«Non potevo crederci: non sono mai stata “famosa” od orientata al marketing. Sono passata dallo shock alla felicità e, subito dopo, alla preoccupazione (ride): mi piace rimanere in un angolo, dove nessuno mi vede. Sono a disagio quando devo diventare la “faccia” delle opere». Ma stavolta Cristina Caprioli non può proprio esimersi: il 21 luglio riceverà il Leone d’Oro alla carriera della Biennale Danza 2024. «Il suo impegno per l’avanzamento della nostra arte è stato fonte di ispirazione per il settore: ha silenziosamente e sostanzialmente influenzato più generazioni durante tre decenni. Le sue creazioni sono caratterizzate da precisione, complessità e forme nuove di virtuosismo fisico» ha spiegato il direttore, Wayne McGregor, che ha scelto per questa edizione il titolo “We Humans”, Noi Umani («Oggi dobbiamo chiederci, come mai prima, dove stia l’umanità e come possiamo accedervi in una più profonda connessione con il nostro corpo»).
Il premio delle star
Ballerina, coreografa, teorica sperimentale, accademica, pioniera del postmodernismo, la settantenne Caprioli non è però nuova ai riconoscimenti importanti: nel 2021 ha ricevuto in Svezia l’Illis Quorum (riservato a premi Nobel o star come Greta Garbo e Ingrid Bergman); nel 2022 Tanz im August, il sofisticato festival berlinese, le aveva dedicato una retrospettiva completa. A Venezia presenterà due delle sue ultime opere (Deadlock e Flat Haze) e una novità, Silver. Non è finita: ideerà The Bench, per e con gli allievi di Biennale College.
Zoom da Stoccolma
«Una premessa: io non sono coreografa, io lavoro con la coreografia. Distinzione sostanziale perché è un mestiere che non può prescindere dagli altri» precisa lei per spazzare subito via il rischio-Ego. È in videochiamata su Zoom da Stoccolma, dove vive ormai da decenni e dove ha sede la sua compagnia, l’organizzazione non profit ccap (minuscolo per “cristina caprioli artificial projects”). «Alla Biennale ero già stata nel 2010 con cut-outs & trees, che adesso si chiama solo Trees: lo stiamo portando ancora in giro, ovunque, dal MoMa a New York a Londra. Non abbiamo cambiato niente nella struttura, nella musica, nei movimenti, però è sempre diverso dato che è diverso lo scambio reciproco tra noi e i partecipanti. Questo pensiero molto orientale (ripetere le stesse cose accedendo a un livello diverso) è una delle basi della nostra filosofia. Oltre alla convinzione che i nostri spettacoli debbano essere gratuiti».
L’ultima utopista
Gratuiti?
Sì, è importantissimo, ci facciamo bastare le sovvenzioni dello Stato. Non avendo il costo del biglietto, il pubblico entra senza il tipico scambio di mercato: noi facciamo qualcosa per te che la vuoi, e quindi la paghi… E poi abbiamo caro il concetto di sostenibilità, mentre in questa economia bisogna avere una cosa nuova da promuovere ogni giorno, buttando il “vecchio”.
Nel caso degli elettrodomestici la chiamano “obsolescenza programmata”.
Ma sedetevi un attimo e pensate! (si infervora) I termini “condivisione”, “partecipazione”, “ecologia” sono inflazionati eppure restano belle parole, parole vuote…
È una degli ultimi utopisti!
Utopista, sì. Non sopporto questa convinzione neoliberale che la cultura debba generare profitto… Questo va bene per i musical, per quel che è già concepito come prodotto, ma è sbagliatissimo per noi. Se togli dalla società il concetto del ballo come arte indirizzi tutti verso cose “meccaniche”, che ti offrono un risultato chiaro, immediato, che consumi per passare in fretta a un altro.
La Bellezza salverà il mondo?
Non posso affermare: “È fondamentale che la danza sopravviva”. No, non è fondamentale. Però sarebbe un gran peccato se venisse relegata in un angolo o scomparisse: mancherebbe alle generazioni che verranno.
“A Brescia era un gioco”
Il suo primo incontro con la coreutica?
Ho iniziato da piccola a Brescia come un gioco, forse lo voleva mio padre (il pittore Adriano Grasso Caprioli, ndr): mi è piaciuto, sono nervosa, ho bisogno di muovermi (ride). Ma il vero incontro – quello che mi ha fatto sentire la potenza del movimento in sé – è stato a otto-nove anni, quando i miei mi hanno portato a vedere Rudolf Nureyev a Genova. “Ah, quindi è qualcosa in più del tutù, dei gesti aggraziati…” (ride). La ballerina non era più l’eterea principessa, la donna spogliata della sua sensualità. Lì per lì ho continuato, comunque, come hobby.
La svolta?
Finita la maturità liceale. Non sapendo bene che strada intraprendere, sono andata in Svezia per l’estate e ho partecipato all’esame per entrare in un’accademia di danza moderna e jazz. Mi hanno preso, sono rimasta. Sono come “scivolata dentro”…
Perché in Svezia?
Mia madre è svedese, si è trasferita in Italia nel 1951, quando ha sposato mio padre. Ho iniziato come ballerina in Svizzera, in Germania, in Austria, e, dopo un po’, mi sono stancata: troppo convenzionale. Sin dai tempi della scuola ero interessata alla matematica, alle strutture architettoniche: ho una testa affascinata dai disegni del movimento e la danza moderna – come la si praticava in Europa negli anni Settanta – non soddisfaceva questo mio interesse più cerebrale. L’unica novità era il teatro-danza di Pina Bausch: lo amavo, era fantastico, ma non è per me, c’è troppa espressività e non c’è atemporalità, astrazione. Sapevo che in America si parlava di postmoderno e anche di post-postmoderno. Mi sono trasferita fino all’81.
“Io e la famiglia”
Nell’81 che cosa è successo?
Ho lasciato New York, ho cominciato a insegnare, e nell’83 – quando mi hanno chiamata in Svezia (ero stanca di cambiare città e appartamenti) – sono andata per sei mesi e… sono rimasta: ero stanchissima della vita nomade dei professionisti, l’interesse per la coreografia iniziava a essere importante e non avevo bisogno né voglia di stare in scena. Desideravo costruirmi una famiglia mia: ho incontrato il mio ex marito, ho avuto i figli…
Dovendo conciliare carriera e privato, non si è trovata in difficoltà?
No. La Svezia è famosa per l’emancipazione, l’uguaglianza, la democrazia, e io – pur avendo un quadruplice svantaggio (donna; entrata nel campo dei coreografi già quarantenne con due figli; preoccupata degli aspetti intellettuali e, per di più, immigrata) – ho trovato il mio spazio. Il mito del Paese libero all’epoca era genuino, adesso invece è un posto ricchissimo, dove nessuno intende rinunciare o condividere i privilegi.
Nel 1998 ha fondato la cristina caprioli artificial projects. Come mai “artificial”?
Non intendevo descrivere la danza come qualcosa di “naturale”. Non è naturale! Sì, c’è l’aspetto fisico, ma è pure una costruzione immaginaria, seppur minimalista. È arte come “aggiunta”, non come rappresentazione del mondo, specchio della figura umana. Non è antropomorfa, un oggetto può essere parte integrante della coreografia.
E l’ispirazione da dove arriva?
È quasi un “disturbo”, qualcosa che mi rode dentro, e, contemporaneamente, un desiderio: entrambi mettono in moto l’energia inventiva. A volte parto da un chiodo fisso su un tipo di movimento, a volte da una cosa. Nel caso di Silver, per esempio, avevo comprato per sbaglio 100 impermeabili argentati, rigidi, che riflettono la luce: se indossati, diventano una seconda pelle; se stesi per terra, o appesi, acquisiscono valore in se stessi… C’è uno slittamento continuo tra quello che riconosci e quello che non riconosci. È essenziale non capire troppo.
Benefici per tutti
In che senso?
Parecchi spettacoli di danza sono “diretti”: quello che succede sulla scena è talmente chiaro che il pubblico cattura il senso velocemente e velocemente lo consuma. Quando esce non c’è niente che sia rimasto non detto: certi show sono “pacchetti” da vendere, non esperienze che ti toccano. Invece per me l’arte deve trasmettere una sensazione di cui non puoi appropriarti, non puoi “comprarla”: è questione di immaginazione, di accettazione, di “arrendersi”. Non c’è bisogno di essere artisti per viverla così: noi collaboriamo con bambini in sedia a rotelle, con vecchi decrepiti, con disabili cognitivi… Creano danze meravigliose, soprattutto gli autistici: non hanno pre-giudizio, non vedono le cose dalla parte del contratto sociale. E questa idea che devi avere forme perfette, il collo del piede con l’arco giusto, devi aver studiato 25 anni… Be’ ovvio, serve per la convenzione, per la classica, ma movimento e sentimento ci sono in chiunque.
I benefici per chi la pratica da non professionista?
Si allena il livello sensoriale. Leggevo settimana scorsa dell’allarme di alcune psicologhe: i bambini sugli otto anni hanno perso la manualità, non sanno più usare le forbici, hanno difficoltà a confezionare o persino ad aprire un pacchetto. Il nostro corpo non è come lo crediamo: è malleabile, ha grande potenziale e dobbiamo sfruttarlo. Però attenzione: va di moda parlare di feel good art, feel good dancing, di quell’arte e di quella danza in cui tutti devono sentirsi bene. Secondo me è meglio sentirsi disorientati, ma accettati. Quasi disturbati, ma accolti.
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