僕が、「先生、素敵ですね」って言ったら、「あげる」って
あとで、車で取りに伺ったんですが、車の中には入らなかったので、紐で結わいて屋根に乗っけて帰りました。おかげで新車のブルーバードの屋根が傷だらけになってしまいました。今もうちの山中湖の別荘に置いて、大事に使わせてもらっています。
その籐の長椅子を見たり、横になると、植草先生のことが思い出されます」
「1962年3月、僕は新宿の伊勢丹で、写真展をやりました。これが日本で行われた初めてのジャズの写真展です。写真は、1961年正月のアート・ブレイキー&ザ・ジャズ・メッセンジャーズの初来日、同年5月のMJQ、そして1962年正月のホレス・シルバーの3グループのものを使いました。ホレス・シルバーからもらったメッセージも展示しました。彼が「DIG」に来てくれたときはまだ写真展は決まってなかったのですが、「いつか使いたい」と思って、大きな紙に書いてもらいました。それを植草先生が見て、とても喜んでくれて、ホレス・シルバーの言葉を翻訳してくれました。先生が自筆で日本文を書いてくれたんですが、「日本に来ることができて嬉しいです。
私の写真をこんなにたくさん撮ってくれて
そのうえ多くの日本の方々に見てもらえるなんて、初めてのことです。本当にどうもありがとう」というような内容でした。伊勢丹では、大きな会場を用意してくれたので、LPレコードを掛けて、ジャズ喫茶の雰囲気を再現しました。ジャズメンの写真展は、日本で初めてということもあり、大勢の人々が来てくれました。
伊勢丹もすっかり気をよくして、一週間の予定が二週間に延びました」
「1966年6月、僕は初めて、ニューポート・ジャズ・フェスティバルに行きました。「ドクターJAZZ」こと内田修先生と吉祥寺の「ファンキー」の野口伊織さんと3人です。ニューポート・ジャズ・フェスティバルに行ったあと、ニューヨークに10日間行きました。その後、ヨーロッパへ3週間単身で旅しました。出発前に、植草先生のお家を訪ね、「ニューヨークの事情を教えて欲しい」と教えてもらいました。植草先生は、早速山のように積まれた本からニューヨークの地図を取り出して、鉛筆で書き込みながら解説してくれました。「この通りのこの店のコーヒーが美味しい。最近、新しく出来たパン屋はここです。ビレッジ・バンガードはここです。
中平さん、行ってみるといいでしょう」
さすがに詳しいなと、すっかり感心して、「ところで先生は、何回ぐらいニューヨークに行かれたのですか
」って聞くと、「僕は一度も行ったことないよ」って
先生は最高ですね」
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相倉久人×菊地成孔 「植草甚一とマイルス・デイヴィス、そしてジャズ」 後編
相倉久人×菊地成孔 「植草甚一とマイルス・デイヴィス、そしてジャズ」 前編
1960年日本大学芸術学部写真学科卒業、1961年アート・ブレイキー初来日を撮影、ジャズ・フォトグラフのスタートとなる。
同年新宿にジャズ喫茶「DIG」開店
1966年アメリカ「ニューポート・ジャズ祭」でジョン・コルトレーンを撮影、感動する。
また中平さんを取り上げた単行本に「新宿DIGDUG物語 中平穂積読本」(高平哲郎編 東京キララ社/新宿DUGにても販売中)
「1967年2月には、紀伊国屋書店の裏に「DUG」(注:村上春樹の小説に出てきた店)をオープンさせました。すぐ近くに「ピットイン」があったので、演奏帰りに渡辺貞夫や日野皓正など多くのジャズメンたちが立ち寄ってくれました。歌舞伎町の「タロー」からもジャズメンが来ました。1968年には、スタン・ゲッツが来ました。その日は、日野皓正クインテットがライブをやっていました。そこにコンサートを終えたスタン・ゲッツ一行が来店しました。メンバーには、チック・コリアとウォルター・ブッカーもいました。そして日野皓正、元彦たちと突然のセッションが始まりました。スタン・ゲッツは、セッションに加わる気はなくて、楽器は持ってきていませんでした。
ところがセッションが白熱してきたら、吹きたくなってしまうんですね
そこで日野皓正クインテットのメンバーの村岡健のテナー・サックスを借りて吹きまくりました。
お客さんは、大興奮していましたね
ハンプトン・ホーズと渡辺貞夫がジョイントしたときもありました」
「植草先生も「DUG」が気に入り、よく来られました。そうですね、週に3、4回はいらっしゃいました。たいてい神田神保町の本屋の帰りに寄られますので、いつも洋書や外国の雑誌をたくさん持って来られます。来られるときは、先生が神田神保町の本屋から電話を掛けてきます。
「中平君、大体何時ころに新宿に着くから、いつものタクシーの止まるところで待っていてね」って
雑誌は、映画や美術など興味のあるページやコラージュになりそうなページをその場で、ビリビリ破っていました。「あとは捨てといて」って、残りは置いていかれました。
レコードのリクエストですか
しなかったですね
新譜が来ると、僕が先生に見せて、ヨーロッパ盤の面白いジャケットのレコードがあると「それかけて
」と言われました」
「DUG」もかなり混みましてお客さんをさばききれないぐらいでしたので、ビルを丸ごと借りました。地下1階から3階までです。地下1階は酒と多少の食事、1階と2階は喫茶店、3階は仲間たちのサロンにしました。植草先生は、2階の窓際の席が指定席でした。
ダグッドサンドをよく召し上がっていました(注:「ダグッドサンド」は現在も「DUG」のメニューにある)
全部食べきれないので、必ず半分は奥様のお土産に持って帰られました。
植草先生は、サンドイッチが大好きでしたね」
「植草先生が初めてニューヨークを訪れたのは、1974年4月のことでした。先生は、当時66歳です。「面白い」って感激して、大幅に予定を延ばして3ヵ月半も滞在されたそうです。翌1975年、2回目のニューヨーク行きには、奥様を連れて行かれました。2ヵ月半の滞在です。朝起きたら、まず近所でサンドイッチを食べて、本屋さんに行く。本屋さんは椅子を出してくれて、奥さんは椅子に座り、植草先生はずっと本を探していたそうです。一日中、本屋、ブティック、雑貨屋に居て、夜になると買ったものを開いて楽しんでおられました。
僕は先生からお土産に、本場のジャズの雑誌を何冊かもらいました」
「植草先生が亡くなられたとき、先生のレコードは、タモリさんが引き取りました。高平哲郎さんが「先生のコレクションをバラバラにするのは惜しい」って、タモリさんに頼んだんです。「植草先生には、いろいろなことを教えてもらいました。先生に出会えて幸せです。先生は、ものの見方に偏見がなく斬新で面白かった。それから植草先生が下さったお手紙や葉書は、とってもユニークで素敵です。今も大切に持っています。いろんなことをいつも楽しそうにしておられました。
あんな洒落た紳士、なかなかいませんね」
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ジャワ・ジャズで手に入れたサイン入り限定グッズをプレゼント
アジア最大のジャズ・フェスティバル「ジャワ・ジャズ・フェスティバル」が3月7日からの3日間、インドネシア・ジャカルタで開催された。
歴史と文化が色濃く残り、多国籍な人々が暮らすジャカルタの雰囲気そのままの、エキサイティングなイベントは
大成功の内に閉幕
熱気あふれるフェスティバルの模様をリポート
今年で4回目を迎える「ジャワ・ジャズ・フェスティバル2008」が、インドネシアのジャカルタで開催された。
会場は、ジャカルタのコンベンション・センター
大小いくつものホールを擁する巨大な建物の中なので、まだ雨季のインドネシアでは、スコールもしのげ、冷房対策もバッチリというわけだ。フェスティバルは3日間を通じ、昼過ぎから深夜まで行われる。
まずは会場の下見に
と思い立って会場に出向いたところ、一生懸命セッティング中
あと30分で始まるんだけど
と、ここが日本でないことを実感
今年も日野皓正氏ら多くの日本人アーティストが参加し、フェスティバルを彩っている。
しかも今年は日本とインドネシアの友好50周年とあって、インドネシア政府やガルーダ・インドネシア航空など関係各所が協力しあい、日本からの安いツアーなども登場
インドネシアの人々が、日本をアジアの一員として大切にしてくれているのが感じられた。
(写真左)ベイビー・フェイスがステージ上に女性を引き上げ、会場は騒然
な歌声のボビー・コールドウェル
今回の参加アーティストはベイビー・フェイス、ジェームス・イングラム、ボビー・コールドウェルなど、総勢1000名以上
“ジャス・フェスティバル”というが、実際はR&B、ポップス、ワールドミュージックといった様々なジャンルのアーティストが登場する。
ビール片手の野外や3000人収容のアリーナ、シャンデリア輝くボールルームなど、会場によって雰囲気がガラリと変わるのも面白く、気になるアーティストを軸にどうハシゴしようか
と考えるのも楽しみだ。
フェスティバルのメインアクトはベイビー・フェイスだったのだが、かなり機嫌がよく、“オモシロ話”も次々と披露
)をステージに上げてしまうなど、大歓声に包まれたステージだった。
インドネシアの人々は英語が流暢なので、アーティストたちも皆、日本の公演では見られないほど客席とのコミュニケーションがさかん
どのステージも、アーティストと観客との一体感が感じられた。
また、思ってもいないハプニングが起きるのもフェスティバルの醍醐味
ベイビー・フェイスが地元の女性シンガーと共演したり、ハーヴィー・メイソンが追加ライブを計画したり(結局、前のライブが押しに押して深夜2時をまわり実現できなかったのだが)、そんな微笑ましい出来事もジャワ・ジャズの楽しみだ。
フェスティバルのトリを務めたのは、インコグニート
各国のアーティストが参加して最後はボブ・マーリーの「ONE LOVE」で締め
「音楽を通じて平和を訴えたい」というフェスティバルの趣旨に通じる感動的なフィナーレだった。
ちなみにチケットは3日通し券が100万ルピア
日本円にすると約1万3000円程度
ジャカルタでの最低賃金が1ヶ月約1万円ということなので、このチケットがどれほど高価か
といえるのだが、チケット完売日も出るほどの人気で、観客総動員数は6万9000人
大成功で幕を閉じた。アジアから世界に誇るようなフェスティバルを発信する。そんな心意気を応援し、今後も見守っていきたいと思う。
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日本では見られない大物アーティストが一同に介するジャワ・ジャズ・フェスティバル
2007年の模様を参加者たちに聞いた。
彼らが体験したジャワ・ジャズとは、いったいどんなものだったのだろうか
e-daysでは、ジャワ・ジャズ鑑賞プレゼントも用意
アジア最大のジャズの祭典に参加してみよう
アジア各地で数多くのジャズ・フェスティバルが行なわれている事は意外と知られていない。
その中でも長い歴史を誇るのが「ジャワ・ジャズ・フェスティバル」
ジャカルタにあるメジャー・ホテルのひとつ「The Sultan」(旧ヒルトン・ホテル)のコンベンション・センターを使い3日間の規模で行なうようになって昨年が3回目
創設者であるピーター・ゴンタ氏はインドネシアの腕利きビジネスマンであり、かつ、大のジャズ愛好家(なかなかの演奏家でもあります)
インドネシアにもこんな素晴らしい音楽祭があるのですよ、というのを世界に示したい、という彼の夢
会場内にある複数のステージで繰り広げられるフェスティバルは出演ミュージシャンが延べ300人余、集まる観客は3日間で5万人を越えます。セルジオ・メンデス、ジェイミー・カラム、チャカ・カーン、マーカス・ミラーといった錚々たる面々に加えて、昨年は、日本から渡辺貞夫、伊藤君子、小野リサ、小沼ようすけ、後藤浩二が参加、フェスティバルを盛り上げました。
特に渡辺貞夫は、氏のライフ・ワークとも言える、「Share The World」プロジェクトの初の海外公演をユニセフの協賛も得て実現
この日の為に集まった10数ヶ国300人を超える子供たちと共演、「音楽に国境はない」ことを身を以って示してくれました。
さて、今年はどんなミュージシャンが
ところが、日本のゴルフより32年も古い歴史を誇るっているのが首都ジャカルタにあるジャカルタGC(当時はバタビアGC)で、1872年の開場だ。かつてはスハルト大統領の所有だったことから、一般的に取材もプレーも不可だった。07年のジャワ・ジャズ・フェスティバルに旧知のゴルフ仲間、渡辺貞夫さんが出演することが分かり、貞夫さんとジャカルタGCでプレーをすることを目論み、クラブを担いで急遽ジャカルタに行くことにした。ジャズ・フェスティバルの広い会場は、いずれも若い観客の熱気で溢れかえり、 ジャズに対する関心と情熱は日本よりもかなり高いようだ。
2日目の早朝、早速プレー開始
鬱蒼とした大木でセパレートされたコースはオーソドックスな設計で、英国などによく見られる交差するホールもあった。
残り2ホールで強烈なスコールに遭遇
二人してハウスに駆け戻り、ナシゴレンの昼食
雨を眺めながらハウスに佇んでいると、南国の午後がゆっくりと過ぎ去っていった。ジャカルタには、誰でもプレーを楽しむことができる多くの戦略的コースがある。「ジャズとゴルフ」は大人の時間をより豊にしてくれる、そう思った昼下がりでもあった。
ジャカルタGCでプレーを楽しんだ渡辺貞夫さん(中央)と私(左)と一緒になった地元ゴルファー
雑誌のお仕事として、2007年のジャワ・ジャズに行ってきました。
行くまでは、どんなものか想像もできなかったのですが、行ってみてビックリ
まず驚いたのが、その規模の大きさです。
日本のビッグサイトをいくつも繋げた様な大きな会場のあちこちで繰り広げられるライブが計3日間
ジャズってこんなにポピュラーな音楽だったの
というくらい、子供連れの家族やカップル、ビジネスマンなど、あらゆる世代の人たちが集まって、街を挙げての一大イベントといった感じでした。
私が前回のフェスで一番注目したのがジェイミー・カラム
様々な楽器を駆使し、体全身を使ったパフォーマンスに、会場は興奮状態
絶対にライブに行こう
と決めたほど
日本から招待された渡辺貞夫さんと子供たちのイベントも素晴らしく、同じ日本人として、とても嬉しかったです。
3日間のステージは、ジャカルタ時間とでもいうのか、スケジュール通りには進まなかったりもしたのですが、そこがまたゆったりした感じで良かったな〜と
チャカ・カーンのライブが終わったのが、深夜2時ですよ
日本じゃありえない。
ツアー料金を考えても、日本でライブに行くより安いかも
また是非参加したいと思った体験でした。
びっしりと人で埋まったメイン会場の様子
街中がイベント一色となる。それは2006年秋、会社の会議で私がジャワ・ジャズの担当になった事から始まりました。まったくどのようなものかも分からず、出演リストの名前にすごいなぁ〜と漠然と感じていたのですが、主催者とのやり取りやミュージシャン、プレスの対応をこなすうちに、あっというまに開催を迎えました。
ジャカルタに着くと既に会場周辺はすごい活気
世界15カ国1,274名のアーティストたちで繰り広げられるフェスティバルの始まりに、ぐ〜と気分が盛り上がってきました。この舞台は、愛知万博でのプロジェクトを観て感銘をうけたピーター・ゴンタ氏のオファーで実現したものです。ジャカルタ、日本、インドネシア、ドイツ、韓国各国の総勢400名の子供達との競演に心の底から感動が湧き出て涙が溢れ出てとまらない、まさに感動的な舞台でした。
夜の渡辺さんのライブはまた別の意味で観客と一体化し、円熟した魅力のある演奏で、海外のアーティストから「God
」と言われて駆け寄られるほどの人気者
バックステージではハーヴェイとマーカスが聴き入っていました。
興奮も冷めぬままホテルに戻ると、懐かしのチャカ・カーンと偶然同じエレベーターに乗り合わせることに
こんなハプニングもこのフェスティバルを楽しませてくれる一つかも
宿泊ホテルがアーティストと一緒なので、素顔の彼らが見られるのは、なかなかユニークな部分だと思うのでした。3日間総入場者数77,750名が楽しんだフェスティバルでしたが、2008年はどんなアーティストと一緒にジャワ・ジャズを体感出来るのか楽しみにしています、一度味わうとこれって癖になりそうです。
セルジオ・メンデスの取材終了後、プレスの方と一緒に撮影
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選と文/編集部
アトランティック・レコードの魅力は、ゴスペルやブルースからR&B、ソウル、ロック、そして前衛ジャズにいたるまで、その取り扱う範囲の広さにある。
広大なフィールドの中から、ひときわ光彩を放つ名作や重要作品、そして人気作品をここに紹介しよう
40年代半ば、颯爽と登場したチャーリー・パーカーによって、ジャズ界はビ・バップ一色に染まるが、そのなかでパーカーの影響下から離れたところで独自の表現を模索し、創り出し得たのがリー・コニッツだった。
音楽的理論の近いテナーサックス奏者のマーシュとの共演盤である本作は、くつろいだ雰囲気の中にもコニッツならではの天才的なアイデアや美学が味わえる名盤
チャールズ・ミンガスを「前衛」の範疇に入れる人は今では皆無だろうが、ちょっと気取ったタイトルやジャケットのアートワーク、コンセプト・アルバムのような楽曲構成からはアヴァンギャルドな匂いが漂ってくる。
R&Bが主力だったアトランティックにしてはかなり飛躍したプロデュースだったが、ギャンブルは大成功
ドラマティックで重厚な“ミンガス・ミュージック”の幕開けを告げる傑作となった。
ジャズの歴史を語る上では欠かせないアルバム
レニー・トリスターノのピアノ奏法や音楽表現は、アトランティックのドル箱だったルーツミュージックとは無縁の機械的で人間味の薄いものだったが、彼の音楽理論はリー・コニッツやビル・エヴァンスをはじめ、多くのジャズミュージシャンたちの拠りどころとなった。孤高の先駆者然としたジャケット写真が、彼の立ち位置を象徴しているかのようだ。クラリネットのジュフリー、ギターのジム・ホール、ベースのラルフ・ペーニャの三者が一体となって行う集団即興演奏は、決して難解ではなく、どこか牧歌的な雰囲気も漂う。高度な技術に裏付けられたエンターテインメントがここにある。伝記映画『RAY』で改めてレイ・チャールズとアーメット・アーティガンの関係が浮き彫りにされたが、本物の、しかも新しいタイプの黒人音楽を求めていたアーティガンにとって、敬虔なゴスペルをセクシャルなラブソングに生まれかえるレイの革新性は、まさにアーティガンが望んだものであり、また当時の大衆が求めていたものでもあった。
レイの50年代初中期の代表曲が集められた決定盤
ハスキーでジャジーな歌声で人気を集めた白人ヴォーカリスト、クリス・コナーによるジョージ・ガーシュイン作品集
ラルフ・シャフリン、レイ・エリスらによる都会的な洗練されたアレンジとミルト・ジャクソン、アル・コーンらの一流奏者との絡みが絶妙な仕上がりを見せている。
本来はキメの荒いところもあるコナーだが、ここでは原曲のメロディを大きく崩さずに、丁寧に歌い上げているのが印象的
「シーツ・オブ・サウンド(音の洪水)」と形容される、アドリブの構成要素をいったんすべてバラバラに解体して、それをまた猛スピードで再構築するかのようなコルトレーンの演奏スタイルは本作でピークを迎える。
情念の欠けた実験的作品では終わらせずに、テナーサックスという楽器がもたらす「新しい美」を提示したところに、本作が名盤として長く語り継がれている理由があるのだろう
『ジャズ来るべきもの』
調子はずれの音、セオリーを無視した作曲方法など、まるでキュビズムが画壇に初めて登場してきたときのようだった、とたとえても大げさではないほどにオーネット・コールマンの革新性、先進性はきわだっていた。
しかし本作が「前衛」と言われたのも今は昔
さまざまな音楽があふれかえる現代の耳には、一服の清涼剤と呼んでもいいほどに、ナチュラルで歌心にあふれた演奏が展開されている。
1960年、マイルス・デイビスのもとから離れたジョン・コルトレーンは、マッコイ・タイナーやエルヴィン・ジョーンズといった自分よりも若い世代を中心に自身の四重奏団を結成し、モード・ジャズの可能性をさらに広げようと突き進む
斬新なハーモニー解釈の下、限りなくフリーでエンドレスに続くかのようなタイトル曲は、ビートルズをはじめ多くのロック・ミュージシャンたちにも多大な影響を与えた。
ジョン・レノンもカヴァーした代表曲「スタンド・バイ・ミー」を収録した、ドリフターズを脱退してソロとなって3作目のアルバム
後年ともすれば“オールドスタイル”と評価されがちではあるが、その瑞々しく、自由奔放でエモーショナルな歌唱方法は、実はのちのロック・ヴォーカルにも多大な影響を与えていることを忘れてはならないだろう
タイトル曲は、アーメット・アーティガンとの共作によるもの
ブッカーT・ジョーンズのブルージーなハモンドとスティーブ・クロッパーによるエッジの効いたカッティングギター
タイトル曲は「クール」「ヒップ」という言葉の代名詞ともいってよい永遠の名演奏
メンフィスサウンドのお手本とされているが、時代を反映してか、西海岸の若者たちにもウケそうなサーフィンミュージック的な要素もあり、後年ほどのファンキーさはまだ見せてはいない。
『渚のボードウォーク』
50年代、クローヴァーズ、コースターズなどのR&Bグループがヒットを連発してアトランティックの屋台骨を支えるが、60年代になってもその輝きを失わなかったのが、大御所ドリフターズ
クライド・マクファター、ベン・E・キングなどのスターを輩出したのちの本作のリード・ヴォーカルは、ジョニー・ルイスとルディ・トーマス
「渚のボードウォーク」「アップ・オン・ザ・ルーフ」などが収められている。
オーティスのアルバムはどれもレベルが高いが、あえて1枚を選ぶとすれば本作か
ヒット曲や代表曲が網羅されていることのみならず、ビートルズやザ・バンドなど多くのミュージシャンを魅了したアイデアがたっぷりとつめこまれている。全編にわたって哀しみにあふれたオーティス節が炸裂し、メンフィスサウンドを作りあげたバック・ミュージシャンたちの演奏も限りなくディープで重い。
幼いときからゴスペルで鍛え上げたノドで豪快にシャウトするピケットのスタイルは破壊力抜群、R&Bの男性ヴォーカリストのひとつの理想像を作りあげたといっていいだろう
実力とは裏腹にデビュー以来あまりパッとしなったピケットの才能が陽の目を見るようになったのは、アトランティックに移籍して最初に発表したタイトル曲から
次作の「ダンス天国」でその人気を不動にする。
『ザ・べスト・オブ・ソロモン・バーク』
日本ではいまひとつのソロモン・バークだが、敬虔なクリスチャンということもあってか、アメリカでは抜群に人気が高い。そのスタイルはジョン・フォガティなどのロック系シャウターをはじめ、多くのヴォーカリストの範となった。
本作は60年代の彼のヒット作を網羅したもので傑作揃い
いまだバリバリの現役で、先の「アーメット・アーティガン・トリビュー・コンサート」でもアフターパーティでステージを務めた。
60年代初めから「ウォーキング・ザ・ドッグ」などのダンス・ナンバーでファンキーなアプローチを試みたルーファス・トーマスは日本でももっとその功績を評価されてもいいが、その愛娘カーラがデビューを飾り、最大のヒット曲となった「ベイビー」を収録したアルバム
カーラのパフォーマンスも素晴らしいが、60年代半ばのスタックス全盛時代のバック・ミュージシャンによる演奏がすごい。
アーメット・アーティガン・トリビュート・コンサートでも元気なパフォーマンスを見せたというサム・ムーア
相方のデイヴ・プレイターは88年に惜しくも交通事故で他界したが、「サム&デイヴ」というダイナマイトデュオの名前は永遠に光り輝き続ける。
エリック・クラプトンとBBキングもカヴァーしたタイトル曲をはじめ、これぞソウル、というスタックス黄金時代の名演が盛りだくさんの代表作
『男が女を愛する時』
有名なタイトル曲は、アトランティックに初のミリオンセラーをもたらした傑作
アラバマ州で病院看護士をしていたパーシー・スレッジの成功は、まさにアメリカンドリームだった。その後不振の日々が続くが、05年発表の最新作で劇的なカムバックを果たし、アーメット・アーティガンが創設した「ロックの殿堂」入りも果たす。先のトリビュート・コンサートでもアフターパーティでステージを務め、その冥福を祈ったという。
3大ギタリストならぬ3大キング(BB
キング、フレディ・キング)の1人として、ブルースギター界に大きな影響を残したアルバート・キング
このアルバムは、彼がそれまで活動をしていたセントルイスを離れ、スタックスと契約した第1作にして最高傑作
クリームのカヴァーで知られるタイトル曲をはじめ、チョーキングを多用したシンプルで豪快なプレイをたっぷり聴くことができる。
66年のモンタレイ・ジャズ・フェスでの実況録音盤
メンフィス生まれのテナーサックス奏者チャールス・ロイドは、65年に自身の楽団を作るが、メンバーはキース・ジャレット(p)、ジャック・デジョネット(ds)、セシル・マクビー(b)というスーパーバンドだった。サイケデリックでフォーキーなタイトル曲は、フラワームーブメント全盛の当時のニーズにぴたりとマッチし、ロイドは一躍時代の寵児となる。イタリア系移民によって結成されたヤングラスカルズは、デビュー当初はR&Bのカヴァーに終始する“ブルー・アイド・ソウル”系バンドだったが、3作目の本作でメンバーの作曲能力が開花、ほぼ全体をオリジナルで占めるようになる。大ヒットしたタイトル曲をはじめ、ラテン・フレイバーも加味されたNY出身バンドならではの多国籍的なグルーヴは、“ニューソウル”ムーブメントに影響を与えた。
『貴方だけを愛して』
ソウルの女王ことアレサ・フランクリンがアトランティックに残したアルバムはいずれも傑作だが、ここでは記念すべき第1作を取り上げる。
オーティス・レディングのカヴァー「リスペクト」は、全米ナンバー1にも輝いたアレサの代表曲だが、タイトル曲もそれに劣らぬ名演
男の喉元に鋭いナイフを突き立てるかのようなアレサの迫力は、女性ヴォーカルの新しいスタイルを指し示すものだった。このバンドの代表作といえば、まずは2枚目の「アゲイン」、続いて3枚目の「ラストタイムアラウンド」となるが、このデビューアルバムも佳曲が揃い、非凡な輝きを放っている。当時はまだメンバーもレコーディング作業に不慣れだったと伝えられるが、そうした環境の中でも、バンドよりも個人のあり方が優先されるという、新しいバンド力学がすでに見てとれるところがとてもユニークで先進的だ。
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選と文/編集部
アトランティック・レコードの魅力は、ゴスペルやブルースからR&B、ソウル、ロック、そして前衛ジャズにいたるまで、その取り扱う範囲の広さにある。
広大なフィールドの中から、ひときわ光彩を放つ名作や重要作品、そして人気作品をここに紹介しよう
英国のロックシーン、なかでもエリック・クラプトンに注目していたアーメット・アーティガンは、クリームが結成されるとすぐに契約を交わし、配給権を得る。これを契機にアトランティックはアメリカのレコード会社でありながら、英国ロックの良き理解者としての存在感を高めていく。アトランティックの名プロデューサー、トム・ダウドを迎えた本作で、クリームはブルース・ロックの王者に登りつめた。アラバマ州出身の全盲のシンガー/ギタリスト、クラレンス・カーターは、いかつくてコテコテな印象のジャケット写真から受けるイメージとは裏腹に、実に日本人の心の琴線にふれる“泣き”を聞かせてくれる。サザン・ソウルの聖地、マッスル・ショールズで録音された本作では、「スリップ・アウェイ」などのヒット曲のほか、ディープでエモーショナルなカーターの歌声をたっぷりと聞かせてくれる。冒頭のボブ・ディランのカヴァー、「マイ・バック・ペイジズ」で、ジャレットは当時の若いファンの心を一挙にとらえてしまった。チャールス・ロイド楽団時代からゴスペルへのフォーキーなアプローチで異彩を放っていたジャレットだが、この初リーダー作から2年後には、ワールドミュージックまでも織り込んだ壮大なコンセプトをソロピアノで表現するという、前人未踏の領域に踏み出すことになる。
「革命的な作品」というのはそうたびたび生まれるものではないが、アコースティック・ギターに3声コーラスという、いってみればピーター、ポール&マリー的な構成から、どうしてこのようなまったく新しい表現がなしえたのか
そこには、単に音楽的見地からだけでは解明できないものがあるように思える。
あえていえば、60年代ロックのスピリッツが、本作を産み出したということだろうか
マッスル・ショールズのスタジオギタリストとして働いていた関係上、アトランティックにはデュアン・オールマンのセッションが数多く残されているが、白眉といえるのが、このボズ・スキャッグスのソロ・デビュー作
ボズは中身の濃いルーツ・ミュージックを展開しているが、聞き物は、12分を超える「ローン・ミー・ア・ダイム」
徐々に熱気を帯びてドラマティックになっていくデュアンのソロが圧巻
スーパー・グループの真打ちとして登場したのが、元クリームのエリック・クラプトンとジンジャー・べイカー、元トラフィックのスティーヴ・ウィンウッド、元ファミリーのリック・グレッチからなるブラインド・フェイス
本作のみでバンド活動は頓挫するが、落ち着いた雰囲気の渋い名曲がそろっており、誰もが血気盛んだった70年当時よりも、いまの時代の気分によりマッチするのではと思わせる名作
『クリムゾン・キングの宮殿』
レッド・ツェッペリン、イエスに続いて、アトランティックはキング・クリムゾンとも契約を交わすことになるが、本作の発売に合わせて全米ツアーを仕掛けるなどの巧妙なマーケット戦略により、プログレという、本来アメリカでは受け入れられにくいジャンルを見事にヒットさせた。
冒頭の「21世紀のスキゾッツオイド・マン」から最後のタイトル曲まで、壮大なスケールで描かれたロック叙事詩は唯一無比
元バッファロースプリングフィールドのスティルスとヤング、元バーズのクロスビー、元ホリーズのナッシュからなるスーパーグループ、CSN&Yの代表作
4人の個性のぶつかり合いから生まれる緊張感は、ヴェトナム反戦運動がピークに達していた社会状況と無縁ではなく、それゆえの気負いや幻想もみられるが、それらをすべて美しいものへと変えてしまう説得力がこの音楽のなかにある。
『いとしのレイラ』
1970年8月、マイアミで行われたオールマン・ブラザーズ・バンドのコンサートにエリック・クラプトンが姿を現したことから、デュアン・オールマンとクラプトンの親交が始まる。スタジオでレコーディングを始めた2人は、トム・ダウドのプロデュースのもと、クラプトンが求めてやまなかったアメリカ南部のサウンドを実現する。「レイラ」のイントロのギター・リフはデュアンのアイデアによるものといわれる。
バート・バカラックの「小さな願い」、スティーヴィー・ワンダーの「マイ・シェリー・アモール」、ビートルズの「へイ・ジュード」、そしてジョン・コルトレーンの「至上の愛」など、60年代のヒットチューンをDJ的感覚で次々とつなぎあわせて音のコラージュのように作り上げたその世界は、まさにブラック・ワンダーランド
69年のスタジオ録音と68年のライヴ音源からなる鬼才ローランド・カークの人気作
1971年3月12日と13日、ニューヨーク・フィルモア・イーストで行なわれた計4回のステージからまとめられた傑作ライブ・アルバム
スライド・ギターの天才としてデュアンの名を知らしめた冒頭の「ステイツボロ・ブルース」からラストまで、卓越した演奏力と綿密に計算されたアレンジで一気に聴かせる。当日、コンサートが終わったときにはすでにフィルモアには朝の光が差していたという。ツアーの宿泊先でジャムセッションを行なうことを「モーテル・ショット」といい、アコースティックギターやタンバリン、ピアノなどのアンプラクドな楽器によって行なわれたという。本作ではグラム・パーソンズ、デュアン・オールマン、デイブ・メイソン、レオン・ラッセルなどの豪華ゲストによる、ゴスペルやブルースのジャムが収録されている。
いかにもアメリカらしい、そしてアトランティックらしい作品
キング・クリムゾンの初期メンバー、イアン・マクドナルドとマイケル・ジャイルスが、同バンド脱退後に共同名義で発表したのが本作
“レイドバックしたプログレ”とでも呼べばいいのだろうか、肩の力の抜けた、素朴で牧歌的な明るいサウンドが全編に展開されている。
ただ、2人の演奏技術は高く、名人の域
イアン・マクドナルドはこののち、フォリナーにオリジナルメンバーとして加わっている。タイトルのみならずバンドのクレジットもなし、という思い切ったジャケットデザインは宣伝担当泣かせのコンセプトだったが、結果的にこれが大きな話題を提供することとなり、アーティガンの賭けは大成功だった。
「ブラック・ドック」「天国への階段」「ロックンロール」「ミスティ・マウンテン・ホップ」など、ライヴでの定番レパートリーが多く収録された、ツェッペリン入門に最適のアルバム
『こわれもの』
イエスをスターダムに押しあげた代表作
スパニッシュ・ギターを連想させるイントロから始まる冒頭の「ラウンドアバウト」は、このバンドの演奏力の高さと幅広い音楽性を示しており、本作から加わったキーボードのリック・ウェイクマンのクラシック音楽への志向性の強さが、このバンドとぴたりとマッチしたことをうかわがせる。
イラストのロジャー・ディーンは、本作で一躍脚光を浴びることに
『展覧会の絵』
ムソグルスキーの組曲をロック的に解釈するというアプローチで人気を博したアルバム
キース・エマーソンのムーグシンセサイザー、グレッグ・レイクのヴォーカル&ベース、ギター、カール・パーマーのドラム、この3人のパフォーマンスが絡むさまは、コンサートというよりもまるで3人の役者によるミュージカルのような演劇性に富んでいる。
すべてライブ音源で構成されている点もユニーク
発表当時は大きな話題にもならず、一部のファンだけに知られる“隠れた名盤”だったが、9年前に初CD化されて以来、新しい世代にも聴かれる人気盤となった。本作に収録され、ボニー・レイットのカヴァーがヒットした「クライ・ライク・ア・レインストーム」が代表作だが、ヴェトナム戦争をテーマに歌った冒頭の「クルーエル・ウィンド」をはじめ、類まれな優しさに満ち溢れた歌が揃っている。
70年代アメリカン・ロックを語るうえで、その音作りの原点となったといえるアルバム
ブルース、ゴスペル、R&B、カントリー、フォーク、ラテンと、広範囲に及ぶ素材をロックンロールというナイフで串刺しにして見せたスティルスの力技には、ある種の爽快感さえともなう。のちのサウザー・ヒルマン・フューレイ・バンドにつながるクリス・ヒルマン提供の作品、サウンドも素晴らしい。
オープンニグのマーヴィン・ゲイのカヴァー、「ホワッツ・ゴーイン・オン」から、聴く者をぐいぐいとひきつけ、まるでニューヨーク、ゲットーのラウイブハウスにいるかのような錯覚をもたらせてくれる臨場感にあふれた傑作ライブ盤
ジョン・レノンの「ジュラス・ガイ」もカヴァーするなど、幅広い音楽性はそれまでのソウルを越えた「ニューソウル」という言葉がふさわしい斬新な一面もそなえている。
『メイン・ストリートのならず者』
1971年、アトランティックは念願だったローリングストーンズの配給権を獲得し、名盤『スティッキー・フィンガーズ』を世に出す。
アトランティックらしいルーツ・ミュージックの匂いの漂う傑作だが、その方向性の集大成とでもいうべきものが第2弾の本作
デビュー以来、不良少年路線を突っ走ってきたストーンズだが、さらなるワル―ならず者路線へのスタイル・チェンジを本作で決定づけた。
『ガンボ』(71年)で、ニューオリンズの古き良き香りの漂うR&Bを復活させたドクター・ジョンだが、彼の持てる才能を余すところなく花開かせたのはこのアルバム
“セカンドライン”と呼ばれるニューオリンズ・ファンクビートを全面に打ち出した先進性あふれるサウンドは、時代よりも一歩先に進みすぎた感じすらある。
映画『ラストワルツ』で脚光を浴びた「サッチ・ア・ナイト」を収録
元フリーのポール・ロジャースとサイモン・カークが中心となって結成されたバッド・カンパニーは、本作収録の「キャント・ゲット・イナフ」がいきなり全米で大ヒット、アルバムも全米1位を獲得して全世界で1500万枚を売り上げる。直球勝負のサウンドがアメリカの市場にフィットし、続く第2作、第3作もミリオンセラーになるなど82年にポール・ロジャースが脱退するまで黄金時代は続いた。
LP時代はA面に1曲(C・ジャムブルース)、B面に1曲(パーディド)という大胆な構成が話題となったミンガス後期の傑作ライブ
聴きどころは、ローランド・カーク、ジョージ・アダムス、ハミエット・ブルーイットなどのサックス奏者たちによるソロ
簡単なコード進行の古い曲だが、モード・ジャズやフリー・ジャズの技法を駆使して、限界ぎりぎりまで吹き鳴らした後にやってくるカタルシスが最高
『戦士への讃歌』
ロスコー・ミッチェル、レスター・ボウイ、ジョセフ・ジャーマン、マラカイ・フェイヴァーズなどを擁するAECは、68年にシカゴで結成され、フリー・ジャズシーンで活動を始める。本作はAECの代表作で、コワモテのイメージとは裏腹に、ロック、R&B、ファンクなども含むアメリカのポップミュージックをパロディ化したダンサンブルな曲が多く、むしろ現代の耳には素直に楽しめる内容となっている。ランバート、ヘンドリクス&ロス以来、すたれていたジャズ・コーラスの魅力を再現したのが、男2人、女2人の混声コーラスグループ、マンハッタン・トランスファーだった。デビュー作となる本作では、ジャケ写のアートワークが象徴するようなノスタルジーなジャズナンバーと50〜60年代のアメリカンポップス的感覚を巧みにブレンドして、独自の“マントラ”ワールドを作り上げている。
アトランティック一筋に約25年活動を続けたMJQの1974年11月25日のラストコンサートを収録したライブ盤
ミルト・ジャクソンのビブラフォンとジョン・ルイスのピアノを中心とする室内楽的な典雅で洗練された演奏は、アーティガンが最も好むものだった。代表曲のほとんどがこの日演奏されているが、そのいずれもがこれまでで最高の出来となるという、奇跡的なラストコンサートだった。
ジョン・べルーシとダン・エイクロイドの遊び心から生まれたユニット、ブルース・ブラザーズ
本作はその映画化作品サントラ盤
スティーブ・クロッパー、ドナルド・ダック・ダンに始まり、アレサ・フランクリン、ジェイムズ・ブラウン、レイ・チャールズ、そして大御所キャブ・キャロウェイまで参加することに
シャレから生まれた企画が黒人音楽大リスペクト大会にまで大きくなってしまったところが痛快
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初来日初日の楽屋でメンバー同士が殴り合いの喧嘩をやったなど、さまざまな伝説が生まれたが、当時のレコード会社関係者が目撃したツェッペリン行状記の一部をここで紹介しよう
僕がレッド・ツェッペリンと直接関わるようになったのは、大学最後の年、ワーナー・パイオニア(当時のレコード会社名)でアルバイトをしていた時のことでした。高校生の時に武道館でビートルズを観てロックに目覚め、漠然と音楽業界で仕事をしたいと思っていたことからレコード会社でバイトを始めたわけですが、当時は入社試験などあまり関係なく、会社の人と仲良くなり口利きしても らえれば、卒業後に自動的に就職できるような長閑な時代でした。そんなわけで最初、CBSソニー(当時)のバイトから始めたのですが、ツェッペリンの大ファンだったこともあって就職するならワーナーかなと、実にファン気質丸出しな理由で夏前頃からバイトを始めたわけです。
そうしたらタイミング良くツェッペリンの来日が決まり、ツェッペリン側から日本でライヴ・レコーディングをしたいというオファーがあったことから、当時学生バンドをやっていて少し機材に明るいという単純な理由から、単なるバイト、というよりまだ学生気分の抜けない一ファンの僕に、ワーナー側のライヴ録音立会いという願ってもない役割が回ってきたんです(笑)
そりゃ、バイト代ももらえてツェッペリンに会える、サインももらえる、ライヴ音源も聴けると、単なるファンですよ(笑)
仕事という意識など全くないまま、嬉々として毎日を過ごしていました。初来日したメンバーと初めて会ったのは、ビートルズも泊まったヒルトン・ホテル(当時、溜池近くにあった)での記者会見の時で、ただただポーッと憧れのスターと会ったファンそのものでした。
向こうも「何だこの子供は
」くらいに思ってたでしょうね
それから毎日のようにホテルに出掛け、一応何かあった時に備えて待機という事でロビーにいて、メンバーやスタッフを見つけると一緒にお茶を飲んだり、もちろん当時は殆ど英語も話せませんでしたが、近くにいるだけで幸せでしたね
それである夜、サンプル盤だったか何かを届ける用事で、深夜メンバーやスタッフが集まっていた部屋に行ったんです。部屋に入った瞬間、目にしたのは、ブラウン管が壊されて空洞状態のテレビと、果物や飲み物を壁にぶつけて出来たような汚れ、床にもゴミが散らばり、とてもホテルの部屋とは思えないような惨状でした。その部屋にジミー・ペイジはいなかったのですが、届け物を持ってジミーさんの部屋に行ったら、蝋燭の明かりが灯っていて、何やら瞑想しているような、ちょっと怪しい雰囲気だったんです。
それ以前から神秘主義者で魔術師でもあるアレスター・クロウリーのフォロワーで、クロウリーの邸宅を買ったほどの黒魔術マニアなだけに、ちょっと不気味でしたね
それとメンバーとスタッフ部屋が何部屋か、わざとやったとしか思えないんですが、お風呂からお湯を溢れさせて絨毯が完全にズブズブ状態で使えなくなっていたせいか、和室の部屋に大勢で布団を敷いて寝ていたのが何だか不思議な光景でした。
そのヒルトン・ホテルでは、ティールームの前に綺麗な庭があるんですが、メンバーやスタッフが何やら退屈しのぎに企んでいたようで、ある日のこと、庭にある木だったんですが、それを引き抜けるかどうか賭けが始まったんですね
それでまさかと思ったんですが、何とロバート・プラントが見事にそれを根っこごと抱きかかえるようにして引き抜いて取り巻きの大喝采を浴びているわけです(笑)
ホテルの人は真っ青で慌てているんですが、僕らも止めることは出来ないですから、ただ謝るだけですよね
初来日時に配られたチラシ
裏には亀渕昭信さんによる日本のリスナーに向けたレッド・ツェッペリンの紹介文がチラシ全面に印刷されている。
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それとホテルの部屋と言えば、何と言っても大阪のロイヤル・ホテルでだったんですが、ここでの乱暴狼藉は完全に伝説ですね
確かボンゾだと思うんですが、本物の日本刀を部屋で振り回し、壁には大きな刀傷をいくつも作って完全に破壊してしまったんです。もう誰も止められないし、とてもじゃないけど恐くて誰も注意できない、そんな感じです。結局、その時はホテル側から厳重注意を受け、結局5部屋分の修理代と休業補償とかで僕が請求書を会社に持ち帰るハメになったんです。
僕の記憶では当時のお金で500万円近かったという記憶があるんですが、後で確認してみたら300万円弱だったらしいですけどね
会社で交渉したのかもしれないですが
それでも今の金額に換算したら、2000万円以上になるんじゃないですかね
何しろ35年以上前の話ですから
また大阪で忘れられないのは、夜、みんなで飲みに行ったんですが、深夜の帰り道、交差点で赤信号だと近くの石を拾い、誰かが信号のランプに石を当てて割るまで道路を渡らないわけです。
彼らにしてみれば一種のゲームなんですが、それで何個信号を壊したことか
よく逮捕されなかったと思いますよ
おまけに飲み屋の前にある電飾の看板がありますよね
あれを抱えられるだけ盗んでホテルに持ち帰り、ロビーにズラーッと並べるわけです。
軽く20個以上はあったですね
もうみんなお酒を飲み過ぎてベロベロに酔っ払っているし、ホテルの人も呆然と立ち尽くしているという感じでした。
東京では、深夜になると赤坂のビブロスとか伝説のクラブに夜ごと繰り出して遊ぶんですが、飲み方も半端じゃなかったですね
例えばちょっと退屈すると、グラスが空いた瞬間、それを一緒に来ていたスタッフに投げつけるんです。
だから常にグラスをお酒で満たしておくか、常に注意してないと大怪我するわけですよ
毎日どれだけグラスを割ったことか
幸いそのゲームには連れのスタッフは慣れていたようで怪我人は出なかったですけど、とんでもないルールというかゲームですよね
それとこれは僕が一緒にいた時の話じゃないんですが、タクシーに乗れば運転手の帽子が欲しいからと無理矢理1万円で買い取ったり、道を歩いていれば下駄を履いている人を見つけ、それがよほど珍しかったのかその場で1万円渡して買い上げたり、やることなすこと滅茶苦茶でしたね
でも、当時下駄なんて1000円もしないでしょうから、1万円を握らされて下駄を取られた人は嬉しかったでしょうけど
ただその後、裸足で靴屋さんを探さなければいけなかったでしょうから、今考えると笑えますけどね
何だかツェッペリンの悪行狼藉ばかり話しているようですが、もちろん良い想い出もたくさんあります。
僕の人生に於いても最高と言える想い出は、やはり武道館でのリハーサルで遅れてきたジミー・ペイジに代わり、あの3人と一緒にサウンド・チェック時にツェッペリンの曲を3曲も演奏したことですね
恐らくそんなことが出来た外部の人間なんて他にはいないんじゃないでしょうか
実は最初、当時の僕の上司でカントリー・ギターの名手だった人がスリー・コードでメンバーとセッション的に音合わせをしていたんです。そうしたら誰かツェッペリンの曲を弾ける奴はいないのかってことで、僕が代わりにジミーさんのレスポールを持って武道館のステージで弾いたんです。もともと僕は左利きなんで右用のギターでは上手く弾けないんですが、当時は恐いもの知らずですから最初に「胸いっぱいの愛を」のリフを弾き始めたんです。
そうしたらボンゾの爆撃のようなバカでかくて重い音のドラム・フィルがズドドドと入ってきてもうマジでビビッてぶっ飛びましたね
やっぱりこいつらは化け物だと思いました。
で、それから「コミュニケイション・ブレイクダウン」「ユー・シュック・ミー」も一緒に演奏したんですが、やっぱりこいつじゃダメだということになってクビになったところにジミーさんが現れて事なきを得たと(笑)
ただそれ以来、メンバーにもちゃんと憶えてもらえたようで、翌年に再来日したときは僕は正社員として仕事で関わったわけですが、一度目よりはスムーズに付き合えました。ただ2度目の時もホテルの部屋にオーディオ・セットを用意しろと言うことで、特別にホテルの許可を得て持ち込んだんですが、ロバート・プラントがドアを開け放ったままフル・ヴォリュームで流していて、苦情を処理するのに大変でした。
やっぱり注意なんて恐くてできないですよ(笑)
そんなわけで、大学生だった僕が最初に仕事として体験したロック・バンドの生態がそれですから、その後はクイーンにしろディープ・パープルにしろ可愛いもんです。
ただツェッペリン後遺症のようなものは僕にも、当時仕事として関わった上司にもかなり残り、何か仕事でストレスが溜まったときなど、一時期平気で物をぶち壊したりすることに抵抗が無くなって困ったことがありましたから
ここでは言えないようなとんでもないものを壊したこともありますよ
幸い今はそういう破壊衝動はないですけどね(笑)
いずれにしてもツェッペリンとの想い出は、事実だったのに夢のような、凶暴な異星人と一緒に過ごしたような未だに不思議な感覚の、特別な記憶として深く僕の中に残っています。
初来日時に配られたチラシ
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大特集 レッド・ツェッペリン / アトランティック・レコード がラジオから流れた日|WEBマガジン e-days「イーデイ ズ」
1962年、20歳の筆者は助手としてラジオ放送局のアルバイトを始める。ちょっとマニアックなR&Bレーベルという印象のアトランティックだったが、ラジオの仕事が長くなるにつれ、筆者の心の中でとても大きな存在を占めるレコード会社になっていった。
アトランティックレコードがラジオから流れた日
・・・ということはつまり、アトランティック・レーベルのレコードが、初めて日本のラジオでかかった時はいつか
そしてその曲とはなんぞや
こたえは簡単・・・「すいません、ゴメンナサイ、わかりません」です。でも、僕がラジオの仕事をする前や、その後の、アトランティック・レーベルとのかかわり合いなら、少しはお話し出来そうです。
そんなことで、お許しを
放送&音楽業界には「ヒット曲または人気アーティストの音源について、放送解禁日の取り決め」なんていうのが秘かに存在していて、抜け駆けのON AIRはダメよということになっています。
勿論、これは有名アーティストの場合だけ
新人だったら、じゃんじゃん放送しても問題なし
ずいぶん古い話になるけれど、ぼくがラジオ放送の現場にいた60年代中頃から70年代中頃までの間、一つのグループを除いては、ほとんど自由競争でON AIR出来ました。
そのグループとは、そう、ザ・ビートルズ
彼等の新曲を発売前に手に入れ、ON AIRするのは、なかなか大変なことでした。
アトランティック・レーベルが日本に紹介されたのは、それよりも15年ほど前、1950年代のこと
アーメット・アーティガンとハーブ・エイブラムソンによって1947年創立されたアトランティック・レコード、英国LONDONレーベルを通じて日本に配給され、キング・レコードが発売していました。
話はコロッと変わるけれど、MTVなんかなくって、洋楽はラジオでしか聴かれなかった時代
たいていクラスに4〜5人ぐらいしかいなかった、それも男の子が多かった、洋楽好きの子供達は、ヒット・パレードのチャートを毎週ノートにつけるのが習慣でした。あなたもそうでした。実は、僕もそうなんです。
何故かいまでも大事に持っている僕の音楽ノート、最初のページは、1956年3月10日、第1位はケイ・スターが歌う「ロックン・ロール・ワルツ」
その頃、わたしゃ、14歳、紅顔の美少年
いまは65歳、厚顔のおじちゃん、まぁ、長生きしたものです、ハイ
寄り道しないで話を進めましょ
「ロックン・ロール・ワルツ」は、タイトルにロックン・ロールとつくけれど、レッド・ツェッペリンの「ロックン・ロール」なんかをイメージしてはいけません。
「どうもロックン・ロールという音楽が若い奴らに人気らしい」ということで、ワルツ仕立ての曲の中にあと打ちと三連符のビートを加え、ロックン・ロールらしく仕立て上げたというポピュラー・ソング
歌の内容も、十代の女の子がいつもより早く家に帰ると、両親が娘のロックン・ロール・レコードをこっそり引っ張り出して、二人でダンスを踊っていた。
それもワルツのステップで・・・という、いま思えば、いかにも当時のアメリカ中産階級の歌、という雰囲気
発売レーベルは老舗RCAビクター
正に保守中道路線のアメリカを代表するレコード会社と思いきや、ところがどっこい、この約2か月後のナンバー1は、同じRCAビクターから発売されたエルビス・プレスリーの「ハートブレーク・ホテル」
保守中道どころか革命でした。ここから、皆さんご存知、いまでも続くロックン・ロールの歴史が始まるのです。おっと、今日は「ロックの歴史」の話ではないので、あまり学研的になってもなんですからして、アトランティック・レーベルは、どうした。
の話に戻りましょう
僕もあとになってから知ったことですが、この時代のアトランティックは軌道修正の真っ最中だった。
ブルース盤中心の発売が多かった営業方針を拡大
アーティガンさんの兄ネスヒがジャズ・レコード部門を、そしてビルボード・マガジンの優秀なエディターであったジェリー・ウェクスラーがメンバーに加わりロックン・ロールのプロト・タイプでもあるリズム&ブルース部門を手がけ、創始者の一人であるエイブラムソンは、子会社となるアトコというロックン・ロールやポップ・レコード中心のレーベルを立ち上げます。
バッファーロー・スプリングフィールドやニール・ヤングのファンの方なら、アトコ(ATCO)レーベル、ご存知ですよね
ちなみにニューヨークからカジノがあるニュージャージー州アトランティック・シティーに行く途中に、なんとATCOという町があるのです。
これ、ほんとのこと
そしてレパートリーを増やすため、自分たちだってそんなに大きくはなかったのですが、より小さなインディー・レーベルのいくつかをM&A、この企業買収をキッカケにして1950年代の後半、アトランティックの屋台骨を支えるグル−プの一つ、コースターズが誕生し、スターになっていきます。
野口久光先生の解説
そしてその翌年の発売でしょうか、レコードの棚からコースターズの「サーチン」という45回転も見つかりました。アメリカでは、この曲、けっこうヒットしました。日本では、ゼンゼンでしたが、僕はお気に入りでした。そしてこの45回転盤は、僕に大作曲家コンビ、ジェリー・リィーバー&マイク・ストーラーの名前を教えてくれ、興味を持たせてくれました。
筆者が初めて買ったアトランティック・レコード、クローバーズの「ラブ・ラブ・ラブ」
日本盤の解説は野口久光氏
ジャズ関係が左側、R&B関係が右側に書かれた当時のスリーブ(左側の袋)
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名訳か迷訳か、ほんと、良い時代でした。
スリーブに書かれているアーティストの名前も、左側がジャズ関係、右側がR&B関係、懐かしい方には、懐かしいものでしょう
そりゃ、あたり前田のクラッカー
この頃、アトランティック・レコードをかける音楽番組なんて、ほとんどなかった。
政治家じゃないけれど、「私は、全く記憶にありません」
僕はFENを聴いていた子供だったから、ということもありましたが
気どっているわけではなくって、当時の日本のラジオ局はビクター・ヤング・オーケストラ「エデンの東」みたいなものが中心
それはそれで良かったのですが、自分には合わなかった、ただそれだけでした。懐かしいです。みんな進駐軍放送で聴きました。ホンと、カッコ良かったです。
ちょっとマニアックなR&Bレーベルというイメージだったアトランティック・レコードが日本のラジオで目立ってかけられるようになったのは、イタリア系白人のポップ・シンガー、ボビー・ダーリンが登場してからでしょう
特に1959年の「ドリーム・ラバー」、続く「マック・ザ・ナイフ」は、日本でも洋楽ヒット・チャートの上位を賑わせました。僕はこの「ドリーム・ラバー」が大好きで、いまでも自分の携帯用プレーヤーに入れています。ケヴィン・スペイシー主演の映画「ビヨンド・ザ・シー」でタイトル・ソングにもなった同名曲、当時としてはちょっとおしゃれ過ぎたのでしょうか、日本ではそんなにヒットしませんでした。
あのボビーダー・リンの伝記映画、もう一つでしたね
「ドリーム・ラバー」も最近では、同名異曲ですが、マライヤ・キャリーとかINFINITY16/湘南乃風バージョンの方が有名ですよね
ほんと、時代は遠くになりました。ご縁があって、20歳の僕はニッポン放送のディレクタ兼DJ高崎一郎さんの助手として、放送局のバイトを始めます。
高崎さんのDJ番組で、放送するレコードを用意したり、ターンテーブルを回すのが仕事
高崎さんの番組は「エデンの東」みたいな映画音楽よりもアメリカン・ヒットポップスが主流
僕の音楽志向も同じ路線だったので、僕にとっては、ほんとラッキーな巡り合わせでした。高崎さんの番組ではニール・セダカやコニー・フランシス、リッキー・ネルソンやポール・アンカ、そしてビーチ・ボーイズ、ジャン&ディーンなどなど、ビートルズが登場するちょっと前までのヒット曲がじゃんじゃんかかりました。1962年、アトコから発売されたヒット曲の一つにジャズ・ピアニスト、ベント・ファブリックの「アリー・キャッツ」があります。この曲、翌1963年にグラミー賞「ベスト・ロック・アンド・ロール・レコーディング」部門でグラミー賞を獲得し、欧米で大ヒットしましたが、日本では、ほとんどといってよいほどON AIRされませんでした。
しかし、もう80歳を越えたベント・ファブリックはいまでも現役パリパリ
最近もヒットCD「ジュークボックス」で、いまでは日本の若い人達にも大変な人気
いやはや、凄いことです。その逆に、この頃でしょうか、日本だけでヒットしたバリー・ダーベルという男性歌手が歌った「ロスト・ラブ」という歌がありました。アトランティック・レコード(ATCO)発売でした。する可愛い曲で、たくさんのリクエスト・カードをいただきました。けっこう人気がありました。ご存知のかた、いらっしゃいます。「奥さまお嬢様が泣いて喜ぶ」高崎一郎さんの番組、たくさんON AIR したヒット・レコードの中で、アトランティック盤ではパーシー・スレッジ「男が女を愛する時」とかゴフィン&キングの名曲を歌うドリフターズやベンEキングなどが常連でした。勿論、オーティス・レディングやウィルソン・ピケットも通の人には、深く静かに人気でした。選曲の際、そんな中にドリス・トロイとかカーラ・トーマスとかのR&Bをそっと紛れ込ませたりすることに、快感を覚えたりもしました。
あれはラジオ番組制作アシスタントの役得だったのでしょうか
1964年以降、ビートルズ登場で巻き起こったブリティッシュ・インヴェイジョンの頃、洋楽にとってそれはそれは賑やかで、華やかな時代でした。欧米ではロックン・ロール音楽が、将来有望な巨大な産業として、投資家の対象になりはじめた時代でもありました。アトランティック・レーベルが、メジャー・レーベルの一角として花開くのは、はっきりいってこれ以降です。
アーメット・アーティガンは「時代はロックである」としっかり認識
「我々はモータウンとは違う」とアフリカン・アメリカンの音楽にこだわらなくなり、イギリスからの原盤配給権獲得を含め、そのレパートリーをますます広げました。それゆえに、1969年あたりから1973年ぐらいまで、僕が「オールナイトニッポン」でDJをやって、音楽紹介とお喋りをやっていた時代、アトランティック・レーベルのアーティストは、素晴らしいものだった。思いつくだけでも、ソニー&シェール、バッファロー・スプリングフィールド、ヴァニラ・ファッジ、ヤング・ラスカルズ、アイアン・バタフライ、C,S,N & Y、アリサ・フランクリン、ロバータ・フラック、クリーム、ブラインド・フェイス、レッド・ツェッペリンと、ほんと、お世話になった曲、それはそれはたくさんありました。正に「アトランティック、黄金の時代」でした。しかし、アトランティックの存在価値がより高まるのは、我々の世代の次の世代の皆さんが、このレーベルをきちんと評価されたからだと思います。
筆者が初めて買ったアトランティック・レコード、クローバーズの「ラブ・ラブ・ラブ」
日本盤の解説は野口久光氏
ジャズ関係が左側、R&B関係が右側に書かれた当時のスリーブ(左側の袋)
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大特集 レッド・ツェッペリン / アトランティック・レコード がラジオから流れた日|WEBマガジン e-days「イーデイ ズ」
僕がリアルタイムで経験した1950年代後半から1960年代前半の時代、アトランティック・レコードがほかのレーベルと違ったところ
それは、次のようなことです。ほとんどのインディー(独立)レーベルは、たいてい1種類の音楽をメインに、数名のアーティストを専属にして運営されていました。たいがいのインディーは、経営者が制作プロデューサーを兼ねていた、つまりキーマン一人によるワンマン経営でした。
だからこそインディーたりえるのですが
近頃はダウン・ロードで音楽を買う時代ですからノー・プロブレムかも知れませんが、レコード会社にとって、重要なこと
それは他の商品と同じ
制作・宣伝は勿論ですが、どうやって商品を消費者の手に届けるかという配給業務です。アトランティックの経営陣は、この配給網作りにも熱心でした。そして強力な配給網を作るには、売れる商品を次々に作ることだという黄金律を知っていたのです。アトランティックは、アーメットの他に、お兄さんそしてクリエイティブの才能ある素晴らしい友人達に恵まれました。
複数のプロデューサーがいたおかげで、一種類の音楽だけでなく、レパートリーの幅を、ブルースからジャズ、ポップ、プログレッシブ・ロックまで、グーンと広げることに成功
そしてヒット・チャートに人気アーティストを次々に送り出し、結果、強い配給網を作り上げました。業界ではA&Rと呼ばれますが、アーティストを見つけて、育て、歌い手に合う曲を探して、レコードを作る。そして宣伝し売り出し、最後にバランス・シートをチェックするというルーチン作業が巧みに行われ、ヒット曲の連続により事業はますます活性化、アトランティックは大レーベルへと変身したのです。
アーメットのカリスマ性は勿論でしょうが、このレーベルが成功した要因は、結局のところこの「A&Rの成功」という、最も基本的な一点に集約されるのではないでしょうか
アレレのレ、話がまたまたアカデミックになってしまいましたね
さてさて、そろそろ僕も夕食の時間ですから、お終いにしましょう
実は自分でもビックリなのですが、僕もアトランティック・レーベルと、決して無縁ではないのです。日本で初めてアトランティックを紹介したのは、英国デッカのレーベルLONDONだったことはふれました。しかしその後、すぐにアメリカのコスデル社というエンタテイメント産業の商社をやっている会社が、日本での配給権を獲得しました。というと、大変なことのようですが、コスデル社はピンボール・マシーンやジューク・ボックスを扱う会社でした。その関係で、アメリカの独立レーベル配給会社に依頼され、メジャーではない小さいレーベルの権利を日本のレコード会社に販売する仕事をやるようになったのです。ですからけっして大金がからんだ大仕事ということではなかったようです。日本ビクターがコスデルと契約して、これらの小レーベルを日本に紹介してくれました。
コースターズの「ヤング・ブラッド(ハイティーン気質)」の写真
(いま気がついたのですが、この「ヤング・ブラッド」の作詞・作曲、リィバー&ストーラーにドク・ポーマスもクレジットされていますが、印字がPOMUSをPOUMSと間違えていますね
古い話だから、まぁいいか
このコスデル社の日本代表だった人が、なんと、私の義理の父なんです。私が義父を知った頃、彼はすでにコスデルをやめて独立していましたが、いまでもアトランティックときくと、なぜか僕の脳裏では、コスデル、義父、ATCO、ボビー・ダーリンとつながって、♪ドリームラバー♪が鳴りはじめます。こうして振り返って見るとアトランティック・レコードも僕を育ててくれた大切な化学物質の一つであったことがわかります。僕も、きっと、熱心なアトランティック・レーベル・ファンの皆さんと同じ、アトランティックの子供達の一人、「アト子」なのかも知れません。
筆者が初めて買ったアトランティック・レコード、クローバーズの「ラブ・ラブ・ラブ」
日本盤の解説は野口久光氏
ジャズ関係が左側、R&B関係が右側に書かれた当時のスリーブ(左側の袋)
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10月中旬にロンドン特派リポーター募集して約1カ月半
読者代表に選ばれた亀渕昭信さんと音楽ライター保科好宏さんが、12月10日、ロンドンO2アリーナで行われた「アーメット・アーティガン・トリビュート・コンサート」を緊急リポート
――まずは、亀渕さんから、今回のロンドン特派リポーターにご応募してくださったいきさつについてお話していただけますでしょうか
エンターテインメントの話題もけっこう多い、とてもやわらかい週刊誌というところがとっても好きなんです。10月のなかばに今回のリポーター募集の広告記事が出ているのを見つけたんです。レッド・ツェッペリン再結成のことはその前から知っていたんですけど、そのうちDVDも出るだろうから、コンサート観に行くのはギブアップしようかなと思っていたときでした。
応募の作文を書くまでは、「亀渕」って名前はちょっと目立つかも知れないし、いろいろと迷ったんですけど、でもまぁ、「やってみようか
失敗を恐れずチャレンジしよう
当選のメールをいただいたときにはウソだろ
ってほんとに自分のほっぺたをひっぱたきました(笑)
保科好宏(以下H):今回は400字程度で「レッド・ツェッペリンへの熱い想い」を書いていただくという応募規定がありました。僕も文章を書くものとして、「熱い想い」を400字で書くのってすごくむずかしいと思います。応募された方のほとんどがツェッペリンへの想いについてのみ書かれていたんですけど、今回のコンサートの趣旨はアトランティックレコーズの創業者アーメット・アーティガンへのトリビュートということで、ツェッペリンのみならず、アトランティックレコーズやアーティガンに対する想いもすべて入っていたのは亀渕さんの原稿だけでした。
K:やったーっ
でも、当選してからは、このWEBを読んでいる方の代表としていくわけですから責任重大で、プレッシャーかかりましたよ
――では、コンサート当日の会場の様子からお話いただけますか
K:前日のチケット受け渡しのことからお話したほうがいいでしょうね
H:僕と亀渕さんの2人で会場のO2まで行ったんですが、午後3時頃に着いたら長蛇の列で、チケット引き換え所にたどりつくまでに2時間かかりました。
K:チケット引き換え所では、申し込みが確認されてチケット発券と同時にリストバンドを巻いてくれるんです(右写真参照)
巻かれるたびに、30,40代のいい大人が「キャーッ」って大声をあげて喜んで
それが印象的だったね
H:当日はこのリストバンドとチケットがないと入場できないシステムになっていました。K:当日、会場に行くときに素敵だなと思ったのは、地下鉄の出口からO2アリーナの正面玄関までの間に、写真の入った大きなボードがたくさん並んでいて、それはポピュラー音楽の歴史を説明しているものでした。
「エンターテインメントはこうして始まった」という説明書きとフランク・シナトラの写真があったりして、それからエルビス・プレスリー、ビートルズ、ローリングストーンズ、マイケル・ジャクソン、ヒップホップ、ツェッペリン
そういうのが7,8枚連なっている。
それがとても素敵でね
H:やっぱり英国はポップ・ミュージックの国、という感じがしましたね
K:コンサートの前に、ハンバーガーショップで食べていたら、隣に座っている女性が「LAタイムズ」の記者で、保科さんが取材されたんだよね
H:僕もジャーナリストなんだけどいいの
って聞いたら、「またまたぁー」なんて冗談と思われちゃったりして(笑)
K:ところがさ、そのLAタイムズに、ほんとに保科さんのコメントが名前入りで紹介されているんだよね、ほら
H:まだライヴを観る前だったので、ロバート・プラントの高い声が出るかどうか、ジミー・ペイジがギターをちゃんと弾けるかどうかっていう、僕の少し懐疑的なコメントが載ってます。――それでは、コンサートの模様についてお聞かせください。
H:開場が18時頃で、ウィークデイということもあってか観客の出足は悪かったですね
19時の開演になってもまだ1階のシート席は半分ぐらいしか埋まってなくて
みんなコンサート慣れしているというか、ツェッペリンが始まるのは21時からということをすでに知っているんですね
K:最初はみんな1曲ずつ
プログラムにあったR&B系の人はまったく出てこないし、ピート・タウンゼントも出てこないし、いったいこれはどうなってしまうんだろうと
ビル・ワイマンと一緒にギターを担当していたアルバート・リーは良かったね
アルフィーの坂崎幸之助さんみたい
エブリシングOK、なんでも弾ける。
それからキース・エマーソン、ポール・ロジャーズ、パオロ・ヌティーニ、マギーベル
H:ポール・ロジャースだけが2曲やって、あとはみんな1曲
ロン・ウッドも出ませんでしたね
K:完全にツェッペリンをウォームアップするための演出だったよね
やるほうもそれを知っていて、みんなアーメット・アーティガンについてひとことずつコメントするんだけど「今日はしようがねぇよな、ツェッペリンの日だよね」みたいな感じ
H:おそらくツェッペリン前のセットは、全部で1時間ちょっとという感じですかね
K:それで休憩になって、ステージでセットチェンジしているわけ
望遠鏡で見ると、ツェッペリンのマークの入ったジェイソンのドラムが出てきたりして
こんなに早く出てくるわけ
ピート・タウンゼントも出てないし、おかしいよね
サム・ムーアはどうしたの
保科さんが“あれはどう考えてもツェッペリンのセットです”って
ツェッペリンのセットでほかのヤツが歌うわけないよなって、言っているうちに始まっちゃったんですよね
H:突然でしたよね
で、最初の2,3曲はやっぱりちょっと不安定な感じがあって、亀渕さんが僕に最初にひとこと
「これ、最後までもつかな
」と言ったんです。
K:ジェイソンのドラムは最初からしっかりしていてよかったんだよ
あとはあぶないよな、これって
あれ、ほんと、「バッドタイムズ」だったよね(笑)
H:本人たちも相当緊張感があったと思うんですよ
あれだけ長い年月やっていなかったんですから
6週間リハーサルをやったそうですけど、彼らにとっては大バクチだったと思いますよ
それとPAのバランスも、客のいないリハーサルのときと客がびっしり入ってからとでは、“鳴り”がぜんぜん違うし、大体最初の3曲目ぐらいまではどうしても音が良くないという理由もあるので、最初はよくなかった、とはいちがいには言えないと思います。でも、PAのバランスが悪いと、ヴォーカルのちょっと不安げな歌い方とかが伝わってきちゃうし、たしかに最初は、ほんと大丈夫かなと僕も思いました。K:でも3曲目の「ブラック・ドッグ」のお客さんと「ah,ha」って掛け合いするところ、あのあたりから調子が出てきたんじゃない。
お客さんもやっとその気になってきて
H:そうですね、あのあたりからですよね
でもやっぱりというか、さすがというか、不思議なもので、だんだんあったまってきて、エンジンがかかってくると、ロバート・プラントがMCで言っていたように、“バンドマジック”が生まれてくるんですよね
後半になるにしたがって、どんどんよくなってくる。
ジミーまで昔のようにギターを持ちながらステップ踏みはじめて、ロバートもそれに応えて
それ観て、もうほんとに鳥肌が立ちましたよね
うわー、彼ら完全に昔に戻っちゃったよなって
亀渕昭信さん(左)と保科好宏さん(右)
亀渕さんは、64年(株)ニッポン放送に入社、69年から「オールナイトニッポン」のDJを務め「カメ」の愛称で大人気に
99年同社代表取締役社長を経て、現在同社相談役
保科さんは10代にブリテッィシュ・ロックに目覚め、渡英歴はすでに30回を超える。PIGなど海外アーティストのマネジメントも手がける。チケット引き換え所(写真上)では、申し込みを確認してチケットを渡すのと同時に、本人であることを証明するリストバンド(写真下)を手首に巻いてくれた。
誰もが思わず歓喜の声を上げたくなる瞬間
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3 長谷川きよし
インタビューにもある「自分の信じる音楽、歌を、お客さんに聴いてもらう」という言葉通り、ライブは長谷きよしの音楽活動において大きなウェイトを占める。アルバム発売記念ライヴ」をはじめ、2008年も日本各所でライブをコンスタントに開催し、観客と対峙し続けている。
長谷川きよしのライブ情報について、詳しくは長谷川きよしオフィシャルサイトで
長谷川きよしデビュー40周年記念アルバム
まだこれがベストではない。
長谷川きよし ライヴ・レコーディング
2008年6月に2日間に渡って実際のホールで行われたライブをそのままCDとしてパッケージ
「別れのサンバ」、「透明なひとときを」といった自身の代表曲に加え、椎名林檎のカヴァーやシャンソン楽曲などを収めたニュー・アルバム
――その「別れのサンバ」でレコード・デビューされたわけですが
KH:僕がレコードを出した頃、自分で曲を作って唄う人っていうのは加山雄三と荒木一郎ぐらいしかいませんでした。
作曲家の先生が作った曲をありがたくいただいて、プロダクションの言うとおりに唄うスタイルが主流だったんですよ
でも、そういう歌手には絶対なりたくないと思っていたので、〈銀巴里〉で唄ってた時に「レコード出さないか
」って声をかけられても断ってたんです。でもまあ、そのなかで、「自分の作った曲でアルバムを一枚作らないか」って誘ってくださった方がいたんです。自分の好みというのが決して大衆的なものではないというヘンな自信はあったので(笑)、売れるっていうことはぜんぜん考えませんでした。一人でも二人でも「ああ、こんないい音楽があるんだ」って僕と近い感覚の人が日本のどこかで思ってくれれば、それは記念にいいかも知れないと思って、アルバムのレコーディングを引き受けたんです。アルバムが出来上がって、その前にまずシングルを出すことになりまして、スタッフが「別れのサンバ」を選んで出したんです。だけど、案の定、最初はぜんぜん売れなくて、「思った通りだ」なんて思っていたんです。
ところが、シングルを出したのが69年7月の終わりなんですけど、それから4か月ぐらいしてから、ラジオの深夜放送でよくかかってるらしいと
当時はラジオの深夜放送が音楽のブームを作る状況でしたから、それをきっかけに「別れのサンバ」がチャートインしたんですね
――予想外の大ヒットになったわけですね
KH:自分としては、そんなに売れるもんだとは思ってなかったから、びっくりしました。
それで、TVとかラジオの番組に呼ばれるようになったんですけど、「長谷川さん、今日は何を歌いますか
」ってスタッフに訊かれて、まあ、その頃は“「別れのサンバ」の長谷川きよし”という以外に存在意義がなかったにも関わらず「他にもいい歌がいっぱいあるから、今日は別の曲で」って真面目に交渉していました(笑)
当時ね、「TVには出ません」って言ったつもりはないんですけど、そういうことがあったものだから、長谷川きよしは気むずかしくて扱いにくい、みたいなことになっていたようです(笑)
――そういった反骨精神があったからこそ、今日までやり続けて来られたと思います。
それはともかく、長谷川さんはこれまで、とにかくいろんな方と有意義な共演をされてきましたよね
デビュー直後には渡辺貞夫さんや日野皓正さんといったジャズ・プレイヤーともご一緒してますし、もっとも有名なところでは加藤登紀子さんとデュエットした「灰色の瞳」
KH:これまで共演してきた方々というのは、僕自身が興味を持ってる人となにか作品を作りたいっていう発想で、こちらからアプローチしてかたちになっていったものばかりなんですよ
だから、オトキ(加藤登紀子)さんと共演した時も、僕とオトキさんに共通する興味の対象があったからなんですよ
オトキさんとはその昔から繋がりはあったんですけども、いっしょにコンサートをやろうっていうことになった時に、二人ともフォルクローレっていう音楽に興味を持っていて、それで「灰色の瞳」っていう曲が生まれたんですね
――79年に出された『遠く離れたおまえに』では、“旅”というものに創作の可能性を求めていますよね
KH:この作品は今回のライヴ・レコーディングにも繋がるんですが、僕は、キャリアをスタートさせた時から、お客さんのいるところで自分の信じる音楽、歌を聴いてもらうというやり方を貫いてきたところがあるんです。
まあ、レコード・デビューしてからはスタジオでレコーディングっていうのが基本になるんですけど、スタジオで機材に囲まれて唄うっていうのがどうも苦手なんですよ
それで、そこから抜け出せる方法、自分らしく唄える場でレコーディングしたいっていう試みをいろいろやってきたんです。
でも、なかなかこれぞというものがなかったんですね
そこで、『遠く離れたおまえに』を作るにあたって、旅をしながら、こんな場所でこんな歌を唄いたいっていう気持ちに“自然に”なったところでテープを回すっていうやり方はどうだろうって思いついたんです。それでまあ、国内でもよかったんですけど、どっかで唄ってても人が集まって来たりして、思ってたものとは別の感じになっちゃいそうだし、じゃあいっそのこと海外行こうかってことで、スペインを中心にギター一本持って旅しながら、いろいろ思いついた場所で歌を唄ったんです。
――80年代の後半には、音楽とお芝居とのコラボレーション
KH:とあるイヴェントに出演した時に、吉行和子さんがゲストでいらしたんです。
僕は吉行和子っていう女優に昔から興味を持っていて、単純にファンだったんですよ
それで、本番前の楽屋でご挨拶したんですけど、なにかインパクトを残したいなと思って、ステージで「港町」という曲を唄う時に、「この曲は、今日ゲストにいらっしゃってる吉行和子さんに捧げます」って言って唄ったんです(笑)
そのあと、羽田空港で偶然同じ行き先の飛行機を待っている吉行さんと再会したんですよ
あの時の印象が残っていたかどうかはわかりませんが、吉行さんから声をかけてくださったんです。
しかもそのときの飛行機がなにかのトラブルで1時間ぐらい遅れたおかげでお話ができて
その頃僕は、映画とか文学というものの説得力というか、人の気持ちを動かす力というものに興味を持っていて、そういったものに自分が関わってみたいっていうおぼろげながらの希望があったんですね
それで吉行さんに、ミュージカルではなくて、歌手は歌手として自分の専門分野をやって、役者は役者で役を演じて、ひとつの作品とか舞台を作ってみたいと思ってるんですけど
って話をしたら、とても興味を持ってくれて、ぜひやりましょうと言ってくれたんです。
実際に形にしたとき、役者の表現方法というか、自分の感情をどう表現していくかっていうあたり、それは僕ら唄い手とはまったく違うものですし、とても刺激になりましたね
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浜田省吾の『 光と影の季節 』がオヤジたちの甲子園のテーマソングに
1964年(昭和39年)広島県の江田島で小学校5年生だった浜田少年は、ラジオのFENから流れるビートルズに衝撃を覚えた。
ビートルズはこの年3月ビルボードのシングルチャートの1位
5位を独占し、浜田少年はレコードこそ買えないが、憧れていた同級生の女のコの家のステレオで『プリーズ・プリーズ・ミー』を聴く。中学生になると姉が誕生日に親からプレゼントされたガットギターを自分のものとし、ロックにのめり込んでいく。浜田省吾は「初恋は、間違いなく音楽ですね」と言う。
映画『スタンド・バイ・ミー』の少年たちのように、男はまだ女性を意識する前の12歳
13歳の頃に夢のような、何か得体の知れないザワザワとしたものに引きつけられるが、これはもしかしたら、未来への初期設定なのかもしれない。06年9月にスタートし、07年11月、山形県酒田市民会館 希望ホールで全国109公演のファイナルを迎えたが、ツアーでは、ミュージシャンたち(浜田省吾Vo&G、小田原豊Drs、美久月千晴B、福田裕彦Key、小島良喜Pf、町支寛二G、長田進G、古村敏比古Sax)それぞれの、初恋の思い出の曲が会場で流れた。
バンドAIDOを経て『路地裏の少年』でソロ・デビューしたのは76年(昭和51年)
たいやきくん』や『木綿のハンカチチーフ』がヒットし、『限りなく透明に近いブルー』がベストセラーになり、雑誌『POPEYE』が創刊された年だ。
BOY』が初のアルバムチャート1位獲得、92年(平成4年)に『悲しみは雪のように』が170万枚のセールスを記録
浜田はアルバム制作とライブ中心という活動を一貫し、今やキャリアは34年目を迎える。
ツアーでは、ミュージシャンたちのそれぞれの初恋の思い出の曲が会場で流れましたが、どんな選曲でしたか
浜田省吾(以下SHと略):コンサートが始まる前、オーディエンスが入って席につくまで30〜40分ありますよね
そのときに、どの会場でも全館のスピーカーをオンにしてメンバーの思い出の曲を流しました。
オレとか町支の世代だと、ビートルズやビーチボーイズ、ラヴィン・スプーンフルとか
でも他のメンバーはドアーズやジェスロタルなんかのアルバムを選んで、中には暗いものもあったね(笑)
ビーチボーイズやシュープリームスだと、客席もだんだんオープニングが近づくと、曲に合わせて手拍子をしたりして盛り上がってきますが、さすがにピンク・フロイドが流れたときは、シーンとしちゃって
ステージの袖で笑いをこらえ『誰だ、この曲選んだのは
全然盛り上がらないじゃん、どうしてくれるんだ。
浜田さん自身、初恋ってどんな感じだったんですか
SH: 間違いなく、初恋は音楽です。
それを絞り込めばビートルズになると思うのですが、あれほど胸がせつなくて、キュンとなったような体験は多分女のコに対してはないでしょうね
初恋をどういうふうに考えるか
小学生ぐらいで女のコのことを意識した最初のが、それが初恋なのか、ある程度、もうティーンエージャーになって、女のコのことをもう少し具体的に好きになるのが初恋なのかによって、初恋って違いますよね
高校になって、この人がいいと思う気持ちは、それは小学生のときとはかなり違いますよね
すごく好きになったときって、まず洋服はこれでいいのかとか、家でもずっと好きな音楽をフラフラになるまで聴いて、その人のことを思い詰めたりして
すいません、こちらの話で
そういうときって、感性とかがいちばん磨かれるというか、何かこう芽が出てくるような気がします。
SH:その後の一生は、そこで決まるのかもしれないですね
初めて女性を好きになるときも、最初のアルバムを作るときも同じなんですよ
音楽もファーストアルバムって、すごく粗野だけれども、どんな人のファーストアルバムも、その中に、その後の音楽が全部入っている。
そのときは真剣だけど、振り返ると恥ずかしかったり
SH:オレなんか、典型的にそうです。
だから、初恋もそうかもしれないですね
初恋の中に、その後の恋のかたちが全部入っているのかなあと思うときがあります。
何か照れくさいですよね、思い出すとやっぱり
SH:オレの場合は、女のコを初めて意識したのは小学校5年生、10歳ぐらいのときで、ものすごく印象的なことだから、よく覚えているんだけど、クラスでいちばん背の高かった女のコ
かわいくて、ソフトボール投げをしても、走っても、男のコよりも圧倒的に強いんですよ
オレなんかそのコより体が小さくて、彼女に憧れましたね
その気持ちすごくわかります。
SH:それで、そのコのお兄ちゃんが中学生で、その家は町で唯一ステレオを持っていて、当時、1964年(昭和39年)ぐらいですね
で、お兄ちゃんがビートルズのシングル盤も持っているという話を誰かから聞いてすぐそのコの家に行って、「レコードを聞かせてくれ」って頼んだ。
すると「お兄ちゃんに怒られるから嫌だ」と言われて(笑)
でも、そのコは、家の裏側の2階の窓をあけてくれ、『プリーズ・プリーズ・ミー』のレコードをかけてくれました。
これがビートルズのレコードを聴いた最初の体験
だから、オレはそのコが好きだったのか、レコードでビートルズが聴きたかっただけなのかわからないけど、楽しい思い出ですね
小さな江田島という島の小学校のときのことで、今でも映像のようになって覚えています。
うーん、振り返ってみると、18歳のときに出会ったLAから来た留学生の女のコが本当の初恋だったのかもしれないなぁ
うーん、それとも
SH:ブルースとかロックミュージックって、もともと日本で生まれたものでもなければ、自分たちの血の中にあるものでもないわけです。戦後、アメリカの占領政策の中で入ってきたポップカルチャーのひとつで、自分がどんなにそれを一生懸命追求していっても、ずっと自分は“Nowhere man”なんだという気持ちがあるんです。
それで、ロックミュージックをやっているアジア人、日本人、つまりオレって一体何だろうと強く思っている時期が30代の半ばぐらいまであって、それで『J
今は、つまりこれって初恋だからしょうがない、最初に恋したのがこいつだからって(笑)
初恋はロックンロール
SH: 自分の中で自分のやってきたことに、どう意味を見いだすのかと考えたときに、最後は、ああこれって初恋だったんだと気がついたというのかな
オレはずっとその面影をずっと追いかけているんだなという、そんなふうに思うんです。
初恋は一生初恋のままだから
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浜田省吾の『 光と影の季節 』がオヤジたちの甲子園のテーマソングに
長いツアーを終え、今年は久しぶりに長いお休みをとられるのですね
4年ぶりぐらいですかね
じゃ、相当自分にご褒美あげてもいいような感じですか
SH:少し休んだり、どこかへ行きたいと思っています。ただ、根っこの部分はソング・ライターなので、いつも新しい歌をつくろうという気持ちはあります。
昔はカセットレコーダーだったけど、今は小さなハードディスクレコーダー
休日でもこれを持ち歩いているのは確かです(笑)
それは、どのようにお使いになるのですか
SH:メロディーが浮かんできたら、小さなレコーダーに「ンー」とか「ラララ」で入れて、そうして、家に戻って落ち着いた時にメロディーの切れはしを集めて曲にするんです。
それは大変ですか
SH:メロディーを作るのは楽しいですよ
いつ、どんなところでメロディーが浮かぶかわからない。
うちのバンドのミュージシャンだったら、全員その場で譜面を書けるけど、オレはそういったアカデミックな教育は受けてないので(笑)、自分の中に浮かんできたものを、すぐ線を引いて、パーっとは書けないですね
録音する方が早いです。
レコーダーがないときは自宅の留守電に入れたりしますね(笑)
もちろん楽器を使ってコード進行やリズムパターン先行で作る場合もあります。
そのときは、おりてくる感じなのですか
SH:それは自分が子どもの頃からずっと聴いていたいろいろなものが、それはロックやポップスに限らず、民謡だったり、クラシックだったり、外国の民族音楽だったりと、とにかく体の中に入っていて、それが溶け合い混ざり合い、違う組み合わせになってオリジナルとして出てくるのでしょうね
文学にせよ美術にせよ、誰でも先人達の影響を受けて育っていくわけで、全く何もないところから出てくるわけはないから、浮かんできたメロディーの切れ端とか、言葉の切れ端がバラバラにあったものが、まとまっていく作業というものが歌づくりだろうと思います。
年々それに対しての好みもうるさくなってきますか
SH:それはあると思います。
前のアルバムより、いいものをつくろうと思うと、だんだんハードルも高くなってきますし
多分、そういうことを全然気にしないほうが、すんなりと次のハードルを越えられるのだと思う。
だから、前よりもいいものをつくろうと思っている時期は、まだできないんですよ
もうだめだ、できないとあきらめたときが、ちょうどいいのかもしれないですね
曲づくりは、どこかへ行ったほうが、やっぱり解放されて書きやすいとか、それとも、全く自分の日常生活を送っているほうがつくりやすいとか、あるいは、もう締め切りが来たときのほうがパワーは出るとか、浜田さんはどういうタイプですか
SH:やっぱり何げないときのほうがいいですね
あんまり追い込んだりとか、追い込まれたりしないほうが
追い込めばできるんですよ
やればできるけれども、でもそれで、いいものはできない。
かつてそういう時代があったので、やったことはありますけれども
それは、愛着もやっぱり余りわかないし、自分の中に長く残らない。あとは確かに思うことは、ネガティブな感情から良い音楽は生まれてこないということです。
これまで創作活動を長くやってこられた秘訣は何でしょうか
SH:良きスタッフやミュージシャンに恵まれたこと、これが生活の糧を得る手段であること、いろいろあると思いますが、根本的には、音楽が好きだというのがいちばんでしょうね
ただ好きだという。
そいつなんでしょう
これがないと、長くはできないでしょうね
もちろん遊びだとは思っていませんけど、仕事って感覚もあまりないですね
遊びのようであって、遊びでない。初恋がそのまま一生の恋になったって感じです。
そのエネルギーを長く維持するのは大変なことですよね
SH:体調の悪いときにライブをやるとか、ステージが続いて神経が休まらず寝れないとか、詞が書けないとか、そういうようなことはあるけども、情熱がなかったら、やめていたと思うんです。
今でも、「じゃ、今度の休みは何をしますか
」聞かれて、「ソングライティングですね」って言っているということは、まだ熱が冷めていないんだと思うんですよ
ビートルズに出会ったのが小学5年生のときですよね
SH:幸運なことですよね
出会ったときが、自分が10代だったというのが、やっぱり大きかったと思います。もしそれが25歳ぐらいで、ただ音楽が好きで、ビートルズが出てきたりしても、「あ、こういう音楽かな」というふうに聴いたのと、自分が本当に10歳、11歳、12歳の頃にそういうものを聴いたというのは、やっぱりそこは大きな違いだと思います。当時はほかに選ぶものもなかった。
60年代の初期というのは
今だと、いっぱいありますよね
でも、あの頃は選ぶものがなかったから、それもよかったかもしれません。
テレビでも『てなもんや三度笠』とか、そんな感じでしたよね
SH:テレビもラジオも、チャンネルや番組自体がたくさんなかったですし、子供の心を引きつけるような面白い番組ってなかったですからね
13歳のときの感性というか、13歳の琴線に触れたものは、やっぱり生涯通して変わらないとよく言いますよね
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浜田省吾の『 光と影の季節 』がオヤジたちの甲子園のテーマソングに
突然ですが、「人生がつまらないけど、どうしたらいいのでしょうか
」と相談されたら、どう答えますか
SH:オレだって、3日に1度はそんなことを考えますよ(笑)
それが自身の根っこから来ているものなのか、それとも、環境から来ているものなのか、まず、どっちなのかを考えなきゃいけないんだろうと思います。
もし、環境なら環境を変える努力をしなきゃいけないだろうし、根っこから来ているものだったら、環境を変えても、どこへ行って同じだろうし
イルカが、例えば、水槽に閉じ込められていて、「これは自分らしくないから、自分を変えて何とかしなきゃ」と言っても、それはやっぱりその水槽を出ない限り、イルカらしく生きるのは無理ですよね
SH:よく自分探しっていいますけれども、今、自分はどうなんだろうという状況がわからないと、どこに問題があるのかわからない。
それに、もともと人生って苛酷なものなんじゃないか
ということもありますよね
多くを望まないことですか
SH:うーん、そういうことではなくて
そんなに美しいものじゃないぜ、生きるって結構きつい、大変なものと思えば、それは当たり前になるのだろうし、人生って、ものすごく喜びに満ちて、素晴らしいものの中に、傷ついたり、病気になったり、年老いたり、そういう苦しいことが点在していますよね
かと思えば、本来ものすごくつらくて大変なものの中に、出会いがあったり、素晴らしい瞬間があったり、誰かに恋したり、いろんないいものが散らばっている。
それは結局同じことなのかもしれないけれど、でも全部含めてわかることは、いいところ取りだけはできないということですよね
SH:『多忙は神の贈り物』というじゃないですか
忙しくあることは神からの贈り物なんだ、暗闇をのぞかないで、自分を忙しくして、常に何かをしていなさいというのも一理あるかもしれませんね
本来、もともとつまらないものかもしれないから、と考えると、つまんない穴がいっぱい、その辺に見えてくる。そこに落ちないように、いろんなことを自分にさせる。
それは、そんなに難しいことじゃなくて、好きな人に会うとか、友達と会うとか、映画を見に行くとか、仕事を一生懸命やるとか、何かに夢中になるとか、そうやって自分を守るんじゃないかな
これもまた唐突ですが、浜田さんは映画『男はつらいよ』を見たことがありますか
SH:山田洋次監督は大好きです。
『男はつらいよ』は全部をマニアックには見てないですけど、日本人としてあれを見ていない人は、まずいないんじゃないかな
たまたま先日、秋吉久美子さんがマドンナだった(『男はつらいよ 寅次郎物語』昭和62年封切り)のを見ました。
吉岡秀隆さんの満男青年が高校3年生で将来に不安を抱き、「寅さん、人間は、何のために生きてんのかな
」という質問をします。
そのとき、寅さんは「生まれて来てよかったなぁって思うことが、何べんかあるじゃねぇか
そのために人間生きてんじゃねぇのか
そのうち、お前にもそういうときが来るよ」って答えます。
SH:素晴らしいセリフですね
偶然だけど、オレもつい最近同じようなことをスタジオで話しました。
スタジオのアシスタントの女のコが、オレがデビューした歳と同じ23歳で「同い年なんだね
オレのデビューしたときと
今、自分が55歳になったことを想像できないでしょう
」と話しかけたら「全然できませーん
」とか言うんだよね
そのとき「これからいっぱいいいことあるよ」って、その女のコにすごく素直に言えた。
「これからいっぱいいいことあるからね
おもしろいこと、楽しいことが
もちろん、泣くこともあるけど、いっぱい楽しいことが待ってるよ」とかって言ったのが、今聞いた話と重なりますね
ところで、何歳までロックンロールしているんでしょうか
SH:そうですね、決めないほうがいいと思っているんですね
ここまでやろうとか、やりたいとか、そういうふうに決めないほうがいいと思うんです。
多分、自然にわかると思うし、自分で
もうそろそろ潮どきだなって
それは、どういうことが状況の中で起きてそうなるのかわからないですけれども、多分、自分で自然に、「あ、そろそろやめようかな」という時期が来るまでは、あんまり考えずにやっていけばいいと思っていますけど
日本でもこれから60歳を迎えるミュージシャンの人たちが、ますます元気に活躍という現状がありますよね
やっぱり皆さん20代でデビューして、いろいろ経験していくうちに、50歳とか60歳の区切りというのは、もっともっと自分の好きなことができるということを見つけるんでしょうか
SH:よく若いときは純粋だと言うじゃないですか
でも、若いときのほうが、欲とか、いろんな選択肢もいっぱいあって、邪念もいっぱいある。
オレのまわりの同世代のミュージシャンをみてもそうですが、歳をとるほうが音楽に対して純粋になりますね
オレたちのような音楽の世界って、ちょっと年上の人はいるけれども、基本的にオレの年代がいちばん上ぐらいじゃないですか
でも、他の分野の人たちを見渡すと、例えば山田洋次監督なんてもう70歳以上でしょう
『たそがれ清兵衛』、『鬼の爪』、『武士の一分』、あんな素晴らしい作品を今でもつくられているんですよね
年を重ねるごとに作品の味わいが深まっていく。
吉永小百合さんだってね
SH:彼女が『赤胴鈴之助』のラジオドラマの子役として
その頃から見聞きしてますからね
そして、今でも素晴らしい演技をなさっている、それを考えると、励まされますよね
すごいことですよね
SH:楽しんでくれるオーディエンスがいるから、できるんですよ
作品が深くなっていくと、その深さをちゃんと理解して楽しんでくれるオーディエンスがいるから、監督の情熱も、もっといいものをつくろうと、冷めることがないんだと思うんです。だから、オレたちミュージシャンやシンガーもリスナーと一緒に成長すると思うんです。
自分だけ生きていくわけではないので
それだったら、自分の部屋やスタジオでひとりで演奏していればいいだけですから
リスナーと一緒に成長していく。そういう意味では、自分は素晴らしいリスナーやオーディエンスに支えられていて恵まれているなあと、感謝しています。
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浜田省吾の『 光と影の季節 』がオヤジたちの甲子園のテーマソングに
2004年に第1回大会として始動した、かつて甲子園を目指したオヤジたちの甲子園
日本全国の高校野球OBやOGが、性別、世代、甲子園出場・非出場、元プロ・アマチュア等のキャリアの壁を超えて出身校別に同窓会チームを結成し、甲子園球場で夢の舞台を目指す。この委員長をつとめている神戸大学の助教授が浜田省吾の熱心なリスナーで『 光と影の季節 』が起用された。また、作家の重松清さんがマスターズ甲子園応援団長というスタンスでバックアップしている。Foundationとは難民のための医療機器や医薬品を調達したり、災害・戦争による被災地の復興・援助をサポートする活動です。
個々に存在している小さな善意がひとつになり少しでも大きな力となって社会に貢献できれば
と浜田は有志とこの基金を立ち上げ、9年前からこの活動を支援しています。
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永遠の若大将、加山雄三と60年代から活躍を続けるG
の人気グループ、加瀬邦彦&ザ・ワイルドワンズが、元祖湘南サウンドを引っさげて5月から始まったコンサート・ツアー「湘南 海 物語 オヤジ達の伝説」は各会場ソールドアウトの人気を博し、2009年秋まで全国各地で予定されている。
『湘南 海 物語 オヤジ達の伝説』
このアルバムは、同コンサート・ツアーを記念して発売する、コンサートの演奏曲目のレコード音源をプログラム順にすべて収録した加山雄三/ザ・ワイルドワンズのベスト・コンピレーション
ザ・ワイルドワンズがコーラスで参加した新曲「風を見たいか」と「サライ」のニューバージョンを収録
新曲は9月から同コンサートで演奏される予定
さぁ、永遠の若大将、加山雄三さんの登場です。今年の5月にスタートし、09年秋まで続く全国ツアー『湘南 海 物語 オヤジ達の伝説』(with 加瀬邦彦とザ・ワイルドワンズ)は、歴代のヒット曲の数々が流れるなか、スクリーンには湘南サウンドが誕生するまでのヒストリーが映し出され、また、モズライトギターを弾く加山さんの姿にファンは総立ちである。チケットも各会場ソールドアウト続出という盛り上がりを見せているのだ。
加山さんは、俳優、歌手、作曲家として活躍し、映画若大将シリーズ『エレキの若大将』(1965年公開)の主題歌になった「君といつまでも」は、そのイントロを聴くだけで誰もが当時の思い出を浮かべてしまうほどの鮮烈なヒット曲
加山雄三という、それまでどこにもいなかった眩しい存在感は、俳優や歌手として演じるばかりではなくポップスの作り手としての先駆者でもあった。昭和30年代のあの頃からを知る我々にとって、スーパースター加山雄三にお聞きしたいことはたくさんある。幼少の頃から今日に至るまでのお話のあれこれを伺った。茅ヶ崎に引っ越したのは2歳のときで、スポーツに音楽にと、若大将たる原点はすべてここにある。
―子供のときの家はどんな感じだったんですか
加山雄三さん(YK):茅ヶ崎に引っ越したのは昭和14年だから、ちょうど戦争真っただ中
家は日本間もあるけど洋間もあるという、まあ、わかりやすく言えば今ふうっていったほうがいいかもしれないな
日本間には掘りごたつがあって、台所には大きな流し台、それからダイニングテーブルがある部屋もあったし
家族のみんなが、ベッドで寝るようになっていたね
―スポーツはどんなものをなさっていたのですか
それから浜辺でラグビーボールで遊ぶとかね
あるいはテニスの軟球で、竹バットで野球をやって遊ぶとか、当時はそんなことしかやることはなかった。ただ、うちの親父(俳優の故・上原謙)がボクシングに興味があって、体を鍛えようとしていたので、ジムみたいなトレーニングができる部屋があとからできた。
そこにボクシングのグローブやパンチングボール、あと卓球台だとかね
だから、楽しみながら体を鍛えようということも、僕自身もやりましたよね
でも、実は体は弱かったんだよ
―信じられませんね
YK:だから住む場所を、ああいう海岸のそばがいいということで、親父は茅ヶ崎を選んだって言っていた。
だからまあ、本当に丈夫になっていったのは、高校ぐらいから
自分で鍛え始めてから、本当に丈夫になっていきましたけどね
―音楽を好きになられるきっかけは
YK:音楽は、親父がクラシック好きだったということもあって、家でレコードをよく聴いていた。時々デキシーランドジャズなんかも流れていた。
それで聴くことによって好きになり覚えたというのと、ピアノを小学校5年ぐらいから習い始めたということが大きいよ
モーツァルトからベートーヴェン、バッハ、ブラームス、プロコフィエフ、ハチャトリアンなんかを聴きながらオレは育ったんだよ
いちばん好きだったのはラフマニノフだね
ピアノコンチェルトが好きだったから
―「夜空の星」は、14歳のときに作曲しているんですよね
YK:中学2年生のときに、バイエルとかソナチネみたいな曲のつもりで作った。レコードになったものとは違う出来映えで、サビの部分なんかは全く違う。で、最初はピアノでデタラメを弾いていた。
別に作っているっていう意識は全くなかったからね
適当に、何か指の動くままに
それが聴いたことのないメロディになっているわけで、指の練習もこれでできるなとか、いろんなこと考えながら
それで、親父が知らない間に後ろに突っ立っていて、「それは何だい」って聞くから、「ああ、これはデタラメ」って言おうと思ったんだけど、「いや、これは、オレが作ったんだよ」って言ったら「そうか、これは大したもんだな」ってね(笑)
親父もピアノコンチェルトが好きだったから、いずれ作曲してプレゼントしてくれよと
「ああ、いいよ」って言ったのが、その14歳のときだった。
―大学でバンド活動を始めますが、どんなバンドだったんですか
YK:カントリー・クロップスっていう6人編成のバンドを、大学の、あれは1年のときに結成したと思いますけどね
まわりにカントリーミュージックの好きな連中が結構いてトミー・コリンズとか、ルービン・ブラザーズ、ハンク・ウィリアムス、ハンク・スノー、ハンク・トンプソンとかね
そういった連中の曲をみんなよく聴いていた。
で、それを演奏するようになったきっかけは、バイオリンを弾けるやつがいてね、クラシックバイオリンをやっていたと思うんだけど、チャーチャカ、チャーチャカ、チャンチャカチャカチャカっていう、いわゆるカントリー・ウエスタンのフィドルをね、弾けるやつがいて
彼がリーダーになって、僕はギターとヴォーカルを担当することになった。
ドラムス以外のやつはみんな歌えたんだよな
オレは曲によってはピアノも、コーラスにまわることもあった。
そのうちに電気が通っているエレキなるものを、どこからか誰かが持っていたのを弾いて、「あ、これいいな」って
―今でいうフェンダー・タイプのギターじゃなくて、何かジャズギターみたいな
YK:真ん中が空洞になっているエレキギターで、それを借りてやっていた。そのうちに何曲かまとまったら、今度パーティでやってみようぜということになり、パーティで結構受け始めたから、その後、もっともっとやろうぜみたいに、だんだんレパートリーが増えていった。
ナッシュビルのカントリーとか、あるいはエルビスとかアメリカ音楽の完全コピー
我々は一切日本語では歌わないし、原曲どおり
当時日本語に訳して歌っている連中もいたけど、ひどかったよ(笑)
オレら、エルビスの曲でもB面ばっかりを覚えようぜって、相当ひねくれていたからね(笑)
―当時練習場って、加山さんのご自宅ですか
YK:それも多かったね
親父のトレーニングの部屋が30畳ぐらいあったからね
ただ、そんなに年中バンドをやっているわけじゃなくて、冬になればスキーに行くし、シーズンオフはほかのスポーツ
バンドの仲間たちは東京のやつばかりだから、夏休みに集まって合宿って感じかな
バンドの練習だけじゃなく一緒に泳いだり、サーフィンとか、釣りとかもね
―それは、映画の若大将シリーズみたいな感じだったんですか
YK:いやあ、あんなにカッコよかねえだろう(笑)
―そのバンドは、米軍キャンプでも演奏していますよね
それもトラで
そのときに「プリーズ・ミー・ナイト」とか、「ブルー・スエード・シューズ」とか、「オール・シュック・アップ」とか、まあ、それを歌ったらもう、受けてしまってびっくり仰天して
やっぱり、オレたちはちゃんと英語を正確にやっていてよかったなってね
その雰囲気は今回のコンサート『湘南 海 物語 オヤジ達の伝説』を見てもらうとよく分かると思うよ
カントリー・クロップスからランチャーズ、ワイルドワンズが映像で流れ、当時をちょっと再現したり、また大学1年のときにワイヤーレコーダーに自分一人でプレスリーの「treat me nice」をピアノを弾きながら歌っているのも流れるから
オレの場合は、湘南サウンドとは言われてもグループサウンズじゃないわけで、子分のワイルドワンズの手を借りて、今回はその湘南サウンドが生まれるまでの歴史をちゃんと形にしてみたんだ。
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永遠の若大将、加山雄三と60年代から活躍を続けるG
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ザ・ワイルドワンズがコーラスで参加した新曲「風を見たいか」と「サライ」のニューバージョンを収録
新曲は9月から同コンサートで演奏される予定
もちろんそれ以外にも数多くの映画に出演している。
―当時、音楽の道へ行くっていうお考えはなかったんですか
―では、俳優として、歌も歌うという選択もあったのでは
YK:それも全然考えていないよ
―デビューから若大将シリーズまでのいきさつを教えてください。YK:東宝に入社してすぐに俳優座の講師の先生が来て、2カ月間特訓をして、すぐに映画に出されたわけですが、それが『男対男』(1960年公開)という、三船敏郎さんと池部良さんの映画です。当時、東宝は青春ものを得意としていたらしく、岡本喜八監督の『大学の山賊たち』とかね、佐藤允だとか、あとは久保明とかね、それから江原達怡とか、そういった俳優さんで学生のいわゆる青春ものを、ある種、1つのジャンルでやっていた。
オレは日本の映画はあまり見たことがなかったから
見ていたのはチャンバラ、それから、洋画の西部劇とかそんなのばっかりだったんで青春ものがあるとかは、全然知らなかった。
で、あるとき、プロデューサーの藤本真澄さんが、加山雄三っていう新人が来たと、じゃあ何かやろうということになって
そのときに、昔、松竹に『若旦那シリーズ』ってのがあって、それにヒントを得て、若旦那じゃしょうがないから、若大将にしたいって言って、そのタイトルをつけたんだ、いわゆる学園もののヒーローをつくろうじゃないかと
で、でき上がったのが若大将
―映画のなかで歌うということはどうでしたか
YK:1作目にやっぱり歌が必要だろうってんで、歌わされたんだけど、「もう、くだらない歌を歌わせやがって、このやろう」と思ってね(笑)
なんで、こんな歌をオレが歌わなきゃいけねえんだよって
だっせぇと思いながら、レコーディングさせられた。
―嫌だったんですか
YK:誰かが作曲した若大将の主題歌みたいなのが、“格好悪いので”歌うのが嫌だから、「自分で作った歌がありますから」って申し出て、「DEDICATED(恋は紅いバラの原曲)」っていう英語で作詞作曲した曲をギターでデモテープにして提出した。すると「絶対これ使いましょう」って、その後『ハワイの若大将』(1963年)で「恋は紅いバラ」となって歌うことになった。
そしたら25万枚ヒットしちゃったんだよ
そのあとがもう大変だよ
総攻撃食らって(笑)
「恋は紅いバラ」やれ、もっとよくて、同じようなのでいいから、もっといいのを作ってくれとかね
それで結局、歌わざるを得ないような状況になってしまった。
『若大将』シリーズってのは、音楽あり、スポーツあり、色恋ありのっていって、まあ何か、30年先の理想的なヒーローみたいな、そんなものを表現したかったのが、音楽でも何かできちゃったんだな(笑)
―加山さんは俳優として『椿三十郎』(1962年公開)の出演によって映画を本気でやる気になったっていう記事を読んだことがありますが、それは本当ですか
とにかく、僕は入社したての頃は俳優という職業をサラリーマン的な感覚でやっているだけの気持ちだった。それで、あんまりおもしろくないから、いつやめようかなと、そればかり考えていた。で、若大将が始まって1本だけだと思ったら、2本やる3本やるって、なんだ、いつまでやるんだ。
これは本当に参ったなと思っていたっていう状況ですね
その中で、黒澤明さんに拾われたっていうか、キャスティングの中に入れてもらって、初めて黒澤組なるものに入ったんだけど、黒澤さんの映画に入ったときには、他の映画には一切出演させないというか、ほとんど黒澤さんに集中しなくちゃならなくなるわけ
―何かが大きく変わっていくわけですね
YK:黒澤明監督という人間性に触れたときに、こんなにすごい人が世の中にいるんだって驚いた。
人間の生きざまのリアリズムについての考え方に対しての感性が、ものすごく鋭くて、「現実のリアリズムと映画の中のリアリズムってものは違うんだ、表現っていうことがあるから」と
それから時間の流れの中でどうなっていくかとか、そういうことの話が大好きでね、オレはもう事あるごとに何か、先生がちょっとでもどこかでしゃべっているのを聞きかじるようにしていた。
先生が演出しているのを見ていて、今まで考え方が甘かったなというぐらい考えさせられたり、反省させられたり、それから本当に考え直したですね
それで、でき上がった映画を見たときに、こんなに娯楽に富んでいておもしろくて、しかもリアリズムがある。
「へえー、やっぱりすげえな、この人」って思って
これはもう、こういうことができる世界だったら、この世界に残ろうと、もう動き始めたんだ。
―加山さんが25歳の頃のお話ですね
その中で、オレの保本登っていう役(野心あふれる長崎留学帰りの青年医師)が、赤ひげ(三船敏郎)っていう、ものすごい先生と出会して、養生所はなんて汚ないところだと最初はバカにして、自分は御典医になるんだって偉そうなこと言っている。これが加山雄三と黒澤明と、保本登と赤ひげ先生とが何かダブったような気になって、黒澤さんから見抜かれているような気持ちだった。
それは、うちの親父も有名だった俳優で、昔は大スター、やっぱプライドが高いし、その息子ですから生意気なところもあるわけよ
そういうのを、役柄の中で、ピタッとはめられているっていうのが、キャスティングの妙味というか黒澤さんの鋭さ
それで「おまえは余計なことを考えなくてよし
白紙でいいからね」って言われ
黒澤さんは引き出しから「こんな芝居はどうだ」と言うような人ではなく、むしろそんなことが大嫌いな人
「そんな引き出しから出すような生き方するようなやつがどこにいる」って言って、ものすごい勢いで怒る。この経験の中で、オレは映画に自分の生きる道を置こうと決心した。そこから、どんな内容の作品であっても自分の職業として、いつかまた素晴らしいものに出会うこともあるだろうという気持ちで、頑張るしかないなと思った。
―三船敏郎さんとはいかがだったのですか
YK:三船さんっていうのは豪快な人
しゃべり方やなんかでね
それから体も鍛えていた。
世界的にメキシコとの合作映画に出たり、『羅生門』で賞を取った大スター
初めて黒澤作品に出たときに、三船さんはお酒が強いから、強くなんなきゃと当時はあまり飲めなかったお酒を飲んで、一生懸命、ガッガッと酒を覚えたんですよ(笑)
つまり、偉くなるには酒が強くないといけないなんて思わせるほど、三船さんは迫力がありましたよ
―また、音楽の話に戻ります。
「君といつまでも」や「夜空の星」はピアノで作って、「旅人よ」「夕陽は赤く」はギターで
楽器を使い分けて作曲しているのですか
YK:頭の中に自然に湧いてくるメロディっていうのは、楽器とか雰囲気とか、そのときの気持ちとか、それによって全然違ったものになるんだな
「海 その愛」とか、それから「ぼくの妹よ」も「君といつまでも」だとか、ああいったスローなものはやっぱりピアノ
「母よ」なんかもね
スローバラードな曲は、ピアノを弾いていると何となくコードと一緒にメロディが出てくる。
ギターでの作曲は、リズムを刻む、割合とテンポのあるものが多いね
これはニーズがあったっていうことだね
作ってそれが全部レコードになるという体制にあったことと、若大将っていう映画とシンクロしてそれが売れるから作ったということだと思う。当時僕はね、作りたくなきゃ作らなかった。ただ、それこそ粗製乱造と言われたら困るけれども、一番すごいときにはね、30分で5曲ぐらい作っちゃうことがあった。
できるんですよ、やろうと思ったら(笑)
―作曲なさるときは「よし、作るぞ」っていう感じなんですか
こもって一生懸命になって書こうと思ってやっているときって、全然いいメロディが出ない。それよりもふっと、どうかした拍子に、ふっとギター持ってやりだすとバーっと出てくる。
こういうのがあとでもって「あれ、いいな」と言われてるね
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歩いて見てまわる市中心部のビートルズ・スポット
ロンドンのユ-ストン駅を朝の8時か9時頃に出発すると、昼前後にリバプールの玄関駅であるライム・ストリ-ト駅(25)に着く。
駅を出たら、道標を辿ってまずマシュー・ストリートを目指そう
マシュー・ストリートには有名なキャバーン・クラブ(1)をはじめ、行きつけだったパブやビートルズにちなんで誕生した店(2)(3)(4)が多くある。また、この界隈ではビートルズがギターを調達した楽器店(6)(7)やレコ-ド店だった場所(8)のほかエリノア・リグビ-の像(5)なども見ることができる。
次にノース・ジョン・ストリートを通りウォーター・ストリートへ
市庁舎(9)の前を抜けるとマージー・フェリーの船着き場であるピアー・ヘッド(10)に出ることができる。ここには、ビクトリア時代に建てられたロイヤル・リバー・ビル、キューナード・ビルなどリバプールを代表する建物が立ち並び、世界の海を制覇した大英帝国の繁栄の程がうかがえる。このあたりはすぐとなりのアルバート・ドックも含めて世界遺産に指定されている。アルバート・ドックの一角にはビートルズ・ストーリー(11)と名付けられたミュージアムがあり、ビートルズとその音楽が市民にとっていかに誇りであるかが解る。
ミュージアムでの所要時間は1時間程度に収めて次に進もう
ハノーバー・ストリートに出て、デューク・ストリートを少し昇り、スレーター・ストリートへ
ここには、シルバー・ビートルズの頃の溜まり場、ジャカランダ・クラブ(12)がある。
そして、通りを少し戻って、シール・ストリートにあるブルー・エンジェル(13)へ
ここもシルバー・ビートルズゆかりの場所だ。ベリー・ストリートからアッパー・デューク・ストリートへ出ると前方には赤茶色の巨大なアングリカン・カテドラル(14)が聳え立つ。このあたりはリバプールの文教地区で、ジョンの美術学校(16)やポールとジョージの学校(17)も含まれる。さらに、ジョンの学校時代のアパート(15)、よく行ったパブ(18)、新婚時代のアパート(19)など興味深い場所をまとめて見ることができる。アングリカン・カテドラルを背にホープ・ストリートを進み、エブリマン・シアターで右に曲がって少し行くと、右手にジョンが生まれた旧オックスフォード産院(20)がある。次に道を戻って、マウント・プリーザント・ストリートを下って来ると、左手にジョンが婚姻届けをだした戸籍登記所(21)のあったビルがある。さらに前進すると、ルイス・デパート(22)、アデルフィ・ホテル(23)とゆかりのある建物を連続して見ることができる。最後はライム・ストリ-トへ出て、駅を越えた所のエンパイアー・シアタ-(24)でコースの終点となる。
途中、ランチはマシュー・ストリートあたりで、また休憩はジャカランダ(12)かイェ・クラック(18)あたりでとるといいだろう
帰りは8時前後の列車に乗ると、深夜近くにロンドンに着ける。夕食は、日帰りのひとは列車で、リバプールにステイするならチャイナ・タウンの中華レストランかアルバート・ドックのポンプ・ハウス・パブ・レストラン、マシュー・ストリートのカフェ・レストランなどがお勧めだ。
そして、夜はグレープス(2)、ホワイト・スター(3)、キャバーン(1)とはしごして飲み歩こう
キャバーンでは、ライブ・バンドが出演する日もある。
ロンドンからの1泊2日コースはこちら
リバプールをめぐる旅の問い合わせ先
ビートルズゆかりの地を訪ねる旅行は下記旅行社が常時手配を行っています。
ビートルズが拠点とした伝説のクラブ
ビートルズがのべ292回も出演し、演奏した伝説のクラブ
もともと酒を貯蔵する地下倉庫を利用して、1957年にジャズのクラブとしてオープンし、1973年まで続いた。その後 、建物は地下鉄工事のため惜しまれつつもとり壊されたが、’84年にキャバーン・ウォークスというモダンな商業ビルが建てられ、地下にレプリカのキャバーン・クラブが復活した。今も町の名物クラブとして賑わっている。
ビートルズのメンバー行きつけのパブ
キャバーンのはす向かいに位置するこのパブは、ビートルズが出演の待ち時間などによく利用し、いわば楽屋代わりにしていた場所だった。店内には、その頃のビートルズがビールを飲みながらくつろいでいる写真が飾られている。観光客ばかりでなく土地の常連も多く、いたってアットホームな雰囲気でファンを暖かく迎えてくれる。空いていれば、彼らが決まって陣取った場所で一杯やるのは、最高の気分だ。
ビートルズのメンバー行きつけのもうひとつのパブ
グレープスがいっぱいの際は、ビートルズのメンバーは次のパブへと移動した。マシューストリートからほんのすこしほんの少し曲がったところに位置するこのパブは、伝統的な英国風のインテリアで飾られていてなかなか素敵だ。ヒグソンズだとかバスといった英国産の銘柄をつい注文したくなる。ちなみに、ポール・マッカートニーのここでのお気に入りは、ドラフト・バスだった。
世界一有名なトリビュート・ショップ
マシュー・ストリート界隈にはビートルズにちなんだカフェ・バーやレストランなどが多くあり、飲み食いには事欠かない。しかし、記念品や土産を調達するなら老舗のここがお薦めだ。ジャンクな小物からコレクターをも喜ばせるほどのヴィンテージ・アイテムやレコードもあり、購買欲をそそる。いかにもといった店内のインテリアは見るだけでも楽しい。
名曲の主人公をイメージしたブロンズ像
リバプール出身のアイドル歌手でビートルズの先輩格にあたるトミー・スティールが製作したブロンズ像
教会に現れた淋しいなそうなひとりの女性のイメージを見事に表現している。もちろん架空の人物だが、実は同名の墓碑がジョンとポールがはじめて出逢ったセント・ピータス教会の墓地にある。もとはマシュー・ストリートが突き当たるスタンレイ・ストリートにあったが、ビルの建て替え工事で今の位置に動かされた。
無名時代のビートルズが通ったギター・ショップ
比較的安価なギターを多く取り扱っていた楽器店
無名時代のビートルズもこの店でギターを調達した。バンド・ブームがわき起こると、店は一躍人気の場所となり、にわかミュージシャンたちが溜まる賑やかな店になった。
ジョンが買ったギターはヘフナーのクラブ40、ジョージはフューチャラマ、スチュアート・サトクリフはヘフナー333べース、ポールはロゼッティのソリッド7
90年代なかばまで続いていたが、廃業した。
ジョンとジョージがギブソンを手に入れた楽器店
ヘッシーズが、安価なギターがメインの楽器店だったのに対してこちらはピアノをはじめ主要な楽器をそろえる総合店だった。当時、輸入規制があり、アメリカ製のギターの入手は難しかったが、この店はオーダーすると取り寄せてもらえた。ジョンとジョージはギブソンのJ160Eを注文して手に入れた。店はふたりがギターを持つ写真をショー・ウインドーに飾り宣伝に使っていたが、残念ながら2000年に閉店した。ビートルズをマネージメントし、世界一の人気バンドに成長させた敏腕マネージャーは、もとはこの店のオーナーだった。エプスタイン家は初め家具屋を営んでいたが、時代とともに電気製品とレコードを売る店へと変わって行った。ビートルズもこの店にはちょくちょく訪れては買ったり視聴したりしていた。
ブライアンがビートルズに興味をもたなかったら、後のビートルズはなかっただろう
現在はランジェリー・ショップになっている。
ビートルズが故郷に錦を飾った市庁舎
エド・サリバン・ショー出演や米国公演も熱狂のうちに成し遂げ、英国だけでなく世界のスーパー・スターとなった彼らを故郷リバプールは熱く出迎えた。空港から街までパレードの後,市長や職員らによって歓迎を受けたビートルズは、市庁舎のバルコーニーに出て行って、下で待つ大勢のファンに向かって大手を振って応えた。リバプール市民がこんなに盛り上がりを見せたのは大戦後はじめてのことだった。
マージー・フェリーの船着き場
リバプールはマージー川の河口の港町
大英帝国が世界を席巻した時も、産業革命の時代もリバプールは英国の造船、海運の最重要港だった。フェリーボートに乗船しアイリッシュ海からの風に向かうと、古き良き時代を偲ばせ旅情がかきたてられる。バンドマンになる前、リンゴ・スターはフェリーのボーイをしていたことがある。また、地元の写真家、ピーター・ケイはビートルズのプロモーション写真をこのフェリーボート上でも撮影した。
ビートルズ伝説を展示する博物館
ビートルズの音楽は素晴らしい。そして、彼らのサクセス・ストーリーも音楽同様に感動的だ。世界遺産に指定されたアルバート・ドックの一画にあるこのミュージアムはビートルズ伝説を展示で見せてくれる。ゆかりの人物、たとえば、最初のマネージャー、アラン・ウイリアムス、プロデューサーのジョ—ジ・マーチン、夫人だったシンシア・レノンなどによるテープ解説も興味深い。ポール・マッカートニーによるナレーションも聴ける。
無名時代のビートルズの溜まり場
初代マネージャー、アラン・ウィリアムスが開いたクラブ
まだアート・スクールの学生だったジョン・レノンやステュア—ト・サトクリフ、インスティテュートのポール・マッカートニーらが店の地下のペイントを手伝った。
その時の壁画は今も残っているが、世界遺産にすべきではないか
シルバー・ビートルズとして演奏した記録も残る。写真は80年代のものだが、現在はすっかりリノベーションされて人気の店になっている。
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歩いて見てまわる市中心部のビートルズ・スポット
ロンドンのユ-ストン駅を朝の8時か9時頃に出発すると、昼前後にリバプールの玄関駅であるライム・ストリ-ト駅(25)に着く。
駅を出たら、道標を辿ってまずマシュー・ストリートを目指そう
マシュー・ストリートには有名なキャバーン・クラブ(1)をはじめ、行きつけだったパブやビートルズにちなんで誕生した店(2)(3)(4)が多くある。また、この界隈ではビートルズがギターを調達した楽器店(6)(7)やレコ-ド店だった場所(8)のほかエリノア・リグビ-の像(5)なども見ることができる。
次にノース・ジョン・ストリートを通りウォーター・ストリートへ
市庁舎(9)の前を抜けるとマージー・フェリーの船着き場であるピアー・ヘッド(10)に出ることができる。ここには、ビクトリア時代に建てられたロイヤル・リバー・ビル、キューナード・ビルなどリバプールを代表する建物が立ち並び、世界の海を制覇した大英帝国の繁栄の程がうかがえる。このあたりはすぐとなりのアルバート・ドックも含めて世界遺産に指定されている。アルバート・ドックの一角にはビートルズ・ストーリー(11)と名付けられたミュージアムがあり、ビートルズとその音楽が市民にとっていかに誇りであるかが解る。
ミュージアムでの所要時間は1時間程度に収めて次に進もう
ハノーバー・ストリートに出て、デューク・ストリートを少し昇り、スレーター・ストリートへ
ここには、シルバー・ビートルズの頃の溜まり場、ジャカランダ・クラブ(12)がある。
そして、通りを少し戻って、シール・ストリートにあるブルー・エンジェル(13)へ
ここもシルバー・ビートルズゆかりの場所だ。ベリー・ストリートからアッパー・デューク・ストリートへ出ると前方には赤茶色の巨大なアングリカン・カテドラル(14)が聳え立つ。このあたりはリバプールの文教地区で、ジョンの美術学校(16)やポールとジョージの学校(17)も含まれる。さらに、ジョンの学校時代のアパート(15)、よく行ったパブ(18)、新婚時代のアパート(19)など興味深い場所をまとめて見ることができる。アングリカン・カテドラルを背にホープ・ストリートを進み、エブリマン・シアターで右に曲がって少し行くと、右手にジョンが生まれた旧オックスフォード産院(20)がある。次に道を戻って、マウント・プリーザント・ストリートを下って来ると、左手にジョンが婚姻届けをだした戸籍登記所(21)のあったビルがある。さらに前進すると、ルイス・デパート(22)、アデルフィ・ホテル(23)とゆかりのある建物を連続して見ることができる。最後はライム・ストリ-トへ出て、駅を越えた所のエンパイアー・シアタ-(24)でコースの終点となる。
途中、ランチはマシュー・ストリートあたりで、また休憩はジャカランダ(12)かイェ・クラック(18)あたりでとるといいだろう
帰りは8時前後の列車に乗ると、深夜近くにロンドンに着ける。夕食は、日帰りのひとは列車で、リバプールにステイするならチャイナ・タウンの中華レストランかアルバート・ドックのポンプ・ハウス・パブ・レストラン、マシュー・ストリートのカフェ・レストランなどがお勧めだ。
そして、夜はグレープス(2)、ホワイト・スター(3)、キャバーン(1)とはしごして飲み歩こう
キャバーンでは、ライブ・バンドが出演する日もある。
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ビートルズが初めてオーディションを受けた場所
アラン・ウィリアムスが開いたふたつめのクラブ
興行主のラリー・パーンズが当時のスター歌手、ビリー・フューリーのバック・バンドを求めてのオーディションをここで行った。
その時のシルバー・ビートルズのメンバーはジョン、ポール、ジョージ、ステュアート・サトクリフ、そして仮のドラマーのジョニー・ハッチンソン
結局、選にはもれたが、代わりにアイドル歌手ジョニー・ジェントルのバンドとしてスコットランド巡業に出る。
ポールゆかりの大聖堂
英国国教の最大規模の教会で、アングリカン・カテドラルともいう。1953年、マッカートニー少年はこの教会の聖歌隊のオーデションを受けたが、合格しなかった。しかし、38年後の’91年、リバプール・ロイヤル・フィルハーモニック・オーケストラの150周年記念作品を依頼され、「リバプール・オラトリア」を作曲し、大聖堂でプレミア・コンサートを行って、堂々とリベンジを果たしている。
ジョンが仲間たちと暮らしたフラット
アート・スクールの仲間達とシェアして暮らし始めたジョンの最初のフラット(アパート)
メンバーはステュアート・サトクリフ、ロッド・マレイら
学校が道をはさんですぐの場所だったため、忽ちみんなの溜まり場になった。ジョンはアートよりもむしろロックン・ロールにのめり込み、フラットはバンドの練習場と化した。ポールの記憶によると、ジョンとスチュがバンド名を“THE BEATLES”と決めたのは、このフラットでのことだった。
ジョンのアート・スクール
クォリー・バンク・グラマー・スクールではろくに勉強もしなかったため成績は当然よくなかった。大学を目指していたわけでもなかったし、母代わりのミミおばさんからは、ギターでは食べていけない、と釘をさされていた。しかし、密かにロックン・ロールを続けるにはアート・スクールは好都合だった。ジョンはここで後に夫人となるシンシアと、そして無二の親友となるステュアートと出逢う。偉大なアーティストの母校である。
ポールとジョージの母校
ポールとジョージの通ったインスティテュートは、学年で数人しか入れないほどハイ・グレイドな学校だった。特にポールは格別だったらしい。猛烈なガリ勉の結果、優秀な成績で入学でき、順調なら有名大学へと道は繋がっていた。しかし、ロックンロールという迷路が待っていた。その道は、長く曲がりくねった道だったが、持ち前の天才と勤勉さで乗り切って行く。偉大なふたりのミュージシャンの母校である。
芸術家のたまごが集うパブ
ジョンのアート・スクールからいちばん近くにあるパブ
教室とは別の環境でしかも酒が入れば、芸術の話にもより熱がこもったことだろう
ジョンとシンシアはよくここで落ち逢ったし、ステュアートやほかの仲間たちとも美術や詩や音楽、そして時には哲学についても語り合った。インスティテュートからポールやジョージが合流することもあった。今も学生や教師、近くの住人たちの憩いの場所となっている。
ジョンが新婚生活をスタートさせたフラット
1962年の夏、ビートルズはリバプールで最も人気のグループになっていた。女性スキャンダルはタブーだったので、ジョンの結婚は秘密にされた。シンシアはすでに妊娠もしていた。このフラットはブライアン・エプスタインの持ち物だったが、新居が見つかるまでとふたりに提供された。しかし、ジョンは演奏活動で忙しく、ここでゆっくり過こすことはなかった。間もなく二人はジョンの実家に移るが、ジョンはさらに多忙になっていく。
ジョンが生まれた産科病院
第二次世界大戦最中の1940年10月9日、ジョンはこの病院で産声をあげた。
父の名はアルフレッド、そして母はジュリア
セカンド・ネームは時の英国の偉大な首相、ウィンストン・チャーチルにちなんだ。40年という決して長くはない偉大なアーティストの生涯の始まりの場所である。
ジョンとシンシアが婚姻届けを出した戸籍登記所
1962年8月23日、ジョン・レノンとシンシア・パウェルはこの役所に婚姻届けを提出した。
ジョン側の立会人は、ポール、ジョージ、そしてブライアン・エプスタイン
シンシア側は兄とその妻
リンゴはまだビートルズに新加入したばかりで、呼ばれていなかった。サインするだけの簡易な結婚式の後、街の中心にあったリースズ・レストランに出かけて行き、急いでお祝いの朝食を取った。夜には、隣県のチェスターでのライブが待っていた。
ビートルズにもゆかりのある老舗デパート
リバプールで最も古く大きなデパートメント・ストア
ランド・マーク的建物で、ジョンとシンシアは入り口にある像の下でよく待ち合わせしたという。ハンブルクでの長期の初仕事で結果的には強制送還という不本意なかたちで帰国したポールは、急場しのぎにこの百貨店の配送車の助手をしたことがあった。のちに人気者となったビートルズは、1962年11月にここの従業員のためのダンス・パーティーで演奏している。
ビートルズやエプスタインにゆかりの深いホテル
産業革命時代、リバプールがたくさんの商船や客船の基地として繁栄していた頃、富裕な商人や旅行者が利用するホテルとして建てられた。裕福だったエプスタイン家はよくホテルのレストランで食事をしたり、パーティーを開いた。ブライアンも何かにつけこのホテルを利用した。ビートルズは宿泊していないが、毎年8月に行われるビートルズ・コンベンションはこのホテルで開催され、世界からのファンでとてもにぎわう。
リバプールでいちばんの劇場
エンパイアーは、当時も今もリバプールで最も収容人数が多くゴージャスな劇場だ。アマチュア時代のビートルズは、クォリーメンとして、また、ジョニー・アンド・ムーンドッグスとしてここで行われたバンド・コンテストに挑戦したことがあった。そして、プロになってからも1962年から65年までの間にのべ7公演(8ステージ)への出演が記録に残されている。
リバプールの玄関駅
ロンドンからリバプールへ列車で行くとライム・ストリート駅に着く。およそ3時間の旅だ。プラット・ホームに降り立つと、ドーム型に広く高くはられた梁にまず圧倒される。世界で最初に鉄道が開通したのは、マンチェスターとリバプールの間だった。そんな歴史に思いを馳せつつ、これから訪れるビートルズゆかりの場所のことを考えるとわくわく感でさらに気分は高揚させられる。
グッデイ・サンシャイン そして、ハロー・グッバイか
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バスと徒歩で見て廻る郊外のビートルズ・スポット
スタート地点となるジョン・レノン空港(26)へは、市中心部にあるセント・ジョンズ・センター脇のエリオット・ストリートかグレート・シャーロッテ・ストリートからバスでおよそ1時間
朝9時までには出発したい。バスは中心部を抜けるとレンガ造りの家並みが続く住宅街へと入っていく。リバプールはずっと郊外まで街並が続くかなり大きな都市だ。バスは空港までの途中にペニー・レーン(39)を通るが、ここで降りてはいけない。
後にとっておこう
空港では、イエロー・サブマリンのレプリカと空港ロビーにあるジョン・レノン像を見て、空港から続くウエスタン・アベニューへ
まず、ポールが小さい頃住んだ家(27)、そしてその裏手に小学校(28)がある。続いて、ウエスタン・アベニューからセントラル・アベニュー、パレード、セントラル・ウェイと進んで、オールド・ブリッジ・ロードを左に曲がり、ウィズィントン・ロードの路地に入る。すると、間もなく左手に、ポールのスペックでのもうひとつの家(29)があるアードウィック・ロードに辿り着く。次は、オールド・ブリッジ・ロードにいったん戻り、来た道をさらに進み、アルダーウッド・アヴェニューで左に曲がる。そして、リトル・ヒース・ロードを左に曲がると、右手にジョージが永年住んだアプトン・グリーン(30)への入り口となる。ここでスペック地区とはおわかれして、4キロほど歩かなければならない。まず、リトル・ヒース、セントラル・ウェイ、パレード、セントラル・アベニュー、そしてウエスタン・アベニューへと戻る。空港を背にして進み、ウッドエンド・アベニュー、スペック・ロードへと続く。ウールトン・ゴルフ場に突き当たった所で右折するとマケッツ・レーンに出るので、左折してしばらく行くと右手にジョージの家(31)が見えてくる。マケッツ・レーンからローズフィールド・ロード、ハンツ・クロス・アベニュー、メイナー・ロード、スペック・ロードと繋ぐと、ウールトンの街に辿り着く。
ここには、レストランやパブがあるのでランチ・タイムを取ろう
食後、最初に見るのはチャーチ・ロードにあるジョンとポールが出逢ったセント・ピーターズ教会(32)
道をはさんで反対側にクォリーメンが演奏したホールの建物がある。
続いて、アラートン・ロードに出て右に進むと、ジョンのミミおばさんの家(33)があるメンラブ・アベニューへ
ジョンの家からメンラブ・アベニューをさらに行くと右手に、ストロベリー・フィールド(34)のあるビーコンフィールド・ロードへ出る。いちご畑はないが、いちごをあしらった可愛らしい赤い門が迎えてくれる。
歩いた疲れが一瞬に消え去り、なんとも言えない幸福感で胸がいっぱいになることだろう
独特の幻想的な曲のフレーズが頭の中をよぎり、ついつい口ずさみたくなる。
遠慮することはない、歌えばいい、「ストロベリーフィールズ・フォーエバー」
去りがたいが、次が待っている。
ビーコン・フィールドから、ヨーツリー・ロード、ブッカー・アベニューと進み、ユダヤ教会(シナゴーグ)でマザー・アベニューを左へ
しばらく進むと、右側にポールの家(35)があるフォースリン・ロードへと続く。マザー・アベニューを戻り、グレンヒル・ロードで右に曲がり、さらに進むとハートヒル・ロードに出る。ここには、ジョンの中学校クォリー・バンク(36)がある。道を戻って、グレンヒル・ロードを右に行きローズ・レーンを左へ進むと、右に折れるダブデイル・ロードに出られる。ここを進むと、右にジョンとジョージの小学校(37)が現れる。さらにダブデイルを直進すると、今度も右にバルナバス・ホール(38)(現ダブデイル・タワー・パブ)に着く。
ここらで一度休憩を取るべきだろう
先はまだ長い。
小休止の後、パブの脇の道がペニー・レーンなので、ここを右へ進もう、鼻歌でも歌いながら
すると間もなく、ペニーレーン(39)のラウンド・アバウト(ロータリ式の交差点)に出られる。この周辺には、歌に登場する風景やポールにゆかりの教会、歌やビートルズにちなんだ店などがある。交差点から、チャーチ・ロードを北に少し進むと、ジョンの幼少の頃の家(40)が残るニューキャッスル・ロードがある。この道から、チャールズ・バーリントン・ロード、ローバーン・ロードと繋いで行くと、ジョンの幼稚園(41)にぶつかる。次に、ウールトン・ロードを西へ行けば、チャーチ・ロードに戻る。ここを右折して進むと、大きなハイ・ストリートとの交差点に行き当たる。この角に建つ大きなスーパー・ストアは、もとはジョンがよく行ったアビー映画館だったところだ。交差点を越えてからハイ・ストリートを左方へ少し行き、フレデリック・グローブの脇道に入ると、ジョージが生まれた家(42)があるアーノルド・グローブだ。
このあたりはすこし解りにくいので迷うかも知れないが、根気よく探してみよう
さらに先を急ごう
チャーチ・ロードへ戻り、まっすぐ進むと、ペニー・レーンの交差点に戻って来る。
近くの停留所からリバプールの街に向かって80番のバスに乗ろう
降車するポイントは、プリンセス・パーク・ゲイト
バスを降りたら、プリンセス・ロードを市中心部に向かって歩き、ハイ・パ−ク・ストリートで左に曲がろう
先には、リンゴ・ランドと呼ばれる地域があり、リンゴの生まれた家(43)のあるマドリン、2番目の家(44)のあるアドミラル・グローブ、通った小学校(45)、レコード・ジャケットで有名なエンプレス・パブ(46)などをまとめて見ることができる。旅の最後の休憩はこのパブがいい。ビールの銘柄なら、テトレーがおすすめだ。リバプールのビートルズゆかりの場所、一泊二日の旅はまさに「ハード・デイズ・ナイト」な旅になる。これだけのルートを短日で回るとなると、かなりの土地感と体力とやる気が必要だ。できれば、もう少し余裕を持って出かけることをすすめる。
主要なポイントだけをてっとり早く回る観光バスもあるが、味気ないものになるだろう
やはり、自分の足で歩いて、道々毎に変わる風景や行き交う土地の人や街の音やにおいも、何から何までビートルズにゆかりのリバプールを見て感じてほしい。
リバプールをめぐる旅の問い合わせ先
ビートルズゆかりの地を訪ねる旅行は下記旅行社が常時手配を行っています。
クォリーメンが演奏した場所
アマチュアだったクォリーメンが演奏したそんなに多くはない場所のひとつ
ホールは、ペニーレーンの交差点にある教会から少し離れた場所に位置していた。現在はこの建物は教会の持ち物ではなく、ダブデイル・タワーという名のパブになっている。また、向かいにはペニー・レーン・チッピーという店があり、歌に出てくるフィッシュ・アンド・フィンガー・パイ(チップス)がテイク・アウェイ(アウト)できる。
歌の世界そのままの風景
ペニー・レーンは、ジョン、ポール、ジョージ共通の思い出の場所だ。ペニー・レーンの交差点には、歌にでてくる理髪店や銀行が今もあり、バスの待合所はレストランにかわっているが、建物は残っている。また、そばのセント・バルナバス教会の聖歌隊にポールは所属していた。ペニー・レーンはその昔、住民が1ペンスずつ出し合って造ったことからそう呼ばれるようになった道だ。道標がすぐ無くなることでも有名だ。
ジョン生後の最初の家
ジョンは、1940年10月9日に市中心部に近いオックスフォード産院で生まれた。第二次世界大戦の最中で、市中や港はその日もドイツによるひどい空爆を受けたということだ。だが、郊外のウェイバーツリー地区まではドイツの飛行機は飛んで来なかった。ジョンはペニー・レーン近くのこの家で、ミミおばさんに引き取られる5歳まで過ごした。
ジョンの幼稚園
もうじき5歳になろうとしたジョンがはじめて上がった学校が、ニューキャッスル・ロードの家からすぐ近くにあったモスピッツ・レーン幼稚園
だが、ミミおばさんに引き取られることになったため、ほんの半年ほどしかこの幼稚園には通っていない。5歳になったジョンは、次にダブデイル小学校へ通うようになる。ジョンが通っていた頃の建物は最近、建て替えられてしまった。
ジョージが生まれた家
ジョージ・ハリスンは、1943年2月25日に長屋式のこの家で生まれた。
父の名はハロルド、母はルイーズ
父は市バスの運転手で家族も多かったので、生活はそんなに楽ではなかった。姉と兄がふたりの4人兄弟の末っ子として生まれ、ビートルズでも年下だったので、ジョージはいつでも可愛がられる立場だった。しかし、独立心が強くなんでも自分でしようとした。いつも奥手だったが、最後には必ずやってのけた。
リンゴが生まれた家
現在、別名リンゴ・ランドなどとも呼ばれるようになったディングル地区は、港湾労働者や植民地からの移住者の多かった地区だ。リンゴ・スターことリチャード・スターキーは 1940年7月7日にこの長屋式の家で生まれた。
父はパン職人でリンゴと同じ名のリチャード、母はエルシー
リンゴが3歳の時に両親は離婚し、ふたりきりになってしまったため、やがて母エルシーはもっと安い家を探さなければならなかった。
リンゴの次の家
1階と2階合わせて6部屋あった前の家から4部屋しかない新しい家に引っ越して来たのは、リンゴが5歳の時
母のエルシーは近くのパブで夜働きながら、ひとり手でリンゴを小学校に上げ苦労して育てた。リンゴの最新シングル「リバプール 8」の歌詞には、彼の子供の頃の家があったマドリンとアドミラル・グローブの通りの名前が出てくる。ディングルはリンゴの心のふるさとだ。
リンゴの小学校
5歳で入学したリンゴの小学校は、アドミラル・グローブの家から目と鼻の先といってもいいくらいの距離にあった。6歳の時、リンゴは盲腸を悪化させ、長い間入院生活を送るはめになった。7歳で学校に復帰したが、勉強は遅れてしまい成績は上がるはずもなかった。子供の頃のリンゴはその後も病弱で、あまり学校にいい思い出はない。にもかかわらず、1999年にリンゴはこの学校に寄付金を送っている。
レコード・ジャケットに写ったパブ
リンゴのファースト・アルバム『センチメンタル・ジャーニー』のジャケットに写っているパブは、リンゴの母親エルシーがバーテンダーとして勤めていたパブだ。建物の脇の道のすぐ奥にリンゴの家はあり、エルシーは夜ひとりで留守番をするリンゴを時々パブを抜け出しては様子を見に行ったそうだ。店内は今もその頃の面影をとどめていて、ノスタルジックな気分にさせてくれる。センチメンタルな旅の終焉にふさわしい場所だ。
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大学時代に音楽サークル活動を続けライブを重ねる
ジャズやボサノヴァなどのスタンダード・ナンバーを英語、ポルトガル語で歌う。
02年1月より医学研究のためアメリカに留学
ニューオリンズの3年間の留学を終えて帰国
地元ミュージシャンとのセッションが話題を呼んだ。12月24日のクリスマス・イブ、細野晴臣さんとのベストコラボが楽しみです。ニンテンドーDS用ゲームソフト『レイトン教授と最後の時間旅行』のエンディングテーマ曲をアン・サリーさんが書き下ろしています。
>>詳しくはこちらから
のびろのびろだいすきな木 (作詞:加藤勇喜 作曲:アン・サリー)
はなのような人(作詞、作曲:アン・サリー)
そよかぜ (作詞、作曲:アン・サリー)
おまえが生まれた日(作詞:高橋睦郎 作曲:和田誠)
手と手(作詞、作曲:アン・サリー)
遠い日の子守唄 (作詞、作曲:アン・サリー)
〈muse - 女性シンガーの現在地〉では、個性豊かな女性シンガーをご紹介しています。今回は、現役のドクター(内科医)であり、歌手であり、そして2児の母という多面的な顔を持つアン・サリーさんです。アン・サリーさんは、病院勤務をしながら独自のスタンスでライブ活動やレコーディング制作を展開している。
2001年にジョニ・ミッチェルなどをカバーしたアルバム『Voyage』でデビュー
洋楽の他に“蘇州夜曲”、“星影の小径”などの昭和の名曲もカバー
そのたおやかで味わい深い歌声は強く印象に残り、聴く者の時間をゆっくりにしてしまう魅力がある。最近では、ニンテンドーDS用ゲームソフト『レイトン教授と最後の時間旅行』のエンディングテーマ曲を書き下ろし、独自の世界観を広げている。さて、これまでのことなど、いろいろとお話を伺った。
―― 初めて自分自身で買ったレコードはなんですか
「ちょうど私たちが小学校、中学校ぐらいのときにレコードからCDに変わった時期なんですけども、自分のお金で買ったのは中学校のときのB
キングの『ライヴ・アット・リーガル』というライブアルバムですね
もともと憂歌団なんかが好きで、音楽を聴き始めの頃はブルースをたくさん聴いていまして、その延長線上で初めて買ったCDがそれです」
―― マニアックな少女だったんですね
「自分が惹かれるものって、巷のどこか喫茶店に入って流れているような音楽というよりは、少し小汚い音楽というか⋯何て言うんですかね(笑)
何かこう大衆的ではないものに惹かれていて、表通りよりは裏通り、そういう方が何か こう心の奥に入ってくるものがありました」
―― レコードを聴きながら歌っていたんですか
「ジャズのスタンダードアルバムとか、ずっと何回か聴いているうちに覚えて、口ずさんでいました」
―― 医者を目指すか、音楽の世界へ進もうか、迷いましたか
「ピアノをずっと演っていましたので、音大というか音楽専門の高校とか大学というのに憧れていました。早いうちから強く惹かれていたのは音楽の方でした。
だから音楽の道に進むっていう選択肢もあったんですけど・・・
でも、音楽も医者も出来る選択肢を考えて、出来るだけ前に引き延ばすような感じでやってきました」
―― 大学での音楽活動は
「医学部時代に学校から近かった早稲田大学に黒人音楽研究のサークルみたいなのがあって、そこに入ったんですね
みんなはビートルズだとかローリング・ストーンズとかそういうのから入って、ルーツを辿るとブラック・ミュージックがあったっていうような辿り方で
その人たちとバンドを組んで、わりと今の選曲に近いような音楽を聴くようになりました」
―― その頃はプロになるっていう意識はあったんですか
「大学の後半に進むに連れて音楽がさらに好きになってきていたので、プロになろうっていうよりは、一生続けて良い歌が歌えるようになりたいなってことだけはありました。
年に3、4回ぐらいのライブを学生時代は演っていて、わりと周りの人たちはプロ志向だったので、そういう姿勢から影響を受けつつも、でも自分は積極的にプロになろうという気持ちはなかったです」
―― マイペースなんですね
「そうですね
常にあんまり気合いは入ってないっていう感じで(笑)
1枚目のアルバムを出すときには、アメリカのニューオリンズへの留学が決まっていたので、自分の中では1枚だけ出して、プロの歌手のような活動っていうのはもう終わりだろうっていう気持ちでした。
人生のうちの1枚のアルバムでも出せたというのが良い記念だと思っていましたから」
―― しかし、またアルバムを出すことになるんですね
「留学中に冬休みとか夏休みで1週間ずつ帰ってきて、2枚分を全部で7日ぐらいの間に録音して
歌ったのはちょうど自分が好きで聴いていた音楽ばかりなんです。
自分の好きなように選曲して、マイペースな感じでできるならば⋯ということで
当時のプロデューサーの方にお話をしてスタートし、その後、アメリカから日本に帰るときには、やっぱり医者を続けるだろうという強い気持ちがあったので、「その辺のペースが乱れないような活動であればやります」っていうお返事でやってきたんだと思いますね」
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大学時代に音楽サークル活動を続けライブを重ねる
ジャズやボサノヴァなどのスタンダード・ナンバーを英語、ポルトガル語で歌う。
02年1月より医学研究のためアメリカに留学
ニューオリンズの3年間の留学を終えて帰国
地元ミュージシャンとのセッションが話題を呼んだ。12月24日のクリスマス・イブ、細野晴臣さんとのベストコラボが楽しみです。ニンテンドーDS用ゲームソフト『レイトン教授と最後の時間旅行』のエンディングテーマ曲をアン・サリーさんが書き下ろしています。
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のびろのびろだいすきな木 (作詞:加藤勇喜 作曲:アン・サリー)
はなのような人(作詞、作曲:アン・サリー)
そよかぜ (作詞、作曲:アン・サリー)
おまえが生まれた日(作詞:高橋睦郎 作曲:和田誠)
手と手(作詞、作曲:アン・サリー)
遠い日の子守唄 (作詞、作曲:アン・サリー)
―― ところで、いつも選曲はどういう感じで決めて行くのですか
「好きな曲を聴いていると、本当に好きな曲はやっぱり歌いたくもなる、というような延長線上で選んでいるような感じですね
メロディーとかもあまり気を衒うことなく、スタンダードなメロディーっていうか
かといって、ど真ん中のスタンダードではなくてね
自分が繰り返して歌うからには、メロディーがあまり何かを語りすぎているよりは、シンプルで美しければ、何回歌っても自分で味付けをし直して歌えるんじゃないかなって思います。大事なのは歌詞とメロディーのかね合いというか、原曲のメロディーにはやっぱりこの歌詞がくるんだなっていう。
何か凄く大事な流れっていうのが名曲であればあるほど、絶妙のバランスで入り込んでいますよね」
―― なるほど、そういうことに着眼しているのですね
「自分ならどういうふうに歌うかって
繰り返し何度か自分で歌って、歌詞なんかも頭に入って、マイクを目の前にして
そのマイクっていう存在とかレコーディングするってことも飛び越えて、もうちょっとさらに向こう側の状況を浮かべながら、ちゃんと感動しながら歌うことで、それがレコーディングされているとは思います。
やっぱりそこまで至らないうちにレコーディングしても満足したものにはなりませんよね」
―― ところで『蘇州夜曲』は、渡辺はま子さんのを聴いて、選ばれたのですか
「ではなく、ティン・パン・アレーで雪村いづみさんの歌の解釈で歌っているリバイバルしたやつをさらにまたCD化されたのを聴いて、それで歌うようになったんです」
「おそらくティン・パン・アレーの曲の取り上げ方も当時では珍しく、若者の視点で古い曲を解釈してっていう面白さがあって
30年ぐらい経て私が取り上げることで、また新たな解釈というのができないかなというつもりでした。かつての70年代のシンガー・ソング・ライターがブラック・ミュージックに影響を受けて、自分たちの文化というかやり方で解釈してやったように、やっぱり何か混ざっていたり、新旧混ざっていたり、新旧のみならず和洋が混ざっていたり・・・そういうものが、現代の私たち世代の音楽の聴き方だと思うんです。
昔だったらジャンルをちゃんと線で分けたいところがあって、ジャズなんですか
とかいろいろ線の引き方があったんでしょうけども
今はゴチャゴチャで、特に私たちの世代はあまり違和感がない世界ができているように思うので、それを演ってしまえって感じです」
―― なるほど、よくわかりました。
さて、今年のクリスマス・イブは細野さんとの対バンのコンサートですが、もうステージで歌う曲は決まっているのですか
「ちょっとクリスマスを意識した選曲がぼちぼちは決まっているんですけども、意外な細野さん作曲の曲を意外なアレンジで演ってみようかなっていうアイデアもありますが・・・
でもちょっと勇気が(笑)」
―― どの辺の時代のですか
「言ってしまうのはあれなんですけど⋯そうですね、どの辺かな
―― はっぴいえんど時代ですか
「はっぴいえんどよりも後ですね
私が小学生ぐらいのときによくテレビで観たアイドルが歌っていた曲を取り上げて、ちょっと違うアレンジで演ってみようかなっと(笑)」
―― それは楽しみですね
最後に「医者」と「歌手」といった仕事の両立はいかがですか
「決して両立できている気がしないんですね
やっぱり比重として医者の方が重いので、世の中の方は良いふうに両立しているって取ってくださるんですけど、自分のなかでは勤務的にもフルタイムで医者として働きたいし、音楽もフルタイムでやってみたいし
それができたら初めて両立って言えるんですけどね」
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幼いころから広く音楽をたしなみ、大阪芸術大学中退後、ミュージカルを志し19歳で渡米
現地でゴスペル、コーラスダンサー、ジャズシンガーなど、様々なキャリアを積む。クラブシーンをはじめ、舞踏や映画音楽など他分野とのコラボレーションも活発で、これからの活動に注目が集まる女性シンガーの1人である。
ライブ出演は万波麻希、アキコ・グレース・トリオ、TRI4THほか
本作プロデューサー須永辰緒と小西康陽によるレコードコンサートも
詳しくはこちら ≫
個性豊かな女性シンガーの今を切り取る〈muse - 女性シンガーの現在地〉
今、才女という言葉がこれほどふさわしいアーティストはいないだろう
作詞・作曲、アレンジ、ピアノ、プログラミング、ヴォーカルを全てこなし、その音楽性もスピリチュアル・ジャズにプログレ、現代音楽にミュージカル、エレクトロニック・サウンドにアコースティック・サウンドと、あらゆるものが混沌と渦巻いている。そして、その混沌からは毒を含んだ美しさが妖気のように立ち上ってくる。前作ではプログラミングをベースに演奏を加えるというものだったが、今回は生演奏がより前面に出たものとなっている。「基本的には前作から一貫したスピリットで作っていますが、編成も全然違うし、手法も異なって、全体としてはより広い世界に行ったのかなと思いま す。
打ち込みで作品を作る前からアコースティックな音楽はやってきて、いつかアコースティックな作品を作りたいという欲求があって、今回それが実現できたという感じですね
いろんな人の演奏をフレーズとして編集したり、そこにプログラミングやSEを被せて加工するという作業があり、そうした全体をまとめるという部分が自分の中では大きい仕事だったと思います」
―― 本作は須永辰緒がトータル・プロデュースで、選曲やミュージシャン選び、アレンジに関するアドヴァイスを行い、参加メンバーも前作から大幅に増えている。
前作にも参加し、映画『パビリオン山椒魚』のサントラでも共演した菊地成孔がサックス、その菊地成孔ダブ・セクステットから類家心平がトランペットで加わるほか、RockmencoのKSK Aritaがヴォーカルで参加
さらにイタリアからニコラ・コンテが“Lotus Sun”の作詞・作曲とバックの演奏、ドイツのエレクトロニカ・シーンから才女AGFがミックスとヴォイスで参加と、インターナショナルな顔ぶれが揃う。
「ニコラは昔ロンドンでライヴを観てすごく感動して、いつかこんな人に曲を書いてもらえたらとラブレターを送って、それで彼とは仲がいい辰緒さんもプロデュースだからと快諾してもらえたんですよ
丈青さんや平戸さんとはレコード会社からコラボを勧められました。
私自身はピアノも弾きますが、ジャズピアニストとは思ってなくて
作品として完成度の高いものにしたかったから、ジャジーな曲は自分で弾かずに彼らに頼んだんです」
「菊地さんは前作からのお付き合いですけど、その時は「とにかくフリーキーなサックスを吹いて下さい」と、私が彼の教えてる大学まで機材を担いで行ったんですよ(笑)」
「でも、おかげで本当にいい素材が手に入って、それからいろいろお付き合いが始まりました。
でもお忙しい方だから、今回は16章節のフレーズを吹いてもらうだけで、だいたい時間にして10分くらいで録りは終わりました(笑)
類家さんは以前ファッションショーの仕事で一緒にやったことがあって面識はありました。
辰緒さんからはKSK Aritaさんはじめ、その他いろいろなミュージシャンの方を紹介してもらったという感じですね
でも、これだけたくさんのミュージシャンの方がいると、普通はまとめるのが大変なわけですが、今回はゲスト・プレーヤーとしてそれぞれの演奏を引き立てるという形ではなく、あくまで楽曲を構成する素材の一部として皆さん理解してやってくれましたので、私にとってはとても贅沢なものとなりました」
―― エフェクトなどによってマジカルな空間を生み出す万波麻希だが、今回はアレンジ面でさらに凝った試みも行っている。
その1つとして弦楽八重奏をフィーチャーしており、前作に比べてサウンドに奥行きと豊かな表情が加えられている点が挙げられるだろう
「高校生の頃からストリングスをアレンジすることが夢だったんですよ
でも、そんなに本格的なことを知ってたわけではないから、本を読んだりDVDを観たりして独学で勉強しました。
だから、ストリングス・パートのアレンジだけで1ヶ月くらいかかりましたね
最初はカルテットの予定で、カルテットについては多少の知識はあったんですが、辰緒さんが8重奏の方がいいよとアドヴァイスしてくれて、余計に大変なことになりましたね(笑)
でも、今回外注じゃなく自分で全てアレンジしたことは、とてもいい経験になったと思います」
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幼いころから広く音楽をたしなみ、大阪芸術大学中退後、ミュージカルを志し19歳で渡米
現地でゴスペル、コーラスダンサー、ジャズシンガーなど、様々なキャリアを積む。クラブシーンをはじめ、舞踏や映画音楽など他分野とのコラボレーションも活発で、これからの活動に注目が集まる女性シンガーの1人である。
ライブ出演は万波麻希、アキコ・グレース・トリオ、TRI4THほか
本作プロデューサー須永辰緒と小西康陽によるレコードコンサートも
詳しくはこちら ≫
―― 前作は「自己解放の旅」という意味のタイトルだったが、万波麻希はアルバム・タイトルに象徴的な意味をもたせることが好きなようだ。「人間って無限の超能力のようなものを生まれ持ってると思うんです。
子供には大人がびっくりするような感性がありますよね
見えない色が見えるとか
でも、現実社会で大人へと成長していく内に、そうした感覚がいつのまにか無くなってしってしまう・・・
ビートルズの“アクロス・ザ・ユニヴァース”で、ジョン・レノンの歌詞に「終わらない雨のように言葉が溢れてきて、それが紙コップの中に滑り落ちる・・・私には何も怖れるものはない」というような意味のフレーズがあります。
ジョン・レノンは詩人だったから、LSDの作用ももちろんあったのでしょうけど、もう感覚が研ぎ澄まされていて、言葉が次々と出てきたんでしょうね
私はドラッグ無しでもそうした世界に行くことが可能だと思うし、そうした高みに達したいという想いがこのタイトルになりました。
音楽って目に見えないもの、とても抽象的な芸術だと思うんですよ
音楽を楽譜にした人はとても凄い人だと思いますが、でもそうして目に見えないもので人の心を動かすには、やはり感覚が研ぎ澄まされていないと難しいと思います」
―― 今回のアルバムには3つのカヴァー曲がある。
「カヴァーは辰緒さんの勧めでやってみたのですけど、“Stupid Man”は家庭を顧みず、旅ばっかりしている放蕩なお父さんの話ですね(笑)
でも、私も旅が好きで、その女版みたいな感じで歌詞を書き換えました。“Time To Say Goodbye”は自分でも好きな曲で、よく歌ってたりもしたのですが、あえてジャズ・アレンジにすることなく、クラシックのテイストを壊さずに現代音楽・プラス・エレクトロ風にやってみました。
ここでヴォイスとエフェクトで参加してもらったAGFは、辰緒さんが単純にファンだからということでやってみたのですが(笑)、でも見事にハマりましたね
『マルサの女』は原曲の特徴的なフレーズが頭にあったんですけど、それが逆に障害となって、最初はなかなかアレンジのアイデアが浮かばなくて苦労しました。
でも、締め切りギリギリのところでポンってアイデアが閃いて、それからはスムーズに行きましたね
私って自分のアルバムではそれほどカヴァーをやりたいとは思わないんですけど、でも今回やってみて思ったんですが、カヴァーってアレンジ力というか、そのアーティストの真価が問われるところでもあると思いますね」
―― 万波麻希の楽曲は1曲の中でも構成が大きく変わったりと、とてもシアトリカルな要素に溢れている。ミュージカルなどのバックグラウンドを持つ彼女だが、そうしたものがベースとなってその音楽性を形成しているようだ。「もともと思春期にミュージカルをやりたいと思って、それで声楽とかダンスを勉強して、ニューヨークに行ったんです。ニューヨークではミュージカルのレッスンもそうですし、ゴスペルの先生に歌を教わったり、ジャズのステージやオペラを観たりと、いろいろな音楽を学ぶ環境にありました。
ミュージカルもいろいろあって、実験的なものはそれこそ音楽がプログレみたいに急展開するんですけど、そんな影響もあるのかもしれませんね」
―― 本作では全体のサウンド構築と共に、ヴォーカリスト的な部分も強く打ち出したものとなっている。ただし、そのヴォーカルも演劇やポエトリー的な要素に満ち、通常のヴォーカリストのそれとはだいぶイメージが異なってくる。「これでも今回は自分の中では割ときっちりとした歌というイメージで歌っているものなんです。
もっとヴォイス・パフォーマー的なものだけでアルバムを1枚作りたいと思ってるくらいで
ヴォイス・パフォーマーってことで言えば、自分の音楽に取り入れるかどうかは別に、ディアマンダ・ギャラスっていう5ヶ国語くらいで歌う声楽家・・・妖怪みたいな声でオペラを歌うんですけどね(笑)・・・・あとメレディス・モンクとか好きですね」
前作でもフラメンコ調の作品をやっていたが、万波麻希にはこうしたエキゾティックでジプシー調の作品もよく似合う。
「男性シンガーとのデュエットはずっとやりたかったことなんですよ、Aritaさんは声も素敵な方だし
フラメンコが大好きで、フラメンコだけでポップス・アルバムを1枚作りたいくらいで、結構曲のストックもあるんですよ
でも、日本のマーケットはもちろんですけど、スペイン本国でも、伝統的なフラメンコと違って、商業的に見られすぎてしまってなかなか難しいみたいで・・・一応、ちょっとカンテ(歌)を習ったことをありますが、やるならもっと本格的に勉強しないと
私って弦楽8重奏もそうですけど、いろいろなものに興味を持って、普通の人ならそれで感動したで終わるところを、自分でやってみないと済まない性分なんでしょうね・・・あ、最近はポール・ダンスを始めたんですよ(笑)」
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99年、本名で本格的に音楽活動を開始
これまでに4枚のフルアルバムを発表している。現在は音楽活動に加え、連載や翻訳などの執筆活動、ジュエリー・ブランド〈aquadrops〉をプロデュースするなど創作の幅を拡げている。―― そうか、ダンスもつかめないし、残せない。
舞踏とか今でもすごく好きで
いっぱい観に行くんですけど
つかめない、残せない、だけど人が発してる——人がそこにいて、身体が動いてることで発する何かっていう。
唄う時の気持ちって、ほんと舞踏の方とかと一緒な気がするんですよね
見えない何かとつながりたい、みたいな
と同時に、そういうのもただの願いなのかもしれなくて、自分がそういう人間じゃないからこそ、そうなりたいというのもあると思うんですよね
そっちを信じていたい、というか」
「そういう人間じゃない」というのはどういうことなんですか
「なんか⋯⋯真に見えないものだけ信じて、そこで本当に満足してられたら、それはわざわざ言わないことだろうし、唄わないかもしれない。
そういう状態じゃないからこそ、そっちに行きたがったり、そっちの幸せを求めて、作るのかもしれないし⋯⋯とは思いますね
だって私はすごく執着する人間だし
たとえば嫉妬深いとか、物が捨てられないとか⋯⋯そういう執着がすごくあるから
それはほんとに、矛盾してるなと思う」
この2曲に感じられる母性には、あなたの表現したいことがかなりはっきりあると思うんですけど
「そうですね
やっぱり、自分がすごく空っぽだと思ってて、それがぬぐえなくて——」
自分の考えてることとか、人間性とかには、ほんとに大したものはないというか⋯⋯<他人に与えられるものは何にもないなあ>と思って
でも唄うわけですし⋯⋯
その時に、声って、ただの呼吸であって、息を吸って吐いてるだけなんですよ
それは誰でもやってることですよね
でもそれにメロディーや想いが乗るだけで歌になる。
そんな<身体を使って生めるものは私にもあ る>っていう喜びが、すごく強くて
で、女性としてはいつか子供を産める、ほんとに命、生命を産めるのかもしれないっていうこと
それと声を生む、歌を生む喜びは、すごく近いと思ったんですよ
そこに、子供を産むことへの憧れとか神秘性も絡み合ってるんですけどね
アルバム・タイトルの<Zoy>っていうのは、欧米では女の子の名前なんですけど、ギリシャ語源で<生命>っ ていう意味なんです。
自分の中にちっちゃな生命があって、声を出すことでそれを生めるっていうことなんですね
あとは、自分がなぜ音楽をやるのか、音楽で何をしたいかって考えた時に、自分が音楽にしてもらったことをお返ししたいと思って
それは元気づけるとか勇気を与える、ということではなく——」
「そうそう、そういうことができる係の人はほかにいる。<係が違う>って、すごく思うんです。
で、<私の係は何だろう
>って思ったら、自分は音楽にずっと守ってもらってたんですね
たとえば暗い気持ちとか、周りのイヤな環境とか、いろんなものから守ってもらって⋯⋯もう一度自分のことを見つめ直せたりとか、<ああ、ちゃんと身体があるなあ>と思ってもう1回社会に返ったり、いつも音楽には、そういうふうに包んでもらってた。だから<そういうことだったらしたい、できるようになりたい>って思った。
その気持ちは、もしかしたら母性に近いかなと思いますね
包んであげたい、とか」
音楽で自分自身の存在を実感できた人なんですね
「そうですね
―― で、先ほどの2曲には、どうしてもあなたのご両親のことを思い浮かべてしまうんですよ
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バンド活動を経て、90年代中ごろからギターの弾き語りを中心にしたソロ活動をスタート
これまでにアルバム3枚とミニ・アルバム2枚を発表している。その幅広い音楽性と豊かな表現力は、リスナーからミュージシャンまで、幅広い指示を受けている。
蘇州夜曲(李香蘭/渡辺はま子)
話しかけたかった(南野陽子)
白いパラソル(松田聖子)
夏のお嬢さん(榊原郁恵)
世界でいちばん熱い夏(プリンセスプリンセス)
せぷてんばぁ(クレイジーケンバンド)
赤とんぼ(童謡)
日暮れ道(都市レコード)
雪の降る街を(高英男)
みかん(大竹しのぶ)
思い出のアルバム(想い出のアルバム)
(※1)『二階堂和美のアルバム』2006年に発表した4枚目のフル・アルバム
「イルリメ」のアーティスト・ネームで活躍するラッパー
先日、初の短編小説『しゃん、ぐりら
』を発表したことでも注目されている。
初のセルフプロデュース
オーセンティックな質感をたずさえながら、そこに埋もれることなく、それぞれのパーソナリティをたたえる女性シンガーたち
〈muse - 女性シンガーの現在地〉では、彼女たちの今を切り取りご紹介していきます。記念すべき第1回目は、弾き語りカバーアルバム『ニカセトラ』をリリースする二階堂和美さんです。二階堂和美のライヴを一度でも見たことがあるなら、小さくて細っこい体からは想像できないくらいに様々な表情でクルクルと場面を変えていくようにマイクに向かっている様子が目に焼き付いていることだろうと思う。それは曲の中に移入し、曲を自分に引き寄せていっている証でもあるわけだが、あそこまで歌としっかりと向き合おうとしているミュージシャンも他にいない、とさえ思えるほど、彼女の歌に対する意識の高さは格別だ。ミューズという冠はまさに二階堂和美にこそふさわしい。そんな二階堂が、誰でも知ってる歌謡曲から童謡、仲間ミュージシャンのナンバーまでを集めたカバーアルバム『ニカセトラ』をリリースした。基本は弾き語りスタイルで、曲ごとに録音状況はマチマチだが、そこにはそれぞれの歌に対する彼女の誠意が見事に結晶となって現れている。
春、夏、秋、冬、そして再び春、という季節の流れをメロディと言葉と声で捉えた“二階堂和美流歌のカレンダー”
ぜひ多くの人の耳に届いてほしいと願うばかりだ。
―― これまでもライヴで“カバー・コーナー”みたいにしてまとめて他アーティストの曲をとりあげていたりしましたよね
あれにはそもそもどういう意味合いがあったのですか
「自分の曲の流れの中に組み込むのが難しかったからという理由だったと思います。
だから番外編みたいな感じで割り切ってたんだと
カバーしたくなる曲はすごく詞の世界がしっかりしていて、自然と役になりきるというか、表現が力強くなってるなと自分でも感じていて
人が作った曲だからこそ、より想像力もふくらませやすいんです。
自分の曲はどっかもっと抽象化してたような
だからカバーは、歌を歌として歌う、みたいな割り切りがあるほうがやりやすかったんです。
カバールバムを作る最初のきっかけも、『二階堂和美のアルバム』(※1)を鴨田くん(※2)と作っていた時、まだ構想段階だった時に、始めたことなんですよ
発想としては『二階堂和美のアルバム』と一緒なんですよね
『二階堂和美のアルバム』の方は自作曲じゃなく鴨田くんに曲を作ってもらって歌って、で、この『ニカセトラ』も既にある曲を歌わせてもらうという。
そのうちに、自分の中でもそれが一本化されてきたんですよね
今はまた自分で曲を作ってるんです。
『また おとしましたよ』(※3)以来なんですけど、それが楽しくなってきてるんですよね
自分自身=二階堂和美に曲提供してるような感じなんですよ」
―― ソングライターとしての自分と、歌い手としての自分をうまく切り替えているわけですか
客観的に二階堂和美を見られるようになってきたんでしょうね
“コイツに歌わせるにはどういう曲がいいかな
”って考えたりしますからね」
―― それは、実際にライヴで歌ってみて、こういう曲を歌いたい自分と、歌わせたい自分の両方を体験して気づいたことなのですか
「そうかもしれないです。
ちょっと前まではライヴが憂鬱だったりもしたんですよ
自分の曲を並べてみた時に、“歌いたい曲がないな”みたいに思ったりして
例えば、切ない曲が続くと、“いてもたってもいられないわ”(『二階堂和美のアルバム』収録曲)みたいなパーッとした曲がもっとあるといいなと思ったり
もちろん、切ない曲がイヤというわけじゃなくて、ライヴはその場にいる人たちと、その場を楽しむようなものでありたいから、今この場に合った曲、みたいに毎回選べるといいなあって思うんですよ
まあ、そのくらい、ここ最近は大きな場所でやったり、たくさんのお客さんの前で歌ったりする機会が増えているってことなんですけどね、フェスとかにもたくさん出させてもらっているし」
―― 逆に言えば、歌い手としての表現力にある程度の自信と安定感を得られるようになったということでもありますか
「だと思います。
曲が良ければ、歌はそれに応えようと自然とよくなりますから
そうやって自作曲で足りないところを、カバーにお世話になってきたんです。
それで、敬意を込めて今回カバー曲ばかりのアルバムをちゃんとまとめて出そうと」
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わがクイーン 大貫憲章
クイーン黄金時代 東郷かおる子
13年ぶりの新作を語る。
東郷かおる子(とうごう・かおるこ)
1960年代後半から1980年代にかけて、クイーン、エリック・クラプトン、ディープ・パープル、デュラン・デュラン、ジャパン、ポリスなど、さまざまな洋楽アーティストを日本に紹介した。クイーン人気に火をつけた功労者の1人として知られる。
近著に『わが青春のロック黄金狂時代』(角川SSコミュニケーションズ)
東郷かおる子さんのインタビューはこちら
3 愛にすべてを
7 手をとりあって(ハイ・ディフィニション・ミックス2005)
11 伝説のチャンピオン
2000年、20万枚限定生産アルバムとして発売され、またたく間に完売したQueenタイアップコンピレーションのパワーアップ・バージョン
F1中継番組の新たなテーマ曲としてクイーンによって制作された「フラッシュ〜伝説のヒーロー」など、いままでのクイーンコンピには収録されていなかった楽曲も多数収録
クイーンについては、今まであまりにも方々で書きつくし、語りつくしているので、いくら頭を掻きむしっても新しいエピソードは思いつかない。それだけ今もって人気が高いということなのだろうが、今回のこの原稿も熱心なファンにしてみれば、毎度お馴染みの聞き古した話になってしまうのを、お許し願いたい。私が音楽専門誌「ミュージック・ライフ」の編集部員としてクイーンの取材をした回数は多すぎて、正直言って覚えていない。ただ今でも鮮烈な印象を残しているのは、私にとって「最初」と「最後」のクイーンだ。それは取材の対象だった超人気バンドを見る目ではなく、もっと真っ白な先入観のない気持ちで彼らを見ることが出来たからだと思う。「最初」のクイーンは私が初の海外取材でひとりニューヨークにいた1974年に遭遇した。それはまさに「遭遇」と言える出会いで、とあるレストランで業界関係者と昼食を取っていた時だ。雑談中に、ふと入り口に目をやると、やけに目立つ白いスーツを着たブロンドのロング・ヘアの男性の姿が飛び込んで来た。直感的に、それが新人バンド、クイーンのドラマー、ロジャー・テイラーだと分かった途端、スタスタと近付くや自分が日本から来た音楽雑誌の編集者だと自己紹介をしていた。ろくに英語も話せなかったわりには怖いもの知らずで、ヤル気だけは満々だった当時の自分を思い出すとヒヤ汗が出る。当のロジャーも日本のことなど頭の隅にも考えていなかったはずで、呆れたようなキョトンとした顔で見上げたのを、良く覚えているし、大きな瞳が美しいブルーだったことも、やけに覚えている。その彼の態度がコロッと一変したのは、私が持参していた「ミュージック・ライフ」を見せた時だ。自分達の写真を見つけるや否や、大興奮してはしゃぎ出し、こちらの唐突な取材交渉にも二つ返事でOKしてくれた。
マネージャーも通さずに直接、交渉するなど、いくら74年当時のこととは言え、掟破りの蛮行()だったのだが、私はひそかに目を付けていた新バンドとの幸運な遭遇に、彼は未開()の国からの取材依頼に、それぞれ浮かれてしまったのだ。翌日、彼らの宿舎での初インタビューが実現したのだが、この時、フレディは買い物で、ブライアンは体調不良で不在だった。後年、フレディの異常なまでの買い物好きを知ったのだが、この時は「買い物」と聞いても何も感じなかった。一方、せっかくだから挨拶だけでもと寝ているブライアンを見舞ったのだが、実はその時彼はウィルス性の肝炎を患っていた。
クイーンにとって初のチャンスだった、この年の全米ツアーはブライアンの病気で、あえなく途中でキャンセル
後にそれが彼らにとって、かなりショックな事件だったことを知るのだが当時は、この長身の青年の真っ青な顔を見て、えらく気の毒に思っただけだった。この74年のクイーンは、同じイギリスのバンド、モット・ザ・フープルの前座としてアメリカにいたのだが、私がニューヨークに行ったのも、そのモットの取材が目的だった。ブロードウェイで行われたコンサートで前座バンドとして初めて見たクイーンは荒削りだったが、私にはキラキラ輝く未来のスター候補生に見えた。「彼らは絶対、日本で人気が出る。」という確信は、その後、事実になったわけだ。今でも、あの簡素なステージでの4人の一生懸命な姿を思い出す。「最後」のクイーンは、1985年7月に行われた歴史的なロックのイベント「ライヴ・エイド」でのステージだ。この頃の彼らは、やや人気に陰りが見え始め、ツアーにも積極的ではなくなり、同時にバンド内の雰囲気もギクシャクしていた時期だ。前年に実質的に最後となった6度目の日本ツアーが行われたが、正直言って彼らは解散の危機にあった。クイーンではなく、巨大イベント「ライヴ・エイド」の取材のためにロンドンまで飛んだのだが実は・・私は、この時、初めて心底クイーンを素晴らしいバンドだと思った。いや、それまで何度も見て来た彼らのステージを素晴らしいと思わなかったわけでは決してない。だが、いつも気持ちのどこかで取材対象として、職業的な冷めた見方をしていたかもしれない。
それが、どうだろう
ライヴ・エイドでのクイーンは、他のどのアーティストより輝いていたし、素晴らしかったのだ。全アーティストが与えられた20分という均等な演奏時間内で、彼らほど、その魅力と実力を見せ付けたアーティストはいなかった。演奏された怒涛のヒット・メドレーにのって何万人もの観客を自在に操るフレディの稀代のエンターテイナーぶりに圧倒された。そう、これがクイーンだったのだ。この出演を機にクイーンは再び、羽ばたき始め危機を脱している。私が見た最後の「4人クイーン」は、デビュー以来、見続けて来たステージのなかで、間違いなく最高だった。
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わがクイーン 大貫憲章
クイーン黄金時代 東郷かおる子
13年ぶりの新作を語る。
保科好宏(ほしな・よしひろ】
10代からブリティッシュ・ロックに目覚め、初代ザ・フー・ファンクラブ会長に
渡英歴はすでに30回を超える。PIGなど海外アーティストのマネジメントも手がける。
3 愛にすべてを
7 手をとりあって(ハイ・ディフィニション・ミックス2005)
11 伝説のチャンピオン
2000年、20万枚限定生産アルバムとして発売され、またたく間に完売したQueenタイアップコンピレーションのパワーアップ・バージョン
F1中継番組の新たなテーマ曲としてクイーンによって制作された「フラッシュ〜伝説のヒーロー」など、いままでのクイーンコンピには収録されていなかった楽曲も多数収録
伝説のブルース・ロック・バンド、フリーでデビューし、70年代中期に大ブレイクしたバッド・カンパニーを経て、80年代はジミー・ペイジとのザ・ファーム、ケニー・ジョーンズとのザ・ロウで活躍したブリティッシュ・ロック界の至宝、ポール・ロジャース
その彼がクイーン+ポール・ロジャースとしてワールド・ツアーの一環で来日公演を行ない、ライヴ・アルバム『リターン・オブ・ザ・チャンピオンズ』をリリースしたのは記憶に新しいところだ。
そして誰もが一回限りの再結成ジョイント・ツアーだと思っていたところ、ブライアン・メイ、ロジャー・テイラー、ポール・ロジャースの3人でスタジオ録音のニュー・アルバムをレコーディングする可能性があるという話を思い掛けずポール・ロジャースとのインタビューで耳にしてから丸2年
そこで12月11日、レッド・ツェッペリンの再結成が話題となった“アーメット・アーティガン・トリビュート・コンサート”にソロ・シンガーとして出演した翌日、ロンドンのホテルでポール・ロジャースに話を訊いた。
恐らくクイーンのニュー・アルバムに関するインタビューはこれが世界初
世界一早い独占インタビューをお届けしよう
以前から噂されているクイーンのニュー・アルバムですが、レコーディングは進んでいるのでしょうか
「実はもう12〜13曲ほどレコーディングを済ませてあるから、90%近くは出来上がっていると言ってもいいんじゃないかな
この1年半ほどの間、何度もブライアン(・メイ)、ロジャー(・テイラー)、そして僕の3人で集まって曲作りとレコーディングをしてきたからね
明日からも2日間、また3人でロンドン郊外のスタジオに入って若干のダビング作業をすることになってるんだけど、あとは主にミックスを残すのみだから、それほど遅くならない内にリリースできると思うよ
多分春過ぎくらいにはね
で、実は先週決まったばかりなんだけど、まずその前にクイーン&ポール・ロジャースとしての初シングルが12月31日に緊急発売されることになったんだ」
そのシングルについて詳しく話してもらえますか
「実はもう、無料ダウンロードで発表済みなんだけど、初日だけで6万6千、2日目は10万件のアクセスあったとかで、急遽CD化が決まったんだ。曲そのものは3年前、僕がクイーンと一緒に初めて出演した南アフリカの元大統領ネルソン・マンデラ氏がホストを務めるエイズ・チャリティ・コンサート用にロジャーが作った曲で、“Say It's Not True”というタイトルなんだ。
クイーンのツアーでも毎回ロジャーが歌っていた曲さ
ロジャーとブライアンは昔からずっとエイズ問題に深く関わった活動を続けているけど、この曲はエイズがテーマの歌なんだ。で、今年(07年)もマンデーラ氏からエイズ・チャリティ・コンサートへの出演依頼があったんだけど、あいにくレコーディング・スケジュールの都合で参加できなくて、代わりにというわけではないけど、急遽12月1日の世界エイズ・デイに間に合うようにその曲をレコーディングして提供しようという話になったんだ。
それで11月頭にその曲をレコーディングしたんだけど、凄くスケールの大きな良い曲に仕上がったんだよ
まだどうなるか分からないけどアルバムの最後の曲にピッタリのようなタイプの曲なんだ。
ライヴではロジャーが歌っていたけど、レコーディングではロジャーとブライアンと僕の順番で3人で歌ってるんだよ」
では、そのシングル以外のアルバム収録曲もお互いに持ち寄ったものなんですか
「もちろんベーシックな曲のアイデアは各自が持ち込むわけだけど、基本的には3人でスタジオに集まって楽器を演奏しながらアレンジを考えて作り上げていくという昔ながらのバンドらしいスポンテニアスなやり方で作っていったんだ。
というのも僕が初めてクイーンのメンバーと一緒に演奏したのはあるTVショーだったんだけど、その時にお互いの曲を演奏しながら全員同時に感じたエネルギーがぶつかりあって燃え上がるような特別な感覚、バンド・マジックのようなものを大切にしたかったからね
一緒にやっていて本当に楽しくて、またやりたいと思えたことがクイーンのワールド・ツアーにまで繋がったわけで、そういう感覚を大切にしたかったんだ。とにかくいろいろ考える前に、まずスタジオに入って音を出してみる、そのやり方は今でもバンドにとって、少なくとも僕らには最も有効なやり方なんだ。
僕だってもし最初から“クイーンのワールド・ツアーをやりたいからヴォーカルで参加して欲しい”なんて誘われてたら多分、引き受けていなかったかもしれないしね(笑)」
曲作りは3人一緒にとのことですが、あなた自身の関わり方としては作詞と作曲、どちらの比重が大きかったですか
「それは曲によって違うので何とも言えないけど、作詞だけ担当した曲もあるし、メロディと歌詞の両方書いた曲もあるよ
コーラス部分だけ出来上がっていて、それを3人でバース部分を作って完成させたりね
だから3人ともほぼ同じくらいの比率で曲作りに貢献してるんじゃないのかな」
スタジオではどんな感じで曲作りが進められていったんですか
「僕は今カナダに住んでいて、2人がいるロンドンに来てセッションするという理由もあるんだけど、一度スタジオに入るとかなり長時間、何日か続けてということになるから、耳が疲れないよう僕とブライアンはわりとアコースティック・ギターを弾きながら、大人の遊び場|
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わがクイーン 大貫憲章
クイーン黄金時代 東郷かおる子
13年ぶりの新作を語る。
10代にブリテッィシュ・ロックに目覚め、ザ・フーファンクラブ初代会長に
以後ロック専門の音楽ライターとして長年活躍、本誌ではCD評を中心にレギュラー執筆中
共書に『ザ・フー・ファイル』(シンコー・ミュージック)ほか
またPIGなど海外アーティストのマネジメントも手がける。この8月末、3日間に亘って東京フォーラムで開催された“東京JAZZ2008”は、大物ジャズ・ミュージシャンだけでなく、ジャンルを超えた珍しいアーティストの出演も大きな話題となった。その筆頭が初来日となるスライ&ザ・ファミリー・ストーンだったのは間違いないが、同じ日に出演した元サム&デイヴのサム・ムーアも、スライ・ストーンに負けないくらい大きな声援を浴びていた。
特に今回はホーン・セクションや女性コーラスを含む大所帯バンドを率いての来日で、「ホールド・オン」「ソウル・マン」といった往年のヒット曲を72歳とは思えないパワフルな歌声で披露してくれたのだから、会場が大いに盛り上がったのも当然だろう
そのサム・ムーアと、昔から彼を敬愛するブリティッシュ・ロック界を代表するヴォーカリストで、クイーンとして初めて全曲新曲のスタジオ・レコーディング・アルバムを今月リリースするポール・ロジャースの対談インタビューが実現した。
この対談が実現したのは、レッド・ツェッペリンの再結成が話題となった“アーメット・アーティガン・トリビュート・コンサート”が行われたロンドンでのこと
実はあまり知られていないが、2万人収容のO2アリーナでのコンサート終了後、深夜過ぎから隣接するホールでアフター・パーティーが行なわれたのだが、そこにはパーシー・スレッジ、ベン・E・キング、ソロモン・バーク等、アトランティック・レコードの歴史を築いてきた懐かしいソウル・シンガー達が勢揃いしてお馴染みのスタンダード名曲を次々に披露したのだが、レーベル草創期の黒人アーティスト達がアメリカから駆けつけたこのソウル・レビューの方が、“アーティガン・トリビュート・コンサート”に相応しかったのではないかと個人的には思っている。ただそのソウル・レビューでは、さすがに寄る年波に勝てないのか、原曲の高い音程が出ず、また声量の衰えを隠せないアーティストも少なくなかったが、ただ一人、全盛期とほぼ変わらない圧倒的な声量と確かな音程で力強く歌い切ったのがサム・ムーアだった。
そしてライヴ中盤、ポール・ロジャースをステージに呼び出し、「私の息子、ポール・ロジャース
そんな感動的な一夜が明けた翌日、急遽ポール・ロジャースとサム・ムーアの対談インタビューが実現した。2人の会話にサムのマネージャーで奥さんのジョイスも加わり、インタビューと言うよりも楽しいトーク・セッションとなった。――昨夜のアフター・パーティーで、思い掛けず2人のデュエットが聴けて感激しました。
歌ったのは1年前のサムのアルバムのレコーディング・セッション以来で、ライヴで歌ったのはもちろん初めてだよ
あの歌をサムと歌うことが出来たのは、僕にとって素晴らしい経験だった。
というのも僕はサムの大ファンで、小さい頃から彼の歌を聴いて育ったんだからね
彼は僕の先生なんだ。そのサムと1本のマイクをはさんで一緒にあの歌を歌う事ができたのは本当に特別な経験だった。
と歌いだした瞬間、僕は感動して13歳の頃に戻ってしまったような気分だったよ
昨夜、あの曲をオーディエンスの前で歌う機会を与えてもらって、本当に光栄に思うよ
――レコーディングであの曲をデュエットすることになった経緯は
サム(以下S):確かジョイスとランディ・ジャクソン(サムのアルバム・プロデューサー)が誰にどの曲を歌ってもらうか決めていて、ジョイスのアイディアだったと思うよ
ポールにあの曲を歌ってもらおうって
で、デトロイトでポールにそれを伝えたんだ。
――ところで、お二人はいつ頃からの知り合いなんですか
P:個人的にサムと初めて会ったのはそのデトロイトで、フォー・トップスの結成50周年記念を祝うイベントの時だったんだ。
僕にとってそれ以上最高の出会いなんてないだろう
ジョイス(以下J):2人がアルバムでデュエットした「We Shall Be Free」は、トリシア・イヤーウッドやガース・ブルックスが出ていたあるチャリティーで、トリシアがゴスペルのクワイアーをバックに歌っていたのを聴いた時に感動して、サムのアルバムに入れるべきだって思ったの
ポールがサムと一緒に何かやりたいって言ってたのを知っていたから、この曲を二人が歌ったら素敵だなって思ったのよ
――ポールはサム&デイヴを聴いて育ったということですが、サムさんはいつ頃ポールの存在を知ったんですか
S:いつだったっけなぁ
ずっと前から知っているんだけどね
ある時、ポールの歌がラジオから聞こえて来て、思わずジョイスに「コイツは歌える。
」って言ったのを憶えているよ(笑)
J:「メチャクチャ凄い。
ソウルフルだ」ってね(笑)
S:で、その後ポールが私のファンだってことを聞いたんだ。
それでクイーンと一緒にポールが演るって聞いたんだけど、誰かの代わりに歌を歌うということは難しいと思ったよ
歌うからにはちゃんと歌いこなさないといけないだろ
でもポールはやってのけたんだ。
それからはポールの名前をあちこちで聞くようになってね
不思議なのは、ポールがレコーディング・スタジオに入ってきて一緒に歌い始めたらものすごくしっくりいって、プロデューサーのランディが何も言うことがなくなってしまったんだ。
ポールは全てのパートを完璧に歌いこなしていたよ
だからジョイスとランディに言ったんだ。彼はオールド・スクールの歌い方を完全に理解している。
本当に凄いヤツだってね
だからレコーディングはとても楽しかったよ
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わがクイーン 大貫憲章
クイーン黄金時代 東郷かおる子
13年ぶりの新作を語る。
加藤正文(かとう・まさふみ)
ワーナーパイオニアでアルバイトしていたときにレッド・ツェッペリンの初来日を体験
同社入社後、クイーンやディープパープルなどを担当した“伝説の洋楽ディレクター”
3 愛にすべてを
7 手をとりあって(ハイ・ディフィニション・ミックス2005)
11 伝説のチャンピオン
2000年、20万枚限定生産アルバムとして発売され、またたく間に完売したQueenタイアップコンピレーションのパワーアップ・バージョン
F1中継番組の新たなテーマ曲としてクイーンによって制作された「フラッシュ〜伝説のヒーロー」など、いままでのクイーンコンピには収録されていなかった楽曲も多数収録
クイーンのメンバーとは、一応こっちはプロモーター側の人間だからってこともあるし、あえて経緯は話さなかったというか、むしろ最初のディレクターだったという話はしたくなかったんですよ
普通の話はしてましたけど
遅れて仙台から合流したマネージャーのヘッドのジョン・リードに何故か気に入られちゃってね(笑)
彼はエルトン・ジョンとバーニー・トーピンとの噂のある人で、その話は知ってたから狙われないように髭を生やしたり、破れたウェスタンシャツとか着て、およそクイーンとは縁遠い恰好をしていたんだけど、買い物に付き合わされたりして
近所の洋服屋で詰め襟の学生服と帽子を被って「どう
」って訊かれて(笑)
で「キュートよ
」って言ってあげたり
日本ツアーの最後の晩に外人スタッフ主催の打ち上げパーティーがあって、外人がそれぞれ日本人をひとり招待するっていう企画のね
で、案の定、招待されて
でも無事何事もなく
次の日の羽田の送り出しもファンが凄くて大パニックで、大混乱の中、そのジョン・リードも搭乗口まで必死の形相で進んでいくんだけど、私と目が合うたびにニコっと微笑んで、その状況が可笑しくてね(笑)
メンバーに関してのエピソードでは、やっぱりダントツで面白いのはフレディですね
2度目の時にワードローブ係で来ていたのがそれまでハリウッドで仕事をしていた揉み上げが凄い人で(笑)、楽屋からステージの袖まで手を取ってフレディをエスコートするんですよ
それでお尻をポンと叩くとステージに出るっていう。あとファンがあまりに凄かったから、メンバーひとりに一人ずつセキュリティをつけて、ホテルは基本ワンフロア貸し切りにしたんです。
エレベーター前に長テーブル置いて出入りをチェックするほどの厳戒態勢の中、フレディは平気でフルチンで廊下を歩いているわけですよ
あと印象的なのは、メンバーの通訳で鯨岡さんていう上品なお嬢さんが付いていて、彼女がフレディに頼まれて「手を取り合って」の日本語の訳を非常階段とかで必至に訳していたのを覚えていますね
「こんな感じでいいんですかね
」「歌ってみないと分からないよね」みたいな会話をしながらね
それと、ファンからのプレゼントがもの凄い量で楽屋の三分の一が天井まで埋まるくらいだったですね
結構、持って帰らないアーティストも多いんだけど、全部イギリスに持って帰ると、持ちきれない分は送ってくれと
メンバーの性格は、フレディは親分肌で男っぽく、カッコいいんですよ
実際にバンドのリーダーだったし
で、ロジャーはロックンローラーと言うか、なんか勢いがあるって言うかスカッとした性格で、で他の2人がはっきりしないというか意外とよく分からない性格なんですよ
ジョン・ディーコンは趣味なのか、確か仙台で分かったんだけど、電気関係に強いみたいでスタッフや他のメンバーの部屋に隠しマイクをセットして、それを何人かで聴いて楽しんでたりね
あと福岡に着いた時、今なら考えられないけどFMで、ひかり何号で来るって言っちゃったらしくて、駅に着いたらホームから人がこぼれそうなほど集まってとんでもないことになってたんですよ
着いた途端にいきなり警察がドドッーと車両に乗り込んできて、先に一般客降ろすから、まだ出ないで下さいと
仙台では滑走路まで車を入れて、ホテルまで直行しましたからね
結局、この時はマネージャーにもメンバーにも意地でも私からは初代の担当者だという話はしなかったし、当時は英語もろくに話せなかったので伝えたくても伝えられなかったんですけどね(笑)
その後はもう会う機会はなかったんですが、それから10数年経ってから、たまたま仕事でイギリスの国際会議に行った時に、フレディがエイズで長くないっていうことを自覚していて、自分の誕生日にお世話になった人を20人くらい集めてパーティーをやったという話を聞いたんですよ
その時、ルビーだと聞いたと思うんですが、相当大きな宝石が付いた指輪をフレディが全員にプレゼントしたと
で、確かその翌年にフレディは亡くなったんです。
大人の遊び場|
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7月25日、26日、27日と新潟県苗場スキー場で開催されたFUJI ROCK '08に元ニッポン放送相談役亀渕昭信さんと音楽ライター保科好宏さんが参戦
昨年末のレッド・ツェッペリン再結成コンサートに続く2人の対談が伝える“大人のロックフェス・リポート”
保科好宏(以下H): 意外にも亀渕さんは、フジロックは今回が初体験とか
亀渕昭信(以下K): 僕の野外フェス経験っていうのはすごく古くて、観客としては1967年のモンタレー・ポップ・フェスティバルが最初
スタッフとしては、1971年の箱根アフロディーテかな
だから(フジロックの)グリーン・ステージでちょっと霧がかかると、あっこれは箱根アフロディーテみたいなんて思ってしまう。
最近はずっとロッキン・オンとニッポン放送が一緒にやっている仕事で水戸ロック・イン・ジャパン・フェスとか、それからサマーソニックもやってましたし
今回はニッポン放送を離れて自由になったんで、さっそく見に行こう、ということで来たんです。
そしたら会場で渋谷陽一さんにバッタリお会いして「僕、ニッポン放送の時は(ロック・イン・ジャパン・フェスに)義理立てしてこっちには来なかったんだよ」って言ったら、渋谷さんが「僕は毎年来てるよ」って
カックン、でした(笑)
H:(笑)で、実際にフジロックを体験し、昔のフェスとの違いとか、どういう印象をもたれましたか
K:今回は2日目まではとっても天気に恵まれましたね
最終日の午後は大雨で大変だったみたいですけど
フジロックも第一回目は、台風で一日だけしか出来なかったというのが伝説になっているけど、こういう大型フェスではウッドストックにしろ、イギリスのワイト島にしろ大変なことがあったわけで、混乱はつきものだったんだよね
でも続けて行くことで学習して、今回のフジロックをみる限り、ほんとに良くまとめられているなと思う。
会場、主催者のみなさん、機材の進化、そしてお客さん、それぞれの面で事故がないように取り組んでいるし、エコもしっかり取り入れていて素晴らしいよね
10年たってとてもいい結果が出てきたんじゃないかと思います。H:おそらく、世界でもここまでウェル・オーガナイズされたフェスってないんじゃないかって思います。
さて、今回観たライブの感想をお伺いしたいんですが
K:ステージが7つぐらいあるんだっけ
いちばん遠いステージ間は、おじさんの足だと1時間コースだね、大変だよ
往復すると2時間、アジャパーだね
よっぽど根性入れてこれ行くぞ、と思わないと行けないよね
フェスティバルのオープンニグを飾ったアコギ・デュオ、ロドリーゴ・イ・ガブリエーラ(上)
ヴォーカルのベス・ディットーの迫力のパフォーマンスで会場を盛上げたゴシップ(下)
H:では、午前11時半過ぎ、最初に観たロドリーゴ・イ・ガブリエーラですが
K:前に保科さんと一緒にロンドンのハマースミス・アポロで観た時、「うまいなぁ、この人たち」と
今回もお客さんからの熱狂的なものがすごく感じられて、ああ、日本でもけっこうな人気になったのだと感じた。
H:そうですね
グリーンは一番大きなステージで、おそらく彼らのことを事前に知ってた人は半分以下だと思うんですが、そのわりには盛り上がっていましたよね
訴求力ありますよ、あの音楽は
K:ギター2台であれだけの音を創るというのは知的でもあるし
僕なんか古い人だから、歌わなくて電気もあまり使わないサンタナとかホセ・フェリシアーノとか思い出すね
H:ああ、そうですね
ラテンやスパニッシュの要素がすごく強いですし
で、次は何を観たんでしたっけ
K:素敵だったのは(次に観たステージの)レッド・マーキー
ここでは若いバンドがたくさん出て面白かった。特にゴシップがすごい良くって、うーん、これはほんとに驚いた。最近は太ってる歌い手さんが人気の時代だって言われるけど、たしかにゴシップのヴォーカル(ベス・ディットー)は、身体ゆすって、汗飛び散らかしてさ、それこそ半裸状態で脂肪をぶるんぶるん振るわせて歌う、ウォーって それって見せ物としても面白いけど、目をつぶるとね、ほんとに良く通る声で声量もあるし、キャラは立っているし、白人のソウルシンガーとしては大変なものです。
同時に、ギターとドラマーが醸し出すビートとリズム感、これがちょっと普通のバンドじゃない感じで、わー面白いなと、これって進化しているロックだと思ったね
ギターとドラム、特にギターがこのバンドの肝かなと
H:そのあたり、亀渕さんの目の付け所はさすがですね
普通はやっぱりどうしても女性シンガーに目が奪われてしまうと思うんですよ
確かに彼女の存在感がウリなんですけど、やっぱりあのバンドだから新鮮だという所がありますよね
あれでもし普通のバンドで、キーボードの入ったMG'sみたいなものだと、もう完璧にソウル・ショーみたいになっちゃうというか
K:そうだね、曲によってベースが入ったり入らなかったり、ベースレスもたぶんギターの人がリーダーで、音作りを考えてやってるのかもしれないけど
面白いと思ったね
H:そのあたりのバランス感覚が“今”というか
K:今の音だね
ほんとに、あのギターの人、歯で弾いたり肩で弾いたり面白いこととやってさ
ほんとに面白かったね、ゴシップ
64年(株)ニッポン放送入社、69年から「オールナイトニッポン」のDJを務め「カメ」の愛称で大人気に
99年同社代表取締役社長就任、同社相談役を経て 08年6月同社を退任
近著に『亀渕昭信のオールナイトニッポン 35年目のリクエスト』(白泉社)
本誌では連載コラム「カメカメポップス」
10代にブリテッィシュ・ロックに目覚め、ザ・フーファンクラブ初代会長に
以後ロック専門の音楽ライターとして長年活躍、本誌ではCD評を中心にレギュラー執筆中
共書に『ザ・フー・ファイル』(シンコー・ミュージック)ほか
またPIGなど海外アーティストのマネジメントも手がける。
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