Distintos personajes llevan el mismo nombre. No se trata de una secuela sino de una experiencia dramatúrgica discontinua donde el autor se ubica en situaciones ficticias y, de ese modo, deviene una criatura inventada. Sergio Blanco nos ofrece en cada una de sus obras un protagonista que tiene su nombre pero lo lleva a habitar historias que no responden a una voluntad autobiográfica. A este mecanismo de montaje, bastante borgeano, entre un dato real y episodios dramáticos que no obedecen necesaria y únicamente a lo vivido, el dramaturgo y director franco-uruguayo decidió inscribirlo en la tradición del género de la autoficción.
Lejos de una escritura del yo que se toma a sí misma como una referencia exclusiva y total, Blanco plantea obras asociativas donde se embarca como personaje en una compilación de conflictos que parecen expresar un interés por recrear ciertas formas de la tragedia. El dramaturgo evita la estrategia confesional, sus piezas son artefactos que se sustentan en una factura ensayística donde se vinculan imágenes audiovisuales, música, dispositivos tecnológicos que apelan también al desempeño académico de Blanco en las áreas de la filología y las artes escénicas, ya que hay una impronta teórica que se acopla al devenir dramático.
Cuando pases sobre mi tumba, la obra que Blanco presentó en el FIBA del año 2020 llevaba al extremo ese yo que se aventura en la ficción, al contar su muerte en una clínica donde le practicaban un suicidio asistido. Una banda de rock irradiaba cierta euforia mientras abría una reflexión sobre ese punto de la existencia donde se elige morir. El dato real (su nombre) generaba un nivel de implicancia y también de irritación en el público. El conflicto no se limitaba a la trama sino que se manifestaba en la estructura e involucraba el campo de la recepción.
Por estos días, Sergio Blanco está en Buenos Aires acompañando las funciones de Tierra en el Teatro San Martín, una obra que en el plano argumental surge como el duelo por la muerte de su madre. El director y dramaturgo, que nació en Uruguay en 1971 y desde muy joven vive en París, reflexiona sobre los procedimientos de la autoficción en esta entrevista con Ñ.
–La autoficción es como una forma de actuación desde la escritura, ¿estás de acuerdo?
–La autoficción en términos literarios es lo mismo que la actuación en términos teatrales. El intérprete está trabajando con su cuerpo, sus emociones y lo proyecta a un campo de ficción. La persona que escribe siempre lo hace a partir de sí misma, lo que hace la autoficción es evidenciar esta implicación. Técnicamente uno de los pilares de la autoficción es que autor, personaje y narrador son los mismos.
La ficción no es necesariamente inventar cosas sino que la propia elección de las palabras ya está creando ficción, eso quiere decir que la ficción está mucho más presente en nuestras vidas de lo que pensamos porque siempre estamos contándonos. Les propongo a mis estudiantes el ejercicio de contar lo que les pasó el día anterior en tres tiempos verbales distintos y eso va a llevar a tres relatos distintos. Lo mismo sucede con el cambio del punto de vista.
–En la escena de los cómicos de Hamlet se escenifica una verdad de estado (la muerte del rey). Hamlet no dice Claudio mató a mi padre, elige presentar esa verdad bajo la forma de una ficción.
–Hamlet, de alguna manera, hace autoficción porque cuando llegan los cómicos ellos traen una obra que es La muerte de Gonzago y lo que hace Hamlet es tomar a uno de esos cómicos y pedirle si lo deja cambiar dos o tres versos y va a modificar el alejandrino. Lo que hace Hamlet es autoficción pura, toma un texto y en ese texto mete algo de lo vivido, cambia cuatro versos y dice que el teatro será la trampa que atrapará la conciencia del rey.
En ese episodio central (no por azar está en el centro mismo de la obra) nos está mostrando el poder que tiene el teatro de hacernos ver la realidad, incluso cuando nos aleja de la realidad. Cuando Claudio interrumpe la escena lo primero que grita es "Luces, luces, luces", en realidad está pidiendo las antorchas para que lo saquen del palacio pero también podemos entender que el teatro le está haciendo ver algo.
–En tus obras la muerte tiene un tratamiento que la acerca a la tragedia porque siempre tiene un lugar político. ¿Estás pensando en una tragedia contemporánea?
–Una de las cosas que tiene el héroe trágico es que enfrenta la muerte, no huye, hay una cierta erótica de la muerte, prefiere morir antes que la deshonra, la deslealtad o el fracaso. Esta obra que presento en Buenos Aires, Tierra, trata sobre la muerte desde un lugar muy distinto porque habla del duelo. No es como en Cuando pases sobre mi tumba que el personaje tenía esa carga de insolencia, ese lugar donde él mismo quería decidir sobre su muerte. Acá el personaje está más a tierra, lo dice en un momento: "Yo antes no sabía lo que era la muerte, ahora lo sé".
Este personaje que perdió a su madre, que la acompañó en la muerte, que la enterró, ve la muerte desde otro lugar, es un yo que ha madurado y esa experiencia de la muerte lo ha conectado más con la vida, que es lo lindo que tiene Tierra que reflexiona desde otro lugar, incluso aparece el tema de los desaparecidos porque uno de los personajes está buscando a su padre desaparecido. Todas mis obras hablan de la muerte desde distintas perspectivas, en Tebas Land desde el parricidio, en La ira de Narciso desde el asesinato, en El bramido de Düsseldorf imagino la muerte de mi padre.
Esta obra habla del miedo a la muerte y qué alternativas tenemos frente a la muerte. El acto primero se cierra con una frase que dice "Las madres no tendrían que morirse nunca" y otro personaje le contesta: "Los hijos tampoco". Hay algo muy terrible en la muerte ¿Hay posibilidad de resistir a la muerte? Yo creo que si, el arte, la escritura como dice San Agustín, fueron inventadas para poder seguir dialogando con los muertos.
Uno puede dialogar con los muertos, uno puede conectarse desde otro lugar, uno puede seguir teniendo un vínculo con los muertos y eso es lo que plantea esta obra ¿Qué lugar le hacemos a los muertos? Yo no me había hecho esta pregunta hasta la muerte de mi madre y esa pregunta me habitó día y noche durante mucho tiempo ¿Qué lugar le hago ahora yo a mi madre muerta?
–La autoficción es una forma estética que además de generar un conflicto a nivel argumental también genera un conflicto en relación al espectador.
–Esta es una de las cosas con las que más insisto a mis estudiantes cuando doy clases de dramaturgia. El territorio del conflicto se ha desplazado en las estructuras de teatro contemporáneo. El conflicto no es sólo intra-escénico sino que empieza a ser extra- escénico, en el vínculo que tiene la escena con la sala, en particular la autoficción tiene eso que el público va a entrar en tensión con lo que está pasando.
Ya solo preguntarse si esto es verdad o es mentira pone al espectador en una ambivalencia permanente. Martín Cedres, un teórico uruguayo, habla del espectador vacilante y yo juego con eso. En esta obra un personaje se pregunta si ese diario de trabajo era realmente " el diario de trabajo de la madre de Sergio que murió".
El principal conflicto hoy en día es pensar qué es verdad y qué es ficción. Ese vacilar compromete al espectador, lo involucra en sus pensamientos, sus emociones, se genera una especie de erótica de la percepción. La autoficción establece un conflicto entre la escena y la sala.
–Me interesa cuando decís que el componente político de la autoficción está en entregar el cuerpo a la polis ¿Hay un gesto de exponerse pero para ofrecerse también al cuestionamiento?
–Lo más político de la autoficción es que uno pone su cuerpo ahí como un acto, no tanto de coraje, sino de generosidad y la política tiene que ver con el modo en que somos generosos con la comunidad. No se trata de qué me da la comunidad sino qué puedo dar yo a la comunidad. Yo he trabajado mucho en África y en comunidades milenarias, la pregunta no es tanto qué me va a dar la comunidad sino qué puedo dar yo.
La autoficción tiene algo de "Vengo a ofrecer mi corazón" en un gesto político pero no de coraje o de heroísmo o de valentía sino de generosidad, de expiación. Voy a presentar mi cuerpo para hablar del cuerpo de los demás y realmente es un acto de humildad y de generosidad. A veces la gente dice: Hablar de uno es egocentrismo pero es todo lo contrario, traigo mi yo porque es lo único que tengo para dar ¿Puedo aportar algo al misterio de lo que es una comunidad?
*Tierra se presenta de miércoles a domingos, a las 20.30, en el Teatro San Martín, desde el 24 de abril al 5 de mayo.
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