クエリ: 音の出る映画のことを、音の無い「サイレント」に対して何という?
文章: サイレント映画 日本では、1930年代前半(昭和初期)にトーキーに移行し始めたが、剣戟映画を中心に1938年(昭和13年)まではサウンド版を含めたサイレント映画が製作・公開されていた。
文章: 密閉型 具体的にはスピーカーユニットを開口の無い密閉された箱に取り付けたものである。 スピーカーの振動板が振動するとき、その前面と背面から出た音は逆位相になっている。このため、もし振動板の背面から出た音が前面に回り込むと、打ち消し合ってしまって音は聞こえない。音が回り込む回折効果は低音になるほど大きいので、低音を発音するためには、振動板の背面から出る音を何らかの方法で遮断する必要がある。 これを単純な方法で解決したものが密閉型であり、スピーカーユニットの後方を箱で覆い密閉し、振動板の背面から出る音を封止する構造になっている。また、スピーカーユニットの背面から放射された中高域の反射音や定常波を防ぐ目的で、これらを吸収減衰させる吸音材が適量充填されるのが一般的である。 文章: サイレントe 英語では、母音字の文字の名前が長い母音である。(ただし、yの場合、iの文字と同じ発音をする byte"と"biteを比較のこと。) この用語法は、それらの母音の歴史的な発音と発展を反映しているのだが、現代での音価として考えれば、もはや正確ではないかもしれない。a, e, i, o, uの英語の文字の音価は、かつては、 スペイン語、フランス語、イタリア語と同様であって、すなわち [a], [e], [i], [o], [u]であった。初期近代英語(Early Modern English)へとつながる大母音推移(Great Vowel Shift)が、 文字の上では関連性を持つ「短い母音」と著しく異なる「長い母音」の音価を現代英語に与えたのである。英語は、中英語の時代にまでさかのぼる文学的伝統を持っているので、書かれた英語は、長い母音の連鎖推移によって上書きされた区別を示すための中英語の書き言葉の因習を使い続けることになる。しかしながら、サイレントeの前のuの発音は、主としてフランス語やラテン語からの借用語に見い出されるが、大母音推移の結果ではなく、違った一連の変化によるものである。 語末のeがサイレント"ではない"とき、さまざまな方法で英語の綴り字に示される。[i]の音を示すときは通常、文字の二重化を通じてなされる(employee, with employe as an obsolete spelling, refugee). サイレントでないeは、また、グレイヴ・アクセント (learnd) や トレマ (learnd, Bront)などのダイアクリティカルマーク(発音区別符号)(diacritical mark)によって示される。 ほかのダイアクリティカルマークは、借用語で保存されたり(rsum, caf, blas)、あるいはこのパターンに基づいて異国風味のために使われたりすることもあるが(en:hyperforeignism)(mat)、これらの綴り字記号は頻繁に省略される。ほかの単語は、e がサイレントではないことを示すしるしを持たない (pace, Latin loan meaning "with due respect to")。 文章: 映画 映画とは、長いフィルムに高速度で連続撮影した静止画像(写真)を映写機で映写幕(スクリーン)に連続投影することで、形や動きを再現するもの。活動写真、キネマ、シネマとも。 なお、本来の語義からははずれるものの、フィルムではなくビデオテープなどに磁気記録撮影されたものや映画館で上映される動画作品全般についても、慣例的に「映画」と呼ばれている。 映画館が普及して以降、一般的に映画というと専用施設(映画館等)の中でスクリーンに投影して公開する作品を指すことが多い。20世紀に大きな発展を遂げた表現手段であり、映画は今や芸術と呼ぶべき水準に達している。また、古くからの芸術である絵画、彫刻、音楽、文学、舞踊、建築、演劇に比肩する新たな芸術として「第八芸術」ないし、舞踊と演劇を区別せずに「第七芸術」とも呼ばれる。また、映像やストーリー、音楽など様々な芸術の分野を織り交ぜてひとつの作品を創造することから「総合芸術」の一種としても扱われる。 文章: B級映画 ところで日本映画では、歴史的にB級映画という言葉は使われず、その概念もなかったと言われるが、戦前における新興キネマや大都映画などは当時でもB級の三流映画と言われていた。ただもともと会社が小さくて、低予算で早撮りで製作するしかない状況の中での映画作りであり、アメリカのように同じ会社でA級とB級とに区別するようなものでは無かった。しかし、戦後になってアメリカと同じように区別された映画がかつて存在した。それは全くアメリカと同じように二本立て興行の実施に際して生まれた映画である。1952年まで日本映画の興行は一本立てで、二本立てを行う映画会社は無かった。しかし興行する映画館では戦後の復興が進んで、映画館も活況を呈してきた頃から、二本立てを望む声は多かった。いわゆる一番館では出来なくても二番館から下の館では、違う映画会社の作品を組み合わせて二本立てで興行を行う映画館も出てきていた。 文章: 狼の唄 『狼の唄』(おおかみのうた、Wolf Song)は、ヴィクター・フレミング監督、 ゲイリー・クーパーとルーペ・ヴェレスの主演により、アメリカ合衆国で1929年に制作されたサイレントの西部劇恋愛映画。 ハーヴェイ・ファーガソン(英語版)による小説が原作となっている。 この映画はサイレント映画としても上映されたが、ヴァイタフォン方式による音声も用意され、映画に合わせて演奏されることが意図されたスコア(総譜)や効果音も盛り込まれ、さらに画面に合わせた歌の場面もあった。プレコード期(英語版)の映画作品であり、ゲイリー・クーパーが全裸同然で川で髭を剃り、洗い物をする場面がある 文章: サイレンス (2016年の映画) マディーが置かれている世界を再現するために、環境音が多用されることになった。特に超音波発生装置によって生成された音が使われている。フラナガンは単に音がないシーンに満足できなかった。無音状態では観客は映画に集中できないだろうという確信があったからである。フラナガンが音にこだわった結果、シーゲルは自分の呼吸音を採録することとなった。 文章: 映画 テレビ番組を充実させるためにテレビ局が行った策であり、1960年代のアメリカのテレビ番組の中では一種の「主力の番組」として内容としては西部劇や「ホームドラマ」の映画が多く製作された。1970年代後半~1980年代以降に、ベータマックスやVHSなどといった規格の比較的安価な家庭用のビデオ装置が先進国の家庭から次第に普及してゆくと、やがてビデオ装置を所有している比較的裕福な家庭をターゲットに、数千円~1万円超という価格設定で映画作品がビデオテープの形でも販売されるようになった。これによって映画(制作)会社が収益を得る方法が増えた(映画館にフィルムを貸す、テレビ局から権利料を得る、以外の選択肢が生まれた)。 文章: ブレインストーム (映画) 当初はトランブルが提唱している「ショースキャン(動体解像度を飛躍的に高め、現実と人工映像との差を無くすために大画面フィルムを60コマ/秒で駆動する)」をブレインストーム装着時のイメージとして用いる予定であったが、通常の24コマ/秒とショースキャンの60コマ/秒を切り替えて上映する困難さからスクリーンサイズを通常シーンを35mmビスタサイズ、ブレインストーム装着時には65mmと使い分ける事で解決した。バーチャル・リアリティやインターネットを予想し映像化した内容であったが興行的には苦戦し、上記通り制作費に対し収益が半分程度しか上がらず、劇場用映画としてはトランブル最後の監督作になっただけでなく、視覚効果スタジオEEGも退く事になった。 文章: スローシネマ フランスの映画批評家ミシェル・シマンは、「スローネスの映画」という用語を2003年に使用した。この言葉を初期に使った批評家の1人であるシマンは、タル・ベーラ、蔡明亮、アッバス・キアロスタミといった映画監督の名を挙げ、彼らの作品をもとにこの現象を語ることができると述べた。2008年のマシュー・フラナガンの記事によって、この概念の理論的土台はさらに発展を遂げた。 記事の主だった内容としては、スローシネマは極端な長回しの使用を基礎的な要素として成り立っており、長回しを用いることで、物語の重要性には力点が置かれず、静寂や日常性が強調されるのだという。フラナガンはスローシネマにおける物語性を排除する傾向について、1950~60年代のヨーロッパのモダニズム映画に端緒を持ち、それをさらに発展させたものだとした。 文章: 環境音楽 環境音楽(かんきょうおんがく、英: ambient music)、アンビエント・ミュージックは、伝統的な音楽の構成やリズムよりも音色や雰囲気を重視した音楽のジャンルである。正味の構成、ビート、構造化されたメロディを持たないこともある。受動的、能動的なリスニングを可能にする音のテクスチャーの層を使用し、穏やかさや瞑想の感覚を促す 。このジャンルは、「雰囲気」、「視覚的」、「控えめ」な品質を呼び起こすと言われている。自然のサウンドスケープが含まれることもあり、ピアノ、弦楽器、フルートなどのアコースティック楽器の音がシンセサイザーでエミュレートされることもある。このジャンルは、シンセサイザーなどの新しい楽器が広く市場に導入された1960年代から1970年代にかけて生まれた。 文章: サウンド・オブ・サイレンス (映画) 『サウンド・オブ・サイレンス』(原題: Don't Say A Word)は、アンドリュー・クラヴァンの小説『秘密の友人』を原作とする2001年のアメリカ映画。 文章: スチル写真 スチルは、動きのあるいわゆる映画などを指すシネ(cine)、シネマ(cinema)、ムービー(movie)に対する語で、動きのない写真のことである。通常、ある一瞬を1枚の画像に撮影したものであるが、長時間露出や、連続写真(ストロボスコープによるもののような)もスチルである。一般に単に「写真」と言えばスチルのことを指しているのがもっぱらではあるが、後述の映画制作上の用語であるとか、「電子スチルビデオカメラ」といった用例はある。 機材の話題で、シネ用とスチル用という分類があるものがある。代表的なものは三脚であろうか。シネ用であればスムーズにパン操作ができることはほぼ必須であるが、スチル用であればそれは求められない。あるいは、シネ用雲台は縦画面に切り換えられる必要がない(いわゆる2way)のに対し、スチル用雲台なら縦画面・横画面を切り換えられる(3way)機能を持つ。 英語での発音は [stl] であり、自然な音訳はスティルまたはスチルとなる。しかし、スチールと音訳することもあり、以下の国語辞典はスチールを項目としている。 文章: 現代音楽 映画音楽が折衷主義的な立ち位置を得た最大の要因は、亡命したエーリヒ・ヴォルフガング・コルンゴルトがハリウッドで後期ロマン派の様式による音楽を書き続けたことが非常に大きい。よって彼がこのような仕事をもし引き受けていなかったら、映画音楽はマニエリスムの音楽の巣窟にはならなかったという可能性は大いに考えられる。またカリフォルニアで教鞭をとったアルノルト・シェーンベルクのレッスンを受けた者の多くが、ハリウッドで映画音楽の製作に関わっているのではないかという説があるのは興味深い。原則的に未聴感ではなく既聴感に訴えかける産業がこのような経緯で成立している。無論映画には「映像」という、人が生きる上で必要不可欠とされる視覚効果で多くの表現が可能であるから、映画音楽には商業化を重視しなくても気軽にクラシック音楽や大衆音楽の要素を部分的に使えて、自由な発想と既存の組み合わせによるマニエリスムの音楽として成立しやすい。その要素が映画作品においては作為的な映画音楽がどこかで聴いたことがあるというような既聴感に通じる感覚にも関わっている。 ミュジーク・コンクレートにおけるサンプリング手法はその後、電子的なサンプラーにより、一般的なポップミュージックにも応用されるようになった。これは具体音の録音を音楽の一部として認識するという意味において特筆すべき事項である。音を録音してさらにそれを電子的な技術により変調させたものを使うという発想が一般に定着したのは、ミュジーク・コンクレートの功績が大きい。 ただしクラシック音楽の歴史において具体音を効果として盛り込む試みはすでに多く見られる。例えばレオポルト・モーツァルトの『おもちゃの交響曲』での鳥笛など音の出るおもちゃ、ヨーゼフ・シュトラウスの『鍛冶屋のポルカ』での鉄のレールをハンマーで叩く音、マーラーの交響曲で使われる木づちや鎖など特殊な打楽器などである。セミクラシックと呼ばれるルロイ・アンダーソンの『タイプライター』では、題名どおりそのものを打楽器として用いている。 文章: サウンド・オブ・ミュージック (映画) 『サウンド・オブ・ミュージック』(英: The Sound of Music、「音楽の調べ」の意)は、1965年に公開されたロバート・ワイズ監督、ジュリー・アンドリュース主演のミュージカル映画。20世紀フォックス配給。 文章: コーダ あいのうた センシティビティ・リーダーでヤングアダルト作家のジェナ・ビーコムは映画の多くが「誤って伝えていること、特に聴覚障害者が2021年に繁栄するための技量と能力」を発見し、「聴覚障害者の表現の向上に貢献するという意味でこの映画の存在に興奮し、可能ならば更に良い表現のための機会が増えて欲しい」と述べつつ、「映画が聴覚障害者とコーダの経験をいかに否定的に描写しているかに非常に不安を感じた」と評した。自身も歌手の親であるビーコムは「耳が聞こえないということは音楽を楽しめない、あるいは他の人の楽しみを理解できないということだ」というこの映画の前提に根拠がない事を指摘した。ノヴィッチもまた「彼女はどんな勉強でもしていた可能性があり、実は第一世代大学生の物語は音楽がなくても説得力があったと思っている。(中略)私はこれが面白い物語になるために音楽の要素が必要だったとは思わない」と述べた。