Dich auf das Schreiben vorbereiten Das Drehbuch überarbeiten Das Drehbuch schreiben
Im Gegensatz zu einer Kurzgeschichte oder einem Roman basiert ein Drehbuch auf Dialogen und nicht auf Prosa oder Beschreibung. Die große Regel beim Drehbuchschreiben lautet: du schreibst visuell. Filme sind eine Bildserie, weshalb die Bilder in deinem Drehbuch beeindruckend und kraftvoll sein sollten.   Eine andere wichtige Regel lautet: Jeder Absatz mit Handlungszeilen sollte aus drei Zeilen oder weniger bestehen. Das heißt, dass die Beschreibungen über die Kleidung oder die Handlungen einer Figur in einer bestimmten Szene drei Zeilen nicht überschreiten sollten. Verwende so wenige Worte wie möglich, um die Handlung oder den Handlungsort zu beschreiben und lasse die Dialoge für sich sprechen.   Der Hintergrund einer Figur und deren Motivationen sollten durch die Handlungen und Dialoge der Figur klar werden, so dass keine langen Beschreibungen nötig sind. Die besten Drehbuchschreiber brauchen im gesamten Drehbuch nicht mehr als zwei Zeilen pro Absatz für ihre Handlungsbeschreibungen. Jedoch sollten die Dialoge viele kraftvolle Beschreibungen enthalten. Schreibe immer in der Gegenwartsform. Dadurch bewegen sich die Dinge in deinem Drehbuch weiter und das ist genau das, was ein Drehbuch machen sollte: die Handlung und die Figuren weiterbringen. Wie immer gibt es auch hier Ausnahmen zu der Regel von drei Beschreibungszeilen oder weniger pro Szene. Zum Beispiel enthält das Drehbuch für den Film von 2011 “All is Lost” (geschrieben von J.C. Candor, mit Robert Redford in der Hauptrolle) nur vier bis fünf Seiten Dialog im gesamten Drehbuch. Die meisten Handlungen der Hauptfigur werden durch lange Passagen mit Handlungsbeschreibungen klar gemacht.  Solche Drehbücher sind aber sehr selten und es ist schwierig, sie gut hinzukriegen. Drehbücher werden anders formatiert als andere Textarten. Das Drehbuchformat ist sehr konkret und kann dazu führen, dass du die Tabulator- und Eingabetaste oft drücken musst, wenn du mit einem Textverarbeitungsprogramm arbeitest. Du kannst eine eigene Software benutzen, die die Formatierung für dich übernimmt, wie zum Beispiel Final Draft, Scriptor oder Movie Magic.  Es gibt auch einfachere Versionen von Drehbuchsoftware kostenlos online. Achte auf die verschiedenen Elemente beim Drehbuchformat, wie unter anderem:  Die Szenenüberschrift: Diese steht ganz in GROSSBUCHSTABEN am Anfang einer Szene und beschreibt kurz den Schauplatz und die Tageszeit. Zum Beispiel: INNEN KNEIPE - NACHT. Manchmal werden Kopfzeilen zu etwas Einfacherem abgekürzt, wie “SPÄTER” oder “SCHLAFZIMMER”.  INN/AUSS: INN oder INNEN steht für Innenräume, wie zum Beispiel INN HAUS und AUSS oder AUSSEN steht für die Außenansicht oder das Äußere eines Schauplatzes, wie in AUSS HAUS.  Übergänge: Diese helfen dir, innerhalb des Drehbuchs von Szene zu Szene überzugehen. Beispiele für Übergänge sind FADE IN oder AUFBLENDE und FADE OUT oder ABBLENDE, was bedeutet, dass sich eine neue Szene langsam öffnet oder eine vorhergehende langsam schließt und CUT TO oder SCHNITT AUF, was bedeutet, schnell zu einer neuen Szene zu springen. Du kannst auch DISSOLVE TO oder ÜBERBLENDUNG verwenden, wenn eine Szene nahtlos in eine neue übergeht.  CLOSE UP oder NAH: Das bedeutet, dass die Kamera an eine Person oder eine Sache auf dem Bildschirm nah herangeht. Zum Beispiel: “CLOSE UP von Mias Gesicht.”  FREEZE FRAME: Das bedeutet, dass ein Bild aufhört, sich zu bewegen und zu einer Fotografie auf der Leinwand “einfriert”.  H/G: Steht für Hintergrund, um anzumerken, wenn etwas im Hintergrund der Haupthandlung passiert. Du kannst H/G oder “Hintergrund” verwenden, um das im Drehbuch anzumerken. Zum Beispiel: “Zwei Figuren kämpfen im H/G.”  A/SF oder A/BG.: Steht für “Außerhalb des Sichtfeldes” oder “Außerhalb der Bildbegrenzung”.  Das bedeutet, dass die Stimme der Figur von außerhalb des Bildes oder von einer anderen Stelle des Handlungsortes kommt. Zum Beispiel: “Harry schreit Sally A/SF an.”  V.O.: Steht für Voice-over, was bedeutet, dass ein Schauspieler einen Text über die Szene liest und die Szene dabei erzählt. Das steht unter dem Namen der Figur, vor ihrem Voice-over Monolog. Montage: Eine Bildserie, die ein Thema, einen Widerspruch oder den Verlauf der Zeit anzeigt. Wird normalerweise verwendet, um den Ablauf der Zeit in kurzer Zeit auf der Leinwand darzustellen.  Fahraufnahme: Eine Fahraufnahme bedeutet, dass die Kamera einer Person oder einem Objekt folgt. Solange die Kamera nicht bewegungslos auf einem Stativ befestigt ist und dem Subjekt folgt, ist es eine Fahraufnahme. Es gibt einige Drehbücher, die als fast perfekt gelten, wie zum Beispiel das Drehbuch für den Klassiker von 1942, “Casablanca” . Andere Drehbuchbeispiele zeigen verschiedene Arten, wie du mit der Form spielen kannst. Zum Beispiel:  “Sein Mädchen für besondere Fälle”, ein Drehbuch von Charles Lederer   “Pulp Fiction”, ein Drehbuch von Quentin Tarantino.  “Harry und Sally”, ein Drehbuch von Nora Ephron.  “Thelma & Louise”, ein Drehbuch von Callie Khouri. Die Bildanweisungen beschreiben den Schauplatz der Szene, manchmal auch mit konkreten oder allgemeinen Zeitangaben.  In “Thelma & Louise”, hat die erste Szene die Überschrift: INN RESTAURANT- MORGEN (HEUTIGER TAG).  In  “Harry und Sally”, hat die erste Szene eine Überschrift, die sich auf keinen bestimmten Ort oder eine Zeit bezieht: “DOKUMENTARMATERIAL”. Das zeigt an, dass der Film mit Dokumentarmaterial beginnt und nicht mit einem konkreten Schauplatz. Diese Elemente sollten in wenigen Worten, aber mit viel Detail beschrieben werden.  In “Thelma & Louise” bekommen wir einen einleitenden Absatz über LouiseLOUISE ist Kellnerin in einem Café. Sie ist in ihren frühen Dreißigern, aber zu alt dafür. Sie ist sehr hübsch und sorgfältig gepflegt, selbst gegen Ende ihrer Schicht. Sie haut schmutzige Kaffeetassen von der Arbeitsfläche auf eine Geschirrablage unterhalb. Das verursacht viel KRACH, den sie aber nicht bemerkt. Im H/G spielt COUNTRYMUSIK, zu der sie mitsummt.  Die Drehbuchautorin zeichnet hier ein klares Bild von Louise durch ihren Beruf (“Kellnerin in einem Café”), ihre Kleidung und ihr Aussehen (“frühe Dreißiger, aber zu alt dafür”, “hübsch, sorgfältig gepflegt”) und ihre Handlungen (“haut schmutzige Kaffeetassen auf Ablage”, “bemerkt den Krach nicht”). Auch die Inklusion von Geräuschen (die in Drehbüchern auch immer groß geschrieben werden), wie Countrymusik, trägt dazu bei, dass ohne viele Worte ein deutliches Bild der Szene gezeichnet wird. In “Pulp Fiction” gibt es einen einleitenden Absatz über den Schauplatz: Ein normales Café wie Denny’s oder Spires in Los Angeles. Es ist ca. 9:00 Uhr früh. Obwohl das Lokal nicht ganz voll ist, gibt es doch eine Anzahl von Leuten, die Kaffee trinken und Speck und Eier essen.  Zwei dieser Leute sind ein JUNGER MANN und eine JUNGE FRAU. Der junge Mann spricht in einem leicht proletarischen englischen Akzent und raucht – wie alle seine Landsmänner – Zigaretten wie ein Schlot.  Man kann nicht feststellen, wo die junge Frau her ist oder wie alt sie ist; alles, was sie macht, widerspricht ihren Handlungen. Der Junge und das Mädchen sitzen in einer Nische. Der Dialog wird schnell gesprochen, in der Art von “HIS GIRL FRIDAY”.   Tarantino liefert grundlegende Details darüber, wie viele Leute sich an dem Ort befinden (“eine Anzahl von Leuten”, junger Mann und junge Frau) und gibt konkrete, aber kurze Details zu beiden Figuren an. Er erwähnt auch “His Girl Friday”, einen Film von 1940, der berühmt für seine blitzschnellen Dialoge ist. Alle diese Details vermitteln ein grundlegendes Gefühl von der Beschreibung und den Figuren, das dann durch den Dialog verdichtet wird. Die meisten Drehbücher haben aus gutem Grund sehr viele Dialoge. Der Dialog ist das Hauptmittel eines Drehbuchautors, um die Geschichte in einem Film zu erzählen. Achte darauf, wie eine bestimmte Figur Sprache im Dialog verwendet.  Zum Beispiel lässt Tarantino Jules in “Pulp Fiction” Slang verwenden, wie “Was meinste?” anstatt “Was meinst du?” und er flechtet auch Flüche in Jules’ Dialog. Das trägt zur Erhellung von Jules’ allgemeinem Charakter und seiner Persönlichkeit bei.   In “Thelma & Louise”, verwendet Louises Figur “Jesus Maria” und “Um Himmels Willen” in ihren Dialogen. Das steht im Gegensatz zu Thelmas Dialogen, die braver und anständiger sind. Dadurch unterscheidet die Drehbuchautorin Khouri beide Figuren voneinander und zeigt dem Publikum durch ihren Dialog, wie jede Figur denkt und handelt. Visuelle Anweisungen sind kleine Beschreibungen, die vor dem gesprochenen Dialog stehen. Diese Anweisungen stehen vor dem Dialog der Figur in Klammern.  In “Harry und Sally” notiert Ephrom zum Beispiel: (“ahmt einen Summerton nach”) vor einer von Harrys Dialogzeilen. Das ist eine kleine Anmerkung, aber sie macht klar, dass Harry als Figur einen bestimmten Sinn für Humor und eine bestimmte Art zu sprechen hat.    Das kann auch mit nur einem Wort der Beschreibung zwischen einem Dialog geschehen.In “Pulp Fiction” merkt Tarantino an, dass eine Kellnerin “(patzig)” ist, als sie etwas zu den Figuren sagt. Das verleiht den Zeilen der Kellnerin eine bestimmte Einstellung und setzt ihren Dialog in einen Zusammenhang.   Gib nur dann visuelle Anweisungen, wenn es notwendig ist. Verlasse dich nicht auf visuelle Anweisungen, damit sie die Geschichte für dich erzählen. Die Dialoge und die Handlungen der Figuren sollten die Geschichte auch ohne visuelle Anweisungen effektiv erzählen. Die meisten Drehbücher gehen mit der Anmerkung “SCHNITT AUF” von einer Szene zur nächsten: das bedeutet, dass  es zwischen einer Szene und der folgenden einen Schnitt geben wird. Du solltest nur dann zu einer Szene schneiden, wenn du zu einer neuen Szene oder einem neuen Bild übergehst, wie in “Pulp Fiction”, wenn Tarantino zuerst zwei Figuren sich in einem Auto unterhalten lässt und dann dieselben zwei Figuren den Kofferraum des Autos öffnen lässt.  Du siehst vielleicht auch die Anmerkung: “AUFBLENDE” oder “ABBLENDE”. Aufblenden passieren normalerweise am Anfang eines Films, wie bei “Harry und Sally” , während die Abblende am Ende des Films passiert, wenn das Bild langsam schwindet. Aufblenden sind eine sanfte Eröffnung einer Szene, die den Zuschauern erlaubt, sich mit der Szenerie vertraut zu machen. Achte darauf, wie der Drehbuchautor eine bestimmte Kameraeinstellung wählt, um ein bestimmtes Bild oder einen bestimmten Augenblick zu erschaffen. Die meisten Drehbuchautoren setzen Hinweise für die Kameraeinstellung nur ein, wenn sie das Gefühl haben, dass es absolut notwendig ist und der Geschichte am besten dient.  Zum Beispiel eröffnet Tarantino eine Szene in “Pulp Fiction” mit einer Anmerkung zu einer Fahraufnahme: AUSS APARTMENTHAUS HOF – MORGENVincent und Jules gehen durch den Hof eines Gebäudes, das aussieht wie ein Apartmenthaus im Hacienda-Stil in Hollywood. Ihre langen Mäntel im gleichen Stil schleppen schon fast am Boden. Wir FAHREN mit.  Das sagt aus, dass die Kamera mit den Auftragskillern mitfahren wird, wodurch auf der Leinwand ein Gefühl von Bewegung erzeugt wird. Dein Drehbuch ist jetzt durch mindestens eine Fassung gegangen. Aber bevor du es anderen zeigen oder es an interessierte Studiomanager schicken kannst, musst du sicherstellen, dass das Drehbuch auch ordentlich formatiert ist.   Achte darauf, dass dein Drehbuch mit Folgendem beginnt: einer “Einblende”, einer Bildanweisung und einer Beschreibung des Schauplatzes. Überprüfe, ob dein Drehbuch Beschreibungszeilen für jede Figur enthält – besonders, wenn eine Figur zum ersten Mal im Drehbuch auftaucht. Wisse, dass alle Figurennamen und alle Geräusche groß geschrieben werden. Prüfe, ob auch alle visuellen Anweisungen in Klammern stehen. Überprüfe die Übergänge zwischen den Szenen, wie “Schnitt zu”, “Einblende”, “Abblende”. Überprüfe, ob du am unteren Ende der Seite auch (MORE) oder (CONT’D) geschrieben hast, wenn die Seite mitten in einem Dialog oder einer Szene endet. Schaue, ob auf jeder Seite oben rechts die Seitenzahl steht. Im Filmgeschäft passiert dieses Lesen nach dem Verkauf des Drehbuchs oft an einem runden Tisch mit den Schauspielern und Schauspielerinnen, die deine Figuren spielen werden.  Aber auch, wenn du dein Drehbuch noch nicht an dein Traumstudio verkauft hast, ist es wichtig, es laut zu lesen. Bitte ein paar Freunde, verschiedene Figuren in einer Szene zu spielen. Achte darauf, wie die Dialoge funktionieren, um die Handlung weiterzubringen und wie die Szenenübergänge funktionieren. Höre auf die Sprache deiner Figuren und frage dich, ob das Drehbuch gut auf einer großen Leinwand kommen würde. Eine gute Art, das zu machen, ist, über Filme oder Filmfiguren nachzudenken, die dir gefallen haben und in Erinnerung geblieben sind. Gefällt dir ein bestimmtes Genre, wie zum Beispiel romantische Komödien, Actionfilme, Horrorfilme? Überlege dir, dein Drehbuch in einem Genre zu schreiben, das dir gefällt. Du weißt wahrscheinlich am meisten über ein Genre, an dem du interessiert bist und deine Leidenschaft wird beim Schreiben herauskommen.   Du kannst auch über eine Kindheitserinnerung nachdenken, von der du noch immer verfolgt wirst oder eine Erfahrung aus dem Erwachsenenleben, an die du immer noch denken musst. Vielleicht hast du Interesse an einer konkreten Zeitperiode, wie zum Beispiel Paris in den 1950ern oder Kalifornien in den ‘70ern. Dann kannst du beginnen, Ideen für Geschichten zu sammeln, bei denen die Figuren sich in einer bestimmten Zeitperiode oder in einer bestimmten Szenerie bewegen. Schreibe über Gefühle und Menschentypen, die dir bekannt sind und die dir etwas bedeuten. Dadurch kann du deine Geschichte anderen besser vermitteln. Erschaffe eine Figur, bei der du das Gefühl hast, dass du 300 Seiten über sie schreiben kannst, ohne dich zu langweilen. Die Figur muss sowohl deine als auch die Aufmerksamkeit des Publikums halten. Denke an Leute, die du kennst, Leute, über die du in Interviews gelesen hast oder Leute, die dir auf der Straße oder im Supermarkt aufgefallen sind. Dein Held oder deine Heldin kann an ein Thema gebunden sein, wie zum Beispiel Krieg oder Einsamkeit oder Liebe. Dein Held oder deine Heldin kann aber auch eine Reaktion gegen die Klischees eines Genres oder Themas sein, wie zum Beispiel eine Hexe mit Liebeskummer oder ein sanfter, liebevoller Gangster.  Schreibe ein Charakterprofil für deine Hauptfigur. Charakterprofile sind Schreibhilfen im Stil eines Fragebogens, die einem Autor helfen, seine Figuren besser kennenzulernen.   Die Details, die du in einem Charakterprofil beschreibst, werden nicht alle in deinem Drehbuch vorkommen. Aber wenn du so viel wie möglich über deine Figur weißt, hilft dir das, dir diese Figur als echte Person zu denken. Du kannst dich fragen: “Was würde meine Hauptfigur in dieser Szene tun? Was würde meine Hauptfigur sagen oder wie würde sie darauf antworten?” Wenn du dir sicher sein kannst, dass du die Antworten darauf weißt, wird das dein Drehbuch weiterbringen. Eine Logline ist eine Zusammenfassung deiner Geschichte in einem Satz. So etwas wird normalerweise als Vermarktungstechnik verwendet, wenn zum Beispiel ein Studio-Manager dich bittet, ihm deinen besten Pitch zu geben. Dein bester Pitch sollte deine Logline sein. Eine Logline kann auch hilfreich sein, um die wichtigsten Aspekte deiner Geschichte zusammenzufassen und deiner Geschichte einen roten Faden zu geben. Eine Logline enthält normalerweise drei Elemente:    Ein Protagonist: Das ist dein Held oder deine Heldin, die Person, die deinem Publikum ans Herz wachsen wird oder mit der es zumindest mitfühlen kann. Du kannst mehr als einen Helden oder eine Heldin haben, aber jeder Protagonist muss individuell sein und eigene liebenswerte Eigenschaften haben. In “Thelma & Louise”, zum Beispiel, sind die Protagonisten Thelma und Louise, aber im Drehbuch hat jede der Figuren verschiedene Ziele, Motivationen und Perspektiven.  Ein Antagonist: Das ist dein Anti-Held oder deine Anti-Heldin, die Person, die gegen deinen Protagonisten steht. In “Thelma & Louise” ist der Antagonist ein Mann, der versucht, Thelma in einer Bar zu vergewaltigen. Der Antagonist im Drehbuch wird dann aber “das Gesetz”, weil Thelma und Louise flüchten, nachdem sie den Mann, der Thelma vergewaltigen wollte, erschossen haben.  Ein Ziel: Das ist das, was deinen Protagonisten in der Geschichte motivieren und antreiben wird. Was will dein Protagonist? Thelma und Louise wollen zu Beginn des Drehbuchs unterschiedliche Dinge, aber nachdem der Antagonist erschienen ist, wollen beide Figuren nicht ins Gefängnis gehen. Beide Figuren haben ein einheitliches Ziel, das sie im Drehbuch antreibt. Eine fertige Logline für “Thelma & Louise” könnte so aussehen: “Eine Kellnerin aus Arkansas und eine Hausfrau erschießen einen Vergewaltiger und flüchten in einem ‘66 Thunderbird.” Achte darauf, dass die Logline nicht die Namen der Figuren verwendet, sondern sich auf deren Charakter oder Figurentyp konzentriert. Im Geschäft des Drehbuch-Schreibens ist das Treatment das, was deinem Studio-Manager ein Gefühl dafür geben wird, ob die Idee sein Geld wert ist. Bei einer ersten Fassung des Drehbuchs kann ein Treatment auch ein hilfreiches Werkzeug sein, um deiner Geschichte einen Rahmen zu geben und einen ersten Entwurf zu schreiben. Treatments sind Zusammenfassungen von zwei bis fünf Seiten, die deine Geschichte auf drei Akte unterteilen:    Filmtitel: Der Filmtitel kann sich mit der Zeit noch ändern, aber es ist eine gute Idee, wenn du einen Arbeitstitel erfindest, der dein Drehbuch zusammenfasst. Die besten Titel sind oft die einfachsten und konkretesten, wie “Harry und Sally” oder “Pulp Fiction”. Der Titel sollte deinen Lesern oder Zuschauern etwas über das Drehbuch als Ganzes verraten, aber auch ihr Interesse weit genug wecken, damit sie weiterlesen oder -sehen. Vermeide lange oder komplizierte Titel, bei denen du z.B. Beistriche setzen musst. Diese können zwar bei großen Filmen vorkommen (besonders, wenn es Fortsetzungen gibt), aber sie können auch vermitteln, dass dein Konzept nicht ganz klar ist.  Logline: Nimm die Logline, die du im vorherigen Schritt geschrieben hast und setze sie an den Anfang deines Treatments.  Übersicht: Weite deine Logline aus, so dass sie die Namen der Figuren und kurze Details zu deren Persönlichkeit enthält, sowie eine Ahnung, wie die Figuren in der Geschichte von A nach B kommen. Eine Übersicht für “Thelma & Louise” könnte zum Beispiel sein: “Sanfte Hausfrau Thelma fährt mit ihrer Freundin Louise – einer willensstarken Kellnerin – für ein Wochenende zum Fischen weg. Aber ihr Ausflug wird eine Flucht vor dem Gesetz, als Louise einen Mann erschießt, der versucht hatte, Thelma in einer Bar zu vergewaltigen. Louise entscheidet sich, nach Mexiko zu fliehen und Thelma kommt mit. Unterwegs verliebt Louise sich in einen jungen, sexy Dieb namens J.D. und in einen sympathischen Detektiv, der versucht, die zwei Frauen dazu zu bringen, sich zu stellen, bevor es zu spät ist.” Treatments können auch kleine Ausschnitte von Dialogen und Beschreibungen enthalten. Aber die Hauptfunktion des Treatments ist es, die Geschichte insgesamt zusammenzufassen. Hierbei konzentrierst du dich auf den Aufbau des Drehbuchs. Die Gliederung kann dir als Leitfaden dienen, um die Geschichte wirksam zu erzählen. Ein Drehbuch in Standardlänge ist zirka 50-70 Seiten lang. Jede Szene sollte einem Ort zugeordnet sein und es sollte etwas mit den Figuren passieren – oder wegen der Figuren. Diese 50-70 Szenen sollten zentral für die Geschichte sein. Die meisten Drehbücher in voller Länge haben 100-120 Seiten und sind auf drei Akte aufgeteilt:    Akt 1 ist zirka 30 Seiten lang und führt den Schauplatz, die Figuren und das auslösende Ereignis ein. Das auslösende Ereignis ist das, was den Protagonisten dazu bringt, zu handeln und passiert normalerweise nach 10-15 Seiten im Drehbuch. Akt 2 ist zirka 60 Seiten lang und stellt den Hauptteil der Geschichte dar. Hier erkennt deine Protagonistin ihr Ziel oder ihre Absicht und wird mit Hindernissen konfrontiert, die ihrem Ziel oder ihrer Absicht entgegenwirken. Ihr Problem oder Konflikt verschlimmert sich oder ihr Ziel rückt in weitere Ferne. Akt 2 sollte Dringlichkeit und Spannung enthalten, die sich nach und nach aufbauen. Akt 3 ist oft kürzer als Akt 1, zirka 20-30 Seiten. Hier erreicht die Geschichte ihren Höhepunkt, der letzte Versuch deiner Protagonistin, ihr Ziel zu erreichen. Dieser Höhepunkt legt auch das Ende des Drehbuchs fest. Der Staub legt sich und die Heldin könnte entweder dem Sonnenuntergang entgegen reiten, oder vom Pferd fallen. Denke daran, dass du nicht festlegen musst, wieviele Szenen dein Drehbuch genau haben wird, bevor du nicht eine erste Fassung oder Rohfassung des Drehbuchs fertig hast. Aber behalte diese Zahlen im Hinterkopf, wenn du schreibst. Du musst deine Rohfassung wahrscheinlich kürzen und bearbeiten, um ein besser strukturiertes Drehbuch zu bekommen, das auf drei Akten aufgebaut ist. Eine Rohfassung ist dein erster Versuch, das Drehbuch zu schreiben; dabei schreibst du schnell, denkst nicht zu viel darüber nach, was du schreibst und vermeidest es, nachzubearbeiten. Manche Drehbuchautoren versuchen, die Rohfassung in einer Woche oder in einigen Tagen zu schreiben. Wenn du mit einer starken Logline, einem starken Treatment und einer starken Gliederung der Geschichte beginnst, dann solltest du auch eine starke Rohfassung bekommen.  Konzentriere dich darauf, deine Ideen umzusetzen, wenn du deine Rohfassung schreibst. Wenn du dir ewig über die Wortwahl den Kopf zerbrichst oder Korrektur liest, dann kann das den Schreibprozess ins Stocken bringen. Schreib einfach! Denke daran, dass du für ein visuelles Medium schreibst. Konzentriere dich auf die Dinge, die auf der Leinwand gesehen oder gehört werden können und baue keine Dinge ein, die dem Zuseher erklärt werden müssen.   Zum Beispiel beschreibt Tarantino den Drogenkonsum in “Pulp Fiction” durch eine Folge von schnellen Nahaufnahmen, die zeigen, was auf der Leinwand gesehen und gehört wird.  NAH – DIE NADELSticht in Vincents Vene.NAH – BLUTSchießt zurück in die Spritze, vermischt sich mit dem Heroin.NAH – VINCENTS DAUMENDrückt den Kolben hinunter.  Tarantino verwendet nicht sehr viele blumige Adjektive oder Beschreibungen, aber die Art, wie er seine Sätze und Beschreibungen formatiert, zeichnet ein lebendiges Bild. Wenn du Beschreibungen verwendest, solltest du sie konkret und fesselnd gestalten, wie zum Beispiel “schießt” statt “fließt” und eine “Vene” statt ein “Arm”. Fürchte dich nicht vor Leerraum auf dem Papier. Tarantino verwendet Leerstellen, um zu zeigen, dass jede Szene den Zuschauer schnell und mit größtmöglicher Wirkung treffen wird. Das Publikum wird das Gefühl des Drogenkomsums nachvollziehen können, ohne dass lange Kameraeinstellungen nötig sind oder zu viel Bildschirmzeit dafür aufgewendet wird. Zirka 95% aller deiner Dialoge sollten kurz und punktgenau sein. Die Verwendung von Monologen ist beim Drehbuchschreiben auch wichtig und kann gut gemacht werden (wie Jules’ letzter Monolog in “Pulp Fiction” oder Harrys Monolog am Ende von “Harry und Sally”). Aber der Hauptteil deiner Dialoge sollte aus schnellen Ping-Pong-Konversationen bestehen. Vermeide lange Reden wie aus einem Roman. Ein Gespräch, das schnell hin und her springt, hält die Dinge in deinem Drehbuch am Laufen. Bei der Szene im Café in “Harry und Sally” verwendet Ephron zum Beispiel Dialoge, um die Szene voranzutreiben und die Persönlichkeit der Figuren zu zeigen: HARRYAlso, warum hast du mit Sheldon Schluss gemacht?SALLYWoher weißt du, dass es aus ist zwischen uns?HARRYWeil du sonst jetzt nicht mit mir, sondern mit Sheldon der Wundertüte zusammen wärst.SALLYErstens bin ich nicht mit dir zusammen. Und zweitens geht es dich überhaupt nichts an, warum wir uns getrennt haben.HARRYDu hast völlig recht. Ich will es gar nicht wissen.SALLYWenn du es unbedingt wissen willst – es war, weil er extrem eifersüchtig war und ich diese Unterhosen mit den Wochentagen drauf hatte.HARRY(ahmt einen Summerton nach)Wir brauchen ein Urteil darüber. Unterhosen mit Wochentagen drauf? SALLYJa. Die hatten die Wochentage drauf gemalt und ich fand sie irgendwie lustig – und eines Tages sagt er zu mir, du trägst nie den Sonntag. Er wurde total misstrauisch. Wo war der Sonntag? Wo hatte ich den Sonntag gelassen? Ich hab es ihm gesagt, aber er hat mir nicht geglaubt. HARRYWas?SALLYEs gibt keinen Sonntag. Alle deine Figuren sind lebendige Individuen aus Fleisch und Blut. Deshalb solltest du ihre Dialoge an ihren Familienhintergrund, ihren sonstigen Hintergrund und ihre Lebenseinstellung anpassen. Zum Beispiel hätte ein junger Mann, der in der Bronx aufgewachsen ist, ein ganz anderes Sprachmuster und einen anderen Dialekt als eine ältere Frau, die in den 1960ern in England aufgewachsen ist. Die Dialoge sollten sich so anhören wie die Gespräche von echten Menschen.  Es ist besonders wichtig, die Dialoge deiner Figuren unterschiedlich zu gestalten, wenn mehr als eine Figur in einer Szene spricht (wie das in den meisten guten Drehbüchern vorkommt). In “Thelma & Louise”, verleiht Khouri jeder ihrer Figuren ein eigenes Sprachmuster und einen eigenen Slang, um ihre verschiedenen Ansichten und Gedanken innerhalb einer Szene herauszustreichen. Beschränke dich nicht auf das Offensichtliche. Dialoge sollten immer zu mehr dienen als nur einer Sache. Ein Dialog, der den Lesern nur etwas über den Hintergrund einer Figur erzählt oder nur dazu da ist, die Frage einer Figur zu beantworten, erreicht nicht genug. Der Café-Dialog in “Harry und Sally” ist nicht einfach ein beliebiges Gespräch zwischen den Figuren. Sondern Sallys Geschichte erzählt uns auch etwas über ihre Einstellung zu Beziehungen und wie sie über Intimität und Ehrlichkeit denkt. Wenn du Monologe in deinem Drehbuch einsetzen willst, dann solltest du nur einen oder zwei im gesamten Drehbuch verwenden und diese auch etwas bedeuten lassen. Sie sollten erstens brillant sein und zweitens notwendig für die Entwicklung deiner Geschichte und/oder Figuren. Es kann verlockend sein, deine Figuren “nobel” klingen zu lassen, indem du eine altmodische Sprache verwendest. Denke daran, dass deine Figuren für die modernen Zuseher immer noch wie echte Leute klingen müssen. Kippe nicht so sehr in eine veraltete Sprache hinein, dass deine Figuren nicht mehr lebendig wirken. Gib nicht der Versuchung nach, ewig lange Beschreibungen deiner Figuren oder Schauplätze herunterzuleiern. Drehbuchschreiben hat weniger mit schönen Details zu tun, als damit, dass man eine Szene früh beendet, um den Zuseher bei der Stange zu halten. Es ist ein guter Trick, den ersten und den letzten Satz einer Szene herauszuschneiden. Wenn die Szene ohne diese beiden Sätzen immer noch funktioniert, dann lasse diese aus.  Zum Beispiel beendet Tarantino viele Szenen in “Pulp Fiction” direkt in einem kritischen Moment, wie wenn zwei Auftragskiller ein Ziel töten oder wenn jemand zusammengeschlagen wird. Er schneidet dann von dieser kritischen Szene direkt zu einer neuen. Dadurch bewegt sich die Handlung der Geschichte immer weiter und die Zuseher bleiben gespannt. Einer der großen Vorteile beim Film ist, dass du wichtige Ereignisse und Bilder in einem großen Format zeigen kannst – solche Szenen werden auch “Set pieces” genannt. Das sind normalerweise eindrucksvolle und fesselnde Szenen, die – zumindest bei den meisten Actionfilmen – auch sehr aufwendig gemacht sind. Aber selbst in Filmen, in denen hauptsächlich zwei Leute miteinander an verschiedenen Schauplätzen reden (“Harry und Sally”) oder in dem zwei Frauen auf der Flucht sind (“Thelma und Louise”) sollte es immer große Herausforderungen und große Ziele für die Figuren geben.   Harry und Sally suchen beide Liebe und Partnerschaft und nachdem sie eine Dekade lang Freunde waren, merken sie, dass sie genau das aneinander gefunden haben. Deshalb steht viel auf dem Spiel: weil ihre Freundschaft aus sein könnte, wenn ihre romantische Beziehung nicht funktioniert. Das Ziel ist hochgesteckt, weil es für beide um etwas Universelles geht: Liebe. Auch für Thelma and Louise steht viel auf dem Spiel und ihre Ziele sind hochgesteckt. Eine Folge von Ereignissen im Film bringt beide Figuren in eine Situation, in der sie im Gefängnis landen könnten – dabei steht viel auf dem Spiel. Also ist ihr großes Ziel, dem Gesetz zu entkommen und irgendwie aus dieser Situation als freie Menschen herauszukommen. Es fällt alles wieder auf die 3-Akt-Struktur zurück. Egal, wie einzigartig oder interessant das Thema ist,  dein Drehbuch sollte in drei Akte hineinpassen. Es sollte einen Akt 1 mit einem auslösenden Ereignis geben, einen Akt 2 mit dem Ziel des Protagonisten und einer ansteigenden Spannungskurve oder Hindernissen, die den Weg zum Ziel blockieren, und einen Akt 3 mit einem Höhepunkt und einem Ende.
Mache dich mit der Form eines Drehbuchs vertraut. Gewöhne dich an das Format eines Drehbuchs. Sieh dir Beispiele für Drehbücher an. Schaue dir die Bildanweisungen in den Beispieldrehbüchern an. Achte darauf, wie die Schauplätze und Figuren beschrieben werden. Achte auf die Dialoge in den Beispiel-Drehbüchern. Achte darauf, wie Beschreibungen oder visuelle Anweisungen im Dialog verwendet werden. Achte darauf, wie die Drehbücher von Szene zu Szene übergehen. Sieh dir alle Anmerkungen zu verschiedenen Kameraeinstellungen an, wie eine Nahaufnahme oder eine Kamerafahrt. Überprüfe deine Formatierung. Lies das Drehbuch laut. Sammle Ideen zu deiner Geschichte. Identifiziere einen Helden oder eine Heldin. Schreibe eine Logline. Schreibe ein Treatment. Schreibe eine Gliederung für dein Drehbuch. Schreibe eine Rohfassung. Schreibe visuell. Lasse deine Dialogsequenzen nicht länger als maximal drei Zeilen sein. Mache die Dialoge deiner Figur zu etwas Eigenem. Beginne eine Szene spät und beende sie früh. Lasse deine Figuren große Ziele haben, bei denen viel auf dem Spiel steht. Achte darauf, dass dein Drehbuch einen Anfang, eine Mitte und ein Ende hat.
https://www.wikihow.com/Write-a-Screenplay https://www.wikihow.com/Write-a-Screenplay https://www.wikihow.com/Write-a-Screenplay
Preparing to Write Revising the Screenplay Writing the Screenplay