Art history
कला इतिहास ऐतिहासिक और शैलीगत संदर्भ में सौंदर्य वस्तुओं और दृश्य अभिव्यक्ति का अध्ययन है। परंपरागत रूप से, कला इतिहास के विषय में चित्रकला, चित्रकारी, मूर्तिकला, वास्तुकला, मिट्टी के बर्तनों और सजावटी कलाओं पर जोर दिया जाता है; फिर भी आज, कला इतिहास दृश्य संस्कृति के व्यापक पहलुओं की जांच करता है, जिसमें कला की हमेशा विकसित होने वाली परिभाषा से संबंधित विभिन्न दृश्य और वैचारिक परिणाम शामिल हैं। कला इतिहास दुनिया भर में और पूरे इतिहास में विभिन्न संस्कृतियों द्वारा बनाई गई वस्तुओं का अध्ययन करता है जो मुख्य रूप से दृश्य प्रतिनिधित्व के माध्यम से अर्थ, महत्व या उपयोगिता को व्यक्त करते हैं। एक विषय के रूप में, कला इतिहास को कला आलोचना से अलग किया जाता है, जो तुलनीय शैली के अन्य लोगों के संबंध में व्यक्तिगत कार्यों के लिए एक सापेक्ष कलात्मक मूल्य स्थापित करने या एक पूरी शैली या आंदोलन को मंजूरी देने से संबंधित है; और कला सिद्धांत या "कला का दर्शन", जो कला की मौलिक प्रकृति से संबंधित है। अध्ययन के इस क्षेत्र की एक शाखा सौंदर्यशास्त्र है, जिसमें उदात्तता की पहेली की जांच करना और सुंदरता के सार का निर्धारण करना शामिल है। तकनीकी रूप से, कला का इतिहास ये चीजें नहीं हैं, क्योंकि कला इतिहासकार इन सवालों के जवाब देने के लिए ऐतिहासिक पद्धति का उपयोग करता हैः कलाकार इस काम को बनाने के लिए कैसे आया?, संरक्षक कौन थे?, उनके शिक्षक कौन थे?, दर्शक कौन थे?, उनके शिष्य कौन थे?, किस ऐतिहासिक ताकत ने कलाकार के काम को आकार दिया और उसने और रचना ने कलात्मक, राजनीतिक और सामाजिक घटनाओं के पाठ्यक्रम को कैसे प्रभावित किया? हालाँकि, यह संदिग्ध है कि क्या इस तरह के कई प्रश्नों का उत्तर कला की प्रकृति के बारे में बुनियादी प्रश्नों पर विचार किए बिना संतोषजनक रूप से दिया जा सकता है। कला इतिहास और कला के दर्शन (सौंदर्यशास्त्र) के बीच वर्तमान अनुशासनात्मक अंतर अक्सर इस जांच में बाधा डालता है। कला इतिहास एक अंतःविषय अभ्यास है जो विभिन्न कारकों-सांस्कृतिक, राजनीतिक, धार्मिक, आर्थिक या कलात्मक-का विश्लेषण करता है जो कला के काम के दृश्य रूप में योगदान करते हैं। कला इतिहासकार ऑन्टोलॉजी और वस्तुओं के इतिहास में अपने शोध में कई तरीकों का उपयोग करते हैं। कला इतिहासकार अक्सर अपने समय के संदर्भ में काम की जांच करते हैं। सबसे अच्छा, यह इस तरह से किया जाता है जो इसके निर्माता की प्रेरणाओं और अनिवार्यताओं का सम्मान करता है; इसके संरक्षकों और प्रायोजकों की इच्छाओं और पूर्वाग्रहों पर विचार करते हुए; निर्माता के सहयोगियों और शिक्षकों के विषयों और दृष्टिकोणों के तुलनात्मक विश्लेषण के साथ; और प्रतिमा विज्ञान और प्रतीकवाद पर विचार करते हुए। संक्षेप में, यह दृष्टिकोण उस दुनिया के संदर्भ में कला के काम की जांच करता है जिसके भीतर इसे बनाया गया था। कला इतिहासकार भी अक्सर रूप के विश्लेषण के माध्यम से काम की जांच करते हैं; यानी, निर्माता द्वारा रेखा, आकार, रंग, बनावट और रचना का उपयोग। यह दृष्टिकोण इस बात की जांच करता है कि कलाकार अपनी कला बनाने के लिए द्वि-आयामी चित्र तल या मूर्तिकला या वास्तुशिल्प स्थान के तीन आयामों का उपयोग कैसे करता है। जिस तरह से इन व्यक्तिगत तत्वों को नियोजित किया जाता है, वह प्रतिनिधित्व या गैर-प्रतिनिधित्व कला में परिणाम देता है। क्या कलाकार किसी वस्तु की नकल कर रहा है या छवि प्रकृति में पाई जा सकती है? यदि ऐसा है, तो यह प्रतिनिधित्वात्मक है। कला परिपूर्ण अनुकरण के जितनी करीब होती है, कला उतनी ही यथार्थवादी होती है। क्या कलाकार नकल नहीं कर रहा है, बल्कि प्रतीकवाद पर भरोसा कर रहा है या एक महत्वपूर्ण तरीके से प्रकृति के सार को पकड़ने का प्रयास कर रहा है, बजाय इसके कि वह सीधे उसकी नकल करे? यदि ऐसा है तो कला गैर-प्रतिनिधित्वात्मक है-जिसे अमूर्त भी कहा जाता है। यथार्थवाद और अमूर्तता एक निरंतरता पर मौजूद हैं। प्रभाववाद एक प्रतिनिधित्व शैली का एक उदाहरण है जो प्रत्यक्ष रूप से अनुकरणीय नहीं थी, बल्कि प्रकृति की एक "छाप" बनाने का प्रयास करती थी। यदि कृति प्रतिनिधित्वात्मक नहीं है और कलाकार की भावनाओं, लालसाओं और आकांक्षाओं की अभिव्यक्ति है या सौंदर्य और रूप के आदर्शों की खोज है, तो कृति गैर-प्रतिनिधित्वात्मक या अभिव्यक्तिवाद की कृति है। एक प्रतिमाशास्त्रीय विश्लेषण वह है जो किसी वस्तु के विशेष डिजाइन तत्वों पर केंद्रित होता है। ऐसे तत्वों को बारीकी से पढ़ने के माध्यम से, उनकी वंशावली का पता लगाना संभव है, और इसके साथ इन रूपांकनों की उत्पत्ति और प्रक्षेपवक्र के बारे में निष्कर्ष निकालना संभव है। बदले में, वस्तु के उत्पादन के लिए जिम्मेदार लोगों के सामाजिक, सांस्कृतिक, आर्थिक और सौंदर्य मूल्यों के बारे में किसी भी संख्या में अवलोकन करना संभव है। कई कला इतिहासकार अपनी पूछताछ को वस्तुओं में ढालने के लिए आलोचनात्मक सिद्धांत का उपयोग करते हैं। 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध से अधिक हाल की वस्तुओं से निपटने के दौरान सिद्धांत का उपयोग अक्सर किया जाता है। कला इतिहास में आलोचनात्मक सिद्धांत को अक्सर साहित्यिक विद्वानों से लिया जाता है और इसमें कला वस्तुओं के अध्ययन के लिए एक गैर-कलात्मक विश्लेषणात्मक ढांचे का अनुप्रयोग शामिल है। नारीवादी, मार्क्सवादी, आलोचनात्मक जाति, विचित्र और उत्तर औपनिवेशिक सिद्धांत सभी इस विषय में अच्छी तरह से स्थापित हैं। साहित्यिक अध्ययनों की तरह, प्रकृति और पर्यावरण में विद्वानों की रुचि है, लेकिन यह विषय में किस दिशा में जाएगा, यह अभी तक निर्धारित नहीं किया गया है। प्रमुख विधियों की समयरेखा प्लिनी द एल्डर और प्राचीन उदाहरण कला पर सबसे पुराना जीवित लेखन जिसे कला इतिहास के रूप में वर्गीकृत किया जा सकता है, ग्रीक मूर्तिकला और चित्रकला के विकास से संबंधित प्लिनी द एल्डर के प्राकृतिक इतिहास (-79) के अंश हैं। इनसे एक यूनानी मूर्तिकार, साइयॉन के ज़ेनोक्रेटस के विचारों का पता लगाना संभव है, जो शायद पहले कला इतिहासकार थे। प्लिनी का काम, जबकि मुख्य रूप से विज्ञान का एक विश्वकोश है, इस प्रकार पुनर्जागरण के बाद से प्रभावशाली रहा है। (चित्रकार एपेल्स सी. (332-329 ईसा पूर्व) द्वारा उपयोग की जाने वाली तकनीकों के बारे में अंश विशेष रूप से प्रसिद्ध हैं।) इसी तरह, हालांकि स्वतंत्र, विकास 6 वीं शताब्दी के चीन में हुआ, जहां विद्वान-आधिकारिक वर्ग के लेखकों द्वारा योग्य कलाकारों का एक कैनन स्थापित किया गया था। अनिवार्य रूप से सुलेख में निपुण होने के कारण ये लेखक स्वयं कलाकार थे। कलाकारों का वर्णन ज़ी हे द्वारा तैयार किए गए चित्रकारी के छह सिद्धांतों में किया गया है। वासरी और कलाकारों की जीवनी जबकि कला और कलाकारों की व्यक्तिगत यादें लंबे समय से लिखी और पढ़ी जाती रही हैं (सबसे अच्छे प्रारंभिक उदाहरण के लिए लोरेंजो गिबर्टी कमेंटरी देखें), यह टस्कन चित्रकार, मूर्तिकार और सबसे उत्कृष्ट चित्रकारों, मूर्तिकारों और वास्तुकारों के जीवन के लेखक जियोर्जियो वासरी थे, जिन्होंने कला का पहला सच्चा इतिहास लिखा था। उन्होंने कला की प्रगति और विकास पर जोर दिया, जो इस क्षेत्र में एक मील का पत्थर था। उनका एक व्यक्तिगत और ऐतिहासिक विवरण था, जिसमें व्यक्तिगत इतालवी कलाकारों की जीवनी थी, जिनमें से कई उनके समकालीन और व्यक्तिगत परिचित थे। इनमें से सबसे प्रसिद्ध माइकल एंजेलो थे, और वासरी का विवरण ज्ञानवर्धक है, हालांकि जगह-जगह पक्षपाती है। कला के बारे में वासरी के विचार बहुत प्रभावशाली थे, और उन्होंने कई लोगों के लिए एक आदर्श के रूप में काम किया, जिसमें यूरोप के उत्तर में करेल वैन मैंडर की शिल्डर-बोएक और जोआचिम वॉन सैंडर्ट की ट्यूश अकादमी शामिल हैं। वासरी का दृष्टिकोण 18वीं शताब्दी तक हावी रहा, जब उनके इतिहास के जीवनीगत विवरण की आलोचना की गई। विंकलमैन और जोहान जोआचिम विंकलमैन (1717-1768) जैसे कला आलोचक विद्वानों ने वासरी के कलात्मक व्यक्तित्व के "पंथ" की आलोचना की, और उन्होंने तर्क दिया कि कला के अध्ययन में वास्तविक जोर विद्वान दर्शक के विचार होने चाहिए, न कि करिश्माई कलाकार के अद्वितीय दृष्टिकोण। विंकलमैन के लेखन इस प्रकार कला आलोचना की शुरुआत थी। कला आलोचना की अवधारणा को पेश करने वाली उनकी दो सबसे उल्लेखनीय कृतियाँ 1755 में रोम जाने से कुछ समय पहले प्रकाशित हुईं (फुसेली ने 1765 में रिफ्लेक्शंस ऑन द पेंटिंग एंड स्कल्पचर ऑफ द ग्रीक्स शीर्षक के तहत एक अंग्रेजी अनुवाद प्रकाशित किया), और (हिस्ट्री ऑफ आर्ट इन एंटीक्विटी), जो 1764 में प्रकाशित हुई (यह एक पुस्तक के शीर्षक में 'हिस्ट्री ऑफ आर्ट' वाक्यांश की पहली घटना है)। विंकलमैन ने बारोक और रोकोको रूपों की कलात्मक ज्यादतियों की आलोचना की, और अधिक शांत नियोक्लासिसिज्म के पक्ष में स्वाद में सुधार करने में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। कला इतिहास के संस्थापकों में से एक, जैकब बर्कहार्ट (1818-1897) ने उल्लेख किया कि विंकेलमैन 'प्राचीन कला की अवधि के बीच अंतर करने और शैली के इतिहास को विश्व इतिहास से जोड़ने वाले पहले व्यक्ति थे'। विंकलमैन से 20वीं शताब्दी के मध्य तक, कला इतिहास के क्षेत्र में जर्मन भाषी शिक्षाविदों का वर्चस्व था। विंकलमैन के काम ने इस प्रकार जर्मन संस्कृति के उच्च-दार्शनिक प्रवचन में कला इतिहास के प्रवेश को चिह्नित किया। विंकलमैन को जोहान वोल्फगैंग वॉन गोएथे और फ्रेडरिक शिलर ने उत्साहपूर्वक पढ़ा, दोनों ने कला के इतिहास पर लिखना शुरू किया, और लाओकोन समूह के बारे में उनके विवरण ने लेसिंग द्वारा प्रतिक्रिया का अवसर दिया। दार्शनिक अटकलों के एक प्रमुख विषय के रूप में कला का उदय 1790 में इमैनुएल कांट की क्रिटिक ऑफ जजमेंट की उपस्थिति से मजबूत हुआ, और सौंदर्यशास्त्र पर हेगेल के व्याख्यानों द्वारा इसे आगे बढ़ाया गया। हेगेल के दर्शन ने कार्ल श्नासे के काम के लिए प्रत्यक्ष प्रेरणा के रूप में कार्य किया। श्नासे के निएडरलैंडिश ब्रीफ ने एक स्वायत्त विषय के रूप में कला इतिहास के लिए सैद्धांतिक नींव स्थापित की, और प्राचीन काल से लेकर पुनर्जागरण तक कला के इतिहास के पहले ऐतिहासिक सर्वेक्षणों में से एक, उनके गेशिच्टे डेर बिल्डेन कुंस्टे ने जर्मन भाषी विश्वविद्यालयों में कला इतिहास के शिक्षण की सुविधा प्रदान की। श्नासे का सर्वेक्षण समकालीन रूप से फ्रांज थियोडोर कुगलर के समान काम के साथ प्रकाशित किया गया था। वोल्फलिन और शैलीगत विश्लेषण हेनरिक वोल्फलिन (1864-1945), जिन्होंने बेसल में बर्कहार्ट के अधीन अध्ययन किया, आधुनिक कला इतिहास के "पिता" हैं। वोल्फलिन ने बर्लिन, बासेल, म्यूनिख और ज्यूरिख के विश्वविद्यालयों में पढ़ाया। कई छात्रों ने कला इतिहास में प्रतिष्ठित करियर बनाए, जिनमें जैकब रोसेनबर्ग और उन्होंने तीन अवधारणाओं पर ध्यान केंद्रित करते हुए कला के इतिहास के लिए एक वैज्ञानिक दृष्टिकोण पेश किया। सबसे पहले, उन्होंने मनोविज्ञान का उपयोग करके कला का अध्ययन करने का प्रयास किया, विशेष रूप से विल्हेम वुन्ड्ट के काम को लागू करके। उन्होंने अन्य बातों के अलावा तर्क दिया कि कला और वास्तुकला अच्छे हैं यदि वे मानव शरीर से मिलते-जुलते हैं। उदाहरण के लिए, घर अच्छे होते थे यदि उनके अग्रभाग चेहरे की तरह दिखते थे। दूसरा, उन्होंने तुलना के माध्यम से कला का अध्ययन करने का विचार पेश किया। अलग-अलग चित्रों की एक-दूसरे से तुलना करके, वे शैली में अंतर करने में सक्षम थे। उनकी पुस्तक पुनर्जागरण और बारोक ने इस विचार को विकसित किया, और यह दिखाने वाली पहली थी कि ये शैलीगत अवधि एक दूसरे से कैसे भिन्न थीं। जियोर्जियो वासरी के विपरीत, वोल्फलिन को कलाकारों की जीवनी में कोई दिलचस्पी नहीं थी। वास्तव में उन्होंने "बिना नाम के कला इतिहास" के निर्माण का प्रस्ताव रखा। अंत में, उन्होंने राष्ट्रीयता के विचारों पर आधारित कला का अध्ययन किया। वह विशेष रूप से इस बात में रुचि रखते थे कि क्या एक स्वाभाविक रूप से "इतालवी" और एक स्वाभाविक रूप से "जर्मन" शैली थी। इस अंतिम रुचि को जर्मन कलाकार अल्ब्रेक्ट ड्यूरर पर उनके मोनोग्राफ में पूरी तरह से व्यक्त किया गया था। रिगल, विकहॉफ और वोल्फलिन के करियर के साथ समकालीन विएना स्कूल, विएना विश्वविद्यालय में विकसित कला-ऐतिहासिक विचारों का एक प्रमुख स्कूल है। विएना स्कूल की पहली पीढ़ी में मोरिट्ज़ थौसिंग के दोनों छात्रों, अलोइस रिगल और फ्रांज विकहॉफ़ का वर्चस्व था, और कला के इतिहास में उपेक्षित या अपमानित अवधियों का पुनर्मूल्यांकन करने की प्रवृत्ति की विशेषता थी। रिगल और विकहॉफ दोनों ने प्राचीन काल की कला पर व्यापक रूप से लिखा, जिसे उनसे पहले शास्त्रीय आदर्श से गिरावट की अवधि माना जाता था। रिगल ने बारोक के पुनर्मूल्यांकन में भी योगदान दिया। वियना में प्रोफेसरों की अगली पीढ़ी में मैक्स ड्वोरेक, जूलियस वॉन स्क्लोसर, हंस टिट्ज़, कार्ल मारिया स्वोबोडा और जोसेफ स्ट्रैज़ीगोव्स्की शामिल थे। अर्न्स्ट गोम्ब्रिच सहित बीसवीं शताब्दी के कई सबसे महत्वपूर्ण कला इतिहासकारों ने इस समय वियना में अपनी डिग्री प्राप्त की। "सेकंड वियना स्कूल" (या "न्यू वियना स्कूल") शब्द आमतौर पर वियनीज़ विद्वानों की अगली पीढ़ी को संदर्भित करता है, जिसमें हंस सेडलमायर, ओटो पाक्ट और गुइडो कैश्निट्ज़ वॉन वेनबर्ग शामिल हैं। इन विद्वानों ने 1930 के दशक में पहली पीढ़ी के काम पर लौटने की शुरुआत की, विशेष रूप से रिगल और उनकी कुन्स्टवोलन की अवधारणा पर, और इसे एक पूर्ण विकसित कला-ऐतिहासिक पद्धति के रूप में विकसित करने का प्रयास किया। सेडलमायर ने, विशेष रूप से, प्रतिमा विज्ञान, संरक्षण और ऐतिहासिक संदर्भ में आधारित अन्य दृष्टिकोणों के सूक्ष्म अध्ययन को अस्वीकार कर दिया, इसके बजाय कला के काम के सौंदर्य गुणों पर ध्यान केंद्रित करना पसंद किया। नतीजतन, द्वितीय वियना स्कूल ने अनियंत्रित और गैर-जिम्मेदाराना औपचारिकता के लिए प्रतिष्ठा प्राप्त की, और इसके अलावा सेडलमायर के खुले नस्लवाद और नाजी पार्टी में सदस्यता से रंगीन हो गया। हालाँकि, इस बाद की प्रवृत्ति को स्कूल के सभी सदस्यों द्वारा किसी भी तरह से साझा नहीं किया गया था; उदाहरण के लिए, पेच खुद यहूदी थे, और 1930 के दशक में उन्हें वियना छोड़ने के लिए मजबूर किया गया था। कला की प्रतीकात्मक सामग्री की हमारी 21वीं शताब्दी की समझ 1920 के दशक में हैम्बर्ग में एकत्र हुए विद्वानों के एक समूह से आती है। उनमें से सबसे प्रमुख इरविन पानोफ्स्की, एबी वारबर्ग, फ्रिट्ज सैक्सल और गर्ट्रूड बिंग थे। उन्होंने मिलकर अधिकांश शब्दावली विकसित की जिसका उपयोग 21वीं शताब्दी में कला इतिहासकारों द्वारा किया जाना जारी है। "आइकनोग्राफी"-जड़ों के साथ जिसका अर्थ है "लेखन से प्रतीक", लिखित स्रोतों-विशेष रूप से शास्त्र और पौराणिक कथाओं से प्राप्त कला के विषय को संदर्भित करता है। "आइकनोलॉजी" एक व्यापक शब्द है जो सभी प्रतीकवाद को संदर्भित करता है, चाहे वह किसी विशिष्ट पाठ से लिया गया हो या नहीं। आज कला इतिहासकार कभी-कभी इन शब्दों का एक दूसरे के स्थान पर उपयोग करते हैं। पानोफ्स्की ने अपने शुरुआती काम में रिगल के सिद्धांतों को भी विकसित किया, लेकिन अंततः मूर्तिकला में और विशेष रूप से मध्य युग और पुनर्जागरण में शास्त्रीय पुरातनता से संबंधित विषयों के प्रसारण में अधिक व्यस्त हो गए। इस संबंध में उनकी रुचि एक धनी परिवार के बेटे वारबर्ग के साथ मेल खाती थी, जिन्होंने हैम्बर्ग में एक प्रभावशाली पुस्तकालय इकट्ठा किया था जो बाद की कला और संस्कृति में शास्त्रीय परंपरा के अध्ययन के लिए समर्पित था। सैक्सल के तत्वावधान में, इस पुस्तकालय को एक शोध संस्थान के रूप में विकसित किया गया था, जो हैम्बर्ग विश्वविद्यालय से संबद्ध था, जहाँ पानोफ्स्की पढ़ाते थे। 1929 में वारबर्ग की मृत्यु हो गई और 1930 के दशक में सैक्सल और पानोफ्स्की, दोनों यहूदी, को हैम्बर्ग छोड़ने के लिए मजबूर होना पड़ा। सैक्सल लंदन में बस गए, अपने साथ वारबर्ग के पुस्तकालय को लाए और वारबर्ग संस्थान की स्थापना की। पानोफ्स्की प्रिंसटन में इंस्टीट्यूट फॉर एडवांस्ड स्टडी में बस गए। इस संबंध में वे 1930 के दशक में अंग्रेजी भाषी अकादमी में जर्मन कला इतिहासकारों के असाधारण प्रवाह का हिस्सा थे। ये विद्वान अंग्रेजी भाषी दुनिया में कला इतिहास को अध्ययन के एक वैध क्षेत्र के रूप में स्थापित करने के लिए काफी हद तक जिम्मेदार थे, और विशेष रूप से पनोफ्स्की की कार्यप्रणाली के प्रभाव ने एक पीढ़ी के लिए अमेरिकी कला इतिहास के पाठ्यक्रम को निर्धारित किया। फ्रायड और मनोविश्लेषण हेनरिक वोल्फलिन कला के अध्ययन में मनोवैज्ञानिक सिद्धांतों का आह्वान करने वाले एकमात्र विद्वान नहीं थे। कला आलोचना के इतिहास में एक अप्रत्याशित मोड़ 1910 में आया जब मनोविश्लेषक सिगमंड फ्रायड ने कलाकार लियोनार्डो दा विंची पर एक पुस्तक प्रकाशित की, जिसमें उन्होंने कलाकार के मानस और यौन अभिविन्यास पर सवाल उठाने के लिए लियोनार्डो के चित्रों का उपयोग किया। फ्रायड ने अपने विश्लेषण से अनुमान लगाया कि लियोनार्डो शायद समलैंगिक थे। 1914 में फ्रायड ने माइकल एंजेलो के मूसा (डेर मूसा डेस माइकल एंजेलो) की एक मनोविश्लेषणात्मक व्याख्या प्रकाशित की। उन्होंने वासरी के जीवन को पढ़ने के तुरंत बाद इस कृति को प्रकाशित किया। अज्ञात कारणों से, उन्होंने मूल रूप से लेख को गुमनाम रूप से प्रकाशित किया। हालांकि मनोविश्लेषण करने के लिए मरणोपरांत सामग्री का उपयोग कला इतिहासकारों के बीच विवादास्पद है, विशेष रूप से क्योंकि माइकल एंजेलो और लियोनार्डो के समय और फ्रायड के यौन रुझान अलग हैं, लेकिन अक्सर ऐसा करने का प्रयास किया जाता है। जंग और कार्ल जंग ने भी कला में मनोविश्लेषक सिद्धांत को लागू किया। सी. जी. जंग एक स्विस मनोचिकित्सक, एक प्रभावशाली विचारक और विश्लेषणात्मक मनोविज्ञान के संस्थापक थे। मनोविज्ञान के प्रति जंग के दृष्टिकोण ने सपनों, कला, पौराणिक कथाओं, विश्व धर्म और दर्शन की दुनिया की खोज के माध्यम से मानस को समझने पर जोर दिया। उनके जीवन का अधिकांश समय पूर्वी और पश्चिमी दर्शन, कीमिया, ज्योतिष, समाजशास्त्र के साथ-साथ साहित्य और कला की खोज में व्यतीत हुआ। उनके सबसे उल्लेखनीय योगदानों में मनोवैज्ञानिक मूलरूप की उनकी अवधारणा, सामूहिक अचेतन और समकालिकता का उनका सिद्धांत शामिल हैं। जंग का मानना था कि संयोग के रूप में माने जाने वाले कई अनुभव केवल संयोग के कारण नहीं थे, बल्कि इस शासी गतिशीलता को दर्शाने वाली समानांतर घटनाओं या परिस्थितियों की अभिव्यक्ति का सुझाव देते थे। उन्होंने तर्क दिया कि कला में एक सामूहिक अचेतन और मौलिक कल्पना का पता लगाया जा सकता है। उनके विचार 1940 और 1950 के दशक में अमेरिकी अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों के बीच विशेष रूप से लोकप्रिय थे। उनके काम ने सपनों और अचेतन लोगों से कल्पना खींचने की अतियथार्थवादी अवधारणा को प्रेरित किया। जंग ने संतुलन और सद्भाव के महत्व पर जोर दिया। उन्होंने आगाह किया कि आधुनिक मनुष्य विज्ञान और तर्क पर बहुत अधिक भरोसा करते हैं और आध्यात्मिकता को एकीकृत करने और अचेतन क्षेत्र की सराहना से लाभान्वित होंगे। उनके काम ने न केवल कला इतिहासकारों द्वारा विश्लेषणात्मक काम को प्रेरित किया, बल्कि कला-निर्माण का एक अभिन्न अंग बन गया। उदाहरण के लिए, जैक्सन पोलक ने अपने जुंगियन विश्लेषक डॉ. जोसेफ हेंडरसन के साथ अपने सत्रों के साथ चित्रों की एक श्रृंखला बनाई। हेंडरसन, जिन्होंने बाद में पोलॉक के सत्रों को समर्पित एक पाठ में चित्र प्रकाशित किए, ने महसूस किया कि चित्र एक चिकित्सीय उपकरण के रूप में कितने शक्तिशाली थे। कला के इतिहास में मनोविश्लेषण और विश्लेषणात्मक मनोविज्ञान की विरासत गहरी रही है, और फ्रायड और जंग से परे फैली हुई है। उदाहरण के लिए, प्रमुख नारीवादी कला इतिहासकार ग्रिसेल्डा पोलक, समकालीन कला में अपने अध्ययन और आधुनिकतावादी कला के अपने पुनः अध्ययन दोनों में मनोविश्लेषण पर ध्यान आकर्षित करती हैं। ग्रिसेल्डा पोलॉक के फ्रांसीसी नारीवादी मनोविश्लेषण के अध्ययन और विशेष रूप से जूलिया क्रिस्टेवा और ब्राचा एल. एटिंगर के लेखन के साथ, जैक्स लैकन और जीन-फ्रांकोइस लियोटार्ड और कैथरीन डी जेगर के कला के क्यूरेटोरियल रीरीडिंग के रोसालिंड क्रॉस के पठन के साथ, फ्रांसीसी नारीवाद और मनोविश्लेषण के क्षेत्र में लिखे गए नारीवादी सिद्धांत ने कला इतिहास में पुरुष और महिला दोनों कलाकारों के पुनर्व्यवस्थापन को दृढ़ता से सूचित किया है। मार्क्स और विचारधारा 20वीं शताब्दी के मध्य के दौरान, कला इतिहासकारों ने आलोचनात्मक दृष्टिकोणों का उपयोग करके सामाजिक इतिहास को अपनाया। इसका उद्देश्य यह दिखाना था कि कला समाज में शक्ति संरचनाओं के साथ कैसे परस्पर क्रिया करती है। ऐसा ही एक आलोचनात्मक दृष्टिकोण मार्क्सवाद था। मार्क्सवादी कला इतिहास ने यह दिखाने का प्रयास किया कि कैसे कला को विशिष्ट वर्गों से जोड़ा गया था, कैसे छवियों में अर्थव्यवस्था के बारे में जानकारी होती है, और कैसे छवियां यथास्थिति को प्राकृतिक (विचारधारा) बना सकती हैं। मार्सेल डुचैम्प और दादा आंदोलन ने कला-विरोधी शैली की शुरुआत की। कुछ कलाकार उन शैलियों में कलाकृतियों का निर्माण नहीं करना चाहते थे जो उस समय अधिकांश के अनुरूप थीं। इन दोनों आंदोलनों ने अन्य कलाकारों को ऐसी कलाकृतियाँ बनाने में मदद की जिन्हें पारंपरिक कला के रूप में नहीं देखा जाता था। कला-विरोधी आंदोलन को शुरू करने वाली शैलियों के कुछ उदाहरण नव-दादा धर्म, अतियथार्थवाद और रचनात्मकता होंगे। ये शैलियाँ और कलाकार कला के पारंपरिक तरीकों के सामने आत्मसमर्पण नहीं करना चाहते थे। सोचने के इस तरीके ने रूसी क्रांति और साम्यवादी आदर्शों जैसे राजनीतिक आंदोलनों को उकसाया। कलाकार इसाक ब्रोडस्की का 1932 में नीप्रोस्ट्रोई के कला शॉक वर्कर्स का काम कला के भीतर उनकी राजनीतिक भागीदारी को दर्शाता है। उस समय सोवियत रूस जिस आंतरिक परेशानी का सामना कर रहा था, उसे दिखाने के लिए इस कला का विश्लेषण किया जा सकता है। शायद सबसे प्रसिद्ध मार्क्सवादी क्लेमेंट ग्रीनबर्ग थे, जो 1930 के दशक के अंत में अपने निबंध "अवंत-गार्डे और किट्स" के साथ प्रमुखता से आए। निबंध में ग्रीनबर्ग ने दावा किया कि उपभोक्ता समाज में शामिल स्वाद की गिरावट से सौंदर्य मानकों की रक्षा करने और किट्स और कला को विपरीत रूप से देखने के लिए अवांट-गार्डे का उदय हुआ। ग्रीनबर्ग ने आगे दावा किया कि अवांट-गार्डे और आधुनिकतावादी कला पूंजीवादी प्रचार द्वारा उत्पादित संस्कृति के स्तर का विरोध करने का एक साधन था। ग्रीनबर्ग ने इस उपभोक्तावाद का वर्णन करने के लिए जर्मन शब्द 'किट्स' का उपयोग किया, हालांकि इसके अर्थ तब से पूंजीवादी संस्कृति की बची हुई सामग्री की अधिक सकारात्मक धारणा में बदल गए हैं। ग्रीनबर्ग बाद में आधुनिक कला के औपचारिक गुणों की जांच करने के लिए जाने गए। मेयर शापिरो 20वीं शताब्दी के मध्य के सबसे अधिक याद किए जाने वाले मार्क्सवादी कला इतिहासकारों में से एक हैं। हालाँकि उन्होंने कला में कई समय अवधियों और विषयों के बारे में लिखा, लेकिन उन्हें मध्य युग के अंत और प्रारंभिक पुनर्जागरण से मूर्तिकला पर उनकी टिप्पणी के लिए सबसे ज्यादा याद किया जाता है, जिस समय उन्होंने पूँजीवाद के उभरने और सामंतवाद के पतन के प्रमाण देखे थे। अर्नोल्ड हौसर ने पश्चिमी कला का पहला मार्क्सवादी सर्वेक्षण लिखा, जिसका शीर्षक था कला का सामाजिक इतिहास। उन्होंने यह दिखाने का प्रयास किया कि प्रमुख कला काल में वर्ग चेतना कैसे परिलक्षित होती थी। 1950 के दशक के दौरान प्रकाशित होने पर यह पुस्तक विवादास्पद थी क्योंकि यह पूरे युग के बारे में सामान्यीकरण करती है, एक रणनीति जिसे अब "अश्लील मार्क्सवाद" कहा जाता है। मार्क्सवादी कला इतिहास को टी. जे. क्लार्क, डेविड कुंजले, थियोडोर डब्ल्यू. एडोर्नो और मैक्स होर्कहाइमर जैसे विद्वानों द्वारा परिष्कृत किया गया था। टी. जे. क्लार्क पहले कला इतिहासकार थे जिन्होंने मार्क्सवादी दृष्टिकोण से अश्लील मार्क्सवाद को त्याग दिया था। उन्होंने कई प्रभाववादी और यथार्थवादी कलाकारों के मार्क्सवादी कला इतिहास लिखे, जिनमें गुस्ताव कोर्बेट और एडवर्ड मानेट शामिल हैं। इन पुस्तकों ने उस राजनीतिक और आर्थिक जलवायु पर बारीकी से ध्यान केंद्रित किया जिसमें कला का निर्माण किया गया था। नारीवादी कला इतिहास लिंडा नोचलिन का निबंध "कोई महान महिला कलाकार क्यों नहीं रही?" 1970 के दशक के दौरान नारीवादी कला इतिहास को प्रज्वलित करने में मदद की और महिला कलाकारों के बारे में सबसे व्यापक रूप से पढ़े जाने वाले निबंधों में से एक बना हुआ है। इसके बाद 1972 में कॉलेज आर्ट एसोसिएशन पैनल का गठन किया गया, जिसकी अध्यक्षता नोचलिन ने की, जिसका शीर्षक था "कामुकता और उन्नीसवीं सदी की कला में महिला की छवि"। एक दशक के भीतर, कई पत्रों, लेखों और निबंधों ने एक बढ़ती हुई गति को बनाए रखा, जो दूसरी लहर के नारीवादी आंदोलन से प्रेरित था, जिसमें कलाकारों और विषयों दोनों के रूप में कला के साथ महिलाओं की बातचीत के बारे में आलोचनात्मक विमर्श किया गया था। अपने अग्रणी निबंध में, नोचलिन ने कला प्रशिक्षण से महिलाओं के व्यवस्थित बहिष्कार को दिखाने के लिए एक नारीवादी आलोचनात्मक ढांचे को लागू किया, यह तर्क देते हुए कि कला के अभ्यास के साथ-साथ कला के विहित इतिहास से बहिष्कार सांस्कृतिक स्थितियों का परिणाम था जो महिलाओं को कला उत्पादन क्षेत्रों से सीमित और प्रतिबंधित करता था। सफल होने वाले कुछ लोगों को विसंगतियों के रूप में माना गया और बाद की सफलता के लिए एक मॉडल प्रदान नहीं किया गया। ग्रिसेल्डा पोलक एक अन्य प्रमुख नारीवादी कला इतिहासकार हैं, जिनके मनोविश्लेषक सिद्धांत का उपयोग ऊपर वर्णित है। जबकि नारीवादी कला का इतिहास किसी भी समय अवधि और स्थान पर ध्यान केंद्रित कर सकता है, आधुनिक युग पर बहुत ध्यान दिया गया है। इनमें से कुछ छात्रवृत्ति नारीवादी कला आंदोलन पर केंद्रित है, जो विशेष रूप से महिलाओं के अनुभव को संदर्भित करता है। अक्सर, नारीवादी कला इतिहास पश्चिमी कला कैनन की एक महत्वपूर्ण "पुनः पढ़ने" की पेशकश करता है, जैसे कि कैरोल डंकन की लेस डेमोइसेल्स डी 'एविग्नन की पुनः व्याख्या। इस क्षेत्र के दो अग्रदूत मैरी गेरार्ड और नोर्मा ब्राउड हैं। उनके संकलन फेमिनिज्म एंड आर्ट हिस्ट्रीः क्वेश्चनिंग द लिटनी, द एक्सपेंडिंग डिस्कोर्सः फेमिनिज्म एंड आर्ट हिस्ट्री, और रीक्लेमिंग फेमिनिस्ट एजेंसीः फेमिनिस्ट आर्ट हिस्ट्री आफ्टर पोस्टमॉडर्निज्म कला इतिहास के विमर्श में नारीवादी दृष्टिकोण लाने के लिए पर्याप्त प्रयास हैं। इस जोड़ी ने नारीवादी कला इतिहास सम्मेलन की सह-स्थापना भी की। बार्थ और संकेतात्मक प्रतिमाशास्त्र के विपरीत जो अर्थ की पहचान करने का प्रयास करता है, संकेतात्मक इस बात से संबंधित है कि अर्थ कैसे बनाया जाता है। रोलैंड बार्थेस के निहित और सूचित अर्थ इस परीक्षा के लिए सर्वोपरि हैं। कला के किसी भी विशेष कार्य में, एक व्याख्या इंगित अर्थ की पहचान पर निर्भर करती है-एक दृश्य संकेत की पहचान, और निहित अर्थ-तत्काल सांस्कृतिक संघ जो मान्यता के साथ आते हैं। सांकेतिक कला इतिहासकार की मुख्य चिंता निहित अर्थ को नेविगेट करने और व्याख्या करने के तरीकों के साथ आना है। सेमियोटिक कला का इतिहास एक सामूहिक चेतना के साथ इसके जुड़ाव की जांच करके एक सौंदर्य वस्तु में संहिताबद्ध अर्थ या अर्थ को उजागर करने का प्रयास करता है। कला इतिहासकार आमतौर पर संकेत विज्ञान के किसी एक विशेष ब्रांड के लिए प्रतिबद्ध नहीं होते हैं, बल्कि एक समामेलित संस्करण का निर्माण करते हैं जिसे वे अपने विश्लेषणात्मक उपकरणों के संग्रह में शामिल करते हैं। उदाहरण के लिए, मेयर शापिरो ने संकेतों को पढ़ने के प्रयास में सौसुर के विभेदक अर्थ को उधार लिया क्योंकि वे एक प्रणाली के भीतर मौजूद हैं। शापिरो के अनुसार, एक विशिष्ट सचित्र संदर्भ में अग्रता के अर्थ को समझने के लिए, इसे एक प्रोफ़ाइल, या तीन-चौथाई दृश्य जैसी वैकल्पिक संभावनाओं से अलग किया जाना चाहिए, या उनके संबंध में देखा जाना चाहिए। शापिरो ने इस विधि को चार्ल्स सैंडर्स पियर्से के काम के साथ जोड़ा, जिनके उद्देश्य, संकेत और व्याख्याता ने उनके दृष्टिकोण के लिए एक संरचना प्रदान की। एलेक्स पॉट्स मोनालिसा के संबंध में उनकी जांच करके दृश्य प्रतिनिधित्व के लिए पियर्से की अवधारणाओं के अनुप्रयोग को प्रदर्शित करते हैं। उदाहरण के लिए, मोनालिसा को देखने से, इसकी भौतिकता से परे कुछ के रूप में इसे एक संकेत के रूप में पहचानना है। इसके बाद इसे अपने से बाहर की किसी वस्तु, एक महिला या मोना लिसा के संदर्भ में पहचाना जाता है। छवि धार्मिक अर्थ को दर्शाती प्रतीत नहीं होती है और इसलिए इसे एक चित्र माना जा सकता है। यह व्याख्या संभावित व्याख्याओं की एक श्रृंखला की ओर ले जाती हैः लियोनार्डो दा विंची के संबंध में सिटर कौन था? उसके लिए उसका क्या महत्व था? या, शायद वह सभी महिलाओं के लिए एक प्रतीक हैं। व्याख्या की यह श्रृंखला, या "असीमित अर्धसूत्रण" अंतहीन है; कला इतिहासकार का काम संभावित व्याख्याओं पर सीमाओं को स्थापित करना है जितना कि नई संभावनाओं को प्रकट करना है। सेमियोटिक्स इस सिद्धांत के तहत काम करता है कि एक छवि को केवल दर्शक के दृष्टिकोण से ही समझा जा सकता है। कलाकार को दर्शक द्वारा अर्थ के संरक्षक के रूप में प्रतिस्थापित किया जाता है, यहां तक कि एक व्याख्या अभी भी मान्य है, भले ही निर्माता ने इसका इरादा किया हो। रोजालिंड क्रौस ने अपने निबंध "इन द नेम ऑफ पिकासो" में इस अवधारणा का समर्थन किया। उन्होंने अर्थ पर कलाकार के एकाधिकार की निंदा की और जोर देकर कहा कि अर्थ केवल तभी प्राप्त किया जा सकता है जब काम को उसके ऐतिहासिक और सामाजिक संदर्भ से हटा दिया जाए। मिके बाल ने इसी तरह तर्क दिया कि अर्थ तब तक मौजूद नहीं है जब तक कि छवि को दर्शक द्वारा नहीं देखा जाता है। इसे स्वीकार करने के बाद ही नारीवाद या मनोविश्लेषण जैसी अन्य संभावनाओं के लिए अर्थ खुल सकता है। संग्रहालय अध्ययन और इस विषय के संग्रह के पहलू जो हाल के दशकों में सामने आए हैं, उनमें कला के संरक्षण और उपभोग में रुचि शामिल है, जिसमें कला बाजार का अर्थशास्त्र, संग्रहकर्ताओं की भूमिका, उन कार्यों को शुरू करने के इरादे और आकांक्षाएं और समकालीन और बाद के दर्शकों और मालिकों की प्रतिक्रियाएं शामिल हैं। संग्रहालय अध्ययन, जिसमें संग्रहालय संग्रह और प्रदर्शन का इतिहास शामिल है, अब अध्ययन का एक विशेष क्षेत्र है, जैसा कि संग्रह का इतिहास है। नई भौतिकवाद वैज्ञानिक प्रगति ने कार्यों को बनाने के लिए उपयोग की जाने वाली सामग्रियों और तकनीकों की अधिक सटीक जांच को संभव बना दिया है, विशेष रूप से इन्फ्रा-रेड और एक्स-रे फोटोग्राफिक तकनीकों ने चित्रों के कई अंडरड्रॉइंग को फिर से देखने की अनुमति दी है। पेंट में उपयोग किए जाने वाले वर्णकों का उचित विश्लेषण अब संभव है, जिसने कई विशेषताओं को परेशान किया है। पैनल पेंटिंग्स के लिए डेंड्रोक्रोनोलॉजी और कार्बनिक पदार्थों में पुरानी वस्तुओं के लिए रेडियो-कार्बन डेटिंग ने शैलीगत विश्लेषण या दस्तावेजी साक्ष्य से प्राप्त तिथियों की पुष्टि या परेशान करने के लिए डेटिंग वस्तुओं के वैज्ञानिक तरीकों की अनुमति दी है। अच्छी रंगीन फोटोग्राफी के विकास, जो अब डिजिटल रूप से आयोजित की जाती है और इंटरनेट पर या अन्य माध्यमों से उपलब्ध है, ने कई प्रकार की कलाओं के अध्ययन को बदल दिया है, विशेष रूप से उन वस्तुओं को शामिल करना जो बड़ी संख्या में मौजूद हैं जो व्यापक रूप से संग्रह के बीच फैले हुए हैं, जैसे कि प्रकाशित पांडुलिपियाँ और फारसी लघुचित्र, और कई प्रकार की पुरातात्विक कलाकृतियाँ। उन तकनीकी प्रगति के साथ-साथ, कला इतिहासकारों ने वस्तुओं के रूप में कलाकृतियों की प्रकृति के लिए नए सैद्धांतिक दृष्टिकोणों में रुचि दिखाई है। वस्तु सिद्धांत, अभिनेता-नेटवर्क सिद्धांत और वस्तु-उन्मुख ऑन्टोलॉजी ने कला ऐतिहासिक साहित्य में बढ़ती भूमिका निभाई है। राष्ट्रवादी कला का इतिहास कला का निर्माण, कला का शैक्षणिक इतिहास और कला संग्रहालयों का इतिहास राष्ट्रवाद के उदय के साथ निकटता से जुड़ा हुआ है। आधुनिक युग में बनाई गई कला, वास्तव में, अक्सर राष्ट्रीय श्रेष्ठता या अपने देश के प्रति प्रेम की भावना पैदा करने का एक प्रयास रही है। रूसी कला इसका एक विशेष रूप से अच्छा उदाहरण है, क्योंकि रूसी अवांट-गार्डे और बाद में सोवियत कला उस देश की पहचान को परिभाषित करने के प्रयास थे। आज काम कर रहे अधिकांश कला इतिहासकार उनकी विशेषता को एक विशेष संस्कृति और समय अवधि की कला के रूप में पहचानते हैं, और अक्सर ऐसी संस्कृतियाँ भी राष्ट्र होती हैं। उदाहरण के लिए, कोई 19वीं शताब्दी के जर्मन या समकालीन चीनी कला इतिहास में विशेषज्ञ हो सकता है। राष्ट्रीयता पर ध्यान केंद्रित करने की जड़ें अनुशासन में गहरी हैं। वास्तव में, वासरी का सबसे उत्कृष्ट चित्रकारों, मूर्तिकारों और वास्तुकारों का जीवन फ्लोरेंटाइन कलात्मक संस्कृति की श्रेष्ठता को दिखाने का एक प्रयास है, और हेनरिक वोल्फलिन के लेखन (विशेष रूप से अल्ब्रेक्ट ड्यूरर पर उनका मोनोग्राफ) इतालवी को जर्मन कला शैलियों से अलग करने का प्रयास करता है। दुनिया के कई सबसे बड़े और सबसे अच्छी तरह से वित्त पोषित कला संग्रहालय, जैसे कि लौवर, विक्टोरिया और अल्बर्ट संग्रहालय और वाशिंगटन में नेशनल गैलरी ऑफ आर्ट राज्य के स्वामित्व में हैं। अधिकांश देशों में, वास्तव में, एक राष्ट्रीय गैलरी है, जिसमें सरकार के स्वामित्व वाली सांस्कृतिक विरासत को संरक्षित करने का एक स्पष्ट मिशन है-इस बात की परवाह किए बिना कि किस संस्कृति ने कला का निर्माण किया है-और उस देश की अपनी सांस्कृतिक विरासत को मजबूत करने के लिए अक्सर एक अंतर्निहित मिशन है। नेशनल गैलरी ऑफ आर्ट इस प्रकार संयुक्त राज्य अमेरिका में बनाई गई कला को प्रदर्शित करता है, लेकिन दुनिया भर की वस्तुओं का भी मालिक है। अवधि के अनुसार विभाजन कला इतिहास के विषय को पारंपरिक रूप से युगों और क्षेत्रों के आधार पर विशेषज्ञता या सांद्रता में विभाजित किया गया है, जिसमें मीडिया के आधार पर आगे उप-विभाजन किया गया है। इस प्रकार, कोई "19वीं शताब्दी की जर्मन वास्तुकला" या "16वीं शताब्दी की टस्कन मूर्तिकला" में विशेषज्ञ हो सकता है। उप-क्षेत्रों को अक्सर एक विशेषज्ञता के तहत शामिल किया जाता है। उदाहरण के लिए, प्राचीन निकट पूर्व, ग्रीस, रोम और मिस्र सभी को आम तौर पर प्राचीन कला का विशेष केंद्र माना जाता है। कुछ मामलों में, ये विशेषज्ञताएँ निकटता से संबद्ध हो सकती हैं (उदाहरण के लिए ग्रीस और रोम के रूप में), जबकि अन्य में इस तरह के गठबंधन बहुत कम प्राकृतिक हैं (उदाहरण के लिए, भारतीय कला बनाम कोरियाई कला)। 1980 के दशक से कला पर गैर-पश्चिमी या वैश्विक दृष्टिकोण कला ऐतिहासिक कैनन में तेजी से प्रमुख हो गए हैं। "समकालीन कला इतिहास" 1960 के दशक से आज तक की अवधि में अनुसंधान को संदर्भित करता है जो नव-अवंत-गार्डे के कलाकारों द्वारा लाई गई आधुनिकतावाद की धारणाओं से विराम और वैचारिक और उत्तर-अवधारणात्मक प्रथाओं पर आधारित अभ्यास के संदर्भ में समकालीन कला में निरंतरता को दर्शाता है। पेशेवर संगठन संयुक्त राज्य अमेरिका में, सबसे महत्वपूर्ण कला इतिहास संगठन कॉलेज आर्ट एसोसिएशन है। यह एक वार्षिक सम्मेलन आयोजित करता है और आर्ट बुलेटिन और आर्ट जर्नल प्रकाशित करता है। इसी तरह के संगठन दुनिया के अन्य हिस्सों के साथ-साथ वास्तुकला इतिहास और पुनर्जागरण कला इतिहास जैसी विशेषज्ञताओं के लिए मौजूद हैं। उदाहरण के लिए, यू. के. में, एसोसिएशन ऑफ आर्ट हिस्टोरियंस प्रमुख संगठन है, और यह आर्ट हिस्ट्री नामक एक पत्रिका प्रकाशित करता है। बिल्डविसेंशाफ्ट डिक्शनरी ऑफ आर्ट हिस्टोरियंस भी देखें, जो ड्यूक यूनिवर्सिटी फाइन आर्ट रॉक आर्ट थियोसोफी और विजुअल आर्ट्स नोट्स और संदर्भों द्वारा बनाए गए उल्लेखनीय कला इतिहासकारों का एक डेटाबेस है। 1932)। कला इतिहास के सिद्धांत; बाद की कला में शैली के विकास की समस्या। [न्यूयॉर्क]: डोवर प्रकाशन। हौसर, ए। (1959)। कला इतिहास का दर्शन। न्यूयार्कः नॉफ। आर्नटज़न, ई., और रेनवाटर, आर. 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