クエリ: 代表曲に『イン・ザ・ムード』や『ムーンライト・セレナーデ』などがあるジャズ音楽家は誰?
文章: ジョー・ガーランド ジョー・ガーランド として知られたジョセフ・コープランド・ガーランドは、アメリカ合衆国のジャズ・サクソフォーン奏者、作曲家、編曲家。バージニア州ノーフォークに生まれ、ニュージャージー州ティーネック (Teaneck) で没した。「イン・ザ・ムード」の作曲者として知られている。 ガーランドは、ショー大学 とエオリアン音楽院 で音楽を学んだ。クラシック音楽の演奏家として活動を始めたが、やがて1924年にジャズ・バンドであるグラハム・ジャクソンズ・セミノール・シンコペイターズ に加わり、初めての録音を経験した。1920年代には、サクソフォーンやクラリネットを演奏するサイドマンとして、エルマー・スノーデン、ジョー・スティール、アンリ・サパロ、レオン・アベイ、チャーリー・スキート、ジェリー・ロール・モートン)らの楽団に参加した。1930年代には、ボビー・ニールを経て、ミルズ・ブルース・リズム・バンド で演奏と編曲を1932年から、ラッキー・ミリンダー と交代する1936年まで担当した。その後、エドガー・ヘイズ、ドン・レッドマン(en:Don Redman:1938年、ルイ・アームストロングの下で演奏した。1940年代には、クロード・ホプキンス などと演奏した後、1945年から1947年にかけてはアームストロングの楽団に戻った。その後、ハービー・フィールズ を経てホプキンスのもとへ戻り、さらにアール・ハインズ の下で演奏した。その後、1950年代には、半ば引退状態となった。 ガーランドは、よく知られたスウィング・ジャズの曲を数多く作曲しており、代表作はグレン・ミラーのヒット曲「イン・ザ・ムード」。ガーランドは、アーティ・ショウに「野蛮人にセレナーデを 」を提供し、レス・ブラウン には「Leap Frog」を提供した。
文章: 紙恭輔 1931年、南カリフォルニア大学に留学。ジャズにクラシックの手法を取り入れたシンフォニック・ジャズを学ぶ。2年後の1932年帰国して同年6月、日比谷公会堂で当時世界を風靡していたシンフォニック・ジャズの演奏会を日本で初めて開いた。ここでファーディ・グローフェ他、ジョージ・ガーシュウィンの『ラプソディ・イン・ブルー』を指揮・紙、ピアノ・和田肇により日本初演して大喝采を浴び、シンフォニック・ジャズ運動を興した。このニュースを聞いた服部良一は焦って上京したとされる。またポール・ホワイトマン楽団のスペシャル・アレンジメントの『ラプソディ・イン・ブルー』を、NHK交響楽団の流れを組む「コロナ・オーケストラ」で指揮してJOAKで放送、これも大反響を呼んだ。同年には新映画社の依頼で村田実、田坂具隆共同監督の『昭和新撰組』の劇伴を手掛けた。これが紙が手掛けた映画音楽の第1作である。また「松竹歌劇団」の音楽監督を務め水の江滝子ら出演のショー・『タンゴ・ローザ』の音楽を担当し、松竹歌劇史上最大のヒットとした。主題歌も大ヒットした。さらに10月には火災焼失から新装開店した赤坂溜池の人気ダンスホール「フロリダ」で南里文雄らが結成した新バンドのアレンジを担当、絶えずアメリカから楽譜を取り寄せ、他に先んじて新しい曲を演奏した。また日本に於けるオーナー・ドライバーのハシリといわれる。 1933年2月には、この年から翌年にかけて日本ジャズ界を席巻した日系2世の歌姫・川畑文子の日本初歌唱を指揮し、ラジオで放送した。この時、のちPCL映画(写真化学研究所のち東宝)の代表者となる森岩雄が訳詞を手がけた『三日月娘』などが歌われた。1年で松竹歌劇は辞め、国産トーキーが作られ始めたこの頃、PCL映画の発足(1933年12月)で代表者(製作部長)・森岩雄にジャズ風ミュージカルもこなせる専属オーケストラの結成を勧め、同社初代音楽部長に就任する。同1933年には「コロナ・オーケストラ」から引っ張ったプレーヤーを中心に「PCLオーケストラ」を結成し、ポピュラー音楽やジャズにクラシックを音楽の手法を取り入れた映画音楽を次々発表した。自ら楽団の指揮もとる気の入れようで、以後19本の作品の音楽監督を担当。PCL自主製作第1回作品で日本初の本格的音楽映画といわれる木村荘十二監督の『ほろよひ人生』、成瀬巳喜男監督初のトーキー作品『乙女ごころ』、山本嘉次郎監督『エノケンの青春酔虎伝』、内田吐夢監督『裸の町』などの音楽を手掛け、日本の初期映画音楽、特に日本のミュージカル映画を形作った。1936年の『兄いもうと』では、指揮者の近衛秀麿を引き入れて撰曲と演奏を担当させ、シューベルトの『ます』やモーツァルト、ハイドン、メンデルスゾーン、リストなどの既成古典曲を紙が巧に編曲して、トーキー映画としては風変わりな試みをやった。服部正はこの時代の同僚・後輩。なお初期トーキーではフィルムの画像とサウンドトラックとが分離して処理できず、撮影と音楽のダビング(録音)とを同時に行わなければならなかった。このため撮影に音楽班も参加し俳優が演技をしてる脇で演奏した。「コロナ・オーケストラ」は映画音楽吹き込みの他、帝国ホテルや日劇公演、ラジオ出演など幅広く活動した。また1936年には満鉄映画に招かれ記録映画『秘境熱河』の音楽を手掛けている。「コロナ・オーケストラ」は1937年東宝映画の発足で「東宝映画音楽部」となり、のち「東宝交響楽団」となった。 1937年PCLが合併吸収されて発足した東宝は参加せず、映画音楽との直接のタッチはそこで終る。1938年、松竹が新しく発足させた「松竹楽劇団」の初代楽長(総指揮者)に招かれる。「松竹楽劇団」は「松竹歌劇団」や「宝塚歌劇団」とは違い男女共演のショーチームで、当時松竹の翼下にあった帝国劇場を本拠に、これまでにない画期的なショーを作ろうという狙いがあった。副指揮者に中国慰問旅行帰りの服部良一を迎えた。この公演で大阪で売り出していた笠置シヅ子が東京デビューした。劇団は高い水準を誇ったが紙は約半年で退団し、その後は服部が後任を務め、音楽ショーを中心とした意欲的な公演を続けた。その後時代的にジャズは、敵性国家の音楽として排撃対象となっていったため、戦意高揚のための軍歌やクラシック管弦楽組曲の作曲を行い太平洋戦争中には軍の要請で対米英音楽謀略班を編成、海外放送でジャズを流したりした。戦時下の1942年に出した交響組曲『ボルネオ』、1944年の『木琴と管絃楽のための協奏曲』は代表曲とされる。 文章: ディヴェルティメント K.136 セレナーデやカッサシオン、ディヴェルティメントなどの区別はモーツァルトの時代には存在しなかった。2人のハイドン、フランツ・ヨーゼフとミヒャエルの作品では四重奏曲にディヴェルティメントの名が与えられ、ミヒャエルは室内楽曲にもディヴェルティメントかノットゥルノと付けていた。現在でも、屋外で演奏するかどうかなどの違いだけで、大きな違いはなく、ディヴェルティメントは日本語にすると「喜遊曲(もしくは嬉遊曲)」となるが、要するに貴族や富豪の家で祝い事があったときに食事の際に演奏される音楽のことであった。だから器楽編成はごく小さく、短い曲を集めて6曲程度で構成されるのが普通である。モーツァルトはディヴェルティメントを20曲以上作曲しており、 などから、モーツァルト自身はこれら3曲をディヴェルティメントとは呼んでいなかった。研究によって判明したことだが、ディヴェルティメントは後世にて誰かがモーツァルトの自筆譜に書き加えたもので、モーツァルト研究家で名高い音楽学者のアルフレート・アインシュタインは、 と述べており、確かにこれらの曲は『Divertimento』=『気晴らし』が意味するような娯楽音楽としての性格より、シンフォニックな性格を持っている。また、後述するがモーツァルトは弦4声部(ヴァイオリン2部、ヴィオラ、バス)としか指定しておらず、 文章: ニコラス・ブリテル 2016年のブリテルは、批評的成功を収め、アカデミー作品賞にも輝いたバリー・ジェンキンス監督作品『ムーンライト』の音楽も作曲している。ブリテルとジェンキンスを引き合わせたのは、『マネー・ショート 華麗なる大逆転』を手掛けたプランBエンターテインメントの製作者だった。この作品でブリテルは、ヒップホップの技法であるチョップド・アンド・スクリュード(英語版)を取り入れた。ブリテルの映画音楽は、2017年のアカデミー作曲賞とゴールデングローブ賞 作曲賞にノミネートされた。『ニューヨーク・タイムズ』紙のA・O・スコットは、作品自体を「最初のショットから最後まで、『ムーンライト』は今まで観たことのないほど美しい作品だ」と評した上で、ブリテルの映画音楽を含めた劇中曲について、「驚くばかりで完璧だ」と述べた。ブリテルの作った映画音楽は、「映画本編と同じように、観る者の頭と心から消えようとしない、魅了的な音楽コレクション」(CutPrintFilm) と評され、ブルックリン・マガジン(英語版)で2016年の10大音楽ニュース (The Ten Best Music Moments of 2016) に選ばれるなど高く評価された。映画のサウンドトラックアルバムは、iTunesで2016年のサウンドトラックアルバムトップ25にランクインしたほか、ブリテルのプロデュースでレイクショア・レコーズから発売され、特別盤のビニル盤コレクターズ・エディションも販売された。ブリテルが作った「ミドル・オブ・ザ・ワールド」"Middle of the World" は、iTunesで2016年のサウンドトラック収録曲トップ25にランクインした。 バリー・ジェンキンスは、『ムーンライト』で成功を収めた後、ジェイムズ・ボールドウィンの『ビール・ストリートに口あらば(英語版)』を翻案する新作映画『ビール・ストリートの恋人たち』に取り掛かった。この作品でもジェンキンスとブリテルはタッグを組み、英国アカデミー賞作曲賞やアカデミー作曲賞ノミネートを受けるなど、作品だけでなくブリテルの映画音楽も高く評価を受けた。 ブリテルは2017年に制作されたフォックス・サーチライトの映画『バトル・オブ・ザ・セクシーズ』の映画音楽を手掛けている。この作品では1973年に行われた、ビリー・ジーン・キングとボビー・リッグスによるテニス男女対抗試合が描かれた。 文章: ブルース・ホーンズビー 1989年、ホーンズビーはドン・ヘンリーのヒット曲「エンド・オブ・ジ・イノセンス」をヘンリーと共作し、ピアノも担当した(サックスはウェイン・ショーターが担当)。1991年にはボニー・レイットのヒット曲「夕映えの恋人たち」のピアノを担当した。その後もホーンズビーはこの2曲を自らのコンサートで披露している。この時期は、他にもボブ・ディラン、ロビー・ロバートソン、クロスビー、スティルス&ナッシュやスクイーズのアルバムにゲスト参加した。 この時代、ホーンズビーは次第にジャズやブルーグラスの要素を自らの音楽に取り入れるようになり、まずライブ・パフォーマンスで、後にスタジオでのレコーディングでも使うようになった。1989年、テルライド・ブルーグラス・フェスティバルに初出演。さらに、自身のヒット曲「ザ・ヴァレー・ロード」をカントリーバンドのニッティ・グリッティ・ダート・バンドと共に再演し、この曲は翌1990年のグラミー賞最優秀ブルーグラスレコーディング賞を受賞した。 1990年、ザ・レインジのアルバム『ナイト・オン・ザ・タウン』を発表。この作品ではウェイン・ショーターやチャーリー・ヘイデンといったジャズ・ミュージシャンや、ブルーグラスの先駆者であるベラ・フレックと共演した。ホーンズビーのスタイルが変化してきたことが明らかに分かるアルバムで、ジェリー・ガルシアのギターを前面に押し出すなどロック色が強くなっており、とりわけ、ヒット・シングル「アクロス・ザ・リバー」("Across the River") などでこれが顕著であった。コンサートでは、ザ・レインジは1曲の演奏時間を長くし、さらに多くの“自由な音楽的やり取り”を取り入れるようになった。このアルバムは批評家にも受けがよく、プロデュース、政治との関連性、凝り固まったポップミュージックを脱してジャズやブルーグラスを取り入れたホーンズビーの姿勢が評価された。 文章: ショーン・メンデス そのギターの弾き語りを中心としたスタイルから、ポップ、アコースティック、フォーク・ポップなどのジャンルに分類されることが多い。影響を受けたアーティストとして、ジョン・メイヤー、エド・シーラン、ジャスティン・ティンバーレイク、ブルーノ・マーズらを挙げている。 文章: コーラス・グループ 1950年代から1960年代に、ムード歌謡の男性コーラスグループが高い人気を博した。鶴岡雅義と東京ロマンチカ、和田弘とマヒナスターズ、黒沢明とロス・プリモスなどがその代表的アーティストである。その甘い響きは、ナイトクラブを舞台とした大人の恋愛というムード歌謡独特の世界観を演出している。 同時期には大学の合唱クラブ出身のダークダックス、デューク・エイセス、ボニージャックスらも活躍した。当時は若者の間で歌声喫茶が流行、それにあわせて唱歌やロシア民謡など、誰でも唱和できる親しみやすい曲を主なレパートリーとしていた。 またドゥーワップやソウルミュージックなど黒人音楽の影響が濃いコーラスグループの第一人者としてザ・キング・トーンズがいる。ヒット曲「グッド・ナイト・ベイビー」は本場アメリカのビルボードのR&Bチャートにもランクインした実績を持つ。 文章: ロイ・エストラーダ ロイ・エストラーダ(Roy Estrada、1943年4月17日 - )は、アメリカ合衆国のベーシスト、作曲家。フランク・ザッパが率いたザ・マザーズ・オブ・インヴェンション(以下、MOI)のオリジナル・メンバーで、MOIの同僚だったローウェル・ジョージとリトル・フィートを結成した。2012年1月からテキサス州の刑務所に服役している。 文章: チェンバー・ジャズ チェンバー・ジャズは、グループのインタープレイ(相互作用)が重要なアコースティック・ベースのアンサンブルを含む、小さなジャズのジャンルである。それは、新古典主義音楽における室内楽の小さなアンサンブルから美的な影響を受け、しばしば西洋のクラシック形式だけでなく、非西洋の音楽または文化にも影響されている。とはいえ、多くの場合、伝統的なケルト音楽、中央ヨーロッパのフォーク・ミュージック、またはラテン音楽の影響によるものである。 アメリカのベーシスト、ジョン・カービー(1908年-1952年)は、1930年代と1940年代に自身が率いるセクステットを持った、間違いなく最初のチャンバー・ジャズ・ミュージシャンである。しかし、他の多くの初期の代表者たちはヨーロッパで生まれたので、イーゴリ・ストラヴィンスキーのようなヨーロッパの意義深い新古典主義音楽の作曲家が重要なものとなっている。ドイツのECMレコードも1960年代後半からその役割を果たした。また、通常はジャズとは関係のない楽器を使用することでも知られている。たとえば、チャンバー・ジャズは、オーボエ、マンドリン、ツィンバロム、またはタブラを利用する。 非西洋の影響や楽器の使用が、チェンバー・ジャズを一種のワールドミュージックとしてリストすることがある。また、新古典主義音楽とジャズの融合はニューエイジと見なされるところもあり、ウィンダム・ヒル・レコードからチャンバー・ジャズのアルバムがいくつかリリースされた。ウィンダム・ヒル自体が、チャンバー・ジャズに関連するミュージシャンたちによって共同設立されており、当初はフォーク・ミュージックまたはワールドミュージックで知られていた。 この用語は、室内楽とジャズの融合を意味する場合もある。この場合、それはサード・ストリームに似たものを意味するが、オーケストラの側面がないため、サード・ストリームとは違うものとなっている。ジャズは伝統的に室内楽とは見なされていない。チェンバー・ミュージック・アメリカ(CMA)によって定義された、「室内楽」の定義によれば、室内楽は「2~10人のメンバーによる小さなアンサンブルのために機能し、1パートを1人が演奏し、通常は指揮者なしで演奏する」ものである。「チェンバー・ジャズ」という言葉は誰もが受け入れるわけではないかもしれないが、室内楽の伝統のなかでジャズを演奏するミュージシャンはいまだに存在する。「ジャズ」と見なすことができるスタイルで室内楽を演奏する室内楽のグループもある。 ミュージシャンのアーマッド・ジャマルは、チャンバー・ジャズの代表曲となる「Chamber Music of the New Jazz」を演奏した。近年、チェンバー・ジャズはより多く演奏され、より多くの聴衆に受け入れられている。 文章: ファラオ・サンダース クラリネットを始めた後に、テナー・サックスへと転向した。当初はブルースを演奏し、ボビー・ブランドがリトル・ロックを訪れた際、バックを務めた経験もある。1959年、大学進学のためにカリフォルニア州オークランドへ移り、デューイ・レッドマンやフィリー・ジョー・ジョーンズらと共演後、1962年、拠点をニューヨークへと移す。サン・ラとの共演を経て、1964年、自身初のリーダー・アルバム『ファラオ』をESP-Diskレーベルから発表した。1965年にはジョン・コルトレーンのグループに加入する。コルトレーンにとって唯一の日本公演(1966年)にも帯同し、1967年にコルトレーンが他界してからはバンド・リーダーとしての活動が中心となる。インパルス!レコードから発表した諸作では、ゴスペルやファンク、アフロビートなど幅広い黒人音楽をフリー・ジャズに取り込んだことで知られている。 文章: 風の歌を聴け (映画) 「『風の歌を聴け』という最初の小説を書いたとき、もしこの本を映画にするなら、タイトルバックに流れる音楽は『ムーンライト・セレナーデ』がいいだろうなとふと思ったことを覚えている。そこにはエアポケット的と言ってもいい、不思議に擬古的な空気がある。僕の頭の中で、その時代の神戸の風景はどこかしら『ムーンライト・セレナーデ』的なのだ」(ただし、劇中で同曲は使用されていない)。また大森没後の読売新聞への寄稿では、「映画『風の歌を聴け』で大森くんはいろいろと実験的な試みをおこなった。(中略)フランスのヌーベルバーグの手法を積極的に取り入れたり、とにかく斬新な感覚を駆使して僕の小説世界を映画に移し替えようとした。それが意図通り面白い効果を上げている箇所もあったし、今ひとつうまくかみ合っていないと感じられる箇所もあった。 文章: 瀬戸内ムーンライト・セレナーデ 『瀬戸内ムーンライト・セレナーデ』(せとうちムーンライト・セレナーデ)は、1997年制作の日本映画。 阿久悠原作の小説「飢餓旅行」を篠田正浩監督が映画化。『瀬戸内少年野球団』、『少年時代』に続く、篠田正浩の「少年三部作」の第三作目。 第7回日本映画批評家大賞作品賞受賞。第47回ベルリン国際映画祭コンペティション部門正式出品作品。 文章: モーニン・イン・ザ・ムーンライト 特記なき楽曲はチェスター・バーネット(ハウリン・ウルフ)作。ただし、11.はルーズヴェルト・サイクスの曲に基づいている。 文章: ジャズ ジャズの特徴は、スウィングするリズムや、裏の音符の多いシンコペーションのあるリズム、初期にブルースの影響を受けた(ブルーノートもあったが、これは基本的にはブルースである)複雑なコード、複雑なスケール、コールアンドレスポンス・ボーカル、ポリリズム、即興演奏などである。ジャズのルーツは、西アフリカの文化と音楽的表現、そして黒人の伝統にある。 ジャズが世界中に広まるにつれ、国や地域、地元の音楽文化が取り入れられ、さまざまなスタイルが生まれた。ニューオリンズのジャズは1910年代初頭に始まり、それまでのブラスバンドのマーチ、フランスのカドリーユ、ラグタイム、ブルースに、ポリフォニックな即興演奏を組み合わせたものであった。ただ、ジャズの淵源は、ニューオリンズといった一地域のみに求められるものではない。アメリカ各地では、様々な形式のポピュラー音楽が現れており、そしてそれらは、共通の起源や音楽的方向性を持ちながらも、個々の状況に応じて発展していった。1930年代には、アレンジされたダンス志向のスウィング・ビッグバンド、カンザス・シティ・ジャズ、ジプシー・ジャズ(ミュゼットワルツを強調したスタイル)などのスタイルが知られるようになった。初期のジャズの代表的なミュージシャンには、ルイ・アームストロング、デューク・エリントンらがいた。白人のポール・ホワイトマンを”キング・オブ・ジャズ”と呼んだ評論家たちは、後にその誤りを自嘲的に語ることになった。1940年代に登場したチャーリー・パーカーらによるビバップは、ジャズをスウィングのようなダンサブルな娯楽音楽から、速いテンポで演奏され、複雑な即興演奏を多用する、ミュージシャン主導の音楽へと変化させた。1940年代末には、白人寄りのクール・ジャズが登場した。 1950年代半ばには黒人主体のハード・バップが登場し、同ジャンルはサックスやピアノの演奏にリズム&ブルース、ゴスペル、ブルースなどの影響を取り入れた。1950年代後半には、モードを音楽構造の基礎とするモードジャズ(モーダル・ジャズ)が発展し、即興・アドリヴが重視された。フリー・ジャズは、西洋音楽の規則的な音階や拍子、形式的な音楽構造にとらわれない自由な演奏を追求したが、それはそれまで長年構築されてきた西洋音楽の秩序を崩壊させるものであった。1960年代末から1970年代前半にかけては、ジャズとロックのリズム、電気楽器を組み合わせたクロスオーバーが登場し、70年代後半にはジャズ・ロック・フュージョンへと変化した。1980年代には、スムーズジャズと呼ばれるジャズ・フュージョンの後継である商業的なジャズが成功を収め、ラジオで放送された。1990年代に入ると、ジャズ・ラップやニュー・ジャズなど、さまざまなスタイルやジャンルが登場した。 文章: Cure jazz 本作はUAと菊地成孔のコラボレーションによるスタンダード・ジャズアルバム。 文章: ジミー・スコット ジミー・スコット(Jimmy Scott、1925年7月17日 - 2014年6月12日)は、アメリカ合衆国のジャズ歌手。