Что является основной формой могольской живописи?
Могольская живопись
Основной формой могольской живописи является миниатюра. Технология её производства практически полностью была позаимствована из персидской живописи. Могольская миниатюра создавалась на бумаге (очень редко в качестве основы использовалась хлопковая марля), бумага была импортного производства и местная. Местная бумага изготавливалась из бамбуковых, джутовых, шёлковых волокон и текстильной ветоши. Производство красок также было почти целиком перенято у персов, с поправкой на некоторые местные особенности (например, жёлтую краску добывали, выпаривая мочу быков, которых кормили манговыми листьями — это особый индийский способ добычи прочной жёлтой краски, которая так и называется — «индийский жёлтый»). Для отделки миниатюр широко использовалось золото и серебро, индийские умельцы применяли для живописи золото трёх разных оттенков. Чтобы краски хорошо ложились на бумагу и прочно закреплялись на ней, использовались различные растительные смолы (камеди) и млечные соки растений, которые добавляли в краску. Для переплётов использовали натуральные клеи на основе растительных камедей и гуммиарабиков.
Эгломизе
Существуют две принципиально различные техники живописи на стекле: так называемая «теплая» или «обожженная» и «холодная». К первой принадлежит классическая средневековая витражная живопись. Ко второй относятся виды живописи, в которых стекло просто расписывают красителями, не подвергая его ни до, ни после этого термической обработке. «Холодную» живопись можно разделить на два основных типа, в зависимости от того на какую сторону стекла наносится красочный слой. Это живопись «на стекле» («с лицевой стороны стекла») и «под стеклом» («с оборотной стороны стекла», «за стеклом»). Эти две категории различаются принципиально разным подходом к наложению красителей. Если при живописи «на стекле» краски наносятся классическим способом, также как и на другие основы (холст, бумага и т.п.), то при живописи «под стеклом» сначала выполняются все детали, а только затем — фон. Пишут от переднего плана к заднему, сначала ярчайшие света и глубокие тени, потом средние тона. Перекрывание локальных тонов завершает работу.
Изображения Мухаммеда
Учёные также спорят по вопросу того, являются ли изображения Мухаммеда исламским искусством. Они встречаются в сборниках стихов и книгах по истории, включая религиозные; Коран никогда не иллюстрируют, так как согласно исламской традиции изображения не должны быть предметом поклонения, хотя учёные сходятся во мнении, что подобные картины имели «духовный элемент» и иногда использовались в неформальных церемониях, например в праздновании дня мираджа. На многих изображениях лицо Мухаммеда скрыто тканью, на других он показан символически в виде пламени. На рисунках, созданных до XIV века, зачастую показано его лицо. Тем не менее, изображения Пророка были редки в любую эпоху, появляясь почти исключительно в персидских и других миниатюрах, иллюстрирующих книги. Основным массовым искусством в исламе являлась и продолжает оставаться каллиграфия.
Модерн
Для живописи модерна характерно стремление к созданию самостоятельной художественной системы. Одним из основоположников этих идей стала «Понт-авенская школа» с Полем Гогеном. В отличие от других стилей, картины и панно модерна рассматривались как элементы интерьера, придавая ему новую эмоциональную окраску. Поэтому декоративность стала одним из главных качеств живописи модерна.
Уржингийн Ядамсурэн
После Ядамсурэн обратился к традиционной технике плоскостной живописи «монгол зураг», используя вместо минеральных красок гуашь. В этой технике он создал ряд портретов основателей письменности и просветителей Монголии: Чойджи-Одсера, Зая-пандиты, Дзанабадзара и др., картины, посвящённые преобразованиям в стране после Народной революции, работы на тему драмы «Три печальных холма» Нацагдоржа, ряд собирательных портретов: «Старик-сказитель» (1958), «Исполнительница на шанзе» (1959).
Чжу Хаогу
Чжу Хаогу был выдающимся мастером монументальной живописи в Шаньси, создателем местной живописной школы, которая доминировала в этом регионе в течение всего XIV века. Однако эта школа не имела влияния в остальных частях империи Юань. Императорское искусство, субсидируемое и поддерживаемое монгольской династией, мощным потоком распространялось из столицы Даду и проникало в самые удалённые уголки империи. Совсем недалеко от Шаньси в горах Утай ведущий придворный архитектор Аниге, приехавший из Непала, возводил храмы в столичном придворном стиле. Выполненные в юаньском столичном стиле произведения живописи проникали в Шаньси, однако, похоже, не оказывали заметного влияния на местное художественное творчество. Во время правления монголов в столичной религиозной живописи культивировалось сильное влияние современного искусства Непала, которое в свою очередь опиралось на индийскую традицию буддийского искусства позднего периода династии Пала-Сена XI—XII веков. В отличие от неё стиль школы Чжу Хаогу основывался, с одной стороны, на старинной традиции изображения божеств, идущей от У Даоцзы (680—740), с другой, опирался на искусство киданьской династии Поздняя Ляо (907—1125) и чжурчжэньской династии Цзинь (1115—1234), которые до завоевания монголами правили на севере Китая. По сути, искусство школы Чжу Хаогу было последней волной влияния художественной традиции Ляо и Цзинь в китайской живописи, последней по времени, но не по результатам.
Монастырь Милешева
Главный акцент в образах Милешева — спокойная внутренняя сосредоточенность, одухотворенное, лиричное начало. Живопись Милешева отличает мягкая и нежная красота, колорит построен на высветленных цветах.
Могольская живопись
В связи с внезапной смертью отца, Акбар был посажен на могольский трон в 14 лет. Он с детства проявлял интерес к каллиграфии и живописи, а его наставниками в этих искусствах были Мир Сеид Али и Абд ас-Самад, к которым он испытывал уважение всю свою жизнь. Правление Акбара было столь благодатным, что, в конце концов, приняло в Индии легендарный вид. В его царствование границы Могольской империи постоянно расширялись. Его выдающиеся таланты, необычайную любознательность и цепкую память современные исследователи объясняют тем, что Акбар, вероятно, страдал редкой болезнью — дислексией (неспособность к чтению). Именно поэтому он не читал книги, а отмечал своей рукой, до какого места чтецам надлежит произносить текст. Возможно этим же объясняется и его сильное пристрастие к книжным иллюстрациям, позволяющим иметь перед глазами визуальный аналог текста.
По своей вере Акбар был мусульманином суннитского толка и правил в стране, большинство жителей которой были индусами. Он горячо верил в культурный и религиозный синтез, использовал католицизм для того, чтобы умерить засилье исламской ортодоксии, а живопись считал «противоядием против зла невежества». К ортодоксам, ненавидящим живопись, он относился с неприязнью.
В его правление персонал китабхане был расширен по разным оценкам до нескольких сот человек. Художников, каллиграфов, переплётчиков и прочих мастеров собирали со всех концов Индостана, среди них были и мусульмане и индусы. Придворный историк Абу-л Фазл в «Айн-и Акбари» сообщает, что Акбар много сделал для того, чтобы чтобы «…художники имели всё необходимое для работы по справедливым ценам. Особенно улучшилось качество красок».
Акбар несколько раз менял столицу — Агра (1556-69), Фатехпур Сикри (1569-85), Лахор (1585-98) и снова Агра (1599—1605) и каждый раз его большая книжная мастерская следовала за ним. Один из самых первых крупных проектов — создание манускрипта «Тути-наме» («Рассказы попугая», Музей искусства, Кливленд). Его текст состоит из 52 историй, рассказанных попугаем своей хозяйке для того, чтобы удержать её ночью дома, пока отсутствовал муж. Из каждой истории делается назидательный вывод. Вероятно, этот экземпляр книги был создан ещё в середине XVI века при раджпутском дворе Манду, а в мастерской Акбара в 1560-65 годах были заново переписаны иллюстрации. В книге 218 миниатюр, авторами которых были разные художники (там впервые появляются имена Басавана и Дасвантха, но кроме них эксперты насчитали порядка тридцати других художников). Стилистически это самые разные работы, в них эклектически смешаны локальные домогольские стили, которые в каждом конкретном случае дают возможность понять, из какого региона Индии происходит тот или иной художник. Место действия чаще имеет пространственную глубину, чем по-персидски плоское построение, композиции разнообразны, некоторые фигуры изображены не в профиль, а в развороте ¾.
Самым грандиозным проектом мастерской было создание 14-томной версии «Хамзанаме» («История Хамзы», ок. 1562—1577). Этот проект продолжался в течение почти 15 лет; был начат под руководством Мира Сеида Али, а завершён под началом Абд ас-Самада. Манускрипт состоял из 1400 больших (67,6х51,3 см) миниатюр, написанных на хлопковой марле. Сюжетом послужили истории из жития Хамзы, дяди пророка Мухаммеда, принявшие вид легенд и сказок. До наших дней дошло около 140 миниатюр из этой книги, в которых можно видеть самое разное качество; будучи по-прежнему связанными с персидской традицией, они, тем не менее, демонстрируют стремление к натурализму, реалистическому отображению пространства, ясному изложению повествования, в них виден интерес к портрету. Последнее специалисты считают результатом влияния европейской гравюры, проникавшей с 1560-х годов в Могольскую империю. Однако цветовая палитра этих миниатюр характерно индийская.
Русская живопись
Живопись претерпевает огромные изменения, складывается станковая картина с её смысловыми и композиционными особенностями. Вместо обратной перспективы иконописи приходит прямая перспектива и связанная с ней передача глубины пространства. Человеческие фигуры начинают изображать согласно верным принципам анатомии; совершенно новая задача — изображение обнажённого тела. Появляются новые средства передачи объёма, художники используют светотень вместо условно символического контура. Техника масляной живописи постепенно вытесняет темперную. Обостряется чувство фактуры — художники научаются изображать мех, бархат и т. п. Если картина сюжетная, то в ней заметны новые принципы взаимосвязи фигур.
Тушь
Традиционная китайская живопись (гохуа) появилась в глубокой древности. Китайские картины пишутся тушью, минеральными и растительными красками типа акварели на шёлке (иногда на хлопчатобумажной или пеньковой ткани) или на особой бумаге из мягкого тонкого волокна и имеют форму свитков — горизонтальных для рассматривания на столе и вертикальных для украшения стен.
Пещеры Могао
Фресковая живопись Могао представляет тысячелетний пласт изобразительного искусства Китая. По стилистике изображений она делится на четыре периода:
Ака Риза
Общий строй его миниатюр в альбоме «Муракка-и гульшан» тяготеет к персидской живописи, единственным «могольским» отличием можно считать применение светотеневой моделировки для изображения лиц персонажей. Чуть более прогрессивно выглядят маргинальные рисунки на одном листе из этого альбома, где художник нарисовал фигурки в могольских и европейских костюмах. В «Анвар-и Сухаили» пять миниатюр имеют подпись Ака Ризы и даты 1604-1605гг; они также пронизаны персидским стилем и в композиции, и в изображении природы в тех случаях, когда сюжет разворачивается на её лоне. Сцены в дворцовых помещениях полны деталей, характерных для персидской живописи конца XVI- нач. XVII веков. Например, в одной из лучших миниатюр этого манускрипта «Праздник царя Йемена», место празднования оформлено в типично персидском стиле: узоры ковров, изразцы, которыми покрыты стены, и цветущие деревья — всё призвано создать настроение удовольствия и наслаждения красотой.
Могольская живопись
В таких далёких от идеала условиях, тем не менее, в Дели продолжала существовать небольшая придворная мастерская. Более того, при трёх императорах — Бахадур Шахе, Джахандар Шахе и Фаррухсийяре художники далее развивали своё искусство, разрабатывая собственные красочные палитры и изобретая новые способы отображения фигур. Это был период формирования обновлённой версии могольской живописи, которая получила название «Дели калам» (делийская кисть); она оставалась ведущим столичным стилем до начала XIX века.
При Бахадур Шахе гамма стала более приглушённой, а человеческие фигуры плоскими, основными сюжетами стали разного рода придворные сцены. Похоже, что чем больше падал авторитет центральной власти, тем больше она старалась предстать в живописи в самом лучшем виде. Фигуры в этих сценах пропорциональны, но предельно статичны; с особой тщательностью переданы красивые костюмы и детали аксессуаров. Всё это можно видеть в миниатюре «Бахадур Шах с сыновьями» (ок. 1710 года, Музей искусства Сан Диего), на которой изображён император, протягивающий аграф с жемчужиной для тюрбана своему внуку. Подобный жест традиционно обозначал вручение властных полномочий. Тем не менее, однозначно определить, кто этот принц, сегодня невозможно. В нижней части изображены все четыре сына Бахадур Шаха — Джахандар, Азим аль-Шан, Рафи аль-Шан и Джахан Шах.
Могольская живопись
Иная живопись предстаёт в миниатюрах, выполненных по заказу старшего сына императора Дары Шукоха, которые были собраны в альбом, составленный им между 1633 годом, когда он в 18 лет женился на своей кузине Надире Бегум, и 1642 годом, когда Дара Шукох, согласно его надписи, подарил ей этот альбом. В нём представлены работы небольшой группы анонимных художников, работавших в персидской манере (известно только одно имя — Мухаммада Хана, художника работавшего в 1630-х годах). В альбоме, как обычно, страницы с каллиграфией чередуются страницами с миниатюрами; последние посвящены в основном портретам юношей и служанок (ни один не надписан), а также изображениям цветов и птиц.
Могольская живопись
Другой пример аллегорического портрета — «Мечта Джахангира о встрече с шахом Аббасом» (ок.1618-20, Галерея Фрир, Вашингтон). На ней изображена так никогда и не состоявшаяся встреча двух императоров: они дружески обнимаются, а ягнёнок шаха Аббаса мирно уживается со львом Джахангира. Когда вопреки мечтам последнего персы отняли у моголов Кандагар (1622г), Джахангир запретил своим художникам изображать шаха Аббаса где бы то ни было. Другого рода аллегория выражена в миниатюре «Джахангир расстреливает голову Малика Амбара» (1615—1620гг; Библиотека Честер Битти, Дублин), в которой изображен символический расстрел отрубленной головы врага моголов Малика Амбара — событие, существовавшее только в воображении Джахангира. Таким образом, с помощью живописи престарелый и мечтательный император достигал того, что не мог осуществить в реальной жизни. Воплощая в картинах этот выдуманный мир, художники Джахангира создали аллегорическую и глубоко символическую иконографию, ставшую отличительной чертой исламского искусства Индии.
Могольская кухня
Основной продукт могольской кухни — рис, как и в кухнях многих регионов Индии. Кроме того, для неё характерны молочные десерты, приготовленные с шафраном.
Искусство Пакистана
В XVI—XVII веках расцвета достигла миниатюрная живопись могольской школы.
Живопись
Анималистическая живопись — это живопись, главным сюжетом для которой является изображение животных.
Монументальная живопись — это часть монументального искусства, живопись на зданиях и сооружениях.
Пещерная живопись
Пещерная живопись эпохи палеолита состояла из линий и посвящалась в основном животным. Со временем пещерная живопись эволюционировала по мере развития первобытных общин; в живописи эпох мезолита и неолита встречаются как животные, так и отпечатки рук и изображения людей, их взаимодействия с животными и друг с другом, а также божествами первобытных культов, их обряды. Заметную долю рисунков времён неолита составляют изображения копытных, таких как бизоны, олени, лоси и лошади, а также мамонтов; большую долю также составляют отпечатки рук. Животные нередко изображались ранеными, с торчащими из них стрелами. Более поздние наскальные рисунки изображают также одомашненных животных и другие современные авторам сюжеты. Известны изображения кораблей мореплавателей древней Финикии, замеченные более примитивными общинами Иберийского полуострова.
Пещерная живопись широко практиковалась первобытными обществами, промышлявшими охотой и собирательством и находивших укрытие в пещерах или живших рядом с ними. Образ жизни первобытных людей мало менялся на протяжении тысячелетий, в связи с чем как красители, так и сюжеты наскальных рисунков практически не изменялись и были общими для популяций людей, живших в тысячах километров друг от друга. Тем не менее, различия между пещерной живописью различных временных периодов и регионов существуют. Так, в пещерах Европы в основном изображены животные, в то время как африканские наскальные рисунки уделяют равное внимание как человеку, так и фауне. Техника создания рисунков также претерпевала определённые изменения; более поздняя живопись нередко является менее грубой и демонстрирует более высокий уровень развития культуры.
Могольская живопись
За 300 лет своего существования могольская живопись выработала множество архетипических схем и особую стилистику, которые стали важным элементом культурного сознания индийцев. Будучи растиражированными провинциальными художниками в XVIII—XIX веках эти стили и схемы стали частью популярной культуры, которая существует и поныне. В Индии до сих пор есть художники, которые копируют либо имитируют на свой манер могольскую классику, изображая практически весь могольский тематический репертуар, включая сцены дарбаров. Эти простые, безыскусные произведения, тем не менее, имеют спрос на художественном рынке. В основном эта продукция производится в Раджастане, где существуют несколько художественных династий передающих мастерство по наследству. Среди наиболее известных: братья Уддин — Рафи и Саиф, Калурам Панчал, Вед Пал Шарма, Раджу Баба Шарма, Рам Гопал Виджаяваргия, Кайлаш Радж и др.
Могольская живопись
Сын Мухаммад Шаха — Ахмад Шах, бездарно проведя на могольском троне 6 лет, был ослеплён в 1754 году собственным визирем Гази ад-Дином, который возвёл на престол марионеточного Аламгира (1754—1759). В 1756 году Дели захватил афганский Ахмад-шах и увёз с собой огромную добычу, оцениваемую в 120 млн рупий. В 1757 году Дели захватили маратхи. В 1759 году афганцы отбили Дели у маратхов и подвергли разгрому. В 1761 году с помощью афганцев на могольском троне оказался Шах Алам II. Это был последний могольский правитель, пытавшийся, правда, безуспешно, вернуть государству прежний блеск и силу. Он был у власти до 1806 года, и за столь долгое правление произошло множество событий (в частности, в 1788-м он почти на год был отстранён от власти вельможей-авантюристом Хулам Кадиром, который приказал ослепить императора, так что вторую половину срока Шах Алам был слепым и живописью интересоваться не мог по определению), но главной тенденцией при нём было неуклонное усиление влияния англичан, которые, благодаря продуманной тактике Ост-Индской компании, добились, в конце концов, того, что старый и немощный Шах Алам перешёл под их покровительство, и с 23 мая 1805 года стал получать постоянное содержание — 120 000 фунтов стерлингов. Наследовавшие ему сын Акбар II (1806—1837) и внук Бахадур Шах II (1837—1858), также находились на содержании англичан и фактически не имели никакой политической власти.
Подобно тому, как растаяла власть могольских императоров, растаяла и сила мощного импульса, приданного живописи во времена Акбара и Джахангира. Ослабевшие и обедневшие императоры уже не могли себе позволить содержать большие художественные мастерские, поэтому всё чаще прибегали к услугам самостоятельных художников. Столица моголов перестала быть главным центром индийской живописи, альтернативные центры существовали в других городах и столицах княжеств. В такой же мере и могольский столичный стиль перестал существовать, по крайней мере, в той форме, как в лучшие времена могольской миниатюры в XVI—XVII веках. Это было время расцвета живописи в раджпутских княжествах и доминирования так называемого «стиля Ост-Индской компании» (Company style; сложился в конце XVIII века), который появился под влиянием присутствия в Индии европейских художников и в результате слияния европейских художественных приёмов с индийской тематикой. Преобладающей формой коллекционирования стало собирание альбомов, которым увлекались как богатые индийцы, так и жившие в Индии европейские ценители, а художники часто работали, в некотором смысле, как «поставщики копий».
Сюжеты старинных могольских миниатюр времён Акбара, Джахангира и Шах Джахана копировались или заново интерпретировались. Тщательно копировались даже оригинальные подписи авторов предыдущих времён, но не для того, чтобы выразить им почтение, а для того, чтобы обмануть коллекционеров. Горы в этих произведениях обычно покрыты золотыми цветами, словно взятыми из парчовых тканей. Портреты идеализированных дам с широко раскрытыми глазами и тяжёлыми серо-коричневыми тенями на щеках, выглядят почти деревянными. Мастера, создававшие произведения для Шаха Алама II, уводили живопись во всё большую декоративность; миниатюрам было присуще упрощенное построение сцен и напряжённые контуры фигур. Применялась красочная гамма приглушённых тонов.
Пиксельная графика
Пиксельная графика напоминает некоторые классические виды изобразительных искусств, такие как вышивка крестиком, мозаика и вышивка бисером — так как рисунок складывается из небольших цветных элементов, аналогичных пикселям современных мониторов.
Рисование обычно начинают с эскиза, который состоит из основных линий и определяет характер того, что художник намеревается изобразить. Его можно получить путём обводки отсканированного рисунка, и довольно часто ими делятся другие художники. Существуют и другие методы, некоторые из которых напоминают обычное рисование.
Живопись
Монументальная живопись выполняется непосредственно на стенах и потолках зданий и других сооружений. В прошлом преобладала живопись водными красками по сырой штукатурке (фреска). В Италии до начала XVI века по высохшей «чистой фреске» практиковалась прописка деталей темперой. Техника «чистой фрески» требует особого мастерства от художника, поэтому применялись и другие технологии, например, не такая устойчивая живопись по сухой штукатурке — секко, позднее росписи выполнялись малоподходящими для монументальной живописи масляными красками.
Империя Мин
Для ранней минской живописи, главным образом, была характерна ориентация на прежние, главным образом сунские, образцы. В возрождённой на рубеже 20-30-х годов XV века придворной Академии живописи преобладал жанр «цветов и птиц». Наиболее прославленными мастерами здесь были Бянь Вэньцзинь (начало XV века) и Линь Лян (конец XV века). В жанре пейзажной живописи, характерном для независимых от двора художников, пользовались известностью школа У во главе с её основателем Шэнь Чжоу (1427—1509) и школа Чжэ, наиболее ярким представителем которой был Дай Цзинь (род. ок. 1430 г.), а также Хуатинская (Сунцзянская) школа во главе с видным теоретиком живописи Дун Цичаном. В живописи XVI века преобладал подражательный (в отношении традиционных манеры и сюжетов) стиль. В традиционном жанре «цветы и птицы» большого мастерства достиг Люй Цзи. К новым моментам следует отнести развитие получившего распространение в XV в. так называемого «погребального портрета» с его характерной реалистичностью. С XVI веке возникает жанр иллюстрации погребальных произведений. Особый миниатюрный стиль в этой области доводит до совершенства работавший в середине века Цю Ин. Помимо названных художников широкую известность в эпоху Мин также приобрели Тан Инь, Вэнь Чжэнмин и др.
Раджпутская живопись
В целом до конца XVII века художники иллюстрировали в основном религиозные манускрипты и придерживались живописной формулы, созданной Сахибдином. В правление Амар Сингха II (1698—1710) и Санграма Сингха II (1710-34) меварская живопись обрела новое дыхание. Её тематика перестала ограничиваться мифологией и поэзией. Важную роль в обновлении играл анонимный художник, окрещённый учёными «Мастером штриха», который в течение приблизительно 30-и лет работал при дворе и создавал миниатюры в технике «ним-калам» (гризайль) с лёгкой подкраской, явно навеянные могольским стилем. Наряду с придворными сценами в живописи появились сцены охоты, фестивалей и празднеств, а также царских посещений святых-отшельников. На некоторых крупноформатных картинах, созданных для Санграма Сингха II (1710-34) дворцовая архитектура использована как театральные кулисы, на фоне которых разворачивается происходящее. Эти большие, панорамного охвата композиции обычно густо заселены персонажами. Однако довольно скоро миниатюры утратили «исключительно документальный характер» и в период правления Джагат Сингха II (1734-51) погрузились в атмосферу эскапистского веселья (вероятно, не без влияния со стороны художников из мастерской могольского императора Мухаммад Шаха). Надписи на картинах свидетельствуют, что над большими композициями работали вместе 2-3 художника; среди творческих дуэтов, трудившихся над этими произведениями, можно прочитать имена Нага и Пьяра, Сукха и Сьяджи, Кесу Рама и Бхопа.
Изображения Мухаммеда
Наиболее часто встречающаяся в исламском искусстве форма изображения Мухаммеда — каллиграфическое написание его имени, разновидность монограммы круглой формы, зачастую в декорированной рамке. В подавляющем большинстве случаев изображается на арабском языке, может включать повторяющиеся формы, гоноративы, благословения и другие фразы, а также их сокращения. Встречаются также амбиграммы и частые отсылки к розе, символу Мухаммеда.
Мир Сеид Али
Вероятно, успешная карьера Мир Сеида Али при дворе шаха Тахмаспа продолжалась бы и далее, если бы в его жизни не произошли решительные перемены. С 1540-х годов шах Тахмасп I становился все более религиозным, к 1550-м годам его религиозность переросла в отторжение светских проявлений в окружающей жизни. Он потерял прежний интерес к книжной миниатюре, и в конце концов издал указ о запрете светских изображений на всей территории персидского царства. Художники его китабхане в этот период разъехались кто куда, большая часть нашла прибежище при дворе племянника шаха Тахмаспа, Султана Ибрагима Мирзы. Тем временем могольский император Хумаюн после неудачных сражений с Шер Шахом потерял свой трон, и в 1543 году прибыл в Персию, где шах Тахмасп оказал ему теплый прием и высочайшее покровительство. Последовали бесчисленные пиры, на которых Тахмасп уговаривал суннита Хумаюна перейти в шиитскую веру. Пока Хумаюн гостил в Тебризе, он познакомился с художниками шахской китабхане, был очарован их произведениями, и двух из них пригласил на службу к себе, желая создать библиотеку-мастерскую подобную тебризской. Этими художниками были Абд ас Самад и Мир Мусаввир. Однако в силу каких-то причин вместо Мир Мусаввира на службу к Хумаюну поехал его сын Мир Сеид Али. Эти два художника — Мир Сеид Али и Абд ас Самад — стали основателями еще одной, но вполне самостоятельной, ветви персидской живописи — могольской живописной школы.
Корейская живопись
Корейская живопись — один из корейских видов искусств, характеризующийся разнообразием жанров и стилей.
Живопись
Существует пять видов живописи: станковая, монументальная, декоративная, театрально-декоративная, миниатюрная. К станковой живописи относят произведения, существующие независимо от места создания. В основном это картины, созданные на мольберте (то есть на станке) художника. В станковой живописи преобладают работы, выполненные масляными красками, но могут использоваться и другие красители (темпера, акриловые краски и т. д.). Картины пишутся в основном на холсте, натянутом на раму или наклеенном на картон. В прошлом широко применялись деревянные доски, могут использоваться любые плоские материалы.
Могольская живопись
Ситуация стала меняться к концу правления императора Джахангира, подорвавшего своё здоровье пристрастием к вину и опиуму. В своих мемуарах он признаётся, что «…дошёл уже до такой крайности, что не мог держать чарку в собственных руках; я пил, а другие держали чарку вместо меня». В этих условиях руководство администрацией приняла на себя его жена Нур Джахан, женщина умная и властная, которая повела безуспешную интригу против сына и наследника Джахангира — принца Хуррама.
Настроение этого позднего периода выражено в миниатюрах с сюжетными линиями двух разных типов. В одном случае, это изображения встреч Джахангира с аскетами-отшельниками и мусульманскими святыми, когда император выражает им своё почтение. Несмотря на то, что тема встреч с мудрецами изредка присутствовала в живописи с первых лет восшествия Джахангира на трон (на них он беседует о религии и философии с благочестивыми мудрецами), большое количество таких изображений в поздний период, по мнению исследователей, было призвано подчеркнуть божественное право на царствование больного императора.
Другой тип — это миниатюры с изображением аллегорий, в которых Джахангир совершает предполагаемые подвиги или получает божественное вдохновение. В своих мемуарах Джахангир отмечает, что некоторые из этих глубоко символических картин были выражением его мечтаний. Этими аллегорическими работами такие художники как Абул Хасан, Бичитр, Говардхан и Хашим по сути создали новый стиль миниатюры, сумев придать форму воображаемому Джахангиром миру. Один из лучших примеров такого портрета — работа Бичитра «Джахангир, предпочитающий королям суфийского шейха» (ок. 1620г, Галерея Фрир, Вашингтон). На ней Джахангир, игнорируя присутствующих в групповом портрете английского короля Якова I и турецкого султана Мехмеда II (или биджапурского султана Ибрагима Адилшаха II), обращается напрямую к суфийскому шейху (четвёртая фигура — автопортрет художника). Вокруг головы императора сияет гало из солнца и луны, символизирующих имя его правления Нур ад-Дин (Свет веры). Часть элементов композиции — трон в виде песочных часов и путти, позаимствована из репертуара европейских гравюр, которые Джахангир коллекционировал. Вопреки тому, что иконография картины представляет императора во всей славе, его лицо выглядит больным и усталым.
Японская живопись
В резком контрасте с живописью периода Муромати выступает живопись периода Адзути-Момояма (1573—1603). Ей характерен полихромный стиль с широким использованием золотой и серебряной фольги. В то время большой известностью и престижем пользовалась школа Кано. Её основатель Эйтоку Кано занимался росписью стен потолка и раздвижных дверей для разделения комнат. Такие расписные элементы служили украшением замков и дворцов военной знати.
Могольская живопись
Более отчётливо становление особого могольского живописного стиля можно видеть в другом проекте акбаровской китабхане — в «Анвар-и Сухаили» («Созвездие Канопус» — персоязычная версия книги «Калила и Димна» Кашифи; 1570, Библиотека Школы восточных и африканских исследований, Лондон). Ни одна из 27 миниатюр этой книги не имеет авторской подписи, но почти все выдержаны в единой стилистике (исключение составляют две миниатюры в провинциальном бухарском стиле). При сравнении с «Тути-наме» заметны более тонкая живописная техника, большее колористическое разнообразие, отсутствие грубых контрастов, сюжеты излагаются в спокойной, менее форсированной манере. Всё это является свидетельством талантливой организации дела и единоначалия в производстве иллюстраций.
Абу-л Фазл в «Айн-и Акбари» описывает процесс становления «акбаровского стиля» таким образом: придворные чиновники каждую неделю клали перед Его Величеством произведения всех художников, «… затем в зависимости от качества представленных работ он раздавал награды или увеличивал месячное жалование». То есть, этот стиль был непосредственным отражением вкусов и предпочтений императора Акбара.
Станковая живопись
Станковая жи́вопись — один из родов живописи, произведения которого имеют самостоятельное значение и воспринимаются независимо от окружения. Буквально — живопись, созданная на станке (мольберте).
Живопись Декана
В то время как во второй половине 16 века могольская живопись развивалась при дворе Акбара, в деканских султанатах искусство развивались независимо. Стиль живописной миниатюры, процветавший при дворе правителя Бахманийского султаната и позднее при дворах султанов Ахмаднагара, Биджапура, Бидара, Берара и Голконды, широко известен как Деканская школа живописи. Одним из старейших сохранившихся образцов деканской живописи являются иллюстрации к ахмаднагарской рукописи поэмы на персидском языке «Тариф-и-Хуссэйн Шахи» (1565 год), которая хранится в Бхарат Итихас Сансходхак Мандале () в Пуне. Около 400 живописных миниатюр, выполненными в характерном персидском стиле, содержит биджапурская рукопись «Звёзды наук» (, 1570 год), хранящаяся в библиотеке Честера Битти, в Дублине (Ирландия).
Могольская живопись
Другие иллюстрированные манускрипты, созданные в период 1580—90х годов, представляют собой хроники предков императора Акбара. Среди этих исторических текстов есть «Тимурнаме» («История Тимура»; ок. 1584г; Библиотека Худа Бахша, Патна, Банкипур); несколько вариантов «Бабурнаме» — мемуаров деда Акбара, императора Бабура (Британская библиотека, Лондон; Музей Уолтерса, Балтимор) и два варианта «Акбар-наме» — биографии императора Акбара, составленной придворным историком Абу-л Фазлом в двух томах в 1590—1596 и в 1598—1602 годах (ок. 1590; Музей Виктории и Альберта, Лондон; и 1596-97, Библиотека Честер Битти, Дублин). Для этих манускриптов характерны крупные миниатюры во всю страницу. Чтобы создать столь большое число многофигурных композиций в короткий срок, их производство пришлось организовать поточным способом, когда каждый художник выполнял свою, порученную ему функцию: одни отвечали за общий рисунок сюжета, другие накладывали краску, третьи прорисовывали лица и т. д. В некоторых случаях, в частности в первом варианте «Акбар-наме», некоторые миниатюры, предназначенные для каких-то предыдущих рукописей, были подправлены или переписаны, и включены в этот манускрипт. Два варианта «Акбар-наме» были наиболее важными и самыми передовыми проектами 1590-х годов, в которых старые опытные мастера работали рука об руку с новичками. В этих коллективных произведениях художникам удалось достигнуть композиционной ясности и выйти за пределы плоскостности, отобразив широту пространства.
Мазель, Илья Моисеевич
В «европейский» период жизни сильное влияние на Мазеля оказывал мюнхенский модерн, а после переезда в Ашхабадосновными в картинах художника становятся восточные мотивы. Так основным его произведением тех лет называют книгу-альбом «Ковровые сказки». Эта работа выполнена, как некая «фреска в миниатюре». Сам Мазель считал её художественным итогом тех восьми лет, которые он прожил в Туркестане. В конце 20-х годов идеи художника претерпевают изменения — он перестаёт интересоваться миниатюрами и переходит к полномасштабным картинам, которые пишет маслом и темперой. В это время создаются такие полотна, как «Качели», «Невеста», «Старый Ашхабад», «В юрте».
Японская живопись
— один из наиболее древних и изысканных японских видов искусств, характеризуется широким разнообразием жанров и стилей. Для японской живописи, как и для литературы, характерно отведение ведущего места природе и изображение её в качестве носительницы божественного начала. Другим предметом, который широко распространен в японской живописи, является изображение сцен из повседневной жизни и тематических картин, которые часто переполнены цифрами и деталями. Эта традиция, несомненно, началась в период раннего средневековья под влиянием Китая, но со временем стала рассматриваться как часть японских традиций, которая существует и сегодня.
Китайская живопись
Живопись Суми-э является японской разновидностью китайской живописи. Изначально Суми-э, как и Се-и была монохромной и писалась лишь при помощи туши, но со временем японские художники начали писать и цветными минеральными красками. Большой импульс развития живопись Суми-э получила не только в Японии но и в других странах мира, в частности в США и России. В Москве сегодня существует школа живописи Суми-э, поддерживаемая посольством Японии.
Живопись фигурного холста
Живопись фигурного холста "(Shaped Canvas) —" живопись на холстах нестандартной, непрямоугольной формы, имеющих цвет или рельеф. Возможно изменение цвета холста и его очертаний при сохранении при этом плоскости. Традиционным примером подобного вида живописи из древности является "тондо" – исполнение картины на круглой панели или холсте. Рафаэль, как и некоторые другие художники эпохи Ренессанса, порой избирали этот метод для изображения Мадонны. В качестве альтернативы, возможно и изменение рельефа холста и работа на трехмерной поверхности. Практиковалось и то и другое. Можно поспорить, что изменение рельефа холста позволяет называть творение скульптурой, но обычно работы на фигурном холсте называют картинами.
Монументальная живопись
Монумента́льная жи́вопись — разновидность монументального искусства, живопись на архитектурных сооружениях и других стационарных основаниях. Иногда для обозначения произведений такого рода используется термин "«мураль»" (от — настенная живопись). Также возможно определение "«монументально-декоративная роспись»".
Могольская живопись
Когда в 1605 году принц Селим воссел на могольский трон под именем Джахангир, он получил в наследство огромную библиотеку, собранную отцом, и его мастерскую с множеством художников и ремесленников. Вскоре суперинтендантом библиотеки был назначен образованный придворный Мактуб Хан, а персональная печать Джахангира и его автографы появились на форзацах наиболее важных книг. Во многие старые и редкие тома были добавлены новые миниатюры и маргиналии, среди которых были реалистические рисунки, изображающие человеческие фигуры, а некоторые старые миниатюры были заново переписаны. Подобным процедурам были подвергнуты (среди прочих) «Диван» Хафиза (Сборник поэм; 1605г, Британская библиотека, Лондон); «Хамсе» Алишера Навои (Пять поэм; Королевское собрание, Виндзор); «Бустан» Саади (Плодовый сад; Частное собрание Филиппа Хофера, Кембридж); «Гулистан» Саади (Розовый сад; 1567года. Британская библиотека, Лондон); «Хамсе» Низами (Пять поэм; 1595 года, Британская библиотека, Лондон и Музей Уолтерса, Балтимор) и «Шахнаме» Фирдоуси (Книга царей; сохранились разрозненные листы).
Джахангир реформировал китабхане, оставив только способных художников-специалистов. Менее значительные живописцы были освобождены от императорской службы. Некоторые из них продолжили работать в Агре у придворных вельмож, иные перебрались в Декан и Раджастан к дворам местных правителей, распространяя приёмы и эстетику могольской живописи. Эти художники способствовали популяризации упрощённого варианта могольской живописи, получившего у историков искусства название «суб-имперский стиль».
Искусство Японии
Наиболее известной школой живописи периода Момояма является школа Кано. Кано Эйтоку оказал на неё значительное влияние, создавая монументальные пейзажи на раздвижных межкомнатных дверях. Ширма Эйтоку «"Китайские львы"» является образцом смелого яркого стиля, которому отдавали предпочтение самураи.
Современное искусство Японии имеет множество форм и выражений, как и большинство современного мирового искусства в целом. Начиная от аниме, видеоигр и архитектуры, до скульптуры и живописи всех мыслимых форм.
Мир Хашим
Портретный жанр в могольской живописи был санкционирован императором Акбаром, который сам позировал художникам и принуждал к этому своих вельмож. При Джахангире и Шах Джахане портретирование стало обычным, живописные изображения в то время по сути заменяли фотографию. Хашим был выдающимся мастером этого жанра, работавшим, по меньшей мере, при двух императорах — Джахангире (1605—1628) и Шах Джахане (1628—1658). Свои персонажи он изображал, как правило, в профиль, редко в развороте ¾. Детали лица Хашим прорабатывал тончайшей кистью, культивируя натурализм близкий европейскому. Контрастом этому натурализму служит иератичность и застылость поз портретируемых, и фон в виде нереального пейзажа.
Монголия
Одни из самых ранних примеров монгольского изобразительного искусства — наскальные рисунки и бронзовое и медное оружие с изображениями животных. Тут также находится каменная стела железного века. На монгольское искусство сильное влияние оказали изобразительные каноны тибетского буддизма, а также индийское, непальское и китайское искусство. В начале XX века в Монголии начала развиваться традиция светской живописи, её основоположником стал Балдугийн Шарав. После революции долгое время единственным допустимым стилем в монгольской живописи был социалистический реализм, и лишь в 1960-е годы художники получили возможность отойти от канонов. Первыми представителями модернизма в Монголии были Чойдогийн Базарваань и Бадамжавын Чогсом.
Тональность (живопись)
Пожалуй, наиболее простое и чистое представление о тональности изобразительного искусства можно получить на примере графики или монохромного тонового рисунка. Среди наиболее распространённых примеров такой живописи можно назвать масляный, пастельный или акварельный рисунок, выполненный одной краской (гризайль), или же рисунок углём или графитом, выполненный методом растушёвки.
Могольская живопись
Дошедшие до наших дней образцы живописи того периода обладают одним особенным качеством — чувством покоя, вне зависимости от того, изготовлены они в императорской мастерской или за её пределами. Тематический репертуар миниатюр был достаточно традиционным, единственной новинкой можно счесть ночные сцены, в которых использовалась игра света и темноты — техника была позаимствована либо непосредственно из европейской живописи, либо из поздних работ могольского мастера Паяга. Тёмное небо с сияющей луной и звёздами, и желтоватые отблески света, падающие на человеческие фигуры, производят в них сказочное впечатление. Однако лица персонажей, как правило, безжизненны и напоминают маски. Излюбленными темами были сцены в гареме, занятия любовью, придворные театрализованные представления не террасах, собрания мистиков или медитирующих аскетов и парады. Эта живопись похожа на зеркало, отражающее желание укрыться в удовольствиях перед лицом надвигающейся политической катастрофы, которая не заставила себя долго ждать.
Живопись Тибета
Наиболее яркими примерами живописи этого периода являются росписи западно-тибетских монастырей в Маннанге, Табо и Алчи, которые относят к первой пол. XI века. В них видна стилистическая связь, как с искусством Индии, так и с искусством центрально-азиатских буддийских центров. Росписи Дукханга (главный зал) в монастыре Табо (Спити), выполненные ок. 1040 года представляют собой самый ранний из сохранившихся полных живописных циклов, посвящённых так называемым трём первым поворотам колеса Дхармы: житию Будды и распространению его учения.
Росписи в Сумцеке (два главных зала монастыря Алчи-Гомпа), отличает необычная светотеневая моделировка фигур, напоминающая ранние произведения кубистов. Идейная программа этих росписей посвящена трём телам Будды (Нирманакая, Самбхогакая и Дхармакая).
Культура Древней Руси
Во Владимиро-Суздальской Руси домонгольского периода сохранились фрагменты фресок Дмитриевского и Успенского соборов во Владимире и церкви Бориса и Глеба в Кидекше, а также несколько икон. Основываясь на этом материале, исследователи считают возможным говорить о постепенном становлении Владимиро-суздальской школы живописи. Лучше всего сохранилась фреска Дмитриевского собора с изображением Страшного суда. Она создана двумя мастерами — греком и русским. К Владимиро-суздальской школе относятся несколько больших икон XII — начала XIII веков. Самой ранней из них является «Боголюбская Богоматерь», датируемая серединой XII века, стилистически близкая к знаменитой «Владимирской Богоматери», которая имеет византийское происхождение.
Басаван
Басаван был важнейшей фигурой в развитии могольской живописи, поскольку на его примере можно видеть всю эволюцию акбаровской миниатюры от первых простых образцов до высшей точки её развития, когда произведения приняли сложный и изысканный вид. Предполагают, что около 1600 года, после смерти Абд ас-Самада, Басаван возглавил императорскую китабхане в Лахоре. Точных сведений о последних годах жизни художника не сохранилось. Его сын Манохар тоже стал художникам, и создавал миниатюры сначала для Акбара, а затем для его наследника императора Джахангира.
Марокканская мозаика
Марокканская мозаика (Zellij) — это глиняная плитка маленьких размеров, покрытая глазурью. В марокканской архитектуре мозаика используется уже тысячи лет. Центром искусства мозаики был и остается город Фес. Особенностью марокканской мозаики является её кустарный способ производства даже в наше время. Это делает уникальным каждое оформление. Мастера вручную, при помощи острого молотка, вытачивают каждый элемент, подбирая цвет и форму. Толщина мозаики зависит от того, на какую поверхность её будут укладывать. Для стен, колонн, столешниц делают не очень толстые фрагменты. Для пола, садовых дорожек толщина плиток достигает 2 см. Укладка мозаики производится лицевой стороной вниз, т.е. мастер не видит рисунка, пока полностью не выложит фрагмент для монтажа. Сейчас немного упростили укладку мозаики, укладывают фрагменты рисунка с помощью клея на ткань 30 на 30 см, а затем уже готовыми элементами облицовывают поверхность. В этом случаю помощь профессиональных мастеров уже не требуется.
Цветовая гамма весьма многообразна, от теплых до холодных тонов. Образцы мозаики называют мотивами. Как правило в рисунке используют следующие геометрические формы: ромб, звезда, квадрат, восьмиугольник, крест.
Использование: весьма популярна в помещениях с повышенной влажностью - хамам, бассейн, сауна, фонтаны. Но также используется для облицовки любых поверхностей, в том числе сложной формы.
Завтрак на траве (картина Моне)
Изображение природы, естественный свет, видимый на волосах и плечах людей, размытие цвета на тщательно прорисованных листьях деревьев — всё это характеризуется импрессионистической техникой, получившей сильное развитие в творчестве Моне и ставшей его главным художественным стилем. В настоящее время критики оценивают картину как шедевр Моне и его дебют в импрессионизме, ознаменовавшийся настоящей революцией в истории искусства. Об этом говорит активное использование художником на данной картине чёрного цвета, от которого импрессионисты впоследствии отказались, считая, что он не существует в чистом виде в природе и может быть более натурально передан рефлексами других цветов, как в упоминавшихся «Женщинах в саду».
Холмская икона Божией Матери
Икона Холмской Божьей Матери является редким памятником византийской живописи иллюзионистического стиля и написана на рубеже XI-XII веков. Холмская икона написана темперными красками на трёх кипарисовых досках в византийском стиле. На иконе изображена Богородица, которая держит на правой руке младенца Иисуса, благословляющего правой рукой, а левой рукой держащего свиток. По стилистическим признакам ближайшей аналогией Холмской Богородицы является Владимирская икона Божией Матери. На иконе сохранено 60 % авторской живописи. Размер иконы — 95×66 см.
Могольская живопись
Джахангир проявлял интерес к живописи задолго до того, как стал императором. В 1587-88 годах, ещё будучи принцем Селимом, он основал свою отдельную китабхане под руководством Ака Ризы, эмигранта из Персии. В 1599 году принц Селим восстал против своего отца Акбара и удалился с войсками в Аллахабад, где организовал свой отдельный двор и, соответственно, китабхане. Кроме Ака Ризы к мятежному двору Селима присоединились Мирза Гулам, Мансур, Нанха и Бишан Дас. Мастерская Селима в Аллахабаде произвела на свет манускрипты с разнообразной тематикой: «Диван» (сборник поэм) Наджмеддина Хасана Дехлеви (1602, Музей Уолтерса, Балтимор); «Радж Кунвар» (Сын царя) — персидская поэма, вероятно, перевод индийского первоисточника (1603-4гг, Дублин, Библиотека Честер Битти); «Халнаме» (Книга экстаза; 1603-4гг, Национальная библиотека, Париж). Ещё один манускрипт — версия «Анвар-и Сухаили» (Созвездие Канопус) была начата в 1604 году в мастерской Аллахабада, но завершена лишь в 1610-11 годах. К этому периоду, возможно, относится также рукопись «Двадаса бхава» (сохранились разрозненные листы) — индуистский текст, переведённый на персидский с санскрита (её миниатюры близки продукции китабхане Селима в Аллахабаде). Стилистически иллюстрации этих рукописей распадаются на две основные группы: те, в которых преобладает персидская манера (вероятно, благодаря сильному влиянию Ака Ризы, предпочитавшему персидский стиль) и те, в которых виден упрощённый акбаровский стиль, который, по-видимому, явился результатом того, что большинство художников Селима вышли из стен мастерской Акбара.
Могольская живопись
Основатель династии Бабур после безуспешной борьбы за власть в Мавераннахре, был вытеснен из Средней Азии войсками узбекского Шейбани-Хана в Афганистан. Оттуда Бабур повёл завоевательные походы в Северную Индию, и после того, как в 1526 и 1527 годах одержал две блистательные победы, закрепился в Индостане, положив начало династии Великих моголов. Он был образованным, имевшим широкий кругозор человеком: писал стихи, а его мемуары «Бабурнаме» содержат живописные картины наблюдения природы. Бабур был любителем и собирателем книг. О его неравнодушии к живописи свидетельствует упоминание им в мемуарах прославленного художника Бехзада, причем, с критическим оттенком (наряду с традиционными восторгами Бабур пишет, что у Бехзада плохо получались безбородые лица).
В научной литературе принята точка зрения, что у Бабура не было собственной китабхане, поскольку не известно ни одного иллюстрированного манускрипта, созданного под его патронажем. Принято считать, что Бабур большую часть времени проводил в военных кампаниях, поэтому не заказывал иллюстрированных книг. Однако, многие исследователи отмечают, что по сути, такая точка зрения противоречит как характеру Бабура, так и тому, что его родственники — потомки Тимура, к каковым он относился, правившие в Среднеазиатских княжествах, поддерживали просвещенную традицию покровительства художникам и писцам, держа у себя китабхане. Кроме того, сын Бабура — Мирза Камран, губернаторствоваший в Кабуле, содержал библиотеку-мастерскую, в которой в 1530-53 годах был создан иллюстрированный манускрипт «Юсуф и Зулейха» (Библиотека Пирпонта Моргана, Нью-Йорк). Повесть была переписана каллиграфом Абдаллой Ширази и содержит шесть миниатюр в провинциальном бухарском стиле, который, среди прочих, стал одним из источников появления могольской живописи. Прекрасная миниатюра на отдельном листе «Два музыканта под деревом» из частной коллекции, США, проданная в 2011 году на аукционе Сотбис за £ 679 650, выдержана в этом же стиле, и, полагают, была создана в китабхане Мирзы Камрана.
Станковая живопись
Станковая живопись — один из основных видов изобразительного искусства, наиболее богатый жанрами и стилями.
Раджпутская живопись
Серьёзные стилистические перемены в искусстве княжества, как правило, были связаны с приездом художников из могольской императорской мастерской. Исследователи отмечают несколько таких этапов. До первых десятилетий XVII века характерным признаком живописи Амбера были мягкие, обтекаемые формы, которые художники придавали могольским элементам, подчиняя их стилистике местной простонародной живописи. Следующая фаза связана с правлением Джай Сингха I (1622—1667), она была отмечена появлением композиционных приёмов, архитектурных деталей, манеры изображения людских фигур и всяких второстепенных элементов, которые были характерны для конца правления императора Джахангира (1605-27) и периода правления Шах Джахана (1627-58). Джай Сингх I был коллекционером персидских ковров и могольской живописи, однако, несмотря на могольское влияние, живопись при нём по прежнему сохраняла фольклорный дух. Композиции в это время были простыми, а женские лица обрели тонкость и изящество в исполнении. Эта стилистика в общих чертах продолжилась и во время правления Саваи Джай Сингха II (1700—1743) — строителя новой столицы, большого любителя и покровителя живописи. При его дворе работали художники Мохаммад Шах, в миниатюрах которого преобладало влияние могольской школы, и Сахиб Рам, долгожитель джайпурской живописи — его творческая карьера продолжалась более пятидесяти лет.
Му Ци
В монастыре Людунсы, возглавляемом Му Ци, возник главный центр чаньской живописи. Монах создавал свои произведения, не выходя за границы основных китайских жанров, таких как «жэнь-у (хуа)», «(живопись/изображения) фигур», пейзаж — «шань-шуй (хуа)» «(живопись/изображения) гор и вод», «хуа-няо хуа», «(живопись/изображения) цветов и птиц». Лучшим творением Му Ци в жанре «жэнь-у», традиционно объединявшем в себе живопись на религиозные темы, считается триптих «Гуань-инь юань хэ» («Гуань-инь, обезьяна и журавль», коллекция монастыря Дайтокудзи, Токио), образованный тремя почти одинаковыми по формату (ок.170 х 100 см.) вертикальными свитками. Эта картина, как и другие имели глубокое влияние на последующее развитие живописи тушью в самой Японии.
История иконописи
Наглядно процесс изменения античных форм, их спиритуализацию христианским искусством можно увидеть на примере мозаик итальянского города Равенны — самого большого ансамбля раннехристианских и ранних византийских мозаик, сохранившегося до нашего времени. Для мозаик V века (мавзолей Галлы Плацидии, баптистерий православных) характерны живые ракурсы фигур, натуралистическая моделировка объёма, живописность мозаичной кладки. В мозаиках конца V века (баптистерий ариан) и VI века (базилики Сант-Аполлинаре-Нуово и Сант-Аполлинаре-ин-Классе, церковь Сан-Витале) фигуры становятся плоскими, линии складок одежд жесткими, схематичными. Позы и жесты застывают, почти исчезает глубина пространства. Лики теряют резкую индивидуальность, кладка мозаики становится строго упорядоченной.
Будкеев, Михаил Яковлевич
Творческий метод Михаила Будкеева сложился на основе углубленного изучения натуры, художник продолжает традиции русского пейзажа. В середине 1960-х годов он обратился к теме Горного Алтая, в 1970-х — к натюрморту, не утрачивая пейзажное восприятие мира. М. Я. Будкеев создал живописную серию архитектурных образов г. Барнаула. Большое место в творчестве художника занимает монгольская тема. Живописец работает в жанре тематического пейзажа, портрета и натюрморта.
Свои первые картины Михаил Будкеев написал, когда работал на Бийском котельном заводе. Сначала они были выставлены на городской выставке, а в 1953 году — в Москве.
Персидская живопись
Единственным созданным до монгольского завоевания иллюстрированным полноценными миниатюрами персидским манускриптом является «Варка и Гольшах», который датируется серединой XIII века. Эта рукопись любовного романа, написанного Айюки (XI век), украшенная семьдесят одной миниатюрой, хранится в музее Топкапы Сарай, в Стамбуле. Манускрипт является единственным примером исконно персидской художественной традиции, продолжавшейся и далее, несмотря на мощное китайское влияние, которому она подверглась во время правления монголов. С XIII века начинается то, что можно считать преемственностью художественных приёмов и принципов, а это позволяет говорить о персидской живописи как об устойчивом многовековом феномене, пустившем корни в нескольких азиатских регионах и имеющем несколько стилистических ответвлений.
Московская живописная школа
Московская живописная школа (или Московская школа живописи) – устойчивое понятие, закрепившееся с конца XIX века в отношении нескольких поколений московских живописцев, тяготевших в своём творчестве к «широкому спектру традиций старого Московского Училища живописи, ваяния и зодчества».
Калмыцкая литература
К наиболее древним формам фольклорных произведений относятся йорялы, магталы и харалы. Все эти формы народного творчества имели поэтический характер. Разнообразные по содержанию йорялы являлись наиболее распространённым творчеством среди простого народа. Владимировцов Б. Я. пишет, что "«благопожелания по большей части бывают тесно связаны с обрядом или каким-либо бытовым явлением»". Наиболее традиционной формой йоряла является формула-вступление "«Пусть проживёт много лет, пусть будет крепким счастьем»" ("«Ут наста, бат кишгтә болтха»"). Йорялы, произносимые торжественным образом, требовали от человека определённых поэтических навыков. Были особые мастера по произношению йорялов, которые назывались «йорелчи». Каждое более-менее значимое событие в жизни человека сопровождалось благопожеланием в стихотворной форме, которое сочинялось человеком в импровизационной форме:
«Наденет ли калмык новое платье, купит ли новую вещь, переменит ли место кочевья, приступит ли в гостях к еде, приносит ли жертву Будде, тенгриям-небожителям, хозяину огня — всё это постоянно сопровождается соответствующими благопожеланиями».
Магталы и йорялы имели общее происхождение. Древних образцов йорялов в ранних письменных источниках не сохранилось. До нашего времени дошёл «Весенний йорял» (Хаврин йорәл), являющий собой фрагмент несохранившегося крупного поэтического произведения. В отличие от йорялов, желающих благо в будущем, магталы восхваляли настоящее и представляли собой молитву-обращение к силам природы или окружающей среде за помощью.
Минеральная живопись
Минеральная живопись — техническая разновидность монументально-декоративной живописи, основанная на применении растворимого стекла в качестве связующего.
Живопись
Бата́льная живопись — жанр изобразительного искусства, посвящённый темам войны и военной жизни. Главное место в батальном жанре занимают сцены сухопутных, морских сражений и военных походов. Художник стремится запечатлеть особо важный или характерный момент битвы, показать героику войны, а часто и раскрыть исторический смысл военных событий.
Культура Монголии
Среди первых попыток ввести модернизм в изобразительном искусстве Монголии была картина «"Любовь матери"», созданная в 1960-х годах; однако все направления живописи искусства получили распространение после демократической революции 1990 года.
Художественная роспись
Обыкновенно в центре майоликового блюда или на передней плоскости кольцевидного тулова квасника изображалась гордо выступающая птица типа журавля или цапли — тонким чёрным контуром с легкой подцветкой; это основное изображение дополняют и сопровождают легкие условные деревца, кустики, иногда предельно обобщенные, схематизированные изображения людей, например дам в кринолинах, иногда архитектурных сооружений. Виртуозность штриха, свобода расположения и уравновешенность всех изображений, их вписанность в круг, изящество и тонкость раскраски — все это указывает на чрезвычайно высокую квалификацию и художественную одаренность мастеров-расписчиков. Но не отстают от них и скульпторы. Плечики, крышки, ручки кувшинов и кумганов дополнены небольшими жанровыми скульптурками людей и забавными изображениями животных. Мелкая декоративная пластика выполнялась и вне связи с посудой. Мастера опять-таки с юмором изображали то, что видели в жизни: женщина везет ребёнка на санках, военный в треуголке, жена стаскивает сапог с ноги мужа, старик дерется со своей старухой, мальчик-поводырь ведет нищего и так далее. В гжельской майолике объединены пластические достижения народного гончарства, отражены черты барокко и классицизма. В искусстве народной керамики полуфаянс Гжели представляет собой одно из ярких явлений. Сначала полуфаянсовая посуда по формам была близка майолике, но с более простой синей цветовой росписью. Затем формы стали проще; преимущественно выполняли кувшины, рукомои, чернильницы, солонки и другое. Созданная народными мастерами Гжели система решения пластической формы и декоративной росписи имеет значение целой художественной школы русской народной керамики.
Раджпутская живопись
Основной формой раджпутской живописи является миниатюра, которая создавалась придворными художниками в мастерских при дворах раджпутских князей. Однако, в Индии издревле существовала традиция не только миниатюрной живописи, но и росписи стен ритуальными картинами и орнаментами, носившими магико-охранительный характер. Позднее жилища стали украшаться яркими картинами на вольные и традиционные сюжеты. Некоторые образцы раджпутской стенописи XVIII—XIX веков дошли до наших дней. По большей части они похожи на увеличенные раджпутские миниатюры.
Портрет петровского времени
В петровское время русская живопись осваивает новые средства передачи реальности — в обиход входит прямая перспектива, которая сообщает глубину и объемность изображению на плоскости; художники осмысляют взаимоотношения света и цвета, роль света как средства построения объёма и пространства. Рождаются новые светские жанры — и в том числе портрет. «Для искусства этого исторического переходного времени характерно переплетение различных черт: традиционных и новых, исконно русских и иноземных. Искусству Петровской эпохи присущ высокий пафос утверждения. Центральной темой его становится человек. Основным жанром — портрет».
Могольская живопись
Жизнь в разорённом Дели стала тяжёлой, и многие художники в поисках лучшей доли переехали в независимые княжества Декана и Бенгалии. Многие таланты отправились в Ауд, где с их участием в Файзабаде и Лакхнау возникли оригинальные живописные школы, продлившие существование стиля «делийской кисти» до начала XIX века. Среди них были Хунхар, Нидхамал, Факирулла и Мир Калан Хан. Оставшийся в обескровленной стране Мухаммад Шах правил ещё 9 лет, во время которых распад могольской державы только усилился. Из-за злоупотребления опиумом к концу жизни он полностью утратил рассудок и скончался в 1748 году.
Могольская живопись
При написании статьи были использованы следующие книги:
Абу-л Фазл Аллами. Акбар-Наме, кн. I—VI , Самара, 2003—2011;
Б.Гаскойн. Великие моголы. М.2003;
К.Рыжов. Все монарахи мира. Мусульманский восток XV—XIX вв. М.2004;
Анн и Анри Стирлен. Искусство ислама. М.2003;
A. Okada, Indian Miniatures of the Mughal Court, Harry N. Abrams Inc., Publishers, New York, 1992;
S. Blair, J. Bloom. The Art and Architecture of Islam 1250—1800. Yale University Press. 1994 pp 287—302;
J.C. Harle, The Art and Architecture of The Indian Subcontinent, Yale University Press, New Haven and London 1994, pp 372—382;
A.Chakraverty. Indian Miniature Painting, London 1996, pp 23-44;
Vidya Dehejia. Indian Art. London, 1997, pp 298—334;
S.C. Welch, India: Art and Culture 1300—1900, Munich, 1999, pp 141—283;
Islam, Art and Architecture. Ed. by Marcus Hattstein and Peter Delius, Konemann, 2000, pp 484—489;
S.Blair and J. Bloom, The Grove Encyclopedia of Islamic Art and Architecture, 2009, vol. III pp 257—265;
Wonder of the Age. Master Painters of India 1100—1900. Exh. cat. By John Guy and Jorrit Britschgi) Metropolitan Museum of Art, Yale University Press, 2011;
Princes and painters in Mughal Delhi, 1707—1857, Exh. cat., Asia Society and Yale University Press, London, 2012.XVI векXVII векXVIII векXIX век
Балдугийн Шарав
Параллельно с этим Шарав занимался и бытописательной живописью. В начале XX века им были созданы несколько масштабных панно, посвящённых повседневной жизни кочевников: «"Дойка кобыл"», «"Один день в Монголии"». Первая из них представляет собой изображение обрядов народного празднества кумыса во всей их последовательности, а вторая показывает обыденную жизнь монголов в её самых разнообразных аспектах. Согласно традиции, именно благодаря ей Шарав получил прозвище Марзан — «шутник»: Богдо-гэгэн, разглядывая полотно, заметил среди прочих изображённых на нём жанровых сценок пару любовников, к которым подкрадывается муж.
Могольская живопись
Подобно Персии, в могольской Индии книги были символом престижа и богатства. Могольские императоры в период расцвета государства собирали дорогие рукописи для своей библиотеки из самых разных мест. Например, на роскошных манускриптах, созданных для тимуридских принцев Мухаммада Джуки («Шахнаме», ок 1440г, Королевское азиатское общество, Лондон) и Хусейна Байкара («Зафарнаме», 1467-8; Библиотека Джона Хопкинса, Балтимор) стоят печати могольских императоров.
Книги, созданные в царских мастерских, делились на две основные категории: для личного пользования (как правило, это были произведения классической литературы) и публичные книги, которые создавались для внушения нужных императору идей. Ко второму роду относились книги деяний императоров («Тимурнаме», «Бабурнаме», «Акбарнаме», «Падишахнаме» и т. д.) с помощью которых элите (а простому люду эти книги были недоступны) внушались идеи благородства и достойности правящей династии, и, следовательно, её права на власть. По сути, эти книги были проекцией политических идей правящей династии вовне. Кроме книжного формата в конце правления императора Акбара стала распространяться мода на альбомы-муракка, в которые император, а следом и аристократы, стали собирать произведения живописи.
Самая важная роль в становлении и развитии могольской живописи принадлежала императорам. От личности каждого конкретного императора зависели судьбы художников, сам процесс создания произведений, и нужна ли ему мастерская и художники вообще. Поэтому ведущую роль личности падишаха в могольской живописи трудно переоценить.
Китайская живопись
Среди жанров китайской живописи выделяют следующие:Для китайской живописи также характерен крайне изящный язык образов. Часто изображая что-либо, китайский художник закладывает в рисунок определённый подтекст. Некоторые образы встречаются особо часто, например четыре благородных растения: орхидея, бамбук, хризантема, слива мэйхуа. Кроме этого каждое из этих растений соотносится с определённым качеством характера. Орхидея нежна и утончена, ассоциируется с нежностью ранней весны. Бамбук — символ непреклонного характера, настоящего мужа высоких моральных качеств (Сюнь-цзы). Хризантема — прекрасна, целомудренна и скромна, воплощение торжества осени. Цветущая дикая слива мэйхуа ассоциируется с чистотой помыслов и стойкостью к невзгодам судьбы. В растительных сюжетах встречается и другая символика: так, рисуя цветок лотоса, художник рассказывает о человеке, который сохранил чистоту помыслов и мудрость, живя в потоке бытовых проблем.
Архитектура Великих Моголов
Великих Моголов архитектура — разнообразие архитектурных стилей существовавших на территории современной Индии, процветавший при императорской династии Великих Моголов середины XVI до конца XVII века. Могольский период отмечен стремительным возрождением исламской архитектуры в Северной Индии, где смешались персидский, индийский и различные местные стили, что привело к появлению зданий невероятной утончённости. В постройках зданий в основном использовался белый мрамор и красный песчаник. в большинстве ранних строений могольского периода арки использовались очень умеренно, архитекторы больше полагались на конструкции из столбов и балок. При падишахе Шах Джахане I (1628—1658), когда стиль Моголов достиг своего расцвета, используются двойные купола, вынутые из прямоугольного фронтона (арены) арки, и окруженные насаждениями. Особое внимание уделялось симметрии и равновесию между частями здания, а также тонкими деталями украшений. Самыми значительными сооружениями данного стиля являются Тадж-Махал и крепость-дворец в Дели.
Менины
«Менины» общепризнанно считаются одной из самых важных и наиболее тщательно изученных картин в истории западного искусства. По словам итальянского мастера барокко Луки Джордано она представляет собой «теологию живописи», а президент Королевской академии художеств сэр Томас Лоуренс назвал её «подлинной философией искусства». По одной из современных оценок, это «высшее достижение Веласкеса — самоосознанная и тщательно выверенная демонстрация пределов живописи; возможно, самое глубокое высказывание о её возможностях из когда-либо сделанных».
Монгольские письменности
Внимание великих держав вызвало к жизни, начиная с середины XIX века, ряд проектов письменностей на основе латиницы и кириллицы. В 1940 году, в результате сближения с Советским Союзом, Монголия перешла на кириллицу, которая в настоящее время остается основной системой письма в стране, хотя рассматривались проекты перехода на латиницу.
Живопись Тибета
Двумя другими весьма распространёнными темами живописи были «яб-юм» и мандала. «Яб-юм» означает буквально «отец-мать» и представляет собой изображение пары божеств — женского и мужского, представленных в сексуальном единении. Этот чисто символический акт олицетворяет собой единение сострадания (мужская фигура) и трансцендентной мудрости (женская фигура). Согласно учению, это единение необходимо для преодоления страданий, мешающих пониманию конечной природы реальности, то есть просветлению. Сходные по силе и откровенно сексуальные образы иногда появлялись в художественной практике других религий, однако только тибетские художники смогли перевести фундаментальные инстинкты в визуальные метафоры столь эффективно, выразив в них всю суть концепта. Мандала представляет собой универсальную схему — модель гармонии вселенной, созерцание которой гармонизирует психику и внутренний мир медитирующего на ней.
Монгол зураг
На протяжении всей своей истории зураг охватывает широкий спектр визуальных стилей. Буддийская традиция используется наряду с европейскими стилями реализма и геометрической перспективы, обогащая тем самым тематику, содержание и художественную форму живописи. И в связи с этим, были написаны серия портретов монгольских ученых, картины «Народный сказитель» У. Ядамсурэна, «Черный верблюд» А. Сэнгэцохио, «Материнская слава» Д. Дамдинсурэна, произведения Ц. Даваахуу, Ц. Минжура, Б. Аварзэда, Ц. Жамсрана, Б. Гомбосурэна и других. В этих картинах создается сказочно-поэтический, обобщенный образ современной Монголии. Один из самых интересных и важных монгольских художников сегодня — Эршу Отгонбаяр, его творчеству был посвящён фильм «Зураг» Тобиаса Вульфа.
Могольская живопись
В самом начале XIX века было создано несколько иллюстрированных вариантов истории Шаха Джахана (Падишахнаме), предназначавшихся для европейцев, которые были очарованы грандиозностью могольской монументальной архитектуры. Два варианта «Падишахнаме» (Британская библиотека, Лондон и Библиотека Худа Бахша, Банкипур, Патна) содержат по 30 иллюстраций каждая, на которых запечатлены не деяния Шах Джахана, а великолепные образцы архитектуры, заказчиком которых он был, такие как Тадж Махал и Красный Форт.
Сохранилось несколько миниатюр с изображениями дарбаров императоров Акбар-Шаха II и Бахадур Шаха II. В отличие от изображений дарбаров времён Джахангира, эти работы производят впечатление безжизненной помпезности. Акцент в них сделан на тщательное изображение роскоши.
Одним из художников, к которым обращались могольские императоры, был работавший в 1800—1815 годах Хайрулла. Последняя относительно крупная мастерская в Дели была у художника Гулам Али Хана, за именем которого скрывается целое семейное предприятие по производству миниатюр. Её услугами пользовались императоры, влиятельные вожди, региональные правители и английские офицеры. Она существовала при двух последних императорах, выпуская самую разную по тематике продукцию. Созданную Гулам Али Ханом миниатюру с изображением императора Бахадур Шаха («Бахадур Шах II на троне с мирзой Фахруддином» 1837-38, Смитсониан, Вашингтон) считают последним выдающимся портретом в могольской живописи. Она написана по случаю коронации этого императора, который был политически бессилен, но играл значительную духовную роль. Он был хорошим каллиграфом и поэтом-мистиком, писавшим под именем «Зафар». Несмотря на тяжёлую усыпанную драгоценностями корону на голове, выражением лица он больше похож на суфия-мистика. Вероятно, Гулам Али Хан сознательно постарался представить его одновременно и как царя, и как святого. Бахадур Шаха подданные считали суфийским пиром и халифом, то есть наместником бога на земле — таков был авторитет последнего императора моголов, несмотря на его безвластие. При нём Дели в большой мере вернул статус главного культурного центра Индии, став средоточием поэтов и художников. Однако политические события пошли своим путём.
Торгало, Олег Леонидович
Живопись охватывает имена , Никаса Сафронова, , Юрия Винтаева, Анатолия Зорко, Леонида Заборовского, Алексея Кулакова, Наталии Папирной. Основной жанр живописи — пейзаж и его виды (марина; городской пейзаж — ведута и индустриальный; сельский пейзаж). Особое место занимает искусство советского периода. Представлены все художественные центры Украины, центральное значение принадлежит крымским художникам.
Культура Монголии
В XVII веке тибетский буддизм стал господствующей религией в Монголии. Также в некоторых отдаленных регионах продолжал существовать традиционный шаманизм. С другой стороны, шаманские практики, такие как поклонения на Обоо, были включены в тибетский буддизм. Ламаизм часто обвиняют в низкой морали и ответственности за то, что основной причиной отсталости Монголии в конце XIX — начале XX века, с другой стороны, роль буддийской церкви в целом бесспорна в культуре Монголии.
Монгол зураг
Впервые работы в этом стиле появились после революции 1921 года, у таких художников, как Балдугийн Шарав, картина "«Один День в Монголии»" которого остается одним из самых знаменитых произведений монгольского искусства. Картины зураг благодаря сценам из повседневной жизни, например, в колхозе или на кочевнических пастбищах, стали популярными в 1950-х и 1960-х годах на волне успеха картины Уржингийна Ядамсурэна "«Старый скрипач»". С начала демократических реформ в 1992 году произошел всплеск интереса к этому стилю. Современные картины в стиле зураг посвящены националистическим сценам из Сокровенного сказания монголов и жизни Чингисхана, а также религиозным образам, вдохновленным до-буддийским шаманизмом. Они стали более символическими, и менее строгими в оформлении.
Международная выставка каллиграфии
В экспозиции были представлены как традиционные направления каллиграфии, так и необычные. К разделам европейской, славянской, арабской, еврейской, китайской, японской, корейской, индийской каллиграфии присоединилась монгольская: впервые в выставке приняли участие члены Международной ассоциации монгольской каллиграфии, чьи работы вызвали живой интерес со стороны любителей и профессионалов.
Китайская живопись
Важнейшая особенность китайской изобразительной традиции — неразрывное единство живописи, графики и каллиграфии — искусства красивого написания иероглифов. Кистями и тушью на бумаге или шелке поэты пишут стихи, а художники — картины. В живописи и графике предпочтение отдается линии. Она способна соединять и разъединять, быть связующей нитью и границей. Особенно большое значение в китайской графике имела кривая линия — знак круговорота Великого пути. До появления бумаги надписи делали на узких бамбуковых пластинках, что во многом объясняет особенность написания китайских иероглифов сверху вниз. В VII—XIII вв. живопись завоевала ведущее место среди других видов искусства. Художники расписывали стены храмов и дворцов. На картинах великих мастеров можно увидеть традиционные объекты: благоухающую орхидею, вечнозеленые сосны и кипарисы, несокрушимые скалы, воплощение жизненной силы — бамбук, животных, птиц и др. Китайская живопись основана на тонком соотношении нежных минеральных красок, гармонирующих между собой. Передний план обычно отделялся от заднего группой скал или деревьев, с которыми соотносились все части пейзажа. Композиционный строй картины и особенности перспективы были рассчитаны на то, чтобы человек ощущал себя не центром мироздания, а малой его частью. С древнейших времен в Китае существовала живопись на шелке. Художники создавали миниатюрные живописные композиции на веерах, экранах и ширмах, писали на многометровых свитках сцены городской и дворцовой жизни, пейзажи. Сюжетами служили мифы о героях — предках, чудесных птицах и загробном мире. В творчестве Ци Байши, одного из наиболее известных китайских художников, жившего на рубеже XIX—XX вв., отразились классические традиции и экспериментальные поиски. Он копировал образцы классической живописи и каллиграфии и при этом много работал с натуры в поисках собственных, неповторимых средств выразительности. Первая тушечница и палочка туши, обе старые и потрескавшиеся, были подарены юному Ци Байши его дедом. Затем он купил ему кисть и немного копировальной бумаги. С этого времени начались годы упорного труда и путь к славе. Особенную популярность принесли художнику картины, выполненные в жанре «цветы — птицы». Он любил изображать пионы, лотосы, цветы дикой сливы, вьюнки травы и т. п. Особое пристрастие питал художник к водным обитателям: рыбы, креветки, крабы, лягушки ценились мастером как объекты чрезвычайной художественной выразительности. Ци Байши не переставал удивляться красоте мира, сочности, свежести и яркости плодов граната, персиков, винограда, ягод вишни, которые писал виртуозно.
Мовлян, Анатолий Викторович
Значительное внимание художник уделяет вопросу художественного образования. В 2008 г. при поддержке депутатов Омской городской Думы и передовой культурной общественности города Омска была открыта «Школа портрета Анатолия Мовляна». Уникальная программа школы основана на академических принципах обучения, воплощенных в традициях школы Павла Чистякова, главным принципом которой является верность натуре. Ученики школы осваивают академический рисунок и живопись (натюрморт, пейзаж, портрет), скульптуру, слушают лекции по истории изобразительного искусства и архитектуры. В отличие от обычных художественных школ в «Школе портрета Анатолия Мовляна» интенсивно ведется индивидуальная работа с каждым учеником, организуются поездки на пленэр в разные уголки России и за рубеж. Необходимо отметить, что занятия в «Школе портрета» объединяют учащихся с разным уровнем подготовки, и проводятся, в том числе, и на безвозмездной основе. Весной 2009 г. состоялась первая отчетная выставка школы в залах ЦДХ Омска. Просветительская и образовательная роль школы получила признание не только среди корифеев художественного образования Омска и Сибири. В 2010 г. деятельность «Школы портрета Анатолия Мовляна» получила высокую авторитетную оценку вице-президента Российской академии художеств народного художника РФ А. П. Левитина.
Персидская живопись
Персидская живопись является устойчивой многовековой традицией со своими художественными законами и философией. В разное время она по-разному влияла на искусство окружающих стран и народов. Выше уже было сказано о её роли в становлении среднеазиатской живописи и могольской живописной школы. Однако её воздействие на окружающий мир не ограничивается только странами и народами Средней Азии и Индостана. Персидская живопись оказала значительное воздействие на развитие книжной миниатюры в Османской империи.
Могольская живопись
С середины 1570-х годов Акбар стал уделять особое внимание портрету, понуждая аристократов и придворных позировать художникам для увековечивания их персон. Абул Фазл в «Айн-и Акбари» поясняет: «Его Величество сам позировал для портрета и распорядился, чтобы все вельможи в его государстве делали то же самое. Так был создан огромный альбом: те, кто покидал этот мир, обретали в альбоме новую жизнь, живые же получали перспективу обессмертить себя». Первые портреты были довольно простыми, они передавали легко узнаваемые особенности персоны посредством отображения лица, характерной позы и жеста. Таков, например, портрет Мота Раджа Удай Сингха (Бостон, Музей изящных искусств), в котором переданы его физиономические особенности и внушительные размеры туловища. С развитием портретного искусства больше внимания стало уделяться деталям, таким, как роскошное платье и тюрбан, и тщательному изображению богатого оружия, часто в ущерб психологическим особенностям портретируемого.
Монгол зураг
Монгол зураг (, монгольская живопись) — это стиль живописи в монгольском искусстве. Разработан в начале XX-го века. Произведения зураг исполняются гуашью на полотне, что напоминает тибетскую танку, кроме того используются клеевые и минеральные краски. В этой живописи объединяются буддийское изобразительное искусство и социалистический реализм, к которым относились благосклонно в Монгольской Народной Республике.
Монгольская каллиграфия
Подобно каллиграфическим традициям других стран Восточной Азии (например, китайской и корейской каллиграфии), монгольские каллиграфические надписи в основном делаются с помощью кисти.
Майолика
В России расцвет майоликового производства пришёлся на XVIII век. Наиболее известные центры производства — московский завод Гребенщикова, выпускавший изделия с монохромной росписью, и мастерские в подмосковном поселке Гжель, где в то время преимущественно использовалась многоцветная техника. Другим крупным центром майолики ещё в XVII веке был Ярославль, где производились поливные изразцы для украшения стен храмов и интерьеров домов.
Бичитр
Был он довольно плодовитым художником, мог рисовать как животных, так и людей. Картины, созданные Бичитром отличает чувственность, реалистичное отображение черт лица. Заметно сочетание могольской традиции с западным влиянием (в частности, использовал оттенки, мотивы европейской графики). Портреты выполнены в профиль или в полупрофиль, тело показано в три четверти. Прослеживается явление пространства. С 1630 года наблюдается переход от мягкого, романтичного стиля к более эмоционально сдержанного.
Архитектура Монголии
Традиционным монгольским жилищем является юрта (). Согласно монгольскому художнику и искусствоведу Н. Цултэму, юрты были основой для развития традиционной монгольской архитектуры. В XVI-XVII веках по всей стране были построены монастыри. Чтобы разместить растущее число верующих, они должны были быть увеличены. Для этого монгольские архитекторы использовали структуры пирамидальной крыши. Дальнейшее расширение привело к квадратной форме храмов. Крыши были сделаны в форме шапито.
Могольская живопись
Тем не менее, вопреки мнимому неодобрению со стороны императора, создавались как портреты самого Аурангзеба, так и иные произведения высокого качества, которые были продуктом либо аристократических заказов в Дели до переезда двора, либо заказов кого-то из вельмож-соратников, последовавших за Аурангзебом на юг, где он вёл войну. Раннему периоду его правления принадлежат две прекрасные работы: «Дарбар императора Аурангзеба» (ок. 1658г, Музей Фогга, Кембридж) и «Император Аурангзеб охотится на антилоп» (ок. 1660г, Библиотека Честер Битти, Дублин). Другим примером живописи начала правления Аурангзеба является аллегорическая миниатюра «Аурангзеб в луче света» (ок. 1660г, Галерея Фрир, Вашингтон) исполненная Хунхаром, художником, работавшим в императорской мастерской. На ней символически изображено как сами небесные силы благословляют императора перед вступлением на трон.
После 1680 года, когда Аурангзеб запретил при своём дворе музыку и живопись, и приказал замазать все росписи во дворцах и гробницах, вошли в моду некоторые особые разновидности портрета. В одном случае это были сцены с всадниками, в другом индивидуальные портреты, ограниченные рамкой в виде окна так, что были видны только голова и плечи. Некоторые из этих работ достаточно хороши, чтобы быть исполненными для самого императора, однако большей частью подобные произведения, которых сохранилось довольно много, выполнялись для частных заказчиков.
После смерти почти 90-летнего Аурангзеба в 1707 году последовал период чрезвычайной политической нестабильности. Его старший 62-летний сын Шах Алам находился в Кабуле и, узнав о кончине отца, быстро прибыл в Агру, захватил все сокровища Моголов, и взошёл на престол под именем Бахадур Шаха. Далее ему пришлось расправиться с братьями, которых он разбил в двух битвах — вблизи Джаджау (возле Агры) и при Хайдарабаде. Проведя пять лет своего правления в войнах с сикхами, он в феврале 1712 года скончался.
Тибет
В тибетской живописи выделяется три основных школы и три категории изображений с гневными, спокойными или мирными божествами. Одним из наиболее известных и распространённых видов тибетской живописи является танка, отличающаяся строгой каноничностью.
Раджпутская живопись
Самым ранним примером меварского стиля являются миниатюры из серии «Рагамала», созданные в 1605 году в Чаванде, крепости, которая была временной столицей, художником Насируддином. Этот мастер начинал карьеру в могольской китабхане, и, обретя там живописные навыки, перебрался затем к меварскому двору, став, по сути, создателем основных признаков меварского стиля. Миниатюры «Рагамалы» демонстрируют прекрасную смесь домогольского стиля «Чаурапанчасики» и упрощённого варианта популярных могольских образцов. Профили лиц стали мягче, однако иконография миниатюр в целом сохраняет динамизм традиционной индийской живописи. Архитектура в них скорее похожа на часть орнамента, чем на реальные предметы, а пейзаж лишь слегка обозначен.
Могольская живопись
Могольская живопись является одним из ярчайших явлений в индийской культурной истории. Она развивалась почти 300 лет, и за это время прошла несколько стадий. Взяв на первых порах за основу принципы персидской живописи, могольские художники смогли создать совершенно оригинальное художественное явление. До наших дней дошла лишь малая часть образцов этого искусства из множества манускриптов и альбомов-муракка, собранных могольскими императорами в своей библиотеке (шахи китабхане), поскольку в XVIII—XIX веках это богатое наследие подвергалось безжалостному уничтожению, либо оказывалось в неизвестных руках.
Тибет
Тибетская живопись и скульптура тесно связаны с тибетским буддизмом. Мастерские по изготовлению статуй и иных произведений искусства находились в монастырях. Основными художниками в Тибете длительное время были только монахи или ламы, которые рисовали мандалы, божеств, подбирая благоприятные дни для начала работы, совершали определённые религиозные ритуалы, молились.
Искусство Тямпы
Помимо чисто индийского в скульптуре стиля Мишон Е1 заметно влияние искусства монского государства Дваравати и государств Индонезийского архипелага, а также доангкорского искусства южной Камбоджи. Наиболее ярким образцом стиля является грандиозный пьедестал храма Е1 в Мишоне. Скульптур стиля Хоалай (середина VII — середина IX века) сохранилось также крайне мало. Исполненные из кирпича дварапалы Хоалая мало чем отличаются от скульптур стиля Мишон Е1. Зато в этот период встречается много буддийских бронзовых статуэток, подражающих индонезийскому стилю, но худшего качества (почти все они изображают Будду и Авалокитешвару).
Живопись
Тем не менее, эволюционируя вместе с человеком и со всем миром, живопись приобрела и новое истолкование, и новое понимание задач. Так, изначально обладая явными признаками самостоятельных пластических характеристик (неслучайно одним из основных параметров, отделяющих живописную технику от графических, является мазок, предоставляющий большой диапазон именно пластических возможностей — в наибольшей степени, конечно, самому распространённому виду — масляной живописи, но и, конечно же, — многим новым её видам и техникам, подразумевающим синтез форм). Представление о путях и задачах живописи, как и все средства, и способы самовыражения, искусствознание и творческая среда — испытали на себе явное влияние развития общего познавательного процесса, но закономерно и сами они повлияли на него, коснувшись многих сторон мировоззрения и деятельности человека.
Культура Монголии
В устном народном и профессиональном творчестве традиционно присутствуют такие ценности, как любовь к родителям и тоска по Родине, тоска по месту, где вырос; свободолюбие и независимость. Лошади всегда играли важную роль в повседневной жизни, и, как следствие, образ лошади повсеместно присутствует в культуре страны, начиная с государственного герба. Гостеприимство является очень важной вещью в степи, и поэтому традиционно воспринимается как должное.
Художественная роспись
Роспись наносится мастерами кистью от руки без предварительной разметки. Существуют два основных вида хохломской росписи: «верховая» (красным и чёрным цветом на золотистом фоне) и «под фон» (золотистый рисунок на цветном фоне). К «верховой» росписи принято относить традиционную «травку» и орнамент «под листок». «Травка» — это роспись включающая изображения травинок, веточек, написанных красной и чёрной краской на золотом фоне. Роспись «под листок» состоит в изображении овальных листочков, ягодок, расположенных обычно вокруг стебля. Роспись «под фон» строится на крупном золотистом рисунке на красном или чёрном фоне. Сначала наносится контур рисунка, затем закрашивается фон, затем выполняется мелкий узор (приписка) поверх фона. Разновидностью росписи «под фон» является роспись «кудрина» — пышный узор с затейливыми золотыми завитками, напоминающими кудри. В начале XIX века чаще встречалась «верховая» роспись, так как роспись «под фон» более сложная. Эта роспись («под фон») стала популярной во второй половине XIX века, когда было налажено мебельное производство, такой росписью украшали мебель, ранее её использовали в основном на дорогих подарочных изделиях.