Qui a écrit L’importance d’être sérieux ?
Oscar Wilde
L'importance d'être sérieux, une comédie triviale pour les gens sérieux est une pièce d'Oscar Wilde. Créée le 14 février 1895 au St James's Theatre de Londres, il s'agit d'une comédie farfelue dans laquelle les protagonistes entretiennent des personnages fictifs pour échapper à de lourdes obligations sociales. Travaillant dans le cadre des conventions sociales de la fin de l'époque victorienne à Londres, les thèmes majeurs de la pièce sont la trivialité avec laquelle elle traite des institutions aussi sérieuses que le mariage, et la satire des mœurs victoriennes qui en résulte. Les critiques contemporaines ont toutes loué l'humour de la pièce, même si certaines se sont montrées prudentes quant à son manque explicite de messages sociaux, tandis que d'autres prévoyaient le consensus moderne selon lequel il s'agissait jusqu'à présent du point culminant de la carrière artistique de Wilde. Sa farce et ses dialogues pleins d'esprit ont contribué à faire de L'Importance d'être sérieux Wilde la pièce la plus populaire de tous. La pièce a été produite pour la première fois au St James's Theatre le jour de la Saint-Valentin 1895. Mendelshon, Daniel ; Les deux Oscar Wildes, New York Review of Books, Volume 49, Numéro 15, 10 octobre 2002. Il faisait un froid glacial mais Wilde arriva habillé dans une « sobriété fleurie », portant un œillet vert. Le public, selon un rapport, "comprenait de nombreux membres des grands et bons, d'anciens ministres et conseillers privés, ainsi que des acteurs, des écrivains, des universitaires et des passionnés". Allan Aynesworth, qui jouait Algernon Moncrieff, a rappelé à Hesketh Pearson que "au cours de mes cinquante-trois années d'acteur, je ne me souviens jamais d'un plus grand triomphe que [cette] première nuit". Aynesworth était lui-même « débonnaire et élégant », et Alexander, qui jouait Jack Worthing, « sage ».
L'importance d'être sérieux, une comédie triviale pour les gens sérieux est une pièce d'Oscar Wilde. Créée le 14 février 1895 au St James's Theatre de Londres, il s'agit d'une comédie farfelue dans laquelle les protagonistes entretiennent des personnages fictifs pour échapper à de lourdes obligations sociales. Travaillant dans le cadre des conventions sociales de la fin de l'époque victorienne à Londres, les thèmes majeurs de la pièce sont la trivialité avec laquelle elle traite des institutions aussi sérieuses que le mariage, et la satire des mœurs victoriennes qui en résulte. Les critiques contemporaines ont toutes loué l'humour de la pièce, même si certaines se sont montrées prudentes quant à son manque explicite de messages sociaux, tandis que d'autres prévoyaient le consensus moderne selon lequel il s'agissait jusqu'à présent du point culminant de la carrière artistique de Wilde. Sa farce et ses dialogues pleins d'esprit ont contribué à faire de L'Importance d'être sérieux Wilde la pièce la plus populaire de tous.
La soirée d'ouverture réussie a marqué le point culminant de la carrière de Wilde, mais a également annoncé sa chute. Le marquis de Queensberry, dont le fils Lord Alfred Douglas était l'amant de Wilde, prévoyait d'offrir à l'écrivain un bouquet de légumes pourris et de perturber le spectacle. Wilde a été prévenu et Queensberry s'est vu refuser l'admission. Peu de temps après, leur querelle atteignit son paroxysme devant le tribunal, où la double vie homosexuelle de Wilde fut révélée au public victorien et il fut finalement condamné à une peine d'emprisonnement. Sa notoriété a amené la pièce, malgré ses premiers succès, à être fermée après 86 représentations. Après sa libération, il publie la pièce depuis son exil à Paris, mais il n'écrit plus d'œuvre comique ou dramatique.
L'importance d'être sérieux a été relancé à plusieurs reprises depuis sa première. Il a été adapté au cinéma à trois reprises. Dans The Importance of Being Earnest (1952), Dame Edith Evans a repris sa célèbre interprétation de Lady Bracknell ; L'importance d'être sérieux (1992) de Kurt Baker a utilisé un casting entièrement noir ; et The Importance of Being Earnest (2002) d'Oliver Parker a incorporé une partie du matériel original de Wilde coupé lors de la préparation de la production scénique originale.
Composition
Après le succès des pièces de Wilde, Lady Windermere's Fan et A Woman of No Importance, les producteurs de Wilde l'ont exhorté à écrire d'autres pièces. En juillet 1894, il proposa son idée de L'importance d'être sérieux à George Alexander, l'acteur-gérant du St James's Theatre. Wilde a passé l'été avec sa famille à Worthing, où il a rapidement écrit la pièce en août. Sa renommée étant désormais à son apogée, il utilisa le titre provisoire Lady Lancing pour éviter les spéculations préventives sur son contenu. De nombreux noms et idées de la pièce ont été empruntés à des personnes ou à des lieux que l'auteur avait connus ; Lady Queensberry, la mère de Lord Alfred Douglas, par exemple, vivait à Bracknell. Il existe un large consensus parmi les érudits de Wilde sur le fait que l'influence la plus importante sur la pièce a été la farce Engagé de W. S. Gilbert de 1877 ; Wilde a emprunté à Gilbert non seulement plusieurs incidents mais, selon l'expression de Russell Jackson, « la gravité du ton exigée par Gilbert de ses acteurs ».
Wilde a continuellement révisé le texte au cours des mois suivants : aucune ligne n'a été laissée intacte, et « dans une pièce si économe en termes de langage et d'effets, [les révisions] ont eu de graves conséquences ». Sos Eltis décrit les révisions de Wilde comme un art raffiné à l'œuvre : les premières et les plus longues ébauches manuscrites de la pièce travaillent sur des incidents farfelus, des jeux de mots larges, des dialogues absurdes et des tournures comiques conventionnelles. En révisant comme il l'a fait, « Wilde a transformé le non-sens standard en illogisme plus systémique et déconcertant qui caractérise le dialogue d'Earnest ». Eltis (1996 : 177) Richard Ellmann soutient que Wilde avait atteint sa maturité artistique et a écrit cette œuvre plus sûrement et plus rapidement qu'avant. .
Wilde hésita à soumettre le scénario à Alexander, craignant qu'il ne convienne pas au St James's Theatre, dont le répertoire typique était relativement sérieux, et expliquant qu'il avait été écrit en réponse à une demande de pièce « sans réel intérêt sérieux ». . Lorsque Guy Domville de Henry James échoua, Alexander se tourna vers Wilde et accepta de monter sa pièce. Alexandre commença ses préparatifs méticuleux habituels, interrogeant l'auteur sur chaque ligne et planifiant les mouvements scéniques avec un théâtre de jouets. Au cours de ces répétitions, Alexander demanda à Wilde de raccourcir la pièce de quatre actes à trois. Wilde a accepté et combiné des éléments des deuxième et troisième actes. La plus grande réduction a été la suppression du personnage de M. Gribsby, un avocat venu de Londres pour arrêter le débauché « Ernest » (c'est-à-dire Jack) pour ses factures de restaurant impayées. Algernon, qui se fait passer pour "Ernest", sera emmené à la prison de Holloway à moins qu'il ne règle ses comptes immédiatement. Jack accepte finalement de payer pour Ernest, tout le monde pensant que c'est la facture d'Algernon alors qu'en fait c'est la sienne. La version en quatre actes a été diffusée pour la première fois à la radio dans une production de la BBC et est encore parfois jouée. Peter Raby soutient que la structure en trois actes est plus efficace et que le texte original plus court a plus de résonance théâtrale que l'édition publiée augmentée. Raby (1988 : 121)
Productions
Première
La pièce a été produite pour la première fois au St James's Theatre le jour de la Saint-Valentin 1895. Mendelshon, Daniel ; Les deux Oscar Wildes, New York Review of Books, Volume 49, Numéro 15, 10 octobre 2002. Il faisait un froid glacial mais Wilde arriva habillé dans une « sobriété fleurie », portant un œillet vert. Le public, selon un rapport, "comprenait de nombreux membres des grands et bons, d'anciens ministres et conseillers privés, ainsi que des acteurs, des écrivains, des universitaires et des passionnés". Allan Aynesworth, qui jouait Algernon Moncrieff, a rappelé à Hesketh Pearson que "au cours de mes cinquante-trois années d'acteur, je ne me souviens jamais d'un plus grand triomphe que [cette] première nuit". Aynesworth était lui-même « débonnaire et élégant », et Alexander, qui jouait Jack Worthing, « sage ».
Le casting était :
*John Worthing, JP — George Alexander
*Algernon Moncrieff—Allan Aynesworth
*Tour. Chanoine Chasuble, D.D.—H. H.Vincent
*Merriman—Frank Dyall
*Voie—F. Kinsey Peile
*Lady Bracknell—Rose Leclercq
*L'hon. Gwendolen Fairfax—Irène Vanbrugh
*Cecily Cardew—Evelyn Millard
*Mlle Prism—Mme. Georges Canningé
Le marquis de Queensberry, le père de l'amant de Wilde, Lord Alfred Douglas (qui était alors en vacances à Alger), avait prévu de perturber la pièce en lançant un bouquet de légumes pourris au dramaturge lorsque celui-ci tirait sa révérence à la fin de la pièce. le spectacle. Wilde et Alexander ont eu connaissance du plan, et ce dernier a annulé le billet de Queensberry et a fait en sorte que les policiers lui barrent l'entrée. Néanmoins, il a continué à harceler Wilde, qui a finalement lancé une poursuite privée contre le pair pour diffamation criminelle, déclenchant une série de procès se terminant par l'emprisonnement de Wilde pour grossière indécence. Alexander a tenté, sans succès, de sauver la production en supprimant le nom de Wilde de la facturation, mais la pièce a dû se terminer après seulement 86 représentations.
La production originale de la pièce à Broadway a débuté à l'Empire Theatre le 22 avril 1895, mais s'est terminée après seize représentations. Son casting comprenait William Faversham dans le rôle d'Algy, Henry Miller dans le rôle de Jack, Viola Allen dans le rôle de Gwendolen et Ida Vernon dans le rôle de Lady Bracknell. Hischak (2009 : 2527) La première australienne eut lieu à Melbourne le 10 août 1895, présentée par Dion Boucicault, Jr. et Robert Brough, et la pièce connaît un succès immédiat. La chute de Wilde en Angleterre n'a pas affecté la popularité de ses pièces en Australie.
Réception critique
Contrairement à la plupart des théâtres de l'époque, l'intrigue légère de The Importance of Being Earnest n'aborde pas de graves problèmes sociaux et politiques, ce dont les critiques contemporains se méfiaient. Bien qu'incertains du sérieux de Wilde en tant que dramaturge, ils ont reconnu l'intelligence, l'humour et la popularité de la pièce auprès du public. George Bernard Shaw, par exemple, a commenté la pièce dans le Saturday Review, affirmant que la comédie devait autant toucher qu'amuser : « Je vais au théâtre pour être ému de rire. » Plus tard, dans une lettre, il a dit que la pièce, bien que "extrêmement drôle", était "la première [une] vraiment sans cœur" de Wilde. Dans The World, William Archer a écrit qu'il avait aimé regarder la pièce mais qu'il la trouvait vide de sens : « Que peut faire un pauvre critique avec une pièce qui ne soulève aucun principe, qu'il s'agisse d'art ou de morale, qui crée ses propres canons et conventions ? , et n'est rien d'autre qu'une expression absolument volontaire d'une personnalité irrépressiblement pleine d'esprit ?
Dans The Speaker, A. B. Walkley admirait la pièce et était l'un des rares à y voir le point culminant de la carrière dramatique de Wilde. Il a nié que le terme « farce » soit péjoratif, ou même manquant de sérieux, et a déclaré : « C'est une absurdité tout compacte, et une meilleure absurdité, je pense, que notre scène n'a pas vue. » Beckson (1970 : 196) H. G. Wells, dans une critique non signée pour la Pall Mall Gazette, a qualifié Earnest de l'une des comédies les plus fraîches de l'année, affirmant que "il serait difficile d'imaginer un traitement plus humoristique des conventions théâtrales". Il s'est également demandé si les gens comprendraient pleinement son message, "... il reste à voir comment les gens sérieux prendront cette comédie triviale destinée à leur apprentissage. Sans aucun doute sérieusement." La pièce était si légère que de nombreux critiques la comparèrent à un opéra-comique plutôt qu'à un drame. W. H. Auden l'a appelé plus tard « un pur opéra verbal », et le Times a commenté : « L'histoire est presque trop absurde pour se passer de musique. » Mary McCarthy, dans Sights and Spectacles (1959), cependant, et bien qu'elle trouve la pièce extrêmement drôle, la qualifierait de « idylle féroce » ; "La dépravation est le héros et le seul personnage."
L'importance d'être sérieux est l'œuvre la plus populaire de Wilde et est continuellement relancée. Max Beerbohm a qualifié la pièce de Wilde de "la meilleure, la plus indéniablement la sienne", affirmant que dans ses autres comédies - L'éventail de Lady Windermere, Une femme sans importance et Un mari idéal - l'intrigue, à la manière de Victorien Sardou, n'a aucun rapport avec le thème de l'œuvre, tandis que dans Earnest, l'histoire est « dissoute » dans la forme de la pièce.
Réveils
Jusqu'après la mort de Wilde en 1900, son nom resta en disgrâce et peu de gens discutèrent, et encore moins exécutèrent, de son travail en Grande-Bretagne. Alexander a relancé The Importance dans un petit théâtre de Notting Hill, à l'extérieur du West End, en 1901 ; la même année, il présente la pièce en tournée, incarnant Jack Worthing avec un casting comprenant la jeune Lilian Braithwaite dans le rôle de Cecily. La pièce revint dans le West End lorsqu'Alexander présenta une reprise au St James's en 1902. Des reprises à Broadway furent montées en 1902 et de nouveau en 1910, chaque production durant six semaines.
Une édition complète des œuvres de Wilde, publiée en 1908 et éditée par Robert Ross, contribua à restaurer sa réputation d'auteur. Alexander a présenté une autre reprise de The Importance au St James's en 1909, lorsque lui et Aynesworth ont repris leurs rôles d'origine ; la reprise a duré 316 représentations. Wearing, J P. [http://www.oxforddnb.com/view/article/30370 "Alexander, Sir George (1858-1918)"], Oxford Dictionary of National Biography, Oxford University Press , 2004, consulté le 31 juillet 2013. Max Beerbohm a déclaré que la pièce allait certainement devenir un classique du répertoire anglais et que son humour était alors aussi frais que lorsqu'elle avait été écrite, ajoutant que les acteurs avaient « porté aussi bien le jouer". Beerbohm (1970 : 510)
Pour une reprise en 1913 dans le même théâtre, les jeunes acteurs Gerald Ames et A. E. Matthews succédèrent aux créateurs dans le rôle de Jack et Algy. John Deverell dans le rôle de Jack et Margaret Scudamore dans le rôle de Lady Bracknell ont dirigé le casting dans une production de 1923 au Haymarket Theatre. De nombreux réveils au cours des premières décennies du 20e siècle considéraient « le présent » comme l’année en cours. Ce n’est que dans les années 1920 que les arguments en faveur des costumes des années 1890 ont été établis ; comme le dit un critique du Manchester Guardian : « Trente ans plus tard, on commence à penser que Wilde devrait être fait dans le costume de son époque – que son esprit d'aujourd'hui a besoin du soutien de l'atmosphère qui lui a donné vie et vérité. les félicités verbales scintillantes et complexes vont mal avec le bardeau et la jupe courte.
Dans la production de Sir Nigel Playfair en 1930 au Lyric Hammersmith, John Gielgud incarnait Jack auprès de la Lady Bracknell de sa tante, Mabel Terry-Lewis. Gielgud a produit et joué dans une production au Globe (maintenant le Gielgud) Theatre en 1939, dans un casting qui comprenait Edith Evans dans le rôle de Lady Bracknell, Joyce Carey dans le rôle de Gwendolen, Angela Baddeley dans le rôle de Cecily et Margaret Rutherford dans le rôle de Miss Prism. Le Times considérait la production comme la meilleure depuis l'original et la louait pour sa fidélité à la conception de Wilde, sa « qualité de jeu de balle aérée et réactive ». Plus tard dans la même année, Gielgud présenta à nouveau l'œuvre, avec Jack Hawkins dans le rôle d'Algy, Gwen Ffrangcon-Davies dans le rôle de Gwendolen et Peggy Ashcroft dans le rôle de Cecily, avec Evans et Rutherford dans leurs rôles précédents. La production a été présentée en plusieurs saisons pendant et après la Seconde Guerre mondiale, avec pour la plupart les mêmes acteurs principaux. Au cours d'une saison 1946 au Haymarket, le roi et la reine assistèrent à une représentation qui, comme le dit le journaliste Geoffrey Wheatcroft, donna à la pièce « une dernière distinction de respectabilité ». La production fit une tournée en Amérique du Nord et fut mise en scène avec succès à Broadway en 1947.
Alors que l'œuvre de Wilde était lue et interprétée à nouveau, c'est L'importance d'être sérieux qui a reçu le plus de productions. Au moment de son centenaire, le journaliste Mark Lawson la décrivait comme « la deuxième pièce de théâtre anglaise la plus connue et citée après Hamlet ».
Pour la production de Sir Peter Hall en 1982 au Théâtre National, le casting comprenait Judi Dench dans le rôle de Lady Bracknell, Martin Jarvis dans le rôle de Jack, Nigel Havers dans le rôle d'Algy, Zoë Wanamaker dans le rôle de Gwendolen et Anna Massey dans le rôle de Miss Prism. La production de Nicholas Hytner en 1993 au Théâtre Aldwych, avec Maggie Smith, contenait des références occasionnelles au sous-texte supposé gay. Bostridge, Mark. [http://docs.newsbank.com/openurl?ctx_ver
z39.88-2004&rft_idinfo:sid/iw.newsbank.com:UKNB:TND1&rft_val_format
info:ofi/fmt:kev:mtx:ctx&rft_dat132A8FEE00241E18&svc_dat
InfoWeb:aggregated5&req_dat=102CDD40F14C6BDA " Vous voulez vraiment la comédie musicale ? Vous voulez vraiment la suite ? Ne riez pas... "], The Independent le dimanche 1er septembre 2002
En 2005, l'Abbey Theatre de Dublin a produit la pièce avec une distribution entièrement masculine ; il mettait également en vedette Wilde comme personnage - la pièce s'ouvre avec lui buvant dans un café parisien, rêvant de sa pièce. La Melbourne Theatre Company a organisé une production en décembre 2011 avec Geoffrey Rush dans le rôle de Lady Bracknell.
3737 "L'importance d'être sérieux"], Melbourne Theatre Company, consulté le 22 décembre 2011
En 2011, la Roundabout Theatre Company a produit une reprise à Broadway basée sur la production du Stratford Shakespeare Festival 2009 mettant en vedette Brian Bedford comme réalisateur et comme Lady Bracknell. Il a ouvert ses portes au American Airlines Theatre le 13 janvier et s'est déroulé jusqu'au 3 juillet 2011. Le casting comprenait également Dana Ivey dans le rôle de Miss Prism, Paxton Whitehead dans le rôle de Canon Chasuble, Santino Fontana dans le rôle d'Algernon, Paul O'Brien dans le rôle de Lane, Charlotte Parry dans le rôle de Cecily, David Furr dans le rôle de Jack et Sara Topham dans le rôle de Gwendolen. Il a été nominé pour trois Tony Awards.
La pièce a également été présentée à l'échelle internationale, à Singapour, en octobre 2004, par le British Theatre Playhouse, et la même compagnie l'a présentée au Greenwich Theatre de Londres en avril 2005.
Synopsis
La pièce se déroule dans "Le Présent" (c'est-à-dire 1895).
Acte I
;Appartement d'Algernon Moncrieff dans Half Moon Street, W
La pièce s'ouvre avec Algernon Moncrieff, un jeune homme oisif, recevant son meilleur ami, John Worthing, qu'il connaît sous le nom d'Ernest. Ernest est venu du pays pour proposer à la cousine d'Algernon, Gwendolen Fairfax. Algernon, cependant, refuse son consentement jusqu'à ce qu'Ernest explique pourquoi son étui à cigarettes porte l'inscription « De la petite Cecily, avec son plus grand amour à son cher oncle Jack ». « Ernest » est obligé d'admettre qu'il mène une double vie. A la campagne, il prend une attitude sérieuse au profit de sa jeune pupille, l'héritière Cecily Cardew, et se fait appeler John (ou, comme surnom, Jack), tout en prétendant qu'il doit s'inquiéter pour un jeune frère gaspillé. nommé Ernest à Londres. A la ville, quant à lui, il assume l'identité du libertin Ernest. Algernon avoue une tromperie similaire : il prétend avoir un ami invalide nommé Bunbury dans le pays, à qui il peut « rendre visite » chaque fois qu'il le souhaite pour éviter une obligation sociale importune. Jack refuse de dire à Algernon l'emplacement de sa propriété de campagne.
Gwendolen et sa formidable mère Lady Bracknell font désormais appel à Algernon qui distrait Lady Bracknell dans une autre pièce pendant que Jack propose à Gwendolen. Elle accepte, mais semble l'aimer très largement pour son nom déclaré d'Ernest. Jack décide donc d'être rebaptisé "Ernest". Les découvrant lors de cet échange intime, Lady Bracknell interviewe Jack en tant que prétendant potentiel. Horrifiée d'apprendre qu'il a été adopté après avoir été découvert bébé dans un sac à main à la gare Victoria, elle le refuse et interdit tout contact ultérieur avec sa fille. Gwendolen, cependant, parvient secrètement à lui promettre son amour éternel. Tandis que Jack lui donne son adresse à la campagne, Algernon la note subrepticement sur le revers de sa manche : la révélation par Jack de sa jolie et riche jeune pupille a motivé son ami à la rencontrer.
Acte II
;Le jardin du manoir, Woolton
Cecily étudie avec sa gouvernante, Miss Prism. Algernon arrive, se faisant passer pour Ernest Worthing, et charme bientôt Cecily. Longtemps fascinée par le frère mouton noir jusqu'ici absent de l'oncle Jack, elle est prédisposée à tomber amoureuse d'Algernon dans son rôle d'Ernest (un nom qu'elle, comme Gwendolen, aime apparemment particulièrement). C'est pourquoi Algernon envisage également que le recteur, le Dr Chasuble, le rebaptise "Ernest".
Jack, quant à lui, a décidé d'abandonner sa double vie. Il arrive en plein deuil et annonce la mort de son frère à Paris d'un violent rhume, histoire mise à mal par la présence d'Algernon sous les traits d'Ernest.
Gwendolen entre maintenant, après s'être enfuie de chez elle. Durant l'absence momentanée des deux hommes, elle rencontre Cecily, chacune d'elles déclarant avec indignation qu'elle est la fiancée d'« Ernest ». Lorsque Jack et Algernon réapparaissent, leurs tromperies sont révélées.
Acte III
;Morning-Room au Manoir, Woolton
Arrivée à la poursuite de sa fille, Lady Bracknell est étonnée d'apprendre qu'Algernon et Cecily sont fiancés. La révélation du fonds fiduciaire de Cecily dissipe bientôt les doutes initiaux de Lady Bracknell quant à l'adéquation de la jeune femme, mais tout engagement est interdit par son tuteur Jack : il ne consentira que si Lady Bracknell accepte sa propre union avec Gwendolen - ce qu'elle refuse de faire.
L'impasse est brisée par le retour de Miss Prism, que Lady Bracknell reconnaît comme la personne qui, vingt-huit ans plus tôt, en tant que nourrice de la famille, avait emmené un petit garçon se promener dans une poussette (landau) et n'est jamais revenue. Interpellée, Miss Prism explique qu'elle avait distraitement mis le manuscrit d'un roman qu'elle était en train d'écrire dans la poussette, et le bébé dans un sac à main, qu'elle avait laissé à la gare Victoria. Jack produit le même sac à main, montrant qu'il est le bébé perdu, le fils aîné de la défunte sœur de Lady Bracknell, et donc bien le frère aîné d'Algernon. Ayant acquis des relations aussi respectables, il est après tout acceptable comme prétendant pour Gwendolen.
Gwendolen, cependant, insiste toujours sur le fait qu'elle ne peut aimer qu'un homme nommé Ernest. Quel est le vrai prénom de son fiancé ? Lady Bracknell informe Jack qu'en tant que premier-né, il aurait été nommé d'après son père, le général Moncrieff. Jack examine les listes militaires et découvre que le nom de son père – et donc son vrai nom – était en fait Ernest. Faire semblant était la réalité depuis le début. Alors que les couples heureux s'embrassent – ​​Jack et Gwendolen, Algernon et Cecily, et même le Dr Chasuble et Miss Prism – Lady Bracknell se plaint à son nouveau parent : « Mon neveu, vous semblez montrer des signes de trivialité. "Au contraire, tante Augusta", répond-il, "j'ai réalisé pour la première fois de ma vie l'importance vitale d'être sérieux."
Thèmes
Banalité
Arthur Ransome a décrit The Importance... comme la pièce de société la plus triviale de Wilde, et la seule qui produit « cette exaltation particulière de l'esprit par laquelle nous reconnaissons le beau ». "C'est", écrit-il, "précisément parce que c'est systématiquement trivial que ce n'est pas laid." Ellmann dit que L'importance d'être sérieux abordait de nombreux thèmes que Wilde avait construits depuis les années 1880 : la langueur des poses esthétiques était bien établie et Wilde la prend comme point de départ pour les deux protagonistes. Ellmann (1988 : 398) Tandis que Salomé, Un mari idéal et Le portrait de Dorian Gray s'étaient attardés sur des actes répréhensibles plus graves, le vice dans Earnest est représenté par l'envie d'Algy pour les sandwichs au concombre. Wilde a déclaré à Robert Ross que le thème de la pièce était « Que nous devrions traiter toutes les choses insignifiantes de la vie très au sérieux, et toutes les choses sérieuses de la vie avec une trivialité sincère et étudiée. » Le thème est évoqué dans le titre ironique de la pièce, et le « sérieux » est évoqué à plusieurs reprises dans le dialogue, dit Algernon dans l'acte II, « il faut être sérieux à propos de quelque chose si l'on veut s'amuser dans la vie », mais continue " Le chantage et la corruption avaient hanté la double vie de Dorian Gray et de Sir Robert Chiltern (dans Un mari idéal), mais dans Earnest la duplicité des protagonistes (le " bunburying " d'Algernon et la double vie de Worthing comme Jack et Ernest) est entrepris à des fins plus innocentes – en grande partie pour éviter des obligations sociales indésirables. Alors que la plupart des théâtres de l'époque abordaient de graves problèmes sociaux et politiques, Earnest ne parle superficiellement de rien du tout. des dramaturges de l'époque, par exemple Bernard Shaw, qui utilisaient leurs personnages pour attirer le public vers de plus grands idéaux.
Comme une satire de la société
La pièce se moque à plusieurs reprises des traditions et des coutumes sociales victoriennes, du mariage et de la recherche de l'amour en particulier. À l'époque victorienne, le sérieux était considéré comme la valeur sociétale primordiale, provenant des tentatives religieuses de réforme des classes inférieures, et s'étendant également aux classes supérieures tout au long du siècle. Le titre même de la pièce, avec son paradoxe moqueur (les gens sérieux le sont parce qu'ils ne voient pas de comédies triviales), introduit le thème, il continue dans la discussion du salon : « Oui, mais il faut être sérieux. Je déteste les gens qui ne sont pas sérieux au sujet des repas, c'est tellement superficiel de leur part », dit Algernon dans l'acte 1 ; les allusions sont rapides et sous de multiples angles.
Wilde a réussi à la fois à s'engager et à se moquer du genre, tout en fournissant des commentaires sociaux et en proposant des réformes. Les hommes suivent des rites matrimoniaux traditionnels, par lesquels les prétendants admettent leurs faiblesses à leurs futures épouses, mais les faiblesses qu'ils excusent sont ridicules et la farce est construite sur une confusion absurde d'un livre et d'un bébé. Lorsque Jack s'excuse auprès de Gwendolen lors de sa demande en mariage, c'est pour ne pas avoir été méchant :
JACK : Gwendolen, c'est une chose terrible pour un homme de découvrir soudain que toute sa vie il n'a dit que la vérité. Peux tu me pardonner?
GWENDOLEN : Je peux. Car je sens que tu es sûr de changer.
À leur tour, Gwendolen et Cecily ont l'idéal d'épouser un homme nommé Ernest, un nom populaire et respecté à l'époque. Gwendolen, contrairement à l'analyse méthodique de sa mère sur l'aptitude de John Worthing en tant que mari, place toute sa foi dans un nom chrétien, déclarant dans l'acte I : « Le seul nom vraiment sûr est Ernest ». C'est une opinion partagée par Cecily dans l'acte II : « Je plains toute pauvre femme mariée dont le mari ne s'appelle pas Ernest » et elles déclarent avec indignation qu'elles ont été trompées lorsqu'elles découvrent les vrais noms des hommes.
Wilde a incarné astucieusement les règles et les rituels de la société dans Lady Bracknell : une attention minutieuse aux détails de son style a créé un effet comique d'affirmation par la retenue. Contrairement à sa connaissance encyclopédique des distinctions sociales des noms de rues de Londres, la filiation obscure de Jack est subtilement évoquée. Il se défend contre elle : « Un sac à main ? avec la précision "The Brighton Line". À l'époque, la gare Victoria se composait de deux stations terminales distinctes mais adjacentes partageant le même nom. À l'est se trouvait le chemin de fer délabré LC&D, à l'ouest le haut de gamme LB&SCR, la Brighton Line, qui se rendait à Worthing, la ville à la mode et chère vers laquelle se rendait à l'époque l'homme qui a trouvé bébé Jack (et après quoi Jack a été emmené). nommé).
Sous-texte homosexuel suggéré
Il a été avancé que les thèmes de la duplicité et de l'ambivalence de la pièce sont inextricablement liés à l'homosexualité de Wilde et que la pièce présente une « présence-absence vacillante de… désir homosexuel ». En relisant la pièce après sa sortie de prison, Wilde a déclaré: "C'était extraordinaire de relire la pièce. Comment j'avais l'habitude de jouer avec cette vie de tigre." Comme l'a dit un spécialiste, la nécessité absolue pour les homosexuels de l'époque « d'avoir besoin d'un masque public est un facteur contribuant à la satire du déguisement social ».
L'utilisation du nom Earnest était peut-être une blague homosexuelle. En 1892, trois ans avant que Wilde n'écrive la pièce, John Gambril Nicholson avait publié le livre de poésie pédérastique Love In Earnest. Le sonnet Of Boys' Names comprenait le couplet: "Bien que Frank puisse sonner comme une cloche d'argent / Et Cecil prétend une musique plus douce / Ils ne peuvent pas faire de miracle / - 'Tis Ernest enflamme mon cœur." Le mot « sérieux » peut aussi avoir été un mot de code pour homosexuel, comme dans : « Est-il sérieux ? », de la même manière que « L'est-il ? et "Est-il musical ?" Étaient employés.
Sir Donald Sinden, un acteur qui avait rencontré deux des acteurs originaux de la pièce (Irene Vanbrugh et Allan Aynesworth) et Lord Alfred Douglas, a écrit au Times pour contester les suggestions selon lesquelles "Earnest" avait des connotations sexuelles : The Times, 2 février 2001. , p. 19
Même s'ils en ont eu amplement l'occasion, à aucun moment aucun d'entre eux n'a même laissé entendre que « Earnest » était synonyme d'homosexuel, ou que « bunburying » pouvait impliquer des relations sexuelles homosexuelles. La première fois que j’en ai entendu parler, c’était dans les années 1980 et j’ai immédiatement consulté Sir John Gielgud dont la propre interprétation de Jack Worthing dans la même pièce était légendaire et dont la connaissance des traditions théâtrales était encyclopédique. Il a répondu de sa sonnerie : "Non-Non ! C'est un non-sens, un non-sens absolu : je l'aurais su".
Un certain nombre de théories ont également été avancées pour expliquer la dérivation de Bunbury et Bunburying, qui sont utilisés dans la pièce pour impliquer une double vie secrète. Il provient peut-être de Henry Shirley Bunbury, une connaissance hypocondriaque de la jeunesse de Wilde. Une autre suggestion, avancée en 1913 par Aleister Crowley, qui connaissait Wilde, était que Bunbury était une combinaison de mots : que Wilde avait pris un jour le train pour Banbury, y avait rencontré un écolier et avait organisé une deuxième rencontre secrète avec lui à Sunbury.
Analyse dramatique
Utilisation du langage
Alors que Wilde était depuis longtemps célèbre pour ses dialogues et son utilisation du langage, Raby (1988) affirme qu'il a atteint dans Earnest une unité et une maîtrise inégalées dans ses autres pièces, à l'exception peut-être de Salomé. Alors que ses premières comédies souffrent d'une inégalité résultant du choc thématique entre le trivial et le sérieux, Earnest parvient à un style parfait qui permet à ceux-ci de se dissoudre. Il y a trois registres différents détectables dans la pièce. L'insouciance dandy de Jack et d'Algernon, établie très tôt lors de l'échange d'Algernon avec son domestique, trahit une unité sous-jacente malgré leurs attitudes différentes. Les formidables déclarations de Lady Bracknell sont aussi surprenantes par son recours à l’hyperbole et à l’extravagance rhétorique que par ses opinions déconcertantes. En revanche, le discours du Dr Chasuble et de Miss Prism se distingue par un « précepte pédant » et un « détournement idiosyncratique ». De plus, la pièce est pleine d'épigrammes et de paradoxes. Max Beerbohm l'a décrit comme jonché d '«apophtegmes ciselés - des mots d'esprit sans rapport avec l'action ou le caractère», dont il a trouvé une demi-douzaine comme étant du plus haut niveau.
La réplique de Lady Bracknell, "A Handbag ?", a été considérée comme l'une des plus malléables du drame anglais, se prêtant à des interprétations allant de l'incrédulité ou du scandale à la perplexité. Edith Evans, à la fois sur scène et dans le film de 1952, a prononcé la phrase haut et fort dans un mélange d'horreur, d'incrédulité et de condescendance. Stockard Channing, au Gaiety Theatre de Dublin en 2010, a fait taire la réplique, selon les mots d'un critique, "avec un 'Un sac à main ?' à peine audible, rapidement englouti par une forte inspiration. Une prise discrète, bien sûr, mais avec une pièce aussi connue, pleine de bons mots et d'aphorismes avec une vie qui leur est propre, ce sont les petites choses qui font la différence."
Caractérisation
Bien que Wilde ait déployé des personnages désormais familiers – le seigneur dandy, la matriarche autoritaire, la femme au passé, la jeune femme puritaine – son traitement est plus subtil que dans ses comédies précédentes. Lady Bracknell, par exemple, incarne une société respectable de la classe supérieure, mais Eltis note comment son évolution « de la duchesse autoritaire familière à un personnage plus excentrique et plus inquiétant » peut être retracée à travers les révisions de la pièce par Wilde. Pour les deux jeunes hommes, Wilde ne présente pas des « mecs » de scène stéréotypés mais des êtres intelligents qui, comme le dit Jackson, « parlent comme leur créateur dans des phrases complètes bien formées et utilisent rarement l'argot ou les mots à la mode ». Jackson (1988 : xxix ) Le Dr Chasuble et Miss Prism se caractérisent par quelques légères touches de détail, leur enthousiasme suranné et le pédantisme fastidieux du chanoine, épuré par Wilde lors de ses nombreuses refontes du texte.
Structure et genre
Ransome soutient que Wilde s'est libéré en abandonnant le mélodrame, la structure de base qui sous-tend ses premières comédies sociales, et en basant entièrement l'histoire sur la vanité verbale Earnest/Ernest. Désormais libéré de « se montrer à la hauteur de tout drame plus sérieux qu'une conversation », Wilde pouvait désormais s'amuser davantage avec des plaisanteries, des bons-mots, des épigrammes et des réparties qui n'avaient vraiment pas grand-chose à voir avec l'affaire en cours.
Le genre de l'importance d'être sérieux a été profondément débattu par les chercheurs et les critiques qui ont placé la pièce dans une grande variété de genres allant de la parodie à la satire. Dans sa critique de Wilde, Foster soutient que la pièce crée un monde où « les valeurs réelles sont inversées [et], la raison et la déraison sont échangées ». De même, l'utilisation du dialogue par Wilde se moque des classes supérieures de l'Angleterre victorienne, donnant à la pièce un ton satirique. Reinhart stipule en outre que l'utilisation de l'humour farfelu pour se moquer des classes supérieures « mérite la pièce à la fois comme satire et comme drame ».
Publication
Première édition
Les deux dernières comédies de Wilde, An Ideal Husband et The Importance of Being Earnest, étaient encore sur scène à Londres au moment de son procès, et elles furent bientôt fermées lorsque les détails de son cas devinrent publics. Après deux ans de prison aux travaux forcés, Wilde s'exile à Paris, malade et déprimé, sa réputation détruite en Angleterre. En 1898, alors que personne d’autre ne le ferait, Leonard Smithers s’entendit avec Wilde pour publier les deux dernières pièces. Wilde s'est avéré être un réviseur assidu, envoyant des instructions détaillées sur les mises en scène, la liste des personnages et la présentation du livre, et insistant pour qu'une affiche de la première représentation soit reproduite à l'intérieur. Ellmann soutient que les preuves montrent un homme « très maître de lui-même et de la pièce ». Ellmann (1988 : 527) Le nom de Wilde n'apparaissait pas sur la couverture, c'était « Par l'auteur de l'éventail de Lady Windermere ». Son retour au travail fut cependant bref, car il refusa d'écrire autre chose : « Je peux écrire, mais j'ai perdu la joie d'écrire ».
Le 19 octobre 2007, une première édition (numéro 349 sur 1 000 exemplaires) a été découverte dans un sac à main dans un magasin Oxfam à Nantwich, Cheshire. Le personnel n'a pas pu retrouver le donneur. Il a été vendu 650 £.
En traduction
La popularité de L'importance d'être sérieux a signifié qu'il a été traduit dans de nombreuses langues, bien que le jeu de mots homophonique dans le titre (« Ernest », un nom propre masculin, et « sérieux », la vertu de fermeté et de sérieux) pose un problème particulier pour traducteurs. Le cas le plus simple d’une traduction appropriée du jeu de mots, perpétuant son sens et sa signification, aurait pu être sa traduction en allemand. L'anglais et l'allemand étant des langues étroitement liées, l'allemand fournit un adjectif équivalent (« ernst ») ainsi qu'un nom propre masculin correspondant (« Ernst »). Le sens et la teneur du jeu de mots sont exactement les mêmes. Il existe pourtant de nombreux titres possibles en allemand, qui concernent principalement la structure des phrases. Les deux plus courants sont "Bunbury oder ernst / Ernst sein ist alles" et "Bunbury oder wie wichtig es ist, ernst / Ernst zu sein". Dans une étude sur les trans italiens