«Un ballerino è un artista completo o uno strumento del coreografo? Cosa esprime attraverso il corpo? Quale margine di libertà ha?». Friedemann Vogel – una delle massime étoile del XXI secolo, principal dancer del glorioso Balletto di Stoccarda – offre la risposta da par suo: con uno spettacolo. Die Seele am Faden/Soul Threads (I fili dell’anima), una creazione realizzata con l’artista visivo Thomas Lempertz, debutterà il 5 luglio al Festival dei Due Mondi di Spoleto.
L’ispirazione arriva da Il teatro delle marionette di Heinrich von Kleist, dove due personaggi si confrontano sul tema: è superiore un danzatore, umano e quindi soggetto a sbagli, o un burattino, che non ha limitazioni fisiche?
“Il cuore parla”
Von Kleist pare concludere a favore del burattino. E lei?
No! Meglio lasciar parlare i propri sentimenti, il proprio cuore, la propria anima. La riprova di quanto sia determinante la soggettività? Ogni Lago dei cigni è diverso a seconda dei protagonisti. Il testo, comunque, pur essendo del 1806, si rivela attualissimo a causa dell’Intelligenza Artificiale. Sarà un assólo, però verranno proiettati video in cui la mia immagine è stata scannerizzata e trasformata in una specie di pupazzo o avatar, che compie movimenti assurdi. Cosa preferirà il pubblico? Il Friedemann Vogel vero o quello stupefacente ma virtuale?
“La perfezione”
Risposta facile oggi che il trend è sottolineare la forza della fragilità, la bellezza dell’imperfezione.
“Perfezione” è vedere la realtà. Quindi sia l’ideale, la leggerezza, sia la bruttezza, la pesantezza… La vita è così, non costantemente facile e piacevole, in particolare durante questo periodo storico. Scopo della danza non è l’intrattenimento: deve trasmettere qualcosa e, se trasmette qualcosa di autentico, non può essere al 100 per cento Bellezza.
Il nuovo ruolo maschile
Allora la classica non sarà un po’ vecchio stile per i tempi, compreso dal punto di vista del gender?
C’è spazio per tutto. La nostra generazione sta lottando per la fluidità, non possiamo metterci a separare troppo le cose! Non voglio essere definito “un ballerino classico”: sono orgoglioso di essere stato formato classicamente, ma posso fare molto di più. Come capita nelle coreografie contemporanee: Wayne McGregor, per esempio (nel 2005 con Eden/Eden, ndr), inserendo me nelle creazioni, ha creato qualcosa di nuovo. L’arte – che è un collante sociale – deve evolversi, non va tenuta in un museo. Per quanto, a volte, si rimanga impressionati constatando quanto in realtà sia moderno Nijinskij (della mitica compagnia dei Balletti russi, fondata nel 1911, ndr).
Nei decenni è cambiato il peso degli uomini.
Sì, sicuramente: Nureyev ha innescato una rivoluzione. Ora non sono più semplici porteur chiamati a far rifulgere la ballerina. Si sono emancipati. C’è un dialogo.
Lei come si avvicinò a questa disciplina?
In modo naturale. Mio fratello era un ballerino e io, fin da piccino, sapevo di volerlo seguire: a tre-quattro anni stavo già provando la spaccata! Per i miei genitori era normale, avendo il figlio maggiore intrapreso questa strada.
Viene da una famiglia d’artisti?
No, affatto, però ognuno di noi cinque fratelli ha a che vedere con le arti: due musicisti, due ballerini e un direttore di teatro, a Francoforte.
Non lasciare Stoccarda
Malgrado i riconoscimenti internazionali e il successo, ha deciso di rimanere a Stoccarda. Come mai?
Ho una casa, e avere una base è importante pure per il mio lavoro. E poi, se fossi un free lance, dovrei selezionare i ruoli maggiori mentre è fondamentale cimentarsi con pezzi piccoli, sentirsi parte di un gruppo. I ballerini principal possono essere bravi quanto vogliono, ma alla fine – se nel team non c’è connessione – il risultato non è buono.
Le sue parole-chiave?
Di sicuro amore, passione. E “presenza consapevole”: di rado penso al “dopo”, la nostra forma d’arte è così fragile che non sai mai quando finirà. A 44 anni non posso pianificare troppo, ma in passato era altrettanto velleitario: siamo così dipendenti dai nostri corpi che dobbiamo assolutamente goderci il momento, basta un piccolo infortunio per fermarci.
A lei è capitato.
Sì, in un momento in cui la mia carriera stava andando velocissima: i premi, il ritrovarmi all’improvviso nella posizione più importante della compagnia. Ho temuto di non poter più ballare, ho capito cos’era ciò di cui ho davvero bisogno, ho realizzato quanto fosse fondamentale per me comunicare attraverso la danza. Quando mi sono ripreso, ho apprezzato tutto con maggiore intensità e gratitudine.
Secondo certi psicoanalisti, niente accade per caso: magari aveva il desiderio inconscio di fermarsi.
(sorride) Devi sempre cercare il lato positivo delle cose brutte che accadono e quindi ti consoli: “Ok, è successo per una ragione”. È nella natura umana lottare nelle sventure per uscirne alla fine più forti e – si spera – più saggi: è dagli errori che si impara di più.
Nel documentario che le ha dedicato Katja Trautwein nel 2020, Friedemann Vogel: Incarnation of Dance, qualcuno osserva: «Il suo corpo è oltre l’umano». Quanto costa un risultato simile?
L’amore e la passione – cui accennavo – mi fanno lavorare duramente ma senza rendermi di quanto sia faticoso. A volte, immergendomi in un personaggio, trascendo i miei limiti. Non devo forzarmi, eh, ne avverto la necessità: se non mi muovo per una settimana inizio a provare disagio, la fisicità è la mia fonte di energia, è parte del mio Dna. Dopo un’esibizione puoi sentirti stanco, ma gli ormoni rilasciati sono più forti di qualsiasi medicina. Ovviamente a un certo punto smetterò di esibirmi, però il movimento rimarrà nella routine quotidiana.
“Una terapia eccellente”
Quante ore si allena ogni giorno?
Oggi, per esempio, inizierò alle 10.30 e finirò alle 18.30, con una pausa pranzo di un’ora.
Ha ruoli prediletti?
I miei preferiti sono quelli che raccontano una storia, però è impossibile scegliere se sia Romeo e Giulietta od Onegin…
Consiglierebbe a chiunque di ballare, seppur per hobby?
Penso che sia una terapia eccellente. Scopri così tanto su te stesso, individui i “nodi” e spesso trovi dentro di te la soluzione per scioglierli. Quando devo dedicarmi a qualcosa di importante, quando devo parlare (non mi viene naturale esprimermi con le parole) o andare in tv, prima ballo: mi riconnette a me stesso, mi rende più sicuro, mi dà potere.
Roberto Bolle ritiene che in Italia la danza sia la Cenerentola delle arti. Come vede la situazione in Europa?
Lo stesso succede in Germania, benché a Stoccarda siamo fortunati: il balletto è più popolare dell’opera e dei concerti (la compagnia è fra le più importanti al mondo, fiorita negli anni Sessanta grazie a John Cranko, maestro dei più grandi coreografi contemporanei, da John Neumeier a Jiří Kylián e William Forsythe, ndr). Forse occorrerebbe sensibilizzare ulteriormente le giovani generazioni, oltre a rendere il prezzo dei biglietti accessibile a chiunque.
“Il mio mantra”
Come mantiene il suo equilibrio?
Ballando! (sorride) Sono consapevole che, a una performance ottima, può seguirne una di livello inferiore. Le persone si meravigliano: “Sei ancora eccitato prima di uno spettacolo che hai portato in scena così tante volte?”. Sì! Non sai mai cosa succederà, dipenderà dal dialogo con i colleghi sul palco.
C’è un mantra che la guida?
Se qualcosa non va, mi ripeto: “Un passo alla volta”. Ma anche: “Se non rischi, non ti diverti”. (sorride)
iO Donna ©RIPRODUZIONE RISERVATA