Italian Renaissance sculpture
इतालवी पुनर्जागरण मूर्तिकला इतालवी पुनर्जागरण की कला का एक महत्वपूर्ण हिस्सा थी, प्रारंभिक चरणों में यकीनन अग्रणी बढ़त का प्रतिनिधित्व करती थी। प्राचीन रोमन मूर्तिकला का उदाहरण शैली और मूर्तिकला के उपयोग दोनों के संदर्भ में इसके ऊपर बहुत अधिक लटका हुआ था। चित्रकला के बिल्कुल विपरीत, इटली के आसपास कई जीवित रोमन मूर्तियाँ थीं, सबसे बढ़कर रोम में, और नई मूर्तियाँ हर समय खुदाई की जा रही थीं, और उत्सुकता से एकत्र की जा रही थीं। मुट्ठी भर प्रमुख हस्तियों, विशेष रूप से माइकल एंजेलो और डोनाटेलो के अलावा, यह आज इतालवी पुनर्जागरण चित्रकला की तुलना में कम प्रसिद्ध है, लेकिन उस समय ऐसा नहीं था। इतालवी पुनर्जागरण मूर्तिकला में उत्तर का प्रभुत्व था, सबसे बढ़कर फ्लोरेंस का। यह विशेष रूप से क्वाट्रोसेंटो (15 वीं शताब्दी) में मामला था, जिसके बाद रोम एक केंद्र के रूप में इसके बराबर या उससे आगे निकल गया, हालांकि खुद कुछ मूर्तिकारों का उत्पादन किया। पत्थर में फ्लोरेंटाइन के प्रमुख मूर्तिकारों में ऑर्काग्ना (1368), नानी डी बैंको (1421), फिलिप्पो ब्रुनेलेस्की (1446), नानी डी बार्टोलो (1451), लोरेंजो गिबर्टी (1455), डोनाटेलो (1466), बर्नार्डो (1464) और उनके भाई एंटोनियो रोसेलिनो (1479), एंड्रिया डेल वेरोकियो (1488), एंटोनियो डेल पोलाइउलो (1498), माइकल एंजेलो (1564) और जैकोपो सैन्सोविनो (1570) शामिल थे। अन्य जगहों पर लोम्बार्डी पिएत्रो लोम्बार्डो (1515) और उनके बेटों, जियोवानी एंटोनियो अमाडियो (1522), एंड्रिया सैन्सोविनो (1529), विन्सेन्ज़ो दांती (1576), लियोनी लियोनी (1590), और गैम्बोलोग्ना (1608, फ्लैंडर्स में पैदा हुए) से सीनीज़ जैकोपो डेला क्वेरसिया (1438) थे। जबकि चर्च की मूर्तिकला ने किसी भी अन्य स्रोत की तुलना में अधिक बड़े कमीशन प्रदान करना जारी रखा, उसके बाद नागरिक स्मारक, मूर्तिकला के लिए कई अन्य सेटिंग्स इस अवधि के दौरान प्रमुखता में दिखाई दीं या बढ़ीं। धर्मनिरपेक्ष चित्र पहले ज्यादातर अंत्येष्टि कला थे, और बड़े मकबरे के स्मारक काफी अधिक विस्तृत हो गए। राहत पैनलों का उपयोग कई सामग्रियों और सेटिंग्स में किया जाता था, या कभी-कभी चित्रों जैसी पोर्टेबल वस्तुओं के रूप में माना जाता था। छोटे कांस्य, आमतौर पर धर्मनिरपेक्ष विषयों के, 15 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध से तेजी से महत्वपूर्ण हो गए, जबकि नए रूपों में पदक शामिल था, जो शुरू में ज्यादातर घटनाओं के बजाय लोगों को प्रस्तुत करता था, और धातु की राहत में एक छोटे से दृश्य के साथ पट्टिका। "मूर्तिकार" शब्द का उपयोग केवल 15वीं शताब्दी के दौरान हुआ था; इससे पहले मूर्तिकारों को पत्थर की नक्काशी, लकड़ी की नक्काशी आदि के रूप में जाना जाता था। स्टैटुआ ("मूर्ति", और उन्हें बनाने की कला) एक और नया इतालवी शब्द था, जो मध्ययुगीन शब्दों जैसे फिगुरा, सिमुलाक्रम और इमागो की जगह लेता था, जिसका उपयोग चित्रित छवियों के लिए भी किया जाता था। गोथिक वास्तुकला और सामान्य रूप से गोथिक कला की इटली में सीमित पैठ थी, जो देर से पहुंची और ज्यादातर सुदूर उत्तर, विशेष रूप से वेनिस और लोम्बार्डी को प्रभावित करती थी, अक्सर सीमाओं और राजधानियों में केवल एक सजावटी शैली के रूप में। शास्त्रीय परंपराओं की जड़ें आल्प्स के उत्तर की तुलना में अधिक गहरी थीं, जिससे शास्त्रीय शैली का जानबूझकर पुनरुद्धार एक तेज परिवर्तन से कम था। ट्रेसेंटो (14वीं शताब्दी) में, मूर्तिकारों को आम तौर पर गोथिक शैली में इमारतों पर काम करने के लिए कहा जा सकता है, या जो नहीं थे। कुछ मूर्तिकार अपनी शैलियों को कुछ हद तक समायोजित कर सकते थे, अन्य ने नहीं किया। यह जटिल स्थिति पुनर्जागरण मूर्तिकला के लिए एक स्पष्ट प्रारंभ तिथि देना असंभव नहीं तो मुश्किल बनाती है। इतालवी पुनर्जागरण चित्रकला के साथ, मूर्तिकला को पारंपरिक रूप से प्रारंभिक पुनर्जागरण, उच्च पुनर्जागरण, शैलीवादी और अंतिम पुनर्जागरण काल में विभाजित किया गया है। सुविधाजनक रूप से, 1400 और 1500 शैली में महत्वपूर्ण परिवर्तनों को चिह्नित करने के लिए तारीखों के रूप में काफी अच्छी तरह से काम करते हैं, जिसमें प्रमुख मोड़ 1400 के अंत में घोषित फ्लोरेंस बैप्टिस्टरी के दरवाजों के लिए डिजाइन के लिए प्रतिस्पर्धा है, और माइकल एंजेलो का पिएटा, जो 1499 में पूरा हुआ, और उसका डेविड, 1501 में शुरू हुआ। कभी-कभी 15वीं शताब्दी को वासरी के बाद कुछ हद तक 1450 (या उससे पहले) के आसपास "प्रथम पुनर्जागरण" और "द्वितीय पुनर्जागरण" में विभाजित किया जाता है। मेनरिस्ट शैली 1520 के आसपास उभरना शुरू हो जाती है, लेकिन 1527 में रोम की लूट, जिसने बहुत हिला दिया और जो प्रमुख केंद्र बन गया था, वह उच्च पुनर्जागरण चरण का आम तौर पर स्वीकृत अंत प्रदान करता है; मेडिसी को उसी वर्ष फ्लोरेंस से निष्कासित कर दिया गया था, अन्य कलाकारों को विस्थापित कर दिया गया था। हालाँकि उनकी कार्यशाला ने उनकी शैली में काम करना जारी रखा, लेकिन 1608 में जियाम्बोलोग्ना की मृत्यु, जब रोम में बारोक मूर्तिकला पहले से ही अच्छी तरह से स्थापित थी, को उस अवधि के अंत को चिह्नित करने के लिए लिया जा सकता है। सामग्री आम तौर पर, "किसी भी गुणवत्ता की मूर्तिकला" चित्रकला में एक समकक्ष की तुलना में अधिक महंगी थी, और जब कांस्य में नाटकीय रूप से होती थी। एंड्रिया डेल कास्टैग्नो द्वारा 1456 के निकोलो दा टोलेंटिनो के चित्रित घुड़सवार स्मारक की कीमत केवल 24 फ्लोरिन प्रतीत होती है, जबकि कई साल पहले डोनाटेलो के गट्टामेलाटा के घुड़सवार कांस्य की कीमत 1,650 फ्लोरिन होने का अनुमान लगाया गया है। माइकल एंजेलो को सिस्टिन चैपल की छत को चित्रित करने के लिए 3,000 फ्लोरिन का भुगतान किया गया था, जबकि गिबर्टी ने कहा कि एक सदी पहले फ्लोरेंस बैप्टिस्टरी के लिए उनके दरवाजों के पहले सेट की लागत 22,000 थी, जिसमें शायद एक चौथाई सामग्री की लागत का प्रतिनिधित्व करता था। जाहिर है, मूर्तिकारों ने "सबसे टिकाऊ सामग्री, पत्थर या धातु में सबसे अच्छा काम करने" की प्रवृत्ति दिखाई; अन्य सामग्रियों में बहुत तेज़ और सस्ता काम था जो ज्यादातर नहीं बचा है। मूर्तिकारों ने चित्रों का काफी उपयोग किया, और फिर मिट्टी में छोटे और कभी-कभी पूर्ण आकार के मॉडेली या मैकेट्स का, जहां आवश्यक हो, लोहे की छड़ के आंतरिक ढांचे के साथ। लेकिन ऐसे मॉडल शायद ही कभी निकाले गए थे, और बहुत कम बच गए हैं। स्फोर्जा हॉर्स के लिए लियोनार्डो दा विंची की परियोजना एक उदाहरण है। कई मूर्तिकारों ने कई सामग्रियों में काम किया; उदाहरण के लिए एंटोनियो डेल पोलाइउलो ने पत्थर, कांस्य, लकड़ी और टेराकोटा में तैयार काम के साथ-साथ टेम्पेरा, तेल और भित्तिचित्र में पेंटिंग और एक महत्वपूर्ण उत्कीर्णन का निर्माण किया। डोनाटेलो का सेंट जॉर्ज, कवचधारकों और तलवार बनाने वालों के गिल्ड के लिए, ऑर्सनमिचेले में संगमरमर में है, लेकिन मूल रूप से एक कांस्य हेलमेट पहना जाता था और एक तलवार ले जाता था। डोनाटेल्लो ने लकड़ी, टेराकोटा और प्लास्टर में भी काम किया। विशेष रूप से 15वीं शताब्दी में, कई वास्तुकार प्रशिक्षण द्वारा मूर्तिकार थे, और कई ने अपने अधिकांश करियर के लिए दोनों का अभ्यास किया। पत्थर का संगमरमर, सबसे बढ़कर टस्कनी के उत्तर में अपुआन आल्प्स से कैरारा संगमरमर की शुद्ध सफेद मूर्ति श्रेणी, बढ़िया मूर्तिकला के लिए सबसे लोकप्रिय सामग्री थी। कई टस्कन मूर्तिकार बड़े कार्यों को "रफ आउट" करने के लिए खदानों में गए, कुछ ने उन्हें पास के पीसा में समाप्त किया, जिससे बड़े ब्लॉकों के परिवहन की लागत बच गई। लंबी दूरी का परिवहन आमतौर पर नाव द्वारा होता था, या तो समुद्र द्वारा या आर्नो से फ्लोरेंस तक। हालाँकि इटली के अधिकांश हिस्सों में पत्थर थे जिन्हें तराशा जा सकता था, दूसरा सबसे पसंदीदा पत्थर उत्तर में भी था, एड्रियाटिक पर इस्ट्रिया से, अब क्रोएशिया में और आंशिक रूप से स्लोवेनिया में। इस्त्रियन पत्थर "संगमरमर जैसा पत्थर है, जो एक पॉलिश फिनिश में सक्षम है, लेकिन अपुआन सफेद संगमरमर की तुलना में बनावट और रंग में कहीं अधिक विविध है।" धूसर टस्कन बलुआ पत्थर जिसे पीट्रा सेरेना के रूप में जाना जाता है, मुख्य रूप से निर्माण पत्थर के रूप में उपयोग किया जाता था, जो अक्सर फ्लोरेंस कैथेड्रल में सफेद संगमरमर के विपरीत होता था। लेकिन इसका उपयोग कभी-कभी मूर्तिकला के लिए किया जाता था, विशेष रूप से छोटी नक्काशी और इमारतों पर नक्काशीदार दृश्यों में। धातु एक कांस्य मूर्तिकला तब संगमरमर की तुलना में लगभग दस गुना अधिक महंगी थी और मिश्र धातु की स्थापना या निर्माण के साथ-साथ कास्टिंग की खोई हुई मोम तकनीक का प्रदर्शन अक्सर मूर्तिकार और उनके स्टूडियो द्वारा किया जाता था। इसमें मोम में एक तैयार मैक्वेट बनाना शामिल था, या मिट्टी पर मोम, जिसे तब ढालने के दौरान नष्ट कर दिया जाता है; हॉर्स एंड राइडर एक बहुत ही दुर्लभ मोम की मूर्ति है, शायद एक मैक्वेट जिसे कभी नहीं डाला गया था, जो बच गया है; अन्य की एक छोटी संख्या है, ज्यादातर छोटे प्रारंभिक अध्ययन। बुनियादी ढलाई के बाद, जिसे बाहरी विशेषज्ञों द्वारा किया जा सकता था, सतह को साफ करने, छूने और चमकाने के द्वारा खत्म करने में मूर्तिकार के काम का एक अच्छा सौदा था। कुछ मामलों में यह चरण वर्षों तक फैला रहा और इसमें विभिन्न मूर्तिकारों का उपयोग किया गया। इसकी लागत और कठिनाई के बावजूद, प्लिनी द एल्डर जैसे प्राचीन साहित्य से ज्ञात शास्त्रीय स्वाद और उस समय ज्ञात बहुत कम प्राचीन उदाहरणों के बाद, कांस्य को एक विशेष प्रतिष्ठा प्राप्त थी, यहां तक कि एक छोटे पैमाने पर भी। मध्ययुगीन इटली के उत्तरार्ध में इसका उपयोग ज्यादातर भव्य कैथेड्रल दरवाजों के लिए किया जाता था, जैसे कि वेनिस में पीसा और सैन मार्को में, और प्रारंभिक पुनर्जागरण ने इसे जारी रखा, सबसे प्रसिद्ध रूप से फ्लोरेंस बैप्टिस्ट्री में। लोरेंजो गिबर्टी का ऑर्सनमिचेले (1412) के लिए जीवन-आकार का कांस्य सेंट जॉन द बैपटिस्ट अभूतपूर्व था। कांस्य को सुनहरा किया जा सकता है। धातुओं की एक श्रृंखला का उपयोग रियासतों, या सिर्फ अमीर, संरक्षकों के चित्र पदक के कास्ट के लिए और कभी-कभी पट्टिकाओं के लिए किया जाता था। कांस्य सामान्य धातु थी, लेकिन कुछ को सोने या चांदी में डाला जा सकता था, समान या उच्च पद के व्यक्तियों को प्रस्तुत करने के लिए, और कुछ सीसे में। विशेष रूप से रियासतों के दरबारों में, सबसे अमीर, मिलान, छोटी कास्ट आकृतियाँ और स्याही के कुएं जैसी मूर्तिकला की वस्तुएँ अक्सर सोने और चांदी में बनाई जाती थीं, लेकिन इनमें से लगभग सभी को उनके सर्राफा मूल्य के कारण कभी-कभी पिघला दिया गया है। 1543 में फ्रांस के फ्रांसिस प्रथम के लिए बेनवेन्युटो सेलिनी द्वारा बनाया गया प्रसिद्ध सोने का सेलिनी नमक तहखाना सोने में लगभग एकमात्र जीवित है, जो अब वियना में है। एल्डोब्रांडिनी ताज्ज़े नामक चांदी के सोने के 12 कपों का सेट 1603 से पहले एक इतालवी परिवार के लिए बनाया गया था, लेकिन शायद इटालियंस द्वारा नहीं। 1554 की घिसी शील्ड राहत में छोटे दृश्यों का एक और उदाहरण है। आल्प्स के उत्तर के विपरीत, लकड़ी एक प्रतिष्ठित सामग्री नहीं थी, लेकिन इसके हल्के वजन के कारण सूली पर चढ़ाए जाने वाले चित्रों के लिए उपयोग किया जाता रहा, जिन्हें अक्सर हवा में या चर्चों की दीवारों पर लटका दिया जाता था, उदाहरण के लिए सांता मारिया नोवेल्ला में ब्रुनेलेस्की सूली पर चढ़ाया गया था। अन्य अपवादों में वेनिस में फ्रारी चर्च की वेदी के लिए डोनाटेलो की कई आकृतियाँ, उनकी पेनिटेंट मैग्डलीन और 1410 के आसपास टस्कनी में फ्रांसेस्को डी वाल्डाम्ब्रिनो द्वारा काम शामिल थे। जब लकड़ी का उपयोग किया जाता था, तो इसे आमतौर पर चित्रकार या मूर्तिकार या उनकी कार्यशाला द्वारा चित्रित किया जाता था। फर्नीचर, पैनलिंग और अन्य उपयोगों के लिए लकड़ी में सजावटी नक्काशी आम थी। बड़े चर्चों में कॉयर स्टालों में अक्सर मूर्तिकला का एक अच्छा सौदा शामिल होता था; कभी-कभी इनमें आकृतियाँ और कथात्मक दृश्य शामिल होते थे। 15वीं शताब्दी की शुरुआत में, सिएना में लकड़ी की आकृतियाँ "हाव-भाव और चेहरे की अभिव्यक्ति में एक नई वाक्पटुता" की ओर बढ़ीं। टेराकोटा मॉडेली के लिए मिट्टी के व्यापक उपयोग के अलावा, आमतौर पर बिना तार के छोड़ दिया जाता है, फ्लोरेंस में डेला रॉबिया परिवार की तीन पीढ़ियों ने टिन-चमकदार और चमकीले ढंग से चित्रित टेराकोटा प्रतिमाओं का उत्पादन करने वाली एक बड़ी कार्यशाला चलाई, शुरू में ज्यादातर इमारतों के बाहरी हिस्सों के लिए धार्मिक नक्काशी, फिर बाद में निजी चैपल या शयनकक्षों के लिए मैडोना जैसे छोटे काम। अन्य कलाकारों ने टेराकोटा सिर और छाती के चित्रों की एक शैली विकसित की। तैयार स्मारक मूर्तिकला के कई काम (मॉडल या अध्ययन के बजाय) टेराकोटा में बनाए गए थे, जिनमें से ज्यादातर को चित्रित किया गया था। ये ज्यादातर धार्मिक थे; मसीह के विलाप में मृत मसीह के चारों ओर छह या उससे अधिक शोक मनाने वालों के साथ कई बड़े समूह थे। ये संगमरमर की तुलना में बहुत सस्ते थे, और बोलोग्ना में एक चर्च के लिए निकोलो डेल 'आर्का द्वारा सबसे प्रसिद्ध समूह, उड़ने वाले कपड़े के प्रभावों को प्राप्त करने के लिए टेराकोटा का उपयोग करता है जो पत्थर में नहीं किया जा सकता था। गुइडो माज़ोनी बड़े टेराकोटा समूहों में एक और विशेषज्ञ थे। अन्य सामग्री स्टुको, जिसे कभी-कभी कांस्य की नकल करने के लिए चित्रित किया जाता था, का उपयोग ज्यादातर इमारतों को सजाने के लिए किया जाता था, और कार्यशालाओं में प्रसिद्ध मूर्तियों की छोटी प्लास्टर प्रतिकृतियां बेची जाती थीं, जिनमें से कई बची नहीं हैं। जल्दी और सस्ती सामग्री की एक विस्तृत श्रृंखला में अस्थायी मूर्तियाँ जैसे पेपर-माशे और गोंद-सख्त कपड़े का उत्पादन त्योहारों और शादियों जैसे समारोहों के दौरान परेड के लिए सजावट के रूप में भव्य मात्रा में किया जाता था; 16 वीं शताब्दी में इन्हें अक्सर प्रिंट में दर्ज किया जाता है। फ्लोरेंस में पोप लियो एक्स के विजयी प्रवेश (एक मध्ययुगीन और पुनर्जागरण सेट-पीस) की सजावट के लिए जैकोपो सैन्सोविनो द्वारा एक राहत पैनल मिट्टी में होने और "आकार के साथ कठोर लिनन" होने के बावजूद बचा हुआ है, सभी लकड़ी के बोर्डों पर लगे हुए हैं; यह उच्चतम कलात्मक गुणवत्ता का काम है। जैकोपो डेला क्वेरसिया (डी. 1438) ने "लकड़ी, ओकम और टो" का उपयोग करके सिएना में एक चर्च के लिए एक घुड़सवार मकबरे का स्मारक बनाया, जो आश्चर्यजनक रूप से बचा नहीं है। भव्य उत्सवों के लिए अस्थायी मूर्तिकला की एक नई और विशिष्ट शैली चीनी की मूर्तिकला थी। 15वीं शताब्दी के मध्य में यूरोप में चीनी का नियमित रूप से आयात किया जाने लगा, जब मदीरा और कैनरी द्वीप समूह यूरोप से बसे थे, और वहां चीनी उगाई जाती थी, जो ज्यादातर इटली के माध्यम से आयात की जाती थी। इसके बाद "चीनी के लिए सभी उपभोग करने वाला जुनून. समाज में फैल गया" क्योंकि यह अधिक आसानी से उपलब्ध हो गया, हालांकि शुरू में अभी भी बहुत महंगा था। जेनोआ, वितरण केंद्रों में से एक, कैंडीड फलों के लिए जाना जाने लगा, जबकि वेनिस पेस्ट्री, मिठाई (कैंडी) और चीनी की मूर्तियों में विशेषज्ञता रखता था। चीनी को तब चिकित्सकीय रूप से फायदेमंद माना जाता था। गैस्टन डी फोइक्स द्वारा 1457 में टूर्स में दी गई दावत में चीनी की मूर्तियों का पहला विस्तृत उल्लेख शामिल है, क्योंकि अंतिम भोजन "चीनी में तराशी गई एक हेराल्डिक मृगशाला थीः शेर, हाथी, बंदर. प्रत्येक ने हंगरी के राजा की भुजाओं या चोंच में पकड़ रखा था" (दावत एक हंगेरियन दूतावास को सम्मानित करने के लिए थी)। बाद के दशकों में शादी के भोज जैसे अन्य दर्ज किए गए भव्य भोजों में इसी तरह के टुकड़े शामिल थे। 1473 में फेरारा के ड्यूक एर्कोले प्रथम डी 'एस्टे और 1491 में उनकी बेटी इसाबेला डी' एस्टे की शादी मूर्तियों को ले जाने वाले जुलूसों के साथ संपन्न हुई। 1491 में, 103 लोगों को "बाघ, यूनिकॉर्न, बुकेंटाउर, लोमड़ी, भेड़िये, शेर. पहाड़, ड्रोमेडरी, महल, सारसेन. हरक्यूलिस ड्रैगन को मार रहा है" में ले जाया गया। जाहिरा तौर पर प्रत्येक अतिथि के लिए अनुकूलित किया गया; "मंटुआ, पादुआ और वेनिस के मूर्तिकारों को दरबार के चित्रकारों द्वारा डिजाइन से बनाने के लिए लाया गया था।" मूल रूप से कुछ मूर्तियों को भोजन में खाया गया प्रतीत होता है, लेकिन बाद में वे केवल मेज की सजावट बन जाती हैं, जिसे सबसे विस्तृत रूप से ट्रायम्फी कहा जाता है। कई महत्वपूर्ण मूर्तिकारों को उन्हें बनाने के लिए जाना जाता है; कुछ मामलों में उनके प्रारंभिक चित्र जीवित हैं। पहले वाले भूरे रंग की चीनी में थे, आंशिक रूप से सांचों में डाले गए थे, अंतिम स्पर्श के साथ नक्काशी की गई थी; फिर गिल्डिंग या पेंट जोड़ा जा सकता था। आखिरकार, 18 वीं शताब्दी में, चीनी मिट्टी के बर्तन की मूर्ति चीनी की मूर्तियों की नकल के एक स्थायी रूप के रूप में विकसित हुई; शुरू में इन्हें भोजन की मेज के आसपास भी रखा गया था। रंगीन मूर्तिकला पेंटिंग, जिसे अक्सर परतदार होने के बाद हटा दिया जाता था, लकड़ी और टेराकोटा पर सामान्य नहीं तो आम था, लेकिन 15 वीं शताब्दी में पत्थर और धातु पर पहले से ही असामान्य था। जब इन सामग्रियों पर इसका उपयोग किया जाता था तो यह आम तौर पर विवेकपूर्ण होता था। लारियाना के कुछ संगमरमर के चित्र अपने पॉलीक्रोम फिनिश को बनाए रखते हैं; दूसरों के पास या तो यह कभी नहीं था, या इसे हटा दिया गया है। 1500 के बाद फैशन से रंग तेजी से गिर गया; खुदाई की गई शास्त्रीय मूर्तियों में यह नहीं था, हालांकि क्या वे मूल रूप से रंगीन थे, यह एक और सवाल है। माइकल एंजेलो का प्रभाव, "जिन्होंने केवल रूप से एक विचार को व्यक्त करने के लिए सतह के आकर्षण को त्याग दिया" एक अन्य कारक था। आल्प्स के उत्तर के देशों के विपरीत, इटली में, चर्चों में मूर्तिकला हमेशा इमारत के अंदर बहुत अधिक होती थी। एक दुर्लभ इतालवी अपवाद मिलान कैथेड्रल था, जिसे 1368 से बनाया गया था, जिसमें सैकड़ों मूर्तियों के लिए बड़ी संख्या में आला और शिखर थे, जिन्हें भरने में पूरी अवधि लगी; अधिकांश मूर्तियों को बहुत स्पष्ट रूप से देखने के लिए बहुत ऊँचे थे। एक अन्य अपवाद पास का सर्टोसा डी पाविया था, एक मठ जिसे मिलान के विस्कोंटी ड्यूक के राजवंशीय दफन स्थल के रूप में नियोजित किया गया था, जो आल्प्स के उत्तर में ऐसे अन्य स्थलों का अनुकरण करता था, जो 1396 में शुरू हुआ था, लेकिन एक सदी से अधिक समय बाद तक समाप्त नहीं हुआ था। फ्लोरेंस कैथेड्रल में "पोर्टा डेला मंडोरला" के आसपास के मुख्य अग्रभाग पर मूर्तियाँ, जिनका नाम नानी डी बैंको के उच्च राहत टाइम्पेनम (1422 तक) में वर्जिन मैरी के आसपास बादाम के आकार के मंडोरला या ऑरिओल के नाम पर रखा गया है, का एक जटिल इतिहास है, जिसमें कई मूर्तिकार और शैलियाँ शामिल हैं। 1391 और 1422 के बीच तीन अभियान हुए, जिनमें से प्रत्येक कई वर्षों तक चला, और उसके बाद कई बदलाव हुए, जिसमें 19वीं शताब्दी में मूर्तिकला का उच्च स्तर तक बड़ा विस्तार शामिल था। द्वार के किनारे सजावटी पत्ते के बीच एक नग्न हरक्यूलिस (धैर्य के गुण का प्रतिनिधित्व करने वाला) की एक छोटी सी नक्काशी "लंबे समय से प्रारंभिक पुनर्जागरण में नग्न के अध्ययन के लिए एक मील का पत्थर के रूप में जानी जाती है"; मूर्तिकार अनिश्चित है। डोनाटेल्लो की पहली संगमरमर और माइकल एंजेलो की डेविड की दोनों आकृतियाँ मूल रूप से कैथेड्रल की छत के लिए थीं, लेकिन पहले वाले को ठीक से देखने के लिए बहुत छोटा महसूस किया गया था, इसलिए बाद वाले का बड़ा आकार था, लेकिन इसे तब पहचाना गया जब स्थिति के लिए बहुत भारी के रूप में समाप्त किया गया, और पियाज़ा डेला सिग्नोरिया में डोनाटेल्लो में शामिल हो गया। चर्चों के अंदर, अमीरों के मकबरे के स्मारक बड़े होते गए, शुरू में मृतक के पुतले के चारों ओर बड़े लेकिन काफी उथले ढांचे के साथ, जैसा कि फ्लोरेंस में एंटीपोप जॉन XXIII के मकबरे में था, फिर 16 वीं शताब्दी में कभी-कभी मूर्तियों के बहुत बड़े समूहों में विस्तार हुआ, जो माइकल एंजेलो के पोप जूलियस द्वितीय के मकबरे में समाप्त हुआ, 1505 और 1545 के बीच काम किया, लेकिन केवल आंशिक रूप से महसूस किया गया। नया सेंट पीटर बेसिलिका बड़े पोप मकबरों से भरने लगा, एक प्रवृत्ति जो केवल अगले बारोक काल में बढ़ी। वेनिस में, सैंटी जियोवानी ई पाओलो, वेनिस में 25 कुत्तों की कब्रें हैं, और फ्लोरेंस गणराज्य में सांता क्रॉस चर्च "अंततः एक फ्लोरेंटाइन प्रकार का वेस्टमिंस्टर एबे बन गया", जिसमें माइकल एंजेलो और गैलीलियो सहित प्रमुख हस्तियों के लिए बड़ी कब्रें हैं, जो बड़े पैमाने पर सरकारी खर्च पर बनाई गई हैं। प्रारंभ में कब्रों पर मृतकों की आकृतियाँ सामान्य (लेकिन अपरिवर्तनीय नहीं) पारंपरिक प्रतिमूर्ति का पालन करती थीं, जो आँखें बंद करके पड़ी होती थीं, लेकिन 15वीं शताब्दी के अंत में उन्हें जीवित दिखाया जाने लगा। पोपों के मामले में, पहला पोप इनोसेंट VIII (मृत्यु 1492) का मकबरा था, जहाँ एंटोनियो डेल पोलाइउलो के नीचे एक मूर्ति थी और ऊपर आशीर्वाद में एक हाथ के साथ एक बैठा हुआ आकृति थी। सेंट पीटर्स में स्थानांतरित होने के बाद स्मारक अब इस तरह दिखाई देता है, लेकिन मूल रूप से इन स्थितियों को उलट दिया गया था। किसी भी आकृति को शामिल करने के लिए अगला माइकल एंजेलो का पोप जूलियस द्वितीय का मकबरा था, जो उनके जीवनकाल के दौरान 1505 में शुरू हुआ था। इसमें पोप सिर उठाकर बगल में लेटे हुए थे। पोप लियो X (मृत्यु 1521) के मकबरे के बाद से, बैठने वाली आकृतियाँ सामान्य हो गईं जब कोई भी आकृति शामिल की गई थी। नागरिक गौरव शहर सार्वजनिक स्थानों पर प्रसिद्ध मूर्तिकला समूहों के माध्यम से अपनी प्रतिष्ठा को बढ़ाना चाहते थे, और अक्सर इसे प्राप्त करने के लिए भव्य रूप से खर्च करने के लिए तैयार रहते थे। सबसे उत्कृष्ट निस्संदेह फ्लोरेंस के केंद्र में पियाज़ा डेला सिग्नोरिया में असंबंधित मूर्तियों का समूह था, जो गणतंत्र की सरकार की सीट पलाज़ो वेचियो के सामने था। लोग्जिया देई लांज़ी पियाज़ा पर एक खुला आर्केड है जिसने उत्कृष्ट मूर्तियों का एक संग्रह बनाया, ज्यादातर 16 वीं शताब्दी में, जब बेनवेनुटो सेलिनी द्वारा मेडुसा के प्रमुख के साथ पर्सियस और गैम्बोलोग्ना द्वारा सबीन महिलाओं का बलात्कार समूह में शामिल हो गया। मूर्तिकला की एक और फ्लोरेंटाइन नागरिक प्रदर्शनी ऑर्सनमिचेले थी, एक इमारत जो संघों के स्वामित्व में थी, और विभिन्न उद्देश्यों के लिए उपयोग की जाती थी। आंतरिक भाग को ऑर्काग्ना द्वारा एक बड़ा तम्बू दिया गया था, जो शायद 1360 के दशक में ब्लैक डेथ के अंत के लिए एक समर्पित भेंट के रूप में था। भूतल मूल रूप से खुला था, और एक व्यापारिक हॉल और बैठक स्थल के रूप में उपयोग किया जाता था, लेकिन 1380 तक बाहरी भित्तिस्तंभों के बीच की जगह को दीवार बना दिया गया था, और भूतल गिल्ड चर्च था (अभी भी ऊपर कार्यालयों के साथ, अब ये मूल मूर्तियों के साथ संग्रहालय हैं)। प्रत्येक संघ के लिए एक भित्तिस्तंभ पर एक मूर्ति रखने की योजना पहले से ही थी, लेकिन तब तक केवल एक ही मूर्ति बनाई गई थी। शताब्दी के अंत में योजना को पुनर्जीवित किया गया था, और आधुनिक समय में प्रतियों द्वारा प्रतिस्थापित किए जाने तक सबसे पुरानी मूर्तियां 1399 की हैं, जो नवीनतम 1601 है। लेकिन 1411 और 1429 के बीच गतिविधि में तेजी आई। एक व्यस्त सड़क पर इन स्थानों की ऊँचाई राहगीरों से कुछ ही फुट ऊपर थी। देरी संघों के विस्तार के कारण हुई थी, लेकिन इसके परिणामस्वरूप उस समय के प्रमुख मूर्तिकारों द्वारा किए गए कार्यों की एक श्रृंखला बनी है, जो फ्लोरेंटाइन शैली के विकास को उत्कृष्ट रूप से प्रदर्शित करती है, और विशेष रूप से 1430 से पहले के वर्षों में इसके भीतर क्रॉस-करंट। अधिकांश मूर्तियाँ प्रत्येक संघ के संरक्षक संतों की हैं। यहाँ 14 मूर्तियाँ या समूह हैं, दो डोनाटेलो द्वारा, दो गिबर्टी द्वारा, और वेरोकियो द्वारा क्राइस्ट और सेंट थॉमस (लगभग 1480 में पूर्ण)। गिबर्टी का सेंट जॉन द बैपटिस्ट (1412) कांस्य में छह में से सबसे पहला था, जो अभी भी अंतर्राष्ट्रीय गोथिक शैली में है। फव्वारे सार्वजनिक फव्वारे, जिनसे अधिकांश आबादी घरेलू उपयोग के लिए पानी लेती थी, स्थानीय प्रशासन का एक प्रमुख हिस्सा थे, जिन पर शहर की सरकारों को आंका जाता था। मुख्य चौराहों में रहने वालों को कई लोगों को एक साथ पानी खींचने की अनुमति देनी पड़ती थी; 16 वीं शताब्दी के अंत तक स्पाउटिंग जेट की उम्मीद नहीं थी, लेकिन अच्छे पानी की निरंतर आपूर्ति के लिए आसान पहुँच थी। कुछ बड़े प्रारंभिक फव्वारों को राहत पैनलों के साथ चारों ओर लपेटा गया था, जैसे पेरूगिया में प्रोटो-पुनर्जागरण फोंटाना मैगियोर, निकोलो पिसानो और अन्य (ज्यादातर 1270 के दशक), और सिएना में फोंटे गैया, जैकोपो डेला क्वेरसिया (1419, अब प्रतिकृतियों द्वारा प्रतिस्थापित) द्वारा वर्तमान संस्करण। देर से पुनर्जागरण के उदाहरणों में नेप्च्यून का फव्वारा, जियाम्बोलोग्ना (1566) द्वारा बोलोग्ना और नेप्च्यून का फव्वारा, फ्लोरेंस (बार्टोलोमियो अम्मन्नाती और अन्य, 1574 में पूरा हुआ) शामिल हैं। ये बारोक फव्वारों की प्रतीक्षा करते हैं; प्रत्येक पर भगवान की एक बड़ी मूर्ति है। तब तक सबसे धनी निजी उद्यान फव्वारों को मूर्तिकला की व्यवस्था लगभग उतनी ही असाधारण दी जा रही थी। जिआम्बोलोग्ना का सैमसन स्लेइंग ए फिलिस्टिन, जो अब लंदन में है, मेडिसी उद्यान के फव्वारे के लिए बनाया गया था। मूर्तिकला चित्र ज्यादातर कब्र स्मारकों तक ही सीमित थे, लेकिन इस अवधि के दौरान वे आकार और सामग्री की एक विस्तृत श्रृंखला में उभरे। इटालियंस रोमन रवैये से बहुत अवगत हो गए कि अपनी सार्वजनिक प्रतिमा होना लगभग स्थिति और प्रतिष्ठा का सर्वोच्च चिह्न था, और ऐसी मूर्तियाँ, अधिमानतः एक स्तंभ पर स्थापित, आदर्श शहरों के चित्रों में अक्सर दिखाई देती हैं, जो वास्तव में पहले की तुलना में बहुत अधिक होती हैं। उस अवधि के अंत तक इटली में समकालीन व्यक्तियों की स्थायी चित्र मूर्तियां बहुत दुर्लभ रहीं (एक अपवाद मेसिना में ऑस्ट्रिया के जॉन हैं, 1572), लेकिन लियोनी लियोनी और उनके बेटे पोम्पिओ, स्पेनिश हैब्सबर्ग के दरबारी कलाकारों ने उनके लिए कांस्य में कई बनाए। शासकों और सेनापतियों के लिए आरक्षित प्रतिष्ठा की अंतिम अभिव्यक्ति, एक पूर्ण आकार की घुड़सवार प्रतिमा थी; रोमन उदाहरण रोम में मार्कस ऑरेलियस की घुड़सवार प्रतिमा और पाविया में रेजिसोल (अब नष्ट) में बचे हुए हैं। वेरोना में स्कैलिगर मकबरों में संगमरमर में कठोर गोथिक अग्रदूत थे, और मिलान में बोनिनो दा कैम्पियोन (1363) द्वारा बर्नाबो विस्कोंटी में से एक था। उत्सवों के लिए कई अस्थायी बनाए गए थे, लेकिन पुनर्जागरण के दौरान कांस्य में बहुत कम। रूप का आकर्षण फ्लोरेंस कैथेड्रल में भित्तिचित्र में चित्रित दो काल्पनिक मूर्तियों द्वारा दिखाया गया हैः कि सर जॉन हॉकवुड (पाओलो उसेलो, 1436) के लिए, निकोलो दा टोलेंटिनो (एंड्रिया डेल कास्टैग्नो 1456) के बगल में है। भित्तिचित्रों की नकलों की तरह, पहले दो वास्तविक कांस्य पदक कोंडोटियर या भाड़े के जनरलों के थे, डोनाटेलो (1453) द्वारा पादुआ में गट्टामेलाता की घुड़सवार प्रतिमा और बार्टोलोमियो कॉलियोनी की घुड़सवार प्रतिमा, जिसे 1480 के दशक में एंड्रिया डेल वेरोकियो द्वारा शुरू किया गया था, लेकिन उनकी मृत्यु के बाद दूसरे द्वारा समाप्त किया गया था। इस अवधि के अंत में, मेडिसी द्वारा खुद को टस्कनी के ग्रैंड ड्यूक में बदलने के ठीक बाद, और माना जाता था कि गणतंत्रवादी भावना पर्याप्त रूप से समाप्त हो गई थी, गैम्बोलोग्ना ने उनके लिए दो बनाए, कोसिमो I डी 'मेडिसी (1598) पियाज़ा डेला सिग्नोरिया पर, और 1608 तक फर्डिनेंड I। पुनर्जागरण की महान अधूरी परियोजनाओं में से एक लियोनार्डो दा विंची की स्फोर्जा हॉर्स थी, जो अपने बेटे लुडोविको इल मोरो के लिए फ्रांसेस्को प्रथम स्फोर्जा का एक अधिक जीवन आकार का घुड़सवार चित्र था, दोनों मिलान के ड्यूक, मूल रूप से पालन-पोषण करने का इरादा रखते थे, लेकिन जब यह बहुत महत्वाकांक्षी साबित हुआ, तो "चलने की चाल" के साथ योजना बनाई गई। लियोनार्डो ने एंड्रिया डेल वेरोचियो की कार्यशाला में प्रशिक्षण लिया था, उस समय कॉलियोनी स्मारक के लिए घोड़ा बनाया जा रहा था। उन्हें 1489 में परियोजना सौंपी गई थी, और 1492-93 की सर्दियों तक एक पूर्ण पैमाने पर मिट्टी के मॉडल को पूरा कर लिया था, जिसे मिलान कैथेड्रल में बियांका मारिया स्फोर्जा और पवित्र रोमन सम्राट मैक्सिमिलियन प्रथम की शादी के लिए बहुत प्रशंसा के साथ प्रदर्शित किया गया था। हो सकता है कि उन्होंने सांचे या इसके कुछ हिस्सों को बनाया हो, लेकिन 1494 के अंत तक लुडोविको ने फैसला किया कि उन्हें तोपों के लिए प्रतिमा के लिए बड़ी मात्रा में कांस्य की आवश्यकता है, इसके बजाय उस वर्ष शुरू हुए प्रथम इतालवी युद्ध द्वारा ली गई बारी को देखते हुए। जब फ्रांसीसी ने अंततः 1499 में मिलान पर कब्जा कर लिया, तो मिट्टी के मॉडल को फ्रांसीसी धनुर्धरों द्वारा लक्ष्य के रूप में उपयोग करके बुरी तरह से क्षतिग्रस्त कर दिया गया था। केवल अनिश्चित लेखकत्व के कई चित्र और कुछ छोटे मोम मॉडल बचे हैं। शोल्डर बस्ट्स कंधों के नीचे काटा गया एक प्रकार का बस्ट पोर्ट्रेट उभरा, जाहिरा तौर पर पारिवारिक पलाज़ो की अपेक्षाकृत निजी सेटिंग्स में रखने के लिए। ऐसा लगता है कि यह कुछ मध्ययुगीन अवशेषों और अस्थायी अंत्येष्टि पुतलों के आकार से प्रभावित था, और शायद रोमन "खिड़की" राहत मकबरे के चित्र जैसे कि पब्लियस ऐडियस और ऐडिया की पहली शताब्दी ईस्वी कब्र की नक्काशी, जो स्वतंत्र लोगों और व्यापारिक वर्ग के लिए उपयोग की जाने वाली एक "स्थानीय" शैली है। इसने चित्रकारी के उभरते रूप के समान दृश्य भी दिखाया, लेकिन जीवन आकार और तीन आयामों में। डोनाटेल्लो ने 1420 के दशक में कांस्य संत के लिए भी प्रारूप का उपयोग किया। संगमरमर में सबसे पुराना डेट करने योग्य चित्र उदाहरण पिएरो डी कोसिमो डी मेडिसी के मिनो दा फिएसोल द्वारा 1453 की एक आवक्ष प्रतिमा है, जो "कठोर और तनावपूर्ण है, जैसा कि हम एक युवा मूर्तिकार से उम्मीद कर सकते हैं, जिसे कुछ अपरिचित करने के लिए कहा गया था", विशेष रूप से फ्लोरेंस गणराज्य के वास्तविक शासक के लिए। वासरी का कहना है कि आवक्ष प्रतिमा को पलाज़ो मेडिसी में पिएरो के कमरों के दरवाजे पर रखा गया था, जो तब भी निर्माणाधीन था। वहाँ उनकी पत्नी लुक्रेज़िया टोरनाबूनी का एक समान चित्र था, जो अब खो गया था या उसका पता नहीं चला था। मिनो ने इसी तरह के कई बस्ट किए, और एंटोनियो रोसेलिनो और बेनेडेटो दा मायानो जैसे कलाकारों ने इस रूप को अपनाया, बाद वाले ने काम करने के लिए शायद मोम में एक "जीवन मुखौटा" सांचा लिया। प्रारंभिक विषयों में एक डॉक्टर और एक एपोथेकरी के साथ-साथ शीर्ष अभिजात वर्ग भी शामिल थे। एक मामले में, बैंकर फिलिप्पो स्ट्रॉज़ी द एल्डर (जिन्होंने बेनेडेटो को पलाज़ो स्ट्रॉज़ी को डिजाइन करने के लिए भी नियुक्त किया था), एक टेराकोटा मॉडल और एक अधिक आदर्श संगमरमर की प्रतिमा दोनों जीवित हैं। बेनेडेटो ने पूरी तरह से पॉलीक्रोमेड टेराकोटा में प्रारूप का भी उपयोग किया, जिसका उपयोग राजनेता निकोलो दा उज़ानो (डी. 1431) के डोनाटेलो के लिए जिम्मेदार एक आवक्ष प्रतिमा के लिए किया गया था, जो शायद मरणोपरांत, एक मौत के मुखौटे का उपयोग करके बनाया गया था। यह बहुत जल्दी हो जाएगा। अगली शताब्दी में, चित्रित टेराकोटा आवक्ष प्रतिमाएँ लोरेंजो डी 'मेडिसी से बनाई गई थीं, शायद उनकी मृत्यु के काफी बाद। उन्हें एक राजनीतिक बयान के रूप में पुराने जमाने और मध्यम वर्ग के कैपुचियो हेडगियर पहने हुए दिखाया गया है। पिएत्रो टोरिगियानो ने इंग्लैंड के हेनरी VII की एक आवक्ष प्रतिमा बनाई, जो शायद मरणोपरांत मृत्यु के मुखौटे से बनाई गई थी, और वह या माज़ोनी इंग्लैंड में रहने के दौरान भविष्य के हेनरी VIII माने जाने वाले एक हंसमुख लड़के में से एक थे। फ्रांसेस्को लौराना, एक अन्य व्यापक रूप से यात्रा करने वाले मूर्तिकार, का जन्म विनीशियन डाल्माटिया में हुआ था, लेकिन उन्होंने अपने करियर में कुछ अनिश्चित अवधियों के साथ ज्यादातर नेपल्स, सिसिली और दक्षिणी फ्रांस में काम किया। 1470 के दशक में, अपने करियर में अपेक्षाकृत देर से, उन्होंने संगमरमर में कुछ समान दिखने वाली और कुछ हद तक आदर्श महिलाओं के कंधे की प्रतिमाओं का निर्माण करना शुरू किया, जिनमें से कुछ पॉलीक्रोम के साथ थीं। उच्च पुनर्जागरण तक सपाट-तल वाले कंधे का बस्ट पक्ष से गिर गया था, और एक सोल पर बैठे शास्त्रीय-शैली के गोल तल को प्राथमिकता दी गई थी, जैसा कि मामला बना हुआ है। पदक कुछ दशक पहले के कुछ उदाहरणों के साथ, पुनर्जागरण चित्र पदक का प्रभावी रूप से आविष्कार पिसानेलो द्वारा किया गया था। इटली के आसपास के दरबारों के लिए एक प्रमुख चित्रकार, ये उनकी मूर्तिकला के एकमात्र टुकड़े प्रतीत होते हैं। सबसे पहला संभवतः बीजान्टिन सम्राट जॉन VIII पेलियोलोगस का उनका पदक है, जिसे पिसानेलो ने 1438 में इटली की यात्रा के दौरान देखा था। कांस्य में, दो तरफा, और पार, यह एक काफी बड़े सिक्के की तरह है, और एक परंपरा स्थापित करता है जिसका पालन आम तौर पर एक चित्र रेक्टो में किया जाता था, और वर्सो पर एक अलग दृश्य होता था। वर्सो पर एक आदर्श वाक्य के साथ विषय का प्रतीक या व्यक्तिगत प्रतीक होना आम बात हो गई। ये न केवल शासकों के लिए, बल्कि पुनर्जागरण मानवतावादी होने का नाटक करने वाले किसी भी व्यक्ति के लिए आवश्यक हो गए थे, इन समूहों के पदक देने की सबसे अधिक संभावना थी। "बैठे व्यक्ति की पहचान पर सचेत रूप से विद्वतापूर्ण कथन" के रूप में, प्राप्तकर्ता के लिए विचार करने के लिए आदर्श वाक्य तेजी से अमूर्त पहेली बन गए। पदक छोटे संस्करणों में उत्पादित किए जाते थे, और कभी-कभी अलग-अलग धातुओं का उपयोग किया जाता था, अलग-अलग स्थिति के प्राप्तकर्ताओं के लिए (ऊपर देखें)। वे जिज्ञासाओं के उभरते मंत्रिमंडल के लिए उत्सुकता से एकत्र किए गए थे, और संरक्षण चाहने वाले बुद्धिजीवियों के लिए विज्ञापन का एक उपयोगी रूप बन गए। पिसानेलो के पास एक सहकर्मी द्वारा खुद का बनाया गया पदक था, और बाद में पदक विजेता अक्सर स्व-चित्रों के साथ पदक देते थे। पदकों पर मॉडलिंग की उच्च गुणवत्ता ने सिक्कों की कलात्मक गुणवत्ता, विशेष रूप से सबसे प्रतिष्ठित सोने के मुद्दों के लिए स्तर बढ़ा दिया। मध्ययुगीन इटली में (इंग्लैंड के विपरीत) शासक का चित्र शामिल करना सामान्य नहीं था, लेकिन पुनर्जागरण प्रोफ़ाइल चित्रों में शाही रोमन शैली को पुनर्जीवित करते हुए रियासतों के लिए सामान्य हो गया। कलाकारों को आमतौर पर रिकॉर्ड नहीं किया जाता है, लेकिन शायद अक्सर प्रतिष्ठित किया जाता था; बेनवेन्युटो सेलिनी की आत्मकथा में उल्लेख किया गया है कि उन्होंने फ्लोरेंस के ड्यूक एलेसेंड्रो डी 'मेडिसी के लिए मॉडलिंग की थी, जिसे पहचाना जा सकता है। व्यक्तियों के बजाय घटनाओं को याद करने वाले पदक ज्यादातर इस अवधि के अंत के करीब आए, लेकिन एक को 1478 में मेडिसी के खिलाफ पाज़ी साजिश की विफलता के लिए तुरंत बनाया गया था; "इसकी कथा सामग्री अभूतपूर्व है"। दोनों पक्ष दर्पण छवियों के पास हैं, जिसमें दो मेडिसी भाइयों, लोरेंजो जो भाग गए थे, और गियुलियानो जिनकी हत्या कर दी गई थी, के सिर हैं। वे गिरजाघर के गाना बजानेवालों के मंच से ऊपर उठते हैं, जहाँ हत्यारों ने प्रार्थना सभा के दौरान हमला किया था। मध्य युग में कांस्य की छोटी मूर्तियाँ बहुत दुर्लभ थीं, जो लगभग राजघराने तक ही सीमित थीं, लेकिन लगभग 1450 से एक अमीर संग्रहकर्ता के बाजार के लिए तेजी से लोकप्रिय हो गईं। धर्मनिरपेक्ष लोगों के संग्रहकर्ता ज्यादातर पुरुष थे और विषय पुरुष स्वाद को दर्शाते हैं। योद्धाओं, पौराणिक आकृतियों या व्यक्तित्वों के साथ घोड़े बेहद लोकप्रिय थे; 16वीं शताब्दी में दोनों लिंगों में नग्नता अधिक आम हो गई। विशेष रूप से 16वीं शताब्दी में, इन कार्यों के लिए विषयों को शायद मूर्तिकार द्वारा बिक्री के लिए उत्पादन के लिए चुना गया था, न कि बड़ी मूर्तिकला के विशाल बहुमत की तरह कमीशन किया गया था। हालाँकि, बाजार के स्वाद पर विचार किया जाना चाहिए। कई बड़ी रचनाओं के छोटे संस्करण थे। गैम्बोलोग्ना की छोटी आकृतियों के बारे में बात करते हुए जॉन शियरमैन कहते हैं कि संग्रहकर्ताओं और उनके दोस्तों द्वारा उन्हें पकड़कर और हाथों में घुमाकर उनकी सराहना की जानी चाहिए थी, जब सर्वश्रेष्ठ "उस अनैच्छिक प्रकार की सौंदर्य उत्तेजना देते हैं जो कभी-कभी संगीत सुनने से आती है"। अब अधिकांश संग्रहालयों में हैं इस तरह की प्रशंसा शायद ही कभी संभव है, और "स्वाद के उलटने" ने इन "सर्वोच्च कृत्रिम" वस्तुओं को व्यापक रूप से लोकप्रिय नहीं बना दिया है। पट्टिकाओं पर विषय भी संभवतः कलाकारों की पसंद थे। हालांकि वे बहुत छोटे थे, लेकिन उन्होंने उस तरह की जटिल बहु-आकृति वाली एक्शन रचनाओं की अनुमति दी जिसकी शायद ही कभी आवश्यकता होती थी, और जिन कलाकारों ने स्वर्गीय-रोमन सारकोफेगी को देखा था, वे आकर्षित हुए। दोनों मूर्तियों और पट्टिकाओं को आम तौर पर कई प्रतियों के छोटे संस्करणों में बनाया गया था, और कुछ पट्टिकाओं को एक श्रृंखला में बनाया गया था, जिसमें एक कहानी के अलग-अलग एपिसोड दिखाए गए थे। कई को तलवार हिल्ट और अन्य वस्तुओं के लिए घुड़सवार के रूप में उपयोग करने के लिए आकार दिया गया था, और कुछ ने अपनी रचनाओं को प्रिंट से उधार लिया था। कुछ प्रमुख कलाकारों या उनकी कार्यशालाओं ने पट्टिकाएँ बनाईं, लेकिन ऐसा लगता है कि कई कलाकार बड़ी मूर्तिकला में शामिल नहीं थे। इन शैलियों में, फ्लोरेंस प्रमुख नहीं था क्योंकि यह बड़ी मूर्तिकला के लिए था, और पादुआ लगभग 1500 का सबसे बड़ा केंद्र था, जिसमें डोनाटेलो के वर्षों से एक मजबूत कांस्य-कास्टिंग परंपरा थी। अग्रणी पादुआन कलाकारों में डोनाटेलो के शिष्य बार्टोलोमियो बेलानो और उनके छात्र एंड्रिया रिसियो शामिल थे। पियर जैकोपो अलारी बोनाकोल्सी, जिसे "एंटीको" के नाम से जाना जाता है, मंटुआ में स्थित था, जो गोंजागा परिवार के लिए ज्यादातर सुरुचिपूर्ण शास्त्रीय आकृतियों का निर्माण करता था, जो अक्सर सुनहरे रंग की विशेषताओं के साथ होते थे। उत्कीर्णित रत्न, कठोर पत्थर की नक्काशी का एक छोटा रूप, जूलियस सीज़र सहित प्राचीन रोमनों के लिए एकत्र करने के लिए एक लोकप्रिय वस्तु थी, और कई प्राचीन उदाहरणों को मध्ययुगीन रत्नों वाली वस्तुओं जैसे कि क्रॉस ऑफ़ लोथायर में शामिल किया गया था। विशेष रूप से, जेम्मा ऑगस्टिया जैसे शाही चित्र कैमियो की जबरदस्त प्रतिष्ठा थी, और पुनर्जागरण अभिजात वर्ग इस रूप में अपनी समानता रखने के लिए बहुत उत्सुक थे। कुछ पट्टिकाएँ विशेष रूप से मेडिसी संग्रह से प्राचीन उत्कीर्णित रत्नों की प्रतिलिपि बनाती हैं, या यहाँ तक कि उनमें से ढाली जाती हैं। 16वीं शताब्दी में विनीशियन मूर्तिकारों ने माता-पिता के महलों और विलाओं के लिए "कांस्य में भव्य रूप से मापी गई घरेलू वस्तुओं की एक शैली विकसित की", जिसमें अक्सर समृद्ध सजावट के बीच की आकृतियाँ शामिल होती थीं। इनमें मोमबत्तियाँ, दरवाजे पर दस्तक देने वाले उपकरण और तार शामिल थे। एंड्रिया रिसियो और बाद में गिरोलामो कैम्पग्ना की कार्यशालाएं इस क्षेत्र में प्रमुख थीं, लेकिन कई वस्तुओं के निर्माता अस्पष्ट हैं। कार्यशालाएं अधिकांश मूर्तिकारों ने काफी छोटी कार्यशालाओं (बोट्टेगा) में प्रशिक्षित और काम किया, जिसमें अक्सर परिवार के अन्य सदस्य शामिल होते थे, और वे स्वामी के निवास के भूतल पर होते थे। बड़े आयोगों को अक्सर विभिन्न कार्यशालाओं के बीच सहयोग की आवश्यकता होती है, और विस्तारित अवधि के लिए कार्य स्थल की यात्रा की आवश्यकता होती है। 15वीं शताब्दी की सबसे बड़ी काफी स्थिर कार्यशाला शायद गिबर्टी की थी, लेकिन डोनाटेल्लो के पास बड़ी संख्या में सहायक थे, जिनमें से कई संक्षिप्त अवधि के लिए थे। 15वीं शताब्दी के अंत तक "टुकड़े के निष्पादन के साथ-साथ डिजाइन के लिए जिम्मेदार अलग-थलग एकल मास्टर की आकृति, जैसा कि हम माइकल एंजेलो के बारे में सोचते हैं, उत्पन्न नहीं हुई थी"। कई महत्वपूर्ण मूर्तिकारों ने अपने कार्यकाल के दौरान विभिन्न शहरों में काम किया; विशेष रूप से रोम और वेनिस ने अपने अधिकांश मूर्तिकारों को आयात किया, रोम ने कभी-कभी एक ही टुकड़े के लिए। मूर्तिकला के लिए भुगतान करने का एक सामान्य तरीका काम के आगे बढ़ने के साथ एक निश्चित राशि का भुगतान करना था, लेकिन अंतिम मूल्यांकन "उदासीन तीसरे पक्ष, आमतौर पर स्वयं कलाकारों, जिन्हें कारीगरी की गुणवत्ता पर उच्चारण करने के लिए कहा जाता था" और अंतिम मूल्य खोजने के लिए छोड़ दिया जाता था। यह, कुछ कठिन प्रकरणों के बावजूद, "सावधानीपूर्वक कारीगरी के लिए एक शक्तिशाली प्रोत्साहन" था। 1472 में फ्लोरेंस में पत्थर पर नक्काशी करने वाली 54 कार्यशालाएँ और 44 सोने और चांदी के कारीगर थे, दोनों 30 से अधिक चित्रकारों की कार्यशालाएँ थीं। शहर में कसाईयों की तुलना में लकड़ी पर नक्काशी करने वाले अधिक थे। लेकिन शहर असामान्य था, शायद इटली में सबसे अधिक एकाग्रता के साथ, तब केवल वेनिस द्वारा प्रतिद्वंद्वी था; इसके विपरीत, नेपल्स और दक्षिणी इटली में सामान्य रूप से कुछ कलाकार थे। नेपल्स में बड़ी परियोजनाएं जैसे कि कैस्टल नुओवो और पोर्टा कैपुआना के लिए ट्रायम्फल प्रवेश द्वार, उत्तर के कलाकारों द्वारा या उनके मूल स्पेन, 1442 से 1458 तक नेपल्स के राजा, आरागॉन के अल्फोंसो पंचम के तहत डिजाइन और निष्पादित किए गए थे। कई मूर्तिकारों ने वास्तुकारों के रूप में भी काम किया, तब एक स्पष्ट रूप से परिभाषित पेशा या चित्रकार नहीं थे, और स्वर्णकार में पृष्ठभूमि वाले लोग अक्सर उस पेशे के अन्य हिस्सों को जारी रखते थे, आभूषण बनाते थे और बैंकर के रूप में काम करते थे। मूर्तिकार, यदि कलाकारों के परिवार से नहीं थे, जैसा कि कई थे, आमतौर पर मध्यम वर्ग की शहरी पृष्ठभूमि से आते थे। प्रशिक्षुता प्राप्त करने के लिए आमतौर पर भुगतान या पारिवारिक संबंध आवश्यक थे, विशेष रूप से एक सुनार के रूप में। लियोनार्डो दा विंची उन लोगों में से एक थे जो मूर्तिकला को चित्रकला की तुलना में कम सभ्य व्यवसाय मानते थे, क्योंकि यह "धूल भरी, गंदी और शारीरिक रूप से थका देने वाली" थी। लेकिन आर्थिक रूप से यह शायद आम तौर पर अधिक फायदेमंद था। टुकड़ों पर शायद आम तौर पर एक विकर्ण स्थिति में काम किया जाता था, जबकि मूर्तिकार बैठ जाता था, जैसा कि एंड्रिया पिसानो द्वारा उत्कीर्णन में दिखाया गया है। वह जिस छेनी का उपयोग कर रहा है, उसके अलावा, एक कम्पास, ड्रिल और एक किताब दिखाई गई है, और जिस टुकड़े पर वह काम कर रहा है वह शास्त्रीय शैली में एक नग्न मूर्ति है। महिला मूर्तिकार चित्रकारों की तुलना में भी, अभिलिखित महिला मूर्तिकार लुप्तप्राय रूप से दुर्लभ हैं, हालांकि शायद कई अभिलिखित हैं, विशेष रूप से मोम में मॉडलर। बोलोग्ना की प्रोपरज़िया डी 'रॉसी (सी. 1490-1530), "संगमरमर में पुनर्जागरण इटली की एकमात्र महिला मूर्तिकार", को महिला होने के लिए एक विलक्षण व्यक्ति माना जाता था, और उन्होंने वसारी लाइव्स में एक जीवनी प्राप्त की। महिला कलाकारों के लिए असामान्य रूप से, एक नोटरी की बेटी के रूप में कला में उनकी कोई स्पष्ट पारिवारिक पृष्ठभूमि नहीं थी। कहा जाता है कि वह स्वयं सिखाई गई थीं, फलों के पत्थरों पर अभ्यास करती थीं, लेकिन बाद में उन्होंने संगमरमर की मूर्तिकला में अपना पेशेवर करियर बनाया। मंटुआ की डायना स्कल्टोरी (1547-1612) को "सोलहवीं शताब्दी की एकमात्र महिला उत्कीर्णक के रूप में जाना जाता है जिन्होंने अपने प्रिंट पर हस्ताक्षर किए", लेकिन उन्होंने अपने पिता के साथ प्रशिक्षण लिया, जो एक प्रिंटमेकर और मूर्तिकार थे, और उन्होंने मूर्तिकला में काम किया होगा। गिल्ड अधिकांश शहरों में मूर्तिकारों को जिन संघों में शामिल होने की आवश्यकता होती थी, उन्हें अक्सर उपयोग की जाने वाली सामग्रियों द्वारा विभाजित किया जाता था, जो कभी-कभी कला के विकास में बाधा डालते थे। पत्थर की नक्काशी करने वाले, सुनार, अन्य धातुओं के मजदूर और लकड़ी की नक्काशी करने वाले अक्सर अलग-अलग संघों से संबंधित होते थे, हालांकि टेराकोटा में अक्सर एक संघ की कमी होती थी। फ्लोरेंस में संघ विशेष रूप से मजबूत और राजनीतिक रूप से शक्तिशाली थे, जबकि रोम, वेनिस और छोटे शहरों में वे ज्यादातर कमजोर थे। इस अवधि में उनका प्रभाव काफी कम हो गया। फ्लोरेंस में, पत्थर और लकड़ी के नक्काशियों ने आर्टे देई मैस्ट्री डी पिएत्रा ई लेग्नाम ("गिल्ड ऑफ मास्टर्स इन स्टोन एंड वुड", आर्टी मीडियान या मध्य श्रेणी के संघों में से एक) को साझा किया, और 16 वीं शताब्दी में अंततः चित्रकारों को उनके कम्पैग्निया डी सैन लुका में शामिल होने की अनुमति दी गई, जो 1572 तक एक संघ के बजाय सख्ती से एक संघ था। फ्लोरेंटाइन धातु श्रमिक आर्टे डेला सेटा, शक्तिशाली रेशम गिल्ड, आरती मैगियोरी या "प्रमुख गिल्ड" में से एक का हिस्सा थे। हालांकि शक्तिशाली, फ्लोरेंस में गिल्ड अन्य शहरों के "विदेशी" कलाकारों के कई छोटे शहरों की तुलना में अधिक स्वीकार्य थे, शायद इसलिए कि इतने सारे फ्लोरेंटाइन मास्टर खुद कहीं और काम करते थे। संरक्षक फ्लोरेंस के संघ भी बहुत महत्वपूर्ण संरक्षक थे, कम से कम 15 वीं शताब्दी के अंत तक, अक्सर चर्चों में नए काम के लिए भुगतान करते थे, जैसे कि फ्लोरेंस बैप्टिस्टरी दरवाजे, और कैथेड्रल का पोर्टा डेला मंडोरला (दोनों के लिए नीचे देखें)। निजी कमीशन भी अक्सर गिल्ड के सदस्यों के लिए होते थे; सबसे अमीर गिल्ड, बैंकरों () में कई मेडिसी और स्ट्रॉज़ी शामिल थे। बैंकरों के लिए, धार्मिक और नागरिक संस्थानों में उदार योगदान द्वारा सूदखोरी के पाप को दूर करना एक अतिरिक्त उद्देश्य था। इटली के कई राजतंत्रीय रियासतों में शासक मुख्य संरक्षक था, और वे अक्सर खुद को महिमामंडित करने के लिए भव्य रूप से खर्च करते थेः मिलान, रिमिनी, फेरारा, उरबिनो उदाहरण हैं, लेकिन 1531 में टस्कनी के ग्रैंड ड्यूक बनने के बाद कोई भी मेडिसी से मेल नहीं खाता था, और अपनी नई स्थिति को बढ़ावा देना चाहता था। 1376 में पोपों के एविग्नन कैद से लौटने के बाद, हमेशा पोप संरक्षण का एक निश्चित स्तर था, अगर केवल कब्रों के लिए, लेकिन यह व्यक्तिगत पोप के साथ काफी भिन्न था (जैसा कि राजकुमारों के मामले में भी था)। स्पेनिश बोर्जिया परिवार के दो लोगों को छोड़कर (न तो मूर्तिकला के महान संरक्षक), 1431 से 1503 तक के पोप उत्तरी इतालवी परिवारों से आए थे, और इसमें कोई संदेह नहीं है कि वे समकालीन मूर्तिकला के आदी थे। 1450 के जुलाई वर्ष ने रोम में शहरी नवीकरण का एक कार्यक्रम शुरू किया, जिसमें चर्चों के नवीनीकरण या पुनर्स्थापना का उपयोग करना शामिल था, जिसमें उनकी मूर्तिकला भी शामिल थी, "बीज-बिस्तर के रूप में जिसके चारों ओर शहर के पूरे क्वार्टर का पुनर्निर्माण विकसित हो सकता था।" 16वीं शताब्दी में पोप जूलियस द्वितीय, लियो एक्स और क्लेमेंट VII के तहत उनके महलों और मकबरों के लिए पोप की मूर्तिकला में काफी वृद्धि हुई, जिनमें से अंतिम दो मेडिसिस थे। जैसे-जैसे प्रति-सुधार विकसित हुआ, पोप का संरक्षण अधिक परिवर्तनशील हो गया। कार्डिनल अक्सर भव्य संरक्षक होते थे, ज्यादातर रोम और उसके आसपास। पुनर्जागरण के दौरान अभिजात वर्ग के कम सदस्यों, कुलीनों, देशभक्तों और अमीर बैंकरों और नवीनतम शैलियों में कला के लिए व्यापारियों का स्वाद और जेब विकसित हुआ, और सामाजिक पैमाने पर और भी नीचे फैल गया। 1500 के आसपास, कंधे के बस्ट (नीचे देखें) कभी-कभी "टेराकोटा से बने सस्ते स्मारक होते थे जो एक मौत के मुखौटे के कास्ट से बने होते थे जो कठोर रूप से छाती और कंधों को जोड़ते थे।" शैली का विकास 1400 तक विशेष रूप से 15वीं शताब्दी में, नक्काशी, गोल में मूर्तिकला के विपरीत, बाद की तुलना में बढ़िया मूर्तिकला का बहुत बड़ा अनुपात था। इसलिए आधुनिक दर्शक इस रूप के लिए अपेक्षाकृत अप्रयुक्त हैं, और उन्हें अनदेखा करने के लिए इच्छुक हैं। जब तक 1506 में रोम के केंद्र में लाओकोन समूह को खोदा नहीं गया था, तब तक ज्ञात रोमन मूर्तियों में सबसे नाटकीय और एथलेटिक मुद्राएँ स्वर्गीय रोमन सरकोफेगी पर भीड़ वाली नक्काशी थीं, जबकि ज्ञात मूर्तियाँ लगभग सभी गरिमापूर्ण लेकिन स्थिर खड़े चित्र थे। निकोला पिसानो (सक्रिय सी, 1240 से 1278 तक) प्रमुख मूर्तिकार थे जिन्हें इरविन पानोफ्स्की ने "क्लासिकाइजिंग प्रोटो-पुनर्जागरण" कहा था। उनके प्रमुख कार्य नक्काशी के सेट थे, विशेष रूप से पीसा (दिनांक 1260) और सिएना कैथेड्रल में बपतिस्मा के बड़े उठाए गए पुलपिट पर। उनकी एक बड़ी कार्यशाला थी, जिसमें उनके बेटे जियोवानी पिसानो भी शामिल थे, और पेरूगिया में ग्रेट फाउंटेन (1277-1278) पर कई मूर्तियां शायद निकोला द्वारा डिजाइन की गई थीं, लेकिन ज्यादातर उनके द्वारा नक्काशी की गई थी। उनके बड़े पैनल भीड़-भाड़ वाले दृश्य दिखाते हैं, कभी-कभी एक ही रचना में दृश्यों का संयोजन करते हैं, उदाहरण के लिए पीसा बपतिस्मा में मसीह की घोषणा और जन्म; इस अवधि के अधिकांश चित्रणों में अलग-अलग डिब्बों में दो दृश्य दिखाए गए होंगे। इटली के सुदूर दक्षिण में अपने मूल अपुलिया में पिसानो की युवावस्था तब बीत गई जब पवित्र रोमन सम्राट फ्रेडरिक द्वितीय ने शासन किया और ज्यादातर वहाँ रहते थे, जिससे कला में रोमन पुनरुत्थान को बढ़ावा मिला। पिसानो स्पष्ट रूप से प्राचीन रोमन सरकोफैगी के अध्ययन से प्रभावित है। निकोला के बेटे जियोवानी पिसानो ने 1280 के दशक में अपने पिता की कार्यशाला को संभाला, और अपने पिता की तुलना में गोथिक शैली के प्रति अधिक ग्रहणशील थे। अगली शताब्दी में गोथिक और शास्त्रीय प्रभाव कई बड़े कार्यों में एक साथ पाए गए, कभी-कभी विवाद में। 1380 के दशक तक, इटली के कई हिस्सों में "एक जोरदार आंदोलन" उभर रहा था जिसने अगली शताब्दी की शैलियों के लिए आधार तैयार किया। लेकिन 1390 के दशक में भी अंतर्राष्ट्रीय गोथिक शैली में "गोथिक लहर के टस्कनी में अपोगी की शुरुआत हुई"; फ्लोरेंस कैथेड्रल का बड़ा "पोर्टा डेला मंडोरला", आर्टे डेला लाना या ऊन बुनकरों के संघ द्वारा प्रायोजित, जिसमें कई मूर्तिकारों ने योगदान दिया, इस जटिल तस्वीर को प्रदर्शित करता है। 1400 फ्लोरेंस बैप्टिस्टरी के दरवाजों से 1400-1401 की सर्दियों में आर्टे डी कलीमाला या कपड़ा व्यापारी संघ ने घोषणा की कि फ्लोरेंस बैप्टिस्टरी (अब उत्तर की ओर स्थानांतरित) के पूर्व की ओर कांस्य दरवाजों की एक नई जोड़ी के लिए डिजाइन के लिए एक प्रतियोगिता होगी, जिसके लिए वे भुगतान कर रहे थे। समय में एक कारक कैथेड्रल की मूर्तिकला पर की जा रही प्रगति हो सकती है, जिसके लिए एक प्रतिद्वंद्वी गिल्ड द्वारा भुगतान किया गया था। प्रतियोगिता होना असामान्य था, लेकिन आयोग एक अत्यंत प्रमुख था। कई अनुप्रयोगों से, सात मूर्तिकारों की एक छोटी सूची चुनी गई, सभी टस्कन लेकिन सभी फ्लोरेंटाइन नहीं। दरवाजों में कांस्य में 28 आलंकारिक पैनलों का एक विशिष्ट प्रारूप होना था, प्रत्येक दरवाजे पर दो स्तंभों में सात पंक्तियाँ। शॉर्टलिस्ट को एक क्वाटरफॉइल फ्रेम के भीतर एक राहत पैनल के लिए मॉडल प्रदान करने के लिए कहा गया था, जो एंड्रिया पिसानो (1329 से शुरू) द्वारा मौजूदा दक्षिण दरवाजों से मेल खाता था। विषय था इसाक का बलिदान (वास्तव में कभी उपयोग नहीं किया गया, क्योंकि कार्यक्रम को केवल नए नियम के विषयों को दिखाने के लिए बदल दिया गया था)। 34, अधिकांश कलाकारों का एक निर्णायक मंडल था। बहुत अप्रत्याशित रूप से, विजेता लोरेंजो गिबर्टी घोषित किया गया था, जो तब केवल 22 वर्ष का था। परीक्षण राहतों में से दो बच गए, गिबर्टी और उपविजेता, फिलिपो ब्रुनेलेस्की द्वारा, जो भी अपने शुरुआती 20 के दशक में थे। जूरी ने उनके बीच निर्णय लेना बहुत मुश्किल पाया, और प्रस्ताव दिया कि दोनों सहयोग करें, लेकिन ब्रुनेलेस्की ने मना कर दिया, और इस हार के बाद तेजी से वास्तुकला की ओर रुख किया। निर्णय तीखा था, और विवाद कई वर्षों तक बुरी भावना पैदा करता रहा। दोनों रचनाओं ने नवीनतम फ्लोरेंटाइन शैलियों, प्राचीन मूर्तिकला और उत्तरी अंतर्राष्ट्रीय गोथिक के बारे में जागरूकता को प्रतिबिंबित किया; चुनाव किसी भी तरह से नई और पुरानी शैलियों के बीच नहीं था। गिबर्टी की आकृतियाँ परिदृश्य पृष्ठभूमि के साथ अधिक प्रभावी ढंग से एकीकृत हैं। गिबर्टी में ब्रुनेलेस्की की "कठोर, स्थिर व्याख्या" की तुलना में "मनोदशा कहीं अधिक कोमल है"। गिबर्टी की इसाक एक आदर्श नग्न थी, जिसमें "अकथनीय विनाश के सामने एक मर्मस्पर्शी मूक और बच्चे जैसी वीरता का सुझाव" था, जिसे "पहली सही मायने में पुनर्जागरण नग्न आकृति के रूप में भी वर्णित किया गया है; इसमें प्रकृतिवाद और शास्त्रीयता को एक नई दृष्टि से मिश्रित और उदात्त किया गया है कि एक इंसान क्या हो सकता है"। गिबर्टी को एक फाउंड्री स्थापित करनी पड़ी और अपनी कार्यशाला का विस्तार करना पड़ा, जिसमें डोनाटेलो, माइकलोज़ो, पाओलो उसेलो और मासोलिनो सहित लगभग 25 लोग शामिल थे। पहले दरवाजे 1424 तक लटकाए नहीं गए थे, और अगले वर्ष गिल्ड ने उनसे एक और सेट, तथाकथित "स्वर्ग के द्वार" (माइकल एंजेलो की एक टिप्पणी के बाद) शुरू किया। इस बार कोई प्रतिस्पर्धा नहीं थी, लेकिन काम शुरू होने से पहले कुछ वर्षों का अंतराल था; सभी मुख्य कास्टिंग 1436 में की गई थी, लेकिन वे 1452 तक पूरी नहीं हुई थीं। इस बार केवल दस, बड़े, मुख्य पैनल हैं, प्रत्येक दरवाजे पर पाँच ऊँचे हैं। वे वर्गाकार होते हैं, और आंशिक रूप से सोने के बजाय पूरी तरह से सुनहरे रंग के होते हैं। आंकड़े बड़े नहीं हैं, लेकिन परिप्रेक्ष्य परिदृश्य या शहर के दृश्यों में सेट किए गए हैं। दर्शकों की नज़र को सबसे महत्वपूर्ण तत्वों पर केंद्रित करने के लिए राहत के विभिन्न स्तरों का एक कुशल तरीके से उपयोग किया जाता है। डोनाटेलो डोनाटेल्लो, "15वीं शताब्दी के सबसे प्रभावशाली व्यक्तिगत कलाकार", को लगभग 1408 में महत्वपूर्ण कमीशन मिलना शुरू हुआ, ज्यादातर संगमरमर में, और 1411 तक उनके सेंट मार्क को ऑर्सनमिचेले के लिए नियुक्त किया गया था। अगली आधी शताब्दी के लिए वह इटली में सबसे महत्वपूर्ण और आविष्कारशील मूर्तिकार थे, जिससे पुनर्जागरण शैली को परिपक्वता मिली। उनका काम हमेशा भावनाओं का अत्यधिक अभिव्यंजक था, विभिन्न प्रकार की विभिन्न मनोदशाओं में, और उनके अंतिम वर्षों में यह अक्सर अधिक तीव्र मोड़ लेता है। उन्होंने बहुत उथली और नाजुक राहत की एक शैली विकसित की, जिसे स्टियाकियाटो कहा जाता है, जबकि मूर्तियों में भी उत्कृष्टता प्राप्त की, जिसमें चुनौतीपूर्ण पहला कांस्य घुड़सवार (ऊपर देखें) शामिल है। उनकी दूसरी, कांस्य, डेविड उस अवधि की सबसे प्रसिद्ध मूर्तियों में से एक है, और पुनर्जागरण की पहली स्वतंत्र रूप से खड़ी नग्न मूर्ति है। डेविड, बाइबिल का विशालकाय-हत्यारा, फ्लोरेंस का प्रतीक था, और वेरोक्कियो द्वारा एक कांस्य 1470 के दशक में एक और मेडिसी कमीशन था, जिसके बाद अगली शताब्दी की शुरुआत में माइकल एंजेलो की प्रसिद्ध संगमरमर की मूर्ति थी। डोनाटेल्लो ने रोम में विस्तारित अवधि बिताई, अपनी युवावस्था में फिलिप्पो ब्रुनेलेस्की के साथ और बाद में 1430-33 में अपने तत्कालीन साथी माइकलोज़ो के साथ; दोनों अब वास्तुकारों के रूप में बेहतर जाने जाते हैं। इससे शास्त्रीय शैली के बारे में उनकी समझ गहरी हुई। 1443 में वह अपने घुड़सवार गट्टामेलाता (ऊपर देखें) के लिए फ्लोरेंस से पादुआ के लिए रवाना हुए, जहाँ उन्होंने कांस्य-कास्टिंग परंपरा की स्थापना की। वह दस साल दूर थे, जिसके दौरान उनकी कठोर अंतिम शैली विकसित होने लगी। लगभग 1430 से 1480 के दशक तक घिबर्टी, डोनाटेलो और अन्य लोगों द्वारा स्थापित शैली के व्यक्तिगत बदलावों में काम करने वाले महत्वपूर्ण मूर्तिकारों की एक उल्लेखनीय संख्या थी। चार्ल्स एवरी ने "मध्य शताब्दी की दो अलग-अलग मूर्तिकला विधियों, गिबर्टी की 'मीठी-शैली' और डोनाटेलो की क्रूर अभिव्यक्तिवाद" के रूप में वर्णित किया है, यह देखते हुए कि वेरोच्चियो दोनों को "मिश्रित करने में सक्षम" था। लुका डेला रॉबिया का पहला प्रलेखित काम बच्चों की नक्काशी के साथ फ्लोरेंस कैथेड्रल (1431-38) में एक गायन गैलरी या कैंटरिया है। डोनाटेल्लो के रोम से लौटने के बाद, उन्हें एक मैचिंग (1433-40) करने के लिए नियुक्त किया गया था। रोबर्टा ओल्सन के अनुसार, "जबकि लुका की पूर्ण रूप से मीठी, परिष्कृत आकृतियाँ एक आदर्श मनोदशा बनाती हैं, डोनाटेलो की स्वतंत्र रूप से अभिव्यंजक पुट्टी रिबाल्ड होती हैं। वे भद्दे अपरंपरागत स्वर्गदूत हैं। इसके विपरीत, लुका की संयमित आकृतियाँ वास्तविक बच्चों के चित्र हो सकते हैं। प्राचीनता के प्रति उनके संकेत गुप्त हैं जबकि डोनाटेलो के संकेत स्पष्ट हैं। 1443 से 1453 तक पादुआ में डोनाटेलो की अनुपस्थिति के साथ, अगले 25 वर्षों तक फ्लोरेंटाइन मूर्तिकला पर 'मीठी शैली' का प्रभुत्व रहा, जिसमें पुराने लुका डेला रॉबिया, भाई बर्नार्डो और एंटोनियो रोसेलिनो बाद में एंड्रिया डेल वेरोच्चियो के साथ प्रमुख हस्तियों के रूप में शामिल हुए। पहले से उल्लिखित लोगों के अलावा, डेसिडेरियो दा सेटिग्नानो (मृत्यु 1464, अपने तीस के दशक के मध्य में) को आम तौर पर कम जाना जाता है, क्योंकि उनकी मृत्यु बहुत कम उम्र में हुई थी, और उनकी कई कृतियाँ अपेक्षाकृत छोटी धार्मिक नक्काशी हैं, जो "स्वादिष्टता" और "चरम सूक्ष्मता" द्वारा चिह्नित हैं। उन्होंने बच्चों के कई चित्र भी बनाए। एक छात्र शायद संगमरमर के मैडोना का अज्ञात गुरु था जो अगली पीढ़ी में अपनी शैली में जारी रहा। रिमिनी में टेम्पियो मालाटेस्टियानो को उस समय के प्रमुख कला सिद्धांतकार लियोन बतिस्ता अल्बर्टी द्वारा शहर के शासक सिगिस्मोंडो मालाटेस्टा के लिए डिजाइन किया गया था, जो पोप द्वारा सार्वजनिक रूप से नरक में भेजे गए एकमात्र जीवित व्यक्ति बनने से पहले पोप सेना के कमांडर भी थे (1460 में)। यह कभी भी योजना के अनुसार पूरा नहीं हुआ था, लेकिन वास्तुकला की दृष्टि से बेहद महत्वपूर्ण बना हुआ है, साथ ही साथ आंतरिक भाग में 1449 तक "किसी भी पुनर्जागरण भवन की सबसे समृद्ध मूर्तिकला सजावट" है, जब पहली मूर्तिकला जोड़ी गई थी। कई सतहों पर ऊर्ध्वाधर या क्षैतिज रूप से चलने वाली पट्टियों में, अंदर और बाहर दोनों तरफ, मूर्तिकला काफी कम राहत में है। यह विषय कभी-कभी नवीन था, जिसमें चापेल को अब "प्लेइंग चिल्ड्रन", "द प्लैनेट्स" और "आर्ट्स एंड साइंसेज" के नाम से जाना जाता है। जिम्मेदार मुख्य कार्यशाला एगोस्टिनो डी ड्यूकियो की थी; एक अन्य ने काम साझा किया होगा, शायद माटेओ डी 'पास्टी का। 1490 के दशक का संकट 15वीं शताब्दी के अंत में मूर्तिकला में कुछ संकट देखा गया, विशेष रूप से फ्लोरेंस में। लगभग 1485 के बाद, बड़े कमीशन के पारंपरिक स्रोत सूख रहे थे। मूर्तिकला परियोजनाएं छोटी हो गईं, जिनका भुगतान अक्सर एकल व्यक्तियों द्वारा किया जाता था, सबसे बढ़कर मेडिसी। 1494 में इटली पर फ्रांसीसी आक्रमण ने इटली को अस्थिर कर दिया और युद्धों की एक श्रृंखला शुरू की जिसके कारण 1559 तक स्पेनिश और ऑस्ट्रियाई हैब्सबर्ग देश पर हावी हो गए। मेडिसी को 1494 में फ्लोरेंस से निष्कासित कर दिया गया था, बाद में लौटने के लिए, और लुडोविको ड्यूक ऑफ मिलान भी 1499 में गिर गया। माइकल एंजेलो सहित कई कलाकार लड़ाई से बचने के लिए चले गए, जिन्होंने बोलोग्ना में एक साल बिताया। लियोनार्डो की स्फोर्ज़ा हॉर्स इन वर्षों में छोड़ी गई बड़ी परियोजनाओं में से केवल एक थी। एगोस्टिनो बुस्टी द्वारा फ्रांसीसी जनरल गैस्टन ऑफ फोइक्स, ड्यूक ऑफ नेमर्स (डी. 1512) का महत्वाकांक्षी और शैलीगत रूप से उन्नत मकबरा तब छोड़ दिया गया था जब फ्रांसीसी को मिलान से निष्कासित कर दिया गया था। पूरी की गई आकृतियाँ और कुछ नक्काशी मिलान में हैं, और ट्यूरिन में अन्य नक्काशी, लंदन में इच्छित डिजाइन और अधिकांश हिस्सों के कास्ट के चित्र के साथ हैं। 16वीं शताब्दी के माइकल एंजेलो ने 1490 के दशक में माइकल एंजेलो का एक असाधारण प्रतिभा के रूप में उदय देखा, जो 1498 में शुरू हुए उनके पिएटा में समाप्त हुआ। अगली शताब्दी की शुरुआत में, उन्होंने अपना डेविड शुरू किया। इसने "पूरे इटली में और उससे भी आगे माइकल एंजेलो की प्रतिष्ठा स्थापित की", और उनकी सबसे प्रसिद्ध मूर्तिकला बनी हुई है। इसके बाद, बड़े कार्यों के मूर्तिकारों को माइकल एंजेलो की आकृतियों की विशाल शक्ति पर प्रतिक्रिया करनी पड़ी। 1504 में माइकल एंजेलो को कैसिना की लड़ाई (कभी पूरा नहीं हुआ) के लिए विशाल चित्रकला आयोगों में से पहला प्राप्त हुआ, जो उन्हें अपने अधिकांश करियर के लिए मूर्तिकला से दूर ले जाने वाले थे, और कई मूर्तिकला परियोजनाओं को अधूरा छोड़ देते थे। लेकिन यह एक आम अगर "गलत सिद्धांत" है कि यह एक जानबूझकर प्राथमिकता थी; इसके बजाय यह उनके पूर्णतावाद, सहायकों को सौंपने से इनकार, और उनके शक्तिशाली संरक्षकों द्वारा कई मांगों का सामना करने में असमर्थता के कारण हुआ था। 1511 में बोलोग्ना के लिए पोप जूलियस द्वितीय की एक बड़ी कांस्य प्रतिमा को भी शहर द्वारा नष्ट कर दिया गया था। माइकल एंजेलो की मूर्तियों को तराशने की अनूठी तकनीक शुरू में ब्लॉक के केवल एक चेहरे में नक्काशी करना था, बजाय इसके कि एक सहायक को सभी तरफ से आकृति के खुरदरे आयामों तक पहुँचाया जाए, जैसा कि अन्य मूर्तिकारों ने किया था। जैसे-जैसे वह आगे बढ़ता गया और साइड व्यू उभरने लगे, वह ब्लॉक के किनारों पर नक्काशी करना शुरू कर देता। इस तकनीक ने उन्हें उन सभी भागों के "निरंतर परिवर्तन और आकृति के संशोधन, और यहां तक कि स्थितियों के लिए गुंजाइश" दी, जो अभी तक नहीं पहुंचे हैं। लेकिन इसके लिए पूरी नक्काशी प्रक्रिया में उनकी पूरी एकाग्रता की आवश्यकता थी, और पॉलिशिंग जैसे अंतिम चरणों को छोड़कर सहायकों के उपयोग को प्रभावी ढंग से खारिज कर दिया। उनकी कई अधूरी मूर्तियां तकनीक का प्रदर्शन करती हैं, लेकिन यह भी दर्शाती हैं कि उन पर तकनीक की अत्यधिक मांग है। माइकल एंजेलो को पहली बार पोप द्वारा 1505 में पोप जूलियस द्वितीय का मकबरा बनाने के लिए कहा गया था, और कई महीनों में संगमरमर चुनने के बारे में निर्धारित किया गया था। लेकिन 1508 से 1512 तक उन्हें सिस्टिन चैपल की छत को चित्रित करने में लगा दिया गया। मूल रूप से मकबरे की योजना कई आकृतियों के साथ एक स्वतंत्र रूप से खड़ी पिरामिड संरचना के रूप में बनाई गई थी, लेकिन 1513 में पोप की मृत्यु के बाद, एक नए अनुबंध पर हस्ताक्षर किए गए थे जिसमें निर्दिष्ट किया गया था कि यह एक दीवार के खिलाफ खड़ा है। काम 1545 तक "आकस्मिक रूप से" जारी रहा, जब "मूल योजना का वह दयनीय टुकड़ा जो हमारे पास है", मूसा और उनके द्वारा बनाई गई दो अन्य मूर्तियों के साथ, विन्सोली के सैन पिएत्रो में स्थापित किया गया था, क्योंकि सेंट पीटर एक निर्माण स्थल था। अन्य टुकड़े कहीं और हैं, जिनमें से अधिकांश अधूरे हैं। युवा पुरुष नग्न विजय, एक घुमावदार फिगुरा सर्पिनाटा के साथ, जिसे उन्होंने फ्लोरेंस में अपने स्टूडियो में छोड़ दिया था, वहां के युवा मूर्तिकारों पर बहुत प्रभावशाली था। इसके विपरीत, उनके चार "अधूरे दास", जो अब लौवर में हैं, के साथ "संभवतः अतिरंजित सम्मान के साथ व्यवहार नहीं किया गया था जिसमें उन्हें अब रखा गया है", लेकिन उन्हें बोबोली उद्यान में ग्रोटो में रखा गया था। उनके मेडिसी चैपल की योजना पहली बार 1520 में बनाई गई थी, जिसका कुछ हद तक समान इतिहास था, लेकिन जो अंततः (1545 में ट्रिबोलो द्वारा) स्थापित किया गया था, वह "दुनिया में मूर्तिकला के सबसे प्रसिद्ध परिसरों में से एक" को कहीं अधिक संतोषजनक बनाता है। शैलीवादी और देर से पुनर्जागरण मूर्तिकला बैकियो बैंडिनेली, जो वासरी के अनुसार थोड़े बड़े माइकल एंजेलो और थोड़े छोटे सेलिनी दोनों के साथ प्रतिद्वंद्विता से ग्रस्त थे, को पियाज़ा डेला सिग्नोरिया में हरक्यूलिस और कैकस के लिए बहुत राजनीतिक कमीशन दिया गया था, जिसमें मूल रूप से माइकल एंजेलो को सौंपे गए संगमरमर के एक खंड का उपयोग किया गया था। उस समय और बाद में इसे माइकल एंजेलो का अनुकरण करने के एक असफल प्रयास के रूप में देखा गया है; सेलिनी ने नायक के शरीर को "खरबूजों की बोरी" जैसा बताया, और शत्रुतापूर्ण छंदों के लेखकों को कैद कर लिया गया। फिर भी, रोम में माइकल एंजेलो की अनुपस्थिति में मेडिसी उनके साथ रहे, और (माइकल एंजेलो की तरह) कार्यों को पूरा करने का खराब रिकॉर्ड होने के बावजूद, उन्हें कई दशकों तक फ्लोरेंस में अधिकांश प्रमुख कमीशन प्राप्त हुए। फ्लोरेंटाइन मूर्तिकार जिन्होंने माइकल एंजेलो और मेनरवाद के प्रभावों को मिलाने की कोशिश की, उनमें निकोलो ट्रिबोलो और उनके शिष्य पियेरिनो दा विंची (लियोनार्डो के भतीजे) शामिल थे। ट्रिबोलो का करियर शहर की जल आपूर्ति और अन्य इंजीनियरिंग कार्यों के प्रबंधन में बदल गया, और बाद में उनके कुछ बेहतरीन काम मेडिसी उद्यानों के लिए फव्वारे हैं। पियेरिनो बेहद प्रतिभाशाली थे, लेकिन 24 साल की उम्र में उनका निधन हो गया। मूर्तियों के साथ-साथ, उन्होंने एक बहुत ही प्रभावी मैननेरिस्ट राहत शैली विकसित की, कुछ ऐसा जो सेलिनी से बच गया था, और जिसमें उनका कोई उत्तराधिकारी नहीं था। बेनवेन्युटो सेलिनी ने फ्लोरेंस में एक सुनार के रूप में प्रशिक्षित किया और ज्यादातर धातु में काम किया, हालांकि उन्होंने संगमरमर को तराशना बहुत अच्छी तरह से सीखा। उनकी आत्मकथा (जो केवल 18वीं शताब्दी में मिली थी) के कारण हम उनके बारे में उस अवधि के किसी भी अन्य मूर्तिकार की तुलना में अधिक जानते हैं। उनकी निस्संदेह उत्कृष्ट कृति मेडुसा के प्रमुख के साथ पर्सियस, 1545-1554 है, जो शायद हमेशा लॉगगिया देई लांज़ी में अपनी वर्तमान प्रमुख स्थिति के लिए अभिप्रेत है। इसमें "सुरुचिपूर्ण, सहज संतुलन है जो शैलीवादी कला की पहचान थी।" बार्टोलोमियो अम्मानती एक प्रतिभाशाली मूर्तिकार थे, जिन्हें उनके सबसे प्रमुख काम, नेप्च्यून के फव्वारे, फ्लोरेंस के केंद्रीय व्यक्ति द्वारा सबसे अच्छा प्रतिनिधित्व नहीं किया गया था, जहां उन्होंने एक प्रतियोगिता के बाद, बैंडिनेली द्वारा शुरू किए गए एक ब्लॉक को संभाला था। बाद के जीवन में, प्रति-सुधार के प्रभाव में, उन्होंने सार्वजनिक मूर्तिकला में नग्नता के खिलाफ रुख किया और काम करना बंद कर दिया। विन्सेन्ज़ो दांती, जिन्होंने नेप्च्यून प्रतियोगिता में भी प्रवेश किया, ने पाया कि वे फ्लोरेंस में जिआम्बोलोग्ना के साथ प्रतिस्पर्धा नहीं कर सकते थे, और शहर के वास्तुकार और नई अकादमी में प्रोफेसर के रूप में अपने मूल पेरुगिया लौट आए। फ्लोरेंटाइन जैकोपो सैन्सोविनो शुरू में एक मूर्तिकार थे। वे रोम में काम कर रहे थे, लेकिन 1528 में लूट के बाद वे वेनिस के लिए रवाना हो गए, जहाँ वे बने रहे। उन्हें मुख्य रूप से उस अवधि के सबसे महत्वपूर्ण वास्तुकार के रूप में याद किया जाता है, और यह स्पष्ट नहीं है कि उन्होंने अपनी इमारतों पर कितनी मूर्तिकला को खुद निष्पादित किया था। उन्होंने एलेसेंड्रो विट्टोरिया के साथ निकटता से काम किया, जिन्हें सबसे महत्वपूर्ण विनीशियन मूर्तिकार माना जाता है। उनके बल्कि गंभीर चित्र बस्ट वेनिस के स्वाद के अनुकूल थे। जिआम्बोलोग्ना, जो डुआई, फ़्लैंडर्स (अब फ़्रांस में) में घर पर जीन डी बोलोग्ने के नाम से जानी जाती है, ने एक स्थानीय मूर्तिकार के साथ प्रशिक्षण लिया जो इटली गया था। 21 साल की उम्र में उन्होंने रोम में दो साल बिताए, और 1557 में उत्तर की ओर लौटने पर उन्हें फ्लोरेंस में एक संरक्षक मिला, जिसने उन्हें दरबार में पेश किया। 1560 में फ्लोरेंस नेप्च्यून प्रतियोगिता के लिए उनका प्रवेश सफल नहीं रहा, लेकिन संभवतः बोलोग्ना के अधिकारियों ने उन्हें नेप्च्यून, बोलोग्ना के फाउंटेन को करने के लिए आमंत्रित किया। 1566 में पूरा हुआ, यह उनका अब तक का सबसे बड़ा कमीशन था। 1565 में मेडिसी की शादी के लिए अस्थायी सजावट करने के लिए उन्हें बोलोग्ना से कुछ समय के लिए वापस बुलाया गया था। उन्होंने पीसा पर विजय प्राप्त करते हुए फ्लोरेंस के गेसो (प्लास्टर) में एक पूर्ण आकार का मॉडल बनाया, जिसे शादी में प्रदर्शित किया गया था। संगमरमर का संस्करण बाद में किया गया था, शायद एक सहायक द्वारा। यह काम "एक कार्य समूह में दो हस्तियों को एकजुट करने की समस्या" में उनकी रुचि का परिचय देता है, जो बाद के कई कार्यों में जारी है। जैसे-जैसे उनका करियर विकसित हुआ, वे एक बड़ी कार्यशाला के एक सक्षम प्रबंधक और आयोगों के एक कुशल प्रबंधक साबित हुए, जिससे उनके बड़े उत्पादन की अनुमति मिली, ज्यादातर कांस्य में। उन्होंने हमेशा मॉडेली से काम किया जिसे उनकी कार्यशाला अक्सर विभिन्न आकारों में दोहराती थी। उनकी सुरुचिपूर्ण घुमावदार आकृतियाँ उनके संगमरमर के रेप ऑफ़ द सबाइन (1579-85, एक मित्र के सुझाव से, काम समाप्त होने के बाद उन्होंने एक शीर्षक अपनाया) में चरमोत्कर्ष पर हैं, जिसे किसी भी कोण से देखने के लिए समान रूप से संतोषजनक बनाया गया है, जैसा कि उनका पहला बुध था, एक पैर पर संतुलित (चार संस्करण हैं)। उनकी कई बड़ी मूर्तियाँ मूल रूप से बगीचों के लिए थीं, अक्सर एक फव्वारे के केंद्र के रूप में। विशाल एपेनाइन कोलोसस (1580) विला डी प्राटोलिनो के बगीचों में है, जो मूर्तिकला, ग्रोटोस और ऑटोमेटा से भरा एक क्लासिक मैननेरिस्ट उद्यान है, जिसमें आगंतुकों पर पानी फेंकना भी शामिल है। आंशिक रूप से एक चट्टान के चेहरे में नक्काशीदार, यह एक संग्रहालय में जाने के लिए बहुत बड़ा है, इसलिए जगह पर बना हुआ है। अन्य कलाकारों द्वारा, बोमारज़ो मॉन्स्टर्स, ज्यादातर चट्टान की प्राकृतिक नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार नक्काशीदार विदेशों में इटालियंस इस अवधि के अंत तक प्रजनन प्रिंट उद्योग ने पूरे यूरोप में इतालवी कार्यों की प्रिंट छवियों को वितरित किया; पुरावशेष और चित्र सबसे लोकप्रिय विषय थे, लेकिन कई पुनर्जागरण मूर्तियों की नकल की गई थी। लेकिन लगभग 1530 से पहले इतालवी पुनर्जागरण कला के लिए विदेशियों का मुख्य प्रदर्शन इतालवी कलाकारों या विदेशों में काम करने वालों या इटली में विदेशी आगंतुकों की शारीरिक गतिविधियों से था। कई विदेशी कलाकार, विशेष रूप से नीदरलैंड के कलाकार, आमतौर पर अपने करियर की शुरुआत में इटली की लंबी यात्राएं करते थे, और जो कुछ उन्होंने सीखा था उसे अपने मूल देशों में वापस ले जाते थे। उदाहरण के लिए, माना जाता है कि जिआम्बोलोग्ना के शिक्षक जैक्स डू ब्रोएक ने इटली में लगभग पाँच साल बिताए थे, और एक बार एंटवर्प में एक इतालवी शैली को अपनाया था। 1550 के बाद हैब्सबर्ग के तहत अधिकांश यूरोप के समेकन ने कलाकारों, या उनके चित्रों, प्रिंटों और पट्टिकाओं के साथ "सजावटी शैली की एक उल्लेखनीय अंतर्राष्ट्रीयता" को जन्म दिया, जो यूरोप के चारों ओर डिजाइन फैलाते थे, जिसमें इटली मूल का सामान्य बिंदु था। इटालियंस द्वारा विदेशों में काम करने की अवधि अक्सर देश की भविष्य की मूर्तिकला पर निर्णायक प्रभाव डालती थी, जो स्थानीय कलाकारों के लिए मॉडल प्रदान करती थी; यह विशेष रूप से फ्रांस में मामला था। हालाँकि 1494 में शुरू हुए इतालवी युद्ध इटली के लिए एक आपदा थे, लेकिन उनके परिणामस्वरूप "यूरोप पर इतालवी सांस्कृतिक प्रभुत्व था. जिसने इटली के राजनीतिक और सैन्य अधीनता के लिए कलात्मक रूप से क्षतिपूर्ति की।" अवधि के अंत तक पर्यटन, इतालवी कला में रुचि के नेतृत्व में, पहले से ही आर्थिक रूप से महत्वपूर्ण हो रहा था, विशेष रूप से फ्लोरेंस, वेनिस और रोम के लिए। पदक और छोटे कांस्य जैसी पोर्टेबल वस्तुएं शेष यूरोप तक पहुंचीं और स्थानीय नकलों को प्रेरित किया। इस अवधि के अंत में जिआम्बोलोग्ना के छोटे कांस्य और उनकी कार्यशाला (और उनके अनुकरण करने वाले) बड़े पैमाने पर निर्यात के लिए एक छोटा उद्योग थे। 16वीं शताब्दी के बाद के प्रमुख मूर्तिकार के रूप में स्वयं गियामबोलोग्ना को विदेशी दरबारों में काम करने के लिए कई निमंत्रण प्राप्त हुए, जिन्हें मेडिसी ग्रैंड ड्यूक्स ने उन्हें स्वीकार करने की अनुमति नहीं दी। प्रमुख कलाकार कभी-कभी विदेशी निमंत्रण स्वीकार करने से सावधान रहते थे, विशेष रूप से हैब्सबर्ग से, क्योंकि उन्हें आमतौर पर फिर से जाने के लिए शासक की सहमति की आवश्यकता होती थी। टोरिगियानो और लारियाना के इटली के बाहर काम करने की विस्तारित अवधि का उल्लेख ऊपर किया गया है। अन्य प्रवासियों की तरह, जब वे विदेश में होते थे, तो वे ज्यादातर उन्नत स्वाद के साथ दरबारी मंडलियों के लिए काम करते थे। ट्यूडर दरबार के कलाकार ज्यादातर नीदरलैंड के थे, हालांकि पहले अंग्रेजी पदक विजेता स्टीवन वैन हर्विजक जैसे कुछ कलाकारों ने इटली में काम किया था। कुछ इतालवी मूर्तिकारों में टोरिगियानो और शायद टेराकोटा विशेषज्ञ गुइडो माज़ोनी शामिल थे, जिन्होंने निश्चित रूप से 1495 के बाद कुछ साल फ्रांस में बिताए। अंग्रेजी सुधार के बाद आगंतुक लगभग सभी चित्र-चित्रकार थे, लेकिन इंग्लैंड की मैरी प्रथम के शासनकाल के दौरान हैब्सबर्ग के पदक विजेता और जौहरी जैकोपो दा ट्रेज़ो ने दौरा किया। द फर्स्ट स्कूल ऑफ फोंटेनब्लू चित्रकार के नेतृत्व में इटली के लोगों का एक समूह था जिसे राजा फ्रांस्वा प्रथम द्वारा फ्रांस आने के लिए आमंत्रित किया गया था, जहाँ उन्होंने 1530 के दशक में जंगल में एक आभासी कलाकारों की कॉलोनी बनाते हुए विशाल नए चेटो डी फोंटेनब्लू को सजाना शुरू किया। केनेथ क्लार्क के अनुसार, स्टुको में उनकी बड़ी संख्या में सुरुचिपूर्ण मैननेरिस्ट नक्काशी, अक्सर लंबी, पतली, नग्न महिलाओं की, "असाधारण रूप से गैर-शास्त्रीय", फ्रांसीसी उत्तरी मैननेरिस्ट शैली पर अत्यधिक प्रभावशाली थीं; कुछ को समूह द्वारा निर्मित नक्काशी में दिखाया गया था। बेनेवेन्युटो सेलिनी ने फ्रांस में बिताया, जहाँ उन्होंने अपने सोने के नमक (ऊपर देखें) और फोंटेनब्लू (1542, अब लौवर) की एक बड़ी कांस्य राहत अप्सरा का उत्पादन किया, जिसे "फ्रांसीसी शैली" के रूप में जाना जा रहा था। वह संभवतः फोंटेनब्लू स्टुकोस से प्रभावित थे। डोमेनिको फैनसेली (1469-1519) ने स्पेनिश राजघराने और महत्वपूर्ण मेंडोज़ा परिवार के लिए कई मकबरे के पुतलों का निर्माण किया, लेकिन कैरारा में काम किया, कुछ समय के लिए स्पेन का दौरा किया "अपने काम को स्थापित करने और नए अनुबंधों पर हस्ताक्षर करने के लिए।" इसी तरह, लियोन लियोनी हैब्सबर्ग के लिए शाही टकसाल चलाने के लिए नियुक्त होने के बाद मिलान में रहे, लेकिन उनके बेटे पोम्पिओ स्पेन चले गए, जहाँ उन्होंने अपने पिता के बड़े कार्यों को पूरा किया और स्थापित किया, और अपना खुद का निर्माण किया। एंड्रिया सैन्सोविनो ने 1491 से 1501 तक का अधिकांश समय पुर्तगाल के राजा मैनुअल प्रथम के लिए पुर्तगाल में काम करने में बिताया। जैकोपो कैराग्लियो, जिन्होंने संभवतः एक सुनार के रूप में प्रशिक्षण लिया था, रोमन शैली की शुरुआत में रोसो फिओरेंटीनो और अन्य लोगों द्वारा डिजाइन किए जाने के लिए एक महत्वपूर्ण उत्कीर्णक थे। 1527 में सैक के बाद रोम से भागने वाले कई कलाकारों में से एक, और वेनिस में कुछ वर्षों के बाद, वह 1539 तक पोलैंड के दरबार में थे, जहाँ उन्होंने अपना शेष जीवन दरबार के सुनार के रूप में बिताया, जिसमें नक्काशीदार रत्न कैमियो चित्र और शाही परिवार के मॉडलिंग पदक शामिल थे। जियोवन्नी मारिया मोस्का भी पोलैंड में बस गईं। ग्रेगोरियो डी लोरेंजो नामक फ्लोरेन्टाइन मूर्तिकार ने 15वीं शताब्दी के अंत में दरबार के लिए काम करने के लिए हंगरी की यात्रा की। राजा मैथियस कॉर्विनस (आर. 1464-1490) को लोरेंजो डी 'मेडिसी द्वारा राजनयिक उपहार के रूप में वेरोकियो द्वारा दो राहत भेजे गए थे। जियोवन्नी डालमाटा भी 1481 में राजा मथियास के लिए काम करने गए थे। नोट्स संदर्भ एवरी, चार्ल्स, फ्लोरेंटाइन पुनर्जागरण मूर्तिकला, 1970, जॉन मुर्रे प्रकाशन, कैंपबेल, स्टीवन जे., "कलात्मक भूगोल", द कैम्ब्रिज कम्पेनियन टू द इटालियन पुनर्जागरण का अध्याय 1, संस्करण। माइकल व्याट, 2014, कैम्ब्रिज यूनिवर्सिटी प्रेस, गूगल बुक्स चैडविक, व्हिटनी, वीमेन, आर्ट एंड सोसाइटी, 2002 (तीसरा संस्करण। ), थेम्स और हडसन, क्लार्क, केनेथ, द न्यूड, ए स्टडी इन आइडियल फॉर्म, ओरिजिन। 1949, विभिन्न संस्करण, 1960 के पेलिकन संस्करण से पृष्ठ संदर्भ हार्ट, फ्रेडरिक, इतालवी पुनर्जागरण कला का इतिहास, (दूसरा संस्करण। ) 1987, थेम्स एंड हडसन (यूएस हैरी एन अब्राम्स), केम्प, मार्टिन, लियोनार्डो दा विंचीः द मार्वलस वर्क्स ऑफ नेचर एंड मैन, 2006, ऑक्सफोर्ड यूनिवर्सिटी प्रेस, लेवी, माइकल; फ्लोरेंस, ए पोर्ट्रेट, जोनाथन केप, 1996, "एनजीए": "इतालवी पुनर्जागरण शिक्षण संसाधन", नेशनल गैलरी ऑफ आर्ट/ऑक्सफोर्ड आर्ट ऑनलाइन ओल्सन, रॉबर्टा जे. एम., इतालवी पुनर्जागरण 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