NUEVA YORK – Hoy en día, a la mayoría de las personas que buscan triunfar como artistas se les recomienda seguir un camino hiperprofesionalizado, comenzando con la inscripción en uno de un grupo selecto de programas de maestría en Bellas Artes.
Pero como nos recuerda una nueva exposición, no siempre fue así. "Americans in Paris: Artists Working in Postwar France, 1946-1962", en el Museo de Arte Gris de la Universidad de Nueva York, celebra la educación amigable, informal y a menudo autodirigida de los expatriados en la capital francesa después de la Segunda Guerra Mundial.
"Americans in Paris" inaugura el espacio artístico reubicado y renombrado de la universidad; se mudó de Washington Square, donde se la conocía como Grey Art Gallery, varias cuadras al este, hasta Cooper Square.
La muestra dedica mucha atención académica a una parte de la historia del arte (la pintura abstracta en Europa occidental en las décadas de 1950 y 1960) que no está precisamente poco estudiada.
Y llega en un momento en que la Bienal de Venecia de 2024, "Extranjeros en todas partes", promueve una idea muy diferente del expatriado (con un enfoque en el Sur Global y en los artistas queer e indígenas).
El título de la exposición inevitablemente recuerda la clásica película de Vincente Minnelli de 1951, "Un americano en París", protagonizada por Gene Kelly como un veterano de la Segunda Guerra Mundial convertido en pintor, cuyos bailes y cortejos resultan ser más logrados que sus pinceladas.
Pero dentro de un terreno familiar, la muestra (organizada por la directora de Grey, Lynn Gumpert, con la curadora independiente Debra Bricker Balken) encuentra nuevas voces y perspectivas.
Entre sus 70 artistas hay algunos que han estado recibiendo la atención debida por parte de la academia y el mercado (incluidos Ed Clark, Beauford Delaney y Shirley Jaffe), y un par más que no lo han recibido pero que deberían recibirlo (el más destacado de ellos es el escultor Shinkichi Tajiri).
En el fondo, la exposición también trata sobre cómo los artistas aprenden y se desarrollan.
No sería inexacto llamar "Estadounidenses en París" un anuncio de la Declaración de Derechos de los Soldados, que financiaba la educación universitaria de los veteranos y cubría muchos gastos de manutención.
(Sin embargo, algunas de las figuras más importantes del programa, Joan Mitchell y Claire Falkenstein, así como escritores como James Baldwin, que fueron fundamentales para el desarrollo de la escena, tuvieron que llegar a Francia sin apoyo del gobierno).
Los curadores también tienen cuidado en señalar que, si bien el GI Bill ayudó a permitir el auge de los expatriados, las mujeres y hombres de color que habían servido a menudo enfrentaron discriminación al solicitar sus beneficios.
Muchos de los que pudieron aprovechar la factura se inscribieron en una escuela de arte o en un taller privado y recibieron un estipendio mensual de 75 dólares, suficiente para cubrir la comida y el alojamiento sin tener que aceptar un trabajo diario.
La verdadera escolarización tuvo lugar fuera de las clases formales:
en los estudios de otros artistas, en viajes a museos de París, durante largos almuerzos en cafés o mediante la participación en exposiciones y salones.
Ellsworth Kelly, que era un veterano, se saltó las clases en la École des Beaux-Arts, donde se centraba en el dibujo de figuras (algo que ya había estudiado en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston).
Su educación más formativa en el extranjero tuvo lugar durante una visita al estudio del anciano artista de vanguardia Jean Arp en 1950, donde vio collages realizados con procesos aleatorios.
Y a Kelly también le afectaba el simple hecho de estar en los espacios públicos de París y sus alrededores, donde tomaba fotografías de las sombras proyectadas por balcones, escaleras y otros elementos arquitectónicos.
Su maravilloso cuadro "Talmont" de 1951 da fe de ambas influencias, organizando curvas verdes irregulares derivadas de collages de papel recortado en una cuadrícula precisa.
Frente al trabajo de Kelly en la exposición cuelgan pinturas de la artista estadounidense nacida en Cuba Carmen Herrera, quien expuso junto a él en el Salon des Réalités Nouvelles (Salón de Nuevas Realidades) anual, una incubadora de abstracción geométrica.
Herrera dijo más tarde que el salón ofrecía "el tipo de arte que toda mi vida quise hacer".
Su impacto en la trayectoria de Herrera se puede ver en tres lienzos expuestos, en los que ella reduce gradualmente sus composiciones mientras llama la atención sobre los bordes y superficies de sus soportes.
Otros artistas vivieron experiencias transformadoras similares en los museos de París.
Cuando el Museo de la Orangerie reabrió sus puertas en 1953 después de las reparaciones de los daños causados por la guerra, sus galerías dedicadas a los últimos murales de nenúfares de Claude Monet sorprendieron a los pintores Delaney y Sam Francis.
Impacto
Delaney, como se ve en los préstamos del MoMA y el Whitney, comenzó a hacer abstracciones de pequeñas marcas gestuales irradiadas con luz dorada; Francisco adoptó una nueva paleta de azules y verdes profundos, utilizada con un efecto majestuoso en el lienzo a gran escala "Blue Out of White" (1958), prestado aquí por el Hirshhorn.
Para Tajiri, un japonés-estadounidense que fue encarcelado en campos de internamiento de California y Arizona después de Pearl Harbor y más tarde sirvió en el segregado Equipo de Combate del 442.º Regimiento, conocido como el "Yankee Samurai", París ofreció un respiro de la discriminación que había enfrentado en Estados Unidos. Estados Unidos y sus militares (y en el Instituto de Arte de Chicago, donde se había inscrito brevemente en el GI Bill).
Encontró un sentido de pertenencia como fundador de la Galerie Huit, dirigida por artistas, donde los otros miembros incluían a los afroamericanos Harold Cousins, Herbert Gentry y Haywood Rivers.
Tajiri, al igual que Kelly, encontró material en lugares de la ciudad que fácilmente pasan desapercibidos, recogiendo chatarra y piezas de máquinas de depósitos de chatarra a lo largo del Sena, componiendo "esculturas de un día" transitorias que ahora existen sólo como documentación de la fotógrafa Sabine Weiss.
Entre las obras de Tajiri que se conservan en el Gray se encuentran dos extraordinarias esculturas prestadas de colecciones de los Países Bajos, donde finalmente se instaló.
"Lament for Lady (for Billie Holiday)", un montaje de 1953, rinde homenaje a Holiday con un pequeño retrato fotográfico colocado sobre un inusual instrumento de metal que incorpora válvulas de trompeta y un cabezal de ducha. "Wounded Knee", del mismo año, extiende las experiencias personales de dolor y desplazamiento de Tajiri a los indígenas americanos, con quienes sentía un parentesco.
(Su internamiento en Arizona fue en un campamento dentro de la Reserva India del Río Colorado).
El título de la obra y sus púas de hierro soldado teñidas de rojo aluden a la lesión en la pierna del artista durante su servicio en tiempos de guerra, así como a la masacre de los Lakota en 1890. personas en Wounded Knee en Dakota del Sur.
Mientras Tajiri encontró una comunidad en París, otros artistas llegaron a la ciudad en busca de un aislamiento productivo.
Mitchell, representada por dos lienzos verde sobre blanco de 1960, de gestos robustos, buscaba escapar de lo que ella llamaba el "sistema estelar" del mundo del arte de Nueva York.
Falkenstein, una escultora con inclinaciones matemáticas y científicas, dejó el Área de la Bahía "para estar sola y resolver ciertos problemas que tenía que resolver por mí misma", como dijo más tarde.
Aún así, los críticos de arte de la época escribieron a menudo sobre el trabajo de Mitchell y Falkenstein en relación con el arte que se hacía en los Estados Unidos.
Michel Tapié, por ejemplo, vinculó a Falkenstein con Francis y Mark Tobey en lo que llamó la "Escuela del Pacífico" (una especie de variante del expresionismo abstracto de la costa oeste).
La importante publicación del programa tiene mucho más sobre las rivalidades internacionales de la época y los movimientos y submovimientos que definieron la escena parisina.
(Una lista parcial incluiría Art Informel, Tachisme, Nouvelle Réalisme y Abstraction Chaude).
Y tiene un hilo narrativo crucial que no está tan presente en la muestra, vinculando a artistas afroamericanos como Delaney y Clark con escritores, incluido Baldwin, quienes seguían el movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos y, en París, la lucha por la independencia de Argelia.
Baldwin es citado a lo largo del principal ensayo curatorial del libro, y destaca un pasaje de su ensayo de 1961 "La nueva generación perdida":
"Lo que Europa todavía le da a un estadounidense –o nos dio a nosotros– es la autorización para convertirse en uno mismo. Ningún artista puede sobrevivir sin esta aceptación".
Entre las muchas formas invaluables de educación artística que se detallan en "Americanos en París", esta puede ser la más importante.
'Estadounidenses en París: artistas que trabajaron en la Francia de la posguerra, 1946-1962'
Hasta el 20 de julio, Grey Art Museum, 18 Cooper Square, Manhattan; 212-998-6780, greyartmuseum.nyu.edu.
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