Son obras de arte convertidas en alfombras y tapices, realizadas a mano con técnicas ancestrales tanto en Argentina como en Nepal y Marruecos.
Quien logró transformar estas piezas artísticas en utilitarias es Florencia Cherñajovsky, curadora de arte, máster en Arte Contemporáneo con un posgrado en la École des Hautes Études en Sciences Sociales de París, carrera de seis años en el Centro Pompidou, donde coordinó retrospectivas y festivales hasta que regresó al país y creó Lalana Rugs, el proyecto que lidera desde 2019 y fusiona arte, diseño y artesanía.
Las tres A de Lalana apuntan a ese concepto: Artes Aplicadas de la Argentina.
-¿Cómo surgió la idea?
-Cuando volví al país por razones personales y trabajaba como curadora invitada en el Malba y otras galerías. Quería vincular las artes visuales con otras disciplinas, con alguna especificidad argentina, a raíz de mi formación profesional.
-¿Por qué te inclinaste por las alfombras y no por la ropa, por ejemplo? Asocio con lo que hace tu hermana, la diseñadora María Cher.
-Yo quería hacer un trabajo de integración de objetos artísticos con objetos de mobiliario. Pensé específicamente en las alfombras para reproducir obras de arte. Pero también hice algunos objetos, por ejemplo, la silla, a partir de un boceto de Luis Fernando Benedit. Convertí un dibujo en objeto. Y me hubiese encantado hacer más, como picaportes como esculturas. Pero es dificultosa la producción local. Hay que contar con los prototipos, requiere un nivel de inversión en matricería para que la terminación esté lo más perfecta posible. Se justifica cuando tenés cierto volumen. Además el costo de transporte es carísimo para enviar afuera. Lalana tiene un mercado bastante pequeño, es un proyecto de nicho, con piezas que no son masivas. Los interesados están dispuestos a invertir en algo que valoran. Por un lado, está el aspecto de la producción artesanal. Son ediciones limitadas. Cada pieza es única, aunque se puedan hacer más ejemplares a partir de un dibujo. Todo está hecho a mano.
-Entonces, el primer objeto de deseo fue la alfombra...
-Sí, porque llegué a un nivel de calidad en la producción, donde prefería especializarme. Era como un tope de línea, que también resultaba relativamente fácil de transportar. Las alfombras son piezas que visten un ambiente, tienen protagonismo. Pero mi idea es que no sean solo un objeto decorativo. Estas alfombras tienen algo contundente, un gesto artístico, con diseños disruptivos porque tomo propuestas de artistas visuales. Además, tienen ese componente de la manufactura artesanal de primera.
-Están realizadas en Argentina, Nepal y Marruecos. ¿Por qué en lugares tan disímiles? ¿O tienen algo en común?
-Los tres tienen técnicas de tejido diferentes que a mí me interesaron. En Argentina empleamos una técnica de tejido plano con lana de llama, que tiene esa característica del camélido autóctono de América del Sur. Es una nota del diferencial argentino. En Nepal, las alfombras se hacen anudadas a mano, una técnica que no encuentro en el país, salvo en una fábrica de alfombras en Catamarca, que tiene un ritmo de producción que hace imposible generar este tipo de piezas. Tuve un proceso de prueba y error con diferentes proveedores en distintos centros productivos de tejidos y busqué los mejores. Las realizadas en Marruecos son súper tupidas, peludas, de pelo alto.
-¿Y cómo fue la selección de los artistas?
-Inicialmente pensé en los artistas que quiero que integren el catálogo de este proyecto, no fui a buscar las técnicas ancestrales primero para después ver qué hacía con esa técnica. Mi idea era generar sinergia entre artes visuales, artesanías, diseño y decoración. Empecé por mi conocimiento y mi trayectoria, más viniendo de la Historia del Arte y de la curaduría de arte. En lugar de pensar únicamente en qué imagen quedaría linda traducida a un tejido, pensé qué artistas en vida o fallecidos, de las décadas del '50 y '60 ya habían tenido esa afinidad hacia las artes decorativas, las artes aplicadas y hacia el diseño, en ese entonces.
-Tenía que haber un correlato.
-Exactamente. No tenía que ser una traducción tejida. Era pertinente relacionar la propuesta a la biografía del artista, ese cruce con el diseño y las artes decorativas. Las piezas que se exhiben actualmente en Espacio Tacuarí, sede de la colección Verguez, reproducen extractos de obras de Luis F. Benedit, Kenneth Kemble, Rómulo Macció y Lucrecia Lionti, por ejemplo. Benedit además de ser artista visual era arquitecto, paisajista y diseñador. Traté de acercarme, respetarlo, celebrar ese cruce, que es lo que a mí más me interesa de las disciplinas.
-¿Cómo describirías a las piezas?
-Las de lana de llama están hiladas, teñidas y tejidas a mano en telar. También hay alfombras anudadas a mano, hechas en Nepal, con otra técnica de tejido. Hay tejidos planos realizados en telar horizontal. O tejidas, nudo por nudo, en un telar vertical, 100% hecho a mano. Por eso, si volviéramos a replicar un dibujo, la alfombra no saldría igual. Los colores presentarían graduaciones. No es algo mecánico, que sale exactamente idéntico. Hay una puesta en valor de técnicas tradicionales de tejido y empleo de materias primas nobles, como la lana de llama.
-¿Con qué comunidades de artesanos trabajan?
-En Argentina, con talleres de Catamarca, cooperativas de Salta y Santiago del Estero. Empleamos a bastantes varones, no solo a tejedoras mujeres, porque hay telares de hasta tres metros de ancho, sin costuras y de un solo paño, que requieren un esfuerzo mayor. Se aplican técnicas ancestrales que pasan de generación en generación, dentro de muchos núcleos familiares. Muchas tejedoras, habituadas a la lana de oveja, tienen cierta resistencia a trabajar con la lana de llama. Es más aceitosa, más oleosa, por eso es más suave, pero es más difícil de teñir.
-¿Cómo continúa el proyecto? ¿Qué tenés pensado a futuro?
-Si bien tengo stock y algunas piezas en inventario, produzco a pedido porque cada diseño se puede encargar en distintos tamaños. Lo que más me estimula es hacer proyectos específicos de artistas. Por ejemplo, en este momento estoy produciendo tres obras únicas de la pintora argentina Alejandra Seeber, que está radicada en Nueva York. Va a realizar una muestra en la American Society y estoy diseñando tres piezas textiles a partir de su obra. Es un trabajo colaborativo. Son tres piezas grandes, como dos grandes paletas de pintor. El agujero del tejido sirve de hoyo para integrar un circuito de minigolf que va a montar en la muestra. La otra pieza va a ser colgada tipo tapiz. Expone en junio en Nueva York.
-¿Cuánto tiempo demanda una obra, aproximadamente?
-Dos o tres meses, promedio, Después hay que sumarle la terminación a mano, el destejido de los bordes... Imaginate el nivel de amor al detalle que tiene que tener una pieza, todas tienen gran definición.
-¿Qué es lo más atractivo de tu trabajo?
-Que las obras puedan sentirse y tocarse, ser vividas, recostarse. Al traspasar una obra de arte a otra escala, a otra materialidad y otro vínculo visual, la sorpresa es agradable. Hasta los artistas dicen: "wow, no puedo creer". Dentro de mi catálogo hay artistas ya fallecidos del período que me inspiró y también contempóraneos. Además de las autorizaciones correspondientes, yo solicité permiso para traspasar fragmentos de una obra, tejer un fragmento, en lugar de reproducir el 100%. Aparte, me encanta poder vincularme en directo con artistas que quieran usar esta técnica.
De la Sorbona al Centro Pompidou
No debe haber muchos casos como el suyo. A los 18, Florencia se mudó de Buenos Aires a París sin saber una palabra de francés y se anotó en la Soborna para estudiar literatura francesa.
"Tenía cursos de Lingüística, Retórica, como en toda carrera completa de Letras. En el último año hice una especialización en edición y una pasantía en una editorial que no me convenció demasiado. Entonces empecé a preguntarme qué quería hacer como carrera, estudio de posgrado. No había pensado en la Literatura como salida laboral sino como formación. Mi punto fuerte son las Humanidades, así que finalmente me empecé a reorientar hacia las artes después de la licenciatura. Seguí el consejo de mi papá (Rubén Cherñajovsky), que conocía ese interés. Él colecciona arte y siempre me llevó a ver muestras, hacer visitas guiadas a museos. Juntos fuimos a la Bienal de Venecia, por ejemplo".
Entonces realizó un curso de arte y mercado, que para ella fue como una introducción a la escena de Arte Contemporáneo. Hizo un máster en la Escuela de Altos Estudios en Ciencias Sociales de París, que le permitió tomar materias de distintas disciplinas como antropología, sociología e historia política.
"Durante mi investigación estudié la posibilidad de recategorizar el arte conceptual argentino de los años '60 y '70, en el marco de las dos dictaduras del '67 y del '76. Me interesó la especificidad de lo argentino y del contexto sociopolítico, en el marco de una creación conceptual. Empecé una pasantía en una galería, la que más me gustaba de París, y así llegué al Pompidou. En el museo se estaba preparando una muestra retrospectiva del artista mexicano Gabriel Orozco, representado por nuestra galería. Yo veía el trabajo de la curadora y me encantó. Quise trabajar con ella. Asistí a una conferencia que dio, me acerqué y le pedí trabajo. 'Bueno -me contestó- mándame tu currículum.' Lo hice, pasé una entrevista e hice una pasantía que duró cuatro o cinco meses hasta que se abrió un puesto de trabajo. Para aplicar, en el Pompidou tenían que justificar que mi perfil era superior al de algún candidato francés, porque es una institución pública, y yo todavía tenía una visa de estudiante", recuerda.
Su primer contrato fue para una muestra que vinculaba arte y danza. También participó de retrospectivas, trabajó en el Departamento de Cultura y Creación y coordinó festivales que incluían todas las disciplinas del departamento de Cultura y Creación del Pompidou, donde fue mano derecha de su director.
Sobre la firma
Newsletter Clarín