クエリ: 19世紀のフランスで活躍した曲芸師にちなんで名づけられた、新体操の選手やバレエダンサーが着る体にフィットした衣装は何?
文章: レオタード 男性用では器械体操用が「ジムシャツ」と呼ばれるなど、名称が異なる場合がある。女性スポーツ選手に対するセクシャルハラスメント(セクハラ)対策の観点から、全身を覆う形状のボディスーツを着用する例もある。2021年に開催された4月のヨーロッパ体操競技選手権、そして東京五輪において、ドイツの女性選手がレオタードではなくボディスーツ(ユニタード)を着用し話題となった。国際的な体操競技においてボディスーツの着用はルール上認められていたが、これまで宗教上の理由以外でボディスーツを着用した例はほとんどなかった。
文章: パフォーマンスアート パフォーマンス・アートはしばしばヌードで演じられる場合もあり、1960年代後半から1970年代前半にかけては、ウーマン・リブ運動と結びついている場合もあった。また中には自分の身体に加虐的暴力を加える者(クリス・バーデン(英語版)、マリーナ・アブラモヴィッチなど)、ギャラリーの床下で自慰行為を行ったコンセプチュアル・アートに近い者(ヴィト・アコンチ)もいる。 文章: ルイ・ド・フュネス コレット・ブロッセによれば、ルイ・ド・フュネスは音楽と舞踊を肌の内に持っていたという。彼の振り付けへの適応力は驚くべきものであった。『Ah ! les belles bacchantes(ああ!美しいバッカス)』、『パリ大混戦 Le Grand Restaurant(大レストラン)』、『L'Homme orchestre(オーケストラの男)』、『ニューヨーク←→パリ大冒険 Les Aventures de Rabbi Jacob (ラビ・ヤコブの冒険)』で彼の素晴らしい踊りを見ることができる。完璧主義者であった彼は、ハシディズムのダンスについてもこう語っている。 「ユダヤ人ダンサーたちと同じくらい完璧に踊らないといけない。喜劇の効果は下手くそな踊りでは生み出されず、むしろその反対だ!」 ルイ・ド・フュネス さらにまた彼のピアニストの才能も幾つかの映画の中で見ることができる。モーリス・レガメイの『Comme un cheveu sur la soupe (スープに浮かぶ髪の毛のように)』、ピエール・モンタゼルの『Je n’aime que toi (君しか愛さない)』、アウグスト・ジェニーナの『サラサラと鳴る Frou-Frou』、そしてまたジャン・ルビニャックの『Ah ! les belles bacchantes(ああ!美しいバッカス)』(フランシス・ブランシュの歌と共演)である。激しい仕事人であった彼は、プロの芸術家に敬意を表して、余暇にピアノを弾くことはむしろ避けていた。 文章: 小池沙織 小池 沙織は、山梨県甲州市出身の元ロシア国立クレムリン・バレエ所属のバレエプリンシパルダンサー。現在は国内で後輩の育成につとめている。バレエダンサー育成の他にも、新体操選手や大人バレエ、バレエリトミックなどの指導にもあたっている。 文章: ボディス 中世の初期から近世の初めに至るまで、ヨーロッパの女性はワンピース型の衣装を身につけてきた。最初は、縫製技術の限界もあり、全体にたっぷりとしたゆるやかなものだったが、イタリアでは騎士が着た体にぴったりした衣装の影響から、女性にもいちはやく体にぴったりしたドレスが流行した。このようなタイトなドレスはコタルディと呼ばれたが、上半身は体の線をはっきりと出すもので下半身はマチを入れてスカートを大きく広げていた。西ヨーロッパにもイタリアの流行が持ち込まれ、体にぴったりしたドレスが身につけられるようになった。 15世紀の後半、貴族女性に毛皮をぴったりとした袖なしで腰丈の上着に仕立てた部屋着が流行する。この毛皮のベストがボディスの原型である。 16世紀には衣装の上半身が袖なしの胴衣、すなわちボディスとして独立し、スカートをボディスの内側の留め具から吊るして身につけるようになった。袖はボディスと別に仕立ててあって、後から紐などで装着するようになっていた。このころのボディスは最初、前が閉じていたが、前部にV字の深い切れ込みが入るようになり、胸から下の開きを覆うピエース・デストマという布が内側から取り付けられるようになった。 文章: SU-EN SU-EN(スーエン、スエン、Su-En、Su-en) 本名:スザンナ・オーケルンド(英: Susanna Akerlund、典: Susanna kerlund)は、スウェーデンの振付師(コレオグラファー)、舞踏家、ダンサー。スウェーデンにてスーエン舞踏カンパニー(英: SU-EN Butoh Company)を主宰 文章: ジョージ・バランシン バランシンは生涯で400以上の作品を振り付けたが、その多くは、物語のない「プロットレス・バレエ」である。19世紀に確立されたクラシック・バレエが物語を伴っていたのに対し、バランシンは、クラシック・バレエの舞踊技術を継承しつつも独自に発展させ、ダンサーの身体の動きによって音楽そのものを表現する、いわば「音楽の視覚化」を試みた。このようなバランシンの作品は、20世紀バレエにおける重要な変革であり、クラシック・バレエの純粋化を図ったという点で「新古典主義(ネオクラシック)」とも呼称される。 主な振付作品は以下の通りである。 文章: 新体道 しかし体験する感覚は個人によって大きく異なり、幻覚、幻聴など多種多様である。新体道の稽古は自然な状態を目指すためにこの運動を行い、ある程度自然になってから、他の稽古法により研究を深めていくという稽古の組み立てで団体稽古をすることが多い。養気体と開放体の中間にある体操。青木が50代になってから考え出した。南米で知り合った太極拳の達人との交流がヒントになり考案したという。人間の歩き方は日常生活では無駄な部分が多いため必要な動きだけに単純化したもの。初心のうちは大きく行う。 これ以外に人間の動きを単純化した稽古体系もあったが、現在は行われていない。互いに手を取って腰との連動を意識しながら行うことにより、体の末端部まで腰とつながり、相手の腰相手全体とも一体になれる。1998年国際学士院より、創始者・青木宏之が世界平和功労大騎士勲章を受章した際の記念パーティーにて公開。『荘子』の大妙思想より。 文章: フランスのレース 極細のアルジャンタンレース 160リーブル 本物のヴァランシエンヌ 190リーブル マリーヌ 95リーブル 女性用のアンガシャント(カフス)はフリルを付けられ、三重四重に重ねられていたため、一組のアンガシャントに4オーヌのヴァランシエンヌを使用すると、760リーブルのレースが必要であった。同時代のヴァランシエンヌ女工の平均年俸は156リーブルであった。 ルイ16世の初期には、服装は極端に大げさなものとなり、風刺家たちの笑いの的となったことの反動として、簡潔さへ向かった。男性は前世紀に比べるとレースを身に付けなくなった。ジャボ、クラヴァット、カフスの揃いが男性のおしゃれであった。18世紀前半にはほとんどがボビンレースで作られていたが、後半にはほとんどニードルレースだけとなった。1760年代の思想の変化やジャン=ジャック・ルソーの小説「エロイーズ」(1761年)やゲーテの「若きウェルテルの悩み」(1774年)によるロマンティックな風潮の始まりにより、男性が色々な分野、特に服飾において、女性と距離を置くようになった。18世紀末に向けて紳士服が「男らしい」ものとなる傾向を示し、19世紀始めに決定的なものとなった。女性も1764年のポンパドゥール夫人の死により、服飾流行に決定的な変化がもたらされた。時代は簡素化に向かい、女性は身持ちの悪い豪華な人形ではなく、清純と弱さのシンボルとなった。女性は白く軽い布地服を着るようになった。 文章: コタルディ 鎧下にギャンベゾンと呼ばれる刺子の衣服を身につけるのだが、プレートアーマーは体にぴったりとフィットしないと動きにくいため、緩やかな鎧下を着られなかった。必然的に、騎士たちは体にぴったりした衣装を身につけることとなった。 このギャンベゾンがコタルディの原型である。 プレートアーマーの一大産地ミラノを擁するイタリアでは、もともと温暖な気候から軽快な衣服が求められていたこともあり、瞬く間に、若者たちの間に体のラインがはっきりと出る短くて軽快な衣装が流行する。イタリアでタイトな衣装を仕立てることができたのには、東方世界からもたらされたボタンがいち早く知られていたという理由もある。ボタンの発祥の地は中国で、衽のない緩やかな前開きの衣装を着る中近東で広くつかわれ、イスラム教徒の商人たちによってヨーロッパにもたらされた。たくさんのボタンを使うことで、それまでの紐で縛ったりブローチで留めるヨーロッパの衣服には不可能だった、体にぴったりとした衣装を仕立てることができた。 文章: 新体操 新体操(しんたいそう、英語: rhythmic gymnastics)は、スポーツ、体操の一種である。リボンやボールなどの手具を使いながら音楽に合わせて、13メートル四方のフロアマットで演技をする芸術性を競う採点競技である。 新体操の新は後述の1963年に開催された世界新体操選手権の英語名がmodern gymnasticsであったため、 modernを新としている。その後、rhythmic sportive gymnastics(リズムスポーツ体操)など英語名称は変更されているが、日本語名称はそのままである。そのため、rhythmic gymnastics(リズム体操)に相当する訳では無い。 文章: スウェーデン王立バレエ 1773年に至るまで、スウェーデンでは演劇やオペラ、バレエといった舞台演劇はすべて外国の劇団による公演であった。最初のバレエ公演は1638年にクリスティーナ女王が雇い入れたアントワーヌ・デ・ボーリュー率いるフランスのバレエ団によって宮廷で行われ、同世紀中に行われた最初の一般向け公演もボルフセットの劇場で外国のバレエ団により行われた。唯一の例外は、1737年から1753年にかけてボルフセットでスウェーデンのプロ劇団が上演したものだけであった。このとき、この劇団のスウェーデン人ダンサーが初めてバレエを上演したとされ、その演目は1738年8月にオロフ・フォン・ダーリンによる『Den afvundsiuke("The Envious"、「嫉妬深さ」の意)』であったとされる。しかし、これを演じたスウェーデン人ダンサーについては名前が知られていない。おそらくジャン・マルカードに教えを受けた人物であること、ダンサーの一人はフランス人のガブリエル・セナクであったことのみ伝わっている。しかし、1753年にはスウェーデン人による上演は途絶えてしまう。 グスタフ3世は、舞台芸術において才能を持つ自国民を生み出し、教育を行うことを望んでいた。このために劇場、そしてバレエ団でまず外国の専門家による教育を受けた自国民の演者を第一世代として育成することとし、1773年に自国民による舞台を作り上げるためにフランスのバレエ団そのものは雇い止めしつつ、フランス人ダンサーの多くをそのまま雇い入れた。そして、フランス、イタリア、ベルギーなどからアントワーヌ・ブルノンヴィル(オーギュスト・ブルノンヴィルの父)、ルイ・ガロディエ、ジョヴァンナ・バッシ、ジュリー・アリックス・デ・ラ・フェイなどのダンサーを、公演のため、そしてスウェーデンのバレエ学生の教育のために雇い入れた。バレエ団の最初の学生のほとんどは、劇団やオペラの学生と同様に宮廷仕えの者達や音楽家らの子弟から採られた。1773年の舞台に上がったバレエ団には過去にプロとして踊った経験を持つスウェーデン人はほとんどいなかったが、そのうちの1人シャルロッテ・スロッツベリは現在名前が知られている最初のスウェーデン人ダンサーの1人である。18世紀におけるスウェーデン王立バレエの最大の成功は、1786年のガロディエによるオペラ『グスタフ・アドルフとエバ・ブラーエ(Gustav Adolf och Ebba Brahe)』のバレエ・シーンであると考えられている。また1789年のアントワーヌ・ブルノンヴィルによるバレエ『Fiskarna(うお座)』も大成功を収めた。 当初からバレエはオペラと密接に関連しており、バレエはオペラの公演の一部に過ぎなかった。また、ダンサーは王立演劇場でも活躍した。スウェーデン王立歌劇場は1806年から1812年にかけて閉鎖されたが、バレエ団は王立演劇場に移って公演を続けた。 文章: フィンランド国立バレエ団 フィンランドにおけるバレエの歴史は、デンマークやスウェーデンにくらべると比較的短い。デンマークとスウェーデンの両国では古くから王政が敷かれていたため、18世紀には国立バレエ団を創設し、19世紀には当時のバレエ先進国、フランスのロマンティック・バレエの影響を強く受けていたのに対して、フィンランドでは他国による支配が長期間続いたことで、バレエやオペラの庇護者となるべき宮廷文化の影は薄かった。 フィンランドでのバレエの始まりは1879年、ヘルシンキにアレグザンダー劇場が開設されたこととされる。この劇場でオペラやバレエを上演するためにダンサーたちが雇用され、そのうちソリストクラスのダンサーはロシアから招聘されていた。ロシアの支配下でフィンランドではジャン・シベリウスの交響詩『フィンランディア』(1899年)に代表される愛国主義もしくは民族主義的な芸術運動が高まりを見せていた。自国の文化的アイデンティティの確認と民族の伝統を称える思想の共有として、舞台芸術の果たす役割は大きいものがあった。 フィンランドは1917年にロシアからの独立を果たし、バレエ団の創設はその5年後にあたる1922年であった。創設に助力したのはエドヴァルド・ファツェルで、セルゲイ・ディアギレフに先駆けてロシアのバレエダンサーをヨーロッパ各国に紹介した実績を持つ人物であった。ファツェルは同時にロシア・バレエのフィンランドへの移入にも尽力し、バレエ・マスターとしてサンクトペテルブルクからジョージ・ゲー(ゲオルゲ・ゲー、fi:George G)を招聘した。 文章: イングリッシュ・ナショナル・バレエ団 イングリッシュ・ナショナル・バレエ団は、1950年にパートナーを組んでいたアリシア・マルコワとアントン・ドーリンによってガラ公演を行うバレエ団として設立された。その後、フェスティバル・バレエ団、ロンドン・フェスティバル・バレエ団と改称され、1989年6月に現在のイングリッシュ・ナショナル・バレエ団となった。 マルコワとドーリンは、20世紀で最も影響力のあったバレエ団の1つ、バレエ・リュスのスターであった。1929年、芸術監督であったセルゲイ・ディアギレフが亡くなるとバレエ・リュスは解散したが、所属ダンサーの一人であったニネット・ド・ヴァロアがロンドンに設立したヴィック・ウェルズ・バレエ団にマルコワとドーリンをプリンシパルとして招いた。1933年にはマルコワはプリマ・バレリーナに昇格した。1935年にマルコワとドーリンはヴィック・ウェルズ・バレエ団を離れてマルコワ・ドーリン・カンパニーとしてツアーを行った。マルコワとドーリンは、ツアーの成功を受けて、いままで観る機会がなかった観客にバレエを届けることを唯一の目的とするバレエ団を立ち上げることを決意した。 ロンドン・フェスティバル・バレエ団は、ポーランドの興行師ジュリアン・ブラウンスヴェクから金銭的な支援を受けて1950年に設立された。名称は翌年に開催を控えたフェスティバル・オブ・ブリテン(Festival of Britain)にちなむものであったが、後に数度の変遷を経てイングリッシュ・ナショナル・バレエ団となった。ドーリンは初代芸術監督に就任し、1951年には初の海外ツアーを行うなど、国内・海外の両方でツアーを行うカンパニーとした。設立間もないうちに、ドーリンは初めての観客がバレエに親しめるような教育プログラムも導入している。ドーリンは1962年に芸術監督を退任し、後任には1950年から1960年までプリンシパルを務めたジョン・ギルピンが就任した。ギルピンは団の規模や地位を高め、国内および海外ツアーを行って新世代のダンサーを世界に紹介したが、経営は厳しく何度も破産の危機に直面した。資金面を支えたブラウンスヴェクが1965年に去ったが、引き継いだドナルド・アルベリーがより堅実な演目構成としたことで経営が安定化した。1968年にはドナルド・アルベリーも去り、芸術監督はロイヤル・バレエ団の元ダンサー、ベリル・グレイに交代した。グレイはカンパニーの技術面の底上げに取り組み、広くツアーを行うとともに著名なスターダンサーや振付家を招いた。その中には、レオニード・マシーンや、1975年にエヴァ・エフドキモワをオーロラ姫に抜擢して『眠れる森の美女』の改訂振付を行ったルドルフ・ヌレエフが含まれる。1979年には、ジョン・フィールドが芸術監督に就任した。 文章: ジョージ・バランシン ジョージ・バランシンは、ロシア出身のバレエダンサー・振付家である。本名はギオルギ・バランチヴァーゼ。 サンクトペテルブルクの帝室劇場でダンサーをしていたが、十月革命後の混乱の中でソ連から亡命。バレエ・リュスの振付家として活動した後、渡米してニューヨーク・シティ・バレエ団を設立した。バランシンは、19世紀に確立されたクラシック・バレエから物語性を排し、純粋な身体の動きを追求した作品を生み出したことにより、20世紀のバレエに多大な影響を与えた。 文章: 背広 背広は、ポストモダンが提唱される現代からすれば、過去のモダニズムに基づき、かつ生き続けている。新古典主義による自然そのものの人体をなぞるようにフィットした形状、体を束縛せず動きに追随する合理性、レースやフリルなどの表面上の装飾を廃して毛織物そのものの重厚さとパターンや仕立ての妙を重視すること、抑制された色調と形状の制限によるダンディズムやジェントルマンの表現、首筋を締めた薄い色調のシャツと濃い色調の上着の開いた胸元のくつろぎ感のバランス、鮮やかな色彩を添えかつ男性器を暗示するネクタイ、などである。 モダニズムに代表される西洋の価値観が世界的に広まり、今日各国の首脳が集まる国際会議などでは、背広を着た人が大多数を占め、伝統的な民族衣装などを着る人は少ない。 世界的に普及することで、地域独特の文化をも生み出してもいる。一つは長くフランスやベルギーなどの植民地となりまた戦争を経験している、コンゴ民主共和国やコンゴ共和国などにおけるサプールと呼ばれる人たちである。多くは豊かではない労働者で日常は作業着などで仕事をしているが、水道が普及していない環境でも体や服の清潔を保ち、収入の多くを高価な背広に費やし、ハレの日などには濃い肌や髪や瞳の色と互いに引き立て合う鮮やかな色調の着こなしで現れ、平和と自由を尊重して人生を楽しみ、尊敬される人たちである。