Quel nom est donné à l'art qui représente des objets inanimés (généralement banals), soit naturels (par exemple de la nourriture, des fleurs, des plantes, des roches et des coquillages) ou artificiels (par exemple des verres à boire, des livres, des vases, des bijoux, des pièces de monnaie et des pipes) dans un cadre artificiel ?
Nature morte
Le portrait de Petrus Christus représentant des mariés visitant un orfèvre est un exemple typique de nature morte de transition illustrant à la fois un contenu religieux et profane. Bien que leur message soit principalement allégorique, les figures du couple sont réalistes et les objets présentés (pièces de monnaie, récipients, etc.) sont peints avec précision, mais l'orfèvre est en réalité une représentation de saint Eligius et les objets sont fortement symboliques. Un autre type de peinture similaire est le portrait de famille combinant des personnages avec une table de nourriture bien dressée, qui symbolise à la fois la piété des sujets humains et leur gratitude pour l’abondance de Dieu. À cette époque, de simples représentations de natures mortes, sans figures (mais sans signification allégorique) commençaient à être peintes à l'extérieur des volets des peintures de dévotion privées. Un autre pas vers la nature morte autonome fut la peinture de fleurs symboliques dans des vases au dos de portraits profanes vers 1475. Jacopo de' Barbari est allé plus loin avec sa Nature morte avec perdrix, gants de fer et flèches d'arbalète (1504), parmi les premières peintures de natures mortes en trompe-l'œil signées et datées, qui contiennent un contenu religieux minimal. Fichier : Jacopo de' Barbari 001.jpg|Jacopo de' Barbari, Nature morte avec perdrix et gantelets (1504), une très ancienne nature morte indépendante, peut-être le dos ou la couverture d'un portrait Fichier : Fra Juan Sánchez Cotán 001.jpg|Juan Sánchez Cotán (1560-1627), Nature morte avec coing, chou, melon et concombre, huile sur toile, 69x 84,5 cm Fichier : Nature morte au gibier à plumes, légumes et fruits, Prado, Musée, Madrid, 1602, HernaniCollection.jpg | Juan Sánchez Cotán, Nature morte au gibier à plumes, légumes et fruits (1602), Musée du Prado Madrid Fichier:Vanitas-Nature morte, Oosterwijck.jpg|Maria van Oosterwijk, Vanitas-Nature morte (1693) Fichier : Nature morte avec une cruche en étain et deux assiettes en porcelaine par Jan Treck.jpg | Jan Jansz. Treck (1606-1652), Nature morte avec une cruche en étain et deux assiettes en porcelaine (1645) Dossier : Willem Claesz. Heda - Nature morte avec tarte, aiguière d'argent et crabe - WGA11248.jpg|Willem Claeszoon Heda (1594-1680), Nature morte avec tarte, aiguière d'argent et crabe (1658) Fichier : Ambrosius Bosschaert l'Ancien (néerlandais - Nature morte aux fleurs - Google Art Project.jpg | Ambrosius Bosschaert (1573–1621), Nature morte aux fleurs (1614) Fichier : Samuel van Hoogstraten - Nature morte - WGA11726.jpg | Samuel van Hoogstraten, Porte-lettres simulé avec instruments d'écriture (vers 1655) Fichier : P boel martwa natura globus l.jpeg|Pieter Boel (1626-1674), Nature morte avec un globe et un perroquet (vers 1658) Dossier : Pieter Claesz. - Nature morte - WGA4968.jpg|Pieter Claesz (c.1597–1660), Nature morte (1623) Dossier : Jan Davidsz. de Heem - nature morte - WGA11283.jpg|Jan Davidsz. de Heem (1606-1684), Nature morte avec fruits, fleurs, verres et homard (vers 1660) Dossier : Pieter Claesz. 008.jpg|Pieter Claesz (vers 1597-1660), Nature morte au bac à sel Fichier : George Flegel Nature morte avec du pain et des confiseries.jpg | George Flegel (1566-1638), Nature morte avec du pain et des confiseries, 1630 Fichier : Fede Galizia - Nature morte - WGA8434.jpg | Fede Galizia (1578-1630), Pommes dans un plat (vers 1593) Fichier : Giovanna Garzoni (Italien - Nature morte au bol de citrons - Google Art Project.jpg | Giovanna Garzoni (1600-1670), Nature morte au bol de citrons (1640), tempera sur vélin, Getty Museum, Pacific Palisades, Los Angeles , Californie Fichier:Nature morte de poissons et de crustacés - Giacomo Francesco Cipper.jpg|Giacomo Francesco Cipper (1664–1736), Nature morte de poissons et de crustacés Image:Jean-Baptiste Siméon Chardin 029.jpg|Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Nature morte avec flacon en verre et fruits (vers 1750) Fichier : Carlo Manieri (attr) Prunkstillleben.jpg|Carlo Manieri, Nature morte avec de l'argenterie, Pronkstilleven (1662-1700) Fichier:Nature morte au homard.jpg|Anne Vallayer-Coster, Nature morte au homard (vers 1781) Cependant, il a fallu attendre le déclin final de la hiérarchie académique en Europe et la montée des peintres impressionnistes et postimpressionnistes pour que la technique et l'harmonie des couleurs triomphent du sujet et que la nature morte soit à nouveau avidement pratiquée par les artistes. Dans ses premières natures mortes, Claude Monet montre l'influence de Fantin-Latour, mais est l'un des premiers à rompre avec la tradition du fond sombre, que Pierre-Auguste Renoir abandonne également dans Nature morte au bouquet et à l'éventail (1871), avec son fond orange vif. Dans la nature morte impressionniste, le contenu allégorique et mythologique est totalement absent, tout comme le méticulo
Une nature morte (au pluriel natures mortes) est une œuvre d'art représentant un sujet principalement inanimé, généralement des objets banals qui peuvent être soit naturels (nourriture, fleurs, animaux morts, plantes, roches ou coquillages), soit artificiels (verres à boire, livres, vases, bijoux, pièces de monnaie, pipes, etc.). Avec ses origines au Moyen Âge et dans l'art gréco-romain antique, la peinture de natures mortes est apparue comme un genre distinct et une spécialisation professionnelle dans la peinture occidentale à la fin du XVIe siècle, et est restée importante depuis lors. La nature morte donne à l'artiste plus de liberté dans l'agencement des éléments au sein d'une composition que les peintures d'autres types de sujets tels que le paysage ou le portrait. Les premières natures mortes, en particulier avant 1700, contenaient souvent un symbolisme religieux et allégorique lié aux objets représentés. Certaines natures mortes modernes brisent la barrière bidimensionnelle et emploient des médias mixtes tridimensionnels et utilisent des objets trouvés, des photographies, des infographies, ainsi que des vidéos et du son.
La nature morte est issue de la peinture de détails dans des compositions plus grandes avec des sujets et, historiquement, elle a souvent été combinée avec des sujets de figures, en particulier dans la peinture baroque flamande. Le terme inclut la peinture d’animaux morts, notamment du gibier. Les animaux vivants sont considérés comme de l'art animalier, même si dans la pratique, ils étaient souvent peints à partir de modèles morts. La catégorie des natures mortes partage également des points communs avec l'illustration zoologique et surtout botanique, où il y a eu un chevauchement considérable entre les artistes. Généralement, une nature morte comprend un arrière-plan entièrement représenté et donne la priorité aux préoccupations esthétiques plutôt qu'illustratives. La nature morte occupe l’échelon le plus bas de la hiérarchie des genres, mais elle reste extrêmement populaire auprès des acheteurs. En plus du sujet indépendant de nature morte, la peinture de nature morte englobe d'autres types de peinture avec des éléments de nature morte importants, généralement symboliques, et « des images qui s'appuient sur une multitude d'éléments de nature morte ostensiblement pour reproduire une « tranche de vie ». " La peinture en trompe-l'œil, qui vise à tromper le spectateur en lui faisant croire que la scène est réelle, est un type spécialisé de nature morte, montrant généralement des objets inanimés et relativement plats.
Antécédents et développement
Les peintures de natures mortes ornent souvent l’intérieur des tombes égyptiennes antiques. On croyait que les aliments et autres objets qui y étaient représentés deviendraient réels dans l’au-delà et pourraient être utilisés par le défunt. Les peintures sur vases de la Grèce antique démontrent également une grande habileté à représenter des objets et des animaux du quotidien. Peiraikos est mentionné par Pline l'Ancien comme un peintre sur panneaux de sujets « bas », comme ceux qui survivent dans les versions en mosaïque et les peintures murales provinciales de Pompéi : « les salons de coiffure, les étals de cordonniers, les ânes, les comestibles et les sujets similaires ». Des natures mortes similaires, d'intention plus simplement décorative, mais avec une perspective réaliste, ont également été trouvées dans les peintures murales romaines et les mosaïques de sol découvertes à Pompéi, Herculanum et à la Villa Boscoreale, y compris le motif familier plus tard d'un bol de fruits en verre. Les mosaïques décoratives appelées « emblèmes », trouvées dans les maisons des riches Romains, démontraient la gamme de plats appréciés par les classes supérieures et servaient également de signes d'hospitalité et de célébrations des saisons et de la vie. Au XVIe siècle, la nourriture et les fleurs réapparaissent comme symboles des saisons et des cinq sens. La tradition de l'utilisation du crâne dans les peintures comme symbole de mortalité et de restes terrestres remonte également à l'époque romaine, souvent accompagnée de la phrase d'accompagnement Omnia mors aequat (La mort rend tous égaux). Ces images de vanité ont été réinterprétées à travers les 400 dernières années de l'histoire de l'art, à commencer par les peintres hollandais vers 1600.
L'appréciation populaire du réalisme de la peinture de natures mortes est relatée dans l'ancienne légende grecque de Zeuxis et Parrhasius, qui auraient jadis concouru pour créer les objets les plus réalistes, les premières descriptions de l'histoire de la peinture en trompe-l'œil. Comme Pline l’Ancien l’a noté à l’époque romaine, les artistes grecs des siècles plus tôt étaient déjà avancés dans les arts du portrait, de la peinture de genre et de la nature morte. Il a choisi Peiraikos, « dont le talent artistique n'est surpassé que par très peu... Il a peint des salons de coiffure et des cordonniers, des ânes, des légumes, etc., et c'est pour cette raison qu'il a été appelé le « peintre de sujets vulgaires » ; ces œuvres sont tout à fait délicieuses, et elles ont été vendues à des prix plus élevés que les plus grandes [peintures] de nombreux autres artistes. »
Moyen Âge et Renaissance
Vers 1300, à commencer par Giotto et ses élèves, la peinture de natures mortes fut relancée sous la forme de niches fictives sur des peintures murales religieuses représentant des objets du quotidien. Au Moyen Âge et à la Renaissance, la nature morte dans l'art occidental est restée avant tout un complément aux sujets religieux chrétiens et a convoqué une signification religieuse et allégorique. Cela était particulièrement vrai dans le travail des artistes d'Europe du Nord, dont la fascination pour le réalisme optique et le symbolisme très détaillés les a amenés à accorder une grande attention au message global de leurs peintures. Des peintres comme Jan van Eyck utilisaient souvent des éléments de natures mortes dans le cadre d'un programme iconographique.
Le développement de la technique de la peinture à l'huile par Jan van Eyck et d'autres artistes d'Europe du Nord a permis de peindre des objets du quotidien de cette manière hyperréaliste, grâce aux qualités lentes de séchage, de mélange et de superposition des couleurs à l'huile. Parmi les premiers à s'affranchir du sens religieux figurent Léonard de Vinci, qui créa des aquarelles de fruits (vers 1495) dans le cadre de son examen incessant de la nature, et Albrecht Dürer, qui réalisa également des dessins précis de la flore et de la faune.
Le portrait de Petrus Christus représentant des mariés visitant un orfèvre est un exemple typique de nature morte de transition illustrant à la fois un contenu religieux et profane. Bien que leur message soit principalement allégorique, les figures du couple sont réalistes et les objets présentés (pièces de monnaie, récipients, etc.) sont peints avec précision, mais l'orfèvre est en réalité une représentation de saint Eligius et les objets sont fortement symboliques. Un autre type de peinture similaire est le portrait de famille combinant des personnages avec une table de nourriture bien dressée, qui symbolise à la fois la piété des sujets humains et leur gratitude pour l’abondance de Dieu. À cette époque, de simples représentations de natures mortes, sans figures (mais sans signification allégorique) commençaient à être peintes à l'extérieur des volets des peintures de dévotion privées. Un autre pas vers la nature morte autonome fut la peinture de fleurs symboliques dans des vases au dos de portraits profanes vers 1475. Jacopo de' Barbari est allé plus loin avec sa Nature morte avec perdrix, gants de fer et flèches d'arbalète (1504), parmi les premières peintures de natures mortes en trompe-l'œil signées et datées, qui contiennent un contenu religieux minimal.
Nature morte
Seizième siècle
Même si la plupart des natures mortes après 1600 étaient des peintures relativement petites, une étape cruciale dans le développement du genre fut la tradition, principalement centrée sur Anvers, des « natures mortes monumentales », qui étaient de grandes peintures comprenant de grandes étendues de natures mortes. avec des personnages et souvent des animaux. Il s'agit d'un développement de Pieter Aertsen, dont Un étal de viande avec la Sainte Famille donnant l'aumône (1551, aujourd'hui Uppsala) a introduit le type avec une peinture qui surprend encore. Un autre exemple est "La Boucherie" du neveu d'Aertsen, Joachim Beuckelaer (1568), avec sa représentation réaliste de viandes crues dominant le premier plan, tandis qu'une scène d'arrière-plan évoque les dangers de l'ivresse et de la luxure. Le type de très grande cuisine ou scène de marché développé par Pieter Aertsen et son neveu Joachim Beuckelaer représente généralement une abondance de nourriture avec une nature morte d'ustensiles de cuisine et de costaudes servantes de cuisine flamandes. Une petite scène religieuse peut souvent être aperçue au loin, ou un thème tel que les Quatre Saisons est ajouté pour élever le sujet. Ce type de nature morte à grande échelle a continué à se développer dans la peinture flamande après la séparation du Nord et du Sud, mais est rare dans la peinture hollandaise, bien que d'autres œuvres de cette tradition anticipent le type de peinture de genre « joyeuse compagnie ».
Peu à peu, le contenu religieux a diminué en taille et en placement dans ce type de peinture, même si les leçons de morale ont continué à servir de sous-contextes. L'une des rares œuvres italiennes de ce style, le traitement du même sujet par Annibale Carracci en 1583, Boucherie, commence à supprimer les messages moraux, comme l'ont fait d'autres natures mortes « cuisine et marché » de cette période. Vincenzo Campi a probablement introduit le style anversois en Italie dans les années 1570. La tradition se poursuit au siècle suivant, avec plusieurs œuvres de Rubens, qui sous-traite pour la plupart les natures mortes et les éléments animaliers à des maîtres spécialisés tels que Frans Snyders et son élève Jan Fyt. Dès la seconde moitié du XVIe siècle, la nature morte autonome évolue.
Le XVIe siècle a été témoin d'une explosion d'intérêt pour le monde naturel et de la création de somptueuses encyclopédies botaniques enregistrant les découvertes du Nouveau Monde et de l'Asie. Cela a également incité le début de l’illustration scientifique et de la classification des spécimens. Les objets naturels ont commencé à être appréciés en tant qu'objets d'étude individuels, indépendamment de toute association religieuse ou mythologique. Les débuts de la science des remèdes à base de plantes ont également commencé à cette époque, ce qui constituait une extension pratique de ces nouvelles connaissances. En outre, de riches mécènes commencèrent à financer la collection de spécimens d’animaux et de minéraux, créant ainsi de vastes cabinets de curiosités. Ces spécimens servaient de modèles aux peintres en quête de réalisme et de nouveauté. Des coquillages, des insectes, des fruits exotiques et des fleurs ont commencé à être collectés et commercialisés, et de nouvelles plantes comme la tulipe (importée de Turquie en Europe) ont été célébrées dans des natures mortes. L'explosion horticole a suscité un intérêt généralisé en Europe et les artistes en ont profité pour produire des milliers de natures mortes. Certaines régions et tribunaux avaient des intérêts particuliers. La représentation des agrumes, par exemple, était une passion particulière de la cour des Médicis à Florence, en Italie. Cette grande diffusion de spécimens naturels et l’intérêt croissant pour l’illustration naturelle dans toute l’Europe ont abouti à la création presque simultanée de natures mortes modernes vers 1600.
Fichier : Jacopo de' Barbari 001.jpg|Jacopo de' Barbari, Nature morte avec perdrix et gantelets (1504), une très ancienne nature morte indépendante, peut-être le dos ou la couverture d'un portrait
Fichier : Un étal de viande avec la Sainte Famille faisant l'aumône - Pieter Aertsen - Google Cultural Institute.jpg|Pieter Aertsen, Un étal de viande avec la Sainte Famille faisant l'aumône (1551), 123,3 × 150 cm (48,5 × 59″)
Fichier : Joachim Beuckelaer 003.jpg | Joachim Beuckelaer (1533-1575), Scène de cuisine, avec Jésus dans la maison de Marthe et Marie en arrière-plan (1566), 171 × 250 cm (67,3 × 98,4 po).
Fichier : Carracci-Butcher's shop.jpg | Annibale Carracci (1560-1609), Boucherie (1580)
Au tournant du siècle, le peintre espagnol Juan Sánchez Cotán fut le pionnier de la nature morte espagnole avec des peintures de légumes austères et tranquilles, avant d'entrer dans un monastère dans la quarantaine en 1603, après quoi il peignit des sujets religieux.
Peintures du XVIe siècle
Fichier : Canestra di frutta (Caravaggio).jpg|Michelangelo Merisi da Caravaggio, Corbeille de fruits (1595-1596), huile sur toile, 31 x 47 cm
Fichier : Fra Juan Sánchez Cotán 001.jpg|Juan Sánchez Cotán (1560-1627), Nature morte avec coing, chou, melon et concombre, huile sur toile, 69x 84,5 cm
Fichier : Nature morte au gibier à plumes, légumes et fruits, Prado, Musée, Madrid, 1602, HernaniCollection.jpg | Juan Sánchez Cotán, Nature morte au gibier à plumes, légumes et fruits (1602), Musée du Prado Madrid
Fichier : Giovanni Ambrogio Figino - Teller mit Pfirsichen.jpg|Giovanni Ambrogio Figino, Plaque de métal avec pêches et feuilles de vigne (1591-1594), panneau, 21 x 30 cm, sa seule nature morte connue
Seventeenth century
Prominent Academicians of the early 17th century, such as Andrea Sacchi, felt that genre and still-life painting did not carry the "gravitas" merited for painting to be considered great. An influential formulation of 1667 by André Félibien, a historiographer, architect and theoretician of French classicism became the classic statement of the theory of the hierarchy of genres for the 18th century:Celui qui fait parfaitement des païsages est au-dessus d'un autre qui ne fait que des fruits, des fleurs ou des coquilles. Celui qui peint des animaux vivants est plus estimable que ceux qui ne représentent que des choses mortes & sans mouvement ; & comme la figure de l'homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la Terre, il est certain aussi que celui qui se rend l'imitateur de Dieu en peignant des figures humaines, est beaucoup plus excellent que tous les autres ... 
He who produces perfect landscapes is above another who only produces fruit, flowers or seafood. He who paints living animals is more estimable than those who only represent dead things without movement, and as man is the most perfect work of God on the earth, it is also certain that he who becomes an imitator of God in representing human figures, is much more excellent than all the others ...".
Peinture hollandaise et flamande
  
La nature morte s'est développée comme une catégorie distincte aux Pays-Bas dans le dernier quart du XVIe siècle. Le terme anglais still life dérive du mot néerlandais still, même si les langues romanes (ainsi que le grec, le polonais, le russe et le turc) ont tendance à utiliser des termes désignant la nature morte. La peinture néerlandaise du début du XVe siècle avait développé des techniques hautement illusionnistes, tant dans la peinture sur panneaux que dans les manuscrits enluminés, où les bordures présentaient souvent des expositions élaborées de fleurs, d'insectes et, dans une œuvre comme les Heures de Catherine de Clèves, une grande variété d'objets. Lorsque le manuscrit enluminé a été remplacé par le livre imprimé, les mêmes compétences ont ensuite été déployées dans l’illustration botanique scientifique ; les Pays-Bas ont dominé l'Europe à la fois en matière de botanique et de représentation artistique. L'artiste flamand Joris Hoefnagel (1542-1601) a réalisé des peintures à l'aquarelle et à la gouache de fleurs et d'autres sujets de natures mortes pour l'empereur Rodolphe II, et il y avait de nombreuses illustrations gravées pour des livres (souvent ensuite coloriées à la main), comme le Florilegium de Hans Collaert. , publié par Plantin en 1600.
Vers 1600, les peintures de fleurs à l’huile sont devenues un véritable engouement ; Karel van Mander a peint lui-même certaines œuvres et rapporte que d'autres artistes maniéristes du Nord tels que Cornelis van Haarlem l'ont également fait. Aucun morceau de fleur survivant n'est connu, mais beaucoup survivent grâce aux principaux spécialistes, Jan Brueghel l'Ancien et Ambrosius Bosschaert, tous deux actifs dans le sud des Pays-Bas.
Alors que les artistes du Nord trouvaient peu d'opportunités pour produire l'iconographie religieuse qui avait longtemps été leur base (les images de sujets religieux étaient interdites dans l'Église protestante réformée néerlandaise), la tradition nordique persistante de réalisme détaillé et de symboles cachés a séduit les classes moyennes néerlandaises en pleine croissance. , qui remplaçaient l’Église et l’État comme principaux mécènes de l’art aux Pays-Bas. À cela s’ajoutait la passion hollandaise pour l’horticulture, en particulier la tulipe. Ces deux visions des fleurs – comme objets esthétiques et comme symboles religieux – ont fusionné pour créer un marché très fort pour ce type de nature morte. La nature morte, comme la plupart des œuvres d'art hollandaises, était généralement vendue sur les marchés ouverts ou par des marchands, ou par des artistes dans leurs ateliers, et rarement commandée ; par conséquent, les artistes choisissaient généralement le sujet et la disposition. Ce type de peinture de natures mortes était si populaire qu'une grande partie de la technique de la peinture florale hollandaise a été codifiée dans le traité Groot Schilderboeck de 1740 de Gérard de Lairesse, qui donnait de nombreux conseils sur la couleur, la disposition, le travail au pinceau, la préparation des spécimens, harmonie, composition, perspective, etc.
Le symbolisme des fleurs a évolué depuis les premiers temps chrétiens. Les fleurs les plus courantes et leurs significations symboliques comprennent : la rose (Vierge Marie, éphémère, Vénus, amour) ; lis (Vierge Marie, virginité, sein féminin, pureté d'esprit ou justice) ; tulipe (éclat, noblesse); tournesol (fidélité, amour divin, dévotion) ; violet (pudeur, réserve, humilité) ; colombine (mélancolie); coquelicot (pouvoir, sommeil, mort). Quant aux insectes, le papillon représente la transformation et la résurrection tandis que la libellule symbolise l'éphémère et la fourmi le travail acharné et l'attention portée à la récolte.
Les artistes flamands et hollandais ont également diversifié et relancé l'ancienne tradition grecque des natures mortes du trompe-l'œil, en particulier l'imitation de la nature ou mimesis, qu'ils appelaient bedriegertje (« petite tromperie »). En plus de ces types de natures mortes, les artistes hollandais ont identifié et développé séparément des peintures de « cuisine et de marché », des natures mortes de table de petit-déjeuner et de nourriture, des peintures de vanités et des peintures de collection allégoriques.
Dans les Pays-Bas catholiques du sud, le genre des peintures de guirlandes s'est développé. Vers 1607-1608, les artistes anversois Jan Brueghel l'Ancien et Hendrick van Balen ont commencé à créer ces images composées d'une image (généralement dévotionnelle) entourée d'une luxuriante couronne de nature morte. Les peintures sont le fruit d'une collaboration entre deux spécialistes : une nature morte et un peintre de figures. Daniel Seghers a développé davantage le genre. Servissant à l’origine une fonction dévotionnelle, les peintures de guirlandes sont devenues extrêmement populaires et ont été largement utilisées comme décoration des maisons.
Un genre particulier de nature morte était ce qu'on appelle le pronkstilleven (en néerlandais « nature morte ostentatoire »). Ce style de natures mortes ornées a été développé dans les années 1640 à Anvers par des artistes flamands tels que Frans Snyders et Adriaen van Utrecht. Ils peignaient des natures mortes qui mettaient l'accent sur l'abondance en représentant une diversité d'objets, de fruits, de fleurs et de gibier mort, souvent accompagnés de personnes et d'animaux vivants. Le style fut bientôt adopté par les artistes de la République néerlandaise.
Les peintures de vanités étaient particulièrement populaires à cette époque, dans lesquelles de somptueux arrangements de fruits et de fleurs, de livres, de statuettes, de vases, de pièces de monnaie, de bijoux, de peintures, d'instruments de musique et scientifiques, d'insignes militaires, d'argent fin et de cristal, étaient accompagnés de rappels symboliques de la vie. impermanence. De plus, un crâne, un sablier ou une montre de poche, une bougie allumée ou un livre dont les pages se tournent, serviraient de message moralisateur sur l'éphémère des plaisirs sensoriels. Souvent, certains fruits et fleurs eux-mêmes commençaient à se gâter ou à se faner pour souligner le même point.
Fichier : Cornelis Norbertus Gysbrechts 005.jpg | Cornelis Norbertus Gysbrechts (vers 1660-1683), Trompe l'œil (vers 1680), Musée d'art du comté de Los Angeles
Fichier:Vanitas-Nature morte, Oosterwijck.jpg|Maria van Oosterwijk, Vanitas-Nature morte (1693)
Fichier : Nature morte avec une cruche en étain et deux assiettes en porcelaine par Jan Treck.jpg | Jan Jansz. Treck (1606-1652), Nature morte avec une cruche en étain et deux assiettes en porcelaine (1645)
Fichier : Lubin Baugin 001.jpg|Lubin Baugin (vers 1610-1663), Le Dessert de gaufrettes (vers 1631), Musée du Louvre, Paris
Un autre type de nature morte, connu sous le nom d'ontbijtjes ou « peintures de petit-déjeuner », représente à la fois une présentation littérale de délices que la classe supérieure pourrait apprécier et un rappel religieux pour éviter la gourmandise. Vers 1650, Samuel van Hoogstraten peint l'un des premiers tableaux muraux, des natures mortes en trompe-l'œil qui représentent des objets attachés, punaises ou attachés d'une autre manière à un panneau mural, un type de nature morte très populaire dans le Les États-Unis au XIXe siècle. Une autre variante était la nature morte en trompe-l'œil représentant des objets associés à une profession donnée, comme dans le tableau de Cornelis Norbertus Gysbrecht "Chevalet de peintre avec morceau de fruit", qui présente tous les outils du métier de peintre. La première moitié du XVIIe siècle était également populaire dans la peinture d'un large assortiment de spécimens sous forme allégorique, tels que les « cinq sens », « les quatre continents » ou « les quatre saisons », montrant une déesse ou une figure allégorique entourée par des objets naturels et artificiels appropriés. La popularité des peintures de vanités et de ces autres formes de natures mortes s'est rapidement étendue de la Hollande aux Flandres et à l'Allemagne, ainsi qu'à l'Espagne et à la France.
La production néerlandaise de natures mortes était énorme et elles étaient très largement exportées, notamment vers l'Europe du Nord ; La Grande-Bretagne n’en a pratiquement pas produit elle-même. La nature morte allemande suivait de près les modèles hollandais ; Georg Flegel a été un pionnier de la nature morte pure sans personnages et a créé l'innovation compositionnelle consistant à placer des objets détaillés dans des armoires, des armoires et des vitrines et à produire simultanément des vues multiples.
Peintures hollandaises, flamandes, allemandes et françaises
Dossier : Willem Claesz. Heda - Nature morte avec tarte, aiguière d'argent et crabe - WGA11248.jpg|Willem Claeszoon Heda (1594-1680), Nature morte avec tarte, aiguière d'argent et crabe (1658)
Fichier : Ambrosius Bosschaert l'Ancien (néerlandais - Nature morte aux fleurs - Google Art Project.jpg | Ambrosius Bosschaert (1573–1621), Nature morte aux fleurs (1614)
Fichier : Samuel van Hoogstraten - Nature morte - WGA11726.jpg | Samuel van Hoogstraten, Porte-lettres simulé avec instruments d'écriture (vers 1655)
Fichier : P boel martwa natura globus l.jpeg|Pieter Boel (1626-1674), Nature morte avec un globe et un perroquet (vers 1658)
Dossier : Pieter Claesz. - Nature morte - WGA4968.jpg|Pieter Claesz (c.1597–1660), Nature morte (1623)
Dossier : Jan Davidsz. de Heem - nature morte - WGA11283.jpg|Jan Davidsz. de Heem (1606-1684), Nature morte avec fruits, fleurs, verres et homard (vers 1660)
Dossier : Stilleben. Fruit. Binoit - Skoklosters slott - 22175.tif|Peter Binoit, 1618, Château de Skokloster.
Dossier : Pieter Claesz. 008.jpg|Pieter Claesz (vers 1597-1660), Nature morte au bac à sel
Fichier:Osias Beert l'Ancien - Plats avec des huîtres, des fruits et du vin - Google Art Project.jpg | Osias Beert l'Ancien, Plats avec des huîtres, des fruits et du vin
Fichier : George Flegel Nature morte avec du pain et des confiseries.jpg | George Flegel (1566-1638), Nature morte avec du pain et des confiseries, 1630
Europe du Sud
Dans l'art espagnol, un bodegón est une nature morte représentant des objets du garde-manger, tels que des victuailles, du gibier et des boissons, souvent disposés sur une simple dalle de pierre, ainsi qu'une peinture avec une ou plusieurs figures, mais des éléments de nature morte importants, généralement situé dans une cuisine ou une taverne. Dès l’époque baroque, ces peintures sont devenues populaires en Espagne dans le deuxième quart du XVIIe siècle. La tradition de la peinture de natures mortes semble avoir commencé et était beaucoup plus populaire dans les Pays-Bas contemporains, aujourd'hui en Belgique et aux Pays-Bas (à l'époque artistes flamands et hollandais), qu'elle ne l'a jamais été dans le sud de l'Europe. Les natures mortes du Nord avaient de nombreux sous-genres ; le petit-déjeuner était complété par le trompe-l'œil, le bouquet de fleurs et la vanité. En Espagne, il y avait beaucoup moins de clients pour ce genre de choses, mais une sorte de petit-déjeuner est devenu populaire, composé de quelques objets de nourriture et de vaisselle posés sur une table. En Espagne, la peinture de natures mortes, également appelées bodegones, était austère. Elle différait de la nature morte hollandaise, qui contenait souvent de riches banquets entourés d'objets en tissu ou en verre ornés et luxueux. Le gibier dans les peintures espagnoles est souvent constitué d'animaux morts qui attendent encore d'être écorchés. Les fruits et légumes ne sont pas cuits. Les arrière-plans sont constitués de blocs géométriques en bois sombre ou uni, créant souvent un air surréaliste. Même si les natures mortes hollandaises et espagnoles avaient souvent un objectif moral ancré, l'austérité, que certains assimilent à la morosité de certains plateaux espagnols, semble rejeter les plaisirs sensuels, la plénitude et le luxe des natures mortes hollandaises.
Même si la nature morte italienne gagnait en popularité, elle restait historiquement moins respectée que la peinture de « grande manière » de sujets historiques, religieux et mythiques. D’un autre côté, les artistes italiens de natures mortes à succès ont trouvé à leur époque un large soutien. De plus, les femmes peintres, aussi peu nombreuses soient-elles, choisissaient généralement ou étaient limitées à peindre des natures mortes ; Giovanna Garzoni, Laura Bernasconi, Maria Theresa van Thielen et Fede Galizia en sont des exemples notables.
De nombreux artistes italiens de premier plan dans d’autres genres ont également réalisé des natures mortes. Le Caravage a notamment appliqué sa forme influente de naturalisme à la nature morte. Sa Corbeille de fruits (vers 1595-1600) est l'un des premiers exemples de nature morte pure, rendue avec précision et placée à la hauteur des yeux. Bien qu'il ne soit pas ouvertement symbolique, ce tableau appartenait au cardinal Federico Borromeo et aurait pu être apprécié pour des raisons à la fois religieuses et esthétiques. Jan Bruegel a également peint son Grand bouquet de Milan (1606) pour le cardinal, affirmant qu'il l'avait peint « fatta tutti del naturel » (fait entièrement à partir de la nature) et qu'il facturait un supplément pour l'effort supplémentaire. Celles-ci faisaient partie des nombreuses natures mortes de la collection du cardinal, en plus de sa grande collection de bibelots. Parmi d’autres natures mortes italiennes, La Cuisinière de Bernardo Strozzi est une « scène de cuisine » à la manière hollandaise, qui est à la fois un portrait détaillé d’une cuisinière et du gibier à plumes qu’elle prépare. De la même manière, l’une des rares natures mortes de Rembrandt, Petite Fille aux paons morts, combine un portrait féminin sympathique similaire avec des images de gibier à plumes.
En Italie et en Espagne catholiques, la pure vanité était rare et les spécialistes de la nature morte étaient beaucoup moins nombreux. En Europe du Sud, on utilise davantage le naturalisme doux du Caravage et on met moins l'accent sur l'hyperréalisme par rapport aux styles d'Europe du Nord. En France, les peintres de natures mortes (nature morte) ont été influencés à la fois par les écoles du Nord et du Sud, empruntant aux vanités des Pays-Bas et aux arrangements épurés de l'Espagne.
Galerie italienne
Fichier : Fede Galizia - Nature morte - WGA8434.jpg | Fede Galizia (1578-1630), Pommes dans un plat (vers 1593)
Fichier : Basket111.jpg | Fede Galizia, (1578-1630), Corbeille de fruits Maiolica (vers 1610), collection privée
Fichier : Giovanna Garzoni (Italien - Nature morte au bol de citrons - Google Art Project.jpg | Giovanna Garzoni (1600-1670), Nature morte au bol de citrons (1640), tempera sur vélin, Getty Museum, Pacific Palisades, Los Angeles , Californie
Fichier:Nature morte de poissons et de crustacés - Giacomo Francesco Cipper.jpg|Giacomo Francesco Cipper (1664–1736), Nature morte de poissons et de crustacés
XVIIIe siècle
Le XVIIIe siècle a continué dans une large mesure à affiner les formules du XVIIe siècle et les niveaux de production ont diminué. Dans le style rococo, la décoration florale est devenue beaucoup plus courante sur la porcelaine, le papier peint, les tissus et les meubles en bois sculpté, de sorte que les acheteurs préféraient que leurs peintures comportent des figures pour contraster. L'un des changements fut un nouvel enthousiasme parmi les peintres français, qui constituent désormais une grande partie des artistes les plus remarquables, tandis que les Anglais se contentaient d'importer. Jean-Baptiste Chardin a peint de petits et simples assemblages d'aliments et d'objets dans un style des plus subtils qui s'inspire à la fois des maîtres hollandais de l'âge d'or et qui aura une grande influence sur les compositions du XIXe siècle. Les sujets de gibier mort ont continué à être populaires, en particulier pour les pavillons de chasse ; la plupart des spécialistes peignaient également des sujets d'animaux vivants. Jean-Baptiste Oudry combine de superbes rendus de textures de fourrure et de plumes avec des fonds simples, souvent le blanc uni d'un mur de garde-manger blanchi à la chaux, qui les mettent en valeur.
Au XVIIIe siècle, dans de nombreux cas, les connotations religieuses et allégoriques des peintures de natures mortes ont été abandonnées et les peintures de tables de cuisine ont évolué vers des représentations calculées de couleurs et de formes variées, représentant des aliments de tous les jours. L'aristocratie française employait des artistes pour exécuter des peintures de natures mortes généreuses et extravagantes qui ornaient leur table à manger, également sans le message de vanité moraliste de leurs prédécesseurs néerlandais. L'amour rococo de l'artifice a conduit à une augmentation de l'appréciation en France pour la peinture en trompe-l'œil (français : « tromper l'œil »). Les natures mortes de Jean-Baptiste Chardin emploient une variété de techniques allant du réalisme hollandais aux harmonies plus douces.
L’essentiel de l’œuvre d’Anne Vallayer-Coster est consacré au langage de la nature morte tel qu’il s’est développé au cours des XVIIe et XVIIIe siècles. Au cours de ces siècles, le genre de la nature morte était placé au bas de l’échelle hiérarchique. Vallayer-Coster avait une manière de concevoir ses peintures qui les rendait attrayantes. Ce sont « les lignes audacieuses et décoratives de ses compositions, la richesse de ses couleurs et de ses textures simulées, ainsi que les prouesses d'illusionnisme qu'elle a réalisées en représentant une grande variété d'objets, à la fois naturels et artificiels » qui ont attiré l'attention de la Royal Académie et les nombreux collectionneurs qui ont acheté ses tableaux. Cette interaction entre l'art et la nature était assez courante dans les natures mortes hollandaises, flamandes et françaises. Son travail révèle l'influence évidente de Jean-Baptiste-Siméon Chardin, ainsi que des maîtres hollandais du XVIIe siècle, dont le travail est bien plus apprécié, mais ce qui distingue le style de Vallayer-Coster des autres peintres de natures mortes, c'est son manière unique de fusionner l’illusionnisme représentationnel avec des structures de composition décoratives.
La fin du XVIIIe siècle et la chute de la monarchie française ont fermé les portes de « l’ère » des natures mortes de Vallayer-Coster et les ont ouvertes à son nouveau style floral. On a fait valoir que c'était le point culminant de sa carrière et ce pour quoi elle est la plus connue. Cependant, il a également été avancé que les peintures de fleurs étaient inutiles pour sa carrière. Néanmoins, cette collection contenait des études florales à l'huile, à l'aquarelle et à la gouache.
Dossier : Trompe l'oeil, Carl Hofverberg, 1737 - Livrustkammaren - 89011.tif|Carl Hofverberg (1695-1765), Trompe l'oeil (1737), Fondation de l'Armurerie Royale, Suède
Image:Jean-Baptiste Siméon Chardin 029.jpg|Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Nature morte avec flacon en verre et fruits (vers 1750)
Image : Canard blanc de Cholmondeley Oudry.jpg | Jean-Baptiste Oudry, Le canard blanc (1753), volé à Houghton Hall en 1990
Fichier : Roses, liserons, coquelicots et autres fleurs dans une urne sur un rebord en pierre - Rachel Ruysch - Google Cultural Institute.jpg|Rachel Ruysch, Roses, liserons, coquelicots et autres fleurs dans une urne sur un rebord en pierre (années 1680)
Fichier:Attributs de la musique.jpg|Anne Vallayer-Coster, Les attributs de la musique (vers 1770)
Fichier : Carlo Manieri (attr) Prunkstillleben.jpg|Carlo Manieri, Nature morte avec de l'argenterie, Pronkstilleven (1662-1700)
Fichier:Nature morte au homard.jpg|Anne Vallayer-Coster, Nature morte au homard (vers 1781)
Image : Attributs de la peinture, de la sculpture et de l'architecture.jpg | Anne Vallayer-Coster, Les attributs de la peinture (vers 1769)
XIXe siècle
Avec la montée des académies européennes, notamment l'Académie française qui jouait un rôle central dans l'art académique, la nature morte a commencé à perdre la faveur. Les Académies enseignaient la doctrine de la « Hiérarchie des genres » (ou « Hiérarchie des sujets »), selon laquelle la valeur artistique d'un tableau reposait principalement sur son sujet. Dans le système académique, la forme de peinture la plus élevée était constituée d'images d'importance historique, biblique ou mythologique, les sujets de natures mortes étant relégués au tout dernier ordre de reconnaissance artistique. Au lieu d’utiliser la nature morte pour glorifier la nature, certains artistes, comme John Constable et Camille Corot, ont choisi les paysages à cette fin.
Lorsque le néoclassicisme a commencé à décliner dans les années 1830, la peinture de genre et le portrait sont devenus le centre des révolutions artistiques réaliste et romantique. De nombreux grands artistes de cette période ont inclus la nature morte dans leur œuvre. Les natures mortes de Francisco Goya, Gustave Courbet et Eugène Delacroix véhiculent un fort courant émotionnel et s'intéressent moins à l'exactitude qu'à l'ambiance. Bien que calquées sur les premiers sujets de natures mortes de Chardin, les natures mortes d’Édouard Manet sont fortement tonales et clairement orientées vers l’impressionnisme. Henri Fantin-Latour, utilisant une technique plus traditionnelle, était célèbre pour ses magnifiques peintures de fleurs et gagnait sa vie presque exclusivement en peignant des natures mortes pour les collectionneurs.
Cependant, il a fallu attendre le déclin final de la hiérarchie académique en Europe et la montée des peintres impressionnistes et postimpressionnistes pour que la technique et l'harmonie des couleurs triomphent du sujet et que la nature morte soit à nouveau avidement pratiquée par les artistes. Dans ses premières natures mortes, Claude Monet montre l'influence de Fantin-Latour, mais est l'un des premiers à rompre avec la tradition du fond sombre, que Pierre-Auguste Renoir abandonne également dans Nature morte au bouquet et à l'éventail (1871), avec son fond orange vif. Dans la nature morte impressionniste, le contenu allégorique et mythologique est totalement absent, tout comme le méticulo