クエリ: 中世ヨーロッパのオペラ界を席巻した、ボーイソプラノを維持する目的で去勢された男性歌手を何という?
文章: カストラート 歌う目的で一般化したのは1550年 - 1600年ごろのローマといわれている。途中、イタリアを中心に教会音楽からオペラに進出し、1650年ごろから1750年ごろにかけてヨーロッパ各地でそのピークを迎える。途中、ナポレオンが禁止令を出したが廃れることはなかった。オペラなどでのブームが過ぎ去った後もローマのカトリック教会では継続していた。1878年に、英明で知られた時のローマ教皇レオ13世が、人道的見地からこれを禁止させた。教会内で女性は沈黙を保たなくてはならなかったため、歌を歌うことは許されなかった。よって、変声期前の男声(現在のボーイ・ソプラノに近い形態)で構成されていた。しかし、変声期を迎えるとどうしても声質が変わってしまった為、それを抑える目的で意図的に男子を去勢することが始まったとされる。
文章: むすんでひらいて フランスのジャン=ジャック・ルソーが作曲した原曲は、1752年10月18日にルイ15世の前で公演された後、1753年3月1日より一般公開されたオペラ「村の占い師」(fr:Le Devin du village)において、第8場のパントマイム劇で用いられた曲だという。しかし、大まかに似ている程度で、旋律が完全一致しているわけではない。イギリスの音楽家チャールズ・ジェームズは1766年のロンドン公演のために「村の占い師」を翻訳したイギリス版オペラ"The Cunning Man"を執筆した。一方、1775年にはルソーの曲をもとにした「ルソーの新ロマンス」が作曲されている(作曲者不明)。このどちらが元歌となって、1788年にチャールズ・ジェームズ作曲の「メリッサ」(Melissa)という別れを歌うラブソングになった。 文章: フィデリオ この作品は、ベートーヴェンの作品群の中でも特に難産に見舞われた作品のひとつであり、成功を収める版が完成するまでに何度も書き直しがなされている。 このオペラはベートーヴェン中期の代表作に挙げられる。ブイイの原作の英雄主義的な性格や、当時のヨーロッパの知識人層に浸透し始めていた自由主義思想へのベートーヴェン自身の強い共感を背景として、英雄的な中期の作風が存分に反映されている。 ベートーヴェンの声楽曲によくあることであるが、このオペラも歌手にとっては必ずしも歌いやすい音楽ではない。特に、レオノーレとフロレスタンのパートを歌うには高度な技術を要し、そうでなければ要求された緊張感を表現することは到底不可能である。このため、これらの配役を見事に演じた歌手は賛美の的となる。 文章: レクイエム (フォーレ) 演奏にあたっては、どの稿を使用するかということと同時に、「ピエ・イェス」の独唱について、女声ソプラノにするかボーイソプラノにするか、あるいは合唱について、女声合唱と少年合唱のいずれかという選択がある。当時のマドレーヌ寺院の合唱団には女性が加わることが許されていなかったため、合唱は男声合唱と少年合唱で歌われ、「ピエ・イェス」もボーイソプラノを意識した音域で書かれている。しかし、演奏面からは、ボーイソプラノには難しいという指摘もあり、フォーレ存命時の演奏会でもソプラノ独唱が「ピエ・イェス」を歌っていたことから、どちらが「正しい」かという決着は困難である。教会風の雰囲気を尊重する場合には、ボーイソプラノ及び少年合唱、演奏会での表現性を重視する場合は女声ソプラノ及び女声合唱という選択になるようである。 文章: ファルセット ファルセットは声区(声域と声質)の一つとして捉えられることが多いが、発声状態あるいは発声技法の一つとして捉えられることもある。 発声を発声法により細かく分類すると、チェストボイス、ミドルボイス、ヘッドボイス、ファルセットに分類される。このうちチェストボイスは甲状披裂筋を使用した発声、ファルセットは輪状甲状筋を使用した発声で、歌唱時などその中間にあるミドルボイスやヘッドボイス(ミックスボイス)を含めて声区転換しながら発声するためには甲状披裂筋と輪状甲状筋の双方を使う必要がある。 研究機関や辞書の定義にはファルセットを男声高音部の呼称に限定するものも多くみられる。歴史的には16世紀にローマ教皇が人前で女性が演奏することを禁じたため、ソプラノやアルトなどの高音パートを少年やスペインからの歌手(ファルセット歌手)が受け持つようになったが、ポリフォニー音楽が発展する一方で少年の声量不足や変声期などの問題もあり大人の男声が担当するようになった。音声生理学では複数の声区は重なっているとみるが、男性では地声区と頭声区もしくはさらにその上にファルセットの2つまたは3つの声区があり、女性では胸声区、中間区、頭声区の3つの声区があるという主張が多いとされる。ただし、声区に関してクラシック音楽以外の分野では、アルペンヨーデルなどで歌唱法は男女の区別がなく行われており、広義にファルセットと呼ばれている。また、ポップスの分野でもファルセットの用語を使用すべきかどうか議論は分かれている。 文章: グスタフ・マーラー オーケストラ演奏の録音は技術が未発達の時代であり残っていないが、交響曲第4番・5番や歌曲を自ら弾いたピアノロール(最近はスコアの強弱の処理も可能で原典に近い形に復刻されている)、および唯一ピアノ曲の録音(信憑性に問題がある)が残されている。 指揮についてマーラーの言葉が、いくつか残されている。 マーラーは指揮者として多くの改革を実行し、それは現代にも引き継がれている。ブダペスト王立歌劇場時代、マーラーは聴衆の理解のため、ハンガリー語で統一したワーグナーを上演した。当時、オペラ歌手は容貌(舞台映え)がなにより重視されており、上演時にはそれら外部のスター歌手が起用されていた。そのためそれらスターが歌うことの出来る言語が優先され、ひとつのオペラ公演時に複数の言語が混じることすらあった。マーラーは聴衆の理解と歌手の実力を重視し、既存のスターではなく若い歌手を次々起用し歌劇場を活性化させている。ウィーン宮廷歌劇場では、マーラーはさくらを廃止し、ワーグナー・オペラを完全な形で上演した。当時は劇場から雇われた人間が客席に陣取り、やらせの拍手やブラヴォーをし、長大なワーグナー作品はカットされることが常だったのである。 文章: ジョヴァンニ・パチーニ ジョヴァンニ・パチーニ(Giovanni Pacini 1796年2月11日 - 1867年12月6日)は、イタリアの作曲家。オペラによって最も知られる。 パチーニの25作品程度のオペラは、ジョアキーノ・ロッシーニがイタリアのオペラ界を席巻していた時代に書かれたものであった。パチーニ自身も後年に回顧録『Memoirs』で率直に認めたように、彼のオペラは「かなり外面的」であった。数年間、「ナポリのサン・カルロ劇場の支配人」の職を務めたこともあった。その後、引退して音楽学校を設立すべくヴィアレッジョへと向かい、時間をかけてイタリアオペラの現状を評価する。そして作曲の筆を折った5年の間に、回顧録へと自らの考えを書き著した。彼と同様にこの時代のオペラの長所と欠点を再評価したサヴェリオ・メルカダンテの場合と同じく、パチーニもスタイルを変化させることになる。しかしながら、イタリアオペラ界に台頭してきたジュゼッペ・ヴェルディの影響の影に瞬く間に隠れてしまい、流行遅れとなったパチーニのオペラの多くは、イタリア国外では仮に上演されたとしてもその機会は稀であった。録音もいくつか存在するものの、パチーニ作品の大半は今日では忘れられている。 文章: プリモ・ウォーモ プリモ・ウォーモ(イタリア語: Primo uomo)とは、オペラにおける主役男性歌手。相対する概念に、主役女性歌手を意味する「プリマドンナ」がある。 文章: 吟遊詩人 欧州社会では主に中世の10世紀頃から15世紀頃にかけて現れた人々を指すことが多いが、ホメロスなど古代ギリシア時代の詩人の多くも吟遊詩人(アオイドス)であった。また、ゲルマン叙事詩『ベーオウルフ』の成立に関与したと思われる、スコプと呼ばれたゲルマン系の吟遊詩人たちの存在も知られている。ケルト人社会では、祭司階級であるドルイドの中の専門職として、彼らの神話や歴史、法律などを詩歌の形で記憶し、伝承する役目に特化したバルド(バード)と呼ばれる吟遊詩人がいた。中世欧州文化における吟遊詩人としてのジョングルールは低層階級の放浪の音楽師として8世紀頃からフランスの記録に現れる。彼らは特に中世の歴史的な事件、あるいはその他の場所での史実についての物語を広め伝えるために歌を歌った。 文章: サイモン・エステス 当時の多くのアフリカ系アメリカ人の芸術家と同様、エステスは渡欧する決断をする。ヨーロッパではアメリカほど人種的な偏見が過酷でなかったためである。1965年には、ベルリン・ドイツ・オペラにおけるヴェルディの『アイーダ』のラムフィス役でプロのオペラ歌手としてデビュー。翌年、モスクワで行われたチャイコフスキー国際コンクールでブロンズメダルを受賞。これによって1966年、リンドン・ジョンソン大統領によりホワイトハウスに招かれ、その後ヨーロッパの主要歌劇場から出演依頼がくるようになる。 エステスは、1960年代後期から1970年代にかけて、非常に多忙なスケジュールをこなした。とりわけリヒャルト・ワーグナー作品の主役のパフォーマンスについて高い評価を受けている。スカラ座、コヴェントガーデン王立歌劇場、パリ・オペラ座、リセウ大劇場、ハンブルク州立歌劇場、バイエルン州立歌劇場、ウィーン国立歌劇場、チューリッヒ歌劇場といった舞台に立ち、ザルツブルク音楽祭やグラインドボーン音楽祭等の著名な音楽祭にも参加した。1978年、アフリカ系アメリカ人男性として初めてバイロイト音楽祭に参加し、ワーグナーの『さまよえるオランダ人』のタイトルロールを歌った。この公演でエステスは大成功を収め、続く6年間にわたりバイロイトの舞台に立つことになった。また、1985年にはバイロイトに再登場してオランダ人を演じた。このときの公演は映像化され、現在もなおオランダ人の映像化作品のうち最高の名盤の一つと考えられている。 1970年代、エステスはヨーロッパの一流歌劇場で華々しいキャリアを築いていく一方で、主要なアメリカの歌劇場からは冷遇され続けていた。1971年、『セミラーミデ』でシカゴ・リリック・オペラに初登場するが、ニーノ王の亡霊という端役であり、その後の出演の際もこれ以上の大役が割り当てられることはなかった。メトロポリタン・オペラは1960年代、1970年代エステスに出演オファーすら行っていない。1976年に、メトでウルフ・トラップとともにベッリーニの『ノルマ』のツアー公演に参加したのみであった。よりエステスに好意的だったのはサンフランシスコ・オペラ(SFO)で、『ホフマン物語』のリンドルフほか3役、ガンサー・シュラー作『訪問』アメリカ初演のカーター・ジョーンズといった大役を歌っている。エステスはそのキャリアの中で何度かSFOに戻り、ジュゼッペ・ヴェルディ作『アイーダ』のラムフィス(1972年)、アモナスロ(1981年)、『アフリカの女 』のドン・ペドロ(1972年)、『ランメルモールのルチア』のライモンド(1972年)、『さまよえるオランダ人』のオランダ人(1979年)、ワーグナー作『トリスタンとイゾルデ』のマルケ王(1980年)、ジョルジュ・ビゼー作『カルメン』のエスカミーリョ(1981年)といった役を演じた。 文章: 少女歌劇 1930年(昭和5年)、宝塚の「パリゼット」にて本格的な男役が誕生し、他の団体も追随した。特に、SSKの水の江瀧子・オリエ津阪が同年のうちに短髪にし(断髪)、絶大な人気を集めて一世を風靡。宝塚では1932年(昭和7年)になって門田芦子が断髪した。さらに1930年代からは演目に恋愛が取り入れられるようになり、1934年(昭和9年)ごろには、中心ファン層が女学生(少女)へと変化した。しかし、やがて来た災害や第二次世界大戦により多くの歌劇団が活動困難となった。戦後まで残ったのはほぼ三大少女歌劇のみとなった。これらの歌劇団は技能をより高度なものにするとともに、1940年代には名称から「少女」をはずし、宝塚少女歌劇団は宝塚歌劇団に、大阪松竹少女歌劇団は大阪松竹歌劇団(OSK)に、松竹少女歌劇団は松竹歌劇団(SKD)へと改名し、それぞれ独自に発展していった。 文章: オペラ・オーストラリア 1977年、ニュー・サウス・ウェールズ・フレンズ・オヴ・ザ・オーストラリアン・オペラとザ・オーストラリアン・エリザベサン・シアター・トラストがプロのオペラ歌手育成を目的として、アームストロング=マーチン奨学金を設立した。 1980年代は、「テレビのためのオーストラリアン・オペラ」による公演の収録が済んでから何年も経っており、オーストラリア放送協会とオーストラリアン・オペラによって、初めてのラジオとテレビの同時放送が行われ、ヨハン・シュトラウス2世の『こうもり』が上演された。200万人以上の視聴者がこの中継を視聴している。その後、数年間続いた公演の同時放送はオーストラリアの何百万戸もの家庭で視聴された。 人気のあるところでは何が起きていたかというと、大当たりの成功を収めたのは、1983年にルチアーノ・パヴァロッティとジョアン・サザーランドが共演した、シドニー・オペラハウスのコンサート・ホールで行われた公演であった。リチャード・ボニングの指揮でエリザベサン・シドニー・オーケストラが演奏した(メルボルンの姉妹オーストラはエリザベサン・メルボルン・オーケストラ。今日ではこの2つはそれぞれ、オーストラリアン・オペラ・アンド・バレエ・オーケストラ、シドニー・アンド・オーケストラ・ヴィクトリアとして知られている)。この、公演の全国的なラジオ・テレビ同時放送によって、室内イベントとして過去最高の大成功を収めている。もう一つの成功したコンサートとしては、ザサーランドとマリリン・ホーンが共演したコンサート・ホールでの公演が挙げられる。 文章: フィリップ・ジャルスキー その後モンテヴェルディ「ポッペアの戴冠」、「オルフェオ」、ヴィヴァルディ「ウティカのカトーネ」、ヘンデル「リナルド」、「アグリッピーナ」など様々なバロック・オペラに出演した。2007年にはウィリアム・クリスティ指揮のもと、出演者全員が男性歌手という初演時と同様のプロダクションで初期バロックの作曲家ステーファノ・ランディの音楽劇「聖アレッシオ」のタイトルロールを歌い、話題となる。自身のグループ、「アンサンブル・アルタセルセ」との音楽活動のほか、指揮者のジャン=クロード・マルゴワールや、ジャン=クリストフ・スピノジ率いる「アンサンブル・マテウス」、ジャン・チュベリ率いる「アンサンブル・ラ・フェニーチェ」、エマニュエル・アイム率いる「ル・コンセール・ダストレー」などとの共演が多い。 文章: 中世西洋音楽 中世西洋音楽は、キリスト教聖歌、特にローマ・カトリック教会の典礼聖歌であるグレゴリオ聖歌の成立と、もともとその聖歌の敷衍・拡張として始まったポリフォニー(多声音楽)の発達を最大の特色としている。初め単旋律だった聖歌に、早くも9世紀には典礼をより荘重にするために新たに説明的な歌詞をつけたり旋律の音数を増やして拡張したり(トロープス)、同じ聖歌を異なった高さで同時に歌って重厚な響きを添えたり(オルガヌム)ということが行われ始める。やがてオルガヌムは独立性を高め、11世紀には聖歌の旋律にのせて新しい装飾的な旋律を歌うようになった。12世紀後半から13世紀前半にはパリのノートル・ダム寺院で、モード・リズムと呼ばれる明確なリズムを持つ2~4声部の華麗なオルガヌムが歌われ、14世紀のマショーの4声の「ノートルダム・ミサ曲」(ひとりの作曲家によって通作された最古の多声ミサ)や数々のモテットに至る。 その一方で、世俗音楽も盛んであったことが推察され、11世紀末以降には記録に残り始める。その担い手は、騎士歌人(宮廷歌人とも)や大道芸人や職業芸人(以前はこれらは混同され「吟遊詩人」などと呼ばれていた)、遍歴学生などであった。世俗歌曲は単旋律であったが、中世盛期以降にはこうした単旋律世俗歌曲の形式と(ラテン語ではなく)俗語による宗教歌が見られ始めたり、逆に宗教音楽に由来するポリフォニーの技法による世俗音楽が書かれるようになったりしている。先のマショーは、世俗音楽であるビルレー(単旋律)やバラード(多声音楽)を次の15世紀に流行する世俗歌曲様式で書き、時代を代表する作曲家が宗教音楽のみならず世俗音楽を書いた史上初めての例となった。このようにして、中世ヨーロッパにおいて、芸術音楽の作曲とは「広義の多声音楽をつくること」を意味するようになり、世界的に見た時の西洋音楽の特徴の一つとなった。 中世ヨーロッパにおいては、音楽は自由七科の一つとして必須の学とされたが、それは「音それ自体に即した自律的なもの」というよりも「感覚を超えた超人間的なものの啓示」「世界を調律している秩序」であるととらえられる傾向が強かった。このため中世の音楽理論においては、実際の音楽を離れた抽象的な思索が珍しくなく、古代ギリシアの音楽理論の中核をなしていた数理論、象徴論、エートス論などが、キリスト教的変容を遂げて展開されており、音組織、旋法、リズム、協和、記譜法などの音楽の実践面にも少なからぬ影響を与えていた。が、教会の権威が失墜するとともに諸民族の強力な国家体系が成立してくる14世紀以降、世俗音楽が高度に発展し、宗教音楽においても宗教性の重視よりも純音楽的要請による傾向が強くなり、次のルネサンスの萌芽が見え始める。 文章: ヘンリー八世 (オペラ) 形式としては、ジャコモ・マイアベーアが『悪魔のロベール』(1831年)や『ユグノー教徒』(1836年)などで確立したグランド・オペラの形式をとっている。グランド・オペラの中では最後期の作品となる。したがって、などを有している。特に第3幕の長大な離婚裁判のシーンが大合唱と管弦楽により壮麗さを極め、大きな見所のひとつとなっている。異国情緒については、サン=サーンスはイングランド、スコットランド、アイルランドのテューダー朝の音楽を入念に調べ、その成果を幾つかのモチーフのように扱っており、全体としての統一感が生み出されている。また、サン=サーンスの高い作曲技術により、格調高い雰囲気が保たれている。真摯な学究的姿勢と形式感のしっかりした傾向が上手く融合し、サン=サーンスの長所が発揮されている。 文章: 性器切断 古くは世界七不思議のひとつ、エペソのアルテミス神殿の神官を兼ねた「去勢娼夫」が有名である。 現在のインドのヒジュラー志願者には、宗教的動機のほかに、娼夫として収入を得る目的の者も存在し、現実に大都市のヒジュラーは、売春で生業を立てている場合も多い。 また、ヨーロッパやアジアなど、ユーラシア全域では少年を去勢して中性的な容姿を持つ去勢男娼にすることがあった。