Synopsis.

L'histoire se déroule en France, au début des années 1970. Enlevée quelques mois plus tôt, séquestrée et torturée dans un endroit mystérieux, la jeune Lucie est retrouvée errante sur une route de campagne, incapable de raconter ce qu'elle a enduré. Quinze années passent avant que la fillette, devenue femme, retrouve l'un de ses bourreaux, qu'elle exécute froidement au fusil de chasse, ainsi que toute sa famille. Rejointe rapidement sur les lieux du drame par sa seule amie Anna, Lucie tente d'échapper à des hallucinations qui prennent la forme d'une créature cauchemardesque la traquant sans cesse depuis son évasion.  Cette créature est l'incarnation de la culpabilité qu'éprouve Lucie à n'avoir pas aidé à s'échapper, lors de sa première évasion, une autre jeune fille qui était torturée comme elle dans le lieu de sa séquestration. Le film prend une tout autre tournure dans sa deuxième moitié : incapable de surmonter ses hallucinations, Lucie se tranche la gorge et laisse Anna seule dans la maison, laquelle est à nouveau investie par les tortionnaires de Lucie.  Emprisonnée, Anna découvre que les tortionnaires font partie d'une société secrète, dirigée par une femme énigmatique surnommée « "Mademoiselle" », qui révèle à Anna leur but : obtenir, par la souffrance, l'état de « martyr » (dont l'étymologie grecque signifie « témoin »), et la révélation subséquente de ce qu'est la mort. Anna va alors subir le rituel atroce de cette société maléfique, jusqu'à obtenir l'état en question, à la suite d'une longue scène de torture au terme de laquelle son bourreau pratique sur elle un écorchement. Alertée, « "Mademoiselle" » et les autres membres de la société secrète se rendent à l'endroit du supplice d'Anna. Celle-ci livre alors à « "Mademoiselle" » le secret de ce dont elle a été le témoin. Censée révéler ce secret aux autres membres du groupe, « "Mademoiselle" » met brusquement fin à ses jours en se tirant une balle dans la bouche. Le film se termine ainsi sans que soit révélé le secret en question, ni que l'on sache si Anna a réellement été le témoin de quelque chose d'extraordinaire.

Classification.

Le, à contre 12, la commission de classification des œuvres cinématographiques avait décidé d'interdire "Martyrs" aux moins de. À la suite de cette décision, de nombreuses voix se sont élevées, et une manifestation contre la censure et pour soutenir le cinéma de genre en France, s'était déroulée le devant le ministère de la Culture à Paris. Y étaient présents, le metteur en scène Fernando De Azevedo (à l'origine de la manifestation), l'actrice Morjana Alaoui, ainsi que les membres de l'association du Club du. Voir à ce sujet : "Martyrs contre la censure" (https://www.dailymotion.com/video/x9e32z). Début, après que le réalisateur est venu défendre la question artistique de son film, la ministre de la Culture, Christine Albanel, a demandé à la commission une révision du classement, ce qu'elle fit le, en proposant une mesure d'interdiction du film aux moins de avec avertissement.

Accueil.

Box-office.

Le film a réalisé en France.

Critique.

Le film a violemment divisé la critique française, obtenant aussi bien des critiques très favorables ("L'Écran Fantastique", "Mad Movies", "Libération", "Première") que très négatives ("Le Parisien", "L'Express", "Le Nouvel Observateur").  La critique anglo-saxonne est tout aussi divisée, le film recueillant 53 % de critiques positives, avec une note moyenne de 5,7/10 et sur la base de 30 critiques collectées, sur le site internet Rotten Tomatoes. "Time Out" et le site spécialisé "Bloody Disgusting" le classent tous deux dans leur liste des 100 meilleurs films d'horreur de tous les temps.

Autour du film.

"Martyrs" est le dernier film de Benoît Lestang, maquilleur de renom qui s'est suicidé le. Ce dernier avait également travaillé sur "Saint Ange" (2004), le premier long métrage de Pascal Laugier, ainsi que sur d'autres films du cinéma de genre français, tels que "" (1990), "La Cité des enfants perdus" (1995), "Le Pacte des loups" (2001), "Brocéliande" (2002) ou "Sheitan" (2006).

Remake.

Dès la sortie du film en 2008, des rumeurs circulent au sujet d'un possible remake américain. Pourtant, c'est en 2015 qu'on entend parler du film à nouveau, sous la houlette de Blumhouse Productions et The Safran Company. Le film est réalisé par les Goetz Brothers et interprété par Bailey Noble, Troian Bellisario et Kate Burton.  Pascal Laugier, le réalisateur de l'original, fait part de sa colère dans un entretien : "Personne ne m'a prévenu qu'un remake de mon film était en train de se tourner. C'est un copain qui m'a dit : "tu sais que ton film a été remaké?", je ne savais même pas. Personne n'avait eu la courtoisie de me prévenir qu'on remakait mon film. Donc je l'ai découvert, j'ai regardé 20min ; c'est un peu comme si je regardais un film où on était en train de violer ma mère, donc j'ai arrêté. J'ai trouvé ça totalement nul : évidemment ils sont tombés dans tous les pièges dans lesquels il ne fallait pas tomber pour remaker ce film. Parce qu'évidemment ils n'ont rien compris à ce film. Ils voulaient en faire une version aseptisée, ce qui n'a absolument aucun sens. Et le film s'est complètement planté, a totalement disparu, il est à peine trouvable en DVD. Que ce film crève corps et biens."  https://www.youtube.com/watch?v=CACgGim5Amg (de 43'17 à 43'55).  Le remake de Martyrs sort le aux États-Unis, et obtient un très mauvais accueil.

Martyrs est un film d'horreur franco-canadien réalisé par Pascal Laugier, sorti en France le. Au Québec, le film est sorti le. Le film a été tourné au Québec en 2007.


Description.

C’est un petit chien rustique (la hauteur idéale au garrot est de 25-26 cm, le poids maximum de 5 kilos), bas sur pattes, ardent, ramassé et solide. Il ne doit pas être trop gracile et pencher vers le format. Il ne doit pas non plus être trop lourd et s'écarter du profil. Il a le dos court, de la substance et de l’os. Les cicatrices glorieuses, inévitables (chez un terrier) sont admises.  Le crâne est large et légèrement arrondi, de bonne largeur entre les oreilles, avec un stop bien marqué. Le museau est fort, en forme de coin, et sa longueur est inférieure d’environ un tiers à la longueur du crâne, de l’occiput à la partie inférieure du stop. Les lèvres sont serrées, les mâchoires fortes. Les dents sont fortes et assez grandes ; elles présentent un articulé en ciseaux parfait et régulier, c’est-à-dire que les incisives supérieures recouvrent les inférieures dans un contact étroit et sont implantées bien d’équerre par rapport aux mâchoires.  Les yeux sont de forme ovale et bien enfoncés dans les orbites, de couleur marron foncé ou noire. Ils expriment la vivacité, l’ardeur et l’intelligence.  Les oreilles sont de taille moyenne, en forme de V mais légèrement arrondies à l’extrémité, tombant vers l’avant contre la joue.  Le cou est fort, de longueur moyenne. Le corps est compact, le dos est court, la ligne du dessus est horizontale et les côtes sont bien cintrées.  Auparavant la caudectomie était facultative. a) Moyennement écourtée, attachée au niveau de la ligne du dessus et portée dressée. b) Queue de longueur modérée pour l’équilibre général du chien ; épaisse à la naissance et s’amenuisant vers l’extrémité ; aussi droite que possible, portée fièrement mais sans être gaie à l’excès.  Les membres antérieurs sont courts, puissants et droits, aux contours nets avec une épaule dégagée et bien oblique, dont la longueur se rapproche de celle du bras.  L'arrière-main est musclée, assurant une grande puissance de propulsion. Le grasset est bien angulé, les jarrets bien descendus et droits quand ils sont vus de derrière. Les pieds sont ronds, avec des coussinets épais.  L'allure est franche, rasante avec beaucoup d’impulsion. Le mouvement à partir de l’épaule est droit devant. Les membres postérieurs suivent la piste des antérieurs et jouent librement à partir des hanches. Bonne flexion du membre au niveau du grasset et du jarret. La ligne du dessus reste horizontale.  Le poil est dur et droit, couché contre le corps, avec une texture. Il est plus long et plus ébouriffé sur le cou et les épaules. Le poil sur la tête et les oreilles est court et lisse, mis à part les légères moustaches et les sourcils. La robe se présente dans tous les tons de rouge, froment, noir et feu ou grisonné. Les marques ou plages blanches sont peu souhaitables mais admises.

Comportement et tempérament.

Le standard précise que le Norfolk,. De nature aimable, il ne doit pas être agressif, même s'il doit être capable de se défendre le cas échéant. Avec le Norwich Terrier et le Border Terrier, il a un des meilleurs caractères du groupe des terriers.  Le Norfolk Terrier est un chien de compagnie agréable et son niveau d'activité s'adapte à la taille de son environnement. Ils ne doit pas être tenu en permanence à l'extérieur car il ne s'épanouit qu'au contact de l'être humain. À l'extérieur, il conserve son instinct de ratier et reste très motivé par l'extermination des petits nuisibles. Il n'a pas de propension particulière à creuser, mais il peut en développer l'habitude par désœuvrement ou s'il est laissé seul pendant de trop longues périodes.  Le Norfolk est un chien très sûr de lui, comme en témoignent son maintien et son allure, tête droite et queue dressée. Les individus timides ou agressifs sont atypiques. Son naturel est d'être confiant, gai et plein de vie. Il ne supporte pas d'être ignoré par son maître.

Le Norfolk Terrier au travail.

Les Norfolk Terriers étaient élevés à l'origine principalement pour débarrasser les granges des nuisibles. Il semble qu'ils ont également pu être utilisés à la chasse pour déloger de leurs terriers certains nuisibles d'une taille comparable à la leur. Ils étaient alors (et sont parfois encore) sollicités pour travailler en groupe de plusieurs chiens et devaient donc s'entendre avec leurs congénères, à l'extérieur et dans la maison. En groupe, le Norfolk travaille la proie à tour de rôle, sans peur et avec un courage incroyable. Leurs qualités sont aujourd'hui mises au service de leurs nouvelles fonctions, celles de chien d'agrément et d'animal de compagnie.

Santé.

L'espérance de vie d'un Norfolk Terrier est de 12 à 15 ans, certains sujets vivant jusqu'à 19 ans. La race peut être sujette aux maladies cardiaques valve mitrale et articulaires luxation de la rotule, dysplasie de la hanche (observée fréquemment dans de très nombreuses lignées). Certains sujets peuvent être prognathes ou au contraire brachygnathes.  En matière d'élevage, la demande est très supérieure à l'offre, car les femelles Norfolk donnent généralement naissance à des portées de taille réduite.

Toilettage.

Le Norfolk appartient au type de terrier qui possède un double manteau : à l'extérieur un poil rêche et dur, avec un sous-poil soyeux et doux. L'idéal est de peigner le chien avec un peigne en fer une fois par jour, mais un peignage hebdomadaire est suffisant pour un animal de compagnie. Le manteau doit être épilé deux fois par an : une fois à l'automne et une fois au printemps. La tonte ou la coupe détruisent le pelage et lui font perdre ses caractéristiques.

Historique de la race.

Dans les années 1880, les Britanniques sélectionnèrent, dans l'est de l'Angleterre, une race de terrier de travail. On suppose que le Norwich Terrier et la variété à oreilles cassées qui serait connue plus tard sous le nom de Norfolk Terrier ont été obtenus à partir de croisements entre des lignées locales de Terriers, certains individus apparentés au Terrier irlandais et de petits chiens à robe rouge utilisés comme ratiers par les Gitans du Norfolk.  Ils furent un temps baptisés Cantab Terrier quand la mode était, pour les étudiants de Cambridge, d'en avoir un dans sa chambre. Plus tard on les appela Trumpington Terrier, du nom d'une rue dans le voisinage du berceau de la race. Juste avant la Première Guerre mondiale, un Irlandais en vendit de grandes quantités aux États-Unis et ils furent momentanément rebaptisés Jones Terriers.  En 1932, le Norwich Terrier fut officiellement reconnu par le Kennel Club britannique et le premier standard de la race fut alors rédigé. l'American Kennel Club enregistra le premier Norwich Terrier en 1936.  En 1964, le Kennel Club reclassifia la variété à oreilles tombantes pour en faire une race à part entière, qui fut baptisée Norfolk Terrier, tandis que la variété à oreilles dressées conservait le nom de Norwich Terrier. Cette distinction fut entérinée par l'American Kennel Club et le Canadian Kennel Cluben 1979.  Au fil des générations, ces deux races ont développé des traits distinctifs à la fois physiquement et du point de vue du tempérament.

Le Norfolk Terrier, originaire de Grande-Bretagne, est le plus petit des terriers de travail (par opposition aux terriers d'agrément). Il fait partie de la branche des terriers utilisés aux comme des chasseurs de nuisible et, pour ce qui concerne le Norfolk, comme ratiers. Avant 1960, date à laquelle il a été reconnu comme une race à part entière, il était considéré comme une variété du Norwich terrier, qui s'en distinguait par ses oreilles repliées.


Histoire.

La Révolution et la création du musée.

À Lyon, comme dans toute la France, les révolutionnaires entendent rassembler en un même lieu les œuvres d’art saisies ou confisquées au clergé et à la noblesse pour les montrer au public, afin d’éduquer le peuple et d’« encourager les arts ». Les saisies révolutionnaires locales sont réunies et un premier état des lieux est constitué en 1792 par le peintre Philippe-Auguste Hennequin et le père Joseph Janin qui fournissent au directoire de district une première liste d'œuvres conservées, dont. Plusieurs personnes s'associent à cette volonté générale de créer un lieu inspirant les artistes tel celui qui en devient le premier conservateur François Artaud et ses amis les peintres Pierre Révoil et Fleury Richard, qui ont à l'esprit comme modèle le musée des monuments français d'Alexandre Lenoir et le Musée du Louvre.  L’idée germe dans l’esprit des autorités de la ville de créer un muséum dans l'ancienne abbaye des Dames de Saint-Pierre. Cette volonté officielle est motivée avant tout par le besoin de relancer l’industrie soyeuse à Lyon, basée sur

Les débuts du musée.

Une première salle est ouverte au public en 1803, au premier étage de l’aile sud, dans l’ancien chauffoir de l’abbaye. Elle accueille les visiteurs le mercredi, de dix heures à treize heures. Mais dès ses débuts, le musée n’est pas le seul occupant du palais Saint-Pierre. En effet, la municipalité a destiné le palais à accueillir des institutions d’utilité publique dans le domaine de l’instruction et du commerce. Le musée cohabite ainsi avec l’école de dessin et la chambre de commerce. Plusieurs envois de l’État, en 1803, 1805 et 1811, sont déterminants pour la constitution des collections du Musée des Beaux-Arts : près de arrivent à Lyon. On y trouve des œuvres majeures, notamment de la main du Pérugin, de Véronèse, Le Tintoret, Guerchin, Rubens, Jordaens, Champaigne et Jouvenet.

L'âge d'or du musée (1878-1920).

À la fin du Second Empire, le musée connaît une période de relative stagnation, due notamment au manque de place pour la conservation et l'exposition des œuvres ainsi qu'à l'essoufflement de la politique d'acquisition, qui se concentrait alors, pour ce qui est de la peinture tout du moins, essentiellement sur les artistes lyonnais. Un élan nouveau est donné par la municipalité à partir de 1878. C’est à cette date, en effet, que sont décidés des travaux de rénovation et d’agrandissement du musée, sous la direction de l’architecte de la ville Abraham Hirsch. Il construit

De l'après-guerre aux années 1950.

Cet effort d’enrichissement des collections est poursuivi sur les mêmes bases après la Première Guerre mondiale mais avec des moyens réduits, à cause de la dévaluation des fondations financières. Ainsi Henri Focillon, directeur du musée de 1913 à 1924, parvient à acquérir pendant la guerre le très bel ensemble de céramiques d’Extrême-Orient réuni par Raphaël Collin. Et c’est grâce à son successeur, Léon Rosenthal (à la tête de l’institution de 1924 à 1932), qu’est ouverte dès 1926 une salle consacrée aux arts décoratifs modernes. Néanmoins, sous ces deux directorats, l’esprit audacieux qui s'était manifesté au début du siècle à travers l’acquisition de peintures modernes s’estompe : aucune œuvre cubiste ou abstraite

La nécessité d'un redéploiement (1960-1980).

En 1969 surviennent deux événements qui vont susciter de profonds changements dans l’organisation du musée et l’obliger à un redéploiement radical de ses collections, comme cela avait été fait près d’un siècle plus tôt. En effet, cette année-là, le musée des Beaux-Arts se voit amputé d’une bonne partie des œuvres du département des antiquités, les objets gallo-romains étant transférés vers un nouveau musée situé à Fourvière. Ce départ est cependant compensé par l’arrivée au palais de la grande majorité des collections égyptologiques provenant des fouilles effectuées en 1909-1910 à Coptos

La rénovation et l'extension du musée.

En 1989, dans le cadre des Grands Travaux entrepris par le ministère de la Culture, l'État et la ville de Lyon se mettent d’accord sur un projet qui va durer près de dix ans. Les travaux sont confiés aux architectes Jean-Philippe Dubois et Jean-Michel Wilmotte. d’espaces sont gagnés sur l’aile du nouveau Saint-Pierre, ce qui oblige à reloger le Musée d’art contemporain, qui part vers un nouveau bâtiment plus spacieux situé quai Achille-Lignon. Des espaces d’expositions temporaires y sont créés. Les sculptures du sont

Le bâtiment.

Le palais Saint-Pierre dans son ensemble (hors parties classées) fait l’objet d’une inscription au titre des monuments historiques depuis le. Ses façades et toitures sont classées au titre des monuments historiques depuis le.

Jardin.

Ce jardin municipal prend place au cœur de l’ancien cloître de l’abbaye bénédictine. Situé en plein centre ville, sur la presqu’île, il est particulièrement aimé des Lyonnais pour son calme et son atmosphère reposante. Son architecture a largement été modifiée au. C'est de cette époque que datent les peintures murales

Réfectoire baroque.

Le réfectoire baroque, réalisé au sous la direction de Thomas Blanchet et rénové depuis, sert aujourd’hui à l’accueil des groupes. Par l'exubérance de son décor, il est l'un des principaux témoignages de l'art baroque à Lyon et du faste de l'abbaye royale des Dames de Saint-Pierre au. Assez étonnant, il a survécu aux destructions révolutionnaires du décor intérieur du musée, alors que sa décoration était entièrement à thème religieux. Le réfectoire est orné de deux peintures monumentales

Salle de la lanterne.

La salle de la lanterne est située au-dessus de la coupole du grand escalier Thomas Blanchet. La construction de l'escalier et de la balustrade remonte

Les collections.

Peintures.

Le département des peintures propose un panorama de la peinture européenne du jusqu'à la deuxième moitié du. Il détient au total dont 700 sont exposées au public, le reste étant conservé dans les réserves. Les œuvres sont réparties chronologiquement et par grandes écoles dans trente-cinq salles situées au deuxième étage du bâtiment afin de bénéficier d'un éclairage zénithal naturel. Les œuvres postérieures aux années 1980 sont conservées et exposée au Musée d'art contemporain.  Les différentes écoles européennes de peinture, même si elles ne sont pas mêlées au sein d'une même salle (sauf

École française.

La peinture française ancienne figure en bonne place dans les collections, le point fort étant le. On trouve également quelques primitifs et des œuvres du. Parmi les artistes représentés, on remarque notamment Simon Vouet, avec un bel ensemble de tableaux dont son "Autoportrait", Nicolas Poussin ("La Fuite en Égypte", acquise en 2008, et "La Mort de Chioné", tableau de jeunesse de l'artiste acquis en 2016), Philippe de Champaigne ("La Cène" notamment), les Lyonnais Jacques Stella, Thomas Blanchet et Louis Cretey, mais aussi Eustache Le Sueur, Charles Le Brun, Jean Jouvenet, Hyacinthe Rigaud, François Boucher ("La Lumière du monde", 1750, rare sujet religieux de Boucher, peint pour décorer l'autel de la chapelle privée de Madame de Pompadour au château de Bellevue), Jean-Honoré Fragonard (deux paysages, "L'Abreuvoir" et "Le Rocher",

École italienne.

La peinture italienne ancienne forme un ensemble cohérent, du Trecento () jusqu'au en passant par la Renaissance et le Seicento (), avec notamment, pour la Renaissance, Le Pérugin (dont le monumental retable de "L'Ascension du Christ", peint entre 1496 et 1500, accueille les visiteurs dans la première salle du musée), Lorenzo

École espagnole.

La peinture espagnole ancienne forme un ensemble très réduit mais qui comprend quelques belles œuvres, sur une période allant du Moyen Âge au Siècle d’or, du.  Le, est représenté avec le polyptyque de Miquel Alcanyís, peintre actif à Valence entre 1421 et 1442, une huile sur bois, "Scènes de la vie de Saint-Michel". Acquis par le musée en 1917, les deux volets latéraux sont aujourd’hui conservés au musée. Ces tableaux fonctionnent en dichotomie, ils peuvent se lire indépendamment l’un de l’autre mais peuvent aussi se compléter, l’usage d’un second titre nous confirme cette tendance. En effet il est aussi nommé

Écoles du nord.

Depuis le et jusqu’à la fin de l’époque moderne, Lyon est une halte privilégiée sur le chemin de l’Italie pour les artistes nordiques qui veulent faire leur « Tour d’Italie ». Ainsi, la ville a vu passer et séjourner dans ses murs un bon nombre d’artistes hollandais, flamands ou allemands. La peinture des écoles allemandes, flamandes et hollandaises du est présente avec, entre autres, pour les primitifs et l'art de la Renaissance, Lucas Cranach l'Ancien, Gérard David, Joos van Cleve, Quentin Metsys ("Vierge à l'enfant entourée d'anges", vers 1509) et Corneille de Lyon, portraitiste natif de La Haye mais principalement actif à Lyon au milieu du (dont "l'Homme au béret noir tenant une paire de gants" a été acquis par le musée en 2015, comblant une lacune importante dans les collections lyonnaises). Pour le, nous avons une prédominance de Flamands, qui ont fait souche, donnant ainsi des dynasties de peintres lyonnais comme les Corneille « de La Haye », les Vandermère ou les Stellaert, francisé en Stella. Pour le siècle suivant ce sont davantage les Hollandais qui sont présents.

Peinture du.

La peinture du est très bien représentée, notamment grâce aux nombreuses œuvres majeures entrées au musée avec l'importante donation Jacqueline Delubac. On retrouve des œuvres illustrant la plupart des grands courants picturaux du siècle, avec des tableaux d'artistes comme Édouard Vuillard, Pierre Bonnard, Georges Rouault, Maurice Denis, Henri Matisse, André Derain, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Albert Marquet, Kees van Dongen, Georges Braque ("Violon", œuvre cubiste de 1911), Pablo Picasso (plusieurs tableaux dont "Femme assise sur la plage", 1937), Fernand Léger, Alexej von Jawlensky, Joan Miró ("Figure", 1934), Giorgio De Chirico, Max Ernst, Maurice Utrillo, Modigliani, Marc Chagall, Nicolas de Staël, Francis Bacon (deux peintures dont "Étude pour une corrida ", 1969), Jean Dubuffet ("Paysage blond", 1952), etc. L'école de Paris du est notamment bien représentée (Jean Bertholle, Jean Le Moal, Alfred Manessier, Gustave Singier, Georges Romathier, Michel Moskovtchenko, Guillemette Morand, etc.).

Sculptures.

Le département des sculptures conserve réalisées selon différentes techniques (pierre, marbre, bronze, plâtre, bois...) et couvrant une période chronologique allant du Moyen Âge au. On y note deux points forts : le Moyen Âge et la Renaissance d'une part et le et le début du de l'autre.  Les salles du département sont séparées dans le musée : au premier étage, se trouvent les sculptures anciennes tandis que les œuvres plus récentes sont exposées dans la chapelle. Enfin, des bronzes et quelques marbres du sont également visibles dans le jardin.

Constitution des collections de sculptures.

Jusqu'au Second Empire, la collection s'est principalement étoffée par les envois de l'État ainsi que par l'achat d'œuvres de sculpteurs lyonnais tels que Joseph Chinard ou Jean-Joseph Carriès. Une salle des marbres modernes est ouverte en 1839 et présente notamment les portraits de lyonnais célèbres. C'est à partir des années 1880 que, grâce à l'action d'Édouard Aynard, président du conseil d’administration du musée à la fin du, et de Jean-Baptiste Giraud, le musée

Du.

Le musée possède un ensemble de sculptures médiévales importants, comprenant toutes les écoles régionales, et quelques étrangères. Le parcours de sculpture ancienne débute avec des œuvres romanes dont le "Jongleur" réalisé dans le Berry à la fin du. "L'Ange et la Vierge de l'Annonciation", œuvres toscanes grandeur nature et polychromes datant du milieu du, sont un autre chef-d'œuvre de la section

Du.

Pour le, on retrouve Antonio Canova, plusieurs œuvres du Lyonnais Joseph Chinard, dont son "Persée et Andromède" (terre cuite, 1791), David d'Angers, Antoine Étex ("Caïn et sa race maudits de Dieu", marbre, 1832-1839), James Pradier, Jean-Baptiste Carpeaux, Auguste Bartholdi, Jean Carriès, Joseph-Hugues Fabisch, Medardo Rosso, François Pompon ou encore Auguste Renoir. Une place particulière doit être faite à Auguste Rodin, dont le musée possède le plus grand ensemble d'œuvres en province. Ce fonds, comportant marbres, bronzes et plâtres, a été constitué directement auprès du sculpteur, qui entretenait des relations amicales avec plusieurs amateurs lyonnais. Parmi les marbres, on remarque notamment "La Tentation de saint Antoine".  Les

Antiquités.

L’Égypte.

L’Égypte constitue le thème principal du département des Antiquités. Sur les treize salles que compte le département, l'Égypte en occupe neuf. Cette place s’explique par l’importance historique de l’égyptologie à Lyon, animée par des hommes tels que Victor Loret, dont la famille a fait don au musée en 1954 de plus d'un millier d'objets. Dès 1895, le Musée du Louvre fournit près de quatre cents objets (vases à onguent, figurines funéraires, etc.) pour constituer le fonds du département ; d'autres objets (vases canopes, éléments de parure, ainsi

Proche et Moyen-Orient.

Réunies dans une unique salle, les collections évoquent tout d'abord trois grandes civilisations de Mésopotamie et du Moyen-Orient à travers des sceaux-cylindres, des tablettes

Grèce et Italie antiques.

Particulièrement connue des lyonnais, la statue en marbre de coré (« jeune femme » en grec) du dite "coré de Lyon", provenant de l’Acropole d'Athènes, est un chef-d’œuvre du département des antiquités. Une salle entière lui est consacrée.  Une seconde salle est dédiée à la civilisation grecque : elle rassemble une belle série de vases attiques à figures noires ou rouges, des bronzes et des figurines en terre cuite de Tanagra.  Enfin, une petite salle est consacrée à la Grande-Grèce, c'est-à-dire aux colonies grecques établies en Italie du Sud, avec là encore de nombreuses céramiques et des casques en bronze.  Dans la salle suivante, la civilisation étrusque, du, est illustrée par des vases en "bucchero" (céramique à pâte noire), des vases attiques et des bronzes.  La sculpture romaine est également présente à travers plusieurs ensembles : des sculptures en marbre (un torse de Vénus, un enfant au coq, des statues de personnages drapés, etc.) et également de petites figurines en bronze de dieux et déesses (Mercure, Vénus, Mars, etc.) ou d’objets familiers. Les collections gallo-romaine locales ont été transférées en 1975 au musée gallo-romain de Fourvière renommé Lugdunum en 2017.

Objets d'art.

Le département des objets d'art du Musée des Beaux-Arts de Lyon présente datant du Moyen Âge au, provenant d'Europe comme d'ailleurs. Toutes les techniques sont représentées : ivoirerie, orfèvrerie, émaillerie, verrerie, menuiserie et ébénisterie.

Constitution de la collection d'Objets d'art.

Si la collection d'objets d'art du musée ne devient un véritable département qu'en 1878, avec la désignation d'un conservateur, le fonds, lui, est bien plus ancien puisque son histoire commence dès 1810, lorsque sont acquis de la collection du marquis de Migieu. En 1850, survient le legs de Jacques-Antoine Lambert, le plus important dont le musée ait jamais bénéficié, qui fait entrer dans les collections pas moins de et objets d'art. À partir de 1878, une véritable organisation se met en place : les salles des objets d'arts sont réaménagées et le département gagne de nouveaux espaces d'exposition ; les acquisitions ne sont pas en reste puisque c'est à cette époque que, grâce à des moyens financiers importants, la section d'art islamique du musée se constitue

Art de l'islam et Orient.

La section dédiée aux arts de l’Islam est l'une des plus importantes de France et présente de nombreux objets rares témoignant du degré de raffinement atteint par les artisans orientaux très tôt durant le Moyen Âge. Grâce au climat très sec, notamment en Égypte, les artisans vont utiliser le bois de façon précieuse dans leurs créations. Le commerce avec l'Occident, l'Afrique noire et l'Asie Mineure a permis le développement de plusieurs techniques de création tel que la technique originale d'assemblage de petits polygones sculptés permettant ainsi de récupérer les chutes de bois polychromes. Ces variations de bois et les incrustations d'ivoire permettaient de créer des pièces somptueuses comme l’élément d'un cénotaphe au nom de Baïbars (1277) exposé au sein du musée. Les décors géométriques complexes étaient très aimés des artistes musulmans de l'époque.  La céramique est l'une des autres principales expressions artistiques de la civilisation islamique. Le décor haft-rang est l'une de ces particularités, voulant dire "sept couleurs" en persan, il s'est développé dans l'Iran seldjoukide du XIe au XIIIe siècle. Il s'agit d'une technique appelée technique du petit feu comptant sept couleurs

Du Moyen Âge à la Renaissance.

Parmi les objets présentés dans les salles du Moyen Âge et de la Renaissance, on remarque notamment d'importants ivoires byzantins, une très belle collection d'émaux peints de Limoges, des faïences et des majoliques de la Renaissance (dont deux des célèbres « bassins rustiques » de Bernard Palissy).  En effet, le travail de l'ivoire connaît un bel essor au courant du XIIIe siècle sous le règne de Saint Louis. Les ivoires gothiques sont souvent créés pour la dévotion privée notamment pour les diptyques ou les triptyques. Quand ils n'étaient pas utilisés, ils étaient alors fermés, ce qui explique souvent la bonne conservation des œuvres intérieures. On peut voir plusieurs diptyques et triptyques dans les collections du musée tels que les "Scènes de la vie du Christ" (XVIe siècle).  Au XVIe siècle, l'Occident redécouvre l'Antiquité gréco-romaine qui ouvre la création à des univers jusqu'alors inconnus et invente l'imprimerie qui permet la

Art moderne du au.

Dès le Moyen Âge, les ateliers de tapisseries vont décliner les sujets de l'histoire des héros de Troie au sein de leurs compositions.  Ces tentures inspirées de l’Iliade appartiennent à une suite de sept pièces qui formaient un long décor continu. L'épisode représenté est celui de la douleur d'Hécube découvrant sur le rivage le corps de son fils Polydore tué par son oncle le roi de Thrace : "La mort de Polydore". Dans la deuxième tapisserie, "La Vengeance d'Hécube", on voit dans le décors raffiné du palais qu'Hécube crève les yeux de l’assassin de son fils pour le venger. Ces tapisseries sont originales dans leurs exécutions. En effet, l'artiste a utilisé des broderies de plusieurs pièces de satin de soie peintes pour les visages et les chaires. Les fonds sont donc très décoratifs et stylisés. Une inscription chinoise a été révélée lors d'une restauration ce qui a permis de faire une hypothèse sur le fait que la broderie ait été faite dans un atelier extrême oriental. L'interprétation des armoiries a affirmé cette hypothèse puisqu'elles appartenaient à un gouverneur de Macao, enclave portugaise du sud de la Chine au début du XVIIe siècle.  Au même moment, les marchands

Art Nouveau Art Déco.

L'exposition universelle de 1900 et l'Exposition des arts décoratifs et industriels de 1925 sont deux événements majeurs de l'Art Nouveau, puis de l'Art Déco. A travers la collection du musée des Beaux Arts de Lyon, l'Art Nouveau s'exprime dans la verrerie avec Emile Gallé et Albert Dammouse, l'Art Déco avec René Lalique, Paul Beyer, Gabriel Argy-Rousseau et Maurice Marinot. La période Art Nouveau Art Déco constitue l'âge d'or de l'art du verre et de la pâte de verre dont les artistes précédant sont les dignes représentants.

Art contemporain.

La collection de céramique moderne et contemporaine a été acquise en 1917 par l'historien de l'art Henri Focillon alors directeur du musée des Beaux-Arts. Cette collection de céramiques extrêmes orientales, ayant appartenu au peintre Raphaël Collin, se compose de près de quatre cents pièces. Elle est le témoin de l'engouement pour les grès japonais à la suite de leurs découvertes lors de l'Exposition universelle de Paris en 1878. Elles sont caractéristiques par leurs formes accidentées, leurs décors de coulures. Ces formes d'expressions vont fortement influencer les artistes céramistes de la fin du XIXe siècle. Jean Carriès va être l'un de ces artistes à s'intéresser aux grès japonais, dans l'emploi des coulures d'or et des

Médaillier.

Le médaillier de Lyon est le deuxième médaillier de France après le Cabinet des médailles de la Bibliothèque nationale de France à Paris. Il conserve près de : monnaies, médailles, sceaux, etc. Il est connu au niveau européen et tient une place prépondérante dans la numismatique mondiale depuis sa création au début du.

Histoire.

Les premières collections de numismatique du musée des Beaux-Arts sont constituées au début du, lorsqu'en 1810, le musée, alors dirigé par François Artaud, reçoit provenant des deux plus importantes collections lyonnaises d'avant la Révolution, celles du collège de la Trinité et celle du cabinet de la ville. Durant la première moitié du siècle, des monnaies locales ainsi que des trésors gallo-romains rejoignent les collections. La richesse des séries celtiques et médiévales est due, quant à elle, aux grandes collections lyonnaises qui entrent au musée dans la seconde moitié du siècle, comme les collections Saussaye et Morin-Pons en 1863.  À partir de 1878,

Collections.

Le médaillier du musée des Beaux-Arts de Lyon possède des collections couvrant un très vaste espace numismatique. Si ses séries les plus nombreuses viennent de la Rome antique, il possède également de belles collections grècques, celtiques et médiévales. Le médaillier conserve également de nombreuses médailles témoins de la richesse de l'histoire de cet art à Lyon, et des bijoux.  Sa collection la plus riche concerne l'antiquité, et surtout l'Empire Romain, sa série de pièces impériales est presque complète. Il conserve ainsi près de romaines dont quelques œuvres rares tel un "sesterce d'Auguste à l'autel des trois gaules" frappé à Lyon ou les objets du trésor de Ruffieu. Le médaillier possède également plus de grecques, presque gauloises dont un "décadrachme de Syracuse" d'Évainète ou un "statère de Vercingétorix". Concernant les monnaies médiévales, il possède notamment environ royales et féodales, mais aussi des monnaies mérovingiennes, carolingiennes, des jetons, méraux, jetons et poids. Il est riche de nombreuses médailles dont certaines datant de la naissance de cet art à la Renaissance, dont l'une des premières au monde, celle de "Jean paléologue" de 1438-1439 ou celle de "Louis et d'Anne de Bretagne" réalisée à Lyon en 1499.

Arts graphiques.

Le cabinet des arts graphiques regroupe des dessins, estampes, aquarelles, pastels, etc. Ces œuvres ont pour point commun d’être exécutées sur papier.  Près de sont conservées dans ce département : et un fonds de. Sa création date du

Fréquentation.

Le musée des Beaux-Arts était le musée le plus fréquenté non seulement de Lyon mais également de toute la région Rhône-Alpes selon les statistiques fournies par le ministère de la Culture, jusqu'à l'ouverture du

Gestion et politique culturelle.

Un des buts de la politique d'acquisition du musée est de compléter sa collection d'œuvres lyonnaises du, un fonds augmenté par des achats, mais aussi par des dons. En 2017, plusieurs acquisitions et dons concernent Pierre Révoil, Claudius Lavergne ou Jean-Baptiste Frénet ; un lavis de Claude Bonnefond est offert par Olivier Scherberich, le "Saint François" d'Alexandre Séon par Michel et Anne Bosse-Platière ; des anonymes ont aussi donné un lavis de Michel Dumas et une étude à la pierre noire de Louis Janmot.

Personnel du musée.

Le musée emploie plus d'une centaine de personnes dans des domaines très variés. La direction est tenue par Sylvie Ramond, conservateur en chef du patrimoine, assistée d'une assistante de direction et d'une secrétaire générale.  Les collections sont gérées par cinq conservateurs et un chargé du médaillier. L'équipe actuelle comprend : Geneviève Galliano, conservateur en chef des Antiquités, Salima Hellal, conservateur des Objets d'art, Stéphane Paccoud, conservateur en chef des Peintures et des Sculptures, François Planet, chargé du médaillier, Ludmila Virassamynaïken, conservateur des Peintures et Sculptures anciennes.  Les services de documentation sont composés d'un bibliothécaire et d'un documentaliste. Le service diffusion comprend une responsable d'édition et un assistant, chargé du service Images. Au sein de l'équipe technique, le musée dispose d'un atelier avec un électricien, plusieurs menuisiers, dirigé par un responsable d'atelier. Outre les travaux courants, cette équipe est chargée de concevoir la scénographie des expositions. Les œuvres sont surveillées et contrôlées, que ce soit dans le musée ou lors d'un

Expositions.

L'une des premières expositions organisées au musée a lieu en 1889 pour le centenaire de la Révolution française. Elle présente des pièces qui, pour la plupart, appartiennent à présent au Musée Gadagne d'Histoire de Lyon.  Au, le musée commence à organiser de manière régulière des expositions temporaires, la plupart du temps accompagnées de l'édition d'un catalogue. Après une première en 1925, une régularité s'instaure à partie de la fin des années 1930 avec une alternance entre des rétrospectives et des promotions de la peinture régionale.  Après le départ de René Jullian en 1963, la politique d'exposition du musée est moins assurée et procède davantage d'occasions saisies au vol que d'un choix réfléchi sur le long terme. Les différents directeurs

Publication.

En 1952, à l'initiative de René Jullian, est créé le "Bulletin des musées lyonnais". En 1960, cette publication change de titre

Accès.

Le musée est accessible par :  En 1995, un parking souterrain nommé « Terreaux » est construit sous le musée. Étant donné sa localisation, on peut y trouver des objets anciens dans le tunnel d'accès du parking.

Le musée des Beaux-Arts de Lyon est un musée municipal situé sur la place des Terreaux à Lyon (France) dans l'abbaye de Saint-Pierre-les-Nonnains, plus connu sous le nom de palais Saint-Pierre.


Biographie.

La famille Mamontov, originaire de Sibérie doit sa fortune à la construction des chemins de fer Moscou-Yaroslav et au pétrole de Bakou.  Il est le fils du marchand et industriel Ivan Feodorovitch Mamontov et de Maria Tikhonovna Lakhitina. En 1841, la famille s'installe à Moscou. À partir de 1852, il étudie à Saint-Pétersbourg, et plus tard à l'Université de Moscou.  En 1864 Savva visite Italie, où il prend des cours de chant. Il vient en France, également. C’est au cours de ces voyages que Savva fait la connaissance de peintres qui éveillèrent son intérêt pour l’art.  Il fut présenté à la fille du marchand Grigori Sapojnikov. Il épousera Elisabeth en 1865 à Kirev, près de Khimki, au nord de Moscou.  En 1869, il devient directeur des chemins de fer de la ligne Moscou-Yaroslavl. Il s'investit également sur la ligne de Donetsk de 1876 à 1882, premières grandes lignes de chemins de fer de Russie et d'Europe.  En 1870, Mamontov acheta Abramtsevo, au nord de Moscou ; il y créa une association amicale d'artistes avec les meilleurs artistes russes, de tout genre et de tout style, de ce début du XIXe siècle.  Le Cercle d'Abramtsevo constitua un véritable lieu de réunions amicales, dans une atmosphère d'hospitalité et d'ouverture, favorisant ainsi les rencontres artistiques. Savva Mamontov rétablit, développa et encouragea le renouveau de l'art populaire russe.  Mamontov a aussi été à l'origine de l'Opéra privé russe, lançant ainsi le chanteur Chaliapine.  "La Demoiselle des neiges" ("Sniegourotchka") a été créé au Cercle d'Abramtsevo. La participation de Constantin Stanislavski, des frères Vasnetsov, de Mikhaïl Vroubel rejoints par d'autres est remarquable.  Mamontov a beaucoup travaillé à l'Opéra privé russe, acteur, metteur en scène, professeur de chant. Il apprit à Diaghilev que le théâtre devait s'élaborer quotidiennement, de l'exécution de toutes les tâches du décor, au ménage en passant par le maquillage et le chant. Il changea et réforma le mode de production théâtrale.  Le succès de l'Opéra privé russe fut considérable dans les tournées de provinces et triomphal à Moscou.  En 1899-1900, à l'automne, Savva fut arrêté sur accusation d' de la ligne Moscou-Yaroslavl qu'il finançait et dont il avait la charge. Dans la dernière période (1899-1904), le théâtre a été renommé en association privée russe d'opéra et graduellement il devint inexistant. Le théâtre du Bolchoï plus officiel, plus impérial, lui prenait la place.  Savva fut empli de chagrin lorsqu'on lui apprit que le Cercle d'Abramtsevo, sa propriété de la rue Sadovaïa, le musée de la culture artistique de Moscou, seront sous scellés pendant près de deux ans, avec tous leurs chefs d'œuvre.  En 1903, certaines œuvres ont été vendues et personne ne sait où elles sont actuellement, mais une grande partie de ce qui composait ce musée non officiel a été envoyée par les amis de Savva Mamontov, à la galerie Tretiakov. Savva Ivanovitch a passé environ six mois en prison ; apathique, aphasique, presque mort, il est secouru par ses amis. Il fut mis en résidence surveillée.  Le reste de ses jours - presque vingt ans - Savva Ivanovitch demeurera dans cette maison, sans contact humain et, pire que tout, sans "art".  Plus tard, ses amis, souhaitant l'innocenter, ont pu prouver à la Cour que Savva Ivanovitch était bien innocent, mais le procès avait ruiné Mamontov.  Il est mort à Moscou, le, et a été enterré à Abramtsevo.

Savva Ivanovitch Mamontov (en, à Ialoutorovsk, aujourd'hui oblast de Tioumen — à Moscou) est un industriel, marchand et mécène russe du.


Approches fonctionnelles de la grammaire

Explications.

Les approches fonctionnelles linguistiques existent puisqu’une langue est fondamentalement un outil de communication. Il semble donc évident de déduire que ces différentes structures sont mieux étudiées et comprises selon les fonctions qu’elles exercent. Les approches fonctionnelles de grammaire diffèrent des approches formelles. Effectivement, les approches formelles cherchent à définir les différents éléments de la langue et à décrire de quelle façon ils se rapportent les uns aux autres de la même manière qu’un système de règles formelles ou qu’une opération.  Les approches fonctionnelles, quant à elles, définissent tout d’abord les fonctions exercées oralement et rattachent ensuite ces fonctions aux éléments linguistiques auxquels elles se rapportent. Cela signifie que les approches fonctionnelles de grammaire tendent à prêter attention à la façon dont la langue est réellement employée dans un contexte de communication, et non pas simplement aux relations formelles existantes entre les différents éléments linguistiques.  Au sens large les approches implicites propres à la linguistique descriptive et à la typologie des langues trouvent leurs places parmi les catégories de la linguistique fonctionnelle.

Théoriciens.

Né des travaux du Danois Louis Hjelmslev et du Français André Martinet, le fonctionnalisme prône une grammaire fondée sur la reconnaissance de « fonctions » du langage. Cette démarche, reprise par Simon C. Dik de l’Université d'Amsterdam dans les années 1970, a encore subi plusieurs modifications depuis. Son expression la plus achevée est exposée dans l'édition posthume en deux volumes de « "The Theory of Functional Grammar" » de 1997.

Système.

Il existe plusieurs théories grammaticales distinctes qui utilisent une approche fonctionnelle :  Simon Dik définit la grammaire fonctionnelle de la façon suivante : Si l’on met l’accent sur la fonction communicative et le contexte social d’une langue, il est clair que cette approche diffère nettement des autres, qui soulignent uniquement les approches formelles, comme la grammaire générative développée par Noam Chomsky. La grammaire fonctionnelle est fortement associée à la typologie linguistique qui reprend les grandes lignes des travaux de Joseph Greenberg.

Fonctions grammaticales.

Il existe de nombreuses fonctions grammaticales, et ce, à tout niveau. Prenons par exemple la phonologie, où la petite unité distinctive, appelée le phonème, doit se distinguer des autres unités lexicales.

Les approches fonctionnelles de grammaire sont les approches relatives à l’étude du langage qui estiment que les fonctions linguistiques et leurs éléments sont indispensables à la compréhension du processus et de la structure d’une langue.


Histoire et objectif.

L'histoire de ce monument débute en 1979, lorsque celui qui se fait appeler Robert C. Christian se rend à Elberton au siège d'une entreprise de taille du granite Elberton Granite Finishing. Il veut faire construire un monument de dimensions inhabituelles, et il est persuadé que les carrières de la région délivrent le plus beau granite du monde. Elberton est appelée la « capitale mondiale du granite ». Il demande à ce que soient extraits des carrières des blocs de granite d'une dimension jamais atteinte dans le comté, et qu'elles forment une structure comportant des inscriptions écrites dans huit langues : anglais, espagnol, russe, chinois, arabe, hébreu, hindi et swahili. L'ensemble doit pouvoir résister aux plus grandes catastrophes et servir de guide à l'humanité qui serait décimée par ces catastrophes pour reconstruire une civilisation meilleure que celle qu'il juge sur le point de s'autodétruire.  Pour pouvoir construire le monument, Robert C. Christian achète une propriété de deux hectares, donnant le droit à vie à son ancien propriétaire d'y faire paître son bétail. Quelques semaines après, il donne la propriété au comté d'Elbert estimant que ce dernier protégera les Guidestones. Il les conservera effectivement, car celles-ci deviennent une attraction touristique dès leur inauguration le, attirant des curieux du monde entier. L'acte de propriété interdit de faire payer la visite du monument, ainsi que la construction de bâtiments permanents sur le site.  Le site connaît un regain d'intérêt en 2005, après que Mark Dice a publié son ouvrage "The Resistance Manifesto" ["Le manifeste de la résistance"]. Depuis cette date, l'auteur demande que les Guidestones soient « brisées en des millions de morceaux », estimant que ces pierres ont « une origine satanique profonde ». Les pierres ont fait l'objet de nombreuses théories, notamment par Jay Weidner, animateur radio à Seattle ayant beaucoup travaillé sur le sujet et produit l'une des théories les plus populaires sur les commanditaires du monument, qui pourraient être selon lui les rosicruciens, membres d'un ordre mystique apparu en Allemagne au qui auraient prétendu posséder des connaissances ésotériques échappant aux communs des mortels.  Le monument a été construit dans la région américaine dite du "Bible Belt", dans laquelle vivent de nombreux fondamentalistes chrétiens. Il suscite des réactions très diverses. Ses admirateurs, dont Yoko Ono, y voient un appel au rationalisme, tandis que ses détracteurs pensent qu'il s'agit des commandements de l'Antéchrist.  Le monument fait l'objet de nombreuses théories du complot.  Selon une théorie, la construction du bâtiment aurait été ordonnée par la société Elberton Granite Finishing elle-même, afin de faire de la publicité pour la principale activité de la ville.  En 2008, le monument est vandalisé par des graffitis. En 2009, une encoche est pratiquée dans le coin supérieur droit d'une des faces. Le, une nouvelle pierre est insérée à cet endroit, portant les inscriptions MM, 16, 20, 14, 8, JAM. Elle est retirée quelques jours après son installation par les services d'entretien du monument.

Description.

L'œuvre fait référence à Stonehenge, toutes les informations et descriptions ayant été fournies par les commanditaires dans une documentation.  Six blocs de granite de de haut pour un poids total de (soit presque ), affichent un message en plusieurs langues. La plaque du haut comporte des inscriptions en quatre langues sur ses côtés : babylonien, grec ancien, sanskrit et hiéroglyphe égyptien, qui définissent l'objectif de la structure : « Que ces pierres nous guident vers un âge de la raison ». Un trou dans la pierre horizontale du haut donne la date à midi. Un trou montre l'étoile polaire dans la colonne centrale.  La plaque sur le sol donne les explications avec des références astronomiques, et promet une capsule temporelle enterrée, « à ouvrir le » sans date précisée.  Aux équinoxes et aux solstices, on peut voir le soleil se lever dans la fente de la colonne centrale.  (1) Maintenez l'humanité en dessous de 500 millions d'individus en perpétuel équilibre avec la nature.  (2) Guidez la reproduction intelligemment en améliorant la forme physique et la diversité  (3) Unissez l'humanité avec une nouvelle langue mondiale.  (4) Traitez de la passion, de la foi, de la tradition et de toutes les autres choses avec modération.  (5) Protégez les personnes et les nations avec des lois et des tribunaux équitables.  (6) Laissez toutes les nations régler leurs problèmes externes et internes devant un tribunal mondial. (7) Évitez les lois et les fonctionnaires inutiles.  (8) Équilibrez les droits personnels et les devoirs sociaux.  (9) Faites primer la vérité, la beauté, l’amour en recherchant l’harmonie avec l’infini.  (10) Ne soyez pas un cancer sur la terre, laissez une place à la nature.

Critiques et théories.

Le premier commandement suscite de nombreuses théories du complot au sujet d'un plan secret pour la réduction de la population mondiale à 500 millions d'individus.  Le deuxième commandement, en parlant de « guider » la reproduction, semble parler de pratiques eugénistes.  Selon "Wired", le troisième commandement peut déplaire aux chrétiens, car d'après le dernier chapitre de la Bible, l'Apocalypse, l'Antéchrist établira une langue commune à toute l'humanité dans le cadre d'un gouvernement mondial. Et le quatrième commandement peut lui aussi leur déplaire, car il ne donne pas la priorité à la foi.  Le sixième est le « principe de non-ingérence ».  L’œuvre fait aussi référence au monolithe noir dans le film "2001, l'Odyssée de l'espace" en 1968, d'après l'œuvre d'Arthur C. Clarke.  Un documentaire controversé d'Alex Jones en 2007 "" a eu pour conséquence les dégradations de 2008 sous la forme d'inscriptions dirigées contre Barack Obama, le satanisme ou le « nouvel ordre mondial ».  Un ouvrage est paru sur le sujet, dont l'auteur prétend être le fameux R.C. Christian en donnant des détails sur les coûts. Il est dédié à Thomas Paine, auteur de l'ouvrage "Le Siècle de la raison".

Les, appelées aussi le « Stonehenge américain », est un monument en granite érigé le aux États-Unis, en Géorgie, près d'Elberton. Il a été construit par la firme Elberton Granite Finishing Company sur commande d'un anonyme s'étant présenté sous le nom de R. C. Christian (pseudonyme allégorique pour Christian Rosenkreutz ou Christian Rose-Croix).


Généralités.

Le programme fonctionne en ligne de commande ou avec une interface graphique traduite dans 79 langues dont le français.  Il prend en charge les formats de fichier suivants :  7-Zip prend en charge également le procédé de chiffrement AES en et la création d’archives auto-extractibles.  Les formats natifs 7z et XZ sont des formats modulaires ouverts qui permettent le stockage de fichiers compressés utilisant différents algorithmes, avec des noms de fichiers Unicode. Par défaut, le logiciel crée des fichiers au format d’archivage 7z (avec l’extension.7z) en utilisant les algorithmes de compression LZMA ou LZMA2, qui permettent la création d’archives plus compactes que les formats tels que ZIP, voire que RAR ou ACE, lorsque les fichiers à compresser ne sont pas de type multimédia (images ou musique).  Le concepteur affirme que son programme compresse mieux que WinRAR (3.50) et WinZip (10.0) au format 7z, et qu'il produit des fichiers ZIP mieux compressés que tout autre compresseur tout en étant compatible avec tous les décompresseurs existants.  Les autres algorithmes disponibles actuellement dans le format 7z sont PPMd (efficace sur le texte), bzip2 (moins efficace que LZMA, mais pouvant utiliser un nombre important de cœurs d’un processeur pour être plus rapide, et plus robuste à une corruption d’archive) et BCJ2 (utilisé conjointement avec LZMA pour les exécutables).

Sous Windows.

Après autorisation lors de l’installation du logiciel, un simple clic-droit sur un fichier ou sur un dossier dans Windows permet d’afficher un menu déroulant dans lequel le sous-menu 7-Zip est présent. Ce menu donne accès aux fonctionnalités principales de 7-Zip : compression, ouverture, décompression, calcul des sommes de contrôle CRC-32, CRC-64, SHA-1 et SHA-256  7-Zip peut également être utilisé en ligne de commande. La commande suivante crée une archive 7z : Cette commande extrait les fichiers et dossiers d’une archive 7z :

Sous Linux.

7-Zip existe en version en ligne de commande. Il a été porté sous Linux sous le nom p7zip.  Les noms de fichiers des archives 7-Zip étant stockés en format Unicode, l’usage conjoint de 7-Zip et p7zip permet de transférer sans problème entre Windows et Linux des fichiers dont les noms contiennent des caractères accentués.  Pour extraire une archive :  De plus, il existe plusieurs interfaces graphiques (GUI) pour Linux, les unes écrites pour la bibliothèque Qt (KDE) : il s’agit des GUI Ark et Q7Z, et les autres écrites pour la bibliothèque GTK (GNOME) : il s’agit des GUI PeaZip et FileRoller.

7-Zip est un logiciel de compression de données et d’archivage de fichiers fonctionnant sous Windows développé par le Russe Igor Pavlov. Il peut également être utilisé avec d’autres systèmes d’exploitation (GNU/Linux...) grâce, par exemple, au projet Wine ou au portage de sa version console sous GNU/Linux, nommé p7zip.


Biographie.

Origines et études.

Fils d'un pasteur pentecôtiste, il effectue ses études primaires à l'athénée royal de Bukavu, puis poursuit ses études secondaires à l'institut Bwindi de Bukavu, où il obtient un diplôme en biochimie en 1974. Après deux années passées à la faculté polytechnique de l'université de Kinshasa (UNIKIN), il trouve sa voie en s'inscrivant, en 1976, à la faculté de médecine du Burundi.  Son diplôme de médecin obtenu en 1983, il fait ses premiers pas professionnels à l'hôpital de Lemera, situé au sud de Bukavu. En 1984, il obtient une bourse de la "Swedish Pentecostal Mission" pour suivre une spécialisation en gynécologie à l'université d'Angers, en France. Il fonde avec un Angevin l'association France-Kivu pour aider sa région d'origine.  Le 24 septembre 2015, il devient docteur en sciences médicales à l'université libre de Bruxelles après avoir soutenu une thèse intitulée "Étiologie, classification et traitement des fistules traumatiques uro-génitales et génito-digestives basses dans l’Est de la ".

Carrière et engagement.

En 1989, il choisit de retourner au Congo pour s'occuper de l'hôpital de Lemera, dont il devint médecin directeur.  En 1996, lors de la première guerre du Congo, son hôpital est brutalement détruit lors de l'attaque de Lemera. Mukwege échappe à la mort alors que plusieurs malades et infirmiers sont assassinés. Il se réfugie à Nairobi, puis décide de retourner au Congo. Avec l'aide du PMU ("Pingstmissionens Utvecklingssamarbete", association caritative suédoise), il y fonde l'hôpital de Panzi à Bukavu. Il se voit alors confronté aux mutilations génitales pratiquées sur les femmes. Profondément marqué par ces violences, il décide de faire connaître au monde la barbarie dont sont victimes les femmes à l'est de la république démocratique du Congo, et d'agir pour leur venir en aide. Dans une région où le viol collectif est utilisé comme arme de guerre, il se spécialise dans la prise en charge des femmes victimes de ces agressions sexuelles, leur apportant une aide médicale mais aussi psychique, économique et juridique.  Il est reconnu comme l'un des spécialistes mondiaux du traitement des fistules ; il reçoit à ce titre, entre autres, deux distinctions universitaires en 2010 (voir "Distinctions").  Le 25 octobre 2012, il est victime d’une agression en plein centre de Bukavu. Le gardien de sa maison est abattu après l’avoir alerté d’un danger, sa voiture est incendiée et Mukwege est ligoté. Mais grâce à l'intervention des riverains, qui se portent à son secours, il en sort sain et sauf. Il se réfugie alors quelques mois en Belgique avant de repartir travailler au Congo-Kinshasa.  En 2018, il reçoit le prix Nobel de la paix avec Nadia Murad, pour leurs efforts pour mettre fin à l'emploi des violences sexuelles en tant qu'arme de guerre.

Ministère.

En plus de son activité médicale, il officie comme pasteur chrétien évangélique de courant pentecôtiste dans une église de Bukavu (RDC).

Distinctions.

Autres hommages.

L'action du docteur Mukwege pour venir en aide aux femmes violées, au moyen des opérations de chirurgie réparatrice qu'il pratique à l'hôpital de Pangi de Bukavu a fait l'objet de deux films documentaires :

Denis Mukwege, né le à Bukavu (alors au Congo belge), est un gynécologue et militant des droits de l'homme kino-congolais, ainsi qu'un pasteur chrétien évangélique pentecôtiste.


Origines.

Karl Tersztyánszky est issu d'une famille de la noblesse hongroise qui avait reçu au siècle la seigneurie de Nádas. Son père, István Tersztyánszky, est entrepreneur et propriétaire foncier dans le comitat de Nyitra. Sa mère est Leonóra Linger.  Il étudie au lycée d'Olomouc, puis à l'école militaire de Sankt Pölten et enfin à l'Académie militaire thérésienne, à Wiener Neustadt, d'où il sort en 1877 comme sous-lieutenant du dans l'armée impériale et royale (KuK). Il occupe plusieurs postes d'officier à Maribor, Tchernivtsi, Josefstadt (Jaroměř), Vienne, Prague, Jarosław, etc.  Il est noté comme un officier très compétent, parlant parfaitement l'allemand, bien le français et suffisamment le tchèque, mais emporté et colérique, trait de caractère qui persistera avec l'âge et semble avoir affecté sa carrière.  En 1887, il épouse Olga Popowicz après avoir fait le dépôt de garantie réglementaire de florins. Le mariage reste sans enfants.  En 1904-1905, il est envoyé comme observateur de la guerre russo-japonaise. De 1907 à 1912, il rédige plusieurs articles pour les "Kavalleristischen Monatsheften" (Cahiers mensuels de la cavalerie). Il rédige deux manuels sur "L'Instruction au combat de cavalerie" (1907) et "Le Déploiement de la cavalerie en Haute-Italie" (1908).  En 1912, il est nommé à la tête du d'armée à Budapest. En 1913, il reçoit le grade de "General der Kavallerie".

Première Guerre mondiale.

1914.

Lors de l'entrée de l'Autriche-Hongrie dans la Première Guerre mondiale, le d'armée, commandé par Tersztyánszky, est brièvement engagé sur le front de Serbie. Il est rattaché à la (général ) mais un conflit d'autorité oppose Frank à Oskar Potiorek, commandant en chef du front serbe. Le, le n'a que peu progressé dans le secteur de Šabac tandis qu'une contre-attaque serbe fait reculer le et menace d'envelopper le. Franz Conrad von Hötzendorf, chef d'état-major général austro-hongrois, ordonne à l'ensemble des forces austro-hongroises de battre en retraite tandis que Potiorek ordonne une nouvelle attaque pour le lendemain. Du fait de ces ordres contradictoires, la bataille du Cer s'achève par une lourde défaite austro-hongroise.  Au début de septembre, Tersztyánszky est nommé à la tête d'une "Armeegruppe" comprenant les et sur le front de Galicie, sur la rivière et autour de Lemberg (Lviv). Il participe à la retraite de l'armée austro-hongroise vers les Carpates. Au début d', il défend le col d'Oujok et stabilise le front près de Sambir. À la fin d'octobre, ses unités sont envoyées en Silésie prussienne pour reconstitution puis engagées sur la Warta en novembre, en appui à l'offensive allemande de la bataille de Łódź.

1915.

Au début de 1915, Tersztyánszky participe aux combats de la bataille des Carpates. Le, il conduit une offensive destinée à délivrer la forteresse assiégée de Przemyśl, encerclée par les Russes depuis. Le résultat est désastreux : en une semaine, le corps de secours austro-hongrois, gelé, perdu dans la neige, incapable de combattre, tombe de à sans pouvoir progresser. Przemyśl capitule le.  En mai, Tersztyánszky est de nouveau envoyé sur le front de Serbie. En, il soumet au haut-commandement austro-hongrois (AOK) un nouveau plan d'invasion de la Serbie qui permettrait de prendre sa revanche après l'échec de l'année précédente. L'AOK, qui accorde la priorité au front italien, est d'abord peu intéressé mais, en, Erich von Falkenhayn, chef d'état-major général de l'armée allemande, décide de reprendre l'offensive sur le front des Balkans. Conrad von Hötzendorf nomme Tersztyánszky à la tête de la qui doit jouer un rôle décisif dans cette opération. Mais une querelle oppose Tersztyánszky au comte István Tisza, premier ministre du royaume de Hongrie, sur l'emploi de travailleurs civils à des fins militaires. Tersztyánszky est alors écarté et remplacé par Hermann Kövess.

1916.

En, Tersztyánszky est nommé "Generaloberst" (colonel-général). En, en Volhynie, la austro-hongroise est mise en déroute sur le Styr par l'offensive du groupe d'armées Broussilov : les Allemands réclament la destitution de son commandant, l'archiduc Joseph-Ferdinand de Habsbourg-Toscane. Tersztyánszky est nommé à sa place et, en prenant le commandement, ne cache pas son mécontentement : Il demande aux officiers de rechercher et de punir sans pitié ceux qui ont organisé des désertions en masse et abandonné une telle quantité de canons et de mitrailleuses. Mais les punitions ne peuvent pas grand-chose sur une armée au moral lourdement atteint. Conrad von Hötzendorf compte sur le tempérament énergique de Tersztyánszky pour améliorer l'image de l'armée austro-hongroise aux yeux de ses alliés allemands. Tersztyánszky fait limoger le général Martiny, chef du corps, et le fait remplacer par à qui il demande des résultats immédiats. Le, Csanády ordonne une contre-attaque de la mais les troupes, épuisées par le terrain boueux, le manque d'approvisionnements et les combats des semaines précédentes, subissent de lourdes pertes sans aucun gain. Csanády demande alors à Tersztyánszky l'autorisation de retirer la division du front.  Entre juin et octobre, la livre plusieurs combats, notamment à, et parvient à stabiliser le front.

1917-1918.

Au début de 1917, une nouvelle querelle oppose Tersztyánszky à Alexander von Linsingen, chef du groupe d'armées germano-austro-hongrois en Galicie. Comme ce dernier est soutenu par le Haut-commandement allemand, Tersztyánszky doit quitter son poste le en échangeant sa place avec Karl von Kirchbach auf Lauterbach, jusque-là chef de la austro-hongroise. Sous le commandement de Tersztyánszky, cette unité subit une lourde défaite dans le secteur de Kalouch, lors de l'offensive russe de juillet, et Tersztyánszky est relevé de ses fonctions.  Par la suite, il n'exerce plus de commandement sur le front. L'empereur-roi Charles lui décerne le titre honorifique de commandant de la Garde du corps royale hongroise. Il prend sa retraite en et finit sa vie à Vienne où il meurt le. Il est enterré au cimetière central de Vienne.

Karl Tersztyánszky von Nádas (orthographe allemande) ou Tersztyánszky Károly (orthographe hongroise), né le à Skalica (royaume de Hongrie, aujourd'hui en Slovaquie), mort le à Vienne, est un militaire austro-hongrois qui a combattu pendant la Première Guerre mondiale, principalement sur le front de l'Est.


Contexte.

Le village de Chora est un lieu stratégique pour les talibans car sur la route de la capitale provinciale de Tarin Kowt et du district de Gizab. Les insurgés lancèrent donc une attaque pour s'emparer du village lors de leur offensive estivale de 2007. En face, la zone est tenue par un peu plus de 150 soldats hollandais, qui seront 500 le 18 juin, et 250 à 300 policiers et miliciens afghans.

La bataille.

Le 15 juin, une patrouille hollandaise est touché par une attaque suicide qui tue un soldat de la FIAS et plusieurs civils. Le lendemain, un A-10 américain repère un groupe de 60 personnes (qu'il ne peut identifier) et prévient la garnison hollandaise. Peu après, trois postes de la police afghane le long de la route entre Chora et Tarin Kowt sont attaqués simultanément. Des renforts hollandais sont envoyés aux postes de Kala Kala et de Nyazi mais le poste de Sarab, non renforcé, tombe entre les mains de la guérilla. Dans l'après-midi, les Hollandais doivent aussi battre en retraite vers Chora et les talibans s'emparent des deux autres postes. L'aviation de l'OTAN commencent alors une série de raids contre les combattants talibans notamment dans le village de Qual El-Ye-Ragh où plusieurs insurgés et des civils sont tués. Les talibans attaquent aussi vers Tarin Kowt où un soldat américain est tué. Enfin, le chef de milice Rozi Khan propose son aide pour défendre Chora et les Hollandais finissent par accepter.  Les 17 et 18 juin, de nombreux renforts hollandais arrivent à Chora. Six F-16 hollandais interviennent aussi pour soutenir leur infanterie. Les talibans continuent cependant de progresser et ils prennent le contrôle de plusieurs quartiers résidentiels. Cette progression est arrêtée le 18 au soir. Le 19, une contre-offensive des défenseurs permet de libérer la ville et de reprendre les trois postes de police perdus.

Pertes.

Les combats urbains ont fait de nombreux morts parmi les civils. Au moins 65 d'entre eux ont été tués. La Coalition perd 20 morts (16 policiers afghans, 2 Hollandais, 1 Américain et 1 Australien) tandis que les pertes talibanes sont estimées à 71 morts.

La bataille de Chora oppose la guérilla talibane et des forces afghanes et hollandaises. Elle a eu lieu du 15 au 19 juin 2007 à Chora, village de 3 000 habitants, dans la province d'Oruzgan.


Biographie.

James Metcalfe Campbell Bower naît à Londres, en Angleterre, le 22 novembre 1988. Il est le fils de Anne Elizabeth (née Roseberry), une manager de musique, et de David Bower qui travaille pour la Gibson Guitar Corporation. Son maternel était Sir John Campbell, de Airds, lieutenant-gouverneur de Saint-Vincent-et-les-Grenadines. Il a un frère Sam Bower, un guitariste.  Il a assisté à l'école Bedales, une co-éducation école indépendante dans le Hampshire, et est un ancien membre du National Youth Music Theatre et le National Théâtre de la jeunesse.

Carrière.

Il commence par jouer pour la BBC dans "The Dinner Party". Sa carrière cinématographique débute lorsque Laura Michelle Kelly, une de ses amies qui apparaît aussi dans "", le recommande à son agent. On le retrouve par ailleurs dans "RocknRolla" avec un petit rôle de rockeur, ainsi que dans "Winter in Wartime (Oorlogswinter)" où il incarne Jack. Courant 2009, il figure en tant que numéro 11-12 au générique du remake de la série "Le Prisonnier". La même année, il intègre le casting du de la saga "Twilight", pour interpréter le rôle de Caïus Volturi. Il reprend son rôle de Caïus Volturi en 2011 et 2012 dans le de la saga "Twilight", scindé en deux parties.  Jamie Campbell Bower est par ailleurs chanteur dans le groupe "The Darling Buds" et mannequin pour la Select Model Management basée à Londres.  En 2011, il incarne le Roi Arthur dans la série fantastico-dramatique "Camelot", aux côtés de Joseph Fiennes et d'Eva Green. La série de 10 épisodes de 50 minutes est diffusée depuis sur Canal+.  En 2012, il est choisi pour interpréter le rôle de Jace Wayland dans "", l'adaptation au cinéma du premier livre de la série de 6 tomes aux côtés de Lily Collins, Kevin Zegers, Robert Sheehan, Jemima West, Godfrey Gao et Jonathan Rhys-Meyers. Le film est sorti le.  En 2015, il devient le chanteur leader du groupe de métal Counterfeit, composé de : Roland Jonhson, Sam Bower (son frère cadet), James Craig et Tristan Marmont.  En 2017, il joue le rôle de Christopher Marlowe dans la série "Will", diffusée à partir de.  En 2018, il apparaît rapidement dans "" ou il reprend les traits du jeune Gellert Grindelwald.

Vie privée.

En, il commence à fréquenter l'actrice et réalisatrice Bonnie Wright, rencontrée durant le tournage de "Harry Potter et les Reliques de la Mort, 1ère Partie". Le, ils annoncent leurs fiançailles, puis se séparent deux ans plus tard, en.  Jamie Campbell Bower a ensuite été en couple avec l'actrice Lily Collins, rencontrée sur le tournage du film "," en 2012. Ils se sont séparés en 2013 avant de se remettre ensemble plus tard, en 2015. Ils se sont définitivement séparés en.  Depuis l’été 2018, il est en couple avec une tatoueuse de Londres nommée Ruby Quilter.

Jamie Campbell Bower, né le à Londres en Angleterre, est un acteur, chanteur et mannequin britannique. Il s'est fait connaître en 2007 par son rôle d'Anthony dans "" de Tim Burton avant de figurer plus tard au casting de deux séries de films à succès : "Twilight" et "Harry Potter" dans le rôle du jeune Gellert Grindelwald. En 2011, il figure au casting d"'Anonymous", le thriller historique de Roland Emmerich, dans lequel il tient le rôle d'Édouard de Vere, connu pour être l'un des auteurs supposés de l'œuvre de William Shakespeare.


Jeunesse.

Il naît le, à Bonn, d'un père professeur de médecine à l'université de Bonn et d'une mère féministe, fille de l'archéologue Alexander Conze. Krukenberg fait des études de droit puis, après un doctorat, rejoint l'armée en 1907 comme officier d'administration, puis se marie en 1912. Pendant la Première Guerre mondiale, il est officier d'ordonnance et " adjudant " au sens allemand de ce terme. Il termine la guerre en tant que capitaine en 1918. Après la guerre, il sert dans la fonction publique comme secrétaire privé du ministre des Affaires étrangères. Fin diplomate et bilingue, il devient le chef du bureau de Paris du (CFAID), fondé à Luxembourg en 1926 et patronné par l'industriel luxembourgeois Émile Mayrisch et le diplomate Pierre Viénot. Il y noue d'étroites relations avec le milieu industriel et diplomatique français. En 1929, au moment de la découverte de l'impasse dans laquelle se trouve le Comité, il prend le parti de déclarer que la réconciliation franco-allemande est impossible.

Carrière au sein de l'armée allemande et de la S.S..

Il rejoint le parti nazi en 1932, et est en 1933 sous le feu des projecteurs de par sa critique renouvelée et très médiatisée du Comité franco-allemand ; il participe alors à des émissions de radio de propagande. Mais il est considéré comme trop modéré par Goebbels qui l'écarte des institutions nazies, il est peut-être même inscrit sur la « liste noire » des personnalités à abattre par le régime. Mais en 1934, la situation change et il est « gracié », même si Himmler et le SD font sur lui un long rapport accusateur.  Pendant la Seconde Guerre mondiale, Krukenberg sert sur presque tous les fronts. Officier d’état-major, il participe à l'occupation des Pays-Bas et de Paris. Il est en outre nommé responsable de l'intendance, il s'occupe donc des ravitaillements et des prisonniers. Cette position clé dans l'organisation militaire le met sans doute en contact avec les crimes nazis, ce qu'il n'avouera jamais.  À la fin de la guerre, il demande son transfert de la Wehrmacht à la Waffen-SS. Durant la fin de l'année 1944, il devient Brigadeführer S.S.et prend en main la division S.S.Charlemagne.  Son défi est alors de réunir des Français motivés, mais au parcours très hétérogène : entre les anciens soldats français engagés dans l'armée allemande depuis juillet 1941, entre ceux engagés dans la Waffen-SS depuis 1943 ou entre les miliciens fuyant la Libération en 1944, la réunion de ces unités et parcours disparates dans la division Charlemagne n'est pas aisée.  La division est anéantie en mars 1945 et le commandant français est tué (qui n'était qu'un « homme de paille » puisque Krukenberg occupait le réel commandement), mais l'unité est reconstituée avec quelques débris de matériels et d'hommes avant d'être envoyée vers Berlin pour défendre la ville le, en forçant de nombreux obstacles pour s'y rendre.  Là, au côté de quelques autres unités, en particulier des soldats SS de la division SS Nordland, les soldats de la Charlemagne défendent avec acharnement la ville. Les unités hétérogènes et provenant des quatre coins de l'Europe feront dire à Krukenberg que toute l'Europe était réunie dans le secteur. Sachant que la Waffen SS (ou ce qu'il en restait) était alors composée pour moitié d'étrangers, la remarque était pertinente. La défense est désespérée : les munitions manquent tellement que les soldats français sont obligés d’utiliser les missiles de leurs Panzerfaust à la place des balles pour combattre.  Il est fait prisonnier par les Soviétiques au moment de la reddition le et est envoyé en camp d'internement en Union Soviétique où il sera condamné à 25 ans de détention par un tribunal militaire soviétique pour ses actions en tant que " Brigade-führer S.S."  Il n'effectue pas sa peine en totalité, faisant partie des prisonniers allemands libérés en 1955, après les interventions constantes du gouvernement fédéral allemand depuis 1949, tendant à faire rentrer en Allemagne fédérale tous les anciens combattants de la Wehrmacht et de la S.S., qui étaient encore en camps soviétiques depuis les premiers transferts effectués par l'armée rouge - devenue officiellement armée soviétique en - dès.  Après sa libération, il regagne évidemment l'Allemagne occidentale et devient conférencier sur le sujet de l'Europe et la réconciliation. Il défend alors cette dernière comme le nouveau noyau dur de la paix européenne, en mettant aussi en avant l'unité européenne et allemande et l’historicité catholique qui va au-delà des événements de la guerre de 1939-45.  Il défend aussi la prescription pour tous les crimes et délits commis par les soldats allemands (de la Werhmacht et des anciens S.S.) qui ne sont pas encore libérés. Il rejoint alors des associations d'anciens prisonniers (en particulier d'ex-Waffen SS) et milite activement en leur sein.

Après-guerre.

Gustav Krukenberg a des propos où il apparaît comme ne pouvant pas réellement se détacher du combat nazi qu'il a mené, notamment la défense de Berlin et cet acharnement presque fou à vouloir défendre une ville déjà condamnée depuis des semaines. D'une manière analogue, il ne critiquera jamais l’assassinat des juifs ou des opposants au nazisme.  Après sa libération, il rétablit une correspondance avec von Papen et des généraux de la Wehrmacht, et d'une façon générale avec d'anciens nazis et d'anciens membres de la division Charlemagne : il ne garde donc aucune distance avec son ancien milieu nazi où il œuvra dès 1932.  En 1978, sa position est rendue publique par des associations d'anciens prisonniers qui alertent l'opinion publique sur l'organisation d'un banquet d'anciens Waffen-SS par Krukenberg. Le milieu allemand de sympathisants et d'anciens nazis s'empresse de rétorquer que ce ne sont que des mensonges de communistes, mais Krukenberg n'intervient pas.  Malgré cela, il est sérieusement évoqué pour recevoir la Médaille Robert Schuman. Mais il ne l'obtiendra pas, les responsables de la commission ayant décidé que cela crée une polémique de par son passé et ses sympathies nazies récentes.  Gustav Krukenberg décède le à Bad Godesberg.  Il est le grand-père de l'historien franco-allemand Peter Schöttler qui lui a consacré une étude.

Bibliographie.

Peter Schöttler, "Dreierlei Kollaboration. Europa-Konzepte und deutsch-französische Verständigung – am Beispiel der Karriere von SS-Brigadeführer Gustav Krukenberg", in : "Zeithistorische Forschungen. Studies in Contemporary History", 9, 2012, 3,. http://www.zeithistorische-forschungen.de/16126041-Schoettler-3-2012; Idem, "Trois formes de collaboration : l’Europe et la réconciliation franco-allemande – à travers la carrière du brigadeführer S.S. Gustav Krukenberg, chef de la ‘Division Charlemagne’", "Allemagne d’aujourd’hui", no. 207, 2014, ; repris et développé dans : Peter Schöttler, "Du Rhin à la Manche. Frontières et relations franco-allemandes au XXe siècle", préface de Henry Rousso, Tours, Presses Universitaires Francois Rabelais, 2017.

Gustav Krukenberg (Bonn, 1888 - 1980) est un ancien militaire allemand membre du parti nazi dès 1932 et qui a obtenu son transfert dans la S.S. en 1944 où il a été Brigadeführer SS (équivalent du grade de général de brigade) de la Division SS Charlemagne.


Historique.

Le, le Sapsan atteint la vitesse de lors d'un essai. Les tests de freinage ont été effectués sur le circuit d'expérimentation de Chtcherbinka, aux alentours de Moscou. Sous le contrôle des RJD (Chemins de fer russes), d'autres essais sont réalisés, notamment des tests sur le comportement du Sapsan et des systèmes électriques à une vitesse de.  Le premier voyage commercial reliant Moscou à Saint-Pétersbourg a lieu le entre la gare de Leningrad de Moscou et la gare de Moscou de Saint-Pétersbourg.  La Compagnie ferroviaire de Russie a pris l'engagement de proposer des tarifs moins onéreux que l'avion, toutefois, le tarif de en classe économique reste très coûteux, en Russie le salaire moyen s'élevant à en 2008.

Caractéristiques.

Vitesse.

Ce train détient aussi le record de vitesse sur rail en Russie depuis le avec.

Gares desservies.

Sapsan dessert les 8 gares suivantes mais tous les trains ne s'arrêtent dans toutes les gares intermédiaires. Certaines liaisons entre Moscou et Saint-Pétersbourg sont directes.

Matériel roulant.

La flotte comporte 8 rames de 10 voitures chacune, commandées pour 276 millions d'euros en à Siemens. RZD a commandé début 2012, 8 rames supplémentaires pour livraison à partir de.  Il s'agit d'une version développée à partir des ICE3 de la DB et des Velaro E de la Renfe. Chaque rame mesure 250 m de long et comporte 604 places. 4 trains monocourant ( en courant continu) assurent le service entre Moscou et Saint-Pétersbourg à 250 km/h et 4 trains bicourant ( en courant continu et en courant alternatif à ) opéraient sur la ligne Moscou - Nijni Novgorod à 160 km/h.

Conséquences de l'arrivée du Sapsan.

Depuis l'arrivée du Sapsan, certaines liaisons omnibus bon marché ont été supprimées. Il subit dans les premiers mois, des jets de pierres, des tirs de fusil, et des sabotages des caténaires.  Selon "L'Express", entre Moscou et Saint-Pétersbourg, le train circule sur une voie classique, sans sécurisation des abords et avec des passages à niveaux. Certains passages à niveau sont fermés très longtemps avant le passage du train, afin d'éviter les accidents, ce qui coupe en deux le village de Tchouprianovka, empêchant parfois de passer d'un côté à l'autre pendant plus d'une heure. L'absence de barrières pour empêcher l'accès aux voies et les passages à niveau entraîne de nombreuses traversées dangereuses de piétons, causant la mort d'une dizaine de personnes depuis la mise en service du Sapsan.

Le Sapsan (qui signifie en français "Faucon pèlerin"), en cyrillique, est un service commercial ferroviaire russe, qui utilise depuis sa création des rames à grande vitesse. Ces rames, construites par Siemens, sont spécialement conçues pour rouler jusqu'à, sur une voie d'écartement large (), et par des températures très froides allant jusqu'à.


Histoire.

Les travaux de construction sur des plans d'Antonio Beduzzi, s'étalent de 1708 à 1709, sur un terrain proche de l'ancienne porte de la ville "Kärntnertor", à l'emplacement de l'actuel Hôtel Sacher. La ville de Vienne finance le théâtre qui, selon la musicologue Eva Badura-Skoda, était destiné à accueillir toutes les classes de la société viennoise. Cependant, à la demande de l'Empereur, les premières représentations sont de l'opéra italien, un loisir prisé des classes supérieures. En 1711, le théâtre retrouve sa vocation première quand Josef Stranitzky en prend les rênes et propose un répertoire plus varié, dont une version allemande de la commedia dell'arte. Sa veuve reprend la gestion du théâtre à sa mort.  En 1728, les artistes de Cour Francesco Borosini, chanteur, et Joseph Carl Selliers, danseur, acteurs d'intermezzo en allemand et en italien, deviennent directeurs et vont proposer au répertoire des comédies italiennes et allemandes ; ils souhaitent aussi y introduire l'opéra italien et le ballet mais le privilège impérial d'en représenter est déjà accordé à un autre. En 1742, Selliers est seul directeur, et dirige également le nouveau Burgtheater, jusqu'à ce que Rochus de Lopresti reprenne les deux établissements. Quand Marie-Thérèse d'Autriche retire au théâtre son privilège impérial, la structure est placée sous le contrôle des magistrats de Vienne, et, déficitaire, vit des subsides de la ville.  Le bâtiment brûle en 1761 et est reconstruit par l'architecte de Cour Nicolò Pacassi. Deux ans plus tard, il ouvre à nouveau, bénéficiant là aussi d'un privilège impérial et portant le nom de "", "Théâtre de la Cour Impériale et Royale à Vienne".  Au début du siècle, on donne des ballets et des opéras italiens et allemands. De 1811 à 1814, Ignaz Franz Castelli est le "Hoftheaterdichter", "le poète du théâtre de la Cour". À partir de 1821, l'impresario Domenico Barbaia en prend le contrôle. Puis l'Opéra d'État de Vienne est édifié sur un terrain adjacent et achevé en 1869, et en 1870 le théâtre est rasé pour laisser place à un bâtiment d'habitation qui deviendra l'Hôtel Sacher.

Le Theater am Kärntnertor ou Kärntnertortheater était un théâtre prestigieux de Vienne aux s. Son titre officiel était "Kaiserliches und Königliches Hoftheater zu Wien", c'est-à-dire le "théâtre de la cour impériale et royale de Vienne".


La croissance rapide en Allemagne.

Le'prend sa source dans l'aide matérielle massive reçue par le pays (le plan Marshall), la réforme monétaire de 1948 qui fait du Deutsche Mark la monnaie allemande en lieu et place du Reichsmark. La longue durée du temps de travail, le plein-emploi et la main-d'œuvre étrangère ont également soutenu l'essor économique, à tel point qu'à la fin des années 1950, la RFA devint la seconde puissance économique mondiale. Le'est souvent associé à la personne de Ludwig Erhard, ministre de l'économie de 1949 à 1963 sous le chancelier Konrad Adenauer.  À la base de cette croissance se situent également le capital humain de la population allemande et la relance économique issue de la reconstruction (phénomène de relance keynésienne).

L'économie sociale de marché et l'origine du miracle économique.

Après la fin de la Seconde Guerre mondiale, en 1945, le parti politique allemand CDU naît sous la présidence de Konrad Adenauer. Le nouveau parti se présente comme un.  Le Reichsmark n'ayant plus aucune valeur après guerre, il est remplacé par le Deutsche Mark (DM) le dans les trois zones d'occupation occidentales (États-Unis, Royaume-Uni et France). Cette réforme est décidée par des experts allemands, parmi lesquels le professeur Ludwig Erhard. Chaque Allemand reçoit une somme de départ (le ") de 50 DM, puis l'échange s'effectue à 1 DM contre 10 Reichsmark. Au total, environ 93 % de la masse monétaire circulant en 1948 est supprimée.  Le plan de réforme monétaire est majoritairement géré par les États-Unis. Cette réforme permet une consolidation économique et l'adhésion à l'ERP (European Recovery Program, ou Programme de reprise économique), également connu sous le nom de plan Marshall.  Quelques jours plus tard a lieu la publication des Documents de Francfort. Le premier document contient l'autorisation des 11 chefs de gouvernement des Länder pour l'élaboration d'un pouvoir central approprié et l'unité allemande autour de droits fondamentaux. Le deuxième document contient la demande de modifications des frontières dans les zones de l'ouest. Le troisième, enfin, insiste sur l'exigence de principes fondamentaux dans le but de créer un statut spécial pour les zones d'occupation. Ces documents sont considérés comme l'acte de naissance de la RFA. Un rétablissement progressif de l'ordre social et économique s'ensuit. En 1949, Ludwig Erhard devient ministre de l'économie et forge le concept d'économie sociale de marché (").  L'économie sociale de marché devient, au début des années 1950, l'idée principale de la politique de la RFA. Il s'agit à l'origine d'une simple idée, d'un concept, qui est progressivement transposée dans l'économie allemande, en en devenant même l'un des principaux éléments.  L'économie sociale de marché consiste en un mélange de deux systèmes. Elle retient en effet des éléments de marché libre ainsi que d'économie plus centralisée. Elle se pose alors comme un troisième choix entre peu ou trop d'interventions de l'État dans l'économie. La conception de l'économie sociale de marché lie le principe de la liberté des marchés et celui de la compensation sociale.  Ainsi les avantages de l'économie de marché, comme ceux de la liberté économique et du progrès technique, sont mariés avec ceux de l'économie centralisée comme le haut taux d'emploi et les faibles variations de la demande. À l'opposé, de nombreux désavantages de ces deux types d'économie sont gommés comme l'abus de liberté des marchés. L'État y a une position forte, intervient dans les décisions économiques pour l'intérêt public et se pose en coorganisateur des politiques sociales et économiques. Les bases du système sont le principe de coordination et la concurrence ; la formation de monopole est empêchée. La base de la pensée de l'économie de marché sociale est la personnalité ; l'homme n'est pas ici seulement considéré comme un individu mais également comme un acteur social (chacun doit assumer sa responsabilité envers lui-même et autrui). L'État ne participe à l'assistance que si l'homme ne peut s'aider lui-même (principe de subsidiarité).

L'excellence industrielle, seconde source du miracle.

L'industrie allemande retrouve rapidement son niveau d'avant-guerre. Dans l'automobile, la chimie, l'industrie mécanique et électronique, etc., sa réputation d'excellence lui permet de rester largement exportatrice, malgré des coûts de production élevés. L'enseignement professionnel de haut niveau assure longtemps des débouchés à la jeunesse. L'élargissement européen (par exemple, Airbus) contribue à la maintenir au sommet de l'économie mondiale.

La crise du modèle allemand.

Le système allemand, après quarante ans de haute performance, a peut-être atteint ses limites depuis la réunification. Il supposait une forte solidarité entre le patronat, souvent issu du monde des PME, le monde du travail et l'éducation, axée sur la formation technique et professionnelle. La concentration et la mondialisation des entreprises encouragent les délocalisations, tandis que le recul des industries fortes consommatrices de main-d'œuvre décourage les systèmes de formation traditionnels. Le chômage, presque marginal avant 1989, est devenu une réalité de masse. L'économie allemande doit supporter le double fardeau des retraites, avec une population parmi les plus âgées d'Europe, et de la reconstruction des Länder de l'Est. La fuite des capitaux vers des paradis fiscaux, comme le Luxembourg, et l'exode des retraités aisés vers les climats ensoleillés (Espagne surtout) entraînent une perte de revenus pour la collectivité.  Si les gouvernements Schröder et Merkel ont ponctuellement sauvé le système de retraites, ils n'ont pas résolu les problèmes récurrents de la dénatalité et du désinvestissement.

En Autriche.

L'Autriche bénéficie également du plan Marshall. Le schilling autrichien sera stabilisé par une politique monétaire adéquate.

Le (« miracle économique ») désigne, dans l'histoire économique de l'Allemagne, la rapide croissance économique en Allemagne de l'Ouest (RFA) et en Autriche après la Seconde Guerre mondiale.


Biographie.

James Anderson est né et a grandi à Aberdeen, en Écosse. Il obtient en 1698 un au ainsi qu'une bourse de quatre ans pour étudier la théologie. Il fut ordonné pasteur dans la en 1707 et partit alors vers Londres, où il épousa une veuve possédant quelque argent et officia dans la congrégation de jusqu'en 1710, puis dans l'église presbytérienne de jusqu'en 1734, et à la Chapelle de Lisle Street Chapel jusqu'à sa mort. Il semble qu'il ait perdu énormément d'argent dans le crash de la en 1720. Malgré un talent certain pour la rédaction de généalogies, il connut des soucis financiers jusqu'à sa mort le à Exeter est un pasteur écossais presbytérien et franc-maçon<ref name="PN2005/1">.</ref>  Son père, vitrier, était membre de la loge maçonnique d'Aberdeen, qui pratiquait le Rite du Mot de Maçon, d'origine calviniste. James Anderson fut lui aussi franc-maçon, vénérable maître d'une loge maçonnique.

Iconographie.

Aucun portrait de James Anderson n'est connu. Une caricature de William Hogarth intitulée présente un personnage, la tête entre les barreaux d'une échelle, qui pourrait être lui, mais cela n'a jamais été démontré. Un autre portrait a été plusieurs fois publié depuis le, mais il s'agit en fait d'un portrait de l'économiste et agronome James Anderson (1739-1808) réalisé par le graveur anglais (1773-1857), conservé au musée national d’Écosse et publié dans le de  Un autre portrait d'un révérend James Anderson fait partie des collections de gravure de la bibliothèque nationale du Pays de Galles et prête également à confusion. Il s'agit dans ce cas d'une gravure établit par (1769-1850) en 1827 de James Anderson Dumblane, presbytérien et auteur de plusieurs ouvrages sur la société féminine écossaise qu'il publie en 1862.

Ouvrages.

Il fut mandaté par la grande loge en pour écrire une histoire de la franc-maçonnerie qui fut publiée en 1723 sous le nom de "The Constitutions of the Free-Masons". Le nom d'Anderson n'apparaît pas dans la page de garde, mais est mentionné en appendice.  Ces furent éditées et réimprimées par Benjamin Franklin à Philadelphie en 1734.  Une seconde édition, notablement augmentée, fut publiée en 1738. Elle fut traduite en plusieurs langues dont le néerlandais (1746), l'allemand (1741) et le français (1745).  Parmi ses autres ouvrages publiés, on note :

James Anderson né vers 1678 à Aberdeen et mort le à Londres est un pasteur presbytérien qui joue un rôle important dans la naissance de la franc-maçonnerie moderne, dite, en particulier par sa contribution à l'ouvrage connu sous le nom de Constitutions d'Anderson qui sert de base à la création de première la obédience au monde, la Première Grande Loge d'Angleterre.


En commande de procédé.

) est représenté avec un point à l'endroit du branchement.

En génie chimique.

Un schéma bloc décrit un procédé ou une unité de fabrication en utilisant des cadres rectangulaires incluant des données clefs et en indiquant les relations ou les flux reliant les différents cadres.  Un cadre peut représenter différents types d'installation ou d'étapes:  Les lignes reliant les cadres peuvent représenter des flux massiques ou énergétiques.  Les informations minimales pour un schéma-bloc sont les suivantes:  D'autres informations peuvent être ajoutées:  Le schéma-bloc est d'ordinaire utilisé pour donner un aperçu d'un procédé complexe ou pour effectuer des bilans massiques simples fournissant des indications générales sur la consommation ou la production de produits et d'énergies. Un schéma plus détaillé sera classé dans la catégorie des schémas de procédés.

En fiabilité.

En fiabilité, le schéma fonctionnel permet de représenter les systèmes complexes, c'est-à-dire ayant plusieurs possibilités de défaillance. Dans ce domaine, on utilise souvent le synonyme « bloc-diagramme de fiabilité », y compris dans le texte des normes françaises.  Les blocs peuvent être des fonctions, sous-systèmes ou composants, selon le niveau de détail souhaité ; par simplicité, nous utilisons ici le terme « composant ». Des blocs en parallèles représentent des redondances. C'est donc un outil très utilisé pour l'analyse des systèmes robustes. Le système est considéré comme fonctionnel s'il existe un cheminement du point d'entrée E vers le point de sortie S passant par des blocs en fonctionnement. Si les pannes des composants empêchent le cheminement, alors le système est défaillant.  On peut utiliser les schémas fonctionnels de deux manières :  Il s'agit bien sûr d'une hypothèse simplificatrice : dans un circuit électronique, la défaillance d'un composant peut créer une surtension qui en endommagerait d'autres, et en mécanique, le mauvais fonctionnement d'une pièce peut fausser tout le mécanisme.

Association en série.

Considérons un système formé de deux composants. Si les blocs sont en série, cela signifie que la défaillance de seulement un des composants suffit à provoquer la défaillance du système entier.  Les composants peuvent être effectivement en série ; par exemple, dans un circuit électrique formé d'une pile (générateur) et d'une ampoule, les éléments sont en série, et les blocs également (il suffit que le générateur "ou" la lampe soit défaillant pour que le système ne produise pas de lumière).  Mais les composants peuvent aussi être géométriquement en parallèle. Par exemple, un circuit RLC bouchon est en parallèle, mais la défaillance d'un seul composant modifie son fonctionnement, il ne peut donc plus remplir son rôle.  Ou encore, considérons un système mécanique faisant faire un mouvement d'aller-retour en ligne droite. La fonction « effectuer un aller-retour » est décomposé en : les deux pièces peuvent être mises en parallèle, pour autant, la défaillance d'un des deux composants suffit à mettre le système en panne, les blocs sont donc en série.  D'un point de vue qualitatif, l'association en série correspond au et logique. On peut dresser une « table de fonctionnement » (similaire à une table de vérité), un « 1 » indiquant le fonctionnement et un « 0 » une défaillance :  D'un point de vue quantitatif, si le premier composant a une loi de survie R("t") et le second une loi R("t"), alors la loi de survie globale du système est :  Si la fiabilité des composants suit une loi exponentielle (cas typique des composants électroniques) de paramètre respectif λ et λ, alors le système suit une loi exponentielle de paramètre Le temps moyen de fonctionnement avant panne (MTTF) vaut :

Association en parallèle.

Dans le cas d'une association parallèle, il faut que les deux composants soient défaillants pour provoquer la défaillance du système. Cela correspond à une redondance des matériels ; ceci est très utilisé dans l'aéronautique (doublement ou multiplication des circuits hydrauliques ou électriques), dans les systèmes d'alarme, dans la (par exemple redondance des disques durs).  D'un point de vue qualitatif, l'association en parallèle correspond à un ou logique.  D'un point de vue quantitatif, si le premier composant a une loi de défaillance F("t") et le second une loi F("t"), alors la loi de survie globale du système est : soit, avec les lois de survie : ou encore  Si l'on suppose que les systèmes redondants sont identiques, c'est-à-dire qu'ils ont la même probabilité de défaillance, alors F = F = F, R = R = R et Si l'on a "n" systèmes redondants en parallèle, alors

Systèmes série et parallèle.

On peut avoir des systèmes ayant des composants en série et d'autres en parallèle. Par exemple, on a un moteur (repère 1) qui actionne deux pompes (rep. 2 et 3) : Dans l'exemple ci-contre, la table de fonctionnement est :  Pour un calcul quantitatif, la partie en parallèle peut être remplacée par un composant global 2' dont la fiabilité est déterminée comme ci-dessus : et donc

Systèmes quelconques (non-série et parallèle).

De nombreux systèmes sont plus complexes, et donnent lieu à des diagrammes non-série et parallèle. Considérons par exemple le cas d'une alarme d'incendie, composée de : En fonctionnement normal, les capteurs envoient le signal à la centrale qui active les deux avertisseurs : un seul détecteur déclenche les deux avertisseurs. Mais en cas de défaillance de la centrale, on prévoit aussi qu'un capteur active directement l'avertisseur le plus proche ; ainsi, la fumée étant mobile, on a au pire un retard dans le déclenchement d'un signal d'alerte. Le système est considéré comme défaillant si aucun avertisseur ne s'active en présence de fumée.  Finalement, le système est défaillant si : dans tous les autres cas, il existe un cheminement de l'entrée E à la sortie S.  La table de fonctionnement est fastidieuse à construire (2 = 32 cas).  Pour faciliter l'analyse quantitative du système, on utilise la technique du conditionnement sur l'état d'un composant : on a alors  Dans le cas 1, on a deux circuits en parallèle 1' = {1 ; 2} et 2' = {3 ; 4} qui sont en série, soit Dans le cas deux, on a deux circuits série 1" = {1 ; 4} et 2" = {2 ; 5} qui sont en parallèle, soit

Annexes.

Liens externes.

Fiches pédagogiques de l'Institut de Maîtrise des Risques : Fiche Bloc diagramme de fiabilité (http://www.imdr.eu/upload/client/Fiches_methodes_FR2014.pdf)

Le schéma fonctionnel, appelé aussi schéma-bloc, schéma de principe ou en anglais block diagram, est la représentation graphique simplifiée d'un procédé relativement complexe impliquant plusieurs unités ou étapes. Il est composé de "blocs" connectés par des "lignes d'action". Il est utilisé principalement en automatique, en traitement du signal, en génie chimique et en fiabilité.