クエリ: 音楽で、音を区切って演奏する「スタッカート」に対して、音と音の間に切れ目が出ないようなめらかに演奏することを示す用語は何?
文章: スタッカート (音楽) 最初の小節では、同時に演奏される2音が共通の符幹を持つため、同じパート(いわゆる声部)であることがわかる。この場合、スタッカートは両方の音符に適用される。2小節目では、2つの音符が符幹を共有していない。これは2つの音符が異なるパートであることを意味しているため、スタッカート記号が音符の上部にあることを踏まえ、2つの音符のうち上側の音符のみに適用される。 スタッカートと反対の意味を持つアーティキュレーションはレガートである。これは長く連続した音を意味する。メゾスタッカートまたはノンレガートと呼ばれる、これらの中間を表すアーティキュレーションもある。 楽譜作成プログラムSibeliusでは、スタッカートは音符の演奏時間を50%短縮するとしている。
文章: 分散和音 分散和音とは、音楽の和音を、構成する全ての音を同時に鳴らすのではなく、何度かに分けて鳴らす作曲法。印欧語では「崩された和音」という意味で英語ではブロークン・コード(Broken chord)、ドイツ語ではゲブロッヘネン・アコルト(gebrochenen Akkord)などと呼ばれる。これに対してすべての構成音が同時に演奏されたものを「同時和音」と呼ぶ。 文章: 音 音は「聴覚の内容」、聴覚によって感覚される内容(感覚の内容)である。百科事典では、音は楽音と騒音に分けることができる、とされている。 百科事典の説明では次のように説明してある。楽音の場合は(あくまで楽音の場合の話)、音の「強さ」「高さ」「音色」が聞き分けられる(一般的に言えば、聞き分けられる人が多い、ということ)。かくしてこれらは「楽音の三要素」と呼ばれている。騒音のほうは、機械類・装置類(例えば、新幹線やジェット機)によって社会問題になっている。人にひどく不快な体験をさせ、体調を崩す人、健康を害す人すらも出てくるからである。音楽においては、ここちよい美しい音とそうでない音を区別することばとして、楽音(がくおん、英: musical tone)と噪音(そうおん、英: unpitched sound)がある。人間の聴覚の特性は音響心理とよばれ、音響心理学などで研究されている。 文章: 奏法 奏法(そうほう)とは、楽器の演奏の仕方のことであるが、一般には、楽器の音の出し方がいくつかある時にそのそれぞれを指していう。なお、一般に、異なる高さの音を出すため、また、異なる強さを出すための音の出し方の違いは、奏法の違いと言わず、奏法が違うというときには音色の違いを目的とするのが普通である。 一般に、楽器は、その使い手集団(民族、文化圏など)の音楽的欲求を満たすために発達し、音楽的欲求を満たす音色を出すことを目指すから、音の出し方もその音楽的欲求を満たすことを目的として定まってゆく。しかしながら、どのような楽器でもいくつかの音の出し方が見いだしうるのが普通であり、それぞれに音楽的価値が見いだされれば、または、それぞれを使い分けることに音楽的価値が見いだされれば、異なる奏法が確立してゆくこととなる。 これらの中で最も有名なのがヴァイオリン属の楽器におけるピチカート奏法である。ヴァイオリン属の楽器は擦弦楽器であり、弓で弦をこすって音を出すことを本来の奏法とするが、わざわざギターなど撥弦楽器の演奏法である指ではじいて音を出す奏法を取り入れ、音色の変化を獲得したのである。 おもな、様々な楽器の本来の奏法でない奏法(伝統的な範囲) ヴァイオリン属の楽器のピチカート - 弦をはじく ヴァイオリン属の楽器のコル・レーニョ - 弦を弓の木の部分でこするかたたく 弦楽器のスルタスト - 本来の弦のこすったりはじいたりする部分より中央に近い部分をこすったりたたいたりする 弦楽器のスル・ポンティチェロ - 弦の端のごく近くをこすったりたたいたりする 弦楽器やフルートのハーモニクス(フラジオレット) - 倍音を奏する ホルンのゲシュトプフト - 右手を深く突き刺して鋭く弱い音を出す 現代音楽ではこれらの奏法に加え、より多彩な特殊奏法が求められる。そのうちのいくつかは共有の奏法として奏者の認識が確立している。代表的なものに木管楽器の重音奏法がある。詳しくは特殊奏法の項を参照。 文章: ピアノの音響特性 O. L. Railsbackによって初めて測定されたレイルズバック曲線(Railsback curve)とは、通常のピアノ調律と平均律(全ての短二度または増一度(英語版)の周波数比を2の12乗根にした調律)との間の差を表わしたものである。ピアノにおける任意の音について、その音の通常の音高とその平均律における音高とのずれはセント単位(半音の100分の1)で与えられる。 レイルズバック曲線が示すように、オクターブは良好に調律されたピアノでは通常拡がっている。すなわち、平均律と比べて高音はより高く、低音はより低い。レイルズバックは、調律師が音高の正確さに欠けているためという理由ではなく、弦のインハーモニシティが理由で、一般的に、この手法でピアノが調律されていることを発見した。理想的には、音の上音列はその音の基本周波数の整数倍の周波数で構成される。ピアノ弦に現われるインハーモニシティによって一連の上音はそれらが「あるべき」音高よりも高くなる。 オクターブを調律するため、ピアノ技術者は低音側の第1上音と高音側との間のうなりが消えるまで調整しなければならない。インハーモニシティのせいで、この第1上音は(2/1の周波数比を持つ)調和オクターブよりも高い。このため、低音側はより低く、高音側はより高く調律される。そして、ピアニストのテッシトゥーラは一般に3オクターブであるため、ピアノの全ての音を3オクターブ下の音の第8上音とかなり近く調律することが決定的に重要な意味を持つ。 文章: オーボエ 音域は中央ハのすぐ下の変ロから3オクターヴ弱上のイまで約3オクターヴであるが、中には最高音が変ロとされているオーボエもある。奏法を工夫すれば、奏者の実力次第でそれより上のロ、ハ、変ニ、ニまで出すこともできるが、演奏は極めて困難である。また音の組み合わせに制限はあるが、ハーモニクス、二重音、三重音、多重音の発音が可能である。グリッサンド、フラッタータンギング、弱音奏法(これもハーモニクスと呼ばれる)、循環呼吸法による切れ目ない演奏、音色を変化させるフィンガリングなど、現代奏法にも広く適応する。1つの音程について音色の異なる20種類程のフィンガリング(timbre fingering)が存在することもあり、著名な現代曲ではいくつかの音についてこのフィンガリングが使われている。 オーボエは細かな調律が難しく、同時に演奏中に調律が変化しにくいことからオーケストラの音合わせでオーボエが使われることが知られている。 文章: ビブラート・ユニット エレクトリック・ギターのブリッジやテイルピースの位置を連続的に変える(揺らす)ことで音程を連続的に上下させること(ビブラート)を可能とした装置である。フェンダー・ストラトキャスターなどのように標準状態で搭載されている場合もあれば、後付けで搭載される場合もある。ビブラート・ユニットには金属製の棒や細長い板(アーム)が装着されており、これを手で操作する(アームダウン、アームアップ)ことで、ギターのブリッジやテールピース(あるいはその両方)の位置が連続して変わり、その結果として弦の張力が変化し、音程も変化する。ビブラート・ユニットにはチューニングが安定しないなどの欠点があるものの、他の奏法では実現できない効果が生まれるため、欠点を補って余りある魅力がある。この装置の名称は学術的に定められているわけではなく、多様な呼び方が存在する。 文章: 霧島国際音楽ホール 主ホールの音響設計は安藤四一。助教授時代に鹿児島県からの依頼を受け音響設計を行った。音響設計は、どんなに有名な設計者が行っても必ずしも成功するものでは無く、ホールによっては音の響きの関係で聞き辛い場所があるものだが、それを無くすため、どの座席に座っても同じように綺麗な音響になるよう、安藤の長年の研究成果に基づいた音響学を駆使し、ホールの隅々まで同じ音質で行き渡るための緻密な計算によって設計されており、プレファレンス理論により各座席で最大効果になるよう計算されている。 主ホールは、シューボックス型を基本として、細かいひだのあるホールの側壁を真上から見た場合の平面は木の葉型となっており、水平方向に6分割されたステージ後壁の傾斜、船底型の天井を採用。様々な方向に音が響くよう、壁は10分の1の角度で内側に傾いている。開館から1年後には、木の乾燥が進むにつれ落ち着いた音色を醸し出すようになった。主ホールの残響時間は約1.6秒から1.8秒であり、音の強弱を示す音圧レベル、直接音と最初の反射音との時間差を示す初期反射音の遅れ時間、音源の振動が止まっても音がしばらく聞こえる時間を示す残響時間、両耳に入っている音の類似度を示す両耳間相関度という、音響の要因は4つ全て、クラシック音楽に理想的な数値を示している。世界有数の音響の良さを有するため、主ホールでの演奏は響きのレベルが違い、品格があり豊かな響きになるので、本格的な音響を生かす演奏会などに向いている。 1994年(平成6年)の開館時には、約15分の検査時間で各人の音の好む音や個人差をコンピューターで分析し、その人に最適な座席を割り出す事ができ、演奏家にとっても、自分の演奏している音が聴衆に、どう聞こえるかを知ることにより演奏法の工夫が可能になるメリットがある、世界初の装置「音場シミュレーション室」も稼働していた。高齢者に耳の遠い者が多い事など、音を聞く能力には個人差が大きく、両耳の聞こえ方の差、音の強さや残響時間など、好みは多種多様であるため、自分に最適な席を知らない事により、コンサートに満足できず帰る者も多いのではないかと考えた安藤の理論を基に、音場シミュレーション室はつくられ、部屋にはコンサートホール設計に使用する業務用コンピューターなどを設置。反響の無い無響室で録音した室内楽曲などが、残響時間や音の強さなどを様々に変えスピーカーから流せる仕組みになっており、測定を受ける者は、音を聞きながら二者択一方式で好きな音を選んでボタンを押す事で、そのデータをコンピューターで分析し、最も合う座席を探せた。音場シミュレーション室はその後、技術の進歩や革新に加え、機材の老朽化により現在は使用していない。 文章: ブライアン・メイ ブライアンの演奏時テクニックの特徴としてチョーキングとビブラートが挙げられる。ブライアンはフレーズの途中でチョーク・アップを多用するが、その他のギタリストの使い方と決定的に異なるのはチョーク・アップの後にチョーク・ダウンしない事である。ボヘミアン・ラプソディーのソロでも随所に見られるが、音階を駆け上がった頂点の音はチョーク・アップによって出しており、その後チョーク・ダウンはしていない。また、クイーンのギターソロにはしばしば1音半、2音、「うつろな日曜日」(オペラ座の夜収録)では2音半チョーキングという通常では考えられない高音チョーキングが登場するが、これはレッド・スペシャルのスケールが24インチのショートスケールで、かつ弦のゲージが0.08と細く弦のテンションがかなり低い事が影響していると考えられる。ビブラートに関して、ブライアンは常に揺れ幅の大きく速いビブラートをかけている状態である。また、和音を鳴らしている際はアームを用いたアーミング・ビブラートをかけている。レッド・スペシャルはアーム・ダウンしかできないと思われがちであるが、実際のレッド・スペシャルのトレモロユニットはフローティング状態にあり、半程度のアーム・アップも可能である(2013年フランスでのライブ映像で確認できる)。これにより、通常のシンクロナイズド・トレモロユニットのアーム・ダウンによる(音程を下げる方向の)ビブラートではなく、フローティング状態を基準にアーム・ダウンとアーム・アップを織り交ぜるビブラートが可能となっている。アームの操作に必要な力も市販のギターに比べてかなり少なくて済むため、安定を僅かに揺らす繊細なビブラートが可能であり、ブライアンの音色の特徴となっている。 文章: 音楽ゲーム この音符が判定エリアを通る前に、すべてのパネルから足を離して何も踏んでいない状態にしなければならない。何かを踏んでいる場合ミスとなり、譜面が一瞬見えなくなるペナルティが掛かる。指定されたタイミング(始点)で入力を始め、別の指示されたタイミング(終点)まで入力を続ける。「太鼓の達人」では叩くという性質上押さえ続けることが困難なため、搭載されていない。他のゲームでも搭載されていないことがある。始点で入力をさせた後、終点の扱いについては以下のいずれかになることが多い。*終点で入力を終える必要はない(SOUND VOLTEXのロングノートなど)*終点で入力を終える必要があるが、無視した時はミス扱いではなく低評価とする(DJMAXのロングノートなど)*終点で入力を終える必要があり、無視するとミス扱いになる(beatmaniaIIDXのチャージノートなど) 文章: 弦楽器 ギターのようにフレットが付いていたり開放弦を多く使う楽器や、コントラバスのように弦の張力が大きい楽器では、演奏中の調弦の安定性を高め微調整がやりやすいようにウォームギアを使った機械式のものを使う。 弦の途中で弦を押さえ(実際には下から押し上げるような形になる)、弦の振動長を限定するとともに弦同士の間隔を適正に保つ(複数弦の場合)部品を駒(ブリッジ)という。駒は、緒留めや糸巻きの手前に付けられる。特に共鳴胴や響板の上に付けられる駒は、弦の振動を共鳴胴に伝える重要な働きを持つ。糸巻き側を「上駒」、胴側を「下駒」ということがある。 エレキギターなどでは、下駒の位置を各弦ごとに弦の長さ方向にねじで微調整できる「イントネーション」機構を持つものが多い。これは、弦を押さえたときの張力の増大による弦の「延び具合」が弦の材質や太さによって微妙に異なるため、実効的な弦長が設計値と一致ぜず、高フレット位置で音程が全般的にずれることを補正するためである。イントネーション機構は、弦高(弦と指板との距離)の微調整機構も兼ね備えていることが多い。粗悪な製品では、そもそもイントネーション機構がなかったり、あっても音程のずれが調整範囲を超えていたりして、あるフレットポジション(例えば開放弦)で音高を正確に調弦しても他のフレットを押さえたときに音程が明らかに狂っている、いわゆる「フレット音痴」のことがある。 文章: ピック奏法 ピック奏法(ピックそうほう)とは、ギターなどの撥弦楽器の弦をピックではじいて演奏する奏法。ピック弾き(ピックびき)とも呼ばれる。 カッティングを多用して演奏する場合において輪郭のはっきりした音色が得やすい。また、単音でメロディ等を演奏する場合には細かい演奏が比較的容易となる。ピックの振り抜き方によって音色に変化を加えることも可能であり、ピックそのものや性質をうまく利用した、トレモロ奏法やピックスクラッチ等の独自の表現方法がある。 一方で、特にギターの演奏において、アルペジオや主旋律と副旋律等を同時に演奏しようとした場合の自由度はフィンガースタイルの方が高い。 文章: 音程 音程には、全音階の中に現れる音程とそうでない音程があり、前者を全音階的音程、後者を半音階的音程と呼ぶことがある。すべての完全音程、長音程、短音程と、増4度、減5度が全音階的音程で、それ以外が半音階的音程である。 下に、長音階に現れる各音程の一覧を示した。 文章: 和音 分数コードとは、D/Cなどのように表記されるコードのことである。オンコードとも呼ばれる。分数コードには以下の種類がある。アッパー・ストラクチャー・トライアドのように、分母がコードを表すときに分数の線を水平に、分母がベース音を表すときには分数の線を斜線(またはonを使う)に、というような使い分けも行われる。 文章: アゴーギク アゴーギク(独:Agogik)とは音楽用語で、演奏においてテンポやリズムを意図的に変化させることで行う、音楽上の表現の一つ。テンポ・ルバート、アッチェレランド、リタルダンドなどがある。デュナーミク(強弱法)との対比で速度法、緩急法とも言う。通常、同じ速度記号が適用されている間に行われ、テンポの揺らぎがその速度記号の示す範囲を大きく超えることはあまりない。なお、アゴーギグと書かれることもあるが、原語では語尾はkなので「グ」とするのは誤りである。デュナーミクと同じく、度合いは演奏者の裁量に任されている部分が音高や音価に比べてやや大きいため、演奏者にとって重要な表現方法のひとつであるが、デュナーミクと違って音価そのものに影響を及ぼしやすいので濫用は避けられることが多い。日本では、俗に「(テンポの)伸び縮み」と呼ぶことがある。 文章: クリスチャン・ウォルフ 限られた秒数内に演奏するための指示。規定された秒数の間に、指示された内容の演奏が必要とされる。コロンの左側には演奏秒数が書かれ、コロンの右側には演奏する音の数を示す数字や、奏法やギャマットを示すアルファベットが書かれている。この楽譜によって、コントロールされた即興演奏という表現が導き出された。白丸の中に、音量や音域などの条件を書き込んだ「キュー」が示される。演奏者は、該当する条件の音が聴こえた場合は、キューの横にある記号を演奏する必要がある。「このような音が聴こえたら、このように反応する」という指示であり、演奏者にも予想できない結果をもたらす仕組みとして考案された。自分の音と他者の音をアンサンブルさせる規定が書かれている。音と音の間には垂線・水平線・斜線が引かれており、音の前後関係や同時関係、音長の決定方法が示されている。