クエリ: ジャズの演奏ではウッドベースと呼ばれることが多い、オーケストラで使われる最大の弦楽器は何でしょう?
文章: アコースティック・ベース アコースティック・ベース・ギター (acoustic bass guitar) はコントラバスやエレクトリックベースと同じ低音域を受け持つ4~6弦の弦楽器。座って抱えて弾くか、ストラップを使って肩から下げて弾く。基本的な仕組みはエレクトリックアコースティックギターと同様で、エレクトリックベースの奏法を活かすことができる。日本ではベースギターのことを単に「ベース」と呼ぶ習慣があるので、「アコースティック・ベース」と言う場合は通常この楽器を指すことが多い。通称はアコベ。ただし英語ではacoustic bassといえばコントラバスを指すものであり、日本でもそのとおりの意味で使う人もいるので、時折混乱を招くことがあるため注意を要する。
文章: ベース (弦楽器) ベース(ドイツ語: Bass、もしくはバス)は、低音パートを演奏する弦楽器の総称である。 楽器そのものを指す場合と、ベース・パート、バス・パートを指す場合がある。 文章: コレギウム・アウレウム合奏団 コレギウム・アウレウム合奏団は、1962年にドイツで結成された古楽器オーケストラの草分け。団体名は、ラテン語で「黄金楽団」の意味である。演奏家や音楽院の教師、フライブルクを拠点とするレコード会社「ハルモニア・ムンディ」との緩やかな結束から起こった。作曲者が当時耳にしたであろう響きの再現を目標に、歴史的な演奏習慣の復興を当初より使命として、バロック音楽から初期ロマン派音楽までを演奏した。古い時代の演奏習慣を慮って指揮者を置かず、コンサートマスターを指導者とした。 数々のレコードによって有名になり、ヨーロッパ全土や北米・南米・ソ連・中近東・日本に演奏旅行を行うとともに、楽団員のうち何人かは映画『アンナ・マクダレーナ・バッハの年代記』に出演もした。バロック音楽だけでなく、当時は大編成演奏が常識であったベートーヴェンの交響曲第3番『英雄』を指揮者なしでレコーディングするなど画期的な試みも話題を呼んだ。 弦楽器奏者は18世紀の貴重な楽器を、管楽器奏者は古楽器のレプリカを演奏や録音に利用して、バランスの取れた音色を作り出そうとした。しかし、今日の古楽器演奏の水準から見ると、古い楽器を使ってみようとする意気込みばかりが目立っており、演奏法の時代考証が甘いという欠点が見出される。録音や上記の映画からも認められるように、弦楽器奏者が盛んにビブラートをかけており、ヴァイオリン奏者は顎当てを使っているなど、19世紀後半からの演奏習慣がまだコレギウム・アウレウムの演奏に残っていた。活動停止後、より本格的な古楽奏法の隆盛する中、一時は半ば忘れられた存在となったが、全盛時はまさにその折衷性ゆえのふくよかな響きが人気を集めたのであり、今日ふたたびCD等で愛好されている。 文章: テハノミュージック 19世紀の終わりごろに、テキサス州サン・アントニオ周辺のドイツ系移民が演奏していたポルカやワルツを、メキシコ系住民が民族音楽ノルテーニョ、ランチェーラに取り入れて誕生したと言われる。 ノルテーニョはバホ・セストと呼ばれる12弦ギターとアコーディオン、ウッド・ベースなどで編成される楽団(コンフント)によって演奏される。白人によって編成されるバンドはオルケスタ・テハーナ(テキサス風オーケストラ)と呼ばれ、マリアッチの編成に似て管楽器やバイオリンが中心となっている。現代では、これらの音楽をまとめてテックスメックスと呼んでいる。 ジェイ・ロペスなどのテハノミュージシャンは、ロックとルーツの音楽の影響を受けている。有名な音楽家にはフラーコ・ヒメネスがいる。テハノにはさまざまなカテゴリーの音楽とバンドがある。主要なカテゴリは、コンフント、オルケストラ/オーケストラ、およびモダン・テハノの3種類である。コンフント・バンドは、アコーディオン、バホセクスト、エレクトリックベース、ドラムで構成されている。コンフント・バンドの例としては、エステバン・スティーブ・ジョーダンのバンド、ホームタウン・ボーイズがあげられる。オーケストラ/オーケストラは、ベース、ドラム、エレキギター、シンセサイザー、ブラスセクションで構成されている。バンドにアコーディオンを入れることもある。オーケストラの例としては、ルーベンラモスとテキサス・レボリューション、リバティ・バンド、ラテンブリードなどがいる。現代のテハノ・バンドは、シンセサイザー、ドラム、エレキギター、ベース、時にはアコーディオンで構成されている。サウンドはシンセサイザーに依存している面もある。現代のバンドの例として、ラ・マフィア、セレナ・クインタニラ、ラ・ソンブラ、エリダ・レイナ、デイヴィッド・リー・ガルザy Los・Musicales、シェリーラレス、ジェイ・ペレス、そしてMAZZなどがあげられる。 文章: 譜面台 プロのオーケストラ、コンサート・バンド、ビッグバンドは一般的に、持ち運びが難しい据え置き式の重い譜面台を使う。この種の譜面台は演奏者の黒い服に溶け込んで邪魔にならないように、黒く着色、塗装されているものが多い。楽譜を置く部分はプラスチック製のものと金属製のものがあるが、どちらであっても支柱部分は金属製である。楽譜を置く部分の下に棚を備えているものもあり、鉛筆や弦楽器用のロジン、リハーサル用の器具などを入れておくことができる。高さを調節するために金属製の支柱を上げ下げできる。プロ用の譜面台は、座っている演奏者のために高さを下げたり、立っている演奏者のために高さを上げたりすることができる。重量を軽くするために譜面ラックにミシン目が入っているものも存在するが、これは特に大量の譜面台を運ぶことを考慮されたものである。 これらの譜面台は高さを下げることはできるが、畳んだり広げたりできない。したがって、単身でリハーサルやライブを渡り歩く音楽家にはあまり使われない。この譜面台を動かすことはできるが、フルオーケストラでは50個から100個の譜面台を動かす必要があり、ラックが重いため、運搬トラックや設置するための人員を雇う必要がある。プロ用の譜面台は三脚か四脚であるか、重い金属製の円形の脚を持つことが多い。 すべてのリハーサルやライブに据え置き式のプロ用譜面台を使う音楽家もいるが、その場合、機材をホールに運び込むための移動がより困難になる。そのような音楽家が据え置き式譜面台を使う理由は、重いものや重い楽譜を載せても安定性があること、屋外での演奏でも倒れにくいこと、プロらしく見えることなどがある。また、譜面台の下部に備えられた棚を使い、リハーサルや本番に必要な音楽小物(鉛筆、弦楽器用ロジン、ギター用ピック、木管楽器用リード、金管楽器用バルブオイル、打楽器用チューニングキーなど)を入れておきたいと考える演奏家もいる。 文章: アコースティック録音 アコースティック録音(アコースティックろくおん)とは、音楽・音響の録音において、音声を電気信号に変換することなく、機械的振動を直接レコード原盤に伝達して刻み込む録音方式のこと。ラッパ型の集音器を使うため、しばしば「ラッパ録音」と呼ばれることもあり、後に登場した電気録音に対するレトロニムであり、古い録音法の意から「旧吹き込み」などとも呼ばれる。 初期のレコード録音においては、マイクロフォンが発明されていなかったため、蓄音機の逆の方法、すなわちラッパに向かって歌いあるいは楽器を演奏し、その音でダイヤフラムを振動させ、その振動を針に伝達して記録用媒体に溝を記録(カッティングという)しており、これがアコースティック録音である。 この方式では、ある程度の音質で記録可能な音源は独唱曲か小編成の器楽曲程度で、オーケストラの記録はかなり貧弱な音質にしかならなかった。特にヴァイオリンなどの弦楽器の収録は楽器の広い範囲から音が輻射・拡散するため、集音用のラッパで捕らえることが難しかった。このため、録音専用の特殊なヴァイオリンとしてシュトローヴァイオリン(Stroh Violin)が使用された。これは、ヴァイオリンの発音機構にサキソフォーンのようなラッパを取り付けて音を拡大するとともに、集音ラッパの方向に音を集中させるものである。 指揮者レオポルド・ストコフスキーはアコースティック録音においてオーケストラの音を効果的に録音するため、オーケストラの楽器編成を大幅に改変した。一例として、弦楽器のパートに木管楽器を重ねて重要な音を増強する、逆に打楽器が他の楽器の音を隠さないように弱めたり省略したりする、などである。これはいわば原音におけるイコライゼーションと言うべき工夫であり、ストコフスキーとフィラデルフィア管弦楽団が演奏したレコードは当時としてはかなりオーケストラの音らしく聴こえるため売上増に貢献したという。 文章: ブラス・ロック 1960年代後半、ロックとジャズの融合が試みられたことで、迫力あるブラス・セクションを導入したロックバンドが現れた。ビッグバンド・ジャズから引き継いだサウンドとシングル向きな楽曲により、シカゴなどがヒットを放った。ホーン・セクションの他に、コンガなどのパーカッションや、ワウ・ペダル(ワウワウ・ギター)などを加えることで、よりブラス・ロックらしいサウンドにするバンドも見られた。なお、ブラス・ロックという呼び方は日本独自のもので、世界では「ジャズ・ロックの一部」として扱われている。チェイスは、トランペット4人編成の変則的なブラス・セクションを用いた。またBS&Tは、ニューヨークを拠点としたブラス・ロック・バンドだった。 文章: オーケストラ 三管編成は、フルート、オーボエ、クラリネット、ファゴットが各2名にそれぞれの派生楽器が加わって、フルート、オーボエ、クラリネット、ファゴットの各セクションが3名となる。ホルンは4名程度、トランペットとトロンボーンが各3名程度、チューバ1名となる。打楽器もティンパニ1~2人を含む6名程度、編入楽器はハープ1名にさらにチェレスタが加わることがある。この編成に見合う弦楽五部の人数はいわゆる「16型」8-7-6-5-4プルト程度であり、総勢90名ほどである。 ワーグナーの「ジークフリート」はその最初の完全な形といわれている。 日本のオーケストラは三管に対して伝統的に16型で対応してきた(1980年代まで)が、近年では世界的な常識にあわせ14型に直しているオーケストラが優勢になった。結果的に三管編成を完成させた時期はラヴェルが活躍した時代である。最終的に、オーケストラに最も適したサイズとされ国際的な標準になった。近年は、14型を下回る3管編成も珍しくなくなってきている。 文章: オーケストラ 弦楽合奏は「20型」の10-9-7-6-5プルトが一般的でさらにオルガン・ピアノ・チェレスタ・4人以上のハープ・ギターやマンドリンが付くこともある。リヒャルト・シュトラウス、マーラー、ストラヴィンスキーの他に、シェーンベルク、ヴァレーズ、ケージ等がいる。管弦楽は120名を超える。なお、これよりもさらに大きな編成で書かれた巨大編成の作品もある。リヒャルト・シュトラウスの「タイユフェ」作品52、ヴァレーズの「アメリカ」(1922年版)、メシアンの「アッシジの聖フランシスコ」や「閃光」、ハヴァーガル・ブライアンの交響曲、黛敏郎の「涅槃交響曲」などがそれにあたる。 文章: コレギウム・アウレウム合奏団 コレギウム・アウレウム合奏団(羅: Collegium Aureum)は、1962年にドイツで結成された古楽器オーケストラの草分け。団体名は、ラテン語で「黄金楽団」の意味である。演奏家や音楽院の教師、フライブルクを拠点とするレコード会社「ハルモニア・ムンディ」との緩やかな結束から起こった。作曲者が当時耳にしたであろう響きの再現を目標に、歴史的な演奏習慣の復興を当初より使命として、バロック音楽から初期ロマン派音楽までを演奏した。古い時代の演奏習慣を慮って指揮者を置かず、コンサートマスターを指導者とした。 数々のレコードによって有名になり、ヨーロッパ全土や北米・南米・ソ連・中近東・日本に演奏旅行を行うとともに、楽団員のうち何人かは映画『アンナ・マクダレーナ・バッハの年代記』に出演もした。バロック音楽だけでなく、当時は大編成演奏が常識であったベートーヴェンの交響曲第3番『英雄』を指揮者なしでレコーディングするなど画期的な試みも話題を呼んだ。 弦楽器奏者は18世紀の貴重な楽器を、管楽器奏者は古楽器のレプリカを演奏や録音に利用して、バランスの取れた音色を作り出そうとした。しかし、今日の古楽器演奏の水準から見ると、古い楽器を使ってみようとする意気込みばかりが目立っており、演奏法の時代考証が甘いという欠点が見出される。録音や上記の映画からも認められるように、弦楽器奏者が盛んにビブラートをかけており、ヴァイオリン奏者は顎当てを使っているなど、19世紀後半からの演奏習慣がまだコレギウム・アウレウムの演奏に残っていた。活動停止後、より本格的な古楽奏法の隆盛する中、一時は半ば忘れられた存在となったが、全盛時はまさにその折衷性ゆえのふくよかな響きが人気を集めたのであり、今日ふたたびCD等で愛好されている。 文章: トロンボーン その後、スライド式が楽器や演奏技術の向上によって復権を果たすと廃れていったが、一方ではジャズなどポピュラー音楽の世界で使われるようになり(ファン・ティゾール、ボブ・ブルックマイヤーなどが著名な奏者としてあげられ)、クラシックの分野でも20世紀終盤以降はピリオド奏法の一環として、また現代曲で再び使用が試みられるようになった。ドイツ管とも呼ばれる、やや大きめのベルを持つ楽器で、均一化が進んだ他の地域のトロンボーンとは一線を画している。やや細目のボアと響きを抑える為のクランツと呼ばれる金属片が縁についた比較的大きなベルを持ち、弱音時の円錐管に近い柔らかい響きと、強音時の鋭く割れた響きが特徴的である。現代ではほとんど使われないが、稀にクラシック音楽でドイツ系の楽曲を演奏する際に使われることがある。 文章: ベース (弦楽器) アメリカのフェンダー社から発売されたプレシジョンベースがその草分け。指板にフレットをつけた("フレッテッド")ことにより正確な音階が出せるという意味で、プレシジョン(正確な)という名前が付けられた。フレットのないものもあり、単に「フレットレスベース」と呼ぶと「エレクトリックベースでフレットのないもの」を指すことが多い。 なおエレクトリックであるもののうち、楽器本体内部に共鳴箱を持たせてその振動をも増幅するものは区別して「エレアコ」「セミアコ」等と呼ぶことが多く単にエレクトリックベースと言った場合は楽器本体内部に共鳴箱がないソリッドボディのものを指すことが多い(エレクトリックアコースティックギターを参照)。 文章: ボブ・ボーグル 本当に自己流」と語るように、後述のエピソードの通り必要に迫られてベースを担当するようになったために生まれた結果であり、それが彼ならではのベースの演奏スタイルとなっている。リードギターも数曲披露するが、こちらは極めてオーソドックスなプレイスタイルとなっている。愛器フェンダー・ジャズマスターのピックアップセレクターは常にミドルポジションに設定し、トレモロアームを握った状態で弾くのが特徴である。そのため微妙な音程の揺らぎが生じるのだが、それが却って彼ならではの味となっている。またライヴでは"Caravan"のドラムソロで見せる、ドラマーがベースの弦を叩いて鳴らす「スティック・オン・ベース」が見せ場となっている。ドラムとベースの二人の呼吸が合わないと成立しないテクニックである。 文章: ハープ 現代の西洋音楽の、独奏やオーケストラ、室内楽、吹奏楽などで広く用いられているコンサートハープは、ダブル・アクション・ペダル・ハープである。これは、主に47本の弦を変ハ長調全音階で張り(半音低く調律された白鍵のみのピアノのイメージ)、7本のペダル(それぞれ3段階の位置があり、上から順にフラット、ナチュラル、シャープ)を足で操作することにより、各オクターブのハ、ニ、ホ、ヘ、ト、イ、ロそれぞれの弦を同時に半音上げたり、全音上げたりできるようになっているハープである。全音階ハープを転調などに対応できるようにするため、楽器職人セバスチャン・エラール等により作られた。この仕組みにより、様々な調を演奏することができるが(調によっては異名同音的に)、どんなに熟練してもペダルの操作を全くの瞬時に行うことは不可能であるため、オーケストラなどでは2人で演奏することによって、ペダル操作の不完全さを補うことがある。 文章: バンド (音楽) 単に「バンド」と言った場合は、ジャズやロックなどポピュラー音楽を指すことが多いが、広義にはジャンルを問わない。ただし、オーケストラはバンドと区別されることが多い。差異は、電子楽器やエレキギター、ドラムセットを使用しているか否かであると見られることが多い。 訳語として楽団(がくだん)がある。ただし楽団と呼称した場合はオーケストラ(管弦楽団)も含まれ、特に管弦楽団や吹奏楽団を指すことが多い。この場合は電子楽器やギター、ドラムセットはパートに加わっていない。 通常、大半が楽器演奏者からなる集団を指すが、ごく希に、ボーカルグループに対し使うこともある。楽器演奏者に限定せず使える語に、ユニット、グループがある。 文章: オーケストラ なお、これよりもさらに大きな編成で書かれた巨大編成の作品もある。リヒャルト・シュトラウスの「タイユフェ」作品52、ヴァレーズの「アメリカ」(1922年版)、メシアンの「アッシジの聖フランシスコ」や「閃光」、ハヴァーガル・ブライアンの交響曲、黛敏郎の「涅槃交響曲」などがそれにあたる。なおこのような木管楽器の編成は、各セクションが同程度の人数というような形式にあまり当てはまらず、フルートとクラリネットが多くなる割りには、オーボエとファゴットはあまり多くならない傾向があり、金管楽器も相当変則的になり、国際的な基準というものはない。 最も小さな編成に、木管楽器が1人ずつ程度の編成がある。ワーグナーの「ジークフリート牧歌」は、基本的に木管各1名、ホルン2、トランペット1、打楽器は無しで、弦もワーグナー自宅での初演時は1人ずつであった。これは20世紀後半の室内オーケストラを先取りするものであったが、当時は「オーケストラ」とはみなされていなかった。 ヴェーベルンの「5つの小品」作品10のように多くの打楽器や鍵盤楽器が入っていたり、同じく作品21や29、シェーンベルクの室内交響曲第1番のような変則的なものも多い。しかし、この「変則」的な組み合わせが20世紀後半の音楽では優勢になる。室内オペラはこの編成で書かれることがある。