« Les Parapluies » est l'œuvre de quel impressionniste français ?
Renoir
Au début des années 1860, quatre jeunes peintres — Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley et Frédéric Bazille — se rencontrent alors qu'ils étudient auprès de l'artiste académique Charles Gleyre. Ils ont découvert qu'ils partageaient un intérêt pour la peinture du paysage et de la vie contemporaine plutôt que pour les scènes historiques ou mythologiques. Suivant une pratique devenue de plus en plus populaire au milieu du siècle, ils s'aventuraient souvent ensemble à la campagne pour peindre en plein air, mais pas dans le but de réaliser des croquis qui seraient transformés en œuvres soigneusement finies en atelier, comme c'était l'habitude. coutume. En peignant à la lumière du soleil directement à partir de la nature et en utilisant audacieusement les pigments synthétiques vifs devenus disponibles depuis le début du siècle, ils ont commencé à développer une manière de peindre plus légère et plus lumineuse qui prolongeait encore le réalisme de Gustave Courbet et de Barbizon. école. Le lieu de rencontre privilégié des artistes était le Café Guerbois, avenue de Clichy à Paris, où les discussions étaient souvent animées par Édouard Manet, que les jeunes artistes admiraient beaucoup. Ils furent bientôt rejoints par Camille Pissarro, Paul Cézanne et Armand Guillaumin. Les pétitions d'artistes demandant un nouveau Salon des Refusés en 1867, puis de nouveau en 1872, furent refusées. En décembre 1873, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne, Berthe Morisot, Edgar Degas et plusieurs autres artistes fondent la Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs ("Association Coopérative et Anonyme des Peintres, Sculpteurs et Graveurs") d'exposer leurs œuvres de manière indépendante. Les membres de l'association devaient renoncer à participer au Salon. Les organisateurs ont invité un certain nombre d'autres artistes progressistes à se joindre à eux pour leur exposition inaugurale, notamment Eugène Boudin, plus âgé, dont l'exemple avait persuadé Monet d'adopter la peinture en plein air des années auparavant. Un autre peintre qui a beaucoup influencé Monet et ses amis, Johan Jongkind, a refusé de participer, tout comme Édouard Manet. Au total, trente artistes participent à leur première exposition, organisée en avril 1874 dans l'atelier du photographe Nadar. Monet, Sisley, Morisot et Pissarro peuvent être considérés comme les impressionnistes les plus « purs », dans leur quête constante d'un art de la spontanéité, de la lumière du soleil et de la couleur. Degas a rejeté une grande partie de cela, car il croyait en la primauté du dessin sur la couleur et dévalorisait la pratique de la peinture en extérieur. Renoir s'est détourné de l'impressionnisme pendant un certain temps au cours des années 1880 et n'a jamais complètement retrouvé son attachement à ses idées. Édouard Manet, bien que considéré par les impressionnistes comme leur leader, n'a jamais abandonné son utilisation libérale du noir comme couleur et n'a jamais participé aux expositions impressionnistes. Il continue de soumettre ses œuvres au Salon, où son tableau Le Chanteur espagnol avait obtenu une médaille de 2e classe en 1861, et il incite les autres à faire de même, arguant que « le Salon est le véritable champ de bataille » où une réputation peut se construire. fait. Parmi les artistes du groupe central (sauf Bazille, décédé pendant la guerre franco-prussienne en 1870), des défections se produisirent car Cézanne, suivi plus tard par Renoir, Sisley et Monet, s'absentèrent des expositions collectives afin de pouvoir soumettre leurs œuvres. au Salon. Des désaccords sont nés de questions telles que l'appartenance de Guillaumin au groupe défendu par Pissarro et Cézanne contre l'opposition de Monet et Degas, qui le jugeaient indigne. Degas a invité Mary Cassatt à exposer son travail dans l'exposition de 1879, mais a également insisté sur l'inclusion de Jean-François Raffaëlli, Ludovic Lepic et d'autres réalistes qui ne représentaient pas les pratiques impressionnistes, ce qui a amené Monet en 1880 à accuser les impressionnistes d'« ouvrir les portes ». aux barbouilleurs du premier arrivé". Le groupe s'est divisé sur les invitations adressées à Paul Signac et Georges Seurat pour exposer avec eux en 1886. Pissarro était le seul artiste à exposer dans les huit expositions impressionnistes. Les artistes individuels ont obtenu peu de récompenses financières grâce aux expositions impressionnistes, mais leur art a progressivement gagné un certain degré d'acceptation et de soutien du public. Leur marchand, Durand-Ruel, a joué un rôle majeur à cet égard en gardant leurs œuvres devant le public et en leur organisant des expositions à Londres et à New York. Bien que Sisley soit mort dans la pauvreté en 1899, Renoir a connu un grand succès au Salon de 1879. Monet a acquis une sécurité financière au début des années 1880, tout comme Pissarro au début des années 1890. À cette époque, les méthodes de la peinture impressionniste, sous une forme diluée, étaient devenues monnaie courante dans l'art des Salons. Les progrès des impressionnistes vers un style de peinture plus brillant furent progressifs. Au cours des années 1860, Monet et Renoir peignaient parfois sur des toiles préparées avec le fond traditionnel rouge-brun ou gris. Dans les années 1870, Monet, Renoir et Pissarro choisissaient généralement de peindre sur des fonds de couleur gris plus clair ou beige, qui servaient de ton intermédiaire dans le tableau fini. Dans les années 1880, certains impressionnistes en étaient venus à préférer les fonds blancs ou légèrement blanc cassé et ne permettaient plus à la couleur de fond de jouer un rôle significatif dans la peinture finie. * Pierre-Auguste Renoir (1841–1919) Fichier:Renoir - Les deux sœurs, sur la terrasse.jpg|Pierre-Auguste Renoir, Sur la terrasse, 1881, Art Institute of Chicago Fichier:Fille au cerceau.JPG|Pierre-Auguste Renoir, Fille au cerceau, 1885   id:Renoir valeur:lavande   bar:Renoir color:Renoir
L'impressionnisme est un mouvement artistique du XIXe siècle né d'un groupe d'artistes parisiens dont les expositions indépendantes les ont fait connaître dans les années 1870 et 1880. Les caractéristiques de la peinture impressionniste comprennent des coups de pinceau relativement petits, fins mais visibles, une composition ouverte, l'accent mis sur une représentation précise de la lumière dans ses qualités changeantes (accentuant souvent les effets du passage du temps), un sujet ordinaire, l'inclusion du mouvement comme élément crucial. de la perception et de l'expérience humaines, et des angles visuels inhabituels.
Les impressionnistes se sont heurtés à une vive opposition de la part de la communauté artistique conventionnelle en France. Le nom du style dérive du titre d'une œuvre de Claude Monet, Impression, soleil levant, qui a incité le critique Louis Leroy à inventer le terme dans une revue satirique publiée dans le journal parisien Le Charivari.
Le développement de l'impressionnisme dans les arts visuels fut bientôt suivi par des styles analogues dans d'autres médias, connus sous le nom de musique impressionniste et de littérature impressionniste.
Aperçu
 Radicaux en leur temps, les premiers impressionnistes violaient les règles de la peinture académique. Ils construisent leurs tableaux à partir de couleurs librement brossées qui priment sur les lignes et les contours, à l'instar de peintres comme Eugène Delacroix et J. M. W. Turner. Ils peignaient également des scènes réalistes de la vie moderne et peignaient souvent en extérieur. Auparavant, les natures mortes et les portraits ainsi que les paysages étaient généralement peints en atelier. Les impressionnistes ont découvert qu'ils pouvaient capturer les effets momentanés et transitoires de la lumière du soleil en peignant en plein air. Ils représentaient des effets visuels globaux au lieu de détails et utilisaient de courts coups de pinceau « brisés » de couleurs mélangées et pures non mélangées – non mélangées en douceur ou ombrées, comme c'était l'habitude – pour obtenir un effet de vibration de couleur intense.
L'impressionnisme est apparu en France au même moment où un certain nombre d'autres peintres, dont les artistes italiens connus sous le nom de Macchiaioli et Winslow Homer aux États-Unis, exploraient également la peinture en plein air. Les impressionnistes développent cependant de nouvelles techniques spécifiques au style. Englobant ce que ses adeptes affirmaient être une façon différente de voir, c'est un art de l'immédiateté et du mouvement, des poses et des compositions franches, du jeu de lumière exprimé dans une utilisation vive et variée de la couleur.
Le public, d'abord hostile, en vint peu à peu à croire que les impressionnistes avaient capturé une vision nouvelle et originale, même si les critiques d'art et l'establishment artistique désapprouvaient le nouveau style.
En recréant la sensation de l'œil qui regarde le sujet, plutôt que d'en délimiter les détails, et en créant une multitude de techniques et de formes, l'impressionnisme est un précurseur de divers styles de peinture, notamment le néo-impressionnisme, le post-impressionnisme et le fauvisme. , et le cubisme.
Les débuts
Au milieu du XIXe siècle, époque de changement, alors que l'empereur Napoléon III reconstruisait Paris et faisait la guerre, l'Académie des Beaux-Arts dominait l'art français. L'Académie était la conservatrice des normes traditionnelles de contenu et de style de la peinture française. Les sujets historiques, les thèmes religieux et les portraits étaient valorisés ; le paysage et la nature morte ne l’étaient pas. L'Académie préférait les images soigneusement finies qui paraissaient réalistes lorsqu'elles étaient examinées de près. Les peintures de ce style étaient constituées de coups de pinceau précis soigneusement mélangés pour cacher la main de l'artiste dans l'œuvre. La couleur était sobre et souvent atténuée par l'application d'un vernis doré.
L'Académie organisait une exposition d'art annuelle avec jury, le Salon de Paris, et les artistes dont les œuvres étaient exposées dans l'exposition remportaient des prix, recueillaient des commandes et rehaussaient leur prestige. Les standards des jurys représentaient les valeurs de l'Académie, représentées par les œuvres d'artistes tels que Jean-Léon Gérôme et Alexandre Cabanel.
Au début des années 1860, quatre jeunes peintres — Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley et Frédéric Bazille — se rencontrent alors qu'ils étudient auprès de l'artiste académique Charles Gleyre. Ils ont découvert qu'ils partageaient un intérêt pour la peinture du paysage et de la vie contemporaine plutôt que pour les scènes historiques ou mythologiques. Suivant une pratique devenue de plus en plus populaire au milieu du siècle, ils s'aventuraient souvent ensemble à la campagne pour peindre en plein air, mais pas dans le but de réaliser des croquis qui seraient transformés en œuvres soigneusement finies en atelier, comme c'était l'habitude. coutume. En peignant à la lumière du soleil directement à partir de la nature et en utilisant audacieusement les pigments synthétiques vifs devenus disponibles depuis le début du siècle, ils ont commencé à développer une manière de peindre plus légère et plus lumineuse qui prolongeait encore le réalisme de Gustave Courbet et de Barbizon. école. Le lieu de rencontre privilégié des artistes était le Café Guerbois, avenue de Clichy à Paris, où les discussions étaient souvent animées par Édouard Manet, que les jeunes artistes admiraient beaucoup. Ils furent bientôt rejoints par Camille Pissarro, Paul Cézanne et Armand Guillaumin.
Au cours des années 1860, le jury du Salon rejetait systématiquement environ la moitié des œuvres soumises par Monet et ses amis en faveur d'œuvres d'artistes fidèles au style approuvé. En 1863, le jury du Salon rejeta Le déjeuner sur l'herbe de Manet principalement parce qu'il représentait une femme nue avec deux hommes habillés lors d'un pique-nique. Alors que le jury du Salon acceptait régulièrement des nus dans des peintures historiques et allégoriques, il condamnait Manet pour avoir placé un nu réaliste dans un décor contemporain. Le rejet sévère du jury du tableau de Manet a consterné ses admirateurs, et le nombre inhabituellement élevé d'œuvres rejetées cette année-là a perturbé de nombreux artistes français.
Après que l'empereur Napoléon III ait vu les œuvres rejetées de 1863, il décrète que le public soit autorisé à juger lui-même les œuvres et le Salon des Refusés est organisé. Alors que de nombreux spectateurs venaient uniquement pour rire, le Salon des Refusés a attiré l'attention sur l'existence d'une nouvelle tendance dans l'art et a attiré plus de visiteurs que le Salon ordinaire.
Les pétitions d'artistes demandant un nouveau Salon des Refusés en 1867, puis de nouveau en 1872, furent refusées. En décembre 1873, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne, Berthe Morisot, Edgar Degas et plusieurs autres artistes fondent la Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs ("Association Coopérative et Anonyme des Peintres, Sculpteurs et Graveurs") d'exposer leurs œuvres de manière indépendante. Les membres de l'association devaient renoncer à participer au Salon. Les organisateurs ont invité un certain nombre d'autres artistes progressistes à se joindre à eux pour leur exposition inaugurale, notamment Eugène Boudin, plus âgé, dont l'exemple avait persuadé Monet d'adopter la peinture en plein air des années auparavant. Un autre peintre qui a beaucoup influencé Monet et ses amis, Johan Jongkind, a refusé de participer, tout comme Édouard Manet. Au total, trente artistes participent à leur première exposition, organisée en avril 1874 dans l'atelier du photographe Nadar.
La réponse critique a été mitigée. Monet et Cézanne reçurent les attaques les plus sévères. Le critique et humoriste Louis Leroy écrit une critique cinglante dans le journal Le Charivari dans laquelle, faisant un jeu de mots avec le titre de l'Impression, Soleil levant de Claude Monet, il donne aux artistes le nom sous lequel ils se sont fait connaître. Intitulant avec dérision son article L'Exposition des impressionnistes, Leroy déclarait que le tableau de Monet était tout au plus une esquisse et pouvait difficilement être qualifié d'œuvre achevée.
Il écrit, sous la forme d'un dialogue entre spectateurs,
Impression – j’en étais certain. Je me disais justement que, puisque j'étais impressionné, il devait y avoir une certaine impression... et quelle liberté, quelle facilité de réalisation ! Le papier peint à l’état embryonnaire est plus abouti que ce paysage marin.
Le terme impressionniste a rapidement gagné la faveur du public. Elle a également été acceptée par les artistes eux-mêmes, même s'ils constituaient un groupe diversifié par son style et son tempérament, unifié principalement par son esprit d'indépendance et de rébellion. Ils exposèrent ensemble – quoique avec des membres changeants – huit fois entre 1874 et 1886. Le style des impressionnistes, avec ses coups de pinceau libres et spontanés, allait bientôt devenir synonyme de vie moderne.
Monet, Sisley, Morisot et Pissarro peuvent être considérés comme les impressionnistes les plus « purs », dans leur quête constante d'un art de la spontanéité, de la lumière du soleil et de la couleur. Degas a rejeté une grande partie de cela, car il croyait en la primauté du dessin sur la couleur et dévalorisait la pratique de la peinture en extérieur. Renoir s'est détourné de l'impressionnisme pendant un certain temps au cours des années 1880 et n'a jamais complètement retrouvé son attachement à ses idées. Édouard Manet, bien que considéré par les impressionnistes comme leur leader, n'a jamais abandonné son utilisation libérale du noir comme couleur et n'a jamais participé aux expositions impressionnistes. Il continue de soumettre ses œuvres au Salon, où son tableau Le Chanteur espagnol avait obtenu une médaille de 2e classe en 1861, et il incite les autres à faire de même, arguant que « le Salon est le véritable champ de bataille » où une réputation peut se construire. fait.
Parmi les artistes du groupe central (sauf Bazille, décédé pendant la guerre franco-prussienne en 1870), des défections se produisirent car Cézanne, suivi plus tard par Renoir, Sisley et Monet, s'absentèrent des expositions collectives afin de pouvoir soumettre leurs œuvres. au Salon. Des désaccords sont nés de questions telles que l'appartenance de Guillaumin au groupe défendu par Pissarro et Cézanne contre l'opposition de Monet et Degas, qui le jugeaient indigne. Degas a invité Mary Cassatt à exposer son travail dans l'exposition de 1879, mais a également insisté sur l'inclusion de Jean-François Raffaëlli, Ludovic Lepic et d'autres réalistes qui ne représentaient pas les pratiques impressionnistes, ce qui a amené Monet en 1880 à accuser les impressionnistes d'« ouvrir les portes ». aux barbouilleurs du premier arrivé". Le groupe s'est divisé sur les invitations adressées à Paul Signac et Georges Seurat pour exposer avec eux en 1886. Pissarro était le seul artiste à exposer dans les huit expositions impressionnistes.
Les artistes individuels ont obtenu peu de récompenses financières grâce aux expositions impressionnistes, mais leur art a progressivement gagné un certain degré d'acceptation et de soutien du public. Leur marchand, Durand-Ruel, a joué un rôle majeur à cet égard en gardant leurs œuvres devant le public et en leur organisant des expositions à Londres et à New York. Bien que Sisley soit mort dans la pauvreté en 1899, Renoir a connu un grand succès au Salon de 1879. Monet a acquis une sécurité financière au début des années 1880, tout comme Pissarro au début des années 1890. À cette époque, les méthodes de la peinture impressionniste, sous une forme diluée, étaient devenues monnaie courante dans l'art des Salons.
Techniques impressionnistes
Parmi les peintres français qui ont préparé la voie à l'impressionnisme figurent le coloriste romantique Eugène Delacroix, le chef des réalistes Gustave Courbet et les peintres de l'école de Barbizon comme Théodore Rousseau. Les impressionnistes ont beaucoup appris du travail de Jean-Baptiste-Camille Corot et d'Eugène Boudin, qui peignaient d'après nature dans un style direct et spontané qui préfigurait l'impressionnisme, et qui se liaient d'amitié et conseillaient les jeunes artistes.
Un certain nombre de techniques et d'habitudes de travail identifiables ont contribué au style innovant des impressionnistes. Bien que ces méthodes aient été utilisées par des artistes antérieurs et soient souvent visibles dans le travail d'artistes tels que Frans Hals, Diego Velázquez, Peter Paul Rubens, John Constable et J. M. W. Turner, les impressionnistes ont été les premiers à utiliser tous ensemble, et avec une telle cohérence. Ces techniques comprennent :
* Des traits de peinture courts et épais capturent rapidement l'essence du sujet, plutôt que ses détails. La peinture est souvent appliquée en empâtement.
* Les couleurs sont appliquées côte à côte avec le moins de mélange possible, une technique qui exploite le principe du contraste simultané pour rendre la couleur plus vive au spectateur.
* Les gris et les tons foncés sont produits en mélangeant des couleurs complémentaires. L'impressionnisme pur évite l'utilisation de peinture noire.
* La peinture humide est placée dans la peinture humide sans attendre que les applications successives sèchent, produisant des bords plus doux et un mélange de couleurs.
* Les peintures impressionnistes n'exploitent pas la transparence des fines pellicules de peinture (glacis), que les artistes antérieurs manipulaient soigneusement pour produire des effets. La surface de la peinture impressionniste est généralement opaque.
* La peinture s'applique sur un support blanc ou clair. Auparavant, les peintres utilisaient souvent des fonds gris foncé ou fortement colorés.
* Le jeu de lumière naturelle est mis en valeur. Une attention particulière est portée au reflet des couleurs d’un objet à l’autre. Les peintres travaillaient souvent le soir pour produire des effets de soir, les effets d'ombre du soir ou du crépuscule.
* Dans les peintures réalisées en plein air (à l'extérieur), les ombres sont audacieusement peintes avec le bleu du ciel qui se reflète sur les surfaces, donnant une sensation de fraîcheur auparavant non représentée en peinture. (Les ombres bleues sur la neige ont inspiré la technique.)
Les nouvelles technologies ont joué un rôle dans le développement du style. Les impressionnistes ont profité de l’introduction au milieu du siècle de peintures prémélangées dans des tubes en étain (ressemblant à des tubes de dentifrice modernes), ce qui a permis aux artistes de travailler plus spontanément, aussi bien à l’extérieur qu’à l’intérieur. Auparavant, les peintres fabriquaient leurs propres peintures individuellement, en broyant et en mélangeant des poudres de pigments secs avec de l'huile de lin, qui étaient ensuite stockées dans des vessies d'animaux.
De nombreux pigments synthétiques vifs sont devenus disponibles dans le commerce pour les artistes pour la première fois au XIXe siècle. Ceux-ci comprenaient le bleu de cobalt, le viridien, le jaune de cadmium et le bleu outremer synthétique, tous utilisés dans les années 1840, avant l'impressionnisme. La manière de peindre des impressionnistes faisait un usage audacieux de ces pigments et de couleurs encore plus récentes telles que le bleu céruléen, qui devint disponible dans le commerce pour les artistes dans les années 1860.
Les progrès des impressionnistes vers un style de peinture plus brillant furent progressifs. Au cours des années 1860, Monet et Renoir peignaient parfois sur des toiles préparées avec le fond traditionnel rouge-brun ou gris. Dans les années 1870, Monet, Renoir et Pissarro choisissaient généralement de peindre sur des fonds de couleur gris plus clair ou beige, qui servaient de ton intermédiaire dans le tableau fini. Dans les années 1880, certains impressionnistes en étaient venus à préférer les fonds blancs ou légèrement blanc cassé et ne permettaient plus à la couleur de fond de jouer un rôle significatif dans la peinture finie.
Contenu et composition
Avant les impressionnistes, d'autres peintres, notamment des peintres hollandais du XVIIe siècle comme Jan Steen, avaient mis l'accent sur des sujets communs, mais leurs méthodes de composition étaient traditionnelles. Ils ont disposé leurs compositions de manière à ce que le sujet principal retienne l'attention du spectateur. Les impressionnistes ont assoupli la frontière entre le sujet et l'arrière-plan, de sorte que l'effet d'une peinture impressionniste ressemble souvent à un instantané, une partie d'une réalité plus vaste capturée comme par hasard. La photographie gagnait en popularité et, à mesure que les appareils photo devenaient plus portables, les photographies devenaient plus franches. La photographie a inspiré les impressionnistes à représenter une action momentanée, non seulement dans les lumières éphémères d'un paysage, mais aussi dans la vie quotidienne des gens.
Le développement de l'impressionnisme peut être considéré en partie comme une réaction des artistes au défi présenté par la photographie, qui semblait dévaloriser la capacité de l'artiste à reproduire la réalité. Les peintures de portraits et de paysages étaient jugées quelque peu déficientes et manquant de vérité, car la photographie « produisait des images réalistes de manière beaucoup plus efficace et fiable ».
Malgré cela, la photographie a en fait inspiré les artistes à rechercher d'autres moyens d'expression créative et, plutôt que de rivaliser avec la photographie pour imiter la réalité, les artistes se sont concentrés « sur la seule chose qu'ils pouvaient inévitablement faire mieux que la photographie : en devenant une forme d'art ». sa subjectivité même dans la conception de l'image, la subjectivité même que la photographie a éliminée". Les impressionnistes cherchaient à exprimer leurs perceptions de la nature plutôt que de créer des représentations exactes. Cela a permis aux artistes de représenter subjectivement ce qu'ils ont vu avec leurs « impératifs tacites de goût et de conscience ». La photographie a encouragé les peintres à exploiter des aspects du médium pictural, comme la couleur, qui manquaient alors à la photographie : « Les impressionnistes ont été les premiers à proposer consciemment une alternative subjective à la photographie ».
Une autre influence majeure était les estampes d’art japonaises ukiyo-e (japonisme). L'art de ces estampes a contribué de manière significative aux angles « instantanés » et aux compositions non conventionnelles qui sont devenues caractéristiques de l'impressionnisme. Un exemple est le Jardin à Sainte-Adresse de Monet, 1867, avec ses blocs de couleurs et de composition audacieux sur une forte inclinaison diagonale montrant l'influence des estampes japonaises.
Edgar Degas était à la fois un passionné de photographie et un collectionneur d’estampes japonaises. Sa classe de danse de 1874 montre les deux influences dans sa composition asymétrique. Les danseurs sont apparemment pris au dépourvu dans diverses poses maladroites, laissant une étendue d’espace vide au sol dans le quadrant inférieur droit. Il a également capturé ses danseurs en sculpture, comme la Petite Danseuse de quatorze ans.
Principaux impressionnistes
Les figures centrales du développement de l'impressionnisme en France, classées par ordre alphabétique, étaient :
* Frédéric Bazille (qui ne participa qu'à titre posthume aux expositions impressionnistes) (1841-1870)
* Gustave Caillebotte (qui, plus jeune que les autres, s'associe à eux au milieu des années 1870) (1848-1894)
* Mary Cassatt (née aux États-Unis, elle a vécu à Paris et a participé à quatre expositions impressionnistes) (1844-1926)
* Paul Cézanne (bien qu'il se soit ensuite séparé des impressionnistes) (1839-1906)
* Edgar Degas (qui méprisait le terme impressionniste) (1834-1917)
*Armand Guillaumin (1841-1927)
* Édouard Manet (qui n'a participé à aucune des expositions impressionnistes) (1832-1883)
* Claude Monet (le plus prolifique des impressionnistes et celui qui incarne le plus évidemment leur esthétique) (1840-1926)
*Berthe Morisot (1841-1895)
*Camille Pissarro (1830-1903)
* Pierre-Auguste Renoir (1841–1919)
* Alfred Sisley (1839–1899)
Gallery
File:Bazille Paysage au bord du Lez.jpg|Frédéric Bazille, Paysage au bord du Lez, 1870, Minneapolis Institute of Art
File:Sisley-Bridge at Villeneuve-la-Garenne.jpg|Alfred Sisley, Bridge at Villeneuve-la-Garenne, 1872, Metropolitan Museum of Art
File:Berthe Morisot, Le berceau (The Cradle), 1872.jpg|Berthe Morisot, The Cradle, 1872, Musée d'Orsay
File:Guillaumin SoleilCouchantAIvry.jpg|Armand Guillaumin, Sunset at Ivry (Soleil couchant à Ivry), 1873, Musee d'Orsay
Image:Edouard Manet Boating.jpg|Édouard Manet, Boating, 1874, Metropolitan Museum of Art
File:Sisley la seine au point du jour 1877.jpg|Alfred Sisley, La Seine au Point du jour, 1877, Museum of modern art André Malraux - MuMa, Le Havre
File:Edouard Manet 039.jpg|Édouard Manet, The Plum, 1878, National Gallery of Art, Washington, D.C.
File:Edouard Manet, A Bar at the Folies-Bergère.jpg|Édouard Manet, A Bar at the Folies-Bergère (Un Bar aux Folies-Bergère), 1882, Courtauld Institute of Art
File:Femme s'essuyant degas.jpg|Edgar Degas, After the Bath, Woman Drying Herself, c. 1884–1886 (reworked between 1890 and 1900), MuMa, Le Havre
Fichier : Edgar Degas - Dans un café - Google Art Project 2.jpg | Edgar Degas, L'Absinthe, 1876, Musée d'Orsay, Paris
Fichier:Edgar Germain Hilaire Degas 069.jpg|Edgar Degas, Danseuse au bouquet de fleurs (Étoile du ballet), 1878
Fichier : Edgar Germain Hilaire Degas 032.jpg|Edgar Degas, Femme au bain, 1886, Hill-Stead Museum, Farmington, Connecticut
Fichier : Edgar Germain Hilaire Degas 072.jpg|Edgar Degas, Danseurs au bar, 1888, The Phillips Collection, Washington, D.C.
Dossier : Gustave Caillebotte - Rue de Paris ; Rainy Day - Google Art Project.jpg|Gustave Caillebotte, rue de Paris, Rainy Day, 1877, Art Institute of Chicago
Fichier:Renoir - Les deux sœurs, sur la terrasse.jpg|Pierre-Auguste Renoir, Sur la terrasse, 1881, Art Institute of Chicago
Fichier:Fille au cerceau.JPG|Pierre-Auguste Renoir, Fille au cerceau, 1885
Fichier : Claude Monet Les falaises d'Etretat.jpg|Claude Monet, La falaise d'Étretat après la tempête, 1885, Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts
Fichier : Le bain de l'enfant par Mary Cassatt 1893.jpg|Mary Cassatt, Le bain de l'enfant (Le bain), 1893, huile sur toile, Art Institute of Chicago
Dossier : Musée de Brooklyn - Portrait de Mme Boursier et de sa fille (Portrait de Mme Boursier et de sa fille) - Berthe Morisot.jpg|Berthe Morisot, Portrait de Mme Boursier et de sa fille, v. 1873, Musée de Brooklyn
Chronologie : vies des impressionnistes
Les impressionnistes
Taille de l'image = largeur : 800 hauteur : 218
PlotArea = largeur : 620 hauteur : 196 gauche : 100 bas : 20
AlignBars = justifier
Colors =
  id:Manet  value:lavender
  id:Bazille  value:powderblue
id:Monet valeur:lavande
  id:Renoir valeur:lavande
  id:Sisley valeur:lavande
id: Pissarro valeur: bleu poudre
  id:Cézanne valeur:bleu poudré
  id:Valeur Cassatt:lavande
id:Morisot valeur:poudrebleu
  id: Degas valeur: bleu poudre
  id:Caillebotte valeur:poudrebleu
Période = de :1830 à :1930
Axe du temps = orientation : horizontale
Échelle majeure = unité:année incrément:10 début:1830
ScaleMinor = unité:année incrément:10 début:1830
Données de tracé=
  aligner:centrer la couleur du texte:noir taille de police:8 marque:(ligne, noir) largeur:16 décalage:(0,-5)
barre:Pissarro couleur:Pissarro
  de : 1830 à : 1903
  barre:Manet couleur:Manet
de : 1832 à : 1883
  barre:Degas couleur:Degas
  de : 1834 à : 1917
barre:Sisley couleur:Sisley
  de : 1839 à : 1899
  barre:Cézanne couleur:Cézanne
de : 1839 à : 1906 bar:Monet couleur:Argent de : 1840 à : 1926
bar:Bazille color:Bazille
  from: 1841 till: 1870
  bar:Renoir color:Renoir
de : 1841 à : 1919
  barre:Morisot couleur:Morisot
  de : 1841 à : 1895
barre: Cassatt couleur: Cassatt
  de : 1844 à : 1926
  barre:Caillebotte couleur:Caillebotte
de : 1848 à : 1894
DonnéesLigne=
   à: 1840 couleur: noir largeur: 0,5 couche: dos
à: 1850 couleur: noir largeur: 0,5 couche: dos
   à: 1860 couleur: noir largeur: 0,5 couche: dos
   à: 1870 couleur: noir largeur: 0,5 couche: dos
à: 1880 couleur: noir largeur: 0,5 couche: dos
   à: 1890 couleur: noir largeur: 0,5 couche: dos
   à: 1900 couleur: noir largeur: 0,5 couche: dos
à: 1910 couleur: noir largeur: 0,5 couche: dos
   à: 1920 couleur: noir largeur: 0,5 couche: dos
   à: 1930 couleur: noir largeur: 0,5 couche: dos
Associés et artistes influencés
Parmi les proches collaborateurs des impressionnistes se trouvaient plusieurs peintres qui adoptèrent dans une certaine mesure leurs méthodes. Il s'agit notamment de Giuseppe De Nittis, un artiste italien vivant à Paris qui a participé à la première exposition impressionniste à l'invitation de Degas, bien que les autres impressionnistes aient dénigré son travail. Federico Zandomeneghi était un autre ami italien de Degas qui exposait avec les impressionnistes. Eva Gonzalès était une adepte de Manet qui n'exposait pas avec le groupe. James Abbott McNeill Whistler était un peintre d'origine américaine qui a joué un rôle dans l'impressionnisme bien qu'il n'ait pas rejoint le groupe et préférait les couleurs grisées. Walter Sickert, un artiste anglais, fut d'abord un disciple de Whistler, puis un disciple important de Degas ; il n'a pas exposé avec les impressionnistes. En 1904, l'artiste et écrivain Wynford Dewhurst écrivit la première étude importante sur les peintres français publiée en anglais, Impressionist Painting: its genesis and development, qui contribua beaucoup à populariser l'impressionnisme en Grande-Bretagne.
Au début des années 1880, les méthodes impressionnistes affectaient, au moins superficiellement, l’art du Salon. Des peintres à la mode tels que Jean Béraud et Henri Gervex ont connu le succès critique et financier en égayant leurs palettes tout en conservant la finition lisse attendue de l'art de Salon. Les œuvres de ces artistes sont parfois qualifiées avec désinvolture d’impressionnisme, malgré leur éloignement de la pratique impressionniste.
L'influence des impressionnistes français perdura longtemps après la mort de la plupart d'entre eux. Des artistes comme J.D. Kirszenbaum ont emprunté les techniques impressionnistes tout au long du XXe siècle.
Au-delà de la France
À mesure que l’influence de l’impressionnisme s’étendait au-delà de la France, les artistes, trop nombreux pour être énumérés, furent identifiés comme praticiens du nouveau style. Certains des exemples les plus importants sont :
* Les impressionnistes américains, dont Mary Cassatt, William Merritt Chase, Frederick Carl Frieseke, Childe Hassam, Willard Metcalf, Lilla Cabot Perry, Theodore Robinson, Edmund Charles Tarbell, John Henry Twachtman, Catherine Wiley et J. Alden Weir.
* Les impressionnistes australiens, dont Tom Roberts, Arthur Streeton, Walter Withers, Charles Conder et Frederick McCubbin (qui étaient des membres éminents de l'école de Heidelberg), et John Peter Russell, ami de Van Gogh, Rodin, Monet et Matisse.
* Les impressionnistes d'Amsterdam aux Pays-Bas, dont George Hendrik Breitner, Isaac Israëls, Willem Bastiaan Tholen, Willem de Zwart, Willem Witsen et Jan Toorop.
* Anna Boch, Eugène Boch, ami de Vincent van Gogh, Georges Lemmen et Théo van Rysselberghe, peintres impressionnistes belges.
* Ivan Grohar, Rihard Jakopič, Matija Jama et Matej Sternen, impressionnistes de Slovénie. Leurs débuts ont eu lieu à l'école d'Anton Ažbe à Munich et ils ont été influencés par Jurij Šubic et Ivana Kobilca, peintres slovènes travaillant à Paris.
* Wynford Dewhurst, Walter Richard Sickert et Philip Wilson Steer étaient des peintres impressionnistes bien connus du Royaume-Uni.
* Les impressionnistes allemands, dont Lovis Corinth, Max Liebermann, Ernst Oppler, Max Slevogt et August von Brandis.
* László Mednyánszky en Hongrie
* Theodor von Ehrmanns et Hugo Charlemont, rares impressionnistes parmi les peintres sécessionnistes viennois les plus dominants en Autriche.
* William John Leech, Roderic O'Conor et Walter Osborne en Irlande
* Konstantin Korovin et Valentin Serov en Russie
* Francisco Oller y Cestero, originaire de Porto Rico et ami de Pissarro et Cézanne
* James Nairn en Nouvelle-Zélande.
* William McTaggart en Ecosse.
* Laura Muntz Lyall, une artiste canadienne
* Władysław Podkowiński, impressionniste et symboliste polonais
* Nicolae Grigorescu en Romagne
* Nazmi Ziya Güran, qui a introduit l'impressionnisme en Turquie
* Chafik Charobim en Egypte
* Eliseu Visconti au Brésil
* Joaquín Sorolla en Espagne
* Faustino Brughetti, Fernando Fader, Candido Lopez, Martin Malharro, Walter de Navazio, Ramon Silva en Argentine
* Skagen Painters, un groupe d'artistes scandinaves qui peignaient dans un petit village de pêcheurs danois
* Nadežda Petrović en Serbie
* Ásgrímur Jónsson en Islande
* Fujishima Takeji au Japon
* Frits Thaulow en Norvège et plus tard en France.
Sculpture, photographie et cinéma
Le sculpteur Auguste Rodin est parfois qualifié d'impressionniste pour la manière dont il utilise des surfaces grossièrement modelées pour suggérer des effets de lumière transitoires.
Les photographes pictorialistes dont le travail se caractérise par un flou artistique et des effets atmosphériques sont également appelés impressionnistes.
Le cinéma impressionniste français est un terme appliqué à un groupe vaguement défini de films et de cinéastes en France de 1919 à 1929, bien que ces années soient discutables. Les cinéastes impressionnistes français incluent Abel Gance, Jean Epstein, Germaine Dulac, Marcel L'Herbier, Louis Delluc et Dmitry Kirsanoff.
Musique et littérature
L'impressionnisme musical est le nom donné à un mouvement de la musique classique européenne apparu à la fin du XIXe siècle et qui s'est poursuivi jusqu'au milieu du XXe siècle. Originaire de France, l'impressionnisme musical se caractérise par la suggestion et l'atmosphère, et évite les excès émotionnels de l'époque romantique. Les compositeurs impressionnistes favorisaient les formes courtes telles que le nocturne, l'arabesque et le prélude, et exploraient souvent des gammes inhabituelles telles que la gamme de tons entière. Les innovations les plus notables des compositeurs impressionnistes ont peut-être été l'introduction des accords de septième majeurs et l'extension des structures d'accords en tierces aux harmonies à cinq et six voix.
L'influence de l'impressionnisme visuel sur son homologue musical est discutable. Claude Debussy et Maurice Ravel sont généralement considérés comme les plus grands compositeurs impressionnistes, mais Debussy a désavoué ce terme, le qualifiant d'invention des critiques. Erik Satie a également été considéré dans cette catégorie, même si son approche a été considérée comme moins sérieuse et plus nouvelle sur le plan musical. Paul Dukas est un autre compositeur français parfois considéré comme un impressionniste, mais son style est peut-être plus proche des romantiques tardifs. L'impressionnisme musical au-delà de la France comprend le travail de compositeurs tels que Ottorino Respighi (Italie), Ralph Vaughan Williams, Cyril Scott et John Ireland (Angleterre), Manuel De Falla et Isaac Albeniz (Espagne).
Le terme impressionnisme a également été utilisé pour décrire des œuvres littéraires dans lesquelles quelques détails sélectionnés suffisent à transmettre les impressions sensorielles d'un incident ou d'une scène. La littérature impressionniste est étroitement liée au symbolisme, ses principaux exemples étant Baudelaire, Mallarmé, Rimbaud et Verlaine. Des auteurs tels que Virginia Woolf, D.H. Lawrence et Joseph Conrad ont écrit des œuvres impressionnistes dans la mesure où elles décrivent, plutôt qu'interprètent, les impressions, sensations et émotions qui constituent la vie mentale d'un personnage.
Post-impressionnisme
Le postimpressionnisme s'est développé à partir de l'impressionnisme. Au cours des années 1880, plusieurs artistes ont commencé à développer différents préceptes pour l'utilisation de la couleur, du motif, de la forme et de la ligne, dérivés de l'exemple impressionniste : Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat et Henri de Toulouse-Lautrec. Ces artistes étaient légèrement plus jeunes que les impressionnistes et leur travail est connu sous le nom de postimpressionnisme. Certains des premiers artistes impressionnistes se sont également aventurés sur ce nouveau territoire ; Camille Pissarro a brièvement peint de manière pointilliste, et même Monet a abandonné la stricte peinture en plein air. Paul Cézanne, qui a participé aux première et troisième expositions impressionnistes, a développé une vision très personnelle mettant l'accent sur la structure picturale, et on le qualifie plus souvent de post-impressionniste. Bien que ces cas illustrent la difficulté d'attribuer des étiquettes, le travail des peintres impressionnistes originaux peut, par définition, être classé comme impressionnisme.
Fichier : Un dimanche sur l'île de La Grande Jatte, Georges Seurat, 1884.png|Georges Seurat, Un dimanche après-midi sur l'île de La Grande Jatte, 1884-1886, The Art Institute of Chicago
Image : Vincent Van Gogh 0016.jpg|Vincent van Gogh, Cyprès, 1889, Metropolitan Museum of Art
Image :Paul Gauguin 044.jpg|Paul Gauguin, La sieste de midi, 1894, Metropolitan Museum of Art
Fichier:Joueurs de cartes-Paul Cezanne.jpg|Paul Cézanne, Les joueurs de cartes, 1894-1895, Musée d'Orsay, Paris