Spazio emotivo, mentale, sensoriale. Ambiente come luogo culturale, materico e ideale. Orizzonte, come prospettiva. E scena come teatro dell'attimo. È una riflessione ad ampio spettro che cattura lo sguardo, sollecita i sensi, muta la percezione, quella condotta nella mostra Ambienti 1956-2010. Environments by Women Artists II, a cura di Andrea Lissoni, Marina Pugliese, Francesco Stocchi, che, a Roma, nelle sale del Maxxi, fino al 20 ottobre, pone in dialogo gli “scenari” costruiti da artiste differenti per provenienza, visione, anche tecnica, da Micol Assaël a Zaha Hadid, da Kimsooja a Martha Rosler, Esther Stocker e altre. Obiettivo, ripensare l'ambiente, inteso pure come spazio di azione, e, vista l'attenzione al femminile, forse permettendo alle donne, idealmente, di farsi largo.
La filosofia
«Seppur nel contesto di una storia lacunosa, la mancata documentazione degli ambienti realizzati da artiste donne attesta una doppia subalternità», spiega Marina Pugliese. «Una subalternità resa paradossale dal fatto che in occasioni espositive di rilievo e in ambiti geografici diversi, svariate artiste hanno realizzato ambienti complessi, connotati da stratificazioni di significati, talvolta imperniati su questioni politiche e tuttavia oggetto di riscontro di pubblico e di stampa. Altri spazi, appunto». Prodotta dal Maxxi con Haus der Kunst di Monaco, l'esposizione segue Inside Other Spaces. Environments by Women Artists 1956–1976, progetto ideato dalla Haus der Kunst nel 2023, proprio per porre in evidenza il ruolo fondamentale delle artiste nell'evoluzione di un linguaggio che vede intrecciarsi arte, architettura e design. «Una scultura, un dipinto, un disegno o un film per loro natura sono “chiusi” - rimarca Stocchi - Al contrario l’ambiente, per definizione e per le interazioni che ha, è vivo e questa vitalità si celebra con l’accoglienza e l’incontro con lo spettatore».
Si sviluppa nell'intero ambiente, tra superfici verticali e orizzontali, aggiungendo anche elementi tridimensionali, l'opera Il termine ‘affine’ attrae la nostra attenzione anche se in realtà non significa nulla di Esther Stocker, nata a Silandro in provincia di Bolzano, residente a Vienna e ora al lavoro anche per una speciale installazione nel contesto urbano capitolino. Ad essere indagata, nell’ambiente creato al Maxxi, è l'affinità come simpatia, attrazione, legame, anche utopia. E parità. «Il tema dell’affinità in questa opera riguarda l’equivalenza, la similarità. Un’idea formale che corrisponde anche al nostro concetto di uguaglianza – spiega Stocker – Ci confrontiamo con un paradosso: possiamo costruire forme uguali ma non le possiamo guardare o capire insieme, nello stesso momento. La nostra mente è sempre in movimento». In tale ottica, l'uguaglianza, costruita ad arte, diventa chiave per ripensare l'ambiente, in termini sociali.
L'affinità, prosegue, «per me è anche un tema esistenziale e mi piace guardare questo aspetto attraverso strutture geometriche. Mi interessa anche l'incontro di sistemi razionali con sistemi irrazionali, o meglio il fatto che possiamo incontrare ordine e disordine allo stesso momento». Lo spazio ripensato dall'artista gioca sul rigore del bianco e nero, in un incrocio di linee che crea una sorta di griglia. Quello che potrebbe sembrare il progetto di un mondo ideale si rivela un metodo per sottolineare l'impossibilità della perfezione e, più ancora, il fascino dell'imperfezione, come manifestazione di movimento e quindi anche vita. «La perfezione è un'idea troppo monolitica, per me e più importante capire noi stessi, la condizione umana che direi più vicina all’imperfezione». Così la griglia si “scardina” non nella forma ma come concetto. «Ho usato la griglia come strumento di ordine, per presentare il non ordinato. Ed è proprio ciò che non è ordinato a interessarmi di più. Definisco spesso il mio lavoro artistico una geometria esistenziale, dove l'uomo o la sua percezione definiscono le coordinate».
La libertà
È proprio lo sguardo a fare la differenza. In alcuni lavori, le sue geometrie apparentemente perfette vengono accartocciate, distorte, deformate. «Con questa serie di lavori ho cercato di far vedere la lotte, anche della mente, con le strutture e la superficie. E il nostro desiderio di superare non solamente la superficie ma anche la gravità». Così, nella “prigione” del bianco e nero rigoroso, esplode il tema della libertà. «Desidero una situazione migliore per le donne di tutto il mondo, la loro libertà. Penso che l'arte abbia il compito di difendere la libertà e la dignità dell'individuo, consentendo l'espressione individuale, criticando e anche celebrando la vita. L'arte ha bisogno di un equilibrio espressivo, senza il contributo e delle donne la scena è incompleta».
Ecco allora l'incontro di linee che è trama di elementi apparentemente uguali ma in realtà unici, a farsi monumento della necessità di un equilibrio che non sia figlio della similitudine, ma del dialogo. Dove l'affinità, appunto, non sia specularità ma relazione. Alla pari.