Quel numéro d'Orbison a été utilisé dans le classique culte de David Lynch de Blue Velvet de 1986 ?
In Dreams
Pour le film, Lynch a décidé d'inclure des chansons pop des années 1960, notamment "In Dreams" de Roy Orbison et "Blue Velvet" de Bobby Vinton, cette dernière ayant largement inspiré le film, Lynch déclarant que "C'était le chanson qui a déclenché le film... Il y avait quelque chose de mystérieux là-dedans. Cela m'a fait réfléchir à certaines choses. Et les premières choses auxquelles j'ai pensé étaient les pelouses – les pelouses et le quartier. D'autres musiques du film ont également été produites, cette fois composées par Angelo Badalamenti, qui produira ensuite la musique de la plupart des œuvres cinématographiques ultérieures de Lynch. Dino de Laurentiis a adoré le film et il a obtenu le soutien de certaines des premières projections spécialisées, mais les avant-premières destinées au grand public ont été plutôt très négatives, la plupart du public détestant le film. Bien que Lynch ait déjà connu le succès avec The Elephant Man, la controverse de Blue Velvet auprès du public et des critiques l'a introduit dans le grand public et est devenu un énorme succès critique et commercial modéré. Le film a valu à Lynch sa deuxième nomination aux Oscars du meilleur réalisateur. Woody Allen, dont le film Hannah et ses sœurs a été nominé pour le meilleur film, a déclaré que Blue Velvet était son film préféré de l'année.
David Keith Lynch (né le 20 janvier 1946) est un réalisateur, scénariste, plasticien, musicien, acteur et auteur américain. Connu pour ses films surréalistes, il a développé un style cinématographique unique. Les éléments surréalistes et, dans de nombreux cas, violents contenus dans ses films sont connus pour « déranger, offenser ou mystifier » le public.
Né dans une famille de classe moyenne à Missoula, dans le Montana, Lynch a passé son enfance à voyager à travers les États-Unis, avant d'étudier la peinture à la Pennsylvania Academy of Fine Arts de Philadelphie, où il a d'abord fait la transition vers la production de courts métrages. Il s'installe à Los Angeles, où il produit son premier film, le film d'horreur surréaliste Eraserhead (1977). Après qu'Eraserhead soit devenu un classique culte sur le circuit du cinéma de minuit, Lynch a été employé pour réaliser un film biographique sur un homme difforme, Joseph Merrick, intitulé The Elephant Man (1980), dont il a obtenu un succès grand public. Il est ensuite employé par le De Laurentiis Entertainment Group, et réalise deux films : l'épopée de science-fiction Dune (1984), qui se révèle être un échec critique et commercial, puis un film policier néo-noir, Blue Velvet ( 1986), salué par la critique.
Ensuite, Lynch a créé sa propre série télévisée avec Mark Frost, le mystère de meurtre populaire Twin Peaks (1990-1991 ; 2017) : il a également créé une préquelle cinématographique, Twin Peaks : Fire Walk with Me (1992) ; un road movie, Wild at Heart (1990) ; et un film familial, The Straight Story (1999) ; dans la même période. S'orientant davantage vers le cinéma surréaliste, trois de ses films ultérieurs opéraient sur la « logique du rêve », des structures narratives non linéaires : le thriller psychologique Lost Highway (1997), le film policier néo-noir Mulholland Drive (2001) et le film policier Inland Empire. (2006). Pendant ce temps, Lynch a adopté Internet comme média, produisant plusieurs émissions sur le Web, telles que l'animation DumbLand (2002) et la sitcom surréaliste Rabbits (2002).
Parmi ses autres efforts figurent : son travail en tant qu'auteur-compositeur-interprète, ayant sorti deux albums solo : Crazy Clown Time (2011) et The Big Dream (2013) ; la Fondation David Lynch, qu'il a fondée pour financer l'enseignement de la méditation transcendantale dans les écoles ; peinture et photographie; écrire deux livres : Images (1994) et Catching the Big Fish (2006) ; et réalisation de plusieurs vidéoclips et publicités.
Lynch a reçu trois nominations aux Oscars pour le meilleur réalisateur et une nomination pour le meilleur scénario. Il a remporté deux fois le César français du meilleur film étranger, ainsi que la Palme d'Or au Festival de Cannes et un Lion d'or pour l'ensemble de sa carrière à la Mostra de Venise. Le gouvernement français lui a décerné la Légion d'honneur, la plus haute distinction civile du pays, en tant que Chevalier en 2002 puis Officier en 2007, tandis que la même année, The Guardian décrivait Lynch comme « le réalisateur le plus important de cette époque ». Allmovie l'a appelé « l'homme de la Renaissance du cinéma américain moderne », tandis que le succès de ses films lui a valu d'être qualifié de « premier surréaliste populaire ».
vie et carrière
Première vie : 1946-1965
Lynch est né à Missoula, Montana, le 20 janvier 1946. Son père, Donald Walton Lynch, était un chercheur scientifique travaillant pour le ministère américain de l'Agriculture, et sa mère, Edwina "Sunny" Lynch (née Sundholm), était de langue anglaise. tuteur. Les parents du grand-père maternel de Lynch avaient immigré de Finlande aux États-Unis au 19e siècle. Lynch a été élevé presbytérien.
La famille Lynch se déplaçait souvent en fonction de l'endroit où l'USDA avait assigné Donald. C'est pour cette raison qu'à l'âge de deux mois, David Lynch a déménagé avec ses parents à Sandpoint, Idaho, et seulement deux ans plus tard, après la naissance de son frère John, la famille a de nouveau déménagé, cette fois à Spokane, Washington. . C'est ici que sa sœur Martha est née, avant de déménager à nouveau, cette fois à Durham, en Caroline du Nord, puis à Boise, dans l'Idaho, puis à Alexandria, en Virginie. Lynch a trouvé cette jeunesse transitoire relativement facile à s'adapter, notant qu'il trouvait assez facile de rencontrer de nouveaux amis chaque fois qu'il commençait à fréquenter une nouvelle école. Commentant une grande partie de ses débuts dans sa vie, Lynch a fait remarquer que : J'ai trouvé le monde complètement et totalement fantastique quand j'étais enfant. Bien sûr, j'avais les peurs habituelles, comme aller à l'école ... Pour moi, à l'époque, l'école était un crime contre les jeunes. Cela a détruit les germes de la liberté. Les enseignants n'encourageaient ni la connaissance ni une attitude positive. Parallèlement à cette scolarité, il rejoint les Boy Scouts, même s'il notera plus tard qu'il "en est devenu un uniquement pour pouvoir arrêter et mettre cela derrière moi". Il a atteint le rang le plus élevé d'Eagle Scout. C'est en tant qu'Eagle Scout qu'il était présent avec d'autres Boy Scouts à l'extérieur de la Maison Blanche lors de l'investiture du président John F. Kennedy, qui a eu lieu le jour de l'anniversaire de Lynch en 1961.
Lynch s'était intéressé à la peinture et au dessin dès son plus jeune âge, intrigué par l'idée de poursuivre cette carrière alors qu'il vivait en Virginie, où le père de son ami était peintre professionnel. Au lycée Francis C. Hammond d'Alexandria, en Virginie, il a de mauvais résultats académiques, peu intéressé par le travail scolaire, mais il est populaire auprès des autres étudiants et, après son départ, il décide d'étudier la peinture à l'université, commençant ainsi ses études à l'école. du Musée des Beaux-Arts de Boston en 1964, où il était colocataire de Peter Wolf. Néanmoins, il partit après seulement un an, déclarant que "je n'étais pas du tout inspiré par cet endroit", et décidant plutôt qu'il voulait voyager à travers l'Europe pendant trois ans avec son ami Jack Fisk, qui était également mécontent de ses études à Union des Coopers. Ils espéraient pouvoir se former en Europe auprès du peintre expressionniste Oskar Kokoschka dans son école. Cependant, à leur arrivée à Salzbourg, ils se rendirent compte qu'il n'était pas disponible et, désillusionnés, retournèrent aux États-Unis après avoir passé seulement 15 jours sur les trois années prévues en Europe.
Philadelphie et courts métrages : 1966-1970
De retour aux États-Unis, Lynch retourna en Virginie, mais comme ses parents avaient déménagé à Walnut Creek, en Californie, il resta quelque temps avec son ami Tony Keeler. Il décide de déménager à Philadelphie et de s'inscrire à la Pennsylvania Academy of Fine Arts, sur les conseils de Jack Fisk, qui y est déjà inscrit. Il préférait cette université à son école précédente de Boston, affirmant qu '«à Philadelphie, il y avait de grands peintres sérieux, et tout le monde s'inspirait les uns les autres et c'était un moment magnifique là-bas». C'est ici qu'il entame une relation avec une camarade de classe, Peggy Reavey, et ils se marient en 1967. L'année suivante, Peggy donne naissance à leur fille Jennifer. Décrivant plus tard cette situation, Peggy a déclaré que "[Lynch] était définitivement un père réticent, mais très aimant. Hé, j'étais enceinte quand nous nous sommes mariés. Nous étions tous les deux réticents." En tant que famille, ils ont déménagé dans le quartier Fairmount de Philadelphie, où ils ont pu acheter une grande maison de 12 pièces pour le prix relativement bas de 3 500 dollars en raison des taux de criminalité et de pauvreté élevés dans la région. Décrivant plus tard sa vie là-bas, Lynch a déclaré : « Nous vivions bon marché, mais la ville était pleine de peur. Un enfant a été abattu dans la rue ... Nous avons été cambriolés à deux reprises, des vitres ont été arrachées et une voiture a été volée. La maison a été cambriolée pour la première fois trois jours seulement après notre emménagement ... Le sentiment était si proche d'un danger extrême et la peur était si intense. Il y avait de la violence, de la haine et de la saleté. Mais la plus grande influence de toute ma vie a été cette ville. Parallèlement, pour aider financièrement sa famille tout en poursuivant ses études d'art, il s'est lancé dans l'imprimerie de gravures.
C'est à la Pennsylvania Academy que Lynch réalise son premier court métrage, intitulé Six Men Getting Sick (Six Times) (1967). L'idée lui est venue pour la première fois lorsqu'il a développé le souhait de voir ses peintures bouger, et il a ensuite commencé à discuter de l'idée de créer une animation avec un artiste nommé Bruce Samuelson. Lorsque ce projet n'a jamais vu le jour, Lynch a décidé de travailler seul sur un film et a donc acheté l'appareil photo 16 mm le moins cher qu'il a pu trouver pour ce faire. Utilisant l'une des chambres hautes abandonnées de l'Académie comme espace de travail, il a dépensé 200 $ – ce qu'il considérait à l'époque comme beaucoup d'argent – ​​pour produire Six Men Getting Sick. Décrivant l'œuvre comme « 57 secondes de croissance et de feu, et trois secondes de vomi », Lynch a diffusé le film en boucle lors de l'exposition annuelle de fin d'année de l'Académie, où il a partagé le premier prix avec un tableau de Noel Mahaffey. Cela lui a valu une commande de l'un de ses camarades, le riche H. Barton Wasserman, qui lui a offert 1 000 $ pour créer une installation cinématographique chez lui. Dépensant 478,28 $ de cette somme pour acheter l'appareil photo Bolex d'occasion « de [ses] rêves », Lynch a produit un nouveau court métrage d'animation, mais après avoir développé le film, il s'est rendu compte que le résultat était simplement une impression floue et sans cadre. Comme il le racontera plus tard, "J'ai donc appelé Bart [Wasserman] et lui ai dit : 'Bart, le film est un désastre. La caméra était cassée et ce que j'ai fait n'a pas abouti.' Et il a dit : « Ne t'inquiète pas, David, prends le reste de l'argent et fais-moi autre chose. Donne-moi juste une empreinte. Fin de l'histoire."
En utilisant cet argent restant, Lynch a décidé d'expérimenter la création d'une œuvre mêlant animation et action réelle, en produisant un court métrage de quatre minutes intitulé The Alphabet (1968). Le film mettait en vedette l'épouse de Lynch, Peggy, dans le rôle d'un personnage connu sous le nom de The Girl, qui chante l'alphabet sur une série d'images de chevaux avant de mourir à la fin par une hémorragie de sang sur ses draps. En ajoutant un effet sonore, Lynch a utilisé un magnétophone Uher cassé pour enregistrer le son des pleurs de sa petite fille Jennifer, créant un son déformé que Lynch a jugé particulièrement efficace. Décrivant plus tard ce qui l'avait inspiré, Lynch a déclaré que "la nièce de Peggy faisait un mauvais rêve une nuit et disait l'alphabet dans son sommeil d'une manière tourmentée. C'est donc en quelque sorte ce qui a déclenché l'Alphabet. Le reste était juste inconscient. ".
Ayant entendu parler du nouveau American Film Institute, qui accordait des subventions aux cinéastes qui pouvaient soutenir leur candidature avec un travail antérieur et un scénario pour un nouveau projet, Lynch a décidé de leur envoyer une copie de The Alphabet avec un scénario qu'il avait écrit. pour un nouveau court métrage, qui serait presque entièrement en live action, nommé The Grandmother. L'Institut a accepté de contribuer au financement des travaux, en lui offrant initialement 5 000 $ sur le budget demandé de 7 200 $, mais en lui accordant plus tard les 2 200 $ supplémentaires qu'il avait demandés. Mettant en vedette des personnes qu'il connaissait au travail et à l'université et filmé dans sa propre maison, The Grandmother mettait en vedette un garçon négligé qui « fait pousser » une grand-mère à partir d'une graine pour prendre soin de lui. Les critiques de cinéma Michelle Le Blanc et Colin Odell ont fait remarquer plus tard que « ce film est une véritable bizarrerie mais contient de nombreux thèmes et idées qui filtreraient dans son travail ultérieur, et montre une compréhension remarquable du médium ».
Los Angeles et Eraserhead : 1971-1979
En 1971, Lynch a déménagé avec sa femme et sa fille à Los Angeles, où il a commencé à étudier le cinéma au Conservatoire AFI, un endroit qu'il décrirait plus tard comme étant « complètement chaotique et désorganisé, ce qui était génial... vous avez vite appris que si vous si vous alliez faire quelque chose, vous deviez le faire vous-même. Ils voulaient laisser les gens faire leur travail. » Il a commencé à écrire un scénario pour une œuvre proposée intitulée Gardenback, qui « s'était déroulée à partir de cette peinture que j'avais réalisée ». Dans cette entreprise, il a été soutenu par plusieurs personnalités du Conservatoire, qui l'ont encouragé à allonger le scénario et à ajouter davantage de dialogues, ce qu'il a accepté de faire à contrecœur. Néanmoins, avec toutes les interférences sur son projet Gardenback, il en a eu assez du Conservatoire et a arrêté après être revenu pour commencer la deuxième année et avoir été placé dans des classes de première année. Le doyen de l'AFI, Frank Daniel, a demandé à Lynch de reconsidérer sa décision, estimant qu'il était l'un des meilleurs élèves de l'école. Lynch a accepté à condition qu'il puisse créer son propre projet qui ne serait pas interféré. Sentant que Gardenback était « détruit », il s'est plutôt lancé dans un nouveau film, qu'il a appelé Eraserhead.
Malgré le fait que le film devait durer environ quarante-deux minutes (il a finalement duré quatre-vingt-neuf minutes), le scénario d'Eraserhead ne faisait que 21 pages et Lynch a pu créer le film sans interférence. Le tournage, qui a débuté le 29 mai 1972, s'est déroulé de nuit dans des écuries abandonnées, permettant à l'équipe de production, composée en grande partie de Lynch et de certains de ses amis, dont Sissy Spacek, Jack Fisk, le directeur de la photographie Frederick Elmes et le concepteur sonore Alan Splet, de aménager une salle de caméra, une salle verte, une salle de montage, des décors ainsi qu'une salle de restauration et une salle de bain. Initialement, le financement du projet provenait de l'AFI, qui avait accordé à Lynch une subvention de 10 000 $, mais cela n'était pas suffisant pour achever le travail, et sous la pression des studios après le succès du long métrage relativement bon marché Easy Rider, ils n'ont pas été en mesure de fournir lui avec plus. Lynch a ensuite été soutenu par un prêt de son père et par l'argent qu'il a pu rapporter d'un journal papier qu'il a accepté de livrer le Wall Street Journal. Peu de temps après le début de la production d'Eraserhead, Lynch et sa femme Peggy se sont séparés et ont divorcé à l'amiable, et il a donc commencé à vivre à plein temps sur le plateau. En 1977, Lynch se remariera, cette fois avec Mary Fisk, sœur de Jack Fisk.
Filmé en noir et blanc, Eraserhead raconte l'histoire d'un jeune homme tranquille nommé Henry (Jack Nance) vivant dans une friche industrielle dystopique, dont la petite amie donne naissance à un bébé déformé qu'elle lui confie. Le bébé pleure constamment, ce qui suscite beaucoup d'inquiétude. Lorsqu'il se rend compte que le bébé est tombé malade, Henry essaie de l'aider. Cela conduit à sa mort accidentelle, après quoi il est hanté par ce qui semble être des démons qui représentent le bébé et Henry se retrouve dans un « paradis » auquel il arrive en entrant au centre d'une planète roche. Lynch a toujours refusé de confirmer ou de nier toute interprétation d'Eraserhead, ou de « confesser sa propre pensée derrière les nombreuses abstractions du film ». Néanmoins, il admet qu'il a été fortement influencé par l'ambiance craintive de Philadelphie et a qualifié le film de « mon histoire de Philadelphie ». [http://www.davidlynch.de/tiplynchtrans.html Entretien avec David Lynch 1985]
En raison de problèmes financiers, le tournage d'Eraserhead s'est déroulé au hasard, s'arrêtant et reprenant régulièrement. C'est lors d'une de ces pauses en 1974 que Lynch a créé un court métrage intitulé The Amputee, qui tournait autour d'une femme amputée de deux jambes (jouée par l'épouse de Jack Nance, Catherine Coulson) lisant à haute voix une lettre et se faisant laver les moignons par un médecin ( joué par Lynch lui-même).
Eraserhead fut finalement terminé en 1976, après cinq ans de production. Lynch a ensuite tenté de faire inscrire le film au Festival de Cannes, mais si certains critiques l'ont apprécié, d'autres l'ont trouvé horrible et il n'a donc pas été sélectionné pour la projection. De même, les critiques du New York Film Festival l'ont également rejeté, bien qu'il ait été projeté au Los Angeles Film Festival, où Ben Barenholtz, le distributeur du Elgin Theatre, en a entendu parler. Il a beaucoup soutenu le film, aidant à le distribuer aux États-Unis en 1977, et Eraserhead est ensuite devenu populaire sur le circuit underground des films de minuit, et a ensuite été décrit comme l'un des films de minuit les plus importants des années 70 avec El Topo. , Pink Flamingos, The Rocky Horror Picture Show, The Harder They Come et Night of the Living Dead. Le célèbre cinéaste Stanley Kubrick a déclaré que c'était l'un de ses films préférés de tous les temps.
The Elephant Man et le succès grand public : 1980-1982
Après le succès culte d'Eraserhead sur le circuit underground, Stuart Cornfeld, producteur exécutif de Mel Brooks, l'a vu et a déclaré plus tard : "J'étais époustouflé à 100 % ... Je pensais que c'était la meilleure chose que j'aie jamais vue. . C’était une expérience tellement nettoyante. » Contactant Lynch, il accepta de l'aider avec son prochain projet, un film intitulé Ronnie Rocket pour lequel Lynch avait déjà écrit un scénario. Cependant, Lynch s'est vite rendu compte que Ronnie Rocket, un film qu'il a décrit comme étant sur "l'électricité et un type de trois pieds aux cheveux roux", n'allait être repris par aucun financier, et il a donc demandé à Cornfeld de lui trouver un scénario écrit par quelqu'un d'autre qu'il pourrait réaliser. Cornfeld lui a trouvé quatre scénarios possibles. En entendant le titre du premier, The Elephant Man, Lynch a choisi le scénario
Le scénario d'Elephant Man, écrit par Chris de Vore et Eric Bergren, était basé sur une histoire vraie, celle de Joseph Merrick, un homme fortement déformé vivant dans le Londres victorien, qui a été détenu dans un spectacle mais a ensuite été confié aux soins d'un Chirurgien londonien, Frederick Treves. Lynch voulait apporter quelques modifications qui modifieraient l'histoire par rapport aux événements réels, mais à son avis, créerait une meilleure intrigue. Cependant, pour ce faire, il lui faudrait obtenir l'autorisation de Mel Brooks, dont la société, Brooksfilms, serait responsable de la production ; par la suite, Brooks a regardé Eraserhead et, après être sorti de la salle de projection, a embrassé Lynch, déclarant: "Tu es un fou, je t'aime! Tu es dedans."
Le film qui en résulte, The Elephant Man, mettait en vedette John Hurt dans le rôle de John Merrick (son nom a été changé de Joseph), ainsi qu'Anthony Hopkins dans le rôle de Frederick Treves. Le tournage a eu lieu à Londres et Lynch a apporté sa propre approche surréaliste au film, en le filmant en couleur, noir et blanc. Néanmoins, il a été décrit comme « l'un des plus conventionnels » de ses films. The Elephant Man a été un énorme succès critique et commercial et a remporté huit nominations aux Oscars, dont celles du meilleur réalisateur et du meilleur scénario adapté pour Lynch personnellement.
Les films De Laurentiis, Dune et Blue Velvet : 1983-1986
Après le succès d'Elephant Man, le cinéaste George Lucas, lui-même fan d'Eraserhead, propose à Lynch de réaliser le troisième film de sa trilogie Star Wars, Le Retour du Jedi. Lynch a refusé, arguant que Lucas devrait réaliser le film lui-même, car le film devrait refléter sa propre vision, et non celle de Lynch. Peu de temps après cependant, l'opportunité de réaliser une autre épopée de science-fiction à gros budget s'est présentée lorsque Dino de Laurentiis du De Laurentiis Entertainment Group lui a demandé de créer une adaptation cinématographique du roman de science-fiction de Frank Herbert, Dune (1965). Lynch accepta et, ce faisant, fut également tenu contractuellement de produire deux autres œuvres pour l'entreprise. Il s'est ensuite mis à écrire un scénario basé sur le roman original, d'abord avec Chris de Vore et Eric Bergren, puis tout seul lorsque De Laurentiis n'était pas satisfait de leurs idées. Lynch a également aidé à construire certains décors, en essayant de créer « un certain look » pour le film, et il a particulièrement aimé construire le décor de la planète pétrolière de Giedi Prime, pour lequel il « a utilisé de l'acier, des boulons et de la porcelaine pour construire ». il.
Dune se déroule dans un futur lointain, lorsque les humains vivent dans un empire interstellaire sous un système féodal. Le personnage principal, Paul Atreides (joué par Kyle MacLachlan), est le fils d'un noble qui prend le contrôle de la planète désertique Arrakis, où l'on cultive un mélange d'épices rares, le produit le plus prisé de l'empire. Lynch, cependant, n'était pas satisfait du travail, remarquant plus tard que "Dune était une sorte de film de studio. Je n'avais pas de montage final. Et, petit à petit, je faisais inconsciemment des compromis" par rapport à sa propre vision. Une grande partie de ses images ont finalement été supprimées du montage théâtral final, condensant considérablement l'intrigue. Même si De Laurentiis espérait qu'il aurait autant de succès que Star Wars, Lynch's Dune (1984) était un raté critique et commercial ; sa réalisation avait coûté 45 millions de dollars et n'avait rapporté que 27,4 millions de dollars au niveau national. Plus tard, Universal Studios a publié un « montage étendu » du film pour la télévision souscrite, contenant près d'une heure de séquences de montage et une nouvelle narration. Ce n'était pas représentatif des intentions de Lynch, mais le studio le considérait comme plus compréhensible que la version originale de deux heures. Lynch s'est opposé à ces changements et a vu son nom rayé du montage prolongé, qui a "Alan Smithee" crédité comme réalisateur et "Judas Booth" (un pseudonyme que Lynch lui-même a inventé, inspiré par ses propres sentiments de trahison) comme scénariste.
Entre-temps, en 1983, il avait commencé à écrire et à dessiner une bande dessinée, Le chien le plus en colère du monde, qui présentait des graphiques immuables représentant un chien attaché tellement en colère qu'il ne pouvait pas bouger, ainsi que des références philosophiques énigmatiques. Il a été diffusé de 1983 à 1992 dans Village Voice, Creative Loafing et d'autres tabloïds et publications alternatives. C'est à cette époque que Lynch s'intéresse également à la photographie en tant que forme d'art et se rend dans le nord de l'Angleterre pour prendre des photos du paysage industriel en dégradation, ce qui l'intéresse particulièrement.
Après Dune, Lynch était encore tenu contractuellement de produire deux autres projets pour De Laurentiis : le premier était une suite prévue qui, en raison du manque de succès du film, n'a jamais dépassé le stade du scénario. L'autre était une œuvre plus personnelle, basée sur un scénario sur lequel Lynch travaillait depuis un certain temps. Développé à partir des idées que Lynch avait depuis 1973, le film qui en résulte, Blue Velvet, se déroule dans la ville fictive de Lumberton, aux États-Unis, et tourne autour d'un étudiant nommé Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan), qui trouve une oreille coupée dans un champ. . En enquêtant par la suite avec l'aide de son amie Sandy (Laura Dern), il découvre qu'elle est liée à un gang criminel dirigé par le psychopathe Frank Booth (Dennis Hopper), qui a kidnappé le mari et l'enfant de la chanteuse Dorothy Vallens (Isabella Rossellini) et la soumet à plusieurs reprises au viol. Lynch lui-même caractérise l'histoire comme « un rêve de désirs étranges enveloppés dans une histoire mystérieuse ».
Pour le film, Lynch a décidé d'inclure des chansons pop des années 1960, notamment "In Dreams" de Roy Orbison et "Blue Velvet" de Bobby Vinton, cette dernière ayant largement inspiré le film, Lynch déclarant que "C'était le chanson qui a déclenché le film... Il y avait quelque chose de mystérieux là-dedans. Cela m'a fait réfléchir à certaines choses. Et les premières choses auxquelles j'ai pensé étaient les pelouses – les pelouses et le quartier. D'autres musiques du film ont également été produites, cette fois composées par Angelo Badalamenti, qui produira ensuite la musique de la plupart des œuvres cinématographiques ultérieures de Lynch. Dino de Laurentiis a adoré le film et il a obtenu le soutien de certaines des premières projections spécialisées, mais les avant-premières destinées au grand public ont été plutôt très négatives, la plupart du public détestant le film. Bien que Lynch ait déjà connu le succès avec The Elephant Man, la controverse de Blue Velvet auprès du public et des critiques l'a introduit dans le grand public et est devenu un énorme succès critique et commercial modéré. Le film a valu à Lynch sa deuxième nomination aux Oscars du meilleur réalisateur. Woody Allen, dont le film Hannah et ses sœurs a été nominé pour le meilleur film, a déclaré que Blue Velvet était son film préféré de l'année.
Twin Peaks, Wild at Heart et Fire Walk with Me : 1987-1996
À la fin des années 1980, Lynch avait commencé à travailler à la télévision ainsi qu'au cinéma, réalisant une courte pièce intitulée Le Cowboy et le Français pour la télévision française en 1989. À cette époque, il rencontra le producteur de télévision Mark Frost, qui avait auparavant travaillé sur des projets tels que la série télévisée policière Hill Street Blues, et ils ont décidé de commencer à travailler ensemble sur un biopic de la chanteuse et actrice Marilyn Monroe basé sur le livre d'Anthony Summers, The Goddess: The Secret Lives of Marilyn Monroe. Bien que ce projet n’ait jamais démarré, le duo a continué à travailler sur un scénario de comédie nommé One Saliva Bubble, mais celui-ci n’a pas non plus été achevé. Alors qu'ils discutaient dans un café, Lynch et Frost ont l'idée d'un cadavre échoué au bord d'un lac, et se lancent ensuite dans leur troisième projet, initialement appelé Northwest Passage mais qui deviendra finalement la série télévisée Twin Peaks ( 1990-1991).
Une série dramatique se déroulant dans une petite ville de Washington où Laura Palmer, une lycéenne populaire, a été violée et assassinée, Twin Peaks mettait en vedette l'agent spécial du FBI Dale Cooper (Kyle MacLachlan) dans le rôle de l'enquêteur essayant de déterrer le tueur et de découvrir non seulement les éléments surnaturels. au meurtre mais aussi aux secrets de nombreux citadins locaux ; comme Lynch lui-même le résumait : « Le projet était de mélanger une enquête policière avec la vie ordinaire des personnages. » Lynch a révélé plus tard que "[Mark Frost et moi] avons travaillé ensemble, surtout au début. Plus tard, nous avons commencé à travailler davantage séparément." Ils ont présenté la série au réseau ABC, qui a accepté de financer l'épisode pilote et a finalement commandé la première saison, comprenant sept épisodes.
Une deuxième saison entre bientôt en production avec 22 épisodes supplémentaires. Lynch lui-même n'a réalisé que six épisodes de séries pour consacrer son temps à travailler sur le film Wild at Heart, mais a soigneusement choisi les réalisateurs des autres épisodes. Lynch est apparu dans plusieurs épisodes de la série dans le rôle de l'agent sourd du FBI Gordon Cole. La série a été un succès, avec des audiences élevées aux États-Unis et dans de nombreux pays à l'étranger, et a rapidement engendré un culte. Les dirigeants du réseau ABC pensaient cependant que l'intérêt du public pour l'émission diminuait. La chaîne a insisté pour que Lynch et Frost révèlent prématurément qui était l'assassin de Laura Palmer, ce qu'ils ont accepté de faire à contrecœur. Lynch a estimé qu'accepter de le faire était l'un de ses plus grands regrets professionnels. Suite à la révélation du meurtrier et au déplacement de la série du jeudi au samedi soir, Twin Peaks a continué pendant plusieurs épisodes supplémentaires, mais a été annulé suite à une baisse des audiences. Lynch, qui n'aimait pas la direction prise par les scénaristes et les réalisateurs dans les épisodes précédents, a réalisé l'épisode final. Il a terminé la saison sur un cliffhanger, déclarant plus tard que "ce n'est pas la fin. C'est la fin avec laquelle les gens étaient coincés".
Alors que Twin Peaks était en production, la Brooklyn Academy of Music a demandé à Lynch et au compositeur Angelo Badalamenti, responsable de la musique de Twin Peaks, de créer une pièce théâtrale qui ne serait jouée que deux fois en 1989 dans le cadre du New Festival Musique Amérique. Le résultat fut la Symphonie industrielle n°1 : Le rêve des cœurs brisés, qui mettait en vedette de fréquents collaborateurs de Lynch tels que Laura Dern, Nicolas Cage et Michael J. Anderson, et contenait cinq chansons chantées par Julee Cruise. David Lynch a produit une vidéo de cinquante minutes de la performance en 1990. Parallèlement, Lynch a également participé à la création de diverses publicités pour différentes sociétés, notamment des sociétés de parfums comme Yves Saint Laurent, Calvin Klein et Giorgio Armani et la société japonaise de café Namoi, qui mettait en vedette un Japonais recherchant dans la ville de Twin Peaks sa femme disparue.
Pendant que Lynch travaillait sur les premiers épisodes de Twin Peaks, son ami Monty Montgomery "m'a donné un livre qu'il voulait réaliser sous forme de film. Il m'a demandé si je serais peut-être producteur exécutif ou quelque chose comme ça, et j'ai dit 'C'est super, Monty, mais et si je le lis, que j'en tombe amoureux et que je veux le faire moi-même ?' Et il m'a dit : "Dans ce cas, tu peux le faire toi-même". Le livre était le roman de Barry Gifford Wild at Heart: The Story of Sailor and Lula, qui racontait l'histoire de deux amants lors d'un road trip. Lynch a estimé que c'était "exactement la bonne chose au bon moment. Le livre et la violence en Amérique ont fusionné dans mon esprit et beaucoup de choses différentes se sont produites". Avec le soutien de Gifford, Lynch a adapté le roman en un film intitulé Wild at Heart, un film policier et road movie mettant en vedette Nicolas Cage dans le rôle de Sailor et Laura Dern dans le rôle de Lula. Décrivant son intrigue comme un « étrange mélange » d'« un film de route, une histoire d'amour, un drame psychologique et une comédie violente », Lynch a beaucoup modifié le roman original, en changeant la fin et en incorporant de nombreuses références au film classique Le Magicien de Oz. Malgré un accueil mitigé de la part des critiques et des téléspectateurs américains, le film remporte la prestigieuse Palme d'Or au Festival de Cannes en 1990.
Suite au succès de Wild at Heart, Lynch a décidé de revenir dans le monde de Twin Peaks, désormais annulé, cette fois sans Mark Frost, pour créer un film qui faisait principalement office de préquelle mais aussi, en partie, de suite. , Lynch déclarant que "j'ai aimé l'idée de l'histoire qui va et vient dans le temps". Le résultat, Twin Peaks: Fire Walk with Me (1992), tournait principalement autour des derniers jours de la vie de Laura Palmer, et avait un ton beaucoup plus « sombre » que la série télévisée, en supprimant une grande partie de l'humour et en traitant du sujet. avec des sujets tels que l'inceste et le meurtre. Lynch lui-même a déclaré que le film parlait de « la solitude, la honte, la culpabilité, la confusion et la dévastation de la victime de l'inceste ». Twin Peaks : Fire Walk with Me a été financé par la société CIBY-2000, et la plupart des acteurs de la série ont accepté de reprendre leurs rôles dans le film, même si certains ont refusé et beaucoup n'étaient pas enthousiasmés par le projet. Le film fut un échec commercial et critique aux États-Unis ; cependant, ce fut un succès au Japon et certains critiques, comme Mark Kermode, l'ont salué comme le « chef-d'œuvre » de Lynch.
Pendant ce temps, Lynch a travaillé avec Mark Frost sur de nouvelles émissions de télévision. Après Twin Peaks, ils ont produit une série de documentaires intitulée American Chronicles (1990) qui examinait la vie aux États-Unis, la série comique On the Air (1992), qui a été annulée après la diffusion de seulement trois épisodes, et la série de trois épisodes HBO. mini-série Hotel Room (1993) sur des événements qui se produisent dans une chambre d'hôtel mais à des dates différentes.
Autoroute perdue, L'histoire droite et Mulholland Drive : 1997-2001
Suite à ces aventures télévisées infructueuses, Lynch retourna à la réalisation de longs métrages. En 1997, il sort la noireque non linéaire Lost Highway, co-écrit par Barry Gifford et mettant en vedette Bill Pullman et Patricia Arquette. Le film a échoué commercialement et a reçu une réponse mitigée de la part des critiques.
Après Lost Highway, Lynch a commencé à réaliser un film à partir d'un scénario écrit par Mary Sweeney et John E. Roach. Le film qui en résulte, The Straight Story, est basé sur une histoire vraie : celle d'Alvin Straight (joué dans le film de Richard Farnsworth), un homme âgé de Laurens, Iowa, qui entreprend un voyage de trois cents milles pour rendre visite à son frère malade. (joué par Harry Dean Stanton) à Mount Zion, Wisconsin, conduisant une tondeuse à gazon pendant tout le voyage. Commentant pourquoi il a choisi ce scénario, Lynch a déclaré que "c'est ce dont je suis tombé amoureux ensuite" et a affiché son admiration pour Straight, le décrivant comme "comme James Dean, sauf qu'il est vieux". Angelo Badalamenti a de nouveau produit la musique du film, même si elle était "très différente du genre de musique pour laquelle il a fait pour [Lynch] dans le passé".
Parmi les nombreuses différences avec ses films précédents, "The Straight Story" ne contenait pas de grossièretés, de contenu sexuel ou de violence ; il a été classé G (visionnement général) par la Motion Picture Association of America, ce qui a été une « nouvelle choquante » pour de nombreux acteurs de l'industrie cinématographique, qui ont été surpris qu'il « n'ait pas dérangé, offensé ou mystifié ». Comme l'ont déclaré Le Blanc et Odell, l'intrigue le faisait « paraître aussi éloigné des œuvres antérieures de Lynch qu'on pouvait l'imaginer, mais en fait dès le début, il s'agit entièrement de son film – un road movie surréaliste ».
La même année, Lynch contacte à nouveau ABC avec des idées pour une série télévisée. Le réseau a donné à Lynch le feu vert pour tourner un pilote de deux heures pour la série Mulholland Drive, mais des différends sur le contenu et la durée de diffusion ont conduit à l'abandon du projet pour une durée indéterminée. Cependant, avec sept millions de dollars de la société de production française StudioCanal, Lynch a réalisé le pilote sous forme de film, Mulholland Drive. Le film, un récit surréaliste non linéaire sur le côté obscur d'Hollywood, met en vedette Naomi Watts, Laura Harring et Justin Theroux. Le film s'est relativement bien comporté au box-office mondial et a été un succès critique, ce qui a valu à Lynch le prix du meilleur réalisateur au Festival de Cannes 2001 (partagé avec Joel Coen pour L'homme qui n'était pas là) et le prix du meilleur réalisateur du New York Times. Association des critiques de cinéma de York. De plus, Lynch a reçu sa troisième nomination aux Oscars pour le meilleur réalisateur.
Travail sur Internet et Inland Empire : 2002-2013
Avec la popularité croissante d'Internet, Lynch a décidé