Histoire.

Dans la Rome antique, les basiliques n'avaient pas de fonction religieuse, la basilique de Maxence et de Constantin abritait les activités judiciaires de la ville.  Le but de cette construction était de réaffirmer la puissance et la beauté de Rome.  Elle fut tout d'abord appelée Basilica Nova. Elle remplaça les "Horrea Piperataria" construits par Domitien et incendiés sous Commode en 191 ap. J.-C.  La basilique de Maxence et de Constantin fut la dernière des basiliques de Rome.

Architecture.

Projet initial de Maxence.

La technique utilisée pour l'édification de cette basilique est celle de l"'opus caementicium" et de la voûte concrète, parementés en brique ou couverts de marbre. La basilique tenait sur une énorme fondation rectangulaire de 100 mètres de long et 65 mètres de large, et était composée d'une nef centrale de 80 mètres de long pour 25 mètres de large et 35 mètres de haut, et de deux bas-côtés de 16 mètres de large pour 24,5 mètres de haut. Ses trois travées sont séparées et articulées par huit colonnes monolithiques de marbre, de 14,5 mètres de haut pour 5,4 mètres de circonférence, les plus grandes de la Rome antique. Les trois nefs étaient construites suivant la direction est-ouest.  Le plafond était décoré par de profonds caissons hexagonaux et octogonaux et le toit était recouvert de tuiles de bronze doré.  L'entrée principale du projet de Maxence se trouvait à l'est, face au Colisée, tandis qu'une abside prolongeait vers l'ouest la nef centrale. Le coin nord-ouest de la basilique joignait le mur du forum de la Paix, bouchant de ce fait la voie de communication précédemment existante entre le Forum romain et la zone du "Carinae" (Subure). Maxence a donc construit un passage sous ce coin nord-ouest du bâtiment, d'environ 4 mètres de large pour 20 mètres de long.  La façade de la basilique construite par Maxence était côté est, et un vestibule de 8 mètres de profondeur longeait toute cette façade est. De ce vestibule, cinq entrées donnaient dans la basilique : trois dans la nef centrale, et une dans chacun des bas-côtés.

Modifications de Constantin I.

Après sa victoire sur Maxence au pont Milvius en 312 ap. J.-C., Constantin trouva la basilique inachevée, et décida d'en reprendre le chantier, mais en modifiant le projet initial. Il créa un nouvel axe nord-sud en construisant au sud un nouveau portique d'entrée sur la "Voie Sacrée", et, en face, du côté nord, une seconde abside, aussi grande que la première (15 mètres de largeur). L'abside semi-circulaire de Constantin contenait seize places rectangulaires en deux rangées, avec un piédestal au centre. Elle était séparée de la nef par un entablement reposant sur deux colonnes de marbre, en formant ainsi une sorte de tribunal. Quant à l'abside de Maxence, Constantin y fit représenter une statue colossale de lui-même, en bronze et en marbre (tête ci-contre). Constantin fit en outre entièrement plaquer l'intérieur de la basilique d'immenses "opus sectiles" en marbres polychromes. Elle abritait un tribunal.

Envergure de la basilique.

La grande épaisseur des murs (jusqu'à 6 mètres) et l'énorme taille et envergure du toit ont fait de ce monument l'un des plus remarquables de Rome. La magnificence de sa décoration intérieure était proportionnée à sa taille et à son caractère imposant. Elle fut édifiée à l'image des grandes salles des thermes romains, et non pas sur le plan basilical traditionnel à rangées de colonnes.  Ce monument est le dernier et le plus grand édifice d'époque impériale construit dans cette partie de Rome, au cœur de la ville. Il est probablement, en volume, la plus grande salle construite dans l'Antiquité.

Aujourd'hui.

Deux tremblements de terre (en 847 et surtout en 1349) ont eu raison de la nef centrale, avec ses merveilleuses voûtes d'arêtes en caisson de 25 par 25 mètres et de 35 mètres de hauteur, ainsi que du bas-côté sud et des deux portiques. Il ne reste plus aujourd'hui en élévation que le bas-côté nord de l'édifice, y compris ses trois voûtes en berceau transversal, dont on peut admirer les caissons octogonaux.  Des fragments de marbre de la basilique, retrouvés au, sont aujourd'hui conservés dans la cour du palais des Conservateurs, et notamment les parties en marbre de la statue colossale de Constantin.  Les colonnes monolithiques furent détruites, exceptée celle qui fut enlevée par Paul V en 1613, et qui fut placée sur la "Piazza di Santa Maria Maggiore" pour ériger la colonne de la Paix, où elle se trouve toujours. La postérité architecturale de la basilique de Maxence et Constantin est immense : au Moyen Âge déjà, on en réalise une copie à l'échelle 1/5, dans l'avant-nef de l'abbatiale Saint-Valérien et Saint-Philibert de Tournus (). À la Renaissance, elle a été admirée par tous les grands architectes et copiée pour la nef de la basilique Saint-Pierre du Vatican. La construction baroque lui doit beaucoup. Aux, elle inspira encore l'architecture de plusieurs gares, en Europe et aux États-Unis.  En 1960, la basilique fut utilisée comme site de compétition lors des Jeux olympiques d'été de 1960 pour les épreuves de lutte.

La basilique de Maxence et Constantin ("Basilica Maxentii et Constantini"), ou Basilica Nova, fut commencée par l'empereur Maxence au début du et terminée par Constantin I, vainqueur de Maxence, à la bataille du pont Milvius.


Étymologie.

Le nom scientifique erigeron (francisé en érigéron) dérive du mot grec ἠριγέρων, êrigérôn (nom grec du "séneçon") qui, formé du radical ἦρι, êri ("tôt, de bonne heure") et de γέρων, gérôn ("vieux"), signifie littéralement "qui vieillit tôt". Le nom latin de la même plante, sĕnĕcĭo, s'explique de la même façon car il dérive du latin sĕnex ("vieux, vieillard"), faisant référence aux capitules fructifiés en akènes dont les aigrettes blanches du pappus leur donnent l'apparence de petites têtes de vieillards couvertes de cheveux blancs. Le nom vernaculaire de « Vergerette » est un diminutif de « verge », dérivé du latin "virga", allusion aux rameaux souples et flexibles.

Description.

Les différentes espèces peuvent être annuelles, bisannuelles ou vivaces. Ce sont des plantes présentant une tige dressée pourvue de nombreux rameaux, caractérisée par leurs nombreux capitules à cœur jaune entouré de rayons blancs, couleur lavande ou roses. Quelques espèces présentent des capitules dépourvus de ligules. Le pappus (calice modifié formant une couronne) est plus court que dans le genre Aster, et se trouve réduit à des poils. Les ligules sont plus étroites que chez le genre Aster, mais dépassent largement l'involucre de bractées.  Quelques espèces sont utilisées comme plantes ornementales, avec de nombreuses variétés telles "(en anglais)" 'Wayne Roderick', 'Charity', 'Dunkelste Aller' et 'Foersters Liebling'.  Certains Erigeron ont pour hôtes plusieurs espèces de chenilles de Lépidoptères dont "Bucculatrix angustata" et "Coleophora squamosella".

Plantes bioindicatrices.

Les Erigeron sont des plantes bioindicatrices de l'état des sols : elles indiquent le limoneux par battance sous l'impact du splash, du travail du sol ou de l'instabilité du sol mal structuré compte tenu du pourcentage important en éléments fins (limons, sablons).

Liste d'espèces.

Liste d'espèces :

Le genre Erigeron regroupe près de 200 espèces de plantes à fleur de la famille des "Asteraceae". Il est cosmopolite, mais la plus grande diversité spécifique se rencontre en Amérique du Nord.


Biographie.

Une famille de grands serviteurs de l’État célèbres.

Keldych naît à Riga en 1911 dans une famille de la noblesse russe qui s'est distinguée au service de l'Empire russe. Son grand-père, Mikhaïl Fomitch Keldych (1839-1920), est un physicien militaire qui a pris sa retraite avec le grade de général. Sa grand-mère paternelle, Natalia Keldych née Broussilova, est cousine du fameux général Alexeï Broussilov. Son grand-père maternel Alexandre Nikolaïevitch Skvortsov est un général d'infanterie qui s'est distingué dans la Guerre du Caucase. Son père, Vsevolod Mikhaïlovitch Keldych (1878-1965), est un ingénieur civil, avec le rang de major-général au sein du Service des Travaux Publics, et un professeur à plein temps à partir de 1918 à l'Académie des ingénieurs militaires de Kouïbychev. Il participe à la mise au point des méthodes modernes de calcul de résistance du béton armé et participe à la conception du Canal de Moscou et du Métro de Moscou.

Les années de formation.

Alors qu'il a 4 ans, en 1915, la famille de Mstislav est évacuée à Moscou pour fuir le front de la Première Guerre mondiale. Sa sœur ainée Lioudmila Keldych (1904-1976), mathématicienne reconnue, qui sera sa première enseignante, exerce une forte influence sur Mstislav. Deux de ses neveux, enfants de sa sœur, occuperont par la suite des postes scientifiques importants : Leonid Keldych, directeur de l'Institut de physique Lebedev et Sergueï Novikov, un mathématicien célèbre. En 1927, le régime soviétique lui refuse l'entrée à l'Institut des Ingénieurs Civils à cause de ses origines nobles. Au cours des années suivantes il mène des études dans le département de physique et de mathématiques de l'Université d'État de Moscou et décroche son diplôme en 1931. Il est formé notamment par le célèbre mathématicien Nikolaï Louzine mais à la grande déception de celui-ci il préfère s'orienter dans le domaine des mathématiques appliquées plutôt que celui des mathématiques théoriques. Il trouve un emploi à l'Institut central d'aérohydrodynamique (TsAGI) où il travaille sous la direction de Mikhaïl Lavrentiev et de Sergueï Tchaplyguine.

Les années de terreur stalinienne.

Plusieurs membres de la famille Keldych sont victimes de la répression stalinienne durant les années 1930. Son oncle est envoyé en camp de travail sur le chantier de construction du Canal de la mer Blanche. En 1935, la mère de Mstislav est arrêtée puis relâchée au bout de quelques semaines. Le frère de Mstislav, historien spécialisé dans l'Allemagne médiévale, est arrêté en 1936 et exécuté en 1937 comme « espion allemand » tandis qu'un autre de ses frères, Alexandre, est arrêté comme « espion français » mais relâché grâce à une certaine détente dans la politique de terreur liée au remplacement de Nikolaï Iejov par Lavrenti Beria à la tête du NKVD.

Travaux dans le domaine aéronautique.

Au TsAGI, Mstislav parvient à expliquer les phénomènes de flottement classique et de guidonnage du train d'atterrissage d'avions. Ces deux phénomènes étaient à l'époque à l'origine d'un grand nombre de catastrophes aériennes. En 1937, Keldych décroche un doctorat en science avec une thèse intitulée "Représentation de variables complexes et de fonctions harmoniques par des séries polynomiales" et devient enseignant à l'Université d’État de Moscou. En 1943, il est nommé membre correspondant de l'Académie des Sciences d'Union soviétique. Il obtient son premier prix Staline en 1945 pour ses travaux sur les instabilités aéroélastiques à bord des avions. La même année, il devient membre à part entière de l'Académie des Sciences et directeur du NII-1 (Institut de Recherche n°1) rattaché au Ministère de l'Industrie aérospatiale. Le NII-1 a pour objectif principal à l'époque l'étude de la faisabilité du bombardier suborbital Sänger-Bredt un projet allemand destiné à permettre de bombarder les États-Unis mais resté à l'état théorique. Keldych aboutit rapidement à des conclusions négatives, car il estime que les technologies disponibles ne permettent pas un tel développement à court terme. Mais Staline croit beaucoup aux possibilités de cet engin et Keldych poursuit l'étude du bombardier suborbital soviétique de, lancé par une catapulte puis propulsé successivement par deux statoréacteurs puis un moteur-fusée de 100 tonnes de poussée. Devant les difficultés soulevées par la propulsion, Keldych fin 1950 réoriente une partie de son équipe vers un missile de croisière aux capacités plus modeste. Les travaux réalisés seront également utilisés pour la conception de la navette spatiale Bourane.  Keldych est également nommé responsable du département de Mathématiques Appliquées de l'Institut de mathématiques Steklov. Ce département prend en charge notamment les recherches dans le domaine de la dynamique des fusées et de la mécanique céleste appliquée lorsque Sergueï Korolev développe en 1949 le R-3 premier missile balistique ambitieux de l'Union Soviétique. Ce département deviendra en 1966 un institut de recherche indépendant baptisé Institut de Mathématiques Appliquées et renommé en 1966 Institut de mathématiques appliquées Keldych.  Keldych, à la tête d'un groupe de spécialistes en mathématiques appliquées, intervient dans tous les projets scientifiques soviétiques importants. Il crée à cette époque un bureau des calculs qui prend en charge l'essentiel des problèmes mathématiques liés au développement de l'arme nucléaire. Cette structure est à l'origine du premier ordinateur développé en Union soviétique. Les principaux travaux de Keldych concernent les moteurs à réaction et les fusées : ils portent sur la dynamique des fluides en régime supersonique, les transferts thermiques et de masse, la protection thermique. Ils contribuent à la mise au point du premier missile de croisière, testé avec succès en 1959 et dont les caractéristiques sont bien supérieures à celles du missile Navajo développé à la même époque aux États-Unis.

Travaux théoriques et organisation du programme spatial soviétique.

En 1954, Mstislav Keldych, Sergueï Korolev et Mikhail Tikhonravov rédigent une lettre au gouvernement soviétique proposant de lancer le premier satellite artificiel. Les travaux qui suivent déboucheront sur la série des Spoutnik dont le premier exemplaire est lancé en 1957. En 1955, Keldych est nommé responsable du "Comité des satellites", chargé au sein de l'Académie des Sciences, de définir les caractéristiques des futures charges utiles des lanceurs.  En 1961, Keldych devient président de l'Académie des sciences d'URSS et le restera durant 14 ans. Durant cette période il réhabilite la génétique et la cybernétique, et soutient le scientifique dissident Andreï Sakharov. Ses derniers travaux scientifiques sont consacrés au développement de la navette Bourane.  Keldych décède le à l'âge de 67 ans. Il est enterré dans le mur du Kremlin sur la Place Rouge à Moscou.

Titres et récompenses.

Mstislav Keldych était membre de plusieurs de pays étrangers notamment de l'Académie des sciences de Mongolie (1961), Académie polonaise des sciences (1962), Académie tchécoslovaque des sciences (1962), et de l'Académie roumaine des sciences (1965). Il était également membre à titre honorifique de l'American Academy of Arts and Sciences (1966), de Académie bulgare des sciences (1966), Académie hongroise des sciences (1970), et de la Royal Society of Edinburgh (1968) ainsi que correspondant étranger de l'Académie allemande des sciences de Berlin (1966), et de l'Académie des sciences de Saxe à Leipzig (1966).  Mstislav Keldych reçut de l'État soviétique de nombreux titres et distinctions, dont :  On a donné son nom à :

Mstislav Vsevolodovitch Keldych (en ) (, Riga -, Moscou) est un mathématicien et un physicien soviétique. Il joue un rôle central dans le programme spatial soviétique par ses travaux dans le domaine de l'aérodynamique et de la mécanique spatiale. Il a été au cœur de tous les décisions prises dans le domaine spatial tout au long de sa vie. Ses travaux dans le domaine des mathématiques appliquées lui valent d'être nommé membre de l'Académie des sciences d'URSS à l'âge de 25 ans en 1946. Il est nommé président de cette académie, en 1961 et le restera jusqu'en 1978. Il a été fait trois fois Héros du travail socialiste (1956, 1961, 1971).


Biographie.

La carrière de papetier.

Eugène Boudin est né à Honfleur, en Normandie, fils de Léonard-Sébastien Boudin (1790-1863) et de son épouse Marie-Félicité Buffet (1793-1871) qui lui donnent en 1821 une sœur, prénommée Rose Désirée et en 1827 un frère prénommé Louis. Son père était marin sur les bateaux assurant la liaison Le Havre-Hambourg et sa mère était femme de chambre sur ces bateaux.  En 1835, sa famille emménage au Havre. À dix ans, il travaille comme mousse sur un bateau à vapeur assurant la liaison entre Le Havre et Honfleur. Par la suite, son père l'établit comme commis chez l'imprimeur Joseph Morlent, puis chez le papetier Alphonse Lemasle. Il commence à travailler l'année suivante comme assistant dans une boutique de papetier-encadreur.

Les débuts artistiques.

En 1844, alors âgé de 20 ans, Eugène Boudin fonde avec un associé sa propre boutique de papetier-encadreur où il expose les œuvres des artistes de passage. Dans le cadre de son travail, il entre ainsi en contact avec des peintres des environs associés à l'école de Barbizon, notamment Constant Troyon, Eugène Isabey, ou des artistes comme Charles Baudelaire. Eugène se met alors à dessiner, puis à 22 ans – encouragé par Jean-François Millet et Thomas Couture – il abandonne le monde du commerce et se lance dans une carrière artistique. Il suit des cours à l'école municipale de dessin du Havre et ne se consacre alors plus qu'à la peinture.  En 1851, grâce au soutien du journaliste Alphonse Karr ainsi que de Constantin Troyon, de Thomas Couture et du conservateur du musée du Havre Adolphe-Hippolyte Couveley, il reçoit du conseil municipal du Havre une bourse d'étude de par an, afin d'aller étudier la peinture à Paris pendant trois ans. La Société des Amis des Arts du Havre dit alors de lui : "Il prit le crayon, il prit le pinceau et sans autres leçons qu'un sens merveilleux, une volonté opiniâtre, il est devenu peintre, mais peintre créateur, peintre avec son individualité, son originalité personnelle." C'est ainsi que, le 30 juin 1851, il rejoint la capitale et étudie la peinture au sein de l'atelier d'Eugène Isabey ainsi qu'au Louvre où il s'inscrit comme élève copiste. Eugène Boudin y réalise des copies de peintures de maîtres (notamment hollandais et flamands) pour quelques amateurs, ce qui lui permet d'approfondir son apprentissage. Il produit également de nombreuses natures mortes entre 1853 et 1865, genre fort apprécié des bourgeois de l'époque.  Dès 1855, il adopte un rythme de vie particulier passant ses hivers à Paris et ses étés en Normandie à Honfleur, tout en séjournant régulièrement en Bretagne à Douarnenez, Tréboul et ses environs. À Portrieux, il peint les bateaux terre-neuvas et « Un an avant sa mort, il fait un long voyage entre Le Croisic et la pointe du Raz en passant par Pont-Aven ».  Boudin fait sa première exposition en 1857 à Paris et la même année il parvient à vendre une vingtaine de ses toiles à l'occasion d'une vente aux enchères au Havre. Au cours de l'année 1859, le peintre – alors âgé de 35 ans – expose sa première toile au "Salon" à Paris : "Un pardon à Saint-Anne-la-Palud". Il se fait remarquer pour ses atmosphères et ses pastels originaux, et reçoit conseils et hommages du poète Charles Baudelaire rencontré la même année alors qu'il est en villégiature chez sa mère. Il se lie également d'amitié avec Gustave Courbet qui, ayant remarqué une peinture de Boudin chez un commerçant parisien, chercha à rencontrer son auteur. Il rencontre aussi le peintre hollandais Johan Barthold Jongkind et surtout Claude Monet qu'Eugène Boudin initiera à la peinture en plein-air, notamment lors des séjours à la ferme Saint-Siméon à Honfleur où se retrouvent régulièrement de nombreux peintres parisiens et normands. Monet dira de lui "Si je suis devenu peintre, c'est à Boudin que je le dois" car son maître et ami lui apprend "à voir et à comprendre".  En 1862, alors qu'il est fatigué de réaliser des œuvres de commandes pour vivre difficilement de son art, il assiste à la naissance de la mode des bains de mer et à la création de Deauville, nouvellement desservie par le chemin de fer. Il a alors l'idée en voyant les estivants de la bourgeoisie et de la noblesse parisienne flâner sur les plages des stations balnéaires normandes de représenter ces mondanités et ces élégantes. Ces scènes de plage ne rencontrent pas le succès du public qui juge ses peintures voyeuristes et bâclées mais attirent l'attention des critiques et des artistes d’avant-garde. "On aime beaucoup mes petites dames sur la plage", écrit-il par exemple en février 1863 à son ami Ferdinand Martin, "d'aucuns prétendent qu'il y a là un filon d'or à exploiter". Mais dans ces peintures mondaines, la véritable quête du peintre reste la recherche de la lumière. Boudin aspire avant tout à "chercher son rayonnement, la fulguration, la condenser, la poursuivre dans sa chaleur". En témoigne la composition des tableaux où le ciel occupe toujours une très large bande supérieure.  Le, Eugène Boudin se marie avec Marie-Anne Guédès, née le à Ruzaden, village de la commune d'Hanvec. En février de la même année, il s'installe à nouveau à Paris. Les conditions de vie du couple sont difficiles : le montant des loyers et leurs faibles revenus les obligent à déménager fréquemment. Ils occupent des logements souvent situés sous les toits, qui font également office d'ateliers. Le peintre souffre de la mauvaise lumière, du froid de l'exiguïté des lieux. En septembre, Boudin revient en Normandie à Trouville, à proximité de Courbet qui est à Deauville et de Monet et Jongkind qui résident à Honfleur. Il fait alors de fréquents séjours en Bretagne, résidant un temps dans le manoir en grande partie déjà ruiné de Kerhoan, dans la commune du Faou. Il profite de ses séjours bretons pour peindre des tableaux de la région comme "Le port de Camaret", "L'Hôpital-Camfrout", "Vue de Douarnenez, l'île Tristan, le matin"...  Il rédige aussi en 1867 à l'attention de son frère Louis, écrivain à ses heures perdues, "Notes d'un voyage en Bretagne (1867)", texte publié en 1924 par le "Mercure de France" où il décrit la vie quotidienne dans la région d'Hanvec, Le Faou, Rumengol à cette époque. Il s'inspire pour ces scènes rurales du travail de Jean-François Millet : "Étudier cette belle figure d'homme appuyé sur son bâton, se souvenir de Millet, le berger, mais étudier le beau fond limpide et plein d'air et donner à cela un aspect saisissant." Observer les paysans bretons habitués "au rude labeur des champs, au pain sec et à l'eau" lui inspire un enthousiasme qui génère parallèlement chez lui "une certaine honte à peindre la paresse désœuvrée", ces "parasites dorés" des plages de Trouville-Deauville.  Le 25 mars 1868, Boudin organise une vente publique de ses œuvres, ce qui lui rapporte quelques revenus et donne lieu à des critiques élogieuses venues du milieu des peintres mais aussi d'Émile Zola, qui voit en lui L'année 1869 est consacrée en grande partie à la réalisation d'une commande du couple Rosenlecher, propriétaires du château de Bourdainville, dont Boudin doit réaliser l'intégralité du décor de la salle à manger.  Fuyant la guerre franco-prussienne, Boudin séjourne à Bruxelles fin 1870 sur l'invitation de Gauchez, marchand Bruxellois. Il poursuit ensuite son travail de peintre de marine et séjourne plusieurs fois à Fervaques, dans l'arrière-pays bas-normand, chez son ami le Docteur Jaquette.

Le tournant impressionniste.

En 1874, il participe à la Première exposition des peintres impressionnistes, qui se tient à Paris dans les studios du photographe Félix Nadar. Par la suite, les expositions impressionnistes se tiendront dans les locaux du marchand d'art Paul Durand-Ruel.  À partir de cette date, il passera pour un des précurseurs de ce mouvement, bien qu'il ne se considérât jamais lui-même comme un grand innovateur. Sa réputation grandissante lui permit d'effectuer de nombreux voyages dans les années 1870. Il visita notamment les Flandres, les Pays-Bas, le sud de la France ainsi que l'Italie, où il découvre différents courants artistiques du.  Il continue d'exposer à Paris et reçoit la médaille de la troisième place du "Salon" de 1881 avec son œuvre "La Meuse, à Rotterdam". En 1886, plusieurs de ses œuvres apparaissent à la grande exposition impressionniste organisée à New York par Durand-Ruel. Il obtient ensuite la médaille d'or lors de l'Exposition universelle de Paris de 1889 avec les deux toiles qu'il expose : "Un coucher de soleil" et "Marine - Les Lamaneurs". La même année, son épouse décède le 24 mars. Vieillissant et marqué par la perte de sa femme, Boudin séjourne dans le midi chaque hiver à partir de 1890. Le climat lui permet, peintre de plein air, de travailler tous les jours, et il y apprécie les "splendeurs de la lumière". Boudin séjourna a Saint Valery en 1891 et immortalisa la ville et la baie dans une soixantaine de tableaux. Encore, il s'installe en 1892 à Villefranche-sur-Mer, sur la côte d'Azur. La même année, Eugène Boudin est nommé "chevalier de la Légion d'honneur". La décoration lui est remise par le peintre symboliste Pierre Puvis de Chavannes qui l'avait par ailleurs convaincu de rejoindre la société nationale des beaux-arts. Il entreprend des voyages réguliers à Venise jusqu'en 1895 en quête d'inspirations.  En 1898 – alors qu'il est à Paris et se sent défaillir – il demande à mourir « face à la mer » et se fait transporter à Deauville. Il décède le 8 août au matin dans la villa Breloque au 8, rue Olliffe, et est enterré le 12 août au cimetière Saint-Vincent – dans le quartier de Montmartre – à Paris.

Son œuvre.

Eugène Boudin est un peintre marin, expert en matière de rendu de tout ce qui est lié à la mer et à ses rivages. Il peint notamment de nombreux tableaux décrivant la vie des pêcheurs sur les ports et les marchés ; ainsi que celle des familles bourgeoises du sur les plages de Normandie. S'il ne rencontre un succès public relatif qu'à l'approche de la soixantaine, son travail de peintre d’avant-garde est reconnu par les critiques et peintres impressionnistes dès les années 1870, les collectionneurs (Ivan Tourgueniev, Georges Feydeau, puis les Rothschild ou Cary Grant) se mettant dès lors à acheter ses tableaux de paysage mais c'est surtout à partir de 1929, année qui voit Jeanne Lanvin acheter une de ses toiles, que le succès et la reconnaissance lui sont définitivement assurés.  L'importance du ciel et des effets atmosphériques dans ses peintures lui vaut d'être surnommé le « roi des ciels » par le peintre français Camille Corot et le « peintre des beautés météorologiques » par Charles Baudelaire. Ce peintre des paysages attache en effet une grande importance au Soleil, aux nuages, au ciel et à leurs effets changeants sur le paysage en mouvement. Baudelaire écrit même : « La légende cachée avec la main, vous devineriez la saison, l'heure, le vent. » Dans une courte biographie qu'il rédige en 1887, Boudin évoque son ambition d'avoir eu une « petite part d'influence dans le mouvement qui porte la peinture vers l'étude de la grande lumière, du plein air et de la sincérité dans la reproduction des effets du ciel... »  Au cours de sa vie, il aura peint près de tableaux et laissé autant de dessins, pastels et aquarelles. C'est le musée d'art moderne André-Malraux du Havre qui possède la plus grande collection de tableaux de Boudin, avec 224 peintures dont de nombreuses esquisses et études, toutes exposées. Une grande partie provient du « legs Boudin », comportant 60 toiles et 180 panneaux, reliquat de la vente aux enchères, le 21 mars 1899, des œuvres retrouvées dans son atelier à sa mort. Le Musée Eugène-Boudin de Honfleur possède en outre 93 œuvres de l'artiste. Ce musée a été créé en 1868 par Louis-Alexandre Dubourg, peintre honfleurais et ami de Boudin. Ce dernier enrichit les collections du musée en léguant à sa ville natale 53 de ses œuvres ainsi que 17 œuvres de ses amis (Ribot, Hamelin...).  Sa correspondance nous offre l'image d'un homme passionné, acharné au travail jusqu'au l'étourdissement, mais humble et souvent insatisfait de sa production, cherchant sans cesse à s'améliorer et toujours prompt à vanter le talent d'autres peintres.

Collections en institutions artistiques.

Liste non exhaustive. Les sources donnent accès aux œuvres accessibles en ligne. Les lieux sont classés par ordres alphabétiques (pays puis villes et noms).

Allemagne.

Brême, Kunsthalle  Hambourg, Kunsthalle  Stuttgart, Staatgalerie

Argentine.

Buenos Aires, Museo Nacional de Bellas Artes

Australie.

Melbourne, National Gallery of Victoria

Canada.

Montréal, musée des Beaux-Arts  Québec, Musée national des Beaux-Arts du Québec  Toronto, Art Gallery of Ontario  Winnipeg Art Gallery

Cuba.

La Havane, Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba

Éire.

Dublin, City Gallery The Hugh Lane  Dublin, National Gallery of Ireland

Espagne.

Madrid, Museo nacional Thyssen-Bornemisza

États-Unis.

Ann Arbour, University of Michigan Museum of Art  Atlanta, High Museum of Art  Baltimore, Walters Art Museum  Boston, Museum of Fine Arts  Buffalo, Albright-Knox Art Gallery  Cambridge, Harvard University, Fogg Art Museum  Chicago, Art Institute  Cleveland Museum of Art  Columbus Museum of Art  Dallas Museum of Art  Denver Art Museum  Des Moines Art Center  Detroit Institute of Art  Hartford, Wadsworth Atheneum  Houston, The Museum of Fine Arts  Huntington Museum of Art  Kansas City, The Nelson-Atkins Museum of Art  Manchester (New Hampshire), Currier Museum of Art  Memphis, Dixon Gallery and Gardens  Minneapolis Institute of Art  New Haven, Yale Unversity Art Gallery  New York, Brooklyn Museum  New York, The Metropolitan museum of Art  Oberlin, Allen Memorial Art Museum  Pasadena, Norton Simon Museum  Philadelphia Museum of Art  Phoenix Art Museum  Pittburgh, Carnegie Museum of Art  Portland (Maine) Museum of Art  Portland (Oregon) Art Museum  Princeton University Art museum  Raleigh, North Carolina Museum of Art  Richmond, Virginia Museum of Fine Arts  Saint-Louis Art Museum  Saint Petersburg Museum of Fine Arts  San Diego, Museum of Art  Santa-Barbara Museum of Art  Seattle, Henry Art Gallery  Tacoma Art Museum  Toledo Museum of Art  Washington, National Gallery of Art  Washington, The Phillips Collection  Williamstown, The Clark Art Institute

France.

Agen, musée des Beaux-Arts  Aix-en Provence, musée Granet  Angers, musée des Beaux-Arts  Bayeux, musée d'Art et d'Histoire Baron-Gérard  Bayonne, musée Bonnat-Helleu  Bordeaux, musée des Beaux-Arts  Boulogne-sur-mer, Château-musée  Caen, musée des Beaux-Arts  Calais, musée des Beaux-Arts et de la Dentelle  Compiègne, musée national du Château  Dieppe, Château-musée  Dijon, musée national Magnin  Douai, musée de la Chartreuse  Dunkerque, musée des Beaux-Arts  Evreux, musée d'Art, d'Histoire et Archéologie  Grenoble, musée de Grenoble  Honfleur, musée Eugène-Boudin  Le Havre, musée d'Art moderne André-Malraux  Lille, musée des Beaux-Arts  Lyon, musée des Beaux-Arts  Meudon, musée d'Art et d'Histoire  Nantes, musée des Beaux-Arts  Nice, musée des Beaux-Arts  Orléans, musée des Beaux-Arts  Paris, musée des Beaux-Arts de la Ville, Petit-Palais  Paris, musée d'Orsay  Paris, musée du Louvre  Pau, musée des Beaux-Arts  Quimper, musée des Beaux-Arts  Reims, musée des Beaux-Arts  Rennes, musée des Beaux-Arts  Rouen, musée des Beaux-Arts  Saint-Lô, musée des Beaux-Arts  Senlis, musée d'Art et d'Archéologie  Soissons, musée municipal  Toulouse, Fondation Bamberg  Valence, musée d'Art et d'Archéologie  Valenciennes, musée des Beaux-Arts

Israël.

Jerusalem, Musée d'Israël

Japon.

Hakone, Musée d'Art Pola  Hiroshima, Museum of Art  Tokyo, Musée national de l'Art Occidental

Pays-Bas.

Rotterdam, Museum Boijmans Van Beuningen

Royaume-Uni.

Aberdeen Art Gallery and Museums  Berwick-upon-Tweed, Berwick Museum and Art Gallery  Birmingham, The Barber Institute of Fine Arts  Cambridge, The Fitzwilliam Museum  Cardiff, National Museum, National Museum Wales  Edimbourg, National Galleries of Scotland  Glasgow, The Burrell Collection  Glasgow, Hunterian Museum and Art Gallery, University of Glasgow  Glasgow Museums Resource Center  Greenock, McLean Museum and Art Gallery  Leicester, New Walk Museum and Art Gallery  Londres, The Courtauld Institute of Art  Londres, National Maritime Museum, Greenwich  Londres, The National Gallery  Manchester Art Gallery  Nottingham Castle Museum and Art Gallery  Perth Museum and Art Gallery  Sheffield, Museums Sheffield  Southampton City Art Gallery  Truro, Royal Cornwall Museum  York Art Gallery

Russie.

Saint-Pétersbourg, Musée de l'Ermitage

Suisse.

Baden, Langmatt Museum  Genève, musée d'Art et d'Histoire  Zürich, Sammlung Emil Bührle

Hommage.

Pour rendre hommage à Eugène Boudin, la municipalité d'Étaples a donné son nom à une rue :.

Eugène-Louis Boudin est un peintre français, né à Honfleur (Calvados) le, mort à Deauville (Calvados) le. Il fut l'un des premiers peintres français à saisir les paysages à l'extérieur d'un atelier. Grand peintre de marines, il est considéré comme l'un des précurseurs de l'impressionnisme.


Carrière sportive.

Né dans la Vallée du Rift, il perd ses parents très jeune et vit alors avec son oncle. Il entre dans la police kényane à 18 ans. Durant ces années kényanes, il reçoit parfois les conseils d'un ancien double champion olympique américain, Mal Whitfield qui a pour mission de développer le sport en Afrique durant les années 1960.  Ses premiers résultats se présentent lors des Jeux de l'Empire britannique et du Commonwealth de 1962. En 1964, il termine à la, sur les talons du Français Michel Jazy, lors de la finale du mètres des Jeux olympiques d'été de 1964, finale remportée par l'Américain Bob Schul.  L'année suivante, il participe à une réunion à Helsinki qui constitue une véritable revanche de la finale olympique précédente. Il y prend une belle derrière Michel Jazy. Plus tard dans la saison, il établit un nouveau record du monde en abaissant de 6 secondes le record du mètres. Pour la première édition des Jeux panafricains, il remporte le titre sur les deux distances du et du mètres. Plus tard, il bat le record de monde de cette dernière distance.  En 1966, lors des Jeux du Commonwealth de 1966 qui a lieu à Kingston, il remporte deux titres sur le mile et le 3 mile.  Lors des Jeux olympiques de 1968 à Mexico, il est inscrit sur 3 épreuves, le, le et le. Or, ces jeux, il est proche de ne pas les disputer. Il souffre en effet de calculs biliaires. Les médecins, devant les risques de septicémie, lui interdisent de courir. Il passe outre et dispute tout d'abord le mètres. Mais à deux tours de l'arrivée, les douleurs sont trop fortes et il chute. Bien que reparti pour terminer la course, il est disqualifié pour être rentré dans l'intérieur du terrain durant sa chute. Quatre jours plus tard, il dispute le mètres. Il y est battu par le Tunisien Mohammed Gammoudi pour deux dixièmes de secondes. Il décide alors de ne pas courir le mètres. En effet, il a atteint son but d'obtenir une médaille olympique. Les risques médicaux sont toujours présents. Et, de plus, le mètres est promis à l'Américain Jim Ryun qui a pulvérisé le record du monde de la distance, franchissant la barrière des 3 min 35 s lors de la saison précédente. Durant cette course, Keino avait terminé à la à 7 secondes de Ryun. Au dernier moment, Keino revient sur sa décision: il doit même parcourir une partie de la distance en courant pour accéder au stade olympique à temps. Le rythme élevé imprimé par Keino et son compatriote Ben Jipcho asphyxie l'Américain et Keino termine premier avec plus de d'avance sur le second.  Après deux nouvelles médailles aux Jeux du Commonwealth, il participe à ses troisièmes Jeux olympiques avec les Jeux olympiques de 1972 à Munich. Il doit s'aligner sur les distances du et du steeple. Avec l'absence de l'Américain Jim Ryun éliminé sur chute lors des séries, Keino est le grand favori du. Mais il se fait surprendre par le Finlandais Pekka Vasala. Il remportera toutefois son second titre olympique lors du steeple, distance qu'il n'a disputé que six fois auparavant. Peu à l'aise lors des franchissements, il reste en fin de peloton pour éviter tout risque avant de finalement l'emporter facilement.  Il se retira des pistes en 1973.  En 2012, il est intronisé au Temple de la renommée de l'IAAF.  Lors de la cérémonie d'ouverture des Jeux olympiques d'été de 2016, le CIO lui décerne les premiers Lauriers olympiques pour son action sociale et éducative au Kenya.

Reconversion.

Il occupe désormais le poste de président du Comité National Olympique Kenya. Dans ce poste, il tente de lutter contre les départs de sportifs pour des pays offrant des ponts d'or aux athlètes. Il a ainsi refusé que le néo-Qatari Saif Saaeed Shaheen, autrefois connu sous le nom de Stephen Cherono, ne participe aux Jeux olympiques d'été de 2004 à Athènes en vertu du règlement olympique qui, sauf avis favorable du comité olympique d'origine, oblige d'être naturalisé depuis au moins trois ans pour être sélectionnable.

Accusations de corruptions.

Le, sept dirigeants sportifs kényans, dont Kipchoge Keino, sont inculpés pour corruption et détournement de fonds lors des Jeux Olympiques 2016. Le, son avocat indique qu'il est libéré des charges pesant à son encontre et que son statut d'accusé est modifié pour passer à celui de témoin à charge.

Kipchoge Keino dit Kip Keino (né le à Kipsamo) est un athlète kényan. Il est considéré comme le précurseur de la tradition des coureurs des hauts plateaux, dominateurs des courses de demi-fond et plus particulièrement du 3 000 m steeple, distance qui est la chasse gardée des coureurs kényans.


Taxinomie.

Actuellement, la systématique de "Testudo graeca" est en pleine discussion. La classification la plus largement admise et utilisée des tortues de terre du genre "Testudo" est celle largement fondée sur les travaux de Robert Mertens (1946) et Mertens & Wermuth (1961). Cette classification a été confirmée par Obst et Meusel (1963 et 1978), Pritchard (1979) Chkhkvadze (1970), Mlynarski (1969), Romer (1956), Gaffney (1975) et Williams (1950). Elle constitue une référence fiable pour les travaux les plus courants.  Depuis une dizaine d’années, de nombreux auteurs estiment que les taxons "zarudnyi", "ibera", et "terrestris" identifiés par Mertens en 1946 et encore actuellement considérés comme sous-espèces, devraient être élevés au rang d'espèces. Cette discussion dépasse largement le cadre de ces tortues, le concept d'espèce étant de plus en plus remis en cause dans la zoologie moderne. D’autres spécialistes comme Kuyl en 2002, suivent la classification de Mertens en ne reconnaissant que quatre sous-espèces : "T. g. graeca" d’Afrique du Nord, "T. g. ibera" de Roumanie, Turquie, Iran, Irak et Russie, "T. g. terrestris" de Libye, Israël, Égypte et Syrie, "T. g. zarudnyi" du plateau central iranien et d'Afghanistan. Certains auteurs comme Pieh ou Highfield ont proposé de nombreuses nouvelles sous-espèces. Les propositions si elles sont reprises par Catalogue of Life, ITIS et Species2000 (bases taxonomiques sur lesquelles se fonde la Communauté européenne) ont malgré tout été refusées par certains auteurs. Seule une étude moderne s'appuyant sur des tests génétiques pourra nous renseigner sur ce sujet.  De nombreux auteurs ont étudié principalement des différences morphologiques et chromatiques (phénotypes) et ont publié leurs travaux dans des revues parfois confidentielles. Il convient donc de rester extrêmement prudent face à cette prolifération récente de nouveaux noms.

Liste des sous-espèces et distribution.

Selon :  L'espèce se décompose en 2010 en dix sous-espèces réparties sur 3 continents à environnements géologiques, pédologiques et climatologiques différents. De nouvelles sous-espèces sont régulièrement proposées dans des monographies et descriptions. Souvent il s'agit en fait de populations affectées d'un cline, première étape vers un possible futur nouveau clade. Par ailleurs la plupart des sous-espèces sont considérées (pour certaines probablement à juste titre) comme véritables espèces par certains auteurs des descriptions et des études phylogénétiques.  Il est fort probable qu'on assiste là à un groupe taxonomique paraphylétique. L'avenir le dira par la comparaison exhaustive des génomes.

Caractéristiques phénotypiques.

La tortue mauresque ("Testudo graeca") est souvent confondue à tort avec la tortue d'Hermann ("Testudo hermanni") et la tortue de Horsfield ("Testudo horsfieldii").  La description des taxons de l'espèce "Testudo graeca" répond obligatoirement aux critères communs suivants :  Certains spécimens peuvent ne pas répondre à 1 critère parmi ces 7. Lorsque au moins 6 de ces 7 critères sont présents, la diagnose indique un spécimen du groupe taxonomique "Testudo graeca".  Elles peuvent mesurer jusqu'à et peser.

Mode de vie.

La Tortue grecque vit dans des milieux arides et son alimentation est parfois réduite à quelques végétaux : chardons, luzerne et jeunes pousses. Certaines populations hibernent dans les milieux d'altitude (Moyen-Atlas), mais le plus souvent ces tortues estivent pendant les mois chauds, cachées sous des buissons ou dans des anfractuosités. Les mâles sont souvent agressifs et s'affrontent âprement en période de reproduction. Les préludes aux accouplements se déroulent au tout début du printemps et après les rares pluies d'automne. Le mâle poursuit la femelle, la mord violemment aux pattes ou au cou, tourne autour d'elle pour l'immobiliser et se juche sur sa dossière. Le dimorphisme sexuel est très marqué chez cette espèce, surtout au niveau de la taille : le mâle est plus petit que la femelle ( contre ) et l'on voit souvent de très petits mâles s'accoupler avec de bien plus grosses femelles. Les pontes se déroulent d'avril à juin. Trois pontes sont fréquentes avec un record de cinq pour une même femelle. Chaque ponte compte une douzaine d'œufs au maximum avec une moyenne de 7 œufs.  Cette espèce est créditée d'une longévité exceptionnelle, mais uniquement en captivité : en Angleterre une tortue a vécu jusqu'à. À la naissance, les jeunes tortues sont souvent grisâtres et prennent ensuite une coloration plus contrastée jaune noirâtre. Très âgées, les tortues grecques peuvent présenter alors une carapace « blanche » qui ne reflète en aucune manière un handicap ou une maladie.

Comportement.

Les tortues sont des animaux ectothermes, c'est-à-dire que leur température corporelle est intimement dépendante de la température ambiante, leur physiologie ne disposant pas de système régulateur thermique interne. Ce sont par ailleurs des animaux poïkilothermes, c'est-à-dire dont les performances de l'activité métabolique sont dépendantes de la température suivant une fonction appliquant la loi de Poisson. Les fonctions métaboliques optimales sont acquises au sommet de la courbe graphique de la loi de Poisson (températures en abscisses, performances métaboliques en ordonnées) affectant la traditionnel forme « en chapeau de gendarme ». La température optimale pour le métabolisme poïkilotherme est appelée « température moyenne préférentielle » (TMP). Mais cette température moyenne préférentielle ne doit en aucun cas être maintenue de façon constante, car les différentes étapes nycthémérales du métabolisme poïkilotherme exigent des variations fluctuantes centrées sur cette TMP mais d'amplitude importante suivant les heures du jour et de la nuit.  Par ailleurs si la température augmente trop fortement, les fonctions vitales de l'organisme poïkilotherme vont s'accélérer dangereusement... pouvant aller jusqu’à la mort de l'animal. Pour éviter cette situation, l'animal s'enterre dans un sol frais pour une période d'estivation."A contrario", si la température baisse de façon trop importante, les fonctions vitales de l'organisme poïkilotherme vont être mises progressivement au repos pour économiser toute dépense énergétique. Repos qui peut aller jusqu'à l'hibernation... si l'espèce est adaptée à l'état physiologique d'hibernation par son passé évolutif (ce qui n'est pas le cas des "Testudo graeca" du Maghreb, contrairement aux "Testudo graeca" du plateau iranien, de Turquie, de Géorgie, de l'Est de la Grèce et de la Roumanie).  Il est préférable que toute variation de température du milieu ambiant soit douce et régulière. Une variation brutale provoque un choc thermique, avec risque important de mort soudaine par tachycardie en cas d'élévation brutale de la température ou par bradycardie en cas de chute brutale de la température.  D'une façon générale, les tortues ont donc des comportements différents en fonction des températures :

Alimentation.

Les tortues terrestres du genre "Testudo" sont principalement végétariennes (phytophages). Dans la nature, elles ont un régime souvent très diversifié et principalement herbivore, mais aussi folivore et frugivore (le poids des fruits ne doit pas dépasser 10 % du poids total de la ration hebdomadaire). Elles se nourrissent de tiges, de feuilles, de fleurs, de bourgeons, de fruits et de fragments d'écorces. En période d'activité, elles se nourrissent tous les jours et ingèrent plusieurs petits repas au cours de la journée, essentiellement dans un comportement crépusculaire et surtout le matin. Dans les endroits agricoles, elles se nourrissent de quelques fruits et plantes cultivées. Elles complètent leur régime par quelques rares invertébrés (vers, escargots) et des fèces.  Contrairement à une idée répandue, la tortue ne trouve quasiment rien à manger dans du gazon. Le gazon est d'ailleurs un sol interdit aux tortues (toutes les tortues), en raison de la forte rétention en eau de cette herbe et de sa différence de température importante avec la terre, l'absorption thermique du gazon étant très importante, provoquant de nombreuses pathologies respiratoires et pathologies dermiques du plastron notamment chez toutes les espèces et sous-espèces du groupe "graeca". "Testudo graeca" et toutes ses déclinaisons, qu'elle soit d'Afrique du nord, du Proche-Orient ou des bords de la mer Noire, est d'ailleurs une tortue qui dans la nature vit exclusivement sur un sol entièrement nu parsemé de simples broussailles. Ce sol est même proche de la nudité totale dans la quasi-totalité du Maroc et dans les steppes centrales de la Tunisie.  Le régime alimentaire des tortues terrestres doit comporter environ 90 % de végétaux et 10 % de fruits. Il doit être globalement pauvre en matières grasses et en protéines. En revanche, il doit être riche en minéraux (avec deux fois plus de calcium que de phosphore (le déséquilibre phosphocalcique chez les tortues est un des trois principaux facteurs de dystrophie hypertrophique, une maladie osseuse très grave). Il doit encore être riche en fibres, en oligo-éléments, en eau et en vitamines (notamment en vitamine A). Voici une liste d’aliments adaptés à l’alimentation des tortues terrestres : feuilles et fleurs de pissenlit, endives, romaine, cresson, luzerne, feuilles et fleurs de trèfle, chou (parties vertes uniquement, éviter toutes les parties blanches), épinards (en petite quantité), kiwi, mangue, papaye, figue fraîche, orange, céleri en branches, blettes, feuilles de betterave, feuilles de brocoli (éviter les fleurs), feuilles de navet, feuilles et fleurs d'hibiscus, feuilles de mûrier, cactées et plantes grasses.

Statut écologique.

En Afrique du nord, les "Testudo graeca" ont été sévèrement épuisées de la majorité de leurs habitats, surtout au Maroc, en Tunisie et dans le nord-ouest de l'Algérie où certaines populations de "Testudo graeca graeca" ont quasi-totalement disparu car elles restent soumises à un fort taux de ramassage pour ventes illégales dans les souks des villes, et ce sous l'œil totalement indifférent des autorités et des agents circulant dans les souks. Il est difficile de fournir des données précises sur la démographie des populations restantes, la raréfaction devenant dramatique dans de nombreuses vallées.  En ce qui concerne les "Testudo graeca terrestris" de la vallée du Jourdain et de la Syrie, on dispose encore de peu d’informations mais qui ne sont là encore guère rassurantes. En effet les derniers rapports israéliens rapportent que cette tortue subit des dégradations liées au développement humain mettant en péril le devenir de cette dernière par la fragmentation de son habitat en raison de l'extension des zones cultivées et habitées.  En ce qui concerne la "Testudo graeca ibera" présente en Géorgie et en Turquie, elle reste très répandue en Turquie centrale et occidentale où elle n’est nullement en danger, peut-être grâce à son statut de porte-bonheur, mais surtout en raison d’une exploitation commerciale beaucoup plus tardive que celle des taxons du Maghreb. Il semblerait qu’il n’en soit pas de même dans l’est de la Turquie, région très montagneuse autour du lac de Van où les "Testudo graeca ibera" seraient plutôt proches de l’extinction comme en Géorgie.  En ce qui concerne les "Testudo graeca zarudnyi", leur aire de répartition étant essentiellement l'Irak et l'Iran, on dispose de trop peu de données sur leur statut démographique et écologique.

Historique.

L'importation légale des tortues méditerranéennes en Europe a commencé à partir de 1890 et ce commerce légal s’est arrêté en 1984.  La plupart de ces tortues était des tortues méditerranéennes et plus précisément des "Testudo graeca graeca", "Testudo graeca marokkensis" et "Testudo graeca soussensis" d'Afrique du Nord. De toutes les tortues terrestres, peu ont été aussi fortement pillées dans la nature que celles d’Afrique du Nord. Il est difficile d'estimer des chiffres précis mais la CITES indique que c’est par dizaines de millions que ces animaux ont été prélevés (et le sont toujours de manière illégale aujourd'hui) de leur milieu sauvage sur plus d’un siècle. On estime que pour le seul Royaume-Uni, les importations d'animaux de ces trois taxons sur cette période seraient au-dessus de 10 millions.  Au tout début, le commerce n'était pas étendu et les tortues étaient des curiosités rares. La plupart de ces animaux étaient apportés en Europe individuellement, ou tout au plus en très petites quantités, par des marins.  On commence à trouver des traces d’importation commerciale en Angleterre vers 1886 et en France vers 1894 avec les premières expéditions d’Alger vers Marseille. Ces malheureuses créatures étaient attrapées dans leur pays d'origine, bourrées dans des caisses, des sacs et expédiées vers des animaleries, des marchés dans l'ensemble de l'Europe. Beaucoup étaient morts durant le voyage et d'autres arrivaient malades, blessés ou affaiblis.  Au début du, les tortues exportées se comptaient annuellement par milliers et au milieu de ce siècle par centaines de milliers. Le seul sursis pour les tortues s'est produit pendant la Deuxième Guerre mondiale quand les exportations ont cessé temporairement. Après la Deuxième Guerre mondiale, les stocks en Afrique du Nord diminuant, on se tourna également vers les tortues du Var, de Corse, d'Italie, des Balkans et d’Europe de l’Est, plus robustes comme "Testudo hermanni", }"Testudo hermanni boettgeri", "Testudo graeca ibera", "Testudo marginata" et Testudo horsfieldii".  En 1969, Lambert rapporte que plus de tortues étaient exportées tous les ans du seul Maroc vers la Grande-Bretagne dans la période d’après-guerre. On peut penser que les mêmes quantités ont été extraites à partir de l'ensemble Algérie, Tunisie, Libye. Entre 1965 et 1976, on estime que la France importait des quantités massives de Testudo "sensu lato" (hermanni, graeca, marginata, horsfieldii...) à raison de à spécimens par an, quitte à détruire les tortues non vendues comme ce fut le cas en 1972 à Marseille où 5 tonnes de "Testudo horsfieldii" furent concassées (vivantes!) pour la fabrication d'aliment de bétail. La France aurait même importé "Testudo graeca" et "Testudo hermanni" pour la seule année 1979. Il y avait la même demande de tortues dans l'ensemble de l'Europe avec l'Allemagne, les Pays-Bas et bien d'autres pays de la Communauté européenne. Tous ces pays européens ont annuellement importé des centaines de milliers de tortues sauvages, épuisant de ce fait de façon drastique les populations sur le terrain, et menant toutes ces espèces au statut d'espèces en voie de disparition.  Pendant cette période il n'y avait absolument aucune tentative pour protéger ces animaux considérés comme des produits de consommation et de loisir.  Étant trop lourdes pour le fret aérien ( tortues pèsent environ une tonne), elles étaient transportées par bateau. Le destin qui attendait ces créatures à l'arrivée était souvent épouvantable. De plus très peu de ces tortues survivent à leur première hibernation en captivité (hibernation d'ailleurs faite en dépit du bons sens, l'hiver au sens européen n'existant pas et n'ayant jamais existé au Maghreb). Blatt et Müller dans une enquête conduite en Allemagne et datant de 1974 sur des "Testudo graeca" ont chiffré que plus de 82 % des animaux étaient morts au bout d’une année. On estime même que seulement 10 % des animaux vendus dans les taxons maghrébins (même nés en captivité) survivent à la première année de captivité, dans la quasi-totalité des cas en raison de cette hibernation qu'on leur fait subir en dépit du bons sens. La majorité des amateurs, même certains amateurs se disant « experts », confondent totalement le mode de dormance hivernale de "Testudo graeca" avec celui de "Testudo hermanni".  Quand le Maroc a ratifié en 1978 la Convention de Washington, le commerce de tortues s’est tourné de plus en plus vers la Turquie ("Testudo graeca ibera") et la Yougoslavie ("Testudo hermanni boettgeri") pour répondre à ses exigences. Par la suite, ce commerce légal s’est aussi terminé en 1984 lorsque la Communauté européenne a interdit entièrement l'importation ou n'importe quelle autre forme d'échanges des tortues méditerranéennes. Mais ce commerce se poursuit toujours, 25 ans plus tard, par le trafic illégal.

Loi et règlementation.

Le taxon "Testudo graeca" (et toutes ses déclinaisons) est inscrit à l'annexe II de la Convention de Washington (CITES), et est inscrit comme espèce en voie de disparition dans "Red Book" de l'UICN, et en statut "vulnérable" pour les pays suivants : Albanie, Algérie, Arménie, Azerbaïdjan, Bulgarie, Égypte, France, Géorgie, Grèce, Iran, Irak, Israël, Italie, Jordanie, Liban, Libye, Macédoine, Moldavie, Maroc, Roumanie, Russie, Espagne, Syrie, Tunisie, Turquie, Turkménistan, Ukraine, et ex.Yougoslavie. Elle est également inscrite à l’annexe A du règlement CE n°338/97 de la Communauté Européenne relatif à la protection des espèces de faune et de flore sauvages par le contrôle de leur commerce.

Testudo graeca est une espèce de tortues de la famille des Testudinidae. En français elle est appelée tortue mauresque ou tortue grecque.


Chronologie et climat.

La culture du Gravettien fait partie du Paléolithique supérieur et s'inscrit chronologiquement en Europe de l'Ouest entre l'Aurignacien et le Solutréen. Elle a duré d'environ à ans avant le présent. La culture gravettienne se termine par un faciès lithique original nommé Protomagdalénien.  À partir de ans AP, à la suite de l'interstade Maisières, l'Europe connaît un refroidissement important qui correspond au stade SIO 2 de la dernière glaciation, et qui atteint son maximum au Solutréen. Au cours du cycle gravettien, un épisode un peu plus clément, caractérisé par une augmentation de l'humidité et un adoucissement très relatif, est reconnu entre environ et ans AP (~ et ans AEC), sous le nom d'« oscillation (ou épisode) de Tursac ».

Extension géographique.

La densité de population est importante dans les vallées des petites rivières de la Charente, la Charente-Maritime, la Dordogne et la Vienne.  Le Gravettien se retrouve aussi en Allemagne, en Belgique, en Espagne, en Italie, dans le sud de la Grande-Bretagne, et en Moravie où un Gravettien oriental, le "Pavlovien", a été défini à partir de vestiges découverts dans le village de Pavlov.  On rencontre les plus anciennes traces du Gravettien dans la grotte de Kozarnika (Kozarnikien), en Bulgarie. Il serait ensuite apparu en Crimée du sud, à Buran-Kaya, il y a environ 32 000 ans (voir Monts de Crimée), puis près de rives du Danube en Autriche et dans le sud de l'Allemagne.  En Italie, le Gravettien final évolue vers un faciès plus microlithique, l'Épigravettien (ou Tardigravettien). Ce faciès est caractérisé par la présence de microgravettes, de petits grattoirs sur éclat et de lamelles à dos. Subdivisé en Épigravettien ancien, récent et final, il perdure jusqu'à ans AP et est contemporain du Solutréen et du Magdalénien.  En Europe centrale et orientale, le Gravettien (Kostenkien) évolue vers des faciès épigravettiens sensiblement distincts de leurs équivalents méridionaux.

Industrie.

Le Gravettien est caractérisé par le débitage de lames en silex très droites, utilisées pour réaliser des pointes de projectile à dos rabattu rectiligne, appelées « pointe de la Gravette ». L'industrie lithique comprend également de petits outils diversifiés et spécialisés : petites pointes appelées « fléchettes », « pointes de la Font-Robert », pointes à retouches sur face plane, divers types de burins (dont le burin de Noailles), etc.  À la fin du Gravettien, les pointes de la Gravette et les microgravettes sont progressivement remplacées par des lamelles à dos ; les burins dièdres se substituent aux burins sur troncature retouchée ; et les lames retouchées se développent (Protomagdalénien).  En Europe centrale et méridionale à la même époque, on assiste à une microlithisation de l'outillage pour donner les faciès de l'Épigravettien (ou Tardigravettien), qui remplaceront partiellement ou totalement le Solutréen et le Magdalénien.  L'industrie en os comporte notamment des pointes de sagaies.  L'emploi prépondérant de la retouche plate a permis d'émettre l'hypothèse d'une certaine continuité entre le Lincombien-Ranisien-Jerzmanowicien (LRJ) et le Gravettien.

Art.

L'art gravettien est caractérisé par ses « Vénus paléolithiques » présentant des formes souvent très généreuses (Vénus de Lespugue, de Willendorf) ou parfois plus fines (Dame de Brassempouy). Il comporte aussi des gravures sur os et ramures, des frises gravées dans les abris sous roches et des grottes ornées (chevaux ponctués de Pech Merle, mains négatives de Gargas, grottes de Vilhonneur, grotte de Cussac).

Génétique.

Les échantillons d'ADN-Y analysés dans une étude de 2016, datés entre 31 000 et AP, qu'ils proviennent de Belgique, de République tchèque, d'Autriche ou d'Italie, sont étroitement apparentés, ce qui semble refléter une expansion de la population associée à la culture archéologique du Gravettien. Les humains de l'Aurignacien auraient été évincés il y a entre et par un autre groupe d'humains, les Gravettiens. Bien qu'ils portent des signatures génétiques distinctes, les Gravettiens et les Aurignaciens sont les descendants de la même branche européenne d"'Homo sapiens".  L'analyse du génome d'un individu âgé de 36 000 ans environ, originaire de Bourane-Kaya III en Crimée confirme que les groupes du Gravettien seraient issus d'une branche orientale de cette population fondatrice de chasseurs-cueilleurs européens qui se serait étendue depuis la Russie actuelle vers l'ouest. L'aire de distribution du Gravettien est approximativement la même que pour l'haplogroupe I (groupe d'ADN-Y, c'est-à-dire transmis exclusivement en ligne masculine). L'haplogroupe mitochondrial de l'individu étudié est N1 avec également trois des huit mutations qui mènent à la branche N1b.

Faciès typologiques en France.

L’analyse statistique menée sur un corpus de niveaux industriels du Paléolithique supérieur ancien récemment fouillés a permis de réviser le « modèle périgordien » de Denis Peyrony, basé sur une interprétation erronée des stratigraphies disponibles. La nouvelle analyse propose une structuration des industries lithiques du Gravettien en sept faciès chronologiques caractérisés chacun par une association préférentielle d’outils, traduisant une adaptation de la culture matérielle au contexte climatique. La révision du cadre paléoclimatique souligne, en outre, la corrélation entre les industries et le contexte, en accord avec les datations absolues.

Le Gravettien ancien.

La relecture critique des stratigraphies conduit à démontrer l’identité entre le "Périgordien IV à pointes de la Gravette" et le "Périgordien V2 à éléments tronqués" du schéma classique, regroupés maintenant dans le Gravettien de faciès indifférencié, et de reconnaître l’antériorité des industries à pointes de la Font-Robert (Gravettien de faciès Fontirobertien) sur celles à pointes de la Gravette (Gravettien de faciès indifférencié). L’existence du Bayacien est définitivement démontrée à l’abri Pataud où les industries présentent toutes les garanties de représentativité statistique, au contraire du site de la Gravette où le matériel semble souffrir d’une récolte sélective et/ou incomplète puis d’un tri après la fouille.  La succession entre le Gravettien de faciès Bayacien et le Gravettien de faciès indifférencié est visible à la Gravette et à l’abri Pataud, dans un même contexte rigoureux (inter Maisières-Tursac). L’évolution typologique de l’un à l’autre s’effectue essentiellement par la disparition des fléchettes, au profit des pointes de la Gravette.  La succession entre le Gravettien de faciès Fontirobertien et le Gravettien de faciès indifférencié est visible à la Ferrassie, aux Vachons et au Flageolet I, dans un même contexte rigoureux (inter Maisières-Tursac). L’évolution typologique de l’un à l’autre s’opère par la réduction des grattoirs au profit des burins, la disparition progressive des pointes de la Font-Robert et le polymorphisme de l’outillage à dos (pointes de la Gravette, éléments tronqués et lamelles à dos), traduisant les choix techniques d’une même tradition adaptés à un même environnement climatique.  Les premières phases du Gravettien s’organisent alors suivant une double structure typologique Font-Robert / Gravette / Noailles ou Fléchette / Gravette / Noailles, permettant de gommer la double lacune visible, dans le schéma classique de D. Peyrony entre le Périgordien IV à pointes de la Gravette et le Périgordien V3 à burins de Noailles, à l’abri Pataud, à Roc de Combe, au Flageolet I et à l’abri du Facteur.

Le Gravettien moyen.

L’abri Pataud montre, pour la première fois, la succession stratigraphique et typologique Gravettien de faciès Noaillien / Gravettien de faciès Rayssien. Cette substitution des burins de Noailles par les burins du Raysse autorise à rejeter l’hypothèse de spécialisation fonctionnelle des sites et à envisager l’hypothèse de l’évolution technique d’une même tradition typologique visant au même résultat, la production en série de microlamelles dans un contexte plus clément.  En l’état actuel des connaissances, en se basant exclusivement sur les sites récemment fouillés, il n’existe pas de niveaux intermédiaires entre le Gravettien de faciès indifférencié et le Gravettien de faciès Noaillien. Il n’existe pas non plus de niveau intermédiaire entre le Gravettien de faciès Rayssien et le Gravettien de faciès Laugérien.

Le Gravettien récent et tardif.

Avec le Gravettien récent de faciès Laugérien, on assiste à une nouvelle rupture typologique : diminution des grattoirs et des burins au profit des pointes et micropointes de la Gravette, et disparition des burins de Noailles et du Raysse. L’analyse statistique conduit à dégager deux types basés sur un rapport / inférieur à l’unité dans la phase A et supérieur à l’unité dans la phase B. D’autres indices évolutifs, comme la décroissance des pointes de la Gravette et des burins sur troncature retouchée, la croissance des burins dièdres, souvent multiples, et l’apparition des lames retouchées dans le type B, montrent que le Gravettien récent de faciès Laugérien s’engage dans un processus conduisant au Gravettien tardif de faciès Protomagdalénien, traduisant l’aboutissement ultime de cette évolution et terminant le cycle gravettien (supériorité des burins sur les grattoirs et des burins dièdres sur les types sur troncature retouchée, rareté des pointes de la Gravette, abondance des lames retouchées et des lamelles à dos).

Les sites gravettiens de référence.

En France, les sites gravettiens de référence sont : l'abri Pataud, Laugerie-Haute Est, la Gravette, la Ferrassie et le Flageolet I en Périgord, le Roc de Combe et l'abri des Peyrugues dans le Quercy, l'abri du Blot en Auvergne, les grottes d'Arcy-sur-Cure en Bourgogne. Malheureusement, quelques-uns de ces sites sont encore inédits, près de 20 ans après leurs fouilles.  Des données complémentaires sont issues des Jambes, de la Rochette, de Corbiac, de l'abri Labattut, du Trou de la Chèvre et de l'abri du Facteur en Périgord, de Maldidier, du Roc de Gavaudun, du Roc de Cavart, des Fieux, du plateau Cabrol, de l'abri des Battuts, de la Bergerie à St Géry, de l'abri Peyrony, de Roquecave et de Métayer dans le Quercy et l'Agenais, de la grotte de Bassaler-Nord dans le Limousin, des abris I et II des Vachons en Charente, de Laraux dans le Centre de la France, du Cirque de la Patrie dans le Bassin parisien et de l'île de Bréhat en Bretagne, avec des données stratigraphiques et typologiques de valeur inégale.

Le Gravettien est un faciès culturel préhistorique appartenant au Paléolithique supérieur européen, caractérisé par son industrie lithique. Il doit son nom au site de La Gravette, situé sur la commune de Bayac, en Dordogne.


Biographie.

Débuts en Espagne.

Cristóbal Balenciaga Eizaguirre est né le 21 janvier 1895 à Getaria, village de pêcheurs dans la province de Gipuzkoa au Pays basque espagnol. Il grandit dans un environnement modeste, entouré par son père marin-pêcheur et maire du village, de sa mère, couturière et de ses deux frère et sœur, Augustina et Juan Martín. Son père meurt jeune et laisse la mère de Balenciaga, Martina Eizaguirre, sans ressources et ses trois enfants à charge.  Martina, qui enseigne sa profession aux jeunes filles du village, initie très tôt Cristóbal à la couture, lui transmet son savoir-faire et sa passion. C'est à l'âge de douze ans que la marquise de Casa Torres, alors cliente de Martina, remarque son don et son habileté. Elle lui confie alors une de ses robes en lui demandant de la reproduire. Il s'exécute, laissant transparaître son talent inné pour la couture. La marquise va ensuite l'encourager et le pousser à persévérer dans cette voie, et en 1908 il entre en apprentissage chez un tailleur de Saint-Sébastien.  À seize ans, il part quelques mois à Bordeaux pour parfaire son français. Un an plus tard en 1912, il entre au magasin du Louvre de Saint-Sébastien, rue Hernani, comme ouvrier aux côtés de Mademoiselle Victoria, première d'atelier pour dames. Il deviendra ensuite à son tour chef d'atelier chez.  À la fin des années 1910, sûr de son talent, il ouvre sa première maison de couture, rue Veraga, Saint-Sébastien, sous le nom de "C. Balenciaga" et engage une trentaine d'ouvrières. L'année suivante, les sœurs Benita et Daniela Lizaso s'associent à lui et injectent des capitaux dans son entreprise qui portera désormais le nom de "Balenciaga y Compañía". Saint-Sébastien étant la résidence d'été de la cour d'Espagne, son talent l'amène à côtoyer et à habiller la famille royale, notamment la reine Victoria Eugenia et la reine mère María Cristina. Avec elles, c'est toutes les dames de la société qui deviennent clientes régulières de Balenciaga et sa renommée se consolide rapidement. Il effectue de nombreux séjours à Paris où il se fait connaître comme acheteur chez les couturiers. Il y rencontre Worth, Jeanne Lanvin, Chéruit, Paquin, Lelong et notamment Coco Chanel avec qui il va lier une étroite amitié jusqu'à la fin de sa vie.  La fin de la monarchie espagnole en 1931 signe la fin d'une époque, sa clientèle privilégiée commence à disparaître. Mais fort de son succès et déjà bien entouré, notamment par Wladzio d'Attainville, fils d'une de ses clientes, Balenciaga ouvre une seconde maison de couture à Saint-Sébastien mais qui ferme rapidement. C'est en 1933 qu'il ouvre une maison à Madrid, rue Caballero de Gracia. Sa seconde maison ayant fait faillite, Balenciaga n'a plus le droit d'user de son nom pour ses maisons. C'est donc le nom de sa mère Eisa (Eizaguirre) que vont désormais porter ses maisons de couture, "Eisa Costura". En 1935, une autre maison voit le jour à Barcelone, 10 rue Santa Teresa, dans son hôtel particulier.

Paris.

Mais la Guerre civile de 1936 l'oblige à quitter l'Espagne et à fermer ses trois maisons de couture, existant déjà depuis presque vingt ans. Il tente dans un premier temps de se réfugier à Londres et de travailler chez Worth et chez Rouff. Mais dès juillet 1937, il s'installe à Paris et ouvre une maison au 10, avenue George-V sous le nom de Balenciaga, grâce à un mécène et à quelques fabricants de tissus français qui le connaissent du temps où il venait se fournir chez eux pour la cour espagnole. Il présente sa première collection parisienne en août 1937, qui remporte immédiatement un franc succès. Le "Daily Express" le surnommera même « le jeune Espagnol qui révolutionne la mode ». Un autre défilé deux ans plus tard, où il présente cette fois une collection inspirée du Second Empire français, remporte lui aussi un vif succès.  À la fin de la guerre d'Espagne, Balenciaga décide de rouvrir ses maisons locales. Celle de Madrid déménage rue José Antonio, sur les recommandations de la marquise de Casa Torres et compte désormais deux-cent cinquante employés ; sa sœur en prend la direction en 1948, jusqu'à sa fermeture en 1968. Son neveu, José Balenciaga, quant à lui, dirige celle de Barcelone. Il continue d'habiller l'aristocratie espagnole mais également des personnalités. Son succès grandissant, il élargit sa maison parisienne en 1939 en rachetant les locaux de Mainbocher, mitoyens aux siens avenue George-V.  La Seconde Guerre mondiale ne l'arrête pas, il fermera juste sa maison en juillet 1940 pour la rouvrir en septembre afin d'éviter d'être réquisitionné. Les collections qui suivent pendant cette période de restriction sont des collections réduites pour une clientèle privée, fidèle à sa mode. Il introduit l'usage de la broderie et la passementerie dans ses robes du soir durant cette période.  À la fin de la guerre en 1945, il faut reconquérir le public et relancer la haute couture parisienne. Il participe donc au "Théatre de la Mode", exposition itinérante, installée dans un premier temps au Pavillon de Marsan à Paris où sont mises en scène des figurines habillées par les plus grands couturiers de l'époque. L'arrivée de Christian Dior en 1947 créé un véritable raz-de-marée dans l'univers de la mode mais Balenciaga n'en est pas pénalisé pour autant, lançant sa ligne « Tonneau ». Sa réputation est déjà bien établie auprès de la presse et de ses clientes à l'international, et sa mode ne peut faire concurrence à celle de Dior, les deux styles étant très différents. Dior ira même jusqu'à appeler Balenciaga « notre maître à tous ».  En 1948, la collection est encensée par Carmel Snow. Cette année-là, Balenciaga doit faire face au décès de son proche collaborateur Wladzio d'Attainville, le 14 décembre. Va s'ensuivre une période difficile où il envisage d'arrêter toute activité mais Dior réussit à le convaincre de ne rien abandonner. Il lance son premier parfum "Le Dix", allusion à l'adresse de sa maison de couture à Paris, à cette période ; le deuxième suivra quelque temps plus tard "La fuite des heures", puis un troisième "Quadrille". Il ouvre également une boutique au 10, avenue Georges V, dans la partie rachetée à Mainbocher qui sera entièrement décorée par Christos Bellos.  André Courrèges intègre l'atelier Balenciaga en 1950 comme assistant. Les années cinquante voient Balenciaga ne se donner qu'à son œuvre, sa mode. Ce sera sans doute la décennie la plus importante de sa carrière, chaque collection voit fleurir une nouvelle pièce « maître ». Il passe du temps à recréer sa silhouette, à la parfaire. Chaque nouveau défilé est un réajustement du précédent, les coupes et les volumes sont affinés ; la presse de mode approuve. Ses créations de cette époque font appel aux manches melon, aux jupes ballon et à des tissus volumineux et lourds. L'année d'après, Balenciaga revient à des lignes plus fluides, avec des tailleurs semi-ajustés, cintrés devant et vagues derrière ; cette ligne sera appelée par Carmel Snow du "Harper's Bazaar" la. Il présente en 1955 la "tunique", robe étroite deux pièces aux lignes droites et épurées.  Il compte dans sa clientèle beaucoup de personnalités, notamment les actrices comme Marlène Dietrich, Ginger Rogers, Alice Cocéa, ou Carole Lombard, mais ne participe à aucun essayage excepté ceux de quelques amies privilégiées.  Balenciaga possède un appartement à Paris, avenue Marceau mais également une maison près d'Orléans, "La Reyneirie", ainsi que deux appartements en Espagne, l'un à Madrid et l'autre à Barcelone. Mais le seul endroit où il se plaise totalement, exceptée sa maison de couture parisienne, est sans doute sa maison à Igeldo, Guipuscoa au Pays basque.  En 1958, Balenciaga fait un voyage aux États-Unis et veut constater par lui-même son succès outre-Atlantique, tant la presse américaine parle de lui et les riches Américaines sont de fidèles clientes. Là-bas il découvre les usines de fabrication de prêt-à-porter et se rend compte que sa mode ne pourra jamais adhérer à ce mode de fabrication à grande échelle où tout est confectionné sur des machines. Il appartient au monde de la haute couture et de l'élégance et ne veut en aucun cas perdre ce qui lui donne tant de valeur. Très indépendant, il refuse également d'intégrer la "Chambre syndicale de la haute couture" pour continuer à créer sans devoir se plier à certaines contraintes et grâce à sa clientèle internationale extrêmement riche, il réussit à maintenir un chiffre d'affaires presque aussi important que les autres maisons de couture, avec un mode de fabrication beaucoup plus artisanal et un personnel moindre. Ses maisons espagnoles sont très importantes pour le bon fonctionnement de son entreprise, les matières et fournitures dont il use sont moins chères en Espagne, il crée donc pour moins de frais.  Le 12 mai de la même année, Balenciaga est fait Chevalier de la Légion d'honneur pour sa contribution à l'industrie de la mode. Il crée la même année les robes « » et en "queue de paon", longues derrière et courtes devant.  Au début des années 1960, Il lance le parfum « Eau de Balenciaga ». Les parfums Balenciaga resteront une activité très annexe pour la maison. Balenciaga commercialise peu après une élégante ligne de vêtements de style "sport". En 1966, Le "Yorkshire Post" titre. Son style devient de plus en plus épuré mais est toujours autant acclamé par la presse internationale.  L'année 1968 est une année de bouleversement social en France. C'est également le cas pour Balenciaga qui ne se retrouve plus dans les nouveaux codes et mœurs prônés par la société française, selon lui le luxe, l'élégance et la couture n'ont plus leur place dans ce nouveau monde. Les « années Courrèges » et de la minijupe, le prêt-à-porter auront eu raison de sa créativité et il présente sa dernière collection haute couture. Il prend donc la décision de fermer toutes ses maisons de couture après trente ans d'activités parisiennes, ce qui plonge le monde de la mode dans un grand désarroi ainsi que les centaines d'employés qui travaillaient pour lui jusqu'alors. Dans la seule interview qu'il donna de toute sa carrière, en 1971 au journal "The Times", il déclara  Projet initié début 1968, il dessine tout de même l'année 1969, d'après une commande d'Air France, les uniformes des hôtesses de l'air de la compagnie nationale. Deux ans plus tard, la maison équipe le personnel au sol d'une tenue différente. Malgré tout, dès le début, les uniformes rencontrent de nombreuses critiques.  Il se retire ensuite en Espagne, dans sa maison d'Igeldo. On ne le reverra publiquement que lors de l'enterrement de Gabrielle Chanel en 1971, et son dernier travail dans le monde de la mode sera la création d'une robe de mariée pour la Duchesse de Cadix, Carmen Martínez-Bordiú y Franco en 1972 puis meurt le 23 mars d'une crise cardiaque à Xàbia, âgé de 77 ans. Il se fait inhumer à Getaria, sa ville natale.

Reconnaissance.

titre la bible de la mode en mars 1972 sans qu'il soit utile de préciser son nom., le plus grand d'entre eux, vient de mourir et reste dans la mode comme étant le plus respecté, vénéré et admiré.  En Espagne à ses débuts, Balenciaga achète des modèles aux couturiers parisiens, qu'il adapte, tout en réalisant ses propres créations ; rapidement, Madeleine Vionnet reconnait son talent et l'encourage à ouvrir sa maison. Peu après l'ouverture de celle-ci, "Vogue" écrit que Jusqu'à la fin des années 1940, Cristóbal Balenciaga est un couturier reconnu pour la grande qualité de ses réalisations et leur simplicité, sans la prédominance sur la haute couture qu'il imposera peu après. Mais un événement va le faire se renouveler et laisser éclater sa créativité.  En 1947, alors que Christian Dior révolutionne la silhouette féminine avec son, Balenciaga refuse cette mode corsetée et contraignante pour la femme. Ne cédant pas aux tendances, il transcende la saisonnalité de la mode avec ses silhouettes sobres, durables, pragmatiques mais sophistiquées ; écrit "Vogue". Dans les années 1950, celui que Dior surnomme remodèle la silhouette féminine, puis l'épure :  Prudence Glyn, journaliste au "", à qui le couturier donnera l'unique interview de sa vie, précise que ces années-là, Gabrielle Chanel, que Balenciaga et à qui il donnera son amitié jusqu'à sa mort en 1971, le cite comme le seul couturier existant, considérant tous les autres comme de simples « dessinateurs de mode ». dit Christian Dior.  Pour beaucoup il reste une énigme : Balenciaga n'a pas de date symbolique comme peut l'avoir Dior, ou un style particulier comme celui de Chanel. Il n'est pas un phénomène culturel comme le sera Yves Saint Laurent plus tard. Refusant les interview à cause de, rarement vu en public, sa vie privée est inconnue, ainsi que ses relations ; il fuit la presse, la publicité, n'est d'aucune corporation, même pas inscrit à la "Chambre syndicale". Ses défilés sont réservés à quelques privilégiés triés sur le volet. Certains journalistes, exaspérés, vont jusqu'à spéculer de son existence. refuse la mode pour ce qu'elle est, préférant le travail de coupe et le dessin de la silhouette.  Ce mystère qui l'entoure ne l'empêche pas d'obtenir des parutions dans les plus grands magazines mondiaux, grâce, entre autres, au soutien clairement affiché des très influentes journalistes Diana Vreeland et surtout Carmel Snow qui le désigne comme. Dès 1948, après avoir assisté à la collection du couturier, cette dernière décide de ne porter que du Balenciaga toute sa vie ; ce qu'elle fera : elle est retrouvée morte dans son lit en 1961, vêtue ainsi. Par la suite, c'est le puissant du "WWD" qui parachève la réputation de Balenciaga. L'air hautain de Lisa Fonssagrives ou Dovima saisi par Henry Clarke, Louise Dahl-Wolfe, Georges Dambier, Richard Avedon ou Irving Penn puis affiché en couverture de "Vogue" ou d"'Harper's Bazaar", perpétue la diffusion de l’élégance Balenciaga.  Pourtant loin d'être austère, il maintient une ambiance monacale dans sa maison et ses ateliers où le silence règne. En 1991 dans "Vogue", Hubert de Givenchy, qui est largement soutenu par son mentor Balenciaga à ses débuts, décrit le couturier espagnol comme un homme, disant par la suite que La métaphore, pour le couturier espagnol si proche de l'Église catholique et dont les références au costume religieux sont fréquentes, est souvent utilisée à différents niveaux : Le ou tel qu'on le nomme parfois, Balenciaga ; la est, depuis ses débuts et encore de nos jours, totalement intouchable.

L'œuvre.

Considéré comme un des grands couturiers du, l'œuvre de Balenciaga a accompagné de près l'évolution vestimentaire de la femme durant la première moitié du siècle. Son style se caractérise par la sobriété, les combinaisons de couleurs audacieuses et son inspiration espagnole, comme les robes "infante".  Durant les années quarante, il introduit des broderies et de la dentelle. Balenciaga puise dans le passé pour ses robes aux formes amples et arrondies, à l'opposé des silhouettes cintrées de Christian Dior. Durant ses plus grandes années, vers 1950, il sera souvent opposé, avec ses lignes fluides, au New Look de Dior qui triomphe alors à Paris et dans le monde à partir de 1947. Viennent ensuite les lignes "tonneau", au dos arrondi et à la taille décentrée, "semi-ajustée", en 1951, la "veste ballon" en 1953 enveloppant le haut du corps dans un cocon, la robe tunique deux ans plus tard, et la "robe-sac" en 1957.

Musée.

Le "Cristóbal Balenciaga Museoa" a été inauguré en 2011 à Getaria, la ville natale de Balenciaga. Il occupe deux bâtiments, l'ancien Palais Aldamar construit au et une annexe moderne conçue par l'architecte Julián Argilagos. Le musée présente dans six salles la vie et l'œuvre de Balenciaga.

Vie privée.

Cristóbal Balenciaga était homosexuel, bien qu'il ait gardé sa sexualité privée tout au long de sa vie. L'amour de sa vie et son partenaire de longue date était le modiste franco-polonais Władzio Jaworowski d’Attainville, qui avait aidé à financer sa mise en place. À la mort d'Attainville en 1948, Balenciaga était tellement brisé qu'il envisagea de fermer l'entreprise.

Cristóbal Balenciaga Eizaguirre, né le à Getaria (Pays basque espagnol) et mort le à Xàbia (Communauté valencienne), est un couturier et modiste espagnol.


Historique.

Les deux significations prennent leurs racines dans la contreculture britannique des années 1960, dans des groupes tels que the Rockers ou the Ton Up Club, bien que ce mouvement apparaisse aussi bien en Italie, parmi des fabricants de moto italiens et d'autres pays européens. Les Rockers étaient une contreculture du rock 'n' roll, jeune et indocile, qui a voulu une moto rapide, personnalisée et originale pour voyager de café en café le long des autoroutes nouvellement construites en Angleterre et autour des villes britanniques.  Le but de la plupart d’entre eux était d'être capable d'atteindre 100 miles à l'heure (soit environ 160km/h, également appelé « the ton ») le long d'un itinéraire où le motard partirait d'un café, roulant jusqu’à un point prédéterminé et revenant en arrière au café de départ avant qu'une chanson ne puisse être complètement jouée sur le juke-box. Ce type de course est également appelé « record-race ».  Ces motards ont été associés à la musique Rockabilly et leur image reste aujourd’hui attachée à cette même culture.  Ce mouvement est né dès lors que les motards ont rejeté les motos orientées pour le transport en enlevant toutes les parties inutiles selon eux. Les motos avaient une apparence brute, déshabillée et utilitariste tandis que les moteurs étaient préparés pour atteindre une puissance maximale.  Comme la vitesse primait sur le confort, les motos recevaient des selles monoplace et des guidons bas et droits, montés directement sur les tubes de fourche, pour un contrôle plus précis mais aussi pour échapper au vent. La moitié ou parfois la totalité des carénages et les réservoirs, faits-main, en aluminium, étaient fréquemment laissés bruts et non peints.  Ces motos étaient fines, légères et maniables. Les machines qui définissent le mieux cette catégorie sont sans doute celles qui mélangent les Norton et les Triumph (aussi appelées « Triton »). Elles utilisaient le moteur le plus commun et le plus rapide combiné avec le meilleur cadre de son époque, le cadre Norton Featherbed et le moteur de la Bonneville. Ceux qui avaient moins d'argent pouvaient opter pour un "Tribsa" - moteur de Triumph dans un cadre de BSA.  Le café racer a beaucoup en commun avec la scène chopper ou bobber aux États-Unis et tous deux trouvent leurs racines chez les vétérans de la seconde guerre mondiale. Tandis que les GIs américains prenaient des motos militaires Harley Davidson et supprimaient tout ce qu’ils jugeaient inutile pour améliorer les performances, les vétérans européens prirent des mesures semblables avec leurs motos.  Tous cherchaient à rendre les motos standard d'usine plus rapides et plus légères, bien que seuls les Européens aient cherché à les rendre plus maniables et rapides. Le facteur distinctif était la différence de nature entre les routes américaines et le réseau routier européen, les Américains favorisant un modèle lourd et bas taillé pour le confort linéaire, les Européens préférant une moto plus haute, et plus maniable, adaptée aux routes sinueuses d’Europe.  On doit rappeler que le style café racer s’est construit dans une Europe pauvre, en pleine reconstruction d’après-guerre, et non dans le style « customisation » américain.  Les Café Racers ont été également appelés "Street Fighters" en référence aux avions des vétérans de la seconde guerre mondiale.

La culture Café Racer.

Le terme café racer est toujours utilisé pour décrire les motos et motards d’un certain style. Un café racer est une moto qui a été modifiée pour la vitesse et la maniabilité au détriment du confort.  Aujourd’hui digne de la mention « culture café racer », le terme « Café Racer » existe depuis les années 1950 en référence aux motos utilisées pour les courses anglaises allant d’un café à un autre café ; mais le terme prend aujourd’hui une nouvelle ampleur en regroupant tous les amateurs de motos japonaises, italiennes, anglaises allant des années 1950, jusqu’à la fin des années 1970. Le mouvement se distingue ainsi des motards ayant choisi une Harley ou une japonaise moderne.  Ces motards ne suivent pas la mode et la musique du mouvement initial des « Rockers », anciens ou nouveaux, mais s’habillent dans un style plus moderne et confortable avec quelques aspects rappelant les « Rockers ». Jeans, veste de moto en cuir noir ou marron, bottes ou chaussures, casque aux normes ; les café racers modernes se distinguent ainsi du mouvement de base qui allait jusqu’à dicter les marques à porter ou non. Ils empruntent leurs références aux Greaser américains, au rock britannique et aux motards modernes, pour créer un style unique à part entière.  L’alcool affectant la conduite, et étant dangereux lorsqu’il est associé à tout sport mécanique ; cela explique le choix des Café Racer, qui préféraient s’arrêter pour boire un café plutôt qu’une boisson alcoolisée. Cet aspect oppose radicalement les Café Racer aux Choppers américains, l’alcool étant plutôt accepté dans la culture et l’imaginaire culturel des choppers.

Le Café racer (traduction littérale : coureur de café – également prononcé « caff »), est un type de moto custom aussi bien qu'un type de motocycliste. Il désigne généralement une moto monoplace au style rétro, possédant un guidon bas, et très peu de carénage.


Histoire.

Le premier exemplaire, le "Kirov" est mis à l'eau en 1977 puis est rejoint par deux autres navires vers la fin des années 1980 et le dernier en 1998. Ces « tueurs de porte-avions » disposent de systèmes d'armes légèrement différents les uns des autres. On prévoyait d'en construire cinq, mais le dernier fut laissé à l'état de projet.  Après la chute de l'URSS, la situation économique ne permettait plus de maintenir en service l'ensemble de cette classe, la plus puissante de navires de surfaces construits dans cet État mais également coûteux à l'entretien. Un seul était en service actif dans les années 2000 :  À noter qu'un navire collecteur de renseignements servant de centre de commandement basé sur la même coque, le SSV-33 Oural (: ССВ-33 Урал), a été en service de 1989 à 2001.

Armement.

La plupart des armes se trouvent vers l'avant du navire, ce qui laisse de la place à la poupe pour installer le hangar à hélicoptères sous le pont. Ces derniers servent à la lutte anti-sous-marine et au guidage des missiles 3M45 du système P-700 "Granit" (code OTAN : SS-N-19 "Shipwreck"). Ces missiles (au nombre de 20) sont les armes principales des "Kirov", ils disposent d'une vitesse de Mach 2,5 et sont disposés sous le pont dans des conteneurs inclinés à 45°. Le système de défense antiaérienne est un S-300F doté du missile surface-air 5V55R (code OTAN : SA-N-19 "Grumble") (12 systèmes de lancement vertical de 8 missiles chacun). Ces missiles sont d'une longueur d'environ et disposent d'une portée de 10-100 km et une altitude maximale de, ils sont capables de détruire des missiles de croisière. La défense antiaérienne rapprochée est assurée par le système Osa-M et son missile 9M33 (code OTAN : SA-N-4 "Gecko") et des canons de 30 et. Enfin, pour la lutte anti-sous-marine, les Ka-25 et Ka-27 armés de torpilles sont aidés par les missiles 85R (code OTAN : SS-N-14 "Silex") et des torpilles de.  En 2013, pour la remise en service annoncé en 2018 de l"'Amiral Nakhimov", on spécule l'armement suivant :

Emplois/capacités.

Les "Kirov" disposent de systèmes avancés qui leur permettent de jouer le rôle de navires de commandement, d'accompagner l"'Amiral Kouznetsov" ou les futurs porte-avions russes, ou agir indépendamment.

Les croiseurs à propulsion nucléaire (CGN, selon le code de classification de l'US Navy) de la classe "Kirov" ou Projet 1144 sont les plus grands et les plus puissants bâtiments de guerre de surface (hormis les porte-aéronefs) ayant été mis en service dans la marine soviétique et tiennent aujourd'hui encore ce rang dans la marine russe. Leur silhouette est facilement reconnaissable grâce à l'antenne du radar Top-Pair qui est l'une des plus grandes antennes embarquées.


Louis Mors.

Louis Mors (1855-1917) est ingénieur de l’École centrale de Paris (des arts et manufactures), passionné par les nouvelles techniques, fondateur d'un journal spécialisé dans l’électricité, pionnier de la conception d'automobile avec son frère Émile. Il est aussi mécène, collectionneur d'instruments de musique, critique d'art et favorise la création d’une chaire de musicologie au Collège de France. Il possédait d'ailleurs un théâtre privé, rue des Marronniers à Paris, et se lia d'amitié avec Claude Debussy, rencontré en 1889. Après des débuts en course sur Panhard, il finit de Marseille-Nice en 1898. Il est chevalier de la Légion d'honneur, et membre du Comité de l'ACF à son décès. Il possède aussi un yacht à vapeur sur Paris, de, nommé « Le Mythra ». Avec Émile Mors, il fait construire en 1905 une villa de style néo-gothique à Tourgéville (Calvados).

Émile Mors.

Émile Mors (1859-1952) est ingénieur en électricité, pionnier de la conception d'automobile avec son frère Louis, inventeur en 1900 du système d’allumage par bobine à basse tension et dynamo de ses automobiles. Il est un ancien fabricant de matériels électriques reconverti dans l'industrie automobile naissante en 1895. Il participe avec leurs engins à ses deux premières courses en 1897 ( du Paris-Dieppe, puis du Paris-Trouville), avant de terminer deuxième de Bruxelles-Château d'Ardenne-Spa en 1898 et sixième la même année de Marseille-Nice, puis d'abandonner dans Paris-Bordeaux (le Critérium des Entraîneurs), toujours en 1898. Il est fait chevalier de la légion d'honneur en.

Historique.

Fabrication de matériel électrique.

En 1851, fondation de la société « Mors Électricité » par Louis et Eugène Mors au 28, rue de la Bienfaisance dans le de Paris. Spécialisée en fabrication de matériel électrique, téléphone, signalisation ferroviaire...

Pionnier de l'automobile.

L'industrie des pionniers de l'automobile française connaît son âge d'or à la fin du et domine le monde avec les célèbres marques et inventeurs : Mors, Léon Serpollet, Léon Bollée, De Dion-Bouton, Armand Peugeot, Panhard, Louis Renault...  En 1885, Émile Mors, construit sa première voiture à vapeur avec un système unique de chauffage à pétrole.  En 1896, il présente avec succès au Salon du Cycle de Paris son premier véhicule à moteur à essence, un landau de type vis-à-vis doté d'un 4 cylindres en V incliné À 45° à soupape d’admission commandée, d’un graissage à carter sec, de culasses refroidies par eau et de cylindres refroidis par air avec l'innovation d'un allumage à rupteur.  En 1898, l'industrie Mors construit 200 voitures par an dans ses ateliers du 48 rue du Théâtre, dans le de Paris.

Victoires à de nombreuses courses automobile.

En 1897, Émile Mors débute en compétition avec sa voiture au Paris-Dieppe (Mouter et Viard étant également de la partie), puis il dispute le Paris-Trouville (), où André Michelin a aussi pris le volant d'une Mors pour l'occasion. En 1898, les frères Mors disputent la course Marseille-Nice, au mois de mars.  En 1899, la voiture de course Mors gagne la courses Bordeaux-Biarritz (pilotée par Alfred Velghe, dit "Levegh"). Ce dernier finit également premier ex-æquo la même année fin juillet à Paris-Saint-Malo (autre lauréat "Antony", aussi sur Mors, ces deux pilotes ayant été engagés au "Criterium des Entraîneurs" de ), début septembre à Paris-Ostende (autre lauréat Léonce Girardot), et à Paris-Boulogne (avec toujours Girardot). En Italie, Rossi termine troisième de Padua-Vincenza-Thiene-Bassano-Trevisio-Padua.  En 1900, un nouveau modèle 16HP remporte la course Bordeaux-Périgueux-Bordeaux (avec "Levegh", vainqueur à l'aller, et au retour) et Paris-Toulouse-Paris (toujours avec "Levegh"). En Italie, Edoardo Corinaldi termine deuxième de Este-Montagnana-Este Race en mai.  En 1901, outre une 10HP à moteur 4 cylindres en ligne refroidi par air, les deux frères construisirent un véhicule de compétition propulsé par un 4 cylindres de de 60 ch. Piloté par Henri Fournier, face à Renault, Hotchkiss ou Vauxhall, il remporte les courses Paris-Bordeaux en mai, puis Paris-Berlin en juin.  En 1902, le baron Pierre de Caters est deuxième au Circuit des Ardennes (troisième Vanderbilt II).  En 1903, Fernand Gabriel termine de la course automobile Paris-Madrid (interrompue à Bordeaux, troisième Jacques Salleron), et de la coupe automobile Gordon Bennett. De Caters obtient aussi de bons résultats en Italie (deuxième de deux sprints à Padoue, en octobre). En 1904 Joseph Salleron cette fois est deuxième lors des premières Éliminatoires Françaises de la Coupe Internationale (Vanderbilt) avec la Z. En 1907, Lavergne participe au Kaiserpreis.  Pour la saison 1908, le Belge Camille Jenatzy est au GP de l'A.C.F., et Victor Demogeot à la Coppa Florio.  En courses de côte, la marque s'adjuge la côte Nice - La Turbie en 1900 avec Alfred Velghe le, puis toujours avec ce dernier sur 28HP celle de L'Estérel près de Cannes le avril. Ce sont les deux premiers succès de l'entreprise dans cette spécialité. S'ensuivent des succès à la Course de côte de Gaillon (1900, Brasier sur 24HP), à celles de "Mucklow Hill" (1900, avec une "Petit Duc"), de Château-Thierry (1902, Fernand Gabriel sur 60HP), de "Killorglin Hill" à Ballyfinane -ou "Kerry Cup"- (1903, Charles Stewart Rolls sur 80HP), de Eagle Rock à Newark NJ (1903, Vanderbilt II sur 70HP), de la rampe des Chères à Lyon (1905, Joseph Collomb), de Limonest-Mont Verdun (1906, Collom sur 120HP), de Bormes-les-Mimosas, Beausse, et Nancy (1909, Halut sur 100HP), de Gempen près de Bâle en Suisse (1914, Taddeoli)... et même bien plus tard de Cran d'Escalles près de Calais, grâce à Lacroix en 1921.  Mors obtient aussi le record du monde de vitesse en, à trois reprises, grâce à l'Américain William Kissam Vanderbilt II à Ablis, puis aux Français Henri Fournier et Maurice Augières à Dourdan, avec son modèle Z "type Paris-Vienne".

André Citroën.

En 1906, Emile Mors s'associe avec le jeune polytechnicien André Citroën qui est nommé directeur général administrateur et réorganise l'étude des besoins clientèles, la gestion, modernise, crée de nouveaux modèles et double la production de la marque en 10 ans. André Citroën est un découvreur de talents et un organisateur de génie. Il n'est ni inventeur, ni technicien. Il se passionne pour la « fabrication et la distribution à grande échelle ». En 1908, la crise économique porte un coup à l’affaire Mors.  En 1909, Mors fabrique 2000 voitures.  Au cours d'une tentative de record, les sont atteints.  En 1913, les automobiles Mors ne seront désormais plus équipées que de moteurs Knight du motoriste belge Minerva.

Absorption par Citroën.

En 1919, au lendemain de la Première Guerre mondiale, André Citroën reconvertit son usine d'armement en industrie automobile et fonde Citroën en absorbant la partie automobile de Mors (vendue par les Frères Mors).  En 1921, Mors commercialise un nouveau modèle.  En 1923, commercialisation du dernier modèle sous la marque Mors : la 12/16 HP Sport.

Électricité industrielle.

En 1925, Mors suspend définitivement ses activités automobile au bénéfice de Citroën et se lance dans l'électroménager.  Dans les années 1960, Mors se spécialise dans l'installation électrique pour devenir « Mors Jean Bouchon (MJB) » avant de devenir en 1984 « GTIE » (Générale de Travaux et d’Installations Électriques), à ce jour filiale du groupe Vinci. Mors a continué des activités aéronautiques, ferroviaires et maritimes jusqu'en 1996 ainsi que dans le domaine des contacteurs devenu la société Apem. Ces activités ont été vendues séparément à des groupes français. De 1993 à 1995, son PDG était Claude Manceau.

Autour de la marque.

Le pilote Charles Nungesser était surnommé « le hussard de la Mors » en raison d'un fait de guerre ayant consisté à traverser les lignes ennemies au volant de cette automobile. Détails dans l'article correspondant.

Voir aussi.

Mors est un constructeur pionnier de l'automobile français parisien entre 1895 et 1925. Il fut célèbre au début du pour ses nombreux succès sportifs entre 1899 et 1904, rivalisant alors souvent avec Panhard sur route. Mors est dirigé par André Citroën à partir de 1906 puis absorbé par Citroën à sa fondation en 1919.