es es es es es en pt es es es es es en pt es de es es es es es es es es es es es es es es es en ca es de es es es es it es es es en es es es de es es es es es es es es es es es es en en es de es en es es es es en es es es es es es es es es es es es es es en es es es es es es es es es es es es de es es an es es es es es es es es gl es es es es es es es es es es es es es es es es es es es es es es de es es an es es es es es es es es es es es es es es es es es es es es es es es es es es es es es es de es es es es es es es es es es es es es es es es es es es es de es es es es es es es es es es es es es es es de es gl es es es es es es es en gl es es en en es es en en es es en en es es es en nb es en es de es es es es es es es es es es es es gl es es es es es de es es es es es en es es es en es es es es pt es pt es es en en es en es es es en en es es es en es en es es
A veces me gustaría poder chasquear los dedos y teletransportarme a mi destino sin tener que pasar por un aeropuerto y sus colas para hacer check-in, control de policía y embarque. Pero cuando viajo en coche, el viaje comienza desde el momento en el que me siento al volante. Me encanta tener flexibilidad para parar en cualquier lugar que me parezca interesante y la posibilidad de tomar un desvío para descubrir nuevos lugares y paisajes.
No hay nada que me guste más que un viaje en coche cruzando la naturaleza y los maravillosos paisajes que ofrecen las tierras británicas. Pero este en particular llevaba en mi lista los once años que llevo viviendo en Reino Unido. Nos esperaban 9 horas de trayecto, pero el destino merecía la pena: nos dirigíamos rumbo a las Highlands escocesas.
Otra ventaja de viajar en tu propio medio de transporte es poder moverte libremente una vez llegas a tu destino, algo totalmente necesario si viajas a las zonas montañosas de Escocia. El pueblo más cercano a nuestro acogedor espacio, en la pequeña aldea de Achaphubuil, se encontraba a más de hora y media caminando, incluyendo un paseo en un pequeño barco para cruzar la ría Eil. Pero ya contábamos con ello, y es que nuestro plan para este viaje era no tener ningún plan.
Para mí no hay nada mejor que visitar un lugar por primera vez y salir a la calle a pasear sin rumbo con mi cámara para poder capturar todo aquello que me pueda sorprender. Sin expectativas y sin condicionar mi creatividad con los descubrimientos de otros, intento sumergirme en lo que me rodea para documentar el día a día de la gente y sus costumbres, combinando mi experiencia, mis emociones y mi punto de vista, con la historia del lugar. Por eso mismo no se me ocurría nada mejor que pasear durante horas a través de campos de ganado contemplando paisajes rurales para conocer la verdadera belleza de las Highlands escocesas.
Sin duda alguna, dicha belleza merece ser capturada con una cámara que no deje ningún detalle atrás, y para ello decidí llevar de compañera la cámara de medio formato Fujifilm GFX 50 R. Llevaba mucho tiempo queriendo ponerla a prueba en un viaje. Nunca me hubiera imaginado poder llevar una cámara de formato medio colgada del cuello a pasear, sin necesidad de cargar con una mochila llena de equipo pesado, ni si quiera un trípode.
Llevo varios años usando la Fujifilm X-E3 en mis viajes junto a una óptica Fujinon XF23mm F1.4: mi combinación favorita. Pero el uso de una cámara con un sensor de mayor tamaño siempre me ha tentado, y con un par de publicaciones interesadas en mis imágenes de Escocia, me pareció la ocasión perfecta para sacarle uso al sensor de formato medio. Algo fundamental para poder dejar mi creatividad fluir es sentirme cómoda y pasar desapercibida. Por eso mismo, es algo que siempre tendrá prioridad por encima de mi equipo fotográfico. Antes de dar el salto y pasar a Fujifilm, me costaba mucho motivarme a cargar con mi cámara réflex y todos los accesorios cuando viajaba, perdiendo oportunidades de tomar fotos por simple pereza. Pero mi pequeña Fujifilm X-E3 me hizo recuperar mi pasión por la fotografía: hoy en día me sería impensable viajar sin ella. Eso es precisamente por lo que la Fujifilm GFX 50 R me daba un poco de respeto, aunque no tardé mucho en darme cuenta de que no había nada que temer.
Los resultados hablan por sí mismos: la nitidez de la imagen y los colores son inmejorables. Y el tamaño y el peso del equipo nunca supusieron un obstáculo – incluso en los días donde los paseos se convirtieron en trekking y el trekking en escalada mi Fujifilm GFX 50 R me resultaba más cómoda que mi antigua réflex.
Otra de las ventajas de los sistemas Fujifilm es que son extremadamente intuitivos. El diseño del cuerpo de la cámara de la Fujifilm GFX 50 R es muy parecido a la cámara Fujifilm X-E3, lo que hizo que no me fuese nada difícil pasar a usarla sin haberla tratado antes.
Las ópticas que escogí para el viaje fueron las Fujinon GF32-64mm F4 y GF 45mm F2.8. Normalmente, aunque viaje con varios objetivos, suelo usar siempre el mismo. Pero en este caso quería poner a prueba varios para poder decidir con cuál me sentía más cómoda. Me gusta viajar con una óptica versátil, con la que poder capturar tanto paisajes y arquitectura como retratos y detalles, ya que mi fotografía de viaje no se centra en un solo aspecto, si no en la historia y narrativa en conjunto de cada lugar.
Y así, la cámara Fujifilm GFX 50 R se convirtió en otra favorita, junto a mi Fujifilm X-E3. De esta manera encontré la combinación perfecta para mi fotografía de viaje. Y es que, si hay algo que he aprendido en mis años en la profesión, es que cada fotógrafo tiene su estilo, y la misma cámara no le sirve a todo el mundo. Es muy importante encontrar el equipo que le complemente a la perfección.
22 enero, 202022 enero, 2020 0 comentario
Esta Navidad, aprovecha nuestras promociones en cámaras y ópticas
por Fujifilm 18 diciembre, 2019
¡Aprovecha el Cashback de Fujifilm especial Navidad!
Este invierno disfruta de un ahorro de 400€ a 600€ en cámaras GFX y ópticas cualificadas.
Combina y ahorra 1.000€ de descuento
18 diciembre, 2019 0 comentario
Un lugar para no conformistas
por Helena Velez 27 noviembre, 201927 noviembre, 2019
Abney Park apareció por sorpresa en mis primeros reencuentros londinenses. De eso hace más de dos años. Las semillas para la posterior investigación y desarrollo de un proyecto personal sobre comunidades de viviendas sociales en el distrito de Hackney, germinarían a partir de algo muy característico del acto fotográfico: la capacidad de obligarte a estar presente. Parar y observar. Me atrevo a afirmar, hoy, una postura radical e inconformista.
Situado a pocos metros de una de las muchas zonas donde la gentrificación ha azotado a la capital británica, Stoke Newington, al noroeste de Hackney entre los barrios de Stamford Hill y Dalston, Abney Park se caracteriza por haber sido uno de los principales cementerios no conformistas, todos aquellos que practicaban su religión fuera de la iglesia establecida (iglesia anglicana), abierto a todos independientemente de su convicción religiosa.
La arquitectura y planificación del espacio, de William Hoskings, traduce los retos conceptuales del espacio de la época, cuya antesala de influencias neo-egipcias da entrada a un jardín no confesional sin líneas divisorias entre las áreas de entierro de grupo religioso o fe.
Actualmente una reserva natural local, el exótico bosque en plena era victoriana, concebido por los conocidos horticultores Loddiges, las 13 hectáreas propiedad de Lady Mary y Thomas Abney se convertirían además en un arboretum de más de 2.500 especies plantadas en orden alfabético, cuya variedad de árboles y plantas tanto autóctonas como exóticas para estudio científico, siguen haciendo de este singular lugar un oasis de silencio y hospitalidad en la bulliciosa urbe.
Gestionado por la administración pública desde 1970, década a partir de la cual sus funciones como cementerio cesan, el lugar cae en el abandono convirtiéndose en una salvaje y decadente selva urbana que invita a perderse entre arbustos, maleza, árboles antiguos y de nueva plantación que conviven entre las más de 200.000 personas sepultadas, entre ellas personas que perecerían en las 1ª y 2ª guerras mundiales o una de las dos bombas de la segunda guerra mundial sin explotar que yacen en el barrio.
Acompañada de una cámara Fujifilm X-Pro2, cámara profesional, robusta a la vez que ligera y de manejo intuitivo, su visor híbrido invita a sumergirme en una deriva hacia esos tantos otros espacios y tiempos que el lugar esconde y fundirme en un entorno de belleza e intimidad abrumadora donde la vida y el final de la misma conviven. La naturaleza, el tiempo, siguen su curso. Como complemento, ópticas de alta precisión fijas Fujinon XF de 14, 28 y 35mm para registrar la amplia gama y matices de verdes  que me rodea. El discreto diseño del dispositivo me permiten trabajar de una manera poco invasiva y respetuosa con el contexto, personas que como yo encuentran en Abney una forma de desaparecer y encontrase consigo mismas. El equipo idóneo que me permite sacar el mayor rendimiento en coherencia con mi método de trabajo, a fuego lento.
Fotografiar, en un intento de congelar aquello que fue y ya no es; pensar, imaginar y soñar. Querer ver. Y es a partir de esa huella, síntoma de lo que fue e indicio de lo que pueda ser,  donde encuentro el lienzo para nuevas historias cuya recepción plantee una nueva recreación.
Ashes to ashes, dust to dust.
27 noviembre, 201927 noviembre, 2019 1 comentario
Amanda Bernal entrevista al X-Photographer David Airob – Parte I
por Amanda Bernal 20 noviembre, 201925 noviembre, 2019
Puedes leer la segunda parte de la entrevista haciendo click aquí.
¿Quieres descubrir los secretos de la fotografía de reportaje de la mano del reconocido fotoperiodista y X-Photographer David Airob? Descubre cómo asistir en el siguiente enlace.
David Airob, Barcelona en 1967, ha sido siempre referencia de un trabajo bien hecho y con alma. Dedicado desde hace casi cuarenta años a la fotografía documental y de prensa. Fotógrafo en La Vanguardia des de 1990, siendo jefe de edición entre 2007 y 2010, cubriendo todo tipo de sucesos. También es videógrafo, con el corto “Calcio Storico”, recibió el Premio World Press Photo y POY Latam en la categoría de “Multimedia” y el largometraje documental “La caja de cerillas”, basado en las experiencias personales y profesionales del fotoperiodista español Joan Guerrero. Ha recibido numerosos premios de fotografía como el Sony World Photography Awards y el Premio “Agustí Centelles” de fotoperiodismo entre otros. Ha publicado en renombrados medios y publicaciones como Time, Paris-Match i Der Spiegel i es cofundador del Centro de Fotografía Documental de Barcelona.
Amanda Bernal, Barcelona en 1989, siendo Sant Cugat del Vallès su ciudad de origen. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y máster en Gestión Cultural por IDEC-UPF, vive y trabaja en Barcelona. En los últimos años, trabaja y participa en diferentes proyectos, entidades y colectivos, organizando actividades en el ámbito de la fotografía, la gestión cultural y la educación artística. Ha realizado también numerosas exposiciones individuales y colectivas. Actualmente compagina la co-dirección del Lumínic Festival (1r Festival de Fotografía de Sant Cugat del Vallès), con la realización de proyectos educativos, encargos fotográficos y producción de obra propia, basados en la fotografía y la poesía. L’Esquerda i SATORI son sus proyectos más recientes. Actualmente, también cursa el máster en Antropología y Etnografía en la Universidad de Barcelona.
Hoy tengo la oportunidad de encontrarme con David y saber más sobre cómo entiende y vive la fotografía. Nos encontramos en la Plaza Sant Felip Neri, uno de los sitios más auténticos y cargados de historia de Barcelona, con su arquitectura barroca y las marcas en una piedra que ha vivido, sufrido y contemplado las vidas de sus gentes. Llego un poco antes y comienzo a hacer fotografías de la plaza, con pocos transeúntes. En unos minutos llega David y me pilla in fraganti. Nos saludamos y ambos coincidimos en que es la hora de un buen desayuno. Caminando por las callejuelas del barrio gótico, llegamos a la Placeta de Manuel Ribé y nos sentamos en una terracita. David es una persona despierta al mundo y enérgica. Su mirada sincera me despierta un gran respeto y complicidad. Siento que esa complicidad sería ahora mismo la única manera de relacionarme con él, me siento muy cómoda y justo entonces llega nuestro desayuno, unos croissants recién hechos y el olor a café nos acompaña en el inicio de nuestra entrevista. Me doy cuenta de que David siempre tiene una sonrisa preparada y entiendo hasta qué punto ama su trabajo y lo vive con intensidad.
A: ¿Cómo y cuándo empezaste a fotografiar?
D: Era muy joven, la verdad es que podía tener unos 15 años y ya me gustaba mucho. Un verano trabajé con un fotógrafo de moda, que me explotó y no me pagaba nada- se ríe recordando viejos tiempos- pero estaba bien como comienzo. Cuando empecé los primeros trabajos, recogí dinero, me compré la primera cámara, la llevaba siempre conmigo. Comencé a tomar fotografías de aquello que me llamaba la atención y algunas las llevé al periódico para ver si las querían. A partir de allí me fui introduciendo en la profesión. Entonces me tuve que ir a la mili, en ese momento surge el nombre de David Airob, no es mi nombre real, porque yo me llamo David Ibernón. Lo que pasó es que durante la mili, en Ibiza, yo colaboraba con algunos medios de Barcelona pero no me dejaban trabajar al estar de soldado, entonces me inventé este nombre, es mi segundo apellido al revés, Boria. La verdad es que cuando llegué aquí después, me conocían más por Airob que por Ibernón, entonces decidí utilizar ese nombre. Aunque entonces yo no sabía ni si me iba a dedicar a la fotografía profesional.
A: ¿Recuerdas cuándo decidiste dedicarte a la fotografía?
D: Cuando regresé de la mili estuve trabajando dos años aproximadamente en tiendas de fotografía, me confirmó que no era mi sitio, porque la calle me tiraba mucho y decidí dejarlo y aventurarme a ser fotógrafo profesional – “si no lo pruebo, no lo sé” apunta-. En ese momento, empecé a colaborar con La Vanguardia, poco a poco el incremento de trabajo fue a más hasta el punto de dedicarme exclusivamente a ese proyecto, tendría unos 23 años.
Paralelamente, me interesaba desarrollar proyectos propios. Creo que es donde disfrutas más, aunque a mí la prensa diaria me gusta muchísimo, me lo pasaba super bien – se para un momento recordando y mira un momento su café – si te gusta la calle, es muy bonito, además creo que para un fotógrafo que quiere hacer prensa o documental, el diario, aunque vas como muy marcado por los tiempos, te enseña mucho. Sobre todo a resolver rápido, y ante una situación decir “la foto es aquí”. También tiene muchas cosas no tan buenas – se ríe – pero la prensa diaria te sirve mucho para aprender a trabajar a un ritmo muy dinámico, hay un punto de “apagafuegos”, pero no es un drama ya que te habitúas a esa forma de trabajar y es lo que te da vida y energía.
A: Desde muy joven ya coges la dinámica y es algo que ya tienes interiorizado…
D: Claro, justamente cuando este año pasado dejé el diario, he estado bien, porque afortunadamente tengo muchos proyectos independientes, tanto a nivel laboral como de aficiones, y a mí también me apetecía un poco un parón, pero lo echas mucho en falta, el ritmo… en el diario estuve casi 30 años.
A: ¿Entiendes la fotografía como una profesión o un modo de ver y entender?
D: Para mí no es una obsesión, es una forma de vida. Además, yo tengo muchas aficiones como la música – toco varios instrumentos- y también es una parte muy importante en mi forma de funcionar. También me gusta mucho el cine. No soy de aquellos que se van de vacaciones y dejan las cámaras. En prensa tienes la ventaja de verlo todo en directo y esa maravilla de oportunidad de ver las cosas en primera línea. Puedes opinar por lo que ves, no por lo que te cuentan. En directo hay muchos grises, las cosas no son tan polarizadas.
A: ¿Cuál es tu equipo base cuando sales a fotografiar? ¿Cómo y cuando hiciste el salto a Fujifilm?
D: De cámaras no soy muy fetichista, pero sí que quiero una cámara que me guste físicamente. Yo creo que me pasé a Fujifilm por la cámara X-100. En una ocasión tuve que ir a Turquía para un magazine de La Vanguardia, me llevé la X-100 y una DSLR con ópticas y demás. A la vuelta edité el trabajo y lo llevé al editor jefe del magazine del periódico, Pepe Baeza. Me dijo su selección y todas las que había escogido estaban hechas con la X-100. Cada cámara te hace ver de una manera distinta, y la X-100 tiene ese encanto. Para mí, Fujifilm no tiene otra cámara como esa. Si ahora me dijeran, de todo lo que tiene Fujifilm, qué te llevarías a una isla desierta, si dejamos el formato medio fuera de este juego, sería la X-100 sin ninguna duda.
A: ¿Cómo llegas a ser embajador de Fujifilm y qué ha significado para ti?
D: Con la X-100 inicié mi relación de amor con Fujifilm y también como primer Ambassador aquí en España. Me llamaron y me hizo ilusión, pero tengo muy claro que si no me gustaran las cámaras no sería Ambassador. Sé de gente que quizás, porque le den un equipo, sería Ambassador de algo en lo que no cree. También me gusta estar con Fujifilm porque escuchan, soy muy crítico, cuando una cosa de una cámara no me gusta, razono el por qué y lo digo. Esa es también la finalidad de ser Ambassador, dar un feedback sobre el material. Y en general, lo que la gente ha reclamado, lo han aplicado. Considero mi relación con Fujifilm muy familiar, gente a la que aprecio mucho, se ha establecido una relación casi de amigos.
Soy Ambassador de Fujifilm porque creo en la marca y quiero que cada día mejore. La relación con las personas de Fujifilm me hacen estar muy a gusto.
A: ¿Cuando sales a fotografiar, cómo te acercas a la escena? ¿Tienes una idea en tu cabeza o ninguna predisposición concreta?
D: Normalmente no me gusta ir condicionado, pero depende de la cámara con la que vas, miras distinto. Yo soy bastante anti angulares, aunque en prensa diaria sí que en ocasiones necesitas usarlos. La primera vez que me compré un zoom fue un 24-70mm. Al cabo de un año de trabajo miré cuál era la distancia focal media de las fotografías que había enviado al diario, descubriendo que eran 43mm. Eso dice mucho de tu forma de trabajar. No soy un fotógrafo al que le guste mucho la invasión de terreno, usando un angular muy exagerado me obliga a estar muy pegado a la escena, sobre todo las curvas y caídas de angular me ponen nervioso. Creo que también es influencia de mi gusto por la pintura, hay una herencia a nivel artístico. Me gusta mucho Hopper, es muy fotográfico y cinematográfico, tengo muchos libros de análisis etc, te das cuenta de otros pintores que te gustan y ves una línea que te recuerda. No sales a la calle diciendo “¿Cómo lo haría Hopper?”, sería absurdo, tienes esas composiciones inconscientemente. La composición es un asunto de estómago, a base de que has culturizado tus ojos. Me gusta mucho el director de fotografía Lukasz Zal, en los filmes “Ida” y “Cold War”.
A: ¿Entonces tú crees también que como fotógrafo, es bueno el hecho de enriquecerte con otros tipos de arte, para que haya este intercambio y tener todo tipo de referentes?
D: Totalmente. Por recomendación de un amigo, leí una tesis de un director de orquesta que mencionaba “el arte de elegir”, aplicable a la fotografía, a la edición gráfica, a la música, a todo. Es alucinante. De pronto un director de orquesta te está dando pautas para editar fotografía. La edición no es una ciencia exacta. En el documentalismo hay mucha carencia en ese aspecto. He ido a talleres donde se hacían revisiones de portfolio,  llevabas tu trabajo y te los discutían; es la única manera de aprender. Te pones en manos de alguien que sabe seleccionar, que sabe contar de una manera que quizás tu no la habías imaginado. Cuando he participado, encuentro que muchos fotógrafos tienen el mismo problema, la forma de contar. Quizás hay un material muy bueno, pero quieren mostrar mucho material, demasiada cantidad de fotografías. Creo que los fotógrafos deberían asistir mucho más a cursos de edición gráfica, te hace mejor fotógrafo. Para aprender a contar; cuando miras unas fotos que “se pasan como aceite”, el orden que le has dado a las imágenes, cuando ves un trabajo bueno y una buena narración. Eso también es muy cinematográfico, el orden, la secuencia…
A: ¿Describirías tu fotografía de algún modo?
D: Honesta – tras un silencio añade – que ya es muy difícil – ríe -. ¡Con lo que cuesta hacer una buena foto! Cuando estaba en el diario hacía un ejercicio, al final del año, de todas las imágenes que había enviado, seleccionaba las que yo consideraba las mejores. No habían más de cinco o seis que tuvieran un peso informativo, mirada distinta y buena composición. Realmente es complicado.
David Airob fotografiado por Amanda Bernal
Selección de fotografías realizadas por David Airob
20 noviembre, 201925 noviembre, 2019 0 comentario
Shuko Kawase entrevista a Nicanor García – Parte II
por Shuko Kawase 31 octubre, 201931 octubre, 2019
escrito por Shuko Kawase
Segunda parte de la entrevista de Shuko Kawase a Nicanor García.
Puedes leer la primera parte haciendo click aquí.
S: En la vida de los fotógrafos profesionales, es bien sabido que a menudo existe una división entre el trabajo comercial que realizan para la fotografía de pago y la fotografía personal. ¿Es eso cierto para ti también?
N: Muchos proyectos suelen llegar en función del trabajo previo que has realizado, por lo que es bueno siempre estar orgulloso de los últimos que has hecho. Siempre hay un tira y afloja entre lo que quieres hacer y lo que en realidad el proyecto te permite, y ahí hay que ser flexible y estar dispuesto a aprender.
Cuando el cliente tiene cierta experiencia creativa suele no haber problemas para desarrollar un buen trabajo. En esas situaciones la línea entre el trabajo comercial y personal es difusa.
Sin embargo, hay ocasiones en que el interés no es creativo, y la parte comercial tiene mucho peso, entonces todo se complica. He tenido algún caso en que el cliente quería fotografías muy específicas, que se imaginaba algo demasiado concreto, sin dejar margen creativo. Por suerte han sido trabajos muy contados. He tenido la suerte que muchas de mis fotografías, de las que considero más personales, las he podido tomar dentro del contexto de un trabajo.
Los supuestos límites de la fotografía comercial son un reto para mejorar. Desde mi punto de vista el trabajo comercial siempre es una motivación para aprender y mejorar mi fotografía más personal.
S: ¿Qué equipo fotográfico usas?
N: Estoy muy contento con el equipo que utilizo, entre otras cosas porque es versátil y se adapta bien a los diferentes tipos de fotografía que realizo. Mi equipo básico es la Fujifilm X-H1 con un Fujinon XF16-55mm que puedo encajarlo en una bolsa bastante pequeña junto a un Fujinon XF55-200mm y un Fujinon XF10-24mm. O también junto a un Fujinon XF55-140mm y un Fujinon XF8-16mm. Un todo terreno luminoso, un teleobjetivo y un gran angular, que es un equipo bastante ligero y versátil.
También he tenido oportunidad de utilizar la Fujifilm GFX 50S. Me ha resultado sencillo adaptarme a ella por todo lo común que tiene con la serie X, a la vez que me ha sorprendido la calidad y detalle que puedes conseguir con ella.
Me parece muy interesante la posibilidad de combinar la serie GFX con la X en proyectos de largo recorrido, pues cada una te aporta diferentes posibilidades, una más versátil y la otra con una calidad excepcional.
S: ¿Cambiaste a usar los productos Fujifilm por usar un sistema diferente? ¿O empezaste usando Fujifilm? Si cambiaste, ¿qué te hizo cambiar a Fujifilm?
N: He tenido diferentes cámaras, las dos primeras analógicas, una de ellas réflex. Con la réflex analógica compre algunos objetivos que empezaron a darme una idea de las ventajas de tener un buen sistema donde encuentres los elementos que necesitas para cada ocasión fotográfica.
Tras una pausa de unos años, compré una cámara digital que contaba con dos objetivos únicos. Era una cámara muy particular, y a los pocos años volví a un modelo réflex, pero digital y APS-C, para más tarde saltar a un modelo Full Frame. Con esta última cámara hice una buena inversión en objetivos y empecé a tener resultados más satisfactorios.
Al empezar a trabajar viajando este equipo me resultaba muy pesado. Eso me hacía estar muy pendiente del equipo y resultaba agotador al final del día. Empecé a investigar buscando una calidad equivalente, pero en un sistema más ligero. Ahí descubrí la Fujifilm X-T1, que luego renové por la Fujifilm X-T2, y más tarde por la Fujifilm X-H1.
El sistema de Fujifilm, en ese momento, estaba creciendo rápidamente. La hoja de ruta era prometedora y las actualizaciones de firmware constantes… Así pues, fui aumentando mi equipo a medida que el sistema crecía, con una calidad de imagen que no tenía que envidiar nada a otros sistemas de otras marcas y que cubren todas mis necesidades como fotógrafo.
S: ¿Qué valores informan y dirigen tus fotografías? Además de una imagen visual, ¿qué cualidades invisibles o qué tipo de energía esperas compartir con tu público cuando publicas tus fotografías en las redes sociales? ¿Qué es lo importante para ti cuando compartes o haces tu trabajo?
N: Las claves de un fotógrafo, al menos en mi caso, las vas aprendiendo sobre la marcha, a base de prueba y error, experimentando. Cada paso que das es el que marca tu camino. Como ya he comentado la arquitectura es muy importante en mi formación, y ese bagaje me sirve a entender a entender una parte de lo que veo, pero no todo, por suerte. El tener algunas certezas puede ser compatible con tener bastantes dudas. Esa aparente contradicción no es más que un motor que me permite mejorar y mantener una curiosidad constante. Como la que tienen los niños, o los turistas cuando llegan a un nuevo destino.
Compartir las fotografías que hacemos es lo natural, es cerrar el ciclo para el que fueron realizadas. Nunca me planteo de antemano transmitir algo concreto, y me parece que eso es bueno. Sobre todo, intento tener la experiencia del momento fotografiado, y eso es lo que destacaré con la edición y luego transmitiré.
Hacer fotos es revivir varias veces lo que viste al tomarlas. Cuando miras por primera vez en la pantalla de la cámara, al descargar las fotos y seleccionarlas, al editarlas, al compartirlas y al revisarlas a lo largo del tiempo.
Si no te impresionaste al fotografiar un edificio, si no te emocionó el amanecer, si no te sorprendiste cuando te sonrieron al hacer una foto a un desconocido, entonces es muy difícil que esa foto transmita algo que sea una vivencia tuya. Y cuando transmites algo que has vivido, aunque sea una foto de algo aparentemente intrascendente, seguro que hay quien lo capta y se emociona también.
Por eso, para mi es importante que cada fase de una fotografía sea original y personal. Y es por eso que con Shuko preparamos cada proyecto con cuidado, casi de manera artesanal, manteniendo la esencia de lo que vemos.
S: ¿Qué recomiendas a los jóvenes que estudian otra cosa no relacionada con la fotografía pero que también están interesados en este mundo? ¿Crees que estudiar fotografía es la única manera de convertirte en un buen fotógrafo?
N: Muchos llegan a dedicarse a la fotografía a partir de otros trabajos y ocupaciones, como es mi caso. Pienso que la importancia que tienen las imágenes es en nuestra sociedad hace que todos tengamos una conexión fuerte con ella. Las circunstancias pueden ser variadas y hay quien puede compatibilizar su trabajo con la fotografía, y saltar a dedicarse solo de la fotografía depende de muchos factores, y no es sencillo.
Es un trabajo muy dedicado que muchas veces no tiene la contrapartida económica que se merece. Pero si hay quien piensa que ese es su camino, tengo que decir sí, que es posible. Aunque eso le obligara a renunciar a la estabilidad de una vida cómoda y sedentaria.
Estudiar fotografía es una buena manera de llegar a ser fotógrafo, pero pienso que no es la única. Puede que a muchos les haga llegar pronto a su objetivo, pero para otros igual no tiene sentido.
Lo que en ningún caso ningún fotógrafo puede prescindir es de ver y aprender viendo fotografía, preferentemente de grandes fotógrafos. Y después practicar y practicar para mejorar la técnica y depurar su mirada hasta que sea capaz de que sus fotografías conecten a los otros con lo que él vio y vivió.
Nicanor García fotografiado por Shuko Kawase
Selección de fotografías realizadas por Nicanor García
31 octubre, 201931 octubre, 2019 0 comentario
Shuko Kawase entrevista a Nicanor García – Parte I
por Shuko Kawase 30 octubre, 201931 octubre, 2019
escrito por Shuko Kawase
Puedes leer la segunda parte de la entrevista haciendo click aquí.
La primera vez que vi las fotografías de Nicanor García fue en Instagram. Me pareció vibrante, preciso y consistentemente bueno. Nunca imaginé que lo conocería en persona, pero vino a visitar Japón cuando vivía allí por un corto tiempo. Contactó con muchos instagramers que estaban en Japón, y yo fui una de ellos. Lo que siguió fue la sorpresa inesperada de una fuerte conexión con intereses y valores similares. Ahora estamos casados y trabajamos juntos a tiempo completo. Esta es mi primera oportunidad de entrevistarlo formalmente.
S: Las personas que conocen tu trabajo te conocen como fotógrafo de Barcelona. ¿Cómo crees que crecer aquí ha influido en tu fotografía?
N: Tus primeros recuerdos van indisolublemente ligados al lugar donde naces y creces. Estos entremezclan las vivencias y los lugares, y todo ello, inevitablemente, es de donde se nutre la memoria, condicionando y matizando los recuerdos que construirás en el futuro
En Barcelona el buen tiempo invita a salir y explorar la ciudad, lo que simplifica las cosas cuando estás aprendiendo a mirar, y más tarde a fotografiar, haciendo que ese aprendizaje pueda ser más sostenido en el tiempo. Además del lugar también influye como aprendemos a mirar y a hacer fotos. Si es de manera autodidacta, a través de algún familiar o amigo, o estudiando fotografía en una escuela.
En mi caso es Barcelona, con su luz mediterránea, su arquitectura ecléctica, vital y diversa, la ciudad que me ha servido de campo de juego para aprender de forma autodidacta. Ella es la que me ha dado la escala y la medida, el punto de partida que ha permitido conseguir una manera personal de ver el mundo. Y esa forma de mirar es la que adapto cuándo viajo y voy descubriendo otros lugares.
S: ¿Cómo te ha ayudado la fotografía a ver tu propia ciudad mejor que alguien que no hace fotos?
N: Cada vez es más sencillo acceder a la fotografía, desde el punto de vista técnico, y también hay una cultura visual muy extendida que hace que podamos hablar de fotografía y no solo de generar imágenes. El proceso de simplemente pasar la vista sobre las cosas a tener una mirada “fotográfica” requiere de curiosidad, atención y pasión para que lo podamos desarrollar y así ser capaces de construir fotografías que reflejen lo que vemos y además puedan llegar a interesar a otros.
Entre lo que vemos y lo que fotografiamos hay una diferencia sustancial que hace necesario que adaptemos nuestra mirada a la cámara que usamos. Nuestra visión se adapta con facilidad a la luz y sintetiza lo que vemos muy rápidamente, incluso cuando estamos en movimiento. Pero una cámara es una versión muy simplificada de lo que puede hacer nuestra vista. Necesitamos aprender a ajustar sus parámetros y luego situarla de manera que podamos hacer el encuadre que buscamos.
Este proceso de adaptación, el cómo decidimos resolverlo, va a condicionar y a definir nuestra fotografía.
Al necesitar coordinar lo que vemos con el ajuste de la cámara, eso nos obliga a prestar más atención al mirar y tomar las fotografías. En consecuencia, establecemos un vínculo mayor con lo que vemos. En mi caso ha hecho que conozca de una manera más amplia y profunda mi ciudad, generando unos recuerdos extra que sin la fotografía habrían sido difíciles de desarrollar.
S: ¿Puedes describir cómo te convertiste en el fotógrafo que eres hoy? Eres un fotógrafo de arquitectura, pero haces muchas fotografías de viajes y también eres bastante bueno en fotografía callejera.  ¿Cómo te convertiste en un “fotógrafo de arquitectura”?
N: De alguna manera todos somos fotógrafos, todos vemos el mundo de una forma particular y todos podemos hacer fotografías. En mi caso me dedico exclusivamente a la fotografía desde hace casi 8 años, antes me dedicaba a la arquitectura.
Al estudiar arquitectura aprendes a mirar el mundo de una manera muy intensa. Es una necesidad de los arquitectos, si quieres construir en el entorno existente, necesitas conocer bien como es y así puedes llegar a ser capaz de diseñar edificios y espacios que se integren con la realidad construida donde todos habitamos. Pero también tienes que entender las necesidades de las personas para que se ese diseño sea útil para ellos, que son los que lo van a utilizar y vivir en esos espacios que les has diseñado. En definitiva, la arquitectura me ha aportado una visión intensa y transversal del mundo. Eso hace que al fotografiar me interesen mucho la arquitectura, la construcción, la geometría… pero también la relación de las personas con esos espacios.
Los estudios de arquitectura son muy variados, tocando temas de proyecto, construcción, urbanismo, paisajismo, estructuras… pero también historia y humanidades. Lamentablemente al finalizar la carrera todo se concentra en la rama que escoges y ese saber diverso se queda limitado. En mi caso me especialicé en proyectos (diseño), y tuve la posibilidad de formar mi propio estudio. Eso me permitió diseñar y construir diversos edificios de diferentes tipologías (viviendas, oficinas, escuelas, urbanismo…), lo que fue muy enriquecedor y positivo.
Así pues, entiendo mi pasado como arquitecto como algo que enriquece mi presente como fotógrafo y que no condiciona mi manera de ver dentro de la fotografía en el futuro. Siempre estoy abierto a aprender más de otras disciplinas fotográficas, a incorporar lo que aprenda a mi forma de mirar. Por eso, aunque hago principalmente fotografía de viaje y arquitectura, siempre me interesa la fotografía de calle o la fotografía de coches (entre otras), y que en principio parecerían alejadas de mi foco de interés. Pienso que ese mestizaje fotográfico es de gran valor y enriquece mi punto de vista.
S: [¿Entonces usas esa forma de fotografiar en todas las fotos que haces?]
N: Sin embargo, cuando fotografías estás solo con lo que tienes delante de ti, con lo que ves. Cada vez soy más consciente que los motivos y los estilos solo son límites para la mirada. Que te especialices en un tipo de fotografía no significa que no puedas hacer otras. Tenemos mucha tendencia en acomodarnos y etiquetar nuestras fotografías. Pienso que lo importante está en nuestra mirada, en como vemos las cosas de forma personal, no en el tema o estilo.
S: ¿Puedes nombrar un libro de fotografía o una exposición que te haya influenciado mucho como fotógrafo? Estoy hablando de una imagen fija, la imagen impresa.
N: Hay dos libros que durante el inicio de mi carrera como arquitecto me impactaron positivamente y empezaron a hacerme valorar la fotografía. Son de los primeros libros que compré como estudiante y no solo me sirvieron para empezar a aprender a hacer arquitectura también, sin ser consciente, empezaron a formarme como fotógrafo.
El primero se titula “La Arquitectura de los años cincuenta en Barcelona”. Este libro, como su título indica, muestra una arquitectura muy específica, fotografiada en blanco y negro, por fotógrafos de la época. El poder de las imágenes hizo que pronto saltara páginas para ver quien había realizado aquellas fotografías. Entre ellos destacaba Francesc Català-Roca, del que eran la mayoría de fotos del libro. La mirada de Català-Roca me hizo investigar más sobre él y su contexto. Eso me llevó más tarde a descubrir otros fotógrafos como Julius Shulman o Ezra Stoller. Pero lo especial de Català-Roca es que llegó circunstancialmente a la fotografía de arquitectura. Él aprendió a fotografiar edificios a partir de la relación con los arquitectos a los que realizaba encargos, pero nunca perdió la frescura que tenía haciendo foto social o de calle, siempre dando un punto de vista original y característico que hace que siga siendo mi fotógrafo predilecto.
El segundo libro se titula “Souto de Moura” de la Editorial Gustavo Gili. Se trata de una recopilación de las primeras obras de un joven Eduardo Souto de Moura, probablemente mi arquitecto favorito. La claridad de sus proyectos, ordenados y limpios en la disposición de los espacios y en la selección de materiales, me impactó mucho. Ese libro se ha ido desgastando bastante debido a la cantidad de veces que lo he consultado y me ha servido como ejemplo. Pero sin darme cuenta, aprendiendo de la arquitectura de Souto de Moura, también aprendí de la fotografía Luis Ferreira Alves, que es quien ilustró con sus imágenes todo el libro. Sus composiciones cuidadas y humanas han influido tanto en mi fotografía, como Souto influyó en mi arquitectura.
S: ¿En qué proyectos estás trabajando estos días o este año?
N: En este momento estamos a punto de viajar a Beijing para presentar una exposición que hace un año pude realizar en Barcelona y en Lisboa, con la ayuda de la marca Roca. En esta exposición, titulada “Places & Spaces. Transversal Architectures”, presento una selección de mi trabajo de los últimos dos años y medio. Las fotografías están agrupadas por diferentes tipos de espacios que en ocasiones son arquitectónicos, otras urbanos y en ocasiones naturales.
Recientemente he terminado un par de trabajos muy diferentes, pero que ambos he disfrutado realizando. Una serie de fotografías de un viaje a la República Dominicana, y otra serie destinada a promocionar el arte y la cultura en Múnich.
En ocasiones los trabajos te llevan a lugares, no físicos, que se alejan de tu centro de gravedad (fotográfico). Por eso, siempre hay que hacer un esfuerzo para llevarlos a tu propio terreno, para encajarlos en mi contexto, como ha ocurrido en estos dos últimos casos.
Nicanor García fotografiado por Shuko Kawase
Selección de fotografías realizadas por Nicanor García
30 octubre, 201931 octubre, 2019 0 comentario
Reinventar y redescubrir la fotografía
por Santiago Molina 2 octubre, 2019
escrito por Santiago Molina
Cualquiera que me conozca un poco, sabrá que me gusta la historia. Me gusta saber el porqué de las cosas, las anécdotas, etc…  Soy una persona curiosa. También es cierto que no soy muy bueno para las fechas, así que de cuándo en cuándo voy haciendo algún que otro repaso. Al fin y al cabo, el acceso a la información hoy día es más rápido y fácil que nunca. Lo que antes ocupaba un estante entero de nuestra librería hoy cabe en el móvil. Más fácil, imposible.
Si la historia en general me resulta apasionante, la historia de la fotografía no lo es menos. En la gran mayoría de casos, las cámaras y accesorios que tenemos entre manos los fotógrafos día sí y día también, son el resultado de la evolución y el desarrollo de muchos años.
La inquietud y la curiosidad del ser humano por captar la realidad que ha tenido ante sus ojos han sido el motor que ha hecho posible que la fotografía naciera “oficialmente” hace 180 años con el Daguerrotipo. Pero si hablamos del Daguerrotipo, también habría que hablar de Niépce, de Fox Talbot, de George Eastman o de Oskar Barnak por nombrar solo algunos nombres de los muchos que con su investigación han ido haciendo posible el desarrollo de la tecnología fotográfica. Cada salto evolutivo ha permitido que las cámaras fueran mejores, más rápidas y de mejor construcción.
En el pasado el formato de 35 mm era el más extendido y a pesar de los avances, la fotografía seguía siendo un poco cara y no muy accesible a la mayoría del público. Así que aprovechando la transición de la película al formato digital surgió la idea de desarrollar una cámara con componentes más pequeños que los que se fabricaban entonces. Nace así el formato APS-C, aunque siempre ha estado en un segundo plano.
Fujifilm siempre ha estado ahí, innovando y comercializando cámaras que aportaban una alternativa de uso. Hasta que llegó el sistema X. Cámaras más pequeñas, objetivos más pequeños, menos peso, menos volumen y más espacio en la mochila manteniendo la calidad de imagen, más económica y por tanto más accesible al consumidor en general. ¿Os suena? La historia se repite. Sentaron las bases de un cambio en la forma de entender la fotografía. Menos es más. Reinventar la fotografía es posible, y Fujifilm lo está haciendo.
Después de la parrafada histórica, os cuento lo mío. ¿Habéis sentido eso del amor a primera vista? El mío fue con la cámara Fujifilm X-T1. El diseño, la estética tan clásica, discreta, elegante, me imaginé dando vueltas con esa cámara en la mano. Esperé. Decidí que todavía no era el momento de dar el salto del Formato Completo al APS-C.
El momento llegó con Fujifilm X-Pro 2. Ahí sí. Me lancé. “Quién no arriesga no gana” me dije. Comenzó mi cambio. Un salto hacia delante que me ha hecho redescubrir la fotografía.
Siempre he escuchado decir a otros profesionales con más años que yo en éste mundo que la mejor cámara es la que uno siempre lleva encima, con la que se siente a gusto fotografiando.  Yo puedo decir lo mismo de mis cuatro cámaras. Sí, cuatro.
Esa sensación de tener entre manos una herramienta con la que encajas a la perfección, como si estuviera hecha para ti y tu forma de fotografiar, un apéndice inseparable de tu brazo. Esa sensación es magia os lo aseguro. Y el resultado de esa sensación es disfrutar de la fotografía de una forma que antes no había experimentado.
Como la fotografía no avisa, surge de repente, me gusta llevar un pequeño bolso con alguna de mis cámaras encima. No siempre llevo la misma, voy cambiando, según me apetezca. A veces llevo la cámara Fujiflm X-T2 con un angular, a veces monto la óptica Fujinon XF35mm F1.4, otras veces llevo Fujifilm X100F.  Esto antes no podía hacerlo por una sencilla razón, el peso. Cargar con cerca de dos kilos durante todo un día se hacía pesado y a veces me quitaba las ganas de llevarme la cámara a la calle.
Yo antes era de llenar la mochila de “por si acasos”. Accesorios para fotografiar que nunca llegaba a usar en ningún viaje. Me di cuenta de que no era forma de viajar, ni de fotografiar. Me sobraba peso, me sobraban chismes, filtros y casi cualquier cosa que no fuese la cámara.
Ahora, puedo llevar en un bolso pequeño una cámara y dos objetivos y moverme por la ciudad, viajar, trabajar sin que me frene nada, sin que me pese el equipo, siempre con ganas de más, con ganas de exprimir las posibilidades de cada una de mis cámaras. Cuando fotografías con total comodidad, el trabajo fluye.
Soy como un niño con juguetes nuevos al que no se le pasa la emoción de usar los mismos juguetes cada día.
Que no paren esas sensaciones. Que no paren las fotos.
2 octubre, 2019 0 comentario
Mirrorless y aviación, mirando al cielo
por José Antonio Bejarano 10 julio, 201910 julio, 2019
escrito por José Antonio Bejarano
Mi formación como arquitecto ha hecho que me deje llevar por la fotografía de viajes y arquitectura. Aunque realmente mi gran pasión siempre fue la aviación y poder pilotar viendo las cosas con una perspectiva diferente. Cuando me inicié hace ya unos nueve años en la fotografía aeronáutica, empecé como suele hacerse tomando referencias de otros e investigando en lo que habitualmente se denomina “spotting” o avistamiento de aeronaves. Contaba con pocos medios y aún me dejaba llevar por la simple “caza” de aviones, con fotos de perfil y poco más.
Con los años, a medida que me introduje de lleno en este campo, comencé a buscar otra cosa, otro punto de vista de forma que ahora, más que “spotter”, me considero un fotógrafo al que, por encima de todo le apasiona la aviación. Por eso ya no cazo por cazar, ya no busco registrar aviones o tener una colección enorme, simplemente me gusta echar horas con amigos viendo aviones y fotografiarlos desde todos los ángulos posibles, intentando buscar composiciones diferentes y más fotogénicas desde mi punto de vista.
Todos estos años he realizado fotografías con un equipo réflex. Aunque he intentado exprimir el equipo al máximo, había llegado un momento que para determinado tipo de fotos, o en determinadas situaciones se me empezaba a quedar corto. Con casi nueve años, el cuerpo de mi réflex apenas me daba una ráfaga de 2,5 RAW por segundo, una ISO difícilmente aprovechable más allá de 400 y un enfoque relativamente lento. Intentando no dejarme llevar por el “mejor cuanto más grande”, indagué en numerosas opciones réflex convencionales, pero cuando descubrí la cámara Fujifilm X-T2, vi el cielo. Menos peso, rapidez de funcionamiento, personalización, configuraciones, calidad de las lentes…
Muchos conocemos las bondades de Fujifilm X-T2 en social, calle, incluso naturaleza, pero parece que hay menos muestras de acción y deportes, algo que poco a poco va cambiando. En mi caso, se trata de disparar a objetos en movimiento y muy rápidos que a veces te pasan a pocos metros de la cabeza y a casi 250 km/h, con lo que la rapidez de enfoque y respuesta se hace más que necesaria. Tras una conversación con el gran Javier Ramos, quedé decidido y me lancé a por ella. Los resultados de estos dos años con ella me han hecho plantearme ampliar equipo, y seguir en una línea de trabajo con Fujifilm con la que estoy realmente contento.
Las primeras pruebas que hice con la cámara fueron con la óptica Fujinon XF18-55mm de kit, mientras me llegaba el Fujinon XF 100-400mm con el duplicador X1,4. Me sorprendieron varias cosas. En primer lugar, como un objetivo de kit podía ser tan nítido y ofrecer tanta calidad. Por otro lado la rapidez de funcionamiento, enfoque y modos de seguimiento. También pude conseguir muy buenos recortes con el Fujinon XF18-55mm, a pesar de estar disparando desde lejos y por supuesto, unos blancos y negros espectaculares con las simulaciones de películas que incluye la propia cámara.
En cuanto tuve en mis manos el Fujinon XF100-400mm, igualmente encantado. Su funcionamiento en zonas límite, bien por debajo o por encima, prácticamente ni lo notas, por no hablar del duplicador. El que más uso, el TC x1,4 va de maravilla y, exceptuando ese paso de diafragma que supone colocarlo, el resto de propiedades del Fujinon XD100-400mm se mantienen prácticamente intactas. Una delicia.
El enfoque, probando todos los distintos modos de seguimiento, me ha respondido bastante bien en todas las ocasiones. Son muy pocas las que salen fuera de foco y en el caso de ráfagas, con el enfoque continuo, rápidamente detecta el objeto y lo enfoca. Además, gracias a la mejora constante mediante firmware, la cámara Fujifilm X-T2 ha ido mejorando continuamente, algo que empiezo a disfrutar con Fujifilm X-T3.
Apenas utilizo ISOs altas, aunque algunas veces he recurrido a valores elevados e incluso he probado a exprimirlo al máximo. Una vez reducido el ruido en postproducción, la calidad a 12800 es más que aceptable y, dependiendo del uso, la fotografía resultante puede ser bastante usable en cualquier publicación. Lo que más me gusta del ruido de Fujifilm en valores altos de ISO, es que me recuerda al grano de las analógicas, no es un ruido digital molesto, con lo cual en fotos de social, calle o viajes puede resultar tremendamente estético.
En mis primeros dos años con la marca, los resultados obtenidos con Fujifilm X-T2 y Fujifilm X-T3 me han hecho depositar mi confianza en este sistema y espero seguir mejorando en el uso y aprendiendo con los nuevos equipos de Fujifilm que estén por llegar, convencido de que me darán mucho más alegrías y entretenimiento.
10 julio, 201910 julio, 2019 0 comentario
APS-C: Nada más y nada menos
por Fujifilm 5 julio, 201915 abril, 2021
La tecnología de imagen digital ha pasado desde sus inicios por distintas fases de transición, en cuanto a la captura, al procesado y a la publicación de fotografías. Su primera fase en la sustitución de la película, consistió en la utilización de diversos tipos de sensores de captación de luz, colocados en el mismo emplazamiento por donde circulaban los ya muy poco utilizados carretes, es decir, el plano focal de las cámaras.
Por conveniencia de la industria fotográfica, las cámaras y objetivos mantuvieron sus mecanismos principales (objetivos, obturación, visor…), siendo la referencia de tamaño de captura los 24x36mm que se establecieron como estándar hace ya más de 80 años. Para recordar otras referencias, podemos mencionar que ese formato fue otra conveniente adaptación de la película cinematográfica de 35mm (un invento creado a finales del siglo XIX), con la intención de construir cámaras más ligeras y manejables que las existentes entonces con formatos de captura mayores.
Los primeros sensores no cubrían la totalidad del heredado formato 24×36, siendo necesaria una conversión relativa al área de referencia, llamada también factor de recorte. Una vez la tecnología hizo posible desarrollar sensores sin ese mencionado recorte, de forma poco rigurosa se denominaron sensores de formato completo o full frame, una definición hoy en día obsoleta puesto que existen sensores de mayor tamaño. Ha pasado mucho tiempo, y la evolución de la tecnología de imagen digital ha permitido diversificar los sistemas de captura, haciendo posible prescindir de los visores con espejo réflex, optimizando el rendimiento óptico y descubriendo nuevas funcionalidades. Estamos en la transición a los sistemas denominados como mirrorless (sin espejo), los visores electrónicos precisos y versátiles, los obturadores electrónicos y una nueva forma de abordar la captura de imagen.
Tras una larga trayectoria de 85 años y gran conocimiento en la industria de la imagen, Fujifilm comenzó en el año 2010 el desarrollo de cámaras de su Serie X, apostando por un tamaño de sensor de aproximadamente 16x23mm, también conocido como APS-C. Este formato de sensor, con sus excepcionales particularidades como la tecnología X-Trans, así como el desarrollo de una nueva montura y lentes Fujinon especialmente diseñadas para el nuevo conjunto, son consideradas por Fujifilm el perfecto equilibrio entre dimensiones, peso y manejabilidad de un equipo fotográfico. Cuanto mayor sea el sensor, y aunque la cámara pueda ser muy pequeña, es una cuestión física y óptica que los objetivos sean necesariamente más grandes y pesados para cubrir adecuadamente la superficie de captura, y en consecuencia, serán dispositivos más caros. El equilibrio entre calidad/precio/dimensiones del equipo son una prioridad para Fujifilm.
Esta reflexión no pretende concluir cuál es la mejor cámara o el mejor sensor, porque sencillamente no existe una única cámara ideal. El mejor equipo fotográfico es el que poder tener a mano en el momento preciso, capturando la imagen de forma correcta según nuestras necesidades, sin cargar ni invertir innecesariamente, nada más y nada menos.
La conveniencia de un sensor APS-C: Nada más y nada menos
Cuanto mayor sea el sensor, mayores deberán serán los objetivos que cubran su superficie, y aún más si incrementa su luminosidad. El balance entre tamaño de sensor y lentes necesarias hace más ligero el conjunto, que en caso de teleobjetivos de larga distancia focal pueden ser grandes, pesados y caros. Un equipo completo APS-C puede suponer ahorrar varios kilos de peso y facilitar el transporte, además de una interesante diferencia en precio de compra.
©Kiko Arcas – Fujifilm X-H1 / Fujinon XF100-400mmF4.5-5.6 R LM OIS WR
La incorporación de un sensor APS-C permite a la cámara afrontar retos tanto fotográficos como videográficos de calidad profesional. Su tamaño permite la utilización de objetivos más pequeños y ligeros que los necesarios para formatos de sensor mayores, y además coincide con el formato 35 estándar de video/cine. Unido a la tecnología mirrorless este tamaño de sensor abre multitud de posibilidades de expansión óptica para fotografía y video.
©Rafael Marrodán – Fujifilm X-T2 / Fujinon XF50-140mmF2.8 R LM OIS WR
Para valorar la practicidad de un sistema debemos contemplar no solo el cuerpo de cámara, sino también los objetivos que conforman la totalidad del equipo. Al disponer de un sensor adecuado para objetivos de peso, volumen y precio inferiores a los de tamaños de sensor mayores, un equipo APS-C es más fácil de transportar o puede incluir más componentes en el mismo volumen, peso y presupuesto de inversión.
©Pedro Etura – Fujifilm X-T1 / Fujinon XF35mmF2 R WR
En determinadas disciplinas fotográficas es clave que la cámara pase desapercibida, y si no es así que no suponga un motivo de alteración de la naturalidad de la escena. Con un equipo APS-C podemos llevar un equipo fotográfico que pasa más desapercibido que una gran cámara, que siendo mayor podría intimidar a las personas o alterar la espontaneidad de una instantánea. En actividades periodísticas complicadas puede incluso suponer una cuestión de seguridad personal el hecho de pasar desapercibido.
©Pedro Etura – Fujifilm X-Pro2 / Fujinon XF23mmF2 R WR
Cuando viajamos o pasamos muchas horas trabajando, es fundamental que la bolsa fotográfica no altere la comodidad para realizar la actividad prioritaria, observar y fotografiar. La fatiga por cargar con el equipo reduce la creatividad y el tiempo útil, por lo tanto, disponer de un equipo APS-C con objetivos más pequeños y ligeros es una ventaja. Es más probable estar más tiempo caminando en busca de la imagen, o llegar más lejos, o poder llevar otras cosas necesarias para el trayecto.