Quante storie contengono i corpi? Molte e infinite sono le forme della sua rappresentazione che, per sua stessa natura ambigua, è abile nel mostrare o celare, manipolare e stravolgere. Sul corpo delle donne si è scritta e si potrebbe leggere tutta la storia dell’umanità. E il corpo delle donne è stato e continua a essere oggetto privilegiato di tutte le arti figurative, tradizionali e contemporanee. Esaltato o offeso, veicola messaggi differenti che ora alludono, ora turbano.
Se la pittura e la scultura fin dalle loro origini hanno reso il corpo femminile indiscusso protagonista, la fotografia, più recente ma non meno rivoluzionaria, dall’Ottocento in poi lo ha magnificato. Quasi sempre per mano maschile, ma alcune artiste qui vale la pena ricordarle per l’audacia e l’originalità creativa.
Fotografe, ritratti e auto-ritratti
Tra le prime, Virginia Oldoini, conosciuta come la Contessa di Castiglione, che nella seconda metà dell’800 dà vita a un lungo studio sull’autoritratto. Vuole mostrare, esaltare la sua bellezza: aiutata dal fotografo Pierre-Louis Pierson inventa pose, libera e stravagante, dirige le luci e le inquadrature. Non poteva certo sapere di aver inventato quello che, quasi due secoli dopo, verrà chiamato selfie. Nello stesso periodo il fotografo inglese Eadweard Muybridge compie gli studi sul movimento che emancipano definitivamente la fotografia dal complesso di subalternità alla pittura riproducendo proprio quello che l’occhio vede, diventando così autorevole testimone di realtà.
In questa ricerca del vero si pone anche il pittorialismo fotografico di Julia Margaret Cameron che, pervaso dall’influenza dei contemporanei preraffaelliti, omaggia la bellezza e la complessità femminile oltre l’apparenza. Ma è con la nascita e il successo dei rotocalchi e l’evoluzione dei mezzi tecnici che il Novecento benedice la fotografia come linguaggio d’elezione. Allora il corpo delle donne diventa il terreno di sperimentazione e manipolazione dei maestri dell’obiettivo da Man Ray ad André Kertész o il realismo di Edward Weston fino all’erotismo di Helmut Newton e alle rivoluzioni di Richard Avedon. Se scorressimo la giovane ma ricchissima storia della fotografia potremmo ammirare come gli uomini hanno rappresentato meravigliosamente il corpo delle donne. Eppure, in tutta questa bellezza si è nascosto l’inganno. Il corpo è contenuto e contenitore. Se nel ‘900 la fotografia è stata lo strumento d’eccellenza della raffigurazione, è la moda che ne ha dettato le regole, eletto muse e scolpito modelli di riferimento.
Alle donne la dolorosa fatica di adeguarsi a cliché inarrivabili. L’ esplosione dei mezzi di comunicazione di massa e la pubblicità con i suoi metamessaggi hanno fatto il resto, intrappolando i corpi femminili in gabbie multiformi non sempre riconoscibili come coercizioni. Nell’era digitale dell’intelligenza artificiale, la promessa del futuro stigmatizza l’immagine femminile con vecchi e mai dismessi modelli che imprigionano le donne in corpi artefatti. Ma c’è di più: alle prese con nuove identità, mutevoli o fluide come la definiamo, rischiamo di creare moderni stereotipi di antiche radici.
Fotografe, artiste e attiviste
La fotografia e più in generale i linguaggi della creatività, se da un lato creano miti e icone determinando gusti e suscitando emulazioni, dall’altro ci invitano a comprendere il nostro tempo, mettendoci costantemente in guardia dai tranelli della cultura dominante. Con l’avvento del femminismo e del pensiero critico si mette in discussione l’utilizzo e la rappresentazione del corpo femminile e gli stereotipi che si sono sedimentati nel tessuto culturale.
Dagli anni ’60 in poi assistiamo a una produzione sempre più diffusa di immagini come strumenti critici capaci di svelare le ambiguità semantiche. Artisti, ma soprattutto artiste, sono avanguardie indispensabili per orientarci nella confusione del nostro tempo. Dalla poesia performativa al corpo nudo che sovverte le strutture sociali di Tomaso Binga, nome d’arte e di contestazione al mondo maschile di Bianca Pucciarelli Menna, raffinata artista attivista, all’ultimo lavoro “The Fury” dell’artista e regista Shirin Neshat, che prende in esame il corpo femminile nelle culture islamiche per un’analisi ricca di sfumature sul potere nella società patriarcale con installazioni video e fotografie in bianco e nero in cui versi poetici con calligrafie incise direttamente sul corpo delle donne ne amplificano il potere comunicativo.
Meravigliosi e solenni sono gli autoritratti della sudafricana Zanele Muholi che, lungo il percorso della scoperta di sé e delle possibili identità, esplora con sempre più raffinata poetica la queerness e la blackness. Alle attiviste si affiancano artiste dall’iconografia sperimentale che assimila le evoluzioni tecnologiche per indagare quel confine tra illusione e realtà che esiste nella rappresentazione del corpo.
La francese Valérie Belin da trent’anni esamina il tema del simulacro. Manipola,stratifica per sfidare la percezione e afferma: «Non si sa cosa sia reale o meno. C’è questa dimensione di metamorfosi del vivente in cui ogni persona vuole diventare l’equivalente di uno stereotipo». Con le stesse premesse, Cindy Sherman, l’artista americana che dagli anni ’70 – da sempre lei stessa soggetto delle sue opere – ci aiuta a riflettere sull’identità e la rappresentazione delle donne. Con il nuovo lavoro scompone l’autoritratto con frammenti digitali sovrapposti, riquadrati, per un effetto perturbante, ennesima sfida che declina l’invito alla piacevolezza dell’immagine per suscitare una riflessione sulla complessità dell’identità. Ricordandoci che per non subire la narrazione altrui, per immagine e parola, dobbiamo essere artefici della nostra rappresentazione partendo proprio dal corpo che significa partire da sé stesse. Soggetti e non più oggetti.
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