クエリ: 別々に収録された映像と音声を一致させるために、映画の撮影のスタート時にカメラの前で打たれる物は何でしょう?
文章: カチンコ コンマ何秒かのずれが生じているためフィルム撮影の場合、録音技師によっては頭にカチンコを入れるよう要求してくる場合が多い。また、シーン番号やカット番号の記録は、同時録音の有無とは関係なく、重要である。そのため、ビデオ撮影の現場では、カチンコそのものは使われないとしても、スケッチブックにフェルトペンなどでシーン番号・カット番号・テイク番号を記したものを撮影するということは今でも行われている。カチンコを半開きにして番号をカメラに向ける手法も存在する。セット・ロケセット内の撮影で、俳優のほかにカチンコ係の入る余地のない究極の狭い場所では、俳優が手を叩いたり、掌サイズの小型のものを使う。俳優に手を叩かせる場合、各種ナンバーを俳優の手には書けないため、録音部が音声で記録するのみで対応する。引きのショットでは上半身サイズの大型なカチンコが使われる場合がある。
文章: ジェフ・ウォール Still Creek, Vancouver, winter 2003, (2003)のようなセットアップされない「ドキュメンタリー」写真と、葛飾北斎の浮世絵、富嶽三十六景の『駿州江尻』を元にしたA Sudden Gust of Wind (after Hokusai) (1993) (邦題:『突風』)のような、俳優、セット、特殊効果等を使った「シネマトグラフィック」写真を明確に区別している。A Sudden Gust of Windは 俳優を起用し、「一瞬を捉えたように見えるリアルな合成写真を完成させる」 ために100枚以上の写真を使用し1年以上をかけて、現代のブリティッシュコロンビアの背景に19世紀の日本の風景を再構築した。1990年代初期からはデジタル技術を使用し、異なるネガから合成写真を作り、一枚の統合された写真の中にそれらの要素を混在させている。 文章: レイ・ハリーハウゼン 内部にアーマチュア(可動式骨格)を仕込んだ人形を1コマずつ撮影するモデルアニメーションの分野で評価されており、リアルな動きで作り出された映像は世界の人々を驚嘆させた。特に評価が高いのは、「ダイナメーション」と呼ばれる手法で、これは俳優の演技をスクリーン・プロセスでコマ送りで投影しながらそれに合わせて人形を動かすものである。従来、俳優と人形のカラーでの合成には、人形の撮影時にライトの熱で色温度が変化してしまい、実際に映写した際に俳優に対して人形の色が目まぐるしく変わってしまうという難点があったが、ハリーハウゼンは人形の撮影の際、コマ毎に色温度を修正するフィルタを入れる技術を生み出し、この問題を解決した。これにより人形と人間の同時演技(例えばミニチュアと人間の格闘シーン)が光学合成なしで可能となり、後のハリウッド映画の特撮人気を爆発させた。 文章: ナショナル日曜観劇会 当時VTRは編集が困難であり、使用することにスタッフが消極的だったため収録では念のため、VTRと同時にブラウン管の映像をフィルムに転写するキネコにも記録された。しかし記録した映像を確認すると、従来のキネコよりもVTRが優れていることが分かり、2日後の放送にこぎつけることができた。 文章: ストップモーション・アニメーション 撮影する対象としてさまざまな素材が使用され、それにより分類される。代表的なものを挙げる。20世紀の初めにフランスの映像作家ジョルジュ・メリエスとJ・S・ブラックトンが映画のトリックに使用したのが始まりと考えられる。以来、実写映画の特殊効果で、操り人形であったり、人間が着ぐるみで動かせない非人間型のキャラクターを動かす手法として長年用いられていた。長編映画の世界では『ジュラシック・パーク』以降の作品では、CGによる映像加工へと変遷しつつあり、昨今ではコマ撮り特有の映像効果を期待する作品以外では減少しつつある技法である。日本では、NHKEテレをはじめとする子供向け番組(ニャッキ!など)や、『みんなのうた』などの短編アニメーション映像、テレビ番組のオープニング映像等に多くみられる。 文章: バレットタイム バレットタイムはSFXの一つで、被写体の周囲にカメラをたくさん並べて、アングルを動かしたい方向にそれぞれのカメラを順番に連続撮影していき、被写体の動きはスローモーションで見えるが、カメラワークは高速で移動する映像を撮影する技術、またはその効果を指す。タイムスライス、マシンガン撮影 ともいう。また、並べたカメラを一斉に同時撮影すると、被写体は静止ないし低速で動作した状態でカメラアングルが動く映像が作れる(『マトリックス』で「ビルの屋上での銃撃戦で主人公ネオが足に弾丸を受ける」シーン)。 この技術の源流は1870年代にエドワード・マイブリッジが手掛けた、疾走する馬のギャロップを12台のカメラによる連続写真で撮影した技法に求める事が出来る(『動く馬』を参照)。マイブリッジは同時期に階段を昇降する人間の動きを様々な角度のカメラから同時に撮影する試みも行っており、マトリックスにおけるタイムスライスの原型とも言えるものである。しかし、マイブリッジの多数のカメラを用いた連続撮影技法は、その後マサチューセッツ工科大学のハロルド・ユージン・エジャートン教授が開発したストロボスコープの登場により主流ではなくなっていった。 マトリックスの登場以前、セルアニメにおいてはバレットタイムに類似した表現技法は古くから存在していた。その最も早期の事例とされているのが1967年のマッハGoGoGoであり、そのオープニング映像においては、主人公がマッハ号から飛び降りた姿勢で静止し、正面から真横に向けてカメラアングルが移動するシーンが描かれている。 1980年にはen:Bath School of Art and DesignのTim Macmillanが、幾つかの先駆的な映像作品にて16mmピンホールカメラを用い、この技法を使用した記録が残り、1985年にはロックバンドのアクセプトのビデオクリップ「Midnight Mover」にて音楽ビデオとしては初めてこの技法が用いられた。 この技法は映画『マトリックス』(第1作)で使用された事で話題を呼び、世界中に広まっていったが、マトリックスの特殊撮影を手掛けたen:John Gaetaは、バレットタイムを考案するにあたり大友克洋の『AKIRA』とミシェル・ゴンドリーの手掛けた音楽ビデオにおけるカメラワークが、バレットタイムの芸術的インスピレーションを得る為の参考となったと後に語っている。 2000年代前半にはこの手法を取り入れた映画やCMが多数登場したが、この手法の欠点としてある一つのシーンを創る際の準備作業が膨大なものになり、なおかつ現場での柔軟な変更が難しい事が挙げられた。そのせいかマトリックスシリーズでも、二作目以降は、この手法よりも俳優をコンピューターで全身スキャンしてデータとして取り込み、画面の中にCGで再構成させるという方法をかなりのシーンで採用している。 映画「ソードフィッシュ」では「30秒マシンガン撮影」の大爆発シーンが話題を呼んだ。 また、シルベスター・スタローン主演の映画「ドリヴン」でもこの手法を取り入れた爆発映像があったが、カットされてしまった。この映像はDVDのメイキングで鑑賞することができる。 福山雅治の楽曲・『Heart/you』の作品のうち、HeartのPVにもこの技法とマシンガン撮影の両方が取り入れられており、そのシーンは2コーラス目以降の後半部で見ることができる。 また、2000年代前半に日本のプロ野球中継で、「アイ・ビジョン」と名づけられたマシンガン撮影の手法が導入された。東京ドームで導入され、並べられたカメラは「マトリックス」などで使われていたスチールカメラではなく、業務用のビデオカメラであり、リプレイシーンでは映像の再生速度に関係なくアングルが「バレットタイム」のように移動できるということが話題を呼んだが、短期間のみの導入で現在はこの中継法は行われていない。 映像配信方法が取られたMax Payneやニード・フォー・スピード モスト・ウォンテッド、Virtua Cop 3など、昨今のファーストパーソン・シューティングゲームやサードパーソン・シューティングゲームのコンピュータゲームにもスローモーション機能として取り入れられており、特に前者は人気を呼んでいる。 文章: ロック・アンド・ロール/狂熱のジャズ この映画のサウンドトラック・アルバムはリリースされていない。ヘイリーのパフォーマンスのうち、カメラの前で生演奏された音源が用いられているのは「Rudy's Rock」だけで、映画に収録されなかった音源は、1990年代にドイツで、Hydra Records が出したヘイリー作品のコンピレーション『On Screen』に収録されたが、本来のスタジオ録音品質の音源は、未だにリリースされていない。バンドは、デッカで録音された「R-O-C-K」の音源に合わせてリップシンクを行なう前に、短いリハーサルとして、カメラの前で生演奏をした。 楽曲「ロック・アラウンド・ザ・クロック」は、オープニング・クレジット、モンタージュされた形で短く冒頭部分の歌詞が流れる場面、最後のヴァースの歌詞が聞かれる終幕と、作中で3回流される。 この映画の撮影の数ヶ月前、コメッツはメンバーの大幅な交代を遂げており、脱退したものも数名いた。その結果、この映画でリップシンクされている楽曲の大部分は、演奏していたメンバーとは異なる新しいメンバーによって演じられることとなった。録音された音源と、画面でリップシンクしている面々が一致しているのは、「See You Later Alligator」と「Rudy's Rock」だけである。「ロック・アラウンド・ザ・クロック」の演奏場面では、フラニー・ビーチャー(英語版)がギターを演奏する姿が捉えられているが、録音セッションでギターを弾いていたダニー・セドロンは、18か月前に死去していた。セドロンのギター演奏は、「A.B.C. Boogie」でも聴かれるが、そのオープニングの部分は演奏場面がカメラに捉えられない形で流される。 文章: テアトル・オプティーク 幻灯の集光レンズの前で光に透過された帯の絵は、大きな輪の中心の回転軸にある鏡のプリズムに投射され、それがさらに1枚の鏡に反射したあと、焦点レンズを経由して可動鏡に反射し、スクリーン上に投影された。これと同時にもう1台の幻灯で背景画を投影し、背景と人物の絵を1つの画面に合成して観客の前に映し出した。挿絵の帯は手動で巻き取って動かした。そのため自在に手回しのスピードを変えて、絵の人物の動きを速くしたり、遅くしたりすることができた。また、巻き取り機を反対方向に回すことで、挿絵の帯を逆再生することも可能で、帯を前進させてから次に後退させることで、ある人物の動きを反復させたりすることができた。さらにテアトル・オプティークは機械仕掛けによって効果音を付けることで、音と映像を同期させることもできた。その方法は電磁石で作動する鉄の棒を、必要なタイミングで叩くというものである。 文章: 高速度撮影 高速度撮影(こうそくどさつえい)もしくはハイスピード撮影とは、人間の目では知覚出来ないほどの瞬間的な画像を撮影することである。通常、映画では1秒間に24コマ撮影し、ビデオカメラ等では1秒間に30コマの撮影が一般的である。通常のコマ数で撮影し、それをスロー再生した場合はカクカクした映像となるが、撮影時により多くのコマを撮影し、それをスロー再生することで、滑らかにスローモーション化した動画を得ることができる。また、刹那の間に起こる現象の次第を捉えることもできる。SFXや科学映像などといった応用がある。これに使われるカメラをハイスピードカメラ、あるいはスーパースローカメラと称する。 以前は物理的な限界から、専用の特殊な構造の機材(ハイスピードカメラ)でなければハイスピードでも1秒間に100コマ程度しか撮影出来なかった。また、コマ数と撮影時間の積に比例してフィルムを消費した。映像機器のデジタル化によって、処理の高速化等で一般的な構造で1秒間に20万コマも撮影出来るカメラも登場している。 現在は一部の一般向けのデジタルビデオカメラやウェアラブルカメラ(GoProなど)、コンパクトデジタルカメラ(ソニーのサイバーショットRXシリーズが代表的)、スマートフォンにスローモーション撮影機能が搭載されている。また、撮影後の映像を、コンピュータでフレーム補間(2つのコマの間に新たなコマを生成し、ハイスピード撮影された映像のようにコマ数を増やすこと)を行い、その映像をスロー再生させることで、通常の高速度撮影された映像のようなスローモーション再生ができるソフトウェアもある。 1937年にアメリカのハロルド・エジャートンがストロボ(エレクトロニックフラッシュ)発光装置を発明。これにより、ミルクが落ちる際に出来るミルククラウンなどの写真を撮影、公開した。ストロボによる高速度撮影は、高速なシャッター装置を必要としないが、ストロボのみが光源の写真しか撮れない、コマの送りより細かい現象は多重露出(ストロボスコープ)になる、という制限がある。 ゴジラシリーズやウルトラシリーズなどの怪獣映画などで多用されるミニチュア撮影では、被写体の巨大感を表現するために高速度撮影を行う事が多い(重力加速度が一定であるので巨大な物ほど見かけ上ゆっくりと落下する、炎のゆらめきや水面の波などの現象がスローモーションになるなどにより現実の見かけと一致する為)。※この場合、怪獣などの巨大キャラクターを演じるスーツアクターは、撮影スピードに合わせて通常の数倍の早さでアクションを行う事が要求される。 文章: 映画編集 これら初期の映画監督達は、映画言語の重要な特徴を発見した。スクリーンの画像では人物全体を頭からつま先まで映す必要はなく、2つのショットを継ぎ合わせることで視聴者の心に文脈上の関係を生み出せる。これらは、生放送以外のあらゆるビデオテープやテレビによる物語映画の可能性を築いた重要な発見だった。複数のショットが一定期間(数時間や数日または数ヶ月も)にわたって様々な場所で撮影され、1つの全体的な物語に組み上げられる。先の『大列車強盗』では屋外ロケと舞台セットで撮影が行われたが、あるショットで列車に乗り込むところが映され、その次に客車内(の舞台セット)に入る様子が映ると、観客はそれを同一の列車だと信じ込んでしまう。 1918年頃、ロシアのレフ・クレショフ監督がそうした編集の効果(クレショフ効果)を証明する実験をした。彼は最初に俳優の無表情な顔を撮影。そのショットにそれぞれ、1)スープの入った皿、2)テディベアで遊んでいる子供、3)棺に納められた老女、のショットを挿入した3通りの映像を制作した。それぞれの映像を見た観客はこの俳優の演技を称賛した。1)ではスープを見た時の空腹な表情を、2)では子供に柔和な表情を、3)では死者を見た時の沈痛な表情をしていたと語ったのである。俳優のショットは他より何年も前に撮影したもので、もちろん彼は実験素材3つのいずれも一切「見て」いなかった。複数のショットを順番に並べるという単純作業によって関係性が構築されたのである。 基本的に映像編集は、オフライン編集 (Offline editing) を終えた後にオンライン編集 (Online editing) という段取りを踏む。これは一種の業界用語で、前者は高品質な撮影ネガ(マスターテープ)をコピーした低品質なポジフィルム(編集素材のワークテープ)を使って行う「仮編集」の事を指す。この仮編集データに基づき、専用機材を使った高度な加工や演出を施して作品を仕上げる「本編集」のことをオンライン編集という。なお、映画のエンドロールで「編集」とクレジット表記されるのは前者のオフライン編集に携わる人達である。 文章: HD24P 素材の記録媒体がテープやハードディスク、SSDでフィルムより安価なため、同一予算で35mmフィルムの数倍の撮影を行える。現像という工程が不要な上、音声も同時収録されるため、撮影現場で撮影した映像を確認できる。このため、アクションシーンなど動きの激しい撮影などに向いている。絞りを開放にすれば、かなり暗い場所でも無照明で撮影でき、野外で広い場所の撮影にも向いている。 しかし、いかにフィルムに近いとはいえ、フィルム・グレイン・フェチな層には嫌われる傾向がある。これは、デジタル独特の色味やフィルムとの粒状感の違いによるもの。また、カメラの撮影素子のサイズがフィルムに比べてかなり小さいため、被写界深度が深い絵(パンフォーカスとなり、遠近感が少ない)になりやすいことによるものである。このため、カメラの前に着けて浅い被写界深度を実現する目的で、DOFアダプタが開発されている。 昨今、特に2008年発売のキヤノン EOS 5D Mark IIの登場以降、撮影素子のサイズを大型化したデジタル一眼レフカメラが各メーカーから販売され、被写界深度が浅い映像を容易に撮影できるようになってきている。また、デジタルカラーグレーディングに代表される色調補正技術の進歩により、フィルムに近い画質を再現する事も容易になってきている。 文章: ハスケル・ウェクスラー 商船の乗員を経て、シカゴ有数の資産家である父親の協力を元に映画スタジオを創設、かねてから手がけていたドキュメンタリー映画などの撮影の仕事を行い、映像作家としてのスタートを切るも、経験不足から経営が成り立たずにスタジオを閉鎖、撮影助手の仕事に就いた。助手時代には、伝説的なカメラマンでもあるジェームズ・ウォン・ハウの下でカメラオペレーターを務め、映画撮影に関する技術を磨くと同時に、自らの政治的関心から数多くのドキュメンタリー映画の製作に携わった。 そうした活動が下地となり、同じくドキュメンタリー出身の映画監督アーヴィン・カーシュナーとコンビを組み、劇映画に進出、そこでフランクリン・J・シャフナーやトニー・リチャードソンなどのテレビ界出身の新鋭監督の作品を担当する。ドキュメンタリーでの経験から、その当時としては画期的でもあった手持ちカメラや屋外ロケの多用、ズームレンズの採用などを積極的に行った。当初はそうした手法は前衛的とみなされ、批判の対象ともなったが、徐々に斬新な映像を求める監督たちの注目を集め、1966年にはマイク・ニコルズ監督の『ヴァージニア・ウルフなんかこわくない』に起用される。そこでは望遠レンズや手持ちカメラを駆使し、リチャード・バートンとエリザベス・テイラーの迫真の演技を臨場感ある映像で捉え、その斬新な映像表現により、見事アカデミー撮影賞に輝いた。その後も『夜の大捜査線』、『華麗なる賭け』、『カッコーの巣の上で』、『アメリカン・グラフィティ』などのヒット作品を手がけ、アメリカ映画を代表するカメラマンとなった。1975年には『ウディ・ガスリー/わが心のふるさと』で、二度目のアカデミー撮影賞を受賞し、『メイトワン1920』、『プレイズ』ではそれぞれノミネートを受けている。また、追加撮影を担当した『天国の日々』もアカデミー撮影賞を受賞している。全米批評家賞やインディペンデントスピリッツ賞など受賞歴は数多い。 劇映画の撮影監督として活動する一方で、同じく撮影監督であるコンラッド・L・ホールと共に製作会社を設立し、コマーシャルやドキュメンタリーの制作、監督、撮影を行っている。 文章: アフレコ 和製英語で、英語圏ではダビング dubbing)、ポストレコーディング(英: postrecording)、ADR(英: Automated Dialogue Replacement/Additional Dialogue Recording)、ポストシンク(英: post-synch)などといい、撮影終了後の仕上げ作業(ポストプロダクション)中に行われる。ハリウッド映画の制作現場ではアフレコを指してルーピング(英: looping)とも呼ばれるが、本来ルーピングは群衆などのその他大勢の声を録音する作業を指す言葉である。 文章: ラインプリンター 各列の所望の文字が印刷位置を通過すると、ハンマーが用紙を裏面から叩き、リボンとドラムに用紙を押し付けて、所望の文字が連続紙に記録する。字形 (文字) を載せたドラムは常に一定の速さで動き続けるため、ハンマーの打込みと後退動作は非常に速くなければならない。ハンマーは一般的に、可動部に取り付けられたボイスコイル(英語版)によって駆動される。多くの場合、文字配列はドラムの周りでずらされ、列ごとにずれている。これにより、ダッシュの完全な行("--------...")のような、すべての列で同じ文字からなる行を印刷するときに、すべてのハンマーが同時に打ち込まれることを防ぐ (ただし、印刷された行はドラム上の文字レイアウトと一致する。("@ABCDEFGHIJKLMNOP@ABCDEFGHIJKLMNOP......")。 文章: 一人オーケストラ 本作のような「一人の男が分身する」という幻想的な題材は、メリエスが1898年からトリック映画で何度も取り上げており、分身のトリックを実現するための特殊効果として多重露光を用いた。本作では7人の同じ人物を作り出すために、7回もの多重露光を行っている。メリエスが一度にこれだけの回数の多重露光を行ったのは、本作と『音楽狂』(1903年)ぐらいである。多重露光以外にも、機械的に動く舞台機構、花火(パイロテクニクス)、ストップ・トリックなどの特殊効果が用いられている。 多重露光を使用した撮影では、メリエスがある一人のパートを演じるところを撮影したあと、カメラの中でフィルムを巻き戻し、それから別の一人のパートを撮影するというプロセスを、7人のメリエス全員が同じ画面上に写るまで繰り返した。各パートの撮影をしている間は、他のすべてのパートが露出されないようにするため、レンズの前にその部分だけマスク(厚紙の遮断物)をかけた。1906年にメリエスは、このような撮影方法が「非常に難しく、全くもって難問題であった」と述べている。異なるパートを7回も演じるメリエスは、各パートの人物の身振りやタイミング、体の位置などを正確に把握しなければならず、それが一致していなければトリックがうまく機能しなくなるため、撮影中は細心の注意を払いながらそれらを調整する必要があった。さらに数十分間も多重露光をし続けると、フィルムが引き裂かれて穴ができてしまうことがあり、その場合はフィルムを破棄して、すべてをやり直さなければならなかった。 文章: MERU/メルー 2008年にメルー峰の登頂に失敗した後、コンラッド・アンカー、ジミー・チン、レナン・オズターク(英語版)は、「シャークス・フィン」として知られている4000フィートの壁を経由しメルー峰の中央峰を征服するために再び山へ戻った。彼らは登るとき、その様子を記録している。ジミー・チンは登山と映画制作のバランスについて以下のように語っている、「ご存知の通り、私は登山家です。ですが、私はいつも自分とチームが本当に安全なのか考えますし、カメラを取り出す前にも本当にそうなのかいつも検討します」。この映画は、2回の挑戦(失敗した2008年と成功した2011年)の映像の混合物であり、悪魔に立ち向かうクライマーの挑戦についての物語である。レナン・オズタークは、ジミー・チンとスノーボーダーのロケ撮影中に恐ろしい転落事故に遭った。その事故は2回目のメルー峰挑戦のわずか5ヶ月前であり、彼は登頂に参加するため、その致命的なケガからの回復と戦った。一方、レナン・オズタークの事故から4日後、ジミー・チンは撮影現場に戻って撮影を続行するが、大規模な雪崩に巻き込まれたものの、奇跡的に助かっている。また、コンラッド・アンカーは、何年も前から、登山の師匠の夢であるメルー峰征服に取り組んできたが、師匠は登山中に亡くなり、また彼の登山パートナーも雪崩で失った。2011年に登頂に成功したジミー・チンとレナン・オズタークは、Canon 5D Mark IIとPanasonic TM900ビデオカメラを共有して、映画の映像を撮影した。