La escena ya ha comenzado. Como si una fuerza mecánica que no puede detenerse guiara la acción, el mundo ficcional es una suerte de artefacto que se desarma y recompone para tomar formas inesperadas. Einstein on the Beach, la ópera minimalista creada por Robert Wilson y Philip Glass que se estrenó en 1976 en el Festival de Avignon, es una experiencia que hace de la repetición un ritmo pero también un soporte filosófico, una especie de unidad o síntesis de un universo que surge como si hubiera perdido toda posibilidad de orden y apareciera descarriado o, tal vez, como si el caos que implica vivir en una ciudad en el siglo XX descubriera un modo de contarse en escena.
Esta ópera que ofrece dos nuevas funciones el 25 y 26 de abril en el Teatro Colón en la versión que el año pasado presentaron el compositor Martín Bauer, director del programa Colón Contemporáneo, y Rodrigo De Caso desata la potencia instrumental del siglo XX en una dinámica que necesita automatizarse. Entonces Einstein es una figura beckettiana a la que se alude en el atuendo de las dos narradoras interpretadas por Analía Couceyro y Maricel Álvarez y el narrador a cargo de Iván García pero, por supuesto, ellos no son Einstein, solo toman el vestuario como parte de una cita espectacular.
El texto remite a las manifestaciones onomatopéyicas de James Joyce, a las variantes rotas de una gramática que vuelve sobre sus temas y formulaciones. La lógica beckettiana está en ese sinsentido manifiesto que dialoga con la música minimalista en la dirección del francés Léo Warynski, con el coro que también abre las frases hasta convertirlas en exclamaciones. Lo mismo sucede con la intervención de la soprano Carla Filipcic-Holm, las sílabas, las vocales, las notas hablan desde su destripamiento, desde una soledad que nos impulsa a escuchar a partir de la acumulación, como si aprendiéramos un idioma desde la desconexión de las palabras.
Maricel Álvarez es una estudiosa del mundo de Wilson, el escenógrafo, actor, director que aquí ocupa el rol de un autor conceptual, una especie de editor de textos que involucran a Lucinda Childs ( la coreógrafa de la versión original ) y al poeta Christopher Knowles, un adolescente autista del que Wilson toma fragmentos de sus escritos para esta obra. Álvarez, que ha seguido durante años esta alianza artística donde el dramaturgo norteamericano "puso en valor el trabajo de este adolescente un tanto marginal", considera que ese estilo, en apariencia nonsense, en realidad está poblado de referencias tomadas de la radio de los años setenta, ya que el adolescente estaba prendado de la mañana a la noche de las transmisiones radiofónicas y de canciones populares de la época como el personaje de Mr. Bojangles que se convierte en un leitmotiv.
Ir hacia el lenguaje como una matriz despojada de toda voluntad narrativa genera la posibilidad de entenderlo como pura sonoridad, como un ritmo que delata otra capacidad de establecer un sentido. La gestualidad responde a ese impulso y no al propósito de conformar un relato. Einstein on the Beach se cuenta como si la ópera se convirtiera al género ensayístico.
Una maqueta donde se destaca un tren de juguete, ligado a una afición que tenía Einstein, no es solo un dato escenográfico. Wilson estudió arquitectura y pensó esta ópera como una serie de dibujos. El libreto hace de la palabra un esqueleto con unas breves indicaciones que deberán completarse con la creación de un campo conceptual en torno a los temas propuestos.
La versión de Martin Bauer es la única que incorporó en escena una narrativa cinematográfica que no se limita a un material filmado sino que el equipo, a cargo de Alejo Moguillansky, dispone los rieles de un travelling en el escenario del Colón y la filmación se realiza en vivo. Bauer supo captar la confección visual de esa obra y el carácter dramático de las imágenes donde Mariana Tirantte se encarga del concepto escenográfico y las luces de Matías Sendón devienen una entidad cercana a un personaje.
En Einstein on the Beach las cosas manifiestan su agenciamiento y las personas se asimilan al engranaje de cada elemento que hace posible el funcionamiento total. Este trabajo de conjunto se convierte en el procedimiento que permite graficar el movimiento invisible del mundo. Los artistas se mezclan con los operarios que efectúan el armado escénico donde se enlazan los elementos y las figuras en una dramaturgia asociativa. Los movimientos de esa cámara que convierten la escena en un film, nos llevan al tren como la descripción de las revoluciones industriales.
Cómo no recurrir, entonces, a las películas de Buster Keaton y establecer un montaje entre sus escenas y un set que se construye en esa inmediatez teatral donde los bailarines, guiados por Carlos Casella, producen y completan la secuencia. La línea que va de Joyce, Beckett y Keaton liga el automatismo de un sujeto que se pierde entre la rutina urbana, la despersonalización y el humor devenido en inexpresividad. Pero también podrían ser el equivalente a los tres temas que propone Wilson: el tren, el juicio y la nave espacial .
El desempeño de Couceyro introduce la forma beckettiana donde el humor es también una alternativa exaltada que puede conectar con una emoción aparentemente desligada del tema. Álvarez le otorga una minuciosidad a la palabra que debe ser entendida como una partitura, las repeticiones que se sustentan en una estructura coreográfica creada por Casella, permiten identificar unidades en un texto que se mimetiza con las conformaciones minimalistas de la música y también le da una apertura, un quiebre desde la expresividad. La ópera integra los temas desde su materialidad como entidades sonoras capaces de generar un lenguaje.
En esta línea, la figura de Einstein podría ser el negativo del trío formado por Joyce, Beckett y Keaton al establecer el sentido, la formulación física y matemática como un propósito basado en la acción científica. Einstein permite anudar en una sola persona la apuesta por la racionalidad instrumental, por el saber científico que fue capturado por la estrategias bélicas y la aniquilación masiva de personas. Si Hannah Arendt hablaba del lager como una ideología del Mal que buscaba desligar el castigo de su causa, en Einstein on the Beach no hay casualidades sino puros efectos.
En esa convivencia de situaciones surgidas de fenómenos diversos y contradictorios que se encuentran en la escena y dialogan desde una matriz que no pretende comunicar sino establecer vínculos poéticos, surge la política como ese desplazamiento que ubica a Einstein en una playa. El lugar que no se corresponde con la acción, con una voluntad retratista de Einstein que debería situarlo en un laboratorio o en la oficina de correos donde alguna vez trabajó. Por el título ya sabemos que lo que se problematiza es el escenario, el territorio, el lugar donde va a insertarse el personaje porque son justamente los espacios los que trastocan los sentidos.
*Einstein on the Beach se presenta el viernes 25 y el sábado 26 de abril, a las 20, en el Teatro Colón (Libertad 611).
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