Über den Expressionisten Max Pechstein (1881-1955) scheint seit längerem in Kunstgeschichte und Ausstellungsbetrieb alles gesagt. Als Mitglied der Künstlergemeinschaft „Brücke“ zwischen 1906 und 1911 nutzte der Maler ähnlich wie seine Kollegen Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Emil Nolde und Karl Schmidt-Rottluff die Farbe als Ausdrucksmittel für subjektives Empfinden und löste sie dabei vom realen Gegenstand. Das galt auch für die Sonne, die er in allen denkbaren Farben von Rot und Orange bis hin zu Weiß, Pink, Blau, Grün und Schwarz malte. Das Hessische Landesmuseum in Wiesbaden hat sie jetzt als lebenslanges Lieblings-Requisit und zentrales Motiv auf Pechsteins Bildern ausgemacht.
Die Sonne - bisher offenbar nicht beachtet als roter Faden in seinem Schaffen - wird nun erstmals in einer Ausstellung thematisiert: Die Retrospektive „Max Pechstein – Die Sonne in Schwarzweiß“ im Hessischen Landesmuseum zeigt jüngste Forschungsergebnisse, farbenprächtige Gemälde und kontrastierende schwarzweiße Arbeiten des Künstlers.
Initiator und Kurator der Schau ist Roman Zieglgänsberger, Kustos für die Klassische Moderne am Museum Wiesbaden. Er nennt Max Pechstein den „Sonnenmaler des 20. Jahrhunderts“ und wundert sich, dass niemand zuvor den Himmelskörper als Pechsteins Hauptgegenstand identifiziert hat, obwohl er doch ganze Werkgruppen und Schaffensphasen inspirierte: „Bislang ist übersehen worden, dass Pechstein die Sonne nicht einfach nur deshalb immer wieder gemalt und in der Druckgrafik dargestellt hat, weil sie eben da war und zu einem Landschaftsbild dazu gehört, sondern weil er mit ihr explizit inhaltliche Aussagen zum Ausdruck bringen wollte.“
Sonne und Erde gehören für Pechstein unabdingbar zusammen. Die Sonne gliedert als „irdisches Licht“ nicht nur den Tag, die Woche, das Jahr oder für die Fischer existenziell die Gezeiten. Pechstein begreift sie auch als „kosmisches Licht“. In diesen Bildern spielt der Mensch keine Rolle, da er hier in weitaus größeren Zeitperioden denkt.
Zudem begegnet die Sonne in Pechsteins Werk dem Betrachter auch als Licht der Erkenntnis, als göttliches Licht und sogar als böses, feindliches Licht, das Menschen ins Verderben führt: so wie die explodierende, todbringende Bombe neben der eigentlichen Sonne auf dem Kriegsbild von 1917.
Das Museum Wiesbaden nähert sich dem Werk Pechsteins nicht chronologisch, sondern über seine großen Themen: Akt und Figur, Bühne und Tanz, Südsee-Paradies und Krieg, Boote und Fischer, Familie und Religion. In acht Räumen werden 161 zwischen 1906 und 1953 entstandene Werke präsentiert. Dazu gehört auch ein Selbstporträt des Künstlers als junger Mann auf einem großformatigen, selten gezeigten Werk von 1909 aus Privatbesitz.
Zu den Hauptleihgebern zählen neben dem Berliner Brücke-Museum die Kunstsammlungen Zwickau aus der Geburtsstadt des Malers und die Familie Pechstein. Die Ausstellung kombiniert geschickt farbenfrohe Gemälde mit schwarzweißen Holzschnitten, Radierungen und Lithografien. Der Dialog beider Genres verdeutlicht, dass die fehlende Farbe für den Expressionisten in seiner Druckgrafik kein Manko bedeutete. Denn das Schwarzweiß steigerte den Ausdruck, indem es zu Beschränkung zwang und maximalen Kontrast bot.
Max Pechsteins schwarzweiße Federzeichnung „Ausfahrendes Kanu I“ von 1914 ist in der Wiesbadener Schau nicht zu sehen. Die 14,2 mal 22,8 Zentimeter große Szene mit Dorfbewohnern, entstanden auf einer viermonatigen Reise nach Papua-Neuguinea unmittelbar vor Beginn des Ersten Weltkriegs, gehört zu Pechsteins unendlich vielen Pazifik-Impressionen.
Das Bild, anhand dessen Nicola Kuhn in ihrem kürzlich erschienenen Buch „Der chinesische Paravent“ über kolonialistische Erbstücke in deutschen Wohnzimmern unter anderem die Südsee-Träume von Max Pechstein dekonstruierte, hängt heute in der Hamburger Wohnung seiner Enkelin Julia Pechstein. Kuhn wirft diesem und den vielen weiteren Südsee-Bildern Pechsteins vor, dass sie koloniale Realität ausblenden und als trügerische, heile Idylle romantisieren: als koloniale Importware aus einem der deutschen Schutzgebiete. Ozeanien habe es so nie gegeben.
Der Wiesbadener Ausstellung muss man zugutehalten, dass sie die heutige Sicht auf Pechsteins vermeintliches Südsee-Paradies und den damit verbundenen Kontext von Vereinnahmung, Ausbeutung und Rassismus nicht verschweigt. Das Kapitel „Südsee-Paradies“ stellt die stilisierte Unberührtheit von Pechsteins lebenslanger Sehnsuchts-Oase Palau bereits für 1914 nachdrücklich infrage.
„Gemalt hat Pechstein vielfältige Motive mit Bezug zu dieser Reise im Nachhinein trotzdem und immer wieder, und das in einer verklärenden, den verheerenden Kolonialismus ausklammernden Sicht der Dinge“, heißt es dazu im Wandtext. Mit seinen verdienstvollen, jüngsten Forschungsergebnissen und dem Problembewusstsein zu Pechsteins kolonialer Künstlervergangenheit holt das Museum Wiesbaden Max Pechstein berechtigt in die aktuelle Diskussion zurück.
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