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Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band é o oitavo álbum de estúdio da banda britânica de rock The Beatles. Lançado a 26 de maio de 1967 no Reino Unido e a 2 de junho nos Estados Unidos, tornou-se imediatamente um enorme sucesso comercial e crítico, permanecendo durante 27 semanas no topo das tabelas de álbuns do Reino Unido e 15 semanas na primeira posição nos Estados Unidos. Na altura em que foi lançado, o álbum foi aclamado pela vasta maioria dos críticos pela sua inovação na produção musical, escrita e design gráfico, e por criar uma ponte que divide a musica popular e a arte legitima, bem como dar uma representação musical da geração do seu tempo e a contra-cultura contemporânea. A revista Time o considerou "uma evolução histórica no progresso da música" e a New Statesman elogiou a sua elevação da música pop ao nível de arte. O trabalho conquistou quatro Prêmios Grammy em 1968, incluindo a categoria Álbum do Ano, o primeiro LP de rock a receber tal honra.

Em agosto de 1966, os Beatles retiraram-se permanentemente das turnês e começaram um período de férias que durou três meses. Em novembro, durante um voo de regresso para Londres, Paul McCartney teve uma ideia para uma canção envolvendo uma banda militar da era Eduardiana, a qual eventualmente formaria o ímpeto para o conceito de Sgt. Pepper. As sessões de gravação do sucessor de Revolver começaram em 24 de novembro no Abbey Road Studio Two, com duas composições tematicamente ligadas à infância dos membros da banda: "Strawberry Fields Forever" e "Penny Lane". No entanto, depois de serem pressionados pela EMI, as canções foram lançadas como um single de dupla face, e assim, não foram incluídas no trabalho final.

Em fevereiro de 1967, depois de gravarem a canção "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", McCartney sugeriu que os Beatles lançassem um LP inteiro que representasse um espectáculo feito pela banda fictícia Sgt. Pepper. Este grupo alter ego acabou por lhes dar liberdade para fazerem experiências musicais. Durante as gravações, a banda esforçou-se para melhorar a qualidade da produção em comparação com os seus lançamentos anteriores. Sabendo que não iriam tocar as canções ao vivo, adotaram uma abordagem experimental para composição, escrevendo canções como "With a Little Help from My Friends", "Lucy in the Sky with Diamonds" e "A Day in the Life". As técnicas inovadoras de gravação implementadas pelo engenheiro de som Geoff Emerick e pelo produtor George Martin incluíam a aplicação liberal da modelagem de som com processamento de sinal e o uso de uma orquestra de quarenta integrantes a tocar crescendos aleatórios. As gravações terminaram em 21 de abril de 1967. A capa, que mostra a banda em pose em frente a uma plateia de celebridades e de figuras históricas, foi criada pelos artistas britânicos Peter Blake e Jann Haworth, baseada num esboço de McCartney.

Sgt. Pepper é considerado pelos musicólogos como um álbum conceitual, que desenvolveu o uso da forma usual na música popular enquanto continuava a maturação artística vista nos álbuns anteriores dos Beatles. Desde então, tem sido descrito como um dos primeiros LPs de art rock, auxiliando o desenvolvimento do rock progressivo, e creditado como marco inicial da 'Era do Álbum'. Além de importante trabalho da psicodelia britânica, o disco de multigêneros incorpora diversas influências estilísticas, incluindo vaudeville, circense, music hall, avant-garde, e música clássica ocidental e indiana. Em 2003, a Biblioteca do Congresso Americana inseriu Sgt. Pepper no Registo Nacional de Gravações, honrando o trabalho como "culturalmente, historicamente, ou esteticamente significante". No mesmo ano, a revista Rolling Stone colocou-o em primeiro lugar na lista dos "500 Melhores Álbuns de Sempre" com a justificação de que é "uma aventura inultrapassável em conceito, som, composição, arte da capa e tecnologia de estúdio pelo melhor grupo de todos os tempos de rock and roll." Em 2014, já tinham sido vendidas mais de 30 milhões de cópias mundialmente, fazendo de Sgt. Pepper um dos álbuns mais vendidos da história da música. O Prof. Kevin J Dettmar, ao escrever para a Enciclopédia Oxford de Literatura Britânica, descreveu-o como "o mais importante e influente álbum de rock and roll alguma vez gravado".

Antecedentes

Em 1966, os Beatles estavam cansados de realizar concertos ao vivo. Na opinião de John Lennon, eles podiam "enviar quatro bonecos de cera... e seria o bastante para satisfazer a multidão. Os concertos dos Beatles já não tinham nada a ver com música. Eram apenas malditos ritos tribais." Em junho daquele ano, dois dias depois de terem finalizado o álbum Revolver, o grupo iniciou uma turnê mundial a partir da Alemanha. Em Hamburgo, entretanto, receberam um telegrama anônimo que dizia: "Não vão a Tóquio. A vossa vida corre perigo". A ameaça foi levada a sério à luz da controvérsia criada por grupos conservadores e religiosos do Japão, opostos à ideia planejada pelos Beatles de realizar uma apresentação na arena sagrada Nippon Budokan. Como precaução, 35 000 policias foram mobilizados e encarregues de proteger o grupo, que foi transportado dos locais dos shows para os hotéis em carros blindados. O comedimento do público japonês e a ausência de fãs a gritar durante os shows permitiram ao quarteto ouvir suas performances e perceber o quanto elas tinham perdido qualidade. Quando chegaram às Filipinas, foram ameaçados e maltratados pelos cidadãos por não visitarem a Primeira Dama Imelda Marcos. O grupo manifestava descontentamento com o seu empresário, Brian Epstein, por este insistir no que eles consideravam ser um itinerário desgastante e desmoralizante. Depois do regresso a Londres, George Harrison respondeu a uma questão sobre os futuros planos da banda: "Tiraremos um par de semanas para recuperação [da viagem] antes de irmos [aos Estados Unidos] e sermos espancados pelos americanos." Tal comentário provou ser profético, uma vez que o posterior dito de John sobre os Beatles serem "mais populares que Jesus" envolveu a banda em enorme controvérsia, gerando protestos no Bible Belt dos Estados Unidos. Um pedido de desculpas público amenizou a polêmica, mas a pobre excursão nos Estados Unidos, marcada por estádios em meia lotação e atuações abaixo da expectativa, provou ser a última da banda. O autor Nicholas Schaffner lembra que, "para os Beatles, tocar esses concertos tinha se tornado um fingimento tão distante dos novos rumos que eles estavam a perseguir, que nem uma única melodia foi tocada do recém-lançado LP Revolver, cujos arranjos eram, na sua maior parte, impossíveis de reproduzir no palco devido ao seu alinhamento de duas guitarras-baixo-bateria".

Ao retornar à Inglaterra, começaram a circular rumores de que o grupo tinha decidido encerrar suas atividades. Harrison informou a Epstein que ia deixar a banda, mas foi convencido a ficar com a promessa que não haveria mais turnês. O grupo tirou sete semanas de férias, concentrando-se em interesses individuais. George viajou para a Índia e lá permaneceu por seis semanas, tendo aulas avançadas de sitar com Ravi Shankar. Paul McCartney e o produtor George Martin colaboraram para a trilha sonora do filme The Family Way. Lennon atuou no filme How I Won the War e participou de mostras de arte, como uma na Indica Gallery, na cidade de Westminster, onde viria a conhecer Yoko Ono, a sua futura esposa. Ringo Starr aproveitou a pausa para passar mais tempo com a sua esposa Maureen e o filho Zak.

Conceito e inspiração
Em novembro de 1966, durante um voo de retorno do Quênia para Londres, onde estava de férias com o diretor de turnês Mal Evans, McCartney teve ideia para uma música. Tal ideia, que formaria o ímpeto para o conceito de Sgt. Pepper, envolvia uma banda militar da era eduardiana, de nome inventado por Evans, ao estilo de grupos contemporâneos de São Francisco como Big Brother and the Holding Company e Quicksilver Messenger Service. Em fevereiro de 1967, Paul sugeriu que os Beatles gravassem um disco inteiro que representasse uma performance desse grupo ficcional. Tal grupo alter ego daria a eles a liberdade para experimentar musicalmente. O beatle explicou: "Eu pensei, vamos deixar de ser nós mesmos. Vamos desenvolver alter egos".

Em 1966, o crescente interesse do músico americano Brian Wilson por estética de gravação, além da sua admiração pelo Wall of Sound e por Rubber Soul, ambas produções de Phil Spector, serviram de fonte criativa ao que resultou no lançamento de Pet Sounds, dos Beach Boys, que mostrou seu expertise em produção e maestria em composição e arranjo. O autor Thomas MacFarlane define o lançamento de Pet Sounds como inspirador de muitos músicos daquele tempo, com Paul, em particular, a cantar seus louvores e extrair inspiração para uma "expansão do foco de trabalho dos Beatles com sons e texturas não usualmente associadas à música popular." McCartney pensava que, por ele constantemente tocar o álbum, foi difícil Lennon "escapar da influência", adicionando: "Foi inteligentemente executado... então nós fomos inspirados por ele e pegamos algumas ideias." Martin afirmou: "Sem Pet Sounds, Sgt. Pepper nunca teria acontecido.  'Pepper'  foi uma tentativa de se igualar a Pet Sounds."

Gravação e produção

De acordo com o musicólogo Walter Everett, Sgt. Pepper marcou o início da ascensão de Paul como a força criativa dominante dos Beatles. Ele escreveu mais da metade do material do LP, além de ter obtido crescente controle do processo de gravação das canções. Ele proveria, desse ponto em diante, direção artística para os lançamentos do grupo. As sessões de gravação do disco foram iniciadas em 24 de novembro de 1966, no Abbey Road Studio Two, na primeira vez que os Beatles se reuniram desde setembro daquele ano. Cobertos pelo luxo de um orçamento quase ilimitado, eles reservavam sessões sem data de volta marcada, buscando rotinas de trabalho flexíveis, em horário tão tarde quanto quisessem. O grupo começou a empreitada com três músicas intencionadas a serem lançadas em um álbum tematicamente conectado à infância dos membros: "Strawberry Fields Forever", "When I'm Sixty-Four" e "Penny Lane". A primeira sessão foi marcada pela introdução de um novo instrumento de teclado, o Mellotron, cujas teclas desencadeavam gravações de fita de uma variedade de instrumentos. Um notório exemplo do uso do equipamento é a performance de McCartney na introdução de "Strawberry Fields Forever" usando configuração de flauta. A complexa produção da faixa envolveu inovadora divisão de dois takes, que foram gravados em diferentes andamentos e alturas. O engenheiro de som da EMI Geoff Emerick relembra que, durante a gravação de Revolver, "nós nos acostumamos a solicitações para se fazer o impossível, e nós sabíamos que a palavra 'não' não existia no vocabulário dos Beatles." Na opinião de Martin, "Sgt. Pepper cresceu naturalmente a partir de Revolver", perfazendo "uma era de quase contínua experimentação tecnológica".

"Strawberry Fields Forever" e "Penny Lane" foram ulteriormente lançadas como um lado A e lado B em fevereiro de 1967, após a EMI e Epstein pressionarem Martin por um single. Quando o trabalho falhou em alcançar o topo das paradas no Reino Unido, as agências da imprensa britânica especularam que o caminho de sucesso do grupo talvez tivesse acabado, com manchetes como "Beatles falham em alcançar o topo", "Primeira vez em quatro anos" e "A bolha estourou?". Após tal lançamento, o conceito de infância foi abandonado em favor do "Sgt. Pepper", e, sob a insistência de Epstein, os singles não foram inclusos no LP. Martin posteriormente descreveu a decisão de excluir essas duas músicas como "o maior erro de minha vida profissional". Não obstante, no seu julgamento, "Strawberry Fields Forever", na qual ele e a banda permaneceram 55 horas de tempo de estúdio gravando, "estabelece a agenda de todo o álbum."  Martin explicou uma das principais características do disco: "Seria um trabalho...[com músicas que] não poderiam ser tocadas ao vivo: elas foram concebidas para serem produções de estúdio e essa era a diferença." McCartney acreditava que estava a gravar o melhor trabalho dos Beatles, declarando: "Agora, nossa performance 'é' esse álbum." Emerick relembra: "Por sabermos que os Beatles nunca tocariam essas músicas ao vivo, não existiram barreiras criativas." Em 6 de dezembro de 1966, o grupo começou a trabalhar em "When I'm Sixty-Four", a primeira faixa que seria incluída no lançamento.

Sgt. Pepper foi gravado com o uso de um equipamento de quatro canais. Embora fitas de oito canais estivessem disponíveis nos Estados Unidos, as primeiras unidades  não eram consideradas operacionais para estúdios comerciais de Londres até 1967. No oitavo LP dos Beatles, assim como nos anteriores, foi feito uso extensivo da técnica conhecida como "ping-pong", por meio da qual entre uma e quatro faixas do gravador são mescladas e passam por processo de transferência entre dispositivos de armazenamento de mídia de diferentes formatos a partir de um equipamento mestre de quatro faixas. O procedimento possibilitou aos engenheiros da Abbey Road dar ao conjunto um tratamento virtual multi-faixa. Os equipamentos Studer J37 de quatro faixas da EMI eram propriamente adequados para mixagem de redução, já que as gravações de alta qualidade produzidas por eles minimizavam o acrescido ruído associado com o processo utilizado. Preferindo gravar suas passagens de contrabaixo por último, McCartney preferia tocar outros instrumentos nas sessões para as faixas de apoio. Esse costume custou-lhe tempo extra necessário para escrever e gravar linhas melódicas de baixo que complementassem o arranjo final das músicas. Na gravação de orquestra para "A Day in the Life", Martin sincronizou um gravador de quatro faixas tocando as camadas de apoio dos Beatles com outro gravando a orquestra. O engenheiro Ken Townsend idealizou um método para realizar esse procedimento por meio do uso de um controle de sinal de 50 Hz entre dois equipamentos.

Um dos principais procedimentos técnicos aplicados em Sgt. Pepper por Martin e Emerick para moldar o som da gravação foi o processamento de sinal, que incluiu a aplicação de compressão dinâmica, reverberação e de limitação de sinal. Foram usadas unidades modulares de efeito relativamente novas, como ao produzir sons de vozes e instrumentos por meio de um auto-falante Leslie. Várias técnicas inovadoras de produção foram utilizadas proeminentemente nas gravações, incluindo conexão direta, ambiophonics e pitch control, este último associado ao varispeeding. Outra importante aplicação foi o automatic double tracking (ADT), um sistema que usa gravadores de fita para criar duplicações sonoras simultâneas. Embora na época já existisse largo reconhecimento de que o uso de fitas multi-faixa para gravação de vocais principais duplos produzia som aprimorado, antes do ADT era necessário gravar tais faixas vocais duas vezes, uma tarefa considerada entediante e de grande exigência. O ADT foi inventado por Townsend durante as sessões de Revolver, em 1966, especialmente para os Beatles. O processo tão logo se transformou em prática de gravação comum na música popular. Martin divertidamente relatava: "Isso duplica sua voz, John." Lennon percebeu que Martin estava brincando, mas, desse momento em diante, ele passou a se referir ao efeito como flanging, um rótulo que foi universalmente adotado pela indústria da música. Martin cita "Lucy in the Sky with Diamonds" como tendo o maior número de variações de velocidade de fita em Sgt. Pepper. Durante a gravação dos vocais de John, a redução de velocidade ia de 50 ciclos para 45, o que produzia uma faixa de som mais alto e fino quando retornada à velocidade normal.

No intento de obter a sonoridade correta, os Beatles realizaram numerosas regravações de "Getting Better". Quando a decisão de realizar tal procedimento com a faixa de base foi então tomada, Starr foi convocado ao estúdio, mas foi dispensado logo em seguida, quando o foco mudou do ritmo para o acompanhamento vocal. O baterista, após completar as gravações básicas de seu instrumento, viu sua contribuição ser limitada a trechos adicionais menores de percussão e lamentou: "A maior memória que eu tenho de Sgt. Pepper... é que eu aprendi a jogar xadrez." Para a música título,"Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", a gravação do conjunto de bateria de Starr foi aprimorada pelo uso de damping e da prática de posicionar os microfones estrategicamente próximos ao instrumento. O musicólogo Ian MacDonald credita a nova prática de gravação como criadora de um som "tridimensional", que, junta a outras inovações dos Beatles, engenheiros de som dos Estados Unidos viriam a adotar como procedimento padrão. McCartney tocou um piano de cauda em "A Day in the Life" e um órgão Lowrey em "Lucy in the Sky with Diamonds", enquanto Martin tocou um pianet Hohner em "Getting Better", um cravo em "Fixing a Hole" e um harmônio em "Being for the Benefit of Mr. Kite!". Harrison usou um tanbūr em várias músicas, incluindo "Lucy in the Sky with Diamonds" e "Getting Better".

A prensagem britânica de Sgt. Pepper foi a primeira ocasião na qual um álbum pop foi masterizado sem os intervalos que normalmente são colocados entre as faixas como ponto de demarcação. Foi feito uso de dois crossfades que combinaram as faixas, dando a impressão de contínua performance ao vivo. Embora tivessem sido produzidas versões de mixagem do disco tanto em estéreo quanto em mono, os Beatles estiveram envolvidos de forma mínima na tarefa, que eles consideravam a menos importante das sessões de mixagem, deixando-a a cargo de Martin e Emerick. Emerick relembra: "Nós passamos três semanas nas mixagens mono e talvez três dias nas estéreo." Ele estima que foram gastas setecentas horas no LP, tempo trinta vezes maior que o gasto no primeiro disco dos Beatles, Please Please Me, que custou £400 para ser produzido à época. O custo final de Sgt. Pepper foi então de aproximadamente £25,000. Os trabalhos foram finalizados em 21 de abril de 1967, com a gravação de ruídos aleatórios, como um som em uma frequência audível apenas por cães que foi incluído no groove de término.

Música e letra
Sgt. Pepper é um trabalho multi-gênero de rock e pop. Incorpora diversidade estilística de influências advindas do rock and roll, vaudeville, big band, jazz piano, blues, música de câmara, música circense, music hall, Avant-garde, Música clássica ocidental e música clássica indiana. De acordo com o autor Naphtali Wagner, sua música reconcilia os "ideais estéticos diametralmente opostos" da música clássica e da psicodelia, angariando uma  "síntese 'psicoclássica'" das duas formas musicais.

A preocupação acerca de referências ao uso recreativo de drogas em algumas das letras levou a BBC a banir várias canções das rádios britânicas, como "A Day in the Life", em decorrência do verso "I'd love to turn you on", com a alegação de que trechos como esse poderiam "encorajar atitude permissiva em favor do uso de drogas." Embora Lennon e McCartney negassem qualquer interpretação relacionada a drogas à época, Paul posteriormente sugeriu que o verso foi escrito deliberadamente de forma ambígua para referir-se tanto ao uso ilícito de drogas quanto a atividades sexuais. A música "Lucy in the Sky with Diamonds" também foi assunto de especulação, muitos acreditando que o título era uma metáfora sobre a droga alucinógena LSD. A BBC decidiu banir a faixa a partir desse argumento. O grupo de mídia baniu, ainda, "Being for the Benefit of Mr. Kite!", pela menção, em sua letra, de "Henry the Horse", uma expressão que contém duas gírias comuns para heroína. Fãs especularam que "Henry the Horse" significaria um traficante e que o título da faixa "Fixing a Hole" fosse uma referência ao uso de heroína. Também foram apontados versos como "I get high" em "With a Little Help from My Friends", "take some tea", gíria para o uso da cannabis, em "Lovely Rita" e "digging the weeds" em "When I'm Sixty-Four", por exemplo.

A autora Sheila Whiteley relaciona a filosofia subjacente de Sgt. Pepper não somente à cultura das drogas, mas também à metafísica e ao movimento Flower Power. O musicólogo Oliver Julien enxerga o disco como uma materialização das "mudanças sociais, musicais e, de forma mais geral, culturais, dos anos 1960". O psicólogo e personalidade da contracultura Timothy Leary sustenta que o LP "deu voz ao sentimento de que o passado foi superado... o álbum veio na hora certa" e salientou a necessidade de uma mudança cultural com base em uma agenda pacífica. Seu valor primário, de acordo com o intelectual Alan F. Moore, é a habilidade de "capturar, mais vividamente que quase tudo na contemporaneidade, seu próprio tempo e lugar". Whiteley concorda, creditando o trabalho como "provedor de uma captura instantânea da Inglaterra durante a ocorrência do Verão do Amor". Vários acadêmicos aplicaram estratégias hermenêuticas em suas análises das letras de Sgt. Pepper, identificando "perda e inocência" e os "perigos da excessiva complacência em relação a fantasias e ilusões" como os temas mais proeminentes do disco.

Lado A

Sgt. Pepper é iniciado com a faixa-título, que começa com dez segundos de sons combinados de uma orquestra a ensaiar e de uma plateia à espera do concerto, introduzindo a ilusão do álbum como uma performance ao vivo. O musicólogo Kenneth Womack descreve a letra da faixa "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" como "um momento revolucionário na vida criativa dos Beatles", que preenche a lacuna, às vezes descrita como quarta parede, entre a audiência e o artista. Ele argumenta que, paradoxalmente, a letra "exemplifica a retórica descompromissada dos gracejos em shows de rock", enquanto "zomba da própria noção da capacidade de álbuns pop de engendrar autêntica ligação entre artista e público". Ele credita o uso, na gravação, de grupos de instrumentos de sopro e da distorção em guitarras elétricas como exemplo primitivo de rock fusion. MacDonald concorda, descrevendo a faixa como uma abertura em vez de propriamente uma das canções, além de uma "astuta combinação entre uma variedade de tipos orquestrais da era eduardiana"  e com hard rock contemporâneo. O musicólogo Michael Hannan descreve a mixagem stereo não ortodoxa da faixa como "típica do álbum", com o vocal principal no microfone direito durante os versos, mas no esquerdo durante o refrão. "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" foi a primeira faixa dos Beatles a ser beneficiada pela técnica de produção conhecida como "injeção direta", que, de acordo com Womack, "proporcionou ao baixo de McCartney texturas mais ricas e claridade tonal". O arranjo da canção utiliza progressão harmônica em modo lídio orientada ao rock and roll durante a introdução e nos versos construídos em acordes de sétima paralelos, os quais Everett descreve como "a força da música". A ponte de cinco compassos é preenchida por um quarteto de trompas eduardiano cujo arranjo Martin concebeu a partir da melodia vocal de Paul. A faixa muda para escala pentatônica no refrão, onde sua progressão de blues rock é aumentada pelo uso de power chords de guitarras elétricas, tocadas em quintas paralelas.

McCartney atua como mestre de cerimônias no trecho próximo ao final da faixa, introduzindo Starr como um alter ego chamado Billy Shears. A canção então segue ininterruptamente para "With a Little Help from My Friends" em meio a um momento de regozijo da plateia, gravado por Martin durante um show dos Beatles no Hollywood Bowl. Womack descreve os vocais principais de barítono de Starr como "encantadoramente sinceros", atribuindo a eles a transmissão de um elemento de "seriedade em nítido contraste com o irônica distância da faixa-título." John e Paul, nos vocais de apoio, fazem perguntas a Starr sobre o significado da amizade e do amor verdadeiro. Na opinião de MacDonald, a letra é "ao mesmo tempo comum e pessoal... tocantemente entregue por Starr [e] significativa de um gesto de inclusão; todos poderiam participar." Womack concorda, identificando "necessidade de comunhão", como o "dogma ético central" da canção, um tema que ele atribui ao LP como um todo. Everett observa o uso de uma cadência plagal dupla que teria se tornado comum na música pop após o lançamento de Sgt. Pepper. Ele caracteriza o arranjo como inteligente, particularmente a sua inversão da relação de perguntas e respostas na estrofe final, em que os backing vocals fazem perguntas importantes e Starr fornece respostas inequívocas. A canção termina com uma alta nota vocal que McCartney, Harrison e Lennon incentivaram Starr a atingir, apesar de sua falta de confiança como cantor.

Apesar da suspeita generalizada de que "Lucy in the Sky with Diamonds" continha uma referência oculta ao LSD, Lennon insistiu que foi derivada de um desenho pastel do seu filho de quatro anos, Julian. Um capítulo de Through the Looking-Glass, novela de 1871 de Lewis Carroll, teria inspirado a atmosfera da música. McCartney confirmou a existência do desenho e a influência de Carroll na faixa, notando que, embora a aparente referência às drogas no título não tivesse sido intencional, a letra foi propositalmente escrita para uma música psicodélica. A primeira estrofe começa com o que Womack caracteriza como "um convite na forma de um imperativo", em "Picture yourself in a boat on a river", e continua com descrições imaginárias de cenários, incluindo "tangerine trees" ,"rocking horse people" e "newspaper taxis", por exemplo. Martin considera a melodia da introdução como "crucial para o vigor da música". Na sua opinião, a estrofe pode soar monótona se não pela justaposição "dessa quase única nota vocal contra as inspiradas notas introdutórias", as quais ele descreve como "irresistivelmente mesméticas".  Na visão de Womack, com a união entre a letra de John e a introdução do órgão Lowrey de Paul, "os Beatles alcançaram a mais vívida instância do timbre musical". O musicólogo Tim Riley identifica a música como o momento "no álbum, [onde] o mundo material é completamente nublado na mítica do texto e da atmosfera musical." De acordo com MacDonald, "o caráter explícito da letra recria a experiência psicodélica". Lennon explicou: "Era a Alice no barco. Ela está comprando um ovo e ele se transforma no Humpty Dumpty. A mulher que serve na loja se transforma em ovelha e no minuto seguinte eles estão... em um barco a remo e eu estava visualizando isso. Havia também a imagem de uma mulher que viria um dia me salvar, uma 'menina com olhos caleidoscópicos', que viria do céu. Ela acabou por ser Yoko... então talvez deveria se chamar 'Yoko in the Sky with Diamonds'."

MacDonald acredita que "Getting Better" contém "a performance mais efervescente" em Sgt. Pepper. Womack credita a "condução sonora de rock" da faixa como o fator distintivo em relação ao material abertamente psicodélico do disco, e sua letra inspiraria o ouvinte "a usurpar o passado vivendo bem e fazendo florescer o presente". Ele cita a música como um exemplo da força da escrita colaborativa de Lennon e McCartney, particularmente a adição, por parte de John, do verso: "couldn't get much worse", que serve como uma tréplica sarcástica ao refrão de Paul: "It's getting better all the time". McCartney descreve a letra de Lennon como "sarcástica" e "contra o espírito da canção", o que ele conclui ser o "típico John". MacDonald caracteriza o início da faixa como "alegremente inortodoxo", com duas guitarras em staccato a tocar o dominante contra o subdominante de uma corda fá maior com nona, com a tônica dó a resolver quando a estrofe se inicia. O dominante, que atua como um pedal, é reforçado pelo uso de oitavas tocadas no contrabaixo e arrancadas nas cordas do piano.

Womack interpreta a letra de "Fixing a Hole" como "a busca do falante por identidade entre o público", em particular, "buscas por consciência e conexão" que diferenciam da sociedade como um todo. MacDonald caracteriza-a como uma "faixa distraída e introvertida", durante a qual McCartney esquece sua "usualmente suave projeção" em favor de "algo mais preocupado". Womack acrescenta que a guitarra elétrica de Harrison acompanha bem a faixa, capturando seu tom e transmitindo desapego. Paul buscou inspiração para a canção em parte do seu trabalho de restauração de uma fazenda escocesa. Womack nota uma adaptação da letra de  "We're Gonna Move", de Elvis Presley, em "a hole in the roof where the rain leaks in". A música denota o desejo de McCartney de deixar sua mente vaguear livremente e expressar sua criatividade sem o fardo de inseguranças auto-conscientes.

Na perspectiva de Everett, a letra de "She's Leaving Home" fala sobre o problema da alienação "entre pessoas discordantes", particularmente entre grupos afetados por separações entre gerações. A "narração descritiva" de McCartney, que detalha os apuros de uma "garota solitária" que escapa do controle de seus "egoístas porém bem intencionados pais", foi inspirada por uma reportagem do Daily Mail sobre as fugas de adolescentes de suas casas. É a primeira faixa de Sgt. Pepper que evita o uso de guitarras e baterias, caracterizada por um noneto de cordas e harpa, estimulando comparações com  "Yesterday" e "Eleanor Rigby", as quais usam um quarteto de cordas e um octeto, respectivamente. Enquanto a resenha de Richard Goldstein em 1967 para o The New York Times caracteriza a canção como pouco inspirada, MacDonald identifica a faixa como uma das duas melhores do disco. Moore nota o julgamento do resenhista como feito a partir de  "critérios de oposição", considerando que Goldstein opinou durante o surgimento dos movimentos de contracultura da década de 1960, enquanto MacDonald, a escrever em 1995, é "intensamente consciente dos revezes [do movimento]".

Lennon adaptou a letra para "Being for the Benefit of Mr. Kite!" a partir de um póster de 1843 de um circo comprado em Kent no dia da filmagem do videoclipe para "Strawberry Fields Forever". Womack elogia a mistura bem sucedida das características visuais do impresso com a música: "O poder interpretativo da aplicação de mistura de mídias tem sua importância advinda da produção musical com a qual o grupo imbui o texto original do poster." MacDonald nota no pedido de John por uma "produção de campo na qual se pudesse sentir o cheiro da serragem" uma atmosfera que Martin e Emerick tentaram criar com uma colagem sonora que compreendeu gravações aleatoriamente montadas de harmônios, harmônicas e calíopes. MacDonald descreve a música como "expressão expontânea do hedonismo brincalhão do autor". Everett pensa que o uso de imaginários eduardianos na faixa liga-a tematicamente ao número de abertura do álbum.

Lado B

Após Martin decidir que "Only a Northern Song" não era boa o suficiente para ser incluída Sgt. Pepper, Harrison escreveu "Within You Without You", inspirada em música clássica hindu. MacDonald descreve a faixa como uma "ambiciosa composição de fusão intercultural e filosofia meditativa", embora muitos a tivessem rejeitado e classificado como entediante, outros críticos caracterizando-a como fraca em termos de "atratividade harmônica", com letra "santimonial... didática e datada". Moore defende a dependência da gravação na melodia em detrimento da harmonia como um atributo musical inteiramente apropriado para o gênero. Ele caracteriza a resposta crítica como "extremamente variada", notando que Goldstein identifica a faixa como um dos pontos altos do disco enquanto outros a veem como uma epítome adequada do material do lado A. MacDonald considera a canção como um "distante afastamento" do estilo sonoro dos Beatles e uma "notável conquista" que representa a "consciência" do LP. Womack concorda, definindo-a como "sem dúvida, a alma ética do álbum". Maximizando a "potência da expressividade" do disco, a música apresenta um tempo rubato que não apresenta precedentes na discografia dos Beatles. A altura da música é derivada da escala oriental da Khamaj, a qual é semelhante ao modo mixolídio no mundo ocidental. A música termina com um arroubo de risos que alguns ouvintes interpretavam como escárnio à canção, mas Harrison explicou: "Bem, depois de toda essa coisa indiana você deseja algum alívio. É uma libertação depois de cinco minutos de música triste... Você deveria ouvir o público, de qualquer maneira, como eles ouvem a apresentação do sargento Pepper. Esse é o conceito do álbum." Martin usou o momento de leveza como transição para o que ele descreveu como a "faixa humorística" de Sgt. Pepper, "When I'm Sixty-Four".

MacDonald cita "When I'm Sixty-Four" como um exemplo da versatilidade dos Beatles. Ele classifica a música como "destinada principalmente aos pais", tomando emprestado muito do estilo de música inglesa de salão de George Formby, enquanto evoca imaginários de "cartões postais de beira-mar" do ilustrador Donald McGill. Seu esparso arranjo inclui carrilhão de orquestra, clarinete e piano. MacDonald nota que a faixa tem "fria recepção" da maioria do público mais jovem e Everett atribui isso à propensão de McCartney pelo "vaudeville aprazível à audiência... que Lennon detestava". Paul escreveu a canção no final dos anos 1950 como um ato instrumental, com uma de suas versões apresentada ocasionalmente durante shows em Hamburgo. Ele revisitou a composição em 1966, por volta da época em que seu pai completou 64 anos. Moore caracteriza a música como uma síntese de ragtime e pop, notando que sua posição, logo após "Within You Without You", uma mistura de música clássica indiana e pop, é representativa da diversidade presente no trabalho. McCartney requisitou clarinetes and pediu que eles fossem arranjados "da forma clássica", o que, de acordo com Martin, "deixou um sentimentalismo à espreita". MacDonald nota que a inclusão da música em meio às "texturas psicodélicas repletas de camadas" características das outras faixas "proporciona um singelo interlúdio" ao LP. Moore define os arranjos de clarinete de Martin e  o uso de vassourinhas por Starr como estabelecedores de uma atmosfera music hall, que é reforçada pela entrega vocal de McCartney e pelo uso de cromatismo, um padrão harmónico que remonta ao "The Ragtime Dance" de Scott Joplin e ao Danúbio Azul de Johann Strauss. Varispeeding foi usado na faixa, elevando a altura da música por um semitom na intenção de fazer Paul soar mais jovem. Everett nota que o protagonista da letra é às vezes associado à Lonely Hearts Club Band, mas, em sua opinião, a música é tematicamente desconexa às outras do disco.

Womack caracteriza "Lovely Rita" como um trabalho de "acelerada psicodelia" que contrasta nitidamente com a faixa precedente. Ele identifica a música como um exemplo do talento de McCartney para "criar retratos musicais imagísticos", mas a coloca entre as mais fracas de todo o disco, pressagiando o que ele descreve como as "composições menos eficazes" que os Beatles viriam a gravar pós-Sgt. Pepper. Na sua perspectiva, "a canção realiza pouco na jornada do álbum em direção a uma consciência humana mais expansiva". Apesar das suas observações, ele considera a faixa "irresistivelmente charmosa". Moore concorda, definindo a composição como "de se desconsiderar", embora louve o que caracteriza como seu "forte senso de direção harmônica". MacDonald descreve a música como "sátira à autoridade" que é "imbuída com um exuberante interesse na vida, que eleva espíritos, dispersando auto-absorção".

"Good Morning Good Morning" foi inspirada por um comercial de televisão do produto Corn Flakes, da Kellogg's, cujo jingle John adaptou como o refrão da música. A faixa utiliza o modo mixolídio em Lá, e, na visão de Everett, "expressa perfeitamente a queixa de Lennon contra a complacência". John, no entanto, considerava a música "um lixo", e Paul via essa postura como uma reação do parceiro às frustrações de sua vida doméstica. Womack louva a variedade de tempos da faixa, incluindo 5/4, 3/4 e 4/4, chamando-a de "obra-prima da energia elétrica". MacDonald nota a "performance de alta qualidade" de Ringo e o "cintilante solo de guitarra pseudo-indiana" de Paul, o qual ele acredita criar o clímax da faixa. A pedido de Lennon, uma série de sons de animais foram inseridos durante o fade out sequenciado, como se cada sucessivo animal fosse um maior a devorar o precedente. Martin emendou o som de uma galinha a cacarejar ao final da faixa para sobrepor com uma guitarra sendo sintonizada na próxima, criando uma transição suave entre as duas músicas.

"Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)" serve como um suporte delimitador e uma transição ao ato final. A música, um característico hard rock, foi escrita após sugestão do assistente do grupo, Neil Aspinall, já que a música original, que inicia o disco, demandava uma "reaparição" da banda ficcional no momento próximo ao fim do disco. A reprise omite a seção de metais da faixa-título e apresenta um andamento mais rápido. MacDonald observa nessa faixa emoção aparente dos Beatles, tangivelmente traduzida a partir das sessões de gravação.

Quando o último acorde de "Sgt. Pepper... (Reprise)" é tocado, um dedilhar não usual de colcheia de guitarra acústica é iniciado, introduzindo o que Moore descreve como "uma das músicas mais pungentes já escritas". "A Day in the Life" consiste em quatro estrofes de Lennon, uma ponte, dois crescendos orquestrais aleatórios e uma parte média escrita e cantada por McCartney. O primeiro crescendo desempenha papel de transição entre a terceira estrofe e a parte média, conduzindo à ponte conhecida como "sequência onírica", caracterizada pelas vocalizações de John. Na opinião de Martin, o "lamento", tratado com eco de fita e lento panning da direita para a esquerda e repetido uma vez antes do término repentino na escuta esquerda, contribuiu para que a crítica considerasse tal música como um "sonho de marijuana". O acompanhamento de metais indica altamente o fim da sequência e o começo da quarta e final estrofe, após a qual a música entra num último crescendo antes do desfecho com um acorde de piano a desvanecer por quase um minuto. A ideia de usar uma orquestra foi de Paul. Ele buscou inspiração a partir dos compositores avant garde John Cage and Karlheinz Stockhausen. Os crescendos são executados por quarenta músicos selecionados dos quadros da Orquestra Filarmônica Real e da Orquestra Filarmônica de Londres, incumbidos da tarefa de preencher o espaço da música com o que Womack descreve como "a sonoridade de puro apocalipse". Martin também destaca o pedido de Lennon por "um tremendo composto, a partir do nada até algo absolutamente próximo ao fim do mundo". John lembrava que a inspiração para a letra veio de um jornal: "Eu estava escrevendo a canção com o Daily Mail deitado na minha frente quando eu estava no piano... havia um parágrafo sobre 4 000 buracos de asfalto em Blackburn, Lancashire". Ele não havia gostado do som da sua própria voz e sempre pedia por generosas quantidades de eco de fita nos seus vocais no intento de "enterrá-lo" em meio a efeitos e mixagens. Para "A Day in the Life", ele queria que sua voz soasse como Elvis Presley em "Heartbreak Hotel". Martin e Emerick, então, adicionaram noventa milissegundos de eco. Womack define a performance de Starr como "uma das mais inventivas passagens de bateria do álbum", algo que McCartney o encorajou a executar a despeito de protestos do baterista contra os "rufos espalhafatosos". O violento acorde de piano que conclui a faixa e o disco foi produzido a partir de gravação de Lennon, Starr, McCartney e Evans simultaneamente a tocar um acorde em mi maior em três pianos distintos; Martin então ampliou a sonoridade com um harmônio. Riley caracteriza a música como um "poslúdio à fantasia Pepper... que coloca todas as outras músicas do álbum em perspectiva", enquanto quebra a ilusão de uma "Pepperland" ao introduzir um "universo paralelo da vida cotidiana". MacDonald descreve a faixa como "uma canção não de desilusão com a vida, mas de desencanto com os limites da percepção mundana". De acordo com ele, tal faixa "permanece entre as mais penetrantes e inovadoras reflexões artísticas de sua era", representando "a mais alta realização única" dos Beatles.

Enquanto "A Day in the Life" termina, um tom de alta frequência de 15-kilohertz é ouvido; Ele foi adicionado, por sugestão de John, no intento de que sua potência fosse capaz de perturbar cães. Seguem-se, então, sons de risadas de trás para frente e falas sem nexo adicionadas ao groove de desfecho, que volta e é tocado em loop interminavelmente em qualquer tocador não equipado com retorno automático de agulha. Lennon pode ser ouvido a falar: "been so high", seguido pela resposta de McCartney: "never could be any other way".

Arte da capa
A capa do trabalho foi concebida pelos artistas de pop art Peter Blake e Jann Haworth, a partir de um desenho em tinta de McCartney. A direção de arte ficou a cargo de Robert Fraser e a fotografia, de Michael Cooper. A frente do LP inclui uma colagem colorida, marcada pela presença do quarteto em fantasias, a representar o grupo fictício Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, à frente de um grupo de recortes de papelão de pessoas famosas em tamanho real. Segundo o biógrafo Jonathan Gould, os bigodes espessos usados pelos Beatles refletiam a crescente influência das tendências de estilo hippie, enquanto que as vestimentas "falsificavam a moda britânica para fardamentos militares". O grupo posa ao centro em frente a uma pele de bateria, na qual o artista Joe Ephgrave pintou o título do disco. À frente da pele, está um arranjo de flores em que se lê "Beatles". O quarteto veste-se de uniformes de cetim e coloridos em day-glo. A indumentária foi confeccionada pela empresa de figurinos para teatro M. Berman Ltd., de Londres. As letras das canções do álbum foram impressas por completo na contracapa, a primeira vez em que isso foi feito em um LP de rock.

Em 30 de março de 1967, foi realizada uma sessão de fotos com Cooper, que também produziu as imagens da contracapa e do encarte, as quais o musicólogo Ian Inglis acredita transmitir "um óbvio e imediato 'calor'... que as distanciam da esterilidade e artificialidade típica de tais imagens [produzidas em estúdios de fotografia]." McCartney explicou: "Uma das coisas que mais nos interessava naqueles tempos eram mensagens visuais... Então, [na sessão] para a foto interna de Michael Cooper, nos dissemos, 'Agora, olhe para essa câmera e diga um real "eu te amo!" De fato, tente sentir amor; dê amor nisso! Vai dar certo; Vai transparecer; É uma atitude.' E foi o que aconteceu, se você olhar para ela [a foto], você vai ver nos [nossos] olhos o grande esforço." A luva interna do álbum apresenta arte do coletivo neerlandês de design gráfico The Fool, que evitou pela primeira vez o uso de papel branco comum em favor de um tipo de material com padrão abstrato de ondas de castanho, vermelho, rosa e branco. Inclusos ao trabalho como presentes bônus, estavam uma folha de recortes de papelão criada por Blake e Haworth, um retrato em tamanho de postal de Sgt. Pepper baseado em uma estátua da casa de Lennon que foi usada na capa principal, um bigode falso, dois conjuntos de insígnias de sargento, dois emblemas de lapela e um modelo para recortar dos Beatles em seus uniformes de cetim. Moore acredita que a inclusão desses itens ajudou os fãs a imergir no universo do disco e da banda fictícia.

A famosa colagem da capa incluiu 57 fotografias e nove trabalhos em cera que retratam uma diversidade de personalidades famosas, entre atores, esportistas, cientistas, pensadores, por exemplo, e até mesmo – a pedido de Harrison – os gurus Mahavatar Babaji, Lahiri Mahasaya, Sri Yukteswar Giri e Paramahansa Yogananda da Self-Realization Fellowship. Inglis vê o quadro "como um guia da topografia da cultura daquela década", denotando uma crescente democratização na sociedade, pela qual as "tradicionais barreiras entre 'alta' e 'baixa' cultura estavam a ser corroídas." Adolf Hitler e Jesus foram solicitados por Lennon, mas foram, ao final, rejeitados. Quando Paul foi perguntado sobre o porquê do quarteto não ter incluído Elvis Presley, foi dada a resposta: "Elvis era muito importante e muito acima do resto para ser até mesmo mencionado... então nós não colocamos ele na lista, já que ele era mais que um mero... cantor pop, ele era Elvis, o Rei." O custo final da arte da capa foi de aproximadamente £3,000 da época, uma vultosa soma em um tempo onde capas do gênero custavam normalmente cerca de £50. Pelo seu trabalho em Sgt. Pepper, o então casal Blake e Haworth conquistou um prêmio Grammy em 1968 na categoria "Melhor Capa de Álbum".

Lançamento
Entre a finalização e o lançamento comercial do LP, os Beatles levaram uma versão de disco de acetato do álbum ao apartamento da cantora estadunidense Cass Elliot nas imediações de King's Road, Chelsea, onde, às seis da manhã, eles puseram o material para tocar em volume máximo com caixas de som direcionadas a janelas abertas. O assessor de imprensa do grupo, Derek Taylor, relembra que residentes da vizinhança abriram suas janelas e ouviram sem reclamações o que eles haviam entendido ser um conjunto de músicas inéditas dos Beatles. Em 1º de junho de 1967, Sgt. Pepper tornou-se o primeiro trabalho do grupo a ser lançado no mundo todo simultaneamente. Foi também o primeiro álbum do grupo no qual as listas de faixas das versões estadunidense e britânica não se diferenciavam. Sendo o oitavo LP da banda, debutou no Reino Unido em primeiro lugar nas paradas e nessa posição permaneceu por 22 semanas consecutivas, vendendo 250 000 cópias na primeira semana de comercialização. Em 4 de junho, The Jimi Hendrix Experience tocou uma versão da faixa título ao abrir um concerto no Saville Theatre, em Camden. Epstein era o proprietário do Saville à época, e Harrison e McCartney assistiram à performance. Paul descreveu o momento: "As cortinas foram abertas e [o frontman, Jimi Hendrix] veio caminhando para a frente do palco, tocando 'Sgt. Pepper'. Uma baita e única homenagem. Eu vejo aquilo como uma das maiores honras em minha carreira." Langdon Winner, editor da revista Rolling Stone, denota:

Sgt. Pepper foi amplamente visto pelos seus ouvintes como uma trilha sonora para o "Verão do Amor". Na opinião de Riley, o trabalho "uniu as pessoas por meio da experiência comum da música popular em uma escala maior que qualquer outra que já existiu". Estações de rádio americanas interrompiam suas programações regulares para tocar o LP de forma virtualmente incessante, sempre do começo ao fim. O lançamento ocupou a primeira posição do Top LPs da Billboard nos Estados Unidos por quinze semanas, de 1º de julho a 13 de outubro de 1967. Com 2,5 milhões de cópias vendidas nos primeiros três meses, o sucesso comercial inicial de Sgt. Pepper ultrapassou as conquistas de todos os discos anteriores do quarteto. Nenhuma de suas faixas, entretanto, foi lançada como single naquele tempo.

Crítica profissional

A esmagadora maioria das resenhas contemporâneas ao trabalho são positivas, recebendo ampla aclamação crítica, em sintonia com seu atemporal sucesso comercial e impacto cultural. Kenneth Tynan, da The Times, descreveu o lançamento como "um momento decisivo na história da sociedade ocidental". Richard Poirier escreveu: "ouvir Sgt. Pepper o faz pensar não somente na história da música popular, mas na história daquele século." A revista Time declarou o LP "uma evolução histórica no progresso da música – qualquer música". Jack Kroll, do Newsweek, classificou o trabalho como "obra-prima", comparando suas letras às obras literárias de Edith Sitwell, Harold Pinter e T. S. Eliot, particularmente "A Day in the Life", ao traçar paralelo com The Waste Land, de Eliot. The New York Times Book Review caracterizou Sgt. Pepper como um prenúncio da "dourada Renascença da Música" e Wilfrid Mellers, do New Statesman, elogiou a elevação da música pop ao nível das belas artes proporcionada pelo disco.

Um dos mais conhecidos críticos musicais estadunidenses, Richard Goldstein, elaborou uma contundente resenha contemporânea no The New York Times na qual ele descreveu Sgt. Pepper como "estragado" e "exala[ando]" "efeitos especiais. Deslumbrante, mas, no fim das contas, fraudulento". De acordo com o jornalista especializado em música Robert Christgau, após a publicação da famigerada resenha, o jornal nova-Iorquino foi "inundado por cartas, muitas abusivas, mas todas em discordância", uma reação que ele credita como "a maior resposta uma crítica de música" na história do periódico. Goldstein publicou uma defesa da sua avaliação, na qual explicou que, embora o álbum não estivesse ao nível do melhores discos anteriores dos Beatles, ele o considerava "melhor que oitenta porcento da música lançada por aí", mas sentiu que, debaixo da produção, quando "as composições são analisadas a partir de sua essência musical e lírica", o LP mostra-se como "uma elaboração sem melhora" no contexto do conjunto de produções da banda. Em sua coluna de 1967 para a revista Esquire, Christgau descreveu Sgt. Pepper como "uma consolidação, mais complexa que Revolver, mas não mais substancial", sugerindo que Goldstein foi "vítima de uma super-antecipação", identificando sua "permissão para que todos os filtros e reverberações e efeitos orquestrais e overdubs o deixassem surdo ao que existe abaixo" como seu erro primário.

Na décima edição do Grammy Award, em 1968, Sgt. Pepper conquistou os prêmios das categorias "Melhor Arte de Capa", "Melhor Engenharia de Som Não Clássico" e "Melhor Álbum Contemporâneo". O disco também recebeu o prêmio de "Álbum do Ano", o primeiro LP de rock a receber a essa honraria.

Repercussão

Enquanto coletava material para sua antologia de 1979, "Stranded: Rock and Roll for a Desert Island", o jornalista e crítico cultural Greil Marcus listou vinte críticos de rock a partir de suas escolhas de melhor álbum de todos os tempos dentro do escopo desse gênero musical. Embora Rubber Soul tivesse sido mencionado no levantamento, Sgt. Pepper não foi. Marcus afirma que, em 1968, o lançamento surgiu "vazio" em relação à conjuntura emocional da efervescência política e social na vida americana, descrevendo-o como um "triunfo de efeitos", porém também "uma lápide day-glo de seu tempo". Ele o classifica como "divertido, porém artificial" e "menos um resumo e mais uma concessão à sua era". Marcus acredita que o LP "estrangula-se em seus próprios conceitos" enquanto é "vindicado como aclamação mundial".

Em 1981, Christgau declarou que, embora poucas críticas tivessem concordado com Goldstein à época de sua resenha negativa, muitas vieram a corroborar com sua linha de raciocínio tempos depois. Na opinião de Lester Bangs – então conhecido como o "padrinho" do jornalismo especializado em punk rock, a escrever em 1981 – "Goldstein estava certo em sua muito vilipendiada resenha... prevendo que este disco tinha o poder de destruir o rock and roll praticamente sozinho." Ele nota: "Nos anos sessenta, rock and roll começou a ser pensado como uma 'forma de arte'. Rock and roll não é uma 'forma de arte'; rock and roll é uma lamúria bruta vinda do fundo das entranhas." O musicólogo John Kimsey cita a preservação da autenticidade como um princípio guia do rock e sugere que muitos puristas denunciavam Sgt. Pepper no tocante a isso, acusando o trabalho de "instituir a queda da graça original [do gênero] à pretensão." Em sua opinião, tais detratores consideram o LP como menos avanço e mais "destruição de tudo aquilo que é bom, verdadeiro e comovente". Para Christgau, "embora Sgt. Pepper seja tido como a mais influente de todas as obras-primas do rock, é somente a mais famosa. Em retrospectiva, ela soa peculiarmente apolínea – precisa, controlada, até mesmo rígida – e é claramente periférica para o [meio] mainstream do rock". Moore considera que, "por seu impacto cultural ter sido tão grande, estava a ser exigido muito [do álbum]."

Conceito
De acordo com Womack, com a primeira música do disco, "os Beatles fabricaram um espaço textual artificial no qual puderam encenar sua arte." A reprise de tal faixa, que aparece no lado B, logo antes da climática "A Day in the Life", criaria uma "estrutura narrativa". Na opinião de Starr, apenas as duas primeiras músicas e a reprise são conceitualmente conectadas. Lennon concorda e, em 1980, comentou: "Sgt. Pepper é chamado de primeiro álbum conceitual, mas ele não vai a lugar algum... funcionou porque nós 'dissemos' que funcionou." John era especialmente inflexível a respeito da sua afirmação de que suas contribuições para o LP não tinham relação com o conceito "Sgt. Pepper". Em outra ocasião, ele sugeriu que a maioria das outras canções eram igualmente desconectadas, afirmando: "Com exceção de Sgt. Pepper a introduzir Billy Shears e a posterior reprise, todas as outras músicas poderiam estar em qualquer outro trabalho." Logo após a conclusão do trabalho, Martin preocupou-se que a falta de unidade musical pudesse incitar críticas e acusações de pretensiosidade.

MacFarlane nota que, apesar dessas preocupações, Sgt. Pepper "é amplamente aclamado como o primeiro grande álbum conceitual na história da música popular". Na sua visão, os Beatles "escolheram empregar um abrangente conceito num esforço aparente de unir faixas caracteristicamente individuais." Everett sustenta que a "unidade musical resulta... das relações nucleares entre áreas tonais, particularmente envolvendo Dó, Mi e Sol." Moore argumenta que o "uso de padrões harmônicos comuns" contribui para a coesão geral, que ele descreve como unidade narrativa, mas não necessariamente unidade conceitual. MacFarlane concorda, sugerindo que, com exceção de "Sgt. Pepper... (Reprise)", o disco é carente da continuidade melódica e harmônica que é consistente na forma cíclica. Em maio de 1967, em uma resenha publicada no The Times pelo crítico musical William Mann, foi feita uma observação similar, indicando a conexão temática entre a faixa título, sua reprise e "Being for the Benefit of Mr. Kite!", enquanto sugeria que, com exceção dessas faixas, a "unidade [do disco] é ligeiramente especiosa". Em 1972, o musicólogo Richard Middleton argumentou que o trabalho estaria "sub codificado", e que seus ouvintes podiam compreender apenas a ideia geral do material que, em suma, não seria dotado de grandes significados. A autora Martina Elicker, no entanto, afirma que o lançamento de Sgt. Pepper familiarizou de forma semelhante a crítica e os fãs com a noção de um "conceito e estrutura unificadas subjacentes a um LP de música pop", então originando o termo "álbum conceitual".

Impacto cultural e legado
Musicólogos consideram Sgt. Pepper como uma continuação da maturação artística já vista nos dois trabalhos antecedentes dos Beatles, Revolver e Rubber Soul. Moore o credita como auxiliador do desenvolvimento do rock progressivo, por meio de suas letras de autoconsciência, experimentação de estúdio e seu esforço em expandir as barreiras características das tradicionais músicas comerciais de três minutos. O autor Carys Wyn Jones o define como um dos primeiros álbuns de art rock, e Julien o considera "uma obra-prima da psicodelia britânica". O escritor Andy Greene, da Rolling Stone, comenta que o trabalho marca o início da "Era do Álbum". Por vários anos após o lançamento de Sgt. Pepper, o rock and roll honesto e purista foi suplantado pelo crescente interesse por forma cíclica. Com o oitavo grande lançamento dos Beatles, pela primeira vez na história da indústria da música as vendas de LPs ultrapassaram as de singles. Julien acredita que Sgt. Pepper contribuiu para a evolução dos LPs do "formato de distribuição" para o "formato de criação". Na visão de Moore, o LP ajudou "a legitimação cultural da música popular" enquanto proveu uma importante representação musical de sua geração. É louvado por jornalistas como influenciador do desenvolvimento da contracultura dos anos 1960. Durante os anos 1970, inspirados por Sgt. Pepper, grupos de glam rock adotaram o uso de personas alter ego e, em 1977, o disco conquistou o prêmio da categoria "Best British Album" da primeira edição do Brit Awards.

Com 5,1 milhões de cópias certificadas, Sgt. Pepper é o terceiro álbum mais vendido da história das paradas britânicas. Sgt. Pepper é também um dos LPs mais bem sucedidos comercialmente nos Estados Unidos, com 11 milhões de cópias certificadas pela RIAA. Em todo o mundo, o trabalho carrega a marca de 30 milhões de cópias vendidas, sendo assim um dos maiores sucessos comerciais de todos os tempos. Em uma resenha de 1987 para a revista Q, o jornalista de música e autor Charles Shaar Murray afirmou que o trabalho "permanece como um pilar central da mitologia e da iconografia dos anos 1960". Anthony DeCurtis, da Rolling Stone, descreve-o como uma "enorme façanha" que "revolucionou o rock and roll". Em 1994, Sgt. Pepper estava ranqueado em primeiro lugar no livro All Time Top 1000 Albums, de Colin Larkin. O autor o descreve como "o disco que revolucionou, alterou e reinventou os limites da música moderna." Em 2003, Sgt. Pepper figurou entre os cinquenta trabalhos escolhidos pela Livraria do Congresso dos Estados Unidos para serem adicionados ao National Recording Registry, em honra ao trabalho enquanto "cultural, histórica, ou esteticamente significante". Em 2003, a Rolling Stone o colocou no primeiro lugar de sua lista de quinhentos melhores álbuns de sempre, descrevendo-o como "o auge dos oito anos de discos dos Beatles". Na Encyclopedia of Popular Music, Larkin escreveu: "ocorreu que [o trabalho] não foi somente um mero álbum pop, mas sim um ícone cultural, abraçando os elementos constitutivos da década de 1960: pop art, moda extravagante, drogas, misticismo instantâneo e liberdade contra o controle parental." Em 2006, foi escolhido pela revista Time como um dos cem melhores álbuns de todos os tempos. O acadêmico especializado em música David Scott Kastan define Sgt. Pepper como "o mais importante e influente trabalho de rock and roll de todos os tempos".

Gravação e capa

Na opinião de MacFarlane, a inovação musical mais importante de Sgt. Pepper é sua "integração de tecnologia de gravação e processo de composição". Ele credita o Poème Électronique, de Edgard Varèse como a peça musical que fez desse avanço algo factível, "expandindo a definição de gravação de som [do status] de documentação de arquivo para a reificação do apuro musical". Ele identifica "A Day in the Life" como a faixa de Sgt. Pepper que melhor exemplifica essa abordagem. Embora os primeiros sintetizadores analógicos estivessem disponíveis – e Robert Moog estivesse trabalhando na segunda geração do primeiro teclado comercialmente disponível na mesma época das sessões de Sgt. Pepper – nenhum foi usado para a gravação do álbum, que foi concebido basicamente por meio de instrumentos acústicos e eletrônicos e gravações de campo de propriedade da Abbey Road Studios. O músico e produtor Alan Parsons acredita que, com Sgt. Pepper, "as pessoas começaram então a pensar que seria possível permanecer por um ano gravando um disco e começaram a considerar álbuns como composição de som e não somente composição musical. Gradualmente, formou-se a ideia de que um LP é uma performance por si só e não somente uma reprodução de uma performance a vivo."

De acordo com Julien, Sgt. Pepper representa o "epítome da transformação do estúdio de gravação em uma ferramenta de composição", marcando o momento em que a "música popular entrou na era da composição fonográfica." O sucesso comercial duradouro e o impacto midiático de Sgt. Pepper foram amplamente influenciados pelo uso criativo dos equipamentos de estúdio feito por Martin e seus engenheiros enquanto criavam novos processos e técnicas. Experimentação artística, como a inserção de falas aleatórias sem sentido em groove de desfecho, é uma das características definidoras do trabalho. Na opinião do historiador de Beatles Mark Lewisohn, Sgt. Pepper representa o último esforço unificado do grupo, que demonstra uma coesão que começaria a se deteriorar imediatamente após a finalização do disco e que desapareceria por completo no lançamento de The Beatles, em 1968. Emerick nota o envolvimento mínimo de Harrison e Starr, enxergando Sgt. Pepper como uma realização de Lennon e McCartney que foi menos fruto de trabalho em grupo que qualquer dos lançamentos anteriores do quarteto.

Inglis destaca que quase toda consideração de significância de Sgt. Pepper enfatiza a "correspondência sem precedentes entre música e arte, tempo e espaço" da capa. Após seu lançamento, luvas de álbuns não mais eram "uma coisa supérflua a ser descartada durante o ato de ouvir, mas um componente integral da apreciação, que expandia a experiência musical." A capa ajudou a elevar a arte gráfica de álbuns a tópico respeitável para análises críticas, por meio da qual as "estruturas e culturas da música popular" poderiam doravante justificar discursos intelectuais de uma forma que  – antes de Sgt. Pepper – seria vista como "presunção caprichosa". Ele escreve: A capa de Sgt. Pepper tem sido louvada como inovadora em suas propriedades estético-visuais, congratulada pelo seu inovativo e imaginativo design, creditada como provedora de um ímpeto inicial para a expansão da indústria do design gráfico no meio da música popular, e percebida como largamente responsável pela explicitação de conexões entre arte e pop." Riley a descreve como "um dos mais conhecidos trabalhos de pop art já produzidos". No fim dos anos 1990, a BBC a incluiu na sua lista de obras-primas britânicas da arte e do design no século XX. Em 2008, a icônica pele de bateria usada na capa foi leiloada por  euros.

Lista de faixas
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band foi o primeiro álbum dos Beatles a ser lançado com lista de faixas idêntica nos Estados Unidos e Reino Unido.

Todas as faixas foram compostas por Lennon-McCartney, exceto "Within You Without You", concebida por George Harrison.

Informações de lista e ordem de faixas de acordo com Mark Lewisohn e Ian MacDonald.

Ficha técnica
De acordo com Mark Lewisohn e Ian MacDonald:

The Beatles
John Lennon – vocal principal, harmonia e vocal de apoio; guitarras solo e rítmica; piano e órgão Hammond; harmônica, loops de fita, efeitos sonoros e pente e papel de seda; palmas, pandeireta e maracas.
Paul McCartney – vocal principal, harmonia e vocal de apoio; guitarra solo e contrabaixo; pianos elétrico e acústico, órgãos Lowrey e Hammond; palmas; vocalizações, loops de fita, efeitos sonoros e pente e papel de seda.
George Harrison – harmonia e vocal de apoio; guitarras solo e rítmica; sitar; tambura; harmônica e kazoo; palmas e maracas; vocal principal em "Within You Without You".
Ringo Starr – bateria, congas, pandeireta, maracas, palmas e sinos tubulares; vocal principal em "With a Little Help from My Friends"; harmônica em "Being for the Benefit of Mr. Kite!"; acorde final de piano em Mi em "A Day in the Life".

Músicos adicionais e produção
Sounds Incorporated – sexteto de saxofones em "Good Morning, Good Morning".
Neil Aspinall – tambura and harmônica.
Geoff Emerick – engenharia de som; loops de fita e efeitos sonoros.
Mal Evans – contagem, harmônica, alarme de relógio e acorde final de piano em Mi.
George Martin – produção e mixagem de áudio; loops e efeitos sonoros; cravo em "Fixing a Hole", harmônio, órgão Lowrey e glockenspiel em "Being for the Benefit of Mr. Kite!", órgão Hammond em "With a Little Help from My Friends", piano em "Getting Better" e solo de piano em "Lovely Rita"; acorde final de harmônio.
Músicos de sessão – quatro trompas francesas em "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band": Neill Sanders, James W. Buck, John Burden, Tony Randall, arranjadas e conduzidas por Martin e McCartney; seção de cordas e harpa em "She's Leaving Home", arranjada por Mike Leander e conduzida por Martin; harmônio, tabla, sitar, dilruba, oito violinos e quatro violoncelos em "Within You, Without You", arranjados e conduzidos por Harrison e Martin; trio de clarinetes em "When I'm Sixty-Four": Robert Burns, Henry MacKenzie e Frank Reidy, arranjados e conduzidos por Martin McCartney; saxofones em "Good Morning, Good Morning", arranjados e conduzidos por Martin e Lennon; e orquestra de quarenta integrantes, incluindo cordas, metais, madeiras e percussão em "A Day in the Life", arranjada por Martin, Lennon e McCartney e conduzida por Martin e McCartney.

Desempenho nas tabelas musicais
Sgt. Pepper permaneceu no Billboard 200 dos Estados Unidos por 175 semanas não consecutivas.

Certificações

Ver também
 Lista dos 200 álbuns definitivos no Rock and Roll Hall of Fame
 Álbuns mais vendidos do mundo
 Lista dos 500 melhores álbuns de sempre da revista Rolling Stone
 Álbuns número um na Billboard 200 em 1967

Bibliografia

Ligações externas

Álbuns de 1967
Álbuns de The Beatles
Álbuns em língua inglesa
Representações culturais de Laurel & Hardy
Álbuns produzidos por George Martin
Grammy Award para álbum do ano
Brit Award de Álbum Britânico do Ano
Álbuns da Capitol Records
Representações culturais de Marilyn Monroe
Representações culturais de Albert Einstein
Álbuns lançados pela Parlophone
Álbuns conceituais
Representações culturais de W. C. Fields
Representações culturais de Mahatma Gandhi
Representações culturais de Edgar Allan Poe
Representações culturais de Bob Dylan
Representações culturais dos Beatles
Álbuns gravados no Abbey Road Studios


text:
Garip bezeichnet:

 Garip, eine auch als die Erste Neue bekannte türkische Dichtergruppe, die in den 1940er Jahren entstand
 Garip (Buch), ein einflussreicher Gedichtband der türkischen Dichter Orhan Veli Kanık, Oktay Rifat Horozcu und Melih Cevdet Anday, der 1941 in Istanbul veröffentlicht wurde

redpajama_set_name: RedPajamaWikipedia


text:
Sabrina Sebaihi, née le  à Ivry-sur-Seine, est une femme politique française, membre d'Europe Écologie Les Verts. Elle est adjointe au maire d'Ivry-sur-Seine entre 2014 et 2022 et députée des Hauts-de-Seine depuis 2022.

Biographie

Origines et premiers engagements
Sabrina Sebaihi naît le  à Ivry-sur-Seine, fille d'un père ouvrier et d'une mère assistante maternelle, tous deux Algériens immigrés en France postérieurement à l'indépendance. Elle a été militante à la Croix-Rouge et dans une association de promotion de la culture sud-coréenne.

Elle s'intéresse aux enjeux de démocratie participative, au féminisme et à la lutte contre les discriminations.

Carrière politique
Lors des élections municipales de 2014, elle est élue au conseil municipal d'Ivry-sur-Seine, en tant qu'écologiste, sur la liste portée par Pierre Gosnat. Elle devient adjointe au maire chargée de la politique de la ville, de la prévention sécurité, de la médiation et de l'accès au droit.

En 2020, elle est, au premier tour, tête de liste EÉLV d'une coalition, dissidente de la majorité municipale communiste, et regroupant des militants socialistes, insoumis et de la société civile. Arrivée en deuxième position le soir du premier tour, le , elle fait le choix, à quelques jours du dépôt des listes pour le second tour, début juin, de rallier, avec quelques colistiers écologistes, la liste du maire sortant Philippe Bouyssou ; elle est réélue et conserve son poste d'adjointe.

En 2022, après avoir été désignée, pour les élections législatives de juin, comme candidate écologiste (EÉLV) dans la dixième circonscription du Val-de-Marne (dont la députée sortante est Mathilde Panot), elle est présentée dans la quatrième circonscription des Hauts-de-Seine sous l'étiquette NUPES, malgré les réticences du PCF. Elle élue au second tour avec 51 % des voix, face à la députée sortante Isabelle Florennes (LREM - Ensemble).

Résultats électoraux

Élections législatives

Références

Voir aussi

Articles connexes
 Liste des députés des Hauts-de-Seine
 Liste des députés de la  de la Cinquième République

Liens externes

Femme politique française
Député des Hauts-de-Seine
Député de la XVIe législature de la Ve République
Député membre d'Europe Écologie Les Verts
Naissance en mai 1981
Naissance à Ivry-sur-Seine


text:
Сторожево́е 1-е — село в Острогожском районе Воронежской области. Административный центр сельского поселения Сторожевское 1-е.

География
Село расположено на правом берегу Дона в 38 километрах к северу от Острогожска (52 км на юг от Воронежа).

Население

История
Для защиты границ Русского государства в 1647 году на Белгородской черте был построен город Коротояк. Для наблюдения за татарскими «перелазами», в 1648 году коротоякцы установили сторожевой пост на поляне правого высокого берега Дона в 26 верстах к северу от города где и несли службу. Это место впоследствии получило название — Сторожевая поляна. В 1653 году у сделанного здесь «стоялого острога» поселились служилые люди, основав село Сторожевое, одно из древнейших селений губернии. Здесь находилась крайняя на Дону «сторожа от безвестных приходов крымцев».

В 1787 году в Сторожевом была построена деревенская Богоявленская церковь.

28 июня 1862 года в селе Сторожевое Коротоякского уезда Воронежской епархии в семье приходского священника родился Патриарший местоблюститель Петр (Полянский).

По состоянию на 1900 год в селе имелись 2 общественных здания, земская школа, школа грамоты, 18 ветряных мельниц, 2 рушки, 2 кузницы, оптовый винный склад, трактир, винная, 5 торговых лавок.

Жителями села в 1924—1925 годах был основан посёлок Сторожевое 2-е (в настоящее время — Лискинский район). Летом 1925 году в селе работала этнографическая экспедиция Воронежского областного краеведческого музея под руководством А. М. Путинцева.

  богоявленская церковь была уничтожена.

В августе 1942 года на высоком отвесном берегу у Сторожевого (35—40 м над руслом Дона) находился Сторожевский плацдарм, занимаемый войсками. Плацдарм был захвачен 5—17 августа 1942 года в результате наступательной операции, проведенной соединениями 6-й армии Воронежского фронта. Плацдарм удерживался до января 1943 года. 13 января 1943 года в ходе Острогожско-Россошанской наступательной операции с плацдарма началось наступление войск 40-й армии Воронежского фронта под командованием генерала К. С. Москаленко.

В настоящее время Сторожевое часто посещают альпинисты, дельтапланеристы и парапланеристы.

Источники

Примечания

Ссылки

 О селе Сторожевое
 «Сторожевое» на сайте экспедиции «Средний Дон»

Населённые пункты Острогожского района


text:
Thelyphonellus ruschii est une espèce d'uropyges de la famille des Thelyphonidae.

Distribution
Cette espèce est endémique du Guyana.

Publication originale
 Weygoldt, 1979 : Thelyphonellus ruschii n. sp. und die taxonomische Stellung von Thelyphonellus Pocock 1894 (Arachnida: Uropygi: Thelyphonida). Senckenbergiana Biologica, , , .

Liens externes

Notes et références

Thelyphonidae
Espèce d'uropyges (nom scientifique)
Faune endémique du Guyana


text:
Radoslav Král (20 februari 1974) is een voormalig profvoetballer uit Slowakije, die zijn actieve loopbaan in 2009 afsloot bij het Poolse Polonia Bytom.

Interlandcarrière
Hij speelde als centrale verdediger en maakte deel uit van het Slowaaks voetbalelftal dat onder leiding van bondscoach Dušan Radolský deelnam aan het voetbaltoernooi bij de Olympische Spelen in Sydney. Daar leed de ploeg in de eerste ronde twee nederlagen, tegen achtereenvolgens Brazilië (3-1) en Japan (2-1), waarna Zuid-Afrika in het afsluitende groepsduel met 2-1 werd verslagen. Král was een van de drie dispensatiespelers.

Erelijst
 MFK Košice
 Slowaaks landskampioen
1997, 1998, 2002

Zie ook
Lijst van spelers van MŠK Žilina
 Lijst van spelers van Polonia Bytom

Slowaaks voetballer
Slowaaks olympisch deelnemer


text:
CGS-9896 je organsko jedinjenje, koje sadrži 16 atoma ugljenika i ima molekulsku masu od 295,723 -{Da}-.

Osobine

Reference

Literatura

Spoljašnje veze

 -{CGS-9896}-

Ацетамиди
Хлороарени


text:
Aaron Abrahams Beer (* vor 1685 in Frankfurt am Main; † 1740 in Aurich) war ein deutsch-jüdischer Finanzmann, Münzmeister und Rabbiner.

Leben
Beers Geburtsdatum ist nicht bekannt. Sein Vater Abraham Beer Oppenheim zum goldenen Einhorn kam aus der in Frankfurt ansässigen jüdischen Familie Haas-Kann. Er hatte einen Onkel namens Aaron Beer zum Einhorn, gemäß Literatur auch "zum Pelikan", der als kurpfälzischer Hofresident diente. Dieser war am kurpfälzischen Hof und weiteren Fürstenhöfen tätig, Hoffinanzier des Markgrafen von Brandenburg-Bayreuth und Korrespondenzbankier des Hoffaktors Meyer Calmans aus Aurich.

1685 beauftragte Aaron Beer zum Einhorn seinen Sohn Emanuel, in Aurich mehrere Forderungen zu klären, die den Hof des Grafen von Ostfriesland betrafen. Aaron Abrahams Beer begleitete seinen Neffen und ließ sich in Aurich nieder. Wenig später ehelichte er eine Tochter Meyer Calmans', der im Folgejahr starb. Danach arbeitete er als Hoffaktor der Regentin Christine Charlotte und anschließend in gleicher Funktion für die Fürsten der Cirksena. Als Hofjude des Fürsten Christian Eberhard wurde er mit Silberlieferungen für die Münze betraut. Beide schlossen Münzverträge, gemäß denen Beer beispielsweise 1694 als Gewicht 40.000 Mark ausmünzen musste. Dafür hatte er an den Fürsten einen vereinbarten Schlagschatz zu entrichten, der den eigentlichen Gewinn des Geschäftes beinhaltete. Da Beer die Münzen auf eigenes Risiko in Umlauf bringen musste, bestand für ihn ein Anreiz, geringwertige Münzen zu prägen, um somit eine möglichst hohe Anzahl an Münzen aus dem Rohmaterial zu gewinnen. Aufgrund von Denunziationen wegen mutmaßlich minderwertiger Münzen kam es in den 1690er Jahren zu Ermittlungen gegen Beer und den damaligen Münzmeister Bornepohl, die jedoch ergebnislos endeten.

Beers Hauptgeschäft war, den Hof des Fürsten und dessen Verpflichtungen zu finanzieren. Der Fürst erhielt von den mit der ostfriesischen Steuerhoheit versehen Landständen eine jährliche Apanage über 12.000 Reichstaler. Die Zahlungen blieben aber mitunter aus und genügten dem Fürsten nicht für ein standesgemäßes Leben am Hof. Als Hofjude musste Beers dafür sorgen, dass der Fürst die fehlenden Mittel erhielt. Dies geschah durch sogenannte Assignationen. Es handelte sich hierbei um Schuldverschreibungen auf kommende Einnahmen, die der Fürst erhielt oder die die Landstände zusagten. Damit sollten die konstant steigenden Wechselkredite bedient werden. Dies war nur mit Beers guten Kontakten zu ausländischen Finanziers, bei denen es sich zumeist um Juden handelte, möglich.

Über die Geschäfte mit Münzen hinaus hatte Beer eine Tabakmanufaktur in Esens sowie eine Grube für Potterde in Middels.

Beers übernahm auch das Amt des Parnas der ostfriesischen Juden und Rabbiner. Er verhandelte mit dem Fürsten, weniger Generaljudengeleit zahlen zu müssen. Dabei schuf er einen großen und beeindruckenden Schriftsatz, in dem er dem Fürsten Georg Albrecht seine Meinung zum Entwurf eines neuen Generalgeleits von 1708 mitteilte. Als Person jüdischen Glaubens war Beer für seine Zeit äußerst emanzipiert. Er besaß Kenntnisse über rabbinische Wissenschaften und das Gemeine Recht. Er konnte Hochdeutsch sprechen und schreiben, sein Schwiegervater Meyer Calmans hingegen unterzeichnete in hebräischer Schrift.

Beer selbst bezeichnete sich als "Aaron ben Abraham Oppenheim". Eine entsprechende Inschrift ist auch auf seinem Grabstein nachzulesen, der sich auf dem Jüdischen Friedhof von Norden befindet. Beer hinterließ einen Sohn namens Abraham, der wie sein Enkel Isaak als ostfriesischer Landrabbiner wirkte. Das Amt hatte die Familie bis 1808 inne.

Literatur
 Georg Eggersglüß: Beer, Aaron Abraham in: Martin Tielke (Hrsg.): Biographisches Lexikon für Ostfriesland. Ostfriesische Landschaftliche Verlags- und Vertriebsgesellschaft, Aurich, Bd. 1 ISBN 3-925365-75-3 (1993), Seite 41–43.

Münzmeister
Person (Ostfriesland)
Deutscher
Person des Judentums (Niedersachsen)
Geboren im 17. Jahrhundert
Gestorben 1740
Mann


text:
Orthotrichum tasmanicum är en bladmossart som beskrevs av J. D. Hooker och William M. Wilson 1848. Orthotrichum tasmanicum ingår i släktet hättemossor, och familjen Orthotrichaceae. Inga underarter finns listade i Catalogue of Life.

Källor

Externa länkar

Hättemossor
tasmanicum


text:
Limelight is a 2011 documentary film that charts the rise and fall of New York City club king Peter Gatien. Produced by Gatien's daughter, Jen Gatien, it was released in special markets throughout the United States and Canada on September 23, 2011.

Synopsis
As the owner of legendary New York City hotspots like The Limelight, Tunnel, Palladium, and Club USA, Peter Gatien was considered by many to be the undisputed king of the 1980s New York City club scene. The Ontario native, whose trademark eye patch made him stand out in a crowd, built and oversaw a chain of nightclub ventures that brought thousands of patrons per night during its peak years. However, after years of legal battles and police pressure spearheaded by Mayor Rudolph Giuliani's drive to crack down on the city's nightlife scene during the mid-1990s, Gatien was deported to Canada, bringing an end to his presence and influence in the city's nightlife scene. The documentary features interviews with numerous people involved in the club's scene, as well as key informants in Gatien's high-profile trial. Produced by Gatien's daughter, Jen, and Alfred Spellman, and directed by Billy Corben (who previously directed the film Cocaine Cowboys), the film documents the rise and fall of Gatien and his nightclub empire.

Featured interviews
 Peter Gatien
 Michael Alig
 Ed Koch
 Howard Safir

Distribution
Limelight premiered on April 22 at the 2011 Tribeca Film Festival. World distribution rights were acquired by Magnolia Pictures prior to the Tribeca premiere.

Feature film adaptation
On April 12, 2018, Alfonso Gomez-Rejon is set to direct the feature film adaptation of Limelight, with Nicholas Pileggi and JJ Sacha writing the script, Jen Gatien & Christopher Donnelly will produce the film and Amazon Studios will distribute the film adaptation.

References

External links

2011 films
American documentary films
Documentary films about businesspeople
Films about drugs
Documentary films about drugs
Cultural history of New York City
Nightlife
2011 documentary films
Club Kids
Nightlife in New York City
Films shot in New York City
Documentary films about New York City
Films directed by Billy Corben
2010s English-language films
2010s American films


text:
Onthophagus hyaena é uma espécie de inseto do género Onthophagus da família Scarabaeidae da ordem Coleoptera.

História
Foi descrita cientificamente pela primeira vez no ano de 1801 por Fabricius.

Referências

Ligações externas

hyaena
Coleópteros descritos em 1801


text:
Joseph Yorke may refer to:

Joseph Yorke, 1st Baron Dover (1724–1792), British soldier, politician and diplomat
Joseph Sydney Yorke (1768–1831), British naval commander, nephew of the above
Joseph Yorke (MP) (1807–1889), British landowner and politician, kinsman of the above
Joseph Yorke, 10th Earl of Hardwicke (born 1971), British peer


text:
Ålarnas skräck är ett kassettalbum av bandet Joddla med Siv, utgivet 1991. Ålarnas skräck är bandets första album och innehåller bland annat hitlåtarna Inte ens en kolvastång, Kalle fågel och Aj, Aj kylarspray. År 1995 ingick Ålarnas skräck i samlingsalbumet Joddla med Sivs CD-box 1995 (dubbel-CD) tillsammans med kassettalbumet Krögers damm.

Låtlista
Sida A
 Kent killer
 Inte ens en kolvastång
 Gäddnätet
 Hägern
 Fiskafänget
 Kalle fågel
 Hellre en björk

Sida B
 Aj, aj, kylarspray
 Jordfräsen
 Solariumlår
 Ålarnas skräck
 Trosa blå

Svenska debutalbum
Debutalbum 1991
Musikalbum 1991


text:
-{KF-26777}- je lek koji deluje kao potentan i selektivan antagonist adenozinskog A3 receptora, nanomolarnim afinitetom (A3 -{Ki=0.2nM}-) i visokom selektivnošću u odnosu na druge adenozinske receptore. Jednostavni ksantinski derivati kao što je kofein i -{DPCPX}- generalno imaju nizak afinitet za A3 receptor, te moraju da budu prošireni dodatkom aromatične grupe.

Reference

Spoljašnje veze

Аденозински антагонисти
Имидазолопурини
Лактами
Бромоарени


text:
Hippichthys albomaculosus är en fiskart som beskrevs av Jenkins och Mailautoka 20. Hippichthys albomaculosus ingår i släktet Hippichthys och familjen kantnålsfiskar. Inga underarter finns listade i Catalogue of Life.

Källor

Kantnålsfiskar
albomaculosus


text:
Белелик ( — «оселковый») — деревня в составе Боградского сельсовета Боградского района Республики Хакасия.

География
Населённый пункт расположен на берегу реки Большая Тесь недалеко от соснового леса. В окрестностях посёлка ведётся добыча известняка.

Внутреннее деление
Состоит из 4 улиц: Атаманская, Горная, Казачья, Центральная.

Топонимика
Название происходит от хакасского пілӧ — «точильный камень», «брусок», пілӧліг — «оселковый». Это название связано с несколькими месторождениями мела в окрестностях населённого пункта. Многие здания в Белелике построены из местного белого известняка.

История
Точная дата основания деревни неизвестна. По мнению местных краеведов, населённый пункт существовал её в XVI—XVII веках, однако исторических документов, это подтверждающих, пока не найдено.

Впервые населённый пункт упоминается в 1907 году как посёлок Белоликий.

В 1925 году переименован в Белелик.

Население

 Национальный состав
В 2002 году — русские (76 %)

Примечания

Населённые пункты Боградского района


text:
Ptosima laeta, the Texas redbud borer, is a species of metallic wood-boring beetle in the family Buprestidae. It is found in Central America and North America.

References

Further reading

Buprestidae
Articles created by Qbugbot
Beetles described in 1882


text:
Sub specie aeternitatis  — крылатое латинское выражение, которое означает «с точки зрения вечности». Согласно Бенедикту Спинозе, данное выражение описывает универсальную и вечную истину, вне зависимости от текущей действительности.

Бертран Рассел, рассматривая философию Спинозы, писал:
…все, что случается, — это часть вечного вневременного мира, такого, каким видит его Бог; для него время не существенно. И мудрый человек, насколько ему позволяет человеческая ограниченность, пытается видеть мир таким, как его видит Бог, sub specie aeternitatis (с точки зрения вечности). Но вы можете возразить, что мы, наверно, правы, будучи более озабоченными будущими несчастьями, которые, возможно, могут быть предотвращены, чем прошлыми бедствиями, в отношении которых мы уже ничего не можем сделать. И на этот аргумент детерминизм Спинозы дает ответ. Только невежество заставляет нас думать, что мы можем изменить будущее; что будет — то будет, и будущее установлено так же незыблемо, как и прошлое. Вот почему надежда и страх осуждаются: оба зависят от взгляда на будущее как на неустановленное — и поэтому возникают из недостатка мудрости.

Ссылки

Латинские фразы и выражения
Спиноза


text:
Az Ameiva a hüllők (Reptilia) osztályának a pikkelyes hüllők (Squamata) rendjébe, ezen belül a tejufélék (Teiidae) családjába tartozó nem.

Előfordulásuk
Az Ameiva-fajok előfordulási területe Dél- és Közép-Amerika egészen Mexikóig, valamint a Karib-térség számos szigete. A zöld ameiva (Ameiva ameiva) nevű gyíkot betelepítették az Amerikai Egyesült Államokbeli Florida államba.

Rendszerezés
A nembe az alábbi 36 faj tartozik:

zöld ameiva (Ameiva ameiva) (Linnaeus, 1758) - típusfaj
Ameiva anomala Echternacht, 1977
Ameiva atrigularis (Garman, 1887)
Ameiva auberi Cocteau, 1838
Ameiva bifrontata Cope, 1862
Ameiva bridgesii (Cope, 1869)
Ameiva chaitzami Stuart, 1942
Ameiva chrysolaema Cope, 1868
Guadeloupe-i ameiva (Ameiva cineracea) (Barbour & Noble, 1915) - kihalt a 20. század elején
Ameiva corax Censky & Paulson, 1992
Ameiva corvina Cope, 1861
Ameiva dorsalis Gray, 1838
Ameiva edracantha Bocourt, 1874
Ameiva erythrocephala Daudin, 1802
Puerto Ricó-i teju (Ameiva exsul) Cope, 1862
Ameiva festiva (Lichtenstein, 1856)
Ameiva fuscata Garman, 1887
Ameiva griswoldi Barbour, 1916
Ameiva leberi Schwartz & Klinikowski, 1966
Ameiva leptophrys (Cope, 1893)
Ameiva lineolata Duméril & Bibron, 1839
Martinique-i ameiva (Ameiva major) Duméril & Bibron, 1839 - kihalt
Ameiva maynardi Garman, 1888
Ameiva niceforoi Dunn, 1943
Ameiva orcesi J. Peters, 1964
Ameiva plei Duméril & Bibron, 1839
Ameiva pluvianotata Garman, 1887
St. Croix-i ameiva (Ameiva polops) Cope, 1962
Ameiva praesignis (Baird & Girard, 1852)
Ameiva provitaae García-Pérez, 1995
Ameiva septemlineata A.H.A. Duméril, 1851
Ameiva taeniura Cope, 1862
Ameiva undulata (Wiegmann, 1834)
Ameiva vittata (Boulenger, 1902)
Ameiva quadrilineata (Hallowell, 1861)
Ameiva wetmorei Stejneger, 1913

Jegyzetek

Források
Friedrich Albrecht Anton Meyer. 1795. Synopsis reptilium, novam ipsorum sistens generum methodum, nec non Gottingensium huius ordinis animalium enumerationem. Göttingen: van den Hoek and Ruprecht. 32 pp. (Ameiva, new genus, p. 27). (in Latin).
Hurtado, L.A.; Santamaria, C.A.; Fitzgerald, L.A. 2014: The phylogenetic position of the critically endangered Saint Croix ground lizard Ameiva polops: revisiting molecular systematics of West Indian Ameiva. Zootaxa 3794(2): 254–262. doi: 10.11646/zootaxa.3794.2.4 reference page
Koch, C., Venegas, P.J., Rödder, D., Flecks, M. & Böhme, W. 2013. Two new endemic species of Ameiva (Squamata: Teiidae) from the dry forest of northwestern Peru and additional information on Ameiva concolor Ruthven, 1924. Zootaxa 3745(2): 263–295. doi: 10.11646/zootaxa.3745.2.6 Reference page.
Meyer, F.A.A., 1795: Synopsis Reptilium, novam ipsorum sistens generum methodum Gottingensium huius ordinis animalium enumerationem. Vandenhoek et Ruprecht, Gottingae, Germany, 32 pp.
Landauro, C.Z., Garcia-Bravo, A, & Venegas, P.J. 2015: An endemic new species of Ameiva (Squamata: Teiidae) from an isolated dry forest in southern Peru. Zootaxa 3946(3): 387–400. doi: 10.11646/zootaxa.3946.3.6. Preview (PDF) reference page

Fordítás

Tejufélék
Hüllőnemek