Tra gli appuntamenti segnalati questa settimana, a Rimini torna la Biennale Disegno con il tema del Ritorno al Viaggio, dal Grand Tour alla fantascienza. In programma, fino al 28 luglio, ci sono 12 mostre in contemporanea in luoghi simbolo della città, esposizioni in altre sedi private del Circuito Open, e un fitto calendario di incontri con specialisti, studiosi e giornalisti, reading, conferenze, performance, lezioni, art talk, atelier didattici attorno al disegno in tutte le sue accezioni.
A Milano è il momento del teatro. Alla Scala, il 6 maggio c’è la Serata straordinaria a favore della Fondazione Francesca Rava-NPH Italia ETS. Al Teatro Franco Parenti è in scena Il racconto dell’ancella, nella riduzione firmata da Loredana Lipperini. Dal 7 al 10 maggio, torna Segnali Festival, lo storico appuntamento dedicato al teatro per le nuove generazioni.
Due mostre Venezia: William Kentridge con Self-Portrait as a Coffee-Pot e The Prince of Goldsmiths – Buccellati Rediscovering the Classics.
A Torino dal 9 al 13 maggio c’è il Salone Internazionale del Libro e poi le mostre Viaggiando Oltre il Perimetro dell’Immagine, Terra Rossa di Velasco Vitali, Alberto Di Fabio. OROGENESI. Dipinti e carte degli anni Novanta, Luigi Ghirri. Rosso Ferrari e Viaggio nel mondo dei Barabubbles di Isabella Mandelli.
A Roma, la mostra Ctrl+A.C di Antonio Masullo, Paolo Di Capua. Natura Umana e Tête-à-tête e La Nueva Ola – Festival del Cinema Spagnolo e Latinoamericano.
E ancora, il Festival Vicino/Lontano a Udine, il Biker Fest International a Lignano Sabbiadoro (Udine), il Vicenza Jazz e altri eventi interessanti. Non va poi assolutamente dimenticato l’appuntamento del 5 maggio con #domenicalmuseo, l’iniziativa del Ministero della Cultura che consente l’ingresso gratuito, ogni prima domenica del mese, nei musei e nei parchi archeologici statali.
QUI trovate l’elenco dei musei a ingresso libero, divisi per regione.
Ecco una breve lista degli appuntamenti da segnare in agenda.
Dai taccuini di Felice Giani a quelli di Mattotti, dagli acquerelli settecenteschi al Novecento di Thayaht, dalle incisioni di Piranesi ai disegni di Morandi, Fontana, Fautrier per giungere agli artisti contemporanei. Torna a Rimini la Biennale Disegno con la quarta edizione dal titolo: Ritorno al Viaggio, dal Grand Tour alla fantascienza. In programma, fino al 28 luglio, 12 mostre nei luoghi simbolo della città: dal Museo della città a Castel Sismondo, dalla Biblioteca Gambalunga al Palazzo del Fulgor, al Grand Hotel. Inoltre il Circuito Open, che comprende altre esposizioni in spazi privati e pubblici (gallerie, studi d’artisti e d’architettura, librerie). Il tema di questa edizione, curata da Massimo Pulini, è il Ritorno al viaggio come esito e ispirazione, ma anche come registrazione e contaminazione dal presente al passato. Quel che hanno prodotto gli artisti in questo tempo epocale, ma anche quello che, nei secoli passati, hanno espresso grazie ai viaggi, come durante la stagione del Grand Tour (il lungo viaggio nell’Europa continentale intrapreso dai ricchi dell’aristocrazia europea a partire dal XVIII secolo e destinato a perfezionare il loro sapere) preso a stella polare di questa ripartenza della Biennale. La formula dell’evento è quella già sperimentata nelle precedenti edizioni, composta da un corollario di esposizioni parallele e congiunte, incontri con specialisti, studiosi e giornalisti, reading, conferenze, performance, lezioni, art talk, atelier didattici attorno al disegno in tutte le sue accezioni. Tra le mostre, Rimini sommersa di Samuele Grassi, un’Atlantide futuristica, che esorcizza i drammi dell’alluvione nel fumetto, e dove affiorano in superficie le costruzioni identitarie della nostra città, dal Tempio Malatestiano al grattacielo. I nuovi abitanti della Rimini allagata sono le creature mostruose della preistoria e di un futuro imprevedibile. Nella foto: La migrazione di Samuele Grassi, 2021. INFO: Rimini, diverse sedi, fino al 28 luglio (biennaledisegnorimini.it).
“Thayaht. Il futuro presente” a Rimini
All’interno della quarta Biennale del Disegno di Rimini – diretta da Massimo Pulini – da non perdere la mostra Thayaht. Il futuro presente, a cura di Guido Cribiori e Sabrina Foschini, alla Galleria dell’Immagine, presso la Biblioteca Gambalunga. L’esposizione permette di tracciare un percorso artistico e biografico di Ernesto Michahelles in arte Thayaht, fiorentino di nascita ma di famiglia cosmopolita, artista poliedrico, affiliato al futurismo per l’amicizia con Marinetti e per una naturale propensione al futuro, inteso come terreno d’avanguardia e di scoperte. Scultore, designer, pittore, scenografo, orafo, ufologo e inventore; da moderno alchimista brevettò anche una lega metallica a cui diede il suo stesso pseudonimo. Convinto fautore dell’opera d’arte “totale” che coinvolge ogni aspetto dell’esistenza, ne ha rappresentato un effettivo manifesto vivente, con la sobria eleganza di un dandy, capace di rivoluzionare i canoni della moda. È divenuto celeberrimo per l’invenzione della “tuta” (1919), il modello maschile, composto di un unico pezzo, in perfetta sinergia tra abito e corpo, che in seguito diventerà il più popolare abito da lavoro. Ha collaborato con la maison di Madeleine Vionnet, uno dei più famosi atelier di moda parigini degli anni Venti, creando per lei la campagna pubblicitaria, i bozzetti degli abiti e il logo, oltre a una prima idea di tuta femminile. Ha anche pubblicato insieme al fratello Ram (acronimo di Ruggero Alfredo Michahelles) un Manifesto per la trasformazione dell’abbigliamento maschile (1932), dove reinventa il lessico dei capi oltre alle loro forme, e con lui ha progettato costumi e scenografie teatrali. Proprio grazie all’eredità famigliare, si sono potute raccogliere numerose opere datate tra il 1917 e il 1958, in particolare disegni, studi e bozzetti per la creazione di sculture, mobili, oggetti d’arredo, monumenti, abiti, decorazioni tessili e anche la planimetria della “Casa gialla”, la sua residenza-studio a Pietrasanta, dove si dedica all’avveniristica e utopistica costruzione di un “carrovela”, un veicolo azionato dal vento e testato sulla vicina spiaggia. Il corpus di opere, conservate dai familiari e rese note solo recentemente è in gran parte legato all’aspetto progettuale della sua attività e documenta il felice rovello di una mente concentrata sulla speculazione del nuovo, sulla sintesi formale di un’idea che cambi i connotati del quotidiano e ridisegni il mondo in ogni aspetto della nostra esistenza. Nella foto, Bombardamento su Firenze di Thayaht, 1944. INFO: Rimini, Galleria dell’Immagine, presso la Biblioteca Gambalunga, dal 4 maggio al 28 luglio 2024 (biennaledisegnorimini.it).
“L’Oceania sacra di Domeny de Rienzi” in mostra a Rimini
Ancora all’interno della Biennale del Disegno di Rimini la mostra Le vie dei riti. L’Oceania sacra di Domeny de Rienzi, con il nucleo di disegni originali “Océan”, matita su carta, di Grégoire Louis Domeny de Rienzi. Si tratta di ben 285 disegni su carta, oggi patrimonio della Biblioteca Gambalunga, affiancati da un altrettanto selezionato nucleo di oggetti rituali tratti dalla collezione del Museo degli Sguardi, il Museo delle Culture Extraeuropee “Dinz Rialto” di Rimini. Ovvero uno dei principali musei italiani dedicati interamente, a livello etnologico ed archeologico, alle culture dell’Africa, dell’Oceania, dell’America precolombiana e in parte minore dell’Asia. Il focus è sullo sguardo dell’Occidente (nella prima metà del XIX secolo) sulle civiltà religiose dell’Oceania e sui loro molteplici riti, costumi, simboli sacri, assimilabili alle culture sacre sia dell’Australia, sia dell’India e dell’Indocina. Così come lo sguardo sui paesaggi esotici. L’autore, Grégoire Louis Domeny de Rienzi (1789-1843/1850?), fu egli stesso avventuriero, esploratore, geografo, fantasmagorico narratore, una specie di leggenda di cui non si sa neanche la data esatta di morte. INFO: Rimini, Biblioteca Gambalunga, Sala Des Verge, dal 4 maggio al 28 luglio 2024 (biennaledisegnorimini.it).
“Festival Vicino/Lontano” a Udine
“Metamorfosi” è il filo conduttore del Festival Vicino/Lontano a Udine. Il festival, giunto alla 20° edizione, propone un programma che esplora le complesse trasformazioni sul piano geopolitico, economico-sociale, tecnologico-scientifico, ambientale e antropologico, su un pianeta che sembra a poco a poco scivolare nella Guerra grande, dal sanguinoso conflitto ucraino al nuovo incendio mediorientale con i suoi strascichi sull’accesso al Mar Rosso. Intorno a questo filo rosso si confronteranno in oltre 120 incontri oltre 200 protagonisti. Da martedì 7 maggio sarà ben visibile nel centro storico di Udine, in piazza Libertà, un segno tangibile consegnato dal festival vicino/lontano a tutti i cittadini. È l’installazione di Gianluca Costantini “Ci sono amori senza paradiso”, dedicata alle vittime di femminicidio in Italia, 120 nel 2023 e già 60 solo nei primi 3 mesi del 2024. Progettata dall’architetto Alberto Cervesato con un diametro di 20 metri, la struttura custodirà al suo interno i ritratti di tante, troppe donne che hanno dolorosamente fatto parlare di sé, da Giulia Cecchettin a Carol Maltesi, da Vanessa Ballan a Vincenza Angrisano, Marisa Leo, e tante altre – troppe – vittime delle quali in molti casi non ricordiamo più neppure il nome. Vincitori del Premio Terzani sono la reporter irlandese Sally Hayden e il cinese Al Wei Wei. INFO: Udine, dal 7 al 12 maggio (vicinolontano.it).
“Il racconto dell’ancella” a Milano
Il racconto dell’ancella, il romanzo del 1985 di Margaret Atwood, è a teatro nella riduzione firmata da Loredana Lipperini. Viola Graziosi (nella foto) dà voce e volto alla protagonista, in un monologo lucido e toccante che con intelligenza ci interroga sulla libertà, in particolare su quella delle donne. La regia è di Graziano Piazza. Quest’estate lo spettacolo sarà all’Aquila per I Cantieri dell’Immaginario. INFO: Milano, Teatro Franco Parenti, dall’8 al 12 maggio (teatrofrancoparenti.it).
Serata benefica alla Scala di Milano
Si rinnova al Teatro alla Scala l’appuntamento con la Serata straordinaria a favore della Fondazione Francesca Rava-NPH Italia ETS. Sul palco i Cameristi della Scala con la direttrice e pianista Angela Hewitt (nella foto). In programmaSinfonia n. 25 in sol minore, KV 183 e Concerto n. 21 in do maggiore, KV467 di Wolfgang Amadeus Mozart, Concerto in re minore, BWV 1052 di Johann Sebastian Bach. Il ricavato è devoluto alla Fondazione Francesca Rava che aiuta l’infanzia e l’adolescenza disagiata, le donne fragili in Italia, in Haiti e nel mondo. INFO: Milano, Teatro alla Scala, il 6 maggio alle ore 20. Tel: 02.54122917, mail: eventi@nphitalia.org (nph-italia.org).
“Segnali Festival” a Milano
A Milano, dal 7 al 10 maggio, torna Segnali Festival, lo storico appuntamento dedicato al teatro per le nuove generazioni: un momento di incontro e di confronto tra le diverse realtà produttive e distributive a livello nazionale, realizzato e sostenuto dalle due strutture organizzatrici, il Teatro del Buratto ed Elsinor Centro di Produzione Teatrale – sotto la direzione artistica di Renata Coluccini e di Giuditta Mingucci – e con la generosa collaborazione delle Compagnie scelte. Nell’ottica di intercettare i mutamenti e le tendenze degli spettacoli ed individuare il valore artistico ed educativo del teatro per i più giovani, il Festival propone un cartellone di 23 titoli rappresentativi di diversi linguaggi, ricerche formali e contenutistiche. Come sempre il Festival è aperto al pubblico. I diversi eventi in programma verranno presentati nei tre teatri milanesi in una 4 giorni fitta di appuntamenti programmati dalla mattina alla sera. INFO: Milano, Teatro Bruno Munari, Teatro Fontana e Teatro Verdi, dal 7 al 10 maggio 2024 (festivalsegnali.com).
“A Brera È Primavera”, a Milano
Da venerdì 10 a domenica 12 maggio si terrà la prima edizione del festival A Brera È Primavera, un palinsesto di musica, stand-up comedy e recitazione che prende vita nello storico quartiere di Milano e fa fiorire giovani di talento grazie al sostegno di St-Germain. Tra gli artisti in cartellone, ci saranno giovani talenti già in classifica in Italia e all’estero, come Raffaella Zago, Giulia Lazzerini, Pietro Bombardelli, Antonio Mariano, Sara Cosco, Fizo, e anche alcuni tra i migliori comici di questa generazione, come Umberto Spazio, Andrea Nani, Tracataiz, Manuele Laghi, kike Jimenez, Simone Vanini, che porteranno la loro unica e divertente prospettiva sul mondo attraverso le loro performance. INFO: Milano, quartiere Brera, da venerdì 10 a domenica 12 maggio, dalle 18 alle 20.30, e la domenica anche all’ora del brunch, dalle 12.30 alle 15. La partecipazione è gratuita previa iscrizione sul sito abreraprimavera-zmb.it.
Marino Parisotto in mostra a Milano
La Galleria Still di Milano ospiterà dall’8 maggio la mostra fotografica Marino Parisotto – Personal best a cura di Denis Curti, che raccoglie l’intero testamento artistico e professionale del fotografo scomparso nel 2022. Una sorta di manifesto iconografico improntato sui principi antitetici che hanno caratterizzato la sua produzione, sempre sfrontatamente sensuale e coraggiosa. La mostra presenterà 60 fotografie, documenti, cataloghi e portfolio originali insieme ad alcuni spettacolari ingrandimenti. Il percorso espositivo è segnato da un ritmo incalzante. Da ogni scatto scaturisce una potente energia: sembra che le figure ritratte vogliano uscire dal rettangolo di carta in cerca di un dialogo con l’osservatore. Una selezione costruita sulla poetica del bianco nero con contrasti forti. Il nero è profondo e ricco di dettagli. Il bianco è invece lo spazio per una azione più libera e per depositare pensieri e parole parallele. La carriera di Marino Parisotto è stata caratterizzata dall’ossessione nella ricerca della bellezza e dell’eleganza. Il suo stile distintivo, caratterizzato da scatti sensuali in bianco e nero, ambientati in grandiosi contesti naturali e illuminati in modo cinematografico, diventa un punto di riferimento nella fotografia di moda. Tra i nomi con cui ha collaborato spiccano Giorgio Armani, Givenchy, Roberto Cavalli, POP84, Wella, Iceberg, Lavazza, Campari, Rochas. La sua fama e il suo talento sono stati riconosciuti anche a livello internazionale: Parisotto ha vinto due premi d’oro per la fotografia dall’International Art Directors Club ed è stato annoverato tra i 10 più grandi fotografi della sua generazione dalla rivista francese Photo. Nella foto, uno scatto dall’Emporio Armani Magazine 1996-1997 di Marino Parisotto. INFO: Milano, Galleria Still, dall’8 maggio al 21 giugno 2024 (marinoparisotto.com – stillfotografia.it).
Hidetoshi Nagasawa a Milano
BUILDING presenta Hidetoshi Nagasawa. 1969-2018, una grande retrospettiva a cura di Giorgio Verzotti, dedicata a uno dei più grandi artisti operanti in Italia dalla fine degli anni Sessanta, dislocata in tre sedi espositive della città di Milano: BUILDING, Galleria Moshe Tabibnia, Casa degli Artisti. Quest’ultima sede ospita, dall’8 maggio al 4 giugno 2024, un ulteriore approfondimento del progetto espositivo, aprendo le porte di quello che fu lo studio di Nagasawa dal 1978 al 2007. Dal 1978, dando nuovo slancio all’attività della Casa, Hidetoshi Nagasawa, Luciano Fabro, Jole De Sanna ed altri artisti, come Paola Brusati e Giuseppe Spagnulo, occuparono la palazzina – a quel tempo abbandonata – e la restituirono all’originaria funzione di centro cittadino di promozione dell’arte contemporanea, così come l’avevano concepita nel 1909 i Fratelli Bogani. Con questo obiettivo, nel corso degli anni si sono susseguite mostre di giovani artisti di fama internazionale, così come momenti di dibattito di teoria dell’arte, che hanno reso la Casa degli Artisti un punto di riferimento irrinunciabile sulla scena artistica dell’epoca – basti pensare all’importante iniziativa di restauro dei Bagni Misteriosi di Giorgio De Chirico (1994), oggi visibili nel giardino del Palazzo della Triennale di Milano. Al primo piano dell’edificio di Corso Garibaldi, Hidetoshi Nagasawa, come Fabro e altri artisti, ebbe uno studio per circa trent’anni. Proprio in questo spazio BUILDING, in collaborazione con l’attuale gestione di Casa degli Artisti, inaugura la terza sede dell’esposizione Hidetoshi Nagasawa. 1969-2018, proponendo una piccola raccolta di opere che intendono restituire la dimensione più progettuale del lavoro quotidiano dell’artista. Tra i lavori presenti in mostra, un’importate scultura, Compasso di Archimede (1991), ben illustra la poetica di Nagasawa, tesa allo svelamento di rapporti di tensione ed equilibrio nel corpo stesso della scultura. A quest’opera si aggiunge una selezione di disegni, maquettes e calchi preparatori – come quelli per Albero (1983), Lampo (1989) e Casa del Poeta (1999) –, che rendono l’idea del processo ideativo e creativo dell’artista e che per la maggior parte sono presentati al pubblico per la prima volta. Nella foto, l’allestimento della mostra con l’installazione alla parete La casa del poeta di Hidetoshi Nagasawa, 1999. INFO: Milano, la mostra Hidetoshi Nagasawa. 1969-2018 sarà aperta fino al 20 luglio 2024 in 3 sedi diverse: Building, Galleria Moshe Tabibnia e Casa degli artisti. L’approfondimento presso Casa degli artisti di via Garibaldi sarà aperto fino al 4 giugno 2024 (building-gallery.com).
“SOMO” ad Alzano Lombardo (Bergamo)
La prima fiera italiana dedicata “solo al modernariato”, come spiega l’acronimo di SOMO: l’11 e 12 maggio nel bergamasco Spazio Fase di Alzano Lombardo. Dove trovare oggetti unici da mattino a sera, per poi rilassarsi con un drink. INFO: Alzano Lombardo (Bergamo), Spazio Fase, l’11 e 12 maggio (instagram.com).
I gioielli Buccellati in mostra a Venezia
Visioni da favola. The Prince of Goldsmiths – Buccellati Rediscovering the Classics porta la storia della maison di gioielleria Buccellati alle Oficine 800 di Venezia, tra meraviglie di artigianalità e materiali eccellenti: INFO: Venezia, Oficine 800, fino al 18 giugno (buccellati.com).
William Kentridge a Venezia
Per la sua nuova mostra all’Arsenale Institute for Politics of Representation di Venezia, William Kentridge, artista sudafricano noto negli ultimi quarant’anni per i suoi cortometraggi animati, le sue sculture e le sue produzioni di teatro e opera, in collaborazione con la curatrice Carolyn Christov-Bakargiev, amica e autrice della fondamentale monografia sui suoi lavori pubblicata nel 1998, presenta in anteprima la suggestiva nuova serie di video in nove episodi intitolata Self-Portrait as a Coffee-Pot. Questa mostra, strutturata in brevi episodi da trenta minuti e pensata originariamente per essere fruita come una serie online, ai cellulari o alla televisione, rappresenta un esperimento di incarnazione fisica e di esperienza fenomenologica del reale nell’era digitale, oltre che una riflessione su ciò che oggi potrebbe accadere nel cervello e nello studio di un artista. L’innovativa casa di distribuzione di cinema d’essai MUBI ha acquisito i diritti di streaming globali per la serie di nove episodi, creata e diretta da William Kentridge. Girate nel suo studio durante e dopo la pandemia di Covid-19 del 2020-22 e completate nel 2023, queste opere saranno visibili in un ambiente denso, unico, che ricrea parzialmente lo studio di Johannesburg in cui sono stati realizzati. “Le riprese sono iniziate durante il primo lockdown e lo studio imitava gli spazi chiusi del Covid” afferma William Kentridge, “ma lo studio è anche una testa espansa, una camera di pensieri e riflessioni dove tutti i disegni, le foto e i residui sulle pareti dello studio diventano questi stessi pensieri”. Come spazio espositivo fisico, delle stesse dimensioni del suo studio, l’installazione diventa un luogo vissuto tra uno spazio privato e uno pubblico; tra lo studio di un artista solitario profondamente immerso nell’autoriflessione e lo spazio gioioso del gioco infantile e di collaborazione con altri. Queste opere, destinate essenzialmente alla fruizione online, su dispositivo mobile o televisivo, sono un inno alla libertà artistica, e al contempo rilevano profeticamente la mancanza di libertà tipica dei nostri spazi chiusi nell’era digitale. Mettono inoltre in risalto il modo in cui la stessa attività del lasciare segni con i materiali costruisce il sé nel processo di creazione. INFO: Venezia, Arsenale Institute for Politics of Representation, fino al 24 novembre 2024 (arsenale.com).
Olivetti in mostra a Cesano Maderno (Monza e Brianza)
Un mito italiano: Olivetti. Storie da una collezione porta al Palazzo Arese Borromeo di Cesano Maderno (fino al 2 giugno) progetti, disegni, manifesti e cataloghi. Da scoprire in oltre 500 immagini nell’omonimo libro di Ronzani Editore. Nella foto, una delle pubblicità Olivetti esposta nella mostra. INFO: Cesano Maderno (Monza e Brianza), Palazzo Arese Borromeo, fino al 2 giugno (comune.cesano-maderno.mb.it).
Alberto Casiraghy in mostra ad Asolo (Treviso)
Ad Asolo, borgo storico trevigiano ricco di palazzi e residenze patrizie venete, circondato dalle colline del Prosecco, la Galleria Browning ospita la mostra Nel vento della Poesia: Cibo e Bestiario nei libri e nelle opere di Alberto Casiraghy, con la curatela del libraio antiquario milanese Andrea Tomasetig. Alberto Casiraghy è un multiforme artista che riunisce in sé molte doti. Innanzitutto, è un tipografo che compone a mano alla Gutenberg con i caratteri mobili librini di otto pagine (con un aforisma, una breve poesia o un pensiero e insieme con un’operina originale), poi li stampa e li cuce sempre a mano in pochi esemplari. È anche l’autore di sorprendenti aforismi che colgono nel segno e non si dimenticano. È poi il grafico che accompagna molti di quei librini con sue opere originali di sapore surreal-dadaista, creando talora originali libri oggetto. È, infine, l’editore delle Edizioni Pulcinoelefante – chiamate affettuosamente pulcini – giunte in quarantadue anni di attività a quasi dodicimila titoli, a cui hanno contribuito centinaia e centinaia di scrittori, artisti e persone comuni. Nei tre piani della Galleria Browning sono esposti oltre un centinaio di pezzi, tra pubblicazioni e opere originali, disposte in un sapiente allestimento dall’architetto Leo Guerra, all’insegna di un duplice tema: il cibo nei suoi molteplici risvolti e il personale bestiario, reale e fantastico, dell’artista. I librini hanno sempre un doppio registro di lettura: testo e immagine sono in gara tra loro a meglio figurare. Di particolare interesse sono alcuni libri-oggetto, dove testo e oggetto, talora ancora di carta, dialogano tra loro all’interno della stessa edizione. Così, stampato su una carta che rimanda alla sua pasta, è Omaggio al Gorgonzola (2010). L’altra sezione in mostra è dedicata agli “amici animali” e vede Alberto Casiraghy come unico autore di lirici librini in tema e soprattutto di opere uniche in tecnica mista di maggior formato, popolate di animali liberi e fantastici, uno straordinario Bestiario dilatato in una dimensione onirica e fantasiosa e per la prima volta radunato così copiosamente. In parallelo alla mostra asolana fino al 16 giugno sarà possibile visitare a Venezia la mostra L’Arte nei libri e nelle opere di Alberto Casiraghy (Bottega Cini, Dorsoduro 860 A), a cura di Andrea Tomasetig. È l’occasione per conoscere più da vicino l’artista che ha fatto del libro il suo strumento d’elezione avvicinandosi più di chiunque altro – nell’intreccio tra tipografia, parola e arte – all’inafferrabile obiettivo dell’arte totale. INFO: Asolo (Treviso), Galleria Browning, dal 5 maggio al 2 giugno 2024 (galleriabrowning.it).
“Viaggiando Oltre il Perimetro dell’Immagine” a Torino
L’esposizione Viaggiando Oltre il Perimetro dell’Immagine. Bonomi, Cella, Gilardi, Plumcake, Spoldi & Met Levi, a cura di Lorenzo Bruni, presenterà le opere di cinque figure di spicco del panorama dell’arte italiana, approfondendo le loro differenti ricerche artistiche e l’esigenza comune di fuoriuscire dal perimetro del quadro, per farsi attivatori di un dibattito sociale per mezzo di una dimensione pop ironica/sarcastica, fino all’indagine sul rapporto tra la storia dell’arte e l’influenza delle nuove tecnologie. L’intento dell’esposizione, inoltre, è quello di proporre un intervento pensato appositamente per l’occasione, ovvero capace di confrontarsi con gli spazi fortemente connotati del settecentesco Palazzo Saluzzo Paesana di Torino. L’esposizione è caratterizzata da immagini scultoree e installative dal forte spirito straniante e dai colori esuberanti, ma a tratti malinconici, attraverso cui viene riletta in chiave inedita l’estetica del pop. INFO: Torino, Palazzo Saluzzo Paesana – Appartamento Padronale, dal 4 al 26 maggio (facebook.com).
Le montagne di Alberto Di Fabio a Torino
Il Museo Nazionale della Montagna presenta la mostra Alberto Di Fabio. OROGENESI. Dipinti e carte degli anni Novanta, visitabile fino al 20 ottobre. L’esposizione, nella quale sono presenti opere mai viste, racconta la varietà di soggetti montani ritratti ed esplora la straordinaria ricchezza di simbologie che caratterizzano il pensiero dell’artista, scoprendo così il collegamento con la sua pratica successiva. Le montagne che l’artista ritrae in questo decennio sono presenze ibride, ora definite da sinuosità organiche e morbide, ora caratterizzate da tratti geometrici e astratti. Sospese all’interno di luoghi indefiniti, evocano paesaggi primordiali in costante divenire. Rocce, scogli, isole, forme minerali, montagne, sono presenze che sembrano emergere dalle viscere della Terra – come apparse in seguito a un processo di orogenesi – e raffigurate all’interno di una dimensione atemporale. Quella di Alberto Di Fabio è una ricerca che, in questa precisa fase, rielabora le influenze del Dadaismo, del Surrealismo e della Metafisica. Nei lavori su carta e nelle opere su tela di quegli anni è evidente la fascinazione per la pittura di Carrà, Sironi, Max Ernst e De Chirico. La dimensione onirica, manifesta in modo particolare nei primi disegni caratterizzati da colori caldi e terrosi e nella pittura successiva dai torni accesi e innaturali, rappresenta il mezzo concettuale per comprendere leggi e dinamiche del mondo che altrimenti rimarrebbero celate. Nella foto, Orogenesi n. 2 di Alberto Di Fabio, 1991. INFO: Torino, Museo Nazionale della Montagna, fino al 20 ottobre 2024 (museomontagna.org).
Salone Internazionale del Libro di Torino
«Vita immaginaria è il tema della XXXVI edizione del Salone Internazionale del Libro di Torino. La vita immaginaria muove la vita creativa, come scrive Natalia Ginzburg nel suo magnifico saggio, e a volte anticipa e indovina le vicende della vita reale. Riguarda quindi anche l’attesa di un futuro che possiamo costruire attraverso la letteratura, il cinema, l’arte, le parole scritte e le voci alle quali dedichiamo la nostra speciale attenzione. Anche la nostra segreta devozione e le nostre speranze. Questo Salone è allora l’omaggio alla vita immaginaria, in tutte le sue forme: al suo modo creativo, malinconico, fiducioso e sempre nuovo di creare altri mondi e di farli incontrare, sperando perfino che qualcuno di essi possa diventare reale» spiega Annalena Benini, Direttrice editoriale del Salone del Libro. All’interno dello spazio di Lingotto Fiere si riuniscono case editrici, scrittori, librai, bibliotecari, agenti, illustratori, traduttori e tanti, tantissimi lettori. Il Salone Off è l’iniziativa nata nel 2004 per portare libri e spettacoli fuori dai padiglioni del Lingotto, con uno sguardo privilegiato alle periferie, al territorio dell’area metropolitana. Il programma è una festa della cultura, per esplorare lo spazio urbano e il territorio. Biblioteche, librerie, teatri, ex fabbriche, locali, strade e piazze, case del quartiere, ospedali, parchi e giardini, carceri, cimiteri e stazioni della metropolitana. INFO: Torino, Lingotto Fiere, dal 9 al 13 maggio (salonelibro.it).
“Luigi Ghirri. Rosso Ferrari” a Torino
Un progetto fotografico realizzato da Luigi Ghirri a Maranello sarà esposto nella Project Room del MAUTO – Museo Nazionale dell’Automobile fino a domenica 2 giugno, in occasione di EXPOSED Torino Foto Festival. La mostra, dal titolo Luigi Ghirri. Rosso Ferrari, ripercorre il lavoro – tra commissionati e ricerca personale – che il fotografo ha dedicato allo storico marchio di automobili. Nella seconda metà degli anni Ottanta, Luigi Ghirri documenta le fasi di produzione all’interno dello stabilimento: dagli uffici dei progettisti ai laboratori per la lavorazione del pellame alle officine meccaniche, in un racconto incentrato su quei processi di assemblaggio e trasformazione che caratterizzano e accomunano l’automobile e la fotografia. In questa direzione va anche la serie dedicata a una replica in scala di una Ferrari F40 prodotta dalla ditta Agostini. Lo scenario, un campo da golf, e la presenza del pilota-bambino accentuano il senso di surreale sospensione che scaturisce dalla vettura in miniatura. La stessa estraniazione che ritroviamo nell’ultima sezione, dedicata all’allestimento di Pierluigi Cerri per l’esposizione del 1988 al Forte di Belvedere di Firenze, dove le architetture rinascimentali dello sfondo partecipano alla composizione insieme ad alcuni dei modelli Ferrari più iconici e alle strutture in vetro di Cerri. La Mostra è completata da un importante nucleo di fotografie provenienti dalla collezione di Jacobacci & Partners – realtà che dal 1872 riconosce, valorizza e tutela le eccellenze della creatività italiana. Questa selezione di opere fa parte dello stesso ciclo su Ferrari ed è la sintesi di un percorso in cui il fotografo interpreta l’identità del prestigioso marchio automobilistico. Le immagini della produzione, gli scorci dell’esposizione, ma anche gli interni del Museo Ferrari a Maranello, sono momenti di un racconto in cui la piccola dimensione di una fotografia ha il potere di custodire tutta la profondità di una storia. Cinquanta scatti esposti – 28 provenienti dall’Archivio Luigi Ghirri e 22 dall’Archivio di Jacobacci & Partners – accompagnati dalla Ferrari F40 del 1990 in prestito dalla Fondazione Gino Macaluso per l’Auto Storica e da una scocca in vetroresina della F40 Junior del 1990 proveniente dalla collezione Autosalone Ferrari srl. INFO: Torino, MAUTO – Museo Nazionale dell’Automobile, fino al 2 giugno 2024 (museoauto.com).
Tre Giorni per il Giardino a Caravino (TO)
Il seme è energia in potenza: è l’embrione di nuova pianta, è una garanzia di sopravvivenza, è il principio di un futuro, che vale per un giardino come per il Pianeta. A questo affascinante tema è dedicata la XXXII edizione primaverile della Tre Giorni per il Giardino, fino a domenica 5 maggio 2024 al Castello e Parco di Masino, Bene del FAI-Fondo per l’Ambiente Italiano ETS a Caravino (TO). Torna, come ogni anno, la mostra mercato che è tra le più importanti e apprezzate manifestazioni florovivaistiche d’Italia, a cura di Emanuela Orsi Borio, con oltre cento vivaisti provenienti da tutta Italia e da Oltralpe e un ricco programma di attività collaterali. Espositori altamente specializzati proporranno nuove piante e idee per il giardino, sempre più nell’ottica della sostenibilità delle scelte e delle pratiche, da raccontare e da promuovere dalla piccola alla larga scala. Un nutrito programma di dimostrazioni tecniche, laboratori, conferenze e incontri, tenuti da esperti e appassionati del settore, proverà, inoltre, come ogni anno, ad avvicinare un sempre più largo pubblico alla cura del verde, alla pratica della coltivazione e del giardinaggio e alla conoscenza di piante, fiori, frutti, e – per quest’anno specialmente – semi. Obiettivo del FAI è promuovere attraverso questa manifestazione “un’educazione alla natura” che può applicarsi alla cura di un balcone o di un piccolo giardino, perché anch’essi sono ecosistemi, ovvero espressioni vive della natura, che seguono processi naturali ed ecologici, e che oggi soffrono gli effetti della crisi ambientale. A fronte di essa – è il monito del FAI – ciascuno può fare la sua parte, dal balcone al Pianeta: favorendo la conservazione e l’arricchimento anche dei piccoli ecosistemi, incentivando la biodiversità, ad esempio attraverso la varietà dei semi, scegliendo specie vegetali che meglio si adattano al clima attuale, che resistono e che anzi contribuiscono a mitigare la crisi, anche solo consentendoci di risparmiare risorse preziose, come l’acqua. Essere “giardinieri del Pianeta” a partire dal nostro giardino è una visione ideale (teorizzata da Gilles Clément), ma verso cui si può tendere: si può, e oggi si deve, sempre più cooperare in equilibrio e armonia con la natura, attraverso un’operosità informata, consapevole e lungimirante, che sa quando e come intervenire, e quando e come, invece, farsi da parte, per lasciare spazio alla libera espressione della natura, anche sul balcone o in un giardino. INFO: Caravino (TO), Castello e Parco di Masino, fino al 5 maggio (fondoambiente.it).
“Terra Rossa” di Velasco Vitali a Torino
Antonia Jannone Disegni di Architettura presenta Terra Rossa una nuova mostra di Velasco Vitali incentrata sulla produzione dell’artista dedicata ai campi da tennis in terra. Nell’immaginario di tutti, l’erba è il paradiso del tennis il palco su cui vanno in scena grazia, eleganza, leggerezza, mentre la terra rossa è un’arena di espiazione, dove il gioco diventa fatica, sudore, e spesso tormento. La produzione di Vitali dedicata al mondo del tennis comincia nel 2017, quando l’artista affitta un nuovo studio con una serra e un vero campo da tennis: quest’ultimo sarà per lui una fonte d’ispirazione per quadri intitolati squareo court, composizioni rigorosamente monocrome su variazioni di rosso, che anche Gianni Clerici racconta nel volume Il Tennis nell’Arte (Mondadori 2018). Negli anni successivi, il ciclo di dipinti si arricchisce di un nuovo titolo: Terra Rossa, un riferimento a “Красный квадрат” (Piazza Rossa), universalmente conosciuto come “red square”, uno dei più celebri dipinti di Kazimir Malevič. Attivando un nuovo stato immaginativo, Vitali con questa esposizione intraprende un nuovo viaggio nella sua pittura, spostando l’attenzione sulla materia tenera e friabile del colore e la natura polverosa dell’ocra rossa. Le composizioni di questi dipinti rimandano a frammenti o tagli angolaridi campi da tennis, a vaste campiture di un unico colore riarticolate da geometrie di linee biancheche ne ridisegnano il contesto: la pittura diventa così un mezzo per attivare l’immaginazione, e il colore metafora dell’arte come dello sport. In occasione della mostra sarà presentato il volume Terra Rossa di Matteo Codignola e Velasco Vitali (Edizioni Henry Beyle). Nella foto, Terra Rossa di Velasco Vitali (2024). INFO: Milano, Antonia Jannone Disegni di Architettura, dall’8 maggio al 13 giugno 2024 (antoniajannone.it).
“Viaggio nel mondo dei Barabubbles” a Torino
Dall’8 al 28 maggio la città di Torino si prepara a un’esplosione di colori, figure sognanti e mondi fantastici con la prima retrospettiva italiana dedicata all’artista Isabella Mandelli, ospitata negli spazi al piano terra del settecentesco Teatro Palazzo Saluzzo di Paesana. Curata da Ermanno Tedeschi e caratterizzata da un suggestivo percorso espositivo di circa 70 opere su carta realizzate con la delicata tecnica dell’acquerello, Viaggio nel mondo dei Barabubbles è una mostra immersiva in cui tutti – dai più piccoli ai più grandi – potranno lasciarsi avvolgere da un caleidoscopico susseguirsi di draghi, cuori, oggetti antropomorfi, arcobaleni, mongolfiere, bolle di sapone, figure acquatiche, elementi naturali, città ora reali ora immaginarie e molto altro ancora in nome di un’arte inclusiva capace non solo di suscitare l’interesse e sprigionare la creatività di ciascuna persona ma anche di far riflettere sulla bellezza del mondo e sull’importanza di una vita armoniosa oltre che rispettosa. A rendere ancora più accattivante ed esperienziale l’intera esposizione, ci penserà la Realtà Aumentata: il pubblico presente potrà fare un’esperienza immersiva e sensoriale immergendosi nel mondo magico dei Barabubbles attraverso ologrammi di immagini e creature fantastiche. Artista eco-sociale e Life Skills Trainer, Isabella Mandelli è stata CEO di una multinazionale americana nel settore medicale, ma ad un certo punto della sua vita si è sentita pronta per una fatidica virata di bordo: si è fermata ad un angolo di se stessa per ascoltare i suoi desideri più profondi, il suo estro, le sue inclinazioni e così, in breve tempo, ha svestito il ruolo di donna in carriera per dedicarsi completamente all’Arte. Da questo “cambio vita” è nato l’onirico e colorato mondo dei Barabubbles: un’’intera popolazione di personaggi dolcissimi, che fluttuano in un mondo incantato e armonioso, tra cui l’energico Barabà, Oco l’inguaribile ottimista, Finolu il giudizioso e Boda l’ascoltatore, ciascuno connotato da distinte personalità, basate sugli studi psicologici di Jung. Alla base della poetica artistica della Mandelli vi è la monolitica certezza che “l’errore non esiste” ovvero che ogni sconfitta può essere una rivincita e quindi un’opportunità. Di pari passo con questo credo artistico, c’è il messaggio più grande e forte dei Barabubbles: avere cura. In senso assoluto. Di se stessi, dell’altro, dell’ambiente. Della vita che ci è data. Tutto secondo un principio assoluto di rispetto che viaggia a braccetto con accoglienza e inclusività. INFO: Torino, Teatro Palazzo Saluzzo di Paesana, dall’8 al 28 maggio. La mostra è aperta al pubblico in modalità gratuita (facebook.com; isabellamandelli.com).
Ctrl+A.C.: Antonio Masullo in mostra a Roma
Il Museo delle Mura (Via di Porta San Sebastiano,18) ospita fino al 14 luglio la mostra Ctrl+A.C. Roma Pulsante. Opere interattive di Antonio Masullo, che attraverso segni, forme, materiali e significati, racconta Roma nei suoi aspetti storici ma anche simbolici. Già nel titolo si nasconde la possibilità di trovare tutti questi elementi, a volte in maniera più approfondita, negli spazi della rete. La sigla “Ctrl” è per antonomasia l’invito ad iniziare a cercare, “A.C.” rappresenta il riferimento temporale alla storia della città: lo spettatore si troverà così a saltare da una “dimensione” all’altra, ora nel presente, ora nel passato. Un sanpietrino che diventa pulsante, proiettandosi nella rete e mantenendo la sua identità storica: questa è l’ironica sintesi della mostra di Antonio Masullo. Quelle esposte, secondo l’artista, sono opere attraverso le quali percepire, e potenzialmente ritrasmettere, le vibrazioni arcaiche e simboliche di Roma. Nella mostra troviamo due grandi piante della città: l’una, realizzata ad imitazione di quelle antiche, lascia partire degli input che sottolineano a quale distanza Roma ha fondato le sue città, l’altra sfrutta lo stesso principio per descrivere le parole in lingua latina tuttora diffuse ed usate. Un grande quadro descrive i segni basici che evocano una serie di gestualità arcaiche, comuni a tutte le civiltà antiche. Altre opere spingono a chiedersi quale sia il reale significato di ciò che si vede, una didascalia pone una serie di alternative da scegliere. Il fine della mostra è quello di lasciare che le emozioni, che partono da un tessuto storico reale, giungano all’osservatore attraverso il filtro della propria conoscenza, non necessariamente veritiero e attendibile, ed è proprio questo il carburante che alimenta le leggende e i racconti. Inoltre potremmo dire che l’antichità ci offre il materiale, ma la rete è il terreno fertile per assecondare la voglia di fantasticare, il bivio tra verità e immaginazione. INFO: Roma, Museo delle Mura, fino al 14 luglio (museodellemuraroma.it).
“Tête-à-tête” a Roma
Dal 10 maggio al 6 luglio 2024 Mucciaccia Gallery presenta nella sua sede di Roma la mostra Tête-à-tête, a cura di Catherine Loewe, un’esplorazione del mondo di alcune celebri coppie di artisti in cui amore, vita e fare arte si fondono nella reciproca ricerca. La mostra si sviluppa come un racconto appassionato in un serrato confronto delle opere eseguite dai protagonisti: Sue Arrowsmith & Ian Davenport, Nick Carter & Rob Carter, Charlotte Colbert & Philip Colbert, Rossella Fumasoni & Piero Pizzi Cannella, Emilia Kabakov & Ilya Kabakov, Carolina Mazzolari & Conrad Shawcross, Annie Morris & Idris Khan, Shirin Neshat & Shoja Azari. Il “testa a testa” suggerito dal titolo si traduce in uno sguardo insolito sulle dinamiche dietro le relazioni tra artisti che condividono la vita privata e quella professionale e su come questo condizioni le pratiche dei singoli, sia che lavorino individualmente che in collaborazione. Completano la mostra i ritratti delle coppie eseguiti dalla fotografa Maryam Eisler che, attraverso la lente della propria macchina fotografica, coglie e amplifica la sottile relazione esistente tra ogni coppia di artisti. Nella foto, Transforming Nude Painting di Rob and Nick Carter, 2013. INFO: Roma, Muciaccia Gallery, dal 10 maggio al 6 luglio 2024 (mucciaccia.com).
“La Nueva Ola” a Roma
La 17a edizione de La Nueva Ola – Festival del Cinema Spagnolo e Latinoamericano – diretto da Iris Martin-Peralta e Federico Sartori, che si terrà a Roma dal 15 al 19 maggio presso il Cinema Barberini – aprirà nel segno del pop con la commedia musicale Voy a pasármelo bien di David Serrano, che vede un cast d’eccezione con protagonisti Raúl Arévalo (Dolor y gloria) e la messicana Karla Souza (Le regole del delitto perfetto; Il tuffo). Il film, già considerato un cult in Spagna, racconta una storia di amicizia e d’amore, ma anche di seconde opportunità, sulle note del celebre gruppo rock madrileño Hombres G, che fin dagli anni Ottanta ha segnato diverse generazioni di spagnoli. Fra i titoli annunciati per la sezione competitiva La Nueva Ola Latinoamericana: Puan degli argentini María Alché e Benjamín Naishtat, commedia ambientata nell’iconica facoltà di Lettere e Filosofia di Buenos Aires con un importante sottotesto politico sulla perdita degli ideali. Tutti i film sono proiettati in versione originale sottotitolata in italiano. INFO: Roma, Cinema Barberini, dal 13 al 19 maggio (cinemaspagna.org).
“Paolo Di Capua. Natura Umana” a Roma
Il Museo Carlo Bilotti di Roma ospita dal 9 maggio al 15 settembre 2024 la mostra Paolo Di Capua. Natura Umana, una selezione di opere di scultura che sintetizzano un arco di 15 anni di attività artistica. Legate l’una all’altra, per quanto a loro volta indipendenti, con riflessioni sulla “natura umana” – come recita il titolo – sulla memoria vissuta e sulla percezione del percorso della vita, le sculture in mostra esplorano i moti e gli stati d’animo individuali in relazione al vivere contemporaneo. Le opere rispecchiano la predisposizione dell’artista verso una costante ricerca dell’essenza della “natura umana”, intesa come sintesi tra armonia e contrasti. Il materiale impiegato è pressoché costantemente il legno, con rare eccezioni in pietra e metallo. Già dalla fine degli anni ’80 si osserva nelle opere l’ulteriore scelta alla rinuncia del colore, ovvero all’utilizzo esclusivo del bianco e del nero (acrilici), lasciando eventualmente solo il colore del legno naturale a vista. Nella foto, Come fosse casa vostra (facciata notturna) di Paolo Di Capua (2022). INFO: Roma, Museo Carlo Bilotti, dal 9 maggio al 15 settembre 2024 (museocarlobilotti.it).
“Il mare nell’arte” a Modica (Ragusa)
La mostra BLU SICILIA. Il mare nell’arte isolana dal Novecento alla Contemporaneità racconta, attraverso una selezione di opere di importanti artisti non solo siciliani, cosa rappresenta il mare isolano e l’intreccio di tematiche che lo coinvolgono. Il progetto è articolato in due sezioni scientifiche e tematiche: la prima a cura di Giuliana Fiori copre l’arco temporale fino alla prima metà del Novecento; la seconda a cura di Chiara Canali si focalizza sulla seconda metà del Novecento fino alla contemporaneità. «La mostra si propone – dichiara Giuliana Fiori – come documentazione compiuta di quanto spesso il mare dell’isola sia stato protagonista di grandi opere d’arte, concentrando l’attenzione sui sec. XX e XXI. Pittura, scultura, fotografia e istallazioni di artisti di chiara fama, alcuni storicizzati come Fausto Pirandello, Renato Guttuso, Bruno Caruso, Piero Guccione, infatti, contribuiranno a far conoscere più da vicino le emozioni che il mare siciliano sa regalare e a rivelare come esso possa riempire la memoria di ricordi indelebili.» Un percorso espositivo dunque in grado di offrire un ampio panorama sul tema del mare siciliano, nelle sue varie sfaccettature sia culturali che sociali. Molteplici sono i temi che s’intrecciano nel percorso espositivo, perché diversi sono gli aspetti che gli artisti scelti hanno interpretato e denunciato nelle loro indagini artistiche: la bellezza e la poesia dei luoghi, la storia e il mito, la luce e i colori, la tradizione, i pescatori e i naviganti, le problematiche sociali e ambientali. Nella foto, L’abisso di Daniela Balsamo, 2024. INFO: Modica (Ragusa), Società Operaia di Mutuo Soccorso, fino al 3 novembre 2024 (sikarte.it).
“Biker Fest International” a Lignano Sabbiadoro (Udine)
Lignano Sabbiadoro come Daytona in Florida: per le strade della destinazione balneare friulana, infatti, si sentirà il rombo dei motori di migliaia di motociclette customizzate in pieno stile Custom Culture, che trasforma le moto in opere d’arte unendo tecnica ed estetica. È lo spettacolo adrenalinico che tornerà in scena a Lignano da giovedì 9 a domenica 12 maggio grazie alla Biker Fest International, uno dei più famosi eventi motoradunistici al mondo nonché pioniere della cultura Custom in Italia e in Europa. Un appuntamento che dal 1987 chiama a raccolta migliaia di visitatori internazionali tra bikers, appassionati di moto e semplici curiosi, oltre 120.000 nel 2023: per le strade lignanesi si potrà godere di una kermesse ricca di appuntamenti tutti gratuiti, in 4 giorni ideali per approfittare del profumo di salsedine di questa destinazione. INFO: Lignano Sabbiadoro (Udine), dal 9 al 12 maggio (bikerfest.it).
“Natura/Utopia” a Perugia
Natura/Utopia l’arte tra ecologia, riuso e futuro, la nuova mostra di Fondazione Perugia a cura di Marco Tonelli, vuole far riflettere attraverso l’arte su questioni legate all’ecologia, al rapporto tra uomo e natura, alla sostenibilità, al riuso dei materiali, alla riprogettazione dello spazio di vita degli esseri umani in rapporto all’ambiente naturale. Per farlo sono stati scelti 13 artisti protagonisti della scena culturale italiana ed europea, statunitense e provenienti da contesti extraeuropei, come il Camerun e il Mozambico, artisti che hanno fatto del concetto di utopia, riuso, progetto e natura la loro poetica di base fin dagli anni 60, ognuno con le proprie caratteristiche specifiche come dimostrano le opere scelte per il percorso espositivo realizzate con materiali tradizionali ma anche inaspettati e innovativi. Gli artisti in mostra sono: Gianfranco Baruchello, Ugo la Pietra, Piero Gilardi, Giuseppe Penone, Davide Benati, Nicola Toffolini, Paolo Canevari, Loris Cecchini, Giuliana Cunéaz, Gonçalo Mabunda, Pascale Marthine,Tayou, Kaarina Kaikkonen e peter campus. INFO: Perugia, Palazzo Baldeschi, fino al 3 novembre 2024 (fondazioneperugia.it).
“Unica. Sei storie di artiste italiane” a Nuoro
Sabato 4 maggio, alle ore 11, presso Spazio Ilisso, a Nuoro, si terrà l’inaugurazione della mostra Unica. Sei storie di artiste italiane a cura di Maria Grazia Messina, Anna Maria Montaldo, Giorgia Gastaldon. L’esposizione offre uno sguardo approfondito sulla storia culturale italiana del Novecento focalizzandosi sulla condizione femminile e sull’esperienza artistica delle donne. Oltre 70 opere, alcune delle quali inedite, rappresentano il lavoro di sei straordinarie artiste: Carla Badiali, Carol Rama, Giosetta Fioroni, Carla Accardi, Tomaso Binga (Bianca Pucciarelli Menna) e Maria Lai. Il titolo “Unica” si riferisce al fatto che queste artiste spesso si sono trovate a operare in solitudine entro contesti maschili o all’interno di un sistema artistico che non riconosceva pienamente il loro valore. “Unica” donna in un gruppo di uomini: così appaiono per lo più le artiste del Novecento nelle foto d’epoca. La mostra mira a mettere in luce non solo il lavoro artistico delle sei protagoniste, ma anche le sfide e le battaglie che hanno affrontato nel contesto dell’arte italiana del Novecento. Il periodo esplorato comprende un arco temporale che va dall’anteguerra agli anni Ottanta, durante i quali il panorama culturale italiano si apriva alla postmodernità, portando con sé una crescente consapevolezza insieme alle pratiche del femminismo. Lo sguardo sulla condizione femminile di quegli anni implica un’indagine sulla solitudine delle donne nel mondo dell’arte, sull’impegno politico che ha accompagnato la loro ricerca, sulla difficoltà ad emergere o semplicemente ad essere visibili in un universo maschile; significa, infine, approcciare con uno sguardo più attento e sensibile il loro lavoro. Per ciascuna delle sei artiste è stato privilegiato un periodo preciso della loro produzione coerente con tali questioni, così da poter avere uno sguardo rinnovato sulla qualità delle loro opere, sperimentando, allo stesso tempo, una storia dell’arte raccontata da protagoniste donne e una storia dell’Italia come percorso dell’emancipazione e liberazione femminile. L’iter espositivo prevede sale dedicate a ognuna delle sei protagoniste. Oltre alle opere provenienti da musei, enti pubblici, archivi o collezionisti privati di tutta Italia, ogni sezione è arricchita da materiale documentale originale e approfondimenti sulla vita e l’opera delle artiste. In chiusura alcuni filmati storici completano l’esperienza di visita. INFO: Nuoro, Spazio Iliso, dal 4 maggio al 1° settembre 2024 (spazioilisso.it).
Andrea Gandini in mostra a Giulianova (Teramo)
Andrea Gandini è artista eclettico, fotografo sperimentatore il cui lavoro sconfina tra moda, pubblicità, ritratto e reportage. Pinhole Exhibition è la personale che propone otto fotografie, in cinque copie per ogni scatto più copia d’artista. Le foto sono frutto di una ricerca basata sui principi della camera oscura per catturare la realtà. Le opere sono in vendita. Nella foto, Senza titolo di Andrea Gandini. INFO: Giulianova (Teramo), Spazio Mafalda86, fino a luglio (mafalda86.it).
“New Conversations – Vicenza Jazz”
Effetto superconcentrato: giunto alla ventottesima edizione, il festival New Conversations – Vicenza Jazz va in scena dal 13 al 19 maggio con più di 100 concerti in cartellone. Ne risulta un festival dalla fisionomia rinnovata, con giornate ancora più dense di musica dal vivo, con una programmazione non stop dal pomeriggio sino a notte fonda (e in un’occasione sino all’alba). Il titolo “Un sogno lungo ottantotto tasti” individua il più rilevante tra i molteplici percorsi di ascolto della kermesse: il pianoforte sarà al centro di numerosi appuntamenti, comprese alcune produzioni originali. Come sempre a Vicenza Jazz, i concerti non si limiteranno ai teatri, diffondendosi in tutta la città, dai locali ai palazzi antichi, le chiese, i musei, i cinema, le librerie, le vie e le piazze del centro storico: la musica sarà letteralmente ovunque. Nella foto, Paolo Fresu e Omar Sosa. INFO: Vicenza, varie sedi, dal 13 al 19 maggio (vicenzajazz.org).
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