Gothic sculpture
गोथिक मूर्तिकला एक मूर्तिकला शैली थी जो मध्य युग के दौरान यूरोप में 12 वीं शताब्दी के मध्य से 16 वीं शताब्दी तक फला-फूला, जो रोमनस्क्यू मूर्तिकला से विकसित हुई और पुनर्जागरण मूर्तिकला और शैली में घुल गई। जब पुनर्जागरण में शास्त्रीय मूल्यों की फिर से सराहना की जाने लगी, तो पिछली शताब्दियों की मूर्तिकला को आकारहीन और खुरदरा माना गया और इसे गोथिक नाम दिया गया, क्योंकि माना जाता था कि यह गोथों की संस्कृति से आया है, लोगों को बर्बर माना जाता था और माना जाता था कि रोमन साम्राज्य के गायब होने के लिए जिम्मेदार था। लेकिन गोथिक काल के लोगों ने कभी भी खुद को वह नाम नहीं दिया और न ही वे खुद को बर्बर मानते थे। इसके विपरीत, इसके उद्भव में गोथिक कला को अभिनव के रूप में देखा गया था और इसे ओपस मॉडर्नम ("आधुनिक कार्य") कहा जाता था, क्योंकि मूर्तिकला इसकी सबसे महत्वपूर्ण और परिष्कृत अभिव्यक्तियों में से एक थी। हालाँकि, नकारात्मक प्रशंसा 19वीं शताब्दी के मध्य तक चली जब एक पुनरुत्थानवादी आंदोलन सामने आया, जिसे नव-गोथिक कहा जाता है, जिसने अपने मूल्यों को पुनर्प्राप्त किया। वास्तव में, यह ज्ञात है कि गोथिक कला का गोथों से कोई लेना-देना नहीं है-लेकिन संप्रदाय बना रहा, उपयोग द्वारा पवित्र। गोथिक मूर्तिकला का जन्म वास्तुकला से निकटता से जुड़ा हुआ था-महान कैथेड्रल और अन्य धार्मिक भवनों की सजावट के परिणामस्वरूप-लेकिन इसने अंततः स्वतंत्रता प्राप्त की और स्वायत्त कला के रूप में काम करना शुरू कर दिया। यह पेरिस, फ्रांस में शुरू हुआ और 1137 और 1144 के बीच सेंट-डेनिस के बेसिलिका के सुधार में इसकी पहली महत्वपूर्ण अभिव्यक्ति थी। इसके पहले चरण ने एक कठोर, चिकनी शैली विकसित की, जिसमें विस्तारित अनुपात और एक सामान्य पदानुक्रमित पहलू था, जो शरीर की वास्तविक शरीर रचना से काफी दूर आध्यात्मिकता की छाप को व्यक्त करना चाहता था। 13वीं शताब्दी से, शास्त्रीय प्रभावों के प्रगतिशील अवशोषण और प्रकृति के अधिक अवलोकन के साथ, शैली अधिक प्रकृतिवाद और यथार्थवाद की ओर विकसित होने लगी। धार्मिक सिद्धांत में परिवर्तन, जिसके कारण मनुष्य के प्रति ईश्वर का मेल-मिलाप हुआ और उनके पहले से दुर्गम और लचीले चरित्र में नरमी आई, ने भी पसंदीदा रूपों और विषयों के विकास को प्रभावित करने में योगदान दिया। 14वीं शताब्दी तक, गोथिक शैली फ्रांस की सीमाओं से बहुत दूर तक फैल गई थी, महत्वपूर्ण क्षेत्रीय स्कूलों का गठन किया गया था, और 15वीं शताब्दी तक यह अधिकांश यूरोप पर हावी हो गया, फिर विभिन्न क्षेत्रों में अलग-अलग पैटर्न का पालन करते हुए गिरावट शुरू हुई। अपने अंतिम चरणों में गोथिक मूर्तिकला का वास्तुशिल्प सजावट में व्यापक रूप से उपयोग किया जाना जारी रहा, लेकिन इस समय तक, मूर्तिकारों ने पहले से ही सबसे विविध सामग्रियों के साथ प्रयोग किया था और नक्काशी और मूर्तियों के लिए सबसे विविध उपयोगों का पता लगाया था, जिससे असाधारण समृद्धि और विविधता का संग्रह बना। गोथिक मूर्तिकला के इतिहास में अभी भी कई अनिश्चितताएँ और धूसर क्षेत्र हैं, और इसका अध्ययन पूरा नहीं हुआ है। इतिहास में विभिन्न समयों पर, मध्ययुगीन स्मारकों और कलाकृतियों का बड़े पैमाने पर विनाश हुआ था (उदाहरण के लिए, पूरे सुधार और फ्रांसीसी क्रांति के दौरान मूर्तिपूजक मुद्दे में) और इसलिए कालक्रम, वंशावली और शैली के भौगोलिक वितरण का निर्धारण कई अंतराल प्रस्तुत करता है जिन्हें भरना असंभव है। इसके साथ यह तथ्य भी जोड़ा गया है कि जब 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में गोथिक शैली का अंततः पुनर्मूल्यांकन किया गया था, तो गहरे ज्ञान की कमी के कारण जीवित स्मारकों के लिए कई अपर्याप्त पुनर्स्थापन किए गए थे। इतनी कठिनाइयों के बावजूद, गोथिक मूर्तिकला की विरासत अभी भी विशाल है और इमारतों, संग्रहों, संग्रहालयों, व्यापक रूप से वितरित पाठ्यपुस्तकों और अन्य रूपों में जीवित है। अवलोकन और कालक्रम सैद्धांतिक पृष्ठभूमि गोथिक शैली काफी हद तक छवियों के प्रतिनिधित्व के लिए एक नई दृश्य शब्दावली की परिभाषा का परिणाम थी, जो ईसाई धर्म की कुछ अवधारणाओं के बारे में हो रही बहस के साथ थी। इस बहस में सबसे महत्वपूर्ण बिंदुओं में से एक पवित्र छवियों के प्रतिनिधित्व की वैधता के बारे में था, एक ऐसी समस्या जो ईसाई धर्म की उत्पत्ति तक वापस चली गई थी और अभी तक पर्याप्त रूप से स्पष्ट नहीं की गई थी। प्रारंभिक ईसाई धर्म में पवित्र छवियों के चित्रण के प्रति घृणा थी, एक आरक्षण जो यहूदी धर्म से विरासत में मिला था, जो मूर्तिपूजा के डर से पूजा के लिए छवियों के निर्माण को मना करता था। दस आज्ञाओं में पवित्र छवियों के चित्रण के खिलाफ एक स्पष्ट आदेश जारी किया गया था, जिसमें तीसरी आज्ञा में कहा गया हैः "तुम अपनी कोई उत्कीर्ण छवि नहीं बनाओगे। "दूसरी ओर, प्राचीन शास्त्रीय मूर्तिपूजक परंपरा, जो नए विश्वास के निर्माण के लिए आवश्यक तत्व प्रदान करती थी, पूरी तरह से देवताओं के प्रतिनिधित्व के पक्ष में थी, और दोनों धाराएं पूरे मध्य युग में निरंतर घर्षण में रहीं। पवित्र छवियों के चित्रण के पक्ष में पहले सुसंगत ईसाई बयानों में से एक पोप ग्रेगरी प्रथम से आया, जिन्होंने लगभग 600 वर्ष में मार्सिले के बिशप को लिखे पत्रों में इसके बाद के विवाद की नींव रखी। उनमें, पोप ने कहा कि अन्य भौतिक चीजों की तरह छवियों की पूजा नहीं की जानी चाहिए, लेकिन न ही उन्हें नष्ट किया जाना चाहिए क्योंकि पवित्र इतिहास और बाइबिल के पात्रों के दृश्यों का प्रतिनिधित्व अनपढ़ जनता के लिए सिद्धांत के शिक्षण के लिए उपयोगी था, जो "उनमें वह पढ़ सकते थे जो वे पुस्तकों में नहीं पढ़ सकते थे", और उनका चिंतन भक्त को भगवान के चिंतन की ओर ले जा सकता था। ग्रेगरी प्रथम ने इसके लिए बेसिल द ग्रेट की राय को दोहराया था, जिन्होंने सदियों पहले कहा था कि "छवि को दिया गया सम्मान इसके प्रोटोटाइप पर चढ़ता है"। ग्रेगोरियन बयान, एक पोप से आया था जिसे बुद्धिमान माना जाता था-बाद में बेसिल की तरह चर्च के डॉक्टर के पद पर पदोन्नत किया गया-दमिश्क के जॉन के योगदान के साथ, मूर्तिपूजक प्रश्न में शक्तिशाली तर्क थे जो शुरू से ही ईसाइयों को उत्तेजित करते थे और बीजान्टिन साम्राज्य में दृढ़ता से क्रोधित करते थे। हालाँकि इस मुद्दे को आधिकारिक तौर पर वर्ष 787 में नाइसिया की दूसरी परिषद में सुलझा लिया गया था, जिसने छवियों की पूजा को वैध बना दिया था, बहस जारी रही, और अगली शताब्दियों में, विभिन्न अन्य पुरोहितों ने पवित्र कला की रक्षा करते हुए ग्रंथ लिखे, और प्रारंभिक चर्च और प्राचीन दार्शनिकों के दोनों ग्रंथों को अधिकारियों के रूप में उद्धृत किया जाता रहा। गोथिक के उदय से विशेष रूप से जुड़े स्यूडो-डायोनिसियस द एरियोपैगाइट के ग्रंथ थे, एक लेखक जिन्होंने प्लैटिनस के माध्यम से प्लेटोनिक फव्वारे से शराब पी थी और जिन्हें 9वीं-10वीं शताब्दी के बाद से फ्रांस में उच्च सम्मान दिया गया था, जो पहले गोथिक चर्च के निर्माता सुगर पर एक प्रभाव था। इस समय तक, मूर्तिपूजक समस्या को अंततः कई अन्य सैद्धांतिक योगदानों द्वारा दूर कर लिया गया था, और पवित्र कला को निश्चित रूप से समेकित किया गया था, भले ही विरोध अभी भी यहाँ और वहाँ सुने जाते थे, और न केवल बिब्लिया पॉपेरम ("अशिक्षितों के लिए पुस्तकें") बन गए थे, बल्कि मौखिक परंपराओं के सुधार के लिए, जो पवित्र इतिहास को गलत तरीके से प्रस्तुत या अनुचित रूप से सुशोभित करते थे, उन्हें अधिकृत संस्करणों के रूप में भी प्रस्तुत किया गया था, जिनकी देखरेख गठित चर्च के पदानुक्रम द्वारा की जाती थी। इस सफलता का प्रमाण 11वीं और 12वीं शताब्दी के बीच रोमनस्क्यू के अंतिम चरण के दौरान हुए पवित्र प्रतिनिधित्वों के महान प्रसार में है, जो धार्मिक सिद्धांत को व्यक्त करने के लिए उपयुक्त विषयगत रूपांकनों और रूपों के एक समूह की स्थापना करता है। मूर्तिकला के संबंध में, मुख्य रोमनस्क प्रतिमा को चर्चों और कैथेड्रल के मुख्य प्रवेश द्वारों पर टिम्पाना की सजावट में छोड़ दिया गया था, जिसे एक दृश्य परिचय और पूजा के लिए एक आध्यात्मिक तैयारी के रूप में माना गया था, जो 12 वीं शताब्दी में पहले गोथिक उदाहरणों की उपस्थिति के साथ मेल खाता है। वास्तव में, रोमनस्क्यू प्रतिमा विज्ञान कार्यक्रमों ने स्वाभाविक रूप से गोथिक पर बहुत प्रभाव डाला, बाद वाला पूर्व से एक प्राकृतिक विकास था। इस प्रकार, रोमनस्क्यू और प्रारंभिक गोथिक मूर्तिकला के बीच शैलीगत अंतर अक्सर सूक्ष्म हो जाता है। प्रारंभिक गोथिक के सबसे स्पष्ट नवाचारों में पोर्टलों के अभिलेखीय स्तंभों और पार्श्व स्तंभों में मूर्तियों का उपयोग और दृश्यों के कम सघन, अधिक खुले और तर्कसंगत संगठन की ओर बढ़ती प्रवृत्ति और इमारतों के अधिक ऊर्ध्वाधरता के साथ आकृतियों के अनुपात में लंबाई शामिल थी। सामान्य शब्दों में, समेकित रोमनस्क्यू विरासत से प्राप्त छवियों का वितरण निम्नलिखित योजना के अनुसार किया गया थाः मुख्य प्रवेश द्वार के ऊपर, हमेशा मसीह के साथ एक दृश्य था, अक्सर अंतिम निर्णय, महामहिम में मसीह या क्रूस पर चढ़ाया गया। इसके आसपास के अभिलेखों में, नीचे दिए गए स्तंभों और चित्रों में, प्रेरितों और अन्य पुराने नियम के आंकड़े, या कभी-कभी रूपक, जैसे कि विवेकपूर्ण कुंवारी और मूर्ख कुंवारी, लिबरल आर्ट्स के अवतार, या हाल के ऐतिहासिक पात्र जैसे कि विश्वास के कुछ समर्थक या एक भक्त संरक्षक के रूप में संत और स्वर्गदूतों की आकृतियाँ थीं। यदि चर्च में माध्यमिक प्रवेश द्वार होते, तो इसके स्पैन्ड्रेल को यीशु की माँ मैरी के जीवन के एक दृश्य से सजाया जा सकता था-जिनके पंथ ने इस अवधि में बहुत वृद्धि देखी-और चर्च के संरक्षक संत के जीवन की कुछ घटनाओं के साथ। मनमाने विकल्प होने के बजाय, गॉथिक अग्रभाग प्रतिमा विज्ञान की छवियों को पर्यवेक्षक के लिए एक सुसंगत उपदेशात्मक कार्यक्रम बनाने के लिए सावधानीपूर्वक चुना गया था, जो हिब्रू कुलपतियों द्वारा अपनी नींव से लेकर मसीह के अवतार के आगमन तक विश्वास के विकास को दर्शाता है, और अंत में दुष्टों की सर्वनाशकारी निंदा और ईश्वर के राज्य में अच्छे के उपदेश में इसके दूरदर्शी परिणाम को प्रस्तुत करता है। उसी समय, रोमनस्क्यू प्रतिमाशास्त्रीय परंपरा में पाए जाने वाले रूपांकनों के प्रति दृष्टिकोण भी बदलने लगा। तब तक, चर्च के पोर्टल पर सबसे अधिक पाया जाने वाला दृश्य अंतिम निर्णय का था, जिसमें नरक में काफिरों की प्रतीक्षा करने वाली पीड़ाओं पर जोर दिया गया था। 11वीं शताब्दी के मध्य से, पेरिस यूरोप का सबसे बड़ा धर्मशास्त्रीय और सांस्कृतिक केंद्र बन गया था, जिसमें पीटर एबेलार्ड और सेंट विक्टर के ह्यूगो जैसे महान दार्शनिकों और शिक्षाविदों की उपस्थिति थी, और कई स्कूलों की कार्रवाई, जो 1170 के आसपास पेरिस विश्वविद्यालय बनाने के लिए विलय हो गई थी। इस अधिक उदार शैक्षणिक वातावरण में, चर्च से अपेक्षाकृत स्वतंत्र, एक मानवतावादी दर्शन ने आधार प्राप्त किया, और पुर्गाटोरी के सिद्धांत को संरचित किया गया, जो स्वर्ग की चढ़ाई से पहले एक शुद्धिकरण चरण के माध्यम से नरक से बचने का मार्ग प्रदान करता है। उसी समय, यीशु की माँ मैरी के साथ-साथ अन्य संतों को मसीह के न्याय के सामने मानवता के महान अधिवक्ताओं के रूप में माना जाने लगा। इस प्रक्रिया में, डर और शाश्वत दंड के खतरे के माध्यम से पापी को सुधारने की ईसाई धर्म की पुरानी प्रवृत्ति को उन दर्शनों द्वारा शांत किया गया था जो दिव्य क्रोध के बजाय दया पर जोर देते थे और जो मानव स्वभाव की अंतर्निहित त्रुटि को अधिक ध्यान में रखते थे। इस प्रकार, अंतिम निर्णय के दृश्य एक आम रूपांकन बने रहे, लेकिन अब उनकी कल्पना व्यवस्था, आशा और न्याय पर जोर देने के लिए की गई थी, जो पश्चाताप और संतों की दयालु मध्यस्थता के माध्यम से मोक्ष के तरीकों को दर्शाता है। गोथिक गिरजाघरों की बहुत स्पष्ट ऊर्ध्वाधरता, और उनकी बड़ी खिड़कियों की प्रचुरता जो आंतरिक भाग में प्रकाश के महान प्रवेश की अनुमति देती है-रोमनस्क वास्तुकला के बहुत भारी "वर्ग" रूपों और अंधेरे परिवेश के विपरीत-एक औपचारिक विशेषता के रूप में व्याख्या की गई है जो इस नए, आशावादी आध्यात्मिक आवेग को प्रतिबिंबित करती है। प्रारंभिक गोथिक अनिवार्य रूप से एक फ्रांसीसी घटना बनी रही, जो पेरिस क्षेत्र में केंद्रित थी, और मूर्तिकला को शामिल करने वाला पहला महत्वपूर्ण स्मारक सेंट-डेनिस का बेसिलिका था, जिसके मठाधीश, सुगर, के पास पहले से मौजूद रोमनस्क्यू इमारत थी जिसे 1137 और 1144 के बीच फिर से बनाया गया था और इसे बहुत धन से सजाया गया था। सेंट-डेनिस का विशेष महत्व इस बात में निहित था कि शारलेमेन को वहाँ पवित्र किया गया था, और यह चार्ल्स मार्टेल, चार्ल्स द बाल्ड और राज्य के अन्य संस्थापकों का मकबरा था। इसलिए, यह कैरोलिंगियन राजवंश का एक स्मारक था जो एक ही समय में फ्रांसीसी राजशाही के समेकन का प्रतीक बन गया-एक ऐसी प्रक्रिया जिसमें सुगर ने दूसरे धर्मयुद्ध के दौरान फ्रांस के राजा और रीजेंट के सलाहकार के रूप में अपनी क्षमता में एक प्रमुख भूमिका निभाई। इसके अलावा, बेसिलिका पेरिस के संत डेनिस, फ्रांस के शहीद और प्रेरित, पेरिस के संरक्षक संत और राज्य के संरक्षक का स्मारक था, और सुगर इसे फ्रांसीसी तीर्थयात्रा का सबसे महत्वपूर्ण केंद्र बनाना चाहते थे। इस प्रकार यह आध्यात्मिक और राजनीतिक अर्थों से सुसज्जित था। शूगर के लिए, जो स्यूडो-डायोनिसियस के लेखन से प्रभावित थे, सोने की वस्तुओं और कीमती रत्नों, रंगीन कांच की खिड़कियों, चित्रों और मूर्तियों के साथ चर्च का अलंकरण एक मूल्यवान शैक्षिक उपकरण था, जो लोगों के सामने सिद्धांत को दृष्टि से प्रस्तुत करने और इसे अधिक आसानी से समझने योग्य बनाने का एक तरीका था। टाइम्पेनम दृश्य का स्पष्ट संगठन रोमनस्क्यू सेट की सघन व्यवस्था से अलग था, और इसकी स्तंभाकार मूर्तियाँ भी इसी तरह एक नवीनता थीं। एक सांस्कृतिक, कलात्मक और विश्वविद्यालय केंद्र के रूप में पेरिस की महान प्रतिष्ठा द्वारा समर्थित अग्रभाग की वास्तुकला और सजावट के लिए सुगर द्वारा प्रस्तावित नवीनताएं तुरंत फैलने लगीं, जो चार्ट्रेस कैथेड्रल में दिखाई देने लगीं, जो 1145 में शुरू हुई, जिसका पश्चिमी पोर्टल गोथिक के पहले चरण की अच्छी स्थिति में सबसे महत्वपूर्ण मूर्तिकला समूह का गठन करता है। इसकी स्तंभाकार मूर्तियों में इमारत के ऊर्ध्वाधर जोर के प्रतिध्वनि के रूप में एक बहुत ही लंबा डिज़ाइन और कार्य है, और उनके रूप अभी भी वेशभूषा के रैखिक उपचार और उनके कठोर दृष्टिकोण में रोमनस्क्यू विरासत के प्रमाण हैं। हालाँकि, चेहरे एक बहुत ही प्राकृतिक उपचार दिखाते हैं जो रोमनस्क्यू योजना के विपरीत है। सेंट-डेनिस और चार्ट्रेस के अन्य अग्रभागों पर दोनों मूर्तियों को काफी हद तक नष्ट कर दिया गया था, विकृत कर दिया गया था, प्रतिस्थापित किया गया था, या बाद के समय में खराब तरीके से पुनर्स्थापित किया गया था, जिससे उनके प्रतिमा विज्ञान कार्यक्रमों की व्यापक समझ को रोका गया था, लेकिन लॉयन कैथेड्रल, जो बिना किसी नुकसान के बच गया है, प्रारंभिक गोथिक का एक पूर्ण अवलोकन प्रदान करता है। अन्य अच्छे उदाहरण, बाद में, बोर्गेस, ले मैन्स और एंगर्स के कैथेड्रल हैं, जिनमें संरक्षण की अलग-अलग डिग्री हैं। गोथिक काल के दौरान मूर्तिकला का उत्पादन इतना विशाल और विविध था-अकेले चार्टर्स में दो हजार से अधिक टुकड़े हैं-कि इसका विस्तृत अध्ययन यहाँ प्रश्न से बाहर है, और इसकी मुख्य विकासवादी रेखाओं और इसकी अधिक सामान्य विशेषताओं का पता लगाना ही संभव है। हाई गोथिक 1200 के आसपास, इसकी आदिम भाषा को प्रकृतिवाद में प्रगतिशील रुचि द्वारा पहले से ही संशोधित किया जा रहा था, जिससे उनके विकास के दूसरे चरण को जन्म मिला, जिसे हाई गोथिक कहा जाता है। म्यूस घाटी के कलाकार इस परिवर्तन में महत्वपूर्ण थे, विशेष रूप से वर्डुन के निकोलस और हुई के रेनियर, जो गोथिक मूर्तिकला के इतिहास में अपनी छाप छोड़ने वाले पहले महान उस्ताद थे, जिन्होंने खुद को गोल्डस्मिथेरी और कांस्य में काम करने के लिए समर्पित किया। रीम्स, एमीन्स और नोट्रे-डेम डी पेरिस के गिरजाघरों में, गोथिक शैली पहले से ही रोमनस्क प्रभाव से मुक्त है, और उनकी मूर्तियां बहुत उन्नत प्रकृतिवाद की हैं। मूर्तियाँ पहले से ही स्तंभों से स्वतंत्र हैं और, संभवतः मध्य युग में पहली बार, प्रतिकृति का उपयोग छवियों को अधिक सुंदरता और गति देने के लिए किया जाता है, जो अंगों में अधिक गतिशील दृष्टिकोण और शारीरिक मात्रा के उपचार के साथ पूरक होता है जो कई मामलों में अब कपड़ों से छिपे नहीं हैं। हालांकि, गोथिक कॉन्ट्रापोस्टो शास्त्रीय से अलग है क्योंकि यह शरीर रचना विज्ञान की सही समझ के परिणाम की तुलना में अधिक बाहरी रूप से थोपा हुआ लगता है, और जैविक की तुलना में अधिक सजावटी है। जबकि दर्शन के स्कूलों में पढ़ाए जाने वाले मानवतावाद ने विश्वास के मौलिक सिद्धांतों को फिर से परिभाषित किया, इसने कला में शास्त्रीय पुरातनता के तत्वों के अवशोषण को भी संभव बनाया, पिछली शताब्दियों में नैतिक विचार को निर्देशित करने वाली सख्त नैतिकता को ढीला कर दिया, और सांस्कृतिक वातावरण को अधिक से अधिक धर्मनिरपेक्षता की ओर निर्देशित किया, अलौकिक से सांसारिक और मानव की ओर रुचि के विस्थापन का समर्थन किया। इसने उन रूपों की शुद्ध सुंदरता के मूल्य को भी बचाया जो प्राचीन काल से खो गए थे, यह देखते हुए कि थॉमस एक्विनास ने किया था, कि सौंदर्य सद्गुण के साथ निकटता से जुड़ा हुआ था और एक वस्तु के भागों के सही अनुपात में एक दूसरे के साथ समन्वय से प्राप्त हुआ था। यदि 13वीं शताब्दी के दौरान मूर्तिकला की सामान्य प्रवृत्ति, तकनीकी रूप से, वास्तुकला से मुक्त होने और स्वायत्तता प्राप्त करने की थी, तो भी इसने अपने संदर्भ के साथ एक अंतरंग संबंध बनाए रखा, ताकि समूह एकता और सद्भाव की एक उल्लेखनीय भावना को बनाए रख सकें। रूप के लिए, यह प्रकाश और छाया के प्रभावों, कपड़ों की बनावट, अभिव्यक्ति की सूक्ष्म बारीकियों, युवाओं की ताजगी और बुढ़ापे के निशान को पुनः पेश करने की कोशिश करते हुए प्रकृति के अधिक विस्तृत अध्ययन की ओर बढ़ा। ऐसा लगता था कि सभी वस्तुएं सुंदरता के वाहन और प्रतिनिधित्व के योग्य बन गईं। हौसर के अनुसारः "यूरोपीय आत्मा का महान परिवर्तन [यहाँ पूरा हुआ], ईश्वर के राज्य से प्रकृति में, शाश्वत चीजों से तत्काल पर्यावरण में, जबरदस्त रहस्यवादी रहस्यों से निर्मित दुनिया के अधिक हानिरहित रहस्यों में। (.) जैविक जीवन, जो प्राचीन काल के अंत के बाद सभी मूल्य और महत्व खो चुका था, एक बार फिर सम्मानित हो जाता है, और समझदार वास्तविकता की व्यक्तिगत चीजों को अब एक कला के विषयों के रूप में रखा जाता है जिसे अब अलौकिक औचित्य की आवश्यकता नहीं है। इस विकास का सेंट थॉमस एक्विनास के शब्दों से बेहतर कोई उदाहरण नहीं है, 'भगवान सभी चीजों में, प्रत्येक में अपने सार के अनुसार आनंदित होते हैं।' वे प्रकृतिवाद के धार्मिक औचित्य के प्रतीक हैं। सभी चीजें, चाहे वे कितनी भी छोटी और अल्पकालिक हों, भगवान के साथ तत्काल संबंध रखती हैं; हर चीज दिव्य प्रकृति को अपने तरीके से व्यक्त करती है और इस तरह कला के लिए भी मूल्य और अर्थ प्राप्त करती है। "प्राकृतिक के मूल्यांकन की इस प्रक्रिया में, मानव शरीर को विशेष रूप से लाभ हुआ, तब से इसे" सड़ांध, धूल और राख के द्रव्यमान "के रूप में देखा जाता था, जैसा कि पीटर डेमियन ने 11वीं शताब्दी में कहा था। शरीर के प्रति यह घृणा पिछली धार्मिक संस्कृति में एक सर्वव्यापी नोट रही थी, और आदमी के प्रतिनिधित्व की विशेषता एक शैली थी जो उसकी शारीरिकता को कम करती थी। लेकिन अब रोमनस्क्यू और प्रारंभिक गोथिक की प्रतीकात्मक योजनावाद को निश्चित रूप से छोड़ दिया गया था ताकि थोड़े समय में एक प्रकृतिवाद तक पहुंच सके जो ग्रीको-रोमन कला के बाद से नहीं देखा गया था। स्वयं मसीह की आकृति, जिसे पहले मुख्य रूप से न्यायाधीश, राजा और भगवान के रूप में दर्शाया गया था, को मानवीय बनाया गया था, और उनकी मानवता की आराधना को सच्चे दिव्य प्रेम को जानने की दिशा में पहला कदम माना जाने लगा। प्रकृतिवाद की उपलब्धि पूरे गोथिक काल की सबसे मौलिक उपलब्धियों में से एक थी, प्रकृतिवाद की उपलब्धि पूरे गोथिक काल की सबसे मौलिक उपलब्धियों में से एक थी, और सदियों बाद कलात्मक मिमेसिस और अपने आदर्श सौंदर्य में मनुष्य की गरिमा के संबंध में पुनर्जागरण की और भी उल्लेखनीय प्रगति को संभव बनाया। जैसा कि लैडनर ने कहा, [.] 11वीं शताब्दी के अंत तक, आध्यात्मिकता एक चरमोत्कर्ष पर पहुँच गई थी जिससे आगे बढ़ना असंभव था और इसलिए बारहवीं शताब्दी का पूर्वार्द्ध ईसाई कला में मनुष्य की छवि के इतिहास के साथ-साथ मनुष्य और भगवान की छवि के बीच समानता के सिद्धांत के विकास में एक महत्वपूर्ण मोड़ था। लेकिन यह मान लेना भ्रामक होगा कि इस समय तक प्रकृतिवाद चर्च के आदेशों से मुक्ति और आत्मा में रुचि के कट्टरपंथी उन्मूलन का प्रतिनिधित्व करता था, और मूर्तिकला, अन्य कलाओं की तरह, एक निरंतर द्वैतवाद को प्रकट करती थी, जो दोनों चरम सीमाओं के बीच एक समझौता सूत्र की मांग करती थी। जहां प्रकृति की ओर ध्यान देने से मूर्तिकला तकनीक में भारी प्रगति हुई, जिससे यह प्राकृतिक रूपों की बड़ी समानता के साथ नकल करने में सक्षम हो गई, वहीं समग्र रूप से काम को टुकड़े-टुकड़े करने की प्रवृत्ति थी, जिसमें भागों को समग्र से अधिक ध्यान दिया जाता था, और एकता की भावना इस चरण के अंत में ही फिर से प्राप्त की जा सकती थी। सबसे पहले, ध्यान के इस परिवर्तन में मौलिक जानकारी यह थी कि सांस्कृतिक रूढ़िवाद का हिस्सा भंग हो गया और जो कुछ भी नया विकसित हुआ था उसमें वास्तविक रुचि थी। उस समय के इतिहासकारों ने मूल्यों के एक नए क्रम के उद्भव पर अपना उत्साह व्यक्त किया जो एक अधिक संतुलित समाज का निर्माण करना संभव बनाएगा, जहां भौतिक कल्याण एक वैध लक्ष्य बन गया, भले ही इसे आत्मा के मोक्ष के लिए तैयार करना था। और जब से यह विचार कि मसीह में मानवता को नवीनीकृत किया गया था, लोगों को अब मृत्यु और पाप के भार से इतना उत्पीड़ित नहीं रहना पड़ा, और वे बिना अपराधबोध के अपनी सुंदरता, जीवन शक्ति और आनंद को व्यक्त कर सकते थे। दूसरा, पुरानी आध्यात्मिक एकपक्षीयता, जिसने कला में वास्तविकता की नकल को खारिज कर दिया और इसमें केवल धार्मिक सिद्धांत की पुष्टि की मांग की, को तोड़ दिया गया, जिसने एक ऐसी दृष्टि को रास्ता दिया जो संवेदनशील अनुभव के माध्यम से अमूर्त सिद्धांतों के सत्यापन की मांग करती थी, जिसमें विश्वास तर्क के साथ संवाद में प्रवेश करता था। इसके साथ ही कला की पुरानी अवधारणा बदल गई। जबकि आध्यात्मिक सिद्धांतों को पर्याप्त रूप से स्पष्ट कर सकने वाली आकृतियों को बनाने की इच्छा जारी रही, उस समय के अनुभववाद ने मांग की कि छवियां भी प्रकृति के अनुसार औपचारिक रूप से सही होनी चाहिए। ये प्रकृतिवादी प्रवृत्तियाँ एक साथ और सभी स्थानों पर खुद को नहीं दिखाती थीं, और निश्चित रूप से, उत्पादन को एक अलग, कभी-कभी अधिक पुरातन या विदेशी नोट देने वाली गहरी जड़ों वाली स्थानीय परंपराओं के स्थायित्व पर विचार करना चाहिए। इसके अलावा, एक अधिक परिभाषित कलात्मक व्यक्तित्व के साथ कुछ महत्वपूर्ण गुरु की उपस्थिति ने शैली को इस या उस पहलू की ओर झुका दिया होगा, हालांकि मुख्य गोथिक मूर्तिकला, कम से कम अगले चरण तक, अनिवार्य रूप से गुमनाम और सामूहिक थी। फिर भी वास्तविक या शानदार जानवरों के प्रतिनिधित्व के बारे में एक शब्द कहा जाना चाहिए-विशेष रूप से चर्च की सजावट में-क्योंकि वे मध्ययुगीन विचार में एक महत्वपूर्ण स्थान रखते थे। वनस्पति रूपांकनों की विशुद्ध रूप से सजावटी सजावट के साथ, भेड़ के बच्चे और मछली की अक्सर छवियां हैं, जो मसीह के स्थान पर हैं, पवित्र आत्मा का प्रतिनिधित्व करने वाला कबूतर, प्रचारकों से जुड़े जानवर-चील, बैल और शेर-साथ ही साथ पौराणिक जानवरों जैसे ग्रिफिन, ड्रैगन और बेसिलिस्क, सभी प्रतीकात्मक अर्थों को व्यक्त करते हैं जो कुछ नैतिक सबक से जुड़े थे। गरगोयल आकार का उपयोग अक्सर कैथेड्रल वास्तुकला में जल निकासी के रूप में किया जाता था। कुछ परंपराओं के अनुसार, इसमें दुष्ट आत्माओं को दूर करने की शक्ति थी, लेकिन इसकी व्याख्या अभी भी अनिश्चित है। इसके अलावा, शानदार जानवरों के प्रतिनिधित्व ने चर्च संबंधी सेंसरशिप से मुक्त एक क्षेत्र की पेशकश की, और इसमें, मूर्तिकार महान प्लास्टिक प्रभाव के असाधारण रूपों की एक बड़ी विविधता को विस्तृत करके अपनी कल्पना और हास्य को शामिल कर सकते थे। वर्ष 1250 तक, वास्तुशिल्प मूर्तिकला पहले से ही गिरावट के संकेत दिखा रही थी, जिसे अमूर्त या पुष्प अलंकरण द्वारा प्रतिस्थापित किया जा रहा था, जिसमें स्वतंत्र मूर्तियाँ, अवशेष और विशेष रूप से अभिजात वर्ग के अंतिम संस्कार स्मारक और मकबरे महत्व प्राप्त कर रहे थे। इस विशेष शैली की दो नवीन विशेषताओं में छोटी आकृतियों का निर्माण था, जो आमतौर पर शोक की मनोवृत्ति में स्थापित की जाती थीं, और दूसरी प्रतिमाओं पर जोर देना था, जो मृतकों की वास्तविक शारीरिक पहचान का अनुमान लगाने की मांग करती थी। 13वीं शताब्दी के अंत से पहले, गोथिक शैली पहले से ही जर्मनी, स्पेन, इंग्लैंड, इटली और स्कैंडिनेविया में फैल चुकी थी, जिससे अगले चरणः अंतर्राष्ट्रीय गोथिक का मार्ग प्रशस्त हो गया था। अंतर्राष्ट्रीय गोथिक अंतर्राष्ट्रीय गोथिक में 14वीं शताब्दी के मध्य से 15वीं शताब्दी के मध्य तक की अवधि शामिल है, जिसका शिखर वर्ष 1400 के आसपास है। यह तब था जब कलाकारों के बड़े प्रसार और क्षेत्रीय विद्यालयों के बीच आदान-प्रदान के साथ शैली यूरोपीय कला की भाषा बन गई। लेकिन जब हम अंतर्राष्ट्रीयकरण की बात करते हैं, तो इसका मतलब यह नहीं है कि शैली सजातीय हो गई। इसके विपरीत, विभिन्न देशों में अपनी परंपराओं के साथ बड़े शहरी केंद्रों के उद्भव ने महान विविधता का एक परिदृश्य बनाया, और कई स्थानों पर धनी संरक्षकों के अस्तित्व ने नई कलात्मक संभावनाओं की एक विस्तृत श्रृंखला को विकसित करना संभव बना दिया। इस अवधि की मूर्तिकला अब स्मारकीय नहीं है, छिटपुट मामलों को छोड़कर, और यह पोर्टेबल टुकड़ों, रिटेबल्स और वेदियों पर केंद्रित है। 13वीं शताब्दी, जैसा कि हमने देखा है, दुनिया में वस्तुओं के सतही रूपों की सराहना से प्राप्त प्रकृतिवादी बयानबाजी के उद्भव की विशेषता थी, भले ही इसकी नींव आध्यात्मिक थी। यदि अंतर्राष्ट्रीय गोथिक मूर्तिकला ने एक ओर इस प्रवृत्ति को आगे बढ़ाया, तो दूसरी ओर इसने इसे एक नया दृष्टिकोण दिया, जिसने भक्ति आधुनिक के विशिष्ट वातावरण की सेवा की, धार्मिक पुनरुत्थानवाद का एक आंदोलन जो भिक्षु आदेशों के बीच शुरू हुआ और जल्द ही आम लोगों के बीच फैल गया। यह "आधुनिक भक्ति" अधिक आत्मनिरीक्षण और अंतरंग थी लेकिन आसानी से रहस्यवादी उत्साह के सामूहिक विस्फोटों में फैल सकती थी। यह आश्चर्य की बात नहीं है कि इस अधिक भावनात्मक रूप से झुकाव वाले विश्वास के सामने, नाटकीय विषयों जैसे कि यीशु और पिएटा के जुनून के दृश्यों के साथ कार्यों का गुणन-जिसमें अधिक तत्काल भावात्मक अपील और एक इकबालिया और पश्चातापपूर्ण चरित्र था जिसे तब तक खोजा नहीं गया था, और जो भोग और शुद्धीकरण के बारे में सिद्धांतों के लोकप्रिय होने से जुड़े थे, और एक सामूहिक एस्कैटोलॉजी के बारे में विचारों के विपरीत, जो पहले प्रबल था, एक अनिवार्य रूप से व्यक्तिगत और व्यक्तिपरक समस्या के रूप में मोक्ष की समझ से जुड़े थे। जिस नई प्रतिमा का गठन किया गया था, जहां मृत्यु और पीड़ा की छवियां आम हो गई थीं, वह विरोधाभासों से भरी एक अस्थिर सामाजिक स्थिति का दर्पण भी था, जब युद्ध अक्सर होते थे, लोगों का दैनिक जीवन अनावश्यक हिंसा से चिह्नित होता था, भूख एक निरंतर छाया थी, अपमानजनक करों के खिलाफ लगातार लोकप्रिय विद्रोहों को सख्ती से दबाया जाता था, और महामारी ने आबादी को नष्ट कर दिया था। वही भीड़ जो अपनी आँखों में दुख के आँसू के साथ एक जुलूस का अनुसरण करती थी, शहर के चौक में इकट्ठा हो सकती थी और क्रूरता की कमी के बिना सार्वजनिक निष्पादन का आनंद ले सकती थी। लेकिन अन्य कारकों ने अंतर्राष्ट्रीय गोथिक को विविधता देने में योगदान दिया, एक ऐसी अवधि जिसने चिह्नित किया, जैसा कि हुइजिंगा ने कहा, "मध्ययुगीन दुनिया के अंत की शुरुआत"। मध्यम वर्ग बढ़ रहा था और संगठित हो रहा था, और सार्वजनिक मामलों के बड़े क्षेत्रों का प्रबंधन करना शुरू कर दिया। सामंती प्रणाली का पतन हो रहा था और धीरे-धीरे बुर्जुआ वर्ग के मूल्यों के प्रभुत्व वाले एक आदिम-पूंजीवादी आर्थिक मॉडल द्वारा प्रतिस्थापित किया गया, जो वास्तव में उस अवधि का सांस्कृतिक अग्रदूत बन गया और कलाओं के संरक्षण में एक प्रमुख भूमिका निभाई। इसके अलावा, एक नई शहरी संस्कृति के जन्म के साथ-साथ इस नई अर्थव्यवस्था की विशेषता वाले व्यक्तिवाद-जो अधिक गतिशील मूल्यों को तैयार करने वाले पारंपरिक मूल्यों से दूर चले गए, सामाजिक वर्गों के बीच एक महान पारगमन का समर्थन करते थे-कला में इस तरह से परिलक्षित हुए कि विशेषाधिकार प्राप्त यथार्थवादी पहलू, अपवित्र हित और निजी प्राथमिकताएं, जहां चित्रों का प्रसार इस संबंध में अनुकरणीय है, जो अक्सर अभूतपूर्व मनोवैज्ञानिक लक्षण वर्णन में जाता है। उसी समय, परिष्कृत दरबारी संस्कृति की दृढ़ता, जो फ्रांस के हाउस ऑफ वालोइस के दरबारों में विशिष्ट थी-जो उस अवधि के सबसे बड़े संरक्षकों में से थे और जो वीरता की परंपराओं और दरबारी प्रेम के आदर्शों से प्रेरित थे-ने इस चरण के अधिकांश उत्पादन को एक स्पष्ट सजावटी चरित्र दिया, जिसमें वेशभूषा की सजावट, बनावट की समृद्धि और इशारों की भव्यता पर जोर दिया गया, हालांकि इस संहिता की व्यापकता ने पारंपरिक सूत्रों में अदालतों में खपत कला को भी स्पष्ट कर दिया। इस मायने में, सुंदर वर्जिन की टाइपोलॉजी का निर्माण, जो अंतर्राष्ट्रीय गोथिक में सबसे सम्मानित में से एक है, उदाहरणात्मक है। इसका सटीक कार्य और उत्पत्ति बहस का विषय है, लेकिन ऐसा लगता है कि यह दरबारी और लोकप्रिय संस्कृति दोनों की कक्षा में उत्पन्न हुआ है, जो सुंदरता के एक कालातीत आदर्श को मूर्त रूप देता है और लोगों की भावनात्मक धर्मनिष्ठा के साथ दरबार की विद्वतापूर्ण कृपा को मिलाता है। कलात्मक-धार्मिक प्रथाओं का एक अन्य पहलू जिसका उल्लेख किया जाना चाहिए, वह पहले की अवधि के सूत्रों के पुनरुत्थान को संदर्भित करता है। जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, अंतर्राष्ट्रीय गोथिक काल के दौरान हुई महान भक्ति लहर में, अवशेषों और पंथ की मूर्तियों का उत्पादन बहुत तेज हो गया था, और तब उत्पादित कई पवित्र छवियां एक प्रसिद्ध प्रोटोटाइप की व्युत्पत्तियाँ या प्रत्यक्ष प्रतियाँ थीं जिनकी पूजा प्राचीन थी। इसने मूल छवि के साथ उनके संबंध को स्पष्ट कर दिया और नए को एक पुरातन चरित्र दिया, और, इससे भी महत्वपूर्ण बात यह है कि इसे अधिक प्रामाणिक पवित्रता दी, और भी अधिक जब कुछ सूचक लोकप्रिय किंवदंती द्वारा प्रबलित किया गया, जैसे कि उन लोगों ने जो उस समय कहा था कि कुछ प्रसिद्ध मूर्तियों और प्रतीकों ने चमत्कारिक रूप से गुणा किया था और अपनी प्रतियों के माध्यम से भी चमत्कार किया था। भले ही प्रतियों को किसी विशिष्ट लोककथा से नहीं जोड़ा गया था, फिर भी उनसे अपेक्षा की जाती थी कि वे मूल के समान विशेषाधिकारों का आनंद लें और उनके पास मूल के समान शक्तियां हों। यह ऐतिहासिकता लेट गोथिक में संक्रमण में और भी अधिक चिह्नित हो गई। लेट गोथिक लेट गोथिक शैली का अंतिम चरण है, लेकिन यह पतन का चरण नहीं था। इसके विपरीत, यह तब था जब गोथिक काल ने अपने कुछ सबसे प्रभावशाली, समृद्ध और जटिल कार्यों का निर्माण किया। यह चरण मोटे तौर पर 15वीं शताब्दी के मध्य और 16वीं शताब्दी के मध्य के बीच घिरा हुआ है और प्रकृतिवाद और अंतर्राष्ट्रीयता के संबंध में पिछले चरण में जो हासिल किया गया था, उसके परिणाम का प्रतिनिधित्व करता है। लेकिन उस समय यूरोपीय समाज में महत्वपूर्ण अंतर हैं जो कलात्मक परिवर्तन की व्याख्या करने में मदद कर सकते हैं। अर्थव्यवस्था में, अन्वेषण के युग को देखते हुए नए व्यापार मार्गों के खुलने से अंतर्राष्ट्रीय व्यापार की धुरी पश्चिमी यूरोप के देशों में स्थानांतरित हो गई। पुर्तगाल और स्पेन, फ्रांस, इंग्लैंड और नीदरलैंड के साथ नौसेना शक्तियों के रूप में उभर रहे थे। अमेरिकी, अफ्रीकी और एशियाई उपनिवेशों से सोना और अन्य धन अभूतपूर्व मात्रा में उनमें प्रवाहित हुआ, जिससे उनकी राजनीतिक उन्नति बनी रही और कलाओं को बढ़ावा देने का एक वास्तविक उछाल संभव हो गया। राजनीति में, फ्रांस, जर्मनी और स्पेन द्वारा इटली के आक्रमणों ने महाद्वीप पर शक्ति संतुलन में एक क्रांतिकारी बदलाव लाया, जिसकी परिणति 1527 में रोम की लूट में हुई, जिसके कारण कई इतालवी कलाकार और बुद्धिजीवी अन्य स्थानों पर भाग गए। इस घटना का मतलब था कि इतालवी शास्त्रीय-पुनर्जागरण परंपरा का बड़े पैमाने पर प्रसार, क्योंकि इटली में, गॉथिक काल को लंबे समय से हटा दिया गया था, जो पहले से ही कुछ समय से हो रही कला और शास्त्रीय ग्रंथों के इतालवी कार्यों के तीव्र प्रसार का मुकुट था। इसी तरह, गुटेनबर्ग द्वारा नए आविष्कार किए गए चल प्रकार के प्रेस ने सामान्य रूप से संस्कृति और विशेष रूप से मानवतावादी ग्रंथों को सभी देशों में अधिक कुशलता से, व्यापक रूप से और तेजी से फैलाना संभव बना दिया। इस प्रकार, विभिन्न इतालवी सौंदर्य तत्व अधिकांश स्थानों की कला में मौजूद हो गए जहां गोथिक शैली मजबूत बनी रही, जिससे कई उदार धाराओं को जन्म मिला जिन्हें अक्सर पहले से ही अंतर्राष्ट्रीय शैली के हिस्से के रूप में वर्णित किया जाता है। इस अवधि की एक और स्पष्ट प्रवृत्ति परिसर और अति-परिष्कृत के लिए एक स्वाद का विकास था, जो कई जक्सटापोज्ड दृश्यों के साथ बड़े रीटेबल्स में आश्चर्यजनक रूप से स्पष्ट है, जिन्होंने एक बड़े कथा पैनल में सिद्धांत के उपदेशात्मक चित्रण के रूप में पुराने अग्रभाग पोर्टलों को बदल दिया। रिटेबल्स की संरचना, जो विस्तृत वास्तुशिल्प संरचनाओं में दृश्यों को तैयार करती थी, अक्सर एक चर्च के अग्रभाग से मिलती-जुलती थी। पोर्टलों की तरह, इन बड़ी संरचनाओं में एक स्पष्ट रूप से संगठित मूर्तिकला कार्यक्रम था, जो उन दिव्य पदानुक्रमों को दर्शाता था जो स्थापित चर्च के रूप में पृथ्वी पर प्रतिबिंबित होते थे, जिसमें मसीह के विकर इसके नेता के रूप में, साथ ही उनके मंत्रियों के समूह और उनके वफादार झुंड थे। इस तरह के रिटेबल्स आमतौर पर समुदाय द्वारा पेश किए जाते थे और इसलिए सैद्धांतिक और सामाजिक के अलावा उनका एक महत्व था, क्योंकि वे उस समुदाय के पहचान प्रतीकों के रूप में कार्य करते थे। वे जितने अमीर और अधिक जटिल थे, वे शहर या मण्डली में उतनी ही अधिक प्रतिष्ठा लाए। अधिकांश रेटेबल्स में फोल्डिंग साइड पैनल होते थे और जब शानदार दावतों पर, फ्लैप खोले जाते थे और बड़े पहनावा को देखने के लिए स्वतंत्र छोड़ दिया जाता था। इस कार्य के अनावरण के नाटकीय प्रभाव ने पवित्र एपिफेनी के चरित्र को और साथ ही एक सामूहिक अपवित्र उत्सव के रूप में लिया, क्योंकि लोगों और नागरिक पदानुक्रम के आंकड़ों को अक्सर मसीह, स्वर्गदूतों और संतों के साथ दर्शाया जाता था। गोथिक काल ने अपने चक्र को एक उदास नोट पर समाप्त कियाः सुधार द्वारा शुरू किया गया मूर्तिपूजक संकट। सुधारकों ने ईसाई धर्म की एकता को समाप्त करने के अलावा-जो तब तक यूरोप में सांस्कृतिक एकता के सबसे मजबूत तत्वों में से एक था-नई धार्मिक अवधारणाओं का प्रस्ताव रखा जो प्रतिनिधित्व के तरीकों को प्रभावित करती थीं, वास्तव में पवित्र प्रतिनिधित्व की संक्षिप्त निंदा की ओर झुकती थीं और पवित्र छवियों के सामूहिक विनाश के कई प्रकरणों को ट्रिगर करती थीं, जिन्होंने अनगिनत मंदिरों को अमूल्य कलात्मक खजाने के प्रोटेस्टेंटवाद में परिवर्तित कर दिया था। 1566 में गेन्ट में एक गवाह ने लिखा कि वहाँ की छवियों को जलाने वाली आग को 15 किमी से अधिक दूर देखा जा सकता था। कैथोलिक देशों में यह समस्या नहीं थी, क्योंकि ट्रेंट की परिषद ने पवित्र कला के महत्व की पुष्टि की, लेकिन वे पंथ छवियों की भूमिका के इर्द-गिर्द बनी अंतर्राष्ट्रीय बहस से बच नहीं सके, दिव्य छवि के लिए अपने भक्ति और प्रतिस्थापन कार्य के बीच एक समझौता करने का प्रबंधन किया, और अपने आप में कला के कार्यों के रूप में उनके चरित्र। हालांकि लूथर ने एक सुलहकारी स्थिति बनाए रखने की कोशिश की, पवित्र इतिहास की गवाही के रूप में कुछ छवियों को संरक्षित करने की संभावना को स्वीकार करते हुए, अन्य सुधार नेता असम्बद्ध थे। धार्मिक कला का यह बड़े पैमाने पर विनाश उन कारकों में से एक है जो इस अवधि के अध्ययन को विशेष रूप से कठिन बनाता है; लेकिन दूसरी ओर, इसने एक नए सौंदर्य सिद्धांत के निर्माण को जन्म दिया जो कला की आधुनिक अवधारणा की नींव में से एक था। बेल्टिंग के अनुसारः "लूथर, जिन्होंने केवल जीवन में धर्म के आधार के लिए तर्क दिया, निश्चित रूप से 'धर्म की भावना से आधुनिक युग का जन्म' के कारण से अधिक गवाह थे। धर्म, हालांकि संघर्षपूर्ण रूप से खुद को फिर से स्थापित किया, अब पहले जैसा नहीं था। इसने उस स्थान के लिए लड़ाई लड़ी जिस पर उसने तब तक कब्जा कर लिया था, लेकिन अंत में इसे समाज में अलग स्थान दिया गया जिसके हम अब आदी हैं। कला को कभी-कभी इस स्थान पर स्वीकार किया जाता था, कभी-कभी इससे बाहर रखा जाता था, लेकिन यह अपने आप में एक धार्मिक घटना नहीं रह गई। कला के क्षेत्र में, छवियाँ संस्कृति और सौंदर्य अनुभव की नई, धर्मनिरपेक्ष मांगों का प्रतीक थीं। इस अर्थ में, छवि की एक एकीकृत अवधारणा को त्याग दिया गया था, लेकिन नुकसान को 'कला' लेबल द्वारा छिपाया गया था जो आम तौर पर आज उस पर लागू होता है। क्षेत्रीय विद्यालय फ्रांस पहले दो अवधियों की गोथिक शैली अनिवार्य रूप से एक फ्रांसीसी कलात्मक अभिव्यक्ति थी। 14वीं शताब्दी के मध्य से, सामान्य यूरोपीय प्रवृत्ति के बाद, स्मारकीय मूर्तिकला में गिरावट आई लेकिन छोटी मूर्तिकला का विकास हुआ। इसी तरह, प्रकृतिवाद की ओर प्रवृत्ति प्रमुख नोट थी। विषय के भीतर भक्तिपूर्ण मूर्तियों का प्रसार हुआ, जो महान स्वादिष्टता और गरिमा और एक सजावटी चरित्र की रेखाओं को दर्शाती हैं। कब्रें कमोबेश 13वीं शताब्दी के समान ही रहीं, सिवाय इसके कि अब उन पर मृतकों के अधिक सटीक चित्र थे, विशेष रूप से फ्रांस के चार्ल्स पंचम और उनके दो तत्काल उत्तराधिकारियों के, जो आंद्रे ब्यूनेव्यू द्वारा बनाए गए थे। चार्ल्स पंचम अपने समय के सबसे महान संरक्षकों में से एक थे, जिन्होंने पेरिस को सबसे महत्वपूर्ण मूर्तिकला केंद्रों में से एक बना दिया और जीन डी लीज जैसे फ्लेमिश कलाकारों को आकर्षित किया-जिसमें उनके भाई जॉन, ड्यूक ऑफ बेरी द्वारा समर्थित किया गया, जिनका दरबार बारी-बारी से पोइटियर्स और बोर्गेस में बस गया, मूर्तिकार जीन डी कैम्ब्राई और उपरोक्त ब्यूनेव्यू का उपयोग करते हुए। फिलिप द्वितीय के तहत, बरगंडी के डची-जिसमें उनके समय में फ़्लैंडर्स शामिल थे-ने एक सांस्कृतिक केंद्र के रूप में एक प्रमुख स्थान लिया, जिसमें क्लॉस स्लूटर और जीन डी मारविल जैसे कई उल्लेखनीय फ्लेमिश मूर्तिकार थे। ड्यूक की मृत्यु के बाद बर्गंडियन स्कूल की प्रतिष्ठा में गिरावट आने लगी, लेकिन 15वीं शताब्दी के अंत में एंटोनी ले मोइटुरियर को याद करना उचित है, जिन्हें पारंपरिक रूप से फिलिप पॉट के प्रसिद्ध मकबरे के लेखक के रूप में माना जाता है। इसी अवधि में, फ्रेंको-फ्लेमिंग वास्तुकला की सजावट के एक निश्चित पुनरुत्थान के लिए जिम्मेदार थे, एक प्रवृत्ति जो 16 वीं शताब्दी तक जारी रही और रूएन कैथेड्रल और एमीन्स कैथेड्रल में महत्वपूर्ण साक्ष्य छोड़ गई, जिसमें अंदरूनी हिस्सों में मुखौटा के टुकड़े और नक्काशी शामिल थे। इसके अलावा 15वीं शताब्दी में, लोयर घाटी में डेटेन्टे के रूप में जाना जाने वाला एक विपुल आंदोलन उभरा, जिसने 13वीं शताब्दी के पुराने आदर्शवाद को बचाया, जो इतालवी पुनर्जागरण के कुछ तत्वों के साथ शांत था जो खुद को ज्ञात करने लगे थे। इसके विषय लोकप्रिय प्रकार के थे, और इसलिए इसे निचले वर्गों के बीच बहुत सफलता मिली, लेकिन इसने पवित्र, विशेष रूप से मैडोना और पवित्र कब्र के समूहों की भी खेती की। 15वीं शताब्दी के अंत तक, इस आंदोलन ने फ्रांस में सभी मूर्तिकला उत्पादन को प्रभावित किया, और इसके प्रतिपादकों में मिशेल कोलोम्बे और जैक्स बचोट थे। जर्मनी और मध्य यूरोप जर्मनी में, गोथिक शैली 1220 के आसपास दिखाई दी और फ्रांस में प्रशिक्षित मूर्तिकारों के माध्यम से प्राप्त की गई, और हालांकि मूर्तिकला को अग्रभाग में काफी नियोजित किया गया है, वे सामान्य रूप से अपने फ्रांसीसी मॉडल की तुलना में कम समृद्ध हैं-लेकिन फ्रांसीसी प्रभाव हमेशा मजबूत रहा। दूसरी ओर, प्रकृतिवाद पर जल्द ही अधिक जोर दिया गया, संभवतः इसकी परंपरा में अधिक शास्त्रीय तत्वों के स्थायित्व के कारण, जिसे 8वीं शताब्दी के कैरोलिंगियन पुनर्जागरण और बीजान्टिन साम्राज्य के साथ संपर्क द्वारा संरक्षित किया गया था। मठों और चर्च के संग्रहों में प्राचीन काल से संरक्षित प्रकाशित पांडुलिपियों का भी मूर्तिकारों के लिए शास्त्रीय मॉडल प्रस्तुत करने में प्रभाव रहा होगा। 13वीं शताब्दी के बैम्बर्ग कैथेड्रल में मूर्तियाँ थीं जिन्हें पहले से ही सच्चे चित्र माना जा सकता है-जैसे कि प्रसिद्ध बैम्बर्ग हॉर्समैन-और यही नौम्बर्ग कैथेड्रल में हुआ, जिसमें कई बहुत जीवंत आकृतियाँ थीं। इसके अलावा, सदी के अंत से, पवित्र विषयों की नाटकीय तीव्रता और मानवीकरण की ओर एक स्पष्ट प्रवृत्ति है, जैसा कि मौत के नृत्य, दुख की अवर लेडी और दुख के आदमी के रूप में मसीह जैसे दृश्यों के प्रसार में देखा जा सकता है। निजी भक्ति के लिए पिएटा का एक प्रकार भी वहां तैयार किया गया है। सर्वश्रेष्ठ जर्मन स्मारकीय उदाहरण स्ट्रासबर्ग (फ्रेंको-जर्मन), फ्रीबर्ग, बैम्बर्ग, मैगडेबर्ग और नॉम्बर्ग के गिरजाघरों में पाए जाते हैं। अंतर्राष्ट्रीय गोथिक काल के दौरान, किसी भी क्षेत्रीय अंतर को समाप्त कर दिया गया, और शैली में एकरूपता आ गई, लेकिन गुणवत्ता के सामान्य स्तर को एक औसत स्तर का सामना करना पड़ा। पात्रों के चरित्र चित्रण में एक मानकीकरण भी देखा जा सकता है, पारंपरिक रूढ़ियों के साथ जिसमें अब पिछले चरण की व्यक्तित्व नहीं है। इस चरण में, जर्मन गोथिक चरित्र डिजाइन में स्थानीय जातीय लक्षणों के चयन में केवल फ्रांसीसी से अलग है। हालाँकि, यह वही विकल्प, जो पहले केवल परिस्थितिजन्य, सतही था, ने बाद में अचूक राष्ट्रीय विशेषताओं वाली कला को जन्म दिया। लेकिन फ्रांस के विपरीत, जिसने स्मारकीय मूर्तिकला को छोड़ना शुरू कर दिया था, इस शैली का व्यापक रूप से अभ्यास जारी रहा और विभिन्न शहरों में कई चर्च हैं जिनके अच्छे उदाहरण हैंः ज़ैंटन, कोलोन, एरफ़र्ट, वर्म्स, उल्म, ऑग्सबर्ग, वर्ट्ज़बर्ग और नूर्नबर्ग। लेकिन सभी वंशों में, इस चरण में सबसे महत्वपूर्ण निजी भक्ति के छोटे टुकड़े थे, विशेष रूप से मैडोना और कब्रें, जिनकी मूर्तियां अभी भी काफी व्यक्तिगत लक्षण दिखाती हैं। लेट गोथिक में, इतालवी शास्त्रीय-मेनेनिस्ट और फ्लेमिश प्रभाव अधिक प्रमुख हो गए, लेकिन आम तौर पर जर्मन प्रवृत्तियों ने खुद को शक्तिशाली रूप से व्यक्त किया, एक अक्सर क्रूर और नाटकीय यथार्थवाद तैयार किया जो सटीक शारीरिक विवरण पर नहीं बल्कि शरीर की असाधारण गति पर निर्भर करता है, पात्रों के संचय जो अक्सर एक छोटे से स्थान में संकुचित होते हैं, कपड़ों की जटिल तह जो अंतर्निहित शारीरिक मात्रा को ध्यान में रखे बिना खुद से मूल्य प्राप्त करते हैं, और अत्यधिक सहायक सजावट, जो कभी-कभी इसके विस्तार में संपूर्ण हो जाती है। विशेष रूप से स्वाबियन स्कूल को अपनी भक्ति कृतियों में दयनीय तीव्रता प्राप्त करने के लिए मनाया जाता था। हालाँकि, इस रचना का सामान्य चरित्र, इसकी स्पष्ट गुणशीलता के बावजूद, बुर्जुआ है, क्योंकि मानव प्रकार लोकप्रिय हैं, आदर्शवाद के बिना, और अतिरंजित, सुरम्य और अभिव्यंजक का स्वाद कभी-कभी नाटकों को कैरिकेचर के करीब लाता है। लेकिन कई मामलों में, भावनात्मक का परित्याग वास्तव में भव्य परिणाम प्राप्त करता है, और इस अंतिम चरण में बनाए गए महान रिटेबल्स महान दृश्य प्रभाव और उत्कृष्ट शिल्प कौशल के काम हैं। इस अवधि में प्रसिद्ध होने वाले और विभिन्न जर्मन क्षेत्रों में काम करने वाले कई गुरुओं में से, हम टिलमैन रीमेन्सचेनाइडर, माइकल पैचर, बर्नट नोटके, वेट स्टॉस और एडम क्राफ्ट पर प्रकाश डाल सकते हैं। फ्रांसीसी के बाद जर्मन गोथिक स्कूल बाकी यूरोप में शैली के प्रसार के लिए सबसे महत्वपूर्ण था। इसके कई कलाकारों ने पोलैंड, चेक गणराज्य, इंग्लैंड, स्वीडन, डेनमार्क और अन्य जगहों पर काम छोड़ते हुए पूरे महाद्वीप में बड़े पैमाने पर यात्रा की। इंग्लैंड, स्कैंडिनेविया और नीदरलैंड इंग्लैंड में, गोथिक शैली फ्रांस की तुलना में थोड़ी देर बाद उभरी, लेकिन "महान पोर्टल" की अवधारणा ने वहां एक नियम के रूप में कभी जड़ नहीं पकड़ी, और केवल कुछ अवसरों पर दिखाई देती है-जैसे कि रोचेस्टर कैथेड्रल-हालांकि वहां भी यह अधिक सरल है। इसके बजाय, अंग्रेजी गोथिक मूर्तिकला इमारत के अन्य क्षेत्रों में केंद्रित थी जैसा कि वेल्स कैथेड्रल में उदाहरण दिया गया है, जहां यह अग्रभाग में और आंतरिक भागों में दिखाई देती है-जैसे कि गाना बजानेवालों और अध्याय कक्षों में-और इसकी गुणवत्ता फ्रांसीसी मॉडल के साथ तुलना करती है। 14वीं और 15वीं शताब्दी के बीच, अग्रभाग की मूर्ति लगभग पूरी तरह से गायब हो गई, और इसके स्थान पर, अमूर्त या पौधे की आकृति सजावट को प्राथमिकता दी गई। कई जर्मन और फ्लेमिश कलाकार पहले से ही वहाँ सक्रिय थे, और रुचि अन्य प्रकारों में स्थानांतरित हो गई जैसे कि मकबरे, जिनमें से एडवर्ड द्वितीय का मकबरा अलग है, और कई अन्य वेस्टमिंस्टर एबे में हैं। अंतिम चरणों में वास्तुकला के साथ मूर्तिकला का पुनर्एकीकरण भी ध्यान देने योग्य है, फिर से अंदरूनी, चैपल और गायक मंडलियों में, जहां मूर्तियों को वास्तुशिल्प रूपों के समृद्ध अलंकरण द्वारा तैयार किया गया है। वेस्टमिंस्टर में हेनरी VII का चैपल इस शैली का सबसे महत्वपूर्ण उदाहरण है। हालाँकि, अंग्रेजी गोथिक मूर्तिकला की सबसे मूल उपलब्धियाँ मकबरे हैं। कुछ बड़े लोग मृतकों को आराम करते हुए नहीं दिखाते हैं, बल्कि युद्ध में मारे गए नायकों के रूप में, अपनी अंतिम सांस छोड़ते हुए विकृत स्थिति में दिखाई देते हैं। अन्य, इंटरनेशनल गोथिक और लेट गोथिक के बीच संक्रमण से, उन्हें कीड़े द्वारा खाए गए शवों के रूप में दिखाते हैं, यथार्थवाद के बीमार परिशोधन के साथ, सांसारिक चीजों की अल्पकालिकता को याद करते हैं। यह निश्चित प्रतीत होता है कि काफी अनूठी विशेषताओं और महान प्लास्टिक समृद्धि के साथ पूरे इंग्लैंड में बहुत भक्तिपूर्ण मूर्तियों का भी निर्माण किया गया था, लेकिन जब हेनरी VIII ने रोम को तोड़ दिया और चर्च ऑफ इंग्लैंड की स्थापना की तो जो भारी विनाश हुआ, वह इसके कालक्रम और विकास के अध्ययन में बाधा डालता है। फिर भी, स्कैंडिनेविया को निर्यात किए गए कुछ जीवित टुकड़ों से पता चलता है कि फ्रांसीसी प्रभाव हमेशा मजबूत रहा। स्कैंडिनेविया के मामले में, गोथिक शैली 13वीं शताब्दी के बाद से कई मोर्चों-फ्रांस, इंग्लैंड और जर्मनी-पर देश में व्याप्त हो गई और वहां निर्मित मूर्तिकला ने विभिन्न क्षेत्रीय विद्यालयों में बहुत विविधता और जीवन शक्ति दिखाई। हाथी और वालरस हाथीदांत में सुंदर काम हैं, और लकड़ी वह सामग्री थी जहां सबसे दिलचस्प टुकड़े छोड़े गए थे, जैसे कि गॉटलैंड और अन्य शहरों में पाए गए स्मारकीय क्रूस। किसी भी मामले में, महत्वपूर्ण मूर्ति सजावट के साथ कई कैथेड्रल बनाए गए थे, जैसे कि उप्साला, स्कारा और ट्रोंडहेम में। 14वीं और 15वीं शताब्दी के बीच, हंसियाटिक लीग के सदस्यों के साथ व्यापार तेज हो गया, और इस स्तर पर स्कैंडिनेवियाई मूर्तिकला पर लुबेक स्कूल का प्रभाव था। ऐसा लगता है कि गोथिक काल के प्रारंभिक चरणों में नीदरलैंड में मूर्तिकला में बहुत कम महत्व था, और जो कुछ भी था वह फ्रांसीसी और रेनिश व्युत्पत्ति होना चाहिए। सुधार ने वहाँ भारी नुकसान किया, और प्रथम विश्व युद्ध के दौरान कई स्मारक भी गायब हो गए, इसलिए बहुत कम जानकारी है। हालाँकि, यह निश्चित है कि 14वीं शताब्दी तक, टूर्नाई में एक महत्वपूर्ण स्कूल की स्थापना की गई थी, और फ्लेमिश गुरुओं का प्रभाव इंग्लैंड, फ्रांस और जर्मनी की मूर्तिकला में महसूस किया गया था, जिससे यह अवधि कुछ कम अस्पष्ट हो गई थी। टूर्नाई स्कूल ने कब्रों में अपना सर्वश्रेष्ठ प्रतिनिधित्व छोड़ा, एक सौंदर्य के साथ जो कठोर और प्रकृतिवादी दोनों था। 15वीं शताब्दी में, फ्लेमिश अंततः सभी यूरोपीय कला पर एक बड़ा प्रभाव बन गया, जिसमें क्लॉस स्लूटर, जीन डी लीज, जैक्स डी बेर्ज़ और कई अन्य कलाकार थे, जिन्होंने अपनी कला को अन्य क्षेत्रों में फैलाया। रचनाकारों के इस महान समूह ने पत्थर में थोड़ा काम किया, लेकिन अपने सबसे महत्वपूर्ण कार्यों को पॉलीक्रोम लकड़ी के रिटेबल की शैली में छोड़ दिया, और नाटकीय और गतिशील की ओर झुकाव के साथ। इबेरियन प्रायद्वीप स्पेन में, रोमनस्क्यू से गोथिक में संक्रमण पोर्टिको ऑफ ग्लोरी ऑफ सैंटियागो डी कम्पोस्टेला कैथेड्रल में दिखाई दिया, जो विशेष रूप से दिलचस्प है क्योंकि यह अभी भी अपने पॉलीक्रोमी के निशान को संरक्षित करता है। स्पेनिश गोथिक के प्रारंभिक विकास के दौरान, फ्रांसीसी प्रभाव प्रमुख बना रहा और हालांकि सामान्य रूप से फ्रांस की तुलना में कम समृद्ध, इसने एक बहुत ही मूल विशेषता हासिल की, जो मूरिश प्रभावों के एकीकरण में, पुरातनता की आवर्ती प्रवृत्ति में और शानदार पुष्प अलंकरण के स्वाद में दिखाई देती है। पूर्ण गोथिक शैली के महत्वपूर्ण उदाहरण लियोन कैथेड्रल और बर्गोस कैथेड्रल में हैं, जो उस समय के तीर्थयात्रा मार्गों पर थे और महत्वपूर्ण मूर्तियों से सजाए गए थे। 13वीं शताब्दी के दौरान, शेष स्पेनिश क्षेत्र गोथिक शैली से कमोबेश अनजान रहे, और चर्चों का निर्माण रोमन शैली में जारी रहा। इस बीच, निजी भक्ति के लिए छोटे फ्रांसीसी गोथिक टुकड़ों का आयात बड़ा था, और कई फ्रांसीसी कलाकारों ने कई स्थानों पर इस शैली पर काम किया। अंत में, 14वीं शताब्दी में, गैलिसिया और एक्स्ट्रेमाडुरा को छोड़कर अधिकांश क्षेत्रों में फ्रांसीसी शैली ने जीत हासिल की, और स्मारकीय मूर्तिकला के मुख्य केंद्र नवार्रे, कैटेलोनिया और आरागॉन बन गए। इस चरण के अच्छे उदाहरण बार्सिलोना कैथेड्रल और कैथेड्रल-बेसिलिका ऑफ अवर लेडी ऑफ द पिलर हैं, और साथ ही, मूर्तिकला को विभिन्न अन्य स्थानों, जैसे मकबरों, चैप्टर हॉल और गायकों में लागू किया जाने लगा। 15वीं शताब्दी के बाद से, फ्रांसीसी प्रभाव ने फ्लेमिश और जर्मन प्रभाव को रास्ता दिया, जो 16वीं शताब्दी में चार्ल्स पंचम के शासनकाल में पुनर्जागरण शास्त्रीयता के मिश्रण तक प्रबल रहा। इस स्तर पर, यूरोप में अन्य जगहों की तरह, स्मारकीय सजावट में रुचि कम हो गई, और पोर्टेबल कार्यों और रिटेबल्स में स्थानांतरित हो गई। शुद्ध गोथिक शैली में मुखौटा प्रतिमा के अंतिम महान उदाहरण ओविडो कैथेड्रल, सेविले कैथेड्रल और अभी भी अधूरे टोलेडो कैथेड्रल के कुछ हिस्सों में हैं। 16वीं शताब्दी में संक्रमण तक, इतालवी शास्त्रीय तत्व पहले से ही व्यापक थे, जिन्होंने प्लेटेरेस्क नामक एक सारग्राही शैली को जन्म दिया, जिसने ज्यामितीय और वनस्पति रूपांकनों की एक विशाल जटिलता द्वारा निर्मित मूर्ति के साथ मुखौटा सजावट की एक शैली विकसित की। वही प्लेटेरेस्क रीटेबल्स पर लागू होता है, जिसका परिष्कार और समृद्धि उसी चरण के उत्तरी यूरोप से अधिक है लेकिन जिसका रूप स्पष्ट रूप से विशिष्ट है। रिटेबल्स के सबसे उल्लेखनीय निर्माताओं में से एक गिल डी सिलो थे, और स्वतंत्र मूर्ति के एक महान प्रतिनिधि जुआन डी जूनी थे। पुर्तगाल का अपना चक्र वर्ष 1250 के आसपास शुरू हुआ था, लेकिन मूर्तिकला कभी भी विशेष रूप से पसंद नहीं की गई थी। इसके मुख्य उदाहरण कुलीन वर्ग के कुछ मकबरे हैं, जो अल्कोबाका मठ में पीटर प्रथम और इनेस डी कास्त्रो के परिष्कृत मकबरों पर प्रकाश डालते हैं। कोयम्ब्रा, लिस्बन, सांतारेम और एवोरा उत्पादन के सबसे बड़े केंद्र थे। 15वीं शताब्दी के अंत और 16वीं शताब्दी की शुरुआत के बीच, मैनुअल शैली-गोथिक की एक व्यवहारवादी व्युत्पत्ति जिसमें शास्त्रीय तत्व शामिल थे-फला-फूला। इसका मुख्य स्मारक लिस्बन में जेरोनिमोस मठ है, जिसमें जोआओ डी कैस्टिल्हो द्वारा डिजाइन किया गया एक पोर्टल है, जिसे मूर्ति और विभिन्न आभूषणों से समृद्ध रूप से सजाया गया है। इटली इतालवी गोथिक का विकास संभवतः उन सभी में सबसे असामान्य है। शास्त्रीय परंपरा हमेशा वहाँ अपेक्षाकृत जीवित रही थी, कई खंडहरों के माध्यम से जो प्राचीन रोमन साम्राज्य से संरक्षित किए गए थे, और इसके सिद्धांत गोथिक परंपरा की शुरुआत से दिखाई देते हैं। वे इसकी सबसे संक्षिप्त अभिव्यक्ति के लिए भी जिम्मेदार थे। इटली में, बड़े पोर्टलों की परंपरा महत्वपूर्ण रूप से विकसित नहीं हुई थी, जिसमें आला, मकबरों और अंतिम संस्कार के स्मारकों, पुलपिट्स और रिलीफ में अधिक संख्या में काम किए गए थे। यह शैली पहली बार मध्य क्षेत्र में, 13वीं शताब्दी की शुरुआत में, निकोला पिसानो और उनके बेटे जियोवानी पिसानो के काम के साथ दिखाई दी, जिन्होंने पीसा और सिएना में महान गुणवत्ता के काम छोड़े जो संभवतः पीसा के कैम्पोसैंटो में मौजूद रोमन सारकोफैगी की आकृतियों से प्रेरित थे। मानव आकृति के प्रति उनका व्यवहार काफी उत्कृष्ट है, लेकिन वेशभूषा को फ्रांसीसी पैटर्न के अनुसार अधिक तैयार किया गया है और दृश्यों के नाटक पर जोर दिया गया है। दोनों की शैली का आने वाली पीढ़ियों पर बहुत प्रभाव पड़ा, विशेष रूप से अर्नोल्फो डी कैम्बियो, एंड्रिया ऑर्काग्ना, बोनिनो डी कैम्पियन, टिनो डी कैमैनो, लोरेंजो मैतानी और जियोवानी डी बाल्डुकियो पर, जो इसे मिलान और नेपल्स जैसे अन्य क्षेत्रों में ले गए और व्यक्तिगत व्याख्याओं की शुरुआत की। एक अन्य महत्वपूर्ण गुरु एंड्रिया पिसानो थे, जो फ्लोरेंस में सेंट जॉन द बैपटिस्ट के बैपटिस्टरी के लिए प्रसिद्ध रिलीफ के लेखक थे। 14वीं शताब्दी की शुरुआत तक, शास्त्रीय तत्व पहले से ही प्रमुख थे, और पुनर्जागरण चक्र शुरू हो रहा था, लेकिन गोथिक प्रभाव अभी भी लोरेंजो गिबर्टी और डोनाटेलो की मूर्तियों में और 14वीं और 15वीं शताब्दी के बीच परिधि में सक्रिय कई छोटे कलाकारों में भी पाए जा सकते हैं। कार्य विधियाँ गोथिक काल के दौरान, विभिन्न मूर्तिकला तकनीकों में से किसी ने भी किसी भी आवश्यक नवाचार का अनुभव नहीं किया, हालांकि उनमें से कई में एक महान और प्रगतिशील परिशोधन था, लेकिन पत्थर और लकड़ी में काम की एकाग्रता इस अवधि की एक विशेषता है क्योंकि कांस्य में बड़े टुकड़े-उनकी लागत और तकनीकी कठिनाई से-निषेधात्मक हो गए। खोए हुए मोम में अप्रत्यक्ष ढलाई की तकनीक, जिसके परिणामस्वरूप खोखली मूर्तियां बनती हैं-उत्पादन को बहुत सस्ता करना और बड़े कार्यों को बनाना संभव बनाना-15वीं शताब्दी के मध्य में ही फिर से खोजा गया था। इस प्रकार, गोथिक मूर्तिकला के इतिहास में इसका सबसे महत्वपूर्ण व्यावहारिक पहलू इसका सामूहिक चरित्र और संघों और उत्पादन कार्यशालाओं की भूमिका है। जब 12वीं शताब्दी में गोथिक शैली का उदय हुआ, तो मूर्तिकला की मुख्य शैली मुखौटा थी, जो वास्तुकला पर निकट निर्भरता में थी। एक महान कैथेड्रल के निर्माण के लिए-जिसे पूरा होने में सदियों लग सकते थे और कई कभी नहीं थे-एक प्रकार की कंपनी, ओपस का गठन किया गया था, जिसमें चर्च के सामान्य निर्देशन में एक पदानुक्रम और एक मैजिस्टर ओपेरिस, मास्टर बिल्डर (जो सामग्री और टीम की आपूर्ति के प्रबंधन का प्रभारी था) और एक मैजिस्टर लैपिडम (जो मुख्य वास्तुकार के कार्य के बराबर था और उनकी गतिविधियों की तुलना एक फिल्म के निर्माता और निर्देशक से की जा सकती है) की कमान के तहत शिल्पकारों की एक सेना का गठन किया गया था। श्रमिकों और कारीगरों की कोई महत्वपूर्ण या निर्णायक भूमिका नहीं थी, स्वामी के प्रति उनकी अधीनता लगभग पूर्ण थी, और ये बदले में, सीधे चर्च के मार्गदर्शन में काम करते थे। हालांकि कई गोथिक वास्तुकारों के नाम ज्ञात हैं, स्वतंत्र कलात्मक व्यक्तित्व और कलाकार के स्तर तक बढ़ने वाले शिल्पकार जैसा कि हम अब कल्पना करते हैं कि यह शब्द 14 वीं शताब्दी तक नहीं हुआ था, जब शहरीकरण प्रमुख शहरों में निजी कार्यशालाओं को स्थापित करने के लिए सर्वश्रेष्ठ रचनाकारों को आकर्षित करने के लिए पर्याप्त उन्नत था। इस प्रकार, 14वीं शताब्दी के मध्य तक, मूल रूप से सभी गोथिक मूर्तिकला गुमनाम थी और कई हाथों की उपज थी। लेकिन जब इस तरह की निजी कार्यशालाएं कई गुना बढ़ने लगीं, तब भी नियम यह था कि मास्टर ने सहायकों की एक श्रृंखला को नियुक्त किया जो टुकड़ों के निष्पादन में सहयोग करते थे-एक ऐसी प्रणाली जो छोटे पैमाने पर कैथेड्रल के महान उद्यमों को पुनः पेश करती थी-और भले ही अब मास्टर का रचनात्मक व्यक्तित्व स्पष्ट था और वह परिणामों को बेहतर ढंग से नियंत्रित कर सकता था, अंतिम उत्पाद अभी भी ज्यादातर सामूहिक था। दूसरी ओर, स्वायत्त कलाकारों की बढ़ती संख्या के अस्तित्व के लिए वर्ग संघों, संघों में उनके संगठन की आवश्यकता थी, जो अनुबंधों के वितरण में, प्रशिक्षुओं को पढ़ाने के तरीकों में और कभी-कभी सौंदर्य मापदंडों की परिभाषा में भी काफी शक्ति का प्रयोग करते थे। यद्यपि गिल्ड प्रिस्क्रिप्शन का आमतौर पर इस अंतिम विषय पर बहुत कम प्रभाव पड़ता था और व्यक्तिगत गुरु ने पसंद और कार्रवाई की काफी स्वतंत्रता को संरक्षित किया, क्योंकि काम हमेशा कमीशन पर किए जाते थे-कोई सहज उत्पादन नहीं होता था-संरक्षकों का स्वाद निर्णायक था। पुनर्जागरण के दौरान शास्त्रीयता के तीव्र पुनर्मूल्यांकन के साथ, गोथिक मूर्तिकला गुमनामी में गिर गई और 18 वीं शताब्दी के मध्य तक बनी रही, जब सामान्य रूप से मध्ययुगीन विषयों में एक नई रुचि पैदा हुई। अंग्रेजी, जर्मन और फ्रांसीसी विद्वानों ने इस पुनः खोज में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई, जैसे कि वालपोल, गोएथे और चेटाउब्रिएंड, लेकिन यह रुचि, जो अभी भी बौद्धिक अभिजात वर्ग तक ही सीमित थी, अनगिनत अन्य गोथिक कला अवशेषों और स्मारकों को फ्रांसीसी क्रांति में नष्ट होने से नहीं रोक पाई, जिन्हें उन लोगों द्वारा तोड़ दिया गया था जिन्हें क्रांतिकारी सरकार के फरमानों द्वारा ऐसा करने के लिए प्रोत्साहित किया गया था-जैसे कि पेरिस कम्यून द्वारा जारी किया गया था, जिसमें अपदस्थ राजशाही के प्रतीक के रूप में नोट्रे डेम कैथेड्रल के सामने से राजाओं की सभी मूर्तियों को हटाने और उनका सिर कलम करने का आदेश दिया गया था। गोथिक काल के प्रारंभिक अध्ययनों ने वास्तुकला पर ध्यान केंद्रित किया, मूर्तिकला पर बहुत कम ध्यान दिया, जिसे तब केवल इमारतों के लिए एक सजावटी सहायक माना जाता था और शास्त्रीय ग्रीको-रोमन मूर्तिकला की अपार प्रतिष्ठा के साथ प्रतिस्पर्धा करनी पड़ती थी। 1822 में, लेप्सियस नौम्बर्ग कैथेड्रल की मूर्तियों का विस्तृत अध्ययन करने वाले पहले व्यक्ति थे, लेकिन वे खुद शास्त्रीयता से पक्षपाती थे और इस प्रकार उन्होंने गोथिक उत्पादन का तुलनात्मक रूप से विश्लेषण किया, जिससे इसके नुकसान हुए। फिर भी, लेप्सियस ने इस विषय की ओर ध्यान आकर्षित किया और इसे एक महत्वपूर्ण ऐतिहासिक और सांस्कृतिक संसाधन के रूप में महत्व दिया। इसके बाद, मूर्तिकला के अधिक बार उल्लेख के साथ, लेकिन अभी भी मध्ययुगीन इतिहास के सामान्य विश्लेषण के भीतर, अधिक अध्ययन दिखाई देने लगे। इतिहासलेखन ने प्रलेखन और अधिक वस्तुनिष्ठ दृष्टिकोणों पर आधारित एक पद्धति का उपयोग करते हुए खुद को एक आधुनिक विज्ञान के रूप में मजबूत करना शुरू कर दिया, और इस प्रक्रिया में एक मील का पत्थर फ्रांज क्लुगर द्वारा प्रभावशाली अध्ययन हैंडबुच डेर कुन्स्टगेस्चिच्टे (1842) था, जहां पहली बार पूरे खंड मूर्तिकला के लिए समर्पित थे-हालांकि उन्होंने माना कि जमीन को अभी भी कवर किया जाना था। एक अन्य महत्वपूर्ण योगदान कार्ल श्नासे द्वारा अपने गेशिच्टे डेर बिल्डेन कुंस्टे (1842-1864) में दिया गया था, जिसमें मध्य युग को समर्पित पांच खंड थे और जो सामाजिक, बौद्धिक और ऐतिहासिक संदर्भ में स्मारकों का अध्ययन करने से संबंधित थे। इस अध्ययन का प्रमुख महत्व शास्त्रीय कला का न्याय करने के लिए उपयोग किए जाने वाले मानदंडों के आधार पर मध्ययुगीन कलात्मक उत्पादन का विश्लेषण करने की सामान्य प्रवृत्ति पर सवाल उठाना था। उसी समय, ईसाई पुरातत्व का विकास गोथिक को ईसाई धर्म की उत्कृष्टता की शैली के रूप में परिभाषित करने के लिए आया, और 19 वीं शताब्दी के मध्य से कई विशेष पत्रिकाएं अलग-अलग कार्यों या गोथिक मूर्तिकला के समूहों से संबंधित लेखों के साथ दिखाई दीं-लेकिन आम तौर पर वे अपने संदर्भ से कार्यों को अलग करने की प्रवृत्ति रखते थे और बिना किसी कृत्रिम दृष्टिकोण के मूर्तिकला के पहलुओं और धार्मिक व्याख्याओं के साथ अधिक काम करते थे। तब तक, सामान्य रूप से मध्य युग और विशेष रूप से गोथिक काल में रुचि इतनी बढ़ गई थी कि एक वास्तविक नव-गोथिक पुनरुत्थानवादी लहर का गठन हुआ, जिसका मुख्य रूप से वास्तुकला, साहित्य और चित्रकला में प्रभाव पड़ा। कुछ अध्ययनों से पता चलता है कि नव-गोथिक काल के दौरान-जो 20वीं शताब्दी के मध्य तक चला और पूरे पश्चिम में फैल गया-मूल शैली के फलने-फूलने की पूरी अवधि की तुलना में अधिक "गोथिक" इमारतों का निर्माण किया गया था। इस बीच, नियो-गॉथिक सारग्राही साबित हुआ, जिसमें नियोक्लासिकल और रोमांटिक स्कूलों के तत्वों और ऐतिहासिक गॉथिक के कई अलग-अलग चरणों को एक ही काम में शामिल किया गया, और इस प्रकार, एक पुरातात्विक पुनरुत्थान के बजाय, इसने एक नई और स्वायत्त शैली की शक्ति प्राप्त की। इस रुचि ने गोथिक कला के संग्रह के निर्माण और प्राचीन स्मारकों की बहाली के लिए कई परियोजनाओं की शुरुआत में भी योगदान दिया है, हालांकि हमेशा सख्त ऐतिहासिक प्रामाणिकता का सम्मान नहीं किया है। गॉथिक मूर्तिकला का अधिक गहन और वैज्ञानिक उपचार 19वीं शताब्दी के अंत तक नहीं आया था, जिसमें विल्हेल्म लूबके की गेशिच्टे डेर प्लास्टिक वॉन डेन एल्टेस्टन ज़ाइटेन बिस औफ़ डाई गेजेनवार्ट (1863-1871) थी। इसमें, लूबके ने पहली बार प्राचीन निकट पूर्वी सभ्यताओं से लेकर आधुनिक समय तक मूर्तिकला के इतिहास के "कुल" अवलोकन का निर्माण किया, साथ ही कई चित्रों का निर्माण किया, और माना कि मध्ययुगीन मूर्तिकला की अनुचित उपेक्षा की जा रही थी। उसी समय, विल्हेम बोडेन, फ्रांज वॉन रेबर और विशेष रूप से विल्हेम वोगे के कार्यों ने अंततः गोथिक मूर्तिकला को अध्ययन के एक परिभाषित क्षेत्र के रूप में स्थापित किया, जबकि जियोवानी मोरेली, एमिल माले, लुई कौराजोड और अन्य लोगों ने खुद को क्षेत्रीयता, प्रतिमा विज्ञान, विशिष्ट अवधि, वंशावली और शैली की व्याख्या के प्रश्नों के लिए समर्पित कर दिया। वैज्ञानिक प्रलेखन के साधन के रूप में फोटोग्राफी के नए उपयोग ने भी विद्वानों को मौलिक सहायता प्रदान की और गोथिक स्मारकों को आम जनता के लिए जाना गया। गोथिक मूर्तिकला के पुनर्मूल्यांकन में योगदान देने वाला एक अन्य कारक यह तथ्य था कि 18 वीं शताब्दी के अंत से, विभिन्न देशों में कई धार्मिक आदेशों को भंग कर दिया गया था और कई मध्ययुगीन इमारतों को ध्वस्त या पुनर्निर्मित किया गया था, जिनकी सजावटी प्रतिमा संग्रहालय संग्रह में समाप्त हो गई थी। इसके साथ, इसके कार्य से अलग, उन्हें पंथ और इसके रहस्यमय पहलू से स्वतंत्र, "कला के कार्यों" के रूप में सराहा जा सकता है। 20वीं शताब्दी में शैली के विभिन्न पहलुओं पर महत्वपूर्ण-और अक्सर विवादास्पद-योगदान दिए गएः विल्हेम वारिंगर, जिनके गोथिक काल पर विचारों का अभिव्यक्तिवाद और अन्य आधुनिकतावादी अवांट-गार्डेस और पूर्व-नाजी जर्मन राष्ट्रवाद पर भी प्रभाव पड़ा। हंस सेल्डमेयर और इरविन पानोफ्स्की, गोथिक कैथेड्रल को "कला के कुल काम" (गेसमट्कुन्स्टवर्क) के रूप में परिभाषित करते हैं। और जोहान हुइजिंगा और अर्नोल्ड हौसर, कला और समाज को सहसंबंधित करते हैं। लेकिन मध्ययुगीन अध्ययनों में हाल ही में की गई महत्वपूर्ण प्रगति और कैथेड्रल वास्तुकला पर पहले से ही प्रकाशित काफी ग्रंथ सूची के बावजूद, एक स्वतंत्र इकाई के रूप में गोथिक मूर्तिकला अभी भी आधुनिक शोधकर्ताओं द्वारा अपेक्षाकृत अप्रकाशित विषय है। टिप्पणियाँ संदर्भ बाहरी लिंक "पश्चिमी मूर्तिकलाः गोथिक"। एनसाइक्लोपीडिया ब्रिटानिका ऑनलाइन "गोथिक आर्ट"। हेलब्रुन टाइमलाइन ऑफ आर्ट हिस्ट्री। न्यूयॉर्कः द मेट्रोपॉलिटन म्यूजियम ऑफ आर्ट, 2000। मूर्तिकला विषयों गोथिक कला-यूरोपीय मूर्तिकला कैथोलिक मूर्तिकला सहित कई संबंधित विषयों के साथ मुख्य लेख और मेनू