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Géographie.

Bechyně est située au confluent des rivières Lužnice et Smutná, à au sud-ouest de Tábor, à au nord de České Budějovice et à au sud de Prague.  La commune est limitée par Radětice, Haškovcova Lhota et Dobronice u Bechyně au nord, par Černýšovice et Sudoměřice u Bechyně à l'est, par Hodonice et Týn nad Vltavou au sud, et par Chrášťany (district de České Budějovice) et Dražíč à l'ouest.

Histoire.

La première mention écrite de la localité date de 1167.

Patrimoine.

Elle est célèbre pour ses céramiques, tradition qui date ici du. Son cœur historique est l'un des mieux préservés et des plus précieux de la République tchèque.  La ville est le terminus de la ligne de chemin de fer de Tábor, construite en 1903. Elle était le premier chemin de fer électrifié dans l'Empire austro-hongrois. Les wagons d'origine sont conservés et remis en service tous les étés.  Le château a été construit au par le roi Přemysl Ottokar II de Bohême. Il ne reste presque plus rien aujourd'hui de l'édifice primitif. Une reconstruction de la fin du et des rénovations ultérieures, dans les années 1670, forment le site actuel.  Bechyně était autrefois le chef-lieu du district de Tábor.

Légende de la grand-mère de Zářečí, quartier en bas de la ville.

Le propriétaire du château de Bechyně voulait un mur solide pour protéger son château. Il appela le diable qui lui promit de le construire en une nuit. "En échange, je veux l'âme de tes sujets", exigea-t-il. Il en fut ainsi convenu.  Satan voulant empêcher que les coqs chantent à la fin de la nuit, les fit tous attraper et disparaître. Mais la grand’mère de Zářečí parvint à cacher le sien!  Le diable continuait de travailler et le mur infernal grossissait, quand un "Cocorico" résonna juste avant le lever du jour! Le mur restant inachevé, Le diable disparut.  Les habitants de Zářečí furent épargnés.

Bechyně [bɛxɪɲɛ] (en ou ; en ) est une ville du district de Tábor, dans la région de Bohême-du-Sud, en République tchèque. Sa population s'élevait à habitants en 2017.


Origine et premières études.

Né en 1632, il est le cinquième enfant d'Estienne Mabillon, un paysan décédé le, âgé de 104 ans, et de sa femme, Jeanne Guérin. Le village de Saint-Pierremont, où il est né, est situé aux confins de l'Argonne ardennaise, sur une petite élévation. Il est à quelques kilomètres de la forêt de Belval et de l'abbaye de même nom, traversé par un ruisseau qui se jette dans la Bar. Cette famille de laboureurs habite dans une modeste maison à quelques pas de l'église. Jean Mabillon montre clairement, dans l'école du village, des capacités intellectuelles qui justifient de poursuivre d'autres études en d'autres lieux, ces petites écoles de village n'ayant d'autres ambitions que d'apprendre à lire, à écrire et à compter sommairement.  À l'âge de neuf ans, on l'envoie chez son oncle, Jean Mabillon, alors prêtre de paroisse à Neuville-Day, qui lui enseigne de façon correcte les « rudiments » et lui procure les ressources nécessaires pour lui permettre de continuer ses études. Grâce à ce dernier, il entre en 1644 au collège des Bons Enfants à Reims, collège et université. Il est pensionné moitié comme élève, moitié comme domestique, dans la maison du chanoine de la cathédrale et abbé commendataire qui surveille ses progrès avec intérêt.  En 1650, ce chanoine le fait entrer au séminaire diocésain, où il reste trois ans. Mais en 1653, il quitte le séminaire, pour rejoindre la congrégation de Saint-Maur, à l'abbaye Saint-Remi de Reims. Cette évolution dans sa vocation religieuse s'explique, selon certains auteurs, par sa déception devant la conduite et le parcours de son oncle, prêtre séculier auprès de qui il a vécu en Ardennes avant que ce dernier ne soit nommé à Condé-sur-Marne, et, pour d'autres, par l'exemple des moines de l'abbaye Saint-Remi, et tout particulièrement des novices dont il admirait la ferveur. Le de cette année 1653, il est admis au nombre des postulants, et n'a pas vingt et un ans lorsqu'il promet obéissance, persévérance et conduite morale. Le, il revêt l'habit de saint Benoît dans la congrégation de Saint-Maur.

Une vie de bénédictin.

De santé fragile, il doit renoncer à l'éducation des novices qui lui a été confiée. À partir de 1656, il est successivement envoyé à l'abbaye de Nogent-sous-Coucy, puis à Corbie. Même si des emplois à des tâches plus temporelles lui sont affectés, il s'adonne également à l'étude des « Antiquités », c'est-à-dire des documents anciens. Il commence à élaborer progressivement les règles d'une méthode critique de l'usage des documents, en s'intéressant à la démarche historique d'un de ses illustres prédécesseurs à l'abbaye de Nogent-sous-Coucy, Guibert de Nogent.  Après un séjour comme trésorier à l'abbaye de Saint-Denis, en 1663 et 1664, rapidement remarqué par les membres de son ordre en raison de ses capacités, il est envoyé à Saint-Germain-des-Prés, en juillet 1664. Il a trente-et-un ans.  Il y rejoint un cercle d'érudits formés autour du bibliothécaire de l'abbaye, Luc d'Achery, auquel il est appelé à succéder. Il commence alors à assister ce dernier dans la collecte de documents en vue de la rédaction des "Actes de l'Ordre de Saint-Benoît" ("Acta Ordinis Sancti Benedicti") : sa contribution se révèle tellement déterminante dans l'œuvre issue de ce projet, dont le premier volume paraît en 1703, qu'elle lui est attribuée en définitive. Il reprend également les travaux, qu'il porte à bonne fin, sur une édition des "Œuvres de Saint-Bernard", entreprise par Dom Claude Chantelou. Bientôt, des associés lui sont adressés, qui deviennent des amis, notamment Claude Estiennot de la Serrée, Michel Germain et Thierry Ruinart. Ce dernier est originaire comme lui de la province de Champagne.  L'érudition dont il fait preuve dans ses œuvres, et la fiabilité de son interprétation des sources documentaires sont remarquées rapidement par ses contemporains qui accordent de plus en plus d'attention et de crédit à ses écrits. Chacune de ses publications est autorisée voire suscitée par sa hiérarchie au sein de l'abbaye et de la congrégation de Saint-Maur, dont il est devenu l'une des voix. Il intervient ainsi sur des controverses en cours, en particulier sur l'identification de l'auteur de "L'Imitation de Jésus-Christ", ainsi que l'usage du pain azyme pour l'Eucharistie. Sur ce dernier sujet, il répond initialement à une publication de Jacques Sirmond, mais s'aperçoit que cet écrit contredit également un traité récent du cardinal Bona, qu'il connaît bien et avec qui il est en contact très régulièrement. Il s'excuse auprès de ce dernier, de façon très courtoise, d'être publiquement rentré en controverse mais maintient fermement, dans un traité définitif, son analyse.  En 1681, il publie le traité "De re diplomatica", qu'il rédige à la demande de ses supérieurs en réponse à la mise en question de l'authenticité de certaines chartes de l'abbaye de Saint-Denis par un jésuite, le bollandiste Daniel van Papenbroeck. Il y propose des outils permettant d'authentifier un document et de le dater. Le retentissement de cette œuvre vaut à Jean Mabillon, à quarante-neuf ans, d'apparaître comme le fondateur d'une nouvelle science, « la diplomatique », l'analyse critique des documents et chartes, dont l'intérêt est unanimement reconnu.  La préface de l’œuvre, écrite par Jean Mabillon, est significative de la sérénité et de la modération qu'il s'impose :. Daniel van Papenbroeck, son contradicteur, lui répond notamment, dans une lettre qui fait honneur à son auteur :.  Devenu le protégé de Colbert, Champenois comme lui, il effectue pour ce dernier deux voyages – en Bourgogne (1682), puis en Suisse et en Allemagne (1683) – afin de collecter et d'authentifier des documents sur l'histoire de la couronne, puis sur celle de l'Église en France.. L'archevêque de Reims, Charles-Maurice Le Tellier, devient également un grand admirateur de Mabillon et fait en sorte qu'en 1685, le roi confie à ce dernier la tâche de visiter les principales bibliothèques d'Italie afin d'acquérir des livres et des manuscrits pour la Bibliothèque royale. Il accomplit cette mission avec l'aide et la compagnie de son ami et ancien collaborateur Dom Claude Estiennot de la Serrée, devenu procureur de la Congrégation de Saint-Maur près le Saint-Siège, avec lequel il a continué à entretenir une correspondance riche et assidue. Durant ce séjour, les hôtes italiens ne perçoivent pas autrement les moines bénédictins commandés par Mabillon que comme un.  Son travail sans concession pour développer la critique historique, sa connaissance de la tradition monastique et son audience, le désignent naturellement lorsqu'il s'agit pour la congrégation de Saint-Maur de réagir à la controverse ouverte par l'abbé de La Trappe, Rancé, dans trois ouvrages successifs, sur la place que doivent tenir les études par rapport au travail manuel dans la vie monastique. Rancé remet en valeur le silence et le travail manuel, si possible pénible, et nie l'intérêt des études scientifiques dans un monastère. Mabillon répond à ce dernier par un "Traité des études monastiques" (1691). Ce traité est bien accueilli par une partie des érudits, savants et scientifiques, religieux ou non. Pierre-Daniel Huet lui écrit ainsi :. Mais les thèses de Rancé conservent un certain succès auprès d'une autre partie de la communauté religieuse, ainsi qu'au sein de la noblesse et de la Cour. L'abbé de La Trappe écrit une réponse au traité, qui provoque de la part de Jean Mabillon la publication des "Réflexions sur la Réponse de M. l'abbé de la Trappe au traité des Études monastiques", où il se garde bien d'adopter un ton polémique. En définitive, Jean Mabillon reçoit l'appui du roi qui déclare à son propos le considérer comme, ce qui incite Rancé à clore l'échange, d'autant que son contradicteur prend soin de lui rendre visite, avec la cordialité requise.  En 1694, ayant été conduit à s'intéresser au sort d'un religieux condamné à la prison, il écrit un mémoire sur les conditions de détention dans les geôles réservées à cet effet, "Réflexions sur les prisons des ordres religieux", plaidant pour un traitement plus humain. L'ouvrage reste au sein de la communauté de l'abbaye de Saint-Germain, sans que la hiérarchie n'ose ni le faire connaître ni le détruire. Thierry Ruinart ne le cite pas. Il n'est publié que bien plus tard, dans les "Œuvres posthumes". En 1698, Jean Mabillon proteste en vain dans une lettre "" sous le pseudonyme d'« Eusebius Romanus » contre la vénération des reliques des saints anonymes dans les catacombes de Rome et le caractère douteux des canonisations opérées sur les corps ainsi extraits, ce qui lui vaut d'être convoqué pour s'expliquer et d'avoir à publier, en apparence de soumission, une défense de la Sainte Larme de Vendôme.  Finalement, en dépit des attaques qu'il subit, la réputation de Mabillon ressort intacte et, en 1701, il est nommé membre de l'Académie royale des Inscriptions et Médailles par le roi. En 1703, il publie le premier volume consacré à l'histoire de son ordre, les "Annales de l'Ordre de Saint-Benoît", qui lui vaut les louanges de Bossuet. Les autres volumes suivent et le cinquième sera publié après sa mort. D'ultimes controverses le décident également à apporter des précisions et des suppléments à son œuvre maîtresse, le "De re diplomatica". Il se consacre aussi à un ouvrage sur "La Mort chrétienne".  Il décède en 1707 à Saint-Germain-des-Prés. Les cendres de Mabillon, unies à celles de Descartes, ont été déposées dans une tombe scellée dans un mur de l'église Saint-Germain-des-Prés. À proximité, une rue de Paris porte son nom (ainsi que le restaurant universitaire qui s'y trouve), à titre d'hommage. Une station de métro en 1925, et une rue de Reims ont également été nommées en son honneur.

Les principaux apports.

Une méthode d'analyse des documents et des écritures.

Les travaux et recherches historiques des moines de l'abbaye de Saint-Germain-des-Prés sont indissociables de leur appartenance à la congrégation de Saint-Maur. Depuis le concile de Trente, les bénédictins s’efforcent de respecter de façon plus stricte leur règle. Pour mener à bien cette réforme, le besoin se fait sentir, en 1621, d'ériger une congrégation nouvelle propre au royaume de France qui adopte le nom du premier disciple de saint Benoît. Le développement des mauristes est tel qu’en 1707, moins d'un siècle plus tard, ils comptent environ, avec une forte implantation dans des provinces ecclésiastiques importantes telles que Reims et Paris.  Ce retour à la pureté initiale de la règle, souhaitée par cette congrégation, comporte une dimension historique : reconstituer l'histoire de l'ordre religieux et la vie de ses saints, mieux connaître les auteurs monastiques Sincèrement attaché à son ordre, attiré par les travaux historiques, Mabillon a également les aptitudes requises pour de telles recherches. C'est pour ces raisons qu'il est envoyé en 1664 à Saint-Germain-des-Prés comme adjoint au bibliothécaire de cette abbaye, dom Luc d’Achery. Il prône à partir de cet instant la recherche de la vérité historique dans le domaine des études religieuses.  L’ouvrage le plus connu de Mabillon, le "De re diplomatica", publié en 1681, est une étape majeure dans l'élaboration d'une méthode d'analyse historique des documents qui peuvent ou non servir de référence. Dans cet ouvrage, Mabillon donne les règles qui permettent d’établir la date, la provenance, la nature et l’authenticité d'un document écrit, charte officielle ou autre ; il en analyse le style ; il propose d'en repérer les transcriptions successives, d'identifier les institutions qui le créent puis le diffusent, de s'intéresser au support de l’écrit, le papier, parchemin ou papyrus, mais aussi à l’écriture elle-même, à la signature, et au sceau clôturant le support. Les aspects méthodologiques, qu'il a forgés, sont apparus ensuite transposables à toute enquête historique ou scientifique s'appuyant sur des sources écrites.  Cette méthode est enseignée à l’École des chartes dès sa création, avec la volonté d'inculquer aux élèves des réflexes critiques face à toute affirmation. Deux siècles plus tard, le jugement de Marc Bloch sur cet apport méthodologique est sans équivoque :.  L’ouvrage de Mabillon, "De re diplomatica", instaure également une approche rigoureuse de la paléographie, autre science auxiliaire de l'histoire. Aux catégories d'écritures relativement arbitraires qui existaient précédemment, le bénédictin substitue des groupements chronologiques et géographiques, fondés sur des données historiques fiables. Ses successeurs en cette matière parmi les mauristes, René Prosper Tassin et Charles-François Toustain, écrivent quelques décennies plus tard :.  Pourtant, malgré cette rigueur et son souci de vérité, Jean Mabillon commet des erreurs. C'est le cas sur la controverse concernant l'auteur de "L'Imitation de Jésus-Christ", une question qui reste ouverte au début du. L'hypothèse considérée aujourd'hui comme la plus probable attribue l’œuvre à un moine allemand, Thomas a Kempis, contrairement à la position appuyée par Jean Mabillon sur la base d'un manuscrit qui semblait antérieur à Thomas a Kempis mais dont la date était difficilement vérifiable.  L'autre affaire sur laquelle son expertise a été critiquée porte sur sa participation à l'analyse de la généalogie de la maison d'Auvergne, sujet d'autant plus délicat qu'il touche Emmanuel Théodose de La Tour d'Auvergne, cardinal de Bouillon, fâché avec le roi Louis XIV, conférant à cette affaire de filiation une dimension politique.

Un nouvel élan apporté à l'étude des Pères de l’Église.

Jean Mabillon a été appelé à l'abbaye de Saint-Germain des Prés par le bibliothécaire Luc d'Achery pour le seconder dans l'étude de la vie et l’œuvre des Pères de l'Église et de ses saints, et dans l'histoire de l'ordre des Bénédictins. Il consacre à ces thèmes une grande partie de sa vie et insuffle une nouvelle dynamique à ces études historiques, tout en s'inscrivant dans un mouvement de recherche plus large.  Ses premiers travaux sont consacrés à l'édition des œuvres de Bernard de Clairvaux, entreprise par un autre bénédictin, Dom Chapelou, décédé en. L'accueil de ce travail, en 1667, six tomes en neuf volumes in-8°, l'encourage. La publication est portée à l'attention du pape Alexandre VII.  Il lui est demandé ensuite de se consacrer à l’"Édition des Actes des saints de l'ordre". Il se donne à cet ouvrage durant trois décennies, le résultat étant publié au fil des années, en neuf volumes, chaque volume correspondant à un siècle à compter de la fondation de l'ordre au. Ces publications recueillent beaucoup d'intérêt. Mais une polémique, émaillée d'une suite de pamphlets et de réponses, est déclenchée dès la première publication, en 1668, par deux autres moines bénédictins, Dom Philippe Bastide et Dom Antoine-Joseph Mège. Elle dure une dizaine d'années et prend de l'ampleur jusqu'au volume correspondant au bénédictin. Les deux moines contestent la remise en cause de quelques énoncés traditionnels associés à l'histoire de l'ordre, et de quelques saints qui, après vérification par Jean Mabillon des sources disponibles, ne sont pas, pour lui, des bénédictins. Ils attaquent aussi les raisons invoquées pour expliquer le relâchement de l'ordre, sujet délicat ayant abouti à la nécessité de réformes. Ces moines zélés ne demandent pas moins que la rétractation de Jean Mabillon, que lui soit imposée l'interdiction d'écrire et qu'il soit également interdit d'imprimer les ouvrages déjà diffusés. Pour clore la controverse, les supérieurs de la congrégation adressent l'ultime factum des adversaires de Jean Mabillon à celui-ci, lui demandant une ultime réponse ("Réponse aux remarques que le R.P. Bastide a faites sur la préface du quatrième siècle bénédictin"), et soumettent l'ensemble à d'éminents prieurs de la congrégation. En, ceux-ci se prononcent unanimement en faveur de Mabillon, faisant ainsi le choix de la sincérité historique. Ce n'est plus la tradition qui est le garant de l'authenticité, mais l'authenticité des sources qui fait autorité.  Parmi les défenses rédigées durant cette controverse, l'ouvrage de Mabillon intitulé "Brèves réflexions sur quelques Règles de l'histoire", resté à l'état de manuscrit, n'est jamais publié de son vivant. L'auteur, sortant de la mission qui lui a été confiée par sa congrégation, rentre dans le domaine de l'épistémologie de l'histoire.  Les autres publications historiques de Jean Mabillon sont plus conformes au rôle qui lui était dévolu, telles les "Analectes anciens", publiés en quatre volumes de 1675 à 1685, l'ouvrage sur "la liturgie française" en 1685, et la préface des "œuvres de Saint-Augustin" en 1701. Dans cette dernière préface, il s'emploie à disculper la congrégation de Saint-Maur des soupçons de jansénisme distillés, semble-t-il, par des jésuites. Puis dans les dernières années avant son décès, la documentation accumulée est utilisée pour écrire les "Annales de l'Ordre de Saint-Benoît".

Citoyen de la République des Lettres.

La "respublica literaria" (l'expression apparaît pour la première fois en 1417 dans la correspondance de l’humaniste florentin Poggio Bracciolini) est cette communauté, émergeant au moment de la Renaissance, rassemblant de façon virtuelle des savants et intellectuels italiens, français, flamands, anglais, allemands, transcendant les frontières, les différences religieuses, les appartenances sociales et les professions. Ces érudits échangent par des correspondances et des rencontres. Le but de ces échanges est de transmettre les savoirs et de réunir les ouvrages essentiels dans les bibliothèques européennes.  Jean Mabillon entreprend de fréquents voyages pour accéder aux chartes, diplômes et ouvrages, et pour rencontrer des correspondants. Avec Luc d'Achery, ils avaient à plusieurs reprises encouragé les correspondants de l'abbaye de Saint-Germain-des-Prés dans les différentes contrées européennes à leur transmettre des copies en leur faisant connaître leurs recherches et les ouvrages en préparation.  En 1672, choisi spécifiquement par la congrégation de Saint-Maur, il part, à pied, pour les Flandres, destination qu'il reprend en 1679. Puis il se rend en Lorraine en 1680, pour consulter des archives nécessaires à son ouvrage "De re diplomatica". En 1682, c'est la Bourgogne, déplacement commandité par le ministre Jean-Baptiste Colbert, pour retrouver des pièces intéressant la maison royale. Il consacre cinq jours à l'abbaye de Cluny, et le compte-rendu de cette visite montre que, s'il n'oublie pas la commande du ministre, il s'intéresse aussi à l'institution religieuse et à son fonctionnement. En 1683, c'est la Suisse et l'Allemagne, déplacement toujours commandité par Colbert. Puis l'Italie en 1685 et 1686, sur proposition de l'archevêque de Reims, Charles-Maurice Le Tellier, pour compléter la bibliothèque du roi. Ce voyage, qui dure plus d'un an, le fait passer notamment à Milan, Venise, Rome, Naples, le mont Cassin, Florence, Gênes, visitant les chartriers et les bibliothèques, pour ses recherches sur l'histoire religieuse et sur l'histoire politique. Il recense les sources existantes, et achète pour la bibliothèque royale quelque. Ses derniers voyages le conduisent en Lorraine, à nouveau, en 1696, en Alsace, en Touraine et Anjou en 1698, en Champagne en 1699 puis en Normandie en 1700, déplacement commandité cette fois par l'ordre des Bénédictins. Chaque fois que le trajet le permet et passe à proximité des frontières de la Champagne, il réapparaît également à Saint-Pierremont, son village natal, en Ardennes. C'est le cas lors du dernier voyage, en 1703, qui le mène à Reims.  Mabillon multiplie également les échanges épistolaires. Il écrit pour organiser ses voyages, il écrit pour faire suite à ses voyages, il écrit pour connaître et faire connaître les publications récentes, il écrit pour maintenir des contacts amicaux, par exemple avec les représentants de la congrégation à Rome, qui sont souvent d'anciens moines de l'abbaye de Saint-Germain-des-Prés. Cette correspondance, reconstituée partiellement, comprend plusieurs milliers de lettres. Il diffuse également des documents vers ses correspondants, et un Pierre-François Chifflet, par exemple, à Dijon, est très heureux d'être en contact avec un Luc d'Achery ou un Jean Mabillon : l'abbaye de Saint-Germain sert, de fait, de centre de diffusion et de point focal aux chercheurs provinciaux.  Et, pour rendre compte de l'activité de Jean Mabillon et des différents cercles lui permettant d’échanger des connaissances et des idées, faut-il encore citer les conférences de l'abbaye ou les réunions plus privées et quasiment hebdomadaires, pendant près d'un quart de siècle, avec des historiens tels que Jean-Baptiste Cotelier et Charles du Fresne, sieur du Cange.

Principales œuvres.

Principales œuvres posthumes.  Différents recueils de correspondance ont également été publiés, dont :

Voir aussi.

Bibliographie.

Figurent dans la bibliographie ci-dessous les ouvrages, articles et documents ayant servi à la rédaction de l'article.

Jean Mabillon est un religieux et un historien français, né le à Saint-Pierremont, alors en Champagne, et mort le à Saint-Germain-des-Prés.


Histoire.

La bibliothèque a été fondée par le roi Frédéric III, qui en nomme le premier bibliothécaire le. Ce roi acquiert trois importantes bibliothèques privées qui sont réunies à la sienne propre pour former le noyau des collections de la bibliothèque royale. Ce fonds est installé en 1673 dans un bâtiment propre (les actuelles Archives nationales) et le dépôt légal est institué en 1697. Le public est admis depuis 1793.  Cependant, avant que soit créée la bibliothèque nationale, existait déjà la bibliothèque universitaire, fondée en 1482. Celle-ci est partagée en 1938 entre le "premier département" et le "second département", dévolu à la médecine et à la biologie. En 1989, ce second département a été intégré à la bibliothèque royale.

La bibliothèque aujourd'hui.

La bibliothèque royale se situe sur quatre sites : La bibliothèque royale possède une collection d'environ livres et manuscrits.  Parmi ses collections se trouvent : les manuscrits et correspondances de Hans Christian Andersen, les archives du philosophe Søren Kierkegaard ou encore la Bible de Hambourg (). Tous sont inscrits au registre international Mémoire du monde de l'Unesco.

Le « diamant noir ».

Le nouveau bâtiment, contigu au premier, conçu par les architectes Schmidt Hammer Lassen, ouvre en 1999. On l'appelle couramment « le diamant noir » ("Den sorte diamant"), en raison des dalles de marbre noir et du verre fumé qui en forme l'enveloppe extérieure.  La surface du bâtiment tout entier est recouverte de granite noir du Zimbabwe, taillé au Portugal et lissé en Italie. Il recouvre cet imposant polygone d'un noir qui change de couleur au gré de la météo et du moment de la journée. Les blocs de granite de 75 kg chacun s'étalent sur une surface totale de 2500 mètres carrés. Quant à l'immense baie vitrée qui coupe le « diamant » en deux, elle est constituée de vitres produites uniquement en Allemagne. Chacune d'elles mesure 6 mètres de haut et 2.4m de large.  Au centre de l'édifice, un immense atrium de 8 étages de hauteur fait office d'entrée et de puits de lumière pour tout l'édifice. À l'inverse de l'extérieur, l'intérieur de cet atrium est entièrement blanc. Il possède des balcons à chaque étage, qui forment des vagues se répondant de chaque côté de l'espace. Les escalators permettant d'accéder à toutes les parties du bâtiment traversent l'atrium dans toute sa largeur, tandis que des passerelles coupent l'espace en plusieurs endroits.  Cette extension de la bibliothèque royale est séparée de la construction originale par une rue relativement passante. Trois couloirs connectent cependant les deux parties du bâtiment, au-dessus de la chaussée. Deux sont situés en hauteur et sont réservés au personnel, tandis que le plus grand est placé dans le prolongement de l'atrium. On y trouve une gigantesque peinture au plafond, signée Per Kirkeby.  Le "diamant noir" n'en oublie pas pour autant sa fonction principale de bâtiment public. S'il contient 450 pièces, fermées à l'aide de 800 portes sécurisées, il n'en recèle pas moins de vastes salles de lectures où tout un chacun peut venir s'attabler et consulter les nombreux ouvrages disponibles dans cette bibliothèque nationale. De plus, l'établissement propose une connexion internet Wi-Fi gratuite, d'où l'énorme affluence d'étudiants même le weekend.  D'un point de vue technologique, le "diamant noir" propose des ordinateurs et des bornes de consultation des collections un peu partout dans l'atrium et les couloirs. D'ailleurs, vous n'y verrez pas un seul livre, puisque presque toute la collection est numérisée. Pour obtenir un exemplaire papier, il faudra en faire la demande et on vous l'apportera dans les meilleurs délais. Avec ses 2.5 millions d'ouvrages, il devrait y avoir de quoi vous satisfaire, d'autant plus que cette bibliothèque, la plus importante de toute la Scandinavie, possède également une impressionnante collection de dizaines de milliers de manuscrits, de journaux, de photographies, de cartes ou de portraits  Le rez-de-chaussée du "diamant noir" ressemblerait presque à un centre commercial dans le sens où il dispose de son propre café, le Øeiblikket, et un restaurant assez cher : le Søren. Au sous-sol, on trouve des expositions temporaires régulièrement mises à jour, ainsi qu'une salle de concert disposant de son propre orchestre de réputation internationale.

Vol de livres.

Entre 1968 et 1978, plus de livres anciens (pour une valeur dépassant les 50 millions de dollars) ont été dérobés à la bibliothèque. Le vol est découvert en 1975 mais ce n'est qu'en 2003 que l'affaire est résolue : après la mort du voleur, Frede Møller-Kristensen, sa famille continue à vendre les livres volés mais avec moins de précaution. Un des livres disparus est signalé en vente chez Christie's à Londres : la police trouve ouvrages rares dans la maison du voleur. En, trois membres de sa famille et un ami sont condamnés à des peines allant de 18 mois à 3 ans de prison ; l'ami est acquitté en appel. Un autre membre de la famille est à son tour condamné en.

La Bibliothèque royale (en danois "Det Kongelige Bibliotek") est la bibliothèque nationale du Danemark et une des plus grandes bibliothèques de Scandinavie. Elle est située à Copenhague.


Historique.

La publication préoriginale du roman a lieu dans "Le Journal" du au. Il est ensuite repris en volume chez Hetzel. L'édition in-18° de "L'Agence Thompson and Co" (1908) ne précède pas celle in-8° (1907).

Résumé.

À Londres, Robert Morgand, jeune aristocrate français actuellement dans le plus grand dénuement, s’engage comme interprète-cicérone sur le "Seamew", un navire affrété par l’Agence Thompson qui propose à une soixantaine de touristes alléchés par des prix dérisoirement bas une croisière qui doit les conduire aux Açores, à Madère et aux Canaries.  Dès l’arrivée aux Açores, le manque d’organisation et de préparation de Thompson, l’administrateur de la croisière qui accompagne lui-même les passagers, est flagrant, bien que Robert fasse de son mieux pour pallier l’incurie de son patron. Au fil des jours et des escales, la croisière vire au cauchemar. Les passagers, hauts en couleur pour la plupart, le vivent différemment selon leur caractère. L’un des passagers, Van Piperboom – de Rotterdam – ne parle que le hollandais, langue que personne d’autre que lui ne parle à bord. Le commandant du Seamew, le capitaine Pip, se confie régulièrement à son chien, Artimon. On trouve aussi parmi eux un épicier jovial et sa famille, un alcoolique chronique, un suicidaire...  À l’intrigue principale – la croisière proprement dite – viennent s’en ajouter d’autres : un vol est commis aux Açores, une idylle, compliquée par la situation financière de l’interprète, se noue entre Robert Morgand et Lindsay, une jeune veuve américaine, par ailleurs harcelée par son beau-frère, également présent sur le navire, qui en veut à sa fortune. L’un des passagers, Saunders – en réalité un concurrent malheureux de Thompson qui a pris un nom d’emprunt – passe tout le voyage à récriminer contre l’administrateur, notant soigneusement dans un petit carnet tous les griefs à son encontre dans l’intention de lui faire un retentissant procès une fois de retour à Londres.  Les petits désagréments du voyage cèdent soudain la place à une situation nettement plus critique lorsque, le retour vers Londres à peine commencé, la chaudière du "Seamew", en fin de vie comme le bateau lui-même, explose. Le capitaine Pip, qui a pris auprès des passagers la place de Thompson, complètement dépassé par la situation, réussit à conduire son navire jusqu’au Cap-Vert où il sombre à quelques mètres seulement d’un îlot désertique. Les passagers, tous sains et saufs, parviennent à rallier l’île de Sao-Thiago, dont ils découvrent trop tard qu’elle est en quarantaine à cause d’une fièvre pernicieuse. Ils parviennent toutefois à s’en échapper sur la "Santa Maria", un petit navire commandé par le capitaine Pip qui espère atteindre sans encombre un port espagnol ou portugais.  Malheureusement, le sort qui s’acharne sur les pauvres passagers se manifeste une nouvelle fois sous la forme d’un ouragan qui vient jeter le vaisseau sur le littoral africain, au beau milieu de la côte saharienne, à plusieurs centaines de kilomètres de Saint-Louis du Sénégal, qui est le port le plus proche. Le dénouement de cette expédition, auquel Robert Morgand va apporter une contribution importante, ne manque pas de romanesque et tous les participants de la croisière rentreront à Londres à une exception près.

L'Agence Thompson and Co est un roman de Michel Verne, publié à titre posthume sous le nom de son père Jules Verne en 1907.


Origine du nom.

Ces peintres sont appelés « les nazaréens » (de l'italien "i Nazareni"), en référence à Nazareth et donc à Jésus et aux premiers chrétiens, non pas par les tenants du groupe mais par des témoins et dans un sens péjoratif car les peintres en question prennent l'habitude de s'habiller et de se coiffer à la manière des personnages archétypaux bibliques représentés depuis la fin du Moyen Âge, notamment par les primitifs italiens.

Les fondateurs.

En 1809, six étudiants de l'Académie des beaux-arts de Vienne décident de fonder une sorte de corporation basée à Vienne et appelée "Lukasbund" (Confrérie de Saint-Luc), en référence à la fameuse guilde du même nom qui existait depuis le en Italie. En 1810, quatre d'entre eux, Johann Friedrich Overbeck, Franz Pforr, Ludwig Vogel et Johann Konrad Hottinger partent pour Rome dans le cadre du "Grand Tour", et s'installent dans le monastère abandonné de San Isidoro. Ils sont rejoints en 1810 par Philipp Veit, Peter von Cornelius, Julius Schnorr von Carolsfeld, Friedrich Wilhelm Schadow et quelques autres.

Histoire.

Ces élèves souhaitent ardemment un renouveau de la peinture allemande, qui vivait sous l'influence notable du romantisme germanique et du mouvement "Sturm und Drang", mais surtout du néoclassicisme. L'époque était agitée : outre l'impact des idées révolutionnaires française, la jeunesse subissaient l'influence de l"'Aufklärung" (« Les Lumières »), la sécularisation des biens ecclésiastiques, l'absolutisme et la monarchie constitutionnelle, tandis que le Saint-Empire romain agonissait aux alentours de 1806.  Ces six élèves, artistes à Vienne, définirent l'idéal nazaréen : le renouveau de l'art par la religion, en s'inspirant d'Albrecht Dürer et de Raphaël. De Vienne, ils partirent ensuite pour Rome. Le mouvement nazaréen allait ainsi devenir rapidement un mouvement collectif des régions catholiques du sud. Les peintres nazaréens, influencés à la fois par le catholicisme et le romantisme se donnèrent pour objectif de renouveler l'art religieux par l'étude des anciens maîtres italiens et allemands. Ainsi l'un des fondateurs du mouvement, Franz Pforr, déclara : Les artistes suivants effectuent un voyage en Italie fondateur d'un mouvement réclamant une évolution par rapport au néoclassicisme qui les lasse : Johann Friedrich Overbeck, Franz Pforr, Ludwig Vogel (Ludwig Vogel), Johann Konrad Hottinger (), dans le monastère abandonné de Saint-Isidore, à Rome. Les rejoignent Philipp Veit, Peter von Cornelius, Julius Schnorr von Carolsfeld, Friedrich Wilhelm Schadow (entre autres). Ils rencontrent le paysagiste romantique autrichien Joseph Anton Koch, qui deviendra le chef de file. Carl Joseph Begas s'inspire d'eux. En 1827, Joseph von Führich () se joint au mouvement.

L'académie des Beaux-Arts de Vienne.

Le mouvement artistique des nazaréens a débuté grâce à des élèves de l'académie des Beaux-Arts de Vienne. Cette académie avait une très bonne réputation dans toute l'Europe. Johann Friedrich Overbeck et Franz Pforr y ont commencé leur formation.  Le programme de l'académie, mis au point par Heinrich Friedrich Füger, était rigoureux, les aspects techniques l'emportant sur l'expression artistique. Des peintres comme Albrecht Dürer, Hans Helein, et Hans Baldung Grien étaient pris comme modèles.

La confrérie de Saint-Luc.

Certains des étudiants de l'académie pensaient qu'ils manquaient cruellement de formation dans le domaine de l'esprit, ce qu'ils considéraient comme essentiel : Pforr, qui s'inspire déjà des anciens peintres allemands, en qui il voyait l'expression des émotions, ce qui lui manque dans sa formation, se lie d'amitié avec Overbeck. Leur point commun : leur point de vue critique sur la formation de l'académie d'art de Vienne.  Le cercle d'amis s'élargit pendant l'été 1808 grâce à l'arrivée de Joseph Sutter, de Joseph Wintergarst, de Johen Kenrad Hotting, et de Ludwig Vogel. Les amis se réunissent pour parler de thèmes artistiques. Un an plus tard, quand les amis fêtent le premier anniversaire de leur rencontre, ils se sont baptisés en « confrérie de Saint-Luc ». Ils ont choisi saint Luc, comme les confréries anciennes de peintres depuis le Moyen Âge (cet évangéliste est le patron des peintres).  La confrérie de Saint-Luc est fort inspirée par le romantisme et les idées piétistes en vogue à l'époque. Ils ont bien sûr puisé dans les théories des romantiques allemands, comme William Henry Wackenroder, Friedrich Schlegel, Novalis et Ludwig Tieck.

La confrérie à Rome.

Franz Pforr, Overbeck, Vogel et Hottinger s'en vont pour Rome en 1810 et étudient là-bas leurs modèles italiens. Ils y ont alors occupé le monastère de San-Isidore vacant. Contrairement aux artistes qui ont précédemment fait le voyage, les Nazaréens ne cherchent pas la Rome de l'Antiquité, mais la Rome du Moyen Âge et la chrétienne.

« Nazaréen » qualifie un mouvement artistique formé au début du par un groupe d'artistes peintres originaires des pays germaniques : rattachés au romantisme, les nazaréens souhaitaient refonder et revitaliser l'art par la religion chrétienne, en ses valeurs spirituelles et morales.


Lutherie.

Le grand () et lourd corps du sarod est taillé dans un bois massif de teck coupé et évidé, puis recollé. Le manche est creux. La caisse de résonance hémisphérique est recouverte par une peau de chèvre collée. Un grand chevalet (sur pied) en os avec des trous et des sillets y repose, retenu à la base par deux cordelettes. La touche est recouverte par une plaque de métal lisse et brillante, large vers la table et étroite vers le chevillier. Il n'y a aucune frette ni ouïe, mais un résonateur ("tumbâ") amovible en bronze (ou en bois) est placé à l'arrière du manche.  Il y a deux sortes de sarod ; bien que de noms similaires, désignant des maîtres musiciens, ces instruments diffèrent par la manière dont ils sont encordés (il existe aussi des petites versions pour les enfants).  Cette version, la plus récente (fin ), a été élaborée par Allauddin Khan. Ce sarod a huit chevilles principales, dont quatre pour le jeu mélodique et quatre pour le jeu rythmique (sur un petit chevalet à part). Il a aussi deux cordes de "chikari", pour la rythmique rapide. Enfin il a quinze cordes sympathiques pour augmenter la résonance de l'instrument. Soit un total de 25 cordes métalliques (acier et bronze).  Cette version, la plus ancienne () et la plus proche du rabâb afghan, fut inventée et transmise par Ghulam Ali Khan à son petit-fils Haafiz Ali Khan. Ce sarod n'a que six chevilles principales, dont quatre de jeu, plus les "chikari" et onze cordes sympathiques, soit un total de 19 cordes. L'instrument légèrement moins long et moins lourd, sans résonateur arrière.

Jeu.

Le sarod se joue avec un petit plectre taillé dans une noix de coco, le "javâ", tenu entre le pouce et l'index droits. Le musicien est assis en tailleur par terre (parfois il croise la jambe droite sur le genou gauche), l'instrument reposant sur la cuisse droite, le manche horizontal, dirigé vers la gauche.  Les cordes de jeu sont typiquement accordées : SA-PA-SA-MA (DO-SOL-DO-FA), les "chikaris" étant à l'octave et les sympathiques accordées selon le râgâ.  On joue tous les râgâs sur le sarod, en déclinant "âlâp", "jhor" et "jhâlâ", puis les "gats" accompagnées aux tablâ ou au pakhawaj. C'est un instrument éminemment complexe du fait de son absence de frette (risque de fausse note) d'une part, et d'autre part du fait que les cordes huilées doivent être pincées par les ongles des doigts de la main gauche, contre la touche en métal, alors qu'elles sont assez hautes (risque de rater la corde ou qu'elle s'échappe ou que le son soit étouffé). Le sarod a été conçu pour un jeu continu en glissando. On ne tire pas les cordes pour les déclinaisons microtonales, mais on y glisse afin de les obtenir.  Cet instrument rivalise avec le sitar dans les concerts indiens, mais il est beaucoup plus sonore.  Il existait il y a peu une version basse, le sursingar et une autre jouée à l'archet.  Écoles ou "gharânâs" :  Les deux maîtres cités sont les représentants les plus éminents de deux écoles fondées par les descendants de lignées de musiciens de cour :

Le sarod (ou sarode) est un instrument de musique à cordes pincées apparu au au nord de l'Inde et utilisé en musique indienne classique. C'est un luth hybride issu du "dhrupad rabâb", un instrument indien ancien et du rabâb afghan. Le nom dérive peut-être du persan "sarûd" (chanter) car nombre de chanteurs s'accompagnaient ainsi.


Situation.

Permettant de relier depuis 1973 les rives européenne et asiatique du détroit du Bosphore, il est situé entre les quartiers d'Ortaköy (sur la partie européenne) et de Beylerbeyi (sur la partie asiatique).  Premier pont enjambant le Bosphore, il a depuis été rejoint par le pont Fatih Sultan Mehmet (également appelé « deuxième pont du Bosphore », et construit en 1988). Un troisième pont, le Yavuz Sultan Selim, a été inauguré le. Une voie ferrée empruntant un tunnel immergé, le Marmaray, permet également de traverser le détroit depuis 2013.

Caractéristiques.

Il s'agit d'un pont à travée suspendue unique, soutenu par des pylônes en acier et doté de suspentes diagonales. Long de, il a une portée de entre ses deux pylônes (à pleine charge, le pont s'affaisse environ au milieu de la travée), et la largeur du tablier est de. Les pylônes ont une hauteur de et la hauteur libre sous l'ouvrage est de.

Histoire.

La décision de construire un pont sur le Bosphore a été prise en 1957 par le Premier ministre Adnan Menderes. Pour le travail de l'ingénierie des structures, un contrat a été signé avec l'entreprise britannique Freeman Fox & Partners en 1968. Le pont a été conçu par les ingénieurs civils britanniques et, qui ont également conçu le pont du Humber, le pont sur la Severn, le pont sur le Forth, le Auckland Harbour Bridge et le Volta River Bridge.  La construction a débuté en février 1970, et les cérémonies de lancement des travaux ont été suivies par le président Cevdet Sunay et le Premier ministre Süleyman Demirel. Ce projet, réalisé par la firme turque Enka Construction & Industry Co. Inc. ainsi que par les cocontractants Cleveland Bridge & Engineering Co. Ltd. (Angleterre) et Hochtief AG (Allemagne), a réuni 35 ingénieurs et 400 ouvriers. Le pont, dont le coût de construction s'est élevé à 200 millions de dollars, a été achevé le, un jour après le de la fondation de la République de Turquie, et il a été ouvert par le Président Fahri Korutürk et le Premier ministre Naim Talu.  Lors de cette ouverture, le comédien américain et ambassadeur de bonne volonté de l'UNICEF Danny Kaye, vêtu comme un clown, a suivi les officiels avec un groupe d'enfants turcs. Lorsqu'une grande foule de personnes a commencé à courir après eux, le pont s'est mis à vibrer, et la foule a dû se retirer pour éviter tout dommage. L'ouverture de cet ouvrage à la circulation marque une étape importante dans l'histoire des transports, puisqu'il s'agit du premier pont jeté entre l'Europe et d'Asie depuis le ponton de Xerxès en 480. Ce pont flottant décrit par Hérodote, cependant, couvrait l'Hellespont (Dardanelles), à une certaine distance du Bosphore.  Le, le Premier ministre turc Binali Yıldırım a annoncé que le pont serait rebaptisé "pont des Martyrs du 15-Juillet", en hommage aux victimes de la tentative de coup d'état de la nuit du 15 au 16 juillet 2016.

Transport.

Le pont possède huit voies, chaque direction disposant en principe de trois voies pour la circulation des véhicules ainsi qu'une bande d'arrêt d'urgence et un trottoir. Le matin des jours de semaine, une voie supplémentaire est affectée à la circulation vers l'ouest (partie européenne), donc quatre des six voies sont ouvertes vers l'ouest et deux vers l'est seulement. De façon identique, le soir en semaine, quatre voies sont dédiées à la circulation vers l'est et deux voies seulement vers l'ouest. Le trafic est important entre les deux rives du détroit, et le 29 décembre 1997, le milliardième véhicule a franchi le pont.  Au cours des quatre premières années d'exploitation, les piétons pouvaient emprunter le pont, en accédant aux trottoirs grâce à deux ascenseurs à l'intérieur des pylônes. La circulation est actuellement réservée aux véhicules de transport de personnes. Aujourd'hui, près de passent chaque jour dans les deux directions, dont près de 85 % d'automobiles.  Le pont du Bosphore est payant, mais dans un seul sens de circulation, pour le passage de l'Europe à l'Asie. Les cabines de péage, au nombre de treize, sont situées à la sortie du pont sur la partie asiatique. Pour fluidifier le trafic, cinq de ces cabines sont équipées d'un système de télépéage (OGS, Otomatik Geçiş Sistemi) depuis le 3 avril 1999, sur les voies 9 à 13, du côté gauche de la chaussée. En 2005, un système de paiement par cartes magnétiques prépayées (KGS, Kartli Geçiş Sistemi) est mis en place. À compter du 3 avril 2006, les autres modes de paiement ne sont plus autorisés, et les espèces sont acceptées uniquement sur le pont Fatih Sultan Mehmet, à environ cinq kilomètres au nord. En 2006, le péage était de, soit environ.  Depuis avril 2007, le pont est illuminé pendant la nuit par un système d'éclairage entièrement informatisé composé de diodes électroluminescentes. Ce système proposant des motifs différents et permettant de faire varier les couleurs a été développé par Philips.

Autres usages.

Le pont est utilisé lors du marathon d'Istanbul, qui est organisé chaque année en octobre à partir de la partie asiatique d'Istanbul, traverse le pont sur le Bosphore et se termine dans la partie européenne. Lors de cette manifestation, les visiteurs d'Istanbul peuvent s'inscrire pour le « Fun Run » en de nombreux points de la ville et profiter de l'occasion pour franchir le pont à pied - beaucoup d'entre eux prenant un pique-nique pour profiter de la vue.  Le pont a été représenté sur le verso du billet de 1000 livres turc entre 1978 et 1986.  Le 15 mai 2005 à, heure locale, le pont a accueilli une rencontre sportive entre la championne américaine Venus Williams et la joueuse turque İpek Şenoğlu, cet événement devenant le premier match de tennis jamais joué sur deux continents. La manifestation a été organisée comme une promotion à venir de l'édition 2005 du WTA Istanbul Cup et a duré cinq minutes. Après leurs échanges, les joueuses ont jeté une balle de tennis dans le Bosphore.  Le 17 juillet 2005 à, heure locale, le conducteur anglais de Formule 1 David Coulthard a fait une séance de pilotage au volant de sa voiture de course Red Bull sur le pont du Bosphore. Il s'est élancé de la partie européenne vers la partie asiatique, a réalisé un tête-à-queue spectaculaire à l'aire de péage pour retourner du côté européen, avant de garer sa voiture dans le jardin du palais de Dolmabahçe, où sa démonstration avait commencé

Le pont du Bosphore (en turc "Boğaziçi Köprüsü"), aussi appelé premier pont du Bosphore, et depuis le 25 juillet 2016 pont des Martyrs du 15-Juillet (en turc "15. Temmuz Şehitler Köprüsü"), est l'un des trois ponts suspendus d'Istanbul, en Turquie.


Biographie.

Apprenti chez les peintres Antonio Vivarini et Giovanni d’Alemagna à Murano, puis à Padoue où il est influencé par Mantegna, Squarcione, Cosmè Tura et Donatello lui aussi dans cette ville dans les années 1450.  Dans les années 1460-1465 il se trouve à Zara en Dalmatie.  À partir de 1468, la carrière de Crivelli se déroule dans les Marches surtout dans sa partie méridionale, et plus exactement à Ascoli Piceno, et plus tard plus au nord (Camerino, Fermo).  C’est là, dans cette région, qu’il réalisera la plus grande partie de ses œuvres, commandes de Dominicains et de Franciscains qui rivalisaient dans la construction de vastes églises gothiques et dans l’occupation stratégique des cités. La plupart de ses œuvres y sont encore visibles et ont été recensées.  Son style se distingue par une ornementalité exacerbée qui place Crivelli en marge des grands courants artistiques de son époque, le style gothique flamboyant et le nouveau style antiquisant développé notamment par Mantegna.  Vittorio Crivelli, son frère, a été lui aussi peintre.

Œuvres.

Une grande partie de son œuvre est conservée à la National Gallery de Londres. Ces retables et tableaux, dont la célèbre "Annonciation", ont été acquis pour la plupart dans les années 1860-1870, car ils correspondaient au goût de la société anglaise à cette époque. La Pinacothèque de Brera à Milan comprend également une belle collection de peintures de Crivelli, formée à l'époque des spoliations napoléoniennes.

Polyptyques.

À l'exception du "Polyptyque d'Ascoli Piceno", dans la Chapelle du Saint-Sacrement de la Cathédrale d'Ascoli Piceno", et de La Vierge à l'hirondelle", à la National Gallery, Londres), tous les autres ont été démembrés et dispersés.

Carlo Crivelli (né vers 1430/1435 à Venise et mort vers 1494/1495 dans les Marches, probablement à Ascoli Piceno) est un peintre italien de la Renaissance.


Une collection de référence au.

La création de la collection remonte à la première moitié du. C'est Auguste qui fonda en 1560 la Kunstkammer (Cabinet d'art), qui rassemblait toute sorte d'objets, dont des tableaux. Mais c'est surtout au, en une cinquantaine d'années, que les acquisitions d'Auguste le Fort et celles, encore plus nombreuses, de son fils Auguste III firent de la Galerie des peintures de Dresde l'une des plus célèbres d'Europe et une référence en matière de collection princière. Ainsi, l'objectif affiché par Caroline-Louise (1723-1783), épouse de Charles Ier de Bade, pour son cabinet de Karlsruhe, est de le rendre « supérieur à celui de Dresde ». La collection du prince Électeur de Saxe contribua ainsi à faire de Dresde une étape privilégiée des voyageurs européens du Grand Tour : l'un d'entre eux, en 1709, écrit ainsi que la Galerie « réunit ce que l'on ne trouve que disséminé dans toute l'Europe, même si c'est en plus grande quantité ».  Sous Auguste le Fort, la collection de peinture grandit et dut être séparée des autres objets pour être finalement placée au château de la Résidence ("Residenzschloss"). Puis, sous Auguste III, la Collection élut domicile dans le bâtiment des écuries royales, place du Nouveau Marché, à l'issue de récentes acquisitions du roi. En effet, celui-ci avait acheté en 1745 une centaine de toiles issues de la collection du duc de Modène. La pièce maîtresse de sa collection, "La Madone Sixtine", fut acquise en 1754. Par la suite, les finances royales imposèrent un sérieux ralentissement des acquisitions.  Auguste II le Fort et Auguste III accordaient une importance extrême aux acquisitions d'œuvres. En effet, ils espéraient par ce biais hisser leur État au niveau de prestige des principales puissances européennes. Le premier ministre lui-même, Heinrich von Brühl, aidé par son secrétaire Karl-Heinrich von Heineken, se chargeait de procéder aux acquisitions. Un réseau de peintres, marchands d'art et diplomates permettaient aux chefs-d'œuvre en provenance de toute l'Europe de venir compléter la collection.

Un destin agité à l'époque contemporaine.

Un bâtiment à la hauteur de la collection.

Le Semperbau, aile du Zwinger où se trouve encore aujourd'hui la "Gemäldegalerie Alte Meister", fut mis en chantier en 1847 d'après les plans de Gottfried Semper et ouvert au public le. Le besoin d'un édifice correspondant à la grandeur de la collection et aux exigences du se faisait ressentir depuis le début du et était affaire d'État.  Dans la première édition du catalogue consacré à la Galerie en 1856, Julius Hübner écrit : « Dans des salles attrayantes, dignes d'un véritable palais des arts, le nouveau musée présente sa collection de tableaux mondialement célèbre aux visiteurs qui, sitôt le seuil franchi, sont saisis par le caractère solennel des lieux. (...) Les chefs-d'œuvre de maîtres immortels, de toutes les écoles et de toutes les époques, présentés sous un jour nouveau, brillent et resplendissent doublement sous le regard enchanté des visiteurs. »

Une collection ballotée par les guerres du.

En 1937, sous l'ère du national-socialisme, le département des peintures modernes, séparé des autres peintures depuis 1916 à cause de la taille de la collection, se vit privé de chefs-d'œuvre déclarés « art dégénéré ». Avant même le début de la guerre, la Galerie dut fermer ses portes, en 1938.  En 1942, les attaques aériennes furent nombreuses ; en conséquence, les tableaux durent être évacués. Ils furent mis à l'abri dans des endroits sûrs et éloignés comme le tunnel de Cotta des grésières de Rottenwerndorf et dans les mines de calcaire de Pockau-Lengenfeld.  Le, Dresde fut bombardée par les Anglais et les Américains, et une partie de la Galerie n'y échappa pas. Mais c'est l'Armée rouge qui en profita : lorsqu'elle entra dans la ville, des "Commissions chargées des trophées" furent chargées de sélectionner des œuvres que l'armée a ensuite confisquées. On les croyait perdues pour toujours et un musée central avec ce qu'il en restait fut établi dans le château de Pillnitz, épargné par les bombes.  En 1955 une nouvelle parvint : l'URSS décidait de rendre les œuvres « empruntées » à la ville de Dresde. Des expositions de la collection furent organisées à Moscou puis à Berlin avant de retrouver définitivement Dresde et son public dans un nouvel écrin, puisque la Galerie subit de grands travaux de reconstruction afin de pouvoir accueillir ces œuvres.

Les œuvres.

Les points forts de la collection comptent la peinture italienne de la Renaissance, dont des œuvres de Raphaël ("Madone Sixtine"), Giorgione ("Vénus endormie"), Sandro Botticelli ("Dernier miracle de Saint Zénobie"), de Palma le Vieux ("Nymphe dans un paysage") et du Titien ("Le Paiement du Tribut", "Portrait d'une dame en blanc"), ainsi que la peinture maniériste et baroque.  À cela, on peut encore ajouter des noms de peintres italiens comme Andrea Mantegna ("La Sainte Famille"), Le Tintoret ("Le Combat de l'Archange Saint Michel avec Satan", "La Délivrance d'Arsinoé"), El Greco ("Jésus-Christ guérissant l'aveugle"), Paul Véronèse ("L'Adoration des mages"), Le Corrège ("La Madone de Saint Georges") ou Annibale Carrache ("Portrait de Giovanni Gabrielli jouant du luth"). La galerie présente aussi des chefs-d’œuvre de la peinture allemande et néerlandaise d’avant les temps modernes, comme des œuvres de Jan van Eyck ("Triptyque de la Vierge"), Albrecht Dürer ("Portrait de Bernhart von Reesen, panneaux du Polyptyque des Sept Douleurs"), Lucas Cranach l'Ancien ("Henri le Pieux", "Portrait d'Henri IV de Saxe et Catherine de Mecklembourg") et Hans Holbein le Jeune ("Charles de Solier, Sire de Morette"). Les œuvres de la peinture hollandaise et flamande du qui y sont présentées ne sont pas moins importantes, notamment des tableaux de Rembrandt ("Les noces de Samson", "Double portrait de Rembrandt et Saskia"), Jan Vermeer ("Femme lisant une lettre", "Chez l'entremetteuse"), Pierre-Paul Rubens (19 toiles, dont "La Chasse au sanglier", "Bethsabée à la fontaine") et Antoine van Dyck ("Silène ivre", "Saint Jérôme"). Le musée possède en outre des œuvres du d’artistes espagnols comme Diego Vélasquez ("Portrait de Juan Mateos"), Bartolomé Esteban Murillo ("La Vierge et l'Enfant Jésus") ou José de Ribera ("Sainte Agnès") et français, comme Le Lorrain ("Paysage avec la fuite en Égypte"), Nicolas Poussin ("L'Empire de Flore"), Antoine Watteau ("Réunion champêtre"), Jean-Francois Millet ("Paysage avec un pont") ou Valentin de Boulogne ("Le Tricheur"). Le est marqué par plusieurs tableaux du début de la carrière du peintre italien de vedute Canaletto, ainsi que par un tableau du peintre suisse Jean-Étienne Liotard.

La Galerie aujourd'hui.

La galerie attire des centaines de milliers de personnes par an (569.583 visiteurs en 2011). Le bâtiment a été profondément restauré pour la dernière fois en 1992. Elle accueille parfois des expositions temporaires, notamment l'exposition "Le Jeune Vermeer" en 2010, qui regroupait notamment quatre tableaux du maître aux 36 œuvres seulement. Mais d'autres expositions de peintres de renom y ont été organisées, dernièrement sur Titien, Giambattista Pittoni ("Morte di Agrippina") ou encore Canaletto.

La ("Galerie de Peinture des Vieux Maîtres") est un musée d'art des Collections nationales de Dresde situé dans le Semperbau du palais Zwinger, à Dresde, en Allemagne. Elle ne doit pas être confondue avec la Gemäldegalerie Alte Meister de Cassel.


Biographie.

Le joueur d'échecs.

Champion de Léningrad.

Taïmanov remporta le championnat de Léningrad à cinq reprises : en 1948, 1950, 1952, 1961 ("ex æquo" avec Boris Spassky) et 1973.

Champion d'URSS.

De 1948 à 1976, Mark Taimanov a participé à 23 finales du championnats d'URSS sur 29, dont 13 consécutives de 1951 à 1963 — durant cette période, il ne fut absent d'une finale que six fois : en 1950, 1964-1965, 1968-1969, 1970, 1972 et 1975. Il établit ainsi un record que seul Efim Geller parvint à égaler. Malgré ces nombreuses participations, il ne termina que deux fois premier "ex-æquo" et ne remporta le titre qu'une seule fois après un départage. En 1952, il partagea la première place du XX championnat avec Mikhail Botvinnik (+11 -3 =5), mais perdit le match de départage contre le champion du monde (+1 -2 =3).  En 1956, il obtint la -3 place du XXIII championnat (+8 -2 =7) et conquit le titre après un match-tournoi de départage contre Youri Averbakh (=2) et Boris Spassky (+2).  En outre, il partagea sept fois la deuxième ou la troisième place : en 1949 (3-4), 1954 (2-3), 1962 (2-3), décembre 1965 (), 1966-1967 (3-5), décembre 1967 (3-5) et octobre 1969 (3-5, se qualifiant pour le tournoi interzonal de Palma de Majorque en 1970).

Tournois interzonaux, tournoi et match des candidats.

Mark Taïmanov a participé à trois tournois interzonaux et à deux tournois des candidats.

Tournoi des candidats de 1953.

Sa première place au championnat d'URSS, en 1952, lui permit de participer au tournoi interzonal de Stockholm, disputé la même année, où il termina à la 2-3 place (+7 =13), ce qui lui permit d'accéder au tournoi des candidats de 1953. Au tournoi des candidats de 1953 à Zurich, il ne termina qu'à la 8-9 place (+7 -7 =14). Aux championnats d'URSS 1955 (7-8), 1958 (12-13), février 1961 (10-11), 1963 (14-15), 1966-1967 ( au départage), qui étaient des sélections pour le championnat du monde, il ne parvint pas à se qualifier pour le tournoi interzonal.

Match des candidats contre Fischer (1971).

En 1969, sa 3-5 place au championnat d'URSS lui ouvrit les portes du tournoi interzonal de Palma de Majorque, en 1970, où sa 5-6 place (+8 -3 =12) le qualifia pour les matchs des candidats. En 1971, après le changement de formule de la sélection des candidats — des matchs éliminatoires à la place d'un tournoi — et sa qualification à Palma de Majorque, il fut opposé en quart de finale des matchs des candidats à Bobby Fischer qui le battit sèchement (aucune victoire, aucune partie nulle et 6 parties perdues, 0-6). Sa lourde défaite contre l'Américain fut très mal accueillie par les autorités soviétiques et le salaire de Taïmanov fut diminué. De plus, à son retour de Vancouver où le match avait eu lieu, les douanes découvrirent dans ses bagages un livre d'Alexandre Soljenitsyne, interdit en URSS. Cette infraction lui valut une interdiction de participer à des tournois en Occident. En guise de désapprobation le Comité d’État des sports de l'URSS lui retire également son titre de maître émérite du sport de l'URSS. Il fut aussi déchu de son titre de maître ès-sports de l'URSS qu'il ne récupéra qu'en 1991. Dans le volume 4 de "My Great Predecessors", Garry Kasparov laisse entendre qu'il s'agissait d'un coup monté.

Tournoi interzonal de 1973.

Au tournoi interzonal de 1973, à Leningrad, sa modeste 8-10 place (+3 -3 =11) l'élimina de la course au titre.

Victoires dans les tournois internationaux.

Taïmanov fut aussi vainqueur, seul ou "ex æquo" de nombreux tournois internationaux :  En outre, lors du mémorial Alekhine de Moscou 1956, Taïmanov finit troisième derrière les champions du monde Botvinnik et Smylov, et devant Bronstein, Kérès, Gligoric, Najdorf, Pachmann, Stahlberg et Unzicker. En 1967, Il termina deuxième du mémorial Capablanca à La Havane, derrière Larsen et devant Smyslov, Gligoric et Polougaïevski.

Compétitions par équipes.

Championnat d'URSS par équipes.

Taïmanov participa à quinze reprises à cette compétition dans les rangs de l'équipe de Leninigrad. Elle remporta la médaille d'or en 1960 et 1962, d'argent en 1948, 1955, 1958, 1959 et 1969 et de bronze en 1975 et 1983.

Olympiade de 1956.

Curieusement, Taïmanov ne fut sélectionné qu'une seule fois pour défendre les couleurs de l'URSS qui remporta la médaille d'or de cette édition. En 1956, à Moscou, il fut premier remplaçant, marqua 8,5 points sur 11 (+6 =5) et reçut la médaille de bronze individuelle.

Championnats d'Europe par équipes.

Taïmanov fut retenu pour les quatre premières éditions du championnat d'Europe d'échecs des nations que l'URSS remporta.

Match URSS contre le Reste du Monde (1970).

En 1970, lors du match URSS - Reste du monde à Belgrade, Taïmanov joua au et fut opposé à Wolfgang Uhlmann qu'il domina : 2,5 à 1,5 (+2 -1 =1).

Coupe d'Europe des clubs.

En 1976, Taïmanov remporta la première coupe d'Europe des clubs d'échecs avec le club du Bourevstnik.

Champion du monde des vétérans.

Taïmanov a remporté le Championnat du monde des vétérans à deux reprises, en 1993 et 1994.

Deux parties.

Mark Taïmanov - Tigran Petrossian, Tournoi des candidats de Zurich 1953.  1.d4 Cf6 2.c4 e6 3.Cc3 Fb4 4.e3 c5 5.Fd3 0-0 6.Cf3 d5 7.0-0 Cc6 8.a3 Fxc3 9.bxc3 b6 10.cxd5 exd5 11.Ce5 Dc7 12.Cxc6 Dxc6 13.f3 Fe6 14.De1 Cd7 15.e4 c4 16.Fc2 f5 17.e5 Tf7 18.a4 a5 19.f4 b5 20.axb5 Dxb5 21.Fa3 Cb6 22.Dh4 De8 23.Tf3 Cc8 24.Fa4 Td7 25.Tb1 Dd8 26.Fxd7 Dxd7 27.Tg3 Ca7 28.Fe7 Ff7 29.Dg5 Fg6 30.h4 Cc6 31.Fa3 Cd8 32.h5 Ce6 33.Dh4 Ff7 34.h6 g6 35.Df6 Dd8 36.Fe7 Dc7 37.Txg6+ hxg6 38.h7+ Rxh7 39.Df7+ Cf7 40.Rf2 1 - 0  Anatoli Karpov - Mark Taïmanov, Léningrad, 1977  1.e4 c5 2.Cf3 Cc6 3.d4 cxd4 4.Cxd4 a6 5.c4 e5 6.Cb3 Cf6 7.Cc3 Fb4 8.f3 0-0 9.Fe3 d6 10.Tc1 b6 11.Fd3 Fc5 12.Dd2 Fe6 13.Cxc5 bxc5 14.0-0 Cd4 15.Cd5 Cd7 16.f4 Tb8 17.f5 Fxd5 18.cxd5 Db6 19.Tf2 f6 20.Tc4 a5 21.Ta4 Ta8 22.De1 Ta7 23.b3 Tfa8 24.Tb2 Dc7 25.Fd2 Cb6 26.Txa5 c4 27.Ff1 Txa5 28.Fxa5 Dc5 29.Fxb6 Dxb6 30.Rh1 cxb3 31.axb3 g6 32.fxg6 hxg6 33.b4 Rg7 34.b5 f5 35.exf5 Cxf5 36.Tb3 Dd4 37.b6 Ta1 38.Tb1 Cg3+ 39.hxg3 Ta8 0 - 1

Le musicien.

Parallèlement à sa carrière de joueur d'échecs, Taïmanov connut une brillante carrière de pianiste. Il est possible que cette seconde activité et les déplacements qu'elle occasionnait aient limité ses performances dans le domaine des échecs. Bien qu'originaire d'Ukraine, il passa son adolescence à Léningrad où la musique, sa seconde passion, l'amena au Conservatoire. Il y fit la connaissance de sa future épouse, Lioubov Brouk, avec qui il joua, dès l'âge de douze ans, des œuvres pour deux pianos.  Devant la menace de l'invasion allemande, le Conservatoire de Léningrad fut évacué vers Tachkent où Taïmanov passa les années de guerre. Dans les années 1950 et 1960, le duo qu'il formait avec son épouse donna de nombreux concerts dans les pays du bloc soviétique.  Ses déboires avec les autorités à la suite du match contre Bobby Fischer conduisirent à sa séparation d'avec Lioubov et à la fin de leur duo. Dès lors, Taïmanov se produisit en concert en tant que soliste.  En 1998, Philips édita des enregistrements du duo Brouk - Taïmanov dans la série des « "Grands pianistes du " ».

Mark Ievguenievitch Taïmanov (en ), né le à Kharkov (RSS d'Ukraine), URSS et mort le à Saint-Pétersbourg (Russie), est un joueur d'échecs soviétique, puis russe, et un pianiste de renommée internationale.


Biographie.

Orpheline ayant perdu ses parents lors de la Première Guerre mondiale, Sabiha rencontre Mustafa Kemal Atatürk lors d'une visite de ce dernier à Bursa en 1925. Elle avait douze ans, et voulait étudier dans un internat. Atatürk l'a adoptée quand il a entendu parler de ses conditions de vie difficiles. Elle a d'abord fréquenté le collège "Çankaya" à Ankara, puis le lycée d'Üsküdar pour filles ("Üsküdar Kız Lisesi") à Istanbul.  Le, après l'entrée en vigueur en Turquie de la loi sur les noms de famille, Atatürk lui donna le nom de "Gökçen". "Gök" signifie « le ciel » et "Gökçen" signifie littéralement « céleste, qui appartient au ciel ». Mais elle n'était pas encore aviatrice, elle le deviendra six mois plus tard.  Atatürk qui mit beaucoup d'espoir dans le futur de l'aviation, créa une école d'aviation, "Türk Kuşu" (littéralement « l'oiseau turc »). Sabiha était à ses côtés lors de l'inauguration de l'école le. Après une parade de planeurs et de parachutistes étrangers, il lui proposa de devenir parachutiste, ce qu'elle accepta et c'est ainsi qu'il l'inscrit dans cette école en tant que première femme stagiaire. Mais ce qui l'intéressa surtout, fut de pouvoir piloter un avion. Elle s'initia tout d'abord au vol à voile, et obtint rapidement son permis de pilote. Elle fut ensuite envoyée en Union soviétique avec huit autres personnes pour parfaire sa formation. Au début de l'année 1936, Atatürk lui demanda de rejoindre l'Académie de l'armée de l'air turque pour y suivre une formation au combat. Elle devint ainsi la première femme pilote de chasse au monde, et la première femme turque pilote militaire. Elle vola sur Breguet 19 et Curtiss F11C Goshawk. Elle apprit à piloter des bombardiers au sein du aérien dans la base d'Eskişehir.  En 1937, elle prit part avec l'aviation militaire turque à la répression du Dersim, qui a fait plusieurs dizaines de milliers de morts dans les populations kurdes de la région.  En 1938, elle effectua un vol de plus de cinq jours au-dessus des Balkans à bord d'un bombardier Vultee V-11GB. Plus tard, elle fut nommée entraîneur en chef de la "Türk Kuşu" où elle a servi jusqu'en 1955. Elle devint ensuite membre du conseil exécutif de l'aviation turque. Sabiha Gökçen vola autour du monde pendant près de 28 ans, jusqu'en 1964, totalisant plus de heures de vol sur une quinzaine de types d'appareils.  En 1981, pendant les célébrations du centième anniversaire de la naissance de Atatürk, l'Association aéronautique turque publia "Ma vie sur les pas d’Atatürk".  L'aéroport international Sabiha Gökçen à Istanbul porte son nom.  Elle fut une source d'inspiration pour de nombreuses femmes pilotes, et la Fédération aéronautique internationale a créé en 2002 en sa mémoire une médaille qui porte son nom, médaille « réservée aux femmes qui ont accompli des exploits remarquables dans les sports aériens ».

Origines.

En, l'hebdomadaire turco-arménien "Agos", édité en turc et en arménien à Istanbul, publie une information qui démontre que Sabiha Gökçen serait en réalité une orpheline arménienne ayant perdu ses parents pendant le génocide arménien de 1915 et recueillie en 1925 par Mustafa Kemal Atatürk lors d'une visite de ce dernier dans un orphelinat de la région d'Urfa (Sud-Est anatolien).  Cette révélation suscite immédiatement la polémique dans la presse turque. L'état-major de l'armée turque, en particulier, diffuse un communiqué condamnant ce type de révélations qui, selon lui, portent atteinte aux valeurs nationales.  Selon le linguiste et historien turc d'origine arménienne Pars Tuğlacı, Sabiha Gökçen serait effectivement d'origine arménienne mais elle aurait été recueillie non pas à Urfa, mais à Bursa (Ouest) où sa famille avait été déportée en 1915.  Par ailleurs, le rédacteur en chef d"'Agos", Hrant Dink explique qu'il a publié cette information sur la base des témoignages d'une nièce de Sabiha Gökçen venue d'Arménie et de documents et photos publiés sur cette affaire au Liban et en Arménie. Hrant Dink rappelle aussi que si cette révélation s'avérait, cela ne ferait que valoriser Mustafa Kemal Atatürk, sa compassion envers les victimes arméniennes (occultant pour l'occasion les bombardements du Dersim en 1937-38 où nombre d'Arméniens demeuraient après y avoir pris refuge en 1915). Dink rappelle que Mustafa Kemal Atatürk n'avait pas participé aux politiques du Parti Union et Progrès et avait été, au contraire, un rival d'Ismail Enver et de Talaat Pacha.  En, l'affirmation est répétée dans "Today's Zaman", version en anglais du journal "Zaman".  Par contre, Gülşah Çeliker, réalisateur lié au pouvoir, diffuse un documentaire sur Sabiha Gökçen sur la télévision publique turque (TRT) et déclare en 2004 : « Cela fait trois ans que je mène des investigations sur la vie de madame Sabiha Gökçen et je n’ai jamais rien trouvé qui indique qu’elle ait été arménienne. Par ailleurs, de nombreuses erreurs existent dans les informations qui sont relatées. Si Sabiha Gökçen avait été adoptée à l’âge de 5-6 ans comme c’est soutenu, en 1935, lors de son vol, elle aurait eu 15 ans. Or, en 1935, elle en avait 22! » Ce qui n'est pourtant pas la version du journal "Agos", d'accord avec une naissance en 1913. Gülşah Çeliker évoque aussi les "Mémoires" de S. Gökçen, parus en 1981, dans lesquelles elle ne revendique aucune ascendance arménienne. L'ancien général d'aviation Ahmet Ergönen, qui fut aussi secrétaire général de l'Association aéronautique turque, a fait valoir, dans "Hürriyet", que « Les citoyens [turcs] d’origine arménienne ont accédé aux plus hautes fonctions de l’État, que ce soit durant la période ottomane ou celle de la République, et n’ont jamais dissimulé leurs origines [allusion à des personnalités comme Berç Keresteciyan Türker]. Si madame Gökçen avait été arménienne, je ne vois pas pourquoi elle l’aurait caché. »

Sabiha Gökçen (, Bursa -, Ankara) est la fille adoptive de Mustafa Kemal Atatürk, fondateur de la République de Turquie. Elle est la première femme turque pilote et pionnière dans l'aviation (bien qu'elle ait été précédée dans l'aventure de l'aviation par Belkıs Şevket Hanım).


Biographie.

Jeunesse.

Sur sa jeunesse bisontine on ne sait rien mais beaucoup de légendes ont couru (maître de musique de Palestrina, maître de chapelle à Besançon...). Rien de tout cela n’est attesté et les premières traces qu’on a de lui sont parisiennes.  On ne dispose pas d’éléments concrets pour estimer correctement sa date de naissance. Compte tenu qu’en 1549 il était déjà un professionnel établi à Paris, on peut risquer la fourchette 1515-1525. Sa mort prématurée en 1572 le placerait alors dans la cinquantaine.

Paris : 1549-1555?

Arrivé à Paris, il fait paraître ses premières chansons chez Nicolas Du Chemin en 1549. Elles paraissent régulièrement chez cet imprimeur, jusqu’en 1557. La rapidité avec laquelle il se fait connaître - outre les chansons, il publie chez le même imprimeur des motets entre 1551 et 1554, le premier livre de psaumes en forme de motets en 1551 et une messe en 1552 - montre qu’il a déjà un métier certain ; ceci laisse supposer qu’il a pu exercer la musique avant la fin des années 1540 mais rien n’a transparu sur d'éventuels emplois jusqu’ici.  La dédicace de son premier livre de psaumes faite à Jean II Brinon, un riche humaniste parisien qui soutenait et rassemblait autour de lui les membres de la Pléiade, montre qu’il était déjà en relation avec les poètes et les musiciens parisiens les plus novateurs ; et c’est sans doute par son intermédiaire qu’il pénètre dans le milieu ronsardien. Avec Pierre Certon, Clément Janequin et Marc Antoine Muret il fait ainsi partie des quatre compositeurs qui constituent le supplément musical de l’édition des "Amours" de Ronsard, sortie en 1552 chez la veuve de Maurice de La Porte.  Mais la dédicace qu’il offre à Jean Brinon montre également qu’il est déjà sensibilisé aux idées de la Réforme, déclarant vouloir composer de la musique spirituelle sans se limiter aux œuvres profanes, souvent taxées d’impudicité - la suite de cette collection de psaumes en forme de motets montrera son attachement fort à cette mouvance.  En fait, c’est un acte notarié passé avec son imprimeur Nicolas Du Chemin le 17 août 1555 qui donne des éléments concrets sur sa situation parisienne. Cet acte rompt une association passée avec Nicolas Du Chemin à une date non précise (antérieure à 1553, remontant peut-être à 1549 ou 1551?). Goudimel y est dit musicien, correcteur, et étudiant en l’Université de Paris.L’acte précise qu’il était correcteur chez Du Chemin, depuis une date non précisée (sans doute a-t-il succédé en cela au musicien Nicole Règnes, qui signe un contrat avec Du Chemin en 1548). Ce contrat semble s’être doublé de la possibilité, pour Goudimel, de coéditer certaines éditions de Du Chemin, car leurs noms accolés ne se trouvent côte à côte que dans l’adresse de trois éditions :  Outre ceci, Goudimel insère un poème latin dans un recueil latin de 1554 ("Moduli undecim festorum" (RISM 1554, Lesure 1953 n° 37) dans lequel il souligne la bonne correction de l’ouvrage. Le contrat prévoit que Du Chemin paiera 50 lt à Goudimel pour racheter les exemplaires encore en sa possession et vaut solde de tout compte.  Ce métier de correcteur chez Du Chemin l’a mis naturellement en contact avec nombre de compositeurs du temps. Comme François Lesure le remarque, la collaboration Goudimel - Du Chemin pourrait correspondre à la période 1549-1555, durant laquelle parait la collection des onze livres de chansons nouvelles, qui contiennent tous des chansons de Goudimel. Après 1555, on observe que Goudimel « passe » chez Le Roy & Ballard, et qu’en 1556-1557 Du Chemin édite surtout des monographies. Les 12e et 13e livres de chansons nouvelles ne paraissent qu’en 1557. Tout cela pourrait révéler sinon une mésentente, tout au moins les préparatifs d’un départ pour Metz. Peut-être la mort de Brinon en 1555 l'a-t-elle aussi privé de quelques soutiens. Cette année 1555, qui marque la fin de son travail avec Du Chemin, fut toutefois fort active, car Goudimel publie deux monographies : sa musique sur les "Odes" d’Horace et ses chansons spirituelles sur les vers de Muret.  À la fin de cette période parisienne, on connait deux documents du 2 et du 11 avril 1554 qui montrent que Goudimel est allé s’acquitter d’une requête à lui faite par François Bonvalot, administrateur de l’évêché de Besançon : il s’agissait de retrouver des antécédents judiciaires sur un musicien dénommé Claude Boni, datant de 1549, avec qui Bonvalot était en procès. Ces actes montrent à tout le moins que Goudimel avait gardé contact avec des Bisontins influents.

Metz : 1557-1567.

Commence alors une seconde période de sa vie, qui dure de 1557 à 1567, où il réside à Metz. La première trace qu’il laisse là date du 20 juin 1557 ; c’est la dédicace de son "Tiers livre de psaumes en forme de motets", offerte à Claude Belot, avocat au Parlement de Paris. Comme la dédicace à Brinon de 1551, elle exprime un regret de s’être consacré à la musique profane (les "Odes" d’Horace en l’occurrence) et le désir de « quitter la prophane lyre du prophane poëte Horace, pour me mettre en main, et hardiment entreprendre de toucher et manier la harpe sacrée de nostre grand David ».  Il y est encore en 1562, quand il dédie la première version de ses psaumes homophoniques au maréchal de Vieilleville, gouverneur de Metz, et toujours en 1564, quand il adresse la seconde version homophonique de ses psaumes à Jacques de Montberon, commandeur de Metz en l’absence dudit maréchal.  Son intégration dans la communauté protestante se traduit par deux parrainages. Depuis le début des années 1560 cette ville était assez acquise à la foi réformée, pour qui d’Ausances et Senneton étaient bienveillants. L’évolution des Guerres de religion fit que la réaction catholique s’y fit sentir de plus en plus durement, au point que nombre de protestants quittèrent la ville à partir de 1567. Le 6 avril 1569, un édit royal bannit les protestants de Metz.  Cette période messine est celle où Goudimel termine la collection des psaumes en forme de motets (livres III à VIII) ; il travaille aussi d’arrache-pied aux trois versions de son psautier (83 psaumes de 1562 en style homophonique, 150 psaumes de 1564 en style homophonique, 150 psaumes de 1568 en contrepoint fleuri). Ses premières éditions paraissent toutes chez Le Roy & Ballard, de qui Goudimel est alors un des compositeurs le plus publié, comme Orlande de Lassus. C’est de cette période aussi que daterait la composition de la musique adaptée aux "Vingt-six cantiques" de Louis Des Masures (1564), qui est restée anonyme. Des Masures habitait également à Metz à cette époque.  Goudimel quitte Metz vers 1567-1567. Un passage d'un des "Poemata" de Louis Des Masures suggère que celui-ci aurait pu confier à Goudimel l'éducation de son fils en 1569, à Metz. Quoi qu'il en soit, cette époque coïncide avec la fin de la composition de ses psaumes en forme de motet.

Besançon et Lyon?

La dernière période de sa vie est plus floue. Il rencontre le poète Paul Schede dit Melissus, probablement à Besançon, lors du premier voyage de ce dernier en France. Il s’ensuit une correspondance en latin entre le musicien et le poète, dont on connait deux lettres, publiées par ce dernier dans son recueil poétique "Melissi Schediasmatum reliquiæ" (Francfort, 1575), à quoi s’ajoute une pièce néo-latine offerte à Goudimel en lui donnant un anneau (même source). Une première lettre, écrite le 30 novembre 1570, sans lieu, évoque une pièce composée sur les vers de Melissus, pour laquelle il regrette de n’avoir pu passer plus de temps. Le seconde, écrite de Lyon le 23 août 1572 - quelques jours seulement avant sa mort - évoque à nouveau la mise en musique d’une œuvre de Melissus, un voyage fait à Besançon pour soutenir un procès durant deux mois (à propos d’un prêt d’argent non remboursé), enfin une mauvaise fièvre contractée durant un mois juste après son retour à Lyon.  En 1572 paraissent les "Opuscules poétiques" de Pierre Enoc de La Meschinière (Genève : Jacques Stoer, 1572, in-8°), un poète genevois résidant à Lyon à cette époque. Ce recueil de pièces poétiques ne contient pas moins de six pièces dédiées à Goudimel (sans faire référence à sa mort) : deux sonnets ("Lorsque tu viens dessiller tes deux yeux", et "Va t'en gentil cousteau", le second écrit à l'occasion du don d'un couteau au musicien par le poète), une épigramme ("Or qu'à bon droit je veux bien accuser"), une pièce "J'ai toujours estimé que sous meme planette", une ode spirituelle longue de 39 strophes mise en musique par Goudimel "Voyant tous les faits, les torts, les mesfaits...", enfin une pièce en dialogue intitulée "Le portrait de la vraie justice" : "Mais di-moy qui tu es, et quel beau nom tu portes". Ce recueil contient aussi des pièces destinées à Melissus, Jean Antoine Sarrazin, Théodore de Bèze ou de Simon Goulart. C'est dire la force des amitiés littéraires nouées par Goudimel à la fin de sa vie et son intégration dans un cénacle humaniste et protestant ou circulent lettres, pièces néolatines, poésie française et musique.  De la seconde lettre de Goudimel à Melissus il ressort que Goudimel semble s’être à l’époque établi à Lyon ; c’est là qu’il travaille à des "contrafacta" spirituels sur des chansons d’Arcadelt, publiés par Jean II de Tournes en 1572. La ville, qui avait été gouvernée par les protestants en 1562 et 1563, était encore accueillante pour la foi réformée depuis l’édit de pacification d’août 1570. Peut-être a-t-il retrouvé là des membres de la famille Senneton (qui étaient ici imprimeurs et consul).  Le "Discours du massacre de ceux de la religion reformée, fait à Lyon, par les catholiques romains, le vingthuictieme du mois d'aoust et jours ensuyvans, de l'an 1572", publié par le pasteur Jean Rigaud (Lyon, 1574) précise que Goudimel fait partie des protestants massacrés dont les corps ont ensuite été jetés dans le Rhône :  Le massacre de Goudimel a suscité de nombreuses pièces funèbres et épitaphes dans les publications musicales ou poétiques parues peu après, dues à Jean Antoine Sarrazin, Simon Goulart, A. Du Cros, Johannes Posthius ou autres. Notamment, quatre pièces en son honneur figurent au début de la "Fleur des chansons des deux plus grands musiciens de notre temps, à sçavoir O. de Lassus et C. Goudimel..." publiée par Jean II de Tournes sous la fausse adresse de Jean Bavent, en 1574. Elles émanent du même cénacle que celui qui apparaît dans les "Opuscules poétiques" de Pierre Enoch : lui-même, Jean Antoine Sarrazin, Joseph Du Chesne, seigneur de la Violette.  De la fréquentation de l'Université, que Goudimel exerçait encore en 1555, des liens qu'il a eus à Paris avec Brinon, Ronsard et Muret, de son intérêt pour les "Odes" d'Horace, des échanges qu'il a eus avec Enoch, Melissus et leurs amis, de ses pièces liminaires développées, il ressort que Goudimel a reçu une éducation humaniste poussée.  On possède de Goudimel un portrait gravé, anonyme, conservé à New York PL et dont l'attribution à Goudimel ne provient que d'une mention au crayon. En hommage à ce compositeur, la ville de Besançon a baptisé une rue de son nom.

Œuvres.

L’œuvre de Goudimel a été entièrement publié : Claude Goudimel, "Oeuvres complètes", éd. P. Pidoux et autres. Brooklyn : Institute of Medieval Music, 1967–1983, 14 vol.

Musique sacrée : messes.

Les 5 messes de Goudimel sont publiés dans le vol. XII des "Œuvres complètes".

Musique sacrée : motets.

Les 10 motets connus (de 3 à 5 v.) de Goudimel et ses 3 Magnificat sont publiés dans le vol. XI des "Œuvres complètes".  Hormis un motet publié à Anvers chez Tielman Susato (1554) et un autre à Nuremberg chez Montanus et Neuber (1559), les autres paraissent à Genève dans la collection de tout petit format (16° oblong) commencée par Simon Du Bosc et Guillaume Guéroult (1554, 1555, [1559] ).

Musique spirituelle : les psaumes en forme de motet.

Cette collection se partage en huit livres et totalise 67 psaumes. Dans ces motets, la mélodie officielle de Genève est utilisée soit comme un cantus firmus, soit comme un motif donnant lieu à des imitations. Le nombre de voix change de verset en verset.

Livres 6 à 8.

Un Ps. CXXIII apparaît tardivement, dans les "Cinquante pseaumes de David, avec la musique à cinq parties d’Orlande de Lassus. Vingt autres pseaumes à cinq et six parties, par divers excellents musiciens". - [Heidelberg], Jérôme Commelin, 1597. RISM 1597.

Musique spirituelle : les psaumes homophoniques (version de 1562).

N.B. : la section G3202 à G 3206 du RISM est confuse et ne permet pas de bien distinguer les trois œuvres suivantes.

Musique spirituelle : les psaumes homophoniques (version de 1564).

Ce psautier homophonique est réédité plusieurs fois :  De plus, les traductions allemande d'Ambrosius Lobwasser (1573), néerlandaise de Peter Dathen (1620), néolatine de Andrea Spethe (1596), et romanches de Johann Grass (1683), de Jacob et Barthélemy Gonzenbach (1737) ou Valentin de Nicolai (1762), toutes faites sur le rythme des vers de Marot et Bèze, sont adaptées à la musique de Goudimel. Voir la liste dans Noailly 1988/2.  Cette œuvre a été longtemps mise en concurrence avec les psaumes homophoniques de Claude Le Jeune ; on constate que les rééditions de l'une et de l'autre se succèdent et s'entrecroisent. Voir Noailly 1988/2.

Musique spirituelle : les chansons et les Cantiques.

En 1572, Goudimel publie des "contrafacta" protestants sur des chansons de Jacques Arcadelt : "L'Excellence des chansons musicales composées par M. Jacques Arcadet, recueillies & revues par Claude Goudimel natif de Besançon". - Lyon : Jean II de Tournes, 1572. Guillo 191 n° 84. Édition perdue. Une réédition est données en 1586 à Genève par le même imprimeur, sous une adresse lyonnaise : Guillo 1991 n° 95, RISM AA 1390a. Numérisée par München BSB. On peut souligner que ce travail d'adaptation est en droite ligne du travail d'éditeur/correcteur que Goudimel avait exercé chez Du Chemin.

Claude Goudimel [Godimel, Godymel, Guduymel], né à Besançon ou Saint-Hyppolyte (dans tous les cas, sur le territoire de la ville libre d'Empire de Besançon) vers 1505 selon certaines sources, vers 1520 pour d'autres, et assassiné à Lyon à la fin d’août 1572, est un compositeur Franc-comtois. Son œuvre, assez prolifique, est très inspirée par la Réforme calviniste.


Biographie.

En 1903, il publie sa thèse de doctorat en droit à Zagreb. Jusqu'à 1905, il travaille dans le juridique à Zagreb, Petrinja, Samobor et Ivanac puis à Krapina. En 1908, il ouvre son cabinet d'avocat à Zelina. Membre du Parti populaire des paysans, en croate "Hrvatska pučka seljačka stranke (HPSS)" dès sa fondation en 1904, il est à partir de 1906, membre du comité principal du parti. Comme officier, il participe à la Première Guerre mondiale, et après la guerre, déménage à Zagreb où il est un des proches de Stjepan Radić, dirigeant du HPSS.  Prisonnier politique (1919-1920), il est élu vice-président de la HPSS, et après sa libération en 1920, représentant du HPSS au parlement pour le comté de Bjelovarsko-križevačka županija. En 1921, il ouvre son cabinet à Zagreb. Début 1925, il est de nouveau emprisonné. Bien que prisonnier politique, il est élu comme représentant de son parti au parlement pour le comté de Srijem. Après le choix de Stjepan Radić de renoncer à la lutte pour la république et l'indépendance, changeant le nom du parti en « Parti Croate des Paysans » ("Hrvatska Seljacka Stranka") (HSS) en, les membres du parti sont libérés.  Après le meurtre de Stjepan Radić (1928) par un député serbe au parlement, il est élu président de la HSS et en même temps vice-président de la coalition paysan-démocratique avec Svetozar Pribićević. Il soutient l'abolition de la constitution par Alexandre I le, espérant que cela permettra de reprendre la formation de l'État sur des bases saines. Au début, il ne se prononce donc pas concernant l'introduction de la dictature monarchique en Yougoslavie, mais il se joint vite aux critiques de la dictature.  Il réussit à unir presque toutes les classes de la société croate et à lancer le mouvement national croate. En 1932, il critique fortement l'absolutisme du roi serbe et l'hégémonie serbe et il demande le changement de la Yougoslavie en un état sans hégémonie d'un peuple sur un autre. Pour cela, il est condamné à trois ans de prison en 1933. En 1934, il est gracié par le régent Pavle Karađorđević. Il mène l'opposition lors des élections législatives de et remporte 67 sièges sur 370. Afin de résoudre la question croate en Yougoslavie, il réussit à négocier un plan avec le premier ministre Dragiša Cvetković et le le vice-royaume de Croatie, en croate "Banovina Hrvatska" est créé. Après la révolte du, il est nommé vice-président du gouvernement du général Dušan Simović, mais en avril est remplacé par Jurja Krnjević. Il retourne ensuite à Zagreb et refuse la possibilité de proclamer une Croatie indépendante sous protection allemande. Il suppose qu'après la future victoire des Alliés, la HSS va former le gouvernement en Croatie, et donc adopte une politique d'attente. Il refuse la collaboration avec des nazis (ustase) et avec les partisans. En 1941, il est emprisonné dans le camp d'extermination de Jasenovac par les nazis. À partir de 1942, il est mis sous surveillance dans sa maison à Kupinac.  En, il émigre en France et en 1947 aux États-Unis où il est un des fondateurs de l'Union internationale des paysans. À l'étranger, il réussit à rester membre du parti HSS et continue à propager l'idée d'une Yougoslavie sous forme d'une confédération sans hégémonie serbe.  Il meurt à Washington, DC le et est inhumé au cimetière de Mirogoj à Zagreb.

Vladimir Vladko Maček, né à Jastrebarsko, le et mort à Washington, DC, le, est un homme politique croate. Président du Parti paysan croate qui a eu la majorité avant la Seconde Guerre mondiale, il est connu pour avoir refusé de collaborer avec les nazis (Oustachis) et avec les partisans.


Histoire.

L'Albertinum fut construit entre 1559 et 1563 dans un but militaire : il s'agissait d'un arsenal. Le bâtiment actuel n'a plus grand-chose à voir avec le bâtiment initial, mais il a su toujours se réinventer. À la fin du, le bâtiment perd sa fonction quand un autre arsenal est construit dans la ville. En seulement quatre ans, de 1884 à 1887, le bâtiment fut transformé, dans un style néo-Renaissance, en musée pour accueillir la Skulpturensammlung. C'est alors qu'il prit le nom d'Albertinum, en référence au roi de l'époque, Albert de Saxe.  Les bombardements de n'ont que très peu endommagé l'Albertinum, en comparaison avec les autres musées de la ville. À la suite de la guerre, les forces de l'Armée Rouge pillèrent les trésors de la ville mais les rendirent dans les années 1950. L'Albertinum était alors le dépôt de tous les trésors rapportés par les Soviétiques, et les visiteurs pouvaient venir les admirer.  Entre 1961 et 1965 fut aménagée la Galerie Neue Meister dans l'Albertinum à la suite de la reconstruction de l'étage supérieur du musée.  En 2002, la crue exceptionnelle de l'Elbe endommagea sérieusement les œuvres situées dans les dépôts, et l'Albertinum décida de repenser complètement son organisation.

Le nouvel Albertinum.

À la suite la crue exceptionnelle de l'Elbe en 2002, l'Albertinum a été complètement réorganisé. Ce qui eut d’abord toutes les apparences d’une véritable catastrophe pour les œuvres d’art entreposées dans les sous-sols, s’est finalement avéré une chance pour le musée.  Les travaux de nettoyage et de reconstruction ont été dans un premier temps permis par les fonds obtenus grâce à une quarantaine d'artistes majeurs, dont les œuvres étaient exposés à l'Albertinum. Ils organisèrent une vente aux enchères qui permit de rapporter 3,4 millions d'euros nécessaires au commencement des travaux qui ont été confiés au bureau d'architecte Staab.  Le bureau d'architectes Staab a réalisé à l'Albertinum un véritable chef-d’œuvre architectural : il a recouvert la cour intérieure d’une vaste toiture au sein de laquelle se trouvent dépôts et ateliers pour faire de l'Albertinum une véritable « arche des arts ». L’arche est une construction en acier de environ, créant entre les toits un espace couvert destiné à abriter les dépôts et les ateliers de restauration. Une configuration spéciale permet de dévier la lumière du jour à travers des espaces latéraux de la toiture pour éclairer le hall d’entrée, lumineux et modulable. Grâce au réaménagement du bâtiment, la surface d’exposition consacrée à l’art des, est multipliée par quatre.  La réouverture du musée, en, a été l'événement majeur des 450 ans des Collections Nationales de Dresde.

Les Collections.

Selon une conception et programmation muséographique très innovante, l’exposition permanente du musée présente les différentes époques des arts plastiques depuis le jusqu’à nos jours, et ce, pour toutes les activités et médias artistiques concernés, et met ainsi en lumière les impulsions importantes que Dresde a donné à l’art moderne. D'autre part, tout y est fait pour que les deux collections du musée - la collection de la sculpture et le musée de la peinture du au - entrent en contact et se complètent. Citons entre autres la salle Klinger, où l’art Fin de siècle est présenté dans une ambiance très sensuelle grâce à la présence de sculptures et de peintures mises en perspective les unes avec les autres, ou la salle de la mosaïque, réservée au classicisme allemand et au sculpteur Ernst Rietschel.  La Galerie Neue Meister, galerie la plus grande du musée, rassemble des tableaux allant du romantisme allemand à aujourd'hui. Il s'agit d'une des principales collections de la ville, avec des maîtres allemands comme Caspar David Friedrich, Adrian Ludwig Richter, Max Liebermann, Otto Dix, Georg Baselitz et Gerhard Richter, mais aussi de maîtres français comme Claude Monet ou Edgar Degas.  La Skulpturensammlung (collection de sculptures) rassemble, elle, des sculptures allant de Rodin aux sculpteurs du. La collection de sculptures antiques du Schaudepot est actuellement entreposée également à l'Albertinum mais devrait retrouver bientôt la place que l'architecte Semper avait prévue pour elle : la salle Est du Semperbau, actuellemant occupé par la Collection de la Rüstkammer (Salle d'armes).  Le bâtiment est également doté d'une salle d'exposition temporaire au premier étage.  Enfin, le bâtiment abrite les Archives sur Gerhard Richter (Gerhard Richter Archiv).

L'Albertinum est un bâtiment situé à Dresde en Allemagne, à proximité de la "Terrasse Brühl" (Brühlsche Terrasse) et du hall d'exposition Lipsiusbau.


Description.

Confusions possibles.

Le Polypore soufré est très caractéristique par ses couleurs jaune et orange et la friabilité de sa chair. En Europe, lorsqu'il est vieillissant et que ses couleurs se sont délavées, il est possible de le confondre avec le Polypore géant sans teintes jaunes et noircissant avec l'âge. En Amérique du Nord, il est possible de le confondre avec "Laetiporus huroniensis" et "Laetiporus gilbertsonii", tous deux spécialisés dans le parasitisme des "Eucalyptus".

Biologie.

Le Polypore soufré agit en parasite de blessure ou de faiblesse. Un arbre attaqué meurt rapidement, évidé par l'intérieur, tout en conservant son aspect extérieur. Le champignon peut terminer sa vie en saprophyte.  Il produit une pourriture brune fatale à son support, mais n'attaque que des arbres blessés, tombés ou affaiblis. Sous son action de décomposition, le bois, coloré en brun à brun rougeâtre, acquiert une texture cubique puis se transforme progressivement en une masse pulvérulente brune.  Le Polypore soufré parasite de nombreux arbres, essentiellement des feuillus et particulièrement les genres "Prunus", "Pyrus", "Robinia" et "Populus", plus rarement des conifères ("Larix", "Taxus"). Il se développe du printemps à l'automne et peut rapidement atteindre plus de par temps humide.  À l'instar de nombreux Polypores, le Polypore soufré est, par son action, l'instigateur d'une faune de coléoptères xylophages et mycétophages riche, variée et très spécifique. À titre d'illustration, l'exploration d'un seul chêne parasité par le Polypore soufré situé dans la forêt de la Grésigne (Tarn) a permis cet inventaire : de nombreux "Pentaphyllus testaceus", des "Mycetophagus", des Anobiidae du genre "Anitys", "Microchondrus gibberosus", "Lacon punctatus", "Lacon querceus", des "Paromalus", ainsi que quelques Staphylinidae.

Comestibilité.

Selon les mycologues français, la FAO, l'ANSES française et le SPF Santé publique belge, il s'agit d'un bon comestible, à condition qu'il soit jeune. Attention cependant, certaines personnes peuvent contracter des désordres intestinaux et des vertiges.  Apprécié aux USA, il porte le nom de "chicken of the woods", « Poulet-des-bois », qui évoque à la fois son goût et le caractère fibreux de sa chair, tel un blanc de poulet. Sa consommation est ancienne. Il peut être grillé ou cuisiné en sauce à l'instar des viandes blanches.

Propriétés médicinales.

Les propriétés antioxydantes et antimicrobiennes de certains de ses composants (phénoliques notamment) extraits par de l'éthanol ont été étudiées pour d'éventuels usages pour l'industrie agroalimentaire ou pharmaceutique. Ces composants, "in vitro" se sont montrés antibiotiques vis-à-vis des bactéries Gram négatif et ils ont fortement inhibé la croissance des bactéries Gram positif testées.

Biocide.

Ce champignon produit une lectine hémolytique toxique ; cette nouvelle lectine (tétramère, de poids 190 kDa, dite "Lectine LSL (pour lectine sulphureus L.)" présente de fortes similarités structurales avec des toxines bactériennes (une toxine bactérienne MTX2 produite par "Bacillus sphaericus" contre les moustiques, et la toxine α produite par "Clostridium septicum".  L'extrait brut présente aussi une forte activité antifongique sur "Candida albicans".

Mycoremédiation.

Cette espèce pourrait être utilisée pour la mycoremédiation (épuration par des champignons) de certains polluants organiques, dont les pesticides minéraux ou métalliques toxiques et non biodégradables utilisés dans certains traitements conservateurs des bois.  Une étude a évalué la capacité de cette espèce et de deux autres, "Fomitopsis palustris "et" Coniophora puteana", à accumuler à la bioremédiation (ou extraction biologique en l'occurrence) de l'arséniate de cuivre chromaté (ACC) dans des bois traités par ce pesticide non biodégradable une fois que le bois a été acidifié (ce qui rend les métaux plus mobiles et plus bioassimilables). L'acide oxalique permet de lessiver les métaux lourds du bois. Sur une période de fermentation de dix jours, "F. palustris "et" L. sulphureus" ont extrait plus d’acide oxalique (respectivement / l et / l ) que "C. puteana". Cultivés sur du bois traité et réduit en sciure, ces champignons ont extrait respectivement environ 100 % et 85 % de l'arsenic du bois (alors que "C. puteana" n’en avait extrait que 18 %). Pour le chrome, "C. puteana" s'est également montré moins performant, probablement car moins capable d’absorber l'acide oxalique.  Ceci suggère que "F. palustris" et "Laetiporus sulphureus" peuvent assainir du bois (préalablement acidifié), mais laisse aussi penser que ces champignons peuvent accélérer la remise en circulation de métaux accumulés par les arbres au long de leur vie s'ils ont poussé dans une atmosphère polluée, surtout en condition acide.

Laetiporus sulphureus, le Polypore soufré, est une espèce de champignons basidiomycètes de la famille des "Fomitopsidaceae". Ce champignon comestible se rencontre du printemps à l'automne, sur l'écorce de troncs verticaux ou couchés de nombreux feuillus et plus rarement sur conifères.