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「古山芳枝の仕事」について
このサイトは、仙台市在住の劇評家である古山芳枝氏が、フリーペーパーへの投稿という形で発表している100本以上の劇評を、テキストデータ化し、アーカイブとして広く共有することを目的として開設されました。掲載された全ての劇評は、1999年から2009年現在まで発行されている「ものはためし通信」および「劇評だより」を定本としてテキスト化されています。今回の第1次サイトでは、120本あまりの劇評の中から12本を選び、先行してテキスト化して公開します。◎劇団名および公演初日、もしくは特定の単語から全文検索ができます。◎各劇評へのトラックバックは、該当劇評へのリンクを張った上で送信ください。】このサイトに掲載されている全ての劇評の著作権は、古山芳枝氏にあります。劇評を引用する場合はかならず、その劇評に与えられた固定のアドレスにリンクを張るなどして出典を明記し、引用した部分が読者に明確にわかる形式でご紹介ください。著作権法の定める「引用」の範囲を超えないように、ご注意願います。劇評のウエブサイトや紙媒体への転載には、古山芳枝氏の許可が必要です。チラシなどへの掲載を希望する場合はお問い合わせ下さい。テキスト化の作業に関してお手伝いいただける方を探しています。PCをお持ちでメールを送受信出来る方であれば、誰でもできる比較的簡単な作業です。自宅でご都合の良いペースでやっていただけます。
作業内容:入力作業および校正作業
※内容に応じて薄謝をお支払いします。お力をお貸しいただける方はお問い合わせください。
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「古山芳枝の仕事」は多くの皆さまのご協力を受けながら、トライポッドが企画・運営しているアーカイブサイトです。
仙台在住の劇評家である古山芳枝氏がフリーペーパーにて発表している120本以上の劇評を
全てテキストデータ化し、ウエブ上に公開することを目的に活動しています。現在、テキスト化のデータを順次進めている状況ですが、それに伴う事務経費、及びサイトの維持費が不足しております。何とぞこのプロジェクト及びウエブサイトの趣旨をご理解いただき、皆さまからのご支援を賜りたく、ご寄付を随時受け付けています。お預かりした寄付金は全てテキストデータ化にかかる諸経費およびサイト維持費に使わせていただきます。ご寄付いただいた場合はサポーターとしてお名前をウエブサイトに掲載させていただきます。
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「青木さん家の奥さん」仙台公演上演委員会 (1)
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・スキャットマン・ジョンも亡くなった。
彼はどこへいったのか
彼方の国でも元気に唄っているだろうか
じいさんは、昨日、脳内出血で倒れ病院へ運ばれた。しかし病院を抜け出し、一人暮らしの自宅へ戻って、何やらオブジェのようなものを作っている。近くに住む孫のミオは、仕方なくじいさんにつきそっている。じいさんのかつての登山仲間で、弟子ともいえるサワダが訪ねてくる。じいさんはミオとサワダをこき使い、オブジェを作る手伝いをさせる。
つかのまの3人の交流
やがておむかえがやってきて、じいさんは静かに息をひきとる。
--じいさんをめぐるもう一つのターミナル・ケア--」の大改訂版
ラダトロッソ番外公演として、アナザーラダトロッソと銘打ち、いつものラダのスタイルとは違ったものに挑戦した。それでもいつものラダの持ち味のいいところはかわらないように思う。
なにげない日常を描きつつ、その物語の何とドラマチックであることか
家族のあつれきと、しがらみと、心の通いあうあたたかな時と
思いやりと、苛立ちと
ほっとする暖かさに満ちていながら、しかし確かに、物語の大きなうねりがある。今・さっき・ついこの間・まで、元気で憎まれ口をたたきあって、「あんたなんか死んでしまえ」と怒鳴りあったその人が、いなくなる。
それまでのシーンの鮮やかであればあるほど、「どこへ行ってしまったの
」との問いも、鮮やかに、胸にささる。じいさんとの雪山での遭難体験を話すサワダ。
しだいに場の雰囲気を楽しめるようになるミオ
それでも家族であるが故の苦しみ、あつれきは、若い彼女にも重い。
最初認識できなかったサワダを思い出し、「何年ぶりだ」と顔をほころばすじいさん
いなくなった連れあいのことを請われるままに話すじいさんの、穏やかな、思い出を愛おしむ、表情
印象的なシーンを挙げてゆけばキリがないほどだ。
狭い舞台空間で、照明・音響の設備も限られ、身体表現を封じ多くのせりふを盛りこんだラダトロッソ
客席との距離も近い。
『しかし、この儘では、第一流の作品となるには、何処か(非常に微妙な点に於て)欠ける所があるのではないか』(『山月記』より 中島敦)
演技は粗削りのように見える。しかし、その分、会話のやりとりが生きている。動きが生きている。
おそらくこの世界は、この劇団としてはこれで完結しているのだろう
それでも、もっとせりふを大事に、いやひとつひとつの感情・場面をよりていねいに見せてもらえたら、と願わずにいられない。
このザラつき感
役者どうしの呼吸が、ワルい新劇のように、脚本が透けて見えてくるような、計算されつくした「死んだ言葉」の予定調和のごときなめらかさになるのでなしに
もちろんそんなのよりも、今のラダの方がずっと上等で、スリリングなことは明白だ。それがナマの芝居のだいごみだと思う。
それでも、今のラダのままでさらに、もっとていねいに、粗さをとり去ることはできないものか
そう願うことは、この劇団を殺すことになるのか
一種独特のあらあらしさ、一見精緻とはいえないこの粗さが、やはり弱点であり、魅力だ。
では、演技に粗さが見えても新鮮な空気感、緊張感があれば芝居では、それが最高なのだろうか
せりふや動作が、身体や感情の発露として(それがどんなにオーバーなものや、様式化されたものであっても)身体から自然に流れ出でる、と見えなくとも
けしてそうではないだろう
舞台に立っているのは役者ではない、と思うから
そこに居るのは、じいさんであり、サワダであり、ミオであるはずだと思うから
そしてそれを、舞台上の者だけでなく、居あわせる観客が体感しないことには、その演劇は成立し得ない、と考える。その点でもう一歩、踏み込んでほしいと切望する。今の、生きた会話のキャッチボール、自由な役者の身体性を保ったままでそれを実現するには、より厳しい鍛練が必要かと思われる。脚本に沿ったけいこはもとより、日頃のエチュードなどもしかり。予定調和の世界を死んだ会話と動きで一見なめらかに作るよりも、ずっとずっと高度な技術が必要になるはずだ。
それが実現しなければ、よりくっきりと「日常を描きつつそのドラマチックさを浮かびあがらせる」ことも不可能なのではないか
一番残念なシーンは、冷えこむ外に出ていこうとするじいさんを、サワダが必死にとめるところだ。昔の雪山の記憶を用いて、「今外に出てはいけない」ことをじいさんにわからせる。大きな見せ場の一つである筈だが、緊迫感がうすい気がした。それまでの流れの中で、サワダとじいさんの関係が弱いためかと思う。山男であった過去、サワダとの絆、これが、印象的なエピソードをもって劇的に語られるにも関らず弱いように感じる。それまでの会話や動きの中に、恩人であるじいさんとの会話が成立しない哀しさ、孫のミオの、じいさんの扱いのぞんざいさへの憤りなどがもっとあらわれてもよいかと思った。
難点を長く書きつらねてきたが、ラストシーン、涙がとまらなかったのも事実
その間芝居は日一日と変化してゆくだろう
毎日でも観に行きたいところである。
(しかし劇場は寒いので、これから行かれる方は防寒の備えを充分にされますように
[ものはためし通信第6号]掲載
「青木さん家の奥さん」仙台公演上演委員会 (1)
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「郵便配達夫の恋」
作 砂本量・真柴あずき
芳醇な味わい
豊かな、ゆっくりとした時間
「マシーンって何だ。総指揮 なかじょうのぶ
約2時間弱か
衝撃的な舞台だった。
「彼女の場合」 二000年六月バージョン
「青木さん家の奥さん」仙台公演上演委員会 (1)
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昔大好きだった、あの絵本を探して本屋に行った。けれど店頭にもなく、注文することもできない。
日本では10数年前に絶版となった「ちびくろ・さんぼ」
黒人の男の子がトラに食べられそうになるが、機智で切り抜け、最後はそのトラのバターでホットケーキを食べるというあの物語
数年前から、もとのさんぼの話を下敷にして絵や文章の形を変えたものが数点出回っている。しかしどれも「あの懐かしい物語」ではない。さんぼの絶版をめぐって、「こういうこと、だからでしょう」「でも、納得いかない」議論が交わされる。それでもみんなその物語が大好きだったことは同じだ。朗読会が計画される。しかしそれも外部からの圧力によって上演途中での中止に追いこまれる。この物語があると思うだけで嫌、という人が現れる。意見をかわす。
けれど、もう一度
「これは終わりではない、始まりなのだ」
1988・89年に、日本の出版社がみな絶版にしてしまった「ちびくろさんぼ」の物語
昨年(1999)、原作者の文と絵によるオリジナル版が日本で新たに出版された。この本が絶版になったのは、差別という非常にデリケートな問題のためである。さんぼの物語と、それをめぐる問題とをモチーフに、意志の疎通についてのドラマを創りあげようとした、と観た。重くなりがちなテーマを、ラダ・トロッソはあえてドキュメントタッチにはしない。身体表現や、思いがけない仕掛けの小道具を多用して感覚に訴える興味深い"劇"スタイルにするのがラダの特徴だ。そこがラダのオモシロイところであり、大きな要といえる。そしてもう一つの要は、その身体表現を用いた手法によって登場人物の間の"気脈"ともいうべき感情の流れ・コミュニケーションのあるカタチ、を観客が"体感"できるかどうか、という点だと思う。
その点が、今回、重要なポイントになったのではないか
芝居は全体で大きく分けて三つの部分に分けられると考える。
一人一人が絵本を読み、意見を述べる場、朗読会の公演をする場、本をなくしたい側の人間と意見をぶつけあう場
舞台上、オープニングから、さんぼのもともとあった本、スタイルをかえた本、それらの現物は使われない。役者の動作、マイムによってそれがあたかもそこに在るように見せられる。そのため本の絵や文章などは観客の目にじかには見えない。他に「何か」しながら、その、実際にはない「絵本」を読んだり、それについて話し合ったりすることが、中盤ごろまで多い。「何か」とは例えば、そうじをしていたり、ビールを飲んだり、といったことだ。舞台上は布が吊ってあるだけで大道具は特にない。時々イスが使われるぐらいだ。そこで役者は一人あるいは複数で、「何か」をしているところ、を演じながら、見えない絵本について語る。これは観客に非常に高度の集中を強いる演技だ。そこに何が見えてくるか、次に何が起こるか、を目をこらして探りあてる。と同時に、耳は、そこで語られている様々なさんぼの絵本の文章や絵の違いを聞きとらなければならない。二重の想像だ。
小道具及びスライド映写などの背景などの助けもなしにこれがやり遂げられるには、演者側に相当の技量が必要となるのではないか
オリジナルのストーリーの大筋は、多くの観客の記憶にあるだろう
が、最近出版された改作本はどうか
まして絵本である。その絵のイメージを喚起させるのは役者の口から発せられるコトバだけで、ストーリーのあらましはどれもそう大きな違いはないのだ。残念ながら、私には二重の想像は容易ではなかった。マイムに対する意識も技術も、相当に高い。それら絵本に対する感想など、語られている言葉は実に素直な感情だ。率直で、りくつじゃなく生の感情という気がする。肯けるものが多く好感が持てた。
構成と、それに要請されるマイムの技術とに、問題があったのではないか
ともすればパントマイムのエチュードを陳列させたものを見せつけられている気になってしまう。ただ「読む」、「語る」だけでは重いドキュメントになる危険はあった。だが、「何かをしながら」をつけ加えるならそれは自然で、小道具がなくてもスッと目に見えてくる程、のものであってほしかった。目に入る「動作」が、耳に入る「言葉の持つ意味」を邪魔してしまっていたことも少なからずあった。観客にとって、マイムを見、二重の想像を働かせながら舞台を楽しむのはとてもスリリングな体験である。既存のテレビ番組などからはけして得られないおもしろさだ。ここに観客が参加して成り立つ演劇、の真骨頂の一つがある。その試みは実に興味深い。が、技術がついていってないところがあったのが残念だ。胸にズシンと重く感じたのは、この本には差別があるかもしれない、と考えた女性のエピソードだ。
「突然胸ぐらをつかまれて、土下座をさせられた気分」
そして謝ってしまう。
私は悪いことをしていたのか
そうして楽しんでいたのか
自分が楽しいと思うことで、誰かが傷つくかもしれないという、訳のわからない危うさ
それでもこの物語を愛しているのに、という思い
それがこの芝居の底を流れ続けている感情だろう
劇中劇である朗読会のシーン、少々冗長に感ずる箇所もあったけれど、楽しく、また、幕の動きや音によって象徴された"圧力"の恐ろしさが感じられた。
その"圧力"がもう少し具体的にあらわれてもよかったかと思ったがどうか
朗読会の会場内には、反対派の客はいなかったのか
公演が中止に追いこまれ、観客はみな帰ってしまう。
そのあと、それでも物語を語る3人の若い女性達が印象的
なんと躍動的で、はつらつとしていたことか
そこに、確かに、「ちびくろさんぼ」という楽しい物語を語ることの楽しさ、愛があった。そのワクワクした感じがこちらへ伝わってきた。ことに上手側の女優の肩の力の抜き加減、リラックスした体全体でこの物語を語ることの楽しさを表現していて、好ましい。ラスト近く、その本をなくしたい人、そうでない人、様々な思いを持った人々がお互いに気持ちを伝えようとするシーンがひきつける。実際にここでぶつかるのは、発語されたコトバではない。それぞれが手に小さなクッションを持ち、無言のまま自分の胸から相手の胸へ投げる。それが、目に見える形に具現化されたコトバ、そして力加減だ。動きとしてはスポーツで言うところのチェストパス、に近い。
時にそれは文字通り「ぶつけられる」
時に受けとめきれず落とす。一人に、同時に2、3人からぶつけられる。ムカついて、やり返す。いくつものクッションが交錯する。思いのたけをクッション=コトバにのせ、会話というキャッチボールがそこで目に見える形で行われる。私達はその「言葉の勢い」を「目で見る」体験をする。コミュニケーションの難しさをまざまざと実感させられる。欲を言えばクッションがクッションでなく見えてくる瞬間が、もっとあってもいい気がする。それでもこの手法は実に興味深い。劇団からの電子メールによる公演案内には、次のようにあった。「この舞台は、『ちびくろサンボの物語』を上演するのでも、絶版の事情を糾弾するものでもありません。差別という非常に微妙で厳しい問題と直面しながら、一冊の童話を愛してやまない人々の話です。まさにそのとおりの芝居であった。記憶に残る物語が自分の中でどれほどの宝物であったか、鈴木陽子や館林敦士らがいきいきと演じて見せてくれた。シンプルで、ハラハラドキドキさせ、でも最後にはストンと気持ちよく終わる、あのさんぼの物語の持つ力、その楽しさ、それをどんなに愛していたかを思い出させてくれる。だがやはり、「非常に微妙で厳しい問題」に「直面」し表現しなければならない故にか、どうしても、ストーリー上焦点がボケてしまった感がある。全体に未消化で散漫な印象となることは否めない。それをリリカルな音楽でつなぎ合わせている。何が正で何が邪か、はっきりしない。自分の中でもあやふやで、でも愛がある。
その状態を舞台にあげる難しさか
しかも現在、この日本でまだ火がくすぶっている問題である。作家に、今回はストーリーでの勝負はしない、という気概があることがうかがえる。オーディションで選んだという役者達の生かし方にもそれはあらわれていたように思う。とりどりな個性の色が、舞台上で共振しあったり、摩擦をおこしたり、素材としての持ち味を生かしてコミュニケーションの様々な手触りを感じさせていた。
それでもだ、外部の圧力の源がなんなのかはっきりしないと、この自分の中の危うい、あやふやさのりんかくすらつかめないで終わってしまうのではないか
そこまで望むのは、物語【ストーリー】偏重主義、になるのだろうか
それともその問題をくっきりと表現するのは、やはりはばかられたのか
私事で恐縮だが、私の顔には生まれつき、人と違う大きな特徴がある。目と目の間、鼻の上に、毛細血管の塊があって、横にしわが寄る。これは手術で除去できないものだ。このしわの寄り方がちょうど象の鼻に似ている。中学時代にひどいイジメを受けていたおり、ちょうど映画の「エレファント・マン」が話題になっていて、それをもじって「エレファント・ウーマン」などという言葉を何度となくぶつけられた。イジメはけっしてそれだけではなかったが、その言葉だけで、胸に冷えた重い塊を投げ込まれたような感覚があった。映画の内容には、ほぼ関係がないことだ。以来、「エレファント・マン」は私の傷の一つの象徴する言葉となった。その言葉に触れるたび、今でもちくりと冷たい感覚が走る。
しかしその映画がなくなればいい、とは思わない、が
思いおこせばそんな小さな体験はいくらもある。
そういうことではないのか
誰しも、そんな実体験があるのではないのか
それを、この公演に携わる誰も、持っていなかったのだろうか
絵本そのものに対する思いを語るときのコトバ、表情は、実に素直な感情にあふれていた。だからこそ問題を考えるときに、違う立場の人の痛みを考えようとしてやはり自分の実体験などからの素直な想像、がほしかったと思う。
黒人のステレオタイプとしてとらえられるサンボ、に対して、「じゃあ日本人のステレオタイプがジャングルでトラに会って
」のような、自分にあまり切実な痛みをひき起こさない例えだけでなしに
他者の痛みや悲しみを100%理解することなど不可能だ。
が、自分の痛みを思いおこし、そこから他者の痛みを指しはかろうとすることは、ある程度できるだろう
それが想像力の一つの働きだと思う。ただしこれは、私だけが持つ、ちびくろさんぼの問題へのアプローチのしかたなのかもしれない。問題をあやふやなままでなくはっきりさせようとする、性急すぎる方法論なのかもしれない。
芝居にわかりやすい物語性を期待するが故の、偏った観方である、と
通じない、想い
「どうしてわかってくれないの
時に言葉を尽くして、時に身ぶり手ぶりを尽くして、さらに存在の全てで想いを伝えようとする。それでもうまく想いをぶつけられない。
わかり合えたと思っても、つかの間の錯覚だったり
ラダ・トロッソはずっと、そんなことを追求し続けているように思う。それを観客に体感させるのは、実に至難のわざと言わざるを得ない。けれどもその芝居の場に居あわせることは、まったくスリリングなたのしさ、衝撃にみちた体験である。さらに切磋琢磨して次回公演に臨まれたい。なお、「ちびくろ・そんぼ」の絵本に対して、私には独自の思い入れと、問題を切実に考えねばらならぬ事情がある。そのため一般の観客としての公平な観方ができなかったかもしれぬ。この文章は劇評と称しつつ"観劇エッセイ"、或いは断片的な感想の羅列、に堕している点は否めない。この芝居に対する、より多くの方の劇評・感想をこの紙上で見ることができるよう切望する。
[ものはためし通信第13号]掲載
※テキスト化する上で、本文中のルビ表記に【】を使用しました。
「青木さん家の奥さん」仙台公演上演委員会 (1)
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演劇を観るのは、なぜか
生の舞台の魅力とは、なにか
その一つに、その場面で起こっていることすべてが見られる、ということがある。
楽器と声による昔語り風ライヴパフォーマンス「リ・フェタ・オードゥ」
味の素ギャラリー
「楽器と声による昔語り風ライヴパフォーマンス」とあるが、なる程こういうことか、と思った。
「エレベーターでいこう」
のほほんシスターズ 第1回(最終)公演
「エレベーターでいこう」
「青木さん家の奥さん」仙台公演上演委員会 (1)
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楽器と声による昔語り風ライヴパフォーマンス「リ・フェタ・オードゥ」
味の素ギャラリー
「楽器と声による昔語り風ライヴパフォーマンス」とあるが、なる程こういうことか、と思った。四角い会場の一角を、底辺を客席側にむけた三角形にとって舞台としていた。イスのない、床のカーペットの上に布が敷いてあるだけの客席と、舞台はまったく地続きだ。観客は思い思いの場所に座り込む。演奏者・演者は混在し、入れかわりたちかわりしつつ、架空の国「リ・フェタ・オードゥ」の物語を編みあげる。もともとはギャラリーであるこの会場の壁が展示用パネルになっていて、布や書、絵などが空間内に点在してふしぎな空間を醸し出していた。5人の男女混合のパフォーマーが、各々楽器を手に、生演奏で音をつなげ、音楽を紡ぎだす。まずレイン・トゥリーの水音が、街中の劇場を異空間へと導いていった。やがて奏者の一人が立ち上がり、エリア中央で踊り子となって舞い始める。シルクロード文化華やかなりし頃の、どこかの王宮での宴で、王侯貴族を前にした芸人一座、を連想した。エキゾチックな衣装もその連想に一役買っている。
そんな錯覚をさせる導入
舞いが終わると、楽器と声による音楽のあいまに、詩のようにその"国"の様子が語られ、かつ言葉を排した演技でその国の様々な情景がそこに現出される。
贈りものをしあって幼い約束をかわす少年少女
にぎやかな市場での物の売り買い、力自慢の男達の腕くらべ、路上の芸人
やがて海上に黒い船が現れる。作物は立ち枯れ、家々は扉を閉ざし、戦が始まる。少年は戦いに駆り出されて命をおとす。そして、おそらく、国は亡んだのだ。様々な楽器と、人間の声(ヴォイス)という音(スキャットというのでもないだろうが、歌詞のない歌声なので)を楽しんだ。楽器がほんとうにいろいろな物を使ってあって楽しい。
正確な名称はわからないがギター・木琴・フルートのような物から、中が空洞になって粒状の物が入っており、動かすと雨音のように聞こえるレイン・トゥリー、ガラスびんやカンを叩く音、小・中学校でおなじみのリコーダー、などなど
それらを一人数種類も担当して音楽の表情を変え、飽きさせない。オリジナルの、エキゾチックな曲も魅力的だ。しかしやはり、人間の声というものは凄い、との認識を新たにした。たった5人なのであるが、その声があわさって音楽を象づくると、その迫力はゾクゾクする程だ。
特に戦死した少年が魂だけの存在となって、かつて思いをかわした少女のもとへ帰ったシーン
哀悼の曲を奏でる少女の目に、彼の姿は見えず、触れることもできない。ヴォイスは3人で、しかも短いシーンなのだが、つい涙がにじみそうになった。40分という時間が長すぎも短かすぎもしない、興味深い小品であった。出演者が大学合唱団出身で、今もほとんど現役で歌っているとのことで、歌の部分はたいへん迫力があった。それに比べてしまうためか、せりふの語り部分と動作としての演技面がまだまだ弱いように思う。声量は充分なのだが、劇場全体を自分の"場"とできる程の、役者としての力はまだ足りないとみた。これから公演を多く重ねることで力をつけていってほしいと思う。せりふというスタイルを一切排して、歌に物語を託してみてもよいかもしれぬ。
それがオペレッタやミュージカル風でなく、吟遊詩人のように、歌にせりふを溶かしこむことが可能ならば
その新しいスタイルをもって、観客を巻きこむ"場"をつくるには、やはりもっと演技力が必要かと思われるが
リコーダーの音が時々とんでしまったのが残念
この楽器の繊細さを改めて感じた。
また、アラビア山賊娘風
衣装の踊り手の舞いが三度あったが、これも、観客を魅了するにはもう少し熟達が必要だろう
手にした、細長いシフォン状の布の動きを見せることに意識が集中しがちだったように思われる。布の動きを見せることと、音楽を体でまさしく"体現"することを同時に行うのは難しかったかもしれない。せっかく山賊風・ジプシー風衣裳であったのだから、体の中から律動が湧きあがってくるような、どうせならそんな踊りが見たかったと思う。苦言を多く呈してしまったが、新しい可能性を感じさせる、好舞台であった。ぜひまた再演してほしい。その時には、かがり火の効果を出せるライトを使ってもおもしろいかもしれぬ。今回会場とした味の素ギャラリーは、都心のビルの一階、道路と地続きで、ドアが開くと車や信号の音がそのまま飛びこんでくるところだ。しかも外光が入り、明るい感じで人がフラリと立ちよって中を眺められる、その造りを今回の公演ではそのまま生かしていた。
大きさもギャラリーARATA(前・週刊アート)とイベントフォーラム山口の中間くらい
その条件下で、技術は未熟ながら、音楽を中心としてここまで異国情緒を出して架空の国の叙事詩をつむぎあげたのには感服する。1999年8月に結成され、「絵かきで役者な合唱隊」として今年2月に第1回公演を行ったばかりである。
[ものはためし通信第16号]掲載
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美しく甘い言葉で紡ぎ出される、残酷な愛の物語
その愛は"可能"なのか
女に裏切られたと知った時、男は
ストーリーは、現在進行形で起きているというより、回想或いは過去の記憶にもとづいて主人公の男が夢想した物語、のように私には思える。
舞台上実際には現れない"彼女"を語る言葉が、エロティックでありながら過剰なまでに甘美であること
そして彼女の顔が、想像のうちにも見えてこないこと
気まぐれに彼を翻弄する彼女の性格すらも
彼の記憶のうちに確かなのは、彼女の体のパーツパーツだけのようだ。彼女との逢瀬の様子が美しく描かれるうち、彼は彼女の体に、裏切りの跡を発見してしまう。「おい、こんなものどこでつけてきた。それまでの修辞に満ちたモノローグとのギャップの大きさがきわだっていた。それ故に、この箇所だけが、誇大妄想化されていない、素の現実だったのではないかと思える。裏切られてなお、恋人を自分の世界にとどめ、一つになろうとする方法に背筋が寒くなった。悲しくなりながら、これも愛の成就の一つの方法だろうと思った。個人と個人が全てを理解し融けあうことの不可能、を、死の持つすえた匂いまでを漂わせた甘美さで見せてくれた舞台だった。
まざまざと、絶望的に
まるで胎内でまどろみながら夢を見ているような、ぬるく、閉じた緊張感―その内向性―を微妙に維持している。華も実力もある館林敦士の、暗い情念へと向かう芝居を堪能した。これだけ長く"負の存在"でいる役を彼が演じているのを観たのは久しぶりだ。足ワザも大きな動きや外へと向かうハイテンションさをも封じている。もともと持っている華の部分と、意識された抑制とのはざまに、息づまる程のエロティシズムを感じた。岩井俊二監督の映画「アンドゥ」をちょっと想い出した。館林の芝居をもっと封じてみたら、どうなったか、観たかった気がする。彼のマイム技術や、身をすくませるその空気の醸し方が、芝居そのものを支えていたのは事実だ。が、ここで、さらに彼を抑え、存在感とまわりの空気だけで語らせてみたい気もした。
彼の存在感そのものが饒舌にリアルを語り過ぎていて、冒頭に流れる音楽すら少々煩いと感じたほどだから
に、しても、"彼女"の裏切りを知った後の、「怒ってなんかいないよ」と言う時の醒めた目の哀しさが、なんともいい。舞台装置である新聞紙の山の中を歩く時の音が、うち寄せる波の音に似て興味深い。
[ものはためし通信第17号]掲載
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「みんな、待ってる」 - 古山芳枝の仕事
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「みんな、待ってる」
きれいで、ちょっと怖い。
これが劇団のキャッチフレーズ
今回もまさにきれいで、私にとってはだいぶ怖い、芝居を見せてくれた。数年前に上演された「黄昏の子供」の改訂新版だが、ストーリーはまったく違ったものになっている。高校の教室と、中小会社のオフィス或いは倉庫、という場所が交錯しながら物語が進む。そのクラスの生徒達は、二週間毎に秘密の「エナの儀式」を行う。「エナ」とは、以前その高校でいじめを苦にして自殺したという少女の名だ。儀式のくじによって、「エナ」に選ばれた者は、次の儀式の日までみんなにいじめられることになる。教師に気付かれずに、快感であるいじめをするのにこれは合理的な方法だった。だが、巧妙にそのくじをひいていない者がいた。一方、会社のオフィスでは、久しくなかった、新入社員が配属されるという変事がおこる。
それによって人間関係にさざ波がたち
"現代の都市伝説"をモチーフに、集団心理、いじめの構造における心の闇、を鮮やかに描いている。
後味の悪さをも含めて、上質のミステリーに近い味わい
誰にでもすすめられる、しかも仙台でしか観られない珠玉の作品である。
かつての「口裂け女」のウワサ等、人の心が作り出し口伝えに増幅されいつのまにか一人歩きする現代のホラー、都市伝説
昔からあったチェーンレター、不幸の手紙の類が、2000年の現代では不幸のメール、になりかわりつつある。それを利用したり、学校で"指導のために"事実を歪曲して伝えたりしたものが、新しい"伝説"となる。"今"のこのような状況を巧みに使って恐怖をかきたてる。
携帯電話でのメールのやりとり、電話番号の登録、また、パラパラ(と称されるダンスの一形態
音楽にあわせて、機械的にも見える、主に腕の動きが中心になる踊りを曲ごとに決まった振り付けで踊る)、リストラ等、現代の日常風俗から、作品の提示する問題をきわめてくっきりと浮かびあがらせる。
いじめのシーン
ついこの間まで級友だった筈の者の電話番号を、自分の携帯電話の登録からハズす。
本人の目の前で、その場の何人もが、続けざまに
」まるでその人間の存在じたいを消去するのと同じ響きをもっていた。
また、女子事務員が初めてクラブへ行くシーン
無表情で、全員が同じフリで踊る、クラブの客達に、しだいに制服姿の少女達も加わり、大人数でのパラパラ
最初は広がって踊っていたのがそのうち間隔をせばめてゆく。初めて来た女性を中心にぎゅうぎゅうになってもなお、踊ることを止めない。このシーンは圧巻である。
「人と同じであること」を求められ、また求める、違う価値観・世界を決して認めようとしないいじめの根本病理の一つ、と、パラパラとを結びつけた発想、舞台と人をダイナミックにまた幻想的に使ってそれを具現化した演出、見事
「おしつぶされるかと思った」というせりふが、生きた。いじめ、集団心理、を描きつつ、それらの中に根付く人間としての弱さが抉り出されている。それは誰でもが持つもので、だからこそ、この芝居が"怖い"ものになる。自分がいじめられないために、他の誰かを標的にする。自分を安全な場所へ置く。あるいは、絶対に人に嫌な顔をしない、けれど実は不満がたまる一方で、恨みをぶちまけた形で自分を殺す。自分の恐怖を一人で支えきれず不幸のメールとして人にバラまく。
が、それがいつか、自分に返ってくるのではないか、という恐怖
いじめた者が、またいじめられ、という循環の図式にも似て
交錯する学校と会社の世界が、自殺屋―自殺幇助および演出―の場所で、一点に収束する。
どうにもなりはしない、救いのない現実
それでも少女は、自分を殺害しようとする存在から逃れた。すなわち自らの意思で、生きる途を選ぶ。終盤、その少女が、「(いじめをするために)みんな、待ってる」教室へ戻るとき、別の、やはりいじめられる側になった生徒(はいじめを受けて、転校してきていた)に言う言葉が印象的だ。「戻ることもできないし、逃げることもできない。
前に進むしかないんだよ」
凄惨な現実の待つシーンで、この言葉
頼りないながらも、人間の持っている力、生きていくしかない時の、ギリギリのところで出てくるたくましさへの信頼、を感じた。
それにしても、劇中のいじめのシーンの、なんと陰惨なことよ
が、現実のいじめの方法の一つ、である。前述の「登録番号の消去」の他にも、人をおとしめ、嫌な気分にさせることを、たくさん見た。例えば、「名を呼ぶ」というそれだけのことが、どんなに聞き手の気分を悪くさせられるものか、改めて思い知った。
また、昔のつらい体験を語るせりふの、なんとリアリティあふれた、その凄み
観ていてもつらいいじめのシーンで、客席から舞台へ駆けあがって「モウヤメテヨ」と叫びたい衝動を抑えるのに、一苦労した。とはいえつらいシーンばかりではない。ところどころにほっとできる場などを織り混ぜながら、ラストまで恐怖を盛り上げて一気に見せた。今回も序破急の、力強いリズム、しかも謎のパズルを解くような文月の構成力に酔わされた感がある。その世界を織り上げてゆく役者達がまた見事だ。ある一定以上の力のある役者ばかりを、実に巧妙に配している。要求される役割をそれぞれみなしっかりとこなし、かつ出過ぎることがない。ことに今回、複雑な内面をもつ役柄が多いのだが、よく演じきった。
見始めたときに感じた、"この役はこういう役"という印象を次々とつき崩される、一枚岩でないキャラクター
表向きの顔とは別に、闇を抱え持つ人間
この大勢の役者達をまとめた城崎憫の演出が光る。
彼女の技量を信頼しての、文月の脚本であろう
いじめやパラパラのシーンはもとより、印象的だったのが場面転換の処理だ。未来樹シアターは転換を毎回よく工夫しており、テンポよく、かつ多重・多面的な世界を構築することに成功している。今回は舞台が明るいまま、舞台装置もそのままで、「舞台上の人物がすれ違いながら出・入る」ことで場面転換を行った。学校のシーンと会社のシーンとの変わり目、先のシーンの人物が舞台上に居るうちに、次のシーンの人物が登場する。役者は舞台上では役柄を演じたままなので、生徒達のささめきと、会社の場の、まったく異質に思える場とが、何十秒か、舞台上で重なる。それはこの二つの場が同時に存在することを意味し、なんらかのつながりがあることをも暗示しているように見えた。生徒達が十人前後いるためもあり、「人の流れ」が「波」のようだった。
ささめきが少しずつひいてゆく、また満ちてゆくその感じ
海か、大きな美しい湖の波打ち際のように、波がひいていく中にもう次の波がやってきて残った、そんな不思議な美しさだ。ドロドロした物語を、心臓にパンチくらわせつつ、硬質で美しい空間、につくりあげることに成功している。
それは役者・脚本の力とあいまって、城崎の眼の確かさによるところが大きいのではないだろうか
また、スタッフの力も無視できない。演技エリアとしての舞台は、開帳場(八百屋とも)といわれるナナメに、奥が高く、手前が低く、ゆるやかに傾斜をつけた見やすい形である。舞台装置はイスに見たてられた箱が数個置かれ、上手・下手袖に登退場口の黒いパネル・幕がしつらえられてある。
正面奥は黒っぽく、一面にしゃ幕と長いパイプ状の紙管がタテに数本ばらけて吊られているのみ
これらが、広く舞台をとり、集団の動きを見せるのにたいへん有効だった。
波のように人が出入りしたり、踊るシーンで人の列が圧縮していったり
スタッフワークのどれもが当を得て互いにひきたてあい、物語を隙なく構成していた。クライマックスで、舞台奥を走るシーン、それまで静止した状態でいた紙管が、カラカラと大きく揺れたのが興味深い。上から下へまっすぐだった細いパイプの線がいく本も不揃いにかしげ、とびはねる。秩序だっていた(登場人物達がそのように造りあげていた)それまでの世界が崩れ、揺らぐのを象徴しているように思えた。
同じでなければいけないという強迫観念
一人で抱えきれぬ程の恐怖を伴う闇
それらが生み出し、暴走を始める、都市伝説
いじめる側、いじめられる側、その関係がいとも容易になりかわる。
そこで生じる、次は自分かも、という、常に緊迫した状況に身を置かねばならない恐怖
めぐりめぐる構図の中から、どうしても抜け出せない、恐怖
たとえ転校や自殺という逃げ道を選んだとしても、結局は逃げられない、という救いのない状況を、「エナの儀式」は簡潔に見事なモデルとして提示している。
その儀式にかかわった者すべてが加害者で、すべてが被害者であるという関係
「くじ」で決める、それが全員の合意のもとに行われているとしても
彼女達は良心の呵責を感じないように見える。ほぼすべての登場人物が、邪悪な心を隠し持っているようにさえ思える。人間として闇の部分があるのは当然だ。が、少しの疑問も心の咎めも持たずに喜々としていじめに参加し続ける少女達に、少々違和感があった。
納得ずくで、二週間交替という期限つきでも
それが実際に「いじめ」の実態であっても
自分がいじめられ側であった時の気持ちはどうだったか、かえりみたとしても、まあゲームだし、二週間の辛抱だし、で済んでしまう。
とてもそれで割り切れるようないじめ方ではないように思うのだが
それほどに、いじめること=自分を"正義の側"に置き、その権力を振るってみせること、はおもしろい、ということであろうか
そこのところを補強し、また、脚本、役者ともさらに役を掘り下げ、綿密に役作りをしていけば、もっと完成度の高い芝居となるように思える。自分が「エナ」にならぬよう打算する少女、自殺未遂をくり返す少女、自殺屋、たくましいオバさん、若者文化の代表のような若い女性、等々、魅力的な登場人物がたくさん出てくる。それらの個性が物語の陰にかくれてしまった感がある。
今のままでも充分素敵なのだが
私の目が、いじめの問題にのみ向きすぎていたのやもしれぬ。
しかしできることなら、個々のキャラクターの人間臭さ、それぞれの生活臭のようなものまで際立たせたなら、物語じたいがもっと深みを増すだろう
そうすることによって、この、未来樹特有の、硬質で透明な美しさ、は損われるかもしれない。その微妙なバランスを、才能ある城崎の演出に期待したいものだ。いずれにしろ、さらに練りあげられた再演を、見てみたい。
「パラパラ」など、旬のモチーフが多くて、なかなか難しいところではあろうけれど
[ものはためし通信第20号]掲載
「青木さん家の奥さん」仙台公演上演委員会 (1)
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「管博士の四季」 - 古山芳枝の仕事
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「管博士の四季」
饒舌な言葉が紡ぎ出す、己れと向きあう時間
数年前に上演された脚本を一人芝居用に改訂しての再演である。2:30~の回を観、夜の公演終了後、大道具の撤去等を少々手伝った。
食べたり排せつしたりする時間も惜しみ、管【くだ】の一部となって円周率π【パイ】の計算に明け暮れる男(瀬戸綱明)
遠い昔、学生運動のさ中にくらった一撃のために記憶がとぎれがちになる一方、円周率の謎にとりつかれてしまっている。
四季の折々、愛猫のマイケルに話して聞かせるのは、心に残る様々な人との出会いと別れ
また、時折彼を激痛が襲い、養父母の記憶がよみがえってくる。ある秋の日、記憶がすっきりと一つの線につながった彼は、マイケルとともに円周率の旅へと出発する。丹野文夫演出の、仙台演劇研究会作品は、現在の仙台での他劇団公演とは一味も二味も違う。ゆっくりとした時間の流れの中で、観客は、静かな、真しなときを過ごすことになる。今作も例外ではない。観客は自ら考えることを要求される。
この演劇の提示しているものは何であるのか
作者・演出者は我々に何を問いかけているのか
探ってゆく作業は、与えられる享楽に身をゆだねることに慣れきった者にとって、楽ではない。それは、現代詩を読む行為、その、字の並ぶ表面から、自己に下っていく真しな作業、に近いと思われる。そこに詩情あふれるこの空間を味わう醍醐味がある。簡単な答えなど用意されていない。目を奪う波瀾万丈の展開があるわけでもない。提供されるのは"ともに考える時間"である。「管博士」の場合、我々観客はまるで、一本の細い糸をそろそろと下ろし、それを辿って降りてゆくように、管博士の人間存在の底にあるものを探る旅に出る。同時に我々の存在の底、基部を、その奇妙さを、疑ってみずにはいられなくなる。古い歌謡曲や童謡を混じえつつ、管博士の過去の断片が鮮やかに語られる。
円周率πの計算にとり憑かれた奇妙な男の過去
それによりそってみれば、一人の人間の、生の哀しさが浮きあがってくる。時に俗謡に慰められつつも、さびしく、あわれな、しかしそれらの事象にやはりたった一人で向きあっていかねばならぬ人間の孤独な姿だ。
瀬戸が1時間30分を熱演
この劇団での彼の演技は何度か観ているが、今回で見事に"化けた"著しい成長が感じられる。管博士としての語りだけでなく、養父母をも演じている。足・腰の動きがなめらかでない箇所が気になりはしたものの、舞台を一人できりまわし丹野の世界を具現化してみせた。今後とも、相手役がいても、臆することなく自信をもって舞台に臨んでほしい役者である。いつもながら大嶋貴明の美術が素晴らしい。
銀色の太いパイプと透明なビニールホース、幕などによって形造られた世界
おさえたメタリックな輝き、管にとり囲まれた非日常の空間でありながら、役者の存在を生かしている。シンプルだがそのセンスたるやさすがである。照明もこれをよくひきたてていた。少々気になったのが、養父母の登場時の出はけの処理である。袖への入り、出がおもむろで、もたつく感があった。
衣裳がえは実にすばやいのだが
ゆったりとした時空間ではあっても、舞台に観客をひきつけておく工夫が今一つほしかったように思う。安穏と座っているだけで快楽を享受できる芝居とは一線を画している。
考える作業、自分自身のザラつく心の底におり立つことを求められる芝居
その意味で、観客の参加を求められる芝居
テンポやストーリー運びなど、現在ちまたで主流の演劇とはたいへんな開きがあり、万人に受けいれられるとは言い難い。
しかし味わうに足る、砂糖もクリームもいれないブラックコーヒーのような芝居
余談になるが、今回は、個人的にいただいた招待券での観劇であった。日頃はできる限り正規の金額を支払って観ることにしている。この公演も、そうしても惜しくなかったと思った。無料のためにこの評が甘くなっているか否かは、読者諸氏の判断にお任せする。
[ものはためし通信第20号]掲載
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「イヌの仇討」 - 古山芳枝の仕事
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「イヌの仇討」
作 井上ひさし
途中、休けい15分を入れての2時間30分
井上ひさし氏の戯曲を舞台化
世に名高い「忠臣蔵」を、悪役とされている吉良【きら】の側から描く。
その時人はどう「生き」るか
そして討ち入りの、真の理由ははたして何だったか
討ち入りの当夜、吉良家味噌蔵とつながる粗末な隠し部屋
吉良上野介【きらこうずけのすけ】とその側近達がじっと息をひそめている。部屋の外では赤穂の侍達が、上野介の首をとらんがため吉良家家臣を次々と打ち倒し、家【や】探しをしている。上野介はじめ、吉良家の者は、何故吉良が赤穂の仇となり討たれねばならないのかがわからない。側近や泥棒との会話から、上野介の身の潔白が次々と明らかにされる。生きるか死ぬかという状況の中で、脱出の策が練られる。また、人の生きる道のありようが議論される。時折、外部の状況や、赤穂の総大将大石内蔵助【おおいしくらのすけ】の態度、市井のうわさ話や庶民の生活についての情報がもたらされる。やがて、上野介は、討ち入りの真の意義に思い至る。それは単に主君の仇討ではなく、「お上への挑戦」であった。それと覚った上野介は、自ら隠し部屋を出立つ。
好奇心を刺激され続ける、命がけのナゾ解き
しかもほぼ密室、一場面のみでありながら、たいへんにハラハラワクワクさせる物語展開
耳に快い、美しい武家の言葉と江戸ッ子言葉、そのリズム、群像劇としての各人の生かし方、個々のキャラクターの面白さ
主役である"悪人"吉良の、人間臭さと器の大きさが同居した、その魅力的なキャラクター
さすがは井上ひさしの戯曲、そしてその世界を、在仙の俳優達を使って誠実にたちあげようとした宮田慶子の演出、どちらも、やはり現在、並みはずれた才能の持ち主、と改めて思い知った。また、衣裳や大道具はじめ、スタッフワークも重厚、ち密な造りで耳目を楽しませてくれた。非常に重要な役である、"上様からのお下しものであるお犬様"が、いかなる仕掛けによるものか細かい動きをするのに驚かされた。そして役者衆、在仙の劇団ではほとんど見かけない本式のかつら、和服といった衣裳で、それぞれがよく健闘していた。一場面限定でほとんどせりふ劇ともいえる芝居を、観客を飽きさせずひっぱった。今回はオーディション形式はとられていないという。シアター・ムーブメントの演劇プロデュースで、例年見慣れた顔もあるが、今日の出演者の半数は初参加である。企画の側の人選とのことだが、今回選ばれた俳優達も皆、実力もさることながら舞台度胸もあり、かつ勉強しよう、その上でよい舞台を作ろう、という気概にあふれた人間ばかりのように感じられ好感を持った。この企画の醍醐味の一つに、ふだんは見られない、劇団の枠を越えた共演の妙、がある。今回も夢の共演を楽しませてもらった。
吉良を演じた米澤牛(ヨネザワギュウ事務所)、貫録を感じさせる重厚感のある演技
絵永、盗ッ人の新助役の金野むつ江(芝居小屋六面座)、ともにさすがの重み、さすがの軽妙さである。他の役者も、時にユーモラスに、時に重みを持って、それぞれの役をきっちり演じていた。全体に、堅実なつくりで、楽しめた。観客を意識し、しっかりとしたよい舞台を作ろうとする関係者全体の心意気が伝わる、手ざわりのあたたかい舞台であった。しかし私個人の目には、いささかものたりない感じが残った。私には、素直に「おもしろかった」とはいえない。
それは戯曲の、ナゾときの構造に、私が素直に浸れなかったせいもあろう
忠臣蔵のドラマや小説など、多少は目にしている。吉良は「悪」ではなく、討ち入りの本意は仇討ちに非ずというもの、赤穂側は町のうわさを利用しての情報戦を仕組んだというものなども、少くはない。今回の物語は私にとってあまり新味はなかった。それ故に、ストーリー展開よりも細部に目がいきがちだったのかもしれない。シアター・ムーブメント・仙台(以下TMSと略)は、「仙台における演劇人及び観客の育成と演劇による社会貢献の実現を目指して」いるという。演劇人の育成という、その試みに対して、細かく難点を挙げつらうのはどうかと思う。が、観客の育成、まで視野に入れるならば、厳しい見方も必要か、と思われる。まず序盤、こなれていないシェイクスピア劇を見る思いがした。
井上ひさし氏戯曲の特色である独特のリズムを持った長ぜりふ
また、見事なテンポでたたみこまれるがごとき複数続くせりふ
発語が特に重要になろう
ましてこの劇は密室劇、しかも隠し部屋のセットはホールの舞台全域を使っていない。演技エリアを狭め、上手と下手に、間隔がある。隠し部屋としての大きさを考慮してのことと思うが、当然動きは小さく、少なくなる。せりふの比重は重くなる。ところが、この、せりふが、つるつると滑ってしまうことが多い。
それぞれつっかえることもほとんどなく、よどみなくテンポよく発されるそのせりふが、果たして、それを発する人間の、つまりその役の、話している言葉、内面の、腹【ハラ】の中からの声・言葉にどれだけなっていただろうか
発声法を言うのではない。役が生きていたかを言いたい。
戯曲以上の、生きた味は
もちろんそんな、耳に快く滑ってゆくだけのせりふは、全体からすれば少なかったと思う、しかし確かにあった。ぼう大なせりふに振りまわされる、経験の浅いシェイクスピア劇の役者を見る思いが、金野むつ江が登場するまでぬぐえなかった。
隠し部屋での、声をひそめてのせりふ、という設定ゆえのものか
しかしそれではこの芝居は成り立たないのではないか
これがもし、セットがリアリティなど越えてシアターホールの舞台全面の大きさであったなら、少しは違ったかもしれない。
通常より大きく声をはりあげたからとて、外に漏れ聞こえはせぬかと観客が心配することもなかったのではないか
その位の広さがあれば、そこで発せられている声もリアルなんぞけとばして腹から出ていても、充分に芝居として虚構が成り立つのだから
もとより、声の大きさだけの問題ではないけれど
時折、敵方である赤穂の侍達の家探しの声が聞こえてくる。生の声ではなくて、録音してあったもののようだが、どうにももう少し緊迫感がほしいところだ。"赤穂侍の声"はこの芝居において重要な役まわりを果たすものである。主人公達が隠れている部屋の外で、当人達を探しあてて首をとろうとする者達の声である。中盤からの若侍の声などは小気味よいものであったが、特に前半、惜しい。赤穂勢も決ッ死、必ッ死の思いで、白刃をかいくぐり、敵の返り血を浴びつつ、またはその直後、いくさ場となった邸の中をタイムリミットつきで探しているはずだ。その様子が、声から恐ろしい脅威となって聴こえてこなければ、物語じたいが締まらない。緊迫感よりも冷静さの方が際立って聴こえたように感じられる。
小道具の状況と、せりふが一致していないことが一、二見受けられ、残念
小さいことだが、新劇を成り立たせるリアルは、その小さなたった一点で崩れもしよう
最も腑に落ちないのは、役者のアンサンブルとしてのまとまりの薄さである。物語もよくできているし役者の一人一人も力のこもった演技で頑張っていたのに、なぜか中途半端な印象が残った。ここまで挙げてきた細かい点以上に、舞台を組みあげる求心力が弱い。芝居の力、物語に観客をぐいとひきこむ力が弱い、と見えた。けれどそれは、TMSでは毎年、5年見て5年ともに私の不満のタネとなっているものだ。それでも毎年どんどん良くはなっている。それでもまだ、弱いと感じる。これまでは、その欠点は演出家によるものか、と考えてきた。だがどうもそうでもないらしい。
練習日程に原因があるのだろうか
ここまで舞台をつくり上げるのに、在仙劇団一般の公演よりももしやしてたいへんなスケジュールで、すべてのスタッフ、キャストは準備をしているのかもしれない。
たいへんな練習を重ねてもきたのだろう
その成果が、このしっかりとつくりこまれた舞台にあらわれている。だがあえて言う。陰の苦労は観客の知ったことではない。芝居として、この役者陣の技量をもってして、まとまりのあるひきしまった舞台をつくりあげるのに、稽古日数かなにか、なにか、が足らなかったのではないか、と思えてならない。
今回のTMSに関して、あちこちで目にする、「質の高い演劇の提供」という言葉
「質の高い」演劇とはどういうものか
私自身、不用意に「質の向上」という言葉を使い、在仙演劇人に問い直されたことがある。その時からずっと「質」とは具体的には何か、考え続けている。TMS関係者も、ここまできて、そろそろ「質の高い演劇」とはどんなものか具体的に考え直すときにきていると思う。「演劇人の育成」と「観客の育成」、加えて「質の高い演劇の提供」をすべてなりたたせようとする、この難問を設問した者へ、関係者のみならず、仙台市民すべてが、問い直すときにきている。
それはどのように達成されるのか、と
「観客の育成」をいい、仙台の演劇人すべてに対して「演劇人の育成」をいうならば、公演時の観客のアンケートは公開されるべきではないだろうか
オーディションによらない俳優の選考方法も、「質の高さ」を求める周囲の声にあとおしされてのことであろう
戯曲についても、「質の高さ」を求める故に、これまでの、在仙の作家の仙台にまつわるオリジナルの脚本、という路線を変更したのであろう
「在仙の」とか「仙台にまつわる」とかそんなことにこだわるのはいかがなものか、と私自身思い続けてきた。が、それと「質の高さ」とはまったく別ものの話である。仙台にはすぐれた書き手が多数存在している。いずれにせよTMSが仙台の演劇シーンにおいて果たしてきた役割は大きい。
たくさんの演劇人がここで勉強し、育っているのだろう
観客も楽しませてもらってきた。これまでの蓄積は評価に値する。さらなる発展をのぞみたい。
[ものはためし通信第21号]掲載
※テキスト化する上で、本文中のルビ表記に【】を使用しました。
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古山芳枝の仕事
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リーディング[新世紀のために]
・「ねこに未来はない」より 長田弘
・「赤鬼」より 野田秀樹
・「演劇、やりたくて」 如月小春
・「タルホ座流星群」より 稲垣足穂
・「悲しき熱帯」より クロード・レヴィ・ストロース
全2時間、うち1時間35分がミュージカル、残りがダンスショーという構成
「そして、疲れ果てソーロン」
もしもしガシャ~ン もしもし#05
「そして、疲れ果てソーロン」
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「ブルー・ムーン」 - 古山芳枝の仕事
古山芳枝の仕事
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全2時間、うち1時間35分がミュージカル、残りがダンスショーという構成
外国、片田舎のとある村
吸血鬼が現れたという噂が流れた。
館に住む伯爵(葉澄れい)がその吸血鬼なのだと
しかし彼は亡き妻への思いを断ちがたく、喪服に身を包み人を遠ざけていただけだった。そのことを知る宿屋の亭主ダニエル(紫綺あすか)、伯爵を慕うパメラ(彩月華乃)は、なんとか噂を打ち消し伯爵の心を開かせようと努めるのだった。一方、噂が投書された新聞社では、やり手の編集者ジーナ(茉莉あきほ)が、記者ビル(つかさゆうき)とジュディ(美海愛理)、犬猿の仲の二人を村へ送りこむ。
それぞれの恋の行方、伯爵の運命やいかに
以上がミュージカル部分の粗筋である。ダンスあり歌ありで、楽しく華麗なミュージカルに仕立てている。大きさとしては仙台では中規模のホール、装置はごくシンプルに、メイク、衣装はできる限り華やかに、そして照明、音響は(株)東北共立が務めている。
ミュージカルの後は、劇中使われた曲をメインにしての華麗なるフィナーレ
衣裳の早変わりもあり趣向をこらしたダンス、歌を見せてくれる。この劇団の公演を見たのはこれが初めてだ。宝塚歌劇を、しっかり通して見たこともないが、本公演は私のイメージする「宝塚【タカラヅカ】」に限りなく近い。役者・ダンサーが全員女性で、男役であってもその男装のメイクは華やかなものである。衣裳も美しく、ダンスに映えるデザイン、布遣いがされている。加えて舞台中央に、5段程だがやはり階段があるのである。構成も宝塚を踏襲している。考えていたよりもずっと、見応えのある舞台であった。歌も踊りも芝居も、たいへんよく練習されている。公演ちらしを、普通なら考えられない位前から見かけていた。それだけ準備、練習に時間をかけて本番にのぞんだことがよくわかる舞台である。せりふにつまったり、踊りに物足らぬ思いをした箇所もあったが、舞台は概ね順調にサクサク進行する。ラブストーリー的シーンなど、真剣でメロドラマでもうもうラ・ブ・ス・ト・ー・リ――~なのだった。それを自然な流れの中でやっていて、歌も踊りもそのために不自然に流れをとぎれさせたりしない。何よりも評価すべきは、自分達も楽しみつつ、「お客様の視線」あるいは「見られている自分」を役者、ダンサーが常に意識しているところだと思う。
なかなかできることではないと思うが、ダンス関連、ショービジネスに近いところに身を置く方は皆その意識がしっかりとしているのだろうか
この公演の彼女達も、かなり激しい踊りの際中、後でもほとんど息を乱さず、しんどい様子を見せない。衣装、ヘアピース・メイクの早変わりも非常に多く転換も比較的スピーディに行われているにもかかわらず、だ。
ミュージカルと銘打つからには当然、というか
たとえそうでも、私は、彼女達の意識の高さに感嘆した。そんなところに感嘆はしていても、一方、どこか退屈であったことは否めない。
テレビならば途中でチャンネルを変えただろう
サービス精神を感じるものの、ワクワク感とでもいうようなものは湧きあがってこない。
単に好みの問題、なのだろうか
この、チャンネルを変えさせる退屈は、宝塚の舞台中継にも言えることだ。私にとってこの舞台は、スリリングではなかった。ストーリー重視の視点になってしまうが、場面場面、また、歌、踊りでも、登場人物が「生きて」いないで話をなぞっているだけでは、けして舞台にスリリングさ、は生まれないように思う。型や、キメのカッコよさよりも、心がみたい、と思う。カッコよく見せるところは押さえつつ、その役を生き生きと見せてほしい。ここにいるのは美しい自動人形ではなくて、役の人間であることを見たいと欲する。
芝居、歌、踊りに加えて、生命まで望むのは、あまりにも酷というものだろうか
歌も踊りも芝居でも、なかなかのものであった。自信をもってその役を生きてほしい。集団としても、皆が一定以上のレベルにある。コロスとの二役などキャスティング配分が上手いと感じた。
仙台ではまだ異色な、数少ないエンターテインメント系の劇団といえようが、実力はかなりのもの
これからますます魅力的に、おもしろくなってくれることを願う。歌のときの声量が音楽に負けていることが度々あった。
ワイヤレスマイクの調子かも知れないが、もっと堂々と歌ってもよいのでは
せりふのときも、はっきりはしているものの声量はもっとあっていい。が、声を大きく出そうとすることで、宝塚のあの独特な喋り方にならないよう、個人的には願う。
ストーリーも、よく構成・練られたものだが、どうせならもう少しメリハリをつけても
せりふは一本調子になるところが少々あり辛い。
照明、音響とも、美しいのだが、もっと効果的なやり方があったのではないか
ここで何故これを
と首をかしげる照明が多い。ミュージカルショーの照明にしては、全体に物足らない感がある。
布で造型し、吊ってある、伯爵の館の柱の出はけタイミングも同様
役者、ダンサーとしては、つかさゆうきが群を抜いている。見せ方を心得ている、と言ってもよい。
他にも美海愛理が好演、茉莉あきほはもう少し肩の力を抜くとさらに観客をひきこめるだろう
ミュージカル部分では宿屋のオヤジを演っていた紫綺あすかが、フィナーレDでは女性ダンサーとして妖艶な表情を見せた。
つかさと紫綺の、宿屋でのタップダンスシーンは圧巻
力はあるがまだまだ発展途上の劇団である。
宝塚的劇団、となるよりも、楽しげにミュージカルをやる劇団、となってほしいところだが、それは個人的希望
もともとの目標は知らないが、できれば何かの真似でなく、この劇団独自の路線と野望を見つけて、これからもおおいに楽しませてほしいものである。
[ものはためし通信第27号]掲載
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「アーバンクロウ・・・呼吸もできない・・・」 - 古山芳枝の仕事
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「アーバンクロウ・・・呼吸もできない・・・」
衝撃的な芝居だった。男が部屋に入ってくる。彼はここで陽子(三浦亜矢)を見張る任務を与えられている。彼女はある夜、強姦され、金を奪われ、父親を殺されて、事件当時の詳細な記憶を失っているという。
犯人の特定はできないまま
以来彼女は自殺未遂をくり返すので、赤井が目付役を任じられたのだ。内部情報をマスコミに渡すなど、彼は警察組織からダークサイドへ片足ハミ出してるような人間だ。陽子と話をしようとする彼、刑事仲間、赤井の個人的な友人のフリーライターが部屋を出入りし、絡み、事件の真相が明らかになっていく。その中で赤井と陽子それぞれの過去が露わになる。
彼らは希望をつかむことができるのか
救われるということがあり得るのか
非常によくできた舞台である。脚本自体も緻密な構成で興味をひく内容になっているのだが、そればかりではない。人物に厚みがある。演技にコケオドシでない迫力がある。むだな動きが少ない。重い、やりきれない、社会の裏のハードボイルドミステリーを2時間飽きさせずによく見せた。今は、テレビや映画・小説でもよく見られる物語だと思うが、舞台ならではの衝撃があった。終演後も緊張がなかなか解けなかった。刑事として身ぎれいにしているものの、むくつけき男達が女性の部屋に複数あがりこんでいる、ことがかなりの息苦しさを感じさせる。ぶしつけにカメラを向けられる。たちいった質問をされる。カバンの中味を一つ一つ確認される。
見ているのが辛くなる程の、セカンドレイプそのもののシーンの連続
容赦なくそれを感じさせている。そういったシーンが暴発的に突出せず静かな流れがきちんとおさえられている。凄い舞台を観た、という気がした。俳優もセットも緻密ですばらしいが、難点もあった。長いせりふが多くて時々つかえるのが目立つ。
ささいなことだが、緊迫した空気を損ってしまい、残念
また、時々アメリカンなしぐさを遠慮がちに入れているのが気になる。
よほど自信をもって堂々とやるか、テレビでカットワークが可能ならば活きる芝居であろう
それでも、現代日本のゆがみを描いた、湿ったハードボイルドにそれは似合わないと思うがどうか
終盤、かたくなだった陽子が赤井に手をまわすシーンが唐突な印象
体に触れるまでに心を開いた、と見たいところだがそこまでの過程に無理があったようだ。「坂の上の家」との二本立ての故か、「アーバン~」で使用されるセットは中央やや下手よりにしつらえてある。上手側も使用されるのかと思いホール中央に着座してしまった。
「坂の上の家」は見に行けなくて残念だったが、劇団として1本の芝居に打ちこめていたら、どうだったろうか
1本分の料金で2本見られて観客としては割安感はあった。
二本だてにした真意は知らないが、そのエネルギーを1本に注ぎこんでいたら
とつい考えてしまう。照明、朝と夕方の区別がしにくく、とまどった。音響、せっかくの"街の朝"、"静じゃくを強調する時計の音"、雑音、音の入り方、聞き苦しく、惜しい。
難点ばかり挙げたが、セット及び小道具はしっかり揃えられ、さすが
なにより役者の個性が充実している。特筆すべきはフリーライターの藤堂(野尻大介)の嫌ったらしさだ。まだまだ改善すべき点はあろうが、劇団としてかなりの力をつけてきていると見た。今後の展開にさらに期待したい。
[ものはためし通信第29号]掲載
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「永遠の原阿佐緒」
明治生まれ、宮城県出身の歌人原阿佐緒の波瀾に富んだ半生を綴る。
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「永遠の原阿佐緒」 - 古山芳枝の仕事
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「永遠の原阿佐緒」
明治生まれ、宮城県出身の歌人原阿佐緒の波瀾に富んだ半生を綴る。
受付を過ぎると、ロビー右手に短歌が書きつけられた白い長い布(紙
)が数枚、天井から床まで垂れ下げられている。足もとには鮮やかな赤が散っている。劇場ではロールバックスタンドを少しだけ出し、席はイスが並べてある。開演前、舞台前面にスクリーンが下がって不思議な映像を映していた。
森のざわめき
何かがにじんで、広がっていく様子
スクリーンを巻き上げると、奥と上手に、抽象的な絵が描かれた布が下がっている。モネの「睡蓮」拡大図かと一瞬思ったがそれよりも色彩もタッチももっと激しい調子のものだった。
昭和九年の室戸台風上陸を告げるラジオの音声とともに開演
阿佐緒の波瀾、失意の人生を象徴する幕開けである。
断髪スタイルの千葉里佳のダンス
嵐に翻弄される。
絶望の底へ落ちる
この台風の時、阿佐緒は47歳
酒場の女として生計をたてていたが、この時、それまで書きためていた歌稿その他原稿を全て消失した。そこからさかのぼって阿佐緒の少女時代、暴行による妊娠、二度の結婚、と生涯を追って、貝山幸子のナレーションと歌が入る。最初の結婚と、阿佐緒の二人の息子は、館林敦士と小山全志が演ずる。当時の東北大学教授石原純との恋愛によるスキャンダルは、息子達が当時の新聞記事を読みあげる形をとった。歌の世界からも遠ざかり、石原との生活も長く続かなかった。東京から大阪へと流れ、酒場で働くなどしていたが、台風の被害にあった翌年阿佐緒は故郷へ戻ってくる。と、大まかに言えばこのようなストーリーを稲垣達也のピアノ生演奏と畠山宗季の美術をバックにナレーション、歌、とダンス、芝居で見せた。同じ舞台の上で、役者とダンサーがともに存在し各々の動きをしていたり、シャンソンが歌われている奥で、心情を表すダンスが行われていたりする。単なるつぎはぎではない、よく練られたコラボレーションが実現されていた。原阿佐緒という一人の女性を表現するのに表現の上で多面的なアプローチをかけたといえる。それはたいへん効果的で、興味深いものになった。ダンスが凄い。
モダンダンスと言うのだろうか
クラシックバレエをしっかり身につけた、仙台バレエ界の屈指の踊り手、千葉里佳が凄い。
身体の揺らぎから心の揺らぎ、不安定さを表現
また、母親としての愛情、鬼気迫る想いまで、確かな表現力で目を奪う。いろいろなものに翻弄されながらなんとか自分の足で"立って"生き抜こうとした、しかし自立しきれなかった女性の半生を、身体そのものと動きとで力強く表現した。役者二人との息も合っていた。仙台ではここ数年、バレエ・ダンスと演劇のコラボレーションが幾度か試みられている。私の見た範囲では、どれもまだこの似て非なるアートの"出会い"にとどまっていた。それが今回の舞台は、他のアートも加え、そこから2歩も3歩も進んでしっかりと融合しお互いを生かす形で"成功"しているように思う。
それは両者が今までのキャリアを土台にして、どちらをメインに置くこともなく尊重しあい、ある一つのテーマをハッキリ舞台全体で構成しようとしたことに起因するのではないだろうか
役者二人、館林と小山も、おおむね出すぎず、よく抑えかつ光っていた。生演奏のピアノの音がいい。舞台下手奥にピアノがしつらえてあり、その演奏がたいへん美しく、生【ナマ】でありながら主張し過ぎず、それでいて存在感があった。ぜいたくな心持ちになった。貝山幸子の語りと歌とはさすがに堂に入ったもので、特に歌は貝山専門のシャンソンからオリジナル曲、原阿佐緒作詞の昭和初期の流行歌まで、女の心情を豊かに表現して聴衆をひきつけた。「愛してくれるなら」では男を想って千々に乱れる女心を歌い、千葉のダンスとあいまって印象深い。それでも、この語り、及び歌の部分が、全体の構成上どうも浮き上がってみえ惜しい気がしてならない。女神【ミューズ】の化身のごとき衣裳で舞台中央に立たねばならぬ理由が私には今一つ飲みこめない。コラボレーションには、全体の芯となるべきものが必要で、それが語りであり歌だったのかもしれない。
けれどももう少し余白の美とでもいうべきもの、お互いの活かし方、という点で、バランスを考慮すると、なお良い作品になるのではなかろうか
逆に美術の主張が弱い。
せっかくのインスタレーションが、照明で少なからず潰されていたように感じたのは気のせいか
原阿佐緒という人物について、予備知識を持たないまま鑑賞したが、とても興味をかきたてられ、親しみを感じた。恋愛「事件」を当時の新聞がいかにスキャンダラスに書きたてたか、も生々しく描かれ、興味深い。終わり方が唐突な印象で、今後の課題と思われる。短歌というアートで自らを表現した女を、舞台中では短歌をほとんど使わず他ジャンルのアートで表現しようとしていた。非常に意欲的で新しい感じがする。現代の私達に迫ってくる、舞台という一つのアートとしてしっかり作品になっていた。
が、欲を言えば
短歌を使わずに阿佐緒という人間を女として母として、そしてアーティストとして多面的に「一言でとらえずに」描こうとした時、この「アーティストとして」の部分がどうしても弱くなる。台風で、書きためた原稿を消失、という事件の他に、できれば、短歌への思いというものが具体的に出てくるとさらにおもしろいものになるかと思う。ダンサー、役者の、イトウユウコによる衣裳が的確かつ美しい。ことに千葉の二着め、1920~30年代を意識したハイウエストのドレスが機能的にも美的にも白暦である。実力あるアーティストが多数、多ジャンルより集まり、これほどのものを見せてくれたことは喜ばしい。11月から大和町まほろばホール、フランスでも公演があるという。たくさんの公演で、様々な観客に揉まれてさらによい舞台になることを願う。
[ものはためし通信第31号]掲載
※テキスト化する上で、本文中のルビ表記に【】を使用しました。
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売れないバンドの4人組
ライブの回数を重ねても、お客はいつも10人位しか入らない。今日もいつものように町の小さなスタジオでライブ準備をしている。
それなりに緊張し、気合いが入るメンバー
開演時間が近づき、ステージの様子を見に行く。と、そこは、なぜか横浜アリーナだった。第5回目の公演ということだが、私は初めて観た。今作は、パンフレットにも名前が載っている某有名漫画家のSF連作短編漫画の1エピソードを、設定を大きく変更し脚色している。実は私は数ヶ月前に、偶然その原作漫画を読んでいた。そのため原作を知らない多くの観客とは感じどころが多少異るかもしれないことを先に述べておく。
舞台全面が町のスタジオの楽屋という設定
中央奥に出入り口があって、そこから楽屋外へ出入りする他、ラストの「ライブ前説」で舞台前にとびだす以外はずっと、楽屋の中だけでストーリーが展開される。バンドの4人は、メンバーのうちの誰かの夢の中に閉じこめられてしまったのだ。原作でもそうだが、その不可思議な世界には、自分達がよく見知った場所しか存在しない。よって、会場、ステージは横浜アリーナになっていても、楽屋はちょっとヘンだけれどももとのスタジオの楽屋と同じなのである。そのために舞台は楽屋の中だけで進行が可能となる。しかも楽屋に設置されたモニターで、楽屋からステージや客席の状態を確認することができる。このあたりは原作と異る。原作は高校球児と甲子園、の話である。魅力的な設定だ。誰の夢の中なのかはわからず、とじこめた本人も自覚がない。その状況下でメンバーそれぞれの苦戦苦闘が始まるわけである。役者が役の性格をしっかり身体に染みこませている感じがした。
オカマのボーカル、仕切りたがるリーダー等、それぞれがほんとに役者本人がこういう性格なのではと思わせる程
これは「役者」として当たりまえのようでいて、私が見る限り、なかなかできないことである。仙台には小器用な役者が多い反面、この公演での役者達のように、役のキャラクターが地に足をついてると感じる舞台を見ることは、昨今少ない。1時間40分の間、個々の役者はダレることなくキャラクターをきっちりと持続し最後まで話をひっぱっていった。その点にとても好感がもてた。しかし残念なことに、ストーリー上の無駄が多い。
もっと上演時間をツメて短くすぱーんとやったら、大いに魅力が増すのではないか
ライブ前日の約束、という伏線ももっと生きてくるだろう
世界の実例()をあげてこの突飛な展開の説明もなされるが、1時間40分、ギャグを多用してひっぱるのは辛い。無駄なボケ、ツッコミ、緊迫感のあまり感じられない芸名についての会話のシーン等が気になった。けして役者がダレているわけではなく、そういう話になっている。「じたばたしたって仕方がない状況」「だらだらしたコミュニケーションも仲間うちでは必要」といった考えがあるのかと思うが、ライブ前の緊張感やメリハリがもっとあると、全体がピリッと締まったように思う。
今のままでは彼らが売れないのが見ていてわかってしまってカナシイ
開演時間までに戻らねば、というプロ根性によるデッドリミットサスペンスで盛りあげておいて、でもどこにいたってライブはライブ、横浜アリーナ一万人ライブやっちゃえ~、で、ぱつっと緊張の糸を切ってもいいだろう
他のシーンが緊張感にあふれていれば、中に静かなシーンを入れても効くだろう
その、ストーリー上の緊迫感が足りない、ギャグで度々緩和されすぎるために、現実世界に戻るために殺しあいを始めようというシーンに説得力が感じられない。横浜アリーナライブの楽しさもストーリーの盛りあがりもインパクトに欠けるうらみがある。やりたいことも、カッコいいと思うことも、いっぱいあったのだと思う。が、それを満載してしまっては舞台の収束力が弱くなる。個人的な好みとして、ストーリーを重視する私個人の見方かもしれないが、演劇にも結構力-構成の力というものがほしい気がしている。
ギャグ満載で面白おかしく笑わせても、一本太い力の流れを感じられれば、それで面白いのだが
照明、音響、衣裳、装置まで、スタッフワークもかなりきちんとしている。
気になったのは前半部分の暗転、特に夢の世界へフッ飛ばされる時のもの
停電でまっ暗という設定で、せりふもあり舞台は進行しているのだが完全暗転で本当にまっ暗で、これはチト長い。
小道具の出はけ等あって処理が難しいとは思うがこれは反則といえよう
せめて舞台上どこか一点でもぼうっと照らす等の工夫がほしい。いろいろ苦言を述べてきたが、個々の力や、実に楽しそうに芝居を作っている、ように見える様子から、とても大きい可能性をもった劇団だと思える。バランスはともかく、今の力の入れ方に好感が持てる。著作権の問題もあるし、脚本家もかなりの力があると思われるし、まったくのオリジナルか、まったくの既成脚本を探して、勉強しながらやってみる、という公演を見たい気がする。これからが楽しみな劇団である。
[ものはためし通信第32号]掲載
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「青木さん家の奥さん」仙台公演上演委員会
この回は約1時間20分
招待券をいただいての観劇
作者はいるけれど、決まったセリフ、ストーリーはなし、「即興性を重視しテキストどうりに絶対やってはいけない」(チラシより)という作品に、仙台の男優達6人、とそれを支えるスタッフ達、が挑んだ。
ビールの瓶ケースが積み上げられた酒屋の倉庫
町内一の美人、「青木さん家【ち】の奥さん」のところへ、誰が配達にいくか争いになる。新人が、自分も行きたい、と名乗りをあげ、配達の特訓が始まる。役者が一人ずつ歌いながら登場する出だしから笑わされ、最後まで、笑い疲れる程笑った。こんなに笑ったのは、最近では映画「ウォーター・ボーイズ」ぐらいのものである。映画は計算され尽くした笑いだったが、こちらは即興、アドリブの応酬に笑わされたわけである。
楽しく、パワフルな舞台
張りつめた緊張の糸が、時に爆発的な笑いを引き起こす。
前半の、先輩配達員のハチャメチャぶりにボー然としていた新人の表情が印象的
良くも悪くも、お祭りを見た、いや参加した、という感が強い。緊張感を維持しつつ、役者達が熱く、自分達であらかじめ設定したのであろう筋の流れとアドリブとの間【はざま】にあって新しい可能性を模索していた。誰かがボケれば他の誰かかがすかさずツッこみ、そんな意味でのバトルは熱かったが、手に汗握るハラハラ感、とまではいかなかった。私が個人的に彼らを信頼していたから、だけではないと思う。その分期待も大き過ぎたのかもしれない。演劇のワクを外【はず】そうとしながら、ウケること、を狙っていた。笑いをとる、観客とともに"生【ナマ】"を楽しむ、という点では、もう文句なしに大成功である。
劇場が一体となってのお祭り
まさにあれは、そういう楽しさであった。ふだんは見ることのできない顔あわせで、力を尽くして楽しませてくれた。だが一つ、祭りを祭りたらしめる"神性"をそこに加味することを考えずにはおれない。
たいへん欲張りなことかもしれないが
この場合の"神性"とは「演劇的可能性への挑戦」なのではないかと思う。役者がどんなに汗を流していようと、ふだん見る、演劇的地平の上をスキップするかの如きで、常に着地点を確認しながらの即興性に留まった。
いずれ舞台をシメなければならない以上、必要な作業なのかもしれないが
いつもの演劇的地平を軽く飛び越え、カッ飛んだところまで行ってしまって、戻って来られるのかあるいは行っちゃったきりなのか、あるいはマジなバトルの末に叩き潰されてかすんでくる役者も出るのか、逆に悪目立ちし過ぎでブッ飛ぶ役者も出るのか、そんなのがいたらバトルロワイヤルよろしく他の役者がそいつをひきずりおろしにかかるのか、を見たかった。この作品の、この回の役者は、また、筋に縛られている、と見た。笑いも内輪ネタが多いように思え、一般の、あまり芝居を見ない観客はどう感じたか気になった。そんな意味でも演劇人のお祭りという印象が強い。楽しければそれでいいではないか、とも思う。けれど、せっかくこれだけの魅力ある俳優が集まったのである。
楽しい以上のものが見たい、と思うのは期待のし過ぎか
それは、しかし、だから駄目だということではない。私も大いに笑わされた一人である。祭りはあっていいし、この試みは称賛に値する。その狙いが問題なのであって、私にはそれは見えない。
演劇人が打ち上げた祭りとして
その可能性を呈示するものとして
もう一歩の踏み込みが欲しかった。ちっぽけな自負も、キャリアも、遠慮も、その試みの前にすべてかなぐり捨てるがいい。その上でのバトルが見たかった。2日目以降、また違った舞台になっていたろうと思う。
初日のみしか見られず残念
[ものはためし通信第32号]掲載
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「鈴の鳴る家」 - 古山芳枝の仕事
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「鈴の鳴る家」
作・演出 金野むつ江
姑が亡くなり、四十九日の法要も終えてしばらくたった大林家の居間
嫁の芳枝(山内登寿子)は遺品の片づけなどをしている。
夫は単身赴任中で不在、息子典行(高橋大典)はフリーター、その妹加奈子(小野美由紀)は学生
何のへんてつもない三人暮らし、のはずが、もう一人、居候に悩まされていた。法事が終わっても帰ろうとしない、故人の妹である伯母の千満子(金野むつ江)である。彼女はしじゅう仏壇のかね=鈴を鳴らし、法事のやり方や法名、彼女に言わせれば戒名、に文句を言う。もっと仰々しく立派なものでないと、死んだ姉が成仏しない、というわけだ。大林家の寺の若い住職(中里政博)も気にいらない。供養のためと家族に写経を強要したりもする。一家は彼女を疎ましがってはいるものの、キッパリと断って追い出すこともままならない。そんな日々の中、一大事がもちあがる。加奈子の交際相手があいさつをしに来るというのだ。当日、芳枝が一人で準備をしているところに、寺の住職が訪ねてきた。法衣ではなく革のライダーズジャケットといういでたちだ。
何の用かといぶかしむ芳枝
そこへ、客を迎えに出ていた加奈子が帰ってきて「先に来てたの
加奈子の交際相手とはこの住職だったのだ。芳枝が驚きあわてていると、今日は典行に連れ出されていたはずの千満子が帰って来た。死者を送る儀式、考え方を中心に宗教のありようをめぐる話を主軸に据えているが、それが小難しく前面に出ているわけではない。
平穏な日常の中の、闖中者によって起こるささいな波風をていねいに描いたホームドラマともいえよう
細部まで丁寧につくられてあり、そのために一つ一つの事物がつながりをもって、物語と劇空間に深みと密度の濃さを与えている。その分、中盤、若い住職との宗教問答の部分は少々突出した感があり、テーマとしては絞りきれずに錯綜してはいる。が、それがかえって物語を平板にさせずダイナミズムを与えていて興味深い。全体にコミカルな味つけで客席を大いに沸かせた。役者の演技がまたしっかりしているので、安心して見ていられる。皆堅実な演技なのだが金野のババァぶりが見事で目をひく。
小金を持っていてちょっとおうへいでなまっていてネチネチしていて、いるよいるよこういうババァ、どっかで見たよと言いたくなるような老女の演技
老婦人と書けば上品過ぎるし、ババァとしか表現できない役であった。
私もそのうち、こんな頭の固いババァになるのだろう
今回はどちらかというと孤立無援の憎まれ役だったこともあり、他の若手役者達との違和感を感じさせない。きめ細かい演技を見せる山内と双璧で、観客の呼吸のつかみ方が上手い。新人の小野の表情が素直でよい。
初々しく新鮮な印象
千満子おばは故人の供養のためにできることをなんでもやってあげたいと思う。有名人の長い戒名を例に出し、姉の四文字だけの名を変えてはもらえまいか、とそれが気がかりで居候し続ける。ところがこの家のお寺の宗派はたいへんシンプルな教えで、我々が日頃常識として疑わないようなことも、迷信と言ってはばからない。法名は四文字で充分だし、仏事から帰っても塩と水で身を清めたりはしない。仏様をけがれとは見なさないからだ。日本の宗教観の違いの対立を庶民レベルでま正面から描き、改めて、自分にとって宗教とは、死者を送るときに儀式にどんな気持ちをこめていたか、考えさせられる。
対立だけでなく、形は違っても故人をいたむ気持ち、仏壇に手を合わせる気持ちはそんなに違いはないということも
家族ドラマとしてもよく作りこんであり密度が高い。
自宅に戻れば独り暮らしの、高齢のおばのさびしさ
このおばと、若い甥との交流がいい。故人と遠く離れて暮らしていたおばと、同居していた甥とでは、故人のイメージが違ってくるところもあり、お互い思いがけないエピソードを聞かされることもある。
若い甥っこは、飼い猫が帰ってくる古い言い伝えを教えてもらったり、意外に話があうこともあったり
そういうところがしっかり描けているから、物語に厚みが出る。
舞台セットも重厚
他劇団よりも年配客が多いかと見える老若男女とりまぜた観客を、大いに笑わせ、楽しませていた。
[ものはためし通信第33号]掲載
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「飛龍伝―神林美智子の生涯―」 - 古山芳枝の仕事
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「飛龍伝―神林美智子の生涯―」
たかはしみちこプロデュース公演
「飛龍伝―神林美智子の生涯―」
作 つかこうへい
演出・構成 たかはしみちこ
脚本・潤色 たかはしみちこ・奈尾真
個人的に招待券をいただいたが、この日は当日券を購入
冒頭、中学校の教室
教師(中井均)が生徒と質疑応答しつつ、9
11テロ、中東問題の話題から日米安保条約を説明している。そこへ"飛龍"と名付けられた石を持つ男が現れた。その石は、かつて安保反対の学生運動に燃えていたその教師が鍛えたものだった。
路上のパフォーマンスで金を得る山崎一平(奈尾真)
彼に惹きつけられる沙夜子【さよこ】(たかはしみちこ)
彼女を見て、山崎はひどく心を乱される。メガネをとった素顔の彼女を、彼は「美智子」と呼ぶ。沙夜子は現首相、桂木順一郎(福田敦史)の娘として育てられたが、実は養女であった。出生を問うても、父からははかばかしい返事は得られない。
桂木の部下の大下(大西秀和)に諭され、見張られる沙夜子
彼女は次第に山崎と親しくなっていく。山崎は沙夜子の中に、かつて愛した女、美智子(たかはし・二役)の面影を見ている。学生運動の激しかった頃、山崎は運動を力で弾圧する機動隊の一隊長、対して美智子は学生側のリーダーだった。山崎は美智子に焦がれた末に、彼女の愛を得る。そして生まれたのが沙夜子だったのだ。しかし美智子が山崎と暮らし始めたのは、闘争の作戦の一つであった。沙夜子の育ての父、桂木は元学生運動の猛者で美智子の婚約者、でありながらその作戦を推進していた。沙夜子は自らが作戦のために生まれてきたことを知り深い絶望に陥る。沙夜子を生んでしばらくの後、美智子は闘争のさ中、山崎の振りおろした警棒の一撃で絶命した。山崎の時間はそこで止まってしまったのだ。
それでも生きていく、と誓う沙夜子
苦しみに満ちた叫びがいつまでも耳に残る芝居だった。仙台駅前、閉館してまもない映画館を劇場として選んでいる。スクリーン側を舞台に、客席1/3弱をとり払って高さのある山台を組み、単管をつないで照明を吊った。
袖をしつらえたのとは別に、上手・下手の役者の登退場は主に劇場の扉をそのまま使用
簡素な舞台ながら、照明の切り替えなど不自由な点も見られたがおおむねスタッフワークのキレもよく、なにより役者のパワーのほとばしり出る熱い舞台となった。沙夜子役から、回想シーンの美智子に瞬時に切り替わる、二役をこなしたたかはし、一直線な愛を不器用に貫く男を演じた奈尾の力演に圧倒された。他の出演者にもいえることだが、2時間40分の長丁場をスキなく、しかもところどころ適度に観客の緊張を解きつつもたせた。そのため私は終演時時計を見て目を疑った。登場人物もそれほど多いわけではないのに、脇を固める役者も一人一人が実にしっかりとした力強い演技をしていたことも評価に値する。つかの「飛龍伝」は戯曲、小説とバージョンが複数存在する。ここでは山崎、美智子の子供を女の子に設定、首相となる桂木を養父としている。
物語の主軸はあくまでも沙夜子であり、山崎との交流、出生の秘密、絶望から生への回帰とすすむ
その折々に父母らの若い頃の物語がはさまれ、沙夜子の物語と同時進行する。構成は緊密に結ばれ、よく練られていると見えた。
が、なんといっても鮮烈な印象を残すのは山崎と美智子の若き日々だろう
山崎が自分を卑下し、時に美智子を拒みながらも彼女に恋焦がれるさま
笑いたくなるような、しかし真剣でむちゃくちゃなアプローチに驚き呆れつつ、激しい純愛に圧倒される。美智子の真意を、山崎が知ったのは、彼らの娘・沙夜子が生まれてからのことだった。美智子は学生側のスパイとして、デモ当日の機動隊配置図を入手するために山崎と暮らし始めたのだ。
美智子を罵倒する山崎
土下座し、それでも愛は真実だった、とひたすら許しを乞う美智子
本当にひどい言葉で、ひどい口調で、しつこい程にエンエンとののしりが続く、凄じいシーンである。が、そこに在るのは明らかに、愛と、哀しみだった。
それまで彼女をどれだけ慈しみ、心配し、喜びにあふれて愛したか、それが裏切られたことから湧きあがるとてつもない悲しみ―それは憎しみの形をとって体現される―と、そしてそれをそらそうとせずま正面から受けとめ、恥じている小柄な体と
個人的に私は、つか作品はこれまで何度か目にしてきたが、どうしても素直に感動できなかった。しかし今回舞台ではじめて、よく言及されるように「ギリギリまで傷つけあいながら傷つけあうことで愛を貫く人間の姿」を見ることができた。絶叫に二重の意味をもたせ、またテンポよく笑わせながら、衝撃的な力をもつ舞台だった。それにしても上演時間がチト長いので、できればもう少し切りつめるとよいのでは、と思う。饒舌な力というのもあるが、パツンと切って落とす力というのもあるように思う。時間を短くすることによって、一つ一つのせりふの裏にある、まことに裏腹【ウラハラ】な思いをより強烈に表すことも可能かも、と思う。
今の時代、忘れ去られた学生運動の熱気を、その20
年後の沙夜子を中心に据えることで無理なく導入して物語を展開した。けれどもう少し、当時の全共闘の闘争の模様や、デモと機動隊の衝突の怒号などが効果としてあった方が、当時の、今から見れば異常な日常がわかりやすかったか、とも思う。
たいへんぜいたくな希望ではあるけれど
閉館した映画館での上演が、また過去のノスタルジーへと誘う。劇中、フェリーニの映画「道」に感動した山崎が、ジェルソミーナの思い人のザンパノを気取るシーンもある。映画館も、また、昔日の写し絵を見せる場所だ。また、公演期間中、在仙アーティストの近江俊彦氏と大場順一氏の作品が会場に展示されていた。近江氏の絵は近未来的な、少し冷たい印象の奥行き深いものであった。私の時間の都合でじっくり鑑賞できなくて残念だったが、それらの展示のために、さらに会場は雑多な、不思議な感じを深めていた。
「熱海殺人事件―モンテカルロ・イリュージョン―」は結局見逃してしまい、残念
驚異的なスケジュールの公演であった。
今後とも、無理をしすぎて息切れすることなく、密度の濃い芝居を見せてほしい、と思うのは観客の無理な要求にすぎぬか
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きらく企画プロデュース公演 2002年始
構成・演出・出演 あだちまさきと原西忠佑
あだちまさきと原西忠佑の二人芝居
あだちが、金持ちの令嬢で目の見えないすずこに扮する。すずこは14歳だが言葉遣いやマナーがなってなく、学校にも通わずに部屋に閉じこめられている。母親は冒頭で自殺している。666人目の家庭教師・しつけ係として雇われたのが原西扮する女教師である。すずこはやたらと反抗的だが、なんとか従わせようとする。
すずこの憧れる女優になるための訓練と称し、彼女に様々な事を課す教師
何かのマネをしたり、速く走ったりという馬鹿馬鹿しいことばかりだがイヤイヤながら従うすずこ
ある日、すずこは、教師が莫大な借金を抱えていることを知る。教師はそのために、すずこの父親にとりいって玉のこしに乗ろうともくろんでいる。一方、教師も、すずこの母親の日記を盗み読み家族の秘密を知る。
そして両者は
オープニング、舞台前面に白いスクリーンがあり、タイトルが映し出される。
次に映される、「ミラクル=奇蹟、ありえないこと、ありそうもないこと」の文章
この舞台は、ミラクルという語の意味をネガティブにとらえ悪夢的な「ありそうにないこと」をたたみかけるように起こしてゆく。
母親に殺されかけるすずこ、近親相姦、訓練という名の無駄な努力、封じた過去を暴きねじ伏せるためのレイプ、金のための結婚、生理用品イメージの悪夢
あらあらしい迫力で、悪夢にまきこまれた。幼い日のヘレン・ケラーとサリバン先生を描いた「奇跡の人」をベースモチーフに、演劇漫画「ガラスの仮面」のせりふを所々とりいれつつ背徳の裏側にひっくり返してみせる。後半、性への嫌悪感から第二次性徴への拒否のイメージの数々がなまなましく迫ってくる。舞台の全体的な美術イメージは黒を基調に、簡素な中に小さなシャンデリアやムートンらしきソファカバー等を配している。
そこに白い、フリフリの服、ロリータというのだろうか、を着たすずこ、に対して黒のヴェールをつけ貴婦人然とした黒のドレスの深いスリットからなまなましい網タイツの脚を見せる教師
悪夢のミラクルの奔流を企図したものと思われる。遅ればせながら初めてきらく企画を観た。
現代風のあらあらしさを感ずる一方、今回の印象では、彼らは実に、新しい時代のアングラの後継者ではないか
が、それ以上に、彼らの暗い情念の物語がアングラという言葉を想起させる。
情念の、といっても彼らのそれは、見かけ上ずいぶんあっけらかんと、さっぱりしているのだが
話が突飛だったりいまの事物をとりいれていま風の普通の喋り方をしていても、私にはそう見えた。
クライマックスのレイプシーン、私のすぐ横で演じられた鬼気迫るそれを、私はしばらく忘れられないだろう
経血が流れるのを表す激しい津波のような音、「生ぐささ」、股から赤いきれを垂らして走らされる姿
―いつか見たナイトメア、のような
かつて吉田秋生が「櫻の園」で描いたような、「女になっていくこと」への嫌悪と恐怖をあらあらしく見せつけられた感がある。それも笑いまじりでだ。若い男優二人が女役をよくこなした。ことにあだちの、不適な笑みの表情がいい。異性を演じることで、女性がストレートに演じてはへんにねちっこくなりそうなところをさばさばと軽妙に、時に暴力的にバンとぶつけてきた。だがもう一歩、舞台に緊密さ、美しさが欲しい。美術的なことではなくて、構成と演出にそれを求めたい。すずこを追いつめ、井戸へと向かわせる、狂気に追いこむまでのイメージの奔流がもっと緊密であって欲しいと思った。棒を使ったレイプが最たるきっかけになると思われたが、そこへ行きつくまでの経緯が少々もたつき気味でバラけてしまった気がする。結果、インパクトが弱いのが惜しい。
それとも、インパクトなど弱くても、普通の意味からひっくり返ったミラクルを次々と、かるがると提出してみせるのが彼らの意図であったのだろうか
しかしあのラストシーンからいって、私にはそうは思われない。"かるがる"にも緊密な美しさが存在し得る、とも思う。音楽の使い方、いや遣い方が軽やかで新しさを感じさせる。リズミカルという意味ではなくて、クラシックから最近のJ-POPSまで、ジャンルをとびこえて自由な遣い方をしているということだ。正月早々、力あるいい意味での悪夢にまきこまれた。2002年もパワーあふれるいい舞台に沢山出会えそうだ。
[ものはためし通信第34号]掲載
「青木さん家の奥さん」仙台公演上演委員会 (1)
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凄い舞台だった。この劇団の公演を初めて見た。娯楽性の豊かな演劇をやれる劇団が、仙台にもあったのだ。
若者向けで、実力のある
暗殺を生業とする一族がいた。山奥で集落をなし、ひっそりと暮らしていたのだが、一族のうち弱い者達が次々と虐殺され始める。犯人がわからないまま、殺される者の数は増えてゆく。不安に駆られた一族は、長の娘、かみな(飯塚薫)をなき者にしようとする。不吉な存在として、誕生時から忌むべき者とされていたのだ。長の6番目の子供は男子のはずだった。かみなは女で、しかも不思議な力を持っていた。大量の"逆暗殺"も、一族の者の目にはかみなが呼びおこしたことのように見えたのだ。
かみなをいくつしみ育ててくれた兄・姉(西園ナツ、永澤真美、坂下竜尾)は真実味方なのか
殺人者は誰なのか
かみなと一族の行く末は
謎を多くはらみつつ、非常にスピード感のあるストーリー
それでいてシンは重く、"命の継承"といったことを考えさせられた。軽快なギャグやアクションも満載で、飽きさせない。流行のギャグや駄じゃれに頼らない笑いを提供しようとする姿勢に、舞台に対する真摯な思いが感じられる。ストーリー、構成もよく練られている。演出の目が隅々まで行き届いており、舞台全体の使い方がなめらかだった。役者がしなやかに動いている。
抽象的ながら見事な造形の美術(アバレウシ団)
婆沙羅風といおうか、キモノの形をベースにした衣装(浪漫民II)がすばらしい。アクション・シーンの後も崩れず、また崩れても見苦しくないデザイン・着付けになっている。しかもハデなのだ。役者も、またいい。役のそれぞれが漫画的突飛な設定(暗殺者集団の中でも特に手練れの者達、あるいは亡霊と話ができる少女)にもかかわらず、役者がしっかりとその背景を背負っているのがわかる。
特筆すべきはチャンバラシーン
こんなにスピード感と迫力のある殺陣を、生で見たのは初めてだ。しかも、武器である日本刀の刀身が短くしてあるためにかなりの接近戦となる。いずれもしっかりと腰が入っていて、速く、まさに"白刃ひらめく"さまを堪能した。
身体を刺し貫く場面でも、変にもったいつけることなくサッ、と、これもすごいスピード感
徹底した演出に驚かされた。期待していた通り、サービス精神にあふれた舞台であった。観客に媚びるのではない。
自分達も楽しみながらしっかりと準備をして、お客さんに楽しんでもらおうとする意識
その徹底が、舞台の水準をここまでひきあげたのだろう
惜しいのは、ストーリーやテーマの重厚感に比して、胸にズシンと響くものが何故か小さかったことだ。つくりての熱意に比べ、と言ってもいい。
ハラハラドキドキの振幅が、私の心の揺さぶられ方が、小さかったこと
これは私個人の好みの問題であるかもしれない。今回の舞台はどちらかというとドライな感覚で、少年漫画にも似た疾走感のある展開だった。テンポも緩急のリズムも申し分なく、役者はメチャメチャカッコ良い。
にもかかわらず私が酔いしれることができなかったのは何故か
説明的なせりふをできるだけ少なくした結果、すべての登場人物が謎をはらむこととなった。
主人公ですらも
敵味方の区別も謎
物語も回想と現在が入り混じる構造になっている。これらはミステリーの手法として観客をひきつけはするものの、素直な感情移入はできにくくなってしまう。
それでもぐいぐいひきこむのには、謎を大きく、バン
と提示して、最初に"つかむ"ことが重要なのかもしれない。
テンポが速く説明くさくない、ゆえにモタつきがない分実にスマートなのだが
短い公演時間ですべてをクリアするには、とても難しいことだ。
そうとうな修練が必要だろう
だが、可能性はある。
今でもこんなにおもしろいのだから
なお照明・音効が、メリハリをつけつつもっと五感に訴えてもよかったように感じた。
予算の都合もあろうが、もっとハデハデにしてスケール感をアップしてもおもしろいのではなかろうか
役者もストーリーもハデなことではあるし
ただ、そうなると役者陣の発声面に少々不安が残る。今までこの劇団の芝居を見ていないことが悔やまれる。次回もぜひ見に行きたいものだ。いつか、「6番目のかみな」も、時間をかけて更に練られた上での再演を見てみたいと思う。
[ものはためし通信第39号]掲載
「青木さん家の奥さん」仙台公演上演委員会 (1)
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「渚に夢の流れる」 - 古山芳枝の仕事
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「渚に夢の流れる」
海と死のイメージのつづれ織り
浜べ、客船の中、デッキ、孤島、海に近い家
主人公の青年は彷っている。馬鹿騒ぎや両親との愛憎、彼と心を通わせようとする女性が、彼のまわりをすりぬけていく。一貫した強い「筋(すじ)」は私には見つけられなかった。
死への茫とした不安を抱えながら、断ち切れない母との絆のために同じ浜に戻ってしまう青年
その主人公を軸に、海と死のイメージをいっぱいに広げていた。エネルギイあふれる、混とんとした作品世界をつくりあげる試みに思われた。
ある意味、これは、オイディプス物語の現代版変型なのか
旅立ったのは彼の父親ではなく、彼だったのか
戻ってきたのは誰だったのか
そして母の死体を見おろしていたのは
役者それぞれが元気いっぱいに、またしっとりと見せるところはリリカルに、好演していた。スタッフ面もよくできており、全体に入念な準備の跡がうかがわれる。それでも熱演が少々空まわりしてしまったことは否めない。イメージ先行のドタバタや、しんみりしたシーンが、観客席(こちら)をまきこむ程の力強いうねりとはなり得なかった。イメージとしても、ガン、と衝撃を与え舞台にひきつける磁力、意味不明でもなんでも力ずくで巻きこんでワクワクさせる力には至らなかった。10数年前、自分が学生であった頃に、やはりストーリーの一貫しない混とんとしたスタイルの劇をつくっていたことが思い出された。今この舞台に感応できないのは私の感性が年をとりすぎたからかもしれない。現役若者の観客諸氏の意見を伺いたく思う。
しかし一人一人が手抜きなく稽古し、準備してきたことは確かだろう
うまくつなげてゆければ、実に深みのあるシーンを軽く見せてゆく、若者ならではの繊細でピュアな舞台ができただろう
船上にてひまをもてあました客達が銀河鉄道999ごっこをするシーンから、本家「銀河鉄道の夜」のジョバンニとカムパネルラへと移行するシーン
無人島で、果てのない、終わり続けるしりとりをするシーン
死の匂いを感じさせはするものの、うまく生かしきれていないのがとても残念だ。舞台上の傍観者として、カッパがたびたび登場する。
見ているときはわからなかったが、河童という水の妖怪は、水と死とをつなぐ象徴であったのだろうか
他にも、水と、死との、おもしろい鮮烈なモチーフを多用しているが、ストーリーの上で効果的に使われていないうらみがある。逆に言えば、今後大化けの可能性があるということだ。母親役の有園いと、主人公の青年ケイ役の鎌田澄人が出色の演技を見せた。鎌田は作・演出も兼ねているが、カンの良い役者でもあるようだ。そして、舞台は、おくりてだけでなく観客もともに創造に参加するものである。観客の反応しだいで、まるで違う印象に変化したかもしれない。そんな可能性を感じさせた舞台だった。他の回をご覧になった方の感想もお聞きしたい。
[ものはためし通信第39号]掲載
「青木さん家の奥さん」仙台公演上演委員会 (1)
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仙南芸術文化センター(えずこホール)平土間ホール
大人の男女の、会話劇
一人で暮らしている女(元井須美子・演劇集団円)の部屋に、ある男(米澤牛)が訪ねてくる。女のもつサボテンの花が夜開くのにあわせ、交配させるためにやってきた花屋だ。女は数年前からその花屋でサボテンを買っている。1年に1度花屋はサボテン達の様子を見に来る。植物のホームドクターのようなものだ。交配にちょうどいい時間を見計らうため、男は女の部屋でしばし時を待つことになる。
その間の会話
まったく見知らぬ他人というわけでもないが、相手のことを親しく知っているわけでもない間柄
人とコミュニケートをとるのがうまくない者どうしが、ひとつ部屋で時間を共有し、間をもたせるために話をする。
話がとぎれたり、ゆきちがいや小さな衝突があったり
話を続けるうちに、二人は互いに相手に興味をもち、次第にお互いのプライベートな過去が明かされていく。相手との距離も変化する。
ほんとうに二人だけしか出てこない、静かな会話劇
途中声を荒げるいさかいもあるにせよ、おおむね静かに、おだやかに時は過ぎてゆく。
マンションの一室を表す簡素な舞台装置
壁が二面とられ、壁面の一箇所ずつがドアの形にくりぬかれてほかの場所との出入り口になっている。
部屋は客席に向かってナナメに開かれており、中央にテーブルと2脚の椅子
テーブルの上には、花をつけたサボテンの鉢が二つ
客席側の床面の二辺には、いくつものサボテンの鉢がまばらに置かれる。
たしかに2人ともあまりあけっぴろげなタイプではなく、その場限りの歓談を上手に続けていける方ではないのだろう
だからといって彼らはヘンにぎこちないわけでもない。10~20代前半のような、初々しいぎこちなさを期待すると肩透かしを食らう。彼らは二人とも、40に手が届かんとする年齢で、それぞれに人生経験がある。彼らなりに社会と折りあいをつけている大人なのである。まがりなりにも会話は続く。時に感情的になったとしても、見ているこちら側までいたたまれなくなる程の破綻はない。実に微妙な空気の移り変わりで、彼ら二人の媒介役となるサボテンに関する話から、自分自身のことを話さざるをえなくなり、しだいに相手への興味を抑えきれなくなる様子が描かれる。
会話やしぐさ、声の調子によってしだいに人となりが見えてくるおもしろさ
二人の関係が微妙に変化してゆく、その瞬間にいあわせるスリルがある。初めのうちとてもドキドキして見ていたのだが、しだいに話の流れに興味を持てなくなってしまっていた。おそらくは私は少女マンガ的な初々しいぎこちなさを無意識に期待していた上に、オトナの男女の機微が読み取れなかったためかと思う。
舞台は、芳醇な物語をコドモのためにわざわざ戯画化してみせる必要はないのだから
受け手個人の感性の問題と思いながら、私があまり興味をもてなくなった理由を率直に述べ、他の方のご指摘を待ちたい。そう、大人の物語なのだ。女がティーポットから紅茶をつぐ手つきなど、成熟した女性の優雅さを感じた。男も、それを凝視しないだけの礼儀を身につけた大人の男だ。二人とも離婚の経験がある。不器用ながら、酸いも甘いもかみわけた人生を送ってきている。だが、人と話すのは得意じゃないと言いながら、女の手ぶりの感情表現がことば以上に豊かなのは、おそらく、少女っぽさを残した女性というキャラクター造型かと思う。しかし言葉の使い方の不器用さと、手の動きの豊かさとがあまりにもかみあっていないように感じた。何かそこに、演出上の深い思惑があったのかもしれないが、私には読み取れなかった。また、中盤から、まるで同一人物が二人いて、交互に同じことを話しているような錯覚をフトもった。
まるで一人の人の手になる、役割をかえた二人の人物の対話をそのままなぞるような
対話劇の脚本とはもともとそういうものかもしれないが
自分とは違った個性の持ち主に、おそるおそる触れてみたときの違和感や衝突、それらを感じた自分の感情に対する狼狽、あるいは共感できたときの、共感を示されたときの、あたたかさ
それらはいくつになっても新鮮なものではないか
コミュニケーションが不器用ならば不器用なほど、それらの心の動きが顕著に現れてくるのではないか
理解への手さぐり、もどかしさ、距離をはかりかねる戸惑い
そういったものが、私にはおぼろにしか感じられなかった。
会話があまりにも「大人」らしくなめらかで
それを不自然と感じるあたりが、私個人の少女趣味でありコドモっぽさなのだろうか
その「おぼろに」というところがミソなのかもしれない。
私一人が読み取れなかっただけで
別の方はおおいに共感をもって、自分たち世代の物語として楽しめていたかもしれない。どなたか他の方の評・感想を切実に求めたい。この脚本は初見・未読だが、脚本の咎というよりも、むしろ演出の咎のように思えた。
しかしあくまで大人の物語として、静かにリアリスティックに劇を作ろうとした結果がこうなのだとしたら、脚本もそれ自体で完結・成熟していなかったということになろうか
数年に及ぶシアタームーブメント仙台での演劇公演でもたびたび感じられた、妙なざらつきが残る。仙台の作家による脚本を、全国的に有名な演出家が演出し、主に地元の俳優が出演した芝居を見たときの、あの、脚本と演出、俳優の仕事とのやるせない程の乖離感だ。そのいずれも私は事前にホンを読んではいなかった。しかし見ていて、このホンならばそういうことが演出の主眼ではないはず、との思いにかられることがそれはたくさんあったのである。
その乖離はどこから来るのであろうか
演出が求めたことを俳優がすべて体現していれば、そんなスキマ感は生まれなかったのだろうか
今回の舞台を見て、どうもそうではないらしい、と思えてきた。これまで私が見、不満に思った作品群は、第三者に演出を委ねるには、ホンがあまりにも舌足らずなのかもしれない。
揃いも揃って
それとも、来る演出家がみな、地元作家の作品読み込みに失敗しているのか、やはり揃いも揃って
私の目が、地元+全国レベルとの融合作を見るときに、無意識に特殊な色眼鏡をかけてしまうのであろうか
地元作家を過信するあまり、もっと面白くなるはず、と無いものねだりをしているのであろうか
素材から想像する、私が見たい舞台と、演出家が提供したい舞台との隔たりは、どこからくるのだろうか
私にはいまもってナゾである。
[ものはためし通信第44号]掲載
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途中15分の休憩をはさみ、約2時間20分
昨年のせんだい演劇工房10-BOX公演の再演
"ウエルメイド"のよさを堪能できる舞台だった。
仙台 卸町公園でのテント公演、約2時間45分
豊穣、奇想天外だがやや緊密さに欠けるうらみ
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第一回 仙台劇のまち戯曲賞 大賞受賞作品
割引案内をいただき、当日2200円にてチケットを購入
木曜の会 プロデュース
スタジオホール公演ではダンスシーンが付加され約1時間15分
招待券をいただいていたものの、失礼にも紛失、スタジオホール公演ではC7公演客として前売り料金の半額にて入場
さらされる身体にやどるまっすぐな視線
受けとめる私たち
「青木さん家の奥さん」仙台公演上演委員会 (1)
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さらされる身体にやどるまっすぐな視線
受けとめる私たち
西瓜(という芸名の演者)による一人舞踏
素肌を白く塗った上に衣装をまとい、おどる。
衣装をかえて4場構成
最初に白状しておく。私はあまり舞踏を見たことがない。よって解釈も批評も自信がまったくない。この文章は個人の感想として見ていただきたい。西瓜舞踏ソロも、もうだいぶ回数を数えているが、見るのは初めてである。観客が会場に入ったときから、舞踏は始まる。音楽が流れ、舞台下手奥の空中、高い位置にブランコがさがっている。西瓜がそこにかけている。
衣装をふくめ全身がしろっぽく、微動だにしないため、最初は等身大の写真パネルか
と思ったが本人だった。
サーカスのブランコ乗りを連想させる衣装
最初の場はブランコ上で様々に動き、ポーズをとる。
不安定な場所で、揺るぎない強い眼差しが印象的
二場ではフロアにおり、床面を存分に使って動く。波のエフェクトの照明効果が使われ、舞台全面に光のさざ波がゆらめいている。その中で、水中をたゆたうようにじりじりと不安げに揺らぎ、歩く。また、全身が喜びにあふれてはねまわり、転んでまたはねる。黒い床の上に、彼女の軌跡が白く残ってゆく。三場、一角獣を模したと思われる角と衣装をまとった彼女は、前の場とは対照的に、ほとんど立ち位置を動かない。わずかな動きだけで、しずかな沈黙が彼女を覆っている。最後の場面ではまた初めに戻り、ブランコ上での動きとなる。
さらされる身体と、動く全身の表情
音楽はあるが言葉はない。ストーリーはあるのかもしれないが、解釈は観客それぞれに委ねられている。今の私は、物語を無理にこじつけたくはない。自分も所有している、似通った身体を用いて、様々な動きや静止状態、そのつながりに、むけられる表情に、心のどこかが波打てばいい。
目が離せない気迫や、いだかれるあったかい懐のような空気や、こちらまでも開放させられるかのようなユルみや
何かを感じられれば
言葉による縛めから開放され、言葉になる以前の感情を、演者のたたずまいや動きから感じる。
心の底の底をさらって、ヒトの動きという形で具体的に見せてくれる、静謐な時間
今の私にはそれが、舞踏というものだと思われる。」はそのような舞踏であった。おどりとして、力強さや訴求力や、何か欠けるところはあったかもしれない。とくにブランコを使った、空中での舞踏は、動きの連続性に少々無理が感じられた。
それともそれが狙いだったのか
私にはよくわからない。
印象につよく残ったのは、全編を通してまっすぐな、そのまなざしの強さ
拒絶や挑発というよりも、ただ「自分を差し出す行為」としてある強さだ。
動きじたいも、静止したときのたたずまいも、実に素直
みせるコト、みられるコトにまっすぐに向かっている。観客とまっ正面に対峙し、自分を差し出すさまが小気味いいほどだ。同時にすべてを受けとめている。その行為の前に、観客は自らを問われていた。
そういう空気を織りあげてゆく、小柄な彼女の懐の深さ
そのように私は受けとめた。
私の投げ銭は千円
もっと高い値が妥当と思ったものの、バスの時間にまにあわず会場までタクシーを使ってしまった結果である。
[ものはためし通信第52号]掲載
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木曜の会 プロデュース
スタジオホール公演ではダンスシーンが付加され約1時間15分
招待券をいただいていたものの、失礼にも紛失、スタジオホール公演ではC7公演客として前売り料金の半額にて入場
和装の娘が二人、部屋に閉じこめられている。二人は正体不明の"おじさん"に拉致され、監禁されているのだ。その理由は明かされていない。
頃は明治か大正か、はかま姿のはっぱ・本名は葉子(西和恵・演劇中毒者集団リンパ腺)と着物のペン・本名は筆子(桜井藍)は幼なじみ
女学校までは仲がよい友達同士だったが、拉致される直前に再会するまで、8年もの間絶交状態が続いていた。二人は下の階の"おじさん"に対して文句をたれ、脱出計画を練り、ここを出たら何をするかなど、おしゃべりに明け暮れる。脱出の希望が次々に潰える中、お互いに秘めていた過去を追及する。
真の和解に至った彼女たちは"おじさん"の正体をさぐりあてようとするが
たいへんパワフルな舞台
C7でもスタジオでも同様だ。数回ある暗転時に、男(原純一)の語りが流れるが、後はほとんど、女優二人が出ずっぱりで喋る喋る。機関銃のように連射されるせりふの掛け合いが、終幕までリズミカルに続くのには圧倒される。わけもわからず監禁されているはずの二人は、しかし、終始楽天的で、どこかトボケた明るさを放出している。舞台は明るい喧騒に満ちている。
せりふ量はよほどのものだろう
女優たちはそれをしっかり自分のものにし、加えて舞台全体を使う動作を無理なくこなしていた。だからこそ読み芝居に陥らず、観客をあきさせない。ストーリーとして、テーマやメッセージはあろうし、謎も残る。
だがこの舞台ではそんなことは問題ではなかろう
ここでみるべきは、娘たちの実ににぎやかな生命力
闇の中、幻想に囚われた少女時代から、現実にむきあい希望を求めて人生の濁流に身を投げる、その転回のパワーをこそ
そして少女浪漫に彩られた、耽美といってもいい世界がしゃべくりによって息づくさま、だ。しかしそれが100%成功したとはいいきれない。C7、スタジオ公演どちらも、役者・演出がつっ走っていくのに観客がついていけない部分が多く感じられた。共感してどきどきしたり、客観的に見て笑わされたりしんみりさせられたり、が少ない。
おそらく戯曲のとがではないだろう
舞台上の世界があまりにも「閉じて」いる。
これはこれで、完成された美しいスタイルだともいえるだろう
しかしそれだけでは、生で、客席に観客がいる必要を感じない。
ならば映像表現のほうが合うだろう
観客不在の演劇は「演劇ゴッコ」の域をでない。
観客の呼吸をよみ、あわせること
生の舞台ではとても大切なことだと思う。観客を置き去りにして舞台上だけで完結する芝居では、女優は「元気に演じている、かわいい女の子」でいられる。客の意識をキャッチして自分の身体を通過させ、演技をとおしてまた客席に還元していくという行為を行えば、ただ元気でかわいいだけではいられなくなる。
それを怖れたのか
「客がおいてきぼりにされる」とは、さきの高校演劇コンクールのある地区大会講評で何度も耳にした言葉で、使いたくないのだが、こういうことか、と思った。一般の公演では、高校演劇コンクールと違い、制作スタッフがきちんと仕事をしてお客を呼ぶ。演劇は、お客を必要とするからだ。演劇は「見てもらう」ものであり、同時に「見せてもらう」ものであり、両者が混然として一体になったときに初めてなりたつ。楽しく舞台に立つだけでは演劇たりえない、と私は思う。
ここが難しいところだろう
客に迎合せずに自分たちのスタイルを押し通しつつ、客と感動=心の動きをともにすることは
ともに泣き、笑い、怒り、喜び、客席と舞台とが相乗効果をあげて舞台の純度を高めていくことは
ハッとさせられたシーンもあった。
スタジオ公演で、おじさんの正体がわかった直後
現実から目をそむけようとするペンを、はっぱが追い、何度も正面に立ちはだかる。無言の応酬が続く。ここは息詰まるものがあり、生の醍醐味を感じた。演出も役者も、たくさん舞台を見、また舞台に立って、その空気を体感してほしい。
具体的には、もう少し緩急の構成をつくり、自信をもって深く呼吸しながら掛け合いを組み立ててゆくなら、観客も深く共鳴しやすいのではなかろうか
ガンバッテはいるけれど騒々しい一本調子がずっと続く感じがあり、もったいない。役者の目線と舞台装置の設定の問題もある。C7公演では古民家を利用したカフェの2階、狭いスペースでの公演で、たいへん物語の雰囲気にあっていた。それでも役者の視線は必要以上に高いところにあるようだった。ホール公演ではロールバックスタンドの客席に対し舞台は客席と地続きの、むき出しの床面を主要な演技エリアとして使っている。その地面に立っても役者の目線は高く遠く、客席を素通りしてしまう。
であれば、どうせなら、舞台として山台を組んでしまい、なにもおおわずに使ってもおもしろかったのではないか
能舞台のように客席とまったく隔絶してしまうのだ。その方が異空間として受けとめやすかったかもしれない。また、暗転時、男の暗いくぐもった声での語りが流されるが、その間まったくの暗闇、完全暗転であるのはどうかと思う。けっこう長い間であり、その間舞台上の装置の移動なども少ない。
どこか一点、あかりがあるなりしたほうが、かえって闇を深く感じられるのではなかろうか
どちらも既にスタッフ内では検討された上のことかもしれない。
言わずもがなの素人考えかもしれないが
木曜の会は桜井と西の女子ユニットで、今年6月に結成されたとのこと
ここまで大分厳しく書いてきたが、なかなかに底力のありそうな女子たちである。経験をつんでいけば、かなりおもしろいものを見せてくれそうだ。これからの発展を期待する。
[ものはためし通信第52号]掲載
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「残酷の一夜」 - 古山芳枝の仕事
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「残酷の一夜」
いただいている衝劇祭パスポートでの入場
私にとってはこれこそ「闇に光をあてる」芝居であった。
昭和40年の日本、布団を並べた夫婦の寝室
台風が近づいており、激しい雨風の音が聞こえている。妻は妊娠している。その、六畳ほどの、山台を組んで高く作ってある「舞台」の後ろ、正面奥に六人の男女が横一列になって控えている。その暗い場所から、雨風の擬音を発している。サトル(坂本正美)とマリコ(源馬美樹)はなかなか寝付かれない。ロウソクを灯す。
飼い犬のことが気になったり、家の前の溝が気になったり
時間のすすみかたが遅い夜
夫婦二人の、日ごろは隠れている疑惑、負の感情が人の形をとって六畳の「舞台」上へたちあらわれる。
同居しているサトルの弟(三輪圭介)や、寝たきりの祖父(菊谷高広)、幼馴染の女(晴邦、こやまあい)
既に他界している両親(岡村宏懇(劇団M
彼らは舞台後方に控えていた者たちだ。シーンを区切る音とともに、彼らは「舞台」へあがってくる。サトル・マリコと言葉をかわし、時に布団にもぐりこんだり、化粧台に触れたりもする。そうして二人の抱えるどろどろとした闇や、迷いを、うす暗がりの中に表出させる。心の中のどす黒いしこりが、闇の中でふくれあがり赤むけにされるようだ。それも実は、自分の手でそうしているのだ。
夢なのかうつつなのか
寝たきりだった祖父はしこを踏み、土俵入りをする。
裸の足の裏に、土を感じたいと
サトルにも、マリコにも「ヨイショ」と声をかけさせる。やがて朝がくる。
台風一過の穏やかな朝
しかし祖父は
どこまでが妄想でどこからが現実なのか、はっきりとしない。その不可思議が、リアルに同じ時間の中で流れてゆく。演劇の妙味をみた。じっくりと、まさに闇に光があてられてゆく。嵐の一夜である。
嵐の音が聞こえてくるのに、この静けさ
介護の問題、嫉妬、家庭内での疑惑、夫婦が共有し得ない、幼い頃の思い出
代々受け継がれた土地を手放すことへのためらい
そして新しい命
私たちはそうやって生きてきた。
いくつもの暗い夜をのりこえて
嵐は人のおこす嵐でもある。それが人の声の発する擬音であらわされる。役者の演技にところどころ生硬さも見受けられる。風の音の、人声による擬音も扱いが今ひとつ中途半パな印象を受ける。他にもいくつか難点はある、けれどスリリングだ。まったく日常の、家庭内でのことに、私はひきこまれ深く共感した。
錯覚かもしれないが、その場の観客の多くが私と同じようにひきこまれているのを感じ、闇を抱えた人に共感するのは自分だけではない、と―――それは錯覚なのか
―――束の間の連帯感を味わった。人はわかりあえない、同じ人にはなれない。それでもともに生きていく。闇ではあるが、どうにもならない程に追いつめられたりはしない。また次々とつながっていく。サトルの両親などは幽霊のような存在ではあるが、どこか温かい。息子と嫁に対する愛情を感じさせる。ポッと灯がともるような、安らぐ場面である。
ホンとその構成の力、演出の力がかなりのもの
シーンごとに感情を暴発させない、水面ギリギリのエピソードの連続
ここまで力をタメた芝居をまとめるには、並みではない力がいる。「遊劇体の」芝居を見たのはこれが初めてである。
ぜひまた別の芝居も見てみたいもの
劇団員は10-BOXに寝泊まりしていたと聞く。私が見たのは祭日でもない月曜日の昼公演である。たいへんありがたかった。
[ものはためし通信第54号]掲載
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「法王庁の避妊法」 - 古山芳枝の仕事
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「法王庁の避妊法」
間に10分間の休憩を入れ、約2時間40分強
原作は篠田達明著の同名小説を、劇団「自転車キンクリート」の飯島早苗・鈴木裕美が戯曲化、94年に初演したものである。
大正時代、地方の総合病院内にある産婦人科
舞台は中央で区切られ、上手側が外来診察室、袖の奥に処置室
下手が待合室となっている。ここの医師、荻野久作(さとうこう)は、昼は診療、夜は論文を書くために研究を続けている。彼の研究テーマは「女性の排卵はいつ起こるか」であった。当時その謎は、世界の誰にもわかっていなかった。医療の現場とはいえ、この時代、女性が性に関する事柄をあからさまに語るのははばかられた。そんな事情もあり、久作の研究は難航する。クリスチャンの助手(齋藤正樹)、婦人解放論者の看護士(坂野智美)に見守られ、また患者のキヨ(あまりました)ハナ(緒方あも)の協力を得て、診療と研究の日々は続く。久作は結婚したばかりの妻とめ(阿部夏絵)にも、月経と性交の日を表に書きつけるように頼みこむ。研究を続けることへの疑問やプレッシャーが久作を苦しめる。そんな彼を、友人の外科医(外崎伸)が叱咤激励する。
そうしたある日、ついに謎が解ける時がやってきたのだが
一介の診療医が、まわりの人々の中で悩みながら地道に研究を続け、科学の謎を解明するまでを描く。というとカタイ物語のようだがさにあらず。実際の舞台はコメディタッチで、楽しく仕上がっている。観客を泣き笑いさせながら、物語は進む。まずは排卵周期がいかにして解明されたか、その点を興味深く見た。私が十代の頃にはもうあたりまえの事実であった。高校では授業の一環として、基礎体温表をつけさせられたものである。
それがわからなかった時代があったんだ、表をつけることにもこれほどの抵抗感のある時代があったんだ、という驚き
私が羞恥心がなさ過ぎるのか
自分のカラダや未来のことでありながらわからない。
わからないままに子供が授からないことに悩み、あるいは多産に悩んだ人が、どれだけいただろうか
大正なんてほんの少し前のことである。
さらに研究が進んだ今でさえ、妊娠について悩む女性はたくさんいるものを
オギノ式は妊娠・避妊に確実な方法というわけではない。
ただ排卵周期それ自体を発見したということは、やはり画期的なことといえよう
その、解けるかどうかもわからない謎にとりくんだ、人の熱意と苦悩に泣かされた。
しかも現場で診療にあたりながら
時に目的を見失い、やけをおこす姿に共感してはらはらさせられた。大きな問題をいくつもはらむ物語でもある。
神ならぬ身の人間が、受胎にどれだけかかわっていいものなのか
作中、久作の妻とめがその恐れを口にする。効果的な人物配置によって、主人公の内面の葛藤が、周囲との対立という目に見える形で表れる。笑わせながら無駄なくドラマを進行する、したたかな戯曲だ。麦はこの戯曲を丁寧に舞台化しようとした。性にまつわる話、かつ時代物をおおらかに、楽しく仕上げた。
年配の観客が多かったが、世代をこえて安心して楽しめたのではないか
久作役のさとうこうが、しっかりと相手の演技を「受ける」芝居をしていたのに好感をもった。おおいに泣かされ、笑わされ、考えさせられた舞台であった。だがせっかくの物語とスタッフ・キャストの奮闘も、あと一歩というところで生かしきれていないうらみも残る。
まず劇場選び
スタジオホールの、背もたれのない座席は、2時間を越える芝居の会場には向いていない。休憩をいれたにしてもだ。セットも、よく作りこんでいるが、診察室と待合室を隔てる壁・扉が、扉の開閉のたびに揺れてしまうのはいただけない。
劇団古巣に戻り、仙台市民会館小ホールか、戦災復興記念館のイス席ならば、もっと楽しめたのではないだろうか
役者のバランスの問題もある。配役というのではない。熱演しているものの折角のキメゼリフがつっかえたり、声量が他の役者よりも大きすぎたりした者が悪目立ちした。舞台は演出のあたたかい眼差しに包まれている。が、役者が個人プレーに走りすぎるきらいがある。ややもすると、戯曲が組み上げているものを崩してしまいかねない。私の見る、麦の弱点はここにある。出すぎてしまうほど力量のある役者が揃っているということだ。物語世界のさじ加減をみる、演出力の充実に今後期待したい。今回は02年の「愚者には見えないラ・マンチャの王様の裸」の時よりもまだよい。だがまだ足りない。
「さじ加減」、そこが難しいところだが
暗転時、荻野医師の日記がナレーションの形で流される。この音量が控えめなのがもったいない。なにしろ大正期の知識人の日記なので、文語体の文章となる。それを読むのだが、コレが味があっていいのだ。季節の風物詩などまじえつつ、家庭内での義母との葛藤、久作自身の迷いなどが率直に吐露される。
物語に深みの出る、無駄のない構成だと思うのだが
ここにも力を注ぐとそれこそバランスが悪い、との判断だったのだろうか
長くなってもいいからじっくり楽しみたかった。ゆったりした劇場でなら可能である。
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きらく企画プロデュース公演-2004-孟春
演出 いとうみや
前週にものはためし通信あてでいただいた招待券を知人とシェアして入場
当日券にて入場
メインキャスト3役がダブルキャスト
Aチームを観た。
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メインキャスト3役がダブルキャスト
Aチームを観た。
家が農家なのを嫌い、東京に出てきた少女、百子【ももこ】(菅原香奈)
自分を見初めて東京行きの切符を買ってくれた山本ヤマモト(尾高匡史)と同棲しながら、怪しげな男ツツミ(佐藤武志)と大阪弁を話す女(佐藤千明)にのせられ様々なボランティア活動に没頭する。その過程で百子は、ある特殊な米を作る運動にかかわることになる。その米は百子にちなんで「農業少女」と名づけられ、ツツミの宣伝戦略によりたいへんな評判を得る。
ツツミはカリスマとなり、一方百子は実直に「農業少女」を作ろうとするが
登場するキャストは五人
舞台装置は舞台中央をかこんで半円形にジャングルジムのような骨組みが組まれ、イスとなる箱があるだけのシンプルなもの
ただし物語の内容・構造は、過去と現在が行ったり来たりし、登場人物が何役も兼ねるなど、少々複雑になっている。純真で無垢に見えた少女が、東京に対する憧れから危険な人物に傾倒、しだいにスレていく。しかし結局は自分のルーツである農業にたちかえることになる。少女が一番嫌い、なりたくないと思っていた人間になってしまった、と彼女は言う。その最後のせりふで、彼女が嫌った「農業」は、実は農業そのものではなく、もっと別のなにかの象徴だったと気づかされる。少女のコケティッシュさ、武器としての色気を、ヤマモトは自分の毒草研究とからめて「毒」と呼ぶ。戯曲、それを際立たせる演出が興味深い。中年であるヤマモトの、百子への想いがせつない。しかし彼は契約として、百子を家に置くかわりに肉体関係はもっているらしい。
百子の方では愛情がないので、これも援助交際ということになろうか
しかしヤマモトは百子にほかの男の影がちらつくと、ひどい嫉妬に悩まされるのである。また、善意のボランティアに見える活動が、時に一種の宗教や政党と同じになる危険性をはらんでいることを思い知らされた。「世の中をかえよう、よくしよう」とする思いや行動は、非営利・公益をうたうところまで含めて、NPOといいつつ政治・宗教と大差ないのだ。わが身を振り返って、そのうさんくささ・怖さに突かれた。
作家の、社会を見る目の鋭さに脱帽の思い
演出は少女の少女であるが故の魅力、そのコケットを主眼に据えたようだ。「都」会の「罪」(ツツミは漢字では「都罪」)に翻弄される少女は、一方で中年男を彼女自身の魅力でもって翻弄している。その男ヤマモトの一途さが、百子のコケティッシュさをひきたてている。菅原香奈の百子は、ヤマモトに対して甘え口調になるとき、声のトーンをはっきりと変える。
とこう書くと、モテる美人の同級生に嫉妬して陰口をきく女子みたいだが
少女のコケットを見せる、という点では成功だと思うが、それだけではこの戯曲、演劇としての力は弱い。おそらくもっとおもしろくなる。場面や観客としての思い込みがぐるりぐるりとひっくり返される、ローラースクリューコースターの醍醐味はここにはなかった。
戯曲としてはおそらくそういう構造になっていると思われるのだが
でなければ、凝ったパンフレットを作ったかいがない。戯曲の構造からいって、少女のコケットだけで「もたせられる」芝居ではない。舞台は丁寧に作ってあり、役者は皆ある程度達者ではあるが納得力が弱い。私は野田秀樹の芝居は戯曲・舞台ともにあまり触れたことはない。が、彼の戯曲を上演するには、まじめになぞっていくだけでは足りない。
強引に観客を組み伏せるようなパワーが、かなり、必要なのではないか
コトバだけではそのパワーは出てこない。おそらく役者の身体、その集中力から、発せらるべき力なのだ。それらが足りないと、戯曲は途端に納得力を失って結構がほぐれ、ボヤケた印象を残してしまう。その意味では今回の公演のダブルキャスト制には首をかしげざるをえない。4回の公演のうち百子役の役者が二人いて、一人が2回を演じ、ヤマモトとツツミを二人の役者が一回ごとに交替で演じる。
このダブルキャストに、内輪受け以外のどんな意味があったのだろうか
私の見た回では、役者は役の個性をある程度表現していたようだ。
しかしメインの三人及び演出が、一人一つの役に集中していたら、より納得力のある、疾走感のある舞台になったのではなかろうか
とくにツツミ役とヤマモト役に関してその疑念がぬぐえない。
二人のクセのある存在感が、もっと濃厚に出てもよいと思えるあたり
百子役は、少女の毒のある二面性をあらわすのに、声を使い分けたのだろう
「声の使い分け」もまた、人間の一面ではある。
だがこれを声のトーンをかえずに、ほぼ同じ声でやれたなら
二面性=二つの声という単純な図式にならず、一人の人間の深みと複雑さが出てもっと面白いのではないだろうか
生の舞台である特色を生かして、生身の存在感がより観客に迫ってくるだろう
[ものはためし通信第56号]掲載
※テキスト化する上で、本文中のルビ表記に【】を使用しました。
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つきつけられる。
正方形に近い、四角い舞台
内側がマンションの一室、外側の辺部分が幅の狭い通路―道、になっている。))と共同生活をしている。
三人はもとは他人同士
インターネット上の、里香の運営するホームページ(以下、HP)で知り合った。性的暴行を受けた人間のためのサイトである。里香自身、子供のころに父の同僚からレイプされている。三人とも、過去の被害の記憶から逃れられないでいる。時折男の影(菅原みちや)が、彼女たちの脳裏に浮かんでは消える。彼女たちは歩き続ける。
ふりきるために、生きていくために
HP掲示板では、中傷的書き込み「荒らし」が絶えず、エスカレートする一方である。里香の悩みは尽きない。そんな中、HPでの常連"まあちゃんママ"こと加奈子(平埜香里(いのちの洗濯劇場))が、里香をすがってやってくる。加奈子の娘、高校生の真理奈(佐藤潮実)が、幼児の被害体験をひきずり、問題を抱えているのだ。各人の心の傷からは血が流れ続けている。かさぶたができてもすぐにはがれてしまい、傷は完全には癒えない。
共同生活にも破綻が
かつて未来樹シアターで上演された「繃帯~わたしの傷~」を作者の文月が大幅に改訂、改題したもの
この戯曲、表面を細かくカットされたボール状の、クリスタルガラスのようだ。切子面の一つ一つが違った顔をみせる。どす黒いものを内包しており、中心点ははっきりとは示されない。観るものが外側から推測するしかないのだ。
けして癒えることのない傷
それが後の人生にどれだけの影響をもたらすものであるか
ここで具体的に扱われるのは性的暴行による傷だが、別の問題に置き換えて考えることもできるだろう
罪の重さをつきつけてくる。暗く重い作品といえる。
だが、社会の中で、少しでも性的嫌悪感を覚えたことのある人ならば共感できるのではないか
そうでなくとも、彼女たちの生き難さは見えてくるはずだ。戯曲としては、どうしても「繃帯」と比べてしまう。「繃帯」にはまだ粗さが見られた。今回は洗練され、結晶化が進んだようだ。それにしてもこの作者の、演劇によって時代と切り結ぶ力、潔さには驚かされる。今「旬」のモチーフ―今回はインターネット掲示板―を使って現代を切り取る。そこにこそ演劇の普遍性が生まれてくる。現在この社会を見つめることが、すべての時代すべての社会に通じることだからだ。作者は演劇の力を信じて作品を作り続けている、と思われる。その戯曲に対して、演出・演技に不満が残る。時折現れる「男」は、忌まわしい記憶の具象化と思われる。しかし菅原みちや演じる「男」の存在は、清潔感があってキレイすぎるように感じた。女優陣もそれぞれ健闘しているが、物足りない。対話相手の言葉や行い、あるいは過去の記憶に身体が揺さぶられる感じが、薄い。ズシン、と腹に響く、あるいは無意識に出てきてしまう内奥の揺れを演技で表現しきれていない。もっと言葉に"打たれて"ほしかった。そこに、戯曲と演技とのアンバランスを感じた。この戯曲、上演に際して、役者の身体性が重要になってくるはずだ。
滲み出る嫌悪感や、身体の傷と精神の傷との直接また間接的な関係
傷をなめあい、しかし傷つけあわずにいられない、ある種閉塞的な共同体の空気の醸し方
それらすべて、せりふだけでなく彼女たちの身体が具現化していかなくてはならないのだ。中心の舞台の四辺を歩く、という演出の工夫は評価に値する。しかし演技力不足は如何ともしがたい。
戯曲が譲歩するか
演出、演技面でもっと異なったアプローチ法をとるか
今回は比較的、ストレートな演出だったといえるだろう
文学作品を舞台上にたちあげるには、時間という「四次元め」を作品に加える必要がある。文学では、読者一人一コの流れしかないそれを、演劇では多くの観客とスタッフが共有する。その流れをつくりだすために、今回ひときわ大事だったのが、役者の身体かと見た。
[劇場だより第3号]掲載
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邪宗門 春うららそよかぜコンサート」
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「夏の夜の夢」 - 古山芳枝の仕事
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「夏の夜の夢」
楽しい舞台、鋭い演出
当日券を購入しての入場
劇団としては最後の公演となる。
「夏の夜の夢」上演は三度目とのこと
私自身は今回が最初で最後、となった。力のこもった、楽しさあふれる舞台だった。出演者それぞれが実に楽しんでいる様子に好感がもてた。その役者たちを、周到に計算された演出が支えている。妖精の王(紺野鷹志)と女王(みよ)のけんかに、人間の四人の若者たち(星野公紀・菅野瑞希・朱鷺(フリー)・渡部なつ)が巻きこまれる。
おかげで彼らの恋と友情はもつれるばかり
ちょうどそのとき、森の奥にいあわせた人間たちも、妖精パック(斉藤可南子)にひっかきまわされ、ボトム(あびゅ~・無一文)はろば頭の怪物にされてしまう。
魔法の力で、妖精の女王はそのろば頭に一目ぼれ
深い森の中、夏の一夜の大騒動
どう決着がつくことやら
平らなギャラリーホール中央に、低めの四角いステージが組まれている。黒とグレーの布で覆われ、上には何も置いていない。
舞台をとりかこんだ四方に階段状の客席を設置
大相撲の土俵と客席の形に近い。客席と客席の間に袖幕がおろされ、役者が出入りする。衣裳は全員、黒のシンプルなデザインをベースに、役のイメージカラーで分けられた様々な和柄の布をはりつけたり垂らしたりして変化を出す。登場人物は三十人、俳優十五人が全員一人二役で、人間の役と妖精の役とを兼ねる。カラフルな布のまとい方でも、役柄の区別が表される。見た目に大がかりな仕掛けや、奇抜な演出はない。が、生の舞台ならではの魅力をこれでもかというほど見せつけた。冒頭、出演者全員によるダンスが、観客を非日常の世界へとひきこむ。一転してアテネの公爵シーシュースの宮殿の場、二人の黒衣が拍子木を持ち、せりふの要所でカンカンと音を響かせる。詩的な長いせりふに慣れない観客の耳に、アクセントを与えた。魔法がかかる瞬間には、音響効果、照明が的確に調子をあわせ、幻想的に見せた。
その魔法が発動する際は「パ・パン
」クラッカーが鳴り、目にも耳にも鮮やかな効果を狙った。音響効果や照明といった、ややもすればありきたりになりがちな効果は最小限に抑えている。基本的には人間の演技、生の手作業により舞台を立体的に見せようとしていたと思われた。原典から、せりふをカット・一部変更してはいるものの、物語の内容・構成はおおむねそのままだ。
ストレートなシェイクスピア劇の印象
うまくいかない四人の若者の恋模様
自意識過剰な素人による、芝居の稽古のこっけいさ
怪物が可憐な妖精たちにかしずかれるグロテスクさ
妖精と人間との間を縦横に跳びまわり、思いのままに他を操る、パックのファンタジックな魅力
それら見せ所をしっかりと押さえて作りこんでいる。同時に着目すべき点がある。テンポよく飽きさせない展開の中に、「死」の香気、「エロス」「狂気」が分かちがたく絡みあってたちのぼってくるのだ。サービス精神旺盛なエンタテインメントとみせながら、作品に対する演出の切っ先はあくまで鋭い。妖精の王や女王、パックは別として、蛾の羽根、蚤の足などと名付けられた妖精たちは、半ば狂気の世界にいる。人間のものさしでは計れない世界に存在している―それが「妖」精の世界であるようだ。王や女王に対して従順で美しいだけではない。無邪気をとおりこし、理性をなくしたかのような笑いを浮かべて彼らはそこに在る。パックが時折放つ笑い声も、人の常軌を逸している。
「ひゃはっ、ひゃひは、へはひゃふは」
そうして王にまとわりついたり、互いに抱き合ったり、だらだらしたりという四肢の動きが、弛緩しているように見せつつ、なまめかしさを匂わせる。彼ら妖精は、人と同じ形をしていながら「妖【あやかし】」であり「異形【いぎょう】」なのだ。人との違いを際立たせる演出である。ボトムがかぶせられるロバの頭が、真っ白なのも異様だ。たてがみがあるけれど、目の部分は大きく黒く塗りつぶされ、まるで馬の頭蓋骨のように見えた。悪夢を意味する夜の牝馬【ナイト・メア】を象【かたど】り、「死」を強くイメージさせるものだ。さらに、婚礼の宴での劇中劇の場、「役者」は仮面をつけ、動くのみで、せりふは他の出演者が、ある種様式的な抑揚をつけて群誦するという試みがなされた。まるで人による文楽か無声映画を見るような新鮮さがあり、そのままでは退屈しがちな場面を救っていた。その趣向もおもしろいが、クライマックスで度肝を抜かれた。劇中劇「ピラマスとシスビー」は二人の恋人同士が死ぬ場面で終わる。血潮を表す真っ赤な長い布が舞台上を舞い、会場全体が照明で赤く染まるまさに「死」の場面、結婚行進曲が重々しくも華やかに鳴り響くのだ。それはアテネの公爵と、また若者たちの結婚を祝う曲に違いないのだが、同時にピラマスとシスビーの死による結びつきも示している。結婚と死、いわゆるエロスとタナトスの成就における近似を、直接的に見せつける。たしかに、婚礼の宴での余興なのに、あえて悲劇を上演させる筋になっている。なるほど原作者の意図はそこにあったのかもしれない、と思わせる力強さであった。欲を言いたい点がいくつかある。物語の冒頭、拍子木に助けられはしたが、せりふの音量がまだ足りない。こちらの耳がついてゆけないせいだが、もう少し発声に配慮があってもいい。拍子木、クラッカー、妖精たちの狂態など数々の仕掛け、せっかくのアイデアが、充分に生かしきれていない。タイミングを重視するあまり、小ぶりにまとまったきらいがある。実にもったいない。
どうせやるならばもっと、客席を巻き込むくらいド派手にブチあげてほしいもの
いろいろつめこんであるのに、さらに無理を言うようだが、それでこその祝祭だろう
そのわずかな弱さが、ラスト「パックをはじめ、他総員による口上」の後に行われたダンスでの会場全体の盛り上がりにも影響したか
しかしとにかく、役者が皆生き生きと楽しそうで、かつ細部まで気を配った演技をしていた。こちらまで楽しくなった。
中でも、ボトム及びイージーアスを演じたあびゅ~・無一文のハジケぶりが印象的
開演前、車掌姿の斉藤のあいさつも、これが最後
着実に育ってきた劇団が、また一つ消えた。その存在感はけして小さくはなかった。各員の今後の活躍に期待する。
* 筆者の参考文献
[劇場だより第9号]掲載
※テキスト化する上で、本文中のルビ表記に【】を使用しました。
「青木さん家の奥さん」仙台公演上演委員会 (1)
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新撰組異聞 ある哀の詩 「土方細腕奮闘記」
愛と刀と歴史があった。
ほぐれてゆく心・身体
いやいや面白かったよ
「青木さん家の奥さん」仙台公演上演委員会 (1)
「土方細腕奮闘記」 - 古山芳枝の仕事
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新撰組異聞 ある哀の詩 「土方細腕奮闘記」
愛と刀と歴史があった。九月十七日(土)十九時からの回を観た。
当日券を購入して入場
江戸末期に活躍した新撰組
その副長であった土方歳三は、実は女だった、という設定で、新撰組の歴史が綴られる。女性である土方(佐藤裕美)は、局長の近藤勇(瀧口勇治・フリー)を愛し、彼のために新撰組を盛り立ててゆく。沖田総司(福地春奈)はそんな彼女に惹かれるのだが、恋心を打ち明けることができない。
ナレーションや、何役も兼ねる斬られ役の浪士等の他は、登場人物はこの三名のみ
新撰組初期の、芹沢鴨暗殺から、実は生き延びていた(病死してなかったとの設定)沖田が死を迎えるまでを描く。史実を踏まえつつ、コメディやロマンスの要素をたっぷり盛りこんで、最終的には歴史の大きなうねりの渦中でもがく人間の姿を描く脚本だ。役者各々はかなり丁寧に役に入っているように見えた。
近藤の鷹揚な、人望厚い人柄
土方の、マメさ、純愛の貫き方
二人を敬愛する沖田の純真
殺陣もテンポよく、なかなかに見応えのあるものだった。それぞれの愛刀についてのこだわりや、死に際しての近藤の覚悟の見せ方なども、格好よい。
だが物語全体として、もっと、ぴしりと決まった何かが欲しいところ
一所懸命さは伝わるものの、ストーリーの進行がだらだらとした感じだったことは否めない。脚本の問題か、主要三人だけで済ますからなのか、歴史ドラマとしての面白さがもっとあっていいように感じた。三人のヒーローの三角関係、はもちろん興味深い。だがパッと見の絵面だけでなく、ドラマとして最後まで私を魅きつけうるのは、激動の世の中にあって彼らの状況や心情がいかに変わるか、あるいはいかに変わらないか、だ。彼らをとりまく状況は刻一刻と激変する。愛を語っても、理想を語っても、歴史のうねりに翻弄され、破滅へと突っ走る愛すべき野郎ども、の姿というのが本来の物語の核だと思う。背景にある歴史──物語上では「今」の社会状況の変化、が観客には見えづらいために、後半の悲劇的な展開に上手くのりきれなかった。脚本は、キャラクターの魅力でもって見せるつくりになっていると見た。舞台化するにあたり、演出の配慮がもっとあっていい。
三人だけで歴史をどう見せるか、その変容によってそれぞれの立場がどう変わるか、見せ方しだいでストーリーにさらにメリハリがつくのではないか
近視眼的なキャラの魅力だけでは、観客は最後まで「演劇」を堪能はできない。演出ももちろん、スタッフワークにより力を入れると、さらに効果があがると思う。
特に音響と照明は勉強が必要
セットをシンプルにするのならなおさら
ナレーションの声が、くぐもって聞こえにくいのは困る。
重厚な感じを出したかったのだと推察するが
ラストに、堀内孝雄の歌「愛しき日々」が流れた。この曲、もともと幕末を舞台としたテレビドラマのテーマソングとして使われたものと記憶する。放映は一昔も前であり、歌の内容は本作にも合っている。