Alles neu hat der Mai gemacht – naja, nicht alles, aber einiges. In den Berliner Museen und Galerien haben viele neue Ausstellungen eröffnet. Unsere Kulturexpert:innen haben sie sich für Sie angesehen und wissen, was empfehlenswert ist.
1 Michael Ruetz in der Akademie der Künste
Nostalgie ist unangebracht. Sie passt auch nicht zu Michael Ruetz. Sein Projekt, Zeit mit den Mitteln der Fotografie sichtbar zu machen, hat er über ein halbes Jahrhundert so beharrlich durchgezogen, dass man seine Ausstellung in der Akademie der Künste nur bewundern kann. Großartig ist „Poesie der Zeit: Timescapes 1966-2023“ außerdem. Wie Zeit verstreicht, verdeutlicht für einen Fotografen am ehesten ein konkreter Ort, der sich über die Jahre verändert: Stadtgeschichte als Zeitgeschichte. Doch um diesen Wandel zu dokumentieren, muss man wie Ruetz jenen Ort immer wieder aufsuchen und dieselbe Perspektive einnehmen: Reichstag, Potsdamer Platz, Palast der Republik. Berlin hat das dem 1940 in Berlin geborernen Rütz ab 1989 ziemlich schwer gemacht.
Von 360 Orten zeigt Kuratorin Franziska Schmidt in der Ausstellung 23 Beispiele. Vorwiegend aus Berlin und Umgebung und stets als panoramahafte, großformatige Abzüge, die die teils tiefgreifenden Veränderungen von Jahrzehnten auf drei bis sechs Bildbeispiele verdichten. An den Standorten wie Reichpietschufer, Alexanderufer, Schlossplatz oder Tacheles wird das Grün der neunziger Jahre immer grauer, bis schließlich alles überbaut und asphaltiert ist. Einen „Zeitschock“ nennt es Franziska Schmidt. Ruetz’ Bilder genügen, um über Stadträume, ihre repräsentativen oder soziologischen Funktionen nachzudenken. Und über das Biotop Berlin, aus dem ein Paradies für Investoren geworden ist. Das alles geschieht ohne Nostalgie, aber doch mit einem flauen Gefühl. cmx
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2 Marianna Simnett im Hamburger Bahnhof
Höhenflug und Triumph, Verbrüderung, Brutalität und Wildheit, Leid und Niederlage: Nicht nur zur EM in Berlin bewegt Fußball die Massen. Marianna Simnett (*1986 in London; lebt und arbeitet in Berlin) verbindet Film, Tanz und Musik in ihrer Videoinstallation „Winner“, die sich mit den gesellschaftlichen Auswirkungen des Sports befasst. In den drei Akten verwandelt sie mit den Mitteln des Tanzes gesellschaftlich konstruierte Machthierarchien, Massenpsychologie und permanenten Leistungsdruck in eine halluzinatorische Welt, die über die Leinwand hinaus in den Ausstellungsraum übergreift. ipa
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3 Hanna Hallermann in der Hoto Galerie
Es sieht leicht martialisch aus, was Hannah Hallermann in der Hoto Galerie an die Wände gebracht hat. Wie übergroße Scheuklappen, vorzugsweise in Schwarz und einmal auch fast transparent, aber keinesfalls für Pferde gedacht. Dafür sind die beweglichen Objekte viel zu unhandlich. Die Formen tauchen stets paarweise auf. In unterschiedlichen Höhen warten sie auf jemanden, der genug von der täglichen Flut an Eindrücken hat und sich nach Ruhe sehnt. Er kann sich vor die Wand stellen und zwei dieser kissenartigen Objekte so justieren, dass sie beide Ohren bedecken. Immer haben Hallermanns Kunstwerke den Effekt von Noise-Cancelling-Kopfhörern. Bloß sehen sie besser aus und sind nur innerhalb der Soloschau „Information“ verwendbar. Draußen, im öffentlichen Raum, bleibt es beim allgegenwärtigen Rauschen, einen Komplettrückzug peilt die in Berlin lebende Künstlerin nicht an.
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Vielmehr geht es um eine temporäre Auszeit. Die künstlerische Arbeit führt viel tiefer in die gegenwärtige soziale Realität. Hallermann, die Philosophie in Nizza, Kunst in Dresden und den Umgang mit digitalen Materialien an der Kölner Kunsthochschule für Medien studiert hat, ist selbst zwiegespalten. „Führt ein abgeschirmter, fokussierter Blick zu mehr Klarheit oder zu einem Verlust an Übersicht?“, lautet eine ihrer Fragen, die sie mithilfe dieser neuen Werke formuliert. Ihre „Scheuklappen“ sind ein Angebot, selbst mit den Effekten einer zeitweiligen Verweigerung zu experimentieren. cmx
4 Sex. im Jüdischen Museum
Bis heute herrscht keine Einigkeit über das Wie, Warum und Mit wem (nicht) in der jüdischen Kultur. Im Jüdischen Museum kommen sie alle zur Sprache, talmudische Gelehrte und mittelalterliche Philosophen, moderne Sexualtherapeutinnen oder zeitgenössische Kunstschaffende. Wie Ronald B. Kitaj, der seiner geliebte Frau Sandra Fisher gedachte, indem er sie als Personifizierung der Shekhina, der weiblichen Präsenz Gottes, darstellte. Oder wie der homosexuelle Fotograf Benyamin Reich, der von seiner streng religiösen chassidischen Familie Abstand nahm. Das Bild eines scheinbar frisch verheiratetes ultraorthodoxen Paares auf dem Ehebett aus der Serie „Divine Connection“ (s. Bild) wirft mehr als eine Frage auf. ipa
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5 Modigliani im Barberini
Von Amedeo Modigliani heißt es, er habe praktisch jede Art von Drogen ausprobiert – und vor allem jede Menge Affären gehabt. Dementsprechend wurde bisher auch sein Werk betrachtet: besonders seine damals skandalösen Akte, für die er heute berühmt ist. 1884 im italienischen Livorno geboren, verbringt er den Großteil seines Lebens im avantgardistischen Frankreich. Doch trifft das Image des drogenabhängigen Frauenhelden so zu?
„Wir haben in Modiglianis Schaffen eine Gruppe von Bildnissen ausgemacht, die Frauen schon während des Ersten Weltkriegs mit Bubikopf und Männerkleidung zeigen“, so Ortrud Westheider, Direktorin des Museums Barberini. „Modigliani hat unkonventionelle, emanzipierte Frauen früher gemalt als jeder andere. Diese Entdeckung hat uns stutzig gemacht.“ Das Ergebnis: eine gemeinsame Ausstellung mit der Staatsgalerie Stuttgart, die den Künstler erstmalig vor dem Hintergrund der europäischen Kunstentwicklung zeigt und seine Frauenbildnisse und Akte neu betrachtet. Ein kritischer Blick auf die Quellen zeigt den Ausstellungsmachern: Modigliani war mit souveränen und intellektuellen Frauen befreundet und suchte offenbar Beziehungen auf Augenhöhe. „Wir wollen zeigen, dass die selbstbewussten Frauen, die wir zuvor gezeigt haben, auch die Modelle für die Akte waren“, so Westheider. Die Ausstellung stellt 56 Porträts und Akten Modiglianis 33 Gemälde, Zeichnungen und Skulpturen anderer Künstlerinnen und Künstler wie Gustav Klimt, Egon Schiele und Paula Modersohn-Becker zur Seite. thp
6 Francisco de Almeida in der Brasilianischen Botschaft
Putti, schwarze und weiße, schweben vor blauem Hintergrund, umgeben von vielzackigen Sternen. Kerzen stehen auf Ständern, aber sie brennen nicht; Pfauen und andere Vögel, aber auch Schlangen und Krokodile bewegen sich am Grund. Es ist eine surreale Szenerie, die Francisco de Almeida da ausbreitet und das auf Blättern im Format drei mal eineinhalb Meter. Ja, es sind Blätter aus Papier, denn Almeida erschafft Holzschnitte. Um die enorme Größe zu bewältigen, hat er sich eine eigene Druckerpresse gebaut, mit der er abschnittsweise drucken kann, unter vollem Einsatz des eigenen Körpers.
Francisco de Almeida, der 1962 in Crateús im Bundesstaat Ceará im Nordosten Brasiliens geboren wurde und in Fortaleza Holzschnitt bei Sebastiao de Paula studierte, stellt erstmals außerhalb von Brasilien aus, in der Botschaft seines Landes in Berlin. Er erschafft „Welten, von denen er sagt, dass sie in seinen Träumen leben“, zitiert Ausstellungskuratorin Tereza de Arruda den Künstler. Die Ausstellung bietet Gelegenheit, sich in diese Traumwelt und damit in das Erbe der Volkskunst des brasilianischen Nordostens zu versenken. Ihr sind zum Vergleich großformatige Holzschnitte anderen Künstler beigegeben, darunter von Kiki Smith oder Ilya und Emilia Kabakov. Mit dem Bilderreichtum Almeidas nimmt es keiner auf. Es ist, als ob auch sein rekordverdächtiges Großformat nicht ausreichte, um zu fassen, was immer er erträumt. Kein Zweifel, da ist ein ganzer künstlerischer Kontinent zu entdecken. BS
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