«Vivimos en la era de la sobreestimulación, es necesario encontrar momentos de pausa y reflexión, saber parar». Esta es la sintonía que se respira en la edición de este año en Art Madrid, una feria consolidada y veterana que se viene celebrando desde hace 19 años en la capital. 189 artistas nacionales e internacionales y 36 galerías formarán parte de este proyecto común durante la próxima semana.
Art Madrid 2024 vuelve como parte de la Semana del Arte para su decimonovena edición. Del 6 al 10 de marzo de 2024, la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles será el epicentro de las últimas tendencias artísticas tanto nacionales como internacionales.
Desde Art Madrid han trasladado a LA RAZÓN que, siguiendo su condición de ser una feria muy híbrida pero contemporánea, ha querido prestar especial atención a los artistas del futuro y representar a aquellos que están empezando. «Abrimos las puertas a proyectos distintos e innovadores, damos oportunidades que luego serán un éxito». Del mismo modo, quieren que sea una feria muy cercana, «el arte está para entenderlo», manifiestan desde la dirección. «Todo el mundo, independientemente de la profesión, tiene derecho a disfrutarlo y entenderlo. Queremos que el público se sienta acogido en un espacio privilegiado como es el Palacio de Cibeles. Se trata de una experiencia enriquecedora». Nos avisan también que encontraremos muchas sorpresas disruptivas, desde las instalaciones, los recorridos o performances. «Nuestro compromiso es que los participantes puedan seguir su camino creciendo. Es el valor añadido de esta feria».
Hablamos con artistas
El lenguaje de la pintura. Él es Richard García (Madrid, 1995) trabaja con esta disciplina. Sus imágenes reflejan un universo que «oscila entre lo tangible y lo onírico, inspirado en el arte urbano y marcado por una fusión entre el caos y la armonía». Vemos el contraste entre la frenética vida de la ciudad y la serenidad de la naturaleza. «Cuando realmente la obra cumple su función es en estas ferias, en la conexión real con el público», explica. El poder del espectador de transformar la obra continuamente con cada mirada, hace que la misma vaya adquiriendo distintos significados, un proceso que García define como «muy bonito y enriquecedor».
¿Sabemos realmente el significado de estar presente? Dicha cuestión y la ansiedad en los jóvenes es el gran planteamiento de la siguiente artista. Mónica Egido (Salamanca, 1994) presenta FOMO, conocido como el miedo a perderse algo. Se trata de un fenómeno diagnosticado que afecta a individuos de una misma generación, quienes experimentan altos niveles de ansiedad y estrés debido al temor de no cumplir con las expectativas impuestas por la sociedad. Viven en un estado de alerta constante que puede resultar en un deterioro tanto físico como mental. «Me encontraba en consulta a muchísimas personas de mi generación que compartían una sintomatología común. Esto viene derivado del sistema nervioso simpático, de alarma y estrés. A día de hoy hay muchos factores de nuestra vida que hacen que el simpático esté activo constantemente, en un estado basal de alerta y estrés. De ahí llegan problemas del aparato digestivo, reproductor, o incluso del descanso y del sueño», cuenta Egido a LA RAZÓN. La imposición a uno mismo de aprovechar cada momento al máximo deja de lado la importancia de tomarse un descanso, relajarse, experimentar el aburrimiento y simplemente no hacer nada.
Reunión de gente importantísima. Conocemos el proyecto de Marina Tellme (Almería, 1995), quien hace un análisis divertido pero profundo sobre las nuevas formas de relacionarnos.
En Art Madrid hay una sala VIP. La irónica OPEN BOOTH X LIQUITEX generará sinergias con el público, ampliando su significado como una pieza críticamente inteligente y sirviendo como punto de reflexión. «Cuando usted pase, sentirá como si se adentrara en un bosque, irá descubriendo a una peculiar multitud de personajes sobredimensionados, fashionistas, gente cool, chic, sabiondos del arte que hablan hasta el cansancio de temas aparentemente cruciales -para la salvación del planeta- pero nosotros, no entendemos ni una sola palabra», explica Marina Tellme.
El saber parar. Isabela Puga (Venezuela, 1997) inició su proceso de investigación pictórica a través del material y su percepción. El color negro y el pan de oro se establecieron como los materiales principales y reconocibles de su obra. Las piezas de la artista resultan en una obra analítica sobre los conceptos de espacialidad y contemplación.
Su intención es fomentar la relación entre sujeto, objeto y espacio, todo ello entendido desde un lenguaje minimalista y elemental. Color, luz y espacio que requieren del espectador.
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