es es es es es es es es en es en en en en en en es es es es pt en pt fr es en fr pt en it gl en es es es pt en es es pt sv es es en en ca es es es es es es es en es en en es gl es es es es es en es pt es es es es pt it es es es es es es it es es es pt it es es es es es it es es es pt it es es es es es it es es es pt it es es es es es es it es es es pt it es es es es es es it es es es pt it es es es es es es it es es es pt it es es es es es es it es es es pt it es es es es es es it es es es pt it es es es es es es it es es es pt it es es es es es es it es es es pt it es es es es la es pt es es es es eo it en en it en en
Me he tomado la libertad de hablar conjuntamente de dos de las películas que me han suscitado más reflexión de la 15 edición del festival de Sevilla – Happy Lamento (Alexander Kluge, 2018) y Endless tail (Beskrajni rep, Željka Suková, 2018) y que, además, considero que parten de una misma premisa: pensar la cultura de Occidente, su imagen contemporánea y su contenido a través del cuestionamiento de la narrativa hegemónica y la quiebra de la sintaxis cinematográfica que cuestiona las relaciones de tiempo, espacio y sentido a la vez que ponen en intermitencia la relación dialéctica entre las imágenes.
Aunque pueda parecerlo, la aparición de este tipo de filmes de claro carácter experimental e intelectual no es algo novedoso para la corriente cinematográfica de las últimas décadas. En realidad ni las más sonadas películas de corte experimento-intelectual como son Adiós al lenguaje (Adieu au langage, Jean Luc Godard, 2014) ni la reciente El libro de imágenes (Le livre d’image, Jean Luc Godard, 2018) vienen a corromper de una forma súbita la tradición cinematográfica. No, se puede decir que desde los años cincuenta en adelante –con especial atención a los filmes tras Mayo del 68- ha ido apareciendo toda una oleada de cineastas que trataron de buscar y repensar a través del lenguaje cinematográfico, nuevas narrativas que pusieran en suspenso nuestra realidad y relación política con las imágenes. De hecho, me atrevería a decir que el cine experimental en vez de haber ido in crescendo, se puede apreciar cierto diminuendo, lo cual, bajo mi punto de vista, vociferaría la ciega y opaca emancipación de la era millennial respecto a su contexto e imagen y el escaso margen que deja la persecución por el novum. En este sentido creo que tanto Happy Lamento como Endless tail ejercen más que la innovación, la resistencia. Una resistencia, un pulso que tratan de mantener los artistas e intelectuales respecto al tsunami y verborrea hegemónicos que ponga en duda la capacidad de esta imagen de hacernos libres de pensamiento y acción y nos ofrezcan una alternativa que, mediante la alusión y dialéctica de las imágenes aparentemente inconexas con nuestro contexto, despierte la conciencia del espectador y se active su asociacionismo reflexivo.
Happy Lamento. Alexander Kluge, Alemania, 2018
Me sigue pareciendo meritorio el poder de evocación dialéctica del cineasta mediante el cual saca a flote, desde el imaginario reconocible de los espectadores y desde su cotidianeidad y tipificación, esos atisbos de reflexión en la que el espectador acaba encontrando genuinidad y, precisamente, la otra cara de la moneda, el blue moon. Que duda cabe que el cine de Kluge fue creado como provocación a la par que como reflexión sobre los movimientos y cambios más importantes del siglo XX o el acercamiento a los discursos marginales como fueron, en su día, el feminismo y la lucha obrera. Considero que Happy Lamento habla por y para el intelectual adormilado en los vaivenes de la imagen periodístico-televisiva tratando de sacar de su mansedumbre algún atisbo revolucionario que, más que excitación por ver algo innovador, se sume al barco de la resistencia cinematográfica que rema a contracorriente del relato y discurso típico.
Endless Tail (Beskrajni rep). Zeljka Sukova, Croacia, 2018
Fuera de convencionalismos se encuentra, asimismo, Endless Tail de la cineasta croata Željka Suková, cuyos anteriores títulos han pasado casi desapercibidos incluso para el circuito minoritario como son Marija’s Own (2011) –que tuvo un silencioso estreno en Toronto y Karlovy Vary-, Zima/Zázrak (2012) o Český žurnál: Obnažený národ (2013) y que, sin embargo, a mi parecer, guardan mucha imaginación e inteligencia. Partiendo del imaginario y juego familiar –esta cinta es un video casero hecho para la prolongación de la voz de su círculo familiar- que nos deja ver como arranque del filme unos dibujos de los hijos de la directora, introducidos con unos rótulos, coloridos y un uso de los sonidos y de la música que recuerdan a los de la cineasta checa Vera Chytilova – Las margaritas (Sedmikrásky, 1966), We Eat the Fruit of the Trees of Paradise (Ovoce stromu rajských jíme, 1970), Hra o jablko  (1977)-, Željka Suková va dejando fluir ese juego de infancia en donde los saltos temporales, el espacio y el sentido quedan en suspenso en detrimento del divertimento y la capacidad imaginativa. Sin embargo, a pesar de ser un juego, en este juego hay enganches a los que el espectador se suma y acaba vehiculado, como si del juego de la oca se tratara, hacia una reflexión sobre el movimiento, las migraciones y la crisis de los refugiados que plantean, desde un universo infantil, una salida fuera de toda esa tertulia barata y partidista. A medio camino entre la vulgaridad profana de un campo en medio de la nada y de lo sagrado de un cementerio, Suková traza un cauce por el que sus hijos van navegando, jugando a su vez, como buena cineasta experimental e ingeniosa, con el aguante del espectador ante un filme aparentemente sinsentido, en una cinta casera en la que uno se mete sin saber muy bien qué hay de valioso en aquellas imágenes que solo cobran sentido en la identidad familiar.
Como defensora del riesgo y siendo consciente del escaso margen que le quedan a la experimentación intelectual que no caiga en otra reflexión sobre la construcción y el lenguaje, en una demolición permanente de los discursos de Occidente -pongo por caso La casa de Jack (The House That Jack Built, Lars Von Trier, 2018)- como conciencia de un intelectual de la alta esfera al que solo le queda demoler y demoler sobre los vestigios del lenguaje, me parece que apostar y probar con el aparente sinsentido de este tipo de filmes para cuestionar la posición del espectador en el cine, a la par que apela a su comodidad y a su relación política con las imágenes en detrimento de la búsqueda continua de lo nuevo, dan a pensar que aún, en el terreno del arte, queda mucho por hacer, deshacer, discutir y replantear.
Pity 01. Escritura  Sabíamos que gran parte del universo de Yorgos Lanthimos –quizá todo- se lo...
Obra sin autor No sé cómo sentirme tras ver la última película de Florian Henckel von Donnersmarck. Preocupada...
Maya He oído decir que Maya (2018), la nueva película de Mia Hansen-Løve no funciona ni...
Comenta este artículo Cancel Reply
Tu dirección de correo electrónico no será publicada.
You may use these HTML tags and attributes:
Guarda mi nombre, correo electrónico y web en este navegador para la próxima vez que comente.
26 Nov 2018 | 0 comentarios.
cine alemáncine de autordramaFestival Sevillacine croataFestival Karlovy VaryAlexander KlugeKVIFF 2018Sevilla 2018
Revista digital de análisis y ensayo
Coordinación: Manu Argüelles, Álvaro Peña e Ignacio Pablo Rico
Paula López Montero (Madrid, 1993) es graduada en Comunicación ... Audiovisual por la Universidad Carlos III de Madrid especializándose en estudios fílmicos. Durante la carrera cursó una estancia de cinco meses en la Universidad King’s College de Londres, en el departamento de Film Studies. Paralelamente ha cursado estudios en Filosofía por la UNED, y es master en Crítica y argumentación filosófica por la Universidad Autónoma de Madrid. Actualmente es miembro del Comité Organizador del Madrid Summit 17 -Conferencia Mundial de Derechos Humanos- así como programadora de las Actividades Culturales del WorldPride Madrid 2017 y directora de la web de entrevistas culturales bajo el pseudónimo Paula Itfish en www.paulaitfish.com. Seguir leyendo Mostrar menos