クエリ: ルイ・アームストロングが録音中に歌詞を忘れたところから始まったといわれる、ジャズなどで、歌詞の代わりに「ダバディダ」「シュビドゥワ」など意味のない言葉を即興的に歌うことを何という?
文章: ニューオーリンズ・ジャズ 他にも「フランス語のjaserから」などと、現在でもその語源ははっきりしない。ルイ・アームストロングは和声的側面、リズム的側面、スタイルの発展に大きく貢献した。「9th」や「13th」といったコードをよく用いたり、より複雑で難しいリズムのフレーズをしばしば用いた。また、全てのパートが音楽的に同等の意味を持つアンサンブル主体のスタイルから、各楽器ごとにソロを回していくスタイルを一般的にしたのも彼である。また彼は、ニュー・オーリンズの地域的なスタイルであったスキャットでメロディを歌うスタイルをシカゴへと持ち込み、ジャズのスタイルとして一般的なものにした。ジャズの特徴的な要素は、このころほぼ全て完成された。
文章: ハロー・ドーリー! (映画) ミュージカル『ハロー・ドーリー!』を映画化した作品。監督はジーン・ケリー。振り付けはマイケル・キッドが担当した。 第42回アカデミー賞において、美術賞・ミュージカル音楽賞・録音賞の3部門を受賞した。 客演したルイ・アームストロングの歌う主題曲『ハロー・ドーリー!(英語版)』は、ポピュラー音楽としても広く知られる。なお、アームストロングによる歌詞は、それまでのミュージカルで使用されているものとリフレイン部分の歌詞が若干異なる(英語版参照)。 文章: 即興 即興(そっきょう、英: Improvisation)は、型にとらわれず自由に思うままに作り上げる、作り上げていく動きや演奏、またその手法のこと。インプロヴィゼーション/インプロヴァイゼーション、アドリブともいう。ただしインプロヴァイゼーションとアドリブを厳密に区別する者もいる。一般には、音楽・ダンス・演劇の世界において使用される語。 形式による制約よりも、演奏時・演舞時の知覚を優先とする。 音楽・ダンスなどにおける創造の源流でもあり、作品制作時においても深く関係する。 即興は芸術の外にも存在する。エンジニアリングにおける即興とは、道具や材料の問題をすぐに解決することである。 即興武器(英語版)は、ゲリラや反政府勢力、犯罪者がよく使用する。 文章: イラストレイテッド・ソング イラストレイテッド・ソング(illustrated song)は、20世紀初頭のアメリカ合衆国で流行したパフォーマンスアートの一種で、生演奏(通常は歌手とピアニスト)と録音された伴奏(カラオケ)にスライド映写された静止画が付随したもの。当初はヴォードヴィル、後にはニッケルオデオンで楽しまれた。1曲につき12枚から16枚の静止画が使われ、静止画には歌詞を説明する(illustrated)イメージが描かれていて、手塗りで着色されたものもあった。映写には2台の幻灯機などで出来た立体幻灯機(ステリオプティコン。Stereopticon)が使用された。イラストレイテッド・ソングはサイレント映画の上映前やリールの入れ替えの間に流されたが、場所によってはメインで流された。少なくとも全米1万の小劇場で上映された。イラストレイテッド・ソングは楽譜を販売促進するための重要な手段であった。 文章: 即興演奏 一般的にポピュラー音楽、特にロックなどでの「即興演奏」では、ジャズと同様に一定のコード進行やコード理論などの規則にしたがってフレーズを作り演奏される。 1960年代後半以後のブルース・ロックやファンク、ハードロック、プログレッシブ・ロックのジャンルに、間奏部分に即興演奏をおこなうバンドが登場した。ジェームス・ブラウンの「スーパーバッド」の間奏部分では即興が聴ける。ミュージシャンがその場の雰囲気に合わせてソロを自由に繰り広げるライブが人気を得て、拡大していった。1970年代には、即興演奏を重視したプログレッシブ・ロック・バンドも人気となった。キング・クリムゾンのアルバム『暗黒の世界』は、ライブ部分が即興演奏となっている。だが、1970年代後半にはパンクの登場により、ハードロックやプログレのバンドはオールド・ウェイブと呼ばれることもあり、古いと決めつけられた。その中で、常に斬新なサウンドに挑戦し続けたのは、フランク・ザッパやキャプテン・ビーフハート、レジデンツ、ルー・リードらである。 ジャム・バンドと呼ばれるバンド群のルーツには、グレイトフル・デッドやオールマン・ブラザーズ・バンドがいる。 文章: サヴォイでストンプ この曲のクレジットは、ベニー・グッドマン、チック・ウェッブ(英語版)、エドガー・サンプソン、アンディー・ラザフの連名になっているが、実際に作曲したのはウェッブの楽団のサクソフォーン奏者であったサンプソンであった。ウェッブとグッドマンはそれぞれインストゥルメンタル曲としてこれを録音し、グッドマンのものが最大のヒットとなった。歌詞は、人気作詞家であったアンディー・ラザフによって後から追加されたものである。 グッドマンの1936年のバージョンは、8小節を4つ重ねた32小節のA-A-B-A形式をとっていた。Aの部分では、「Db6→Ab9→Db6→Ddim→Ebm7→Ab7→Db→Db」のコード進行となる。また、Bの部分では、「Gb9/G9→Gb9→B13/F#m6→B13→E9/F9→E9→A13→Ab9b」のコード進行となる。また、テンポはやや早めで演奏される。 ウェッブ楽団の録音は、1934年にチャートの10位まで上昇した。2年後、この曲は、それぞれオジー・ネルソン(英語版)と、ベニー・グッドマンによる録音で、チャート入りした。以来、ジャズのスタンダード曲となったこの曲は、ジュディ・ガーランド(1936年)、チャーリー・クリスチャン(1941年)、アート・テイタム(1941年)、クリフォード・ブラウンとマックス・ローチ(1954年)、エラ・フィッツジェラルドとルイ・アームストロング(1956年)、ジム・ホール(1957年)、アーマッド・ジャマル(1958年)、アル・ハート(英語版)(1961年)、サラ・ヴォーン(1964年)、ニッキ・ヤノフスキー(ハービー・ハンコック、ウィル・アイ・アムとともに)(2007年)など、何百回も録音されてきた。 文章: 音楽史 1900年代には、ニューオーリンズの元奴隷の黒人たちが始めたブラスバンドが不思議とスウィングするリズムがあるとして評判になり、白人のバンドに真似されたり、そのままのスタイルでダンスホールに雇われたりするようになった。これがジャズの誕生である。ブルースとラグタイムの要素を含んでいるというのが良く言われるところである。 1910年代から1920年代にかけて、産業構造の変化により南部から北部への人口移動が起こり、ジャズメンの多くはシカゴに移住した。こうした中から天才トランペット奏者のルイ・アームストロングが台頭し、全てのジャズプレイヤーとアレンジャーに絶大な影響を与えた。この期間をジャズ・エイジと呼んでいる。 ジャズはやがて白人に真似られるようになり、白人だけの楽団なども出てきたが、これはスウィング・ミュージックと別な名称で呼ばれた。ビッグバンドスタイルが確立され、ティン・パン・アレーもジャズの取り込みにかかり、多くのレコードが人気を集め、ジャズとスウィング・ミュージックは第二次世界大戦前のメインのジャンルのひとつとなった。 文章: ボサノヴァ 1953年、ジョビン作曲、モライス作詞による作品でジョニー・アルフ(英語版)が歌った「Rapaz de Bem」(邦題:心優しい青年)が発表される。これはジャズに影響された作風を持っているのが特徴であったが、新しいブラジル音楽「ボサノヴァ」の誕生を示唆した。 1958年、ジョビン作曲、モライス作詞の「Chega de Saudade」(邦題:想いあふれて)が、当時すでに人気歌手であったエリゼッチ・カルドーゾによってレコーディングされる。その際ジョアン・ジルベルトがバックのギターを演奏するが、エリゼッチの歌い方はジョビンやジルベルトが目指す音楽とはかけ離れたものであった。そこで同年、ジョビンがレコード会社を説得してジョアン・ジルベルトが歌う同曲が録音、発売された。ジョビンによる高度なハーモニーに裏付けられた新しい感覚のサンバと、モライスによる詩的で知的な歌詞、ギターによるサンバ・リズムの演奏と微妙に間合いをずらしながら囁きかけるように歌うジョアンの表現は、画期的な音楽として受け止められ、ボサノヴァ・ブームの幕開けとなる。 1959年にセカンド・シングル「Desafinado」(デサフィナード)が発表されると、その歌詞の中に「これがボサノヴァ」という一節が織り込まれ、この曲を録音したジョアンのファーストアルバムのライナーノーツで「ジョアン・ジルベルトはバイアーノ(バイーア生まれ)、27歳の”bossa-nova”」と紹介された。これらは「ボサノヴァ」という言葉が初めて使われた例で、前者では音楽を表現する上での姿勢を、後者では人物を表す言葉として使われており、このように当初ボサノヴァとは、音楽の形式やリズムを表す言葉ではなかったようである。同じ年、リオの大学のキャンパスで初の「ボサノヴァ」と冠された音楽フェスティバルが開催され、ボサノヴァはリオの若者文化の代名詞となるまでになっていった。一方で、当時はリオやサンパウロに住むヨーロッパ系移民など一部の知的なファン層にしかその存在は知られておらず、国内の大衆に波及するまでには至らなかった。 文章: バール形式 バール形式(バールけいしき)は、中世ドイツで使われた楽曲形式(独語Barform)。「バール」は中世ドイツ語で簡単な歌唱形式のことである。基本的に2つの要素しかなくA(前節)-A(前節繰り返し)-B(後節)の三部で成立する。中世ヨーロッパの吟遊詩人の歌唱に起源がみられ、音楽に形式を求める上で記録が残っている中では最古に近いもの。漢詩にも韻を踏むなどの同様のリフレインがある以上、単に器楽音楽形式にとどまらず音声を伴う表現では普遍的な形式である。後にワーグナーの楽劇でも用いられ、ソナタ形式以上に簡略化した形式として聴衆に訴えかける手段になった。近年の作曲語法としても注目されており、前衛作家の中には極端な保守形式ともいえる本形式を主な作風とする者もいる。語法の枯渇の結果原始形式に回帰しているともいえ、音楽史上興味深い現象である。 文章: サレンダーモンキー この用語の由来は他のスラングとは異なり、明確に発祥が分かっている。ブラックジョークを特徴とする風刺アニメ番組『ザ・シンプソンズ』で最初に使用されたもので、1995年4月30日放送のエピソード『伝説のジャズマンよ 永遠に(英語版)』('Round Springfield)において登場した。この話で予算削減の為にフランス語の授業を任されたスプリング・フィールド小学校(英語版)の用務員ウィリー(英語版)が、縞模様の服にベレー帽(典型的なフランス人へのステレオタイプ)で教壇に立ち、「ボンジュール!俺はチーズを食べながら降伏するサル野郎どもだ」とスコットランド訛りで教えるシーンが登場する。同エピソードは日本では差別的であるとして放送禁止指定を受けたが、DVDには収録されており視聴可能である。 文章: ディディエ・マレルブ ディディエ・マレルブは、チャーリー・パーカーの「Bloomdido」を聴き、13歳でサックスを演奏し始めた。この曲のタイトルが、後に彼のニックネームとして採用された。サックスに関する2年間の正式なトレーニングの後、アルビー・キュラーズ、エディ ルイス、ジャック・トロなどと一緒にさまざまなパリのジャズ・クラブでジャム・セッションに参加し始めたが...その後、ジャズから離れた。「ルールが多かったので、ビバップに戸惑いまして。その後、フリー・ジャズが到来し、すべてのルールがなくなりました...それで、居場所を探すことにしました」。 1962年、ラヴィ・シャンカルの最初のアルバムを聴いた後、インドに旅行し、そこでバンブー・フルート(竹笛)を知り、インドのバンブー・フルートの一種であるバンスリーの演奏を学んだ。パリに戻っては、ソルボンヌ大学で古代言語を学びながら、クラシック・フルートのレッスンを受けた。1964年から1965年にかけて、彼はモロッコを旅し、タンジールのコミュニティに滞在し、ギタリストのデイヴィ・グレアムなどのヒッピー・ミュージシャンと演奏し、アラブ音楽の要素を吸収していった。 1966年、映画『チャパクア』のサウンドトラックに参加し、ラヴィ・シャンカルにクレジットされ、初めてロック・ミュージックに手を出し、マルク'Oによる成功を呼んだコメディー・ロック『Les Idoles』に「Les Rollsticks」と呼ばれるバンドの一員として出演したときにサックスを電化させた。これは大いに受けて、1968年に長編映画となった。 文章: ナガサキ (曲) 「ナガサキ」(Nagasaki) は、1928年に発表された、ハリー・ウォレンとモート・ディクソンによるジャズ・ソングで、ティン・パン・アレーのヒット曲として人気を博した。 馬鹿げた下品な歌詞の内容は、日本の港湾都市である長崎市とは、ほとんど無関係である。この曲は、「エキゾチック」な場所を歌い込んで人気を博した、アメリカ合衆国における一連のノベルティ・ソングのひとつで、その起源は1919年のアルバート・フォン・ティルザーのヒット曲「オー・バイ・ジンゴ」とされているが、「ナガサキ」の歌詞には、この原型への言及も盛り込まれている。さらに直接的な曲として、「On the Isle of Wicki Wacki Woo」が1923年にウォルター・ドナルドソンとガス・カーンによって書かれている。 1920年代後半から1940年代にかけても時期には、多数のビッグ・バンド・ジャズ楽団が「ナガサキ」をカバーし、この曲は今日でもジャズの即興演奏の基礎となる曲として人気がある。最も有名なカバーには、ベニー・グッドマン・カルテットによるものがある。この曲を演奏した人々の中には、ファッツ・ウォーラー、フレッチャー・ヘンダーソン、キャブ・キャロウェイ、ドン・レッドマン、ジャンゴ・ラインハルト、アドルフ・ロビンソン、ステファン・グラッペリ、チェット・アトキンスらがいた。ウィリー・ザ・ライオン・スミスは、そのキャリアを通してこの曲を演奏し、録音し続けたが、歌詞は、彼がヴォードヴィル時代に書き換えたものを使っていた。 リチャード・コーリスは、『タイム』誌への寄稿で、「ナガサキ」について次のように述べている。「さあ立ち上がってチャールストンを踊らなきゃという感じの決定版のような曲で、ウィレンの生き生きとしたシンコペーションは人々をダンスフロアへと導き、モート・ディクソンの歌詞は彼らをシングアロングへと駆り立てる。'Hot ginger and dynamite / There's nothing but that at night / Back in Nagasaki where the fellas chew tobaccy / And the women wicky-wacky-woo'」。 文章: 狂歌 明治以降は、1904年(明治37年)頃から読売新聞記者の田能村秋皐(筆名は朴念仁もしくは朴山人)が流行語などを取り入れた新趣向の狂歌を発表し、「へなぶり」という呼称で人気ジャンルとなった。現代でも愛好者の多い川柳と対照的に、狂歌は近代以降人気は衰えた。しかし石川啄木をはじめ近代の大歌人たちも「へなぶり」に感化をされており、近代短歌の精神の中に狂歌的なものは伏流しているという指摘が吉岡生夫らによってなされている。 文章: アドリブ 英語 ad-lib からの借用語 (ad libitum の略) < 近代ラテン語 ad libitum (東京) アドリブ [drb] (平板型 [0]) IPA: [adojibβ] アドリブ 台本に無い即興のせりふや演技。 (音楽) 即興演奏。 文章: ジャズ・オリジナル ジャズ・オリジナル (Jazz original) 文章: 桑田佳祐 歌唱法はジョー・コッカーや前川清から影響されており、シンコペーションを多用している。学生時代にダミ声が流行しており桑田も声を潰そうと思って声質をより近付けるため、ウイスキーを飲み自宅の部屋にこもって枕に顔を押し付けて大声を出し続けるといったことを行っていた。アマチュア時代および活動初期は日本語と英語のダブルミーニングの歌詞や早口な歌い方を取り入れていた。この歌いまわしは「桑田節」「桑田語」と形容されることがある。桑田の早口の歌い方に視聴者が「歌詞が判らない」と苦情を寄せたことが、テレビの音楽番組において歌詞の字幕スーパー(テロップ)が流される端緒であるといわれており、テレビ局が桑田の歌い方に対応するために音楽番組での字幕スーパー表示を行ったとされる。桑田はかつての自身の表現方法への反省の弁を語ることがあり、また近年は楽曲によって自覚的に前述の手法を取り入れたり、明解な日本語で歌詞を書いて丁寧に歌ったりするなど、表現を使い分けている。この変化に関しては「日本人歌手としての自覚が強くなった」と語っている。歌の上手さを数値化したり説明したりすることはナンセンスという持論があり、桑田が思う最強の男性歌手は尾崎紀世彦、最強の女性歌手はちあきなおみである。 楽曲の制作はほとんどが作曲した曲に詞を当てはめる「曲先」で行うが、楽曲によっては作詞から先に行う「詞先」の場合もある。作曲はギターを弾きながらメロディを口ずさむアナログな方法で行われており、パソコンを使う作業の大半はスタッフに任せている。このギターを弾きながら行われる作曲作業の際にサビの歌詞の断片が口をついて出てくることがある。その代表的な例として「エロティカ・セブン」「マンピーのG★SPOT」が挙げられている。また、「イヤな事だらけの世の中で」はサビの歌詞とメロディの断片が同時に浮かび、そこから逆引きして楽曲を書いていった。アイディアが浮かぶタイミングは一人で車を運転しているときや仕事先に向かう移動中など、何かを考えながら動いているときが多い。常にICレコーダーを携帯しており、思いつくと録音を行っている。レコーディングは作曲作業と事実上並行する形で楽曲の断片をスタジオに持ち込むところから始まっており、テンポを決めて「クリック」と呼ばれるガイド音を作成したのち、ギターやシンセサイザーを弾きながらイメージを模索し、1つの楽曲としての骨格が見えてきたら仮歌を吹き込み、気になった箇所を歌い直す作業を繰り返していき、桑田の頭の中にある理想のメロディに近づけるために慎重かつ丁寧に突き詰めていく。この制作方法は通称「桑田スタイル」と言われている。以後も各楽器を録音し、作詞をした後にボーカルやコーラスを録音していき、楽曲の完成形を模索する。原由子や坂本冬美などの女性歌手に楽曲を提供する場合は最初に桑田自身のキーで楽曲を作り、レコーディング時にその歌手と共にキーを調整していく。桑田は楽譜を読めず、サザンのメンバーで楽譜を読めるのは原のみである。ICレコーダーが普及する前は楽譜やコード譜などは原が書いていた。ICレコーダーの普及後は編曲や全ての楽器を桑田が担当した「MUSIC TIGER」「素敵な未来を見て欲しい」のように原を頼らない形での楽曲制作やレコーディングが不定期ながら行われることもあった。現在はコード譜に関しては桑田も書けるようになっており、レコーディングに向けたリハーサル合宿では桑田がコード譜をホワイトボードに書き、歌詞がついていない状態のメロディを歌い、それに合わせてメンバーが演奏していき、アレンジを模索していく。また、原由子に提供した「夢をアリガトウ」のレコーディング時には作者である桑田がサポートメンバーの片山敦夫に原のキーに合わせた際のコード進行のイメージを予め伝える場面が記録されている。コード進行が分かるようになってからも、テンションについては原に考えてもらっている。 作詞はソロ・サザンを問わず、エロティックな内容や放送禁止にならないギリギリの線を狙う場合も多く、意味不明なものや辻褄が合わないものもある。本来とは異なる語法を使うことがあり、例えば「Ya Ya (あの時代を忘れない)」「希望の轍」などにおける作詞では「忘れられぬ」を「忘られぬ」と表現している。生まれ故郷の茅ヶ崎市や高校時代を過ごした鎌倉市への郷土愛や、気に入っている御霊神社を始めとした鎌倉市周辺の散策コース、自身が好きな街と公言している京都や日本に生まれ育ったことへの誇りを持っている旨などを歌詞のモチーフにすることもある。かつては「自分もアメリカ人やイギリス人みたいになりたい」「いつかなれるんじゃないかって本気で思ってた」と考えるほど海外のロックに憧れていた。1980年代にはバブル景気などの影響も相まって「日本人のポップスやロックが、海外でも通用するんじゃないか」という期待が湧いたこともあり、全編英語詞の楽曲を制作したり、外国人のレコーディング・エンジニアを起用したり、海外のアーティストとコラボレーションするなどの活動を行っている。しかし、海外に出向いての活動を経験すると自信を失ってしまったといい、「向こうの流儀を真似しているようでは、太刀打ちできないのは当然」と思うようになったと明かしている。次第に欧米人になれるわけないと気づき「だからこそ自分がロックっていう枠組みに向かっていくときには、逆に日本人の良さを出したいというか、和の感じで勝負したいなと思うんです」「日本人として、日本の皆さんに楽しんでもらえる、日本語としてのポップスを作ろうと思った」と方針転換をし、日本語の歌詞を重視した和洋折衷な作品を目指すようになった。日本語で歌詞を書くことについては「日本語ならではのエモーション、情念みたいなものが出やすいと思います」と語っており、例えば奥村チヨの「恋の奴隷」に関しては「今だとありえないような曲ですからね。だけど、道徳と不道徳が歌のなかで相まみえるのは、すごくいい世界だなと思うんです」と述べている。また、2013年のインタビューでは「古来、百人一首や万葉集の頃から、日本語には言い回しや隠れた言葉の裏読みといった、通信機能や暗号のような楽しさがある。たとえば"き"という言葉があるとしたら、それは気や木や記と、イントネーションひとつでいろんな意味へと変換できる。いい歳をして、そんな日本語の凄みにようやく開眼したところなんですよ」と語っている。1998年と2018年にそれぞれ発売されたサザンのベスト・アルバム『海のYeah!!』と『海のOh, Yeah!!』を聴き比べた際に、前者を「英語と日本語を融合させようとあれこれ格闘している跡が見てとれます」、後者を「やっぱり日本語を大切にして歌いたいという気持ちが、全面に出ていますね」と自己分析した。高瀬康一はアルバム『ROCK AND ROLL HERO』への批評文において「西洋の音楽への憧れと、自分の中に流れる日本人の血との折り合い。そんな全ての日本人アーティストが思い悩む課題を、桑田佳祐は完璧にクリアしたと言っていいかも知れない」と評し、小林克也も2017年のインタビューで桑田のことを「日本人の洋楽コンプレックスを解放してくれた男」「明治や大正の文豪に連なる人」と評価している。桑田はインタビューで最近の音楽にハナ肇とクレイジーキャッツやザ・ドリフターズが持っていた演芸の要素が乏しいことを嘆いており、日本人のお祭り騒ぎの血や海外の表現を模倣する楽しさをメインストリームで表現することの大切さを語っている。また、スペイン語やハングルを「ミスマッチの仕方が、多少定番とズレている方が面白い」という興味本位な理由で歌詞や映像に取り入れたことがある。しかしハングルを取り入れた「LOVE KOREA」は出自や思想に関するデマがネット上に流れる遠因になった。「愛の言霊 ~Spiritual Message~」ではインドネシア語のラップの歌詞を書いた。インチキ外国語が主体の楽曲も存在しており、藤村有弘やタモリに少なからず影響を受けた。タイトルについては「名曲に名タイトルあり」「ポップスはタイトルがすべてである」といった言葉を名言と述べており、あまり悩むことなく付けられたタイトルほど楽曲の出来栄えと共にはまり方がよかったとしている。日本人の造語感覚が大いに発揮されているのが邦題であるといい、ピンク・フロイドの「原子心母」(Atom Heart Mother) やニール・ヤングの「孤独の旅路」 (Heart Of Gold) といった邦題を称賛している。以前は作曲家としての自分と作詞家としての自分の棲み分けが微妙であったが、現在は作曲作業とは別に作詞するという作業があることに神聖さと喜びを感じていると述べている。