Die Geschichte entwickeln Entscheide über die Struktur deines Stückes Dein Stück schreiben
Zwar ist jede Geschichte anders, die meisten gehören aber in eine Kategorie. So verstehen die Zuschauer, wie sie die Beziehungen und Ereignisse, die sie sehen, interpretieren sollen. Überlege dir, welche Figuren du schreiben willst und wie sich ihre jeweiligen Geschichten entfalten sollen. Was soll passieren:  Sollen sie ein Geheimnis lüften? Sollen sie eine Reihe schwieriger Ereignisse durchmachen, um persönlich zu wachsen? Sollen sie sich von kindlicher Unschuld zu weltlicher Erfahrung entwickeln? Auf eine Reise gehen wie Odysseus auf seiner gefährlichen Reise in der „Odyssee“?  Ordnung ins Chaos bringen? Eine Reihe von Hindernissen überwinden, um ein Ziel zu erreichen? Der erzählerische Bogen zeigt, wie sich das Stück von Anfang über Mitte bis zum Ende hin entwickelt. Die technischen Bezeichnungen dieser drei Teile sind: Exposition, ansteigende Handlung und Auflösung und sie folgen immer in dieser Reihenfolge aufeinander. Unabhängig davon, wie lang dein Stück wird oder wie viele Akte es hat, ein gutes Stück besteht immer aus diesen drei Teilen. Notiere dir, wie du jedes Teil ausschmücken willst, bevor du mit dem Schreiben des Stückes beginnst. Die Exposition eröffnet das Stück, indem sie grundlegende Informationen liefert, die notwendig sind, um der Geschichte folgen zu können: Wann und wo spielt das Stück? Wer ist die Hauptfigur? Welche Nebenfiguren inklusive des Antagonisten (die Person, die den zentralen Konflikt der Hauptfigur darstellt) gibt es, wenn überhaupt? Was ist der zentrale Konflikt, den diese Figuren lösen müssen? Welche Stimmung gibt es (Komödie, Romanze, Tragödie)? In der ansteigenden Handlung passieren Dinge, die den Figuren das Leben schwermachen. Der zentrale Konflikt zeigt sich, wobei die Anspannung des Publikums immer weiter steigt. Der Konflikt könnte sich an einer anderen Figur (dem Antagonisten) zeigen, an einer äußerlichen Bedingung (Krieg, Armut, Trennung von einem geliebten Menschen) oder an einem inneren Konflikt (z.B. der Überwindung der eigenen Unsicherheit). Die ansteigende Handlung kulminiert am Höhepunkt der Geschichte: dem Moment der höchsten Anspannung, wenn der Konflikt sich zuspitzt. Die Auflösung löst die Spannung vom Konflikt des Höhepunkts und beendet den erzählerischen Bogen. Vielleicht möchtest du ein Happy End, wo die Hauptfigur bekommt, was sie will; ein tragisches Ende, wo das Publikum etwas aus dem Versagen der Hauptfigur lernt oder eine Lösung, wo alle Fragen beantwortet werden. Die Geschichte eines Stückes besteht aus Handlungsplan (Plot) und Handlung. Das sind zwei Elemente, die entwickelt werden müssen, um ein Stück zu schreiben, dem das Publikum aufmerksam folgt. E.M. Foster definiert Handlung als das, was im Stück passiert – der chronologische Ablauf der Ereignisse. Der Handlungsplan auf der anderen Seite ist so etwas wie die Logik, die die Ereignisse des Stückes verbindet und die sie emotional beeindruckend macht. Ein Beispiel für den Unterschied ist:  Handlung: Die Freundin des Protagonisten hat mit ihm Schluss gemacht. Dann hat er seinen Job verloren. Plot: Die Freundin des Protagonisten hat mit ihm Schluss gemacht. Aus Liebeskummer hat er einen emotionalen Zusammenbruch, der dazu führt, dass er gefeuert wird. Du musst eine spannende Geschichte entwickeln, wobei sich die Handlung so schnell voranbewegt, dass das Publikum dabei bleibt. Gleichzeitig musst du über deinen Handlungsplan zeigen, wie all die Handlungen ursächlich miteinander verbunden sind. So sorgst du dafür, dass dein Publikum sich für die Ereignisse interessiert, die auf der Bühne gezeigt werden. Du kannst die emotionale Tiefe des Handlungsplans so lange ausbauen, bis du eine gute Story hast. Überlege dir die grundlegenden Elemente der Story, bevor du sie mit deinem Schreiben anreicherst. Beantworte dazu folgende Fragen:  Wo findet deine Story statt? Wer ist dein Protagonist (die Hauptfigur) und wer sind die wichtigsten Nebenfiguren? Was ist der zentrale Konflikt, mit dem sich diese Figuren auseinandersetzen müssen? Was ist das „auslösende Ereignis“, das die Haupthandlung des Stücks in Gang setzt und zum zentralen Konflikt führt?  Was passiert deinen Figuren, wenn sie sich mit diesem Konflikt auseinandersetzen? Wie wird der Konflikt am Ende der Story gelöst? Wie wirkt sich das auf die Figuren aus? Denke daran, dass der Handlungsplan die Beziehung aller Elemente der Story beschreibt, die im vorherigen Schritt gezeigt wurden. Wenn du an deinen Handlungsplan denkst, dann solltest du folgende Fragen beantworten:  In welcher Beziehung stehen die Figuren zueinander? Wie gehen die Figuren mit dem zentralen Konflikt um? Wer wird am meisten davon beeinflusst und auf welche Weise geschieht es? Wie kannst du die Story (die Ereignisse) strukturieren, um die nötigen Figuren mit dem Konflikt zu konfrontieren? Welche logische, natürliche Entwicklung gibt es, die von einem Ereignis zum nächsten führt, so dass ein steter Fluss zu Höhepunkt und Auflösung entsteht? Vor dem Schreiben solltest du eine Idee haben, wie du das Stück strukturieren willst. Ein Einakter läuft ohne Unterbrechung und eignet sich gut für jemanden, der erst mit dem Stückeschreiben anfängt. Bekannte Einakter sind z.B. "Die Hochzeit" von Berthold Brecht und "Anatol" von Arthur Schnitzler. Auch wenn der Einakter die einfachste Struktur hat, solltest du daran denken, dass alle Geschichten einen erzählerischen Bogen brauchen, der aus Exposition, ansteigender Handlung und Auflösung besteht. Da es beim Einakter keine Pause gibt, brauchen sie eine einfachere Kulisse und weniger Kostümwechsel. Der technische Aufwand sollte möglichst gering sein. Die Struktur eines Einakters hat nichts mit der Länge der Aufführung zu tun. Einakter können sehr unterschiedliche Längen haben – von zehn Minuten bis zu über einer Stunde. Sog. „Flash Dramas“ sind sehr kurze Einakter, die von ein paar Sekunden bis zu zehn Minuten lang sein können. Sie eignen sich gut für Schul- und Gemeindeaufführungen sowie für Wettkämpfe in diesem speziellen Genre. Ein Beispiel ist z.B. Anna Stillamans "A Time of Green". Der Zweiakter ist die am häufigsten verwendete Struktur im Gegenwartstheater. Es gibt zwar keine generelle Regel, wie lange jeder Akt sein muss, meist sind sie aber jeweils eine halbe Stunde lang. So bekommt das Publikum eine Pause zwischen den Akten. In dieser Zeit kann das Publikum zur Toilette gehen oder einfach entspannen und über den Konflikt im ersten Akt nachdenken und diskutieren. Außerdem können in der Pause Kulisse, Kostüme und Make-up verändert werden. Eine Pause dauert meist ca. 15 Minuten, d.h. deine Crew sollte diese Veränderungen in dieser Zeit schaffen können. Beispiele für einen Zweiakter sind z.B. "Hölderlin" von Peter Weiss oder "The Homecoming" von Harold Pinter. Die Struktur eines Zweiakters erfordert mehr Aufwand als nur die Zeit, die deine Crew braucht, um technische Veränderungen vorzunehmen. Da es in der Mitte des Stückes eine Pause gibt, kannst du die Story nicht in einem Fluss durcherzählen. Du musst die Geschichte so erzählen, dass sich beim Publikum bis zur Pause eine Spannung aufbaut und es sich am Ende des ersten Aktes fragt, wie es weitergeht. Wenn es nach der Pause weitergeht, dann sollten die Zuschauer sofort wieder in die ansteigende Handlung der Story gezogen werden.  Das „auslösende Ereignis“ sollte in der Mitte des ersten Aktes geschehen, nachdem die Hintergründe der Exposition dargelegt wurden. Nach dem auslösenden Ereignis sollten mehrere Szenen folgen, die beim Publikum Spannung erzeugen – sei es auf dramatische, tragische oder komische Weise. Diese Szenen sollten sich zu einem Konflikt aufbauen, der das Ende des ersten Aktes darstellt. Beende den ersten Akt unmittelbar nach dem Punkt der höchsten Spannung. Das Publikum sollte zum Zeitpunkt der Pause mehr wollen, dann kehrt es voller Erwartung zum zweiten Akt zurück. Beginne den zweiten Akt mit weniger Spannung als du sie am Ende des ersten Aktes aufgebaut hast. Das Publikum sollte einfach wieder in die Story und den Konflikt zurückfinden. Im zweiten Akt sollte es viele Szenen geben, die den Einsatz erhöhen, was den Konflikt angeht. Sie sollten auf den Höhepunkt zuführen, den höchsten Punkt von Spannung und Konflikt, der kurz vor dem Ende des Stückes steht. Entspanne das Publikum zum Ende mit abfallender Handlung und der Auflösung. Zwar brauchen nicht alle Stücke ein Happy End, das Publikum sollte aber dennoch das Gefühl haben, dass sich die Spannung, die du über die Akte aufgebaut hast, gelöst hat. Wenn du ein Anfänger beim Stückeschreiben bist, dann solltest du mit einem Ein- oder Zweiakter anfangen. Denn ein Dreiakter, der über die volle Länge geht, hält das Publikum zwei Stunden in den Sitzen. Man braucht viel Erfahrung und Können, um eine Produktion zusammenzustellen, die ein Publikum so lange bei der Stange hält. Deshalb solltest du anfangs nicht ganz so hoch hinaus wollen. Wenn deine Story aber komplex genug ist, dann ist ein Dreiakter die beste Wahl. Wie beim Zweiakter kannst du auch beim Dreiakter während der Pausen zwischen den Akten große Veränderungen vornehmen, was Kulisse, Kostüme usw. angeht. Jeder Akt des Stückes sollte sein eigenes, erzählerisches Ziel erreichen:  Der erste Akt ist die Exposition: Hier stellst du deine Figuren und die Hintergrundinformationen vor. Dein Publikum sollte sich für deine Hauptfigur (den Protagonisten) und seine Situation interessieren. So sorgst du für eine starke emotionale Reaktion, wenn die Dinge beginnen schiefzulaufen. Im ersten Akt sollte auch das Problem vorgestellt werden, das sich über den Rest des Stückes entwickelt. Der zweite Akt ist die Komplikation: Die Herausforderungen für den Protagonisten steigen, da es schwerer für ihn wird, mit dem Problem umzugehen. Eine gute Methode, um die Herausforderungen zu steigern ist, nahe am Höhepunkt des Aktes eine wichtige Hintergrundinformation zu enthüllen. Die Enthüllung sollte beim Protagonisten Zweifel hervorrufen, bevor er die Kraft findet, den Konflikt aufzulösen. Der zweite Akt sollte mutlos enden, d.h. die Pläne des Protagonisten scheinen zu scheitern. Der dritte Akt ist die Auflösung: Der Protagonist überwindet die Hindernisse des zweiten Aktes und findet einen Weg, um zur Auflösung des Stückes zu gelangen. Dabei muss nicht jedes Stück ein Happy End haben. Der Held stirbt ggf. als Teil der Auflösung, das Publikum sollte aber etwas daraus lernen.  Beispiele für Dreiakter sind „Der Macher“ von Honore de Balzac und "Die Dreigroschenoper“ von Berthold Brecht. In den ersten beiden Abschnitten dieses Artikels hast du dir Gedanken über den erzählerischen Bogen, Handlung und Plot und die Struktur gemacht. Bevor du das Stück schreibst, solltest du nun all deine Ideen in einen guten Entwurf einbringen. Schreibe für jeden Akt auf, welche Szenen in ihm stattfinden.  Wann werden wichtige Figuren eingeführt? Wie viele unterschiedliche Szenen gibt es und was passiert genau in jeder Szene? Dabei sollte jede Szene sich so aufbauen, dass sie zur nächsten führt. So erreichst du, dass die Handlung sich entfaltet. Wann muss sich die Kulisse ändern? Wann die Kostüme? Diese technischen Elemente musst du beachten, wenn du einen Entwurf schreibst. Sobald du einen Entwurf hast, kannst du das eigentliche Stück schreiben. Schreibe zuerst grundlegende Dialoge, ohne dir zu viele Sorgen zu machen, wie natürlich der Dialog klingt oder wie die Schauspieler sich auf der Bühne bewegen und ihre Rolle darstellen. In der ersten Fassung solltest du nur „Schwarz auf Weiß“ bringen wie Guy de Maupassant sagte. Du solltest deinen Schauspielern ein solides Drehbuch geben, damit sie Zeilen sprechen, die menschlich, real und voller Gefühl sind. Nimm deine Stimme auf, wenn du den Dialog deiner ersten Fassung laut liest und höre es dir dann an. Notiere, an welchen Stellen du zu steif oder zu übertrieben klingst. Denke daran, dass die Figuren auch in literarischen Stücken wie normale Menschen klingen. Die Schauspieler sollten nicht klingen als würden sie eine anspruchsvolle Rede halten, wenn sie sich beim Abendessen über ihren Job beschweren. Wenn du mit einem Freund sprichst, dann bleibst du selten konzentriert bei einem Thema. In einem Stück musst du die Konversation zum nächsten Konflikt führen. Trotzdem solltest du für kleine Abweichungen sorgen, damit sie realistisch klingt. In einer Diskussion, in der es z.B. darum geht, warum die Freundin mit dem Protagonisten Schluss gemacht hat, gibt es vielleicht einen kurzen Dialog, in dem sich die Sprecher streiten, wie lange sie überhaupt zusammen waren. Auch wenn wir nicht unhöflich sind, unterbrechen wir uns ständig beim Sprechen. Das gilt selbst, wenn wir zustimmen: „Ich hab's ja kapiert“ oder „Nein, du hast ja Recht.“ Menschen unterbrechen sich sogar selbst, indem sie ihre eigenen Sätze korrigieren: „Ich wollte, … ich dachte, ich habe wirklich nichts dagegen, am Samstag dahin zu fahren. Es ist nur so,... hör zu, ich hab in letzter Zeit nur viel gearbeitet.“ Habe auch keine Angst, nur Satzfragmente zu schreiben. Wir haben zwar gelernt, schriftlich keine Satzfragmente zu verwenden. Wir tun es aber beim Sprechen ständig: „Ich hasse Hunde. Alle.“ Damit gibst du den Schauspielern zu verstehen, was sich nach deiner Vision auf der Bühne entfalten soll. Schreibe die Anweisungen kursiv oder in Klammern, um sie vom Dialog zu trennen. Schauspieler nutzen natürlich ihre eigene Kreativität, um den Worten Leben einzuhauchen, bestimmte Anweisungen können aber nützlich sein:  Hinweise zur Konversation: „(lange, peinliche Stille)“ Körperliche Anweisungen: „(Silas steht auf und läuft nervös hin und her)“, „(Margarete kaut an den Nägeln)“ Emotionale Aussagen: „(Ängstlich)“, „(Enthusiastisch)“, „(Hebt das schmutzige Hemd angewidert auf)“ Die erste Fassung wird noch nicht perfekt sein. Selbst erfahrene Autoren müssen diverse Fassungen eines Stückes schreiben, bevor sie mit dem Endprodukt zufrieden sind. Übereile nichts! Füge bei jeder Überarbeitung mehr Details hinzu, die das Stück zum Leben erwecken.  Selbst wenn du Details hinzufügst, vergiss nicht, dass auch die Löschtaste sehr hilfreich sein kann. Wie Donald Murray einmal gesagt hat, du musst „herausschneiden, was schlecht ist, um das Gute zu enthüllen“. Entferne alle Dialoge und Ereignisse, die nicht zum emotionalen Ton des Stückes beitragen. Der Rat des Romanciers Leonard Elmore gilt auch für Stücke: „Lass die Teile weg, die ein Leser überspringen würde.“
Entscheide, was für eine Geschichte du erzählen willst. Überlege dir die grundlegenden Teile des erzählerischen Bogens. Überlege, was in die Exposition gehört. Leite von der Exposition in die ansteigende Handlung über. Überlege dir, wie der Konflikt sich auflösen soll. Verstehe den Unterschied zwischen Handlungsplan und der Handlung. Entwickle deine Story. Vertiefe deine Story mit der Entwicklung des Handlungsplans. Beginne mit einem Einakter, wenn du ein Anfänger als Bühnenautor bist. Beschränke die Länge des Einakters nicht. Gestalte einen komplexeren Zweiakter. Passe die Handlung der Struktur eines Zweiakters an. Sorge für längere, komplexere Handlungsstränge bei einem Dreiakter. Entwirf Akte und Szenen. Reichere deinen Entwurf an, indem du dein Stück schreibst. Arbeite an einem natürlichen Dialog. Sorge dafür, dass sich Gespräche überschneiden. Sorge für Unterbrechungen im Dialog. Füge Bühnenanweisungen hinzu. Überarbeite die Fassung so oft wie nötig.
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Brainstorming Your Narrative Deciding on Your Play’s Structure Writing Your Play