クエリ: 歌曲『蚤の歌』やピアノ組曲『展覧会の絵』で知られる19世紀の作曲家は誰?
文章: 展覧会の絵 組曲『展覧会の絵』(てんらんかいのえ、露: Картинки с выставки; 仏: Tableaux d'une exposition; 独: Bilder einer Ausstellung; 英: Pictures at an Exhibition)は、1874年にロシアの作曲家モデスト・ムソルグスキーによって作曲されたピアノ組曲である。ロシアの画家であるヴィクトル・ハルトマン(ガルトマンとも)の死を悲しみ、絵の展覧会を訪れた際の散歩(プロムナード)の様子を曲にしている。曲ごとに拍子が違うのは歩きながら絵を見ているという、歩調を表しているとも言われている。後世では、多くの作曲家によってオーケストラ(管弦楽)に編曲された。とりわけ、フランスのモーリス・ラヴェルによる、トランペット・ソロで開始される編曲が名高い。
文章: 展覧会の絵 ラヴェルがこの仕事を引き受けた理由としては、報酬もさることながら当時フランスの音楽家(サン=サーンスやドビュッシー、ラヴェルなど)にムソルグスキーの和音を多用する様式が評価されつつあったこと、ムソルグスキーのピアノ曲は管弦楽曲を作るための習作のような作りであったことなどが挙げられている。 ラヴェルは編曲に当たり、友人のカルヴォコレッシに譜面の手配を依頼した。その手紙(1922年2月3日付)には「ムソルグスキーの自筆譜(の入手)を期待している。何とかして入手する方法はないだろうか。または入手可能な人物を知らないか」と記しており、ラヴェルが当時出版されていたムソルグスキーの楽譜には、リムスキー=コルサコフによる改変があることを知っており、自身はムソルグスキーのオリジナルから編曲をする意図であったことが判っているが、カルヴォコレッシは自筆譜を入手できなかったようで、最終的にはすでに出版されていたリムスキー=コルサコフ版に基づき、1922年の3月からまず「キエフの大門」に着手して5月1日に完成、続けて残りを初秋頃までかけて編曲を行った。その際、ラヴェルの自作編曲にもみられるように、ダイナミクスの問題による小節の追加など一部を補筆している。 その編曲は特に冒頭のトランペットのファンファーレ的な「プロムナード」に象徴されるように、ラヴェルの異名である「オーケストラの魔術師」どおりの華麗で色彩的なもので、原曲のロシア的な要素を重視するよりもオーケストラ作品としての華やかな色彩を与えることを企図し、そして成功している。ラヴェルの編曲はスラブ色の強い楽曲であった『展覧会の絵』に新しい生命を与えることに成功したと言ってよい。 文章: 展覧会の絵 『展覧会の絵』はムソルグスキーが、友人であったヴィクトル・ハルトマンの遺作展を歩きながら、そこで見た10枚の絵の印象を音楽に仕立てたものである。ロシアにとどまらずフランス、ローマ、ポーランドなどさまざまな国の風物が描かれている。また、これらの10枚の絵がただ無秩序に並ぶのではなく、「プロムナード」という短い前奏曲あるいは間奏曲が5回繰り返して挿入されるのが特徴的で、この「プロムナード」は展覧会の巡回者、すなわちムソルグスキー自身の歩く姿を表現している(使われるごとに曲想が変わるので、次の曲の雰囲気と調性とを的確に感じて弾くことが大切である)といわれる。覚えやすいメロディーと緩急自在の構成(ユーモラスな曲、優雅な曲、おどろおどろしい曲、重々しい曲など)から、ムソルグスキーの作品の中でももっとも知られた作品の一つである。 文章: 田舎の婚礼の交響曲 交響曲《田舎の婚礼》(ドイツ語: Lndliche Hochzeit)作品26は、カール・ゴルトマルクが1875年に作曲した作品であり、通し番号は付けられていないが、2つあるうちの最初の交響曲である。翌年には名高い《ヴァイオリン協奏曲 第1番 イ短調》が作曲されており、どちらの作品もゴルトマルクの脂の乗り切った時期の所産である。なお、題名の訳については、《田舎の結婚式》《村の婚礼》《村の結婚式》などの例があり、作品そのものを《田舎の婚礼の交響曲》《村の結婚式の交響曲》などと呼ぶ場合もある。以下においては《田舎の婚礼の交響曲》とする。 文章: アントニーン・ライヒェナウアー アントニーン・ライヒェナウアー(チェコ語: Antonn Reichenauer, 1694年 - 1730年3月17日)は、チェコの作曲家。 文章: アレクサンドル・イリインスキー 主要な作品である4幕オペラ《バフチサライの泉》は、アレクサンドル・プーシキンの同名の詩を原作とする台本に曲付けされ、1911年にモスクワで上演された。その中の1曲である「精霊たちの饗宴」は、1935年発表の『ジャワの東(East of Java)』や、1937年発表の『ティム・タイラーの幸運(Tim Tyler's Luck)』、1938年発表の『フラッシュ・ゴードンの火星旅行(Flash Gordon's Trip to Mars)』といった映画において、伴奏音楽に利用された。連続ラジオ番組の『魔女の物語(The Witch’s Tale)』にもテーマ曲として利用された。 そのほかの作品に、女声合唱と管弦楽のための2つのカンタータ(《トンボ》と《ルサルカ》や3つの劇附随音楽(《オイディプス王》《ピロクテーテース》およびアレクセイ・トルストイ原作の《皇帝フョードル・イヴァノヴィチ》)も手懸け、教会音楽や歌曲も遺した。器楽曲も手懸けており、交響曲1曲、演奏会用序曲1曲、弦楽四重奏曲1曲、管弦楽組曲3曲、管弦楽曲《クロアチア舞曲》に加えて、いくつかのピアノ曲も遺している。イリインスキーの作品の中でたぶん最も有名なのは、バレエ組曲《ヌーレとアニトラ》作品13からの第7曲を原曲とするピアノの小品「子守唄」であろう。この曲は、ピアノの学習者に親しまれているだけでなく、さまざまな演奏形態に編曲されて知られている。 イリインスキーは、1904年に『作曲家通史 4世紀から20世紀まで』を編集しており、商業出版のためにベートーヴェンのピアノ曲全集を編集した。1917年に執筆した『管弦楽法の実践的指導の手引き』は、没後も長らく活用されていた。 文章: 明治頌歌 交響曲「明治頌歌」(こうきょうきょく「めいじしょうか」)は、日本の作曲家、山田耕筰が1921年に作曲した篳篥と管弦楽のための交響曲である。演奏時間は約20分。 文章: ファニー・メンデルスゾーン ファニーの歌曲は、しばしばピアノ・パートにおいて、運動的な音型や、妖精的・幻想的な楽想が多用され、このような音楽的趣味から弟メンデルスゾーンの作品との類似が指摘される。しかしながら、抒情歌曲においては、弟の作例よりも旋律線の息が長く、旋律のかもし出す情緒もきわめて濃密である。このためファニーの歌曲は、シューベルト以降のドイツ・リートの中で、独自の重要性をもつものとして再認識が進められるようになった。 ピアノ曲は自由形式のキャラクター・ピースが多く、歌曲の様式が採用されている。単旋律と伴奏音型からなる単純な書法は、19世紀初頭に流行した「ロマンス」のパターンを踏んでいる。しかしながらファニーは、そこに巧妙な転調や印象的な旋律をしかけて、独自のジャンルへと高めた。これが無言歌(Lied [Lieder] ohne Worte)であり、弟フェリックスの有名な作品を通じて新しいジャンルとして普及されたが、現代の多くの研究者は、無言歌を考案したのはファニーであったと指摘している。ちなみにヘンゼル夫妻ははイタリア滞在中に、ローマ留学中のグノーと親しく交流しており、グノーが後に伝えたところによると、ファニーは「無言歌は私が考え出したのです」と語ったという。 またファニーは、ピアノ・ソナタやピアノ組曲の作曲にも創意を示した。この点においては、弟よりもむしろシューマンに近い。 文章: 万国博覧会 (シュトックハウゼン) 短波ラジオ受信機(英語版)を持った3人の演奏者と映写技師のための『万国博覧会』 (ばんこくはくらんかい、英: Expo)は、ドイツの作曲家カールハインツ・シュトックハウゼンが1969年から1970年にかけて作曲した作品である。 文章: 歌曲 日本で「イタリア古典歌曲」として知られる17~18世紀イタリアの作品は、19世紀末の音楽研究者パリゾッティがバロック時代のオペラのアリアなどを元にロマン派風のピアノ伴奏形式に編曲し「古典アリア集 (Arie antiche)」という題で出版したものであり、厳密には歌曲ではない作品が大半である。これら「古典歌曲」として知られる作品を除くと、オペラの国イタリアでは19世紀前半にはロッシーニやドニゼッティ、ベッリーニなどのオペラ作曲家が歌曲を書いているが、ドイツのように芸術歌曲として深く発展することはなかった。その後19世紀中期にフランチェスコ・パオロ・トスティがサロン風歌曲を多数残すが、ようやく19世紀後半になってオペラ一辺倒の風潮に異を唱えたマルトゥッチによって、本格的な芸術歌曲と呼べるようなものが書かれた。この流れを受け継ぎ、20世紀前半にはレスピーギやピツェッティなどが優れた歌曲を残している。 20世紀前半にはまた「オー・ソーレ・ミオ」に代表されるようなナポレターナ又はカンツォーネ(「イタリア民謡」と呼ばれたこともあるが本来の意味での民謡ではない)が流行するが、ピツェッティに代表される芸術歌曲とは別な物と考えるべきであろう。 主な歌曲作曲家 文章: ヘンリー・ウッド ウッドは一方で、ロマン派音楽隆盛以降の19世紀末にはほとんど忘れ去られた感のあったバッハやヘンデルの楽曲を、(今日から考えるとかなり大胆に)近代的なオーケストラ向けに編曲し、聴衆がそのような曲を「再発見」する一助となっている。 彼はトラファルガー海戦戦勝100周年を記念した『イギリスの海の歌によるファンタジア』(Fantasia on British Sea Songs) を編曲している。これは「ルール・ブリタニア」など英国人なら知らぬ者のない旋律を集めた9曲の組曲であり、BBCプロムス最終夜の定番曲である。 また1915年にはムソルグスキー『展覧会の絵』のオーケストラ用編曲を行っている。これはラヴェルによる最も有名な編曲版(初演1922年)に先行する試みである。 文章: スペイン狂詩曲 (ラヴェル) 第3曲「ハバネラ」は1895年に2台のピアノのために作曲・初演されていたものである。ラヴェルは1907年から1908年にかけて「夜への前奏曲」「マラゲーニャ」「終曲」を2台ピアノのために作曲し、まもなく「ハバネラ」を加えてオーケストレーションを施し4曲からなる組曲とした。「ハバネラ」にのみ「夜への前奏曲」冒頭の主題が循環して現れないのはこういった理由である。なぜわざわざ旧作の「ハバネラ」を加えたのかははっきりしていない。ドビュッシーの「グラナダの夕べ」(『版画』第2曲)を聴いたラヴェルは、自作「ハバネラ」の盗作だという印象を持って不愉快がっていたという友人たちの証言があり、意趣返しの意味もあったのではという説もある。作品はシャルル・ド・ベリオの息子であり、ピアノと作曲の教授であったシャルル・ウィルフリッド・ド・ベリオ(Charles Wilfrid de Briot)に献呈されている。 文章: アレクサンドル・ガウク チャイコフスキーやムソルグスキーの管弦楽曲を得意としたが、アレンスキーやプロコフィエフ、ハチャトゥリアン、ショスタコーヴィチなどの作品も演奏・録音した。厖大な数の録音を遺したにもかかわらず、入手できる音源は限られている。作曲も手懸け、交響曲や室内楽曲、ピアノ曲を遺した。未完に終わったが、自叙伝も執筆していた。 文章: デンマークとロシアの歌による奇想曲 1887年、サン=サーンスはフランス赤十字(英語版)と、ロシアで帝国オペラ管弦楽団と開催される7回のイースター・コンサートの契約を行った。フルート奏者のポール・タファネル、オーボエ奏者のジョルジュ・ジレ、クラリネット奏者のシャルル・トゥルバンに一緒に来るよう声をかけ、パリを発つ直前に彼らのために本作を作曲した。初演は1887年4月21日にサンクトペテルブルクにおいて、作曲者自身のピアノで行われた。当日のプログラムにはサン=サーンスの様々なピアノ作品、彼のオペラからバレエ音楽、また彼のフルートと管弦楽のための作品(『タランテラ』、『ロマンス』、『前奏曲とフーガ』)、ヘンデル、ジレ、ディエメのオーボエ独奏曲、ウェーバー、モーツァルト、サン=サーンスのクラリネット作品が並んだが、本作が演奏会のハイライトを飾ったと伝えられる。 文章: アレクサンドル・ブロークの詩による7つの歌曲 ショスタコーヴィチはこの作品を最初、ソプラノ歌手ガリーナ・ヴィシネフスカヤとその夫のチェロ奏者ムスティスラフ・ロストロポーヴィチのために書こうとした。1966年5月の深刻な心臓発作から恢復しつつある中で作曲を開始し、翌1967年2月3日に完成した。初演は同年10月28日にモスクワ音楽院小ホールで行なわれ、ヴィシネフスカヤのソプラノ、ダヴィッド・オイストラフのヴァイオリン、ロストロポーヴィチのチェロ、ミェチスワフ・ヴァインベルクのピアノで行なわれた。作曲者自身は初演ピアニストにスヴャトスラフ・リヒテルを希望していたが叶わなかった。作品はヴィシネフスカヤに献呈されている。 アレクサンドル・ブロークはロシア象徴主義の代表的な詩人であり、ショスタコーヴィチも生涯を通じて愛読した詩人の一人である。この作品の原題は「ソプラノ、ヴァイオリン、チェロ、ピアノのための声楽・器楽組曲」(Вокально-инстрментальная сюита)という副題がついている。ショスタコーヴィチが歌曲集に組曲と名付けたのはこの作品が初めてである。以後『マリーナ・ツヴェタエワの詩による6つの歌曲』作品143や『ミケランジェロの詩による組曲』作品145にも同様の命名がなされており、晩年のショスタコーヴィチの歌曲を特徴づけている。また、この作品は同時期の交響曲第13番、第14番、作品140以降の歌曲とは異なり、伴奏に室内楽編成が用いられていることも注目される。 編成は珍しくピアノ三重奏であるが、ピアノ三重奏による伴奏とは言いながらも、伝統的なピアノ三重奏曲とは全く異なり、最初の3曲の歌は各楽器の独奏(1.チェロ、2.ピアノ、3.ヴァイオリン)、次の3曲は二重奏(4.ピアノと一貫して重音奏法のチェロ、5.ピアノとヴァイオリン、6.ヴァイオリンとチェロ)、そして最後の7番目の歌だけが三重奏による伴奏となっている。 文章: ハインリヒ・ホフマン (作曲家) ハインリヒ・ホフマンはプロイセン王国のベルリンに生まれた。1852年からはテオドール・クラク、エドゥアルト・グレル、ジークフリート・デーン、リヒャルト・ヴュルストらの下で研鑽を積む。彼はまず、ピアニスト、教育者としてキャリアを開始した。作曲家としては広く知られるようになったのは、1873年の「管弦楽のためのハンガリー組曲」であった。翌年に発表したフリチオフのサガ(Frijfs saga hins frkna)に基づく「フリチオフ交響曲 Frithjof Symphony」は、19世紀後半のドイツで最も演奏された管弦楽曲のひとつとなった。彼の作曲様式は古典的で、メンデルスゾーンやシューマンの名残を感じさせるものである。彼は1870年代から1880年代には最も演奏回数の多い作曲家であったが、生前から既に彼の作品はほとんど忘れられていた。今日に至るまで、彼の作品目録には散逸したままのピアノ曲がある。 ホフマンは1869年の「Cartouche」を皮切りにオペラの分野にも進出しており、管弦楽曲と同様に成功を収めた。次なる作品は1877年にドレスデンで初演されハンブルクとベルリンでも上演された「Armin」であり、さらに1878年にハンブルクで初演、1886年にベルリンで上演の叙情オペラ「nnchen von Tharau」(フェリックス・ダーン(英語版)の台本)と続く。叙情オペラでは1882年にハンブルクで初演の「Wilhelm von Oranien」、1886年にベルリンで初演の「Donna Diana」も発表している。 さらに、混声合唱とピアニーノのためのワルツ「Das Mrchen von der schnen Melusine und Minnespiel 」など、ホフマンの歌曲、合唱曲はアメリカにも進出していた。室内楽曲にも力を入れると同時に4手のためのピアノ曲も好んだ彼は、「Italienische Liebesnovelle」、「Lndler」、「Liebesfrhling」、「新ハンガリー舞曲 Neue ungarische Tnze」、「Am Rhein」などの作品を発表している。