¿Cuáles son las características de la pintura moderna?
Tsion Avital
La segunda parte del libro presenta la teoría de las huellas mentales y muestra cómo se puede aplicar para distinguir de una manera bastante clara entre arte y pseudoarte. Argumenta extensamente cómo cada huella mental, como Conectividad-Desconexión, Simetría-Asimetría, Jerarquía-Aleatoriedad y otras, aparecen en cada pintura figurativa pero no en la pintura "abstracta". Una discusión particularmente profunda trata sobre la organización jerárquica y sus implicaciones para el arte hoy y en el futuro. Al final del libro, Avital presenta una tabla de unas cincuenta características que existen en el arte figurativo a lo largo de su historia, de las cuales solo dos, el color y la forma, aparecen también en el arte moderno. Sin embargo, estas dos características son como mucho una condición necesaria pero no suficiente para que algo sea una obra de arte. Estas dos características son apenas suficientes para que algo sea diseño gráfico trivial pero no arte.
Pintura renacentista
La pintura del Quattrocento se desarrolló primero con la obra de Fra Angelico y sobre todo de Masaccio (1401-1428), que creó una nueva sensibilidad, totalmente ajena al gótico. Logra la sensación de espacio a través del uso metódico de la perspectiva lineal, como puede verse en la "Trinidad" de Santa María Novella (h. 1420-1425). Con el Humanismo, el hombre se sitúa en el centro de todas las cosas, y es la medida de referencia. La perspectiva debe entonces respetar las leyes físicas del mundo, y la relación entre luz y sombra en los cuerpos. Masaccio quiere representar en sus cuadros la realidad «objectiva». Tradicionalmente es considerado el primer pintor moderno. Introdujo en el arte occidental la noción de verdad óptica, de perspectiva y de volumen.
Pintura contemporánea
Precedidos por Courbet, considerado por algunos como iniciador de la pintura independiente, dos pintores franceses cubren la segunda mitad del siglo XIX, pasando por todos los movimientos rupturistas y haciendo de "maestros de pintores": Édouard Manet y Paul Cézanne, cuya identificación con realismo o impresionismo no pasa de ser una etiqueta historiográfica que no cubre la totalidad de sus amplias y complejas trayectorias.
Arte griego moderno
A principios del siglo XX, la pintura de paisajes prevaleció y el interés de los pintores se dirigió hacia el estudio de la luz y el color. La dependencia de Munich fue menor y París se convirtió en el centro de atención para los artistas de la época. A principios del siglo XX, Demetrios Galanis, contemporáneo y amigo de Picasso , logró un amplio reconocimiento en Francia y fue miembro permanente de la Académie française después de que el crítico Andre Malreaux lo reconociera como un artista capaz de "agitar emociones tan poderosas como las de Giotto ". A finales de siglo, Nikos Engonopoulos logró el reconocimiento internacional con sus concepciones surrealistas tanto de la pintura como de la poesía, mientras que a fines de la década de 1960, Dimitris Mytaras y Yiannis Psychopedis se asociaron con el realismo crítico europeo. El impresionismo fue la influencia original en las principales figuras del arte de la primera mitad del siglo XX, Konstantinos Parthenis y Konstantinos Maleas , mientras que Nikiphoros Lytras se asoció con los grupos de vanguardia de Munich que constituyen el último vínculo conocido con la serie de pintores en la gran tradición de Munich en el arte griego. El desarrollo posterior de estos pintores llevó a otros caminos, pero siempre dentro del marco del movimiento de vanguardia, aunque con una dimensión griega.
Gentile da Fabriano
Actualmente se pone énfasis en su moderno tratamiento de la luz y también por haber usado el dibujo libre en sus estudios y esbozos. La falta de atención prestada en la pintura sobre tabla, ha sido uno de los principales obstáculos para reconocer su realismo con mayor profundidad. Sus pinturas son creaciones psicológicas y artísticas creadas con extrema sutileza. La imagen está concebida de un modo heráldico: cada objeto o detalle ha sido descrito artísticamente cuidadosamente a modo de emblema, formando parte de un rompecabezas congelado. Poniendo énfasis en la composición espacial, está muy bien estudiada, con el fin de buscar un significado tanto en el plano de la imagen como en profundidad. En apariencia de todas las imágenes hechas en esta época, parecen “de un realismo poderoso” pero esconden una sensibilidad artística que es la que moldea el estilo (el estilo es un elemento que suele resaltarse más frecuentemente en los artistas italianos contemporáneos).
Historia del arte
El arte de la Edad Moderna —no confundir con arte moderno, que se suele emplear como sinónimo de arte contemporáneo— se desarrolló entre los siglosXV y XVIII. La Edad Moderna supuso cambios radicales a nivel político, económico, social y cultural: la consolidación de los estados centralizados supuso la instauración del absolutismo; los nuevos descubrimientos geográficos —especialmente el continente americano— abrieron una época de expansión territorial y comercial, suponiendo el inicio del colonialismo; la invención de la imprenta conllevó una mayor difusión de la cultura, que se abrió a todo tipo de público; la religión perdió la preponderancia que tenía en la época medieval, a lo que coadyuvó el surgimiento del protestantismo; a la vez, el humanismo surgió como nueva tendencia cultural, dejando paso a una concepción más científica del hombre y del universo.
Lluïsa Vidal
Lluïsa Vidal se especializó en retratos, en escenas íntimas de género, paisajes, y celebraciones populares pintadas al aire libre. Su pintura ha sido considerada como modernista por los tonos de su paleta, por el uso de la transparencia luminosa en los colores de fondo, y también por la elección de los temas.
Mario Praz
De sus escritos surge una crítica de la sociedad contemporánea por su forma de entender el arte: "El arte moderno no quiere dar placer, la sensación de placer está conectado con la belleza. [...] hoy en día, [...] que el acrílico le permite hacer una docena de pinturas en una noche a uno de los pintores de hoy, o el acto de un samurai espada en mano, es suficiente para crear una obra maestra de Fontana. [...] Los pintores presentarán un tablero plagado de agujeros, o una lona cruda con unos pocos gramos de color y lo llaman pintura, y un escultor toma el asiento de un inodoro, que se combina con un tubo de una estufa y lo considera una estatua". Y, de nuevo: "La democracia, las huelgas, la gran máquina de mil dispositivos que mañana debe garantizar una salud mediocre a todos y el hambre peor que el infierno para aquellos que no saben cómo adaptarse al nivel de la masa [...] desde que el 1968 los estudiantes de París exaltaron el uso de la fantasía como programa de gobierno [...] las cosas del mundo fueron de mal en peor".
Arte de la Edad Moderna
Al mismo tiempo, en entornos más públicos, la pintura inglesa realizaba propuestas estéticas semejantes con las "conversation pieces" y la pintura satírica de Hogarth (que también reflexionó teóricamente sobre "La curva de la belleza" predominante en el arte rococó -la "serpentine", "serpentinata" o sigmoidea-), la elegante despreocupación de los retratos y paisajes de Gainsborough; la prolongación en el tiempo del denominado "alto barroco alemán" descomponía los espacios interiores de las iglesias (púlpitos, altares, pilares, bóvedas) haciendo que la extravagante decoración se convirtiera en el único elemento estructural visible; mientras que el churrigueresco español retorcía la fantasía barroca hasta el límite y Salzillo continuaba la tradición imaginera. Los cartones de Goya, a pesar de su datación en la segunda mitad del siglo, se incluyen en un gusto artístico semejante al rococó, muestra de su pervivencia en un momento en que la crisis del Antiguo Régimen enfrentaba ese "gusto aristocrático" con la racionalidad y sobriedad "burguesa" que se imponía en la Revolución francesa (1789).
Francisco Rosselló Miralles
Situado estilísticamente en la órbita de la tradición académica, desde el principio del siglo XX la influencia de la pintura modernista se evidencia casi exclusivamente en el cromatismo de sus obras, que evolucionaban en una línea de interpretación emocional del colorido de los motivos. Con todo, desde el primer momento su relación con los pintores adscritos al movimiento modernista fue abierta y cordial, tanto con Antonio Gelabert (Antoni Gelabert), como con Joaquín Mir (Joaquim Mir), con los cuales viajó a Barcelona, en septiembre de 1900, donde se supone que tuvo contacto con círculos modernistas, como Els Quat
Pintura contemporánea
Desde el siglo XVII, con la aparición de las academias, se fueron estableciendo los cánones del clasicismo pictórico, pero no fue hasta la segunda mitad del siglo XVIII, con la Ilustración, que llegan a establecerse como convenciones impuestas a la práctica del oficio en la totalidad del ámbito cultural europeo occidental. Simultáneamente aparecen la crítica y la historiografía del arte como actividades definitorias del gusto artístico dominante, cuyo seguimiento se fomenta entre los pintores a través de la enseñanza, de los encargos institucionales y privados, y de la convocatoria de exhibiciones, certámenes o salones artísticos como el "Salon de peinture et de sculpture" o "Salon de Paris" ("Salón de pintura y de escultura" o "Salón de París", desde 1725).
Luz en la pintura
La luz se asociaba con la divinidad, pero también con la belleza y la perfección: según san Buenaventura ("De Intelligentii"), la perfección de un cuerpo depende de su luminosidad («perfectio omnium eorum quae sunt in ordine universo, est lux»). Guillermo de Auxerre ("Summa Aurea") también relacionó belleza y luz, de tal forma que un cuerpo es más o menos bello según su grado de resplandor. Esta nueva estética fue paralela en muchos momentos a los avances de la ciencia en materias como la óptica y la física de la luz, especialmente gracias a los estudios de Roger Bacon. En esta época fueron conocidos también los trabajos de Alhacén, que serían recogidos por Witelo en "De perspectiva" (h. 1270-1278) y Adam Pulchrae Mulieris en "Liber intelligentiis" (h. 1230). El nuevo protagonismo otorgado a la luz en época medieval influyó poderosamente en todos los géneros artísticos, hasta el punto de que Daniel Boorstein señala que «fue el poder de la luz el que produjo las formas artísticas más modernas, porque la luz, mensajero casi instantáneo de la sensación, es el elemento más veloz y transitorio». Además de la arquitectura, la luz influyó especialmente en la miniatura, con manuscritos iluminados con colores vivos y brillantes, generalmente gracias a la utilización de colores puros (blanco, rojo, azul, verde, oro y plata), que daban a la imagen una gran luminosidad, sin matices ni claroscuros. La conjugación de estos colores elementales genera luz por la concordancia de conjunto, gracias a la aproximación de las tintas, sin tener que recurrir a efectos de sombreado para perfilar los contornos. La luz irradia de los objetos, que son luminosos sin necesidad del juego de volúmenes que será característico en la pintura moderna. En especial, la utilización del oro generó en la miniatura medieval zonas de gran intensidad lumínica, muchas veces contrastadas con tonos fríos y claros, para proporcionar mayor cromatismo.
Arte de la Edad Moderna
Los principales pintores italianos de tendencia barroca del siglo XVII fueron Caravaggio, cuya breve y escandalosa carrera inició una verdadera revolución pictórica (y a cuyo estilo se denomina a veces como "caravagismo", como "tenebrismo" o "naturalismo"); seguido por "il Spagnoleto" José de Ribera (valenciano cuya obra se realizó íntegramente en Nápoles), Pietro da Cortona (también arquitecto) y Luca Giordano (llamado "Luca fa presto" por su rapidez de ejecución). El protagonista del triunfo de las formas retorcidas del estilo barroco en la clasicista Roma (donde los académicos de San Lucas mantuvieron el dominio del gusto "academicista" en pintura) fue un verdadero "artista completo": Bernini, que aplicó a escultura y arquitectura una nueva concepción sensitiva, casi sensual (Éxtasis de Santa Teresa, Baldaquino de San Pedro); aunque también otros como Borromini, los Maderno y los Fontana dejaron su impronta en una cada vez más deslumbrante "Ciudad Eterna", confirmada como centro del arte europeo. El arte de todos ellos fue un eficaz medio de propaganda (en plena "Propaganda Fide" de la Contrarreforma) al servicio de la Iglesia Católica, que pretendía ocupar todos los espacios públicos y privados. La columnata de la Plaza de San Pedro de Roma se abre literalmente como un abrazo «a la ciudad y al mundo» "(urbi et orbi)". Otras ciudades italianas desarrollaron programas más modestos, pero no menos interesantes, como el emergente Turín de los Saboya, con los edificios de Guarino Guarini, u otras como Lecce, Nápoles, Milán, Génova, Florencia y Venecia.
Pintura renacentista
Hay una serie de características que distinguen la pintura renacentista de su inmediata antecesora, la pintura medieval...
Pintura contemporánea
Otras escuelas nacionales fueron desarrollando producciones pictóricas con mayor o menor grado de utilización de recursos poco académicos, difundidos por el plenairismo ("au plen air", pintura directa en el exterior, que estimula una menor preocupación por el acabado que por el reflejo de las sensaciones visuales y la luz cambiante, imponiendo la pincelada suelta y distintas texturas) y que muy a menudo se etiquetan como precedentes del impresionismo, a pesar de ser más propiamente realistas, como los "macchiaioli" italianos (Giovanni Fattori, Giuseppe Abbati, Silvestro Lega, Telemaco Signorini), los "peredvizhniki" rusos (Iliá Repin), pintores alemanes (Adolph von Menzel, Wilhelm Leibl, Max Liebermann, Franz von Lenbach, Hans Thoma), españoles (Mariano Fortuny, Federico de Madrazo, Eduardo Rosales, Carlos de Haes, Antonio Gisbert, Casado del Alisal, Martí Alsina), escandinavos (pintores de Skagen), estadounidenses (escuela del río Hudson) o australianos (escuela de Heidelberg).
Ana María Avilés de Martínez
Esto lleva a su último período como artista, a partir de la década de 1990, cuando Ana María ha estado desarrollando una nueva técnica utilizando colores acrílicos y ceras, que le permitió pintar imágenes de gran transparencia y lograr un acabado único. En sus pinturas de "naturaleza muerta" y otras composiciones, Ana María desea expresar la abundancia de este mundo en esos momentos, en el tiempo: el crecimiento de las personas, el tráfico, la alta producción, luces, sonidos y todo lo que afectan a las personas en su vida ordinaria. Por este principio, a veces, algunas de sus composiciones casi toca las fronteras de la opulencia, aunque siempre manteniendo su elegancia y armonía, donde desea exponer el sentido de pertenencia a una época de ideas metafísicas a través de una fuerte dosis de simbolismo.
Fray Mocho (revista)
En el diseño de "Fray Mocho" se nota, como en otras publicaciones de la época, una tensión entre una línea gráfica "clásica", con orígenes ubicables en el diseño romántico-positivista del siglo XIX, y el Art Nouveau o modernismo, primero y art déco, después. Se denomina modernismo a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo y principios del que pretende una ruptura con los estilos dominantes en la época, tanto los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo) como los rupturistas (realismo o impresionismo). En esta nueva estética predominaba la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaba novedades derivadas de la revolución industrial, involucrando conforme las ideas estéticas de John Ruskin y William Morris, democratizar la belleza o socializar el arte, en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tuvieran valor estético y fueran accesibles a toda la población, aunque sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva que impedían el desarrollo del buen hacer artesanal.  La invasión del nuevo estilo en Argentina a principios de la década de 1900 se limitó, en general, a las publicaciones populares y a los frentes de viviendas o espacios de decoración no reconocidos o no valorados por los sectores aristocráticos de la sociedad, o sea un fenómeno acotado a la clase media.Esta renovación estética se ve en la tipografía, las ilustraciones y el diseño de "Fray Mocho" así como en las publicidades y las fotografías de las fachadas de edificios, la vestimenta y la decoración de las viviendas y lugares públicos que incluye.
Pintura contemporánea
El neoimpresionismo (denominado alternativamente como puntillismo y divisionismo, con distintas implicaciones) de Georges Seurat y Paul Signac planteaba llevar la técnica del impresionismo a su extremo, reduciendo la aplicación de los pigmentos puros a puntos, que observados en la distancia componían las imágenes con un efecto impactante.
Pintura de España
Durante los años 80 y 90 del siglo pasado se produce en la pintura española la aparición de varias corrientes estéticas, que en ocasiones resultan contradictorias, pero que conviven perfectamente en la trayectoria artística de algunos pintores dando lugar a una suerte de postmodernismo ajeno a la preocupación de unicidad estilística. En la línea de pintura abstracta de contenido lírico, abierta a una iconografía de signos suaves y orgánicos, estaría situada la obra de Juan Uslé y Antonio Murado. En un terreno pictórico neofigurativo emparentado con imágenes neo pop y espacios próximos al mundo onírico surrealista, tendríamos las obras de Ángel Mateo Charris, Juan Ugalde, Dis Berlín y Joel Mestre. Otra característica que define la pintura española de los años 90 es la puesta en duda de los materiales tradicionalmente pictóricos, introduciéndose una pintura que se extiende por todo el espacio expositivo y borra sus fronteras con la escultura. En esta última tendencia estarían situadas las obras del artista leonés Daniel Verbis. En el nuevo siglo se produce la aparición de nuevas abstracciones como las de Pablo Rey, la pintura llevada al extremo de su propio cuestionamiento en artistas como Perejaume.
Artes decorativas
El arte de la Edad Moderna —no confundir con arte moderno, que se suele emplear como sinónimo de arte contemporáneo— se desarrolló entre los siglos y . La Edad Moderna supuso cambios radicales a nivel político, económico, social y cultural: la consolidación de los estados centralizados supuso la instauración del absolutismo; los nuevos descubrimientos geográficos —especialmente el continente americano— abrieron una época de expansión territorial y comercial, y supusieron el inicio del colonialismo; la invención de la imprenta conllevó una mayor difusión de la cultura, que se abrió a todo tipo de público; la religión perdió la preponderancia que tenía en la época medieval, a lo que coadyuvó el surgimiento del protestantismo; a la vez, el humanismo surgió como nueva tendencia cultural, dando paso a una concepción más científica del hombre y del universo.
Pintura contemporánea
Jacques Louis David suscitaba el debate político desde una estética totalmente académica. Courbet utilizaba la ruptura estética y el tratamiento de temas sórdidos como un revulsivo que se pudiera trasladar a la dinámica política y social. En 1913, Vladímir Mayakovski y un grupo de artistas rusos, entre los que estaba el pintor David Burliuk, publicaron el manifiesto "Bofetada al gusto del público", de explícita intención. Marcel Duchamp pretendía disolver directamente el concepto de arte, de museo y de pintura, pintándole bigotes a la Gioconda. Armando Reverón, construyó un castillo donde vivir y utilizó su propio excremento como pintura desafiando los conceptos artísticos de la época. Andy Warhol identificó con la pintura artística la reproducción mecánica de la imagen. Lienzos intactos fueron convertidos en obras de arte por su mera concepción, con o sin la adición de la firma, o por la estampación de un sello (Malevich y Man Ray, respectivamente).
Luz en la pintura
Junto a este manierismo más caprichoso surgió en Venecia una escuela de estilo más sereno que destacó por el tratamiento de la luz, que subordinó la forma plástica a los valores lumínicos, como se aprecia en la obra de Giorgione, Tiziano, Tintoretto y Veronese. En esta escuela se funden la luz y el color, y la perspectiva lineal renacentista se sustituye por la perspectiva aérea, cuya utilización culminará en el Barroco. La técnica empleada por estos pintores venecianos se denomina «tonalismo»: consistía en la superposición de veladuras para formar la imagen mediante la modulación del color y la luz, que son armonizados a través de relaciones de tono modulándolos en un espacio de apariencia verosímil. El color asume la función de luz y sombra, y son las relaciones cromáticas las que realizan los efectos de volumen. En esta modalidad, el tono cromático depende de la intensidad de la luz y la sombra (el valor del color). Giorgione llevó a Venecia la influencia leonardesca. Fue un artista original, uno de los primeros especializados en cuadros de gabinete para coleccionistas privados, y el primero en subordinar el tema de la obra a la evocación de estados de ánimo. Vasari lo consideraba, junto a Leonardo, uno de los fundadores de la «pintura moderna». Gran innovador, reformuló la pintura de paisaje tanto en composición como en iconografía, con imágenes concebidas en profundidad con una cuidadosa modulación de los valores cromáticos y lumínicos, como se denota en una de sus obras maestras, "La tempestad" (1508, Gallerie dell'Accademia, Venecia).
Miki Leal
Practica una pintura típicamente contemporánea, mezcla de las influencias culturales propias de su generación que se expresa por una puesta en escena aparentemente anárquica y sobresaturada.
Juan Manuel Gavazzo Buchardo
Gavazzo Buchardo es uno de los introductores del modernismo en Argentina. Si bien ha trabajado como escultor y hecho bajorrelieves tallados de mérito, es en la pintura donde tiene sus mayores logros. Su obra pictórica se caracteriza por un sólido manejo del color, el equilibrio en la composición y la capacidad expresiva. Sus pinturas tienen diversas influencias: Gauguin, Puvis de Chavannes, Odilon Redon, y Gustave Moreau, entre otros. Se destaca en los retratos, especialmente, en los autorretratos, y las naturalezas muertas.
María Augusta Hermida
Sus proyectos son una manifestación contemporánea de los atributos de la modernidad, de su economía, su precisión, y del entendimiento de sus formas como relación y estructura organizadora del proyecto. La capacidad de geometría, de abstracción y de relaciones funcionales y estructurales de la arquitectura moderna son parte fundamental de sus referentes. Así también, el rigor constructivo que antaño tuvo que ser usado en las construcciones de adobe, sus resultados controlados y ordenados, son hoy el marco bajo el cual concibe sus proyectos.
Artes visuales en Israel
Los pintores modernos en gran medida crearon una versión "Hebrea" de la pintura Post-Impresionista utilizando una paleta de colores claros, unapreferencia hacia pinceladas expresivas, y una tendencia hacia la pintura naïve plana. Además de temas tradicionales tales como retratos, numerosos artistas mostraron la Tierra de Israel en paisajes que agregaron una perspectiva romántica a sus temas. El estilo de estas obras a veces es denominado de la "Escuela de la Tierra de Israel".
Andrés de Santa María
Según algunos historiadores del arte, su obra, oscilante entre el simbolismo, el impresionismo, el posimpresionismo, el fauvismo y el expresionismo, marcó la introducción de la pintura moderna en Colombia. Santa María influyó notablemente en la obra de artistas posteriores como Fídolo González Camargo y Roberto Páramo, discípulos suyos en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá. En América Latina, la crítica Marta Traba lo situó en paralelo con el venezolano Armando Reverón y con el uruguayo Pedro Figari.
Lluís Masriera i Rosés
Su pintura, partiendo del realismo, giró hacia el modernismo, incluyendo toda la iconografía propia del periodo: hadas, ángeles, brujas y mariposas, con contenidos decadentes hechos con tonos apacibles y temas bulliciosos con un colorismo vivo y decorativo. Destaca entre sus obras pictóricas al óleo "La sombrilla japonesa" (1920), de la que hizo varias réplicas.
Arquitectura mexicana contemporánea
La arquitectura mexicana contemporánea, de la segunda mitad del siglo XX, se distingue por su espíritu modernista que se expresa mediante la linealidad de los volúmenes, un funcionalismo extremo, los murales de grandes proporciones y los grandes ventanales. En un plano teórico la arquitectura mexicana del siglo XX escoge planteos racionales y contrarios a la academia.
Arquitectura moderna
Se caracterizó por plantas y secciones ortogonales, generalmente asimétricas, ausencia de decoración en las fachadas y grandes ventanales horizontales conformados por perfiles de acero. Los espacios interiores son luminosos y diáfanos.
Pedro Weingärtner
La gran aceptación que ha tenido la pintura de género en Brasil desde finales del siglo XIX se debe también a otros factores, entre ellos la popularización de la fotografía y el concomitante auge de la estética realista en la pintura, con una correspondencia entre ambas para responder a la demanda de una representación verosímil de la realidad. Al mismo tiempo, se formaban nuevos conceptos de intimidad, de disfrute del hogar, de relaciones sociales y familiares, donde se volvía importante la decoración esmerada de los interiores con el fin de transformar la residencia en un lugar agradable para estar y para socializar con la familia y los amigos. En este sentido, la pintura de escenas domésticas, para quien las consumía, era un espejo de reconocimiento y afirmación de esta intimidad privilegiada y «moderna».
Sylvia von Harden
"Tu misma te has caracterizado de forma brillante, y todo eso conducirá a un retrato representativo de una época que no se preocupa por la belleza exterior de una mujer, sino más bien por su condición psicológica. La pintura de Otto Dix, es un ejemplo importante del movimiento de la Nueva Objetividad, y se encuentra en el Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, en París.
Pintura del paisaje
La pintura contemporánea disolvió la existencia de los géneros, pero dentro de los diferentes «ismos» de vanguardia pueden distinguirse cuadros en los que lo representado es un paisaje, siempre con el estilo propio del autor. Cézanne, el «padre de la pintura moderna», dedicó toda una serie de pinturas a la montaña Sainte-Victoire. Derain, Dufy, Vlaminck y Marquet pintaron paisajes fovistas, y Braque, uno de los fundadores del cubismo, trató repetidamente el paisaje de L'Estaque. En la Viena de principios de siglo, produjeron obras de este género tanto el modernista Gustav Klimt como el expresionista Egon Schiele.
Pintura contemporánea
Uno de los más veteranos impresionistas, Paul Cézanne, sin renunciar al color y la luz, encontró ese camino en la simplificación de volúmenes en cuerpos geométricos (esferas, cilindros, conos -pretendía "conquistar París con una manzana"-); Henri de Toulouse-Lautrec en la recuperación del dibujo, extremado en gruesas líneas para el contorno de las figuras; Vincent Van Gogh en la pincelada gestual, prolongada en giros y espirales; Paul Gaugin en la extensión de las superficies planas de colores homogéneos ("cloisonné"). Buena parte de estos nuevos enfoques tenían explícitas influencias del exótico arte japonés (japonismo), cuyas convenciones tradicionales, bien distintas de las de la pintura occidental, se convertían en alternativas inéditas cuando se aplicaban con los criterios rupturistas de estos pintores.
Figura desnuda
Es una obra del mismo Casas titulada “Corrida de toros” (1894), que presentó en la Sala Parés, la que marca el inicio de la pintura moderna en la ciudad de Barcelona. Es en este mismo año cuando se empieza a utilizar el término Modernismo (que aparece en la revista “Avenç”) para nombrar a las nuevas corrientes artísticas que estaban apareciendo. “Avenç” irá reuniendo a su alrededor a Casas, Rusiñol, Clarasó, Tamburini y muchos más artistas.
Arte moderno
En su origen, dada su naturaleza reactiva, el arte moderno es un fenómeno exclusivamente europeo, aunque en algunas ocasiones se planteaba la necesidad de búsqueda de tradiciones alternativas fuera del arte occidental (en el arte africano -cubismo-, o en el arte japonés -impresionismo-) o fuera de las fases más "clasicistas" de la propia tradición occidental (prerrafaelismo)
Pintura simbolista
En Cataluña se desarrolló entre finales del y comienzos del el llamado modernismo catalán, un estilo ligado al modernismo "art nouveau" internacional pero que aquí tuvo unas características propias ligadas al renacer de la cultura catalana (Renaixença). Destacó especialmente en arquitectura, con figuras de gran renombre como Antoni Gaudí, Lluís Domènech i Montaner y Josep Puig i Cadafalch, pero también en pintura y escultura. Fue un movimiento heterogéneo, que agrupó en su seno varias tendencias estilísticas: según una clasificación de Joan Ainaud de Lasarte ("El Modernismo en España", 1969), el modernismo catalán podría dividirse entre modernismo simbolista, impresionista y postimpresionista. El primero sería el más cercano al simbolismo internacional, con influencias procedentes del Romanticismo y el prerrafaelismo, aunque también del naturalismo y otros estilos, lo que proporcionó una gran amalgama y complejidad que se tradujo de distinta manera en cada artista. En su producción se percibe un idealismo que otorga una gran relevancia a la iconografía y que se traduce en la expresión en los personajes de ideas o sentimientos, con especial predilección por la figura femenina. Sus características principales fueron la asimetría, la bidimensionalidad, la línea sinuosa, el gusto por la decoración floral, una cierta tendencia medievalizante y, especialmente en lo que atañe al simbolismo, la predilección por la alegoría y la temática simbólica.
Pintura rococó
Lo que está claro es que todavía existe mucha polémica y contradicciones en los estudios sobre el Rococó, aunque de una forma la crítica más o menos concuerda en ver en la filosofía subyacente de la pintura Rococó elementos de superficialidad, elitismo, hedonismo y alienación, aun cuando destacan que estos aspectos no cuentan toda la historia y que se aferran a ellos a partir de supuestos morales modernos que pueden impedir al público reconocer su valor como arte por derecho propio y como vehículo de significados importantes para la clase que gobernó en Europa durante el siglo XVIII, hecho que basta por sí para atribuirle gran interés histórico y documental. También se admite ampliamente que en sus mejores momentos, la pintura Rococó alcanza niveles muy altos de excelencia técnica, es difícil incluso para los moralistas más empedernidos ser insensibles a su encanto y su riqueza plástica, así como a la capacidad de sus autores. Otro punto positivo de la pintura Rococó fue detectado en la reformulación y suavización de la iconografía cristiana, traduciendo los elementos de la fe y retratando sus mártires y santos dentro de una moldura menos pesada y opresiva de aquella producida durante el Barroco, permitiendo el nacimiento de una devoción más jovial y optimista, menos cargada de culpa, y que reconciliaba la naturaleza con lo divino. Al mismo tiempo, su índole personalista, su curiosidad por lo novedoso y exótico, así como su rechazo del Academismo representaron un movimiento en dirección a la libertad y creación espontánea, tan apreciadas hoy en día, y que eran considerados criterios legítimos de evaluación de una obra de arte en aquellos tiempo. De hecho, la misma concepción poseía Alexander Pope al «declarar que algunas bellezas no pueden ser explicadas en preceptos», y que «hay gracias sin nombre que ningún método enseña, y que sólo la mano de un maestro puede lograr», cualidades que sólo podían ser juzgadas por el «gusto», un elemento sutil que el propio Voltaire no compartía y «un discernimiento rápido, una percepción súbita que, como las sensaciones del paladar, anticipan la reflexión, acepta lo que da una impresión voluptuosa y rara y rechaza lo que parece grosero y desagradable».
Pintura flamenca (siglos XV y XVI)
La pintura flamenca carece de precedentes en gran formato, a excepción de las vidrieras. Pero sí tiene precedentes en las miniaturas, sobre las cuales posee una larga tradición de excepcional calidad. Esto determinará algunas características del arte flamenco, como serán el empleo de colores brillantes, que recuerdan a los pigmentos usados para la iluminación de las miniaturas. También el detallismo aplicado a estas pequeñas obras maestras se transmite a la pintura de gran formato. Este rasgo lo permite en gran medida el avance técnico sobre el óleo, que ya se había descubierto, pero que tenía un proceso de secado tan lento que no lo hacía demasiado útil.
Ricardo Yrarrázaval
Su pintura más reciente se destaca por su irrenunciable búsqueda de nuevas técnicas, y una inconfundible relación con lo moderno y su vínculo con la sociedad actual, la figura del ser humano siempre al centro.
Pintura gótica
La impresión que les causó la fidelidad a la naturaleza de la obra de Giotto a sus contemporáneos, fue irresistible. La capacidad de simplificar y ordenar la experiencia de la realidad para lograr la representación directa de las cosas, junto a la disposición las historias en compartimentos historiados concebidos como ventanas donde Giotto sitúa los personajes cargados todavía de un peso escultórico que contrasta con la elocuencia de sus gestos. Sobre el fondo de arquitecturas o paisajes dibujados en complejas perspectivas, Giotto desarrolla el «espacio pictórico», un ámbito de tridimensional que se extiende en profundidad por detrás de la superficie pintada en lo que es la principal innovación de la pintura del "Trecento" y el más importante avance que se haya dado en toda la Historia de la Pintura. Con el espacio pictórico nace la pintura moderna. Seguidores suyos fueron Taddeo Gaddi y Andrea Orcagna.
Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria
Entre sus fondos destacan un retrato de Fernando VII, una "Adoración de los pastores" atribuida a Luca Giordano, y diferentes obras de pintores regionales como María Blanchard, Casimiro Sáinz, Manuel Salces, Francisco Iturrino, Agustín Riancho, Pancho Cossío y Antonio Quirós. La colección permanente del museo también tiene una sección de arte contemporáneo en el que aparecen las obras de varios pintores historizadas como "The Death of the Bull" (La muerte de Toro, 1981) de pintor italiano Umberto Pettinicchio.
Pintura contemporánea
El prerromanticismo convivió con el neoclasicismo en las décadas finales del siglo XVIII. No solamente se manifestó en la pintura anticipadora de Goya, sino en la de William Blake, Johann Heinrich Füssli o Giovanni Battista Piranesi. En el ámbito de la especulación teórica, el romanticismo incluyó una redefinición del concepto de belleza, y en concreto la aparición de un nuevo concepto: el de lo sublime, la belleza terrible y sobrecogedora propia de los elementos desatados y de la naturaleza en estado salvaje, ajena a la serenidad estética del neoclasicismo, y que encontrará plasmación pictórica en los paisajes de Caspar David Friedrich y de Turner. Es muy significativa una anécdota que enfrentó a Turner con su coetáneo Constable. Éste, quejándose del atrevimiento de su competidor, que había añadido una impactante pincelada de minio en mitad de su cuadro después de haberse colgado al lado del suyo propio en la exposición de la "Royal Academy" (1817), resumió perfectamente el impacto de la nueva Archivo: "[veo que] ha estado aquí, [porque] ha disparado su arma".
Pintura contemporánea
El futurismo de Boccioni y otros pintores italianos, en torno al poeta Marinetti ("Manifiesto futurista", 1909), también pretendía aproximarse a una realidad visual más profunda, pero evocando el movimiento y la velocidad, multiplicando la representación sucesiva de la misma figura, con lo que obtenía efectos visuales hasta cierto punto similares a los del cubismo. El "Desnudo bajando una escalera" de Marcel Duchamp (1912), que fue rechazado por los cubistas cuando fue presentado en el "Salon des Indépendants" de ese año presentaba características de ambos estilos. Su exposición en el "Armory Show" de Nueva York (1913) fue ampliamente ridiculizada en la prensa, y contribuyó de forma notable a la difusión de las vanguardias.
Pilar Planas Martí
Pilar Planas fue una pintora moderna y avanzada, por esta razón de entrada no la comprendieron, sobre todo el público de Manresa, a pesar de que la respetaban. Su punto fuerte fue el color, por medio del cual se expresaba. De hecho, ella mismo dijo que el dibujo era para ella «una mera disciplina». Era una mujer tímida pero observadora, calidad que la llevó a trabajar el dibujo del natural, con modelo, y el retrato, en el cual obtuvo resultados excelentes.
Pintura contemporánea
La técnica impresionista fue un innovador concepto en la utilización de la luz y el color: su disposición en el lienzo a través de pinceladas sueltas de colores puros, que no se mezclan en la paleta del pintor sino en la retina del espectador, acentuando los contrastes por la oposición de los complementarios, y buscando los efectos de vibración y luz reflejada. Tal innovación fue obra de un grupo de pintores franceses (Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Frédéric Bazille, Berthe Morisot) que fue bautizado como "impresionistas" por el título que Monet dio a uno de sus cuadros ("Impression, soleil levant" -"Impresión, sol naciente"-) en la primera de las exposiciones de la "Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs et graveurs" ("Sociedad anónima de artistas pintores, escultores y grabadores", 15 de abril de 1874).
Arte griego moderno
Gradualmente, los impresionistas y otras escuelas modernas aumentaron su influencia. A principios del siglo XX, los artistas griegos pasaron de Munich a París. El interés de los pintores griegos, cambia de representaciones históricas a paisajes griegos con un énfasis en la luz y los colores tan abundantes en Grecia. Representantes de este cambio artístico son Konstantinos Parthenis, Konstantinos Maleas, Nikiphoros Lytras y Georgios Bouzianis. Konstantinos Parthenis , en particular, introduce elementos históricos, religiosos y mitológicos que permiten clasificar la pintura griega en el arte moderno . Lo mismo ocurre con los paisajes de Konstantinos Maleas y el expresionismo de Georgios Bouzianis. El período de la década de 1930 fue un hito para los pintores griegos, con Yiannis Tsarouchis , Yiannis Moralis , Nikos Hadjikyriakos-Ghikas , Spyros Vassiliou , Alekos Kontopoulos (introdujo la abstracción en las pinturas griegas) y Spyros Papaloukas entrando en la cúpula del arte griego. Estos pintores intentaron principalmente vincular las principales tendencias europeas con la tradición griega.
Pintura contemporánea
La representación de fondos arquitectónicos ("arquitecturas" es la denominación convencional) había sido habitual en la pintura medieval y lo siguió siendo en la de la edad moderna, pero como un marco de las escenas principales y no como el motivo central. Sí lo había sido en uno de los estilos pompeyanos. En la pintura contemporánea, sí que hay ejemplos, no muy generalizados, de edificios tomados como motivo central de un cuadro, del mismo modo que los paisajes naturales en la pintura de paisaje.
Pintura contemporánea
No obstante, no es hasta finales del siglo XIX cuando se da inicio a la corriente expresionista, que se fecha en "El grito" de Edvard Munch (1893), y a la que son también muy cercanos algunos pintores calificados de "modernistas", especialmente los de la "Sezession" vienesa (Egon Schiele, Klimt). La etiqueta vanguardista de "expresionistas" suele aplicarse a distintos grupos de pintores alemanes de antes y después de la Primera Guerra Mundial, con cuyos efectos están muy vinculados (expresionismo alemán); aunque el tratamiento distorsionado de las expresiones caracterizó por la misma época a muchos otros (Modigliani, Solana) incluyendo al propio Picasso ("época azul", "Guernica") y a los surrealistas. Después de la Segunda Guerra Mundial, los estilos pictóricos alternativos a la abstracción tuvieron una de sus más explotadas posibilidades en la acentuación de la expresión (Lucian Freud -fue muy significativo el escándalo que suscitó su "Retrato de la Reina Isabel II de Inglaterra"-, Francis Bacon, neoexpresionismo, etc.)
Alfonso Abelenda
Siendo principalmente figurativo, la representación que hizo fue principalmente expresionista. Utilizó todos los recursos de la pintura contemporánea, gustando especialmente del fauvismo y el cubismo sintético, así como la capacidad de los materiales a su alcance para imprimir el ritmo deseado a sus obras. Una característica especial en su obra es la presencia de toques y pinceladas de rojo inesperadas que dinamizan ésta sin alterar el equilibrio de la paleta.
Antoni Gaudí
Algunos rasgos esenciales del modernismo serán: un lenguaje anticlásico heredero del romanticismo, con tendencia a un cierto lirismo y subjetivismo; vinculación decidida de la arquitectura con las artes aplicadas y los oficios artísticos, creando un estilo remarcadamente ornamental; utilización de nuevos materiales, creando un lenguaje constructivo mixto y rico en contrastes, buscando el efecto plástico del conjunto; fuerte sentimiento de optimismo y fe en el progreso, que produce un arte exaltado y enfático, reflejo del clima de prosperidad del momento, sobre todo en la clase burguesa.
Julian Opie
Considerado el representante actual del retrato moderno, Opie utiliza las últimas tecnologías aplicadas a la pintura y, además de los trabajos realizados por ordenador, en sus esculturas e instalaciones incorpora vinilos con luz interior, paneles LED o pantallas de cristal líquido.
Poesía taurina
El modernismo ocupa un lugar importante en la estética poética y literaria de Manuel Machado, considerado un poeta original y enérgico por la crítica del siglo que une estilos del pasado, del presente en el que vivió y del futuro, al anticiparse a las corrientes del romanticismo, "noventayochismo —"de la generación del 98—, populismo, decadentismo, malditismo o coloquialismo. Manuel Machado cumple con las características del modernismo que apuntó Max Henríquez Ureña en su libro "Breve historia del modernismo (México 1962);" uno de los elementos que le dio unidad a su obra es el uso de un lenguaje cultivado, el dominio que mostró del verso y la calidad expresiva tanto en el registro culto como en el coloquial. Otro rasgo del estilo modernista es el gusto por el color gris, el negro, el oro, el rojo y el blanco que Machado emplea tanto en el título y como en los versos que compone el poema taurino "La" "Fiesta nacional (Rojo y negro)" donde los colores mencionados forman parte de los versos que aluden al traje del torero Antonio Fuentes Zurita: «"¡Oro, seda, sangre y sol!"» (verso 21) o «"Sobre la arena, roja"» (verso 48)
Pintura moderna
Pintura moderna es un término de gran ambigüedad, que es utilizado por la bibliografía para referirse a muy distintos conceptos dentro de la historiografía del arte. Su utilización dentro de cada una de las fuentes coincide o no con el sentido que se da a los términos "arte moderno", "escultura moderna" y "arquitectura moderna", igualmente ambiguos; así como al concepto de Hermandad.
Camille Corot
Corot aunó la herencia clásica y romántica en el paisaje, sumando a la solidez compositiva de la tradición la frescura de la ejecución al aire libre, la paleta clara y el sentido de lo fragmentario. Sin él, quizás no hubiera sido posible el valor espacial y constructivo que, años después, Cézanne le daría a la pincelada impresionista, poniendo con ello el primer peldaño de la historia de la pintura moderna.
Meli Valdés Sozzani
Sus pinturas se caracterizan por una gran luminosidad y riqueza cromática.
Arte de la Edad Moderna
En relación con el renacimiento de mediados del siglo XV, caracterizado por la experimentación sobre la perspectiva lineal, el "alto renacimiento" se caracterizó por la madurez y el equilibrio que se encuentra en el "sfumato" de Leonardo; en los volúmenes marmóreos de la "terribilità" miguelangelesca; en los colores, texturas y el "chiaroscuro" de los venecianos o de las "Madonnas" de Rafael, que dan a la luz y a las sombras un nuevo protagonismo, junto a su característica "morbidezza" (suavidad, blandura); en el adelantamiento del brazo en los retratos (como en la "Gioconda"); en la composición clara, especialmente la triangular, marcada por la relación de las figuras con miradas y posturas, particularmente en las manos.
Historia de la pintura
Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se sentaron las bases de la sociedad contemporánea, marcada en el terreno político por el fin del absolutismo y la instauración de gobiernos democráticos —impulso iniciado con la Revolución Francesa—; y, en lo económico, por la Revolución Industrial y el afianzamiento del capitalismo, que tendrá respuesta en el marxismo y la lucha de clases. En el terreno del arte, comienza una dinámica evolutiva de estilos que se suceden cronológicamente cada vez con mayor celeridad, que culminará en el siglo XX con una atomización de estilos y corrientes que conviven y se contraponen, se influyen y se enfrentan. Surge el arte moderno como contraposición al arte académico, situándose el artista a la vanguardia de la evolución cultural de la humanidad.
Pintura contemporánea
El expresionismo fue la corriente predominante en los países nórdicos y Europa central, y se pueden asociar a ella muchos pintores de todas las nacionalidades (Amadeo Modigliani, Chaïm Soutine, José Gutiérrez Solana). Hasta tres generaciones de expresionistas desarrollaron una pintura representativa y comprometida con la realidad; en algún caso planteándose explícitamente como una reacción contra el propio expresionismo: la "Neue Sachlichkeit" ("Nueva objetividad", Christian Schad, Otto Dix, George Grosz, Oskar Kokoschka). Un movimiento de la segunda generación expresionista, "Der Blaue Reiter" ("El jinete azul", Vasily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc, August Macke) derivó hacia la pintura abstracta al entender que solo era posible representar el interior del ser y el pensamiento a través de formas no figurativas (abstracción lírica).
Du &quot;Cubisme&quot;
"Por lo tanto, nos sorprende cuando los críticos bien intencionados intentan explicar la notable diferencia entre las formas atribuidas a la naturaleza y las de la pintura moderna por el deseo de representar las cosas no como aparecen, sino como son. ¡Ya que son! ¿Cómo son? Según ellos, el objeto posee una forma absoluta, una forma esencial, y debemos suprimir el claroscuro y la perspectiva tradicional para poder presentarlo. ¡Qué simplicidad! Un objeto no tiene una forma absoluta; tiene muchas. Tiene tantas como planos hay en la región de la percepción. Lo que dicen estos escritores es maravillosamente aplicable a la forma geométrica. La geometría es una ciencia; pintar es un arte. El geómetra mide; el pintor saborea. El absoluto de uno es necesariamente el pariente del otro; si la lógica se asusta de esta idea, ¡tanto peor! ¿Alguna vez la lógica evitará que un vino sea diferente en la réplica del químico y en el vaso del bebedor?"
Yōga
Desde entonces, el "Yōga" y el "Nihonga" han sido las dos principales divisiones de la pintura japonesa moderna. En esta división se refleja la educación, el montaje de exposiciones, así como la identificación de los artistas. Sin embargo, en muchos casos, los artistas realistas del "Nihonga" también adoptaron las técnicas de pintura occidentales, tales como la perspectiva y el sombreado. Debido a esta tendencia a sintetizar, aunque el "Nihonga" forma una categoría aparte dentro de las "exposiciones anuales de Nitten japoneses", en los últimos años, se ha vuelto cada vez más difícil establecer una clara separación en cualquiera de las técnicas o materiales entre el "Nihonga" y el "Yōga".
San Luis de Tolosa coronando a Roberto de Anjou, rey de Nápoles
Hay rasgos característicos de una mayor modernidad en la pintura, como aspectos de mayor realismo, la forma de representarse las telas, y elementos que refuerzan la perspectiva como la alfombra y la predela. Del mismo modo, el retrato de Roberto de Anjou no es estandarizado, sino individualizado.
Pintura de historia
La pintura de historia a menudo se cayó en el historicismo, con la copia de estilos y autores antiguos. A finales de siglo, evolucionó hasta un estilo llamado "pompier" y dio lugar, como reacción, al nacimiento del modernismo. Como la pintura de historia era la favorita de la academia, fue el objetivo contra el que lucharon los movimientos de vanguardia de la pintura contemporánea. Los impresionistas rechazaron todos los temas históricos. En otros países, como Inglaterra y su Hermandad Prerrafaelita, no se abandonaron del todo, pero variaron los temas, centrándose más en la literatura nacional y el mito. No obstante, aún en algunos cuadros aislados de los movimientos pictóricos de fin de siglo pueden verse ejemplos en que el estilo, las dimensiones o el tratamiento del tema recuerdan a la pintura de historia, como "Un baño en Asnieres" de Seurat, cuyo formato remite claramente a la pintura de historia.
Modernismo catalán
El modernismo rechaza el estilo poco atractivo de la arquitectura industrial de la primera mitad del siglo XIX, y desarrolla nuevos conceptos arquitectónicos basados en la naturaleza, que consisten en los materiales de construcción que se emplean, en las formas de los edificios y en las figuras de sus fachadas. Los arquitectos y sus escultores colocan en el exterior de los edificios pájaros, mariposas, hojas y flores a modo de elementos decorativos, ya sea como figuras adosadas o como adorno de la piedra o cerámica. También se colocan figuras de tamaño mayor, animales fabulosos o personas, y en las cornisas elementos de cerámica de color. Las ventanas y los balcones disponen de rejas de hierro forjado, que son labradas artísticamente y contienen motivos inspirados en la naturaleza.
Biedermeier
La pintura de la época Biedermeier se caracteriza por el apego al realismo y la representación de la vida en un modo de gozo y paz mental (el "Gemütlichkeit"). La técnica pictórica es académica de tipo clásico, y utilizada para lograr el realismo requerido; a la vez, es utilizada como un medio narrativo, no solo del pasado anecdotal sino del presente. Esto formó una unidad estética que se hace manifiesta en el retrato (ejemplo: Retrato de la familia Arthaber, 1837, por Friedrich von Amerling), paisaje (véase la obra de Waldmüller o Gauermann) y escenas de la crónica contemporánea (e.g., Controversia de los entrenadores, 1828, por Michael Neder).
Modernismo (arte)
Las características que en general permiten reconocer al modernismo son:La derivación de estas características del modernismo o "Art nouveau" en la década de 1920 dio origen al denominado "Art déco", con el que a veces se identifica, aunque tiene características marcadamente diferentes.
Luz en la pintura
La eclosión de las vanguardias a primeros de siglo supuso una rápida sucesión de movimientos artísticos, cada uno con una determinada técnica y una particular visión de la función de la luz y el color en la pintura: el fauvismo y el expresionismo eran herederos del postimpresionismo y trataron la luz al máximo de su saturación, con fuertes contrastes cromáticos y el uso de colores complementarios para las sombras; el cubismo, el futurismo y el surrealismo tuvieron en común un uso subjetivo del color, dando primacía a la expresión del artista por encima de la objetividad de la imagen.
Túnez
La pintura moderna tunecina se puede situar en la segunda mitad del siglo XX. La "Escuela de Túnez", compuesta por pintores como Ammar Farhat, Yahia Turki, Jelel Ben Abdallah, Abdelaziz Gorgi, Ali Bellagha, han sido considerados como los primeros artistas modernos. En esta pintura, el lenguaje pictórico traduce una nostalgia de una sociedad tradicional cambiando por los estándares de un mundo moderno. Este tema de la nostalgia, la autenticidad y el apego a las valores tradicionales son los elementos principales de la "Escuela de Túnez". Por eso se pueden encontrar muchas escenas cotidianas de las bodas, del hammam o el amor.
Historia del desnudo artístico
El arte de la Edad Moderna —no confundir con arte moderno, que se suele emplear como sinónimo de arte contemporáneo— se desarrolló entre los siglos XV y XVIII. La Edad Moderna supuso cambios radicales a nivel político, económico, social y cultural: la consolidación de los estados centralizados supuso la instauración del absolutismo; los nuevos descubrimientos geográficos —especialmente el continente americano— abrieron una época de expansión territorial y comercial, suponiendo el inicio del colonialismo; la invención de la imprenta conllevó una mayor difusión de la cultura, que se abrió a todo tipo de público; la religión perdió la preponderancia que tenía en la época medieval, a lo que coadyuvó el surgimiento del protestantismo; a la vez, el humanismo surgió como nueva tendencia cultural, dejando paso a una concepción más científica del hombre y del universo.
Shimshon Holzman
Holzman está considerado como uno de los maestros de la pintura moderna en cuyo estilo se caracterizaba la mezcla de pinturas con el agua para conseguir sus colores. En la tradición de la pintura de acuarelas en Israel, Avishay Ayal de la Universidad de Haifa explica: "En los orígenes en el siglo XV, esta técnica se asociaba a realizar bocetos de forma rápida... desde el pre-Estado Palestino hasta los días actuales del Estado de Israel, la pintura de acuarelas es un método rápido y barato para diseminar el arte. Mostrando así la pobreza que caracterizaba el periodo en el que vivió, pintando en acuarelas y vendiendo trabajos en papel que se convertirían en una opción barata y posible... Muchos de los artistas abstractos de Israel eran expertos en la pintura de acuarelas. Ayal escribió más adelante: "Muchos artistas llegaron a conocerse principalmente como acuarelistas y sus trabajos fueron muy populares durante esa época". Las pinturas de Joseph Kossonogi, Mordechai Avniel y Shimshon Holzman están llenas de ímpetu, los colores fluyen sin manchas extensas de agua y ellos representan el espíritu de una era rica que parecía poseer un futuro optimista.
Pintura contemporánea
La pintura del paisaje y la naturaleza muerta o bodegón habían sido clasificadas como las más ínfimas en la jerarquía de géneros académica. Obviamente, la pintura contemporánea no respetó tal jerarquía, y ambos géneros pasaron a recibir un interés especial por los principales pintores desde el siglo XIX. Incluso superaron con ventaja frente a la representación de la figura humana los impactos del vanguardismo del XX, puesto que la simplificación de las formas y el rechazo a la imitación de la naturaleza convertía la mayor parte de los temas pictóricos en "paisajes oníricos" o en "bodegones abstractos", inexistentes en la realidad.
Pintura contemporánea
Las vanguardias tuvieron una relación ambivalente con la mujer. Por un lado la consagraron en el papel tradicional de musa de los artistas, que las relegaba a fuente de inspiración o conflicto (las amantes compartidas por Courbet y Whistler, Van Gogh y Gauguin, las múltiples compañeras de Picasso, Sylvia von Harden para Otto Dix, Gala para Dalí); mientras que, por otro lado, alcanzaron un protagonismo como pintoras en un grado muy superior a las medievales o de la edad moderna, pero aún restringido a escasos ejemplos (Berthe Morisot, María Blanchard, Tamara de Lempicka, Frida Kahlo, Dora Maar).
Arte moderno
Únicamente si se entiende el concepto de arte moderno no como cronológico, sino como estético (de estilo, de sensibilidad o incluso de actitud), pueden explicarse ciertas paradojas: un pintor academicista como William Adolphe Bouguereau (muerto en 1905) no hace "arte moderno", mientras que Vincent van Gogh (muerto en 1890) indudablemente sí; calificar como "modernos" a el Greco (muerto en 1614), Velázquez (muerto en 1660), a Rembrandt (muerto en 1669) o a Goya (muerto en 1828) es algo tan común que se ha convertido prácticamente en un tópico.
Pintura contemporánea
Son innumerables las tendencias y subtendencias de la pintura del siglo XX. En general, suelen estudiarse en relación con los acontecimientos políticos y sociales de la época, diferenciándose entre las vanguardias históricas anteriores a la primera guerra mundial (fovismo, cubismo, futurismo, expresionismo) y las del período de entreguerras (constructivismo, dadá, surrealismo, "Bauhaus", "Art Decó", muralismo mexicano). Más problemática es la relación con las vanguardias estéticas de movimientos como el realismo socialista, el arte fascista, el arte nazi o el arte del franquismo.
Pintura contemporánea
Entre una multitud de etiquetas estilísticas para la pintura de la época, se definieron el "hard edge", el videoarte, el nuevo realismo ("eat art", "new realism"), el fotorrealismo, el "minimal" o minimalismo, el arte conceptual ("idea art"), el "happening", el arte ambiental ("land art", "earth art" o arte terrestre), el realismo figurativo, el espacialismo, el "funk art", la figuración narrativa, el neoconcretismo, el neodadaísmo, el nuevo reducionismo, "fluxus", etc.
Modernismo (arte)
En gran medida estas aspiraciones se basaron en el trabajo e ideas estéticas de Claude-Nicolas Ledoux y Eugène Viollet-le-Duc en Francia, y , John Ruskin y William Morris en el Reino Unido, que proponían democratizar la belleza o socializar el arte, en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tuvieran valor estético y fueran accesibles a toda la población, aunque sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva que impedían el desarrollo del buen hacer artesanal. El modernismo no solo se dio en las artes tales como la pintura, escultura y arquitectura, sino también las artes aplicadas o decorativas, en las artes gráficas y en el diseño de mobiliario, rejería, joyería, cristalería, cerámica y azulejería, lámparas y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana, incluido el mobiliario urbano, que pasó a tener gran importancia (kioscos, estaciones de metro, farolas, bancos, papeleras, urinarios). Muchos artistas identificados con el modernismo son artistas «integrales». Especialmente, en el caso de los arquitectos, no solo proyectaban edificios, sino que intervenían en el diseño de la decoración, el mobiliario, y todo tipo de complementos y enseres de uso diario que habían de contener.
Arte de la Edad Moderna
En pintura y escultura, el gusto nórdico predominó frente al italiano hasta comienzos del siglo XVI en la mayor parte de Europa Occidental, lo que explica el éxito de artistas como los Colonia, los Egas, Gil de Siloé, Felipe Bigarny, Rodrigo Alemán o Michel Sittow (proveniente de un lugar tan lejano como el Báltico Hanseático); aunque el influjo de Italia también se dejó sentir, como demuestra el periplo europeo de escultores italianos como Domenico Fancelli y Pietro Torrigiano (menos significativa fue la emigración de pintores italianos, puesto que es fácil importar pintura, pero es más fácil importar al escultor que a las esculturas) y los aprendizajes en Italia de pintores franceses y españoles como Jean Fouquet, Pedro Berruguete o Yáñez de la Almedina. Pero ni siquiera en esas primeras décadas del siglo XVI puede decirse que se produjera una identificación del italianismo renacentista a comprar o imitar con el canon florentino-romano o «paradigma vasariano» (que es el que terminó fijando en el gusto clasicista perpetuado en los siglos posteriores). La mayor parte de la producción local, en todos los artes, tuvo una paulatina transición entre las formas góticas y las renacentistas. En la escultura castellana, esta transición corrió a cargo del grupo formado en torno a los Egas, con Juan Guas y Sebastián de Almonacid), mientras que en la corona de Aragón cumplió un papel similar Damián Forment y en Francia Michel Colombe.
Arte griego moderno
La Escuela de Múnich El arte griego moderno empezó a desarrollarse alrededor de la época del Romanticismo. Los artistas griegos absorbieron muchos elementos de sus colegas europeos, resultando en la culminación del estilo distintivo de arte Romántico griego, inspirado en ideales revolucionarios así como en la geografía y la historia del país. Después de siglos de dominio Otomano, pocas oportunidades existían para tener una educación en artes en la Grecia nuevamente independiente, así que el estudio en el extranjero era imperativo para los artistas. Múnich, como centro internacional de las artes en aquel momento, era el sitio donde la mayoría de los artistas griegos del siglo XIX escogieron para estudiar. Más tarde, regresarían a Grecia y transmitir sus conocimientos. Algunos de ellos se quedaron en Múnich, el llamado "Atenas del" "Isar." Ambos vínculos académicos y personales desarrollaron entre los primeros pintores griegos y el arte de Múnich el nacimiento de la Escuela "griega de Múnich" de pintura. Nikolaos Gysis era un profesor importante y artista en la Academia de Múnich y pronto se convirtió en una figura principal entre artistas griegos. Academicismo, realismo, pintura de género, retratos de personas de clase media superior, bodegón y pintura de paisaje, a menudo representando características impresionistas, serían reemplazados al final del siglo XIX por Simbolismo, Modernismo, Arte Nouveau, los cuales son principalmente localizados en los trabajos de Nikolaos Gysis, Aristeas y otros. El modernismo de principios del siglo XX es también representado por importantes artistas griegos en Múnich. Muchos artistas de la Escuela de Múnich escogieron temas como vida griega cotidiana, costumbres locales, y condiciones de vida. Varios pintores importantes emergieron en este tiempo. Theodoros Vryzakis se especializó en pintura histórica y especialmente se inspiró en la Guerra de independencia griega de 1821. Nikiphoros Lytras se concentró en representaciones realistas de vida griega. Georgios Jakobides dedicó su atención a los niños e infantes y más tarde se convertiría en el primer Director de la nueva Galería Nacional de Atenas. Georgios Roilos fue otro pintor importante del periodo, estrechamente asociado con la Escuela de Múnich, especialmente en su carrera temprana. Konstantinos Volanakis Estuvo inspirado mayoritariamente por el mar griego.
Pintura contemporánea
Histórica y formalmente se ha desarrollado en distintas posibilidades técnicas y denominaciones estilísticas: la abstracción geométrica (cubismo abstracto -orfismo, rayonismo-, suprematismo, constructivismo soviético, constructivismo holandés -neoplasticismo, "De Stijl"- concretismo), la abstracción cromática (sincromismo), la abstracción lírica, la abstracción sintética, la abstracción analítica, la abstracción cinética (arte cinético), el surrealismo abstracto, el informalismo (expresionismo abstracto, abstracción constructiva, tachismo, pintura matérica, "action painting"), la abstracción postpictórica (minimalismo, "color field", "hard edge") y cualquier otro movimiento derivado, incluyendo los denominados abstracción figurativa y no figurativa (expresiones que, respectivamente, son un oxímoron y una redundancia, pero que tienen uso bibliográfico).
Pintura contemporánea
La pincelada y la mancha son elementos muy importantes en la técnica de los pintores de la Edad Contemporánea. La pincelada gruesa no es un invento del impresionismo, la utilizaban muchos maestros antiguos (como Tiziano, del que se decía que daba directamente los colores con las manos); pero ciertamente el efecto "acabado" es uno de los requisitos de la pintura académica. Una conocida anécdota de Goya describe la impaciencia del maestro por el detallismo con el que su discípulo Vicente López Portaña estaba haciéndole su retrato de 1826. A esas alturas, el estilo de Goya, que ya había realizado las pinturas negras, era el de sus últimas obras en Burdeos. El efecto "abocetado" fue buscado por otros discípulos de Goya, como Leonardo Alenza; y se convirtió en una de las señas de identidad de los pintores rupturistas del realismo y el impresionismo. Además de Goya, otra de las fuentes que condujeron a los pintores franceses en esta dirección fue el inglés Turner. Sin embargo, la mayor parte de los pintores ingleses de la época, y especialmente los prerrafaelitas, optaban por intensificar los acabados.
Wilhelm von Kaulbach
El último período del pintor no tiene novedades. Sus últimas obras solo exageran sus primeras características. Los dibujos sobre temas de Goethe tuvieron un enorme éxito: eran melodramáticos y satisfacían el gusto popular. El vasto lienzo, de más de nueve metros de alto, la "Batalla Marina en Salamis" (Maximilianeum de Múnich) manifiesta su habitual imaginación y facilidad de composición, con una pincelada larga y vigorosa. El arte de Kaulbach amaba la belleza. No domina el color, al que consideraba secundario. Basa su arte en la forma y la composición. Trabaja la composición de manera compleja y exacta. Están en armonía las líneas, las partes en relación con el todo. La música y la pintura alemana modernas han seguido caminos paralelos, y puede decirse que Kaulbach es musical en la melodía y armonía de sus composiciones. Refleja una narrativa lúcida, que se mueve con aire de marcha triunfal. No se rompe la secuencia de las figuras, los grupos se arreglan de conformidad con su paralela forma literaria, la pintura expresa en forma dramática en indidente, episodio, diálogo, acción o trama representado. Kaulbach es ecléctico en su estilo: en la Edad de Homero, los tipos y el tratamiento derivan de los mármoles y vasos griegos; en la Torre de Babel la severidad de los antiguos cede el paso a la suavidad del renacimiento italiano; mientras en las Cruzadas la composición cae en el romanticismo. Sin embargo, este arte está tan bellamente ajustado, tan suavemente mezclado, que no resulta incongruente, y se muestra homogéneo.
Pintura romántica
Según él, la modernidad constituye un leitmotiv. Esta forma de pensar se encuentra asimismo en Stendhal, que considera que el neoclasicismo está superado y que lo moderno era el romanticismo (por tanto, los sentimientos, el color, pero también el individualismo).
Historia de la literatura moderna
Las características propias de la literatura realista son la documentación y las descripciones puntuales y minuciosas. En la mayor parte de los casos, expresa posiciones políticas progresistas o radicales, en el entorno de las revoluciones liberales (revolución de 1830 y revolución de 1848) y un cierto anticlericalismo o un cuestionamiento de las posiciones religiosas oficiales, que a veces es resultado de una espiritualidad muy profunda.
Euan Uglow
Como esto indica, Uglow trabajaba directamente del natural, y una de las características de sus pinturas fue que no intentó ocultar el proceso de construcción. Los restos de las medidas que tomaba y la guía de dibujo que utilizaba permanecen visibles en las pinturas terminadas. Este fue un proceso que Uglow desarrolló a partir de sus primeros estudios con William Coldstream, y que se convertiría en un pilar de la enseñanza en la Slade School of Art de Londres, vinculándolo a un énfasis de por vida en el dibujo. El resultado fueron pinturas que tenían una fuerte calidad escultórica, pero dentro de la tradición del modernismo, particularmente como lo entendió Cézanne, aunque la obra de Uglow también se ha comparado con el clasicismo simple del artista renacentista Piero della Francesca, particularmente por la manera de enfatizar formas geométricas simples. Los planos se articulan con mucha precisión, los bordes se definen con nitidez y los colores se diferencian con gran sutileza.
Arquitectura
Este constante cambio en las necesidades y usos asociados a la edificación permite explicar otra de las características de la Arquitectura moderna. Este constante replanteo de conceptos, que se remonta hasta la Ilustración, se han desarrollado distintos y numerosos estilos arquitectónicos con el afán de dar una respuesta a esta interrogante; en el sigloXIX, se produce el abandono de la ortodoxia neoclásica en favor de un eclecticismo estilístico de carácter historicista, dando lugar al neogótico, neorrománico, neomudéjar… Solamente con la llegada del sigloXX surgen estilos realmente originales, como el Arts and Crafts, el Art Nouveau, el Modernismo, el Bauhaus, el Estilo Internacional, el Post-Modernismo, etc.
Museo de Arte Moderno (España)
Un Real Decreto de 25 de octubre de 1895 marcó el límite cronológico en Goya, considerado el “último representante de la antigua pintura española”. Estableciendo un criterio de “carácter universal”, para entroncar el arte español con el de las “naciones cultas”, las colecciones debían comenzar en «la época en que las teorías estéticas puestas en práctica por David o Canova e introducidas en España a principios del presente siglo, cambiaron la corriente del arte nacional», es decir, a partir de José Madrazo y los otros discípulos españoles de Jacques-Louis David en cuanto a pintura y de José Álvarez Cubero y Antonio Solá en lo referente a la escultura. Se estableció además que las obras que se comprasen debían cumplir alguno de los siguientes requisitos: haber sido premiadas en Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, ser dignas de ser adquiridas por el Estado a criterio de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, tratarse de envíos de los últimos años de los pensionados de la Academia de España en Roma o bien ser obras de artistas ya fallecidos, aunque también podían ser de artistas vivos que fueran de reconocido mérito, de nuevo según el juicio de la RABASF. Un Real Decreto de 19 de febrero de 1915 estableció una condición adicional: que fueran obras de artistas españoles.
Escuela florentina
Sobre el fondo de arquitecturas o paisajes dibujados en complejas perspectivas, algunas de las cuales están en proyección frontal, Giotto desarrolla el espacio pictórico, esto es un ámbito de tres dimensiones que se extiende en profundidad por detrás de la superficie pintada en lo que es la principal innovación de la pintura del Trecento y uno de los más grandes avances que se haya dado en toda la Historia de la Pintura. Con el espacio pictórico nace la pintura moderna.
Pintura contemporánea
A partir de los años sesenta se aprecia un regreso a lo figurativo, y se habla de tendencias neofigurativas, neorrepresentativas o neoicónicas (figuración libre), que incluyeron el "art brut" de Dubuffet (pintura espontánea o arte marginal), el "pop art" de Andy Warhol (que busca inspiración en la cultura de masas, entrando en un mundo más comercial y gráfico -Eduardo Paolozzi, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein, Equipo Crónica-) o la obra de Francis Bacon y Lucian Freud. Otras líneas creativas que se ubicaban en el ámbito genérico del realismo fueron el realismo social, que se venía desarrollando en Estados Unidos desde la Gran Depresión de los años treinta (Grant Wood, Edward Hopper), o el hiperrealismo (Antonio López).
Pintura contemporánea
En la larga lucha entre color y dibujo que venía librándose en la pintura europea desde la Edad Media, el academicismo había sentenciado el triunfo del dibujo y la línea, concediendo al color un discreto segundo puesto, que ni romanticismo ni realismo habían subvertido. Únicamente algunas individualidades, como Goya o Turner, dieron a la mancha y al color un puesto protagonista en sus obras, que caracterizó también a parte de la pintura victoriana posterior; el resto incluso valoraba la homogeneidad cromática que convertía casi todos los tonos en pardos, tierras u ocres. Incluso se llegó a decir expícitamente que un buen cuadro debía tener el color de un buen instrumento musical de madera. Los impresionistas pretendían utilizar en la pintura los recientes descubrimientos sobre la naturaleza de la luz y la teoría del color, lo que les llevó al empleo consciente de los complementarios para aumentar los contrastes y a la disposición en el lienzo de colores puros para reproducir en la retina del espectador la mezcla de pigmentos que hasta entonces se confiaba a la paleta del pintor. Los simbolistas o postimpresionistas, especialmente Gauguin y Van Gogh, con el uso de colores vivos, aplicados con gruesas y amplias pinceladas o en superficies relativamente grandes (cloisonismo) hicieron del color un uso violento y liberador, abiertamente conectado con la violencia de las emociones del artista, con la idea de que la manipulación del color podía expresar no el aspecto de los objetos como lo percibía físicamente el ojo, sino el estado de ánimo que evocaban.
Cloisonismo
La separación cloisonista de los colores refleja una apreciación de la discontinuidad que caracteriza al modernismo. Al día de hoy, la técnica del cloisonismo está asociada inseparablemente a los cómics y dibujos animados. Artistas contemporáneos como Valerio Adami y Pierre Alechinsky utilizan esta técnica de pintura.
Pintura contemporánea
Por comparación con la gigantesca figura de Goya, la pintura neoclásica española de finales del siglo XVIII y comienzos del XIX ha sido habitualmente minusvalorada, pero contó con pintores de la talla de Anton Raphael Mengs, que en su época era considerada la máxima autoridad académica a nivel europeo, Paret, Meléndez o Vicente López, el discípulo de Goya autor de su más famoso retrato. El academicismo pictórico presidió la totalidad del siglo XIX a través de los géneros de más demanda institucional en España: el retrato y la pintura de historia.
Luz en la pintura
Desde la Segunda Guerra Mundial el arte ha experimentado una vertiginosa dinámica evolutiva, con estilos y movimientos que se suceden cada vez más rápido en el tiempo. El proyecto moderno originado con las vanguardias históricas llegó a su culminación con diversos estilos antimatéricos que destacaban el origen intelectual del arte sobre su realización material, como el arte de acción y el arte conceptual. Alcanzado ese nivel de prospección analítica del arte, se produjo el efecto inverso —como suele ser habitual en la historia del arte, donde los diversos estilos se enfrentan y se contraponen, el rigor de unos sucede al exceso de otros, y viceversa—, y se retornó a las formas clásicas del arte, aceptando su componente material y estético, y renunciando a su carácter revolucionario y transformador de la sociedad. Surgió así el arte posmoderno, donde el artista transita sin pudor entre diversas técnicas y estilos, sin carácter reivindicativo, y vuelve al trabajo artesanal como esencia del artista.
Pintura de los Estados Unidos
La pintura de los Estados Unidos tiene una historia de dos siglos, a partir de la independencia del país. A finales del siglo XVIII y principios del XIX, los artistas pintaron sobre todo paisajes y retratos en un estilo realista. Las tendencias del arte moderno en Europa llegaron a los Estados Unidos a través de exposiciones en Nueva York como el Armory Show de 1913. Con anterioridad, los artistas estadounidenses habían basado la mayoría de su obra en la pintura occidental y las artes europeas. Después de la Segunda Guerra Mundial, Nueva York reemplazó a París como el centro del mundo artístico. Desde entonces, muchos movimientos estadounidenses han marcado el arte moderno y postmoderno.
Arte de la Edad Moderna
La región flamenco-borgoñona y su conexión natural con Italia, la zona alemana del Rin y el alto Danubio, fueron de un destacado dinamismo en todas las ramas de la cultura y el arte, destacadamente en pintura, con la innovación decisiva de la pintura al óleo (hermanos van Eyck) y el desarrollo del grabado que alcanzó alturas extraordinarias con Alberto Durero o Lucas van Leyden, además de la invención de la imprenta (Gutenberg, 1453). La pintura flamenca y alemana se caracterizaron por un intenso realismo y nitidez, y el gusto por el detalle llevado a su límite. La escuela de pintores del siglo XV denominada primitivos flamencos se compone de una extensa nómina de maestros: Roger van der Weyden, Thierry Bouts, Petrus Christus, Hans Memling, Hugo van der Goes, y algunos anónimos cuya atribución se ha conseguido establecer o es aún objeto de debate (Maestro de Flemalle ―Roberto Campin―, Maestro de Moulins ―Jean Hey―, Maestro de la Leyenda de Santa Lucía, Maestro del follaje bordado, Maestro de Alkmaar, Maestro de Fráncfort, Maestro de la Leyenda de Santa Bárbara, Maestro de la Virgo inter Virgines, Maestro de la Vista de santa Gúdula, Maestro de María de Borgoña, Maestro del Monograma de Brunswick); y que a finales del XV y comienzos del XVI continuó con figuras de la talla de El Bosco, Gerard David, Jan Joest van Calcar, Joaquín Patinir, Quentin Metsys o Pieter Brueghel el Viejo. La potencia de la pintura alemana de la época no se limitó a Durero, viéndose en la producción de artistas como Grünewald, Altdorfer o Lucas Cranach el Viejo. También se producen fructíferos viajes de maestros alemanes a Italia (Durero, Michael Pacher), mientras que el trasiego de maestros alemanes, sobre todo renanos, hacia Flandes fue mucho más abundante.
Boceto al óleo
Con la explosión del Impresionismo, el Modernismo y las Vanguardias, la práctica de apuntes, bocetos y estudios preparatorios tendió a declinar. La mayor parte de los pintores abandonaron los acabados detallados en favor de una aproximación más espontánea y "malerisch" ("pictorial"), reduciendo la distinción entre un apunte detallado y una pintura terminada; lo que hace al público actual no apreciar ninguna diferencia en cuanto a la "perfección" entre un apunte de Rubens o Tiépolo y las obras de Francis Bacon, que de hecho llamó "studies" ("estudios") a muchas de sus más importantes obras de gran formato ("Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion" o "Study after Velázquez's Portrait of Pope Innocent X").
Fotografía
En la actualidad, la fotografía artística en sí, tiene un carácter muy subjetivo. Los movimientos artísticos durante las primeras décadas del siglo XX, particularmente el modernismo y sus ramas derivadas que van desde el impresionismo en la pintura y su consiguiente marcha hacia lo abstracto tuvieron una gran influencia en la fotografía. Ya en la actualidad, la fotografía artística pura es casi completamente subjetiva y la manipulación de las imágenes se ha convertido en una herramienta fundamental en su expresión artística; la fotografía de Annie Leibovitz, Helmut Newton y David LaChapelle entre otros, siguen siendo parte de la nueva revolución fotográfica.
Pintura contemporánea
La pintura simbolista fue una de las principales manifestaciones artísticas del simbolismo, un movimiento cultural surgido a finales del en Francia y que se desarrolló por diversos países europeos. El inicio de esta corriente se dio en poesía, especialmente gracias al impacto de "Las flores del mal" de Charles Baudelaire (1868), que influyó poderosamente en una generación de jóvenes poetas entre los que destacan Paul Verlaine, Stéphane Mallarmé y Arthur Rimbaud. El término «simbolismo» fue acuñado por Jean Moréas en un manifiesto literario publicado en "Le Figaro" en 1886. Las premisas estéticas del simbolismo pasaron de la poesía a otras artes, especialmente la pintura, la escultura, la música y el teatro. La cronología de este estilo es difícil de establecer: el punto álgido se encuentra entre 1885 y 1905, pero ya desde los años 1860 había obras que apuntaban al simbolismo, mientras que su culminación puede establecerse en el inicio de la Primera Guerra Mundial.
Lluïsa Vidal
Simultaneaba técnicas diversas con preferencia de dibujos a la sanguina y al óleo. En el conjunto de su obra, las pinturas, los dibujos y las ilustraciones mantienen una estrecha relación. El óleo y el carbón fueron sus medios preferidos. La pintura de Luisa estuvo muy influida por los maestros españoles, pero el modernismo era visible en los tonos de su paleta, en el uso de la transparencia luminosa, en los colores de fondo, y en la elección cada vez más frecuente de temas simbólicos. Dominaba perfectamente la técnica preferida de las mujeres: la acuarela, pero no la inspiraba, la utilizaba antes para bocetos preparatorios de los cuadros al óleo.Cronología de exposiciones La familia organizó un homenaje retrospectivo en la Sala Parés después de un año de su muerte, en octubre de 1919. Desde entonces, solo se ha expuesto una pequeña parte de su obra en cuatro ocasiones, la última en 1975. A pesar de su singular enfoque del modernismo, su visión femenina y de cronista de su tiempo, y a pesar de ser considerada la más dotada de las pintoras catalanas, Lluïsa Vidal desaparecería prácticamente del mapa artístico com si no hubiera existido nunca. Después de su muerte la contribución de la pintora al modernismo catalán se borró de la historia del arte de Cataluña y su obra cayó en el más absoluto de los olvidos.
Pintura contemporánea
La pintura inglesa de finales del XVIII y principios del XIX tuvo como principales figuras académicas a "sir" Joshua Reynolds (que definió el concepto "grand manner" -"manera grandiosa" o "espléndido estilo"-), Thomas Gainsborough o Thomas Lawrence; además de dos extraordinarios paisajistas que evolucionaron hacia una concepción más identificable con el romanticismo pictórico: J. M. W. Turner y John Constable.
Lluïsa Vidal
Pintó muchos retratos a la sanguina y al óleo, ambas técnicas que siempre dominaría excelentemente, también escenas íntimas de género, así como paisajes y fiestas populares. Su pintura ha estado considerada como modernista por los tonos de su paleta, el uso de la transparencia luminosa en los colores de fondo, y también en la elección de los temas. Juntamente con Joaquín Mir, Oleguer Junyent, Julio González, Javier Gosé, Ricard Canals, Josep Maria Sert, Ramón Pichot, y el joven Picasso; siendo incluida dentro de la segunda generación de los modernistas. Algunas de sus obras, como el retrato de la mujer de Miquel Utrillo, fue atribuida a Ramón Casas.
Pintura contemporánea
El cubismo de Pablo Picasso ("Las señoritas de Aviñón", 1907), Georges Braque, Fernand Léger, Juan Gris o María Blanchard, representaba las figuras a través del desdoblamiento de los planos que componen su superficie y técnicas innovadoras, como el uso del "collage" que añade todo tipo de materiales a la materia pictórica. Se ha señalado la influencia en el cubismo de los volúmenes de Cezanne; aunque también del primitivismo buscado en las máscaras africanas y en la pintura románica.