クエリ: ニューミュージックの発祥は日本?
文章: ニューミュージック ニューミュージック(new music) は、1970年代から1980年代にかけて流行した、日本のポピュラー音楽のジャンルの一つ。作曲面ではフォークソングにロックなどの要素を加え、作詞面ではそれまでのフォークソングの特徴であった政治性や生活感を排した、新しい音楽であった[1]。ただし文献により、定義などにずれがある[2][3][4]。
文章: 歌謡曲 明治時代に、ヨーロッパやアメリカ合衆国などから日本に入ってきた欧米の芸術歌曲を「歌謡曲」と呼び、「新時代の歌」という意味で用いた。 文章: 現代音楽 現代音楽(げんだいおんがく)は、西洋クラシック音楽の流れにあり20世紀後半から現在に至る音楽を指す。ドイツ語では「Neue Musik」、英語では「20th century classical music」などと表記されるようにその定義も非常に曖昧・抽象的であり、他の時代の西洋音楽史の区分のように、様式によって区分されたものではない。現代音楽は調性をはじめとする従来の音楽様式を否定・更新した先鋭的な音楽を指すことが多い。最も顕著な特徴は無調への傾倒と不協和音の多用である。 文章: 現代邦楽 邦楽は、能や歌舞伎、長唄などとともに発展してきたという経緯があるため、雅楽を除いては、純粋に楽曲のみを鑑賞するという形式での演奏は行われなかった。明治に入っての明治新曲の時期、また大正時代以後に宮城道雄が西洋音楽の影響をうけ、邦楽と西洋音楽の融合である『春の海』を発表すると、それに触発されたように四世杵屋佐吉・中能島欣一・杵屋正邦といった演奏家が「楽曲のみを鑑賞するための邦楽」をつぎつぎと発表した。この時期の音楽を新日本音楽と呼ぶ。 文章: ブロードウェイ・ミュージックシアター 外観はニューヨークのブロードウェイにあるニュー・アムステルダム劇場をモチーフにしている(現在、ニューアムステルダム劇場は改装され近代化されているが、ブロードウェイ・ミュージックシアターは改装される前の創設時のニューアムステルダム劇場をモチーフにしている)。 文章: テクノ (ダンスミュージック) テクノ()とは、アメリカのミシガン州デトロイトを発祥とするクラブミュージック。クラフトワークをはじめとするドイツで生まれた電子音楽は「テクノポップ」とも呼ばれる。 文章: MY SONG~永遠のニューミュージック~ 『MY SONG~永遠のニューミュージック~』(マイ・ソング えいえんのニューミュージック)は、ポニーキャニオン企画・制作・発売元と東京テレビランド販売元で、2006年8月10日リリースのオリジナル・コンピレーション・アルバムである。 文章: 新保友映のオールナイトニッポンGOLD 「大人の音楽番組」を目指し主な聴取者層を中、高齢者層に人気のあるフォークソング、ニューミュージックを中心にリクエストを募り、ゲストもフォーク、ニューミュージックの人を呼ぶ。 文章: 僕らの時代 フォーク&amp;ニュー・ミュージックベスト100 『僕らの時代 フォーク&ニュー・ミュージックベスト100』(ぼくらのじだい フォーク アンド ニューミュージックベストひゃく)は、オークローンマーケティングが制作している通販CDボックスである(販売は同社の「ショップジャパン」で行われている)。 文章: ニューアダルトミュージック ニューアダルトミュージックとは、日本の大衆音楽のジャンルとされるものの一つ。ニューミュージックの派生形で、レコード店での分類は演歌・歌謡曲に分類されることが多い。レコード会社が作ったマーケティング用語で、実際に使用されることは、きわめてまれである。 文章: ポストパンク パンクの前身となるガレージ・ロックは1960年代後半にアメリカ西海岸において発祥し、1970年代後半にはロンドンやニューヨークを中心としたパンク・ロックとして、一大ムーブメントを巻き起こした。ポストパンクとはパンク登場後に、その流れを受け継ぐようにして表面化してきた動きである。ポストパンクはニュー・ウェイヴと共に1980年代前半において英国のインディー・ロックにおけるサブ・ジャンルの音楽運動となったが、1980年代中期にはマッドチェスターやテクノミュージックに飲み込まれて衰退していく。その音楽的特徴や精神性は1990年代におけるオルタナティヴ・ロックへと受け継がれていくことになる。2000年代においてはガレージロック・リバイバルの流れの中で多くのポストパンク・ニュー・ウェイヴ風の音楽性を持った若手バンドが登場し、再評価がなされた。 文章: ニューミュージック 『ホットドッグ・プレス』(講談社)1980年2月号の「決定!79ニュー・ミュージック・ベスト・シングル100」という企画[4]では、以下のような言及がある。「ニュー・ミュージックという言葉が、マスコミにおいて定着し始めたのは1970年代中期のことである。その時点においての定義は、歌謡曲に対して"ニュー"な音楽ということだった。もっとも1977年末の集計でニュー・ミュージックと歌謡曲の売り上げ比がほぼ半々になるまでは、ニュー・ミュージックの定義は、さほど問題にはされなかった。しかし10万枚を越すニュー・ミュージックのヒット・レコードが次から次に登場し、歌謡曲の内部で演歌の人気が下降し始めた1977年の時点で、ニュー・ミュージックの定義見直しの声は起こっていたのである。明らかに歌謡曲らしい演歌がヒット・チャートから消失しはじめた時、歌謡曲っぽいニュー・ミュージック、ニュー・ミュージックっぽい歌謡曲があふれ始めた。森進一が歌いレコード大賞曲となった『襟裳岬』は吉田拓郎の曲だった。これを機に、歌謡曲側が、曲作りをニュー・ミュージックに依頼するパターンも定着した。このこともニューミュージックという言葉をより曖昧なものとしてしまった原因のひとつだろう。筒美京平のように従来は歌謡曲側の作者が、桑名正博のようなニューミュージック側の人に曲作りをするという現象も多くなった。『ホットドッグ・プレス』は、この「ニュー・ミュージック・ベスト・シングル」を選定するにあたり、次の様に、このあいまいなニュー・ミュージックを再規定することにした。1作詞・作曲が歌唱している本人の場合。2シングルにおいて作詞・作曲が本人でなくとも、アルバムの中で本人の作詞・作曲の多いもの。3あくまで歌手(バンド)を本業とするもの。そして、この3点においても区別しかねるものは、発売レコード会社の制作及び宣伝セクションが、ニュー・ミュージック・セクションであるかどうか、あるいは、プロデューサーがニュー・ミュージックの制作者であるかどうかを基準、とした。本来なら、このチャートのベスト3に入るはずだった水谷豊の『カリフォルニア・コネクション』は、3の理由で除外した。また、桑江知子も問題になったが、レコード会社の宣伝・制作態勢が、ニュー・ミュージック・セクションによって行なわれ、本人も近々、アルバムに自作曲を入れたいとのことなので、今回はニュー・ミュージックとして取り扱った」[4]。 文章: はっぴいえんど (アルバム) 本作は1971年に『ニューミュージック・マガジン』誌で第2回(1970年度)日本のロック賞を受賞したが、内田裕也はそれに対して、同賞においてURCレコードのアーティストが優遇されているという主張をしたため、『ニューミュージック・マガジン』誌上の日本語ロック論争へ発展していった。 文章: 音楽史 こうしたロックは、世界中のポピュラー音楽に影響を与え、英米以外の各国でもロックの後追いのようなジャンルが生まれるに至った。目立つものだと、フランスではそれまでのシャンソンとは明らかに異なるが生まれ、日本でもグループサウンズやニュー・ミュージックが生まれている。ただし東側諸国の多くはロックを西側の退廃音楽として弾圧したため、ロックの影響は地下化した。 文章: アメリカ合衆国の音楽 アメリカは、世界中から文化を取り入れ、独特の新しい方法を生み出す文化のるつぼであるとよく言われている。アメリカ音楽の諸要素は、それぞれ元をたどれば特定の起源に行き着くことが出来る。とはいえ、アメリカ音楽はつねに技法・演奏法・ジャンルの移植と融合によって発展してきたため、ある音楽的要素の起源を何か特定の文化に求める主張には問題がある。外国音楽の要素がアメリカへ入ってきた経路は、個人やグループで行う教育活動・対外活動によって音楽を取り入れる公式なものと、奴隷制による西アフリカ音楽の移入や、移民によるアイルランド音楽の移入など非公式なものとがある。アメリカ独自の音楽は、緊密な接触を通じた異文化どうしの融合の結果生じたものである。この例として奴隷制があげられる。奴隷制によって様々な部族の出身者がごちゃまぜになって共同住居で生活することになった結果、ひとつの音楽的慣習が共有されることとなり、それがさらにラテンおよびヨーロッパ固有の音楽の要素と融合することで深まっていったのである。アメリカの民族・宗教・人種の多様性から生まれた音楽的要素は、フランス音楽・アフリカ音楽の融合であるルイジアナ・クレオール音楽や、インディアン音楽・メキシコ音楽・ヨーロッパ音楽の融合であるテハーノ音楽、現代ハワイ音楽におけるスラックキーギター等の技法、などがある。 文章: 現代音楽/地域別の動向 戦後のアメリカは、フランスから渡ったエドガー・ヴァレーズの音楽思想をそのまま受け継ぐ形でスタートした。だが、彼の言う「音楽とは科学である」という思想を半ば曲解したような受け入れが進み、ピッチクラス・セット理論などにみられる高度な理論化に焦点が置かれ、音楽のあり方そのものを考える余裕は失われた。この状況がミルトン・バビット、エリオット・カーター、チャールズ・ウォーリネンに代表される東海岸の現代音楽の潮流を生んだ。これらの作曲家を、日本人作曲家の藤枝守は「コロンビア楽派」と呼んでいる。音色に重点をおかず、ピッチとリズムを重視した活動で、その詳細はウォーリネン著「シンプル・コンポジション」にくわしい。実はフレデリック・ジェフスキーもこの楽派の出身の人物に師事した。ブライアン・ファーニホウをアメリカに招いたのはこれらの作曲家たちであり、現在もこの潮流はファーニホウの影響を取り込み、アーロン・キャシディー、ジェイソン・エッカルトに継承されている。