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¿Cuál es el papel de la escenografía en la danza clásica? Discuta la historia y los actores principales.<end_of_turn>
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Wenn die choreografische Show weiterhin Teil eines theatralischen Rahmens ist, führt dies dazu, dass die Schöpfer über die Funktion von Bühnenbildern und Kostümen nachdenken und diese neu definieren.
Architektonische Geräte, überlagerte Flächen, Gebrauchsgegenstände oder auf die Bühne projizierte Filmbilder werden zunehmend in den choreografischen Ausdruck integriert. Sie beteiligen sich daran durch die Art und Weise, wie die Tänzer sich diese Elemente aneignen oder vermeiden, sie manipulieren und sogar mit ihnen spielen. Indem es Räume und Volumen formt, die Bühne frei macht und ein transparentes Universum schafft, in dem sich die Choreografie frei entfalten kann, wird Licht zu einem der wesentlichen Bestandteile der Show. Es gibt viele Lichtdesigner – von Jean Rosenthal (1912-1969) für Balanchine, Graham und Robbins bis hin zu Françoise Michel (geb. 1955) für Duboc, Larrieu und Tompkins – die zur Gestaltung der zeitgenössischen choreografischen Szene beitragen.
Die Herrschaft der Maler-Dekorateure geht, wie auch die von Diaghilev in der Blütezeit der Ballets Russes ins Leben gerufenen Kooperationen, an Fahrt, häufig aus Mangel an finanziellen Mitteln – auch wenn sie in Frankreich noch eine Fortsetzung findet 1968 bis 1978 des Ballet Théâtre Contemporain. So wie Martha Graham es weiterhin mit Isamu Noguchi macht, arbeiten bestimmte Choreografen eng mit einem bildenden Künstler zusammen (Cunningham/Robert Rauschenberg, Bausch/Rolf Borzík, Saporta/Jean Bauer, Nadj/Goury, Decouflé/Philippe Guillotel) und entwickeln im Laufe der Zeit ihre Choreografen weiter Kreationen ein erkennbares Universum. Forsythe entwirft am häufigsten die Szenografie, Kostüme und Beleuchtung für seine Ballette; Nikolais seinerseits entwickelte Systeme, die in der Lage waren, die Bühne zu verwandeln, die Beleuchtung zu destillieren und die Körper mit Projektionen zu bekleiden.
Die 1960er und 1970er Jahre waren stark von der Vorherrschaft nicht-narrativer Arbeiten geprägt, in denen die Verherrlichung des Tanzes mit einer kahlen Bühne, Vorhängen und Beleuchtung als Dekoration befriedigt wurde. Balanchine bevorzugte schlichte Tuniken und Badeanzüge, die die Silhouette der Darsteller betonen, und verlieh dieser Ästhetik der Einfachheit seine Referenz, die den Blick auf die Choreografie lenken soll. Béjarts akademische Strumpfhosen sind die Quintessenz von Körper und Geist und werden mit einigen Accessoires und stilisierten Bühnengeräten kombiniert, symbolischen Referenzelementen, die ausreichen, um eine Atmosphäre zu schaffen. Im Gegensatz dazu favorisieren das Tanztheater und viele Choreographen des Neuen Französischen Tanzes seit den 1980er Jahren komplexe Szenografien; Sie zögern auch nicht, sich auf mehr oder weniger spielerische Weise wieder mit den Auswirkungen von Maschinen auseinanderzusetzen – Decouflé ist derjenige, der sie am häufigsten nutzt.<end_of_turn><eos>