Music education and programs within the United States
संयुक्त राज्य अमेरिका में संगीत शिक्षा को कई स्कूलों में आधुनिक शिक्षण के रूप में लागू किया जाता है। संगीत शिक्षा अध्ययन का एक क्षेत्र है जो कक्षा में संगीत के शिक्षण और अनुप्रयोग पर केंद्रित है। जैसे-जैसे पाठ्यक्रम में यह जोड़ आगे बढ़ता है, अध्ययन के इस पाठ्यक्रम के प्रभावों और प्रभावों पर व्यापक रूप से बहस की जा रही है, विशेष रूप से इससे संबंधित कारकों पर। शोधकर्ता शिक्षाविदों के क्षेत्र में इसके शुरुआती ज्ञात अनुप्रयोग से इसकी प्रगति का अनुसरण करने में सक्षम हैं। इतिहास देश में सबसे प्रारंभिक व्यवस्थित संगीत शिक्षा प्रोटेस्टेंट चर्च सेवाओं के लिए गायकों के प्रशिक्षण पर केंद्रित थी, ताकि भजन-गायन में मण्डली का नेतृत्व किया जा सके। 18वीं शताब्दी में, देश में पहले गायन विद्यालयों की स्थापना की गई, और कई प्रसिद्ध यात्रा करने वाले गायकों ने न्यू इंग्लैंड की यात्रा की, जो खलिहानों, स्कूल घरों और अन्य अनौपचारिक स्थानों में पढ़ाते थे; इन गुरुओं में फ्रांसिस हॉपकिन्सन और विलियम बिलिंग्स शामिल थे। शताब्दी के अंत तक, सवाना, फिलाडेल्फिया और बोस्टन जैसे शहरों में अधिक औपचारिक गायन विद्यालय सामाजिक गायन समाज बन गए। संयुक्त राज्य अमेरिका में सार्वजनिक शिक्षा ने पहली बार 1830 के दशक में बोस्टन में पाठ्यक्रम के हिस्से के रूप में संगीत की पेशकश की, और यह गायन शिक्षक लोवेल मेसन की मदद से फैल गया, जब उन्होंने 1838 में बोस्टन स्कूल समिति को सफलतापूर्वक इसकी वकालत की। समिति ने अंततः संगीत को एक पाठ्यचर्या विषय के रूप में शामिल करने का निर्णय लिया क्योंकि यह एक नैतिक, शारीरिक और बौद्धिक प्रकृति का था। संगीत को नैतिक माना जाता था क्योंकि यह धर्म में ऐसी भूमिका निभाता था, साथ ही यह तथ्य कि इसे "खुशी, संतुष्टि, प्रफुल्लता और शांति" पैदा करने के लिए प्रलेखित किया गया था। यह शारीरिक प्रकृति का था क्योंकि गायन फेफड़ों के लिए व्यायाम था। समिति ने यह कहते हुए संगीत की बौद्धिक प्रकृति को उचित ठहराया कि इसका अध्ययन मध्य युग में क्वाड्रिवियम के एक हिस्से के रूप में किया गया था, और यह "स्मृति, तुलना, ध्यान और बौद्धिक क्षमताओं में योगदान देता है।" सार्वजनिक शिक्षा में संगीत के एक अन्य समर्थक स्विस शैक्षिक सुधारक जोहान हेनरिक पेस्टलोज़ी थे। पेस्टलोज़ी का मानना था कि प्रकृति ज्ञान का अंतिम और मूल स्रोत है, इसलिए उनके शैक्षिक सिद्धांतों ने संवेदी, गतिज और सक्रिय शिक्षा को उच्च महत्व दिया। उन्होंने महसूस किया कि छात्रों को सभी विषयों में सरल अवधारणाओं के साथ शुरुआत करनी चाहिए और बाद में अधिक जटिल विचारों की ओर बढ़ना चाहिए। पेस्टलोज़ी की विधि उन प्रारंभिक तरीकों में से एक थी जिन्हें "छात्र-केंद्रित शिक्षा" माना जा सकता था और अनुशासन के उनके विचार और प्रेम और विश्वास पर आधारित छात्र-शिक्षक संबंध उस समय के शारीरिक दंड के सामान्य अभ्यास से स्पष्ट रूप से अलग थे। संगीत सिखाने में पेस्टलोजियन विचारों का उपयोग करने वाले पहले संगीत शिक्षक स्विट्जरलैंड में पेस्टलोज़ी के एक सहयोगी हंस नेगेली थे। संगीत के प्रति उनके पेस्टलोजियन दृष्टिकोण को संयुक्त राज्य अमेरिका में लाया गया, अनुवाद किया गया और विलियम चैनिंग वुडब्रिज, एलम इवेस और लोवेल मेसन द्वारा लोकप्रिय बनाया गया। इस दृष्टिकोण ने सक्रिय और संवेदी शिक्षा को महत्व दिया, संकेतों से पहले ध्वनियों को सिखाया, संगीत को राग, लय और अभिव्यक्ति में अलग किया, और प्रत्येक तत्व के संदर्भ में सरल से जटिल में भी स्थानांतरित किया। इनमें से कई विचार बाद में स्थापित संगीत शिक्षण विधियों में पाए जाते हैं, जैसे कि ऑर्फ-शुल्वर्क, कोडली और डालक्रोज़-यूरोथिमिक्स। संगीत शिक्षा, मुख्य रूप से मुखर, महिलाओं के स्कूलों में सबसे आम रही, हालांकि कई निजी अकादमियां भी मौजूद थीं, जो वायलिन, वायला, सेलो और पियानो जैसे वाद्य यंत्रों में लड़कों और लड़कियों को निर्देश देती थीं। 19वीं शताब्दी के मध्य में, शिक्षक लूथर व्हाइटिंग मेसन ने सिनसिनाटी के स्कूलों में संगीत शिक्षा की स्थापना की, और पाठ्यपुस्तकों के एक प्रमुख लेखक बन गए। उनका राष्ट्रीय संगीत पाठ्यक्रम, जो पहली बार 1870 में प्रकाशित हुआ था, कई अमेरिकी पाठ्यक्रमों का व्यापक रूप से अपनाया गया मानक हिस्सा था। संगीत शिक्षा का देश भर में विस्तार जारी रहा, और शैक्षिक विकास के एक अनिवार्य हिस्से के रूप में सम्मान प्राप्त किया। 1890 के दशक तक राष्ट्रीय शिक्षा संघ में एक संगीत अनुभाग था। वैज्ञानिक विधि और इसने संगीत को कैसे प्रभावित किया, गृहयुद्ध के बाद, व्यावहारिकता और क्रमिक कौशल निर्माण के वैज्ञानिक पहलू, सटीक मूल्यांकन, परीक्षा, व्यवस्थित शिक्षण विधियाँ और वैज्ञानिक विधियाँ शिक्षा में लोकप्रिय थीं। संगीत शिक्षकों की प्रतिक्रियाओं से पता चला कि विभिन्न पद्धतियों, व्यवस्थित पाठ्यपुस्तकों और श्रेणीबद्ध संगीत श्रृंखलाओं और शिक्षकों के लिए निर्देशात्मक सामग्री के उपयोग के माध्यम से संगीत का वैज्ञानिक रूप से अध्ययन किया जा सकता है। उन्नीसवीं शताब्दी में शिक्षा के वैज्ञानिक और अधिक व्यावहारिक लक्ष्यों का स्कूलों में संगीत शिक्षा के विकास पर गहरा प्रभाव पड़ा। दो पद्धतियाँः रट बनाम नोट संगीत सिखाने के लिए उपयोग की जाने वाली दो मुख्य पद्धतियाँ "रट" विधि और "नोट" विधि थीं। रोटे विधि ने कई पेस्टलोज़ियन विचारधाराओं का पालन किया। पहले गीत सिखाए जाते थे और बाद में संगीत के विचारों को सावधानीपूर्वक और व्यवस्थित रूप से प्रस्तुत किया जाता था। रट्टे से गाना इस पद्धति का आधार था। लोवेल मेसन ने रटने की विधि का उपयोग करते हुए पहली संगीत श्रृंखला लिखी। 1864 से लोवेल मेसन के द सॉन्ग गार्डन ने उन्नीसवीं शताब्दी के उत्तरार्ध की अन्य रट पद्धतियों के लिए मंच तैयार किया। लूथर व्हाइटिंग मेसन पाठ्यपुस्तक में प्रस्तुत एक प्रमुख रटने की विधि का नाम था। लूथर मेसन सिनसिनाटी स्कूलों में कार्यरत थे लेकिन बाद में "प्राथमिक विद्यालयों में संगीत के अधीक्षक" के रूप में बोस्टन चले गए। लूथर मेसन ने रटने की पद्धति का उपयोग करके स्कूली पाठ्यपुस्तकें लिखीं। 1870 में गिन द्वारा प्रकाशित राष्ट्रीय संगीत पाठ्यक्रम में संगीत पढ़ना सिखाने के लिए रटने वाले गीतों का उपयोग करने के क्रमिक दृष्टिकोण में सात पुस्तकें प्रस्तुत की गई थीं। (पृ. 196) लूथर मेसन ने कक्षा शिक्षक के लिए बहुत विस्तृत पाठ योजनाओं को शामिल किया, क्योंकि उस समय संगीत कक्षा शिक्षक द्वारा पढ़ाया जाता था लेकिन एक संगीत विशेषज्ञ द्वारा इसकी देखरेख की जाती थी। इस श्रृंखला को कक्षा शिक्षक द्वारा प्रत्येक दिन पंद्रह मिनट के संगीत निर्देश के लिए तैयार किया गया था और सप्ताह में एक बार एक संगीत शिक्षक द्वारा इसकी देखरेख की जाती थी। पुस्तक श्रृंखला इतनी लोकप्रिय थी कि लूथर मेसन को जापान और जर्मनी में अपने तरीकों को लागू करने के लिए आमंत्रित किया गया था। उन्नीसवीं शताब्दी में बाद में "नोट" विधि की तुलना में रट्टे की विधि कम पसंद की गई थी। हालाँकि, बहस आज भी जारी है। नोट विधि का एक उदाहरण जोसेफ बर्ड की 1861 की वोकल म्यूजिक रीडर और बेंजामिन जेप्सन की तीन पुस्तकों की श्रृंखला है जिसमें "नोट" पद्धति का उपयोग किया गया है। द एलीमेंट्री म्यूजिक रीडर को 1871 में बार्न्स कंपनी द्वारा लूथर मेसन के द नेशनल म्यूजिक कोर्स के एक साल बाद प्रकाशित किया गया था। बेंजामिन जेप्सन एक सैन्य व्यक्ति थे जो युद्ध में चोट लगने के बाद न्यू हेवन में संगीत शिक्षक बन गए। उनकी संगीत की पाठ्यपुस्तकों में संगीत पढ़ने और दृश्य-गायन के लक्ष्य के लिए व्यवस्थित रूप से अभ्यास और गीत प्रस्तुत किए गए थे। जेप्सन ने बाद में 1888 में द स्टैंडर्ड म्यूजिक रीडर और 1904 में द न्यू स्टैंडर्ड म्यूजिक रीडर के नाम से अपनी श्रृंखला के दो संशोधन प्रकाशित किए। जेप्सन के नोट पद्धति के नक्शेकदम पर चलते हुए होसिया एडसन होल्ट और जॉन व्हीलर टफ्ट्स थे, जिन्होंने 1883 में प्रकाशित द नॉर्मल म्यूजिक कोर्स लिखा था (जेप्सन के द एलीमेंट्री म्यूजिक रीडर के बारह साल बाद)। सामान्य संगीत पाठ्यक्रम पढ़ने के लिए यहाँ क्लिक करें। इस श्रृंखला में पाँच पुस्तकें थीं जो सभी दृश्य-गायन और संगीत पढ़ने के लिए तैयार थीं। वैज्ञानिक और व्यावहारिक अध्ययन के रूप में संगीत पढ़ने की गंभीरता को दिखाने के लिए कुछ अन्य नोट पद्धति पाठ्यपुस्तकों को प्रस्तुत किया गया था। इन अन्य नोट पद्धति पुस्तकों में शामिल हैंः ब्लैकमैन और व्हिटमोर-1873 द्वारा द ग्रेडेड स्कूल सिंगर, और सिनसिनाटी स्कूलों का द यंग सिंगर-1860, द यंग सिंगर मैनुअल-1866, और सिनसिनाटी म्यूजिक रीडर-1893। वैज्ञानिक पद्धति और नोट पद्धति की प्रगति की पराकाष्ठा 1895 में प्रकाशित थॉमस टैपर और फ्रेडरिक रिप्ले के द नेशनल म्यूजिक कोर्स में प्रस्तुत की गई थी। यह पुस्तक गायन में सुंदरता विकसित करने के लिए संगीत साक्षरता के लिए एक गैर-मूर्खतापूर्ण व्यवस्थित दृष्टिकोण पर केंद्रित है। इसने सामग्री के व्यवस्थित और व्यावहारिक वितरण पर जोर दिया। संगीत पर्यवेक्षक राष्ट्रीय सम्मेलन के निर्माण के साथ संयुक्त राज्य अमेरिका में संगीत शिक्षा ने एक बड़ा मोड़ ले लिया। संगीत पर्यवेक्षक सम्मेलन की पहली बैठक अप्रैल 1907 में केओकुक, आयोवा में वेस्टमिंस्टर प्रेस्बिटेरियन चर्च में आयोजित की गई थी। फिलिप सी. हेडन नाम के एक संगीत शिक्षक ने संगीत विद्यालय मासिक में निमंत्रण भेजकर और बैठक की घोषणा करके पहली बैठक को संभव बनाया, जिसमें हेडन प्रकाशन के संस्थापक और संपादक थे। यह सभा मुख्य रूप से शिक्षकों के लिए ताल में नई शिक्षण तकनीकों का निरीक्षण करने और हेडन के संगीत छात्रों का निरीक्षण करने के लिए थी। तीन दिवसीय सम्मेलन के दौरान, हेडन और उनके छात्रों द्वारा प्रदान किए गए संगीत प्रदर्शन हुए। सम्मेलन के दौरान संगीत शिक्षा में वर्तमान विषयों पर अनौपचारिक चर्चा भी होगी। भविष्य के सम्मेलन और क्लीनिक इस मॉडल पर आधारित होंगे। पूरे सम्मेलन के दौरान, कई शिक्षकों ने संगीत पर्यवेक्षकों और शिक्षण तकनीकों को समर्पित एक अधिक स्थायी संगठन के महत्व पर चर्चा की। सम्मेलन के अंतिम दिन, उनसठ संगीत पर्यवेक्षकों के एक मंच ने एक और सम्मेलन के लिए मतदान किया और एक संगठन के चार्टर-सदस्य बन गए जो अनाम रहेगा। संगीत पर्यवेक्षक राष्ट्रीय सम्मेलन की स्थापना आधिकारिक तौर पर 1910 में सिनसिनाटी में संगठन की तीसरी बैठक के दौरान संविधान और उपनियमों को अपनाने के साथ की गई थी। जैसे-जैसे संगीत पर्यवेक्षक की भूमिका एक प्रशासनिक स्थिति में बदल गई, सम्मेलन मुख्य रूप से कक्षा में प्रदान की जाने वाली शिक्षण विधियों पर ध्यान केंद्रित करने लगा। 1934 की शिकागो बैठक में, सदस्यों ने नाम को संगीत शिक्षकों के राष्ट्रीय सम्मेलन में बदलने का फैसला किया। संगीत पर्यवेक्षक राष्ट्रीय सम्मेलन की शुरुआत के बाद से, संगठन ने यह सुनिश्चित करने के लिए लगन से काम किया है कि प्रत्येक छात्र को एक योग्य संगीत शिक्षक द्वारा प्रदान की जाने वाली सार्वजनिक विद्यालय प्रणाली में संगीत शिक्षा तक पहुंच हो। सभी स्तरों पर सार्वजनिक स्कूली शिक्षा में मुखर शिक्षा का वर्चस्व था। 20वीं शताब्दी की शुरुआत तक वाद्य शिक्षा को बड़े पैमाने पर निजी उद्यम के माध्यम से संभाला जाता था। फ्रेडरिक इनेस, जॉन फिलिप सौसा और अन्य के बैंड संगीत से प्रेरित, कई स्कूलों ने आर्केस्ट्रा वाद्ययंत्र बैंड की पेशकश की। यह प्रथम विश्व युद्ध के बाद तेज हो गया, जब कई सैनिक बैंड संगीत में ज्ञान और रुचि के साथ लौटे जो उन्होंने सैनिकों के रूप में सीखा था। संगीत शिक्षकों के लिए पहला औपचारिक स्कूल 1884 में पॉट्सडैम, न्यूयॉर्क में जूलिया एट्टी क्रेन द्वारा स्थापित किया गया था, लेकिन 1920 के दशक में ओहियो में ओबेरलिन कंज़र्वेटरी संगीत शिक्षा में चार साल की डिग्री प्रदान करने वाला पहला स्कूल बन गया। उन्नीसवीं शताब्दी के मध्य से अंत तक कॉन्सर्ट और मार्चिंग बैंड ऑल-फीमेल हाई स्कूल, सैन्य और प्रदर्शन बैंड बैंड हर समुदाय का एक अभिन्न अंग थे। ये बैंड परेड में मार्च करते थे, मुफ्त संगीत कार्यक्रम प्रदान करते थे, सैनिकों का समर्थन करते थे और अस्पतालों में उन लोगों के लिए बजाते थे। 1865 से 1917 तक हुए बैंड के स्वर्ण युग के दौरान, देश भर में लगभग 10,000 से अधिक ब्रास बैंड मौजूद थे। बैंड की सदस्यता में पुरुष शामिल थे, लेकिन पिछली तस्वीरों से संकेत मिलता है कि सभी महिला बैंड भी थीं। महिला बैंडों ने बीसवीं शताब्दी में अपनी लोकप्रियता जारी रखी और हाई स्कूल बैंड के विकास को पूरी तरह से पुरुष से कार्यक्रमों में महिलाओं के एकीकरण तक प्रभावित किया। हाई स्कूलों में अक्सर मानक पुरुष बैंड होता था, लेकिन अक्सर इसमें एक महिला बैंड भी शामिल होता था। उद्योग का समर्थन करने के लिए महिला बैंड भी बनाए गए थे। द्वितीय विश्व युद्ध की शुरुआत के साथ, महिला बैंड का महिलाओं के सैन्य बैंड में विस्तार हुआ। ये बैंड महिला सैनिकों का मनोरंजन करने, युद्ध बंधन बेचने और संगीत कार्यक्रम, स्नातक, नृत्य, परेड और अस्पतालों (2008) में प्रदर्शन करने के लिए बनाए गए थे। युद्ध से लौट रहे घायल सैनिकों के मनोरंजन के लिए डब्ल्यू. ए. सी. (महिला सेना कोर) बैंड का उपयोग किया जाता था। ओहायो के एक संगीत शिक्षक, जोन ए. लैम्ब ने सैन्य बैंड की दुनिया में महान योगदान दिया। लैम्ब महिला सेना सहायक कोर में नामांकन करने तक एक सार्वजनिक संगीत शिक्षक थीं जिन्हें बाद में डब्ल्यूएसी के रूप में जाना जाता था। अपने बुनियादी प्रशिक्षण में, उन्हें अधिकारी के लिए उम्मीदवार बनने के लिए कहा गया था, लेकिन उन्होंने जोर देकर कहा कि वह डब्ल्यूएसी बैंड में खेलने के लिए शामिल हुई थीं। बैंड का सदस्य बनने के प्रयास में उनकी दृढ़ता के कारण उन्हें मनोचिकित्सक के पास भी भेजा गया था। अंत में, उन्होंने डब्ल्यू. ए. सी. बैंड निदेशक का पता लगाया, अपने ओबो के साथ उनके लिए ऑडिशन दिया, और उन्हें तुरंत बैंड में फिर से नियुक्त किया गया। लैम्ब ने बैंड के भीतर कई संगीत पदों पर कार्य किया जो महिलाओं के लिए पहली बार था। उन्होंने आर्मी म्यूजिक स्कूल से स्नातक की उपाधि प्राप्त की, 400वें डब्ल्यूएसी बैंड का निर्देशन किया, एक अफ्रीकी अमेरिकी डब्ल्यूएसी बैंड शुरू किया, और सशस्त्र बल रेडियो ऑर्केस्ट्रा में प्रदर्शन किया। डब्ल्यू. ए. सी. एस. में अपनी सेवा के बाद, वह लॉस एंजिल्स पब्लिक स्कूलों में एक संगीत शिक्षक, शिक्षक और प्रशासक के रूप में अपने जीवन में लौट आईं, जहाँ उन्होंने 30 वर्षों तक सेवा की। अफ्रीकी-अमेरिकी महिलाएं भी डब्ल्यू. ए. सी. बैंड में सेवा करना चाहती थीं। एक 404 डब्ल्यूएसी बैंड बनाया गया था। सेना की डब्ल्यू. ए. सी. शाखा एकमात्र शाखा थी जिसने अफ्रीकी अमेरिकी महिला बैंड की अनुमति दी थी। तटरक्षक बल ने महिला बैंड का अपना संस्करण भी बनाया। एस. पी. ए. आर. बैंड ने सैनिकों के लिए खेला और डब्ल्यू. ए. सी. बैंड के समान कई गतिविधियों का प्रदर्शन किया। युद्ध के बाद, एस. पी. ए. आर. बैंड को भंग कर दिया गया और तटरक्षक फिर से सभी पुरुष बन गए। युद्ध के बाद, महिला एस. पी. ए. आर. बैंड सदस्य शिक्षक, कलाकार और माता-पिता बन गईं। डब्ल्यू. ए. सी. और एस. पी. ए. आर. सैन्य बैंड की कुछ महिला सदस्य थीं जो कॉलेज जाने के लिए जी. आई. बिल का उपयोग करती थीं जबकि अन्य ने युद्ध के बाद पेशेवर रूप से प्रदर्शन करना जारी रखा। युद्ध के दौरान, युद्ध के प्रयास में सेवारत पुरुष समकक्ष की जगह महिलाओं के स्विंग बैंड भी लोकप्रिय हो गए। ये स्विंग बैंड अत्यधिक सफल रहे और युद्ध के प्रयास से हटने की इच्छा रखने वाली जनता ने इन्हें खूब सराहा। द इनजेन्यूज़ 1920 के दशक के अंत से 1930 के दशक तक लोकप्रिय एक पूरी तरह से महिला जैज़ बैंड था। यह प्रदर्शन करने वाला बैंड अक्सर वाडेविल और विभिन्न थिएटरों में दिखाई देता था। एना माई विनबर्न इंटरनेशनल स्वीटहार्ट्स ऑफ रिदम नामक एक ऑल-फीमेल जैज़ बैंड की अफ्रीकी अमेरिकी बैंड लीडर थीं। फ्रांसेस क्लेन 30 और 40 के दशक की एक और प्रसिद्ध महिला वाद्ययंत्रकार थीं, जिन्होंने आइरीन वर्मिलियन के निर्देशन में केरमिट डार्ट के ऑल-गर्ल बैंड में अभिनय किया था। महिला सैन्य बैंड और युद्ध के बाद सभी महिला बैंड ने वाद्य संगीत में अधिक महिला भागीदारी के लिए द्वार खोल दिए। इन सीमावर्ती महिलाओं के प्रयासों के माध्यम से, महिला उद्देश्य और विश्वसनीयता के स्तर के बारे में दृष्टिकोण बदल गए। अचानक, महिला बैंड पुरुष बैंड की तरह ही मनोरंजक पाए गए। महिलाओं को मनोरंजन की दुनिया में एक स्थान और उद्देश्य मिला। जिन महिलाओं को केवल माँ बनने की क्षमता माना जाता था, वे संगीत की दुनिया में अग्रणी थीं। इतिहास में इस समय के दौरान महिलाओं की समानता उभरने लगी और संगीत आंदोलन के लिए एक प्राथमिक मार्ग था। अतीत की इन महिलाओं ने एक ऐसा वातावरण बनाया जिसका आज की महिलाएं आनंद लेती हैं। यह निष्पक्षता और सभी कैरियर क्षेत्रों में सफलता प्राप्त करने की क्षमता का वातावरण है। आज की महिलाएं कॉलेज जाती हैं और कार्यबल में पेशेवर बन सकती हैं। जोन लैम्ब जैसी महिलाओं ने उस पर विजय प्राप्त की जो अतीत में एक निषिद्ध दुनिया की तरह लग रही थी। द्वितीय विश्व युद्ध के दौरान हाई स्कूल संगीत कार्यक्रम कॉलेजिएट बैंड सेवा संगठन प्रथम विश्व युद्ध में संयुक्त राज्य अमेरिका के प्रवेश (1917-1918) ने विल्सन प्रशासन को "देशभक्तिपूर्ण मानसिकता" को बढ़ावा देने के लिए प्रेरित किया। "अमेरिका" और "द स्टार स्पैंगल्ड बैनर" जैसे देशभक्ति गीतों का सामुदायिक गायन नागरिकों के लिए "सभी प्रकार के मजबूत सामुदायिक प्रयासों" को बढ़ावा देने के तरीके के रूप में लोकप्रिय आउटलेट थे और आप्रवासियों को अंग्रेजी सीखने में भी सहायता करते थे। सामुदायिक गायन के अलावा, "नागरिक मनोबल बनाए रखने" के लिए देशभक्ति को बढ़ावा देने के लिए संगीत कार्यक्रम बैंड और मार्च बैंड का भी उपयोग किया जाता था। प्रथम विश्व युद्ध के दौरान और उसके बाद, विशेष रूप से संयुक्त राज्य अमेरिका के मध्य-पश्चिम में, कॉलेज और विश्वविद्यालय के मार्चिंग बैंड भी सांस्कृतिक रूप से प्रभावशाली थे। युद्ध के बाद, इन कॉलेजिएट बैंड के सदस्य "सद्भावना, फेलोशिप विकसित करने और समर्पित नेतृत्व के मूल्य को पहचानने" के तरीकों की तलाश कर रहे थे। उस आह्वान के अनुरूप दो प्रमुख बैंड सेवा संगठनों की स्थापना की गई थी, कप्पा कप्पा साइ बिरादरी (κκχi) और ताऊ बीटा सिग्मा सोरोरिटी (τβσ)। कप्पा कप्पा साई उन संगठनों में से पहला था, जिसकी स्थापना 27 नवंबर, 1919 को ओक्लाहोमा ए एंड एम कॉलेज में हुई थी। प्रथम विश्व युद्ध के दौरान अमेरिका में देशभक्ति की मजबूत भावना समाप्त हो रही थी, और विश्वविद्यालय के बैंड के सदस्य बैंड संगीत की वकालत करना जारी रखना चाहते थे। दस कॉलेजिएट बैंड सदस्यों का चयन किया गया था, जिसमें बैंड के नेता विलियम ए. स्क्रॉग्स को समूह के निदेशक, बोहुमिल "बोह" माकोव्स्की द्वारा चुना गया था। 1920 में वाशिंगटन विश्वविद्यालय और मोंटाना स्टेट कॉलेज के जुड़ने के साथ यह बिरादरी जल्दी ही राष्ट्रीय बन गई। 1919 से, कप्पा कप्पा साई के सदस्य हर साल लगभग 5,000 सक्रिय सदस्यों के साथ 200 से अधिक उच्च शिक्षा संस्थानों की वकालत, समर्थन और सेवा कर रहे हैं। प्रसिद्ध भ्रातृ भाइयों में जॉन फिलिप सौसा, कार्ल किंग और विलियम रेवेली शामिल हैं। वर्तमान में कप्पा कप्पा साई के लिए पांच विशिष्ट उद्देश्य हैं जिनमें शामिल हैंः (1) माध्यमिक विद्यालय के बैंडों के अस्तित्व और कल्याण को बढ़ावा देना और उनके प्रयासों के लिए सम्मान पैदा करना, (2) भ्रातृ सदस्यता के माध्यम से उत्कृष्ट बैंड सदस्यों को सम्मानित करना, (3) सकारात्मक आचरण के माध्यम से परिसर के नेतृत्व और सम्मान को प्रोत्साहित करना, (4) कॉलेजिएट बैंडों के बीच सकारात्मक बंधन और उच्च स्तर या प्रदर्शन उपलब्धि को बढ़ावा देना, और (5) कॉलेज बैंड या अन्य संगीत संगठनों में शामिल सभी लोगों को एक सकारात्मक सामाजिक अनुभव प्रदान करना। 1920 के दशक में कॉलेजिएट बैंड युवाओं के क्षेत्र थे। महिलाओं को शायद ही कभी शामिल किया गया था। हालाँकि, जैसे-जैसे अमेरिका का प्रगतिशील आंदोलन विकसित हो रहा था, बैंड कम सैन्यवादी हो गए और 1930 के दशक में अधिक महिलाओं को स्वीकार कर रहे थे। प्रगतिशील आंदोलन के बावजूद, कुछ उच्च शिक्षा समूह केवल पुरुषों के समूह के रूप में बहुत लंबे समय तक रहे। मिशिगन स्टेट यूनिवर्सिटी ने 1972 तक महिलाओं को स्पार्टन मार्चिंग बैंड में प्रवेश नहीं दिया था। ताऊ बीटा सिग्मा सोरोरिटी की स्थापना 26 मार्च, 1946 को कप्पा कप्पा साइ के सत्ताईस साल बाद की गई थी। चार्टर संस्थान ओक्लाहोमा स्टेट यूनिवर्सिटी था, जिसका नाम बदलकर ओक्लाहोमा ए एंड एम रखा गया, जब संगठन ने फैसला किया कि टेक्सास के बजाय ओक्लाहोमा में शुरू करना आसान होगा। महिलाओं के लिए एक बैंड सेवा संगठन बनाने के लिए एक प्रमुख परिस्थिति केवल इस तथ्य के कारण थी कि अब अधिक महिलाएं संयुक्त राज्य अमेरिका में विश्वविद्यालय बैंड के साथ शामिल थीं। टेक्सास टेक विश्वविद्यालय में कुछ अन्य महिला सहपाठियों के साथ वावा बैन्स ने 1937 में अपने निदेशक डी. ओ. विली से "बैंडस्वुमेन का समूह" बनाने के बारे में संपर्क किया। स्थानीय संगठन को ताऊ बीटा सिग्मा के रूप में औपचारिक रूप दिया गया था और कप्पा कप्पा साई बिरादरी के बाद संरचित किया गया था। ताऊ बीटा सिग्मा ने 1943 में कप्पा कप्पा साइ को अपनी राष्ट्रीय बिरादरी के तहत एक अध्याय बनने के लिए याचिका दायर की, हालांकि एक पूर्ण संविधान के पुनर्लेखन और द्वितीय विश्व युद्ध में अमेरिकी प्रवेश से जुड़ी कठिनाइयों ने कप्पा कप्पा साइ को यह सुझाव देने के लिए प्रेरित किया कि ताऊ बीटा सिग्मा ने अपना संगठन बनाया जैसा कि उन्होंने 1919 में किया था। 1945 के टेक्सास निगम कानूनों के साथ जटिलताओं के कारण, कप्पा कप्पा साइ के ए. फ्रैंक मार्टिन ने टाउ बीटा सिग्मा के संस्थापक अध्याय के रूप में ओक्लाहोमा स्टेट यूनिवर्सिटी (ओएसयू) में एक समान महिला समूह का उपयोग करने का सुझाव दिया। ओएसयू का चार्टर दिए जाने के एक महीने बाद, महिलाओं ने ताऊ बीटा सिग्मा की संस्थापक महिलाओं को स्थापित करने के लिए टेक्सास की यात्रा की। कप्पा कप्पा साइ 1947 में बैठक करने में सक्षम था और आधिकारिक तौर पर ताऊ बीटा सिग्मा को अपनी बहन सोरोरिटी के रूप में स्वीकार किया। दोनों संगठनों का विकास द्वितीय विश्व युद्ध के बाद के युग में हुआ। समाज अभी भी विकसित हो रहा था और बदल रहा था और 1972 में शीर्षक IX कानून के पारित होने के साथ महिलाओं के अधिकार सामने और केंद्र बन गए। यह कानून "संघीय धन प्राप्त करने वाले प्रत्येक शैक्षिक कार्यक्रम में लड़कों और लड़कियों के लिए लैंगिक समानता की आवश्यकता है।" चूँकि दोनों समूहों को संघीय रूप से वित्त पोषित किया गया था, महिलाओं को कप्पा कप्पा साइ में शामिल होने की अनुमति दी गई थी और पुरुषों को ताऊ बीटा सिग्मा में शामिल होने की अनुमति दी गई थी। कप्पा कप्पा साइ और ताऊ बीटा सिग्मा आज भी सक्रिय हैं और उन बैंडों को बढ़ावा देने का प्रयास करते हैं जिनसे वे जुड़े हुए हैं जैसा कि उनके संस्थापकों ने आधी सदी पहले किया था। आधुनिक माध्यमिक शिक्षा संगीत आम तौर पर संयुक्त राज्य अमेरिका में उच्च विद्यालय में वैकल्पिक है, और मध्य या कनिष्ठ उच्च विद्यालय में इसकी आवश्यकता हो भी सकती है और नहीं भी। कई संगीत कार्यक्रम वाद्ययंत्रकारों के लिए कई अवसर प्रदान करते हैं जिनमें कॉन्सर्ट बैंड, मार्चिंग बैंड, जैज़ बैंड और छोटे समूह शामिल हैं। अधिकांश मध्य और उच्च विद्यालयों में संगीत के अन्य अवसर गायक-मंडली और रंगमंच प्रदर्शन हैं। कुछ उच्च विद्यालय संगीत सिद्धांत को जोड़ना और कक्षाओं का संचालन करना शुरू कर रहे हैं। इन वर्गों को भविष्य में दोहरे ऋण के लिए पेश किया जा सकता है। संगीत शिक्षा सुधार 2015 में 2010 से एक अध्ययन जारी किया गया था जिसमें दिखाया गया था कि अमेरिकी शिक्षा विभाग के अनुसार, 40 प्रतिशत हाई स्कूलों को स्नातक के लिए कला में पाठ्यक्रम की आवश्यकता नहीं है। 2010 तक अमेरिका में 8,000 से अधिक सार्वजनिक विद्यालय वर्तमान में संगीत कार्यक्रमों के बिना हैं। देश भर में, 13 लाख प्राथमिक विद्यालय के छात्रों के पास संगीत कक्षा तक पहुंच नहीं है। अमेरिकी शिक्षा विभाग के अनुसार, स्कूलों में अध्ययन किए जाने वाले मुख्य शैक्षणिक विषय वर्तमान में अंग्रेजी, पढ़ना या भाषा कला, गणित, विज्ञान, विदेशी भाषाएं, नागरिक शास्त्र और सरकार, अर्थशास्त्र, कला, इतिहास और भूगोल हैं। संयुक्त राज्य अमेरिका में एक मुख्य विषय पढ़ाने के लिए, एक उच्च योग्य शिक्षक (एचक्यूटी) होना चाहिए, जिसका अर्थ है कि उनके पास चार साल के संस्थान से स्नातक की डिग्री होनी चाहिए, उस राज्य में लाइसेंस प्राप्त होना चाहिए जिसमें वे पढ़ाना चाहते हैं, और अपने विषय क्षेत्र में पूरी तरह से सक्षम होना चाहिए। हालाँकि, व्यक्तिगत क्षमताएँ राज्य-दर-राज्य भिन्न होती हैं। ऐतिहासिक रूप से, संगीत और ललित कला संयुक्त राज्य अमेरिका के स्कूलों में मुख्य पाठ्यक्रम का हिस्सा नहीं थे, हालांकि, जुलाई 2015 में, संयुक्त राज्य अमेरिका की सीनेट ने एवरी चाइल्ड अचीव्स एक्ट के तहत पाठ्यक्रम में संगीत और कला के मुख्य विषयों का नामकरण करते हुए एक द्विदलीय संशोधन पारित किया। जिन मुख्य विषयों को जोड़ा गया वे थे "प्रौद्योगिकी, इंजीनियरिंग, कंप्यूटर विज्ञान, संगीत और शारीरिक शिक्षा"। यह नो चाइल्ड लेफ्ट बिहाइंड एक्ट के खिलाफ एक कार्रवाई थी, जिसे कई संयुक्त राज्य शिक्षा अधिवक्ताओं ने महसूस किया कि मुख्य पाठ्यक्रम में शामिल विषयों को संकुचित कर दिया गया था। नो चाइल्ड लेफ्ट बिहाइंड एक्ट को शुरू में 1965 के प्राथमिक और माध्यमिक शिक्षा अधिनियम का हकदार बनाया गया था, लेकिन बाद में 2002 में इसका नाम बदलकर नो चाइल्ड लेफ्ट बिहाइंड कर दिया गया। नेशनल एसोसिएशन फॉर म्यूजिक एजुकेशन, या एनएएफएमई, "अमेरिकी संगीत शिक्षकों का एक संगठन है जो संगीत शिक्षा को आगे बढ़ाने और संरक्षित करने के लिए समर्पित है और संयुक्त राज्य अमेरिका में स्कूलों के मुख्य पाठ्यक्रम के हिस्से के रूप में है।" एनएएफएमई 1907 में 60,000 से अधिक लोगों का एक संगठन है जो स्थानीय, राज्य और राष्ट्रीय स्तर पर छात्रों के लिए संगीत और कला शिक्षा के लाभों की वकालत करता है। एनएएफएमई ने द्विदलीय सीनेट संशोधन के साथ एक प्रेस विज्ञप्ति प्रकाशित की और उनका मानना है कि इसका संयुक्त राज्य अमेरिका के मुख्य पाठ्यक्रम पर क्या प्रभाव पड़ेगा। कार्यान्वयन संगीत को ग्रीस, जर्मनी, स्लोवेनिया, स्पेन, भारत और अफ्रीका जैसे स्थानों पर दुनिया भर के स्कूलों में एक शैक्षणिक विषय के रूप में लागू किया जाता है। यह एक व्यापक नहीं है, क्योंकि दुनिया भर के कई देशों में संगीत को एक सांस्कृतिक आवश्यकता माना जाता है। यद्यपि एन. ए. एफ. एम. ई. राष्ट्रीय स्तर पर मुख्य विषयों के रूप में संगीत और कला के कार्यान्वयन की योजना को संबोधित करता है, लेकिन एवरी चाइल्ड अचीव्स एक्ट के इस संशोधन की पूर्ति राज्य से राज्य में भिन्न होती है। 2014 तक, 41 राज्यों में वर्तमान में सभी स्तरों पर कला शिक्षा की आवश्यकता है, लेकिन इनमें से केवल 17 राज्यों में जानबूझकर मूल्यांकन नीतियों वाले कार्यक्रम हैं। पचास संयुक्त राज्यों में से सत्ताईस कला को एक मुख्य विषय मानते हैं। जॉर्जिया और अर्कांसस में संगीत की बहुत विशिष्ट रूपरेखा है, जबकि अलास्का, कोलोराडो, हवाई, मिशिगन और डी. सी. में किसी भी स्तर की स्कूली शिक्षा के लिए कोई कला निर्देश की आवश्यकता नहीं है। कोर कला मानकों के लिए राष्ट्रीय गठबंधन (एन. सी. सी. ए. एस.) के पास मॉडल कॉर्नरस्टोन असेसमेंट या एम. सी. ए. नामक प्रदर्शन मूल्यांकन की एक श्रृंखला है, जिसे हाल के महीनों में एक प्रायोगिक कार्यक्रम के रूप में उच्च विद्यालयों में खर्च किया गया है। इसके अलावा, एन. ए. एफ. एम. ई. के नौ राष्ट्रीय संगीत शिक्षा मानक भी हैं, जिनमें शामिल हैंः "अकेले और दूसरों के साथ गायन, संगीत का एक विविध प्रदर्शन; अकेले और दूसरों के साथ वाद्ययंत्रों पर प्रदर्शन, संगीत का एक विविध प्रदर्शन; धुनों, विविधताओं और संगतताओं में सुधार; निर्दिष्ट दिशानिर्देशों के भीतर संगीत की रचना और व्यवस्था करना; संगीत पढ़ना और नोट करना; संगीत सुनना, विश्लेषण करना और वर्णन करना; संगीत और संगीत प्रदर्शनों का मूल्यांकन करना; संगीत, अन्य कलाओं और कला के बाहर के विषयों के बीच संबंधों को समझना; और इतिहास और संस्कृति के संबंध में संगीत को समझना।" बचपन के विकास और शैक्षणिक सफलता पर प्रभाव मूल पाठ्यक्रम के एक भाग के रूप में संगीत और कला के लिए कई नीति निर्माताओं और आरंभकर्ताओं का मानना है कि संगीत और कला कार्यक्रमों में भाग लेने वाले छात्र जो उन्हें उच्च मानकों पर रखते हैं, वे कार्यबल में एक रचनात्मक दृष्टिकोण लाएंगे जो अब आवश्यक प्रतीत होता है। चूँकि संगीत को पारंपरिक रूप से शिक्षा के बाहर एक विषय के रूप में देखा गया है, और संगीत को स्कूलों में एक माध्यमिक विषय के रूप में शामिल किया गया है, या अक्सर एक वैकल्पिक के रूप में, एक मुख्य विषय के रूप में संगीत के कक्षा लाभों पर सीमित शोध है। कई शोधकर्ताओं ने निष्क्रिय रूप से संगीत सुनने के साथ-साथ सक्रिय रूप से संगीत का अनुसरण करने के दोनों लाभों की खोज की है, जैसे कि एक उपकरण सीखने के साथ। जेनी नाम यून द्वारा किए गए शोध के माध्यम से कक्षा में संगीत के लाभ और मस्तिष्क के विकास, शैक्षणिक प्रदर्शन और व्यावहारिक जीवन कौशल पर इसके प्रभावों को देखा गया है। उन्होंने निष्कर्ष निकाला कि जब संगीत बजाया जाता है तो मस्तिष्क के दो गोलार्द्ध उत्तेजित होते हैं और कैसे कॉर्पस कोलोसम, दो गोलार्धों को जोड़ने वाला पुल संगीतकार के मस्तिष्क में बड़ा होता है। संगीत को सख्ती से सुनने के प्रभावों का लंबे समय से पता लगाया गया है और इसे "मोजार्ट प्रभाव" नाम दिया गया है, जो "स्थानिक-अस्थायी तर्क में थोड़ी वृद्धि" का कारण बनता है। जैसा कि मोजार्ट प्रभाव के साथ देखा गया है, संगीत सुनना मस्तिष्क और मनोदशा के साथ-साथ स्थानिक लौकिक तर्क को प्रभावित करने के लिए साबित हुआ है, लेकिन इसका कोई दीर्घकालिक लाभ नहीं है। मिशन वेजो हाई स्कूल में 1981 के एक अध्ययन ने साबित किया कि संगीत के छात्रों का जी. पी. ए उन छात्रों की तुलना में अधिक था जो संगीत में भाग नहीं लेते थे (3.59 बनाम 2.91)। संगीत को एक संवर्धन गतिविधि के रूप में सत्यापित करने वाले अध्ययन किए गए हैं जो आत्मविश्वास, अनुशासन और सामाजिक सामंजस्य के साथ-साथ शैक्षणिक लाभों में वृद्धि का कारण बनते हैं। 7 संगीत और मस्तिष्क के बीच बातचीत का विश्लेषण करने से यह समझने में मदद मिलती है कि संगीत शिक्षा छात्रों को कैसे और क्यों प्रभावित करती है। संगीत में पूरे मस्तिष्क को संलग्न करने की क्षमता होती है, जो शिक्षा के किसी भी अन्य तरीके के विपरीत है। स्क्रिप और गिल्बर्ट, जिन्होंने इन प्रभावों का विश्लेषण किया है, इस तथ्य पर भी ध्यान देते हैं कि संगीत प्रशिक्षण मस्तिष्क के शारीरिक और संज्ञानात्मक विकास में मदद करता है। यह भी उल्लेख किया गया है कि मानव मस्तिष्क संगीत के विकास के लिए पूर्वनिर्धारित है, जिसका अर्थ है कि संगीत हमारे श्रवण, मोटर और संज्ञानात्मक कार्यों में निहित है और जिस तरह से हम व्यक्तियों के रूप में अपने आसपास की दुनिया को समझते हैं, उसमें एक बड़ी भूमिका निभाता है। स्क्रिप और गिल्बर्ट भ्रूण के ऊतकों की अल्ट्रासाउंड छवियों से साक्ष्य का उपयोग इस निष्कर्ष पर पहुंचने के लिए करते हैं कि जन्म से पहले भी कुछ गीतों के लिए "चयनात्मक प्रतिक्रियाएं" होती हैं। इसके अतिरिक्त, संगीत प्रशिक्षण मस्तिष्क को उसी तरह प्रभावित करता है जैसे व्यायाम शरीर को प्रभावित करता है। उदाहरण के लिए, संगीत प्रशिक्षण वाले किसी व्यक्ति में संगीत के रूप में प्रशिक्षित नहीं होने वाले व्यक्ति की तुलना में श्रवण प्रसंस्करण की अधिक विकसित भावना होगी। हालांकि अमेरिकी सीनेट ने संगीत को एक मुख्य विषय के रूप में समर्थन दिया है, शिक्षा सचिव लैमर अलेक्जेंडर सहित कई लोग संगीत और कला को पाठ्येतर होने का तर्क देते हैं। कई लोगों का यह भी मानना है कि संघीय बजट में कटौती के बीच, संगीत और कला सबसे पहले जाने वाले होंगे क्योंकि वे अमेरिका में मुख्य पाठ्यक्रम की हमारी नींव का हिस्सा नहीं हैं। एक मुख्य विषय के रूप में संगीत के लाभ और इसमें शामिल अंकगणित, भाषा, एकाग्रता और अन्य कौशल के माध्यम से शिक्षा प्रणाली पर इसके प्रभाव का अभी भी मूल्यांकन किया जाना है, इससे पहले कि संयुक्त राज्य अमेरिका की सार्वजनिक विद्यालय प्रणाली में बच्चों पर संगीत और कला के ठोस, मापने योग्य प्रभावों के बारे में निष्कर्ष निकाला जा सके। संगीत शिक्षा के वित्तपोषण पर विचार संगीत कार्यक्रमों के बजट में कटौती और सार्वजनिक स्कूलों में सीखने की प्राथमिकताओं पर अलग-अलग मान्यताओं के कारण संयुक्त राज्य अमेरिका में संगीत शिक्षा के वित्तपोषण पर बहस हुई है। संगीत शिक्षा के लिए संघीय धन बढ़ाने के समर्थकों ने तर्क दिया है कि संगीत बच्चों को संज्ञानात्मक और भावनात्मक लाभ प्रदान करता है, जैसे कि स्थानिक और लौकिक मस्तिष्क कार्यों में सुधार, जो उन्हें अन्य स्कूली विषयों में सफल होने में मदद कर सकता है। सामाजिक रूप से, अधिवक्ता संगीत को एक ऐसी चीज के रूप में वर्णित करते हैं जो शांति, जुनून को उत्तेजित करती है और तनाव को कम करती है, जो उन्हें लगता है कि छात्रों को कई लाभ प्रदान करती है। संघीय वित्त पोषण बढ़ाने के विरोधियों का मानना है कि संगीत संघीय वित्तीय सहायता के लिए पर्याप्त महत्वपूर्ण नहीं है, क्योंकि वे इसे कर डॉलर की बर्बादी के रूप में देखते हैं। कुछ लोगों का कहना है कि संगीत कार्यक्रम छात्रों को व्यावहारिक कौशल प्राप्त करने से विचलित करते हैं और अधिक उपयोगी क्षेत्रों से पैसा निकाल लेते हैं, जहां धन को अधिक बुद्धिमानी से खर्च किया जा सकता है। अन्य लोगों का तर्क है कि संगीत से उत्पन्न संज्ञानात्मक या शैक्षणिक लाभ दिखाने वाला शोध अप्रमाणित है और किसी निष्कर्ष पर पहुंचने से पहले इसकी आगे जांच करने की आवश्यकता है। संयुक्त राज्य अमेरिका में आधुनिक प्राथमिक शिक्षा प्राथमिक विद्यालय आम तौर पर सप्ताह में कई बार संगीत की कक्षाएं प्रदान करते हैं, जिनकी कक्षाएं तीस से पैंतालीस मिनट तक लंबी होती हैं। लगभग चौथी कक्षा की शुरुआत में, प्रदर्शन के अवसर अक्सर गाना बजानेवालों या आर्केस्ट्रा (विशेष रूप से पवन) बैंड के रूप में प्रदान किए जाते हैं। प्राथमिक विद्यालयों में उपयोग के लिए कई विकसित शिक्षण विधियाँ हैं। कोडली विधि को हंगरी में ज़ोल्टन कोडली द्वारा विकसित किया गया था। ऑर्फ-शुल्वर्क विधि जर्मन संगीतकार कार्ल ऑर्फ द्वारा विकसित की गई थी, जिन्होंने कारमिना बुराना लिखी थी। डालक्रोज़-यूरिथमिक्स विधि स्विट्जरलैंड में एमिल जैक्स-डालक्रोज़ द्वारा विकसित की गई थी, जो उस समय जिनेवा कंज़र्वेटरी में पढ़ा रहे थे। तीनों विधियाँ गतिविधि और करके सीखने पर जोर देती हैं। कोडली विधि सोल्फेज अक्षरों और संबंधित हाथ संकेतों के उपयोग के लिए सबसे अच्छी तरह से जानी जाती है। ऑर्फ-शुल्वर्क विधि ज़ायलोफोन और ग्लोकेंसपिल्स के विभिन्न आकारों के उपयोग के लिए सबसे प्रसिद्ध है, जिन्हें "ऑर्फ उपकरण" के रूप में जाना जाता है। डालक्रोज़-यूरिथमिक्स विधि की सबसे अधिक दिखाई देने वाली विशेषता संगीत की गति का उपयोग है, आदर्श रूप से जीवंत संगीत। आर्थिक सहयोग और शिक्षा संगठन, ओ. ई. सी. डी. की एक रिपोर्ट में, यह बताया गया है कि छात्र आमतौर पर प्राथमिक और निम्न माध्यमिक स्तरों के दौरान स्कूल में 7,751 घंटे बिताते हैं-जिसमें से, रिपोर्ट के लिए सर्वेक्षण किए गए स्कूलों ने 11 प्रतिशत समय प्राथमिक विद्यालयों में कला पर और केवल आठ प्रतिशत समय निम्न माध्यमिक विद्यालयों में कला पर बिताया। यह रिपोर्ट यह भी बताती है कि कला कक्षाओं को संयुक्त रूप से लगभग उतना ही समय मिलता है जितना कि शारीरिक शिक्षा कक्षाओं को मिलता है, जो स्कूली शिक्षा के दोनों स्तरों के लिए आठ से नौ प्रतिशत के बीच है। ("कैसे") संयुक्त राज्य अमेरिका के शिक्षा विभाग ने 2009-2010 स्कूल वर्ष के दौरान 1,201 माध्यमिक विद्यालयों का एक सर्वेक्षण किया। इस सर्वेक्षण में बताया गया कि विभिन्न कला कक्षाओं को पढ़ाने वाले अधिकांश माध्यमिक शिक्षक अपने क्षेत्र (बासमत प्रसाद) के विशेषज्ञ थे। एक माध्यमिक जांच में, संयुक्त राज्य अमेरिका के शिक्षा विभाग ने निष्कर्ष निकाला कि 94 प्रतिशत प्राथमिक विद्यालयों ने संगीत में निर्देश की पेशकश की, और 83 प्रतिशत स्कूलों ने उसी अवधि के दौरान प्राथमिक विद्यालयों में दृश्य कला में निर्देश की पेशकश की। अध्ययन में शामिल केवल तीन और चार प्रतिशत प्राथमिक विद्यालयों को नाटक और नृत्य कक्षाओं की पेशकश की गई थी, लेकिन आधे से अधिक विद्यालयों ने अन्य विषयों (प्रसाद) में नृत्य को शामिल किया। प्रसाद बताते हैं कि प्राथमिक छात्रों को सप्ताह में कम से कम एक बार कला और संगीत की कक्षाएं दी जाती थीं। कॉलेजिएट स्तर पर संगीत कार्यक्रम संयुक्त राज्य भर में संगीत शिक्षा के कार्यान्वयन की सफलता के साथ, शिक्षण की यह विधि कॉलेजिएट स्तर पर आगे बढ़ने लगी। उदाहरण के लिए, कनेक्टिकट विश्वविद्यालय संगीत के क्षेत्र में करियर के लिए छात्रों को तैयार करने के लिए गहन कार्यक्रम प्रदान करता है। अन्य पाठ्यक्रम उन छात्रों के लिए भी पेश किए जाते हैं जो संगीत और उसके घटकों के बारे में सामान्य शिक्षा प्राप्त करने में रुचि रखते हैं, फिर भी संगीत में अपना करियर नहीं बनाना चाहते हैं, जैसा कि कई कॉलेजों और विश्वविद्यालयों में लागू किया जाता है। स्टोर्स, कनेक्टिकट में स्थित कनेक्टिकट विश्वविद्यालय में, विश्वविद्यालय एक 'अमेरिकी समाज में लोकप्रिय संगीत और विविधता' कक्षा प्रदान करता है जो "अमेरिका में लोकप्रिय संगीत और विविधता" के लिए एक परिचयात्मक पाठ्यक्रम के रूप में कार्य करता है। यह विशेष पाठ्यक्रम जैज़, ब्लूज़ और हिप-हॉप जैसी शैलियों के संगीत प्रभावों को देखकर इन उद्देश्यों पर ध्यान केंद्रित करता है और यह नस्लीय और वर्ग के मुद्दों से कैसे संबंधित है। "संगीत मौलिक और कान प्रशिक्षण" नामक एक अन्य पाठ्यक्रम जिसमें छात्र स्वर पढ़ने, स्वर संकेत, लय और अन्य संगीत अवधारणाओं जैसे कौशल विकसित करने में सक्षम होते हैं। ये पाठ्यक्रम, कई अन्य पाठ्यक्रमों के अलावा, विश्वविद्यालय के उपस्थित लोगों को सामान्य संगीत शिक्षा प्राप्त करने में सक्षम बनाते हैं। निंग जू ने विश्वविद्यालय के छात्रों के बीच एक अध्ययन किया जिसमें उन्होंने "नैतिक गुणवत्ता, मानवतावादी गुणवत्ता, मानसिक स्वास्थ्य, बुद्धिमत्ता विकास और नवाचार क्षमता" सहित कई आयामों से योग्यता का परीक्षण किया। इस अध्ययन के लिए उनके निष्कर्ष ने इस परिकल्पना का समर्थन किया कि संगीत शिक्षा विश्वविद्यालय के छात्रों की योग्यता के संबंध में एक महत्वपूर्ण, सकारात्मक भूमिका निभाती है। तकनीक का परिचय संगीत शिक्षा के पूरे इतिहास में, कई संगीत शिक्षकों ने कक्षा में तकनीक को अपनाया और लागू किया है। एलिस कीथ और डी. सी. बॉयल को संयुक्त राज्य अमेरिका में संगीत सिखाने के लिए रेडियो का उपयोग करने वाले पहले संगीत शिक्षक कहा जाता था। कीथ ने लिसनिंग इन ऑन द मास्टर्स लिखा, जो एक प्रसारण संगीत प्रशंसा पाठ्यक्रम था। प्रौद्योगिकी के उपयोग को बढ़ावा देने वाले एक अन्य अधिवक्ता मार्गरेट वी. हुड थे, जिनका जन्म 14 मार्च, 1903 को नॉर्थ डकोटा के ड्रेटन में हुआ था। हुड ने सोलह साल की उम्र में हाई स्कूल से स्नातक की उपाधि प्राप्त की। इसके बाद उन्होंने जेम्सटाउन, नॉर्थ डकोटा में जेम्सटाउन कॉलेज में पढ़ाई की, जहाँ उन्होंने रोमांस भाषाओं और संगीत में डिग्री प्राप्त की, और इतिहास और अंग्रेजी में नाबालिगों के साथ स्नातक की उपाधि प्राप्त की। हुड का पेशेवर जीवन उन्हें 1923 में मोंटाना ले गया, जहाँ उन्होंने शिक्षण, लेखन और सार्वजनिक भाषण का अनुसरण किया। 1930 में, हुड मोंटाना के दूसरे राज्य संगीत पर्यवेक्षक बने। हुड के शिक्षण करियर के दौरान, रेडियो का उपयोग एक शैक्षिक उपकरण के रूप में किया जाता था। पर्वतीय हस्तक्षेप के कारण मोंटाना को खराब रेडियो स्वागत मिला, इसलिए हुड ने स्थानीय रेडियो स्टेशन प्रसारण बनाया। हुड ने 1937 में संगीत शिक्षा रेडियो प्रसारण परियोजना, मोंटाना स्कूल ऑफ द एयर की शुरुआत की। ये प्रसारण चार रेडियो स्टेशनों पर साप्ताहिक रूप से प्रसारित होते थे। शैक्षणिक प्रसारण के लिए रेडियो का उपयोग करने को सकारात्मक समीक्षा मिली क्योंकि इसने महामंदी के अस्थिर समय के दौरान पूरे संयुक्त राज्य में छात्रों तक पहुंचने की अनुमति दी। रेडियो लागत प्रभावी थे और अलग-थलग पड़े ग्रामीण विद्यालयों तक पहुँच सकते थे। राष्ट्रीय प्रसारण कंपनी (एन. बी. सी.) ने संगीत शिक्षा में एक प्रमुख भूमिका निभाई। एन. बी. सी. सार्वजनिक विद्यालय में नामांकित छात्रों के लिए संगीत के उदाहरण प्रसारित करेगा। वाल्टर डेमरोश ने रेडियो कार्यक्रम, संगीत प्रशंसा घंटे का निर्देशन किया। इस प्रसारण के दौरान, शिक्षक छात्रों की नोटबुक और शिक्षक निर्देश पुस्तिकाओं के साथ संगीत के चयन को पहले से प्राप्त करने में सक्षम थे। दो अन्य लोकप्रिय संगीत प्रसारण कार्यक्रम एलिस इन ऑर्केस्ट्रालिया और स्टैंडर्ड सिम्फनी आवर थे। ये प्रसारण एक नवीन शिक्षण रणनीति थी जिसने सक्रिय श्रवण और संगीत की सराहना को बढ़ावा दिया और प्रोत्साहित किया। रेडियो से पहले, संगीत सुनना लाइव प्रदर्शनों और संगीत बजाने के लिए शिक्षक के कौशल तक सीमित था, विशेष रूप से पियानो पर। 1930 के दशक में रेडियो के प्रभाव की तुलना आज की कुछ तकनीकों जैसे आईपॉड, कॉम्पैक्ट डिस्क और कंप्यूटर से भी की जा सकती है। 1930 के दशक से कक्षा में प्रौद्योगिकी बहुत अधिक व्यापक रूप से उपलब्ध हो गई है। आज, बच्चों के पास कई संगीत उपकरणों और विकल्पों तक पहुंच है जो 1930 के दशक में उपलब्ध नहीं थे। संक्षेप में, छात्रों के लिए संगीत शिक्षा की गुणवत्ता में सुधार करने के इरादे से पूरे संयुक्त राज्य में संगीत कक्षाओं में प्रौद्योगिकी का उपयोग किया गया है। निरंतर अनुसंधान और विकास जैसे-जैसे संगीत प्रौद्योगिकी का माध्यम लगातार फलता-फूलता जा रहा है, शोधकर्ताओं ने पाया है कि विस्तारित वास्तविकता (एक्सआर) प्रौद्योगिकी (जैसे संवर्धित और आभासी वास्तविकता) में नए विकास का आंदोलन को संगीत के एक रिकॉर्ड किए गए टुकड़े में अनुवाद करने में सीधा प्रभाव पड़ सकता है। थॉमस डीकन, निक ब्रायन-किन्स, पैट्रिक जी. टी. लंदन के क्वीन मैरी विश्वविद्यालय के हेली और मैथ्यू बार्थेट ने अपने कार्यप्रवाह के हिस्से के रूप में संगीत के बहु-मोडल और स्थानिक प्रतिनिधित्व की अपनी समझ को समन्वित करने के लिए दो अनुभवी संगीत निर्माताओं के व्यावहारिक तरीकों को उजागर करते हुए सहयोगी स्थानिक संगीत रचना का एक अवलोकन अध्ययन किया। अपने विश्लेषण के माध्यम से, टीम ने सुझाव दिया कि हाव-भाव का उपयोग अंतरिक्ष में ध्वनियों को आकार देने की प्रक्रिया के माध्यम से समझने, संवाद करने और कार्रवाई करने के लिए किया जाता है। यह रूपक इस बात पर प्रकाश डालता है कि समन्वित स्थानिक गतिविधि के माध्यम से सौंदर्य मूल्यांकन कैसे सहयोगात्मक रूप से उत्पादित और विकसित किए जाते हैं। प्रभाव संगीत के रचनात्मक, स्थानिक-मीडिया उत्पादन के लिए सहयोगी कार्यस्थलों के विकास में सन्निहित कार्रवाई के प्रति संवेदनशीलता स्थापित करते हैं। संदर्भ "प्राथमिक और निम्न माध्यमिक छात्र कक्षा में कितना समय बिताते हैं?" OECD.org। अप्रैल 2014। वेब. 20 नवंबर 2014। प्रसाद, बासमत और जारेड कॉपरस्मिथ। "कला शिक्षा"। अमेरिकी शिक्षा विभाग। 2014 में। वेब. 20 नवंबर 2014। संयुक्त राज्य अमेरिका में प्रदर्शन कला शिक्षा