Das Drehen des Films Vorbereitungen Stelle den Film fertig Die Arbeit mit den Schauspielern
Du musst die verschiedenen Aufnahmearten, Winkel und Kamerabewegungen kennen, um zu wissen, wie die einzelnen Szenen gedreht werden müssen, um das Beste aus ihnen herauszuholen. Unterschiedliche Kamerawinkel und –einstellungen  ändern  die Stimmung einer Szene.  Bildeinstellung (oder Einstellungsgröße): Extreme Totale (normalerweise eine Anfangsaufnahme aus ca. 400 m), Totale (Dies ist eine Aufnahme in „Lebensgröße“, die sich auf die Entfernung vom Publikum zur Leinwand im Kino bezieht; sie konzentriert sich auf die anwesenden Charaktere und den Hintergrund), „Medium Shot“ (Dies wird oft für Dialoge und relative Nahaufnahmen von Handlungen verwand und zeigt meist zwei bis drei Charaktere von der Hüfte an nach oben), Großaufnahme (Hier wird sich meist auf ein Gesicht oder ein Objekt aus der Nähe konzentriert; wird oft verwendet um die Gedanken eines Charakters zu zeigen), Detailaufnahme (konzentriert sich auf ein spezielles Detail, wie Mund oder Augen; wird oft als dramatischer Effekt benutzt). Der Kamerawinkel zeigt das Verhältnis der Kamera zum Gefilmten und gibt Auskunft über die Emotionen des gefilmten Charakters. Vogelperspektive (zeigt das Geschehen von oben und gibt dem Zuschauer eine erhabene Position; gleichzeitig werden andere Sachen nicht wahrgenommen), Aufsicht (hier steht die Kamera erhöht auf einem Kran und gibt einen Überblick über das Geschehen), Normalsicht (dies ist ein sehr neutraler Winkel, in dem die Kamera wie ein menschlicher Beobachter wirkt), Froschperspektive (die Kamera befindet sich unterhalb des gefilmten Objektes und vermittelt dem Zuschauer ein Gefühl von Hilflosigkeit oder Angst), „Canted Angle“ (oft verwendet in Horrorfilmen; diese Einstellung  vermittelt Instabilität, Unausgeglichenheit) Kamerabewegungen lassen die Handlungen eher langsamer erscheinen, als schnelle Schnitte. So kann jedoch ein realistischerer  Eindruck vermittelt werden. „Pans“ (Horizontaler Schwenk), „Tilts“ (Vertikaler Schwenk),  „Dolly Shots“ (Kamerafahrt; Die Kamera verfolgt das gefilmte Objekt) „Hand-held-Shot“ (mithilfe der Steadycam wirken „Hand-Held-Shots“ weniger unruhig und vermitteln trotzdem einen realistischen Eindruck), „Crane-Shots“ (dies ist mehr oder weniger eine Kamerafahrt in der Luft),  Zoom (dies verändert den Bildausschnitt und ändert die Position des Publikums), Luftaufnahme (diese Aufnahme ähnelt dem „Crane-Shot“, wird aber meist als Anfangssequenz aus einem Hubschrauber heraus gefilmt). Zu dieser Zeit versammelt sich dein technisches Personal, um alles vorzubereiten und aufzubauen. Solltest du einen Assistenten haben, ist deine Anwesenheit zwar nicht unbedingt erforderlich, aber sinnvoll. Du kannst dann über die geplanten Aufnahmen nachdenken und evtl. noch Änderungen vornehmen. Besprich die Aufnahme mit deinen Darstellern und erkläre ihnen, wo sie zu stehen haben, welche Aufnahmen du planst und wie sie ihren Text sagen sollen. Experimentiere mit dem Sucher der Kamera, um zu sehen wie die verschiedenen Aufnahmen aussehen werden. So bietet sich die Gelegenheit, Änderungen an deinen Szenen vorzunehmen, um das Beste Ergebnis zu erhalten. Für jede Aufnahme musst du die Brennweite, die Kameraposition und –bewegung und die Position der Darsteller wissen. Die Vorbereitung der Aufnahme erfolgt in Zusammenarbeit mit deinem Kameramann. Abhängig von der Verantwortung, die dein Kameramann übernimmt, musst du mehr oder weniger Anweisungen geben. Besprecht auf jeden Fall die Belichtung und die Kameraeinstellungen. Das Filmen dauert in der Regel nicht lange und meist werden nur kurze, einzelne Szenen gedreht. Durch die vorherigen Absprachen sollte nun alles glatt laufen. Sobald du „Cut“ rufst, ist die Szene im Kasten und du kannst dir das Ergebnis ansehen. Dies gibt dir die Möglichkeit zu entscheiden, ob du zufrieden bist oder ob die Szene erneut gedreht wird. Wiederhole die Aufnahme, bis das Ergebnis deinen Vorstellungen am nächsten kommt. Später beim Schnitt des Films wirst du mehr Zeit und Ruhe haben. Dabei werden dir eventuell noch mehr Dinge auffallen, die du hättest besser machen können. Ein gutes Skript kann selbst einen mittelmäßigen Regisseur gut aussehen lassen, also wähle weise. Du kannst auch ein eigenes Skript schreiben, wenn du daran Spaß hast und ein guter Schreiber bist. Bei der Auswahl des Drehbuches solltest du ein paar Dinge beachten, um die richtige Wahl zu treffen.  Struktur ist der Schlüssel zu einer guten Geschichte. Meist wird von Autoren dazu die sog. Drei-Akt-Struktur verwendet. Diese funktioniert wie folgt: Einführung (1. Akt), Konfrontation (2. Akt), Auflösung und Schluss (3. Akt). Wichtige Wendepunkte der Geschichte finden am Ende des 1. Aktes und im 2. Akt statt.  Ein gutes Drehbuch sollte eher Dinge zeigen, als erzählen. Das Publikum soll anhand der Darstellung der Schauspieler (Körpersprache, Kleidung, Handlungen und Betonung des Gesagten) erraten, was passiert. Drehbücher sind von Natur aus extrem visuell gestaltet.  Jede Szene muss mit einer Kopfzeile überschrieben sein, durch die man erfährt, ob die Handlung drinnen oder draußen und zu welcher Tageszeit stattfindet. (z.B.: Innen; Wohnzimmer – Nacht.) Achte beim Beschreiben der Handlungen darauf, dass du nur das Tatsächliche, aktuell Sichtbare beschreibst. Du würdest zum Beispiel nicht sagen „John betritt das Wohnzimmer. Er ist sauer, weil seine Freundin ihn verlassen hat“, sondern „John betritt das Wohnzimmer. Er schlägt die Tür hinter sich zu und tritt gegen das Sofa.“ Ein Storyboard hilft dir dabei, die richtigen Einstellungen für jede Szene zu finden – von der Kameraeinstellung bis hin zum eigentlichen Aussehen der Szenerie. Du musst dich beim Drehen nicht unbedingt an dein Storyboard halten, doch es bietet dir zumindest einen Anfang.  Dinge, die im Storyboard auftauchen sollten, sind: Charaktere, die in der Szene auftauchen, die vergangene Zeit zwischen den Frames, oder die Kameraposition (wie die Szene aussehen soll). Dein Storyboard muss nicht perfekt sein. Es muss dir lediglich ein Gespür für das Drehbuch verleihen und dafür, wie das Geschriebene gedreht werden sollte. Lege die Atmosphäre deiner Bilder fest. Ein grobkörniger, düsterer Film über einen Privatdetektiv der 1920er Jahre wird eine andere Stimmung erzeugen als eine leichte, bunte Komödie über die Schwierigkeiten des Elternseins. Ein Fehler, der einen ganzen Film ruinieren kann, ist es die Stimmung des Films nach der Hälfte zu verändern. Also dann, wenn die leichte Komödie beispielsweise ohne Vorwarnung in eine Tragödie umschlägt. Dies bedeutet nicht, dass deine Komödie nicht auch tragische Elemente enthalten kann. Du solltest jedoch, gerade als Anfänger, die Stimmung des Films konsequent beibehalten. Du wirst keinen Film ohne finanzielle Mittel drehen können, insbesondere, wenn du möchtest, dass nicht nur Freunde und Familie den Film sehen sollen. Du brauchst Geld für eine gute Filmausrüstung, Requisiten, Darsteller, Drehorte und für technisches Personal. Die meisten dieser Dinge sind nicht billig. Selbst wenn du einen unabhängigen Film (Indiemovie) machen möchtest, solltest du dir einen Produzenten suchen, der dir bei der Finanzierung oder dem Anmieten von Drehorten hilft. Wenn dir die Mittel fehlen, musst du wahrscheinlich selbst das Vorsprechen leiten. Ansonsten ist es ratsam, einen Casting-Agenten für diese Tätigkeit zu verpflichten. Diese Leute verfügen in der Regel über gute Kontakte und können auf eine breite Auswahl an passenden Schauspielern zurückgreifen.  Es ist wichtig, dass deine Darsteller bereits Schauspielerfahrung mitbringen und wissen, wie eine Filmproduktion funktioniert. Theaterdarsteller sind meist nicht geeignet, da sich das Schauspiel auf der Bühne deutlich von der Schauspielerei vor der Kamera unterscheidet. Es gibt viele gute, unbekannte Schauspieler, deren Gage noch nicht so hoch ist. Du solltest bei der Auswahl der Darsteller auf Talent und Charisma achten. Deshalb solltest du darauf verzichten, aus Nettigkeit deine Freunde zu engagieren (es sei denn, du produzierst den Film nur zum Vergnügen). Filme müssen an verschiedenen Orten (Schlafzimmer, Wohnzimmer, Straßenecke, Garten) gedreht werden. An manchen Orten kann gratis gedreht werden, für andere wirst du jedoch bezahlen müssen. Genauso verhält es sich mit den Requisiten, Kostümen, Make-Up und weiterem Ver- und Gebrauchsmaterial (Mikrophone, Kameras etc.).  Solltest du einen Produzenten engagiert haben, wird er sich um diese Dinge kümmern. Stelle sicher, dass alle benötigten Sachen vorhanden sind und du die Drehgenehmigungen für die einzelnen Drehorte hast. Wenn du nur über ein sehr geringes Budget verfügst, solltest du mit Freunden und Familie sprechen. Eventuell kennst du ja jemanden, der sich beispielsweise mit Make-Up auskennt oder Kostüme im Keller hat. Wenn du keine klare Vorstellung von dem, was gedreht werden soll, hast und nicht weißt, wie es am Ende aussehen soll, wird sich die gesamte Produktion schwierig gestalten. Sei dir über die Besonderheiten deines Projektes im Klaren und beachte alle Details, die für die Entstehung des Films wichtig sind.  Erstelle außerdem ein Sequenzprotokoll. Dies beinhaltet eine Auflistung aller zu drehenden Szenen inklusive der jeweiligen Bildeinstellung, der Kamerabrennweite und -position sowie alle weiteren wichtigen Aspekte für die einzelnen Szenen. Du kannst diese Liste mit dem Storyboard verbinden, wenn du möchtest. Fasse dein Skript kurz zusammen. Hier gehst du das Drehbuch durch und stellst alle benötigten Gegenstände, inklusive Drehorte, Requisiten, Effekte usw., zusammen. Auch hier wird dir ein Produzent wichtige Hilfestellung geben können. Bespreche dich mit deinem Technikpersonal. Das bedeutet, dass ihr die Drehorte besucht und die einzelnen Kameraeinstellungen durchgeht, sodass nachher jeder weiß was wann zutun ist. Hier bietet sich außerdem die Gelegenheit, eventuell auftretende Schwierigkeiten zu besprechen (Tonprobleme, Lichtverhältnisse etc.). Dies findet meist nicht in der richtigen chronologischen Reihenfolge statt, sondern richtet sich nach den optimalen Lichtverhältnissen oder Kameraeinstellungen. Hier sollen die einzelnen Szenen und Aufnahmen einheitlich, nahtlos und passend aneinander gefügt werden. Grundsätzlich solltest du in Handlungen schneiden, sodass das Publikum nicht durch Phasen gelangweilt wird, in denen nichts passiert. Das bedeutet, dass du von einer Aufnahme in die andere wechselst, wenn die Handlung gerade passiert (z.B. wenn John die Tür zum Wohnzimmer öffnet). Du solltest hier die Aufnahmen des ersten Teils von Johns Handlungen in einer weiten Aufnahme und die des zweiten Teils in einer näheren Aufnahme verbinden.  Das Schneiden bei sog. „Cross-Frame“-Bewegungen ist typischerweise eine Enthüllungsaufnahme. Ein Beispiel: „Medium-Shot“ von zwei sich unterhaltenden Männern, einer der beiden bewegt sich durchs Bild und gibt den Blick auf eine Nahaufnahme vom Gesicht des Schurken frei. Schneide zu einem leeren Einzelbild. Dies wird oft benutzt, wenn jemand aus einem Auto steigt und man zunächst erst den Fuß sieht. Der Fuß bewegt sich dann in das „leere“ Einzelbild. Bedenke beim Schneiden, dass die Augen eine Zeitspanne von ca. 2 Einzelbildern (1/12 einer Sekunde) benötigen, um von einer Seite der Leinwand zur anderen zu schauen. Stelle sicher, dass dein Soundtrack zum Film passt. Es gibt fast nichts Schlimmeres, als eine musikalische Untermalung, die nicht der Stimmung und der Präsentation des Films entspricht. Wenn du die Musik mit deinem Komponisten besprichst, müsst ihr über den Musikstil, die Instrumente, die Geschwindigkeit der Musik etc. sprechen. Nur wenn der Komponist deine Vorstellungen genau kennt, kann er einen passenden Soundtrack komponieren.  Höre dir die Probeaufnahmen an, um zu entscheiden wo noch Änderungen nötig sind. Solltest du die Musik selbst auswählen, musst du sicherstellen, dass du keine urheberrechtlich geschützte Musik stiehlst. Dies könnte dich in ernste Schwierigkeiten bringen. Man kann eine Menge günstige Komponisten in verschiedenen Städten finden. Auch wenn es sich dabei nicht um Profis handelt, können sie dennoch eine gute musikalische Untermalung kreieren. Es gibt einen Unterschied zwischen den Begriffen „Soundtrack“ und „Score“. Beim Soundtrack handelt es sich um bereits vorhandene Musik, die zufällig zu den Filmszenen oder dem Film an sich passt.  Ein Score ist orchestrale Musik, die speziell für den einen Film geschrieben wurde und spezielle Aspekte unterstützen soll (z.B. die Musik von „Der weiße Hai“). Damit stellst du sicher, dass der Ton des Films und der Soundtrack zueinander passen. Außerdem werden hier noch benötigte Töne oder Geräusche ergänzend hinzugefügt oder verstärkt. Auch Störgeräusche werden hier herausgefiltert.  Diegetischer Ton bedeutet, dass der Klang von einem Objekt stammt, welches das Publikum in der Szene sehen kann. Diese Dinge werden meist schon beim Filmen mit aufgenommen und später dann verstärkt. Nicht-diegetischer Ton heißt hingegen, dass der Ton von außerhalb des Bildes kommt, wie z.B. eine Erzählerstimme oder eben die Filmmusik. Nachdem der Schnitt und die Tonbearbeitung erfolgt sind, kannst du dein Werk präsentieren. Du kannst zunächst deinen Freunden und Familie deine harte Arbeit zeigen oder du schlägst zusätzlich andere Wege ein, wenn dir dein Projekt ernst ist.  Einige Städte veranstalten Filmfestivals an denen du teilnehmen kannst. Abhängig von der Qualität deines Films, könnte er sogar einen Preis gewinnen. Wenn nicht, hast du auf jeden Fall ein breites Publikum erreicht. Solltest du mit einem Produzenten arbeiten, wird dieser sich schon darum gekümmert haben und dein Projekt wäre nicht soweit voran geschritten, wenn nicht eine Art von Veröffentlichung geplant gewesen wäre. Dies ist ein sehr wichtiger Schritt, da die Schauspieler während dem eigentlichen Dreh mit ihren Textpassagen vertraut sein sollten.  Gehe das Skript zu Beginn mit deinen Darstellern durch. Besprecht zusammen jede einzelne Szene. Die Schauspieler lernen auf diese Weise dich und das Drehbuch kennen und können sich auch untereinander vertraut machen. Dies macht das Filmen später einfacher. Wirklich gute und talentierte Schauspieler brauchen keine lange Proben und sollten auch nicht mit Proben von emotionalen Szenen überstrapaziert werden, damit sie beim späteren Dreh frisch sind. Dies funktioniert allerdings nur mit sehr talentierten und erfahrenen Darstellern. Wenn du mit Amateuren arbeitest, ist eine gründliche Probe ratsam. Ein Schauspieler, der das Skript nicht beherrscht, wird nicht in der Lage sein eine überzeugende Darstellung abzuliefern. Keiner soll am Drehtag erscheinen und seinen Text nicht können. Deshalb sind Proben so wichtig. Es wird deinen Schauspielern zeigen, welche Intentionen ihr Charakter in der Szene und im gesamten Film verfolgt. Dies erleichtert es, deine Regieanweisungen zu verstehen und korrekt umzusetzen.  Bei der Schauspielerei für einen Film ist weniger oft mehr. Du solltest von deinem Darsteller eine starke Präsenz erwarten, die auch dann zu bemerken ist, wenn er gar nichts macht. Ein Schauspieler kann die Zuschauer ohne großen Aufwand in seinen Charakter einbeziehen. Zum Beispiel: John, unser wütender Hauptdarsteller von vorhin, muss unterschiedlich dargestellt werden, abhängig davon, ob er seine Freundin hasst, weil sie ihn verlassen hat oder ob er sie immer noch liebt (oder beides). Das Klischee des wütenden, schreienden Regisseurs ist wirklich nichts weiter als ein Klischee. Als Regisseur bist du derjenige, der die Verantwortung trägt. Jeder wird sich deshalb an dich wenden, um ruhige und deutliche Anweisungen zu bekommen.  Daher ist auch ein Storyboard und eine Skriptzusammenfassung so wichtig. Du kannst dich jederzeit darauf berufen und deinen Mitarbeitern anhand dieser Dinge deine Sichtweise erklären. Bedenke, dass ein Film auf den Beiträgen von vielen einzelnen Personen basiert. Auch wenn der Regisseur und die Schauspieler später die meiste Anerkennung erhalten, solltest du dich gegenüber deinen Mitarbeitern nicht als Mittelpunkt der Welt aufspielen. Dies hilft den Schauspielern. Wenn du die Botschaft der Szenen und deine Vorstellungen des Films erklärt hast, sollten keine Fragen bezüglich der Darstellung mehr offen sein. Wenn doch, ist es nötig konkret zu sagen, was du möchtest. Selbst Dinge wie „Sprich diese Passage etwas schneller“, können hilfreich sein.  Mach dir ausgiebig Notizen. Vermerke wichtige Sachen auf deinem Sequenzprotokoll. Je deutlicher und detaillierter deine Angaben sind, desto leichter fällt es deinen Schauspielern und Mitarbeitern, deinen Vorstellungen zu folgen und danach zu handeln. Gib deinen Darstellern negative oder ausgiebige Kritik unter vier Augen. Du kannst dies auch tun, wenn andere dabei sind. Wichtig ist nur, dass der betreffende Schauspieler die Kritik versteht und nicht bloßgestellt oder beleidigt wird. Achte darauf, auch positive Kritik zu geben. Schauspieler hören es gerne, wenn ihre Arbeit geschätzt wird und sie die Erwartungen erfüllen. Stelle also sicher, dass sie wissen wenn du zufrieden bist, auch wenn du nur sagst, „Deine Darstellung in der letzten Szene war toll. Lass uns das nochmal in der anderen Einstellung versuchen“. Wenn du über sehr gute Schauspieler verfügst, ist es oft  ratsam, sie einfach machen zu lassen und nicht zu viele Anweisungen zu geben. Es kann passieren, dass sich der Film vielleicht nicht in die Richtung entwickelt, die du vorgesehen hast. Filme haben die Eigenschaft, sich selbst in neue und frische Richtungen entwickeln zu können.
Kenne die unterschiedlichen Arten von Filmaufnahmen und Kamerawinkeln. Erscheine zur Aufrufzeit am Set. Probe die Aufnahme. Bereite dich auf den Dreh vor. Drehe die Aufnahme. Schaue dir die Szene noch einmal an. Wähle ein Skript aus. Füge deinem Skript ein Storyboard hinzu. Finde Finanzierungsmöglichkeiten für deinen Film. Besetze jede Rolle mit Schauspielern. Finde Drehorte und besorge Requisiten und Material. Erstelle einen genauen Plan, bevor du loslegst. Ein Drehplan gibt Auskunft darüber, wann einzelne Szenen gedreht werden. Schneide den Film. Wähle die Musik aus. Mische den Ton ab. Zeige deinen fertigen Film. Probe das Skript, bevor du drehst. Stelle sicher, dass deine Schauspieler ihren Text können. Erkläre den Schauspielern die Botschaft der Szene, also das, was sich neben dem reinen Dialog noch abspielt. Sei ruhig, konzentriert und deutlich. Gib konkrete Anweisungen.
https://www.wikihow.com/Direct-a-Movie https://www.wikihow.com/Direct-a-Movie https://www.wikihow.com/Direct-a-Movie https://www.wikihow.com/Direct-a-Movie
Shooting the Movie Preparing for Filming Finishing Up Working with the Actors