¿Cómo aprender música sin profesor?
Esther Ballou
"«El estudiante de música debe aprender desde el principio a concebir una idea musical, a anotarla, aunque sea bruscamente, y luego a interpretarla o dirigir su interpretación. Estos son los requisitos básicos que conducen a una verdadera comprensión de la música. Este texto procide el marco para el desarrollo de esos requisitos, comenzando desde el nivel más elemental. Un estudiante de música no titulado puede convertirse en músico, siempre que se dedique diligentemente a los materiales contenidos en este documento, y que pueda disfrutar haciéndolo »" (p.iii).
Educación musical
Recientemente la prestigiosa escuela Juilliard ubicada en Nueva York, ha empezado a ofrecer estas clases en línea o e-learning. El proyecto está basado en que los alumnos aprenderán música a través de demostraciones virtuales.
Improvisación libre
La improvisación libre es música improvisada sin reglas previas establecidas, secuencias de acordes o melodías previamente acordadas. A veces los músicos realizan un esfuerzo activo para evitar referenciar a géneros musicales reconocibles. El término es en alguna forma paradójico en tanto puede ser considerado como una técnica (empleada por cualquier músico que quiere olvidarse de géneros rígidos y formas) y como género reconocible en sí mismo. Según Jaques-Dalcroze (1921), “la Improvisación es el estudio de las relaciones directas entre los impulsos ordenados por el cerebro y su ejecución por medio de los músculos, en orden a expresar nuestros propios sentimientos musicales”, por lo tanto este tipo de música suele tener estas características, aunque, al ser este tipo de música, no existen reglas que la definan en conciso. Debido a la tanta diversidad y complejidad con la que está conformada esta corriente musical, no es fácil delimitarla, por lo que el músico y guitarrista inglés Derek Bailey dijo que este tipo de manifestación musical es "efímera, fugaz, existe sólo mientras se practica", en donde podemos entender que la música de improvisación libre es un tipo de manifestación artística ocurrente, que surge en el momento en el que el o los músicos están reunidos frente al público, trabajando a partir del sonido, en el cual "la toma de decisiones, las estrategias, los posicionamientos y la negociación en el seno de un grupo de improvisadores se produce en el aquí y ahora, aprovechando al máximo sus habilidades y capacidades heurísticas y siempre a partir del sonido".
Música clásica del siglo XX
La improvisación libre es música improvisada sin reglas previas establecidas, secuencias de acordes o melodías previamente acordadas. A veces los músicos realizan un esfuerzo activo para evitar referenciar a géneros musicales reconocibles. El término es en alguna forma paradójico en tanto puede ser considerado como una técnica (empleada por cualquier músico que quiere olvidarse de géneros rígidos y formas) y como género reconocible en sí mismo.  La improvisación libre, como estilo de música, se desarrolló en Europa y EE. UU. en la mitad y fines de la década de 1960 en respuesta o inspirado por el movimiento del free jazz así como por la música clásica contemporánea. Entre los artistas más reconocidos dentro de este estilo están los saxofonistas Evan Parker y Peter Brötzmann, el guitarrista Derek Bailey, y el grupo improvisacional británico AMM.
Johann Mouse
""Un día, el amo se fue de viaje. Esto dejó al gato en un serio aprieto. Sabía que si no había música, el ratón no saldría."" A Tom le da el pánico cuando ve a Strauss alejarse en su carruaje. Toma un manual que estaba sobre el piano: "Como tocar vals en seis fáciles pasos por Johann Strauss." ""¿Por qué no podría él, el gato, aprender a tocar?"" Tom sube al ático y comienza a estudiar, siguiendo los pasos del manual, y luego de seis lecciones, es un pianista.
Pedagogía musical
Considerando que la música nace con el ser humano podemos acertar que constituye una necesidad elemental del mismo. Desde los primeros balbuceos se hace la música. Las personas cantamos cuando estamos enamorados, cuando estamos tristes, cuando estudiamos, cuando descansamos, cuando caminamos, cuando trabajamos, cuando rezamos. Permite, por tanto, y de muchas maneras, canalizar esos sentimientos y aliviar las penas o crecer su alegría, dependiendo del caso. Violeta Hemsy de Gainza, Presidenta Honoraria del FLADEM (Foro Latinoamericano de Educación Musical) cita:""La música es un lenguaje universal, histórico, que hay que conocerlo y que se puede usar para ir al encuentro de las necesidades: exclusión, droga y desigualdad social."" Siendo un elemento tan natural dentro de la vida del hombre, se sabe que utilizarla y desarrollarla en el ser humano, trae consigo resultados muy favorables, maravillosos e impresionantes; no solo dentro del ámbito artístico o para lograr la apreciación musical sino que desarrolla habilidades intelectuales y sociales útiles en la vida cotidiana, especialmente para el aprendizaje. "“La música prepara al cerebro para formas elevadas de pensamiento”" Robert Lake (2002, párrafo 1). ""Gracias a la práctica musical, las conexiones neuronales dentro del cerebro se reorganizan, aumentando las conexiones entre los dos hemisferios, la plasticidad del cerebro y potenciando el aprendizaje de habilidades que normalmente consideraríamos propias de otras áreas, tales como las matemáticas y el lenguaje". Según Mauricio Giordanelli R en su obra: ""La Música en la Educación"" de acuerdo a investigaciones, se ha observado que los estudiantes que reciben lecciones de música discriminan mejor el lenguaje que aquellos estudiantes que no toman música. Las investigaciones también demuestran que los estudiantes de secundaria que obtienen los mejores resultados son los estudiantes de música” (Luehrsen citado por Delisio, 2007, traducción del autor).
Pedro Humberto Allende
Su primer contacto académico con la música se debió a su hermano mayor, Juan Rafael Allende, profesor del Conservatorio Nacional. Más tarde, ingresó a dicho plantel, donde fue alumno de los maestros Agustín Reyes, Aurelio Silva, Carlos Debuysère, Domingo Brescia, Luis Esteban Giarda y Federico Stöber, con quienes aprendió teoría, solfeo, violín, piano, violoncelo, armonía, contrapunto, fuga y composición.
Abraham Abreu
Después de finalizar sus estudios en filosofía, letras y música en Caracas, Abraham Abreu viajó a Estados Unidos becado por la Fundación Creole. Durante cuatro años estudió clavecín y piano en la Universidad de Yale donde obtuvo los grados de Bachelor of Music (1960) y Master of Music (1961). Fueron sus profesores E. Jorge Vix, Moisés Moleiro, Kerth Wilson, Artur Hague, Ward Davenny, Mel Powell y otros. Desde el año 1962 fue alumno de la eminente pedagoga norteamericana Harriet Serr para convertirse en un célebre concertista del clavecín. Ha hecho apariciones en Europa y en América, incluyendo actuaciones en Inglaterra, Escocia, Francia, Italia, Alemania, Austria, Suiza, Noruega, Holanda, Estados Unidos, Colombia, Argentina, México, Guatemala, Chile y Brasil. Ha sido miembro del profesorado de la Universidad Simón Bolívar, la Universidad Central de Venezuela y la Escuela Experimental de Música Manuel Alberto López. Ha grabado varios álbumes como solista y ha hecho numerosas apariciones en radio y televisión.
Aprendizaje automático en videojuegos
La música a menudo se ve en los videojuegos y puede ser un elemento crucial para influir en el estado de ánimo de diferentes situaciones y puntos de la historia. El aprendizaje automático se ha utilizado en el campo experimental de la generación de música; Es especialmente adecuado para procesar sin procesar y formar representaciones de alto nivel que podrían aplicarse al campo diverso de la música. La mayoría de los métodos intentados han implicado el uso de ANN de alguna forma. Los métodos incluyen el uso de redes neuronales prealimentadas, autoencoders, máquinas de Boltzmann restringidas, redes neuronales recurrentes, redes neuronales convolucionales, redes adversas generativas (GAN) y arquitecturas compuestas que utilizan múltiples métodos.
Educación musical
Aunque a nivel profesional en México la licenciatura en educación musical se cursa de manera presencial en universidades públicas como la Universidad Nacional Autónoma de México, la Universidad Autónoma de Nuevo León y la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, a nivel internacional las opciones son más y muy amplias
Pedro Abrunhosa
Inicia pronto sus estudios musicales. Termina el curso de Composición en el Conservatorio de Música de Oporto y después estudia y trabaja con los profesores Álvaro Salazar y Jorge Peixinho. Hace el curso de Pedagogía con el profesor polaco Jos Wuytack.
Beatmania
El objetivo del modo Expert Course es medir la habilidad del jugador mediante una sesión de canciones sin parar con un total del 7 stages. Para acceder, se deben apretar todos los 5 botones rectangulares a la vez. El objetivo principal es completar la sesión al 100%. Tras terminar, al jugador se le mostrará una tabla de todos los resultados con detalle y se terminará el juego. Si el jugador pierde en una canción, el juego le dará los resultados hasta donde avanzó y finalizará el juego.
Li Yundi
Li comenzó a estudiar piano a la edad de siete años. Dos años más tarde, su profesor le presentó a Dan Zhao Yi, uno de los más renombrados maestros de piano de China, con quien estudiará durante nueve años. Li tuvo la ambición de convertirse en pianista profesional. En 1994, empezó la educación secundaria, relacionado con la Academia de Música de Sichuan.
Barbara Hesse-Bukowska
Provenía de una gran estirpe de músicos. Su padre era violinista y director de orquesta, su madre era pianista y profesora y su abuelo era afinador de pianos. Su madre fue su primer profesora. También serían alumnos suyos Czesław Aniołkiewicz o Maria Glińska-Wąsowska. Se graduó en la [Universidad de Música Fryderyk Chopin]] de Varsovia en junio de 1949. Ese mismo año, participó en la primera edición de postguerra del Concurso Internacional de Piano Fryderyk Chopin, donde ganó el segundo premio. Cinco años después, se fue a París, donde prosiguió sus estudios con Arthur Rubinstein. Posteriormente emprendió una carrera de conciertos intercontinental, que combinó con la enseñanza en la Escuela Superior de Música de Wroclaw. En 1972, Hesse-Bukowska se convirtió en profesora en la Academia de Música Fryderyk Chopin.
Lilia Vázquez Kuntze
Vázquez Kuntze comenzó a estudiar piano en el Conservatorio Nacional de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México a los 7 años. Posteriormente estudió Composición Musical y Profesor de Teoría Musical en el Musikakademie de Kassel, Alemania. Fue alumna de Mario Lavista, Francisco Donatoni, Iannis Xenakis y cursó en el taller de Federico Ibarra en el Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información Musical. Estudió piano con Luz María Segura, Andrés Acosta, Manuel Delaflor, Jorge Suárez, Guadalupe Parrondo y Gerhart Muench.
Gackt
La educación musical de Gackt comenzó a los tres años, cuando sus padres empezaron a darle lecciones piano clásico. Se cansó del piano a los siete años cuando entró a la escuela primaria, y debido a una mudanza tuvo que cambiar de maestros. Pasarían otros cuatro años hasta que sus padres le permitieran dejar las clases. Dado que su padre tocaba la trompeta, Gackt también estaba familiarizado con los instrumentos de viento. Él ha acreditado al pianista y compositor clásico Frédéric Chopin por ser «el que me enseñó la belleza, la profundidad, la diversión, la tristeza, la amabilidad de la música, que la música podría dar coraje a la gente, y el significado de las capas de sonido. No es una exageración decir que Chopin es el fundamento de mi música». Habiendo escuchado solo música clásica y enka mientras crecía, no estuvo interesado en el rock hasta que fue un adulto joven. Citó la obra de Led Zeppelin «Stairway to Heaven» como «algo especialmente inspirador, que pasó a dominar la percusión y la guitarra eléctrica moderna».
Shura Cherkassky
Sus primeras lecciones de música fueron de su madre, Lydia Cherkassky, quién había tocado para Chaikovski en San Petersburgo. También enseñó al pianista Raymond Lewenthal. En los Estados Unidos, Cherkassky continuó sus estudios de piano en el Instituto de Música Curtis bajo Josef Hofmann. Antes de estudiar con Hofmann, Cherkassky hizo una audición para Sergei Rachmaninoff, quién le aconsejó dejar de actuar al menos dos años, cambiar la posición de sus manos en el teclado y cambiar su estilo pianístico. En cambio, Hofmann sugirió a Cherkassky que tendría que continuar dando conciertos y esta asociación larga con el público significó que Cherkassky se sintiera siempre cómodo ante una audiencia. Hofmann también le recomendó que practicase cuatro horas todos los días y Cherkassky hizo esto durante su toda vida religiosamente, manteniendo un repertorio extenso (del barroco a Berio). Sus estudios y sesiones con Hofmann continuaron hasta 1935. Mientras tanto empieza su carrera mundial con viajes a Australia, Nueva Zelanda, el Lejano Oriente, Rusia y Europa.
Leon Schidlowsky
Como admirador de Arnold Schönberg, comienza su carrera de compositor en la tradición musical de la Segunda Escuela de Viena. Más tarde utiliza técnicas seriales, y experimenta con sonidos libres (atonalidad, aleatoria, notación gráfica), pero siempre con la premisa de que la música tiene sobre el absoluto artístico un significado más profundo y es un camino para que el ser humano se abra y encuentre a sí mismo. “La música de por si”- dice Schidlowsky – “no tiene un solo significado. En ella se encuentran todos los sentidos, todas las preguntas y respuestas. Yo creo que el arte es un camino hacia nosotros mismos”. Algunos ejemplos de su obra:
Dan Grigore
Grigore comenzó a estudiar música con su madre, que había estudiado violín en su juventud. Cuando tenía tres años, empezó a interpretar sus propias composiciones. En 1949, a la edad de seis años, empezó a dar clases con Eugenia Ionescu, una profesora famosa que había estudiado en Leipzig con y . Pronto se dio cuenta de que Grigore tenía oído absoluto. Eugenia Ionescu también organizaba noches musicales en su casa, invitando a famosos pianistas y profesores para que le escuchasen (encontramos figuras como , , , Muza Ciomac, , Nadia Chebap, y Madeleine Cocorăscu ). Pronto quedó claro que Grigore era un niño prodigio. Durante estas noches musicales Grigore fue descubierto por el famoso compositor y profesor , miembro de la Academia Rumana, amigo íntimo de George Enescu y profesor de Dinu Lipatti.
Pedagogía musical
Los principales métodos de pedagogía musical activa son:La música siempre se ha considerado muy importante para el desarrollo de los seres humanos, y son muchos los estudios que afirman la importancia en los primeros años de vida de ésta. Desde el siglo XIX, la música es considerada como que debe abarcar al hombre en toda su totalidad. Es por esto que se ha estudiado desde hace varios siglos y destacando a la música como un elemento fundamental para el desarrollo de los niños.
Hong Nan-pa
Aprendió estudios básicos de Confucio en un "seodang" local (una especie de escuela primaria) e ingresó en una escuela secundaria en 1910 que estaba afiliada a la Asociación Cristiana de Hombres Jóvenes de Hwangseong (황성 기독교, YMCA coreana). Desde entonces, tuvo un violín y recibió clases de música. A la edad de quince años, fue admitido en el departamento de música occidental del Instituto de Estudio de Música de la Corte Coreana (소 정악 전습 소 "Joseon Jeongak Jeonseupso" ) que era la única escuela de música en Corea en ese momento. Estudió música vocal y violín con Kim In-sik (김인식). Después de la graduación, fue contratado como profesor asistente en la escuela.
Philippe Manoury
A los nueve años, Philippe Manoury comenzó a estudiar música y rápidamente comenzó a componer. Se formó en composición en la École Normale de Musique de Paris, con Gérard Condé, que le hizo descubrir la Segunda Escuela de Viena, y Max Deutsch, alumno de Arnold Schönberg. Ingresó a continuación en el Conservatoire national supérieur de musique de París donde el compositor y director de orquesta croata Ivo Malec era profesor y donde se encontró con Michel Philippot. También asistió a la clase de análisis de Claude Ballif. A continuación, tomó cursos de composición asistida por ordenador con Pierre Barbaud desde 1975 y en 1980 se incorporó al IRCAM.
Georg Philipp Telemann
La estrategia materna finalmente falló porque el director de la escuela observó el talento musical del nuevo alumno y permitió que Telemann siguiera componiendo y expandiendo sus conocimientos en forma autodidacta. Para la época en que completaba sus estudios en Hildesheim, Telemann había aprendido a tocar casi sin ayuda la flauta dulce, el órgano, el violín, la viola da gamba, la flauta traversa, el oboe, el chalumeau entre otros instrumentos musicales. Sus viajes le permitieron asimismo conocer nuevos estilos musicales, y sus primeras influencias fueron Johann Rosenmüller y Arcangelo Corelli
Dolores Bernis de Bermúdez
Estudió en París con Felix Godefroid y tocaba el arpa con la Sociedad de Conciertos "Colonne" de París. De vuelta en España, el 14 de junio de 1877 fue nombrada profesora honoraria (sin retribución) de arpa en la Escuela Nacional de Música y Declamación. Según una carta encontrada en su archivo personal, Lola Bernis enseñó arpa sin cobrar y llevaba su propia arpa y cuerdas para enseñar en la escuela, ya que esta no contaba con instrumento, probablemente a causa de un incendio.
K-Bust
Su interés por la música comienza a temprana edad influenciada por varios artistas Pop de la época. Pronto demuestra un dominio innato para la música al aprender de forma autodidacta los acordes de la guitarra. Años más tarde, incentivada por su abuelo, decide perfeccionar su teoría y técnica musical en el piano, por lo que comienza sus estudios de piano clásico en el Conservatorio Izidor Handler de la ciudad de Viña del Mar.
Isidor Philipp
Philipp comenzó sus clases de piano con George Mathias a los 16 años. En una entrevista con E.H. Lampard, columnista de "St. Catharine's Standard", Harold Bradley, alumno y asociado de Philipp durante más de 30 años, afirmó que fue Mathias quien había sido el único alumno de Chopin que absorbió toda la sabiduría y el valor de la pedagogía del piano, que Chopin se había desarrollado a lo largo de su vida. "La fama de Chopin como compositor ha oscurecido el hecho de que fue el primer y más grande nombre en adoptar la carrera de la enseñanza del piano como profesión. Creó una filosofía completamente nueva de pensamiento musical, y fue el primer músico de estatura suficiente para poder penetrar en el pensamiento de los compositores de teclado que le precedieron hasta el punto de ver los méritos individuales de cada uno. Por lo tanto, amplió las dimensiones de la enseñanza del piano hasta el punto de que todo el concepto de educación musical se vio afectado".
Luciano Pavarotti
Pavarotti comenzó el estudio serio de música en 1954 a la edad de 19 años con Arrigo Pola, un respetado maestro y tenor profesional en Módena que se ofreció a enseñarle sin remuneración. Según el director Richard Bonynge, Pavarotti nunca aprendió a leer música. En cambio, su segunda esposa, Nicoletta Mantovani, afirma que sí leía las partituras.
Joshua Edelman
A los siete años comenzó a tomar clases de música con Robert Abramson. El Dr. Abramson era especialista en el método Dalcroze, que consiste en enseñar la música a través del ritmo y los movimientos corporales que introdujo en el piano clásico y en el jazz al joven Edelman. Después tuvo a varios maestros, entre ellos a Joseph Prostakoff, pianista, compositor, discípulo de la pianista Abby Whiteside y continuador de su pedagogía. Y a Barry Harris maestro sin parangón del bebop y uno de los pioneros en la enseñanza del jazz.
Entrenamiento auditivo
Para poder identificar y reproducir intervalos musicales, escalas, acordes, ritmos y otros parámetros audibles se necesita invertir una gran cantidad de práctica. Algunos ejercicios que conllevan identificar por lo general necesitan de un compañero que tenga experiencia para que toque las piezas que se están tratando y responder a las dudas que se presenten. Un software especializado de teoría musical puede suplir la falta de un compañero, adecuarse al entrenamiento del usuario según sus necesidades y llevar un registro preciso del progreso adquirido. Los conservatorios y universidades de música suelen licenciar software de pago para sus estudiantes, como Meludia, EarMaster, Auralia y MacGAMUT , para que de esta forma puedan mantener un registro y manejar la información de los estudiantes en una red. También se puede encontrar una variedad de software gratuito, ya sean aplicaciones que funcionan en buscadores de Internet o aplicaciones descargables. Por ejemplo, el software gratuito de código abierto que está bajo la GPL, como GNU Solfege, suele entregar una gran cantidad de funciones similares a las de productos patentados. La mayoría de los software funcionan en base a MIDI, lo que permite al usuario personalizar los instrumentos utilizados e incluso recibir sonido de dispositivos compatibles con MIDI, como los teclados electrónicos. También hay aplicaciones de entrenamiento auditivo interactivo disponibles para teléfonos inteligentes.
Eusebio Bosch i Humet
Cuatro años más tarde, en vistas de las aptitudes musicales de Eusebio, la familia se trasladó a Barcelona para favorecer el desarrollo de su educación musical. Su primer profesor de solfeo fue su padre, y a los nueve años Eusebio ya era capaz de leer partituras, aun totalmente desconocidas, en cualquiera de las siete claves musicales. Recibió también lecciones de su abuelo Fidel Bosch, que era profesor de música en el colegio de los Padres Escolapios de Sabadell y director de una sociedad coral en la misma ciudad. Su primer profesor de piano fue Josep Teodor Vilar, y posteriormente continuó sus estudios con Josep Mª Arteaga, así como los de violín con Domènec Sánchez Deyà. Sin embargo, mientras estudiaba en la escuela de Sant Antoni Abat, donde cantaba en las funciones religiosas, se inclinaba todavía por seguir la carrera de médico.
Hikari Ōe
Se dice que Hikari paseaba con sus padres cerca de su casa y oyó el cantar de un pájaro. Hikari lo imitó con gran precisión. Sus padres quedaron fascinados. Le compraron grabaciones de audio con cantares de pájaros, gracias a los cuales aprendió. Así fue como tuvieron la idea de contratar un profesor de música para Hikari. Sus padres contrataron entonces a la profesora de piano Kumiko Tamura para su hijo. En vez de hablar, Hikari comenzó a expresar sus sentimientos a través de la música y mediante composiciones musicales. Con el tiempo, se le enseñó solfeo.
Theodor Adorno
Hacia 1920 compuso sus primeras obras musicales. Se trata de música de cámara vanguardista, atonal. Después de graduarse con méritos en el Gymnasium, Adorno se inscribió en la Universidad Johann Wolfgang Goethe de Fráncfort del Meno, donde estudió filosofía, sociología, psicología y música. En 1924 obtuvo su título con una disertación sobre Edmund Husserl. Entretanto, escribió varios ensayos de crítica musical. Por un tiempo, el joven Adorno consideró la posibilidad de dedicarse a la música como compositor y crítico. En 1925 se fue a Viena, donde estudió composición con Alban Berg y frecuentó a otros dos compositores clave de la Segunda Escuela de Viena: Anton Webern y Arnold Schönberg. Las teorías de este último sobre la tonalidad libre fueron fundamentales en la formulación de la idea de la Nueva Música, que Adorno desarrolló en muchos de sus ensayos. En los ensayos sobre música, Adorno ligaba la forma musical con complejos conceptos filosóficos. Son obras de difícil lectura, muy exigentes en términos intelectuales. Las implicaciones conceptuales de la nueva música no eran compartidas por los protagonistas de la Escuela de Viena, razón por la cual Adorno decidió regresar a Fráncfort y abandonar su carrera musical.
Antonio Romero y Andía
Con 26 años conoce a Eslava, quien más que infundir a Romero la idea de vincularse al mundo de la composición musical, Eslava le hace partícipe de la importancia de utilizar sus conocimientos para desarrollar una obra con fines educativos, encaminada a cambiar el discurrir de la estética musical reinante en España a partir de un cambio en la educación musical. Los indicios de esta influencia se manifiestan desde el primer método que Romero empieza a desarrollar junto al maestro, y que se convertirá en la base de la Instrucción musical completa española, que editará a partir de 1856. Es a partir de aquí cuando empieza a publicar una serie de métodos para el aprendizaje de instrumentos musicales, siendo el más famoso y destacable el “Método completo de clarinete”.
Canto
La formación de cantantes en un conservatorio, es una sub-especialización de la carrera de música, y requiere alrededor de diez años. Para estudiar canto de forma académica, al igual que cualquier otra carrera universitaria, es indispensable un examen de admisión, además de un diagnóstico vocal y el examen de aptitudes musicales. Una forma alternativa de estudiar canto de forma semi- académica es la práctica coral, ya que existen convocatorias para coros "amateur" donde no es necesario el estudio formal del solfeo.
Pedro Dabdoub
A los diez años de edad comenzó formalmente con sus estudios recibiendo sus primeras clases de piano particulares con la maestra Malena Araico en la Ciudad de México durante 3 años. Posteriormente a la edad de trece años se muda a la ciudad de Paris en Francia. Donde retoma sus estudios de música y piano, mientras de manera autodidacta comienza con el ejercicio y su entrenamiento personal en composición musical.
Henri Dutilleux
En Douai, Henri comenzó a estudiar en el Liceo —latín, un poco de inglés, literatura francesa, matemáticas y algo de ciencias naturales— y simultáneamente en el Conservatorio —armonía, contrapunto y piano—. Henri recordaba que tenía que hacer verdaderos esfuerzos para asistir a las clases: a las 6:30 comenzaba su jornada con la clase de solfeo, luego asistía al Liceo; a mediodía, comía rápidamente, y de 12:30 a 2:00, clases de piano; luego, de vuelta al Liceo. Su profesor de música más importante en esos años fue Víctor Gallois, que le animó a tocar la percusión en la orquesta local (timbales, triángulo y side drum), una experiencia que fructificó más adelante en la escritura de las elaboradas partes para timbales de muchas de sus piezas orquestales. En esos años no se escuchaba mucha música: apenas había radio, no había grabaciones discográficas, y casi toda la nueva música que se oía lo era en vivo, en concierto o en interpretaciones en el propio Conservatorio. Así recordaba haber escuchado dos obras de Stravinsky —Petrushka y El pájaro de fuego— y alguna de Debussy y Ravel.
María Bonilla
Después de un riguroso examen de admisión, entra a estudiar desde octubre de 1926 hasta julio de 1928 a la Hochschule für Musik de Berlín, con el reconocido maestro alemán Hermann Weissenborn, con quien conoce a fondo la música de Lied y Oratorio y aprende a cantar Schumann, Brahms, Bach y Beethoven, entre otros autores de habla alemana, donde obtiene además la especialidad en Pedagogía del canto.
David Garrett
David Garrett recibió las primeras lecciones musicales de parte de su padre, que había comprado un violín para su hermano mayor, cuando David sólo contaba con cuatro años de edad. Le interesó y pronto aprendió a tocar. Enseguida se convirtió en alumno del conservatorio de Lübeck y más tarde fue a Berlín. Entre 1990 y 1991 tuvo como profesor a Zajar Bron y desde 1992 a la violinista polaco-británica Ida Haendel.
Jennifer Higdon
Estudió interpretación de flauta en la Bowling Green State University con Judith Bentley, quien la animó a explorar la composición. Debido a su falta de entrenamiento formal a una edad temprana, Higdon luchó por ponerse al día al principio de su carrera universitaria. Ella misma señala que prácticamente comenzó desde cero con respecto a la teoría musical, cuando entró a la universidad: "No sabía ninguna teoría básica, cómo deletrear un acorde, qué intervalos eran y no tenía habilidades con el teclado. Básicamente comencé desde el principio. La mayoría de las personas con las que comencé la escuela eran mucho más avanzadas que yo, y yo tenía mucho que hacer para ponerme al día." A pesar de estos desafíos, fue una estudiante trabajadora y resiliente, incluso cuando se enfrentó al desánimo de algunos profesores.
Música de Italia
Muchos institutos de educación superior enseñan música en Italia. Alrededor de 75 conservatorios de música ofrecen formación avanzada para los futuros profesionales de la música. También hay muchas escuelas privadas de música y talleres para la construcción de instrumentos y reparación. La enseñanza privada es también bastante común en Italia. Los estudiantes de primaria y secundaria pueden esperar tener una o dos horas semanales de enseñanza de la música, generalmente en el canto coral y la teoría básica de la música, sin embargo las oportunidades extracurriculares son poco comunes. Aunque la mayoría de las universidades italianas tienen clases en temas relacionados, como la historia de la música, la interpretación no es una característica común de la educación universitaria.
Luis Ximénez Caballero
En otro aspecto relevante de su formación, fue estudiante y asistente de enseñanza del Dr. Moshé Feldenkrais, con quién realizó estudios de "Autoconciencia a través del movimiento" (ATM) e "Integración funcional" (IF), acompañándolo por diversas ciudades de Europa y culminando sus estudios en Tel Aviv, Israel, donde obtuvo el Doctorado en Fisiología Aplicada a la Música. A partir de 1960, al término de sus estudios con Moshé Feldenkrais, comenzó a aplicar los métodos aprendidos, con los músicos de la OSX. Sobre la base de la metodología Feldenkrais, años más tarde, desarrolló y llegó a perfeccionar una serie de ejercicios especializados para la práctica musical y la dirección orquestal. Hasta el final de su carrera musical, aplicó de forma sostenida las técnicas de ATM e IF como herramientas para ayudar a los estudiantes de música, concertadores, atrilistas, cantantes y directores de orquesta, en el perfeccionamiento de sus ejecuciones. En México, las técnicas de ATM e IF eran prácticamente desconocidas en ese tiempo, a pesar de que en varios países de Europa se empleaban regularmente desde años antes a conjuntos artísticos de diversos campos. Por ejemplo, a los estudiantes de música en el Mozarteum de Salzburgo y en Villar-Sur-Ollon en Suiza. En Luxemburgo, Berlín, París, Londres y Moscú, también habían comenzado a impartirse a conjuntos musicales, así como a grupos de ballet y de arte dramático. Se tienen evidencias de que los métodos desarrollados por Feldenkrais, fueron aplicados en México por primera vez a la enseñanza y perfeccionamiento musical por Luis Ximénez Caballero en la década de 1960.
Enseñanza
La experiencia de las escuelas democráticas modelo Sudbury muestra que hay muchas formas de estudiar y aprender sin la intervención de la enseñanza, es decir sin que obligatoriamente exista la intervención de un maestro.
Václav Jan Tomásek
Tomásek terminó viviendo en una casa espaciosa, de moda en Praga, pero él comenzó como el hijo pobre de un comerciante de telas provincial sin éxito aunque se las arregló para estudiar violín y canto en la escuela cuando era niño. Su entusiasmo por la música le llevó a comprender pronto las bases de la teoría musical y de la composición, aprendió a tocar el fortepiano y comenzó a dar clases a los hijos de las familias nobles. Asistió a la escuela secundaria en Praga y durante los años 1794-1799 estudió varios temas no musicales (matemáticas, filosofía, historia) en la Universidad Charles. Él aprendió los fundamentos de la música mediante la lectura de los tratados en su tiempo libre; durante su etapa universitaria comenzó a escribir pequeños bailes y canciones y tocar el piano a los salones de clase media alta, donde reclutó estudiantes de música mientras daba clases con Vogler y Forkel (de los que toma las figuras de Bach y Mozart en su panteón de la mayoría de los compositores admirados).
Educación musical
El término educación musical comprende todo lo que rodea los procesos de enseñanza y aprendizaje con respecto al ámbito de la música: el sistema educativo, los programas educativos, los métodos de enseñanza, las instituciones, los responsables, maestros y pedagogos, etc. La expresión educación musical puede referirse a ámbitos y enseñanzas muy distintos, entre otros los relacionados con la música en la educación obligatoria, la música en instituciones de educación no formal (por ejemplo, las escuelas de música) o la música en instituciones especializadas, como es el caso del conservatorio. La incorporación de la enseñanza de la música desde los primeros niveles escolares hasta los estudios más adelantados en centros musicales específicos o en las universidades es un planteamiento muy común en toda la sociedad occidental.
Jeff Berlin
Jeff Berlin es también conocido por su defensa de la educación formal en la música; además de haber fundado el "Bass Institute of Technology" de Los Ángeles y su "'Players School of Music" en Clearwater, Florida, Berlin es autor de numerosos artículos y métodos didácticos, donde se destaca por su particular teoría de que la música debe enseñarse sustancialmente a través de contenidos de naturaleza musical formal, dejando a un lado materiales como afinadores, metrónomos o tablaturas.
Improvisación musical
A principios del s. XIX, Carl Czerny, uno de los pedagogos musicales más importantes de este periodo, alumno de Ludwig van Beethoven y maestro de Franz Liszt escribió "A systematic introduction to improvisation on the pianoforte", probablemente el tratado más importante de la época, en el que define improvisación de la siguiente manera: "...el talento y el arte de la improvisación consisten en presentar, durante la interpretación, en el estímulo del momento, y sin preparación inmediata especial, cada idea original o prestada en un tipo de composición musical que, aunque de mucho más libre forma que una obra escrita, sin embargo, debe ser formada en una totalidad organizada en la medida en que sea necesario para seguir siendo comprensible e interesante."
Marion Bauer
Aunque Bauer no tenía un título universitario (a pesar de sus años de estudio), en septiembre de 1926, fue contratada como instructora del departamento de música de la Universidad de Nueva York, convirtiéndose así en la primera mujer profesora de música de esta universidad.Entre sus primeros colegas se encontraban Albert Stoessel, Gustave Reese y Percy Grainger. Durante su permanencia en la Universidad de Nueva York, desde 1926 hasta 1951, impartió clases de composición, análisis musical, estética y crítica, e historia y apreciación de la música, obteniendo el rango de profesora asociada en 1930. Bauer impartía las clases usando su propio libro, cuyas lecturas eran seguidas de debates en la clase. También defendía firmemente la música nueva y tocaba “los pocos discos y rollos de piano pertinentes disponibles” o hacía que los estudiantes tocaran obras que no lo eran. Algunos de sus alumnos más famosos durante esos años fueron Milton Babbitt, Julia Frances Smith, Miriam Gideon y el director Maurice Peress.
GarageBand
En los dos tipos de lecciones, un profesor de música presenta la lección, que está en un formato especial que ofrece instrucciones de alta calidad de video y audio. Las lecciones incluyen una guitarra o piano virtual, en la que se muestran las posiciones de los dedos y las notas musicales. Los ejemplos musicales usados en las lecciones son parte de la música popular.
Porfirio Bas
Porfirio Bas a los 8 años de edad, inició sus estudios artísticos bajo la enseñanza de su madre empezando por la guitarra. Más adelante sus hermanos mayores Fernando y Carlos le ayudaron a seguir desarrollándose. Tomó un curso de solfeo en Cuernavaca con el profesor Francisco Batalla Mastache en el año 1965. En los años 70’ tuvo maestros particulares de guitarra como Heriberto Castillo y Eduardo Ugalde, y se consideraba músico empírico hasta que asistió a la Escuela Libre de Música de la ciudad de México de los años 1980 a 1985. Estudió nivel 1, 2, y 3 de música así como arreglo y dirección musical bajo el Profesor David Soulé. Aprendió a tocar guitarra, bajo, piano y teclados electrónicos.  Más adelante recibió instrucción de canto de la maestra Carolina Quintero en Ciudad de México también.
Músico
Son aquellos músicos que, no poseyendo estudios formales de música, interpretan y componen de manera autodidacta. En ocasiones se les llama músicos aficionados, aunque no se debe confundir con aquellos músicos que, si bien tienen formación, interpretan su música de manera honoraria o "amateur", es decir, sin recibir ningún beneficio económico a cambio. Muchos de los músicos empíricos, interpretan un instrumento como medio de subsistencia.
Música de Cuba
Evelio Tieles Ferrer (1941) comenzó a estudiar música con su padre, Evelio Tieles Soler, a la edad de siete años, y continuó posteriormente con el profesor Joaquín Molina Entre 1952 y 1954, Tieles cursó estudios de violín en París, Francia, con Jacques Thibaud y René Benedetti. En 1955 regresó a París e ingresó en el Conservatorio Nacional Superior de Música de esa ciudad, y en 1958 pasó a estudiar en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, donde fue discípulo de David Oistraj e Igor Oistraj. Tieles se graduó en 1963 y por recomendación del Conservatorio pasó a estudiar la Maestría, de 1963 a 1966, con los citados profesores. El también recibió orientación profesional de los prestigiosos violinistas Henryk Szeryng y Eduardo Hernández Asiaín.
Maestro (música)
Maestro es también la denominación de los que enseñan a cantar o tocar instrumentos. La elección de maestro para un principiante es de la más alta importancia. Con un mal maestro se contraen vicios en un principio que son muy difíciles de desarraigar. Otro de los errores en que se puede caer es el creer que cualquier músico es apto para enseñar todos los instrumentos. El que quiera saber de violín es preciso que busque un buen profesor de este instrumento; el que quiera aprender de clarinete diríjase a un buen profesor de este instrumento.
Pablo Mendoza
Actualmente, además de su carrera solista, Pablo Mendoza se dedica a asesorar agrupaciones que se están iniciando en el mundo de la música, para transmitirles todo su legado de profesionalismo y cultura musical. También lleva las riendas de su propia academia de música: la Academia de Música "Pablo Mendoza", la cual funciona desde julio del año 2009 en la ciudad de Caracas. Ese mismo año, coloca un EP, con siete temas en vivo, para su descarga gratuita a través de su página web.
Josef Proksch
Proksch, que se quedó ciego con 17 años, era alumno de Jan Antonín Koželuh. En 1830, Proksch abrió una "Musikbildungsanstalt" (Academia de Música) en Praga. SU método de enseñar a varios estudiantes tocar de manera simultánea en las clases de piano ha sido continuado durante más de un siglo. Su alumno más famoso fue Bedřich Smetana, quien recibió lecciones de piano y teoría musical de 1843 a 1847.
Aleksandr Sats
Nacido en el seno de una familia de intelectuales, su carrera musical ha sido poco usual ya que no comenzó a estudiar música de manera profesional hasta la edad de 14 años, momento en el que empezó a tomar lecciones de piano con Leonid Brumberg, quien fue alumno y asistente del legendario Heinrich Neuhaus. Después de solo un año de práctica intensiva fue aceptado para pasar al grado octavo en la Escuela de Música Gnesin para niños de talento diferencial, curso que terminó con honores en 1956. En 1963 fue nombrado profesor de piano y, poco después, catedrático de esa Escuela. Desde 1963 y durante cuarenta años, Aleksandr Sats estuvo comprometido con la enseñanza.
Pedagogía musical
Como se ha citado arriba, las personas aprenden por medio de la música, ese sistema de sonidos estimula ciertas conexiones y sitios en el cerebro que permiten la mejor apreciación del lenguaje, desarrollan la memoria y activa sitios donde se hacen cálculos matemáticos. "“La participación en actividades musicales puede ayudar a los niños a optimizar su potencial al mejorar sus habilidades en una variedad de áreas esenciales de aprendizaje —tales como razonamiento y resolución de problemas, matemáticas y lenguaje, pensamiento literal y memoria, administración del tiempo y elocuencia, habilidades sociales y de trabajo en equipo— eso sin mencionar el impacto que la música puede tener para transformar la vida de un niño”" David Hobson (2009, p.49).
Peter-Lukas Graf
Peter-Lukas Graf estudió en Zúrich con André Jaunet y en París con Marcel Moyse y Roger Cortet. Obtuvo el Primer Premio como flautista y el título de dirección en el Conservatorio Nacional de París. Durante tres años, estudió dirección en Múnich. Con veintiún años grabó el Concierto para flauta del compositor Jacques Ibert e inmediatamente obtuvo reconocimiento internacional. Desde aquel momento, realizó giras internacionales, hizo numerosas grabaciones y fue un invitado regular en festivales internacionales de música. En cuanto a su labor docente, fue profesor en la "Basel Music Academy" desde el año 1973 y ha dado clases magistrales por todo el mundo. Además, es el autor de tres métodos para flauta.Peter-Lukas Graf realizó numerosas grabaciones durante su carrera.Peter-Lukas Graf ha publicado los siguientes libros y métodos sobre flauta y música:
Pauline Oliveros
En 1967, Oliveros dejó Mills para tomar un puesto en el departamento de la Facultad de Música en UCSD. Allí, Oliveros conoció al físico teórico y maestro de karate Lester Ingber, con quien colaboró en la definición del proceso de atención aplicado a la escucha de música. Oliveros también estudió karate con Ingber, alcanzando el nivel de cinta negra. En 1973, Oliveros realizó estudios por un año en el Centro de Experimentos Musicales de UCSD; donde más tarde fungió como directora de 1976 a 1979. En 1981, para escapar de la constricción creativa, dejó su puesto como profesora titular de música en UCSD y se trasladó al norte de Nueva York para convertirse en compositora independiente, intérprete y consultora.
Jon Hopkins
A la edad de 12 años, Hopkins comenzó a estudiar piano en el Departamento Junior del Royal College of Music de Londres, donde estuvo hasta los 17. Mientras estudiaba, los compositores por los que más se vio influenciado fueron Ravel y Stravinsky, y llegó a ganar una competición para interpretar un concierto de Ravel (Piano Concerto en Sol) con una orquestra. Durante un tiempo, Hopkins consideró la idea de convertirse en un pianista profesional, pero acabó llegando a la conclusión de que la música clásica era algo demasiado formal, y que no se sentiría cómodo ni plenamente satisfecho si decidiera dedicarse a ello a tiempo completo.
David Óistraj
A la edad de 5 años David, instigado por su madre, comenzó a estudiar violín y viola con el profesor Piotr Stoljarski, el primer y único maestro que nunca tuvo. Al contrario de lo que comúnmente se cree, Óistraj no poseyó de niño unas dotes extraordinarias que revelaran la categoría sobresaliente que llegó a alcanzar con el violín. De hecho comenzó tocando la viola en la orquesta del Conservatorio. Sólo un par de meses después subió de nivel a solista e hizo su debut ejecutando el "Concierto en la menor" de Johann Sebastian Bach. Con Stoljarski, con un método de enseñanza no académica, destinada a mejorar el talento del estudiante a través de los aspectos más entretenidos de la enseñanza, también estudió Nathan Milstein, al que acompaña en concierto en 1914, con motivo del diploma Milstein.
Iannis Xenakis
Después de dejar el estudio de Le Corbusier en 1959, Xenakis se apoyó en la composición y la enseñanza, y rápidamente se convirtió en uno de los compositores europeos más importantes de su tiempo. Se hizo especialmente conocido por su investigación musical en el campo de la composición asistida por computadora, para la cual fundó el Equipe de Mathématique et Automatique Musicales (EMAMu) en 1966 (conocido como CEMAMu: Centro de Estudios de Matemática y Automática Musicales, desde 1972) ) Enseñó en la Universidad de Indiana en 1967-72 (y estableció un estudio similar a EMAMu allí), y trabajó como profesor visitante en la Sorbona en 1973-89. [16] Xenakis dio conferencias con frecuencia (por ejemplo, de 1975 a 1978 fue profesor de música en el Gresham College de Londres, dando conferencias públicas gratuitas), enseñó composición y sus obras se presentaron en numerosos festivales de todo el mundo, incluido el Shiraz Arts Festival en Irán. Algunos de sus estudiantes más notables incluyen Pascal Dusapin, Henning Lohner, Miguel Ángel Coria, Susan Frykberg y Julio Estrada.
Manuel Castillo
Su primer profesor fue Norberto Almandoz, organista y maestro de capilla de la Catedral de Sevilla. Las enseñanzas de este compositor vasco, que había estudiado en París y conocía toda la música contemporánea, fueron de gran influencia para Manuel Castillo, como él mismo reconoció en los últimos años de su vida. De hecho, según sus propias palabras, a su primer maestro debía "el noventa por ciento" de lo que sabía de música.
Leila Pinheiro
Leila se inició en el estudio de piano a los diez años, en el Instituto de Iniciación Musical de Belém. En 1974, Leila desiste de las clases teóricas de música y pasa a estudiar piano con Guillermo Coutinho, músico de talento y presencia importante en el escenario musical de Belém.
Gary Burton
Comenzó a aprender música a los seis años, y a partir de ahí aprendió a tocar la marimba y el vibráfono sobre todo de manera autodidacta. Empezó también a estudiar piano a los 16 años al acabar de recibir la educación secundaria en Princeton (Indiana). Burton cita al pianista Bill Evans como una fuente principal de inspiración en su manera de tocar el vibráfono.
Jazz
Para poder tocar su música, el intérprete de "jazz" necesita disponer de una serie de conocimientos teóricos y armónicos que son fruto a menudo de un largo período de formación —sea autodidacta, sea en escuelas de "jazz"—, o de la experiencia práctica adquirida en "jam sessions". La teoría básica en el "jazz" comienza con la teoría de intervalos y la formación de tríadas y cuatríadas que se deriva de ella, así como sus inversiones. La escala mayor y sus siete modos —el jónico, el dórico, el frigio, el lidio, el mixolidio, el eólico y el locrio— forman parte también de la teoría básica que debe dominar por completo un músico de "jazz", al igual que el círculo de quintas. Entre las progresiones armónicas más comunes en el "jazz" se encuentran:
Nikolái Kapustin
Su educación musical se inició a los 7 años, tomando lecciones de piano. A los 14 años se trasladó a Moscú, donde estudió piano con Avrelian Rubaj y Alexander Goldenweiser en el conservatorio de Moscú. Tras graduarse en 1961 fue miembro de la "Oleg Lundstrem Big Band". Desde finales de los años 1950 adquirió gran renombre como pianista de jazz y compositor. Su música fusiona la influencia del jazz y la música clásica. De Johann Sebastian Bach extrae la idea de la no improvisación. El mismo Kapustin, conversando sobre este tema, afirmó lo siguiente: «todas mis improvisaciones están escritas, desde luego, y así mejoran». Entre sus obras principales se encuentran 20 sonatas para piano, seis conciertos para piano, conciertos para otros instrumentos, variaciones para piano, estudios y tríos. Su obra fue grabada en numerosas ocasiones, muchas veces con el propio compositor como intérprete. También fue interpretada por otros pianistas, como Steven Osborne, Marc-André Hamelin, Ludmil Angelov, Alekséi Volodin y la japonesa Masahiro Kawakami. Sus tríos para piano fueron grabados por el Trío Arbós.
Gabriel Yared
Con 7 años, Yared dio clases de acordeón con un profesor. Dos años más tarde abandonó las clases de acordeón y comenzó a estudiar teoría musical y piano. Su profesor de piano pensaba que Yared no tendría futuro en la música.
Sugestopedia
Luego se desarrolla en cuatro fases a medida que se realiza muchos experimentos: la introducción, la sesión de concierto, la elaboración y la producción: Los maestros no deben actuar de manera directiva, aunque este método está controlado por el maestro y no por los estudiantes. Por ejemplo, deben actuar como un verdadero socio para los estudiantes, participando en las actividades como juegos y canciones "con naturalidad" y "genuinamente". En la sesión del concierto, deben incluir completamente el arte clásico en sus comportamientos. Aunque son muchas las técnicas que utilizan los docentes, factores como "la comunicación en el espíritu del amor, el respeto al hombre como ser humano, la forma humanitaria específica de aplicar sus técnicas" son cruciales. Los docentes no solo necesitan conocer las técnicas y para adquirir la metodología práctica por completo, pero también para comprender completamente la teoría, porque, si implementan esas técnicas sin una comprensión completa, no podrán llevar a sus alumnos a resultados exitosos, o incluso podrían causar un impacto negativo en su aprendizaje, por lo que el docente debe estar capacitado en un curso impartido por capacitadores certificados.
Arkadi Volodos
Su primera aproximación a la música fue a través del canto, siguiendo el ejemplo de sus padres, también cantantes, aunque poco a poco evolucionó hacia la dirección, mientras era estudiante del colegio "Capilla M. Glinka" en el Conservatorio de San Petersburgo. Aunque tocó el piano desde los ocho años, no se dedicó seriamente a este instrumento hasta 1987 en el conservatorio de su ciudad con Leonid Sintsev. Realizó la carrera de piano en el Conservatorio de Moscú con Galina Eguiazárova. También estudió en el Conservatorio de París con Jacques Rouvier. Por último, en Madrid, en la Escuela Superior de Música Reina Sofía con Dmitri Bashkírov.
Ryan Tedder
Ryan fue educado en una familia bastante religiosa formada por misioneros y pastores. Aprendió a tocar el piano cuando tenía 3 años mediante el Método Suzuki, según el cual un niño joven aprende a tocar cualquier instrumento de oído en lugar de leer las notas. Su interés musical fue propulsado por su padre y su madre, quienes le incitaban a practicar tocando el piano a cambio de palomitas. A los 7 años comenzó a cantar enseñándose a sí mismo ya que nunca dio clases de canto. Cuando tenía 12 años imitaba a sus artistas favoritos que iban desde grupos como "Los Beatles" hasta "Sting". Ryan ha comentado que cantaba 2 horas diarias  hasta que cumplió 18. Durante su adolescencia siguió su formación  musical participando en la iglesia, el colegio y grupos formados. Ryan conoció al guitarrista Zach Filkins en su equipo de fútbol, en el instituto CSCS en Colorado Springs. Durante ese tiempo y la universidad, Ryan aprendió él mismo a tocar diferentes instrumentos como la guitarra, el teclado y el bajo. Fue a la universidad Oral Roberts en Oklahoma, graduándose en RP y publicidad y negocios. Era un novato cuando empezó a exhibir su propio material y perdió su beca en su segundo año universitario porque no dejaba de saltarse clases para escribir canciones y fue entonces cuando tomó esto como una señal de que lo que el debía perseguir era una carrera en la música.
Clara Solovera
Clara Solovera no poseía estudios formales en música y tocaba la guitarra por oído. «Ni siquiera tengo un método de trabajo. Nunca me pongo a pensar versos o melodías. Surgen solos y en cualquier momento», dijo. Porfirio Díaz, Vicente Bianchi y sobre todo José Goles trabajaron en la transcripción y armonización de sus canciones. Gran parte de su obra fue declarada material didáctico auxiliar de la educación musical chilena.
Anna Serret Almenara
Como pedagoga, admitida con tan sólo veintidós años como profesora en el prestigioso Conservatorio Municipal de Música de Barcelona, pronto se convierte en la más experimentada de su generación en la preparación de músicos a nivel profesional. Ha sido invitada a impartir masterclass en diversos conservatorios y universidades europeas como el London College of Music. Sus clases han sido definidas como inspiradoras, reveladoras, alentadoras, estimulantes y creativas. Ha sido elogiada por su excepcional habilidad para transmitir y compartir el legado que ha recibido al mismo tiempo ayudando a los alumnos a encontrar su propia voz y personalidad.
GarageBand
Una característica más reciente del programa son las lecciones de música. El usuario puede encontrar lecciones de guitarra y de piano realizadas por diferentes profesionales a través de un video que pueden ser comprados a través del programa. Las lecciones más básicas vienen incluidas en el propio GarageBand. También podemos encontrar lecciones para aprender canciones específicas, con la ventaja que esta lección la realiza el propio autor de la canción, como por ejemplo Sting (Roxanne, Message in a Bottle, Fragile), Sarah McLachlan (Angel), Norah Jones (Thinking About You), John Fogerty (Proud Mary, Fortune Son, Centerfield), etc.
Dong Wan Ha
Dong Wan Ha inició sus estudios musicales a la edad de siete años. Durante algunos años estudió con Jung-Hyun Lee, ganando algunos concursos regionales. Continuó sus estudios de piano con Mari Kwon en la Escuela Superior de Artes Sunhwa de Seúl, ganando algunos premios que incluían recitales en otros lugares (2005). Es bachiller de música (piano) por la Universidad Nacional de Seúl, en 2011. Allí estudió con Hyoung-Joon Chang. Estudió con Barry Snyder con el que obtuvo un Master de Música en Piano por la Escuela de Música Eastman de la Universidad de Rochester, en 2013. Desde ese año amplía estudios en Cleveland con Haesun Paik y Anita Pontremolli en el Instituto de Música de Cleveland. En 2015 se graduó con los diplomas en piano solo y acompañante.
César Pérez Sentenat
César Pérez Sentenat comenzó sus estudios de piano con Hubert de Blanck, Rafaela Serrano y Antonio Saavedra, y estudió teoría musical con José Molina. En 1922 viajó a París, donde estudió con Joaquín Nin Castellanos, y también estudió pedagogía musical y musicología en la Schola Cantorum. A su regreso a La Habana, entre 1924 y 1926, Sentenat estudió armonía contemporánea con Pedro Sanjuán y Amadeo Roldán. Posteriormente viajó a los Estados Unidos, donde continuó estudiando Pedagogía Musical Infantil con John M. Williams, desde 1939 a 1940. En 1953 viajó a Madrid, donde tomó cursos de Folklore Musical con el profesor Manuel García en el Conservatorio de Madrid.
Néstor Marconi
«Después, me puse a estudiar música en serio con el maestro Schneider, y armonía y contrapunto con Luis Mirisi... Por supuesto, escuchaba a los grandes maestros. En ese entonces me enloquecían Laurenz, Troilo, pero también Astor Piazzolla, con aquel quinteto donde tocaban Atilio Stampone, Szymsia Bajour. Escuchar también forma parte del aprendizaje.»
Louis Durey
Hasta después de los veinte años, en 1907, no descubre la música, tras escuchar el "Pélléas et Mélisande" de Claude Debussy. Comienza entonces a tomar clases particulares (piano, solfeo, armonía, contrapunto y fuga) bajo la dirección de Léon Saint-Requier, profesor de la «SchoIa Cantorum» y «Chef des Chanteurs de Saint-Gervais». Sin embargo, su formación musical como compositor y orquestador, será fundamentalmente autodidacta.
Emma Maleras
El sistema pedagógico de Emma Maleras consiste en una introducción a la música a partir del ritmo sin tener que depender de la afinación. Se trata de un método propio que empezó a desarrollar a los años sesenta, adaptando la técnica del piano a las castañuelas, y que ha ido perfeccionando a lo largo de treinta años. El método Maleras actualmente empieza desde un nivel de desconocimiento completo del instrumento por el alumno y consigue lograr un nivel profesional. Consta de seis cursos y once libros, e incluye los conocimientos musicales necesarios, especialmente en cuanto al ritmo, para una persona que previamente no está formada en música. También existe una versión del método para niños.
Zamora (pianista)
Aprendió a tocar el piano sin un profesor ni tomó clases de música.
Elisso Virssaladze
Comenzó sus estudios de piano con su abuela Anastasia Virsaladze (), alumna de Teodor Leszetycki. Ésta era una pianista reconocida y enseñaba en privado e igualmente en la escuela para superdotados de Tiflis, donde era profesora. Después de haber obtenido su diploma en el Conservatorio Estatal de Tiflis, Elisó Virsaladze marcha a estudiar al Conservatorio Chaikovski de Moscú donde tiene como profesores a Heinrich Neuhaus y Yákov Zak, antes de convertirse en la asistente de Lev Oborin en su clase en el Conservatorio.
Nikolái Rimski-Kórsakov
Rimski-Kórsakov hace referencia en sus memorias que su madre tocaba un poco el piano y su padre sabía tocar de oído algunas piezas en este instrumento. Según el musicólogo Abraham, Rimski‑Kórsakov heredó la tendencia de su madre de tocar demasiado despacio. A la edad de seis años empezó a tomar clases de piano con varios profesores locales y mostró talento en destrezas auditivas, pero manifestaba poco interés, tocando, como más tarde escribiría, «mal, de manera descuidada,[...] manteniendo un "tempo" correcto a duras penas». En el periodo en que fue a la escuela, Rimski‑Kórsakov tomó lecciones de piano de un hombre llamado Ulij. Estas clases recibieron la aprobación de Voin, director de la escuela en aquel entonces, porque ayudarían al joven a desarrollar sus habilidades sociales y a superar su timidez. Rimski‑Kórsakov escribe que mientras se mostraba «indiferente» a las lecciones, creció dentro de él el amor por la música, fomentada por las asiduas visitas a la ópera y a conciertos orquestales. Ulij se dio cuenta de que tenía un importante talento musical y le recomendó un nuevo profesor, F. A. Canille (Théodore Canillé). Empezó las lecciones de piano y composición en otoño de 1859 con Canille, del que más tarde diría ser el motivo por el que dedicó su vida a la composición. Gracias a Canille accedió a gran cantidad de música nueva para él, incluyendo la de Mijaíl Glinka y Robert Schumann. A pesar de que al joven músico le gustaban las clases de música, Voin las canceló cuando Rimski‑Kórsakov contaba con diecisiete años, al no parecerle ya de utilidad práctica. Canille le pidió a Rimski‑Kórsakov que continuara yendo a su casa cada domingo, no para clases formales, sino para tocar duetos y hablar de música. En noviembre de 1861, Canille presentó al joven de dieciocho años a Mili Balákirev. Balákirev a su vez le presentó a César Cui y Modest Músorgski. Estos tres hombres eran ya conocidos compositores a pesar de estar en la veintena. Rimski‑Kórsakov posteriormente escribió: «¡Con qué deleite escuchaba discusiones de "temas de verdad" [cursiva enfática de Rimski‑Kórsakov] sobre instrumentación, escritura de partes, etc.! ¡Y además, la mayor parte de lo que se hablaba era sobre asuntos musicales de actualidad! De golpe me sumergí en un nuevo mundo, desconocido para mí, del cual sólo había oído hablar en la sociedad de mis amigos diletantes. Me causó una gran impresión».
Colegio de San Francisco de Paula
La práctica de un instrumento y la instrucción musical favorecen, tal como se desprende de las últimas investigaciones, la coordinación sicomotriz, la creatividad, la imaginación, la flexibilidad y la inventiva; además, estimula la determinación, la perseverancia, el valor del trabajo en equipo y la responsabilidad. Por todos esos motivos, la música está presente en su currículum educativo desde los 2 años de edad y las clases instrumentales desde los 3 años.  Todos los alumnos del Colegio comienzan en Infantil practicando el violín, la viola o el violonchelo y posteriormente cambian a un instrumento de la orquesta sinfónica, elegido en función de los intereses y habilidades del alumno. Los alumnos acumulan más de 160 horas de clases prácticas instrumentales al llegar a Year 6, a las que hay que sumar las de estudio individual y en grupo. Hasta ese nivel, el aprendizaje práctico musical será curricular, pudiendo alcanzar un nivel equiparable a 4º de Enseñanzas Elementales de Conservatorio.  Los alumnos que lo deseen podrán continuar con la práctica instrumental hasta Year 10, acumulando en ese caso más de 260 horas de clases prácticas musicales y pudiendo obtener un nivel de Conservatorio 2º/3º de Enseñanzas Profesionales.  Además de los instrumentos necesarios para la práctica en clase, el Colegio cuenta con 700 adicionales que cede a las familias para todo el curso, facilitando así la práctica en casa y evitando su traslado.  Para aquellos alumnos que quieran conseguir un alto nivel de práctica musical, el Plan Integrado de Música permite alcanzar el nivel correspondiente a las pruebas de acceso al Conservatorio Superior a los 16 años, optimizando el número de horas de clase de música necesarias e integrando la mayor parte de ellas en el horario habitual de clases.
Dante Santiago Anzolini
Aunque sus progenitores no fueron músicos, tenían ambos una relación inefable con el arte sonoro. Su abuelo Luigi Anzolini fue organista y director de coros en Latisana, Provincia di Venezia, quien enseñó música a todos sus hijos, con la marcada excepción de Lorenzo, quien dijo no amar la música para poder escapar así de la anticuada -de alguna manera casi violenta- forma de enseñar de su padre. Proveniente de este amor reprimido por el arte sonoro, Lorenzo quiso enviar a su hijo a estudiar piano, mientras que Lucila, de apodo "Beba" estaba enamorada del sonido del violín así como presumía de ser una ávida lectora. Ambos sostuvieron un hogar humilde pero orgulloso de sus logros y de su conducta. A los 7 años, y luego de que sus padres hayan presenciado su aptitud para tocar sin haber sido instruído, el Mo. Anzolini ingresó en el Conservatorio Gilardo Gilardi, donde debido a su test de ingreso fue dirigido a estudios de violín y piano. Realizó entonces estudios sin tener instrumento propio, hasta los 11, cuando su abuela chilena Olga Mayorga de Wawzyniak le comprara su primer piano. Se graduó como Profesor Superior de Piano con un recital que incluyó la Sonata op 111 de Beethoven, la Fantasía Cromática y Fuga de J.S. Bach y las de Johannes Brahms. En el mismo instituto, además estudió composición con Gerardo Gandini, debutando a los 15 años como pianista y compositor en un recital donde presentó sus cuatro preludios para piano. En su adolescencia pudo por primera vez leer el tratado de dirección de Hermann Scherchen, que fue el modelo teórico que adoptó para su preparación como director.
Bedřich Smetana
Cuando Smetana completó su instrucción, la fortuna de su padre había disminuido. Aunque František ahora estaba de acuerdo en que su hijo debía seguir una carrera musical, no podía prestarle apoyo financiero. En agosto de 1843, Smetana partió para Praga con veinte florines, y sin ningún proyecto futuro. Al carecer de formación musical necesitaba un maestro, y fue presentado por la madre de Kateřina Kolářová a Josef Proksch, director del Instituto de Música de Praga, en el cual Kateřina estaba estudiando. Proksch utilizaba los métodos de enseñanza más modernos, estudiando las obras de Beethoven, Chopin, Berlioz y el círculo de Leipzig de Liszt. En enero de 1844, Proksch acordó tomar a Smetana como alumno y, al mismo tiempo, las dificultades financieras del joven músico se aliviaron cuando se aseguró un puesto como profesor de música en la familia de un noble, el conde Thun.
Johann Pachelbel
A Pachelbel también se le permitió estudiar música fuera del Gymnasium. Su maestro fue Kaspar ("Caspar") Prentz, quien a su vez era alumno de Johann Kaspar Kerll. Puesto que este último estuvo muy influenciado por compositores italianos como Giacomo Carissimi, es probable que a través de Prentz, Pachelbel comenzara a desarrollar interés por la música italiana contemporánea, y por la música católica eclesiástica en general. Éste es el período menos documentado sobre la vida de Pachelbel. No se sabe a ciencia cierta si permaneció en Ratisbona hasta 1673 o terminó con su maestro ese mismo año. En todo caso, en 1673 Pachelbel estaba viviendo en Viena, donde se convirtió en organista suplente en la famosa Catedral de San Esteban ("Stephansdom"). En esa época, Viena era el centro del vasto Imperio austríaco y lugar destacado de la cultura europea. Allí trabajaban varios compositores de renombre, muchos de los cuales contribuyeron al intercambio de las tradiciones musicales en Europa. En particular, Johann Jakob Froberger sirvió como organista de la corte en Viena hasta 1657 y fue sucedido por Alessandro Poglietti. Georg Muffat vivió en la ciudad por algún tiempo, y aún más importante, Johann Kaspar Kerll se mudó a Viena en 1673. Mientras estuvo allí, es probable que haya conocido o hasta enseñado a Pachelbel, cuya música muestra trazas del estilo de Kerll. Pachelbel pasó cinco años en Viena, absorbiendo la música de los compositores católicos del sur de Alemania y de Italia, que fue un estilo muy diferente al que aprendió cuando estuvo bajo la estricta tradición luterana. A este respecto, Pachelbel se parece mucho a Haydn, quien también trabajó como músico profesional en la Catedral de San Esteban "(Stephansdom)" durante su juventud y, como tal, estuvo expuesto a la música de los principales compositores de la época.
Oído relativo
Algunos profesores de música enseñan a sus alumnos el oído relativo al hacerlos asociar cada intervalo musical posible con las primeras dos notas de una canción conocida; ejemplos se pueden encontrar en entrenamiento auditivo. Otra buena manera de desarrollar el oído relativo es simplemente intentar tocar una melodía al oído con un instrumento musical. Al ir tocando más y más melodías probando y equivocándose, eventualmente se comenzará a reconocer algunos de los intervalos más comunes. Entonces todo lo que se necesita es comenzar a asociar estos intervalos con sus nombres. Los músicos indios aprenden el oído relativo al cantar los intervalos sobre un bordón, que también es descrito por W. A. Mathieu usando la terminología de la entonación justa occidental. En muchas clases de entrenamiento auditivo occidentales usan el solfeo para enseñar a los estudiantes el oído relativo, mientras que otras usan la lectura numérica (véase ).
Historia de la música
Stockhausen fue educado primeramente en la Hochschule für Musik Köln para después acudir a la Universidad de Colonia. Posteriormente estudiaría con Olivier Messiaen en París y Werner Meyer-Eppler en la Universidad de Bonn.  Como una de las principales figuras de la Escuela de Darmstadt que fue, sus teorías y composiciones siguen siendo, aún hoy en día, de gran influencia para compositores de todos los tipos y estilos.  Sus obras, compuestas a lo largo de casi sesenta años, se abstienen de ser partícipes de las formas musicales más tradicionales. Aparte de las obras de música electrónica, sus trabajos van desde realizar miniaturas para cajas de música hasta trabajos para instrumentos solistas, canciones, música de cámara, músicas coral y orquestal e incluso un ciclo de siete óperas de larga duración.  Entre sus composiciones más notables encontramos la serie de diecinueve "Klavierstücke" (piezas para piano), "Kontra-Punkte" para diez instrumentos, su electrónica/música concreta "Gesang der Jünglinge", "Gruppen" para tres orquestas, la obra para percusión solista "Zyklus", "Kontakte", la cantata "Momente", su obra de electrónica en vivo "Mikrophonie I", "Hymnen", "Stimmung" para seis vocalistas, "Aus den sieben Tagen", "Mantra" para dos pianos y electrónica, "Tierkreis", "Inori" para solistas y orquesta, y su gigantesco círculo de operas "Licht".
Alma Deutscher
Se ha afirmado que Deutscher dedica cinco horas al día a componer, practicar y escuchar música. Atiende a varias actividades y salidas con otros familiares que le educan en su casa. Su hermana menor, Helen, y la mayoría de sus amigos también fueron educados en casa. Sus padres creen que la creatividad de Deutscher es innata pero debe ser cultivada. Esa creencia combinada con las largas jornadas de la educación inglesa les hizo optar por la educación hogareña. Su padre ha expresado su rechazo a que Alma estudie música mediante el método tradicional inglés de exámenes y aprendizaje mecánico. En cambio su educación musical hace foco en la composición e improvisación, como lo describe el análisis de Robert Gjerdingen sobre los métodos creativos de enseñanza de la música a niños en el siglo XVIII en Italia. De acuerdo al libro "Prodigios musicales: interpretaciones sobre psicología, educación, musicología y etnomusicología", el profesor Gjerdingen recomendó a los padres de Deutscher el renombrado improvisador suizo Rudolf Lutz, quien a su vez los conectó con el músico suizo Tobías Cramm. Gjerdingen envía ejercicios y realiza comentarios técnicos sobre las composiciones de Alma, mientras que de improvisación con Cramm vía Skype, utilizando el método pedagógico del siglo XVIII italiano "partimenti", líneas de bajo de instrucción para la enseñanza de armonía, contrapunto e improvisación. Alma se convirtió rápidamente versada en la sintaxis musical del siglo dieciocho.  Su padre dice que ella no cuenta con formación regular en composición, más que "...son expertos bien intencionados que la ayudan esporádicamente y hay mucho de autodidacta." Deutscher recibe instrucción privada instrumental en piano y violín de dos profesores del Yehudi Menuhin School en Surrey.
Escuelas Medias de la Universidad Nacional de Tucumán
Para la carrera de nivel medio, para el ingreso ponemos un mínimo de 12 años de edad. De esa manera, cuando terminan el secundario, los chicos están concluyendo la carrera de músico instrumental. Aconsejamos que si el niño va al colegio por la tarde, aprenda su instrumento por la mañana y viceversa. No es bueno que el niño esté cansado a la hora de aprender. Queremos que el contacto con la música sea algo placentero. El Instituto funciona de 7 a 22." Los alumnos aprenden a tocar instrumentos de cuerdas -como guitarra, violín, viola, violoncelo o contrabajo-, de viento -como flauta, oboe, clarinete, fagot, trompeta o corno-, y otros, como el piano. Como el objetivo es formar músicos para tareas artísticas, luego pueden integrar orquestas, bandas, o acompañar a cantantes o bailarines. "Esta es una enseñanza personalizada por lo que lamentablemente debemos poner cupo de ingreso. No ingresan más de 70 a 90 niños por año, y la inscripción es cada vez mayor. Hace cuatro años teníamos 120 postulantes. Este año fueron 430. Hay mucho talento musical en Tucumán. Respecto al nivel superior, el Profesorado en Instrumento es para quienes hayan terminado el nivel medio anterior, o sea que ya deben tener un manejo importante del instrumento. Educación Musical también es una carrera muy requerida, y permite la formación de profesores reconocidos por el Ministerio de Educación de la Nación para enseñar en la niveles Inicial, EGB1, EGB2, EGB3 y Polimodal.
Schweizer SGS 2-8
Durante los años 20 y 30, el vuelo sin motor era autodidacta o se enseñaba en planeadores monoplazas. A menudo, el instructor entrenaba al alumno mediante señales manuales desde el automóvil que remolcaba al planeador y lo ponía en el aire. A mediados de los años 30, los beneficios de tener un planeador biplaza para entrenamiento empezaron a ser reconocidos por los instructores de planeadores.
El Señor de los Anillos online: sombras de Angmar
Al alcanzar el nivel 5, los personajes pueden aprender a tocar el laúd y, dependiendo de su clase, otros instrumentos. Los bardos pueden aprender a tocar cualquier instrumento, incluyendo la gaita y el cencerro. Los instrumentos se pueden tocar utilizando macros, en tres octavas y notación ABC. La música será escuchada por los jugadores cercanos que no hayan deshabilitado la opción de escuchar música de otros personajes.
Mikolas Josef
Tras dejar el mundo de la moda, Mikolas decidió dedicarse a la música, actuando como músico callejero en distintas ciudades europeas como Oslo, Zúrich, Hamburgo o Viena. ""La música callejera fue la mejor educación musical que jamás hubiera podido desear. Si no hubiera empezado en las calles, nunca hubiera comprendido lo que significa ser músico"" afirma Josef. Durante ese tiempo también trabajó limpiando un estudio de grabación durante los días laborales - Así aprovechaba cuando el estudio estaba vacío, una vez al mes, para producir su propia música.
Joan Guinjoan
Comienza sus estudios musicales con el maestro Fructuós Piqué en Reus, para continuarlos posteriormente en el Conservatorio Superior de Música del Liceo de Barcelona, donde se forma con el maestro Alexandre Ribó. En 1953 empezó a dar recitales de piano y en 1954 se instaló en París, donde debutó como pianista en la "École Normale de Musique", completando su formación pianística en la Escuela de Cortot. También estudió composición, orquestación y electroacústica. Sus labores como pianista de cafés y cabaréts le hicieron entrar en contacto con la música ligera, los ritmos afros y el jazz, experiencias que dejaron huella en su música años más tarde. Posteriormente, amplió sus estudios con Cristòfor Taltabull.
Abdelkader Chaou
Abdelkader estudió en el Conservatorio de Argel hasta 1967, dirigido en aquel momento por Hadj Mohamed El Anka.Su propósito al asistir al Conservatorio no era imitar a El Anka, a quien llama ""el Maestro"", sino aprender técnicas musicales, cómo tocar los instrumentos de la música chaabi y sus normas.Mientras estaba allí aprendió a tocar el violín, la mandolína argelina, oud, piano, qanoûn, rebab, y derbuka (tambor de copa). Además de El Anka, otros músicos se acreditaron haber tenido un impacto en su educación musical como en su carrera, incluyen a Mehdi Tamache, Cherchem, Ahcen Said, y Mahboub Bati. Mahboub Bati es el educador que se hizo cargo de su educación posterior.
Guadalupe Parrondo
El padre de Guadalupe Parrondo, era técnico en pianos, trabajaba arreglándolos y afinándolos, por lo que desde los 3 años comenzó a estudiar el instrumento. Debido a que Parrondo acompañaba a su padre a afinar diversos instrumentos, incluyendo los órganos tubulares de las iglesias, desarrolló la capacidad de identificar notas sin un punto de referencia, habilidad que se denomina oído absoluto.En una entrevista cuenta que, incluso, aprendió música antes de aprender a leer. En la ciudad de Lima comenzó a dar recitales desde pequeña, y ahí fue descubierta por el director de orquesta y compositor Luis Herrera de la Fuente con quien interpretó a los 7 años, el Concierto para Piano y orquesta en Re mayor de Joseph Haydn. En Lima continuó estudiando piano por un tiempo.
Vibrato
Numerosos músicos clásicos, especialmente los cantantes e intérpretes de cuerda se encuentran con un problema similar. El violinista y profesor Leopold Auer, al escribir su libro "Violin playing as I teach it" (1920), aconsejó a los violinistas que practicasen tocando completamente sin "vibrato" y que dejasen de tocar durante unos minutos tan pronto como notasen que empezaban a tocar con "vibrato" a fin de obtener el control total sobre su técnica.
Augusto Polo Campos
Fue autodidacta, ya que no estudió música ni tocaba instrumento musical alguno.
Alberto Ponce
El padre de Alberto Ponce fue su primer maestro. De niño ingresó en el Conservatorio Municipal de Barcelona, donde, además de guitarra, estudió piano, armonía y música de cámara. Se graduó con un diploma y una Mención de Honor. El musicólogo y erudito Emilio Pujol le aconsejó que ingresara en el Conservatorio de Lisboa . Tras tres años de estudio, Ponce perfeccionó su técnica con Pujol en la Academia Chigiana de Siena, donde aumentó su conocimiento de la música del Siglo de Oro español.
Jorge Villalobos Villalobos
Jorge Villalobos Villalobos inició su formación musical, bajo la dirección del maestro Alfredo González Hernández, organista graduado del Conservatorio Santa Cecilia de Roma. Posteriormente, realizó sus estudios de piano con el maestro Miguel Ángel Quesada, en el Conservatorio de la Universidad de Costa Rica, institución donde obtuvo el título de Profesor de Música para la Enseñanza Secundaria. En 1954 se graduó en el curso de Metodología para la Enseñanza de la Música en los Colegios y Apreciación Musical, impartido igualmente por la Universidad de Costa Rica. En 1960 obtuvo el título de Maestro Normal y Postgraduado del Instituto Nacional de Formación Profesional del Magisterio de San José.
Funciones tonales
Es necesario conocer los procesos históricos y el desarrollo de la música para entender su evolución. Como en casi todas las disciplinas artísticas, la teoría es la consecuencia de la práctica y la historia se va escribiendo tras ella. Dice Paul Hindemith en "El arte de la composición musical" que "hay dos tipos de teóricos: el compositor docente y el especialista reconocido en la enseñanza de la teoría musical. Un compositor dotado no es siempre un buen maestro, pero su enseñanza tiene una calidad creativa, incluso cuando es un compositor modesto, porque está transmitiendo directamente lo que él mismo ha experimentado. Esto no ocurre con la instrucción teórica usual, como es dado en la mayoría de las escuelas. El especialista que da tal instrucción sin estar dotado para la composición se encuentra en una posición difícil, ya que en muchos casos tiende a repetir esquemas, impuestos como reglas y “leyes de hierro” que no se deben contradecir. La mayoría de las confusiones o divergencias del análisis armónico provienen del querer interpretar y analizar la música de un momento histórico con herramientas estilísticas de otro período".
Franco Ferrara
En su época de estudios no existían cursos escolares de dirección de orquesta, por lo cual a un aspirante a director no le quedaba otro remedio que emprender un largo aprendizaje en los teatros y las instituciones sinfónicas en el rol de Maestro sustituto o asistente, o como instrumentista en una orquesta. Franco Ferrara vio facilitado su aprendizaje de director por el hecho de que en el Conservatorio de Bolonia existía una orquesta de alumnos que permitía a los alumnos de Composición seguir los ensayos durante el curso. Fue en este ámbito en el que Franco Ferrara tuvo las primeras experiencias, dirigiendo por primera vez a la edad de nueve años. Y fue también en Bolonia donde Ferrara tuvo sus primeras experiencias de contacto con el público actuando como pianista, violinista y compositor, dirigiendo algunas de sus mismas obras.