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Comment composer de la musique électronique ?
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Même si les instruments électroniques ont été inventés dès la première moitié du XIXe siècle, ils n'ont pas été utilisés dans des compositions musicales avant l'invention du thérémine et du rythmicon par le scientifique soviétique Léon Thérémine. Avec le progrès technologique, les synthétiseurs, autrefois confinés aux studios d'enregistrement, sont devenus accessibles à tous, que ce soit pour les artistes en solo ou les groupes. Le processus permettant d'enregistrer et d'arranger de la musique électronique a aussi été démocratisé à un point où il est aujourd'hui possible de le faire depuis chez soi. Bien sûr, vous pouvez aussi toujours vous rendre dans un studio d'enregistrement.

1. Faites de la musique électronique à l'aide d'un synthétiseur.

Le terme « synthétiseur » est devenu un mot générique pour tous les instruments de musique électroniques, mais c'est en réalité le synthétiseur qui produit la musique : les rythmes, les notes, les percussions.

Les premiers synthétiseurs, comme le Moog Minimoog ne pouvait produire qu'une seule note à la fois (monophonique). Ces synthétiseurs ne pouvaient produire d'autres notes secondaires comme les autres instruments, même si certains d'entre eux pouvaient produire la même note, mais à des octaves différentes, si on appuyait sur deux touches en même temps. À partir du milieu des années 1970, les synthétiseurs capables de produire plusieurs notes à la fois (polyphoniques) ont été développés, ce qui permettait de faire des accords.
La plupart des premiers synthétiseurs étaient séparés des mécanismes qui contrôlaient le son qu'ils produisaient. De nos jours, la plupart des instruments électroniques et notamment ceux conçus pour le loisir sont livrés avec un synthétiseur intégré dans l'unité de contrôle.

2. Manipulez le synthétiseur à l'aide du système de contrôle des instruments.

Les premiers synthétiseurs pouvaient être maniés en allumant des interrupteurs, en tournant des boutons ou, dans le cas du thérémine, en positionnant ses mains au-dessus de l'instrument. Les premiers systèmes de contrôle modernes étaient plus adaptés aux besoins des musiciens et leur permettaient de contrôler la machine grâce à l'Interface Numérique pour Instrument de Musique(INIM). Certains des systèmes de contrôle sont décrits ci-dessus.

Le clavier. C'est le système de contrôle de synthétiseur le plus utilisé. Ces claviers peuvent imiter la taille d'un vrai clavier de piano (88 notes, 7 octaves) ou être aussi petits que des pianos de jouet (25 notes, 2 octaves). Les claviers conçus pour le loisir ont typiquement 49, 61 ou 76 notes (4,5 ou 6 octaves). Certains claviers imitent les vrais pianos avec des touches résistantes, alors que d'autres ont des touches à ressorts. D'autres encore se situent entre les deux. Beaucoup sont sensibles au toucher, ce qui signifie que l'intensité du son dépend de la pression exercée sur la touche.
Le système de contrôle à vent. Ce système de contrôle utilise un synthétiseur des vents qui imite le saxophone soprano, la clarinette, la flute à bec ou la trompette. Vous devez souffler dedans pour créer le son, qui peut être modifié à l'aide de votre pouce ou de votre mâchoire.
La guitare INIM. C'est un logiciel qui vous permet d'utiliser une guitare électrique ou acoustique pour contrôler un synthétiseur. Les guitares INIM fonctionnent grâce à la conversion des vibrations des cordes en données numériques. Il y a souvent un décalage entre le moment où la note est jouée et le moment ou le synthétiseur la joue, car la transformation en données numériques peut prendre du temps.
Le SynthAxe : le SynthAxe, qui n'est plus en fabrication, fonctionnait en divisant le manche de la guitare en 6 zones diagonales, avec les cordes comme capteurs. La courbure des cordes déterminait alors la note que devait produire le synthétiseur.
Le keytar. Cet instrument a la forme d'une guitare, mais au lieu des cordes, il présente un clavier de 3 octaves et des touches qui permettent de manipuler le son produit. Inspiré d'un instrument du XVIIIe siècle, l'orphica, le keytar permet au musicien de s'exprimer sur un clavier de piano tout en bénéficiant de la mobilité d'un guitariste.
La batterie électronique Développée dès 1971, la batterie électronique peut s'acheter en des kits similaires à ceux des batteries acoustiques. Les premières versions pouvaient jouer des rythmes enregistrés à l'avance, mais les versions plus modernes peuvent créer mathématiquement des percussions. Avec un casque, il est possible de jouer de la batterie électronique sans gêner personne.
La batterie à radio. Au départ, cet instrument avait été conçu pour être une « souris » tridimensionnelle. Il capte en 3D la position des bâtons du batteur et en déduit quels sons doivent être produits.
Le BodySynth. BodySynth était un système de contrôle portable qui utilisait la tension musculaire et le mouvement du corps pour contrôler du son et de la lumière. Il était destiné aux danseurs et aux artistes de scène, mais s'avérait souvent trop compliqué à contrôler. Des versions plus simples du BodySynth utilisent des gants ou des chaussures pour contrôler le synthétiseur.

3. Choisissez un système d'exploitation puissant que vous connaissez bien.

Alors que les instruments de musique electronique suffisent pour faire de la musique électronique, vous devez vous procurer un ordinateur pour pouvoir en produire.

Vous pouvez utiliser un ordinateur stationnaire ou un ordinateur portable. Si vous voulez produire votre musique depuis un endroit fixe, il est tout de même préférable d'utiliser un ordinateur stationnaire. Si vous voulez produire de la musique depuis différents endroits, par exemple en tournée, vous devriez plutôt choisir un ordinateur portable.
Utilisez le système d'exploitation qui vous est le plus familier, mais essayez d'en avoir la version la plus récente.
Votre système doit avoir assez de mémoire vive et un CPU assez puissant pour pouvoir créer de la musique. Si vous ne savez pas trop ce que tout cela veut dire, inspirez-vous des ordinateurs conçus pour jouer aux jeux vidéos ou pour produire de la musique pour avoir une idée de ce qu'il vous faut.

4. Branchez votre ordinateur à des équipements audios performants.

Vous pouvez très bien faire de la musique électronique avec la carte son qui était livrée avec votre ordinateur et des hautparleurs normaux. Cependant, si c'est dans vos moyens, vous devriez penser à vous procurer une ou plusieurs des améliorations suivantes.

Une carte son. Avoir une carte son conçue spécialement pour la musique électronique est recommandé si vous comptez faire beaucoup d'enregistrements.
Des moniteurs de studio. Ces moniteurs ne sont pas des écrans d'ordinateur, mais plutôt des enceintes conçues pour être utilisées dans le cadre d'un studio d'enregistrement (« Moniteur » est ici utilisé dans le sens où le hautparleur reproduit la source audio.). Vous trouverez des moniteurs de studio peu chers chez les marques M-Audio et KRK Systems. Si vous êtes prêt à mettre un peu plus d'argent, cherchez du côté des marques comme Focal, Genelec ou Mackie.
Un casque de studio d'enregistrement. En utilisant un casque plutôt que des hautparleurs pour écouter votre musique, vous pouvez mieux vous concentrer sur certaines composantes d'une musique, ce qui permet d'ajuster plus précisément les rythmes et les volumes. Beyerdynamic et Sennheiser produisent des casques de studio d'enregistrement.

5. Installez des logiciels de production musicale.

Vous devez avoir les logiciels suivants pour pouvoir faire de la musique électronique.

Une station audionumérique (SAN). Une SAN est ce qui vous permet de connecter tous vos autres logiciels les uns avec les autres pour faire de la musique. Sur son interface, vous trouverez habituellement les boutons de contrôle du mixeur, des pistes et du transport que l'on trouve aussi sur les stations analogues, ainsi qu'un système de visionnage. Parmi les stations les plus répandues, il y a l'Ableton Live, la Cakewalk, la Sonar, la Cubase, la FL Studio, la Logic Pro (ne marche que sur Mac OS), la Pro Tools, la Reaper et la Reason. Il existe également des logiciels gratuits comme Ardour ou Zynewave Podium.
Un logiciel d'édition audio. Un logiciel d'édition audio propose plus de possibilités qu'une station audionumérique. Vous pouvez notamment éditer des samples et convertir vos musiques au format mp3. Sound Forge Audio Studio est un logiciel d'édition abordable, mais il en existe aussi des gratuits, comme Audacity, disponibles en ligne.
Des instruments/synthétiseurs de studio virtuel (« VST », Virtual Studio Technology). Ce sont les mêmes instruments électroniques que ceux décrits dans la première partie de cet article, mais sous forme de logiciels. Vous pouvez les installer comme des plug-ins dans votre SAN. La plupart de ces plug-ins peuvent être téléchargés gratuitement en cherchant « free soft synths » (« logiciels de synthétiseurs gratuits ») ou « Free VSTI » (« VSTI gratuit »). Vous pouvez aussi en acheter chez des producteurs comme Artvera, HG Fortune, IK Multimedia, Native Instruments ou encore reFX.
Des effets VST. Ces plug-ins vous permettent de mettre des effets musicaux dans vos compositions, comme la réverbération, le delay, le phaser et bien d'autres. Ils sont produits par les mêmes compagnies que les autres logiciels VST. Certains sont payants, d'autres sont gratuits.
Des samples. Les samples sont des bouts de musique, de percussions ou de rythmes que vous pouvez utiliser pour améliorer vos compositions. Ils sont souvent vendus par dossiers avec un thème commun relatif à un genre de musique (blues, jazz, country, rap, rock...) et peuvent exister sous la forme de sons individuels ou de sons qui se répètent. Les dossiers que vous trouverez sur le marché sont souvent exempts de droits d'auteur. Ou plutôt, lorsque vous achetez le dossier, vous achetez aussi les droits. Certaines marques de logiciels audios vous donnent accès à des samples gratuits en ligne. En ligne, vous trouverez aussi d'autres sources de samples, certaines payantes, d'autres gratuites.

6. Pensez à vous procurer un système de contrôle INIM.

Même si vous pouvez composer de la musique directement sur votre ordinateur en utilisant le clavier et votre souris, il est tout de même plus agréable de composer sur de vrais instruments. Pour ce faire, vous devez connecter un système de contrôle INIM à votre système. Comme avec les instruments électroniques, c'est le piano qui est le plus souvent utilisé comme système de contrôle INIM, mais vous pouvez utiliser tous les instruments décrits dans la première partie de cet article.

7. Renseignez-vous sur la théorie de la musique.

Même si vous pouvez jouer des instruments électroniques ou composer de la musique directement sur votre ordinateur sans avoir fait du solfège, il vaut mieux quand même avoir quelques notions pour faire des arrangements plus harmonieux et repérer des erreurs dans vos compositions.
Vous trouverez sur wikiHow des articles qui peuvent étayer un peu votre théorie musicale.

8. Connaissez les capacités de vos instruments et de vos logiciels.

Même si vous avez eu le temps d'essayer l'instrument ou le logiciel, vous devriez commencer par jouer un peu avec avant de commencer des projets sérieux. Vous aurez une meilleure idée de ce dont est capable votre équipement et de nouvelles idées pourraient vous venir.

9. Familiarisez-vous avec les genres musicaux que vous voulez jouer.

Chaque genre musical a ses propres codes. La manière la plus simple d'apprendre ces codes est d'écouter beaucoup de chansons du genre qui vous intéresse et d'essayer de remarquer comment ces chansons sont construites.

Les percussions et les rythmes. Le rap et le hip-hop sont connus pour leurs rythmes entrainants et puissants, alors que le jazz est plus connu pour des rythmes plus subtils. La country, souvent, utilise des rythmes très discrets.
L'instrumentation. Le jazz est connu pour l'utilisation des instruments à vent(clarinette, saxophone) et des cuivres(trompette, trombone). Le heavy métal utilise des guitares électriques avec distorsion. La musique hawaïenne utilise des ukulélés ou des guitares acoustiques. La polka utilise des accordéons, etc. Ceci dit, il arrive fréquemment qu'un artiste réussisse à incorporer un instrument utilisé traditionnellement dans un certain genre de musique dans un autre genre de musique. C'est ce qu'a fait Bob Dylan en jouant du folk avec une guitare électrique au Newport Folk Festival de 1965&nbsp , ce qu'a fait Johnny Cash en commençant « Ring of Fire » par des trompettes de mariachi ou ce qu'a fait Ian Anderson en jouant de la flute avec son groupe de rock, Jethro Tull.
La structure des chansons : la plupart des chansons qui passent à la radio commencent par une introduction, suivie d'un couplet, suivi d'un refrain, puis un autre couplet, puis le refrain de nouveau, puis le pont (souvent une partie d'un couplet), encore le refrain, puis la fin (appelée parfois « outro »). En revanche, la plupart des chansons électroniques, jouées notamment en boite de nuit, commencent par une introduction, suivie d'une partie mélodieuse qui grossit au fur et à mesure de la chanson jusqu'à un moment où toutes les composantes de la chanson sont jouées en même temps.

10. Commencez par la partie rythmique.

Le rythme est l'épine dorsale de toute chanson. Utiliser vos samples de percussions pour créer votre rythme.

11. Ajoutez la basse.

Vous devez ensuite ajouter une basse à vos percussions, qu'elle vienne d'une guitare basse ou d'un autre instrument de musique grave. Assurez-vous d'avoir une partie rythmique cohérente (dans laquelle cohabitent bien vos percussions et votre basse) avant d'ajouter d'autres composantes à votre musique.

12. Ajoutez des rythmes, si vous voulez.

Certaines chansons ont plusieurs rythmes. Certaines sont basées sur plusieurs rythmes, avec des rythmes additionnels qui s'ajoutent aux moments-clés de la chanson pour capter l'attention de celui qui écoute. Assurez-vous que vos rythmes supplémentaires fonctionnent bien avec le rythme principal et produisent bien l'effet que vous souhaitez produire.

13. Ajoutez la mélodie et les harmonies.

C'est à ce moment-là que vous allez utiliser vos instruments VST. Vous pouvez utiliser les sons déjà enregistrés ou expérimenter avec les touches pour trouver les sons qu'il vous faut.

14. Mixez les sons pour obtenir les volumes désirés.

Vous voulez que les sons produits par les instruments pour faire le rythme et la mélodie marchent bien ensemble. Pour arriver à ce résultat, choisissez une composante de votre chanson comme référence. Ajustez les autres sons en fonction de cette référence, qui sera la plupart du temps votre percussion principale.

Parfois, vous avez besoin d'un son plus « gros » (plus riche) et non d'un son plus fort. Pour produire cet effet, vous pouvez utiliser plusieurs instruments ou plusieurs fois le même instrument sur une partie de la chanson. On utilise souvent la deuxième technique avec des enregistrements de chants, que ce soit ceux des chanteurs principaux ou ceux des chœurs. Enya utilise cette méthode pour créer l'effet que l'on entend dans ses albums.
Vous pouvez introduire un peu de variation en utilisant différents instruments sur différentes parties de la chanson, surtout si vous essayez de créer des émotions différentes à différents moments. Vous pouvez aussi essayer de faire des variations au niveau du registre, c'est-à-dire au niveau des hauteurs et des octaves, pour donner de la vivacité à votre composition.
Vous n'êtes pas obligé d'utiliser des artifices tout au long de votre chanson. Parfois, sur un couplet par exemple, vous pouvez laisser de côté les harmonies et garder que le rythme, la mélodie et le chant. Au début et à la fin des chansons, vous pouvez aussi utiliser que le chant.

15. Connaissez les attentes de vos auditeurs.

Si vous composez de la musique électronique pour d'autres personnes que vous-même, vous devez prendre leurs attentes en compte. Commencez par une jolie introduction pour les accrocher. Vous ne devez bien sûr pas faire tout ce qu'on attend de vous. Si vous n'aimez pas saturer votre refrain, ne le faites pas, même si on vous le demande.