クエリ: オペラ『カルメン』や『真珠採り』で知られる、19世紀のフランスの作曲家は誰?
文章: ジョルジュ・ビゼー ジョルジュ・ビゼーは、19世紀フランスの作曲家。早世により断たれたオペラのキャリアによりよく知られる。あまり成功に恵まれなかったものの、最後の作品となる『カルメン』がオペラ史の中でも最大級の人気と上演回数を獲得した。 パリ音楽院での学業成績は華々しく、栄えある1857年のローマ賞をはじめとして数々の賞を獲得した。傑出したピアニストと看做されていたものの、ビゼーはこの技術で金儲けをするという選択はせず、公の場で演奏することも滅多になかった。イタリアでほぼ3年間を過ごした後パリに戻った彼は、パリの主要歌劇場では新人の作品よりも確立された古典的演目の方が好まれていることを知る。鍵盤楽器作品も管弦楽作品も同じく大半が無視された結果キャリアは失速し、主として他者の音楽を編曲する仕事で生計を立てることになった。成功への挑戦に暇がなかったビゼーは1860年代に多くの歌劇場の仕事を開始するが、その多くが頓挫してしまった。この時期に上演にこぎつけた2つのオペラ『真珠採り』と『美しきパースの娘』のいずれも、すぐには成功を収めることはなかった。 1870年から1871年の普仏戦争時に国民衛兵として従軍し、戦後には1幕のオペラ『ジャミレ』を発表するも評判は芳しくなかった。一方、アルフォンス・ドーデの同名の戯曲に付された付随音楽『アルルの女』から編まれた管弦楽組曲はたちまち人気を博した。最後のオペラとなる『カルメン』の上演は、作品の主題となる裏切りや殺人が聴衆の心証を害する懸念から延期された。1875年3月3日にパリのオペラ・コミック座で初演されるが、聴衆の理解を得られずに不評に終わる。その3か月後に心臓発作によって命を落としたビゼーは、この『カルメン』がその後ウィーンで大成功を収め、フランス・オペラ史上画期的な傑作とまで評されることを知ることなく、失意のうちに没した。 ジュヌヴィエーヴ・アレヴィとの結婚はとぎれとぎれながらも幸福をもたらし、1人の男児に恵まれた。死後、『カルメン』を除く彼の作品はほとんど無視されてきた。草稿は他者の手に渡るか散逸してしまい、出版された作品にも頻繁に他人による改訂や改変が加えられた。ビゼーは派閥を形成することなく、それとわかる弟子や後継者もいない。忘れられていた年月を経て、20世紀に入ると彼の作品はそれまでより多く上演機会を得るようになる。後世の評論家は華麗で独創的な作曲家として彼を賞賛し、その早すぎる死はフランスの歌劇場にとって計り知れない損失であったと評している。
文章: シャルル・ルヌヴー 5つの歌劇のほかに、2つのレクィエムや《婚礼のミサ曲》などの多数の合唱曲や、ピアノとオーケストラのための協奏的作品を手懸けた。 文章: ピエール・モンタン・ベルトン ベルトンはサンリスでオルガンと作曲を学んだ後、ボルドーのグランド・テアトルで指揮者となった。1775年、王宮の芸術監督、パリ・オペラ座の音楽監督に任用された。1767年から1769年まではジャン=クロード・トリアル(英語版)と共同で、1775年から1777年までは単独での指揮者職であった。そして1780年には総支配人となっている。ベルトンが実権を握っていた時代に、グルックやピッチンニの傑作が音楽に革命を起こしていた。また彼自身もオペラを作曲した。「rosine」(1764年)、「Cythre assige」(1775年)などである。彼の「新しいシャコンヌ Nouvelle Chaconne ホ短調」(1762年)は、ルブレトン・シャコンヌ(Lebreton-)としても知られ、ルイ18世の時代には有名であった。 文章: グランド・オペラ グランド・オペラ(英語でgrand opera, 本来はフランス語でgrand opra(グラントペラ))は、19世紀前半のフランス・パリのオペラ座を中心にして流行した、オペラの一様式を表す用語である。この言葉を正確に定義付けるのは難しいが、今日では様々な要素において「大規模」なオペラをグランド・オペラ様式と称することが多い。歴史的題材を採用した台本、数多くのキャスト(主要登場人物)、大規模なオーケストラ編成、豪華な舞台衣装、スペクタクル的な舞台効果などに加えて、音楽面では台詞語りがなく(すなわちドラマ進行はレチタティーヴォによる)、構成上は4幕あるいは5幕の多数幕立てとして、多くの場合バレエを含むことなどが特徴である。もっとも、19世紀前半のフランスでは台詞なしのオペラは、1幕物であってもgrand opraと称されていたので、歴史文献にあたる場合は若干の注意が必要である。 19世紀半ば頃から、次第にこの様式のオペラの人気は薄れていった。大きな理由としては、舞台装置などに巨額の費用がかかる割には、19世紀後半からの、より洗練されたオペラ群に対して音楽面での魅力が劣っていると考えられたことがある。それでも、様式としてのグランド・オペラは決して完全に滅びたわけではなく、多くの作曲家がこの様式でのオペラを作曲し続けた。 文章: 佐藤正浩 (指揮者) その後も日生劇場 松井和彦『泣いた赤鬼』ビゼー『カルメン』、新国立劇場 プッチーニ『トスカ』、藤原歌劇団 ドニゼッティ『愛の妙薬』、東京オペラプロデュース ストラヴィンスキー『放蕩者のなりゆき』、東京室内歌劇場 プーランク『人間の声』ヤナーチェク『利口な女狐の物語』、広島オペラルネッサンス プーランク『カルメル会修道女の対話』、いずみホール ロッシーニ『ランスへの旅』等を指揮し注目を集める。フランスオペラを得意とし、東京芸術劇場のコンサートオペラシリーズでは毎回フランスオペラを取り上げ、ヴェルディ『ドン・カルロス』(パリ版日本初演)サン=サーンス『サムソンとデリラ』ビゼー『真珠採り』ドビュッシー『放蕩息子』ビゼー『ジャミレ』『カルメン』を指揮する。一方、ヴェルディもレパートリーとし、2008年から和光市にてヴェルディ・プロジェクトを開始。第一作目の『ナブッコ』で三菱UFJ信託音楽賞を受賞。『仮面舞踏会』『オテッロ』『椿姫』等を藤原歌劇団、オペラ彩で指揮。 2012年、自身でプロデュースした白虎隊をテーマにしたオペラ『白虎』(宮本益光台本/加藤昌則作曲)を会津若松で初演し佐川吉男音楽賞を受賞。この作品は戊辰戦争終結150年を記念して2018年に再演された。藤原歌劇団には毎年出演しており、『仮面舞踏会』ロッシーニ『セビリアの理髪師』を指揮して成功を収め、2019年の1月には新演出による『椿姫』が上演された。2020年10月、COVID-19の影響で来日不可能になったイタリア人指揮者の急な代役として、東京二期会×神奈川県民ホールグランドオペラシリーズ プッチーニ『トゥーランドット』を指揮し、大成功を収める。 これまでに読売日本交響楽団、東京フィルハーモニー交響楽団、東京交響楽団、オーケストラ・アンサンブル金沢、大阪センチュリー交響楽団、広島交響楽団等を指揮。また、自身の主宰するオーケストラ、Orchestra“Les Champs-Lyrics”、The Opera Band音楽監督として活動している。 文章: オペラ・セリア ところでヘンデルはオペラ・セリアのメインストリームとは離れたところで創作を続けていて、ロンドンの観客のためにメタスタージオの台本に曲をつけたのは数本しかなく、多様な台本を好んだ。この時期の主要なメタスタージオ作曲家は、ヨハン・アドルフ・ハッセ、アントニオ・カルダーラ、レオナルド・ヴィンチ、ニコラ・ポルポラ、ジョヴァンニ・バッティスタ・ペルゴレージである。ヴィンチ作曲の『捨てられたディドーネ』と『アルタセルセ』は、そのレチタティーヴォ・ストロメンタートが賞賛され、ヴィンチはこのスタイルのメロディを確立するという重要な役を果たした。対照的にハッセは、伴奏に重きをおき、当時の人々からはヴィンチより野心的と見なされた。ペルゴレージはそのリリシズムが有名だった。あらゆるものへの挑戦し、多様性、レチタティーヴォ・セッコのパターンの打破、アリア・ダ・カーポを成し遂げた。 文章: カルメン (オペラ) ホセ・セレブリエールが全曲から12の場面を選んで管弦楽のために再構成した。 『カルメン』の名旋律を使った『カルメン幻想曲』と呼ばれる作品がいくつかある。 また、ヨハン・シュトラウス2世の弟エドゥアルト・シュトラウス1世が名旋律をたばねたカドリールを作曲している。『カルメン』の上演が初めて成功したのは1879年のウィーンでの上演だとされており、その人気にあやかったものと言われている。 文章: フランク・マルタン 1926年にジュネーヴ室内楽協会 (Socit de Musique de Chambre de Genve) を設立し、ピアニストやチェンバロ奏者として10年間の活動を続ける。この間に、ジャック=ダルクローズ研究所で音楽理論や即興演奏を教え、ジュネーヴ音楽院で室内楽を指導した。1933年から1940年までテクニコン・モデルヌ・ド・ミュジック (Technicum Moderne de Musique) 校長に、1942年から1946年までスイス音楽家協会総裁に就任。1946年よりオランダに移住。スイス時代に公務に追われて専念できなかった作曲に、多くの時間を割くようになる。アムステルダムに10年暮らした後、ナールデンに定住した。1950年から1957年までケルン市立高等音楽学校で作曲の教鞭を執る。 文章: 失われた時を求めて (バレエ) プルースト作品のバレエ化は、プティ以前にも作曲家のジャン=カルロ・メノッティによって構想されたことがあるが、実現には至らなかった。ローラン・プティは、出世作の一つである『カルメン』(1949年)などをはじめ、文学作品のバレエ化に数多く取り組んできた振付家である。本人へのインタビューによれば、プティは若い頃に『失われた時を求めて』を読もうとしたことがあるが、その時は途中で挫折してしまった。しかし後年、バレエ公演の海外ツアー中、寒さでどこにも出掛けられなかったときに本作を読み始めたところ、夢中になり、17冊を6週間で読破したという。プティは『失われた時を求めて』のバレエ化にあたり、作家のフランソワーズ・サガンとエドモンド・シャルル=ルー(英語版)の助けを借りた。音楽は、プティがジョージ・ペインター(英語版)によるプルーストの伝記を参考にして、プルーストが好んでいた作曲家の楽曲を選んだ。 文章: カミーユ・サン=サーンス シャルル・カミーユ・サン=サーンス(フランス語: Charles Camille Saint-Sans, フランス語: [al kamij s s(s)];, 1835年10月9日 - 1921年12月16日)は、フランスの作曲家、ピアニスト、オルガニスト、指揮者。広く知られた作品として『序奏とロンド・カプリチオーソ』(1863年)、ピアノ協奏曲第2番(1868年)、チェロ協奏曲第1番(1872年)、『死の舞踏』(1874年)、オペラ『サムソンとデリラ』(1877年)、ヴァイオリン協奏曲第3番(1880年)、交響曲第3番『オルガン付き』(1886年)、『動物の謝肉祭』(1886年)などが挙げられる。 サン=サーンスはわずか10歳でコンサート・デビューを果たすなど、類い稀なる才能を持って生まれた。パリ音楽院で学んだ後、一般的な教会オルガニストとしてのキャリアをスタートし、はじめはパリのサン=メリ教会(英語版)、1858年からはフランス第二帝政下の公的な教会であったマドレーヌ寺院に勤めた。20年を経てオルガニストの職を退いた後は、フリーランスのピアニスト、指揮者として成功を収め、ヨーロッパと南北アメリカで人気を博した。 若い頃のサン=サーンスは当時最先端の音楽であったシューマン、リスト、ワーグナーに熱狂したが、彼自身の楽曲は概して従来からの古典的な伝統の範囲に留まっている。音楽史を専門とする学者でもあった彼は、過去のフランスの作曲家が作り出した構造に傾倒し続けた。これにより晩年には印象主義音楽や音列主義音楽の作曲家たちとの間に軋轢を生むことになる。その音楽はストラヴィンスキーや『6人組』の作品を予感させるような新古典主義的な要素を持っていながらも、サン=サーンスはその晩年にあっては保守的であったと看做されることが多い。 文章: ミレイユ (オペラ) 『ミレイユ』(フランス語: Mireille)は、フランスの作曲家シャルル・グノーが作曲した全5幕のオペラである。1864年 3月19日にパリのリリック座にて初演された。グノーのオペラとしては歴史的には『ファウスト』に次いで、2番目に成功したオペラである。また、『ロメオとジュリエット』に次ぐ3番目に人気のある作品とされるも、上演は多くない。 文章: 秘密の結婚 『秘密の結婚』は、ドメニコ・チマローザが作曲したオペラ。 原語題名:Il matrimonio segreto 台本:ジョヴァンニ・ベルターティ 初演:1792年2月7日、ウィーン・ブルク劇場 モーツァルトと並び称されるオペラ作曲家であるチマローザの代表作であり、モーツァルトの作品を除けば、18世紀のオペラ・ブッファとしては、上演され続けてきた数少ない作品のひとつである。 また19世紀フランスの文豪スタンダールがモーツァルトの『フィガロの結婚』や『ドン・ジョヴァンニ』とともに、その生涯で最も愛したオペラ・ブッファでもある。 文章: ロマン派音楽 歌劇においては、バロック・オペラや古典派のオペラで確立されたさまざまな形式が緩められ、うち壊され、互いに溶け合う傾向にあった。ギリシャ神話のようなヨーロッパにとって普遍的な題材よりも、各民族の神話や民話・伝説・歴史に題材が求められた。ワーグナーの楽劇においてこの傾向は頂点に達した。ワーグナーの作品では、アリアや合唱(重唱)・レチタティーヴォ、器楽曲を互いに切り離すことは出来ない。その代わりにあるのは連続した音楽の流れである。 別の変化も浮かび上がる。カストラートの衰退によってテノールを主役に配置することが定式となり、合唱はいっそう重要な役割を与えられた。また、のちには歴史的・神話的な題材よりも現実的な題材を好む傾向も生まれた。フランスでは、ビゼーの《カルメン》などが書かれ、イタリアでは1890年代になると「ヴェリズモ・オペラ」が創り出された。ツェムリンスキーやシュレーカーらが世紀末のウィーンで現実的な題材に挑み、とりわけコルンゴルトの《死の都》は第一次世界大戦後のドイツ語圏で人気があった。 特定の国と特別の関係で結ばれた音楽を作曲したような「国民楽派」の作曲家はたくさんいる。国民楽派は色々の道のりを経て現れてきた。たとえばミハイル・グリンカの歌劇がとりわけロシア的であるとすれば、ベドジフ・スメタナやアントニーン・ドヴォルジャークの歌劇はチェコの民族舞曲のリズムや民謡の主題を利用している。19世紀後半には、ジャン・シベリウスがフィンランドの叙事詩『カレワラ』に基づく楽曲を遺し、交響詩《フィンランディア》は、フィンランド民族主義の象徴的な楽曲となっている。 文章: 20世紀のクラシック音楽 フランスでは、絵画の分野で「印象主義」と呼ばれる美術運動が興隆しており、これに関心を示す作曲家もいた。クロード・ドビュッシーは、しばしば「印象主義(絵画)的」と呼ばれる作風の音楽を作曲した。彼はジャワ島の音楽に着想を得て、全音音階と五音音階を自身の音楽の要素に入れ込んだ。ドビュッシーの音楽は、交響詩「海」や牧神の午後への前奏曲など、曲全体の調性は明瞭であるものの、随所で調性が曖昧にぼかされるような手法を取っている。同じく代表的な印象派の作曲家で知られるモーリス・ラヴェルの音楽は、ドビュッシーに似たところもあるが、その独特な管弦楽法から、結果としてドビュッシーとは異なる様相を持った作品を生み出した。 上述のようなロマン主義への異議申し立てというムーヴメントと同時並行的に、基本的に19世紀に確立されたロマン主義(前期ロマン派)の様式で作曲する音楽家もいた。イギリスのエドワード・エルガーの音楽はよく、「エドワード国王時代風」と呼ばれる。その他の大英帝国の作曲家たちは、帝国内各地の民謡(フォークソング)に着想を得た音楽を多く作曲した。そのような作曲家としては、ヴォーン・ウィリアムス、バタワース、クィルター、フィンジがいる。フレデリック・ディーリアスは非常に印象主義的でありながら同時にロマン主義的でもある音楽を作曲した。ロシアのセルゲイ・ラフマニノフとドイツのリヒャルト・シュトラウスは、亡くなる1940年代までロマン主義楽派の様式を貫き通した。フィンランドのジャン・シベリウスとデンマークのカール・ニールセンは調性音楽の枠内で偉大な交響曲を作曲した。イタリアのプッチーニはロマン主義楽派の様式で、「ヴェリズモ・オペラ」と呼ばれる写実主義的なオペラを作曲した。 この時代、伝統的な作曲技法を守りながら、斬新な方法で、楽曲の中で調性を取り扱う作曲家も少なからずいた。そのような作曲家としては、イギリスでは、ベンジャミン・ブリテン、マイケル・ティペット、ウィリアム・ウォルトンがおり、アメリカではサミュエル・バーバー、ロイ・ハリス、アラン・ホヴァネスがいる。ドイツのパウル・ヒンデミットはロマン主義楽派の美学上の思考様式からの脱却を目指し、「新即物主義」を提唱した。 文章: ジャコモ・マイアベーア マイアベーアは短期間ではあるがイタリア・オペラで成功を収めた一人である。サリエリの勧めで1816年にイタリアへ赴き ヴェネツィアでジョアキーノ・ロッシーニの歌劇『タンクレーディ』を聴いて感動し歌劇作曲家への志を新たにした。パドヴァで『ロミルダとコンスタンツァ(フランス語版)』(1817年)で最初の成功を収めた。その後1819年にはトリノで『見出されたセミラーミデ(英語版)』、ヴェネツィアでの次作『レスブルゴのエンマ(英語版、フランス語版)』の成功によってミラノ・スカラ座に作品を求められ『アンジュのマルゲリータ(フランス語版、英語版)』(1820年)を上演、さらに『グラナダからの亡命者(英語版)』(1822年)によって名声を高めた。1824年にヴェネツィアで『エジプトの十字軍』を初演し、これが圧倒的な成功となってパリ進出を決意した。 ルイ16世により、ユダヤ人に完全な市民権が与えられていたため、ユダヤ人にとって当時のフランスでは活躍し易い環境が整っていた。また、著作権についても他国より進んでおり、作曲家の法的立場も保護されていたうえ、パリでは作曲の報酬も高額だった。さらに、フランスの楽器産業が主に1830年代以降長足の進歩を遂げたことが、特に管楽器の分野で、オペラのオーケストラに、それまで使わなかった楽器を取り入れたり、楽器の新しいテクニックを開発すことにつながった。また、パリにはイタリア・オペラ専門の歌劇場であるイタリア座(英語版、フランス語版)があり、イタリア人の作曲家には進出しやすい状況となっていた。マイアベーアも1825年に『エジプトの十字軍』のパリ公演で名声を博し、1826年からパリに定住し、『悪魔のロベール』(1831年)や『ユグノー教徒』(1836年)、『預言者』(1849年)などの歌劇を発表し、国際的名声を確立し、グランド・オペラの黄金時代を築き上げた。1842年からベルリン宮廷歌劇場の音楽監督に就任。これ以降パリとベルリンを頻繁に行き来することになる。1864年、パリで没した。 マイアベーアはスクリーブと組んで成功したオベール、ジャック・アレヴィと比較して最も劇場的センスを持っていた作曲家で、台本、音楽、演出、舞台、 衣装、合唱、バレエなどあらゆることに目を配り、監督した。また、マイアベーアはドイツ、イタリア、フランスの各オペラ様式を身に付けた作曲家だった。 マイアベーアは18世紀までは資金提供してくれる王侯貴族がオペラの聴衆であったが、19世紀のフランスにおいては新興市民層が主たる聴衆となっており、オペラの産業化を良く理解していた。他の作曲家がこのことを知らなかったわけではないが、銀行家の息子だけあって、オペラの上演自体は事業であり、そのために必要な聴衆の趣向の把握やオペラ座の管理者たちとの連携、宣伝、ジャーナリストへの対応、収益管理などを手際よくこなした。こういった事業運営という領域は作曲家(例えばベルリオーズなど)が得意とするものではないことが多い。ベルリオーズはマイアベーアの作曲技術を高く評価し、自著『現代楽器法および管弦楽法大概論(フランス語版)』の中にマイアベーアの譜例を多く引用しているが、「マイアベーアは才能を持って生まれるという幸運に恵まれただけでなく、幸福をつかむ才能もあった」と語っている。 文章: バロック音楽 ドイツでは、中期バロック期に作られたドイツ風の音楽に加えて、イタリアやフランスの新しい音楽の潮流がどん欲に取り入れられ、「趣味の融合」が本格的に行われていく事になる。そのような潮流を代表しているのがゲオルク・フィリップ・テレマン(1681年 - 1767年)である。彼はこの時期のドイツにおいて最も評価の高かった作曲家であり、多作な事でも知られる。テレマンは、イタリア、フランスの最新の様式を取り入れ、音楽監督を務めたハンブルクで上演されるオペラを作曲したほか、器楽の分野ではトリオソナタ、協奏曲、フランス風管弦楽組曲など幅広い種類の音楽を作曲し、教会カンタータやオラトリオも多数残している。ヨハン・アドルフ・ハッセ(1699年-1783年)は、18世紀中頃において最も人気があり成功したオペラ作家の一人で、ヨーロッパ各地で120曲以上のオペラを作曲し、詩人ピエトロ・メタスタージオ(1698年-1782年)と共にオペラ・セリアの確立に寄与した。ドイツ人のオペラ作曲家としては、フリードリヒ大王の宮廷楽長を務めていたカール・ハインリヒ・グラウン(1704年 - 1759年)も重要な存在である。バロック期を通じてヨーロッパで人気の有ったリュートは、この時期他国では急速に需要が衰えたが、ドイツではシルヴィウス・レオポルト・ヴァイス(1687年 - 1750年)が、楽器開発・作曲技法の両面でバロックリュートを完成させ、有終の美を飾った。ヨハン・ゼバスティアン・バッハ(1685年 - 1750年)は、当時傑出したオルガニストとして知られ、オルガンやチェンバロのための作品の他、多数の教会カンタータ、室内楽等を残したもののオペラは全く作曲しなかった。彼もまたテレマンと同様、当時のヨーロッパで流行していた様式に則った音楽を作ったが、その対位法への傾倒は同時代人からは反時代的なものとして評価されていた。19世紀におけるバッハの再評価以来、バッハはバロック時代を代表する音楽家と考えられてきたが、それまでのバロック音楽をバッハ中心の視点で捉えることは必ずしも適切とはいえない。 イギリスでは植民地経営によって経済的に潤うと多くの富裕市民があらわれ、18世紀には市民の間でオペラの人気が非常に高まった。ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデル(1685年 - 1759年)はイギリスで活躍したドイツ生まれの作曲家である。ヘンデルが活躍したのは主にオペラやオラトリオの分野であり、これらはつねに当時流行のスタイルで書かれていた。オペラ作品は概してイタリアオペラの書法に則ってはいたが、序曲や舞曲に関してはフランス風の音楽の影響も見られる。美しく、わかりやすいメロディーでロンドン市民に大いに親しまれたが、パーセルに見られたようなイギリス独特の要素はほとんど見られなかった。 また、これらの諸国以外にも、チェコのボフスラフ・チェルノホルスキー(1684年 - 1742年)やオランダのウィレム・デ・フェッシュ(1687年 - 1761年)、スウェーデンのユーハン・ヘルミク・ルーマン(1694年 - 1758年)のように、ヨーロッパ周辺の諸国にも個性的な活動を繰り広げた後期バロックの音楽家たちがいる。