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È stato "uno dei massimi protagonisti dell'arte, del design e della grafica del XX secolo", dando contributi fondamentali in diversi campi dell'espressione visiva (pittura, scultura, cinematografia, disegno industriale, grafica) e non visiva (scrittura, poesia, didattica) con una ricerca poliedrica sul tema del movimento, della luce e dello sviluppo della creatività e della fantasia nell'infanzia attraverso il gioco.
Bruno Munari è una figura leonardesca, tra le più importanti del Novecento italiano. Assieme allo spaziale Lucio Fontana, Bruno Munari il perfettissimo domina la scena milanese degli anni cinquanta-sessanta; sono gli anni del boom economico in cui nasce la figura dell'artista operatore-visivo che diventa consulente aziendale e che contribuisce attivamente alla rinascita industriale italiana del dopoguerra.

Munari partecipa giovanissimo al Futurismo, dal quale si distacca con senso di levità ed umorismo, inventando la macchina aerea (1930), primo mobile nella storia dell'arte, e le macchine inutili (1933). Nel 1948 fonda il MAC (Movimento Arte Concreta) assieme a Gillo Dorfles, Gianni Monnet e Atanasio Soldati. Questo movimento funge da coalizzatore delle istanze astrattiste italiane prospettando una sintesi delle arti, in grado di affiancare alla pittura tradizionale nuovi strumenti di comunicazione ed in grado di dimostrare agli industriali e agli artisti la possibilità di una convergenza tra arte e tecnica. Nel 1947 realizza Concavo-convesso, una delle prime installazioni nella storia dell'arte, quasi coeva, benché precedente, all'ambiente nero che Lucio Fontana presenta nel 1949 alla Galleria Naviglio di Milano. È il segno evidente che è ormai matura la problematica di un'arte che si fa ambiente e in cui il fruitore è sollecitato, non solo mentalmente, ma in modo ormai multi-sensoriale.Nel 1950 realizza la pittura proiettata attraverso composizioni astratte racchiuse tra i vetrini delle diapositive e scompone la luce grazie all'uso del filtro Polaroid realizzando nel 1952 la pittura polarizzata, che presenta al MoMA nel 1954 con la mostra Munari's Slides. È considerato uno dei protagonisti dell'arte programmata e cinetica, ma sfugge per la molteplicità delle sue attività e per la sua grande ed intensa creatività ad ogni definizione, ad ogni catalogazione, con un'arte assai raffinata.

Biografia

Nato a Milano, Bruno Munari passò l'infanzia e l'adolescenza a Badia Polesine, dove i suoi genitori gestivano un albergo. Nel 1925 tornò a Milano per lavorare in alcuni studi professionali di grafica. Nel 1927 cominciò a frequentare Marinetti e il movimento futurista, esponendo con loro in varie mostre. Nel 1929 Munari aprì uno studio di grafica e pubblicità, di decorazione, fotografia e allestimenti insieme a Riccardo Castagnedi, un altro artista del gruppo futurista milanese, firmando i lavori con la sigla R + M almeno fino al 1937.
Nel 1930 realizzò quello che può essere considerato uno dei primi mobile della storia dell'arte, noto con il nome di macchina aerea e che Munari ripropose nel 1972 in un multiplo a tiratura 10 esemplari per le edizioni Danese di Milano.
Nel 1933 proseguì la ricerca di opere d'arte in movimento con le macchine inutili, oggetti appesi, dove tutti gli elementi sono in rapporto armonico tra loro, per misure, forme, pesi.
Durante un viaggio a Parigi, nel 1933, incontrò Louis Aragon e André Breton.
Dal 1939 al 1945 lavorò come grafico presso l'editore Mondadori, e come art director della rivista Tempo, cominciando contemporaneamente a scrivere libri per l'infanzia, inizialmente pensati per il figlio Alberto. Nel 1948, insieme a Gillo Dorfles, Gianni Monnet, Galliano Mazzon e Atanasio Soldati, fondò il Movimento Arte Concreta.

Negli anni cinquanta le sue ricerche visive lo portano a creare i negativi-positivi, quadri astratti con i quali l'autore lascia libero lo spettatore di scegliere la forma in primo piano da quella di sfondo. Nel 1951 presenta le macchine aritmiche in cui il movimento ripetitivo della macchina viene spezzato dalla casualità mediante interventi umoristici. Sempre degli anni cinquanta sono i libri illeggibili in cui il racconto è puramente visivo. Nel 1954 utilizzando le lenti Polaroid costruisce oggetti d'arte cinetica noti come Polariscopi grazie ai quali è possibile utilizzare il fenomeno della scomposizione della luce a fini estetici. Nel 1953 presenta la ricerca il mare come artigiano recuperando oggetti lavorati dal mare, mentre nel 1955 crea il museo immaginario delle isole Eolie dove nascono le ricostruzioni teoriche di oggetti immaginari, composizioni astratte al limite tra antropologia, humour e fantasia.
Nel 1958 modellando i rebbi delle forchette crea un linguaggio di segni per mezzo di forchette parlanti. Nel 1958 presenta le sculture da viaggio che sono una rivisitazione rivoluzionaria del concetto di scultura, non più monumentale ma da viaggio, a disposizione dei nuovi nomadi del mondo globalizzato di oggi. Nel 1959 crea i fossili del 2000 che con vena umoristica fanno riflettere sull'obsolescenza della tecnologia moderna.

Negli anni sessanta diventano sempre più frequenti i viaggi in Giappone, verso la cui cultura Munari sente un'affinità crescente, trovando precisi riscontri al suo interesse per lo spirito zen, l'asimmetria, il design e l'imballaggio nella tradizione giapponese. Nel 1965 a Tokyo progetta una fontana a 5 gocce che cadono in modo casuale in punti prefissati, generando una intersezione di onde, i cui suoni, raccolti da microfoni posti sott'acqua, vengono riproposti amplificati nella piazza che ospita l'installazione.

Negli anni sessanta si dedica: alle opere seriali con realizzazioni come aconà biconbì, sfere doppie, nove sfere in colonna, tetracono (1961-1965) o flexy (1968); alle sperimentazioni visive con la macchina fotocopiatrice (1964); alle performance con l'azione far vedere l'aria (Como, 1968); alle sperimentazioni cinematografiche con i film i colori della luce (musiche di Luciano Berio), inox, moire (musiche di Pietro Grossi), tempo nel tempo, scacco matto, sulle scale mobili (1963-64). Infatti, insieme a Marcello Piccardo e ai suoi cinque figli a Cardina, sulla collina di Monteolimpino a Como, tra il 1962 e il 1972 ha realizzato pellicole cinematografiche d'avanguardia. Da questa esperienza nasce la "Cineteca di Monteolimpino - Centro internazionale del film di ricerca".
A Cardina, conosciuta anche come "La collina del cinema", Bruno Munari ha vissuto e lavorato a lungo tutte le estati, fino agli ultimi anni della sua vita. La sua abitazione-laboratorio, tuttora esistente e oggi sede dell'Associazione Cardina, era situata proprio in fondo alla strada carrozzabile, in via Conconi, di fronte al ristorante Crotto del Lupo.
Nel libro "La collina del cinema" di Marcello Piccardo (NodoLibri, Como 1992) è riassunta l'esperienza di quegli anni. Nel racconto "Alta tensione" (1991) di Bruno Munari, l'artista espone il suo stretto rapporto con i boschi della collina di Cardina.

Nel 1974 esplora le possibilità frattali della curva che prende il nome del matematico italiano Giuseppe Peano, curva che Munari riempie di colori a scopi puramente estetici.

Nel 1977, a coronamento dell'interesse costante verso il mondo dell'infanzia, crea il primo laboratorio per bambini in un museo, presso la Pinacoteca di Brera a Milano.

Negli anni ottanta e novanta la sua creatività non si esaurisce e realizza diversi cicli di opere: le sculture filipesi (1981), le costruzioni grafiche dei nomi di amici e collezionisti (dal 1982), i rotori (1989), le strutture alta tensione (1990), le grandi sculture in acciaio corten esposte sul lungomare di Napoli, Cesenatico, Riva del Garda, Cantù, gli xeroritratti (1991), gli ideogrammi materici alberi (1993).

Dopo vari e importanti riconoscimenti in onore della sua attività vastissima, Munari realizzò la sua ultima opera pochi mesi prima di morire a 91 anni nella sua città natale.

Il pittore e poeta Tonino Milite fu suo collaboratore e lavorò nel suo studio per anni.

Munari è stato cronologicamente il sesto fra i sette grandi di Milano tumulati nel Famedio del Cimitero Monumentale.

Opere

Il libro "Fantasia" e il concetto di creatività

Tra i libri di Bruno Munari, troviamo Fantasia, nel quale egli divide e analizza singolarmente le facoltà umane (creatività, fantasia, immaginazione e invenzione), per poi riunirle a fine libro, spiegando come agiscono nell'uomo. Per quanto concerne la creatività, potremmo dire che esistono diversi modi di pensarla e che dunque non esiste una definizione univoca. Una conferma, a tal proposito, si può riscontrare nella scissione della creatività in quattro categorie: fatalisti genetici, selettivi, universalisti e utopisti. Per Munari, la creatività consiste in tutto ciò che prima non c'era, ma che è realizzabile. Fondamentale inoltre, per essere creativi è la conoscenza, poiché noi creiamo rielaborando cose già presenti nella nostra mente, riproponendole però in una forma alternativa. Una persona creativa è una fonte inesauribile, senza alcun problema nell'adattamento e che potrà donare sempre il suo contributo culturale alla comunità. A tal proposito, si può parlare di due forme di pensiero: convergente o divergente. Vi è poi un vocabolario specifico legato alla creatività, ad esempio: mente, fantasia, corpo, immaginazione e invenzione. Tutte queste facoltà, agiscono nell'uomo simultaneamente, generando un prodotto finale. Munari, nel libro "Fantasia", descrive diverse tecniche per generare qualcosa di nuovo, riportando anche molte opere artistiche esemplificative del tutto divergenti. Alcune tecniche riportate ad esempio sono: il cambio di colore, il mondo alla rovescia, la sostituzione, la moltiplicazione di alcuni elementi, il cambio di moto, di dimensione, di peso e di materia. Particolare è la "relazione fra le relazioni", la quale consiste nell'unione di più tecniche. Inoltre, nel libro, Munari fornisce diversi spunti didattici con il fine ultimo di spiegare come stimolare nei bambini la creatività e la scoperta autonoma, insieme all'apprendimento di competenze e abilità. La gran mole di immagini presenti nel libro permette di cogliere il significato di creatività e di far vivere un viaggio nella mente, facendo riflettere su cosa potremmo creare e dunque sulla potenzialità dell'uomo.

Arti visive

La vulcanica produzione "artistica" in senso stretto di Munari, apparsa in più di 200 mostre personali e 400 mostre collettive, è un pot-pourri di tecniche, metodi e forme.

Negli anni del fascismo, Munari lavorò come grafico nel campo del giornalismo, realizzando le copertine di diverse riviste. Con i futuristi espose alcuni dipinti, ma già nel 1930 crea le prime "macchine inutili" vere opere astratte sviluppate nello spazio che coinvolgono ambiente circostante, dedicandosi a opere via via meno convenzionali, come la "macchina aerea" (1930), la "tavola tattile" (1931), le "macchine inutili" (1933), i collage (1936), il mosaico per la Triennale di Milano (1936), le strutture con elementi oscillanti (1940).

Negli anni quaranta e cinquanta, cominciò a delineare alcune linee guida della sua esplorazione:
l'arte come ambiente: Munari è tra i primi a ideare e anticipare le installazioni ("Concavo-convesso", 1946) e le videoinstallazioni ("proiezioni dirette", 1950) e "proiezioni a luce polarizzata", 1953)
l'arte cinetica ("Ora X" del 1945 è probabilmente la prima opera cinetica prodotta in serie nella storia dell'arte)
l'arte concreta (i "Negativi positivi" a partire dal 1948)
la luce (le fotografie del 1950, gli esperimenti con luce polarizzata del 1954)
la natura e il caso ("Oggetti trovati" del 1951, "Il mare come artigiano" del 1953)
il gioco (i "Giocattoli d'artista" del 1952)
gli oggetti immaginari (le "Scritture illeggibili di popoli sconosciuti", del 1947, il "Museo immaginario delle isole Eolie" a Panarea del 1955, le "Forchette parlanti" del 1958, i "Fossili del 2000" del 1959)

Nel 1949 iniziò a realizzare i "libri illeggibili", libri dove le parole spariscono per lasciare spazio alla fantasia di coloro che sapranno immaginare altri discorsi leggendo carte di colori diversi, strappi, fori e fili che attraversano le pagine. La serie dei libri illeggibili continuò fino al 1988, mentre del 1954 è la sua fontana per la Biennale di Venezia.

Negli anni sessanta, grazie all'adozione di tutte le nuove tecnologie disponibili al grande pubblico (proiettori, fotocopiatrici, cineprese), l'attività artistica di Munari divenne un'enciclopedia dell'arte fai-da-te, dove ogni opera conteneva l'implicito messaggio per l'osservatore "prova anche tu": xerografie, studi sul movimento, fontane, strutture flessibili, illusioni ottiche, film sperimentali ("I colori nella luce", del 1963, comprendeva musiche di Luciano Berio). Nel 1962 organizzò la prima esposizione di arte programmata, presso il negozio Olivetti di Milano.

Nel 1969 Munari, preoccupato della errata considerazione critica del suo lavoro artistico, tuttora spesso confuso con altri generi (didattica, design, graphic design) ha scelto la storica d'arte Miroslava Hájek per curare una selezione delle sue opere d'arte più importanti. La raccolta, strutturata cronologicamente, illustra la sua continua creatività, coerenza tematica e l'evoluzione della sua filosofia estetica fino alla sua morte.

Durante gli anni settanta, dato il maggiore interesse rivolto alla didattica vera e propria e alla scrittura, la produzione artistica in senso stretto si andò diradando, per riprendere solo alla fine del decennio. Nel 1979 ricevette dal Teatro comunale di Firenze l'incarico di realizzare la partitura cromatica dell'opera sinfonica Prometheus di Aleksandr Nikolaevič Skrjabin. L'opera con l'allestimento cromatico, creato in collaborazione con Davide Mosconi e Piero Castiglioni, fu quindi rappresentata nel marzo del 1980.

Negli anni ottanta e novanta Munari prosegue nell'esplorazione creativa con gli "olii su tela" (del 1980 e riproposti con una sala personale alla Biennale di Venezia nel 1986), le sculture "filipesi" nel 1981, i "rotori" nel 1989 e le sculture "alta tensione" del 1990-91,  alcune installazioni pubbliche di grandi dimensioni nel 1992-96, gli ideogrammi materici "alberi" del 1993.

Nelle ultime opere si va accentuando la dimensione privata, che ha un riscontro parallelo nella vasta produzione di libri a tiratura limitata stampati con Maurizio Corraini per amici e bibliofili.

Collaborazione con la rivista "Domus"
Bruno Munari, tra la fine degli anni Quaranta e l'inizio degli anni Cinquanta, sarà travolto da un'esplosione creativa che condurrà alla genesi di importanti opere, tra cui le macchine inutili e le pitture negative-positive, astratte e segniche. Tutte queste sperimentazioni contribuiscono, anche se con pesi differenti, alla progettazione e realizzazione di alcune copertine per la rivista "Domus", facilmente collocabili nella corrente dell'Arte concreta. Quest'ultima, a differenza dell'astrattismo puro, ritiene che il soggetto sia la pittura stessa, ovvero forme e colori liberamente inventati.

"Arte concreta è quindi quella che fa vedere la natura interiore dell'uomo o della donna, il pensiero umano, la sensibilità, l'estetica, il senso dell'equilibrio e tutto ciò che fa parte della natura interiore, altrettanto natura di quella esteriore."

L'astrattismo concreto propone dunque forme autonome, che non sono figure della realtà, ma realtà autonome esse stesse, realtà concrete. Tra le diverse copertine realizzate dall'autore si distinguono la n°357, n°361, n°367, nelle quali i soggetti centrali sono figure base, quali quadrati e rettangoli, disposti singolarmente in linee di successione. In tutte e tre le riviste sono presenti il nero ed il bianco, affiancati rispettivamente al giallo, alla combinazione di rosso e verde e al grigio, con campiture piatte che rimandano fortemente alle macchine inutili. Grazie a questa scelta espressiva le forme sembrano muoversi sospese nello spazio, come se fossero unite da un sottile filo di nylon; ma, allo stesso tempo, appaiono indipendenti tra di loro, concorrendo alla realizzazione di un movimento apparente.

L'instabilità percettiva è ricercata dunque da Munari con accostamenti di forme basilari e colori primari opposti, verso il superamento di ogni regola legata al supporto o ai materiali utilizzati. Tuttavia, al fine di comprendere le scelte effettuate dall'artista, è necessario far riferimento alle sue opere positivo-negative. In queste ultime ogni forma e ogni parte della composizione sta in primo piano o sullo sfondo a seconda della lettura di chi guarda. Valgono i seguenti principi:

- dietro le forme concrete non c'è più nessuno sfondo;

- ogni forma che è nel quadro ha un esatto valore compositivo, il quadro vive in ogni punto;

- ogni elemento che compone il quadro deve poter essere considerato il "soggetto";

- non ci deve essere un soggetto posato sullo sfondo.

La strutturazione dell'opera su questi principi comporta appunto un'instabilità percettiva nella composizione, ottenuta dal modo in cui le linee tracciate la suddividono. Questo causa l'annullamento dello sfondo rispetto alle figure in primo piano.

L'assenza di uno sfondo è fondamentale per ottenere una parità e una complanarità tra le forme disegnate, come spiega l'artista stesso nello scritto: "I negativi positivi":

"la linea è un confine tra due forme equivalenti

la figura e il fondo si equivalgono

A e B assieme in un quadrato, o anche isolate

L'effetto che ne risulta fa sì che ogni forma che compone l'opera sembra che si sposti, che avanzi o che vada indietro nello spazio ottico percettivo dello spettatore, creando una dinamica cromatica, una instabilità ottica secondo come lo spettatore prende in considerazione ogni forma."

Nel caso specifico della copertina n°357 di "Domus" lo sfondo viene scisso in fasce verticali dalle linee di quadrati affiancate e sovrapposte, mentre è diviso in fasce orizzontali dalla spaziatura tra i quadrati di una stessa riga. Come appena illustrato, la figura del quadrato è essenziale in questa rivista quanto nelle altre, poiché è l'elemento base con il quale vengono costruite le forme negative positive; queste sembrano in primo piano o meno a seconda di cosa percepisce l'osservatore, un po' come in una scacchiera (anche se il bianco e il nero in questo caso sono equivalenti, mentre nei positivi-negativi c'è una sproporzionalità di spazio e colore). Un altro motivo per cui il quadrato riveste un ruolo particolarmente importante nella produzione del grafico è che grazie alle sue caratteristiche strutturali offre uno scheletro armonico su cui fissare la costruzione artistica, tant'è che Munari stesso lo ritiene elemento principe di ogni epoca e stile.

Interessante è anche l'influenza che la pittura di Mondrian esercitò su Munari, infatti molte delle sue caratteristiche sono rintracciabili anche in queste composizioni, come ad esempio:

-        la presenza di forme elementari;

-        l'asimmetria della composizione;

-        la presenza di molto spazio bianco e di vuoto.

Tuttavia, l'artista va oltre l'essenzialità minimalista di Mondrian:  il negativo-positivo, infatti, è concettualmente più un progetto che una pittura. In queste nuove opere non c'è più alcuna sensazione di profondità e di espressione, e le tinte sono piatte; perciò i negativi-positivi potrebbero essere "letti" come architetture di forme-colori. Questo concetto è sintetizzato da una frase di Munari stesso: "Un azzurro non è un cielo, un verde non è un prato, anche se dentro di noi questi colori risvegliano sensazioni di cieli e di prati. L'opera d'arte concreta non è più nemmeno definibile nelle categorie pittura, scultura ecc.: è un oggetto che si può appendere al muro o al soffitto, o appoggiare per terra. Qualche volta può assomigliare a un quadro o a una scultura (nel senso moderno) ma non ha niente in comune con questi".

In quest'ultima copertina, la n°361, è evidente la predilezione dell'artista per l'accostamento di colori complementari: in questo caso vengono associati il rosso e il verde. Questa scelta non è casuale, ma riconducibile alla teoria dei negativi-positivi, in quanto Munari ritiene che l'associazione di elementi contrastanti possa donare alla composizione una particolare armonia. Da tenere in considerazione è anche la passione di Munari per la cultura orientale, dalla quale riprende il concetto di Yin e Yang, che rappresentano l'unità formata dall'equilibrio di due forze opposte, uguali e contrarie. Questa unità si concretizza in un disco dinamico costituito da due forme rotanti in senso opposto (b/n). "Yang è la forza positiva: è maschile, è il calore, la durezza, la fermezza, la luce, il sole, il fuoco, il rosso, la base di una collina, la sorgente di un fiume. Yin è il principio negativo: è femminile, è il misterioso, il soffice, l'umido, il segreto, lo scuro, l'evanescente, il torbido e l'inattivo, è l'ombra nord di una collina, è la foce di un fiume. Yang e Yin sono presenti in tutte le cose (…). È l'equilibrio delle forze opposte: la fatica alternata al riposo, la luce al buio, il sì al no."

"Nella sua retina un eccesso di luce rossa provoca immagini verdi (…)" .

Design industriale

Come libero professionista, Munari ha disegnato dal 1935 al 1992 diverse decine di oggetti d'arredamento (tavoli, poltrone, librerie, lampade, posacenere, carrelli, mobili combinabili, ecc.), la maggior parte dei quali per Bruno Danese. E proprio nel campo del disegno industriale Munari ha creato i suoi oggetti di più grande successo, come il giocattolo scimmia Zizi (1953), la "scultura da viaggio" pieghevole, per ricreare un ambiente estetico familiare nelle anonime camere d'albergo (1958), il portapenne Maiorca e il posacenere Cubo (1958), la Lampada Falkland, l'Abitacolo (1971) e la lampada Dattilo (1978).

Oltre alla progettazione di oggetti d'arredamento, Munari realizzò anche allestimenti di vetrine (La Rinascente, 1953), abbinamenti di colori per le vernici delle automobili (Montecatini, 1954), elementi espositivi (Danese, 1960, Robots, 1980), e persino dei tessuti (Assia, 1982). A 90 anni, firmò la sua ultima opera, l'orologio "Tempo libero" Swatch, del 1997.

Libri e grafica editoriale
La produzione editoriale di Munari si estende per settant'anni, dal 1929 al 1998, e comprende libri veri e propri (saggi tecnici, poesie, manuali, libri "artistici", libri per bambini, testi scolastici), libri-opuscolo pubblicitari per varie industrie, copertine, sopraccoperte, illustrazioni, fotografie. In tutte le sue opere, è presente un forte impulso sperimentale, che lo spinge a esplorare forme insolite e innovative a partire dall'impaginazione, dai Libri illeggibili senza testo, all'ipertesto ante litteram di opere divulgative come il famoso Artista e designer (1971).
Alla sua vasta produzione come autore vanno aggiunte infine le numerose copertine e illustrazioni per libri di Gianni Rodari, Nico Orengo e altri.

Per valutare l'impatto che l'opera di progettazione di Munari ha avuto sull'immagine della cultura in Italia, si può prendere ad esempio l'opera per l'editore Einaudi. Munari realizzò con Max Huber tra il 1962 e il 1972 la grafica delle collane Piccola Biblioteca (con il quadrato colorato in alto), Nuova Universale (con le strisce orizzontali rosse), Collezione di poesia (con i versi su fondo bianco in copertina), Nuovo Politecnico (con il quadrato rosso centrale), Paperbacks (con il quadrato blu centrale), Letteratura, Centopagine, e delle opere in più volumi (Storia d'Italia, Enciclopedia, Letteratura italiana, Storia dell'arte italiana).
Tra le altre realizzazioni grafiche di grande successo, si ricordano la Nuova Biblioteca di Cultura e le Opere di Marx-Engels per Editori Riuniti, e due collane di saggi per Bompiani.

Nel 1974, insieme a Bob Noorda, Pino Tovaglia e Roberto Sambonet ha progettato il marchio e l'immagine coordinata della Regione Lombardia.

Giochi didattici e laboratori
Dal 1988 al 1992 Munari collabora in prima persona ai laboratori didattici del Centro per L'arte contemporanea Luigi Pecci di Prato, formando il personale interno, ovvero Barbara Conti e Riccardo Farinelli, che porteranno avanti e coordineranno i laboratori museali in maniera continuativa fino al 2014, quando la Direzione del Pecci decide la soppressione delle attività didattiche munariane.

 Le costruzioni in legno "Scatola di architettura" per Castelletti (1945)
 I giocattoli Gatto Meo (1949) e Scimmietta Zizì (1953) per Pirelli
 Dal 1959 al 1976, svariati giochi per Danese (Proiezioni dirette, ABC, Labirinto, Più e meno, Metti le foglie, Strutture, Trasformazioni, Dillo coi segni, Immagini della realtà)
 Le mani guardano (1979), Milano
 Primo laboratorio per bambini all'Accademia di Belle Arti di Brera di Milano (1977)
 Laboratorio "Giocare con l'arte" al Museo internazionale delle ceramiche di Faenza (1981) in collaborazione con Gian Carlo Bojani.
 I laboratori per bambini del Kodomo no shiro (Castello dei bambini) di Tokyo (1985)
 Giocare con l'arte (1987) Palazzo Reale, Milano
 Giocare con la natura (1988) Museo di Storia Naturale, Milano
Giocare con l'arte (1988) Centro per l'arte contemporanea Luigi Pecci, Prato, laboratori permanenti
 Ritrovare l'infanzia (1989) Fiera Milano, Laboratori dedicati alla terza età, Milano
 Un fiore con amore (1991) Giocare con Munari al Laboratorio di Beba Restelli
 Giocare con la fotocopiatrice (1991) Giocare con Munari al Laboratorio di Beba Restelli
 Il "Libro letto", trapunta scritta che è sia libro che letto (1993) per Interflex
 Lab-Lib (1992) Giocare con Munari al Laboratorio di Beba Restelli
 Giocare con la puntatrice (1994) Giocare con Munari al Laboratorio di Beba Restelli
 Tavole Tattili (1995) Giocare con Munari al Laboratorio di Beba Restelli

Premi e riconoscimenti
Premio "Compasso d'Oro" dell'Associazione per il Disegno Industriale (1954, 1955, 1979)
Medaglia d'oro della Triennale di Milano per i libri illeggibili (1957)
Premio Andersen come miglior autore per l'infanzia (1974)
Menzione onorevole dell'Accademia delle Scienze di New York (1974)
Premio grafico Fiera di Bologna per l'infanzia (1984)
Premio della Japan Design Foundation, "per l'intenso valore umano del suo design" (1985)
Premio LEGO "per il suo eccezionale contributo allo sviluppo della creatività nei bambini" (1986)
Premio "Spiel Gut" di Ulma (1971, 1973, 1987)
Premio Feltrinelli ex aequo per la Grafica (1988), conferitogli dall'Accademia dei Lincei
Laurea honoris causa in architettura dall'Università di Genova (1989)
Socio Onorario dell'Accademia di Belle Arti di Brera - Premio Marconi (1992)
Cavaliere di Gran Croce (1994)
"Compasso d'oro" alla carriera (1995)
Membro onorario della Harvard University

Bruno Munari nei musei
 Museo d'arte MAGA di Gallarate (VA)
 MART - Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto (Provincia di Trento)

Libri di Bruno Munari

Design e comunicazione visiva

 Tavolozza di possibilità grafiche, con Ricas - Muggiani editore (1935)
 Fotocronache di Munari - Domus (1944)
 Supplemento al dizionario italiano - Carpano (1958)
 Le forchette di Munari - La Giostra (1958)
 La scoperta del quadrato - Scheiwiller (1960)
 Teoremi sull'arte - Scheiwiller (1961)
 Vetrine negozi italiani - Editrice L'ufficio moderno (1961)
 Good design - Scheiwiller (1963)
 La scoperta del cerchio - Scheiwiller (1964)
 Arte come mestiere - Laterza (1966)
 Design e comunicazione visiva - Laterza (1968)
 Artista e designer - Laterza (1971)
 Codice ovvio - Einaudi (1971)
 La scoperta del triangolo - Zanichelli (1976)
 Fantasia - Laterza (1977)
 Xerografie originali - Zanichelli (1977)
 Guida ai lavori in legno - Mondadori (1978)
 Da cosa nasce cosa - Laterza (1981)
 Il laboratorio per bambini a Brera - Zanichelli (1981)
 Il laboratorio per bambini a Faenza al museo internazionale delle ceramiche - Zanichelli (1981)
 Ciccì Coccò - FotoSelex (1982)
 Uno spettacolo di luce - Zanichelli (1984)
 I laboratori tattili - Zanichelli (1985)
 Direzione sorpresa, con Mario De Biasi - Cordani (1986)
 Giochi e grafica - comune di Soncino (1990)
 Il dizionario dei gesti italiani - adnkronos libri (1994)
 Il castello dei bambini a Tokyo - Einaudi (1995)
 Spazio abitabile 1968-1996 - Stampa Alternativa (1996)
 Supplemento al Dizionario Italiano, Mantova, Italy, Corraini. (2014)

Libri di ricerca
In questa categoria i pochi libri di poesia sono raggruppati con tutti i volumi "d'artista" o comunque non convenzionali, stampati spesso in tirature limitate, o in edizioni fuori commercio.

 Libri illeggibili - Libreria Salto (1949)
 Libro illeggibile n. 8 - (1951)
 Libro illeggibile n. 12 - (1951)
 Libro illeggibile n. 15 - (1951)
 Libro illeggibile - (1952)
 An unreadable quadrat-print - Hilversum (1953)
 Sei linee in movimento - (1958)
 Libro illeggibile n. XXV - (1959)
 Libro illeggibile con pagine intercambiabili - (1960)
 Libro illeggibile n. 25 - (1964)
 Libro illeggibile 1966 - Galleria dell'Obelisco (1966)
 Libro illeggibile N.Y.1 - The Museum of Modern Art (1967)
 Guardiamoci negli occhi - Giorgio Lucini editore (1970)
 Libro illeggibile MN1 - Corraini (1984)
 La regola e il caso - Mano (1984)
 I negativi-positivi 1950 - Corraini (1986)
 Munari 80 a un millimetro da me - Scheiwiller (1987)
 Libro illeggibile MN1 - Corraini (1988)
 Libro illeggibile 1988-2 - Arcadia (1988)
 Simultaneità degli opposti - Corraini (1989)
 Alta tensione - Vismara Arte (1990)
 Libro illeggibile NA-1 - Beppe Morra (1990)
 Strappo alla regola - (1990)
 Amici della Sincron - Galleria Sincron (1991)
 Rito segreto - Laboratorio 66 (1991)
 Metamorfosi delle plastiche - Triennale di Milano (1991)
 Alla faccia! Esercizi di stile - Corraini (1992)
 Libro illeggibile MN3. Luna capricciosa - Corraini (1992)
 Saluti e baci. Esercizi di evasione - Corraini (1992)
 Viaggio nella fantasia - Corraini (1992)
 Pensare confonde le idee - Corraini (1992)
 Aforismi riciclati - Pulcinoelefante (1991)
 Verbale scritto - il melangolo (1992)
 Fenomeni bifronti - Etra/Arte (1993)
 Libro illeggibile MN4 - Corraini (1994)
 Tavola tattile - Alpa Magicla (1994)
 Mostra collettiva di Bruno Munari - Corraini (1994)
 Adulti e bambini in zone inesplorate - Corraini (1994)
 Contanti affettuosissimi auguri - NodoLibri (1994)
 Aforismi - Pulcinoelefante (1994)
 Libro illeggibile MN5 - Corraini (1995)
 Il mare come artigiano - Corraini (1995)
 Emozioni - Corraini (1995)
 A proposito di torroni - Pulcinoelefante (1996)
 Prima del disegno - Corraini (1996)
 Ma chi è Bruno Munari? - Corraini (1996)
 Segno & segno - Etra/arte (1996)

Libri per l'infanzia

 Movo: modelli volanti e parti staccate - Grafitalia (1940)
 Mondo aria acqua terra - (1940)
 Le macchine di Munari - Einaudi (1942)
 Abecedario di Munari - Einaudi (1942)
 Scatola di architettura - Castelletti (1945)
 Mai contenti - Mondadori (1945)
 L'uomo del camion - Mondadori (1945)
 Toc toc - Mondadori (1945)
 Il prestigiatore verde - Mondadori (1945)
 Storie di tre uccellini - Mondadori (1945)
 Il venditore di animali - Mondadori (1945)
 Gigi cerca il suo berretto - Mondadori (1945)
 Che cos'è l'orologio - Editrice Piccoli (1947)
 Che cos'è il termometro - Editrice Piccoli (1947)
 Meo il gatto matto - Pirelli (1948)
 Acqua terra aria - Orlando Cibelli Editore (1952)
 Nella notte buia - Muggiani (1956)
 L'alfabetiere - Einaudi (1960)
 Bruno Munari's ABC - World Publishing Company (1960)
 Bruno Munari's Zoo - World Publishing Company (1963)
 La torta in cielo - Einaudi (1966)
 Nella nebbia di Milano - Emme edizioni (1968)
 Da lontano era un'isola - Emme edizioni (1971)
 L'uccellino Tic Tic, con Emanuele Luzzati - Einaudi (1972)
 Cappuccetto Verde - Einaudi (1972)
 Cappuccetto Giallo - Einaudi (1972)
 Dove andiamo?, con Mari Carmen Diaz - Emme edizioni (1973)
 Un fiore con amore - Einaudi (1973)
 Un paese di plastica, con Ettore Maiotti - Einaudi (1973)
 Rose nell'insalata - Einaudi (1974)
 Pantera nera, con Franca Capalbi - Einaudi (1975)
 L'esempio dei grandi, con Florenzio Corona - Einaudi (1976)
 Il furbo colibrì, con Paola Bianchetto - Einaudi (1977)
 Disegnare un albero - Zanichelli (1977)
 Disegnare il sole - Zanichelli (1980)
 I prelibri (12 libri) - Danese (1980)
 Cappuccetto Rosso Verde Giallo Blu e Bianco - Einaudi (1981)
 Tantagente - The Museum of Modern Art (1983)
 Il merlo ha perso il becco, con Giovanni Belgrano - Danese (1987)
 La favola delle favole - Publi-Paolini (1994)
 La rana Romilda - Corraini (1997)
 Il prestigiatore giallo - Corraini (1997)
 Buona notte a tutti - Corraini (1997)
 Cappuccetto bianco - Corraini (1999)

Libri per la scuola
 Tec 90 - Minerva Italica (1990)
 L'occhio e l'arte - Ghisetti e Corvi (1992)
 Metodi modelli e tecniche - Minerva Italica (1993)
 Suoni e idee per improvvisare - Ricordi (1995)
 Modulart - Atlas (1999)

Pubblicità e industria
 Il linoleum, con Ricas - Società del linoleum (1938)
 L'idea è nel filo - Bassetti (1964)
 Xerografia - Rank Xerox (1972)
 Alfabeto Lucini - Lucini (1987)
 Occhio alla luce - Osram (1990)

Film su Bruno Munari
 La collina del cinema - Andrea Piccardo (1995)
 Nello studio con Munari - Andrea Piccardo (2007)

Album musicali per Bruno Munari
 Opera riparata. A tribute to Bruno Munari (2012) - Filippo Paolini aka Økapi e la Aldo Kapi Orchestra

Note

Bibliografia
Bruno Munari: The Lightness of Art, a cura di Pierpaolo Antonello, Matilde Nardelli, Margherita Zanoletti, Oxford, Peter Lang, 2017.
A cura di Miroslava Hajek e Luca Panaro, Fantasia esatta i colori della luce di Bruno Munari, APM edizioni, 2008.
Francesco Franco, Gianni Rodari e Bruno Munari. I cinque libri: racconti e disegni brevi, in "Bollettino '900", 2007, n. 1-2.
Francesco Franco, Bruno Munari. Dalla copertina alla coperta, fino al riciclaggio del ciclo, in "BTA - Bollettino Telematico dell'Arte", 21/3/2007, n. 451.
A cura di Bruno Corà, Pietro Bellasi, Alberto Fiz, Miroslava Hájek, Guido Magnaguagno, Tinguely e Munari. Opere in azione, Editore Mazzotta, Milano 2004.
Giorgio Maffei, Munari: i libri, Sylvestre Bonnard, 2002.
Claude Lichtenstein, Alfredo Haberli, Air Made Visible: A Visual Reader on Bruno Munari, Lars Muller, 2000.
A cura di Beppe Finessi, Su Munari, Abitare Segesta, 1999.
A cura di Alberto Fiz, Omaggio a Bruno Munari, Mazzotta editore, Milano 1999.
A cura di Miroslava Hajek, Bruno Munari, Instalace, edizioni GKK 1997.
Mostra di Bruno Munari, inventore artista scrittore designer architetto grafico gioca con i bambini, Corraini Editore, Milano, 1995.
Marco Meneguzzo, Bruno Munari Mostra Collettiva, Adulti e bambini in zone inesplorate, Corraini Editore, Milano 1994.
Marco Meneguzzo, Bruno Munari, Laterza, 1993.
Marco Meneguzzo, Munari '50, La bellezza come funzione, Corraini Editore, 1991.
Bruno Munari, Editore Electa, 1986.
Aldo Tanchis, Bruno Munari, Idea Books, 1986.
Aldo Tanchis, L'arte anomala di Bruno Munari, Laterza 1981
Luciano Marucci, Viaggi nell'arte. Bruno Munari. Creativa mente, Cauda Pavonis, 1986

"Bruno Munari. Opere", testi di Alberto Zanchetta, Galleria Dep Art Edizioni, 2012.
A cura di Guido Bartorelli, Bruno Munari: aria | terra, catalogo della mostra, Mantova, Corraini, 2017.

Voci correlate
 Basic design
 Mario De Donà
 Silvio Russo
 Arte cinetica
 Giardino Bruno Munari
 Lampada Falkland
 Abitacolo
 Macchine inutili

Altri progetti

Collegamenti esterni

 Associazione Bruno Munari Associazione presieduta dal figlio Alberto
 Collezione Bruno Munari (Cantù) Sito della Collezione Bruno Munari della Galleria del Design e dell'Arredamento.

 Centro di Arte Contemporanea di Cavalese (Trento) Un centro di arte contemporanea con una sezione interamente dedicata a Bruno Munari.
 MunArt Un sito informativo dedicato a Bruno Munari
 www.mostrabrunomunari.it Mostra dedicata a Bruno Munari nel centenario della nascita - Rotonda della Besana, Milano
 Studio Calcografico Urbino  Nella sezione Incontri in Stamperia sono documentate diverse attività svolte con Bruno Munari. Inoltre lo Studio ha curato l'edizione di un'opera originale dell'Artista nel 1991.

 la fattoria delle ginestre Fattoria didattica Metodo Munari, progettata da una diretta collaboratrice dell'artista. Laboratori, formazione, gite didattiche

Designer premiati con il Compasso d'Oro
Munari
Sepolti nel Cimitero Monumentale di Milano


text:
Mouzon est une ancienne commune française située dans le département des Ardennes en région Grand Est.

Le , Villemontry est rattachée à la commune de Mouzon.

Par arrêté préfectoral du , les communes d'Amblimont et Mouzon forment le , la nouvelle commune de Mouzon.

Géographie
La commune se situe à la croisée de la Meuse et de l'ancienne voie romaine qui va de Reims à Trèves. La rivière Yoncq se jette dans la Meuse sur le territoire communal.

Toponymie
Le nom de la ville est d'origine celtique et signifie « le marché de la Meuse » (Moso-magus). Elle peut être identifiée à Mosa sur la table de Peutinger sur la route de Reims à Cologne.

Histoire
À l'âge du fer (800 ans ) puis à l'époque celtique (600 ), un espace dédié aux cérémonies religieuses y était établi, un peu en hauteur et à l'extérieur de la ville actuelle. Ce sanctuaire était à proximité de la frontière entre les peuples gaulois des Rèmes et des Trévires. À l'époque gallo-romaine, ce site (dit du Flavier) continue à être utilisé, avec une cella en dur de  à l'emplacement de la construction primitive. Deux espaces pavés sont construits ultérieurement. Au ,un temple plus vaste est édifié. Un charnier atteste de l'immolation d'animaux. Après le partage de 843, c'est une ville d'empire mais elle dépend de l'Évêché de Reims pour le spirituel et le temporel. Jusqu'au  ce Castrum est le second siège des évêques et est le lieu de synodes mais surtout de rencontres : entre Robert II et Henri II en 1023, entre Calixte II et Henri V en 1119, entre Philippe-Auguste et Frédéric Barberousse en 1187.

L'abbaye sainte-Vanne de Verdun avait obtenu de l'empereur Henri II de frapper monnaie à Mouzon, l'archevêque Ebles la rattachait à la monnaie de Reims. La charte de Beaumont en Argonne de 1182 marque un nouvel essor de la ville.

Le traité de Saint-Maur (1465) donne la seigneurie de Mouzon au Duc  Jean II de Lorraine avant d'être intégré à la principauté de Sedan un siècle plus tard.
La ville a été assiégée par les troupes royales lors de la Fronde en 1652. Elle est à nouveau assiégée l'année suivante, pour tomber le  octobre 1653.

 Percée de Sedan du 10 mai 1940.

Décoration française
 Croix de guerre 1914-1918 décernée le .

Politique et administration

Tendances politiques et résultats

Liste des maires

Liste des maires avant 2016

Liste des maires délégués depuis 2016

Population et société

Démographie

Sports
 Amical Club Mouzon, club de football de la ville qui connut la Division 2 durant la saison 1971-1972 avant de fusionner en 1974 avec le Club sportif Sedan Ardennes pour donner le Club sportif Sedan Mouzon Ardennes.

Culture locale et patrimoine

Lieux et monuments
Mouzon abrite un ensemble architectural des , comprenant :
 L'ancien cloître du monastère bénédictin () (maintenant utilisé comme maison de retraite) avec chapelle de l'ancienne abbaye bénédictine .
 Une Abbatiale Notre-Dame de Mouzon  gothique. L'édifice est classé  monument historique dès 1840.
 L'église Sainte-Geneviève de Mouzon, inscrite au titre des monuments historiques en 1987.
 Des vestiges de fortifications, dont la porte de Bourgogne (), vestiges inscrits au titre des monuments historiques en 1926.
 Des maisons anciennes dites maisons espagnoles inscrites au titre des monuments historiques en 1942.
 Un pigeonnier, qui abrite désormais, en saison, une annexe de l'Office de Tourisme.
 Le musée du feutre (unique en Europe), installé dans l'ancien corps de ferme jouxtant le colombier.
 L'église Saint-Georges Amblimont.
 L'église Saint-Laurent Villemontry.
En hauteur, à quelque distance de la ville, on trouve également :
 Le site gallo-romain du Flavier avec son fanum, classé monument historique en 1980.

Héraldique

Personnalités liées à la commune

Nées dans la commune
 Étienne Bauny (1564-1649), théologien
 Thomas-Claude Renart de Fuchsamberg (1642-1700), chef d'escadre dans la Marine royale, il termine sa carrière gouverneur général des îles d'Amérique (Antilles françaises).
 Jean Hardy (1762-1802), général des armées de la République française. Son nom est gravé sous l'arc de triomphe de l'Étoile, sur la .
 Pierre Paté-Desormes, artiste peintre (1777-???), élève de François-André Vincent et de Jacques-Louis David
 Abbé Miroy (1828-1871), prêtre fusillé par les Prussiens en 1871, accusé d'avoir abrité des francs-tireurs et d'avoir caché des armes
 François Sommer (1904-1973), officier du Groupe de bombardement Lorraine, Compagnon de la Libération,industriel
 Raymond Sommer (1906-1950), coureur automobile

Autres personnalités
 Colonel de Contenson, colonel du  de cuirassiers, mort le 30 août 1870 en chargeant à la tête de son régiment
 Alfred Sommer (1847-1917),industriel belge, fondateur de la manufacture de feutre de Mouzon.
 Roger Sommer (1877-1965), fils du précédent, aviateur

Voir aussi

Bibliographie

Articles connexes

 Monastère de Mouzon
 Abbatiale Notre-Dame de Mouzon
 Église Sainte-Geneviève de Mouzon
 Fortifications de Mouzon
 Maisons espagnoles de Mouzon
 Musée du feutre de Mouzon
 Liste des anciennes communes des Ardennes

Liens externes

 Site de la mairie
 Archéologie

Notes et références

Notes

Références

Ancienne commune dans les Ardennes
Commune déléguée dans les Ardennes

redpajama_set_name: RedPajamaWikipedia


text:
Diese Liste der größten deutschen Städte bietet einen Überblick über die bevölkerungsreichsten Städte, die zum Zeitpunkt der einzelnen Statistiken im jeweils zeitgenössischen deutschen Gebiet lagen.

Die Industrialisierung im 19. Jahrhundert, vor allem seit der Gründerzeit und der Reichsgründung 1871, brachte in Deutschland eine verstärkte Urbanisierung bis hin zur weitgehend verstädterten Gesellschaft mit sich.

Die folgenden Tabellen zeigen historische Einwohnerzahlen deutscher Städte von 1700 bis 2000 nach dem jeweiligen Gebietsstand. Aufgeführt ist auch die übergeordnete Verwaltungseinheit (Staat, Land, Königreich, Provinz, Bezirk), zu der die Stadt im entsprechenden Jahr gehörte. Folgende historische und aktuelle deutsche Staatsgebilde wurden berücksichtigt:

 Heiliges Römisches Reich (962–1806)
 Deutscher Bund (1815–1866)
 Deutsches Reich (1871–1949)
 Deutsche Demokratische Republik (1949–1990)
 Bundesrepublik Deutschland (ab 1949)

Aktuelle Angaben enthält die Liste der Großstädte in Deutschland.

Antike
Im Imperium Romanum entwickelte sich die Römerstadt ab 200 v. Chr. und verbreitete sich in der Folgezeit von Italien nach Norditalien, Nordafrika (Tunesien) und Mitteleuropa. Als Blütezeit der antiken Stadt kann man das 1. bis 3. Jahrhundert n. Chr. sehen, viele antike Ruinen datieren aus dieser Zeit.

Römerstädte in Deutschland entstanden vornehmlich an Rhein und Donau:
 Augsburg
 Bonn
 Koblenz
 Köln
 Mainz
 Neuss
 Nida
 Passau
 Regensburg
 Straubing
 Trier, bereits im 3. und 4. Jahrhundert mit schätzungsweise 80.000 Einwohnern die größte Stadt nördlich der Alpen
 Xanten

Mittelalter bis zur Neuzeit
Mit der Völkerwanderung im 5. Jahrhundert verfielen die antiken Städte auf dem Gebiet des heutigen Deutschlands weitgehend. Nur zu Augsburg, Regensburg, Trier und Köln ist der durchgängige Bestand als Stadt gesichert. Die Anzahl der Städte in Mitteleuropa blieb bis ca. 1100 mit einigen Hundert noch sehr gering. Der weitaus größte Teil entstand in den folgenden 250 Jahren, als ab 1120 zahlreiche Gründungsstädte entstanden, meist durch einen Gründungsakt und Stadtentwurf. Etwa zum Beginn der Neuzeit, Anfang des 16. Jahrhunderts, bestanden als bedeutende Städte (neben weiteren heute vor allem niederländischen, französischen und belgischen) vorwiegend die Freien und Reichsstädte sowie die Residenzstädte:

 Köln und Prag mit etwa 40.000 Einwohnern,
 Augsburg, Lübeck, Magdeburg und Nürnberg mit etwa 20.000 bis 30.000 Einwohnern,
 Aachen, Basel, Braunschweig, Bremen, Breslau, Erfurt, Genf, Hamburg, Lüneburg, Metz, Mühlhausen, München, Münster, Regensburg, Rostock, Schwaz, Soest, Stralsund, Straßburg, Trier, Ulm und Wien mit etwa 10.000–20.000 Einwohnern.

Die größten deutschen Städte 1500
Bei den Einwohnerzahlen für das Jahr 1500 handelt es sich um Schätzungen.

Die größten deutschen Städte 1700

Bei den Einwohnerzahlen für das Jahr 1700 handelt es sich um Schätzungen.

Die größten deutschen Städte 1750
Bei den Einwohnerzahlen für das Jahr 1750 handelt es sich um Schätzungen.

Die größten deutschen Städte 1800
Bei den Einwohnerzahlen für das Jahr 1800 handelt es sich um Schätzungen.

Die größten deutschen Städte 1849

Die Einwohnerzahlen und der Gebietsstand beziehen sich auf die Volkszählung vom 3. Dezember 1849.

Die größten deutschen Städte 1880

Die Einwohnerzahlen und der Gebietsstand beziehen sich auf die Volkszählung vom 1. Dezember 1880.

Die größten deutschen Städte 1910

Die Einwohnerzahlen und der Gebietsstand beziehen sich auf die Volkszählung vom 1. Dezember 1910.

Die größten deutschen Städte 1919

Die Einwohnerzahlen und der Gebietsstand beziehen sich auf die Volkszählung vom 8. Oktober 1919.

Die größten deutschen Städte 1939

Die Einwohnerzahlen und der Gebietsstand beziehen sich auf die Volkszählung vom 17. Mai 1939.

Die größten deutschen Städte 1946

Die Einwohnerzahlen und der Gebietsstand beziehen sich auf die Volkszählung vom 29. Oktober 1946.

Die größten deutschen Städte 1975
Die Einwohnerzahlen und der Gebietsstand beziehen sich auf den 31. Dezember 1975 (Wohnbevölkerung nach Fortschreibung der Statistischen Landesämter und der Staatlichen Zentralverwaltung für Statistik).

1: Ost-Berlin (1.098.174 Einwohner) und West-Berlin (1.984.837 Einwohner)

Die größten deutschen Städte 2000

Die Einwohnerzahlen und der Gebietsstand beziehen sich auf den 31. Dezember 2000 (Bevölkerung am Ort der Hauptwohnung nach Fortschreibung der Statistischen Landesämter).

Die größten deutschen Städte 2015
Die Einwohnerzahlen und der Gebietsstand beziehen sich auf den 31. Dezember 2015 (Bevölkerung am Ort der Hauptwohnung nach dem Zensus 2011 des Statistischen Bundesamtes und der Statistischen Landesämter).

Siehe auch
 Liste der Städte in Deutschland
 Liste der Großstädte in Deutschland
 Liste ehemaliger Städte in Deutschland
 Liste der 100 flächengrößten Gemeinden Deutschlands
 Liste deutscher Gemeinden, nach der Bevölkerungsdichte geordnet
 Liste der größten Agglomerationen in Deutschland
 Liste der größten Städte der Europäischen Union
 Liste der größten Metropolregionen der Welt
 Liste der größten Städte der Welt (historisch)
 Liste der Städtelisten nach Ländern

Literatur
 Eberhard Isenmann: Die deutsche Stadt im Spätmittelalter, 1250–1500: Stadtgestalt, Recht, Stadtregiment, Kirche, Gesellschaft, Wirtschaft. Verlag Eugen Ulmer, Stuttgart 1988, ISBN 3-8001-2571-4.
 Heinz Schilling: Die Stadt in der frühen Neuzeit. Enzyklopädie deutscher Geschichte. Band 24, Oldenbourg Wissenschaftsverlag, München 2004, ISBN 978-3-486-56765-6.
 Wolfgang R. Krabbe: Die deutsche Stadt im 19. und 20. Jahrhundert: eine Einführung. Vandenhoeck & Ruprecht, Göttingen 1989, ISBN 3-525-33555-5.
 Otto Hübner: Jahrbuch für Volkswirtschaft und Statistik, Verlag von Heinrich Hübner, Leipzig 1854
 Kaiserliches Statistisches Amt (Hrsg.): Statistisches Jahrbuch für das Deutsche Reich, 1880–1918
 Statistisches Reichsamt (Hrsg.): Statistisches Jahrbuch für das Deutsche Reich, 1919–1941/42
 Deutscher Städtetag (Hrsg.): Statistisches Jahrbuch Deutscher Gemeinden, 1890 ff.
 Statistisches Bundesamt (Hrsg.): Statistisches Jahrbuch für die Bundesrepublik Deutschland, 1952 ff.
 Staatliche Zentralverwaltung für Statistik (Hrsg.): Statistisches Jahrbuch der Deutschen Demokratischen Republik, 1955–1989

Deutschland, historisch grosste Stadte
Stadtedeutschland
Stadt


text:
Solanum macracanthum. är en potatisväxtart som beskrevs av Achille Richard. Solanum macracanthum. ingår i potatissläktetsom ingår i familjen potatisväxter. Inga underarter finns listade i Catalogue of Life.

Källor

Potatissläktet
macracanthum.


text:
Комаровка — деревня в Кыштовском районе Новосибирской области. Входит в состав Кулябинского сельсовета.

География
Площадь деревни — 51 гектар.

Население

Инфраструктура
В деревне по данным на 2007 год функционируют 1 учреждение здравоохранения и 1 учреждение образования.

Примечания

Населённые пункты Кыштовского района


text:
Lucyl Martel (née le 4 février 1922 à Montréal et décédée en 2015 à Laval) est une artiste peintre québécoise. Elle a étudié et travaillé aux côtés d'Alfred Pellan. Elle est surtout reconnue pour ses scènes du quotidien dans les années 1940 et 1950.

Biographie
Lucyl Martel et sa sœur Marguerite étudient le dessin et la peinture à l'École des beaux-arts de Montréal, de 1940 à 1949, sous l'influence d'Alfred Pellan. Pendant ses études, elle crée Atelier. Cette peinture d'une femme nue, exposée lors du vernissage de l'exposition des étudiants le , fait scandale. D'autres toiles sont également jugées inconvenantes. Pour contrer la colère de la direction, Pellan demande aux artistes d'appliquer du savon et de la gouache sur les tableaux coupables. Le directeur Charles Maillard exige tout de même que les œuvres soient décrochées. Son intolérance provoque l'ire des étudiants et une manifestation le forcera à remettre sa démission. Les « corrections » sur le tableau de Lucyl Martel ne seront retirés qu'en 2003.

L'artiste est récipiendaire du Prix du Consulat de France en 1947. En 1952, elle remporte le Prix du Salon du Printemps du Musée des beaux-arts de Montréal lors de la soixante-neuvième édition de l'événement qui se tient du  au .

Dans les années 1950, elle crée des costumes et des décors pour différents projets du duo Félix Leclerc et Guy Mauffette (compagnie de théâtre VLM).

À partir des années 1960, l'artiste devient maquettiste et accessoiriste à Radio-Québec pour qui elle travaillera pendant 25 ans.

À son décès en 2015, cette pionnière québécoise laisse un corpus d'une centaine de peintures et de dessins.

En 2017, grâce au travail de sa nièce Johanne Martel, l'œuvre de Lucyl Martel est exposé dans une première rétrospective, Lucyl Martel : une jeune artiste témoin de son temps, au Musée régional de Vaudreuil-Soulanges.

Honneurs
 Prix du Consulat de France en 1947.
 Prix du Salon du Printemps du Musée des beaux-arts de Montréal en 1952.

Musées et collections publiques
Musée régional de Vaudreuil-Soulanges.
Musée national des beaux-arts du Québec.

Œuvres
 Atelier, 1945, huile sur carton, , Musée national des beaux-arts du Québec, Québec.
Autoportrait, 1946, huile sur carton, , Musée national des beaux-arts du Québec, Québec.
Nature morte au melon, 1945, huile sur toile, , Musée national des beaux-arts du Québec, Québec.

 Madeleine Lavallée, Vaudreuil. Madeleine Lavallée au chalet de la famille Martel dans l'Anse de Vaudreuil, 1946, huile sur carton, , Musée régional de Vaudreuil-Soulanges, Québec.
 Femme au chevalet (autoportrait). Autoportrait de Lucyl Martel au chalet de l'Anse de Vaudreuil, 1947, huile sur carton, , Musée régional de Vaudreuil-Soulanges, Québec.
Femme du sud, 1947?, cat.no 86

Expositions
 1945 : Collectif des élèves d'Alfred Pellan, École des beaux-arts de Montréal
1946 : 65th Spring Exhibition, Art Association of Montreal
1947 : 66th Spring Exhibition, Art Association of Montreal
1947 : Exposition des élèves de l'École des beaux-arts de Montréal
1948 : Salon de la peinture, Trois-Rivières
1952 : 69th Spring Exhibition, Montreal Museum of Fine Arts
1967 : Lauréats 1908-1965 Salons de Printemps, Musée des beaux-arts de Montréal
2017 : Lucyl Martel, une jeune artiste témoin de son temps, Musée régional de Vaudreuil-Soulanges
2018 : Lucyl Martel, les années 1940-1950, Journées de la Culture 2018

Articles connexes
 Alfred Pellan
 Charles Maillard

Bibliographie
 Johanne Martel, Édith Prégent, Chantal Séguin. Lucyl Martel : une jeune artiste témoin de son temps, les années 1940-1950. Vaudreuil-Dorion, Musée régional du Vaudreuil-Soulanges, catalogue d'exposition, 2017, 24 p.

Notes et références

Liens externes

Peintre québécois
Peintre canadienne
Étudiant de l'École des beaux-arts de Montréal


text:
The women's 200 metres sprint event at the 1960 Olympic Games took place between September 3 and September 5.

Results

Heats

Held on September 3 from 3pm

The top two runners in each of the six heats (blue), plus the next two fastest (pink) advanced to the semifinal round.

Heat one

Heat two

Heat three

Heat four

Heat five

Heat six

Semifinals

Held on September 5 from 3:40pm

The fastest three runners in each of the two heats advanced to the final round.

Heat one

Heat two

Final

Held on September 5 at 5:10pm

Key: OR = Olympic record

Note: For the only time in Olympic sprint history, every finalist ran their fastest time for the event in the heats and their slowest time in the final, owing to rain, head winds and the schedule where the finalists had less than 90 minutes rest between the semi final and final, instead of the usual entire day.

References

Athletics at the 1960 Summer Olympics
200 metres at the Olympics
1960 in women's athletics
Women's events at the 1960 Summer Olympics


text:
La 44a Mostra Internacional de Cinema de Venècia es va celebrar entre el 29 d'agost i el 9 de setembre de 1987.

Jurat
El jurat de l'edició de la Mostra de 1987 era format per:
 Irene Papas (presidenta) (Grècia)
 Sabine Azéma (França)
 John Bailey (EUA)
 Anja Breien (Noruega)
 Beatriz Guido (Argentina)
 Carlo Lizzani (Itàlia)
 Károly Makk (Hongria)
 Serguei Soloviov (URSS)
 Vittorio Storaro (Itàlia)
 Ana Carolina (Brasil)
 Michael York (GB)
 Regina Ziegler (Alemanya)

Selecció oficial

En competició

Seccions autònomes

Setmana de la Crítica del Festival de Cinema de Venècia
Les següents pel·lícules foren exhibides com en competició per a aquesta secció:
 Relação fiel e verdadeira de Margarida Gil
 Notte Italiana de Carlo Mazzacurati
 Poussière d'ange d'Edouard Niermans
 Vzlomšcik de Valerij Ogorodnikov
 Hidden City de Stephen Poliakoff
 Sierra Leone d'Uwe Schrader
 Drachenfutter d'Ian Schütte ,

Premis
 Lleó d'Or:
Au revoir les enfants de Louis Malle
 Premi Especial del Jurat:
Hip hip hurra! de Kjell Grede
 Lleó de Plata:
Maurice de James Ivory
Lunga vita alla signora! d'Ermanno Olmi
 Premi Osella:
 Millor guió - David Mamet (House of Games)
 Millor fotografia - Sten Holmberg (Hip hip hurra!)
 Millor banda sonora - Richard Robbins (Maurice)
 Millor equip de disseny - Nanà Cecchi & Luciano Ricceri (Gli occhiali d'oro)
 Copa Volpi:
 Millor Actor - Hugh Grant i James Wilby (Maurice)
 Millor Actriu - Kang Soo-yeon (Ssibaji)
 Menció Honorífica:
 Szörnyek évadja (Miklós Jancsó)
 Medalla del President del Senat Italià:
Plyumbum, ili Opasnaya igra (Vadim Abdrashitov)
 Lleó d'Or a la carrera:
Joseph L. Mankiewicz i Luigi Comencini
 Ciak d'Or
 Millor Pel·lícula - House of Games (David Mamet)
 Millor Actor - Bernard Giraudeau (L'homme voilé)
 Millor Actriu - Kelly McGillis (Made in Heaven)
 Ciak d'Or Especial
Au revoir les enfants (Louis Malle)
 Medalla 'Commendatore al merito della Repubblica'
Moritz de Hadeln
 Premi FIPRESCI
Anayurt Oteli (Ömer Kavur)
Lunga vita alla signora! (Ermanno Olmi)
 Setmana dels Crític - Vzlomshchik (Valeri Ogorodnikov)
 Premi OCIC
Au revoir les enfants (Louis Malle)
 Menció Honorífica - Le sourd dans la ville (Mireille Dansereau)
 Premi UNICEF
Au revoir les enfants (Louis Malle)
 Premi UNESCO
Drachenfutter (Jan Schütte)
 Premi Pasinetti
 Millor pel·lícula - House of Games (David Mamet)
 Millor actor - Gian Maria Volontè (Un ragazzo di Calabria)
 Millor actriu - Melita Jurisic (The Tale of Ruby Rose)
 Premi Pietro Bianchi
Dino Risi
 Premi Elvira Notari
The Tale of Ruby Rose (Roger Scholes)
 Premi Sergio Trasatti
Au revoir les enfants (Louis Malle)
 Premi Cinecritica
Drachenfutter (Jan Schütte)
House of Games (David Mamet)
 Premi de la Societat de Psicologia
Lunga vita alla signora! (Ermanno Olmi)

Referències

Enllaços externs

 Premis del Festival de Cinema de Venècia 1987 a IMDb
 Premis del Festival de Cinema de Venècia 1987 a Filmaffinity

Esdeveniments del 1987
Festival Internacional de Cinema de Venècia
Cinema del 1987


text:
Sirius, également appelée  (α /α CMa) par la désignation de Bayer, est l'étoile principale de la constellation du Grand Chien. Vue de la Terre, Sirius est l'étoile la plus brillante du ciel après le Soleil, dépassant Canopus et Arcturus. Elle fait partie de la catégorie des étoiles blanches (selon la classification du catalogue de l'astronome Pietro Angelo Secchi). Du fait de sa déclinaison, Sirius n'est jamais très élevée au-dessus de l'horizon depuis les latitudes tempérées de l'hémisphère nord. L'extinction atmosphérique atténue son éclat comparativement à Arcturus (Canopus étant, elle, invisible depuis ces latitudes). Du fait de sa proximité et de son éclat, Sirius est une des étoiles les plus étudiées des astronomes et fut l'objet de plusieurs « premières », notamment la détection de son mouvement propre et de sa vitesse radiale.

Observation
Sirius possède une magnitude apparente de -1,46. Elle est, avec Canopus, le seul astre possédant une magnitude apparente notablement négative, et elle n'a de fait pas été incluse dans les considérations qui ont mené à l'établissement de l'échelle des magnitudes apparentes. L'éclat important de Sirius vue depuis la Terre ne vient pas tant de la luminosité intrinsèque de l'astre, certes plus lumineux que le Soleil, que de sa relative proximité avec le Système solaire. Situé à seulement  du Soleil, Sirius correspond au cinquième système stellaire le plus proche du Soleil, après le système triple Alpha Centauri (), l'étoile de Barnard (),  () et  () (voir Liste d'étoiles et de naines brunes proches).

En plus de sa luminosité, Sirius est aisément repérable dans le ciel nocturne car elle se situe dans le prolongement direct de l'alignement des trois étoiles du baudrier d'Orion, à une vingtaine de degrés en direction du sud-est. L'étoile forme, avec Procyon et Bételgeuse, l'un des trois sommets du Triangle d'hiver et, avec Procyon, Pollux, Capella, Aldébaran et Rigel, elle constitue l'Hexagone d'hiver.

Déplacement par rapport au Soleil
Du fait de sa relative proximité par rapport au Soleil, Sirius est animée d'un mouvement propre important, c'est-à-dire que sa position sur la sphère céleste varie au cours du temps plus rapidement que nombre d'autres astres. C'est Edmond Halley qui mit ce mouvement propre pour la première fois en évidence, en 1717, se fondant sur la comparaison de la position d'alors de Sirius par rapport à celle transcrite par les astronomes de l'Antiquité grecque, notamment Hipparque. Un siècle et demi plus tard, utilisant la spectroscopie, une discipline tout fraîchement introduite en astronomie, William Huggins parvint pour la première fois à mettre en évidence le rapprochement de Sirius vers le Soleil, c'est-à-dire sa vitesse radiale, après une première tentative infructueuse avec W. A. Miller en 1862-1863. Les limitations à l'époque portaient sur la résolution des spectrographes. Au début des années 1860, seules des vitesses radiales de plus de  pouvaient être mises en évidence, limite rabaissée à quelques kilomètres par seconde quelques années plus tard. Les mesures de Huggins demeuraient entachées d'incertitude : il publia une vitesse radiale de , alors que la valeur mesurée aujourd'hui est de .

Sirius A et Sirius B

Sirius est une étoile binaire.

Sirius A, l'étoile visible à l'œil nu est une étoile blanche de la séquence principale, de type spectral A0 ou A1, dont la masse est de . Son âge est estimé à environ  d'années. Sa température de surface est d'environ  et son diamètre environ  le diamètre solaire, diamètre mesuré directement par interférométrie et en accord avec les modèles stellaires. Sa composition chimique diffère notablement de celle du Soleil, présentant une abondance en fer trois fois supérieure. Un faible champ magnétique a été détecté à sa surface.

Son compagnon, , est une naine blanche (en dessous, à gauche de Sirius A sur l'image en sommet d'article), qui orbite avec une période estimée à  . Ce fut la première naine blanche à être découverte, en 1862 par Alvan Graham Clark, et elle fait partie des trois naines blanches les plus connues, avec Procyon B et 40 Eridani B, parmi lesquelles elle est la plus massive. L'orbite du système Sirius A/Sirius B est assez fortement elliptique, la distance entre les deux astres variant entre 8,1 et 31,5 unités astronomiques, pour une distance moyenne de . Les précédents passages au périastre du système se sont produits en 1944, 1994, le suivant étant prévu pour 2044.

La séparation angulaire entre ces deux astres devrait être suffisamment importante pour pouvoir distinguer les deux, mais la tâche est rendue extrêmement compliquée par le contraste extrême de luminosité entre les deux astres. , trois fois plus chaude que sa compagne, est surtout beaucoup plus petite, du fait de sa nature de naine blanche, avec un diamètre comparable à celui de la Terre. Son éclat est donc bien moindre que celui de , avec une magnitude apparente de seulement 8,44. La présence de , et ses caractéristiques orbitales peuvent cependant être mises en évidence par l'étude du mouvement propre de . Celui-ci n'est pas rectiligne comme ce serait le cas pour un astre isolé, mais présente une ondulation autour d'une trajectoire rectiligne moyenne.

L'étude de l'orbite du système permet de connaitre avec précision la masse des deux astres, qui sont de 2,12 et  respectivement pour  et . Cette différence de masse révèle un aspect connu quoique surprenant de prime abord de l'évolution stellaire : les étoiles évoluent d'autant plus vite qu'elles sont massives.  ayant déjà atteint le stade de naine blanche, elle était au départ plus massive que sa compagne, avec une masse estimée à six ou sept masses solaires. De telles étoiles sont cependant sujettes à un phénomène très important de vent stellaire, qui a dépouillé l'ancienne  d'une très grande partie de sa masse, qui en fait aujourd'hui l'astre le plus évolué mais aussi le moins massif du système.

Hypothétique ancienne couleur rouge
Depuis Thomas Barker, en 1760, divers savants ont prétendu que les auteurs de l'antiquité ont décrit Sirius rouge. En réalité la plupart de ces auteurs, qui étaient souvent des poètes, ont décrit Sirius comme flamboyant, eu égard à son éclat et non à sa couleur, car les anciens ne connaissaient que le feu pour produire de la lumière. L'astronome Claude Ptolémée, décrit 6 étoiles colorées, d'Antarès à Sirius, en les qualifiant d'hypokirros, ce qui signifie un peu jaunâtre, ce qui est manifestement faux pour Antarès, qui est nettement rougeâtre. Plusieurs auteurs, dont Sénèque ont parlé de la rougeur de Canicula, l'étoile de la canicule. Cette étoile est bien Sirius, mais observé à son Lever héliaque, annonçant l'arrivée de la période des chaleurs, donc à ras de l'horizon et rougie par la diffusion Rayleigh. Cet effet de rougissement d'origine atmosphérique ne fut relevé que par Schiaparelli en 1896. Jusque-là on avait imaginé un changement de degré d'incandescence (absurde, car dans le mauvais sens : une étoile devenant une géante rouge à la fin de sa vie) ou l'interposition d'un nuage cosmique (qui aurait provoqué un assombrissement jamais signalé). Les écrivains chinois décrivaient Sirius blanche, mais déduisaient des pronostics de ses changements de couleur (par la scintillation), tout comme pour les éventuels changements de couleur des planètes (d'origine atmosphérique). Éteinte vers 1927, la polémique a repris vers 1960, par ignorance des résultats précédents. La meilleure synthèse du problème a été écrite par R. C. Ceragioli en 1995. Aujourd'hui, il est clair que Sirius a toujours été blanche, rougeâtre à ras de l'horizon, et scintillant de façon multicolore par forte turbulence atmosphérique, mais de nombreux journalistes et sites Web veulent l'ignorer et continuent de colporter la légende de Sirius rouge dans l'Antiquité.

Historique du calcul de la distance
Dans son livre de 1698, Kosmotheoro, Christiaan Huygens a estimé la distance de Sirius à 27 664 fois la distance entre la Terre et le Soleil (environ 0,437 années-lumière, ce qui se traduit par une parallaxe d'environ 7,5 secondes d'arc). Il y eut plusieurs tentatives infructueuses de mesurer la parallaxe de Sirius : par Jacques Cassini (6 secondes) ; par certains astronomes (y compris Nevil Maskelyne) utilisant les observations de Lacaille effectuées au cap de Bonne-Espérance (4 secondes) ; par Piazzi(la même chose) ; en utilisant les observations de Lacaille faites à Paris, plus nombreuses et précise que celles faites au cap (pas de parallaxe sensible) ; par Bessel (pas de parallaxe sensible).

L'astronome écossais Thomas Henderson a été le premier à obtenir des valeurs significatives à l'aide de ses observations faites de 1832 à 1833 et des observations de l'astronome sud-africain Thomas Maclear faites de 1836 à 1837 et publiées en 1839. La valeur de la parallaxe était de , et on estimait que l'erreur de la parallaxe n'excédait pas un quart de seconde ou, pour reprendre les mots de Henderson :  Les astronomes ont adopté une valeur de 0,25 seconde d'arc pendant une grande partie du . Il est maintenant connu que Sirius possède une parallaxe de  et donc une distance de 1/0,3792 ≅ , démontrant ainsi que la mesure de Henderson est précise.

Calendrier
Dans l'Antiquité, notamment en Grèce, Sirius a probablement servi de point de repère à l'établissement du calendrier.

À Sparte, les éphores se réunissaient tous les huit ans dans le but de vérifier l'accord du calendrier luni-solaire avec le mouvement général de l'univers, le repère extérieur étant assuré par le lever héliaque de Sirius.

Dans l'Égypte antique, le calendrier était construit sur le lever héliaque de Sirius, annonciateur des crues du Nil, indispensable à la vie du peuple égyptien.

Traditions concernant Sirius

Mésopotamie

Égypte antique

L'étoile Sirius est dénommée Sopdet (ou Sôpdit), plus tard transcrit en grec sous le nom Sothis. Une déesse éponyme existait, en raison du culte lié à cette étoile dont la réapparition dans le ciel du matin après sa conjonction avec le Soleil (le lever héliaque) était, à l'époque, annonciateur de la prochaine crue du Nil indispensable à l'agriculture égyptienne.

Ce lever héliaque avait lieu, à l'époque, début juillet. Il s'est depuis lentement décalé de plusieurs semaines du fait du phénomène de la précession des équinoxes. Dans la culture égyptienne l'Ouest est le lieu où le Soleil se couche par opposition et l'Est est le lieu où le Soleil se lève. Sirius à l'époque de l'Égypte antique était visible à l'est, au mois de juillet.

Dans l'Ancien Empire, Anubis était associé à l'étoile Sirius et guidait les âmes vers leur destin stellaire.

Grèce et Rome antiques
Le nom  est un mot latin dérivé du grec ancien  signifiant « ardent ». C'était le nom du chien d'Orion. Orion et son chien furent placés dans le ciel à la suite du décès tragique d'Orion. Les constellations d'Orion et du Grand Chien (dont fait partie l'étoile Sirius) sont voisines. Dès le  avant notre ère, Homère mentionne le  (Sirius, étoile brillante de la constellation Canis Majoris, le « Grand Chien »).

On cite aussi l'existence d'un deuxième chien à l'origine de l'étoile Procyon.

Chine antique
En astronomie chinoise, l'étoile est dénommée Tianlang (天狼, signifiant « loup céleste »), formant à elle seule un astérisme. Celui-ci est dans la ligne de mire d'un arc bandé, Hu, correspondant à la partie basse de la constellation occidentale du Grand Chien et la partie nord-est de la constellation de la Poupe, la flèche en elle-même correspondant aux trois étoiles η , δ  (Wezen) et ο . Ces deux astérismes s'insèrent dans un tableau plus vaste évoquant la chasse, avec, entre autres, Yeji (β ) représentant un faisan, Shen (le grand quadrilatère d'Orion) correspondant à un tigre, et Bi (la tête de la constellation occidentale du Taureau) un piège à lapins.

Arabie
En arabe, elle est nommée «  ». Ce nom est cité dans le Coran, ,  (L'étoile — An-Najm).

Polynésie
En Polynésie (îles de la Société), Sirius était appelée Tauru'a fau papa (Festivité des premiers grands chefs), Ta'urua e hiti i te tara te feiai (Festivité qui s'élève avec prières et cérémonies religieuses), ou encore Ta'urua nui te amo aha (Grande festivité porteuse de corde tressée). Avec sa déclinaison de -16°42', Sirius était et est encore, l'étoile zénithale de Raiatea et, dans une moindre mesure, celle de Tahiti. Le marae de Taputapuatea, centre névralgique de l'ancien culte polynésien, se situe quant à lui à la latitude 16°5' sud. Sirius, étoile la plus brillante du ciel et passant au zénith du lieu de culte le plus révéré de tout le triangle polynésien, était donc un repère fondamental de la navigation aux étoiles en ce temps.

Dans la culture Dogon
Selon l'ethnologue Marcel Griaule, les Dogons, peuple originaire du Mali (ainsi que les Bambaras, originaires d'Afrique de l'Ouest et les Bozo du Niger) accorderaient une grande importance à ce système double. En 1950, de retour d'expédition ethnologique, il rapporta que dans la tradition dogon :
Sirius A est nommée Sigi Tolo (l'étoile du « Sigi ») ;
Sirius B est nommée Po Tolo (l'étoile du « Fonio » ou du « Po »). Elle tourne autour de Sirius A et sa durée de révolution est d'environ 50 ans. Elle serait la plus importante de toutes les étoiles, avant même Sirius A, et ils la considèrent comme le centre du monde stellaire. Po Tolo signifie « l'Étoile du commencement ». C'est l'œuf du monde pour les Dogons. Ils la considèrent comme le réservoir, la source de toutes choses.
Sirius C est nommée Emme ya tolo, (l'étoile du sorgho femelle). Toutefois, si Sirius A et Sirius B sont attestées par l'astronomie moderne, l'existence de Sirius C reste hypothétique.

L'ethnologue belge Walter van Beek, qui a également étudié la civilisation Dogon, explique n'avoir trouvé aucune preuve des allégations de Griaule. Par ailleurs, selon R. Ortiz de Montellano, « le savoir astronomique n'est pas important [pour les dogons], que ce soit dans la vie courante ou les rituels. La position du Soleil et les phases de la Lune sont plus pertinents de leur point de vue. Aucun dogon, hors du cercle des informateurs de Griaule n'avait jamais entendu parler de sigu tolo ou po tolo [...] Plus important, personne, même dans ce cercle, avait jamais entendu ou compris que Sirius est une étoile double. ».

Parmi les hypothèses évoquées pour expliquer des références au système de Sirius dans la culture Dogon, on peut citer :
 la contamination culturelle par des missionnaires dans les années 1930. Les propriétés hors du commun des naines blanches, Sirius B en particulier, faisaient à cette époque couler beaucoup d'encre dans le monde occidental, y compris en dehors du monde scientifique.
Noah Brosch propose que cette contamination culturelle a pu avoir lieu dès la fin du .
L'hypothèse de l'existence de Sirius C est évoquée dans trois ouvrages très populaires de la fin du , signés par Camille Flammarion, le premier datant de 1894 ;
 la contamination culturelle par Marcel Griaule lui-même. Walter Van Beek suppose que Griaule « désirait affirmer la complexité des religions africaines et a interrogé des informateurs de manière si suggestive et insistante qu'ils ont créé de nouveaux mythes par confabulation ». Griaule aurait soit informé les Dogons de l'existence de Sirius B, soit « mal interprété leurs références à d'autres étoiles visibles près de Sirius comme son compagnon invisible » ;
 des observations astronomiques anciennes faites par les Dogons, par exemple des changements de couleur ou d'éclat de Sirius, interprétés comme la présence d'un compagnon à l'étoile Sigi Tolo. Selon les livres de Marcel Griaule, Dieu d'eau (entretiens avec Ogotemmeli) et Renard Pâle, ils connaissaient la période orbitale de cinquante ans de Sirius et de son compagnon « avant les astronomes occidentaux ».
 Robert K. G. Temple, qui évoque, dans son livre , l'hypothèse de visites extraterrestres, hypothèse dont il se dit convaincu. Robert Temple prête en outre aux Dogons la connaissance des quatre lunes galiléennes de Jupiter et des anneaux de Saturne.

La Canicule
Le mot canicule est emprunté, à la fin du , au latin  (« petite chienne »), diminutif de . Après s'être spécialisé en astronomie pour cette étoile (1539), il signifiait également la période de chaleur pendant laquelle elle se lève et se couche en même temps que le soleil, du  au . Son origine étant oubliée, il s'est répandu au sens de « très forte chaleur ».

Dans la fiction
L'une des premières apparitions d'un peuple venant du système stellaire Sirius est en 1752, dans Micromégas de Voltaire, où le personnage principal, un Sirien, va vers le système solaire pour apprendre de nouvelles choses.

Les « visiteurs » de la série télévisée V sont présentés comme provenant du système de Sirius.

Dans la série de romans du Cycle de David Starr, écrite dans les années 1950 par Isaac Asimov sous le pseudonyme de Paul French, Sirius (système stellaire colonisé par des terriens ayant renié leurs origines) représente le « grand ennemi de la Terre ». Les « Siriens » sont décrits comme des êtres « post-humains », pratiquant la sélection génétique pour constituer une société  « supérieure » en ne conservant en vie que les « meilleurs » spécimens de leur « race » et vouant une rancune tenace et meurtrière à la Terre et aux Terriens. Le propos sous-jacent d'Isaac Asimov est la confrontation de la diversité de l'humanité versus l'uniformité, en faveur, chez l'auteur, de cette première. On retrouve déjà dans ces romans les prémices de la confrontation « Terriens/Spatiens » du Cycle des Robots.

Dans la série de romans Harry Potter de JK Rowling, Sirius Black est un personnage secondaire qui a la capacité de se transformer en chien. Son caractère peut également être lié à son prénom ( signifiant « ardent » en latin), puisque le personnage est courageux et doté d'un très fort caractère. Il brillait également dans sa jeunesse par sa beauté.

Annexes

Bibliographie

Articles connexes
 Liste des étoiles les plus brillantes
 Liste d'étoiles et de naines brunes proches

Liens externes

Notes et références

Notes

Références

Constellation du Grand Chien
Étoile Am
Étoile de type spectral AV
Étoile binaire
Naine blanche
Étoile de première magnitude
Canis Majoris, Alpha
Canis Majoris, 09
Objet du Bonner Durchmusterung
0244
048915
032349
2491


text:
Berenguela (oder Berengaria; * 1108 in Barcelona; † Februar 1149 in Palencia) war als Gattin Alfons' VII. von 1128 bis 1149 Königin von Kastilien und León.

Leben

Berenguela war die Tochter des Grafen Raimund Berengar III. von Barcelona und seiner dritten Gattin Douce von Provence (auch Dulcia genannt). Sie wird in den Quellen als schön, klug und mutig beschrieben. 1128 feierte sie ihre mit viel Prunk zu Saldaña begangene Hochzeit mit König Alfons VII. von Kastilien-León. Gegen diese Ehe bestanden allerdings Bedenken, da Berenguela und ihr Gemahl zu nahe miteinander verwandt waren. Das Ehepaar hatte folgende Kinder:

 Sancho III. (* 1134; † 1158), König von Kastilien
 Ramon (* um 1136), starb im Kindesalter
 Ferdinand II. (* 1137; † 1188), König von León
 Konstanze (* um 1138; † 1160), Gattin König Ludwigs VII. von Frankreich
 Sancha (* um 1139; † 1179), Gattin von König Sancho VI. von Navarra
 Garcia (* 1142; † 1146)
 Alfons (* um 1144/46; † vor 1149)

Auf ihren Gatten übte Berenguela großen Einfluss aus und mischte sich auch in politische Angelegenheiten ein. Nachdem etwa Graf Gonzalo Peláez gegen Alfons VII. revoltiert hatte, half Berenguela bei einer Verständigung zwischen ihrem Gemahl und dem rebellischen Grafen mit. Laut der Chronica Adefonsi Imperatoris verteidigte sie 1139 Toledo gegen ein Heer der Almoraviden. Gemäß diesem Bericht ließ sie den Belagerern ausrichten, dass diese keinen Ruhm ernten könnten, wenn sie gegen eine Frau kämpften; sie sollten sich stattdessen mit den Truppen ihres Gatten messen. Als die sich zum islamischen Glauben bekennenden Angreifer die Königin auf einem Thron auf der Spitze eines Turms des Alcázar sitzend gesehen hätten, seien sie niedergekniet und anschließend in ritterlicher Manier abgezogen. Nachdem die Kastilier dann 1143 die Köpfe von zwei enthaupteten Anführern der Sarazenen auf der Spitze des Königspalastes von Toledo aufgestellt hätten, habe Berenguela die Abnahme dieser makaberen Trophäe angeordnet und die Köpfe einbalsamiert an die Witwen der Getöteten geschickt. König García Ramírez von Navarra nahm 1144 Urraca, die Tochter Alfons' VII. von dessen Mätresse Guntroda Pérez, zur Gemahlin; und auch Berenguela wirkte bei dieser Verheiratung mit.

Berenguela starb im Februar 1149 in Palencia und wurde in der Kathedrale von Santiago de Compostela bestattet.

Literatur

 Berengaria of Provence. In: Anne Commire (Hrsg.): Women in World History. Bd. 2 (1999), S. 444.

Anmerkungen

Familienmitglied des Hauses Barcelona
⚭Berenguela #Barcelona
Königin (Kastilien)
Geboren 1108
Gestorben 1149
Frau


text:
Une partie de cartes é um filme francês, branco e preto e mudo, com apenas 1 minuto de duração, produzido, escrito, fotografado e dirigido por Georges Méliès em 1896.

Foi o primeiro filme de Méliès, e é uma versão do filme de Louis Lumière Partie de cartes que estreou nesse mesmo ano.

Elenco
 Gaston Méliès	 ...	Jogador de cartas
 Georges Méliès	 ...	Jogador de cartas
 Georgette Méliès	 ...	Filha

Sobrevivência
O filme, há muito tempo considerado perdido, foi redescoberto depois de 1981 e incluído em um vídeo caseiro lançado em 2008.

Filmes da França de 1896
Curtas-metragens da França
Filmes dirigidos por Georges Méliès
Filmes mudos
Curtas-metragens em língua francesa
Filmes em preto e branco


text:
Year 703 (DCCIII) was a common year starting on Monday (link will display the full calendar) of the Julian calendar. The denomination 703 for this year has been used since the early medieval period, when the Anno Domini calendar era became the prevalent method in Europe for naming years.

Events
 By place
 Byzantine Empire
 Arab–Byzantine War: The Umayyad army under Abdallah ibn Abd al-Malik captures Mopsuestia in Cilicia from the Byzantines, and refortifies it, making it the first major Muslim stronghold in the area that will later become the Thughur.
 Musa ibn Nusayr, governor of Ifriqiya (western Libya), builds a Muslim fleet to harass the Byzantine navy and conquer the islands of Ibiza, Majorca, and Menorca (approximate date).

 Europe
 Faroald II, duke of Spoleto, attacks the Exarchate of Ravenna in Italy, after the death of his father Thrasimund I. King Aripert II of the Lombards, desiring good relations with the Byzantine Empire and papacy, refuses to assist him.

 Britain
 High King Loingsech mac Óengusso and his forces are routed during an invasion of Connacht (Ireland). He is killed by the men of King Cellach mac Rogallaig (approximate date).

 By topic
 Religion
 Wilfrid, Anglo-Saxon bishop, travels to Rome again, and is supported in his struggle to retain his see of York by the pope. On his way Wilfrid stops in Frisia (modern Netherlands), to visit Willibrord.
 Elias I becomes Catholicos of All Armenians.

Births
 An Lushan, Chinese rebel leader (approximate date)
 Shi Siming, general of the Tang Dynasty (d. 761)

Deaths
 January 13 – Jitō, empress of Japan (b. 645)
 March 20 – Wulfram, archbishop of Sens
 Ergica, king of the Visigoths (or 701)
 Ermenilda of Ely, Anglo-Saxon abbess (approximate date)
 Loingsech mac Óengusso, high king of Ireland
 Thrasimund I, duke (dux) of Spoleto

References