Eine Szene in einem Storyboard umsetzen Wie ein Profi Storyboards erstellen Deine Storyboards verbessern
Wenn das Drehbuch eine Vorlage dafür ist, wie der Film klingen wird, sind Storyboards die Vorlage dafür, wie er aussehen wird. Mit Storyboards veranschaulichst du, wie Schauspieler, Requisiten, Hintergründe und Kameraperspektiven sich in jeder Szene oder Folge von Einstellungen zusammenfügen. Es ist die Gelegenheit, den Film optisch auszuarbeiten, bevor teure Kameras, Schauspieler und Mitarbeiter auf dem Set auf Anweisungen warten. Angesichts dessen ist es eine der Aufgaben beim Erstellen eines Storyboards, das Drehbuch zu nehmen und es zu verbessern, indem optisches Material hinzugefügt wird. Du musst den gesamten Handlungsbogen der Geschichte kennen, bevor du anfängst. Wenn du dein Drehbuch verfasst hast und eine Vorstellung davon hast, was in deinem Film geschehen wird, nimmst du ein Stück Papier oder Plakatpapier, auf dem du dein Storyboard zusammenstellst. Wie bei einem Comicstrip stellt jedes Quadrat eine Einstellung oder Szene dar und in den Platz darunter setzt du den Dialog, Notizen oder die Handlung. Du kannst deine eigene Vorlage zeichnen oder kostenlose Vorlagen aus dem Internet herunterladen, die du ausdrucken und sofort mit dem Zeichnen beginnen kannst. Die wichtigste Funktion des Storyboards ist es zu zeigen, wie die Einstellung aussehen wird. Bei deinem ersten Storyboard brauchst du alle wesentlichen Details, damit die Leute, die es lesen, wissen, wo sie sich befinden. Wenn du dich fragst, was du einbeziehen solltest, dann stelle dir immer die Frage: "Was ist unerlässlich, um die Szene zu verstehen?"  Immer, wenn der Schauplatz verändert wird, musst du den neuen Hintergrund einzeichnen. Denke daran, du erzählst die Geschichte visuell. Versuche, dir vorzustellen, was du sehen müsstest, wäre das ein Film. Wenn der Hintergrund sich zwischen den Einstellungen nicht verändert, kannst du ihn leer lassen und dich auf die Handlung konzentrieren. Wenn du zum Beispiel willst, dass eine Figur eine andere mit der Faust schlägt, dann musst du keine fünf Einzelbilder zeichnen, in denen die Faust sich zum Gesicht hin bewegt. Zeichne stattdessen ein Bild von der Faust mit einem Pfeil, der die Bewegung anzeigt. Du kannst auch Pfeile verwenden, um die Bewegungen der Kameras zu verstehen zu geben, wenn sie zum Beispiel schwenken oder sich neigen sollen. Denke daran, dass du im Grunde eine Comicversion des Filmes machst, du solltest also auch wesentliche Toneffekte hinzufügen. Mache dir keine Sorgen, wenn nicht alles dorthin passt – du gibst dem Direktor und den Mitarbeitern nur Hinweise darüber, wo der Ton hinzugefügt wird, Auslassungspunkte ("…") können also auch nützlich sein. Wann immer etwas passierst, braucht es sein eigenes Quadrat. Wenn du ein Gespräch zeichnest, wirst du während sie sprechen von einer Figur zur anderen wechseln wollen, sowie Einstellungen von beiden gleichzeitig machen. Du musst jeden dieser Wechsel einzeln zeichnen. Du kannst nicht einfach ein bis zwei Quadrate zeichnen und "abwechselnde Einstellung" bei einem Gespräch angeben. Stelle dir eine Szene vor, in der eine Mutter sauer auf ihren Sohn ist, weil er eine Lampe zerbrochen hat. Das Ganze mit dem traurigen oder verängstigten Sohn zu zeigen ist etwas ganz anderes, als die ganze Zeit über die wütende Mutter zu zeigen, hin und her zu wechseln oder die zerbrochene Lampe zu zeigen. Wenn in einer Szene ein wenig Kunstblut benötigt wird, dann mache dazu entweder eine Anmerkung mit rotem Stift oder notiere es kurz. Wenn eine Einstellung eine lange, durchgehende Aufnahme erfordert, dann verwende Pfeile, um anzuzeigen, wie alles zusammenfließt. Obwohl es eigene Begriffe für all das gibt, ist das Wichtigste, die Geschichte auf jede mögliche Art visuell zu erzählen. Wenn es als Anleitung zum Filmen Sinn ergibt, dann nimm es auf. Wenn die Kameraaufnahme nicht aufhört, aber viele Dinge geschehen, kannst du mehrere Quadrate für einen "Schnitt" verwenden. Immer, wenn etwas passiert, brauchst du ein neues Quadrat, auch wenn sich die Kamera nicht bewegt. Verlasse dich nicht nur auf das Zeichnen, um deinen Standpunkt deutlich zu machen – die Filmwelt ist voll von Vokabular, das dir deine Arbeit erleichtert und deine Storyboards präziser macht. Die Kameraperspektiven aufzuschreiben hilft dem Kamerateam, schnell zu erkennen, welche Einstellungen sie vorbereiten müssen, und lässt dich selber sehen, ob du dich bei deiner Auswahl der Kamerawinkel unbeabsichtigt wiederholst.   Eröffnungsszenen: Schnelle Aufnahmen, die das Set, den Schauplatz oder die Anfangsposition deiner Figuren zeigen.  Gesamtansicht, Halbnahe, Nahaufnahme, Detailaufnahme: Wenn du eine Figur zeigst, wie viel zeigst du dann von ihr? Bei der Gesamtansicht wird der ganze Körper gezeigt, bei der Halbnahen von der Hüfte aufwärts, eine Nahaufnahme zeigt die Schultern und den Kopf und eine Detailaufnahme zeigt nur das Gesicht.  Untersicht / Aufsicht: Bei der Untersicht blickt man zu einer Figur empor, während man sie bei der Aufsicht von oben zeigt. Die "Froschperspektive" und die "Vogelperspektive" sind extreme Versionen davon.  Over-the-Shoulder (Aufnahme über die Schulter): Einer der wichtigsten Begriffe. Bei diesen Aufnahmen ist eine Person oder ein Gegenstand an der Seite des Bildes, den Rücken zur Kamera gewandt, und sieht eine andere Person an. Sie wird häufig bei Gesprächen zwischen zwei Personen angewandt.  Two-shot: Wenn zwei Figuren, die normalerweise miteinander sprechen, beide gleichzeitig im Bild sind. Beim Aufzeichnen von Dialogen werden Two-Shot-Aufnahmen häufig abwechselnd mit Over-The-Shoulder-Aufnahmen eingesetzt.  POV-Aufnahme: Hierbei ahmt die Kamera einfach den Blickwinkel (Point of view) einer Figur nach. Die folgende Liste ist keinesfalls vollständig, sondern eine gute Einführung um stimmige Storyboards zu erschaffen. Immer, wenn du eine Kamerabewegung einsetzen möchtest, schreibst du sie in das Storyboard.   Verfolgen ist, wenn die Kamera ohne Schnitt der Handlung folgt, wie wenn sie jemandem folgt, der die Straße hinunter geht. Verwende Pfeile, um die Bewegung zu zeigen, und mehrere Einzelbilder, wenn es notwendig ist.  Schwenken (Pan) ist, wenn die Kamera sich einfach in eine Richtung dreht, wobei sie oft einer Figur folgt, die sich bewegt, oder etwas preisgibt, das in ihrer Nähe steht. Zeichne einen Pfeil, der die Richtung der Kamera anzeigt.  Bewegen (Trucks) ist, wenn eine Kamera sich physisch hinein- oder herausbewegt. Stelle dir eine Einstellung mit einem Fernseher vor, dann bewegt sich die Kamera langsam nach hinten, um eine Familie zu zeigen, die im Wohnzimmer fernsieht. Verwende 4 Linien, die von der Mitte des Bildschirms nach außen zeigen, um diese Bewegung anzuzeigen.  Schärfeverlagerung ist, wenn du ein verschwommenes Objekt im Hintergrund und ein klares im Vordergrund hast und dann die Schärfe von einem zum anderen verlagerst (es kann auch in die andere Richtung gehen). Zeichne eine Linie, die darauf hinweist, wo der Fokus beginnt und wohin er sich bewegt. Die folgenden Schnitte gehören zu den verbreitetsten im Film und müssen ihn deinem Storyboard angegeben werden. Jeder von ihnen wird durch eine kleine Zeichnung neben den Worten dargestellt, mit der der Übergang optisch dargestellt wird. Beginne mit einem kleinen Dreieck, das den Bildschirm darstellt, direkt vor dem Dialog, und fülle dieses Dreieck dann mit dem Übergang:   Aufblende / Ausblende: Das ist, wenn ein Bild langsam auf einem leeren Bildschirm erscheint oder verschwindet. Für einen Aufblende zeichnest du ein Dreieck, das nach links zeigt, für eine Ausblende eines, das nach rechts zeigt.  Weiche Überblendung: Wenn ein Bild langsam in das nächste übergeht. Um es zu zeichnen, machst du zwei sich schneidende Dreiecke in das Quadrat, die von allen vier Ecken ausgehen. Es sind die Zeichen für Aufblende und Ausblende übereinander gelegt.  Wischen: Wenn sich ein Bild tatsächlich über den Bildschirm bewegt und die nächste Einstellung darunter zum Vorschein bringt. Zeichne einfach eine vertikale Linie in die Mitte des Quadrates und einen Pfeil, der durch das Quadrat verläuft, um anzuzeigen, in welche Richtung sich das erste Bild bewegt. Die folgenden Begriffe beziehen sich auf den Standort eines Gegenstandes in der Einstellung. Es kann auch helfen, die Bewegung zu steuern, wenn eine Figur zum Beispiel vom Hintergrund der Einstellung in den Vordergrund geht, was als "BG → FG" angegeben würde   Vordergrund (FG): Der Bereich ist nah an der Kamera.  Mitte (MG): Die Mitte des Bildschirms  Hintergrund (BG): Der Bereich am weitesten von der Kamera entfernt.  Off-screen (O/S): Nützlich, wenn es Geräusche, Dialog usw. gibt, die die Zuschauer nicht sehen können, oder wenn eine Figur das Bild betritt oder gänzlich verlässt.  Überlagerung (OL): Wenn ein Gegenstand oder Bild über ein anderes gelagert wird, aber beide zu sehen sind. Im Allgemeinen bezieht sich eine "Szene" in einem Storyboard tatsächlich auf eine ungebrochene Kamerabewegung, nicht auf ein vollständiges Ereignis. Dieses Szenen werden zu einem "Ausschnitt" verbunden, was die ganze Handlung oder das ganze Gespräch ist, das du darstellst (was normalerweise als "Szene" bezeichnet wird).  Immer wenn die Kamera einen Schnitt macht, musst du die Szenennummer ändern, um auf eine neue Einstellung hinzuweisen. Wenn in einer einzigen Szene mehrere Handlungen erforderlich sind, ohne die Kameraeinstellung zu verändern, werden sei als "Panel" beschriftet. Wenn für eine Einstellung drei Storyboards gebraucht werden, würdest du die Panels mit 1/3, 2/3 und 3/3 beschriften. Das endgültige Ziel eines Storyboards ist, den Film visuell zu erzählen, nicht einen Vokabeltest zu bestehen. Du solltest dich zwar immer bemühen, die Terminologie zu lernen, dein Storyboard soll aber von Direktoren, Kameraleuten und den restlichen Mitarbeitern einfach zu lesen sein. Wenn du eine Idee hast, aber nicht weißt, wie du sie ausdrücken kannst, dann setze dein Zeichentalent ein, um den Punkt so schlicht wie einfach zu übermitteln. Pfeile, Notizen und mehrere Einzelbilder können alle eingesetzt werden, um deine kreativen Ideen mitzuteilen, wenn Worte nicht ausreichen.  Stelle dir eine lange, einzelne Einstellung vor wie den Anfang von Raging Bull. Obwohl es keinen Schnitt gibt, könntest du diese Einstellung nie in einem einzelnen Bild ausdrücken. Du müsstest viele Einzelbilder mit Pfeilen, Notizen und Dialog verbinden, um diese Einstellung zu planen. Die Vokabellisten weiter oben sind alles andere als vollständig – es gibt Hunderte von Wörtern, Einstellungen und Hinweisen, die von professionellen Storyboardern eingesetzt werden. Um ein Profi zu sein, solltest du weitere Nachforschungen über professionelle Begriffe durchführen. Lasse das Drehbuch nicht einfach "für sich selbst sprechen". Die besten Filme sind thematisch auf allen Ebenen verbunden: Schreiben, Storyboard, Soundeffekte, Schauspielkunst usw. Es ist deine Aufgabe, ein gutes Drehbuch zu nehmen und es zu gutem Bildmaterial zu machen. Frage dich bei jeder Szene, was ihr Ziel ist, wie die Stimmung oder der Ton ist und was die wichtigsten Requisiten, Figuren oder Momente sind. Wie kannst du die Aufmerksamkeit auf diese Dinge lenken?  Finde das ausschlaggebende Element der Szene und finde eine Möglichkeit, die Aufmerksamkeit des Publikums in jeder Einstellung darauf zu ziehen, indem du es größer machst, in die Mitte setzt, heranzoomst usw. Gene Wilder war kein Storyboarder, er dachte aber wie ein visueller Komödiant. In Willi Wonka, wurde das bekannte Intro, wo er "unabsichtlich" stolpert, fällt und sich zu tosendem Applaus rollt, von ihm selbst als eine Art und Weise erdacht, Wonka als lustig, seltsam und als jemand, der sich hinter einer komischen Fassade versteckt, darzustellen. Was du meiden solltest, ist ein vollkommen flacher Boden, bei dem die Kamera in einem 90-Grad-Winkel zum Boden steht. Die Aufnahme ein wenig zu neigen verleiht dem Storyboard drei Dimensionen, auch wenn es nur eine leichte Neigung ist. Gerade Einstellungen sind fast nie so aufregend wie dynamische, dreidimensionale Kompositionen.  Nutze auch den Vordergrund und Hintergrund zu deinem Vorteil – stelle nicht jede Figur oder Sache auf dieselbe Tiefenlinie. Vergiss auch nicht, den weit, weit hinten liegenden Hintergrund – das ist eine gute Stelle, um Tiefe zu erschaffen. Natürlich gibt es zahlreiche Gründe,  um diese Regel zu brechen, zum Beispiel um eine absolut symmetrische Aufnahme zu erschaffen. Wisse nur, warum du die Regel brichst, bevor du es tust. Normalerweise ist das offensichtlich – wenn eine andere Figur spricht, muss sie gezeigt werden. Wenn jemand ein Geräusch hinter sich hört, schneidet man zu dem Ort, von dem das Geräusch kam. Alle guten Schnitte müssen einen Grund haben, wieso sie auftreten – sei es die Handlung, Figuren, Wechsel der Aufmerksamkeit oder eine rein künstlerische Entscheidung. Eine der bekanntesten Schnitte überhaupt ist in 2001: A Space Odyssey, wo Direktor Stanley Kubrick von einer fliegenden Waffe zu einem Satelliten im Weltall schneidet. In nur einem Schnitt überbrückt er den Abstand zwischen dem primitiven Menschen und dem Menschen der Zukunft, während er andeutet, dass sich nur wenig mehr als der Schauplatz geändert hat. Der Blickwinkel der Einstellung sagt dem Publikum, wie es über die Figuren oder Szenen empfinden soll. Du kannst diese Tatsache auf endlose Arten nutzen und solltest dich immer fragen, ob dein Kamerawinkel die Aussage der Einstellung stützt oder behindert. Zum Beispiel:  Auf eine Figur herabzublicken lässt sie schwach, ängstlich und machtlos erscheinen. Nach oben zu blicken lässt jemanden mächtig, selbstbewusst und dominant wirken. Extreme Perspektiven wie aus sehr großer Höhe, sehr niedriger Höhe oder schiefe Einstellungen zeigen Verwirrung, Angst und ungewöhnliche Erfahrungen wie einen Drogentrip. Sich hinzusetzen und mit einer Szene zu beginnen, schwierige Entscheidungen über den Kamerawinkel und die Komposition zu treffen, ist schwierig, wenn du noch nicht weißt, in welche Richtung die Dinge gehen sollen. Ein guter Zwischenschritt ist, die Szene wie eine Kurzgeschichte niederzuschreiben. Welche Teile treten als entscheidend hervor, welche Details ragen hervor, während du schreibst, und was sind die Schlüsselhandlungen in jeder Einstellung? Du kannst dann dieses Mini-Drehbuch als Übung vor dem Zeichnen überarbeiten. Mache nur ein bis zwei Beschreibungen für jede Einstellung oder Szene. Du schreibst keinen Roman, du schreibst einen Leitfaden. Storyboards sind, im Prinzip, Übungsaufnahmen für einen Film. Daher ist es das Ziel, diese Bilder zu verwenden, um das tatsächliche Licht, die Kameras und die Sets aufzubauen, welche die Einstellungen nachahmen, die du gezeichnet hast. Sich eingehend mit den Arten der Einstellungen, der Farbzusammenstellung, Kameraperspektiven und Weiterem zu beschäftigen wird deine Auswahl an Mitteln als Storyboarder außerordentlich erweitern. Ein Storyboard zu zeichnen ist kostengünstig, das Filmen aber nicht. Wenn du an einem eher großen Film arbeitest, musst du grob die Schwierigkeit der Einstellungen einschätzen können, um zu wissen, ob sie machbar sind. Aufnahmen von ganz weit oben sehen erstaunlich aus und passen in Filme; aus einem Helikopter zu filmen ist aber sehr teuer!
Schließe dein Drehbuch ab, bevor du mit den Storyboards anfängst. Zeichne Quadrate für jede Szene und lasse darunter Platz für Dialoge. Führe im ersten Quadrat der Szene den Schauplatz und alle wichtigen Gegenstände ein. Verwende Pfeile und Notizen, um Bewegungen und Veränderungen zu zeigen. Füge die Dialoge und Geräusche der Szene unter der Zeichnung ein. Erschaffe für jede bedeutsame Handlung oder Kamerabewegung ein neues Einzelbild. Fülle die wesentlichen Notizen über Bewegung, Ton und Spezialeffekte ein. Lerne die Terminologie für häufig angewandte Kameraperspektiven. Mache dich mit der Kamerabewegung vertraut, um Bewegung und die Veränderung von Einstellungen darzustellen. Mache passende Notizen zu den Übergängen zwischen den Einstellungen. Merke dir die grundlegenden Anweisungen zur Kameraanordnung, um die Szene und die Schauspieler aufzustellen. Beschrifte die Einstellungen richtig, sodass die anderen Mitarbeiter sie lesen können. Versuche, eine größtmögliche Übersichtlichkeit zu erreichen, nicht perfekte Symbole oder Vokabular, wenn du durcheinander kommst. Finde Möglichkeiten, die Themen deines Drehbuches visuell umzusetzen. Meide flache, zweidimensionale Kompositionen, indem du immer die Kamera neigst. Biete Beweggründe, einen Kameraschnitt zu machen, statt nur die Einstellung zu ändern. Verwende die Neigung der Kamera, um auf Beziehungen und Gefühle zwischen Figuren hinzudeuten. Probiere, die Szene in Prosa zu schreiben, wenn du dich schwertust, den Anfang zu machen. Beschäftige dich mit der Kameraführung.
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