Biographie.

Premières années.

Koch perd son père à huit ans. Il termine l'école primaire en 1912 et travaille rapidement comme coursier et apprenti au service comptable d'une usine locale. Il rejoint l'armée volontairement en 1916 et combat sur le front occidental jusqu'à sa capture par les britanniques en 1918. Il finit la guerre comme prisonnier de guerre et revient en Allemagne en 1919. Il travaille comme comptable dans une banque, puis dans une compagnie d'assurances. Koch adhère au NSDAP et entre dans la SS en 1931.

Carrière dans la "Schutzstaffel".

Koch est affecté dans différents régiments SS jusqu'au, lorsqu'il est nommé commandant du camp de concentration de Columbia à Berlin-Tempelhof. En, il est affecté au camp d'Esterwegen et quatre mois plus tard à celui de Sachsenhausen. Le, il devient commandant du camp de Buchenwald, qui vient d'ouvrir. Il y reste jusqu'en, lorsqu'il est transféré au camp de Majdanek. Cette mutation est due à l'enquête qui fait suite à des allégations de corruption, fraude, détournement de fonds, ivrognerie, atteintes sexuelles et homicide. Koch est alors commandant à Majdanek seulement depuis un an. Il est relevé de ses fonctions lorsque 86 prisonniers de guerre soviétiques parviennent à s'échapper du camp en. Koch est mis en accusation et transféré à Berlin.

Procès et condamnation à mort.

Les agissements de Koch à Buchenwald attirent l'attention du SS-Obergruppenführer Josias, prince de Waldeck-Pyrmont, dès 1941. En parcourant la liste des morts à Buchenwald, Waldeck remarque le nom du docteur Walter Krämer, infirmier à l'hôpital de Buchenwald, qui l'avait soigné avec succès dans le passé. Waldeck fait quelques recherches et découvre que Koch, commandant du camp de Buchenwald, a ordonné l'exécution, comme, de Krämer et de Karl Peixof, un employé administratif de l'hôpital, parce qu'ils l'avaient soigné pour la syphilis et qu'il craignait d'être découvert. Waldeck ordonne un examen complet du camp par le docteur Georg Konrad Morgen, un juge de cour d'appel membre du département juridique de la SS "(Hauptamt SS-Gericht)". De nombreux faits de détournements de fonds et de biens appartenant aux détenus sont découverts, et d'autres inculpations sont prononcées, y compris contre la femme de Koch, Ilse. À la suite du procès, Koch est condamné à mort et fusillé le, une semaine avant la libération de Buchenwald.

Karl Otto Koch ( à Darmstadt – à Buchenwald) est un officier SS allemand et commandant de plusieurs camps de concentration nazis.


Biographie.

Campagne contre Constantin III.

Constance né à Naissus, capitale de la Mésie, à une date inconnue. Il est général sous le règne d'Honorius, atteignant le grade de "magister militum" (« maître des soldats ») en 411. La même année, Constance est chargé par Honorius de mettre fin à la révolte de Constantin III, qui s'est déclaré empereur en Bretagne en 407. Il mène alors ses troupes à Arles, la capitale et résidence de Constantin. À son arrivée, il défait les troupes de Gerontius, un général en rébellion contre Constantin, et assiège la cité.  Constantin refuse de se rendre, espérant tenir jusqu'au retour de son général Edobich, qui levait alors des troupes en Gaule du nord. Edobich retourne bien à Arles, mais est rapidement battu par Constance. Constantin perd ensuite la plupart de ses troupes restantes lorsque son armée gardant le Rhin change d'allégeance et rejoint un autre usurpateur, Jovin, ce qui le force à se rendre. Malgré la promesse qui lui a été faite par Constance de pouvoir rejoindre sans danger une fonction de clerc, Constantin est emprisonné puis finalement décapité lors du retour de Constance à Ravenne, en août ou septembre 411. Les rivaux restants d'Honorius sont rapidement défaits: Gerontius se suicide en Hispanie en 411 et Jovin est battu par le roi des Wisigoths Athaulf en 413. Ni Honorius ni aucun empereur romain après lui, ne pourront cependant reprendre le contrôle de la Bretagne.

Campagne contre les Wisigoths.

Constance débute en 416 une campagne contre les Wisigoths au nord de l'Hispanie, en installant un blocus pour les affamer et les forcer à se rendre. Peu après, le roi wisigoth, Wallia, se rend, acceptant de rendre Galla Placidia, la demi-sœur d'Honorius, capturée par Alaric 412 et mariée de force à Athaulf, depuis décédé. Il accepte également de mener une guerre contre les Vandales et les autres barbares en conflit contre les Romains, en échange de nourriture. Constance continue alors à mener campagne contre les différents groupes tribaux, regagnant pour l'Empire le contrôle de l'Hispanie et de la Gaule en 420.

Règne.

Pendant cette époque, les généraux jouent un rôle critique dans le maintien d'un règne continue des empereurs romains, particulièrement dans l'empire d'Occident. La position de Constance comme "magister militum" et ses compétences comme commandant lui permettent de jouir d'une importante influence sur l'Empire romain d'Occident, comparable à celle qu'avait Stilicon. C'est pourquoi Honorius lui accorde de nombreuses distinctions, telles que le consulat à trois reprises: en 414, avec Constant, en 417 avec Honorius, puis en 420 avec Théodose II.  Afin de s'assurer la loyauté de Constance, Honorius arrange ses fiançailles avec sa demi-sœur Galla Placidia en 417. Le couple a deux enfants : Honoria née en 418 et Valentinien, né en 419. Plus tard, le 8 février 421, Honorius nomme Constance auguste, mais Théodose II, empereur d'Orient ne reconnait pas cette nomination. Face à l'affront, Constance envisage de déclarer la guerre à l'Empire d'Orient, mais meurt de maladie le 2 septembre 421 à Ravenne, après seulement sept mois de règne. Honorius redevient alors le seul empereur d'Occident jusqu'à sa mort en 423. Valentinien III, le fils de Constance, lui succède, avec Galla Placidia, sa mère, comme régente.

Constance III (latin : ), (? - ) est empereur romain d'Occident du au. Il est élevé à la dignité impériale à la suite de ses succès en tant que général sous Honorius, atteignant le rang de "magister militum" en 411. La même année, il est envoyé réprimer la révolte de Constantin III, un général romain devenu usurpateur. Constance dirige son armée vers Arles, en Gaule, la capitale de Constantin III et bat Gerontius, un général rebelle contre Constantin, avant de mettre lui-même le siège devant la ville. Après avoir vaincu une force de secours conduite par Edobich, Constance convainc Constantin de se rendre, lui promettant une retraite sûre, mais il le trahit et le fait décapiter après sa reddition. Constance mène alors d'autres campagnes contre divers groupes barbares en Hispanie et en Gaule, permettant leur reconquête par l'Empire romain d'Occident. Constance est proclamé "auguste" par Honorius le. Il règne sept mois avant de mourir le.


Historiographie antique.

Les textes de Marcion sont perdus et les éléments le concernant sont connus exclusivement par les écrits de ses adversaires : Justin de Naplouse dans sa "Grande Apologie" et de manière indirecte dans "Syntagma contre les hérésies" — œuvre aujourd'hui perdue —, à travers les citations qu'en font Irénée de Lyon puis Eusèbe de Césarée. Irénée consacre encore à Marcion une notice particulière et s'y réfère dans de multiples allusions polémiques. De nombreuses réfutations antiques sont par ailleurs perdues.  La source essentielle sur Marcion reste Tertullien. On a conservé une édition de son "Contre Marcion", datée d'environ 210, où il combat la théologie de Marcion et discute du canon d'Écritures marcionite ou encore de nombreux textes des "Antithèses" : ces polémiques ont permis leur reconstitution, parcellaire et fragile, grâce notamment aux travaux de Adolf von Harnack.  Il existe également d'autres mentions de Marcion et de sa théologie dans les "Stromates" de Clément d'Alexandrie, dans l’"Elenchos" du pseudo Hippolyte de Rome ou encore dans le "Panarion" d'Épiphane de Salamine qui cite des passages du texte biblique marcionite. Plus tard, plusieurs auteurs s'attachent à critiquer les développements ultérieurs du marcionisme : Adamantius dans son "Dialogue sur la foi correcte", Éphrem le Syrien dans la "Réfutation en prose de Bardesane, Mani et Marcion" et enfin Eznik de Kolb dans "Sur Dieu".

Biographie.

Les données biographiques concernant Marcion sont ainsi lacunaires et peu sûres. Il s'agit souvent d'inventions après coup de ses détracteurs dans un processus où « les chrétiens [doivent] affronter la question de l'authentique tradition sur Jésus et son œuvre ainsi que les critères nécessaires à la définir » et y apportent diverses réponses.

Origines orientales.

Marcion serait né vers 85 à Sinope, port de la mer Noire, et serait d’origine païenne. Suivant la tradition, lorsque Marcion atteint l’âge adulte, son père — un riche armateur — devient « évêque » de la communauté chrétienne de Sinope, ce qui pour certains chercheurs est douteux, vu que l'épiscopat n'est pas encore établi dans les communautés chrétiennes à cette époque<ref name="Mimouni/Maraval 2007, p.366">.</ref>, mais ce qui pour d'autres est plausible. D'après Hippolyte, ce dernier l'aurait chassé pour avoir tenté de séduire une vierge, dans une métaphore de l'hérétique qui tente de corrompre l'Église vierge. Il part alors pour Smyrne.  Tertullien fait du jeune Marcion un disciple d'Épicure ou encore un stoïcien.  D'autres indications légendaires mettent Marcion en relation avec Papias, l'apôtre Jean ou encore Polycarpe qui l'aurait déjà affronté comme le « premier-né de Satan ». Ce n'est qu'à partir de son arrivée à Rome que Marcion sort quelque peu de la légende.

Séjour à Rome.

Armateur fortuné, Marcion se rend à Rome vers l’an 140, où il intègre la communauté chrétienne, alors dirigée selon la tradition par l'épiscope Pie. Marcion y a pour maître un certain Cerdon, un personnage dont on ne sait presque rien et sur lequel il semble que les hérésiologues aient projeté la doctrine de Marcion.  Celui-ci semble rapidement populaire dans la communauté de Rome. Il y propose un livre qui est en quelque sorte le précurseur du "Nouveau Testament", une appellation qui à l'époque n'existe pas — et dont Marcion est peut-être l'auteur —, pas plus que la collection connue sous ce nom. En plus d'une introduction de sa main, ce livre est composé de deux parties : un "apostolicon", qui comprend un certain nombre de lettres de Paul de Tarse, et un "evangelion", correspondant à ce que l'on connaît désormais comme l’"Évangile selon Luc", amputé des premiers chapitres<ref name="Mimouni/Maraval 2007, p.367">.</ref> jusque 4, 32.  En outre, Marcion se distingue par ses prodigalités en faisant notamment cadeau de l'énorme somme de sesterces.  La communauté de Rome est en proie à de nombreuses dissensions théologiques et, en 142, suivant la Tradition, Cerdon et Valentin sont exclus de la communauté romaine par l'épiscope Hygin.

Rupture.

Marcion défend au sein de la communauté romaine l'inconciliabilité radicale qu'il voit entre la révélation de Jésus et celle du judaïsme ainsi qu'il semble l'avoir développée dans ses "Antithèses" qui devaient également contenir des exégèses des textes qu'il retenait pour son canon. Il défend ce point de vue devant un collège de presbytres dirigé alors par l'épiscope Pie, à une époque que — suivant Tertullien — les marcionites datent précisément « 115 ans et six-mois et demi » après l'« apparition de Jésus », la quinzième année du règne de Tibère, soit en 144 de notre ère.  Marcion entre alors en rupture avec une partie de la communauté romaine, exclu ou parti de lui-même — le point fait débat.  Il ne quitte peut-être pas Rome pour autant puisque, selon certaines traditions, il y aurait été encore établi comme maître, enseignant ses propres doctrines pendant l’épiscopat d’Anicet (vers 155-166).

Fondation de l'Église marcionite.

Après son excommunication de la communauté romaine, qui semble lui avoir rendu ses sesterces, Marcion fonde rapidement, peut-être grâce à ces énormes moyens, sa propre Église qu'il présente comme une création du « Dieu Bon », suivant sa théologie<ref name="Mimouni/Maraval 2007, p.368">.</ref>. Celle-ci est dotée d'une solide organisation tant sur le plan hiérarchique que liturgique, ce qui lui amène un grand succès : selon Justin de Naplouse, dix ans après son exclusion, celle-ci s'étend sur la totalité de l'empire.  Cette rupture et le succès de cette véritable « contre-Église » lui valent d'être considéré par la suite comme l'un des premiers hérésiarques — avec Simon le Magicien et son disciple Ménandre — par les auteurs de la « Grande Église » qui se répandent à son encontre en de nombreux écrits polémiques. À la fin du, Jérôme de Stridon le qualifie encore d'« esprit passionné et très instruit » ("ardens ingenii et doctissimus") : vécu comme une menace pour la proto-orthodoxie naissante, Marcion n'en est pas moins l'un des penseurs et écrivains chrétiens les plus importants du christianisme des premiers siècles.  Il n’existe aucune preuve qu’il ait quitté — ou non — la ville de Rome où il meurt peut-être, entre 161 et 168 ; en tout état de cause, on n’entend plus parler de lui sous le règne de Marc Aurèle. Adolf von Harnack estimait pour sa part que Marcion, après avoir quitté le Pont, avait enseigné en Asie Mineure.  Quoi qu'il en soit, l'Église marcionite se développe tant en Orient, en Mésopotamie et en Perse — où elle précède le manichéisme — qu'en Occident où elle ne recule qu'à partir de la moitié du à la suite de répressions. Elle connaît par ailleurs des dissidences. Au, des communautés marcionites sont encore attestées en Syrie<ref name="Mimouni/Maraval 2007, p.369">.</ref>.

Doctrine.

Marcion entend se fonder uniquement sur l’Écriture mais s'appuie essentiellement sur l’"Évangile selon Luc" — dont il élimine ce qui se rapporte à la généalogie, la nativité, le baptême et la tentation au désert du Christ —, sur dix épîtres de Paul et rejette en bloc la Bible hébraïque comme écriture inspirée.  La doctrine de Marcion rompt avec la tradition juive : du contraste absolu — qu'il décèle dans les épîtres de Paul — entre la loi juive et l'Évangile, il conclut à l'existence de deux principes divins. Marcion dénie ainsi la continuité entre la Bible hébraïque et le nouveau message ainsi qu'il distingue le Dieu créateur qui serait un Dieu de colère et, supérieur à ce dernier, le Dieu de bonté apparu dans l'Évangile qui serait un Dieu d'amour. Ce dernier est le Père de Jésus-Christ qui est venu pour abroger la Bible hébraïque et le culte de son démiurge.  Pour Marcion, Jésus n'est pas le messie attendu par les Juifs, ni né de la Vierge Marie. Il apparaît à la quinzième année du règne de Tibère sans avoir connu ni naissance ni croissance mais il sauve l'homme en le rachetant par sa mort.  Marcion est ainsi le premier à donner au mot (euangélion, « bonne nouvelle ») un sens littéraire et à élaborer un « canon » de l’Écriture dont l'influence sur la formation du canon du Nouveau Testament tel qu'il est connu actuellement est débattue ; néanmoins, s'il n'en est pas la cause première, au moins a-t-il probablement accéléré le processus. Par ailleurs, les rapports de Marcion ou l’apparentement de sa doctrine avec les gnostiques sont également l'objet de débats parmi les chercheurs.

Canon marcionite.

Marcion est le premier auteur chrétien attesté à accorder une autorité théologique exclusive aux seuls textes chrétiens.  Il semble également avoir été le premier à avoir rassemblé une collection d’écrits d’origine apostolique, qui comportait trois parties : l’"Evangelion", les "Épîtres", et les "Antithèses", ces dernières étant perdues. Tertullien, farouche contempteur du marcionisme, explique qu'elles comportaient deux parties : une partie historique et dogmatique, montrant comment, selon Marcion, le pur Évangile s’était altéré, et une partie exégétique. Selon Marcion, les textes originaux ont été contaminés par des ajouts, des réécritures ou des gloses qui les entachent.  Marcion opère ainsi un travail d'exégèse pour parvenir à la reconstitution critique d'un texte originel, principe de critique littéraire qui n'est pas rare dans les démarches éditoriales à cette époque durant laquelle les textes chrétiens demeurent relativement instables et sujets à révisions : si elle est sans mesure avec la critique moderne, son approche des textes s'inscrit néanmoins largement dans la tradition de la critique philologique propre à l’Antiquité gréco-romaine, une époque où les conditions de production et de transmission des textes ne sont jamais garanties.  Pour sa part, Marcion rejette donc radicalement la Bible judaïque et ne retient que l’"Évangile selon Luc", et dix épîtres de Paul ("Galates", 1 et 2 "Corinthiens", "Romains" de 1 à 14, 1 et 2 "Thessaloniciens", "Éphésiens", "Colossiens", "Philippiens" et "Philémon") qu'il épure de tout ce qu'il considère comme éléments ou interpolations judaïsants, non sans se référer abondamment aux écrits judaïques anciens pour les dénoncer. Par exemple, son "Évangile selon Luc" ne débute qu'en 4, 32 — après l'épisode d'une naissance miraculeuse du Christ mêlant des éléments de 3, 1 et 4, 31-32 — et les épîtres "aux Romains" et "aux Galates" sont expurgées des promesses faites à Abraham. On ignore d'ailleurs pour quelle raison précise c'est le texte lucanien que Marcion a retenu : peut-être suivait-il ainsi la tradition qui faisait de Luc un disciple direct de Paul ou plus simplement n'en connaissait-il pas d'autre. Mais en tout état de cause, il entend éliminer tout ce qui pourrait laisser ouverte la possibilité d'assimilation ou d'identité du « Dieu amour » à celui de la Bible hébraïque.  S'il retouche des textes, en particulier ceux où Jésus de Nazareth est identifié au Dieu des textes juifs, ces changements apparaissent moins nombreux et moins importants qu'on l'a longtemps pensé, et certaines des adaptations que l'on croyait de sa main lui préexistaient vraisemblablement. Cette accusation de retoucher les textes formulée par les contempteurs de Marcion se retrouve d'ailleurs chez celui-ci à l'encontre de ses contradicteurs orthodoxes et, quoi que Marcion ait retiré — ou non — des textes en sa possession, il n'y a rien ajouté, une démarche qui semble accréditer la sincérité de ses intentions exégétiques : retrouver un texte original exempt de corruption et non pas créer un nouvel Évangile.

Théologie.

C'est dans ses "Antithèses", aujourd'hui disparues, que Marcion développait ses théories théologiques qui entendaient montrer l'inconciliabilité entre les révélations de la Bible juive et celles de l'Évangile dans lequel apparaît le Dieu suprême qui ne s'est révélé nulle part ailleurs que dans ce dernier. La théologie marcionite est ainsi une manière de dualisme qui, développant l'opposition paulinienne de la Loi juive à l'Évangile qui aurait été mal comprise, conclut à l'existence de deux principes divins : d'une part le Dieu juste et colérique de la Bible judaïque et, de l'autre, le Dieu d'amour et de miséricorde de l'Évangile.  Pour Marcion, le Démiurge des textes judaïques, créateur du monde sensible et de l'humanité, est un Dieu sévère, coléreux et vindicatif, qui rend durement la justice au nom de sa Loi mais n'est pas pour autant malfaisant. Ce Dieu se choisit un peuple, Israël, lui donne la Loi et lui promet un Messie. Cependant, il a créé un monde imparfait où existent les plantes empoisonnées, les insectes ou les scorpions qui, avec la sexualité — qui répugne à Marcion — témoignent de son incompétence. Les préceptes despotiques qu'il a imposés à l'homme, une créature faible et mortelle, ont avili ce dernier, le promettant aux châtiments cruels. Le Tanakh reste valable comme révélation de ce Dieu juste et créateur, mais limité et étranger à l'amour. Radicalement inférieur au Dieu de l'Évangile, il est d'ailleurs amené à disparaître.  Le Dieu bon de l'Évangile est le Dieu suprême, extérieur au monde, sans les limitations du Dieu de la matière. Étranger à la Loi, à ses transgressions et donc au péché, il n'a pas créé le mal : c'est un Dieu d'amour et de miséricorde plus que de justice. Pris de compassion pour les humains écrasés par leur Créateur, le Dieu suprême décide de les sauver et envoie son propre fils Jésus-Christ — qui n'est pas le Messie attendu par les Juifs —, « pour libérer les hommes du monde et de son Dieu, pour faire d'eux les enfants d'un Dieu nouveau et étranger ».  Le Fils — qui ne connaît ni naissance ni croissance — se manifeste à travers une figure humaine non charnelle car, pour Marcion et à l'instar de croyances docètes, la chair est fondamentalement mauvaise. Celui-ci est soumis par son Créateur au supplice de la croix et, par sa mort, sauve les hommes en les rachetant à ce dernier, leur propriétaire légitime. Cet achat salvifique fait des humains des enfants adoptifs du Dieu amour, qui doivent accepter cette adoption par la foi en Jésus et l'Évangile afin d'accéder à la félicité dans le royaume du Dieu suprême. Avant de retourner lui-même auprès de son Père, le Christ de Marcion envoyé dans l'Hadès (les enfers) par son créateur y sauve les hommes — Caïn, Coré, les Sodomites, les Égyptiens, les païens... — qui s'étaient opposés au Dieu hébraïque mais croient dans le Dieu bon, tandis qu'il y laisse les ancêtres comme Noé ou Abraham qui, trop liés à leur Créateur, refusent l'invitation rédemptrice du Christ. C'est une fois parvenu au Ciel que Jésus communique à Paul l'« Évangile authentique » au moment de sa vocation, un texte original ensuite corrompu par des interpolations de judaïsants, qui livrent l'Église tout entière à l'erreur.

Rapport avec le gnosticisme.

Le rapport de Marcion au gnosticisme est fort débattu. La Tradition en faisait un disciple d'un gnostique nommé Cerdon mais un auteur comme Celse distinguait dans son "Discours véritable" les marcionites des gnostiques. Les études de von Harnack ont proposé un Marcion éloigné du gnosticisme mais depuis, cette position est contestée et le débat reste ouvert.  En tout état de cause, s'il existe bien des traits communs entre Marcion et certaines doctrines gnostiques, il existe de nombreuses différences sur le plan de la doctrine. Pour Marcion, c'est la foi ("pistis") — et non la gnose ("gnosis") — qui joue le rôle principal, à telle enseigne qu'on a parlé d'un « paulinisme exacerbé ». Et sur le plan exégétique, réfutant, à la différence des gnostiques, toute mythologie concernant le monde divin, Marcion entend se fonder exclusivement sur l’Écriture. Néanmoins, une partie de la recherche actuelle décèle des influences encratites, antilégalistes et docètes dans le marcionisme, autant de traits qui tendent à le rapprocher du gnosticisme chrétien.

Postérité.

Si l'indéniable succès obtenu par les capacités d'organisation de Marcion et l'attraction exercée par sa doctrine sont relativement brefs en Occident, ils sont nettement plus durables en Orient, où les marcionites sont encore fort présents au cours du : ce n'est qu'à la suite de persécutions impériales recherchant l'unité religieuse de l'empire autour d'une orthodoxie chrétienne qu'ils disparaissent ou s'intègrent à la « Grande Église ».  Au, il est récupéré par les idéologues nazis qui apprécient son antijudaïsme. Ainsi pour Alfred Rosenberg :  Selon Béatrice de Varine, la doctrine de Marcion a laissé des traces dans les mentalités jusqu'à nos jours.

Marcion dit du Pont ou de Sinope (né à Sinope vers 85, mort vers 160) est une personnalité du christianisme ancien de la fin du. Armateur fortuné, il se rend à Rome vers 140 où il se distingue par ses prodigalités au sein de la communauté chrétienne de Rome alors dirigée, selon la tradition, par l'épiscope Pie.


Biographie.

Jeunesse.

Hevelius naît dans une riche famille de brasseurs luthériens germanophones. Il apprend le polonais à l'école. « Hevelius » est son nom latinisé, c'est celui sous lequel on trouve ses ouvrages et c'est la façon dont on le nomme généralement ; mais, dans sa correspondance, il signe plutôt Hoffel. En français, on a écrit Hével et Hévélius, cette dernière forme demeurant la plus poche de la prononciation. Sa ville natale de Dantzig est alors une ville hanséatique de la République des Deux Nations. Hevelius se décrira plus tard comme, et la Pologne le considère comme son citoyen.  Le jeune homme s'intéresse davantage à l'astronomie et aux mathématiques qu'au commerce. Ses parents lui accordent deux ans de gymnasium ; il y a comme maître Peter Crüger, dont l'influence se fera sentir toute sa vie. Crüger l'oriente vers l'astronomie. Pour compléter son enseignement, il étudie aussi le dessin, la mécanique et le polissage des lentilles ; son œuvre n'existerait pas sans ces techniques.  Ses parents, un peu soucieux, l'envoient étudier le droit à Leyde, où on lui enseigne aussi les mathématiques et les sciences naturelles. Puis il voyage en Angleterre et en France. En Angleterre il noue de précieuses relations (il deviendra plus tard membre de la Royal Society). À Paris il rencontre peut-être Pierre Gassendi et certainement Ismaël Boulliaud (1605–1694), qu'il recevra plus tard chez lui à Dantzig ; à Avignon il rencontre Athanasius Kircher. Rappelé à Dantzig par ses parents en 1634, il ne peut se rendre en Italie pour voir Galilée, Scheiner et Zucchi.

Maturité.

Destiné aux affaires par sa famille, Hevelius, fils unique, leur consacre les cinq années qui suivent : il devient brasseur et conseiller municipal. Il épouse Catherina Rebeschke, fille d’un négociant.  En 1639, Peter Crüger, mourant, celui-ci l'implore de ne pas laisser inemployés ses dons scientifiques, et avant tout d'observer l'éclipse solaire du juin. Hevelius, à qui Crüger a enseigné l'usage de la chambre obscure, s'engage à suivre sa demande. Il observe l'éclipse — Crüger meurt cinq jours après — et consacre désormais son temps et sa fortune à l’observation du ciel.  Le rôle de sa femme est alors essentiel car elle s'occupe des affaires du couple. Catherina Rebeschke permet ainsi à son mari de se dédier pleinement à ses études.  En 1641, Hevelius construit un observatoire sur le toit de sa maison. Il fabriquera aussi, en dehors de la ville, une « lunette sans tuyau », d’une longueur focale de, qui oscille à la moindre brise.  De 1642 à 1645 il observe les taches solaires, études dont les retombées sont toujours importantes, car elles contribuent à établir le minimum de Maunder. Il consacre quatre années à faire la topographie de la Lune, aboutissant en 1647 à "Selenographia", atlas de trois cartes. Dans cette cartographie, il choisit d'une part les noms du relief lunaire selon des noms géographiques terrestres (cela évite les querelles), et d'autre part, il publie sa découverte de la libration en longitude de la Lune. La postérité a toutefois plutôt retenu la nomenclature lunaire (honorant divers personnages) de Riccioli (1598–1671), avec qui Hevelius correspondait ; mais les sept constellations qu'il a découvertes portent toujours les noms qu'il leur a donnés. Il découvre quatre comètes, en 1652, 1661, 1672 et 1677. Dans sa "Cometographia" (1668), dit François Arago,.  Le, le roi et la reine Louise-Marie de Gonzague visitent son observatoire.  Avec son second mariage, en 1663, à Elisabetha Koopmann (1647–1693), il trouve pendant les vingt-quatre dernières années de sa vie une collaboratrice précieuse. La très jeune femme trouve ainsi la chance de concrétiser son propre intérêt pour les objets célestes. Elisabeth Hevelius fera paraître en 1690, après la mort de son mari, le catalogue de auquel elle contribue et qui est la grande œuvre d'Hevelius. Elle est considérée comme la première astronome, dont les travaux nous sont parvenus.  Le Johannes Hevelius est reçu à la Royal Society.  En il accueille chez lui Edmond Halley, qui a alors et qui voyage à travers l'Europe. Ils travaillent un mois ensemble.

Fin de vie.

Le, un feu détruit une grande partie de son observatoire, de ses instruments et de ses livres. Il répare les dommages à temps pour observer la grande comète de décembre 1680. Mais cette catastrophe, qu'il décrit en 1685 dans la préface de son "Annus climactericus", a affecté sa santé. Hevelius meurt en 1687, l'année même où Newton publie ses "Principia". Sa tombe se trouve dans l'église — alors luthérienne — de Sainte-Catherine à Dantzig.

Réalisations (sélection).

Ouvrages.

Les ouvrages d'Hevelius sont en latin.

Instruments.

À son époque (la liste de ses correspondants réunit des noms illustres) et à la nôtre (établissement du minimum de Maunder), Hevelius, le « visionnaire du réel » (Hugo), doit sa renommée à la qualité de ses instruments et de ses observations.  Le rayonnement d'Hevelius aurait été moins grand sans la qualité de ses instruments : il les construisait souvent lui-même, les avait pour la plupart chez lui et était — grâce à sa fortune — son propre éditeur ; il était son propre dessinateur, et souvent son propre graveur. Certaines de ses gravures peuvent être publiées pour leur propre beauté.  C'est à ses instruments, non à ses observations, qu'il doit les controverses auxquelles il a été mêlé, avec Robert Hooke, avec Adrien Auzout ; en effet, Hevelius était, en termes modernes, un peu « conservateur » en ce qui a trait aux instruments ; il est peut-être d'ailleurs le dernier astronome à avoir privilégié l'observation à l’œil nu. Il doit à cette particularité la visite chez lui de Halley ; mais Halley porta témoignage que les instruments d'Hevelius donnaient — à l'époque — d'aussi bons résultats que les instruments plus modernes.  Tout le premier tome de "Machina coelestis" — et c'est un choix délibéré — est consacré à la description détaillée de ses instruments.

Correspondance.

On n'a aujourd'hui qu'une vue fragmentaire de la correspondance d'Hevelius. Hevelius lui-même en a publié au moins quatre, plus une sur la comète de 1672. À l’observatoire de Paris se trouvent les collectées par Joseph-Nicolas Delisle au et numérisées sur le site de la bibliothèque. La correspondance tient en et couvre les années 1630–1686. Un projet international est consacré à sa publication. Hevelius lui-même avait préparé des copies de ses lettres pour l'impression ; elles tiennent en onze volumes et se trouvent à la Bibliothèque nationale de France.  En 1726, l’astronome et cartographe Joseph-Nicolas Delisle, appelé en Russie par, acquiert en passant par Dantzig la correspondance et les journaux d’observations d’Hevelius. À son retour en France en 1747, il échange ses collections, dont les lettres d'Hevelius, contre une rente viagère et le titre d’astronome de la marine.  La partie astronomique de cette acquisition passe à la fin du à l’observatoire de Paris. C'est là que le comte Libri dérobe un nombre considérable de lettres au milieu du ; notre connaissance en souffrira sans doute toujours.

Bibliographie.

Sur la vie d'Hevelius, il faut d'abord consulter son autobiographie () dans "Machina coelestis".

Johannes Hevelius (dans la plupart des langues), ou Jan Heweliusz (en polonais), né et mort à Dantzig (aujourd'hui Gdańsk ; – ), est un astronome qui, dans l'histoire de sa discipline, se place entre Galilée et Newton.


Origines.

La propolis végétale désigne une série de substances résineuses, gommeuses et balsamiques présentes sur les végétaux. Les principales essences d'arbres produisant de la propolis sont des conifères (écorce des pins, sapins, épicéas) et les bourgeons de plusieurs espèces d'aulnes, de saules, de bouleaux, de prunier, de frênes, de chênes et d'ormes, de peupliers (qui semblent être la source la plus importante) et du marronnier d'Inde.  La propolis des abeilles est un complexe fabriqué par l'abeille à partir de ses sécrétions et de la propolis végétale qu'elle a récoltée. L'ouvrière transporte la résine translucide et visqueuse dans les corbeilles de ses pattes arrière (de la même façon que le pollen). Ces pelotes sont d'une couleur allant du jaune-clair au vert-brun. Celles-ci ne sont pas stockées dans les alvéoles mais utilisées aussitôt par les maçonnes. Ces dernières les modifient par l’apport de leurs propres sécrétions (cire et sécrétions salivaires principalement), et l'appliquent au besoin. Plus l'endroit est chaud, plus le pourcentage de cire est important, la propolis étant visqueuse et collante aux alentours de et devenant dure et cassante avec le froid ou le vieillissement. Il est donc logique de retrouver une propolis plus concentrée au niveau du trou d'envol et sur la tête des cadres.

Composition.

La propolis recueillie dans la ruche est constituée globalement de :  Cette propolis contient également beaucoup d’autres éléments comme des acides organiques, de très nombreux flavonoïdes, des oligo-éléments, de nombreuses vitamines. Il contient également du parabène, dont les propriétés antibactérienne et antifongique aident à lutter contre les pathogènes dans la ruche.  Il existe différentes variétés de propolis et la composition de la propolis est extrêmement variable et complexe. Plus de 300 composants différents ont été identifiés.

Récolte.

Une colonie produit entre de propolis par an. Le travail de récolte est donc souvent fastidieux et les opérations de purification très délicates.  Pour certains apiculteurs, la propolis est une gêne. Parfois, certains prennent la peine de la recueillir lors du nettoyage des cadres. Cette propolis brute de raclage nécessite d'être épurée car elle peut contenir de la cire, du bois et des morceaux d'insectes. Chez certains apiculteurs amateurs qui ouvrent rarement leurs ruches, elle peut être assez vieille et dégradée.  La propolis de raclage peut également contenir des morceaux d'abeilles. Ce dernier élément confère à la propolis de grattage, une plus-value sur le plan de ses qualités bio-apithérapiques. En effet, utilisée par les abeilles pour ce travail d'embaumement, la propolis de grattage présenterait des qualités anti-bactériennes supérieures à la propolis de grille.  La propolis de grille est essentiellement employée par l'abeille comme matériau de construction, et non comme protection anti-bactérienne, son efficacité sur ce plan n'étant pas prioritaire pour l'abeille.  Pour une récolte plus rentable, il est préférable d'utiliser des grilles à propolis constituées de nombreux interstices que l'abeille va chercher à combler. Cet outil se place sur la tête des cadres, souvent après la récolte (la température aura baissé, la propolis sera moins concentrée en cire, plus abondante et nouvelle). Il suffira ensuite de placer cette grille au froid, la propolis devenant cassante, une torsion de l'outil dégagera les petits morceaux.

Transformation.

Cet extrait récupéré contient des flavonoïdes (majoritairement représentés) et des composés phénoliques et aromatiques divers.

Utilisations.

par les abeilles.

Dans la ruche, la propolis a de multiples usages. C’est un mortier qui sert au colmatage des fissures ou interstices, à l'étanchéité contre l'humidité et le développement des moisissures, au renforcement de rayons ou parties défectueuses de la ruche et à la protection de la colonie par la réduction de l'entrée de la ruche. C’est également un vernis aseptisant déposé en fine couche à l’intérieur des cellules avant la ponte de la reine, ou pour lisser les parois intérieures de la ruche. Elle sert aussi à momifier les animaux intrus morts (rats et souris par exemple), trop gros pour être évacués par les abeilles, évitant ainsi leur décomposition.

par l'être humain.

À l'état brut, la propolis peut se mâcher directement après prélèvement, mais généralement, on la prendra sous d'autres formes. Elle sera naturellement très propre avant de servir dans une préparation.  La propolis peut être mise en vente à l'état brut, en extrait concentré ou en teinture-mère par certains apiculteurs disposant des autorisations nécessaires.

Dans l'Antiquité.

La propolis servait comme produit d'embaumement dans l'Égypte antique. Elle faisait aussi partie de la pharmacie ambulante des soldats romains lorsque ceux-ci partaient au combat. Au, la propolis était utilisée pour cicatriser les blessures de flèches.

Propriétés thérapeutiques.

La propolis est le plus souvent commercialisée par des firmes pharmaceutiques (médecine humaine ou vétérinaire).  La propolis brute ou sous forme de teinture-mère est un anti-infectieux (antibiotique, antifongique).  En usage interne, elle serait utilisée sous forme de teinture-mère ou sous forme d'extrait sec en oto-rhino-laryngologie. Sous cette même forme, on l'emploierait en stomatologie. Enfin, en usage externe, on l'emploie en dermatologie pour.  La propolis contient notamment un composé, phénéthylester d’acide caféique (CAPE). D'après une étude du Centre de prévention contre le cancer, ce composé posséderait des propriétés antimitogène et anticancérigène, et pourrait ralentir la croissance de cellules de cancer de la prostate humaine.  La propolis peut entrainer des réactions allergiques ou d'autres réactions indésirables chez certaines personnes.  Chauffer prudemment pour obtenir un mélange homogène. Après, l'enduit s'applique à chaud sur le bois. Laisser sécher et polir.

Légendes.

La rumeur très répandue selon laquelle l'Italien Stradivarius utilisait la propolis pour vernir certains de ses violons a été clairement et scientifiquement contredite en 2009.

La propolis désigne à la fois une matière résineuse produite par certains végétaux et un matériau complexe fabriqué par les abeilles à partir de cette résine végétale et de cire. Les abeilles utilisent leur production comme mortier et anti-infectieux pour assainir la ruche.


Biographie.

En 1093, à l'âge de treize ans, elle épouse Henri de Bourgogne, et reçoit de son père le comté de Portugal en dot. Avec Henri, régent du comté pendant sa minorité, elle a plusieurs enfants mais seul Alphonse Henriques, futur Alphonse de Portugal, survit et atteint l'âge adulte parmi les mâles issus de ce premier mariage.  Après la mort d'Henri, en 1112, elle règne seule, suivant la même politique d'autonomie de son mari face à Rome et au León. Elle s'allie pour cela aux Galiciens, réclamant le royaume de Galice comme sa part d'héritage paternel à sa sœur la reine Urraque de Léon, leur seul frère mâle étant mort jeune. Les couronnes étaient encore des fiefs personnels partagés entre les enfants mâles à cette époque, ou bien divisées entre les filles en l'absence de mâles, ce qui était le cas. Pour soutenir ses prétentions dans la succession de son père, elle se remarie avec un Trastamare, le comte de Trava, le plus puissant seigneur de Galice, et lui confie la défense militaire du comté de Coimbra, au sud du Portugal, menacé par les Musulmans. Sa sœur ainée, Urraque de Léon et Castille, se remarie brièvement, pour le même motif, avec le roi d'Aragon ; elle était en effet contestée comme successeur par son fils Alphonse VII de Castille et León, élevé en Galice ou il régnait depuis son bas âge.  Devant l'influence galicienne au Portugal et l'antagonisme entre l'archevêque de Braga, primat de l'ancien royaume suève, et l'archevêque de Compostelle Diego Gelmírez, qui à la même époque répand le bruit de la « trouvaille » des reliques de Saint Jacques chez lui, enrichissant de cette façon, que quelques-uns disent sans scrupule, brutalement son diocèse, en créant le pèlerinage et ses chemins, et refusant d'obéir à la cathédrale de Braga, la noblesse portugaise s'insurge et choisit comme son chef le fils de la comtesse, qui leur avait été confié pour son éducation de chevalier, suivant l'usage de l'époque parmi la noblesse et la royauté portugaises.  Le second (certains parlent même de troisième) mariage de la reine de Portugal lui pose un problème politique, puisque son nouveau mari, divorcé ou veuf à cette époque, était le frère de son amant ou de son mari antérieur (selon les sources). Ce même frère du comte de Trava rejeté par la reine sera compensé par le mariage avec l'une des infantes, filles du premier mariage de la reine, donc avec une sœur à part entière du futur roi Alphonse I Henriques. Ce frère-là ayant vécu comme mari et femme avec la reine, devenue sa belle-mère, on pouvait ne pas considérer comme légitime le remariage de celle-ci avec un beau-frère Trava qui, du point de vue spirituel, était tenu comme son frère à part entière, avec inceste en cas de rapports sexuels, par l'Église romaine.  Le cas est pourtant courant encore à cette époque, entre le peuple et la noblesse, qui gardait le droit de répudier, tenant pour légitimes les enfants issus de ces mariages postérieurs. On pense parfois, même, que ceci fut le cas de la naissance de Thérèse qui s'est toujours déclarée enfant légitime, et qui pourtant, comme les filles de son second mariage, seront plus tard dites « bâtardes ». Car Thérèse de Portugal a vécu justement au moment de transition sociale et canonique où l'Église de Rome cherche à imposer le mariage religieux réalisé en présence d'un prêtre, et non plus seulement par les vœux présentiels des fiancés comme jusque-là. Le pouvoir alors réclamé par Rome sur la dissolution des mariages, et sur les dispensations de parenté entre les fiancés pour que les mariages puissent être reconnus par le nouveau droit canon est dès lors une nouvelle arme dont disposera le pape pour affirmer son autorité sur les cours européennes, et même choisir les partis les plus convenables à ses yeux pour succéder dans les divers fiefs et royaumes, où elle cherchait surtout depuis Alexandre II à imposer la suprématie du pouvoir ecclésiastique sur le pouvoir temporel de l'empereur et des autres souverains.  Devant la révolte des barons portugais opposés à l'alliance galicienne, la mère et le fils entrent rapidement en guerre ouverte. Thérèse est battue à la bataille de São Mamede en 1128 et s'exile en Galicie avec son second mari et les infantes ses filles, issues du second mariage. Là, elle va fonder un couvent où elle meurt en 1130. Contrairement à la légende, les relations familiales entre le nouveau roi, la reine sa mère, le comte son mari et les infantes ses demi-sœurs sont demeurées bonnes.

Généalogie.

Cette princesse, souvent appelée du nom d'un des divers royaumes de son père, dont le principal à cette époque était le Léon, doit pourtant plus correctement être connue du nom du fief qui lui appartenait en propre, et sur lequel elle a régné : Thérèse de Portugal. Luís de Mello Vaz de São Payo a établi la descendance suivie de la reine de Portugal et de son père Alphonse VI de Léon et Castille des anciens comtes souverains de Portugal, comme petite-fille d'Elvira Mendes de Portugal, reine de Léon par son mariage. Ainsi, la famille royale du Portugal est la descendante de l'ancienne famille comtale de Portugal, de par les rois de Léon. Car à Alphonse VI de Léon, Galice, Portugal et Castille ont échu trois des quatre couronnes de chacun de ses quatre royaux grands-parents : le Léon, la Galice (qui avait la dignité de royaume), la Castille (qui avait la dignité de comté), le Portugal, et la Navarre, aussi un royaume. À noter toutefois qu'Alphonse avait partagé ces couronnes comtales et royales avec ses frères, les rois García II de Galice (qui conquit le Portugal à son dernier comte-souverain Nuno Mendes en 1078 (bataille de Pedroso) et s'appela après roi de Galice et de Portugal), et Sanche II, roi de Castille. Pour s'approprier les couronnes de ses frères, il dut lutter contre eux, tuant l'un et faisant prisonnier à vie l'autre, que certains disent avoir été assassiné par empoisonnement.  Le partage des couronnes, comme fiefs personnels, sera pratique courante aux royaumes de Léon et de Castille (mais pas au Portugal) jusqu'au. Les infants cadets de Portugal continueront de porter officiellement le titre de roi et de reines de Portugal, selon l'usage du droit germanique des Suèves et des Wisigoths, jusqu'à Alphonse II. Les infantes-reines, tout comme leurs frères les infants-rois, étaient appelées à signer et confirmer les papiers royaux officiels, comme héritières de la couronne portugaise en cas de décès de leurs frères. Elles n'ont pu se marier qu'après la succession mâle bien établie, car elles ont toujours gardé leur droit de succéder à la monarchie issu de leur arrière-grand-mère Thérèse de Portugal.

Thérèse de León (v. 1080- ), fille illégitime du roi Alphonse VI de León et Castille est comtesse régnante du Portugal. Elle est la mère du premier roi de Portugal Alphonse Ier.


Historique.

Naissance.

Marie Tussaud né Grosholtz, est née le à Strasbourg. Son père, Joseph Grosholtz, bourreau et soldat, meurt durant la Guerre de Sept Ans, deux mois avant sa naissance. Devenue veuve, sa mère se relocalise avec son enfant à Berne, où elle travaille comme femme de ménage pour Philippe Curtius, un médecin reconverti en artiste-sculpteur sur bois. Le médecin prend la petite Marie sous son aile et la forme à la sculpture en cire. Curtius est appelé à la cour de France et réalise en 1765 un portrait de Marie-Jeanne du Barry, maîtresse de Louis XV. Le médecin fait venir Marie avec sa mère en 1767 et l'emploie dans ses nombreuses réalisations en cire dont sa première exposition en 1770, qui en raison de son succès déménage en 1776 au Palais-Royal. En 1782, il ouvre une seconde exposition nommée la « Caverne des Grands Voleurs » sur le Boulevard du Temple, c'est le précurseur de la chambre des horreurs.  Marie Grosholtz réalise ses figures à partir de 1777 avec celle de Voltaire, suivie en 1778 par celles de Jean-Jacques Rousseau et Benjamin Franklin. Mais elle est prise dans le tumulte de la Révolution française, et se voit condamnée à la guillotine pour ses relations avec la noblesse. Graciée en raison de ses talents, elle est alors employée pour réaliser les masques mortuaires de révolutionnaires assassinés (Marat...) et de décapités, dont certains de ses amis. Curtius lègue à sa mort en 1794 sa collection de figures en cire à Marie.  Le à Paris, elle épouse François Tussaud, ingénieur civil, et de cette union sont conçus trois enfants : une fille morte-née, et deux garçons, Joseph (1798-), puis François. Avec l'instauration de la Paix d'Amiens en 1802, elle part avec son fils aîné âgé de 4 ans en Angleterre pour présenter sa collection, mais en 1805, la guerre de la Troisième Coalition la bloque en Angleterre. Elle poursuit alors ses présentations itinérantes à travers la Grande-Bretagne et l'Irlande.  Le second fils de Marie la rejoint en 1822, profitant d'un relâchement des tensions. En 1835, Marie sédentarise sa collection et ouvre sur Baker Street à Londres le "Baker Street Bazaar". L'une des principales attractions de ce musée est la Chambre des horreurs, qui présente en deux parties les victimes de la Révolution française et les meurtriers. Le nom de cette section est donnée en 1845 par un contributeur du magazine "Punch". D'autres personnalités sont ajoutées à l'exposition comme Horatio Nelson et Walter Scott. En 1842, Marie réalise un autoportrait qui est encore présenté à l'entrée du musée. Elle meurt en 1850 à l'âge de 88 ans.

Une attraction touristique.

Le musée déménagea en 1884 vers son emplacement actuel sur "Marylebone Road".  En 1925, un incendie détruisit de nombreuses figurines mais les moules avaient été épargnés et de nombreux portraits de personnages historiques furent recoulés. En 1926, la société Tussauds Group est fondée pour gérer le musée Madame Tussauds.  Le musée de cire prit de l'importance et devint un site touristique majeur de Londres, englobant l'ancien Planétarium de Londres, située dans l'aile ouest du bâtiment. (Le Planétarium fut ouvert par le duc d'Édimbourg en 1958 et cessa de montrer les projections du ciel à nuit en 2006. Aujourd'hui, l'observatoire royal de Greenwich abrite le seul planétarium à Londres.)  Au cours des années le musée ouvrit plusieurs autres sites en dehors de Londres dont Amsterdam, Las Vegas, New York, Hong Kong et Copenhague. Les musées prirent le nom de "Madame Tussauds" (sans apostrophe) et contrôlé par le Tussauds Group.  En 1978, le groupe Tussauds, dont les seules possessions étaient les musées Madame Tussauds, est racheté par "S. Pearson and Son", devenu ensuite Pearson PLC. Diverses acquisitions sont alors réalisées jusqu'à l'achat du parc Alton Towers en 1990.  En 2005, le fonds d'investissement Dubaï International Capital (DIC) achète le Tussauds Group pour 1,5 milliard de $ à Charterhouse Capital Partners (£800 millions de livres). En 2006, le groupe Tussauds annonce que le musée de Londres va s'agrandir en transformant le planétarium mitoyen en un auditorium présentant un spectacle conçu par le studio Aardman Animations.  En, le groupe est acheté pour 1 milliard de livres par Merlin Entertainments, détenu majoritairement par le fonds d'investissement Blackstone Group. Le même mois, le musée de Londres accueille l'effigie de l'acteur Daniel Radcliffe, qui devient à 18 ans le deuxième plus jeune artiste à avoir sa statue de cire chez Madame Tussauds après la fille de Brad Pitt et Angelina Jolie, Shiloh Nouvel Jolie Pitt.  Elle est l'une des attractions touristiques d'Europe à avoir été distinguée par un Thea Classic Award, décerné par la Themed Entertainment Association.

Musées Louis Tussaud, Josephine Tussaud, Antoinette Tussaud.

Des descendants de Madame Tussaud, Louis Joseph Kenny Tussaud (né en 1869 à Londres, mort en 1938 à Hendon), lui aussi modeleur de cire, son arrière petit-fils et Josephine Tussaud (1900-1985), son arrière arrière petite-fille, ont ouvert des musées ou vendu leurs noms sous franchise à des musées de cire. Tout a commencé avec la formation d'une société limitée en 1888 pour exploiter le musée de Madame Tussaud. La société a été rachetée par des investisseurs privés qui n'appartenaient pas à la famille Tussaud en 1889. Les nouveaux actionnaires ont nommé John Theodore Tussaud, le frère de Louis, directeur du musée de Madame Tussaud. Louis Tussaud, un frère et une sœur Tussaud ont quitté la nouvelle société. Le premier musée de Louis Tussaud a ouvert le au 207, Regent street à Londres mais a disparu dans un incendie le. Il a par la suite mis en place une exposition itinérante puis s'est fixé à Blackpool gérée par la société Louis Tussaud's Waxworks (Blackpool) Limited. Immédiatement après sa mort en 1938, la société Louis Tussaud's Waxworks (Brighton) Limited est formée pour gérer le musée de Brighton et d'autres musées ont porté son nom. En 1959, un musée Louis Tussaud a ouvert à Niagara Falls sous la direction de Josephine Tussaud. Ripley Entertainment a acheté la marque Louis Tussaud en 1963 et au même moment des musées Josephine Tussaud ont ouvert aux États-Unis et Canada. Un musée Josephine Tussaud subsiste dans l'Arkansas et 5 musées Louis Tussaud à travers le monde. Antoinette Tussaud (arrière-arrière-arrière petite-fille de Madame Tussaud) possédait un musée à Brighton et un autre à Southend. Ces musées n'ont aucun rapport avec les musées du groupe Tussaud. The Tussauds group a depuis ses débuts tenté d'empêcher les descendants et les homonymes de Madame Tussaud d'utiliser le nom Tussaud (exemple : le procès "Tussaud contre Tussaud" en 1890).

Musées Louis Tussaud.

Angleterre :  États-Unis :  Danemark :  Canada :  Inde :  Thaïlande :

Musées Josephine Tussaud.

Canada (filiales de Josephine Tussaud Ltd.) :  États-Unis (filiales de Josephine Tussaud Inc.) :  Pays-Bas :

Madame Tussauds est un musée de cire fondé en 1835 à Londres par l'artiste française Marie Tussaud. Des musées Madame Tussauds existent aussi dans plusieurs villes d'Europe (Berlin, Amsterdam, Vienne, Blackpool, Istanbul, Prague) ; des États-Unis (Las Vegas, New York, Nashville, Washington, Hollywood) ; d'Asie (Shanghai, Hong Kong, Bangkok, Singapour, Tokyo) et d'Océanie (Sydney).


Origine.

Le cultivar a été obtenu par un semis chanceux de Ribston Pippin vers 1825 à Colnbrook en Angleterre par un horticulteur à la retraite nommé Richard Cox. Le même semis donna une autre variété de choix nommée 'Cox's Pomona'.  La variété (aussi appelée "Reinette orange de Cox" ou simplement "Orange de Cox") fut commercialisée vers 1850, obtint des récompenses de la Société royale d'horticulture de Londres en 1854 et 1858 puis fut cultivée à grande échelle vers 1860, particulièrement dans la région de Kent. Un grand nombre de mutants de la Cox ont été découverts par la suite : Crimson Cox, King Cox, Queen Cox.  Selon l', la Cox's Orange Pippin représente plus de 50 % des pommes de table vendues au Royaume-Uni.

Description.

Le fruit de taille petite à moyenne est rouge orangé. La chair tend vers le jaune, elle est juteuse, parfumée et légèrement acidulée avec un goût proche de celui de la poire. Cette variété est surnommée "la reine des pommes".  Comme la 'Grelot' et la 'Pépin sonnant', on peut entendre bouger les pépins d'une Cox lorsqu'on la secoue car ils ne sont pas bien "accrochés" à la pomme.  Elle est disponible d'octobre à décembre.

Parenté.

Descendants :

Pollinisation.

Le pommier reinette Cox's Orange Pippin atteint la pleine floraison 1 jour après Golden Delicious.

Maladies, résistances et susceptibilités.

Ce cultivar de pommier domestique est sensible :  très sensible :  et aussi affecté par :  Les trop nombreuses susceptibilités rendent ce cultivar inapproprié aux petits jardins familiaux où les traitements chimiques ne sont pas systématiques.

Culture.

L'arbre est de faible vigueur et doit donc plutôt être cultivé sur porte-greffe nain (M9) qu'en haute-tige. Il apprécie un climat plutôt doux humide (type Anglais) et ne supporte pas le gel. Il met à fruit assez rapidement mais donne une production moyenne et le plus souvent seulement une année sur deux (alternance).  Les semis de pépins de 'Cox' sont réputés hériter de la précocité de mise à fruit de cette variété.

Cox's Orange Pippin (parfois abrégé en Cox orange) est comme le nom l'indique ("Pippin") une pomme de reinette. Cette variété est depuis plus d'un siècle une des cinq variétés les plus utilisées par les obtenteurs pour créer de nouvelles variétés. En effet, 64 %, des 439 variétés commerciales étudiées par Noiton et Alspach en 1996 utilisent depuis plus d'un siècle seulement cinq géniteurs (Mc Intosh (101 cultivars), Golden delicious (87 cultivars), Jonathan (74 cultivars), Red delicious (56 cultivars) ou Cox's Orange Pippin (59 cultivars), respectivement quatre américaines et une anglaise) ou leur descendance.


Biographie.

Fille de Pierre III d’Aragon (vers 1239-1285) dit « "le Grand" », roi d’Aragon et de Sicile, et de Constance II de Sicile (1248-1302), Élisabeth était la petite-nièce de sainte Élisabeth de Hongrie dont elle portait le prénom.  Elle épousa, le à Trancoso, Denis I (1261-1325), sixième roi de Portugal (de 1279 à 1325), fils d’Alphonse III (1210-1279) et de Béatrice de Castille (1242-1303) surnommé ""Le Grand"", roi compétent et musicien.  De cette union sont issus deux enfants :

Une reine modèle.

La reine était un modèle d'humilité, elle s'attacha à être une bonne épouse, ne tenant pas rigueur à son époux de ses infidélités et se chargeant même de l'éducation de ses enfants illégitimes.  C'était une bonne mère, elle intervint lorsqu'à deux reprises son fils se révolta et prit les armes contre son père afin de les réconcilier.  C'était aussi une bonne reine, elle chercha continuellement à être aimée par ses sujets en pratiquant très généreusement la charité.

Le miracle des Roses.

La reine fut dénoncée pour ces « dissipations du trésor royal » qu'elle dépensait en aumônes et soins auprès des indigents.  Bien que le roi, soucieux des finances de l'état, lui ait interdit de dépenser ainsi son argent, toute à ses devoirs de chrétienne, elle n'en continuait pas moins à secourir ceux qui avaient besoin de sa charité.  Surprise un jour d'hiver par le roi, elle n'eut que le temps de cacher sa bourse sous son manteau. Le roi lui demanda avec autorité ce qu'elle dissimulait sous son manteau. La reine répondit que c'était des roses pour garnir l'autel de la chapelle quelle avait fait construire.  Le roi répliqua qu'il n'y avait de roses en janvier et lui intima l'ordre de se découvrir immédiatement et de lui confier l'objet suspect. La reine subit sans ciller cette humiliation et devant la suite royale ouvrit son manteau laissant apparaître un magnifique bouquet de roses. Le roi, y reconnaissant un acte surnaturel, se repentit et laissa à sa femme toute liberté de gérer elle-même ses actes charitables.  Légendaire ou historique, cet épisode de la vie de la reine du Portugal sert surtout à montrer la générosité de la souveraine à une époque où les classes sociales étaient cloisonnées. Le même genre de récit se trouve dans la vie d'une souveraine qui elle aussi s'était attachée à saint François d'Assise, Élisabeth de Hongrie et à sainte Germaine Cousin.

Une fin édifiante.

Après la mort de son mari, elle se retira dans un couvent de clarisses, second ordre franciscain, à Coimbra et y mourut en 1336 en odeur de sainteté. Depuis la création en 1819 du diocèse de San Cristóbal de La Laguna a également appelé "diocèse de Tenerife" (îles Canaries), Saint Élisabeth est co-patrona de la même et la cathédrale du diocèse par Bula du pape Pie VII.  Elle fut canonisée en 1625 par le pape Urbain VIII alors que le Portugal est rattaché à la couronne espagnole sous le règne de Philippe IV d'Espagne.  La reine Élisabeth est listée dans le sanctoral catholique romain, sous l'appellation « "Élisabeth de Portugal" ». Sa fête est fixée au 4 juillet.

Culture populaire.

Le personnage d’Élisabeth du Portugal a inspiré une pastorale souletine en 1750.

Élisabeth d’Aragon (Saragosse, - Estremoz, ) est une reine du Portugal, épouse du roi Denis et reconnue sainte par l’Église catholique. Sa fête est le 4 juillet.


Historique.

Le projet initial de l’armée demandait en un chasseur capable d’atteindre, capable d’atteindre une altitude de en 5 minutes, un rayon d’action de et un armement de 2 mitrailleuses de. En outre, la maniabilité devait être au moins aussi bonne que celle du Ki-27 (une référence en la matière).  Nakajima fit voler un an plus tard le premier prototype. L’appareil fut rapidement mis au point par les ingénieurs de l'entreprise dont Hideo Itokawa et les performances avec le moteur Ha-25 de 14 cylindres en double étoile de 925ch et une hélice bipale à calage fixe atteignirent les objectifs, mais les pilotes d’essai de l’armée n'étaient pas satisfaits de la maniabilité. Ils estimaient que le train rentrant était un luxe inutile et que son surpoids limitait les performances en combat.  À noter que le moteur Ha-25 était le frère jumeau du NK1C Sakae 12 que la Marine utilisait sur le Zéro.  Ce moteur fut renommé [Ha-35] 12 dans la désignation unifiée inter-armes de la fin du conflit.  Cependant, l'armée, confiante dans le programme, appuya le développement et des prototypes reçurent un armement de 2 mitrailleuses de capot de ainsi que le moteur Ha-105 de : la version à compresseur à deux étages du Ha-25 – soit [Ha-35] 21 – ainsi qu’un cockpit semblable aux exemplaires de production. Des volets de combat furent installés sur des ailes de plus grande surface. Les performances en maniabilité étaient enfin jugées bonnes par les pilotes d’essai.

Le Ki-43-I.

L'armée jugea le prototype bon pour le service et ordonna la production sous le nom de « Chasseur de l’armée Type 1, modèle 1a » (soit Ki-43-Ia) et 一式戦闘機. Le moteur était le Type 99 en étoile de, version de série du Ha-25 taré à au décollage. L’hélice fut rapidement remplacée par un modèle à deux pas.  Les et Sentai (escadres du Service aérien de l'Armée impériale japonaise) furent envoyées en Chine pour essais en conditions réelles.  La version -Ib apparut rapidement avec une des mitrailleuses Type 89 de capot remplacée par une mitrailleuse Type 1 (Ho-103) de.  La version -Ic avait deux mitrailleuses de.  Le Ki-43 devint rapidement la terreur des P-40 et des P-39 du fait de sa maniabilité stupéfiante et du très bon niveau des pilotes de l'armée au début de la guerre. Plus léger et moins cher que l’A6M2 de la Marine, le Ki-43 se comportait bien au combat malgré son armement léger et sa structure fragile. Le Ki-43 fut codé "Oscar" dans le Pacifique et "Jim" en Chine avant que les services de renseignement US comprennent qu’il s’agissait du même avion. Seule la dénomination "Oscar" survivra. Les Japonais l'appelaient "Hayabusa" : 隼 « faucon pèlerin ».

Le Ki-43-II.

En apparut le Ki-43-II. C’était un Ki-43-I équipé du moteur de Type 1, plus connu sous le nom de Ha-115 et d’une hélice tripale à vitesse constante. Comme pour le "Zéro" avec le passage au même moteur sur l’A6M3, le cône d'hélice et surtout le capotage moteur furent redessinés car l’entrée d’air du compresseur était au-dessus du moteur et non plus au-dessous. De plus, le deuxième étage du compresseur était plus long. Les ailes furent légèrement re-dessinées avec moins d’envergure. Une protection sommaire du pilote (plaque dorsale d’acier + appui-tête blindé) et des réservoirs doublés furent installés. Des modifications mineures apparurent avec la version -IIb : radiateur d’huile, écope de carburateur modifiés, déplacement des attaches de réservoirs et de supports de bombes à l’extérieur du train. L’armement restait le même que la version -Ic.

Le Ki-43-II KAI.

La version suivante fut le Ki-43-II-KAI ("Kaizo" : 改 signifiant « modifié »), elle utilisait des pipes d’échappement propulsives pour améliorer légèrement la vitesse. Des modifications invisibles au niveau de l’assemblage furent appliquées.

Le Ki-43-III.

Il fallait encore augmenter les performances du Ki-43-II. Aussi, le moteur Nakajima Ha-115-II taré à au décollage et à fut installé. La vitesse maximale passa de 530 à.  Cette version, le Ki-43-IIIa fut produite entre et par Tachikawa. Malgré ces améliorations, elle était alors complètement dépassée par les appareils alliés comme par les nouveaux avions Japonais (Ki-61, Ki-84, Ki-100).

Le Ki-43 au combat.

Le Ki-43 ayant combattu sur tous les fronts de l'Empire du Japon, du premier au dernier jour de la guerre, ses résultats au combat dépendent de l'intensité de l'opposition qu'il eut, et variaient selon les théâtres d'opération et de l'époque. Ainsi, il eut un certain avantage sur les forces alliées en Birmanie avec plus d'une victoire pour chaque perte grâce au 50 et Sentai, le à lui seul obtint sur l'ensemble de la guerre environ 300 victoires pour 200 pertes.  En Chine, avec le Sentai de Toshio Sakagawa, les pertes étaient de 1 pour 1 contre les escadrilles de l'USAAF qui remplacèrent l'AVG. Sur ce front, les pilotes japonais sont connus pour enlever l'appui-tête blindé dans le cockpit pour mieux voir et... alléger l'appareil.  En Nouvelle-Guinée avec le Sentai de Shigeo Nango notamment, le ratio en victoires/pertes semble avoir été également de 1 pour 1 en combat malgré une infériorité numérique pour les Japonais particulièrement marquée, la majorité des Ki-43 détruits sur ce front l'étant au sol à tel point que de nombreuses unités furent dissoutes sur place comme le Sentai.  Cette supériorité numérique américaine se retrouve ensuite aux Philippines, où la majorité des escadrilles japonaises équipées de Ki-43 étaient constituées de pilotes fraîchement formés, tout juste arrivés du Japon, et dont les effectifs furent décimés en quelques jours. L'as américain, Thomas McGuire, trouve la mort sur ce front du fait d'un Ki-43 isolé qu'il attaquait avec trois ailiers.  Dans la défense du Japon, l'appareil se révélera inapte à intercepter les B-29 et sera dans le même temps massivement utilisé par les kamikazes de l'armée vers Okinawa.  Aussi, bien que des historiens aient décrété que cet appareil fût inférieur au Zéro de la Marine, il semble bien qu'il ait eu plus de succès au combat que ce dernier (Ki-43 Oscar aces of WWII, Osprey). Le Ki-43 n'avait clairement pas la puissance de feu du Zéro mais un minimum de protection qui pourrait expliquer que ses pilotes survécurent mieux que leurs homologues en Zéro, les Ki-43 se battirent en outre en partie sur des fronts dit « secondaires » pour les alliés, l'effort principal étant porté dans le Pacifique par les Américains, zone quasi-exclusive de la Marine. Ils eurent ainsi une fréquence de combat moins importante que les marins en Zéro, ce qui se traduit par des palmarès moins importants pour les as de l'armée en comparaison de ceux de la Marine. Reste que Thomas McGuire (38v), Neel Kearby (22v) et Thomas Lynch (20v), 3 pilotes parmi les meilleurs as de l'USAAF ont été abattus par des Ki-43.  Très paradoxalement, le Ki-43 ne semble guère très connu aujourd'hui, y compris au Japon, alors qu'il était l'avion le plus connu auprès des Japonais durant le conflit. Des chansons tels que Hayabusa Sento-Tai étaient très populaires auprès de la population japonaise. Le Zéro était au même moment pour ainsi dire inconnu, car resté relativement secret, mais les Américains ayant voué une admiration désespérante pour le Zéro au début du conflit, c'est ce chasseur qui fut considéré comme le chasseur japonais pour les Occidentaux, et par extension, par les Japonais "a posteriori". Le Ki-43 fut par ailleurs souvent confondu avec le Zéro, tout appareil japonais monomoteur étant un Zéro pour les pilotes alliés au début du conflit. Il en résulte encore aujourd'hui une certaine ignorance et un étonnement quant aux réservoirs auto-obturants et blindage (pour le modèle II) présents sur ce chasseur. Il était tout simplement le premier chasseur nippon à être équipé de ces éléments. Les deux canons HO-103 de qui équipent la plupart des appareils forment un armement relativement modeste, bien que la version IJA fût dotée de 2 canons de, tirant des obus explosifs.

Projets.

Pour améliorer les performances, la société Tachikawa qui construisait déjà le Ki-43-II et le –IIIa décida d’adapter le moteur Mitsubishi Ha-112 ou [Ha-33] 42 (ou encore Kinsei 42 pour la Marine) 14 cylindres en double étoile de au décollage. L’armement de cette variante subit enfin une évolution notable puisqu’il passait à 2 canons Ho-5 de.  Seulement 2 prototypes furent construits pendant l’été 1945.

Couleurs.

De nombreux types de camouflage furent appliqués aux Ki-43 comme aux autres avions de l'armée. Les premiers exemplaires couleur aluminium furent ensuite mouchetés de taches vertes. Sur certains avions, le dessus se trouvait uniformément vert et le dessous soit aluminium poli, soit gris clair. Des bandes jaunes d’identification sur les bords d’attaque apparurent au début de la guerre.  Des insignes d’unités souvent très voyants étaient appliqués sur le fuselage et sur la dérive. Le Ki-43 est sans doute l’appareil le plus décoré de cette période.  Il a existé un camouflage à tons marron peu répandu, utilisé en Chine.

Production.

Il fut produit à environ, tout au long de la Seconde Guerre mondiale. Équipant jusqu'à trente sentais et douze chutais.  Production des Ki-43-I : 716 exemplaires  Production des Ki-43-II et Ki-43-IIKAI : environ  Production du Ki-43-IIIa : quelques centaines d’exemplaires. Le chiffre exact est inconnu car Tachikawa n’a pas détaillé sa production de Ki-43-II et III.  Dix-sept exemplaires capturés en Indochine française furent utilisés par les Groupes de Chasse (GC) I/7 Provence et 2/7 Nice entre et février 1946 dans leur lutte contre le Việt Minh.

Le Ki-43 "Hayabusa" ou "chasseur type 1" () ou encore "Oscar" était un chasseur du Service aérien de l'Armée impériale japonaise, durant la Seconde Guerre mondiale cousin du célèbre "Zéro" de la marine. Il fut conçu à la même période selon la même philosophie et utilisait les mêmes équipements : moteur, armes, etc.


Dénominations.

Le nom vernaculaire du sureau provient de l'ancien français seu, puis seür par influence de « sur », acide, sur le latin "sabucus" ou "sambucus", désignant en latin le sureau noir, "Sambucus nigra". Ce nom latin provient probablement du grec "σαμβύκη, sambukê" qui désignait chez les Grecs une flûte ou une harpe, les tiges creuses du sureau permettant de faire de la musique.  L'espèce est aussi appelée « arbre de Judas » car c’est à la branche d’un sureau noir que se serait pendu Judas Iscariote (d'autres sources parlent d'« arbre de Judée » qui est une espèce différente).

Description.

Cet arbrisseau ou arbuste à branches souvent courbées, d'une taille ordinairement de 4 à 5 mètres, peut monter jusqu'à 8 mètres. Il est de croissance rapide, surtout dans les sols fertiles et frais. Il rejette de souche. Il est rustique. C'est une essence de lumière ou de demi-ombre. On le trouve sur un sol basique à neutre.  Son bois est assez lourd et dense (0,59-0,69), très homogène. Son écorce est vert-gris et fissurée.  Ses feuilles caduques, opposées et imparipennées sont composées de 5 à 7 folioles, à l'extrémité pointue et bord denté, un peu plus velues sur les nervures. Les feuilles ont une odeur déplaisante lorsqu'on les froisse.  Les fleurs hermaphrodites apparaissent en début d'été. Elles sont parfumées et comportent 5 étamines et 5 pétales de couleur blanc crème. Elles sont disposées en corymbes plans, de 100 à 240 mm de diamètre et apparaissent après les feuilles.  Les fruits sont de petites baies noires violacées à chair molle de 6-8 mm disposés en grappes, comportant trois graines.  Le sureau noir se multiplie facilement par semis (si les graines subissent une stratification) et par bouturage (à l'automne en utilisant une tige de 20 cm de l'année ayant commencé à se transformer en bois et comprenant une partie de la branche de l'année précédente).

Sous-espèces.

Il existe plusieurs autres espèces proches, originaires d'Asie et d'Amérique du Nord, similaires et parfois traitées comme sous-espèces de "Sambucus nigra". Le sureau bleu ou sureau mexicain, "Sambucus mexicana", est maintenant généralement reconnu comme une ou deux sous-espèces de "Sambucus nigra" subsp. "canadensis" et "Sambucus nigra" subsp. "caerulea".  Sous-espèces et variétés selon (Attention liste brute contenant possiblement des synonymes) :

Distribution.

Le sureau noir est un arbuste très répandu. On le rencontre dans les bois clairs, les haies, les terrains vagues, les dunes littorales ou encore aux abords des habitations. Il est souvent planté. C'est un familier de l'homme depuis des millénaires. Il prospère notamment dans les friches, les décombres ou les remblais.  "S. nigra" est très courant en Irlande dans les haies et sous-bois.

Interaction écologique.

Les feuilles, parmi les premières à sortir au printemps, sont recherchées par de nombreux insectes, notamment les papillons nocturnes (Sphinx du troène, Eupithécie à trois points, Phalène du Sureau) dont les chenilles se nourrissent parfois exclusivement.  Le champignon appelé « Oreille de Judas » ("Auricularia auricula-judae") est souvent trouvé sur le sureau noir.  Le puceron noir du sureau ("Aphis sambuci"), spécifique du sureau, n'ira pas sur d'autres arbres. Il effectue tout son cycle sur le sureau, hivernant sur les racines, sous forme d’œuf d’hiver. Au printemps, les adultes forment des manchons noirs sur les jeunes pousses. Ils sont souvent accompagnés de fourmis qui viennent profiter de leur miellat, leur assurant une protection en retour. Les adultes accumulent la sambunigrine contenue dans les stades jeunes des tiges, des feuilles et des fleurs, et qui les protègent naturellement de certains prédateurs comme la coccinelle à sept points – mais pas de tous : ainsi la coccinelle à deux points, "Coccinella bipunctata", est indifférente à cette "toxine".  Le bétail et les lapins délaissent l'arbre mais le blaireau européen semble l'apprécier. Le sureau noir est également un régal pour plus de 60 espèces d'oiseaux.

Toxicité potentielle.

Ses fleurs et ses baies cuites sont comestibles, mais toutes les autres parties de la plante contiennent de l'oxalate de calcium et sont donc toxiques. Le fruit non mature contient également un alcaloïde toxique. Les baies crues consommées en forte quantité peuvent provoquer nausées et vomissements chez les humains. On doit interdire aux enfants de manger les baies. La cuisson détruit la toxine.  Le sureau noir contient de la sambunigrine et de la vicianine, deux glycosides cyanogénétiques. L'acide cyanhydrique est libéré par des enzymes végétales dans l'organisme des animaux, après l'ingestion.

Risque de confusion.

Le sureau noir peut être confondu avec le Sureau hièble ("Sambucus ebulus") dont les baies peuvent être très toxiques. Ce sont en effet deux plantes des campagnes européennes qui se ressemblent fortement. Le sureau hièble se différencie du sureau noir par le fait que :

Utilisation.

Usages médicinaux.

Le sureau noir a été une plante médicinale populaire dès l'Antiquité. Il est intégré à la pharmacopée de la médecine ayurvédique (Inde) et faisait aussi partie de l'arsenal thérapeutique des Amérindiens d'Amérique du Nord qui attribuaient les mêmes propriétés au sureau blanc ("Sambucus canadensis") dont la composition est semblable à celle de son cousin européen. Un médecin grec du de notre ère, Galien, recommandait le sureau contre les catarrhes et les excès de mucus. Au siècle précédent, Pline l'Ancien lui attribuait déjà ces propriétés.  Les feuilles fraîches sont très riches en acide cyanhydrique (concernant "sambucus ebulus", dont les baies sont toxiques), elles peuvent être utilisées en cataplasmes.  Les fleurs contiennent des anthocyanes, des flavonoïdes, du mucilage, des tanins et une petite quantité d'huile essentielle très aromatique. Les fruits contiennent les mêmes flavonoïdes, des vitamines A, B et C.  En 1986, la Commission E, un organisme gouvernemental allemand, approuvait l'usage médicinal des fleurs de sureau pour le traitement du rhume. En 1999, l'organisation mondiale de la santé a reconnu les usages traditionnels des fleurs de sureau comme diaphorétique (qui provoque la sudation) et expectorant.  Publiés en 1995, les résultats d'un essai clinique à double insu avec placebo mené dans un kibboutz israélien au cours d'une épidémie de grippe ont démontré qu'un extrait de baies de sureau était nettement supérieur au placebo pour le soulagement des symptômes de la grippe. Au bout de deux jours, 93,3 % des sujets traités au sureau voyaient déjà un soulagement significatif de leurs symptômes, tandis qu'il a fallu attendre six jours pour que 91,7 % des personnes du groupe placebo montrent une amélioration similaire.  Les résultats d'une étude de pharmacovigilance datant de 2002 et ayant porté sur 762 femmes enceintes qui avaient pris durant leur grossesse une préparation renfermant, entre autres plantes, des fleurs de sureau n'ont pas révélé d'effet tératogène ou embryotoxique.  Les fleurs du "Sambucus nigra" sont utilisées en tisane comme diaphorétique en cas de refroidissement ou de grippe. Les études de Caroline M, Camille N., Justine T. et Charline N. vont dans ce sens et ajoutent aux fleurs des propriétés antioxydantes aux fleurs, grâce à la présence de monomères d'anthocyane.

Cuisine.

La limonade de fleurs de sureau est une boisson très appréciée. Le sirop aussi. Les fleurs se cuisent en beignets.  Les boutons conservés dans le vinaigre peuvent accommoder des salades.  Les baies crues sont légèrement toxiques (vomitives, laxatives). Cuites, elles parfument les gâteaux aux pommes et sont consommées en jus, en gelée et en confiture.  On en fait aussi du vin.  Les fruits sont utilisés comme colorant naturel, notamment pour les boissons et aliments.

Jardinage.

Au jardin, les feuilles de sureau accélèrent la décomposition du compost. Le purin de feuilles de sureau noir est également utile en jardinage biologique pour combattre mildiou et pucerons. Ce purin aurait également le pouvoir de repousser les rongeurs (souris, mulots et campagnols). Pour ce faire, il suffit de laisser macérer 1 kg de feuilles pendant quelques jours, dans 10 L d’eau, et de le pulvériser dans son jardin.  Il serait conseillé de planter le sureau en sous-étage du moyen bois. Il donne un excellent compost favorisant les lombrics. On peut aussi le conseiller dans les vergers où il attire les oiseaux qui favorisent l'élimination des insectes.  La floraison du sureau n’est pas très mellifère mais elle indique la fin de la miéllée de printemps. Comme l’églantier, le cornouiller sanguin, les ronces et le chèvrefeuille, la « phénophase » du sureau noir marque la transition entre période vernale et estivale

Cultivars.

Certains cultivars ont des feuilles varigates ou colorées et autres qualités distinctives, et sont cultivés comme plantes d'ornement.  Les cultivars suivants ont gagné le prix de la Royal Horticultural Society :

Le sureau noir dans la culture populaire.

Traditions populaires.

Dans la tradition celtique, le sureau (« "ruis" ») est l’arbre associé à la mort.  Sa foliaison printanière est à l'origine de dictons du 6 mars : « À la Sainte-Colette, on voit à vue d'œil au sureau pousser la feuille » ou « À la Sainte Colette, le sureau s’effeuillette ».  Dans les montagnes des Pyrénées-Orientales et de Catalogne, différentes croyances sont liées au sureau noir. Utilisé dans les bouquets de la fête de la Saint-Jean, il pouvait aussi être cloué sur les portes des maisons pour se prémunir contre le mauvais sort. Le brûler pouvait par contre tarir le lait des vaches ou même le lait maternel. S'endormir sous un sureau noir vous exposait à des rêves érotiques. Enfin, on pouvait faire un collier de neuf bourgeons que l'on mettait autour du cou des bébés afin de faciliter leur dentition, à la condition que ceux-ci aient été cueillis le jour de la Fête-Dieu, au moment où sonnaient les cloches annonçant le départ de la procession, à raison d'un bourgeon cueilli par tintement de cloche.

Calendrier.

Dans le calendrier républicain français, le du mois de Prairial, est officiellement dénommé jour du Sureau.  À ne pas confondre avec :

Voir aussi.

Liens externes.

Bases taxinomiques : Autres liens externes :

Le Grand Sureau ou Sureau noir "(Sambucus nigra" L., 1753) est une espèce d'arbrisseaux ou d'arbustes caducifoliés à croissance rapide. Il est présent en Europe, en Asie de l'Ouest et en Afrique du Nord,.


Définitions.

Le mot chapeau vient de l'ancien français "chapel", lui-même issu du latin "caput" (tête). En normand il a donné le mot "cap", qui désigne en anglais la casquette (et non le chapeau).  Selon le "dictionnaire d'Ancien français" de Godefroy, le terme de chapel est une « coiffure que les hommes et les femmes mettent sur leur tête pour sortir » mais aussi une « couronne dans l'acception générale », et notamment une couronne de fleurs sens qui sera conservé jusqu'au au moins.  Dans la première édition de son "Dictionnaire françois" en 1680, Richelet le définit comme « une couverture de tête dont l'homme se sert durant le jour et qui est composée de deux parties, dont l'une s'appelle forme et l'autre bord » (l'édition de 1715 en rajoutera une troisième, le lien).  L'article du "Dictionnaire de l'Académie française" de 1694 le définit comme une « coiffure, habillement de teste pour homme, qui a une forme et des bords. Autrefois on les faisoit de drap ou d'estoffe de soye, maintenant on les fait de laine ou de poil que l'on foule » ainsi que comme « une couronne qu'on met sur la teste dans quelque resjoüissance, dans quelque feste solemnelle », citant : « les Prestres à la procession portoient un chapeau desur la teste ».  Les mots "capa", "capella" ont la même racine. Selon le "Dictionnaire encyclopédique de l'Histoire de France" de Ph. Le Bas.

Organisation du métier et fabrication.

Organisation du métier.

La fabrication du chapeau est faite par les chapeliers, une profession attestée à Paris depuis 1323 (Livre des métiers d'Étienne Boileau), qui est parfois regroupée avec celle des bonnetiers qui utilisent eux aussi du feutre (Rouen, Marseille). À Paris, les chapeliers sont d'abord divisés entre chapeliers de feutre, chapeliers de coton, de plume ou encore ceux de fleurs, avant d'être réunis, puis au, érigés en un métier distinct des bonnetiers. Le métier existe également dans d'autres pays : les chapeliers londoniens sont une corporation florissante aux et siècles.  Le métier, à savoir l'accession à la maîtrise, le travail effectif et la qualité de la production, est réglementé par une série de statuts (1387, 1578, 1612, 1658) et par une série de règlements sur la qualité au.  À la disparition des corporations, à partir de la Révolution française pour la France, la fabrication du chapeau devient également le fait des modistes. Dès le, les manufactures de chapellerie complètent la production en atelier : les chapeaux sont produits en plus grand nombre et en prêt-à-porter.  Le formier est l'artisan sur bois qui sculpte des blocs de tilleul en différentes formes, selon la demande des modistes ou des chapeliers, pour la mise en forme des chapeaux de feutre ou de paille ou de tissu.

Fabrication quasiment inchangée depuis le.

Les principales techniques de fabrication des chapeaux furent mises au point au et n'ont guère évolué depuis. Quel que soit le matériau utilisé pour faire le feutre (castor ou bièvre (ancien nom du castor), laine, vigogne (un camélidé de la famille des lamas), etc.), les étapes de fabrication ne changent pas. Ces étapes sont au nombre de cinq, dont une subsidiaire : préparation du poil, foulage, mise en forme, teinture et garniture.  En matière de chapeau le prêt-à-porter est la norme. En 1843, deux chapeliers français, M. Allié et M. Maillard firent breveter un outil, le "conformateur", qui permettait de relever la conformation précise de la tête. La conformation des chapeaux était une étape de la vente obligatoire du fait de leur rigidité (haut-de-forme, chapeau melon, canotier). Elle était assurée par le chapelier de ville. Cet outil, principalement dédié aux chapeaux sur mesure, est encore utilisé pour la fabrication de certains chapeaux de théâtre. Les formes standard sont toujours utilisées pour les chapeaux de grande distribution suivant trois conformations : l'ovale normal, l'ovale allongé et l'ovale rond.

Historique.

Dans l'Antiquité.

On n'a pas de traces de chapeau datant de la préhistoire, mais il est possible qu'ils aient existé.  Des chapeaux sont en tous cas portés dès l'Antiquité, dont le pétase grec et le pilos, couvre-chef commun dans la Grèce antique. Ce même pileus coiffe les esclaves affranchis dans la Rome antique. Les femmes grecques préfèrent porter la tholia, chapeau de paille rond à larges bords relevé en pointe en son centre, et fréquemment posé sur un voile comme le montrent les figurines de Tanagra du.  Dans son "Thresor de la langue françoyse", paru en 1606, Jean Nicot cite le « "chapeau contre le "bronzage/hasle du Soleil »("Causia, Vmbella"), celui de paille de blé« fait d'espis de bled »" (Corona spicea), le "« chapeau de fleurs, ou Bouquet »" (Sertum, Strophium), le "« Chapeau deentrelassées et entassées »" (Pactilis corona)."  Au Moyen Âge, selon Philippe Le Bas, leur usage est attesté dès le règne de Charles VI, où les chapeaux fréquemment portés à la campagne sont adoptés à la ville « "mais seulement les jours de pluie" ». On sait que Charles VII, pour son entrée dans Rouen en 1449, portait un chapeau de castor. Louis XI est fréquemment représenté avec son chapeau orné d'enseignes, des ""images en plomb des saints auxquels il avait le plus de dévotion" ». Marqueur social, il s'agit d'un accessoire essentiellement masculin, les femmes portant plutôt des voiles, des foulards ou des bonnets qui peuvent cependant atteindre des proportions extravagantes, tels les hennins. Le port d'un chapeau par la femme est alors considéré comme frivole, à l'exception de son utilisation lors de voyage. C'est au que les femmes s'approprient le chapeau, imitant les courtisans mâles.  Évoluant au gré des modes, il continue à être utilisé, même si au, en raison des volumineuses perruques, les hommes portent au bras leur bicorne. En France son usage est petit à petit réservé aux femmes avant qu'au les dames de la cour n'arborent les créations de leurs marchandes de modes.  Le chapeau continue alors d'être portés par les deux sexes jusqu'à la fin de la seconde guerre mondiale. Aujourd'hui, il n'est plus qu'un accessoire de mode, porté lors d'occasions spéciales (mariage, enterrement) ou pour se protéger des éléments (pluie, soleil).

Évolution des formes de chapeaux.

La forme du chapeau évolue sur trois éléments : le bord du chapeau, dit aussi "aile", la hauteur de la calotte, la forme de cette calotte (ronde, carrée, en pointe).  Dans la première moitié du, la mode française est au chapeau à la calotte très plate et au bord très étroit. La calotte augmente petit à petit dans la seconde moitié du, formant la toque recouverte de tissu plissé et à petits bords qui caractérisent notamment les portraits de Henri III. À l'extrême fin du, le chapeau voit sa calotte diminuer et ses bords s'élargir un temps.  Dès 1610, mais surtout dans les années 1620-1630, la mode est sous influence hollandaise, avec les chapeaux en "pain de sucre", à savoir à calotte haute et conique et aux bords étroits. Dès 1630 cependant la taille de la calotte diminue tandis que celle des bords augmente. Au début du règne de Louis XIV, la mode est au chapeau de mousquetaire, à savoir une calotte de petite taille, carrée, masquée par un grand panache, et aux bords très large. Dès les années 1670, à la Cour, les hommes préfèrent porter des chapeaux à petite calotte et à bords de taille moyenne ou petite.  On s'aperçut ensuite que ses bords étendus gênaient le maniement des armes ; « "alors on imagina pour les troupes le chapeau à trois cornes, qui est la coiffure militaire, et la coiffure d'étiquette dans les hauts rangs de la société. Sous le ministère du comte de Saint-Germain, on s'avisa de coiffer les brigadiers de cavalerie de chapeaux à quatre cornes; mais cet usage ne dura pas. Depuis un peu plus de trente ans, les troupes ont quitté le chapeau pour le bonnet à poil, le shako ou le casque, quand elles sont sous les armes. Dans le monde, la coiffure générale des citoyens est aujourd'hui le chapeau rond de couleur noire; celle des fonctionnaires, dans les cérémonies publiques, est le chapeau noir à cornes, orné de plumes. Celle des militaires en petite tenue est le même chapeau, avec ou sans plumes, suivant le grade. Les ecclésiastiques portent aussi le chapeau à trois cornes, mais lui donnent une forme particulière" ».  Comme souvent dans les périodes tumultueuses, le chapeau peut servir à une expression politique ou de soutien à un régime. En juillet 1815, après les 100 jours, il fallait porter du blanc. On peut lire dans le "Journal de Rouen" du 13 juillet 1815, un avis en forme de consigne pour la nouvelle mode : « L"es chapeaux de paille blanche de la dernière forme ont la passe quarrée, très saillante, et un fond plat qui déborde d'un travers de doigt, et forme bourrelet sur la passe. Entre la passe et le fond, on met une guirlande en diadème, beaucoup plus épaisse au milieu que des extrémités. Elle est composée de roses blanches ou de lys, de myrte ou de jasmin". (... ) "Les modistes posent sur ces chapeaux trois roses blanches et trois plumes duveteuses". »  En 1845, l'encyclopédiste Philippe Le Bas ajoute que la généralisation du chapeau "« nécessita l'établissement de grandes fabriques, notamment à Lyon et à Paris, et l'on fit bientôt une telle consommation de castors, que ceux que l'on trouvait en France, et spécialement dans les îles du Rhône, étant détruits, il fallut poursuivre ces animaux industrieux et inoffensifs jusque dans les lacs glacés du Canada »" (...) « "On imagina de suppléer à leur fourrure par celle d’animaux indigènes (lièvre, lapin et même le chien caniche). On a aussi fait en « peluche de soie » des chapeaux légers moins chers qu’en feutre, et pour l'été des chapeaux gris en feutre, des chapeaux en paille, en osier, en lacets et en étoffes de soie ou de coton dont les formes varient au gré de la mode. On fabrique, pour les voituriers et les marins, des chapeaux de bourre ou de laine commune, que l'on revêt de plusieurs couches de vernis qui leur donnent de l'éclat, de la durée, et les rendent impénétrables à la pluie" ».

Mode au.

Jusqu’à la Première Guerre mondiale, le chapeau est un élément indispensable de la toilette. Son absence signale au regard, l’ouvrière qui sort « en cheveux ». Dans toutes les villes des modistes répondent à la demande d’une énorme clientèle en créant leurs propres modèles ou en adaptant ceux de la mode parisienne.  Au tournant du, la silhouette se modifie. Le grand chapeau apparaît avec le costume tailleur vers 1900. Il permet d’équilibrer la toute nouvelle jupe cloche. La garniture est posée très haut sur des chapeaux de plus en plus larges. Ils sont maintenus par des épingles à chapeau, nouvel accessoire.  Les liens entre la haute couture et les chapeaux remontent à Worth et à sa collaboration avec Virot dans les années 1890..  Les grandes modistes de cette époque sont Caroline Reboux, Lucienne Rebaté, les sœurs Legroux, madame Blanchot, Lewis, Marie Alphonsine.

Années 1920.

Sous l’influence de Paul Poiret les robes deviennent plus simples dès les années 1910. La silhouette s’allonge et s’aplatit. De nouvelles coiffures sont créées pour les activités sportives : automobile, bain, canotage. Les femmes coupent leurs cheveux. Un nouveau chapeau apparaît, le chapeau cloche à côté de la capeline et de la toque. Parmi les grands noms de cette époque, on trouve Rose Valois, Suzanne Talbot.  Coco Chanel débuta comme modiste avant de se lancer dans la haute couture. Ses chapeaux étaient comme ses vêtements, inhabituels tant par la pureté de leur ligne que par la. Contrairement à Elsa Schiaparelli qui « aimait choquer et adorait les paradoxes des surréalistes. Elle utilisait les chapeaux comme un point d’exclamation, une « folie » qui couronnait un look et donnait matière à discussion. Le concept de la démesure était entré dans l’histoire des modes du ».

Années 1930.

La chevelure et le chapeau vont constituer des éléments essentiels de l’esthétique féminine, symbolisant peut être le mieux cette époque. Il existe un chapeau pour tous les évènements de la journée. Les chapeaux garnis sont à l’honneur. Les garnitures sont posées près du visage. Les chapeaux reprennent de la hauteur à la fin des années 1930. Les lignes verticales sont ainsi à l’honneur et sont encore accentuées par des drapés en hauteur, des coques, des aigrettes, des ailes, des nœuds disposés au sommet de la calotte. Avec Schiaparelli, les grandes modistes de cette époque sont Rose Valois, Louise Bourbon, Germaine Page, Rose Descat, Gaby Mono, Agnès et Claude Saint-Cyr.

Seconde Guerre mondiale.

Le monde de la mode traverse une crise pendant la Guerre. Certaines maisons de haute couture ferment leurs portes. La pénurie des matériaux touche celles qui continuent leur activité. C’est l’époque des matériaux de substitution : la fibranne, la rayonne, le bois, la paille, le liège. « Le modélisme s’accommode de ces difficultés mieux que la couture et est très novateur. Ce bouleversement permet l’éclosion de jeunes talents : Albouy, Gabrielle, Gilbert Orce ». « L’heure est aux performances : chapeau en papier journal d’Albouy, toque en copeaux de bois d’Agnès ». Selon l’historienne Dominique Veillon : «... l’exubérance créatrice des couvre-chefs peut s’expliquer comme la manifestation diffuse d’une révolte contre la dureté de l’époque ». Les chapeaux apportent également des solutions concrètes au froid (capuchon), à la difficulté d’entretenir ses cheveux (turban et foulard).

Après-guerre.

La fin de la Guerre et la disparition progressive des pénuries marque le retour des belles matières, une volonté de raffinement et d’opulence, à l’image des créations de Christian Dior nécessitant des mètres de tissu. Les petits chapeaux alternent avec les grands, en fonction des robes larges et des minces tailleurs.  Depuis la fin des années 1960, le port du chapeau est cependant tombé en désuétude, même si certains jeunes se réapproprient depuis cet accessoire de mode.

Couvre-chef et apparat en Europe.

On se souvient des chapeaux extravagants des élégantes du siècle dit des lumières à ceux du, mais les rois et princes d’Asie et d’Europe ont très tôt acheté des chapeaux aussi complexes et plus coûteux, aux chapeliers. alors qu’aux mêmes époques dans d’autres région du monde les couvre-chef complexes fait de plumes et d’autres ornements étaient probablement depuis longtemps fabriqués et portés. Le métier de chapelier était en France déjà codifié sous Louis IX, comme le montre un chapitre du Registre des métiers. À titre d’exemple la comptabilité, de l'an 1351 décrit pour une commande un chapeau de castor enrichi d’or, perles et émaux commandé par le roi pour « maistre Jean, le fol du roy » ; Cette même comptabilité précise plus loin que Kathelot, la chapelière a reçu cinquante ventres de menu vair qui avaient coûté 5 livres 6 sous, pour fourrer un "« chapeau de bièvre »" destiné au roi.

Usage.

Indépendamment de la protection contre les intempéries, le chapeau est un accessoire de mode permettant d'exprimer sa stature sociale.  Comme le vêtement, le chapeau semble avoir eu un double rôle, de protection (contre le froid, le soleil, la pluie, les embruns, voire certains combats...), mais aussi d'affirmation d'un statut social (chapeau d'apparat), d'une appartenance ethnique ou clanique... pour finalement devenir un accessoire de mode à part entière.La tradition veut que le fait d'ôter son chapeau ("se découvrir") soit une marque de respect et d'humilité (du moins pour les hommes ; pour les femmes, l'usage est différent) ; la coutume s'est répandue jusqu'à devenir un signe de salut.  En 1889, le comte de Larmandie écrit même un "guide du coup de chapeau" basé sur de nombreuses observations. Selon lui le chapeau s'ôte d'un geste large, gracieux et brusque, le chapeau doit rester un instant en l'air avant d'être remis rapidement sur la tête.

Chapeau et arts du spectacle.

Dans les années 1750, le chapeau est d'une telle importance dans la société qu'il fait l'objet d'un spectacle de music-hall par le mime français Tabarin. Il disposait d'un feutre à large bord et à calotte creuse, qu'il pliait et dépliait pour lui donner la forme des couvre-chefs à la mode en adaptant son expression au sens qu'il voulait donner au chapeau qu'il représentait. Ce spectacle disparut avec son auteur mais fut réactualisé vers 1870 par Léon Fusier au point que ce genre de spectacle prit le nom de « chapeaugraphie » et devint très en vogue dans les années 1900.  Les jongleurs et les magiciens utilisent aussi le chapeau comme accessoire. Le premier homme à avoir fait sortir un lapin d'un chapeau est Louis Comte, un comique de cour français, en 1814. Ce numéro resta à la mode pendant tout le.  Le chapeau melon en feutre est fréquemment utilisé comme instrument de manipulation en jonglerie. Le cône traditionnel de feutre blanc est, chez le clown, un symbole de pouvoir, planté fièrement sur le crâne, légèrement de côté, certains y ajoutent même des plumes comme les clowns espagnols. Parfois aussi ce cône fait penser au chapeau d'Arlequin, avec des larges bords. Le chapeau de l'auguste est souvent mou, de forme plate, écrasé malencontreusement ou déformé par un coup de batte bien placé. Il est de toute façon malmené.

Couvre-chef professionnel : les chapeaux dans le travail.

Dans les sociétés occidentales, les chapeaux de travail servent à indiquer rang et profession.

Uniforme, vêtement d’autorité.

Au les agents de l’administration se voient dotés de vêtement spécifique. Ces vêtements étaient assortis de chapeau : bicorne noir pour l’administration centrale en usage jusqu’au milieu du, le képi pour la préfectorale et la coloniale. Les grands services de l’État se voient attribuer un képi (services pénitentiaires, police) ou la casquette qui s’est plus largement imposée depuis les années 1980. Le vêtement ecclésiastique assorti d’un bonnet carré à partir du, laisse place au béret quand la soutane est remplacée à la ville par le costume ordinaire. La laïcisation de l’assistance publique entraîne la réglementation des costumes du personnel, dont le port du bonnet, remplacé par le voile en 1917 et tombé depuis en désuétude.

Couvre-chef de protection.

Les premiers casques de protection civils ont été créés en cuir ou en cuivre (sapeurs-pompiers français) pour les forces de police et les pompiers. Ils ont été étendus aux activités sportives (cheval, cyclisme, moto). Ils sont désormais fabriqués en fibre de verre, polystyrène expansé.

Coiffures de Sainte-Catherine.

Yvonne de Sike, responsable du département Europe du Musée de l’Homme à Paris commente ainsi cette coutume. « Catherine, fille de notables d’Alexandrie au début du et convertie au christianisme refusait toute proposition de mariage [...]. Jadis, dans les ateliers de couture, le jour de la Sainte-Catherine, on coiffait de chapeaux farfelus les jeunes filles ayant atteint l’âge fatidique. Cette pratique donnait lieu à des réjouissances et à des bals populaires. C’était évidemment une façon indirecte de faire rentrer rituellement dans le « circuit » des épouses potentielles, celles qui, autrement, risquaient d’en être exclues ».

Le chapeau est un couvre-chef, devenu un accessoire de mode. Il se distingue des autres couvre-chefs par sa matière, le feutre, la présence d'un bord plus ou moins large, et sa mise en forme.