La rupture : les guerres d'Ōnin (1467-1477).

Le début de la période Sengoku fut marqué par une décennie de guerres qui va de 1467 à 1477, regroupées sous la dénomination de « guerres d'Ōnin » ("Ōnin no ran") ou parfois « guerres d'Ōnin et de Bunmei », Ōnin (1467-1469) et Bunmei (1469-1487) étant les ères durant lesquelles elles se déroulèrent. Ces conflits se déclenchèrent dans un contexte d'affaiblissement du shogunat des Ashikaga, en principe l'autorité politique suprême du pays, mais mis à mal par l'assassinat du shogun Yoshinori en 1441. Cet événement ouvrit la voie à une montée en puissance des grands clans dont les chefs sont détenteurs de commandements militaires provinciaux, les "shugo", en particulier dans les provinces orientales, mais aussi dans la région de Kyoto, le Kinai, où les clans Yamana et Hosokawa luttaient pour la domination de la cour du shogun. Les principaux clans du pays étaient souvent divisés par des guerres successorales, et c'est l'une d'entre elles, au sein du clan Hatakeyama, qui devait déclencher le conflit dans lequel seraient entraînés les autres clans, dont

L'âge des seigneurs de la guerre.

L'« époque des pays combattants » est comme son nom l'indique dominée par le fait guerrier. La figure majeure de la période est le "sengoku-daimyō", seigneur de la guerre, qui domine une portion du territoire japonais où il tente de se maintenir et, s'il rencontre le succès, de s'étendre. Mais le siècle de Sengoku est émaillé d'une série de conflits, certes souvent d'ampleur limitée, mais suffisants pour empêcher la stabilisation du pouvoir des seigneurs de la guerre, qui sont nombreux à connaître des échecs condamnant leur construction territoriale et souvent même leur clan. L'ampleur des conflits et les violences qui les accompagnent vont croissantes durant le, provoquant de nombreuses destructions dans toutes les couches de la société. Cette période s'achève dans les trois dernières décennies du par l'unification progressive du Japon sous l'action d'Oda Nobunaga puis Toyotomi Hideyoshi, qui éliminent ou soumettent progressivement les autres seigneurs de la guerre et entités politiques indépendants. Ensuite Tokugawa Ieyasu fonde le shogunat Tokugawa et établit sa domination sur le pays au début du.

Les "sengoku-daimyō", moteurs des bouleversements.

La vie politique de l'époque Sengoku fut dominée par la figure du "daimyō", terme ancien, qui désignait à la fin du Moyen Âge « un guerrier chef d'une lignée localement influente qui, maître d'un vaste domaine, entretenait une puissante armée formée des membres de sa famille et de ses serviteurs ». Les "daimyō" les plus puissants de l'époque Sengoku sont désignés par les historiens par le terme de "sengoku-daimyō" (« "daimyō" de l'époque Sengoku »). À l'issue de l'effondrement du pouvoir central des shoguns, acté par les années de la guerre d'Ōnin, ils se constituèrent des principautés sur lesquelles ils ne rendaient de comptes à aucun suzerain, luttant constamment pour préserver et si possible étendre celles-ci. Ils peuvent donc être qualifiés de « seigneurs de la guerre ».

Des origines diverses.

Ces personnages avaient des origines diverses, regroupées en quatre catégories par K. Nagahara. Certains étaient issus de familles disposant auparavant de la charge de "shugo", gouverneur militaire d'une province, dans laquelle ils avaient conservé leur position en y retournant après la guerre d'Ōnin, et bénéficièrent d'une indépendance de fait qu'ils avaient pu préserver ; on y compte les Ōuchi, Imagawa, les Takeda, les Shimazu. Le second groupe est issu de la catégorie des "shugodai", « prévôts », délégués représentant dans leur province les "shugo" qui résidaient longuement dans la capitale. Ils profitèrent alors de l'éloignement de leur maître lors des conflits dans le Kinai pour l'écarter et prendre le contrôle de leur province. C'est le cas des Oda,

"Gekokujō" : une période de renversements.

Les processus d'ascension et descension sociales, sur plusieurs générations ou en l'espace de la vie d'un seul homme, étaient plus fréquents qu'aux périodes précédentes. Cela est révélateur d'une fluidité sociale et politique plus grande durant cette ère troublée, participant de ce que les Japonais médiévaux désignaient par le terme de "gekokujō", « le bas l'emporte sur le haut », ce qui peut être compris comme un phénomène « de renversement des hiérarchies traditionnelles et d'émergence de nouvelles valeurs » (P.-F. Souyri). De fait, si les relations sociales traditionnelles au sein des élites médiévales étaient celles liant entre eux les membres d'un même clan, en principe dirigé par un chef ayant la primauté sur les autres, et aussi les liens féodaux entre un suzerain/chef et son vassal/serviteur, la fin de l'époque médiévale regorge de cas où ceux occupant les positions inférieures tentèrent, souvent avec succès, de renverser leur supérieur pour prendre sa position.  Les "sengoku-daimyō" occupaient donc une position centrale dans les évolutions de l'époque, profitant des opportunités offertes par l'effondrement du pouvoir central et des clans principaux. Aussi, ils ont généralement été le point d'intérêt majeur des historiens de la période, qui ont porté diverses appréciations sur leurs qualités de chefs militaires, de meneurs d'hommes et d'hommes politiques. Leur pouvoir reposait sur la force, avait des aspects charismatiques, dépendait de leurs succès, de leur habilité à prendre le pouvoir, à le conserver et si possible l'étendre, de leur capacité à gouverner et à assurer la fidélité de leurs vassaux, en constituant notamment un compagnonnage guerrier. Ces hommes ou lignées d'hommes s'étaient forgés par la guerre des domaines à partir d'une province, puis ceux qui avaient eu le plus de réussite avaient pu étendre leur domination sur d'autres, et augmenter leur nombre de vassaux. Ils jouissaient dans leurs domaines d'une

Une ère de fragmentation politique et de conflits (1477-1568).

La période Sengoku "stricto sensu", qui s'étend de la fin de la guerre d'Ōnin en 1477 jusqu'à la prise de contrôle à Kyoto d'Oda Nobunaga entre 1568 et 1573, fut une période durant lequel le Japon se divisa politiquement et plongea dans une série de conflits mettant aux prises les seigneurs de la guerre qui s'étaient taillé des domaines dans les différentes provinces du pays. La région de la capitale Kyoto, le Kinai, perdit son rôle politique central et moteur avec l'effacement du shogunat Ashikaga, et connut une très grande instabilité, aucune force stable n'y assurant son autorité. Les provinces en revanche virent émerger progressivement des constructions politiques établies par les seigneurs de la guerre les plus puissants, et leurs successeurs s'ils parvenaient à préserver leur héritage. L'époque Sengoku fut donc aussi une époque d'affirmation politique et de développement des « périphéries », en particulier le Tōkai, Kantō, l'Ouest de Honshū et Kyūshū.

Kyoto et le Kinai : "daimyō", temples, ligues et cités.

Au sortir de la guerre d'Ōnin, le Kinai, comprenant Kyoto et les provinces l'entourant, restait plongé dans des troubles graves. Une des étincelles ayant allumé le conflit qui avait consumé le pays, la rivalité au sein du clan Hatakeyama, n'avait toujours pas été éteinte, et les deux branches rivales poursuivirent leurs luttes, désormais circonscrites dans le sud de la province de Yamashiro, y provoquant de nombreux dégâts. Les populations locales, déjà exaspérées quelques années auparavant par l'augmentation des taxes, qu'elles avaient faites annuler par leur mobilisation, organisèrent en 1585 une ligue qui monta une armée, forçant les deux branches des Hatakeyama à se retirer.  La ville de Kyoto avait été ravagée au début de l'ère d'Ōnin, et ses principaux pouvoirs politiques étaient impuissants à se faire entendre dans les provinces. Le pouvoir shogunal était depuis plusieurs décennies en déclin, et la charge de "kanrei", administrateur du gouvernement et maître effectif de la cour du shogun, était transmise au sein du puissant

Entre Kinai et Kantō : Asakura, Imagawa, Oda, Saitō.

Dans les provinces situées entre le Kinai et le Kantō, le clan Shiba, qui détenait au milieu du les fonctions de "shugo" de Tōtōmi, d'Owari et d'Echizen,fut l'un des principaux perdants de l'époque de la guerre d'Ōnin dans laquelle il avait été très impliqué, puisqu'il laissa échapper la domination de ses domaines à ses "shugo" délégués ("shugodai").  En Echizen, c'était Asakura Toshikage (1428-1481), qui avait débuté la guerre d'Ōnin du côté de l'Ouest avec son seigneur Shiba, mais avait changé de camp entre temps pour rejoindre l'Est et les Hosokawa. Ses mérites au combat lui valurent de se faire confirmer la charge de gouverneur de l'Echizen, où il établit son domaine autour du Château d'Ichijōdani. Ses successeurs du clan Asakura se maintinrent dans la province jusqu'en 1573.  Le Tōtōmi passa à la fin du sous la coupe d'Ujichika du clan Imagawa, une des branches collatérales des Ashikaga, qui avait la charge de "shugo" de la province voisine de

Kantō et Est : Uesugi, Go-Hōjō, Takeda.

Le Kantō, région aux particularismes prononcés à l'époque médiévale, était en principe placé sous l'administration d'un représentant du pouvoir de Kyoto, issu d'une branche des Ashikaga, ayant la charge de "kubō" et installé à Kamakura. Mais un conflit avait opposé à partir de 1449 le détenteur de cette charge, Ashikaga Shigeuji, au plus puissant clan de la région, les Uesugi, détenteurs de la charge de "kanrei" du Kantō, qui depuis refusaient de reconnaître le représentant nommé par Kyoto, le "kubō" désormais installé à Koga, et avaient nommé contre lui leur propre "kubō", installé à Horikoshi. Les Uesugi dominaient de fait la région, mais ils étaient divisés en plusieurs branches rivales qui s'opposaient lors de divers conflits, réduites à deux dans les

Ouest : Ōuchi, Mōri, Ōtomo, Shimazu, Chōsokabe.

Dans les provinces occidentales de Honshū (l'actuel Chūgoku) également, les conflits d'Ōnin avaient bouleversé la situation politique, érodant considérablement les assises du clan Yamana, qui dominait la région avec le clan Ōuchi. Durant l'époque Sengoku, les membres du premier, auparavant l'un des plus puissants lignages du Japon médiéval, n'avaient plus d'autorité que sur les provinces d'Inaba et de Tajima et avaient été chassés de leurs autres domaines par plusieurs de leurs anciens vassaux. Les Ōuchi consolidèrent dans un premier temps leurs positions, mais leur rivalité avec les Hosokawa, qui les impliquait dans les luttes de pouvoir autour de Kyoto et les y faisait résider régulièrement, affaiblit progressivement leurs positions provinciales alors que les potentats locaux devenaient de plus en plus autonomes, en premier lieu les Amako qui avaient une charge de "shugodai". Les virent par ailleurs les provinces occidentales du Japon (dont Kyūshū) connaître un essor

Nord et Ezo.

La partie septentrionale du Japon comprenait certes des clans dont l'autorité s'apparentait à celle des "daimyō" des autres parties du pays, mais ils étaient dans une situation marginale et ne disposaient pas de moyens leur permettant de jouer un rôle dans les affaires des autres régions.  Le nord de Honshū était dominé par le clan Nanbu (nord de la province de Mutsu), mais son hégémonie dans la région fut contestée à partir des années 1570 par un de leurs subordonnés, Ōura Tamenobu, qui parvint à arracher son autonomie puis

Unification et centralisation (1568-1603).

À partir des années 1560, un groupe de guerriers provenant du Tōkai regroupé autour d'Oda Nobunaga mettait la main sur Kyoto et le reste du Kinai, se constituant les bases nécessaires pour ambitionner de soumettre le reste du Japon, en éliminant les autres seigneurs de la guerre et les communautés locales autonomes des villes et des campagnes. Ce projet fut mené à son terme par Toyotomi Hideyoshi après la mort de Nobunaga en 1582.  Cette période, connue sous le nom d'époque Azuchi-Momoyama (d'après le nom de châteaux construits respectivement par Nobunaga et Hideyoshi ; on trouvera aussi "Shokuhō", d'après la lecture alternative des premiers caractères des noms Oda et Toyotomi), correspond à un stade final de l'époque Sengoku puisque le Japon

Les conquêtes d'Oda Nobunaga.

Après sa victoire contre le Mino, Oda Nobunaga avait fait graver sur son sceau l'expression "tenka fubu", signifiant sa volonté de dominer le monde (« Tout ce qui est sous le Ciel », selon l'antique maxime chinoise) par les armes. Son entrée à Kyoto en 1568 le mit en position de revendiquer directement sa volonté d'unifier le Japon. Il chassa immédiatement Matsunaga Hisahide qui tenait encore la ville, et fut reçu par l'empereur qui nomma à sa demande Yoshiaki shogun. Dans la foulée, il plaça sous sa coupe les principales villes du Kinai, s'assurant le contrôle de la plus riche région du Japon.

Toyotomi Hideyoshi : unification et pacification.

Lorsqu'Oda Nobunaga mourut, l'unification du Japon était encore loin d'être achevée. À l'ouest, Mōri Terumoto cédait certes le contrôle du Chūgoku à Hideyoshi dans la foulée du décès de Nobunaga, mais à Kyūshū les Shimazu progressaient face aux clans rivaux, et Chōsokabe Motochika unifiait Shikoku sous sa coupe entre 1575 et 1585. À l'est, Tokugawa Ieyasu restait un vassal à la loyauté peu assurée, et surtout Hōjō Ujimasa gardait fermement le Kantō. Au nord-est, Date Masamune devenait un puissant "daimyō", parvenant à conquérir le domaine des Ashina en 1589.  Toyotomi Hideyoshi, personnage d'origine

Tokugawa Ieyasu : rétablissement du shogunat et début de l'époque d'Edo.

Hideyoshi mourut en 1598, après l'échec d'une nouvelle campagne en Corée. Il était parvenu à constituer un État fort à l'échelle du Japon, mais il n'avait cependant pas complètement établi son autorité dans le domaine politique, et laissait pour successeur son fils âgé de cinq ans, Hideyori. Celui-ci était placé sous la supervision de cinq régents choisis parmi ses plus puissants et proches vassaux, tandis que cinq commissionnaires choisis parmi d'autres personnes du même groupe devaient administrer le pays. Maeda Toshiie, chargé de la garde de Hideyori, mourut dès 1599, alors que les autres régents et les commissionnaires avaient délaissé leurs fonctions centrales pour retourner dans leurs provinces.

Une ère de violence : militarisation et dévastations.

La litanie de conflits émaillant l'époque Sengoku révèle sans ambiguïté le fait que la société de cette période fut fortement marquée par le fait militaire, et militarisée, et que les guerres entrainaient de nombreuses destructions et violences touchant directement les populations civiles, sans doute plus que par le passé. Ces conflits incessants jouèrent un rôle majeur dans les évolutions socio-politiques de la période.

Des armées plus nombreuses.

Les "daimyō" recrutaient l'encadrement et l'élite de leurs troupes au sein de la catégorie des « guerriers » ("bushi", aussi "samurai"), dans leur propre lignage, mais aussi parmi un noyau de guerriers locaux pouvant constituer leur garde personnelle. Ils avaient pour plusieurs d'entre eux mis en place des dispositifs de façon à évaluer les contributions militaires que devaient leurs vassaux, et mobilisèrent de plus en plus parmi la catégorie des guerriers locaux ("jizamurai", "kokujin") et des paysans aisés. Ainsi, ils purent progressivement constituer des troupes plus importantes : alors que les troupes de l'époque d'Ōnin étaient composées de quelques centaines de soldats, au les seigneurs de la guerre étaient capables de mobiliser des dizaines de milliers d'hommes pour leurs campagnes. Parmi les chiffres accessibles et qui

Des violences peu contenues.

Paradoxalement, pour une époque durant laquelle ont vécu plusieurs chefs de guerre et guerriers devenus des figures majeures de la tradition historique et militaire japonaise (Takeda Shingen, Oda Nobunaga, Date Masamune, Hattori Hanzō, Miyamoto Musashi, etc.), les historiens ont peu étudié les principes moraux guidant le groupe des guerriers ("bushi") pour les périodes antérieures à la codification des règles du "bushido", à l'époque d'Edo. Les guerriers de Sengoku semblent plutôt avoir été animés par les principes individualistes mettant en avant l'honneur, reposant sur l'idée de justice personnelle ("jiriki kyusai"), qui joua un rôle dans l'escalade des luttes claniques, que les seigneurs de la guerre tentèrent de juguler par des lois imposant le principe selon lequel les deux parties étaient responsables dans une querelle ("kenka ryōseibai" ; voir plus bas), ce qui fut apparemment plutôt mal accepté.  Il est raisonnable d'estimer que la plus grande régularité des conflits (certains "daimyō" comme Takeda Shingen et Uesugi Kenshin faisaient campagne quasiment chaque année), l'augmentation de la taille des armées, ainsi que l'introduction d'armes à feu aient entraîné une augmentation de la létalité des affrontements. Cependant, les estimations des

Un pays sans centre : recompositions politiques et sociales.

Le Japon de l'époque Sengoku fut non seulement un monde « sens dessus-dessous » (c'est ce qu'implique l'expression "gekokujō"), mais aussi un « monde sans centre » (M. E. Berry), après le déclin des shoguns Ashikaga et avec eux celle de l'autorité politique de la région centrale, le Kinai. Cela ouvrit la voie à une société fluide, caractérisée par des changements rapides qui modifièrent progressivement les différents corps de la société du Japon médiéval, et préparèrent les reconfigurations du début de la période moderne, qui vit la naissance d'un nouveau Japon, intégré sous l'action d'un nouveau centre.  Les seigneurs de la guerre, devenus les nouvelles forces motrices du pays dans les domaines politique et militaire, mirent en place avec des réussites diverses des entités politiques dans les territoires qu'ils dominaient, en suivant largement l'exemple donné par l'ancien centre, aussi bien dans le domaine administratif que législatif, tout en apportant quelques innovations largement dues aux impératifs de l'époque, à savoir l'entretien d'une armée puissante et de vassaux fidèles. Les communautés villageoises étaient l'autre pôle majeur de référence sociale pour la période, poursuivant le renforcement de leurs institutions déjà entamé depuis l'époque de Kamakura. Le vide politique laissé dans certaines régions du pays, rurales et souvent reculées, à la suite du rejet ou de l'absence des potentats locaux, avait permis aux formes traditionnelles d'organisation des élites guerrières rurales, les ligues ("ikki") de se muer progressivement en organisations politiques plus stables, capables de tenir en échec plusieurs années des seigneurs de la guerre. Certaines furent liées à des mouvements religieux, plusieurs temples et sectes ayant conservé ou construit à cette période une influence politique et sociale notable. Les villes connurent d'importantes évolutions malgré les tourments de l'époque, et rentrèrent pour beaucoup dans une phase de croissance, qui se fit sous différentes formes (autour de châteaux, de temples, de marchés et de marchands). Certaines purent jouir d'une certaine autonomie grâce aux poids de leurs institutions communales. Ces cités bénéficièrent particulièrement de l'essor commercial et industriel du Japon de la fin de l'époque médiévale, marqué par l'action des marchands et des chefs militaires.  Les évolutions politiques, sociales et économiques de l'époque Sengoku ne peuvent pas se comprendre sans la prise en compte de la croissance démographique qui eut lieu durant la seconde partie de la période médiévale. Selon les estimations de W. Farris, entre 1450 et 1600 la population de l'archipel serait passée d'environ 10 millions d'habitants à entre 15 et 17 millions d'habitants. Cela aboutit à créer une main d’œuvre plus abondante pour les activités économiques, expliquant leur croissance marquée durant cette période, ainsi que l'essor urbain et villageois, et offrit aux seigneurs de la guerre des ressources mobilisables considérables.

Une période d'essor économique.

En dépit de la récurrence des conflits et des destructions, il apparaît que l'époque Sengoku ne fut pas un siècle perdu pour l'activité économique. L'essor économique entamé durant les périodes précédentes se poursuivit, et s’accéléra sans doute à partir des années 1550 pour ouvrir sur la période de développement et de prospérité économiques du début de l'époque d'Edo. Si les témoignages sur un possible développement agricole ne sont pas tous très concluants, en revanche la croissance est indéniable dans le domaine du commerce et dans celui de l'exploitation minière. Les communautés de marchands furent très actives dans ces évolutions, et les seigneurs de la guerre y furent impliqués et intéressés dans le but d'augmenter la richesse de leurs domaines.

Une expansion agricole.

Il est souvent admis que la période Sengoku vit se poursuivre la tendance à l'expansion agricole déjà perceptible depuis la période de Kamakura. Plusieurs sources indiquent que les paysans poursuivirent leur long travail de mise en valeur de nouvelles terres agricoles par le défrichement, l'assèchement de terres humides et divers autres aménagements hydrauliques, ce qui fut le principal facteur d'augmentation de la production agricole. S'ils ne furent pas les initiateurs de ce phénomène, les "daimyō" l'ont manifestement encouragé, car il contribuait au développement des richesses de leur domaine et en dernier lieu à l'entretien de leurs forces armées. Ainsi les Hōjō encouragèrent la mise en culture de nouvelles terres

Essor commercial.

Le développement des villes animées par des communautés de marchands très actives à cette période rend en revanche incontestable le constat d'un développement des échanges commerciaux à l'époque Sengoku, poursuivant du reste une tendance déjà initiée durant les périodes antérieures, et qui s'accéléra là encore dans la seconde moitié du. Cette évolution est plus perceptible dans la région du Kinai, autour du vaste marché que continuait d'être Kyoto, et de la dynamique cité marchande de Sakai et des autres villes-marchés qui connurent une croissance rapide à cette période. L'émergence de villes-marchés est également visible dans d'autres régions comme le Kantō, et les régions occidentales qui connurent alors un développement économique marqué. Les marchés locaux appelés "rokusai ichi" se tenant six fois par mois se généralisèrent à cette période, signe du développement des échanges à l'échelle locale. Par ailleurs, certaines

Exploitation minière.

Une autre illustration du dynamisme économique du Japon de l'époque Sengoku fut l'essor de l'exploitation minière, autour de gisements d'or et d'argent, dans une moindre mesure de cuivre et de fer. Les "daimyō" dont les terres disposaient de ressources minières incitèrent au développement de leur exploitations, et les marchands des grandes cités commerçantes jouèrent également un rôle de premier plan dans le financement de cette activité. L'événement le plus important dans ce domaine pour cette période est l'exploitation plus intensive

Le Japon et le reste du Monde.

Relations avec le continent asiatique : commerce et piraterie.

L'Asie orientale connut à l'époque médiévale une expansion continue des échanges maritimes. La Chine était le principal pôle d'échanges, et le Japon y exportait des armes et divers produits artisanaux ainsi que des métaux, surtout de l'argent à partir de la mise en exploitation du filon d'Iwami comme vu plus haut. L'archipel acquérait en échange de la soie et d'autres étoffes, des produits médicinaux, des produits « culturels » à destination des élites (les « choses chinoises », "karamono" : livres, peintures, céramiques) et

Les premiers contacts avec les Européens et le christianisme.

1543 vit l'arrivée du premier bateau transportant au Japon des Européens, en l'occurrence des marchands Portugais, sur l'île de Tanega-shima, au sud de Kyūshū. Les arquebuses qu'ils apportaient aux côtés de divers produits d'origine chinoise firent sensation, et ceux qui se présentèrent dans l'archipel dans les années suivantes n'eurent guère de mal à écouler ces mêmes produits, en échange d'argent japonais. Cependant, dès les années 1570, les artisans japonais furent en mesure de produire des armes à feu satisfaisant la demande nationale. Les ports où les Portugais accostaient au étaient situés à Kyūshū : surtout Hirado, aussi Funai, Yamagawa, Kagoshima, puis majoritairement Nagasaki après 1571. Puis à partir de 1584, les marchands Espagnols (venus de Manille) commencèrent à commercer directement avec le Japon.  Les missionnaires chrétiens (Jésuites) firent partie des premiers voyages d'Européens sur le sol japonais. En 1549, François-Xavier débarqua à Kagoshima, puis rencontra le "daimyō" Ōtomo Sōrin qui le laissa prêcher sur ses terres. Le christianisme fut tout d'abord perçu comme une école bouddhiste, puis sa

La vie culturelle dans des temps troublés.

La culture d'Higashiyama et ses suites à Kyoto et dans le Kinai.

Les troubles des guerres d'Ōnin portèrent un coup terrible à la catégorie des lettrés et des artistes de Kyoto, qui avait connu une période faste dans la première partie du. Plusieurs grandes figures de la vie culturelle de la capitale durent plier bagage et se réfugier dans les provinces, à l'image du poète Shinkei qui alla terminer sa vie en 1475 dans un ermitage du Kantō, ceux qui restèrent sur place connaissant souvent des temps difficiles, consignant leur situation dans leurs journaux qui constituent des sources de premier ordre pour connaître la vie de cette période ; ils y évoquent une impression de « fin des temps », à l'image du noble de cour Sanjōnishi Sanetaka (1455-1537) dont le journal couvre les années 1474 à 1533, et qui œuvra activement pour la préservation d’œuvres littéraires menacées de destruction. Ce fut pourtant dans ce contexte difficile que devait émerger une période faste sur le plan de la culture des élites, autour du shogun (retiré après 1473) Ashikaga Yoshimasa (1436-1490), qui avait délaissé les affaires politiques : la « culture d'Higashiyama » (en gros les années 1560-1590). Elle doit son nom à la localité d'Higashiyama, les « Montagnes de l'Est » de Kyoto, où Yoshimasa fit ériger à partir de 1482 son « Pavillon d'argent » (Ginkaku-ji).  Cette floraison culturelle se manifesta aussi bien dans le domaine de l'architecture (développement du "shoin"), des arts du thé (développement de la cérémonie du thé, "chanoyu", par Nōami, 1397-1471, et Murata Jukō, 1423-1502), de la composition florale ("ikebana" ou "kadō"), de l'encens ("kōdō", avec la naissance des écoles "Oie" et "Shino"), des jardins (par exemple les jardins secs des temples Ryōan-ji et Daisen-in), de la poésie (Sōgi, 1421-1502, le grand maître du "renga", et ses disciples Shōhaku, 1443-1527, et Sōchō, 1448-1532), de la peinture (Sesshū Tōyō, 1420-1506, Kanō Masanobu, v. 1431-1530?, fondateur de l'école Kanō), du théâtre "nō" (période d'activité de Kanze Kojiro Nobumitsu,

La culture chez les seigneurs de la guerre.

Les grandes familles militaires de l'époque de Muromachi avaient pris l'habitude de combiner la pratique des arts guerriers ("bu") et civils/intellectuels ("bun"). Plusieurs de leurs membres furent des figures majeures du monde culturel de la capitale, où ils résidaient souvent, pratiquant et patronnant les arts raffinés. Les Ōuchi, l'un des seuls de ces clans à avoir préservé sa position après l'époque d'Ōnin, poursuivirent dans cette direction dans les premières décennies de l'époque Sengoku. Leur capitale, Yamaguchi, était pensée comme une Kyoto en miniature, et ils y accueillaient des nobles de cour, des moines et autres lettrés, dont des artistes majeurs comme le peintre Sesshū ou le poète Sōgi, et organisaient des représentations théâtrales. Une autre de ces familles, les Hosokawa, établie dans le Kinai, préserva également sa tradition d'exercice et d'encouragement des activités intellectuelles et artistiques.  Parmi les nouveaux clans ayant émergé à l'époque Sengoku, plusieurs furent également des promoteurs et diffuseurs de la haute culture. Les fouilles d'Ichijōdani indiquent que, loin d'être cantonnés dans leur château fortifié juché sur les hauteurs, les seigneurs Asakura

La culture de la période Azuchi-Momoyama.

La période Azuchi Momoyama fut faste dans le domaine artistique. Les "daimyō", en premier lieu Oda Nobunaga et Toyotomi Hideyoshi furent d'importants mécènes pour les artistes de l'époque, cherchant à exalter leur pouvoir suprême nouvellement acquis en reconstituant autour d'eux une cour riche et active. Cette volonté de marquer leur puissance n'est nulle part mieux exprimée que dans les châteaux vastes et somptueusement décorés qu'ils firent ériger (disparus depuis), qui répondaient à des besoins défensifs mais également à la volonté des seigneurs de la guerre de disposer de véritables palais où mener une vie culturelle raffinée. Ils apportèrent un soin particulier à leur décoration, marquant un retour vers un art ornemental qui ne

L' est une époque de l'histoire du Japon marquée par des turbulences sociales, des intrigues politiques et des conflits militaires quasi permanents, qui s'étend du milieu du à la fin du au Japon. Au sens strict, cette période débute à la fin des guerres d'Ōnin en 1477 et dure jusqu'en 1573, lorsque le seigneur de la guerre Oda Nobunaga destitue le dernier shogun Ashikaga. Elle couvre approximativement la seconde moitié de l'époque de Muromachi entendue au sens large, qui correspond au shogunat des Ashikaga et s'étend de 1336 à 1573.


Biographie.

Francis Picabia est le petit-fils de Juan Martinez Picabia, né à Cuba, puis émigré à New York et Madrid et, côté maternel, d'Alphonse Davanne (1824-1912), chimiste et photographe, et président de la Société française de photographie. Son oncle, Maurice Davanne, est conservateur à la bibliothèque Sainte-Geneviève à Paris.  Sa mère, Marie Davanne, meurt en 1886. Il fait ses études chez les maristes au collège Stanislas, puis au lycée Monge, à Paris.  En 1894, voulant éprouver la vocation tôt manifestée de son fils, « Pancho » Picabia envoie, au Salon des artistes français, la toile de Francis intitulée "Vue des Martigues". Le tableau ayant été non seulement accepté, mais primé, Picabia entre, après une scolarité compliquée, à l'École des arts décoratifs l'année suivante, où il sera l'élève de Wallet, Humbert et Cormon; mais il fréquente plus volontiers l'École du Louvre et l'Académie Humbert, où il travaille aux côtés de Georges Braque et de Marie Laurencin. L'année 1897 marque un tournant dans sa carrière : la découverte d'Alfred Sisley lui révèle l'impressionnisme, pour lequel son enthousiasme se renforce avec la rencontre de la famille Pissarro, en 1898. Il commence à exposer régulièrement au Salon des artistes français.  C'est pour lui le début d'une période extrêmement féconde, qui durera dix ans ; les centaines de toiles qu'il peint alors, où l'influence impressionniste reste toujours plus ou moins sensible, sont propres à séduire le public : sa première exposition personnelle de 1905, à la galerie Haussmann à Paris, est un triomphe. Les tableaux exposés, étrangers aux nouvelles recherches plastiques, relèvent de l'imitation du ("Bords du Loing", 1905, Philadelphie, Museum of Art). Cependant, Picabia remet peu à peu en cause les valeurs plastiques qui lui valent son succès grandissant et, en 1908, sa rencontre avec Gabrièle Buffet, détermine la rupture avec l'impressionnisme comme avec ses marchands, rupture permise aussi par sa fortune personnelle.  De 1903 à 1908, influencé par les peintres de Barbizon, il côtoie Alfred Sisley, Camille Pissarro et Marius Borgeaud. Son aquarelle "Caoutchouc" de 1909 (Musée national d'Art moderne, Paris), qui serait antidatée de 1907 et pourrait représenter des balles de caoutchouc, comme dans "La Petite fille au ballon" de 1908 de, fut considérée plusieurs années plus tard, comme une des œuvres pionnières et fondatrices de l'art abstrait.  À sa majorité, il prend possession de l'héritage maternel qui lui assure de confortables revenus. Sa première exposition personnelle (61 tableaux) est organisée en 1905 à Paris à la galerie Haussmann, chez Danthon, la suivante à Berlin à la Kaspar Kunstsalon. Il montrera ensuite ses œuvres à nouveau chez Danthon en 1907, puis à Londres, Munich, Barcelone.  De 1905 à 1908, Picabia séjourne deux fois à Martigues et réalise de nombreux paysages de style impressionniste de la ville et de ses canaux.  En 1909, il épouse Gabrièle Buffet, peut-être petite-nièce d'Alphonse de Lamartine, petite-fille de l'amiral de Challié et descendante d'un frère de Jussieu,, dixit Picabia. Une fille, Laure Marie Catalina, naît en 1910 ; un garçon, Pancho Gabriel François, en 1911. Ils auront encore une fille, Gabrielle Cécile, dite « Jeannine », en 1913, et un garçon, Vincente, né en 1919. À cette époque, il peint de manière très colorée à la manière des Fauves et fait ses premières incursions dans le domaine de l'abstraction.  En 1911, il rejoint le groupe de Puteaux qui se réunissait dans le studio du peintre Jacques Villon, frère de Marcel Duchamp, qu'il a rencontré en 1910. Il devient aussi orphiste et crée en 1912, à Puteaux, le Salon de la Section d'Or, avant de connaître un premier succès international à l'exposition de l'Armory Show de New York, en 1913.  Marqué par la "Broyeuse de chocolat" et le concept de ready-made de Marcel Duchamp, il confectionne, dès 1913, une série d'œuvres où il reprend l'esthétique du dessin industriel, recopiant ou simplifiant des images qu'il trouvait dans le magazine scientifique "La Science et la Vie".

Dada.

De 1913 à 1915, Picabia se rend plusieurs fois à New York et prend une part active dans les mouvements d'avant-garde, introduisant l'art moderne sur le continent américain. En 1916, après une série de compositions « mécanistes », où il traite les objets manufacturés avec une distante ironie, il lance à Barcelone la revue "391" et se rallie au dadaïsme. Il rencontre Tristan Tzara et le groupe dada de Zurich, en 1918 après avoir côtoyé à New York Marcel Duchamp, Man Ray, Arthur Cravan et Henri-Pierre Roché. Il se fait alors le saboteur de dada avec André Breton, à Paris. Polémiste, iconoclaste, sacrilège, Picabia s'agite autour de dada en électron libre, en étant en principe « anti-tout », voire anti-Picabia. En 1921, las des querelles et des provocations, il rompt avec ses anciens complices., écrit Francis Picabia en 1947. Il n'en demeurera pas moins fidèle au côté iconoclaste des dadaïstes dans ses écrits et avec ses tableaux résolument provocateurs, tel son "L’œil cacodylate" simplement couvert des signatures de ses amis, se moquant du fait que la signature de l'artiste est ce qui confère de la valeur à une œuvre.  Mobilisé pour la guerre en 1914, Picabia réussit à obtenir une mission pour Cuba. Il descend à New York où il retrouve ses amis. Inspiré par sa passion de la mécanique automobile, Picabia crée une série de peintures et de collages à sujets mécaniques. Il détourne la figuration proprement dite des moteurs et des engrenages pour s'en servir à des fins humoristiques, symboles des penchants humains, de l'amour et de la pulsion sexuelle.  En 1917, il rencontre Germaine Everling avec laquelle il part, en 1918, pour Lausanne. Quand elle rentre à Paris, Picabia est assailli à coups de feu par Costica Gregori qui lui reproche d'avoir eu des relations avec son épouse, Charlotte, artiste peintre sous le nom de « Charles ». Picabia revient alors vivre à Paris, voyageant souvent vers New York, la Normandie, la Côte d'Azur, et joue souvent dans les casinos avec des fortunes diverses. Un fils, Lorenzo, naît de sa liaison avec Germaine Everling. La Suissesse Olga Mohler est embauchée pour s'occuper de Lorenzo, qui a cinq ans en 1923. Il expose des œuvres inspirées des recherches optiques de Marcel Duchamp. Il hérite de la fortune de son oncle décédé.  En 1924, il fonde à Barcelone la revue "391" (en hommage à la revue "" d'Alfred Stieglitz directeur de la galerie éponyme à New York), à laquelle participent Duchamp et Man Ray.  Malgré son apostrophe ancienne à l’encontre du couturier, « Merde pour les collections parfumées de M. Doucet », Francis Picabia est l'un des artistes favoris de Jacques Doucet qui lui achète à plusieurs reprises des toiles et des dessins pour orner ses demeures, conseillé par André Breton. Picabia entretient des relations suivies avec Jacques Doucet, au-delà de la période de collaboration de Breton à la Bibliothèque littéraire. Il cède à Doucet pour ses collections littéraires divers manuscrits, des articles de la revue "Comoedia", dont celui de "Picabia se sépare de Dada" ainsi que les maquettes de la revue "391". Quelques années après la mort du collectionneur, Picabia remet à la bibliothèque, pour compléter ces éléments, les 13 volumes de ses Albums, qui constituent un récapitulatif au jour le jour des péripéties du mouvement Dada, composé de documents originaux, de dessins, de coupures de presse, mais également la correspondance reçue par Francis Picabia et sa compagne Germaine Everling au cours des années 1920. La Bibliothèque conserve également une grande partie des livres publiés par Picabia.  En 1975 et en 1978, Olga Picabia compléta cet ensemble par le don de lettres adressées à l'artiste.  Outre l'automobile et les jeux de hasard, il se passionne pour le cinéma et la photographie. Dans ses écrits sur le cinéma, il pressent le rôle prépondérant du cinéma américain. En 1924, il écrit le scénario du court-métrage "Entr'acte," réalisé par René Clair, et destiné à être projeté à l'entracte de son ballet instantanéiste qu'il met en scène et dont il réalise les décors, "Relâche" (chorégraphie de Jean Börlin et musique d'Erik Satie, celui-ci y figurant d'ailleurs au tout début). Il travaille ensuite pour les Ballets suédois, de Rolf de Maré, pour lesquels il réalise de nombreux décors. Le 31 décembre de la même année, il propose une soirée unique, "Ciné-Sketch", où trois scènes se déroulent en étant éclairées brièvement et en alternance.  Il s'installe à Mougins en 1925 dans le Château de Mai. Il y mène durant quelques années une vie mondaine remarquée. Il continue de peindre, notamment sa série des "transparences". Il prend ses distances avec Dada. Il débute une liaison avec Olga Mohler qui entraîne la séparation avec Germaine Everling en 1933, année où Picabia est fait chevalier de la Légion d'honneur.  En 1935, il entame un cycle de peintures figuratives. Il vend son Château de Mai. Il partage ensuite son temps entre Paris et le Midi.

La guerre et après.

En 1940, conviés sans doute par leur ami Robert Dumas, qu'ils ont connu à Monte-Carlo, Francis Picabia et Olga Mohler se réfugient chez les Dumas, à Calamane, dans le Lot. Ils s'y marient le 14 juin. est leur témoin. Ils reviendront plus tard à Golfe Juan. Ils s'installent ensuite à Tourrettes-sur-Loup, puis à Felletin, dans la Creuse. Il continue de peindre des tableaux réalistes, souvent repris de photographies. Son indifférence provocante autant envers la Résistance que la collaboration lui valent des ennuis à la fin de la guerre.  Après 1945, il regagne Paris, renoue avec l'abstraction et publie des écrits poétiques.  Son goût immodéré pour les fêtes et les voitures (il en collectionnera plus de 150), le ruine malgré la fortune familiale dont il avait hérité et qui l'avait longtemps mis à l'abri. Il multiplie les petites toiles de nombreux genres, parfois même inspirées de magazines pornographiques. Confronté à des ennuis de santé, ses derniers tableaux relèvent du minimalisme : des points de couleurs semés sur des fonds épais et monochromes, titrés "Je n'ai plus envie de peindre, quel prix?", "Peinture sans but" ou "Silence...".  Au printemps 1949, Michel Tapié à la galerie René Drouin, à Paris, organise sa première rétrospective.  À la fin de l'année 1951, Picabia souffre d'une artériosclérose paralysante qui l'empêche de peindre et meurt deux ans plus tard. Olga Picabia est décédée en 2002 à 97 ans.  "Correspondance avec Tristan Tzara et André Breton 1919-1924", éditée établie par Henri Béhar, Paris, Gallimard, 2017

Francis Picabia, né Francis-Marie Martinez de Picabia le à Paris () et mort le dans la même ville, est un peintre, dessinateur et écrivain français, proche du mouvement dada, puis surréaliste.


Biographie.

Joseph est le fils de Johann Paul Woelfl, d'abord juriste administratif, « percepteur de la cour » de Hieronimus von Coloredo à Salzbourg, chargé du recouvrement des taxes sur l'alcool et les aliments, puis intendant de l'hôpital St-Johann. Ce qui laisse à penser que la famille vivait dans une relative aisance matérielle.  L'enfant reçut dans sa ville natale l'enseignement de Leopold Mozart (pour le violon notamment) et de Michael Haydn (à la maîtrise de la Cathédrale) respectivement père et frère de deux compositeurs de génie du même nom (Mozart et Haydn). Leopold parle souvent dans sa correspondance de « "de Sepperl" » de l'intendant (en français « p’tit Jo »). Il fait sa première apparition en public, au violon, à l'âge de sept ans. En 1783 il entre à la "Kapellhaus" qui est l'école des petits chanteurs de la Cathédrale, où l'enseignement est à la fois musical et général. Il compose son opus 1 à l'âge de treize ans (1786), bien que l'œuvre ne fut publiée qu'en 1795.  Woelfl était très grand (six pieds) et très mince et possédait d'énormes mains qui lui permettaient avec aisance les plus grandes extensions au clavier, jusqu'à l'intervalle de treizième, comme le rapporte le compositeur tchèque Václav Jan Tomášek dans son autobiographie, qui le comparait à un épouvantail. Son caractère joyeux et sociable, lui vaut le surnom de "Wölfl (louveteau) extravagant".

Vienne et Varsovie.

C'est en 1790 que son père lui conseille de se rendre à Vienne, pour y parfaire son éducation musicale avec Mozart. Il se lie d'amitié avec Mozart, mais on ignore s'il prend des cours avec ce dernier. Recommandé par Mozart qui l'admirait beaucoup, vers 1792, il entre au service du comte Ogiński à Slonim où sont les terres du comte et Varsovie, où, pendant près de quatre ans, il compose, enseigne la musique et donne ses premiers concerts publics en tant que pianiste. Mais les troubles de 1794, liés à la partition de la Pologne l'obligent à partir : Ogiński perdant ses terres et sa fortune.  En 1798, il épouse Thérèse Klemm, actrice et chanteuse au Théâtre National ("National Theater"). Mais leur vie commune ne sera que de courte durée.  À la même époque, très impressionné par ses talents d'improvisateur et de compositeur, il dédie à Beethoven, ses sonates opus 6. Les œuvres sont comparées plus au style de Clementi qu'à celui de Haydn ou Mozart. L’"Allgemeine musikalische Zeitung" — le fameux journal avait été créé la même année — s'en fait écho :  Il devient le principal « rival » de Beethoven, de trois ans son aîné, dans un duel pianistique, comme il y en eut quelques-uns à l'époque, dans les salons de la villa Grunberg du Baron Raimund Wetzlar von Plankenstern, (Seyfried). L’"Allgemeine musikalische Zeitung" s'en fait écho :  Ignaz von Seyfried (1776–1841), le créateur de "Fidelio", rapporte dans le "Ludwig van Beethoven's Studien" (écrit conjointement avec Haydn et Albrechtsberger et publié en 1832), plus de trente ans après les faits :  Les deux hommes semblent se respecter mutuellement, et leur « rivalité » ne pas nuire à une amicale et cordiale joute :  Quelques années plus tard lors d'un voyage à Vienne, Ignaz Pleyel rendit compte de ses sentiments dans une lettre :

Paris.

Dans les années 1799 à 1801, le pianiste se produisit à Prague (), Brno, Dresde, Mayence, Leipzig, Hanovre, Brunswick, ou Berlin (Fétis), notamment pour ses facultés de déchiffrage à vue : les Pragois furent longtemps conquis par une œuvre de Mozart écrite sur un système à quatre portées réduit sans hésitation par Woelfl ; ou ses improvisations : à Hambourg on le compare à Carl Philipp Emanuel Bach :  À Dresde, Ernst Ludwig Gerber, un lexicographe, rapporte qu'en, Woelfl dut jouer son concerto opus 43, transposé en ut dièse à cause d'une faute de l'accordeur. Ce qui montre la maîtrise et le talent du musicien...  En, Woelfl s'établit en France, à Paris. Il apparaît dans un concert public le. "Le journal de Paris" le qualifie de « plus grand pianiste d'Europe » :  Les Français l'appellent Monsieur Wolf. Il est fort apprécié autant pour ses talents de pianistes que de compositeur. L'éditeur Naderman publie son premier concerto pour piano en 1802 et le deuxième l'année suivante.  Durant l'hiver 1802–1803, il effectue une tournée en Belgique et aux Pays-Bas.  Son opéra-comique français, "L'Amour romanesque" est présenté à Paris, au Théâtre Feydeau le, avec un grand succès (pas moins de sept représentations). À la même époque il compose aussi des duos pour le pianoforte et la harpe, opus 29 et 37 ; ce dernier est dédié à son ami le grand harpiste français François-Joseph Dizi, qui lui-même arrangea pour flûte et harpe un "Pas de deux" extrait du ballet "Alzire".  Les raisons de son départ soudain de France pour l'Angleterre, ne sont pas connues. Il se pourrait que l'accueil tiède de son "Fernando ou les Maures" (Théâtre Feydeau,, représentation unique) en soit la cause, en dépit du succès dont il jouissait habituellement. L'on a aussi estimé qu'il ait pu être mêlé à un scandale via son ami Ellenreich ; ou bien, selon Schilling, qu'il aurait suivi l'impératrice Joséphine, dont il était maître de musique, en Suisse et de là au Royaume-Uni ce qui est infirmé par le fait qu'elle n'a pas quitté la France...

Londres.

En mai 1805, il est accueilli à Londres triomphalement (concert du ). C'est dans la capitale anglaise qu'il acquiert une grande notoriété, avec des œuvres comme son "Concerto pour piano n° 4" « "The Calm" », qui fut donné quatre fois en l'espace de deux mois. Pendant cette période furent aussi créé ou une symphonie, deux ballets au (Haymarket) King's Theatre. Selon Fétis, il reste isolé par rapport à la société des artistes malgré ses talents, disparaissant, seul, dans la misère et méconnu... et nous ne connaissons rien des motifs. Selon d'autres, plus vraisemblablement, il reste dans une position enviable, toujours au contact avec les meilleurs compositeurs, musiciens ou personnalités ; pour preuves, les abondantes dédicaces de ses œuvres : par exemple Johann Peter Salomon ou Clementi. En outre, il tirait bon prix de ses opus :  Il se consacre à l'enseignement et eut pour élèves le distingué Cipriani Potter futur directeur de la "Royal Academy of Music" et, en écriture, le compositeur et pédagogue anglais Charles Naete, qui lui dédia sa grande "Sonate" opus 1 (1808) et fut cofondateur de la "Philharmonic Society". Ses élèves le décrivent comme exigeant, mettant l'accent sur une technique rigoureuse.  En 1808 paraît la grande sonate pour pianoforte, opus 41 intitulée « "Nec plus ultra" » en raison de ses difficultés techniques, et où figurent des variations sur « "Life let us cherish" », texte du poète suisse Johann Martin Usteri (1763-1827) et thème de Mozart. Son concurrent Dussek – ou plutôt ses éditeurs – qu'il avait rencontré à Hambourg en 1799, à la faveur d'une réédition, rebaptisent ironiquement « "Plus Ultra" » sa "Sonate pour piano" opus 64 (C. 221), « "Le retour à Paris" ».  En 1808 à Leipzig, les éditions Breitkopf & Härtel publient les deux symphonies opus 40 et 41.  Joseph Woelfl meurt subitement, à Great Marylebone Street, à Londres, âgé de seulement de trente-huit ans, le jeudi. Le "Morning Chronicle" l'annonce le. Mais pendant deux ans encore, peut-être à cause du blocus continental imposé par Napoléon, qui empêche le journal de rendre compte de la vie musicale de Londres, ou bien par suite des circonstances inconnues, l’"Allgemeine musikalische Zeitung" maintenait qu'il était encore en vie ; ce n'est qu'en 1816 que ce journal annonce officiellement le décès du célèbre musicien. Sa disparition précoce fut à la source de nombreuses histoires plus ou moins rocambolesques. Sa veuve, se remaria avec un hautboïste à Francfort.

Style.

Le style des œuvres de Joseph Woelfl oscille entre Mozart, Haydn, Clementi et même Schubert ; à l'audition cependant, il ressort surtout une forte personnalité, et toute comparaison tombe... Même si Kretzschmar le décrit : ""  Bien que Joseph Woelfl ait voulu se construire une réputation de compositeur d'opéras, son "Der Hollenberg" par exemple souffre de la médiocrité du livret de Schikaneder.  Ses œuvres pour piano ont été jouées plusieurs dizaines d'années après sa disparition et ce n'est que lors de l'apparition de virtuoses de la génération de Schumann que ses pièces se sont enfoncées dans la nuit de l'histoire... avant que les disques de la pianofortiste Laure Colladant ne les redécouvrent enfin. Sa sonate pour flûte opus 35 en revanche a été considérée comme à la hauteur des artistes amateurs et a traversé le temps.  De la même génération que Beethoven, Woelfl incarne une époque de mutation instrumentale profonde, qui passe du clavecin au pianoforte jusqu'au moderne piano et un chaînon dans l'invention du virtuose romantique (par exemple Liszt). Sa méthode constitue d'ailleurs sans doute le socle du piano virtuose du.

Catalogue des œuvres.

"Le catalogue de J. Woelfl comprend aussi des mélodies, des danses et une méthode de pianoforte intitulée : « "School for the pianoforte" » comprenant une centaine d'études. Certains opus sont utilisés plusieurs fois pour différentes œuvres comme l'opus 25, ce qui ne facilite pas l'établissement d'un catalogue, qui comprend environ 350 œuvres."

Piano.

"Une soixantaine de sonates en tout" "Des pièces détachées tels que Fantaisies, Rondos, Fugues ou préludes, dont :" "15 thèmes variés dont :"

Symphonies.

"Une troisième symphonie n'a pas été conservée."

Joseph Woelfl est un compositeur et pianiste virtuose autrichien, né à Salzbourg le vendredi et mort à Londres le jeudi.


Biographie.

Georges de La Tour est baptisé le à Vic-sur-Seille, siège du bailliage de l'Évêché de Metz, annexé ""de fait"" par le roi de France en 1552. L'acte de baptême de Georges de La Tour, conservé au Musée départemental Georges-de-La-Tour à Vic-sur-Seille, indique qu'il est le fils de « Jean de la Tour boullengier [= boulanger] », et de Sibylle Molian, issue également d'une famille de boulanger. Il est le deuxième des sept enfants de la famille.  Son parcours, et particulièrement sa formation initiale, restent méconnus. Il commence une carrière de peintre et fait peut-être la rencontre des maîtres hollandais de l'école caravagesque d'Utrecht Gerrit van Honthorst et Hendrick ter Brugghen lors d'un voyage en 1616. Il a été avancé qu'il se serait rendu à Rome où il aurait découvert l'œuvre du Caravage, mais rien ne l'atteste et, s'il est clairement influencé par le caravagisme, cette influence semble plutôt lui avoir été transmise par le biais de la connaissance de l'œuvre de Hendrick ter Brugghen, peintre auquel il a souvent été comparé. Il serait donc l'un des rares peintres français de l'époque à ne pas avoir entrepris le classique voyage en Italie.  Il se marie le à Vic-sur-Seille avec Diane Le Nerf, membre d'une famille noble de Lunéville, bourgade du Duché de Lorraine. Les deux époux s'installent dans cette ville où La Tour commence une carrière brillante, sous le règne du duc Henri II de Lorraine, admirateur du Caravage et marié à une princesse Italienne Marguerite de Gonzague, nièce de la reine-mère de France: il multiplie les tableaux à sujet religieux mais aussi les scènes de genre, les tableaux réalistes représentant musiciens et mendiants. Il s'installe en 1619 à la cour du château de Lunéville. En 1620, il est même reçu "bourgeois" de la ville, doté par le duc de lettres d'exemption qui lui octroient les franchises accordées aux membres de la noblesse. Il devient lui-même l'un des habitants les plus riches de Lunéville et reçoit de nombreuses commandes de la bourgeoisie et de la noblesse lorraine, bien qu'il ne parvienne pas à devenir peintre officiel du duc Henri II, ce titre étant alors l'apanage de Claude Deruet.  Mais à partir de 1633, la Lorraine, jusque-là prospère et sûre mais dirigée depuis peu par le maladroit duc Charles IV, sombre dans les destructions de la guerre de Trente Ans. Lunéville, où réside La Tour, est incendiée en et le peintre est obligé de fuir la ville pour se réfugier avec sa famille à Nancy, où l'on trouve sa trace à partir du. Il se rend à Paris puisque l'on sait qu'en 1639 il y reçoit le titre de « peintre ordinaire du roi » ainsi qu'un logement au Louvre, le roi Louis XIII possédant un "Saint Sébastien soigné par Irène" de sa main. Mais ses possessions et privilèges sont chez lui, en Lorraine, et dès que sa maison est reconstruite, en 1641, il est de retour à Lunéville. Le succès est toujours au rendez-vous puisque plusieurs fois le duc de la Ferté, gouverneur français du Duché de Lorraine, se voit offrir pour ses étrennes un tableau du maître – notamment de scènes nocturnes –, le premier étant une "Nativité" en.  Les œuvres de la fin de sa vie représentent exclusivement des scènes religieuses – bien que marquées par la peinture de genre – probablement, selon le critique Anthony Blunt, en raison du regain d'importance de la vie religieuse dû aux franciscains en Lorraine après la guerre de Trente Ans, la Lorraine étant toujours occupée par la soldatesque française. Georges de la Tour meurt, d'après son acte de décès, d'une « pleurésie » le à Lunéville, mais vraisemblablement d'une épidémie qui a d'abord emporté sa femme Diane le et son valet Jean « dit Montauban » le. Son oeuvre sombre rapidement dans l'oubli.  Son fils Étienne (né en 1621) qui a été son apprenti, seul héritier du peintre avec deux sœurs qui ne se marieront pas, va alors réaliser le rêve de son père : acheter le domaine franc de Mesnil près de Lunéville, et gagner ses lettres de noblesse, pour faire oublier son origine roturière. Il décède en 1692.

L'oubli et la redécouverte de Georges de la Tour.

Très réputé à son époque, Georges de la Tour sombre ensuite dans l'oubli. Ses œuvres sont dispersées et attribuées à d'autres peintres : italiens, comme Guido Reni, Carlo Saraceni ou Orazio Gentileschi, hollandais comme Hendrick Terbrugghen ou Gerrit van Honthorst et parfois même espagnols comme Francisco de Zurbarán et Vélasquez. Très peu de ses tableaux sont signés,.  On n'a identifié jusqu'ici aucune relique de la vie de La Tour : portrait, objet personnels, livres, demeures, ainsi que sa tombe, tout semble avoir disparu.  Mérimée dans "Notes d'un voyage dans l'Ouest de la France", puis, Stendhal, dans "Les Mémoires d'un touriste", parus en 1838, découvrant le "Vieillard jouant de la Vielle" l'attribuent tous deux à l'école de Séville, parlant de Murillo ou de Vélasquez. Son "Nouveau-né" du Musée des beaux-arts de Rennes est attribué, quant à lui, à Le Nain par Hippolyte Taine en 1863, tandis que Louis Gonse, en 1900, évoque les noms de Rembrandt, de Vermeer ou encore d'un "caravagiste" non identifié.  Certaines de ses toiles se retrouvent même sous le nom de Quentin de La Tour, à cause de la proximité du patronyme avec celui du peintre lorrain, et ce, bien qu'il soit né plus d'un siècle après Georges de La Tour et qu'il peigne dans un style complètement différent.  Georges de La Tour est redécouvert seulement en 1915, par l'historien d'art allemand Hermann Voss (1884-1969) à partir de deux tableaux du Musée d'arts de Nantes, "L'Apparition de l'ange à saint Joseph" et "Le Reniement de saint Pierre, "qui sont signés et pour l'un d'entre eux daté, ce qui est très rare chez La Tour, permettant à Voss de lui attribuer aussitôt "Le Nouveau-né" du musée de Rennes (le troisième tableau de Nantes, "Le Vielleur", ne sera attribué qu'en 1931). Les travaux de Hermann Voss – qui s’appuie notamment sur des travaux antérieurs et demeurés un peu ignorés d’Alexandre Joly de 1863, vont permettre de réattribuer plusieurs tableaux à "éclairage diurnes" – ils ont justement replacé Georges de La Tour parmi les plus grands peintres « français » du.  Une exposition « Les Peintres de la Réalité en France au », organisée au musée de l'Orangerie de à, permet au public de le découvrir. C'est la première fois que sont réunis treize des quinze tableaux alors attribués à l'artiste et c'est une révélation. En 1948, une thèse de François-Georges Pariset renforce les travaux de Voss.  Depuis, les travaux et les études sur l'œuvre de Georges de La Tour se sont multipliés et ont permis l'identification d'une production d'une petite centaine de toiles, dont une quarantaine nous sont parvenues : il est ainsi aujourd'hui considéré comme l'un des plus grands et originaux maîtres français de son temps. Dès 1960, sa "Diseuse de bonne aventure" est acquise par le Metropolitan Museum of Art de New York, ce qui provoque d'ailleurs une polémique sur l'autorisation du départ d'une œuvre de telle importance hors du territoire français, et une nouvelle exposition est consacrée au peintre à l’Orangerie, en 1972.  Des artistes contemporains insistent sur l'influence que Georges de La Tour a pu ou peut encore avoir sur leurs œuvres. Richelet se réclame ainsi de lui pour ses représentations de corps décharnés inspirées par son "Saint Jérôme pénitent".  Vic-sur-Seille, sa ville natale en Lorraine, lui a dédié un musée, le musée départemental Georges-de-La-Tour qui rassemble notamment des œuvres de l'époque et de l'école du peintre ainsi qu'un tableau de sa main récemment acquis ("Saint Jean-Baptiste dans le désert") ainsi qu'une "Tête de femme" qui a sans doute fait partie d'un plus grand tableau disparu.

Œuvres.

Description de son œuvre.

Les premières œuvres de de La Tour sont caractérisées par l'influence du Caravage, probablement via ses suiveurs hollandais, notamment dans le choix de scènes de genres mettant en scène tricheries et duperies ("Le Tricheur à l'as de carreau" ou "La Diseuse de bonne aventure" par exemple) ou encore des rixes de clochards (thèmes qui ont été popularisés par les artistes hollandais). Ces œuvres sont à placer relativement tôt dans la carrière du peintre - avant 1640 en tout cas. Ses premières œuvres montrent également l'influence du peintre lorrain Jacques Bellange.  La Tour est particulièrement célèbre pour les effets de clair-obscur qu'il introduit dans ses scènes nocturnes, technique qu'il a développée bien mieux que tous ses prédécesseurs du nord de l'Europe, tout en transférant son usage, jusque-là réservé à la peinture de genre par les Hollandais, à des sujets religieux. Contrairement au Caravage, les peintures religieuses de La Tour ne présentent pas d'effets dramatiques ou théâtraux ni de monumentalisation des figures, si bien que l'on peut facilement les confondre avec des scènes de genre, ces scènes de la vie quotidienne dont la peinture flamande et hollandaise de l'époque était friande : "La Nativité" du musée des Beaux-Arts de Rennes en est l'un des meilleurs exemples. Paulette Choné évoque d'ailleurs l'hypothèse que ce tableau pourrait ne représenter qu'une nativité ordinaire, qu'il s'agirait d'un nouveau-né quelconque et non Jésus-Christ, mais pour la rejeter aussitôt Cette deuxième phase dans sa production picturale commence à partir des années 1640. Les compositions géométriques et la simplification des formes qu'il met en œuvre montrent bien la particularité de son approche du clair-obscur et des leçons du Caravage, ce qui le place clairement en marge du mouvement ténébriste d'un José de Ribera et des suiveurs italiens du Caravage. Sa manière semble être sans équivalent. Sa palette chromatique est caractérisée par des harmonies de rouges, bruns et de blancs avec très peu de couleurs dissonantes. Le recours à une légère simplification des formes, la grande précision du dessin pour les détails et l'absence, dans ses tableaux, de composition construites autour de lignes violentes pourtant si courantes dans la peinture caravagesque sont autant de caractéristiques de l'art de Georges de La Tour.  Le style unique qu'il a développé, ainsi que sa prédilection pour des sujets nocturnes au cadrage serré, où la source de lumière n'est la plupart du temps qu'une chandelle, permettent également bien souvent de reconnaître d'emblée un tableau comme étant de sa main ou, tout du moins, de son école.  Il a souvent peint plusieurs versions d'un même tableau (comme "le Tricheur à l'as") mais sa production – ou ce qu'il en reste – est relativement restreinte. Son fils Étienne ayant été son élève, ses œuvres ayant souvent été imitées ou copiées ainsi que le manque de sources et de documents sur sa vie et son travail font qu'il est souvent difficile d'établir le corpus des œuvres de Georges de La Tour, seule une trentaine lui ayant été rendues avec sûreté. Le travail d'attribution n'est donc pas encore terminé aujourd'hui.

Le rapport entre littérature et peinture : comment son œuvre picturale a-t-elle imprégné la littérature?

Le dialogue entre littérature et peinture.

Le rapport entre la littérature et la peinture est étroit : la peinture, pendant des nombreuses années, n'était pas autonome mais sous la tutelle de la littérature. En outre, la peinture occupait une fonction proprement religieuse et politique. Georges de La Tour a lui-même été nommé peintre du roi Louis XIII, et donc peintre de cour attitré avant de sombrer dans l’oubli. Peu à peu, la littérature s'est référée de plus en plus à la peinture, soit «par concurrence mimétique ou alors par fascination pour son autonomie esthétique», selon les mots de Daniel Bergez. Georges de La Tour est un peintre du, mais son œuvre depuis sa redécouverte dans les années 1930, a fait couler l'encre de nombreux écrivains. Le livre, en tant qu'objet, est un élément récurrent dans les représentations de Georges de La Tour. Il permet au peintre d'exercer sa technique picturale de la lumière : il offre la possibilité de faire jouer les lumières sur ses angles variés. Le livre constitue un exercice de style du peintre. Le livre le plus représenté est sans conteste la Bible. Georges de La Tour ne fait pas exception à cette remarque générale : on sait de lui que la maîtrise de la lumière est une part important de son œuvre par son usage du ténébrisme. En outre, il a représenté de nombreux sujets religieux mettant en scène la Vulgate. On peut citer "Saint Jérôme pénitent" qui illustre parfaitement l'idée de dialogue et de tension entre l'image et le livre ainsi que L"'Apparition de l'ange à saint Joseph" dit aussi le "Songe de saint Joseph". À partir du, la peinture devient source de création pour la littérature ; soit que l’écrivain tente de restituer un rendu pictural à l'aide de son style, soit que la littérature se métamorphose en une écriture de la peinture. Enfin au, les écrivains s'inspirent de l'art pictural dans une visée poétique parmi lesquels on retrouve des surréalistes célèbres tels que André Breton et Paul Eluard. On peut citer aussi : René Char, Henri Michaux, Jean Tardieu, Jacques Prévert, Michel Leiris, Philippe Jaccottet, Michel Butor, Yves Bonnefoy... Les rapports entre littérature et peinture sont parfois difficiles à saisir, car la référence à une œuvre peut être implicite ou mentionnée clairement dans le texte. Par le biais d'une approche stylistique des textes littéraires, il est parfois possible de percer à jour le lien entretenu entre texte et image, par un écrivain avec Georges de La Tour.

René Char et Georges de La Tour.

René Char a découvert Georges de La Tour, lors d'une exposition organisée à l'Orangerie (Paris) de à : elle était intitulée « Les Peintres de la Réalité en France au ». Il a consacré divers écrits au peintre, un texte sur "Le Prisonnier", dans les "Feuillets d'Hypnos 178". René Char dialogue avec le tableau en l'impliquant dans le contexte de Seconde Guerre mondiale : « ténèbres hitlériennes ».. Un autre texte de René Char, extrait encore une fois de "Fureur et mystère", rend hommage à la Madeleine à la veilleuse. Dans "Le Nu perdu", Char écrit un texte intitulé « Justesse de Georges de La Tour » et dans lequel il fait allusion à divers tableaux du peintre tels que "Le tricheur" ou Le vielleur.

André Malraux et Georges de La Tour.

André Malraux a publié en 1951 "Les Voix du silence", un ensemble de différents essais sur l'art. Il y exprime sa fascination pour l'œuvre de Georges de La Tour, notamment sa maîtrise de l'éclairage. Malraux parle des détails du style pictural de La Tour : la ligne d'un profil, les formes ou encore l'éclairage. Il compare La Tour avec d'autres peintres : Cézanne, Uccello, Giotto etc.

Pascal Quignard et Georges de La Tour.

Pascal Quignard a publié un essai intitulé "Georges de La Tour" en 1991, republié en 2005. Pascal Quignard voit dans les représentations du peintre une spiritualité mystique. Ainsi, il exprime que la flamme chez Georges de La Tour : « c'est Dieu ». Il parle de « la nuit méditative de Georges de La Tour » dans "La Nuit sexuelle". Quignard écrit aussi : « une pensée les absorbe » parlant des figures peintes par La Tour.

Charles Juliet et Georges de La Tour.

Charles Juliet a consacré dans Télérama un article où il se glisse dans la peau de Georges de La Tour. Il choisit de rédiger son texte à la première personne du singulier. Il se focalise sur l'emploi de la lumière dans les œuvres de Georges de La Tour et sur des thématiques générales qu'il lui confère. Charles Juliet décrit quelques tableaux par fragments, isolant les éléments marquants.

Georges de La Tour est un peintre lorrain, baptisé le à Vic-sur-Seille et mort le à Lunéville. Artiste au confluent des cultures nordique, italienne et française, contemporain de Jacques Callot et des frères Le Nain, La Tour est un observateur pénétrant de la réalité quotidienne. Son goût prononcé pour les jeux d'ombres et de lumières fait de lui l'un des continuateurs les plus originaux du Caravage.


Histoire.

L'entreprise a été fondée en 1935 par Alfred Kärcher à Stuttgart-Bad Cannstatt. En 1939, elle s’installa à Winnenden, où se trouve aujourd’hui encore son siège. Ingénieur de formation, il créa le « four à bain de sel Kärcher » pour le revenu de l’acier et la trempe des métaux légers dans le secteur industriel.  Ce n’est qu’en 1950 qu’Alfred Kärcher mettra au point le premier nettoyeur haute pression à eau chaude en Europe. Après sa disparition en 1959, c’est sa femme Irène, qui reprendra le flambeau et misera sur une stratégie à l’international. Aujourd’hui, ce sont encore leurs enfants qui sont responsables de l’entreprise familiale.

Internationalisation.

La première filiale de la société est lancée en France en 1962 puis dans les pays frontaliers que sont l’Autriche et la Suisse. En 1975, une filiale s’ouvre au Brésil. Aujourd’hui Kärcher est présent dans 57 pays avec ses propres filiales, avec de distribution répartis dans plus de 190 pays du monde entier.

Gammes de produits.

Ce n’est qu’en 1974 que Kärcher se concentre sur le nettoyage haute pression. En 1984, le premier nettoyeur haute pression portatif HD 550 est lancé pour conquérir le marché du grand public. En 1993 arrivent les premiers nettoyeurs vapeurs et aspirateurs pour le grand public.  C’est en 2003, que sera lancé le premier aspirateur robot autonome puis en 2007 Kärcher a décidé de s’attaquer au marché du jardin.

Recherche et développement.

La recherche et développement implique près de 900 employés. Aujourd’hui Kärcher aura déposé plus de 2500 brevets, dessins et modèles.

Opérations de mécénat culturel et sportif.

Depuis plus de 30 ans, Kärcher s’est lancé dans un programme de parrainage culturel. Kärcher s’efforce de préserver et d’entretenir un bon nombre de monuments tout autour du monde. Du mont Rushmore aux Etats Unis, aux Colonnades du Vatican en passant par le Grand Buddha de Ling Shan en Chine. Kärcher a réalisé plus de 100 opérations au fil de son histoire.

Polémique en France.

En juin 2005, à la suite de la mort par armes à feu d'un enfant de, pris entre les tirs de deux bandes rivales à La Courneuve, Nicolas Sarkozy, alors ministre de l'Intérieur, s'est rendu sur les lieux du drame et a déclaré : Un certain nombre de voix s'élèvent pour dénoncer ce propos, estimant injurieuse la comparaison entre les habitants et la saleté qui est usuellement enlevée avec un nettoyeur haute pression.  Dans un communiqué de presse paru en mars 2007, la société Kärcher dénonce « l'utilisation répétée » de sa marque dans la campagne électorale et écrit aux candidats à la présidentielle pour les mettre en garde contre une utilisation abusive de son nom. Elle souligne notamment que « l'usage » de la « marque à des fins politiques [...] est en opposition avec les valeurs que souhaite véhiculer l'entreprise, façonnée par 70 ans d'histoire ». Kärcher France écrit à tous les candidats à l'élection présidentielle, et aux présidents de groupes parlementaires à l'Assemblée nationale, pour « expliciter clairement le positionnement de l’entreprise, placée malgré elle au cœur d’un débat qui ne la concerne pas ». L’entreprise y rappelle que « Kärcher est une marque déposée [...] qui appartient à sa maison mère, la société Alfred Kärcher GmbH & Co. KG, dont elle distribue les produits en France et que le groupe dispose en conséquence de "droits exclusifs" sur l’emploi de cette dénomination ». En conséquence, on voit apparaître la mention « ® » accolée au mot « Kärcher » dans la presse française.  En, et à la suite d'une déclaration de Fadela Amara sur la nécessité de « nettoyer au kärcher [...] cette violence qui tue nos enfants dans les cités » le de la même année, la société Kärcher informe le ministère de la culture qu'elle cesse de sponsoriser les Journées européennes du patrimoine à hauteur de euros. Elle annule dans le même temps sa proposition de prendre en charge à ses frais une opération de nettoyage de la façade du palais de Chaillot pour un montant estimé à euros.  En, en vue de l'élection présidentielle en France, l'entreprise a envoyé un courrier à une vingtaine de candidats déclarés pour leur demander que son nom ne soit plus associé « avec une question politique, polémique et négative porte préjudice à notre entreprise, à ses valeurs, à ses clients et à ses collaborateurs ».

Sites de production.

Les appareils sont fabriqués en Allemagne, en Italie, en Roumanie, en Chine, au Brésil, au Mexique et aux États-Unis.

Alfred Kärcher GmbH & Co. KG plus connu sous son nom abrégé Kärcher est une entreprise allemande fabriquant des nettoyeurs haute-pression. Par antonomase, le nom kärcher (comme souvent dans le processus d'antonomase, le nom perd sa majuscule) désigne un nettoyeur à eau à haute pression, quelle que soit sa marque.


Description.

Passereau de la taille d'une mésange (), la Panure à moustache est une espèce pour laquelle le dimorphisme sexuel est marqué. Le mâle, en plumage nuptial, présente un dos brun à roux avec un ventre plus clair. La tête est gris-bleuté, avec deux grandes moustaches noires allant des yeux jusque la gorge. La femelle possède une tête brune et ne présente pas de moustaches. Le bec du mâle est jaune-orangé, alors que celui de la femelle est gris. Sa queue est longue et fine et rappelle celle de la mésange à longue queue. Le poids d'un individu varie de.

Chant.

La Panure à moustache émet des sons aigus et répétitifs qui peuvent paraître "métalliques". On repère généralement sa présence par un "ping-ping" ou "tying-tying" nasillard caractéristique.

Régime alimentaire.

En hiver, lorsque les insectes se font plus rares, la Panure à moustache se nourrit de graines, de débris végétaux ou encore de bourgeons et de pétales lors de la floraison de certaines plantes. En été et au printemps, elle vide son gésier des gastrolithes qu'il contient et adopte un régime insectivore, se nourrissant principalement de pucerons, d'éphémères ou de larves qu'elle capture en se déplaçant sur les roseaux et dans les plantes aquatiques. Comme d'autres granivores, elle possède un jabot musclé adapté à ce type de régime.

Comportement et nidification.

Pendant l'hiver, les Panures se rassemblent pour former des groupes de. Le reste de l'année elles vivent en groupes familiaux. En France les Panures sont sédentaires, alors que les populations nord-européennes sont migratrices. En vol, les Panures à moustaches ne s'élèvent que rarement au-dessus des roseaux et ont plutôt tendance à les effleurer. Reconnaissables à leurs battements d'ailes très rapides, les Panures volent en petits groupes.  Courant avril, les couples installent leur nid dans des enchevêtrements de vieilles tiges de roseaux communs ou des touffes de laîches. Celui-ci est formé de débris végétaux, d'inflorescences de roseaux, de plumes et d'herbes aquatiques et se situe très souvent près de la surface de l'eau (environ ). La femelle pond de qui sont couvés par les deux parents pendant. Les petits peuvent voler après l'éclosion, plus tôt s'ils sont dérangés, et sont nourris pendant une semaine après leur envol. À la suite de cela le couple peut se mettre à élever une seconde couvée au début du mois de juin. Certaines femelles enchaînent quatre couvées.  Il arrive que certaines Panures à moustaches nichent en colonies.

Position systématique.

D'abord considérée comme une mésange, de par son comportement et sa silhouette, elle a ensuite été intégrée aux Timaliidés bien que certains auteurs l'aient placée avec les "Paradoxornis", dans une famille distincte, les Paradoxornithidés. Cette dernière famille n'est plus valide, et le Congrès ornithologique international la place dans une famille à part.

Aire de répartition et habitat.

Cet oiseau vit éparsement à travers l'Europe, puis de manière plus omniprésente de la Mer Noire à la Manchourie. La panure à moustache est une espèce qui vit exclusivement près des points d'eau, dans les roselières ou phragmitaies denses. Ne quittant que très rarement son milieu de vie, c'est une espèce très discrète qui se déplace aisément sur les hampes de roseaux. Sensibles aux hivers rigoureux, de nombreux individus peuvent disparaître lors de longues périodes de froid.

La Panure à moustaches ("Panurus biarmicus"), également appelée mésange à moustaches, est une espèce de passereaux d'Europe, l'unique représentante du genre Panurus et de la famille des Panuridae.


Synopsis.

Angela Bennett, brillante analyste informatique chez Cathedral Systems, est spécialiste dans la sécurité informatique, traquant les virus, quels qu’ils soient. Ne sortant jamais de chez elle, elle correspond avec son employeur par téléphone. Ses seuls contacts à l’extérieur sont sa mère souffrante d’Alzheimer et ses contacts sur le 'chat'. Angela est intriguée par une anomalie sur un programme, le « Fantôme de Mozart », enregistré sur une disquette que lui a envoyée son ami Dale Hessman. En effet, en cliquant sur un π en bas de l’écran tout en maintenant les touches "ctrl" et "maj" elle peut accéder à des données confidentielles comme celles de l’hôpital de New York. Elle accepte la proposition de Dale de venir la rejoindre en avion de San Francisco mais le lendemain, l'avion s'écrase mystérieusement, son ordinateur de bord ayant été brouillé. Quelque temps après, sur une plage du Mexique où elle prend ses premières vacances depuis six ans, elle est séduite par Jack Devlin avec qui elle se trouve beaucoup de points communs, comme son ancienne marque de cigarette, son film préféré. Celui-ci est en fait un malfrat qui s'intéresse surtout à la disquette. Lorsque Jack essaie de la tuer sur un bateau, Angela lui échappe en sautant dans le canot de sauvetage et en gagnant le rivage, elle a un accident: quand elle se réveille, elle se retrouve dans un hôpital et constate la destruction de la disquette endommagée.  Commence alors la traque... Son identité est détruite et elle se voit désormais rebaptisée Ruth Marx dans les fichiers informatiques, pourvue d'un casier judiciaire pour meurtre et trafic de drogue. Jack Devlin est le bras armé d'un groupe de cyberterroristes, les "Prétoriens" ("Praetorians", en anglais), voulant contrôler l'informatique mondiale. Les "Prétoriens" ont d'autant mieux accès aux sites sensibles qu'il commercialise un logiciel renommé de sécurité informatique : "Cerbère". Il peut ainsi altérer le dossier médical du secrétaire d’État à la défense opposé au déploiement de ce logiciel pour lui faire croire qu’il était atteint du sida; il se suicide alors. Ils vendent la maison d’Angela, sa voiture. Angela va essayer de retrouver la piste des Prétoriens, bien que son identité à Cathedral Systems soit usurpée par une complice des Prétoriens. Elle se fait aider par son ancien psy et ancien amant, et essaie aussi de se faire aider par un de ses amis du 'chat', mais ces deux alliés sont éliminés. Elle a un atout et un défaut : personne ne la connaît. Elle sait que toute notre vie est sur des fichiers informatiques, et que pour cela, les "Prétoriens" sont très dangereux. Elle se rend au Q.G de Cathedral Systems pour découvrir qui est le chef des Prétoriens, qui n'est autre que Jeff Gregg, le directeur de Gregg Microsystems, l'entreprise développant le rogue "Cerbère". Sur l’ordinateur de celle qui a pris sa place en tant qu’Angela Bennett, elle retrouve une copie du logiciel malveillant qu'elle recherchait.

Récompense.

nommé aux MTV Movie Awards pour Sandra Bullock comme "Most Desirable Female".

Adaptation.

En 1998, le film a été adapté en série télévisée "Traque sur Internet" ("The Net"). Une suite intitulée "Traque sur Internet 2.0" (Accès Interdit 2.0 au Québec) est également sortie en vidéo en 2006.

Traque sur Internet ou Accès: Interdit au Québec ("The Net") est un film américain réalisé par Irwin Winkler en 1995 avec Sandra Bullock.


Histoire.

Cette attaque dirigée par Fidel Castro, âgé alors de, avait été menée par issus principalement des jeunesses du parti orthodoxe, en acte de résistance contre le régime de Fulgencio Batista. La caserne de la Moncada, qui compte alors 400 soldats, est la principale place forte de la région de Santiago de Cuba, capitale de la province Oriente, le "far-est" cubain, où les exploitations agricoles tirent des profits souvent illicites de la multitude des immigrés haïtiens qui, venant d'un pays pauvre, se contentent d'un faible salaire et ne sont pas en situation de se plaindre des conditions de travail ou des violations contractuelles.  L'attaque de la caserne de la Moncada est un échec sanglant. Les attaquants profitent d'une nuit de carnaval pour lancer leur attaque. L'effet de surprise est en partie gâché par la présence de deux gardes à un endroit inattendu et, selon certaines sources, par l'apparente maladresse de Fidel Castro au volant d'une des quinze voitures assaillantes. L'effet de surprise avait permis aux assaillants de tuer quelques gardes et de faire irruption dans des dortoirs. Devant la contre-attaque, des assaillants paniquent. Au total, seront tués, la plupart encore en pyjama. Devant le massacre des leurs, les soldats se montrent en retour d'une sauvagerie sans pitié et tuent des assaillants, interrogeant ou tuant parfois à coup de crosse ceux qui se rendent. Les survivants s'enfuient ou seront jugés. Au total, la moitié des assaillants ont trouvé la mort.  Fidel Castro est arrêté le août puis, bénéficiant de l'intercession de Monseigneur Enrique Pérez Serantes, ami de son père Ángel Castro, il ne sera condamné qu'à une peine de 15 ans de prison. Il sera amnistié et exilé en 1955, n'effectuant ainsi que de prison.  Après cet échec sanglant, Fidel Castro cherche à retrouver un leadership parmi les révolutionnaires démocrates et il crée le mouvement du qui regroupera la plupart des survivants.  Le M-26 devient l'un des principaux foyers de guérillas anti-Batista. Il est divisé en M-26 urbain et M-26 Sierra.  Aux derniers jours de, le M-26 prend, sous la conduite de Fidel Castro les commandes de Cuba, en collaboration avec d'autres mouvances révolutionnaires anti-Batista.  Selon l'historien cubain René González,. Après la prise du pouvoir, des procès politiques sont menés contre d'anciens responsables du régime de Fulgencio Batista, dont au moins 150 sont fusillés.  Le nombre exact de victimes de la répression par les troupes de Batista est inconnu, les estimations variant entre quelques milliers et plus de. En 1960, le président américain Kennedy reconnut l'erreur de soutenir ce régime, et soutint lui aussi.  Durant la période de guérilla, Fidel Castro promeut de façon privilégiée les militants communistes ou leurs amis politiques. L'un d'entre eux se nomme Che Guevara, qui formera dans sa colonne de jeunes recrues illettrées à la lecture sur des ouvrages marxistes-léninistes, préparant l'éducation marxiste-léniniste de l'armée révolutionnaire qui aura lieu dès la prise de pouvoir aux premiers jours de 1959.  Le deviendra une fête nationale à sa prise de pouvoir.

Le mouvement du (M-26-7, M-26) a été créé à l'été 1955 par Fidel Castro pour regrouper les survivants à l'issue de l'échec sanglant de l'attaque de la caserne de la Moncada à Santiago de Cuba le.


Historique.

Le premier Parti communiste de Cuba est formé en 1920 et était membre de l'Internationale communiste. Il a été fondé par le leader étudiant Julio Antonio Mella (qui sera assassiné en 1929 par des agents de la dictature de Gerardo Machado), Carlos Baliño (ancien proche de José Martí et figure de la lutte pour l'indépendance) et Fabio Grobart.  Bien qu'illégal et exposé à la répression, le Parti communiste constitue une force bien organisée et solidement implantée dans les mouvements de travailleurs et la population noire.  Soucieux d'afficher sa rupture avec les partis corrompus qui ont accaparé le pouvoir depuis l'indépendance, Fulgencio Batista se rapproche du Parti communiste, qui est légalisé en 1938. Les communistes Juan Marinello puis Carlos Rafael Rodríguez participent au gouvernement mais sans portefeuille attribué. En 1944, le Parti communiste cubain change de nom et devient le Parti socialiste populaire (PSP).  Le PSP a dans un premier temps condamné la guérilla, la jugeant « aventureuse », et ne participe à la lutte armée qu'à partir de la fin de l'année 1957.  En juillet 1961, deux ans après la révolution cubaine, l'Organisation révolutionnaire intégrée (ORI) est créée à la suite de la fusion du Mouvement du 26 Juillet de Fidel Castro, du Parti socialiste populaire et du Directoire Révolutionnaire 13 mars. Le 26 mars 1962, l'ORI devient le Parti unifié de la révolution socialiste cubaine (PURSC), qui devient enfin, le 3 octobre 1965, le Parti communiste de Cuba (PCC). Il reste le seul parti politique légal à Cuba, mais n'a toutefois pas le droit de présenter lui-même des candidats aux élections : les candidats aux élections sont autorisés à se présenter par une commission, la plupart étant des membres du PCC ou des (voir Politique à Cuba).  Pendant les dix premières années de son existence, le parti communiste est inactif à l'extérieur de son bureau politique. La centaine de personnes du comité central se rassemble rarement et ce n'est que dix ans après sa fondation, en décembre 1975, que le parti tient son premier congrès. Fidel Castro y fait un long rapport, qui marque une volonté d'institutionnaliser la révolution dans la prolongation du mouvement de libération nationale de José Martí. Pendant et après le congrès, le projet de Constitution est débattu au sein du Parti et des organisations de masse. Selon le dirigeant cubain, près de de personnes auraient participé à cette discussion. La version finale de la Constitution est adoptée par référendum le 24 février 1976, avec 97,7 % de votes positifs.  Le deuxième congrès a lieu en 1980. À l'occasion du troisième en 1986, Fidel Castro lance le processus de « rectification des tendances négatives ». Le but affiché par le gouvernement est de lutter contre les dysfonctionnements de la société, d'impulser une « révolution dans la révolution », et de donner un souffle nouveau à celle-ci.  En 1969, les membres du parti représentent 0,6 % de la population. Dans les années 1970, le parti commence à se développer. Depuis son premier congrès, en 1975, le parti a atteint les, et le bureau politique se réunit régulièrement. En 1980, le parti atteint, puis 520000 en 1985. Selon le professeur Pierre Vayssière, qui estime qu'autour de 10 % des Cubains possèdent une carte du Parti communiste, ce pourcentage varie selon le contexte économique de l'époque, augmentant en temps de crise, diminuant en temps de reprise.  En 2013, le comité central du Parti communiste cubain compte, dont.

Structure.

Le Parti communiste de Cuba tient son premier congrès en 1975, et les suivants en 1980, 1986, 1991, 1997, 2011 et 2016. Les organes majeurs du parti sont le bureau politique et le secrétariat jusqu'à la fusion des deux en 1991 en un bureau politique de plus de vingt membres. Il y a aussi un comité central qui se rassemble entre les congrès. Au cinquième congrès du parti, le nombre de membres du comité central est réduit à 150 par rapport à 225 initialement.  Raúl Castro est le premier secrétaire du parti.  Le parti a lors du congrès du Parti en 1997 et est composé de 32,1 % d'ouvriers, 13,8 % de techniciens, 8,2 % de professeurs et 7,5 % d'employés du secteur tertiaire.  Le parti comporte aussi une organisation de jeunesse appelée Union des jeunes communistes (UJC).  Lors de son congrès en 1991, le parti a décidé d'admettre les catholiques.

Idéologie.

Le Parti communiste de Cuba se définit comme « fidèle continuateur du PRC [Parti révolutionnaire cubain] fondé par José Martí » et se réclame des traditions du marxisme-léninisme.

Analyses.

Pour l'universitaire Samuel Farber le Parti communiste cubain n’est pas un parti car cela nécessiterait l’existence d’autres partis politiques. Mais c'est la structure qui. Yves Roucaute considère que le parti communiste de Cuba n’a plus de communiste que le nom. Il reste seulement une bureaucratie et une administration d’État, nationaliste et corrompue qui tentent de se maintenir au pouvoir en libéralisant l'économie de l'ile, tout en se réclament toujours de José Martí et du marxisme-léninisme.

Organisations proches.

Diverses organisations cubaines sont proches du Parti communiste :

Le Parti communiste de Cuba (, abrégé en PCC) est un parti politique communiste cubain formellement fondé en 1965 et depuis le parti unique. D'obédience « martiste et marxiste-léniniste », il dirige le pays depuis sa création. Fidel Castro en est le premier secrétaire de sa fondation au 19 avril 2011. Il est alors remplacé par son frère Raúl Castro, qui dirige déjà le pays de 2008 à 2018. Il est membre de la COPPPAL.


Biographie.

Son père, Franciszek Matejko était originaire de Roudnice qui vint s'installer en Galicie pour y enseigner la musique. Il déménagea à Cracovie où il épousa Joanna Karolina Rossberg, fille d'une riche famille bourgeoise germano-polonaise. Jan était le neuvième de leurs onze enfants.  Dès son plus jeune âge, Il développa un talent hors du commun pour les arts plastiques, ce qui lui permit de continuer l'école malgré ses difficultés dans les autres matières.  Il fit ses études à l'École des beaux-arts de Cracovie (1852-1858), puis à Munich (1859). Il alla également à Vienne (1860) mais il en revint rapidement insatisfait. C'est à Munich que Matejko trouva l'inspiration dans les œuvres de Paul Delaroche, concepteur de l'« anecdote historique ». Sa formation artistique et idéologique se poursuivi ensuite dans un cercle bohème de Cracovie rassemblant de jeunes artistes, écrivains et historiens qui s'étaient rencontrés dans l'atelier de sculpture de Parys Philippi. Son amitié avec Józef Szujski, plus tard co-fondateur de l'école historique de Cracovie, remonte à cette période.  En 1862, à l'age de vint-quatre ans, il peint l'un de ses tableaux les plus remarquables, "Stańczyk ( le bouffon du roi)."  Ses deux frères, Edmund et Kazimierz participèrent à l'Insurrection polonaise de 1863. Jan, qui ne savait pas utiliser les armes et voyait mal, ne combattit pas mais il soutint le soulèvement financièrement et porta des armes aux insurgés à Goszcza.  En 1864, il épousa Teodora Giebułtowska dont il eut quatre enfants : Beata, Helena, Tadeusz et Jerzy. Leur cinquième enfant, Regina, mourut en bas âge.  En 1867, Matejko présenta sa toile "Rejtan ou La chute de la Pologne" au Salon de Paris, au grand dam des descendants des grandes familles polonaises qui y vivaient et qui reconnurent leurs ancêtres sur la toile. Elle présente la scène de la ratification du premier partage de la Pologne par la Diète polonaise en 1773.  Matejko visita Paris (1867, 1870, 1878, 1880), Vienne (1866, 1867, 1870, 1872, 1873, 1882, 1888). En 1873, il se rendit également à Prague et à Budapest, et au tournant de 1878/79 et en 1883, il se rendit en Italie (Venise, Rome, Florence). En 1872, il passa plusieurs mois à Istanbul.  En 1873, il devint le premier professeur et directeur de l'École des beaux-arts de Cracovie. Il resta en fonction jusqu'à sa mort en 1893.  Il est enterré au cimetière Rakowicki de Cracovie.

Œuvre.

Mis à part des portraits, presque toutes ses toiles sont consacrées à l'histoire de la Pologne. Ses compositions monumentales d'une grande force d'expression et ses effigies des rois polonais dont les reproductions illustrent les manuels scolaires sont toujours très populaires dans le pays. C'est lui qui créa l'imaginaire historique polonais.  Depuis sa jeunesse, le romantique Matejko conçut son art au service de sa patrie, privée d'indépendance politique, et voulut éveiller, le pinceau à la main, le sentiment national. Il évoqua le passé historique avec passion et accusa les aristocrates au pouvoir d'être responsables de l'asservissement de la Pologne, partagée entre la Russie, l'Allemagne et l'Autriche "(Stańczyk, Le Sermon de Skarga, Rejtan ou La chute de la Pologne)".  Matejko s'efforçait d'atteindre une synthèse historique et philosophique plutôt que de peindre de simples faits historiques. Sur ses toiles apparaissent souvent des personnages n'ayant pas participé aux événements (comme Hugo Kołłątaj ou encore le général Józef Wodzicki dans "Kościuszko à Racławice").  Les qualités picturales de l'artiste se révèlent surtout dans ses portraits, en particulier ceux de ses amis. Son "Autoportrait" est considéré comme son chef-d'œuvre.  En plus de l'activité pédagogique, Matejko participa aux travaux des comités de conservation des monuments historique de sa ville. Il prit part à la rénovation de l'autel gothique de Wit Stwosz dans l'église Sainte-Marie (1867-69), du restaurant du bâtiment de Sukiennice (1875-79) et du château du Wawel (1886).  En 1890-91, il exécuta à la basilique Sainte-Marie de Cracovie, en collaboration avec ses élèves Józef Mehoffer et Stanisław Wyspiański, la magnifique peinture murale et la polychromie. Cette œuvre novatrice peut y être admirée encore aujourd'hui.

Hommages.

En 1882, Jan Matejko se vit attribuer le titre de citoyen d’honneur de Cracovie. Cependant, le grand artiste a renoncé à cette honneur dix ans plus tard pour protester contre la décision du Conseil municipal de démolir les anciens bâtiments du monastère pour construire à la place un théâtre (théâtre Juliusz Słowacki).  Une place devant l’Académie des Beaux-Arts de Cracovie dont il fut le premier directeur est liée à l’attribution de ce titre et porte désormais son nom (Place Matejko). Il s’agissait d’un hommage exceptionnel à l’artiste, car il est très rare qu’on attribue le nom d’un endroit public à un personnage vivant.  Après la mort de l'artiste, sa demeure cracovienne au 41 rue Floriańska, où il naquit et vécut, est devenue le premier musée biographique de Pologne. Le mobilier de la Maison Jan Matejko rend de façon fidèle l’ambiance de l’époque.  Une statue en son honneur a été érigé en 2013 à l'occasion du anniversaire de sa mort. Réalisée par Jan Tutaj qui s'est inspiré de l"'Autoportrait" de l'artiste, elle se trouve à côté du Barbacane en face de l’Académie des Beaux-Arts.

Jan Alojzy Matejko, né le à Cracovie et mort le dans la même ville, est un peintre polonais. Considéré comme le plus grand peintre historique polonais de tous les temps, il est célèbre pour ses œuvres représentant les grands personnages et événements de l'histoire de la Pologne, comme la bataille de Grunwald.


Historique.

Carl Friedrich Claus était un chimiste travaillant en Angleterre durant la seconde moitié du. son activité était liée à plusieurs domaines de la chimie minérale, principalement le Procédé Leblanc permettant de fabriquer du NaCO. Il fut l'auteur de plusieurs brevets à partir des années 1855. En 1883, il dépose un brevet en Angleterre et en Allemagne pour un procédé de récupération du soufre élémentaire par oxydation de HS à haute température et en présence d'un catalyseur (oxyde métallique). Ce procédé initialement appliqué au sulfure d'hydrogène issu du procédé Leblanc connu un très fort développement au début du XX siècle lorsqu'il fut appliqué par l'industrie pétrolière.  Le procédé initial comportait une seule unité (le four Claus) dans laquelle l’oxydation se faisait en présence du catalyseur. Il fut ensuite fortement modifié par IG Farben en 1938 : une première étape d'oxydation sans catalyseur fut ajoutée avant le passage dans un ou deux réacteurs catalytiques, ce qui permit d'augmenter significativement l'efficacité du procédé. Cette version modifiée du procédé Claus permet d'obtenir un taux de récupération du soufre de 95 à 97 %, c'est elle qui est principalement utilisée pour la majeure partie de la production mondiale de soufre.

Description du procédé.

Le principe général du procédé est le suivant : une partie du sulfure d'hydrogène est utilisée pour former un oxydant par combustion à l'air (du SO), puis cet oxydant réagit avec le sulfure d'hydrogène restant pour former du soufre élémentaire. Dans sa version la plus courante, le procédé est basé sur un schéma comportant une étape thermique et deux étapes catalytiques comme le montre le schéma suivant :

Étape thermique.

La première étape est une oxydation par l'oxygène de l'air d'une partie du HS présent dans le gaz à traiter. La réaction est la suivante :  Cette réaction se fait à une pression comprise entre 130 et 180 kPa, et une température comprise entre en fonction des procédés, le temps de séjour peut varier entre 0.5 et 2 secondes. La température peut varier localement dans le réacteur car elle est très exothermique (enthalpie de réaction ΔH = -518 kJ/mol). Le SO est un oxydant, il peut réagir lui aussi avec le sulfure d'hydrogène pour former du soufre élémentaire selon la réaction :  De plus, la température élevée dans la première partie du réacteur permet une décomposition thermique d'une partie du HS en soufre et en dihydrogène.  Une valeur indicative est qu'environ 70 % du sulfure d'hydrogène est converti en soufre lors de l'étape thermique par ces deux processus. Le bilan général de ces deux réactions peut donc s'écrire :  La chaudière située dans le réacteur permet un refroidissement des gaz jusqu'à une température de l'ordre de 250 °C. Les gaz chauds sont ensuite dirigés vers un condenseur dans lequel le soufre est condensé sous forme liquide. La chaleur de la réaction (4) ainsi que celle du refroidissement des gaz et de la condensation du soufre est utilisée pour faire de la vapeur d'eau à basse ou moyenne pression.  Le soufre obtenu à haute température est sous la forme S qui est un diradical très réactif. Lors du refroidissement et de la condensation, il se transforme sous la variété allotropique S qui est plus stable :  Le gaz à traiter peut contenir de nombreux contaminants, par exemple CO, NH ou des hydrocarbures. Ceci donne lieu à de nombreuses réactions additionnelles avec les espèces soufrées si bien que le mélange obtenu en sortie de réacteur peut contenir du CO, du H, du COS et du CS. Les concentrations de ces espèces peuvent varier entre 0,01 et 2 %.

Étapes catalytiques.

Afin d'améliorer le rendement en soufre, un ou plusieurs réacteurs catalytiques sont utilisés pour convertir les espèces soufrées gazeuses restantes en soufre élémentaire selon le principe de la réaction (2). Les catalyseurs utilisés sont de l'oxyde d'aluminium(III) ou de titane(IV). Le premier est le plus courant, mais il tend à être remplacé par le second, plus cher mais plus efficace.  Les gaz sont tout d'abord réchauffés à une température supérieure au point de rosée du soufre pour éviter sa condensation dans la porosité du catalyseur, ce qui réduirait son efficacité. En général, le premier réacteur catalytique est à une température comprise entre, les suivants sont à une température juste au dessus du point de rosée du soufre, entre. À ces températures, la formation de soufre élémentaire sous sa forme plus stable S est thermodynamiquement favorisée.  Cette réaction étant réversible et exothermique, une température basse favorise la conversion en soufre élémentaire.  Durant cette étape, des réactions secondaires peuvent avoir lieu sur le catalyseur, telles que l'hydrolyse de COS et CS :  Ces réactions sont relativement lentes à basse température, c'est donc pour optimiser cette élimination que le premier convertisseur catalytique est à une température significativement supérieure aux autres (315 – 330 °C).  Les gaz sont ensuite refroidis de la même façon qu'après l'étape thermique, le soufre liquide est récupéré et les espèces soufrées gaseuses restantes sont dirigées vers un réchauffeur et un réacteur catalytique. Certaines espèces gazeuses peuvent être présentes dans le soufre liquide, principalement HS. Avant de stocker le soufre, il est donc nécessaire d'effectuer un dégazage pour retirer les espèces dissoutes.

Traitement de gaz.

Le rendement de l'installation étant de 92 à 99 % en fonction des configurations utilisées, les gaz résiduels doivent être traités en fin de procédé. Ceci peut être réalisé par un réacteur catalytique, par une tour de lavage, ou par d'autres méthodes de désulfuration des fumées.

Le procédé Claus est un procédé récupération de soufre élémentaire à partir du sulfure d'hydrogène contenu dans un flux gazeux. Il a été breveté en 1883 par le chimiste Carl Friedrich Claus, le procédé Claus est devenu la méthode standard dans l'industrie pour la très grande majorité des unités de récupération de soufre (SRU ou Sulfur recovery Unit).