Als Bettina Jahnke 2018 ihre Intendanz in Potsdam begann, tat sie das mit einer der interessantesten Stimmen des deutschsprachigen Gegenwartstheaters im Gepäck. Die inhaltliche Wut, der sprachliche Furor von „paradies spielen“ fegte das Premierenpublikum fast von den Sitzen. Der Autor hieß Thomas Köck. Der Regisseur, der diesen Text auf hochtourige, feinstens durchrhythmisierte Weise für die Bühne bändigte, war Moritz Peters.
Sechs Jahre später ist das Doppel zurück. „eure paläste sind leer (all we ever wanted)“, so der Titel diesmal. 2018 war das Stück der Schlussgong zu einer von Köck selbst so genannten „Klima-Trilogie“. Adäquat, dass das Hans Otto Theater sich ein Köck-Stück ausgesucht hat, um auszutesten, wie sich Nachhaltigkeit in die Praxis umsetzen lässt. Einige der Maßnahmen listet ein Handzettel: mindestens 50 Prozent wiederverwertbare Materialien, Ökostrom, LED-Scheinwerfer, Kostüme aus dem Fundus, reduzierte Fahrtwege. Und nein, die Ausstattung (Henriette Hübschmann) sieht in keiner Weise wie eine zweitbeste Lösung aus.
Ein Du mit vielen Gesichtern
„eine missa in cantu“ steht im Untertitel dieses Stücks. Eine gesungene Messe also, eine Totenmesse, wie bald klar wird. Gestorben ist ein nicht näher benanntes Du. Die Zivilisation? Der Kapitalismus? Die Welt, wie wir sie kannten? Das Du hat viele mögliche Gesichter, das Publikum in der Reithalle ist eins davon. Gleich zu Beginn wirft ein siebenköpfiger Chor, an der Rampe stehend, direkt in den Saal: „Ich habe dich doch geliebt.“ Diese überdeutliche Handreichung in Richtung Publikum wird sich später in tatsächliche Umarmungen auswachsen. Sie dürfte ein Grund dafür sein, warum, kleiner Spoiler, sich das aufrüttelnde Theatererlebnis von 2018 hier nicht wiederholen lässt.
was mensch tatsächlich war erkennt man im verfaulen der reste.
Zitat aus „eure paläste sind leer“ von Thomas Köck
Erstmal aber streunen der Chor, sechs staubbeträufelte Anzugtragende, und Kristin Muthwill als Seherin im Glitzereinteiler durch einen verfallenen Palast. Der Chor klagt, klagt an („wieso hast du das zugelassen“), die Seherin mit blonder Mähne (Kassandra?) verharrt im Hab-ich’s-euch-nicht-gesagt-Modus. Mal verzweifelt, mal ratlos, nicht ohne Komik. Über allem aber dräut riesenhaft ein „zu spät“: Eine namenlose Herrscherin ist längst weg, wo sie herrschte, nisten jetzt Vögel. „was mensch tatsächlich war erkennt man im verfaulen der reste“.
Mensch drängt zum Golde hin
Der so metaphernreich aufgeladene Palast selbst besteht auf der Bühne aus drei hohen Wänden aus halbtransparenter Plastefolie (weiterverwendbar), in der Mitte säuberlich aufgereihte Gebetshocker (bereit zum Upcycling). Kathedrale, Plenarsaal, Schule? Reminiszenz an Orte der Erleuchtung, so oder so. Immer wieder ist auch auf der Bühne von der Suche nach „ewigem Licht“ die Rede. Ein Fetisch-Gedanke, der in Köcks Analyse aber natürlich nur vordergründig religiöser Natur ist. Tatsächlich drängt mensch zum Golde hin, konkret hier: nach Eldorado. Jenem mythischen Ort im Amazonas, von dem sich spanische Eroberer im 16. Jahrhundert größte Reichtümer versprachen.
In Köcks Stück ist die Eldorado-Ebene, inklusive Schwerter, Helme, Rüstungen, nur einer von drei Erzählsträngen. Aber er ist der eindrücklichste, gibt den Spielenden am meisten Futter. Wie Arne Lenk augenrollend den Klaus-Kinsky-haften Don Gairre gibt, Philipp Mauritz den erst verschämten, dann ins irre, frauenfeindliche Delirium abdriftende Don Stepano, das hat große Theatermomente. Von diesem historischen Urmoment kapitalistischer Selbstfindung schwappt die Erzählung dann in eine Fleischfabrik in den USA und Szenen von Drogenabhängigkeit, Armut, Tod. Man ahnt: Alles hängt hier irgendwie zusammen. Aber wie?
Untergang, „so weit erträglich“
Die Überforderung ist natürlich Konzept. Kann ein Stück überhaupt Gegenwart abbilden und nicht überfordern? Und, ja: Alle suchen sie in diesem Stück das Licht, auf ihre Weise. Nur fügt sich das weder zu einem organischen noch zu einem selbstbewusst widerborstigen Ganzen zusammen. „eure paläste sind leer“ verheddert sich nicht nur in der eigenen Bedeutungshudelei, sondern auch in einer Dynamik, die der Chor der Seherin einmal vorwirft. Da ist vom „untergang“ die Rede, „den du immerzu prophezeist allerdings nur so weit erträglich“.
Als hätte die Regie dem düsteren Gewicht des Textes nicht getraut, stürzt sie das Ensemble am Ende in eine Art nicht enden wollende Vergebungsspirale. In deren Verlauf wird gesungen, umarmt und wieder gesungen. Ein großes Erlösungsfinale. Aber Erlösung wovon eigentlich? Bemerkenswert bleibt: Die Spieler geben sich in dieses Finale so rückhaltlos hinein, dass sie es schaffen, dieser nicht durchweg geglückten Inszenierung zumindest die Möglichkeit von Glück abzutrotzen. Wir ahnen: Sie liegt in der Musik. Und bei denen, die nach uns kommen.
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