これは、Adobeによると、アニメーションの12の原則の概要です。

1.クラッシュとストレッチ：
オブジェクトを押しつぶして伸ばすと、人々は体重と柔軟性があるという感覚を与えます。跳ね返るボールのようなシンプルなオブジェクトを奨励することで、地面に当たったときにそれを押しつぶして広げることができます。

2.期待。
あなたが行動のために一般の人々を準備したいときは、リアリズムを貢献するために期待を使用してください。人々が何かをする準備をするときに何をするかを研究してください。ペナルティを発射しようとしているサッカー選手が腕で安定したり、ボールを打つ前に足を戻します。ゴルファーがボールを打つことを望んでいる場合、彼は最初に腕を戻さなければなりません。

3.ステージング。
ステージングを勉強するとき、映画や劇場監督の機能を実行します。カメラをどこに配置するのか、何に集中しようとしているのか、「俳優」がどこにあるのか、何をしようとしているのかを考えなければなりません。
それは、あなたが伝えたい物語の重要な要素に集中しているということです。

4.直接アニメーションとポーズ。
直接アニメーションシーンでは、各フレームが最初から最後まで奨励されます。これは、アクションシーンで流動的な動きの幻想を作成するために行われますが、あなたが望むものが、割合が維持される正確なポーズ（または姿勢）を作成することではありません。

アニメーションでは、アニメーターがキーフレームを描画し、間隔を完成させ始めます。環境と構成との関係がより重要になるにつれて、このアプローチは感情的で劇的なシーンよりも好ましいです。

5.補完的なアクションと重ねられたアクション。
補完的なアクションとは、キャラクターが停止したときに動き続ける身体の部分を指します。次に、当事者は、実在の人物のように、重心の中心に向けられます。

体の部分は同じ速度で動きません。重ねられたアクションは、この現実を表しています。たとえば、アクションの衝動のためにキャラクターの髪が動く可能性がありますが、終了すると、彼は他のキャラクターよりも少し多くの時間を動かし続けます。

6.加速して減速します。
現実の世界では、オブジェクトは停止する前に移動し始めて減速し始めたときに加速する必要があります。

7.アーク。
実生活では、ほとんどのアクションにはアークの軌跡があります。より大きなリアリズムを達成するために、アニメーターはこの原則を尊重しなければなりません。両方とも、オブジェクトを移動して起動するときに四肢の効果を作成するとき、自然なアーチに続く動きは流動性を生成し、反天然と不規則なアニメーションを避けます。

8.二次アクション。
このアニメーションの原則は、キャラクターとオブジェクトに追加の次元を提供するシーンの主要なアクションを強調するのに役立ちます。通りを歩いているときに人が腕を振る方法など、微妙なニュアンスは、あなたの作品に性格を与え、より人間に見せます。

9.スケジュール。
実生活のように、アニメーションはリズムの問​​題です。この原則をうまく適用できれば、アニメーションはより現実的になります。なぜなら、それはすべてが物理学の法則に従うという感覚を与えるからです。それらを取り巻く人々とオブジェクトに関連するキャラクターのサイズと重量について考えてください。軽いオブジェクトまたは人は、重い場合よりもプッシュするときに、より速く反応します。

10.誇張。
古典的なアイデアとアニメーションの誇張の例は、顎の崩壊です。キャラクターが驚いたり、一目見たときに恋に落ちたりすると、アニメーターは、少しびっくりした表情や口が開いていることでそれを表現することに制限されないことがよくあります。このアイデアを伝えるために、彼らはキャラクターの顎を現実的なものよりもはるかに下回り、しばしばまさにその場にします。

11.しっかりとした図面。
堅実なアニメーション図面は、特に従来のアニメーションでは、正しく適用するのが最も難しい原則の1つです。これは、3つの次元的であるように見えるように作品を取得し、体重と体積を授与する必要があるためです。

12.魅力的。
アニメーターは、それがすべてを破壊することを決意した地獄のドラゴンであるかのように、すべての作品が魅力的であることを保証する必要があります。フォーミュラはありませんが、創造物が愛らしいための良いアイデアは、顔を丸く幼稚にすることです。多くの場合、ヒーローはマーク、角張った、対称的な特徴を持っています。
Este es un resumen de los 12 principios de la animación según Adobe:

1. Aplastar y estirar:
Aplastar y estirar los objetos o incluso las personas da la sensación de que tienen peso y flexibilidad. Al animar un objeto sencillo, como una pelota que rebota, puedes aplastarla y ensancharla cuando golpea el suelo.

2. Anticipación.
Utiliza la anticipación para aportar realismo cuando deseas preparar al público para una acción. Estudia qué hacen las personas cuando se preparan para hacer algo. Un futbolista a punto de lanzar un penalti se estabilizan con los brazos o lanza la pierna hacia atrás antes de golpear la pelota. Si un golfista quiere golpear la pelota, primero debe lanzar los brazos hacia atrás.

3. Staging.
Al estudiar la puesta en escena, desempeñas la función del director de cine o de teatro. Debes pensar en dónde vas a situar la cámara, en qué la vas a enfocar, dónde van a estar los “actores” y qué van a hacer.
Se trata de conseguir es que la atención del público se concentre en los elementos importantes de la historia que quieres contar y evitar distraerlos con detalles innecesarios.

4. Animación directa y pose a pose.
En las escenas de animación directa, se anima cada fotograma de principio a fin. Esto se hace para crear una ilusión de movimiento fluido en las escenas de acción, pero no cuando lo que deseas es crear poses (o posturas) exactas en las que se mantienen las proporciones.

En la animación pose a pose, los animadores comienzan por dibujar los fotogramas clave y, después, completan los intervalos. Como la relación con el entorno y con la composición cobra más importancia, este enfoque es preferible para las escenas emocionales y dramáticas.

5. Acción complementaria y acción superpuesta.
La acción complementaria se refiere a las partes del cuerpo que continúan moviéndose cuando el personaje se detiene. A continuación, las partes se dirigen al centro de gravedad, igual que en una persona real.

Las partes del cuerpo no se mueven a la misma velocidad. La acción superpuesta representa esta realidad. Por ejemplo, el pelo de un personaje podría moverse debido al impulso de la acción pero, una vez finalizada, continúa moviéndose durante un poco más de tiempo que el resto del personaje.

6. Acelerar y desacelerar.
En el mundo real, los objetos tienen que acelerar cuando empiezan a moverse y desacelerar antes de detenerse.

7. Arcos.
En la vida real, la mayoría de las acciones presentan una trayectoria en arco. Para lograr mayor realismo, los animadores deben respetar este principio. Tanto al crear el efecto de las extremidades al moverse como al lanzar un objeto, los movimientos que siguen arcos naturales generarán fluidez y evitarán una animación antinatural e irregular.

8. Acción secundaria.
Este principio de la animación ayuda a enfatizar la acción principal en una escena aportando una dimensión adicional a los personajes y objetos. Los matices sutiles, como la forma en que una persona balancea los brazos al andar por la calle, confieren carácter a tus creaciones y hacen que parezcan más humanas.

9. Horario.
Al igual que en la vida real, la animación es cuestión de cadencia. Si consigues aplicar bien este principio, la animación resultará más realista, porque dará la sensación de que todo sigue las leyes de la física. Piensa en el tamaño y el peso de los personajes en relación con las personas y objetos que los rodean. Un objeto o una persona ligeros reaccionarán con más rapidez al empujarlos que si son pesados.

10. Exageración.
Una idea clásica y un ejemplo de la exageración en animación es la caída de la mandíbula. Cuando un personaje se sorprende o se enamora a primera vista, a menudo los animadores no se limitan a representarlo con una expresión un poco anonadada o con la boca abierta. Para transmitir la idea, hacen que la mandíbula del personaje caiga mucho más abajo de lo que sería realista, a menudo incluso hasta el mismísimo suelo.

11. Dibujo sólido.
El dibujo sólido en animación es uno de los principios más difíciles de aplicar correctamente, en especial en la animación tradicional. Esto se debe a que tienes que conseguir que las creaciones parezcan tridimensionales y conferirles peso y volumen.

12. Atractivo.
Los animadores deben asegurarse de que todas sus creaciones sean atractivas, tanto si se trata de una dulce oruga como si es un dragón infernal empeñado en destruirlo todo. No existe una fórmula, pero una buena idea para que una creación resulte adorable es hacer que su rostro sea redondeado e infantil. Con frecuencia, los héroes tienen rasgos marcados, angulares y simétricos.