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¿Quieres descubrir los secretos de la fotografía de reportaje de la mano del reconocido fotoperiodista y X-Photographer David Airob? Descubre cómo asistir en el siguiente enlace.
A: Por lo que me explicas, entiendo que tampoco eres de los que dispara muchas fotografías…
D: No, realmente no soy muy de tirar fotos y no uso ráfaga. Si tiras mucho, al final, pierde un poco el sentido de lo que estás haciendo. A pesar de ello, a veces la circunstancia lo requiere, igual que es lícito reencuadrar. Me gusta mucho trabajar con lo que sería el negativo entero, pero no tengo reparo en poder reencuadrar un poco la fotografía si eso hace que gane.
A: Has ganado numerosos premios de fotografía, ¿recuerdas la ocasión en que ganaste el primero?
D: El primer premio que gané fue el Premio Agustí Centelles de fotoperiodismo, lo entregaba el diario Avui. También me emocionó el World Press Photo de vídeo, por el proyecto Calcio Storico que hice con David Ramos. David y yo somos muy amigos, es un gran profesional, y fue un trabajo defendiendo lo que nos gustaba. La alegría fue enorme, no solo porque a nivel de prensa y documental ese premio sea a lo máximo a lo que puedes aspirar, sino también por haberlo hecho con mi amigo, apostamos mucho por una manera de hacer, decidimos hacerlo para aprender y nunca lo habíamos hecho. Siempre voy a buscar la excelencia, eso es lo que te diferencia. Dar todo lo que tú puedes dar y apostar por la calidad. “Calcio Storico” se presentó en cuatro sitios y en tres recibió el premio, creo mucho en esa manera de trabajar.
A: ¿Qué dos cosas son las que te llevarías de tu experiencia de fotógrafo y jefe de fotografía en La Vanguardia?
D: La relación con los compañeros y el aprendizaje.
A: En general, ¿podrías decirme cuando decides usar el color o el blanco y negro en tu fotografía?
D: Soy mucho más fotógrafo de color que de blanco y negro. En Soldados de Salamina usé el blanco y negro porque procuré trabajar con ópticas con las que se trabajaba en la Guerra Civil, tener un poco la perspectiva de la época y porque yo lo veía en blanco y negro. José Manuel Nafue la primera persona que cogió mi cabeza e hizo “cloc”. Me acuerdo que salí de su taller pensando en todo el significado de la fotografía documental. Además hablé con él y me dijo “¿por qué has hecho eso en blanco y negro?” yo respondí “porque este tema no tiene color” y él me respondió “sí… lo único que tú aún no lo has visto. Todo tiene color, has de aprender a verlo”. Eso se me quedó grabado a fuego. Evidentemente el color se ha de que trabajar bien, por eso también es muy importante conocer el sensor de la cámara con la que trabajas.
A: ¿Cómo valoras el panorama actual del fotógrafo documental y de prensa? A nivel de oportunidades, forma de trabajar, medios…
D: Mal. No porque lo diga yo, solo hay que ver lo que está pasando en los medios. La gente dice “es que los móviles han hecho daño” en realidad son algunos medios que han prescindido de la calidad o no es prioritaria, han escogido “la foto gratis”.
A: ¿Crees que hay paridad y que el acceso de la mujer fotógrafa es el mismo que el del hombre fotógrafo (si nos basamos en esa dicotomía de género)?
D: Estoy en contra absoluta de hacer una selección de fotógrafos en base a su género, he trabajado con fotógrafas muy buenas. Escojo a las personas por su valor como profesional. La Vanguardia es uno de los diarios donde el equipo estaba bastante ponderado. También tienes que adaptarte a los fotógrafos que están disponibles en ese momento. Pero en algunos casos sí que percibo una diferencia de acceso, hay una barrera inconsciente, las mujeres se lo tienen que trabajar más para acceder.
A: ¿Por qué decidiste escoger la figura de Joan Guerrero para tu primer documental, La caja de cerillas, y cómo describirías tu experiencia en la realización del mismo?
D: Los motivos de realizarlo son por los valores que él representa y porque creí que era necesario que la manera de ver de Juan estuviera registrada para consultarla. Este es un proyecto didáctico. Se ha ofrecido como actividad gratuita a escuelas y en las que lo hemos llevado a cabo, ha sido una gran experiencia. Te aseguro que los alumnos quedaban petrificados. Aplaudían, haciéndose fotos con Juan. Después las escuelas, sin pedirlo nosotros, les pedían hacer una redacción sobre qué habían sentido al verlo. Por ejemplo, uno decía “después de haber visto este documental de Juan, quiero ser mejor persona”. Rodar el largometraje fue una experiencia durísima, porque lo hicimos nosotros dos solos y en dos años, por cómo queríamos que fuera: el cartel es de Mariscal, la música compuesta a propósito por José Bautista etc. Fue un proyecto que, como un trabajo de orfebrería, además de costearlo, lo hice todo. No es un proyecto para ganar dinero, de hecho nunca se ha presentado a ningún festival.
A: El sitio donde nos encontramos hoy no ha sido al azar, tiene una gran carga histórica y social por los hechos de 1938 y los bombardeos italianos. Durante un tiempo, por parte del franquismo, se quiso hacer creer que eran marcas de fusilamientos contra los sacerdotes de la iglesia. ¿Crees que la fotografía tiene un papel importante en la preservación de la  memoria histórica? Esta parte común de nuestras vidas y recuerdos… ¿Y cuánto de objetividad hay en una fotografía?
D: Sí, totalmente. Más el documentalismo, que es tan necesario. Tú seleccionas trocitos de vida y decides qué encuadre haces. Por eso es tan importante la honestidad. Cuando haces una fotografía sobre un suceso, tú eres el que haces la fotografía, eres el que decides enviarla – al diario-, eres el responsable. Si luego esa fotografía que has hecho, un medio de comunicación le da un relato que no era el original, eres el que tiene que llamar la atención sobre eso. Pero ante todo, tú decides lo que miras, seleccionas y mandas. Eso requiere responsabilidad. Y más en una era digital donde la gente sabe que puedes borrar, incorporar elementos, etc., la única cosa que garantiza la veracidad es tu nombre, porque tú puedes asegurar con tu forma habitual de trabajar que eres honesto y responsable con tu trabajo.
David Airob fotografiado por Amanda Bernal
Selección de fotografías realizadas por David Airob
21 noviembre, 201925 noviembre, 2019 0 comentario
Amanda Bernal entrevista al X-Photographer David Airob – Parte I
por Amanda Bernal 20 noviembre, 201925 noviembre, 2019
Puedes leer la segunda parte de la entrevista haciendo click aquí.
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David Airob, Barcelona en 1967, ha sido siempre referencia de un trabajo bien hecho y con alma. Dedicado desde hace casi cuarenta años a la fotografía documental y de prensa. Fotógrafo en La Vanguardia des de 1990, siendo jefe de edición entre 2007 y 2010, cubriendo todo tipo de sucesos. También es videógrafo, con el corto “Calcio Storico”, recibió el Premio World Press Photo y POY Latam en la categoría de “Multimedia” y el largometraje documental “La caja de cerillas”, basado en las experiencias personales y profesionales del fotoperiodista español Joan Guerrero. Ha recibido numerosos premios de fotografía como el Sony World Photography Awards y el Premio “Agustí Centelles” de fotoperiodismo entre otros. Ha publicado en renombrados medios y publicaciones como Time, Paris-Match i Der Spiegel i es cofundador del Centro de Fotografía Documental de Barcelona.
Amanda Bernal, Barcelona en 1989, siendo Sant Cugat del Vallès su ciudad de origen. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y máster en Gestión Cultural por IDEC-UPF, vive y trabaja en Barcelona. En los últimos años, trabaja y participa en diferentes proyectos, entidades y colectivos, organizando actividades en el ámbito de la fotografía, la gestión cultural y la educación artística. Ha realizado también numerosas exposiciones individuales y colectivas. Actualmente compagina la co-dirección del Lumínic Festival (1r Festival de Fotografía de Sant Cugat del Vallès), con la realización de proyectos educativos, encargos fotográficos y producción de obra propia, basados en la fotografía y la poesía. L’Esquerda i SATORI son sus proyectos más recientes. Actualmente, también cursa el máster en Antropología y Etnografía en la Universidad de Barcelona.
Hoy tengo la oportunidad de encontrarme con David y saber más sobre cómo entiende y vive la fotografía. Nos encontramos en la Plaza Sant Felip Neri, uno de los sitios más auténticos y cargados de historia de Barcelona, con su arquitectura barroca y las marcas en una piedra que ha vivido, sufrido y contemplado las vidas de sus gentes. Llego un poco antes y comienzo a hacer fotografías de la plaza, con pocos transeúntes. En unos minutos llega David y me pilla in fraganti. Nos saludamos y ambos coincidimos en que es la hora de un buen desayuno. Caminando por las callejuelas del barrio gótico, llegamos a la Placeta de Manuel Ribé y nos sentamos en una terracita. David es una persona despierta al mundo y enérgica. Su mirada sincera me despierta un gran respeto y complicidad. Siento que esa complicidad sería ahora mismo la única manera de relacionarme con él, me siento muy cómoda y justo entonces llega nuestro desayuno, unos croissants recién hechos y el olor a café nos acompaña en el inicio de nuestra entrevista. Me doy cuenta de que David siempre tiene una sonrisa preparada y entiendo hasta qué punto ama su trabajo y lo vive con intensidad.
A: ¿Cómo y cuándo empezaste a fotografiar?
D: Era muy joven, la verdad es que podía tener unos 15 años y ya me gustaba mucho. Un verano trabajé con un fotógrafo de moda, que me explotó y no me pagaba nada- se ríe recordando viejos tiempos- pero estaba bien como comienzo. Cuando empecé los primeros trabajos, recogí dinero, me compré la primera cámara, la llevaba siempre conmigo. Comencé a tomar fotografías de aquello que me llamaba la atención y algunas las llevé al periódico para ver si las querían. A partir de allí me fui introduciendo en la profesión. Entonces me tuve que ir a la mili, en ese momento surge el nombre de David Airob, no es mi nombre real, porque yo me llamo David Ibernón. Lo que pasó es que durante la mili, en Ibiza, yo colaboraba con algunos medios de Barcelona pero no me dejaban trabajar al estar de soldado, entonces me inventé este nombre, es mi segundo apellido al revés, Boria. La verdad es que cuando llegué aquí después, me conocían más por Airob que por Ibernón, entonces decidí utilizar ese nombre. Aunque entonces yo no sabía ni si me iba a dedicar a la fotografía profesional.
A: ¿Recuerdas cuándo decidiste dedicarte a la fotografía?
D: Cuando regresé de la mili estuve trabajando dos años aproximadamente en tiendas de fotografía, me confirmó que no era mi sitio, porque la calle me tiraba mucho y decidí dejarlo y aventurarme a ser fotógrafo profesional – “si no lo pruebo, no lo sé” apunta-. En ese momento, empecé a colaborar con La Vanguardia, poco a poco el incremento de trabajo fue a más hasta el punto de dedicarme exclusivamente a ese proyecto, tendría unos 23 años.
Paralelamente, me interesaba desarrollar proyectos propios. Creo que es donde disfrutas más, aunque a mí la prensa diaria me gusta muchísimo, me lo pasaba super bien – se para un momento recordando y mira un momento su café – si te gusta la calle, es muy bonito, además creo que para un fotógrafo que quiere hacer prensa o documental, el diario, aunque vas como muy marcado por los tiempos, te enseña mucho. Sobre todo a resolver rápido, y ante una situación decir “la foto es aquí”. También tiene muchas cosas no tan buenas – se ríe – pero la prensa diaria te sirve mucho para aprender a trabajar a un ritmo muy dinámico, hay un punto de “apagafuegos”, pero no es un drama ya que te habitúas a esa forma de trabajar y es lo que te da vida y energía.
A: Desde muy joven ya coges la dinámica y es algo que ya tienes interiorizado…
D: Claro, justamente cuando este año pasado dejé el diario, he estado bien, porque afortunadamente tengo muchos proyectos independientes, tanto a nivel laboral como de aficiones, y a mí también me apetecía un poco un parón, pero lo echas mucho en falta, el ritmo… en el diario estuve casi 30 años.
A: ¿Entiendes la fotografía como una profesión o un modo de ver y entender?
D: Para mí no es una obsesión, es una forma de vida. Además, yo tengo muchas aficiones como la música – toco varios instrumentos- y también es una parte muy importante en mi forma de funcionar. También me gusta mucho el cine. No soy de aquellos que se van de vacaciones y dejan las cámaras. En prensa tienes la ventaja de verlo todo en directo y esa maravilla de oportunidad de ver las cosas en primera línea. Puedes opinar por lo que ves, no por lo que te cuentan. En directo hay muchos grises, las cosas no son tan polarizadas.
A: ¿Cuál es tu equipo base cuando sales a fotografiar? ¿Cómo y cuando hiciste el salto a Fujifilm?
D: De cámaras no soy muy fetichista, pero sí que quiero una cámara que me guste físicamente. Yo creo que me pasé a Fujifilm por la cámara X-100. En una ocasión tuve que ir a Turquía para un magazine de La Vanguardia, me llevé la X-100 y una DSLR con ópticas y demás. A la vuelta edité el trabajo y lo llevé al editor jefe del magazine del periódico, Pepe Baeza. Me dijo su selección y todas las que había escogido estaban hechas con la X-100. Cada cámara te hace ver de una manera distinta, y la X-100 tiene ese encanto. Para mí, Fujifilm no tiene otra cámara como esa. Si ahora me dijeran, de todo lo que tiene Fujifilm, qué te llevarías a una isla desierta, si dejamos el formato medio fuera de este juego, sería la X-100 sin ninguna duda.
A: ¿Cómo llegas a ser embajador de Fujifilm y qué ha significado para ti?
D: Con la X-100 inicié mi relación de amor con Fujifilm y también como primer Ambassador aquí en España. Me llamaron y me hizo ilusión, pero tengo muy claro que si no me gustaran las cámaras no sería Ambassador. Sé de gente que quizás, porque le den un equipo, sería Ambassador de algo en lo que no cree. También me gusta estar con Fujifilm porque escuchan, soy muy crítico, cuando una cosa de una cámara no me gusta, razono el por qué y lo digo. Esa es también la finalidad de ser Ambassador, dar un feedback sobre el material. Y en general, lo que la gente ha reclamado, lo han aplicado. Considero mi relación con Fujifilm muy familiar, gente a la que aprecio mucho, se ha establecido una relación casi de amigos.
Soy Ambassador de Fujifilm porque creo en la marca y quiero que cada día mejore. La relación con las personas de Fujifilm me hacen estar muy a gusto.
A: ¿Cuando sales a fotografiar, cómo te acercas a la escena? ¿Tienes una idea en tu cabeza o ninguna predisposición concreta?
D: Normalmente no me gusta ir condicionado, pero depende de la cámara con la que vas, miras distinto. Yo soy bastante anti angulares, aunque en prensa diaria sí que en ocasiones necesitas usarlos. La primera vez que me compré un zoom fue un 24-70mm. Al cabo de un año de trabajo miré cuál era la distancia focal media de las fotografías que había enviado al diario, descubriendo que eran 43mm. Eso dice mucho de tu forma de trabajar. No soy un fotógrafo al que le guste mucho la invasión de terreno, usando un angular muy exagerado me obliga a estar muy pegado a la escena, sobre todo las curvas y caídas de angular me ponen nervioso. Creo que también es influencia de mi gusto por la pintura, hay una herencia a nivel artístico. Me gusta mucho Hopper, es muy fotográfico y cinematográfico, tengo muchos libros de análisis etc, te das cuenta de otros pintores que te gustan y ves una línea que te recuerda. No sales a la calle diciendo “¿Cómo lo haría Hopper?”, sería absurdo, tienes esas composiciones inconscientemente. La composición es un asunto de estómago, a base de que has culturizado tus ojos. Me gusta mucho el director de fotografía Lukasz Zal, en los filmes “Ida” y “Cold War”.
A: ¿Entonces tú crees también que como fotógrafo, es bueno el hecho de enriquecerte con otros tipos de arte, para que haya este intercambio y tener todo tipo de referentes?
D: Totalmente. Por recomendación de un amigo, leí una tesis de un director de orquesta que mencionaba “el arte de elegir”, aplicable a la fotografía, a la edición gráfica, a la música, a todo. Es alucinante. De pronto un director de orquesta te está dando pautas para editar fotografía. La edición no es una ciencia exacta. En el documentalismo hay mucha carencia en ese aspecto. He ido a talleres donde se hacían revisiones de portfolio,  llevabas tu trabajo y te los discutían; es la única manera de aprender. Te pones en manos de alguien que sabe seleccionar, que sabe contar de una manera que quizás tu no la habías imaginado. Cuando he participado, encuentro que muchos fotógrafos tienen el mismo problema, la forma de contar. Quizás hay un material muy bueno, pero quieren mostrar mucho material, demasiada cantidad de fotografías. Creo que los fotógrafos deberían asistir mucho más a cursos de edición gráfica, te hace mejor fotógrafo. Para aprender a contar; cuando miras unas fotos que “se pasan como aceite”, el orden que le has dado a las imágenes, cuando ves un trabajo bueno y una buena narración. Eso también es muy cinematográfico, el orden, la secuencia…
A: ¿Describirías tu fotografía de algún modo?
D: Honesta – tras un silencio añade – que ya es muy difícil – ríe -. ¡Con lo que cuesta hacer una buena foto! Cuando estaba en el diario hacía un ejercicio, al final del año, de todas las imágenes que había enviado, seleccionaba las que yo consideraba las mejores. No habían más de cinco o seis que tuvieran un peso informativo, mirada distinta y buena composición. Realmente es complicado.
David Airob fotografiado por Amanda Bernal
Selección de fotografías realizadas por David Airob
20 noviembre, 201925 noviembre, 2019 0 comentario
Shuko Kawase entrevista a Nicanor García – Parte II
por Shuko Kawase 31 octubre, 201931 octubre, 2019
Segunda parte de la entrevista de Shuko Kawase a Nicanor García.
Puedes leer la primera parte haciendo click aquí.
S: En la vida de los fotógrafos profesionales, es bien sabido que a menudo existe una división entre el trabajo comercial que realizan para la fotografía de pago y la fotografía personal. ¿Es eso cierto para ti también?
N: Muchos proyectos suelen llegar en función del trabajo previo que has realizado, por lo que es bueno siempre estar orgulloso de los últimos que has hecho. Siempre hay un tira y afloja entre lo que quieres hacer y lo que en realidad el proyecto te permite, y ahí hay que ser flexible y estar dispuesto a aprender.
Cuando el cliente tiene cierta experiencia creativa suele no haber problemas para desarrollar un buen trabajo. En esas situaciones la línea entre el trabajo comercial y personal es difusa.
Sin embargo, hay ocasiones en que el interés no es creativo, y la parte comercial tiene mucho peso, entonces todo se complica. He tenido algún caso en que el cliente quería fotografías muy específicas, que se imaginaba algo demasiado concreto, sin dejar margen creativo. Por suerte han sido trabajos muy contados. He tenido la suerte que muchas de mis fotografías, de las que considero más personales, las he podido tomar dentro del contexto de un trabajo.
Los supuestos límites de la fotografía comercial son un reto para mejorar. Desde mi punto de vista el trabajo comercial siempre es una motivación para aprender y mejorar mi fotografía más personal.
S: ¿Qué equipo fotográfico usas?
N: Estoy muy contento con el equipo que utilizo, entre otras cosas porque es versátil y se adapta bien a los diferentes tipos de fotografía que realizo. Mi equipo básico es la Fujifilm X-H1 con un Fujinon XF16-55mm que puedo encajarlo en una bolsa bastante pequeña junto a un Fujinon XF55-200mm y un Fujinon XF10-24mm. O también junto a un Fujinon XF55-140mm y un Fujinon XF8-16mm. Un todo terreno luminoso, un teleobjetivo y un gran angular, que es un equipo bastante ligero y versátil.
También he tenido oportunidad de utilizar la Fujifilm GFX 50S. Me ha resultado sencillo adaptarme a ella por todo lo común que tiene con la serie X, a la vez que me ha sorprendido la calidad y detalle que puedes conseguir con ella.
Me parece muy interesante la posibilidad de combinar la serie GFX con la X en proyectos de largo recorrido, pues cada una te aporta diferentes posibilidades, una más versátil y la otra con una calidad excepcional.
S: ¿Cambiaste a usar los productos Fujifilm por usar un sistema diferente? ¿O empezaste usando Fujifilm? Si cambiaste, ¿qué te hizo cambiar a Fujifilm?
N: He tenido diferentes cámaras, las dos primeras analógicas, una de ellas réflex. Con la réflex analógica compre algunos objetivos que empezaron a darme una idea de las ventajas de tener un buen sistema donde encuentres los elementos que necesitas para cada ocasión fotográfica.
Tras una pausa de unos años, compré una cámara digital que contaba con dos objetivos únicos. Era una cámara muy particular, y a los pocos años volví a un modelo réflex, pero digital y APS-C, para más tarde saltar a un modelo Full Frame. Con esta última cámara hice una buena inversión en objetivos y empecé a tener resultados más satisfactorios.
Al empezar a trabajar viajando este equipo me resultaba muy pesado. Eso me hacía estar muy pendiente del equipo y resultaba agotador al final del día. Empecé a investigar buscando una calidad equivalente, pero en un sistema más ligero. Ahí descubrí la Fujifilm X-T1, que luego renové por la Fujifilm X-T2, y más tarde por la Fujifilm X-H1.
El sistema de Fujifilm, en ese momento, estaba creciendo rápidamente. La hoja de ruta era prometedora y las actualizaciones de firmware constantes… Así pues, fui aumentando mi equipo a medida que el sistema crecía, con una calidad de imagen que no tenía que envidiar nada a otros sistemas de otras marcas y que cubren todas mis necesidades como fotógrafo.
S: ¿Qué valores informan y dirigen tus fotografías? Además de una imagen visual, ¿qué cualidades invisibles o qué tipo de energía esperas compartir con tu público cuando publicas tus fotografías en las redes sociales? ¿Qué es lo importante para ti cuando compartes o haces tu trabajo?
N: Las claves de un fotógrafo, al menos en mi caso, las vas aprendiendo sobre la marcha, a base de prueba y error, experimentando. Cada paso que das es el que marca tu camino. Como ya he comentado la arquitectura es muy importante en mi formación, y ese bagaje me sirve a entender a entender una parte de lo que veo, pero no todo, por suerte. El tener algunas certezas puede ser compatible con tener bastantes dudas. Esa aparente contradicción no es más que un motor que me permite mejorar y mantener una curiosidad constante. Como la que tienen los niños, o los turistas cuando llegan a un nuevo destino.
Compartir las fotografías que hacemos es lo natural, es cerrar el ciclo para el que fueron realizadas. Nunca me planteo de antemano transmitir algo concreto, y me parece que eso es bueno. Sobre todo, intento tener la experiencia del momento fotografiado, y eso es lo que destacaré con la edición y luego transmitiré.
Hacer fotos es revivir varias veces lo que viste al tomarlas. Cuando miras por primera vez en la pantalla de la cámara, al descargar las fotos y seleccionarlas, al editarlas, al compartirlas y al revisarlas a lo largo del tiempo.
Si no te impresionaste al fotografiar un edificio, si no te emocionó el amanecer, si no te sorprendiste cuando te sonrieron al hacer una foto a un desconocido, entonces es muy difícil que esa foto transmita algo que sea una vivencia tuya. Y cuando transmites algo que has vivido, aunque sea una foto de algo aparentemente intrascendente, seguro que hay quien lo capta y se emociona también.
Por eso, para mi es importante que cada fase de una fotografía sea original y personal. Y es por eso que con Shuko preparamos cada proyecto con cuidado, casi de manera artesanal, manteniendo la esencia de lo que vemos.
S: ¿Qué recomiendas a los jóvenes que estudian otra cosa no relacionada con la fotografía pero que también están interesados en este mundo? ¿Crees que estudiar fotografía es la única manera de convertirte en un buen fotógrafo?
N: Muchos llegan a dedicarse a la fotografía a partir de otros trabajos y ocupaciones, como es mi caso. Pienso que la importancia que tienen las imágenes es en nuestra sociedad hace que todos tengamos una conexión fuerte con ella. Las circunstancias pueden ser variadas y hay quien puede compatibilizar su trabajo con la fotografía, y saltar a dedicarse solo de la fotografía depende de muchos factores, y no es sencillo.
Es un trabajo muy dedicado que muchas veces no tiene la contrapartida económica que se merece. Pero si hay quien piensa que ese es su camino, tengo que decir sí, que es posible. Aunque eso le obligara a renunciar a la estabilidad de una vida cómoda y sedentaria.
Estudiar fotografía es una buena manera de llegar a ser fotógrafo, pero pienso que no es la única. Puede que a muchos les haga llegar pronto a su objetivo, pero para otros igual no tiene sentido.
Lo que en ningún caso ningún fotógrafo puede prescindir es de ver y aprender viendo fotografía, preferentemente de grandes fotógrafos. Y después practicar y practicar para mejorar la técnica y depurar su mirada hasta que sea capaz de que sus fotografías conecten a los otros con lo que él vio y vivió.
Nicanor García fotografiado por Shuko Kawase
Selección de fotografías realizadas por Nicanor García
31 octubre, 201931 octubre, 2019 0 comentario
Shuko Kawase entrevista a Nicanor García – Parte I
por Shuko Kawase 30 octubre, 201931 octubre, 2019
escrito por Shuko Kawase
Puedes leer la segunda parte de la entrevista haciendo click aquí.
La primera vez que vi las fotografías de Nicanor García fue en Instagram. Me pareció vibrante, preciso y consistentemente bueno. Nunca imaginé que lo conocería en persona, pero vino a visitar Japón cuando vivía allí por un corto tiempo. Contactó con muchos instagramers que estaban en Japón, y yo fui una de ellos. Lo que siguió fue la sorpresa inesperada de una fuerte conexión con intereses y valores similares. Ahora estamos casados y trabajamos juntos a tiempo completo. Esta es mi primera oportunidad de entrevistarlo formalmente.
S: Las personas que conocen tu trabajo te conocen como fotógrafo de Barcelona. ¿Cómo crees que crecer aquí ha influido en tu fotografía?
N: Tus primeros recuerdos van indisolublemente ligados al lugar donde naces y creces. Estos entremezclan las vivencias y los lugares, y todo ello, inevitablemente, es de donde se nutre la memoria, condicionando y matizando los recuerdos que construirás en el futuro
En Barcelona el buen tiempo invita a salir y explorar la ciudad, lo que simplifica las cosas cuando estás aprendiendo a mirar, y más tarde a fotografiar, haciendo que ese aprendizaje pueda ser más sostenido en el tiempo. Además del lugar también influye como aprendemos a mirar y a hacer fotos. Si es de manera autodidacta, a través de algún familiar o amigo, o estudiando fotografía en una escuela.
En mi caso es Barcelona, con su luz mediterránea, su arquitectura ecléctica, vital y diversa, la ciudad que me ha servido de campo de juego para aprender de forma autodidacta. Ella es la que me ha dado la escala y la medida, el punto de partida que ha permitido conseguir una manera personal de ver el mundo. Y esa forma de mirar es la que adapto cuándo viajo y voy descubriendo otros lugares.
S: ¿Cómo te ha ayudado la fotografía a ver tu propia ciudad mejor que alguien que no hace fotos?
N: Cada vez es más sencillo acceder a la fotografía, desde el punto de vista técnico, y también hay una cultura visual muy extendida que hace que podamos hablar de fotografía y no solo de generar imágenes. El proceso de simplemente pasar la vista sobre las cosas a tener una mirada “fotográfica” requiere de curiosidad, atención y pasión para que lo podamos desarrollar y así ser capaces de construir fotografías que reflejen lo que vemos y además puedan llegar a interesar a otros.
Entre lo que vemos y lo que fotografiamos hay una diferencia sustancial que hace necesario que adaptemos nuestra mirada a la cámara que usamos. Nuestra visión se adapta con facilidad a la luz y sintetiza lo que vemos muy rápidamente, incluso cuando estamos en movimiento. Pero una cámara es una versión muy simplificada de lo que puede hacer nuestra vista. Necesitamos aprender a ajustar sus parámetros y luego situarla de manera que podamos hacer el encuadre que buscamos.
Este proceso de adaptación, el cómo decidimos resolverlo, va a condicionar y a definir nuestra fotografía.
Al necesitar coordinar lo que vemos con el ajuste de la cámara, eso nos obliga a prestar más atención al mirar y tomar las fotografías. En consecuencia, establecemos un vínculo mayor con lo que vemos. En mi caso ha hecho que conozca de una manera más amplia y profunda mi ciudad, generando unos recuerdos extra que sin la fotografía habrían sido difíciles de desarrollar.
S: ¿Puedes describir cómo te convertiste en el fotógrafo que eres hoy? Eres un fotógrafo de arquitectura, pero haces muchas fotografías de viajes y también eres bastante bueno en fotografía callejera.  ¿Cómo te convertiste en un “fotógrafo de arquitectura”?
N: De alguna manera todos somos fotógrafos, todos vemos el mundo de una forma particular y todos podemos hacer fotografías. En mi caso me dedico exclusivamente a la fotografía desde hace casi 8 años, antes me dedicaba a la arquitectura.
Al estudiar arquitectura aprendes a mirar el mundo de una manera muy intensa. Es una necesidad de los arquitectos, si quieres construir en el entorno existente, necesitas conocer bien como es y así puedes llegar a ser capaz de diseñar edificios y espacios que se integren con la realidad construida donde todos habitamos. Pero también tienes que entender las necesidades de las personas para que se ese diseño sea útil para ellos, que son los que lo van a utilizar y vivir en esos espacios que les has diseñado. En definitiva, la arquitectura me ha aportado una visión intensa y transversal del mundo. Eso hace que al fotografiar me interesen mucho la arquitectura, la construcción, la geometría… pero también la relación de las personas con esos espacios.
Los estudios de arquitectura son muy variados, tocando temas de proyecto, construcción, urbanismo, paisajismo, estructuras… pero también historia y humanidades. Lamentablemente al finalizar la carrera todo se concentra en la rama que escoges y ese saber diverso se queda limitado. En mi caso me especialicé en proyectos (diseño), y tuve la posibilidad de formar mi propio estudio. Eso me permitió diseñar y construir diversos edificios de diferentes tipologías (viviendas, oficinas, escuelas, urbanismo…), lo que fue muy enriquecedor y positivo.
Así pues, entiendo mi pasado como arquitecto como algo que enriquece mi presente como fotógrafo y que no condiciona mi manera de ver dentro de la fotografía en el futuro. Siempre estoy abierto a aprender más de otras disciplinas fotográficas, a incorporar lo que aprenda a mi forma de mirar. Por eso, aunque hago principalmente fotografía de viaje y arquitectura, siempre me interesa la fotografía de calle o la fotografía de coches (entre otras), y que en principio parecerían alejadas de mi foco de interés. Pienso que ese mestizaje fotográfico es de gran valor y enriquece mi punto de vista.
S: [¿Entonces usas esa forma de fotografiar en todas las fotos que haces?]
N: Sin embargo, cuando fotografías estás solo con lo que tienes delante de ti, con lo que ves. Cada vez soy más consciente que los motivos y los estilos solo son límites para la mirada. Que te especialices en un tipo de fotografía no significa que no puedas hacer otras. Tenemos mucha tendencia en acomodarnos y etiquetar nuestras fotografías. Pienso que lo importante está en nuestra mirada, en como vemos las cosas de forma personal, no en el tema o estilo.
S: ¿Puedes nombrar un libro de fotografía o una exposición que te haya influenciado mucho como fotógrafo? Estoy hablando de una imagen fija, la imagen impresa.
N: Hay dos libros que durante el inicio de mi carrera como arquitecto me impactaron positivamente y empezaron a hacerme valorar la fotografía. Son de los primeros libros que compré como estudiante y no solo me sirvieron para empezar a aprender a hacer arquitectura también, sin ser consciente, empezaron a formarme como fotógrafo.
El primero se titula “La Arquitectura de los años cincuenta en Barcelona”. Este libro, como su título indica, muestra una arquitectura muy específica, fotografiada en blanco y negro, por fotógrafos de la época. El poder de las imágenes hizo que pronto saltara páginas para ver quien había realizado aquellas fotografías. Entre ellos destacaba Francesc Català-Roca, del que eran la mayoría de fotos del libro. La mirada de Català-Roca me hizo investigar más sobre él y su contexto. Eso me llevó más tarde a descubrir otros fotógrafos como Julius Shulman o Ezra Stoller. Pero lo especial de Català-Roca es que llegó circunstancialmente a la fotografía de arquitectura. Él aprendió a fotografiar edificios a partir de la relación con los arquitectos a los que realizaba encargos, pero nunca perdió la frescura que tenía haciendo foto social o de calle, siempre dando un punto de vista original y característico que hace que siga siendo mi fotógrafo predilecto.
El segundo libro se titula “Souto de Moura” de la Editorial Gustavo Gili. Se trata de una recopilación de las primeras obras de un joven Eduardo Souto de Moura, probablemente mi arquitecto favorito. La claridad de sus proyectos, ordenados y limpios en la disposición de los espacios y en la selección de materiales, me impactó mucho. Ese libro se ha ido desgastando bastante debido a la cantidad de veces que lo he consultado y me ha servido como ejemplo. Pero sin darme cuenta, aprendiendo de la arquitectura de Souto de Moura, también aprendí de la fotografía Luis Ferreira Alves, que es quien ilustró con sus imágenes todo el libro. Sus composiciones cuidadas y humanas han influido tanto en mi fotografía, como Souto influyó en mi arquitectura.
S: ¿En qué proyectos estás trabajando estos días o este año?
N: En este momento estamos a punto de viajar a Beijing para presentar una exposición que hace un año pude realizar en Barcelona y en Lisboa, con la ayuda de la marca Roca. En esta exposición, titulada “Places & Spaces. Transversal Architectures”, presento una selección de mi trabajo de los últimos dos años y medio. Las fotografías están agrupadas por diferentes tipos de espacios que en ocasiones son arquitectónicos, otras urbanos y en ocasiones naturales.
Recientemente he terminado un par de trabajos muy diferentes, pero que ambos he disfrutado realizando. Una serie de fotografías de un viaje a la República Dominicana, y otra serie destinada a promocionar el arte y la cultura en Múnich.
En ocasiones los trabajos te llevan a lugares, no físicos, que se alejan de tu centro de gravedad (fotográfico). Por eso, siempre hay que hacer un esfuerzo para llevarlos a tu propio terreno, para encajarlos en mi contexto, como ha ocurrido en estos dos últimos casos.
Nicanor García fotografiado por Shuko Kawase
Selección de fotografías realizadas por Nicanor García
30 octubre, 201931 octubre, 2019 0 comentario
Silvia de la Fuente entrevista al X-Photographer Paco Navarro – Parte II
por Silvia de la Fuente 25 septiembre, 201925 septiembre, 2019
escrito por Silvia de la Fuente
Segunda parte de la entrevista de Silvia de la Fuente al X-Photographer Paco Navarro.
Puedes leer la primera parte haciendo click aquí.
S: ¿Cómo llevas el tema del retoque?
P: Desde el cambio al digital me fijaba cómo lo hacían los técnicos de retoque y poco a poco fui aprendiendo. Es echarle horas. Yo sé utilizar lo básico para editar y el Photoshop  pero poco a poco voy mejorando en técnicas de gestión del color y miro los tutoriales de Youtube para aprender más cosas.
S: ¿Has tenido algún problema en alguna sesión, con gente o técnicamente? ¿Cómo es trabajar con actores, modelos y celebrities?
P: La verdad es que no muchas. He podido tener alguna vez algún cliente complicado, se me ha podido velar algún carrete, o se ha estropeado una tarjeta. Nada que recuerde como algo horrible.
Con respecto a los actores, la gente cree que están acostumbrados a la cámara pero hay muchos actores a los que no les gusta hacerse fotos. Una cámara de cine o TV no es lo mismo que una cámara de fotos.
Los actores y actrices suelen ser bastante tímidos, sensibles y se sienten protegidos cuando tienen un personaje, y cuando le haces fotos así tal cual, se sienten desnudos y vulnerables y les resulta complicado. Los modelos saben las poses o caras que funcionan, pero el actor necesita una historia detrás.
Normalmente hablo bastante con los actores para explicarles lo que quiero y cual creo que es la mejor manera de conseguirlo y así ganar su confianza y de hacerles sentir seguros y tranquilos. No se trata de interpretar ni de poner caras, es mas estar presente, ser lo mas natural posible y mirar como cuando miras a los ojos a alguien, hacerles olvidar que la cámara está por medio.
A mi me funciona así porque yo voy despacio haciendo este tipo de fotos, voy a “poquitos”, coloco a la persona y disparo 3 o 4 fotos y paro, cambio una pequeña cosa y luego vuelvo a hacer lo mismo para que la persona no se canse y así vamos buscando ese momento especial, ese brillo en la mirada.
Esto es lo que me funciona a mi, pero cada fotógrafo tiene que buscar lo que le funciona a el. Cada uno tenemos nuestra personalidad. Hay grandes fotógrafos muy diferentes entre si en su manera de ser y en su forma de trabajar y todos hacen fotos maravillosas.
He tenido la suerte de trabajar con grandes artistas, actores y actrices, músicos y cantantes y también muchos famosos y no quiero olvidarme de todas las modelos y los modelos con los que he tenido la suerte de trabajar, es maravilloso poder fotografiar a gente tan bella y tan profesional.
S: ¿Tú eres de la época de la Movida?
P: Sí por mi edad me tocó vivir esa época.
Era amigo de los Costus, unos pintores muy famosos de la época. Les hice algunas fotos para una exposición que se llamó “El Valle de los Caídos” en el que celebridades de la Movida salían interpretando los personajes de las esculturas que hay en el Valle de los Caídos. Yo les hacía las fotos de los personajes y ellos los pintaban. Tino Casal era el caudillo, Fabio McNamara era San Lucas Evangelista, La Piedad éramos Alaska y yo… (Paco comienza a enseñarme el libro de la expo.). Esta expo fue un escándalo en esa época.
También hice las fotos de prensa de algunas películas de Pedro Almódovar, el cartel de “Mujeres al borde de un ataque de nervios” es una foto mía.
“Pacoooo… a comer”, nos avisa su madre desde la cocina. Paramos la entrevista y nos dirigimos a almorzar. Su madre, encantadora, nos ha preparado una comida deliciosa en la que seguimos charlando de su vida, su familia, su juventud…
Son ya las 16:30h o 17:00h aproximadamente y me dice: “Corre, vamos a hacer las fotos que se nos va la luz”.  Le hago las fotos y al terminar, me da su famoso albornoz para que pose yo para él. Le digo: “Ok, me pongo el albornoz pero yo te fotografío a ti y tú a mi”. El albornoz se ha convertido en un sello de Paco en los últimos años, porque cada vez que trabaja con alguien, a modo de recuerdo, le pone el albornoz para disparar una foto que pueda publicar antes de la publicación real del trabajo. ¡Menudo regalo que me acaba de hacer Paco!
Después de la sesión, continuamos con la entrevista.
S: ¿Qué tipo de mujer te gusta fotografiar?
P: La verdad es que siempre me ha llamado la atención la gente muy, muy guapa, ya sé que a mucha gente la gente tan guapa le parece fría y aburrida pero creo que esto no es necesariamente cierto.
Hay mujeres y hombres bellísimos y a la vez muy interesantes de fotografiar.
También es cierto que la edad y las experiencias vividas enriquecen nuestra personalidad y hay mujeres maduras que te miran con una verdad que las convierte automáticamente en bellezas maravillosas . Cada vez me gustan más estas cosas.
S: ¿Intentas sacar algo de los retratados?
P: Cuando retrato a una persona trato de ganarme su confianza, llegar a un espacio donde los dos nos sintamos cómodos y estar atento a las cosas que esa persona me va ofreciendo. Guiarla sutilmente pero no forzar la situación.
De alguna manera tienes que encontrar el punto a cada persona, cada persona es diferente y hay que saber como dirigirte a ella para conseguir que nos muestren  eso que nos hace especiales y diferentes a cada uno.
También creo que en un retrato también puede verse la personalidad del fotógrafo, si no todos los retratos de una misma persona serían muy parecidos.
Con los modelos profesionales y en los trabajos de moda es completamente diferente, buscas una imagen, contar una historia…  Recuerdo trabajar con Naomi Campbell, llegó al plató, pasó por maquillaje, y vestuario. Le conté lo que queríamos, le hice una Polaroid con el primer cambio, le gustó y empezamos la sesión. Prácticamente no tuve que decirle nada mas. Ella sabe perfectamente como moverse para sacar lo mejor de la ropa, crear una foto estupenda y salir bellísima. Un espectáculo.
S: ¿Con qué celebrities internacionales has trabajado más?
P: Además de Naomi Campbell con Helena Christensen, Nicole Kidman, Gwyneth Paltrow, Silvester Stallone, Andy García…
S: ¿Qué diferencia ves entre las fotos que hacías antes y las que haces ahora?
P: No creo que en el fondo haya mucha diferencia entre las fotos que hacía hace veinte o veinticinco años y las que hago ahora.
Vas aprendiendo cosas, cambiando, adaptándote a los tiempos . Con la experiencia y la reflexión van apareciendo cosas nuevas en las fotos cada día pero en lo esencial creo que son muy parecidas.
La mayor diferencia que veo es que al principio me fijaba más en la belleza exterior de las personas y ahora además intento encontrar algo mas personal y especial.
S: ¿Buceas en fotos antiguas o crees que puedes tener buenas fotos entre los descartes antiguos?
P: Esto es algo que tengo que hacer, organizar bien mi archivo. Tengo mucho material guardado y tengo que ordenarlo, digitalizar las mejores fotos y tirar lo que no vale.
S: ¿Cómo te llevas con las redes sociales?
P: Utilizo solamente Instagram que es lo que ahora utiliza todo el mundo. La gente cuando quiere ver tu trabajo o saber quien eres lo primero que hace es buscarte en Instagram.
Mi página web apenas la actualizo, la tengo medio olvidada.
S: ¿Qué consejo le darías a gente que está empezando en el mundillo de la fotografía y quiere dedicarse profesionalmente?
P: Ahora lo que pasa es que para todas las profesiones hay mucha gente, ahora estamos en un mercado global y se compite con gente de todo el mundo.
Lo que hay que hacer es elegir una profesión para la que tengas talento y que te guste. Entregarte completamente. No se puede ser fotógrafo a medias, tienes que dedicarle toda tu energía.
No solamente es hacer fotos, tienes que saber de moda, de maquillaje ….  tienes que tener una gran cultura visual, tener referencias de cine, de arte, y luego dejarte la vida en el trabajo  porque no hay otra manera.
S: ¿Hay alguna foto de la que te sientas más orgulloso?
P: No hay una solo, tengo muchas fotos a las que tengo especial cariño.  Al verlas recuerdo perfectamente a la gente con quien las hice, los maravillosos momentos vividos y lo que significaron para mi y para mi carrera.
S: ¿Te gustaría hacer algún proyecto personal?
P: Tengo la suerte de que hay gente muy interesante que confía en mi y me llama para hacerles fotos, esto ocupa prácticamente todo mi tiempo. Además considero cualquier foto que hago como un proyecto personal.
Cuando estoy de vacaciones o viajando sigo haciendo fotos de todo lo que llama mi atención. Paisajes, sitios, instantes …cualquier cosa. Siempre llevo una cámara conmigo.
S: ¿Te planteas hacer una exposición de tu trayectoria como fotógrafo?
P: Me gustaría mas hacer un libro con mis fotos que una exposición, reunir en un libro mis mejores trabajos pero me parece muy complicado.
Hacer un buen libro de fotos es muy caro y a las editoriales no les sale muy rentable. Quizá algún día aparezca la oportunidad.
Terminamos la entrevista con unas “cerves” debajo de casa de Paco, y seguimos hablando de fotografía un buen rato más.
Creo que Paco merece una exposición, un libro, y que mucha más gente conozca, si es que no lo conocen, su talento y su obra. Gracias por este día Paco, por tu generosidad , tu sencillez, tu cariño y por compartir conmigo la experiencia de toda una vida.
El X-Photographer Paco Navarro fotografiado por Silvia de la Fuente
Selección de fotografías realizadas por Paco Navarro
25 septiembre, 201925 septiembre, 2019 0 comentario
Silvia de la Fuente entrevista al X-Photographer Paco Navarro – Parte I
por Silvia de la Fuente 23 septiembre, 201925 septiembre, 2019
escrito por Silvia de la Fuente
Puedes leer la segunda parte de la entrevista haciendo click aquí.
Conocí a Paco Navarro hace casi veinte años cuando trabajaba de modelo. Paco era ya un fotógrafo de moda reconocido al que yo admiraba, y me hacía mucha ilusión trabajar con él. Trabajamos varias veces y luego le perdí la pista. Años después empecé a seguirle en Instagram. Para mi gran sorpresa, vi que le gustaban mis fotos y eso me motivaba mucho. Yo empezaba a interesarme de una forma profesional en la fotografía y él siempre había sido un referente para mí. En aquel momento estaba buscando un cambio de cámara y vi que Paco daba una charla en Fotocasión sobre el nuevo modelo de la Fujfilm X-T2. La verdad es que no tenía ni idea de estas cámaras, salvo que su diseño retro y su tamaño me encantaban. Fui a la charla, recuperé el contacto con Paco y finalmente me cambié a Fujifilm.
Hoy voy a su casa. Soy yo quien va a hacerle las fotos y hacerle una entrevista para saber un poco más de él.
Acabo de llegar al portal, y de inmediato me transporta veinte años atrás, cuando venía al mismo edificio a hacer castings con él. Me recibe en la puerta, me presenta a su madre que está de visita, y me hace un recorrido por su casa llena de retratos y fotos de moda por los pasillos de los años 80 y 90. Almodóvar, Miguel Bosé, Ana Belén, Cristina Piaget, Cyra Toledo inundan las paredes de su casa. Son preciosas y son todos trabajos de Paco. Nos dirigimos a su salón y lugar de trabajo y veo libros de los maestros de la fotografía de todos los tiempos, de obras de arte. Me enseña un libro de Edward Weston y me habla un poco de este fotógrafo clásico, desconocido para mí. Nos sentamos en su escritorio delante del ordenador, me sirve un té, y comenzamos la entrevista.
S: ¿Para quien no te conozca, cómo te definirías como fotógrafo o qué tipo de fotografía haces?
P: Siempre he hecho fotografía de moda , retratos , campañas de publicidad , portadas de discos, etc. Fotografías con personas.
P: En mi vida las cosas han ido viniendo casi sin buscarlas, he tenido mucha suerte.
La hija de unos amigos de mis padres, que era casi como de mi familia, era una maquilladora muy conocida que trabajaba en moda en los años 80 y siempre me decía que tenía que ser modelo, algo impensable para mi.
Cuando tenía dieciocho años, una noche en la discoteca Pachá dos personas me preguntaron que si quería ser modelo y naturalmente conocían a mi amiga maquilladora, ella insistió en que fuera a verlos a la agencia y así  empecé a trabajar de modelo. Para un chico joven que estaba estudiando y trabajaba en verano de socorrista, tener dinero a esa edad era un privilegio.
A la vez que trabajaba de modelo, estaba en la selección española de remo y estudiaba INEF y para los viajes me compré una cámara  para hacer fotos como recuerdo.
Salió una enciclopedia de fotografía y me compraba los fascículos cada semana. Así empecé de forma autodidacta. Me monté un cuarto oscuro en el sótano de la casa de un amigo, y allí revelaba con una pequeña ampliadora.
En los trabajos de modelo coincidía con otras chicas y chicos modelos y  empecé a hacerles fotos. También conocí a varios fotógrafos y en mis ratos libres iba a los estudios de Alejandro Cabrera y Antonio Molina a ver las sesiones y ayudar en lo que podía.
Poco después, comencé a trabajar como ayudante de  Alejandro Cabrera y empecé a hacer test con modelos en serio.
Siendo ayudante de Alejandro me dieron el Premio Planeta de Fotografía. Con el dinero que me dieron por el premio pude comprarme una cámara mejor y empecé a trabajar profesionalmente como fotógrafo. Por la mañana iba al cuartel porque estaba haciendo la mili, y por la tarde hacía sesiones de moda a veces vestido de soldado.
S: ¿Qué tipo de trabajos hacías cuando terminaste la mili?
P: Empecé enseguida a trabajar para El Corte Inglés, Galerías Preciados, diseñadores, revistas de moda y portadas de discos. Como había trabajado con ellos como modelo o como ayudante de Alejandro tenía por así decirlo, el acceso mas fácil.
S: ¿Cuál fue tu primer trabajo profesional?
P: No lo recuerdo claramente, pero sí el primer trabajo para El Corte Inglés. Me pidieron que hiciera una foto para una campaña de primavera. Querían una foto de una mujer  con un ramo de flores, muy feliz, y con edificios modernos detrás. Decidí irme con la modelo a Azca, que era la zona de Madrid más moderna arquitectónicamente en aquella época, y cuando le llevé las fotos al cliente no les gustaron y me pidieron que la repitiera. A mí la foto me encantaba y no entendía nada.
Volví a Azca con una modelo diferente, fue Cyra Toledo, la top española del momento, y tampoco gustó el resultado. Decían que no comunicaba, pero no me decían tampoco nada concreto.
Me harté, y cogí el coche con Cyra, la ropa, las flores y un maquillador. Nos paramos en el arcén de la M30, al lado del Pirulí de televisión española. Cyra se subió al techo del coche, yo me tiré al suelo con los coches pasando al lado. Cyra parecía volar junto al Pirulí… Cuando entregué la foto, fliparon. En aquella época, en los 80, se trataba de superarnos y ver “quien la hacía más gorda”.
S: ¿Tú has cobrado siempre? ¿Qué piensas hoy en día con respecto a trabajar gratis?
P: Al principio no, hacía fotos a amigas o modelos para practicar, pero enseguida sí. Me llamaban las agencias para hacerle fotos a sus modelos  y en esa época la fotografía era analógica, tenías que comprar los carretes, revelarlos y hacer copias y todo eso era caro y mucho trabajo.
Entiendo que alguien que al principio no tiene nada, tenga que hacer algún trabajo gratis para tener material que enseñar o en un momento dado puedes hacer un favor a un amigo pero la gente debería siempre valorar su trabajo porque al final es tu esfuerzo y tu tiempo.
Si nuestro trabajo no está bien valorado es porque los mismos fotógrafos no se valoran y las revistas y los clientes se aprovechan de ello. Hay que aprender a decir que no.
Ahora algunas veces hago fotos para mí, porque quiero probar algo nuevo, para mi cuenta de Instagram o porque me gusta mucho alguien y quiero fotografiarlo.
S: Viendo una entrevista a Vallhonrat, decía que la fotografía de moda es muy exigente.
P: Creo que sobre todo cuando eres un fotógrafo tan reconocido como Javier los proyectos son muy apetecibles porque trabajas con lo mejor de la profesión, pero también tienes que tener un nivel creativo muy alto para superarte constantemente, siempre ser moderno, reinventándose constantemente porque lo que tiene la moda es que cada año es diferente, no puedes estar haciendo las mismas fotos siempre. Tienes que ir adaptando tu estilo al momento en que vives.
También tienes que irte a vivir a Milán , a París o a Nueva York. Tienes que estar donde se hacen estos trabajos, conocer a la gente.
S: ¿Cuáles han sido tus referentes?
P: Cuando empecé mis referentes eran los fotógrafos que me enseñaron y con los que tenía amistad: Alejandro Cabrera y Javier Vallhonrat. Luego empecé a investigar y quizá los fotógrafos internacionales más potentes de esa época y que más me influyeron fueron Avedon, Irving Penn y Helmut Hewton. Más adelante empezaron a gustarme Bruce Weber, Peter Lindbergh, Paolo Roversi, Steven Meisel, Mario Testino, Sarah Moon, etc.
Te das cuenta que cada uno tiene su estilo, su forma de hacer las cosas. Intento coger cosas de unos y otros, pero creo que lo más importante es conocer, aprender y luego adaptarlo a tu personalidad, ver qué cosas te apetecen, y con qué cosas te encuentras más cómodo y trabajar ahí.
Actualmente hay algunos fotógrafos mas jóvenes que están muy bien. Mert & Marcus o Nick Knight. Pero las revistas de moda cada vez me gustan menos.
S: ¿Crees que está ya todo inventado en fotografía?
P: Si tú ves los editoriales de moda de Avedon y de Penn de los 40, 50 y 60 piensas que ya está todo inventado. Todo lo que ha venido después ha sido versiones de esto adaptadas a los nuevos tiempos y a las personalidades de nuevos fotógrafos.
Ahora hay que ver a donde nos llevará el mundo digital.
S: ¿Cómo recuerdas el paso del analógico al digital?
P: A mí me costó un montón porque las primeras cámaras digitales no me parecían lo suficientemente buenas. La gente se empeñó en hacer las fotos con el digital pero esas primeras cámaras no tenían mucha calidad, eran unos “cacharros”.
Después poníamos en nuestras cámaras de formato medio un respaldo digital pero no enfocaba bien, daban problemas todo el rato y además tampoco sabíamos utilizar los ordenadores para editar y retocar las fotos.
Era un poco escéptico al cambio pero poco a poco empezaron a mejorar considerablemente los modelos de cámaras, y ahí sí empecé el cambio porque la fotografía se abarató al no tener que pagar carretes ni revelados, a parte de que todo el proceso se hizo más rápido.
Durante un tiempo mezclaba el digital con el analógico, escaneaba las diapositivas y los negativos para retocarlos pero poco a poco me fui adaptando al digital hasta dejar del todo el analógico.
S: ¿Cómo empezaste a trabajar con Fujifilm?
P: El entonces director de Fujifilm, Antonio Alcalá, fue mi vecino casi puerta con puerta en casa de mis padres, íntimo amigo mío de toda la vida.
Gracias a él un día me llamaron de Fujfilm España diciéndome que iban a sacar la serie nueva de cámaras digitales y me invitaron a Barcelona para conocerlas y probarlas. Fue cuando salió la cámara Fujifilm X100, una cámara preciosa compacta, estéticamente parecida a la Leica clásica.
Allí nos dijeron que querían hacer un grupo de fotógrafos para que probáramos las cámaras y diéramos nuestra opinión sobre las cosas que nos gustaban o no de los nuevos equipos.
En un principio no me cambié a Fujifilm porque la cámara que tenían, Fujifilm X100, es una cámara magnífica pero más para la foto callejera, paisajes, reportaje…  No es una cámara con la que puedas trabajar normalmente para retratos o moda, pero poco a poco empecé a colaborar con ellos y enseguida fueron sacando cámaras cada vez más avanzadas y muchos objetivos.
Ahora las cámaras y los objetivos de Fujifilm aparte de una calidad extraordinaria tienen un montón de ventajas. Son mas pequeñas y ligeras, discretas y versátiles. Y con un visor electrónico que lo que ves por el visor de la cámara es el resultado final, no tienes que andar mirando a ver si has expuesto correctamente o si el color es el adecuado, la verdad es cuando las pruebas ya no quieres otra cosa. Además actualizan constantemente el firmware de las cámaras y de los objetivos para tener siempre los equipos con las últimas mejoras.
Desde hace tiempo soy embajador de la marca (Fujifilm X-Photographer), contento y orgulloso de serlo y encantado con las cámaras y objetivos con los que hago todos mis trabajos. Además siempre se han portado personalmente de maravilla conmigo.
S: ¿Qué cámara utilizas para cada clase de trabajo?
P: Tengo la cámara Fujifilm X-H1, Fujifilm X-T2 y la cámara de medio formato Fujifilm GFX 50S. Ahora han sacado la Fujifilm GFX100 de medio formato también y 102 megapíxeles que estoy deseando probar pero no hay manera, a ver si se acuerdan de mí.
Normalmente trabajo con una u otra depende del tipo de foto quiera realizar.
S: ¿Hay tanta diferencia entre la calidad de la cámara Fujifilm X-T3 y las de medio formato?
P: Sí que la hay, tanto en calidad, rango dinámico, como en posibilidad de ampliar. Sería como antes en analógico la diferencia entre una cámara de 35mm y una 6×6 o 6×7.
No haces mejores fotos por tener una cámara u otra, para cada trabajo debes utilizar lo que sea más adecuado.
S: ¿Cuáles son las lentes que utilizas más?
P: Para mi trabajo de moda y retratos de la serie X, las ópticas Fujinon XF35mm, XF56mm y XF90mm. De la serie GFX, GF63mm y GF110mm.
Cuando salgo de paseo uso las ópticas Fujinon XF18mm, XF23mm y XF35mm aunque alguna vez me llevo la cámara GFX con la óptica GF45mm.
El X-Photographer Paco Navarro fotografiado por Silvia de la Fuente
Selección de fotografías realizadas por Paco Navarro
23 septiembre, 201925 septiembre, 2019 0 comentario
Ire Lenes entrevista al X-Photographer Matías Costa – Parte II
por Ire Lenes 30 julio, 2019
escrito por Ire Lenes
Segunda parte de la entrevista de Ire Lenes al X-Photographer Matías Costa.
Puedes leer la primera parte haciendo click aquí.
I: ¿Qué es lo que mas disfrutas fotografiando?
M: Hay varios momentos que disfruto mucho. El propio hecho de estar fotografiando me resulta muy inspirador, es un momento de libertad, de intuición, donde no importa todo lo que haya reflexionado previamente acerca de la fotografía. Es la verdad de uno como fotógrafo. Después, a la hora de seleccionar las imágenes, cuando la serie va tomando forma, cuando comienzan a aparecer fotos y dialogan bien unas con otras. Ahí también disfruto. Y finalmente, cuando veo el trabajo terminado, si estoy satisfecho, tengo una sensación placentera que me genera más ganas de hacer fotos.
I: ¿Fotografías solo para trabajar o también para ti?
M: Fotografío en primer lugar para mi, y también como trabajo. La mayor parte del tiempo no hago esta distinción. Fotografío de la misma manera.
I: ¿Imaginas algún día en el que dejes de fotografiar?
M: De momento no me lo imagino, pero nunca se sabe lo que va a pasar. Lo que no imagino es dejar de tener relación con algo creativo, aunque solo sea leer un buen libro y disfrutar subrayándolo o reflexionando, tomando notas.
I: Siempre dicen que el mundo del fotógrafo esta muy vinculado a un mundo de egos, ¿qué opinas al respecto?
M: Creo que en general todos tenemos un trabajo que hacer con el manejo del ego. Y las redes sociales no ayudan, ya que basan su modelo de negocio en alimentar la autoestima a niveles de un narcisismo infantil. En el caso de los que nos dedicamos a una labor creativa, como la fotografía, se suma que nuestro trabajo es un producto valorable y opinable, con lo cual se multiplican las opciones de caer en el egocentrismo. Pero es fácil darse cuenta de que, fuera de nuestro minúsculo ámbito, a nadie le interesa mucho lo que hacemos. Incluso a veces dentro tampoco.
I: ¿Qué futuro le ves al mundo de la fotografía con el auge del video?
M: No sabría pronosticar el futuro. Creo que en el presente conviven muy bien la fotografía, el vídeo, la palabra escrita, la música. El momento actual para la narración es multidisciplinar. Pero eso no significa que todos tengamos que hacer de todo. Puedes elegir perfectamente contar lo tuyo solo con fotos o con vídeo o con audio, o con una combinación que te resulte útil y natural para tu trabajo. Cada medio expresivo tiene un camino específico y un espacio.
I: ¿Como descubres Fujifilm?
M: Desde que hicimos el cambio a la fotografía digital me sentía incómodo con las cámaras tan grandes y poco manejables que teníamos. Yo estaba acostumbrado a las Leica analógicas de visor directo. Todas las cámaras digitales pequeñas que salían al mercado tenían el problema de la calidad, la imagen resultante no tenía suficiente calidad. Cuando salieron las Fujifilm, supe enseguida que ya podía volver a usar cámaras pequeñas y con mayor calidad que las reflex que usaba. Además su diseño retro me devolvían la sensación de fotografiar como a mí me gusta.
I: ¿Qué equipo fotográfico tienes?
M: Actualmente trabajo con una Fujifilm GFX 50R, con una lente Fujinon GF 63mm F2.8. También tengo una Fujifilm XPro2, con lentes Fujinon XF 23mm F 2, Fujinon XF35mm F 2 y Fujinon XF 56mm F 1.2. Y recientemente he incorporado una Fujifilm XH-1 para hacer vídeo.
I: ¿Qué beneficios te ha supuesto trabajar con Fujifilm?
M: Trabajo con un equipo de altísima calidad a un precio muy competitivo. He reducido el peso y el espacio a menos de la mitad. Hay una variedad de lentes que otras marcas no tienen. En fin, trabajo muy cómodo, y he vuelto a incorporar una cámara profesional a mi día a día, porque no ocupa ni pesa y puedo llevarla encima aunque no esté trabajando.
I: ¿Cómo llegas a ser embajador de Fujifilm y que ha supuesto para ti?
M: Fue una relación que ha ido creciendo poco a poco. Primero me presatron equipo para probar, después decidí pasarme por completo a Fujifilm y me facilitaron la compra de equipo. Vimos que mi perfil de fotógrafo les interesaba al tiempo que a mi me interesaba también vilcularme a la marca. Y finalmente hemos llegado a este acuerdo de colaboración en el que estamos cómodos y nos enriquecemos mutuamente. Para mi es una oportunidad de asociar mi trabajo a una marca solvente y tener así mayor difusión y respaldo profesional. En Fujifilm son muy activos y están abiertos a proyectos de todo tipo, es una suerte tener un interlocutor que está verdaderamente interesado en la fotografía como motor de creación y labor profesional.
I: ¿Algún consejo para los jóvenes fotógrafos?
M: El mismo que me doy a mí cada día. Seguir apostando por lo que uno es, por lo que te gusta hacer. Tratar de hacerte un espacio con tu propio lenguaje. Tener paciencia y perseverancia. Seguir fotografiando, no como un medio para lograr un fin, sino como un fin en sí mismo. El resultado vendrá, y el camino se va haciendo.
El X-Photographer Matías Costa fotografiado por Ire Lenes
Selección de fotografías de Matías Costa
30 julio, 2019 0 comentario
Ire Lenes entrevista al X-Photographer Matías Costa – Parte I
por Ire Lenes 29 julio, 201930 julio, 2019
escrito por Ire Lenes
Puedes leer la segunda parte de la entrevista haciendo click aquí.
Ire Lenes es una fotógrafa documentalista madrileña nacida en 1981. Socióloga de profesión, se formó en la fotografía documental y contemporánea en la escuela PICA de Alcobendas.
Encuentra en la fotografía el enlace perfecto para contar esas historias que le interesan desde un punto de vista sociológico.
Recientemente expone su último trabajo “Archipiélagos“, una investigación de las minorías étnicas de Lituania. A través de 32 imágenes, Ire Lenes nos muestra su proyecto documental, con una vertiente sociológica, donde investiga la vida de las minorías étnicas en el país báltico, primera república en independizarse la URSS. Esta población de etnia no lituana se mantiene unida por aquello que les separa, el idioma ruso.
Ire Lenes publicó en nuestro blog su artículo “Pasar desapercibida” dónde nos cuenta su trabajo con la Serie X de Fujifilm.
Matías Costa nació en Buenos Aires, Argentina, en 1973. Vive en Madrid. Su trabajo explora las nociones de territorio, identidad y memoria, a través de una aproximación artística a la tradicional fotografía documental.
Su trabajo ha sido ampliamente expuesto en centros de arte de todo el mundo, y forma parte de colecciones de arte como el Museo de América (España), el Hubei Museum of Art (China), el Museo de Arte Contemporáneo (Panamá) y colecciones privadas.
En 2020 tendrá lugar su primera retrospectiva en el centro de arte Sala Canal de Isabel II, de la Comunidad de Madrid.
I: ¿Recuerdas como descubriste la fotografía?
M: Lo recuerdo como un acercamiento progresivo, no como un descubrimiento fulminante. Siempre me interesó contar historias, inicialmente con la escritura, pero a medida que iba conociendo cosas me interesó también el cine y de esa manera, a través del interés por la literatura y el cine, llegué a la fotografía. Me pareció un medio muy potente para ir a la esencia de un significado, para resumir lo que con otro medio necesitaba de más desarrollo o explicación. La fotografía es sutil y compleja, admite interpretaciones y apela a la emoción más que a la razón. Es un medio muy fácil de utilizar pero muy difícil de dominar, no en el sentido técnico, sino expresivo.
I: ¿Cuál fue la primera fotografía de la que te sentiste orgulloso?
M: No puedo recordarlo. Obviamente en los inicios me sentía orgulloso de fotografías que ahora miro con ternura, como se mira el dibujo garabateado de un hijo. Si que recuerdo cuando me di cuenta de la diferencia entre hacer fotos como ejercicio estético y hacerlas como un medio para expresar una idea concreta, para tratar de decir algo acerca de un tema que me interesa. Esas fueron mis primeras fotos en las que tomé conciencia de lo enorme que es la fotografía como herramienta expresiva.
I: ¿Recuerdas el día en el que decidiste ser fotógrafo y por qué lo decidiste?
M: Recuerdo que hice un curso de fotografía documental de un año, financiado por el Fondo Social de la Unión Europea. Obviamente ya estaba interesado en la fotografía como medio, pero no me la había planteado como profesión. Allí me enseñaron no solo la técnica, también la manera de contactar con el mercado editorial de entonces. Cuando me di cuenta de que aquello que me gustaba tanto podía convertirse en un medio para ganarme la vida me resultó muy estimulante.
Comencé a dedicar todo mi tiempo y mi energía en convertirme en fotógrafo. Me pasaba el día fotografiando cosas, de todo tipo, generando contenidos que ofrecía a los medios. Me gustaba cada día más el mero hecho de hacerlo, de plantearme esos retos, y pronto empecé a tener resultados también en cuanto a crecimiento profesional. En poco tiempo ya vivía de mi fotografía y estaba aprendiendo muchísimo.
I: ¿Qué significan los cuadernos de campo para ti y desde cuándo se unen a tu fotografía?
M: El Cuaderno de campo es una serie abierta en la que recopilo todo tipo de información. Fundamentalmente son fotos y textos míos, vinculados a los procesos de trabajo en los que estoy metido. Pero también son reflexiones acerca del arte, la sociedad, las relaciones humanas… En fin, son una especie de diarios visuales, aunque no solo de carácter íntimo, también introduzco elementos ajenos, documentos, recortes, fotografías y textos de otros, capturas de pantalla de cosas que me interesan. En realidad llevo toda la vida, desde la infancia, escribiendo diarios. Pero es a partir de 2008 cuando me lo planteo como una serie específica, primero en forma de blog, y después en cuadernos físicos con un diseño a medida y numerados. Actualmente voy por el CC número 78. Me he planteado publicarlos, pero eso requiere un trabajo d edición que hasta el momento no he logrado hacer.
I: ¿Cómo describes tu fotografía?
M: Difícil cuestión. Creo que quien mejor habla de nuestro trabajo es nuestro propio trabajo, independientemente de lo que nos empeñemos nosotros en decir.
Practico una fotografía introspectiva que mira hacia fuera o una fotografía documental que mira hacia adentro. Utilizo el mundo exterior para hablar de mi propia biografía. Me interesan cuestiones que tienen que ver con la manera en que nos enfrentamos a los giros inesperados de la vida. En palabras de Sartre: “lo importante no es lo que han hecho de nosotros, sino lo que hacemos con lo que han hecho de nosotros”. Para mí es muy importante la atmósfera, poder transmitir sensaciones que lo condicionan todo, como la nostalgia, el abandono, la huella. Con mi fotografía intento transmitir una impresión de extrañamiento frente a nociones como el territorio, la identidad y la memoria. Para mí la idea de ser, de dar un significado a lo que somos en este mundo, tiene mucho que ver con lo que nos falta, lo que buscamos sin llegar nunca a encontrar. Esa búsqueda vital se parece a lo que ocurre, en mi opinión, con la fotografía, donde lo mas importante es lo que no se ve, lo que permanece oculto en la imagen.
I: ¿Crees que el vivir en un lugar distinto al que naciste ha determinado tu trabajo como fotógrafo?
M: El vivir en un lugar distinto al que nací ha determinado mi vida, y por tanto mi mirada, claro. Pero no tanto por el hecho de vivir en otro país como por la manera en que salgo de mi país y llego a este. La necesidad de salir de una situación de violencia y vivir los primeros años en la incertidumbre ha generado en mí una relación concreta y complicada con cosas muy cotidianas como la estabilidad, la seguridad, la pertenencia, la relación con el pasado y el futuro, los vínculos afectivos. Todo eso lo he tenido que construir y afianzar siendo adulto, y ha influido muy directamente en las temáticas que me interesan como fotógrafo.
I: ¿Cómo pasas del fotoperiodismo a la fotografía documental de autor?
M: Es una evolución natural cuando un lenguaje o un contexto determinado no alcanza para expresar lo que quieres. Por un lado necesitaba más tiempo y más distancia para abordar las historias, cosa que los encargos no me permitían. Por otro lado me doy cuenta de que la manera en que necesitaba construir determinadas narraciones no tenía cabida en los medios de comunicación, ya que me metía en el terreno de la ficción y la interpretación libre de los hechos, con un lenguaje más evocativo que descriptivo, mucho menos periodístico. Me sigue interesando el periodismo, y creo que la irrupción de nuevas tecnologías de producción y difusión de contenidos a través de las redes sociales, ha permitido una apertura sin precedentes a la hora de poder contar las historias de formas totalmente nuevas.
I: ¿Cómo viviste el cambio a la fotografía digital?
M: A nivel de lenguaje no supuso un gran cambio. He seguido haciendo las mismas fotos, y evolucionando como venía haciéndolo, incluso con más libertad, sin las limitaciones técnicas del mundo analógico. Me costó un poco una cuestión más intangible, la manera en que me enfrentaba al trabajo sabiendo esas limitaciones, sin poder ver el trabajo hasta no revelar, con los carretes contados. Creo que el mayor cambio tiene que ver más con la idea de la difusión, más que con la técnica. La fotografía ya no se distribuye de la misma manera, cualquiera es capaz ahora de generar buenas imágenes y distribuirlas mundialmente en cuestión de segundos. Ese sí que es un cambio de paradigma, algo muy interesante que está reconfigurando nuestra manera de entender el lenguaje visual.
I: ¿Que te lleva a pasar al formato medio?
M: Me atrajo mucho la manera en que lo fotografiado se distribuye dentro del encuadre en el formato medio. Es un paso más allá. Genera una sensación de irrealidad, como si estuviéramos viendo una obra de teatro o una película.
Cuando fotografío en formato medio es como si pudiera introducir un plano más de interpretación de la realidad.
I: ¿Cómo es tu forma de trabajar? ¿Te surge la idea y la desarrollas o primero tomas fotos y luego surge la idea?
M: De alguna manera siempre tengo un radar encendido que detecta las temáticas que me interesan, las escenas que tienen que ver con mi universo visual, las personas que me resultan atractivas. No tengo que hacer un esfuerzo en buscar los temas o las ideas, cada día me encuentro con cosas que me atraen. A veces tiro de ese hilo y no hay más, solo una o varias fotos que incorporo a mi Cuaderno de campo. Otras veces surge un tema en el que quiero profundizar. En general surge la idea y después la desarrollo. Pero hay muchas fotos que son regalos, que me encuentro sin haberlas buscado.
I: Has trabajado en blanco y negro y en color, ¿qué es lo que determina decantarte por cada uno de los lenguajes?
M: No sabría decirlo. Desde hace muchos años trabajo casi exclusivamente en color. Inicialmente trabajé en blanco y negro porque sentía que mis temáticas lo necesitaban, y porque así aprendí a fotografiar. Pero a medida que fui ocupando mi lugar, acercándome a mi lenguaje, el color y el retoque muy leve de la imagen son herramientas con las que me encuentro cómodo.
El X-Photographer Matías Costa fotografiado por Ire Lenes
Selección de fotografías de Matías Costa
29 julio, 201930 julio, 2019 0 comentario
Alba García entrevista al X-Photographer Javier Abad
por Alba García 23 abril, 201924 abril, 2019
escrito por Alba García
Conocí el trabajo de F2 Studio por Instagram hace ya algún tiempo, y he de confesar que me conquistaron al instante. Quizá porque me sentí reconocida en parte en esas fotografías infinitas, llenas de paisajes y naturalidad.  No sabía que detrás de este estudio de fotografía de bodas, se escondía Javier Abad, una persona que aparte de ser de mi misma tierra, Asturias, comparte conmigo bastantes afinidades. Los dos somos amantes de la naturaleza, y aunque en diferentes estilos, apostamos siempre por una fotografía natural y desenfadada.
En Javier he encontrado a una persona llena de experiencia, que habla de la fotografía como una manera de mostrarse a sí mismo, pero a su vez, compartirse con los demás.  He descubierto que lo más importante para el, es ofrecer las mejores experiencias posibles a todos sus clientes. Clientes que tocan a su puerta enamorados de la verdad que desprende su trabajo, porque creo que, si hay algo que lo caracteriza por encima de todo, tanto como persona y como profesional, es la tranquilidad y seguridad que desprende.
Conocerle en persona, ha sido un auténtico placer, y no solo porque hoy en día es difícil encontrar gente con la que puedas hablar tan abiertamente de todo, sino porque me ha vuelto a recordar, que lo más importante de vivir, es sentir verdadera pasión por lo que haces.
A: ¿Cómo llega la fotografía a tu vida?
J: Mi primera cámara era de mi padre, y un día la cogí y empecé a hacer fotos de los viajes que hacíamos a la nieve mis amigos y yo para hacer snowboard. Disparaba en carrete. Tenía 18 años y coincidió justo con el inicio en la universidad. Mis fotos de snow empezaron a gustar y algunas revistas se interesaron por ellas, así que empecé a publicar mi trabajo en ellas.
A: ¿Te acuerdas de la primera vez que viste unas fotos tuyas reveladas?
J: La verdad es que tengo todas las fotos que hice por aquella época, era muy curioso y lo tengo todo archivado, desde la primera foto que hice. De la época en carrete, las tengo todas en papel, y también guardo los negativos. Aquello era el maravilloso mundo del analógico, ahora con la era digital, guardas las fotos, pero de otra manera. Para mí la impresión es una parte muy importante de la fotografía, ver las imágenes en el ordenador no tiene el mismo valor que en papel, tocar y sentir la fotografía es muy importante, pero el problema que tenemos hoy en día, es que creamos demasiado contenido, y no podemos imprimirlo todo.
Lo que imprimo sobre todo son los álbumes de bodas, para mí es muy importante que los novios tengan álbumes de boda.
A: ¿Alguna vez vuelves a ver aquellas primeras fotos? ¿Crees que el valor de la fotografía se ha perdido con los años?
J: No, a no ser que tenga que revisarlas por alguna cuestión, aunque se que cada año van ganando valor, y que algún día volveré a ellas. Cuando trabajaba para las revistas de snow, usaba diapositivas, las guardo todas también.
Ahora es más complicado, ¿Cuántas fotos se hacen y cuantas fotos se pierden al día?, creo que eso afecta al valor de la fotografía, no hay valor porque se hacen muchísimas fotografías a cada segundo. Quizá porque casi siempre el valor que le damos a las cosas, es económico, valoras lo que te cuesta dinero, con el carrete, la fotografía costaba dinero, ahora con la era digital, ese valor se ha reducido al mínimo.
A: ¿Cómo se pasa de hacer fotos de snowboard a hacer fotos de pareja? Entiendo que el lazo de unión entre un estilo y otro, es la naturaleza…
J: Si, desde luego.
Con la llegada de la crisis, muchas de las revistas en las que publicaba, se vieron obligadas a cerrar, había acabado la carrera, y estaba trabajando como representante comercial de marcas. Fue un momento en el que me dije “¿Y ahora qué hago con mi vida?”. Había hecho la boda de mi hermana, y había investigado mucho sobre la fotografía de boda, sobre todo en Estados Unidos, donde se hacía un estilo totalmente diferente, más moderno y muy guay, y pensé en montar algo que juntara la fotografía de bodas y mi gran pasión: la naturaleza. Hice un plan de empresa y vi que tener un estudio físico no era viable, así que me planteé la opción de hacerlo a través de Internet. De repente descubrí que a las dos semanas hacían un congreso de fotografía de bodas en Madrid, y decidí ir. Aquello me abrió los ojos completamente, descubrí que había profesionales que se ganaban la vida sin necesidad de tener un estudio a pie de calle, y tomé la decisión de emprender mi propio negocio.
A: ¿Crees que te benefició la época en la que te ocurrió todo aquello?
J: Sí, sin duda. Me benefició en el sentido de que no había casi nadie haciendo este estilo de fotos por aquel entonces.
A: ¿De dónde surge el nombre de F2 Studio?
J: Es curioso, la apertura de la cámara, un F2, y porque todo empezó con Jose, un amigo, y éramos dos.
A: La naturaleza es muy importante para ti, y por lo que he visto, eres muy responsable con cuidar el medio ambiente.
J: Desde hace un año y medio me he vuelto muy responsable con el tema de los plásticos, y también ahora con la alimentación, trato de comer muy poca carne debido al grabe daño que está haciendo la ganadería al medio ambiente. Con los años me he dado cuenta de que mi vida, gira en torno a la naturaleza, es algo que siempre se mantiene constante, pase lo que pase y si queremos que siga existiendo tenemos que tomar medidas, empezando por mi mismo.
A: ¿Crees que podrías vivir en plena naturaleza?
J: Es algo que me cuestiono mucho, creo que si pero nunca lo he hecho. Soy una persona muy social, me gusta hablar, compartir momentos. Viviendo en la naturaleza, ganarías por un lado la tranquilidad, y el contacto con uno mismo, pero también perderías un poco  esa socialización que mola.  Otra cosa que hay que plantearse es Internet, subir mis galerías a la nube desde un lugar con mala conexión, sería mas complicado.
A: ¿Has tenido alguna crisis con las redes sociales?
J: El año pasado tuve un periodo de reflexión bastante serio. Me costaba mucho actualizar, pero al final tuve que aceptar que es parte del trabajo, es parte de mi empresa. Ahora le dedico un tiempo al día, como si fuera una tarea más que tengo que hacer. Creo que ahora lo llevo mucho mejor.
A: En medio de esta pasión por la naturaleza y la fotografía natural, ¿Cómo descubres Fujifilm?
J: Fue de una manera muy sencilla. Recuerdo que acabé la temporada de 2014 muy cansado, normalmente empiezas el año muy motivado, pero según avanzan los meses, la creatividad y la energía, bajan, y cuando acabas la temporada es como que necesitas desconectar y renovarte. Coincidió justo con la salida de la cámara Fujifilm X-T1, y me llamó mucho la atención, sentí que necesitaba hacer algo nuevo, y gracias a un amigo que tenía, me pusieron en contacto con Fujifilm España.
Con las bodas había hecho ya bastantes cosas, y ganado algunos premios, así que me dejaron la cámara para probarla. Me fui a Estados Unidos y me pasé un mes haciendo fotos con Fujifilm X-T1, y cuando volví, decidí cambiar todo el equipo y pasarme definitivamente a Fujifilm. Empecé la temporada de bodas de 2015 fotografiando con esa cámara, aquel fue un año muy bueno, hice muy buenas fotos, al ser una cámara que tenía algunas limitaciones, aprendí a tomarme más despacio la fotografía, tenía que pensar más, encuadrar más, pero las ventajas para mí, eran abismales. En las bodas vas a tope, y cuanto mejor dispares las fotos en cámara, más tiempo te ahorras después en la edición.
A: ¿Y cómo has acabado siendo embajador de Fujifilm? ¿Qué ventajas te supone?
J: Eso fue después. Me lo propusieron ellos. Me siento parte de una familia. Conozco a todas las personas que trabajan en Fujifilm de la sección de foto y  son personas maravillosas. En general todo el equipo de Fujifilm España que he tenido las suerte de conocer son gente muy maja y están siempre predispuestos a que les propongas cosas, y a ayudarte. En 2016, el año que me hice nombraron X-Photographer tuve la suerte de conocer a gran parte del equipo internacional, conocí al chico que diseñó la primera cámara de la serie X, Fujifilm X100, y es una persona súper humilde, súper normal. Ves la pasión con la que ellos desarrollan cada producto, todas las personas que trabajan para Fujifilm, hacen fotos, es una política de la empresa, de esa manera, todos prueban las cámaras que están desarrollando. Me parece una filosofía muy buena. Estoy encantado de ser parte de ellos.
A: ¿Qué ventajas crees que tiene Fujifilm frente a otras marcas?
J: Como decía antes, empecé a usar Fujifilm porque cuando probé las cámaras vi que encajaban muy bien conmigo, tenían todo lo que yo buscaba en una cámara. El obturador electrónico, poder trabajar con toda la información en pantalla, el peso tan ligero de las cámaras… al final los fotógrafos de bodas estamos 13 horas  con dos cámaras, lentes… si puedo estar con menos de la mitad del peso, voy a poder trabajar mucho mejor.
Cuando me voy  a la montaña pasa un poco lo mismo, son cuestiones prácticas que para mi acaban siendo esenciales.
A: ¿Qué desventajas encuentras frente a otras marcas?
J: Realmente no hay nada que no me permita hacer fotos como yo quiero. La profundidad de campo no es lo mismo que un full frame, pero para mí eso no es tan importante. Personalmente, me encantan los colores de Fujifilm.
A: ¿Crees que es necesario renovar el equipo tan de seguido como lo hacen muchos fotógrafos?
J: Para mi no.
Si que es verdad que hablando de Fujifilm, cuando de la cámara Fujifilm X-T1, pasamos a Fujifilm X-T2, ahí si hubo un cambio abismal. En ese caso, lo vi muy necesario. Sin embargo si comparamos X-T2 con X-T3, lógicamente la cámara Fujifilm X-T3 es mejor cámara, tiene mejor iso, mejor enfoque y un mejor procesador, pero podría seguir fotografiando con X-T2.
A: Para ti, ¿qué crees que es lo mejor de la fotografía?
J: Creo que los recuerdos.  El poder de la fotografía es poder recordar los momentos y cada vez que haces fotos, creas nuevos recuerdos que se quedan para siempre.
A: ¿Te imaginas haciendo fotos el resto de tu vida?
J: Creo que sí. La fotografía está dentro de mí, nunca sabes lo que puede pasar, pero la cámara siempre va conmigo. Cuando voy al monte, cuando voy de viaje, cuando estoy fuera de mi casa, quiero crear esos recuerdos de las cosas que vivo. También hay que saber disfrutar de las cosas que ocurren, dejar a veces la cámara un poco de lado. Es un proceso que me ha costado bastante, pero he aprendido a hacer la foto, y a disfrutar a su vez del momento.
A: ¿Dirías que la fotografía es tu profesión o un estilo de vida?
J: Uf, que pregunta esa.
La fotografía llegó a mi vida mucho antes de que fuera mi profesión, y es parte de mi vida, no sé si un estilo de vida, pero es mi pasión, y puedo estar hablando horas y horas de ello. Creo que no me veo de otra forma, sé que siempre estará ahí.
A: ¿Qué es lo que más te gusta de hacer bodas?
J: La gente. Estás fotografiando un día muy importante para una pareja, que además está rodeada de las personas que son fundamentales en sus vidas. Nuestra responsabilidad es hacer fotos de eso, y en ese proceso, conoces gente maravillosa, tanto las parejas como los invitados, aprendes mucho personalmente.  Muchos de mis amigos hoy en día, son fotógrafos de bodas, y eso ha sido gracias a este oficio.
A: La mayoría de tus bodas, son fuera de Asturias ¿Te cansa viajar tanto?
J: No, la verdad es que me gusta, lo disfruto mucho. Lleva mucho tiempo y a veces cuando se juntan varios viajes, puede ser duro, pero me encanta. Me permite conocer sitios y personas diferentes.
A: Casi todo tu trabajo es en color, ¿Cómo decides qué foto editar en blanco y negro?
J: El blanco y negro lo suelo utilizar para momentos, emociones… pero mis paisajes creo que tienen que ser en color. Normalmente es por la luz, hay un tipo de luz que me gusta para blanco y negro. Últimamente intento que al menos el 10 por 100 de las fotos que entrego, sean en blanco y negro.
A: ¿Qué parte dirías que es la que más te gusta fotografiar en una boda?
J: Antes, la sesión de fotos con los novios, era lo que más me gustaba, pero creo que ahora me quedo con los preparativos, suelen dar momentos muy íntimos entre la madre y la novia, aunque depende mucho de la boda. Cada boda es un mundo, algo único. Es muy difícil generalizar, hay veces que te emocionas tú mismo, que sientes por dentro lo que está ocurriendo en la ceremonia, y esa sensación, es algo indescriptible.