Wie hat sich die klassische Musik zur modernen Musik entwickelt?
Es gibt Momente in der (westlichen) Geschichte, in denen die Dinge zusammenkommen. Beispiel: der Zweifachschlag aus der Erfindung des Buchdrucks und dem Protestantismus führte zur Alphabetisierung und zur individuellen Interpretation von Autorität.
In der Musik entwickelten sich um 1900 drei Dinge.
Das Arsenal an Melodien im Mozartschen Idiom war ein bisschen erschöpft - aber die Hinzufügung von Text (also: "Songs") gab den Melodien ein neues Leben, das bis in die jüngste Zeit anhielt (Elton John, Paul McCartney). (Ist Rap ein Zeichen dafür, dass inzwischen nur noch Text und Rhythmus für neue künstlerische Ausdrucksformen zur Verfügung stehen?)
2) Das finanzielle Eigentum der Musik war von der Kirche (Bach) über den Adel (Mozart) und das Bürgertum (Beethoven) zum "Proletariat" übergegangen. Das war für viele Künstler ein Schritt zu weit. Vor allem unter den Dichtern wuchs ein starkes Gefühl des "individuellen Ausdrucks", aber auch in der Orchestermusik war der Trend spürbar, und die Wertschätzung des Volkes wurde fast suspekt. So kam es - und kommt es immer noch - zu dieser Spaltung: die "elitäre" Gruppe der introspektiven/avantgardistischen Künstler und ihre eher kleine Gruppe von Anhängern; und es gibt das weitaus zahlreichere Publikum von Menschen, die nicht a priori an den Tiefen der Seele des Künstlers interessiert sind. Nicht um jeden Preis und nicht, wenn es, sagen wir, mit "das ist vielleicht etwas zu hoch für Sie" präsentiert wird.
Und die letztgenannte Gruppe hat alle Goodies des 20sten Jahrhundert bekommen. Die Tonaufnahmetechnik, die aufgrund der begrenzten Tonqualität in den ersten Tagen Lieder (Caruso!) und Bands, deren Musiker buchstäblich ans Mikrofon treten konnten, stark begünstigte, und sie erhielten diese andere große Ergänzung des westlichen Musikidioms, die zufällig aus der Unterschicht stammte: den Blues und seine Nachkommen, die zudem durch die wirtschaftliche und kulturelle Dominanz der USA verbreitet wurden.
Da haben Sie es also. John Cage und Arnold Schoenberg oder B B King und John Lennon. Eines ist unbestreitbar: John Cage's 433 funktioniert nicht gut als Aufnahme...
4′33″ - Wikipedia
Silent composition by John Cage Four minutes and thirty-three seconds of silence (of organized sound), absent the time between movements. 4′33″ (pronounced "four minutes, thirty-three seconds" or just "four thirty-three") [1] is a three- movement composition [2] [3] by American experimental composer John Cage . It was composed in 1952, for any instrument or combination of instruments, and the score instructs performers not to play their instruments during the entire duration of the piece throughout the three movements. The piece consists of the sounds of the environment that the listeners hear while it is performed, [4] although it is commonly perceived as "four minutes thirty-three seconds of silence ". [5] [6] The title of the piece refers to the total length in minutes and seconds of a given performance, 4′33″ being the total length of the first public performance. [7] Conceived around 1947–48, while the composer was working on Sonatas and Interludes , [2] 4′33″ became for Cage the epitome of his idea that any auditory experience may constitute music . [8] It was also a reflection of the influence of Zen Buddhism , which Cage had studied since the late 1940s. In a 1982 interview, and on numerous other occasions, Cage stated that 4′33″ was, in his opinion, his most important work. [9] The New Grove Dictionary of Music and Musicians describes 4′33″ as Cage's "most famous and controversial creation". History of composition [ edit ] Background and influences [ edit ] Silence played a major role in several of Cage's works composed before 4′33″ . The Duet for Two Flutes (1934), composed when Cage was 22, opens with silence, and silence was an important structural element in some of the Sonatas and Interludes (1946–48), Music of Changes (1951) and Two Pastorales (1951). The Concerto for prepared piano and orchestra (1951) closes with an extended silence, and Waiting (1952), a piano piece composed just a few months before 4′33″ , consists of long silences framing a single, short ostinato pattern. Furthermore, in his songs The Wonderful Widow of Eighteen Springs (1942) and A Flower (1950) Cage directs the pianist to play a closed instrument, which may be understood as a metaphor of silence. [10] The first time Cage mentioned the idea of a piece composed entirely of silence was during a 1947 (or 1948) lecture at Vassar College , A Composer's Confessions . Cage told the audience that he had "several new desires", one of which was to compose a piece of uninterrupted silence and sell it to Muzak Co . It will be three or four-and-a-half minutes long—those being the standard lengths of "canned" music and its title will be Silent Prayer . It will open with a single idea which I will attempt to make as seductive as the color and shape and fragrance of a flower. The ending will approach imperceptibility. [11] At the time, however, Cage felt that such a piece would be "incomprehensible in the Western context", and was reluctant to write it down: "I didn't wish i
https://en.wikipedia.org/wiki/4%E2%80%B233%E2%80%B3