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Considerato dai musicologi come uno dei più importanti rappresentanti della scuola musicale napoletana, fu il maggiore compositore d'opera italiano tra la fine del XVII e l'inizio del XVIII secolo.

Soprannominato dai suoi contemporanei "l'Orfeo italiano", divise la sua carriera tra Napoli e Roma, dove ricevette la sua formazione; proprio alla città papale è destinata una parte significativa della sua produzione. È spesso considerato il fondatore della scuola musicale napoletana, sebbene ne sia solo stato il rappresentante più illustre e più fruttuoso: il suo contributo, la sua originalità e la sua influenza furono essenziali, oltre che duraturi, sia in Italia che in Europa.

Particolarmente noto per le sue opere, portò ai suoi massimi sviluppi la tradizione drammatica italiana, iniziata da Monteverdi all'inizio del XVII secolo e proseguita da Cesti, Cavalli, Carissimi, Legrenzi e Stradella, progettando la forma definitiva dellaria con da capo, imitata in tutta Europa. Fu inoltre l'inventore dell'ouverture italiana in tre movimenti (che rivestì una fondamentale importanza nello sviluppo della sinfonia), della sonata in quattro parti (progenitrice del moderno quartetto d'archi), e della tecnica dello sviluppo motivico. Fu un modello di riferimento per il teatro musicale del suo tempo, come evocato dalla produzione italiana di Händel, il quale fu profondamente influenzato dalla sua musica teatrale. Eclettico, Scarlatti toccò anche tutti gli altri generi praticati nel suo tempo, dalla sonata al concerto grosso, dal mottetto alla messa, dall'oratorio alla cantata, genere quest'ultimo di cui fu maestro indiscusso.

Fu il padre del compositore Domenico Scarlatti, ricordato per il suo fondamentale apporto alla sonata per clavicembalo del XVIII secolo.

Biografia
Alessandro Scarlatti nacque a Palermo nel 1660.

Fu figlio di Pietro Scarlata (la forma "Scarlatti" sarà utilizzata solo dal 1672), tenore trapanese, ed Eleonora Amato, palermitana. Fu inoltre fratello maggiore del musicista Francesco Scarlatti e della cantante Anna Maria Scarlatti. La prima formazione musicale di Alessandro dovette avvenire in famiglia a Palermo.
Con la sorella Anna Maria si trasferì a Roma nel 1672. Non è noto con chi abbia studiato in questi primi anni in cui visse nella città. Non ci sono documenti né indizi che comprovino un supposto apprendistato con l'ormai anziano compositore Giacomo Carissimi morto nel 1674.

Il 12 aprile 1678, nella chiesa di S. Andrea della Fratte, si unì in matrimonio con Vittoria Ansalone. Dalla loro unione nacquero numerosi figli, tra i quali si ricordano i musicisti Domenico Scarlatti e Pietro Filippo Scarlatti.

Nel dicembre 1678 fu nominato maestro di cappella della Chiesa di S. Giacomo degli Incurabili (oggi S. Giacomo in Augusta). Un mese più tardi ottenne la sua prima importante commissione in veste di compositore. Il 27 gennaio 1679 l'arciconfraternita del SS. Crocifisso di S. Marcello gli commissionò un oratorio da eseguirsi nel terzo venerdì di quaresima:

Nel carnevale del 1679 guadagnò il primo successo come operista con Gli equivoci nel sembiante, dramma per musica, più volte ripreso in diverse città italiane (Bologna, 1679; Napoli, 1680 e 1681; Vienna, 1681, Ravenna, 1685 ecc.). Il felice esito dell'opera gli valse la protezione della regina Cristina di Svezia, che lo assunse al suo servizio come maestro di cappella. Grazie anche all'appoggio di Cristina e all'intraprendenza teatrale del celebre architetto Gian Lorenzo Bernini e dei figli, suoi primi impresari, il giovane Scarlatti poté avviare una brillante quanto rapida carriera che lo avrebbe imposto come il maggior operista nei principali teatri italiani del tempo. Al successo degli Equivoci nel sembiante seguirono L'honestà negli amori (1680) e Tutto il mal non vien per nuocere (1681), e poi Il Pompeo (1683) al teatro di palazzo Colonna e L'Arsate (1683) in palazzo Orsini.

Dal novembre 1682 fu organista e maestro di cappella della chiesa di S. Girolamo della Carità. Conservò quest'incarico fino ad ottobre 1683, quando lasciò Roma per trasferirsi a Napoli, probabilmente chiamato dal nuovo viceré marchese del Carpio, già ambasciatore spagnolo a Roma, insieme a una compagnia di cantanti e strumentisti, e allo scenografo Filippo Schor per mettere in scena alcune opere già rappresentate a Roma. Negli ultimi due mesi del 1683 vennero rappresentate nel palazzo reale di Napoli le sue opere L'Aldimiro e La Psiche, e nel carnevale 1684 Il Pompeo, già rappresentato l'anno precedente a Roma nel teatro di palazzo Colonna. A queste fece seguito la regolare produzione di una o due opere l'anno rappresentate nel teatro del Real palazzo. Nel febbraio 1684, grazie all'appoggio del viceré poté subentrare al defunto Pietro Andrea Ziani come maestro della Real cappella di Napoli. La nomina infranse la tradizione per cui i membri della cappella, perlopiù locali, erano stati sempre distinti da quelli di teatro, e non favorì i rapporti di Scarlatti con i musicisti della scuola napoletana.

Nel primo periodo napoletano (1683–1702) Scarlatti fu il principale compositore teatrale della città, portando in scena regolarmente almeno un paio di opere l'anno. Compose anche diverse serenate e musica sacra, pubblicando la raccolta Mottetti sacri (Napoli, Muzio, 1702), poi ristampata ad Amsterdam col titolo Concerti sacri (E. Roger, 1707-08).

In quegli anni, pur risiedendo a Napoli, Scarlatti continuò a frequentare Roma e a mantenere intensi rapporti di collaborazione con i più importanti mecenati della città papale. Tra questi, il cardinale Benedetto Pamphilj, per il quale mise in musica l'oratorio a tre voci Il trionfo della grazia ovvero la conversione di Maddalena (1685) e il III atto dell'opera La Santa Dimna (1687), entrambe su libretto dello stesso porporato, e l'opera La Rosmene ovvero l'infedeltà fedele (1686) su libretto di Giuseppe Domenico De Totis; il cardinale Pietro Ottoboni, di cui mise in musica l'oratorio a cinque voci La Giuditta (1693 e 1695), il dramma La Statira (1690), e il secondo atto dell'opera La Santa Genuinda (1694); e il principe Antonio Ottoboni, padre del cardinale, di cui mise in musica l'oratorio La Giuditta.

Alla fine degli anni '80 Scarlatti intraprese rapporti diretti con il principe Ferdinando de' Medici, che si avvalse della sua collaborazione sia per le opere destinate al teatro della villa medicea di Pratolino e altri teatri del granducato di Toscana, sia per la composizione di musiche sacre destinate a particolari ricorrenze solennemente celebrate in corte. Dopo la ripresa delle opere, già rappresentate a Roma, Tutto il mal non vien per nuocere a Firenze e Il Pompeo a Livorno, nel 1689 Ferdinando gli commissionò per Pratolino la musica di una commedia, forse La serva favorita su libretto di Giovanni Cosimo Villifranchi. Nel 1698 venne eseguita a Pratolino L'Anacreonte, cui seguirono Flavio Cuniberto (1702), Arminio (1703), Turno Aricino (1704), Lucio Manlio (1706), Il gran Tamerlano (1706).

Nel 1702, dopo la morte del re Carlo II e l'instabilità politica conseguente ai contrasti tra Asburgo e Borbone per la successione del regno di Spagna, Scarlatti, ottenuta una licenza, si allontanò da Napoli per recarsi a Firenze, confidando nel favore del principe Ferdinando de' Medici per ottenere una nuova sistemazione per sé e per il figlio Domenico che lo seguiva. Fallito il tentativo, ritornò a Roma, città a lui più familiare, con cui aveva mantenuto sempre stretti contatti. Nel gennaio 1703 fu nominato coadiutore del maestro di cappella Giovanni Bicilli a S. Maria in Vallicella (Chiesa Nuova), e il 31 dicembre dello stesso anno coadiutore del maestro di cappella Antonio Foggia a Santa Maria Maggiore, subentrando come titolare nel luglio 1707.

In questi anni romani (1703-1708) Scarlatti, godendo della protezione del cardinale Ottoboni, al cui servizio era entrato nell'aprile 1705, compose numerosi oratori, eseguiti a S. Maria in Vallicella, al palazzo della Cancelleria, al Seminario Romano, a palazzo Ruspoli e in altri luoghi, come La santissima Annunziata (1703), Il regno di Maria Vergine (1704), Il Sedecia (1706), Il martirio di s. Cecilia (1708), lOratorio per la passione di nostro Signore (1708). Compose anche molta musica sacra, soprattutto per la basilica liberiana, la Missa Clementina in onore di Clemente XI e un Miserere per la cappella pontificia.

Durante quegli anni entrò in contatto con il cardinale Vincenzo Grimani, che fu a Roma nel 1706 in missione diplomatica per conto dell'imperatore allo scopo di riportare sotto gli Asburgo il Regno di Napoli. Il rapporto con il Grimani valse a Scarlatti la commissione per due opere, Mitridate e Il trionfo della libertà, rappresentate nel carnevale 1707 nel teatro San Giovanni Grisostomo di Venezia, di proprietà della famiglia Grimani. Nello stesso anno a Venezia fu pure eseguito il suo oratorio Cain overo il primo omicidio su testo di Antonio Ottoboni.

Nel dicembre 1708, approfittando del cambio di regime nel viceregno di Napoli e del fatto che il cardinale Grimani era stato nominato viceré, Scarlatti rivolse a lui una supplica per ottenere il reintegro nel posto di maestro di cappella della Real Cappella. La richiesta fu accettata all'inizio di gennaio 1709 e di lì a poco il compositore fece ritorno a Napoli.

A Napoli proseguì l'attività operistica, portando in scena una o due opere l'anno fino al 1719, ma nonostante singoli successi come Il Tigrane (1715), Carlo re d'Allemagna (1716), e la commedia per musica Il trionfo dell'onore (1718),, Scarlatti dovette subire sempre più la forte concorrenza della nuova generazione di compositori d'opera della scuola napoletana, quali Leonardo Leo, Domenico Sarro, Nicola Porpora, da lui distanti per stile e scuola, che si sarebbero affermati sulle scene italiane dalla fine degli anni '20 in avanti. Va ricordato, però, che già nei primi anni del Settecento, lo stile operistico di Scarlatti era da taluni giudicato "malinconico", "difficile", "più da stanza [camera] che da teatro", perché particolarmente complesso, essendo fondato essenzialmente sul contrappunto tra voce e strumenti, e su uno stretto ed equilibrato rapporto tra musica e testo. Il nuovo stile che appare nell'opera italiana, e in particolare nella scuola napoletana, dagli anni Venti del Settecento, abbandona la scrittura contrappuntistica e privilegia la distinzione di compiti tra parte vocale e accompagnamento orchestrale, preferendo una scrittura armonica di ampio respiro e semplificata nelle modulazioni, per dare maggiore risalto ai virtuosismi dei cantanti. Per questi motivi sembra almeno in parte da ripensare la vetusta idea ottocentesca che vede in Scarlatti il principale tra i fondatori della Scuola musicale napoletana. Il compositore, tra l'altro, non ebbe mai incarichi di insegnamento nei conservatori napoletani, né sembra avere avuto veri e propri allievi, ad eccezione del figlio Domenico, e di musicisti estraneai alla scuola napoletana, come Francesco Geminiani, Domenico Zipoli, e i tedeschi Johann Adolph Hasse e Johann Joachim Quantz, con cui ebbe solo brevi e fugaci contatti, per giunta riferiti da fonti indirette e posteriori di molti decenni ai fatti.

A Napoli, fra il 1711 e il 1723, compose almeno sei serenate eseguite al Palazzo Reale o in altri palazzi della nobiltà di più alto rango.

Durante gli anni napoletani, Scarlatti non interruppe mai i rapporti con Roma: qui nel 1712 al teatro del palazzo della Cancelleria fu rappresentata la sua opera Il Ciro, su libretto del cardinale Ottoboni che ne fu il committente e patrocinatore. Nel 1715 il papa Clemente XI gli conferì il titolo di cavaliere dell'Ordine di Gesù Cristo. Altre sue opere andarono in scena al teatro Capranica: Telemaco (1716), Cambise (1718), Marco Attilio Regolo (1719) e Griselda (1721; libretto Apostolo Zeno).

Nel 1720 compose una messa con un graduale, e antifone, inno e Magnificat per i vespri della festa di s. Cecilia, celebrata nella chiesa dedicata alla santa, su commissione del cardinale Francesco Acquaviva d'Aragona, titolare della basilica.

Nel 1721 al teatro di Haymarket di Londra fu eseguita la sua cantata La gloria di primavera con la partecipazione del celebre soprano Margherita Durastanti.

Scarlatti condusse gli ultimi anni della sua vita, stimato e venerato dai più apprezzati musicisti dell'epoca in visita a Napoli, tra cui Johann Adolph Hasse e il flautista Johann Joachim Quantz. Tuttavia poco prima di morire dovette inviare una supplica al viceré per ottenere qualche incremento al suo stipendio, lamentando le difficoltà economiche che si trovava ad affrontare.

Morì a Napoli il 24 ottobre 1725 e fu sepolto nella chiesa di Santa Maria a Montesanto, dove nella cappella di S. Cecilia si legge ancora l'iscrizione sulla lapide tombale, forse dettata dal cardinale Ottoboni:

Produzione musicale

Caratteri generali

Per poter presentare l'opera del compositore in poche parole, è necessario citare il suo primo biografo, il musicologo Edward Dent, il quale affermò, all'inizio del XX secolo:

La formazione musicale di Scarlatti avvenne essenzialmente a Roma, dove era arrivato ancora dodicenne. Qui formò il suo stile sia nel campo della musica sacra sia in quello operistico. A Roma, nel corso del Seicento l'opera si sviluppò soprattutto nei teatri privati della nobiltà e meno nei teatri pubblici; questi, infatti, nel corso del XVII secolo non furono aperti in modo regolare, come invece accadeva a Venezia, ma furono talvolta ostacolati dall'autorità papale, che opponeva una qualche resistenza a concedere le licenze per motivi d'ordine morale. Ciononostante, negli ultimi tre decenni del Seicento furono attivi, pur non continuativamente, i teatri Tordinona, Capranica e della Pace, oltre a quelli gestiti dagli architetti Gian Lorenzo Bernini, Giovan Battista Contini e Mattia de' Rossi, e quello di palazzo Colonna. Scarlatti mise in musica sia opere del genere della commedia (Gli equivoci nel sembiante, L'onestà negli amori, Tutto il mal non vien per nuocere), i cui libretti furono scritti da letterati romani come Pietro Filipo Bernini e Giuseppe Domenico De Totis, sia nel genere del dramma, come L'Arsate, su libretto del principe Flavio Orsini o Il Pompeo, su libretto del veneziano Nicolò Minato.

Il successo delle sue opere fu determinante per il suo trasferimento a Napoli nel 1683, dove fu chiamato dal marchese del Carpio, appena nominato viceré, dopo essere stato per alcuni anni a Roma in qualità di ambasciatore spagnolo.

Lo stile di Scarlatti andò evolvendosi verso la fine del XVII secolo per adeguarsi al gusto teatrale corrente: pur conservando una scrittura fondata sul contrappunto tra voci e strumenti, le sue arie diventano più estese, e presentano sempre più spesso accompagnamenti affidati alle parti strumentali piuttosto che al solo basso continuo, come invece usava agli inizi della sua attività; il virtuosismo richiesto ai cantanti nella sua musica, più che sfoggio di mere abilità tecniche, richiede maggiore espressività e attenzione al testo scritto.

Il suo stile denso ed elaborato dal punto di vista del contrappunto e dell'armonia, per nulla compiacente verso pubblici non selezionati e poco raffinati, fu posto ben presto a contrasto con lo stile in voga nei teatri veneziani e del nord Italia, quando gli arrivarono numerose commissioni per i teatri di questi territori. Nel 1686 il nobile Carlo Borromeo, desiderando avere un'opera di Scarlatti per il suo teatro sull'Isola Bella, dopo il successo dellAldimiro a Milano, affermava che «l'eccellenza della musica» del compositore aveva «maggiore proprietà e modestia di quelle di Venezia, che sono quelle che si sentono nel nostro teatro di Milano».
La rappresentazione veneziana del Mitridate Eupatore (1707) considerato uno dei suoi capolavori, gli valse critiche per l'eccessiva severità dello stile e per una certa noia che avrebbe apportato agli spettatori, come si legge in un passo della malevola satira in versi contro il Scarlatti musico del cavalier Bartolomeo Dotti:

Il conte bolognese Francesco Maria Zambeccari, acuto osservatore dei costumi musicali e attento interprete dei gusti del pubblico contemporaneo, segnalò per primo nel 1709 uno dei principali motivi che contribuirono alla difficile recezione del repertorio teatrale delle opere di Scarlatti nei teatri del nord Italia:

Zambeccari osservò l'estrema complessità della scrittura che contraddistingueva il linguaggio d'un compositore più incline a uno stile severo, nutrito da una solida dottrina contrappuntistica, riflesso della sua formazione romana e dell'aver dovuto soddisfare i gusti esigenti e raffinati dei suoi patrocinatori e committenti romani.

Gli oratori di Scarlatti rivestono un'importanza non inferiore rispetto alle sue opere nell'ambito della sua produzione. Indubbiamente la consuetudine con questo genere fu favorita dalla sua popolarità e diffusione in vari ambienti a Roma. Nella città papale esistevano congregazioni, come quella dell'Oratorio in S. Maria in Vallicella (Chiesa Nuova), e confraternite, come quella di S. Girolamo della Carità, le cui attività comprendevano la regolare esecuzione di oratori nelle domeniche e nei giorni festivi. Inoltre altre confraternite erano solite far eseguire oratori in particolari periodi dell'anno, come quella del Ss. Crocifisso di S. Marcello in quaresima e quella di S. Maria dell'Orazione e Morte, nell'ottava dei Defunti, o in particolari occasioni nei collegi religiosi. Oratori venivano eseguiti anche nei palazzi della nobiltà e della prelatura, avendo assunto un ruolo alternativo e complementare all'opera a cui si avvicendavano nel periodo quaresimale. Rispetto all'opera, pur utilizzando il comune linguaggio poetico-musicale che vede alternarsi recitativi e arie (o duetti) l'oratorio non prevedeva azione scenica, né tantomeno veniva rappresentato su un palcoscenico, ma soltanto con il canto accompagnato dagli strumenti. Svincolato dalla sacralità della lingua latina (rimasta in uso, per antica consuetudine, soltanto al Ss. Crocifisso), l'oratorio in lingua italiana poteva così circolare negli ambienti secolari e religiosi, senza tuttavia interferire con le pratiche sacre.

A Roma Scarlatti esordì proprio con un oratorio nella quaresima 1679 al Ss. Crocifisso. In seguito pose in musica diversi oratori su testi scritti dai suoi principali protettori: Il trionfo della grazia overo la conversione di Maddalena (Roma, 1685) di Benedetto Pamphilj; La Giuditta (1695), La Ss. Annunziata (1703), Il regno di Maria vergine (1705), Il martirio di s. Cecilia (1708) e lOratorio per la Passione di nostro Signor Gesù Cristo (noto anche col titolo La Colpa, il Pentimento, la Grazia) (1708) di Pietro Ottoboni. A questi si aggiungono capolavori come Agar et Ismaele esiliati (1683; testo Giuseppe Domenico De Totis), Il martirio di Santa Teodosia (1684), una seconda Giuditta (su testo di Antonio Ottoboni), S. Casimiro (1704), S. Filippo Neri (1705), Sedecia re di Gerusalemme (1705), Cain overo il primo omicidio (1707) e altri, che furono rieseguiti in diversi centri italiani e a Vienna.

Meno intensa fu la successiva produzione oratoriale di Scarlatti a Napoli: si contano soltanto Il trionfo del valore: Oratorio per il giorno di San Giuseppe (1709), lOratorio per la Santissima Trinità (1715) e La Vergine Addolorata (1717).

Scarlatti compose quasi 700 cantate), di cui circa 600 a voce sola, per la maggior parte per soprano solo, ca. 70 per voce e strumenti, e ca. 20 a due voci. Il grande successo ottenuto da queste composizioni è testimoniato della loro eccezionale diffusione attraverso i manoscritti (oggi conservati in varie biblioteche in Italia e all'estero). Se le cantate dei primi anni romani appaiono improntate a una certa variabilità nella struttura interna, analogamente ai modelli di Luigi Rossi, Carissimi, Pasquini, verso la fine del XVII secolo esse sembrano confromarsi a una maggiore regolarità nell'alternanza recitativo-aria. Lo stile delle cantate scarlattiane fa pensare che fossero destinate principalmente a cantanti professionisti, di sicuro talento, e ad un pubblico selezionato, di ascoltatori particolarmente colti e raffinati, come quelli delle corti che orbitavano intorno a Cristina di Svezia, ai cardinali Pamphilj e Ottoboni, e ai principi Ruspoli, Rospigliosi e Odescalchi, o ai membri dell'Accademia dell'Arcadia, che nel 1706 accolse il compositore come membro, insieme con Bernardo Pasquini ed Arcangelo Corelli), grazie alla protezione del cardinale Ottoboni.

Alcuni importanti storici del Novecento hanno sottolineato l'importanza che la sinfonia avanti l'opera ideata da Scarlatti in questi anni rivestì nel fornire un modello per la prima fase di sviluppo della sinfonia classica.

Ciò che stupisce è che – dimenticata quasi completamente l'opera vocale (sacra, profana e operistica), l'Ottocento e anche il Novecento si siano dedicati con una certa assiduità solo alla diffusione e all'esecuzione del repertorio strumentale. Se le composizioni per tastiera, abbastanza numerose e generalmente di alto livello stilistico, risentono ancora dell'improponibile confronto con quelle del figlio Domenico, le Dodici sinfonie di concerto Grosso (1715) sono entrate a far parte stabilmente del bagaglio di molti gruppi specializzati nell'esecuzione di musica antica. Pur avendo faticato a liberarsi dal marchio di corellianità, le Sinfonie di concerto grosso sono riuscite a imporsi grazie al perfetto uso del contrappunto e soprattutto grazie alla bellezza delle melodie, venate da sottile e sublime malinconia, che è il tratto caratteristico e originale di tutta l'opera scarlattiana.

Lavori teatrali

Le opere di Scarlatti costituiscono un punto di legame molto importante tra la musica del tardo Seicento e quella del XVIII secolo, che ha il suo culmine in Mozart. Le sue prime opere (Gli equivoci nel sembiante; L'honestà negli amori; Il Pompeo, contenente le famose arie O cessate di piagarmi e Toglietemi la vita ancor) usano ancora le antiche cadenze nei loro recitativi e un'amplissima varietà di piccole arie, talvolta accompagnate da un quartetto d'archi, trattate con attenta elaborazione, talvolta accompagnate dal solo clavicembalo.

Dal 1697 circa e prima di La caduta de' Decemviri, forse sotto l'influenza dello stile di Giovanni Bononcini e probabilmente ancor più del gusto del viceré, le sue opere diventano più convenzionali e comuni dal punto di vista del ritmo, mentre la sua scrittura si fa più ruvida, non priva però di brillantezza. Gli oboi e le trombe sono usati frequentemente, i violini suonano spesso all'unisono.

Il Mitridate Eupatore, considerato il suo capolavoro, composto a Venezia nel 1707, contiene musica di gran lunga superiore a quella che Scarlatti aveva scritto per Napoli, sia tecnicamente che intellettualmente. Le ultime opere napoletane (L'Amor volubile e tiranno; La Principessa fedele; Il Tigrane), sono più ostentati ed efficaci che profondamente emotivi. La strumentazione segna un grande progresso rispetto ai lavori precedenti, essendo la voce principalmente accompagnata dal quartetto d'archi, e riservando il clavicembalo esclusivamente ai potenti ritornelli strumentali. Fu nell'opera Teodora, del 1697, che iniziò l'uso del ritornello da parte dell'orchestra.

Il suo ultimo gruppo di opere, composto per Roma, mostra un senso poetico più profondo, uno stile melodico ampio ed elegante, uno stile di orchestrazione molto più moderno ed un forte senso del dramma, in particolare nei recitativi accompagnati, tecnica che utilizzò per primo già nel 1686 (Olimpia vendicata). Compaiono per la prima volta i corni, trattati spesso con effetti sorprendenti. Il trionfo dell'onore (sua unica opera comica e capolavoro del genere che, negli anni successivi, sarebbe diventata una delle preferite dai compositori della nuova generazione come Leo e Vinci) e Griselda, abbracciano più di mezzo secolo di opera, anticipando la freschezza e finezza mozartiane.

Cantate e oratori

Oltre alle opere, Scarlatti compose molti oratori, come Agar e Ismaele esiliati, Il giardino di rose ed il San Filippo Neri, e serenate, che mostrano tutte uno stile simile. Scarlatti scrisse quasi 820 cantate da camera per voce sola (di cui 620 attribuite con certezza), nessun compositore del suo tempo ne produsse così tante. L'impressionante numero di cantate si spiega meglio se si pensa al fatto che queste opere sono nate in gran parte durante il divieto pontificio dell'opera lirica a Roma: nel 1697, infatti, Innocenzo XII chiuse il teatro Tordinona (di Cristina di Svezia) e vietò gli spettacoli musicali al teatro Capranica nel 1699. Sostenuto da mecenati romani, come i cardinali Ottoboni e Pamphilj, ed il principe Ruspoli, si rinnova la richiesta di cantate da camera, allora in assoluto la forma musicale prediletta dalla nobiltà e dalla borghesia, dove nell'intimità si esprimevano i sentimenti e il tema privilegiato di queste opere: l'amore. Spesso questi committenti e destinatari erano anche gli autori dei testi musicati, come Pietro Ottoboni, la cui firma era nascosta sotto lo pseudonimo arcadico di Crateo Ericinio. Rappresentano la musica da camera più intellettuale di questo periodo. Le cantate, infatti, furono per Scarlatti ciò che fu a suo tempo il madrigale per Monteverdi, cioè un laboratorio e un crogiolo di ispirazione rivolto esclusivamente al piccolo pubblico di intenditori. Il compositore con una fertile immaginazione aveva dunque la possibilità di realizzare pienamente se stesso e dare l'espressione di tutto il suo genio in queste piccole forme, dove abbondano le sequenze armoniche più audaci, andando di pari passo con la caratterizzazione melodica che servirà da modello per gli ultimi compositori barocchi.

Musica sacra
Scarlatti era ampiamente considerato ai suoi tempi un grande compositore di musica sacra e cantate. Questo repertorio di Scarlatti non è ancora riabilitato e neppure considerato oggi in proporzione all'importanza del corpus: dieci messe, 114 mottetti (di cui sei Dixit Dominus, cinque Salve Regina, uno Stabat Mater), le Lamentazioni per la settimana santa, Il primo omicidio. Le opere sono spesso destinate a Roma, anche nel periodo in cui risiedeva a Napoli, e lo stile, contrappuntistico, è complicato nei dettagli. In tale genere il compositore mostra tutto il suo eclettismo stilistico. È a suo agio nello stile antico della polifonia tradizionale così come nella retorica barocca degli affetti. Entrambi gli stili agiscono in parallelo nel suo lavoro.

Le dieci messe giunte a noi oggi sono in generale di minore importanza, ad eccezione della grande Messa di Santa Cecilia: Scarlatti aveva allora sessant'anni e la compose all'inizio del Settecento, in uno stile moderno dell'epoca, caratterizzato dal brio e dalla seduzione, che culminò nelle grandi messe di Bach e Beethoven e "sembra predire le ultime messe di Haydn". Questa notevole opera, "a coronazione di tutta la sua musica sacra", quasi contemporanea del Magnificat di Bach (1723), non ha nulla da invidiarle, "sia in termini di interesse musicale che di sintesi stilistica delle tendenze del primo Settecento".

Musica strumentale
L'interesse e l'importanza delle opere strumentali di Scarlatti sono proporzionali al loro numero, nonostante sia particolarmente sottovalutata la sua musica.

La sua musica per tastiera comprende una raccolta di 7 toccate per clavicembalo a scopo esplicitamente pedagogico, la prima inoltre è interamente diteggiata dal compositore, il che la rende un documento prezioso per la tecnica tastieristica del barocco. Giunta sino a noi è anche una lunga Toccata nel primo tono che termina con 29 variazioni sul tema della Follia.

Sebbene interessante, la sua musica strumentale sembra di scrittura molto antica rispetto alle sue opere vocali dello stesso periodo, pur presentando, secondo taluni  «un'ammirevole fluidità». Fu, tuttavia, uno dei primi esponenti della scuola napoletana a sviluppare un repertorio quasi inesistente prima di lui. Il valore e la qualità della sua produzione di musica strumentale risiede nell'architettura e nell'intensità lirica. All'apice della sua carriera, furono scritte le  Sinfonie di concerto grosso ed i Sei Concerti grossi, che restano ad oggi i suoi lavori di musica strumentale più conosciuti.

Composizioni

Drammi per musica
 Gli equivoci nel sembiante (Libretto di Pietro Filippo Bernini) rappresentato a Roma nel 1679 e ripreso poi in altre città italiane
 L'honestà negli amori (Libretto di Pietro Filippo Bernini) rappresentato a Roma nel 1680
 Tutto il mal non vien per nuocere
 Il Pompeo (Libretto del conte Nicolò Minato) Roma, teatro palazzo Colonna, 1683, e Teatro San Bartolomeo di Napoli, 20 gennaio 1684, con Giovanni Francesco Grossi
 La Psiche ovvero Amore innamorato Teatro San Bartolomeo di Napoli, 1684
 Commodo Antonino (Libretto di Giacomo Francesco Bussani) rappresentato nel Teatro San Bartolomeo di Napoli il 18 novembre 1696
 L'Emireno ovvero Il consiglio dell'ombra, rappresentato a Napoli nel 1697
 Gl'inganni felici (Libretto di Apostolo Zeno) rappresentato a Napoli nel 1699
 Flavio Cuniberto (Libretto di Matteo Noris, rimaneggiato) rappresentato a Pratolino nel 1702
 Lucio Manlio l'Imperioso, rappresentato a Pratolino nel 1705
 Il gran Tamerlano (Libretto di Silvio Stampiglia) rappresentato a Pratolino nel 1706
 Mitridate Eupatore e il trionfo della libertà (Libretto di Girolamo Frigimelica Roberti) rappresentate a Venezia nel 1707
 Il Ciro (Libretto di Pietro Ottoboni) rappresentato a Roma nel 1712
 Il Tigrane ovvero L'egual impegno d'amore e di fede (Libretto di Domenico Lalli) rappresentato nel Teatro San Bartolomeo di Napoli nel 1715
 Carlo re d'Allemagna, (Libretto di Giuseppe Papis) rappresentato nel Teatro San Bartolomeo di Napoli nel 1717
 Cambise (Libretto di Domenico Lalli) rappresentato a Napoli nel 1719
 Griselda (Libretto di Apostolo Zeno) rappresentata a Roma nel gennaio 1721
 Arminio (Libretto di Antonio Salvi) rappresentato a Roma nel 1722, ripresa poi come pasticcio al Her Majesty's Theatre di Londra
 Telemaco (Libretto di Carlo Sigismondo Capece) rappresentata a Roma nel 1718
 Il trionfo dell'onore, Commedia per musica di Francesco Antonio Tullio rappresentata nel Teatro dei Fiorentini Napoli il 26 novembre 1718
 Marco Attilio Regolo (Libretto da Matteo Noris, rimaneggiato) rappresentato a Roma nel carnevale del 1719
 Tito Sempronio Gracco (Libretto di Silvio Stampiglia) rappresentato a Roma nel carnevale del 1720
 Il Fetonte
 Olimpia vendicata
 La Rosmene ovvero L'infedeltà fedele
 Clearco in Negroponte
 L'Aldimiro ovvero Favore per favore
 Il Flavio
 L'Anacreonte tiranno
 L'Amazone corsara ovvero L'Alvilda
 La Statira
 Gli equivoci in amore ovvero La Rosaura (libretto di Giovanni Battista Lucini)
 L'humanità nelle fiere o vero Il Lucullo
 La Teodora Augusta
 Gerone tiranno di Siracusa
 L'amante doppio ovvero Il Ceccobimbi
 Pirro e Demetrio
 Il Bassiano ovvero Il maggior impossibile
 Le nozze con l'inimico ovvero L'Analinda
 Nerone fatto Cesare
 Massimo Puppieno
 Penelope la casta
 La Didone delirante
 La caduta de' Decemviri
 La donna ancora è fedele
 Il prigioniero fortunato
 L'Eraclea
 Odoardo (Libretto di Apostolo Zeno, favola boschereccia)
 Laodicea e Berenice
 Il pastore di Corinto
 Tiberio imperatore d'oriente
 Turno Aricino
 Il Mitridate Eupatore (Tragedia per musica in 5 atti)
 Il Teodosio
 L'Amor volubile e tiranno
 La principessa fedele
 La fede riconosciuta (Libretto di Benedetto Marcello)
 Scipione nelle Spagne (Libretto di Apostolo Zeno)
 L'Amor generoso
 La virtù trionfante dell'amore e dell'odio

Serenate
 Diana et Endimione (Roma, tra 1680 e 1685)
 L'Olimpo in Mergellina (Napoli, Mergellina, 25 agosto 1686; rieseguita sempre a Napoli, Palazzo Reale, 16 settembre 1686)
 Venere, Adone et Amore (Napoli, Posillipo, 15 luglio 1696; rieseguita a Roma, agosto 1706)
 Il trionfo delle stagioni (Napoli, Posillipo, 26 luglio 1696)
 Il Genio di Partenope, la Gloria del Sebeto, il Piacere di Mergellina (Napoli, Mergellina, 5 agosto 1696)
 Venere e Amore (Napoli, Posillipo, 1700 ca.)
 Clori, Lidia e Filli (Napoli, 1700 ca.)
 Venere e Adone: Il giardino d'Amore (Napoli, tra 1700 e 1705)
 Clori, Dorino e Amore (Napoli, Palazzo Reale, 1º maggio 1702)
 La contesa d'onore tra la Gloria, la Fama et il Valore (Roma, Piazza San Marco, 22 luglio 1704)
 Endimione e Cintia (Roma, 1705)
 Flora pellegrina (Roma, Villa Corsini, 14 settembre 1705)
 Il trionfo della Virtù (Roma, 1706)
 Il trionfo dell'Onestà (Roma, 1706)
 Serenata a Filli (Roma, 1706)
 Le muse Urania e Clio lodano le bellezze di Filli (Roma, 1706)
 Venere havendo perso Amore lo ritrova fra le ninfe e i pastori dei Sette Colli (Roma, 1706)
 Amore, Pace e Providenza (Napoli, Palazzo Reale, 4 novembre 1711)
 Il genio austriaco (Napoli, Palazzo Reale, 28 agosto 1713)
 Filli, Clori e Tirsi (Napoli, Palazzo Reale, 4 dicembre 1716; rieseguita a Roma, Palazzo del cardinale Nuno da Cunha e Ataíde, 24 giugno 1721, col titolo La ninfa del Tago)
 La gloria di Primavera (Napoli, Palazzo Carafa della Spina, 22 o 23 maggio 1716)
 Partenope, Teti, Nettuno, Proteo e Glauco (Napoli, Palazzo Reale, 4 novembre 1718)
 Erminia (Napoli, Palazzo Zevallos, 13 giugno 1723)

Musica devozionale (oratorii e cantate sacre)
 Tre oratorii in latino (perduti. Roma, 1679, 1680 e 1682)
 Passio Domini Nostri Jesu Christi secundum Ioannem (Roma, 1680 ca.)
 Agar et Ismaele esiliati (Roma, 1683; rieseguito a Palermo, 1691, col titolo: L'Abramo; Firenze, 1695, col titolo: Ismaele soccorso dall'Angelo)
 Il martirio di Santa Teodosia (Roma, 1684; rieseguito a Modena, 1685, col titolo: Santa Teodosia; Mantova, 1686; Firenze, 1693, col titolo: Santa Teodosia vergine e martire)
 Il trionfo della gratia overo La conversione di Maddalena (Roma, 1685, 1695 e 1699; rieseguita a Modena 1686 e 1703; Firenze, 1693 e 1699; Bologna, 1695, 1696, 1699, 1704 e 1705; Vienna, 1703)
 La Giuditta (Roma, Palazzo della Cancelleria, 21 marzo 1693; rieseguito a Napoli, Oratorio dell'Assunta, 3 luglio 1695, col titolo La Giuditta vittoriosa)
 I dolori di Maria sempre vergine (perduto. Napoli, 1693; rielaborato e rieseguito su testo latino a Roma, 1703, col titolo: La Concettione della Beata Vergine)
 Samson vindicatus (perduto. Roma, Oratorio del Santissimo Crocifisso, 25 marzo 1695)
 Il martirio di Santa Orsola (Roma o Napoli, 1695 ca.; rieseguito a Lione, 1718)
 La Giuditta (Roma, Palazzo della Cancelleria, quaresima 1697)
 La Religione giardiniera (Napoli, Chiesa di S. Pietro Martire, 5 ottobre 1698; rieseguito a Roma, Palazzo Bonelli, 24 aprile 1707, col titolo: Il giardino di rose o sia La Santissima Vergine del Rosario)
 Davidis pugna et victoria (Roma, Oratorio del Santissimo Crocifisso, 12 marzo 1700)
 Oratorio per la Santissima Annuntiata (Roma, 1703; ivi rieseguito, 1708)
 Cantata per l'assunzione della Beatissima Vergine (Roma, 1703; rieseguito a Roma, 1705, col titolo: Il regno di Maria Vergine assunta in cielo; Firenze, 1706, col titolo: Il trionfo della Vergine Santissima assunta in cielo; Napoli, 1710, col titolo: La sposa dei sacri cantici)
 Humanità e Lucifero (Roma, 1704)
 San Casimiro re di Polonia (Roma, 1704; rieseguito a Firenze, 1705)
 San Michaelis Arcangelis cum Lucifer pugna et victoria (perduto, Roma 1705)
 Il martirio di Santa Susanna (Roma, 1705; rieseguito a Firenze, 1706)
 San Filippo Neri (Roma, 1705; rieseguito a Firenze, 1707)
 Sedecia re di Gerusalemme (Urbino 1705; rieseguito a Roma, 1706)
 San Francesco di Paola (perduto. Urbino, 1706)
 Cain overo Il primo omicidio (Venezia, 1707)
 Tre cantate per la notte del Santissimo Natale (Roma, 1705, 1706 e 1707)
 Per la Passione di Nostro Signor Gesù Cristo (Roma, 1708; ivi rieseguito, 1725)
 Il martirio di Santa Cecilia (Roma, 1708; ivi rieseguito, 1709)
 Il trionfo del valore: Oratorio per il giorno di San Giuseppe (perduto. Napoli, 1709)
 Oratorio per la Santissima Trinità (Napoli, 1715)
 Oratorio in onore della Vergine Addolorata (Napoli, 1717)
 La gloriosa gara tra la Santità e la Sapienza (perduto. Roma, 1720)
 Messa di Santa Cecilia (Roma, 1720)

Musica strumentale

Tastiera
 Toccate per cembalo
 Toccata in re minore
 10 partite sopra basso obbligato (1716)
 Primo e secondo libro di toccate (sol maggiore, la minore, sol maggiore, la minore, sol maggiore, re minore, re minore, la minore, sol maggiore, fa maggiore)
 2 sinfonie per cembalo (16 giugno 1699)
 Toccata per studio di cembalo
 Toccata d'intavolatura per cembalo ò pure per organo d'ottava stesa
 Toccata in mi minore
 3 toccate, ognuna seguita da fuga e minuetto (1716)
 Variazioni sopra "La follia" (1715)
 6 Concerti per clavicembalo e archi

Altri strumenti
 12 sinfonie di concerto grosso (1715):
 in fa maggiore, per 2 violini, viola, violoncello, 2 flauti e basso continuo
 in re maggiore, per 2 violini, viola, violoncello, flauto, tromba e basso continuo
 in re minore, per 2 violini, viola, violoncello, flauto e basso continuo
 in mi minore, per 2 violini, viola, violoncello, flauto, oboe/violino e basso continuo
 in re minore, per 2 violini, viola, violoncello, flauto e basso continuo
 in la minore, per 2 violini, viola, violoncello, flauto e basso continuo
 in sol minore, per 2 violini, viola, violoncello, flauto e basso continuo
 in sol maggiore, per 2 violini, viola, violoncello, flauto e basso continuo
 in sol minore, per 2 violini, viola, violoncello, flauto e basso continuo
 in la minore, per 2 violini, viola, violoncello, flauto e basso continuo
 in do maggiore, per 2 violini, viola, violoncello, flauto e basso continuo
 in do minore, per 2 violini, viola, violoncello, flauto e basso continuo
 6 concerti in sette parti per due violini e violoncello obbligato, con in più due violini, un tenore e basso continuo (fa minore, do minore, fa maggiore, sol minore, re minore, mi maggiore; 1724)
 4 sonate a quattro, per 2 violini, viola e violoncello (fa minore, do minore, sol minore, in re minore)
 9 sonate (concerti) per flauto, 2 violini, violoncello e basso continuo (re maggiore, la minore, do minore, la minore, la maggiore, do maggiore, sol minore, fa maggiore, la maggiore; 1725)
 Sonata in fa maggiore per flauto, 2 violini e basso continuo
 Sonata in re maggiore per flauto, 2 violini e basso continuo
 Sonata in la maggiore per 2 flauti, 2 violini e basso continuo
 Sonata in fa maggiore per 3 flauti e basso continuo
 3 sonate per violoncello e basso continuo (re minore, do minore, do maggiore)
 Suite in fa maggiore per flauto e basso continuo (16 giugno 1699)
 Suite in sol maggiore per flauto e basso continuo (giugno 1699)

Lavori didattici
 Regole per principianti (1715 ca.)
 Discorso sopra un caso particolare di arte (aprile 1717)
 Canoni: Tenta la fuga ma la tenta invano; Voi sola; Commincio solo; 2 canoni a 2
 15 fughe a 2
 Studio a quattro sulla nota ferma
 Varie partite obbligate al basso
 Toccate per cembalo
 Varie introduttioni per sonare e mettersi in tono delle compositioni (1715 ca.)
 Regole per ben [son]are | il cembalo […] (D-Hs M/A 251)

Onorificenze

Omaggi
 A lui e al figlio Domenico è stato intitolato il cratere Scarlatti sul pianeta Mercurio.
 Dal 1º marzo 2019 il Conservatorio di Palermo (già dedicato a Vincenzo Bellini) viene intitolato ad Alessandro Scarlatti.
 A Napoli, un'importante strada commerciale porta il suo nome.

Edizioni moderne
 Alessandro Scarlatti, Opera omnia per strumento a tastiera vol. I-II-III-IV-V-VI, Ut Orpheus Edizioni Collane - Ut Orpheus Edizioni

Note

Bibliografia
 Edward Joseph Dent, Alessandro Scarlatti: His Life and Works, 1905
 Mario Fabbri, Alessandro Scarlatti e il principe Ferdinando de' Medici, Firenze, Olschki, 1961
 Roberto Pagano - Lino Bianchi, Alessandro Scarlatti. Catalogo generale delle opere a cura di Giancarlo Rostirolla, Torino, ERI, 1972
 Lorenzo Bianconi, Funktionen des Operntheaters in Neapel bis 1700 und die Rolle Alessandro Scarlattis, in Colloquium Alessandro Scarlatti (Wurzburg, 1975), Tutzing, Schneider, 1979, pp. 13–116.
 Arnaldo Morelli, Alessandro Scarlatti maestro di cappella in Roma ed alcuni suoi oratori. Nuovi documenti, in «Note d'archivio per la storia musicale», n.s., II (1984), pp. 117-144.
 Eleonora Simi Bonini, L'attività degli Scarlatti nella basilica Liberiana, in Händel e gli Scarlatti a Roma, atti del convegno (Roma, 12–14 giugno 1985), a cura di Nino Pirrotta – Agostino Ziino, Firenze, Olschki, 1987, pp. 153–172.
 Devozione e passione: Alessandro Scarlatti nella Napoli e Roma barocca, a cura di L. Della Libera - P. Maione, Napoli, Turchini, 2014.
 Roberto Pagano, Alessandro e Domenico Scarlatti: due vite in una, Lucca, Libreria musicale italiana, 2015.
 Luca Della Libera, La musica sacra romana di Alessandro Scarlatti, Kassel - Berlin, Merseburger, 2018.
 Francesca Menchelli-Buttini, Sui drammi per musica di Alessandro Scarlatti dopo il 1702, Roma, NeoClassica, 2023.

Altri progetti

Collegamenti esterni

 I partimenti di Alessandro Scarlatti (D-Hs M/A 251)

Accademici dell'Arcadia
Compositori barocchi


text:
Holderness was a wapentake of the historic East Riding of Yorkshire, England consisting of the south-easterly part of the county. Established in medieval times, it ceased to have much significance in the 19th century when the wapentakes were superseded by other administrative divisions for most local government purposes.

Because of its large area it was sub-divided into three divisions—North Division, Middle Division and South Division.

References

Wapentakes of the East Riding of Yorkshire
Holderness

redpajama_set_name: RedPajamaWikipedia


text:
El Vínculo de Pamplona, o Pósito Municipal de Pamplona fue una institución fundada por el Ayuntamiento de Pamplona (entonces, Regimiento de Pamplona) el 2 de septiembre de 1527, con un capital de 10.000 libras navarras, dedicado exclusivamente o vinculado a la compra de trigo para el consumo de la población, al objeto de venderlo a los panaderos con una módica ganancia. Pamplona debía contar por entonces con unos 5.000-6.000 habitantes, y según las cuentas existentes en el Archivo Municipal, en aquella fecha «el robo de trigo valía de media 12 tarjas, o sea cinco reales de vellón y algunos maravedís» (unas 1,25 pesetas en 1917).

En otros lugares de España, se les llama pósitos, especialmente en Castilla, o pallols algo más propio de la Corona de Aragón.

Origen del nombre
En una carta enviada en 1861 por el administrador del Vínculo de Pamplona al gobernador civil de Navarra, con motivo de las obras de reconstrucción del edificio del Pósito municipal, apuntaba el remitente a que cuando se creó esta institución «el nombre de "Vínculo" procede de que se determinó en la fundación que el capital de las diez mil libras que se asignaron debía quedar vinculado y afecto a los fines del establecimiento, sin que en ningún tiempo pudiera ser distraído para otros, por interesantes y necesarios que se contemplaran.»

En Navarra se les denomina vínculos a las instituciones que buscaban «asegurar el abastecimiento de pan al por menor en las plazas de las principales ciudades a un precio moderado y sin alteraciones bruscas era objeto de los "vínculos del trigo"».De su relevancia como institución municipal da fe la Novissima recopilación de las leyes del Reino de Navarra (1735) que dedica el título XXIX (De los Vínculos de los pueblos) a exponer las once leyes al respecto vigentes en todo el reino.

Los edificios donde se guardaba el grano, como en el resto de España, eran conocidos como pósitos. Sin embargo, con el tiempo y por posible metonimia, se termina denominando al edificio también como a la institución que alberga.

No debe confundirse en absoluto con el llamado Vínculo del Reino que era un fondo que atesoraba los ingresos que servían para atender las necesidades de las Cortes y la Diputación de Navarra. Estos fondos procedían, además, de «del producto del arriendo del tabaco, así como de los impuestos cobrados en las Aduanas sobre algunos artículos de consumo como el cacao o el azúcar.»

Arcas de la Misericordia
Existían también las llamadas Arcas de la Misericordia que también funcionaban como grandes depósitos aunque su finalidad fundamentalmente era el reparto del trigo como simiente. Por el contrario los vínculos almacenaban «grano con destino a la elaboración de pan y su venta al por menor». Mientras las arcas eran propias de localidades más rurales y menores, «los vínculos resultaban casi imprescindibles en las ciudades y villas de mayor población.»

Las arcas, que operaban con un capital reducido y relativamente fijo, recuperaban el capital en especie al finalizar la cosecha y de los mismo prestatarios. Sin embargo los vínculos funcionaban todo el año, eran instituciones municipales gobernadas por un vinculero y una junta de vínculo y abastecía los mercados y las plazas locales respectivas. En la venta a panaderos autorizados se fijaba el precio máximo de venta al público. En épocas de bonanza obtenían beneficios, pero, por contra, con las carestías, frenaban la inflación endeudándose la institución a cuenta de la hacienda municipal. Los vínculos, que suponían un beneficio para los habitantes de localidades grandes, al acaparar de forma inmediata gran parte del trigo que salía a la venta, encarecían los mercados rápidamente en perjuicio del entorno rural.

Historia
Era competencia de las Cortes de Navarra legislar sobre este aspecto. El de Pamplona, aunque fue el primero, no era el único vínculo habiendo noticias hacia 1575 sobre instituciones homólogas en Tudela, Estella y Puente la Reina. En 1576 se unirán Sangüesa, Olite y Tafalla. Y paulatinamente otras localidades como Viana (1608), Villafranca (1716) y Cintruénigo (1724). La lista se alarga y completa con «Ablitas, Aibar, Aoiz, Arguedas, Artajona, Cabanillas, Cascante, Corella, Falces, Fitero, Leache, Leiza, Lodosa, Los Arcos, Lumbier, Marcilla, Milagro, Miranda de Arga, Obanos, Peralta y Ujué».

Para el profesor Floristán Imízcoz, la existencia de los vínculos se remonta a la Baja Edad Media aunque es en la primera mitad del siglo XVI cuando muestran una mayor actividad, pero como apunta el profesor Sola Ayape, que refrenda lo afirmado por Floristán, la carestía y desabastecimiento de grano impulsó la fundación de pósitos de granos, capaces de garantizar un suministro regular, «ya desde la Baja Edad Media.»

El 2 de septiembre de 1527, preocupados los regidores de la ciudad de Pamplona por la carestía de trigo y pan, se reunían un total de 35 diputados (representantes de las 18 rúas de la ciudad) y plasmaban tan acuciante necesidad para lo cual «se haya de hacer para el dicho remedio un vínculo de alguna cantidad de dineros de la recepta de las rentas de la dicha ciudad». Se decide, por ello, la constitución del pósito municipal, realizando una aportación de las arcas de la ciudad de 32.000 reales (10.000 libras navarras).

En 1575, mediante una provisión acordada por el Consejo Real de Navarra, se suprimieron durante un año «todos los vínculos del reino, excepto los de las cinco capitales de merindad» (Pamplona, Tudela, Estella, Sangüesa y Olite). La razón estaba fundamentada en la incidencia que los vinculeros ejercían en el encarecimiento de los precios afectando sobremanera a los núcleos rurales. Las Cortes de Navarra, donde las ciudades y los grandes comerciantes de grano estaban bien representados, reunidas en Pamplona al año siguiente, protestaron sin éxito, ampliando el decreto del virrey la exención en otras localidades como Tafalla y Puente la Reina. En años posteriores Viana (1608) y Villafranca (1716) su sumaron a esa nómina de lugares con vínculo municipal.

En este siglo XVI el molino de Santa Engracia pasó a ser propiedad del regimiento de Pamplona. Junto con el molino de la Biurdana, también municipal, ambos molinos serán arrendados cada año a un determinado molinero para que, con la harina allí elaborada, se surta a los hornos municipales del Vínculo. Como recoge en la memoria histórica del Reglamento aprobado en 1862, en mayo de 1842 se emplearon 656.000 reales en mejoras del molino de Santa Engracia.

En 1665 comenzó este establecimiento a fabricar pan, y en atención a un donativo que aquel año hizo la ciudad al rey Felipe IV, dictó una real orden concediendo al Vínculo el privilegio de la venta exclusiva de pan a toda la población. Desde aquella fecha, y con pequeñas alternativas, el Vínculo se dedicaba a la fabricación del pan proporcionado grandes beneficios a la capital, principalmente en épocas de gran carestía, actuando al mismo tiempo como un establecimiento regulador de precios.

En su Crónica de la provincia de Navarra (1868), Julio Nombela, hablando sobre esta institución, aporta algunos datos más. Así informa que desde 1714 se procura sus propios hornos, consiguiendo mejorar la rentabilidad. Con la ocupación de los franceses y la guerras de independencia el establecimiento tuvo que cerrarse. A principios de 1818, con esfuerzos del ayuntamiento, se abre de nuevo el Vínculo.

Edificio y reglamento

Se tiene noticia de la construcción en 1769 de Pósito municipal en la Plaza de Abajo o Zacatín. Este edificio, de tres plantas, se describe así en 1802 en el Diccionario geográfico-histórico de España por la Real Academia de la Historia:«El pósito es sencillo, y sin mérito particular en la arquitectura, pero muy cómodo. En él se pueden encerrar cómodamente 1200 robos de trigo, sin ocupar el piso baxo, el qual forma en lo interior un patio ó plaza [y se conoce con el nombre de plaza de abaxo] con soportales en todo su contorno, y en ellos las oficinas y tiendas de toda clase de carnes y comestibles.»Este edificio, que necesitaba serias reformas, quedó disponible, con el trasladó del pósito en 1864 a su nuevo edificio. Se remodeló y se convirtió en el Nuevo Mercado hasta que la madrugada del 22 de mayo de 1875 un incendio asoló el edificio. Sobre sus restos, y los del almudí municipal contiguo a la casa consistorial y también derribado, surgió un nuevo edificio actualmente conocido como Mercado de Santo Domingo en Pamplona.

En 1862 se construyó el nuevo edificio del pósito, con una superficie de 24.796 pies (1.925 metros cuadrados), bajo plano y dirección del maestro de obras municipal José María Villanueva. Su presupuesto ascendió a 1.214 201.63 reales de vellón, o 303.550 pesetas (estimación de 1917). También se elaboró por parte del secretario municipal, Pablo Ilarregui Alonso, un Reglamento para las secciones del Vínculo de la ciudad de Pamplona (Pamplona, Imp. Darío Aguirre, 1862), aprobado por el ayuntamiento el 4 de noviembre de 1862.

A finales del siglo XIX se experimenta «una verdadera revolución tecnológica en el campo de la molinería» que producirá una harina de mayor calidad y rentabilidad para la fabricación del pan. En el molino de Santa Engracia no se produjo la renovación de la maquinaría a este respecto lo cual fue llevando a una merma de la rentabilidad económica del Vínculo que acabaría con su desaparición.

Como se inició la idea de trasladar el Vínculo a otro lugar, en las afueras de la ciudad, en 1917 el Ayuntamiento ofreció al Estado parte del solar del actual edificio, para la construcción de una casa de Correos y Telégrafos, oferta que fue aceptada por real orden del Ministerio de la Gobernación, de fecha 29 de agosto de 1917, aunque adquirieron 350 m² por 68.000 pesetas. La escritura de compra-venta, finalmente, se firma el 30 de abril de 1918 por 850 m². El alcalde firmante era Francisco Javier Arraiza y por la parte del Estado firmaba el gobernador Emilio Díaz-Moreu.

El 20 de marzo de 1933 el Ayuntamiento de Pamplona acordaba la liquidación y terminación de funciones de «El Vínculo de Pamplona».

Véase también

 Real Pósito de Madrid
 Ayuntamiento de Pamplona

Notas

Referencias

Bibliografía

Enlaces externos
 .

Vínculo
Empresas de Navarra
Pan en la cultura
Ayuntamiento de Pamplona


text:
Barapada Engineering School (BES), came into being in 1957. Late Dr Harekrushna Mahatab, the then Chief Minister of Odisha conceived the idea with the objective of developing it in due course to a rural university.

Initially the school was organized and managed by a citizen of Bhadrak, the late Narendra Prasad Das. However, in the middle 1960s, it was closed down. It restarted in 1982 as Barapda School of Engineering & Technology (BSET) at the same site. This was possible due to the leadership of late Chintamani Mohanty, a leading advocate of Bhadrak who acted as the President of the governing body. Its growth was further advanced when Sri Jugal Kishore Pattnaik, the then Minister of Odisha obtained help for its improvement.

In the meantime, the governing body was reconstituted with Sri Debendra Mohapatra as its president. The institution embarked upon a new phase of development when the governing body was reconstituted in July 1990, with Sj. Prafulla Samal, the then Minister of State of Labour & Employment, as its president.

Bhadrak Institute of Engineering & Technology (BIET) in Odisha, India, was established in 1982. The Degree Engineering Courses started in 1997, M.C.A. Courses in 1998, MBA. courses in 2002 and the ITI courses in 2000.

BIET is a life member of the  Indian Society for Technical Education (ISTE). There is an ISTE student chapter, which conducts seminars and workshops.

College is spread over 10.33 Acres area.

Affiliation
The institution offers B.Tech, MCA and MBA courses. These are approved by All India Council for Technical Education (AICTE), New Delhi, recognized by the government of Odisha and affiliated to Biju Pattnaik University of Technology (BPUT), Rourkela.

Facilities

Hostel
There are four hostels: East, West, and North for boys, and Titanic for girls.

Library
The institute has a library-cum-reading room located in the main academic block that caters to the need of teachers and students. It has 33,000 volumes of text and reference books. The library subscribes to 115 journals and periodicals, multimedia, CDs by IITians, study materials of NPTEL /MIT and e-journals (IEEE/IEE, ASME).

Transport
BIET has a fleet of vehicles to cater to the transportation needs of its students, staff members and visiting guests. These buses serve as the link between the campus and the city.

Health Care
A PHC situated adjacent to the college campus meets any health related casualty. Two ambulances provide a 24-hour service. A pharmacist has been appointed with a first-Aid centre to help the students.

Bank

United Bank Of India & Punjab National bank wings are available

Location
The institute is located at Barapada, about 8 km away from Bhadrak and 140 km away from Bhubaneswar.

Departments
Degree, MCA and MBA courses are approved by the All India Council for Technical Education (AICTE), New Delhi, recognized by Government of Odisha and affiliated to Biju Patnaik University of Technology (BPUT), Rourkela. The Diploma courses are affiliated to the State Council for Technical Education & Vocational Training (SCTE & VT), Odisha.

The institute offers B.Tech. (Bachelor of Technology) 4 years programme in the following disciplines:
 Civil Engineering
 Computer Science and Engineering
 Electronics and Communication Engineering
 Information Technology
 Mechanical Engineering
 Electrical Engineering
Diploma 3-year programme in the following disciplines:
 Civil Engineering (CE)
 Computer Science and Engineering (CS)
 Electronics and Communication Engineering (ETC)
 Information Technology (IT)
 Mechanical Engineering (ME)
 Electrical Engineering (EE)

M.Tech 2-year programme in the following disciplines:
 Mechanical Engineering (ME)
 Electrical Engineering (EE)

Other departments
 Department of Mathematics & Humanities
 Department of Chemistry
 Department of Physics
 Department of MCA
 Department of Business Administration

References

External links
 Official website of BIET

All India Council for Technical Education
Engineering colleges in Odisha
Business schools in Odisha
Colleges affiliated with Biju Patnaik University of Technology
Bhadrak district
Educational institutions established in 1982
1982 establishments in Orissa


text:
Amphitecna, biljni rod iz porodice katalpovki, dio reda medićolike. Pripada mu 20 vrsta rasprostranjenih po tropskoj Americi, od južnog Meksika i Floride na jug preko Antila i Srednje Amerike do sjevera Južne Amerike.

Vrste
 Amphitecna apiculata A.H.Gentry
 Amphitecna breedlovei A.H.Gentry
 Amphitecna costata A.H.Gentry
 Amphitecna donnell-smithii (Sprague) L.O.Williams
 Amphitecna gentryi W.C.Burger
 Amphitecna isthmica (A.H.Gentry) A.H.Gentry
 Amphitecna kennedyae (A.H.Gentry) A.H.Gentry
 Amphitecna latifolia (Mill.) A.H.Gentry
 Amphitecna loreae Ortíz-Rodr. & Burelo
 Amphitecna lundellii A.H.Gentry
 Amphitecna macrophylla (Seem.) Miers ex Baill.
 Amphitecna molinae L.O.Williams
 Amphitecna montana L.O.Williams
 Amphitecna parviflora A.H.Gentry
 Amphitecna regalis (Linden) A.H.Gentry
 Amphitecna sessilifolia (Donn.Sm.) L.O.Williams
 Amphitecna silvicola L.O.Williams
 Amphitecna spathicalyx (A.H.Gentry) A.H.Gentry
 Amphitecna steyermarkii (A.H.Gentry) A.H.Gentry
 Amphitecna tuxtlensis A.H.Gentry

Sinonimi
 Dendrosicus Raf.
 Enallagma (Miers) Baill.
 Neotuerckheimia Donn.Sm.

Izvori

Katalpovke


text:
Aulnay-sur-Marne is een gemeente in het Franse departement Marne (regio Grand Est) en telt 214 inwoners (1999). De plaats maakt deel uit van het arrondissement Châlons-en-Champagne.

Geografie
De oppervlakte van Aulnay-sur-Marne bedraagt 9,2 km², de bevolkingsdichtheid is 23,3 inwoners per km².

Demografie
Onderstaande figuur toont het verloop van het inwonertal (bron: INSEE-tellingen).

Externe links

Gemeente in Marne


text:
Либохорська сільська рада — колишній орган місцевого самоврядування у Турківському районі Львівської області. Адміністративний центр — село Либохора.

Загальні відомості
Либохорська сільська рада утворена в 1939 році. Водоймища на території, підпорядкованій даній раді: річка Либохірка.

Населені пункти
Сільській раді підпорядковані населені пункти:
 с. Либохора

Склад ради
Рада складалася з 16 депутатів та голови.

Керівний склад попередніх скликань

Примітка: таблиця складена за даними джерела

Примітки

Джерела
 Картка ради на сайті Верховної Ради України

Адміністративний устрій Турківського району


text:
Michael Jackson Live in Japan (jap. 橫濱市でマイケルジャクソンのバッド) es un DVD de un concierto de Michael Jackson en el comienzo de su Bad World Tour. Realizado en el Estadio de Yokohama, en Yokohama, Japón el 26 de septiembre de 1987, el concierto fue transmitido por televisión por el canal Nippon TV. Aunque una versión no oficial, ha sido vendido en la música y el vídeo en muchas tiendas, y ha demostrado ser popular entre los aficionados.

Audio del concierto también fue puesta a disposición como un pirata de doble CD, así como en Internet.

Lista de canciones
 "Wanna Be Startin' Somethin'"
 "Things I Do for You"
 "Off the Wall"
 "Human Nature"
 "This Place Hotel"
 "She's Out of My Life"
 "Jackson 5" Medley
 "I Want You Back"
 "The Love You Save"
 "I'll Be There"
 "Rock With You"
 "Lovely One"
 "Workin' Day and Night"
 "Beat It"
 "Billie Jean"
 "Shake Your Body (Down to the Ground)"
 "Thriller"
 "I Just Can't Stop Loving You" (With backup vocalist Sheryl Crow)
 "Bad"

Cabe mencionar que el DVD dispone de una muy baja calidad cosa que se ha corregido en algunos reproductores de HD y disponibles en descarga o YouTube.

Referencias

Videoálbumes de 2008
Videoálbumes de Michael Jackson

vi:Michael Jackson Live in Japan


text:
Josef Korčák (17 December 1921 – 5 October 2008) was a Czech politician who served as a Prime Minister of the Czech Socialist Republic from 1970 to 1987. He was the longest serving Czech Prime Minister.

Biography
He was born in Holštejn. He became metal turner. He worked in Brno armory form 1937 to 1948. In 1948 he became active in politics.

He became Prime Minister in 1970 when he replaced Josef Kempný. He remained in this position until 1987 when he was replaced by Ladislav Adamec. Kočák was excluded from KSČ in 1990. He died in 2008.

References

1921 births
2008 deaths
People from Blansko District
Members of the Central Committee of the Communist Party of Czechoslovakia
Government ministers of Czechoslovakia
Members of the National Assembly of Czechoslovakia (1960–1964)
Members of the National Assembly of Czechoslovakia (1964–1968)
Members of the Chamber of the People of Czechoslovakia (1969–1971)
Members of the Chamber of the People of Czechoslovakia (1971–1976)
Members of the Chamber of the People of Czechoslovakia (1976–1981)
Members of the Chamber of the People of Czechoslovakia (1981–1986)
Members of the Chamber of the People of Czechoslovakia (1986–1990)
Czech communists
Prime Ministers of the Czech Socialist Republic
Communist Party of Czechoslovakia prime ministers


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Kostrzewa nibydalmacka (Festuca pseudodalmatica Lam.) – gatunek rośliny z rodziny wiechlinowatych. Występuje od Europy środkowej na zachodzie po umiarkowaną część Azji na wschodzie. W Polsce jest gatunkiem bardzo rzadkim; rośnie tylko w Bramie Krakowskiej i na Wyżynie Miechowskiej.

Morfologia
 Łodyga  Źdźbło do 60 cm długości.
 Liście  Dłuższe niż połowa długości źdźbła, szorstkie, owoszczone, o grubości 0,4-0,8 mm. W przekroju poprzecznym pięć wiązek przewodzących oraz pięć pasm sklerenchymy zbudowanych z 2-10 warstw komórek.
 Kwiaty  Zebrane w 4-8-kwiatowe, sinozielone, owoszczone kłoski o długości 6,5-8 mm, te z kolei zebrane w luźną wiechę o długości 5-11 cm. Plewy nagie. Plewki dolne szydlastolancetowate, z ością o długości ⅓-½ długości plewki.
 Owoc  Ziarniak.

Biologia i ekologia
Bylina, hemikryptofit. Rośnie w murawach kserotermicznych. Kwitnie w maju i czerwcu.

Zagrożenia i ochrona
Roślina umieszczona w Polskiej Czerwonej Księdze Roślin w grupie gatunków krytycznie zagrożonych (CR). Tę samą kategorię posiada na polskiej czerwonej liście.

Przypisy

Wiechlinowate


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Tama Janowitz (born April 12, 1956) is an American novelist and a short story writer. She is often referenced as one of the main "brat pack" authors, along with Bret Easton Ellis and Jay McInerney.

Life
Her parents, psychiatrist Julian Janowitz, and Phyllis Janowitz (née Winer), a literature professor at Cornell University, divorced when she was ten. She and her brother David grew up with her mother in Massachusetts, and, for two years in the late 1960s, in Israel.

Janowitz graduated from Barnard College with a B.A. in 1977 and from Hollins College with an M.A. in 1979. In 1985 she received an M.F.A from the Columbia University School of the Arts.

Upon settling in New York City, Janowitz started writing about life there, socializing with Andy Warhol, and becoming well known in Manhattan literary and social circles. Her 1986 collection of short stories, Slaves of New York, brought her wider fame. Publishers Weekly described the book as seven stories featuring a woman named Eleanor, "a diffident young woman who gains entree to the arty milieu of lower Manhattan, which seems to combine elements of Oz and Never-Never-Land with Dante's Inferno." Slaves of New York was adapted into a 1989 film directed by James Ivory and starring Bernadette Peters. Janowitz wrote the screenplay and also appeared, playing Peters' friend.

Janowitz has published seven novels, one collection of stories and one work of nonfiction. She left Manhattan to live in Brooklyn with her British husband and art-gallery owner, Tim Hunt, and their daughter.  She now lives near Ithaca, New York.

Her memoir, Scream: A Memoir of Glamour and Dysfunction, was published in August 2016 to reviews both positive and negative.  In The New York Times Book Review, Ada Calhoun noted Janowitz's deadpan, almost careless way of looking at her own life and the glamor of hanging out with Andy Warhol and dancing at Studio 54. The review also addressed the concern with material goods and financial security that drives many of Janowitz's novels and led her to appear in ads for Amaretto and other products. Calhoun wrote, "This memoir—which spans her childhood (partly spent in 1968 Israel, where her family was booted from a hotel for not paying), her adventuresome youth (she had a fling with a 63-year-old Lawrence Durrell when she was 19), her career struggles and successes, and her more recent life as caretaker to her dying mother — shows that she comes by her obsession with money honestly."

Awards
 1975 Bread Loaf Writers fellowship
 1976; 1977 Janoway Fiction prize
 1982 National Endowment award

Publications

Fiction
American Dad, Crown, 1981, ; Picador, 1988,
Slaves of New York, Crown Publishers, 1986,
Five, (with Constance DeJong, Richard Prince, Joe Gibbons, and Leslie Thornton), New York: Top Stories, 1986,
A Cannibal in Manhattan, Washington Square Press, July 1988,
The Male Cross-Dresser Support Group, Crown Publishers, 1992, ; Simon and Schuster, 1994,
By the Shores of Gitchee Gumee Crown Publishers, 1996,
A Certain Age, Doubleday, 1999; Anchor Books, 2000,
Hear that?, Illustrator Tracy Dockray, SeaStar Books, 2001,
Peyton Amberg, Bloomsbury, 2003, ; Macmillan, 2004,
They Is Us, The Friday Project Limited, 2008,

Nonfiction

Area Code 212, Bloomsbury, 2002, ; Macmillan, 2005,
Scream: A Memoir of Glamour and Dysfunction; Dey Street Books, August 9, 2016 ()

References

External links
"My Lunch with Tama", Random House Bold Type, 08 1999, Laura L. Buchwald
"She'll Take Manhattan", New York Magazine, July 14, 1986
Audio Interview with Tama Janowitz
"My Little Pony: A Memoir by Tama Janowitz

1957 births
Living people
Writers from San Francisco
20th-century American novelists
Barnard College alumni
Columbia University School of the Arts alumni
21st-century American novelists
American women novelists
20th-century American women writers
21st-century American women writers


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The 13th Guldbagge Awards ceremony, presented by the Swedish Film Institute, honored the best Swedish films of 1976 and 1977, and took place on 5 September 1977. The Man on the Roof directed by Bo Widerberg was presented with the award for Best Film.

Awards
 Best Film: The Man on the Roof by Bo Widerberg
 Best Director: Marianne Ahrne for Near and Far Away
 Best Actor: Håkan Serner for The Man on the Roof and Bang!
 Best Actress: Birgitta Valberg for Paradise Place
 Special Achievement: Sven Klang's Combo

References

External links
Official website
Guldbaggen on Facebook
Guldbaggen on Twitter
13th Guldbagge Awards at Internet Movie Database

1977 in Sweden
1977 film awards
Guldbagge Awards ceremonies
September 1977 events in Europe
1970s in Stockholm


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Henri XI de Głogów () (né vers 1429/1435 – ) fut duc de Głogów, c'est-à-dire de la moitié de Głogów tenue par sa lignée, Szprotawa, Krosno Odrzańskie, Świebodzin, Kożuchów  Zielona Góra et Lubin à partir de 1467.

Origine
Henri XI est le second fils de Henri IX l'Ancien, duc de Głogów et de son épouse Hedwige, fille de Conrad III d'Oleśnica. La mort de son frère ainé Sigismond le  fait de lui le seul héritier de son père, son autre frère anonyme étant mort âgé d'environ une vingtaine d'années. En mai 1462, Henri XI participe à la rencontre à Głogów des rois Casimir IV de Pologne et Georges de Poděbrady de Bohême qui signent un traité d'amitié. Après l'excommunication du roi de Bohême par le Pape Pie II le , Henri XI est excommunié comme son père pour ne pas avoir soutenu les prétentions au trône de Bohême du roi Casimir IV. À la mort d'Henri IX en 1467 il règne sur Głogów.

Règne
Depuis son enfance Henri XI de santé fragile est un personnage maladif et indolent. Il établit sa résidence principale à  Kożuchów, dont il fait sa capitale de son état, Głogów et son château étant inclus dans l'autre moitié du duché entre les mains de la couronne de Bohême depuis l'extinction de la lignée Piast de Cieszyn. Écrasé par le souvenir de la figure paternelle, il ne fait pas preuve de grandes ambitions politiques et se révèle d'un indécision totale.

À la demande du Conseil de la cité de Wrocław il se décide finalement à envoyer un messager à Kraków, afin d'encourager le roi Casimir IV de Pologne ou l'un de ses fils à revendiquer le trône de Bohême. Toutefois en 1468, Henri XI se décide à soutenir Matthias Corvin de Hongrie dans sa tentative de s'emparer de ce même trône et participe à aux expéditions hongroises menées sans succès en Silésie et en Lusace contre Georges de Bohême. Cherchant toujours à imiter la politique paternelle il apporte son soutien à son cousin Balthasar et lui permet de reprendre son duché dont il avait été dépossédé par son propre frère Jean le Fou.

Un an plus tard en 1469 lors du couronnement du roi Matthias Corvin comme roi de Bohême à Olomouc il reçoit l'expectative de la restitution de la moitié du duché de Głogów annexée au royaume de Bohême depuis 1360 et qui incluait la cité et le château de Głogów. Il n'en obtiendrait toutefois la restitution formelle qu'après le décès de Margareta de Celje épouse de  Władysław, de la lignée de  Cieszyn qui contrôlait les cités qu'elle avait obtenu comme douaire ou  Oprawa wdowia.

Union
Henri XI demeure célibataire très longtemps. À la fin de sa vie âgé d'une quarantaine d'années, sous la pression de ses conseillers stipendiés par le Margrave-Electeur Albert III Achille, il accepte d'épouser la fille de ce dernier Barbara de Brandeboug âgée de 8 ans !  Le contrat de mariage stipule qu'en cas de disparation du duc sans héritier ses états reviendraient à sa veuve avec possibilité de réversion à sa propre famille. Les noces son célébrées à Berlin le . Henri XI meurt brutalement le , vraisemblablement empoisonné par des agents de l'Electeur de Brandebourg. Il est inhumé dans l'église de Kożuchów.

Succession
Henri XI est le dernier duc de la lignée de Głogów. Son seul héritier en ligne masculine légitime est son cousin  Jean II le Fou, ancien duc de Żagań, qui s'oppose aux prétentions de l'Electeur de Brandenbourg, mais aussi de Matthias Corvin et du roi Casimir IV de Pologne dont le fils ainé Vladislav II de Bohême épouse la très jeune veuve Barbara de Brandebourg dès le .  Ce n'est qu'en 1482 après six années de guerres, qu'un compromis est conclu entre les parties à Kamieniec Ząbkowicki, aux termes duquel les cités de Krosno Odrzańskie, Sulechów, Lubsko, Bobrowice sont dévolues au Brandenbourg.
Henri XI est jugé sévèrement tant pas les historiens polonais qu'allemand qui lui reproche son indolence.

Sources
 , édition du 31 aout 2014.
  &  Peter Truhart, Regents of Nations, K. G Saur Munich, 1984-1988 , Art. « Glogau (Pol. Głogów) + Freystadt, Gross-Glogau, Steinau »,  2.450.
  Europäische Stammtafeln Vittorio Klostermann, Gmbh, Francfort-sur-le-Main, 2004 ,  Die Herzoge von Glogau †1476, und Sagan †1504 des Stammes der Piasten  Volume III Tafel 13.

Piast
Duc de Silésie
Décès en février 1476
Date de naissance incertaine (XVe siècle)
Duc de Głogów


text:
Остров Марина () — это остров в Карибском море, который принадлежит южноамериканской стране Колумбии. Административно зависит от департамента Боливар и географически является частью архипелага Коралес-дель-Росарио. Находится на западе от Большого острова и к юго-востоку от острова Роберто. Координаты: 10°10′48″N 75°45′06″W
.

См. также
 География Колумбии

Примечания

Ссылки
 Mapa de localización de la isla

Острова Карибского моря
Острова Колумбии


text:
De duivel is a 1918 Dutch silent drama film directed by Theo Frenkel.

Cast
 Tonny Stevens - Henri de Vere
 Charles Mögle - J, Verburg
 Annie Wesling - Henriëtte van Marle
 Frits Bouwmeester
 Cor Smits
 Maurits Parser - Lablache
 Herman Schwab - De heer van Marle
 Lous van Korlaar-van Dam - Mevrouw van Marle
 Toon van Elsen
 Sylvain Poons - Barman in wit uniform
 Anton van Elsen
 Jo Vischer Sr.
 Hendrik Kammemeijer

References

External links

Dutch silent feature films
1918 films
Dutch black-and-white films
1918 drama films
Films directed by Theo Frenkel
Dutch drama films
Silent drama films


text:
Platacanthoides morosus är en insektsart som först beskrevs av Walker, F. 1870.  Platacanthoides morosus ingår i släktet Platacanthoides och familjen gräshoppor. Inga underarter finns listade i Catalogue of Life.

Källor

Gräshoppor
morosus


text:
Окремий відділ військ БНР в Балтії, також відомий як Окремий загін БНР, Окремий загін Балаховича — загін військ БНР, який діяв на території  Естонії і  Латвії під командуванням  Станіслава Булак-Балаховича в кінці 1919 — початку 1920 років. Загін мав власні відзнаки, нагородну систему і польову пошту (для неї був створений тираж марок «Окремий загін БНР»). Через брак фінансування загін проіснував недовго, перейшовши на польську сторону, після чого отримав назву Російської добровольчої армії.

Передумови створення загону
До переходу на бік Білоруської Народної Республіки загін під командуванням Станіслава Булак-Балаховича входив до складу російської (білої) Північно-Західної армії, яка спільно з естонцями вела боротьбу з більшовиками в районі Пскова. Після поразки Північно-Західної армії під  Петроградом в листопаді 1919 року серед її командування почали посилюватися суперечності. Вони загострилися після відходу армії на територію Естонії і початку мирних переговорів між нею і Радянською Росією. Згідно з домовленостями, російська північно-західна армія мала бути інтернована і підлягала ліквідації. У зв'язку з цим Балахович шукав можливість переходу на іншу сторону.

Створення загону

Рада БНР звернула увагу на Булак-Балаховича ще восени 1918 року, відразу після його переходу на бік білих. Встановлення контакту було неможливим через відсутність білоруського представництва в Естонії. Крім цього, німецька окупаційна влада не погоджувалася на організацію білоруської армії. Через рік, 18 жовтня 1919 року, шеф Білоруської військово-дипломатичної місії в Латвії та Естонії полковник Костянтин Єзовітов встановив контакт з Балаховичем.

7 листопада 1919 року Константин Єзовітов направив запит міністру фінансів БНР Василю Захарко про виділення необхідної суми на утримання загону генерала Булак-Балаховича до початку 1920 року. Державний контролер БНР Левон Заєць направив свою резолюцію 17 листопада 1919 року, в якій зазначалось: «Нічого не маючи проти асигнування білоруських національних загонів, вважаю однак обов'язковим потрібне призначення при таких загонах спеціального урядовця Державного Контролю заради невідкладної фактичної перевірки і контролю витрат».

14 листопада 1919 року Балахович подав офіційну декларацію про білоруське громадянство і його прийняття на білоруську службу. Костянтин Єзовітов, не дочекавшись відповіді від уряду БНР, взяв відповідальність на себе і 15 листопада 1919 року в відповідь на заяву Балаховича повідомив йому: «Відтепер ви з Вашим військам рахуєтесь на службі в Армії Білоруської Народної Республіки, як командир Окремого Загону Білоруської Народної Республіки в Естонії». Загін отримав офіційну назву «Окремий відділ військ БНР в Балтії». Не пізніше 24 листопада Балахович отримав від  Клавдія Дуж-Душевского білоруську форму, печатку і штамп Окремого загону.

Діяльність загону

26 листопада — «Окремий відділ», згідно з договором білоруських дипломатів  Клавдія Дуж-Душевского і Єзовітова з урядом Естонії, був прийнятий на тимчасове утримання Естонії, фінансові витрати зараховані як державна позика БНР. Не вдалося домогтися згоди естонців на збільшення загону шляхом мобілізації білорусів, які перебували на території Естонії, а також отримати допомогу з боку держав Антанти. Американська місія передала балаховцям польовий госпіталь і медикаменти.

У листопаді, після відступу естонців від Пскова і поразки Північної-Західної армії під Петроградом естонська армія, а разом з нею Окремий загін БНР в Балтії перейшла до оборонних боїв, а штаб загону був переведений в Марієнбург. Окремий відділ знаходився в  Латгалії на стику оперативних дій 2-й і 3-й дивізій естонської армії на півночі колишньої  Вітебської губернії. 3-тя дивізія займала переважно Південний фронт естонської армії, поступово передавала позиції латишам.

14 грудня Окремий відділ БНР захопив села Павлове, Тульцеве і взяв у полон 10 червоноармійців. 19-20 грудня більшовики перейшли в наступ і відновили контроль над колишніми позиціями. Павлове було втрачене Окремим загоном в нерівному бою, команда загону з 14 чоловік загинула, за винятком трьох солдатів, які прорвалися через облогу червоних разом з кулеметом. Окремий загін перейшов в контрнаступ і 20 грудня звільнив село Павлове, захопив 1 кулемет. 23 червоноармійці загинули в бою.

20 грудня 1919 року Булак-Балахович сам побував на передовій лінії фронту. 19 грудня загін відбив 4 атаки червоних, було захоплено 17 полонених, однак мав втрати: було вбито 6 бійців загону, пропали безвісти 5 солдатів, поранено 11, захворіло від холоду 16 осіб.

Внаслідок естонсько-радянських переговорів Єзовітов запропонував в  Ризі прийняти загін Балаховича під латиське командування, на що отримав відмову. Можливо, однією з причин відмови стали білоруські претензії на певні литовські території.

На початку січня 1920 року Латвія висловила згоду прийняти частину загону на своїй території, в населеному пункті Марієнбург, однак відмовилася прийняти його під своє командування.

22 січня 1920 року «Окремий відділ» юридично був включений Радою БНР (уряд  А. Луцькевича) до складу білоруської армії.

На початку лютого 1920 року в зв'язку з відсутністю коштів на фінансування загону, новий голова Ради БНР Вацлав Ластовський в присутності Єзовітова погодився на перехід Балаховича під польське командування.

8 лютого 1920 року Єзовітов звернувся з листом до  Пілсудського, в якому, посилаючись на його декрет про формування білоруської армії, просив виділити загону генерала Булак-Балаховича ділянку фронту на лівому фланзі польських військ. Цей лист представнику Польської республіки в Ризі, Б. Бовфалу вручив секретар білоруської місії Янка Чарепук. Бовфал відмовився робити якісь кроки в цій справі, стверджуючи що Єзовітова й Душевского відкликав їх власний уряд, якого Польща не визнає.

Перехід на польську сторону

В кінці січня 1920 року поляки розпочали секретні переговори з Балаховичем за посередництва його брата Йосипа.

17 лютого 1920 року Балахович висловив згоду на перехід під польське командування (в день прийняття до складу білоруської армії урядом Антона Луцкевича), відповідну угоду було підписано в Ризі 23 лютого . Під польським командуванням Булак-Балахович назвав свою групу Російською народною добровольчою армією, а над його штабом піднято  російський прапор . За спогадами  Зінаїди Гіппіус, сам Булак-Балахович в кінці березня 1920 роки так пояснював обставини переходу свого загону з Естонії в Польщу :

26 лютого польське командування прийняло рішення про передислокацію загону Балаховича в Брест. Загін був розділений на 2 частини: перша група вийшла з Марієнбурга 5 березня, друга на день пізніше. Латвійці дали для першої частини 17 критих вагонів для солдатів, 5 платформ для спорядження, 6 вагонів для коней і один для офіцерів, для другої 17 вагонів для солдатів, 7 для коней, 4 платформи і вагон для офіцерів. 5 квітня перший транспорт прибув в Двінськ, звідки рушив у Вільно, через 14 днів подорожі загін прибув в Брест .

21 березня 1920 року Єзовітов запропонував підполковнику Іверському в зв'язку з переходом Окремого загону під польське командування ліквідувати представництво при місії і здати печатку і бланки Окремого загону. У Марієнбурзі на цей час залишався тільки лазарет, а також кілька команд загону. 29 квітня Данила Кадовба, Юрій Гладкий (пізніше замінений на Миколу Муратова) та підполковник Іверський були призначені до складу ліквідаційної комісії Окремого загону. Евакуація солдатів в Польщі повинна була проходити під керівництвом і наглядом комісії .

Див. також
 Білоруська Народна Республіка
 Збройні сили Білоруської Народної Республіки

Примітки

Білоруська Народна Республіка


text:
Tamara Andrejevna Tiškevič (), beloruska atletinja, * 22. januar 1931, Vitebsk, Sovjetska zveza, † 27. december 1997, Sankt Peterburg, Rusija.

Nastopila je na poletnih olimpijskih igrah v letih 1952 in 1956, ko je dosegla uspeh kariere z osvojitvijo naslova olimpijske prvakinje v suvanju krogle, leta 1952 je bila četrta. Na evropskih prvenstvih je osvojila srebrno in bronasto medaljo v isti disciplini.

Zunanje povezave

Beloruski atleti
Olimpijski tekmovalci za Sovjetsko zvezo
Prejemniki zlatih olimpijskih medalj za Sovjetsko zvezo
Atleti Poletnih olimpijskih iger 1952
Atleti Poletnih olimpijskih iger 1956
Suvalci krogle


text:
La Sorpresa del Arroyo de la China fue el ataque de fuerzas de Portugal a la villa de Concepción del Uruguay en la Provincia de Entre Ríos, Argentina. Se produjo el 19 de mayo de 1818 en el marco de la Invasión Luso-Brasileña a la Banda Oriental. La villa, entonces también denominada del Arroyo de la China, estaba defendida por su comandante, Francisco Ramírez, y fue tomada y saqueada en parte por los atacantes.

Antecedentes
Dominar el río Uruguay era una necesidad para materializar el deseo del comandante de las fuerzas portuguesas en operaciones en la Banda Oriental, Carlos Federico Lecor, quien concebía la idea de una operación combinada naval y terrestre que le permitiera la unión de sus fuerzas ubicadas en el sur con las del comandante de las fuerzas de Río Grande del Sur, Joaquín Javier Curado, quien desde la Batalla del Catalán permanecía inmóvil al norte del río Cuareim sobre su confluencia con el arroyo Catalán. Lecor también tenía el propósito de separar a José Gervasio Artigas de sus apoyos entrerrianos y situarse en posición para futuras operaciones en Entre Ríos.

El 7 de febrero de 1818 Curado marchó hacia el sur en dirección a Paysandú, abandonando su campamento con una avanzada de 4.000 hombres. Luego de algunas escaramuzas con la vanguardia artiguista, el 21 de febrero las fuerzas de Curado capturaron a su comandante, el capitán Juan Antonio Lavalleja, en las puntas del arroyo Valentín (Departamento de Salto), quien fue remitido a Montevideo y de allí a Río de Janeiro. Cinco días después el segundo de Lavalleja, comandante Pablo Castro, fue derrotado con el resto de la división (de 900 hombres) en las puntas del arroyo Guaviyú, quedando sus fuerzas dispersadas. A consecuencia de ello, Artigas abandonó su campamento de Purificación del Hervidero sobre el río Uruguay, al cual llegó luego Curado, cruzando el río Queguay e instalándose sobre el Paso del Sauce. Éste dirigió hacia Paysandú una división al mando de Juan de Dios Mena Barreto y otra hacia Santo Domingo Soriano y Mercedes al mando de Bento Manuel Ribeiro. En esta incursión Ribeiro se apoderó de caballadas.

Flotilla portuguesa en el río Uruguay
Para coordinar acciones con Curado, el 2 de mayo de 1818 penetró el río Uruguay una escuadra portuguesa enviada por Lecor desde Montevideo, integrada por la Goleta Oriental y dos barcas al mando de Jacinto Roque de Sena Pereira. Dado que la flotilla no fue atacada al pasar la isla Martín García, algunos autores creen que la operación se realizó con el consentimiento del Director Supremo de las Provincias Unidas del Río de la Plata, Juan Martín de Pueyrredón, debido a la guerra que entonces libraba contra las fuerzas artiguistas en Entre Ríos. Según el escritor Edison Alonso, esta complicidad por parte del Directorio está probada por el oficio dirigido a Artigas por Miguel Bonifacio Gadea el 13 de septiembre de 1817. Las fuerzas portuguesas dominaban entonces la margen oriental del río Uruguay hasta Salto y la oriental del Río de la Plata hasta Colonia del Sacramento, entregada poco antes por sus comandantes a los portugueses.

Las baterías costeras
Ramírez tenía en Concepción del Uruguay entre 400 y 500 soldados y con los 3 cañones capturados al general directorial Marcos Balcarce en la Batalla de Saucesito había levantado una batería en el Paso Vera, ubicado 5 km al norte de la villa a . Con la finalidad de completar la defensa del litoral, Artigas hizo construir en Entre Ríos dos baterías: una ubicada frente a Paysandú (), y la otra en la barra del arroyo Perucho Verna (), ambas ubicadas al sur y al norte de Colón, respectivamente. Las dos baterías estaban custodiadas por 600 hombres al mando del coronel Gorgonio Aguiar (bajo dependencia directa de Artigas como comandante de las fuerzas orientales en Entre Ríos), escalonados en varios campamentos desde el arroyo Yeruá hasta Concepción del Uruguay. La batería del arroyo Perucho Verna protegía una escuadrilla de 12 embarcaciones menores apostadas en su barra, en donde Aguiar tenía 200 soldados libertos de infantería.

Acción del Paso Vera
El 12 de mayo la goleta portuguesa, que navegaba adelante de las barcas en busca de las fuerzas de Curado, sostuvo un tiroteo con la batería del Paso Vera, oculta entre los bosques, resultando averiada. La batería de la costa perdió una pieza, quedando con algunos muertos y heridos. La goleta debió refugiarse en una isla cercana a la costa oriental. Los cañonazos alertaron a las fuerzas de avanzada de Curado cercanas a Paysandú, las cuales tomaron contacto con la flotilla a la mañana siguiente. Senna Pereyra y los comandantes de Curado intimaron la rendición de la batería, con la amenaza de saquear la villa.

Ataque a Concepción del Uruguay

Desde Paysandú Curado ordenó al guerrillero riograndense Bento Manuel Ribeiro que cruzara con 500 hombres de caballería el río Uruguay y atacara las baterías. Durante la noche del 19 de mayo Ribeiro cruzó a nado el río en el Paso de San José del Uruguay frente a la Calera de Barquín (74 km al norte de Concepción del Uruguay, a ), en el actual parque nacional El Palmar, y atacó sorpresivamente por la espalda de la batería y flotilla artiguista del Perucho Verna, que significó la derrota y captura del comandante Aguiar con toda su fuerza de 200 soldados y sus 12 embarcaciones. Cayó luego sobre la batería ubicada frente a Paysandú, derrotando al comandante Francisco Tejera (o Faustino Tejera) que la custodiaba con 400 hombres de caballería.

Luego Ribeiro se dirigió a Concepción del Uruguay, atacando por el flanco y la retaguardia a las fuerzas que custodiaban la batería del Paso Vera, produciéndose una precipitada retirada de Ramírez. La villa quedó indefensa y fue en parte saqueada por los portugueses y además se obligó a los comerciantes a efectuar una contribución. Ribeiro se apoderó también del dinero de la caja del ejército de Artigas, que tenía D. N. Masanti en Concepción del Uruguay y solicitó a Curado que le permitiera salir en persecución de Ramírez, quien ubicó su campamento sobre el arroyo Calá, lo cual le fue negado. Ribeiro capturó un total de 366 prisioneros, 8 cañones, una bandera y varias carretas con armamentos y municiones. Cinco oficiales directoriales prisioneros en Concepción del Uruguay desde la Batalla de Saucesito fueron liberados por Ribeiro y luego remitidos a Buenos Aires.

Unos pocos días después, llevándose consigo caballadas y algunas familias y protegido por los barcos portugueses, Ribeiro repasó el río Uruguay y se dirigió en busca de Artigas, logrando derrotar a las fuerzas artiguistas en la Batalla de Guaviyú el 21 de mayo de 1818, en el actual Departamento de Paysandú, pero poco después fue derrotado en la Batalla de Chapicuy por Fructuoso Rivera.

Referencias

Véase también
 Segunda guerra entre el Directorio y Artigas en Entre Ríos

Batallas de la invasión luso-brasileña
Batallas y combates en la provincia de Entre Ríos
Historia de Concepción del Uruguay
Argentina en 1818


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The Tune Weavers were an American vocal group formed in 1957.  They had a US top ten hit in 1957 with "Happy, Happy Birthday Baby".  After first splitting up in 1962, the group has continued to perform with two original members.

Career
The group formed in Woburn, Massachusetts, and originally comprised lead singer Margo Sylvia (born Margo Lopez, 4 April 1936 – 25 October 1991); tenor Gilbert J. "Gil" Lopez (4 July 1934 – 3 July 1998); bass singer John Sylvia (b. 4 September 1935); and obligato Charlotte Davis (b. 12 November 1936).  Margo and Gil, who were sister and brother, sang as a jazz and pop duo together in clubs, before being joined in 1956 by Margo's husband John, and her cousin Charlotte, to form the group.  They were originally called the Tone Weavers before they were mistakenly announced as the Tune Weavers, and the new name stuck.

The group came to the attention of former band leader Frank Paul, and in March 1957 they recorded a song, "Happy, Happy Birthday Baby", that Margo and Gil had written together in 1952.  The record was issued on Paul's own label, Casa Grande, but was not a success at first.  However, a few months later it began to be played by radio DJs in Philadelphia.  It was promoted by Dick Clark, and Chess Records in Chicago then bought the national distribution rights, and released it on their subsidiary label Checker Records.  The record entered both the Billboard pop and R&B charts in September 1957, reaching no. 5 on the pop chart and no. 4 on the R&B chart.

The group appeared in an Alan Freed rock and roll concert in Brooklyn, New York, and later went on national package tours with The Everly Brothers, Buddy Holly and the Crickets, Eddie Cochran, Paul Anka, Roy Hamilton, The Clovers, and others.  They released several more records on the Casa Grande label, distributed by Ember Records, including "I Remember Dear", but none of their later releases made the charts.  Charlotte Davis left the group in 1960, and was replaced by William "Bunky" Morris Jr..  They continued to record until 1964, but then broke up.

The group reassembled for some performances in the 1970s, and Margo Sylvia recorded under the Tune Weavers name in the late 1980s.  Following her death in 1991, and that of Gil Lopez in 1998, John Sylvia and Charlotte Davis (now Charlotte Davis Rose) joined new group members Alice Fernandes and Burt Pina to do shows, and the group was inducted into the Doo Wop Hall of Fame in 2003.

References

American rhythm and blues musical groups
American vocal groups