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A Quemarropa es un colectivo de artistas que trabajan para acercar la cultura contemporánea a la ciudadanía.
OPEN ART FESTIVAL – PPT22
Residencias a Quemarropa 2014 – 2018
Vicente Aguado, Natalia Fernandes, David Fidalgo, Pancho López, Luisa Pastor.
Ipek Çankaya HALKA SANAJ PROJESI (Estambul)
Marina Batinik CULTURE HUB CROATIA (Croacia)
Xavier de Luca JISER REFLEXIONS MEDITERRÀNIES (España)
Hablarenarte y los artistas talleristas, hablando de sus procesos creativos
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DIRIGE LA MESA EMMA BRASÓ
MODERA LA MESA: EMMA BRASÓ de hablarenarte
Vicente Aguado, Valencia (1980) es Máster en Producción Artística, Pensamiento Contemporáneo y Cultura Visual y Licenciado en Bellas artes por la Universidad Politécnica de Valencia. Al terminar sus estudios en 2016, fue seleccionado para el 3P CMCV donde produjo la obra Loterías y Pecados del Estado, que se expuso en el CCCC de Valencia (2017) y en la Lonja del Pescado en Alicante (2017). Tras esto, fue seleccionado para las residencias artísticas A Quemarropa, que tuvieron lugar también en Alicante, en el espacio Las Cigarreras (2017), exponiendo el resultado con su pieza #pizzagate. De ahí se marchó a Edimburgo, donde ha estado trabajando hasta finales de 2020. En ese periodo, fue seleccionado por el Scottish Portrait Award, además de haber colaborado y expuesto en varias ocasiones con National Galleries of Scotland, donde participó en una exposición colectiva junto con otros artistas de la ciudad, titulada You Are Here (2021), donde se abordaba la problemática de la precariedad artística con motivo del Covid – 19. Su última colaboración en el tejido cultural valenciano, viene de mano de la exposición Prohibido Fijar Carteles, R.E.A., organizada por la Asociación de Diseñadores de la Comunidad Valenciana, que ha sido expuesta en el CCCC de Valencia, el Museo de Bellas Artes de Castellón y que actualmente se encuentra en la Lonja del Pescado en Alicante, abierta hasta el 29 de septiembre de 2021.
Como artista multidisciplinar que me considero, aunque especializado en el dibujo como lenguaje y herramienta fundamental, mi trabajo se basa en la visualización y crítica de los procesos que el poder lleva a cabo para con la sociedad contemporánea. Usando un lenguaje visual grotesco e incluso antiestético y con algunas notas de ironía, pongo en el punto de la influencia de los mass media, la propaganda y el control del poder en la sociedad de masas, tratando de comprender su a veces oculto funcionamiento, para poder pervertirlo y tergiversarlo a mi gusto, evidenciando errores y contradicciones
Soy bailarina, coreógrafa y profesora de danza. Soy brasileña, de Sao Paulo, y resido en Madrid desde 2017. Mi formación en danza se da entre el contexto universitario y la escena contemporánea brasileña, sumado a esto están mis experiencias con diversos coreógrafos y coreógrafas de Alemania, Israel, España, India, entre otros, y, especialmente, mi experiencia en distintos países de Europa,Medio Oriente,África y EEUU. Es en esta mezcla que reconozco mis herramientas creativas, mis pequeñas invenciones, ficciones y deseos. Mi labor como intérprete para distintas coreógrafas sigue abriendo caminos creativos para pensar mis prácticas. El ejercicio de la docencia es lo que nutre mi creatividad e impulsa el deseo de seguir bailando. En este equilibrio no-estático de las cosas es donde mi cuerpo baila. Comprendo mi proceso creativo como mi manera de pensar y estar en el mundo. Sostengo un deseo constante de llevar el cuerpo que baila a ocupar otros espacios, otros tiempos y experimentar la duración de la danza en el mundo y sus posibilidades de constante reinvención.
Comprendo mi proceso creativo como una manera de pensar y estar en el mundo. Sostengo un deseo constante de llevar el cuerpo que baila a ocupar otros espacios, otros tiempos y experimentar la urgente, necesaria y constante reinvención de sí mismo.
Graduado en Bellas Artes por la Uvigo. Máster en Álbum Ilustrado y Animación por la Uvigo. Soy un artista multidisplicinar que se mueve entre el mundo del cortometraje de animación, con cortometrajes como HOMOMAQUIA con la que estuve nominado al Goya en 2020. En el mundo del arte contemporánea, empleando la pintura y la animación, donde trabaja el concepto del meme como reflexión crítica e irónica de la sociedad. También realizo videoclips y spots publicitarios.
Trabajo el concepto del meme que inunda Internet. Mis obras tienen un carácter humorístico muy claro a la vez que crítico, enfocándome en temas como, por ejemplo, el machismo presente en la televisión, en la política, en la religión, etc. o el absurdo que existe en los nuevos medios, como en youtube o las redes sociales. Busco transformar hechos que ya existen en algo nuevo, dándoles un sentido irónico y satírico y para ello utilizo la pintura y la animación, que es mi medio natural, para realizar piezas audiovisuales que situen al espectador en un lugar incódomo.
Estudió Ciencias de la Comunicación en UNAM. Durante once años fue jefe del Departamento de Performance y Arte Actual del Museo Universitario del Chopo. Coordinó los encuentros internacionales de performance Performagia (2003-2009), Transmuted (2010-2013) y Extra! (2014-2020). Dirigió EJECT, festival internacional de videoperformance de la CDMX en Ex Teresa Arte Actual (2006-2012) y en Laboratorio Arte Alameda (2016). Ha participad en muestras y festivales de performance en diversos países. Trabajó en Fundación UNAM y coordinó la licenciatura de Comunicación y Gestión para la Cultura y las Artes de la Universidad de la Comunicación (2013-2015). Ha recibido becas como el Programa de Apoyo para la Docencia, Investigación y Difusión de las Artes (PADID) del CENART, el Programa de Apoyo para la Producción e Investigación en Arte y Medios (PAPIAM) del centro Multimedia, Fundación JUMEX Arte Contemporáneo y del Patronato de Arte Contemporáneo (PAC). Recientemente obtuvo el apoyo “Contigo en la distancia” del FONCA en el marco de la contingencia Covid-19. Forma parte de la Red Mexicana de Performance perfoREDmx, con la que coordinó el ciclo de videoperformance #Confinamiento; de RACA (Red de Arte de Centroamérica); y del equipo del Museo La Neomudéjar de la Red Art House Spain en Madrid, España. Recientemente publicó el libro «Centroamérica en Acción. Una aproximación al performance Centroamericano y algunos de sus protagonistas» (Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica). Actualmente es encargado de la curaduría la subasta 2021 del Museo de Arte Contemporáneo de Panamá.
Como artista de performance estoy interesado en la vida cotidiana y los sentimientos de la naturaleza humana, y la manera como esto se conecta con las expresiones artísticas. Observo los procesos comunicativos y particularmente los rituales cotidianos, donde los actos simples (como comer, caminar, escribir, cocinar) logran adquirir un rol extra-ordinario y buscar la performatividad en el hecho de preparar/servir/tomar una taza de café.
Pastor es licenciada en BBAA, por la Universidad de Granada, y doctora en BBAA, por la Universidad de Elche, centrando su tesis en los estudios franceses sobre la deconstrucción del signo lingüístico y el collage. En 2017, Obtuvo una de las becas posdoctorales concedidas por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), en el Instituto de Investigaciones estéticas, a partir de una serie de estudios sobre la capacidad política de las imágenes violentas en el arte contemporáneo mexicano. En 2020, Pastor fue seleccionada para representar a España en “Paper Routes – Women to Wach 2020” en el National Museum of Women in the Arts, Washington D.C. Recientemente, acaba de ganar el Premio Ciutat d´Alcoi “Llançadora” de Creación e Investigación en Artes con el proyecto “Todo lo sólido se desvanece en el aire” que se podrá ver a finales de 2021 en el IVAM–CADA de Alcoy. Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas, como es la Fundación Otazu o la Colección de Arte Contemporáneo de la Generalitat Valenciana, entre otras.
Considero la trayectoria de mi investigación plástica como un juego de experimentación, a partir de una interrogación constante con el propio material con el que realizo la obra. Así, mi interés se centra en un intento por “subvertir”, de manera poética y conceptual, la lógica que impera en los discursos hegemónicos y capitalistas, con el fin de llegar a un lenguaje roto. Por lo tanto, todo documento impreso puede ser susceptible de experimentación plástica, con la intención de dislocar el discurso que impera en él. Durante más de veinte años llevo trabajando con libros de registro de contabilidad. En un principio, la hoja contable funcionaba como soporte para el collage, hasta que –de manera natural– el propio soporte se convierte en estructura, a partir de la ruptura –formal y conceptual– de las palabras impresas que configuran el documento: notas de prensa, textos manuscritos, facturas o libros contables, entre otros. En este sentido, me interesa el proceso y los cambios que puedan surgir de la intervención manual de un documento, con el fin de reflexionar sobre la manipulación de la información en función de un fin propio.
David Fidalgo y su taller «De la pintura al movimiento»
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De la pintura al movimiento
A través de la pintura acrílica o la acuarela David nos introduce en el mundo de la animación empleando la técnica de la rotoscopia. No son necesarios conocimientos previos, no se busca un acabo perfecto y limpio, sino todo lo contrario: algo vibrante y vivo, siguiendo el mismo proceso que realiza David Fidalgo para llegar a las animaciones que conforman su obra.
Hojas din A4,  lápices y pinturas de cualquier tipo.
No olvides ver el video, donde David te dará las indicaciones necesarias para preparar el taller en streaming el próximo 16 de septiembre a las 18.00 h. y el 25 de septiembre a las 11.00 h.
Graduado en Bellas Artes por la Universidad de Vigo. Máster en Álbum Ilustrado y Animación por la Universidad de Vigo. Artista multidisplicinar que se mueve entre el mundo del cortometraje de animación, con cortometrajes como HOMOMAQUIA, nominado al Goya en 2020.
Pancho López en el taller «El cuerpo diferido, acción para la cámara»
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El cuerpo diferido, acción para la cámara
(Micro-Performance y video de acción).
Sinopsis: Este taller está dirigido a la reflexión de la representación del cuerpo mediado por la cámara en el arte contemporáneo, desde el videoarte hasta las prácticas actuales como el selfie, los videos cortos y el uso cotidiano de las cámaras de los dispositivos móviles.
Adecuado para cualquier persona que tenga interés en conocer la práctica performática y la acción corporal por medio de la cámara.
No olvides ver el video, donde Pancho te dará las indicaciones necesarias para preparar el taller en streaming el próximo 17 y 24 de septiembre a las 18.00 h.
Estudia Ciencias de la Comunicación en UNAM. Durante once años es jefe del Departamento de Performance y Arte Actual del Museo Universitario del Chopo. Coordinó los encuentros internacionales de performance Performagia (2003-2009), Transmuted   (2010-2013) y Extra! (2014-2020). Dirigió EJECT, festival internacional de videoperformance de la CDMX en Ex Teresa Arte Actual (2006-2012) y en Laboratorio Arte Alameda (2016).
Mesa redonda: Residencias artísticas en el Mediterráneo. Entornos para la creación y el intercambio cultural
«Residencias artísticas en el Mediterráneo. Entornos para la creación y el intercambio cultural» junto a:
Alelí Mirelman CASAPLANAS (España)
Amira ZiliElBIROUB ART GALLERY (Túnez)
Jasmina Šarić  CULTURE HUB CROATIA (Croacia)
Xavier de Luca JISER REFLEXIONS MEDITERRANIES (España)
Alelí Mirelman. Directora de proyectos de Casa Planas presentará el Programa de residencias Art Investigation Programme. El programa de residencias surge en 2017 para impulsar plataformas de investigación y producción artística en el contexto de la creación balear.
El proyecto es una apuesta innovadora sobre cómo abordar los archivos, la memoria y el patrimonio. Sus proyectos se enfocan desde una perspectiva interdisciplinar, dialógica y activa en la construcción de la historia desde los binomios local-global y desde lo íntimo-colectivo. La propuesta surge de la idea original de Marina Planas, artista e investigadora que concibió el Archivo de su abuelo como plataforma de experimentación e investigación no solo de su propia producción artística sino que la abrió a que más artistas sigan despertando nuevos discursos y aproximaciones. En 2019 se iniciaron las residencias con un enfoque en la cultura alemana en colaboración con el Goethe-Institut Barcelona. En 2020 se sumaron dos ayudas con el apoyo de la Euroregió para el desarrollo de residencias de sobre territorio y una especializada en newmedia y arte sonoro en colaboración con el Teatre Prinicipal. En 2021 Casa Planas proyecta ampliar con esta convocatoria a 9 premios de residencia de investigación sobre el patrimonio de las Islas Baleares.
Jasmina Šarić es curadora, gestora cultural y cofundadora de Culture Hub Croatia, una organización con sede en Split que desde 2021 gestiona el centro creativo Prostor. Jasmina tiene un master en historia del arte y filosofía de la Universidad de Split y un master en estudios curatoriales de la Universidad de Estocolmo. Ha trabajado como curadora independiente desde 2013 y ha escrito textos y comisariado más de 20 exposiciones y proyectos de arte en Croacia y en el extranjero. Desde 2018 es miembro del colectivo artístico-curatorial Tails. Su trabajo se basa en proyectos participativos y comunitarios, trabajo colectivo, arte público y espacios heterotópicos.
Xavier de Luca ha centrado su formación en el ámbito del arte contemporáneo, la fotografía y la gestión cultural. Actualmente, es responsable de colección y proyectos en la Fundació Suñol de Barcelona, y uno de los miembros fundadores y director de Jiser Reflexions Mediterrànies.
Ha sido coordinador del festival interdisciplinar DJART en noviembre de 2014, organizado con la plataforma Trans-Cultural Dialogues, que tuvo lugar en Argel. En 2016 y 2017, comisarió los programas Focus Magreb y Focus Mediterrània, en el marco de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo Swab, que presentó por primera vez en Barcelona una amplia selección de espacios artísticos y colectivos basados en el sur del Mediterráneo. Este 2021 ha comisariado junto a Houari Bouchenak la exposición Barzakh. Entre mundos, seleccionada en la convocatoria Nur de Casa Árabe y PHotoESPAÑA, que se podrá ver en Madrid y Córdoba.
Amira Zili, habiendo crecido en un entorno creativo como hija de un fotógrafo destacado en la escena artística tunecina, Amira Zili cultiva la pasión por el arte desde una edad temprana. Ha participado en exposiciones colectivas de fotografía en Marruecos y Túnez. En 2021, fue nombrada Directora Artística de la 4ª edición de ‘Utopies Visuelles’, un evento anual de arte contemporáneo organizado por ElBirou Art Gallery.
Natalia Fernandes y su taller: «Anatomía Inventada» (un viaje hacia la imaginación)
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Anatomía Inventada (un viaje hacia la imaginación)
La Anatomía Inventada es una práctica creada por Natalia Fernandes, coreógrafa, basada en provocar movimientos a partir de ejercicios que estimulan la imaginación.
Las técnicas que Natalia propone nos permiten experimentar situaciones que a posteriori puedes trasladar a otros ámbitos de la creación alejados de la danza , como puede ser la literatura, el dibujo o cualquier disciplina creativa.
No es necesario tener experiencia en danza para realizar el taller.
Natalia Fernandes apoya su pedagogía en su larga experiencia como intérprete con distintos coreógrafos (as) y directores (as), en su formación profesional en danza clásica y contemporánea.
No olvides ver el video, donde Natalia te dará las indicaciones necesarias para preparar el taller en streaming el próximo 11 de septiembre a las 18.00 h.
Bailarina y coreógrafa y profesora de danza, de Sao Paulo, Brasil, residente en Madrid desde 2017. Su formación en danza se da entre el contexto universitario y la escena contemporánea brasileña, sumado a esto están mis experiencias con diversos coreógrafos y coreógrafas de Alemania, Israel, España, India, entre otros.
Vicente Aguado y su taller: «Yo, mi sombra y mi máscara»
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Yo, mi sombra y mi máscara
(Taller de dibujo creativo)
Curso de introducción al dibujo de “retrato psicoanalítico».
El taller consta de tres ejercicios enlazados entre ellos.
La visión underground del arte, de Vicente Aguado, crea una atmósfera divertida y enriquecedora. No hace falta tener conocimientos previos sobre dibujo, si nunca has dibujado ¡mejor todavía!.
Papeles de pequeño y mediano formato, preferiblemente páginas arrancadas de cualquier libro o texto impreso (una novela, una agenda, un dietario, un formulario, una guía de teléfonos…)
Rotuladores y bolígrafos de cualquier tipo y color.
No olvides ver el video, donde Vicente te dará las indicaciones necesarias para preparar el taller en streaming el próximo 10 de septiembre a las 18.00 h.
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Vicente Aguado, Valencia (1980) es Máster en Producción Artística, Pensamiento Contemporáneo y Cultura Visual y Licenciado en Bellas artes por la Universidad Politécnica de Valencia.
Luisa Pastor y su taller: «La (Des)información como estrategia»
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La (Des)información como estrategia
(Taller de collage conceptual)
Un ejercicio sobre la manipulación de la información en los medios
Desinformar: Dar información intencionadamente manipulada al servicio de ciertos fines. Diccionario de la Lengua Española, 23.ª ed.
La (des)información como estrategia es un taller para reflexionar, por medio de la expresión artística, acerca de la difusión descontrolada de contenidos, verdaderos o falsos, que nos bombardean día a día desde los diferentes medios de comunicación y que nos impiden discernir y analizar la información con criterio.
Luisa nos propone un experimento entre lo manual, el collage y la deconstrucción de una noticia, para crear noticias “frankenstein» que podremos contrastar y explorar entre todos los participantes.
Periódicos viejos, tijeras, Papel celo, pegamento, rotuladores, regla.
No olvides ver el video, donde Luisa te dará las indicaciones necesarias para preparar el taller en streaming el próximo 30 de septiembre.
En este caso también podrás participar de forma presencial previa inscripción en (pronto mas información en redes)
Luisa Pastor es licenciada en BBAA, por la Universidad de Granada, y doctora en BBAA, por la Universidad de Elche, centrando su tesis en los estudios franceses sobre la deconstrucción del signo lingüístico en el collage.
Pilar Albarracín (Sevilla, 1968) obtuvo en 1993 la Licenciatura en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. Desde comienzos de la década de los 90, su trabajo se ha podido ver en importantes exposiciones, tanto colectivas como individuales, en galerías y museos de todo el mundo, como el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris; el Hamburger Bahnhof de Berlín; el PS1 del MoMA en Nueva York; el Istambul Modern Sanat Müzesi de Estambul; el National Center for Contemporary Arts de Moscú o el Museo Kiasma de Helsinki. También ha participado en las bienales de Venecia, Busan (Corea), Moscú, Sevilla y Quebec, entre otras. La artista ha desarrollado numerosos proyectos en espacios históricos tanto en España como internacionalmente: Reales Atarazanas de Sevilla (2004), Les Moulins, Centre d’art le LAIT Albi (2010) Francia, Musée National Pablo Picasso La Guerre et la Paix, Vallauris (2014), Théâtre National de Chaillot, París (2015), Tabacalera, Promoción del Arte, Madrid, España. MAIIAM, Contemporary Art Museum, Chiang Mai, Thailandia (2019). Actualmente reside y trabaja entre Sevilla y Madrid.
A Quemarropa Colectivo Artístico
Centro Culturas Las cigarreras
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