title: Скачать презентацию или конспект Новая фольклорная волна

extracted_text:
Новая фольклорная волна
Введение
В начале 60-х годов ярко заявили о себе молодые ленинградские музыканты С. Слонимский, Б. Тищенко, В. Гаврилин, Г. Белов, И. Ельчева. Объединяет этих композиторов разного дарования, разной творческой направленности, постоянный интерес к русскому фольклору.
Знакомятся они с народным искусством не в кабинетах — по записям и сборникам, — а непосредственно участвуя в фольклорных экспедициях. Каждый из них по-своему, творчески активно использует открывшиеся ему богатства.
«Курские песни» Свиридова  (1964) дали определение новому направлению в русской музыке, получившее название «новая фольклорная волна», в русле которой работали и композиторы-«шестидесятники» – Р.Щедрин («Озорные частушки», «Хороводы» – концерты для оркестра, «Фрески Дионисия» – для девяти инструментов; хоровые партитуры «Поэтория», «Казнь Пугачёва», «Запечатлённый ангел (по Н.Лескову), «Стихира на тысячелетие Руси» для оркестра), С.Слонимский (вокальный цикл «Песни вольницы»), В.Гаврилин (вокальные циклы «Русская тетрадь», «Времена года», «Вечерок», хоровые симфонии-действа «Скоморохи», «Свадьба», «Перезвоны» (по прочтении Шукшина), Н.Сидельников («Сокровенные разговоры» для хора, «Русские сказки» для камерного оркестра) и другие.
Терминология (версия официальных словарей)
В советской музыке 1950 — 80-x годов неофольклоризм (Нф) развивался в творчестве таких композиторов, как Георгий Свиридов, Валерий Гаврилин, Родион Щедрин, Роман Леденёв, Юрий Буцко, Сергей Слонимский и другие.
Для обозначения этого творческого направления в России принято название «новая фольклорная волна».
В отличие от фольклоризма XIX века (Могучая кучка), Нф опирается на древнейшие пласты фольклора. Основой становится не городской, а крестьянский фольклор. Композиторы эстетизировали фольклор – им удалось преодолеть узкоэтнографический подход, придать фольклору международный резонанс и сделать его достоянием Европы. Отказавшись от прямого цитирования, композиторы утвердили право на собственное видение фольклора.
Нф впервые заявил о себе в начале ХХ века (Фалья, Барток, Стравинский)
Новейшие исследования на эту тему
Тенденции, связанные с претворением фольклора в композиторском творчестве на примере жанра фольклорной обработки в отечественной музыке начала XX века рассматриваются А. Демченко, который называет «новый характер взаимоотношений композитора с фольклором» термином «фольклоризм» или «неофольклоризм».
Автор отмечает, что в наиболее радикальном варианте фольклоризм означал качественно новый принцип работы с фольклором, «подчеркнутую избирательность в отношении народного творчества с преобладающей ориентацией на его формы, еще не освоенные профессиональной культурой; склонность к звуковым раритетам в виде интонационной архаики, прихотливых метроритмических комбинаций, специфических ладообразований, особых тембровых эффектов и способов артикуляции; нестесненная трансформация, а в необходимых случаях и деформация прототипов, подчиняемых индивидуальному замыслу, любая степень их усложнения посредством использования приемов современного композиторского письма с характерной для него насыщенно диссонантной вертикалью и свободой линеарных сопряжений».
Демченко А. Жанр фольклорной обработки в музыкальном искусстве России начала XX века // Развитие народных традиций в музыкальном исполнительстве, творчестве и педагогике. Межвузовский сб. научных трудов. Екатеринбург, 2000. 62 с. Вопросам анализа фольклоризма в музыке русских композиторов XX века посвящена монография Л. Ивановой, где автором фундаментально рассматривается фольклоризм как творческое направление в ракурсе исторического развития.
Иванова Л. Фольклоризм в русской музыке XX века. Астрахань, 2004.223 с.
Методы работы с фольклором
Приемы работы с фольклорным материалом опирались на принципы техники Стравинского, традиции Прокофьева. Продолжение фольклорной традиции на своем языке, свободно впитавшем самые разнообразные влияния, но растущем «от того же ствола»

Отличительная черта метода — свободное обращение к источнику, исключающее прямое цитирование. Так поступает Щедрин с частушкой (Первый концерт для фортепиано, концерт для оркестра «Озорные частушки», опера «Не только любовь»). Так «слышит» северные плачи Слонимский (вокальный цикл «Песни вольницы»), так воспринимает «деревенские страдания» Гаврилин (вокальный цикл «Русская тетрадь»),

Неофольклоризм отнюдь не означает возврата к прошлому. Разрабатывая архаичные пласты фольклора, композиторы с помощью современного языка и нотации воспроизводят, например, наиболее характерные приемы народного исполнительства: импровизационность, использование нетемперированного строя, неточное интонирование (детонацию), глиссандирование, сочетание напевной и говорной манер пения (часто звуковысотно нефиксированный говор).
Методы работы с фольклором
Ещё одной особенностью «новой фольклорной волны» рассматриваемого периода становится обращение к народным текстам.

При этом очень часто аутентичные народные мелодии не используются: ориентируясь на определённый фольклорный жанр, автор приходит к собственной музыкальной интерпретации текстов, как бы заново создавая народную песню.

Таковы концерт для мужского хора, тенора, английского рожка и баяна В.Салманова, «Сокровенные разговоры» для сопрано и ударных инструментов Н.Сидельникова, «Плачи» на тексты русского похоронного обряда Э.Денисова, «Сказание про бабу Катерину и сына её Георгия» В.Рубина, вокально-хореографическая симфония «Пушкин» А.Петрова (на народные тексты, собранные А.С.Пушкиным), Оратория «Исторические песни» О.Галахова. Более активным стал интерес композиторов к архаической псалмодии, знаменному распеву, к воспроизведению духовных и светских обрядов (творчество Г.Свиридова, Р.Щедрина, С.Слонимского, Ю.Буцко, Б.Тищенко).
Темы творчества. Обращение к  истории Руси
Для русской музыки второй половины ХХ века было характерно и возрождение исторической памяти в отличие от коммунистического режима, который ранее в одном из идеологических диктатов требовал «сбросить прошлое с корабля истории».
Запрос же прошлого был сделан для того, чтобы ориентироваться в настоящем. Этот неподдельный интерес к истории Древней Руси, к её богатырям, выдающимся деятелям культуры нашёл отражение в музыкальном театре – балет «Ярославна» Б.Тищенко по мотивам «Слова о полку Игореве», в инструментальном творчестве – «Древнерусская живопись» Ю.Буцко, концерт-картина «Андрей Рублёв» К.Волкова, симфония с хором «Памяти Андрея Рублёва» А.Холминова.
Темы творчества. Духовное и Россия
Пример: Ю. Фалик "Молитва о России", сл. А.Солженицына
Мощной формой пробуждения национального сознания стала духовная тема в культуре. Скрытое прежде от людей драгоценное музыкальное наследие диаметрально изменило представление об исторических процессах, протекавших в русском музыкальном искусстве, куда до этого заглядывали только учёные музыканты. Возрождались исконно русские традиции пения а сарреllа, возрастал его «престиж», формировалось новое понимание этого искусства как искусства философского и возвышенного. Одним из первых, кто воссоздал в своих хоровых опусах строгий дух русского Средневековья, был Г.Свиридов (начиная с 60-х годов), основательно изучивший старинную церковную музыку.
80-90е годы - это время интенсивного возрождения и развития духовных жанров, получившее название «новой сакральности» (Г. Уствольская, В. Мартынов и другие), или новой религиозной волны.
Эта тема нашла воплощение , прежде всего, в хоровых сочинениях советских композиторов.
Так, в творчестве Ю. Фалика песенная стихия ранних сочинений тесно переплелась с ярко инструментальной мелодикой и достигла кульминации в хоровых концертах. Ранние произведения, обладающие яркими концертными качествами, закономерно привели к утверждению в его творчестве жанра хорового концерта более чем на двадцать лет. Концертность — качество, в большей или меньшей степени присущее всем фаликовским произведениям, стало, по нашему мнению, определяющей чертой его хорового стиля, будь то хоровые концерты или духовные сочинения.
http://www.youtube.com/watch?v=4FFAa3z-cLg
Представители. Гаврилин
Произведения Гаврилина – это мир, где отражаются «...народные характеры, народное миросозерцание, поэтические чувства любви и верности, природа и быт. Сквозь песни видны люди, чьи судьбы в них запечатлены, видна сама жизнь» (А. Сохор)
Валерий Александрович Гаврилин родился 17 августа 1939 года в Вологде. С 1953 года обучался в Ленинградской специальной средней музыкальной школе при консерватории. Окончив ее по композиции у С. Я. Вольфензона, в 1958 поступил в Ленинградскую консерваторию в класс профессора О. А. Евлахова (композиция). В консерватории Гаврилин специализировался также как фольклорист под руководством профессора Ф. А. Рубцова. Увлекшись теорией фольклора, написал дипломную работу о народно-песенных истоках в творчестве В. П. Соловьева-Седого. После окончания в течение нескольких лет вел класс композиции в музыкальном училище им. Н. А. Римского-Корсакова. С 1965 г. — член Союза композиторов. Выступив впервые в 1965 году с вокальным циклом «Русская тетрадь» — произведением, принесшим 28-летнему композитору звание лауреата Государственной премии РСФСР им. М. И. Глинки, — Е. Гаврилин, поначалу сосредоточивший свой интерес преимущественно на камерном творчестве, продолжает много работать и в других жанрах.
Один из крупнейших композиторов второй половины ХХ века умер 28 января 1999 года.
Представители. Гаврилин
Сопоставив темы из «Русской тетради» с напевами подлинных народных песен, Земцовский сделал интересные наблюдения: «В «Русской тетради» не процитирован ни один фольклорный напев!», а музыкальный язык в то же время «буквально пропитан национально-русскими интонациями — как песенными, так и речевыми». Фольклорист пришел к заключению, что В. Гаврилин глубоко постиг музыкальную речь народа, умело, свободно и талантливо изъясняется в искусстве, «не копируя, а претворяя эту речь», и что «такого типа интонационное мышление, как видно, глубоко свойственно самому композитору» (3 Земцовский И. Фольклор и композитор). Эти выводы, сделанные И. Земцовским, можно отнести не только к «Русской тетради», но и ко всему творчеству композитора.

В музыке Гаврилина свободно сочетаются различные интонационные пласты - крестьянские, городские, эстрадные, частушечные напевы, архаические мотивы плача, причета, речевые интонации. В песенных мелодиях могут появиться шёпот, говорок, рыдания, выкрики. Такая выразительная, естественная музыкальная речь даёт возможность воссоздать живой, реальный человеческий характер.

Неоромантизм!
Свиридов говорил о «Перезвонах»: «Музыка Гаврилина вся, от первой до последней ноты, напоена русским мелосом, чистота её стиля поразительна. Органическое, сыновнее чувство Родины - драгоценное свойство этой музыки, её сердцевина. Из песен и хоров Гаврилина встаёт вольная, перезвонная Русь. Это совсем не любование экзотикой и архаикой, не музыкальное «штукарство» на раритетах древнего искусства. Это – подлинно. Это написано кровью сердца - живая, современная музыка глубоко народного склада и, самое главное, современного мироощущения, рождённая здесь, на наших просторах».
Представители. Гаврилин. Перезвоны
Хоровая симфония-действо "Перезвоны". (по прочтении В. Шукшина), удостоена Государственной премии СССР. "Перезвоны" обрамляются двумя сочинениями, близкими по жанру: это "Свадьба" (1978) и "Пастух и пастушка" (по прочтении В. Астафьева, 1983) для солистов, хора и инструментального ансамбля. Все 3 сочинения, а также завершенная в 1967 г. и впервые исполненная в 1987 г. оратория "Скоморохи" (на ст. В. Коростылева), написаны в созданном Гаврилиным жанре действа. Здесь сочетаются признаки оратории, оперы, балета, симфонии, вокального цикла, драматического спектакля. Вообще театральность, зрелищность, образная конкретность музыки Гаврилина так явственна, что подчас его вокальные циклы ставятся в музыкальном театре ("Вечерок", "Военные письма").

Гаврилина характеризует такое качество как театральность, зримость музыки. Он всегда стремился из любого сюжета создать в своём сочинении, как он сам говорил, «небольшое представленьице». Герои таких «представленьиц» - обыкновенные скромные люди с нелёгкой, подчас трагической судьбой. К ним композитор относится с сочувствием, состраданием, едко высмеивая и обличая бездуховность, тупое самодовольство «сильных мира сего». Его творческая позиция близка таким писателям, как В. Астафьев, В. Белов, В. Распутин, В. Шукшин. Подобно им, композитор в гуще народной жизни находит сильные, цельные характеры, призывает творить добро, любить красоту, открывать её и в повседневной жизни, и в душах человеческих.
Симфония-действо «Перезвоны» для хора, солистов, гобоя и ударныхhttp://www.youtube.com/watch?v=Cd79aoUMrJg
Главное действующее лицо сочинения – хор (из инструментов участвуют лишь гобой и группа ударных). Хор в «Перезвонах» одновременно солирует и исполняет функцию инструментального аккомпанемента, декламирует текст, скандирует отдельные слова, наконец, подразумевается его сценическое движение и жестикуляция.
Как писал сам композитор о Шукшине и своём произведении: «Всё написанное им предельно искренне, бескомпромиссно, полно любви к человеку и к родной земле. Об этом я приглашаю поразмышлять своих слушателей. Так и выстраивается «Действо»: начало и конец – трудная дорога. А в середине – свет. Он есть и будет в жизни всегда. И всегда будет любо выйти на простор, взглянуть, как велика и прекрасна русская земля. И как бы ни менялся мир, есть в нём красота, совесть, надежда».

Литературно-поэтической основой «Перезвонов» стали тексты народных песен, пословицы, поговорки, детские считалки, прибаутки, а также стихи Альбины Шульгиной и самого композитора, фрагменты «Поучения Владимира Мономаха» (в переводе со старославянского академика Дмитрия Лихачёва). В некоторых частях использованы словосочетания, напоминающие звучание инструментальной музыки (например, «ти-ри-ри», «туды-сюды»).

В произведении 13 хоровых частей и 7 инструментальных. В них предстают жизнь и судьба героя от колыбели до могилы. Герой - обобщённый, собирательный образ, в котором отразились черты Степана Разина, атамана, Кудеяра и других русских бунтарей. Его роль поручена то чтецу, то солисту-тенору, а в конце произведения - солирующему дисканту.
Перезвоны
№1, «Весело на душе» и №20, «Дорога» — обрамление, внутри которого разворачиваются разнообразные картины и сцены. №2, «Смерть разбойника» — монолог тенора соло в народном духе, с переменным метром, в свободной манере, временами переходящий в декламацию и сопровождаемый мужской группой хора.
№3, 5, 7, 9, 13 и 19 — «Дудочка», меланхоличное соло гобоя, имитирующего рожок или жалейку. «Ее негромкая песня-разговор, песня-плач печальна и проникновенна. Она как будто все время силится, но не может вырваться из своего бессловесного плена», — пишет музыковед А. Тевосян.
№6, «Посиделки», выдержан в духе лукавых лирических частушек-«страданий». №8, «Ти-ри-ри» — изящная звукопись. №12, «Воскресенье», наполнен колокольными звонами. №15, «Страшенная баба» — злой, агрессивный образ, поданный, однако, в сказочно-юмористическом плане, с отчетливыми отсылками к «Полету валькирий» Вагнера.
Кульминация произведения — №17, «Молитва». Она произносится чтецом на фоне хора, поющего закрытым ртом. Ее непосредственным продолжением становится №18, «Матка-река», полная стихийной могучей силы.
Представители. Тищенко
Борис Тищенко — любимый ученик и друг Дмитрия Шостаковича — превратил в звуки самые противоположные вещи в этом мире, от «Тараканища» и «Мухи-Цокотухи» Корнея Чуковского до «Слова о Полку Игореве» (балет «Ярославна») и ахматовского «Реквиема». Безусловно, ещё один представитель петербуржской культурной элиты. Был дружен с Бродским. Преподавал композицию в Санкт-Петербургской консерватории. В настоящее время функционирует Музыкально-просветительский колледж имени Б.И.Тищенко.
Борис Тищенко (23. 03.1939,Ленинград – 9.12.2010, Санкт-Петербург) - композитор "фундаментальной музыки": музыки больших мыслей и страстей, глубокого философского пафоса.
 Мастер-симфонист, он унаследовал от своего великого учителя Дмитрия Шостаковича приверженность "большому стилю" с массивными оркестровыми ресурсами. Осн. Сочинения: 8 симфоний, «Реквием» на стихи А. Ахматовой, 9 концертов для разных солирующих инструментов, 3 балета ,опера «Краденое солнце», оперетта «Тараканище» по К. И. Чуковскому, Музыка к театральным постановкам и кинофильмам., 11 фортепианных сонат, 6 струнных квартетов
http://vk.com/event67173102

http://vk.com/club10169392
Представители. Тищенко
Тищенко привлекают в фольклоре те качества, которые, прежде всего, свойственны его собственному творчеству: этическая чистота, оригинальность ладогармонического мышления, отсутствие прямолинейного развёртывания мелодии.

Фольклорность проявляется в творчестве петербургского композитора на разных уровнях: и как интерес к событиям древнего прошлого (балет «Ярославна», музыка к кинофильмам «Суздаль», «Палех», «Северные этюды»), и как эпическая развёрнутость полотен, в том числе и инструментальных (Второй виолончельный концерт, Арфовый концерт, Четвёртая симфония), как преобладание мелодического, песенного начала, медленно развёртываемого и варьируемого (Третья симфония).

Вот кем точно не выступает композитор по отношению к фольклору, так это стилизатором. Нет в его творчестве и прямых фольклорных цитат. Сложное стилевое взаимодействие, образуемое сочетанием фольклора, новейших композиторских техник и индивидуальных характеристик творчества самого Бориса Тищенко, рождают уникальный неповторимый стиль автора, подкупающий необычайной свежестью и современностью звучания.
Представители. Тищенко. Балет «Ярославна»
Хореографические размышления в трех действиях. Либретто О. Виноградова (по мотивам «Слова о полку Игореве»).
Первое представление: Ленинград, Малый оперный театр, 30 июня 1974 г.
Действующие лица:
Игорь, князь Новгород-Северский. Ефросиния Ярославна, княгиня Новгород-Северская. Владимир, сын Игоря. Святослав Великий, князь Киевский. Князья. Плакальщицы. Кончак, хан Половецкий.
Действие первое
1. Усобицы 2. Призыв Святослава и сговор Игоревой дружины 3. Начало похода 4. Затмение
Действие второе
5. Поход 6. Первая битва 7. Окружение
Действие третье
8. Вторая битва 9. Плач Ярославны 10. Побег 11. Возвращение 12. Призыв
Вступление открывает одинокий голос — посвист флейты-пикколо. Здесь, как и во всей протяженности балета, звучность деревянных духовых нередко ассоциируется с архаикой, вызывая в памяти и «Весну священную» Стравинского, и тембры древних японских флейт. Всматриваясь в бездонную глубь веков, одинокий человек погружается в темень истории.
Тищенко. «Ярославна»
В музыке «Ярославны» переплелись магистральные линии, пронизывающие все творчество композитора. Сопричастность прошлому и талант погружения в его тайны. Глубокий интерес к подлинному фольклору, прежде всего фольклору русскому, как неиссякаемому источнику музыкальных идей. Не могло не сказаться на стилистике балета и многолетнее увлечение Тищенко музыкой Востока, прежде всего традицией японской средневековой музыки гагаку. Наконец, здесь, как и в лучших симфониях Тищенко, явственно и органично проявилось его обостренное, драматическое переживание мира.
Ключевые фрагменты текста «Слова о полку Игореве» (в спектакле тексты летописи были элементами сценографии) звучат в исполнении хора, то рассказывающего о давних событиях, то комментирующего происходящее, то перерождающегося в действующих людей и голоса природы.
Кульминационный фрагмент сочинения — финал I акта — „Затмение". На фоне звенящего в верхнем регистре органного кластера кларнет–пикколо высвистывает маленький тревожный мотив, на полтона ниже тот же мотив звучит у первого кларнета, подобным образом вступают все инструменты оркестра, и, наконец, слушателя окружает безжалостно плотное, густое, как тьма, давление немыслимой оркестровой массы, которое внезапно обрывается генеральной паузой.
https://cloud.mail.ru/02EF4751DC8E4B12BACFC7A30B42B9F9
Представители. Слонимский
Индивидуальные варианты синтеза создали и другие композиторы поколения 50-х.
Например, Сергей Слонимский, долгое время изучавший фольклор северо-западных русских областей, сумел услышать общность нетемперированного строя народного пения и авангардных микроинтервальных систем, а также скрестить народную импровизацию и алеаторику (например, в квартете «Антифоны», 1968). Стилистическая открытость вообще присуща творчеству Слонимского; интересы композитора кажутся в этой сфере практически безграничными. Здесь и древнейшие культуры (иногда реконструируемые, «воображаемые»), и музыка трубадуров, и русская классика, и романтический симфонизм, и современная массовая культура. Синтез у Слонимского основан на идее стилистического «театра», выражающего самую сущность дарования композитора.
Представители. Слонимский
Сергей Слонимский родился в Ленинграде в семье писателя Михаила Слонимского и Иды Исааковны Каплан-Ингель 12 августа 1932 года. Частным образом занимался у В. Шебалина
Широко эрудированный композитор настолько хорошо изучил стили разных эпох и народов,
что его творения люди других стран могли принять за произведения своих земляков.
Такова шотландская музыка в его опере `Мария Стюарт`.

Слонимского в своё время называли представителем `новой фольклорной волны`,
показательна в этом плане кантата `Песни вольницы` (1959г., на народные тексты).

В каком бы жанре не сочинял Слонимский, его произведения поражают своей подлинностью и яркой индивидуальностью.

Умея соединить фольклорные традиции с новейшими техническими приёмами композиции , Слонимский создаёт свои неповторимые произведения: вокальные пьесы `Прощание с другом в пустыне` (1966г.), `Монологи` (1967г.), `Песнь песней` (1975г.), балет `Икар`( 1971г.), камерную оперу `Мастер и Маргарита` (1972г.). А в 1973г. возникает его необычный Концерт для трёх электрогитар, солирующих инструментов и симфонического оркестра. И вновь композитор поражает слушателей соединением, казалось бы, двух диаметрально противоположных стилей, рок- и симфонического.
Представители. Слонимский. Опера «Виринея»
.
опера в трёх действиях с эпилогом русского композитора Сергея Слонимского. Опера была написана в 1967 году на либретто Сергея Ценина по одноимённой пьесе Лидии Сейфуллиной и Валериана Правдухина о жизни русской деревни во время революции 1917 года. В конце 1960-х годов была осуществлена первая постановка оперы. В 1974 году композитор создал на основе музыки из оперы ораториальную сюиту из девяти частей.
Образ Виринеи раскрыт в опере в традициях русского крестьянского фольклора – лирической протяжной песенности, песен-плачей, эпических, сказовых распевов и плясовых, игровых песен. Причем в разработке крестьянских традиций Слонимский опирается в большей мере на культуру северных регионов нашей страны (Псковская, Новгородская области, отчасти Урал), которую он знает не понаслышке, а изучил непосредственно в реальном бытовании и живом исполнительстве в процессе общения с ее носителями и хранителями во время фольклорных экспедиций 1960-х гг.).
Прав был И. Земцовский, когда после выхода «Виринеи» отметил подлинность ее национального стиля, рожденного глубоким проникновением композитора в народную песню, позволившим ему создать особый русский распев, «несколько суровый, сдержанный, сильный внутренней силой, тесно связанный с интонациями народной речи»

В развернутой арии Виринеи (первая картина – «А весна на пороге») в широком разливе мелодии выражена извечная тоска русской женщины о любви. Не случайно на этой же теме строится и трагическая финальная сцена Виринеи, проводившей Павла и предчувствующей свою жертвенную гибель ради любимого человека.
http://www.youtube.com/watch?v=wgqeoIlS9J0
http://www.youtube.com/watch?v=EeRlpA-gHwo
Слонимский. Опера «Виринея» клавир тут: https://yadi.sk/d/XCPIcXGOLFSRA
.
Глубинный философский смысл происходящих событий «Сказа о Виринее» – раскол, гибель целостного и привычного для человека мира – предельно укрупнен и выделен либреттистом в названиях картин («Конец власти», «Конец семьи», «Конец веры» и др.).
 В либретто значительно сокращены число действующих лиц и некоторые запутанные сюжетные перипетии. Из романа взяты, в основном, те события, которые подчеркивают движение основной философской мысли.
Неожиданным и новым было также введение в либретто символичной иносказательной комментирующей линии, порученной хору.
Глубоким смыслом исполнен хоровой зачин, которым открывается опера. «Ах ты, матушка, сударушка моя, ты зачем меня красиву родила», — вопрошает солистка, а хор, будто вторя ее тайным мыслям, намекает на трагический исход дальнейших событий: «да во время, время смутное, время смутное, ненастное». Песня Виринеи с хором напоминает пролог, в котором в свернутом виде отражаются перипетии сюжета. Выбираемый Слонимским жанр свадебной песни несет запас устойчивых ассоциаций. Девичество, смутные надежды на счастье, замужество, горькая женская доля, поиски любви и неизбежный трагический исход — все обусловлено изначально и все во «время перемен» обострено до предела.
Пестра, причудлива интонационная мозаика, передающая разноголосицу толпы в 1-й картине. Мелодические обороты приветственного канта, солдатской частушки, лирической песни-романса, скороговорки, знаменного распева сплетаются в живописную картинку — образ мира в момент раскола. Все чуть заострено, шаржировано. И над всей этой гомонящей людской толпой гудит набат: то ли праздничный, то ли похоронный. Он перекрывает реплики толпы, выделяя общую для всех интонацию плача-причитания: «Ах, зачем ты нас оставил». Плач о себе, о своей судьбе, о том Неведомом, что подстерегает человека на крутом изломе истории, звучит в обобщающей все интонации народного горя.
Значение появления феномена «НФВ»
Это течение сыграло важную роль в осознании композиторами своей почвенности в прямом, конкретном смысле этого слова; не случайно многое в новофольклористском творчестве родилось в результате целенаправленного изучения народного искусства и быта — в научных экспедициях, записях и расшифровках аутентичных образцов.

Так, утративший память о предшествующих поколениях пытается вновь выстроить свое генеалогическое древо, собирая разрозненные свидетельства и случайно уцелевшие предметы.

Например, для  Бориса Тищенко изучение народного творчества, предпринятое им в начале пути, послужило не только расширению композиторского кругозора. Оно стало катализатором глубинных свойств индивидуального стиля, типологически восходящего к фольклору, даже тогда, когда нет речи о прямых «прикосновениях» к нему.


title: Скачать презентацию или конспект Музыка Белоруссии

extracted_text:
Музыка Белоруссии
    Белорусская народная музыка соприкасается с народной музыкой русского и украинского народа.

   Самым распространенным инструментом в Белоруссии являются цимбалы
Цимбалы
Цимба́лы — струнный
ударный музыкальный
инструмент, который
представляет собой
трапециевидную деку с
натянутыми струнами. Звук извлекается
ударами двух деревянных
палочек или колотушек с
Расширяющимися
лопастями на концах.
М.П.Мусоргский «Картинки с выставки». Музыка русского народа»
Модест Петрович Мусоргский
Модест Петрович Му́соргский
(9 марта 1839 -
16  марта 1881)
русский композитор, член «Могучей кучки».
Виктор Александрович Гартман
    Виктор Александрович Гартман (23 апреля 1834 - 23 июля 1873) - русский архитектор, художник и орнаментист.
  «Картинки с выставки» — цикл фортепианных пьес русского композитора Модеста Петровича Мусоргского. Написан в 1874 году в память о друге Мусоргского, художнике и архитекторе Викторе Гартмане.
Сюита -
        обозначает музыкальное произведение, состоящее из самостоятельных пьес, объединенных общим замыслом.
«Избушка на курьих ножках»
Избушка на курьих ножках (Баба-Яга). У Гартмана был эскиз изящных бронзовых часов в виде избушки на курьих ножках. Однако фантазия Мусоргского изобразила совершенно другое — мощный динамичный образ Бабы-Яги. Звуковые «кляксы» изображают небрежность и «грязь» в образе Бабы-Яги. Неравномерно расставленные акценты имитируют хромую походку «костяной ноги».
«Балет невылупившихся птенцов»
          Прототипом пьесы послужили эскизы Гартмана к костюмам для балета Юлия Гербера «Трильби» в постановке Петипа в Большом театре в 1871 году.
         Это лёгкий, весёлый, чуть беспорядочный танец птенчиков, В первой части музыка сочетается с птичьим щебетом и с изображением лёгких и неуклюжих подпрыгиваний и взмахов.
«Большой хоровод»
1.Мы на свет родились, чтобы радостно жить,
   Чтобы вместе играть, чтобы крепко дружить
   Чтоб улыбки друг другу дарить и цветы
   Чтобы вспомнились в жизни все наши мечты.
Припев:
Так давайте устроим большой хоровод
Пусть все люди земли с нами встанут в него
Пусть повсюду звучит только радостный смех
Пусть без слов станет песня понятной для всех
2. Мы хотим кувыркаться в зеленой траве
    И смотреть, как плывут облака в синеве,
    И в прохладную речку нырять в летний зной
    И в ладошки ловить теплый дождик грибной.
Припев тот же
3. Мы на свет родились, чтобы радостно жить,
    Чтоб цветы и улыбки друг другу дарить,
    Чтобы горе исчезло, пропала беда,
    Чтобы яркое солнце светило всегда.
Домашнее задание:
Сочинить рассказ к музыкальной картинке М. Мусоргского «Балет невылупившихся птенцов» или «Избушка на курьих ножках».


title: Скачать презентацию или конспект Музыка-сестра живописи

extracted_text:
«МУЗЫКА – СЕСТРА ЖИВОПИСИ»
Урок музыки в 5 классе
5klass.net
РЕЛЬЕФ И ФОН
К. МОНЕ. СТОГ СЕНА В ЖИВЕРНИ
П. Чайковский. Концерт №1 для фортепиано с оркестром
М
А
А к к о м п а н е м е н т  –  ф о н
М е л о д и я  -  р е л ь е ф
Вопросы и задания
В чем заключается «рельеф и фон» звучания во II части Первого фортепианного концерта П. Чайковского?
Высказывание «Музыка – сестра живописи» принадлежит великому итальянскому живописцу Леонардо да Винчи. Постарайся доказать правомерность этих слов.

Э. Дробицкий.
ЖИЗНЬ
И
 СМЕРТЬ
Г. ЮККЕР.
МЕЖДУ СВЕТЛЫМ И ТЕМНЫМ
Мажор           минор
Борис Михайлович Кустодиев
Пабло Пикассо
М.П. МУСОРГСКИЙ.Два еврея, богатый и бедный
В ЧЕМ ПРОЯВЛЯЕТ СЕБЯ КОНТРАСТ В МУЗЫКЕ?
КАКИЕ ПОНЯТИЯ ИЗ ОБЛАСТИ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА ПЕРЕШЛИ В МУЗЫКУ?
РЕЛЬЕФ
ФОН
ТОН, ПОЛУТОН
ОТТЕНКИ
ПРОСТРАНСТВО
КРАСКА
КОЛОРИТ
КОНТРАСТ


title: Скачать презентацию или конспект Самые известные композиторы

extracted_text:
музыка
МОУ СОШ №50
выполнила  ученица
7  "А" класса
Бердникова  Екатерина
г. Володарск, 2009 год.
5klass.net
содержание
 1.Введение ( музыка средневековья )
8.Иоган Себостьян Бах
9. Александр Сергеевич  Даргомыжский.
10.Михаил  Иванович Глинка
4.Европейские  танцы
7.Вольфганг Амадей Моцарт
6.Франц  Шуберт.
5.Фридерик  Шопен
3.Хоровое  искуство
2.Эдвард  Григ
Введение ( музыка  средневековья)
Согласно свидетельствам многочисленных старинных документов и художественных изображений музыкальная жизнь периода раннего Средневековья (до 800-х годов н. э.) была довольно богатой и насыщенной. Однако, история сохранила до наших дней в основном литургическую музыку римско-католической церкви, значительную часть которой занимает так называемый григорианский  орал, названный по имени Папы Георгия 1. Ранние свидетельства указывают на то, что Григорий I сам был композитором и являлся автором большой части церковных литургий. Многие современные учёные считают данные свидетельства если не легендами, то по крайней мере преувеличениям, поскольку появлялись они уже через сто лет после смерти Папы. Большинство же сочинений григорианского хорала в период между вехами деятельности Григория I и Карла Великого принадлежат неизвестным авторам.
В течение IX века произошло несколько важных событий в развитии музыки средневековья. Во-первых, католическая церковь стала прилагать значительные усилия для унификации различных направлений григорианского хорала и в приведении их всех в рамки григорианской литургии. Вторым важным событием стало появление ранней полифонической  музыки: на смену использовавшегося в древние века октавного удвоения (многоголосия) приходит сопровождение церковной мелодии посредством второго голоса, образующего с главным интервалы от унисона до кварты (так называемый двухголосный органум). Третьим и наиболее важным для истории музыки событием стали попытки воссоздания музыкальной нотации, последовавшие по окончании почти пятисотлетнего перерыва изысканий композиторов в данной области. Впервые для записи нот начинают применяться линии и использоваться первые 7 или 15 букв латинского алфавита. Основателем современной музыкальной нотации считается Гвидо из Ареццо (умер в 1037 году), который сводит буквенное и невменное тонописание в одну стройную систему.
В период после 1100 года в музыке выделяются несколько школ полифонической музыки: Школа Святого Марциал, музыка которой характеризовалась наличием одной главной устойчивой темы и быстро движущегося второго голоса в форме двухголосного органума; Школа Собора Парижской богоматери, давшая миру высокие образцы многоголосия того времени и являвшейся первой школой европейской хоровой полифонии с её основателями монахами Леонином и Перотином Сантьяго-де-Компостела в провинции Галисия, бывшем в то время центром паломников, странствующих пилигримов и местом работы композиторов многих музыкальных традиций позднего Средневековья, значительная часть работ которых дошла до наших времён в сочинениях Эмерика Пико Кодекс Каликстинус; английская школа, музыка которой представлена в наше время в Рукописи Олда Холла и произведении «Вустерские фрагменты»
Вместе с данными школами церковной музыки существовали и светские направления развития музыки Средневековья, нашедшие своё отражение в многочисленных композициях трубадуров, труверов и миннезингеров. Музыкальные формы и эстетические идеи светских музыкантов того времени дали начало развитию музыки раннего Возрождения, однако сама культура менестрелей была в большой степени уничтожена во время Альбигойского крестового похода в начале XIII века.
 С 1866 Григ жил в Кристиании (Осло). Здесь наступил расцвет деятельности Грига — композитора, дирижёра, пианиста, педагога, музыкального критика. В 1867 он делает первую попытку создать в Норвегии специальное учебное заведение — Музыкальную академию; в 1871 основывает концертное Музыкальное общество (ныне Филармоническое общество). В борьбе за осуществление своих просветительских взглядов Григу пришлось столкнуться с большими трудностями, нередко его начинания встречали отпор со стороны космополитически настроенной крупной буржуазии. Вместе с тем горячую поддержку нашёл Григ в среде передовой интеллигенции, поборников самобытной национальной культуры. Завязывается тесная дружба Грига с писателем и общественным, деятелем Б. Бьёрнсоном, оказавшим большое влияние на мировоззрение Грига. В союзе с Бьёрнсоном возникли крупные музыкально-драматические произведения. Григ на сюжеты из древнего скандинавского эпоса — «Эдды». К этому же периоду относятся выдающиеся инструментальные сочинения: фортепианный концерт (1868), 1-я тетрадь «Лирических пьес» для фортепиано (1867) и др.Имя Григ приобретает известность за рубежом. Большую поддержку композитору оказал Ф. Лист, оценивший Грига как яркого представителя новой, зарождающейся национальной музыкальной школы. В 1874 г. была предоставлена пожизненная государственная стипендия. Широкое признание и материальная обеспеченность позволили Григу оставить концертную деятельность в столице и переселиться в Берген, который становится основным местом его жизни и деятельности. Страстно любивший родную природу, он совершает длительные поездки в горы, слушает игру народных скрипачей — «хардингфелеров», подолгу живёт в деревенской глуши среди крестьян, рыбаков, лесорубов. Поэзия норвежской природы, глубокое проникновение в дух и строй народной музыки отразились в лучших произведениях этих лет: музыке к драме «Пер Гюнт», написанной в 1874—75 по просьбе её автора — Генрика Ибсена, Балладе для фортепиано, струнного квартета.
Период 1880—90-х гг. был для Грига временем растущей мировой славы. Неустанно работая как композитор, он не прекращает исполнительской деятельности, руководит концертами бергенского музыкального общества «Гармония», выступает как пианист и дирижёр в Германии, Дании, Голландии. В январе 1888, в Лейпциге, он знакомится с П. И. Чайковским, между композиторами возникает дружба. Чайковский восхищался поэтичностью музыки Грига, свежестью и самобытностью его стиля (в 1888 Чайковский посвятил Григу увертюру «Гамлет»). С блестящим успехом проходят концертные выступления Грига в Англии и Франции. В 1889 он был членом Французской академии изящных искусств, в 1893 удостоен почётного звания доктора Кембриджского университета (одновременно с Чайковским). Совершая зимой концертные поездки по разным странам Европы, он отдавал летние месяцы созданию новых произведений.
Осенью 1907 Григ намеревался выехать с концертами в Англию, но тяжёлый приступ астмы заставил его остаться в Бергене. Его поместили в больницу, где он и скончался.
Эдвард  Григ
ЭДВАРД ГРИГ— норвежский композитор, дирижёр, пианист, музыкальный деятель. Крупнейший представитель норвежской композиторской школы. Григ рос в культурной и обеспеченной семье . Отец композитора, бергенский купец Александр Григ, занимал должность британского, консула; мать, Гесина Григ, урождённая Хагеруп, была хорошей пианисткой. Под её руководством Григ обучался музыке, способности к которой проявились у него в раннем детстве.В 1858 - 1862 Григ учился в Лейпцигской консерватории по классу фортепиано,. Большое влияние оказало на Грига творчество Р. Шумана, Ф. Шуберта и Ф. Мендельсона. Об этом свидетельствуют первые опубликованные сочинения Грига (фортепианные пьесы ор. 1 и романсы ор. 2, на слова немецких поэтов).
В 1863 композитор едет в Копенгаген, где сближается с группой единомышленников, воодушевлённых идеей создания нового национального искусства. Вместе с норвежским композитором Р. Нурдроком и несколькими датскими музыкантами Григ организует музыкальное общество «Евтерпа» и выступает в нём в качестве дирижёра, пианиста и автора музыкальных произведений, привлекая внимание передовой интеллигенции. (Посещавший эти концерты писатель X.К.Андерсен, высоко оценил талант молодого Грига.) В обстановке творческого подъёма и увлечения идеей народности дарование Грига быстро созревало и обретало яркие, самобытные черты. Григ создаёт фортепианную сонату (ор. 7), сонату для скрипки и фортепиано (ор. 8), «Юморески» для фортепиано, увертюру «Осенью», ряд романсов (в том числе «Люблю тебя» и «Сердце поэта» на слова X.К.Андерсена). Творческому расцвету способствовало событие личной жизни — женитьба на кузине Нине Хагеруп, одарённой камерной певице, постоянно выступавшей с Григом в камерных концертах и приобретшей известность в качестве исполнительницы его романсов.

Хоровое  искусство  расцвело  в  древнюю пору, после  принятия  христианства. На  Руси  вместе  со  строительством  храмов  развивается церковное  пение, оно  записывалось особой  системой:
Знаменным  письмом ( с древне -славянского  знак).
Исполнялось  пение    мужским  хором, одноголосно  без  сопровождения, основы  взяты  из  Византии, но  со временем  изменялось.
Русские   распевщики ( композиторы) были  из  народа и в  церковное  пение ввели  черты  русских  народных  песен.
Бережно  изучали  и  собирали, выпускали  сборники РНП( русская  народная  песня) первая  запись  в  18 веке.
Первый  сборник  - Трутовский.
В 18  веке  появляется бытовая, городская песня  с аккордовым саповождением( бас аккорд, бас аккорд…) с  18 века первые  русские   оперы  с разговора на бытовые  сюжеты. В Петербурге создан  русский  театр, на  сцене играли  крепостные.
Популярным  с 18 века является «Романсом» близок  песням ( запев, припев) под  простой  аккопонимент.
Создаётся Русская  Музыкальная Школа: Дубянский, Березовский, Бортнянский.)

Хоровое  искуство
В 17 веке Франция  была  законодательницей  модных  танцев. Менуэт- старинный, французский, крестьянский  танец  3-х дольный, изящный  с  поклонами. Менуэт- композитор  Моцарта « Донжуан» . С 18 века менуэт – инструментальная  пьеса , входит  в  сонаты , симфонии.
Гобой  Прокофьев- так же  входит  в  инструментальную  музыку.
Сицилиана- итальянский  народный  танец. Спокойны, плавный , размер  шесть  восьмых.
 Чайковский, балет  «Щелкунчик». Чайковский  написал три балета:
« Лебединое  озеро» , « Спящая красавица», « Щелкунчик». – балет  написан по  сказке Гофмана. Где рассказывается  об  удивлённых  Маше приснившееся  ей на  кону  Рождества. В балете  сочиняются  реальные  персонажи: Маша, родители, гости, Фокусник. И фантастические  герои: Щелкунчик, чай, кофе, феядраже, король мышей и  так  далее. В балете  два  действия
1 Увертюра – вступление  к  балету или  к  опере.
2. Марш.
3. Сцена  стражения.
4.Второе действие волшебной  страны сладостей, Кофе- арабский  танец, Чай- китайский танец. Трепак – быстрый  танец.
Европейские  танцы
Шопен -- классик польской музыки. Его имя стоит рядом с именами таких гениальных музыкантов, как И. С. Бах, Моцарт, Бетховен, Чайковский.
Одно из замечательных свойств музыки Шопена -- ее доходчивость. Она словно бы идет от <<сердца к сердцу>>. Этот композитор обладал редким мелодическим даром. Подобно музыке Глинки, произведения Шопена насквозь пронизаны славянскими интонациями, чутким ощущением красоты польской народной песни, польских танцевальных ритмов. При этом источником его мелодического языка были не только старинные крестьянские песни, но и современная ему бытовая песенно-романсовая музыка города, близкая и понятная великому множеству людей.
С жанрами народно-бытовой музыки тесно связаны многие произведения Шопена и в первую очередь его танцевальные пьесы: мазурки, полонезы, вальсы. Из интонаций и мелодических оборотов городских романсов и песен возникают широкие напевные мелодии некоторых его ноктюрнов («ночных пьесах») и маленьких лирических прелюдий. А также напевные лирические темы многих его больших произведений.
Справедливо суждение, что гениальность художника проявляется не только в масштабе его таланта, но и -- что гораздо более важно -- в заостренном ощущении социальных противоречий современности, в глубокой связи с судьбами своего народа, своей родной страны. Историческая трагедия Польши, стертой в те времена в качестве самостоятельного государства с географических карт, разгром революционного польского восстания тридцатых годов -- все это определило огромный драматизм произведений Шопена, мятежную устремленность и страстную порывистость его музыки. И -- с другой стороны -- ее глубокий лиризм.
Рассказывают, что Шопена однажды спросили, каким словом можно определить основное настроение его музыки. Композитор ответил, что в его родном польском языке есть такое слово -- это <<жаль>> (zal). Ференц Лист полагал, что в нем Шопену слышалась целая гамма разнообразных настроений <<от жалобы и сожаления до ненависти>>, от неутешной скорби до <<накипающей в глубине сердца неумолимой угрозы>>. По словам Листа, слово <<жаль>> <<окрашивает все творения Шопена то в серебристые, то в огненно-пылающие тона>>.

Фридерик  Шопен
(1810-1849)
Жизнь Шуберта прошла в Вене, сколько даже не в саму благоприятную для творчества пору оставалась одной из музыкальных столиц цивилизованного мира. Здесь выступали знаменитые виртуозы, с огромным успехом относились оперы всеми признанного Россини, звучали оркестры Ланнера и Штрауса-батька, сколько подняли для небывалую высоту венский вальс. И все-таки несоответствие мечты и реальности, настолько очевидные для того времени, порождали у творческих людей настроения тоски и разочарования, а сам ответ визави отсталого самодовольного мещанского быта выливался в них в ветвь помощью действительности, в попытку создать свой принадлежащий разрешение из узкого крутая друзей, искренних ценителей прекрасного...
Отец его был школьный преподаватель - людин деятельный и добропорядочный, какой и своих детей стремился воспитать в соответствии со своими представлениями о жизненном пути. Старшие сыновья пошли сообразно стопам отца, тот же путешествие был заготовлен и Шуберту. Но звучала в доме и музыка. По праздникам здесь собирался братия музыкантов-любителей, сам благодетель учил Франца игре для скрипке, а взаперти из братьев - для клавире. Теорию музыки Францу излагал духовный регент, он же учил мальчику и игре для органе.
Вскоре окружающим стало ясно, сколько накануне ними необычайно одарен ребенок. Когда Шуберту исполнилось 11 лет, его отдали в церковно певчую школу - конвикт. Там был свой ученический оркестр, где вскоре Шуберт стал воздавать партию первой скрипки, а временами даже дирижировать.
В 1810-м возраст Шуберт написал свое первое произведение. Страсть к музыке охватывала его все больше и больше и незаметно вытиснила все другие интересы. Его гнесла должность изучать то, которое было вдалеке помощью музыки, и помощью пять лет, беспричинно и не закончив конвикта, Шуберт пошел из него. Это привело к ухудшению отношений с отцом, сколько все вдругорядь пытался наставить сына "на путешествие искренний". Вступая ему, Франц поступил в учительскую семинарию, а впоследствии исполнял обязанности помощника учителя в школе своего отца. Но намерениям отца исполнять из сына учителя с надежным заработком беспричинно и не назначено было осуществиться. Шуберт вступает в саму интенсивную пору своего творчества (1814-1817 годы), не слышав родительских предостережений. До конца этого периода он уже виновник пяти симфоний, семи сонат и триста песен, между которых есть такие будто "Маргарита изза прялкой", "Лесной царь", "Форель", "Скиталец", - их знают, их пекут. Ему кажется, сколько разрешение от-от развернет ему дружественные объятия, и он взвешивается для завершительный действие - бросает службу. В ответ раздосадованный благодетель оставляет его без всяких средств к существованию и в сущности рвет с ним отношения.
Исключительные музыкальные способности Шуберта проявились в ранним детстве. Из семилетнего возраста он учился игре для нескольких инструментах, пению, теоретическим дисциплинам. В 1808-12 пек в императорской Придворной капелле приблизительно руководством выдающегося венского композитора и педагога А. Сальери, что, обратив кутерьма для судьба мальчика, начал учить его основам композиции. До семнадцати лет Шуберт уже был автором фортепианных пьес, вокальных миниатюр струнных квартетов, симфонии и оперы «Замок дьявола». Работая помощником учителя в школе своего отца (1814-18), Шуберт продолжал интенсивно составлять. ДО 1814-15 относятся исчислении песни (в книга числе такие шедевры, будто «Маргарита из за прялкой» и «Лесной царь» для болтовня И. В. Гете, 2-я и 3-я симфонии, три мессы и четырех зингшпиля.
Франц  Шуберт.

Моцарт Вольфганг Амадей - австрийский композитор. Большое влияние на музыкальное развитие Моцарта оказал его отец Леопольд Моцарт, обучивший сына игре на музыкальных инструментах и композиции. В возрасте 4 лет Моцарт играл на клавесине, с 5-6 лет начал сочинять (1-я симфония исполнена в 1764 в Лондоне). Клавесинист-виртуоз, Моцарт выступал также как скрипач, певец, органист и дирижер, блестяще импровизировал, поражая феноменальным музыкальным слухом и памятью.Уже с 6 лет в биографии Моцарта виден успех: он с триумфом гастролировал в Германии, Австрии, Франции, Англии, Швейцарии, Италии. В возрасте 11 лет выступил как театральный композитор (школьная опера "Аполлон и Гиацинт"). Год спустя создал нем. зингшпиль "Бастьен и Бастьенна" и итальянскую оперу-буффу "Притворная пастушка". В 1770 папа римский наградил его орденом Золотой шпоры.
В том же году 14-летний музыкант после специального испытания был избран членом Филармонической академии в Болонье (здесь Вольфганг Моцарт некоторое время брал у Дж. Б. Мартини уроки композиции). Тогда же юный композитор дирижировал в Милане премьерой своей оперы "Митридат, царь понтийский". В следующем году там же была исполнена серенада Моцарта "Асканий в Альбе", через год опера " Луций Сулла". Артистическое турне и дальнейшее пребывание в Мангейме, Париже, Вене способствовали широкому ознакомлению Моцарта с европейской музыкальной культурой, его духовному росту, совершенствованию профессионального мастерства. К 19 годам Вольфганг Амадей Моцарт был автором 10 музыкально-сценических произведений различных жанров (среди них оперы "Мнимая садовница", поставленная в Мюнхене, " Сон Сципиона" и "Царь-пастух" в Зальцбурге), 2 кантат, многочисленных симфоний, концертов, квартетов, сонат, ансамблево-оркестрических сюит, церковных композиций, арий и других произведений. Но чем больше вундеркинд превращался в мастера, тем меньше интересовалось им аристократическое общество. Весной 1791 Вольфганга Моцарта зачислили бесплатным помощником капельмейстера собора св. Стефана с правом занять это место в случае смерти последнего (капельмейстер пережил его). За полмесяца до смерти Моцарт слег (диагноз - ревматически-воспалительная лихорадка) Умер, не достигнув 36 лет . Был погребен в общей могиле на кладбище св. Марка (местонахождение могилы неизвестно).
Вольфганг  Амадей  Моцарт
Иоганн Себастьян Бах родился 21 марта 1685 года в Эйзенахе (земля Тюрингия, Германия).
Иоганн Себастьян появился на свет в семье, которая считается крупнейшей музыкальной династией в Германии. Из предков Баха особенно прославились Фейт Бах – пекарь, который играл на цитре, и Иоганнес Бах – городской музыкант в Эрфурте. Потомки последнего стали настолько известны, что в некоторых средневековых немецких диалектах фамилия «Bach» стала нарицательной и получила значение «городской музыкант».
Отец Баха – Иоганн Амвройский, городской музыкант.
Дядя Иоганна Себастьяна, Иоганн Кристоф, служил в городе органистом. Естественно, что обучаться музыке будущий величайший представитель династии начал с самого раннего возраста.
1693 год – младший Бах поступает в церковную школу. У мальчика хорошее сопрано, и он делает успехи
1695 год – за два года Иоганн Себастьян теряет обоих родителей. Его забирает к себе старший брат, служивший музыкантом в Ордфуре.
1695 – 1700 годы – Ордруф. Бах учится в школе и занимается музыкой под руководством брата. Тогда же, подростком, Иоганн Бах сильно теряет зрение – по ночам он при свете луны переписывает ноты у брата.
Школьный учитель рекомендует Баху отправиться в Люнебург, в известную школу при церкви Св. Михаила. Иоганн Себастьян проходит пешком 300 километров из Центральной Германии в Северную. В Люнебурге Бах живет на полном пансионе и даже получает небольшую стипендию. Одним из наставников будущего композитора в Люнебуре становится мастер-органист Георг Бём.
1702 год – после окончания школы Бах имеет право поступить в университет, но не может себе этого позволить, так как нужно добывать средства к существованию. Проведя некоторое время в Люнебурге, будущий композитор отправляется назад в Тюрингию. Здесь он успевает послужить скрипачом в частной капелле принца Иоганна Эрнеста Саксонского. Потом Бах останавливается в Арнштадте, где проводит 4 года.
1703 – 1707 годы – Арнштадт. Бах служит церковным органистом, при этом не переставая изучать музыку и манеру исполнения известных музыкантов того времени.
1707 год – Бах принимает приглашение на службу в Мюльхаузене, на должности органиста в церкви Св. Власия. Здесь он начинает писать кантаты и подрабатывает мастером по ремонту органов. В Мюльхаузене Бах проводит год.
1708 год – Иоганн Себастьян Бах женится на своей двоюродной сестре, тоже круглой сироте Марии Барбаре. Мария Барбара родила Баху 7 детей, из которых выжили четверо.
Этот же год – переезд в Веймар. Иоганн Бах наконец остается в городе надолго, он – придворный органист и композитор. Это время принято считать началом творческого пути Баха как сочинителя музыки. В Веймаре написано множество пьес для органа и клавесина.
1717 – 1723 годы – Кетен. Бах получает место придворного капельмейстера при дворе князя Леопольда Ангальт-Кетенского. В обязанности Иоганна Себастьяна входило: аккомпанировать пению князя (по свидетельствам современников, обладавшего хорошим голосом), сопровождать его игру на клавесине и гамбе, а также руководить капеллой в составе 18 музыкантов. Здесь им написаны «Хорошо темперированный клавир» (1-й том), сонаты и сюиты для скрипки и виолончели соло, шесть Бранденбургских концертов
Появлению Баха на должности придворного капельмейстера предшествовало событие в Дрездене: там должно было состояться выступление «мировой звезды» того времени Л. Маршана. Музыканты познакомились накануне концерта, им удалось даже вместе поиграть, после чего Маршан покинул Дрезден, не выдержав конкуренции и признав Баха лучшим, чем он сам, музыкантом.
Июнь 1720 года – Мария Барбара скоропостижно умирает. Бах становится вдовцом.
1721 год – Иоганн Бах женится второй раз на дочери придворного музыканта из Вейсенфельде Анне Магдалине Вилькен. Она также представляет музыкальную династию, обладает красивым голосом и хорошим слухом. Помогая мужу, Анна Магдалена переписала множество его произведений. Второй брак становится для композитора гораздо более удачным, чем первый. Для любимой Анны Магдалины Бах создает «Нотную тетрадь Анны Магдалины Бах». Во этом браке у Баха рождается 13 детей, но выживают из них шестеро.
1722 год – устав от светской музыки, Бах подает прошение на открывшуюся в Лейпциге вакансию кантора. Год спустя он получает это место.
1723 – 1750 годы – Лейпциг.
1723 год – в Лейпциге уже ставшего известным музыканта ждут музыкальный директор города и кантор церковного хора при школе Св. Фомы. В последние годы жизни Бах тяжело болел – сказалось перенапряжение глаз, полученное еще в юности. Незадолго до смерти композитор решился на операцию, но после нее только окончательно ослеп. Это не остановило композитора – теперь он диктовал свои произведения.
28 июля 1750 года – Иоганн Себастьян Бах умирает.

Иоган  Себостьян  Бах

Александр Сергеевич Даргомыжский ( 1813- 1869) – последователь  глинки. В историю  музыки  вошёл как  « учитель  музыкальной  правды» ( писал  сатирические  произведения.)
Родился  Александр  2 февраля в  селе Троицком, в Тульской  губернии( область), 1817 Петербург. Отец  руководил  коммерческим  банком, мама  занимается  воспитанием  Саши.
С 7 лет  уроки  на   фоно (фортепиано) . 1821- стал  учителем  Данилевским, учится  на  скрипке  и  пению.
1835 с  Глинкой  пишет оперу  Эсмеральдо, ( по  собор  парижской  Бога  матери Виктор Гюго). Пишет  оперу  « русалка», романс  « и  скучно и грустно»
1853-  Одоевский  устроил  концерт  из  произведений Даргомыжского с большим  успехом. С конца 50- ых  работает  в  сатирическом  журнале искра. Пишет оркестровые песни « казачёк» , « баба- яга» , « Чухонская  фантазия».
1864- Европа последние  произведения  « каменный  гость «( по  Пушкину)  не заканчивает.
Композитору оставалось не долго. Через несколько лет, в 1869 году, Даргомыжский скончался, оставив не завершенной свою вторую оперу на сюжет Пушкина  “Каменный гость”. По завещанию композитора опера была дописана членами “Могучей кучки” и поставлена в Мариинском театре.
Александр  сергеевич Даргомыжский
 основоположник русской классической музыки, русского бельканто. М.И. Глинка родился 1 июня 1804 года в селе Новоспасском, в имении своих родителей, которое принадлежало его отцу - отставному капитану Ивану Николаевичу Глинке - расположенном в ста верстах * от Смоленска и в двадцати верстах * от небольшого города Ельни. С 1817 жил Глинка в Петербурге. Учился в Благородном пансионе при Главном педагогическом училище (его гувернером был поэт, декабрист В. К. Кюхельбекер). Брал уроки игры на фортепиано у Дж. Фила и Ш. Майера, на скрипке - у Ф. Бема; позднее учился пению у Беллоли, теории композиции - у З. Дена. В 20-е гг. 19 века пользовался известностью у петербургской любителей музыки как певец и пианист. В 1830-33 гг. Глинка совершил поездку в Италию и Германию, где познакомился с выдающимися композиторами: Г. Берлиозом, В. Беллини, Г. Доницетти. В 1836 Глинка — капельмейстер Придворной певческой капеллы (с 1839 в отставке). Гармоничностью мироощущения отмечена вокальная лирика Глинки. Многоликая по темам и формам, она включила, помимо русской песенности - фундамента мелодики Глинки, - также украинские, польские, финские, грузинские, испанские, итальянские мотивы, интонации, жанры. Выделяются его романсы на слова Пушкина (в т. ч. "Не пой, красавица, при мне", "Я помню чудное мгновенье", "В крови горит огонь желанья", "Ночной зефир"), Жуковского (баллада "Ночной смотр"), Баратынского ("Не искушай меня без нужды"), Кукольника ("Сомнение" и цикл из 12 романсов "Прощание с Петербургом"). Глинка создал около 80 произведений для голоса с фортепиано (романсы, песни, арии, канцонетты), вокальные ансамбли, вокальные этюды и упражнения, хоры. Ему принадлежат камерно-инструментальные ансамбли, в том числе 2 струнных квартета, Патетическое трио (для фортепиано, кларнета и фагота, 1832).
В последние  годы живет  с сестрой Людмилы Шестаковой. Умер в  Берлине , прах  перезахаронен в  Александре  Невской  Лавре.
Михаил Иванович  Глинка


title: Скачать презентацию или конспект Шедевры музыкального искусства эпохи романтизма

extracted_text:
Шедевры музыкального искусства эпохи романтизма
Музыка начинается там, где кончается слово
Г. Гейне
Франц Петер  Шуберт (1797-1828)
В песнях Шуберта (около 600) представлены стихотворения около 100 поэтов. Для каждого крупного поэта композитор находил соответствующие поэзии стилистические приёмы. Наибольшее значение для песенного творчества Ш. имели И. В. Гёте (около 70 песен, в том числе "Лесной царь", "Гретхен за прялкой"), Ф. Шиллер (свыше 40, в том числе "Жалоба девушки", "Группа из Тартара"), В. Мюллер (песенные циклы "Прекрасная мельничиха" и "Зимний путь"), Г. Гейне (6 песен, в том числе "Двойник"), И. Майрхофер (47 песен). Выдающиеся песни композитор создал и на тексты К. Ф. Д. Шубарта ("Форель"), Ф. Л. Штольберга ("Баркарола"), М. Клаудиуса ("Девушка и смерть"), Г. Ф. Шмидта ("Скиталец"), Л. Рельштаба ("Вечерняя серенада", "Приют"), Ф. Рюккерта ("Привет", "Ты мой покой"), а также М. Коллина, Я. Н. Крайгера, Ф. Шобера ("К музыке"), В. Скотта ("Ave Maria"), У. Шекспира ("Утренняя серенада").
«Ave Maria»
Франц Шуберт
Роберт Александер Шуман (1810-1856)
Большая часть фортепианных произведений Шумана — это циклы из небольших пьес лирико-драматического, изобразительного и «портретного» жанров, связанных между собой внутренней сюжетно-психологической линией. Один из самых типичных циклов — «Карнавал» (1835), близки к «Карнавалу» циклы «Бабочки» (1831, по мотивам произведения Жан Поля) и «Давидсбюндлеры» (1837). Цикл пьес «Крейслериана» (1838, названный по имени литературного героя Э. Т. А. Гофмана — музыканта-фантазёра Иоганнеса Крейслера) принадлежит к высшим достижениям Шумана. Мир романтических образов, страстная тоска, героический порыв отображены в таких произведениях Шумана для фортепиано, как «Симфонические этюды» («Этюды в форме вариаций», 1834), сонаты (1835, 1835—38, 1836), Фантазия (1836—38), концерт для фортепиано с оркестром (1841—45). Вместе с произведениями вариационного и сонатного типов у Шумана есть фортепьянные циклы, построенные по принципу сюиты или альбома пьес: «Фантастические отрывки» (1837), «Детские сцены» (1838), «Альбом для юношества» (1848) и др.
Музыкальная комната композитора в музее Шумана в Цвиккау
Дом Шумана в Цвиккау
«Детские сцены» («Сновидения» (1838)
Вильгельм Рихард Вагнер(1813-1883)
Большинство музыкальных драм основано на мифологических сюжетах (собственные либретто). Оперы: «Риенци» (1840), «Летучий голландец» (1841), «Тангейзер» (1845), «Лоэнгрин» (1848), «Тристан и Изольда» (1859), «Нюрнбергские мейстерзингеры» (1867), «Парсифаль» (1882); тетралогия «Кольцо нибелунга» — «Золото Рейна», «Валькирия», «Зигфрид», «Гибель богов» (1854-1874).
«Валькирия»
Фридерик Шопен (1810-1949)
Любимый вид романтической фортепианной лирики Шопена -- ноктюрн , буквально <<ночная пьеса>>.
При жизни композитора вышло в свет 18 ноктюрнов, созданных в 1830--1846 годах.
классик польской музыки
Ференц Лист (1811-1886)
венгерский композитор, пианист, дирижёр, педагог, музыкальный писатель, общественный деятель
Венгерские рапсодии


title: Скачать презентацию или конспект Викторина по музыке

extracted_text:
викторина
юный эрудит
pptcloud.ru
Автор увертюр для симфонического оркестра «Арагонская хота» и «Ночь в Мадриде» М.Глинка     П. Чайковский А. Бородин      М. Мусоргский
Романсы «Жаворонок», «Сомнение», «Попутная песня» написаны М. Глинкой на стихиВ.Жуковского      А.Пушкина Ю.Лермонтова    Н.Кукольника
Фортепианный цикл М.Мусоргского «Картинки с выставки» завершается пьесой «Старый замок»«Богатырские ворота»«Избушка на курьих ножках»«Гном»
Какая группа инструментов может не входить в состав симфонического оркестра Ударные Струнные Клавишные Духовые
А. П. Бородин обладал не только выдающимся музыкальным и литературным дарованием но и талантом ученого физика              биолога математика       химика
Последняя опера Н. А. Римского- Корсакова «Снегурочка»« Псковитянка» «Золотой петушок»«Садко»
С 1856 по 1862годы композитор Н. А. Римский- Корсаков учился в консерватории в морском кадетском корпусе в училище правоведения в университете
Город где расположен Дом-музей П.И.Чайковского г.Воткинск         г.Клин г.Москва           г.Тверь
По мотивам поэмы А.Пушкина «Полтава» написана опера П.Чайковского «Воевода»    «Мазепа» «Орлеанская дева»  «Иоланта»
«У камелька», «Масленица» «Белые ночи», «На тройке»-пьесы из фортепианного цикла «Детский альбом»«Времена года» «Картинки с выставки» «Детская»
Кто из названых композиторов не входил в творческое содружество «Могучая кучка»Ц. Кюи А. Бородин М.Глинка М.Балакирев
Композитор XX века, который экспериментировал в областицвето- и светомузыки Д. ШостаковичА.СкрябинС.Прокофьев А. Хачатурян
 Композитор, написавший 19 рапсодий, рисующих картинывенгерской народной жизни. Ф.Лист Ф.Шопен В.Моцарт И. Бах
Французский композитор, который оркестровал фортепианный цикл М.Мусоргского «Картинки с выставки» К.Дебюсси     М.Равель Ж.Бизе       Ш. Гуно
Художник- автор портретов русских  писателей и композиторов П.Третьяков     А.Шилов И.Репин      В.Гартман
Художник- автор рисунков, вдохновивших М.Мусоргского на создание фортепианного цикла «Картинки с выставки» В.Гартман В.Перов А.Васнецов В.Верещагин
Основатель знаменитой картинной галереи в Москве С.Морозов   С.Дягилев    К.Иванов    П.Третьяков
Композитор, автор симфонической сказки «Петя и волк» А. Скрябин Д. Кабалевский С. Прокофьев Д. Шостакович
Проверь себя и соседа! Желаю удачи!!!
Автор увертюр для симфонического оркестра «Арагонская хота» и «Ночь в Мадриде» М.Глинка     П. Чайковский А. Бородин      М. Мусоргский
Романсы «Жаворонок», «Сомнение», «Попутная песня» написаны М. Глинкой на стихиВ.Жуковского      А.Пушкина Ю.Лермонтова    Н.Кукольника
Фортепианный цикл М.Мусоргского «Картинки с выставки» завершается пьесой
«Старый замок»«Богатырские ворота»«Избушка на курьих ножках»«Гном»
Какая группа инструментов
может не входить в состав
 симфонического оркестра Ударные Струнные Клавишные Духовые
А. П. Бородин обладал не
только выдающимся музыкальным и литературным
 дарованием но и талантом ученого физика              биолога математика       химика
Последняя опера Н. А. Римского- Корсакова «Снегурочка»« Псковитянка» «Золотой петушок»«Садко»
С 1856 по 1862годы композитор Н. А. Римский- Корсаков учился в консерватории в морском кадетском корпусе в училище правоведения в университете
Город где расположен Дом-музей П.И.Чайковского
Г. Воткинск         г.Клин г. Москва           г.Тверь
По мотивам поэмы А.Пушкина
«Полтава» написана опера
 П.Чайковского «Воевода»    «Мазепа» «Орлеанская дева»
 «Иоланта»
«У камелька», «Масленица» «Белые ночи», «Натройке»-
пьесы из фортепианного
 цикла «Детский альбом»«Времена года» «Картинки с выставки» «Детская»
Кто из названых композиторов
не входил в творческое
содружество «Могучая кучка»
Ц. Кюи А. Бородин М.Глинка М.Балакирев
Композитор XX века,
 который экспериментировал в области цвето- и светомузыки
Д. ШостаковичА.СкрябинС.Прокофьев А. Хачатурян
 Композитор,
 написавший 19 рапсодий, рисующих картины
венгерской народной жизни.
Ф.Лист Ф.Шопен В.Моцарт И. Бах
Французский композитор,
 который оркестровал
 фортепианный цикл
 М.Мусоргского «Картинки с выставки» К.Дебюсси     М.Равель Ж.Бизе       Ш. Гуно
Художник- автор портретов
 русских  писателей и
 композиторов П.Третьяков     А.Шилов И.Репин      В.Гартман
Художник- автор рисунков,
 вдохновивших М.Мусоргского
 на создание фортепианного
цикла «Картинки с выставки»
 В.ГартманВ.Перов А.Васнецов В.Верещагин
Основатель знаменитой
 картинной галереи в
 Москве С.Морозов   С.Дягилев    К.Иванов    П.Третьяков
Композитор, автор
 симфонической сказки «Петя и волк» А. Скрябин Д. Кабалевский С. Прокофьев Д. Шостакович
Автор презентации:учитель музыки МБОУ ООШ №2г.ПолярныйБелоконова Элеонора Сергеевна.


title: Скачать презентацию или конспект Героическая тема в русской музыке

extracted_text:
ТЕМА УРОКА:
   Героическая тема
 в русской музыке

Симфония №2 «Богатырская» А.П.Бородина                                      Музыкальный эпиграф урока
   О поколении судят по героям, которые ему принадлежат…
Литературный эпиграф урока
Какой характер в музыке, исполняемой гусляром?
Какие детали картины свидетельствуют о том, что на ней «звучит» музыка патриотического характера?
Знакомые мелодии
«Былина о Добрыне Никитиче»;
Песня Баяна из оперы М.И. Глинки «Руслан и Людмила»;
Напев из песни Садко «Высота, высота ль поднебесная» из оперы Н.Римского-Корсакова
Картина В.Верещагина «Не замай – дай подойти». С каким музыкальным произведением созвучно это полотно?
Опера «Князь Игорь» А.П.Бородина
«Александр Невский» С.Прокофьев
В.Серов «Въезд Александра Невского во Псков после Ледового побоища»
П.Корин «Александр Невский»
Памяти героев посвящается…
Памятник А.Невскому и его дружине на горе Соколиха
Памятник гражданину К.Минину и князю Д.Пожарскому


title: Скачать презентацию или конспект Слово  о полку Игореве

extracted_text:
Слово  о полку Игореве
В музыкальном искусстве

«Князь Игорь» — опера русского композитора А. П. Бородина в четырёх действиях с прологом.
Источником для либретто, написанного самим автором при участии В. В. Стасова, послужил памятник древнерусской литературы «Слово о полку Игореве», рассказывающий о неудачном походе князя Игоря против половцев.
Премьера оперы состоялась 23 октября (4 ноября) 1890 года в петербургском Мариинском театре.

18 апреля 1869 года на музыкальном вечере у Л. И. Шестаковой В. В. Стасов предложил композитору в качестве оперного сюжета «Слово о полку Игореве». А. П. Бородин с интересом взялся за работу, побывал в окрестностяхПутивля, изучал исторические и музыкальные источники, связанные с описываемым временем.

Опера писалась в течение 18 лет, но в 1887 году композитор скончался, и опера осталась неоконченной. По записям А. П. Бородина работу завершилиАлександр Константинович Глазунов и Николай Андреевич Римский-Корсаков. Считается, что Глазунов по памяти восстановил увертюру, которую слышал в авторском исполнении на фортепиано (сам он опроверг эту легенду на страницах Русской музыкальной газеты). Он также почти целиком сочинил и оркестровал третье действие. Н. А. Римский-Корсаков оркестровал пролог, первое, второе и четвёртое действия и половецкий марш.
Александр Порфирьевич Бородин успел оркестровать часть пролога (всё, кроме «Сцены затмения»), речитатив и арию князя Владимира Галицкого (I картина I акта), арию Ярославны и ее сцену с девушками (II картина I акта, 1879), каватину Кончаковны (II акт, 1869), речитатив и каватину князя Владимира (II акт), арию Кончака (II акт), плач Ярославны (IV акт, 1875), народный хор (IV акт, 1879) и финальную сцену IV акта — партитура для оркестра с участием тенора Ерошки,баса Скулы и хора.
Действие происходит в Путивле (пролог, 1-е и 4-е действие) и в половецком стане (2-е и 3-е действие) в 1185 году.
Плач ЯрославныАх! Плачу я, горько плачу я, слёзы льюДа к милому на море шлю рано по утрам.Я кукушкой перелётной полечу к реке Дунаю,Окуну в реку Каялу мой рукав бобровый.Я омою князю раны на его кровавом теле.Ох! Ты, ветер, ветер буйный, что ты в поле веешь?Стрелы вражьи ты навеял на дружины князя.Что не веял, ветер буйный, вверх под облака,В море синем корабли лелея?Ах, зачем ты, ветер буйный, в поле долго веял?По ковыль-траве рассеял ты моё веселье?Ах! Плачу я, горько плачу я, слёзы льюДа к милому на море шлю рано по утрам.Гой, ты, Днепр мой, Днепр широкий,Через каменные горыв половецкий край дорогуТы пробил,Там насады Святослава до кобякова полкуТы лелеял, мой широкий славный Днепр,Днепр, родной наш Днепр!Вороти ко мне милого,Чтоб не лить мне горьких слёз,Да к милому на море не слать рано по утрам.Ох, ты, солнце, солнце красно,В небе ясном ярко светишь ты,Всех ты греешь, всех лелеешь,Всем ты любо, солнце;Ох, красно солнце!Что же ты дружину князя зноем жгучим обожгло?Ах! Что ж в безводном поле жаждойТы стрелкам луки стянуло,И колчаны им истомой горем запекло?Зачем?
В прессе встречается мнение (основанное на работе Павла Александровича Ламма по реконструкции авторской версии оперы), что незавершённость «Князя Игоря» — в большой степени легенда и что вместо того, чтобы только оркестровать часть номеров, Римский-Корсаков и Глазунов предпочли заново переписать большую часть абсолютно завершённой автором музыки. Впрочем, Ламм также был склонен считать оперу скорее незаконченной и в своей редакции объединил материал рукописей Бородина со всем, что позднее было добавлено Римским-Корсаковым и Глазуновым. В 2011 году А.В. Булычевой сделана новая реконструкция текста оперы на основе 92 сохранившихся нотных рукописей Бородина.

Идейное содержание оперы
Как и автор “Слова”, Бородин хотел подчеркнуть, что неудавшийся поход северского князя – только один эпизод многовекового столкновения народов. В этом столкновении на одной стороне землевладельческая Русь, на другой – кочевой Восток. Печенеги, половцы, татары сменяли друг друга, как кочующие волны моря, стремящиеся затопить землю. Это была борьба двух эпох, культуры и варварства, передового и отсталого – та борьба, в которой выковывались и судьбы народов и судьбы людей. Бородин увидел в “Слове” не просто поход одного из русских князей против половецких ханов, а мощное движение целого народа против варварского нашествия.
Опера называется “Князь Игорь”. Но Игорь представлен в ней не как отдельный человек, а как выразитель воли многих тысяч русских людей.
У Бородина образ народа предстает обобщенным, сильным, спокойно-величавым. И в музыке его – не только решимость, сила, но и пленительная красота, которые говорят о физической и духовной мощи, о высокой нравственности русского человека.

Об образах оперы.Обращают на себя внимание и лирические образы оперы “Князь Игорь”. Эти образы дополняют героическое начало и являются воплощением высокой духовности, дополняющей физическую красоту и силу русского человека. Центральным образом оперы является образ князя Игоря. Для Игоря быть князем – значит служить русской земле, охранять ее, бороться с ее врагами. Игорь – это воплощение идеи патриотического долга, воплощение чести.Особенно дорогим композитору был образ Ярославна. Когда он только приступил к работе над оперой, то начал с того, что написал “Сон Ярославны”.В мировой поэзии немного найдется произведений, где так прекрасно была бы выражена сила любви, более могущественная, чем все силы природы. Бородину удалось создать в музыке то, что автор “Слова” создал в поэзии. В “Плаче Ярославны” до нас доходит живой голос женщины, которой давно уже нет на свете. В нем звучит вековечное горе многих матерей и жён.Это стон, который не умолкнет до тех пор, пока на всей земле не затихнет навсегда грохот битв.

Популярные фрагменты:
«Солнцу красному слава!» (хор)
«Только б мне дождаться чести» (песня Галицкого)
«Ой, лихонько» (хор девушек)
«Что у князя Володимира» (песня скоморохов)
«Немало времени прошло с тех пор» (ариозо Ярославны)
«Мужайся, княгиня» (хор бояр)
«Нам, княгиня, не впервые» (хор бояр)
«Меркнет свет дневной» (каватина Кончаковны)
«Медленно день угасал» (каватина Владимира)
«Ни сна, ни отдыха измученной душе» (ария Игоря)
«Здоров ли, князь?» (ария Кончака)
«Улетай на крыльях ветра» (хор невольниц)
«Ах, плачу я» (плач Ярославны)
«Ох, не буйный ветер завывал» (хор поселян)
«Знать, Господь мольбы услышал» (хор поселян)

Декорации Н. Рериха к опере “Князь Игорь”.
Шумный, заслуженный успех выпал на долю Рериха в 1909 году, когда в парижском театре “Шатле” открылся первый “русский сезон”. На суд требовательной французской публики Дягилев вынес достижения отечественного искусства. В зале звучала музыка Мусоргского, Глинки, Чайковского, Бородина. Пели Шаляпин, Смирнов. Танцевали Павлова, Карсавина, Фокин, Нижинский. Декорации и костюмы были выполнены по эскизам Бенуа, Коровина, Рериха.
“Вот это краски! Вот это декорации! Я только что вернулся из России, и у них везде так!” – говорил художник Морис Дени.
Его дружно поддержали другие известные мастера. Жак Бланш восторгался: “Я желал бы бывать в “Шатле” каждый вечер именно ради этих красок, чтобы насыщать ими своё зрение”. В оформлении Рериха шли “Половецкие пляски” из оперы “Князь Игорь” Бородина.Успех Рериха приветствовали и соотечественники. В.Серов писал Николаю Константиновичу: “Поздравляю Вас с успехом Ваших декораций в Париже – они мне очень понравились”. В 1908 – 1909 им написаны эскизы “Путивль”, “Двор Галицкого”, “Терем Ярославны”.


title: Скачать презентацию или конспект Песни-былины

extracted_text:
Презентацию подготовила Казанцева Елизавета
Ученица 5 «А» класса
МАОУ СОШ№32
Песни -былины.
Былины возникли во времена, когда пение и рассказывание ещё не сильно отошли друг от друга. Пение придавало рассказу торжественность. Песенные строки легки и естественны: повторение отдельных слов и предлогов не мешают передаче смысла.
Нередко былины, как и песни, начинаются с запева, хотя, прямо не связанного с содержанием, но настраивающего слушателей на определенный лад. Запевы поэтичны, красивы, эмоциональны. Славна богатырями земля русская, Высока высота поднебесная, Глубока глубина океан-моря, Широко раздолье по всей земле. Глубоки горы Сорочинские, Темны леса Брянские,Черны грязи Смоленские,Быстры-светлы реки русские.А и сильные, могучие богатыри на славной Руси!

Немного о том когда появились былины и немного особенностей(былин):
Былины (определение):
Былины – песни Былина – фольклорная эпическая песня, жанр, характерный для русской традиции. Основой сюжета былины является какое-либо героическое событие, либо примечательный эпизод русской истории (отсюда народное название былины – «старина», «старинушка», подразумевающее, что действие, о котором идет речь, имело место в прошлом). Термин «былина» в научный обиход был введен в 40-х годах 19 в. фольклористом И.П.Сахаровым.

Пример (песни)былины:
Он скорешенько скочил как на резвы ножки,Кунью шубоньку накинул на одно плечо,Шапочку соболью на одно ушко.Стрелял-то он гусей, лебедей,Стрелял малых перелетных серых утушек.Стал он силушку конём топтать,Стал конём топтать, копьём колоть,Стал он бить ту силушку великую.А он силу бьёт — будто траву косит.— Ай же ты, волчья сыть, травяной мешок!Ты идти не хошь аль нести не мошь?Приезжает он на широкий двор,Ставит коня да серед двораДа идет в палаты белокаменны.Еще день за день ведь, как и дождь дождит,А неделя за неделей, как трава растёт,А год за годом, как река бежит.Все за столом призамолкнули:Меньший хоронится за большего.Больший хоронится за меньшаго,А от меньшаго мал ответ живет.

Отрывок из  произведения:
«ИЛЬЯ МУРОМЕЦ И ДОЧЬ ЕГО».
Изучение былин:
Учёные исследователи народного эпоса прибегали к двум методам: историческому и сравнительному. Собственно говоря, оба эти метода в большинстве исследований сводятся к одному сравнительному, и едва ли правильно ссылаться здесь на метод исторический. В самом деле, исторический метод состоит в том, что мы для известного, например языкового, явления путём архивных поисков или теоретического выделения позднейших элементов отыскиваем все более и более древнюю форму и таким образом приходим к первоначальной — простейшей форме.
Совсем не так применялся «исторический» метод к изучению былин. Здесь нельзя было сопоставлять новых редакций с более древними, так как мы этих последних вовсе не имеем; с другой стороны, литературная критика отметила в самых общих чертах только характер изменений, каким подверглись с течением времени былины, не касаясь совсем отдельных частностей. Так называемый исторический метод в изучении былин, собственно говоря, состоял в сравнении сюжетов былинных с летописными; а так как сравнительным методом назывался тот, при котором сравнивались сюжеты былин с сюжетами других народных (в основном мифических) или же чужестранных произведений, то и выходит, что здесь разница ничуть не в самом методе, а просто в материале сравнений. Итак, в сущности, только на сравнительном методе и обоснованы четыре главные теории происхождения былин: исторически-бытовая, мифологическая, теория заимствований и, наконец, смешанная теория, пользующаяся теперь самым большим кредитом.

Изучение былин(продолжение):
Спасибо за внимание!


title: Скачать презентацию или конспект Гусли

extracted_text:
Гусли
Над проектом Работали: Софья Королёва,
Шатрова Лиза 5 «А» класс

Гусли являются древнейшим музыкальным инструментов, сейчас не известна история его возникновения, возраст. И у разных народов свое название для него, различается также и способ игры. У славянских народов название «гусли», возможно, происходит от названия тетивы, которую натягивали на лук. Ее называли «гусла».
Если к звучащей струне добавить простейший резонатор, который усилит звучание, например, пустой сосуд — получим самый простой щипковый инструмент.
На гуслях играют русские богатыри Добрыня Никитич, Ставр Годинович, под звучание гуслей Садко поет для морского царя. На гуслях играли и на княжеском пиру, и в быту.в далеком 9 веке гусли очень часто делали из клена, который назывался еще «явор», от этого названия и возник эпитет «яворчатые». А как когда мастера научились изготовлять струны из металла и звучание гуслей благодаря этому усилилось, их стали также называть «звончатые».
Гусли бывают с разным количеством струн, от 4х и больше. По форме гусли бывают «шлемовидные», «крыловидные», «трапецевидные», и так называемый отдельный вид гуслей с колесной механикой: колесная лира.
Принцип игры на гуслях.Гусли могут лежать на коленях или их держат вертикально. Можно играть пальцами обеих рук, защипываю струны. Другой прием игры: одной рукой часть струн глушится, а другой рукой струны перебираются.
Существует вид гуслей, который был изобретен в 1914 году Н. П. Фоминым. Это клавишные гусли, которые обладали простым и удобным механизмом. При нажатии на клавишу, которая соответствовала определенному звуку, механизм, который глушил струну приподнимался и струна была готова звучать под воздействием руки музыканта.
какие есть виды гуслей?
Звончатые гусли — самые давние и самые простые.
Щипковые гусли устроены намного сложнее звончатых - у них шестьдесят струн — это пять полных октав.
Клавишным гуслям нет еще и ста лет—они появились в самом конце прошлого века.

Как устроены гусли?
 гусли «Самогуды»
крыловидные гусли
Русские гусли
На гуслях играет Стрельников
Спасибо за внимание


title: Скачать презентацию или конспект Вальс-фантазия

extracted_text:
«Вальс- фантазия»
Композитор:
М.Глинка
Состав оркестра :
2 флейты, 2 гобоя, 2 кларнета, 2 фагота, 2 валторны, 2 трубы, тромбон, литавры, треугольник, струнные.
В 1839 году Глинка, уже получивший известность в Петербурге как автор прекрасных романсов и инструментальных пьес, работал над своей первой оперой. Несчастливый в браке, он в доме одной из своих сестер, Марии Ивановны Стунеевой, встретился с Екатериной Ермолаевной Керн, дочерью Анны Керн, которой Пушкин посвятил стихотворение «Я помню чудное мгновенье». В отличие от матери, Екатерина Керн не была красавицей, но Глинка серьезно увлекся ею.
 Екатерине он посвятил романс, написанный на пушкинские стихи, посвященные ее матери, и тогда же стал работать над фортепианным «Вальсом-фантазией» — своего рода поэмой вальса, сочинением не программным формально, но вдохновленным образом Екатерины Ермолаевны, словно рисующим ее в обстановке бала. Ей он негласно и посвятил свое сочинение, однако сделать открыто этого не мог, опасаясь скомпрометировать любимую, и осуществил это завуалированно, посвятив «Вальс-фантазию» Д. Стунееву, мужу своей сестры.
Любовь Глинки была взаимной, однако роман скоро кончился: оба были несвободны, к тому же Екатерина Ермолаевна скоро уехала по совету врачей на Кавказ. Все кончилось. В 1842 году Керн вернулась в Петербург, но встреча ее с Глинкой уже не имела для него прежнего значения. Вскоре он через общую знакомую вернул ей ее письма, а затем без сожалений уехал за границу.
Новое сочинение тем временем приобрело большую популярность. Известный в те годы дирижер Й. Герман сделал его оркестровку и часто исполнял в летних концертах Павловского вокзала. Вальс стали называть Меланхолическим, или Павловским. Глинка не был доволен оркестровкой, хотя Герман и пользовался его советами.
В 1845 году, будучи в Париже, Глинка сам оркестровал «Вальс-фантазию» для исполнения в симфоническом концерте. Он дал этому варианту название Скерцо в форме вальса. Парижская публика приняла произведение русского композитора восторженно. «Скерцо увлекательно, исполнено самого поразительного ритмического кокетства, истинно ново и превосходно развито», — писал Берлиоз после концерта. К сожалению, ноты этого оркестрового варианта были утеряны.
В 1856 году композитор сделал новую оркестровку, легкую, прозрачную, подчеркивающую не танцевальность, а поэтичность музыки, в которой воплотились его мечты, волнения, тоска и любовь. Все это осталось давно позади, у композитора были другие увлечения. И окончательный вариант «Вальса-фантазии» Глинка посвятил своему другу К. Булгакову, написав при этом: «Эта музыка напомнит тебе дни любви и молодости».
Над презентацией работали:
Янушкевич Наталья и
Черенкова Ангелина.
Над презентацией работали:
Янушкевич Наталья и
Черенкова Ангелина.
СПАСИБО ЗА ВНИМАНИЕ


title: Скачать презентацию или конспект Образцова Елена Васильевна

extracted_text:
Образцова Елена Васильевна
Елена Образцова стала первой русской певицей, со времен Федора Шаляпина, которая на равных вошла в число величайших оперных звезд мира.

Обращение  Елены Образцовой к читателям

Еле́на Васи́льевна Образцо́ва (род. 7 июля 1939, Ленинград, СССР) — выдающаяся советская и российская оперная певица (меццо-сопрано). Народная артистка СССР (1976). Лауреат Ленинской премии (1976). Герой Социалистического Труда (1990). С июня 2007 года по октябрь 2008 года занимала должность художественного руководителя оперы Михайловского театра (бывшего Театра оперы и балета имени Мусоргского в Санкт-Петербурге).
Биография

Е. В. Образцова родилась 7 июля 1939 года в Ленинграде. Отец – Образцов Василий Алексеевич (1905–1989) – работал конструктором на заводе; мать – Образцова Наталия Ивановна (1913–1994) – была чертежницей. Первые детские воспоминания Елены Образцовой связаны с войной и блокадой.
Во время Великой Отечественной войны вместе с семьёй была эвакуирована из Ленинграда в Устюжну.

Петь Лена начала рано, с 5 лет. Голосок был тоненьким, комариным. Пела то, что слышала вокруг, главным образом, вальсы Штрауса. Когда пошла в школу, уроки делала исключительно под музыку - пела сама или слушала пластинки. Часами сидела у репродуктора во время оперных передач. Музыка с детства была для нее не дополнением к жизни, а неотъемлемой ее частью. Навсегда запомнились ей домашние музыкальные вечера: у отца, инженера по профессии, был отличный баритон, к тому же он хорошо играл на скрипке. Из командировки в Италию он привез большую коллекцию пластинок, по которым маленькая девочка знакомилась с голосами знаменитых певцов - Джильи, Карузо, Галли-Курчи.

Когда мы вернулись в Ленинград, то узнали, что нашу большую квартиру в старинном особняке отдали другим людям и нам в этой квартире выделили всего комнатку. Даже свои вещи мы выкупали потом у этих людей. Дорогие бабушкины и дедушкины вещи пропали совсем, а наши портреты, фотографии, пластинки нам удалось выкупить у новых жильцов. Для меня всё это было дико, я никак не могла понять: почему нам нужно выкупать свои же вещи? Но вскоре это отошло на второй план, так как меня вновь увлекла музыка. Я обожала петь и всегда, где только могла, что-то напевала. Соседи так и звали меня «певица» и жаловались маме, что я целый день завожу патефон. В первом классе пошла записываться в хор, но меня не взяли.

В 1948—1954 годах пела в детском хоре Ленинградского Дворца пионеров имени А. А. Жданова (руководитель хора — М. Ф. Заринская). В 1954—1957 годах, в связи со служебным переводом отца, семья проживала в Таганроге, где Елена училась в Музыкальной школе имени П. И. Чайковского у педагога Анны Тимофеевны Куликовой.

На отчётном концерте в музыкальной школе Образцову услышала директор Ростовского музыкального училища М. А. Маньковская, и по ее рекомендации в 1957 году Лена была принята в училище сразу на 2-й курс. Через год, в августе 1958 года, пройдя успешное прослушивание, она поступила на подготовительное отделение ЛГК имени Н. А. Римского-Корсакова.

О своем педагоге всегда вспоминает с большой теплотой: "Антонина Андреевна была очень тактична и аккуратна как человек и как педагог. Мне всегда хотелось сделать скорее, петь сразу большие арии, сложные романсы, а она убеждала, что без постижения "азов" вокала ничего не выйдет. Она разумно разведывала мои возможности, не торопилась "расковырять "бутончик". Она говорила: "Если бутончик расковырять в розочку, она сразу увянет. Бутончик должен расцветать сам". Антонина Андреевна принадлежала к числу людей, для которых служение искусству, музыке, своим ученикам составляло высший смысл каждого прожитого дня".

В 1962 году завоевала первую премию на Всесоюзном конкурсе вокалистов имени М. И. Глинки.

В 1963 году, будучи студенткой консерватории, Е. Образцова дебютировала на сцене Большого театра в партии Марины Мнишек в опере М. П. Мусоргского «Борис Годунов».

В 1964 году закончила ЛГК имени Н. А. Римского-Корсакова по классу профессора А. А. Григорьевой (оперный класс А. Н. Киреева). С того же года солистка Большого театра.

Позже в 1964 году Елена Образцова в составе труппы Большого театра выступила на сцене Ла Скала в роли Марфы в опере «Хованщина» и в роли Мари в опере «Война и мир». Выступления Образцовой в Италии прошли с большим успехом.

В 1975 году Елена Образцова вместе с Большим театром отправилась на гастроли в США. В ходе спектакля «Борис Годунов» Образцову, исполнявшую роль Марины Мнишек, пять раз вызвали на сцену восторженные зрители: спектакль пришлось остановить. Триумф Елены Образцовой в США окончательно утвердил ее в статусе звезды мировой оперы.

Через несколько месяцев Елена Образцова выступила в «Трубадуре» — спектакле, открывавшем сезон Оперы Сан-Франциско: её партнерами выступили Лучано Паваротти и Джоан Сазерленд. В 1976 году Образцова — уже в статусе приглашенной солистки «Метрополитен-опера» — вызвала сенсацию своим исполнением роли Амнерис в «Аиде» Верди.

В 1977 году Образцова выступила в роли Далилы в «Метрополитен». Тор Экерт, критик New York Times, тогда написал: «Сомневаюсь, что мы с вами слышали Далилу, которой бы так легко удавалось осилить две с половиной октавы — Образцова исполняет эту сложнейшую партию без тени напряжения».

Была приглашена Франко Дзеффирелли на роль Сантуцци в фильме «Сельская честь» (1982). «В моей жизни, — писал Дзеффирелли, — были три потрясения: Анна Маньяни, Мария Каллас и Елена Образцова, которая в дни съемок фильма „Сельская честь“ сотворила чудо».

В Петербурге руководит культурным центром, названным её именем, где работает с молодыми исполнителями.

.

В 1973—1994 годах Образцова преподавала в МГК имени П. И. Чайковского, в 1984 году стала профессором.

С 1992 года преподает в Токийской музыкальной академии
Виталий Смирнов преподносит Елене Образцовой цветы. Концерт в честь лауреата Международной Леонардо-премии Теда Тернера

Образцова выступала и в качестве оперного режиссёра. В 1986 году она поставила в Большом театре оперу Ж. Массне «Вертер» (дирижер-постановщик — А. Жюрайтис), где исполняла главную партию. Певица снималась в главных ролях в телевизионных музыкальных фильмах «Веселая вдова», «Моя Кармен», «Сельская честь» и «Тоска».[
Семья
      Альгис Марцелович   Жюрайтис
Мужья:
Вячеслав Петрович Макаров (род. 1938), физик-теоретик.
Альгис Марцелович Жюрайтис (1928—1998) — дирижёр Большого театра, народный артист РСФСР, лауреат Государственной премии СССР.
Дети и внуки:
Дочь — Елена Вячеславовна Макарова (род. 1966), певица.
Внук — Александр Макаров (род. 1988).

Говорят, вы в отличных отношениях с Монтсеррат Кабалье?
– Да. Мы дружим. Это очень хорошая женщина – замечательная, добрая, доброжелательная. Она мне, кстати, тоже очень много дает советов всегда. Потом я помню, когда я еще была девчонкой, никто меня не знал как певицу, она приходила на репетиции и пела мне поздравление. Это было незабываемо. Теперь, когда я нахожусь на ее концерте, она всегда со сцены говорит: «Среди нас, здесь в зале, присутствует великая Образцова». Представляете, как это приятно?! Эта дружба, человеческие отношения дорогого стоят

Ваша жизнь оказалась богата на встречи с легендарными людьми.
Монтсеррат Кабалье тоже не раз потрясала меня своим даром. От её голоса сжималось сердце. Как она чувствовала музыку! Помню, потрясённая в очередной раз её голосом, я пришла после концерта за кулисы, и мне захотелось что-то сделать для неё. Я встала на колени, сняла с себя норковую накидку и протянула её Монтсеррат. А она улыбнулась и сказала: «Не надо, Елена. Оставь накидку себе. Я такая толстая, что могу сшить из неё лишь шляпку». Вот такое чувство юмора. А на следующий день Монтсеррат была на моём спектакле и потрясённая вошла ко мне в гримёрку, как и я накануне, встала передо мной на колени и стала плакать, как и я тогда. Она просила спеть вместе с ней. В 1982 году мы с Монтсеррат пели на сцене «Ла Скала», а затем и в других театрах… Много было в моей жизни великих людей, о каждом можно книгу написать.

— Никогда не забуду великолепную Марию Каллас. Мы познакомились в «Гранд-опера», куда Каллас пришла послушать советских певцов. Мария попросила меня посидеть с ней в ложе, и я сидела и смотрела на неё с трепетом и обожанием. Это было трудное время для Марии — с ней расторгли контракт в «Гранд-опера», а она ещё надеялась петь и предложила мне совместное выступление. Но я знала, что у неё уже не всё в порядке с голосом, и мне было больно от этого. Каллас сказала мне: «Женщина должна быть сильнее мужчины!» Я поняла, к чему она это сказала: в то время было много шумихи вокруг сенсационной женитьбы Онассиса на Жаклин Кеннеди. Естественно, о Марии тоже писали как о подруге самого богатого человека в мире. Журналисты одолевали её, а она страдала. Не знаю, как я осмелилась, но однажды спросила: «Ты любишь его?» — И она быстро ответила: «Очень люблю и очень страдаю». Вот такая откровенность. Когда Мария умерла, я сильно переживала.

Вы, наверное, часто вспоминаете о том, как отдавали свои гонорары Госконцерту?
- о: Нет. Я всегда деньги отдавала с большим воодушевлением. Думала, что это нужно для детей, для нашей экономики. У меня никогда не было жадности. Но было сильное разочарование, когда узнала, что на мои деньги чиновники, например, ездили в Африку — охотиться на львов. Я была на уровне всех великих певцов, получала самые высокие гонорары в мире и отдала государству несколько миллионов долларов. Сейчас, конечно, немножко сложновато, потому что у меня нет никаких запасов, а надо и лечиться, и квартиру содержать. Вот я и вынуждена не спать в своей кровати, а ездить по концертам и зарабатывать. Сейчас я много езжу по России, странам СНГ. И поражена тем, как люди в глубинке воспринимают музыку, сколько в них чистоты. Я там даже пою по-другому. Если в столицах, перед искушенной публикой, думаю и о технике, и о фразе, и о многих других профессиональных вещах, то в маленьких городах я пою больше душою и сердцем.

Какие у вас отношения со временем?
- о: У меня нет ностальгии по молодости. Большие певцы — они как дети, поэтому настоящая старость к ним никогда не приходит. Я думаю, человек стареет, когда устает от жизни, перестает ее любить. В каждом возрасте есть свои радости. Теперь я уже очень много знаю и хочу поделиться этими знаниями.

Когда вы входите в Большой, надеюсь, у вас пропуск не спрашивают?
- о: Однажды, когда я поехала на "Царскую невесту" и забыла пропуск, то меня просто не пустили. Я уехала домой. Но понимала, что должна петь. Я дома загримировалась, приготовилась к спектаклю. Потом началась паника, пошли звонки из театра. Я сказала: "Меня в театр не пустили. Правда, это моя ошибка, что я не взяла пропуск, но все-таки после стольких лет работы в Большом могли бы и пустить". Но там военная охрана, которая, конечно, понятия не имеет, кто есть кто, и им было наплевать — Образцова пришла или Пупкина.

За что вы чаще всего себя ругаете?
- о: Думаю, что талант свой я Господу Богу отработала, и Он на меня не будет сердиться. Но все-таки я могла бы сделать гораздо больше. Случались моменты, когда я не могла много работать. А когда упала с велосипеда, у меня было отслоение сетчатки, и я пять лет была почти слепая. Не видела ноты, не могла учить ничего нового. Но я не скулила, не плакала, и ко мне вернулось зрение. Господь экзаменует нас, когда случаются какие-то несчастья. И если мы стойки в испытаниях, то он исправляет ситуацию. Только через испытания человек может постичь жизнь. А все те положительные эмоции, к которым человек стремится, — вещь праздная.

Какую собственную слабость вы себе прощаете?
- о: Постоянную влюбленность. Все, что я делаю на сцене, — это о любви и ради любви. Когда человек перестает любить, он уже не может быть артистом. Певец обязан жить страстями, а не лежать в вате, боясь простудиться. Я знаю очень многих, кто обойден любовью. И они даже не знают, что такое страсть и нежность, они не знают, как можно ждать и как больно терять. Очень много людей, которые не живут, а существуют. Любовь — Божий дар, от которого нельзя отказываться.

У вас есть нереализованная мечта?
— Одно время мне казалось, что есть. Я много лет молила Господа, чтобы он дал мне возможность лечить людей. Откуда было такое желание, не знаю, но мне хотелось исцелять. И однажды я отчётливо поняла, что Господь дал мне возможность исцелять и орудием является мой голос. Это было такое чудесное открытие! У меня очень мощная энергетика, и после моих концертов люди забывают о своих болезнях. Многие даже постоянно слушают мои записи, чтобы подпитаться энергетикой. Многие мамы регулярно водили своих деток с врождёнными заболеваниями ко мне на концерты, и дети полностью излечивались! Я счастлива от этого.
Каким проектом сейчас занимаетесь?

— Много контрактов подписано с западными театрами вплоть до 2009 года. В Японии много времени провожу. Знаете, это обидно, это моя боль. Дело в том, что я хотела бы всё своё время и знания передать России, но здесь до сих пор не могут мои знания взять.
Не открою секрет, если скажу, что таких голосов, как в России, нет во всём мире! Не имею в виду нашу эстраду, я говорю о талантливых голосистых дарованиях. Но дар этих людей надо развивать, огранить, как драгоценный алмаз, понимаете? Уже и Путин подписал бумаги, чтобы мне выделили место для строительства театра, и я людей нашла, которые станут строить. Но из-за бюрократических проволочек дело двигается очень медленно, а ведь я не вечная!
Уже даже не знаю, успею ли я в этих театрах передать кому-нибудь свои знания. Тем более становится обидно, что у меня в Японии многолетняя очередь из учеников, которым я передаю опыт, и платят там большие деньги. А я мечтаю отдать всё России, вот только сумеют ли взять. Я уже столько переживала и плакала по этому поводу, что сил не осталось мечтать об этих театрах. Наверное, чиновники ждут, когда я откажусь от своей затеи, и мой колоссальный опыт перейдёт в Японию или ещё какую-нибудь страну. Вот такая невесёлая ситуация. Но я не отчаиваюсь, всё в руках Господа.

А что вам нужно в жизни из того, чего у вас нет?
- о: У меня есть все. Единственное, чего мне не хватает, — крыльев. Я бы очень хотела летать. Я до сих пор летаю во сне.
Звания и награды
1962 — 1-я премия на Всесоюзном конкурсе вокалистов имени М. И. Глинки
1970 — 1-я премия на Международном конкурсе вокалистов имени Ф. Виньяса в Барселоне
Заслуженная артистка РСФСР
1970 — 1-я премия на Международном конкурсе имени П. И. Чайковского в Москве
1971, 1980 — орден Трудового Красного Знамени
1973 — Государственная премия РСФСР имени М. И. Глинки — за концертные программы и театральную деятельность 1971—1972 годов
1973 — народная артистка РСФСР[6]
1976 — Ленинская премия — за концертные программы 1973—1974 годов и исполнение партий Фроськи, Кармен, Азучены в оперных спктаклях «Семён Котко» С. С. Прокофьева, «Кармен» Ж. Бизе, «Трубадур» Дж. Верди
1976 — народная артистка СССР
1990 — Герой Социалистического Труда (27 декабря 1990 года) — за выдающиеся заслуги в развитии советского музыкального искусства[7]
1990 — орден Ленина (27 декабря 1990 года)
1999 — орден «За заслуги перед Отечеством» III степени (17 июня 1999 года) — за большой вклад в развитие музыкального искусства[8],
2002 — лауреат российской оперной премии «Casta diva»[9]
2009 — орден «За заслуги перед Отечеством» II степени (10 июня 2009 года) — за выдающийся вклад в развитие музыкального искусства и многолетнюю плодотворную творческую деятельность[10]
2009 — орден святого благоверного князя Даниила Московского I степени (РПЦ, 2009 год) — во внимание к трудам на благо Церкви и в связи с 70-летием со дня рождения

Театральные работы
Марфа («Хованщина» М. П. Мусоргского)
Любаша («Царская невеста» Н. А. Римского-Корсакова)
Амнерис («Аида» Верди)
Азучена («Трубадур» Дж. Верди)
Кармен («Кармен» Ж. Бизе)
Далила («Самсон и Далила» К. Сен-Санса)
Шарлотта («Вертер» Массне)
Элен Безухова, Княжна Марья, Ахросимова («Война и мир» С .С. Прокофьева)
Фроська («Семен Котко» С. С. Прокофьева)
Марина («Борис Годунов» М. П. Мусоргского, в редакции Н. А. Римского-Корсакова)
Графиня, Гувернантка, Полина, Миловзор («Пиковая дама» П. И. Чайковского)
Женька Комелькова («А зори здесь тихие» К. В. Молчанова)
Кончаковна («Князь Игорь» А. П. Бородина)
Любава («Садко» Н. А. Римского-Корсакова)
Эболи («Дон Карлос» Дж. Верди)
Сантуцца («Сельская честь» П. Масканьи)
Ульрика («Бал-маскарад» Дж. Верди)
Адальджиза («Норма» В. Беллини)
Джоанна Сеймур («Анна Болейн» Г. Доницетти)
Орфей («Орфей и Эвридика» К. В. Глюка)
Нерис («Медея» Керубини)
Феодосия(«Пламя» Респиги)
Леонора («Фаворитка» Г. Доницетти)
Иродиада («Иродиада» Массне)
Князь Орловский («Летучая мышь» И. Штрауса)
Герцогиня Беркенфильд («Дочь полка» Г. Доницетти)
Юдит («Замок герцога Синяя борода» Б. Бартока)
Оберон («Сон в летнюю ночь» Б. Бриттена)
Принцесса («Адриенна Лекуврёр» Ф. Чилеа)
Иокаста («Царь Эдип» И. Ф. Стравинского)

Работа выполнена уч.анг.яз.Куликовой З.Е.,2011 г.
Материал из Википедии — свободной энциклопедии
http://www.avtografveka.ru/spravka_obrazcova.html
http://www.obraztsova.org/HTML/RUS/mainpagerus.htm
http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Elena_Vasiliyevna_Obraztsova
http://www.peoples.ru/art/theatre/opera/obraztsova/interview1.html