¿Qué tipo de pintura es lo más complejo?
Actopan (Hidalgo)
En el Convento de Actopan El programa iconográfico e iconológico, es de los más complejos y ambiciosos del estado de Hidalgo. Se debe considerar la pintura renacentista como ideología estética preponderante, y las reminiscencias de la pintura mural de Mesoamérica, en la mezcla de la decoración y los temas cristianos; características del tequitqui o arte indocristiano. Destacan los murales y frescos de la sala de profundis, del cubo de la escalera y de la capilla abierta.
Pintura
La pintura de género o «escena de género» es el retrato de los hábitos privados de las personas en escenas cotidianas y contemporáneas del pintor, también se suele llamar «pintura costumbrista». Los primeros cuadros más populares se dieron en los Países Bajos durante el siglo XVI y entre los artistas más destacados se encuentran Pieter Brueghel el Viejo y Vermeer. No se sabe con seguridad si se trata de simple representación de la realidad con un propósito de mera distracción, a veces cómico, o bien se buscaba una finalidad moralizante a través de los ejemplos cercanos al espectador. No hay duda de que, en el cuadro de género del siglo XVIII, sí estaba presente la intención satírica o moralizante en obras como las de William Hogarth o Jean-Baptiste Greuze. En España, Diego Velázquez lo cultivó con su "Vieja friendo huevos" o "El aguador de Sevilla", Francisco de Goya reflejó, en varias obras de cartones para tapices, las fiestas populares, Bartolomé Esteban Murillo hizo escenas de género de mendigos y jóvenes picarescos. En Francia, Jean-Honoré Fragonard y Antoine Watteau hicieron un tipo de pinturas idealizadas de la vida diaria.
Nick Miller (artista)
El retrato y la reunión formal con su tema es un principio central de la práctica de Miller que influye en su enfoque de todos los géneros de pintura. Para el artista, la obra de arte son los restos de un encuentro vivido y pintado. En una serie seminal de dibujos CLOSER a gran escala, realizados entre 1996 y 2000 y mostrados en Dublín y Londres, Miller dibujó a sus sujetos (en su mayoría familiares y amigos cercanos) para hacer retratos poco convencionales, incluido "Corban" (1996, Colección de IMMA), del artista irlandés . Estos dibujos se hicieron en lugares muy cercanos, explorando una perspectiva de un solo punto, cara a cara y a horcajadas sobre los sujetos en el papel que estaban dibujando en el piso.
Édouard Delaporte
Su pintura, en un principio abstracta, le permitió, según sus propias palabras,«recabar la organización plástica de la tela y buscar el realismo de lo reportado, que es la verdad de la abstracción». La pintura figurativa llegó después. Para el pintor, se trata de «la reconciliación entre el mundo de la abstracción y su posterior visión emocionante y apasionada de la naturaleza». La pintura surrealista, añadía, fue básicamente una manera «de expresar no las formas inesperadas del medio o de las figuras, sino el misterio de la pintura misma».Entre las mejores y más conocidas obras arquitectónicas de Édouard Delaporte se incluyen las siguientes:
Arte de la segunda mitad del siglo XVI en Milán
Tras la conclusión de su obra más importante, Lomazzo fue perdiendo paulatinamente el uso de la vista hasta quedar ciego a causa de la degeneración de una enfermedad ocular; esto le impidió continuar su carrera de pintor, sin embargo le permitió dedicarse a diversas actividades literarias, a obras como el tratado sobre la "Idea del tempio della pittura", o un compendio sobre la pintura tras las huellas de la obra de Vasari. Entre las conclusiones que sacó Lomazzo en su obra, estuvo el uso de "diverse maniere" para llegar a un estilo perfecto, elogiando el dibujo de Miguel Ángel, el color de Tiziano y de Correggio, y las proporciones de Rafael: propio de los pintores para alcanzar la "giusta maniera" vienne el parangón de la pintura con un templo, reto de siete gobernadores como columnas para sostenerlo: además de los artistas mencionados, se suman Leonardo, Polidoro da Caravaggio, il Mantegna y Gaudenzio Ferrari. El autor también emite un juicio sobre el tipo de pintura más noble, considerando el fresco como la obra más valiosa, y compara la obra del pintor con la obra de la creación divina.
Pintura mineral
Por lo general se distinguen actualmente tres tipos de pinturas de silicato: la pintura pura de silicato, de dos componentes, una pintura en polvo o pastada en agua, y el silicato potásico como ligante líquido. (DIN 18363 Trabajos de pintura y esmaltado – Recubrimientos 2.4.1) La aplicación requiere mucha experiencia y know how. Está especialmente extendida en el campo de la restauración.
Retrato pictórico
Los artistas de principios de siglo ampliaron los campos de exploración del retrato en nuevas direcciones, liberándolo de las dificultades de la semejanza visual. La forma y el color resultan lo principal en los retratos de Cézanne, mientras que la técnica de la pincelada y el color extremado dominan los retratos de André Derain y Henri Matisse. Cézanne utilizó formas muy simplificadas en sus retratos, evitando el detalle mientras subrayaba las yuxtaposiciones de color. El fauvista Matisse simplificó la línea y los colores para darles toda su fuerza expresiva, con lo que produjo poderosos retratos dando a la piel colores no naturales, incluso estridentes. El austriaco Gustav Klimt aplicaba motivos bizantinos y oro en sus retratos. Su alumno Oskar Kokoschka retrató a la clase superior vienesa. Picasso realizó numerosos retratos cubistas en los que apenas puede reconocerse al modelo, pues está terriblemente deformado para lograr una afirmación emocional que va mucho más allá de los límites de la caricatura normal. Los pintores expresionistas proporcionan estudios psicológicos inquietantes e irresistibles. Artistas alemanes como Otto Dix y Max Beckmann produjeron notables ejemplos de retratos expresionistas. Beckmann fue un prolífico autorretratista, produciendo al menos veintisiete obras de este tipo. Amedeo Modigliani pintó muchos retratos en su estilo alargado que despreciaba a la «persona interior» para favorecer el estudio estricto de la forma y el color. Para conseguir esto, quitaba énfasis a los normalmente expresivos ojos y cejas reduciéndolos a rendijas ennegrecidas y simples arcos.
Imperio romano
La pintura fue una de las artes más populares del Imperio romano, pero se sabe poco de ella debido a que la gran mayoría de registros se han perdido con el tiempo. Gran parte de lo que se conoce sobre la pintura romana se basa en la decoración interior de residencias privadas, en particular los frescos que se han conservado en Pompeya. Esta ciudad, descubierta en el , fue sepultada bajo la erupción del Vesubio en 79, lo que permitió conservarla relativamente intacta. A partir de este conjunto de obras —que, aunque rico y variado, es una fracción ínfima de lo producido y abarca un período muy limitado— se estableció una cronología de estilos que se ha aplicado a todo el legado pictórico imperial. Según esta propuesta, la pintura romana evolucionó a partir de ejemplos griegos de decoración mural puramente geométrica, incorporando progresivamente elementos figurativos en escenarios arquitectónicos o paisajísticos, utilizando a menudo modelos griegos o citando obras griegas famosas en reinterpretaciones creativas, llegando a presentar en algunos ejemplos una gran sofisticación y suntuosidad. Además de frisos decorativos y paneles con motivos geométricos y vegetales, la pintura mural representa escenas de la mitología, los paisaje y jardines, la recreación, espectáculos, el trabajo y la vida cotidiana e incluso escenas eróticas. Las aves, los animales y la vida marina a menudo se representan con especial cuidado en relación con los detalles artísticos.
Pintura del Barroco
La mejor y más importante pintura durante el período que comienza en el año 1600 y continúa a lo largo de todo el siglo XVII, y a principios del siglo XVIII se identifica hoy como pintura barroca. El arte barroco se caracteriza por el realismo superficial, los colores ricos e intensos, y fuertes luces y sombras. En oposición al arte renacentista, que normalmente mostraba el momento anterior a ocurrir cualquier acontecimiento, los artistas barrocos elegían el punto más dramático, el momento en que la acción estaba ocurriendo: Miguel Ángel, que trabajó durante el Alto Renacimiento, muestra a su David compuesto y quieto antes de luchar contra Goliat; el David barroco de Bernini es captado en el acto de lanzar la piedra contra el gigante. El arte barroco pretendía evocar la emoción y la pasión en lugar de la tranquila racionalidad que había sido apreciada durante el Renacimiento.
Darío de Regoyos
Si se intentase dividir su pintura por etapas, habría que centrarse en el concepto, más que en el método, para encontrar diferencias. Como dos grandes categorías la pintura de Regoyos puede entenderse como en ocasiones íntima y en otras, crítica y expresiva. Habría que destacar también que fuera de estas, se encuentran varios retratos y un autorretrato en su obra. En la primera, la pintura estará supeditada a la consecución de un instante, de un recuerdo o de una impresión de la naturaleza. De esto, es ejemplo obras como "Recogiendo fresas", "Pino de Bejar", o "El gallinero". La paleta aquí, es clara, de colores suaves o a veces, artificiales. En la segunda se mantiene siempre crítico, con una visión desgarrada de la realidad y donde alcanza el expresionismo.  Es en su etapa madura como pintor cuando se adentra en el plenairismo. Ejemplo de esto son "Paisaje de Hernani" fechado hacia 1900, donde se muestra una vista panorámica de esta localidad al atardecer, con las luces doradas que bañan las pequeñas casas y el puente viejo, enmarcados por el monte Adarra. "El paso del tren", hacia 1902, muestra el paso de este cerca de San Sebastián, en Ategorrieta. Esta etapa pictórica podría resumirse fácilmente en las palabras del propio pintor en la revista francesa "Mercure de France" en 1905.
Escuela cuzqueña de pintura
La serie más famosa de la Escuela cuzqueña es, sin duda, la de los dieciséis cuadros del Corpus Christi, que originalmente estuvieron en la iglesia de Santa Ana y ahora se encuentran en el Museo de Arte Religioso del arzobispado, salvo tres que están en Chile. De pintor anónimo de fines del siglo XVII (algunos investigadores los atribuyen a los talleres de Quispe Tito y Pumacallao), estos lienzos son considerados verdaderas obras maestras por la riqueza de su colorido, la calidad del dibujo y lo bien logrados que están los retratos de los personajes principales de cada escena. Por si fuera poco, la serie tiene un enorme valor histórico y etnográfico, pues muestra en detalle los diversos estratos sociales del Cuzco colonial, así como gran cantidad de otros elementos de una fiesta que ya entonces era central en la vida de la ciudad.
Lamentación y entierro de Cristo (Rogier van der Weyden)
Para el pintor flamenco fue, sin embargo, imposible de imitar la composición ordenada y solemne del italiano, hecha de rupturas con un análisis ordenado de los planos, de lo contrario habría alterado su visión artística. La escena, de hecho, es más compleja, con un grupo colocado en un semicírculo en torno a Cristo, desequilibrado eje diagonal que va de la Magdalena a Juan a través de la piedra sepulcral. Perpendicular a este eje contrasta la figura de Cristo, un poco inclinada hacia un lado. El punto de vista y la línea del horizonte son más altos, de acuerdo con la visión de "ajuste" de los flamencos, las líneas son rítmicamente rotas y parecen más angostas. Estos elementos hacen que el espectador esté más partícipe, incluso desde el punto de vista emocional. Los colores son más fuertes, la luz más brillante, gracias a la técnica de pintura al óleo.
Retrato díptico de los padres de Durero
Se considera al retrato de Alberto Durero el Viejo como la superior de ambas obras. Esto en parte puede deberse al tratamiento diferente que entonces se daba a los retratos de varones y de mujeres; a los hombres se les concedía más individualidad, mientras que los retratos de mujer se ceñían a estereotipos y no eran tan osados, por ejemplo en mostrar evidencia de envejecimiento. En cualquier caso, la pintura del padre es mucho más detallada, en especial en la ropa, que en el retrato de ella está más simplificada. Este contraste en los detalles también puede verse en el tratamiento del rosario, al que se da protagonismo y un color rojo brillante en el retrato del marido, pero es pequeño y secundario en el de ella.
Cuadros de una exposición
"La cabaña sobre patas de gallina," el "Ballet de polluelos en sus cáscaras, El viejo castillo y Gnomos" son las piezas más extrañas o fantásticas. Por otro lado, los cuadros más realistas o poéticos serían: "La Gran Puerta de Kiev", "Catacumbas", "El mercado de Limoges", "Samuel Goldenberg y Schmuyle, Bydlo y Tuillerie." Para dar unidad a esta alternancia, Musorgski recurre a la repetición de una pieza, nombrada "Promenade" (paseo), que simula el recorrido del visitante por la exposición. El tratamiento de este tema es el que describe la acción y crea la tensión: aparece íntegro la primera y quinta vez y fragmentado entre ambos. Después de la quinta repetición desaparece para empezar a mezclarse motívicamente con los cuadros: lo que significa que el visitante ha dejado de ser un mero espectador y ha entrado en el mundo dibujado.
Jean Fouquet
Los retratos, parte básica de su quehacer artístico, muestran su capacidad para plasmar la personalidad de los retratados. En esta época el retrato, que hasta entonces era un género poco difundido, comenzó a convertirse en un gran estilo. Hasta entonces era eminentemente religioso y empezó a convertirse en profano. Se empezó a reproducir al retratado buscando su personalidad sicológica. En el "Retrato del rey Carlos VII", pintó al personaje de frente y rodeado de cortinajes. Siguió en esto la tradición francesa de pintar al rey sin los atributos de su rango y sin aparecer como figura intermedia de donante, fórmula que ya se empleó un siglo antes en el retrato del rey Juan II. El resultado es una figura de influencias flamencas con un análisis muy detallado del rostro. El reinado de Carlos fue uno de los más complejos de la monarquía francesa. Contestado inicialmente, debió reconquistar el país a los ingleses y tuvo un papel importante en la reorganización del estado. Aun así, el artista lo retrató desprovisto de atributos reales, aunque agrandó la anchura de los hombros para presentarlo más majestuoso. Según Benazit, lo más probable es que se trate de una de sus obras más antiguas, anterior al viaje a Italia. Este crítico afirma que el retrato del rey recuerda al retrato de "Arnolfini" (Van Eyck), y que está pintado en esa actitud de oración con que Fouquet pintaba todas sus figuras. También argumentaba que todas sus otras pinturas conocían el "Quattrocento" italiano y esta es la excepción. En el retrato del bufón Jester Gonella, pintado en Italia, presentó la figura muy en primer término, quedando gran parte de la figura fuera del cuadro, y centrando toda la atención en el rostro, con lo que consiguió transmitir magistralmente la profunda humanidad del personaje. Otto Pacht demostró que este retrato del bufón, atribuido durante largo tiempo a van Eyck y también a Brueghel, fue pintado por Fouquet.
Domingo Valdivieso Henarejos
Su obra más conocida es de tipo religioso, con obras tan conocidas como el retablo "Virgen con el niño" en la iglesia de San Antonio de Mazarrón o su "Cristo yacente" del Museo de Bellas Artes de Murcia. Su trabajo ha sido sobre diferentes temáticas aunque respecto a las técnicas se centran más en el óleo, siendo pocas sus acuarelas, sin embargo realizó litografías de gran calidad. Entre otras temáticas diferentes a la religiosa se encuentran: retratos, pintura histórica y mitológica, costumbrismo murciano e italiano.
Pintura
La pintura histórica era considerada "grande genre" e incluía las pinturas con temas religiosos, mitológicos, históricos, literarios o alegóricos, era prácticamente una interpretación de la vida y mostraba un mensaje intelectual o moral. Sir Joshua Reynolds, en sus "Discursos" sobre arte expuestos en la Royal Academy of Arts entre 1769 y 1790 comentaba: «El gran fin del arte es despertar la imaginación ... De acuerdo en correspondencia con la costumbre, yo llamo esta parte del arte Pintura Histórica, pero debería decirse Poética .(...) Debe algunas veces desviarse de lo vulgar y de la estricta verdad histórica a la búsqueda de grandeza para su obra ». Aunque Nicolás Poussin fue el primer pintor que realizó este género en formato más reducido, esta innovación tuvo poco éxito, Diego Velázquez en 1656 realizó "Las Meninas" con un tamaño que demuestra simbólicamente que este retrato de la familia real entra dentro del género de la pintura histórica, mucho más tarde Pablo Picasso en su obra "Guernica" de 1937, también emplea una gran dimensión para esta pintura histórica.
Pintura
La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica, generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma. Se destaca especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo. La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fue desarrollada paralelamente en Alemania y Estados Unidos. El pintor Jackson Pollock utilizó las pinturas acrílicas tal como salen de los tubos para conseguir texturas nuevas y espesas mientras que Morris Louis las diluía con gran cantidad de agua para pintar grandes telas que quedaban con un efecto de teñido más que de pintura.
Arte
Según el material, se puede trabajar en tres sistemas: “aditivo”, modelando y añadiendo materia, generalmente en materias blandas (cera, plastilina, barro); “sustractivo”, eliminando materia hasta descubrir la figura, generalmente en materiales duros (piedra, mármol, madera, bronce, hierro); y “mixto”, añadiendo y quitando. También se puede hacer por fundición, a través de un molde. Hecha la escultura, se puede dejar al natural o policromarla, con colorantes vegetales o minerales o en encausto, al temple o al óleo, en dorado o estofado (imitación de oro). Existen diversos tipos de vidrio: “vidrio sódico” (el más básico, a partir de sílice), cristal (sílice y óxido de plomo o potasio), “vidrio calcedonio” (sílice y óxidos metálicos) y “vidrio lácteo” (sílice, bióxido de manganeso y óxido de estaño). La principal técnica para trabajarlo es el soplado, donde se le puede dar cualquier forma y espesor. En cuanto a la decoración, puede ser pintada, esgrafiada, tallada, con pinzas, a filigrana, etc.
Yucatán
La pintura es una de las artes más antiguas de México y de Yucatán. En el período prehispánico estaba presente en edificios, códices, cerámica y atuendos. La región con mayor concentración de pinturas de la cultura maya en la península de Yucatán es la zona Puuc. La pictografía de la cueva de Loltún es de las más antiguas de la región aunque existen dudas de que fuera el pueblo maya el autor de estas pinturas rupestres.
Pintura decimonónica de Francia
El artista más destacado es Jacques-Louis David (1748-1825), prototipo de artista revolucionario que se convierte en el pintor oficial de la era napoleónica. En 1784 presenta a sus contemporáneos la obra el "Juramento de los Horacios," que plantea un espacio preciso en el que los personajes se sitúan en un primer plano. Predomina el dibujo sobre el color. De todas las pinturas de los años 1790, sobresale "La muerte de Marat" (1793). Otras obras destacadas de este pintor fueron "El rapto de las sabinas" y "La coronación de Napoleón I en Notre Dame" (1805-7).
Historia de la pintura
La pintura es el arte y técnica de crear imágenes a través de la aplicación de pigmentos de color sobre una superficie, sea papel, tela, madera, pared, etc. Se suele dividir en pintura mural (fresco, temple) o de caballete (temple, óleo, pastel), e igualmente puede clasificarse según su género (retrato, paisaje, bodegón, etc). La pintura ha sido durante siglos el principal medio para documentar la realidad, reflejando en sus imágenes el devenir histórico de las distintas culturas que se han sucedido a lo largo del tiempo, así como sus costumbres y condiciones materiales.
Benito Prieto Coussent
“En cada pincelada , en cada sombra, hay una gota de mi propia sangre y mi sudor de esclavo sometido al yugo del amor y el esfuerzo. Mi Cristo es también mi calvario, y acaso mi gloria”. La obra más representativa de Prieto Coussent es sin duda "Cristo en la Cruz", datada en 1948, cuadro que marcó drásticamente su carrera. Obra de larguísima gestación, fue precedida de multitud de estudios y bocetos, con los que el pintor nunca estaba satisfecho, y de los que acabó rehaciendo y destruyendo en muchos casos. Además, el pintor encontró numerosas y muy serias dificultades que hicieron más difícil aún el proyecto.
Arte rupestre de Alta
Entre las pinturas más misteriosas se encuentra un conjunto de símbolos geométricos encontrados principalmente entre las pinturas más antiguas de la zona. Algunos de estos objetos son circulares, algunos de los cuales están rodeados de flecos, otros muestran intrincados patrones de líneas horizontales y verticales. Si bien algunos de estos objetos se han explicado como herramientas u objetos similares (retículas lineares que pueden representar redes de pesca) la mayoría de estos símbolos siguen siendo inexplicables.
Cueva de Altxerri
En una galería superior a la principal de la cueva, de difícil acceso, se encuentran una serie de pinturas de color rojo de difícil interpretación. Los expertos creen reconocer el dorso de un bisonte. Esta pintura de 3 metros de longitud sería la más grande la cueva. Denominada Altxerri B, estas pinturas fueron datadas en un estudio de 2013 como las pinturas rupestres más antiguas en Europa, con una edad estimada de 39 000 años.
Pintura acrílica
Son los componentes unitarios que van a formar la cadena del polímero a dispersar. Se clasifican en “duros” y “blandos” según la Tg del homopolímero que forman. La Tg (temperatura de transición vítrea) del polímero es la que determina la temperatura de formación de la película (MFT), y a la vez determinará las características finales del recubrimiento en cuanto a dureza, resistencia al rayado, etc(5).
El Ocote (zona arqueológica)
Por otro lado, según Daniel Valencia, hay dos etapas en la elaboración de las pinturas, una en color rojo claro (la más antigua) y otra en rojo oscuro (más reciente). Los motivos en rojo claro son de naturaleza antropomorfa (figuras humanas esquematizadas con extremidades curveadas) y la de rojo oscuro posee más variantes en cuanto a la expresión de las figuras humanas, y también hay dos tipos de cabeza: triángulo invertido y redonda.
Pancho Cossío
Así, la semblanza general de Cossío (tan inhabitual, tan fuera de serie cual todo lo que a él toca) será tan complicada cual la que sigue: el gran pintor español novecentista que, partiendo del poscubismo y habiéndose acercado hasta a dos milímetros de la no figuración, ha realizado la pintura más hondamente tradicional conocida por el siglo XX.
Estudios de ejecución trascendental
Los "Douze Études d'exécution transcendante", junto a la "Sonata en si menor", forman parte de las mayores obras para piano solista escritas por Franz Liszt y se encuentran entre las obras para piano más difíciles jamás escritas, habiendo sido Liszt el más virtuoso pianista de su tiempo. Los "Estudios trascendentales", especialmente en su segunda versión, se hallan entre las piezas más difíciles para piano de la historia. Robert Schumann declaró que eran tocables, en aquella época, por "«como mucho, diez o doce pianistas en todo el mundo»". Franz Liszt se dio cuenta de que su técnica virtuosa, que influenció en los Estudios, no era superable, por lo que los estudios en su forma final no son tan difíciles, pero aun así suponen una exigencia técnica y física increíble para el intérprete. Los estudios cuarto, quinto y duodécimo, ""Mazeppa"" ""Feux follets"" y ""Chasse-neige"", son de una dificultad descomunal.
Vicente Berdusán
Es una de las obras más complejas y apreciadas en todo tiempo dentro de la producción de Carreño, con la que el barroco más internacional triunfaba definitivamente en Madrid. Pero es precisamente cuanto tenía de novedad la pintura lo que produjo el inicial rechazo de los frailes, especialmente en cuanto la pudieron ver de cerca, según cuenta Palomino, por lo que no la quisieron admitir y solo cambiaron de opinión ante la intervención de Vicente Berdusán, para los frailes, un pintor de crédito. En el siglo XVII era frecuente la intervención de artistas en peritajes o informes artísticos.
Christopher Paudiss
A lo largo de su toda vida se enfrentó a dificultades económicas. Sus pinturas al óleo y al fresco muestran imágenes oscuras de la vida cotidiana. Son famosas sus pinturas de género, historias rurales y naturalezas muertas; también pintó retratos. El Museo Diocesano de Freisinger tiene la mayor colección de su obra (15 en total), otras obras están dispersas por toda Europa.
Olinalá (artesanía)
La última parte es el pintado. Se usan pinceles con punta muy fina, hechos de pluma de guajolote en cuya punta hay insertada un pelo de gato. Gracias a ello se pueden pintar motivos muy elaborados, que llegan a cubrir la totalidad de la superficie de la caja o mueble. Se usan pigmentos naturales en polvo mezclados con sisa, es decir, pintura al óleo. En este caso también cada pintor tiene su estilo propio, aunque las flores suelen ser el motivo más frecuente. Las formas abstractas, geométricas y los animales también son muy comunes. Los dibujos son sencillos de estilo naif y muy coloridos, lo cual hace un bello contraste con el negro brillante de la caja.
Maria Helena Vieira da Silva
Su obra vinculada a la Segunda Escuela de París, le sirvió para que la consideraran como la pintora portuguesa más importante del siglo XX. Sus cuadros se sitúan entre la pintura abstracta y la pintura figurativa, entre el interés por el primitivismo y el cubismo sintético. Todas ellas resultan una amalgama de estilos, ideas y desarrollos que se fusionan en cada cuadro. Debido a esto, son tan fáciles de identificar.
Pintura
El vehículo son ceras que normalmente se usan calientes. La encáustica, que deriva del griego "enkaustikos" ('grabar a fuego'), es una técnica de pintura que se caracteriza por el uso de la cera como aglutinante de los pigmentos. La mezcla tiene efectos muy cubrientes y es densa y cremosa. La pintura se aplica con un pincel o con una espátula caliente. La terminación es un pulido que se hace con trapos de lino sobre una capa de cera caliente previamente extendida (que en este caso ya no actúa como aglutinante sino como protección). Esta operación se llama «encaustización» y está perfectamente descrita por Vitruvio (c. 70-25 aC), que dice así: «Hay que extender una capa de cera caliente sobre la pintura y a continuación hay que pulir con unos trapos de lino bien secos.» La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando. Requiere del artista la seguridad en los trazos y espontaneidad en la ejecución, ya que su mayor mérito consiste en el frescor y la transparencia de los colores. Sin embargo existe la acuarela hiper realista que va en contra de este postulado y que utiliza barnices para no remover las primeras capas y dar sucesivas veladuras con lo que se consigue un claroscuro muy detallado pero carente de la translucidez de la acuarela clásica.
Leonardo da Vinci
Entre 1503 y 1506 trabaja en un pequeño retrato, "La Gioconda", probablemente el cuadro más famoso de la pintura occidental. La obra representa a Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo. Fue un cuadro muy querido por Leonardo y que tuvo con él hasta su muerte. Su aspecto actual es engañoso debido a una gruesa capa de barnices oscurecidos, cuya eliminación se está demorando por los riesgos que implica. A pesar de ello, es una obra en estado de conservación inusual, ya que no tiene ningún signo visible de reparaciones, sobrecapa o repintes, lo cual es un hecho muy raro en una pintura de esta época.
Técnicas de pintura
Los pasteles son pigmentos en polvo mezclados con la suficiente goma o  resina para aglutinarlos formando una pasta seca y compacta. La palabra pastel deriva de la pasta con la que se elaboran estas pinturas. Esta pasta se moldea en la forma de una barrita del tamaño aproximado de un dedo, que se usa directamente sobre la superficie al trabajar (generalmente papel o madera). Son colores fuertes y opacos cuya mayor dificultad es la adhesión del pigmento a la superficie al pintar, por ello suelen usarse al finalizar el dibujo fijadores atomizados (spray) especiales. El pastel generalmente se usa como el "crayón" o el "grafito" (lápiz), y su recurso expresivo más afín es la línea con la cual se pueden hacer tramas. También suele usarse el polvo que tiende a soltar el pastel (semejante al de la "tiza") para aplicar color.
Diorama
Este otro tipo de diorama era más complejo que los anteriores y se dice que eran necesarios alrededor de diez y once meses de trabajo continuado para poder acabarlos. Daguerre y el pintor Sèbron los empezaron a producir a partir de 1834.
Dogic
El Dogic de 12 colores es la versión más difícil, donde los centros de las caras deben acomodados de tal manera que coincidan con los centros de las caras adyacentes. Los triángulos deben luego coincidir con los colores correspondientes de los centros de las caras. los centros de las caras son matemáticamente equivalentes a los vértices del Megaminx, y por lo tanto se pueden usar los mismos algoritmos para resolverlos. Los triángulos son relativamente más fáciles de resolver una vez que los centros están colocados correctamente ya que dos de los triángulos de cada vértice son del mismo color y pueden ser intercambiados.
Diego Velázquez
El grado de acabado es otra parte fundamental de su arte y depende del tema. Las figuras —en particular cabezas y manos— son siempre la parte más elaborada; en el caso de los retratos de la familia real, están mucho más trabajadas que en los bufones, donde se tomó las mayores libertades técnicas. En cuadros como "La costurera", la zona abocetada con amplias pinceladas ocupa gran parte del cuadro. A lo largo de su vida, en muchos retratos y otras composiciones mitológicas, religiosas o históricas, aparecen estas zonas esbozadas. Para López-Rey es claro que estas partes abocetadas tienen una intensidad expresiva intrínseca, estando bien integradas en la composición del cuadro, y puede considerarse parte del arte de Velázquez.
Felipe Diricksen
Aunque estimable retratista, atento a las novedades aportadas por Velázquez a partir de 1623, la más primitiva de sus obras conocida es una recientemente descubierta "Santa Teresa recibiendo el collar de manos de la Virgen y San José", fechada en 1612, para el antiguo convento de carmelitas descalzas de Tudela. La llegada de Velázquez a la corte y la ausencia de encargos, pudo determinar una dedicación progresivamente mayor a la pintura religiosa. Así, la más compleja de sus obras conservadas es el retablo de la Capilla de Mosén Rubí en Ávila, fechado entre 1627 ("San Marcos") y 1629 ("Santa Teresa"), que consta de seis lienzos en un estilo próximo al de Eugenio Caxés, con su misma preocupación claroscurista, a la vez que con deudas con Vicente Carducho, cuya "Anunciación" del Monasterio de la Encarnación de Madrid imita. Para el "Calvario" del ático, por otro lado, se sirvió de una célebre composición de Miguel Ángel conocida a través de estampas. De 1627 es también la desaparecida "Imposición de la casulla a San Ildefonso" de los carmelitas descalzos de Cuerva.
Joan Ponç
"Para mi la pintura es una forma de investigación de la misma forma que podría ponerme delante de un microscopio o un telescopio, me interesa lo más pequeño y lo más grande" explicaba en una entrevista en 1978 añadiendo que le interesa poco la cuestión de la belleza en la pintura.
Yves Klein
El trabajo de las antropometrías de Klein logra conjugar diferentes lenguajes artísticos en una misma acción, balanceándose entre lo performativo y lo pictórico de manera simultánea. La parte pictórica juega con conceptos tanto modernos como clásicos de la pintura en la historia del arte. La representación del desnudo femenino es uno de los géneros pictóricos más antiguos en el ámbito pictórico, que consolidó la maestría de grandes figuras de la historia de la pintura. Desde las esculturas de diosas griegas, hasta las escuelas renacentistas y la pintura académica del siglo XIX, los cuerpos de mujeres desnudas aparecen como protagonista de un sinfín de obras. Pero Klein muy consiente de esto subvierte el rol del pintor y el modelo en sus antropometrías. Sus "pinceles humanos", como se refería a las modelos que ejecutaban las pinturas, son los autores, las herramientas y las formas representadas al mismo tiempo.
Parque Arqueológico de Facatativá
Las marcas e inscripciones, son quizá la mayor alteración de la pintura rupestre y de hecho la más agresiva. Hechas con diferentes materiales que van desde rayados con objetos corto punzantes, hasta aerosol, pasando por marcador, vinilos, tiza, pinturas acrílicas entre otras. Las incisiones comprometen la superficie rayada y las pinturas, son hechas con navajas o vidrios rotos muy abundantes en el lugar. Como resultado de la práctica permisiva de hacer fogatas e el sector, los depósitos de hollín se ha depositado humo sobre las piedras.
Historia de la pintura
Este periodo —iniciado alrededor del 8.000 a.C. en el Próximo Oriente— supuso una profunda transformación para el antiguo ser humano, que se volvió sedentario y se dedicó a la agricultura y la ganadería, surgiendo nuevas formas de convivencia social y desarrollándose la religión. En la pintura levantina —datada entre el mesolítico y el neolítico— se dio la figura humana, muy esquematizada, con notables ejemplos en El Cogul, Valltorta, Alpera y Minateda. También se dio este tipo de pintura en el norte de África (Atlas, Sáhara) y en la zona del actual Zimbabue. La pintura neolítica solía ser esquemática, reducida a trazos básicos (el hombre en forma de cruz, la mujer en forma triangular). Son de destacar igualmente las pinturas rupestres del Río Pinturas en Argentina, especialmente la Cueva de las manos.
Retrato pictórico
Para composiciones complejas, el artista haría primero un esbozo completo, con lápiz, tinta, carboncillo o al óleo, lo que es particularmente útil si es limitado el tiempo de que dispone el modelo para posar. La forma general, entonces con un parecido aproximado, se esboza sobre el lienzo en lápiz, carboncillo u óleo fino. En muchos casos, el rostro se completa primero, y el resto después. En los talleres de muchos de los grandes retratistas, el maestro haría solo la cabeza o las manos, mientras que la ropa y el fondo se completarían por los aprendices principales. Había incluso especialistas de exterior que trataban temas específicos como la ropa y sus dobleces, como Joseph van Aken. Algunos artistas del pasado usaban maniquíes o muñecas para ayudar a establecer y ejecutar la pose y la ropa. El uso de elementos simbólicos colocados alrededor del modelo (incluyendo signos, ajuar doméstico, animales y plantas) se usó a menudo para presentar codificado en la pintura el carácter religioso o moral del sujeto, o con símbolos representando la ocupación del modelo, sus intereses o su estatus social. El fondo puede ser totalmente negro y sin contenido o toda una escena que sitúa al modelo en su medio social o recreativo. El autorretrato puede considerarse como un sub-género dentro del más amplio del retrato. Ya en la Edad Media los artistas no firmaban la obra pero sí podían aparecer dentro de la escena religiosa. Los autorretratos se producen generalmente con ayuda de un espejo y el resultado acabado es un retrato de la imagen en el espejo, lo inverso a lo que ocurre en un retrato normal en que el modelo y el artista están sentados uno frente al otro. En un autorretrato un artista diestro parece que sostiene el pincel con la mano izquierda a menos que el artista, deliberadamente corrija la imagen o use un segundo espejo mientras pinta. Como en el retrato en general, se observan dos tendencias dentro de autorretrato: la psicológica y la de corte. En el autorretrato «personal» o psicológico, el pintor se escudriña a sí mismo sin piedad, reflejando su realidad y sin que se evidencie en muchas cocasiones que quien se está retratando es el propio pintor; ejemplo de ello es el "Autorretrato con visera", pastel de Chardin de 1775. En el «profesional», en cambio, el pintor aparece revestido de sus atributos típicos como el pincel y la paleta y con la solemnidad de expresión y la vestimenta de lujo como ocurre en los dos "Autorretratos" que hizo Poussin al final de su vida.
Pintura rupestre en cuevas
Los temas más comunes en las pinturas rupestres son los grandes animales salvajes, como los bisontes, los caballos, los uros y los ciervos, y los trazos de manos humanas, así como los patrones abstractos, denominados "finger flutings"(trazados de los dedos). Las especies encontradas con más frecuencia eran aptas para la caza por parte de los humanos, pero no eran necesariamente las presas típicas reales que se encuentran en los depósitos de huesos asociados; por ejemplo, los pintores de Lascaux han dejado principalmente huesos de reno, pero esta especie no aparece en absoluto en las pinturas rupestres, donde las especies equinas son las más comunes. Los dibujos de seres humanos eran escasos y suelen ser esquemáticos, a diferencia de las imágenes más detalladas y naturalistas de los sujetos animales. Kieran D. O'Hara, geólogo, sugiere en su libro "Cave Art and Climate Change" que el clima controlaba los temas representados, Los pigmentos utilizados incluyen ocre, hematita, manganeso y carbón vegetal. A veces, la silueta del animal se incide primero en la roca, y en algunas cuevas todas o muchas de las imágenes únicamente están grabadas de este modo, lo que las aleja un poco de la definición estricta de pintura rupestre en cuevas.
Desnudo (género artístico)
En cuanto al cromatismo, si bien el punto de partida es el color carne, este puede variar del rosa pálido al ocre o el anaranjado, aunque por lo general no presenta una coloración saturada. Asimismo, las sombras que genera pueden variar del verde pálido al gris azulado o los tonos rosa o siena. Las carnaciones suelen partir de un ocre anaranjado, que se suele oscurecer con siena tostado o aclarar con blanco frío. Otros artistas parten de un rosa blanquecino, oscurecido con verdes y azules pálidos (para sombras claras) o con rojos y carmines (para sombras oscuras). Sin embargo, hay que remarcar que no existe un color carne de validez universal, ya que presenta tantas gradaciones y es tan difícil de interpretar como el color del mar. Las principales técnicas pictóricas para la realización del desnudo son la acuarela, el pastel y el óleo. La acuarela proporciona mayor tersura y delicadez a la anatomía, aunque sintetiza el relieve muscular y requiere gran precisión para su ejecución, ya que no permite la rectificación. Por lo general, primero se emplean aguadas para crear grandes zonas de color y comprobar el efecto de los tonos, sobre las que se realiza el modelado aplicando capas de color, añadiendo tonos oscuros para crear volumen. Por último, se pueden hacer retoques sobre el papel seco, especialmente para remarcar los detalles. La pintura al pastel enfatiza los efectos de color y luz, aunque no proporciona mucho detallismo a la figura. Sobre una base realizada en dibujo se van aplicando capas de color, que crean tonalidades de gran calidez y aspecto lumínico. La pintura al óleo proporciona detallismo dibujístico, riqueza cromática e intensidad lumínica, otorgando una síntesis óptima a la representación artística de la anatomía. Sobre el dibujo se aplica un manchado de colores diluidos, para ajustar los tonos y equilibrar las luces y sombras; después se realiza el modelado, aplicando un color más espeso para perfilar volúmenes, matizar superficies, remarcar o suavizar las sombras y establecer la atmósfera general de la imagen. En cuanto a la escultura, la representación escultórica del cuerpo requiere gran destreza y habilidad, así como un sentido plástico de la imagen volumétrica, ya que la imagen presenta tres dimensiones, y es necesario estructurarla según múltiples puntos de vista. Hay que tener en cuenta factores como el espacio y la masa, que delimitan la realidad física de la obra; la superficie, cuya textura, tratamiento y acabado puede influir no solo en su aspecto visual, sino en la incidencia de la luz sobre el material; el movimiento, que refleja tensiones dinámicas e influye en la sinuosidad del contorno; y el color, que puede ser el natural de la materia utilizada o puede ser aplicado sobre la obra —en la Antigua Grecia, la escultura era policromada, aunque actualmente haya perdido el color, hecho que ha influido en la valoración de la escultura clásica y que ha determinado la actual preferencia por la escultura desprovista de valores cromáticos—.
Toro complejo
es una variedad compleja compacta. Todos los toros complejos, hasta el isomorfismo, se obtienen de esta manera. Para "n" = 1, esta es la construcción reticular del período clásico de las curvas elípticas. Para "n" > 1, Bernhard Riemann encontró las condiciones necesarias y suficientes para que un toro complejo sea una variedad algebraica; los que son variedades pueden integrarse en un espacio proyectivo complejo, y son las variedades abelianas.
Pintura rupestre en cuevas
Las pinturas rupestres más antiguas que se conocen tienen más de 44 000 años de antigüedad (arte del paleolítico superior), y se encuentran tanto en la región franco-cantábrica de Europa occidental como en las cuevas de Leang-Leang (Sulawesi, Indonesia). El tipo más antiguo de pinturas rupestres son plantillas a mano y formas geométricas simples; los ejemplos indiscutibles más antiguos de pinturas rupestres figurativas son algo más jóvenes, con una antigüedad cercana a los 35 000 años. Sin embargo, más recientemente, en el 2021, se ha informado del arte rupestre, de la representación de un cerdo, encontrado en una isla de Indonesia, y datado en más de 45 500 años.
Pintura automotriz
Es lo mismo que el perlado, sólo que las partículas de metal son más gruesas, haciendo que el cambio de tono sea mucho más notorio. - Tornasol: también conocido como pintura camaleón. Es lo último en tecnología en pintura. Esta cambia de color según el ángulo de visión, luz ambiental y forma de la pieza pintada. Su aplicación requiere un fondo negro mate.
Las lágrimas de San Pedro (El Greco y su taller)
Aunque según Harold E. Whethey es la mejor de las variantes de taller que han sobrevivido hasta la actualidad, su estado de conservación no es bueno, y ha sido demasiado repintado. El manto de San Pedro es amarillo como suele ser en la iconografía propia de este santo, pero la túnica es más verdosa. Pintura al óleo sobre lienzo; 100 x 96 cm.; Sacristía de la Catedral de Toledo,
Pintura medieval
Aunque la ilustración de manuscritos se siguió realizando durante todo el periodo (Las muy ricas horas del Duque de Berry, Libro de horas de Isabel la Católica), la pintura se desarrolló como forma de cubrir grandes superficies arquitectónicas o en soportes exentos, tanto fijos como muebles. Un arte pictórico muy particular fue la confección de vidrieras, en las que el artista trabaja directamente con la luz y sus efectos en el espacio arquitectónico. Los tapices fueron objeto en la época de un aprecio superior al que se tributaba a lo que hoy consideramos "pintura" (Tapiz de Bayeux, colección del Museo Cluny). En los últimos siglos medievales, la invención del grabado produjo una revolución en el campo del dibujo y las artes gráficas, con decisivas consecuencias, sobre todo a partir de la invención de la imprenta. Pintura románica (siglo XI y siglo XII). Se caracteriza por frescos de vivos colores y líneas marcadas, con gran expresividad y esquematismo, que cubren las paredes del interior de las iglesias, sobre todo en los ábsides. Los temas más repetidos son de tradición bizantina, representados con gran hieratismo ("pantocrátor, tetramorfos, theotokos"), así como las representaciones narrativas de escenas bíblicas o vidas de santos.
Luis Rigalt
Son dibujos realizados con sinceridad y verismo pero que no tienen nada de frialdad inexpresiva, aun cuando en algunos se adivina la intención documental más que la emotiva. Los dibujos reúnen las más variadas técnicas, desde el preciso a la pluma, de trazado finísimo, hasta el apunte más rápido y simple, a veces cosistente solamente en una mancha o una ligera frotación de lápiz, pero abundando el dibujo a la mina de plomo con lavado más o menos acusado de sépia, variante del gris rojizo y animado en ocasiones con toques de blanco de gouache, modalidad ésta que dominó extraordinariamente y que fue su preferida.
Eberhard Keil
Sus trabajos más célebres, los cuadros de asunto popular, entre ellos las series dedicadas a la cuatro edades del hombre y los cinco sentidos, resultan particularmente originales y no tienen parangón en la obra de otros pintores contemporáneos, probablemente a causa de la multiplicidad de influencias que recogió en su largo recorrido desde Dinamarca y por su conocimiento de la pintura holandesa, alemana, veneciana y romana. Y será, por otra parte, gracias a ese lenguaje plural por lo que pudo ejercer una influencia muy notable sobre otros pintores de género, como Salvator Rosa, Giacomo Ceruti y Antonio Amorosi, a quien estuvieron atribuidas muchas de las obras de Monsù Bernardo antes de los estudios que le dedicó Roberto Longhi, que hicieron posible la recuperación de su figura.
Arte rupestre de Zuojiang Huashan
Las pinturas se encuentran entre 30 metros y 90 metros por encima del nivel del agua del río. El área principal pintada a lo largo del acantilado tiene una anchura de unos 170 metros y una altura de unos 40 metros y es una de las pinturas rupestres más grandes de China. Contiene cerca de 1900 imágenes dispuestas en unos 110 grupos. Las pinturas son de un color rojizo conseguido utilizando una mezcla de ocre rojo (hematita), cola animal y sangre. Representan figuras humanas y animales, junto con tambores de la edad del bronce, cuchillos, espadas, campanas y barcos. Las representaciones humanas suelen tener entre 60 centímetros y 150 centímetros de altura, hay una que alcanza los 3 metros.
Museo del Prado
La pintura del "Cinquecento" inicia el gran periodo de la pintura italiana en el Prado con algunas obras capitales de Rafael y su taller, especialmente de Giulio Romano y Giovanni Francesco Penni. El museo es una de las instituciones con mayor número de pinturas de los últimos años de producción del maestro, incluyendo obras tan relevantes como la "Virgen del pez", "El Pasmo de Sicilia", o la "Sagrada Familia con san Juan", llamada «la Perla» por Felipe IV, quien la consideró la pintura más preciada de su colección. La nutrida colección de obras de este artista (ocho pinturas, entre las autógrafas y las realizadas en mayor o menor parte por sus discípulos) da cuenta del prestigio del que disfrutaba en España, donde sus obras eran enormemente apreciadas y demandadas. Una de las lagunas más importantes del Prado es la carencia de ejemplos autógrafos de Leonardo da Vinci. Se cuenta con dos pinturas de su seguidor Bernardino Luini, aunque sin duda la obra más cercana al maestro es la singular copia de la "Gioconda". Oculto su fondo de paisaje durante décadas por un repinte negro, en 2012, tras su estudio y restauración, se determinó que había sido realizada de forma paralela y simultánea al original por uno de los discípulos del maestro. Otros nombres señalados de la plástica renacentista presentes con obras importantes son Sebastiano del Piombo, Dosso Dossi, Correggio, Andrea del Sarto y Federico Barocci, autores en el tránsito al Manierismo, apenas representado por un puñado de obras de Parmigianino, Bronzino o Francesco Salviati. Mención aparte merece la pintura veneciana del , con amplísima presencia hasta el punto de constituir la mejor colección de la misma fuera de Italia. El artista central de la escuela, Tiziano, era el pintor favorito de Carlos V y Felipe II y, aunque varias de sus obras permanecen en el Monasterio de El Escorial, la representación en el Prado del cadorino supera las treinta pinturas. Para los primeros Habsburgo compuso algunas de sus obras maestras, como el "Retrato ecuestre de Carlos V en Mühlberg" o las "poesie" (poesías). Esta serie constaba de seis obras, aunque hubo otras dos que aparentemente nunca fueron enviadas, "Medea y Jasón" y "Acteón destrozado por los perros". De ellas, la única que sigue en España es la del Prado, "Venus y Adonis". Otros maestros como Tintoretto, Veronés, Lorenzo Lotto, Bonifazio Veronese, Palma el Joven, Moroni, Bernardino Licinio, Jacopo Bassano y sus hijos Francesco y Leandro, e incluso algunos precursores como Vincenzo Catena, están asimismo representados en la colección.
Pintura
A menudo el término fresco se usa incorrectamente para describir muchas formas de pintura mural. El verdadero fresco es a las técnicas pictóricas modernas lo que el latín es a los idiomas modernos. La técnica del fresco se basa en un cambio químico. Los pigmentos de tierra molidos y mezclados con agua pura, se aplican sobre una argamasa reciente de cal y arena, mientras la cal está aún en forma de hidróxido de calcio. Debido al dióxido de carbono de la atmósfera, la cal se transforma en carbonato de calcio, de manera que el pigmento cristaliza en el seno de la pared. Los procedentes para pintar al fresco son sencillos pero laboriosos y consumen mucho tiempo. Esta técnica de pintura suele ser estable y de larga duración, aunque se puede dañar por causas físicas, químicas o bacteriológicas, la más frecuente es la humedad que consigue la alteración de los colores ante la disolución del carbonato de calcio y el desarrollo del moho. Es una técnica pictórica basada en una pintura monocroma en claroscuro: «luz y sombra» como la llamó Giorgio Vasari, el color está hecho de una mezcla de óxidos de hierro y de cobre y de un fundente, que produce la sensación de ser un relieve escultórico. En el siglo XIV se utilizó para esbozos prepatorios de los escultores para conseguir el efecto de relieve mediante diversas gradaciones de un solo color. Bajo el reinado de Carlos V de Francia, el uso de la grisalla fue sobre todo en la miniatura, en los vitrales y en la pintura. Su utilización será una de las características de la pintura flamenca: en el dorso de los retablos se solía representar una "Anunciación" en grisalla ("Políptico de Gante", Jan Van Eyck, para la catedral de San Bavón en Gante). Josep Maria Sert enfatiza aún más por su evolución cromática, que termina apoyándose en un predominio de la monocromía dorada. Empleaba una gama cromática limitada: oros, ocres, tierras tostadas, con toques de carmín, utilizando como fondo una rica preparación en metal, plata y pan de oro.
Pintura rupestre
Estas pinturas y las otras manifestaciones asociadas revelan que el ser humano, desde tiempos prehistóricos, organizó un sistema de representación artística. Se cree, en general, que está relacionado con prácticas de carácter mágico-religiosas para propiciar la caza. Dado el alcance cronológico y geográfico de este fenómeno, es difícil, por no decir, imposible, proponer generalizaciones. Por ejemplo, en ciertos casos las obras rupestres se dan en zonas recónditas de la cueva o en lugares difícilmente accesibles; hay otros, en cambio, en los que estas están a la vista y en zonas expeditas y despejadas. Cuando la decoración está apartada de los sitios ocupados por el asentamiento se plantea el concepto de santuario cuyo carácter latente subraya su significado religioso o fuera de lo cotidiano. En los casos en los que la pintura aparece en contextos domésticos es necesario replantear esta noción y considerar la completa integración del arte, la religión y la vida cotidiana del ser humano primitivo.En las pinturas rupestres del Paleolítico se simbolizan animales y líneas. En el Neolítico se representaban animales, seres humanos, el medio ambiente y manos, representando además el comportamiento habitual de las colectividades y su interacción con las criaturas del entorno y sus deidades. Entre las principales figuras presentes en estos grafos encontramos imágenes de bisontes, caballos, mamuts, ciervos, renos, etc, aunque las marcas de manos también ocupan un porcentaje importante. Frecuentemente se muestran animales heridos con flechas. Los motivos y los materiales con que fueron elaboradas las distintas pinturas rupestres son muy similares entre sí, a pesar de los miles de kilómetros de distancia y miles de años en el tiempo. Todos los grupos humanos que dependían de la caza y de la recolección de frutos efectuaron este tipo de trabajo pictórico.
Gaspard de la nuit
Esta pieza es muy conocida debido a su tremenda dificultad, causada, al menos en parte, por la pretensión de Ravel de crear una obra aún más difícil que "" de Mili Balákirev, especialmente con la tercera parte, "Scarbo". Por sus increíble dificultad técnica y su profunda estructura musical, "Gaspard de la nuit" está considerada como una de las obras más complicadas del repertorio para piano. El propio Ravel afirmó: "Quería hacer una caricatura del Romanticismo. Quizás di lo mejor de mí."
Pintura
Los pigmentos se dividen en inorgánicos como los derivados de minerales, las tierras, sales u óxidos con los que se consiguen los colores de tierras ocres y sienas, y los orgánicos derivados de vegetales o animales como los conseguidos por cocción de semillas o calcinación y los obtenidos por vía sintética como anilinas también de compuesto orgánico. Los orgánicos suelen ser menos estables que los inorgánicos. El pigmento junto con el aglutinante forma la pintura. El aglutinante es el que permite alcanzar la fluidez en el pigmento y conseguir la adhesión de la pintura en la superficie, puede ser acuoso o graso. El disolvente tiene la misión de diluir o disolver y su tipo depende de la clase del aglutinante empleado. Así el aguarrás diluye el aceite y disuelve la resina, y el agua disuelve la goma y una vez disuelta, también puede diluirla más.
Boceto al óleo
Es paradójico que la técnica del óleo tenga la consideración de ser la que más tiempo concede al pintor, pues permite constantes retoques. La técnica habitual para los apuntes o bocetos es el dibujo, y una técnica muy utilizada para la pintura rápida es la acuarela; pero un apunte al óleo, incluso aunque se haga con una paleta limitada en su rango de colores, es mucho más significativo que un dibujo (tanto monocromo como policromo) e incluso que una acuarela, por su capacidad muy superior de obtener mezclas cromáticas y texturas, y sugiere mejor cómo puede resultar la obra proyectada. También indica mejor el flujo y energía de una composición. Incluso para un pintor con buena técnica es difícil realizar directamente un apunte al óleo, siendo muestra de una técnica excepcional la "facilidad" (sólo aparente) con que algunos grandes maestros los han resuelto, protagonizando anécdotas famosas de la forma en que se enfrentaban al lienzo con los colores, con tanta rapidez y eficacia como podrían trazar las líneas de un dibujo sobre un papel (Tiziano, Rubens, Velázquez, Luca Giordano -motejado "Luca fa presto"-, Tiepolo). En su rapidez de ejecución, el apunte al óleo puede servir no sólo para expresar movimiento y efectos de luz y color, sino que su naturaleza gestual puede incluso representar un paralelo mimético de la acción o personalidad del sujeto o tema representado, al que puede acomodarse mejor que una obra "terminada" con criterios preciosistas (es famosa la anécdota protagonizada por Goya al pedirle a Vicente López que dejara de retocar ).
Jackson Pollock
En noviembre de 2006, la obra de Pollock, "No. 5, 1948" se convirtió en la pintura más cara del mundo cuando esta se vendió de manera privada a un comprador anónimo en $140 millones de dólares. Otro récord fue establecido para el artista en el 2004, cuando "No. 12" (1949), una pintura de "goteo" de tamaño mediano que había sido exhibida en el pabellón de Estados Unidos en el Bienal de Venecia, se vendió por 11.7 millones de dólares en Christie's, Nueva York. En el 2012, "No. 28" (1951), una de las pinturas donde el artista combina el goteo con pinceladas en tonos de gris/plateado con salpicaduras de color rojo, amarillo, azul y blanco, fue vendida en Christie's en Nueva York por 20.5 millones de dólares (23 millones con los cargos adicionales) habiendo estimado su valor entre los 20 y 30 millones de dólares.
Fernando Bolívar Galiano
Sus obras más conocidas se basan en el uso de algas vivas, desarrollando una pintura algal a partir de microalgas molidas y aglutinadas con polímeros sintéticos, y por otro lado cuadros vivos mediante el cultivo de microalgas entre cristales. Los 'cuadros vivos’ son obras pictóricas consistentes en algas aisladas y enmarcadas entre dos cristales, algunos con pequeñas aberturas que permiten el paso del aire, que van evolucionando en su composición y color en relación a los microorganismos que lo forman.
Pintura (material)
Es el tipo de pintura más utilizado para paredes interiores. Es una pintura permeable, porosa, de aspecto mate. No se puede lavar, ni colocar en zonas expuestas a la lluvia ni condensaciones de agua.
Katharsis
La naturaleza expresionista de la obra está implícita en el dramatismo y la fuerza de la representación. Obra maestra del pintor mexicano, quien consideraba la pintura mural “la más alta, la más lógica, la más pura, porque es para el pueblo. Es para todos”.
Distrito de Vilque
El arte rupestre, es entre los fenómenos de la cultura una modalidad de expresión artística y de una parte del material arqueológico, el arte rupestre es uno de los más difíciles de analizar é interpretar y los más esquivos a la sistematización racional.
Pintado de miniaturas
-Color de base: Esta es la técnica más sencilla de todas. Consiste en pintar un área de la miniatura con un color plano, por ejemplo pintar una armadura con una capa de un solo tono de plateado, contrastar los relieves, es decir sin aplicar luces ni sombras. Esta capa base se suele dar sobre las partes más extensas de la miniatura para posteriormente darle más detalle.
Museo de las Artes Universidad de Guadalajara
"El hombre creador y rebelde" es el segmento mural que José Clemente Orozco realizó sobre la cúpula del Paraninfo Enrique Díaz de León. El maestro optó por la técnica del fresco y aunque anteriormente había realizado obras murales utilizando dicha técnica, esta fue la primera vez que lo hace sobre una superficie cóncava. La técnica de la pintura mural al fresco es extremadamente difícil puesto que se deben tener conocimientos acerca de los materiales y de sus posibles reacciones químicas. También es necesario prever los tiempos de trabajo y de esta manera ser capaz de dividir el trabajo pictórico en "tareas". Los pigmentos se deben aplicar mientras la superficie está húmeda y se requiere un gran control sobre el cálculo y el trazo ya que resulta imposible hacer cualquier modificación posterior. Para realizar trabajo bajo esta técnica, es necesario preparar la superficie que será intervenida recubriéndola por una o varias capas de un empasto cubierto de cal y arena. Orozco trabajó con una mezcla de una proporción de dos partes de arena de río por una y media de cal viva en piedra. Empleó pigmentos minerales entre los que resaltan: los rojos de Venecia y de la India, el azul cobalto, el blanco de San Juan, el óxido de cromio, tierra verde, entre otros.
Historia del arte
La pintura es conocida sobre todo por los restos hallados en Pompeya, donde se perciben cuatro estilos: el de "incrustación", que imita el revestimiento en mármol; el "arquitectónico", llamado así por simular arquitecturas; el "ornamental", con arquitecturas fantásticas, guirnaldas y amorcillos; y el "fantástico", mezcla de los dos anteriores, con paisajes imaginarios, variadas formas arquitectónicas y escenas mitológicas. También destacó el mosaico, en "opus sectile", de formas geométricas, u "opus tesellatum", con pequeñas piezas que forman escenas figurativas, como "El sacrificio de Ifigenia" en Ampurias o "La batalla de Isos" en Nápoles.
David Nahón
A partir de 2002, luego de un período de producción más relacionada con el cómic, se abrió a otras modalidades entre las cuales la pintura sería una de las más explotadas. Toda su obra posterior desarrolla planteos cuyos lineamientos básicos están dados por el dibujo. Esta síntesis también es un rasgo característico de la serie de fotografías que comenzó a realizar en 2004, las cuales reproducen escenas de situaciones determinantes de una atmósfera intimista. En 2008 se muda a Buenos Aires donde realiza la mayor parte de su obra.
Historia de la pintura
La clasificación de la pintura como arte ha variado a lo largo del tiempo: en la antigüedad era considerada un mero oficio artesanal, mientras que se consideraban actividades artísticas las relacionadas con el intelecto. Galeno dividió en el siglo II el arte en artes liberales y artes vulgares, según si tenían un origen intelectual o manual: entre las liberales se encontraban la gramática, la retórica y la dialéctica —que formaban el trivium—, y la aritmética, la geometría, la astronomía y la música —que formaban el quadrivium—; las vulgares incluían la arquitectura, la escultura y la pintura, pero también otras actividades que hoy se consideran artesanía. No fue hasta el siglo XVI que empezó a considerarse que la arquitectura, la pintura y la escultura eran actividades que requerían no sólo oficio y destreza, sino también un tipo de concepción intelectual que las hacían superiores a otros tipos de manualidades. Se gestaba así el concepto moderno de arte, que durante el Renacimiento adquirió el nombre de "arti del disegno" (artes del diseño), por cuanto comprendían que esta actividad —el diseñar— era la principal en la génesis de las obras de arte. Por último, en 1746, Charles Batteux estableció en "Las bellas artes reducidas a un único principio" la concepción actual de bellas artes, concepto que hizo fortuna y ha llegado hasta la actualidad.
Pintura de los letrados
Desde los orígenes y bajo los Tang, los pintores son profesionales, artesanos, frailes pintores o a veces miembros de la aristocracia, practicando "casi como" un artesano. Producen pinturas para las necesidades del imperio, para el aristocracia (y la necesidad social de los obsequios) y para los rituales, entre otros objetos que consideramos en Occidente como arte y que tenían entonces funciones diversas. El estilo que caracteriza esta pintura es una aventajada precisión del pincel, que tiene como objetivo "la semejanza" exacta y nombrable del mundo visible o invisible y de los numerosos detalles juzgados esenciales. Esta pintura está realizada con trazo de tinta negra, se apoya cuando es necesario sobre estudios sobre naturaleza (para los pájaros, los caballos…) y sobre dibujos calculados para la arquitectura (en este caso trazados con regla), a veces con colores vivos, puntuales o en anchos efectos rítmicos integrados en la composición y en el sentido de la imagen. Los pintores profesionales continuaron produciendo una pintura estimada entre la población china para sus cualidades decorativAs, conmemorativas (los retratos) pero también por las escenas anecdóticas llenas de vida y las pinturas érotiques.
Pintor de Pistóxeno
Los motivos más importantes de su trabajo son los caballos, los guerreros y las escenas con tíasos. Fue uno de los primeros pintores en utilizar la nueva técnica de cuatro colores, que se caracterizaba por el barniz, los colores opacos y en algunos casos el dorado. Esta pintura a menudo recuerda a la pintura monumental. En sus últimos trabajos, el artista incluso se abstuvo de usar la línea en relieve. También hay una cierta proximidad con el Pintor de Pentesilea. Las inscripciones kalós en la pintura de Pistóxeno son Lisis, Glaucón y Megacles.
Retrato de un cartujo
La pintura se encuentra dentro del estilo de los primitivos flamencos, también llamado "renacimiento flamenco". La escuela flamenca de pintura fue una de las más importantes del mundo, desde sus inicios en el siglo XV hasta el siglo XVIII. Estos primeros representantes de la escuela flamenca solían pintar cuadros de temática religiosa, que trataban como escenas costumbristas, aunque también desarrollaron el retrato y el paisaje. Utilizaban la pintura al óleo y su estilo se caracterizaba por la minuciosidad, el detalle en la reproducción de objetos, el naturalismo y el amor al paisaje. Entre los artistas más importantes de esta escuela destacan los mencionados Jan van Eyck y Petrus Christus, así como Robert Campin y Roger van der Weyden. En Cataluña cabe citar la influencia de este estilo, después de haber trabajado en el taller de Van Eyck, en Luis Dalmau, autor de la "Virgen dels Consellers".
Arte
La pintura, como elemento bidimensional, necesita un soporte (muro, madera, lienzo, cristal, metal, papel, etc.); sobre este soporte se pone el pigmento (colorante + aglutinante). Es el aglutinante el que clasifica los distintos procedimientos pictóricos:
Pintura al temple
La forma más común de la pintura clásica al temple es el temple de huevo. En esta técnica solo se suele utilizar el contenido de la yema del huevo. La clara y la membrana de la yema se descartan (la membrana de la yema se coloca en un recipiente y se perfora para drenar el líquido del interior). La mezcla de la pintura tiene que ser constantemente ajustada para mantener un balance entre grasa y agua, ajustando la consistencia con agua y yema. Cuando la pintura se seca, el artista añade más agua para mantener la consistencia y equilibrar el espesamiento de la yema en contacto con el aire.
Templo y exconvento de San Nicolás de Tolentino (Actopan)
El programa iconográfico e iconológico de Actopan, es de los más complejos y ambiciosos del estado de Hidalgo. Se debe considerar la pintura renacentista como ideología estética preponderante, y las reminiscencias de la pintura mural de Mesoamérica, en la mezcla de la decoración y los temas cristianos; características del tequitqui o arte indocristiano. Destacan los murales y frescos de la sala de profundis, del cubo de la escalera y de la capilla abierta.
Pintura metalizada
Las pinturas metalizadas casi siempre consisten en una capa base con una capa de laca transparente o un recubrimiento superior de uretano para conseguir protección y un brillo añadido. Históricamente, era difícil conseguir una reparación invisible si la pintura estaba dañada, ya que resulta crítico el ángulo en el que las virutas de metal yacen en la pintura. Algunas técnicas modernas han conseguido eliminar en mayor o menor medida este problema.
Pintura del paisaje
Por la manera en que está tratado el tema del paisaje, cabe distinguir tres tipos fundamentales:Desde otro punto de vista, referido al tema que se representa y no tanto a la manera en que se trata, cabe diferenciar entre:En los tiempos de las más antiguas pinturas chinas a Tijeras si la tradición de paisajes «puros», en los que la diminuta figura humana simplemente invita al observador a participar en la experiencia.
Pintura manierista
No se intenta representar la realidad de manera naturalista, sino que se hace extraña, un poco deformada, como un capricho. Los cuadros ya no transmiten el sereno orden y equilibrio del Alto Renacimiento sino que se inclinan por representaciones anticlásicas, intrincadas y complicadas en cuanto a su sentido. Los modelos adoptan posturas complicadas. Se las representa de manera desproporcionada, elásticas, alargadas. La perspectiva es infinita. El manierismo resulta refinado y de difícil interpretación, debido tanto a su sofisticación intelectual como a las cualidades artificiales de la representación. La luz no es natural sino fría y coloreada de manera antinatural, lo mismo que los colores: son extraños, fríos, artificiales, violentamente enfrentados entre sí, en vez de apoyarse en gamas.
Técnicas de pintura
La pintura a la acuarela destaca por su transparencia, la claridad de sus colores, y la espontaneidad.  Obra pictórica que se realiza sobre cartón o papel con colores diluidos en agua. Cuando el vehículo empleado para fijar el pigmento es, en la mayoría de los casos, goma arábiga y el solvente es el agua. Las acuarelas son pigmentos muy finamente molidos y aglutinados en goma arábiga, que se obtiene de las acacias. La goma se disuelve fácilmente en agua y se adhiere muy bien al papel (soporte por excelencia para la acuarela). La goma además actúa como barniz, claro y delgado, dando mayor brillo y luminosidad al color. En un principio la goma arábiga se usaba sola, pero más tarde se añadieron otros componentes para retrasar el secado y añadir transparencia. La acuarela requiere del artista seguridad en los trazos y espontaneidad en la ejecución, ya que su mayor mérito consiste en la frescura y transparencia de los colores. Son pinturas a base de pigmentos muy diminutos los cuales en la mayoría de los casos la acuarela es disuelta en agua y los colores son claros. La acuarela en tubo con el tiempo puede endurecerse en el tubo y ya no ser utilizable. Pero no por eso debemos generalizar la acuarela en tubo y dejarla de usar. Estamos hablando de un período de dos a tres años después de que hemos adquirido los colores.
Rodolfo Nieto
“Pinto. No sé hacer otra cosa. ‘¡Hélas!’ Pinto en pastel porque es un desafío. Exige el máximo rigor y espontaneidad. El pastel es una pintura con luz superficial. Su brillantez reside en su opacidad de polvo -maravillosa paradoja. Las demás pinturas están mezcladas con un vehículo que las diluye, lo cual permite un teclado enorme de transparencias y opacidades. Otras, con un aglutinante más sólido, que si bien son más resistentes, no ofrecen la fascinación elemental que me seduce de este material único”
La Gioconda
Debido a la minuciosidad de su técnica y también a sus muchas otras ocupaciones como inventor y diseñador, la producción pictórica de Leonardo es extremadamente escasa: los expertos reducen las obras de autoría relativamente segura a apenas una veintena, y de ellas muy pocas cuentan con pruebas documentales concluyentes. Entre sus pinturas más destacadas están "La Virgen de las Rocas", "La dama del armiño", el mural de "La última cena" y, la más famosa de todas: "La Gioconda" o "La Mona Lisa".
Rufino Martos Ortiz
Como en tantos otros pintores, hay una evolución en la que, partiendo de soluciones realistas dentro del impresionismo, pasa al uso de colores más atrevidos o más intensos. El óleo es la técnica que más utiliza, pues con ella puede expresarse con más libertad, ya que su aplicación le permite manejar la pasta de color más espontáneamente y en mayor cantidad.
Paleta (pintura)
Los pintores en la actualidad tienen más pigmentos para elegir que cualquier otro artista en la historia. Pueden comprar variedades tradicionales e históricas que Rembrandt reconocería, como sienas y ocres, o innovaciones del siglo XX como ftalocianinas y quinacridonas, pigmentos con una intensidad que habría sorprendido incluso a los impresionistas amantes del color. A pesar de esta abundancia, muchos artistas y educadores del arte respaldan el uso de una paleta "limitada" restringida como una forma de desarrollar pinturas coherentes, armoniosas y personales.
Pintura china
La pintura de paisajes constituye el género más “noble” de la pintura china clásica, a través de ella se transmiten las concepciones micro- y macro-cósmicas chinas del universo. No es un arte figurativo que se haya modelado después, sino el resultado del sentimiento experimentado por el pintor que, tras la contemplación del paisaje, lo plasma en la pintura.
Pintura rupestre en cuevas
La pintura rupestre en cuevas son un tipo de arte parietal —en esta categoría se incluyen también los petroglifos o grabados—, que se encuentran en la pared o en el techo de las cuevas. El término suele implicar un origen prehistórico, pero las pinturas rupestres también pueden ser de producción reciente: En la cueva de Gabarnmung, en el norte de Australia, las pinturas más antiguas son ciertamente anteriores a hace 28 000 años, mientras que las más recientes se realizaron hace menos de un siglo.
Enrique Arnal
El trabajo del pintor Enrique Arnal se sitúa dentro de las producciones de arte contemporáneo latinoamericano que buscaban emanciparse de la pintura clásica de principios de siglo, aquella pintura hija de la academia europea. Para Arnal el arte es una expresión vinculada a la vida espiritual. A este artista  le interesa universalizar lo local, lo cotidiano. Puede notarse en su pintura una influencia picassiana, pero Arnal se enfoca a las temáticas nacionalistas, en ocasiones dotándola de una “sustancia poética andina”. Las representaciones más comunes de Arnal son la figura humana (hombres y mujeres), animales, paisajes y representaciones abstractas. Arnal trabajó de forma primordial con colores oscuros, tonos tierra acompañados de grises y negros. Sin embargo, algo que caracteriza a muchas de sus pinturas, es que esta cromaticidad oscura se acompaña con notorios destellos de color aplicados en zonas específicas: morado, amarillo, rojo o azul. El corpus de trabajo de Arnal es muy diverso, y, a pesar de que no se ciñe en tiempos específicos, si se puede hablar de ciertos periodos. Cabe mencionar que hay series de representaciones que están presentes en la producción de Enrique Arnal casi toda su carrera. De forma breve, puede establecerse que sus producciones se dividen en los siguientes periodos: - Periodo inicial (1950-1970): Este periodo se asocia a la estancia de Arnal en Perú, especialmente en Machu Pichu. Por una parte pintó diversos retratos de indígenas empleando una paleta cromática de tonos tierras. Este es el periodo en el que realizó las pinturas de los cargadores y los trabajadores mineros, representando la vida de los indígenas y los campesinos. Enrique Arnal “manifiesta independencia formal y en la búsqueda de su estilo propio es sensible a la gran influencia telúrica del altiplano, representándolo despojado de cualquier componente folklorista.” Desde este periodo es que se puede percibir el uso de colores tierras, negros y grises; con ciertos elementos que resaltan por la viveza de los azules, rojos y amarillos. En estos años Arnal también hizo representaciones geométricas, interesado en la yuxtaposición de colores primarios; así como piezas abstractas con colores osados y bodegones con un sabor mucho más realista. En este periodo igualmente hay un acercamiento al cubismo, mediante representaciones de elementos geométricos desprovistos de detalle; con un interés mayor por lo que los colores, uno al lado de otro, pueden lograr. Ya a finales de los años 70 comenzó a hacer representaciones de personas que se fijan en el lindero entre lo figurativo y lo abstracto.
Distrito de Cátac
Las pinturas fueron realizadas usando pigmentos minerales de color rojo, ocre, blanco y negro, con una preferencia del color rojo. El panel principal de las pinturas consiste en varias figuras antropomorfas estilizadas, algunas individuales y otras en grupo, asociadas con posibles serpientes y camélidos. Pueden tener alguna relación con conceptos prehispánicos acerca de las constelaciones de las estrellas y nubes negras de la vía láctea. Aunque las pinturas no son muy grandes, nítidas o fáciles de entender, representan un tipo de arte natural que no se puede apreciar en otros lugares. Por eso, forman una parte importante del recorrido Pachacoto-Carpa-Pastoruri que incluye los ojos de agua, Puya Raimondi y el glaciar Pastoruri.
Pintura gótica
La mayor parte de las obras son encargos privados para la aristocracia o la burguesía, por lo que tienen un fuerte contenido civil y profano. Predominan los cuadros religiosos aunque, a menudo, se interpretan como sucesos cotidianos; de hecho, es común que quien encarga la obra, es decir, el donante, aparezca en la escena como un personaje más; a partir de la presencia del donante se desarrolla un nuevo género: el retrato.
Kanō Yasunobu
Yasunobu fue un dedicado erudito y pintor, pero su habilidad está considerada inferior a la de sus hermanos. Suya era una técnica estudiada, aprendida a través de fiel copiado de los modelos de los maestros. Su trabajo de color era en el estilo de Tannyū, y su pintura en tinta tenía un vigor realista. Su más importante trabajo no fue su pintura sino el "Gadō Yōketsu" (画道要訣,[3] ""La Manera Secreta de" Pintar", 1680), un manual de formación para los pintores Kanō pintores y una hagiografía de la escuela. Antes de la publicación de este libro, las técnicas Kanō pasaban oralmente de maestros a aprendices y no había unidad en los métodos de enseñanza entre las diferentes ramas de la escuela.
Paleta (pintura)
El tipo más conocido de la paleta del pintor, para pintura al óleo o acrílico, es un tablero de madera fina, preferentemente de nogal, en forma de riñón, diseñado para ser sostenido en la mano del artista, que coloca el dedo pulgar en un hueco lateral y la apoya en el brazo. Para pintura en acuarela se utilizan unas con pequeños cuencos realizadas en cerámica, plástico o vidrio.
Pintura
La técnica de la pintura al pastel consiste en la utilización de unas barras de colores cuyos pigmentos en polvo están mezclados con la suficiente goma o resina para que queden aglutinados y formen una pasta seca y compacta. La palabra pastel deriva de la pasta que así se forma; es pasta modela en la forma de una barrita del grueso aproximado de un dedo que se usa directamente (sin necesidad de pinceles ni espátulas, ni de disolvente alguno) sobre la superficie a trabajar, como soporte es común utilizar papel de buena calidad de buen gramaje de color neutro no blanco y de ligera rugosidad, aunque la técnica es lo suficientemente versátil para que se pueda usar sobre otras superficies como madera. Son colores fuertes y opacos, la mayor dificultad es la adhesión del pigmento a la superficie a pintar, por lo que se suele usar alfinalizar el dibujo fijadores atomizados (spray) especiales. El pastel generalmente se usa como el «crayón» o el lápiz, su recurso expresivo más afín es la línea con la cual se puede formar tramas, también suele usarse el polvo, que tiende a soltar la barra del pastel, para aplicar el color. Muchos artistas han empleado esta técnica desde el siglo XVI, Leonardo da Vinci, fue uno de los primeros en utilizarlo en Italia en el dibujo de Isabel de Este. Otros artistas son Hans Holbein el Joven, Correggio, Fragonard o Degas.
Ruizanglada
Con cierta frecuencia se pueden encontrar reseñas en hemerotecas de prensa definiendo al artista en su época más avanzada como un pintor de "Arte Religioso". Esto es debido al motivo del artículo y a su repercusión social, inusual en el arte contemporáneo, de pintar "trasaltares" de iglesias y de incorporar otras obras en las paredes de los recintos de culto, al ser su obra de una modernidad pictórica que no descompone las formas en exceso y se integra en el habitáculo formando parte del motivo sagrado al que están destinadas las iglesias. Si bien, desde sus inicios, la pintura de temática religiosa en el autor supone alrededor de una cuarta parte del total, siendo ligeramente menor la obra taurina, y de alrededor de un 35% la integrada por paisajes y bodegones.
Retrato pictórico
Entre otras variaciones, el sujeto puede estar vestido o desnudo; dentro de casa o en exterior; de pie, sentado, reclinado; incluso montado a caballo (retrato ecuestre). Las pinturas de retrato pueden ser de individuos, parejas, padres e hijos, familias, o grupos de colegas («retrato de grupo»). Pueden crearse en medios diversos entre ellos óleo, acuarela, tinta y pluma, lápiz, carboncillo, pastel y técnica mixta. Los artistas pueden emplear una amplia paleta de colores, como "En la terraza" de Renoir (1881) o limitarse a casi blanco y negro, como en el retrato que Gilbert Stuart hizo de George Washington en 1796.
Pedro Weingärtner
Su trabajo en el dibujo con diversos materiales (grafito, tinta, acuarela, pastel) es la parte menos conocida y menos accesible de toda su producción. Los aproximadamente sesenta dibujos —y algunos blocs de notas que ahora se conocen— probablemente sean solo una pequeña fracción de lo que produjo, pero son importantes porque dan una idea de su método de trabajo y dan fe de su dominio de la línea. La desaparición de estas obras se debe a que no estaban destinadas a la exposición ni al comercio, sino que en general eran simples estudios de anatomía o bocetos preparatorios para obras en pintura, pero algunas son, a juicio de Alfredo Nicolaiewsky, perfectas obras de arte. Como para todos los académicos, el dibujo fue fundamental en su proceso creativo, y realizó innumerables estudios y apuntes para sus composiciones definitivas, ya que existía poco lugar para la improvisación dentro de ese riguroso método. Angelo Guido lo describe así: Paulo Gomes considera que su obra grabada no es menos importante que su obra pictórica, aunque en este campo su producción haya sido reducida, principalmente por ser uno de los precursores del grabado en metal en Brasil. Además, sus piezas son de alta calidad estética y demuestran su perfecto dominio de las técnicas de aguafuerte, las más habitual, donde predomina el diseño gráfico, y de aguatinta, menos frecuente, que permite obtener efectos pictóricos. Casi todas son monocromáticas, pero una es un monotipo a colores. La mayoría de sus grabados tienen dimensiones reducidas. No se sabe con quién aprendió a grabar; y como en Brasil aún no había equipo adecuado, fueron realizados en Italia. Su estudio se ve dificultado por la ausencia, en algunos de ellos, de marcas de tiraje, fechas, firmas y otras informaciones técnicas que hoy se encuentran estandarizadas, y es posible que se hayan realizado tiradas póstumas o clandestinas, ya que en el conjunto la calidad de impresión es desigual. Según el análisis de Anico Herskovits, aparentemente las impresiones originales son, en general, las de tinta sepia, y las impresas en negro son posteriores. Algunas son reproducciones de sus propias pinturas, costumbre común en su época y encaminadas a facilitar la difusión y el comercio de sus imágenes. Así como en sus pinturas, los grabados se caracterizan por una gran meticulosidad en el tratamiento de los detalles. Las temáticas son variadas, incluyendo paisajes, retratos, escenas gauchescas y escenas mitológicas.
Iliá Repin
Una de las pinturas más complejas de Repin, "Cosacos zaporogos escribiendo una carta al Sultán" (Mehmed IV), ocupó al artista durante muchos años y, en gran medida, es fruto de una concienzuda investigación llevada a cabo conjuntamente con el historiador Dmytró Yavornitski, que incluyó numerosos viajes a la región que habitaban los cosacos de Zaporozhia. Repin concibió la obra como un estudio en clave de humor, pero también pensaba que recogía el ideal de libertad, igualdad y fraternidad; en pocas palabras, el republicanismo de los cosacos ucranianos. Comenzó el cuadro en 1880 y no lo completó hasta 1891. Irónicamente, fue adquirido de forma inmediata por el zar, que pagó por él treinta y cinco mil rublos (una cantidad desorbitada en aquella época). Otra versión del cuadro realizada entre los años 1889 y 1896 se conserva en el Museo de Bellas Artes de Járkov. Además, Repin pintó dos esbozos al óleo para este cuadro: uno se encuentra en la Galería Tretiakov; y el otro, en el Museo Nacional de Arte de Bielorrusia, en Minsk.
Pepe Cerdá
La pintura de Pepe Cerdá es de difícil definición; quizás la constante en su trabajo ha sido la negación de la idea de estilo. La “manera de hacer” ha sido empleada como un elemento más con el que construir su obra (más como un medio, que como un fin en sí mismo) puesto siempre al servicio de lo que desease contar en cada momento de su trayectoria.  En los últimos años su trabajo es cada vez más figurativo, empeñándose en recuperar géneros clásicos, como el de la pintura de historia, el retrato o el paisaje.
Pintura acrílica
La pintura acrílica es una clase de pintura que contiene un material plastificado, pintura de secado rápido, en la que los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico. Aunque solubles en agua, una vez que secan son resistentes a la misma. Destaca especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo. La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fue desarrollada paralelamente en Italia y Estados Unidos
Pintura rupestre
Se trata de una de las manifestaciones artísticas más antiguas de las que se tiene constancia, ya que, al menos, existen testimonios datados hasta los 40000años de antigüedad, es decir, durante la última glaciación. No obstante, a mediados de septiembre de 2018, investigadores de la Universidad de Witwatersrand en Sudáfrica encontraron una piedra en la que se encuentran dibujos paleolíticos que superan los conocidos hasta la fecha. Se estima que fueron grabados hace unos 73000años. Las pinturas rupestres (en cuevas) más famosas del mundo, en Lascaux, Francia y en Altamira, España, fueron encontradas por niños. La "datación de carbono" muestra que las pinturas en Lascaux tienen 20000años de antigüedad, mientras que las de Chauvet, en la parte francesa de Ardèche, son casi el doble de antiguas.
Grisalla
Asimismo, también es un procedimiento de pintura policroma, con la particularidad que divide el proceso de trabajo en dos fases diferenciadas, tratando por separado la forma y el color. Esta variante ha sido uno de los métodos predilectos de los pintores desde la Edad Media hasta el .