¿Qué caracteriza la pintura y el estilo de Tiziano Vecellio?
Tiziano
En cualquier caso, el conjunto de su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental.
Luz en la pintura
Tiziano fue un virtuoso en la recreación de atmósferas vibrantes con sutiles matices de luz logrados con infinitas variaciones conseguidas tras un estudio minucioso de la realidad y un hábil manejo de los pinceles que demostraba una gran maestría técnica. En su "Pentecostés" (1546, Santa Maria della Salute, Venecia) hizo brotar de la paloma que representa el Espíritu Santo unos rayos de luz que acaban en lenguas de fuego sobre las cabezas de la Virgen y los apóstoles, con unos sorprendentes efectos lumínicos que resultaron innovadores para su época. Esta investigación evolucionó paulatinamente a unos efectos cada vez de mayor dramatismo, dando más énfasis a la iluminación artificial, como se aprecia en "El martirio de san Lorenzo" (1558, iglesia de los Jesuitas, Venecia), donde combina la luz de las antorchas y del fuego de la parrilla donde es martirizado el santo con el efecto sobrenatural de un potente relámpago de luz divina en el cielo que se proyecta sobre la figura del santo. Esta experimentación lumínica influyó en la obra de artistas como Veronese, Tintoretto, Jacopo Bassano y El Greco. Tintoretto gustaba de pintar encerrado en su taller con las ventanas cerradas a la luz de velas y antorchas, por lo que a sus cuadros se les suele denominar "di notte e di fuoco" («de noche y de fuego»). En sus obras, de profundas atmósferas, con figuras delgadas y verticales, destacan los efectos violentos de luces artificiales, con fuertes claroscuros y efectos fosforescentes. Estos efectos lumínicos fueron adoptados por otros miembros de la escuela veneciana como los Bassano (Jacopo, Leandro y Francesco), así como por los llamados «iluministas lombardos» (Giovanni Girolamo Savoldo, Moretto da Brescia), al tiempo que influirían en El Greco y en el tenebrismo barroco.
Giorgione
El "Concierto campestre" es una de un pequeño número de pinturas, que incluyen también la "Virgen con niño, san Antonio y san Roque" en el Prado, que tiene un estilo muy cercano y, según Charles Hope, ha sido "más y más frecuentemente atribuido a Tiziano, no porque haya ningún parecido marcado a sus obras más tempranas, cuya autoría no se discute - que seguramente se habrían señalado antes - sino porque parece un candidato más plausible que Giorgione. Pero nadie ha sido capaz de crear una secuencia coherente de las primeras obras de Tiziano que incluya estas, de una manera que consiga un apoyo generalizado, y encaje en lo que se sabe de los primeros años de su carrera. Una propuesta alternativa es asignar el "Concierto campestre" y otros cuadros parecidos a un tercer artista, el muy oscuro Domenico Mancini..".
Giorgione
Aunque murió a los 33 años, Giorgione dejó un legado imperecedero desarrollado por Tiziano y los artistas del siglo XVII. Giorgione nunca subordinó la línea y el color a la arquitectura, ni el efecto artístico a la presentación sentimental. Sin duda alguna fue el primer italiano que pintó paisajes con figuras como cuadros móviles en sus propios marcos sin propósitos devocionales, alegóricos, o históricos — y el primero cuyos colores poseían esa ardiente y brillante intensidad que pronto caracterizaría la obra de toda la escuela veneciana.
Matias Quetglas
Una etapa muy importante para su carrera es cuando su gran interés por el cuerpo humano le conduce a la escultura. Su estilo es conocido por la exageración del volumen de los cuerpos y figuras de grandes dimensiones, define el contorno y el volumen con gran libertad, lo que provoca que a veces las figuras adquieran algunas desproporciones. Utiliza colores muy característicos como el verde y el amarillo entre los años 1995 y 2005. Durante este periodo reside en Italia, donde acaba influido por la pintura renacentista y barroca.
Renacimiento veneciano
Las líneas duras y forzadas de Mantegna no tardaron en ser olvidadas con un mayor uso del color y una técnica más suave, gracias a una asimilación de las enseñanzas de Piero della Francesca, de los flamencos y, a principios de la década de 1470, de Antonello da Messina (ca. 1430-1479). El pintor siciliano residió en Venecia desde 1474 hasta 1476, pero no se descarta que tuviera la oportunidad de conocer a Bellini unos años antes en el centro de Italia. Se encuentra su influencia en la producción de Giovanni Bellini, como en el "Retablo de Pesaro" (1475-1485), donde utilizó como fondo una apertura sobre un paisaje que parece extraordinariamente vivo, empleado no como un simple telón de fondo sino como una presencia donde el aire se mezcla con la luz. El dominio de la perspectiva y la monumentalidad de los personajes también contribuyeron a la perfecta armonía entre arquitectura, personajes y paisaje.
Retrato de caballero con una pata de león
Sobre el fondo de una cortina roja y una mesa cubierta por una tela verde, un caballero, vestido con un suntuoso ropón negro con guarniciones de piel, aparece de pie, reclinándose al tiempo que se pone una mano en el pecho, un gesto típico de las figuras de Lotto, y con la otra muestra al espectador una figurilla de una pata leonina dorada. La pose ligeramente de tres cuartos, en un encuadre hasta las rodillas, la ropa oscura, remiten a la retratística de Tiziano, sin duda el artista entonces más influyente de Venecia.
Renacimiento veneciano
Nacido en Venecia en 1518, ciudad de la que apenas saldrá, en el popular barrio de Madonna dell'Orto, Tintoretto trabajó brevemente en el estudio de Tiziano, pero sus verdaderos maestros fueron los protagonistas de la batalla manierista, Pordenone y Miguel Ángel. Su fuerza y novedad derivan de la libertad con la que trataba sus elementos: conseguía «con el pincel» los efectos del "disegno" manierista y buscaba la eficacia del choque visual gracias a un violento dinamismo y a una sugestión de inmensidad sensible en la amplitud de los programas que realizaba, en el tamaño de sus cuadros y en la relación que establecía entre las figuras y el espacio. Muy pronto rechazó la Antigüedad, el trampantojo, la arquitectura teatral fingida, los cortinajes, los brocados u otras balaustradas. Sobre todo, pintó escenas sobre temas religiosos. Fue el pintor de la clase media y de la espiritualidad popular. Su arte estaba en las antípodas de Veronese. Su factura rápida y abrupta ponía en tela de juicio los valores del cuidado y del acabado. Su estilo fue violento, vehemente, reinaba el movimiento en sus composiciones de atmósfera dramática. Quería combinar la paleta de Tiziano con el dibujo de Miguel Ángel, cuyas obras solo conocía a través de grabados y de copias, basándose en las obras de los dos artistas sin imitarlas nunca. Desde los años 1565-1570, Tintoretto afirmó cada vez más el papel de la luz para transformar mejor lo material en un objeto de visión espiritual. El material figurativo que utilizaba seguía siendo el de Cinquecento. El arte de Tintoretto lleva las cicatrices de la última parte del Renacimiento con las contradicciones y angustias que reflejaban las de la sociedad. Sus últimos trabajos se situaban al borde de una concepción figurativa barroca, la organización diferenciada del espacio escapando de una perspectiva de punto de vista único. Sin embargo, en su última tela, "La caída a la tumba" de 1593-1594, si bien un claroscuro dramático se combinaba con una dinámica en zigzag ascendente y descendente que será cara al barroco, ningún soporte arquitectónico fija o enmarca ya la composición, hecha sobre todo del vaivén de las figuras, y la oposición de los cuerpos de Cristo y de la Virgen no pueden describirse sino como «barrocos».
Tarquinio y Lucrecia
Tarquinio y Lucrecia es una obra en óleo realizada en 1571, por el pintor italiano renacentista Tiziano, cuándo el artista ya tenía más de 80 años de vida, y cuya obra era para el monarca español Felipe II. Está firmado, y se considera que fue finalizado totalmente por el mismo Tiziano. Es parte de una serie de grandes obras realizadas en los últimos años de Tiziano, pero a diferencia de muchas, ésta está completamente terminada. Actualmente se encuentra en el Museo Fitzwilliam en Cambridge, Inglaterra.
Tiziano
El prestigio de Tiziano se mantuvo aunque la técnica pictórica de su etapa final fue sutilmente criticada por sus sucesores, entre ellos Giorgio Vasari. Por esto, a pesar de los explícitos homenajes de Velázquez, Rembrandt y Goya, el arte senil de Tiziano no fue rehabilitado hasta que no se produjo un cambio radical en la moda. Así lo atestigua el trabajo crítico de Giovanni Battista Cavalcaselle, "Tiziano: su vida y tiempo", escrito en colaboración con Joseph Archer Crowe y publicado en 1877, que sigue siendo uno de los principales libros de referencia para el estudio del pintor. En pleno Impresionismo, la técnica del último Tiziano fue defendida con vehemencia:
Pentecostés (Tiziano)
Tiziano fue uno de los mejores exponentes de la Escuela veneciana renacentista de pintura. Fue discípulo de Giorgione, con quien colaboró en la decoración del Fondaco dei Tedeschi. Desde joven mostró algunas de sus principales características: uso de marcadas perspectivas espaciales, composición enérgica, intenso cromatismo, evocación lírica de los temas, narración dinámica, profundización psicológica de los personajes —con cierta tendencia al dramatismo—, visión naturalista del paisaje y realismo del detalle. Más tarde, por influencia de Miguel Ángel y Rafael, mostró tendencia hacia el monumentalismo, con el que pudo desarrollar su temperamento dramático y grandilocuente. Destacó especialmente en los retratos —fue el principal retratista de Carlos I de España—, representados generalmente de media figura con las manos visibles, siempre con pequeñas variantes para crear retratos únicos. En los años 1540 fue evolucionando hacia el manierismo y empezó a basar sus composiciones más en el dibujo que en el color, con tendencia al claroscuro y al uso del escorzo en las composiciones, interesándose cada vez más por los efectos lumínicos y el esfumado de los contornos.
Giovanni Domenico Tiepolo
Aparte de su actividad pictórica, produjo bastantes grabados en aguafuerte. Además del citado "Via Crucis", reprodujo varias pinturas de su padre y grabó una serie de veinte variantes sobre el tema de "La huida a Egipto". Giandomenico Tiepolo cuenta con una relevante presencia en museos españoles. El Museo del Prado posee un "Via Crucis" completo (1772), pintado en Venecia para la iglesia de San Felipe Neri de Madrid (el boceto de una de las escenas se conserva en el Museo Lázaro Galdiano). El MNAC de Barcelona posee, gracias al legado de Francesc Cambó, los cuadros "El charlatán" y "El minué", temas que Giandomenico trató repetidas veces. La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando conserva una "Cabeza de anciano oriental" muy propia de su estilo expresivo cuya factura tiene semejanza con obras de Rembrandt por lo que se deduce que debió conocer su trabajo. Procede de la colección de Manuel Godoy y de la misma época se encuentran también en el Lázaro Galdiano atribuidas una serie de retratos de fantasía poco estudiados. Otras dos pinturas de similar formato ("El charlatán" y "El mundo nuevo") fueron donadas al Prado en 2002 por una aristócrata madrileña, la marquesa de Balboa, si bien a condición de mantenerlas en usufructo vitalicio, ingresando en el museo tras su fallecimiento en 2009. Luego han figurado en diversas exposiciones, como "La belleza encerrada" y una muestra de arte italiano enviada a Australia en 2014. También el Museo Thyssen-Bornemisza cuenta con dos ejemplos de este artista: "La expulsión de los mercaderes del templo" (h. 1750-1753) y "La apoteosis de Hércules" (h.765).
Renacimiento veneciano
Tiziano se ocupa de todos los géneros. Pintor de la vitalidad, celebraba la belleza terrenal pero manifestaba un interés por todos los aspectos de la vida, incluidos sus aspectos violentos, que interpretó con gran naturalismo como en el "Suplicio de Marsyas" o en "Taquin y Lucrecia". Acompaña la renovación de la cultura antigua con sus numerosas telas sobre temas mitológicos. Lleva el desnudo reclinado inventado por Giorgione a un interior y dota su carne femenina de colores suaves y cálidos. Los pintores que siguieron buscarán encontrar la clave de ese sensual arte de la alquimia cromática. La violencia de sus esquemas y su don de simplificación eficaz lo hacían apto para obtener un amplia eco. Su genio inventivo le llevó a encontrar soluciones figurativas que estaban a la vanguardia del modernismo y de la cultura pictórica. Así, en su Asunción, impuso la evidencia de lo sobrenatural.
Modernismo en Turín
La obra de Fenoglio se caracteriza por el sabio uso de las tonalidades pastel, por las decoraciones de las paredes que alternan sujetos vegetales con elementos geométricos circulares y por el amplio uso de cornisas en litocemento junto a la elegancia decorativa, a veces atrevida, del hierro y del vidrio, que eligió como materiales privilegiados. Entre sus obras más conocidas se pueden citar el Villino Raby (1901), la célebre Villa Scott (1902), que muestra una rica colección de logias, torretas, vidrieras, boínder, y, sobre todo, su obra más conocida, la Casa Fenoglio-Lafleur (1902), considerada «el mejor ejemplo del modernismo en Italia».
Instituto de arte Städel
Sobresale la pintura italiana de los siglos XV y XVI, con obras de Sandro Botticelli, Andrea Mantegna, Giovanni Bellini, Bronzino ("Dama vestida de rojo") y un famoso retrato femenino pintado por Bartolommeo Veneto, tradicionalmente identificado como Lucrecia Borgia.
Tiziano
Existen dos épocas diferenciadas sucedidas en el tiempo en cuanto al desarrollo estilístico de Tiziano debido tanto a su evolución personal como a la de la propia pintura del Renacimiento, que en pleno Cinquecento buscaba ámbitos nuevos más alejados del clasicismo inicial.
Domenico Mancini
Obras posteriores acentúan el gusto por el color y la sensibilidad se hace más "giorgionesca" si cabe. A la espera de nuevos descubrimientos que posibiliten un mayor conocimiento de la figura de Mancini, lo poco que sabemos de él permite vislumbrar a un artista de talento, de temperamento ecléctico, esto es, capaz de incorporar a su pintura las novedades que otros introdujeron en el ámbito de la Escuela veneciana, pero dotándolas de un carácter netamente personal.
Paolo Farinati
Su "Matanza de los Inocentes" para la iglesia de Santa Maria in Organo, en Verona, nos muestra al artista ya con un gran dominio de los modelos manieristas, con sus figuras atléticas y elegantes. Con el tiempo, Farinati fue acercándose al estilo del gran dominador de la pintura veneciana tras la muerte de Tiziano, su compatriota Paolo Veronese. Fruto de ello, su estilo se enriqueció con una mayor variedad cromática, enriqueciendo su pintura con brillantes colores. También incorporó el interés por los grandes escenarios arquitectónicos de Veronese. Los dos frescos que pintó para la Cappella Marogna (uno de ellos perdido) en los muros que flanqueaban la obra de Caliari para el mismo altar parecen marcar el inicio de esta nueva época para Farinati.
Escuela veneciana
Paolo Veronese fue por su parte fuertemente influenciado por Tiziano y Tintoretto. Su obra se caracterizó por los grandes formatos, determinando el lujo y la arquitectura clásica sus escenas, que presentan un rico aunque suave colorido. Como sus predecesores, maneja varias escenas de temática religiosa, las cuales sin embargo recuerdan las grandes fiestas venecianas, como en "Las bodas de Caná" de 1563. Su estilo es manierista, anunciando en algunos sentidos el barroco. Otras obras del autor son "Venus y Adonis" y "Alegoría de la Virtud y el Vicio", ambos de los años 1580.
Baco y Ariadna
El cuadro es admirado por su rico y armónico colorido. Tiziano trata de explotar al máximo el fulgor de pigmentos, que posean la mayor plenitud de color, evitando combinarles entre sí y reforzando su intensidad mezclándoles con blanco o utilizando veladuras; explota también los efectos de textura para dar variedad a las áreas de color puro, como en el ropaje amarillo bajo la urna, en el que casi todo el modelado de los pliegues se ha conseguido con pinceladas, en detrimento de los tradicionales toques de oscuro.
Renacimiento
Los pintores más destacados de esta época fueron: en Florencia, Fra Angélico, Masaccio, Benozzo Gozzoli, Piero della Francesca, Filippo Lippi y Paolo Uccello; en Umbría, Perugino; en Padua, Andrea Mantegna; y, en Venecia, Giovanni Bellini. Por encima de todos ellos destaca Sandro Botticelli, autor de alegorías, delicadas "madonnas" y asuntos mitológicos. Su estilo dulce, muy atento a la belleza y sensibilidad femeninas, y predominantemente dibujístico, caracterizan la escuela florentina de pintura y toda esta época. Otros autores del Quattrocento italiano son Andrea del Castagno, Antonio Pollaiuolo, Pinturicchio, Domenico Ghirlandaio, Cima da Conegliano, Luca Signorelli, Cosimo Tura, Vincenzo Foppa, Alessio Baldovinetti, Vittore Carpaccio y, en el sur de la península, Antonello da Messina.
Bastianino
Hacia 1570-1575, Filippi comienza a acusar de manera más evidente el influjo veneciano, sobre todo a raíz del conocimiento de la obra de Tiziano. Su manera de pintar intentará ser una síntesis entre el estilo aprendido en Roma y el cromatismo véneto, consiguiendo en ocasiones efectos de grandiosidad en sus obras.
Tiziano
La temática tizianesca es también amplia, retrató a la clase dirigente de su época, recibió encargos de comunidades religiosas y de la nobleza, pintó paisajes, reflejó el clasicismo renacentista y anticipó algunas cualidades del Barroco. En general, podemos dividir su producción pictórica en tres grandes temas: la pintura religiosa, las escenas mitológicas y los retratos. Estas categorías no son compartimentos estancos, debido a que se vieron entrelazadas en muchas ocasiones, como los casos de los retratos de personajes reconocibles dentro de escenas mitológicas o religiosas.
Tranquillo Cremona
El contacto con Ranzoni fue determinante en su estilo maduro, caracterizado por el luminismo y las investigaciones cromáticas, como se denota en su cuadro "Marco Polo" (1863, Galleria Nazionale d'Arte Moderna, Roma). En los años 1870 este luminismo adquirió un tono más patético y con ciertos tintes eróticos, como en "La traicionada", "Cáliz amargo" y "El baño pompeyano". Sus obras posteriores destacan por su estilización, aspecto esfumado, sensualidad y romanticismo evanescente. Una de sus obras más famosas es "La hiedra" (1878, Galleria d'Arte Moderna, Turín). Como retratista destacó por la captación psicológica de sus personajes; retrató, entre otros, a Víctor Manuel II y al conde de Cavour.
Pasquale Rizzoli
El estilo artístico de Rizzoli se caracteriza por una mezcla de realismo con un interés en los efectos de la luz y el naciente art nouveau. Esta combinación es evidente, por ejemplo, en su escultura para la familia Possenti-Vecchi en cual las caras son de estilo realista pero donde se pueden encontrar muchos detalles ornamentales.
Pintura renacentista de Italia
Durante el siglo XV los retratos se hicieron más comunes. Al principio eran casi siempre perfiles formales, pero más tarde se popularizaron los bustos con imagen de tres cuartos. A quienes habían patrocinado retablos y frescos a menudo se los incluía en las escenas. Un ejemplo notable es la inclusión de las familias Sassetti y Medici en la obra de Domenico Ghirlandaio en la "Cappella Sassetti". Los retratos llegarían a ser un tema principal en el Alto Renacimiento para pintores como Rafael o Tiziano, tendencia que se prolongó en el Manierismo con obras de artistas como Bronzino.
Annibale Carracci
Los Carracci pusieron un énfasis especial en el dibujo lineal típicamente florentino, ejemplificado por Rafael y Andrea del Sarto, frente a los diseños sin boceto previo, aparentemente descuidados, de Caravaggio. Pero les interesó también la atención veneciana al uso del color rico y más y muy matizado, con efectos atmosféricos, especialmente las obras del pintor al óleo veneciano Tiziano, que Annibale y Agostino estudiaron durante sus viajes por toda Italia en 1580-81 a instancia del mayor de los Caracci Ludovico. Este eclecticismo se convertiría en el rasgo definitivo de los artistas del barroco Emiliano o escuela boloñesa, incluyendo a los seguidores más prominentes de los Carracci: Domenichino y Reni.  Es difícil distinguir las contribuciones individuales de cada Carracci en muchas de las primeras obras. Por ejemplo, los frescos con la historia de "Jasón" para el Palacio Fava de Bolonia (h. 1583-84) llevan la firma "Carracci", lo que sugiere que todos ellos hicieron contribuciones. En 1585, Annibale terminó un retablo del "Bautismo de Cristo" para la iglesia de San Gregorio en Bolonia. En 1587, pintó la "Asunción" para la iglesia de San Rocco en Reggio Emilia.
El Greco
Desde sus comienzos en Italia, el Greco fue un gran retratista. La composición y el estilo están aprendidos de Tiziano, la colocación de la figura, normalmente de medio cuerpo y los fondos neutros. Sus mejores retratos, ya en su madurez en Toledo, siguen estos criterios.
Giorgione
Giorgione también introdujo nuevos temas. Junto a los retablos y los retratos, pintó cuadros sin historia, sea bíblica o clásica, o si pretendían narrar una historia, abandonaba la acción y simplemente personificaba en forma y color estados de ánimo de sentimiento lírico o romántico, como un músico podría encarnarlos en sonidos. Innovando con el coraje y la felicidad de un genio, tuvo por un tiempo una abrumadora influencia en sus contemporáneos e inmediatos sucesores en la escuela veneciana, incluyendo a Tiziano, Sebastiano del Piombo, Palma el Viejo, il Cariani, Giulio Campagnola (y su hermano), e incluso en su ya destacado maestro, Giovanni Bellini. En la tierra firme veneciana, el "Giorgionismo" influyó intensamente en Morto da Feltre, Domenico Capriolo, y Domenico Mancini.
Giovanni di Paolo
Fue uno de los más importantes pintores de la escuela sienesa del siglo XV. Sus primeras obras muestran la influencia de maestros sieneses anteriores a él, pero su estilo posterior fue más individual, caracterizándose por colores fríos y chillones y formas alargadas. Su estilo también asumió la influencia de los artistas del gótico internacional como Gentile da Fabriano. Muchas de sus obras tienen una inusual atmósfera onírica, como en el surrealista "Milagro de san Nicolás de Tolentino" pintado alrededor del año 1455 y actualmente conservado en el Museo de Arte de Filadelfia, mientras que sus últimas obras, particularmente el "Juicio Final, Cielo e Infierno" de alrededor de 1465 y la "Asunción" pintada en 1475, ambas en la Pinacoteca de Siena son un tratamiento grotesco de sus temas elevados. La reputación de Giovanni declinó después de su muerte pero ha renacido en el siglo XX.
Políptico Averoldi
Tiziano fue uno de los mejores exponentes de la Escuela veneciana renacentista de pintura. Fue discípulo de Giorgione, con quien colaboró en la decoración del Fondaco dei Tedeschi. Desde joven mostró algunas de sus principales características: uso de marcadas perspectivas espaciales, composición enérgica, intenso cromatismo, evocación lírica de los temas, narración dinámica, profundización psicológica de los personajes —con cierta tendencia al dramatismo—, visión naturalista del paisaje y realismo del detalle. Más tarde, por influencia de Miguel Ángel y Rafael, mostró tendencia hacia el monumentalismo, con el que pudo desarrollar su temperamento dramático y grandilocuente. Destacó especialmente en los retratos —fue el principal retratista de Carlos I de España—, representados generalmente de media figura con las manos visibles, siempre con pequeñas variantes para crear retratos únicos. En los años 1540 fue evolucionando hacia el manierismo y empezó a basar sus composiciones más en el dibujo que en el color, con tendencia al claroscuro y al uso del escorzo en las composiciones, interesándose cada vez más por los efectos lumínicos y el esfumado de los contornos.
Niccolò Pizzolo
De las escasas obras que de su mano han llegado hasta nuestros días se puede deducir que su arte tendía puentes entre el arte paduano representado por Mantegna, con su amor por el diseño y la perspectiva clasicista, con el estilo toscano, que prestaba mayor atención al detalle realista.
La Asunción de la Virgen (Juan Martín Cabezalero)
La obra resulta característica del estilo general de Cabezalero, que Alfonso E. Pérez Sánchez, historiador del arte y ex director del Museo del Prado, sintetizó así: «El carácter monumental y escultural de sus personajes, tratados en grandes planos, con perfiles muy acusados, colores claros e intensos, con peculiares tonos de azul, amarillos anaranjados y vibrantes blancos nacarados.» También los tipos humanos representados en el cuadro son muy propios del modo de hacer del artista y concordantes con los de sus obras de autoría segura para la Venerable Orden Tercera, que ayudaron a identificar el lienzo como obra de Cabezalero. La composición del cuadro se organiza por medio de marcadas diagonales y muestra un uso muy hábil de las masas en movimiento.
Venus vendando al Amor
Tiziano fue uno de los mejores exponentes de la Escuela veneciana renacentista de pintura. Fue discípulo de Giorgione, con quien colaboró en la decoración del Fondaco dei Tedeschi. Desde joven mostró algunas de sus principales características: uso de marcadas perspectivas espaciales, composición enérgica, intenso cromatismo, evocación lírica de los temas, narración dinámica, profundización psicológica de los personajes —con cierta tendencia al dramatismo—, visión naturalista del paisaje y realismo del detalle. Más tarde, por influencia de Miguel Ángel y Rafael, mostró tendencia hacia el monumentalismo, con el que pudo desarrollar su temperamento dramático y grandilocuente. Destacó especialmente en los retratos —fue el principal retratista de Carlos I de España—, representados generalmente de media figura con las manos visibles, siempre con pequeñas variantes para crear retratos únicos. En los años 1540 fue evolucionando hacia el manierismo y empezó a basar sus composiciones más en el dibujo que en el color, con tendencia al claroscuro y al uso del escorzo en las composiciones, interesándose cada vez más por los efectos lumínicos y el esfumado de los contornos.
Giovanni Mansueti
En una fase más avanzada de su carrera, Mansueti se alejó un tanto del estilo arcaico de Gentile para dejarse influenciar por otros maestros vénetos algo más avanzados, como Cima da Conegliano o Vittore Carpaccio, aunque fue reacio a las novedades más radicales de los artistas de la siguiente generación, cuyo principal representante era el por entonces emergente Tiziano.
Tiziano
La carrera artística de Tiziano fue muy dilatada, con una producción grandiosa, la mayoría por encargo. En este pintor se puede comprobar perfectamente el cambio de estatus producido durante el Renacimiento, pasando de ser artesanos a convertirse en artistas, reconocidos socialmente.
Daniele Ranzoni
Su obra sigue las líneas de la corriente artística del Impresionismo, en concreto se integra en la llamada Escuela de Barbizon. Particularmente intersado por los efectos de la luz y por una búsqueda formal y material innovadora, realizó sus figuras con una atmósfera de color suave y transparente y con una fluidez casi siempre falta de energía, que alcanza cierta libertad en la pincelada ágil y desenvuelta.  Entre sus obras más notables cabe destacar "Muchacha de blanco" (1866; Milán, Galleria d'Arte Moderna), "La sonrisa" (Milán, Collezione Treccani), "La condesa Arrivabene" (Milán, Galleria d'Arte Moderna) y "La princesa Saint Leger" (Milán, Collezione Jucker), "La signora Tonazzi" (1889, Collezione privata), " Il signore Manrico Tonazzi", (1889, Collezione privata).
Escuela veneciana
El color, vívido y luminoso, así como una pincelada suelta y fineza en las modulaciones cromáticas son, a grandes líneas, rasgos generales de su obra. El nivel de su obra fue determinantes no solo para la escuela veneciana sino para el arte universal. Sin embargo, si su obra juvenil tuvo un impacto directo en su medio artístico, su trabajo de madurez fue criticado por sus contemporáneos, entre ellos Giorgio Vasari, siendo empero reivindicado por otros maestros posteriores como Velázquez, Rembrandt y Goya. Dentro de sus obras se destacan "La Asunción de la Virgen" de 1518, "La bacanal" de 1520, "Baco y Ariadna" de 1523, "Pala Pesaro" de los años 1520, el "Retrato de Federico II Gonzaga" de 1529, el de "Carlos V con un perro" de 1532, el de "Carlos V sentado" de 1548, el de "Felipe II" de 1551, "Dánae" de 1554, "El martirio de san Lorenzo" de 1558, el "Autorretrato" de 1567 así como "La Piedad" y "Cristo coronado de espinas" de los años 1570. Conocido como "il furioso" (el furioso), Tintoretto se caracterizó por un dramático uso de la perspectiva y especiales efectos de luz, siendo un precursor del barroco. Inserta su temática en un marco característico de la escuela veneciana, fuertemente influenciado por Tiziano, dando prelación al color, el paisaje y la luz. Sus temas fueron sobre todo religiosos, tanto bíblicos como evangélicos. Sus escenas, sin embargo, se enmarcan en decorados venecianos, reflejando su alegría y esplendor. Dentro de sus obras se destacan "San Marcos liberando al esclavo" de 1548, "El Lavatorio" de 1550, "Venus, Vulcano y Marte" de 1555, "Cristo en casa de Marta y María" de 1580 y "La Última Cena" de principios de los años 1590.
Tiziano
Tiziano procedía de una familia con elevado estatus en Cadore: era el cuarto hijo de Gregorio Vecelli, un distinguido concejal y militar, y de su esposa Lucia.  No existían antecedentes familiares en el campo del arte. Sin embargo, a la edad de 10 años, Tiziano y su hermano mayor, Francesco, acudieron a Venecia para ingresar como aprendices en el taller de Sebastiano Zuccato, un famoso mosaiquista. Debido a su incipiente talento, en el transcurso de tres o cuatro años, entró en el estudio del venerable pintor Giovanni Bellini, que en ese momento era el artista más reconocido de la ciudad.Allí se encontró con un grupo de jóvenes que conformarían la primera generación de pintores de la Escuela veneciana: Giovanni Palma da Serinalta, Lorenzo Lotto, Sebastiano Luciani, y Giorgio da Castelfranco, conocido como Giorgione. Su hermano Francesco también gozó de cierta relevancia en Venecia como pintor.
Bernardino Licinio
Bernardino Licinio no fue un innovador, aunque permaneció al tanto de las innovaciones que en el ambiente veneciano estaban introduciendo los principales pintores de su tiempo como Tiziano y Giorgione. Sin embargo, estas novedades muchas veces fueron introducidas con retraso y dificultad. Buen ejemplo de este hecho son sus retratos giorgionescos de la década de 1520, realizados cuando el propio Tiziano ya había superado diez años atrás esta fase de su carrera.
Adán y Eva en el Paraíso terrenal (Tiziano)
Adán y Eva en el Paraíso terrenal (en italiano: "Adamo ed Eva nel Paradiso terrestre") es un cuadro del pintor veneciano Tiziano Vecellio realizado alrededor de 1550 y conservado en el Museo del Prado en Madrid en España.
Tiziano
Esta evolución personal es muy importante para la Historia del Arte debido a que supone un precedente de posteriores innovaciones, como el Impresionismo, y la propia evolución de la pintura veneciana del siglo XVI no puede entenderse prescindiendo de él. Sin embargo, recibió infinidad de críticas, que eran auténticos ataques a Tiziano por su escasa atención al dibujo. Un ejemplo de estas críticas es la que le hizo Giorgio Vasari, que a pesar de todo no pudo esconder la innovación del maestro:  Otros contemporáneos, como Ludovico Dolce, por el contrario, ensalzan el genio universal de Tiziano:
Pietro Aretino
Es célebre una descripción suya: un atardecer en Venecia, donde se describen los tonos cálidos de las últimas luces del sol y los perfiles brumosos. Termina el texto preguntándose: «"Para pintar esto, ¿dónde estás, Tiziano?"». Los elogios y referencias que Aretino emitió sobre este pintor contribuyeron a su notoriedad entre los reyes y nobles europeos, si bien queda por discernir cuánto hay de sincero y cuánto de interesado en tales palabras, pues Aretino (al igual que Tiziano) tenía fama de astuto y de avaro.
Renacimiento
Dentro de las diferentes escuelas que surgen en Italia en el Cinquecento, la de Venecia presenta especiales características. Si los florentinos ponían el acento en el "disegno", es decir, en la composición y la línea, los pintores venecianos se centrarían en el color. Las especiales características del estado veneciano pueden explicar algo de esta particularidad, puesto que se trataba de una sociedad elitista, amante del lujo y muy relacionada con Oriente. La escuela veneciana reflejaría esto mediante una pintura refinada, hedonista, menos intelectual y más vital, muy decorativa y colorista. Precursores de la escuela veneciana del Cinquecento fueron Giovanni Bellini y, sobre todo, Giorgione, pintor de alegorías, paisajes y asuntos religiosos, melancólicos y misteriosos. Deudor de su estilo fue Tiziano, el mayor pintor de esta escuela, excelente retratista, quizá el más demandado de su tiempo; autor de complejas y realistas composiciones religiosas, llenas de vida y colorido. En la última etapa de su vida deshace los contornos de las figuras, convirtiendo sus cuadros en puras sensaciones de luz y color, anticipo del impresionismo. Tintoretto, Paolo Veronese y Palma el Viejo continuaron esta escuela llevándola hacia el manierismo y anticipando en cierta manera la pintura barroca.
Ludovico Pozzoserrato
Pozzoserrato pintó frescos, retablos y cuadros con escenas bíblicas, paisajes, vistas de ciudades y escenas de género de la vida social veneciana que representan jardines formales con banquetes y grupos musicales. Pintó varias alegorías históricas de la Biblia y temas mitológicos de "Las metamorfosis". Realizó muchas pinturas religiosas para las iglesias venecianas. Toeput fue conocido principalmente por sus frescos y lienzos de paisajes, que combinan los estilos flamenco y veneciano. Estos paisajes suelen representar amplias vistas, llenas de efectos atmosféricos y pintorescos. Sus pinturas y frescos se encuentran "in situ" en varias ciudades italianas como Padua, Treviso y Conegliano.
Venus vendando al Amor
Venus vendando al Amor (), también conocido como La educación del amor, es un cuadro realizado por el pintor Tiziano Vecellio. Mide de alto y de ancho, y está pintado al óleo sobre lienzo. Pintado hacia 1565, se encuentra en la Galería Borghese, en Roma, con el número de inventario 170.
Luz en la pintura
Junto a este manierismo más caprichoso surgió en Venecia una escuela de estilo más sereno que destacó por el tratamiento de la luz, que subordinó la forma plástica a los valores lumínicos, como se aprecia en la obra de Giorgione, Tiziano, Tintoretto y Veronese. En esta escuela se funden la luz y el color, y la perspectiva lineal renacentista se sustituye por la perspectiva aérea, cuya utilización culminará en el Barroco. La técnica empleada por estos pintores venecianos se denomina «tonalismo»: consistía en la superposición de veladuras para formar la imagen mediante la modulación del color y la luz, que son armonizados a través de relaciones de tono modulándolos en un espacio de apariencia verosímil. El color asume la función de luz y sombra, y son las relaciones cromáticas las que realizan los efectos de volumen. En esta modalidad, el tono cromático depende de la intensidad de la luz y la sombra (el valor del color). Giorgione llevó a Venecia la influencia leonardesca. Fue un artista original, uno de los primeros especializados en cuadros de gabinete para coleccionistas privados, y el primero en subordinar el tema de la obra a la evocación de estados de ánimo. Vasari lo consideraba, junto a Leonardo, uno de los fundadores de la «pintura moderna». Gran innovador, reformuló la pintura de paisaje tanto en composición como en iconografía, con imágenes concebidas en profundidad con una cuidadosa modulación de los valores cromáticos y lumínicos, como se denota en una de sus obras maestras, "La tempestad" (1508, Gallerie dell'Accademia, Venecia).
Pinturicchio
El ciclo es particularmente importante, ya que representa el primer ejemplo del género de la pintura de paisaje, con la reanudación del segundo estilo pompeyano, citado de fuentes antiguas y modernas, como Vitruvio, Plinio el Viejo y Leon Battista Alberti. Pinturicchio fue puesto en competencia directa con Ludio, pintor clásico magnificado por Plinio, y se convirtió en la estrella del renacimiento del estilo antiguo que en aquellos años influye cada vez más la producción artística en la órbita de la ciudad. Pinturicchio tenía que ser después de todo, uno de los primeros en visitar personalmente las "cuevas" que eran los redescubrimientos de la Domus Aurea y en la Volta Gialla del palacio de Nerón hay un grafiti sobre él, acusándolo de sodomía.
Pintura barroca de Italia
Y, siempre aparte, hay que mencionar a los venecianos, en donde trabaja un pintor alemán, Johann Liss (ca. 1595-ca. 1629) con gran nivel y calidad. A la escuela veneciana pertenece también Evaristo Baschenis (1607-1677), especializado en pintar bodegones de instrumentos musicales. En general, en la Venecia de esta época, lejos del tenebrismo, se mantiene la tradición heredada de Tiziano y Veronés, realizando suntuosos cuadros de paisajes urbanos inundados de luz y color, en un estilo continuo que llegará hasta el siglo XVIII (Guardi y Canaletto).
Giovanni Battista Pittoni
Al comienzo de su carrera su estilo está influido todavía por el barroco, que irá abandonando paulatinamente: en "Martirio de Santo Tomás" (Iglesia de San Stae, Venecia) y "Diana y Acteón" (Museo de Vicenza) se vislumbran ya los principales caracteres de su pintura: riqueza de color, libre distribución de las formas, un extremo rigor en la definición de los detalles y un sentido refinado de la composición, propios ya del rococó europeo.
Paolo Uccello
Paolo trabajó en la tradición gótica tardía y enfatizaba el color y el boato más que el realismo clásico que otros artistas estaban promoviendo. Su estilo se describe mejor como idiosincrásico, y no dejó ninguna escuela de seguidores. Tuvo cierta influencia en el arte del siglo XX (incluyendo el pintor neozelandés Melvin Day) y la crítica literaria ("Vies imaginaires" por Marcel Schwob, "Uccello le poil" por Antonin Artaud y "O Mundo Como Ideia" de Bruno Tolentino).
Francesco Vecellio
Su carrera artística se vio interrumpida por su dedicación a la milicia. Como pintor, estuvo principalmente activo entre 1520 y 1530 y en Cadore más que en Venecia. Después de 1530 se hizo cargo de los asuntos familiares espaciando su dedicación a la pintura. Como pintor no pasó de ser un modesto seguidor de su hermano, con quien en algún momento colaboró. En la década de 1520 será el principal proveedor de retablos para las iglesias de la zona, como el de San Vito di Cadore, fechado en 1524 y de un notable arcaísmo. Algo más cercano a la producción de su hermano es el políptico de Candide (Comelico Superiore) de hacia 1540, pero la posterior "Anunciación" para San Nicola di Bari, ahora en la Galería de la Academia de Venecia es, en opinión de Freedberg, un nuevo "pastiche" basado en composiciones de su hermano pero adaptado al gusto provinciano de su clientela.
Tiziano
A una rama diferente de la familia pertenece Fabrizio di Ettore, pintor fallecido en 1580. Su hermano Cesare, que también dejó algunas pinturas, es más conocido por su libro de grabados sobre indumentaria: Degli abiti antichi et moderni di diverse parti del mondo (1590). Tommaso Vecelli, también pintor, murió en 1620. Otro pariente lejano, Girolamo Dante, que fue aprendiz y ayudante del pintor, fue llamado Girolamo di Tiziano. Algunas de sus pinturas fueron retocadas por el maestro, lo que dificulta distinguirlas de las originales.
Renacimiento veneciano
Cima tradujo en colores la cultura del proto-clasicismo que hasta entonces solo se había expresado en la escultura y la arquitectura, encarnando la adhesión de la pintura a la norma neohelénica de Tullio Lombardo. Durante su madurez, acentuó ciertas características de su arte, prestando atención al detalle monumental, introduciendo elementos figurativos en la decoración arquitectónica y haciendo más vivo el cuerpo humano a través de la intensidad de la mirada.
Tiziano
Marco Vecellio, llamado Marco di Tiziano, nieto del pintor, nació en 1545. Acompañó a Tiziano en su vejez aprendiendo sus técnicas de trabajo. Algunas de sus obras más notables son el "Encuentro entre Carlos V y Clemente VII en 1529", en el Palacio Ducal de Venecia; una "Anunciación", en la iglesia de SS. Giovanni e Paolo; y un "Cristo fulminante". Un hijo de Marco llamado Tiziano (o Tizianello) pintó a comienzos del siglo XVII.
Ticio (Tiziano)
En el cuadro se percibe la influencia manierista que es propia de Tiziano para las fechas de su composición. Una de las características de este estilo, el uso del escorzo, realza el dramatismo y la violencia del episodio, menos usual en Tiziano, reforzando el efecto que pretende causar al autor.
Carlos II (Carreño)
El cuadro muestra, como otras obras de Carreño, la influencia de Van Dyck y de la pintura veneciana, muy representados en la colección real. La influencia veneciana es especialmente clara en los reflejos de las telas y en el brillo de los metales. Pero la influencia principal sigue siendo la de Velázquez, no solo por la tipología del retrato sino también por la práctica de aplicar diferentes acabados en diversas partes del cuadro en función de las necesidades expresivas. El rostro y el cabello tiene un grado de acabado mucho más detallado que la vestimenta y los pocos adornos que incorpora, como el Toisón de Oro, cuya cadena se representa como una sucesión de brillos dorados. Las mangas están sugeridas, más que construidas, por medio de pinceladas largas y vigorosas.Aunque la práctica de aplicar diferentes acabados a diversas zonas de la obra es común a Velázquez y a Carreño, la comparación en la forma de hacerlo también muestra sus diferencias, presentando la pincelada de Carreño un grado menor de control y tendiendo a sugerir donde la pincelada de Velázquez era a la vez «expresiva, descriptiva y estructural». En cualquier caso el cuadro muestra las características del estilo personal de Carreño en un grado altísimo de perfección y seguridad.
Renacimiento veneciano
Durante el "Quattrocento", los valores ornamentales de los mosaicos de San Marcos aún atraían a los artistas que los reinterpretaban para satisfacer a las nuevas exigencias del naturalismo. Pocos artistas continuaban utilizando pan de oro para los fondos de sus retablos. Gentile Bellini, por su técnica, buscó reproducir en su pintura al óleo las propiedades luminosas de las teselas de vidrio. Consiguió dar la impresión de un resplandor interior, de una luz que parece exhalar desde las profundidades del cuadro, imprimando el lienzo o el panel que revistió de blanco. Como Bellini, Tiziano a veces utilizó barniz para conseguir transparencia y luminosidad, pero sobre todo, la superficie de textura irregular se va a convertir en una de las características de la escuela veneciana. La pintura al óleo se aplicaba con un pincel o se extendía en pequeños puntos dejando visible el lienzo que está groseramente tejido. La materialidad no disimulada del lienzo y de la pintura recuerda la naturaleza tangible del mosaico.
Renacimiento veneciano
La muerte de Giorgione luego de Giovanni Bellini, la partida de Sebastiano del Piombo y de Lorenzo Lotto, a principios del siglo XVI favorecieron la afirmación indiscutible de Tiziano en la escena veneciana. Rápidamente se hizo famoso, especialmente con una serie de retratos, en 1517 fue el pintor oficial de la Serenissima. De esos años también fueron sus pinturas sobre un tema secular, destinadas a los clientes más cultos, como "Las tres edades del hombre" (c. 1512) y "El amor sagrado y profano" (c. 1515). Su éxito en Venecia estaba íntimamente ligado a la posición social y política que supo dar a su arte. Entendió que la cultura había adquirido, desde los primeros años del Cinquecento, un poder que la convertía en un «tercer poder», a la par del poder económico y político. Sin duda, fue el primero en sacar todas las consecuencias prácticas. Entre 1508 y 1518 dedicó gran parte de su actividad a la xilografía. Esos grabados, a menudo con alusiones políticas, estaban destinados a una clientela popular y permitieron difundir entre el pueblo veneciano los temas de la ideología oficial de la Serenísima, sin dejar de estar impregnados de cultura clásica y de referencias a modelos prestigiosos del pasado cercano (Mantegna) o presente (Miguel Ángel).
Pintura renacentista de Italia
Las vidas de Miguel Ángel y Tiziano se extendieron en la segunda mitad del siglo XVI. Sus estilos y los de Leonardo, Mantegna, Giovanni Bellini, Antonello da Messina y Rafael fueron adaptados más tarde por otros pintores para formar un estilo conocido como Manierismo y posteriormente se movió hacia el virtuoso período Barroco. El artista que más extendió las tendencias de las pinturas figurativas de Tiziano es Tintoretto. Rembrandt conocía las obras de Tiziano y Rafael y lo demostraba en sus retratos. Las influencias directas de Leonardo y Rafael entre sus pupilos directos afectó generaciones de artistas incluyendo a Poussin y a escuelas de pintores Clásicos en el siglo XVIII Y XIX. El trabajo de Antonello da Messina influenció directamente a Albrecht Dürer y Martin Schongauer y más adelante a las escuelas alemanas, holandesas e inglesas de artistas de Vitrales que se extendieron hacia el siglo XX.
Tiziano
La estructura pictórica de la "Asunción de la Virgen", que unificaba en la misma composición dos o tres escenas superpuestas en diferentes niveles, cielo y tierra, lo infinito y lo temporal, fue continuada en otras obras. Esta serie de lienzos con la misma estructura formal comprende el "Retablo de San Domenico" en Ancona (1520), el "Retablo de Brescia" (1522), y el "Retablo de San Niccolo" (1523), en la Ciudad del Vaticano, cada uno de los cuales representa una mayor y más perfecta concepción distributiva. Llegó, finalmente, a crear una fórmula clásica, cuyo mejor exponente es el "Retablo o Pala de Pesaro" (1526), en la misma Iglesia dei Frari. Esta es, quizá, su obra más estudiada del período, en la cual desarrolló pacientemente un plan de trabajo basado en una libre visualización, originalidad y estilo. Tiziano le concedió un uso nuevo a las figuras, estando los "donantes" y la comitiva de santos situados en el espacio aéreo de la escena, mientras que el conjunto quedaba enmarcado por elementos arquitectónicos. El "retablo de Pesaro" debe su nombre a Jacopo Pesaro, obispo de Pafos, quien se lo encargó para conmemorar la victoria naval sobre los turcos en la batalla de Santa Maura.
Giovanni Antonio Bazzi
La pintura de Bazzi se define por el estilo esfumado de Leonardo, el predominio de colores cálidos y claros y una suavidad de claroscuros posiblemente debidos a la influencia del Perugino esto se realza en sus figuras femeninas, graciosas, suaves y dulces; la prolífica obra de Bazzi gravitó fuertemente en el manierismo sienés.
El Greco
En la "Asunción", basada en la composición de la "Asunción" de Tiziano (iglesia de Santa María dei Frari, Venecia), aparece el estilo personal del pintor, pero el planteamiento es plenamente italiano. También hay referencias al estilo escultural de Miguel Ángel en "La Trinidad", de tintes renacentistas italianos y un marcado estilo manierista. Las figuras son alargadas y dinámicas, dispuestas en zigzag. Sorprende el tratamiento anatómico y humano a figuras de carácter divino, como Cristo o los ángeles. Los colores son ácidos, incandescentes y mórbidos y, junto con un juego de luces en contraste, dotan a la obra de un aire místico y dinámico. El giro hacia un estilo personal, diferenciándose de sus maestros, comienza a surgir en su trabajo, utilizando colores menos convencionales, agrupamientos más heterodoxos de personajes y proporciones anatómicas únicas. Estas obras establecerían la reputación del pintor en Toledo y le dieron gran prestigio. Tuvo desde el principio la confianza de Diego de Castilla, así como clérigos e intelectuales de Toledo que reconocieron su valía. Pero en cambio, sus relaciones comerciales con sus clientes fueron desde el inicio complicadas a causa del pleito sobre el valor de "El expolio", pues el cabildo de la catedral lo valoró en mucho menos de lo que pretendía el pintor.
Tiziano
Los donantes de las obras religiosas ya no se conformaban en ese momento histórico con hacerse presentes en los cuadros, sino que quieren aumentar su importancia dentro de las escenas y con Tiziano lo lograron. Los miembros de la familia Pesaro, en su retablo de los Frari, están pintados de mismo tamaño y con el mismo esmero que las figuras sagradas. En el "Retrato votivo de la familia Vendramin" (National Gallery de Londres) ya protagonizan por completo el tema, en el que lo único sagrado se reduce a la imagen de la Santa Cruz. En "La Gloria" (Museo del Prado) encargada por Carlos V en 1551 y que le acompañó en su retiro en Yuste se reconocen a varios familiares del emperador e incluso el propio Tiziano ocupando un lugar elevado junto a la Santísima Trinidad. En esta obra, Tiziano, situada ya a mediados del siglo XVI, en realidad se acerca muchísimo a ciertas notas al arte barroco, por la representación de los personajes en arriesgados escorzos, el movimiento, la luminosidad celestial y el claroscuro, el celaje abierto al fondo, el realismo y el fuerte sentido religioso muy de acuerdo con el espíritu de la Contrarreforma (el Concilio de Trento se alargó desde 1542 a 1564), y que será condición "sine qua non" durante el Barroco.
Renacimiento veneciano
Junto con Palma el Viejo, a menudo reducido al papel de un observador, el único pintor capaz de enfrentarse a Tiziano en la escena veneciana en los años 1520-1530 fue el Pordenone (1483-1539), un pintor originario de Friuli. Su formación comenzó con Mantegna, con los grabados de Durero y de otros maestros nórdicos, y culminó con un viaje a Roma en 1514-1515 en el que descubrió las obras de Miguel Ángel y de Rafael. Desarrolló un estilo grandilocuente, entre recuerdos clásicos y narraciones populares.
Tiziano
Vasari, que no era demasiado adepto al arte veneciano, le consideraba un «excelentísimo pintor en esta parte (del arte)». Hay que tener presentes los retratos quattrocentistas de Bellini y los de Giorgione, más líricos, para comprender la revolución que supuso el estilo de Tiziano en la retratística. El pintor pretendía, además de reflejar de modo verosímil el aspecto físico de sus modelos, plasmar sus condiciones sociales y, sobre todo, sus valores morales. Una nueva relación entre la figura y el espacio le ayudó a dotar de contenido a la imagen estática.
Rococó
Entre las figuras más importantes a considerar encontramos: Giovanni Battista Tiepolo de quien destaca el "Retrato de Antonio Riccobono", "San Rocco" y "Hércules sofoca a Anteo". Tiepolo pasó cuatro años en Wurzburgo antes de volver a Venecia y finalmente fue a trabajar en Madrid, a la corte de Carlos III, ciudad en la que murió finalmente. Giovanni Antonio Canal, conocido como Canaletto, que realizó obras entre otras: "Plaza de San Marcos", "San Cristobal, San Miguel y Murano", "Los caballos de San Marcos en la plaza", "El campo de Rialto en Venecia" y "Paseo fluvial con columna y arco de triunfo". Canaletto también trabajó en Inglaterra pero sin llegar al esplendor de los paisajes de su ciudad natal. Francesco Guardi, con un estilo al toque, representa con sus paisajes más difuminados y oscuros la República que se hunde, realizando cerca de ochocientos sesenta obras entre las cuales destacan "Milagro de un santo dominico", "Concierto en el Casino de los Filarmonici" y "La Caridad".
Escuela florentina
La Pintura del Duecento, en Italia, estaba dominada por la "maniera greca", una forma o estilo de pintura mural o mosaico caracterizada por la composición plana y por su temática y estética bizantina. A lo largo del siglo XIII, pintores italianos como Pietro Cavallini, Jacopo Torriti, Cimabue y otros, al incluir en sus pinturas, elementos con acentos paleocristianos, retomaron una tradición que nunca se había perdido del todo y que estaba muy presente en los frescos y mosaicos de la iglesia de San Clemente al Laterano (hacia 1080), o en los mosaicos del ábside de Santa Maria in Trastevere (hacia 1145), ambas iglesias en Roma.
La coronación de espinas (Tiziano, Louvre)
Se ha considerado este retablo como la respuesta del pintor a las influencias manieristas venidas de Roma y la Toscana, y que se manifiestan en las pinturas por la monumentalidad, la emulación de la antigüedad y la elegancia en el dibujo, a lo que Tiziano suma el típico colorido veneciano.
Padovanino
Padovanino fue un artista muy respetado en su época. Aunque gran parte de su fama la debió a su talento como copista, merece un lugar en la historia de la pintura por derecho propio. Recogió el legado de Tiziano, a cuyo estilo fue muy fiel durante toda su carrera, y lo prolongó hasta muy avanzado el siglo XVII, dotándolo de una gran capacidad narrativa y una capacidad sensual que trasciende el espíritu contrarreformista imperante en su época.
Dulwich Picture Gallery
La pintura italiana del Renacimiento cuenta con dos pequeñas pinturas juveniles de Rafael, de relevancia más bien mediana, así como con un "Retrato de joven" atribuido a Piero di Cosimo, que antaño se asignaba a Leonardo da Vinci. Una pintura de altar de Veronés ("San Jerónimo con Girolamo Petrobelli"), por desgracia dañada, ilustra la escuela veneciana del siglo XVI. En fecha reciente se ha recuperado de los almacenes una versión del famoso cuadro "Venus y Adonis" de Tiziano; ha de ser un producto de taller, no autógrafo del maestro, pero entraña indudable interés y gana presencia gracias a un ostentoso marco antiguo, que ha sido igualmente restaurado.
Pentecostés (Tiziano)
Pentecostés () es un cuadro realizado por el pintor Tiziano Vecellio. Mide de alto y de ancho, y está pintado al óleo sobre lienzo. Data de 1546 y se encuentra en la basílica de Santa Maria della Salute, en Venecia.
El Greco
La formación del Greco le permitió lograr una conjunción entre el diseño manierista y el color veneciano. Sin embargo, en Italia los artistas estaban divididos: los manieristas romanos y florentinos defendían el dibujo como primordial en la pintura y ensalzaban a Miguel Ángel, considerando el color inferior, y denigraban a Tiziano; los venecianos, en cambio, señalaban a Tiziano como el más grande, y atacaban a Miguel Ángel por su imperfecto dominio del color. El Greco, como artista formado en ambas escuelas, se quedó en medio, reconociendo a Tiziano como artista del color y a Miguel Ángel como maestro del diseño. Aun así, no dudó en desacreditar con dureza a Miguel Ángel por su tratamiento del color. Pero los estudiosos coinciden en señalar que fue una crítica engañosa, pues la estética del Greco compartía los ideales de Miguel Ángel de primacía de la imaginación sobre la imitación en la creación artística. Sus escritos fragmentarios en varios márgenes de libros indican su adhesión a las teorías manieristas, y permiten comprender que su pintura no fue fruto de visiones espirituales o reacciones emocionales, sino que trataba de crear un arte artificial y antinaturalista. Pero su aprendizaje veneciano tuvo también importantes consecuencias en su concepción del arte. Así, los artistas venecianos habían desarrollado una forma de pintar claramente diferente de los manieristas romanos: la riqueza y variedad del color, la preponderancia del naturalismo frente al dibujo y la manipulación del pigmento como recurso expresivo. Los venecianos, en contraste con el pulido acabado de los romanos, modelaban las figuras y objetos con una técnica como de apunte, abocetada, que conseguía una gran profundidad y brillantez en los colores. La pincelada del Greco también estuvo muy influida por el estilo veneciano, tal como señaló Pacheco al visitarle en 1611: retocaba sus pinturas una y otra vez hasta conseguir un acabado aparentemente espontáneo, como de apunte, que para él significaba virtuosismo. Sus cuadros presentan una multitud de pinceladas no fundidas en superficie, lo que los observadores de entonces, como Pacheco, llamaron "crueles borrones". Pero no solo empleó la paleta de colores veneciana y sus tonalidades ricas y saturadas; también usaba los estridentes y arbitrarios colores que gustaban a los pintores de la "maniera", amarillos verdes chillones, rojos anaranjados y grises azulados. La admiración que sentía por las técnicas venecianas la expresó de la siguiente forma en uno de sus escritos: «La imitación de los colores la tengo yo por la mayor dificultad...». Siempre se ha reconocido que el Greco superó esta dificultad.
Giovanni Battista Tiepolo
En una primera época siguió el estilo de Giovanni Battista Piazzetta, Federico Bencovich y Sebastiano Ricci. El claroscuro del barroco da paso en él a los colores claros. Habiendo conocido un gran éxito por sus obras de Venecia y Bérgamo llegó a distanciarse del academicismo.
Venus del Pardo
Tiziano fue uno de los mejores exponentes de la Escuela veneciana renacentista de pintura. Fue discípulo de Giorgione, con quien colaboró en la decoración del Fondaco dei Tedeschi. Desde joven mostró algunas de sus principales características: uso de marcadas perspectivas espaciales, composición enérgica, intenso cromatismo, evocación lírica de los temas, narración dinámica, profundización psicológica de los personajes —con cierta tendencia al dramatismo—, visión naturalista del paisaje y realismo del detalle. Más tarde, por influencia de Miguel Ángel y Rafael, mostró tendencia hacia el monumentalismo, con el que pudo desarrollar su temperamento dramático y grandilocuente. Destacó especialmente en los retratos —fue el principal retratista de Carlos I de España—, representados generalmente de media figura con las manos visibles, siempre con pequeñas variantes para crear retratos únicos. En los años 1540 fue evolucionando hacia el manierismo y empezó a basar sus composiciones más en el dibujo que en el color, con tendencia al claroscuro y al uso del escorzo en las composiciones, interesándose cada vez más por los efectos lumínicos y el esfumado de los contornos.
Tiziano
Por otro lado, sus pinturas más conmovedoras fueron realizadas en esta etapa de senectud: las "Dánaes" de Nápoles y de Madrid, la "Antíope" del Louvre, el "Rapto de Europa" (en Boston, colección Gardner), etc. Incluso trató problemas de claroscuro en los efectos nocturnos de sus escenas, como "El martirio de San Lorenzo" (iglesia de los jesuitas de Venecia) o "San Jerónimo" (Louvre). Siempre mantuvo un dominio característico del realismo, como se pueden comprobar en los magníficos retratos de esta época, como los de Felipe II, los de su hija Lavinia o varios autorretratos.
Antonello da Messina
A partir de 1460 su pintura se vuelve decididamente más italiana y plenamente renacentista, ya que comienza a usar la perspectiva y dar más énfasis al claroscuro. Es en tal período que se nota influido por Piero della Francesca, influjo que le dota de un profundo entendimiento del sentido del espacio, de modo que las figuras que representa se destacan por sus volúmenes nítidos, llegando así a una logradísima síntesis del "particularismo" y detallismo flamenco y los pierfrancescanos planteos espaciales, tal cual se nota en "La Virgen y el Niño". En 1475 es ya célebre como maestro en toda Italia, siendo contratado en Venecia, ciudad donde realiza su gran "Retablo de san Casiano". Allí en Venecia es un precursor de la llamada "Escuela tonal véneta". Sintiéndose enfermo, regresa a Mesina en donde efectúa sus últimos trabajos "mal de cuerpo aunque sano de alma", muriendo 1479. Falleció de pleuritis sin haber podido acabar las composiciones que la Señoría de Mesina le había encomendado a él y no a Francesco di Monsignore.
Paolo Veneziano
Se le considera el precursor de la escuela veneciana, iniciada en el siglo XIV o "trecento". Se inserta en el diálogo de los movimientos pictóricos de la época con un equilibrio entre su formación bizantina y la influencia de Giotto.
Girolamo Muziano
Muziano se forma con Romanino, seguidor de Tiziano. Su estilo juvenil encaja en la tradición veneciana, que da prioridad a un colorido rico, aplicado con pinceladas sueltas, en detrimento del dibujo. Sin embargo, cuando se instale en Roma, Muziano deberá adaptarse al gusto local, diametralmente opuesto. La fama de Muziano despunta nada más llegar a la Ciudad Eterna, hacia 1550. Se le llama entonces «"Il Giovan dei paesi"», por su especialización en el paisaje. Ejemplo de ello es el fondo que pinta en "La Resurrección", retablo de Battista Franco, en 1550 y 1551 (Capilla Gabrieli de la iglesia de Santa Maria sopra Minerva). Se trata de un paisaje rústico, inspirado en Tiziano y aplicado con pinceladas rítmicas que recuerdan a Tintoretto. En la misma capilla romana, Muziano pinta unas pilastras al fresco con figuras de profetas, derivadas de Miguel Ángel.
Pentecostés (Tiziano)
Esta obra fue realizada después de la segunda estancia romana de Tiziano (1545-1546), lo que se denota por el telón de fondo arquitectónico de la imagen, inspirado claramente en la obra de Bramante para San Pedro del Vaticano. Por otro lado, los escorzos en el movimiento de las figuras y el intenso cromatismo señalan al incipiente manierismo que comenzaba a adueñarse del arte italiano tras el clasicismo renacentista, con una clara influencia de la obra de Miguel Ángel.
Mujer ante el espejo (Tiziano)
El estilo de la "Mujer ante el espejo" muestra esa armonía de colores y de composición típica de la producción juvenil de Tiziano, exaltando la belleza del sujeto, incluso con un fuerte valor sensual: las mujeres de la época llevaban el cabello suelto solo en la intimidad doméstica, y esto le confiere a la pintura un carácter erótico que prevalece sobre otras referencias al tema de la vanidad (el frasco de ungüento, el juego de los espejos).
Pintura renacentista de Italia
El estilo de Giorgione se relaciona con el de su maestro Giovanni Bellini, sin embargo, su temática hace de él uno de los artistas más originales y abstrusos del Renacimiento. Una de sus obras conocida como "La Tempestad" ilustra una mujer semidesnuda amamantando a un bebé, a un hombre vestido, algunas columnas clásicas y una luz brillante, lo que posiblemente representa a Adán y Eva en sus días posteriores al eden. Otra pintura que se le atribuye es "Los tres filósofos", la cual puede que represente a un mago o sacerdote planeando su viaje en busca del niño Jesús, pero no se sabe con certeza.
La conducción de Cristo al sepulcro
El marco de la pintura se aprecia un camino por donde se desplaza el grupo, con vegetación en la linde. El fondo se aprecia vagamente un paisaje y un cielo gris, como corresponde a los textos de las Escrituras. Se ve clara la influencia de las obras del Renacimiento italiano, especialmente de Rafael, destacando la figura central que conecta con el espectador, hecho destacado en las composiciones del Renacimiento (sirva como ejemplo el autorretrato de Rafael en la pintura de "La escuela de Atenas"). La técnica es típica de Ciseri, con una luz muy clara (técnica desarrollada de manera brillante en su obra cumbre posterior "Ecce Homo", 1891) y un destacado uso de la sombra, marcado claroscuro, tonos fríos y claros, colores neutros junto con blancos y rojos. El foco de luz principal blanco amarillento incide sobre el cuerpo del Salvador y lo destaca sobre el resto de los personajes.
Tiziano
Reconocido por sus contemporáneos como «el sol entre las estrellas», en homenaje a la línea final del Paraíso de "La Divina Comedia" de Dante Alighieri, Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes (dos de los temas que le lanzaron a la fama), escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano.
Renacimiento veneciano
La grandeza de la escuela veneciana no sobrevivió a Veronese y a Tintoretto, a pesar de los intentos de Palma el Joven de reconciliar el «verismo» de los Bassano, las grandes composiciones de Veronese y el movimiento dramático de Tintoretto. Mientras el barroco triunfaba, los más grandes pintores que trabajaban en Venecia en el siglo XVII eran un alemán Jan Liss, un romano, Domenico Ferri, y un genovés Bernardo Strozzi. Se extinguía un ideal de libertad propio del Cinquecento veneciano, del que la pintura de la época había sido la transposición variada. Venecia nunca se identificó realmente con el manierismo. La voluntad de una relación directa y efectiva con la imagen hacía que se estuviese lejos de la distanciación y apreciación estético-elitista que la caracterizaban en otros lugares y contra la que se levantarán los cardenales postridentinos. La pintura veneciana afirmaba en siglo XVI la especificidad artística del siglo y la libertad relativa del pintor. Venecia aparece como la especialista en el placer de pintar. No es casualidad que nazcan la "Venus" de Tiziano y los desnudos calientes y sensuales de Veronese o del Tintoretto. En 1558, Ludovico Dolce arroja luz sobre esta afirmación en su "Diálogo sobre la pintura". Explica cómo la mutación del Renacimiento tomó su forma veneciana en las pinturas arcadias de Giorgione, y cómo finalmente esa tradición de placer por la pintura llevó a la escuela veneciana por el camino de una «pintura de pintores».
Domenico Veneziano
Este pintor del quattrocento italiano fue uno de los innovadores del Renacimiento temprano.  A pesar de que estudió a Masaccio, Paolo Uccello y Castagno con respecto a la representación del espacio y las figuras, el trabajo de Veneziano se destaca sobre todo por su notable tratamiento del color (y las diferencias que en él provocaba la luz) y por el uso de la perspectiva.  El método de añadir más aceite a la témpera como aglutinante fue usado en los tiempos modernos para intensificar los colores; y Domenico experimentó con la técnica para crear efectos de luz "atmosféricos".
Renacimiento veneciano
A partir de 1560, Tiziano representa una cierta forma de tradición veneciana, relativamente conservadora. La modernidad se encarnaba entonces, por un lado, por Tintoretto y su dinamización gigantesca de la "maniera", y por otro lado, por Veronese y su arte «claro». Ambos se inspiraron en el manierismo del centro de Italia, diseñaron grandes ciclos decorativos, exaltaron oficialmente las glorias de Venecia y no pudieron someterse al conformismo de la Contrarreforma. Tintoretto, cuyo estilo dominó en la ciudad a finales de siglo, se dedicó a la exaltación del espíritu religioso que llevó a Venecia a la guerra contra los turcos y a la victoria, mientras que Veronese encarnaba el otro componente esencial del espíritu veneciano: la apertura intelectual. y el modo de vida civil de una sociedad libre y culturalmente avanzada.
Palacio arzobispal de Údine
El cuerpo central del edificio fue construido en el curso del siglo XVI, cuando los patriarcas de Aquilea, no pudiendo residir más en Castello, se buscaron otra residencia en la ciudad. En 1708 el Patriarca Dionisio Delfino llamó al arquitecto Domenico Rossi, que construyó el ala con la biblioteca y la escalera oval, alzó el cuerpo central realizando el portal, acabó el ala norte y, en 1725, la escalera de honor. El Palacio es sede, desde 1995, del Museo Diocesano e Gallerie del Tiepolo, que presenta una rica colección de esculturas de madera, pertenecientes al periodo que va del siglo XIII al XVIII, provenientes de las iglesias de la Diócesis. Pero es palacio es conocido sobre todo por los frescos de Giovanni Battista Tiepolo, que pueden ser considerados la obra de arte más insigne de la ciudad. Tiepolo fue llamado por el patriarca Dionisio Delfino en 1726, para pintar al fresco en la escalera de honor la «Caída de los ángeles rebeldes», una obra de gusto tardobarroco, con una gama cromática aún oscura, y efectos escenográficos obtenidos con relieves de estuco. Entre los años 1726 y 1728 Tiepolo pintó al fresco en la Galería los episodios de «Agar en el desierto», del «Sacrificio de Isaac», del «Sueño de Jacob» e incluso «Abraham y los ángeles», «Raquel escondiendo los ídolos domésticos» y «Sara y el arcángel». En este ciclo de frescos el estilo del pintor veneciano cambia rápidamente. Se aclara la paleta, aproximándose a los colores y la luminosidad de un Veronés. Renuncia a los efectos escenográficos aún barrocos, e inserta fragmentos paisajísticos que demuestran una creciente atención por la realidad.
Tiziano
La personalidad artística de Tiziano fue formándose con peculiares características; sobre el sustrato de giorgionismo se fueron sedimentando notas propias de clasicismo, mediante una íntima unión, auténticamente renacentista, entre razón y sentimiento. Le condujo a encontrar el ideal de belleza figurativa armonizada entre la serenidad compositiva y las vibraciones cromáticas que proporcionan los amplios planos de color. En este periodo inicial, Tiziano ejecutó sus obras con un dibujo más cuidado. Las líneas están mejor trazadas y el dibujo es puro y sobrio, dando mayor empaque a las figuras. El pintor realizaba ya desde un principio bocetos o dibujos preparatorios de manera poco frecuente. Estos bocetos, realizados con tiza, carboncillo o tinta y pluma, eran posteriormente desechados para pintar directamente sobre la tela. Las obras de su primera época ya marcan el paradigma del conjunto de su producción: cuadros religiosos como el "Noli me tangere" (National Gallery de Londres), figuras femeninas rotundas y plenas como "Amor sacro y amor profano" (Galería Borghese) y retratos como el de "Ariosto" (National Gallery de Londres), con el que señala el prototipo de retratos de busto entero.
Retrato de caballero (Carpaccio)
En ese momento Vittore Carpaccio, quien desde sus principios se había mantenido alejado de las corrientes del Renacimiento por su enfoque medieval, intentaba conciliar ambas corrientes. Su declive se acentuaba al haber aparecido la competencia de Tiziano. Por ello se encierra en un mundo caballeresco de ensueño que se refleja en el cuadro del "Caballero", sin poder recuperar ya la lozanía de sus dos grandes ciclos. El paisaje en el que aparece inmerso el joven vestido con armadura y a punto de desenvainar la espada es simbólico: describe con gran minuciosidad ejemplos de la flora y la fauna alusivos al bien y al mal.
Tiziano
Tiziano dominó al menos dos generaciones de pintores venecianos: la de sus contemporáneos, como Lorenzo Lotto o Sebastiano del Piombo, y la de los pintores que tenían la edad de sus hijos, nacidos en torno al tercer decenio del siglo XVI, como Tintoretto y Paolo Veronese. Su interpretación cromática supuso el más influyente legado a sus sucesores en la Escuela veneciana. Tintoretto anunció su taller de pintura prometiendo: "El dibujo de Miguel Ángel y el color de Tiziano."
Scuola Grande di San Rocco
En San Rocco, Tintoretto desplegó un intenso ciclo de pinturas, a las que se dedicó con una personal atención, sin requerir apenas la ayuda de colaboradores. Por entonces se encontraba en la madurez de su carrera. Discípulo de Tiziano, ya de joven se distanció de su maestro y se alineó con el estilo manierista tosco-romano, con influencia de Miguel Ángel y Jacopo Sansovino. Su estilo se caracterizó por el dramatismo y teatralidad de la narración, los efectos espectaculares, los contrastes de iluminación, la gestualidad de las figuras, la intensidad emotiva y los fuertes escorzos de perspectiva, con una ejecución rápida, tensa, discontinua.
Pintura renacentista
Venecia siguió dando grandes pintores, con obras plenas de sensualidad y colorido. Tiziano destacó en el retrato, temas mitológicos ("Venus", "Baco y Ariadna") y religiosos. Veronés destacó pintando grandes cuadros de conjunto, dentro de arquitecturas como las "Bodas de Caná" y, ya a finales de siglo, Tintoretto, con movimientos y escorzos violentos que prefigura el barroco.
Escuela veneciana
El retrato fue uno de sus géneros predilectos y casi obligados. Al perfil tipo Bellini y Pisanello seguirían la pose tres cuartos de perfil de Antonello y la frontalidad del periodo del esplendor, que comienza con la devoción a la belleza de Giorgione y Vincenzo Catena. Si en determinadas composiciones religiosas de uno y otro las diferencias de inspiración son mínimas, Giorgione discurre temas de no siempre claro simbolismo, como "La tempestad" o "Los tres filósofos", prolongado en obras como "Venus dormida" o "Concierto campestre" el paganismo y orientalismo veneciano, antes sólo latente.  En este periodo sobresale Palma el Viejo, cronista de la belleza femenina, con obras destacas como "Santa Bárbara" de Santa María Formosa, de Venecia, o la "Eva" del Museo de Brunswick. Es asimismo relevante Sebastiano del Piombo, que, si romano por la mayor parte de su gestión, nunca puede desmentir su nacimiento y su educación en Venecia. Completan la lista de figuras de este periodo Palma el Joven, Bonifazio Veronese y Pordenone.
Venus y Adonis (Tiziano, Nueva York)
Venus y Adonis es una pintura al óleo sobre tela ( 106,7 x 133,4 cm), realizada en 1560 por el pintor italiano Tiziano Vecellio. Pertenece a la colección del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.
Tiziano
A este período pertenece otra obra extraordinaria, "El martirio de San Pedro de Verona" (1530), alojado en la iglesia dominica de San Zanipolo y destruido por un proyectil austríaco en 1867. Esta obra protobarroca solo es conocida por copias, como la de la École des Beaux-Arts de París. La escena representa una curiosa asociación entre un plácido paisaje y un brutal y dinámico asesinato, descrito por el lamento que asciende por los robles. El cuadro describe al santo dominico escapando de la emboscada, y sobre esto, las escalofriantes ramas negras de la vegetación — «"[...] esto es todo, pero quizá nunca ha existido una tragedia tan dinámica, asombrosa y patética como ésta, incluso ni pintada por Tintoretto o Delacroix"».
Tiziano
Los orígenes creativos de Tiziano se encuentran influenciados por su maestro Bellini y por Giorgione. La influencia de este último fue tan crucial para Tiziano que forma parte del problema de autoría de las obras de . El trabajo conjunto de ambos artistas en la Fondaco dei Tedeschi, en 1508, los unió artísticamente. Sin embargo, existen diferencias, como puede comprobarse en los grabados de dichos frescos, ya que Tiziano se apartaba de la concepción espacial de su colega. Resolvió con inspiración más toscana las relaciones entre las figuras y la arquitectura que las ambientan. Esta inspiración, ajena al círculo veneciano, puede proceder de Fra Bartolomeo della Porta, a quien Tiziano conoció durante su estancia en la ciudad adriática en 1506. A pesar de estas influencias externas y de la muy marcada personalidad artística propia del joven pintor, la obra de Giorgione fue para él fundamental, ya que utilizó su mismo lenguaje expresivo e incluso, desde la muerte prematura de Giorgione, en 1510, se consideró su heredero espiritual y con toda naturalidad se encargó de terminar las obras que tenía empezadas.
Giuseppe Valeriano
Su estilo como pintor es algo provinciano, influido por los manieristas romanos sucesores de Pellegrino Tibaldi y Michelangelo Buonarroti. Intentó dotar a sus figuras de una gran expresividad, con frecuencia demasiada, lo que le hace caer en la sensiblería. Otra característica de su pintura es una tendencia al desequilibrio entre las figuras y el espacio que las rodea. Colaboró en diversos proyectos con otros pintores afines (sobre todo ideológicamente) a su estilo como Scipione Pulzone o Gaspare Celio. Sin embargo, su legado pictórico es mínimo, mostrándose como un ejecutante torpe aunque con alguna capacidad de transmitir intensidad emocional a sus obras. Con el tiempo se limitó a realizar diseños a los que otros artistas más hábiles darían forma definitiva.
Retrato de Paulo III
La pintura representa, con detalles de realismo absoluto, a un anciano, cansado y desconfiado Paulo III, pero de mirada inteligente y despierta. Se trata de una reinterpretación del retrato oficial del papa Julio II, formulado años antes por Rafael, y al que Tiziano dota de una mayor expresividad, que se refleja en el rostro y las manos, pero sobre todo en la técnica pictórica utilizada en el tratamiento del color de la vestimenta. Una de las características del estilo tardío de Tiziano, que consiste en una pincelada cada vez más suelta y una ausencia de definición en las formas del dibujo.
Tiziano
El fresco sobre Hércules en el palacio Morosini se considera como una de sus primeras creaciones. Otras obras tempranas son la "Virgen con el Niño" del palacio de Belvedere en Viena y la "Visitación de María a Isabel" (del convento de San Andrés), expuesta hoy en la Galería de la Academia de Venecia. Tiziano y Giorgione, en esta época, estuvieron asociados, de ahí la dificultad de distinguir sus primeras obras. La primera obra conocida de Tiziano, el pequeño "Ecce Homo" de la Escuela de San Roque, fue durante mucho tiempo atribuido a Giorgione. La misma confusión de identificación se produce con más de algunas de sus "Sacra conversazione". Estos dos maestros fueron los líderes de la nueva escuela de "arte moderna" de pintura, que adquirió modos de ejecución más flexibles, libres de la simetría y el hieratismo que aún podemos observar en la obra de Giovanni Bellini.
Adriana Pincherle
Adriana Pincherle mostró una preferencia para el retrato. También admitió que disfrutaba pintando con témpera más que con óleo. Además, prefería mezclar diferentes técnicas de pintura. En su estilo, caracterizado por colores vibrantes, se pueden reconocer sus homenajes a los trabajos de Scipione, las pinceladas punzantes propias de Carlo Levi, y otras técnicas practicadas por pintores que la influenciaron en 1933, entre ellos Soutine, Pascin, Chagall, y Derain. Otra fuente de inspiración para la pintora fue su padre y su estilo de acuarela, inspirado en Monet.