Mariage et accès au pouvoir.

Le, à l'âge de 15 ans, il épouse Mathilde l'Emperesse, fille d'Henri d'Angleterre dit Beauclerc, lui-même fils cadet de Guillaume le Conquérant, et veuve d'Henri V du Saint-Empire germanique, en la cathédrale du Mans. Cette union représente un gage de paix entre l'Anjou et la Normandie, qui avaient été en conflit à de nombreuses reprises au cours du. Mathilde l'Emperesse, plus âgée de onze ans, retourne auprès de son père peu de temps après leur union, peu heureuse. En 1131, elle se réconcilie avec lui, et leur premier enfant, Henri, naît le.  L'année qui suit son mariage, son père est pressenti pour épouser Mélisende de Jérusalem, fille du roi de Jérusalem Baudouin II. Il retourne donc en Terre sainte, laissant toutes ses possessions à Geoffroy.

Conquête de la Normandie.

Quand le roi Henri d'Angleterre mourut en 1135, laissant son trône sans héritier mâle, le cousin de Mathilde, Étienne de Blois, s'empara du trône d'Angleterre et, du même coup, du duché de Normandie. Pendant que son épouse Mathilde, nommée par son père héritière légitime du trône, tournait son attention vers l'Angleterre, Geoffroy concentra la sienne sur la conquête de la Normandie. Après une vaine tentative en 1135, il entama, à partir de 1136, une conquête systématique, qui allait durer onze ans. Il fait hommage au roi Louis VI pour le duché, hommage qu'il renouvelle auprès du nouveau roi Louis VII en 1141. Il est maître de Caen, Bayeux, Lisieux, Falaise en 1141. Avranches tombe en 1143 et Arques en 1146.  Les mérites de cette stratégie sont discutés par les historiens, alors que les forces angevines auraient pu être envoyées en Angleterre. Il semble aussi que la possession de la Normandie joua un rôle décisif dans le succès de l'expédition militaire qu'entreprend leur fils Henri pour obtenir la couronne insulaire en 1153, après une vaine tentative en 1149. Avec ces possessions, Geoffroy devient le plus puissant vassal du roi de France. Les rentrées annuelles du trésor normand sont alors évaluées à livres tournois, soit autant que le trésor royal. Malgré le titre ducal, il semble que Geoffroy considère alors la Normandie comme une dépendance de l'Anjou. Alors que le denier angevin circulait en Normandie, il fait fermer les ateliers monétaires de Bayeux et Rouen.  Geoffroy réprima aussi trois révoltes de barons en Anjou, contre le vicomte de Thouars Aimery VI en 1129, 1135 et 1145-1151. Il faudra trois ans de siège, à partir de 1148, pour que tombe la place de Montreuil-Bellay. La menace de rébellion ralentit son avance en Normandie, et semble être une raison de sa non-intervention outre-Manche.  Dans les dernières années de sa vie, il consolida son contrôle sur la Normandie en réformant l'administration du duché, et, en 1150, il associa Henri à son gouvernement.

Mort et mausolée.

Il meurt le à Château-du-Loir (comté du Maine), d'un refroidissement à la suite d'une baignade dans le Loir.  Son corps fut inhumé dans un mausolée impressionnant édifié au sein de la cathédrale du Mans ; « c'était déjà un insigne privilège que d'avoir enterré le comte à l'intérieur des murs de la cité, ce qui ne s'était pas encore fait », selon l'historien Robert Favreau. La plaque tombale en cuivre et émail champlevée, actuellement conservée au musée Le Carré Plantagenêt (Le Mans), ciselée peu avant 1160, fut commandée par Guillaume de Passavant, évêque de la ville. C'est la plus grande pièce (63 x 33 cm) qu'ait laissé le Moyen Âge occidental. Elle célèbre le protecteur des églises : « Par ton épée, prince, la foule des pillards est mise en fuite, et grâce à la paix qui règne, la tranquillité est assurée aux églises ». Son fils, Henri II, donna une rente à deux prêtres pour qu'ils se chargent quotidiennement du service de l'autel afin d'assurer le salut de l'âme de son père.

Les Plantagenêts et la geste arthurienne.

La dynastie Plantagenêt tenta par la suite de récupérer, à des fins politiques, la légende des chevaliers de la Table ronde en établissant un lien avec Arthur. Wace y insiste dans son "Roman de Brut", écrit vers le milieu du siècle. Il suivait en cela l'exemple de Geoffroy de Monmouth, qui dédiait déjà à Robert de Gloucester son "Histoire des Rois de Bretagne", écrite vers 1138. Les Plantagenêts font grand cas, sur le continent, de l'épée d'Arthur Excalibur, qu'Henri Beauclerc aurait, dit-on, offerte à Geoffroy en 1127, lors de son adoubement. Ceci avant la découverte opportune, en 1191, à l'abbaye de Glastonbury, en Angleterre, sur des indications données avant sa mort par Henri II, de la tombe supposée du roi légendaire.

Famille et descendance.

Le au Mans, il épousa Mathilde l'Emperesse (1102-1167), veuve de l'empereur romain germanique Henri V du Saint-Empire, et fille d'Henri d'Angleterre et de Mathilde d'Écosse.  Ils eurent trois fils :  Il eut aussi au moins trois enfants illégitimes :

Héraldique.

Ses armes sont, à défaut d'être les plus anciennes, les premières à être mentionnées dans. Il est dit que le roi Henri d'Angleterre suspendit à son cou un écu portant des lionceaux. La plaque d'émail se trouvant à la cathédrale du Mans montre cet, de sorte que l'on ignore le nombre de lionceaux (actuellement on hésite entre 6, 7 ou 8). Cette plaque donne cependant les couleurs de l'écu.  Le blasonnement des armes ci-contre (sous réserve du nombre de lionceaux) est : "d'azur aux six lionceaux d'or, posés 3, 2 et 1".

Geoffroy V d'Anjou, dit "le Bel" ou Plantagenêt ( –, Château-du-Loir), fut comte d'Anjou et du Maine (1129-1151), et, plus tard, duc de Normandie (1144-1150).


Histoire.

UK 82.

UK 82 (également connu sous les noms de seconde vague punk, real punk, ou no future punk) adopte la musique punk existante et y ajoute les batteries et les sons de guitare saturée de Motörhead. Le terme de UK 82 s'inspire du titre homonyme de la chanson du groupe The Exploited. Les paroles de groupes UK 82 sont plus sombres et plus violentes que celles des premiers groupes punk. Ils explorent leur intérêt pour l'holocauste nucléaire, et autres thèmes apocalyptiques, partiellement à cause des tensions militaires qui régnaient en ce temps durant la Guerre froide. D'autres thèmes comme le chômage et les lois du gouvernement britannique conservateur sont également explorés. Les paroles dénoncent fréquemment la leader du Parti conservateur Margaret Thatcher, de la même manière que le faisaient les groupes de punk hardcore pour Ronald Reagan.  Les trois groupes UK82 les plus importants, selon Ian Glasper, sont The Exploited, Discharge et Charged GBH. The Exploited créent la polémique de par leurs paroles agressives et leurs concerts, et sont considérés par Glasper comme Glasper explique que

D-beat.

Le D-beat (aussi connu sous le terme discore ou "käng" (boot), en Suède) se développe pendant les années 1980 lorsque des groupes tentent d'imiter d'autres groupes comme Discharge, pour qui le genre est nommé. L'un de ces premiers groupes à faire de la sorte est The Varukers. Le contenu vocal du D-beat sont des slogans hurlés. Le style se différencie de ses prédécesseurs de par son contenu lyrique minimal et sa proximité avec le heavy metal. Il est proche du crust punk, qui est une variation plus "heavy" et plus complexe. Les groupes de D-beat sont habituellement anti-militaristes et prônent l'anarchie. Le style se popularise plus particulièrement en Suède, et se développe dans le pays grâce à des groupes comme Anti Cimex et Mob 47.

UK/DK.

Cette scène bouillonnante a été mise en avant dans un documentaire sorti en 1983, "". Réalisé par Christopher Collins, ce documentaire présente des interviews et des extraits de concerts d'une quinzaine de groupes emblématiques du street punk.

Christmas on Earth Festival (1981).

Le festival Christmas on Earth s'est déroulé le à Leeds, en Angleterre, dans la salle du Queen's Hall. C'est le premier festival à mettre en avant la plupart des groupes de la deuxième vague Punk rock : Street punk, Oi!, Hardcore punk, New Wave.

Street punk (épelé d'une manière alternative streetpunk) est un genre musical de punk rock ciblant la classe ouvrière ayant émergé durant les années 1980, en partie en réponse aux prétentions artistiques de la première vague du punk britannique. Le street punk émerge du style oi!, joué par des groupes comme Sham 69, Blitz, The Business, Angelic Upstarts, Cockney Rejects et The Exploited. Cependant, le street punk dépasse les limites de la forme oi! grâce à des groupes comme GBH, Chaos UK, Discharge, Anti-Nowhere League et Oxymoron. Les street punks ont généralement un aspect beaucoup plus flamboyant contraire à l'image de la classe ouvrière ou des skinheads associés à certains groupes de oi!.


Biographie.

Fils d'un fonctionnaire de la poste, Miklas a étudié l'histoire et la géographie à l'université de Vienne où il était membre actif d'une société d'étudiants ("Studentenverbindung") catholique. À partir de 1905, il a travaillé comme principal dans une école secondaire ("Gymnasium") de Horn en Basse-Autriche.  Sa carrière politique a débuté en 1907, quand il est élu député au Conseil d'Empire ("Reichsrat"), membre de la faction du Parti chrétien-social. Il a été réélu en 1911 ; en 1918, au terme de la Première Guerre mondiale, il faisait partie des députés représentant les pays de l'Autriche allemande. Dans cette période, il s'est prononcé contre l'unification avec la république de Weimar.  Après la chute de la la monarchie austro-hongroise, il a également été élu à l'Assemblée nationale constituante de la Première République autrichienne. En mars 1919, Miklas est promu sous-secrétaire d'Etat pour les affaires culturelles au cabinet du chancelier socialiste Karl Renner ; il a conservé cette fonction après l'arrivée au pouvoir du gouvernement de son collègue de parti, Michael Mayr, en juillet 1920. Président du Conseil national de 1923 à 1928, il a été élu successeur du président fédéral Michael Hainisch par l'Assemblée fédérale le.  D'amples pouvoirs ont été attribués au président par l'amendement de la Constitution féderale adopté en 1929 ; toutefois, Miklas restait passif lorsque, le, le chancelier chrétien-social Engelbert Dollfuss déclare le Parlement dissous, en arguant qu'il est incapable de fonctionner. Ses écrits privés indiquent qu'il a réalisé que la Constitution est violée. Néanmoins, il n'a répondu ni à la demande de réactiver le Conseil national, exposée par les sociaux-démocrates Karl Renner et Karl Seitz en, ni au refus du gouvernement de soumettre des propositions concernant les sièges à repourvoir à la Cour constitutionnelle. Par la suite, l’Autriche devient un État autoritaire.  Le, des nazis autrichiens prévoient de prendre en otage le président fédéral, mais cette tentative du « putsch de juillet » échoue. À cette date Miklas passait ses vacances à Velden en Carinthie où il ne peut être arrêté. Le chancelier Dollfuss tente alors de s’enfuir de la chancellerie mais il est attaqué par les nazis et meurt dans la journée de ses blessures. Kurt Schuschnigg lui succède à la chancellerie et poursuit son œuvre jusqu'à ce que l"Anschluss" mette un terme à cette politique.  À la démission de Schuschnigg le, Miklas s'est trouvé obligé de nommer Arthur Seyss-Inquart, partisan du nazisme, chancelier fédéral. Ses bureaux sur la Ballhausplatz ont été encerclés par des troupes "SS". Au cours de cet événement, il fut sauvé de fanatiques nazis par Otto Skorzeny qui le protégea de la violence de ses agresseurs. Deux jours plus tard, Miklas a démissionné pour se retirer de la vie publique.  Miklas passa l'époque de la Seconde Guerre mondiale sans contrainte de la part des autorités nazies. En janvier 1948, il fut l'un des témoins du procès des Ministères contre Ernst von Weizsäcker, et al.

Wilhelm Miklas, né le à Krems an der Donau et mort le à Vienne, était un homme d'État autrichien. Membre du Parti chrétien-social, il fut le et dernier président fédéral de la Première République autrichienne de 1928 à mai jusqu'à l’"Anschluss" effectué par l'Allemagne nazie le. Depuis mai 1934, il fut chef d'État sous la dictature austrofasciste.


Biographie.

Débuts (1981–1983).

Après avoir quitté le groupe, le bassiste Nikki Sixx rencontre le batteur Tommy Lee (alors batteur du groupe Suite 19). Ils décident de fonder leur groupe et trouvent par le biais d'une petite annonce le guitariste Mick Mars, qui imaginera le nom Mötley Crüe (dérivé de l'anglais ", soit ). Le groupe cherche alors un chanteur et sollicite Vince Neil, un ami du lycée de Tommy Lee, mais ce dernier refuse de quitter son groupe Rockandy, jusqu'à ce que celui-ci se sépare. Les membres de Mötley Crüe décident de le recontacter et Vince Neil accepte alors de passer l'audition et d'intégrer le groupe.  Le groupe se fait vite une réputation à travers les clubs de Los Angeles (notamment à Sunset Boulevard) et s'assure les services du manager Allan Coffman. Ils sortent un premier album sur leur propre label Leathür Records, fraîchement créé, dès novembre 1981 : ', qui se vend à. Un an plus tard, le groupe désigne Doc McGhee et Doug Thaler en tant que managers et signe chez Elektra Records, qui ressort ', en version remixée.

Succès (1984–1991).

Le groupe, dont les années 1980 seront synonymes de gloire, va marquer les esprits non seulement par sa musique, mais également par son attitude provocante : avec leur style vestimentaire très excentrique, mais également par une consommation importante de drogue et d'alcool. En 1983, ils enregistrent ', leur album le plus célèbre dont certains titres seront repris dans des bandes originales de jeux vidéo (' dans'('), puis'dans la playlist de ', et enfin'dans'("). Un an plus tard, Vince Neil passe tout près de la mort, après un grave accident de voiture, provoqué par une conduite en état d'ivresse. Son passager, Razzle Dingley, (batteur du groupe Hanoi Rocks) décèdera quelques heures plus tard.  Vince Neil s'en tire avec un peu de prison, quelques heures de travaux d'intérêt général et une amende - s'ensuit une cure de désintoxication. C'est à cette période que le groupe se fixe comme règle d'interdire tout usage d'alcool envers Vince Neil, bien que le reste du groupe, une fois rentré dans leur chambre d'hôtel profite de ce moment de détente pour s'autodétruire par le biais des drogues (en particulier Nikki Sixx et Tommy Lee, Mick Mars ayant une addiction aux alcools forts). Tout contrevenant devant payer la modique somme de. Pendant cette tournée, Mötley Crüe prend un statut international en faisant les premières parties d'Iron Maiden, d'Ozzy Osbourne et de Kiss. Leur troisième album'sort en 1985. Il contient les succès'et "", leur première ballade et plus grand hit à ce jour.  En 1987, c'est la sortie du quatrième album '. C'est à cette même époque, à la veille de Noël et à la suite de la tournée japonaise que Nikki Sixx manque de mourir d'une double overdose d'héroïne. Il dira par la suite que cette expérience lui a transformé sa vision de la vie. L'album et la tournée resteront, malgré tout,. Lors de cette tournée, le public peut voir la batterie de Tommy Lee s'élever et tourner sur elle-même au-dessus des spectateurs. Le train de vie débridé des membres de Mötley Crüe manque de mettre en péril le groupe, et leurs managers vont donc leur imposer des cures de désintoxication. Décision sage et payante, puisque le cinquième album'(1989) va connaître un succès sans précédent, marquant l'apogée de leur carrière. Ce disque, se classe des charts dès la première semaine de sa sortie. Il donnera naissance à de nombreux tubes, dont les survoltés'et ', ainsi que les ballades'et '. Néanmoins, la même année, Doc McGhee est écarté de la gestion du groupe.

Déclin (1992–2003).

Les années 1990 sont marquées par les difficultés pour Mötley Crüe, notamment avec le décès, des suites d'un cancer, de la fille de Vince Neil et les six mois passés en prison par Tommy Lee à cause de son attitude violente envers Pamela Anderson, son ex-femme. En février 1992, Vince Neil quitte le groupe (selon certaines rumeurs, le groupe voyait d'un mauvais œil le fait qu'il passe le plus clair de son temps à son passe-temps - les voitures de course). Il est remplacé par John Corabi la même année. En 1994, le groupe sort "Mötley Crüe", qui se vendra nettement moins que son prédécesseur. Mötley Crüe n'étant pas Mötley Crüe sans Vince Neil, celui-ci reviendra en 1997 pour enregistrer ', qui sera malgré tout, dû au changement de style du groupe, quittant le Hard Rock pour glisser vers un metal alternatif naissant. En 1998, leur contrat avec Elektra Records prend fin, ce qui instaure le doute au sein du groupe. Un an plus tard, Tommy Lee quitte le groupe à la fin de la tournée'pour poursuivre une carrière solo ; il sera remplacé par Randy Castillo.  En 2000, le groupe sort "" avec Randy Castillo qui marque lui aussi un échec au niveau du nombre d'albums vendus. Malheureusement, Randy Castillo étant gravement malade, il n'assurera pas la tournée et sera remplacé par Samantha Maloney (ex-batteuse de Hole), et décèdera quelques mois après, le, des suites d'un cancer. En 2001, les membres de Mötley Crüe publient une autobiographie : "The Dirt". Le groupe est à ce moment-là mis de côté par ses membres qui préfèrent se consacrer à leur carrière solo et à leur activités dans d'autres groupes (Methods of Mayem pour Tommy Lee ; 58 et pour Nikki Sixx).

Retour et regain de succès (2004–2010).

Fin 2004, le groupe se reforme dans sa formation originelle (Neil, Sixx, Mars, Lee) pour enregistrer une compilation : ', contenant des morceaux inédits et qui sera suivi d'une tournée mondiale en 2005 qui marque leur retour sur le devant de la scène rock. Un DVD et un CD de la tournée Carnival of Sins sortent en 2006. La tournée est un succès,. Le groupe fait entretemps une apparition dans la série américaine'(épisode 26, saison 4) en jouant son propre rôle.  Leur album, ', sort le.'À la suite du lancement de l'album, Mötley Crüe s'est lancé dans une tournée mondiale, avec notamment des dates aux festivals Hellfest et Graspop Metal Meeting en 2009. La même année sort un DVD :'(d'un live filmé en 2008). Dans le DVD ', plusieurs groupes sont présents : Mötley Crüe, Papa Roach, Buckcherry, et Trapt.

Événements récents et retraite (2011–2015).

Mötley Crüe participe à une tournée aux côtés du groupe Poison et des New York Dolls en 2011 pour la d'existence de Mötley Crüe, et la de Poison. Le, Mötley Crüe, aux côtés de Def Leppard et Steel Panther, annonce une tournée britannique pour. En, Mötley Crüe annonce un tournée en co-tête d'affiche avec Kiss, qui démarre le à Bristow, en Virginie, et s'achève le. Plus tôt en 2012, le groupe annonce qu'il travaille sur un nouveau titre, "Sex". La chanson sort le, téléchargeable directement sur le site du groupe.  En, Mötley Crüe annonce leur plus grosse tournée canadienne, avec de nouvelles dates aux États-Unis qui seront dévoilées une fois The Tour avec Kiss terminé en avec quelques dates en Australie. Pendant les dates australiennes avec Kiss, une rumeur annonce que les membres de Mötley Crüe ont discuté de la retraite du groupe et qu'une date a même été fixée, dans un futur plus proche que tous pourraient envisager.  Le groupe retourne en résidence à Las Vegas pour la deuxième fois en 2013. En, Nikki Sixx annonce la séparation du groupe après la sortie de leur dernier album, ainsi qu'une toute dernière tournée. Sixx tient à exprimer que le groupe préfère se séparer alors qu'ils se sentent encore au point culminant de leur carrière. Vince Neil prévoit par ailleurs la parution d'une nouvelle chanson pour 2014, et une tournée d'adieu aux alentours de 2014 ou 2015. Ils annoncent également l'adaptation cinématique de leur autobiographie "".  Le lors d'une conférence de presse au Beacher's Madhouse Theater d'Hollywood, Mötley Crüe annonce les détails de sa prochaine tournée intitulée "The Final Tour", qui sera également la dernière, puisque le groupe a pris la décision de se séparer à l'issue de celle-ci à la date du. Cette tournée, intitulée "The End" prend place exclusivement aux États-Unis dans une première partie de 70 dates, avec Alice Cooper en "special guest". La tournée débute à Grands Rapids, Michigan, le. Les membres du groupe ont par ailleurs signé un "contrat de cessation des activités de tournées" qui leur interdit de tourner sous le nom de Mötley Crüe à l'issue de la fin de l'année 2015. Cette tournée américaine sert également à la promotion de l'album de reprises country de Mötley Crüe intitulé "", sorti en milieu d'année 2014 et de leur film "The Dirt", adaptation de la biographie du même nom, devant paraitre sur les écrans en 2015.  <nowiki>Dans une interview, Nikki Sixx évoque la possibilité d'enregistrer par la suite de nouvelles chansons, déclarant : "nous avons écrit des chansons, mais elles ne sont pas encore enregistrées". Il envisage aussi que ces chansons sortent une par une, au fur et à mesure de leur enregistrement et non plus sous le format classique d'un album complet. Évoquant le processus d'enregistrement il détaille : "c'est difficile, pour être honnête avec vous, de prendre 6 [ou] 9 mois pour écrire onze chansons - et toutes les paroles... tout : les chants, les guitares, la basse, l'acoustique, le mixage, la mastérisation, la création artistique... vous faites tout ça et rien [n'arrive], car désormais chacun sélectionne ses chansons. Donc on s'est dit : "pourquoi ne pas écrire des chansons et trouver un moyen d'en faire une, deux ou quatre qui plairaient à dix millions de personnes plutôt que onze chansons qui ne toucheraient qu'une centaine de milliers de personnes".</nowiki>  La première partie de la tournée d'adieu s'achève le à la Spokane Arena de Spokane, Washington aux États-Unis.  Le, le groupe annonce qu'il mettra un terme à sa carrière après une tournée internationale devant passer par le Japon, l'Australie, le Brésil et l'Europe avant de réaliser la deuxième partie de la tournée nord-américaine tout au long de l'année 2015, devant se terminer par un concert au MGM Grand Garden Arena à Las Vegas le suivi de trois dates au Staples Center de Los Angeles, les 28, 30 et. Un nouveau titre, "All bad things" sort le. Il est diffusé dans les salles de concert avant que le groupe ne monte sur scène. En, le groupe et Alice Cooper annoncent une série de 12 dates de concert en Europe lors d'une conférence à Londres.  Le, le groupe joue au festival Rock in Rio sur le mainstage.  Le groupe joue pour la toute dernière fois au Staples Center de Los Angeles, en Californie, le, ce concert filmé a fait l'objet d'un DVD intitulé Mötley Crüe : THE END paru le.

Nouveau retour du groupe (2019-2020).

En, certaines rumeurs sur un possible retour de Mötley Crüe ainsi qu'une tournée en compagnie des groupes Poison et Def Leppard commencent à se faire entendre. Une pétition est même lancée par les fans afin de faire revenir le groupe suite au regain de popularité dû à la sortie du biopic "The Dirt" sur Netflix. Le, le groupe annonce officiellement dans une vidéo partagée sur les réseaux sociaux leur grand retour et la destruction de leur contrat les empêchant de rejouer ensemble.

Adaptation cinématographique de l'autobiographie "The Dirt" (2018).

Annoncé depuis 2013, le biopic consacré à Mötley Crüe entre en production en, sous la direction de Jeff Tremaine, qui a notamment réalisé "Jackass, le film" et "Bad Grandpa". La distribution est principalement composée d'Iwan Rheon qui incarne le guitariste Mick Mars, Daniel Webber en Vince Neil, Douglas Booth dans le rôle du bassiste Nikki Sixx. Quant à Tommy Lee, il est interprété par le rappeur Machine Gun Kelly.  Le film est sorti sur Netflix le.

Influence.

"Crüe Ball", un jeu vidéo de flipper sur le thème de Mötley Crüe, intègre certaines des chansons du groupe, en particulier leur plus grand succès "Dr. Feelgood" et "Live Wire" et "Home Sweet Home"  En 2006 le groupe à reçue une étoile sur le hollywood walk of fame

Mötley Crüe est un groupe de heavy glam metal américain, originaire de Los Angeles. Le groupe est formé par le bassiste Nikki Sixx et le batteur Tommy Lee, qui sont ensuite rejoints par le guitariste Mick Mars et le chanteur Vince Neil. Les membres du groupe se sont souvent fait remarquer pour leur mode de vie extrême ; ils ont tous connu de nombreux démêlés judiciaires, ont souffert de longues addictions à l'alcool et aux drogues, ont eu d'innombrables aventures avec des femmes et sont lourdement tatoués.


Biographie.

Georges Florovsky est né le selon le calendrier julien ( selon le calendrier grégorien) 1893 à Odessa, dans une famille dont il était le quatrième enfant. Son père, prêtre orthodoxe, était le doyen de la cathédrale et le recteur de l’Académie théologique. Éduqué dans un milieu propice aux études et aux rencontres avec des intellectuels de différents pays, il a appris au cours de sa scolarité l'anglais, l'allemand, le français, le latin, le grec et l'hébreu (sa mère enseignant ces deux dernières langues). À dix-huit ans, il a entrepris des études de philosophie et d’histoire. Après avoir enseigné pendant trois ans dans les écoles secondaires à Odessa, il a obtenu sa licence en 1919 et a été nommé comme enseignant à l'Université d'Odessa. La Révolution l’a obligé, en 1920, à quitter la Russie avec sa famille. En 1921, il a été appelé à enseigner la philosophie du droit à l’Université de Prague, où enseignaient aussi d’autres intellectuels russes en exil comme Nicolas Lossky. S’étant déplacé à Paris, il a été nommé, en 1925, professeur de patrologie à l'Institut de théologie orthodoxe Saint-Serge. En 1932, il a été ordonné ordonné prêtre. Ses années d’enseignement à Saint-Serge ont été jalonnées par la publication, en russe, de ses cours de patristique, et de l’une de ses œuvres majeures : "Les Voies de la théologie russe". En conflit avec Serge Boulgakov, qui enseignait la dogmatique dans le même institut et développait une œuvre controversée dont le thème central était la sophiologie, Florovsky a quitté Paris en 1948 et s’est installé à Crestwood, près de New York, où il est devenu, en 1950, doyen du Séminaire de théologie orthodoxe Saint-Vladimir nouvellement fondé. En 1954, il a été nommé comme professeur d’histoire de l'Église orientale à l'Université Harvard, poste qu’il a occupé jusqu’en 1965. Il a parallèlement enseigné au séminaire orthodoxe de Holy Cross à Boston de 1955 à 1959, et comme professeur associé au Département d’études slaves de l’Université de Princeton de 1965 à 1972. Au cours de son séjour aux États-Unis, il a publié de nombreux articles, écrits pour la plupart en anglais. Engagé dans le mouvement œcuménique qui en était à ses débuts, il a participé à de nombreuses rencontres internationales. Il est décédé le.

Œuvre.

Florovsky a été en premier lieu un patrologue, auteur de synthèses pédagogiques sur les Pères orientaux du au et d'articles plus spécialisés sur Origène, Athanase d'Alexandrie, Jean Chrysostome ou Grégoire Palamas. Il est considéré comme étant, avec Vladimir Lossky, l'un des pionniers du mouvement dit "néo-patristique", c'est-à-dire faisant retour aux sources patristiques, après que, aux XVIIIe, XIXe et début du la théologie russe se fut éloignée d'elles au profit d'une spéculation de type philosophique et de références puisées dans la philosophie et la théologie occidentales. "Les Voies de la théologie russe" est un manifeste où Florovsky critique sévèrement les penseurs de cette période qu'il considère comme ayant été "la captivité de Babylone" de la théologie russe, et préconise un retour aux Pères.  Florovsky a été en second lieu un ecclésiologue renouvelant la conception de l'Église. La Tradition, et les rapports qu'elle entretient avec l'Église, l'Écriture et les Pères, est aussi l'un de ses thèmes de prédilection.

Georges Florovsky (en, ""), né le à Odessa (Empire russe), mort le à Princeton (États-Unis), est un théologien orthodoxe, pionnier du mouvement néo-patristique orthodoxe et du mouvement œcuménique. Il a été successivement professeur à l’Institut Saint-Serge de Paris, à l’institut Saint-Vladimir de New York puis aux universités Harvard et de Princeton.


Historique.

Les origines.

La photographie de mode existe depuis les premiers jours de l'invention de la photographie, mais fait face à l'illustration. En 1856, Adolphe Braun publie un livre contenant 288 photographies de Virginia Oldoini dit La Castiglione, qui a l'habitude de se faire photographier. Elle devient le premier mannequin de mode et Braun est considéré comme le premier photographe de mode de l'histoire. Mais hormis pour le portrait, la photographie ne peut supplanter la toute puissante illustration.  Au début du, la photographie commence à apparaitre dans les revues. Deux courants de photographie de mode se différencient : d'un côté, la photo réalisée en studio, le portrait, et de l'autre la photo prise en extérieur dans les endroits où la haute société se retrouve : les stations balnéaires, les champs de courses, les restaurants ou clubs... La photo en extérieur donnera un siècle plus tard, par déclinaison ou inspiration, la Photographie de mode de rue. La photographie de portrait subie l'influence de l'illustration : les premières photos sont composées de décors imitant les gravures de l'époque, avec des mannequins posant de façon statique, le plus souvent entourés de compositions florales surchargées. L'Art nouveau donne le ton. Le but est de décrire aussi précisément que possible le vêtement. Que ce soit avec une illustration ou une photographie, la couverture de l'ouvrage édité est prépondérante.  Les revues françaises "Fémina" et "La Mode pratique" sont précurseurs et publient des photographies dès le début du siècle. La dynastie des Frères Séeberger se lance dans la mode en photographiant des événements mondains qu'ils publieront sous le titre des "Instantanés de Haute Mode".

Les années 1910.

Lucien Vogel, qui sera propriétaire de la "Gazette du Bon Ton" et du "Jardin des Modes", publie en avril 1911 l'article "L'art de la robe" dans "Art et Décoration" avec des photographies réalisées par Edward Steichen qui, s'éloignant de la simple illustration d'un sujet, sont. Edward Steichen dira plus tard que c'était les En 1923, Edward Steichen deviendra le « photographe en chef » des éditions Condé Nast, "Vogue" et "Vanity Fair". La presse de mode est en plein développement dans ces années là. Apparaissent les titres "Women's Wear Daily" en 1910, "Modes et manières d'aujourd'hui" et "Le Journal des dames et des modes" en 1912, le "British Vogue" quatre ans plus tard, "La Guirlande des mois" l'année d'après.  Avant la Première Guerre mondiale, Adolf de Meyer réalise des portraits, doux et romantiques : il collabore avec qui vient de racheter "Vogue" et souhaite en faire le premier magazine de mode, en s'entourant des meilleurs illustrateurs et photographes. La photographie de mode, montrant de façon statique les vêtements, prend de plus en plus d'importance en quelques années dans les revues, et commence à supplanter les dessins et gravures  Après la Guerre, de nombreux titres de presse féminine sont créés à leur tour : "Falbalas et fanfreluches" en 1920, "L'Officiel de la couture et de la mode de Paris" l'année suivante et qui dès septembre fait une couverture avec la photographie en noir et blanc d'une robe de Jean Patou, "Art, goût, beauté" et "Styl", en Allemagne, encore un an après, suivi de "Vogue Paris" en 1923, qui possède son propre studio pour réaliser les photos. L'industrie des cosmétiques est en pleine explosion, et avec elle, la publicité : dans les magazines, les produits sont couplés avec l'image d'une comédienne, d'une femme du monde, ou celle d'une vedette de cinéma. Edna Woolman Chase rédactrice en chef du "Vogue" américain et Condé Montrose Nast son propriétaire, voulant montrer la mode de façon détaillée et non pas seulement artistique, s'éloignent de l'illustration. Malgré tout à cette époque, la logistique pour prendre une photo de mode reste difficile, et l'illustration domine encore, d'autant plus les couvertures ; ces couvertures des magazines ne reflètent plus seulement le vêtement, mais également les tendances artistiques de l'époque  Entre les années 1920 et 1930, George Hoyningen-Huene, alors chez "Vogue Paris", rencontre le jeune étudiant allemand Horst P. Horst puis Cecil Beaton lié au "British Vogue". À eux trois, ils transforment la photographie de mode en un genre artistique, comme le fait Man Ray à Paris au même moment. L'esthétique de la photographie de mode véhicule alors un idéal féminin, et vers la fin de la décennie, les stars hollywoodiennes des années 1930 influencent l'aspect glamour de la photographie de mode. Certains photographes, pourtant peu habitués au domaine de la mode, réalisent des séries de photos à la demande des magazines à cause de leur point de vue artistique et leur vision de la femme plus moderne. À cette époque, la plupart des maisons de couture ont leur propres mannequins, le balbutiement des agences débutera après la Seconde Guerre mondiale.

Les années 1930.

Dès le début des années 1930, la photographie s'impose peu à peu au détriment de l'illustration, cette dernière étant un instrument commercial moins puissant. "Vogue" et "Harper's Bazaar" sont en concurrence directe et acharnée.  Carmel Snow, qui a fait ses armes au "Vogue" américain les années précédentes, entre à "Harper's Bazaar" en 1932. Depuis longtemps, l'illustrateur Erté, qui sera en contrat de 1915 à 1938 avec ce magazine, réalise les couvertures. Snow souhaite remplacer les illustrations vieillissante d'Erté par des photographies. Elle fait venir la spécialiste du portrait Louise Dahl-Wolfe, Lisette Model ou Erwin Blumenfeld.  La première couverture en couleur est publiée par "Vogue" en juillet 1932 : la photographie d'une femme en maillot de bain, prise par Edward Steichen. Les années suivantes, les études de la maison d'édition Condé Nast montreront que les magazines avec des photos en couverture se vendent mieux. En 1936, après avoir travaillé un temps pour des magazines de mode allemands, Martin Munkácsi débute à New York ; il va moderniser le domaine de la photographie de mode et sera une référence pour de nombreux photographes. Le prolifique impose son style posé, minimaliste et luxueux.  "Marie Claire" parait en 1937 pour la première fois. Avant la Guerre, l'illustration, bien que toujours très présente, a sensiblement disparu au profit de la photographie.

Les années 1950.

À la sortie de la Guerre, la mode reprend une activité mondiale et Paris sa place de capitale. En 1947, le nouveau couturier Christian Dior révolutionne la haute couture. Tous les grands photographes de l'époque vont accompagner sa carrière : Brassaï, qui pourtant n'affectionnait pas tant que ça la photographie de mode, est là dès le début, Henri Cartier-Bresson, Louise Dahl-Wolfe toujours pour le "Harper's Bazaar", Cecil Beaton... Constantin Joffé alterne mode, portraits, vie quotidienne pour "Vogue". L'avion rend accessible des endroits éloignés, les photographes voyagent plus facilement. L’américain et parisien Henry Clarke, qui travaille pour trois éditions de "Vogue", française tout d'abord, puis britannique et américaine, réalise des séries de photos de mode prises dans des endroits exotiques, et pouvant aller jusqu'à des publications de 20 pages. Le photographe Guy Bourdin, débutant, est encouragé par Michel de Brunhoff et présenté au tout jeune Yves Saint-Laurent ; Bourdin est publié pour la première fois dans un magazine en 1955 et ce pour les trente années suivantes.  Le budget des magazines de mode destiné à la photographie augmente de plus en plus. L'illustration, bien que toujours présente, perd encore de la place. Seuls quelques illustrateur de mode, dont René Gruau, sont encore sur le devant de la scène. Les photographes deviennent célèbres : Irving Penn, photographe de studio à l' et dont la carrière va durer 60 ans, est déjà ; il réalisera plus d'une centaine de couvertures de "Vogue Paris". Le jeune Richard Avedon insiste pour entrer au "Harper's Bazaar". En 1955, il réalise pour ce magazine sa "Dovima with elephants" ; celle-ci deviendra 55 ans plus tard la photo de mode la plus chère du monde. Avedon, au cours de sa carrière, modèle ce que sera la photographie de mode dans les décennies suivantes : il révolutionne celle-ci avec ses images, mais redéfinit également le rôle du photographe de mode. Puis Avedon rejoint l'édition américaine de "Vogue", il y croisera William Klein, et aura comme assistant Jean-François Jonvelle dans les années 1960. En France, Jeanloup Sieff débute à "Elle", puis collaborera avec "Jardins des modes", "Harper's Bazaar", "Glamour", "Look"...

Les années 1960.

Les années 1960 marquent la libération des mœurs et un changement des mentalités : la photographie de mode innove, les pleines et doubles pages deviennent fréquentes, le nombre de magazines de mode progresse : "Cosmopolitan", "Queen", "Depeche Mode" (magazine français) apparaissent durant la décennie.  La révolution du prêt-à-porter va changer l'esthétique de la photographie de mode : des tenues chic et élitistes de la haute couture, les pages des magazines vont maintenant présenter des vêtements « portables ». Les séries de mode mélangent mode, portraits, personnalités, à l'image d'Helmut Newton photographiant la toute jeune Catherine Deneuve en 1962 à ses débuts chez "Vogue Paris", ou Audrey Hepburn saisie par Bert Stern l'année suivante. Penelope Tree ou Twiggy symbolisent le renouvellement de l'image du mannequin des années d'après guerre, plus jeune. Veruschka photographiée par Richard Avedon, Irving Pen, Helmut Newton fait partie de ces mannequins icônes du renouvellement de style et dont les photographies circulent dans le monde à travers les pages de magazines.  Le trio britannique David Bailey, Brian Duffy, Terence Donovan premiers photographes « vedettes » photographiant les stars - de The Beatles à David Bowie, produit des images pour de nombreux magazines, parmi lesquels le "Vogue", mais aussi de nombreuses marques, des labels de disques et révolutionne l'esthétique photographique de l'époque. , le père de Terry Richardson travaille pour plusieurs magazines dont "Vogue Italia".  En France, les photographies très stylisées de Guy Bourdin deviennent définitivement sa signature.  Reconnus dans le milieu, leurs noms ne deviendront connus du grand public que des décennies plus tard lorsque leurs images seront publiées dans des albums et exposées - pratique rare à l'époque. Les photographes de cette génération faisant des photographies de mode se considèrent comme des professionnels plutôt qu'artistes et considèrent cette activité comme une source de revenu, activité impliquant la création, certes, mais dont la reconnaissance sera postérieure à la période.

Les années 1970.

L'illustration a définitivement perdu sa place prépondérante face à la photographie. Sarah Moon, un temps mannequin, passe de l'autre côté de l'appareil et débute dans la photographie, inspirée par Guy Bourdin précisera-t-elle. De nouveaux magazines, propices à la photographie de mode tel "Interview" sont diffusés.

Les années 1980.

Dans les années 1980, Annie Leibovitz travaille pour "Vanity Fair", Avedon collabore avec "Égoïste", magazine apparu en 1977.  La décennie marque également le renforcement du rôle des marques en tant que producteur et diffuseur de la photographie de mode. Les agences de publicités comme BBDO sollicitées par les marques pour réaliser leurs campagnes publicitaires deviennent un partenaire incontournable pour des photographes de mode qui créent les images avec leurs directeurs artistiques. En France,

Les années 1990.

Les années 1990, marquent l'affirmation du rôle des rédactrices des magazines de mode, accédant au statut de personnages puissants dictant non seulement les tendances mais capables également d'imposer leurs photographes de mode. Ceux derniers accèdent progressivement au statut de véritables stars au même titre que les mannequins devenus des supermodels ou top-models : l'association entre les magazines de modes, les photographes et les mannequins de leur choix sera un phénomène marquant durablement la photographie de mode, au-delà de la décennie.  Le renouvellement de la photographie de mode suit aussi l'apparition ou l'affirmation de nouveaux stylistes et couturiers : Thierry Mugler par exemple, ainsi que le renouvellement de génération parmi les directeurs artistiques de marques et maisons de haute couture. Le milieu musical s'affirme également comme un important véhicule du renouvellement des tendances vestimentaires et des représentations de la féminité. La chanteuse Madonna par exemple est dès ses débuts dans les années 1980 une "égérie" de nombreux créateurs et photographes avant d'associer bien plus tard son image à des marques comme "Versace". Dans les années 2000, d'autres artistes telles que Beyoncé ou Lady Gaga deviendront des exemples du renforcement de cette tendance.  Les années 1990 marquent également une internationalisation du marché de la photographie de mode au-delà de l'Occident avec l'ouverture pour les magazines de mode et les marques des nouveaux marchés - les pays de l'ancien bloc soviétique, la Russie et la Chine. La photographie de mode s'inscrit pleinement dans le processus de mondialisation. L'influence des photographes qui tendent à se qualifier de "créateurs d'images" (image makers) devient mondiale.

La presse et la publicité.

En 1988, Anna Wintour arrive à la tête de l'édition américaine de "Vogue". Si Irving Penn et Helmut Newton sont déjà en place, elle va s'entourer au cours des années des photographes de mode qu'elle contribuera, avec ses paires des éditions française et italienne du magazine, à imposer comme les meilleurs dans le genre : Patrick Demarchelier, photographe fidèle de Dior, Steven Klein et Herb Ritts souvent associés à Madonna, ainsi que Steven Meisel et Satoshi Saïkusa qui travaillent également pour Franca Sozzani du "Vogue Italia", Peter Lindbergh, Bruce Weber photographe habitué aux publicités, Mario Testino qui collaborera aussi souvent avec "Vogue Paris" puis "Vogue Spain."  Mais une nouvelle génération de photographes britanniques se fait connaitre : Miles Aldridge, Corinne Day, Glen Luchford, Nick Knight, Rankin, Nigel Shafran, David Sims... certains proches de l'expérimentation photographique.  1990 : Terry Richardson, Juergen Teller, Mert and Marcus, Inez & Vinoodh,  En France également une nouvelle génération de photographes, issus d'autres horizons ou actifs également dans d'autres secteurs que la photographie et au-delà de la France fait son apparition : Jean-Baptiste Mondino, Stéphane Sednaoui.

Image makers ou photographes?

De nombreux créateurs qui produisent des photographies de mode, à titre d'exemple Peter Lindbergh se qualifient ou sont qualifiés ainsi.  Le terme apparait également en français - Jean-Paul Goude se dit « faiseur d'images », Jean-Baptiste Mondino reconnait ne pas être photographe : « Je n'ai même pas d'appareil photo » - déclare-t-il dans un de ses rares entretiens. Les photographes de mode travaillant pour la publicité sont choisis par les directeurs artistiques (D.A.) des agences de publicités. Le rôle des D.A. dans la création des visuels est si important qu'il est difficile parfois d'identifier l'auteur des images. De nombreux prix spécialisés récompensent d'ailleurs leurs réalisations, reléguant le photographe au rôle du co-auteur de l'image voir un simple exécutants.

Les années 2000.

Les années 2000 et 2010 voient se côtoyer des photographes des deux générations qui se sont imposés dans les années 1990. Si dans les années 1990, les mannequins étaient mises en avant vis-à-vis du grand-public, avec l'essoufflement du phénomène et le retour des artistes sur les couvertures des magazines, les noms des photographes sont mis en avant, souvent au détriment des modèles (à titre d'exemple, campagne publicitaires de Jean-Baptiste Mondino pour la marque Morgan - les images publicitaires contiennent son nom).  La notoriété des photographes s'appuie également sur les nouveaux modes de diffusion non seulement de leurs images mais aussi de leur image. De nouveaux supports intégrés par les magazines et les marques sur leurs sites internet, la vidéo du "making of" par exemple, permettent aux lecteurs de découvrir non seulement les coulisses de la création des images mais aussi leurs auteurs à l’œuvre. Le "site officiel" devient un outil de création de l'image de marque des photographes. Les réseaux sociaux tels que Tumblr permettent de voir les images d'archives et les plus récentes. Les marques s'adaptent également à ces nouveaux supports de diffusion des images. La révolution informatique s'inscrit pleinement dans le renouvellement du genre.  Par ailleurs, le numérique fait disparaitre l'argentique parmi les professionnels du genre bien avant sa démocratisation et modifie les pratiques, les usages et l'esthétique des images. Certains photographes, à l'instar de la photographe chinoise font des logiciels de traitement des images un outil de création. D'autres, préfèrent s'en passer par choix artistique.  Le terme "image maker" tend à s'imposer pour qualifier le travail de nombreux photographes de mode, proposant ainsi une nouvelle lecture de la photographie de mode et revisitant la perception du travail des producteurs des images de mode. Image Maker est le nom d'une des expositions de Guy Bourdin - titre "The Guardian" en 2014.

Place de la photographie de mode.

À l'origine, les photographies de mode ne pouvaient être vues que dans les magazines puis l'affichage publicitaire dans une moindre mesure. De nos jours, les photographes sont aussi dans les galeries, les salles de ventes, les livres, mais également dans les musées : L'anglais Glen Luchford se voit exposé au Victoria & Albert Museum ou au MoMA PS1, Nick Knight à la Tate Modern... Outre la diffusion à de nouveaux publics, ce mode d'exposition permet également de conserver la réalité du travail des photographes de mode. Car si on considère le plus souvent, par la prédominance de la diffusion à travers des magazines, que, celle-ci ne reflète pas forcément le travail initial du photographe : l'image est recadrée, retouchée, parfois couverte de textes, la liberté du photographe est restreinte. Sortir la photographie de mode des magazines permet également de l'éloigner de son rôle commercial initial ; si la galerie vend le tirage, ce n'est plus le rôle de la photographie que de vendre un produit. Certains photographes réussissent par leur style à imposer une image autre que le vêtement ou le client pour lequel ils travaillent, opposant ainsi la créativité au produit. En 1911, Edward Steichen, artiste accompli, se voyait reprocher d'être passé des galeries aux magazines, de l'art au commerce ; plusieurs décennies plus tard, ce sont les photographes de mode qui se trouvent élevés au rang d'artistes. Mais. Malgré son approche de l'art, la photographie de mode reste majoritairement une production d'images à l'usage de producteurs de vêtements.  En dehors de cet aspect commercial, ce genre photographique possède aussi un rôle sociologique : depuis un siècle, la photographie de mode influence l'identité féminine par la diffusion de notions de la beauté, la séduction, la jeunesse, l'élégance, le glamour, ainsi que parfois la diffusion du « bon goût »... Mais la photographie de mode n'est pas seulement « un magazine » ou « un photographe » ; c'est également la demande du rédacteur en chef ou du publicitaire, les indications du directeur artistique, les goûts du styliste, le mannequin, puis le retoucheur... La composition d'une équipe pour la réalisation d'une série de photos peut faire intervenir jusqu'à cinquante personnes pour les plus importants magazines et le sujet, le mannequin et l'endroit sont déjà déterminés avant le choix du photographe... Karl Lagerfeld, directeur artistique ou photographe, précise qu'

Législation concernant les retouches d'image des mannequins.

En France.

Afin de lutter contre les troubles du comportement alimentaire, et en particulier l'anorexie, dû à l'image que véhicule les silhouettes des mannequins dans les photographies de mode, l'Assemblée nationale a englobé dans la Loi n° 2016-41 de modernisation de notre système de santé, votée le 26 janvier 2016, cette problématique. Il est prévu notamment à l'article 19 (Article L2133-2) que. Cette obligation concerne les photographies insérées dans la presse, sur des affiches, sur internet ou encore dans les catalogues et prospectus. Le décret n° 2017-738 a été publié en mai 2017 et entre en vigueur le octobre 2017.

La désigne un genre de la photographie consacré aux vêtements et aux styles vestimentaires, parfois composés de pièces de haute couture, portées par des mannequins et réalisé par des photographes de mode.


Biographie.

Né dans le Nord dans une famille alsacienne, Pierre Pflimlin devait revenir, jeune enfant, en Alsace, où il fit ses études au lycée de Mulhouse, à l'Institut catholique de Paris et enfin à l'université de Strasbourg. Diplômé en droit et en sciences politiques, il devint avocat en 1933 au barreau de Strasbourg. Il commence par militer aux Jeunesses patriotes, une ligue d'extrême droite, avant de rejoindre l'Action populaire nationale d'Alsace, un mouvement dissident de l'Union populaire républicaine, le grand parti catholique alsacien. Il travailla au secrétariat général de la jeunesse, à Vichy, en 1941, puis fut nommé juge d'instruction à Thonon-les-Bains (de 1941 à 1944), et substitut du procureur de la république à Metz (en 1944).  Démocrate-chrétien, il est membre du Mouvement républicain populaire (MRP) dès sa création en 1945 et en occupe la présidence de 1956 à 1959. Ses premières fonctions ministérielles furent celles de sous-secrétaire d'État au ministère de la Santé publique et de la Population (en 1946), puis de sous-secrétaire d'État à l'Économie nationale. Il est ensuite très souvent ministre durant la Quatrième République, notamment ministre de l'Agriculture dans huit gouvernements entre 1947 et 1951, sans compter des portefeuilles dans une grande partie des gouvernements s'étant succédé jusqu'en 1958 (commerce, l'Europe, la France d'outremer, les finances et les affaires économiques, etc.).  Il est l'avant-dernier président du Conseil de la Quatrième République. Investi par l'Assemblée le 14 mai 1958 alors qu'un comité de salut public composé de civils et de militaires, présidé par le général Massu, s'est constitué le 13 mai dans la soirée à Alger. Il est contraint à la démission deux semaines plus tard pour faciliter l'arrivée au pouvoir du général de Gaulle, puis il occupe dans son gouvernement le poste de ministre d'État (-).  Il revient au gouvernement lors de la nomination de Georges Pompidou, comme ministre d'État, ministre de la Coopération (15 avril-15 mai 1962), démissionnant prématurément au bout d'un mois avec les autres ministres issus du MRP, en raison de graves désaccords avec le général de Gaulle au sujet de la construction européenne.  Il passe pour avoir été le premier maire catholique de Strasbourg de 1959 à 1983. En fait il fut, semble-t-il, le premier maire faisant profession de catholicisme. Il y avait eu avant lui Charles Hueber (1929-1935), baptisé catholique mais qui, passé au communisme, encourageait les ouvriers à sortir de l'Église. Président du Parlement européen de 1984 à 1987, il se retire de la vie politique à la fin de sa présidence. Il a publié, en 1991, les "Mémoires d'un Européen" (Fayard).  Pierre Pflimlin et son épouse Marie-Odile, décédée en 1985, sont inhumés au cimetière Saint-Gall de Strasbourg. Il est le père d’Étienne Pflimlin ancien président du Crédit mutuel, d’Odile, professeur agrégé d’allemand, et d'Antoinette, comédienne.

Pierre Pflimlin, né le à Roubaix et mort le à Strasbourg, est un avocat et homme d'État français, personnalité de la République.


Histoire.

La première version de Fruity Loops (1.0.0) a été développée par Didier Dambrin pour Image-Line et partiellement mise en ligne le.  Son lancement officiel date de début 1998, sous forme de boîte à rythmes MIDI à quatre pistes. Dambrin s'occupe ensuite du design du programme et se développe rapidement en une station audio-numérique plus complète et technique.  FL Studio a publié plusieurs dizaines de versions depuis son lancement, et FL Studio 12 a été mise en ligne le 20 avril 2015.  Le logiciel est nativement compatible 64 bits sur Windows, toutefois certains plug-ins faisant appel à du code source externe ne fonctionnent pas sur cette version du séquenceur pour le moment.  Une encapsulation de la version Windows sur le système OS X est actuellement disponible.  En septembre 2017, à l'occasion de son anniversaire,  Image-Line annonce la future sortie de sa treizième version, FL Studio 20, qui est finalement mise en ligne le.

Interface.

Il y a des interfaces de ce logiciel par exemple :

'ou '.

Le "" est une fenêtre qui permet de définir simplement une mesure de batterie, de basse en activant ou désactivant des temps (appelés "steps") à l'aide d'un bouton par temps. Lorsqu'on active un "step", l'instrument séquencé jouera une note sur le temps correspondant. Par défaut, le "Step Sequencer" contient 16 "steps", chaque "step" correspond donc à une double croche.  Depuis la version 12, cette fenêtre est renommée "", cette fenêtre permettant également de visualiser la liste des channels du projet.

Piano Roll.

Le Piano Roll est un autre séquenceur destiné à dessiner des partitions plus complexes sur un plan quadrillé : l'axe vertical représentant la hauteur de la note (avec la vue globale du clavier à gauche) et l'axe horizontal représentant le temps. Il permet d'adjoindre à chaque note différents paramètres (vélocité, panoramique, cut, pitch bend, etc.) au sein même de l'outil. Il permet également de choisir la durée des notes jouées avec une précision plus grande que la double croche, ainsi que de créer via les fonctions "Slide" et "Portamento" des modulations de hauteur en cours de note, ce que ne fait pas le "Step Sequencer". Les notes placées dans le temps correspondent toujours à celles d'un seul instrument choisi dans un "channel" et « envoyé vers le "Piano Roll" ».

Mixer.

La table de mixage peut contenir 125 pistes contenant chacun 10 emplacements d'effets sonores. On ne peut assigner qu'une seule piste d'effets à un "channel", mais il est possible de brancher en sortie le son obtenu vers une autre piste d'effet, ou vers la sortie principale, qui elle aussi peut se voir assigner 10 effets au maximum; un "channel" peut donc recevoir un nombre considérable d'effets au total. Lorsque l'on ajoute un effet dans un emplacement, il est procédé sur l'instrument lorsqu'il reçoit un signal du "channel" en question, donc lorsque l'instrument joue une ou plusieurs notes. L'ordre dans lequel les effets sont disposés sur une piste d'effets a son importance; l'effet le plus haut est appliqué avant l'effet le plus bas. Il est également possible d'ajuster le volume entendu de chaque effet, d'égaliser graphiquement et d'ajuster la balance de chaque piste d'effets, ou de le faire à l'aide d'effets existants.

Automatisation.

Une automatisation permet de faire varier dans le temps un paramètre d'un son ou d'un réglage comme le volume (utile pour créer un fade in ou fade out), le pitch, le tempo, le panning. On peut automatiser aussi bien les paramètres d'un son que ceux des effets qu'on leur applique ou bien même les réglages de la table de mixage. On peut par exemple automatiser un effet de réverbération en augmentant ou diminuant son volume, changer les valeurs d'un delay, on peut s'amuser à faire varier le volume de la piste du master (ce qui aura comme effet de faire varier le volume de toute la chanson), ou n'importe quoi d'autre.

Banque de sons.

La « banque de son », littéralement, est tout simplement un navigateur qui représente différents dossiers de FL Studio. On peut aller chercher dans cette banque différents instruments personnels, des "presets", des pièces complètes, des "plugins", des sauvegardes, etc. Afin de « transformer » un instrument en "channel", nous devons le glisser de la banque de son jusqu'au "Step Sequencer" d'un "pattern" afin de l'ajouter définitivement à la liste des "channels" de la pièce. Il est évidemment possible par la suite de le supprimer ou de le cloner.

Playlist.

Le "Playlist" est en fait le résultat visuel de la pièce totale que l'on a créé avec FL Studio. Afin de créer une pièce, pour ainsi dire, nous « plaçons » des "patterns" dans le "Playlist" aux endroits temporels désirés. Il est possible de juxtaposer des "patterns", de faire des pauses, ou de mixer de façon non carrée et ordonnée des clips audio, comme la voix ou un solo instrumental enregistré, par exemple. Il est également possible de créer une courbe (appelée "automation clip") dans la playlist, modifiant en temps réel n'importe quel paramètre voulu (volume de l'instrument, tempo, pourcentage d'effet...).

Barres d'outils.

FL Studio comprend plusieurs barres d'outils utiles. D'abord, il y a un indicateur de temps. Celui-ci indique soit à quelle minute et à quelle seconde l'indicateur est rendue dans la pièce, ou à quelle mesure et à quel "step". Ensuite, FL Studio est également muni d'un oscilloscope maître très basique qui indique la forme actuelle du signal (en décibels par rapport au temps) ou d'un spectre de fréquence (depuis la version 9) et d'un indicateur de crête ("peak meter") qui indique si la pièce sature, puis le niveau du son à droite et à gauche en mode stéréo. Il est possible par un bouton de désactiver ou de réactiver ces outils. La barre d'outils comporte également un indicateur de l'usage du processeur ainsi qu'un indicateur de la polyphonie. Nous retrouvons ensuite une barre de lecture, qui comporte les boutons standards Lecture, Arrêt et Enregistrement (lorsque l'on désire enregistrer à partir d'une source, tel qu'un clavier MIDI). Sur cette barre se trouve également le tempo, ajustable de 10 BPM à 522 BPM, ainsi qu'un curseur qui contrôle la position dans le temps. Finalement, une dernière barre d'outils comporte certains boutons dont l'activation ou la désactivation du métronome (qui bat la noire) et la résolution du quadrillage (lorsqu'il est activé) dans le "Piano Roll" et dans la "Playlist". Un panneau d'affichage des dernières actualités du site d'Image-Line est disponible depuis la version 8.

Extensions.

FL Studio est fourni avec une série d'instruments virtuels, appelés générateurs, et d'effets audio. Il est également capable d'en charger des plug-ins : ceux développés par Image-Line, mais également ceux compatible avec les standards VST, ReWire et DirectX.

Animations.

FL Studio propose la possibilité d'ajouter deux types d'animations grâce aux générateurs Chrome et Fruity Dance. Chrome permet à chaque touche MIDI de faire apparaître un texte ou un objet 3D coloré tandis que Fruity Dance permet d'animer un personnage selon des mouvements prédéfinis. Ces animations sont disponibles depuis la version 8 de FL studio.

Outils externes.

FL Studio propose selon les versions en plus du logiciel des outils utilisables seulement avec FL Studio ou adaptés/portés sur le logiciel (SynthMaker ou existant sous forme de plug-in VST, DirectX). De plus, en 2016 sort une application payante pour smartphone permettant d'effectuer une ébauche de création avant de finaliser sur un ordinateur.

Terminologie.

Voici les principaux termes (souvent anglophones) utilisés dans FL Studio et parfois dans d'autres séquenceurs populaires :

Licence.

A l'achat du logiciel, Image-Line promet que toutes les futures versions seront mises à jour gratuitement à vie.

Utilisateurs notables.

Les utilisateurs notables (ex: des compositeurs célèbres) incluent :

FL Studio (initialement, ) est un logiciel de production de musique créé en 1997 par Didier Dambrin pour la firme belge Image-Line.


Caractéristiques.

De grandes cornes en forme de lyre chez les mâles, appelés boucs, et une robe souvent soulignée de noir (dos, pattes) font partie de ses caractéristiques les plus reconnaissables. Le dimorphisme sexuel est très marqué puisque les femelles, appelées étagnes, possèdent des cornes plus droites et ne dépassant pas les.

Biotope.

Anciennement présent sur le versant français des Pyrénées, en Andorre, en Espagne et au Portugal, le bouquetin ibérique subsiste de nos jours en Espagne et au nord du Portugal. Les populations de cette espèce occupent des habitats très variés, tous caractérisés par la présence d'escarpements rocheux : depuis le bord de mer en Andalousie, à moins de d'altitude, jusqu'aux plus hautes montagnes de la péninsule à plus de d’altitude (Sierra Nevada, Sierra de Gredos). C'est que si les différentes populations sont aujourd'hui isolées, elles formaient un continuum relatif par le passé.

Menaces et conservation.

Parmi les quatre sous-espèces, deux ont disparu. "Capra pyrenaica ssp. lusitanica" a disparu au cours du et "Capra pyrenaica ssp. pyrenaica" a disparu des Pyrénées à la fin du peut-être à cause de la surexploitation cynégétique, de la compétition avec d’autres ongulés sauvages ou domestiques ou aussi du fait de conditions adverses liées au climat ou aux parasites. Le dernier bouquetin des Pyrénées connu, une femelle, a été retrouvé mort le 6 janvier 2000, le crâne fracassé par la chute d'un arbre. Un nombre restreint de bouquetins de cette sous-espèce a en effet survécu dans le parc national d'Ordesa y Monte Perdido (versant espagnol des Pyrénées), dont la création en 1918 devait justement les sauvegarder.  En 2002, la population totale de la péninsule ibérique était estimée à, soit une très forte augmentation depuis le début des années 1990, quand la population était estimée à.

Réintroduction dans les Pyrénées françaises.

Depuis le 15 septembre 2012, "Capra pyrenaica" est protégé en France, d'où il avait disparu en 1910, en vue de sa réintroduction. Ainsi, du 10 juillet au 10 octobre 2014, ont été effectués à Cauterets dans le Parc national des Pyrénées et au cirque de Cagateille à Ustou dans le Parc naturel régional des Pyrénées ariégeoises, 5 lâchers de bouquetins provenant de La Pedriza dans le Parc national de la Sierra de Guadarrama près de Madrid, avec un total de 42 individus, dont 19 femelles. En 2019, environ 300 individus se développent sur les pentes des Pyrénées dont 140 en Ariège.

Le Bouquetin ibérique ou Bouquetin d'Espagne, Capra pyrenaica, regroupe quatre sous-espèces dont le bouquetin des Pyrénées. Cette espèce fait partie du genre "Capra" comme la chèvre domestique, et est particulièrement proche du bouquetin des Alpes ("Capra ibex").


Biographie.

Jeunesse et formation.

Né dans une famille de travailleurs pauvres, Jan entre dans la Compagnie de Jésus le. Ses années de formation religieuse et sacerdotale coïncident avec la prise de pouvoir par les communistes (). En Tchécoslovaquie tout ce qui est œuvre catholique (journaux, écoles, organisations) est progressivement fermé ou interdit. Les chrétiens qui s’affichent tels sont exclus de l’administration et de l’enseignement.

Prêtre.

Dans la nuit du 13 au, les monastères et maisons religieuses sont envahis par la police, et leurs occupants expulsés. Ainsi en est-il également, à Trnava, pour l’étudiant en théologie Jan Korec. Après quelques mois en prison il est relâché et invité à trouver une occupation professionnelle. Tout en travaillant dans un laboratoire de chimie, il continue clandestinement ses études et est ordonné prêtre le,  La présence des jésuites est désormais interdite en Tchécoslovaquie ; une forte répression est menée contre les évêques, prêtres, religieux et religieuses. Les évêques sont tous en prison ou en résidence surveillée.

Évêque clandestin.

Sous prétexte d’examen médical l’évêque de Roznava,, échappe à la surveillance de ses gardiens et parvient à consacrer comme évêque le jésuite Pavel Hnilica (). Dans son zèle à visiter et encourager les communautés chrétiennes clandestines Hnilica attire bientôt l’attention de la police. Il lui est conseillé - tant qu’il est encore libre - de consacrer un autre évêque. Le choix se porte sur le jeune prêtre Jan Chryzostom Korec.  D’abord très réticent celui-ci accepte dans un esprit d'obéissance et de service à l'Église cette charge très risquée. La nuit du, au cours d’une cérémonie simple et brève dans une pièce obscure et fermée à clef, Korec est consacré évêque par. Il a 27 ans, et est le plus jeune évêque de l’Église, avec une des charges les plus dangereuses...  Évêque d’une église des catacombes, Korec est prudent et attentif. Pour l’état civil il est travailleur en usine « construisant une société socialiste juste et nouvelle ». Sa fidélité politique est régulièrement contrôlée car la police sait qu’il est ‘ancien’ jésuite. Sur le lieu de son travail il est progressivement déchu : d’assistant de laboratoire à travailleur manuel, et finalement gardien de nuit dans une usine chimique.  Parallèlement (et clandestinement) il prend contact avec d’anciens séminaristes. Pour eux il organise durant son temps libre un programme d’études personnelles de théologie, les préparant au sacerdoce et à un travail pastoral clandestin. Il ordonne prêtre plusieurs d’entre eux.

En prison.

Sa vraie identité est découverte en 1959. Il est arrêté, jugé et condamné, en, à 12 ans de travaux forcés pour trahison (à cause de ses contacts avec le monde capitaliste) et pour avoir ordonné des prêtres. Il contracte la tuberculose en prison où par ailleurs il continue son ministère sacerdotal dans la mesure du possible.  De prison il écrit à la Cour qui l’avait condamné : « Je ne peux admettre cette condamnation, puisqu’elle est une violation flagrante de la loi, de la Constitution et des droits civils. Je ne nie pas certaines actions. Mais j’insiste que, définitivement, elle n’étaient pas illégales et ne pouvaient en aucune manière être qualifiées de trahison. Personne n’a pu prendre au sérieux l’accusation d’association avec les capitalistes et les propriétaires. J’ai grandi dans une famille pauvre. Mon père était un invalide de guerre qui a passé cinquante années de sa vie comme ouvrier d’une tannerie (...) Par ailleurs ce n’est pas sans une certaine fierté que j’accepte l’accusation de fidélité au pape. Mais je maintiens que je n’ai besoin de la permission de personne pour cette fidélité ; c’est là un de mes droits civils de base (...) Dans mon appel je ne demande ni pitié ni faveur. Je demande la justice, la vérité et le respect de la loi ». Cet appel reste sans réponse.

Printemps de Prague et conséquences.

La Tchécoslovaquie connait une courte période de liberté politique en 1968 : le printemps de Prague. Avec d’autres prisonniers politiques, Korec est libéré et « réhabilité ». Cette réhabilitation est cependant partielle, car il ne lui est toujours pas permis d’exercer son ministère sacerdotal et épiscopal. Son état de santé laisse à désirer et il doit faire un séjour à l’hôpital. Quand il en sort, il travaille comme balayeur de rue.  En 1969, il se rend à Rome où il est reçu par le pape Paul VI. Rencontre émouvante : Paul VI embrasse cet évêque-travailleur-prisonnier et lui offre sa propre croix pectorale. À son retour en Tchécoslovaquie, Korec doit reprendre - pour survivre - son travail comme ouvrier : il est magasinier dans la même usine chimique que précédemment. Il reste très surveillé.  En 1974, sa réhabilitation est annulée et il retourne poursuivre sa peine en prison avant d'être à nouveau libéré quatre ans plus tard (en 1978) à cause de son état de santé. Il arrive à l’âge de la pension comme « liftier » ; officiellement il est « travailleur à la retraite ». Il a un grand prestige dans son pays. Ses paroles sont écoutées avec respect et attention. Il jouit d’une plus grande liberté, mais son ordination épiscopale n’est pas reconnue par le gouvernement.  En mai 1986, il est fait doctorat "honoris causa de la faculté de droit de l’université Notre-Dame aux États-Unis, qui reconnaît en lui « un véritable exemple de courage chrétien dans la défense des droits de l'homme ».

Après la chute du communisme.

Après la chute du régime communiste - et 39 ans après avoir été consacré évêque - Korec reçoit finalement un diocèse : il est nommé évêque de Nitra le, une charge qu’il occupe jusqu'à l'âge de 81 ans, donnant sa démission le.

Cardinal.

Il est créé cardinal par le pape Jean-Paul II lors du consistoire du avec le titre de cardinal-prêtre de "Santi Fabiano e Venanzio a Villa Fiorelli".  Il perd sa qualité d'électeur le jour de ses 80 ans le, c'est pourquoi il ne peut pas participer aux votes des conclaves de 2005 (élection de Benoît XVI) et de 2013 (élection de François).  Il meurt le à l'âge de 91 ans.

Ján Chryzostom Korec, né le à Bošany (Slovaquie) et mort le, est un prélat jésuite slovaque, ordonné évêque clandestinement en 1951, tout en travaillant comme ouvrier dans un laboratoire chimique. Il reçoit le diocèse de Nitra en 1990, et est fait cardinal en 1991.


Description.

D'une rosette de feuilles ovales allongées émergent plusieurs hampes florales. Calices et corolles sont soudés, les pétales portent une tache orange à leur base.  La primevère développe deux types de fleurs, toutes hermaphrodites. Des pieds produisent des fleurs dont le pistil dépasse les étamines ce qui a pour effet d'éviter l'autopollinisation. D'autres pieds ont un pistil court dépassé par les étamines. Dans ce cas, il y a décalage de maturation de ces organes sexuels ce qui empêche l'autofécondation.  Les fleurs produisent un nectar parfumé.

Habitats.

Ce sont des plantes de pleine lumière des prés, des talus et des bois clairs.

Répartition.

C'est une espèce largement répandue en Europe, plus rare vers l'ouest de la France et dans la région méditerranéenne.

Sous-espèces.

Les botanistes distinguent quatre sous-espèces :  C'est une des parentes de la primevère cultivée avec la primevère élevée ("Primula eliator"), la primevère acaule ("Primula vulgaris") et "Primula juliae".

Utilisations.

Alimentaire.

Les feuilles et fleurs peuvent être consommées crues ou cuites comme pour la primevère élevée ("Primula eliator"), la primevère acaule "(Primula vulgaris)" et "Primula juliae". Les feuilles sont meilleures lorsqu'elles sont jeunes et apportent une note légèrement anisée un peu piquante (que l'on retrouve en plus fort dans les racines) dans une salade composée. Après le printemps, il vaut mieux les cuire en soupe ou en légume mais de préférence avec d'autres plantes car elles sont parfois un peu fortes. La friture les rend croustillantes à souhait. Elles flétrissent lorsque la plante a formé ses graines. Les fleurs sont consommées en salade mêlées à d'autres fleurs et interviennent dans différents breuvages (thés, tisanes, infusions, sirops ; aromatisation du vin et des vinaigres). Elles décorent les plats chauds ou froids et sont également utilisées confites au sucre en pâtisserie.

Propriétés médicinales.

Ce sont les mêmes que celles de la primevère acaule ("Primula vulgaris") et de la primevère élevée ("Primula eliator").  Les fleurs, adoucissantes et calmantes, sont utilisées dans des mélanges pectoraux (tisane, vin, huile). Les feuilles sont anti-ecchymotiques. Toute la plante et particulièrement la racine ont des propriétés analgésiques, anti-spasmodiques, diurétiques, pectorales et expectorantes. Ses vertus contre les rhumatismes et les spasmes expliquent qu'elle a reçu autrefois le nom d'Herbe de la paralysie.

Étymologie.

""Primula"" du latin ""primulus"", ""tout premier"", allusion aux fleurs précoces; ""veris"" signifie ""du printemps""; ""officinalis"", médicinal.

La Primevère officinale "(Primula veris)" est une plante herbacée vivace de la famille des Primulacées. Selon les régions, elle est parfois appelée la brérelle, le coqueluchon, le coucou, l’herbe à la paralysie, l’herbe de saint Paul, la primerolle, la primevère de printemps ou la printanière et plus rarement la primevère vraie.


Étymologie.

C'est un mot breton signifiant « fête de nuit », par opposition au "fest-deiz" pour « fête de jour ».  Le pluriel breton est "festoù-noz", mais les sœurs Goadec disaient "festnozoù", et le français peut dire aussi des "fest-noz".

Historique.

Tradition issue de la société rurale.

Les Bretons aiment la danse avec passion depuis fort longtemps : de nombreux auteurs le signalent déjà aux et siècles. Dans son ouvrage "Breiz Izel", Bouet écrit.  Dans la société rurale bretonne d'avant 1930, les grands travaux agricoles (moissons, battages, récolte des pommes de terre ou de pommes à cidre, arrachages...) sont la principale occasion de danser. Ces rassemblements, où se manifestent l'entraide et la solidarité se terminent par des danses, collectives par essence, qui deviennent ainsi l'expression de toute la communauté. Ces danses sont également l'occasion de « casser la fatigue » après le travail harassant des champs. Les femmes comme les hommes participent à ces travaux manuels. Cette corvée automnale est dissimulée par le chant, apaisant fatigue et sautes d'humeur. Le convivial repas, où sont seulement invités ceux qui ont participé à la tâche, est généralement plein d'entrain : rondes chantées, joutes orales (disparues), improvisations de compléments chantés ('), jeux de force (') et petits concours de danse, récompensés de tabac pour les hommes et de rubans pour les femmes. Puis, jusque tard dans la nuit, les danses transmettent une excitation croissante des chanteurs aux danseurs, puis des danseurs aux chanteurs. L'étroite cohésion de la ronde ou de la chaîne provoque un dépassement de chacun et permet au groupe d'accéder à un certain état de conscience collectif. La fête de nuit est l'expression d'une communauté en liesse, où la dimension collective avoisine la transe. Le sonneur est stimulé par les bons danseurs avec lesquels il peut communiquer ses airs à danser. Tous les acteurs participent à la danse, en s'accompagnant souvent eux-mêmes de leurs chants.  Parfois, les danses répondent à une fonction utilitaire, comme lors de la réfection des aires à battre les céréales (au fléau). C'est la danse de l'aire neuve (") qui utilise l'action des danseurs pour tasser le sol. Le martèlement des sabots de bois s'avère alors particulièrement efficace. On procède de la même façon pour confectionner le sol de terre battue d'une maison, mais les danseurs sont bien sûr moins nombreux, la place étant limitée à l'intérieur.  Les fêtes calendaires (pardons, foires...) et les noces sont l'autre grande occasion de danser. Celles-ci s'étalent souvent sur trois, voire quatre jours et peuvent rassembler jusqu'à pour les plus importantes. On danse dès la sortie de l'église, sur le chemin menant sur les lieux du banquet et, à la ferme, en attendant les viandes, c'est alors la danse du rôti, la ". Des sonneurs sont présents pour ces grandes occasions. Ces fêtes étaient l'occasion pour les jeunes de se rencontrer et aussi de s'évaluer, sur le plan social, grâce aux habits, et celui de la résistance à la fatigue, une même danse durant parfois très longtemps avec des pas complexes et rapides demandant effort et technique.

Les freins à son développement.

L'Église a tenté d'interdire les danses « "" » (ventre contre ventre ou danses de couple), mais tolérait de se tenir par le petit doigt. Dans certaines paroisses, il fallait se tenir par l'intermédiaire d'un mouchoir... Le "fest noz" du paysan de l'ancienne tradition était encore bien vivant à la fin des années 1920 et dans certains endroits (Maël Carhaix, Rostrenen), jusque vers 1935, pour tomber en désuétude partout à la fin des années 1930. L'occupant nazi interdisant l'organisation de bals publics, des bals clandestins émergent dans les villages, loin du bourg. Faute d'orchestre, on se remet à chanter le "kan ha diskan" et donc à danser le répertoire de rondes appropriées à cette technique vocale. Indépendamment de toute corvée agricole, la jeunesse découvre alors comment il était possible de s'amuser simplement.  Lorsque la mécanisation de l'agriculture apporte les premières arracheuses de pommes de terre, marquant ainsi la fin des travaux communautaires et donc des "festoù-noz" traditionnels, quelques personnes ont l'idée de remettre à l'honneur les "festoù-noz pato", comme Albert Trévidic et surtout Loeiz Ropars de Poullaouen qui souhaitent en même temps relancer la technique du "kan da zañsal" (chant dans la danse), en usage pour soutenir à la voix les "dañs tro". Dans les années 1940, il saisit ce patrimoine original et dense, alors même que la société traditionnelle s'en éloigne, découvrant les bals. Il fallut réinventer le "fest-noz" ou plutôt lui trouver une autre raison d'être. Ce furent, d'un côté, les membres des cercles celtiques, désireux de s'amuser en dehors de leurs obligations scéniques, de l'autre les anciens paysans encore bien valides qui animèrent les premiers "festoù-noz" nouvelle manière, un temps baptisés « bals bretons » dans sa forme citadine. Ils prennent en effet toutes les allures de bals : entrée payante, ouvert à tout public, musiciens et chanteurs annoncés par affichage, scène surélevée, buvette pourvue en "rouge-limonade" et "champagne breton".

Une renaissance locale.

Pour inciter les "kanerien" à sortir de leurs villages, l'idée est d'organiser des concours de chant ouverts à tous, avec des prix à gagner. Loeiz Ropars organise le premier concours de "kan ha diskan" en 1954 à Poullaouen, dont le succès populaire dépasse les espérances. Le 30 octobre 1955, il organise son premier "fest noz" dans une salle de danse à Poullaouen, après le second concours de chant. Cette soirée historique, suivie par personnes, marque à la fois le retour à la tradition et l'adaptation aux nouvelles conditions de la vie sociale et économique (exode rural, développement des communications...) : les chanteurs se produisent en salle, sur une scène séparée des danseurs, devant un micro. Ceux-ci fournissent par la même occasion les premiers enregistrements de "kan ha diskan", réalisés par la première maison de disques bretonne "Mouez Breiz".  Le fest-noz « mod-nevez » prend vite son essor et se répand dans tout le terroir d'origine, c'est-à-dire en Cornouaille intérieure. Le premier fest-noz « urbain » se tient à Quimper en 1958, sous le nom de « bal breton ». La même année, les frères Morvan animent un fest-noz à Saint-Servais et, à Treffrin, ce sont Maryvonne et Anastasie Goadec qui y chantent. Quelques voix se font remarquer et la réputation de certains dépasse en peu de temps les limites de leur canton (frères Morvan, sœurs Goadec, Catherine Guern, Manu Kerjean et Lomig Donniou...). La collecte de chants du pays de Redon et Vilaine par Jean-Louis Latour et Albert Poulain donne un élan à la culture de Haute-Bretagne qui retrouve ses danses (Rond de Saint-Vincent, pilé-menu, avant-deux...).  Parti de haute Cornouaille (Rumengol, Spézet...), le modèle du nouveau "fest-noz" gagne dès 1957 d'autres « pays » pour conquérir Bretagne et diaspora, avec toujours cette vocation collective de la pratique de la danse et loin de la fête folklorique ou du spectacle (cercles celtiques) qui apparaissent au début du. Il ne relève pas d'un mouvement folklorique mais évolue au contraire avec son temps en exprimant les valeurs culturelles de la société bretonne contemporaine et en fonction des modes musicales. Vu la dimension des nouvelles rondes et chaînes, il fallut extraire les chanteurs de la danse et amplifier leur voix. Le phénomène épouse son cadre culturel contemporain avec l'installation d'un podium et d'une sonorisation pour les chanteurs ou sonneurs, avec le soutien éventuel d'une rythmique folk rock, permettant une audience massive. En parallèle, quelques musiciens tentent de créer des formations utilisant des instruments modernes. Ainsi, vers 1958, le groupe brestois "Son ha Koroll", sous l'égide de Per Yves Moign, enregistre deux disques avec accordéon, batterie, violon, pian, contrebasse, s'inspirant du mouvement musical écossais. À Rennes, "Evit Koroll" fait de même. En 1961, Henri Landreau et Tugdual Calvez fondent les "Namnediz", premier groupe à intégrer une basse électrique.  Dans une optique commerciale, des "festoù-noz" sont ensuite organisés avec force publicité et entrée payante. Mais à l'opposé des "festoù-noz" « touristiques », subsistent des occasions où un public averti aime à danser, à communiquer tout simplement.

Unification et ouverture.

L'absence de normes mais le respect de codes implicites qui assurent la transmission des pratiques a conduit à l'apparition de nombreux airs composés et de variantes chorégraphiques. Ainsi, depuis le revival, elle renouvelle cette pratique festive en acceptant les variations mais en refusant les innovations qui ne respectent pas l'esprit de la tradition. Par exemple, les Ramoneurs de menhirs ont introduit leur punk celtique dans les "festoù-noz" des années 2000. Dès le début des années 1970, Alan Stivell, qui obtient une reconnaissance à l'échelle nationale et internationale, popularise à grande échelle la musique bretonne et la danse pratiquée en fest-noz. Nombreux sont les groupes folk bretons qui par la suite animent les soirées dansantes : Diaouled Ar Menez, Sonerien Du, Bleizi Ruz... Dans les années 1990, Ar Re Yaouank (« Les Jeunes ») rajeunissent l'image traditionnelle avec une énergie rock qui attire la nouvelle génération.  D'un état d'une constellation de danses quasi uniques pour chaque terroir, le répertoire chorégraphique traditionnel est passé de 1955 à nos jours vers une sorte de tronc commun à tous les musiciens et danseurs bretons. Fruit de mouvement folklorique et de revival, la danse collective est devenue un des moyens privilégiés de l'expression contemporaine de l'identité bretonne (combinant danse, musique, langue voir gastronomie) et offre la possibilité à tout un chacun de vivre la musique populaire de l'intérieur. Les "festoù-noz" participent à l'organisation spatiale du territoire, en s'inscrivant localement dans la réalité quotidienne des rapports sociaux, génèrent des recettes financières pour les associations qui les organisent le plus souvent, et l'été en attirant les touristes avec un impact direct sur l'économie de la région.  Aujourd'hui, les danseurs recherchent le plaisir de danser en groupe pour partager un moment privilégié, tous ensemble. D'une certaine façon, participer à un fest-noz de grande taille (comme il s'en organise souvent à proximité des grandes villes bretonnes ou en Île-de-France) se rapproche d'une sortie en boîte de nuit, voir d'une « transe musicale » de très grande ampleur lors des Cyber fest-noz, du festival Yaouank à Rennes...

Une reconnaissance mondiale.

Une forte émigration historique a engendré une diaspora bretonne à l'intérieur même des frontières françaises et partout ailleurs dans le monde (USA, Canada, Australie...). Il y a près d'un million de bretons de naissance ou d'adoption à vivre à Paris et en Ile-de-France. Ils apprécient de se retrouver au sein des associations bretonnes parisiennes (Mission bretonne), des bagadoù (Bagad Pariz, Bagad Keriz, etc.) et cercles celtiques (Cercle Mibien ar Mor de Poissy, Dañserien Pariz, Seiz Avel de Trappes...) et participent largement aux nombreux festoù-noz organisés toute l'année (Festival Pariz-Breizh à Argenteuil, Fest-noz de Cachan, de Villejuif ou de la Saint-Yves à Paris rassemblant chacun plusieurs milliers de danseurs). La scène musicale bretonne d'Ile-de-France est elle aussi très dynamique avec des groupes et formations tels que Dorn ha Dorn, Kafe Koefet, Kazdall, Kroazhent, Deskomp, Adrak, Ar Gazeg Veurzh...  Le fest-noz est retenu en 2012 pour représenter à l'UNESCO le patrimoine culturel immatériel breton, car il réunit un ensemble d'éléments de la culture bretonne : « le répertoire chanté, la pratique instrumentale, les danses et une dimension sociale liée à une convivialité partagée entre générations », selon le directeur de l'association Dastum.

Les danses.

Il existe des centaines de danses traditionnelles, dont les plus connues sont : les gavottes, l'an-dro, l'hanter-dro, le laridé, le plinn, le kost ar c'hoat, etc. Lors d'un fest-noz, on pratique des danses en chaîne ou en ronde (tout le monde se tient par la main et le bras), des danses en couple, et des danses « à figures », comme le jabadao ou les nombreux avant-deux de Haute-Bretagne. Les danses de Basse-Bretagne sont le plus souvent organisées en suites de deux ou trois danses : ainsi, par exemple, la suite gavotte - bal - jabadao, caractéristique des terroirs du sud de la Cornouaille. On doit danser la suite complète avec le même cavalier ou cavalière.

La musique.

La musique que l'on peut entendre dans ces fêtes est de trois types : le chant a cappella, (kan ha diskan), le chant accompagné, ou la musique purement instrumentale. Avant l'invention des microphones et des instruments amplifiés, les instruments les plus utilisés étaient la bombarde accompagnée du biniou kozh, du fait de leur puissance sonore.  On trouvait aussi l'accordéon diatonique, la clarinette, le violon et, plus rarement, la vielle à roue. Après la Seconde Guerre mondiale, la cornemuse écossaise (appelée biniou bras « grande cornemuse » en Bretagne) s'est généralisée en Bretagne grâce aux bagadoù : elle a alors fréquemment pris la place du biniou kozh. La clarinette ("treujenn-gaol" en breton, ou "trognon de chou"), le plus souvent de modèle ancien à 13 clefs, avait quasiment disparu mais elle bénéficie d'un fort regain d'intérêt depuis quelques années.  Au-delà des instruments traditionnels, il existe aujourd'hui des groupes aux tendances très variées, du rock, jazz (Diwall, Skeduz, Roll ma Yar...) au punk (Les Ramoneurs de menhirs) en passant par les mélanges de tous les pays. Les instruments à cordes (violon, contrebasse, guitare acoustique, guitare électrique, guitare basse) et les percussions nord-africaines ont été depuis longtemps adoptés.  Les cuivres font actuellement de plus en plus leur apparition, apportant souvent avec eux des sonorités proches de celles des musiques des Pays de l'Est.  À des degrés divers, certains groupes de fest-noz utilisent aussi les claviers électroniques et les synthétiseurs (Arvest, Les Baragouineurs, BHT, Kepelledro, Plantec, les Sonerien Du, Strobinell, Toï-Toï...).

Le déroulement.

Pratiqué dans sa forme traditionnelle dans les cours de ferme du Centre et de l'Ouest de la Bretagne ou sur les places publiques lors des noces, il investit après sa renaissance divers lieux : des salles des fêtes ou des foyers socioculturels le plus couramment mais aussi des salles omnisports, des salles de concerts ou encore des places publiques ou des placîtres de chapelles pendant la période estivale.  Pour animer les festoù-noz, il y a généralement plusieurs « groupes » qui se succèdent sur scène, parfois dans la danse.  En général, les couples de sonneurs ou les chanteurs ne jouent ou ne chantent pas plus d'une demi-heure. Si un (ou plusieurs) groupe de musiciens est à l'affiche, le passage sera plus long, 3/4 d'heure à une heure.  On rencontre aussi de façon courante un bagad, un musicien soliste (accordéon diatonique par exemple).  En fin de fest-noz, il n'est pas rare que les musiciens et chanteurs fassent ensemble un « bœuf » : quelques morceaux de manière plus ou moins improvisée, avec une éventuelle participation des musiciens présents dans le public.

Implication culturelle.

L'association Dastum a préparé un dossier afin de faire inscrire la pratique du fest-noz en tant que patrimoine culturel immatériel de l'humanité, sous l'égide de l'UNESCO. Le 5 décembre 2012, le fest-noz a été classé par l'UNESCO comme patrimoine culturel immatériel breton. Le fest-noz est également inscrit à l'Inventaire du patrimoine culturel immatériel en France.  Le site Internet Tamm-Kreiz.bzh publie les premières données sur l'activité du fest-noz depuis 2012 et assure un rôle d'Observatoire en plus de celui d'agenda.

Un fest-noz () est un type de fête « revivaliste » (essentiellement un bal), inventé dans les années 1950 dans le centre de la Basse-Bretagne (essentiellement la Haute-Cornouaille), dans le but de recréer les rassemblements festifs de la société paysanne qui ponctuaient les journées de travaux collectifs et qui ont disparu dans les années 1930. La renaissance des festoù-noz peut être attribuée à Loeiz Ropars.