クエリ: 演劇やコンサートにおいて、本番と同じ条件で行う通し稽古のことをドイツ語で何というでしょう?
文章: ゲネプロ 「初日の前日に」との記述も見受けられるが、実際には前日とは限らない。オペラなどでは、声帯のために1日以上開けることもある。通常は1回であるが、日本の場合、初日を迎えても作品の完成度が未熟だった場合、ゲネプロで数日間に亘って煮詰める場合もある。昨今では、ポピュラー音楽・軽音楽の現場でも用いられる。なお、5000人以上を収容可能な大規模なコンサートホールやアリーナを巡回する様なコンサートツアーであっても、最初の会場に限ってそれらよりも小規模な1000人~2000人規模のホールを利用することが往々に見られるが、多くの場合、これはゲネプロで利用したホールをそのままツアー初日の会場として利用していることに起因する。他方で、特にアマチュア・セミプロの現場ではその意味はミュージカルやオペラに比べ曖昧なケースが多く見られ、単純に公演直前に本番会場(もしくは同条件の別会場)で行うリハーサルを指す事も多い。
文章: カール・ミュンヒンガー 段階的ディナーミックとは、ミュンヒンガー曰くオルガンやチェンバロを意識したディナーミックのことで、ピアノからフォルテへの移行が連続的でなく断続的に行われるものであるとされる。ミュンヒンガーは「バッハと彼の同時代の人々は、これによってディナーミックの可能性が制限をうけているとは思っていなかったのです。テラッセン・ディナーミックは彼らにとってはそれ相応の内的必然性があったのです。彼らは、このディナーミックの法則をオーケストラにも、無伴奏合唱曲にも、適用していました」と述べており、バッハの演奏にはモダン・ピアノでなくチェンバロを使うべきだとしている。ミュンヒンガーはシュトゥットガルト室内管弦楽団でこの知見を活かそうとしたが、当初はオーケストラから反発され、ストライキも生じたという。 文章: ロック歌舞伎スーパー一座 ドイツに招聘された1991年の第5回ヨーロッパ公演(ワイマール、シェイクスピアフェスティバル)では、歌舞伎スタイルでシェイクスピアの『リア王』を上演し 満員の観客からスタンディングオベーションを受けた。 この模様は 東海テレビが同行しドキュメンタリー番組も創られ放送されている。 言葉が通じなくてもシェイクスピアなら欧州でも通じるという目の付け処が素晴らしい。天才演出家 岩田信市のアイデアが当たった。 歌舞伎をモチーフにしていても中央の芸におもねることは全く無く、たとえ技術は拙くとも初めから江戸に栄えた歌舞伎を追求し、世界を目指していたところが、流石イチローを輩出した名古屋発の劇団といえよう。 ことの興りは 前衛集団ゼロ次元の岩田と表現者の原とが出会い、名古屋のストリートパフォーマンスから湧き出てきたものなので、その誕生の仕方としては阿国が京都で興した本家の歌舞伎に類似している。 岩田は古文書や昔の歌舞伎の台本から脚本を書きおこし、浮世絵などから江戸の演出を想像して 現代解釈に変え面白く表出していく。完全にオリジナルの歌舞伎である。その一番の体現者が座長の原であった。 江戸に賑わった芝居小屋を再現しようと1988年より、大須演芸場を桟敷劇場に改装して毎年12月「師走歌舞伎」公演を連日上演。 江戸の芝居小屋再現にこだわり お弁当、お酒を提供しての公演で、おひねりが飛び交い、盛んに役者の屋号が叫ばれて 観客大喜びの大人気の興行であった。 スペクタクルに笑いにエログロナンセンスというEntertainmentをちりばめた内容で、当時は大阪に劇団新幹線、名古屋にスーパー一座と言われるほど盛り上がっていた。 1991年7月からは浅草オペラを彷彿させる「大須オペラ」を年一回定期上演しこちらも「名古屋の夏の風物詩」と評判を得、既に大好評だった「師走歌舞伎」と並びファンは毎年上演を待ちわびた。 文章: 期待 (オペラ) 1幕4場から成り、全体の演奏時間は約30分にも満たない。また通作形式になっており、そこでは、旋律の特徴や音色で全体の統一が図られている。また、テンポの変化が驚くほど多く、それによる表情の推移は、演奏者たちにかなりの困難を強いる結果をもたらしており、ベルクの『ヴォツェック』などと同じ特徴をなす。 文章: ハム (ヴェストファーレン) この街の重要な演劇施設には、ヴェストフェリシェ野外劇団 e.V. のヴェルトビューネ・ヘーセン、クルトゥールバーンホーフ(文化の駅)のヘリオス劇団、クアハウス・バート・ハムがある。ヴァルトビューネ・ヘーセンは、ドイツで最も来客数の多いアマチュア野外劇場である。 ヘリオス劇団は、その創設地であるケルンのヘリオス通りにちなんで命名された。この劇団は、時には年間100カ所で公演を行う実験的旅劇団として活動を開始した。1997年からはハムに定住し、当初は市内の様々な劇場で公演を行っていた。2004年以降、文化の駅を常設の公演会場とした。ヘリオス演劇アンサンブルはこれによりハム初のプロの劇団となった。このアンサンブルは、本拠地での公演に加えて、ツアー公演も続けている。また、2002年、2004年、2007年には、ハムでの国際演劇祭「ヘルヴァッハ」(ドイツ語: hellwach =「はっきりと目覚める」「覚醒する」)の主催者・創設者となった。 クアハウスの劇場ホールは、数多くの客演劇団の公演会場であり、コンサートの他に多彩な演劇、音楽公演に用いられている。 文章: オペラ 地方を含めた多くの都市には、地元のアマチュアの合唱団とプロのソリストやオーケストラが共演する「市民オペラ」と呼ばれるものが存在し、特に地方では地元の民話などを題材にした新作オペラが上演されることもある。しかし、各主要都市(ドイツ圏では人口10万以下の小都市ですら)が歌劇場を持ち、それぞれに専属のプロの歌手、オーケストラ、合唱団、音楽監督が存在するヨーロッパの状況とは、まだまだ大きな隔たりがあると言わざるを得ない。もっとも、日本にはヨーロッパほど自国団体のオペラ上演に対する大きな需要があるわけではない、という面も無視できない。日本の3倍近い人口を持つ米国も常設場歌劇場はわずかに3つ(2018年現在)であり、オペラの盛況は発祥の地であるヨーロッパ(特に大陸)に特有の現象ととらえることもできる。 日本語によるオペラの発声法は確立されていない、とする見解もある。日本語は母音が多いため重唱すると誰が何を言っているのか聞き取りにくく、様々な時代の漢語を取り込んだので同音異義語が多く、また、欧米語のオペラでは1音符に1単語をあてられる場合もあるのに比べ、「ん」以外は1文字が1音節となる日本語では1音符に1文字をあてる場合が多く、歌える言葉が少なくなるという問題がある。外国作品を日本人公演でも字幕付で原語上演するのは1980年代になって広まり、それまでの日本語公演に取って代わったともいわれている。以前は全てのオペラがドイツ語で上演されていたヴィーン国立歌劇場でカラヤンが音楽監督に就任してから原語上演が導入され、その後、上演国の言語ではなく原語での上演が欧州全体に広がって以降、オペラの原語上演は世界的な傾向でもある。また近年では、「『日本語の正しい発声』なるものを仮構して実践する、というやり方ではなく、そうかといって、『正しいオペラの発声』なるものを無視した『悪い声』というわけでもなく」「日本語が明瞭で生き生きしていた」と評される日本語公演の例もあり、「日本語オペラの発声法」のような独特の発声法を「確立する」という発想とは異なる視点も生まれている。 2002年、小澤征爾がウィーン国立歌劇場の音楽監督になったが、歌詞にウィーン訛り、イタリア語訛りの出てくるリヒャルト・シュトラウスの『ばらの騎士』で、そうした訛りが聞き取れず、また別の機会に「この年になってこんなに勉強できるのは嬉しい」と語ったが、ウィーン人にとっては音楽監督とは彼から学び引っ張っていってもらいたい存在であるところに、日本語を母語とする現在の日本人の限界がある、と野村三郎は述べている。 文章: ディートリヒ・フィッシャー=ディースカウ 彼は20世紀前半において声楽発音の常識であった舞台ドイツ語 (de:Bhnendeutsch) に、口語発音を取り入れ現代化させていった。ドイツの歌手には珍しく地方歌劇場での下積み期間がほとんどないこともあり、同年輩のヘルマン・プライやエーベルハルト・ウェヒターと違ってオペレッタはあまり歌わないが、それでもヨハン・シュトラウス2世『こうもり』『ジプシー男爵』の録音を残している。フィッシャー=ディースカウの初めての米国への演奏旅行は1955年、29歳の時に行われ、4月15日にJ.S.バッハのカンタータ『私は十字架を喜んで担おう Ich will den Kreuzstab gerne tragen』BWV56と4月16日の『ドイツ・レクイエム』でシンシナティにおいてコンサートデビューを果たした。 文章: 現代音楽 音楽劇の中で劇中の小道具を音楽に取り込む用法としてはワーグナーの楽劇『ニュルンベルクのマイスタージンガー』で、主役の靴職人ハンス・ザックスが宿敵ベックメッサーの歌の練習を邪魔して靴を叩く音を挿入したり、サティの舞台音楽『パラード』で大騒ぎの挙句ピストルやサイレンの音を挿入したりするなどの例が挙げられる(サイレンの音は、後にエドガー・ヴァレーズが『イオニザシオン』などで純音楽的効果として用いている)。これらは録音技術以前において具体音を音楽として取り込んでいる例である。また具体音を楽音で模した例となると無数にある。シャルル=ヴァランタン・アルカン、アルチュール・オネゲル、ルーズ・ランゴーが鉄道の音を模倣しているが、アルカンのころには既存の音楽の枠に具体音を押し込めていたのが、ランゴーのころには忠実な具体音の模写そのものが音楽になっている。 文章: オランジュ音楽祭 最初の祭典は1860年に開催されたが、1869年にローマ劇場の復元が成ると「ローマ祭」と呼ばれ、エティエンヌ=ニコラ・メユールのオペラ『ジョゼフ』が上演された。祭典にはフランスの著名な芸術家たちが出演し、1世紀にわたって演劇、オペラ、コンサートが開かれた。1903年にはサラ・ベルナールが『フェードル』を上演したほか、『アンドロマック』『アンティゴネ』などの演劇が上演された。 1902年から祭典は「コーレジー」と呼ばれ、毎年実施されるようになった。コーレジーとはギリシャ語で合唱指導者を意味する「khorgs(コレゴス)」が語源で、舞台の壁面の優れた音響効果からその名がつけられた。コーレジーでは音楽と演劇が交互に上演されてきたが、1969年から演劇はアヴィニョン演劇祭で行われるようになり、1971年から「新コーレジー」というオペラ音楽祭として再生した。現在では声楽リサイタルやオーケストラコンサートとともに2つのオペラを2回上演するのが一般的である。かつてはドイツオペラに非常に熱心な音楽祭(大部分を占めていた時期すらある)だったが、近年はほぼイタリアオペラ中心である。 文章: チューリッヒ歌劇場 主なレコーディングは、チューリッヒ歌劇場に頻繁に客演するニコラウス・アーノンクール指揮で、モンテヴェルディやモーツァルトのオペラなどがある。ウェルザー=メスト就任以降急速に存在感を増し、彼やアーノンクールらの指揮で多数のライブ映像もリリース。現在ではドイツ圏でも重要な歌劇場のひとつと言われている。2008年には来日公演を行った。オリベッティのタイプライターの営業出身のアレクサンダー・ペレイラは、その経験を生かし赤字のチューリッヒ歌劇場を黒字化した。 文章: ロシア象徴主義 理論めかせば、ニコライ・エヴレイノフの著作にも目配りすべきであろう。エヴレイノフの説によると、劇場は我々を取り巻く全てなのであり、自然界は慣行的な演技に満ち満ちているという。例えば沙漠の花は岩石を模倣しており、ネズミは猫の爪から逃れるために死んだ振りをして見せる。劇場とは、エヴレイノフ曰く、実存というものの普遍的な象徴なのである。一方で、作家アントン・チェーホフの甥で俳優のミハイルは、象徴主義の特殊な演出法を発展させた。これは今でもスタニスラフスキーの演出法と人気を分け合っている。 文章: ドイツ民主共和国における検閲 西側とは違って、東ドイツの作家、芸術家、音楽家は、国家の高い位置にある人間から注意を受けていたことを自覚していた。文化は、SEDの体制を強化するうえで重要な役割を持ったからである。わかりやすいのは次のような演劇の例である。「政治家が演劇に望んでいるのは、新しい国家と国民のアイデンティティを作り上げるのに、積極的な役割を演じなければならないということだ」。その際、国家・党は矛盾した関心を持っていた。ベルトルト・ブレヒトのような著名人たちは、一方では、当時外交上孤立していた東ドイツのよき代弁者であったが、他方では、ブレヒトとベルリナー・アンサンブル(ドイツ語版)劇団は、社会主義リアリズムの原理、つまり芸術構想の原理がもつ矛盾に長いあいだ直面することになった。よき模範と登場人物を通じて社会主義の発展を促進しなければならなかったが、党と経済への批判は避けなければならなかったからである。ブレヒトの『肝っ玉お母とその子供たち』は、高い費用をかけて映画化されたが、しかし政府は、登場人物のキャラクターを模範的なプロレタリアである人物として、東ドイツの文化政治的な枠組みで解釈し、もともとの内容と形式を変更しようとした。文化政治、映画政治の圧力は、ドラマの台本に社会主義的な思想を導入させた。 文学と同様、戯曲もまた印刷を回す前に検閲された。1956年以降、「文学・出版管理局」の後任組織である文化省「出版及びその販売事業担当局(ドイツ語版)」が、印刷許可手続き(ドイツ語版)を担当し、東ドイツでの検閲を中心的に行った。その業務内容は、「進歩的文学発展条例」にもとづき、紙の配給量に応じて本の印刷を許可するか禁止するのかを決定することであった。東ドイツにある78の出版社を完全に独占しており、出版社の責任者や企画にも直接介入することができた。 東ドイツの作家は、検閲を避けて作品を西側で出版するということも許可されていなかった。1966年以降、著作権管理局の同意があった場合にのみ、許可されたが、それも条件付きであった。 文章: 公演 公 演(こうえん) 公衆や観客の前で、あるいは配信の形で、演劇や音楽などを演じること。 無観客公演 無観客公演 公 演(gngyn) (日本語に同じ)公演する。 文章: 実技 音楽高校、音楽大学の試験は学科試験のほかに、楽典・ソルフェージュ・聴音のほかに 各専攻の実技試験がある。 たとえば一般的な音大のピアノ専攻ではバッハの平均律クラヴィーア曲集、ツェルニー50番やショパンのエチュード等の練習曲、ベートーヴェン、ハイドン、モーツァルトいずれかのソナタ等。管弦打楽器専攻の場合は音階の演奏もある。ほかに自由曲や課題曲等。声楽はコンコーネから数曲と、自由曲、課題曲の場合が多い。作曲は曲の製作、指揮は指揮の実技など。 音楽学、音楽療法専攻では英文和訳の試験があるほかにピアノでソナチネを弾くなど。 文章: ゲオルギス・オソーキンス So your hands must improvise, head or brain must improvise. Nature of your health must improvise because you might be also ill or cured in the day of performance or strong and relaxed and really in a form. When you are out of form it's very difficult to find your own path So maybe it's one of the most difficult things for pianists or an artist."ゲオルギス 「私は舞台上での即興だと思います。というのも即興が演奏のたどり着き難い本質だからです。 文章: ブロッキング (舞台芸術) ブロッキング(英語: blocking)は、演劇、バレエ、映画、あるいはオペラなどにおける、パフォーマンスを容易にするために舞台上での俳優の正確な動きやポジショニング、を指す用語である。 舞台演出家は通常、リハーサルにおいてブロッキングを決定する。一定の劇的効果のためにどこで動くべきなのかを俳優に告げ、観客にとっての視界のラインを確かめる。 ひとつの芝居のそれぞれのシーンは、通常、ユニットとして「ブロッキング」され、そののちに、演出家は次のシーンへと移る。ひとつのシーンでのステージ上の俳優たちのポジショニングは通常、舞台上のすべてがシーン間ではけてしまわないかぎり、それにつづくポジショニングのための可能性を誘うものである。いちどすべてのブロッキングが芝居を完成したとき、それを「ブロッキングで満たされた(fully blocked)」といい、そのとき「磨き(polishing)」あるいは改良のプロセスが始まる。ブロッキング・リハーサルの間、通常、演出助手あるいは制作(Stage manager)、もしくはその両者が、俳優がステージ上でどこに位置するのか、そしてその動きのパターンについての記録をつけておく。