¿Qué significa "en dehors" en ballet?
Barroco
Luis XIV favoreció la profesionalización de la danza, para lo que creó la Academia real de Danza en 1661, la primera de esta modalidad en el mundo. En ella desarrolló su labor Pierre Beauchamp, quizá el primer coreógrafo profesional, creador de la "danse d'école", el primer sistema pedagógico de la danza. Beauchamp introdujo el "en dehors" —la rotación de las piernas hacia fuera, uno de los pasos tradicionales del ballet clásico—, así como las cinco posiciones de los pies, que varían en diferentes grados de apertura respecto al eje central del cuerpo. Por otro lado, la Academia favoreció la transformación del ballet en grandes espectáculos donde, además de la danza, destacaban los elementos dramático y musical. Así como el principal referente musical fue, como se ha visto, Lully, a nivel dramático jugó un papel esencial Molière, creador del "comédie-ballet", un género de danza inspirado en la "commedia dell'arte" italiana. Por último, cabría mencionar a Raoul Auger-Feuillet, que en 1700 desarrolló un nuevo sistema de notación de danza, gracias al cual han sobrevivido numerosas coreografías de la época.
Ballet romántico
Un discípulo de Noverre, Charles Didelot, de paso por París en 1815, representó "Flore et Zéphire" en la Ópera de París, los bailarines Albert y Geneviève Gosselin “flotaban” sobre el escenario, estando suspendidos por hilos de acero. Fue un descubrimiento para el público que, por primera vez, contemplaba una danza aérea, etérea. Madame Gosselin ya había innovado la danza dos años antes bailando sobre la punta de los pies, técnica llamada "en pointes" (aunque anteriormente lo realizara la bailarina italiana Amalia Bugnoli, pero en realidad no se sabe con certeza el origen de esta innovación técnica dentro de la danza académica.) Como fuera, la técnica "en pointe" generaba sobre el escenario un desplazamiento etéreo y misterioso, y ello aunado al auge del romanticismo propició que fueran llevadas a escena principalmente historias pobladas por hadas, sonámbulas y fantasmas.
Ballet
El "ballet" existe en tanto pieza autónoma, como parte en las escenas de una ópera o de una obra de teatro a modo de divertimento. El ballet cortesano francés, es contemporáneo de los primeros ensayos de la monodia dramática de Florencia (los intermedios, de finales del ]). De las representaciones de los ballets de la corte nacen las óperas-ballet y las comedias-ballet de Lully y de Molière.
Baile en barra
El baile en barra (también conocido como pole dance, baile de barra, baile del caño, americana o baile del tubo) es una forma de baile cuyos orígenes se remontan a la Inglaterra de los años 1980. Se trata de un baile, en ocasiones sensual utilizando como elemento un poste o caño vertical sobre el cual el/la bailarín/a realiza su actuación. Este término, es comúnmente más asociado al ámbito de los "strip clubs", aunque recientemente, también se utiliza el "baile en barra artístico" ("caños chinos") en los cabarés y circos en espectáculos acrobáticos que no emplean el erotismo como herramienta visual. El baile en barra requiere de cierta fuerza y resistencia para trabajar sobre él. En los "strip clubs", el baile en barra se realiza de forma no tan gimnástica, sino más bien acompañado de un "striptease". La bailarina o el bailarín debe sostener el poste con una o ambas manos para poder realizar los movimientos atléticos que incluyen: ascensos, giros e inversión corporal. La parte superior del cuerpo, así como fortalecer los abdominales y el núcleo principal de la fuerza son importantes para el dominio del baile en barra, el cual lleva tiempo para desarrollarse.
Ballet clásico
Actualmente se ha ido diversificando el "ballet" desde las técnicas hasta la soltura a la hora de bailarlo, siendo estas primeras la herramienta principal con la que se forma a un bailarín, la técnica proporciona la base del baile, para que con ella el bailarín sea libre de poder expresar lo que a él le plazca. La barra al piso es una técnica innovadora, ya que los trabajos que realizara el ejecutante en barra de "ballet", (de pie) los realizara en el piso, jugando de esta manera con la gravedad, siendo esta una manera eficaz de trabajar el cuerpo pues los huesos de la columna se alinean desde la cabeza hasta el coxis, permitiendo también una mejor conciencia del trabajo corporal.
Cancán
El cancán se baila en un compás de 2/4, y en la actualidad se suele bailar en un escenario, formando una hilera. En la Francia del siglo XIX, el cancán permaneció como una danza para bailarines individuales, quienes se exponían en la pista de baile. En el Reino Unido, los Estados Unidos y otros lugares, el cancán adquirió popularidad en salones de baile, en donde era bailado por grupos de mujeres con rutinas coreografiadas. Este estilo fue importado a Francia en los años 1920 para el beneficio de los turistas, y así nació el cancán francés —una rutina altamente coreografiada que dura alrededor de diez minutos, con oportunidad para que cada bailarín muestre sus especialidades—.
Inodoro
Quevedo, en una escena del Buscón llamado Don Pablos, indica el uso del «servicio» para evacuar. Este consistía en una suerte de bacinilla que recogía los excrementos u orines y que se vaciaba directamente en la vía pública previo aviso: «¡Agua va!». También se denominaba «servicio» al habitáculo o cuarto donde se guardaban las bacinillas, lo que posteriormente se denominaría «retrete».
Ensayo de un ballet en el escenario
Convertirse en bailarina era el sueño de muchas niñas a finales del siglo XIX, especialmente en París. Para los grandes ballets de esa época, se seleccionaron las chicas más bellas, a menudo a una edad muy temprana, y de orígenes humildes en muchos casos, pues para ellas significaba una oportunidad. Para muchos hombres de la época, el ballet tenía un atractivo sensual y erótico, especialmente por todas esas jóvenes que flotaban por el escenario con vaporosas faldas cortas. Era una forma permisible de voyerismo, en un momento en que a las mujeres no se les permitía mostrar gran parte de sus cuerpos.
Afternoon of a Faun
Jerome Robbins se inspiró para este "pas de deux" en el legendario ballet "La siesta de un fauno" que Nijinski creó en 1912 para los Ballets Rusos de Diáguilev. Pero si Nijinski renunció en su ballet al vocabulario clásico académico y lo situó en una Arcadia bucólica y primitiva, Robbins vuelve al lenguaje clásico del ballet, modernizado y libre de academicismo. Sin embargo, a pesar de colocar a sus bailarines en el espacio cerrado y ensimismado de un estudio de ballet rodeado de barras y dominado por el espejo, Robbins conserva el ambiente bucólico del poema de Mallarmé que subyace tanto a la partitura de Debussy como al concepto coreográfico de Nijinski.
El balcón (obra de teatro)
El balcón se ubica en una ciudad sin nombre que sufre los estragos de una revolución. "El balcón" es el nombre de un burdel o "casa de ilusiones" donde acuden individuos normales a realizar sus fantasías. Entre ese repertorio de fantasías se encuentran las que representan el clero, el estamento militar y, finalmente, el representante de las leyes. Así se crea un microcosmos con los representantes del régimen establecido dentro del burdel mientras que fuera se extiende la revolución. La obra despliega, por un lado, el conflicto de la revolución frente a la contrarrevolución, y por otro lado, más filosófico, el conflicto entre identidad e ilusión. Se desarrolla especialmente el mecanismo del metateatro, teatro dentro del teatro, que resulta de gran interés en el estudio de la obra. El espacio escénico se desdobla; dentro del burdel se representan las ilusiones de los personajes que son observadas por la "madame" y otros personajes.
Bailía y senescalía
El sistema tuvo su origen en Francia ("baillie" era el término en francés arcaico para bailiazgo), estando en uso a ambos lados del Canal de la Mancha. El bailiazgo sobrevive en el uso administrativo de las Islas del Canal, que para asuntos administrativos están agrupadas en dos bailiazgos: Jersey (que incluye la isla de Jersey y los islotes de Minquiers y Ecréhous) y Guernsey (que incluye las islas de Guernsey, Sark, Alderney, Brecqhou, Herm, Jethou y Lihou). Cada bailiazgo del archipiélago está gobernada por un bailío. En diciembre de 2008 la isla de Sark abolió el bailiazgo y a continuación tuvieron lugar las primeras elecciones, que vieron triunfar el partido del ex bailío, que así pues continuó gobernando pero ya no según el sistema feudal.
El baile. Costumbres populares de la provincia de Soria
Bécquer demostró una especial atención para describir el atuendo de la mujer que está bailando y que representa la fiesta tras el trabajo. Lleva un manteo de debajo y atado a la cintura un mandil o delantal muy largo. Cubre el cuerpo con un jubón con mangas largas y muy escotado abrochado por delante con cordones como un corpiño. El gran escote deja ver la blusa blanca, abullonada y sobre ella, adornos de ricos collares de coral. Va calzada con unas sandalias también de fiesta. El calzado de los demás personajes es rústico y consiste en las conocidas abarcas con suela de cuero, atadas al tobillo por medio de cintas.
Ballet
La palabra "ballet", retomado del latín "ballo", "ballare", «bailar», a su vez retomada del griego βαλλίζω ("ballizo"), ‘bailar’, ‘saltar’.
Flogger
El baile radica principalmente en las extremidades inferiores, aunque no está limitado al resto del cuerpo y las piernas son las que se lucen al momento de bailar. Este consiste en una rápida prolongación de las piernas propagando los pies golpeando el suelo con el talón y deslizando la otra pierna hacia atrás, cambiando rápidamente la posición de las piernas (difusión de la otra pierna y el cambio hacia atrás de la que se difundió). Los movimientos de las manos y el tronco son aleatorios y/o improvisados al no haber una manera concreta de como mover el resto del cuerpo al momento de bailar, por lo que la mayoría de los bailarines optan por dejar que el cuerpo se exprese libremente.
Bambalina
Junto con telones y bastidores, y en ocasiones como sinónimo de "forillos", las "bambalinas laterales" o "patas" se utilizan para crear espacios protegidos a los lados de la escena, los llamados "hombros" de la aforada. En el caso de las "bambalinas altas" se diferencian varios tipos, los dos más importantes son: Casi más utilizada que el término escenográfico original es la expresión "entre bambalinas", "tras (las) bambalinas", e incluso "entre bastidores", que describe la acción de situarse en el perímetro interior del escenario durante la representación de un espectáculo, quedando oculto para los espectadores. Es un espacio que tradicionalmente ocupan el traspunte, el regidor o el director de escena, entre un nutrido grupo de operarios diversos (tramoyistas, utileros, etc) y racionistas, 'avisadores', comparsas y actores en tránsito de salir a escena.
La siesta de un fauno (ballet)
El estreno de "La siesta de un fauno", el 29 de mayo de 1912 en el Théâtre du Châtelet de París, fue memorable por el impacto estético que produjo el concepto de danza propuesto por Nijinski, que se alejaba del ballet clásico y se acercaba a la danza expresiva como la propugnaban entonces Isadora Duncan y Émile Jaques-Dalcroze. En efecto, la coreografía de Nijinski prescindía del vocabulario del ballet clásico y del característico nexo riguroso entre música y movimiento que lo rige. Pero esta libertad, que en la opinión de algunos (entre ellos el mismo Debussy) no hacía justicia a la música, fue bien aceptado por el público del estreno, como también aceptó que las ninfas llevaran túnicas sueltas y sandalias y que el Fauno apareciera medio desnudo con unas mallas color carne cubiertas con grandes manchas oscuras. El escándalo lo provocó el último movimiento del Fauno/Nijinski echándose voluptuosamente sobre el velo de la ninfa, que fue entendido como un gesto provocador y explícitamente sexual. La voz más escandalizada por este "erotismo bestial" fue la del director del diario "Le Figaro", Gaston Calmette, que con su crítica estridente desencadenó una verdadera batalla de principios en la que participaron artistas como el escultor Rodin, el pintor Odilon Redon y otros defensores de la libertad artística. Tanto el escándalo como la batalla de opiniones contribuyeron al enorme éxito de taquilla del ballet de Nijinski.
Vuelo 1862 de El Al
Para que se produzca un desprendimiento en caso de fallo, el pasador tiene menos sección en las zonas situadas entre las orejetas macho y hembra. Por suerte, se pudo recuperar parte del pasador exterior porque todavía estaba en las orejetas de anclaje exterior, así que se ha podido estudiar el tipo de fallo que causó la rotura del bulón exterior.
Bulín
Algunos autores dicen que la palabra deriva del francés "Boulin" que es el agujero hecho en una pared para insertar un travesaño que sostiene el andamio, también llamado ope en buen francés. A veces esa cavidad queda sin rellenar al finalizar los trabajos y puede ser utilizado por aves de diversas especies para asentar su nido. Es posible que por este uso se haya incorporado al lunfardo con las grafías "bolín" y, más frecuentemente, "bulín", a veces transformado en épocas más recientes en "bulo". De allí derivaron el verbo abulinar, el adjetivo bulinero y el diminutivo bulincito. Son sinónimos cotorro y pichonera, que directamente evocan el nido.Su significado tiene cierta similitud con el de la "garçonnière" pero a esta se la vincula más con una habitación o departamento que tiene el hombre soltero o casado en un lugar diferente de su vivienda y destinado a recibir a sus amantes.
Ballet de Montecarlo
En 1992, Jean-Christophe Maillot se unió al Ballet de Montecarlo, primero como asesor artístico. Luego fue ascendido oficialmente al rango de director y coreógrafo en septiembre de 1993. Cuatro años más tarde, gracias a su visión y su energía, el Ballet de Montecarlo abandonó el edificio que había sido su hogar histórico, ya demasiado pequeño, y se mudó a su propio centro de danza: L'Atelier. En diciembre de 2000, inauguraron su temporada de ballet por primera vez en el escenario de la Salle des Princes en el nuevo centro de congresos en Mónaco, el Grimaldi Forum. Se trataba de dos puntos de inflexión en la historia moderna del Ballet de Monte-Carlo, y el comienzo de una era nueva danza en Mónaco.
La ventana (ballet)
No existe información acerca de como era la escenografía original, pero a través de fotografías y otras fuentes, podemos saber que al cambiar la ambientación de la primera escena al crear el ballet completo, se crea un jardín lleno de plantas con una terraza y el telón de fondo muestra la barandilla de esta con un paisaje de árboles y casas del pueblo con las colinas a lo lejos. En 1980 se hizo una reposición de 30 minutos por parte del Real Ballet Danés. En él, el vestuario y el ambiente se encuentra dentro del estilo de las Goyescas, igual que lo representado por Goya en sus pinturas, donde majos y majas se introducían en las escenas de danzas y cortejo. En la parte del decorado de la habitación de la señora sale "La maja desnuda", algo que es un anacronismo, ya que no habría ninguna mujer que tuviera esa pintura en su cuarto.
El Espectro de la rosa
La idea para el ballet se debe al poeta francés Jean-Louis Vaudoyer que a su vez se inspiró en unos versos del romántico francés Théophile Gautier: "Je suis le spectre de la rose/que tu portais hier au bal" (Soy el espectro de la rosa/que ayer llevabas en el baile). Una joven regresa a su habitación de un baile y recordando los momentos felices de la velada se queda dormida en un sillón con una rosa en la mano. Por el ventanal que se abre a la noche entra de un salto el Espectro de la rosa y emprende una danza vertiginosa por el espacio y en torno a la joven dormida a la que levanta y lleva consigo en sus giros y evoluciones cada vez más arrebatadas para por fin volverla a dejar en el sillón y desaparecer como había entrado de un salto por el ventanal. Entonces la joven despierta y con la rosa en la mano se acerca lentamente a la ventana abierta.
Desnudo (género artístico)
En el siglo XX se han buscado nuevas formas de expresión basadas en la libertad del gesto corporal, liberado de las ataduras de la métrica y el ritmo, cobrando mayor relevancia la autoexpresión corporal y la relación con el espacio. Isadora Duncan fue una de las principales promotoras del desnudo en la danza, bailando en numerosas ocasiones semidesnuda o con finas telas transparentes, como se podía constatar en los vasos y cerámicas de la antigua Grecia, con la pretensión de romper con el academismo y la rigidez del ballet clásico. Desde entonces la desnudez en la danza contemporánea ha oscilado según la época, apareciendo en tiempos de libertad y aperturismo social, y retrayéndose en períodos de moral más puritana. En tiempos modernos el cuerpo desnudo ha sido utilizado por coreógrafos como Jan Fabre, Daniel Léveillé, Maureen Fleming, Lia Rodríguez, Alban Richard, Eléonore Didier, Anna Ventura, Kataline Patkaï, Jesús Sevari, Cecilia Bengolea y la española María Ribot.
Gogó
El término "go-go" (adaptado al español como gogó) deriva de la frase en inglés "go-go-go", utilizada para referirse a una actitud energética y emocionante. El término también deriva de la expresión en francés "À gogo", que podría traducirse como ""en abundancia"". Se le llama go-go girl, bailarina á go-go o chica gogó a una bailarina femenina, mientras que los bailarines masculinos son conocidos como go-go boys o chicos gogó.
En el Moulin-Rouge, el baile
En el Moulin-Rouge, el baile o "Baile en el Moulin Rouge" ("Dressage des nouvelles par Valentin-le-Désossé") es un cuadro del pintor francés Henri de Toulouse-Lautrec. Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide 115 cm de alto y 150 cm de ancho. Fue pintado en 1890, encontrándose actualmente en el Museo de Arte de Filadelfia, formando parte de la colección McIlhenny, Filadelfia, Estados Unidos.
Incroyables y merveilleuses
Muchas bailes públicos fueron "bals des victimes," en los que jóvenes aristócratas que habían perdido a seres queridos en la guillotina bailaban vestidos de luto o llevaban brazaletes negros, saludándose unos a otros con movimientos violentos de cabeza simulando la decapitación. Por ejemplo, un baile celebrado en el Hôtel Thellusson en la rue de Provence del IX Distrito de París limitó su lista de invitados a los hijos adultos de los guillotinados.
Ornamentos exteriores (heráldica)
Estos ornamentos exteriores suelen indicar el rango, los cargos, las dignidades, las funciones de los poseedores. Así, en Francia, los grandes oficiales de la Corona portaban "soportes" específicos a su cargo, como los dos bastones flordelisados de los mariscales. Así mismo, los "pabellones" están reservados a los soberanos y los "mantos", en Francia y el Reino Unido a los pares. Se ha intentado, también, jerarquizar las coronas y los hombres según el grado de la jerarquía nobiliaria pero eso no tiene importancia real en la época contemporánea.
Ballet clásico
Exige muchos años de preparación en forma y técnica. El vestuario propio son los leotardos y las [mediasallas, con una falda opcional (tutú). Las bailarinas usan zapatillas de media-punta hasta que sus músculos sean lo suficientemente fuertes y estén entrenados para usar y soportar las zapatillas de punta; los bailarines solo utilizan zapatillas de media-punta y en escasas ocasiones de punta para trabajar huesos de los pies como el empeine. Los huesos de los tobillos y de los pies deben ser lo suficientemente fuertes para ir "en pointe" (en punta) o inclusive usaban vestidos de gala cuando eran bailes para gente importante.
Enric Palomar
En julio del 2011 el Ballet Nacional de España y su director José Antonio estrenan en los Jardines del Generalife de la Alhambra de Granada su ballet Negro Goya, con la participación de la Orquesta Ciudad de Granada. En 2014 estrena en el Neuköllner Oper de Berlín su cuarta ópera Bazaar Cassandra. En 2016, y con motivo del Jubiläumskonzert 10 Jahre Staatskapelle Halle, estrenó su Concerto for Orchestra. Fue designado Composer in Residenz por la Staatskapelle Halle para la temporada 2017-2018, dentro de la cual estrena el ballet Inferno (para el Ballet Rossa, con coreografía de Michal Sedlácek) y la obra Toxiuh Molpilia, poema coreográfico basado en un rito mexica.  En noviembre de 2017 tuvo lugar el estreno del Réquiem por el cantaor de los poetas, partitura sinfónico coral dedicada a la memoria del cantaor Enrique Morente, interpretada por la OBC (Orquesta Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya), con los solistas Pere Martínez, María Hinojosa, el Orfeó Català bajo la dirección de Josep Caballé Domenech. En 2018 debuta en USA con el estreno del Concierto de Granada (para guitarra y orquesta) dedicado y estrenado por Sharon Isbin. En 2018 aparece también el disco Égloga, con obras escritas y encargadas por el cuarteto Barcelona Clarinet Players, con las obras Égloga, El maleficio de la mariposa y Epigramas Nazaríes.
Ensayo de un ballet en el escenario
Ensayo de un ballet en el escenario (en francés: "Répétition d'un ballet sur la scene") es una pintura al óleo de 1874 del pintor impresionista francés Edgar Degas. Es una de las muchas obras que Degas realizó con el ballet como tema. El conde Isaac de Camondo, un destacado coleccionista de arte impresionista, legó la pintura al Museo del Louvre en 1911. La obra se encuentra en el Museo de Orsay desde 1986.
Ballet cortesano
El ballet" cortesano o ballet" de corte (en francés: ballet de cour) es un género de ballet que comprende poesía, música vocal e instrumental, coreografía y escenografía, cuyo nacimiento se sitúa a fines del siglo en la corte de Francia.
Baile de mesa
El baile de mesa es un tipo de espectáculo o baile exótico frecuente en establecimientos dedicados al entretenimiento erótico como: dive bars, cabarets, casas de burlesque y neo-burlesque, bares, antros, pubs, go-go bars, strip clubs, prostíbulos, burdeles, sex clubs y otros establecimientos nocturnos dedicados principalmente al entretenimiento y a la venta de alcohol.
Fouetté en tournant
El fouetté en tournant es un movimiento del ballet clásico.
Alexandre Benois
Benois encontró entonces acogida en la compañía de la bailarina-actriz Ida Rubinstein para la que creó en 1928 la escenografía y los figurines de los ballets "Les Noces de Psyche et de l`Amour" (mús. Bach) y "Le Baiser de la fée" (mús. Stravinsky, y en 1929 "La Valse" (mús. Ravel). En los años siguientes, Benois colaboró con los Ballets Russes de Monte-Carlo, la compañía surgida a la muerte de Diáguilev en 1929 con los artistas supervivientes de la disolución de los Ballets Rusos, contribuyendo entre otros trabajos la escenografía y el vestuario de "Le Bal de cadets" (más conocido como "Graduation Ball") (1940), con música de Johann Strauss y coreografía de David Lichine. Entre sus últimas creaciones cabe citar, ya en 1949, los decorados y figurines para "Le Moulin enchanté" (mús. Schubert) con coreografía de Lichine para el Grand Ballet du Marquis de Cuevas y la escenografía y el vestuario para una reposición del clásico "Cascanueces" para el London´s Festival Ballet, en 1957.
Baile de salón
Hacia la segunda mitad del siglo XVII, Louis XIV fundó su «Académie Royale de Musique et de Danse», donde las reglas específicas para la ejecución de cada baile y las "cinco posiciones" de los pies fueron formuladas por primera vez por miembros de La Académie. Eventualmente, la primera división definitiva entre el ballet y el baile de salón vino cuando los bailarines profesionales aparecieron en los ballets, y los ballets salieron de la corte y fueron al escenario. Sin embargo, la técnica del ballet, como las posiciones de los pies, se prolongó durante más de dos siglos y después del final de la época victoriana.
Baile en la ciudad
Baile en la ciudad (en francés, "Danse à la ville") es un óleo sobre lienzo realizado en 1883 por el pintor francés Pierre-Auguste Renoir. Sus dimensiones son de 180 × 90 cm. La pieza forma conjunto con "Baile en el campo".
Ballet
También se utiliza el término "ballet" para designar una pieza musical compuesta, a propósito, para ser interpretada por medio de la danza. El "ballet" es una de las artes escénicas.
Cancán
El cancán ha aparecido frecuentemente en el ballet, siendo los más notables "La boutique fantasque" (1919) y "Gaîté Parisienne" de Léonide Massine, así como "La viuda alegre" (ballet). Un ejemplo particularmente bueno puede verse en el clímax de la película "French Cancan" (1954) de Jean Renoir.
Bailío
En un principio, el bailío o baile era un agente de la administración real o señorial en un territorio determinado. El de categoría superior era «gran bailío de espada», que administraba justicia en nombre del rey o de un señor. Durante el Antiguo Régimen francés, era el representante de la autoridad del rey o del príncipe, encargado de hacer aplicar la justicia y controlar la administración en su nombre.
Ensayo de un ballet en el escenario
"Ensayo de un ballet en el escenario" muestra a un grupo de bailarinas anónimas reunidas en un escenario preparándose para una actuación. Una luz cálida y envolvente llega al escenario desde el frente y abajo, lo que puede ser una indicación de que se trata de un ensayo general. Las bailarinas claramente no han comenzado a la hora que se muestra. Algunas todavía alisan sus tutús, otras están probando con cautela sus primeros pasos. En el lateral del escenario se sienta una figura a horcajadas sobre una silla del revés que puede ser el director del teatro o el patrón de una de las chicas. Sucedía a menudo en ese momento que los amigos del director del teatro o personas importantes eran invitados a asistir a los ensayos. Degas mismo también realizó numerosos bocetos por invitación durante las sesiones de práctica.
Catherine Allard
En ese momento era un proyecto absolutamente nuevo en España y prácticamente único en Europa. La intención es que los bailarines que terminan su carrera puedan trabajar durante dos años en la compañía con el fin de reunir la experiencia suficiente para dar el salto al mundo profesional. La compañía tendrá un gran espíritu de trabajo, calidad técnica y amplios conocimientos no solo del escenario sino también de todo lo que sucede hasta llegar a él.
Ballet cortesano
El espectáculo era bailado por los miembros de la familia real, los cortesanos y algunos bailarines profesionales. En el curso de las diversas "entrées" los intérpretes van bailando por turno. La última "entrée" es interpretada por todo el cuerpo de bailarines.
Carnaval (ballet)
Carnaval es un ballet en un acto creado por el coreógrafo ruso Michel Fokine sobre la suite para piano en 21 escenas, opus 9 (1834-35) de Robert Schumann. La música eminentemente romántica da pie a un divertimento sobre las veleidades del amor de aire frívolo pero de trasfondo melancólico. Fokine acertó al fundir el tema de las máscaras de carnaval con el carácter romántico de la música y los personajes de la Comedia del arte italiana, creando un mundo poético de múltiples facetas pero con un claro hilo dramático.
Noviazgo
A su actividad se le puede denominar «salir» (frecuentar, por motivos amorosos o amistosos, el trato de otra persona, fuera de su domicilio), «hablar» (tener relaciones amorosas con otra persona), o «ligar» (entablar relaciones amorosas o sexuales pasajeras). En el contexto previo al noviazgo se realiza el cortejo, la actividad denominada «tontear» (dar los primeros pasos en la relación amorosa), coqueteo o flirteo (juego amoroso que no se formaliza, dar señales sin comprometerse) y las citas («quedar» - "dating" en el uso anglosajón contemporáneo, en la costumbre japonesa, 見合い "miai"-), que son los encuentros con propósito de conocerse; en caso de quedar conformes en entablar la relación, se considera que la pareja se ha «ennoviado» («echarse novio» o novia).
Palacio Errázuriz
El salón de baile está entre el salón de madame y el jardín de invierno, y se abre por tres grandes ventanas con arquería hacia la balconada sobre Avenida del Libertador.  Las arañas son de bronces de Bagués, con caireles de Baccarat, con boisseries, más el oro a la hoja y los espejos que crean la atmósfera de la época.
Baile en la ciudad
El modelo masculino de este cuadro fue Paul Auguste Lothe, mientras que el femenino fue Suzanne Valadon, quien en la época en la que posó para este cuadro, estaba esperando un hijo, el futuro pintor Maurice Utrillo. La postura de los personajes desvela que están bailando un vals, el único baile de la época donde las parejas podían bailar pegadas. La obra, a tamaño natural, emana elegancia y distinción; el bailarín representa una silueta y la joven simboliza el refinamiento de la moda parisina de la época. Se expone en el Museo de Orsay, París.
Solista (ballet)
En ballet, un solista es un bailarín en una compañía de ballet por encima del cuerpo de ballet pero por debajo del bailarín principal.
Chassé
En el ballet casi toda la terminología está en francés. Actualmente no es exclusiva del ballet sino que también ha sido y está siendo utilizada por otras manifestaciones dancísticas como la Danza contemporánea.
Jean Babilée
En 1949 Babilée y su mujer Nathalie abandonaron la compañía y durante las temporadas de 1950 a 1952 aparecieron como "artistas invitados" con el American Ballet Theatre de Nueva York. Con él presentó sus propias coreografías como "L'amour et son amour", "Till Eulenspiegel", clásicos como "El pájaro azul" y naturalmente "Le jeune homme et la mort". En 1953 la pareja Babilée se despidió del American Ballet Theatre y se instaló en París en espera del nacimiento de su hija Isabelle. Babilée fue contratado por la Ópera, esta vez de "danseur étoile", es decir de primerísima figura. Como tal interpretó el paso a dos "El espectro de la rosa" con Liane Daydé y el papel de Albrecht en "Giselle" con gran éxito. Sin embargo las desavenencias entre la dirección de la Ópera y el artista condujeron a la rescisión del contrato después de sólo nueve meses. Siguió una serie de actuaciones independientes y puntuales con los "Ballets de Paris" de Roland Petit en Londres (1954) y con el ballet de la Scala de Milán con el que apareció en "Pulcinella", coreografía de Nicholas Beriosoff (1954), "Till Eulenspiegel" (1955) y "Mario e il mago" con coreografía de Léonide Massine y dirección de Visconti (1956). Añorando el trabajo continuado y en equipo Babilée creó en 1956 su propia compañía, los "Ballets de Jean Babilée", en la que reunió a bailarines como Claire Sombert, Iovanka Biegovic, Violette Verdy, Dirk Sanders, Alexander Kalioujny, André Prokovsky. Con la compañía viajó por Francia, visitó capitales europeas (entre ellas Madrid, en 1958) e hizo una gira por Brasil. Las deudas acumuladas y quizá cierto cansancio llevaron a la disolución de la compañía en 1959. Babilée se alejó del mundo de la danza y se dedicó como actor al cine y al teatro.
Cabécar
Hay muchas danzas diferentes, unas relacionadas con ceremonias y otras que hacen por puro placer. Muchos de los cantos con que se acompañan las danzas están en un idioma incomprensible para los cantores. Hay dos métodos tradicionales de baile: en una línea o en un círculo. El tipo circular recibe el nombre de buLikLak, cuando hay tambores que acompañan a los que danzan aquellos permanecen fuera del círculo, los participantes levantan los brazos horizontalmente y se entrelazan. Un baile lineal llamado durét, se ejecuta con una fila de hombres: el busiki es con hombres y mujeres en la misma línea; buLtakuL es corrientemente una hilera de hombres, pero puede haber una de mujeres.
Ballet
El "ballet" intercalado, insertado en una ópera, es específico del arte lírico francés, como se refleja en las representaciones de las tragedias líricas de Lully y de Rameau. La reforma de Noverre ("ballet" de acción) e incluso las de Gluck. El "ballet" moderno comprende una sucesión de episodios que se encadenan de manera continua. Las concepciones wagnerianas ya no contemplan la práctica del ballet intercalado.
Expresionismo
La danza expresionista surgió en el contexto de innovación que el nuevo espíritu vanguardista aportó al arte, siendo reflejo como el resto de manifestaciones artísticas de una nueva forma de entender la expresión artística. Como en el resto de disciplinas artísticas, la danza expresionista supuso una ruptura con el pasado –en este caso el ballet clásico–, buscando nuevas formas de expresión basadas en la libertad del gesto corporal, liberado de las ataduras de la métrica y el ritmo, donde cobra mayor relevancia la autoexpresión corporal y la relación con el espacio. En paralelo a la reivindicación naturista que se produjo en el arte expresionista –sobre todo en "Die Brücke"–, la danza expresionista reivindicó la libertad corporal, a la vez que las nuevas teorías psicológicas de Freud influyeron en una mayor introspección en la mente del artista, lo que se tradujo en un intento de la danza de expresar el interior, de liberar al ser humano de sus represiones.
Turdión
Casi todas las variantes se basan en el turdión "cinq pas" simple. El "cinq pas" (cinco pasos) puede comenzar en "posture droit" o en "posture gauche" (la primera con el pie derecho un poco más adelante y la última con el izquierdo), con el peso distribuido uniformemente entre los pies. Partiendo de una "posture gauche", le siguen en un solo pulso un "pied en l'air droit" (pie derecho en el aire) y un "petit saut" (pequeño salto), es decir, una pequeña patada al aire del pie derecho al mismo tiempo que un salto ligero para caer con el pie izquierdo. Hay que recordar que todos los "pied en l'air" (pie en el aire) van acompañados del "petit saut" en el pie opuesto.
Postura
En la danza ("ballet") se codifican distintas posturas.
Borde de salida
El borde de salida o borde de fuga es el punto del perfil de un ala en el que el aire del extradós y del intradós confluyen y abandonan el contacto con el ala. Es el borde posterior del ala. También se refiere a cualquier punto equivalente en alguna otra superficie aerodinámica cuyo perfil sea similar al alar, por ejemplo el estabilizador horizontal, el estabilizador vertical o las palas de una hélice.
Vals
La musette es una pieza danzable pseudopastoril del . Se refiere a un aire en compás de 2/4, 3/4 o 6/8, con un tempo moderado y con un carácter suave y sencillo, lo cual se corresponde con el instrumento del que toma su nombre: "musette" o cornamusa. Así, la "musette" generalmente tiene un bajo pedal que responde al nombre de bordón —que imita al instrumento homónimo—, mientras que en la parte superior abundan los pasajes rápidos, plagados de notas de adorno como las apoyaturas o las "acciaccaturas". Estas piezas se bailaban en los "ballets" franceses de comienzos del .
Clignancourt
Las ""barreras"" del recinto, los bulevares de Clichy y Rochechouart, atraen aquí, como en muchos lugares de París, cabarets, tabernas y bailes donde los parisinos se entretienen consumiendo bebidas más baratas que en dentro de París Las bals del Elysée-Montmartre y la Boule Noire datan de 1807 y 1822.
Château Nairac
Después de un período de "jardín inglés" con césped circular y árboles exóticos, el jardín recuperó su espíritu "francés" bajo la dirección de Nicole Tari-Heeter. Conquistada por el plan original de Mollié jugando con la preciosa y lo común, preservado por los archivos del condado, se encomienda esta labor al arquitecto paisajista "Anouck Debarre". Quedando pues un ejemplo de un jardín regular.  El espacio reservado para jardín la denominada « beaux dehors » ("La hermosura de afuera"), forma una L dividida en tres áreas distintas:
Entoldado
A pesar de que no hay ninguna instrucción para un género ballable determinado para llevar a cabo los juegos, normalmente se usan valses y pasodobles, porque se pueden bailar en pareja y porque son suficientes conocidos por la mayoría del público. Sin embargo, algunas orquestas también usan rocks, rumbas y otras ballables. Los juegos tienen componentes de competición y de lucimiento. El baile del fanalet es una competición entre parejas y gana quién aguanta más rato con el fanalet encendido, sin que se queme o se apague. Los bailes subastados son juegos de lucimiento y al mismo tiempo de obsequio a la pareja. Con la subasta de compra de bailes se puede bailar con quienes se desee e invitar quién plazca; de lucimiento son los bailes de ramos en los cuales se obsequia la pareja con un ramito de flores o un abanico. Los bailes robados y los de la escoba tienen características parecidas, puesto que en ambos uno de los dos componentes de la pareja es expulsado y sustituido por otro.
Ballet romántico
El "ballet" romántico abandonó progresivamente los mitos de la Grecia antigua, para basarse en la Mitología nórdica poblada de elfos, ondinas y troles. Es el reinado de la bailarina, pálida y etérea, encarnando la nostalgia y la melancolía, vestida con vaporosas muselinas y coronada de flores del campo. El bailarín queda en Francia reducido a su cometido de "partenaire" (pareja de baile) poniendo de relieve la gracia y la delicadeza de su pareja.
Marie Taglioni
Con el estreno de “La Sílfide”, obra de ballet creada por su padre y estrenada por ella en la Ópera de París el 12 de marzo de 1832, acompañada por Joseph Mazilier (1801 – 1868) y Lisa Noblet, se inició la era del baile en puntas. Su estilo etéreo se convirtió en el símbolo de la época romántica. Asimismo, la bailarina se consagró, al bailar en puntas de pie por primera vez en la historia de la danza, como “la más grande bailarina del momento”. Creó un delicado nuevo estilo, caracterizado por saltos flotantes y posturas equilibradas como el "arabesque", que tipificó la cualidad romántica de principios del siglo XIX.
Chassé
En ballet es un salto con desplazamiento en el cual una pierna persigue a la otra, "la caza". Este paso puede ejecutarse hacia adelante ("chassé en avant"), hacia atrás ("chassé en arrière"), al lado ("chassé en écarté") y girando ("chassé en tournant").  Los brazos y la cabeza deben moverse en armonía con la dirección en la que se haga el chassé.
Auguste Bournonville
Todas estas interpretaciones que surgieron, supusieron para Bournonville la visión del carácter lascivo del Fandango y rechazaba lo que según él, era vulgaridad en gestos muy exagerados y gran cantidad de amaneramientos. Por ello, quiso demostrar que se podía hacer un ballet de estilo español que siguiera ligado a la decencia y belleza, creando así su ballet La Ventana. Unos años después, su visión se hizo más radical. Le pareció que la danza se había hecho muy vulgar y que lo único que buscaba era atraer al público para entretenerlo. Y terminó arrepintiéndose se haber sacrificado su tiempo y creatividad en un arte que se había convertido meramente en un entretenimiento.Otras de sus obras es "Lejos de Dinamarca" inspirada en los inmigrantes Daneses en Argentina Fuente: Recopilación propia sobre datos proveídos de Grut, Marina (2002) The Bolero School.
Aire (danza)
Es una danza de pareja suelta, dividida en dos partes iguales. Cada una de ellas se inicia con el canto bailado de dos estrofas y luego el estribillo que finaliza invitando al hombre a realizar sus pasos  1. Cuatro esquinas (16c). Es similar a la 1º, los bailarines comienzan en los lugares opuestos.
Espalda adentro
El movimiento denominado espalda adentro es un término ecuestre con el que se denomina un ejercicio que se utiliza en la doma de un caballo, con el que se consigue que el animal describa una trayectoria sobre un eje en tres pistas incurvando sus espaldas hacia el lado interior y manteniendo la grupa en línea recta. La mano exterior y el pie interior ha de pasar por la misma pista mientras que la mano interior por la pista de más adentro y el pie exterior por la pista de más afuera.
Cuerpo de ballet
El hecho de que un cuerpo de ballet solo baila y no realiza otras tareas corales (cantando o hablando) es relativamente nuevo en la historia del teatro. En el siglo XVIII, por ejemplo, en las óperas de ballet (ópera-ballet) de Jean Philippe Rameau, a menudo había coros que cantaban y bailaban al mismo tiempo. En cierto modo, esta tradición ha sobrevivido desde las operetas hasta los musicales modernos. Hasta el primer tercio del siglo XIX, tales tareas a menudo eran realizadas por otros miembros del teatro, y no requieren habilidades de baile muy desarrolladas. El compositor Richard Wagner en su contrato como director de coro en el Teatro de Würzburg en 1833, todavía estaba obligado a participar en el ballet en el escenario.
La siesta de un fauno (ballet)
El origen de este ballet se sitúa a finales de 1910 y comienzos de 1911, cuando Diáguilev y sus colaboradores discutían nuevas creaciones para la temporada de primavera en París. Se hallaban en preparación dos proyectos de Fokine de estética clasicista, "Narcisse" y "Daphnis et Chloé". Nijinski, que participaba en las discusiones, deseaba por entonces demostrar sus capacidades como coreógrafo y, con su hermana Bronislava, estaba trabajando en un "poema bailado" inspirado en los frisos egipcios y griegos para el que había inventado pasos y movimientos hieráticos y angulares que evitaban la frontalidad. Cuando a principios de 1911 los hermanos Nijinski mostraron a Diáguilev el resultado de su trabajo, este dio su aprobación y propuso el "Preludio a la siesta de un fauno" de Debussy como fondo musical para el ballet. El escenógrafo Léon Bakst subrayó con sus bocetos para el vestuario y la escenografía la estética bucólica clasicista.
Historia del ballet
El ballet continuó tomando más fuerza con la estructura francesa del "Ballet de Cour", el cual consistía de bailes sociales interpretados por la nobleza acompañados con música, interpretaciones verbales, poesía, cantos, desfiles, decoraciones y vestuarios. Cuando Catalina de Médici, una aristócrata italiana con interés en las artes, se casó con el heredero a la corona francesa, Henry II, trajo a su pasión por la danza a Francia y obtuvo apoyo financiero.  "Catherine de' Medici's court festivals" apoyó con los objetivos de la política y de la corte, los cuales por lo general se organizan en torno a temas mitológicos. La primera pieza del ballet de cour fue el Ballet de Polonais. Esta pieza de ballet se realizó en 1573 con motivo de la visita del embajador de Polonia. Fue coreografiada por Balthazar de Beaujoyeulx y contó con la presentación de dieciséis bailarinas durante una hora, cada una representando a una provincia francesa. El Ballet Comique de la Reine (1581), que también fue coreografiada y dirigida por Balthazar de Beaujoyeulx, y producida por Luisa de Lorena-Vaudémont, reina consorte del rey Enrique III de Francia, hijo de Catalina, para celebrar el matrimonio de Anne de Joyeuse. El ballet se prolongó durante más de cinco horas y fue bailado por veinticuatro bailarines.
Encuéntrame en París
Mientras tanto, en 2018, Lena debe continuar asistiendo a la escuela de ballet en la Opéra de Paris moderna para mantener su identidad en secreto y permanecer en París hasta que pueda regresar a 1905. Sin embargo, a pesar de querer regresar a 1905, Lena pronto se instala en ella. nuevo período de tiempo y hace nuevos amigos en algunos de los otros estudiantes de la escuela: Jeff, Dash e Ines, siendo esta última quien se convierte en su mejor amiga y la primera en descubrir su secreto. Sin embargo, también encuentra un rival en la despiadada Thea, que ve a Lena como una amenaza a su ambición de ser la mejor bailarina de la escuela. Para complicar aún más las cosas, aunque Lena no ha olvidado a Henri, termina enamorándose de Max, quien se convierte en su compañero de baile. También encuentra el amor por un nuevo género de baile, hip-hop, cuando se une al grupo de baile de Max llamado BLOK. Con todos estos conflictos, Lena se queda con un dilema: Regresar a 1905 o quedarse en el futuro.
Marinera
La bailarina debe llevar una enagua o fustán de raso o satén bajo el vestido. Dicha prenda interior quedará parcialmente expuesta durante el baile, ya sea con el movimiento cadencioso o al momento de remangar en forma coqueta el faldón del vestido.
Ensayo de un ballet en el escenario
Para muchas bailarinas, el ballet a menudo ofrecía una salida a la pobreza, no a través del baile, sino principalmente a través de la atención de admiradores adinerados. Las biografías de bailarinas de esa época están llenas de nombres de mecenas adinerados, que a menudo tenían una bailarina como amante. Llamar la atención de clientes distinguidos era a menudo una gran fuente de rivalidad entre bailarinas, al igual que ganar papeles importantes en la interpretación.
Volta (danza)
La volta es un baile en tres tiempos, de movimiento rápido, por lo general escrita en 3/4 o 6/8. No tenemos ninguna subdivisión exacta del ritmo, pero podemos decir que no era tan diferente de la gallarda. Con respecto a los instrumentos que se utilizan para acompañar el baile, nos encontramos escrita, en Notes sur la vie privée à la Renaissance, que la volta provenzal estaba acompañada con el sonido del címbalo. En el ejemplo de la volta en el' “Orchesographie” de Thoinot Arbeau , el autor no menciona el tempo , pero escribe que es ternario y pone “spezzabattute” cada seis mínimo entonces, se puede deducir que la unidad de tiempo es el 6/2.  La partitura no tiene alteraciones, está escrito en notación mensural , pero no cita el instrumento para esto fue escrito. La partitura es muy corta y se compone de cuatro partes y una melodía muy simple. Curt Sachs , sobre la base de esta partitura, se ha conseguido crear una subdivisión hipotética del ritmo . De acuerdo con la reconstrucción, el tempo sería de 3/4 y compuesto por seis corcheas juntas o sincopado : semicorchea-corchea o corchea-negra.
Cour
Cour (en francés), cortile (en italiano) o courtyard (en inglés -también utilizado en la forma abreviada "court"-), términos traducidos habitualmente como "patio" en español (mientras que ese término se emplea generalizadamente en la bibliografía -en todos los idiomas- para la tipología arquitectónica del patio doméstico español o concretamente para el patio andaluz), son denominaciones específicas para un elemento arquitectónico y urbanístico que tiene una gran similitud formal con los patios domésticos, pero cuyas dimensiones y funciones son de mucha mayor envergadura, propias de los patios monumentales de construcciones palaciegas, de las amplias explanadas o plazas interiores de los castillos (patio de armas -"parade ground" o "cour d'armes"-) o de los espacios similares en edificios religiosos (los atrios, los claustros monásticos y catedralicios -los universitarios siguen el mismo modelo- o las grandes explanadas de las mezquitas -"sahn", traducido habitualmente como "patio de las abluciones"-).
Galope
En equitación, se llama galope (del antiguo alto alemán "ga-laupan", correr) a la marcha del caballo, que consiste en una serie de saltos sobre los cuartos traseros, saltos en los que siempre queda terreno a su frente y que se realizan moviendo los brazos al compás. Únicamente cuando va con celeridad es más violento el aire del animal.
Fuera de campo (cine)
Este fuera de campo se extiende más allá de los bordes del marco. Debe distinguirse del "fuera del cuadro". Así, el fuera de campo se da en los límites del marco, que coinciden con los bordes físicos de la imagen, mientras que el "fuera del cuadro" está relacionado con la representación dentro del plano, con lo que no es visible en la imagen, aun estando dentro del marco.
En el Moulin-Rouge, el baile
En frente de ellos, a la izquierda del cuadro, Valentin-le-Désossé (Valentín el descoyuntado), famoso vividor de la época, dirige a otra bailarina, anónima. Es pelirroja y fuerte, lo que hace pensar en La Goulue en una actuación en público. El movimiento de estos bailarines contrasta con la quietud del público.
L'art de vivre
L'art de vivre (el arte de vivir) es una locución francesa cuyo significado es diferente en francés del que tiene en otros idiomas, como el inglés, en los que se usa como extranjerismo. En francés designa el conocimiento y la capacidad de adecuación del comportamiento de una persona a los usos y costumbres de otros países o culturas. Suele considerarse como muy importante para los diplomáticos, etnólogos y antropólogos, como muy útil para los emigrantes y como conveniente para los viajeros e incluso para los turistas. En otros idiomas esta locución hace simplemente referencia a la capacidad para disfrutar de los placeres de la vida.
Ópera francesa
La nueva importancia del drama hizo que todo se supeditase a él: los decorados y el vestuario se vuelven más austeros y sencillos, y el lujo solo aparecía si lo requería la acción dramática; las oberturas, ya no serán piezas sinfónicas que pueden acompañar una u otra ópera; y los números de ballets, tan queridos de los franceses, debían de tener también un papel dramático y no ser simples divertimentos añadidos —Gluck seguía así los nuevos aires introducidos por su nuevo colaborador, el coreógrafo y bailarín francés Noverre (1727-1810), que en su "Lettres sur la danse y les ballets" (1761) ya abogaba por una danza natural y expresiva, más que técnica y virtuosa.
Baile de salón
El término "baile de salón" se deriva de la palabra inglesa "ball" que a su vez proviene de la palabra latina "ballare" que significa «bailar» (una sala de baile que es una sala grande especialmente diseñada para tales bailes). En tiempos pasados, el baile de salón era un baile social para los privilegiados, dejando el baile folclórico para las clases bajas. Estos límites se han difuminado. La definición de bailes de salón también depende de la época: los salones han contado con bailes populares del día, como la cuadrilla, la mazurca, el minueto, la polca, la polonesa y otros, que ahora se consideran danzas históricas.
Césare Negri
Con la aparición de los maestros italianos del Renacimiento se empezó a usar el dibujo de la persona para explicar las diversas posiciones, pasos, forma de empezar una danza o bien, terminarla. Estos dibujos eran muy exactos en cuanto a las colocaciones, indumentaria, incluso las personas que formaban parte de la danza. Estaban firmados por el artista que los dibujaba y eran muy precisos a las indicaciones del maestro. Los primeros maestros que usaron esta técnica en Italia, fueron: Césare Negri Milanese, (1602) Fabritio Caroso da Sarmonetta (1581). Y en Francia podemos destacar a Thoinot d’Arbeau (1588).  Al igual que otros maestros de la época como he mencionado anteriormente, Césare Negri quería cosechar los frutos de su trabajo en un tratado teórico y práctico, por lo que escribió el tratado “Las gracias de Amor” en 1602 (La gratia d’amore) cuya segunda edición apareció bajo el título de “Nuevas Invenciones de Baile”, en 1604, donde describe las cinco posiciones fundamentales de la danza académica. Se trata de una obra que contiene tres partes, de las cuales la segunda proporciona 55 reglas técnicas, mientras que en la tercera figuran danzas con descripciones coreográficas. Se encuentran en su obra pasos nuevos, como el trango, (media punta), el salto da fioco, una especie de jeté realizado al girar: se trataba de tocar un nudo de cintas suspendido del techo (fiocco,) con la punta del pie durante el salto. Negri es el primero que defiende los piedi in fuore, (pies hacia fuera), origen del llamado “en dehors”. Se describen pasos de una dificultad técnica superior y ejecutados con mayor velocidad como la pirueta doble sobre un pie o los giros en el aire (doublé tour en l´air y los entrchats à huit), que los bailarines actuales siguen practicando. Otros pasos que encontramos son las carrerillas o las cabriolas. Existen también ciertas nociones de pedagogía en el sentido en el que explica que determinados pasos pueden servir de preparación a otros, y el uso de un apoyo para ejercitarse en realizar determinados pasos. Toda esta técnica descrita se verá afectada con los pesados trajes y adornos, los cuales hacen imposible su ejecución.  Este libro lo escribe dedicándolo a Felipe III, Rey de España en este tiempo. Aparecen dos danzas españolas: Españolito y Canario. Y contienen las primeras descripciones de danzas creadas para un espectáculo organizado con motivo de las bodas de la infanta Isabel Clara Eugenia con el archiduque Alberto de Austria.  Nombres de bailarines importantes que encontramos en este libro son Antonio de Idiaquez, Diego de Ghivarra, Ottavia Cauenaga y Mendozza o Donna Maria Ordugna.  Negri, como he mencionado anteriormente, arregló, el 30 de noviembre de 1598, la entrada en Milán de Margarita de Austria, Reina de España. Como también el 26 de junio de 1574 en esa misma ciudad una mascarada de 25 entrées de carrozas que simbolizaban los estados del alma; posteriormente dirigió un brando en la plaza ducal, con 82 participantes de la alta nobleza, con temas alegóricos y mitológicos.  Estos bailes son realizados por un número variable de intérpretes; nos encontramos con una pareja, un trío, por dos damas y dos caballeros, para tres parejas, por cuatro caballeros y cuatro damas y para un número indefinido de artistas. Algunas de ellas están construidas en una alternancia de ritmos musicales: Pavan, vigoroso, de trinquete y canario, donde un paso lento y solemne se alterna con gran inventiva y originalidad a pasos más rápidos y animados, donde la mayoría de los bailarines expertos pueden dar un buen espectáculo.  Las características comunes de estos tratados son las explicaciones y reglas para la ejecución de las danzas y el comportamiento social que debía observar todo caballero o dama, inclusión de reglas descriptoras de los pasos con sus posibles variantes, explicación detallada de las danzas precedidas de una ilustración y dedicatoria, incluyendo la partitura musical.
Danza africana
El batir de los tambores provee un texto lingüístico subyacente que guía el baile pero la mayoría del significado es aportado por los gestos y metalenguaje de los bailarines. La espontaneidad del baila crea una extemporalidad, pero no enfatiza ni promueve los egos individuales de los bailarines sino que sirve para preservar la comunidad y tender un puente que ayude a la interacción entre la audiencia y los bailarines.
Fouetté en tournant
Una "fouetté rond de jambe en tournant" es una acción en la que el bailarín se para por un momento sobre un pie plano con la rodilla de apoyo doblada mientras la otra pierna "de trabajo" se mueve hacia un lado, creando el ímpetu para girar una vuelta. A continuación, se tira de la pierna de trabajo hacia dentro para tocar la rodilla de apoyo mientras el bailarín se eleva en punta sobre el pie de apoyo.
La ventana (ballet)
El vestuario está caracterizado en el estilo español. En el caso de las mujeres, llevan faldas por la rodilla, plisadas y con bastante vuelo. Existen diferencias dentro del vestuario según las versiones representadas pero básicamente se basan en un corpiño y cuello barco en unas ocasiones con la manga larga y en otras corta. Suele acompañarse con adornos como flores en el pelo y en el traje o boleros. En muchas ocasiones para el Pas deTrois, al no ser de estilo español, se llevan tutús románticos de color blanco y de mayor largo. En el caso de los hombres, llevan mallas por la rodilla con adornos como lazos a los lados o boleros, con camisa y chaleco adornado acorde con las mallas y destacando la parte de los hombros en tonos que resaltan sobre el negro, que suele ser el color del chaleco.
Chill out
Al contrario del Techno original, en el que se emplean ritmos y melodías simples, rápidas y muy repetitivas, el Chill Out es más complejo, usando sonidos muy variados, y ritmos diferentes que van cambiando con el transcurso de la canción. Es una combinación de estilos que busca provocar sensaciones de armonía y tranquilidad. Alrededor de esto han surgido bares y restaurantes que manejan un concepto de diseño de interiores creados especialmente para que este estilo de música combine con su apariencia. Hay bares en Ibiza y en París, entre otros lugares, del mundo que también ofrecen este estilo de música y ponen nombre a sus CD, por ejemplo el reconocido Café del Mar, el Buddha Bar de París en Francia.
Anita Berber
El 1 de octubre de 1993 se estrenó en la Staatsoper Unter den Linden de Berlín el "ballet" del bailarín y coreógrafo francés Roland Petit "Dix" o "Eros et Mort" cuya octava escena, interpretada por Bettina Thiel, estuvo dedicada a Anita Berber.
Ballet de la Ópera de París
Hay cinco rangos de bailarines en el Ballet de la Ópera de París, de lo alto a lo más bajo, son: étoiles, premiers danseurs y sujets formando parte del cuerpo de baile, coryphées y quadrilles. Gran número de bailarines fueron famosos y la lista en la actualidad sería exhaustiva.
Vedette
Vedette es una palabra de origen francés que actualmente se emplea para designar a la artista femenina principal de un espectáculo derivado del cabaret y sus diferentes géneros (revista musical, variedades, Music-hall, comparsas o Burlesque).
Castañuelas
La escuela bolera de baile se ha distinguido por el empleo de castañuelas y el movimiento de brazos. A mediados del siglo XIX, las mejores bailarinas boleras triunfaban en españoles y viajaban a París. Según José Blas Vega, investigador del arte flamenco, una de estas bailarinas fue retratada al daguerrotipo hacia el año 1850. Parece tratarse de la bailarina francesa Marie Guy-Stéphan, que actuó en el Teatro del Circo, en Madrid, entre los años 1843 y 1851. En España aprendió el baile bolero, y competía con las mejores bailarinas españolas.
Ballet blanco
El ballet blanco (o ballet blanc dada su creación y auge en París) es una escena en la que se visten de blanco todas las integrantes del "corps" (“cuerpo” en francés, o sea "cuerpo de baile", el equivalente del coro en el mundo de la danza). Desde los tiempos del ballet romántico estas escenas están pobladas por fantasmas, dríades, sílfides, hadas o criaturas por el estilo.
Ballet
El término "ballet" fue utilizado por primera vez en 1582 por el compositor francés Balthasar de Beaujouelx (también conocido como Balthazar de Beaujoyeulx) en el Ballet comique de la reine.
Comportamientos de superficie de los cetáceos
Una "salida del agua" (en inglés, "breach") o "embestida" (en inglés, "lunge") es un salto o cresteo ("cresting") fuera del agua. La distinción entre los dos términos es bastante arbitraria: el investigador de cetáceos Hal Whitehead define una salida del agua como cualquier salto en el que al menos 40% del cuerpo del animal sale del agua, y una embestida como un salto en el que menos del 40% sale. En términos cualitativos, una salida del agua es un salto genuino con la intención de salir del agua, en tanto que una embestida se refiere al resultado de un nado rápido en una curva ascendente que tiene como consecuencia el que la ballena salga a la superficie del agua sin intención. En los rorcuales, este último comportamiento de "embestida" es con frecuencia resultado de sus comportamientos alimenticios.Las especies saltadoras que se observan con mayor frecuencia son los cachalotes, ballenas francas y ballenas jorobadas. Sin embargo, otras ballenas barbadas como las ballenas de aleta, las ballenas azules, las ballenas de minke, las ballenas grises y los rorcuales sei también salen a la superficie. Los delfines oceánicos, incluyendo las orcas, son saltadores muy comunes y, de hecho, son capaces de salir completamente del agua con gran facilidad, aunque hay poca distinción entre este comportamiento y el llamado marsopeo (ver más adelante). Algunas criaturas marinas no cetáceas también exhiben comportamientos de salida del agua, como es el caso de varias especies de tiburones y de las rayas de los géneros "Manta" y "Mobula".
Danza del vientre
En países de habla inglesa se ha traducido como "belly dance" (en español 'danza del vientre'). Es una mala transcripción o trasliteración del vocablo que designa el estilo de danza "beledi" o "baladi" y suele atribuirse a Sol Bloom, director de espectáculos en la Exposición Universal de Chicago de 1893, aunque también pudo traducir literalmente el término francés "danse du ventre" como se llamaba en Francia desde 1860 después de haberlas visto en Argelia
Pina (película)
En el primer ballet, "Le Sacre du printemps", el escenario está cubierto con una densa capa de turba, casi a la altura de los tobillos, que dificulta poder llevar a cabo movimientos con la agilidad propia de un bailarín. Es el espacio escénico escogido para una escena en la cual una joven tiene que morir sacrificada para el dios de la Primavera.
Bailía y senescalía
Antes de la Revolución francesa, eran una circunscripción administrativa, financiera y judicial. El término "bailiazgo" fue usado más frecuentemente en el norte de Francia, mientras "senescalía" en el Sur. Se crearon senescalías en el Languedoc, en la Bretaña, en el Poitou, en el Artois, en el Boulonnais y en el Ponthieu. El término estaba aplicado también a un territorio en el cual las funciones de Sheriff estaban ejercitadas por un bailío o senescal nombrado por el rey. La administración era a su vez suddividida en prebosturas reales (bajo la jefatura de un preboste nombrado y pagado por el bailío) o en vizcondados como en Normandía (con un vizconde, o funcionario público a veces plebeyo). En el siglo XVI, algunos bailiazgos se convirtieron en bailiazgos presidenciales bajo Enrique II. Al mismo tiempo, se eliminó el nombre de bailiazgos en Provenza, y los 15 alguaciles de esta provincia pasaron a llamarse "vigueries" después de 1540.
Desnudo (género artístico)
En la danza, el desnudo cobra un especial significado, ya que es una forma de expresión del cuerpo humano, que es el instrumento del que se sirven los bailarines para mostrar su arte. Las técnicas de danza requieren una gran concentración para dominar todo el cuerpo, con especial hincapié en la flexibilidad, la coordinación y el ritmo. En la antigua Roma era frecuente que las bailarinas se desnudaran, especialmente en las fiestas saturnales y lupercales, siendo prueba de su éxito el que nos hayan llegado algunos nombres de estas bailarinas, como Taletusa y Cíteris.
El foyer de la danza en la Ópera
Edgar Degas es conocido sobre todo por estos cuadros de bailarinas de ballet, vestidas de tul, con lazos y sus características zapatillas, tanto en ensayos como sobre el escenario.
Ensayo de un ballet en el escenario
El teatro representado ha sido identificado como la Grande Opéra en la Rue de Peletier, que fue destruida por un incendio antes de que se completara la pintura a fines de 1873. Típico de ese teatro eran los palcos directamente encima del escenario, que se pueden ver sobre el caballero sentado. La proximidad era más importante para muchos espectadores durante las representaciones de ballet que una buena visión general. Detrás de los palcos había pequeños salones que podían cerrarse con cortinas. Degas realizó los bocetos a partir de los cuales pintó "Ensayo de un ballet en el escenario" desde uno de esos palcos en el teatro. Tenía casi cuarenta años en ese momento, pero en realidad no se le conocía como un patrón habitual o un amante de las bailarinas. Por lo general, llevaba una vida de solterón retraído. Degas también estaba menos interesado en las bailarinas individualmente, pero mucho más en sus movimientos y gestos. Las expresiones faciales de las chicas del cuadro son, por tanto, pálidas, vagas y anónimas. Degas presta especial atención a lo que hacen más o menos inconscientemente en momentos en los que no estaban actuando o estaban concentradas en la práctica. Esta atención al 'momento de descuido' se refleja en gran parte del trabajo de Degas, por ejemplo, en las obras en los que las mujeres se peinan, visten, se bañan, etc.
French Cancan
Henri Danglard (Jean Gabin) es un hombre licencioso de la vida nocturna de Paris, propietario de una sala de espectáculos, en la que actúa Lola de Castro (María Félix), bailarina de la danza del vientre. Como el negocio no es rentable, Henri decide probar con un baile pasado de moda, el cancán, inaugurando un nuevo establecimiento, el Moulin Rouge. Mientras recluta a un grupo de bailarinas, Danglard se enamora de Nini (Françoise Arnoul), una dulce muchacha que trabaja como lavandera y ella, que tenía novio celoso, aún más de Danglard. Pero el príncipe de una pequeña nación también se enamora de Niní, tanto que, al no ser correspondido, intenta sin éxito suicidarse. Los apuros económicos de Danglard se terminan cuando el príncipe compra Moulin Rouge a nombre de este y entrega la escritura a Niní, tras lo cual vuelve a su país por grave enfermedad de su padre. La rivalidad estalla entre Nini y Lola, y una serie de eventos se desencadenan en los días previos a la inauguración del famoso cabaré que, luego, continúa con éxito.Evocación nostálgica del ambiente artístico parisino finisecular, "French Cancan" supuso para Renoir la ocasión de hacer una película de intención popular, acercarse nuevamente al universo paterno mediante el uso experimental del color y reencontrarse con el actor Jean Gabin:
Blanca Li
En el año 2001, Blanca Li recibe el mayor honor en el mundo de la danza: la propuesta del famoso Ballet de la Ópera de París, que la invita a crear un nuevo ballet basado en "Sheherazade" de Rimsky-Korsakov, junto con Christian Lacroix como diseñador de vestuario. Ese mismo año, Blanca Li es elegida directora artística y coreógrafa del Berlín Ballet en la Ópera Cómica de Berlín en Alemania, una compañía de 24 bailarines, para los cuales ella crea una nueva versión del "Le Songe du Minotaure", que también es representada en el Festival de Mérida en España. "Borderline" se produce como una premier mundial por el Berlín Ballett en junio de 2002. En marzo de 2003, Blanca Li crea en la Ópera de la Bastilla de París una coreografía para "Guillermo Tell", producida por Francesca Zambello. "Al Andalus", acompañada de la obra "El amor brujo" de Manuel de Falla, se estrena en la Opera de Massy antes de ser representada en la Alhambra para el Festival Internacional de Música y Danza de Granada en junio de 2004.
Fiestas de Santa Ana
El baile consiste en una danza alrededor del quiosco al ritmo de compases de diferentes ritmos (lentos y rápidos). Tiene una duración aproximada de treinta minutos y no tiene pasos coreográficos concretos, sino que consiste en correr lo más rápido posible con los ritmos rápidos o danzar suavemente durante los lentos. En origen la dirección del baile se invertía con cada cambio de ritmo, produciéndose así el gran “revoltijo” de personas que da origen al nombre, pero debido a las caídas y encontronazos que se originaban el cambio de dirección se eliminó en los años 80 y ahora se baila en una sola dirección.
La siesta de un fauno (ballet)
"La siesta de un fauno" es una de las obras clave del repertorio de los Ballets Rusos tanto por el impacto inmediato que tuvo en su momento como por sus efectos posteriores sobre la estética de la danza. Se mantuvo vivo en reposiciones como la de Serge Lifar de 1935 para la Ópera de París y la de Marie Rambert de 1949, en la que Jean Babilée interpretó el Fauno. Jerome Robbins reinventó la pieza recuperando el vocabulario clásico en su paso a dos "Afternoon of a Faun" estrenado por el New York City Ballet el 14 de mayo de 1953 con Tanaquil Le Clercq y Francisco Monción. En 1991, la Ópera de París presentó en un programa dedicado a los Ballets Rusos de Diáguilev una reconstrucción fiel de "La siesta de un fauno" de Nijinski con Charles Jude y Marie-Claude Pietragalla en los papeles principales.
Baile de salón
El primer conocimiento autoritario de los primeros bailes de salón fue registrado hacia finales del siglo XVI, cuando Jehan Tabourot, bajo el seudónimo «Thoinot-Arbeau», publicó en 1588 su "Orchésographie", un estudio del baile social del renacimiento francés del siglo XVI. Entre los bailes descritos se encuentran la solemne baja danza, el más vivo branle, la pavana, y la gallarda que Shakespeare llamó el «cinq pace», ya que estaba hecho de cinco pasos.