Entre la naturaleza y la geometría: el mundo creativo de Hugo Ottmann
Un repaso por la vida y la obra del pintor, destacado en el panorama cultural litoraleño desde los años '50. Tras sus inicios naturalistas, su estilo mutó y fue incorporado como referencia de la geometría sensible. A lo largo de su carrera fusionó lo universal con lo local.
"Composición en azul" de Hugo Ottmann, obra premiada en 1957.
Foto: Museo Rosa Galisteo
El XXXIV Salón de Bellas Artes de Santa Fe, que se inauguró el 25 de mayo de 1957, sorprendió a los visitantes especializados por un aspecto: la gran cantidad de pintura "sin otro tema que el de la composición llamada abstracta", según indica uno de los artículos realizados por este medio en aquellos días. "Es posible advertir, en algunos casos, gran dominio técnico y la habilidad para convertir los objetos más vulgares en motivos de representación plástica, sin ningún fin documental o descriptivo", agregaba el cronista. En esa oportunidad, el premio adquisición le fue otorgado a Hugo León Ottmann por su "Composición en azul".
Museo Rosa Galisteo
¿Quién era este notable artista? Un pintor nacido en Rosario en 1920 y fallecido en la misma ciudad en 1997, gestor de un corpus artístico que, puesto en conjunto con algunos de sus contemporáneos, marcó a fuego una época en el terreno cultural del litoral argentino. Profesor de dibujo, Ottmann se destacó por su contribución temprana al modernismo.
Escuela de Artes Visuales Manuel Belgrano
Sus primeros trazos intentaron ser un fiel reflejo de la naturaleza, con composiciones naturalistas ejecutadas con remarcable habilidad técnica en el manejo de la acuarela. Sin embargo, a finales de los años '40 del siglo pasado, Ottmann abandonó la mera imitación de la realidad para adentrarse, por el contrario, en los principios de la geometría, los cuales comenzaron a moldear su obra en otras direcciones.
Integró más adelante el Grupo Litoral y en 1950, conjunto que llevó a cabo su primera exposición en la Galería Renom. Junto a artistas como Juan Grela, Gambartes y Herrero Miranda, quien era colega suyo en la Escuela Provincial de Artes Plásticas, Ottmann ahondó en las nuevas corrientes artísticas pero apostando a un equilibrio entre lo universal y lo local.
Museo Castagnino Macro
El crítico Fernando Farina sostiene que la propuesta del grupo, que fue el primero de Rosario en obtener resonancia nacional, fue comprometerse con el hombre contemporáneo y las nuevas realidades, a partir de las vivencias del lugar. "Si bien su programa manifestaba explícitamente la necesidad de utilizar ciertos lenguajes universales, nació más propiamente como consecuencia de una oposición de los artistas al peronismo. 'Sin mecenas -según decía Grela-, aprendimos a ser pintores durante la época de la masificación de los discursos para el pueblo'".
Museo Castagnino Macro
Ese compromiso con el terruño derivó en imágenes relacionadas con la vida y los paisajes del Litoral, que según la óptica de Farina se sumaron a visiones americanistas realizadas con cuidadas técnicas. "Los pigmentos ocres y azules, que predominan en sus obras, dieron un color característico a sus pinturas", asegura. La buena recepción entre la crítica y el público local les permitió a los integrantes del grupo el ingreso tanto al contexto cultural de Buenos Aires como a todo el país en la década de 1950.
El color como su faro
Según el Museo Castagnino, Ottmann construyó sus obras "con actitud analítica, con líneas que estructuran la imagen y dividen las formas en planos que se superponen, imbrican y traslucen. En consecuencia, su estilo fue incorporado como referencia de la geometría sensible. Trabajó la materia con delicadas transparencias de gran riqueza de color".
MAC UNL
Este concepto de "geometría sensible" fue definido por Aldo Pellegrini en oposición a la rigurosidad geométrica del arte concreto y su eliminación de la subjetividad. "Una geometría de lo personal -decía Pellegrini, citado por María José Herrera en un artículo que consta en el portal del Museo Nacional de Bellas Artes- en la que la huella del creador, su particular sensibilidad, dejan su impronta".
Archivo El Litoral / Hemeroteca Digital Castañeda
A partir de los años 1980, experimentó con colores más puros, otorgando mayor importancia al uso de la luz en sus obras. Su trayectoria artística incluyó muestras individuales en galerías de renombre, así como la participación en exposiciones colectivas a nivel nacional e internacional, destacándose en eventos como la Bienal de San Pablo.
Arte de la Argentina
A lo largo de su carrera, recibió numerosos reconocimientos, incluyendo premios en salones provinciales y nacionales. Además de su labor como pintor, actuó como jurado en diversos certámenes artísticos, dictó conferencias, ilustró poemas y participó en proyectos de murales.
Arte de la Argentina
Su legado fue honrado con exposiciones retrospectivas de su obra organizadas por la Asociación El Círculo y Amigos del Arte de Rosario en 1967 y 1968, respectivamente. Hasta su fallecimiento en los años 90, ejerció como jurado en diversos salones, dictó conferencias, ilustró poemas e intervino en proyectos de murales.
Arte de la Argentina
Todas las mesopotamias
Rubén Echagüe dedicó unas bellísimas palabras a la memoria de Ottmann en el Diario La Capital de Rosario, en 2017. Reproducimos a continuación un fragmento. "Ideas casi desnudas las de Hugo Ottmann o apenas arropadas con púdicas veladuras. (El litoral facetado como un diamante y demostrado como un teorema). La mesopotamia: todas las mesopotamias, incluida la bíblica, desplegadas sobre la mesa de disecciones, por donde ruedan los planetas. Y el amarillo miel, debidamente aguado, y el añil desteñido, como en un documento público, y el azul de cobalto y el violeta solemne, embotellados con primor de perfumista, mientras el oro antiguo fue tenazmente frotado, hasta revelar la osamenta de la geometría más esencial, más temible. Aritmética líquida, entibiada apenas por un rayo de sol que se obstina en perforar el agua turbia".
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