Dass sich Künstler auf die Medien der Druckgraphik werfen, ist vielleicht nicht ganz so einzigartig und spezifisch, wie es die Autoren der Frankfurter Kollwitz-Ausstellung für diese Künstlerin darstellen. Schon ein frühbürgerlicher Künstler wie Albrecht Dürer hat neben Tafelbildern Kupferstiche geschaffen, auch, um dank deren leichter Reproduzierbarkeit ein größeres Publikum zu erreichen. Sicher auch um Geld zu verdienen und nicht nur von kirchlichen und hochherrschaftlichen Auftraggebern für Altarbilder und Porträts abhängig zu sein. Aber eines stimmt schon: Käthe Kollwitz (1867–1945) hat das Genre der Malerei, in dem sie ursprünglich ausgebildet worden war, schnell verlassen und sich auf Zeichnungen und Radierungen kapriziert. Farbe war ihre Sache offenkundig nicht, und es ist eine dialektische Folge ihrer generell um die Farbtöne Schwarz, Grau und Braun zentrierten Arbeiten, dass ein für sich genommen eher fahles Blau der Skizze »Arbeiterin mit blauem Schal« vor diesem Hintergrund fast schon leuchtet wie der Hintergrund einer Renaissancemadonna.
Die Frankfurter Ausstellung kann auf den großen eigenen Bestand des Städels an Kollwitz-Graphiken zurückgreifen und ist nur in wenigen Fällen auf Leihgaben angewiesen. Die gezeigten Arbeiten zeigen zunächst viele Selbstporträts, in denen die werdende Künstlerin mit Ausdrucksmitteln experimentierte. Das auch auf dem Ausstellungsplakat reproduzierte »Selbstporträt mit aufgestütztem Kopf« zeigt eine junge Frau mit eher unordentlicher Frisur, aus deren Blick vor allem Trotz spricht: Euch werd ich zeigen, dass ich als Künstlerin reüssieren kann. In einer männerdominierten Szene, in der begabte Frauen nur in »Damenkursen« ihre Ausbildung bekommen konnten.
Die junge Käthe Kollwitz rebellierte auch gegen die formalen Vorgaben, die mit dieser dekorativen Funktion weiblicher Kunst einhergingen: Von ihr sind keine Stilleben oder Landschaften erhalten, zumindest werden sie in Frankfurt nicht gezeigt. Kollwitz stellte den Menschen in den Mittelpunkt ihres Schaffens, genauer, den leidenden und den rebellierenden Menschen. Immer auch die leidende und rebellierende Frau: In dem um die Wende zum 20. Jahrhundert entstandenen Zyklus »Weberaufstand« reicht eine Arbeiterfrau ihren im Hintergrund am Tor der Fabrikantenvilla rüttelnden männlichen Genossen Pflastersteine, die sie zuvor aufgelesen hat wie sonst Kartoffeln. Im wenige Jahre jüngeren Zyklus über den deutschen Bauernkrieg steht eine Frau, die ihre Sense schärft, an zentraler Stelle, in einem anderen Bild begleitet eine Frau den Zug der Bauern und hält etwas in der Hand, was natürlich keine Handgranate ist, aber beim ersten Hinschauen so wirkt.
Käthe Kollwitz kannte das Elend des Berliner Proletariats aus eigener Erfahrung. Ihr Mann war Armenarzt und praktizierte im damaligen Arbeiterbezirk Prenzlauer Berg. Von ihr ist bekannt, dass sie ihn auf Hausbesuche bei Patienten begleitete und auch Arbeiterfrauen bat, ihr Modell zu sitzen. Die erwähnte Frau mit dem blauen Schal könnte eine von ihnen gewesen sein. Die Porträts dieser Proletarier zeugen von Not, Verbitterung, haben aber auch eine ruhige Würde: Die Protagonisten ihres Bauernkriegszyklus wissen, was sie tun und was sie riskieren. Wie genau Kollwitz beobachtet hat, zeigt eine Zeichnung einer Mutter mit krankem Kind und dessen früh gealtertem Gesicht in einer finsteren Wohnhöhle. Auch mittelalterliche Jesusdarstellungen markieren diesen Kontrast zweier Altersstufen. Ins Symbolische überhöht wirken eher die Kollwitzschen Porträts von Müttern gestorbener Kleinkinder. Und natürlich die vielen Arbeiten, in denen sie den Tod ihres jüngeren Sohnes Peter verarbeitete, den sie widerwillig als Freiwilligen in den Ersten Weltkrieg hatte ziehen lassen und der bereits im November 1918 in Flandern fiel. Ihre Doppelskulptur der »trauernden Eltern« konnte in den 20er Jahren auf dem belgischen Soldatenfriedhof nahe seinem Sterbeort aufgestellt werden, was in jener Zeit nicht selbstverständlich war.
Politisch sozialisiert wurde Käthe Kollwitz in der seit der Aufhebung des Sozialistengesetzes rasch anwachsenden deutschen Sozialdemokratie. Ihre im engeren Sinne politischen Arbeiten vor allem aus den 20er Jahren des 20. Jahrhunderts sind am Schluss der Ausstellung in einer etwas lieblos wirkenden Plakatwand gruppiert – als hätten die Ausstellungsmacher einen leichten Widerwillen gegen diesen Aspekt von Kollwitz’ Schaffen gehabt und dieses Thema eher abgehakt, weil es anders halt nicht ging. Ebenso lieblos wirken die Fototafeln in den beiden letzten Sälen, die von der Kollwitz-Rezeption in Ost- und Westdeutschland erzählen sollen. Dazu ein paar Briefmarken, der Akademiespruch »Nie wieder Krieg, nie wieder Kollwitz« und natürlich der Hinweis auf Helmut Kohl, der ihre »Pieta« vergrößern und in der Neuen Wache in Berlin aufstellen ließ. Geschichte schreiben die Sieger. Kunstgeschichte auch.
»Kollwitz«: Städel-Museum, Frankfurt am Main, bis 9. Juni
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