fr fr fr en en en fr en fr fr fr fr en fr fr fr pt fr en fr fr fr en fr fr fr fr en fr fr fr fr en fr en fr en fr en fr fr en fr fr fr fr fr it fr fr it fr fr fr fr fr fr fr fr fr fr fr fr fr fr fr fr fr fr fr fr fr fr fr fr fr fr fr fr fr fr fr it fr fr fr it fr hi fr en en fr de fr en en fr en it en en pt fr en fr fr fr fr en es it de nl es fr en fr en fr fr
Paolo Uccello est un artiste partagé entre l'innovation et la tradition. Il reste attaché aux figures du Gothique international et à son aspect narratif, mais il est également passionné de perspective et passe ses nuits à l'expérimenter par le dessin. Évidemment, il était impossible de ne rien abandonner de la tradition antérieure tout en acceptant les principes nouveaux de représentation qui allaient prévaloir à l'avenir. Un choix difficile s'imposait aux peintres de cette époque. L'art transitoire d'Uccello illustre ainsi les difficultés considérables que devaient affronter les artistes du 15e siècle pour s'approprier les apports nouveaux sans renoncer au meilleur de l'art traditionnel.
Paolo Uccello. Saint Georges et le dragon (v. 1470)
Huile sur toile, 55,6 × 74,2 cm, National Gallery, Londres
La légende de saint Georges
Au 13e siècle, l'archevêque de Gênes, Jacques de Voragine, rédige en latin un ouvrage racontant la vie d'environ 150 saints ou martyrs chrétiens. Ce livre s'intitule Legenda aurea soit La légende dorée. L'ouvrage connaît un succès considérable et les légendes qu'il contient furent par la suite fréquemment illustrées dans la peinture occidentale.
Analyse de Saint Georges et le dragon de Paolo Uccello
Uccello a peint trois versions de cette légende (voir ci-après les deux autres), celle de la National Gallery étant la plus aboutie. La scène est immédiatement compréhensible, même par des enfants. Le dragon détenait la princesse dans la grotte. Saint Georges, en armure sur son cheval blanc, vient la délivrer. De sa lance, il transperce la tête du dragon. La simple observation ne permet pas de deviner la suite, mais tous les chrétiens, au 15e siècle, connaissaient la légende. Le bien doit vaincre le mal, l'épouvantable dragon doit se soumettre au preux chevalier et à la douce princesse. C'est ainsi que les contemporains d'Uccello voyaient le tableau avec le plus grand sérieux. La mission édifiante de l'art était incontestée. La composition conserve pour nous tout son charme, non seulement par ses qualités formelles, mais aussi par cette fraîcheur d'esprit qui est sans doute ce qui subsiste du style gothique international.
Il ne faut pas s'étonner qu'une scène historiquement située au 4e siècle comporte des accessoires du 15e siècle : armure, vêtements de la princesse. Les peintres de la Première Renaissance n'étaient pas des historiens et ils ignoraient tout de la mode antique. Ils auraient d'ailleurs déconcerté leur public en déplaçant la scène à une autre époque. L'aspect décor de théâtre de la grotte ne doit pas non plus surprendre. Depuis Giotto, cette stylisation de la nature est acceptée et constitue d'ailleurs une évolution majeure vers le réalisme par rapport à la peinture romane dépourvue d'arrière-plan naturel.
Uccello était un maniaque de la perspective. On peut le comprendre puisqu'il s'agissait de la grande innovation de composition de son époque. Il construit donc son tableau sur trois plans successifs lui permettant de produire un effet de profondeur. Au premier plan, le combat ; au deuxième plan, la grotte, les rochers et les nuages orageux sur la droite ; à l'arrière-plan et au centre de la composition, la plaine puis les montagnes à l'horizon. Les lignes de fuite se dirigent vers ces montagnes. La raison d'être des rectangles herbeux au premier plan réside dans la volonté du peintre d'accentuer visuellement l'effet perspectif par des figures géométriques suivant la ligne de fuite. Le procédé était courant à l'époque : on utilisait fréquemment le dallage au sol à cette fin.
Uccello. Saint Georges et le dragon, détail
Uccello. Saint Georges et le dragon, détail
Uccello. Saint Georges et le dragon, détail
La réussite exceptionnelle du tableau de la National Gallery provient du caractère très dynamique de la représentation et du chromatisme. Le peintre a choisi un cadre resserré sur les trois figures, qu'il ne présente pas systématiquement de profil comme dans le tableau du musée Jacquemart-André. La position du dragon, quasiment de face mais en mouvement violent, permet de mettre en évidence la tête et les énormes pattes griffues. Saint Georges, placé de trois-quarts, attaque le dragon par le côté et sa lance se confond presque avec la diagonale du tableau. La confrontation entre Saint Georges et le dragon semble les propulser vers l'observateur, ce qui accentue l'impression de puissance et de mouvement. Le calme de la princesse, qui ne craint visiblement rien, souligne également la violence de l'action, qu'elle observe avec une confiance totale dans l'issue du combat.
Mais sans l'harmonie chromatique, la scène perdrait de son intérêt. L'indétermination jour-nuit est une idée forte car elle permet de jouer avec une lumière quasiment spirituelle. On ne sait d'où elle vient. Le ciel est sombre et un croissant de lune apparaît. Mais paradoxalement, les personnages et le sol au premier plan sont éblouis de lumière. Uccello fait contraster les gris et beiges clairs du sol et des parois extérieures de la grotte avec le ciel sombre, le noir de l'intérieur de la grotte et les parterres herbeux vert foncé. Le visage diaphane de la princesse est l'élément le plus clair. Le peintre n'omet pas de placer quelques touches de couleurs chaudes : la robe de la princesse, le harnachement du cheval et le sang qui coule de la gueule du dragon.
Autres compositions sur le même thème
La fortune picturale de Saint Georges terrassant le dragon a été considérable et s'est prolongée jusqu'au 20e siècle. L'épisode séduit les peintres par son arrière-plan moral, son contenu narratif et sa dimension esthétique (dragon, cavalier, cheval blanc, princesse).
Uccello a repris trois fois le thème et il est très intéressant d'observer son évolution sur une quarantaine d'années. Son premier Saint Georges (1430, Melbourne) reste très influencé par la peinture byzantine ou romane, avec un fond doré. Le second (1435, Paris) est intermédiaire entre le Gothique international et la Première Renaissance. Uccello travaille la perspective avec une certaine maladresse en utilisant trois points de fuite. Le tableau de Londres (1470), étudié ci-dessus, est l'aboutissement du savoir-faire de l'artiste et se situe totalement dans les recherches de la Première Renaissance italienne.
Raphaël traite deux fois le sujet au début du 16e siècle. Les très grands artistes disposent alors d'une parfaite maîtrise de la perspective et de la représentation du mouvement. Au 17e siècle, dans le style baroque, Rubens compose un Saint Georges tout en puissance, beaucoup plus réaliste, avec musculature saillante du cavalier et de son cheval.
A la fin du 19e siècle, le peintre symboliste Gustave Moreau reprend le thème avec une composition qui « n'est pas sans rappeler celles de Raphaël » (« are reminiscent of those of Raphael ») comme l'indique le commentaire de la National Gallery. Enfin, vers 1915, Kandinsky, sur le chemin de l'abstraction, utilise l'épisode légendaire pour exploiter son potentiel formel et chromatique.
Uccello. Saint Georges terrassant le dragon (v. 1430)
Huile, tempera et feuille d'argent sur bois, 39 × 62 cm, National Gallery of Victoria, Melbourne.
Image HD sur GOOGLE ART PROJECT
Uccello. Saint Georges terrassant le dragon (v. 1435)
Tempera sur bois, 52 × 90 cm, Musée Jacquemart-André, Paris.
Raphaël. Saint Georges et le dragon (v. 1503)
Huile sur bois, 31× 27 cm, musée du Louvre, Paris.
Image HD sur WIKIPÉDIA
Raphaël. Saint Georges et le dragon (v. 1506)
Huile sur toile, 21,5 × 28,5 cm, National Gallery of Art, Washington.
Image HD sur GOOGLE ART PROJECT
Rubens. Saint Georges et le dragon (v. 1606)
Huile sur toile, 309 × 257 cm, musée du Prado, Madrid.
Image HD sur WIKIPÉDIA
Gustave Moreau. Saint Georges et le dragon (v. 1890)
Huile sur toile, 141 × 96.5 cm, National Gallery, Londres.
Image HD sur WIKIPÉDIA
Kandinsky. Saint Georges et le dragon (v. 1915)
Huile sur carton, 61,4 × 91 cm, galerie Tretyakov, Moscou.
1. Godefroy Nguyen Le 13/11/2019
Bonjour et merci pour cette intéressante biographie et cette belle analyse de ce tableau d'Uccello. Est-ce une prédelle?
J'avoue que son indifférence à l'anatomie me laisse perplexe. Mais pour moi (et je ne suis pas le seul ;-)) c'est le peintre du mouvement, le premier sans doute
On a fait remarquer qu'il superpose deux scènes: l'attaque du dragon et sa domestication successive (il est attaché à la princesse par une corde)
Encore une fois bravo pour votre très beau site
2. Van Le 17/04/2019
Bonjour, j'ai trouvé cette analyse très complète mais j'aimerais savoir ou sont les lignes de structures ou est ce qu'il y a une composition précise, car je n'arrive pas à les trouver, merci d'avance pour votre réponse,(Je dois faire une analyse pour mon professeur d'art plastiques et se sont les points que je n'ai pas trouvé)
3. SomOne Le 03/05/2017
Merci pour ces informations plus que utiles.
4. Eva Bacon Le 16/01/2017
L'analyse est très intéressante. Par contre, si je peux me permettre, j'ai déjà étudié cette oeuvre il y a quelques années en cours d'Histoire de l'Histoire de l'art (étude de l'évolution de l'Histoire de l'Art et de son analyse).
Un des points sur lesquels je rejoint particulièrement cet article est le fait que Paolo Ucello est connu pour sa maîtrise de la perspective ; c'est aussi là que ce qui m'a était enseigné diffère de ce qui est dit dans l'article. Les tableaux Saint Georges et le Dragon et Saint Georges terrassant le Dragon ont été étudiés dans un cours portant sur la représentation des fêtes, coutumes et autres formes d'art.
En effet, la toile Saint Georges et le Dragon (1470) représente la légende conté par Voragine ; en revanche le tableau Saint Georges terrassant le Dragon (1435) peint la représentation théâtrale de la légende. Le fait même qu'un maître de la perspective puisse manquer tant de réalisme en est une preuve (les trois personnages du fond ont presque la même taille que le mur de la ville, l'élévation des champs est irréaliste...) ; de plus la représentation grotesque du dragon est en réalité le déguisement de dragon utilisé par un acteur (on imagine très bien un acteur pouvant le porter), la "grotte" est clairement une tente servant de décors et l'arrière plan est le mur du fond. Tout n'est que décors et mise en situation : une représentation d'une représentation.
C'est la raison qui rend le tableau Saint Georges terrassant le Dragon encore plus intéressant. Il est dommage que cette explication soit rarement dispensée car penser que l'artiste puisse être satisfait de ce tableau - s'il eut été une représentation de la légende et non de la pièce de théâtre - est à mon avis triste. Une fois que cela est envisagé, ça devient évident : du "flottement" de la cape à la position étrange du cheval tout n'est que représentation d'une mise en scène.
Merci pour ces informations. Les tableaux d'Uccello sont volontiers théâtraux. Les scènes de la bataille de San Romano n'échappent pas à cette règle. D'une manière plus générale, la peinture étant, jusqu'à l'impressionnisme, une recherche de la beauté cachée de la nature, elle est en harmonie avec les autres disciplines artistiques (littérature, théâtre, musique, etc.) qui explorent la quintessence des émotions humaines. Jusqu'au 17e siècle au moins, le paysage est fréquemment traité comme une scène de théâtre sur laquelle se déroule une séquence narrative. Si le tableau d''Uccello est la représentation d'une représentation, comme vous le dites, il comporte effectivement une dimension supplémentaire. Mais, pour un peintre de cette époque, quelle différence pouvait-il y avoir entre l’illustration picturale d'une légende et la représentation de la scène de théâtre illustrant la légende ?