de bureau et charpentiers. Les ouvriers avaient jusqu'à 17 heures. de quitter les lieux. Craignant l’imminence d’une confrontation violente, la plupart des travailleurs ont pris leur salaire et sont partis pour Las Vegas pour attendre l’évolution de la situation. Deux jours plus tard, les forces de l'ordre ont convaincu les autres de partir. Le 13 août, l’entreprise a recommencé à embaucher des travailleurs et, deux jours plus tard, la grève a été annulée. Même si les travailleurs n'ont reçu aucune de leurs revendications, l'entreprise a garanti qu'il n'y aurait pas de nouvelles réductions de salaires. Les conditions de vie ont commencé à s'améliorer lorsque les premiers résidents ont emménagé à Boulder City à la fin de 1931. Une deuxième action syndicale eut lieu en juillet 1935, alors que la construction du barrage prenait fin. Lorsqu'un directeur de Six Companies a modifié les horaires de travail pour obliger les travailleurs à déjeuner à leur rythme, les travailleurs ont répondu par une grève. Enhardis par le renversement par Crowe du décret sur le déjeuner, les travailleurs ont augmenté leurs revendications pour inclure une augmentation de 1 $ par jour. L'entreprise a accepté de demander au gouvernement fédéral de compléter le salaire, mais aucun argent n'a été fourni par Washington. La grève a pris fin. Dérivation de la rivière Avant que le barrage puisse être construit, le fleuve Colorado devait être détourné du chantier de construction. Pour ce faire, quatre tunnels de dérivation ont été creusés à travers les parois du canyon, deux du côté du Nevada et deux du côté de l'Arizona. Ces tunnels avaient un diamètre. Leur longueur combinée était de près de 16 000 pieds, soit plus de 3 miles. Le contrat exigeait que ces tunnels soient achevés avant le 1er octobre 1933, avec une amende de 3 000 $ par jour pour tout retard. Pour respecter le délai, Six Compagnies durent terminer les travaux au début de 1933, car ce n'est qu'à la fin de l'automne et en hiver que le niveau d'eau de la rivière était suffisamment bas pour permettre une déviation en toute sécurité. Le creusement de tunnels a commencé aux entrées inférieures des tunnels du Nevada en mai 1931. Peu de temps après, les travaux ont commencé sur deux tunnels similaires dans la paroi du canyon de l'Arizona. En mars 1932, les travaux de revêtement des tunnels en béton commencèrent. La base, ou inverti, a d’abord été coulée. Des portiques roulant sur des rails sur toute la longueur de chaque tunnel ont été utilisés pour placer le béton. Les parois latérales ont ensuite été coulées. Des sections mobiles de coffrages en acier ont été utilisées pour les parois latérales. Finalement, à l'aide de pistolets pneumatiques, les frais généraux ont été remplis. Le revêtement en béton a une épaisseur de 3 pieds, réduisant le diamètre du tunnel fini à 0,3 m. La rivière a été détournée vers les deux tunnels de l'Arizona le 13 novembre 1932 ; les tunnels du Nevada étaient gardés en réserve en cas de crues. Cela a été réalisé en faisant exploser un batardeau temporaire protégeant les tunnels de l'Arizona tout en déversant des gravats dans la rivière jusqu'à ce que son cours naturel soit bloqué. Après l'achèvement du barrage, les entrées des deux tunnels de dérivation extérieurs ont été scellées à l'ouverture et à mi-chemin des tunnels avec de gros bouchons en béton. Les moitiés aval des tunnels qui suivent les bouchons intérieurs constituent désormais les corps principaux des tunnels de déversoir. Les tunnels de dérivation intérieurs ont été bouchés sur environ un tiers de leur longueur, au-delà desquels ils transportent désormais des tuyaux en acier reliant les tours de prise d'eau à la centrale électrique et aux ouvrages de sortie. Les sorties des tunnels intérieurs sont équipées de portes pouvant être fermées pour drainer les tunnels pour la maintenance. Travaux de terrassement, déneigement et rideau de coulis Pour protéger le chantier de construction du fleuve Colorado et faciliter le détournement du fleuve, deux batardeaux ont été construits. Les travaux du batardeau supérieur débutent en septembre 1932, même si la rivière n'a pas encore été détournée. Les batardeaux ont été conçus pour protéger contre la possibilité d'inondation de la rivière un site sur lequel deux mille hommes pourraient travailler, et leurs spécifications étaient couvertes dans les documents d'appel d'offres avec presque autant de détails que le barrage lui-même. Le batardeau supérieur était haut et avait 750 pieds d'épaisseur à sa base, plus épais que le barrage lui-même. Il contenait du matériel. Une fois les batardeaux en place et le chantier vidé de ses eaux, les fouilles pour les fondations du barrage ont commencé. Pour que le barrage repose sur du roc solide, il a fallu éliminer les sols d'érosion accumulés et autres matériaux meubles dans le lit de la rivière jusqu'à ce que le substrat rocheux soit sain. Les travaux d'excavation des fondations ont été achevés en juin 1933. Au cours de cette excavation, environ 200 000 000 de matériaux ont été enlevés. Étant donné que le barrage était de type voûte-gravitaire, les parois latérales du canyon supporteraient la force du lac retenu. Par conséquent, les parois latérales ont également été creusées pour atteindre la roche vierge, car la roche altérée pourrait fournir des voies d'infiltration d'eau. Les hommes qui ont enlevé cette roche étaient appelés « grands détartreurs ». Alors qu'ils étaient suspendus au sommet du canyon avec des cordes, les grands escaladeurs ont descendu les parois du canyon et ont enlevé la roche meuble avec des marteaux-piqueurs et de la dynamite. Les chutes d'objets étaient la cause de décès la plus fréquente sur le site du barrage ; le travail des grands détartreurs a ainsi contribué à assurer la sécurité des travailleurs. Un grand scaler a pu sauver des vies de manière plus directe : lorsqu'un inspecteur du gouvernement a perdu son emprise sur une ligne de sécurité et a commencé à dévaler une pente vers une mort presque certaine, un high scaler a réussi à l'intercepter et à le tirer dans les airs. . Le chantier était déjà devenu un pôle d’attraction pour les touristes ; les grands échelles étaient des attractions principales et se mettaient en valeur pour les observateurs. Les grands échelles ont reçu une attention médiatique considérable, un travailleur étant surnommé le « pendule humain » pour avoir balancé ses collègues (et, à d'autres moments, des caisses de dynamite) à travers le canyon. Pour se protéger des chutes d'objets, certains grands écailleurs prenaient des chapeaux en tissu et les trempaient dans du goudron, leur permettant ainsi de durcir. Lorsque les travailleurs portant de tels couvre-chefs étaient frappés suffisamment fort pour leur infliger des mâchoires cassées, ils ne subissaient aucun dommage au crâne. Six Compagnies commanda des milliers de ce qu'on appelait initialement des « chapeaux durs » (plus tard « des casques de sécurité ») et encouragea fortement leur utilisation. Les fondations rocheuses sous-jacentes dégagées du site du barrage ont été renforcées avec du coulis, appelé rideau de coulis. Des trous ont été creusés dans les parois et la base du canyon, jusqu'à 150 pieds de profondeur dans la roche, et toutes les cavités rencontrées devaient être remplies de coulis. Cela a été fait pour stabiliser la roche, pour empêcher l'eau de s'infiltrer au-delà du barrage à travers la roche du canyon et pour limiter le « soulèvement » – la pression ascendante de l'eau s'infiltrant sous le barrage. Les ouvriers étaient soumis à de sévères contraintes de temps en raison du début du coulage du béton, et lorsqu'ils rencontraient des sources chaudes ou des cavités trop grandes pour être facilement remplies, ils repartaient sans résoudre le problème. Au total, 58 des 393 trous n'ont pas été complètement comblés. Une fois le barrage terminé et le lac commencé à se remplir, un grand nombre de fuites importantes dans le barrage ont amené le Bureau of Reclamation à examiner la situation. Il a constaté que le travail avait été incomplètement réalisé et reposait sur une compréhension loin d'être complète de la géologie du canyon. De nouveaux trous ont été forés à partir des galeries d’inspection situées à l’intérieur du barrage jusqu’au substrat rocheux environnant. Il a fallu neuf ans (1938-1947) dans un secret relatif pour achever le rideau de coulis supplémentaire. Béton Le premier béton fut coulé dans le barrage le 6 juin 1933, soit 18 mois avant la date prévue. Étant donné que le béton chauffe et se contracte au fur et à mesure qu'il durcit, le risque de refroidissement et de contraction inégaux du béton pose un problème sérieux. Les ingénieurs du Bureau of Reclamation ont calculé que si le barrage était construit en une seule coulée continue, le béton mettrait 125 ans à refroidir et les contraintes qui en résulteraient provoqueraient la fissuration et l'effondrement du barrage. Au lieu de cela, le sol où le barrage devait s'élever était marqué de rectangles et des blocs de béton en colonnes ont été coulés, certains mesurant jusqu'à 5 pieds de haut. Chaque forme de cinq pieds contenait une série de tuyaux en acier de 1 pouce à travers lesquels passait d'abord l'eau fraîche de la rivière, puis plus tard l'eau glacée d'une usine de réfrigération. Lorsqu'un bloc individuel avait durci et avait cessé de se contracter, les tuyaux étaient remplis de coulis. Du coulis a également été utilisé pour remplir les espaces entre les colonnes, qui ont été rainurés pour augmenter la résistance des joints. Le béton était livré dans d'énormes seaux en acier de 7 pieds et près de 7 pieds de diamètre ; Crowe a obtenu deux brevets pour leur conception. Ces seaux, qui pesaient 20 ST une fois pleins, ont été remplis dans deux immenses centrales à béton du côté du Nevada et ont été livrés sur place dans des wagons spéciaux. Les godets étaient ensuite suspendus à des téléphériques, qui servaient à acheminer le godet vers une colonne spécifique. Comme la qualité requise des granulats dans le béton différait en fonction de l'emplacement dans le barrage (du gravier de la taille d'un pois aux pierres de 9 pouces ou 23 cm), il était essentiel que le godet soit manœuvré vers la colonne appropriée. Lorsque le fond du godet s'est ouvert, dégorgeant le béton, une équipe d'hommes l'a travaillé tout au long du coffrage. Bien qu'il existe des mythes selon lesquels des hommes ont été pris dans la coulée et sont ensevelis dans le barrage à ce jour, chaque seau n'a approfondi le béton que d'un pouce, et les ingénieurs de Six Companies n'auraient pas permis un défaut causé par la présence d'un corps humain. Au total, 3 250 000 cuyd de béton ont été utilisés dans le barrage avant que le coulage du béton ne cesse le 29 mai 1935. En outre, ils ont été utilisés dans la centrale électrique et dans d'autres travaux. Plus de 582 km de tuyaux de refroidissement ont été placés dans le béton. Dans l’ensemble, il y a suffisamment de béton dans le barrage pour paver une autoroute à deux voies reliant San Francisco à New York. Des noyaux de béton ont été retirés du barrage pour des tests en 1995 ; ils ont montré que « le béton du barrage Hoover a continué à gagner lentement en résistance » et que le barrage est composé d'un « béton durable ayant une résistance à la compression dépassant la plage généralement trouvée dans le béton de masse normale ». Le béton du barrage Hoover n'est pas soumis à la réaction alcali-silice (ASR), car les constructeurs du barrage Hoover ont utilisé des granulats non réactifs, contrairement à celui du barrage Parker en aval, où l'ASR a provoqué une détérioration mesurable. Dédicace et achèvement La plupart des travaux étant terminés sur le barrage lui-même (la centrale restant inachevée), une cérémonie officielle d'inauguration fut organisée le 30 septembre 1935, pour coïncider avec une tournée dans l'ouest effectuée par le président Franklin D. Roosevelt. Le matin de la dédicace, celle-ci a été avancée de trois heures, à partir de 14 heures. Heure du Pacifique jusqu'à 11 h ; cela a été fait parce que le secrétaire à l'Intérieur Harold L. Ickes avait réservé un créneau radio pour le président à 14 heures. mais les responsables n'ont réalisé que le jour de la cérémonie que le créneau était à 14 heures. Heure de l'Est. Malgré le changement d'heure de la cérémonie et des températures de , 10 000 personnes étaient présentes au discours du président dans lequel il a évité de mentionner le nom de l'ancien président Hoover, qui n'était pas invité à la cérémonie. Pour marquer l'occasion, un timbre de trois cents a été émis par le département des Postes des États-Unis, portant le nom de « Boulder Dam », le nom officiel du barrage entre 1933 et 1947. Après la cérémonie, Roosevelt a effectué la première visite d'un Le président américain à Las Vegas. La plupart des travaux étaient terminés au moment de la consécration et Six sociétés négocièrent avec le gouvernement jusqu'à la fin de 1935 et au début de 1936 pour régler toutes les réclamations et organiser le transfert officiel du barrage au gouvernement fédéral. Les parties parvinrent à un accord et le 1er mars 1936, le secrétaire Ickes accepta officiellement le barrage au nom du gouvernement. Six sociétés n'étaient pas tenues d'achever les travaux sur un élément, un bouchon en béton pour l'un des tunnels de contournement, car le tunnel devait être utilisé pour aspirer l'eau d'irrigation jusqu'à la mise en service de la centrale. Décès dans le secteur de la construction Il y a eu 112 décès liés à la construction du barrage. Le premier était J. G. Tierney, un géomètre qui s'est noyé le 20 décembre 1922 alors qu'il cherchait un endroit idéal pour le barrage. Quatre-vingt-seize des décès sont survenus pendant la construction du site. Sur les 112 décès, 91 étaient des employés de Six Companies, trois étaient des employés du BOR et un était un visiteur du site, le reste étant des employés de divers sous-traitants ne faisant pas partie de Six Companies. Ne sont pas inclus dans le nombre officiel de décès les décès enregistrés comme pneumonie. Les travailleurs ont allégué que ce diagnostic était une couverture pour la mort par intoxication au monoxyde de carbone, provoquée par l'utilisation de véhicules à essence dans les tunnels de dérivation, et une classification utilisée par Six Company pour éviter de payer des demandes d'indemnisation. Les tunnels de dérivation du site atteignent fréquemment , enveloppés d'épais panaches de gaz d'échappement des véhicules. Au total, 42 travailleurs ont été enregistrés comme étant décédés des suites d'une pneumonie ; aucun n’a été répertorié comme étant décédé des suites d’une intoxication au monoxyde de carbone. Aucun décès de non-travailleurs dû à une pneumonie n'a été enregistré à Boulder City pendant la période de construction. Style architectural Les plans initiaux de la façade du barrage, de la centrale électrique, des tunnels de sortie et des ornements se heurtaient à l'aspect moderne d'un barrage-voûte. Le Bureau of Reclamation, plus soucieux de la fonctionnalité du barrage, l'a orné d'une balustrade d'inspiration gothique et de statues d'aigle. Cette conception initiale a été critiquée par beaucoup comme étant trop simple et banale pour un projet d'une telle ampleur, c'est pourquoi l'architecte Gordon B. Kaufmann, basé à Los Angeles, alors architecte superviseur du Bureau of Reclamation, a été engagé pour redessiner les extérieurs. Kaufmann a considérablement rationalisé le design et appliqué un style Art déco élégant à l'ensemble du projet. Il a conçu des tourelles sculptées s'élevant harmonieusement depuis le cadran du barrage et les cadrans des horloges des tours d'admission, réglés pour l'heure du Nevada et de l'Arizona : les deux États sont dans des fuseaux horaires différents, mais comme l'Arizona n'observe pas l'heure d'été, les horloges affichent la même chose. temps pendant plus de la moitié de l’année. À la demande de Kaufmann, l'artiste de Denver Allen Tupper True a été embauché pour s'occuper de la conception et de la décoration des murs et des sols du nouveau barrage. Le projet de conception de True incorporait des motifs des tribus Navajo et Pueblo de la région. Même si certains étaient initialement opposés à ces créations, True a reçu le feu vert et a été officiellement nommé artiste consultant. Avec l'aide du Laboratoire national d'anthropologie, True a étudié des motifs décoratifs authentiques provenant de peintures sur sable, de textiles, de paniers et de céramiques indiens. Les images et les couleurs sont basées sur les visions amérindiennes de la pluie, des éclairs, de l'eau, des nuages ​​et des animaux locaux (lézards, serpents, oiseaux) et sur le paysage des mesas en escalier du sud-ouest. Dans ces œuvres, intégrées aux passerelles et aux halls intérieurs du barrage, True a également réfléchi sur la machinerie de fonctionnement, faisant apparaître les motifs symboliques à la fois anciens et modernes. Avec l'accord de Kaufmann et des ingénieurs, True a également conçu un code couleur innovant pour les tuyaux et les machines, qui a été mis en œuvre dans tous les projets BOR. Le travail d'artiste consultant de True dura jusqu'en 1942 ; il a été prolongé afin qu'il puisse terminer les travaux de conception des barrages et centrales électriques Parker, Shasta et Grand Coulee. Le travail de True sur le barrage Hoover a été évoqué avec humour dans un poème publié dans le New Yorker, dont une partie disait : « perdez l'étincelle et justifiez le rêve ; mais la palette de couleurs sera également digne de remarque ». En complément du travail de Kaufmann et True, le sculpteur américain naturalisé d'origine norvégienne Oskar J.W. Hansen a conçu de nombreuses sculptures sur et autour du barrage. Ses œuvres comprennent le monument de la place de dédicace, une plaque commémorative des travailleurs tués et les bas-reliefs sur les tours d'ascenseur. Selon ses propres termes, Hansen souhaitait que son œuvre exprime « le calme immuable de la résolution intellectuelle et l'énorme puissance de la force physique entraînée, également trônant dans le triomphe placide de l'accomplissement scientifique », car « [l]a construction du barrage Hoover appartient à l'humanité. sagas des audacieux." La place de dédicace de Hansen, sur la culée du Nevada, contient une sculpture de deux personnages ailés flanquant un mât de drapeau. Autour de la base du monument se trouve un sol en terrazzo incrusté d'une "carte des étoiles". La carte représente le ciel de l'hémisphère Nord au moment de l'inauguration du barrage par le président Roosevelt. Ceci est destiné à aider les futurs astronomes, si nécessaire, à calculer la date exacte de la dédicace. Les figures en bronze de 30 pieds, surnommées « figures ailées de la République », ont chacune été formées par une coulée continue. Pour mettre en place des bronzes aussi grands sans altérer la surface du bronze hautement polie, ils ont été placés sur de la glace et guidés en position au fur et à mesure que la glace fondait. Le bas-relief de Hansen sur la tour d'ascenseur du Nevada illustre les avantages du barrage : contrôle des crues, navigation, irrigation, stockage de l'eau et électricité. Le bas-relief de l'ascenseur de l'Arizona représente, selon ses mots, « les visages de ces tribus indiennes qui habitent les montagnes et les plaines depuis des temps lointains ». Opération Demandes en matière de centrale électrique et d’eau L'excavation de la centrale électrique a été réalisée simultanément à l'excavation des fondations et des culées du barrage. Structure en forme de U située au pied aval du barrage, son excavation a été achevée à la fin de 1933 et le premier béton a été posé en novembre 1933. Le remplissage du lac Mead a commencé le 1er février 1935, avant même que le dernier béton ne soit coulé. Peut. La centrale était l'un des projets inachevés au moment de l'inauguration officielle le 30 septembre 1935 : il restait une équipe de 500 hommes pour la terminer ainsi que d'autres structures. Pour rendre le toit de la centrale à l'épreuve des bombes, il a été construit avec des couches de béton, de roche et d'acier d'une épaisseur totale d'environ , surmontées de couches de sable et de goudron. Dans la seconde moitié de 1936, les niveaux d'eau du lac Mead étaient suffisamment élevés pour permettre la production d'électricité, et les trois premiers générateurs à turbine Francis construits par Allis Chalmers, tous du côté du Nevada, commencèrent à fonctionner. En mars 1937, un autre générateur du Nevada fut mis en service et le premier générateur de l'Arizona en août. En septembre 1939, quatre autres générateurs fonctionnaient et la centrale électrique du barrage devenait la plus grande installation hydroélectrique au monde. Le générateur final n'a été mis en service qu'en 1961, portant la capacité de production maximale à l'époque à 1 345 mégawatts. Les plans originaux prévoyaient 16 grands générateurs, huit de chaque côté de la rivière, mais deux générateurs plus petits ont été installés au lieu d'un grand du côté de l'Arizona, pour un total de 17. Les plus petits générateurs étaient utilisés pour desservir des communautés plus petites à une époque où la production de chaque générateur était dédiée à une seule municipalité, avant que la puissance totale du barrage ne soit placée sur le réseau et rendue arbitrairement distribuable. Les contrats actuels de vente d’électricité expirent en 2017. Avant que l'eau du lac Mead n'atteigne les turbines, elle pénètre dans les tours de prise d'eau, puis dans quatre conduites forcées à rétrécissement progressif qui canalisent l'eau vers la centrale électrique. Les prises d'eau fournissent une hauteur hydraulique maximale (pression de l'eau) de lorsque l'eau atteint une vitesse d'environ . Tout le débit du fleuve Colorado passe par les turbines. Les déversoirs et les ouvrages d'évacuation (vannes à jet-flow) sont rarement utilisés. Les vannes à jet-flow, situées dans des structures en béton à 180 pieds au-dessus de la rivière, ainsi qu'aux sorties des tunnels de dérivation internes au niveau de la rivière, peuvent être utilisées pour détourner l'eau autour du barrage en cas d'urgence ou d'inondation, mais ne l'ont jamais fait. , et en pratique ne servent qu'à évacuer l'eau des conduites forcées à des fins de maintenance. À la suite d'un projet de mise à niveau de 1986 à 1993, la puissance brute totale de la centrale, y compris deux générateurs à turbine Pelton de 2,4 mégawatts qui alimentent les propres opérations du barrage Hoover, est d'une capacité maximale de 2 080 mégawatts. La génération annuelle du barrage Hoover varie. La production nette maximale était de 10,348 TWh en 1984 et la production minimale depuis 1940 était de 2,648 TWh en 1956. La puissance moyenne produite était de

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Quel événement sportif a eu lieu pour la première fois à Worcester, dans le Massachusetts, en 1927 ?

Ryder Cup

Worcester ( , localement également ) est une ville et le siège historique du comté de Worcester, dans le Massachusetts , aux États-Unis jusqu'à ce que la majeure partie du Massachusetts dissout le gouvernement du comté en 1998. Nommée d'après Worcester, en Angleterre, lors du recensement de 2010, la population de la ville était de 181 045 habitants, ce qui en fait c'est la deuxième plus grande ville de la Nouvelle-Angleterre après Boston. Worcester est situé à environ 65 km à l'ouest de Boston et à 80 km à l'est de Springfield. En raison de son emplacement dans le centre du Massachusetts, au milieu des principales régions métropolitaines du Massachusetts, Worcester est connue comme le « cœur du Commonwealth ». Le cœur est donc le symbole officiel de la ville. Cependant, le symbole du cœur peut également provenir de la tradition selon laquelle les cartes de la Saint-Valentin ont été inventées dans la ville. Worcester a été considérée comme sa propre région pendant des siècles ; cependant, avec l'empiétement de la banlieue de Boston dans les années 1970 après la construction de l'Interstate 495 et de l'Interstate 290, elle marque désormais la périphérie ouest de la zone statistique combinée de recensement américain (CSA) de Boston-Worcester-Providence (MA-RI-NH), ou le Grand Boston. La ville présente de nombreux exemples d'architecture de moulin de l'époque victorienne. Histoire La région a d'abord été habitée par des membres de la tribu Nipmuc. Les autochtones ont appelé la région Quinsigamond et ont construit une colonie sur Pakachoag Hill à Auburn. En 1673, les colons anglais John Eliot et Daniel Gookin menèrent une expédition à Quinsigamond pour établir une nouvelle « ville de prière » indienne chrétienne et identifier un nouvel emplacement pour une colonie anglaise. Le 13 juillet 1674, Gookin obtint un titre de propriété de huit milles carrés de terre à Quinsigamond du peuple Nipmuc et les commerçants et colons anglais commencèrent à habiter la région. En 1675, la guerre du roi Philippe éclata dans toute la Nouvelle-Angleterre avec les Indiens Nipmuc venant en aide au chef indien, le roi Philippe. Les colons anglais abandonnèrent complètement la région de Quinsigamond et les bâtiments vides furent incendiés par les forces indiennes. La ville fut de nouveau abandonnée pendant la guerre de la reine Anne en 1702. Finalement, en 1713, Worcester fut définitivement réinstallée pour la troisième fois par Jonas Rice. Nommée d'après la ville de Worcester, en Angleterre, la ville a été constituée le 14 juin 1722. Le 2 avril 1731, Worcester a été choisie comme siège du comté du gouvernement du comté de Worcester nouvellement fondé. Entre 1755 et 1758, le futur président américain John Adams travaille comme instituteur et étudie le droit à Worcester. Dans les années 1770, Worcester est devenue un centre de l’activité révolutionnaire américaine. Le général britannique Thomas Gage a reçu des informations sur les munitions patriotes stockées à Worcester en 1775. Également en 1775, l'éditeur du Massachusetts Spy, Isaiah Thomas, a déplacé son journal radical de Boston occupé par les Britanniques à Worcester. Thomas publiera continuellement son article tout au long de la guerre d'indépendance américaine. Le 14 juillet 1776, Thomas effectua la première lecture publique dans le Massachusetts de la Déclaration d'indépendance devant l'hôtel de ville de Worcester. Il fondera plus tard l'American Antiquarian Society à Worcester en 1812. Au tournant du XIXe siècle, l'économie de Worcester s'est tournée vers le secteur manufacturier. Des usines produisant des textiles, des chaussures et des vêtements ont ouvert leurs portes le long de la rivière Blackstone, à proximité. Cependant, l'industrie manufacturière de Worcester ne commencera à prospérer qu'avec l'ouverture du canal Blackstone en 1828 et l'ouverture du Worcester and Boston Railroad en 1835. La ville se transforma en une plaque tournante des transports et l'industrie manufacturière prospéra. Worcester a été officiellement reconnue comme ville le 29 février 1848. Les industries de la ville ont rapidement attiré des immigrants d'origine principalement irlandaise, française et suédoise au milieu du XIXe siècle, puis de nombreux immigrants lituaniens, polonais, italiens, grecs, turcs et arméniens. descente. Les immigrants ont emménagé dans de nouvelles maisons à trois étages qui bordaient des centaines de rues et de quartiers en pleine expansion de Worcester. En 1831, Ichabod Washburn ouvrit la société Washburn & Moen. L'entreprise allait devenir la plus grande fabrication de fils métalliques du pays et Washburn est devenue l'une des principales figures industrielles et philanthropiques de la ville. Worcester allait devenir un centre de machines, de produits en fil métallique et de métiers à tisser mécaniques et comptait de grands fabricants, Washburn & Moen, Wyman-Gordon Company, American Steel & Wire, Morgan Construction et Norton Company. En 1908, la Royal Worcester Corset Factory était le plus grand employeur de femmes aux États-Unis. Worcester revendiquerait également de nombreuses inventions et premières. Le bowling Candlepin de la Nouvelle-Angleterre a été inventé à Worcester par Justin White en 1879. Esther Howland a commencé la première ligne de cartes de Saint-Valentin depuis sa maison de Worcester en 1847. Loring Coes a inventé la première clé à molette et Russell Hawes a créé la première machine à plier les enveloppes. Gaultney, Bruce (2009). Souvenirs de Worcester, pp. 7. Années 1880. Le 12 juin 1880, Lee Richmond a lancé le premier match parfait de l'histoire des ligues majeures de baseball pour les Worcester Ruby Legs au Worcester Agricultural Fairgrounds. Le 9 juin 1953, une tornade F4 s'est abattue sur Petersham, dans le Massachusetts, au nord-ouest de Worcester. La tornade a ravagé 48 miles du comté de Worcester, y compris une grande partie de la ville de Worcester. La tornade a provoqué des dégâts massifs et tué 94 personnes. La tornade de Worcester serait la tornade la plus meurtrière jamais survenue dans le Massachusetts. Après la Seconde Guerre mondiale, Worcester a commencé à décliner alors que la ville perdait sa base manufacturière au profit d'alternatives moins chères à travers le pays et à l'étranger. Worcester a ressenti les tendances nationales à s'éloigner des centres urbains historiques. La population de la ville diminuera de plus de 20 % entre 1950 et 1980. Au milieu du XXe siècle, de grands projets de rénovation urbaine furent entrepris pour tenter d'inverser le déclin de la ville. Une vaste zone du centre-ville de Worcester a été démolie pour de nouvelles tours de bureaux et le centre commercial Worcester Center Galleria de 1 000 000 pieds carrés. Après seulement 30 ans, la Galleria perdrait la plupart de ses principaux locataires et perdrait son attrait pour les centres commerciaux de banlieue du comté de Worcester. Dans les années 1960, l'Interstate 290 a été construite en plein centre de Worcester, divisant définitivement la ville. En 1963, Harvey Ball, originaire de Worcester, a introduit le smiley jaune emblématique dans la culture américaine. À la fin du XXe siècle, l'économie de Worcester a commencé à se redresser à mesure que la ville se développait dans les domaines de la biotechnologie et de la santé. L'UMass Medical School est devenue un leader dans la recherche biomédicale et le Massachusetts Biotechnology Research Park est devenu un centre de recherche et de développement médical. Les hôpitaux de Worcester, Saint Vincent Hospital et UMass Memorial Health Care, sont devenus deux des plus grands employeurs de la ville. Les nombreux collèges de Worcester, dont le College of the Holy Cross, le Worcester Polytechnic Institute, l'Université Clark, l'UMass Medical School, l'Assumption College, l'Université MCPHS, le Becker College et l'Université d'État de Worcester, attirent de nombreux étudiants dans la région et contribuent à stimuler la nouvelle économie. Le 3 décembre 1999, un sans-abri et sa petite amie ont accidentellement déclenché un incendie à cinq alarmes dans la Worcester Cold Storage & Warehouse Company. L'incendie a coûté la vie à six pompiers et a attiré l'attention nationale comme l'une des pires tragédies de lutte contre les incendies de la fin du XXe siècle. Gaultney, Bruce (2009). Souvenirs de Worcester, pp. 113. Années 1970, 80 et 90. Le président Bill Clinton, le vice-président Al Gore et d'autres dignitaires locaux et nationaux ont assisté aux funérailles et au programme commémoratif à Worcester. Au cours des dernières décennies, un regain d'intérêt pour le centre-ville de la ville a amené de nouveaux investissements et de nouvelles constructions à Worcester. Un centre de congrès a été construit le long de l'arène DCU Center au centre-ville de Worcester en 1997. En 2000, la gare Union de Worcester a rouvert après 25 ans de négligence et une rénovation de 32 millions de dollars. Hanover Insurance a aidé à financer une rénovation de plusieurs millions de dollars de l'ancien Franklin Square Theatre pour en faire le Hanover Theatre for the Performing Arts. En 2000, le Massachusetts College of Pharmacy and Health Sciences a construit un nouveau campus au centre-ville de Worcester. En 2007, WPI a ouvert la première installation dans son nouveau centre Gateway Park à Lincoln Square. En 2004, Berkeley Investments a proposé de démolir l'ancien Worcester Center Galleria pour un nouveau développement à usage mixte appelé City Square. Ce projet ambitieux visait à reconnecter les anciens schémas de rues tout en créant une nouvelle destination commerciale et résidentielle dans la ville. Après avoir eu du mal à obtenir des fonds pendant plusieurs années, Hanover Insurance a repris le projet et la démolition a commencé le 13 septembre 2010. Unum Insurance et l'hôpital Saint Vincent ont loué le projet et les deux installations ont ouvert leurs portes en 2013. La nouvelle Front Street a ouvert ses portes en décembre. 31, 2012. Géographie Worcester a une superficie totale . il s’agit de terre et (environ 2,59 %) d’eau. Worcester est bordée par les villes d'Auburn, Grafton, Holden, Leicester, Millbury, Paxton, Shrewsbury et West Boylston. Worcester est connue comme le cœur du Commonwealth en raison de sa proximité avec le centre du Massachusetts. La ville est à environ 45 km à l'ouest de Boston, à 40 km à l'est de Springfield et à 38 km au nord-ouest de Providence, Rhode Island. La rivière Blackstone se forme au centre de Worcester au confluent de la rivière Middle et du ruisseau Mill. La rivière coule sous terre à travers le centre de la ville et émerge au pied de College Hill. Il coule ensuite vers le sud à travers le village de Quinsigamond et jusqu'à Millbury. Worcester est le début de la vallée de Blackstone qui encadre la rivière. Le canal de Blackstone était autrefois une voie navigable importante reliant Worcester à Providence et à la côte est, mais le canal est tombé en désuétude à la fin du 19e siècle et a été en grande partie recouvert. Ces dernières années, des organisations locales, dont la Canal District Business Association, ont proposé de restaurer le canal et de créer un parc national de Blackstone Valley. Worcester est l'une des nombreuses villes revendiquées, comme Rome, situées sur sept collines : Airport Hill, Bancroft Hill, Belmont Hill (Bell Hill), Grafton Hill, Green Hill, Pakachoag Hill et Vernon Hill. Cependant, Worcester compte plus de sept collines, dont Indian Hill, Newton Hill, Poet's Hill et Wigwam Hill. Worcester possède de nombreux étangs et deux lacs importants : le lac Indian et le lac Quinsigamond. Le lac Quinsigamond (également connu sous le nom de Long Pond) s'étend sur quatre miles à travers la frontière de Worcester et Shrewsbury et est une destination de compétition d'aviron et de navigation de plaisance très populaire. Climat Le climat continental humide de Worcester (Köppen Dfb) est typique de la Nouvelle-Angleterre. Le temps change rapidement en raison de la confluence de l'air chaud et humide du sud-ouest ; air frais et sec venant du nord ; et l'influence modératrice de l'océan Atlantique à l'est. Les étés sont généralement chauds et humides, tandis que les hivers sont froids, venteux et enneigés. La neige tombe généralement de la seconde quinzaine de novembre jusqu'au début d'avril, avec des chutes occasionnelles en octobre ; La neige en mai est beaucoup plus rare. L'USDA classe la ville dans les zones de rusticité chevauchantes 5b et 6a. Le mois le plus chaud est juillet, avec une moyenne sur 24 heures de , tandis que le plus froid est janvier, à . Il y a en moyenne seulement 3,5 jours de températures maximales de 90 °F+ et 4,1 nuits de températures minimales égales ou inférieures à 0 °F par an, et les périodes des deux extrêmes sont rarement soutenues. La température record de tous les temps est de 102 °F, enregistrée le 4 juillet 1911, la seule température de 100 °F ou plus à ce jour. La température la plus basse de tous les temps est de , enregistrée le 16 février 1943. La ville enregistre en moyenne des précipitations par an, ainsi qu'une moyenne de chutes de neige par saison, recevant beaucoup plus de neige que les zones côtières situées à moins de 40 km. La situation géographique du Massachusetts, qui s'avance dans l'Atlantique Nord, rend la ville très sujette aux systèmes météorologiques du Nord-Est qui peuvent déverser d'abondantes chutes de neige sur la région. Bien que rare, la ville a connu son lot de conditions météorologiques extrêmes. Le 21 septembre 1938, la ville a été frappée par le brutal ouragan de la Nouvelle-Angleterre. Quinze ans plus tard, Worcester a été frappée par une tornade qui a tué 94 personnes. Tornade la plus meurtrière de l'histoire de la Nouvelle-Angleterre, elle a endommagé une grande partie de la ville et des villages environnants. Il a frappé l'école préparatoire Assumption, aujourd'hui le site du Quinsigamond Community College. Quartiers Galerie Fichier : Worcester Massachusetts.jpg | Worcester et ses environs, en regardant vers le nord à partir de 3 700 pieds (1 128 m). La route 146 est visible en construction. Fichier:WorcesterMA DodgeParkGazebo.jpg|Dodge Park Fichier : Institut polytechnique de Worcester, Worcester, MA - Washburn Shops.JPG | Washburn Shops, 1868 Fichier:Statue du lion du parc Cristoforo Colombo.jpg|Parc Cristoforo Colombo Fichier: Parc Cristoforo Colombo Mémorial des frères Belmonte.jpg | Parc Cristoforo Colombo Données démographiques Des vagues successives d'immigrants ont formé dans le passé des enclaves ethniques cohérentes, dont certaines continuent aujourd'hui de contribuer à la riche texture ethnique de Worcester. Les Suédois se sont installés à Quinsigamond Village et à Greendale, les Italiens se sont installés le long de Shrewsbury Street, les Irlandais et les Polonais se sont installés autour de Kelley Square, les Lituaniens se sont installés à Vernon Hill et les Juifs ont construit leurs premières synagogues sur Green Island et Union Hill. La communauté afro-américaine existe depuis l'époque coloniale. Depuis la fin du XIXe siècle, Grafton Hill et Vernon Hill sont des points d'entrée pour les immigrants du monde entier : Irlandais, Italiens, Lituaniens, Polonais, Syriens, Libanais, Indiens, Portoricains, Canadiens français et plus récemment, Albanais et Brésiliens. Parmi les autres groupes importants figurent les Russes, les Arméniens, les Grecs, les Vietnamiens, les Ghanéens, les Libériens et les Congolais. Selon le recensement américain de 2010, Worcester comptait 181 045 habitants, dont 88 150 (48,7 %) étaient des hommes et 92 895 (51,3 %) étaient des femmes. En termes d'âge, 77,9 % avaient plus de 18 ans et 11,7 % avaient plus de 65 ans ; l'âge médian est de 33,4 ans. L'âge médian des hommes est de 32,1 ans et de 34,7 ans pour les femmes. En termes de race et d'origine ethnique, la population de Worcester était de 69,4 % de Blancs, 11,6 % de Noirs ou d'Afro-américains, 0,4 % d'Indiens d'Amérique et d'Alaska, 6,1 % d'Asiatiques (3,0 % de Vietnamiens, 0,9 % de Chinois et 0,8 % d'Indiens d'origine asiatique). District était autrefois un vieux quartier d'Europe de l'Est, mais a été réaménagé en un bar, un restaurant et un club très populaires. Worcester est également l'ancienne maison de la Worcester Lunch Car Company. La société a débuté ses activités en 1906 et a construit de nombreux restaurants-repas célèbres en Nouvelle-Angleterre. Worcester abrite de nombreux restaurants de voitures-repas classiques, notamment Boulevard Diner, Corner Lunch, Chadwick Square Diner et Miss Worcester Diner. Il existe également de nombreux organismes communautaires et associations artistiques dévoués situés dans la ville. stART on the Street est un festival annuel promouvant l'art local. Le Worcester Music Festival et le New England Metal and Hardcore Festival ont également lieu chaque année à Worcester. Le défilé de la Saint-Patrick du comté de Worcester traverse Worcester et est l'une des plus grandes célébrations de la Saint-Patrick de l'État. La ville accueille également la deuxième plus ancienne célébration de la première nuit du pays à chaque réveillon du Nouvel An. Worcester est également le plus grand centre artistique de l'État en dehors de Boston. Le Mechanics Hall, construit en 1857, est l'une des plus anciennes salles de concert du pays et est réputé pour son acoustique pure. En 2008, l'ancien théâtre Poli Palace a rouvert ses portes sous le nom de Théâtre des arts du spectacle de Hanovre. Le théâtre accueille dans la ville de nombreux spectacles de Broadway et des artistes de renommée nationale. Tuckerman Hall, conçu par l'une des premières femmes architectes du pays, Josephine Wright Chapman, abrite l'Orchestre symphonique du Massachusetts. L'arène et les congrès du DCU Center organisent de nombreux grands concerts, expositions et conventions dans la ville. La Worcester County Poetry Association parraine des lectures de poètes nationaux et locaux de la ville et le Worcester Center for Crafts propose une formation et des compétences artisanales à la communauté. Worcester abrite également les Worcester Youth Orchestras. Fondé en 1947 par Harry Levenson, c'est le 3e plus ancien orchestre de jeunes du pays et se produit régulièrement au Mechanics Hall. Le surnom de Wormtown est synonyme de la scène musicale rock underground autrefois importante de la ville. Le surnom est désormais utilisé pour désigner la ville elle-même. Sites d'intérêt Worcester possède 1 200 acres de propriété publique. Les parcs remarquables incluent Elm Park, aménagé par Frederick Law Olmsted en 1854, et le City Common aménagé en 1669. Les deux parcs sont inscrits au registre national des lieux historiques. Le plus grand parc de la ville est le parc Green Hill, d'une superficie de 549 acres. Le parc a été offert par la famille Green en 1903 et comprend l'abri de Green Hill Park construit en 1910. En 2002, le mémorial des anciens combattants du Massachusetts au Vietnam a été inauguré à Green Hill Park. Les autres parcs comprennent Newton Hill, East Park, Morgan Park, Shore Park, Crompton Park, Hadwen Park, Institute Park et University Park. En tant qu'ancien centre manufacturier, Worcester possède de nombreux bâtiments historiques du XIXe siècle et est inscrit au registre national des lieux historiques, notamment les anciennes installations de Crompton Loom Works, Ashworth and Jones Factory et Worcester Corset Company Factory. L'American Antiquarian Society est située à Worcester depuis 1812. La bibliothèque nationale et la société possèdent l'une des plus grandes collections d'histoire ancienne américaine au monde. Le principal musée de la ville est le Worcester Art Museum, créé en 1898. Le musée est le deuxième plus grand musée d'art de la Nouvelle-Angleterre, derrière le Musée des Beaux-Arts de Boston. De 1931 à 2013, Worcester abritait le Higgins Armory Museum, qui était le seul musée dédié aux armes et armures du pays. Sa collection et sa dotation ont été transférées et intégrées au Worcester Art Museum, la collection devant être exposée dans une nouvelle galerie dont l'ouverture est prévue en 2015. L'organisation à but non lucratif Veterans Inc. a son siège à la pointe sud de Grove Street, dans le quartier historique du Massachusetts. Bâtiment de l'Armurerie de la Garde nationale. Le Worcester Memorial Auditorium est l'un des bâtiments les plus importants de la ville. Construit comme mémorial de guerre de la Première Guerre mondiale en 1933, l'auditorium polyvalent a accueilli de nombreux concerts et événements sportifs les plus célèbres de Worcester. Des sports Worcester abritait Marshall Walter ("Major") Taylor, un cycliste afro-américain qui a remporté le championnat du monde de cyclisme sur piste d'un mile (1,6 km) en 1899. L'héritage de Taylor est d'être le deuxième champion du monde noir dans tous les sports. Taylor a été surnommé le Worcester Whirlwind par les journaux locaux. Le lac Quinsigamond abrite les Eastern Sprints, une épreuve d'aviron de premier plan aux États-Unis. Les équipes d'aviron de compétition sont arrivées pour la première fois au lac Quinsigamond en 1857. Trouvant le lac long et étroit idéal pour de telles rencontres d'équipage, des rameurs passionnés ont créé des clubs nautiques sur les rives du lac, le premier étant le Quinsigamond Boating Club. D'autres clubs et courses nautiques ont suivi, et bientôt de nombreux collèges (locaux, nationaux et internationaux) ont organisé des régates, telles que les Eastern Sprints, sur le lac. À partir de 1895, les écoles secondaires locales organisèrent des courses d'équipage sur le lac. En 1952, le lac a accueilli les épreuves olympiques nationales d'aviron. En 2002, l'équipe d'étoiles de la Petite Ligue Jesse Burkett s'est rendue jusqu'aux Séries mondiales de la Petite Ligue. Ils ont atteint la finale américaine avant de perdre contre Owensboro, Kentucky. Jesse Burkett couvre la région du West Side de Worcester, avec la Ted Williams Little League. La ville accueillera les Worcester Railers HC de l'ECHL, qui débutera en octobre 2017. Avant les Railers, l'équipe de la Ligue américaine de hockey, les Worcester Sharks, a joué à Worcester de 2006 à 2015, avant de déménager à San Jose. Les Sharks ont joué au DCU Center en tant qu'équipe de développement pour les Sharks de San Jose de la Ligue nationale de hockey. La AHL était autrefois représentée par les IceCats de Worcester de 1994 à 2005. Les IceCats étaient principalement affiliés aux Blues de St. Louis. L'ancienne équipe de baseball professionnelle de la ville, les Worcester Tornadoes, a débuté ses activités en 2005 et était membre de l'Association canado-américaine de la Ligue de baseball professionnelle. L'équipe a joué au Hanover Insurance Park à Fitton Field sur le campus du Collège de la Sainte Croix et n'était affiliée à aucune équipe de ligue majeure. Le propriétaire de l'équipe a rencontré des difficultés financières et l'équipe s'est dissoute après la saison 2012. Les Worcester Bravehearts ont commencé à jouer en 2014 en tant que filiale locale de la Futures Collegiate Baseball League et ont remporté le championnat de la ligue lors de leur saison inaugurale. Le New England Surge, membre de la Continental Indoor Football League, a disputé ses matchs à domicile au DCU Center au cours de ses deux années d'existence, 2007 et 2008. Le bowling aux chandelles a été inventé à Worcester en 1880 par Justin White, propriétaire d'une piste de bowling de la région. . [http://www.worcestercountywildcats.com/ Les Wildcats du comté de Worcester] font partie de la Ligue de football de la Nouvelle-Angleterre, sont une équipe de football semi-professionnelle et jouent au Commerce Bank Field du Foley Stadium. Le premier tournoi officiel de la Ryder Cup de golf a eu lieu au Worcester Country Club en 1927. Le parcours a également accueilli l'US Open en 1925 et l'US Women's Open en 1960. Les collèges de Worcester ont une longue histoire et de nombreuses réalisations notables dans le sport collégial. Le Collège de la Sainte Croix représente les sports de la division 1 de la NCAA à Worcester. Les autres collèges et universités de Worcester correspondent aux divisions II et III. Les Holy Cross Crusaders ont remporté les champions de basket-ball masculin de la NCAA en 1947 et les champions de basket-ball masculin du NIT en 1954, dirigés par les futurs membres du Temple de la renommée de la NBA et les légendes du Boston Celtic Bob Cousy et Tom Heinsohn. Religion L'Église unitarienne-universaliste de Worcester a été fondée en 1841. La cathédrale grecque orthodoxe de Worcester, Saint-Spyridon, a été fondée en 1924. Worcester abrite une population juive dévouée, qui fréquente cinq synagogues, dont la congrégation réformée Temple Emanuel Sinai, la congrégation Beth Israel, une synagogue conservatrice fondée en 1924, et la congrégation orthodoxe Tifereth Israel - Fils de Jacob (Chabad), domicile de la Yeshiva Achei Tmimim. Académie. Beth Israel et son rabbin ont fait l'objet du livre And They Shall Be My People: An American Rabbi and His Congregation de Paul Wilkes. La première église arménienne d'Amérique a été construite à Worcester en 1890 et consacrée le 18 janvier 1891 sous le nom de « Soorp Purgich » (Saint Sauveur). Le sanctuaire actuel de la congrégation, connu aujourd'hui sous le nom d'église arménienne de Notre-Sauveur, a été consacré en 1952. Les premiers catholiques sont arrivés à Worcester en 1826. Il s'agissait principalement d'immigrants irlandais amenés en Amérique par les constructeurs du canal Blackstone. Au fur et à mesure que le temps passait et que le nombre de catholiques augmentait, la communauté demanda à Mgr Fenwick de leur envoyer un prêtre. En réponse à cet appel, l'évêque chargea le révérend James Fitton de rendre visite aux catholiques de Worcester en 1834. La messe catholique fut célébrée pour la première fois dans la ville dans un vieux bâtiment en pierre de la rue Front. Les fondations de Christ's Church, la première église catholique de Worcester (aujourd'hui St. John's), furent posées le 6 juillet 1834. Le diocèse catholique romain de Worcester a été érigé canoniquement le 14 janvier 1950 par le pape Pie XII. Ses territoires ont été pris au diocèse voisin de Springfield. L'actuel et cinquième évêque est Robert Joseph McManus. Médias Le Telegram & Gazette est le seul quotidien de Worcester. Le journal, connu localement sous le nom de « The Telegram » ou « The T and G », appartient entièrement à GateHouse Media de Fairport, New York. WCTR, canal 3, est la chaîne de télévision d'information locale de Worcester, et WUNI-TV, canal 27, est la seule grande chaîne de télévision en direct de Worcester. Les stations de radio basées à Worcester comprennent WCHC, WCUW, WSRS, WTAG, WWFX, WICN et WXLO. WCCA-TV diffuse sur la chaîne 194 et propose une télévision communautaire par câble ainsi qu'une diffusion en direct de la chaîne sur son site Web WCCATV.com. Infrastructure Transport Worcester est desservie par plusieurs autoroutes interétatiques. L'Interstate 290 relie le centre de Worcester à l'Interstate 495, à l'I-90 à Auburn, à proximité, et à l'I-395. La I-190 relie Worcester à MA 2 et aux villes de Fitchburg et Leominster dans le nord du comté de Worcester. L'I-90 est également accessible depuis un nouveau connecteur Massachusetts Route 146. Worcester est également desservie par plusieurs petites autoroutes de l'État du Massachusetts. La route 9 relie la ville à ses banlieues est et ouest, Shrewsbury et Leicester. La route 9 s'étend sur presque toute la longueur de l'État, reliant Boston et Worcester à Pittsfield, près de la frontière de l'État de New York. La route 12 était la principale route vers le nord jusqu'à Leominster et Fitchburg jusqu'à l'achèvement de la I-190. La route 12 reliait également Worcester à Webster avant l'achèvement de la I-395. Il sert toujours d'itinéraire local alternatif. La route 146, l'autoroute Worcester-Providence Turnpike, relie la ville à la ville similaire de Providence, Rhode Island. La route 20 touche la pointe la plus méridionale de Worcester, près du Massachusetts Turnpike. L'US 20 est une route d'un océan à l'autre reliant l'Atlantique à l'océan Pacifique et constitue la plus longue route des États-Unis. Worcester est le siège de Providence and Worcester, un chemin de fer de classe II opérant dans une grande partie du sud de la Nouvelle-Angleterre. Worcester est également le terminus ouest de la ligne ferroviaire de banlieue Framingham/Worcester gérée par la Massachusetts Bay Transportation Authority. La gare Union sert de plaque tournante pour le trafic ferroviaire de banlieue. Construite en 1911, la gare a retrouvé sa grâce et sa splendeur d'origine et a rouvert ses portes en 2000. Elle sert également d'arrêt Amtrak, desservant la Lake Shore Limited de Boston à Chicago. En octobre 2008, la MBTA a ajouté 5 nouveaux trains à la ligne Framingham/Worcester dans le cadre d'un plan visant à ajouter 20 trains ou plus de Worcester à Boston et également à acheter la voie à CSX Transportation. Les passagers du train peuvent également se connecter à des services supplémentaires tels que la ligne Vermonter à Springfield. La Worcester Regional Transit Authority, ou WRTA, gère le système de bus municipal. Les bus circulent à l'intérieur de la ville et relient Worcester aux communautés environnantes du centre du Massachusetts. La WRTA exploite également une navette entre les établissements membres du Consortium des Collèges de Worcester. Worcester est également desservie par les lignes de bus Peter Pan et les lignes de bus Greyhound, qui opèrent à partir de la gare Union. MAX fournit un service de bus interurbain vers Fitchburg, Amherst et Northampton avec des arrêts intermédiaires. L'aéroport régional de Worcester, détenu et exploité par Massport, se trouve au sommet de Tatnuck Hill, la plus haute de Worcester. L'aéroport comprend une piste de 7 000 pieds et un terminal de 15,7 millions de dollars. L'aéroport a hébergé de nombreuses compagnies aériennes des années 1950 aux années 1990, mais il a connu des années de vols commerciaux irréguliers. Le 4 septembre 2008, Direct Air a annoncé qu'elle commencerait à desservir Worcester vers Orlando, en Floride, Myrtle Beach, en Caroline du Sud, et Punta Gorda, en Floride, au printemps 2009. Le mardi 13 mars 2012, Direct Air a annulé l'intégralité de son affrètement. programme (y compris le service vers Worcester) pour des raisons financières, laissant le terminal passagers de l'aéroport régional de Worcester vide. En 2013, JetBlue a annoncé qu'elle desservirait ORH, et le service a commencé en novembre 2013. Il fournit actuellement un service quotidien d'ORH à Fort Lauderdale et à Orlando, en Floride. Massport a annoncé son intention d'installer un système d'atterrissage de catégorie III à ORH pour lutter contre les problèmes de décollage et d'atterrissage causés par le brouillard de routine à l'aéroport. Soins de santé Le Worcester State Insane Asylum Hospital (1833) fut le premier hôpital aux États-Unis créé pour traiter les maladies mentales. Worcester abrite la faculté de médecine de l'Université du Massachusetts, classée quatrième en matière d'enseignement des soins primaires parmi les 125 facultés de médecine américaines dans le guide annuel 2006 du US News & World Report « America's Best Graduate Schools ». La faculté de médecine se situe dans le premier quartile des facultés de médecine à l'échelle nationale en matière de financement de la recherche par le NIH et abrite des scientifiques très respectés, notamment un lauréat du prix Nobel, un lauréat du prix Lasker et plusieurs membres de l'Académie nationale des sciences et du Howard Hughes Medical Institute. L'école est étroitement affiliée à UMass Memorial Health Care, le partenaire clinique de la faculté de médecine, qui a étendu ses sites dans tout le centre du Massachusetts. L'hôpital St. Vincent du centre médical de Worcester, dans le centre-ville, complète les établissements de soins primaires de Worcester. Reliant Medical Group, anciennement Fallon Clinic, est le plus grand groupe privé multi-spécialités du centre du Massachusetts avec plus de 30 spécialités différentes. Il est affilié à l'hôpital St. Vincent du centre-ville de Worcester. Reliant Medical Group a été le créateur du Fallon Community Health Plan, un HMO désormais indépendant basé à Worcester et l'une des plus grandes organisations de maintien de la santé (HMO) de l'État. Utilités et services publics Worcester dispose d'un approvisionnement en eau appartenant à la municipalité. Les services d'évacuation des eaux usées sont fournis par le district de réduction de la pollution de l'eau d'Upper Blackstone, qui dessert Worcester ainsi que certaines communautés environnantes. National Grid USA est le distributeur exclusif d'énergie électrique dans la ville, mais en raison de la déréglementation, les clients ont désormais le choix entre des sociétés de production d'électricité. Le gaz naturel est distribué par NSTAR Gas ; seuls les clients commerciaux et industriels peuvent choisir un autre fournisseur de gaz naturel. Verizon, successeur de New England Telephone, NYNEX et Bell Atlantic, est le principal fournisseur de services téléphoniques filaires de la région. Le service téléphonique est également disponible auprès de diverses sociétés nationales de services sans fil. La télévision par câble est disponible auprès de Charter Communications, avec un accès Internet haut débit également fourni, tandis qu'une variété de fournisseurs et revendeurs DSL sont en mesure de fournir un accès Internet haut débit sur les lignes téléphoniques appartenant à Verizon. Villes sœurs Worcester a les villes sœurs suivantes : * Worcester, Royaume-Uni (1998) * Afoula, Israël * Le Pirée, Grèce (2005) * Pouchkine, Russie (1987)

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Quel âge avait Woody Herman lorsqu'il a fondé son propre orchestre ?

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Woodrow Charles "Woody" Herman (16 mai 1913 - 29 octobre 1987) était un clarinettiste de jazz américain, saxophoniste alto et soprano, chanteur et chef de big band. À la tête de divers groupes appelés « The Herd », Herman était l'un des chefs d'orchestre les plus populaires des années 1930 et 1940. Ses groupes jouaient souvent de la musique expérimentale pour l’époque. Il était un artiste vedette à la mi-temps du Super Bowl VII. Jeunesse et carrière Herman est né Woodrow Charles Thomas Herman à Milwaukee, Wisconsin, le 16 mai 1913. Ses parents étaient Otto et Myrtle (Bartoszewicz) Herman. Sa mère était polonaise. Son père avait un profond amour pour le show business et cela a influencé Woody Herman dès son plus jeune âge. Enfant, il travaille comme chanteur et danseur de claquettes au Vaudeville, puis commence à jouer de la clarinette et du saxophone à l'âge de 12 ans. En 1931, il rencontre Charlotte Neste, une actrice en herbe ; ils se marièrent le 27 septembre 1936. Woody Herman rejoignit le groupe Tom Gerun et ses premières voix enregistrées furent "Lonesome Me" et "My Heart's at Ease". Herman a également joué avec l'orchestre Harry Sosnick, Gus Arnheim et Isham Jones. Isham Jones a écrit de nombreuses chansons populaires, dont "It Had to Be You" et, à un moment donné, il était fatigué des exigences liées à la direction d'un groupe. Jones voulait vivre des résidus de ses chansons ; Woody Herman a vu l'opportunité de diriger son ancien groupe et a finalement acquis les restes de l'orchestre après la retraite de Jones. Le groupe qui joue du blues et le premier troupeau 1936-1946 Le premier groupe de Woody Herman est devenu connu pour ses orchestrations de blues et était parfois présenté comme « le groupe qui joue du blues ». Ce groupe a enregistré pour le label Decca, servant d'abord de groupe de reprises, interprétant des chansons d'autres artistes Decca. La première chanson enregistrée fut « Wintertime Dreams » le 6 novembre 1936. En janvier 1937, George T. Simon clôtura une critique du groupe avec les mots : « Cette tenue Herman mérite d'être surveillée ; pas seulement parce que c'est amusant de l'écouter dans ses étapes actuelles. , mais aussi parce qu'il va forcément franchir des étapes encore plus grandes." Après deux ans et demi sur le label, le groupe sort son premier tube, "Woodchopper's Ball", enregistré en 1939. Woody Herman se souvient que "Woodchopper's Ball" a commencé lentement au début. "[C]'était vraiment un dormeur. Mais Decca a continué à le rééditer, et sur une période de trois ou quatre ans, il est devenu un succès. Finalement, il s'est vendu à plus de cinq millions d'exemplaires, le plus gros succès que j'ai jamais eu." Les autres succès du groupe incluent "The Golden Wedding" et "Blue Prelude". Les musiciens et arrangeurs qui se démarquent incluent Cappy Lewis à la trompette et Dean Kincaide, un arrangeur de big band. Dans le jazz, le swing est progressivement remplacé par le bebop. Dizzy Gillespie, trompettiste et l'un des créateurs du bop, a écrit trois arrangements pour Woody Herman, "Woody'n You", "Swing Shift" et "Down Under". Ceux-ci ont été arrangés en 1942. "Woody'n You" n'était pas utilisé à l'époque. "Down Under" a été enregistré le 8 novembre 1943. Le fait qu'Herman ait chargé Gillespie d'écrire des arrangements pour le groupe et qu'Herman ait embauché Ralph Burns comme arrangeur, annonçait un changement dans le style de musique que jouait le groupe. En février 1945, le groupe signe un contrat avec Columbia Records. Herman aimait ce qui attirait de nombreux artistes à Columbia, le Liederkranz Hall, à l'époque la meilleure salle d'enregistrement de New York. La première face enregistrée par Herman était "Laura", la chanson thème du film de 1944 du même nom. La version d'Herman a eu un tel succès qu'elle a obligé Columbia à retenir de la sortie l'arrangement qu'Harry James avait enregistré quelques jours plus tôt. Le contrat avec Columbia a coïncidé avec un changement dans le répertoire du groupe. Le groupe de 1944, qu'il appelait le First Herd, était célèbre pour son jazz progressif. La musique du First Herd a été fortement influencée par Duke Ellington et Count Basie. Ses arrangements vifs et swingants, mêlant thèmes bop et parties rythmiques swing, ont été grandement admirés. En février 1945, le personnel comprenait Bill Harris, Sonny Berman, Pete Candoli, Billy Bauer (plus tard remplacé par Chuck Wayne), Ralph Burns, Davey Tough et Flip Phillips. Le 26 février 1945 à New York, le groupe Woody Herman enregistra "Caldonia". Neal Hefti et Ralph Burns ont collaboré à l'arrangement de "Caldonia" utilisé par le groupe Herman. "Ralph a surpris Louis Jordan [chantant" Caldonia "] en train d'écrire les douze premières mesures et les huit mesures." "Mais la chose la plus étonnante du disque était un passage de huit mesures aux trompettes vers la fin." Ces huit mesures ont été attribuées à tort à un solo de Gillespie, mais ont en fait été écrites à l'origine par Neal Hefti. George T. Simon compare Hefti à Gillespie dans une critique de 1944 pour le magazine Metronome disant : « Comme Dizzy [...], Hefti a une abondance de bonnes idées, avec lesquelles il a énormément aidé Ralph Burns ». En 1946, le groupe remporta les sondages Down Beat, Metronome, Billboard et Esquire pour le meilleur groupe, nominé par leurs pairs du secteur des big bands. Parallèlement au grand succès de leurs performances de jazz et de blues, le compositeur classique Igor Stravinsky a écrit le Concerto d'ébène, l'une d'une série de compositions commandées par Herman avec clarinette solo, pour ce groupe. Herman a enregistré cette œuvre au Belock Recording Studio à Bayside New York. Tout au long de l’histoire du jazz, il y a toujours eu des musiciens qui ont cherché à le combiner avec la musique classique. Ebony Concerto s’inscrit dans une longue lignée de musique des années vingt à nos jours qui cherche à atteindre cet objectif. Herman a dit à propos du Concerto: "[Le Concerto d'ébène est] une pièce très délicate et très triste." Stravinsky pensait que les musiciens de jazz auraient du mal avec les différentes signatures rythmiques. Le saxophoniste Flip Philips a déclaré : « Pendant la répétition [...], il y avait un passage que je devais jouer là-bas et je le jouais doucement, et Stravinsky a dit « Joue-le, me voici ! et j'ai soufflé plus fort et il m'a lancé un baiser !" À sa manière originale, Stravinsky a remarqué la quantité massive de fumée lors de la séance d'enregistrement : "l'atmosphère ressemblait à celle d'un Pernod assombri par l'eau". Ebony Concerto a été interprété en direct par le groupe Herman le 25 mars 1946 au Carnegie Hall. Malgré le succès du Carnegie Hall et d'autres triomphes, Herman fut contraint de dissoudre l'orchestre en 1946, au plus fort de son succès. C'était son seul groupe à réussir financièrement ; il l'a quitté pour passer plus de temps avec sa femme et sa famille. Pendant ce temps, lui et sa famille venaient d'emménager dans l'ancienne maison hollywoodienne d'Humphrey Bogart et Lauren Bacall. L'une des raisons pour lesquelles Herman a pu se séparer était les problèmes croissants d'alcoolisme et de dépendance aux pilules de sa femme Charlotte. Charlotte Herman a rejoint les Alcooliques anonymes et a abandonné tout ce à quoi elle était dépendante. Woody a dit en riant : "Je suis allé à une réunion des AA avec Charlotte et mon ancien groupe était assis là." De nombreux critiques citent décembre 1946 comme date réelle de la fin de l'ère des big band, lorsque sept autres groupes, en plus de celui d'Herman, se sont dissous. The Second Herd et autres groupes 1947-1987 En 1947, Herman organisa le Deuxième Troupeau. Ce groupe était également connu sous le nom de « The Four Brothers Band ». Cela dérive de la chanson enregistrée le 27 décembre 1947 pour Columbia Records, "Four Brothers", écrite par Jimmy Giuffre. "Le tableau 'Four Brothers' est basé sur les changements d'accords de 'Jeepers Creepers' et présente la section de saxophone à trois ténors et un baryton". L'ordre des solos de saxophone est Zoot Sims, Serge Chaloff, Herbie Steward et Stan Getz. Certains des musiciens notables de ce groupe étaient également Al Cohn, Gene Ammons, Lou Levy, Oscar Pettiford, Terry Gibbs et Shelly Manne. Parmi les succès de ce groupe figuraient "Early Autumn" et "The Goof and I". Le groupe était suffisamment populaire pour se rendre à Hollywood au milieu des années quarante. Herman et son groupe apparaissent dans le film La Nouvelle-Orléans en 1947 avec Billie Holiday et Louis Armstrong. De la fin des années 1940 jusqu'à la fin de sa vie, les labels pour lesquels Herman a enregistré incluent RCA, Capitol, MGM et Verve. Les autres groupes d'Herman incluent le Third Herd (1950-1956) et diverses éditions du New Thundering Herd (1959-1987). Dans les années 1950, le Third Herd entreprit une tournée européenne réussie. Il était connu pour embaucher les meilleurs jeunes musiciens et utiliser leurs arrangements. Au début et au milieu des années 1960, Herman a acquis une plus grande reconnaissance en dirigeant l'un des troupeaux les plus excitants à ce jour, composé de futurs noms stellaires comme Michael Moore, le batteur Jake Hanna, le saxophoniste ténor Sal Nistico, les trombonistes Phil Wilson et Henry Southall et des trompettistes comme Bill. Chase, Paul Fontaine et Dusko Goykovitch. En 1968, la bibliothèque Herman fut fortement influencée par le rock and roll. Il était également connu pour ses cuivres et ses instruments à vent non traditionnellement associés au jazz, comme le basson, le hautbois ou le cor d'harmonie. Au début des années 1970, il part en tournée fréquemment et commence à travailler davantage dans l'enseignement du jazz, proposant des ateliers et engageant des sidemen plus jeunes. C'est pour cette raison qu'il a reçu le surnom de Road Father. En 1974, "Young Thundering Herd" de Woody Herman est apparu sans leur leader pour l'émission spéciale télévisée de Frank Sinatra The Main Event et l'album suivant, The Main Event – ​​Live. Les deux ont été enregistrés principalement le 13 octobre 1974 au Madison Square Garden de New York. Le 20 novembre 1976, un groupe reconstitué de Woody Herman a joué au Carnegie Hall de New York, célébrant le quarantième anniversaire de Herman en tant que chef d'orchestre. Dans les années 1980, Herman était revenu au jazz pur et simple, abandonnant certaines des nouvelles approches rock et fusion. Herman a signé un contrat d'enregistrement avec Concord Records vers 1980, désormais appelé Concord Music Group. En 1981, John S. Wilson a chaleureusement révisé l'un des premiers enregistrements Concord d'Herman "Woody Herman Presents a Concord Jam, Vol. I". La critique de Wilson dit que l'enregistrement présente un groupe moins frénétique que ses groupes des années quarante à soixante-dix. Au lieu de cela, il ramène l'auditeur au style détendu du premier groupe d'Herman des années trente qui a enregistré pour Decca. Dernières années Herman a continué à se produire sur scène jusque dans les années 1980, après le décès de sa femme et alors que sa santé se détériorait, principalement pour rembourser les impôts dus en raison de la comptabilité de son chef d'entreprise dans les années 1960. Herman devait des millions de dollars à l'IRS et risquait d'être expulsé de son domicile. Avec ce stress supplémentaire, Herman a continué à jouer. Dans une critique du groupe au club de jazz Blue Note du 5 décembre 1985 pour le New York Times, John S. Wilson a souligné : « En une heure, M. Herman est capable de montrer sa dernière fournée de musique. jeunes stars - le saxophoniste baryton Mike Brignola, le bassiste Bill Moring, le pianiste Brad Williams, le trompettiste Ron Stout - et pour rappeler aux auditeurs que l'un de ses charmes fondamentaux est l'humour sec avec lequel il crie le blues. Wilson a également parlé des dispositions prises par Bill Holman et John Fedchock pour attirer une attention particulière. Wilson a parlé de l'influence continue de Duke Ellington sur les groupes de Woody Herman des années 1940 aux années 1980. En 1986, du 21 au 23 décembre, environ dix mois avant sa mort, Herman était l'invité chez un ami à Iowa City, Iowa. Un marqueur gravé a été incrusté à côté de l'allée du 820 Brown Street pour commémorer l'occasion. Avant sa mort en 1987, Woody Herman a délégué la plupart de ses fonctions au chef de la section Reed, Frank Tiberi. Tiberi dirige la version actuelle de l'orchestre de Woody Herman. Tiberi a déclaré au moment de la mort d'Herman qu'il ne changerait pas le répertoire ou la bibliothèque du groupe. Herman a eu des funérailles catholiques le 2 novembre 1987 à St. Victor's à West Hollywood, en Californie. Il est enterré dans une niche du columbarium derrière le mausolée de la cathédrale du cimetière Hollywood Forever. Le site Internet de Concord Music Group mentionne ces récompenses remportées par les différents orchestres de Woody Herman : « Élu meilleur groupe de swing dans le sondage Down Beat de 1945 ; Silver Award par la critique dans les sondages Esquire de 1946 et 1947 ; a remporté le sondage Metronome, division groupe, 1946 et 1953 ; a remporté le NARAS. Grammy Award pour Encore en tant que meilleur album de jazz big band de 1963 ; a remporté le NARAS Grammy Award pour Giant Steps en tant que meilleur album de jazz big band de 1973. " Woody Herman a reçu le Grammy Lifetime Achievement Award en 1987. Un film documentaire intitulé Woody Herman: Blue Flame - Portrait of a Jazz Legend a été sorti en DVD fin 2012 par le documentariste de jazz Graham Carter, propriétaire de Jazzed Media, pour saluer Herman et son centenaire en mai 2013. Discographie *Le groupe Woody Herman ! (1954) *Comment salut le Fi (1954) *Musique pour les amoureux fatigués (1955) *Chansons pour les amoureux de la hanche (1957) *Début de l'automne (1957) *Herman et Puente (1958) *Le troupeau chevauche à nouveau (1958) *Woody Herman Sextet à la table ronde (1959) *Le quatrième troupeau (1960) *Le nouveau troupeau Swingin' Herman (1960) *Encore (1963) *Les troupeaux tonitruants tome 3 (1963) *The Swinging Herman Herd enregistré en direct (1964) *Woody Herman1964 (1964) *Woody's Goody's (1964) *Herman de Woody (1965) *Les gagnants de Woody (1965) *Les plus grands succès d'Herman de Woody (1966) * 1963 Live Guard Sessions (2013) avec Sarah Vaughan * 40e anniversaire au Carnegie Hall (1977) *Antibes 28 juillet 1965 (1999) * Pomme Miel (2008) * Au Carnegie Hall, 1946 (2000) * Battle Royal (2006) avec Charlie Barnet et Stan Kenton * Le meilleur de Woody Herman (2012) * Big New Herd au Monterey Jazz Festival (1999) * Naissance du Swing Moderne (années 1960 ?) * Blowin' Up a Storm : Les années Columbia (1945-1947) (2001) * Blowin' Up a Storm (Jazz Greats Volume 22) * Blues et Swing Grove (2007) * Blues à la parade (1998) * Chick, Donald, Walter et Woodrow (1978) avec Chick Corea, Donald Fagan et Walter Becker * Terminer les sessions du Capitole de 1948 à 1959 (2001) * Série Concord Jazz Heritage (1998) * Concerto en ébène (2006) * L'Essence de Woody Herman (2008) * Les années Everest (2005) * Quatre frères (2004) * Quatre frères 1945-1947 (2008) * Le Quatrième Troupeau : Tournée d'été 1963 (1994) * D'Est en Ouest (2002) * Obtenez vos bottes lacées Papa : enregistrements originaux (1938-1943) (2003) * Géants du Jazz (DVD Audio + DVD Vidéo) * À pas de géant (1994) * Grands d'or (2002) * Troupeau avec des amis (2013) * Le troupeau monte à nouveau… en stéréo (1992) * Herman & Cole - California Concerts 1949 plus Nat King Cole et son trio * Herman's Heat & Puente's Beat (1999) avec Tito Puente * Ça devait être nous (1999) avec Ruby Braff * Plage de Jantzen, Oregon, 1954 (1999) * Jazz Casual - Big Bands (2012) avec le Thad Jones/Mel Lewis Orchestra * Jazz Hoot/Woody's Winners (2001) * Jazz Masters 54 (2004) * Jazz Swinger/Musique pour les amoureux fatigués (2001) * Années Jazz, Vol. 1 (1999) * Série Légendaire Big Bands (2000) * Allons en ville (2009) avec Mindy Carson et Georgia Gibbs * Light My Fire (1969) live à Rome, Italie, mai 1969 * Allume mon feu (2000) *Vivre 1957 Vol. 1 (2000) *Vivre 1957 Vol. 2 (2000) * Live à Newport le 3 juillet 1966 (2001) * Vivre à Varsovie (2000) * Mosaïque Sélection (2009) * Musique pour les amoureux fatigués (2007) avec Erroll Garner * Répétitions du Vieil Or (2001) * One Night Stand : Live au Hollywood Palladium (2003) * Présentation… Woody Herman (2007) * Présente le tome 2… Quatre autres (1993) * Les années radio (1940-1941) (2000) * Groupe routier (2006) * Deuxième troupeau - 1948 (2000) *Vu et entendu en 1952 (2013) * Chante des ballades et du blues (1945-1947) (2005) * Chante des chansons pour les amoureux de la hanche (2009) * Standard Times - Le troisième troupeau (1951-1952) (2002) * Le troupeau qui se balance (2012) * C'est là que c'est (2011) * Le troisième troupeau en direct 1951 (2000) * Le troisième troupeau « Live » 1952 (2012) * Les 3 troupeaux (2011) * Les troupeaux tonitruants 1945-1947 (1995) * The Thundering Herd : enregistrements originaux 1945-1947 (2005) * C'est du jazz (1997) * Troupeau tonitruant (1995) * V Disc Years Vol's 1 & 2 (2008) * Wailin' avec Woody (2000) * Qui est-ce qui date de Dere ? (1999) * Racine sauvage (2001) * Woodsheddin' avec Woody (2006) * Woody Herman '58 (2007) * Woody Herman 1963 (2002) * Woody Herman et son orchestre, 1956 (2000) * Le groupe Woody Herman ! (2006) * Les spectacles de Woody Herman 1944-1946 (2003) * L'histoire de Woody Herman (coffret de 4 CD, 2000) * L'étoile d'or de Woody (1990) * Les gagnants de Woody (2007)

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Dans quel pays se trouve le premier site permanent de saut à l'élastique ?

Nouvelle-Zélande

A ne pas confondre avec l'élastique inversé. Saut à l'élastique (; également orthographié « saut à l'élastique », qui est l'orthographe habituelle en Nouvelle-Zélande et dans plusieurs autres pays) est une activité qui consiste à sauter d'une structure haute tout en étant connecté à un gros cordon élastique. La structure haute est généralement un objet fixe, tel qu'un bâtiment, un pont ou une grue ; mais il est également possible de sauter depuis un objet mobile, comme une montgolfière ou un hélicoptère, qui a la capacité de planer au-dessus du sol. Le frisson vient de la chute libre et du rebond. Lorsque la personne saute, la corde s'étire et le sauteur vole à nouveau vers le haut tandis que la corde recule et continue d'osciller de haut en bas jusqu'à ce que toute l'énergie cinétique soit dissipée. Histoire Les premiers sauts à l'élastique modernes ont été effectués le 1er avril 1979 depuis le pont suspendu de Clifton, à Bristol, par David Kirke et Simon Keeling, tous deux membres du club de sports dangereux de l'université d'Oxford. Les sauteurs ont été arrêtés peu de temps après, mais ont continué avec des sauts aux États-Unis depuis le Golden Gate Bridge et le Royal Gorge Bridge (ce dernier saut sponsorisé et télévisé dans le programme américain That's Incredible), diffusant le concept dans le monde entier. En 1982, ils sautaient depuis des grues mobiles et des montgolfières. Le saut à l'élastique commercial organisé a commencé avec le Néo-Zélandais AJ Hackett, qui a fait son premier saut depuis le pont Greenhithe d'Auckland en 1986. Au cours des années suivantes, Hackett a effectué un certain nombre de sauts depuis des ponts et d'autres structures (y compris la Tour Eiffel), construisant des bâtiments publics. intérêt pour ce sport et l'ouverture du premier site commercial permanent d'élastiques au monde, le Kawarau Bridge Bungy, sur le pont suspendu de Kawarau Gorge, près de Queenstown, dans l'île du Sud de la Nouvelle-Zélande. Hackett reste l'un des plus grands opérateurs commerciaux, avec des inquiétudes dans plusieurs pays. Plusieurs millions de sauts réussis ont eu lieu depuis 1980. Ce bilan de sécurité est dû au fait que les opérateurs d'élastiques se conforment rigoureusement aux normes et directives régissant les sauts, comme la double vérification des calculs et des ajustements pour chaque saut. Comme dans tout sport, des blessures peuvent toujours survenir (voir ci-dessous) et il y a eu des décès. Une erreur relativement courante en cas de décès consiste à utiliser un cordon trop long. La corde doit être nettement plus courte que la hauteur de la plateforme de saut pour lui permettre de s'étirer. Lorsque la corde se tend puis s’étire, la tension de la corde augmente progressivement. Au départ, la tension est inférieure au poids du sauteur et celui-ci continue d'accélérer vers le bas. À un moment donné, la tension est égale au poids du sauteur et l'accélération est temporairement nulle. Avec un étirement supplémentaire, le sauteur a une accélération croissante vers le haut et, à un moment donné, a une vitesse verticale nulle avant de reculer vers le haut. Voir également Énergie potentielle pour une discussion sur la constante du ressort et la force requise pour déformer les cordons élastiques et autres objets ressemblant à des ressorts. Le pont de la rivière Bloukrans a été le premier pont à être « sauté à l'élastique » en Afrique lorsque Face Adrenalin a introduit le saut à l'élastique sur le continent africain en 1990. Le pont à élastique de Bloukrans est exploité commercialement par Face Adrenalin depuis 1997 et est le plus haut pont à élastique commercial. dans le monde. En avril 2008, Carl Mosca Dionisio, un homme de 37 ans de Durban, est entré dans l'histoire du saut à l'élastique en sautant d'une tour de 30 m (100 pieds) attachée à un élastique composé entièrement de 18 500 préservatifs. Le mot "élastique" Le mot "bungee" vient du dialecte anglais du West Country, signifiant "Tout ce qui est épais et trapu", tel que défini par James Jennings dans son livre "Observations of Some of the Dialects in The West of England" publié en 1825. Vers 1930, le le nom est devenu utilisé pour une gomme en caoutchouc. Saut attaché antérieur La plongée à terre (Sa : ') de l'île de Pentecôte au Vanuatu est un ancien rituel dans lequel des jeunes hommes sautent de hautes plates-formes en bois avec des vignes attachées aux chevilles pour tester leur courage et leur passage à l'âge adulte. Contrairement au saut à l'élastique moderne, les plongeurs terrestres frappent intentionnellement le sol, mais les vignes absorbent suffisamment de force pour rendre l'impact non mortel. Le rituel de la plongée à terre à la Pentecôte a été revendiqué comme une source d'inspiration par AJ Hackett, ce qui a incité les représentants des insulaires à réclamer une compensation pour ce qu'ils considèrent comme une appropriation non autorisée de leurs biens culturels. Une pratique similaire, mais avec un rythme de chute beaucoup plus lent, a été pratiquée sous le nom de Danza de los Voladores de Papantla ou « Papantla flyers » du centre du Mexique, une tradition remontant à l'époque des Aztèques. Une tour de 4 000 pieds de haut dotée d'un système permettant de larguer une « voiture » ​​suspendue par un câble en « meilleur caoutchouc » a été proposée pour l'Exposition universelle de Chicago, 1892-1893. La voiture, pouvant accueillir deux cents personnes, était poussée d'une plate-forme sur la tour puis rebondissait jusqu'à s'arrêter. L'ingénieur concepteur a suggéré que, pour des raisons de sécurité, le sol « soit recouvert de huit pieds de literie en plumes ». La proposition a été déclinée par les organisateurs de la Foire. Équipement La corde élastique utilisée pour la première fois pour le saut à l'élastique, et encore utilisée par de nombreux opérateurs commerciaux, est une corde élastique tressée produite en usine. Ce cordon élastique spécial est constitué de nombreux brins de latex enfermés dans une enveloppe extérieure résistante. L'enveloppe extérieure peut être appliquée lorsque le latex est précontraint, de sorte que la résistance à l'extension de la corde soit déjà importante à la longueur naturelle de la corde. Cela donne un rebond plus dur et plus net. La couverture tressée offre également des avantages significatifs en matière de durabilité. D'autres opérateurs, dont A. J. Hackett et la plupart des opérateurs de l'hémisphère sud, utilisent des cordons non tressés avec des brins de latex exposés. Ceux-ci donnent un rebond plus doux et plus long et peuvent être produits maison. Les accidents dans lesquels les participants se sont détachés ont conduit de nombreux opérateurs commerciaux à utiliser un harnais de sécurité, ne serait-ce que comme renfort pour une attache à la cheville. Les harnais de sécurité proviennent généralement d'un équipement d'escalade plutôt que d'un équipement de parachute. Le saut le plus haut En août 2005, AJ Hackett a ajouté un SkyJump à la tour de Macao, ce qui en fait le saut le plus haut du monde à 233 m. Le SkyJump n'est pas considéré comme le saut à l'élastique le plus haut du monde car il ne s'agit pas à proprement parler d'un saut à l'élastique, mais plutôt de ce que l'on appelle un saut à « décélération-descente », utilisant un câble en acier et un système de décélération, plutôt qu'une corde élastique. Le 17 décembre 2006, la Tour de Macao a commencé à exploiter un véritable saut à l'élastique, qui est devenu le « saut à l'élastique commercial le plus haut du monde » selon le Livre Guinness des records. Le Macau Tower Bungy dispose d'un système de « câble de guidage » qui limite le balancement (le saut est très proche de la structure de la tour elle-même) mais n'a aucun effet sur la vitesse de descente, cela qualifie donc quand même le saut pour le record du monde. . Un autre saut à l'élastique commercial actuellement en activité est seulement 13 m plus petit, à 220 m. Ce saut, réalisé sans cordes de guidage, s'effectue depuis le sommet du barrage de Verzasca, près de Locarno, en Suisse. Il apparaît dans la scène d'ouverture du film de James Bond GoldenEye. Le Bloukrans Bridge Bungy en Afrique du Sud et les sauts du barrage de Verzasca sont de purs sauts à l'élastique en chute libre à partir d'une seule corde. Guinness enregistre uniquement les sauts d'objets fixes pour garantir l'exactitude de la mesure. John Kockleman a cependant enregistré un saut à l'élastique de 2 200 pieds depuis une montgolfière en Californie en 1989. En 1991, Andrew Salisbury a sauté de 9 000 pieds d'un hélicoptère au-dessus de Cancun pour un programme télévisé et avec le parrainage de Reebok. Le tronçon complet a été enregistré à 3157 pieds. Il a atterri en toute sécurité sous parachute. Un saut commercial plus haut que tous les autres se trouve au Royal Gorge Bridge, dans le Colorado. La hauteur de la plateforme est de 321 m. Cependant, ce saut est rarement disponible, dans le cadre des Royal Gorge Go Fast Games, d'abord en 2005, puis de nouveau en 2007. Auparavant, le record était détenu en Virginie occidentale, aux États-Unis, par le Néo-Zélandais Chris Allum, qui a sauté à l'élastique 823 fois. pieds (251 m) du pont de New River Gorge lors du "Bridge Day" 1992 pour établir le record du monde du plus long saut à l'élastique à partir d'une structure fixe. Variantes Catapulte Dans "Catapult" (Reverse Bungee ou Bungee Rocket), le "sauteur" démarre au sol. Le sauteur est sécurisé et le cordon est tendu, puis relâché et le sauteur est projeté dans les airs. Ceci est souvent réalisé à l'aide d'une grue ou d'un palan fixé à une structure (semi-)perma. Cela simplifie l'action d'étirer la corde et d'abaisser ensuite le participant au sol. Trampoline "Bungy Trampoline" utilise, comme son nom l'indique, des éléments issus du bungy et du trampoline. Le participant commence sur un trampoline et est installé dans un harnais de sécurité, qui est attaché via des cordons élastiques à deux poteaux hauts de chaque côté du trampoline. Lorsqu'ils commencent à sauter, les sandows sont tendus, permettant un saut plus haut que ce qui pourrait normalement être fait à partir d'un trampoline seul. En cours d'exécution "Bungee Running" n'implique aucun saut en tant que tel. Il s'agit simplement, comme son nom l'indique, de courir le long d'une piste (souvent gonflable) à laquelle est attaché un élastique. On a souvent un marqueur à dos velcro qui marque la distance parcourue par le coureur avant que le cordon élastique ne soit retiré. Cette activité se retrouve souvent dans les foires et les carnavals et est souvent plus populaire auprès des enfants. Rampe Saut à l'élastique depuis une rampe. Deux cordes en caoutchouc – les « élastiques » – sont attachées autour de la taille du participant à un harnais. Ces sandows sont reliés à des câbles en acier le long desquels ils peuvent glisser grâce à des poulies en acier inoxydable. Les participants font du vélo, de la luge ou du ski avant de sauter. Dispositif de capture d'air suspendu La plongée SCAD est similaire au saut à l'élastique dans la mesure où le participant tombe d'une hauteur, mais dans cette variante, il n'y a pas de corde ; au lieu de cela, le participant tombe dans un filet. Sécurité et blessures possibles Les blessures liées au saut à l'élastique peuvent être divisées en celles qui surviennent après un saut suite à un accident d'équipement ou à un accident tragique, et celles qui surviennent indépendamment des mesures de sécurité. Dans un premier temps, des blessures peuvent survenir si le harnais de sécurité tombe en panne, si la longueur du cordon est mal calculée ou si le cordon n'est pas correctement connecté à la plateforme de saut. En 1986, Michael Lush est décédé des suites de multiples blessures après avoir sauté à l'élastique pour une cascade dans une émission de télévision de la BBC et en 1997, Laura Patterson, l'une des 16 membres d'une équipe professionnelle de saut à l'élastique, est décédée d'un traumatisme crânien massif lorsqu'elle a sauté du plus haut niveau de le Louisiana Superdome et est entré en collision tête première sur le terrain de jeu en béton. Elle s'entraînait pour une exhibition destinée à être réalisée pendant le spectacle de la mi-temps du Super Bowl XXXI. En 2002, Chris Thomas est décédé après que son harnais s'est arraché lors d'un saut caritatif à Swansea, au Pays de Galles : il a été affirmé plus tard que le harnais n'était pas sécuritaire pour son poids. Le soir du Nouvel An 2011, Erin Langworthy, une Australienne, a été plongée dans le fleuve Zambèze, à Victoria Falls, où elle a failli se noyer, les pieds encore attachés après que sa corde élastique se soit cassée lors d'un saut. Matthew E. Coleman, un homme de 21 ans du Maryland, est décédé lors d'un saut à l'élastique d'Adventure World après avoir percuté le sol avec une corde trop longue. Les blessures qui surviennent malgré les mesures de sécurité sont généralement liées à l'augmentation brutale de la pression intravasculaire dans le haut du corps lors du recul du sandow. Les atteintes à la vue constituent la complication la plus fréquemment rapportée. Une déficience visuelle secondaire à une hémorragie rétinienne peut être transitoire ou mettre plusieurs semaines à se résorber. Dans un cas, la vue d'une femme de 26 ans était toujours altérée après 7 mois. Des blessures causées par un coup du lapin peuvent survenir lorsque le sauteur est secoué sur le cordon élastique et, dans au moins un cas, cela a conduit à une tétraplégie secondaire à une fracture du cou. Des blessures très graves peuvent également survenir si le cou ou le corps du sauteur s'emmêle dans le cordon. Plus récemment, une dissection de l'artère carotide conduisant à une sorte d'accident vasculaire cérébral après un saut à l'élastique a également été décrite. Toutes ces blessures sont survenues chez des personnes en bonne santé, âgées de 20 à 30 ans. Il a également été démontré que le saut à l’élastique augmente le stress et diminue la fonction immunitaire. Dans la culture populaire Plusieurs films majeurs ont présenté des sauts à l'élastique, notamment la séquence d'ouverture du film de James Bond GoldenEye de 1995, dans laquelle Bond saute par-dessus le bord d'un barrage en Russie (en réalité, le barrage est en Suisse : le barrage de Verzasca, et le saut a été authentique, pas un effet spécial animé). Le saut dans le barrage fait plus tard son apparition comme tâche Roadblock dans la 14e saison de la série de télé-réalité The Amazing Race. Un proto-saut à l'élastique fictif est un point hawaïen du roman de Michael Chabon Les incroyables aventures de Kavalier et Clay. Dans le film Selena, dans lequel Jennifer Lopez incarne Selena Quintanilla-Perez, son personnage est montré en train de sauter à l'élastique lors d'un carnaval. Cet événement a eu lieu peu de temps avant le meurtre de Selena, le 31 mars 1995. Dans la série télévisée dramatique médicale Scrubs épisode "Mon premier pas", les personnages John Dorian et Elliot Reid sautent à l'élastique après avoir réalisé qu'il ne prend pas de risques assez souvent.

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Qui a succédé à Brejnev au poste de Premier ministre soviétique ?

Andropov

Leonid Ilitch Brejnev (; ; , 19 décembre 1906 (OS 6 décembre) - 10 novembre 1982) fut le secrétaire général du Comité central (CC) du Parti communiste de l'Union soviétique (PCUS), présidant le pays de 1964 à sa mort en 1982. Son mandat de dix-huit ans en tant que secrétaire général était le deuxième en durée après celui de Joseph Staline. Sous le règne de Brejnev, l'influence mondiale de l'Union soviétique s'est considérablement accrue, en partie à cause de l'expansion de l'armée soviétique au cours de cette période. Son mandat à la tête de l’Union soviétique marque le début d’une ère de stagnation économique et sociale. Brejnev est né à Kamianske dans une famille d'ouvriers russes. Après avoir obtenu son diplôme du Technicum métallurgique de Dniprodzerzhynsk, il devient ingénieur métallurgique dans l'industrie sidérurgique, en Ukraine. Il rejoint le Komsomol en 1923 et devient en 1929 un membre actif du PCUS. Il a été enrôlé dans le service militaire immédiat pendant la Seconde Guerre mondiale et a quitté l'armée en 1946 avec le grade de général de division. En 1952, Brejnev devint membre du Comité central et, en 1964, Brejnev succéda à Nikita Khrouchtchev au poste de premier secrétaire, tandis qu'Alexei Kossyguine succéda à Khrouchtchev au poste de Premier ministre soviétique. En tant que dirigeant, Brejnev a pris soin de consulter ses collègues avant d’agir, mais sa tentative de gouverner sans réformes économiques significatives a conduit à un déclin national au milieu des années 1970, une période appelée l’ère de la stagnation. Une augmentation significative des dépenses militaires, qui au moment de la mort de Brejnev représentaient environ 12,5 % du PNB du pays, et un leadership vieillissant et inefficace ont ouvert la voie à un PNB en baisse par rapport à celui des pays occidentaux. Alors qu’il était à la tête de l’URSS, Brejnev a poussé à la détente entre les pays de l’Est et de l’Ouest. En même temps, il a présidé l’invasion de la Tchécoslovaquie par le Pacte de Varsovie pour arrêter le Printemps de Prague et il a envoyé l’armée soviétique en Afghanistan pour tenter de sauver le régime fragile, qui menait une guerre contre les moudjahidines. Cependant, en décembre 1981, il décida de ne pas intervenir militairement en Pologne, permettant plutôt au gouvernement du pays d'imposer la loi martiale, marquant ainsi la fin de la doctrine Brejnev. Après des années de santé déclinante, Brejnev décède le 10 novembre 1982 et Yuri Andropov lui succède rapidement à son poste de secrétaire général. Brejnev avait entretenu un culte de la personnalité, même si ce n’était pas au même degré que Staline. Mikhaïl Gorbatchev, qui dirigera l’URSS de 1985 à 1991, dénonce son héritage et pilote le processus de libéralisation de l’Union soviétique. Malgré cela, les sondages d’opinion en Russie montrent que Brejnev est le dirigeant russe le plus populaire du XXe siècle. Jeunesse et carrière Origines et éducation Brejnev est né le 19 décembre 1906 à Kamianske en Ukraine), du métallurgiste Ilya Yakovlevich Brejnev et de son épouse, Natalia Denisovna Mazalova. Ses parents vivaient à Brejnevo (district de Kursky, oblast de Koursk, Russie) avant de déménager à Kamenskoe. L'origine ethnique de Brejnev était spécifiée comme étant ukrainienne dans certains documents, y compris son passeport, et russe dans d'autres. Comme beaucoup de jeunes au cours des années qui ont suivi la Révolution russe de 1917, il a reçu une formation technique, d'abord en gestion foncière où il a débuté comme géomètre, puis en métallurgie. Il est diplômé du Technicum métallurgique de Dniprodzerzhynsk en 1935 et devient ingénieur métallurgique dans les industries sidérurgiques de l'est de l'Ukraine. Développement politique Brejnev a rejoint l'organisation de jeunesse du Parti communiste, le Komsomol, en 1923, et le Parti lui-même en 1929. En 1935 et 1936, Brejnev a effectué son service militaire obligatoire et, après avoir suivi des cours dans une école de chars, il a servi comme commissaire politique dans un usine de réservoirs. Plus tard, en 1936, il devient directeur du Technicum métallurgique de Dniprodzerzhynsk (collège technique). En 1936, il fut transféré au centre régional de Dnipropetrovsk et, en 1939, il devint secrétaire du Parti à Dnipropetrovsk, en charge des importantes industries de défense de la ville. En tant que survivant de la Grande Purge stalinienne de 1937-1939, il a pu progresser rapidement alors que les purges créaient de nombreuses ouvertures dans les rangs supérieurs et intermédiaires du Parti et des gouvernements des États. La Seconde Guerre mondiale Lorsque l’Allemagne nazie envahit l’Union soviétique le 22 juin 1941, Brejnev fut immédiatement enrôlé, comme la plupart des responsables intermédiaires du Parti. Il a travaillé à l'évacuation des industries de Dnipropetrovsk à l'est de l'Union soviétique avant que la ville ne tombe aux mains des Allemands le 26 août, puis a été nommé commissaire politique. En octobre, Brejnev est nommé adjoint à l'administration politique du front sud, avec le grade de commissaire de brigade (colonel). Lorsque l’Ukraine fut occupée par les Allemands en 1942, Brejnev fut envoyé dans le Caucase en tant que chef adjoint de l’administration politique du Front transcaucasien. En avril 1943, il devient chef du département politique de la 18e armée. Plus tard cette année-là, la 18e armée est devenue partie intégrante du 1er front ukrainien, alors que l'Armée rouge reprenait l'initiative et avançait vers l'ouest à travers l'Ukraine. Le commissaire politique principal du Front était Nikita Khrouchtchev, qui soutenait la carrière de Brejnev depuis les années d'avant-guerre. Brejnev avait rencontré Khrouchtchev en 1931, peu après avoir rejoint le Parti, et peu de temps après, alors qu'il poursuivait son ascension dans les échelons, il devint le protégé de Khrouchtchev. À la fin de la guerre en Europe, Brejnev était commissaire politique en chef du 4e Front ukrainien, entré à Prague en mai 1945, après la capitulation allemande. Immédiat après-guerre Brejnev quitta temporairement l'armée soviétique avec le grade de général de division en août 1946. Il avait passé toute la guerre en tant que commissaire politique plutôt qu'en tant que commandant militaire. Après avoir travaillé sur des projets de reconstruction en Ukraine, il redevient secrétaire général à Dnipropetrovsk. En 1950, il devient député du Soviet suprême de l'Union soviétique, l'organe législatif suprême de l'Union soviétique. Plus tard cette année-là, il fut nommé premier secrétaire du Parti en Moldavie. En 1952, il eut une réunion avec Staline, après quoi Staline promut Brejnev au Comité central du Parti communiste en tant que candidat membre du Présidium (anciennement Politburo). Staline mourut en mars 1953 et lors de la réorganisation qui suivit, le Présidium fut aboli et un Politburo plus petit fut reconstitué. Bien que Brejnev n'ait pas été nommé membre du Politburo, il a été nommé chef de la direction politique de l'armée et de la marine avec le grade de lieutenant-général, un poste très élevé. Le patron de Brejnev, Khrouchtchev, succéda à Staline au poste de secrétaire général, tandis que l'opposant de Khrouchtchev, Malenkov, succéda à Staline au poste de président du Présidium du Soviet suprême. Brejnev s’est rangé du côté de Khrouchtchev contre Malenkov, mais seulement pendant plusieurs années. Le 7 mai 1955, Brejnev est nommé secrétaire général du Parti communiste de la RSS du Kazakhstan. En apparence, sa mission était simple : rendre les nouvelles terres productives sur le plan agricole. En réalité, Brejnev s’est impliqué dans le développement des programmes soviétiques de missiles et d’armes nucléaires, y compris le cosmodrome de Baïkonour. La campagne des Terres Vierges, initialement réussie, est rapidement devenue improductive et n'a pas réussi à résoudre la crise alimentaire soviétique croissante. Brejnev fut rappelé à Moscou en 1956. La récolte des années qui suivirent la campagne des Terres Vierges fut décevante, ce qui aurait nui à sa carrière politique s'il était resté au Kazakhstan. En février 1956, Brejnev retourna à Moscou et fut nommé membre candidat du Politburo chargé du contrôle de l'industrie de la défense, du programme spatial comprenant le cosmodrome de Baïkonour, de l'industrie lourde et de la construction d'immobilisations. Il était désormais un membre important de l'entourage de Khrouchtchev et, en juin 1957, il soutint Khrouchtchev dans sa lutte contre la vieille garde stalinienne de Malenkov à la direction du Parti, le soi-disant « Groupe anti-Parti ». Après la défaite des staliniens, Brejnev devient membre à part entière du Politburo. Brejnev devint deuxième secrétaire du Comité central en 1959 et, en mai 1960, il fut promu au poste de président du Présidium du Soviet suprême, faisant de lui le chef d'État nominal, bien que le pouvoir réel appartenait à Khrouchtchev en tant que premier secrétaire du Comité central. Parti communiste soviétique. En 1962, Brejnev devient citoyen d'honneur de Belgrade. Destitution de Khrouchtchev Jusque vers 1962, la position de Khrouchtchev à la tête du Parti était assurée ; mais à mesure que le leader vieillissait, il devenait de plus en plus imprévisible et sa performance minait la confiance de ses collègues dirigeants. Les problèmes économiques croissants de l'Union soviétique ont également accru la pression sur les dirigeants de Khrouchtchev. En apparence, Brejnev est resté fidèle à Khrouchtchev, mais a été impliqué dans un complot de 1963 visant à destituer le dirigeant du pouvoir, jouant peut-être un rôle de premier plan. Toujours en 1963, Brejnev succède à Frol Kozlov, un autre protégé de Khrouchtchev, comme secrétaire du Comité central, le positionnant comme le successeur probable de Khrouchtchev. Khrouchtchev le nomma deuxième secrétaire, littéralement chef adjoint du parti, en 1964. De retour de Scandinavie et de Tchécoslovaquie en octobre 1964, Khrouchtchev, ignorant le complot, partit en vacances dans la station balnéaire de Pitsunda, au bord de la mer Noire. À son retour, ses officiers du Présidium l'ont félicité pour son travail au sein de ses fonctions. Anastas Mikoyan a rendu visite à Khrouchtchev, laissant entendre qu'il ne devait pas se montrer trop complaisant quant à sa situation actuelle. Vladimir Semichastny, chef du KGB, jouait un rôle crucial dans la conspiration, car il était de son devoir d'informer Khrouchtchev si quelqu'un complotait contre ses dirigeants. Nikolaï Ignatov, limogé par Khrouchtchev, demanda discrètement l'avis de plusieurs membres du Comité central. Après quelques faux départs, le conspirateur Mikhaïl Souslov téléphona à Khrouchtchev le 12 octobre et lui demanda de retourner à Moscou pour discuter de l'état de l'agriculture soviétique. Finalement, Khrouchtchev comprit ce qui se passait et dit à Mikoyan : « Si c'est de moi qu'il s'agit, je n'en ferai pas un combat. Alors qu'une minorité dirigée par Mikoyan voulait retirer Khrouchtchev de ses fonctions de Premier secrétaire mais le conserver comme président du Conseil des ministres, la majorité, dirigée par Brejnev, voulait l'écarter complètement de la politique active. Brejnev et Nikolai Podgorny ont fait appel au Comité central, accusant Khrouchtchev d'échecs économiques et l'accusant de volontarisme et de comportement impudique. Influencés par les alliés de Brejnev, les membres du Politburo ont voté pour destituer Khrouchtchev de ses fonctions. En outre, certains membres du Comité central souhaitaient qu'il soit puni d'une manière ou d'une autre. Mais Brejnev, à qui on avait déjà assuré le poste de secrétaire général, ne voyait guère de raisons de punir davantage son ancien mentor. Brejnev a été nommé premier secrétaire, mais à l'époque on pensait qu'il était une sorte de leader de la transition, qui ne ferait que « tenir le poste » jusqu'à ce qu'un autre dirigeant soit nommé. Alexeï Kossyguine a été nommé chef du gouvernement et Mikoyan a été retenu comme chef de l'État. Brejnev et ses compagnons soutenaient la ligne générale du parti adoptée après la mort de Joseph Staline, mais estimaient que les réformes de Khrouchtchev avaient supprimé une grande partie de la stabilité de l'Union soviétique. L'une des raisons de l'éviction de Khrouchtchev était qu'il avait continuellement ignoré les autres membres du parti et qu'il était, selon les conspirateurs, « au mépris des idéaux collectifs du parti ». Pravda, un journal de l'Union soviétique, a écrit sur de nouveaux thèmes persistants tels que la direction collective, la planification scientifique, la consultation d'experts, la régularité organisationnelle et la fin des projets. Lorsque Khrouchtchev a quitté la scène publique, il n’y a eu aucune agitation populaire, car la plupart des citoyens soviétiques, y compris l’intelligentsia, anticipaient une période de stabilisation, un développement régulier de la société soviétique et une croissance économique continue dans les années à venir. Chef (1964-1982) Consolidation du pouvoir Alors que Brejnev remplaçait Khrouchtchev en tant que nouveau secrétaire général du Parti communiste, il détenait l’autorité politique ultime en tant que leader de l’Union soviétique. Cependant, il partageait la direction collective avec Nikolaï Podgorny (président du Soviet suprême et chef de l'État nominal) et Alexsei Kossyguine, premier ministre. Brejnev maximiserait bientôt son emprise sur le pouvoir et deviendrait l’autorité dominante dans la direction collective. Les premières réformes politiques étaient considérées comme prévisibles. En 1964, un plénum du Comité central interdit à un seul individu d'occuper les deux postes les plus puissants du pays (le poste de secrétaire général et celui de premier ministre). L'ancien président du Comité d'État pour la sécurité de l'État (KGB), Alexander Shelepin, n'aimait pas la nouvelle direction collective et ses réformes. Il s'est porté candidat à la direction suprême en 1965 en appelant au rétablissement de « l'obéissance et de l'ordre ». Shelepin n'a pas réussi à rassembler le soutien du Présidium et la position de Brejnev était assez sûre ; il a pu destituer Shelepin de ses fonctions en 1967. Khrouchtchev a été démis de ses fonctions principalement en raison de son mépris pour de nombreuses organisations de haut rang au sein du PCUS et du gouvernement soviétique. Tout au long de l’ère Brejnev, l’Union soviétique était contrôlée par une direction collective (officiellement appelée « Collectivité de direction »), au moins jusqu’à la fin des années 1960 et dans les années 1970. Le consensus au sein du parti était que la direction collective prévalait sur la direction suprême d'un individu. ÈME. Rigby a fait valoir qu’à la fin des années 1960, un système oligarchique stable avait émergé en Union soviétique, l’essentiel du pouvoir étant concentré autour de Brejnev, Kossyguine et Podgorny. Même si cette affirmation était exacte à l'époque, elle a coïncidé avec le renforcement du pouvoir de Brejnev au moyen d'un affrontement apparent avec le secrétariat du Comité central Mikhaïl Souslov. L'Américain Henry A. Kissinger, dans les années 1960, croyait à tort que Kossyguine était le leader dominant de la politique étrangère soviétique au sein du Politburo. Durant cette période, Brejnev rassemblait suffisamment de soutien pour renforcer sa position au sein de la politique soviétique. Entre-temps, Kossyguine était en charge de l'administration économique en tant que président du Conseil des ministres. La position de Kossyguine fut affaiblie lorsqu'il proposa une réforme économique en 1965, largement qualifiée de « réforme Kossyguine » au sein du Parti communiste. La réforme a provoqué une réaction violente et les conservateurs du parti ont continué à s'opposer à Kossyguine après avoir été témoins des résultats des réformes menant au Printemps de Prague. Ses opposants affluèrent alors vers Brejnev et l’aidèrent dans sa tâche de renforcement de sa position au sein du système soviétique. Brejnev était un adepte de la politique au sein de la structure du pouvoir soviétique. Il avait l'esprit d'équipe et n'a jamais agi de manière imprudente ou précipitée ; contrairement à Khrouchtchev, il ne prenait pas de décision sans consulter ses collègues et était toujours disposé à entendre leurs opinions. Au début des années 1970, Brejnev consolide sa position nationale. En 1977, il force la retraite de Podgorny et redevient président du Présidium du Soviet suprême de l'Union soviétique, rendant ce poste équivalent à celui de président exécutif. Alors que Kossyguine est resté Premier ministre jusqu'à peu de temps avant sa mort en 1980 (remplacé par Nikolai Tikhonov comme Premier ministre), Brejnev a été la force motrice dominante de l'Union soviétique du milieu des années 1970 jusqu'à sa mort en 1982. Politiques intérieures Répression La politique de stabilisation de Brejnev comprenait la fin des réformes libérales de Khrouchtchev et la répression de la liberté culturelle. Durant les années Khrouchtchev, Brejnev avait soutenu les dénonciations du régime arbitraire de Staline, la réhabilitation de nombreuses victimes des purges staliniennes et la libéralisation prudente de la politique intellectuelle et culturelle soviétique. Mais dès qu’il est devenu leader, Brejnev a commencé à inverser ce processus et a développé une attitude de plus en plus conservatrice et régressive. Le procès des écrivains Yuli Daniel et Andrei Sinyavsky en 1966 – le premier procès public de ce type depuis l'époque de Staline – a marqué le retour à une politique culturelle répressive. Sous Yuri Andropov, le service de sécurité de l'État (sous la forme du KGB) a retrouvé une partie des pouvoirs dont il jouissait sous Staline, même s'il n'y a pas eu de retour aux purges des années 1930 et 1940 et que l'héritage de Staline est resté largement discrédité parmi l'intelligentsia soviétique. . Au milieu des années 1970, on comptait entre 1 000 et 10 000 prisonniers politiques et religieux en Union soviétique, vivant dans des conditions pénibles et souffrant de malnutrition. Beaucoup de ces prisonniers étaient considérés par l’État soviétique comme mentalement inaptes et étaient hospitalisés dans des asiles psychiatriques à travers l’Union soviétique. Sous le règne de Brejnev, le KGB a infiltré la plupart, sinon la totalité, des organisations antigouvernementales, ce qui a permis de garantir qu'il n'y avait que peu ou pas d'opposition contre lui ou sa base de pouvoir. Cependant, Brejnev s’est abstenu de recourir à la violence totale observée sous le règne de Staline. Économie Croissance économique jusqu'en 1973 Entre 1960 et 1970, la production agricole soviétique a augmenté de 3 % par an. L'industrie s'est également améliorée ; Au cours du huitième plan quinquennal (1966-1970), la production des usines et des mines a augmenté de 138 % par rapport à 1960. Tandis que le Politburo devenait agressivement anti-réformiste, Kossyguine parvenait à convaincre Brejnev et le Politburo de quitter le gouvernement. leader communiste réformateur János Kádár de la République populaire de Hongrie, à lui seul, en raison d'une réforme économique intitulée Nouveau mécanisme économique (NEM), qui accordait une autorisation limitée pour l'établissement de marchés de détail. En République populaire de Pologne, une autre approche a été adoptée en 1970 sous la direction d'Edward Gierek ; il pensait que le gouvernement avait besoin des prêts occidentaux pour faciliter la croissance rapide de l'industrie lourde. Les dirigeants soviétiques ont donné leur accord, car l’Union soviétique ne pouvait pas se permettre de maintenir ses subventions massives au bloc de l’Est sous la forme d’exportations de pétrole et de gaz bon marché. L'Union soviétique n'a pas accepté toutes sortes de réformes, un exemple étant l'invasion de la Tchécoslovaquie par le Pacte de Varsovie en 1968 en réponse aux réformes d'Alexandre Dubček. Sous Brejnev, le Politburo abandonna les expériences de décentralisation de Khrouchtchev. En 1966, deux ans après son arrivée au pouvoir, Brejnev abolit les conseils économiques régionaux, organisés pour gérer les économies régionales de l'Union soviétique. Le neuvième plan quinquennal a apporté un changement : pour la première fois, les produits de consommation industriels ont dépassé la production des biens d'équipement industriels. Les biens de consommation tels que les montres, les meubles et les radios étaient produits en abondance. Le plan laissait toujours l'essentiel des investissements de l'État à la production de biens d'équipement industriels. Ce résultat n’a pas été considéré comme un signe positif pour l’avenir de l’État soviétique par la majorité des hauts fonctionnaires du parti au sein du gouvernement ; en 1975, les biens de consommation connaissaient une croissance 9 % plus lente que les biens d’équipement industriels. Cette politique s'est poursuivie malgré l'engagement de Brejnev de procéder à une réorientation rapide des investissements pour satisfaire les consommateurs soviétiques et conduire à un niveau de vie encore plus élevé. Cela ne s'est pas produit. Entre 1928 et 1973, l’Union soviétique connaissait une croissance économique à un rythme qui finirait par rattraper celle des États-Unis et de l’Europe occidentale. Cela était vrai malgré l’avantage dont disposaient les États-Unis : l’URSS était gênée par les effets de la Seconde Guerre mondiale, qui avait laissé la majeure partie de l’URSS occidentale en ruines. En 1973, le processus de rattrapage par rapport au reste de l’Occident a pris fin brutalement, et 1973 a été considérée par certains chercheurs comme le début de l’ère de la stagnation. Le début de la stagnation a coïncidé avec une crise financière en Europe occidentale et aux États-Unis. Au début des années 1970, l'Union soviétique possédait la deuxième plus grande capacité industrielle au monde et produisait plus d'acier, de pétrole, de fonte, de ciment et de tracteurs que tout autre pays. . Avant 1973, l’économie soviétique connaissait une croissance légèrement plus rapide que celle des États-Unis. L'URSS a également maintenu un rythme soutenu par rapport aux économies de l'Europe occidentale. Entre 1964 et 1973, l’économie soviétique représentait environ la moitié de la production par habitant de l’Europe occidentale et un peu plus du tiers de celle des États-Unis. Politique agricole La politique agricole de Brejnev renforça les méthodes conventionnelles d'organisation des fermes collectives. Les quotas de production ont continué à être imposés au niveau central. La politique de fusion des fermes de Khrouchtchev a été poursuivie par Brejnev, car il partageait la conviction de Khrouchtchev selon laquelle des kolkhozes plus grands augmenteraient la productivité. Brejnev a poussé à une augmentation des investissements de l'État dans l'agriculture, qui ont atteint un niveau record dans les années 1970, soit 27 % de tous les investissements de l'État – ce chiffre n'incluait pas les investissements dans l'équipement agricole. Rien qu’en 1981, 33 milliards de dollars américains (selon le taux de change actuel) ont été investis dans l’agriculture. La production agricole en 1980 était de 21 pour cent supérieure au taux de production moyen entre 1966 et 1970. La production céréalière a augmenté de 18 pour cent. Ces résultats améliorés n’étaient pas encourageants. En Union Soviétique, le critère d’évaluation de la production agricole était la récolte des céréales. L'importation de céréales, commencée sous Khrouchtchev, était en fait devenue un phénomène normal selon les normes soviétiques. Lorsque Brejnev a eu des difficultés à conclure des accords commerciaux avec les États-Unis, il est allé ailleurs, notamment en Argentine. Le commerce était nécessaire parce que la production intérieure de cultures fourragères de l'Union soviétique était gravement déficiente. Un autre secteur qui heurtait le mur était la récolte de betterave sucrière, qui avait diminué de 2 % dans les années 1970. La manière dont Brejnev a résolu ces problèmes a été d'augmenter les investissements de l'État. Gennady Voronov, membre du Politburo, a plaidé pour la division de la main-d'œuvre de chaque ferme en ce qu'il a appelé des « maillons ». Ces « maillons » se verraient confier des fonctions spécifiques, comme par exemple gérer l'unité laitière d'une exploitation. Son argument était que plus la main-d’œuvre était nombreuse, moins elle se sentait responsable. Ce programme avait été proposé à Joseph Staline par Andreï Andreïev dans les années 1940, et Khrouchtchev s'y était opposé avant et après la mort de Staline. Voronov n'a pas non plus réussi ; Brejnev l'a refusé et en 1973, il a été démis du Politburo. L'expérimentation des « liens » n'a pas été interdite au niveau local, Mikhaïl Gorbatchev, alors premier secrétaire du Comité régional de Stavropol, expérimentant les liens dans sa région. Entre-temps, l'implication du gouvernement soviétique dans l'agriculture était, selon Robert Service, par ailleurs « dépourvue d'imagination » et « incompétente ». Face aux problèmes croissants de l'agriculture, le Politburo a publié une résolution intitulée ; "Sur le développement ultérieur de la spécialisation et de la concentration de la production agricole sur la base de la coopération inter-exploitations et de l'intégration agro-industrielle". La résolution ordonnait aux kolkhozes proches les uns des autres de collaborer dans leurs efforts pour augmenter la production. Entre-temps, les subventions de l'État au secteur alimentaire et agricole n'ont pas empêché les exploitations agricoles en faillite de fonctionner : la hausse des prix des produits agricoles a été compensée par la hausse du coût du pétrole et d'autres ressources. En 1977, le prix du pétrole était 84 % plus élevé qu’à la fin des années 1960. Le coût des autres ressources avait également grimpé à la fin des années 1970. La réponse de Brejnev à ces problèmes fut de publier deux décrets, l'un en 1977 et l'autre en 1981, qui appelaient à augmenter la taille maximale des parcelles privées en Union soviétique à un demi-hectare. Ces mesures ont supprimé d’importants obstacles à l’expansion de la production agricole, mais n’ont pas résolu le problème. Sous Brejnev, les parcelles privées rapportaient 30 % de la production agricole nationale alors qu’elles ne cultivaient que 4 % des terres. Cela a été considéré par certains comme une preuve que la décollectivisation était nécessaire pour empêcher l’effondrement de l’agriculture soviétique, mais les principaux politiciens soviétiques ont hésité à soutenir des mesures aussi drastiques en raison d’intérêts idéologiques et politiques. Les problèmes sous-jacents étaient la pénurie croissante de travailleurs qualifiés, une culture rurale détruite, la rémunération des travailleurs proportionnellement à la quantité plutôt qu'à la qualité de leur travail, des machines agricoles trop grandes pour les petites fermes collectives et des campagnes sans routes. Face à cela, les seules options de Brejnev étaient des projets tels que de grands projets de bonification des terres et d'irrigation, ou bien sûr, des réformes radicales. Stagnation économique L'ère de stagnation, terme inventé par Mikhaïl Gorbatchev, était considérée comme le résultat d'un ensemble de facteurs, notamment la « course aux armements » en cours entre les deux superpuissances, l'Union soviétique et les États-Unis ; la décision de l'Union soviétique de participer au commerce international (abandonnant ainsi l'idée d'isolement économique) tout en ignorant les changements survenant dans les sociétés occidentales ; la dureté croissante de sa politique, comme l'envoi de chars soviétiques pour écraser le Printemps de Prague en 1968 ; l'intervention en Afghanistan; la bureaucratie nationale étouffante supervisée par un cadre d’hommes âgés ; le manque de réforme économique ; la corruption politique, les goulots d'étranglement de l'approvisionnement et d'autres problèmes structurels non résolus de l'économie sous le règne de Brejnev. La stagnation sociale au niveau national a été stimulée par la demande croissante de travailleurs non qualifiés, les pénuries de main-d'œuvre et le déclin de la productivité et de la discipline du travail. Alors que Brejnev, quoique « sporadiquement », par l’intermédiaire d’Alexeï Kossyguine, tentait de réformer l’économie à la fin des années 1960 et dans les années 1970, il ne parvint finalement pas à produire de résultats positifs. L’une de ces réformes fut la réforme économique de 1965, initiée par Kossyguine, même si ses origines remontent souvent à l’ère Khrouchtchev. La réforme a été annulée par le Comité central, même si le Comité a reconnu l'existence de problèmes économiques. En 1973, l’économie soviétique a ralenti et a commencé à prendre du retard par rapport à celle de l’Occident en raison du niveau élevé des dépenses consacrées aux forces armées et de l’insuffisance des dépenses consacrées à l’industrie légère et aux biens de consommation. L'agriculture soviétique ne pouvait pas nourrir la population urbaine, et encore moins assurer l'augmentation du niveau de vie, que le gouvernement promettait comme le fruit d'un « socialisme mûr » et dont dépendait la productivité industrielle. L'un des critiques les plus éminents de la politique économique de Brejnev était Mikhaïl Gorbatchev qui, lorsqu'il était dirigeant, a qualifié l'économie sous le règne de Brejnev de « stade le plus bas du socialisme ». Les taux de croissance du PNB soviétique ont commencé à diminuer dans les années 1970 par rapport au niveau des années 1950 et 1960 ; ses taux de croissance ont commencé à être à la traîne par rapport à ceux de l’Europe occidentale et des États-Unis. Le taux de croissance du PNB ralentissait à 1 à 2 % par an et, avec la technologie soviétique de plus en plus en retrait par rapport à celle de l’Occident, l’Union soviétique était confrontée à une stagnation économique au début des années 1980. Durant les dernières années de Brejnev au pouvoir, la CIA a surveillé la croissance économique de l'Union soviétique et a rapporté que l'économie soviétique avait atteint son apogée dans les années 1970, calculant qu'elle avait alors atteint 57 % du PNB américain. L’écart de développement entre les deux pays s’est creusé, les États-Unis connaissant une croissance moyenne de 1 % par an supérieure au taux de croissance de l’Union soviétique. La dernière réforme significative entreprise par le gouvernement Kossyguine, et certains pensent qu'elle remonte à l'ère pré-perestroïka, était une décision conjointe du Comité central et du Conseil des ministres intitulée « Améliorer la planification et renforcer les effets du mécanisme économique sur l'augmentation de l'efficacité de la production. et l'amélioration de la qualité du travail", plus connue sous le nom de réforme de 1979. La réforme, contrairement à la réforme de 1965, visait à accroître la participation économique du gouvernement central en renforçant les devoirs et les responsabilités des ministères. Avec la mort de Kossyguine en 1980, et en raison de l'approche conservatrice de son successeur Nikolai Tikhonov en matière d'économie, très peu de réformes ont été réellement mises en œuvre. Le onzième plan quinquennal de l'Union soviétique a donné un résultat décevant : une croissance de 5 à 4 %. Lors du précédent dixième plan quinquennal, ils avaient tenté d’atteindre l’objectif d’une croissance de 6,1 %, mais sans succès. Brejnev a pu retarder l’effondrement économique en faisant du commerce avec l’Europe occidentale et le monde arabe. L’Union soviétique dépassait encore les États-Unis dans le secteur de l’industrie lourde à l’époque de Brejnev. Un autre résultat dramatique du régime de Brejnev fut que certains pays du bloc de l’Est sont devenus économiquement plus avancés que l’Union soviétique. Société Au cours des dix-huit années pendant lesquelles Brejnev a dirigé l’Union soviétique, le revenu moyen par habitant a augmenté de moitié ; Les trois quarts de cette croissance ont eu lieu dans les années 1960 et au début des années 1970. Durant la seconde moitié du règne de Brejnev, le revenu moyen par habitant a augmenté d'un quart. Dans la première moitié de la période Brejnev, le revenu par habitant a augmenté de 3,5 % par an ; une croissance légèrement inférieure à celle des années précédentes. Cela peut s’expliquer par le revirement par Brejnev de la plupart des politiques de Khrouchtchev. La consommation par habitant a augmenté d'environ 70 % sous Brejnev, mais les trois quarts de cette croissance se sont produits avant 1973 et seulement un quart dans la seconde moitié de son règne. La majeure partie de l’augmentation de la production de consommation au début de l’ère Brejnev peut être attribuée à la réforme Kossyguine. Lorsque la croissance économique de l'URSS s'est arrêtée dans les années 1970, le niveau de vie et la qualité des logements se sont considérablement améliorés. Au lieu d’accorder davantage d’attention à l’économie, les dirigeants soviétiques de Brejnev ont tenté d’améliorer le niveau de vie en Union soviétique en étendant les prestations sociales. Cela a entraîné une augmentation, bien que mineure, du soutien public. Le niveau de vie dans la République socialiste fédérative soviétique de Russie (RSFSR) était inférieur à celui de la République socialiste soviétique de Géorgie (GSSR) et de la République socialiste soviétique d'Estonie (RESS) sous Brejnev ; cela a amené de nombreux Russes à croire que la politique du gouvernement soviétique nuisait à la population russe. L’État déplaçait généralement les travailleurs d’un emploi à un autre, ce qui devint finalement une caractéristique indéracinable de l’industrie soviétique. Les industries gouvernementales telles que les usines, les mines et les bureaux étaient dotées d'un personnel indiscipliné qui faisait de grands efforts pour ne pas faire son travail ; cela a finalement conduit, selon Robert Service, à une « main-d'œuvre timide au travail ». Le gouvernement soviétique n'avait aucune contre-mesure efficace en raison de l'absence de chômage dans le pays. Même si certains domaines se sont améliorés sous Brejnev, la majorité des services civils se sont détériorés et les conditions de vie des citoyens soviétiques ont rapidement chuté. Les maladies étaient en augmentation en raison du déclin du système de santé. L'espace de vie restait plutôt petit par rapport aux normes du Premier Monde, avec un Soviétique moyen vivant sur 13,4 mètres carrés. Des milliers d’habitants de Moscou se sont retrouvés sans abri, la plupart vivant dans des cabanes, des portes ou des tramways garés. La nutrition a cessé de s’améliorer à la fin des années 1970, tandis que le rationnement des produits alimentaires de base est revenu à Sverdlovsk, par exemple. L'État a fourni des installations de loisirs et des congés annuels aux citoyens qui travaillent dur. Les syndicats soviétiques récompensaient leurs membres qui travaillaient dur et leurs familles avec des vacances à la plage en Crimée et en Géorgie. La rigidification sociale est devenue une caractéristique commune de la société soviétique. Durant l’ère stalinienne, dans les années 1930 et 1940, un simple ouvrier pouvait espérer être promu à un emploi de col blanc s’il étudiait et obéissait aux autorités soviétiques. Dans l’Union soviétique de Brejnev, ce n’était pas le cas. Les détenteurs de positions attractives s'y sont accrochés le plus longtemps possible ; la simple incompétence n’est pas considérée comme une bonne raison pour licencier quelqu’un. De cette manière également, la société soviétique léguée par Brejnev était devenue statique. Politiques étrangères et de défense Soviétique-États-Unis rapports Au cours de ses dix-huit années à la tête de l’URSS, la seule innovation majeure de Brejnev en matière de politique étrangère a été la détente. Cela ne différait pas beaucoup du dégel de Khrouchtchev, un assouplissement de la politique intérieure et étrangère lancé par Nikita Khrouchtchev. L'historien Robert Service considère la détente simplement comme une continuation de la politique étrangère de Khrouchtchev. Malgré une certaine tension accrue sous Khrouchtchev, les relations Est-Ouest s’étaient généralement améliorées, comme en témoignent le Traité d’interdiction partielle des essais nucléaires et l’installation de la ligne téléphonique rouge entre la Maison Blanche et le Kremlin. Mais la politique de détente de Brejnev différait de celle de Khrouchtchev sur deux points. La première était qu’il avait des objectifs plus complets et plus vastes et prévoyait la signature d’accords sur le contrôle des armements, la prévention des crises, le commerce Est-Ouest, la sécurité européenne et les droits de l’homme. La deuxième partie de la politique reposait sur l’importance d’égaliser la force militaire des États-Unis et de l’Union soviétique. Les dépenses de défense sous Brejnev entre 1965 et 1970 ont augmenté de 40 %, et les augmentations annuelles se sont poursuivies par la suite. L'année de la mort de Brejnev, en 1982, 15 % du PNB étaient consacrés à l'armée. Au milieu des années 1970, il devint évident que la politique de détente d’Henry Kissinger à l’égard de l’Union soviétique avait échoué. La détente reposait sur l'hypothèse qu'un certain type de « lien » pouvait être établi.

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À la fin des années 60, Owen Finlay MacLaren a été le pionnier de quel article utile pour les parents de jeunes enfants ?

Baby Buggy

Owen Finlay Maclaren, MBE (1907 - 13 avril 1978) était l'inventeur de la poussette légère avec un ensemble de support pliable et fondateur de la société Maclaren. Début de la vie Il est né à Saffron Walden dans l'Essex d'Andrew Maclaren et Eva (née Friend). Son père est décédé en 1914. Sa famille descend du clan MacLaren à Argyll. Ingénieur d'études Train de roulement Spitfire Il a inventé le train d'atterrissage Spitfire alors qu'il vivait à West Drayton, Middlesex, alors qu'il travaillait pour Maclaren Undercarriage Company Ltd. La conception permettait de diriger ou de faire pivoter l'avion au sol. Il a pris sa retraite de la conception aéronautique en 1944, créant la société Andrews Maclaren et fabriquant des composants d'avions. Poussette pliable L'ancien pilote d'essai et concepteur du train d'atterrissage du Supermarine Spitfire a été inspiré par la visite de sa fille des États-Unis avec son premier petit-enfant. Après avoir vu les parents se débattre avec la poussette conventionnelle encombrante, il a utilisé sa connaissance des structures légères et pliables pour créer une nouvelle génération de moyens de transport pour bébés et inspirer la conception de futurs objets pliables tels que le vélo Strida. Il a conçu son premier buggy en 1965, qui a été construit dans les écuries de sa ferme médiévale à Barby, dans le Northamptonshire en Angleterre, juste au sud de Rugby. Il a déposé une demande de brevet, le 20 juillet 1965, pour son prototype B01 de 6 lb avec des tubes en aluminium léger, recevant le brevet n° 1 154 362. Le 18 juillet 1966, il déposa une demande de brevet américain, recevant le brevet n° 3 390 893. Ce n’est qu’après cette conception que les tubes en aluminium seront utilisés dans d’autres équipements ménagers. Le buggy a été mis en vente en 1967. Il a également conçu la « chaise pliante Gadabout », produite à partir de 1961, et a été chargé par le ministère de la Santé de concevoir un buggy pliable plus grand pour les enfants handicapés plus grands, appelé « Buggy Major ». a été conçu sur des tubes carrés au lieu des tubes ronds habituels comme le « Baby Buggy », produit vers 1970. Aujourd'hui, les versions modernes du « Baby Buggy » sont vendues dans plus de 50 pays sous la marque Maclaren basée à Long Buckby. Vie privée Il était marié à Marie et ils eurent un fils et une fille. En janvier 1978, la reine Elizabeth II lui décerna un MBE sur la liste des honneurs du Nouvel An. Remarques

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Quel est le vrai nom d'Harrison Ford ?

Harrison Ford

Harrison Ford (né le 13 juillet 1942) est un acteur et producteur de films américain. Il a acquis une renommée mondiale pour ses rôles principaux de Han Solo dans la trilogie épique originale d'opéra spatial Star Wars et le personnage principal de la série de films Indiana Jones. Ford est également connu pour ses rôles de Rick Deckard dans le film de science-fiction dystopique néo-noir Blade Runner (1982), de John Book dans le thriller Witness (1985) et de Jack Ryan dans les films d'action Patriot Games (1992) et Clear and Danger actuel (1994). Plus récemment, Ford a repris son rôle de Han Solo dans Star Wars : Le Réveil de la Force (2015). Sa carrière s'étend sur six décennies et comprend des rôles dans plusieurs superproductions hollywoodiennes ; dont le film de guerre épique Apocalypse Now (1979), le drame juridique Presumed Innocent (1990), le film d'action The Fugitive (1993), le thriller d'action politique Air Force One (1997) et le thriller psychologique What Lies Beneath (2000). Sept de ses films ont été intronisés au National Film Registry : American Graffiti (1973), The Conversation (1974), Star Wars (1977), The Empire Strikes Back (1980), Les Aventuriers de l'arche perdue (1981) et Blade Runner. . En 1997, Ford était classé n°1 dans la liste des « 100 meilleures stars de cinéma de tous les temps » d'Empire. En 2016, les recettes au box-office national américain des films de Ford totalisaient plus de 4,7 milliards de dollars américains, avec des recettes mondiales dépassant les 6 milliards de dollars, faisant de Ford la star du box-office national américain la plus rentable. Ford est marié à l'actrice Calista Flockhart, connue pour avoir joué le rôle-titre dans la série comique dramatique Ally McBeal. Début de la vie Ford est né au Swedish Covenant Hospital de Chicago, de Christopher Ford (né John William Ford; 1906-1999), directeur de publicité et ancien acteur, et de Dorothy (née Nidelman; 1917-2004), ancienne actrice de radio. Un frère cadet, Terence, est né en 1945. Les grands-parents paternels de Ford, John Fitzgerald Ford et Florence Veronica Niehaus, étaient respectivement d'origine irlandaise catholique et allemande. Les grands-parents maternels de Ford, Harry Nidelman et Anna Lifschutz, étaient des immigrants juifs de Minsk, en Biélorussie (qui faisait alors partie de l'Empire russe). Lorsqu'on lui a demandé dans quelle religion lui et son frère avaient été élevés, Ford a répondu en plaisantant : « Démocrate », « être des libéraux de tous bords ». Dans une interview télévisée diffusée en août 2000, interrogé sur l'influence que ses ancêtres catholiques irlandais et juifs russes ont pu avoir sur sa vie en tant que personne et en tant qu'artiste, Ford a déclaré avec humour : « En tant qu'homme, je me suis toujours senti irlandais, en tant qu'acteur, je me suis toujours senti juif." Inside the Actors Studio. Harrison Ford, saison 6, épisode 613. 20 août 2000. Ford était actif au sein des Boy Scouts of America et a atteint son deuxième rang le plus élevé, Life Scout. Il a travaillé au camp scout de Napowan Adventure Base en tant que conseiller pour l'insigne de mérite Reptile Study. Pour cette raison, lui et le réalisateur Steven Spielberg ont décidé plus tard de représenter le jeune Indiana Jones comme un éclaireur de vie dans le film Indiana Jones et la dernière croisade. Ils ont également inversé en plaisantant la connaissance de Ford sur les reptiles en la peur des serpents de Jones. En 1960, Ford est diplômé du Maine East High School à Park Ridge, dans l'Illinois. Il s'agissait de la première voix d'étudiant diffusée sur la nouvelle station de radio de son lycée, WMTH, et il en fut le premier animateur sportif au cours de sa dernière année (1959-1960). Il a fréquenté le Ripon College dans le Wisconsin, où il était étudiant en philosophie et membre de la fraternité Sigma Nu. Il a suivi un cours d'art dramatique au dernier trimestre de sa dernière année pour surmonter sa timidité. Ford, qui se décrit lui-même comme un « épanoui tardif », est devenu fasciné par le métier d'acteur. Début de carrière En 1964, après une saison d'été avec les Belfry Players dans le Wisconsin, Ford se rend à Los Angeles pour postuler à un emploi de voix off radio. Il ne l'a pas obtenu, mais est resté en Californie et a finalement signé un contrat de 150 $ par semaine avec le programme New Talent de Columbia Pictures, jouant de petits rôles dans des films. Son premier rôle connu était un rôle non crédité de chasseur dans Dead Heat on a Merry-Go-Round (1966). Il existe peu de traces de ses rôles non parlants (ou de son travail « supplémentaire ») au cinéma. Ford était au bas de la liste d'embauche, après avoir offensé le producteur Jerry Tokovsky après avoir joué un chasseur dans le long métrage. Tokovsky lui a dit que lorsque l'acteur Tony Curtis livrait un sac d'épicerie, il le faisait comme une star de cinéma ; Ford pensait que son travail consistait à agir comme un chasseur. Ford a réussi à obtenir d'autres rôles dans des films, tels que A Time for Killing (The Long Ride Home), avec Glenn Ford, George Hamilton et Inger Stevens. Ses rôles parlants se poursuivirent ensuite avec Luv (1967), bien qu'il ne soit toujours pas crédité. Il a finalement été crédité sous le nom de « Harrison J. Ford » dans le western de 1967, A Time for Killing, mais le « J » ne représentait rien, puisqu'il n'a pas de deuxième prénom. Il a été ajouté pour éviter toute confusion avec un acteur de cinéma muet nommé Harrison Ford, qui est apparu dans plus de 80 films entre 1915 et 1932 et est décédé en 1957. Ford a déclaré plus tard qu'il ignorait l'existence du précédent Harrison Ford jusqu'à son arrivée. sur une étoile portant son propre nom sur le Hollywood Walk of Fame. Ford abandonna bientôt le « J » et travailla pour Universal Studios, jouant des rôles mineurs dans de nombreuses séries télévisées à la fin des années 1960 et au début des années 1970, notamment Gunsmoke, Ironside, The Virginian, The F.B.I., Love, American Style et Kung Fu. Il est apparu dans le western Journey to Shiloh (1968) et a joué un rôle non crédité et non parlant dans le film Zabriskie Point de Michelangelo Antonioni en 1970, en tant qu'étudiant manifestant arrêté. Mécontent des rôles qui lui étaient proposés, Ford est devenu charpentier professionnel autodidacte pour subvenir aux besoins de sa femme d'alors et de ses deux petits fils. Tout en travaillant comme menuisier, il est devenu machiniste pour le groupe de rock populaire The Doors. Il a également construit une terrasse pour l'actrice Sally Kellerman et un studio d'enregistrement pour le chef du groupe brésilien Sérgio Mendes. Le directeur de casting et producteur débutant Fred Roos a défendu le jeune Ford et lui a assuré une audition avec George Lucas pour le rôle de Bob Falfa, que Ford a ensuite joué dans American Graffiti (1973). La relation de Ford avec Lucas affectera profondément sa carrière plus tard. Après le succès du film Le Parrain du réalisateur Francis Ford Coppola, il engagea Ford pour agrandir son bureau et lui confia de petits rôles dans ses deux films suivants, The Conversation (1974) et Apocalypse Now (1979) ; dans ce dernier film, il incarne un officier de l'armée nommé "G. Lucas". Franchises marquantes Guerres des étoiles Le travail précédent d'Harrison Ford dans American Graffiti lui a finalement valu son premier rôle principal au cinéma, lorsqu'il a été embauché par Lucas pour lire les lignes des acteurs auditionnant pour des rôles dans son prochain film Star Wars (1977). Lucas a finalement été conquis par la performance de Ford lors de ces lectures de lignes et l'a choisi pour incarner Han Solo. Star Wars est devenu l’un des films les plus réussis de tous les temps et a fait de Ford une superstar. Il a ensuite joué dans les suites de Star Wars au même succès, L'Empire contre-attaque (1980) et Le Retour du Jedi (1983), ainsi que dans Star Wars Holiday Special (1978). Ford voulait que Lucas tue Han Solo à la fin du Retour du Jedi, en disant: "Cela aurait donné un fond à tout le film", mais Lucas a refusé. Cependant, dans une interview en 2015, Ford a admis qu'« il avait tort » de vouloir que son personnage soit tué. Ford a repris le rôle de Han Solo dans la suite Star Wars : Le Réveil de la Force (2015). Lors du tournage du 11 juin 2014, Ford a subi ce qui serait une fracture de la cheville, lorsqu'une porte hydraulique lui est tombée dessus. Il a été transporté d'urgence à l'hôpital pour y être soigné. Le fils de Ford, Ben, a publié des détails sur la blessure de son père, affirmant que sa cheville aurait probablement besoin d'une plaque et de vis, et que le tournage pourrait être légèrement modifié, l'équipe devant filmer Ford à partir de la taille pendant une courte période jusqu'à ce qu'il récupère. Ford a fait son retour au tournage à la mi-août, après une mise à pied de deux mois alors qu'il se remettait de sa blessure. Le personnage de Ford a été tué dans The Force Awakens ; cependant, il a été annoncé par la suite, via un casting, que Ford reviendrait dans une certaine mesure en tant que Han Solo dans l'épisode VIII. En février 2016, lorsque le casting de l'épisode VIII a été confirmé, il a été indiqué que Ford ne reprendrait pas son rôle dans le film. Lorsqu'on a demandé à Ford si son personnage pouvait revenir sous "une certaine forme", il a répondu : "Tout est possible dans l'espace". Un film dérivé de Han Solo est prévu, mais Ford n'est pas impliqué dans la production. Le Daily Mail a rapporté que Ford avait reçu 16 millions de livres sterling plus une part de 0,5 % des revenus pour apparaître dans The Force Awakens. Dans le film original de 1977, Ford recevait 10 000 $. Indiana Jones Le statut de Ford en tant qu'acteur principal s'est solidifié lorsqu'il a joué le rôle de l'archéologue globe-trotter Indiana Jones dans le film Les Aventuriers de l'arche perdue (1981), une collaboration entre George Lucas et Steven Spielberg. Bien que Spielberg ait été intéressé par le casting de Ford dès le début, Lucas ne l'était pas, car il avait déjà travaillé avec l'acteur dans American Graffiti et Star Wars, mais il a finalement cédé après que Tom Selleck n'ait pas pu accepter. Ford a ensuite joué dans la préquelle Indiana Jones et le Temple maudit (1984) et dans la suite Indiana Jones et la dernière croisade (1989). Il est revenu au rôle une fois de plus pour un épisode de 1993 de la série télévisée The Young Indiana Jones Chronicles, et même plus tard pour le quatrième film Indiana Jones et le Royaume du Crâne de Cristal (2008). Le 15 mars 2016, Walt Disney Studios a annoncé que Ford apparaîtrait dans un cinquième film dont la sortie est prévue en juillet 2019. Autres travaux cinématographiques Ford a joué dans d'autres films, notamment Heroes (1977), Force 10 from Navarone (1978) et Hanover Street (1979). Ford a également joué aux côtés de Gene Wilder dans le western The Frisco Kid (1979), dans lequel il incarnait un braqueur de banque au cœur d'or. Il a ensuite joué le rôle de Rick Deckard dans le classique culte de science-fiction de Ridley Scott, Blade Runner (1982), et dans un certain nombre de films d'action dramatique : Witness de Peter Weir (1985) et The Mosquito Coast (1986), et Frantic de Roman Polanski (1988). ). Les années 1990 ont valu à Ford le rôle de Jack Ryan dans Patriot Games de Tom Clancy (1992) et Clear and Present Danger (1994), ainsi que des rôles principaux dans Presumed Innocent (1990) d'Alan Pakula et The Devil's Own (1997), Andrew Davis' The Fugitive (1993), le remake de Sabrina (1995) par Sydney Pollack et Air Force One (1997) de Wolfgang Petersen. Ford a également joué des rôles dramatiques, notamment celui d'un mari adultère dans Presumed Innocent (1990) et What Lies Beneath (2000), et un amnésique en convalescence dans Mike Nichols' Concernant Henry (1991). De nombreux rôles majeurs de Ford au cinéma lui sont venus par défaut dans des circonstances inhabituelles : il a remporté le rôle de Han Solo alors qu'il lisait des répliques pour d'autres acteurs, a été choisi pour incarner Indiana Jones parce que Tom Selleck n'était pas disponible et a pris le rôle de Jack Ryan soi-disant dû. aux demandes d'honoraires d'Alec Baldwin, bien que Baldwin conteste cela (Baldwin avait déjà joué le rôle dans The Hunt for Red October). Années 1990-2010 À partir de la fin des années 1990, Ford est apparu dans plusieurs films critiqués et commercialement décevants, notamment Six Days Seven Nights (1998), Random Hearts (1999), K-19: The Widowmaker (2002), Hollywood Homicide (2003), Firewall ( 2006) et Mesures extraordinaires (2010). Une exception concerne What Lies Beneath, sorti en 2000, qui a rapporté plus de 155 millions de dollars aux États-Unis et 291 millions de dollars dans le monde. En 2004, Ford a refusé une chance de jouer dans le thriller Syrien, commentant plus tard que "je n'étais pas assez convaincu de la véracité du matériel et je pense que j'ai fait une erreur." Le rôle a finalement été attribué à George Clooney, qui a remporté un Oscar et un Golden Globe pour son travail. Avant cela, il avait cédé un rôle dans un autre rôle écrit par Stephen Gaghan, Robert Wakefield dans Traffic. Ce rôle est allé à Michael Douglas. En 2008, Ford connaît le succès avec la sortie d'Indiana Jones et le Royaume du Crâne de Cristal, une autre collaboration Lucas/Spielberg. Le film a reçu des critiques généralement positives et a été le deuxième film le plus rentable au monde en 2008. Il a déclaré plus tard qu'il aimerait jouer dans une autre suite, "... si cela ne prenait pas encore 20 ans pour le digérer". D'autres travaux de 2008 comprenaient Crossing Over, réalisé par Wayne Kramer. Dans le film, il incarne un agent d'immigration, travaillant aux côtés d'Ashley Judd et Ray Liotta. Il a également raconté un long métrage documentaire sur le Dalaï Lama intitulé Dalai Lama Renaissance. Ford a filmé le drame médical Extraordinary Measures en 2009 à Portland, Oregon. Sorti le 22 janvier 2010, le film mettait également en vedette Brendan Fraser et Alan Ruck. Toujours en 2010, il a joué dans le film Morning Glory, aux côtés de Patrick Wilson, Rachel McAdams et Diane Keaton. En juillet 2011, Ford a joué aux côtés de Daniel Craig et Olivia Wilde dans le western de science-fiction Cowboys & Aliens. Pour promouvoir le film, Ford est apparu au San Diego Comic-Con International et, apparemment surpris par l'accueil chaleureux, a déclaré au public : "Je voulais juste gagner ma vie en tant qu'acteur. Je n'étais pas au courant de ça." En 2011, Ford a joué dans des publicités japonaises annonçant le jeu vidéo Uncharted 3: Drake's Deception pour la PlayStation 3. En 2013, Ford a joué dans le thriller d'espionnage d'entreprise Paranoia, avec Liam Hemsworth et Gary Oldman, et réalisé par Robert Luketic, dans le rôle de ainsi que Ender's Game, 42, et Anchorman 2 : The Legend Continues. Le 26 février 2015, Alcon Entertainment a annoncé que Ford reprendrait son rôle de Rick Deckard dans la suite de Blade Runner. Vie privée Mariages et famille Ford est l'un des acteurs les plus privés d'Hollywood, gardant une grande partie de sa vie personnelle. Il a deux fils, Benjamin (né en 1967) et Willard, avec sa première épouse, Mary Marquardt, avec qui il fut marié de 1964 jusqu'à leur divorce en 1979. Avec sa seconde épouse, la scénariste Melissa Mathison, qu'il épousa en mars 1983 et dont il s'est séparé en août 2001 et a finalement divorcé, il a deux autres enfants, Malcolm et Georgia (nés en 1990). Ford a commencé à sortir avec l'actrice Calista Flockhart après s'être rencontrée aux Golden Globes 2002, et ensemble, ils sont les parents de son fils adoptif, Liam (né en 2001). Ford a proposé à Flockhart pendant le week-end de la Saint-Valentin en 2009. Ils se sont mariés le 15 juin 2010 à Santa Fe, au Nouveau-Mexique, où Ford tournait Cowboys & Aliens. Ford a trois petits-enfants : Eliel (né en 1993), Ethan (né en 2000) et Waylon (2010). Son Benjamin, chef et restaurateur, est propriétaire du Ford's Filling Station, un pub gastronomique du Marriott, L.A. Live, Los Angeles. Son Willard est propriétaire de Strong Sports Gym, copropriétaire de Ford & Ching et propriétaire de la société Ludwig Clothing. Blessure au dos En juin 1983, à 40 ans, lors du tournage d'Indiana Jones et du Temple maudit à Londres, il se fait une hernie discale dans le dos, l'obligeant à rentrer à Los Angeles pour se faire opérer. Il est revenu six semaines plus tard. Blessure à la cheville Le 11 juin 2014, Ford s'est blessé à la cheville lors du tournage de Star Wars : Le Réveil de la Force. Il a été transporté par avion à l'hôpital John Radcliffe d'Oxford, en Angleterre. L'épouse de Ford a rapidement quitté les États-Unis pour se rendre à son lit d'hôpital, car on craignait que les blessures subies sur le tournage ne soient pires qu'on ne le pensait auparavant. Les médecins soupçonnaient que sa cheville aurait pu être cassée et qu'il aurait pu subir une blessure au bassin. Les producteurs ont déclaré que le tournage se poursuivrait comme prévu. Aviation Ford est pilote privé d'avions et d'hélicoptères et possède un ranch de 800 acres à Jackson, dans le Wyoming, dont il a fait don d'environ la moitié en tant que réserve naturelle. À plusieurs reprises, Ford a personnellement fourni des services d'urgence par hélicoptère à la demande des autorités locales, par exemple en sauvant un randonneur souffrant de déshydratation. Ford a commencé sa formation au pilotage dans les années 1960 à l'aéroport Wild Rose Idlewild de Wild Rose, dans le Wisconsin, aux commandes d'un Piper PA-22 Tri-Pacer, mais à 15 dollars de l'heure, il ne pouvait pas se permettre de poursuivre la formation. Au milieu des années 1990, il achète un Gulfstream II d'occasion et demande à l'un de ses pilotes, Terry Bender, de lui donner des cours de pilotage. Ils ont commencé à piloter un Cessna 182 à Jackson, dans le Wyoming, puis à Teterboro, dans le New Jersey, aux commandes d'un Cessna 206, l'avion dans lequel il a volé en solo. Le 23 octobre 1999, Harrison Ford a été impliqué dans l'écrasement d'un hélicoptère Bell 206L4 LongRanger (N36R). Le rapport d'accident du NTSB indique que Ford pilotait l'avion au-dessus du lit de la rivière Lake Piru, près de Santa Clarita, en Californie, lors d'un vol d'entraînement de routine. Lors de sa deuxième tentative d'autorotation avec récupération motorisée, Ford a laissé l'altitude de l'avion descendre entre 150 et 200 pieds avant de commencer la mise sous tension. L'avion n'a pas pu récupérer de la puissance avant de percuter le sol. L'avion a atterri durement et a commencé à déraper vers l'avant dans le gravier avant qu'un de ses patins ne heurte une bûche partiellement enfoncée, renversant l'avion sur le côté. Ni Ford ni le pilote instructeur n'ont été blessés, bien que l'hélicoptère ait été gravement endommagé. Interrogé sur l'incident par son collègue pilote James Lipton dans une interview dans l'émission télévisée Inside the Actor's Studio, Ford a répondu : "Je l'ai cassé". Ford garde son avion à l'aéroport de Santa Monica, bien que le Bell 407 soit souvent conservé et piloté à Jackson, dans le Wyoming, et ait été utilisé par l'acteur dans deux sauvetages en montagne pendant le temps de service assigné à l'acteur pour aider la recherche et le sauvetage du comté de Teton. Lors de l'un des sauvetages, Ford a récupéré un randonneur perdu et désorienté. Elle est montée à bord du Bell 407 de Ford et a rapidement vomi dans l'une des casquettes des sauveteurs, ignorant qui était le pilote jusqu'à bien plus tard ; "Je n'arrive pas à croire que j'ai vomi dans l'hélicoptère d'Harrison Ford !" dit-elle plus tard. Ford pilote son de Havilland Canada DHC-2 Beaver (N28S) plus que n'importe lequel de ses autres avions, et a déclaré à plusieurs reprises qu'il aimait cet avion et le son de son moteur radial Pratt & Whitney R-985. Selon Ford, il avait volé dans le cadre des opérations d'Air America de la CIA et était criblé d'impacts de balles qui devaient être réparés. En mars 2004, Ford est officiellement devenu président du programme Young Eagles de l'Experimental Aircraft Association (EAA). Ford a été invité à occuper ce poste par Greg Anderson, vice-président principal de l'EAA à l'époque, pour remplacer le général Charles « Chuck » Yeager, qui quittait le poste qu'il occupait depuis de nombreuses années. Ford a d'abord hésité, mais a ensuite accepté l'offre et a fait des apparitions avec les Young Eagles au rassemblement EAA AirVenture Oshkosh à Oshkosh, Wisconsin, pendant deux ans. En juillet 2005, lors du rassemblement à Oshkosh, Ford a accepté d'accepter ce poste pour deux ans supplémentaires. Ford a transporté plus de 280 enfants dans le cadre du programme Young Eagles, généralement à bord de son DHC-2 Beaver, qui peut accueillir l'acteur et cinq enfants. Il est impliqué dans le chapitre de l'EAA à Driggs, Idaho, juste au-delà de la chaîne Teton de Jackson, Wyoming. Depuis 2009, Ford apparaît dans des publicités Internet pour General Aviation Serves America, une campagne du groupe de défense Aircraft Owners and Pilots Association (AOPA). Il est également apparu dans plusieurs documentaires aéronautiques indépendants, notamment Wings Over the Rockies (2009), Flying The Feathered Edge: The Bob Hoover Project (2014) et Living in the Age of Airplanes (2015). Ford est membre honoraire du conseil d'administration de l'organisation aéronautique humanitaire Wings of Hope. Le 5 mars 2015, l'avion de Ford, qui serait un Ryan PT-22 Recruit, a effectué un atterrissage d'urgence sur le parcours de golf Penmar à Venice, en Californie. Ford avait signalé par radio que l'avion avait subi une panne moteur. Il a été emmené au centre médical Ronald Reagan de l'UCLA, où il serait dans un état passable à modéré. Ford a subi une fracture du bassin et de la cheville lors de l'accident, ainsi que d'autres blessures. Activisme Causes environnementales Ford est vice-président de Conservation International, une organisation environnementale américaine à but non lucratif dont le siège est à Arlington, en Virginie. L'intention de l'organisation est de protéger la nature. L'institution tente de combiner les services ou les avantages de la science, du travail sur le terrain et du partenariat pour trouver des solutions globales aux problèmes mondiaux. Trois façons dont CI résout les problèmes liés à la nature sont les suivantes : 1) identifier et se déplacer pour protéger les endroits cruciaux, tels que ceux qui affectent l'eau, la nourriture et l'air ; 2) travailler avec de grandes entreprises impliquées dans les secteurs de l'énergie et de l'agriculture pour garantir la protection de l'environnement ; et 3) travailler avec les gouvernements pour garantir qu'ils disposent des connaissances et des outils appropriés pour élaborer des politiques respectueuses de l'environnement. Depuis ses origines en tant qu'ONG dédiée à la protection de la biodiversité tropicale, CI est devenue une organisation qui travaille avec les gouvernements, les scientifiques, les fondations caritatives et les entreprises. CI a été critiquée pour ses liens avec des entreprises ayant un mauvais bilan environnemental telles que BP, Cargill, Chevron, Monsanto et Shell et pour avoir prétendument proposé des services de greenwashing. CI a également été critiquée pour son manque de jugement dans ses dépenses avec l'argent des donateurs. En septembre 2013, Ford, alors qu'il tournait un documentaire environnemental en Indonésie, a interviewé le ministre indonésien des Forêts, Zulkifli Hasan. Après l'entretien, le conseiller présidentiel, Andi Arief, a accusé Ford et son équipe de "harcèlement des institutions de l'État" et les a publiquement menacés d'expulsion. Les questions de l'entretien concernaient le parc national Tesso Nilo, Sumatra. Il a été allégué que le ministre des Forêts n'avait reçu aucun avertissement préalable concernant les questions ni la possibilité d'expliquer les difficultés rencontrées pour attraper les personnes qui exploitaient illégalement des forêts. Ford a eu une audience avec le président indonésien, Susilo Bambang Yudhoyono, au cours de laquelle il a exprimé ses inquiétudes concernant la dégradation de l'environnement en Indonésie et les efforts du gouvernement pour lutter contre le changement climatique. En réponse, le président a expliqué l'engagement de l'Indonésie à préserver ses océans et ses forêts. En 1993, l'arachnologue Norman Platnick a nommé une nouvelle espèce d'araignée Calponia harrisonfordi, et en 2002, l'entomologiste Edward O. Wilson a nommé une nouvelle espèce de fourmi Pheidole harrisonfordi (en reconnaissance du travail de Harrison en tant que vice-président de Conservation International). Depuis 1992, Ford a prêté sa voix à une série de messages d'intérêt public promouvant l'implication environnementale pour EarthShare, une fédération américaine d'associations caritatives environnementales et de conservation. Ford a été porte-parole de Restore Hetch Hetchy, une organisation à but non lucratif dédiée à la restauration de la vallée Hetch Hetchy du parc national de Yosemite dans son état d'origine. Ford apparaît dans la série documentaire Years of Living Dangerously, qui fournit des rapports sur les personnes touchées par le changement climatique et cherchant des solutions à celui-ci. Opinions politiques Comme ses parents, Ford est un démocrate de toujours et un ami proche de l'ancien président Bill Clinton. Le 7 septembre 1995, Ford a témoigné devant la commission des relations étrangères du Sénat américain en faveur du Dalaï Lama et d'un Tibet indépendant. En 2008, il a raconté le documentaire Dalai Lama Renaissance. En 2003, il a publiquement condamné la guerre en Irak et appelé à un « changement de régime » aux États-Unis. Il a également critiqué Hollywood pour avoir réalisé des films violents et a appelé à davantage de contrôle des armes à feu aux États-Unis. Après que le candidat républicain à la présidentielle, Donald Trump, ait déclaré que son rôle préféré de Ford était Air Force One parce qu'il « défendait l'Amérique », Ford a estimé qu'il ne s'agissait que d'un film et doutait que la candidature présidentielle de Trump soit couronnée de succès. Archéologie Suite à son succès dans le rôle de l'archéologue Indiana Jones, Ford joue également un rôle en soutenant le travail des archéologues professionnels. Il est administrateur général du conseil d'administration de l'Institut archéologique d'Amérique (AIA), la plus ancienne et la plus grande organisation d'Amérique du Nord consacrée au monde de l'archéologie. Ford les assiste dans leur mission de sensibilisation du public à l'archéologie et de prévention du pillage et du commerce illégal d'antiquités. Filmographie sélectionnée Récompenses et honneurs Ford a reçu une nomination pour l'Oscar du meilleur acteur pour Witness, pour lequel il a également reçu des nominations aux BAFTA et aux Golden Globes pour le « Meilleur acteur ». Il a reçu le prix Cecil B. DeMille aux Golden Globe Awards 2002 et le 2 juin 2003, il a reçu une étoile sur le Hollywood Walk of Fame. Il a reçu trois nominations supplémentaires aux Golden Globes du « Meilleur acteur » pour The Mosquito Coast, The Fugitive et Sabrina. Il a reçu le tout premier Hero Award pour ses nombreux rôles emblématiques, dont Indiana Jones et Han Solo, aux Scream Awards 2007, et en 2008, le Guy's Choice Award de Spike TV pour Brass Balls. Les deux rôles lui ont valu deux Saturn Awards du meilleur acteur en 1981 et 2015, respectivement. Ford a également été honoré à plusieurs reprises pour son implication dans l'aviation générale, recevant le Living Legends of Aviation Award et le Freedom of Flight Award de l'EAA en 2009, le Wright Brothers Memorial Trophy en 2010 et le Al Ueltschi Humanitarian Award en 2013. En 2013, Flying Le magazine l'a classé au 48e rang sur sa liste des 51 héros de l'aviation. Harrison Ford a reçu le AFI Life Achievement Award en 2000.

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Quel record de circuits Mark McGwire a-t-il battu au cours de la saison 1998 ?

Roger Maris

Au baseball, un home run (abrégé HR, également « homer », « dinger », « bomb », « blast » ou « four-bagger ») est marqué lorsque la balle est frappée de telle manière que le frappeur est capable faire le tour des bases et rentrer chez soi en toute sécurité dans un seul jeu sans qu'aucune erreur ne soit commise par l'équipe défensive dans le processus. Dans le baseball moderne, l'exploit est généralement réalisé en frappant la balle par-dessus la clôture du champ extérieur entre les faux poteaux (ou en entrant en contact avec l'un ou l'autre des faux poteaux) sans toucher au préalable le sol, ce qui entraîne un home run automatique. Il y a aussi le home run « à l'intérieur du parc », de plus en plus rare dans le baseball moderne, où le frappeur rentre chez lui en toute sécurité pendant que le baseball est en jeu sur le terrain. Lorsqu'un home run est marqué, le frappeur est également crédité d'un coup sûr et d'un point marqué, ainsi que d'un point produit pour chaque coureur qui marque, y compris lui-même. De même, le lanceur est enregistré comme ayant accordé un coup sûr et un point pour chaque coureur qui marque, y compris le frappeur. Les circuits sont parmi les aspects les plus populaires du baseball et, par conséquent, les frappeurs de circuits prolifiques sont généralement les plus populaires parmi les fans et, par conséquent, les mieux payés par les équipes - d'où le vieil adage, diversement attribué au cogneur Ralph Kiner ou à un coéquipier. à propos de Kiner, "les frappeurs de home run conduisent des Cadillac et les frappeurs en simple conduisent des Ford." Types de circuits Hors du parc Le type de home run le plus courant consiste à frapper la balle par-dessus la clôture du champ extérieur, ou au-dessus d'une ligne sur la clôture du champ extérieur spécialement conçue pour indiquer un home run, en vol, en territoire des bonnes balles, sans qu'il soit attrapé ou dévié par un voltigeur vers l'intérieur. le terrain de jeu. Ceci est parfois appelé un home run "hors du stade", bien que ce terme soit fréquemment utilisé pour indiquer un coup qui dégage complètement tout siège extérieur, car un home run est généralement automatiquement supposé avoir quitté le terrain de jeu, sauf indication contraire. Une balle frappée qui touche le sol (en territoire des bonnes balles) et rebondit hors du jeu n'est pas un home run, mais un « double automatique » dans la plupart des stades (familièrement appelé double selon les règles de base). Il est également possible de réussir un grand chelem, c'est-à-dire un home run avec un coureur sur chaque but. Une balle frappée est également considérée comme un coup de circuit si la balle touche l'un des éléments suivants pendant son vol, même si la balle rebondit par la suite sur le terrain de jeu : * Poteau de faute ou écran attaché * Tout objet fixe pour lequel les règles de base d'un stade particulier stipulent spécifiquement qu'une balle frappée frappant cet objet est un home run. Cela s'applique généralement aux objets tels que les tableaux d'affichage ou les éléments architecturaux qui se trouvent au-delà de la clôture du champ extérieur en territoire des bonnes balles, mais qui sont situés de telle sorte qu'il est difficile pour un arbitre de juger rapidement leur position par rapport au terrain à plusieurs centaines de pieds. * Gant, chapeau ou tout équipement ou vêtement délibérément lancé par un joueur défensif pour tenter d'arrêter ou de dévier une bonne balle qui, de l'avis des arbitres, aurait autrement été un home run. Un home run accompli de l’une des manières ci-dessus est un home run automatique. La balle est considérée comme morte et le frappeur et les coureurs précédents ne peuvent à aucun moment être retirés pendant qu'ils courent sur les buts. Cependant, si un ou plusieurs coureurs ne parviennent pas à toucher une base ou si un coureur en dépasse un autre avant d'atteindre le marbre, ce ou ces coureurs peuvent être retirés en appel, bien que dans le cas de ne pas toucher une base, un coureur peut revenir en arrière et la toucher. si cela ne les fera pas dépasser par un autre coureur précédent et qu'ils n'ont pas encore touché le but suivant (ou le marbre en cas de troisième but manquant). Cette stipulation figure dans la décision approuvée (2) de la règle 7.10(b). Home run à l’intérieur du parc Un home run à l'intérieur du parc se produit lorsqu'un frappeur frappe la balle en jeu et est capable de faire le tour des buts avant que les joueurs défensifs puissent le retirer. Contrairement à un home run à l'extérieur du parc, le frappeur-coureur et tous les coureurs précédents sont susceptibles d'être retirés par l'équipe défensive à tout moment pendant qu'ils courent sur les buts. Cela ne peut se produire que si le ballon ne quitte pas le terrain de balle. Au début du baseball, les champs extérieurs étaient relativement beaucoup plus spacieux, ce qui réduisait la probabilité d'un coup de circuit au-dessus de la clôture, tout en augmentant la probabilité d'un coup de circuit à l'intérieur du parc, car une balle dépassant un voltigeur avait plus de chances de réussir un coup de circuit. distance qu'il pourrait parcourir avant qu'un joueur défensif puisse le retrouver. Avec des champs extérieurs beaucoup moins spacieux et plus uniformément conçus qu'au début du jeu, les circuits à l'intérieur du parc sont désormais rares. Ils sont généralement le résultat d'une balle frappée par un coureur très rapide, associée à un voltigeur qui a mal évalué le vol de la balle (par exemple, plonge et a raté) ou la balle a rebondi de manière inattendue. Quoi qu'il en soit, cela envoie le ballon dans un espace ouvert dans le champ extérieur et permet ainsi au frappeur-coureur de faire le tour des buts avant que l'équipe défensive ne puisse le retirer. La vitesse du coureur est cruciale car même les triples sont relativement rares dans la plupart des stades de baseball modernes. Si un jeu défensif sur un home run à l'intérieur du parc est qualifié d'erreur par le buteur officiel, un home run n'est pas marqué ; au lieu de cela, il est marqué comme un simple, un double ou un triple, et le frappeur-coureur et tous les coureurs précédents concernés auraient pris tous les buts supplémentaires par erreur. Cependant, tous les points marqués sur un tel jeu comptent toujours. Un exemple de rebond inattendu s'est produit lors du match des étoiles de la Ligue majeure de baseball 2007 à AT&T Park à San Francisco le 10 juillet 2007. Ichiro Suzuki, de l'équipe de la Ligue américaine, a frappé un ballon sur le mur du terrain au centre droit, ce qui a fait un carambolage. dans la direction opposée à celle où le voltigeur droit de la Ligue nationale Ken Griffey, Jr. s'attendait à ce que cela aille. Au moment où le ballon a été relayé, Ichiro avait déjà traversé le marbre debout. Il s'agissait du premier home run à l'intérieur du parc de l'histoire du All-Star Game et a conduit Suzuki à être nommé joueur le plus utile du jeu. Nombre de points produits Les circuits sont souvent caractérisés par le nombre de coureurs sur les buts à ce moment-là. Un coup de circuit avec les buts vides est rarement appelé un « circuit d'un point », mais plutôt un circuit en solo, un circuit en solo ou un « tir en solo ». Avec un coureur sur les buts, deux points sont marqués (le coureur de but et le frappeur) et donc le coup de circuit est souvent appelé circuit de deux points ou tir de deux points. De même, un circuit avec deux coureurs sur les buts est un circuit de trois points ou un tir de trois points. Le terme « circuit de quatre points » est rarement utilisé ; au lieu de cela, on l'appelle presque toujours un « grand chelem ». Réussir un grand chelem est le meilleur résultat possible pour le tour du frappeur au bâton et le pire résultat possible pour le lanceur et son équipe. Grand Chelem Un grand chelem se produit lorsque les buts sont « chargés » (c'est-à-dire qu'il y a des coureurs de but debout au premier, au deuxième et au troisième but) et que le frappeur frappe un circuit. Selon le Dickson Baseball Dictionary, le terme trouve son origine dans le jeu de cartes du contract bridge. Un grand chelem à l'intérieur du parc est un grand chelem qui est aussi un home run à l'intérieur du parc, un home run sans que le ballon ne quitte le terrain, et c'est très rare, en raison de la relative rareté du chargement des buts le long du terrain. avec la rareté importante (de nos jours) des circuits à l'intérieur du parc. Le 25 juillet 1956, Roberto Clemente est devenu le seul joueur de la MLB à avoir jamais marqué un grand chelem à l'intérieur du parc lors d'une victoire 9-8 des Pirates de Pittsburgh contre les Cubs de Chicago, à Forbes Field. Le 23 avril 1999, Fernando Tatís est entré dans l'histoire en réussissant deux tournois du Grand Chelem en une seule manche, tous deux contre Chan Ho Park des Dodgers de Los Angeles. Avec cet exploit, Tatís a également établi un record de la Ligue majeure avec 8 points produits en une seule manche. Le 29 juillet 2003, contre les Rangers du Texas, Bill Mueller des Red Sox de Boston est devenu le seul joueur de l'histoire des ligues majeures à réussir deux tournois du Grand Chelem en un seul match depuis des côtés opposés du marbre. En fait, il a réussi trois circuits dans ce match, et ses deux tournois du Grand Chelem se sont déroulés au bâton consécutivement. Le 25 août 2011, les Yankees de New York sont devenus la première équipe à remporter trois tournois du Grand Chelem en un seul match contre les A's d'Oakland. Les Yankees ont finalement remporté le match 22-9, après avoir été menés 7-1. Coups de circuit en situation particulière Ces types de circuits sont caractérisés par la situation de jeu spécifique dans laquelle ils se produisent et peuvent théoriquement se produire lors d'un circuit à l'extérieur du parc ou à l'intérieur du parc. Coup de circuit Un coup de circuit est un coup de circuit frappé par l'équipe locale en fin de neuvième manche, dans toute manche supplémentaire ou dans toute autre manche finale programmée, qui donne l'avantage à l'équipe locale et met ainsi fin au match. Le terme est attribué au lanceur de relève du Temple de la renommée Dennis Eckersley, ainsi nommé parce qu'une fois le point marqué, les joueurs peuvent « quitter » le terrain. Deux séries mondiales se sont terminées par un home run "walk-off". Le premier a été la Série mondiale de 1960 lorsque Bill Mazeroski des Pirates de Pittsburgh a réussi un home run en solo en 9e manche lors du 7e match de la série contre le lanceur des Yankees de New York Ralph Terry pour donner aux Pirates le championnat du monde. La deuxième fois, c'était lors de la Série mondiale de 1993 lorsque Joe Carter des Blue Jays de Toronto a frappé un circuit de 3 points en 9e manche contre le lanceur des Phillies de Philadelphie, Mitch Williams, lors du sixième match de la série, pour aider les Blue Jays de Toronto à remporter leur deuxième championnat de la Série mondiale. dans une rangée. Un tel coup de circuit peut également être appelé un coup de circuit de « mort subite » ou de « victoire soudaine ». Cette utilisation a diminué à mesure que le « coup de circuit » a gagné en popularité. Avec le tir de Mazeroski en 1960, le circuit le plus célèbre ou à mort subite serait probablement le "Shot Heard 'Round the World" frappé par Bobby Thomson pour remporter le fanion de la Ligue nationale de 1951 pour les Giants de New York. Un coup de circuit par-dessus la clôture est une exception à la règle du baseball d'un point. Normalement, si l'équipe locale est à égalité ou en retard lors de la neuvième manche ou des manches supplémentaires, le match se termine dès que l'équipe locale marque suffisamment de points pour prendre l'avantage. Si l'équipe locale a deux retraits dans la manche et que le match est à égalité, le match se terminera officiellement soit au moment où le frappeur atteint avec succès le 1er but, soit au moment où le coureur touche le marbre, selon la dernière éventualité. Cependant, cette règle est remplacée par la « règle de base », qui prévoit des doubles automatiques (lorsqu'une balle en jeu touche d'abord le sol puis quitte le terrain de jeu) et des circuits (lorsqu'une balle en jeu quitte le terrain de jeu sans touchant jamais le sol). Dans ce dernier cas, tous les coureurs de base, y compris le frappeur, sont autorisés à traverser le marbre. Premier coup de circuit Un premier coup de circuit est un coup de circuit frappé par le premier frappeur d'une équipe, le premier frappeur de la première manche du match. En MLB, Rickey Henderson détient le record avec 81 premiers circuits. Craig Biggio détient le record de la Ligue nationale avec 53, deuxième au classement général derrière Henderson. En 1996, Brady Anderson a établi un record de la Ligue majeure en réussissant un premier coup de circuit lors de quatre matchs consécutifs. Dos à dos Lorsque deux frappeurs consécutifs frappent chacun un circuit, cela est décrit comme des circuits consécutifs. Il est toujours considéré comme consécutif même si les deux frappeurs frappent leurs circuits sur des lanceurs différents. Un troisième frappeur qui réussit un coup de circuit est communément appelé coup sur coup, l'événement le plus récent survenu le jour de l'ouverture, le 4 avril 2016, lorsque Denard Span, Joe Panik et Buster Posey des Giants de San Francisco ont riposté. -coups de circuit consécutifs contre Ariel Pena des Brewers de Milwaukee. Quatre circuits consécutifs par des frappeurs consécutifs ne se sont produits que huit fois dans l'histoire de la Ligue majeure de baseball. Selon la convention, cela s'appelle back-to-back-to-back-to-back. L'événement le plus récent a eu lieu le 11 août 2010, lorsque les Diamondbacks de l'Arizona ont frappé quatre matchs de suite contre les Brewers de Milwaukee à Miller Park alors qu'Adam LaRoche, Miguel Montero, Mark Reynolds et Stephen Drew ont frappé le lanceur Dave Bush. Bush est devenu le troisième lanceur à abandonner des circuits consécutifs, après Paul Foytack le 31 juillet 1963 et Chase Wright le 22 avril 2007. Le 14 août 2008, les White Sox de Chicago battent les Royals de Kansas City 9-2. Dans ce match, Jim Thome, Paul Konerko, Alexei Ramírez et Juan Uribe ont réussi des circuits consécutifs dans cet ordre. Thome, Konerko et Ramirez ont réussi leurs circuits contre Joel Peralta, tandis qu'Uribe l'a fait contre Rob Tejeda. Le frappeur suivant, le défenseur vétéran Toby Hall, a tenté sans but de frapper la balle aussi loin que possible, mais son effort a abouti à un retrait sur prise. Le 22 avril 2007, les Red Sox de Boston étaient menés 3-0 contre les Yankees de New York lorsque Manny Ramirez, J. D. Drew, Mike Lowell et Jason Varitek ont ​​frappé des circuits consécutifs pour les mettre en place. 4–3. Ils ont finalement remporté le match 7–6 après un home run de trois points de Mike Lowell en fin de 7e manche. Le 18 septembre 2006, menés 9 à 5 contre les Padres de San Diego lors de la 9e manche, Jeff Kent, J. D. Drew, Russell Martin et Marlon Anderson des Dodgers de Los Angeles ont frappé consécutivement. des circuits pour égaliser le match. Après avoir accordé un point en début de 10e, les Dodgers ont remporté le match en fin de 10e, sur un home run de deux points de Nomar Garciaparra. J. D. Drew a participé à deux séries différentes de circuits consécutifs. Dans les deux cas, son circuit était le deuxième des quatre. Le 30 septembre 1997, lors de la sixième manche du premier match de la série de divisions de la Ligue américaine entre les Yankees de New York et les Indians de Cleveland, Tim Raines, Derek Jeter et Paul O'Neill ont frappé des circuits consécutifs. pour les Yankees. Le home run de Raines a égalisé le match. New York a gagné 8-6. Il s'agissait de la première occurrence de trois circuits consécutifs en séries éliminatoires. Les Red Sox de Boston ont répété l'exploit lors du quatrième match de la série de championnats de la Ligue américaine 2007, également contre les Indiens. À deux reprises dans l'histoire de la MLB, deux frères ont réussi des circuits consécutifs. Le 23 avril 2013, les frères Melvin Upton, Jr. (anciennement B.J. Upton) et Justin Upton ont réussi des circuits consécutifs. La première fois, c'était le 15 septembre 1938, lorsque Lloyd Waner et Paul Waner réalisèrent l'exploit. De simples circuits consécutifs sont un phénomène relativement fréquent. Si un lanceur abandonne un circuit, sa concentration pourrait être brisée et il pourrait modifier son approche normale pour tenter de « rattraper son retard » en retirant le prochain frappeur sur des prises avec quelques balles rapides. Parfois, le prochain frappeur s’y attendra et en profitera. Un coup de circuit consécutif notable de ce type dans les séries mondiales impliquait le "coup appelé de Babe Ruth" en 1932, qui était accompagné de divers théâtres ruthiens, mais le lanceur, Charlie Root, a été autorisé à rester dans le match. Il n'a lancé qu'un seul lancer supplémentaire, que Lou Gehrig a percé hors du parc pour un tir consécutif, après quoi Root a été retiré du jeu. Lors du troisième match du NLCS 1976, George Foster et Johnny Bench ont réussi des circuits consécutifs dans le dernier du neuvième contre Ron Reed pour égaliser le match. Le point gagnant de la série a été marqué plus tard dans la manche. Une autre paire notable de circuits consécutifs s'est produite le 14 septembre 1990, lorsque Ken Griffey, Sr. et Ken Griffey, Jr. ont frappé des circuits consécutifs, contre Kirk McCaskill, le seul père et fils. duo pour le faire dans l’histoire de la Major League. Le 2 mai 2002, Bret Boone et Mike Cameron des Mariners de Seattle ont frappé des circuits consécutifs contre le partant Jon Rauch lors de la première manche d'un match contre les White Sox de Chicago. Les Mariners se sont battus dans la manche, et Boone et Cameron ont affronté le releveur Jim Parque avec deux retraits, frappant à nouveau des circuits consécutifs et devenant la seule paire de coéquipiers à réussir deux circuits consécutifs. dans la même manche. Le 19 juin 2012, José Bautista et Colby Rasmus ont réussi des circuits consécutifs et des circuits consécutifs avec Edwin Encarnación pour un changement d'avance dans chaque cas. Home runs consécutifs par un frappeur La présence d'individus frappant des circuits lors de présences au bâton consécutives n'est pas inhabituelle, mais trois ou plus sont rares. Si un joueur réussit trois circuits dans un match, on parle de triplé (qui est également utilisé pour un joueur obtenant trois retraits au bâton dans un match). Le record de circuits consécutifs par un frappeur, quelles que soient les circonstances, est de 4. Sur les seize joueurs (jusqu'en 2012) qui en ont réussi 4 en un seul match, six les ont frappés consécutivement. Vingt-huit autres frappeurs ont réussi quatre frappeurs consécutifs en deux matchs. Les buts sur balles ne comptent pas comme au bâton, et Ted Williams détient le record de circuits consécutifs dans le plus grand nombre de matchs, 4 matchs sur quatre joués, du 17 au 22 septembre 1957, pour les Red Sox. Williams a réussi un circuit de pincement le 17 ; a marché comme frappeur de pincement le 18 ; il n'y a pas eu de match le 19 ; a frappé un autre coup de circuit le 20 ; a réussi un circuit puis a été relevé pour un coureur de pincement après au moins un but sur balles, le 21 ; et un circuit après au moins un but sur balles le 22. Au total, il a réalisé 4 buts sur balles entrecoupés de ses 4 circuits. Dans les World Series, Reggie Jackson a atteint un record de trois en un seul match de la Series, le dernier match (match 6) en 1977. Mais ces trois faisaient partie d'un exploit beaucoup plus impressionnant. Il a marché sur quatre lancers lors de la deuxième manche du match 6. Puis il a frappé ses trois circuits sur le premier lancer de ses trois prochains lancers au bâton, sur trois lanceurs différents (4e manche- Hooten, 5e manche- Sosa, 8e manche- Hough). Il en avait également frappé un lors de sa dernière frappe au bâton du match précédent, lui donnant quatre circuits sur quatre swings consécutifs. (Son home run dans le cinquième match a également été frappé sur le premier lancer, bien que cela n'ait ajouté à aucune séquence significative.) Les quatre consécutifs ont établi le record de circuits consécutifs sur deux matchs de la série. Lors du troisième match des World Series en 2011, Albert Pujols a réussi trois circuits pour égaler le record avec Babe Ruth et Reggie Jackson. Les Cardinals de Saint-Louis ont remporté la Série mondiale lors du septième match au Busch Stadium. Lors du premier match des World Series en 2012, Pablo Sandoval des Giants de San Francisco a réussi trois circuits lors de ses trois premiers présences au bâton de la série, égalant également le record avec Pujols, Jackson et Ruth. Nomar Garciaparra détient le record de circuits consécutifs dans le temps le plus court en termes de manches : 3 circuits en 2 manches, le 23 juillet 2002, pour les Red Sox de Boston. Cycle de home run Une émanation du cycle de frappe, un « cycle de home run » est l'endroit où un joueur réussit un home run en solo, 2 points, 3 points et un grand chelem en un seul match. Il s'agit d'un exploit extrêmement rare, car il exige que le frappeur non seulement réussisse quatre circuits dans un match (ce qui lui-même ne s'est produit que 16 fois dans les ligues majeures). /index.jsp?feature=four_homer_game Le site officiel de la Ligue majeure de baseball : Histoire : exploits rares]), mais aussi pour réussir ces circuits avec le nombre spécifique de coureurs déjà sur la base. Bien qu'il s'agisse d'un accomplissement rare, il dépend en grande partie de circonstances indépendantes de la volonté du joueur, telles que la capacité de ses coéquipiers précédents à atteindre la base, ainsi que l'ordre dans lequel il vient frapper au cours d'une manche particulière. Une autre variante du cycle de home run serait le « cycle de home run naturel », qui nécessiterait qu'un frappeur frappe un home run en solo, 2 points, 3 points et un grand chelem dans cet ordre. Bien que plusieurs cycles de circuits aient été enregistrés dans le baseball collégial, le seul cycle de circuits dans un match de baseball professionnel appartient à Tyrone Horne, qui a caressé quatre longues balles pour la ligue mineure, Double-A Arkansas Travelers lors d'un match contre les Missions de San Antonio. le 27 juillet 1998. Le 20 mai 1998, les Indians d'Indianapolis Triple-A ont réalisé un exploit peut-être jamais égalé auparavant dans le baseball professionnel. Dans la cinquième manche d'un match contre les Red Sox de Pawtucket, les joueurs d'Indianapolis ont frappé pour un "Homer Cycle". Pete Rose, Jr. a ouvert la manche avec un home run en solo, Jason Williams s'est connecté pour un tir de 3 points, Glenn Murray a frappé un grand chelem et Guillermo Garcia a terminé le score avec une explosion de 2 points. Les Indiens ont remporté le match 11-4. Un joueur d’une ligue majeure a failli réussir le cycle de circuits à plusieurs reprises. Les exemples récents incluent : *Le 2 avril 1997, Tino Martinez des Yankees de New York était à un grand chelem de réaliser cet exploit contre son ancienne équipe, les Mariners de Seattle. Il a réussi un circuit de 3 points en première manche, un circuit de 2 points en troisième manche et un tir en solo en cinquième manche; tous grâce au lanceur partant Scott Sanders. * Le 26 avril 2005, Alex Rodriguez des Yankees de New York a réussi 3 circuits contre le lanceur des Angels de Los Angeles Bartolo Colón. Rodriguez a réussi un circuit de 3 points, un circuit de 2 points et un grand chelem respectivement dans les première, troisième et quatrième manches. *Le 16 mai 2008, Jayson Werth des Phillies de Philadelphie a réussi 3 circuits contre les lanceurs des Blue Jays de Toronto David Purcey et Jesse Litsch. Werth a réussi un home run de 3 points, un grand chelem et un home run en solo respectivement dans les deuxième, troisième et cinquième manches. * Le 26 juin 2009, André Ethier des Dodgers de Los Angeles a frappé un circuit de trois points contre Jason Vargas en deuxième, un circuit de deux points contre Roy Corcoran en sixième et un circuit en solo contre Miguel Batista en huitième. manche dans un match contre les Mariners de Seattle. * Le 7 juillet 2009, Paul Konerko des White Sox de Chicago a réussi un home run en solo en deuxième manche contre le lanceur des Indians de Cleveland Jeremy Sowers, un grand chelem en sixième manche contre le releveur Chris Perez et un home run de deux points dans la septième manche contre le releveur Winston Abreu. * Le 1er août 2009, Andrew McCutchen des Pirates de Pittsburgh a réussi un circuit en solo dans la première manche, un circuit de deux points dans la quatrième manche et un circuit de trois points dans la sixième manche d'un match contre les Nationals de Washington. *Le 17 septembre 2010, Shin-Soo Choo des Indians de Cleveland a réussi trois circuits contre les Royals de Kansas City. Choo a réussi un circuit de 2 points en quatrième manche, un Grand Chelem en sixième manche et un circuit en solo en huitième manche. *Le 21 juin 2015, J.D. Martinez des Tigers de Détroit a réussi trois circuits contre les Yankees de New York. Martinez a réussi un circuit de 2 points en première manche, un circuit en solo en cinquième manche et un circuit de 3 points en sixième manche. *Le 21 août 2015, Yoenis Céspedes des Mets de New York a réussi trois circuits contre les Rockies du Colorado : un grand chelem en deuxième manche, un circuit en solo en quatrième manche et un circuit de deux points en sixième. tour de batte. *Le 29 août 2015, Edwin Encarnación des Blue Jays de Toronto a réussi trois circuits contre les Tigers de Détroit : un circuit de 3 points en première manche, un circuit de 2 points en sixième manche et un grand chelem en septième manche. *Le 26 septembre 2015, Jarrett Parker des Giants de San Francisco a réussi trois circuits contre les Athletics d'Oakland : un circuit en solo en deuxième manche, un circuit de 2 points en septième manche et un grand chelem en huitième manche. . Histoire du home run Dans les premiers jours du jeu, lorsque le ballon était moins vif et que les terrains de baseball avaient généralement de très grands champs extérieurs, la plupart des circuits étaient de type intérieur du parc. Le premier home run jamais réussi dans la Ligue nationale a été celui de Ross Barnes des Chicago White Stockings (maintenant connus sous le nom de Chicago Cubs), en 1876. Le home run était littéralement descriptif. Les coups de circuit au-dessus de la clôture étaient rares, et uniquement dans les stades de baseball où une clôture était assez proche. Les frappeurs étaient découragés d'essayer de frapper des circuits, la sagesse conventionnelle étant que s'ils essayaient de le faire, ils s'envoleraient simplement. C'était une préoccupation majeure au 19e siècle, car aux débuts du baseball, une balle attrapée après un rebond constituait encore un retrait. L'accent était mis sur les frappes de place et sur ce qu'on appelle aujourd'hui les « courses de fabrication » ou « petite balle ». La place du home run dans le baseball a radicalement changé lorsque l'ère du live-ball a commencé après la Première Guerre mondiale. Premièrement, les matériaux et les processus de fabrication se sont considérablement améliorés, rendant la balle centrée en liège, désormais produite en série, un peu plus vivante. Des frappeurs tels que Babe Ruth et Rogers Hornsby ont pleinement profité des changements de règles institués dans les années 1920, en particulier l'interdiction du spitball et l'obligation de remplacer les balles lorsqu'elles sont usées ou sales. Ces changements ont rendu la balle de baseball plus facile à voir et à frapper, et plus facile à frapper hors du parc. Pendant ce temps, à mesure que la popularité du jeu augmentait, davantage de sièges sur le terrain extérieur ont été construits, réduisant la taille du champ extérieur et augmentant les chances qu'un long ballon aboutisse à un home run. Les équipes avec les cogneurs, représentées par les Yankees de New York, sont devenues les équipes championnes, et d'autres équipes ont dû changer leur orientation du « jeu intérieur » au « jeu de puissance » afin de suivre le rythme. Avant 1931, une balle qui rebondissait par-dessus une clôture extérieure lors d'un match de ligue majeure était considérée comme un coup de circuit. La règle a été modifiée pour exiger que la balle franchisse la clôture à la volée, et les balles qui atteignaient les sièges lors d'un rebond sont devenues des doubles de règle de base dans la plupart des parcs. Un vestige de l'ancienne règle est que si un joueur dévie une balle au-dessus de la clôture du champ extérieur sans qu'elle touche le sol, c'est un coup de circuit. De plus, jusqu'à cette époque environ, le ballon devait non seulement franchir la clôture en territoire des bonnes balles, mais aussi atterrir dans les gradins en territoire des bonnes balles ou encore être visiblement juste en disparaissant derrière un mur. La règle stipulait « juste lors de la dernière vue » par les arbitres. Des photos de cette époque dans des stades de baseball, tels que le Polo Grounds et le Yankee Stadium, montrent des cordes tendues depuis les poteaux des fautes jusqu'à l'arrière des gradins, ou un deuxième « poteau des fautes » à l'arrière des gradins, en ligne droite avec le ligne de faute, comme aide visuelle pour l'arbitre. Les stades de baseball utilisent toujours une aide visuelle un peu comme les cordes ; un filet ou un écran attaché aux poteaux des fausses balles du côté de la foire a remplacé les cordes. Comme dans le football américain, où un touché nécessitait autrefois un « touché » littéral du ballon dans la zone des buts mais ne nécessite désormais que la « rupture du plan [vertical] » de la ligne de but, au baseball, le ballon n'a besoin que de « se briser ». le plan" de la clôture en territoire des bonnes balles (sauf si la balle est attrapée par un joueur qui est en jeu, auquel cas le frappeur est retiré). Le 60e coup de circuit de Babe Ruth en 1927 a été quelque peu controversé, car il a atterri à peine en territoire équitable dans les gradins sur la ligne de terrain droite. Ruth a perdu un certain nombre de circuits au cours de sa carrière en raison de la règle de la dernière fois. Bill Jenkinson, dans The Year Babe Ruth Hit 104 Home Runs, estime que Ruth en a perdu au moins 50 et jusqu'à 78 au cours de sa carrière à cause de cette règle. De plus, les règles stipulaient autrefois qu'un home run au-dessus de la clôture dans une situation de victoire soudaine ne compterait que pour le nombre de buts nécessaires pour « forcer » le run gagnant à rentrer chez lui. Par exemple, si une équipe traînait de deux points avec les buts chargés et que le frappeur frappait une bonne balle par-dessus la clôture, cela ne comptait que comme un triple, car le coureur immédiatement devant lui avait techniquement déjà marqué le point gagnant. Cette règle a été modifiée dans les années 1920, à mesure que les circuits devenaient de plus en plus fréquents et populaires. Le total de 714 en carrière de Babe Ruth aurait été supérieur si cette règle n'avait pas été en vigueur au début de sa carrière. La Ligue majeure de baseball continue de cumuler les totaux de circuits de tous les temps par équipe, y compris les équipes qui ne sont plus actives (avant 1900) ainsi que par joueurs individuels. Gary Sheffield a frappé le 250 000e circuit de l'histoire de la MLB avec un grand chelem le 8 septembre 2008. Sheffield avait frappé le 249 999e circuit de la MLB contre Gio Gonzalez lors de sa précédente présence au bâton. Le record de tous les temps et vérifié du baseball professionnel pour les circuits en carrière pour un joueur, à l'exclusion des ligues noires des États-Unis à l'époque de la ségrégation, est détenu par Sadaharu Oh. Oh a passé toute sa carrière à jouer pour les Yomiuri Giants dans le Nippon Professional Baseball du Japon, puis à diriger les Giants, les Fukuoka SoftBank Hawks et l'équipe japonaise de la World Baseball Classic 2006. Oh détient le record du monde de circuits de tous les temps, après avoir réussi 868 circuits au cours de sa carrière. Dans la Ligue majeure de baseball, le record de carrière est de 762, détenu par Barry Bonds, qui a battu le record de Hank Aaron le 7 août 2007, lorsqu'il a réussi son 756e circuit à AT&T Park face au lanceur Mike Bacsik. Seuls sept autres joueurs des ligues majeures ont atteint jusqu'à 600 : Hank Aaron (755), Babe Ruth (714), Alex Rodriguez (joueur actif) (696), Willie Mays (660), Ken Griffey, Jr. (630), Jim Thome (612) et Sammy Sosa (609). Le record d'une seule saison est de 73, établi par Barry Bonds en 2001. D'autres records notables d'une seule saison ont été réalisés par Babe Ruth qui a atteint 60 en 1927, Roger Maris, avec 61 circuits en 1961, et Mark McGwire, qui en a frappé 70 en 1998. La plaque du Temple de la renommée du baseball du cogneur de la Negro League Josh Gibson indique qu'il a réussi "près de 800" circuits au cours de sa carrière. Le Livre Guinness des records du monde répertorie le total de circuits de Gibson à 800. La série primée de Ken Burns, Baseball, déclare que son total réel pourrait avoir atteint 950. Le véritable total de Gibson n'est pas connu, en partie à cause d'incohérences. tenue des registres dans les ligues nègres. L'édition 1993 de la MacMillan Baseball Encyclopedia a tenté de compiler un ensemble de records de la Negro League, et les travaux ultérieurs ont approfondi cet effort. Ces archives démontrent que Gibson et Ruth avaient un pouvoir comparable. Dans le livre de 1993, Gibson avait réussi 146 circuits lors des 501 matchs «officiels» de la Negro League qu'ils ont pu prendre en compte au cours de ses 17 années de carrière, soit environ 1 circuit tous les 3,4 matchs. Babe Ruth, en 22 saisons (dont plusieurs à l'époque du ballon mort), a réussi 714 en 2503 matchs, soit 1 circuit tous les 3,5 matchs. Le grand écart dans les chiffres pour Gibson reflète le fait que les clubs de la Negro League ont joué relativement beaucoup moins de matchs de championnat et beaucoup plus de matchs de « barnstorming » ou d'exhibition au cours d'une saison, que les clubs des ligues majeures de cette époque. D'autres frappeurs légendaires incluent Jimmie Foxx, Mel Ott, Ted Williams, Mickey Mantle (qui, le 10 septembre 1960, a mythiquement frappé "le plus long home run de tous les temps" à une distance estimée de 643 pieds, bien que cela ait été mesuré après l'arrêt du ballon. roulant ), Reggie Jackson, Harmon Killebrew, Ernie Banks, Mike Schmidt, Dave Kingman, Sammy Sosa (qui a frappé 60 circuits ou plus au cours d'une saison 3 fois), Ken Griffey, Jr. et Eddie Mathews. En 1987, Joey Meyer des Zephyrs de Denver a réussi le plus long circuit vérifiable de l'histoire du baseball professionnel. Le home run a été mesuré à une distance de 582 pieds et a été frappé à l'intérieur du Mile High Stadium de Denver. La plus longue distance de home run vérifiable de la Major League Baseball est d'environ 575 pieds, par Babe Ruth, jusqu'au terrain central immédiat du Tiger Stadium (alors appelé Navin Field et avant le double pont), qui a atterri presque à l'intersection de Trumbull et Cherry. L'endroit où le record du 755e home run de Hank Aaron a atterri a été monumental à Milwaukee. Cet endroit sacré se trouve à l’extérieur de Miller Park, où jouent actuellement les Milwaukee Brewers. De même, le point où a atterri le 715e circuit d'Aaron, après avoir battu le record de carrière de Ruth en 1974, est marqué sur le parking de Turner Field. Un siège peint en rouge à Fenway Park marque le lieu d'atterrissage du home run de 502 pieds frappé par Ted Williams en 1946, le circuit mesuré le plus long de l'histoire de Fenway ; un siège de stade rouge monté sur le mur du Mall of America à Bloomington, Minnesota, marque le point d'atterrissage du tir record de 520 pieds d'Harmon Killebrew dans l'ancien stade métropolitain. Répétition instantanée Les rediffusions « pour bien prendre l'appel » ont été utilisées de manière extrêmement sporadique dans le passé, mais l'utilisation de la rediffusion instantanée pour déterminer les « appels de limite » – circuits et fausses balles – n'a été officiellement autorisée qu'en 2008. Lors d'un match du 31 mai 1999, impliquant les Cardinals de St. Louis et les Marlins de Floride, un coup sûr de Cliff Floyd des Marlins a été initialement jugé comme un double, puis un home run, puis a été reconverti en double lorsque l'arbitre Frank Pulli a décidé pour revoir la vidéo de la pièce. Les Marlins ont protesté contre le fait que la rediffusion vidéo n'était pas autorisée, mais bien que le bureau de la Ligue nationale ait convenu que la rediffusion ne devait pas être utilisée dans les prochains matchs, il a décliné la protestation au motif qu'il s'agissait d'une décision de jugement, et le jeu a été maintenu. En novembre 2007, les directeurs généraux de la Ligue majeure de baseball ont voté en faveur de la mise en œuvre de révisions instantanées des appels de circuits à la limite. votez 25-5 pour utiliser la rediffusion pour faciliter les décisions de home run – MLB] La proposition limitait l'utilisation de la rediffusion instantanée à déterminer si un appel de limite/home run est : * Une balle juste (home run) ou fausse * Une balle vivante (balle touchée par la clôture et rebondie sur le terrain), double règle de base (balle touchée par la clôture avant de quitter le terrain) ou home run (la balle a touché un objet au-delà de la clôture en vol) * Interférence d'un spectateur ou home run (un spectateur a touché le ballon après qu'il ait brisé le plan de la clôture). Le 28 août 2008, la révision instantanée des rediffusions est devenue disponible dans la MLB pour examiner les appels conformément à la proposition ci-dessus. Il a été utilisé pour la première fois le 3 septembre 2008 lors d'un match entre les Yankees de New York et les Rays de Tampa Bay au Tropicana Field. Alex Rodriguez des Yankees a frappé ce qui semblait être un home run, mais le ballon a heurté une passerelle b

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Qui a remporté la première Série mondiale de baseball dans les années 80 ?

Phillies de Philadelphie

Les World Series sont la série de championnats annuels de la Major League Baseball (MLB) en Amérique du Nord, disputée depuis 1903 entre l'équipe championne de la Ligue américaine (AL) et l'équipe championne de la Ligue nationale (NL). Avant 1969, l'équipe avec le meilleur bilan de victoires-défaites en saison régulière dans chaque ligue se qualifiait automatiquement pour les World Series ; depuis lors, chaque ligue organise une série de championnats (ALCS et NLCS) précédant les World Series pour déterminer quelles équipes avanceront. Depuis 2015, les World Series ont été disputées 111 fois, l'AL en remportant 64 et la NL 47. Le vainqueur du championnat des World Series est déterminé au moyen d'une série éliminatoire au meilleur des sept, et l'équipe gagnante reçoit le prix du commissaire. Trophée. Comme la série se joue en octobre (et parfois en novembre), pendant la saison d'automne en Amérique du Nord, elle est souvent appelée la Classique d'automne. Les World Series 2015 se sont déroulées entre les Mets de New York et les Royals de Kansas City, victorieux. Cinq matchs ont été joués, les Royals étant victorieux après le cinquième match, disputé à New York. Le score final était de 7-2 ; le match s'est poursuivi en manches supplémentaires après un score égal de 2-2. Il s'agissait de la deuxième Série mondiale remportée par la franchise et la première en 30 ans. Dans la Ligue américaine, les Yankees de New York ont ​​disputé 40 séries mondiales et en ont remporté 27, les Philadelphia/Kansas City/Oakland Athletics en ont joué 14 et en ont remporté 9, et les Red Sox de Boston en ont joué 12 et en ont remporté 8, dont la première Série Mondiale. Dans la Ligue nationale, les Cardinals de St. Louis sont apparus en 19 et en ont gagné 11, les Giants de New York/San Francisco ont joué en 20 et en ont gagné 8, les Dodgers de Brooklyn/Los Angeles sont apparus en 18 et en ont gagné 6, et les Cincinnati Les rouges sont apparus dans 9 et en ont gagné 5. En 2015, aucune équipe n'a remporté de championnats consécutifs des World Series depuis les Yankees de New York en 1999 et 2000, la plus longue durée de ce type dans l'histoire de la Major League Baseball. Précurseurs des World Series modernes (1857-1902) Les séries mondiales originales Jusqu'à la formation de l'American Association en 1882 en tant que deuxième ligue majeure, la National Association of Professional Base Ball Players (1871-1875), puis la National League (fondée en 1876) représentaient le plus haut niveau du baseball organisé aux États-Unis. Tous les championnats ont été attribués à l'équipe ayant le meilleur bilan à la fin de la saison, sans qu'une série éliminatoire ne soit jouée. De 1884 à 1890, la Ligue nationale et l'Association américaine se sont affrontées dans une série de matchs à la fin de la saison pour déterminer un champion au classement général. Ces séries étaient désorganisées par rapport aux séries modernes : les matchs joués variaient de seulement trois en 1884 (Providence a battu New York trois matchs à zéro) à quinze en 1887 (Detroit a battu Saint-Louis dix matchs à cinq). , et les séries 1885 et 1890 se sont terminées par des égalités, chaque équipe ayant remporté trois matchs avec un match nul. La série a été promue et appelée « Le Championnat des États-Unis », « Série de championnats du monde » ou « Séries du monde » en abrégé. Dans son livre Krakatoa : The Day the World Exploded : August 27, 1883, Simon Winchester mentionne au passage que les World Series portent le nom du journal New York World, mais ce point de vue est contesté. Les compétitions du XIXe siècle ne sont cependant pas officiellement reconnues comme faisant partie de l'histoire des World Series par la Major League Baseball, car elle considère le baseball du XIXe siècle comme un prologue de l'ère du baseball moderne. Jusque vers 1960, certaines sources traitaient les séries du XIXe siècle sur un pied d'égalité avec les séries postérieures au XIXe siècle. Cependant, après 1930 environ, de nombreuses autorités mentionnent le début des World Series en 1903 et discutent séparément des compétitions précédentes. (Par exemple, le World Almanac and Book of Facts de 1929 répertorie les « Championnats du monde de baseball 1884-1928 » dans un seul tableau, mais l'édition de 1943 répertorie les « Championnats du monde de baseball 1903-1942 ». ) 1892-1900 : « Les années du monopole » Suite à l'effondrement de l'Association américaine après la saison 1891, la Ligue nationale était à nouveau la seule ligue majeure. Le championnat de la ligue a été décerné en 1892 par des séries éliminatoires entre les champions d'une demi-saison. Ce projet a été abandonné après une saison. À partir de 1893 - et jusqu'à l'introduction du jeu de division en 1969 - le fanion a été décerné au club qui occupait la première place au classement à la fin de la saison. Pendant quatre saisons, 1894-1897, les champions de la ligue ont joué les finalistes de la série de championnats d'après-saison appelée Temple Cup. Une deuxième tentative de ce format fut la série Chronicle-Telegraph Cup, qui n'a été jouée qu'une seule fois, en 1900. En 1901, la Ligue américaine est créée en tant que deuxième ligue majeure. Aucune série de championnats n'a été disputée en 1901 ou 1902, les ligues nationale et américaine se battant pour la suprématie commerciale. Série mondiale moderne (de 1903 à aujourd'hui) Premier essai Après deux années de compétition acharnée et de razzias de joueurs (en 1902, les champions AL et NL allèrent même jusqu'à se défier dans un tournoi de football après la fin de la saison de baseball), les ligues nationale et américaine firent la paix et, dans le cadre de l'accord, plusieurs paires d'équipes se sont affrontées pour des matchs hors-concours interligues après la saison 1903. Ces séries étaient organisées par les clubs participants, comme l'avaient été les matchs des World's Series des années 1880. L'un d'eux correspondait aux deux vainqueurs du fanion, les Pirates de Pittsburg de la NL et les Américains de Boston (plus tard connus sous le nom de Red Sox) de l'AL ; celui-ci est connu sous le nom de Série mondiale de 1903. Cela avait été arrangé longtemps à l'avance par les deux propriétaires, car les deux équipes étaient largement leaders du championnat. Boston a bouleversé Pittsburg par cinq matchs à trois, gagnant avec une profondeur de lancer derrière Cy Young et Bill Dinneen et avec le soutien du groupe des Royal Rooters. La série a apporté beaucoup de fierté civique à Boston et a prouvé que la nouvelle Ligue américaine pouvait battre les Nationaux. Boycott de 1904 La série 1904, si elle avait eu lieu, aurait eu lieu entre les Américains de Boston de l'AL (Red Sox de Boston) et les Giants de New York de la NL (maintenant les Giants de San Francisco). À ce stade, il n’existait aucun organisme directeur pour les World Series ni aucune exigence pour qu’une série soit jouée. Ainsi, le propriétaire des Giants, John T. Brush, a refusé de permettre à son équipe de participer à un tel événement, invoquant « l'infériorité » de la nouvelle Ligue américaine. John McGraw, le manager des Giants, est même allé jusqu'à dire que ses Giants étaient déjà "champions du monde" puisqu'ils étaient les champions de la "seule vraie ligue majeure". Au moment de l'annonce, leurs nouveaux rivaux de l'autre côté de la ville, les New York Highlanders (maintenant les New York Yankees), menaient l'AL, et la perspective d'affronter les Highlanders ne plaisait pas à la direction des Giants. Boston a gagné le dernier jour de la saison et les ligues avaient déjà convenu d'organiser une série de championnats du monde en 1904, mais cela n'était pas contraignant et Brush s'en est tenu à sa décision initiale. En plus des raisons politiques, Brush a également évoqué l’absence de règles selon lesquelles l’argent serait partagé, où les jeux seraient joués et comment ils seraient gérés et dotés en personnel. Au cours de l'hiver 1904-1905, cependant, sentant la piqûre des critiques de la presse, Brush changea d'avis et proposa ce qui fut connu sous le nom de « Règles du pinceau », selon lesquelles la série fut jouée par la suite. Une règle était que les parts des joueurs proviendraient d'une partie des recettes de porte pour les quatre premiers matchs uniquement. Il s'agissait de décourager les équipes de « réparer » les premiers matchs afin de prolonger la série et de gagner plus d'argent. Les recettes des matchs ultérieurs seraient réparties entre les deux clubs et la Commission nationale, l'instance dirigeante du sport, qui était en mesure de couvrir une grande partie de ses dépenses de fonctionnement annuelles grâce aux revenus des World Series. Plus important encore, les matches désormais officiels et obligatoires des World's Series étaient gérés strictement par la commission nationale elle-même, et non par les clubs participants. Avec les nouvelles règles en place et la Commission nationale aux commandes, les Giants de McGraw ont atteint la série 1905 et ont battu les Philadelphie A quatre matchs contre un. La série a ensuite eu lieu chaque année, jusqu'en 1994, date à laquelle elle a été annulée en raison d'une grève des joueurs. La liste des règles des séries éliminatoires a évolué au fil du temps. En 1925, le propriétaire de Brooklyn, Charles Ebbets, persuada les autres d'adopter comme règle permanente le modèle 2-3-2 utilisé en 1924. Avant 1924, le modèle consistait à alterner par match ou à créer un autre arrangement convenant aux deux clubs. Le modèle 2-3-2 a été utilisé depuis, à l'exception des World Series de 1943 et 1945, qui ont suivi un modèle 3-4 en raison des restrictions de voyage de la Seconde Guerre mondiale. (Le modèle 2–3–2 a été utilisé en 1944 parce que les deux équipes étaient basées dans le même stade.) Scandale des Black Sox de 1919 Le jeu et les matchs truqués étaient un problème dans le baseball professionnel depuis le début ; Le lanceur vedette Jim Devlin a été banni à vie en 1877, alors que la Ligue nationale n'avait que deux ans. Les problèmes de jeu du baseball ont atteint leur paroxysme en 1919, lorsque huit joueurs des White Sox de Chicago auraient conspiré pour organiser la Série mondiale de 1919. Les Sox avaient remporté la série en 1917 et étaient de grands favoris pour battre les Reds de Cincinnati en 1919, mais le joueur de premier but Chick Gandil avait d'autres projets. Gandil, en collaboration avec le joueur Joseph "Sport" Sullivan, a approché ses coéquipiers et a convaincu six d'entre eux d'accepter de lancer la série: les lanceurs partants Eddie Cicotte et Lefty Williams, l'arrêt-court suédois Risberg, le voltigeur de gauche Shoeless Joe Jackson, le voltigeur de centre Happy Felsch, et le joueur de champ intérieur utilitaire Fred McMullin. Le joueur de troisième but Buck Weaver était au courant du correctif mais a refusé de participer, atteignant 0,324 pour la série sur 11 coups sûrs et ne commettant aucune erreur sur le terrain. Les Sox, à qui on avait promis 100 000 $ pour leur coopération, ont perdu la série en huit matchs, lançant mal, frappant mal et commettant de nombreuses erreurs. Bien qu'il ait pris l'argent, Jackson a insisté jusqu'à sa mort sur le fait qu'il avait joué au mieux de ses capacités dans la série (il était le meilleur frappeur de la série, notamment après avoir réussi le seul coup de circuit de la série, mais avait des chiffres nettement pires dans la série). matchs perdus par les White Sox). Au cours de la série, l'écrivain et humoriste Ring Lardner avait facétieusement qualifié l'événement de "World's Serious". Les séries se sont avérées en effet avoir de graves conséquences pour le sport. Après que des rumeurs aient circulé pendant près d'un an, les joueurs furent suspendus en septembre 1920. Les « Black Sox » ont été acquittés lors d'un procès pour association de malfaiteurs. Cependant, le baseball avait entre-temps créé le bureau du commissaire dans le but de protéger l'intégrité du jeu, et le premier commissaire, Kenesaw Mountain Landis, a banni à vie tous les joueurs impliqués, y compris Weaver. Les White Sox ne remporteront plus une Série mondiale avant 2005. Les événements de la série 1919, qui ont marqué l'ère du « ballon vivant », ont marqué un moment de changement dans la fortune de plusieurs équipes. Les deux vainqueurs les plus prolifiques des World Series à ce jour, les Yankees de New York et les Cardinals de St. Louis, n'ont remporté leur premier championnat que dans les années 1920 ; et trois des équipes qui ont connu beaucoup de succès avant 1920 (les Red Sox de Boston, les White Sox de Chicago et les Cubs de Chicago) ont passé le reste du 20e siècle sans autre victoire en Série mondiale. Les Red Sox et les White Sox ont finalement gagné à nouveau en 2004 et 2005, respectivement. Les Cubs attendent toujours leur prochain trophée et n'ont pas participé à la Classique d'automne depuis 1945, la plus longue disette de tous les clubs de la MLB. Dynastie des Yankees de New York (1920-1964) Les Yankees de New York ont ​​acheté Babe Ruth aux Red Sox de Boston après la saison 1919, ont participé à leur première Série mondiale deux ans plus tard, en 1921, et sont devenus des participants fréquents par la suite. Sur une période de 45 ans, de 1920 à 1964, les Yankees ont participé à 29 championnats de la Série mondiale et en ont remporté 20. La dynastie de l'équipe a atteint son apogée entre 1947 et 1964, lorsque les Yankees ont atteint la Série mondiale 15 fois en dix-huit ans, aidés par un accord avec les Kansas City Athletics (après que cette équipe a quitté Philadelphie pendant l'intersaison 1954-1955) par lequel les équipes ont conclu plusieurs accords avantageux pour les Yankees (jusqu'à ce qu'ils soient terminés par le nouveau propriétaire de l'Athlétisme, Charles O. Finley). Au cours de cette période, les Yankees ont joué dans toutes les Séries mondiales sauf 1948, 1954 et 1959, en remportant dix. De 1949 à 1953, les Yankees ont remporté les World Series cinq années de suite ; de 1936 à 1939, les Yankees ont remporté quatre championnats de la Série mondiale d'affilée. Il n'y a que deux autres occasions où une équipe a remporté au moins trois World Series consécutives : de 1972 à 1974 par les Oakland Athletics et de 1998 à 2000 par les Yankees de New York. 1947-1964 : les équipes de New York dominent les World Series Au cours d'une période de 18 ans, de 1947 à 1964, à l'exception de 1948 et 1959, les World Series se sont déroulées à New York, mettant en vedette au moins une des trois équipes situées à New York à l'époque. Les Dodgers et les Giants ont déménagé en Californie après la saison 1957, laissant les Yankees comme seule équipe de la ville jusqu'à ce que les Mets obtiennent le droit de vote en 1962. Au cours de cette période, à l'exception de 1948, 1954 et 1959, les Yankees ont représenté la Ligue américaine dans les séries mondiales. Dans les années 1947, 1949, 1951-1953 et 1955-1956, les deux équipes des World Series étaient originaires de New York, les Yankees jouant contre les Dodgers ou les Giants. Les World Series en Californie En 1957, les Dodgers de Brooklyn et les Giants de New York ont ​​porté leur rivalité de longue date sur la côte ouest, s'installant respectivement à Los Angeles et à San Francisco, amenant la Major League Baseball à l'ouest de Saint-Louis et de Kansas City. Les Dodgers ont été le premier des deux clubs à disputer une Série mondiale sur la côte ouest, battant les White Sox de Chicago en 1959. Les Giants de 1962 ont fait la première apparition de cette franchise dans les Séries mondiales californiennes, perdant face aux Yankees. Les Dodgers ont fait trois apparitions dans la Série mondiale dans les années 1960 : une victoire en 1963 contre les Yankees, une victoire en 1965 contre les Twins du Minnesota et une défaite en 1966 contre les Orioles de Baltimore. En 1968, les Kansas City Athletics ont déménagé à Oakland et l'année suivante, en 1969, la Ligue nationale a accordé une franchise à San Diego sous le nom de San Diego Padres. Les A sont devenus une puissante dynastie, remportant trois World Series consécutives de 1972 à 1974. En 1974, les A ont affronté les Dodgers lors de la première Série mondiale entièrement californienne. Les Padres comptent deux participations aux World Series (une défaite en 1984 contre les Tigers de Détroit et une défaite en 1998 contre les Yankees de New York). Les Dodgers ont remporté deux autres World Series dans les années 1980 (1981, 1988). Les A ont de nouveau participé à trois séries mondiales consécutives, de 1988 à 1990, gagnant une fois. 1988 et 1989 étaient des séries entièrement californiennes alors que les A perdaient respectivement contre les Dodgers et battaient les Giants. Les Giants ont participé à quatre séries mondiales au cours du nouveau millénaire, perdant en 2002 contre les Angels d'Anaheim (la plus récente série entièrement californienne) et gagnant en 2010 (Rangers), 2012 (Tigers) et 2014 (Royals). . 1969 : série de championnats de la Ligue Avant 1969, la Ligue nationale et la Ligue américaine couronnaient chacune leur champion (le « vainqueur du fanion ») sur la base du meilleur bilan de victoires-défaites à la fin de la saison régulière. Une série éliminatoire structurée a commencé en 1969, lorsque les ligues nationale et américaine ont été réorganisées en deux divisions chacune, Est et Ouest. Les deux vainqueurs de division de chaque ligue se sont affrontés dans une série de championnats de ligue au meilleur des cinq pour déterminer qui passerait aux Séries mondiales. En 1985, le format est passé au meilleur des sept. Les National League Championship Series (NLCS) et les American League Championship Series (ALCS), depuis l'expansion au meilleur des sept, se jouent toujours au format 2-3-2 : les jeux 1, 2, 6 et 7 se jouent en le stade de l'équipe qui a l'avantage du terrain, et les matchs 3, 4 et 5 se jouent dans le stade de l'équipe qui n'en a pas. années 1970 1971 : Série mondiale de nuit Les matchs nocturnes de la MLB ont commencé à être organisés en 1935 par les Reds de Cincinnati, mais les World Series sont restées un événement strictement diurne pendant des années par la suite. Lors du dernier match des World Series de 1949, un match de la série s'est terminé sous les lumières pour la première fois. Le premier match nocturne programmé de la Série mondiale était le match 4 de la Série mondiale de 1971 au Stade des Trois-Rivières. Par la suite, les matchs des World Series étaient fréquemment programmés la nuit, lorsque les audiences télévisées étaient plus importantes. Le sixième match des World Series 1987 était le dernier match des World Series joué pendant la journée, à l'intérieur du Metrodome du Minnesota. (La dernière Série mondiale disputée en plein air pendant la journée était le dernier match de la série de 1984 au Tiger Stadium de Détroit.) 1972-1978 : Brelan et le plus grand jeu jamais joué Au cours de cette période de sept ans, seules trois équipes ont remporté les World Series : les Oakland Athletics de 1972 à 1974, les Cincinnati Reds en 1975 et 1976 et les New York Yankees en 1977 et 1978. C'est la seule fois dans l'histoire des World Series où trois équipes ont remporté successivement des séries consécutives. Cette période s'est terminée par les Championnats du monde des Pirates de Pittsburgh, en 1971 et 1979. Cependant, les Orioles de Baltimore ont fait trois apparitions consécutives dans les World Series : 1969 (perdant contre l'« incroyable » franchise de huit ans des New York Mets), 1970 (en battant les Reds lors de leur première apparition dans les World Series de la décennie) et 1971 ( perdant contre les Pirates de Pittsburgh, ainsi que leur apparition en 1979, lorsqu'ils perdirent à nouveau contre les Pirates), et les apparitions consécutives des Dodgers de Los Angeles aux World Series en 1977 et 1978 (les deux défaites contre les Yankees de New York), ainsi que bien en 1974, perdant contre le rival interétatique Oakland Athletics. Le sixième match des World Series de 1975 est largement considéré comme le plus grand match des World Series jamais joué. Les Red Sox de Boston ont gagné en 12e manche à Fenway Park, battant les Reds de Cincinnati pour forcer un septième match décisif. On se souvient surtout du jeu pour ses changements de leader passionnants, ses tournures d'événements mordants et un coup de circuit gagnant de Carlton Fisk, aboutissant à une victoire de 7 à 6 des Red Sox. 1976 : Le frappeur désigné arrive aux World Series Les ligues nationale et américaine ont fonctionné selon des règles essentiellement identiques jusqu'en 1973, lorsque la Ligue américaine a adopté la règle du frappeur désigné (DH), permettant à ses équipes d'utiliser un autre frappeur pour frapper à la place du lanceur (généralement) faible. La Ligue nationale n'a pas adopté la règle DH. Cela posait un problème pour les World Series, dont les deux concurrents joueraient désormais leurs matchs de saison régulière selon des règles différentes. De 1973 à 1975, les World Series ne comprenaient pas de DH. À partir de 1976, les World Series autorisaient l'utilisation d'un DH les années paires uniquement. (Les Reds de Cincinnati ont balayé la série 1976 en quatre matchs, en utilisant le même alignement de neuf hommes dans chaque compétition. Dan Driessen était le défenseur des Reds pendant la série, devenant ainsi le premier frappeur désigné de la Ligue nationale.) Enfin, en 1986, le baseball a adopté la règle actuelle dans laquelle le DH est utilisé pour les matchs des World Series joués dans le parc du champion AL mais pas dans celui du champion NL. Ainsi, l'utilisation ou la non-utilisation de la règle DH peut aider l'équipe qui a l'avantage sur le terrain. années 1980 1984 : Anderson devient le premier à gagner dans les deux championnats Les Tigers de Détroit de 1984 se sont distingués en tant que troisième équipe de l'histoire des ligues majeures (après les Yankees de New York de 1927 et les Dodgers de Brooklyn de 1955) à mener une saison fil à fil, de la journée d'ouverture jusqu'à leur victoire en Série mondiale. Dans le processus, le skipper des Tigers, Sparky Anderson, est devenu le premier manager à remporter un titre de la Série mondiale dans les deux ligues, après avoir déjà gagné en 1975 et 1976 avec les Reds de Cincinnati. 1989 : Tremblement de terre Lorsque les World Series de 1989 ont commencé, elles étaient principalement remarquables parce qu'il s'agissait du tout premier affrontement de Series mondiale entre les deux équipes de la région de la baie de San Francisco, les Giants de San Francisco et les Athletics d'Oakland. Oakland a remporté les deux premiers matchs à domicile et les deux équipes ont traversé le pont vers San Francisco pour jouer le match 3 le mardi 17 octobre. La diffusion du match 3 sur ABC a commencé à 17 heures, heure locale, environ 30 minutes avant la date prévue du premier lancer. . À 5 h 04, alors que les diffuseurs Al Michaels et Tim McCarver racontaient les moments forts et que les équipes s'échauffaient, le tremblement de terre de Loma Prieta s'est produit (avec une magnitude d'onde de surface de 7,1 avec un épicentre à 16 km au nord-est de Santa Cruz, Californie). Le tremblement de terre a causé d'importants dégâts matériels et économiques dans la région de la Baie et a tué 63 personnes. Les téléspectateurs ont vu le signal vidéo se détériorer et ont entendu Michaels dire "Je vais vous dire, nous avons une terre..." avant que le signal de Candlestick Park ne soit perdu. Les supporters entrant dans le stade ont vu Candlestick se balancer visiblement pendant le séisme. La couverture télévisée a repris plus tard, en utilisant des générateurs de secours, Michaels devenant journaliste sur la catastrophe en cours. Environ 30 minutes après le séisme, le commissaire Fay Vincent a ordonné le report du match. Les supporters, les travailleurs et les équipes ont évacué un chandelier noirci (bien que toujours éclairé par le soleil). Le troisième match a finalement été joué le 27 octobre, et Oakland a gagné ce jour-là et le suivant pour compléter un balayage de quatre matchs. années 1990 1992-1993 : La Série mondiale fait son entrée au Canada Les matchs des World Series ont été disputés en dehors des États-Unis pour la première fois en 1992, les Blue Jays de Toronto battant les Braves d'Atlanta en six matchs. La Série mondiale est revenue au Canada en 1993, avec une nouvelle victoire des Blue Jays, cette fois contre les Phillies de Philadelphie en six matchs. Aucune autre série n'a présenté une équipe en dehors des États-Unis. Toronto est la seule équipe d'expansion à remporter des titres successifs de la Série mondiale. La Série mondiale de 1993 était également remarquable pour n'être que le deuxième championnat conclu par un circuit et le premier conclu par un circuit venu de l'arrière, après que le tir de trois points de Joe Carter en fin de neuvième manche ait scellé un 8-6. Victoire de Toronto lors du sixième match. La première série à se terminer par un circuit a été la Série mondiale de 1960, lorsque Bill Mazeroski a réussi un tir en solo en neuvième manche lors du septième match pour remporter le championnat pour les Pirates de Pittsburgh. 1994 : Série de divisions de la Ligue En 1994, chaque ligue a été restructurée en trois divisions, les trois vainqueurs de division et le nouveau vainqueur de la wild card se qualifiant pour une ronde éliminatoire au meilleur des cinq (la « série de division »), la série de divisions de la Ligue nationale (NLDS) et Série de divisions de la Ligue américaine (ALDS). L'équipe avec le meilleur bilan de la ligue est opposée à l'équipe wild card, à moins qu'elle ne soit dans la même division, auquel cas l'équipe avec le deuxième meilleur bilan joue contre le vainqueur de la wild card. Les deux vainqueurs de division restants s'affrontent. Les vainqueurs de la série au premier tour se qualifient pour le meilleur des sept NLCS et ALCS. Cependant, en raison d'une grève des joueurs, la NLDS et l'ALDS n'ont été disputées qu'en 1995. À partir de 1998, l'avantage du terrain a été accordé à l'équipe ayant le meilleur bilan en saison régulière, à l'exception du fait que l'équipe Wild Card ne peut pas rentrer à la maison. avantage sur le terrain. Grève de 1994 à 1995 Après le boycott de 1904, les World Series ont été jouées chaque année jusqu'en 1994 malgré la Première Guerre mondiale, la pandémie mondiale de grippe de 1918-1919, la Grande Dépression des années 1930, l'implication de l'Amérique dans la Seconde Guerre mondiale et même un tremblement de terre dans le pays hôte. villes des World Series 1989. Une rupture des négociations collectives a conduit à une grève en août 1994 et à l'annulation éventuelle du reste de la saison, y compris les séries éliminatoires. Alors que les négociations collectives commençaient, les propriétaires de franchises de baseball ont exigé un plafond salarial afin de limiter la masse salariale, l'élimination de l'arbitrage salarial et le droit de retenir les joueurs agents libres en s'alignant sur la meilleure offre d'un concurrent. L'Association des joueurs de la Ligue majeure de baseball (MLBPA) a refusé d'accepter de limiter la masse salariale, soulignant que la responsabilité des masses salariales élevées incombait aux propriétaires qui proposaient volontairement des contrats. L'une des difficultés rencontrées pour parvenir à un règlement était l'absence de commissaire. Lorsque Fay Vincent a été contraint de démissionner en 1992, les propriétaires ne l'ont pas remplacé, choisissant plutôt de nommer le propriétaire des Milwaukee Brewers, Bud Selig, commissaire par intérim. Ainsi, le commissaire, chargé d'assurer l'intégrité et de protéger le bien-être du jeu, était une partie intéressée plutôt qu'un arbitre neutre, et le baseball s'est dirigé vers l'arrêt de travail de 1994 sans commissaire indépendant pour la première fois depuis la création du bureau en 1920. . La convention collective précédente a expiré le 31 décembre 1993 et ​​le baseball a commencé la saison 1994 sans une nouvelle convention. Les propriétaires et les joueurs ont négocié au fil de la saison, mais les propriétaires ont refusé d'abandonner l'idée d'un plafond salarial et les joueurs ont refusé d'en accepter un. Le 12 août 1994, les joueurs se mettent en grève. Après un mois sans progrès dans les négociations collectives, Selig a annulé le reste de la saison 1994 et les séries éliminatoires le 14 septembre. Les World Series n'ont pas été jouées pour la première fois en 90 ans. Les Expos de Montréal, maintenant les Nationals de Washington, étaient la meilleure équipe de baseball au moment de l'arrêt, avec une fiche de 74-40 (depuis leur fondation en 1969, les Expos n'ont jamais joué dans une Série mondiale.) Le conflit de travail a duré jusqu'au printemps 1995, les propriétaires commençant l'entraînement de printemps avec des joueurs de remplacement. Cependant, la MLBPA est revenue au travail le 2 avril 1995 après qu'un juge fédéral, la future juge de la Cour suprême des États-Unis, Sonia Sotomayor, ait statué que les propriétaires s'étaient livrés à des pratiques de travail déloyales. La saison a débuté le 25 avril et les World Series 1995 se sont déroulées comme prévu, Atlanta battant Cleveland quatre matchs contre deux. All-Star Game et avantage sur le terrain (depuis 2003) Avant 2003, l'avantage du terrain dans les World Series alternait d'année en année entre la NL et l'AL. Après que le match des étoiles de la Ligue majeure de baseball de 2002 se soit terminé par une égalité, la MLB a décidé d'accorder l'avantage du terrain dans la Série mondiale au vainqueur du match des étoiles. Initialement mise en œuvre sous la forme d'un essai de deux ans, de 2003 à 2004, cette pratique a été étendue indéfiniment. La Ligue américaine a remporté tous les matchs des étoiles depuis ce changement jusqu'en 2010 et a ainsi bénéficié de l'avantage du terrain à partir de 2002, date à laquelle elle avait également l'avantage du terrain sur la base du calendrier alterné, jusqu'en 2009. De 2003 à 2010, l'AL et la NL avaient chacun remporté les World Series quatre fois, mais aucun d’entre eux n’avait disputé les sept matchs complets. Depuis lors, les World Series 2011 et 2014 ont disputé sept matchs complets. Cette règle est sujette à débat, divers auteurs estimant que l'avantage du terrain devrait être décidé sur la base des records des participants en saison régulière, et non sur un match hors-concours joué plusieurs mois plus tôt. Certains auteurs ont particulièrement remis en question l'intégrité de cette règle après le match des étoiles de 2014, lorsque le lanceur des Cardinals de St. Louis, Adam Wainwright, a suggéré qu'il avait intentionnellement donné à Derek Jeter des lancers faciles à réaliser lors de la dernière apparition des étoiles de l'arrêt-court des Yankees de New York avant il a pris sa retraite à la fin de cette saison. Comme l'écrivait Bob Ryan du Boston Globe en juillet 2015 à propos de la règle : Avec la victoire des Cardinals de Saint-Louis en Série mondiale 2006, Tony La Russa est devenu le deuxième manager à remporter une Série mondiale dans les ligues américaine et nationale. Cependant, au cours de quatre des six dernières saisons, l'avantage du terrain, en termes de matchs décisifs des World Series, n'a pas nécessairement fonctionné pour les équipes lors de ces matchs. Quatre des séries (la dernière en 2015) ont été remportées sur la route. En commençant par la victoire des Giants de San Francisco dans les World Series 2010, qui a été suivie par les victoires des Giants dans les World Series 2012 et les World Series 2014, les Giants ont lancé ce que beaucoup dans le sport du baseball considèrent comme une dynastie de baseball moderne, comme la plupart le considèrent. Gagner trois séries mondiales en 5 ans dans le baseball est aujourd'hui incroyablement difficile et mérite donc le titre de la dynastie. Apparitions aux Modern World Series par franchise Record des World Series par équipe ou franchise, 1903-2015 Remarques Les équipes de la Ligue américaine (AL) ont remporté 64 des 111 World Series disputées (58 %). Les Yankees de New York ont ​​remporté 27 titres, représentant 24 % de toutes les séries jouées et 42 % des victoires des équipes de la Ligue américaine. Les Cardinals de Saint-Louis ont remporté 11 victoires en Série mondiale (10 %) et 23 % des 47 victoires en Ligue nationale. Au moins une équipe de New York a participé à 54 World Series (49 %) des séries disputées. Lorsque la première Série mondiale moderne a eu lieu en 1903, il y avait huit équipes dans chaque ligue. Ces 16 franchises, toutes toujours existantes, ont chacune remporté au moins deux titres des World Series. Le nombre d'équipes est resté inchangé jusqu'en 1961, avec quatorze « équipes d'expansion » rejoignant la MLB depuis lors. Douze ont joué dans une Série mondiale (les Mariners et les Expos/Nationals étant les deux exceptions). Les équipes d'expansion ont remporté dix des 22 séries (45 %) dans lesquelles elles ont joué, soit 9 % des 111 séries disputées depuis 1903. En 2015, la première série mondiale mettant en vedette uniquement des équipes d'expansion a été disputée entre les Royals de Kansas City. et les Mets de New York. Modèles d'équipe dans les World Series Ces informations sont à jour à l'heure actuelle : Stries et sécheresses #Depuis leur premier championnat en 1923, les Yankees de New York ont ​​remporté au moins deux titres de la Série mondiale chaque décennie, à l'exception des années 1980, où ils n'en ont remporté aucun. De plus, ils ont remporté au moins un fanion de la Ligue américaine chaque décennie depuis les années 1920. (Ils n'ont pas encore remporté de fanion ou de série dans les années 2010.) Les Yankees sont la seule équipe de l'une ou l'autre ligue à remporter plus de trois séries d'affilée, remportant quatre saisons consécutives de 1936 à 1939, et un record de cinq en MLB. saisons consécutives de 1949 à 1953. #Les quatre participations des Giants de New York aux World Series de 1921 à 1924 sont les apparitions les plus consécutives pour une franchise de la Ligue nationale. Les Yankees sont la seule franchise de la Ligue américaine à réussir cela. #Les Cubs de 1907-1908, les Giants de 1921-1922 et les Reds de 1975-1976 sont les seules équipes de la Ligue nationale à remporter consécutivement la Série mondiale. #Les Tigers de Détroit de 1907 à 1909 et les Giants de New York de 1911 à 1913 sont les seules équipes à perdre trois séries mondiales consécutives. #Les Cubs de Chicago détiennent le record de la plus longue disette de championnat des World Series (toujours active jusqu'en 2015), leur dernier titre remontant à 1908 (107 ans). En fait, ils détiennent également la plus longue disette sans apparition aux World Series, n'ayant pas remporté le fanion NL depuis 1945. Même si les Cubs avaient remporté la Series 1945, ils détiendraient toujours la plus longue disette de titre des World Series, avec la deuxième plus longue série mondiale. sécheresse appartenant aux Indians de Cleveland, qui n'ont pas remporté de Série mondiale depuis 1948. L'équipe avec la plus longue sécheresse de fanion active parmi les équipes de l'AL qui ont joué au moins une fois dans une Série mondiale est les Orioles de Baltimore, qui n'ont pas atteint une Série mondiale. depuis qu'ils ont remporté leur dernier titre en 1983. #Vingt-deux des 28 équipes participant aux World Series les ont remportés au moins une fois. Les seules exceptions sont : les Astros de Houston (anciennement Colt .45s, affranchis en 1962), les Brewers de Milwaukee (anciennement Seattle Pilots, 1969), les Padres de San Diego (1969), les Rockies du Colorado (1993), les Rays de Tampa Bay (anciennement Devil Rays, 1998). ) et les Texas Rangers (anciennement Washington Senators, 1961). Les Padres et les Rangers ont tous deux perdu deux Séries mondiales ; les équipes restantes ont toutes perdu leur seule apparition en série. À l'heure actuelle, toutes les équipes ayant atteint les World Series au moins trois fois ont remporté au moins une de leurs apparitions. #Deux équipes n'ont jamais participé aux World Series : les Nationals de Washington de la Ligue nationale (anciennement les Expos de Montréal, créés en 1969) et les Mariners de Seattle de la Ligue américaine (créés en 1977). Les deux franchises ont participé aux matchs d'après-saison et ont participé à une série de championnats de la ligue, mais ont perdu toutes les apparitions dans les séries de championnats de la ligue jusqu'à présent. #Les Red Sox ont le plus de titres en Série mondiale avant leur première défaite en Série mondiale, remportant le championnat lors de leurs cinq premières apparitions – 1903, 1912, 1915, 1916 et 1918 – avant de perdre lors de la série suivante qu'ils ont jouée, en 1946. seules les autres équipes qui ont remporté plus d'une série avant leur première défaite en série sont les Indians de Cleveland (en 1920 et 1948), les Blue Jays de Toronto (en 1992 et 1993) et les Marlins de Miami (en 1997 et 2003 sous le nom de Florida Marlins). ). Les Blue Jays et les Marlins n'ont jamais perdu une Série mondiale. #Les Blue Jays de Toronto de la Ligue américaine (1992 et 1993) et les Marlins de Miami de la Ligue nationale (1997 et 2003 sous le nom de Marlins de Floride) détiennent le record du plus grand nombre d'apparitions dans une série sans jamais perdre une série. Deux autres franchises ont remporté leur seule apparition : les Diamondbacks de l'Arizona de la Ligue nationale (2001) et les Angels de Los Angeles de la Ligue américaine (2002). #Les Pirates, les Reds, les Red Sox et les Giants sont à égalité avec la plus longue séquence active de victoires en Série mondiale (trois) depuis la dernière fois qu'ils ont perdu une série. Après avoir perdu la série 1927 face aux Yankees

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Quelle était la tête de série de Pete Sampras lorsqu'il a remporté son premier US Open ?

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Petros "Pete" Sampras (né le 12 août 1971) est un joueur de tennis américain à la retraite et ancien numéro 1 mondial considéré comme l'un des plus grands joueurs de l'histoire du tennis. Il a fait ses débuts sur le circuit professionnel en 1988 et a terminé sa carrière à l'US Open 2002, qu'il a remporté en battant son rival Andre Agassi en finale. Il était particulièrement apprécié pour son service précis, ce qui lui a valu le surnom de « Pistol Pete ». Sampras est devenu le premier professionnel à battre le record pré-Open Era de Roy Emerson de 12 titres en simple du Grand Chelem et a pris sa retraite avec 14 titres (sept Wimbledon, cinq US Open, deux Open d'Australie), un record depuis dépassé par Roger Federer et égalé par Rafael Nadal. . Il a également remporté sept titres élites en salle (cinq finales du circuit mondial ATP et deux Coupes du Grand Chelem) et détient toujours le record ATP de six classements n°1 de fin d'année, obtenus consécutivement de 1993 à 1998. Début de la vie Sampras est né à Washington, D.C., le troisième enfant de Soterios "Sammy" et de Georgia (née Vroustouris) Sampras. Sa mère a émigré de Sparte, en Grèce, et son père est né aux États-Unis d'un père grec, Costas « Gus » Sampras et d'une mère juive, Sarah A. Steinberg. Il assistait aux offices réguliers de l’Église orthodoxe grecque le dimanche. Dès son plus jeune âge, Sampras a montré des signes de capacités athlétiques exceptionnelles. À l'âge de 3 ans, Sampras découvre une raquette de tennis dans le sous-sol de sa maison et passe des heures à frapper des balles contre le mur. En 1978, la famille Sampras a déménagé à Palos Verdes, en Californie, et le climat plus chaud a permis à Sampras, sept ans, de jouer davantage au tennis. Dès le début, sa grande idole était Rod Laver, et à l'âge de 11 ans, Sampras l'a rencontré et a joué avec lui. La famille Sampras a rejoint le Jack Kramer Club, et c'est ici que le talent de Sampras s'est manifesté. Il a été repéré par Peter Fischer, pédiatre et passionné de tennis, qui a entraîné Sampras jusqu'en 1989. Fischer était responsable de la conversion du revers en double de Sampras en simple dans le but d'être mieux préparé à remporter Wimbledon. Carrière professionnelle 1988 Sampras est devenu professionnel en 1988, à l'âge de 16 ans, et a terminé l'année au 97e rang mondial après avoir commencé l'année au 893e rang mondial. Son premier match professionnel a été une défaite contre Sammy Giammalva, Jr. à l'Ebel US Pro de février. En salle à Philadelphie. Cependant, à peine une semaine plus tard, aux Championnats internationaux des joueurs Lipton à Miami, Sampras a battu deux joueurs du top 40 avant de perdre face au numéro 18 mondial Emilio Sánchez. Il n'a pas battu un autre joueur du top 40 pendant près de six mois, lorsqu'il a battu le numéro 39 mondial Michiel Schapers lors d'un tournoi de préparation de l'US Open à Rye Brook, New York. Lors de son premier match en simple du Grand Chelem, Sampras a perdu contre le numéro 69 mondial Jaime Yzaga, du Pérou, au premier tour de l'US Open. Sampras n'a pas dépassé les quarts de finale lors de ses trois tournois suivants, bien qu'il ait enregistré des victoires contre le numéro 79 mondial Jim Courier lors de leur premier match en carrière et le numéro 8 mondial Tim Mayotte. 1989 L'année suivante, Sampras a légèrement amélioré son classement pour atteindre le 81e rang mondial de fin d'année. Il a perdu au premier tour de l'Open d'Australie de 1989 contre Christian Saceanu et au premier tour de Wimbledon contre Todd Woodbridge. Il a remporté un match en simple du Grand Chelem pour la première fois à Roland-Garros, avant de perdre au deuxième tour face au futur champion, Michael Chang, 17 ans, lors de leur premier match en carrière. À l'US Open, Sampras a battu le champion en titre et cinquième tête de série Mats Wilander au deuxième tour avant de perdre contre le n°13 mondial Jay Berger au quatrième tour. Pour terminer l'année, Sampras a perdu au premier tour de quatre tournois consécutifs. 1990 Sampras a terminé l'année 1990 au 5e rang mondial, après avoir commencé l'année au 61e rang mondial juste avant le début de l'Open d'Australie. Il a perdu contre Wilander en quarts de finale du tournoi de Sydney. À l'Open d'Australie, Sampras a renversé Mayotte, douzième, au premier tour avant de s'incliner face à Yannick Noah, treizième, au quatrième tour en quatre sets. Son premier titre professionnel en simple a eu lieu en février à l'Ebel US Pro Indoor à Philadelphie, où il a battu Andre Agassi, sixième, Mayotte, huitième et Andrés Gómez, dix-huitième, en finale. Ce titre élève pour la première fois son classement dans le top 20. Sampras n'a pas joué à Roland-Garros en 1990 et a de nouveau perdu au premier tour de Wimbledon, cette fois contre Christo van Rensburg. Sampras a joué sept semaines consécutives au cours de la saison estivale nord-américaine sur terrain dur. Il a battu John McEnroe en quarts de finale de l'Omnium canadien, mais a ensuite perdu contre Chang en demi-finale. Il a également atteint les demi-finales du tournoi de Los Angeles, où il a perdu contre le numéro 2 mondial Stefan Edberg. Il n'a pas dépassé les quarts de finale lors de ses trois tournois suivants, perdant contre Chang, Richey Reneberg et Goran Ivanišević. En septembre, Sampras a remporté son premier titre du Grand Chelem à l'US Open. En cours de route, il a battu Thomas Muster, sixième au quatrième tour, et Ivan Lendl, troisième, dans un quart de finale de cinq sets, brisant la séquence de huit finales consécutives de l'US Open de Lendl. Il a ensuite battu McEnroe, 20e, dans une demi-finale de quatre sets pour organiser une finale avec Agassi, quatrième. Sampras a battu Agassi en deux sets pour devenir le plus jeune champion masculin en simple de l'US Open à l'âge de 19 ans et 28 jours. Il a joué cinq autres tournois et a remporté la Coupe du Grand Chelem pour terminer son année. 1991 En 1991, Sampras a remporté le premier de ses cinq titres en carrière lors de la Tennis Masters Cup de fin d'année. En entrant à l'US Open en tant que champion en titre cette année-là, il a suscité la controverse lorsque, après avoir perdu en quarts de finale contre Jim Courier, Sampras a déclaré qu'il n'était pas déçu et se sentait soulagé que la pression pour défendre son titre ne soit plus sur lui. Cela a conduit à de nombreuses critiques, notamment des remarques désobligeantes de la part de Courier et Jimmy Connors. 1992 En 1992, Sampras a atteint les quarts de finale de Roland-Garros pour la première de trois années consécutives, a atteint les demi-finales de Wimbledon et a été finaliste à l'US Open derrière Stefan Edberg. Sampras a déclaré plus tard que sa défaite en finale de l'US Open cette année-là était un « signal d'alarme » et qu'il devait trouver un moyen de devenir le numéro 1 mondial. Il a également joué en double avec John McEnroe dans l'équipe américaine qui a remporté le titre. Coupe Davis, reproduisant l'exploit de 1995. 1992 est également l'année où Sampras fait sa seule apparition aux Jeux olympiques d'été. L'événement s'est déroulé sur terre battue, considérée comme sa pire surface. Néanmoins, Sampras s'est qualifié pour le troisième tour avant de céder une avance de deux sets et de s'incliner face au Russe Andrei Cherkasov. 1993 Sampras a atteint les demi-finales de l'Open d'Australie au début de 1993, perdant à nouveau contre Stefan Edberg et égalant la performance en quart de finale de l'année précédente à Roland-Garros. En avril 1993, Sampras atteint pour la première fois la première place mondiale. Son ascension au sommet du classement a été controversée car il n'avait remporté aucun titre du Grand Chelem récemment, mais il a justifié son classement trois mois plus tard en remportant son premier titre à Wimbledon, battant l'ancien numéro 1 mondial Jim Courier en finale. Cela a été suivi par son deuxième titre à l'US Open. Il a terminé l'année avec un non clair. 1 et a établi un nouveau record du circuit ATP cette année-là en devenant le premier joueur à servir plus de 1 000 as en une saison. 1994 Sampras a remporté le premier des deux titres de l'Open d'Australie en 1994, battant l'Américain Todd Martin en finale, puis a défendu son Wimbledon plus tard cette année-là. 1995 En 1995, Sampras s'est battu avec son compatriote Andre Agassi pour la première place mondiale. Sampras a vécu l'un des matchs les plus émouvants de sa carrière, lorsqu'il affrontait Courier en quarts de finale de l'Open d'Australie. L'entraîneur de longue date et ami proche de Sampras, Tim Gullikson, s'est mystérieusement effondré pendant le tournoi et a été contraint de retourner aux États-Unis. Gullikson a ensuite reçu un diagnostic de cancer du cerveau, auquel il a succombé l'année suivante. Attristé par la maladie de Gullikson, Sampras a commencé à pleurer visiblement pendant le match lorsqu'un spectateur a crié pour le gagner pour Gullikson, mais a réussi à vaincre Courier. Sampras a ensuite perdu la finale contre Andre Agassi en quatre sets. Paul Annacone a pris la relève en tant qu'entraîneur à temps plein de Sampras après que la maladie de Gullikson l'ait empêché de continuer à entraîner. Sampras a battu Agassi en finale à Indian Wells, puis a remporté son troisième titre consécutif à Wimbledon contre Boris Becker. Sampras a perdu en finale du Canadian Masters contre Agassi, puis a battu Agassi en finale de l'US Open. 1996 Sampras a réalisé sa plus grande avance à Roland-Garros, lorsqu'il a perdu en demi-finale contre le vainqueur éventuel, Yevgeny Kafelnikov. Sampras a perdu en quarts de finale de Wimbledon face au futur vainqueur Richard Krajicek. À l'US Open, Sampras a affronté Àlex Corretja en quarts de finale où il a vomi sur le terrain à 1-1 lors du tie-break du dernier set en raison de déshydratation. Sampras s'est qualifié pour la finale où il a battu le numéro deux mondial Michael Chang pour défendre son titre à l'US Open. Sampras a terminé l'année en remportant le championnat du monde ATP Tour de fin de saison. 1997 Sampras a remporté son deuxième titre à l'Open d'Australie en janvier, battant Carlos Moyá en finale. En juillet, il remporte Wimbledon pour la quatrième fois en battant Cédric Pioline en finale. Sampras a également remporté des titres en simple à San Jose, Philadelphie, Cincinnati, Munich et Paris, ainsi que les championnats du monde du circuit ATP à Hanovre, en Allemagne. Il est devenu le seul joueur à remporter à la fois la Coupe du Grand Chelem et les Championnats du monde du circuit ATP la même année. Il avait un bilan de 10-1 victoires-défaites contre les 10 meilleurs adversaires et était invaincu en huit finales en simple. Il a occupé le rang de numéro 1 mondial pendant toute l'année et a rejoint Jimmy Connors (1974-1978) en tant que seul joueur masculin à occuper le classement de numéro 1 mondial de fin d'année pendant cinq années consécutives. Ses gains en argent de 6 498 211 $ US pour l'année étaient un sommet en carrière. 1998 En 1998, le numéro de Sampras. Le classement 1 a été contesté par le joueur chilien Marcelo Ríos. Sampras n'a pas réussi à défendre son titre de l'Open d'Australie, perdant en quarts de finale contre Karol Kučera, et n'a remporté Wimbledon qu'après une victoire acharnée en cinq sets contre Goran Ivanišević. Sampras a perdu en finale du Masters de Cincinnati face à Patrick Rafter après un appel controversé. Sampras a de nouveau affronté Rafter en demi-finale de l'US Open, perdant en cinq sets après avoir mené le match deux sets à un, et Rafter a remporté son deuxième titre consécutif à l'US Open. Sampras a perdu une autre demi-finale à la Tennis Masters Cup contre l'éventuel champion Àlex Corretja. Néanmoins, Sampras a terminé l'année au premier rang des joueurs pour la sixième année consécutive. 1999 Cette année a également commencé de manière décevante, puisque Sampras s'est retiré de l'Open d'Australie et n'a pas réussi à remporter un titre au début de la saison. Cependant, il a ensuite enchaîné 24 victoires consécutives, dont les Championnats Stella Artois, Wimbledon (égalant le record de Roy Emerson de 12 titres en simple du Grand Chelem), Los Angeles et Cincinnati (une revanche de la finale de l'année dernière avec Patrick Rafter). La victoire de Sampras sur Andre Agassi lors de la finale de Wimbledon est souvent citée comme l'une des plus grandes performances de Sampras (malgré cela, il a perdu son classement n°1 face à Agassi le lendemain, lors de la mise à jour du classement de l'ATP Tour). Cette course s'est terminée lorsqu'il a été contraint de se retirer des championnats RCA et de l'US Open en raison d'une hernie discale au dos. Le classement de Sampras a été affecté par une combinaison de retraits des Internationaux d'Australie et des États-Unis, des tournois dans lesquels il avait réalisé de solides performances au cours de l'année précédente, et par la résurgence de son rival de longue date Agassi, mettant fin aux six années consécutives de Sampras en tant que champion du monde. numéro 1. Agassi a pris la tête du classement et l'a conservé pour le reste de la saison, mais Sampras a récupéré et a réussi à le battre lors de la Tennis Masters Cup de fin de saison pour la cinquième et dernière fois, permettant à Sampras de rester troisième au classement. . 2000 Sampras a atteint les demi-finales de l'Open d'Australie au début de l'année 2000, s'inclinant face à l'éventuel champion Agassi dans un match en cinq sets. Il a remporté l'Ericsson Open à Key Biscayne, en Floride, pour la troisième fois en mars. Sampras a ensuite remporté un 13e titre record du Grand Chelem à Wimbledon, luttant contre une tendinite au tibia droit et une douloureuse blessure au dos, pour vaincre Patrick Rafter en quatre sets. Cette victoire était sa huitième année consécutive en finale du Grand Chelem (à partir de Wimbledon en 1993), un record dans l'ère ouverte jusqu'à ce qu'il soit dépassé par Rafael Nadal en 2013. Lors de l'US Open 2000, Sampras a vaincu Richard Krajicek en quatre sets en quarts de finale (prenant du retard 2-6 au bris d'égalité du deuxième set avant de remporter le deuxième set), puis a battu Lleyton Hewitt en demi-finale et a perdu la finale contre Marat. Safin. Malgré la défaite, la course de Sampras à la finale du tournoi l'a vu revenir au sommet du classement mondial en septembre 2000 ; cependant, il n'a pas pu terminer l'année au premier rang, le Brésilien Gustavo Kuerten prenant l'honneur. C'était la dernière fois dans la carrière de Sampras qu'il occupait le premier rang et portait son total à 286 semaines (non consécutives) classées comme le meilleur joueur du monde, un record qui a duré jusqu'en 2012, date à laquelle il a été dépassé par Roger Federer. 2001 Aux championnats de Wimbledon 2001, Sampras a perdu contre Roger Federer, alors âgé de 19 ans, 6-7 (7), 7-5, 4-6, 7-6 (2), 5-7, au quatrième tour, mettant ainsi fin à l'attaque de Sampras. 31 victoires consécutives à Wimbledon, et un match qui a marqué la seule fois où les deux hommes se sont affrontés sur le circuit ATP. Federer allait égaler le record de Sampras de 7 victoires à Wimbledon et battre son record de 14 titres du Grand Chelem. À l'US Open 2001, Sampras a battu Patrick Rafter, Andre Agassi et Marat Safin respectivement en huitièmes de finale, quarts de finale et demi-finales, tous trois précédents champions de l'US Open. En finale, Sampras a été battu en deux sets par Lleyton Hewitt. Les défaites de Sampras lors des finales de l'US Open de 2000 et 2001 contre Marat Safin et Lleyton Hewitt, respectivement, ont amené beaucoup à spéculer que Sampras ne remporterait jamais un autre titre majeur. 2002 En 2002, Sampras a été éliminé prématurément de Wimbledon, s'inclinant au deuxième tour face au numéro 1. 145, le spécialiste des courts rapides George Bastl, de Suisse. Après cette défaite, Sampras a demandé à son ancien entraîneur Paul Annacone de revenir et d'entraîner l'US Open. Sampras a connu un été relativement médiocre avant l'US Open, perdant à Cincinnati contre Wayne Arthurs, classé 70e, au deuxième tour, puis étant éliminé au premier tour à Long Island par le numéro 85. Paul-Henri Mathieu. À l'US Open, Sampras était classé 17e. Greg Rusedski, que Sampras avait battu lors d'un long match de troisième tour en cinq sets à l'US Open, a déclaré que Sampras était "un pas et demi plus lent" et a prédit que Sampras perdrait son prochain match. Sampras a cependant ensuite battu deux jeunes stars, Tommy Haas au quatrième tour et Andy Roddick en quarts de finale. Il a ensuite battu Sjeng Schalken en demi-finale pour atteindre sa troisième finale consécutive de l'US Open et sa huitième finale de l'US Open au total, égalant le record de tous les temps d'Ivan Lendl. Cette fois, il affronte Agassi, qu'il avait rencontré lors de sa toute première finale de Grand Chelem 12 ans plus tôt. Après une bataille de quatre sets entre les deux vétérans, Sampras a remporté un 14e titre en simple du Grand Chelem, alors record, et a égalé le record de Jimmy Connors de cinq championnats en simple de l'US Open. Sampras n'a participé à aucun événement de la tournée au cours des 12 mois suivants, mais il n'a officiellement annoncé sa retraite qu'en août 2003, juste avant l'US Open. Il a choisi de ne pas y défendre son titre, mais l'annonce de sa retraite a été programmée pour qu'il puisse faire ses adieux lors d'une cérémonie spéciale organisée pour lui à l'Open. Au moment de sa retraite, beaucoup considéraient Sampras comme le plus grand joueur de tous les temps. Résumé de carrière Sampras a remporté 64 titres en simple de haut niveau (dont 14 titres du Grand Chelem, 11 titres Super 9/ATP Masters Series/ATP World Tour Masters 1000 et cinq titres de la Tennis Masters Cup) et deux titres en double. Il a été classé numéro 1 mondial pendant un total de 286 semaines (le deuxième plus grand nombre de tous les temps après les 302 semaines de Roger Federer) et était numéro 1 à la fin de l'année. 1 pour un record de six années consécutives de 1993 à 1998. Sampras était connu pour son jeu offensif naturel de service et de volée, son jeu complet et son fort instinct de compétition. La meilleure surface de Sampras était sans aucun doute les courts en gazon rapides. Sampras a remporté sept titres à Wimbledon (1993-95, 1997-2000), brisés seulement par une défaite en quarts de finale de 1996 face au vainqueur éventuel Richard Krajicek, le liant avec William Renshaw et Roger Federer. pour le plus grand nombre de titres de l'histoire de Wimbledon. Sampras partage également le record de cinq titres de l'US Open dans l'ère Open avec Jimmy Connors et Federer. Il a remporté deux titres consécutifs de l'US Open en 1995 et 1996, malgré des vomissements sur le terrain à 1-1 lors du tie-break du dernier set en raison de la déshydratation en quarts de finale de 1996 contre Àlex Corretja. Combiné avec ses deux titres à l'Open d'Australie, cela a donné à Sampras un total de quatorze tournois majeurs remportés sur gazon et sur dur. La seule véritable faiblesse de Sampras résidait sur les courts en terre battue, où la surface lente tempérait son jeu offensif naturel de service et de volée. Sa meilleure performance à Roland-Garros a eu lieu en 1996, lorsqu'il a perdu en demi-finale contre le futur vainqueur, Yevgeny Kafelnikov. Malgré son succès limité à Roland-Garros, Sampras a remporté quelques matchs importants sur terre battue. Il a remporté un tournoi sur terre battue en 1992 à Kitzbühel, battant Alberto Mancini en finale. Il a remporté le prestigieux Open d'Italie en 1994, en battant Boris Becker en finale, et deux matches en simple lors de la finale de la Coupe Davis en 1995 contre les Russes Andrei Chesnokov et Yevgeny Kafelnikov à Moscou. Sampras a également remporté un tournoi sur terre battue en 1998 à Atlanta, battant Jason Stoltenberg en finale. Activité après la retraite Le 6 avril 2006, trois ans et demi après sa retraite, Sampras refait surface et joue son premier match d'exhibition à River Oaks, Houston, Texas, contre Robby Ginepri, 23 ans. Ginepri a remporté le match en deux sets. Sampras a annoncé plus tard qu'il participerait à des événements du monde de tennis par équipe. En 2007, Sampras a annoncé qu'il participerait à quelques événements de l'Outback Champions Series, un groupe de tournois pour les anciens joueurs de l'ATP qui ont répondu à certains critères au cours de leur carrière. Sampras a remporté ses deux premières épreuves en tournée, battant Todd Martin dans les deux finales (dont l'une comprenait le premier voyage de Sampras dans sa patrie ancestrale, la Grèce). De nombreux observateurs ont noté que malgré sa longue absence des tournois compétitifs, Sampras possédait toujours bon nombre des compétences qu'il avait démontrées lors de sa participation au circuit ATP, la légende du tennis John McEnroe allant jusqu'à dire que Sampras serait digne d'être classé parmi les cinq premiers. à Wimbledon s'il devait participer au tournoi. Le 20 novembre 2007, Sampras a perdu le premier des trois matches d'exhibition en Asie contre Roger Federer à Séoul, en Corée. Deux jours plus tard à Kuala Lumpur, Sampras s'incline à nouveau face à Federer en deux tie-breaks. Cependant, Sampras a réussi à remporter le dernier match de la série, s'imposant en deux sets sur tapis rapide. Le 18 février 2008, lors d'un match d'exhibition lors du SAP Open, Sampras a battu un autre joueur actif, l'ancien numéro 2 mondial Tommy Haas. Sampras a éliminé l'Allemand en 43 minutes. Le 10 mars 2008, Sampras a disputé un autre match d'exhibition contre le numéro un mondial Roger Federer au Madison Square Garden de New York. Sampras a encore une fois perdu le match en trois sets serrés. En 2009, Sampras a remporté deux titres de l'Outback Champions Series. Il a battu McEnroe en finale de la Champions Cup de Boston en février et Patrick Rafter en finale de la Del Mar Development Champions Cup en mars. Sampras était présent à la finale de Wimbledon 2009 entre Andy Roddick et Roger Federer pour voir Federer éclipser sa marque de 14 titres majeurs et devenir l'homme le plus titré de l'histoire du Grand Chelem. Le record de Sampras de 14 tournois majeurs durait depuis sept ans. L'année suivante, avec Federer, Andre Agassi et Rafael Nadal, il joue un match de double hors-concours à Indian Wells pour récolter des fonds pour la population haïtienne touchée par le tremblement de terre. En novembre 2010, Sampras a signalé que bon nombre de ses trophées et souvenirs avaient été volés dans un entrepôt public de l'ouest de Los Angeles. La défaite comprenait le trophée de sa première victoire à l'Open d'Australie, deux Coupes Davis, un anneau olympique et six trophées pour avoir terminé premier du classement de fin d'année. La plupart des objets volés ont depuis été récupérés et restitués. Le 17 novembre 2011, Sampras a joué et perdu un match d'exhibition contre Milos Raonic. Le service de Sampras a frôlé les 200 km/h toute la nuit. Rivalités Sampras contre Agassi Sampras a remporté 20 des 34 matchs qu'il a disputés contre Agassi. L'US Open de 1990 était leur première rencontre en finale d'un tournoi du Grand Chelem. Agassi était favorisé parce qu'il était classé numéro 4 mondial, par rapport au numéro 12 mondial de Sampras et parce qu'Agassi avait battu Sampras lors de leur seul match terminé auparavant. Cependant, Agassi a perdu la finale contre Sampras en deux sets. Leur prochaine rencontre dans un Grand Chelem eut lieu à Roland-Garros en 1992, où ils se rencontrèrent en quarts de finale. Même si Sampras était mieux classé, Agassi s'est imposé en deux sets. Leur prochaine rencontre du Grand Chelem eut lieu lors des quarts de finale de Wimbledon en 1993, où Agassi était le champion en titre et Sampras le nouveau numéro 1 mondial. Sampras s'imposa en cinq sets et remporta son premier championnat à Wimbledon. Avec la participation de Sampras et Agassi, les États-Unis ont remporté la Coupe Davis en 1995. Les matchs notables Sampras-Agassi de 1995 comprenaient la finale de l'Open d'Australie, la Newsweek Champions Cup, les Lipton International Players Championships, l'Open canadien et l'US Open. , avec Sampras remportant la Newsweek Champions Cup et l'US Open. La prochaine fois que Sampras et Agassi se sont rencontrés en finale du Grand Chelem, c'était à Wimbledon en 1999, où Sampras a gagné en deux sets. Pour les deux, cela était considéré comme un rajeunissement de carrière, car Sampras avait subi une série de déceptions l'année dernière tandis qu'Agassi retrouvait son statut de joueur de premier plan après avoir remporté l'Open de France. Sampras a perdu le classement de numéro 1 mondial au profit d'Agassi lorsqu'une blessure a forcé Sampras à se retirer de l'US Open de cette année-là, qu'Agassi a remporté. Ils se sont affrontés à deux reprises lors des Championnats du monde ATP Tour de fin de saison, Sampras perdant le match du tournoi à la ronde, mais remportant la finale. Ils ne se sont affrontés qu'une seule fois en 2000. Agassi, le mieux classé, a battu le numéro 3 mondial Sampras en demi-finale de l'Open d'Australie en cinq sets. Dans sans doute leur match le plus mémorable, Sampras a battu Agassi en quarts de finale de l'US Open 2001 6-7, 7-6, 7-6, 7-6. Il n’y a eu aucune interruption de service pendant tout le match. Les rediffusions du match sont fréquemment présentées à la télévision, en particulier pendant les retards de pluie de l'US Open. La finale de l'US Open 2002 était leur première rencontre dans une finale de l'US Open depuis 1995. Le match était également remarquable car ils avaient battu plusieurs joueurs prometteurs en route vers la finale. Sampras avait battu le numéro 3 mondial Tommy Haas au quatrième tour et le futur numéro 1 mondial Andy Roddick en quarts de finale, tandis qu'Agassi avait battu le numéro 1 mondial et champion en titre Lleyton Hewitt en demi-finale. Sampras a battu Agassi en quatre sets. C'était le dernier match en simple de la tournée ATP de la carrière de Sampras. En août 2010, Sampras a disputé un match hors-concours avec Andre Agassi à l'arène couverte Coliseo Cubierto El Campin à Bogota, en Colombie. Sampras contre Rafter Sampras a remporté 12 des 16 matchs qu'il a disputés contre Rafter, dont huit de leurs neuf premiers et leurs quatre dernières rencontres. En 1997, Rafter a choqué le monde du tennis en remportant l'US Open, un tournoi que beaucoup s'attendaient à ce que Sampras remporte, après avoir remporté en 1995 et 1996. Cette victoire a catapulté Rafter au numéro 1 de fin d'année. 2 classements derrière Sampras. Beaucoup, y compris le septuple champion du Grand Chelem John McEnroe, pensaient que Rafter était une « merveille d'un seul coup », puisqu'il ne s'agissait que de son deuxième titre ATP en carrière. Jusque-là, Sampras avait une fiche de 5-1 contre Rafter et avait facilement battu Rafter trois fois à l'automne 1997 pour consolider son classement n°1 sur l'ATP. "Nous ne sommes pas les meilleurs amis du monde", a déclaré Rafter à propos de Sampras après les demi-finales de la Coupe Davis 1997. "Je ne sortirais pas boire une bière avec lui, pour le dire ainsi. Je ne sais pas quelle est l'histoire. Il y a un peu de ressenti." En 1998, leur rivalité commence véritablement à se développer. Rafter est revenu d'un set pour vaincre Sampras lors de la finale du Cincinnati Masters, un titre que Sampras devait remporter pour obtenir le maximum de points de classement pour rester n°1 devant Marcelo Ríos. Au cours de ce match, le service de Rafter a été annulé, mais l'arbitre a annulé l'appel pour donner à Rafter l'as et le titre de Cincinnati. Sampras était inhabituellement mécontent, alors qu'il restait à la ligne de fond pendant plusieurs secondes, faisant attendre le Rafter victorieux au filet, puis refusait de serrer la main de l'arbitre. Sampras, à l'époque vainqueur de 11 Grands Chelems, interrogé sur la différence entre lui et Rafter, a déclaré "Dix Grands Chelems", qu'un appel controversé lui a coûté le match et qu'un joueur devait revenir et gagner. un autre titre du Grand Chelem pour être considéré comme grand. Rafter a également remporté le Masters canadien, se classant troisième à l'US Open 1998. Les deux se sont rencontrés en demi-finale de l'US Open 1998, où Sampras a été ralenti au troisième set par une blessure à la jambe et a fait appel à un entraîneur, et Rafter a battu Sampras à deux reprises dans le cinquième set décisif. La défaite de Sampras lui a refusé la chance d'égaler deux records : la marque de Jimmy Connors de cinq titres à l'US Open et le record de Roy Emerson de 12 titres en simple du Grand Chelem. Sampras a cité une blessure à la jambe comme raison pour laquelle Rafter a gagné, une attitude qui a bouleversé l'Australien généralement aux manières douces : "Il dit vraiment des choses drôles au mauvais moment", a déclaré Rafter, "Nous sommes là-bas en train de nous casser les tripes et il ne le fait pas. En fin de compte, il ne montre pas beaucoup de respect. Il essaie de minimiser la raison pour laquelle il a perdu, sans aucun respect pour l'autre joueur, et c'est ce qui me dérange vraiment chez lui et la raison pour laquelle j'essaie de l'énerver. autant que je peux." Suite à la défense réussie par Rafter de son titre à l'US Open 1997 en battant Mark Philippoussis en finale de 1998, interrogé sur les commentaires antérieurs de Sampras sur la nécessité de gagner un autre Grand Chelem pour être considéré comme grand, Rafter a répondu : "Peut-être pouvez-vous lui demander que question, s'il pense ça maintenant. Pour moi, j'ai gagné un autre Grand Chelem, et ça n'a pas encore été réalisé, c'est très, très excitant pour moi, surtout de le répéter". De son côté, Sampras a déclaré à propos de Rafter : "Quand je le vois tenir le trophée de l'US Open, ça m'énerve." Rafter a répondu en traitant Sampras de « bébé qui pleure » et en disant que ce serait mieux pour le tennis si quelqu’un d’autre que l’Américain était n°1. Sampras, dont les difficultés de 1998 se sont poursuivies jusqu'au début de 1999, a perdu une troisième fois consécutive contre Rafter lors de la Coupe du monde par équipes, en deux sets, juste avant Roland-Garros. À l'été 1999, après avoir retrouvé sa confiance, en route vers une séquence de 24 victoires consécutives de quatre titres, dont Wimbledon, Sampras s'est imposé contre Rafter lors de la finale du Masters de Cincinnati, une revanche de la finale de l'année dernière, et les deux étaient amicaux dans le cérémonie de trophée. Plus tard cet été-là, Sampras s'est retiré de l'US Open en raison d'une blessure au dos tandis que Rafter a abandonné au premier tour en raison d'une manchette de rotor déchirée. sp-50252] Le prochain match Sampras-Rafter était la finale de Wimbledon en 2000, après que Rafter ait vaincu Agassi en demi-finale, une finale de quatre sets comprenant un retard de 26 minutes dû à la pluie. Les deux joueurs avaient emmené leurs parents par avion pour la finale de Wimbledon, la première fois depuis des années qu'ils voyaient leurs fils jouer. Sampras a perdu le bris d'égalité du premier set et a été mené 1-4 dans le bris d'égalité du deuxième set avant de prendre 5 points consécutifs pour remporter ce set, puis a remporté les troisième et quatrième sets pour le championnat, avec seulement 10 minutes de lumière du jour. Cette victoire a donné à Sampras son 13e titre du Grand Chelem, battant le record de 12 de Roy Emerson pour le plus grand nombre de titres du Grand Chelem de l'histoire. Après la fin du match, Sampras a qualifié Rafter de "toute classe, sur et en dehors du terrain", tandis que Rafter a déclaré qu'il avait eu de la chance de surmonter ses blessures en début de saison pour se qualifier pour la finale. Sampras et Rafter se sont rencontrés au quatrième tour de l'US Open 2001, Sampras l'emportant. Le style de jeu Sampras était un joueur sur tous les terrains qui servait et volait souvent. Possédant une compétence globale, dans les premières années de sa carrière, lorsqu'il ne servait pas, sa stratégie consistait à être offensif depuis la ligne de fond, à mettre ses adversaires en position défensive et à terminer les points au filet. Au cours de ses dernières années, il est devenu encore plus offensif et employait soit une stratégie de chip-and-charge, soit tentait de frapper un tir offensif au retour et suivait son retour au filet. Il a réalisé un premier service précis et puissant, l’un des meilleurs de tous les temps. Il avait un excellent déguisement lors de ses premier et deuxième services, et son deuxième service était presque aussi puissant que le premier. Il était connu pour produire des as sur les points critiques, même lors de ses deuxièmes services. Sampras a réussi à frapper des coups gagnants à la fois avec son coup droit et son revers sur tout le terrain. Il a été capable d'attraper des attaques larges sur son coup droit en utilisant sa vitesse et en frappant un coup droit en courant. Lorsqu'il était exécuté avec succès, il gagnait de nombreux points ou mettait immédiatement ses adversaires sur la défensive, en raison du rythme extrême et de la nature plate du tir. Ce style ne l'a pas aidé sur terre battue selon certaines critiques. Équipement Sampras a utilisé un seul type de raquette, la Wilson Pro Staff Original, pendant toute sa carrière professionnelle, une raquette introduite pour la première fois en 1983. Il a joué avec du boyau naturel Babolat, avec toutes ses raquettes recordées avant chaque match (utilisées ou non) à 75 lbs. tension (plus ou moins, selon les conditions). Ses raquettes étaient plus lourdes pour les rapprocher de 400 g, mais le cadre proprement dit était un modèle de production fabriqué dans une usine Wilson sur l'île caribéenne de Saint-Vincent. Les poignées ont été fabriquées sur mesure. Après sa retraite, Sampras a utilisé un Pro Staff Tour 90 légèrement modifié et, à partir de 2008, une nouvelle version du Pro Staff original, produit avec une taille de tête intermédiaire de 88 pouces carrés et un poids plus lourd de 349 grammes non cordé. Depuis la mi-2010, Sampras a été aperçu lors de plusieurs expositions jouant avec un Babolat Pure Storm Tour, ainsi que les populaires cordes RPM Blast de Babolat. "J'ai besoin d'un peu plus de pop... J'en ai besoin si je veux jouer au tennis", a-t-il déclaré après avoir affronté Gaël Monfils lors d'une exhibition au SAP Open. Pendant une bonne partie de l'année 2011, Sampras a utilisé une raquette entièrement peinte en noir, avec Tourna Grip et Tourna Damper. À la fin des années 1980, Sampras a signé un contrat de trois ans avec Sergio Tacchini. Il a été prolongé de cinq ans avant que Sampras ne signe avec Nike en 1994. Il portait des vêtements Nike et des chaussures Nike Air Oscillate sur le terrain. Vie personnelle et familiale Le père et la mère de Pete sont originaires de Grèce et sa grand-mère paternelle est juive. La sœur aînée de Sampras, Stella Sampras Webster, est l'entraîneur-chef du tennis féminin à l'UCLA, et sa sœur cadette, Marion, est enseignante à Los Angeles. Son frère aîné, Gus, a été directeur du tournoi ATP de Scottsdale, mais en 2007, il est devenu président de la société gérant les activités commerciales de Pete. Le 30 septembre 2000, Sampras a épousé l'actrice américaine et ancienne Miss Teen USA, Bridgette Wilson. Le 21 novembre 2002, leur fils, Christian Charles Sampras, est né. Le 29 juillet 2005, le couple a accueilli leur deuxième fils, Ryan Nikolaos Sampras. Ils résident à Lake Sherwood, en Californie. Sampras est atteint de β-thalassémie mineure, un trait génétique qui provoque parfois une légère anémie. Statistiques de carrière Chronologie des performances du Grand Chelem Records et réalisations Enregistrements * Ces records ont été atteints lors de l'ère ouverte du tennis. * Les enregistrements en gras indiquent des réalisations sans égal. Prix ​​professionnels * Joueur ATP de l'année : 1993, 1994, 1995, 1996, 1997, 1998. * Champion du Monde ITF : 1993, 1994, 1995, 1996, 1997, 1998. Autres accomplissements * Sampras (1997-2000) a remporté quatre titres consécutifs en simple à Wimbledon, juste derrière Borg et Federer (qui possèdent chacun cinq titres consécutifs). * Durant l'ère ouverte, seuls Borg (Open de France 1978-1981 et Wimbledon 1976-1980), Sampras (Wimbledon 1997-2000), Federer (Wimbledon 2003-2007 et US Open 2004-2008) et Rafael Nadal (2005-2008). Roland-Garros et Roland-Garros 2010-2014) ont remporté au moins un tournoi du Grand Chelem quatre fois consécutives. * Ken Rosewall et Sampras

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Pour quelle équipe Babe Ruth a-t-il réussi son dernier home run en Major League ?

Braves de Boston

George Herman Ruth Jr. (6 février 1895 - 16 août 1948), mieux connu sous le nom de Babe Ruth, était un joueur de baseball professionnel américain dont la carrière dans la Major League Baseball (MLB) s'est étendue sur 22 saisons, de 1914 à 1935. Surnommé "Le Bambino" et "The Sultan of Swat", il a commencé sa carrière dans la MLB en tant que lanceur gaucher exceptionnel pour les Red Sox de Boston, mais a atteint sa plus grande renommée en tant que voltigeur pour les Yankees de New York. Ruth a établi de nombreux records au bâton (et certains lancers) de la MLB, y compris les circuits en carrière (714), les points produits (RBI) (2 213), les buts sur balles (2 062), le pourcentage de coups (.690) et sur la base plus les coups. (OPS) (1,164); les deux derniers existent toujours aujourd'hui. Ruth est considérée comme l’une des plus grandes héroïnes sportives de la culture américaine et est considérée par beaucoup comme la plus grande joueuse de baseball de tous les temps. En , Ruth a été élue au Temple de la renommée du baseball comme l'un de ses « cinq premiers » membres inauguraux. À sept ans, Ruth a été envoyée à la St. Mary's Industrial School for Boys, une maison de correction où il a appris des leçons de vie et des techniques de baseball auprès du frère Matthias Boutlier des Christian Brothers, le disciplinaire de l'école et un joueur de baseball compétent. En 1914, Ruth fut engagée pour jouer au baseball dans les ligues mineures pour les Orioles de Baltimore, mais fut bientôt vendue aux Red Sox. En 1916, il s'était bâti une réputation de lanceur exceptionnel qui réussissait parfois de longs circuits, un exploit inhabituel pour tout joueur de l'ère du ballon mort d'avant 1920. Bien que Ruth ait remporté deux fois 23 matchs au cours d'une saison en tant que lanceur et ait été membre de trois équipes de championnat de la Série mondiale avec Boston, il voulait jouer tous les jours et a été autorisé à se convertir en voltigeur. Avec un temps de jeu régulier, il a battu le record de circuits en une seule saison de la MLB en 1919. Après cette saison, le propriétaire des Red Sox, Harry Frazee, a vendu Ruth aux Yankees de manière controversée, un acte qui, associé à la sécheresse de championnat qui a suivi à Boston, a popularisé la superstition de la « Malédiction du Bambino ». Au cours de ses 15 années à New York, Ruth a aidé les Yankees à remporter sept championnats de la Ligue américaine (AL) et quatre championnats de la Série mondiale. Son grand swing a conduit à une escalade du total de circuits qui a non seulement attiré les fans vers le stade de baseball et a renforcé la popularité du sport, mais a également contribué à ouvrir la voie à l'ère du baseball en direct, dans laquelle il a évolué d'un jeu de stratégie à faible score à un sport. où le home run était un facteur majeur. Dans le cadre de la célèbre formation "Murderer's Row" des Yankees de 1927, Ruth a réussi 60 circuits, prolongeant ainsi son record d'une seule saison en MLB. Il prend sa retraite en 1935 après un court passage avec les Braves de Boston. Au cours de sa carrière, Ruth a mené l'AL dans les circuits au cours d'une saison à douze reprises. Le pouvoir légendaire et la personnalité charismatique de Ruth ont fait de lui une figure plus grande que nature des « années folles ». Au cours de sa carrière, il a été la cible d'une intense attention de la presse et du public pour ses exploits au baseball et ses penchants hors du terrain pour la boisson et la femme. Son style de vie souvent imprudent était tempéré par sa volonté de faire le bien en rendant visite aux enfants dans les hôpitaux et les orphelinats. On lui a refusé un emploi dans le baseball pendant la majeure partie de sa retraite, probablement en raison d'un mauvais comportement au cours de certaines parties de sa carrière de joueur. Au cours de ses dernières années, Ruth fit de nombreuses apparitions publiques, notamment pour soutenir les efforts américains pendant la Seconde Guerre mondiale. En 1946, il tomba malade d'un cancer et mourut deux ans plus tard. Premières années George Herman Ruth Jr. est né en 1895 au 216 Emory Street à Pigtown, un quartier ouvrier de Baltimore, Maryland, du nom de ses usines de conditionnement de viande. Sa population comprenait des immigrants récents d'Irlande, d'Allemagne et d'Italie, ainsi que des Afro-Américains. Les parents de Ruth, George Herman Ruth, Sr. (1871-1918) et Katherine Schamberger, étaient tous deux d'origine germano-américaine. Selon le recensement de 1880, ses parents sont nés dans le Maryland. Les grands-parents paternels de Ruth, Sr. étaient respectivement originaires de Prusse et de Hanovre. Ruth, Sr. a occupé une série d'emplois, notamment celui de vendeur de paratonnerres et d'opérateur de tramway, avant de devenir guichetier dans une épicerie et un salon familial sur Frederick Street. George Ruth Jr. est né dans la maison de son grand-père maternel, Pius Schamberger, un immigré allemand et syndicaliste. Un seul des sept frères et sœurs du jeune George, sa sœur cadette Mamie, a survécu à l'enfance. De nombreux aspects de l'enfance de Ruth sont indéterminés, notamment la date du mariage de ses parents. Lorsque le jeune George était un tout-petit, la famille a déménagé au 339 South Woodyear Street, non loin de la gare de triage ; à l'âge de 6 ans, son père possédait un salon avec un appartement à l'étage au 426 West Camden Street. Les détails sont également rares sur les raisons pour lesquelles le jeune George a été envoyé à l'âge de 7 ans à l'école industrielle pour garçons de St. Mary, une maison de correction et un orphelinat. En tant qu'adulte, Babe Ruth a suggéré que non seulement il courait les rues et allait rarement à l'école, mais qu'il buvait de la bière lorsque son père ne le regardait pas. Certains récits racontent qu'après un incident violent survenu dans le saloon de son père, les autorités de la ville ont décidé que cet environnement n'était pas adapté à un petit enfant. À St. Mary's, où George Jr. entra le 13 juin 1902, il fut enregistré comme « incorrigible » ; il y passa une grande partie des douze années suivantes. Bien que les détenus de St. Mary aient reçu une éducation, les étudiants devaient également acquérir des compétences professionnelles et aider à faire fonctionner l'école, en particulier une fois que les garçons avaient 12 ans. Ruth est devenue couturière et était également compétente en tant que charpentière. Il ajustait lui-même ses cols de chemise, plutôt que de le confier à un tailleur, même au cours de sa carrière de baseball bien rémunérée. Les garçons, âgés de 5 à 21 ans, effectuaient la plupart des travaux dans l'établissement, de la cuisine à la fabrication de chaussures, et rénovèrent St. Mary's en 1912. La nourriture était simple et les Frères Xavériens qui dirigeaient l'école insistaient sur une discipline stricte ; les châtiments corporels étaient courants. Le surnom de Ruth là-bas était "Niggerlips", car il avait de grands traits du visage et était plus foncé que la plupart des garçons de la maison de correction entièrement blanche. Ruth était parfois autorisée à rejoindre sa famille ou était placée au St. James's Home, une résidence supervisée avec du travail dans la communauté, mais il était toujours renvoyé à St. Mary's. Il recevait rarement la visite de sa famille ; sa mère est décédée quand il avait 12 ans et, selon certains témoignages, il n'a été autorisé à quitter St. Mary's que pour assister aux funérailles. La façon dont Ruth en est venue à jouer au baseball là-bas est incertaine : selon un récit, son placement à St. Mary's était dû en partie au fait qu'il avait brisé à plusieurs reprises les fenêtres de Baltimore avec de longs coups alors qu'il jouait au street ball ; par un autre, le directeur sportif de l'école, frère Herman, lui a dit de rejoindre une équipe dès son premier jour à St. Mary's, devenant ainsi receveur même si les gauchers jouent rarement ce poste. Pendant son séjour là-bas, il a également joué au troisième but et à l'arrêt-court, encore une fois inhabituel pour un gaucher, et a été obligé de porter des mitaines et des gants conçus pour les droitiers. Il a été encouragé dans ses démarches par le préfet de discipline de l'école, le frère Matthias Boutlier, originaire de la Nouvelle-Écosse. Homme de grande taille, frère Matthias était grandement respecté par les garçons tant pour sa force que pour son équité. Pour le reste de sa vie, Ruth fera l'éloge de frère Matthias, et ses styles de course et de frappe ressemblaient beaucoup à ceux de son professeur. Ruth a déclaré: "Je pense que je suis née comme frappeuse le premier jour où je l'ai vu frapper une balle de baseball." L’homme plus âgé est devenu un mentor et un modèle pour George ; le biographe Robert W. Creamer a commenté la proximité entre les deux : L'influence de l'école est restée sur Ruth à d'autres égards : catholique de toujours, il assistait parfois à la messe après avoir fait la fête toute la nuit, et il est devenu un membre bien connu des Chevaliers de Colomb. Il visitait des orphelinats, des écoles et des hôpitaux tout au long de sa vie, évitant souvent la publicité. Il s'est montré généreux envers St. Mary's au fur et à mesure qu'il est devenu célèbre et riche, donnant de l'argent et sa présence à des collectes de fonds, et dépensant 5 000 $ pour acheter une Cadillac à frère Matthias en 1926, la remplaçant par la suite lorsqu'elle a été détruite dans un accident. Néanmoins, son biographe Leigh Montville suggère que bon nombre des excès hors du terrain de la carrière de Ruth étaient motivés par les privations de son séjour à St. Mary's. La plupart des garçons de St. Mary's jouaient au baseball, dans des ligues organisées à différents niveaux de compétence. Ruth a estimé plus tard qu'il jouait 200 matchs par an alors qu'il gravissait progressivement les échelons du succès. Bien qu'il ait joué à tous les postes à un moment ou à un autre (y compris les postes sur le terrain généralement réservés aux droitiers), il est devenu célèbre en tant que lanceur. Selon frère Matthias, Ruth se tenait à l'écart et riait des efforts maladroits de ses camarades étudiants, et Matthias lui a dit d'entrer et de voir s'il pouvait faire mieux. Après être devenu le meilleur lanceur de St. Mary's, en 1913, alors que Ruth avait 18 ans, il fut autorisé à quitter les lieux pour jouer des matchs de fin de semaine au sein d'équipes issues de la communauté. Il a été mentionné dans plusieurs articles de journaux, à la fois pour ses prouesses en matière de lancer et sa capacité à réussir de longs circuits. Baseball professionnel Ligue mineure, Orioles de Baltimore Au début de 1914, Ruth a signé un contrat de baseball professionnel avec Jack Dunn, propriétaire et manager de la ligue mineure des Orioles de Baltimore, une équipe de la Ligue internationale. Les circonstances de la signature de Ruth ne peuvent pas être établies avec certitude, les faits historiques étant obscurcis par des histoires qui ne peuvent pas toutes être vraies. Selon certains témoignages, Dunn aurait été invité à assister à un match entre une équipe d'étoiles de St. Mary's et une équipe d'un autre établissement xavérien, le Mount St. Mary's College. Certaines versions montrent Ruth s'enfuir avant le match tant attendu, pour revenir à temps pour être punie, puis lancer St. Mary's à la victoire sous le regard de Dunn. D'autres ont le lanceur des Sénateurs de Washington, Joe Engel, diplômé de Mount St. Mary's, qui a participé à un match d'anciens élèves après avoir assisté à une compétition préliminaire entre les étudiants de première année du collège et une équipe de St. Mary's, dont Ruth. Engel a regardé Ruth jouer, puis a parlé de lui à Dunn lors d'une rencontre fortuite à Washington. Ruth, dans son autobiographie, a déclaré seulement qu'il avait travaillé pour Dunn pendant une demi-heure et qu'il avait signé. Selon le biographe Kal Wagenheim, il y avait des difficultés juridiques à résoudre puisque Ruth était censée rester à l'école jusqu'à ses 21 ans. Le voyage en train vers l'entraînement de printemps à Fayetteville, en Caroline du Nord, début mars, était probablement le premier de Ruth en dehors de la région de Baltimore. Le joueur de baseball débutant a fait l'objet de diverses farces de la part des vétérans, qui étaient probablement aussi à l'origine de son célèbre surnom. Il existe divers récits sur la façon dont Ruth est devenue appelée Babe, mais la plupart se concentrent sur le fait qu'il soit appelé « le bébé de Dunnie » ou une variante. "Babe" était à cette époque un surnom courant dans le baseball, le plus célèbre à ce moment-là étant peut-être le lanceur des Pirates de Pittsburgh et héros de la Série mondiale de 1909, Babe Adams, qui semblait plus jeune que lui. La première apparition de Babe Ruth en tant que joueur de baseball professionnel eut lieu dans un match interéquipes le 7 mars 1914. Ruth joua à l'arrêt-court et lança les deux dernières manches d'une victoire de 15 à 9. Lors de sa deuxième présence au bâton, Ruth a frappé un long home run vers la droite, qui a été rapporté localement comme étant plus long qu'un tir légendaire réussi à Fayetteville par Jim Thorpe. Sa première apparition contre une équipe de baseball organisé était une exposition contre la ligue majeure des Phillies de Philadelphie : Ruth a lancé les trois manches du milieu, accordant deux points en quatrième, puis s'est stabilisée et a lancé un cinquième et un sixième sans but. L'après-midi suivant, Ruth a été mise en jeu lors de la sixième manche contre les Phillies et n'a pas permis de courir le reste du temps. Les Orioles ont marqué sept points en fin de huitième pour surmonter un déficit de 6-0, faisant de Ruth la lanceuse gagnante. Une fois la saison régulière commencée, Ruth était une lanceuse vedette qui était également dangereuse au marbre. L'équipe a bien performé, mais n'a reçu presque aucune attention de la presse de Baltimore. Une troisième ligue majeure, la Ligue fédérale, avait commencé à jouer et la franchise locale, les Terrapins de Baltimore, rétablit cette ville dans les ligues majeures pour la première fois depuis 1902. Peu de fans visitaient Oriole Park, où Ruth et ses coéquipiers travaillaient en relatif. obscurité. Ruth s'est peut-être vu offrir une prime et un salaire plus élevé pour rejoindre les Terrapins ; Lorsque des rumeurs à cet effet ont balayé Baltimore, donnant à Ruth la plus grande publicité qu'il ait connue jusqu'à présent, un responsable des Terrapins l'a nié, déclarant que leur politique était de ne pas recruter de joueurs sous contrat avec Dunn. La concurrence des Terrapins a amené Dunn à subir de lourdes pertes. Bien qu'à la fin du mois de juin, les Orioles occupaient la première place, après avoir remporté plus des deux tiers de leurs matchs, la fréquentation payante est tombée à 150. Dunn a exploré un éventuel déménagement des Orioles à Richmond, en Virginie, ainsi que la vente d'un intérêt minoritaire dans le club. Ces possibilités ont échoué, laissant à Dunn d'autre choix que de vendre ses meilleurs joueurs à des équipes des ligues majeures pour collecter des fonds. Il a offert Ruth aux champions en titre des World Series, les Philadelphia Athletics de Connie Mack, mais Mack avait ses propres problèmes financiers. Les Reds de Cincinnati et les Giants de New York ont ​​exprimé leur intérêt pour Ruth, mais Dunn a vendu son contrat, ainsi que ceux des lanceurs Ernie Shore et Ben Egan, aux Red Sox de Boston de la Ligue américaine (AL) le 4 juillet. Le prix de vente a été annoncé. à 25 000 $, mais d'autres rapports réduisent le montant à la moitié, ou peut-être à 8 500 $ plus l'annulation d'un prêt de 3 000 $. Ruth est restée avec les Orioles pendant plusieurs jours pendant que les Red Sox effectuaient un road trip et se présentaient à l'équipe à Boston le 11 juillet. Red Sox de Boston (1914-1919) Étoile en développement Ruth arriva à Boston le 11 juillet 1914 avec Egan et Shore. Ruth a raconté plus tard qu'elle avait rencontré la femme qu'il allait épouser pour la première fois, Helen Woodford, ce matin-là - elle était alors une serveuse de 16 ans au Landers Coffee Shop, et Ruth a raconté qu'elle l'avait servi quand il y prenait son petit-déjeuner. D’autres histoires suggèrent cependant que la réunion a eu lieu un autre jour, et peut-être dans d’autres circonstances. Quel que soit le moment où il a commencé à courtiser sa première femme, il a remporté son premier match pour les Red Sox cet après-midi-là, 4–3, contre les Cleveland Naps. Il a lancé au receveur Bill Carrigan, qui était également le manager des Red Sox. Shore a été lancé par Carrigan le lendemain; il a gagné cela ainsi que son deuxième départ et a ensuite été lancé régulièrement. Ruth a perdu son deuxième départ et a ensuite été peu utilisée. En tant que frappeur, à ses débuts dans les ligues majeures, Ruth est allée 0 pour 2 contre le gaucher Willie Mitchell, retirant sur des prises lors de son premier au bâton, avant d'être retiré pour un frappeur de pincement en septième manche. Ruth n'a pas été très remarquée par les fans, alors que les Bostoniens regardaient les rivaux des Red Sox, les Braves, entamer un retour légendaire qui les mènerait de la dernière place le 4 juillet au championnat de la Série mondiale de 1914. Egan a été échangé à Cleveland après deux semaines sur la liste de Boston. Pendant son séjour chez les Red Sox, il gardait un œil sur Ruth, inexpérimentée, tout comme Dunn l'avait fait à Baltimore. Lorsqu'il a été échangé, personne n'a pris sa place en tant que superviseur. Les nouveaux coéquipiers de Ruth le considéraient comme impétueux et auraient préféré qu'il, en tant que recrue, reste calme et discret. Lorsque Ruth a insisté pour s'entraîner au bâton alors qu'il était à la fois une recrue qui ne jouait pas régulièrement et un lanceur, il est arrivé et a trouvé ses bâtons sciés en deux. Ses coéquipiers le surnommaient « le grand babouin », un nom que la basanée Ruth, qui n'aimait pas le surnom de « Niggerlips » à St. Mary's, détestait. Ruth avait reçu une augmentation lors de sa promotion dans les ligues majeures et avait rapidement acquis le goût de la bonne nourriture, de l'alcool et des femmes, entre autres tentations. Le manager Carrigan a permis à Ruth de lancer deux matchs hors-concours à la mi-août. Bien que Ruth ait remporté les deux contre des compétitions de ligues mineures, il n'a pas été rétabli dans la rotation des lanceurs. On ne sait pas pourquoi Carrigan n'a pas donné à Ruth des occasions supplémentaires de lancer. Il existe des légendes - filmées pour l'écran dans The Babe Ruth Story (1948) - selon lesquelles le jeune lanceur avait l'habitude de signaler son intention de lancer une balle courbe en tirant légèrement la langue, et qu'il était facile à frapper jusqu'à ce que cela change. Creamer a souligné qu'il est courant que des lanceurs inexpérimentés affichent de telles habitudes, et que la nécessité de briser Ruth ne constituerait pas une raison pour ne pas l'utiliser du tout. Le biographe a suggéré que Carrigan n'était pas disposé à utiliser Ruth en raison du mauvais comportement de la recrue. Le 30 juillet 1914, le propriétaire de Boston, Joseph Lannin, avait acheté la ligue mineure Providence Grays, membre de la Ligue internationale. L'équipe Providence appartenait à plusieurs personnes associées aux Tigers de Détroit, dont le frappeur vedette Ty Cobb, et dans le cadre de la transaction, un lanceur Providence a été envoyé aux Tigers. Pour apaiser les fans de Providence bouleversés par la perte d'une étoile, Lannin a annoncé que les Red Sox enverraient bientôt un remplaçant aux Gris. Il s'agissait de Ruth, mais son départ pour Providence a été retardé lorsque le propriétaire des Reds de Cincinnati, Garry Herrmann, l'a réclamé au ballottage. Après que Lannin ait écrit à Herrmann pour expliquer que les Red Sox voulaient Ruth à Providence afin qu'il puisse se développer en tant que joueur et ne le libérerait pas dans un club des ligues majeures, Herrmann a permis à Ruth d'être envoyée chez les mineurs. Carrigan a déclaré plus tard que Ruth n'avait pas été envoyée à Providence pour faire de lui un meilleur joueur, mais pour aider les Gris à remporter le fanion de la Ligue internationale (championnat de la ligue). Ruth a rejoint les Gris le 18 août 1914. Ce qui restait des Orioles de Baltimore après les accords de Dunn avait réussi à conserver la première place jusqu'au 15 août, après quoi ils ont continué à s'estomper, laissant la course aux fanions entre Providence et Rochester. Ruth a été profondément impressionnée par le manager de Providence "Wild Bill" Donovan, auparavant lanceur vedette avec un bilan de 25-4 victoires-défaites pour Detroit en 1907 ; plus tard, il a crédité Donovan de lui avoir appris beaucoup de choses sur le lancer. Ruth a souvent été appelée à lancer, commençant (et gagnant) quatre matchs en huit jours en une seule séquence. Le 5 septembre à Toronto, Ruth a remporté une victoire d'un coup sûr 9-0 et a réussi son premier circuit professionnel, son seul en tant que ligue mineure, contre Ellis Johnson. Rappelé à Boston après que Providence ait terminé la saison à la première place, il a lancé et remporté un match pour les Red Sox contre les Yankees de New York le 2 octobre, obtenant son premier coup sûr dans la ligue majeure, un doublé. Ruth a terminé la saison avec une fiche de 2-1 en tant que ligue majeure et de 23-8 dans la Ligue internationale (pour Baltimore et Providence). Une fois la saison terminée, Ruth a épousé Helen à Ellicott City, Maryland. Creamer a émis l'hypothèse qu'ils ne se sont pas mariés à Baltimore, où les jeunes mariés ont logé chez George Ruth, Sr., pour éviter d'éventuelles interférences de la part de ceux de St. Mary's - les mariés n'étaient pas encore majeurs et Ruth est restée en liberté conditionnelle dans cette institution jusqu'à ce que son 21ème anniversaire. Ruth a participé à son premier entraînement de printemps dans les ligues majeures à Hot Springs, Arkansas, en mars 1915. Malgré une première saison relativement réussie, il n'était pas prévu qu'il soit titulaire régulièrement pour les Red Sox, qui avaient déjà deux lanceurs gauchers stellaires : l'établi. met en vedette Dutch Leonard, qui avait battu le record de la moyenne de points mérités (ERA) la plus basse en une seule saison ; et Ray Collins, vainqueur de 20 matchs en 1913 et 1914. Ruth a été inefficace à son premier départ, encaissant la défaite lors du troisième match de la saison. Les blessures et les lancers inefficaces des autres lanceurs de Boston ont donné à Ruth une autre chance, et après quelques bonnes apparitions en relève, Carrigan a accordé à Ruth un autre départ, et il a remporté un match de sept manches écourté par la pluie. Dix jours plus tard, le manager le fait débuter contre les Yankees de New York au Polo Grounds. Ruth a pris une avance de 3–2 dans la neuvième, mais a perdu le match 4–3 en 13 manches. Ruth, frappant neuvième comme c'était l'habitude des lanceurs, a frappé un énorme home run dans le pont supérieur dans le champ droit devant Jack Warhop. À l'époque, les circuits étaient rares au baseball et le tir majestueux de Ruth a impressionné la foule. Le lanceur gagnant, Warhop, conclura en août 1915 une carrière de huit saisons dans les ligues majeures, sans distinction si ce n'est pour avoir été le premier lanceur de la ligue majeure à céder un coup de circuit à Babe Ruth. Carrigan a été suffisamment impressionné par le lancer de Ruth pour lui donner une place dans la rotation de départ. Ruth a terminé la saison 1915 18-8 en tant que lanceuse ; en tant que frappeur, il a frappé .315 et a réussi quatre circuits. Les Red Sox ont remporté le fanion AL, mais avec le personnel des lanceurs en bonne santé, Ruth n'a pas été appelée à lancer dans la Série mondiale 1915 contre les Phillies de Philadelphie. Boston a gagné en cinq matchs ; Ruth a été utilisée comme frappeuse de pincement lors du cinquième match, mais a été éliminée contre l'as des Phillies Grover Cleveland Alexander. Malgré son succès en tant que lanceur, Ruth acquérait une réputation de longs circuits ; à Sportsman's Park contre les Browns de St. Louis, un coup de Ruth s'est envolé au-dessus de Grand Avenue, brisant la vitre d'un concessionnaire Chevrolet. En 1916, l'attention s'est concentrée sur Ruth pour son lancer, alors qu'il se livrait à des duels de lanceurs répétés avec l'as des sénateurs de Washington, Walter Johnson. Les deux se sont rencontrés cinq fois au cours de la saison, Ruth en remportant quatre et Johnson une (Ruth n'a eu aucune décision dans la victoire de Johnson). Deux des victoires de Ruth ont été remportées par le score de 1 à 0, une dans un match de 13 manches. À propos du blanchissage de 1 à 0 décidé sans manches supplémentaires, le président de l'AL, Ban Johnson, a déclaré : « C'était l'un des meilleurs matchs de ballon que j'ai jamais vu. Pour la saison, Ruth est allée 23-12, avec une MPM de 1,75 et neuf jeux blancs, tous deux en tête de la ligue. Les neuf blanchissages de Ruth en 1916 ont établi un record de la ligue pour les gauchers qui restera inégalé jusqu'à ce que Ron Guidry égalise en 1978. Les Red Sox ont de nouveau remporté le fanion et la Série mondiale, battant cette fois les Superbas de Brooklyn (comme on appelait alors les Dodgers) en cinq matchs. Ruth a commencé et remporté le match 2, 2-1, en 14 manches. Jusqu'à ce qu'un autre match de cette durée soit joué en 2005, il s'agissait du match le plus long des World Series, et la performance de Ruth au lancer est toujours la plus longue victoire complète en séries éliminatoires. Carrigan a pris sa retraite en tant que joueur et manager après 1916, retournant dans son Maine natal pour devenir homme d'affaires. Ruth, qui a joué sous la direction de quatre managers faisant partie du Temple de la renommée du baseball national, a toujours soutenu que Carrigan, qui n'y est pas inscrit, était le meilleur capitaine pour lequel il ait jamais joué. Il y a eu d'autres changements dans l'organisation des Red Sox pendant l'intersaison, alors que Lannin a vendu l'équipe à un groupe de trois hommes dirigé par le promoteur de théâtre new-yorkais Harry Frazee. Jack Barry a été embauché par Frazee en tant que manager. Émergence en tant que frappeur Ruth est allée 24-13 avec une MPM de 2,01 et six blanchissages en 1917, mais les Sox ont terminé à la deuxième place de la ligue, neuf matchs derrière les White Sox de Chicago au classement. Le 23 juin à Washington, Ruth a fait un début de lancer mémorable. Lorsque l'arbitre du marbre « Brick » Owens a qualifié les quatre premiers lancers de balles, Ruth lui a lancé un coup de poing et a été expulsée du match, puis suspendue pendant dix jours et condamnée à une amende de 100 $. Ernie Shore a été appelé pour relever Ruth et a eu droit à huit lancers d'échauffement. Le coureur qui avait atteint la base lors du but sur balles a été surpris en train de voler et Shore a retiré les 26 frappeurs qu'il a affrontés pour gagner le match. L'exploit de Shore a été considéré comme un jeu parfait pendant de nombreuses années ; en 1991, le comité sur l'exactitude statistique de la Ligue majeure de baseball (MLB) l'a fait figurer sur la liste des joueurs sans coup sûr. En 1917, Ruth a été peu utilisée comme frappeur, à part ses apparitions au marbre en tant que lanceur, et a frappé .325 avec deux circuits. L'entrée des États-Unis dans la Première Guerre mondiale intervient en début de saison et éclipse le sport. La conscription a été introduite en septembre 1917 et la plupart des joueurs de baseball des ligues majeures étaient en âge de repêchage. Cela comprenait Barry, qui était joueur-manager et qui s'est joint à la Réserve navale pour tenter d'éviter le repêchage, pour ensuite être rappelé après la saison 1917. Frazee a embauché le président de la Ligue internationale, Ed Barrow, comme manager des Red Sox. Barrow avait passé les 30 années précédentes dans divers emplois de baseball, bien qu'il n'ait jamais joué à ce jeu de manière professionnelle. Les ligues majeures étant en désavantage numérique à cause de la guerre, Barrow avait de nombreux trous à combler dans l'alignement des Red Sox. Ruth a également remarqué ces postes vacants dans l'alignement et, insatisfaite du rôle de lanceur qui apparaissait tous les quatre ou cinq jours, voulait jouer tous les jours à un autre poste. Barrow a essayé Ruth au premier but et dans le champ extérieur pendant la saison hors-concours, mais alors que l'équipe se dirigeait vers Boston et l'ouverture de la saison, il l'a limité au lancer. À l’époque, Ruth était probablement la meilleure lanceuse gauchère du baseball ; lui permettre de jouer à un autre poste était une expérience qui aurait pu se retourner contre lui. Inexpérimenté en tant que manager, Barrow a demandé au joueur Harry Hooper de le conseiller sur la stratégie du match de baseball. Hooper a exhorté son manager à permettre à Ruth de jouer un autre poste lorsqu'il ne lançait pas, arguant auprès de Barrow, qui avait investi dans le club, que les foules étaient plus grandes les jours où Ruth jouait, car elles étaient attirées par ses frappes. Barrow a cédé au début de mai ; Ruth a rapidement réussi des circuits lors de quatre matchs consécutifs (dont un hors-concours), le dernier contre Walter Johnson. Pour la première fois de sa carrière (sans tenir compte des apparitions au coup sûr), Ruth s'est vu accorder une place dans l'ordre des frappeurs supérieure à la neuvième. Bien que Barrow ait prédit que Ruth supplierait de revenir au lancer la première fois qu'il connaîtrait une baisse de frappe, cela ne s'est pas produit. Barrow a utilisé Ruth principalement comme voltigeur pendant la saison 1918 écourtée par la guerre. Ruth a atteint 0,300, avec 11 circuits, suffisamment pour lui assurer une part du titre des circuits de la ligue majeure avec Tillie Walker des Philadelphia Athletics. Il était encore occasionnellement utilisé comme lanceur et avait une fiche de 13-7 avec une MPM de 2,22. Les Red Sox ont remporté leur troisième fanion en quatre ans et ont affronté les Cubs de Chicago lors de la Série mondiale de 1918, à partir du 5 septembre, la première de l'histoire. La saison a été raccourcie car le gouvernement avait décidé que les joueurs de baseball éligibles pour l'armée devraient être intronisés ou travailler dans des industries de guerre critiques, telles que les usines d'armement. Ruth a lancé le premier match pour les Red Sox, un blanchissage de 1-0. Avant le quatrième match, Ruth s'est blessée à la main gauche lors d'une bagarre ; il a lancé quand même. Il a accordé sept coups sûrs et six buts sur balles, mais a été aidé par un terrain exceptionnel derrière lui et par ses propres efforts au bâton, alors qu'un triple en quatrième manche de Ruth a donné à son équipe une avance de 2-0. Les Cubs ont égalisé le match en huitième manche, mais les Red Sox ont marqué pour prendre à nouveau un 3-2 en fin de manche. Après que Ruth ait abandonné un coup sûr et un but sur balles pour commencer la neuvième manche, il a été relevé sur le monticule par Joe Bush. Pour garder Ruth et sa batte dans le jeu, il a été envoyé jouer sur le terrain gauche. Bush a retiré l'équipe pour donner à Ruth sa deuxième victoire de la série et la troisième et dernière victoire de sa carrière en Série mondiale, contre aucune défaite, en trois apparitions au lancer. Les efforts de Ruth ont donné à son équipe une avance de trois matchs contre un, et deux jours plus tard, les Red Sox ont remporté leur troisième série en quatre ans, quatre matchs contre deux. Avant de permettre aux Cubs de marquer lors du quatrième match, Ruth a lancé des manches consécutives sans but, un record de la Série mondiale qui a duré plus de 40 ans jusqu'en 1961, battu par Whitey Ford après la mort de Ruth. Ruth était plus fière de ce record que de ses exploits au bâton. Une fois les World Series terminées, Ruth a obtenu une exemption du service de guerre en acceptant un poste nominal dans une aciérie de Pennsylvanie. De nombreux établissements industriels étaient fiers de leurs équipes de baseball et cherchaient à embaucher des joueurs des ligues majeures. La fin de la guerre en novembre a permis à Ruth de jouer au baseball sans de tels artifices. Au cours de la saison 1919, Ruth n'a lancé que 17 de ses 130 matchs, compilant un record de 8 à 5 alors que Barrow l'utilisait comme lanceur principalement au début de la saison, lorsque le manager des Red Sox avait encore l'espoir d'un deuxième fanion consécutif. . Fin juin, les Red Sox étaient clairement hors course, et Barrow n'avait aucune objection à ce que Ruth se concentre sur ses frappes, ne serait-ce que parce que cela attirait les gens vers le stade. Ruth avait réussi un coup de circuit contre les Yankees le jour de l'ouverture, et un autre au cours d'une crise de frappeur d'un mois qui a rapidement suivi. Libérée de ses fonctions de lanceur, Ruth a entamé une période sans précédent de coups de circuit, ce qui lui a valu une large attention du public et de la presse. Même ses échecs étaient considérés comme majestueux – un journaliste sportif a noté : « Quand Ruth rate un coup de ballon, les tribunes frémissent ». Deux circuits de Ruth le 5 juillet, et un dans chacun des deux matchs consécutifs une semaine plus tard, ont porté son total de saison à 11, égalant son record en carrière de 1918. Le premier record à tomber était la marque AL sur une seule saison de 16, établi par Ralph "Socks" Seybold en 1902. Ruth a égalé ce chiffre le 29 juillet, puis a progressé vers le record des ligues majeures de 24, établi par Buck Freeman en 1899. Ruth a atteint ce chiffre le 8 septembre, date à laquelle les écrivains avaient découvert que Ned Williamson des Chicago White Stockings de 1884 en avait frappé 27, mais dans un stade approximatif où la distance jusqu'au champ droit n'était que de 215 pieds. Le 20 septembre, "Babe Ruth Day" à Fenway Park, Ruth a remporté le match avec un home run dans le en bas de la neuvième manche, égalisant Williamson. Il a battu le record quatre jours plus tard contre les Yankees au Polo Grounds et en a frappé un autre contre les Sénateurs pour terminer avec 29. Le circuit à Washington a fait de Ruth le premier joueur des ligues majeures à frapper un circuit dans les huit stades de sa carrière. ligue. Malgré les exploits de Ruth, les Red Sox ont terminé sixième, derrière les champions de la ligue, les White Sox. Vente à New York En tant qu'habitant de New York, Frazee avait été considéré avec méfiance par les journalistes sportifs et les fans de baseball de Boston lorsqu'il avait acheté l'équipe. Il les a conquis grâce à son succès sur le terrain et à sa volonté de bâtir les Red Sox en achetant ou en échangeant des joueurs. Il a offert aux Sénateurs 60 000 $ pour Walter Johnson, mais le propriétaire de Washington, Clark Griffith, n'était pas disposé à le faire. Malgré cela, Frazee a réussi à amener d'autres joueurs à Boston, notamment pour remplacer les joueurs de l'armée. Cette volonté de dépenser pour les joueurs a aidé les Red Sox à remporter le titre de 1918. La saison 1919 a vu une fréquentation record et les circuits de Ruth pour Boston ont fait de lui une sensation nationale. En mars 1919, Ruth aurait accepté un contrat de trois ans pour un total de 27 000 $, après de longues négociations. Néanmoins, le 26 décembre 1919, Frazee vendit le contrat de Ruth aux Yankees de New York. Toutes les circonstances entourant la vente ne sont pas connues, mais le brasseur et ancien membre du Congrès Jacob Ruppert, principal propriétaire de l'équipe new-yorkaise, aurait demandé au manager des Yankee, Miller Huggins, ce dont l'équipe avait besoin pour réussir. "Faites venir Ruth de Boston", aurait répondu Huggins, notant que Frazee avait constamment besoin d'argent pour financer ses productions théâtrales. Quoi qu'il en soit, il y avait un précédent pour la transaction Ruth : lorsque le lanceur de Boston Carl Mays quitta les Red Sox lors d'un différend en 1919, Frazee avait réglé l'affaire en vendant Mays aux Yankees, malgré l'opposition du président de l'AL Johnson. Selon l'un des biographes de Ruth, Jim Reisler, "pourquoi Frazee avait besoin d'argent en 1919 - et d'importantes injections de liquidités rapidement - est encore, plus de 80 ans plus tard, un peu un mystère". L’histoire souvent racontée est que Frazee avait besoin d’argent pour financer la comédie musicale No, No, Nanette, qui fut un succès à Broadway et apporta à Frazee une sécurité financière. Cependant, cette pièce n'a été ouverte qu'en 1925, date à laquelle Frazee avait vendu les Red Sox. Pourtant, l’histoire est peut-être vraie en substance : Non, non, Nanette était basée sur une pièce produite par Frazee, My Lady Friends, qui a débuté en 1919. Frazee subissait d'autres pressions financières, malgré le succès de son équipe. Ruth, pleinement consciente de la popularité du baseball et du rôle qu'il y joue, voulait renégocier son contrat, signé avant la saison 1919, pour 10 000 $ par an jusqu'en 1921. Il exigeait que son salaire soit doublé, sinon il s'absenterait la saison et encaisserait son salaire. sa popularité à travers d'autres entreprises. Les exigences salariales de Ruth poussaient d'autres joueurs à demander plus d'argent. De plus, Frazee devait encore à Lannin jusqu'à 125 000 $ pour l'achat du club. Bien que Ruppert et son copropriétaire, le colonel Tillinghast Huston, soient tous deux riches et aient acheté et échangé de manière agressive des joueurs en 1918 et 1919 pour constituer une équipe gagnante, Ruppert a subi des pertes dans ses intérêts brassicoles lorsque la Prohibition a été mise en œuvre, et si leur équipe Après avoir quitté le Polo Grounds, où les Yankees étaient les locataires des Giants de New York, construire un stade à New York coûterait cher. Néanmoins, lorsque Frazee, qui évoluait dans les mêmes cercles sociaux que Huston, a laissé entendre au colonel que Ruth était disponible au juste prix, les propriétaires des Yankees ont rapidement poursuivi l'achat. Frazee a vendu les droits de Babe Ruth pour 100 000 $, la plus grosse somme jamais payée pour un joueur de baseball. L'accord impliquait également un prêt de 350 000 $ de Ruppert à Frazee, garanti par une hypothèque sur Fenway Park. Une fois que c'était d'accord

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Quel a été le premier film de Warren Beatty ?

Splendor in the Grass

Henry Warren Beatty ( ; Dictionnaire de prononciation CMU [http://dictionary.infoplease.com/beatty Random House Unabridged Dictionary] et [http://www.time.com/time/magazine/article/0,9171,939844,00 .html Time magazine], mais selon le [http://www.speech.cs.cmu.edu/cgi-bin/cmudict?in=warren+beatty CMU Pronouncing Dictionary]. acteur et cinéaste. Il a été nominé pour quatorze Oscars – quatre pour le meilleur acteur, quatre pour le meilleur film, deux pour le meilleur réalisateur, trois pour le scénario original et un pour le scénario adapté – remportant le prix du meilleur réalisateur pour Reds (1981). Beatty est la première et la seule personne à avoir été nominée deux fois pour avoir joué, réalisé, écrit et produit le même film – d'abord avec Heaven Can Wait (1978), puis de nouveau avec Reds. En 1999, il a reçu la plus haute distinction de l'Académie, le prix Irving G. Thalberg. Beatty a été nominé pour dix-huit Golden Globe Awards, dont six, dont le Golden Globe Cecil B. DeMille Award, qui lui a été décerné en 2007. Parmi ses films nominés aux Golden Globes figurent Splendor in the Grass (1961), Bonnie and Clyde (1967), Shampoo (1975), Dick Tracy (1990), Bugsy (1991) et Bulworth (1998). Début de la vie Henry Warren Beaty est né à Richmond, en Virginie. Sa mère, Kathlyn Corinne (née MacLean), qui était canadienne, était une enseignante de la Nouvelle-Écosse, et son père, Ira Owens Beaty, avait un doctorat en psychologie éducative, était administrateur d'une école publique et s'occupait de l'immobilier. Les grands-parents de Beatty étaient également des éducateurs. La famille était baptiste. En 1945, la famille déménage de Richmond à Arlington, en Virginie. Au cours des années 1950, la famille résidait dans le quartier Dominion Hills d'Arlington. La sœur aînée de Beatty est l'actrice, danseuse et écrivaine Shirley MacLaine. Son oncle, par alliance, était un homme politique canadien A. A. MacLeod. Beatty n'a aucun lien de parenté avec l'acteur Ned Beatty (également né en 1937). Éducation Beatty était un joueur de football vedette du lycée Washington-Lee à Arlington. Encouragé par le succès de sa sœur, qui s'était récemment imposée comme une star hollywoodienne, il décide de travailler comme machiniste au National Theatre de Washington, D.C., au cours de l'été précédant sa dernière année. On lui aurait offert dix bourses de football pour entrer à l'université, mais il les aurait refusées pour étudier les arts libéraux à la Northwestern University (1954-1955), où il rejoignit la fraternité Sigma Chi. Après sa première année, il a quitté l'université pour s'installer à New York, où il a étudié le théâtre auprès de Stella Adler au Stella Adler Studio of Acting. Service militaire Beatty s'est enrôlé dans la California Air National Guard le 11 février 1960 sous son nom d'origine, Henry W. Beaty. Le 1er janvier 1961, Beatty a été démis de ses fonctions de la Garde nationale aérienne en raison d'un handicap physique. Il a été simultanément libéré de la réserve de l'armée de l'air des États-Unis et n'a servi qu'en service inactif. Carrière Années 1950 et 1960 Beatty a commencé sa carrière en faisant des apparitions dans des émissions de télévision telles que Studio One (1957), Kraft Television Theatre (1957) et Playhouse 90 (1959). Il était un semi-régulier de The Many Loves of Dobie Gillis lors de sa première saison (1959-1960). Sa performance dans A Loss of Roses de William Inge à Broadway lui a valu une nomination aux Tony Awards en 1960 pour le meilleur acteur vedette dans une pièce de théâtre et un Theatre World Award en 1960. C'était sa seule apparition à Broadway. Il fait ses débuts au cinéma dans Splendor in the Grass (1961) d'Elia Kazan, aux côtés de Natalie Wood. Le film a été un succès critique et au box-office et Beatty a été nominé pour le Golden Globe Award du meilleur acteur et a reçu le prix de la nouvelle star de l'année – acteur. Il a suivi son premier film avec The Roman Spring of Mrs. Stone (1961) de Tennessee Williams, avec Vivien Leigh et Lotte Lenya, réalisé par Jose Quintero ; All Fall Down (1962), avec Angela Lansbury, Karl Malden et Eva Marie Saint, réalisé par John Frankenheimer ; Lilith (1963), avec Jean Seberg et Peter Fonda, réalisé par Robert Rossen ; Promettez-lui n'importe quoi (1964), avec Leslie Caron, Bob Cummings et Keenan Wynn, réalisé par Arthur Hiller ; Mickey One (1965), avec Alexandra Stewart et Hurd Hatfield, réalisé par Arthur Penn ; et Kaléidoscope (1966), avec Susannah York et Clive Revill, réalisé par Jack Smight. En 1967, alors qu'il avait 29 ans, il produit et joue dans Bonnie and Clyde. Il a réuni une équipe comprenant les scénaristes Robert Benton et David Newman et le réalisateur Arthur Penn, a choisi Faye Dunaway, Gene Hackman et Estelle Parsons pour les rôles principaux, a supervisé le scénario et a dirigé la livraison du film. Ce fut un succès critique et commercial et fut nominé pour dix Oscars, dont celui du meilleur film et du meilleur acteur, et sept Golden Globe Awards, dont celui du meilleur film et du meilleur acteur. Années 1970 et 1980 Après Bonnie et Clyde, Beatty a joué avec Elizabeth Taylor dans The Only Game in Town (1970), réalisé par George Stevens ; McCabe et Mme Miller (1971), réalisé par Robert Altman ; Dollars (1971), réalisé par Richard Brooks ; La vue parallaxe (1974), réalisé par Alan Pakula ; et La Fortune (1975), réalisé par Mike Nichols. Beatty a produit, co-écrit et joué dans Shampoo (1975), réalisé par Hal Ashby, qui a été nominé pour quatre Oscars, dont celui du meilleur scénario original, ainsi que cinq Golden Globe Awards, dont celui du meilleur film et du meilleur acteur. En 1978, Beatty réalise, produit, écrit et joue dans Heaven Can Wait (1978) (partageant le crédit de co-réalisation avec Buck Henry). Le film a été nominé pour neuf Oscars, dont ceux du meilleur film, réalisateur, acteur et scénario adapté. Il a également remporté trois Golden Globe Awards, dont ceux du meilleur film et du meilleur acteur. Le film suivant de Beatty fut Reds (1981), une épopée historique sur le journaliste communiste américain John Reed qui observa la Révolution russe d'Octobre – un projet pour lequel Beatty avait commencé à faire des recherches et à filmer dès 1970. Ce fut un succès critique et commercial, bien qu'il soit un film américain sur un communiste américain réalisé et sorti au plus fort de la guerre froide. Il a reçu douze nominations aux Oscars – dont quatre pour Beatty (pour le meilleur film, réalisateur, acteur et scénario original), en remportant trois ; Beatty a gagné pour le meilleur réalisateur, Maureen Stapleton pour la meilleure actrice dans un second rôle (dans le rôle de l'anarchiste Emma Goldman) et Vittorio Storaro pour la meilleure photographie. Le film a reçu sept nominations aux Golden Globes, dont celles du meilleur film, réalisateur, acteur et scénario. Beatty a remporté le Golden Globe Award du meilleur réalisateur. Après Reds, Beatty n'est pas apparu dans un film pendant cinq ans jusqu'en 1987, Ishtar, écrit et réalisé par Elaine May. Suite à de sévères critiques dans les revues de presse de la part du nouveau chef du studio britannique David Puttnam juste avant sa sortie, le film a reçu des critiques mitigées et a connu un échec commercial. Puttnam a attaqué plusieurs autres films américains à budget excessif, éclairés par son prédécesseur, et a été licencié peu de temps après. Années 1990 et 2000 Beatty a ensuite produit, réalisé et joué le rôle titre du détective de bande dessinée Dick Tracy dans le film du même nom de 1990. Le film a été acclamé par la critique et a été l'un des plus gros succès de l'année. Il a reçu sept nominations aux Oscars, dont trois pour la meilleure direction artistique, le meilleur maquillage et la meilleure chanson originale. Il a également reçu quatre nominations aux Golden Globe Awards, dont celui du meilleur film. En 1991, il a produit et joué le rôle du vrai gangster Bugsy Siegel dans Bugsy, acclamé par la critique et le commerce, réalisé par Barry Levinson, qui a été nominé pour dix Oscars, dont celui du meilleur film et du meilleur acteur ; il a ensuite remporté deux des prix de la meilleure direction artistique et de la meilleure conception de costumes. Le film a également reçu huit nominations aux Golden Globe Awards, dont ceux du meilleur film et du meilleur acteur, gagnant du meilleur film. Le prochain film de Beatty, Love Affair (1994), réalisé par Glenn Gordon Caron, a reçu des critiques mitigées et n'a pas été commercialement impressionnant. En 1998, il a écrit, produit, réalisé et joué dans la satire politique Bulworth, acclamée par la critique et nominée pour l'Oscar du meilleur scénario original. Le film a également reçu trois nominations aux Golden Globe Awards, pour le meilleur film, le meilleur acteur et le meilleur scénario. Beatty est apparu brièvement dans de nombreux documentaires, dont Madonna : Action ou Vérité (1991) et One Bright Shining Moment : L'été oublié de George McGovern (2005). Suite à la performance désastreuse au box-office de Town & Country (2001), dans lequel Beatty a joué, il n'est pas apparu ni réalisé un autre film jusqu'à ce que Rules Don't Apply. Ce dernier film devrait sortir en 2016. années 2010 En 2010, Beatty a réalisé et repris son rôle de Dick Tracy dans un film comique de 30 minutes intitulé Dick Tracy Special, qui a été créé sur TCM. Le court métrage de métafiction met en vedette Dick Tracy et le critique de cinéma et historien Leonard Maltin, ce dernier discutant de l'histoire et de la création de Tracy. Tracy raconte à quel point il admirait Ralph Byrd et Morgan Conway qui l'ont incarné dans plusieurs films, mais dit qu'il ne se souciait pas beaucoup de la représentation que Beatty faisait de lui ou de son film. En avril 2016, lors d'un événement en l'honneur du producteur Arnon Milchan, Beatty a déclaré qu'il était "très sérieux" à l'idée de faire une suite à Dick Tracy avec Milchan en production. Au milieu des années 1970, Beatty a signé un contrat avec Warner Bros. pour jouer, produire, écrire et éventuellement réaliser un film sur Howard Hughes. C'est également durant cette période que Beatty contacte Paul Schrader pour écrire un scénario sur la vie de Hughes, ce qu'il refuse. Cependant, le projet a été suspendu lorsque Beatty a commencé Heaven Can Wait. Initialement, Beatty avait prévu de filmer l'histoire de la vie de John Reed et Hughes consécutivement, mais à mesure qu'il approfondissait le projet, il s'est finalement concentré principalement sur le film de John Reed, Reds. Après des années passées loin de la caméra, en juin 2011, il a été rapporté que Beatty produirait, écrirait, réaliserait et jouerait dans un film sur Hughes, se concentrant sur une liaison qu'il avait eue avec une jeune femme au cours des dernières années de sa vie. Au cours de cette période, Beatty a approché des acteurs pour jouer dans son casting. Il a rencontré Andrew Garfield, Alec Baldwin, Owen Wilson, Justin Timberlake, Shia La Beouf, Jack Nicholson, Evan Rachel Wood, Rooney Mara, sa femme Annette Bening et son choix personnel pour le rôle principal féminin, Felicity Jones. Après que Paramount Pictures ait quitté le film, Regency Enterprises a repris le film en septembre 2011. Le film, Rules Don't Apply, a commencé le tournage principal en février 2014 et s'est terminé en juin de la même année. Certains ont dit que le film de Beatty était en préparation depuis 40 ans. Sa sortie est prévue le 23 novembre 2016. Honneurs Beatty a reçu le prix Eleanor Roosevelt de l'Americans for Democratic Action, le Brennan Legacy Award du Brennan Center for Justice de la faculté de droit de l'Université de New York, le Phillip Burton Public Service Award de la Foundation for Taxpayer and Consumer Rights, et le Prix ​​Spirit of Hollywood décerné par Associates for Breast and Prostate Cancer Studies. Beatty a été membre fondateur du conseil d'administration du Center for National Policy, membre fondateur de la majorité progressiste, membre du Council on Foreign Relations, a été président de campagne pour le comité permanent des œuvres caritatives et a participé au Forum économique mondial. à Davos, Suisse. Il a siégé au conseil d'administration du Scripps Research Institute et au conseil d'administration de la Motion Picture and Television Fund Foundation. Il a été nommé président honoraire du Stella Adler Studio of Acting en 2004. L'Association nationale des propriétaires de théâtre lui a décerné le prix de l'étoile de l'année en 1975, et en 1978 le prix du réalisateur de l'année et le prix du producteur de l'année. Il a reçu le prix commémoratif Alan J. Pakula du National Board of Review en 1998. Il a reçu le prix Akira Kurosawa pour l'ensemble de sa carrière en 2002 du Festival international du film de San Francisco. Il a reçu le Board of Governors Award de l'American Society of Cinematographers, le Distinguished Director Award de la Costume Designers Guild, le Life Achievement Award de la Publicists Guild et le Outstanding Contribution to Cinematic Imagery Award de la Art Director Guild. En 2004, il a reçu le Kennedy Center Honors à Washington, D.C., ainsi que le Milestone Award de la Producers Guild of America. Il a reçu le Life Achievement Award de l'American Film Institute en 2008. En mars 2013, il a été intronisé au California Hall of Fame. Beatty a reçu de nombreuses récompenses internationales : en 1992, il a été nommé Commandeur de l'Ordre des Arts et des Lettres (France) ; en 1998, il a été nominé pour le Lion d'or du meilleur film (Bulworth) et a reçu le Lion d'or de carrière au Festival du film de Venise ; en 2001, il a reçu le Donostia Lifetime Achievement Award du Festival International du Film de Saint-Sébastien ; en 2002, il a reçu la British Academy Fellowship du BAFTA ; et en 2011, il a reçu le Stanley Kubrick Britannia Award. Vie privée Beatty est marié à l'actrice Annette Bening depuis 1992. Ils ont quatre enfants : Stephen (né le 8 janvier 1992), Benjamin (né le 23 août 1994), Isabel (née le 11 janvier 1997) et Ella (née le 8 avril 2000). ). Avant d'épouser Bening, Beatty était bien connu pour ses relations amoureuses très médiatisées qui bénéficiaient d'une généreuse couverture médiatique. Il a eu des relations avec Madonna, Cher, Serena, Twiggy, Iman, Natalie et Lana Wood, Michelle Phillips, Diane Keaton, Julie Christie, Leslie Caron, Isabelle Adjani, Mary Tyler Moore, Goldie Hawn, Kate Jackson, Joan Collins, Diane Sawyer, Connie Chung, Britt Ekland, Melanie Griffith, Barbara Hershey, Jacqueline Onassis, Maya Plisetskaya, Pat Cleveland, Vanessa Redgrave, Dewi Sukarno, Princess Margaret, Jessica Savitch, Susan Strasberg, Brigitte Bardot, Janice Dickinson, Christine Kaufmann, Jane Fonda, Daryl Hannah, Barbara Minty, Margaux Hemingway, Mamie Van Doren, Raquel Welch, Bebe Buell, Barbara Harris, Elizabeth Hubbard, la princesse Elizabeth de Yougoslavie, Joni Mitchell, Linda McCartney, Inger Stevens, Dayle Haddon, Carol Alt , Maria Callas, Brooke Hayward, Juliet Prowse, Joyce Hyser, Carole Mallory, Liv Ullmann, Diane von Furstenberg, Elle Macpherson et Stephanie Seymour. L'auteure-compositrice-interprète Carly Simon est également sortie avec Beatty et a confirmé en novembre 2015 qu'elle avait écrit un couplet dans sa chanson à succès "You're So Vain" à son sujet. Beatty est un partisan de longue date du Parti démocrate. En 1972, Beatty faisait partie du « cercle restreint » de la campagne présidentielle du sénateur George McGovern. Il a beaucoup voyagé et a joué un rôle déterminant dans l'organisation de la collecte de fonds. En mai 2005, Beatty a poursuivi Tribune Media, affirmant qu'il conservait toujours les droits sur Dick Tracy. Le 25 mars 2011, le juge de district américain Dean Pregerson s'est prononcé en faveur de Beatty. Filmographie Films non réalisés *Untitled Dick Tracy Sequel - Warren Beatty développe actuellement ce projet chez Disney, depuis 2016. Il parle de faire une suite depuis la sortie de l'original en 1990. *Ocean of Storms - Beatty devait produire et jouer dans cette histoire d'amour d'astronaute vieillissant. Annette Benning devait co-vedette. Le scénario a été écrit par Tony Bill et Ben Young Mason avec des révisions par Wesley Strick, Robert Towne, Lawrence Wright, Stephen Harrigan et Aaron Sorkin. Martin Scorsese a été à un moment donné attaché à la réalisation. Le projet était en développement de 1989 jusque vers 2000. *Sirène - Warren Beatty était attaché à la vedette dans cette histoire d'amour sur un coureur de voilier qui tombe amoureux d'une sirène. Le scénario était en cours d'élaboration au début des années 1980 par Robert Towne. *Le duc de la tromperie – Warren Beatty devait jouer dans cette adaptation scénarisée et réalisée par Steven Zaillian du livre de Geoffrey Wolff. Il a été attaché au projet de 2000 à 2005 environ. Finalement, le projet a été abandonné après que Beatty ait continué à tergiverser sur sa décision d'y jouer. *Mégalopole - Warren Beatty était attaché à la co-vedette de l'épopée de Francis Ford Coppola à la fin des années 90 et au début des années 2000, mais le projet a finalement été abandonné. *Le meurtre d'un bookmaker chinois (Remake) - Brett Ratner a tenté pendant plusieurs années de convaincre Warren Beatty de jouer dans le remake de ce projet à la fin des années 1990.

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Quelle future star hollywoodienne a eu sa chance dans le rôle de Wonder Girl, la sœur de Wonder Woman, Drusilla ?

Debra Winger

Drusilla est une Amazone apparue dans Wonder Woman Vol 1, #182 à #184, de DC Comics en 1969. Créée par Mike Sekowsky. Elle a été modifiée pour devenir la sœur cadette de Wonder Woman lorsqu'elle a figuré dans la série télévisée Wonder Woman jouée par Debra Winger. Biographies de personnages fictifs Drusilla, était une messagère d'Amazon, puis est venue voir l'ancienne Wonder Woman avec de terribles nouvelles. Dans la dimension qui héberge désormais Paradise Island, Ares tentait de forcer Hippolyta à lui confier le secret du voyage transdimensionnel. Hippolyte refusa sans cesse et Arès envoya ses troupes contre l'île, tuant de nombreuses Amazones. Eris, la fille d'Arès, plongea alors Hippolyta dans un sommeil enchanté. Un temps pour aimer, un temps pour mourir ! Au cours des aventures de Diana avec I-Ching, Dans une autre dimension, la reine Hippolyte dit à une Amazone nommée Drusilla qu'elle doit lui ramener la princesse Diana à l'aide d'une amulette magique multidimensionnelle. Drusilla localise Diana et I-Ching, qui la suivent ensuite, et les amène tous deux à travers les barrières dimensionnelles vers le pays où existe maintenant Paradise Island. Retour sur l'île paradisiaque Le pays est ravagé par la guerre et la reine Hippolyte est dans le coma et tourmentée. Une Amazone révèle qu'Arès, sa sœur Eris et ses fils Diemos et Phobus sont venus voir Hippolyte et ont exigé le secret du voyage dimensionnel afin de pouvoir voyager sur Terre et la plonger dans une guerre sanglante. Hippolyte refusa et une bataille s'ensuivit, au cours de laquelle les Amazones furent vaincues. Mais Hippolyte cachait toujours le secret, sur quoi Eris la maudit d'un sommeil cauchemardesque qui ne prendrait fin que lorsque son secret lui serait arraché. Mars apparaît alors à Diana et lui dit qu’elle peut mettre fin aux souffrances de sa mère en lui demandant de révéler le secret. Mais Hippolyte, même endormi, saisit la main de Diana, signifiant que sa réponse est toujours « Non ». Lorsque Mars et sa famille tentent d'enlever Hippolyte, les Amazones encerclent leur reine et l'en empêchent. Mars se retire, promettant de revenir avec des troupes. Diana rallie les Amazones pour combattre à ses côtés contre leur ennemi, qui les dépasse en nombre cinq contre un. Diana enfile plus tard une armure de combat et dirige l'armée amazonienne contre les hommes-bêtes de Deimos et Phobus, au cours de laquelle l'ennemi s'empare d'Hippolyta. Les Amazones récupèrent leur reine lors d'un raid mené par Diana et se retirent vers un col de montagne où elles ont l'intention de mener leur dernière bataille contre les troupes de Mars. La dernière bataille Diana a l’idée d’aller dans une autre dimension où existent encore le roi Arthur et les héros de légende et de demander leur aide pour repousser les troupes de Mars. Drusilla, la messagère des Amazones, l'emmène dans ce royaume où Arthur organise un tournoi de héros. Mais aucun d’entre eux ne souhaite repartir en guerre, même après que Diana leur ait dit que Mars était de nouveau en marche. Un combat commence entre Diana et Siegfried, mais la Valkyrie Brunhilde l'arrête et dit à Diana qu'elle et ses Valkyries seraient fières d'aider les Amazones. Ainsi, Diana revient avec les femmes de guerre nordiques et entame leur engagement final avec les forces de Mars. Bientôt, ils sont rejoints par Roland et les autres héros du royaume d’Arthur, et l’armée de Mars est vaincue. Hippolyte se réveille de son sommeil et Mars lui ramène une Diane inconsciente, honorant son adversaire, mais lui disant qu'il finira par revenir. Roland, Brunnhilde et tous les autres héros et Valkyries partent. Paradise Island est reconstruite et I-Ching choisit d'y rester un moment et d'étudier ses anciens mystères. La crise étant terminée, Drusilla ramène Diana dans son appartement sur Terre où ils se séparent et se disent au revoir. Versions alternatives *Une silhouette ressemblant à Drusilla de Winger a fait une apparition dans Infinite Crisis #6, en tant que Wonder Girl of Earth-462. Dans d'autres médias Wonder Woman En 1976, une version de Wonder Girl (Drusilla au lieu de Donna Troy) est apparue dans la série télévisée Wonder Woman et a été interprétée par Debra Winger. Bien que l'épisode pilote ait révélé que l'alter ego de Wonder Woman, la princesse Diana de Paradise Island, était le seul enfant de la reine Hippolyta, les épisodes ultérieurs mettaient en vedette le jeune frère de Diana, Drusilla. Cette version de Drusilla était différente du personnage unique des bandes dessinées. Elle a été fortement modifiée pour la série télévisée. Drusilla est apparue pour la première fois dans l'épisode en deux parties The Feminum Mystique. Dans cet épisode, la reine Hippolyta (Carolyn Jones) envoie Drusilla en Amérique afin de ramener sa sœur à Paradise Island. (Il convient de noter que la reine Hippolyta n’est jamais mentionnée par son nom dans aucune des émissions spéciales télévisées dans lesquelles elle est apparue.) Drusilla se retrouve mêlée à un complot nazi pour découvrir le secret des bracelets magiques de Wonder Woman et maîtrise ainsi la transformation tournante utilisée par sa sœur aînée. Bien que Drusilla crée le personnage de Wonder Girl, la distinction est perdue pour les nazis, qui la croient être Wonder Woman et l'enlèvent. Drusilla est réapparue dans le dernier épisode de la première saison de Wonder Woman in Hollywood. Une série Wonder Girl était en développement lorsque l'actrice Debra Winger a rompu son contrat et a quitté la série. Anecdote Dans les bandes dessinées, Drusilla était une amazone régulière qui est apparue dans Wonder Woman #182, 1969 et qui était une alliée de Wonder Woman. La version Debra Winger de Drusilla a fait une apparition dans Infinite Crisis #6, en tant que Wonder Girl of Earth-462. Cassandra Sandsmark adaptera plus tard temporairement le pseudonyme de Drusilla en Drusilla Priam pour protéger son identité.

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Dans les dessins animés Hanna et Barbera TV basés sur La Famille Addams, qui était la voix de Gomez ?

John Astin

La famille Addams est un groupe de personnages fictifs créés par le dessinateur américain Charles Addams. Les personnages de la famille Addams incluent traditionnellement Gomez, Morticia, Oncle Fester, Lurch, Grandmama, Wednesday, Pugsley et Thing. Les Addams sont une inversion satirique de la famille américaine idéale : un clan riche et excentrique qui se délecte du macabre et semble ignorer que les autres les trouvent bizarres ou effrayants. Ils sont apparus à l'origine comme un groupe indépendant de 150 dessins animés à panneau unique, dont environ la moitié ont été initialement publiés dans le New Yorker entre leurs débuts en 1938 et la mort d'Addams en 1988. Ils ont depuis été adaptés à d'autres médias, y compris des séries télévisées ( en direct et en animation), des films, des jeux vidéo et une comédie musicale. Prémisse et contexte Les dessins originaux d'Addams étaient des gags à un seul panneau. Les personnages n'étaient pas développés et sans nom jusqu'à la production de la série télévisée. Gomez et Pugsley sont enthousiastes. Morticia est même de caractère, sourde, pleine d'esprit, parfois mortelle. Grand-mère Frump est bêtement bon enfant. Mercredi est la fille de sa mère. Une famille très unie, le véritable chef étant Morticia – bien que chacun des autres soit un personnage bien défini – à l'exception de grand-mère, qui se laisse facilement diriger. La plupart des problèmes qu’ils rencontrent en famille sont dus au caractère tâtonnant et faible de grand-mère. La maison est une épave, bien sûr, mais c'est quand même une famille fière de sa maison et toutes les trappes sont en bon état. L'argent n'est pas un problème.—Charles Addams La famille semble être une seule branche survivante du clan Addams. De nombreuses autres « familles Addams » existent partout dans le monde. Selon la version cinématographique, le credo de la famille est Sic gorgiamus allos subjectatos nunc (pseudo-latin : « Nous nous régalons volontiers de ceux qui veulent nous soumettre »). Charles Addams s'est d'abord inspiré de sa ville natale de Westfield, dans le New Jersey, une région pleine de demeures victoriennes ornées et de cimetières archaïques. Selon la série télévisée, ils vivent dans un manoir sombre adjacent à un cimetière et à un marais au 0001 Cemetery Lane. Dans la comédie musicale La Famille Addams (diffusée pour la première fois à Chicago en 2009), la maison est située à Central Park. Bien que l’essentiel de l’humour vienne du fait qu’ils partagent des intérêts macabres, les Addams ne sont pas typiquement méchants. Ils forment une famille élargie très unie. Morticia est une mère exemplaire, et elle et Gomez restent passionnés l'un envers l'autre. Créé par les scénaristes de la série télévisée, elle l'appelle "bubbeleh", auquel il répond en lui baisant les bras, un comportement que Morticia peut aussi provoquer en prononçant quelques mots en français (le sens n'a pas d'importance ; n'importe quel français fera l'affaire). Les parents soutiennent leurs enfants. La famille est amicale et hospitalière envers les visiteurs, dans certains cas prête à donner de grosses sommes d'argent à des causes (séries télévisées et films), malgré l'horreur des visiteurs face au mode de vie particulier des Addams. Charles Addams a débuté comme caricaturiste dans le New Yorker avec un croquis d'un laveur de vitres paru le 6 février 1932. Ses caricatures ont été régulièrement publiées dans le magazine à partir de 1938, lorsqu'il a dessiné le premier exemple de ce qui allait être appelé La Famille Addams. , jusqu'à sa mort en 1988. En 1946, Addams rencontre l'écrivain de science-fiction Ray Bradbury après avoir dessiné une illustration pour la nouvelle de Bradbury "Homecoming" dans le magazine Mademoiselle, le premier d'une série de contes relatant une famille de monstres de l'Illinois, les Elliott. Bradbury et Addams sont devenus amis et ont prévu de collaborer sur un livre sur l'histoire complète de la famille Elliott, avec Bradbury écrivant et Addams fournissant les illustrations ; mais cela ne s'est jamais concrétisé. Les histoires de la famille Elliott de Bradbury ont été anthologisées dans From the Dust Returned (2001), avec un récit de connexion, une explication de son travail avec Addams et l'illustration Mademoiselle d'Addams de 1946 utilisée pour la couverture du livre. Bien que les personnages d'Addams étaient bien établis au moment de leur première rencontre, dans une interview en 2001, Bradbury déclare qu'Addams "a suivi son chemin et a créé la famille Addams et j'ai suivi mon propre chemin et créé ma famille dans ce livre". Adaptations Télévision La famille Addams (1964-1966) En 1964, le réseau ABC TV a créé la série télévisée La Famille Addams basée sur les personnages de dessins animés d'Addams. La série a été tournée en noir et blanc et diffusée pendant deux saisons en 64 épisodes d'une demi-heure (18 septembre 1964 – 2 septembre 1966). Au cours de la diffusion télévisée originale de la série télévisée La Famille Addams, le rédacteur en chef du New Yorker, William Shawn, a refusé de publier des dessins animés de la famille Addams, bien qu'il ait continué à publier d'autres dessins animés de Charles Addams. Shawn considérait son magazine comme ciblant un lectorat plus raffiné et ne voulait pas qu'il soit associé à des personnages qui pouvaient être vus à la télévision par n'importe qui. Après la retraite de Shawn en 1987, les personnages ont été de nouveau accueillis dans le New Yorker. Les nouveaux films de Scooby-Doo (1972) La première apparition animée de la famille Addams a eu lieu dans le troisième épisode des nouveaux films Scooby-Doo de Hanna-Barbera, "Scooby-Doo rencontre la famille Addams" (alias "Wednesday is Missing"), diffusé pour la première fois sur CBS le samedi matin 23 septembre. , 1972. Quatre des acteurs originaux (John Astin, Carolyn Jones, Jackie Coogan et Ted Cassidy) sont revenus pour la spéciale, qui impliquait les Addams dans un mystère avec le gang Scooby-Doo. Les personnages de la famille Addams ont été dessinés selon les spécifications des dessins animés originaux de Charles Addams. Après la diffusion de l'épisode, les fans voulaient plus d'aventures animées mettant en vedette les Addams, et Hanna-Barbera a accepté. La maison de divertissement de la famille Addams (1973) À la fin de 1972, ABC a produit un pilote pour une émission de variétés musicale en direct intitulée The Addams Family Fun-House. Le casting comprenait Jack Riley et Liz Torres dans le rôle de Gomez et Morticia (le couple a également co-écrit la spéciale), Stubby Kaye dans le rôle d'Oncle Fester, Pat McCormick dans le rôle de Lurch et Butch Patrick (qui avait joué Eddie Munster dans The Munsters) dans le rôle de Pugsley. Felix Silla a repris son rôle de Cousin Itt, en le reliant à la série télévisée originale. Le pilote a été diffusé en 1973, mais n'a pas été repris pour une série. La famille Addams (1973-1975) La première série animée a été diffusée le samedi matin de 1973 à 1975 sur NBC. Contrairement à la série originale, cette série a emmené les Addams sur la route dans un camping-car de style victorien. Cette série a également marqué le point où les relations entre les personnages ont changé de sorte que Fester était maintenant le frère de Gomez et grand-mère était maintenant la mère de Morticia (bien que les anciennes relations soient revisitées dans le téléfilm de 1977, pour garder la continuité avec la sitcom originale). Bien que Coogan et Cassidy aient repris leurs rôles, Astin et Jones ne l'ont pas fait, leurs rôles étant refondus avec les talents vocaux de Hanna-Barbera, Lennie Weinrib dans le rôle de Gomez et Janet Waldo dans le rôle de Morticia, tandis que Jodie Foster, dix ans, fournissait la voix de Pugsley. Encore une fois, les personnages ont été dessinés selon les spécifications des dessins animés originaux de Charles Addams. Une saison a été produite et la deuxième saison consistait en des rediffusions. Une série complémentaire de bandes dessinées a été réalisée en lien avec l'émission, mais elle n'a duré que trois numéros. Le thème musical de l'émission était complètement différent et n'avait ni paroles ni claquements de doigts, même s'il conservait un peu de la partition à quatre notes de l'émission en direct. Halloween avec la nouvelle famille Addams (1977) Un film de retrouvailles télévisées, Halloween avec la nouvelle famille Addams, diffusé sur NBC le dimanche 30 octobre 1977. Il présente la plupart des acteurs originaux, à l'exception de Blossom Rock, qui avait joué Grand-mère mais était très malade à l'époque ; elle a été remplacée par Jane Rose. Les acteurs vétérans Parley Baer et Vito Scotti, qui ont tous deux joué des rôles récurrents dans la série originale, sont également apparus dans le film. Le film a une version légèrement différente de la chanson thème ; les claquements de doigts sont utilisés mais pas les paroles. Gomez et Morticia ont eu deux autres enfants, Wednesday, Jr. et Pugsley, Jr., qui ressemblent fortement à leurs frères et sœurs aînés. Le frère de Gomez, Pancho, reste avec la famille pendant que Gomez assiste à une réunion de loge à Tombstone, en Arizona. Gomez est jaloux de son frère, qui courtisait autrefois Morticia. Halloween est proche et Pancho raconte aux enfants la légende du personnage ressemblant à une grande citrouille de Cousin Shy, qui distribue des cadeaux et sculpte des citrouilles pour les bons enfants le soir d'Halloween. Mercredi (maintenant appelé « Mercredi, Sr. ») rentre de l'académie de musique, où elle étudie le piccolo (briser le verre avec). Pugsley (maintenant « Pugsley, Sr. ») est originaire de l'école de médecine de Nairobi, où il suit une formation de sorcier. La maison familiale a été mise sur écoute par une bande d'escrocs qui ont l'intention de voler la fortune familiale. Lafferty, le patron, envoie un membre du gang nommé Mikey dans la maison pour enquêter. Mikey panique et s'enfuit après avoir marché sur la queue de Kitty Kat le lion. Les escrocs emploient de faux Gomez et Morticia pour les aider dans leurs plans, ainsi que deux hommes de main, Hercules et Atlas. Gomez rentre chez lui pour la fête d'Halloween et la décoration de l'épouvantail. Lafferty se fait passer pour Quincy Addams (de Boston) pour entrer dans la maison pendant la fête. Il demande à ses hommes d'attacher Gomez et Morticia, et ses doubles prennent leur place, confondant Pancho, qui est toujours amoureux de Morticia, et Ophelia, qui est toujours amoureuse de Gomez. Gomez et Morticia s'échappent (grâce au "Old Piccolo Game") et rejoignent la fête, seulement pour que Lafferty utilise diverses méthodes pour essayer de se débarrasser d'eux. Lurch effraie les voyous et terrifie l'autre assistant de Lafferty. Fester, essayant d'être gentil, met Lafferty sur le banc. Lafferty tente de s'échapper par le passage secret et marche sur la queue de Kitty Kat. Lorsque la police arrive, les escrocs se rendent volontiers. Les Addams sont alors libres de célébrer Halloween joyeusement, terminant la soirée en chantant ensemble pour souhaiter la bienvenue à Cousin Shy. La famille Addams : la série animée (1992-1993) La série de remake a été diffusée le samedi matin de 1992 à 1993 sur ABC après que les producteurs ont réalisé le succès du film La Famille Addams de 1991. Cette série revient au format familier de la série originale, la famille Addams étant confrontée à ses situations de sitcom à la maison. John Astin a repris le rôle de Gomez, et les célébrités Rip Taylor et Carol Channing ont repris respectivement les rôles de Fester et de Grandmama. Les doubleurs vétérans Jim Cummings, Debi Derryberry, Jeannie Elias et Pat Fraley ont respectivement interprété les voix de Lurch, Wednesday, Pugsley et Cousin Itt. De nouveaux modèles artistiques des personnages ont été utilisés pour cette série, tout en ayant toujours une ressemblance passagère avec les dessins animés originaux. Deux saisons ont été produites, la troisième année contenant des rediffusions. Bizarrement, dans cette série, Wednesday a conservé son attitude macabre et maussade des films de la Famille Addams, mais ses expressions faciales et son langage corporel traduisaient l'attitude joyeuse et amusante de son portrait dans l'émission de télévision originale. La chanson thème originale de Vic Mizzy, bien que légèrement différente, a été utilisée pour l'ouverture. La nouvelle famille Addams (1998-1999) La nouvelle famille Addams a été tournée à Vancouver, au Canada, et a duré 65 épisodes (un de plus que la série télévisée originale) au cours de la saison 1998-1999 sur la nouvelle chaîne Fox Family. De nombreux scénarios de la série originale ont été retravaillés pour cette nouvelle série, incorporant des éléments et des blagues plus modernes. John Astin est revenu à la franchise dans certains épisodes de cette série, mais sous le nom de "Grandpapa" Addams (le grand-père de Gomez, un personnage introduit dans Addams Family Reunion). L'absence de Pubert dans la nouvelle série (et peut-être dans la réunion de la famille Addams) a été expliquée dans un premier épisode lorsque mercredi a mentionné que "Nous étions trois, mais Pugsley a mangé le petit". Le casting comprenait Glenn Taranto dans le rôle de Gomez Addams, Ellie Harvie dans le rôle de Morticia, Michael Roberds dans le rôle de Fester, Brody Smith dans le rôle de Pugsley, Nicole Fugere (la seule actrice de la réunion de la famille Addams à revenir) dans le rôle de mercredi, John DeSantis dans le rôle de Lurch, Betty Phillips dans le rôle de grand-mère. et Steven Fox dans le rôle de Thing. Longs métrages La famille Addams (1991) Dans les années 1990, Orion Pictures (qui avait alors hérité des droits de la série) a développé une version cinématographique, La Famille Addams (sortie le 22 novembre 1991). En raison des difficultés financières du studio à l'époque, Orion a vendu les droits américains du film à Paramount Pictures. Valeurs de la famille Addams (1993) Après le succès du dernier film, une suite a suivi : Les Valeurs de la Famille Addams (sorti le 19 novembre 1993, avec une distribution mondiale par Paramount). L'assouplissement des restrictions de contenu a permis aux films d'utiliser un humour beaucoup plus grotesque qui s'efforçait de conserver l'esprit original des dessins animés d'Addams (en fait, plusieurs gags ont été tirés directement des dessins animés à panneau unique). Les deux films utilisaient le même casting, à l'exception de Grandmama, jouée respectivement par Judith Malina et Carol Kane dans le premier et le deuxième films. Un scénario pour un troisième film a été préparé en 1994, mais a été abandonné après la mort subite de l'acteur Raúl Juliá. Réunion de la famille Addams (1998) Un autre film, Addams Family Reunion, est sorti directement en vidéo le 22 septembre 1998, cette fois par Warner Bros. via sa division vidéo. Il n'a aucun rapport avec les films Paramount, puisqu'il s'agit en fait d'un pilote complet pour une deuxième version télévisée en direct, La Nouvelle Famille Addams, produite et tournée au Canada. Gomez du troisième film, joué par Tim Curry, suit le style de Raúl Juliá, tandis que Gomez de la nouvelle sitcom, joué par Glenn Taranto, est joué dans le style de John Astin, qui avait joué le personnage dans les années 1960. Les seuls acteurs de cette production Warner Bros./Saban Entertainment à avoir joué dans les films Paramount précédents étaient Carel Struycken dans le rôle de Lurch et Christopher Hart dans le rôle de Thing. Film annulé En 2010, il a été annoncé qu'Illumination Entertainment, en partenariat avec Universal Pictures, avait acquis les droits sous-jacents aux dessins de la famille Addams. Le film devait être un film d'animation en stop-motion basé sur les dessins originaux de Charles Addams. Tim Burton devait co-écrire et coproduire le film, avec une possibilité de réalisation. En juillet 2013, il a été annoncé que le film avait été annulé. Redémarrer Le 31 octobre 2013, il a été annoncé dans Variety que Metro-Goldwyn-Mayer relancerait La Famille Addams en tant que film d'animation avec Pamela Pettler pour écrire le scénario et Andrew Mittman et Kevin Miserocchi pour produire le film et étaient en négociations finales. avec Gail Berman et Lloyd Braun de BermanBraun pour produire. Parodies Deux spin-offs télévisés d'animation ont été produits par Hanna-Barbera Productions. * M. et Mme J. Evil Scientist, une famille de personnages fictifs inspirés de la famille Addams, sont apparus dans les séries télévisées d'animation Snagglepuss, Snooper et Blabber à partir de 1959 et ont joué dans leur propre bande dessinée. * Au cours de la première saison de l'émission télévisée La Famille Addams des années 1960, une version de l'âge de pierre de la famille Addams appelée les Gruesomes a déménagé à côté de Fred et Wilma dans Les Pierrafeu. * La comédienne Melissa Hunter a écrit la websérie Adult Wednesday Addams, qui est une adaptation comique de la franchise. Hunter a été contraint de supprimer la série en raison d'une violation du droit d'auteur. *Dans un épisode de Horrible Histories, une chanson intitulée « La famille Borgia » a été créée comme une parodie du thème de la famille Addams. Jeux vidéo Cinq jeux vidéo sortis entre 1989 et 1994 étaient basés sur La Famille Addams. * Fester's Quest (1989) était un jeu d'aventure descendant mettant en vedette Oncle Fester. * En 1992, deux versions de La Famille Addams ont été publiées par Ocean Software, basées sur le film de 1991 : une version 8 bits pour Nintendo Entertainment System, Game Boy, Sega Master System, Sega Game Gear, ZX Spectrum et Commodore 64, et une version 16 bits publiée pour Super Nintendo Entertainment System, Amiga, Atari ST et Sega Mega Drive/Genesis. ICOM Simulations a publié le jeu vidéo La Famille Addams pour le TurboGrafx-CD en 1991. * La suite du jeu, La Famille Addams : Pugsley's Scavenger Hunt (1993), également par Ocean Software, était basée sur la série animée ABC et est sortie sur NES, SNES et Game Boy (bien que ces deux derniers n'étaient que 8 bits). remakes du premier jeu SNES, échangeant les rôles de Pugsley et Gomez). * Les valeurs de la famille Addams (1994) d'Ocean était basé sur la suite du film et revenait au style de jeu vu dans Fester's Quest. * Un jeu Game Boy Color est sorti dans les années 1990 pour la promotion de La Nouvelle Famille Addams. Le jeu s'intitulait La nouvelle série de la famille Addams. Dans ce jeu, le manoir Addams avait été acheté par une société fictive appelée "Funnyday" qui voulait démolir la maison et les terrains environnants pour faire place à un parc d'attractions. Flipper Un jeu de flipper de Midway (sous le label Bally) est sorti en 1992 peu de temps après le film. C'est le jeu de flipper le plus vendu de tous les temps. Livres La famille Addams Cette première romanisation de la série télévisée, écrite par Jack Sharkey, est sortie vers la fin de la deuxième saison de la série. Le livre détaille l'arrivée de la famille dans leur nouvelle maison et explique comment elle a obtenu son décor bizarre. L'arrivée et les origines de Thing sont expliquées. Chaque chapitre se lit comme une histoire autonome, comme les épisodes de la série télévisée. Le roman se termine avec la famille Addams découvrant que leur vie servira de base à une nouvelle série télévisée. Il a été publié en livre de poche par Pyramid Books en 1965. La famille Addams contre-attaque La famille Addams contre-attaque par W.F. Miksch raconte comment Gomez envisage de réhabiliter l'image de Benedict Arnold en se présentant au conseil scolaire local. Le ton et les caractérisations de ce livre ressemblent beaucoup plus aux personnages de la télévision que dans le premier roman. Le cousin Itt apparaît comme un personnage mineur dans cette histoire, mais comme une petite créature à trois pattes plutôt que comme le personnage poilu et coiffé d'un chapeau derby vu à la télévision et dans les films. Le roman a été publié sous forme de poche par Pyramid Books en 1965. La famille Addams : une malédiction La Famille Addams : Une Evilution est un livre sur « l'évilution » des personnages de la Famille Addams, avec plus de 200 dessins animés publiés et inédits, et comprend des textes de Charles Addams et H. Kevin Miserocchi, directeur de la Fondation Tee et Charles Addams. . Publicité En 1994, les acteurs interprétés comme les Addams dans les deux premiers films (sans Raúl Juliá, récemment décédé) figuraient dans plusieurs spots télévisés japonais pour la Honda Odyssey. On voit les Addams parler japonais – notamment Gomez (pour qui un doubleur a été utilisé pour se faire passer pour Juliá pendant que des images de Valeurs de la famille Addams ont été vues) et Morticia. En 2007 et 2008, la famille Addams est apparue sous le nom de M&M's dans une campagne publicitaire pour M&M's Dark Chocolate. Bande sonore Une compilation CD de la musique de la série télévisée La Famille Addams est sortie en 1981 avec la chanson thème de La Famille Addams et la musique thème de chacun des personnages ainsi que la musique accessoire de la série télévisée. Musical La famille Addams (2010) En mai 2007, il a été annoncé qu'une comédie musicale inspirée des dessins de La Famille Addams de Charles Addams était en cours de développement pour la scène de Broadway. Les vétérans de Broadway, Marshall Brickman et Rick Elice, ont écrit le livre et Andrew Lippa a écrit la partition. Julian Crouch et Phelim McDermott (fondateurs du théâtre Improbable) ont réalisé et conçu la production, avec une chorégraphie de Sergio Trujillo. Un atelier et une présentation de l'industrie privée ont eu lieu du 4 au 8 août 2008. Parmi les acteurs figuraient Bebe Neuwirth dans le rôle de Morticia, Krysta Rodriguez dans le rôle de mercredi et Nathan Lane dans le rôle de Gomez. De plus, Kevin Chamberlin jouait Oncle Fester et Zachary James jouait Lurch. La comédie musicale a débuté en avant-première au Lunt-Fontanne Theatre à Broadway le 8 mars 2010, avec une ouverture officielle le 8 avril, après un essai à l'extérieur de la ville à Chicago au Ford Center for the Performing Arts à partir du 13 novembre 2009. au 10 janvier 2010. Le casting comprend Lane comme Gomez, Neuwirth comme Morticia, Terrence Mann comme Mal Beineke, Carolee Carmello comme Alice Beineke, Chamberlin comme Oncle Fester, Jackie Hoffman comme grand-mère, Zachary James comme Lurch, Krysta Rodriguez comme mercredi et Wesley Taylor dans le rôle de l'amoureux de mercredi, Lucas Beineke. Casting et personnages

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Qui a été la seule femme victime à être tuée dans la séquence de générique d'ouverture de Police Squad ?

Florence Henderson

Escouade de police ! est une série télévisée comique diffusée pour la première fois en 1982, créée par David Zucker, Jim Abrahams et Jerry Zucker, et mettant en vedette Leslie Nielsen. Parodie de procédures policières, la série présentait les gags visuels, les jeux de mots et les non-séquences habituels de Zucker, Abrahams et Zucker. Bien qu'il s'agisse d'une parodie de nombreuses émissions de télévision et de films, elle ressemblait particulièrement à la série policière de Lee Marvin, M Squad (en particulier le générique d'ouverture) et à la série Felony Squad de la fin des années 1960. Bien qu'annulée après six épisodes, la série a donné naissance à la série de films Naked Gun. TV Guide l'a classé n°7 sur sa liste 2013 de 60 émissions « annulées trop tôt ». Aperçu Escouade de police ! a été créé par Zucker, Abrahams et Zucker, qui avaient tous déjà travaillé ensemble sur The Kentucky Fried Movie et Airplane !. Malgré les critiques élogieuses, la série a été annulée par ABC après seulement six épisodes. L'émission a acquis un fort culte grâce à des diffusions répétées, qui ont conduit à la série de films The Naked Gun. De nombreux gags de la série ont été recyclés pour les trois films. Alan North a joué le rôle du capitaine Ed Hocken dans la série ; dans les films, le rôle était joué par George Kennedy. Peter Lupus a joué le rôle de l'officier Norberg, mais dans les films, O.J. Simpson est apparu sous le nom d'officier Nordberg du même nom. Ed Williams, qui incarnait le scientifique Ted Olson dans la série, a repris son rôle dans les films, faisant de lui et Nielsen les deux seuls acteurs de la série à apparaître dans les films. Robert Goulet, qui apparaissait comme l'une des « stars invitées spéciales » qui étaient invariablement tuées au début de leurs épisodes, est apparu comme le méchant Quentin Habsbourg dans le deuxième film Naked Gun. Le Dr Joyce Brothers a joué elle-même dans le premier film Naked Gun. Elle a également joué elle-même dans le quatrième épisode de la série. Chaque épisode présentait un générique de fin sur un arrêt sur image de la scène finale dans le style des années 1970, sauf que l'image n'était pas figée - les acteurs restaient simplement immobiles pendant que d'autres activités (verser du café, des condamnés s'échappant, des chimpanzés se déchaînaient) se poursuivaient autour d'eux. Épisodes Chaque épisode avait deux titres différents. Le premier titre a été montré à l'écran, tandis que l'annonceur Hank Simms (célèbre pour son style d'annonce dans les émissions de Quinn Martin Detective), lit le second à la place. Les épisodes ont été écrits pour être diffusés dans un ordre spécifique, indiqué à l'écran de deux manières. Premièrement, le numéro de l'épisode correspond souvent au nombre de poubelles dans lesquelles la voiture de Frank s'écrase en arrivant sur les lieux du crime. Deuxièmement, au cours de la séquence épilogue de chaque épisode, Drebin ou Hocken déclarent que le coupable traduit en justice est envoyé à la prison de Stateville – et énumère tous les personnages envoyés là-bas dans les épisodes précédents, dans l'ordre inverse, le cas échéant. Casting Leslie Nielsen a incarné le sergent Frank Drebin, lieutenant-détective de la police. Jerry Zucker a expliqué que le nom de Drebin avait été choisi aveuglément dans l'annuaire téléphonique. Zucker, Abrahams et Zucker avaient rencontré Nielsen alors qu'ils travaillaient sur Airplane ! (1980) et ont senti que leur genre d'humour correspondait. L'équipe a estimé que Nielsen serait parfait dans le rôle de Drebin, car le personnage a ridiculisé les rôles que Nielsen avait joués dans des séries télévisées telles que The Bold Ones : The Protectors et SWAT. Ed Williams a joué le rôle du technicien de laboratoire Ted Olson ; Williams était professeur de sciences depuis de nombreuses années et avait fait un peu de théâtre. Zucker, Abrahams et Zucker ont été émerveillés par sa performance. *Leslie Nielsen dans le rôle du détective Frank Drebin *Alan North dans le rôle du capitaine Ed Hocken *Peter Lupus dans le rôle de l'officier Norberg *Ed Williams dans le rôle de Ted Olson, scientifique *William Duell dans le rôle de Johnny le vif d'or * Ronald "Tiny Ron" Taylor dans le rôle d'Al Parmi les acteurs principaux, Nielsen, Taylor et Wiliams étaient les seuls à revenir et à incarner leurs personnages originaux dans la série de films The Naked Gun. Le capitaine Ed Hocken a été interprété par George Kennedy dans la série de films, tandis que O. J. Simpson a joué l'officier Nordberg. Production Séquence d'ouverture La séquence d'ouverture de la série était une satire des séquences d'ouverture traditionnelles des drames policiers de l'époque et des années 1960, en particulier M Squad et diverses émissions de Quinn Martin telles que The Fugitive et particulièrement The New Breed (qui mettait également en vedette Nielsen). Hank Simms, qui avait travaillé comme annonceur pour certains programmes de Quinn Martin, a annoncé le titre de chaque épisode, bien que le titre parlé ne corresponde jamais à la légende du titre. La séquence présente Nielsen et North comme leurs personnages lors d'une fusillade, ainsi que l'imitateur d'Abraham Lincoln, Rex Hamilton, qui renvoie de façon dramatique les coups de feu à John Wilkes Booth. Hamilton n'est jamais apparu dans la série elle-même. Un autre gag récurrent utilisé dans la séquence d'ouverture était l'introduction d'une "star invitée spéciale", une célébrité qui a été présentée mais immédiatement assassinée pendant le générique. Lorne Greene, Georg Stanford Brown, Robert Goulet, William Shatner, Florence Henderson et William Conrad sont apparus en tant qu'invités spéciaux pendant la diffusion de l'émission. Une scène avec John Belushi, attaché à des blocs de béton sous l'eau, a été filmée mais remplacée par des images de Henderson, en raison de la mort ultérieure de Belushi avant la diffusion de l'épisode. La mort de Belushi a été un choc pour Zucker, Abrahams et Zucker, car ils en avaient plaisanté après qu'il ait failli s'étouffer pendant le tournage de la scène. Une liste de coups de feu possibles contre la mort de célébrités a été incluse sur la sortie DVD de l'émission en 2006. En écrivant L'émission devait se moquer des procédures policières de la même manière que Airplane ! films catastrophe moqués. Zucker, Abrahams et Zucker ont écrit l'épisode pilote, dans lequel la plupart des lignes droites ont été directement copiées à partir d'un épisode de M Squad. Pat Proft, qui avait travaillé avec Zucker, Abrahams et Zucker sur Airplane ! et The Kentucky Fried Movie, a écrit le troisième épisode. Robert Wuhl a été invité à rejoindre l'équipe de rédaction après avoir auditionné pour le rôle principal dans Airplane !. Il a co-écrit les deuxième et sixième épisodes de la série avec Tino Insana. Les deux épisodes contenaient des références culturelles à de vieux films tels que On the Waterfront et The French Connection. Dans le commentaire audio que Wuhl a enregistré pour la sortie du DVD, il a mentionné que c'était une belle opportunité, mais qu'il ne ressentait pas vraiment de lien avec la série, notamment en raison de sa courte durée. Musique La musique d'ouverture et de clôture a été écrite par le compositeur Ira Newborn. Le thème du big band/blues sauteur (une parodie du thème de la M Squad composé et interprété par Count Basie) a été retenu pour les films Naked Gun, ainsi que le visuel d'ouverture de la Police Squad ! série. Il a été repris par certains groupes de danse de style swing sur CD, et a même été composé dans le style d'une fanfare par l'arrangeur Paul Jennings. Récompenses et nominations ;Emmy Awards ;Autres récompenses Annulation ABC a annoncé l'annulation de Police Squad ! après la diffusion de quatre de ses six épisodes en mars 1982. Les deux derniers épisodes ont été diffusés cet été-là. Selon le commentaire du DVD de "A Substantial Gift" (épisode 1), Tony Thomopoulos, alors président d'ABC Entertainment, a déclaré que "Police Squad! a été annulé parce que" le téléspectateur devait le regarder pour l'apprécier. " Ce que Thomopoulos voulait dire, c'est que le téléspectateur devait en fait prêter une attention particulière à l'émission pour obtenir une grande partie de l'humour, alors que la plupart des autres émissions de télévision n'exigeaient pas autant d'efforts de la part du téléspectateur. Dans son numéro annuel "Cheers and Jeers", le magazine TV Guide a appelé le. explication de l'annulation "la raison la plus stupide qu'un réseau ait jamais donnée pour mettre fin à une série". Matt Groening, créateur des Simpsons, a déclaré : « Si Police Squad ! avait été réalisé vingt ans plus tard, cela aurait été un succès. C'était avant l'heure. En 1982, le téléspectateur moyen était incapable de suivre son rythme, son des blagues rapides. Mais ces jours-ci, ils n'auraient aucun problème à suivre, je pense que nous l'avons prouvé. Sorties vidéo à domicile En 1985, Paramount Home Video a diffusé pour la première fois les six épisodes de la série sur VHS, Betamax et LaserDisc ; Paramount a sorti l'émission sur deux volumes distincts : Police Squad ! : Help Wanted ! et plus! Police Squad !, chaque volume contenant trois épisodes. À la sortie de l'émission, le critique du Washington Post, Tom Shales, a commenté : « Les gens peuvent les louer et rire, puis pleurer en disant qu'ABC était si cruelle. » Paramount et CBS DVD ont sorti la série pour la première fois sur DVD en 2006 dans un coffret, sur un seul disque. Le DVD contenait divers extras, y compris des notes de production réelles des dirigeants du réseau, un « arrêt sur image » qui a été filmé mais jamais utilisé, des bêtisiers, des tests de casting et une interview avec Nielsen. Zucker, Abrahams et Zucker, le producteur Robert K. Weiss et l'écrivain Robert Wuhl ont enregistré des commentaires audio pour les premier, troisième et sixième épisodes. Les critiques ont universellement salué le fait que la série était toujours drôle plus de 20 ans après son annulation. Le coffret de DVD a été nominé pour un Satellite Award pour la meilleure sortie DVD d'une émission de télévision, bien qu'il ait perdu face au coffret de DVD de la huitième saison de Fox's Les Simpsons. Alors que les versions de cassette vidéo Police Squad VHS et Beta avaient un son lisible uniquement en son mono, la sortie DVD CBS/Paramount 2006 a vu son audio remasterisé et les 6 épisodes sont disponibles en Dolby Digital 5.1. Retombées Films sur le pistolet nu Six ans après l'annulation de Police Squad !, le premier film Naked Gun est sorti intitulé The Naked Gun : From the Files of Police Squad !. Il a bien performé au box-office avec un montant d'environ 78 756 177 $. La comédie à succès est devenue si populaire que deux suites The Naked Gun 2½ : The Smell of Fear (1991) et Naked Gun 33⅓ : The Final Insult (1994) ont été publiées. The Naked Gun 2½ : The Smell of Fear a été considéré comme le plus réussi de tous. les trois, rapportant environ 86 930 411 $, tandis que Naked Gun 33⅓: The Final Insult a rapporté 51 132 598 $. Roger Ebert a attribué au premier film 3 étoiles et demi sur quatre et a attribué 3 étoiles aux deux films suivants. Publicités pour le cidre Red Rock Une série de publicités britanniques pour Red Rock Cider ont été réalisées dans le même style, les titres d'ouverture étant remplacés par d'autres noms tels que "Fraud Squad" ou "Fried Squid", mettant en vedette Leslie Nielsen. Dans l'une de ces publicités, Nielsen crie : "Hé ! Toi, là-bas, dans l'ombre !" L'homme s'avance et se révèle être Hank Marvin, guitariste du groupe pop des années 60, The Shadows. Le slogan était "Red Rock Cider, ce n'est pas rouge et il n'y a pas de cailloux dedans". Les titres d'ouverture ont été réutilisés pour les publicités (voir ci-dessus), ils comprenaient : * Voilà mon pantalon (Terreur dans la nuit) * Opération Undercover (La mission secrète) * Ma femme a mangé un morse (L'histoire d'Amy Johnson) * Guide des formulaires Albert Einstein (voix off David Healy, disponible pour les Bar Mitzvahs) Certaines des blagues utilisées dans les publicités étaient à l'origine tirées de Police Squad ! comme quand Ed dit "Couvre-moi!" il est recouvert d'une couverture, qui était l'un des gags tirés de " The Butler Did It (A Bird in the Hand) ". Les publicités ont été diffusées dans les cinémas britanniques ainsi qu'à la télévision. Autres retombées Après l'annulation de la série (et bien avant la production des films Naked Gun), les producteurs ont envisagé de transformer la série en film en reliant plusieurs épisodes avec de nouvelles scènes. Quelques-unes de ces scènes ont été filmées (y compris un gag élaboré « arrêt sur image » impliquant une salle d'audience en feu) avant que le projet ne soit abandonné. Ces images peuvent être visionnées sur la version DVD. La brigade de police ! les personnages ont été ressuscités lors du PPV Summerslam 1994 de la WWE. Sous cette forme, ils recherchaient The Undertaker, qui avait déjà disparu dans les scénarios.

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Qui a battu Tim Henman lors de sa première demi-finale en simple à Wimbledon ?

Pete Sampras

Timothy Henry "Tim" Henman (né le 6 septembre 1974) est un joueur de tennis professionnel anglais à la retraite. Henman a joué un style de tennis service-volée. Il a été le premier joueur masculin du Royaume-Uni depuis Roger Taylor dans les années 1970 à atteindre les demi-finales du championnat simple masculin de Wimbledon. Henman n'a jamais atteint la finale d'un Grand Chelem, mais a atteint six demi-finales du Grand Chelem et remporté 15 titres ATP en carrière (11 en simple et quatre en double), dont le Masters de Paris en 2003. Il a également marqué 40 victoires et 14 défaites avec le Grand Chelem. Équipe de Grande-Bretagne de Coupe Davis. Il a été classé numéro 1 britannique en 1996, puis de 1999 à 2005, date à laquelle Andy Murray lui a succédé. Il a atteint le quatrième rang mondial en carrière au cours de trois périodes différentes entre juillet 2002 et octobre 2004. Il est l'un des joueurs de tennis masculins de l'ère ouverte les plus titrés de Grande-Bretagne, remportant 11 635 542 $ de prix en argent. Henman a commencé à jouer au tennis avant l'âge de trois ans et a commencé à s'entraîner systématiquement dans la Slater Squad à onze ans. Après avoir subi une grave blessure qui l'a affecté pendant près de deux ans, il a commencé à faire des tournées internationales en tant que junior et a remporté quelques succès. Il a rapidement grimpé dans le classement ATP et, en 1996, il avait atteint les quarts de finale des championnats de Wimbledon. Tout au long de sa carrière, Henman a été un spécialiste reconnu du gazon, ne devenant vraiment à l'aise sur terre battue et sur terrain dur qu'avant la fin de sa carrière, lorsqu'en 2004 il a atteint les demi-finales de l'Open de France et de l'US Open. L'année 2005 a marqué le début d'un déclin pour Henman et, à partir de cette année, il n'a jamais réussi à passer le troisième tour d'un tournoi du Grand Chelem. Henman a pris sa retraite du tennis professionnel fin 2007, mais il reste actif dans l'ATP Champions Tour (une tournée pour les anciens joueurs de tennis professionnels). Début de la vie Henman est né à Oxford, dans l'Oxfordshire, en tant que plus jeune garçon d'une famille de trois garçons. Le père de Henman, Tony, avocat, était accompli dans divers sports, notamment le tennis, le hockey et le squash. Sa mère Jane, créatrice de vêtements, a joué au Junior Wimbledon et a initié Tim et ses frères aînés Michael et Richard au tennis dès qu'ils ont pu marcher sur le court de tennis en gazon familial. Son arrière-grand-père a joué à Wimbledon. Son grand-père maternel, Henry Billington, a joué à Wimbledon entre 1948 et 1951, et il a représenté la Grande-Bretagne à la Coupe Davis en 1948, 1950 et 1951. En 1901, son arrière-grand-mère maternelle, Ellen Stanwell-Brown, était réputée être la première femme à servir. surarmé à Wimbledon. Sa grand-mère maternelle, Susan Billington, est apparue régulièrement à Wimbledon dans les années 1950, jouant en double mixte sur le Court Central avec son mari Henry, atteignant le troisième tour du double féminin en 1951, 1955 et 1956. Henman a grandi à Weston-on-the-Green, dans l'Oxfordshire, un village entre Oxford et Bicester comptant environ 500 habitants. À la maison, la famille possédait un court de tennis sur gazon dans leur jardin. Henman a commencé à jouer au tennis avant l'âge de trois ans avec une raquette de squash raccourcie. À ce stade, il apprenait déjà en autodidacte le service et la volée. Très tôt dans sa vie, Henman a décidé que s’il ne réussissait pas au tennis, il deviendrait plutôt joueur de golf. Henman a fréquenté la Longbridge School pour garçons âgés de cinq à sept ans et a été inscrit à la Dragon School privée d'Oxford de sept à onze ans. Il excellait dans tous les sports mais était toujours le meilleur au tennis. Mais Henman était petit pour son âge, un facteur qui serait de mauvais augure pour lui à l'avenir. En 1985, il a été nommé capitaine de tennis de l'école et a mené l'équipe de tennis de l'école à remporter 21 matchs sur 27. Il reste à ce jour le seul élève à avoir remporté les tournois de tennis junior et senior de l'école la même année. Dès l'âge de huit ans jusqu'à son introduction dans la Slater Squad, Henman a été entraîné au David Lloyd Tennis Centre, où il a suivi des cours personnels auprès de l'ancien joueur professionnel Onny Parun de Nouvelle-Zélande. Rétrospectivement, Parun a déclaré que la plus grande force de Henman « avait toujours été sa tête ». David Lloyd a remarqué la même force mentale et a été impressionné. Il a quitté la Dragon School après avoir obtenu une bourse pour la Reed's School à Cobham, Surrey. Henman a reçu la bourse après un test physique : courir jusqu'à tomber. Henman, ainsi que Marc Moreso et David Loosemore, n'ont pas abandonné et ont reçu une bourse. À ce stade de sa vie, Lloyd a persuadé les parents de Henman de lui permettre de poursuivre une carrière de tennis. Rétrospectivement, note Lloyd, les parents de Henman ont compris ce que beaucoup ne comprennent pas : "on peut toujours retourner aux études supérieures à 22 ou 23 ans mais c'est beaucoup trop tard pour commencer une carrière sérieuse dans le tennis". Henman a été recruté par la Slater Squad, un groupe financé par le financier Jim Slater, à l'âge de 11 ans. L'objectif principal de la Slater Squad était de sélectionner et d'entraîner de jeunes joueurs âgés de neuf ou dix ans, au lieu de 11 et 12 ans. comme l’a fait la Lawn Tennis Association (LTA). L'équipe initiale était composée de huit joueurs âgés de huit à 11 ans. Outre Tim, l'équipe était composée de Jamie Delgado, Gary Le Pla, Paul Jessop, James Bailey, Adrian Blackman, James Davidson et Marc Moreso. Dans l'équipe, Henman travaillait au tennis trois heures par jour : deux heures à jouer au tennis et à recevoir les conseils de Donald Watt, et la dernière heure à la gymnastique et à apprendre le jeu. Contrairement à la croyance populaire, Henman n'était pas considéré comme le meilleur du groupe, et Sue Barker, championne britannique de Roland-Garros féminin en 1976, a jugé qu'il n'y avait « rien de particulièrement spécial dans son jeu à cette époque ». Elle note cependant que même si Henman n'avait pas les compétences naturelles d'un joueur de tennis, il était "un travailleur acharné". Aucun de ses collègues joueurs de la Slater Squad ne considérait Henman comme un numéro un britannique potentiel, la plupart pensant que Marc Moreso était le plus brillant espoir du groupe. Peu de temps après être devenu membre de la Slater Squad, Henman a reçu un diagnostic d'ostéochondrite, une maladie osseuse. Il n’a pas pu jouer au tennis pendant six mois et il lui a fallu deux ans avant de pouvoir retourner aux tournois. Heureusement pour Henman, Slater a continué à le financer pendant sa convalescence, grâce à l'insistance de Lloyd qui croyait aux capacités de Henman au tennis. À la Reed's School, il a réussi dix examens GCSE, mais a échoué en chimie. En dehors de l'école, il travaillait dans le magasin d'Anji afin d'économiser de l'argent pour une nouvelle raquette. Comme Henman le note rétrospectivement, "J'ai dépassé les autres avec quelques A, quelques B et quelques C. Cela n'avait rien d'éblouissant, mais je m'en suis sorti." À l'âge de 16 ans, Henman a dit à sa mère qu'il lui était impossible de conserver ses bonnes notes tout en restant dans le monde du tennis. En 1990, il a complètement abandonné ses études et s'est concentré sur le fait de devenir joueur en simple, bien que Lloyd et les dirigeants de la Slater Squad aient eu confiance en lui en tant que joueur de double et non de simple. D'après les statistiques dont ils disposaient, Henman avait réussi à remporter cinq tournois en double mais seulement deux tournois en simple. Mais Henman n'était pas d'accord avec la direction de la Slater Squad et commença à jouer pour la LTA en 1991. À l'âge de 17 ans, Henman partit en tournée en Amérique du Sud pendant huit semaines. Vie privée Le 11 décembre 1999, Henman a épousé sa petite amie de longue date, la productrice de télévision Lucy Heald, dans le Hampshire. Ils ont trois filles, Rose Elizabeth (née le 19 octobre 2002), Olivia Susan (née le 15 décembre 2004) et Grace (née le 14 septembre 2007). Depuis 2003, la famille vit dans le village d'Aston Tirrold, dans l'Oxfordshire. Henman fumait occasionnellement des cigarettes au cours de sa carrière de tennis. Carrière de tennis Tournée juniors Au cours de sa première année de tournée en 1991, Henman s'en sort mal. Il a remporté le premier tour du championnat de Nouvelle-Galles du Sud contre Andrew Turner, 6-1, 6-3, mais a perdu au deuxième tour contre Corrado Borroni 5-7, 1-6. Il a été battu par l'Australien Michael Hill au premier tour de la classe junior de l'Open d'Australie 1991, 7-5, 3-6, 5-7. Aux Championnats nationaux la même année, il atteint le troisième tour, mais est battu 6-1, 6-2 par Andrew Richardson. Sa performance dans les matchs de double était nettement meilleure. Henman a atteint les quarts de finale du championnat de Nouvelle-Galles du Sud avec Richardson et a remporté le championnat junior de Midland Bank en double avec Jamie Delgado, un associé de l'époque Slater Squad. 1992 a bien commencé, Henman atteignant la finale à Nottingham après avoir battu Delgado en deux sets en demi-finale. Mais Henman a été battu en finale par Mark Schofield, tête de série, et à Roland-Garros junior par Bjorn Jacob en trois sets, 6-7, 6-1, 9-7. Il a été battu au premier tour du tournoi junior de Wimbledon par le spécialiste mexicain de la terre battue Enrique Abaroa en deux sets ; 6-2, 6-1. Cependant, les choses se sont améliorées considérablement à partir de ce moment-là et aux Championnats nationaux juniors, il a atteint les demi-finales sans perdre un seul set. En demi-finale, Henman a rencontré Schofield et l'a battu en quatre sets ; 2-6, 6-3, 7-6, 6-2. Henman a rencontré Nick Baglin en finale et a remporté le match 3-6, 7-5, 6-4, 6-4. En 1992, il a eu 18 ans et Henman a commencé sa carrière de tennis dans les tournois satellites seniors. Carrière professionnelle 1993-1995 : premières années De juillet 1992 à juillet 1993, Henman a grandi de six pouces à six pieds un et est passé de sept pierres à neuf pierres. Cela s'avérera important pour sa carrière, comme il l'a reconnu : "En tant que junior, j'avais une assez bonne technique. Maintenant, j'ai la force et l'allonge, et au service, cela m'a énormément aidé." Henman était classé 774e au monde au début de 1993, mais en juillet, il s'était approché du top 600. En juillet, Henman a reçu une wildcard pour participer au tournoi ATP Challenger à Bristol, en Angleterre. Au premier tour, il a battu le Colombien Miguel Tobon, classé 257e, en deux sets, 6-0, 6-3. Au deuxième tour, il rencontre le Français Eric Winogradsky et le bat également en deux sets, 7-6, 6-3. Henman a été battu en quart de finale par le joueur britannique Chris Bailey, 6-2, 6-1. En novembre, le rang de Henman était passé au 415e. Le prochain tournoi de Henman était les Championnats nationaux Volkswagen à Telford, en Angleterre ; il a atteint les quarts de finale mais a perdu contre le meilleur joueur britannique Jeremy Bates, 7–5, 7–6. À la fin de l'année 1993, Henman a disputé un dernier tournoi en Israël, qu'il a remporté. Il a débuté la saison 1994 avec le circuit satellite indien à quatre pattes ; là, il a remporté 18 matchs en simple d'affilée. Henman a connu beaucoup de succès au British Satellite Masters à Croydon et, à la fin du tournoi, il était classé 222e au monde. Encouragé par ses succès sur le circuit satellite, Henman tente sa chance sur le circuit ATP. Henman s'est rendu en Extrême-Orient avec Bates et s'est qualifié pour son premier tournoi ATP en avril, au Championnat du Japon de tennis. Au premier tour, il a battu Kelly Jones, 6-2, 6-3, au deuxième tour, il a battu Darren Cahill, 6-2, 7-5 et au troisième tour, Henman a été battu par Pete Sampras, 6-1, 6. –2. Grâce à cette performance, Henman a augmenté son classement au 184e rang. Son succès à l'Open du Japon a été suivi d'un échec à se qualifier à l'Open de Hong Kong. En raison de cet échec, il termine sa tournée en Extrême-Orient en participant à un certain nombre de tournois satellites. Henman est entré à l'Open de Nagoya et a battu la huitième tête de série Eyal Ran au premier tour, mais a perdu au deuxième tour contre Gouichi Motomura. Au Manille Open, un autre tournoi satellite, Henman a atteint la finale mais a été battu par la cinquième tête de série Michael Tebbutt, 2–6, 2–6. Après Manille, il retourne en Europe. Lors de sa première candidature au Grand Chelem, Henman n'a pas réussi à se qualifier à Roland-Garros 1994, perdant le premier tour de qualification contre l'Australien Wayne Arthurs. Son prochain tournoi fut l'Annenheim Open en Autriche, où il perdit au premier tour contre le Canadien Sébastien Lareau en deux sets, 6-3, 6-2. Cependant, tout n'était pas mauvais et Henman, classé 161e à l'époque, a reçu une wildcard pour se qualifier pour le championnat Stella Artois. Au premier tour, Henman a battu le Suédois Peter Lundgren, 7-5, 7-6, mais au deuxième tour, il a succombé face à l'éventuel champion américain Todd Martin, 6-4, 6-4. Henman a reçu une wildcard pour l'Open de Manchester, où il a perdu au premier tour contre l'Américain Alex O'Brien, et pour le championnat de Wimbledon, le premier Grand Chelem qu'il ait jamais joué (il n'a pas réussi à se qualifier pour Wimbledon en 1993). À Wimbledon, Henman a perdu au premier tour contre l'Allemand David Prinosil en quatre sets, 6-4, 3-6, 2-6, 2-6. Sa défaite précoce à Wimbledon a contraint Henman à une courte période d'obscurité sur le circuit satellite. Henman a atteint les demi-finales du Bristol Open et le quatrième tour du Winnetka Open (dans l'Illinois). En septembre, Henman était classé 146e et le même mois, il retournait en Extrême-Orient. Son premier tournoi en Extrême-Orient fut l'Open de Séoul. Henman a perdu au deuxième tour contre le Coréen Kim Nam-Hoon, classé en dehors du top 700. Au Challenger de Singapour, il a atteint les quarts de finale et a perdu contre son compatriote britannique Chris Wilkinson. Il a été contraint d'abandonner au troisième set contre Wilkinson lorsqu'il est tombé et a reçu un coup à la jambe. À son retour en Angleterre peu de temps après le tournoi, il a été révélé que Henman s'était cassé la cheville à trois endroits et qu'il ne jouerait pas un autre tournoi avant février 1995. En fait, il n'a été complètement rétabli qu'en mai. Bien que blessé, son classement est passé du 146e au 272e rang mondial. La saison sur gazon de cette année s'avérerait très fructueuse pour Henman; il a atteint les demi-finales à l'Open d'Annenheim, plus tard au Queen's Club Championship, il a atteint le deuxième tour après avoir battu l'Allemand Martin Sinner, et à Nottingham, il a atteint les quarts de finale, son premier quart de finale sur le circuit ATP. Son succès dans ces tournois a fait passer son classement du 272e au 219e. Pour améliorer les choses pour Henman, il a remporté son tout premier match dans une épreuve du Grand Chelem au championnat de Wimbledon contre le Kenyan Paul Wekesa en deux sets, 7-6, 6-0, 6-4. Cependant, la séquence de victoires de Henman n'a pas duré longtemps et au deuxième tour, il a rencontré Sampras et a été battu 6-2, 6-3, 7-6. Deux jours plus tard, il s'est associé à Jeremy Bates au premier tour du double à Wimbledon, mais le duo est devenu le premier joueur de l'ère Open à être exclu à Wimbledon après que Henman ait accidentellement frappé une balle sur le côté de la tête avec un ballon, après s'être déchaîné. avec sa raquette de frustration après avoir perdu un point sur une corde nette lors du tie-break du quatrième set de leur match contre Jeff Tarango et Henrik Holm. Parce qu'il a frappé la balle avec colère, l'arbitre Alan Mills a statué qu'il s'agissait d'une disqualification automatique pour conduite antisportive. Le reste de la saison sur gazon a été assez réussi pour Henman, il est apparu à l'Open de Manchester et a atteint la demi-finale à l'Open de Newcastle. À la fin de la saison sur gazon, le classement de Henman s'était élevé au 150e rang mondial. Après la saison sur gazon, Henman s'est dirigé vers les États-Unis. Il a participé aux championnats RCA et a battu le Français Cédric Pioline, 16e tête de série, finaliste de l'US Open 1993, en deux sets. Il a perdu le tour suivant, mais a ensuite pu se qualifier pour l'US Open. Au premier tour, Henman a battu l'Espagnol Juan Albert Viloca en quatre sets, 6-3, 4-6, 6-3, 6-2. Au deuxième tour, Henman a été battu par l'Américain Jared Palmer en quatre sets, 4-6, 7-6, 3-6, 1-6. Le classement de fin d'année 1995 de Henman était de 95. 1996-2000 : percée Henman a grimpé très rapidement dans le classement. En 1994, il figurait parmi les 200 meilleurs joueurs mondiaux ; en 1995, parmi les 100 premiers ; et en 1996, il était entré dans le top 30 et avait remporté une médaille aux Jeux olympiques d'Atlanta. Il était le joueur le mieux classé du Royaume-Uni cette année-là et a remporté le trophée du joueur le plus amélioré aux prix ATP. Il a ensuite été élu au Conseil des joueurs du circuit ATP et a remporté son premier championnat en janvier 1997. En mars de la même année, il a subi une opération au coude qui l'a empêché de jouer pendant deux mois. Henman a attiré l'attention du monde du tennis au sens large en 1996 lorsqu'il est revenu d'une balle de match, sauvant deux balles de match successives avec des as au service à 3-5 et 15/40, puis brisant le service de son adversaire deux fois de suite pour gagner. le set final 7–5 et a battu le champion en titre de Roland-Garros Yevgeny Kafelnikov au premier tour à Wimbledon, pour atteindre les quarts de finale avant de perdre contre Todd Martin. Quelques semaines plus tard, il devait atteindre la finale du double masculin aux Jeux olympiques d'été de 1996 en partenariat avec Neil Broad, perdant face aux têtes de série n°1 Todd Woodbridge et Mark Woodforde pour recevoir la médaille d'argent. Au moment où il atteint les huitièmes de finale à l’US Open plus tard dans l’année, il était fermement établi comme l’un des meilleurs joueurs. Il a remporté son premier titre sur le circuit ATP en janvier 1997, en battant Carlos Moyá lors de l'événement international de Sydney. Il était tête de série 14e à Wimbledon et a de nouveau atteint les quarts de finale, battant le champion en titre et 4e tête de série Richard Krajicek au quatrième tour avant de tomber face au champion de 1992 Michael Stich. En 1998, il a fait encore mieux, atteignant pour la première fois la demi-finale, date à laquelle il était classé parmi les 10 meilleurs joueurs de l'ATP. Henman a failli atteindre la finale à plusieurs reprises, perdant en demi-finale en 1998, 1999, 2001 (à seulement deux points de la victoire à un moment donné) et 2002. En 2000, il a atteint le quatrième tour et en 1996, En 1997, 2003 et 2004, il perd en quarts de finale. Les deux premières défaites en demi-finale ont été infligées à Pete Sampras, qui a remporté le titre à chaque fois. En 2002, il a perdu contre Lleyton Hewitt, alors numéro un mondial, et qui a également remporté le titre : tout comme Goran Ivanisevic, ancien double finaliste (mais seulement dans ce tournoi en tant que wild card). ) en 2001. L'un des tournois dans lesquels il a remporté le plus de succès est le Queen's Club. Il a atteint la finale en 1999, où il a perdu contre Pete Sampras, puis a atteint à nouveau la finale en 2001 et 2002, où il a perdu à chaque fois contre Lleyton Hewitt. À partir de ce moment-là, on s’attendait à ce qu’il soit le premier homme depuis Fred Perry en 1936 à remporter un tournoi majeur pour la Grande-Bretagne – même s’il n’y est finalement jamais parvenu, Wimbledon 2001 étant le tournoi le plus proche d’une finale. Il est devenu bien connu pour le [http://www.theguardian.com/sport/2003/jun/24/wimbledon2003.tennis Henman fist], qui allait devenir sa marque de fabrique lorsqu'il gagnait un point. 2001-2004 Henman a débuté la saison ATP 2001 avec un classement au dixième rang mondial. À l'Adelaide International, Henman a perdu en demi-finale contre Nicolás Massú. Son prochain tournoi était l'Open d'Australie ; Henman a remporté des victoires contre Hicham Arazi, Nicolás Lapentti et Wayne Arthurs, mais a perdu contre Patrick Rafter au quatrième tour en deux sets. Il a ensuite remporté l'Open de Copenhague, éliminant Andreas Vinciguerra en deux sets. Henman a ensuite perdu au deuxième tour de l'Open de Rotterdam. Rotterdam a été suivi d'une défaite à l'Open de Scottsdale. En mars, Henman a atteint le troisième tour à Indian Wells, où il a perdu contre Nicolás Lapentti en deux sets. La saison sur terrain dur s'est terminée avec le Miami Masters où Henman a perdu au deuxième tour contre Fabrice Santoro. Au début de la saison sur terre battue en avril, le classement de Henman était passé du 10e au 12e rang mondial. Il atteint le deuxième tour de l'Open d'Estoril, les quarts de finale de Monte-Carlo, le deuxième tour à Rome et perd au premier tour du Masters de Hambourg. À Roland-Garros, Henman a remporté des victoires sur Tomas Behrend et Sjeng Schalken, mais a perdu contre Guillermo Cañas en cinq sets au troisième tour. À la fin de la saison sur terre battue, le classement de Henman était remonté au 11e rang. Sur l'herbe au Queen's Club Championship, Henman a atteint la finale, où il a été battu en deux sets par l'Australien Lleyton Hewitt. De nombreux commentateurs pensaient que Henman avait une chance de remporter Wimbledon cette année-là, plusieurs têtes de série étant battues au début du tournoi. Henman a facilement franchi les trois premiers tours, battant Artem Derepasko, Martin Lee et Sjeng Schalken. Cependant, il a fallu cinq sets pour vaincre la 22e tête de série américaine Todd Martin au quatrième tour. En quarts de finale, Henman a battu Roger Federer en quatre sets difficiles, ce dernier ayant battu l'ennemi de longue date de Henman, Sampras, au quatrième tour. Dans sa demi-finale, Henman a rencontré le participant wildcard, Goran Ivanišević où, après plusieurs retards dus à la pluie, Ivanišević a finalement réussi à gagner en cinq sets. Henman était revenu d'un set perdu et avait joué un tennis époustouflant – notamment en écrasant Ivanišević dans le troisième set 6-0 – pour prendre l'avantage par 2 sets à 1 avant que la pluie n'arrête le jeu. Les joueurs sont revenus le lendemain mais Henman n'a pas pu retrouver sa forme du vendredi et a perdu le quatrième set dans un tie-break. Henman s'était rapproché à 2 points de la victoire mais le service était avec son adversaire et il n'a pas pu s'accrocher. Après seulement 5 jeux dans le set décisif, la pluie est tombée à nouveau et les joueurs ont été obligés d'attendre toute la nuit pour terminer cette rencontre épique. Lorsque les deux hommes sont finalement revenus dimanche, Ivanišević a pu conclure le dernier set et anéantir le rêve du joueur anglais d'atteindre une finale à Wimbledon. En août, Henman n'a atteint que le deuxième tour du Canada Masters, mais a rebondi et s'est qualifié pour les demi-finales du Masters de Cincinnati. Là, il a perdu contre Gustavo Kuerten en trois sets. Son prochain tournoi fut presque aussi réussi, Henman atteignant les quarts de finale du championnat RCA. Henman a perdu en quarts de finale, encore une fois contre Kuerten en trois sets. À l'US Open, il atteint le troisième tour ; Henman a battu Vacek et Fernando Meligeni, mais a été contrarié par Xavier Malisse en cinq sets. Vers la fin de la saison, Henman a remporté les Swiss Indoors, en battant le précédent finaliste Roger Federer en deux sets. En 2002, Henman atteint pour la dernière fois de sa carrière le 4e tour de l'Open d'Australie et les demi-finales de Wimbledon, s'inclinant cette fois face à Lleyton Hewitt : pour la quatrième fois, son vainqueur en demi-finale remporte le tournoi. . Il a été battu au deuxième tour de Roland-Garros et au troisième tour de l'US Open. Sur le circuit ATP, Henman a été finaliste à trois finales ; à une ATP Masters Series, à une ATP 500 Series et à un tournoi ATP normal. Henman n'a pas participé à l'Open d'Australie 2003, a atteint le troisième tour de Roland-Garros, son meilleur jusqu'à présent, a atteint les quarts de finale du championnat de Wimbledon et a perdu au premier tour de l'US Open face au futur champion Andy Roddick. Il a atteint deux finales ATP en 2003, l'une d'entre elles étant le Masters de Paris, les remportant tous les deux. Sa victoire au Masters de Paris 2003 serait sa seule victoire lors d'un événement du circuit ATP Masters. En 2004, Henman n'a pas réussi à atteindre le quatrième tour de l'Open d'Australie et n'a pas réussi à atteindre les demi-finales des championnats de Wimbledon. Il atteint cependant, à la surprise des commentateurs, les demi-finales de Roland-Garros et plus tard, les demi-finales de l'US Open. Sa tournée ATP n'a pas été aussi réussie, mais il a réussi à atteindre la finale d'Indian Wells, où il a été battu par le champion en titre Roger Federer en deux sets, 3-6, 3-6. 2004 sera la dernière fois que Henman participera à la Tennis Masters Cup (un tournoi entre les huit meilleurs joueurs du monde). 2004 sera la dernière année réussie de Henman en tant que joueur de tennis ; il n'a réussi à dépasser le troisième tour dans aucun des tournois du Grand Chelem de 2005 jusqu'à sa retraite en 2007. Lors des barrages du Groupe mondial de la Coupe Davis contre l'Autriche, Henman et Greg Rusedski ont joué les cinq revêtements sur la terre battue autrichienne, mais ont été battus 3-2. Henman décide désormais de se retirer de la Coupe Davis pour se concentrer sur sa propre carrière. 2005-2007 : déclin Son premier tournoi en 2005 fut l'Open d'Australie. Henman a battu le Français Cyril Saulnier en quatre sets, 6-1, 6-2, 4-6, 6-3, et a battu le Roumain Victor Hănescu en trois sets, 7-5, 6-1, 6-4, mais a perdu contre le Le Russe Nikolay Davydenko, 28e tête de série, en deux sets ; 4-6, 2-6, 2-6. Le tournoi suivant fut l'Open de Rotterdam où il atteignit le troisième tour, battu par le Croate Mario Ančić, 5-7, 4-6. Il n'a pas fait beaucoup mieux à l'Open de Dubaï et a perdu au troisième tour contre le Croate Ivan Ljubičić, 5-7, 4-6. Le prochain tournoi de Henman était le premier événement ATP Masters Series de l'année ; à Indian Wells, il a atteint les quarts de finale après avoir reçu un laissez-passer (ce qui signifie qu'il pouvait sauter le premier tour). Il a perdu en quarts de finale contre l'Argentin Guillermo Cañas, 6-7, 5-7. Au Masters de Miami, Henman a de nouveau perdu en quarts de finale, cette fois contre le numéro 1 mondial suisse. 1 Roger Federer en deux sets, 4-6, 2-6. Lors du premier tournoi sur terre battue de Henman en 2005, le Monte-Carlo Masters, il a perdu au premier tour contre l'Argentin Mariano Zabaleta, 4-6, 6-4, 2-6. Henman a amélioré son record sur terre battue cette année-là en atteignant le troisième tour à la fois à l'Open d'Italie et au Masters de Hambourg, mais il a déçu ses fans en étant battu par le Péruvien Luis Horna au deuxième tour de Roland-Garros en quatre sets, 5-7, 7-6, 3-6, 4-6. Contrairement à la saison sur terre battue, la saison sur gazon a bien commencé, Henman atteignant les quarts de finale des championnats du Queen's Club, perdant contre le Suédois Thomas Johansson, 4-6, 4-6. Cependant, après avoir battu Jarkko Nieminen au premier tour du championnat de Wimbledon, il a perdu au deuxième tour contre le Russe Dmitry Tursunov en cinq sets, 6-3, 2-6, 6-3, 3-6, 6-8. Sa saison sur terrain dur n’a pas été bien meilleure ; Henman a été battu au premier ou au deuxième tour dans tous les tournois restants auxquels il a participé cette année-là. À l'US Open, il a perdu contre l'Espagnol Fernando Verdasco en deux sets, 4-6, 2-6, 2-6. Lors de son dernier match de l'année, Henman a été battu par l'étoile montante du tennis britannique Andy Murray au premier tour en trois sets, 3-6, 7-5, 7-6. Son tournoi d'ouverture de 2006 était l'Open du Qatar, où il a perdu au deuxième tour contre Tommy Haas 2–6, 6–7 et 7–5 au tie-break. Cette année-là, à l'Open d'Australie, il fut battu au premier tour par le Russe Dmitry Tursunov, 7-5, 3-6, 4-6, 5-7. Sa défaite précoce à l'Open d'Australie a été suivie d'un succès à l'Open de Zagreb ; Henman a atteint les demi-finales, mais a été battu par Stefan Koubek, 3-6, 6-3, 2-6. Son succès à Zagreb s'est soldé par un échec à l'Open de Rotterdam, où il a été battu au deuxième tour par le futur numéro 1 mondial. 1 Novak Djokovic en trois sets, 7-5, 3-6, 4-6. Lors de l'Open de Dubaï, Henman a atteint les quarts de finale, mais a perdu le match contre le numéro 1 mondial espagnol. 2 Rafael Nadal en deux sets ; 6–7 (1–7 au tie-break), 1–6. Henman a été battu au deuxième tour d'Indian Wells par le nouveau venu Tomáš Berdych en deux sets, 4–6, 4–6. Henman a mis fin à une séquence de huit défaites consécutives contre Lleyton Hewitt le 25 mars 2006, avec une victoire 7–6, 6–3 au tournoi Miami Masters, mais a perdu au troisième tour contre l'Allemand non tête de série Simon Greul en trois sets; 6-0, 1-6, 5-7. Il a été battu dès le premier tour du Monte-Carlo Masters par le numéro 1 mondial argentin. 8 Gaston Gaudio, 1-6, 3-6. À l'Open d'Italie, Henman a réussi à atteindre le troisième tour, mais a perdu contre Nadal, 2-6, 2-6. Son succès à l'Open d'Italie s'est soldé par une défaite au deuxième tour de Roland-Garros par Dmitry Tursunov en quatre sets ; 3-6, 2-6, 6-4, 4-6. Sa course aux championnats du Queen's Club a été bien plus réussie, Henman perdant contre Lleyton Hewitt 6-3, 3-6, 6-2 en demi-finale. Henman n'était pas tête de série à Wimbledon en 2006 pour la première fois depuis plusieurs années après que son classement mondial soit tombé au 62e rang. À Wimbledon, il a perdu au deuxième tour contre l'éventuel champion Federer, 6-4, 6-0, 6. –2, après une victoire en cinq sets contre le Suédois Robin Söderling au premier tour. À l'US Open, Henman atteint le deuxième tour où il est battu par Roger Federer, 3-6, 4-6, 5-7. Après son échec à l'US Open, Henman a disputé deux tournois en Extrême-Orient. Partant de Bangkok, Henman a atteint les quarts de finale où il a perdu contre Paradorn Srichaphan 6-7, 6-4, 7-6. Henman a ensuite atteint sa première finale depuis 2004 à l'AIG Open de Tokyo, s'inclinant face à Roger Federer, 6-3, 6-3. Bien que Henman devait jouer à Bâle et à Paris à la fin de la saison 2006, il a perdu au deuxième tour à Bâle contre l'étoile montante suisse Stanislas Wawrinka 2–6, 7–6, 6–4. Il s'est tordu le genou; il n'a pas abandonné mais a eu recours à un jeu moins mobile qui a vu Wawrinka gagner. Lors de la dernière séance d'entraînement de Henman avant de partir pour l'Open d'Australie début 2007, après s'être remis de sa blessure au genou, il s'est blessé aux ischio-jambiers, ce qui l'a contraint à se retirer du tournoi. Il est revenu à temps pour participer aux épreuves des Masters Series à Indian Wells et à Miami après s'être retiré de Rotterdam et de Zagreb, mais a perdu au premier tour dans les deux cas. La malchance de Henman en matière de blessure et de forme s'est poursuivie pendant la saison 2007 sur terre battue avec des défaites au premier tour contre Juan Carlos Ferrero, 5–7, 2–6 à Monaco, Nicolás Almagro, 5–7, 1–6 à Rome et une mauvaise performance contre Ernests Gulbis, débutant en Grand Chelem, 18 ans, 4-6, 3-6, 2-6 à Roland-Garros. La saison sur terre battue de Henman s'est terminée sans un set gagné. Sa saison sur gazon a débuté le 12 juin 2007 au Queens Club, mais a été interrompue brusquement par l'entrée wildcard croate Marin Čilić. Cependant, il a terminé la journée avec une victoire en double avec son partenaire Lleyton Hewitt contre l'Australien Jordan Kerr et l'Autrichien Alexander Peya. Une défaite précoce lors d'un événement sur gazon à Nottingham a été suivie d'une mauvaise performance à Wimbledon, Henman perdant au deuxième tour contre Feliciano López en cinq sets. Henman a joué trois autres tournois avant de prendre sa retraite ; lors de sa dernière apparition en Grand Chelem, il a perdu au deuxième tour contre le Français Jo-Wilfried Tsonga en quatre sets ; 6-7, 6-2, 5-7, 4-6. Retraite Henman a annoncé lors d'une conférence de presse le 23 août 2007 qu'il prendrait sa retraite du tennis après avoir participé à l'US Open et à la Coupe Davis britannique contre la Croatie en septembre 2007. Henman a battu son rival Dmitry Tursunov (qui avait remporté cinq de ses six matches précédents) au premier tour de l'US Open, 6-4, 3-6, 6-3, 6-4, dans ce que beaucoup pensaient être son dernier match du Grand Chelem. Il a en effet participé à son dernier match du Grand Chelem le 31 août 2007 et a été battu par Jo-Wilfried Tsonga, 6-7 (2-7), 6-2, 5-7, 4-6 au deuxième tour. Henman semblait lent par rapport à son match du premier tour et a perdu son service pour le premier set. Henman a disputé son dernier match lors du match nul de la Coupe Davis contre la Croatie le 22 septembre 2007. Le match de double avec Jamie Murray a été joué sur le court 1 de Wimbledon qu'ils ont remporté 4-6, 6-4, 7-6, 7-5. Le match a placé la Grande-Bretagne dans une avance inattaquable de 3-0 et de retour dans le Groupe mondial, la victoire en double étant ajoutée aux victoires en simple de la veille de Henman et Andy Murray. Après le match, Henman a déclaré à Sue Barker dans une interview sur BBC Television et devant la foule du Court 1 : "Ce sont des occasions comme celle-ci et des fans comme celui-ci qui me manqueront tant". Au moment de sa retraite, Henman s'était déjà engagé à jouer une exposition caritative au Royal Albert Hall de Londres lors de l'événement de tennis seniors The Blackrock Masters en décembre 2007. L'adversaire de Henman était le vétéran suédois et ancien champion de Wimbledon Stefan Edberg. définir 8–4. Henman est devenu membre de l'équipe de commentateurs pour la couverture par la BBC des championnats de Wimbledon 2008 et y est resté depuis. Henman a participé à un événement test pour l'adoption du toit du court central en mai 2009 et a joué en double mixte avec Kim Clijsters contre l'équipe mari et femme Andre Agassi et Steffi Graf. Équipement Les vêtements de Henman étaient fabriqués par Adidas et il portait des chaussures Adidas Equipment Barricade. Il a utilisé des raquettes Slazenger Pro Braided. Finales de carrière ATP Célibataires : 28 (11-17) Doubles : 6 (4–2) Chronologie des performances en simple

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Quel grand chelem Pete Sampras n’a-t-il pas remporté au 20e siècle ?

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Les tournois du Grand Chelem, également appelés majors, sont les quatre événements annuels de tennis les plus importants. Ils offrent le plus de points de classement, de prix en argent, d'attention du public et des médias, la plus grande force et taille de peloton, et un plus grand nombre de sets « best of » pour les hommes. L'itinéraire du Grand Chelem comprend l'Open d'Australie à la mi-janvier, l'Open de France en mai et juin, Wimbledon en juin et juillet et l'US Open en août et septembre. Chaque tournoi se joue sur une période de deux semaines. Les tournois australiens et américains se jouent sur des courts en dur, les français sur terre battue et Wimbledon sur gazon. Wimbledon est la plus ancienne, fondée en 1877, suivie par les États-Unis en 1881, la France en 1891 et l'Australie en 1905. Cependant, parmi ces quatre, seul Wimbledon était majeur avant 1924/25, date à laquelle tous les quatre furent désignés comme majeurs. Tournois du Grand Chelem. Le terme Grand Chelem fait également référence, à l'origine, à la réussite de remporter les quatre championnats majeurs au cours d'une seule année civile dans l'une des cinq épreuves : simple masculin et féminin ; doubles hommes, femmes et mixtes. En double, une équipe peut réaliser un Grand Chelem en jouant ensemble ou un joueur peut le réaliser avec différents partenaires. Le terme « Grand Chelem » sans qualification fait référence à la victoire des quatre tournois majeurs au cours d'une seule année civile. Gagner les quatre tournois majeurs lors de tournois consécutifs mais pas la même année est connu sous le nom de Grand Chelem hors année civile, tandis que remporter les quatre tournois majeurs à tout moment au cours d'une carrière est connu sous le nom de Grand Chelem en carrière. Gagner la médaille d'or aux Jeux olympiques d'été en plus des quatre tournois majeurs au cours d'une même année civile est connu sous le nom de « Golden Grand Slam » ou plus communément de « Golden Slam ». En outre, remporter le championnat de fin d'année (connu sous le nom de finales du circuit mondial ATP pour les disciplines masculines en simple et en double, et de championnats du circuit WTA pour les deux disciplines féminines) au cours de la même période est connu sous le nom de « Super Slam ». Ensemble, les quatre Majeurs dans les trois disciplines (simple, double et double mixte) sont appelés un « coffret » de titres du Grand Chelem. Aucun joueur masculin ou féminin n'a remporté les douze épreuves au cours d'une année civile, bien qu'un « coffret de carrière » ait été réalisé par trois joueuses. Origine du terme « Grand Chelem » Le terme slam pour gagner tous les tours dans les jeux de cartes de la famille whist (voir aussi les termes du whist) est attesté dès le début du XVIIe siècle. Le grand chelem pour tous les tricks, contrairement au petit chelem ou au petit chelem pour tous sauf un, date du début du 19e siècle. Cette utilisation a été héritée du bridge contractuel, un développement moderne du whist défini en 1925 qui est devenu très populaire en Grande-Bretagne et en Amérique dans les années 1930. Le Grand Chelem est utilisé dans le golf depuis 1930, lorsque Bobby Jones a remporté les quatre championnats majeurs, deux britanniques et deux américains. Bien que John F. Kieran soit largement reconnu pour avoir appliqué pour la première fois le terme « grand chelem » au tennis, pour décrire la victoire des quatre tournois majeurs de tennis au cours d'une année civile, le chroniqueur sportif Alan Gould avait utilisé le terme à cet égard près de deux mois auparavant. Kieran. Histoire La possibilité d'être le champion en titre des quatre Majors actuels n'existait qu'en 1924/25, lorsque la Fédération internationale de tennis sur gazon désigna les tournois de championnat australasien, français (avant 1925 réservés aux membres des clubs de tennis français), britannique et américain. comme les quatre Majors. Avant cette époque, seuls trois événements : Wimbledon, les Championnats du monde sur terrain dur (organisés à Paris et une fois à Bruxelles) et les Championnats du monde sur terrain couvert (organisés dans divers endroits) étaient considérés comme les principaux événements internationaux de tennis par l'ILTF. Le Néo-Zélandais Tony Wilding a remporté ces trois premiers tournois majeurs en une seule année – 1913. Il a été possible de réaliser un Grand Chelem la plupart des années et dans la plupart des disciplines depuis 1925. Cela n'a pas été possible de 1940 à 1945 en raison d'interruptions à Wimbledon. les ouvertures australienne et française en raison de la Seconde Guerre mondiale, les années 1970 à 1985 où il n'y avait pas de tournoi australien en double mixte, et 1986 où il n'y avait pas du tout d'Open d'Australie. Le premier Grand Chelem définitif, des quatre tournois majeurs actuels, a été accompli lorsque Don Budge a remporté les quatre tournois majeurs en simple masculin en 1938. À ce jour, 17 joueurs ont terminé un Grand Chelem, mais seulement six dans les titres en simple les plus prestigieux. Parmi ces joueurs, trois ont remporté plusieurs tournois du Grand Chelem : Rod Laver a accompli l'exploit à deux reprises en simple masculin ; Margaret Court a accompli l'exploit à trois reprises, dans deux disciplines différentes : une fois en simple féminin et deux fois en double mixte ; et Esther Vergeer ont complété deux fois un grand chelem en double féminin en fauteuil roulant. Les quatre disciplines juniors, simples et doubles garçons et filles, offrent des possibilités limitées de remporter un Grand Chelem. Les joueurs ne sont éligibles qu’entre 13 et 18 ans, les jeunes de 18 ans étant susceptibles de détenir un avantage physique. Seul Stefan Edberg a réalisé le Grand Chelem dans une discipline Junior. Détails du tournoi open d'Australie *Dates : dernière quinzaine de janvier * Lieu : Melbourne Park, Melbourne * Champion actuel du simple messieurs : Novak Djokovic * Championne actuelle du simple féminin : Angelique Kerber Internationaux de France *Dates : quinzaine de fin mai / début juin * Venue: Stade Roland Garros, Paris * Current Men's Singles champion: Novak Djokovic * Current Women's Singles champion: Garbiñe Muguruza Championnats de Wimbledon *Dates : quinzaine de fin juin / début juillet * Lieu : All England Lawn Tennis and Croquet Club, Londres * Champion actuel du simple messieurs : Andy Murray * Championne actuelle du simple féminin : Serena Williams US Open *Dates : quinzaine de fin août / début septembre * Lieu : USTA Billie Jean King National Tennis Center, New York * Champion actuel du simple messieurs : Novak Djokovic * Championne actuelle du simple féminin : Flavia Pennetta Gagnants Champions du Grand Chelem ;Par discipline (tous les temps) * Liste des champions du Grand Chelem en simple messieurs * Liste des champions du Grand Chelem en simple féminin * Liste des champions du Grand Chelem en double masculin * Liste des champions du Grand Chelem en double féminin * Liste des champions du Grand Chelem en double mixte * Liste des champions en simple garçons du Grand Chelem * Liste des champions du Grand Chelem en double garçons * Liste des champions en simple filles du Grand Chelem * Liste des champions du Grand Chelem en double féminin * Liste des champions de tennis en fauteuil roulant ;Par tournoi (Open Era uniquement) * Liste des champions de l'Open d'Australie * Liste des champions de Roland Garros * Liste des champions de l'Open Era de Wimbledon * Liste des champions de l'US Open (tennis) Champions qui ont terminé le Grand Chelem Chronologique Par joueur Grand Chelem hors année civile En 1982, la Fédération Internationale de Tennis (ITF) a élargi la définition du Grand Chelem pour y inclure quatre victoires majeures consécutives, y compris celles s'étalant sur deux années civiles. Tel que défini dans la constitution de l'ITF : « Les titres du Grand Chelem sont les championnats d'Australie, de France, des États-Unis d'Amérique et de Wimbledon. Les joueurs qui détiennent ces quatre titres en même temps réalisent le Grand Chelem ». Comme cette définition diffère de la définition originale du Grand Chelem limitée à une seule année civile, il y a eu une certaine controverse dans le monde du tennis concernant cette redéfinition. Par la suite, l'ITF a pris ses distances par rapport à la décision de 1982, revenant à la définition traditionnelle de l'année civile (lorsque Martina Navratilova a remporté l'Open de France de 1984 pour devenir la championne en titre des quatre simples féminins, l'ITF lui a accordé un bonus de 1 million de dollars pour le Grand Chelem en 1984). reconnaissance de sa réussite). Mais par la suite, l’ITF a abandonné la reconnaissance des tournois du Grand Chelem hors année civile. En combinant le Grand Chelem et le Grand Chelem hors année civile, le nombre total de fois où les joueurs ont réalisé l'exploit (d'être le champion en titre dans les quatre tournois majeurs) s'élève à 18. Novak Djokovic est le seul joueur masculin en simple à avoir accompli le Grand Chelem selon cette définition au cours de l'ère ouverte – remportant les quatre tournois majeurs consécutivement, de Wimbledon 2015 à Roland-Garros 2016. Avant l'ère ouverte, Don Budge était dans la même position. aux Championnats de France en 1938 lorsqu'il a complété le Grand Chelem qui avait commencé avec Wimbledon en 1937, puis a remporté les tournois majeurs restants en 1938 – Wimbledon et les Championnats des États-Unis – faisant de Budge, avec six victoires consécutives, le seul homme à avoir jamais remporté plus de quatre victoires. tournois majeurs consécutifs. Les frères Bryan (Bob et Mike) ont été les derniers à y parvenir en double masculin. Plusieurs joueurs et équipes ont manqué un titre. Todd Woodbridge et Mark Woodforde, connus collectivement sous le nom de The Woodies, ont atteint la finale de Roland-Garros 1997 en détenant les trois autres titres, mais ont perdu contre Yevgeny Kafelnikov et Daniel Vacek. En simple, Pete Sampras a perdu le quart de finale de Roland-Garros 1994 face à son compatriote Jim Courier, après avoir remporté les trois Majors précédents. Roger Federer en 2006 et 2007 et Novak Djokovic en 2012 ont répété cela, tous deux perdant finalement la finale de Roland-Garros face à Rafael Nadal. Nadal lui-même a été empêché de réaliser cet exploit par son compatriote David Ferrer, qui l'a battu en quart de finale de l'Open d'Australie 2011, Nadal ayant déjà remporté l'Open de France, Wimbledon et l'US Open en 2010. Simple messieurs * Novak Djokovic (2015-2016) **Quatre titres majeurs consécutifs de Wimbledon 2015 à Roland-Garros 2016. Simple dames *Martina Navratilova (1983-1984) ** Six titres majeurs consécutifs de Wimbledon 1983 à l'US Open 1984. : Remarque : De 1977 à 1985, l'Open d'Australie s'est tenu en décembre comme dernier Major de l'année civile. * Steffi Graf (1993-1994) ** Quatre titres majeurs consécutifs de l'Open de France de 1993 à l'Open d'Australie de 1994. * Serena Williams (2002-03, 2014-15) ** Quatre titres majeurs consécutifs de Roland-Garros 2002 à l'Open d'Australie 2003. ** Quatre titres majeurs consécutifs de l'US Open 2014 à Wimbledon 2015. Double messieurs *Bob Bryan et Mike Bryan (2012-13) ** Quatre titres majeurs consécutifs de l'US Open 2012 à Wimbledon 2013. Double dames * Louise Brough (1949-1950) ** Quatre titres majeurs consécutifs des Championnats de France 1949 aux Championnats d'Australie 1950 (trois fois avec Margaret Osborne duPont et les Championnats d'Australie 1950 remportés avec Doris Hart). * Pam Shriver et Martina Navratilova (1986-1987) ** Quatre titres majeurs consécutifs de Wimbledon 1986 à Roland-Garros 1987. ** Navratilova a également remporté l'Open de France 1986 avec Andrea Temesvári, totalisant pour elle 5 titres majeurs consécutifs. * Gigi Fernández et Natasha Zvereva (1992-1993) ** Six titres majeurs consécutifs de Roland Garros 1992 à Wimbledon 1993. * Natasha Zvereva (1996-1997) ** Quatre titres majeurs consécutifs de l'US Open de 1996 à Wimbledon de 1997 (trois fois avec Gigi Fernández et l'Open d'Australie de 1997 remporté avec Martina Hingis). * Serena Williams et Venus Williams (2009-2010) ** Quatre titres consécutifs de Wimbledon 2009 à Roland Garros 2010. Doubles mixtes * Billie Jean King (1967-1968) ** Quatre titres majeurs consécutifs depuis les Championnats de France 1967 jusqu'aux Championnats d'Australie 1968 (trois fois avec Owen Davidson et les Championnats d'Australie 1968 remportés avec Dick Crealy). Double hommes en fauteuil roulant *Stéphane Houdet (2009-2010) ** Cinq titres consécutifs de Roland-Garros 2009 à Roland-Garros 2010 (les deux premiers avec Michaël Jeremiasz, l'US Open 2009 remporté avec Stefan Olsson et les deux derniers avec Shingo Kunieda) *Shingo Kunieda (2014-2015) ** Quatre titres consécutifs de Wimbledon 2014 à Roland Garros 2015 (les trois premiers avec Stéphane Houdet et Roland Garros 2015 avec Gordon Reid) Grand Chelem en carrière La réussite en carrière des quatre championnats majeurs dans une discipline est appelée un Grand Chelem en carrière dans cette discipline. Des dizaines de joueurs ont accompli cet objectif (colonne deux) et 17 l'ont doublé : ils ont remporté un deuxième championnat dans chacun des quatre tournois majeurs dans une discipline (colonne trois). Deux championnats de carrière ou plus dans les quatre tournois majeurs sont parfois appelés « ensembles de chelem multiples ». Trois joueurs ont plusieurs Slam Sets dans deux disciplines, un sur trois disciplines, donc 22 joueurs sont comptés dans le tableau (colonne trois). Leurs réalisations sont présentées ci-dessous. Huit hommes et dix femmes ont remporté des tournois du Grand Chelem en carrière en simple (rangées un et deux) ; parmi eux, deux hommes et cinq femmes ont réalisé au moins deux tournois du Grand Chelem en carrière en simple (troisième colonne). Depuis le début de l'ère ouverte, cinq hommes et six femmes y sont parvenus (Rod Laver, Andre Agassi, Roger Federer, Rafael Nadal, Novak Djokovic ; Margaret Court, Chris Evert, Martina Navratilova, Steffi Graf, Serena Williams et Maria Sharapova). . Plusieurs joueurs en simple ont remporté trois championnats majeurs sans réaliser le Grand Chelem en carrière : *Open d'Australie : René Lacoste, Henri Cochet, Helen Wills, Althea Gibson, Tony Trabert et Margaret Osborne duPont *Open de France : Frank Sedgman, Ashley Cooper, Louise Brough Clapp, Virginia Wade, Arthur Ashe, Pete Sampras, John Newcombe, Jimmy Connors, Boris Becker, Stefan Edberg, Martina Hingis et Lindsay Davenport *Wimbledon : Ken Rosewall, Hana Mandlíková, Ivan Lendl, Monica Seles, Guillermo Vilas, Mats Wilander et Justine Henin *US Open : Jean Borotra, Jack Crawford, Lew Hoad et Evonne Goolagong Cawley Plusieurs joueurs de double ont remporté trois championnats majeurs sans réaliser le Grand Chelem en carrière : *Open d'Australie : John Van Ryn, Helen Wills, Elizabeth Ryan, Margaret Osborne duPont, Darlene Hard, Billie Jean King, Betty Stöve, Robert Seguso, Mahesh Bhupathi et Lindsay Davenport *Open de France : John Bromwich, Nancy Richey, Arantxa Sánchez Vicario et Sania Mirza *Wimbledon : Vic Seixas, Ashley Cooper, Virginia Wade, Virginia Ruano Pascual et Paola Suárez *US Open : Jean Borotra, Jacques Brugnon, Jack Crawford, Althea Gibson et Rod Laver Seuls six joueurs ont complété un Grand Chelem en carrière en simple et en double, un homme (Roy Emerson) et cinq femmes (Margaret Court, Doris Hart, Shirley Fry Irvin, Martina Navratilova et Serena Williams). Court, Hart et Navratilova sont les trois seules joueuses à avoir complété un « coffret de carrière », remportant les quatre titres en simple, double et double mixte ; cela n'a jamais été fait par un joueur masculin. Le reste de cette section est une liste complète, par discipline, de tous les joueurs ayant remporté le Grand Chelem en carrière. Les joueurs sont classés chronologiquement en fonction de leur achèvement du Slam. Simple messieurs Huit hommes ont remporté les quatre tournois du Grand Chelem. Deux des huit hommes ont réalisé un double Grand Chelem en carrière. À l’origine, les grands chelems se déroulaient sur gazon (australien, Wimbledon et US Open) et sur terre battue (française) et les quatre premiers joueurs réalisaient leur grand chelem sur deux surfaces. L'US Open a changé sa surface, passant du gazon à la terre battue en 1975, puis de la terre battue au dur en 1978. L'Open d'Australie est passé du gazon au dur en 1988. Les quatre derniers joueurs (Agassi, Federer, Nadal, Djokovic) ont réalisé leur grand chelem. sur trois surfaces différentes : terrain dur, terre battue et gazon. Simple dames Les « premières victoires » de chaque femme dans les quatre Majors sont classées chronologiquement et leur âge à la fin du Chelem est indiqué entre parenthèses. Cinq des dix femmes ont réalisé au moins deux Grands Chelems en carrière, deux des dix ont réalisé trois Grands Chelems en carrière et Steffi Graf est la seule joueuse à avoir réalisé quatre Grands Chelems en carrière. Remarque : De 1977 à 1985, l'Open d'Australie s'est tenu en décembre comme dernier tournoi majeur de l'année civile. Double messieurs En double masculin, 21 joueurs ont remporté le Grand Chelem en carrière, dont quatorze qui ont « claqué » avec un seul partenaire. Ces dernières sont répertoriées en première position, avec sept équipes, ignorant les victoires majeures avec d'autres partenaires. Cinq des 21 hommes ont réalisé au moins un double chelem en carrière en double masculin, menés par Roy Emerson et John Newcombe avec des triples chelems. Remarque : De 1977 à 1985, l'Open d'Australie s'est tenu en décembre comme dernier tournoi majeur de l'année civile. Double dames En double féminin, 21 joueuses ont remporté le Grand Chelem en carrière, dont dix qui ont « claqué » avec un seul partenaire. Huit des 22 ont réalisé au moins un double chelem en carrière en double féminin, mené par Martina Navratilova avec sept titres ou plus dans chaque majeur. Remarque : De 1977 à 1985, l'Open d'Australie s'est tenu en décembre comme dernier tournoi majeur de l'année civile. Doubles mixtes En double mixte, un total de 17 joueurs ont remporté le Grand Chelem en carrière, dont sept qui ont « claqué » en duo (ont remporté les quatre avec le même partenaire) – un nombre impair car Margaret Court a accompli un Grand Chelem en carrière séparément avec Ken Fletcher et Marty Riessen. Les quatre autres sur sept sont Doris Hart, Frank Sedgman, Leander Paes et Martina Hingis. De plus, trois des 15 joueuses ont accompli plusieurs tournois du Grand Chelem en carrière en double mixte, menés par le quadruple Chelem de Margaret Court. Célibataires garçons *Stefan Edberg (1983) Doubles garçons * Mark Kratzmann (Open de France, Wimbledon et US Open 1983 ; Open d'Australie 1984) Double hommes en fauteuil roulant Les tournois du Grand Chelem de tennis en fauteuil roulant ne sont possibles qu'en double masculin et en double féminin. Double féminin en fauteuil roulant Les tournois du Grand Chelem de tennis en fauteuil roulant ne sont possibles qu'en double masculin et en double féminin. Le plus grand nombre de titres consécutifs en tournois du Grand Chelem Simple messieurs * 6 : Don Budge (du Wimbledon 1937 aux Championnats américains de 1938). Simple dames * 6 : Maureen Connolly (du Wimbledon 1952 aux Championnats américains de 1953). * 6 : Margaret Court (de l'US Open 1969 à l'Open d'Australie 1971). * 6 : Martina Navratilova (de Wimbledon 1983 à l'US Open 1984). Remarque : De 1977 à 1985, l'Open d'Australie s'est tenu en décembre comme dernier tournoi majeur de l'année civile. Double messieurs Équipe: * 7 : Ken McGregor et Frank Sedgman (des Championnats d'Australie de 1951 à Wimbledon de 1952) Joueur: * 8 : Frank Sedgman (des Championnats américains de 1950 à Wimbledon de 1952) Double dames Équipe et joueur : * 8 : Martina Navratilova et Pam Shriver (de Wimbledon 1983 à Roland-Garros 1985) Doubles mixtes Équipe: * 6 : Margaret Court et Ken Fletcher (des Championnats d'Australie 1963 aux Championnats de France 1964) Joueur: * 7 : Margaret Court (des Championnats américains 1962 aux Championnats français 1964) Simple hommes en fauteuil roulant * 13 : Shingo Kunieda (de l'Open d'Australie 2007 à l'Open de France 2011) Simple dames en fauteuil roulant * 13 : Esther Vergeer (de Roland-Garros 2005 à l'US Open 2009) * 7 : Esther Vergeer (de Roland-Garros 2010 à Wimbledon 2012) Double hommes en fauteuil roulant Joueur: * 5 : Stéphane Houdet (de Roland Garros 2009 à Roland Garros 2010) * 5 : Stéphane Houdet (de l'Open d'Australie 2014 à l'Open d'Australie 2015) Double féminin en fauteuil roulant Équipe: * 7 : Esther Vergeer et Sharon Walraven (de Wimbledon 2010 à l'Open d'Australie 2012) Joueur: * 14 : Esther Vergeer (de Roland-Garros 2005 à l'US Open 2009) * 8 : Esther Vergeer (de Roland-Garros 2010 à Roland-Garros 2012) La plupart des finales consécutives en simple du Grand Chelem Hommes Femmes Plus grand nombre de titres consécutifs en simple du Grand Chelem (non consécutifs) Helen Wills Moody a remporté les 16 tournois en simple du Grand Chelem auxquels elle a participé, en commençant par les championnats américains de 1924 et en s'étendant jusqu'aux championnats de Wimbledon de 1933 (sans compter ses défauts aux championnats de France et de Wimbledon de 1926). Les 15 premiers d’entre eux ont été remportés sans perdre un seul set. Durant cette période, elle a remporté 6 Wimbledons, 4 championnats de France et 6 championnats américains. Elle a également remporté les Jeux olympiques d'été de 1924 au cours de cette période. Moody n'a jamais participé aux championnats australiens. Plus grand nombre de titres consécutifs en double mixte du Grand Chelem (non consécutifs) Doris Hart a remporté les 13 tournois de double mixte du Grand Chelem auxquels elle a participé, en commençant par les Championnats de France de 1951 et en s'étendant jusqu'aux Championnats américains de 1955. Durant cette période, elle a remporté 5 Wimbledons, 3 championnats de France et 5 championnats américains. Chelem d'or Le tennis était un sport olympique depuis les premiers Jeux olympiques d'été de 1896 jusqu'aux Jeux de 1924, puis a été abandonné pendant les 64 années suivantes (sauf comme sport de démonstration en 1968 et 1984) avant de revenir en 1988. Comme il n'y avait que trois championnats majeurs désignés par le Fédération internationale de tennis sur gazon avant 1925, aucun des joueurs de tennis ayant participé aux Jeux olympiques entre 1896 et 1924 n'avait la chance de terminer un Golden Grand Slam. Cependant, même si cela ne s'est pas produit, il était possible de terminer un Grand Chelem doré en carrière en remportant les Jeux olympiques de 1920 ou de 1924 ainsi que chacun des quatre Grands Chelems, tous présents à partir de 1925. Le terme Golden Slam (initialement « Golden Grand Slam ») a été inventé en 1988. Un seul joueur a terminé le Golden Slam : Steffi Graf (Open d'Australie 1988, Open de France 1988, Championnats de Wimbledon 1988, US Open 1988 et médaille d'or olympique 1988) Golden Slam hors année civile Gagner quatre tournois consécutifs du Grand Chelem et une épreuve olympique sur une période de douze mois, mais pas en un an, est appelé un Golden Slam hors année civile. Seuls Bob et Mike Bryan y sont parvenus en remportant les Jeux olympiques de 2012, l'US Open de 2012, l'Open d'Australie de 2013, l'Open de France de 2013 et les championnats de Wimbledon de 2013. Après avoir remporté la finale à Wimbledon, cela a été surnommé le « Golden Bryan Slam ». *Remarque : bien que Serena Williams ait détenu les quatre tournois majeurs (remportant consécutivement les quatre tournois majeurs de l'US Open 2014 à Wimbledon 2015) et la médaille d'or olympique de 2012 en même temps, ce Golden Slam n'est pas considéré comme un Golden Slam hors année civile, car elle a remporté sa médaille d'or trois ans avant la période de 12 mois où elle détenait les quatre tournois majeurs. Chelem d'or de carrière On dit qu'un joueur qui remporte les quatre tournois du Grand Chelem et la médaille d'or olympique au cours de sa carrière a réalisé un Golden Slam en carrière. Serena Williams est la seule joueuse à avoir réalisé un Golden Slam en carrière en simple et en double. Super Chelem En 1970, un tournoi a été créé pour réunir les meilleurs joueurs masculins de la saison, aujourd'hui appelé ATP World Tour Finals. En 1972, le circuit féminin a introduit le même concept, désormais connu sous le nom de Championnats du circuit WTA. Les deux se disputent en fin d’année et constituent les dernières compétitions officielles des saisons ATP et WTA. Gagner cette épreuve ainsi que les quatre Grands Chelems et la médaille d'or olympique est connu pour terminer le Super Chelem. Un exploit qui n'est possible que depuis 1988, lorsque le tennis est revenu au calendrier olympique. Aucun joueur n'a jamais terminé le Super Slam en une seule saison. Super Slam hors année civile Un seul joueur a terminé le Super Slam sur une période de douze mois : Steffi Graf (Championnats du circuit WTA 1987, Open d'Australie 1988, Open de France 1988, Championnats de Wimbledon 1988, US Open 1988 et médaille d'or olympique 1988) *Remarque : bien que Serena Williams ait détenu les quatre tournois majeurs (remportant consécutivement les quatre tournois majeurs de l'US Open 2014 à Wimbledon 2015), l'or olympique de 2012 et les championnats du circuit WTA 2014 en même temps, elle n'est pas considérée comme un événement hors calendrier. Super Slam de l'année car il n'a pas été accompli sur une période de 12 mois. Super Chelem de carrière Les joueurs suivants ont terminé le Super Slam au cours de leur carrière : Trois titres de tournois majeurs en un an Joueurs qui ont remporté trois des quatre tournois du Grand Chelem la même année. Jack Crawford, Lew Hoad, Martina Navratilova et Serena Williams ont remporté les trois premières épreuves, mais ont perdu le dernier tournoi du Grand Chelem. Crawford, asthmatique, a remporté deux des trois premiers sets de la finale des Championnats américains de 1933 contre Fred Perry, puis s'est fatigué sous la chaleur et a perdu les deux derniers sets et le match. ;Simple messieurs ;Simple dames ;Double messieurs *Remarque : UR=Résultat inconnu. S'il vous plaît, aidez-nous à trouver cette information. ;Double dames ;Double mixte ;Célibataires garçons *Mark Kratzmann : 1984 : Open d'Australie, Wimbledon, US Open * Nicolás Pereira : 1988: French Open, Wimbledon, US Open * Gaël Monfils : 2004 : Open d'Australie, Open de France, Wimbledon ;Double garçons *Mark Kratzmann : 1983 : Roland-Garros, Wimbledon, US Open Simon Youl : 1983 : Roland-Garros, Wimbledon, US Open *Jason Stoltenberg : 1988 : Open d'Australie, Open de France, Wimbledon Todd Woodbridge : 1988 : Open d'Australie, Open de France, Wimbledon *Ben Ellwood : 1994 : Open d'Australie, Wimbledon, US Open * Brendan Evans : 2004 : Open d'Australie, Wimbledon, US Open *Scott Oudsema : 2004 : Open d'Australie, Wimbledon, US Open ;Célibataires filles *Natalia Zvereva : 1987 : Roland-Garros, Wimbledon, US Open * Magdalena Maleeva : 1990 : Open d'Australie, Open de France, US Open ;Double filles * Beth Herr : 1982 : Roland-Garros, Wimbledon, US Open *Corina Morariu : 1995 : Open d'Australie, Open de France, US Open *Ludmilla Varmuzova : 1995 : Open d'Australie, Open de France, US Open * Victoria Azarenka : 2005 : Open d'Australie, Open de France, Wimbledon * Anastasia Pavlyuchenkova : 2006 : Open d'Australie, Open de France, Wimbledon *Urszula Radwańska : 2007 : Roland-Garros, Wimbledon, US Open ;Simple hommes en fauteuil roulant ;Double hommes en fauteuil roulant ;Simple féminin en fauteuil roulant ;Double féminin en fauteuil roulant Remarque : De 1977 à 1985, l'Open d'Australie s'est tenu en décembre comme dernier tournoi majeur de l'année civile. Triple Couronne Gagner des titres en simple, en double et en double mixte lors d'un événement du Grand Chelem s'appelle une triple couronne. C’est devenu un exploit rare dans le tennis. Cela est dû en partie au fait que le match final dans les trois disciplines se déroule souvent simultanément le même jour, voire plusieurs jours consécutifs. Doris Hart, par exemple, a remporté sa première triple couronne après avoir disputé trois finales de Wimbledon en une seule journée. Remarques: *Cette liste exclut la triple couronne de Jeanne Matthey en 1909 et les triples couronnes de 1920, 1921, 1922 et 1923 de Suzanne Lenglen. Le Championnat de France de tennis était à l'époque une compétition nationale non reconnue comme majeure internationale. À l'époque, l'événement majeur sur terre battue (actuel précurseur de Roland-Garros dans son format international actuel) était les Championnats du monde sur terrain dur, où Suzanne Lenglen a également atteint le triple championnat en 1921 et 1922). *Le triple championnat de 1941 d'Alice Weiwers n'est pas non plus répertorié en raison de son statut officiel contesté : les championnats de France organisés à Vichy France de 1941 à 1945 ne sont actuellement pas reconnus par la Fédération Française de Tennis. ;Hommes ;Femmes Coffret Une autre réussite liée au Grand Chelem est de remporter un « coffret » de titres du Grand Chelem – qui est au moins l'un de tous les types de championnats majeurs disponibles pour un joueur : les simples, les doubles et les doubles mixtes lors des quatre événements du Grand Chelem de l'année. Cela n’a jamais été accompli en un an ou de manière consécutive sur deux années civiles. Coffret Carrière Le coffret Carrière fait référence à la victoire de l'un de tous les titres possibles du Grand Chelem (simple, double, mixte) au cours d'une carrière entière. Aucun joueur masculin n'a réussi cet exploit, même si Frank Sedgman s'en est approché. Il n'a raté que le titre en simple de Roland-Garros. Les hommes qui participent à des tournois en simple de haut niveau/élite ont joué relativement peu de doubles et très peu de doubles mixtes. Jusqu’à présent, seules trois femmes ont complété le coffret au cours de leur carrière : Court est non seulement unique en ce qu'elle possède deux coffrets, mais elle est également unique en termes de timing de ses réalisations. Son premier coffret a été achevé avant le début de l'ère ouverte, et elle a un coffret réalisé uniquement au cours de l'ère ouverte. Martina Hingis s'est rapprochée plus que tout autre joueur actuellement actif de rejoindre ce groupe d'élite. Elle a juste besoin des simples de Roland-Garros, après avoir atteint la finale en 1997 et 1999. Avant Hingis, c'était Billie Jean King qui a failli terminer un coffret en carrière. Elle n'avait besoin que du titre en double féminin de l'Open d'Australie et bien qu'elle ait atteint la finale à deux reprises (en 1965 et 1969), elle n'a pas réussi à remporter le titre. Grands Chelems en carrière multiple Parmi les nombreux joueurs qui ont réussi à remporter une série complète de quatre tournois majeurs, un petit nombre a réussi à remporter les quatre tournois majeurs une seconde fois ou plus. L'achèvement des « Grands Chelems en carrière multiples » ou parfois appelés « sets de chelem multiples » (MSS) a été réalisé par seulement 22 joueurs uniques jusqu'à la fin de Wimbledon 2015. Les joueurs MSS se retrouvent dans chacune des cinq disciplines du tennis : simple messieurs ou dames, double messieurs ou dames, double mixte. On le retrouve également en double féminin en fauteuil roulant. Parmi eux, cinq joueurs ont terminé le MSS dans plus d'une discipline : Roy Emerson, Martina Navratilova, Frank Sedgman et Serena Williams ont terminé le MSS dans deux disciplines, Margaret Court a le MSS dans trois disciplines. Ce tableau montre chaque occurrence multiple d'un MSS complet pour chacun des joueurs ayant accompli plusieurs chelems dans une discipline de tennis particulière. L'année indiquée pour chacun des quatre tournois majeurs est l'année où cette victoire majeure particulière a été répétée dans le cadre de la réalisation par ce joueur de ses deuxième (les 22 joueurs) et troisième (8 joueurs) et quatrième (4 joueurs) et cinquième à septième (Martina Navratilova, en double féminin) complète une série de victoires majeures. Par exemple, la quatrième rangée montre que Margaret Court a complété son troisième chelem en carrière en simple féminin – remportant chacun des quatre tournois majeurs à trois reprises – lors des championnats de Wimbledon de 1970 (en gras). Plus précisément, elle a gagné : l'Open d'Australie 11 fois, la troisième en 1962 ; Roland-Garros cinq fois, la troisième en 1969 ; Wimbledon trois fois (détermine le maximum de sets), le troisième en 1970 et enfin l'US Open cinq fois, le troisième en 1969. Le fond gris nuance les réalisations moindres du même joueur dans la même discipline (par exemple, Court au huitième rang) ; le jaune met en évidence la plus grande réussite dans la discipline (par exemple, Graf au troisième rang). Par discipline (nombre de joueurs et entrées aux tables) * Simple messieurs (2 personnes ; 2 entrées) * Simple Dames (5 personnes ; 9 entrées) * Doubles Hommes (8 personnes ; 10 entrées) * Doubles Femmes (9 personnes ; 17 inscriptions) * Doubles Mixtes (4 personnes, 6 entrées) * Doubles en fauteuil roulant hommes (2 personnes; 3 entrées) * Doubles féminins en fauteuil roulant (3 personnes; 4 entrées) Chelem professionnel Avant le début de l’Open Era en 1968, seuls les joueurs amateurs étaient autorisés à participer aux quatre tournois majeurs. De nombreux joueurs masculins de haut niveau sont « devenus professionnels » afin de gagner légalement des prix en argent, en participant à une tournée mondiale professionnelle comprenant des événements complètement différents. De 1927 à 1967, les trois événements professionnels les plus anciens étaient considérés comme « majeurs » du circuit professionnel : les championnats américains de tennis professionnel, les championnats professionnels de France et les championnats de Wembley. Un joueur qui remportait les trois au cours d'une année civile était considéré comme réalisant un « Grand Chelem professionnel » ou « Pro Slam ». L'exploit a été accompli à deux reprises : Ken Rosewall en 1963 ; Rod Laver en 1967. Trois autres joueurs ont remporté ces trois trophées majeurs au cours de leur carrière professionnelle : Ellsworth Vines, Hans Nüsslein et Don Budge. Les tournois de chelem professionnels n'avaient pas de tirage au sort féminin.

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En quelle année la Juilliard School a-t-elle été fondée à New York ?

1905

La Juilliard School située au Lincoln Center for the Performing Arts dans l'Upper West Side de Manhattan, à New York, est un conservatoire des arts du spectacle créé en 1905. Il est officieusement appelé Juilliard. L'école forme environ 850 étudiants du premier cycle et des cycles supérieurs en danse, théâtre et musique. Elle est largement considérée comme l'une des principales écoles de musique au monde, avec certains des programmes artistiques les plus prestigieux. Histoire En 1905, l’Institute of Musical Art a été fondé sur le principe que les États-Unis ne disposaient pas d’une école de musique de premier plan et que trop d’étudiants allaient en Europe pour étudier la musique. Lors de sa création, l'Institut était situé à Manhattan, sur la Cinquième Avenue et la 12e Rue. Au cours de sa première année, l'institut a inscrit 500 étudiants. Il a déménagé en 1910 sur Claremont Avenue dans le quartier de Morningside Heights à Manhattan, sur une propriété achetée à Bloomingdale Insane Asylum. En 1920, la Fondation Juilliard est créée, du nom du marchand de textile Augustus D. Juilliard, qui a légué une somme d'argent substantielle pour l'avancement de la musique aux États-Unis. En 1924, la fondation a acheté la maison d'hôtes de la famille Vanderbilt au 49 East 52nd Street pour créer la Juilliard Graduate School. En 1926, il fusionna partiellement avec l'Institute of Musical Art avec un président commun, le professeur John Erskine de l'Université de Columbia. Les écoles avaient des doyens et des identités distinctes. Le chef d'orchestre et professeur de musique Frank Damrosch est resté doyen de l'Institut, et le pianiste et compositeur australien Ernest Hutcheson a été nommé doyen de la Graduate School. En 1937, Hutcheson succéda à Erskine à la présidence des deux institutions, poste qu'il occupa jusqu'en 1945. En 1946, les écoles combinées furent nommées Juilliard School of Music. Le président de l'école à cette époque était William Schuman, le premier lauréat du prix Pulitzer de musique. En 1951, l'école ajoute une division de danse, dirigée par Martha Hill. William Schuman est diplômé du Teachers College de Columbia (BS 1935, MA 1937) et a fréquenté la Juilliard Summer School en 1932, 1933 et 1936. Alors qu'il fréquentait la Juilliard Summer School, il a développé une aversion personnelle pour la théorie musicale traditionnelle et les programmes de formation auditive, y trouvant peu de valeur. en contrepoint et en dictée. Peu de temps après avoir été choisi comme président de la Juilliard School of Music en 1945, William Schuman créa un nouveau programme appelé Littérature et matériaux musicaux (L&M) conçu pour que les compositeurs puissent l'enseigner. L&M était la réaction de Schuman contre une théorie plus formelle et une formation auditive et, par conséquent, n'avait pas de structure formelle. Le mandat général était de « faire prendre conscience à l'étudiant de la nature dynamique des matériaux musicaux ». La qualité et le degré de l'éducation de chaque étudiant en harmonie, en histoire de la musique ou en formation auditive dépendaient de la manière dont chaque compositeur-enseignant décidait d'interpréter ce mandat. Beaucoup ont remis en question la qualité de L&M en tant que méthode d’enseignement des principes fondamentaux de la théorie musicale, de la formation auditive et de l’histoire. William Schuman a démissionné de son poste de président de Juilliard après avoir été élu président du Lincoln Center en 1962. Peter Mennin, un autre compositeur ayant une expérience de direction au Conservatoire Peabody, a été élu pour lui succéder. Mennin a apporté des changements importants au programme L&M en mettant fin à la formation auditive et à l'histoire de la musique et en embauchant la pédagogue bien connue Renée Longy pour enseigner le solfège. En 1968, Mennin a embauché John Houseman pour gérer une nouvelle division dramatique et, en 1969, a supervisé le déménagement de Juilliard de Claremont Avenue au Lincoln Center et a raccourci son nom en The Juilliard School. Le Dr Joseph Polisi est devenu président de Juilliard en 1984 après la mort de Peter Mennin. Les nombreuses réalisations de Polisi incluent des succès philanthropiques, l'élargissement du programme et la création de dortoirs pour les étudiants de Juilliard. En 2001, l'école a créé un programme de formation en interprétation jazz. En septembre 2005, Colin Davis a dirigé un orchestre réunissant des étudiants de la Juilliard et de la Royal Academy of Music de Londres aux BBC Proms, et en 2008, le Juilliard Orchestra a entrepris une tournée réussie en Chine, donnant des concerts dans le cadre de l'Olympiade culturelle de Pékin. , Suzhou et Shanghai sous la direction experte du Maestro Xian Zhang. En 1999, la Juilliard School a reçu la Médaille nationale des arts. En 2006, Juilliard a reçu un trésor de précieux manuscrits musicaux du collectionneur et financier milliardaire Bruce Kovner. La collection comprend des partitions autographes, des croquis, des épreuves corrigées par le compositeur et des éditions originales d'œuvres majeures de Mozart, Bach, Beethoven, Brahms, Schumann, Chopin, Schubert, Liszt, Ravel, Stravinsky, Copland et d'autres maîtres du canon de la musique classique. De nombreux manuscrits étaient indisponibles depuis des générations. Parmi les objets figurent le manuscrit de l'imprimeur de la Neuvième Symphonie de Beethoven, complété par les modifications manuscrites de Beethoven, qui a été utilisé pour la première représentation à Vienne en 1824 ; L'autographe de Mozart des parties à vent de la scène finale des Noces de Figaro ; l'arrangement par Beethoven de sa monumentale Große Fuge pour piano à quatre mains ; l'ébauche de Schumann de sa Symphonie n°2 ; et les manuscrits de la Symphonie n° 2 et du Concerto pour piano n° 2 de Brahms. L'ensemble de la collection a depuis été numérisé et peut être consulté en ligne. En 2010, le philanthrope James S. Marcus a fait don de 10 millions de dollars à l'école pour créer l'Institut Ellen et James S. Marcus pour les arts vocaux à l'école. Le 28 septembre 2015, la Juilliard School a annoncé une expansion majeure à Tianjin lors d'une visite de la première dame de Chine, Peng Liyuan, la première incursion à grande échelle de l'institution en dehors des États-Unis, avec l'intention d'offrir un programme de maîtrise. Admission L'admission à la Juilliard School est très compétitive. En 2007, l'école a reçu 2 138 demandes d'admission, dont 162 ont été admises pour un taux d'acceptation de 7,6 %. Pour le semestre d'automne 2009, l'école avait un taux d'acceptation de 8,0 %. En 2011, l'école a accepté 5,5% des candidats. À l'automne 2012, 2 657 candidats au premier cycle ont été reçus par la division collégiale et 7,2 % ont été acceptés. Juilliard admet à la fois les candidats à un programme menant à un diplôme et la division pré-universitaire. Tous les candidats qui souhaitent s'inscrire au programme de perfectionnement musical, pour la division pré-universitaire, doivent passer une audition en personne devant les membres du corps professoral et de l'administration et doivent être âgés de 8 à 14 ans. Avant d'être programmé pour une audition, chaque candidat doit présenter une demande d’admission complète. Après les auditions, l'école invite les candidats sélectionnés à rencontrer un administrateur du programme. Le 75e centile accepté à Juilliard en 2012 avait une moyenne cumulative de 3,96 et un score SAT de 1970. Programmes L'école propose des cours de danse, de théâtre et de musique. La Division Danse a été créée en 1951 par William Schuman avec Martha Hill comme directrice. Il propose un baccalauréat en beaux-arts ou un diplôme. La Division Dramatique a été créée en 1968 par l'acteur John Houseman et Michel Saint-Denis. Ses programmes de théâtre proposent un baccalauréat en beaux-arts, un diplôme et, à partir de l'automne 2012, une maîtrise en beaux-arts. Jusqu'en 2006, lorsque James Houghton est devenu directeur de la division théâtre, il existait un « système de suppression » qui supprimait jusqu'à un tiers de la classe de deuxième année. Le programme Lila Acheson Wallace American Playwrights, lancé en 1993, offre des bourses d'études supérieures d'un an sans frais de scolarité ; les étudiants sélectionnés peuvent se voir proposer une prolongation de deuxième année et recevoir un diplôme d'artiste. Le programme de diplôme d'artiste Andrew W. Mellon pour les directeurs de théâtre était une bourse d'études supérieures de deux ans qui a débuté en 1995 (étendue à trois ans en 1997), et qui a été interrompue à l'automne 2006. La division Musique est la plus grande des divisions de l'école. Les diplômes disponibles sont le baccalauréat ou diplôme en musique, la maîtrise en musique ou diplôme d'études supérieures, le diplôme d'artiste et le doctorat en arts musicaux. Les spécialisations académiques sont les cuivres, le piano collaboratif, la composition, la guitare, la harpe, l'interprétation historique, les études de jazz, la direction d'orchestre, l'orgue, les percussions, le piano, les cordes, la voix et les bois. Les programmes collaboratifs de piano, d'interprétation historique et de direction d'orchestre sont uniquement destinés aux cycles supérieurs ; les sous-programmes d'études d'opéra et d'interprétation musicale n'offrent que des diplômes d'artiste. Le département Juilliard Vocal Arts intègre désormais l'ancien Juilliard Opera Center. Tous les cours de licence et de master nécessitent des crédits du cours d'arts libéraux ; Joseph Polisi est membre de la faculté des arts libéraux. Division pré-universitaire La division pré-universitaire enseigne aux élèves inscrits au primaire, au collège et au lycée. La division pré-universitaire se déroule tous les samedis de septembre à mai dans le bâtiment Juilliard du Lincoln Center. Tous les étudiants étudient le solfège et le solfège en plus de leur instrument principal. Les majors du chant doivent également étudier la diction et l'interprétation. De même, les pianistes doivent étudier l’interprétation du piano. Des joueurs de cordes, de cuivres et de bois ainsi que des percussionnistes participent également avec orchestre. Le pré-universitaire compte deux orchestres, le Pre-College Symphony (PCS) et le Pre-College Orchestra (PCO). Le placement dépend de l'âge et les étudiants peuvent choisir d'étudier la direction d'orchestre, le chœur et la musique de chambre. La division pré-universitaire a commencé sous le nom de « Département préparatoire », qui fait partie de l'Institut d'art musical. Elle s'appelle désormais Division Pré-Universitaire, avec Olga Fuschi comme première directrice. Le partenariat Fuschi/Mennin a permis à la division pré-universitaire de prospérer, offrant à ses diplômés une formation au plus haut niveau artistique (avec bon nombre des mêmes enseignants que la division collégiale), ainsi que leur propre cérémonie d'ouverture et leurs propres diplômes. Conformément à Fuschi, les directeurs de la division pré-universitaire de Juilliard comprenaient Linda Granito, le compositeur Dr Andrew Thomas et Katya Lawson, qui est également présidente des départements de piano, de percussions et de bois de la Juilliard School. Le directeur actuel de la division pré-universitaire est Yoheved Kaplinsky. Centre de technologie musicale Le Music Technology Center de la Juilliard School a été créé en 1993 pour offrir aux étudiants la possibilité d'utiliser la technologie numérique dans la création et l'interprétation de nouvelles musiques. Depuis lors, le programme s'est élargi pour inclure une large offre de cours tels que l'introduction à la technologie musicale, la production musicale, la musique de film, les ordinateurs en performance et une étude indépendante en composition. En 2009, le Music Technology Center a déménagé dans de nouvelles installations ultramodernes qui comprennent une salle de mixage et d'enregistrement et une « salle de jeux » numérique pour composer et répéter avec la technologie. Avec le Willson Theatre, le Music Technology Center abrite des projets et des performances interdisciplinaires et électro-acoustiques à la Juilliard School. Ensemble Électrique Juilliard Le Juilliard Electric Ensemble a été créé en 2003 pour offrir aux étudiants des trois divisions de Juilliard (danse, théâtre et musique) l'opportunité d'utiliser les nouvelles technologies dans la création et l'interprétation d'œuvres interactives et multidisciplinaires. Lors de performances passées, le Juilliard Electric Ensemble a utilisé la technologie interactive pour élargir la gamme de ses instruments, contrôler des éléments audio et visuels avec des outils électroniques, façonner la conception vidéo et de projection en temps réel en se déplaçant dans un champ virtuel et en interagissant avec l'artiste et les ordinateurs. dans le monde entier via le Web. Depuis ses débuts, l'Electric Ensemble a interprété des œuvres de plus de 50 compositeurs, dont Joan La Barbara, Kenji Bunch, Eric Chasalow, Sebastian Currier, Avner Dorman, Jonathan Harvey, Jocelyn Pook, Steve Reich, Daniel Bernard Roumain, Karlheinz Stockhausen, Morton Subotnick, Alejandro Viñao, Jacob ter Veldhuis, David Wallace, Mark Wood et Peter Wyer. Ensembles de spectacle La Juilliard School compte une variété d'ensembles, notamment de la musique de chambre, du jazz, des orchestres et des groupes vocaux/choraux. Les orchestres de Juilliard comprennent le Juilliard Orchestra, le New Juilliard Ensemble, le Juilliard Theatre Orchestra et le Conductors' Orchestra. L'Ensemble Axiom est un groupe dirigé et géré par des étudiants qui se consacre à des œuvres bien connues du XXe siècle. De plus, plusieurs ensembles de la Faculté Juilliard, appelés Ensembles Résidents, se produisent fréquemment à l'école. Ces groupes comprennent le Quatuor à cordes Juilliard, l'American Brass Quintet, le New York Woodwind Quintet et le Juilliard Baroque. Collecte de fonds Le Juilliard Second Century Fund vise à collecter 300 millions de dollars pour permettre à la Juilliard School de maintenir son éminence dans l'enseignement des arts du spectacle jusqu'au siècle prochain. Les frais de scolarité attendus pour 2011 sont d'environ 48 670 $ pour l'année scolaire. Élargi et renommé à l'occasion du 100e anniversaire de Juilliard, le fonds soutient six composantes qui aident Juilliard à continuer de recruter les meilleurs jeunes artistes et professeurs du monde, à proposer des programmes éducatifs qui maintiennent la qualité de l'enseignement Juilliard et à augmenter la taille et la fonctionnalité de l'usine physique de Juilliard. La collecte de fonds spécifiquement destinée à la division pré-universitaire a commencé en 2004 avec un concert-bénéfice donné par la Park Avenue Chamber Symphony. L'événement a permis de recueillir 90 000 $ pour créer un fonds de bourses d'études pour l'association des parents d'élèves pré-universitaires. En 2005, Juilliard a produit son propre concert-bénéfice pour la division pré-universitaire mettant en vedette ses propres étudiants dirigé par le professeur Itzhak Perlman et animé par l'artiste Bill Cosby pour ajouter à ce fonds. En avril 2009, il a été annoncé que le Music Advancement Program (MAP) serait réduit en raison de réductions budgétaires. Après une forte opposition aux réductions, le programme, qui aide les enfants des quartiers défavorisés à suivre des cours de musique, a ensuite été rétabli après que plusieurs donateurs se sont engagés à le soutenir. Des personnes remarquables

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Qui a écrit My Life and Loves en 1926, initialement interdit aux États-Unis ?

Frank Harris

My Life and Loves est l'autobiographie de l'écrivain et éditeur irlandais naturalisé américain Frank Harris (1856-1931). Publié en privé par Harris entre 1922 et 1927, et par Obelisk Press de Jack Kahane en 1931, l'ouvrage se composait de quatre volumes, illustrés de nombreux dessins et photographies de femmes nues. Le livre donne un récit graphique des aventures sexuelles de Harris et raconte des rumeurs sur les activités sexuelles des célébrités de son époque. L’œuvre a été interdite aux États-Unis et en Grande-Bretagne pendant 40 ans. À une certaine époque, il était vendu à Paris pour plus de 100 dollars. Cependant, selon les normes actuelles, le comportement sexuel qu'il décrit n'a rien d'exceptionnel, consistant principalement en une condescendance envers les prostituées ou quasi-prostituées. Les personnages contemporains et historiques fréquemment évoqués dans le livre incluent Robert Browning, Elizabeth Barrett Browning, Thomas Carlyle, Joseph Chamberlain, Lord Randolph Churchill, Sir Charles Wentworth Dilke, Lord Folkestone, William Ewart Gladstone, Heinrich Heine, George Meredith, Charles Stewart Parnell, Cecil Rhodes, Lord Salisbury, Byron Caldwell Smith, Algernon Charles Swinburne, Oscar Wilde et bien d'autres. Table des matières, tome 1 Avant-propos L'avant-propos commence ainsi : « Ici, dans la chaleur torride d'un mois d'août américain, au milieu de la hâte et de l'agitation de New York, je m'assois pour écrire ma dernière déclaration de foi, comme préface ou avant-propos de l'histoire de ma vie. » Chapitres *Chapitre I. *Chapitre II. LA VIE DANS UN GRAMMAIRE ANGLAISE. *Chapitre III. JOURNÉES SCOLAIRES EN ANGLETERRE. *Chapitre IV. DE L'ÉCOLE À L'AMÉRIQUE. *Chapitre V. LE GRAND NOUVEAU MONDE ! *Chapitre VI. LA VIE À CHICAGO ! *Chapitre VII. LE GRAND INCENDIE DE CHICAGO. *Chapitre VIII. SUR LA PISTE! *Chapitre IX. VIE ET ​​AMOUR ÉTUDIANT. *Chapitre X. QUELQUES ÉTUDES, PLUS D'AMOUR. *Chapitre XI. MA PREMIÈRE VÉNUS. *Chapitre XII. DES TEMPS DIFFICILES ET DE NOUVEAUX AMOURS. *Chapitre XIII. NOUVELLES EXPÉRIENCES. *Chapitre XIV. TRAVAIL ET SOPHY. *Chapitre XV. L'EUROPE ET LES CARLYLES. Volume supplémentaire Au début des années 1950, la veuve de Harris, Nellie, vendit une centaine de pages de ses écrits sur d'autres sujets autobiographiques au fils de Kahane, Maurice Girodias, pour un million de francs français. Girodias a confié la tâche de produire quelque chose de publiable à partir d'eux à Alexander Trocchi, et a décrit le résultat comme ayant seulement 20 % de son contenu dérivé du matériel source nominal. Il a été publié par Olympia Press de Girodias en 1954 sous le titre My Life and Loves: Fifth Volume.James Campbell, [https://books.google.com/books?id zcp4GAk8SmIC&pgPA146&lpg PA146&dq%22Ma+vie+et+amours%22+%22frank+Harris%22++Trocchi&source bl&ots-ZgIurKbAQ&sig 4ERMxStcw6BL-VPxUsXBd3Zm4Bo&hlen&ei -bEcS7muKZz9lQee2rWlCg&saX&oi book_result&ctresult&resnum 4&ved0CBEQ6AEwAzgK#v onepage&q%22My%20Life%20and%20Loves%22%20%22frank%20Harris%22%20%20Trocchi&f faux Exilés à Paris Richard Wright, James Baldwin, Samuel Beckett et autres sur la rive gauche], pp. 146-147 Édition omnibus de Grove Press John F. Gallagher a édité et annoté une nouvelle édition omnibus, My Life and Loves: Five Volumes in One/Complete and Unexpurgated, publiée par Grove Press en 1963. Cette édition ne contenait aucune illustration. Gallagher a décrit la version Trocchi comme « apparemment non authentique ». James Campbell, comparant les cinquièmes volumes des deux éditions, affirme cependant que le chiffre de 20 % de Girodias était trop faible.

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Quel a été le dernier numéro 1 britannique de Blondie dans les années 80 ?

Rapture

Blondie est un groupe de rock américain fondé par la chanteuse Debbie Harry et le guitariste Chris Stein. Le groupe a été un pionnier des premières scènes new wave et punk américaines du milieu de la fin des années 1970. Ses deux premiers albums contenaient des éléments forts de ces genres, et bien que couronnés de succès au Royaume-Uni et en Australie, Blondie était considéré comme un groupe underground aux États-Unis jusqu'à la sortie de Parallel Lines en 1978. Au cours des trois années suivantes, le groupe a atteint plusieurs singles à succès, dont "Call Me", "Atomic" et "Heart of Glass", et s'est fait remarquer pour son mélange éclectique de styles musicaux incorporant des éléments de disco, de pop, de reggae et de rap ancien. Blondie s'est séparé après la sortie de son sixième album studio The Hunter en 1982. Debbie Harry a continué à poursuivre une carrière solo avec des résultats variés après avoir pris quelques années de congé pour s'occuper de son partenaire Chris Stein, à qui on a diagnostiqué un pemphigus, une maladie auto-immune rare. de la peau. Le groupe s'est reformé en 1997, obtenant un succès renouvelé et un single numéro un au Royaume-Uni avec "Maria" en 1999, exactement 20 ans après leur premier single n°1 au Royaume-Uni ("Heart of Glass"). Le groupe tourne et se produit dans le monde entier au cours des années suivantes et est intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2006.[http://archive.blondie.net/biography.shtml Blondie.net] - Site officiel. Récupéré le 7 septembre 2006. Blondie a vendu 40 millions de disques dans le monde et est toujours actif aujourd'hui. Le neuvième album studio du groupe, Panic of Girls, est sorti en 2011, et leur dixième, Ghosts of Download, est sorti en 2014. Histoire Début de carrière (1974-1978) Inspiré par la nouvelle scène musicale en plein essor au Mercer Arts Center, Chris Stein a cherché à rejoindre un groupe similaire. Il rejoint les Stillettoes en 1973 en tant que guitariste et noue une relation amoureuse avec l'une des chanteuses du groupe, Debbie Harry, ancienne serveuse et Playboy Bunny. Harry avait été membre d'un groupe de folk-rock, The Wind in the Willows, à la fin des années 1960. En juillet 1974, Stein et Harry se séparèrent des Stillettoes et d'Elda Gentile, la créatrice du groupe, formant un nouveau groupe avec les anciens camarades du groupe Stillettoes Billy O'Connor (batterie ; né le 4 octobre 1953 en Allemagne, décédé le 29 mars 2015) et Fred Smith (basse). Initialement annoncés sous le nom d'Ange et le Serpent pour deux spectacles en août 1974, ils se sont rebaptisés "Blondie" en octobre 1974. Le nom dérive des commentaires faits par des chauffeurs de camion qui ont appelé "Hey, Blondie" à Harry alors qu'ils passaient. Au printemps 1975, après un certain changement de personnel (dont Ivan Kral à la guitare et les sœurs Tish et Snooky Bellomo aux chœurs), Stein et Harry furent rejoints par le batteur Clem Burke et le bassiste Gary Valentine. Blondie est devenue une artiste régulière au Max's Kansas City et au CBGB. En juin 1975, le premier enregistrement du groupe se présente sous la forme d'une démo produite par Alan Betrock. Pour compléter leur son, ils recrutèrent le claviériste Jimmy Destri en novembre 1975. Le groupe signa avec Private Stock Records et leur premier album, Blondie, sortit en décembre 1976 mais ne fut au départ pas un succès commercial. En septembre 1977, le groupe rachète son contrat avec Private Stock et signe avec le label britannique Chrysalis Records. Le premier album a été réédité sur le nouveau label en octobre 1977. La critique du premier album par les Rolling Stones a observé la nature éclectique de la musique du groupe, en la comparant à Phil Spector et aux Who, et a commenté que les deux points forts de l'album étaient ceux de Richard Gottehrer. production et le personnage de Debbie Harry. La publication a déclaré qu'elle avait joué avec "un aplomb et une implication absolus: même lorsqu'elle incarne un personnage parfaitement odieux et espacé, il y a un clin d'œil de conscience qui est réconfortant et amusant mais jamais condescendant." Il a également noté qu'Harry était le "possédeur d'une voix de zombie explosive qui peut sembler rêveusement séduisante et mansonite boisée dans la même chanson". Le premier succès commercial du groupe s'est produit en Australie en 1977, lorsque le programme télévisé musical Countdown a diffusé par erreur leur vidéo "In the Flesh", qui était la face B de leur single "X-Offender" alors actuel. Jimmy Destri a ensuite crédité Molly Meldrum de l'émission pour son succès initial, commentant que "nous le remercions encore aujourd'hui" pour avoir joué la mauvaise chanson. Dans une interview en 1998, le batteur Clem Burke se souvient avoir vu l'épisode dans lequel la mauvaise chanson avait été jouée, mais lui et Chris Stein ont suggéré qu'il s'agissait peut-être d'un subterfuge délibéré de la part de Meldrum. Stein a affirmé que "X-Offender" était "trop ​​fou et agressif [pour devenir un hit]", tandis que "In the Flesh" n'était "représentatif d'aucune sensibilité punk. Au fil des années, j'ai pensé qu'ils jouaient probablement les deux choses. mais j'en ai préféré un, c'est tout. Rétrospectivement, Burke a décrit "In the Flesh" comme "un précurseur de la power ballad". Le single atteint le numéro 2 en Australie, tandis que l'album atteint le top 20 australien en novembre 1977, et une sortie double-A ultérieure de "X-Offender" et "Rip Her to Shreds" atteint le numéro 81. Une tournée australienne réussie suit en Décembre, bien qu'il ait été gâché par un incident à Brisbane lorsque des fans déçus ont failli se révolter après qu'Harry ait annulé une représentation pour cause de maladie. En février 1978, Blondie sort son deuxième album, Plastic Letters (Royaume-Uni n° 10, États-Unis n° 78, Australie n° 64). L'album a été enregistré en quatre morceaux alors que Gary Valentine avait quitté le groupe au milieu de 1977. Plastic Letters a été largement promu dans toute l'Europe et en Asie par Chrysalis Records. Le premier single de l'album, "Denis", était une reprise du hit de Randy and the Rainbows de 1963. Il a atteint la deuxième place des charts britanniques, tandis que l'album et son deuxième single, "(I'm Always Touched by Your) Presence, Dear", ont atteint le top dix britannique. Le succès dans les charts, ainsi qu'une tournée réussie au Royaume-Uni en 1978, y compris un concert au Roundhouse de Londres, ont fait de Blondie l'un des premiers groupes de new wave américains à connaître un succès grand public au Royaume-Uni. À cette époque, Gary Valentine avait quitté le groupe et avait été remplacé par Frank Infante (guitare, basse). Avec cette formation en place depuis une courte période, le musicien britannique Nigel Harrison a été embauché comme bassiste à plein temps du groupe, élargissant Blondie à un groupe de six musiciens pour la première fois de son histoire et permettant ainsi à Infante de passer à la guitare. La formation du groupe s'était stabilisée. Succès grand public (1978-1981) Le troisième album de Blondie, Parallel Lines (Royaume-Uni n° 1, États-Unis n° 6, Australie n° 2), est sorti en septembre 1978. Produit par Mike Chapman, il a finalement permis au groupe de pénétrer le marché américain grâce au succès mondial. "Heart of Glass". Parallel Lines est devenu l'album le plus réussi du groupe, se vendant à 20 millions d'exemplaires dans le monde. Les deux premiers singles de l'album étaient "Picture This" (UK n° 12) et "Hanging on the Telephone" (UK n° 5 ). Parce que le plus gros succès de l'album précédent de Blondie, Plastic Letters, était "Denis", une reprise de la chanson "Denise" de Randy & The Rainbows de 1963, Chrysalis Records a choisi "I'm Gonna Love You Too" de Buddy Holly comme premier single de Parallel Lines aux États-Unis Cela s'est avéré être une erreur de calcul car le single n'a pas réussi à figurer dans les charts. La chanson a finalement été publiée en single dans quelques autres pays en 1979. "Heart of Glass" est sorti au début de 1979 et le morceau infusé de disco a dominé les charts britanniques en février 1979 et les charts américains en avril 1979. Il s'agissait d'une refonte d'une chanson influencée par le rock et le reggae que le groupe interprétait depuis sa création. formation au milieu des années 70, mise à jour avec de forts éléments de musique disco. Clem Burke a déclaré plus tard que la version remaniée était inspirée en partie par Kraftwerk et en partie par "Stayin' Alive" des Bee Gees, dont Burke essayait d'imiter le rythme de batterie. Lui et Stein ont attribué une grande partie du mérite à Jimmy Destri pour le résultat final, notant que l'appréciation de Destri pour la technologie l'avait amené à introduire des synthétiseurs et à retravailler les sections de clavier. Bien que certains critiques aient condamné Blondie pour « s'être vendu » en faisant du disco, la chanson est devenue un succès mondial monumental et est devenue l'un des singles les plus vendus de 1979. La chanson était accompagnée d'un clip vidéo filmé dans un club de New York (à tort supposément être le Studio 54, en raison d'un plan extérieur précédant la vidéo intérieure). Le clip présentait le caractère sexuel dur et ludique de Harry, ainsi que son célèbre personnage raide et marginalement désintéressé. Elle a commencé à atteindre un statut de célébrité qui la distinguait des autres membres du groupe, largement ignorés par les médias. Le prochain single de Blondie aux États-Unis était une chanson rock plus agressive, "One Way or Another" (US n°24), bien qu'au Royaume-Uni, un choix de single alternatif, "Sunday Girl", soit devenu un hit n°1. Parallel Lines est classé 140e sur la liste Rolling Stone des 500 meilleurs albums de tous les temps. En juin 1979, Blondie, photographiée par Annie Leibovitz, fait la couverture du magazine Rolling Stone. Le quatrième album de Blondie, Eat to the Beat (Royaume-Uni n° 1, États-Unis n° 17, Australie n° 9), est sorti en octobre 1979. Bien que bien accueilli par la critique comme une suite appropriée à Parallel Lines, l'album et son Les singles n'ont pas réussi à atteindre le même niveau de succès aux États-Unis, tandis qu'au Royaume-Uni, où l'album a livré trois succès dans le Top 20, dont le troisième numéro un du groupe au Royaume-Uni ("Atomic", UK n° 1, US n° 39). Le morceau principal de l'album, "Dreaming", a raté de peu la première place au Royaume-Uni, mais n'a atteint que la 27e place aux États-Unis. "Union City Blue" (UK n° 13) n'est pas sorti aux États-Unis en faveur du morceau " " La partie la plus difficile". Dans un geste audacieux, Linda Carhart de Chrysalis Records a demandé à la division américaine de Jon Roseman Productions de tourner des vidéos pour chaque chanson et d'en faire le tout premier album vidéo. David Mallet l'a réalisé et Paul Flattery l'a produit dans divers lieux et studios de New York et des environs. Le prochain single de Blondie, "Call Me", nominé aux Grammy Awards, était le résultat de la collaboration de Debbie Harry avec l'auteur-compositeur et producteur italien Giorgio Moroder, responsable des plus grands succès de Donna Summer. Le morceau a été enregistré comme thème principal du film de Richard Gere, American Gigolo. Sorti en février 1980 aux États-Unis, "Call Me" a passé six semaines consécutives au numéro 1 aux États-Unis et au Canada, a atteint le numéro 1 au Royaume-Uni (où il est sorti en avril 1980) et est devenu un succès dans le monde entier. Le single était également n°1 du palmarès de fin d'année 1980 du magazine Billboard. À l'été 1980, le groupe apparut dans un petit rôle dans le film « Roadie » avec Meatloaf. Blondie a interprété la chanson de Johnny Cash, "Ring of Fire". L'enregistrement live figurait sur la bande originale du film et sur une réédition ultérieure sur CD de l'album Eat to the Beat. En novembre 1980, le cinquième album studio de Blondie, Autoamerican (Royaume-Uni n° 3, États-Unis n° 7, Australie n° 8) est sorti et contient deux autres succès n°1 aux États-Unis : le style reggae "The Tide Is High", un reprise d'une chanson de 1967 des Paragons, et "Rapture", à saveur rap, qui fut la première chanson mettant en vedette du rap à atteindre le numéro un aux États-Unis. Dans la chanson, Harry mentionne le hip hop et graffeur Fab Five Freddy qui apparaît également dans la vidéo de la chanson. Autoamerican présentait une gamme stylistique beaucoup plus large que les albums précédents de Blondie, y compris l'instrumental d'avant-garde "Europa", le jazz acoustique de "Faces" et "Follow Me" (du spectacle de Broadway "Camelot"). L'album a ensuite remporté un succès platine aux États-Unis et au Royaume-Uni. Hiatus, The Hunter et rupture (1981-1982) Après leur succès de 1978 à 1980, Blondie fait une brève pause en 1981. Cette année-là, Debbie Harry et Jimmy Destri sortent tous deux des albums solo ; Stein a travaillé sur l'album de Harry KooKoo (UK n°6, US n°28) et Burke avec Destri's Heart on a Wall Burke s'est également rendu en Europe pour jouer de la batterie sur le premier album d'Eurythmics, In The Garden. Harry, Stein et Destri ont également travaillé ensemble sur la musique du film Polyester de John Waters de 1981. Frank Infante a poursuivi le groupe pour manque d'implication lors des sessions Autoamerican ; l'affaire a été réglée à l'amiable et Infante est resté dans le groupe (bien qu'Harry ait par la suite déclaré qu'Infante n'était pas sur le prochain LP, bien qu'il apparaisse sur la couverture). À cette époque, Harry cultivait également une carrière d'acteur qui comprenait une apparition très médiatisée dans Roadie dans les années 1980 et plus tard dans Videodrome de David Cronenberg en 1982. En octobre 1981, Chrysalis Records sort The Best of Blondie (Royaume-Uni n° 4, États-Unis n° 30, Australie n° 1), la première compilation des plus grands succès du groupe. Le groupe s'est réuni de nouveau fin 1981 pour enregistrer un nouvel album, The Hunter, sorti en mai 1982 (Royaume-Uni n° 9, États-Unis n° 33, Australie n° 15). Contrairement à leurs précédents succès commerciaux et critiques, The Hunter a été mal accueilli. L'album contenait deux singles à succès modéré : "Island of Lost Souls" (Royaume-Uni n° 11, États-Unis, n° 37, Australie n° 13) et "War Child" (Royaume-Uni n° 39). L'album comprenait également "For Your Eyes Only", un morceau que le groupe avait été chargé d'écrire et d'enregistrer pour le film de James Bond du même nom de 1981, mais qui a été rejeté par les producteurs du film (les producteurs ont finalement choisi une autre chanson qui serait enregistré par Sheena Easton). Avec des tensions croissantes au sein du groupe en raison du déclin commercial du groupe et des pressions financières qui en ont résulté, ainsi que de l'attention constante de la presse sur Harry à l'exclusion des autres membres du groupe, les événements ont atteint un point de rupture lorsque Stein a été diagnostiqué avec le pemphigus, une maladie potentiellement mortelle. En raison de la maladie de Stein, associée à la consommation de drogues des membres du groupe, à une mauvaise gestion financière et à la lenteur de la vente des billets de concert, Blondie annula ses projets de tournée au début d'août 1982. Peu de temps après, le groupe se sépara, avec au moins un (non précisé ) un membre démissionne et engage des poursuites contre les autres membres du groupe. La séparation du groupe est annoncée publiquement en novembre 1982. Stein et Harry, encore en couple à l'époque, sont restés ensemble et se sont retirés des projecteurs du public pendant un moment. Harry a tenté de reprendre sa carrière solo au milieu des années 1980, mais deux singles ("Rush Rush" de 1983, du film Scarface, et "Feel The Spin" de 1985) ont rencontré peu de succès. Harry a été contraint de vendre le manoir de cinq étages du couple pour rembourser les dettes que le groupe avait accumulées. Stein devait plus d'un million de dollars et la consommation de drogue devenait un problème croissant pour eux deux. Harry décida de mettre fin à sa relation intime avec Stein et déménagea au centre-ville. Elle a déclaré dans une interview en 2006 qu'elle sentait qu'elle souffrait d'une sorte de dépression à cause de tout le stress. Après que Stein se soit remis de sa maladie, Harry a repris sa carrière solo avec l'album Rockbird en 1986, avec la participation active de Stein. L'album a connu un succès modéré au Royaume-Uni où il a atteint la certification Or et lui a valu un succès dans le Top 10 britannique avec " French Kissin' in the USA ". Pendant ce temps, Burke est devenu un batteur de session très demandé, jouant et tournant avec Eurythmics pour leur album Revenge de 1986, et Destri a maintenu une carrière active en tant que producteur et musicien de session. Un album de remix intitulé Once More into the Bleach est sorti en 1988 et présentait des remix de morceaux classiques de Blondie et du matériel de la carrière solo de Harry. Réformation, Pas de sortie et La malédiction de Blondie (1997-2007) Au cours des années 1980 et 1990, le travail passé de Blondie a commencé à être à nouveau reconnu par une nouvelle génération de fans et d'artistes, notamment Garbage et No Doubt. /www/story/01-31-2006/0004271713&EDATE= "Blondie annonce la sortie de ses plus grands succès - Sound & Vision, avec un tout nouveau mash-up avec The Doors"]. PRNewsWire.com. Communiqué de presse. Récupéré le 7 septembre 2006. Chrysalis/EMI Records a également publié plusieurs compilations et collections de versions remixées de certains de ses plus grands succès. Harry a poursuivi sa carrière solo avec un succès modéré après la séparation du groupe, sortant des albums en 1989 et 1993 qui ont contribué à maintenir le groupe aux yeux du public. En 1990, elle retrouve Stein et Burke pour une tournée estivale dans des salles de taille moyenne, dans le cadre d'un forfait "Escape from New York" avec Jerry Harrison, le Tom Tom Club et les Ramones. En 1996, Stein et Harry ont commencé le processus de réunion de Blondie et ont contacté les membres originaux Burke, Destri et Valentine. Valentine avait alors déménagé à Londres et était devenu écrivain à plein temps sous son vrai nom Gary Lachman ; son New York Rocker: My Life in the Blank Generation (2002) est un mémoire de ses années avec le groupe. Les anciens membres Nigel Harrison et Frank Infante n'ont pas participé à la réunion et ont intenté une action en justice sans succès pour empêcher la réunion sous le nom de Blondie. En 1997, le groupe original de cinq musiciens s'est reformé, dont Valentine à la basse, et a donné trois concerts, tous lors de festivals en plein air parrainés par les stations de radio locales. Leur première réunion a eu lieu le 31 mai 1997, lorsqu'ils ont joué au HFStival au R.F.K. Stade à Washington, DC. Une tournée internationale a suivi fin 1998 et début 1999. Pendant cette période, ils ont sorti une reprise de la chanson "Ordinary Bummer" d'Iggy Pop sur l'album hommage We Will Fall: The Iggy Pop Tribute (1997) sous le pseudonyme "Adolph's Dog". Un nouvel album, No Exit (UK n°3, US n°18), est sorti en février 1999. Le groupe était désormais officiellement un quatuor composé de Harry, Stein, Burke et Destri. Valentine avait alors quitté le groupe et n'avait pas joué sur l'album ni contribué à l'écriture d'aucune chanson (deux chansons de l'album co-écrites par "Valentine" étaient en fait co-écrites par Kathy Valentine du Go- Allez, aucun rapport avec Gary Valentine). Les musiciens de session Leigh Foxx (basse) et Paul Carbonara (guitare) ont joué sur cette version et les suivantes de Blondie. No Exit a atteint la troisième place des charts britanniques, et le premier single, "Maria", que Destri avait écrit en pensant à ses années de lycée, est devenu le sixième single numéro un de Blondie au Royaume-Uni, exactement 20 ans après leur premier hit-parade, "Heart of". Verre". Cela a donné au groupe la distinction d'être l'un des deux seuls groupes américains à atteindre la première place des charts britanniques dans les années 1970, 1980 et 1990 (l'autre étant Michael Jackson qui a eu des succès n ° 1 avec les Jacksons et un solo dans le même décennies). Le groupe réformé a sorti l'album suivant The Curse of Blondie (Royaume-Uni n° 36, US n° 160) en octobre 2003. Curse s'est avéré être l'album le moins bien classé de Blondie depuis leurs débuts en 1976, bien que le single "Good Boys" a réussi à atteindre le numéro 12 des charts britanniques. En 2004, Jimmy Destri quitte le groupe pour lutter contre la toxicomanie, laissant Harry, Stein et Burke comme seuls membres du line-up original encore avec le groupe. Bien que le séjour de Destri en cure de désintoxication ait été un succès, il n'a pas été invité à nouveau dans le groupe. Il avait l'intention de travailler sur leur album Panic Of Girls de 2011, mais n'a contribué ni en tant qu'auteur-compositeur ni musicien au produit fini. Graff, Gary (17 août 2010). [http://www.billboard.com/articles/news/956826/blondie-to-spread-panic-with-first-album-in-7-years "Blondie va répandre la 'panique' avec son premier album en 7 ans" ]. Panneau d'affichage. En 2005, un nouveau package de succès sur CD/DVD intitulé Greatest Hits : Sight + Sound est sorti, culminant à la 48e place au Royaume-Uni. Blondie a co-titré une tournée avec les New Cars en 2006, sortant une nouvelle chanson, une reprise du hit de Roxy Music "More than This", en soutien à la tournée. Tournée du 30e anniversaire de Parallel Lines et Panic of Girls (2008-2012) Le 5 juin 2008, Blondie entame une tournée mondiale pour célébrer le 30e anniversaire de Parallel Lines avec un concert au Ram's Head Live à Baltimore, Maryland. La tournée a couvert certaines villes de l'est et du Midwest des États-Unis tout au long du mois de juin. En juillet, la tournée a emmené le groupe à l'étranger en Israël, au Royaume-Uni, en Russie, en Europe et en Scandinavie, se terminant le 4 août 2008 au Store Vega de Copenhague, au Danemark. Inspirés par la fréquentation de la tournée, Clem Burke et Paul Carbonara ont tous deux déclaré aux intervieweurs en 2008 et 2009 que le groupe travaillait sur un autre disque, qui serait leur premier nouvel album depuis la sortie de The Curse of Blondie en 2003. Carbonara l'a décrit comme suit. "un vrai disque de Blondie." Blondie a entrepris une tournée nord-américaine dans des salles de taille moyenne avec Pat Benatar and the Donnas à l'été 2009. Après la tournée, en octobre, le groupe a commencé les sessions d'enregistrement de leur neuvième album studio avec le producteur Jeff Saltzman à Woodstock, New York. Après avoir joué avec le groupe pendant plus d'une décennie, Leigh Foxx (basse) et Paul Carbonara (guitare) ont été élevés au statut de membre officiel de Blondie ; le claviériste Matt Katz-Bohen, qui avait remplacé Destri, est également devenu membre officiel, faisant de Blondie un groupe de six musiciens. En décembre 2009, le groupe a sorti la chanson « We Three Kings » pour coïncider avec les vacances de Noël. Le nouvel album, intitulé Panic of Girls, qui était en cours de mixage à l'époque, devait suivre en 2010. Chris Stein a déclaré que l'artiste néerlandais Chris Berens fournirait la pochette. En avril 2010, il a été annoncé que le guitariste Paul Carbonara avait quitté Blondie à l'amiable pour poursuivre d'autres projets et avait été remplacé par Tommy Kessler (l'album Panic of Girls terminé crédite à la fois Kessler et Carbonara en tant que membres officiels). En juin 2010, Blondie a entamé la première étape d'une tournée mondiale intitulée "Endangered Species Tour", qui couvrait le Royaume-Uni et l'Irlande, soutenue par le groupe britannique Little Fish. Les set lists présentaient à la fois des classiques et du nouveau matériel du prochain Panic of Girls. Après une pause en juillet, la tournée a repris en août et a couvert les États-Unis et le Canada pendant six semaines. Blondie a ensuite effectué le « Endangered Species Tour » en Australie et en Nouvelle-Zélande en novembre-décembre 2010, en tête d'affiche avec les Pretenders. Il a été révélé pour la première fois que l'album du groupe allait sortir d'abord en Australie sur le label australien Sony en décembre 2010, mais Sony a ensuite renoncé à l'accord, laissant l'album toujours inédit. La date de sortie de l'album a finalement été fixée à la mi-2011 sans l'intervention d'un grand label. L'album est sorti pour la première fois en mai 2011 sous la forme d'un « fan pack » en édition limitée au Royaume-Uni avec un magazine de 132 pages et divers objets de collection, avant d'être publié sous forme de CD régulier plus tard dans l'été. Le premier single, "Mother", est sorti au préalable en téléchargement gratuit. Un clip pour la chanson est sorti le 18 mai 2011. Il a été réalisé par Laurent Rejto et présente des camées de Kate Pierson des B-52, James Lorinz (Frankenhooker), Johnny Dynell, Chi-Chi Valenti, les Dazzle Dancers, Rob Roth, Barbara Sicuranza, Larry Fessenden, Alan Midgette (le double d'Andy), The Five Points Band, Guy Furrow, Kitty Boots et Hattie Hathaway. Un deuxième single de l'album, "What I Heard", est disponible en version numérique en juillet 2011. Le 20 août 2011, Blondie a joué un live pour "Guitar Center Sessions" sur DirecTV. L'épisode comprenait une interview avec l'animateur du programme, Nic Harcourt. Le groupe a continué à tourner régulièrement jusqu'en 2012. Un concert à New York a été diffusé en direct sur YouTube le 11 octobre 2012. La même semaine, le groupe a répertorié trois chansons inédites enregistrées lors des sessions Panic of Girls ("Bride of Infinity" , "Rock On" et "Dead Air") sur Amazon.com qui ont été mis à disposition en téléchargement gratuit aux États-Unis et au Royaume-Uni via le site officiel du groupe. Un autre morceau, "Practice Makes Perfect", a également été mis à disposition en téléchargement gratuit en novembre 2012. Ghosts of Download et onzième album studio (2013-présent) Le 20 mars 2013, Harry et Stein ont été interviewés dans l'émission de radio WNYC Soundcheck dans laquelle ils ont confirmé qu'ils travaillaient sur un nouvel album de Blondie et ont présenté en avant-première une nouvelle chanson intitulée "Make a Way". En juin et juillet 2013, le groupe a organisé une tournée Blast Off en Europe. Une tournée américaine, le "No Principals Tour", a suivi en septembre et octobre 2013. Le premier single de l'album, "A Rose by Any Name", est sorti numériquement en Europe le 24 juin 2013. Un deuxième single, "Sugar on the Side", est sorti numériquement aux États-Unis en décembre 2013. Le nouvel album, Ghosts of Download, est sorti en mai 2014. Il est sorti dans un coffret de 2 disques intitulé Blondie 4(0) Ever (pour coïncider avec le 40e anniversaire du groupe) avec le nouvel album et une collection de singles à succès de Blondie. réenregistré et remixé en 2013. La tournée mondiale officielle du 40e anniversaire du groupe a débuté en février 2014. Le groupe a annoncé à l'été 2015 qu'il travaillerait sur un nouvel album produit par John Congleton. Les autres collaborateurs sont Johnny Marr, Sia, Charli XCX et Dave Stewart. Blondie a enregistré un concert pour PBS Soundstage qui sera diffusé en 2016 et comprenait deux nouveaux morceaux, "My Monster" et "Gravity". Style et héritage En 1982, année de la séparation initiale du groupe, Blondie avait sorti six albums studio, chacun présentant une progression stylistique par rapport au précédent. Le groupe est connu non seulement pour le personnage scénique saisissant et les performances vocales de Harry, mais également pour avoir incorporé dans leur travail des éléments issus de nombreux sous-genres musicaux, allant de leurs racines punk à la new wave, au disco, à la pop, au rap et au reggae. Le premier single après la réunion du groupe, "Maria", est devenu le sixième numéro un britannique de Blondie, exactement vingt ans après le premier numéro un du groupe, "Heart of Glass", ce qui en fait le premier et le seul groupe américain à avoir des singles britanniques en tête des charts. dans trois décennies différentes : les années 70, 80 et 90. En mars 2006, Blondie, suite au discours d'introduction de Shirley Manson de Garbage, a été intronisée au Rock and Roll Hall of Fame. Sept membres (Harry, Stein, Burke, Destri, Infante, Harrison et Valentine) ont été invités à la cérémonie, ce qui a conduit à une dispute sur scène entre le groupe existant et leur ancien coéquipier Frank Infante, qui a demandé lors de la diffusion en direct du cérémonie pour que lui et Nigel Harrison soient autorisés à se produire avec le groupe, une demande refusée par Harry qui a déclaré que le groupe avait déjà répété leur performance. Le 22 mai 2006, Blondie a été intronisée au Rock Walk of Fame au Guitar Center sur Sunset Boulevard à Hollywood. Les nouveaux intronisés sont élus par les précédents intronisés du Rock Walk. Membres Les membres actuels *Debbie Harry – chant principal (1975-1982, 1997-présent) *Chris Stein – guitare, basse (1975-1982, 1997-présent) *Clem Burke – batterie, percussions, choeurs (1975-1982, 1997-présent) *Leigh Foxx – basse (musicien de session et de tournée : 1997-2004 ; 2004-présent) *Matt Katz-Bohen – claviers, piano, orgue (2008-présent) *Tommy Kessler – guitare (2010-présent) Anciens membres *Fred Smith – basse (1975) *Billy O'Connor – batterie (1975 ; décédé en 2015) *Ivan Kral – guitare (1975) *Tish Bellomo – choeurs (1975) *Eileen Bellomo – choeurs (1975) *Jimmy Destri – claviers, piano, synthétiseur, orgue, choeurs (1975-1982, 1997-2003) *Gary Valentine – basse, guitare (1975-1977, 1997) *Frank Infante – guitare, basse, choeurs (1977-1982) *Nigel Harrison – basse (1978-1982, 1997) *Paul Carbonara – guitare, choeurs (musicien de session et de tournée : 1997-2010) *Kevin Patrick (alias Kevin Topping) – claviers, piano, choeurs (2003-2007) *Jimi K Bones – guitare (2003) Chronologie Discographie ;Albums studios * Blondie (1976) * Lettres en plastique (1978) * Lignes parallèles (1978) * Manger au rythme (1979) *Autoaméricaine (1980) * Le chasseur (1982) * Pas de sortie (1999) * La malédiction de Blondie (2003) * Panique des filles (2011) * Fantômes du téléchargement (2014) Récompenses et nominations *1980 - Prix Juno du single le plus vendu ("Heart of Glass") (gagné) *1981 - Grammy Award de la meilleure performance rock d'un duo ou d'un groupe avec voix ("Call Me") (nominé) *1980 - Prix Juno du single international de l'année (« The Tide Is High ») (nominé) *1982 - Grammy Award de la vidéo de l'année ("Eat To The Beat") (nominé) *1998 - Q Music Award pour Q Inspiration Award (gagné) *2006 - Rock and Roll Hall of Fame pour les intronisés (gagné) *2014 - Prix NME pour le prix NME Godlike Genius (gagné)

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De quelle rock star Cindy Crawford a-t-elle donné le nom à son premier fils ?

Presley

Cynthia Ann "Cindy" Crawford (née le 20 février 1966) est une mannequin américaine. Ses 30 années de succès dans le mannequinat ont fait d'elle une célébrité internationale qui l'a conduite à jouer des rôles à la télévision et au cinéma, ainsi qu'à travailler comme porte-parole. En 1995, le magazine Forbes l'a désignée comme le mannequin le mieux payé de la planète. Cindy est l'un des cinq « mannequins » originaux. Elle a été nommée n ° 3 sur les 40 chaudasses les plus chaudes des années 90 de VH1 et a été nommée l'une des «100 femmes les plus chaudes de tous les temps» par Men's Health. Crawford est connue pour son grain de beauté juste au-dessus de sa lèvre et est apparue sur des centaines de couvertures de magazines tout au long de sa carrière. Début de la vie Cynthia Ann Crawford est née à DeKalb, Illinois, le 20 février 1966, fille de Jennifer Sue Crawford-Moluf (née Walker) et de John Dan Crawford. Elle a deux sœurs, Chris et Danielle, ainsi qu'un frère, Jeffery, décédé d'une leucémie infantile à l'âge de 3 ans. Elle a déclaré que sa famille vivait aux États-Unis depuis des générations et que ses ancêtres étaient principalement allemands, anglais, et français. En apparaissant dans un épisode de Who Do You Think You Are ? en 2013, elle découvre que ses ancêtres comprenaient la noblesse anglaise et les familles royales continentales du Moyen Âge et qu'elle descendait de Charlemagne. Au cours de sa deuxième année au lycée, elle a reçu un appel d'un magasin de vêtements local concernant un travail de mannequin, pour découvrir qu'il s'agissait d'une farce mise en place par deux de ses camarades de classe. Cependant, l'année suivante, un autre magasin a embauché un certain nombre de lycéennes, dont Crawford, pour travailler pour eux (y compris une séance photo de mode). Au cours de sa première année, le photographe local Roger Legel, dont les tâches consistaient notamment à photographier une autre étudiante pour être étudiante cette semaine-là dans le DeKalb Nite Weekly, a demandé à la prendre en photo pour la publication ; le résultat fut la première couverture de Crawford. La photo et les commentaires positifs qu'elle a reçus ont suffi à la convaincre de se lancer dans le mannequinat. Elle a participé au concours Look de l'année d'Elite Model Management à 17 ans et a été finaliste. Elite Model Management à Chicago a alors commencé à la représenter. Crawford est diplômé de la DeKalb High School en 1984 en tant que major de promotion. Elle a obtenu une bourse universitaire pour étudier le génie chimique à la Northwestern University, qu’elle n’a fréquentée que pendant un trimestre. Elle a abandonné ses études pour poursuivre une carrière de mannequin à plein temps. Après avoir travaillé pour le photographe Victor Skrebneski à Chicago, Crawford a déménagé à New York en 1986 et a signé avec l'agence de mannequins Elite New York. Carrière Au cours des années 1980 et 1990, Cindy Crawford figurait parmi les mannequins les plus populaires et était omniprésente sur les couvertures de magazines, les défilés et les campagnes de mode. Elle a figuré à plusieurs reprises et fréquemment sur la couverture de nombreux magazines, notamment Vogue, W, People, Harper's Bazaar, Elle, Cosmopolitan et Allure. Un décompte partiel en 1998 totalisait plus de 500 apparitions. Crawford a défilé pour Chanel, Versace, Dolce & Gabbana, Christian Dior, Calvin Klein, Ralph Lauren, Michael Kors, Todd Oldham, DKNY et Valentino. Crawford est également apparue dans de nombreuses campagnes de mode au cours de sa carrière, notamment celles de Versace, Escada, David Yurman, Oscar De La Renta, Balmain, Hermes, Ellen Tracy, Valentino, Bally, Liz Claiborne, Hervé Leger, Halston, Anne Klein, Isaac Mizrahi. , Blumarine, Guess, Ink, Gap et Revlon. Elle a également travaillé pour Omega, Maybelline, Clairol, Pepsi et les magasins de détail chiliens Ripley (partenaire de Macy's). En 1987, Crawford est apparu au générique d'ouverture du film de Michael J. Fox Le secret de mon succès. Trois ans plus tard, elle apparaît aux côtés des top models Christy Turlington, Linda Evangelista, Tatjana Patitz et Naomi Campbell sur la couverture de l'édition de janvier 1990 du magazine britannique Vogue. Crawford et les quatre autres mannequins sont ensuite apparus dans la vidéo du tube "Freedom '90" de George Michael plus tard cette année-là. Par la suite, Crawford a joué l'amour perdu de Jon Bon Jovi dans la vidéo de 1994 de sa version de « Please Come Home For Christmas », « John Taylor » dans la vidéo de 2011 de « Girl Panic » de Duran Duran (mettant en vedette des mannequins comme le groupe, dont Naomi Campbell dans le rôle de Simon Le Bon) et directrice dans la vidéo de 2015 de "Bad Blood" de Taylor Swift au sein d'un casting comprenant Jessica Alba (Domino), Selena Gomez (Arsyn) et d'autres mannequins Lily Aldridge, Cara Delevingne, Gigi Hadid. , Martha Hunt et Karlie Kloss (respectivement Frostbyte, Mother Chucker, Slay-Z, Homeslice et Knockout). La robe rouge Versace qu'elle portait lors de la 63e cérémonie des Oscars en 1991 a eu une influence majeure sur la mode, et de nombreuses copies et contrefaçons de la robe ont été produites. En 1992, Crawford, via GoodTimes Home Video et sa société Crawdaddy Productions, a réalisé une vidéo d'exercices avec Radu Teodorescu intitulée Cindy Crawford : Shape Your Body ; bien que critiqué par certains pour son manque de sécurité, il a connu un énorme succès et a conduit à deux suivis tout aussi lucratifs, Cindy Crawford : The Next Challenge en 1993 (toujours avec Radu) et Cindy Crawford : A New Dimension en 2000 ; ce dernier, réalisé avec l'experte en fitness Kathy Kaehler et produit peu de temps après que Crawford ait donné naissance à son premier enfant, était destiné aux nouvelles mamans qui se remettent en forme. En 2001, Crawford a également réalisé une vidéo de fitness plus courte destinée aux enfants, Mini-Muscles avec Cindy Crawford and the Fit-wits, une production animée mettant en vedette les voix de Crawford (qui apparaît également au début en live action), Radu et Kobe Bryant. . Le premier numéro de George, un magazine politique éphémère des années 1990, présentait Crawford habillé comme George Washington en couverture. En 2005, l'American Society of Magazine Editors l'a classé comme la 22e meilleure couverture de magazine des 40 dernières années. Crawford mesure 1,50 m avec les cheveux et les yeux bruns. Ses mensurations sont de 34 à 25,5 à 36". La marque de Crawford est un grain de beauté (ou « grain de beauté ») au-dessus de sa lèvre supérieure. Elle est si étroitement associée à cette caractéristique physique qu'elle est apparue dans une campagne publicitaire australienne pour du lait aromatisé diffusée à la télévision. commerciale dans laquelle elle a "léché" son propre grain de beauté. Au début de sa carrière, le grain de beauté a été retiré de ses photos de mannequin, y compris sa première couverture de Vogue. Sa ressemblance avec le mannequin Gia Carangi l'a amenée à être connue sous le nom de "Baby Gia". Crawford est également apparu à la télévision et au cinéma. De 1989 à 1995, Crawford a été l'hôte de l'émission House of Style de MTV. Au début des années 1990, Crawford a joué dans la publicité Pepsi et Pepsi Stuff. En 1995, Crawford a fait son entrée dans le cinéma en tant que protagoniste féminine du film Fair Game. Sa performance a été critiquée par la critique : Leonard Maltin a commenté : « Lors de ses débuts d'actrice, le mannequin Crawford fait un bon joggeur. » Le film a également été un échec financier, avec des dépenses de 50 millions de dollars et des recettes de 11 millions de dollars au box-office. En 2001, elle a joué dans le cadre d'un ensemble dans The Simian Line. Encore une fois, le film n'a pas été réussi ni acclamé par la critique, mais le jeu de Crawford n'a pas été critiqué. Elle a eu de nombreux rôles mineurs à la télévision et dans des rôles de soutien, jouant souvent elle-même. Par exemple, en 2000, elle était l'une des célébrités (avec Victoria Silvstedt, Anna Falchi et Megan Gale) jouant elles-mêmes dans la comédie italienne Body Guards - Guardie del corpo. Dans les années 1990, Carol Shaw, sa maquilleuse, a donné le nom de Crawford à une couleur de rouge à lèvres dans le cadre de la ligne de vêtements pour les lèvres Lorac Cosmetics. En juillet 1988, elle pose nue pour le magazine Playboy lors d'une séance photo du photographe Herb Ritts. En octobre 1998, Crawford revient dans les pages de Playboy pour une deuxième photo de nu, toujours prise par Ritts. Crawford s'est régulièrement classé en bonne place sur les listes des personnes les plus sexy du monde. Elle a été classée numéro 5 sur la liste Playboy des 100 stars les plus sexy du 20e siècle. Une enquête du magazine Shape réalisée en 1997 auprès de 4 000 personnes l'a désignée comme la deuxième (après Demi Moore) la plus belle femme du monde. En 2002, Crawford a été nommée l'une des 50 plus belles personnes par le magazine People. Dans la quarantaine, elle a remporté la 26e place dans le numéro Hot 100 2006 du magazine Maxim. Le créateur de mode Michael Kors a résumé son impact : Après modélisation Crawford a quitté le mannequin à temps plein en 2000 et n'apparaît désormais qu'occasionnellement dans les magazines de mode. Elle continue de soutenir des célébrités pour une variété de projets. En 2005, Crawford crée une ligne de produits de beauté avec Jean-Louis Sebagh intitulée Meaningful Beauty for Guthy-Renker. Crawford a déclaré qu'elle recevait régulièrement certaines procédures cosmétiques, notamment des injections de Botox et de vitamines. Elle a consulté un chirurgien plasticien pour la première fois à l'âge de 28 ans. En 2005, Crawford a lancé une nouvelle ligne de meubles sous le nom de « Cindy Crawford Home Collection ». La collection est fabriquée par HM Richards Inc. Elle a contribué à la création de la ligne en consultant les caractéristiques, les couleurs ou les styles qui répondent aux besoins des familles ou reflètent ses propres goûts. Elle possède également une ligne de meubles avec Raymour & Flanigan et a lancé une ligne d'articles pour la maison avec J. C. Penney fin 2009. En 2009, Crawford était l'une des nombreuses célébrités photographiées par Deborah Anderson pour le livre de table basse Room 23, produit par la philanthrope Diana Jenkins. En plus d'apparaître dans le livre, Crawford était le modèle de couverture et a rédigé la dédicace. Crawford est revenu au mannequin en mai 2011, apparaissant sur la couverture du numéro de mai 2011 de Vogue Mexico. En 2014, Crawford a dirigé un rassemblement pour promouvoir la sécurité environnementale dans les écoles de Malibu. Le Malibu Times indique que plusieurs enseignants de Malibu ont signalé des problèmes de santé en octobre 2013, dont trois souffraient d'un cancer de la thyroïde. Des sols toxiques auraient été découverts à Malibu High en 2010, le district scolaire n'ayant pas informé les parents du problème. Devenir, un livre sur la vie et la carrière de Crawford co-écrit par Crawford et Katherine O'Leary, a été publié le 29 septembre 2015. Crawford et sa fille Kaia sont apparues ensemble en couverture du numéro d'avril 2016 de Vogue Paris. Elle devient également porte-parole d'Acqua San Benedetto en Italie. Vie privée Crawford a été mariée à l'acteur Richard Gere de 1991 à 1995. Après leur divorce, elle a épousé l'ancien mannequin Rande Gerber le 29 mai 1998. Ils ont deux enfants, son fils Presley Walker (né le 2 juillet 1999) et sa fille Kaia Jordan (née en septembre 1999). 3, 2001). Activisme et travail caritatif Quand Crawford avait 10 ans, son frère Jeff, âgé de trois ans – qu'elle continue de saluer comme « la quatrième personne la plus influente de [sa] vie » – est mort de leucémie. Depuis qu'elle est devenue mannequin, Crawford a fait de la leucémie infantile un point central de son travail caritatif, en reversant les bénéfices de ses calendriers à la recherche médicale. Crawford soutient depuis longtemps le programme d'oncologie pédiatrique de l'Université du Wisconsin-Madison, où Jeff a été traité, déclarant qu'elle pense qu'il a reçu les meilleurs soins possibles. Elle est également membre honoraire du conseil d’administration de la Multiple Myeloma Research Foundation. En 2007, elle est devenue une partisane officielle de l'œuvre de bienfaisance des Manoirs Ronald McDonald et est membre de leur conseil d'administration des célébrités, appelé les Amis de l'OMRM. Crawford fait partie du comité honoraire du California Wildlife Center. Appuis politiques En 2008, Crawford a soutenu Barack Obama à la présidence des États-Unis. En 2011, elle a soutenu Mitt Romney. Filmographie Films Vidéos Vidéos de remise en forme Vidéos musicales Télévision

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Dans quel pays Sun Yat Sen a-t-il renversé l'empereur, établissant une république après 2000 ans de règne impérial ?

Chine

Sun Yat-sen (12 novembre 1866 – 12 mars 1925) était un révolutionnaire chinois, premier président et père fondateur de la République de Chine, et médecin. En tant que pionnier de la République de Chine, Sun est considéré comme le « Père de la nation » en République de Chine (ROC) et le « précurseur de la révolution démocratique » en République populaire de Chine (RPC). Sun a joué un rôle déterminant dans le renversement de la dynastie Qing au cours des années qui ont précédé la révolution Double Ten. Il a été nommé président provisoire de la République de Chine lors de sa fondation en 1912. Il a ensuite cofondé le Kuomintang (KMT), dont il est le premier dirigeant. Sun était une figure unificatrice dans la Chine post-impériale, et il reste unique parmi les hommes politiques chinois du XXe siècle car il est largement vénéré par la population des deux rives du détroit de Taiwan. Bien que Sun soit considéré comme l’un des plus grands dirigeants de la Chine moderne, sa vie politique a été marquée par une lutte constante et un exil fréquent. Après le succès de la révolution, il démissionna rapidement, sous la pression de la clique Beiyang, de son poste de président de la République de Chine nouvellement fondée et dirigea les gouvernements révolutionnaires successifs pour défier les seigneurs de guerre qui contrôlaient une grande partie de la nation. Sun n'a pas vécu assez longtemps pour voir son parti consolider son pouvoir sur le pays lors de l'expédition du Nord. Son parti, qui formait une alliance fragile avec les communistes, s'est scindé en deux factions après sa mort. Le principal héritage de Sun réside dans le développement de la philosophie politique connue sous le nom des Trois principes du peuple : le nationalisme (non-ethnique, indépendance de la domination impérialiste), la démocratie et les moyens de subsistance du peuple (libre-échange et réforme fiscale géorgiste). Des noms Sun est né sous le nom de Sun Wen (cantonais : Syūn Màhn ; ), et son nom généalogique était Sun Deming (Syūn Dāk-mìhng ; ). Enfant, son « nom de lait » était Dixiang (Dai-jeuhng ; ). Le nom de courtoisie de Sun était Zaizhi (Jai-jī ; ), et son nom de baptême était Rixin (Yaht-sān ; ). Alors qu'il était à l'école à Hong Kong, il reçut le nom de Yat-sen (). Sūn Zhōngshān (), le plus populaire de ses noms chinois, vient du « Nakayama » () de Nakayama Shō (), le nom japonais que lui a donné Tōten Miyazaki. Premières années Lieu de naissance et jeunesse Sun Yat-sen est né le 12 novembre 1866. Son lieu de naissance était le village de Cuiheng, comté de Xiangshan (aujourd'hui ville de Zhongshan), province du Guangdong. Il avait une culture hakka et cantonaise. Après avoir terminé ses études primaires, il a déménagé à Honolulu dans le royaume d'Hawaï, où il a vécu une vie confortable et modeste, soutenu par son frère aîné Sun Mei. Années d'études À l'âge de 10 ans, Sun Yat-sen a commencé à fréquenter l'école. C'est également à ce moment-là qu'il rencontre son ami d'enfance Lu Haodong. À l'âge de 13 ans en 1878, après avoir suivi quelques années d'études locales, Sun part vivre avec son frère aîné, Sun Mei () à Honolulu. Sun Yat-sen a ensuite étudié à l'école Iolani où il a appris l'anglais, l'histoire britannique, les mathématiques, les sciences et le christianisme. Initialement incapable de parler la langue anglaise, Sun Yat-sen a appris la langue si rapidement qu'il a reçu un prix pour ses réalisations exceptionnelles de la part du roi David Kalākaua. Sun est diplômé d'Iolani en 1882. Il a ensuite fréquenté l'Oahu College (maintenant connu sous le nom d'école Punahou) pendant un semestre. En 1883, il fut bientôt renvoyé chez lui en Chine car son frère commençait à craindre que Sun Yat-sen n'embrasse le christianisme. Lorsqu'il rentra chez lui en 1883, à l'âge de 17 ans, Sun retrouva son ami d'enfance Lu Haodong à Beijidian (), un temple du village de Cuiheng. Ils ont vu de nombreux villageois adorer l'empereur-dieu Beiji (littéralement pôle Nord) dans le temple et n'étaient pas satisfaits de leurs anciennes méthodes de guérison. Ils ont brisé la statue, suscitant la colère des autres villageois, et se sont enfuis à Hong Kong. À Hong Kong en 1883, il étudia à l'école diocésaine de garçons et, de 1884 à 1886, à l'école centrale du gouvernement. En 1886, Sun étudia la médecine à l'hôpital Boji de Guangzhou sous la direction du missionnaire chrétien John G. Kerr. Finalement, il obtint le permis de pratique chrétienne en tant que médecin du Hong Kong College of Medicine for Chinese (le précurseur de l'Université de Hong Kong) en 1892. Notamment, parmi sa classe de 12 étudiants, Sun était l'un des deux seuls. qui a obtenu son diplôme. Baptême chrétien Au début des années 1880, Sun Mei envoya son frère à l'école 'Iolani, qui était sous la supervision d'anglicans britanniques et dirigée par un prélat anglican appelé Alfred Willis. La langue d'enseignement était l'anglais. Bien que Mgr Willis ait souligné que personne n'était obligé d'accepter le christianisme, les étudiants étaient tenus d'aller à la chapelle le dimanche. À l’école Iolani, le jeune Sun Wen est entré pour la première fois en contact avec le christianisme et cela l’a profondément impressionné. Schriffin écrit que le christianisme devait avoir une grande influence sur toute la vie politique future de Sun. Sun a ensuite été baptisé à Hong Kong par un missionnaire américain de l'Église congrégationaliste des États-Unis, au mépris de son frère. Le ministre développerait également une amitié avec Sun. Sun fréquentait l'église To Tsai (), fondée par la London Missionary Society en 1888, alors qu'il étudiait la médecine occidentale au Hong Kong College of Medicine for Chinese. Sun a décrit une révolution comme semblable à la mission de salut de l’Église chrétienne. Sa conversion au christianisme était liée à ses idéaux révolutionnaires et à sa volonté d'avancement. Transformation en révolutionnaire Quatre bandits Pendant la rébellion de la dynastie Qing vers 1888, Sun était à Hong Kong avec un groupe de penseurs révolutionnaires surnommés les Quatre Bandits du Collège de médecine chinoise de Hong Kong. Sun, de plus en plus frustré par le gouvernement conservateur Qing et son refus d'adopter les connaissances des pays occidentaux les plus avancés technologiquement, a quitté sa pratique médicale pour consacrer son temps à la transformation de la Chine. Furen et la société Revive China En 1891, Sun rencontra des amis révolutionnaires à Hong Kong, dont Yeung Ku-wan, dirigeant et fondateur de la Furen Literary Society. Le groupe diffusait l’idée de renverser les Qing. En 1894, Sun a écrit une pétition de 8 000 caractères [http://zh.wikisource.org/wiki/上李鴻章書] au vice-roi Qing Li Hongzhang pour présenter ses idées pour moderniser la Chine. Il s'est rendu à Tianjin pour présenter personnellement la pétition à Li, mais n'a pas obtenu d'audience. Après cette expérience, Sun se tourna irrévocablement vers la révolution. Il a quitté la Chine pour Hawaï et a fondé la Revive China Society, qui s’était engagée à révolutionner la prospérité de la Chine. Les membres étaient principalement issus d'expatriés chinois, en particulier des classes sociales inférieures. Le même mois de 1894, la Furen Literary Society fusionna avec la section de Hong Kong de la Revive China Society. Par la suite, Sun est devenu le secrétaire de la société Revive China nouvellement fusionnée, que Yeung Ku-wan a dirigée en tant que président. (Chinois) Yang, Bayun ; Yang, Xing'an (novembre 2010). Yeung Ku-wan – Une biographie écrite par un membre de la famille. Bookoola. p. 17. ISBN 978-988-18-0416-7 Ils ont déguisé leurs activités à Hong Kong sous la direction d'une « société Qianheng » (). Première guerre sino-japonaise En 1895, la Chine subit une grave défaite lors de la première guerre sino-japonaise. Il y a eu deux types de réponses. Un groupe d'intellectuels a soutenu que le gouvernement mandchou Qing pourrait restaurer sa légitimité en réussissant à se moderniser. Soulignant que le renversement des Mandchous entraînerait le chaos et conduirait au morcellement de la Chine par les impérialistes, des intellectuels comme Kang Youwei et Liang Qichao ont soutenu une réponse par des initiatives telles que la Réforme des Cent Jours. Dans une autre faction, Sun Yat-sen et d’autres comme Zou Rong voulaient une révolution pour remplacer le système dynastique par un État-nation moderne sous la forme d’une république. La réforme des Cent Jours s’avère être un échec en 1898. Du soulèvement à l'exil Premier soulèvement de Guangzhou Au cours de la deuxième année de la création de la société Revive China, le 26 octobre 1895, le groupe planifia et lança le premier soulèvement de Guangzhou contre les Qing à Guangzhou. Yeung Kui-wan a dirigé le soulèvement depuis Hong Kong. Cependant, des plans ont été divulgués et plus de 70 membres, dont Lu Haodong, ont été capturés par le gouvernement Qing. Le soulèvement fut un échec. Sun a reçu un soutien financier principalement de son frère qui a vendu la plupart de ses 12 000 acres de ranch et de bétail à Hawaï. Exil au Japon Sun Yat-sen a vécu au Japon pendant son exil. Il s'est lié d'amitié et a reçu l'aide financière d'un révolutionnaire démocrate nommé Miyazaki Toten. La plupart des Japonais qui travaillaient activement avec Sun étaient motivés par la peur pan-asiatique d’empiéter sur l’impérialisme occidental. Au Japon, Sun a également rencontré et s'est lié d'amitié avec Mariano Ponce, alors diplomate de la Première République des Philippines. Pendant la Révolution philippine et la guerre américano-philippine, Sun a aidé Ponce à se procurer des armes récupérées de l'armée impériale japonaise et à les expédier aux Philippines. En aidant la République des Philippines, Sun espérait que les Philippins gagneraient leur indépendance afin de pouvoir utiliser l'archipel comme point de départ d'une autre révolution. Cependant, à la fin de la guerre en juillet 1902, l’Amérique est sortie victorieuse d’une guerre acharnée de trois ans contre la République. Par conséquent, le rêve philippin d’indépendance s’est évanoui avec les espoirs de Sun de collaborer avec les Philippines dans sa révolution en Chine. Insurrection de Huizhou en Chine Le 22 octobre 1900, Sun lança le soulèvement de Huizhou pour attaquer Huizhou et les autorités provinciales du Guangdong. Cela s’est produit cinq ans après l’échec du soulèvement de Guangzhou. Cette fois, Sun a fait appel aux triades pour obtenir de l'aide. Ce soulèvement fut également un échec. Miyazaki, qui participa à la révolte avec Sun, écrivit en 1902 un récit de cet effort révolutionnaire sous le titre « Rêve de 33 ans » (). Poursuite de l'exil Sun était en exil non seulement au Japon mais aussi en Europe, aux États-Unis et au Canada. Il a collecté des fonds pour son parti révolutionnaire et pour soutenir les soulèvements en Chine. En 1896, il fut détenu à la légation chinoise de Londres, où les services secrets impériaux chinois envisageaient de le tuer. Il a été libéré après 12 jours grâce aux efforts de James Cantlie, du Times et du Foreign Office, faisant de Sun un héros en Grande-Bretagne. Contrairement aux légendes populaires, Sun est entré volontairement dans la légation, mais a été empêché de partir. La Légation prévoyait de l'exécuter, avant de ramener son corps à Pékin pour une décapitation rituelle. Cantlie, son ancien professeur, s'est vu refuser une requête en habeas corpus en raison de l'immunité diplomatique de la légation, mais il a lancé une campagne par le biais du Times. Le ministère des Affaires étrangères a persuadé la légation de libérer Sun par la voie diplomatique. Source: comme résumé dans James Cantlie, ancien professeur de Sun au Hong Kong College of Medicine for Chinese, a entretenu une amitié de longue date avec Sun et écrira plus tard une première biographie de Sun. Société Ciel et Terre, voyages à l'étranger Une secte de la « Société du Ciel et de la Terre » connue sous le nom de Tiandihui existait depuis longtemps. Le groupe a également été appelé les « trois organisations coopérantes » ainsi que les triades. Sun Yat-sen a principalement utilisé ce groupe pour tirer parti de ses voyages à l'étranger afin d'obtenir un soutien financier et financier supplémentaire pour sa révolution. Selon Lee Yun-ping, président de la Société historique chinoise, Sun avait besoin d'un certificat pour entrer aux États-Unis à une époque où la loi d'exclusion chinoise de 1882 l'aurait autrement bloqué. Cependant, lors de la première tentative de Sun d'entrer aux États-Unis, il a quand même été arrêté. Il a ensuite été libéré sous caution après 17 jours. En mars 1904, alors qu'il résidait à Kula, Maui, Sun Yat-sen obtint un certificat de naissance hawaïen, délivré par le territoire d'Hawaï, déclarant qu'« il est né dans les îles hawaïennes le 24 novembre 1870 après J.-C. ». Il y a renoncé après qu'il ait atteint son objectif de contourner la loi d'exclusion chinoise de 1882. Smyser, A.A. (2000). [http://archives.starbulletin.com/2000/03/16/editorial/smyser.html Les liens étroits de Sun Yat-sen avec Hawaï]. Bulletin des étoiles d'Honolulu. "Sun y a renoncé en temps voulu. Cela l'a cependant aidé à contourner la loi d'exclusion chinoise de 1882, qui est devenue applicable lors de l'annexion d'Hawaï aux États-Unis en 1898." Les dossiers officiels des États-Unis montrent que Sun avait la nationalité américaine, a déménagé en Chine avec sa famille à l'âge de 4 ans et est revenu à Hawaï 10 ans plus tard. Révolution Tongmenghui En 1904, Sun Yat-sen a vu le jour avec pour objectif « d'expulser les barbares tatars (c'est-à-dire les Mandchous), de faire revivre Zhonghua, d'établir une république et de répartir équitablement les terres entre le peuple ». (). L'un des héritages majeurs de Sun a été la création de sa philosophie politique des Trois Principes du Peuple. Ces principes comprenaient le principe du nationalisme (minzu, ), de la démocratie (minquan, ) et du bien-être (minsheng, ). Le 20 août 1905, Sun s'associe à des étudiants révolutionnaires chinois étudiant à Tokyo, au Japon, pour former le groupe unifié Tongmenghui (Ligue Unie), qui parraine les soulèvements en Chine. En 1906, le nombre de membres de Tongmenghui atteignait 963 personnes. Soutien en Malaisie La notoriété et la popularité de Sun s'étendent au-delà de la région de la Grande Chine, en particulier à Nanyang (Asie du Sud-Est), où résidait une grande concentration de Chinois d'outre-mer en Malaisie (Malaisie et Singapour). À Singapour, il a rencontré les marchands chinois locaux Teo Eng Hock, Tan Chor Nam et Lim Nee Soon, ce qui marque le début du soutien direct des Chinois de Nanyang. Le chapitre singapourien du Tongmenghui a été créé le 6 avril 1906. Bien que certains documents affirment que la date de fondation est la fin de 1905. La villa utilisée par Sun était connue sous le nom de Wan Qing Yuan. À cette époque, Singapour était le siège du Tongmenghui. Ainsi, après avoir fondé le Tong Meng Hui, le Dr Sun a préconisé la création du Chong Shing Yit Pao comme porte-parole de l’alliance pour promouvoir les idées révolutionnaires. Plus tard, il a initié la création de clubs de lecture à Singapour et en Malaisie, afin de diffuser les idées révolutionnaires parmi la classe inférieure à travers des lectures publiques d'articles de journaux. La Bibliothèque chinoise unie, fondée le 8 août 1910, était l'un de ces clubs de lecture, créée pour la première fois dans une propriété louée au deuxième étage du Wan He Salt Traders à North Boat Quay. Le premier véritable bâtiment de la Bibliothèque chinoise unie a été construit entre 1908 et 1911 sous Fort Canning - 51, rue arménienne, et a commencé ses activités en 1912. La bibliothèque a été créée dans le cadre des 50 salles de lecture par les républicains chinois pour servir de station d'information et point de liaison pour les révolutionnaires. En 1987, la bibliothèque a été déplacée vers son site actuel à Cantonment Road. Mais le bâtiment de la rue arménienne est toujours intact avec la plaque à son entrée avec les mots de Sun Yat Sen. Avec plus de 400 membres au départ, la bibliothèque compte aujourd'hui environ 180 membres. Bien que la Bibliothèque chinoise unie, avec 102 ans d'histoire, n'était pas le seul club de lecture à Singapour à l'époque, elle est aujourd'hui le seul de ce type qui subsiste. soulèvement de Zhennanguan Le 1er décembre 1907, Sun dirigea le soulèvement du Zhennanguan contre les Qing au Friendship Pass, qui est la frontière entre le Guangxi et le Vietnam. Le soulèvement a échoué après sept jours de combats. En 1907, il y a eu un total de quatre soulèvements qui ont échoué, dont le soulèvement de Huanggang, le soulèvement des sept femmes du lac de Huizhou et le soulèvement de Qinzhou. En 1908, deux autres soulèvements échouèrent l'un après l'autre, notamment celui de Qin-lian et celui de Hekou. Mouvements anti-soleil En raison de ces échecs, le leadership de Sun commençait à être contesté par des éléments au sein du Tongmenghui qui souhaitaient le destituer de son poste de leader. À Tokyo, en 1907-1908, des membres de la société de restauration récemment fusionnée ont émis des doutes sur les références de Sun. Tao Chengzhang () et Zhang Binglin ont publiquement dénoncé Sun avec un tract ouvert intitulé « Une déclaration des actes criminels de Sun Yat-sen par les révolutionnaires en Asie du Sud-Est ». Cela a été imprimé et distribué dans des journaux réformistes comme Nanyang Zonghui Bao. Leur objectif était de cibler Sun en tant que leader menant une révolte pour des gains lucratifs. Les révolutionnaires étaient polarisés et divisés entre les camps pro-Soleil et anti-Soleil. Sun a publiquement repoussé les commentaires selon lesquels il avait quelque chose à gagner financièrement de la révolution. Cependant, le 19 juillet 1910, le quartier général de Tongmenghui dut déménager de Singapour à Penang pour réduire les activités anti-Sun. C'est également à Penang que Sun et ses partisans lanceront le premier « quotidien » chinois, le Kwong Wah Yit Poh en décembre 1910. révolution de 1911 Afin de parrainer davantage de soulèvements, Sun lança un appel personnel en faveur d'une aide financière lors de la conférence de Penang tenue le 13 novembre 1910 en Malaisie. Bergère : 188 Les dirigeants lancèrent une importante campagne de dons à travers la péninsule malaise. Ils ont récolté 187 000 HK$. Le 27 avril 1911, le révolutionnaire Huang Xing dirigea un deuxième soulèvement de Guangzhou connu sous le nom de révolte de Yellow Flower Mound contre les Qing. La révolte échoua et se termina par un désastre ; les corps de seulement 72 révolutionnaires ont été retrouvés. Les révolutionnaires restent des martyrs. Le 10 octobre 1911, un soulèvement militaire eut lieu à Wuchang, dirigé à nouveau par Huang Xing. À l’époque, Sun n’était pas directement impliqué car il était toujours en exil. Huang était à la tête de la révolution qui a mis fin à plus de 2000 ans de domination impériale en Chine. Lorsque Sun apprit le succès de la rébellion contre l'empereur Qing par la presse, il rentra immédiatement en Chine depuis les États-Unis accompagné de son conseiller militaire américain, le « général » Homer Lea, le 21 décembre 1911. Le soulèvement s'est étendu à la révolution Xinhai, également connue sous le nom de « révolution chinoise », pour renverser le dernier empereur Puyi. Après cet événement, le 10 octobre est devenu la commémoration du Double Ten Day. République de Chine avec de nombreux gouvernements Gouvernement provisoire Le 29 décembre 1911, une réunion des représentants des provinces à Nankin (Nanjing) élit Sun Yat-sen comme « président provisoire » (). Le 1er janvier 1912 fut fixé comme premier jour de la première année de la République. Li Yuanhong fut nommé vice-président provisoire et Huang Xing devint ministre de l'armée. Le nouveau gouvernement provisoire de la République de Chine a été créé en même temps que la Constitution provisoire de la République de Chine. On attribue à Sun le financement des révolutions et le maintien de l’esprit révolutionnaire, même après une série de soulèvements ratés. Sa fusion réussie de groupes révolutionnaires mineurs en un seul parti plus large a fourni une meilleure base à tous ceux qui partageaient les mêmes idéaux. Un certain nombre de choses ont été introduites, telles que le système de calendrier républicain et une nouvelle mode comme les costumes Zhongshan. Gouvernement Beiyang Yuan Shikai, qui contrôlait l'armée de Beiyang, l'armée du nord de la Chine, s'est vu promettre le poste de président de la République de Chine s'il parvenait à obtenir l'abdication du tribunal Qing. Le 12 février 1912, l’empereur Puyi abdique du trône. Sun a démissionné de son poste de président et Yuan est devenu le nouveau président provisoire à Pékin le 10 mars 1912. Le gouvernement provisoire ne disposait d'aucune force militaire propre, son contrôle sur les éléments de la Nouvelle Armée qui s'étaient mutinés était limité et il y avait encore des troupes. des forces importantes qui ne s'étaient toujours pas déclarées contre les Qing. Sun Yat-sen a envoyé des télégrammes aux dirigeants de toutes les provinces leur demandant d'élire et de créer l'Assemblée nationale de la République de Chine en 1912. En mai 1912, l'Assemblée législative a déménagé de Nanjing à Pékin avec ses 120 membres répartis entre les membres de Tongmenghui. et un parti républicain qui soutenait Yuan Shikai. De nombreux membres révolutionnaires étaient déjà alarmés par les ambitions de Yuan et par le gouvernement Beiyang basé dans le nord. Parti nationaliste et Seconde Révolution Song Jiaoren, membre de Tongmenghui, a rapidement tenté de contrôler le parlement. Il mobilisa l'ancien Tongmenghui au cœur avec la fusion d'un certain nombre de nouveaux petits partis pour former un nouveau parti politique appelé le Kuomintang (parti nationaliste chinois, communément abrégé en « KMT ») le 25 août 1912 au Huguang Guild Hall de Pékin. Les élections à l'Assemblée nationale de 1912-1913 furent considérées comme un énorme succès pour le KMT, remportant 269 des 596 sièges de la chambre basse et 123 des 274 sièges du Sénat. La Deuxième Révolution a eu lieu lorsque les forces militaires du Sun et du KMT ont tenté de renverser les forces de Yuan, composées d'environ 80 000 hommes, lors d'un conflit armé en juillet 1913. La révolte contre Yuan a échoué. Sun a été contraint de demander l'asile au Japon avec le politicien et industriel Fusanosuke Kuhara. En représailles, le chef du parti national Song Jiaoren fut assassiné, presque certainement sur ordre secret de Yuan, le 20 mars 1913. Chaos politique En 1915, Yuan Shikai proclame l’Empire de Chine (1915-1916) et se désigne lui-même comme empereur de Chine. Sun a pris part à la guerre anti-monarchie du Mouvement de protection constitutionnelle, tout en soutenant également les chefs de bandits comme Bai Lang pendant la rébellion de Bai Lang. Cela a marqué le début de l’ère des seigneurs de guerre. En 1915, Sun écrivit à la Deuxième Internationale, une organisation socialiste basée à Paris, lui demandant d'envoyer une équipe de spécialistes pour aider la Chine à établir la première république socialiste du monde. À l’époque, il existait de nombreuses théories et propositions sur ce que pourrait être la Chine. Dans le désordre politique, même lorsque Sun Yat-sen a été annoncé comme président, Xu Shichang a également été annoncé comme président de la République de Chine. Chemin vers l'expédition du Nord Gouvernement militariste de Guangzhou La Chine était divisée entre différents chefs militaires, sans véritable gouvernement central. Sun en comprit le danger et retourna en Chine en 1917 pour prôner la réunification chinoise. En 1921, il fonda un gouvernement militaire autoproclamé à Guangzhou et fut élu Grand Maréchal. Bergère & Lloyd : 273 Entre 1912 et 1927, trois gouvernements furent mis en place dans le sud de la Chine : le gouvernement provisoire de Nanjing (1912), le gouvernement militaire de Guangzhou. Guangzhou (1921-1925) et le gouvernement national de Guangzhou et plus tard de Wuhan (1925-1927). Le gouvernement séparatiste du sud a été créé pour rivaliser avec le gouvernement Beiyang du nord. Yuan Shikai avait interdit le KMT. Le Parti révolutionnaire chinois, de courte durée, remplaça temporairement le KMT. Le 10 octobre 1919, Sun ressuscita le KMT sous le nouveau nom de Chung-kuo Kuomintang (大口), ​​ou « Parti nationaliste chinois ». Coopération KMT-PCC À cette époque, Sun était devenu convaincu que le seul espoir d’une Chine unifiée résidait dans une conquête militaire depuis sa base du sud, suivie d’une période de tutelle politique qui aboutirait à la transition vers la démocratie. Afin d’accélérer la conquête de la Chine, il entame une politique de coopération active avec le Parti communiste chinois (PCC). Sun et Adolph Joffe de l'Union soviétique ont signé le Manifeste Sun-Joffe en janvier 1923. Sun a reçu l'aide du Komintern pour avoir accepté des membres communistes dans son KMT. Le leader révolutionnaire et socialiste Vladimir Lénine a félicité Sun et le KMT pour leur idéologie et leurs principes. Lénine a fait l'éloge de Sun et de ses tentatives de réforme sociale, et l'a également félicité pour sa lutte contre l'impérialisme étranger. Sun a également rendu ses éloges, le qualifiant de « grand homme », et lui a adressé ses félicitations pour la révolution en Russie. Avec l'aide des Soviétiques, Sun a pu développer la puissance militaire nécessaire à l'expédition du Nord contre les militaires du nord. Il a créé l'Académie militaire de Whampoa près de Guangzhou avec Chiang Kai-shek comme commandant de l'Armée nationale révolutionnaire (NRA). Parmi les autres dirigeants de Whampoa figurent Wang Jingwei et Hu Hanmin en tant qu'instructeurs politiques. Cette collaboration totale s'appelait le Premier Front Uni. Problèmes financiers En 1924, Sun nomma son beau-frère T. V. Soong pour créer la première banque centrale chinoise appelée Banque centrale de Canton. Établir un capitalisme national et un système bancaire était un objectif majeur du KMT. Cependant, Sun n'était pas sans opposition car le corps des volontaires de Canton se soulevait contre lui. Discours finaux En février 1923, Sun fit une présentation au syndicat des étudiants de l'université de Hong Kong et déclara que c'était la corruption de la Chine ainsi que la paix, l'ordre et le bon gouvernement de Hong Kong qui avaient fait de lui un révolutionnaire. Cette même année, il a prononcé un discours dans lequel il a proclamé ses Trois principes du peuple comme fondement du pays et la Constitution à cinq yuans comme ligne directrice du système politique et de la bureaucratie. Une partie du discours a été transformée en hymne national de la République de Chine. Le 10 novembre 1924, Sun se rendit au nord jusqu'à Tianjin et prononça un discours suggérant un rassemblement pour une « conférence nationale » pour le peuple chinois. Il appelait à la fin des règles des seigneurs de guerre et à l’abolition de tous les traités inégaux avec les puissances occidentales. Deux jours plus tard, il s'est rendu à Pékin pour discuter de l'avenir du pays, malgré la détérioration de sa santé et la guerre civile en cours entre les seigneurs de la guerre. Parmi les personnes qu'il a rencontrées se trouvait le général musulman Ma Fuxiang, qui a informé Sun qu'ils accueilleraient favorablement le leadership du Dr Sun. Le 28 novembre 1924, Sun se rendit au Japon et prononça un discours sur le panasiatisme à Kobe, au Japon. La mort Sun est décédé d'un cancer du foie le 12 mars 1925 à l'âge de 58 ans au Peking Union Medical College, financé par Rockefeller. Conformément à la pratique chinoise courante, ses restes ont été déposés dans le Temple des Nuages ​​​​Azurés, un sanctuaire bouddhiste situé dans les collines occidentales, à quelques kilomètres de Pékin. Il a également laissé une courte volonté politique (總理遺囑) écrite par Wang Jingwei pour s'adresser à la masse, qui a eu une large influence dans le développement ultérieur de la République de Chine et de Taiwan. Un mausolée a été construit et achevé en 1929. Le 1er juin 1929, les restes de Sun ont été transférés de Pékin et enterrés au mausolée Sun Yat-sen à Nanjing. Héritage Lutte pour le pouvoir Après la mort de Sun, une lutte de pouvoir entre son jeune protégé Chiang Kai-shek et son ancien camarade révolutionnaire Wang Jingwei divise le KMT. L'enjeu de cette lutte était le droit de revendiquer l'héritage ambigu de Sun. En 1927, Chiang Kai-shek épousa Soong Mei-ling, une sœur de la veuve de Sun, Soong Ching-ling, et par la suite il put prétendre être le beau-frère de Sun. Lorsque les communistes et le Kuomintang se séparèrent en 1927, marquant le début de la guerre civile chinoise, chaque groupe prétendit être ses véritables héritiers, un conflit qui se poursuivit tout au long de la Seconde Guerre mondiale. La veuve de Sun, Soong Ching-ling, s'est rangée du côté des communistes pendant la guerre civile chinoise et a servi de 1949 à 1981 comme vice-présidente (ou vice-présidente) de la République populaire de Chine et comme présidente d'honneur peu avant sa mort en 1981. Culte de la personnalité Un culte de la personnalité en République de Chine était centré sur Sun et son successeur, le généralissime Chiang Kai-shek. Les généraux et imams musulmans chinois ont participé à ce culte de la personnalité et à un État à parti unique, le général musulman Ma Bufang obligeant les gens à s'incliner devant le portrait de Sun et à écouter l'hymne national lors d'une cérémonie religieuse tibétaine et mongole pour le dieu du lac Qinghai. Des citations du Coran et des Hadiths ont été utilisées par les musulmans pour justifier le règne de Chiang Kai-shek sur la Chine. La constitution du Kuomintang désignait Sun comme président du parti. Après sa mort, le Kuomintang a choisi de conserver cette langue dans sa constitution pour honorer à jamais sa mémoire. Le parti est depuis dirigé par un directeur général (1927-1975) et un président (depuis 1975), qui exercent les fonctions de président. Père de la Nation Sun Yat-sen reste le seul dirigeant chinois du XXe siècle à jouir d’une grande réputation tant en Chine continentale qu’à Taiwan. À Taiwan, il est considéré comme le Père de la République de Chine et est connu sous le nom posthume de Père de la Nation, M. Sun Zhongshan (, où l'espace d'un caractère est un symbole d'hommage traditionnel). Son image se retrouve encore presque toujours dans les lieux de cérémonie tels que devant les assemblées législatives et les salles de classe des écoles publiques, du primaire au lycée, et il continue d'apparaître dans de nouvelles pièces de monnaie et de monnaie. "Précurseur de la révolution" Sur le continent, Sun est considéré comme un nationaliste chinois et proto-socialiste, et est hautement considéré comme le précurseur de la révolution (). Son nom est même mentionné dans le préambule de la Constitution de la République populaire de Chine. Ces dernières années, les dirigeants du Parti communiste chinois ont de plus en plus invoqué Sun, en partie pour renforcer le nationalisme chinois à la lumière de la réforme économique chinoise et en partie pour accroître les liens avec les partisans du Kuomintang à Taiwan, que la RPC considère comme des alliés contre lui. Indépendance de Taïwan. Le tombeau de Sun a été l'un des premiers arrêts effectués par les dirigeants du Kuomintang et du Parti du peuple d'abord lors de leur visite pan-bleue en Chine continentale en 2005. Un portrait massif de Sun continue d'apparaître sur la place Tiananmen pour le 1er mai et la fête nationale. . Vénération religieuse Le Soleil est vénéré comme un saint dans Đạo Cao Đài, une religion établie au Vietnam en 1926. Lui, avec les deux autres saints Victor Hugo et Nguyễn Bỉnh Khiêm, a représenté l'humanité pour déclarer l'Alliance (traité de paix) avec Dieu. Famille Sun Yat-sen est né de Sun Dacheng () et de sa femme, dame Yang () le 12 novembre 1866. À l'époque, son père avait 53 ans et sa mère 38 ans. Au moment de sa naissance, il avait déjà un frère aîné Sun Dezhang (), une sœur aînée Sun Jinxing () décédée à l'âge de 4 ans. Un autre frère aîné Sun Deyou () est également décédé à l'âge de 6 ans. avait deux autres sœurs Sun Miaoxi (), qui était plus âgée et Sun Qiuqi () qui était plus jeune. Sun a eu un mariage arrangé avec un autre villageois, Lu Muzhen, à l'âge de 20 ans. Elle lui a donné un fils Sun Fo et deux filles, Sun Jinyuan () et Sun Jinwan (). Sun Fo était le père de Leland Sun, qui a passé 37 ans à travailler à Hollywood en tant qu'acteur et cascadeur. Sun Yat-sen était également le parrain de l'auteur et poète américain Cordwainer Smith. Sun épousa ensuite Soong Ching-ling, l'une des sœurs Soong. Ils se sont mariés au Japon le 25 octobre 1915. Le père de Soong Ching-Ling était le pasteur méthodiste formé aux États-Unis, Charles Soong, qui a fait fortune dans le secteur bancaire et l'impression de la Bible ; bien qu'il ait été un ami personnel de Sun, il fut furieux lorsque Sun annonça son intention d'épouser Ching-ling parce que Sun était lui-même chrétien mais gardait deux femmes, Lu Muzhen et Kaoru Otsuki ; Soong considérait les actions de Sun comme allant directement à l'encontre de leur religion commune. La sœur de Soong Ching-Ling, Soong Mei-ling, épousa plus tard Chiang Kai-shek. Références culturelles Mémoriaux et structures en Asie Dans la plupart des grandes villes chinoises, l'une des rues principales s'appelle Zhongshan Lu (大口) pour célébrer sa mémoire. Il existe également de nombreux parcs, écoles et caractéristiques géographiques qui portent son nom. Xiangshan, la ville natale de Sun dans le Guangdong, a été rebaptisée Zhongshan en son honneur, et il y a une salle dédiée à sa mémoire au Temple des Nuages ​​Azur à Pékin. Il existe également une série de timbres Sun Yat-sen. D'autres références à Sun incluent l'Université Sun Yat-sen de Guangzhou et l'Université nationale Sun Yat-sen de Kaohsiung. D'autres structures comprennent le mausolée Sun Yat-sen, la station de métro Sun Yat-sen, la maison Sun Yat-sen à Nanjing, le musée Dr Sun Yat-sen à Hong Kong, le bâtiment Chung-Shan dans le hall commémoratif Sun Yat-sen à Taipei et Salle commémorative Sun Yat Sen Nanyang à Singapour. Zhongshan Memorial Middle School est également un nom utilisé par de nombreuses écoles. Le parc Zhongshan est également un nom commun utilisé pour un certain nombre de lieux qui portent son nom. La première autoroute de Taiwan s'appelle l'autoroute Sun Yat-sen. Deux navires portent également son nom, la canonnière chinoise Chung Shan et le croiseur chinois Yat Sen. Le vieux quartier chinois de Calcutta (maintenant connu sous le nom de Calcutta), en Inde, possède une rue importante du nom de rue Sun Yat-sen. À Penang, en Malaisie, l'Union philomatique de Penang avait ses locaux au 120 rue arménienne en 1910, à l'époque où Sun passait plus de quatre mois à Penang, convoquait la « Conférence de Penang » historique pour lancer la campagne de collecte de fonds pour le soulèvement de Huanghuagang et fondait le Kwong Wah Yit Poh ; cette maison, qui a été conservée sous le nom de Sun Yat-sen Museum Penang (anciennement appelée base de Sun Yat Sen Penang), a été visitée par le président désigné Hu Jintao en 2002. L'Union philomatique de Penang a ensuite déménagé dans un bungalow au 65 Macalister Road qui a été préservé sous le nom de Sun Yat-sen Memorial Center Penang. En guise de dédicace, l'exposition culturelle chinoise de 1966

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Quel Palestinien a cofondé le Fatah en 1957 ?

Yasser Arafat

Le peuple palestinien (, ash-sha'b al-Filasṭīnī), également appelé Palestiniens (, al-Filasṭīniyyūn, ) ou Arabes palestiniens (, al-'arabi il-filastini), est un groupe ethnique comprenant les descendants modernes de les peuples qui ont vécu en Palestine au fil des siècles et qui sont aujourd’hui largement arabes culturellement et linguistiquement en raison de l’arabisation de la région. Malgré diverses guerres et exodes (comme celui de 1948), environ la moitié de la population palestinienne mondiale continue de résider dans la Palestine historique, la région englobant la Cisjordanie, la bande de Gaza et Israël. Dans cette zone combinée, les Palestiniens représentaient 49 % de tous les habitants, englobant la totalité de la population de la bande de Gaza (1,865 million), la majorité de la population de Cisjordanie (environ 2,785,000 millions contre près de 500,000 citoyens israéliens juifs, dont environ 200 000 à Jérusalem-Est) et 20,8 % de la population d'Israël proprement dite en tant que citoyens arabes d'Israël. Beaucoup sont des réfugiés palestiniens ou des Palestiniens déplacés à l’intérieur du pays, dont plus d’un million dans la bande de Gaza, trois quarts de million en Cisjordanie et environ un quart de million en Israël proprement dit. Parmi la population palestinienne vivant à l’étranger, connue sous le nom de diaspora palestinienne, plus de la moitié sont apatrides et n’ont la citoyenneté d’aucun pays. Entre 2,1 et 3,24 millions de personnes de la diaspora vivent en Jordanie voisine, plus d'un million vivent entre la Syrie et le Liban, un quart de million en Arabie saoudite, le demi-million du Chili représentant la plus grande concentration en dehors du monde arabe. Les chrétiens et les musulmans palestiniens constituaient 90 % de la population palestinienne à la veille (1919) de l’immigration sioniste sous l’Autorité mandataire britannique d’après-guerre, dont l’opposition a stimulé la consolidation d’une identité nationale unifiée, fragmentée par des divisions régionales et de classe. , les différences religieuses et familiales. L’histoire d’une identité nationale palestinienne distincte est une question controversée parmi les chercheurs. L’historien du droit Assaf Likhovski affirme que l’opinion dominante est que l’identité palestinienne est née dans les premières décennies du XXe siècle. « Palestinien » a été utilisé pour désigner le concept nationaliste d'un peuple palestinien par les Arabes de Palestine de manière limitée jusqu'à la Première Guerre mondiale. Après la création de l'État d'Israël, l'exode de 1948, et plus encore après l'exode de En 1967, le terme en est venu à signifier non seulement un lieu d’origine, mais aussi le sentiment d’un passé et d’un avenir partagés sous la forme d’un État palestinien. L’identité palestinienne moderne englobe désormais l’héritage de toutes les époques, depuis les temps bibliques jusqu’à la période ottomane. Fondée en 1964, l'Organisation de libération de la Palestine (OLP) est une organisation faîtière regroupant des groupes qui représentent le peuple palestinien auprès de la communauté internationale. L'Autorité nationale palestinienne, officiellement créée à la suite des accords d'Oslo, est un organe administratif intérimaire théoriquement responsable de la gouvernance des centres de population palestiniens de Cisjordanie et de la bande de Gaza. Depuis 1978, les Nations Unies célèbrent chaque année la Journée internationale de solidarité avec le peuple palestinien. Selon Perry Anderson, on estime que la moitié de la population des territoires palestiniens est composée de réfugiés et qu’ils ont collectivement subi environ 300 milliards de dollars de pertes de propriété dues aux confiscations israéliennes, aux prix de 2008-2009. Étymologie Le toponyme grec Palaistínē (Παλαιστίνη), avec lequel l'arabe Filastin (فلسطين) est apparenté, apparaît pour la première fois dans les travaux de l'historien grec Hérodote du 5ème siècle avant notre ère, où il désigne généralement, à l'exception de Bks. 1, 105 ; 3.91.1, et 4.39, 2. les terres côtières depuis la Phénicie jusqu'à l'Égypte. Hérodote décrit ainsi son étendue dans la Cinquième Satrapie des Perses : « De la ville de Posidium, [...] à la frontière entre la Cilicie et La Syrie, jusqu'à l'Égypte, sans compter le territoire arabe, qui était libre d'impôts, entraînait 350 talents. Cette province contient toute la Phénicie et la partie de la Syrie appelée Palestine et Chypre. C'est la cinquième satrapie. (extrait du livre 3 d'Hérodote, 8e logos).[http://classics.mit.edu/Herodotus/history.mb.txt]Cohen, 2006, p. 36. Hérodote emploie également le terme comme ethnonyme, comme lorsqu'il parle des « Syriens de Palestine » ou des « Palestiniens-Syriens », Hérodote, The Histories, Bks. 2:104 (Φοἰνικες δἐ καὶ Σὐριοι οἱ ἑν τᾔ Παλαιστἰνῃ) ; 3:5 ; 7h89. un groupe ethniquement amorphe qu'il distingue des Phéniciens. Kasher, 1990, p. 15. Hérodote ne fait aucune distinction entre les Juifs et les autres habitants de la Palestine. Le mot grec reflète un ancien mot de la Méditerranée orientale et du Proche-Orient qui était utilisé soit comme toponyme, soit comme ethnonyme. Dans l'Égypte ancienne, Peleset/Purusati a été supposé faire référence aux « Peuples de la mer ». Citation : « Inventé pour la première fois en 1881 par l'égyptologue français G. Maspero (1896), le terme quelque peu trompeur « Peuples de la mer » englobe les ethnonymes Lukka, Sherden, Shekelesh, Teresh, Eqwesh, Denyen, Sikil/Tjekker, Weshesh et Peleset (Philistins). [Note de bas de page : Le terme moderne « Peuples de la mer » fait référence aux peuples qui apparaissent dans plusieurs textes égyptiens du Nouvel Empire comme originaires des « îles » ( tableaux 1-2 ; Adams et Cohen, ce volume ; voir, par exemple, Drews 1993, 57 pour un résumé). L'utilisation de guillemets en association avec le terme « Sea Peoples » dans notre titre est destinée à attirer l'attention sur la problématique. nature de ce terme couramment utilisé. Il est à noter que la désignation « de la mer » n'apparaît qu'en relation avec les Sherden, Shekelesh et Eqwesh. Par la suite, ce terme a été appliqué de manière quelque peu indistincte à plusieurs ethnonymes supplémentaires, y compris les Philistins, qui sont. dépeints dans leurs premières apparitions comme des envahisseurs venus du nord sous les règnes de Merenptah et de Ramsès III (voir, par exemple, Sandars 1978 ; Redford 1992, 243, n. 14 ; pour une revue récente de la littérature primaire et secondaire, voir Woudhuizen 2006). Par conséquent, le terme Peuples de la Mer apparaîtra sans guillemets.]"[https://books.google.com/books?idbFpK6aXEWN8C&pg PA48&lpg=PA48 La fin de l'âge du bronze : changements dans la guerre et catastrophe Ca. 1200 avant JC, Robert Drews, p48-61] Citation : « La thèse selon laquelle une grande « migration des peuples de la mer » s'est produite vers 1200 avant JC est censée être basée sur des inscriptions égyptiennes, l'une du règne de Merneptah et l'autre du règne de Ramsès. III. Pourtant, dans les inscriptions elles-mêmes, une telle migration n'apparaît nulle part. Après avoir examiné ce que les textes égyptiens disent sur les « peuples de la mer », un égyptologue (Wolfgang Helck) a récemment fait remarquer que même si certaines choses ne sont pas claires, « eins ist aber sicher : Nach den agyptischen Texten haben wir es nicht mit einer 'Volkerwanderung' zu tun. " Ainsi, l'hypothèse de la migration ne repose pas sur les inscriptions elles-mêmes mais sur leur interprétation. " Parmi les langues sémitiques, l'akkadien Palaštu (variante Pilištu) est utilisé pour la Philistie et ses 4 cités-États. Le mot apparenté à l'hébreu biblique Plištim est généralement traduit par Philistins. Syrie Palestina a continué à être utilisé par les historiens, les géographes et d'autres pour désigner la zone située entre la mer Méditerranée et le Jourdain, comme dans les écrits de Philon, Josèphe et Pline l'Ancien. Après que les Romains ont adopté le terme comme nom administratif officiel de la région au IIe siècle de notre ère, « Palestine » en tant que terme autonome est devenu largement utilisé, imprimé sur des pièces de monnaie, dans des inscriptions et même dans des textes rabbiniques. Cohen, 2006, p. 37. Le mot arabe Filastin est utilisé pour désigner la région depuis l’époque des premiers géographes arabes médiévaux. Il semble avoir été utilisé comme nom adjectival arabe dans la région dès le 7ème siècle de notre ère. Kish, 1978, p. 200. Le journal arabe Falasteen (fondé en 1911), publié à Jaffa par Issa et Yusef al-Issa, qualifiait ses lecteurs de "Palestiniens". La première banque sioniste, le Jewish Colonial Trust, a été fondée lors du deuxième congrès sioniste et constituée à Londres en 1899. La JCT était destinée à être l'instrument financier de l'organisation sioniste et devait obtenir des capitaux et des crédits pour l'aider à atteindre une charte. pour la Palestine. Le 27 février 1902, une filiale de ce Trust appelée « Anglo-Palestine Company » (APC) est créée à Londres avec l'aide de Zalman David Levontin. Cette Société allait devenir la future Banque Leumi. Pendant la période de Palestine mandataire, le terme « Palestinien » était utilisé pour désigner toutes les personnes qui y résidaient, quelle que soit leur religion ou leur origine ethnique, et ceux qui avaient obtenu la citoyenneté par les autorités britanniques mandataires ont obtenu la « citoyenneté palestinienne ». D'autres exemples incluent l'utilisation du terme Palestine Regiment pour désigner le groupe-brigade d'infanterie juive de l'armée britannique pendant la Seconde Guerre mondiale, et le terme « Talmud palestinien », qui est un nom alternatif du Talmud de Jérusalem, utilisé principalement dans les sources académiques. . Après la création d'Israël en 1948, l'utilisation et l'application des termes « Palestine » et « Palestinien » par et aux Juifs palestiniens ont largement disparu. Par exemple, le journal anglophone The Palestine Post, fondé par des Juifs en 1932, a changé son nom en 1950 pour devenir The Jerusalem Post. Les Juifs d’Israël et de Cisjordanie s’identifient aujourd’hui généralement comme Israéliens. Les citoyens arabes d'Israël s'identifient comme Israéliens et/ou Palestiniens et/ou Arabes. La Charte nationale palestinienne, telle qu'amendée par le Conseil national palestinien de l'OLP en juillet 1968, définissait les « Palestiniens » comme « les ressortissants arabes qui, jusqu'en 1947, résidaient normalement en Palestine, qu'ils en aient été expulsés ou y soient restés. après cette date, d'un père palestinien – que ce soit en Palestine ou à l'extérieur – est également palestinien. Notez que les « ressortissants arabes » ne sont pas spécifiques à une religion et incluent implicitement non seulement les musulmans arabophones de Palestine, mais également les chrétiens arabophones de Palestine et d'autres communautés religieuses de Palestine qui étaient à l'époque arabophones. comme les Samaritains et les Druzes. Ainsi, les Juifs de Palestine étaient/sont également inclus, bien que limités aux « Juifs arabes|Juifs [arabophones] qui résidaient normalement en Palestine jusqu'au début de l'invasion sioniste [avant l'État] ». La Charte stipule également que « la Palestine, avec les frontières qu'elle avait pendant le mandat britannique, constitue une unité territoriale indivisible ». Histoire Histoire palestinienne et nationalisme Bien que le moment et les causes de l’émergence d’une conscience nationale spécifiquement palestinienne parmi les Arabes de Palestine soient des sujets de désaccord entre chercheurs. Certains soutiennent qu’elle remonte à la révolte arabe de 1834 en Palestine (ou même dès le XVIIe siècle), tandis que d’autres affirment qu’elle n’est apparue qu’après la période de Palestine mandataire. Selon l’historien du droit Assaf Likhovski, l’opinion dominante est que l’identité palestinienne est née dans les premières décennies du XXe siècle. Baruch Kimmerling et Joel S. Migdal considèrent la révolte des paysans de 1834 en Palestine comme constituant le premier événement formateur du peuple palestinien. De 1516 à 1917, la Palestine a été gouvernée par l'Empire ottoman, à l'exception d'une décennie entre les années 1830 et 1840, lorsqu'un vassal égyptien des Ottomans, Muhammad Ali, et son fils Ibrahim Pacha ont réussi à se détacher du leadership ottoman et à conquérir un territoire s'étendant de l'Égypte à l'Empire ottoman. aussi loin au nord que Damas ont affirmé leur propre domination sur la région. La soi-disant révolte des paysans menée par les Arabes de Palestine a été précipitée par de fortes demandes de conscrits. Les dirigeants locaux et les notables urbains étaient mécontents de la perte des privilèges traditionnels, tandis que les paysans savaient bien que la conscription n'était guère plus qu'une condamnation à mort. À partir de mai 1834, les rebelles prirent de nombreuses villes, parmi lesquelles Jérusalem, Hébron et Naplouse, et l'armée d'Ibrahim Pacha fut déployée, battant les derniers rebelles le 4 août à Hébron. Kimmerling et Migdal, 2003, p. 6–11 Benny Morris soutient que les Arabes de Palestine sont néanmoins restés partie d’un mouvement national panarabe ou, alternativement, panislamiste plus vaste. Walid Khalidi soutient le contraire, écrivant que les Palestiniens de l'époque ottomane étaient « [a]très conscients du caractère distinctif de l'histoire palestinienne… » et que « [b]ien que fiers de leur héritage et de leurs ancêtres arabes, les Palestiniens se considéraient comme des descendants non non seulement des conquérants arabes du VIIe siècle, mais aussi des peuples autochtones qui vivaient dans le pays depuis des temps immémoriaux, y compris les anciens Hébreux et les Cananéens avant eux. » Khalidi, W., 1984, p. 32 [https://team.academia.edu/ZacharyFoster Zachary J. Foster] a soutenu dans un article de Foreign Affairs de 2015 que « sur la base de centaines de manuscrits, de dossiers judiciaires islamiques, de livres, de magazines et de journaux de la période ottomane (1516-1918) ), il semble que le premier Arabe à utiliser le terme « Palestinien » ait été Farid Georges Kassab, un chrétien orthodoxe basé à Beyrouth. » Il a expliqué en outre que le livre de Kassab de 1909, Palestine, hellénisme et cléricalisme, notait au passage que « les Ottomans palestiniens orthodoxes se disent arabes et sont en fait arabes », bien qu'ils décrivent les arabophones de Palestine comme des Palestiniens dans le reste du livre. Dans son livre de 1997, Identité palestinienne : la construction de la conscience nationale moderne, l'historien Rashid Khalidi note que les strates archéologiques qui dénotent l'histoire de la Palestine – englobant les civilisations biblique, romaine, byzantine, omeyyade, abbasside, fatimide, croisée, ayyoubide, mamelouke et Les périodes ottomanes – font partie de l’identité du peuple palestinien d’aujourd’hui, telle qu’il l’a compris au cours du siècle dernier. Notant que l'identité palestinienne n'a jamais été exclusive, avec « l'arabisme, la religion et les loyautés locales » jouant un rôle important, Khalidi met en garde contre les efforts de certains partisans extrémistes du nationalisme palestinien pour relire « de manière anachronique » dans l'histoire une conscience nationaliste qui est en fait « relativement moderne ». Khalidi, 1997, p. 19-21. Rashid Khalidi soutient que l’identité nationale moderne des Palestiniens trouve ses racines dans les discours nationalistes qui ont émergé parmi les peuples de l’empire ottoman à la fin du XIXe siècle et qui se sont accentués après la démarcation des frontières des États-nations modernes au Moyen-Orient après la Première Guerre mondiale. Khalidi déclare également que, même si le défi posé par le sionisme a joué un rôle dans la formation de cette identité, « c'est une grave erreur de suggérer que l'identité palestinienne a émergé principalement comme une réponse au sionisme ». À l’inverse, l’historien James L. Gelvin soutient que le nationalisme palestinien était une réaction directe au sionisme. Dans son livre The Israel-Palestine Conflict: One Hundred Years of War, il déclare que « le nationalisme palestinien a émergé pendant l'entre-deux-guerres en réponse à l'immigration et à la colonisation sionistes. » Gelvin, 2005, pp. 92-93. Gelvin soutient que ce fait ne rend pas l’identité palestinienne moins légitime : « Le fait que le nationalisme palestinien se soit développé plus tard que le sionisme, et en fait en réponse à celui-ci, ne diminue en rien la légitimité du nationalisme palestinien ni ne le rend moins valable que le sionisme. Tous les nationalismes naissent en opposition à un « autre ». y a-t-il le besoin de préciser qui vous êtes ? Et tous les nationalismes se définissent par ce à quoi ils s'opposent. David Seddon écrit que « [l]a création de l'identité palestinienne dans son sens contemporain s'est formée essentiellement dans les années 1960, avec la création de l'Organisation de libération de la Palestine ». Il ajoute cependant que « l'existence d'une population portant un nom reconnaissablement similaire (« les Philistins ») à l'époque biblique suggère un certain degré de continuité sur une longue période historique (tout comme les « Israélites » de la Bible suggèrent une longue période historique). continuité dans la même région)." Bernard Lewis soutient que ce n’est pas en tant que nation palestinienne que les Arabes de la Palestine ottomane se sont opposés aux sionistes, puisque le concept même d’une telle nation était inconnu des Arabes de la région à l’époque et n’a vu le jour que bien plus tard. Même le concept de nationalisme arabe dans les provinces arabes de l’Empire ottoman « n’avait pas atteint des proportions significatives avant le déclenchement de la Première Guerre mondiale ». Tamir Sorek, sociologue, soutient que « bien qu'une identité palestinienne distincte puisse remonter au moins au milieu du XIXe siècle (Kimmerling et Migdal 1993 ; Khalidi 1997b), ou même au XVIIe siècle (Gerber 1998), elle Ce n’est qu’après la Première Guerre mondiale qu’un large éventail d’affiliations politiques facultatives est devenu pertinent pour les Arabes de Palestine. » Quels que soient les points de vue divergents sur le moment, les mécanismes causals et l'orientation du nationalisme palestinien, au début du XXe siècle, une forte opposition au sionisme et des preuves d'une identité nationaliste palestinienne naissante se retrouvent dans le contenu des journaux de langue arabe en Palestine, tels que Al. -Karmil (fondé en 1908) et Filasteen (fondé en 1911). Khalidi, 1997, pp. Filasteen a d'abord concentré sa critique du sionisme sur l'échec de l'administration ottomane à contrôler l'immigration juive et l'afflux massif d'étrangers, explorant plus tard l'impact des achats de terres sionistes sur les paysans palestiniens (, fellahin), exprimant une inquiétude croissante face à la dépossession des terres et à ses conséquences. implications pour la société dans son ensemble. Les premières organisations nationalistes palestiniennes ont émergé à la fin de la Première Guerre mondiale. Deux factions politiques ont émergé. al-Muntada al-Adabi, dominée par la famille Nashashibi, militait pour la promotion de la langue et de la culture arabes, pour la défense des valeurs islamiques et pour une Syrie et une Palestine indépendantes. A Damas, al-Nadi al-Arabi, dominé par la famille Husayni, défendait les mêmes valeurs. Les archives historiques ont continué à révéler une interaction entre les identités « arabe » et « palestinienne » et le nationalisme. L’idée d’un État palestinien unique, séparé de ses voisins arabes, a d’abord été rejetée par les représentants palestiniens. Le premier congrès des associations musulmanes-chrétiennes (à Jérusalem, février 1919), réuni dans le but de sélectionner un représentant arabe palestinien à la Conférence de paix de Paris, adopta la résolution suivante : « Nous considérons la Palestine comme faisant partie de la Syrie arabe, car elle n'en a jamais été séparé. Nous y sommes liés par des liens nationaux, religieux, linguistiques, naturels, économiques et géographiques. Après les émeutes de Nebi Musa en 1920, la conférence de San Remo et l'échec de Fayçal à établir le royaume de la Grande Syrie, une forme particulière de nationalisme arabe palestinien s'est enracinée entre avril et juillet 1920. Avec la chute de l'Empire ottoman et la conquête française. de la Syrie, couplée à la conquête et à l'administration britanniques de la Palestine, l'ancien maire pansyrianiste de Jérusalem, Musa Qasim Pacha al-Husayni, a déclaré : « Maintenant, après les récents événements de Damas, nous devons opérer un changement complet dans nos plans. ici, le sud de la Syrie n'existe plus. Nous devons défendre la Palestine". Le conflit entre nationalistes palestiniens et divers types de panarabistes s’est poursuivi pendant le mandat britannique, mais ces derniers sont devenus de plus en plus marginalisés. Deux dirigeants éminents des nationalistes palestiniens étaient Mohammad Amin al-Husayni, grand mufti de Jérusalem, nommé par les Britanniques, et Izz ad-Din al-Qassam. Montée du nationalisme palestinien Un État palestinien indépendant n’a pas exercé la pleine souveraineté sur les terres dans lesquelles les Palestiniens ont vécu au cours de l’ère moderne. La Palestine a été administrée par l’Empire ottoman jusqu’à la Première Guerre mondiale, puis supervisée par les autorités mandataires britanniques. Israël a été créé dans certaines parties de la Palestine en 1948 et, à la suite de la guerre israélo-arabe de 1948, la Cisjordanie a été occupée par la Jordanie et la bande de Gaza par l'Égypte, les deux pays continuant d'administrer ces zones jusqu'à ce qu'Israël les occupe en 1948. la guerre des Six Jours. L'historien Avi Shlaim déclare que le manque de souveraineté des Palestiniens sur la terre a été utilisé par les Israéliens pour refuser aux Palestiniens leurs droits [à l'autodétermination]. Aujourd'hui, le droit du peuple palestinien à l'autodétermination a été affirmé par l'Assemblée générale des Nations Unies et la Cour internationale de Justice. Seuls les « peuples » ont droit à l'autodétermination dans le droit international contemporain (voir Autodétermination et minorités nationales, Oxford Monographies en droit international, Thomas D. Musgrave, Oxford University Press, 1997, ISBN 0-19-829898-6, p. En 2004, la Cour internationale de Justice a déclaré qu'Israël avait reconnu l'existence d'un « peuple palestinien » et a fait référence à plusieurs reprises au peuple palestinien et à ses « droits légitimes » dans les accords internationaux. La Cour a déclaré que ces droits incluent le droit à l'autodétermination (voir le paragraphe 118 de Conséquences juridiques de la construction d'un mur dans le territoire palestinien occupé [http://www.icj-cij.org/docket/files/131/1671 .pdf]). Le juge Koroma a expliqué : « La Cour a également estimé que le droit à l'autodétermination en tant que droit établi et reconnu en vertu du droit international s'applique au territoire et au peuple palestinien. En conséquence, l'exercice de ce droit donne au peuple palestinien le droit à un État de comme prévu initialement dans la résolution 181 (II) et confirmé par la suite." Le juge Higgins a également déclaré « que le peuple palestinien a droit à son territoire, à l'exercice de son autodétermination et à son propre État » (voir paragraphe 5, opinion individuelle du juge Koroma [http://www.icj-cij.org /docket/files/131/1679.pdf] et paragraphe 18, opinion individuelle du juge Higgins [http://www.icj-cij.org/docket/files/131/1681.pdf]). Paul De Waart a déclaré que l'avis consultatif de la Cour internationale de Justice de 2004 « a établi la responsabilité actuelle des Nations Unies dans la protection de l'État palestinien. Il a affirmé l'applicabilité de l'interdiction d'acquérir des territoires palestiniens par Israël et a confirmé l'illégalité de l'acquisition de territoires palestiniens par Israël. Colonies israéliennes dans le territoire palestinien occupé. De plus, l'existence du peuple palestinien en tant que demandeur légitime du territoire palestinien occupé n'est plus sujette à caution (Voir De Waart, Paul J. I. M., « International Court of Justice Firmly Walled in the Law of Power in the Israel–Palestinian Peace Process", Leiden Journal of International Law, 18 (2005), pp. 467-487). et plusieurs autorités israéliennes. Au total, 133 pays reconnaissent la Palestine en tant qu'État. Cependant, la souveraineté palestinienne sur le les zones revendiquées comme faisant partie de l’État palestinien restent limitées et les frontières de l’État restent un point de contestation entre Palestiniens et Israéliens. Mandat britannique (1917-1948) L'article 22 du Pacte de la Société des Nations conférait un statut juridique international aux territoires et aux peuples qui avaient cessé d'être sous la souveraineté de l'Empire ottoman dans le cadre d'un « mandat sacré de civilisation ». L'article 7 du mandat de la Société des Nations exigeait l'établissement d'une nouvelle nationalité palestinienne distincte pour les habitants. Cela signifiait que les Palestiniens ne devenaient pas des citoyens britanniques et que la Palestine n’était pas annexée aux dominions britanniques. Le document du Mandat divisait la population en juifs et non-juifs, et la Grande-Bretagne, puissance mandataire, considérait la population palestinienne comme étant composée de groupes religieux et non nationaux. Par conséquent, les recensements gouvernementaux de 1922 et 1931 catégoriseraient les Palestiniens sur le plan confessionnel en musulmans, chrétiens et juifs, la catégorie des Arabes étant absente. Après que le général britannique Louis Bols eut lu la Déclaration Balfour en février 1920, quelque 1 500 Palestiniens manifestèrent dans les rues de Jérusalem. Un mois plus tard, lors des émeutes de Nebi Musa en 1920, les manifestations contre la domination britannique et l'immigration juive sont devenues violentes et Bols a interdit toutes les manifestations. Cependant, en mai 1921, de nouvelles émeutes anti-juives éclatèrent à Jaffa et des dizaines d'Arabes et de Juifs furent tués dans les affrontements. Les articles du Mandat mentionnaient les droits civils et religieux des communautés non juives de Palestine, mais pas leur statut politique. Lors de la conférence de San Remo, il fut décidé d'accepter le texte de ces articles, tout en insérant dans le procès-verbal de la conférence un engagement de la Puissance mandataire selon lequel cela n'impliquerait la renonciation à aucun des droits dont jouissaient jusqu'alors les non-juifs. communautés en Palestine. En 1922, les autorités britanniques de la Palestine mandataire ont proposé un projet de constitution qui aurait accordé aux Arabes palestiniens une représentation au Conseil législatif à condition qu'ils acceptent les termes du mandat. La délégation arabe palestinienne a rejeté la proposition comme étant « totalement insatisfaisante », notant que « le peuple palestinien » ne pouvait pas accepter l'inclusion de la Déclaration Balfour dans le préambule de la constitution comme base de discussions. Ils ont en outre contesté la désignation de la Palestine comme une « colonie britannique de l’ordre le plus bas ». Les Arabes ont tenté d’amener les Britanniques à proposer à nouveau un établissement juridique arabe environ dix ans plus tard, mais en vain. Après l’assassinat du cheikh Izz ad-Din al-Qassam par les Britanniques en 1935, ses partisans lançaient la révolte arabe de 1936 à 1939 en Palestine, qui commença par une grève générale à Jaffa et des attaques contre des installations juives et britanniques à Naplouse. Le Haut Comité arabe a appelé à une grève générale nationale, au non-paiement des impôts et à la fermeture des administrations municipales, et a exigé la fin de l'immigration juive et l'interdiction de la vente de terres aux Juifs. À la fin de 1936, le mouvement était devenu une révolte nationale et la résistance s’est développée en 1937 et 1938. En réponse, les Britanniques ont déclaré la loi martiale, dissous le Haut Comité arabe et arrêté les responsables du Conseil suprême musulman qui étaient à l’origine de la révolte. En 1939, 5 000 Arabes avaient été tués lors des tentatives britanniques pour réprimer la révolte ; plus de 15 000 personnes ont été blessées. "Années perdues" (1948-1967) Après la guerre de Palestine de 1948 et l'exode palestinien qui l'a accompagnée, connu par les Palestiniens sous le nom d'Al Nakba (la « catastrophe »), il y a eu une pause dans l'activité politique palestinienne. Khalidi attribue cela aux événements tragiques de 1947-49, qui comprenaient le dépeuplement de plus de 400 villes et villages et la création de centaines de milliers de réfugiés. Khalidi, 1997, pp. 178-180. 418 villages ont été rasés, 46 367 bâtiments, 123 écoles, 1 233 mosquées, 8 églises et 68 lieux saints, dont beaucoup ont une longue histoire, détruits par les forces israéliennes. En outre, les Palestiniens ont perdu entre 1,5 et 2 millions d'acres de terres, environ 150 000 habitations urbaines et rurales et 23 000 structures commerciales telles que des magasins et des bureaux. Des estimations récentes du coût pour les Palestiniens des confiscations de propriétés par Israël à partir de 1948 ont conclu que les Palestiniens ont subi une perte nette de 300 milliards de dollars en actifs. Les parties de la Palestine mandataire britannique qui ne faisaient pas partie de l'État israélien nouvellement déclaré furent occupées par l'Égypte ou annexées par la Jordanie. Lors de la Conférence de Jéricho, le 1er décembre 1948, 2 000 délégués palestiniens appuyèrent une résolution appelant à « l'unification de la Palestine et de la Transjordanie comme étape vers la pleine unité arabe ». Durant ce que Khalidi appelle les « années perdues » qui ont suivi, les Palestiniens manquaient de centre de gravité, divisés comme ils l'étaient entre ces pays et d'autres comme la Syrie, le Liban et ailleurs. Khalidi, 1997, p. 179. L’historien israélien Efraim Karsh estime que l’identité palestinienne ne s’est développée qu’après la guerre de 1967 parce que l’exode palestinien avait tellement fracturé la société qu’il était impossible de reconstituer une identité nationale. Entre 1948 et 1967, les Jordaniens et d'autres pays arabes accueillant des réfugiés arabes de Palestine/Israël ont réduit au silence toute expression de l'identité palestinienne et ont occupé leurs terres jusqu'aux conquêtes israéliennes de 1967. L'annexion formelle de la Cisjordanie par la Jordanie en 1950, et l'octroi ultérieur de La citoyenneté jordanienne de ses résidents palestiniens a encore freiné la croissance d'une identité nationale palestinienne en les intégrant dans la société jordanienne. Dans les années 1950, une nouvelle génération de groupes et de mouvements nationalistes palestiniens a commencé à s'organiser clandestinement et est apparue sur la scène publique dans les années 1960. Khalidi, 1997, p. 180. L’élite palestinienne traditionnelle qui avait dominé les négociations avec les Britanniques et les Sionistes pendant le mandat et qui était largement tenue pour responsable de la perte de la Palestine, a été remplacée par ces nouveaux mouvements dont les recrues venaient généralement de milieux pauvres ou de classe moyenne et étaient souvent des étudiants ou des jeunes diplômés des universités du Caire, de Beyrouth et de Damas. La puissance de l’idéologie panarabiste mise en avant par Gamal Abdel Nasser – populaire parmi les Palestiniens pour qui l’arabisme était déjà une composante importante de leur identitéKhalidi, 1997, p. 182. – tendait à obscurcir l’identité des États arabes distincts qu’elle englobait. Khalidi, 1997, p. 181. 1967-présent Depuis 1967, les Palestiniens de Cisjordanie et de la bande de Gaza vivent sous occupation militaire, créant, selon Avram Bornstein, une carcéralisation de leur société. Entre-temps, le panarabisme a décliné en tant qu’aspect de l’identité palestinienne. La prise par Israël de la bande de Gaza et de la Cisjordanie a déclenché un deuxième exode palestinien et fracturé les groupes politiques et militants palestiniens, les incitant à abandonner tout espoir résiduel dans le panarabisme. Ils se sont de plus en plus ralliés à l'Organisation de libération de la Palestine (OLP), créée au Caire en 1964. Le groupe a gagné en popularité au cours des années suivantes, notamment sous l'orientation nationaliste de la direction de Yasser Arafat. Le PNC a adopté l'objectif d'établir un État national en 1974. Le nationalisme palestinien laïc dominant a été regroupé sous l'égide de l'OLP, dont les organisations constituantes comprennent le Fatah et le Front populaire de libération de la Palestine, parmi d'autres groupes qui croyaient à l'époque que la violence politique était le seul moyen de « libérer » la Palestine. Ces groupes ont donné voix à une tradition apparue dans les années 1960, qui soutient que le nationalisme palestinien a de profondes racines historiques, avec des partisans extrémistes qui reprennent la conscience et l'identité nationalistes palestiniennes dans l'histoire de la Palestine au cours des derniers siècles, voire des millénaires, lorsqu'un tel mouvement s'est produit. la conscience est en fait relativement moderne. Khalidi, 1997, p. 149. Khalidi écrit : « Comme c'est le cas pour d'autres mouvements nationaux, les partisans extrémistes de ce point de vue vont plus loin et relisent de manière anachronique dans l'histoire de la Palestine au cours des derniers siècles, voire des millénaires, une conscience et une identité nationalistes qui sont en fait relativement moderne. La bataille de Karameh et les événements de Septembre noir en Jordanie ont contribué à accroître le soutien palestinien à ces groupes, en particulier parmi les Palestiniens en exil. Parallèlement, parmi les Palestiniens de Cisjordanie et de la bande de Gaza, un nouveau thème idéologique, connu sous le nom de sumud, représentait la stratégie politique palestinienne populairement adoptée à partir de 1967. Concept étroitement lié à la terre, à l'agriculture et à l'autochtonie, l'image idéale du Palestinien mise en avant à cette époque était celle du paysan (en arabe, fellah) qui restait sur sa terre, refusant de la quitter. Stratégie plus passive que celle adoptée par les fedayin palestiniens, le sumud a fourni un sous-texte important au récit des combattants, « en symbolisant la continuité et les liens avec la terre, avec la paysannerie et un mode de vie rural ». Schulz et Hammer, 2003, p. 105. En 1974, l’OLP a été reconnue comme le seul représentant légitime du peuple palestinien par les États-nations arabes et a obtenu le statut d’observateur en tant que mouvement de libération nationale auprès des Nations Unies la même année. Israël a rejeté la résolution, la qualifiant de « honteuse ». Dans un discours à la Knesset, le vice-Premier ministre et ministre des Affaires étrangères Yigal Allon a exposé le point de vue du gouvernement : « Personne ne peut s'attendre à ce que nous reconnaissions l'organisation terroriste appelée OLP comme représentant les Palestiniens – parce que ce n'est pas le cas. Personne ne peut s'attendre à ce que nous reconnaissions négocier avec les chefs des gangs terroristes qui, par leur idéologie et leurs actions, s'efforcent de liquider l'État d'Israël. » En 1975, les Nations Unies ont créé un organe subsidiaire, le Comité pour l'exercice des droits inaliénables du peuple palestinien, pour recommander un programme de mise en œuvre permettant au peuple palestinien d'exercer son indépendance nationale et ses droits à l'autodétermination sans ingérence extérieure. , l'indépendance et la souveraineté nationales, et

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Dans quel pays Aung San Suu Kyi est-elle une dirigeante controversée ?

Birmanie

Aung San Suu Kyi (née le 19 juin 1945) est une femme d'État sociale-démocrate birmane, une femme politique, une diplomate et une auteure qui est la première conseillère d'État en exercice et la dirigeante de la Ligue nationale pour la démocratie. Elle est également la première femme ministre des Affaires étrangères du Myanmar et ministre du Cabinet du président dans le cabinet du président Htin Kyaw, et de 2012 à 2016, elle a été députée de Pyithu Hluttaw pour le canton de Kawhmu. La plus jeune fille d'Aung San, père de la nation du Myanmar moderne, et de Khin Kyi, Aung San Suu Kyi est née à Rangoon, en Birmanie britannique. Après avoir obtenu son diplôme de l'Université de Delhi en 1964 et de l'Université d'Oxford en 1968, elle a travaillé aux Nations Unies pendant trois ans. Elle a épousé Michael Aris en 1972 et a donné naissance à deux enfants. Aung San Suu Kyi a pris de l'importance lors des soulèvements de 1988 et est devenue secrétaire générale de la nouvelle Ligue nationale pour la démocratie (NLD). Lors des élections de 1990, la NLD a remporté 81 % des sièges au Parlement, mais les résultats ont été annulés, l'armée ayant refusé de céder le pouvoir, ce qui a provoqué un tollé international. Elle avait cependant déjà été assignée à résidence avant les élections. Elle est restée assignée à résidence pendant près de 15 des 21 années entre 1989 et 2010, devenant ainsi l'une des prisonnières politiques les plus en vue au monde. Son parti a boycotté les élections de 2010, ce qui a donné une victoire décisive au Parti de la solidarité et du développement de l'Union, soutenu par l'armée. Aung San Suu Kyi est devenue députée du Pyithu Hluttaw tandis que son parti a remporté 43 des 45 sièges vacants lors des élections partielles de 2012. Aux élections de 2015, son parti a remporté une victoire écrasante, remportant 86 % des sièges à l'Assemblée de l'Union, soit bien plus que la majorité qualifiée de 67 % nécessaire pour garantir que ses candidats préférés soient élus président et deuxième vice-président aux élections présidentielles. Collège. Bien qu’il lui ait été interdit de devenir présidente en raison d’une clause de la Constitution – son défunt mari et ses enfants sont des citoyens étrangers – elle a assumé le rôle nouvellement créé de conseillère d’État, un rôle comparable à celui d’un Premier ministre ou d’un chef de gouvernement. Aung San Suu Kyi a acquis une renommée internationale, ayant reçu de nombreux honneurs, notamment le prix Rafto, le prix Sakharov, le prix Nobel de la paix, le prix Jawaharlal Nehru, l'Ordre d'Australie, la médaille d'or du Congrès américain et la médaille présidentielle de la liberté. Elle est citoyenne honoraire de nombreux pays, dont le Canada, et a été membre honoraire des Aînés de Nelson Mandela. Nom Aung San Suu Kyi, comme d'autres noms birmans, ne comprend aucun nom de famille, mais n'est qu'un nom personnel, dans son cas dérivé de trois parents : « Aung San » de son père, « Suu » de sa grand-mère paternelle et « Kyi ». de sa mère Khin Kyi. Les Birmans l'appellent Daw Aung San Suu Kyi. Daw, qui signifie littéralement « tante », ne fait pas partie de son nom mais est un titre honorifique birman désignant toute femme plus âgée et vénérée, semblable à « Madame ». Les Birmans l'appellent parfois Daw Suu ou Amay Suu ("Mère Suu"). Vie privée Aung San Suu Kyi est née le 19 juin 1945 à Rangoon (aujourd'hui Yangon), en Birmanie britannique. Selon Peter Popham, elle est née dans un petit village à l'extérieur de Rangoon appelé Hmway Saung. Son père, Aung San, a fondé l'armée birmane moderne et a négocié l'indépendance de la Birmanie vis-à-vis de l'Empire britannique en 1947 ; il fut assassiné par ses rivaux la même année. Elle a grandi avec sa mère, Khin Kyi, et ses deux frères, Aung San Lin et Aung San Oo, à Rangoon. Aung San Lin est décédé à l'âge de huit ans, noyé dans un lac ornemental sur le terrain de la maison. Son frère aîné a émigré à San Diego, en Californie, devenant citoyen américain. Après la mort d'Aung San Lin, la famille a déménagé dans une maison au bord du lac Inya où Suu Kyi a rencontré des personnes d'origines, d'opinions politiques et de religions diverses. Elle a fait ses études au lycée méthodiste anglais (maintenant lycée d'éducation de base n°1 de Dagon) pendant une grande partie de son enfance en Birmanie, où elle a été reconnue comme ayant un talent pour l'apprentissage des langues. Elle parle quatre langues : birman, anglais, français et japonais. Elle est bouddhiste Theravada. La mère de Suu Kyi, Khin Kyi, a pris de l'importance en tant que personnalité politique du nouveau gouvernement birman. Elle a été nommée ambassadrice de Birmanie en Inde et au Népal en 1960, et Aung San Suu Kyi l'y a suivie. Elle a étudié à l'école du Couvent de Jésus et de Marie à New Delhi et a obtenu un diplôme en politique du Lady Shri Ram College de New Delhi en 1964.[http://www.burmacampaign.org.uk/index.php/burma /à propos de la Birmanie/à propos de la Birmanie/une-biographie-d'aung-san-suu-kyi Une biographie d'Aung San Suu Kyi]. Campagne de Birmanie.co.uk. Récupéré le 7 mai 2009. Suu Kyi a poursuivi ses études au St Hugh's College d'Oxford, obtenant un baccalauréat en philosophie, politique et économie en 1967, puis un troisième et une maîtrise en politique en 1968. Après avoir obtenu son diplôme, elle a vécu à New York. Ville avec l'ami de la famille Ma Than E, qui était autrefois un chanteur pop birman populaire. Elle a travaillé aux Nations Unies pendant trois ans, principalement sur des questions budgétaires, écrivant quotidiennement à son futur mari, le Dr Michael Aris. Le 1er janvier 1972, Aung San Suu Kyi et Aris, un spécialiste de la culture tibétaine vivant à l'étranger au Bhoutan, se sont mariés. L'année suivante, elle donne naissance à leur premier fils, Alexander Aris, à Londres ; leur deuxième fils, Kim, est né en 1977. Entre 1985 et 1987, Suu Kyi étudiait pour obtenir une maîtrise en littérature birmane en tant qu'étudiant chercheur à la SOAS, l'École d'études orientales et africaines de l'Université de Londres. Elle a été élue membre honoraire de la SOAS en 1990. Pendant deux ans, elle a été membre de l'Institut indien d'études avancées (IIAS) à Shimla, en Inde. Elle a également travaillé pour le gouvernement de l’Union birmane. En 1988, Suu Kyi est retournée en Birmanie, d'abord pour s'occuper de sa mère malade, puis pour diriger le mouvement pro-démocratie. La visite d'Aris à Noël 1995 s'est avérée être la dernière fois que lui et Suu Kyi se sont rencontrés, car Suu Kyi est resté en Birmanie et la dictature birmane lui a refusé tout autre visa d'entrée. Aris a reçu un diagnostic de cancer de la prostate en 1997, qui s'est ensuite révélé en phase terminale. Malgré les appels de personnalités et d'organisations éminentes, notamment les États-Unis, le secrétaire général de l'ONU, Kofi Annan, et le pape Jean-Paul II, le gouvernement birman n'a pas accordé de visa à Aris, affirmant qu'il n'avait pas les installations nécessaires pour s'occuper de lui, et a plutôt exhorté Aung San Suu Kyi de quitter le pays pour lui rendre visite. Elle était à ce moment-là temporairement libérée de son assignation à résidence, mais elle ne voulait pas partir, craignant de se voir refuser l'entrée si elle quittait, car elle n'avait pas confiance dans l'assurance de la junte militaire selon laquelle elle pourrait revenir. Aris est décédé le jour de son 53e anniversaire, le 27 mars 1999. Depuis 1989, date à laquelle sa femme a été assignée à résidence pour la première fois, il ne l'avait vue que cinq fois, la dernière fois à Noël 1995. Elle a également été séparée de ses enfants, qui vivent au Royaume-Uni, mais depuis 2011, ils lui ont rendu visite en Birmanie. Le 2 mai 2008, après que le cyclone Nargis ait frappé la Birmanie, Suu Kyi a perdu le toit de sa maison et a vécu dans l'obscurité virtuelle après avoir perdu l'électricité dans sa résidence délabrée au bord du lac. Elle utilisait des bougies la nuit car aucun groupe électrogène ne lui était fourni. Des projets de rénovation et de réparation de la maison ont été annoncés en août 2009. Suu Kyi a été libérée de son assignation à résidence le 13 novembre 2010. Carrière politique Début politique Par coïncidence, lorsque Aung San Suu Kyi est revenue en Birmanie en 1988, le général Ne Win, chef militaire de longue date de la Birmanie et chef du parti au pouvoir, a démissionné. Des manifestations de masse en faveur de la démocratie ont suivi cet événement du 8 août 1988 (8-8-88, jour considéré comme de bon augure), qui ont été violemment réprimées lors de ce qui est devenu connu sous le nom de soulèvement de 8888. Le 26 août 1988, elle s'est adressée à un demi-million de personnes lors d'un rassemblement de masse devant la pagode Shwedagon dans la capitale, appelant à un gouvernement démocratique. Cependant, en septembre, une nouvelle junte militaire a pris le pouvoir. Influencée à la fois par la philosophie de non-violence du Mahatma Gandhi et plus particulièrement par les concepts bouddhistes, Aung San Suu Kyi entre en politique pour œuvrer en faveur de la démocratisation, participe à la fondation de la Ligue nationale pour la démocratie le 27 septembre 1988, mais est assignée à résidence le 20 juillet 1989. . Offerte à la liberté si elle quittait le pays, elle a refusé. Malgré sa philosophie de non-violence, un groupe d’anciens commandants militaires et de hauts responsables politiques qui ont rejoint la NLD pendant la crise ont estimé qu’elle était trop conflictuelle et ont quitté la NLD. Cependant, elle a conservé une énorme popularité et un soutien énorme parmi les jeunes de la NLD avec qui elle a passé la plupart de son temps. Pendant son assignation à résidence, Suu Kyi s'est consacrée aux pratiques de méditation bouddhiste et à l'étude de la pensée bouddhiste. Cet intérêt plus profond pour le bouddhisme se reflète dans ses écrits, car l'accent est mis davantage sur l'amour et la compassion. De nouvelles discussions ont également émergé sur la compatibilité de la démocratie et du bouddhisme et sur la capacité de se libérer d'un gouvernement autoritaire grâce au bouddhisme. Pendant la crise, l'ancien Premier ministre démocratiquement élu de Birmanie, U Nu, a initié la formation d'un gouvernement intérimaire et a invité les dirigeants de l'opposition à le rejoindre. Le Premier ministre indien Rajiv Gandhi s'est déclaré prêt à reconnaître le gouvernement intérimaire. Cependant, Aung San Suu Kyi a catégoriquement rejeté le plan d'U Nu en affirmant que « l'avenir de l'opposition serait décidé par les masses populaires ». L'ancien général de brigade Aung Gyi, autre homme politique influent au moment de la crise de 8888, a emboîté le pas et a rejeté le plan après le refus de Suu Kyi. Aung Gyi a ensuite accusé plusieurs membres de la NLD d'être communistes et a démissionné du parti. Élections générales de 1990 En 1990, la junte militaire a convoqué des élections générales au cours desquelles la Ligue nationale pour la démocratie (LND) a obtenu 59 % des voix, garantissant à la LND 80 % des sièges au Parlement. Certains prétendent qu'Aung San Suu Kyi aurait assumé le poste de Premier ministre ; En fait, cependant, comme elle n’y était pas autorisée, elle ne s’est pas présentée comme candidate aux élections (bien qu’être députée ne soit pas une condition préalable stricte pour devenir Premier ministre dans la plupart des systèmes parlementaires). Au lieu de cela, les résultats ont été annulés et l’armée a refusé de céder le pouvoir, ce qui a provoqué un tollé international. Aung San Suu Kyi a été assignée à résidence à son domicile de l'avenue University () à Rangoon, période pendant laquelle elle a reçu le prix Sakharov pour la liberté de pensée en 1990, et le prix Nobel de la paix l'année suivante. Ses fils Alexander et Kim ont accepté le prix Nobel de la paix en son nom. Aung San Suu Kyi a utilisé les 1,3 millions de dollars du prix Nobel de la paix pour créer un fonds fiduciaire pour la santé et l'éducation du peuple birman. À cette époque, Suu Kyi a choisi la non-violence comme tactique politique opportune, déclarant en 2007 : « Je ne défends pas la non-violence pour des raisons morales, mais pour des raisons politiques et pratiques ». Attaque de 1996 Le 9 novembre 1996, le cortège dans lequel Aung San Suu Kyi voyageait avec d'autres dirigeants de la Ligue nationale pour la démocratie, Tin Oo et Kyi Maung, a été attaqué à Yangon. Environ 200 hommes se sont précipités sur le cortège, brandissant des chaînes métalliques, des matraques métalliques, des pierres et d'autres armes. La voiture dans laquelle se trouvait Aung San Suu Kyi a eu sa lunette arrière brisée, et la voiture avec Tin Oo et Kyi Maung a eu sa lunette arrière et deux vitres de porte arrière brisées. On pense que les délinquants étaient des membres de l'Association syndicale de solidarité et de développement (USDA) qui auraient reçu chacun 500 kyats ($ 0,50) pour participer. La NLD a déposé une plainte officielle auprès de la police et, selon certaines informations, le gouvernement a ouvert une enquête, mais aucune mesure n'a été prise. (Amnesty International 120297) assignation à domicile Aung San Suu Kyi a été assignée à résidence pendant 15 ans au total sur une période de 21 ans, à de nombreuses reprises depuis le début de sa carrière politique, Moe, Wait (3 août 2009). [http://www2.irrawaddy.org/highlight.php?art_id 16470 Suu Kyi remet en question le système judiciaire birman, Constitution]. L'Irrawaddy. période pendant laquelle elle n'a pas pu rencontrer les partisans de son parti et les visiteurs internationaux. Dans une interview, Suu Kyi a déclaré que pendant son assignation à résidence, elle passait son temps à lire des livres de philosophie, de politique et des biographies que son mari lui avait envoyées. Elle passait également son temps à jouer du piano et était occasionnellement autorisée à recevoir la visite de diplomates étrangers ainsi que de son médecin personnel. Bien qu'elle soit assignée à résidence, Suu Kyi a obtenu l'autorisation de quitter la Birmanie à la condition qu'elle n'y revienne jamais. Plutôt que d'abandonner son peuple, Suu Kyi s'est soumise à l'assignation à résidence et a décidé de sacrifier sa vie avec son mari et ses deux jeunes fils, afin de rester aux côtés de son peuple : « En tant que mère, le plus grand sacrifice était d'abandonner mes fils, mais J'ai toujours été conscient du fait que d'autres avaient abandonné plus que moi. Je n'oublie jamais que mes collègues qui sont en prison souffrent non seulement physiquement, mais aussi mentalement pour leurs familles qui n'ont aucune sécurité à l'extérieur - dans la plus grande prison de Birmanie sous un régime autoritaire. règle." Sa loyauté envers le peuple birman et sa solidarité avec les personnes emprisonnées pour leurs actes pro-démocratiques lui ont valu un profond respect parmi le peuple birman. Les médias ont également été empêchés de se rendre à Suu Kyi, comme cela s'est produit en 1998 lorsque le journaliste Maurizio Giuliano, après l'avoir photographiée, a été arrêté par les douaniers qui ont ensuite confisqué tous ses films, cassettes et quelques notes. En revanche, Suu Kyi a reçu la visite de représentants du gouvernement, comme lors de son assignation à résidence à l'automne 1994, lorsqu'elle a rencontré le dirigeant birman, le général Than Shwe et le général Khin Nyunt, le 20 septembre, lors de sa première réunion depuis sa mise en détention. À plusieurs reprises lors de son assignation à résidence, Suu Kyi a connu des périodes de mauvaise santé et a donc été hospitalisée. Le gouvernement birman a détenu et maintenu Suu Kyi en prison parce qu'il la considérait comme quelqu'un « susceptible de porter atteinte à la paix et à la stabilité de la communauté » du pays, et a utilisé à la fois l'article 10(a) et 10(b) de la loi sur la protection de l'État de 1975 (accordant (le gouvernement a le pouvoir d'emprisonner des personnes jusqu'à cinq ans sans procès), et l'article 22 de la « Loi visant à protéger l'État contre les dangers de ceux qui désirent commettre des actes subversifs » comme outils juridiques contre elle. Elle a continuellement fait appel de sa détention, et de nombreux pays et personnalités ont continué à réclamer sa libération ainsi que celle de 2 100 autres prisonniers politiques dans le pays. Le 12 novembre 2010, quelques jours après que le Parti de la solidarité et du développement de l'Union (USDP), soutenu par la junte, ait remporté des élections organisées après un intervalle de 20 ans, la junte a finalement accepté de signer des ordonnances autorisant la libération de Suu Kyi, et la peine d'assignation à résidence de Suu Kyi a pris fin. se terminera le 13 novembre 2010. Implication des Nations Unies Les Nations Unies (ONU) ont tenté de faciliter le dialogue entre la junte et Suu Kyi. Le 6 mai 2002, à la suite de négociations secrètes de confiance menées par l'ONU, le gouvernement l'a libérée ; un porte-parole du gouvernement a déclaré qu'elle était libre de se déplacer "parce que nous sommes convaincus que nous pouvons nous faire confiance". Aung San Suu Kyi a proclamé « une nouvelle aube pour le pays ». Cependant, le 30 mai 2003, lors d'un incident similaire à l'attaque dont elle avait été victime en 1996, une foule parrainée par le gouvernement a attaqué sa caravane dans le village de Depayin, dans le nord du pays, tuant et blessant nombre de ses partisans. Aung San Suu Kyi a fui les lieux avec l'aide de son chauffeur, Kyaw Soe Lin, mais a été arrêtée alors qu'elle arrivait à Ye-U. Le gouvernement l'a emprisonnée à la prison d'Insein à Rangoon. Après avoir subi une hystérectomie en septembre 2003, le gouvernement l'a de nouveau assignée à résidence à Rangoon. Les résultats de la facilitation de l’ONU ont été mitigés ; Razali Ismail, envoyé spécial de l'ONU en Birmanie, a rencontré Aung San Suu Kyi. Ismail a démissionné de son poste l’année suivante, en partie parce qu’on lui a refusé à plusieurs reprises l’entrée en Birmanie. Plusieurs années plus tard, en 2006, Ibrahim Gambari, sous-secrétaire général de l'ONU chargé des affaires politiques, a rencontré Aung San Suu Kyi, la première visite d'un responsable étranger depuis 2004. Il a également rencontré Suu Kyi plus tard la même année. Le 2 octobre 2007, Gambari est revenu lui parler après avoir vu Than Shwe et d'autres membres de la haute direction de Naypyidaw. La télévision d'État a diffusé Suu Kyi avec Gambari, déclarant qu'ils s'étaient rencontrés deux fois. Il s'agissait de la première apparition de Suu Kyi dans les médias d'État au cours des quatre années écoulées depuis le début de sa détention actuelle. Le Groupe de travail des Nations Unies sur la détention arbitraire a publié un avis selon lequel la privation de liberté d'Aung San Suu Kyi était arbitraire et contraire à l'article 9 de la Déclaration universelle des droits de l'homme de 1948, et a demandé aux autorités birmanes de la libérer, mais les autorités ignoré la demande à ce moment-là. Le rapport de l'ONU indique que, selon la réponse du gouvernement birman, « Daw Aung San Suu Kyi n'a pas été arrêtée, mais a seulement été placée en détention préventive, pour sa propre sécurité », et bien que « celui-ci aurait pu intenter une action en justice contre elle en vertu de la législation nationale du pays (...) a préféré adopter une attitude magnanime et lui assure une protection dans son propre intérêt." Ces affirmations ont été rejetées par le général de brigade Khin Yi, chef de la police du Myanmar (MPF). Le 18 janvier 2007, le journal d'État New Light of Myanmar a accusé Suu Kyi de fraude fiscale pour avoir dépensé l'argent de son prix Nobel à l'extérieur du pays. Cette accusation faisait suite à l'échec d'une résolution du Conseil de sécurité des Nations Unies, parrainée par les États-Unis, condamnant la Birmanie comme une menace à la sécurité internationale ; la résolution a été rejetée en raison de la forte opposition de la Chine, qui entretient des liens étroits avec la junte militaire (la Chine a ensuite voté contre la résolution, aux côtés de la Russie et de l’Afrique du Sud). En novembre 2007, il a été rapporté que Suu Kyi rencontrerait ses alliés politiques, la Ligue nationale pour la démocratie, ainsi qu'un ministre du gouvernement. La junte au pouvoir a fait cette annonce officielle à la télévision et à la radio d'État quelques heures seulement après que l'envoyé spécial de l'ONU, Ibrahim Gambari, ait terminé sa deuxième visite en Birmanie. La LND a confirmé avoir reçu une invitation à s'entretenir avec Suu Kyi. Cependant, le processus n’a donné que peu de résultats concrets. Le 3 juillet 2009, le secrétaire général de l'ONU, Ban Ki-moon, s'est rendu en Birmanie pour faire pression sur la junte afin qu'elle libère Suu Kyi et qu'elle instaure des réformes démocratiques. Cependant, en quittant la Birmanie, Ban Ki-moon s'est dit « déçu » de cette visite après que le chef de la junte Than Shwe lui ait refusé l'autorisation de se rendre à Suu Kyi, invoquant son procès en cours. Ban s'est dit "profondément déçu qu'ils aient raté une opportunité très importante". Périodes de détention * 20 juillet 1989 : assigné à résidence à Rangoon en vertu de la loi martiale qui autorise la détention sans inculpation ni procès pendant trois ans. * 10 juillet 1995 : Libéré de l'assignation à résidence. * 23 septembre 2000 : Placé en résidence surveillée. * 6 mai 2002 : Libération après 19 mois. * 30 mai 2003 : Arrêtée suite au massacre de Depayin, elle est détenue au secret pendant plus de trois mois avant d'être assignée à résidence. * 25 mai 2007 : L'assignation à résidence est prolongée d'un an malgré un appel direct du secrétaire général de l'ONU, Kofi Annan, au général Than Shwe. * 24 octobre 2007 : Atteint depuis 12 ans en résidence surveillée, manifestations de solidarité organisées dans 12 villes du monde. * 27 mai 2008 : L'assignation à résidence est prolongée d'un an, ce qui est illégal tant au regard du droit international que du droit birman. * 11 août 2009 : l'assignation à résidence prolongée de 18 mois supplémentaires en raison de "violations" résultant de l'incident d'intrusion de mai 2009. * 13 novembre 2010 : Libéré de l'assignation à résidence. Manifestations antigouvernementales de 2007 Les manifestations menées par des moines bouddhistes ont débuté le 19 août 2007 à la suite d'augmentations progressives du prix du carburant et se sont poursuivies chaque jour, malgré la menace d'une répression militaire. Le 22 septembre 2007, bien que toujours assignée à résidence, Suu Kyi a fait une brève apparition publique à l'entrée de sa résidence à Yangon pour accepter la bénédiction des moines bouddhistes qui manifestaient en faveur des droits de l'homme. Il a été signalé qu'elle avait été transférée le lendemain à la prison d'Insein (où elle avait été détenue en 2003), mais des réunions avec l'envoyé de l'ONU, Ibrahim Gambari, près de son domicile à Rangoon, les 30 septembre et 2 octobre, ont établi qu'elle restait assignée à résidence. Incident d'intrusion de 2009 Le 3 mai 2009, un Américain, identifié comme John Yettaw, a traversé le lac Inya à la nage pour se rendre chez elle sans y être invité et a été arrêté alors qu'il effectuait son voyage de retour trois jours plus tard. Il avait tenté de faire un voyage similaire deux ans plus tôt, mais, pour des raisons inconnues, il avait été refoulé.James, Randy (20 mai 2009). [http://www.time.com/time/world/article/0,8599,1899769,00.html John Yettaw : le visiteur indésirable de Suu Kyi]. Temps. Il a affirmé plus tard au procès qu'il était motivé par une vision divine l'obligeant à l'informer d'une tentative d'assassinat terroriste imminente. Le 13 mai, Suu Kyi a été arrêtée pour avoir violé les termes de son assignation à résidence parce que le nageur, qui a plaidé épuisé, a été autorisé à rester dans sa maison pendant deux jours avant de tenter de revenir à la nage. Suu Kyi a ensuite été emmenée à la prison d'Insein, où elle aurait pu être condamnée à cinq ans de détention pour cette intrusion. Le procès de Suu Kyi et de ses deux servantes a débuté le 18 mai et un petit nombre de manifestants se sont rassemblés à l'extérieur. Les diplomates et les journalistes n'ont pas été autorisés à assister au procès ; cependant, à une occasion, plusieurs diplomates de Russie, de Thaïlande et de Singapour ainsi que des journalistes ont été autorisés à rencontrer Suu Kyi. L'accusation avait initialement prévu de citer 22 témoins. Il a également accusé John Yettaw d'avoir embarrassé le pays. elle était innocente. La défense n'a été autorisée à citer qu'un seul témoin (sur quatre), tandis que l'accusation a été autorisée à citer 14 témoins. Le tribunal a rejeté deux témoins de moralité, les membres de la NLD Tin Oo et Win Tin, et a autorisé la défense à appeler uniquement un expert juridique. Selon une information non confirmée, la junte envisageait, une fois de plus, de la placer en détention, cette fois dans une base militaire en dehors de la ville. Dans un autre procès, Yettaw a déclaré qu'il avait nagé jusqu'à la maison de Suu Kyi pour l'avertir que sa vie était « en danger ». Le chef de la police nationale a confirmé plus tard que Yettaw était le « principal coupable » dans l'affaire déposée contre Suu Kyi. Selon ses collaborateurs, Suu Kyi a passé son 64e anniversaire en prison à partager du riz biryani et un gâteau au chocolat avec ses gardes. Son arrestation et son procès ont été condamnés dans le monde entier par le secrétaire général de l'ONU, Ban Ki-moon, le Conseil de sécurité des Nations Unies, les gouvernements occidentaux, l'Afrique du Sud, le Japon et l'Association des nations de l'Asie du Sud-Est, dont la Birmanie est membre. Le gouvernement birman a fermement condamné cette déclaration, car elle créait une « tradition malsaine » et a critiqué la Thaïlande pour son ingérence dans ses affaires intérieures. Le ministre birman des Affaires étrangères, Nyan Win, a été cité dans le journal officiel New Light of Myanmar comme disant que l'incident "a été inventé de toutes pièces pour intensifier la pression internationale sur la Birmanie par des éléments antigouvernementaux internes et externes qui ne souhaitent pas voir des changements positifs". dans les politiques de ces pays à l'égard de la Birmanie". Ban a répondu à une campagne internationale en se rendant en Birmanie pour négocier, mais Than Shwe a rejeté toutes ses demandes. Le 11 août 2009, le procès s'est terminé avec la condamnation de Suu Kyi à trois ans de prison avec travaux forcés. Cette peine a été commuée par les dirigeants militaires en une nouvelle assignation à résidence de 18 mois. Le 14 août, le sénateur américain Jim Webb s'est rendu en Birmanie, rendant visite au chef de la junte, le général Than Shwe, puis à Suu Kyi. Au cours de la visite, Webb a négocié la libération et l'expulsion de Yettaw de Birmanie. Suite au verdict du procès, les avocats de Suu Kyi ont déclaré qu'ils feraient appel de la peine de 18 mois. Le 18 août, le président américain Barack Obama a demandé aux dirigeants militaires du pays de libérer tous les prisonniers politiques, y compris Aung San Suu Kyi. Dans son appel, Aung San Suu Kyi avait fait valoir que la condamnation était injustifiée. Cependant, son appel contre la sentence du mois d'août a été rejeté par un tribunal birman le 2 octobre 2009. Bien que le tribunal ait accepté l'argument selon lequel la Constitution de 1974, en vertu de laquelle elle avait été inculpée, était nulle et non avenue, il a également déclaré que les dispositions de la Constitution de 1975 la loi sur la sécurité, en vertu de laquelle elle a été assignée à résidence, est restée en vigueur. Le verdict signifiait effectivement qu’elle ne pourrait pas participer aux élections prévues pour 2010 – les premières en Birmanie depuis deux décennies. Son avocat a déclaré que son équipe juridique ferait appel dans un délai de 60 jours. 2009 : pressions internationales pour la libération et élections générales birmanes de 2010 Il a été annoncé avant les élections générales birmanes qu'Aung San Suu Kyi pourrait être libérée « afin qu'elle puisse organiser son parti ». Cependant, Suu Kyi n'a pas été autorisée à se présenter. Le 1er octobre 2010, le gouvernement a annoncé qu'elle serait libérée le 13 novembre 2010. Le président américain Barack Obama a personnellement préconisé la libération de tous les prisonniers politiques, en particulier d'Aung San Suu Kyi, lors du sommet États-Unis-ASEAN de 2009. Le gouvernement américain espérait que des élections générales réussies seraient un indicateur optimiste de la sincérité du gouvernement birman envers une éventuelle démocratie. Le gouvernement Hatoyama, qui a dépensé 2,82 milliards de yens en 2008, a promis davantage d'aide étrangère japonaise pour encourager la Birmanie à libérer Aung San Suu Kyi à temps pour les élections ; et continuer à progresser vers la démocratie et l’État de droit. Dans une lettre personnelle à Suu Kyi, le Premier ministre britannique Gordon Brown a mis en garde le gouvernement birman contre les conséquences potentielles d'élections truquées, qui « condamneraient la Birmanie à de nouvelles années d'isolement diplomatique et de stagnation économique ». Suu Kyi a rencontré de nombreux chefs d'État et a entamé un dialogue avec la ministre du Travail Aung Kyi (à ne pas confondre avec Aung San Suu Kyi). Elle a été autorisée à rencontrer des hauts responsables de son parti NLD à la State House, mais ces réunions se sont déroulées sous étroite surveillance. version 2010 Dans la soirée du 13 novembre 2010, Suu Kyi a été libérée de son assignation à résidence. C'était la date à laquelle sa détention devait expirer selon une décision de justice rendue en août 2009 et elle survenait six jours après des élections générales largement critiquées. Elle est apparue devant une foule de ses partisans, qui se sont précipités vers sa maison à Rangoon lorsque les barricades voisines ont été supprimées par les forces de sécurité. Suu Kyi avait été détenue pendant 15 des 21 dernières années. Le journal gouvernemental New Light of Myanmar a rapporté cette libération de manière positive, affirmant qu'elle avait obtenu une grâce après avoir purgé sa peine « en bonne conduite ». Le New York Times a suggéré que le gouvernement militaire aurait pu libérer Suu Kyi parce qu'il estimait qu'il était en mesure de contrôler ses partisans après les élections. Le rôle que Suu Kyi jouera dans l’avenir de la démocratie en Birmanie reste un sujet de nombreux débats. Son fils Kim Aris a obtenu un visa en novembre 2010 pour voir sa mère peu après sa libération, pour la première fois depuis 10 ans. Il lui est revenu à nouveau le 5 juillet 2011, pour l'accompagner lors d'un voyage à Bagan, son premier voyage en dehors de Yangon depuis 2003. Son fils lui est revenu à nouveau le 8 août 2011, pour l'accompagner lors d'un voyage à Pegu, son deuxième voyage. Des discussions ont eu lieu entre Suu Kyi et le gouvernement birman courant 2011, qui ont donné lieu à un certain nombre de gestes officiels pour répondre à ses revendications. En octobre, environ un dixième des prisonniers politiques birmans ont été libérés grâce à une amnistie et les syndicats ont été légalisés. En novembre 2011, à l'issue d'une réunion de ses dirigeants, la LND a annoncé son intention de se réenregistrer en tant que parti politique afin de participer aux 48 élections partielles rendues nécessaires par la promotion des parlementaires au rang ministériel. Suite à cette décision, Suu Kyi a tenu une conférence téléphonique avec le président américain Barack Obama, au cours de laquelle il a été convenu que la secrétaire d'État Hillary Clinton effectuerait une visite en Birmanie, une décision accueillie avec prudence par la Chine, alliée de la Birmanie. Le 1er décembre 2011, Suu Kyi a rencontré Hillary Clinton à la résidence du plus haut diplomate américain à Yangon. Le 21 décembre 2011, le Premier ministre thaïlandais Yingluck Shinawatra a rencontré Suu Kyi à Yangoon, marquant la « toute première rencontre de Suu Kyi avec le dirigeant d'un pays étranger ». Le 5 janvier 2012, le ministre britannique des Affaires étrangères William Hague a rencontré Aung San Suu Kyi et son homologue birman. Cela représentait une visite importante pour Suu Kyi et la Birmanie. Suu Kyi a étudié au Royaume-Uni et y entretient de nombreux liens, tandis que la Grande-Bretagne est le plus grand donateur bilatéral de la Birmanie. Lors de sa visite en Europe, Aung San Suu Kyi a visité le Parlement suisse, reçu son prix Nobel de 1991 à Oslo et son diplôme honorifique de l'Université d'Oxford. Élections partielles de 2012 En décembre 2011, des spéculations circulaient selon lesquelles Suu Kyi se présenterait aux élections partielles nationales de 2012 pour pourvoir les sièges vacants. Le 18 janvier 2012, Suu Kyi s'est officiellement inscrite pour briguer un siège de Pyithu Hluttaw (chambre basse) dans la circonscription du canton de Kawhmu lors d'élections parlementaires spéciales qui se tiendront le 1er avril 2012. Le siège était auparavant occupé par Soe Tint, qui l'a quitté après avoir été nommé sous-ministre de la Construction lors des élections de 2010. Elle s'est présentée contre le candidat du Parti syndical, solidarité et développement, Soe Min, médecin militaire à la retraite et originaire du canton de Twante. Le 3 mars 2012, lors d'un grand rassemblement électoral à Mandalay, Suu Kyi est partie inopinément après 15 minutes, en raison d'épuisement et du mal de l'air. Dans un discours de campagne officiel diffusé sur la télévision d'État birmane MRTV le 14 mars 2012, Suu Kyi a publiquement fait campagne pour la réforme de la Constitution de 2008, la suppression des lois restrictives, une protection plus adéquate des droits démocratiques du peuple et la création d'un système judiciaire indépendant. Le discours a été divulgué en ligne un jour avant sa diffusion. Un paragraphe du discours, consacré à la répression légale de la Tatmadaw, a été censuré par les autorités. Suu Kyi a également appelé les médias internationaux à surveiller les prochaines élections partielles, tout en soulignant publiquement les irrégularités dans les listes électorales officielles, qui incluent des personnes décédées et excluent d'autres électeurs éligibles dans les circonscriptions contestées. Le 21 mars 2012, Aung San Suu Kyi aurait déclaré que « la fraude et les violations des règles se poursuivent et nous pouvons même dire qu'elles augmentent ». Lorsqu’on lui a demandé si elle assumerait un poste ministériel si l’occasion lui en était donnée, elle a répondu ce qui suit : Le 26 mars 2012, Suu Kyi a suspendu prématurément sa tournée de campagne nationale, après un rassemblement électoral à Myeik (Mergui), une ville côtière du sud, invoquant des problèmes de santé dus à l'épuisement et au temps chaud. Le 1er avril 2012, la NLD a annoncé que Suu Kyi avait remporté le vote pour un siège au Parlement. Un journal télévisé sur la chaîne d'information publique MRTV, lisant les annonces de la Commission électorale de l'Union, a confirmé sa victoire, ainsi que celle de son parti dans 43 des 45 sièges disputés, faisant officiellement de Suu Kyi la chef de l'opposition dans le Pyidaungsu Hluttaw. Bien qu'elle et d'autres députés élus devaient prendre leurs fonctions le 23 avril lorsque les Hluttaws reprendront la session, les députés élus de la Ligue nationale pour la démocratie, dont Suu Kyi, ont déclaré qu'ils pourraient ne pas prêter serment en raison de la formulation de ce texte ; dans sa forme actuelle, les parlementaires doivent s'engager à « sauvegarder » la constitution. Dans un discours sur Radio Free Asia, elle a déclaré : « Nous ne voulons pas dire que nous n'assisterons pas au Parlement, nous voulons dire que nous n'y assisterons qu'après avoir prêté serment... Changer cette formulation dans le serment est également conforme à la Constitution. Je ne m'attends pas à ce qu'il y ait de difficulté à le faire." Le 2 mai 2012, les députés élus de la Ligue nationale pour la démocratie, dont Aung San Suu Kyi, ont prêté serment et ont pris leurs fonctions, bien que le libellé du serment n'ait pas été modifié. Selon le Los Angeles Times, « Suu Kyi et ses collègues ont décidé qu'ils pouvaient faire plus en devenant législateurs qu'en maintenant leur boycott de principe. » Le 9 juillet 2012, elle a assisté pour la première fois au Parlement en tant que législatrice. Réponse à la violence contre les musulmans et les réfugiés rohingyas Certains militants ont critiqué Aung San Suu Kyi pour son silence sur les émeutes de l'État de Rakhine en 2012 (répétées plus tard lors de la crise des réfugiés rohingyas en 2015) et pour son indifférence perçue à l'égard du sort des Rohingyas, la minorité musulmane persécutée du Myanmar. Après avoir reçu un prix de la paix, elle a déclaré aux journalistes qu'elle ne savait pas si les Rohingyas pouvaient être considérés comme des citoyens birmans. Dans une interview avec Mishal Husain de la BBC, Suu Kyi a refusé de condamner la violence contre les Rohingyas et a nié que les musulmans du Myanmar aient été soumis à des violences.

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