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A Quemarropa es un colectivo de artistas que trabajan para acercar la cultura contemporánea a la ciudadanía.
OPEN ART FESTIVAL – PPT22
Residencias a Quemarropa 2014 – 2018
La imagen: su consumo, su repercusión, la memoria, sus derivas, el error, el fallo.
El trabajo de Álvaro Chior y Cristina Spinelli reflexiona sobre la construcción de imaginarios, sobre la metalingüistica y los lenguajes que los conforman, y sobre la relación de estas cuestiones con diferentes temáticas, ya sean colectivas o íntimas.
El síntoma: El asco
El signo: La abyección
El término abyección proviene del latín lanzar (iacere) desde (ab), lanzar fuera. Lo abyecto se semantiza a partir de la exclusión y el rechazo, es aquello que el sujeto no ha podido asimilar y problematiza con su yo. Su presencia perturba la propia identidad del individuo en un espacio donde el significado colapsa. No respeta fronteras, posiciones o roles. Lo abyecto es lanzado fuera del yo; porque su presencia supone un vaciamiento del sentido. Es la voz no asimilada, el desvío.
En la abyección se pierde el respeto por la vida, y la compasión queda reducida a un sentimiento de atracción y asco en igual medida; el objeto en cuestión queda desmarcado, repudiado e infravalorado. La exclusión y el rechazo dan significado y forma a este visceral concepto.
Mi obra, tanto formal como conceptualmente juega con el freno de los impulsos o sentimientos considerados inconvenientes que se impone a sí misma una persona según sus vivencias, educación etc. y a consecuencia de la represión social.
La Represión (según Freud) es un concepto central del psicoanálisis, que designa el mecanismo o proceso psíquico del cual se sirve un sujeto para rechazar representaciones, ideas, pensamientos, recuerdos o deseos y mantenerlos en el inconsciente. Este concepto sirve también tal y como sirvió a Julia Kristeva en Poderes de la perversión- como punto sobre el que reflexionar acerca de lo abyecto como lo que no queremos ver y luego, además, como algo que nos invita a una reflexión que rompe con los (nuestros) esquemas establecidos. Alejándonos del borderline visto desde un punto de vista científico y usándolo aquí como término explicativo del limbo fronterizo que lo abyecto plantea; La Represión primaria de Freud permite establecer una relación de significados para con lo abyecto como síntoma y significante, es decir como agente provocador de una pulsión difícilmente evadible.
En mi obra trabajo principalmente con imágenes de la historia del arte; mi objetivo es descontextualizar su forma y contenido, por una parte desarraigándolas y aislándolas de su contexto formal inmediato, por otra parte distorsionándolas y confrontándolas con otro tipo de imágenes de diferentes contextos, haciendo evidente la precariedad de los discursos contemporáneos que se les atribuyen.
Modifico las imágenes aplicándoles procesos digitales y pictóricos, evidenciando así el proceso de arruinamiento, aplicándolo a la historia de arte: cómo la imposibilidad de recuperar el sentido originario de las obras. Así, al igual que con la ruina anticipa­da por Benjamin, el misterio que suscitan y la imposibilidad de encontrar un sentido allí vertido obliga a completarlas con partes que aporta el propio espectador.
El mundo ha dejado de ser real, su imagen se ha impuesto. La verdad es ahora huella ambigua de lo que fue táctil, presente. Enfrente la pantalla, el muro y no la ventana. La imagen es rápida, fácil de producir, fácil de engullir, pulsión, necesidad, vértigo acumulativo, mal de archivo. Un exceso que se vuelve vacío. El espectador ante el horror del aburrimiento no se detiene. Está atrapado en un presente continuo de excitación visual donde, una vez agotado, el lenguaje se adelgaza, se sintetiza, va perdiendo sentido y tiende a la abstracción.
En mi trabajo invito a la reflexión sobre las condiciones reales del uso de la imagen, más allá de la representación del significado que contiene. Centrándome en una suerte de estética del residuo, de todo aquello que no llegamos a retener, de lo que queda, lo que sobra. Comparando el tiempo acelerado visual con la producción pictórica.
Aumenta la distancia entre la realidad y su representación. Cuando la razón y la visión son insuficientes ¿dónde está la forma, la piel, el contacto? El proceso pictórico muta indefinidamente, se interrumpe, se solapa, bloquea… y evidencia la pérdida.
En este proyecto aún en proceso se yuxtaponen diferentes imágenes tomadas de forma casi aleatoria, con cualquier tipo de cámara fotográ-fi ca y sin ninguna intención concreta, para crear relaciones tanto estéti- cas como conceptuales dando lugar a nuevos signifi cados y discursos procedentes de esa nueva imagen establecida y de la relación entre sí. El proyecto nace de la necesidad por encontrar en la realidad cosas que tienen un refl ejo de cómo somos interiormente, emocionalmente e, incluso, físicamente. Hay una búsqueda de los detalles en lo cotidia-no, de ver de qué están hechas las cosas que hay a nuestro alrededor, captar esa luz, esa atmósfera que nos rodea y que sentimos especial en un momento determinado y que la fotografía es capaz de atrapar. Poder convertir lo banal en algo único, y mostrar otro punto de vista de lo más básico. En la visión general del conjunto se hacen evidentes las secuelas de la última era de Internet, tales como la sobreproducción de la imagen, la contaminación visual o el consumo rápido de imágenes deriva-do de las nuevas plataformas on-line como son las redes sociales, etc. Factores que tenemos asumidos y forman parte del cambio de lectura fotográfi ca que se ha producido en el s. XXI a raíz de estos fenómenos. Queda patente una clara infl uencia del entorno urbano haciendo un guiño a lo oculto, lo prohibido, así como a los códigos que tenemos asumidos y a los cuales reaccionamos de manera automática. Hay que preguntarse qué sentido tiene el seguir fabricando imágenes, qué nos impulsa a seguir tomando fotografías si, seguramente, esas imágenes se podrían conseguir en los miles de bancos que existen en internet (aunque no sean exactamente las mismas) y reciclarlas para darles el sentido que se quiera. La respuesta es que hay imágenes que siguen faltando, que todavía no se han hecho y es nuestro deber buscar, encontrar y mostrarlas.
Utilizo la práctica artística como medio de reflexión sobre el paso del tiempo; las transiciones entre pasado, presente y futuro y las diferencias entre historia y memoria (personal y colectiva) desde la apropiación de imágenes icónicas históricas y populares o procesos científicos emparentados con la reconstrucción del pasado.
La multiplicidad de puntos de vista desde los que se sucede un hecho objetivo, su interpretación y relevancia así como su manipulación para generar nuevos significados ha ocupado gran parte de mi trabajo personal en los últimos cinco años. Desde una perspectiva en la que la idea marca el medio expresivo a utilizar desarrollo pinturas, dibujos, esculturas, instalaciones, proyectos y acciones que responden a mi visión del arte como manera de “estar” en el mundo y como medio para manipular mi contexto.
JUAN CARLOS MENCHÉN / CIERVO
Trabajo desde la la incomodidad y la utoreflexión, sobre los procesos de significación. Centrado en alterar las reglas de orden y regulación que estructuran lo real. Desde las formas preestrablecidas de relacionarnos y de configurar nuestro sistema de conocimiento.
Buscando en última instacia poner en cuestión los dispositivos, las categorizaciones que normativizan y delimitan nuestra cotidianeidad.
Trabajando siempre desde procesos de ensallo y error, utilizando el “proyecto“ como un proceso que permite explorar nuevas fromas de hacer y sociabilizar el arte, que puedan sevir para pensar la actualidad.
Desarrollo mi trabajo en arte desde la fotografía, asumiendo el medio como un campo expandido. Concretamente, mi interés principal parte desde la práctica fotográfica ante la problemática de la territorialidad como signo de identidad. Relaciono nociones tales como las de frontera, memoria, arquitectura o territorio, desde un sentir complejo y personal del paisaje como construcción cultural, política o incluso social.
En algunos de mis proyectos de una naturaleza puramente fotográfica busco la posibilidad de plantear imágenes desde un acercamiento fenomenológico y una cierta intención crítica, de manera que mediante su componente estético permitan intuir un sentido implícito de lo político en su construcción. No obstante, más allá de este componente estético o incluso técnico, siento la práctica artística actual como una suerte de experiencia vital y pensamiento.
Recientemente, entiendo mi práctica como una investigación en torno al contexto como marco de influencia identitaria, valiéndome de lo simbólico o connotativo como una herramienta de la que el arte dispone para conocer, desde lo afectivo y lo perceptivo. Siento la necesidad de llevar a cabo acciones performativas documentadas mediante fotografía y video, que me permiten vincularme al contexto, resolviéndome ante el conflicto que implica trabajar en un territorio señalado y marcado.
En mi trabajo artístico el elemento humano siempre está presente. Como sentimos, como nos relacionamos o como nos transformamos para adaptarnos a un hábitat cada vez más hostil y artificial, son aspectos de los que trato en mis series fotográficas.
Me interesa el elemento emocional, pero en su versión más gamberra, utilizar el absurdo y la ironía me ayuda a componer sin dramatizar.
Con esa intención me fotografío a mí y a mi entorno más cercano, porque es la manera más sincera que conozco de retratar esta “realidad”.
LIDIA GARCÍA / SATA
De tal palo tal astilla 2015. Astilla de Auschwitz grabada con el mensaje «De tal palo tal astilla» con alfabeto hebreo sobre plancha metálica. 5 x 14cm.
La obra de Lidia García o Sata versa entre el ambiguo ámbito de “lo político/social” y la esfera del arte. A través del uso de elementos testigo como cifras, nombres, datos o circunstancias y espacios específicos, Sata desarrolla obras que abarcan desde la instalación hasta la acción pasando por la obra más objetual. De este modo se intenta establecer una relación o vínculo más directo tanto con la temática como con el público (a veces partícipe) de la problemática que la artista trata en cada pieza. Estas temáticas son seleccionadas en la mayor parte de las ocasiones gracias al contexto donde se realiza la obra, intentando que el detonante de la pieza sea el contexto donde se va a desarrollar la misma.
A Quemarropa Colectivo Artístico
Centro Culturas Las cigarreras
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