Quel était le nom du groupe de rock des années 1960 composé d'Eric Clapton, Ginger Baker, Steve Winwood et Ric Grech ?
Blind Faith
L'autre objectif clé du blues britannique était autour de John Mayall qui a formé les Bluesbreakers, dont les membres comprenaient Eric Clapton (après son départ des Yardbirds) et plus tard Peter Green. La sortie de l'album Blues Breakers avec Eric Clapton (Beano) (1966), considéré comme l'un des enregistrements phares du blues britannique et dont le son a été très imité en Grande-Bretagne et aux États-Unis, a été particulièrement significative. Eric Clapton a ensuite formé les supergroupes Cream, Blind Faith et Derek and the Dominos, suivis d'une longue carrière solo qui a contribué à faire connaître le blues rock au grand public. Green, avec la section rythmique du Bluesbreaker, Mick Fleetwood et John McVie, a formé Fleetwood Mac de Peter Green, qui a connu l'un des plus grands succès commerciaux du genre. À la fin des années 1960, Jeff Beck, également ancien élève des Yardbirds, a fait évoluer le blues rock vers le heavy rock avec son groupe, le Jeff Beck Group. Le dernier guitariste des Yardbirds était Jimmy Page, qui a ensuite formé les New Yardbirds qui sont rapidement devenus Led Zeppelin. La plupart des chansons de leurs trois premiers albums, et parfois plus tard dans leur carrière, étaient des extensions de chansons de blues traditionnelles.
La musique rock est un genre de musique populaire né sous le nom de « rock and roll » aux États-Unis dans les années 1950 et qui s'est développé dans une gamme de styles différents dans les années 1960 et plus tard, en particulier au Royaume-Uni et aux États-Unis. E. Studwell et D. F. Lonergan, The Classic Rock and Roll Reader : Rock Music from its Beginnings to the Mid-1970s (Abingdon : Routledge, 1999), ISBN 0-7890-0151-9 Il a ses racines dans les années 1940 et 1950. le rock and roll, lui-même fortement influencé par le blues, le rythme et le blues et la musique country. La musique rock s'inspire également fortement d'un certain nombre d'autres genres tels que le blues électrique et le folk, et incorpore des influences du jazz, du classique et d'autres sources musicales.
Musicalement, le rock s'est concentré sur la guitare électrique, généralement dans le cadre d'un groupe de rock avec une guitare basse électrique et une batterie. En règle générale, le rock est une musique basée sur des chansons, généralement avec une signature rythmique 4/4 utilisant une forme couplet-refrain, mais le genre est devenu extrêmement diversifié. Comme la musique pop, les paroles mettent souvent l'accent sur l'amour romantique, mais abordent également une grande variété d'autres thèmes qui sont souvent sociaux ou politiques. La domination du rock par les musiciens masculins blancs a été considérée comme l'un des facteurs clés qui façonnent les thèmes explorés dans la musique rock. Le rock accorde une plus grande importance à la musicalité, aux performances live et à une idéologie d'authenticité que la musique pop.
À la fin des années 1960, appelée « l'âge d'or » ou la période du « rock classique », un certain nombre de sous-genres distincts de la musique rock avaient émergé, y compris des hybrides comme le blues rock, le folk rock, le country rock, le raga rock et le jazz-rock. dont beaucoup ont contribué au développement du rock psychédélique, influencé par la scène psychédélique contre-culturelle. Les nouveaux genres qui ont émergé de cette scène comprenaient le rock progressif, qui élargissait les éléments artistiques ; le glam rock, qui mettait en avant le sens du spectacle et le style visuel ; et le sous-genre diversifié et durable du heavy metal, qui mettait l'accent sur le volume, la puissance et la vitesse. Dans la seconde moitié des années 1970, le punk rock a réagi contre les aspects exagérés, inauthentiques et trop traditionnels de ces genres pour produire une forme de musique dépouillée et énergique valorisant l'expression brute et souvent caractérisée par des paroles par des critiques sociales et politiques. Le punk a eu une influence dans les années 1980 sur le développement ultérieur d'autres sous-genres, notamment la new wave, le post-punk et finalement le mouvement rock alternatif. À partir des années 1990, le rock alternatif a commencé à dominer la musique rock et à percer dans le courant dominant sous la forme du grunge, de la Britpop et du rock indépendant. D'autres sous-genres de fusion ont depuis émergé, notamment le pop punk, le rap rock et le rap metal, ainsi que des tentatives conscientes de revisiter l'histoire du rock, y compris les renaissances du garage rock/post-punk et de la synthpop au début du nouveau millénaire.
La musique rock a également incarné et servi de véhicule à des mouvements culturels et sociaux, conduisant à des sous-cultures majeures, notamment les mods et les rockers au Royaume-Uni, ainsi qu'à la contre-culture hippie qui s'est répandue depuis San Francisco aux États-Unis dans les années 1960. De la même manière, la culture punk des années 1970 a engendré les sous-cultures gothique et emo visuellement distinctives. Héritant de la tradition folklorique de la chanson de protestation, la musique rock a été associée à l'activisme politique ainsi qu'aux changements d'attitudes sociales à l'égard de la race, du sexe et de la consommation de drogues, et est souvent considérée comme l'expression de la révolte des jeunes contre le consumérisme et le conformisme des adultes.
Caractéristiques
Le son du rock est traditionnellement centré sur la guitare électrique amplifiée, qui a émergé sous sa forme moderne dans les années 1950 avec la popularisation du rock and roll, et a été influencée par les sons des guitaristes de blues électrique. Michael Campbell & James Brody, [https : //books.google.co.uk/books?id
RK-JmVbv4OIC&pgPA80 Rock and Roll : An Introduction], pages 80-81 Le son d'une guitare électrique dans la musique rock est généralement soutenu par une guitare basse électrique, pionnière dans la musique jazz à la même époque, et par des percussions produites à partir d'une batterie. qui combine batterie et cymbales. Ce trio d'instruments a souvent été complété par l'inclusion d'autres instruments, notamment des claviers comme le piano, l'orgue Hammond et les synthétiseurs. L'instrumentation de base du rock a été adaptée de l'instrumentation de base du groupe de blues (guitare solo proéminente, deuxième instrument d'accord, basse et batterie). Un groupe de musiciens interprétant de la musique rock est appelé groupe de rock ou groupe de rock et se compose généralement de trois membres – le power trio utilisé dans le rock, le métal et le punk rock – et de cinq membres. Classiquement, un groupe de rock prend la forme d'un quatuor dont les membres assument un ou plusieurs rôles, dont celui de chanteur, guitariste principal, guitariste rythmique, bassiste, batteur et souvent celui de claviériste ou autre instrumentiste.
La musique rock est traditionnellement construite sur une base de rythmes simples non syncopés dans un mètre 4/4, avec un battement de caisse claire répétitif sur les temps deux et quatre.C. Ammer, The Facts on File Dictionary of Music (New York, NY : Infobase, 4e éd., 2004), ISBN 0-8160-5266-2, pp. 251-2. Les mélodies sont souvent dérivées de modes musicaux plus anciens, notamment le dorien et le mixolydien, ainsi que des modes majeurs et mineurs. Les harmonies vont de la triade commune aux quartes et quintes parallèles et aux progressions harmoniques dissonantes. Les chansons rock, depuis la fin des années 1950 et particulièrement à partir du milieu des années 1960, utilisaient souvent la structure couplet-refrain dérivée du blues et de la musique folk, mais il y a eu des variations considérables par rapport à ce modèle. Les critiques ont souligné l'éclectisme et la diversité stylistique du rock. En raison de son histoire complexe et de sa tendance à emprunter à d'autres formes musicales et culturelles, il a été avancé qu'« il est impossible de lier la musique rock à une définition musicale rigidement délimitée ».
Contrairement à de nombreux styles de musique populaire antérieurs, les paroles rock traitent d'un large éventail de thèmes en plus de l'amour romantique : notamment le sexe, la rébellion contre « l'establishment », les préoccupations sociales et les styles de vie. Ces thèmes sont hérités de diverses sources, notamment de la tradition pop de Tin Pan Alley, de la musique folk et du rythme et du blues. Le journaliste musical Robert Christgau qualifie les paroles de rock de « médium cool » avec une diction simple et des refrains répétés, et affirme que la « fonction » principale du rock « concerne la musique ou, plus généralement, le bruit ». La prédominance des musiciens blancs, masculins et souvent de classe moyenne dans la musique rock a souvent été constatée et le rock a été considéré comme une appropriation de formes musicales noires pour un public jeune, blanc et majoritairement masculin. En conséquence, il a été considéré comme articulant les préoccupations de ce groupe à la fois dans le style et dans les paroles.
Depuis que le terme rock a commencé à être utilisé de préférence au rock and roll à partir de la fin des années 1960, il a souvent été comparé à la musique pop, avec laquelle il partage de nombreuses caractéristiques, mais dont il s'éloigne souvent en mettant l'accent sur la musicalité, des performances live et une concentration sur des thèmes sérieux et progressistes dans le cadre d'une idéologie d'authenticité qui est fréquemment combinée avec une conscience de l'histoire et du développement du genre.T. Warner, Musique pop : technologie et créativité : Trevor Horn et la révolution numérique (Aldershot : Ashgate, 2003), ISBN 0-7546-3132-X, pp. 3–4. Selon Simon Frith, « le rock était quelque chose de plus que de la pop, quelque chose de plus que du rock and roll. Les musiciens de rock combinaient l'accent mis sur l'habileté et la technique avec le concept romantique de l'art en tant qu'expression artistique, originale et sincère ». Au cours du nouveau millénaire, le terme rock a parfois été utilisé comme un terme général incluant des formes telles que la musique pop, la musique reggae, la musique soul et même le hip hop, avec lesquels il a été influencé mais souvent contrasté tout au long de son histoire.
Origines
Rock and roll
Les fondements de la musique rock reposent sur le rock and roll, né aux États-Unis à la fin des années 40 et au début des années 50, et qui s'est rapidement répandu dans une grande partie du reste du monde. Ses origines immédiates résident dans un mélange de divers genres musicaux noirs de l'époque, notamment le rythme et le blues et la musique gospel, avec la country et le western. En 1951, le disc-jockey de Cleveland, Ohio, Alan Freed, a commencé à jouer de la musique rythmique et blues (alors appelée « musique de course ») pour un public multiracial, et on lui attribue pour la première fois l'expression « rock and roll » pour décrire la musique.
Le débat entoure quel disque devrait être considéré comme le premier disque de rock and roll. Les prétendants incluent « Rock Awhile » de Goree Carter (1949) ; "Rock the Joint" de Jimmy Preston (1949), qui fut ensuite repris par Bill Haley & His Comets en 1952 ; et "Rocket 88" de Jackie Brenston et ses Delta Cats (en fait, Ike Turner et son groupe les Kings of Rhythm), enregistré par Sam Phillips pour Sun Records en 1951.M. Campbell, éd., Popular Music in America : and the Beat Goes on (Boston, MA : Cengage Learning, 3e éd., 2008), ISBN 0-495-50530-7, pp. Quatre ans plus tard, "Rock Around the Clock" (1955) de Bill Haley est devenu la première chanson rock and roll à figurer en tête des principaux classements de ventes et de diffusion du magazine Billboard, et a ouvert la porte du monde entier à cette nouvelle vague de culture populaire.
Il a également été avancé que "That's All Right (Mama)" (1954), le premier single d'Elvis Presley pour Sun Records à Memphis, pourrait être le premier disque de rock and roll, mais, en même temps, "Shake, Rattle & Roll", repris plus tard par Haley, était déjà en tête des charts Billboard R&B. Parmi les autres artistes avec les premiers succès du rock and roll figurent Chuck Berry, Bo Diddley, Fats Domino, Little Richard, Jerry Lee Lewis et Gene Vincent. Bientôt, le rock and roll devint la force majeure des ventes de disques aux États-Unis et les crooners, tels qu'Eddie Fisher, Perry Como et Patti Page, qui avaient dominé la décennie précédente de la musique populaire, virent leur accès aux charts pop considérablement réduit.
Le rock and roll a été considéré comme menant à un certain nombre de sous-genres distincts, y compris le rockabilly, combinant le rock and roll avec la musique country « hillbilly », qui était généralement jouée et enregistrée au milieu des années 1950 par des chanteurs blancs tels que Carl Perkins, Jerry Lee. Lewis, Buddy Holly et avec le plus grand succès commercial, Elvis Presley. En revanche, le doo wop a mis l'accent sur des harmonies vocales en plusieurs parties et des paroles d'accompagnement dénuées de sens (d'où le genre a ensuite tiré son nom), qui étaient généralement soutenues par une instrumentation légère. et a ses origines dans les groupes vocaux afro-américains des années 1930 et 1940. Des groupes comme les Crows, les Penguins, les El Dorados et les Turbans ont tous connu des succès majeurs, et des groupes comme les Platters, avec des chansons comme "The Great Pretender" (1955), et les Coasters avec des chansons humoristiques comme "Yakety Yak" (1958). ), classé parmi les groupes de rock and roll les plus réussis de l'époque.
L'époque a également vu la popularité croissante de la guitare électrique et le développement d'un style de jeu spécifiquement rock and roll à travers des représentants tels que Chuck Berry, Link Wray et Scotty Moore. L'utilisation de la distorsion, lancée par des guitaristes de blues électrique tels que Guitar Slim, Willie Johnson et Pat Hare au début des années 1950, a été popularisée par Chuck Berry au milieu des années 1950. L'utilisation des accords de puissance, lancée par Willie Johnson et Pat Hare au début des années 1950, a été popularisée par Link Wray à la fin des années 1950.
Au Royaume-Uni, les mouvements de jazz traditionnel et de folk ont ​​amené des artistes de blues en visite en Grande-Bretagne. F. Schwartz, Comment la Grande-Bretagne a obtenu le blues : la transmission et la réception du style blues américain au Royaume-Uni (Aldershot : Ashgate, 2007), ISBN 0-7546-5580-6, p. 22. Le tube "Rock Island Line" de Lonnie Donegan en 1955 a eu une influence majeure et a contribué à développer la tendance des groupes de musique skiffle à travers le pays, dont beaucoup, y compris les Quarrymen de John Lennon, ont évolué vers le rock and roll.
Les commentateurs ont traditionnellement perçu un déclin du rock and roll à la fin des années 1950 et au début des années 1960. En 1959, la mort de Buddy Holly, The Big Bopper et Richie Valens dans un accident d'avion, le départ d'Elvis pour l'armée, la retraite de Little Richard pour devenir pasteur, les poursuites contre Jerry Lee Lewis et Chuck Berry et la rupture de le scandale Payola (qui impliquait des personnalités majeures, dont Alan Freed, dans des pots-de-vin et des corruptions dans la promotion d'actes ou de chansons individuels), a donné le sentiment que l'ère du rock and roll établie à ce moment-là avait pris fin. Campbell, éd., Musique populaire en Amérique : et le rythme continue (Boston, MA : Cengage Learning, 3e éd., 2008), ISBN 0-495-50530-7, p. 99.
"Entre les années"
La période de la fin des années 1950 et du début des années 1960, entre la fin de la période initiale d'innovation et ce qui est devenu connu aux États-Unis sous le nom de « l'invasion britannique », a traditionnellement été considérée comme une ère de pause pour le rock and roll. Plus récemment, certains auteurs ont souligné les innovations et tendances importantes de cette période sans lesquelles les développements futurs n'auraient pas été possibles. Alors que les premiers rock and roll, en particulier grâce à l'avènement du rockabilly, ont connu le plus grand succès commercial pour les artistes masculins et blancs, à cette époque, le genre était dominé par les artistes noirs et féminins. Le rock and roll n'avait pas disparu à la fin des années 1950 et une partie de son énergie peut être retrouvée dans l'engouement pour la danse Twist du début des années 1960, qui profita principalement à la carrière de Chubby Checker. Après s'être éteint à la fin des années 1950, le doo wop a connu un renouveau au cours de la même période, avec des succès pour des groupes comme les Marcels, les Capris, Maurice Williams et les Zodiacs, et Shep et les Limelights.R. Unterberger, "Doo Wop", dans Bogdanov et.al., 2002, pp. 1306–7. La montée en puissance de groupes de filles comme les Chantels, les Shirelles et les Crystals a mis l'accent sur les harmonies et la production soignée qui contrastaient avec le rock and roll antérieur. Certains des succès les plus importants des groupes de filles étaient des produits du Brill Building Sound, du nom du quartier de New York où étaient basés de nombreux auteurs-compositeurs, qui comprenait le hit numéro 1 des Shirelles "Will You Love Me Tomorrow" en 1960, écrit par le partenariat de Gerry Goffin et Carole King.R. Unterberger, "Brill Building Sound", dans Bogdanov et.al., 2002, pp. 1311–2.
Cliff Richard a eu le premier succès du rock and roll britannique avec "Move It", inaugurant efficacement le son du rock britannique. Au début des années 1960, son groupe d'accompagnement, The Shadows, était le groupe le plus performant en matière d'enregistrement d'instruments. Alors que le rock'n'roll se transformait en pop légère et en ballades, les groupes de rock britanniques présents dans les clubs et dans les soirées locales, fortement influencés par les pionniers du blues-rock comme Alexis Korner, commençaient à jouer avec une intensité et un dynamisme rarement rencontrés dans les groupes blancs américains. B. Eder, "British Blues", dans V. Bogdanov, C. Woodstra, S. T. Erlewine, éd., All Music Guide to the Blues : The Definitive Guide to the Blues (Milwaukee, WI : Backbeat Books, 3e éd., 2003), ISBN 0-87930-736-6, p. 700.
L’avènement de la musique soul en tant que force commerciale majeure a également été significatif. Se développant à partir du rythme et du blues avec une réinjection de musique gospel et de pop, menée par des pionniers comme Ray Charles et Sam Cooke du milieu des années 1950, par des personnalités du début des années 1960 comme Marvin Gaye, James Brown, Aretha Franklin, Curtis Mayfield et Stevie Wonder dominait les charts R&B et pénétrait dans les principaux charts pop, contribuant ainsi à accélérer leur déségrégation, tandis que Motown et Stax/Volt Records devenaient des forces majeures dans l'industrie du disque. Unterberger, "Soul", dans Bogdanov et.al., 2002, pp. 1323–5. Tous ces éléments, y compris les harmonies étroites du doo wop et des groupes de filles, l'écriture soigneusement conçue du Brill Building Sound et les valeurs de production raffinées de la soul, ont été considérés comme ayant influencé le son du Merseybeat, en particulier les premiers travaux de The Beatles, et à travers eux la forme de la musique rock ultérieure.R. Unterberger, "Merseybeat", dans Bogdanov et.al., 2002, pp. Certains historiens de la musique ont également souligné des développements techniques importants et innovants qui se sont appuyés sur le rock and roll au cours de cette période, notamment le traitement électronique du son par des innovateurs tels que Joe Meek et les méthodes de production élaborées du Mur du son poursuivies par Phil Spector. .K. Keightley, "Reconsidering rock" dans S. Frith, W. Straw et J. Street, éd., The Cambridge Companion to Pop and Rock (Cambridge : Cambridge University Press, 2001), ISBN 0-521-55660-0, p. 116.
Musique de surf
Le rock and roll instrumental d'artistes tels que Duane Eddy, Link Wray and the Ventures a été développé par Dick Dale, qui a ajouté une réverbération « humide » distinctive, un picking alternatif rapide et des influences du Moyen-Orient et du Mexique. Il produit le tube régional "Let's Go Trippin'" en 1961 et lance l'engouement pour la surf music, enchaînant avec des chansons comme "Misirlou" (1962). Comme Dale et ses Del-Tones, la plupart des premiers groupes de surf ont été formés dans le sud de la Californie, notamment les Bel-Airs, les Challengers et Eddie & the Showmen. Les Chantays ont marqué un des dix meilleurs succès nationaux avec "Pipeline" en 1963 et probablement le morceau de surf le plus connu était "Wipe Out" de 1963, des Surfaris, qui a atteint les numéros 2 et 10 des charts Billboard en 1965.
Les groupes qui se sont tournés vers ce genre comprenaient les Astronauts, de Boulder, Colorado ; les Trashmen, de Minneapolis, Minnesota, qui ont eu un succès numéro 4 avec "Surfin Bird" en 1964 ; et les Rivieras de South Bend, Indiana, qui ont atteint le numéro 5 en 1964 avec "California Sun".R. Unterberger, "Surf Music", dans Bogdanov et.al., 2002, pp. 1313-14. Les Atlantics, de Sydney, ont apporté une contribution significative au genre, avec leur tube "Bombora" (1963). Les groupes instrumentaux européens à cette époque se concentraient généralement davantage sur le style plus rock and roll joué par The Shadows, mais les Dakotas, qui étaient le groupe d'accompagnement britannique du chanteur du Merseybeat Billy J. Kramer, ont attiré une certaine attention en tant que musiciens de surf avec " Cruel Sea ". (1963), qui a ensuite été repris par des groupes de surf instrumentaux américains, dont les Ventures.
La musique surf a connu son plus grand succès commercial en tant que musique vocale, en particulier grâce au travail des Beach Boys, formés en 1961 en Californie du Sud. Leurs premiers albums comprenaient à la fois du surf rock instrumental (parmi eux des reprises de musique de Dick Dale) et des chansons vocales, s'inspirant du rock and roll et du doo wop et des harmonies proches d'actes pop vocaux comme les Four Freshmen. Leur premier hit, "Surfin'" en 1962, atteint le top 100 du Billboard et contribue à faire de l'engouement pour la musique surf un phénomène national. Ruhlman et al., "Beach Boys", dans Bogdanov et.al., 2002, pp. 71-5. À partir de 1963, le groupe a commencé à abandonner le surf comme thème lorsque Brian Wilson est devenu leur principal compositeur et producteur, passant aux thèmes plus généraux de l'adolescence masculine, y compris les voitures et les filles dans des chansons comme "Fun, Fun, Fun" (1964) et "Filles californiennes" (1965). D'autres groupes de surf vocal ont suivi, y compris des merveilles à succès comme Ronny & the Daytonas avec "G. T. O." (1964) et Rip Chords avec "Hey Little Cobra", qui ont tous deux atteint le top dix, mais le seul autre groupe à avoir obtenu un succès durable avec la formule fut Jan & Dean, qui a eu un succès numéro 1 avec "Surf City" (co -écrit avec Brian Wilson) en 1963. L'engouement pour la musique surf et la carrière de presque tous les groupes de surf ont effectivement pris fin avec l'arrivée de l'invasion britannique à partir de 1964. Seuls les Beach Boys ont pu poursuivre une carrière créative jusqu'au milieu des années 1960. , produisant une série de singles et d'albums à succès, dont le très apprécié Pet Sounds en 1966, ce qui en faisait sans doute le seul groupe de rock ou de pop américain capable de rivaliser avec les Beatles.
âge d'or
Invasion britannique
À la fin de 1962, ce qui allait devenir la scène rock britannique avait commencé avec des groupes beat comme les Beatles, Gerry & the Pacemakers et les Searchers de Liverpool et Freddie and the Dreamers, Herman's Hermits et les Hollies de Manchester. Ils se sont inspirés d'un large éventail d'influences américaines, notamment la soul, le rythme et le blues et la surf music, R. Stakes, « Ces garçons : la montée du rythme de la Mersey », dans S. Wade, éd., Gladsongs and Gatherings : Poetry and its Social Context in Liverpool Since the 1960s (Liverpool : Liverpool University Press, 2001), ISBN 0-85323- 727-1, p. 157-66. réinterprétant dans un premier temps des airs américains standards et jouant pour les danseurs. Des groupes comme les Animals de Newcastle et Them de Belfast, et particulièrement ceux de Londres comme les Rolling Stones et les Yardbirds, ont été beaucoup plus directement influencés par le rythme et le blues et plus tard par la musique blues. Bientôt, ces groupes composèrent leur propre matériel, combinant les formes de musique américaines et leur insufflant un rythme très énergique. Les groupes beat avaient tendance à privilégier des « mélodies rebondissantes et irrésistibles », tandis que les premiers groupes de rythme et de blues britanniques tendaient vers des chansons moins sexuellement innocentes et plus agressives, adoptant souvent une position contestataire. Il y eut cependant, surtout au début, un croisement musical considérable entre les deux tendances. En 1963, menés par les Beatles, les groupes beat avaient commencé à connaître un succès national en Grande-Bretagne, bientôt suivis dans les charts par des groupes plus axés sur le rythme et le blues. Unterberger, "British R&B", dans Bogdanov et.al., 2002, pp. 1315–6.
"I Want to Hold Your Hand" a été le premier hit numéro 1 des Beatles sur le Billboard Hot 100, passant 7 semaines au sommet et un total de 15 semaines dans le classement. Leur première apparition au Ed Sullivan Show le 9 février 1964, attirant environ 73 millions de téléspectateurs (à l'époque un record pour une émission de télévision américaine), est souvent considérée comme une étape importante dans la culture pop américaine. Les Beatles sont devenus le groupe de rock le plus vendu de tous les temps et ont été suivis dans les charts américains par de nombreux groupes britanniques. Unterberger, « British Invasion », dans Bogdanov et.al., 2002, pp. 1316-17. Au cours des deux années suivantes, les groupes britanniques ont dominé leurs propres charts et ceux des États-Unis avec Peter and Gordon, the Animals, Manfred Mann, Petula Clark, Freddie and the Dreamers, Wayne Fontana and the Mindbenders, Herman's Hermits, les Rolling Stones, les Troggs et Donovan a tous un ou plusieurs singles numéro un. Parmi les autres groupes majeurs qui faisaient partie de l'invasion figuraient les Kinks et les Dave Clark Five.
L'invasion britannique a contribué à internationaliser la production de rock and roll, ouvrant la porte aux artistes britanniques (et irlandais) ultérieurs pour obtenir un succès international. En Amérique, cela a sans doute sonné le glas de la surf music instrumentale, des groupes vocaux de filles et (pour un temps) des idoles adolescentes, qui dominaient les charts américains à la fin des années 1950 et dans les années 1960. Cela a nui à la carrière d'actes R&B établis comme Fats Domino et Chubby Checker et a même temporairement fait dérailler le succès des artistes de rock and roll survivants, dont Elvis. L'invasion britannique a également joué un rôle majeur dans l'essor d'un genre distinct de musique rock et a consolidé la primauté du groupe de rock, basé sur les guitares et la batterie et produisant leur propre matériel en tant qu'auteurs-compositeurs-interprètes.
Roche de garage
Le garage rock était une forme brute de musique rock, particulièrement répandue en Amérique du Nord au milieu des années 1960 et ainsi appelée en raison de la perception selon laquelle elle était répétée dans le garage familial de banlieue. Shuker, Musique populaire : les concepts clés (Abingdon : Routledge, 2e éd., 2005), ISBN 0-415-34770-X, p. 140. Les chansons de garage rock tournaient souvent autour des traumatismes de la vie au lycée, les chansons sur les « filles menteuses » étant particulièrement courantes. Les paroles et la prestation avaient tendance à être plus agressives que ce qui était courant à l'époque, souvent avec des voix grognées ou criées qui se dissolvaient en cris incohérents. Ils allaient de la musique grossière à un seul accord (comme les Seeds) à la qualité d'un musicien proche du studio (y compris les Knickerbockers, les Remains et le Fifth Estate). Il y avait également des variations régionales dans de nombreuses régions du pays avec des scènes florissantes, notamment en Californie et au Texas. Les États du nord-ouest du Pacifique, Washington et Oregon, avaient peut-être le son régional le plus défini.
Le style avait évolué à partir des scènes régionales dès 1958. "Tall Cool One" (1959) de The Wailers et "Louie Louie" des Kingsmen (1963) sont des exemples traditionnels du genre à ses étapes de formation. En 1963, les singles des groupes de garage figuraient en plus grand nombre dans les charts nationaux, notamment Paul Revere and the Raiders (Boise), les Trashmen (Minneapolis) et les Rivieras (South Bend, Indiana). D'autres groupes de garage influents, tels que les Sonics (Tacoma, Washington), n'ont jamais atteint le Billboard Hot 100. À cette époque, de nombreux groupes étaient fortement influencés par le surf rock et il y avait une pollinisation croisée entre le garage rock et le frat rock, parfois considéré comme simplement un sous-genre du garage rock.
L'invasion britannique de 1964-1966 a grandement influencé les groupes de garage, leur offrant un public national, conduisant de nombreux groupes (souvent des groupes de surf ou de hot rod) à adopter une influence britannique et encourageant de nombreux autres groupes à se former. Des milliers de groupes de garage existaient aux États-Unis et au Canada à l'époque et des centaines produisaient des succès régionaux. Unterberger, "Garage Rock", dans Bogdanov et.al., 2002, pp. 1320-1. Les exemples incluent : « The Witch » de Tacoma's the Sonics (1965), « Where You Gonna Go » de Detroit's Unrated Segments (1967), « Girl I Got News for You » de Miami's Birdwatchers (1966) et « 1-2-5 ». " par The Haunted de Montréal. Bien que de nombreux groupes aient été signés sur des labels majeurs ou régionaux, la plupart ont été des échecs commerciaux. Il est généralement admis que le garage rock a atteint son apogée à la fois commercialement et artistiquement vers 1966. En 1968, le style a largement disparu des charts nationaux et au niveau local alors que les musiciens amateurs étaient confrontés à l'université, au travail ou au recrutement. De nouveaux styles ont évolué pour remplacer le garage rock (notamment le blues rock, le rock progressif et le country rock). À Détroit, l'héritage du garage rock est resté vivant jusqu'au début des années 1970, avec des groupes tels que MC5 et les Stooges, qui ont adopté une approche beaucoup plus agressive de cette forme. Ces groupes ont commencé à être étiquetés punk rock et sont maintenant souvent considérés comme du proto-punk ou du proto-hard rock.
Pop Rock
Le terme pop est utilisé depuis le début du XXe siècle pour désigner la musique populaire en général, mais à partir du milieu des années 1950, il a commencé à être utilisé pour un genre distinct, destiné à un marché de jeunes, souvent caractérisé comme une alternative plus douce au rock et Rouleaux. Frith, "Pop music" dans S. Frith, W. Stray et J. Street, éd., The Cambridge Companion to Pop and Rock (Cambridge : Cambridge University Press, 2001), ISBN 0-521-55660-0, pp. 93 –108.. Au lendemain de l’invasion britannique, à partir de 1967 environ, il fut de plus en plus utilisé en opposition au terme musique rock, pour décrire une forme plus commerciale, éphémère et accessible. En revanche, la musique rock était considérée comme se concentrant sur des œuvres étendues, en particulier des albums, était souvent associée à des sous-cultures particulières (comme la contre-culture des années 1960), mettait l'accent sur les valeurs artistiques et « l'authenticité », mettait l'accent sur les performances live et les performances instrumentales ou vocales. virtuosité et était souvent considérée comme encapsulant des développements progressistes plutôt que de simplement refléter les tendances existantes.
Néanmoins, une grande partie de la musique pop et rock est très similaire en termes de son, d’instrumentation et même de contenu lyrique. Les termes « pop-rock » et « power pop » ont été utilisés pour décrire une musique à plus grand succès commercial qui utilise des éléments ou la forme de la musique rock. Le pop-rock a été défini comme « une variété optimiste de musique rock représentée par des artistes tels que Elton John, Paul McCartney, les Everly Brothers, Rod Stewart, Chicago et Peter Frampton ». Le terme power pop a été inventé par Pete Townshend des Who en 1966, mais peu utilisé jusqu'à ce qu'il soit appliqué à des groupes comme Badfinger dans les années 1970, qui se sont avérés parmi les plus réussis commercialement de la période.
Blues-rock
Bien que le premier impact de l'invasion britannique sur la musique populaire américaine se soit fait sentir à travers des groupes basés sur le beat et le R&B, l'impulsion fut rapidement reprise par une deuxième vague de groupes qui s'inspiraient plus directement du blues américain, notamment les Rolling Stones et les Yardbirds. Les musiciens de blues britanniques de la fin des années 1950 et du début des années 1960 ont été inspirés par le jeu acoustique de personnalités telles que Lead Belly, qui a eu une influence majeure sur l'engouement pour le Skiffle, et Robert Johnson. De plus en plus, ils adoptent un son fort amplifié, souvent centré sur la guitare électrique, basé sur le blues de Chicago, notamment après la tournée britannique de Muddy Waters en 1958, qui incite Cyril Davies et le guitariste Alexis Korner à former le groupe Blues Incorporated.R. Uterberger, "Blues Rock", dans V. Bogdanov, C. Woodstra, S. T. Erlewine, éd., All Music Guide to the Blues : The Definitive Guide to the Blues (Milwaukee, WI : Backbeat Books, 3e éd., 2003), ISBN 0-87930-736-6, p. 701–2. Le groupe a impliqué et inspiré de nombreuses figures du boom du blues britannique qui a suivi, y compris les membres des Rolling Stones et de Cream, combinant les standards et les formes du blues avec l'instrumentation et l'emphase du rock.
L'autre objectif clé du blues britannique était autour de John Mayall qui a formé les Bluesbreakers, dont les membres comprenaient Eric Clapton (après son départ des Yardbirds) et plus tard Peter Green. La sortie de l'album Blues Breakers avec Eric Clapton (Beano) (1966), considéré comme l'un des enregistrements phares du blues britannique et dont le son a été très imité en Grande-Bretagne et aux États-Unis, a été particulièrement significative. Eric Clapton a ensuite formé les supergroupes Cream, Blind Faith et Derek and the Dominos, suivis d'une longue carrière solo qui a contribué à faire connaître le blues rock au grand public. Green, avec la section rythmique du Bluesbreaker, Mick Fleetwood et John McVie, a formé Fleetwood Mac de Peter Green, qui a connu l'un des plus grands succès commerciaux du genre. À la fin des années 1960, Jeff Beck, également ancien élève des Yardbirds, a fait évoluer le blues rock vers le heavy rock avec son groupe, le Jeff Beck Group. Le dernier guitariste des Yardbirds était Jimmy Page, qui a ensuite formé les New Yardbirds qui sont rapidement devenus Led Zeppelin. La plupart des chansons de leurs trois premiers albums, et parfois plus tard dans leur carrière, étaient des extensions de chansons de blues traditionnelles.
Aux États-Unis, le blues rock a été lancé au début des années 1960 par le guitariste Lonnie Mack, mais le genre a commencé à décoller au milieu des années 1960 alors que les groupes développaient un son similaire à celui des musiciens de blues britanniques. Les artistes clés comprenaient Paul Butterfield (dont le groupe a agi comme les Bluesbreakers de Mayall en Grande-Bretagne comme point de départ pour de nombreux musiciens à succès), Canned Heat, les premiers Jefferson Airplane, Janis Joplin, Johnny Winter, le J. Geils Band et Jimi Hendrix avec ses power trios. , The Jimi Hendrix Experience et Band of Gypsys, dont la virtuosité de la guitare et le sens du spectacle seraient parmi les plus imités de la décennie. Des groupes de blues rock des États du sud, comme Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd et ZZ Top, ont incorporé des éléments country dans leur style pour produire du rock sudiste distinctif. Unterberger, "Southern Rock", dans Bogdanov et.al., 2002, pp. 1332–3.
Les premiers groupes de blues rock imitaient souvent le jazz, jouant de longues improvisations impliquées, qui deviendront plus tard un élément majeur du rock progressif. À partir de 1967 environ, des groupes comme Cream et Jimi Hendrix Experience s'étaient éloignés de la musique purement blues pour se tourner vers le psychédélisme. Dans les années 1970, le blues rock était devenu plus lourd et plus basé sur les riffs, illustré par le travail de Led Zeppelin et Deep Purple, et les frontières entre le blues rock et le hard rock « étaient à peine visibles », alors que les groupes commençaient à enregistrer des albums de style rock. Le genre s'est poursuivi dans les années 1970 par des personnalités comme George Thorogood et Pat Travers, mais, particulièrement sur la scène britannique (sauf peut-être l'avènement de groupes comme Status Quo et Foghat qui s'orientaient vers une forme de boogie rock énergique et répétitif ), les groupes se sont concentrés sur l'innovation du heavy metal et le blues rock a commencé à s'éloigner du courant dominant.
Folk-rock
Dans les années 1960, la scène issue du renouveau de la musique folk américaine était devenue un mouvement majeur, utilisant la musique traditionnelle et de nouvelles compositions dans un style traditionnel, généralement sur des instruments acoustiques. Mitchell, Le renouveau de la musique folk nord-américaine : nation et identité aux États-Unis et au Canada, 1945-1980 (Aldershot : Ashgate, 2007), ISBN 0-7546-5756-6, p. 95. Aux États-Unis, le genre a été lancé par des personnalités telles que Woody Guthrie et Pete Seeger et est souvent identifié à la politique progressiste ou ouvrière. Au début des années soixante, des personnalités telles que Joan Baez et Bob Dylan s'étaient imposées dans ce mouvement en tant qu'auteurs-compositeurs-interprètes.G. Mitchell, Le renouveau de la musique folk nord-américaine : nation et identité aux États-Unis et au Canada, 1945-1980 (Aldershot : Ashgate, 2007), ISBN 0-7546-5756-6, p. 72. Dylan avait commencé à toucher un public grand public avec des succès tels que "Blowin' in the Wind" (1963) et "Masters of War" (1963), qui ont amené les "chansons de protestation" à un public plus large, mais, bien que commençant à influencer l'un l'autre, le rock et la musique folk étaient restés des genres largement distincts, souvent destinés à des publics mutuellement exclusifs. Unterberger, "Folk Rock", à Bogdano