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Landschaften sind eine der allseits beliebten und klassischen Themen zum Zeigen deiner Fähigkeiten und zum Wertschätzen der Natur. Landschaften benötigen Perspektive und Tiefe und das Finden eines Blickwinkels in die Natur und das Festhalten in Farbe. Dies ist eine Aufgabe, der sich manche Künstler ein Leben lang verschreiben.  Du brauchst nicht am Fuße eines Berges zu leben oder inmitten einer Wüste, um schöne Landschaften zu malen. Geh in den Garten und finde einen guten Blickwinkel auf dem Schuppen oder ein angrenzendes Feld mit einer interessanten Perspektive, um deine Landschaft zu beginnen. Mit dem Beginn des Transzendentalismus und Naturalismus in den 1800ern wurde das Malen  von Landschaften sehr geschätzt und erhielt einen hohen Status, auch wenn das Zeichnen im Freien seit der minoischen Zeit der Kunstgeschichte üblich ist. Heutzutage ist es für Landschaften gebräuchlich, menschliche Einflüsse zu porträtieren – Straßen, Reklametafeln und sogar Autos. Finde ein menschliches oder tierisches Subjekt, beleuchte es gut und platziere es vor einem leeren Hintergrund, um die Lebensform zu studieren. Das braucht einen ruhigen Bleistift, um die Details richtig einzufangen oder aber du näherst dich dem Subjekt eher impressionistisch und versuchst, dessen Essenz zu begreifen, wenn es nicht um eine Repräsentation wie aus dem Bilderbuch geht.  Bei Portraits geht es im Allgemeinen um Details: einige der erfolgreichsten Portraitkünstler der Renaissance wurde zuerst in Kupferstechen oder der Goldschmiedearbeit ausgebildet, um sich daran zu gewöhnen, klein zu arbeiten. Du kannst ein Portrait nicht falsch malen. Übe dich im Aktzeichnen, um zu lernen, die menschliche Form in den richtigen Proportionen und Bewegungen festzuhalten. Denk darüber nach, mit einer Fotografie zu arbeiten, um deinen Akt nicht für Stunden am Stück stillstehen zu lassen. Oder du gehst den altmodischen Weg und lässt ihn sich mit einem Glas Wein und etwas klassischer Musik setzen, um ihn entspannen zu lassen. Selbstportraits sind auch eine gebräuchliche und dynamische Art, die du erforschen kannst. Stell einen Spiegel auf und male was du darin siehst. Finde deinen inneren Rembrandt. Versammle eine direkt beleuchtete Gruppe von Objekten auf einem Tisch und studiere und male sie. Blumen, Früchte und Gemüse, Spielzeug und andere verschiedene, vielfältige Objekte sind perfekt für ein modernes Stillleben. Stell sie in einer ästhetisch ansprechenden Weise auf einen Tisch, mit ausreichend Licht, um Schatten zu werfen und Tiefe zu erzeugen und mach dich an die Arbeit. Klassisches Malen von Stillleben beinhaltet seine eigene spezifische symbolische Tradition und Themen, mit einfach aussehenden Tischlandschaften, die ein komplexes, metaphorisches Tableau, genannt Vanitas, Lateinisch für Eitelkeit, repräsentieren. Die Sammlung von Blumen und Nahrungsmitteln, kurzlebige und natürliche Dinge, symbolisieren manchmal Sterblichkeit, während das klassische Goldene Zeitalter der Stilllebengemälde üppige Darstellungen verwenden, um den Reichtum zu feiern. In einigen Gegenden wurden Ernteerträge zusammengetragen, um die Vollendung der Arbeit und Landwirtschaft zu feiern. Brich die Regeln. Zeichne abstrakt-expressionistische Experimente. Leg Hardbop-Jazz auf und male, was du hörst, mische die Farben schnell und stell Visualisierungen für Klänge bereit oder fange andere Abstraktionen mit Farbe ein. Egal was deine Materialien und dein Motiv sind – fühl dich nicht unter Druck gesetzt repräsentativ oder „richtig“ zu zeichnen. Du willst Karikaturen  oder übertrieben comichafte Versionen deiner Subjekte machen? Tu es einfach. Zieh dir alte Sachen an und trage alle Materialien zusammen, die du brauchst, um anzufangen. Jedes Malprojekt endet wahrscheinlich in etwas Unordnung, deshalb ist es wichtig, dich darauf vorzubereiten, Flecken auf dem Teppich oder anderen Oberflächen zu vermeiden, die du nie wieder entfernen kannst. Such dir einen freien Platz mit viel Licht, um deine Malarbeit anzufangen und alles aufzubauen.  Es weit verbreitet, einen Staffelei zum Malen zu verwenden, aber es ist nicht zwingend nötig. Such dir einen harten Untergrund wie ein altes Klemmbrett, auf das du dein Aquarellpapier aufspannen kannst oder stell die Leinwand auf einen Tisch, der mit alten Laken oder Zeitung bedeckt ist. Leg ein altes Laken oder Zeitung auf den Fußboden und jede Oberfläche, die mit der Farbe in Kontakt kommt. So brauchst du dir keine Sorgen machen etwas zu verschütten, wenn du bereits Abdeckungen hast. Damit kannst dich voll auf das Kreieren konzentrieren. Dies ist kein notwendiger Schritt, du kannst auch sofort mit dem Malen anfangen, aber eine Skizze hilft, die grundlegende Form des Motivs als Orientierung zu haben. Wenn du einen Blumentopf malen willst, musst du keine winzigen Details wie die Pollen in der Blütenmitte malen. Es ist aber eine gute Idee, die allgemeine Form der Blätter auf Papier zu bringen, bevor du Farben hinzufügst.  Verwende  Konturstifte, um die grundlegende Form und gestische Linien zu skizzieren, um einen räumlichen Eindruck von den Objekten und dem Subjekt zu bekommen. Das Objekt besteht aus vielen kleinen Formen wie viele kleine Zeichnungen. Versuche dich auf die Beziehung zwischen den Dingen zu konzentrieren. Platziere die Lichtquelle, die dein Subjekt erhellt und beginne damit, dir vorzustellen, wie der Schatten auf das Subjekt fällt und wie du dies mit Farben und Strichen festhalten musst. Verwende etwas Zeit darauf, auf deiner Palette deine Farben zu mischen und die Farben zu erhalten, die du verwenden willst, um dein Subjekt einzufangen. Einige Maler sind sehr damit beschäftigt, den Ton so genau wie möglich zu treffen, damit es wie im „echten Leben“ aussieht, während andere Maler die Dinge etwas verändern möchten. Es gibt keinen richtigen Weg dies zu tun.  Mische eine kleine Menge Farbe und male auf einige Teststreifen, um zu sehen, wie es auf weißem Hintergrund aussieht, anstatt eine ganze Tube weiß und blau zu vermischen, um hellblau zu bekommen. Bereite nur so viel zu wie du brauchst. Mische deinen hellen Farben eine kleine Menge weiß hinzu, um sie weicher zu machen oder schwarz, um verschiedene Farbtöne zu erzeugen. Fügst du die entgegengesetzte Farbe des Farbkreises zu einer Farbe, erschaffst du einen anderen „Ton“, was dir eine endlose Reihe an Möglichkeiten bietet. Verschiedene kontrastierende Töne in deinem Bild zu haben hilft, einen dynamischeren Eindruck der Farben in deinem Gemälde zu erzeugen. Verwende viele Töne, Schattierungen und Nuancen und denke ernsthaft über Farbe nach. Lerne deine Pinsel zu benutzen, zu säubern und dich um sie zu kümmern, bevor du mit dem Malen beginnst. Bevor du knietief in deinem Meisterstück steckst, solltest du einige Erfahrungen sammeln, wie die Pinsel eine angemessene Menge Farbe halten und übe geschmeidige, gerade Linien mit ihnen. Mach dir keine Gedanken darum, was du zeichnest, mal einfach einige Linien während du Farben mischst oder verdünnst. Verwende kurze, kleine Pinselstriche und lange gleichmäßige. Verwende auf dem Pinsel so wenig Farbe wie möglich, damit du den gewollten Effekt erzielst. Tränke die Seite nicht in Farbe. Verwende verschiedene Pinsel für deren verschiedene Effekte und kleckse, zeichne und tüpfle mit ihnen. Generell solltest du den Hintergrund zuerst zeichnen und dich im Bild von hinten nach vorn arbeiten. Das lässt dich von allgemeinen zu speziellen Details übergehen, Schichten für kleine Details hinzufügen statt andersherum. Wenn du mit den Blütenblättern anfängst, kann das Bild am Ende nicht balanciert aussehen. Experimentiere etwas, um zu sehen, was für dich am besten funktioniert. Bob Ross, jedermanns liebster Fernsehmaler, war überragend darin, seine Bilder mit schnell gezeichneten Hintergründen zu beginnen und seine Fantasie zu benutzen, um anzufangen. Er verwendete oft Komplementärfarben und bürstete den Hintergrund in schönen Sonnenuntergangsfarben trocken, begann dann mit dem Auffüllen der Bäume und anderer Naturszenen, ohne vorher viel dazu zu planen. Das ist eine sehr gute Methode, um auf der Leinwand anzufangen. Die verfügbarste, günstigste und einfachste Malweise, die du verwenden kannst, sind Wasserfarben, die entweder in Tuben oder kleinen Plastikboxen mit verschiedenen Farbpaletten verfügbar sind. Abhängig von der Farbqualität können Wasserfarben leicht und pastoral oder ziemlich pulsierend und lebendig sein. Es ist eine schöne und effektive Art zu beginnen, besonders für Landschaften und skurrile Stillleben.  In seiner Ausgangsform ist Wasserfarbe dick und schwer und wird arbeitsfähig gemacht, indem der Pinsel angefeuchtet wird und die Farbe mit Wasser verdünnt oder aber indem die Farbe mit Wasser auf einer Palette vermischt wird. Es ist eine dünne, helle Farbe, mit der Anfänger leicht arbeiten können, obwohl sie etwas schwer zu kontrollieren ist. Eine Farbe von guter Qualität hilft am Anfang sehr Frustration zu vermeiden, wenn man gerade beginnt. Sennelier-Farben sind Wasserfarben, die sowohl in Topf- als auch Tubenform erhältlich sind und von bedeutend besserer Qualität als die Schulmalfarben sind. Versuch den Topf, damit du nicht so viele Farben einzeln kaufen musst und den Komfort hast, alles an einem Ort zu haben. Schmincke und Windsor & Newton sind ebenfalls Qualitätsmarken, die in Bastelläden weitgehend verfügbar sind. Sie ist schnelltrocknend, aber genauso vielseitig wie Ölfarbe. Acrylfarben sind die am häufigsten verwendeten Farben für Anfänger und professionelle Maler. Wasserbasierte Acrylfarben sind einfach zu verwenden und weit verbreitet in Bastelläden und Spezialkunsthandlungen. Sie sind perfekt für komplexe Details und abstrakte Meisterwerke. Sie sind viel günstiger als Ölfarben, aber nicht weniger professionell. Acrylfarben werden zumeist wie Ölfarben in Tuben verkauft und können auf einer Mischpalette mit einfachem Wasser verdünnt oder gemeinsam zu neuen Farben vermischt werden. Da sie sehr schnell trocknen, sind sie die perfekte Farbe, um Schichten zu zeichnen, Basistöne für Tiefe und Details in Landschaften, Portraits und anderen Bildern zu erzeugen. Die vielseitigsten, professionellsten und dynamischsten erhältlichen Farben sind Ölfarben. Sie sind auch die teuersten und brauchen eine lange Zeit zum Trocknen, dafür bieten sie alle Arten fortgeschrittener Mix- und Schichttechniken für professionelle Maler an. Es mag nicht die beste Startmöglichkeit sein, aber es ist etwas, dass du dir für die Zukunft merken kannst oder mit dem du herumexperimentieren kannst, wenn du nach einer Herausforderung suchst.  Ölfarben werden auch oft in wasserlöslichen Stücken verkauft, die ähnlich wie Wasserfarben verwendet werden können und etwas schneller trocknen als herkömmliche Ölfarben aus der Tube. Hol dir eine Reihe Grundfarben und lerne, deine eigenen Farbtöne zu mischen, um an Kosten zu sparen. Es sei denn du willst die Ölfarbe direkt aus der Tube in dicken, intuitiven Klecksen auf die Leinwand kleckern, so wie Impastobilder von de Kooning (atemberaubend, ja, aber super teuer), brauchst du neben der Farbe selbst auch noch ein Lösungsmittel, dass du als Farbverdünner verwenden kannst. Wenn du mit Ölfarben malst, dann musst die Oberfläche zuerst mit einfacher Acryllackierung grundieren. Ansonsten wird die Farbe letztendlich die Leinwand oder das Papier zerstören. Jede Oberfläche, die die Farbe berührt, die Palette oder das Mischbrett, sollten ebenfalls grundiert werden, um deren Leben zu verlängern. Wer hat denn behauptet, dass du Farbe kaufen musst? Die Verwendung von Beeren, Teeemulsionen oder sogar Asche auf deiner Leinwand sind alle vollkommen zulässige Methoden, abhängig von dem Bild, das du erschaffen willst. Nahrungsmittelbasierte Farben können sich mit der Zeit verändern (oder verrotten, je nachdem wie du es betrachten willst). Das kann deinem Bild ein zeitliches Element geben, sich über die Tage und Wochen nach der Fertigstellung zu verändern. Dokumentieren deine Eizeichnung, bevor sie anfängt schlecht zu riechen und wirf sie rechtzeitig weg oder übermale sie mit Acrylfarbe, um sie beendet zu behalten. Abhängig von der Farbart, die du fürs Malen deines Bildes wählst, brauchst du angemessene Pinsel, die mit der Farbe funktionieren. Verwende Pinsel mit abgerundeter Spitze für Wasserfarbenbilder. Synthetische Pinsel mit flacher Spitze sind am besten für Acrylfarben geeignet, während Katzenzungenpinsel für Ölfarben am besten geeignet sind. Du kannst mit verschiedenen Pinselfasern experimentieren und etwas aussuchen, das für deine Preisklasse passend ist. Um deine Kleidung sauber und deine Farben geordnet zu halten, brauchst du neben Farben und Pinseln noch einige andere Utensilien, um mit deinem Bild beginnen zu können.  Wähle eine Leinwand, die für die Art der gewählten Malerei passend ist. Verwende Keilrahmen für schwere Acryl- oder Ölfarben und Aquarellpapier, wenn du mit Wasserfarben arbeitest. Aquarellpapier hält der Feuchtigkeit der Farben stand, ohne zu rollen oder schwach zu werden. Halte eine Reihe von Tassen bereit, um deine Pinsel anzufeuchten, zu reinigen und habe immer Wasser zur Hand, wenn du mit Wasserfarben malst. Verwende für diesen Zweck einige alte Gläser, damit du sie hinterher nicht so ausgiebig wie deine Trinkgläser waschen musst. Besorge dir eine Palette oder ein Farbtablett. Die beste Oberfläche zum Mischen, Verdünnen und zur Konsistenzüberprüfung deiner Farben ist entweder ein weißes Plastik- oder ein Emailletablett. Das gestattet dir den Komfort eines weißen Hintergrunds, gegen den du die Genauigkeit der Farbe überprüfen kannst und du kannst für ein paar Euro ebenso einen mit benutzerfreundlichen Vertiefungen am Rand erwerben. Glasplatten sind eine häufige Alternative. Beginne sanft zu malen, verwende kleine Mengen Farbe auf dem Pinsel und fange an, Formen zu bilden. Wenn du nur aus deiner Fantasie heraus zeichnest, dann lass die Farbe die Formen erschaffen und folge den Formen. Wenn du bereits mit einer Skizze begonnen hast, dann kannst du, sobald du auf deiner Seite oder Leinwand einen guten Farbhintergrund geschaffen hast, die Farben und Formen überlappen lassen und einen Eindruck von Räumlichkeit erschaffen.  Wenn du anfängst dein Subjekt zu zeichnen, musst du hart dafür arbeiten, die flache Oberfläche dynamischer und dreidimensionaler erscheinen zu lassen. Erschaffe Perspektive, indem du die Objekte in angemessenen Abständen anordnest. Wenn alles gleichweit entfernt ist und dieselbe Form hat, wird es auf dem Papier flach und nicht dynamisch aussehen. Dinge, die sich im Motiv weiter hinten befinden, sollten proportional kleiner sein, während Dinge in der Nähe größer sein sollten.  Einige Maler finden es sehr wirksam, ihre Bilder verkehrt herum hinzustellen, um sie zu begutachten. Der Geist bietet eine symbolische Version dessen, was du malst. In deinem Geist weißt du, was ein Apfel ist, deshalb tendierst du dazu, diese Version des Apfels zu malen, anstatt dem, was du vor dir siehst. Ein Blick aus einer anderen Perspektive kann dir manchmal helfen, die Formen als das zu erkennen, was sie wirklich sind statt ihrer Symbole. Bestimme die Lichtquelle und den Schatten, um Nuancen zum Bild hinzuzufügen. Beginne mit dem Hinzufügen der hellsten Farben und fahre nach und nach mit den dunkleren Tönen fort. Es ist viel einfacher, dunklere Töne über helle zu legen als anders herum. Zeichne dich nicht in eine Sackgasse. Mische kleine Farbmengen, während du arbeitest und füge Farbe vernünftig und langsam hinzu. Variiere die Farbmenge auf deinem Pinsel und die Pinselführung des verwendeten Pinsels, um verschiedene Oberflächen zu erzeugen. Kurze, kleine Striche sehen wie Fell aus, während lange, geschmeidige Striche die Farbe verflachen. Wenn du weniger Farbe verwendest, kannst du das Motiv „altern“ lassen, während das Verwenden von mehr es verdichten kann und Dichte erzeugt. Wenn du einen Teil verdirbst, indem du zu viel Farbe verwendest, keine Panik. Nimm glückliche Unfälle an und integriere sie in das Bild. Verwende nicht so viel Zeit darauf, neue Schichten darüber zu zeichnen, lass es einfach so sein wie es ist und sieh am Ende nach, inwiefern es die Komposition beeinflusst. Bewege dich weiterhin vorwärts. Es ist eine gute Idee, dich auf einen Teil des Bildes zu konzentrieren und ihn abzuarbeiten, bevor du mit etwas anderem weitermachst. Finde einfach heraus, was für dich am besten funktioniert. Einige Maler springen auf der Seite herum und malen verschiedene Stellen, abhängig von den Formen und dem Motiv, das gemalt wird. Das hängt ganz von dir ab. Aber im Allgemeinen arbeite erst einmal an einem Teil des Bildes, bevor du mit einem anderen weitermachst. Es ist auch wichtig, sich zurückzulehnen und das „Gesamtbild“ zu betrachten. Achte darauf, wie die kleinen Details die Gesamtkomposition und das Bild an sich beeinflussen. Selbst wenn du nur einen Stapel Bücher oder eine Schale mit Orangen malst, muss es das Auge dazu zwingen, sich zu bewegen. Alles, von der Komposition bis hin zur Farbwahl, sollte variiert und strukturiert sein, etwas, das Zeit und Übung braucht. Versuche dich ein wenig mit Farbtheorie zu befassen, um einen besseren Eindruck zu bekommen, wie du Farbe verwenden solltest, wenn du das Gefühl hast, dass dein Bild flach aussieht. Malen ist harte Arbeit! Sei nicht frustriert, wenn du erst damit anfängst. Jetzt, da du alle Materialien hast und der Arbeitsplatz hergerichtet ist, male probeweise verschiedene Motive und bleib dran, deine Fertigkeiten zu entwickeln. Wenn du eher zu einer Malart tendierst, wechsle ab und an und male verschiedene Arten von Bildern. Fahre fort, Dinge zu kreieren.
Mal eine Landschaft. Zeichne ein Portrait. Male ein Stillleben. Male musikalisch. Bereite deinen Zeichenplatz vor. Skizziere dein Bild mit einem Bleistift. Misch verschiedene Farben, so wie du sie benötigst. Übe den Einsatz des Pinsels. Zeichne den Hintergrund zuerst. Versuch ein Bild mit Wasserfarben zu zeichnen. Verwende Acrylfarbe für Vielseitigkeit. Verwende Ölfarben wie die Meister. Zeichne mit natürlichen Bestandteilen, zu denen du Zugang hast. Wähle die richtigen Pinsel für die Arbeit. Hol dir andere nötige Materialien, um mit dem Malen zu beginnen. Beginne, dein Motiv zu malen und lass Unfälle passieren. Füge Farbe von hell zu dunkel hinzu. Verwende deinen Pinsel, um Oberflächen zu gestalten. Arbeite jeweils an einer Sache. Das Bild muss sich bewegen. Bleib dran.
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