Le film « The Music Lovers » parlait de quel compositeur ?
Tchaïkovski
Dans les années qui ont suivi 1800, la musique développée par Ludwig van Beethoven et Franz Schubert a introduit un style plus dramatique et plus expressif. Dans le cas de Beethoven, de courts motifs, développés de manière organique, sont venus remplacer la mélodie comme unité de composition la plus significative (un exemple est la figure distinctive à quatre notes utilisée dans sa Cinquième Symphonie). Des compositeurs romantiques ultérieurs tels que Piotr Ilitch Tchaïkovski, Antonín Dvořák et Gustav Mahler ont utilisé des accords plus inhabituels et plus de dissonance pour créer une tension dramatique. Ils ont généré des œuvres musicales complexes et souvent beaucoup plus longues. À la fin de la période romantique, les compositeurs ont exploré des modifications chromatiques dramatiques de la tonalité, telles que des accords étendus et des accords modifiés, qui ont créé de nouvelles « couleurs » sonores. Les compositeurs de l’époque romantique ont augmenté la taille de l’orchestre en ajoutant des musiciens et en utilisant de nouveaux instruments, créant ainsi un son plus puissant. Certains orchestres wagnériens comprenaient plusieurs harpes, des sections de cordes massives et des tubas Wagner.
Un compositeur (du latin compōnō ; littéralement « celui qui assemble ») est une personne qui crée ou écrit de la musique, qui peut être de la musique vocale (pour un chanteur ou un chœur), de la musique instrumentale (par exemple pour piano solo, quatuor à cordes, quintette à vent). ou orchestre) ou une musique qui combine à la fois des instruments et des voix (par exemple, un opéra ou une chanson artistique, qui est un chanteur accompagné d'un pianiste). Le sens principal du terme fait référence aux individus qui ont contribué à la tradition de la musique classique occidentale par la création d'œuvres exprimées sous forme de notation musicale écrite (par exemple, des partitions musicales).
De nombreux compositeurs sont également des interprètes talentueux, que ce soit en tant que chanteurs, instrumentistes et/ou chefs d'orchestre. Parmi les exemples de compositeurs également connus pour leurs capacités d'interprètes figurent J. S. Bach (organiste), Mozart (violon et piano) et Beethoven, Liszt et Chopin (tous pianistes talentueux). L'implication dans la création musicale pratique donne au compositeur un aperçu des divers éléments musicaux nécessaires à un bon morceau de musique et peut lui donner des conseils pratiques dans ses compositions.
Dans un usage plus large, « compositeur » peut désigner des personnes qui participent à d'autres traditions musicales et qui créent de la musique, ainsi que celles qui créent de la musique par des moyens autres que la notation écrite : par exemple, les chanteurs et guitaristes de blues ou folk qui créent des chansons par improvisation et enregistrement. et auteurs de musique populaire de chansons et d'arrangements de théâtre musical. Dans de nombreux genres musicaux populaires, comme le rock et la country, les musiciens qui créent de nouvelles chansons sont généralement appelés auteurs-compositeurs.
Compositeurs et interprètes
Étant donné que la notation musicale n’exprime qu’incomplètement un morceau de musique, il existe tout un continuum de possibilités quant à la mesure dans laquelle l’interprète détermine la forme finale de l’œuvre rendue lors d’un concert. Même dans un morceau de musique instrumentale classique dans lequel toutes les mélodies, accords et lignes de basse sont écrits en notation musicale, l'interprète a une bonne latitude pour ajouter une interprétation artistique à l'œuvre en variant son articulation et son phrasé, en choisissant comment long pour faire des points d'orgue (notes tenues) ou des pauses, et - dans le cas d'instruments à cordes frottées, de bois ou de cuivres - décider d'utiliser des effets expressifs tels que le vibrato ou le portamento. Pour un chanteur ou un interprète instrumental, le processus consistant à décider comment interpréter une musique préalablement composée et notée est appelé « interprétation ». Les interprétations de différents interprètes d'une même œuvre musicale peuvent varier considérablement, en termes de tempos choisis et de style de jeu ou de chant ou de phrasé des mélodies. Les compositeurs et auteurs-compositeurs qui présentent leur propre musique interprètent, tout autant que ceux qui interprètent la musique des autres. L'ensemble standard de choix et de techniques présents à un moment et dans un lieu donnés est appelé pratique de la performance, tandis que l'interprétation est généralement utilisée pour désigner les choix individuels d'un interprète.
Même si une composition musicale n’a souvent qu’un seul auteur, ce n’est pas toujours le cas. Une œuvre musicale peut avoir plusieurs compositeurs, ce qui se produit souvent dans la musique populaire lorsqu'un groupe collabore pour écrire une chanson, ou dans le théâtre musical, où les chansons peuvent être écrites par une seule personne, l'orchestration des parties d'accompagnement et l'écriture de l'ouverture est réalisé par un orchestrateur et les mots peuvent être écrits par une tierce personne.
Un morceau de musique peut également être composé de mots, d'images ou, aux XXe et XXIe siècles, d'un programme informatique expliquant ou notant comment le chanteur ou le musicien doit créer des sons musicaux. Les exemples vont des carillons éoliens tintant dans la brise à la musique d'avant-garde du 20e siècle utilisant la notation graphique, en passant par les compositions textuelles telles que Aus den sieben Tagen, jusqu'aux programmes informatiques qui sélectionnent les sons pour les pièces musicales. La musique qui fait largement appel au hasard et au hasard est appelée musique aléatoire et est associée à des compositeurs contemporains actifs au XXe siècle, tels que John Cage, Morton Feldman et Witold Lutosławski.
La musique composée à l'époque baroque, en particulier dans des tempos lents, était souvent écrite avec des lignes simples, dans l'espoir que l'interprète ajoute des ornements improvisés à la ligne mélodique lors d'une représentation. Cette liberté a diminué au cours des époques ultérieures, comme en témoigne l'utilisation croissante par les compositeurs d'une notation détaillée, y compris des marques d'expression indiquant plus précisément à l'interprète comment l'œuvre devait être exécutée. Une culture s'est finalement développée dans laquelle la fidélité à l'intention écrite du compositeur est devenue très valorisée (voir, par exemple, l'édition Urtext). Cette culture musicale est presque certainement liée à la haute estime (à la limite de la vénération) dans laquelle les interprètes tiennent souvent les plus grands compositeurs classiques.
Le mouvement de l'interprétation historique a redonné dans une certaine mesure la possibilité à l'interprète d'élaborer de manière sérieuse la musique telle qu'elle est donnée dans la partition, en particulier pour la musique baroque et la musique du début de la période classique. Le mouvement pourrait être considéré comme un moyen de créer une plus grande fidélité à l’original dans des œuvres composées à une époque où l’on attendait des interprètes qu’ils improvisent. Dans les genres autres que la musique classique, l’interprète a généralement plus de liberté ; ainsi, par exemple, lorsqu'un interprète de musique populaire occidentale crée une « reprise » d'une chanson antérieure, on ne s'attend guère à une interprétation exacte de l'original ; la fidélité exacte n'est pas non plus très appréciée (à l'exception peut-être des transcriptions « note pour note » de célèbres solos de guitare).
Dans la musique classique, le compositeur orchestre généralement ses propres compositions, mais dans le théâtre musical et dans la musique pop, les auteurs-compositeurs peuvent engager un arrangeur pour faire l'orchestration. Dans certains cas, un auteur-compositeur pop peut ne pas utiliser du tout de notation, mais composer la chanson dans son esprit, puis la jouer ou l'enregistrer de mémoire. Dans le jazz et la musique populaire, les enregistrements remarquables réalisés par des artistes influents ont le même poids que les partitions écrites jouent dans la musique classique. L'étude de la composition a traditionnellement été dominée par l'examen des méthodes et de la pratique de la musique classique occidentale, mais la définition de la composition est suffisamment large pour inclure la création de chansons et de pièces instrumentales de musique populaire et traditionnelle et pour inclure des œuvres spontanément improvisées comme celles des interprètes de free jazz. et des percussionnistes africains tels que les batteurs Ewe.
Histoire
Le niveau de distinction entre les compositeurs et les autres musiciens varie, ce qui affecte des questions telles que le droit d'auteur et le respect accordé aux interprétations individuelles d'un morceau de musique particulier. Dans le développement de la musique classique européenne, la fonction de composer de la musique n’avait initialement pas beaucoup plus d’importance que celle de l’interpréter. La préservation des compositions individuelles n'a pas reçu une grande attention et les musiciens n'avaient généralement aucun scrupule à modifier les compositions pour les interpréter. Dans la mesure où le rôle du compositeur dans la musique savante occidentale n’a cessé de se consolider, dans les idiomes alternatifs (c’est-à-dire le jazz, la musique expérimentale), il est, à certains égards, devenu de plus en plus complexe ou vague. Par exemple, dans certains contextes, la frontière entre compositeur et interprète, concepteur sonore, arrangeur, producteur et autres rôles peut être assez floue.
Le terme « compositeur » est souvent utilisé pour désigner les compositeurs de musique instrumentale, comme ceux que l'on trouve dans le classique, le jazz ou d'autres formes d'art et de musique traditionnelle. Dans la musique populaire et folklorique, le compositeur est généralement appelé auteur-compositeur, car la musique prend généralement la forme d'une chanson. Depuis le milieu du 20e siècle, le terme s'est élargi pour englober les créateurs de musique électroacoustique, dans lesquels les compositeurs créent directement du matériel sonore sur l'un des divers supports électroniques, tels que des bandes à bobines et des unités d'effets électroniques, qui peuvent être présentés à un public en réécoutant une cassette ou un autre enregistrement sonore, ou en faisant jouer des instrumentistes et/ou des chanteurs en direct avec du matériel préenregistré. Cela se distingue d'une conception de la composition instrumentale du XIXe siècle, où l'œuvre était représentée uniquement par une partition musicale devant être interprétée par les interprètes.
La Grèce ancienne
La musique jouait un rôle important dans la vie sociale et culturelle de la Grèce antique. Nous savons que les compositeurs ont écrit de la musique notée à l’époque de la Grèce antique parce que les érudits ont découvert l’épitaphe de Seikilos. L'épitaphe, écrite entre 200 avant JC et 100 après JC environ, est le plus ancien exemple survivant d'une composition musicale complète, y compris la notation musicale, dans le monde. La chanson, dont la mélodie est enregistrée, avec ses paroles, dans la notation musicale grecque ancienne, a été retrouvée gravée sur une pierre tombale, une stèle, près d'Aydın, en Turquie (non loin d'Éphèse). Il s'agit d'un chant ionique hellénistique dans les espèces d'octave phrygienne ou dans les tonos iastiens.
Moyen-âge
À l'époque de la musique médiévale (476 à 1400), les compositeurs écrivaient des chants monophoniques (une seule ligne mélodique) lors des services de l'Église catholique romaine. La musique occidentale a alors commencé à devenir davantage une forme d’art avec les progrès de la notation musicale. Le seul répertoire médiéval européen qui subsiste avant 800 environ est le plain-chant liturgique monophonique de l'Église catholique romaine, dont la tradition centrale était appelée chant grégorien. À côté de ces traditions de musique sacrée et religieuse, existait une tradition dynamique de chants profanes (chants non religieux). Des exemples de compositeurs de cette période sont Léonin, Pérotin et Guillaume de Machaut.
Renaissance
À l'époque de la musique de la Renaissance (environ 1400 à 1600), les compositeurs avaient tendance à se concentrer davantage sur l'écriture de chansons sur des thèmes profanes (non religieux), tels que l'amour courtois. Vers 1450, l'imprimerie a été inventée, ce qui a rendu les partitions imprimées beaucoup moins chères et plus faciles à produire en masse (avant l'invention de l'imprimerie, toute la musique notée était copiée à la main). La disponibilité accrue des partitions a contribué à diffuser les styles musicaux des compositeurs plus rapidement et sur une zone plus vaste. Au milieu du XVe siècle, les compositeurs écrivaient une musique sacrée richement polyphonique, dans laquelle différentes lignes mélodiques s’entrelaçaient simultanément. Parmi les compositeurs éminents de cette époque figurent Guillaume Dufay, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Thomas Morley et Orlande de Lassus. À mesure que l’activité musicale se déplaçait de l’église vers les cours aristocratiques, les rois, les reines et les princes se disputaient les meilleurs compositeurs. De nombreux compositeurs importants venaient des Pays-Bas, de Belgique et du nord de la France. On les appelle les compositeurs franco-flamands. Ils occupèrent des postes importants dans toute l’Europe, notamment en Italie. Parmi les autres pays ayant une activité musicale dynamique figurent l’Allemagne, l’Angleterre et l’Espagne.
Baroque
Au cours de l’ère musicale baroque (1600 à 1750), les compositeurs ont élargi la gamme et la complexité de la musique qu’ils écrivaient. L’ère de la musique baroque a commencé lorsque les compositeurs se sont inspirés de la musique grecque antique pour créer des opéras (musique vocale dramatique accompagnée d’un orchestre). Un autre style clé des compositeurs de musique utilisé à cette époque était la musique contrapuntique. Ce style d'écriture exigeait que les compositeurs aient une connaissance avancée de la théorie musicale, car la musique contrapuntique implique de multiples lignes mélodiques indépendantes jouées par des instruments et/ou chantées par des voix. Il y avait des règles strictes de contrepoint que les compositeurs devaient apprendre. Les compositeurs baroques allemands ont écrit pour de petits ensembles comprenant des cordes, des cuivres et des bois, ainsi que pour des chœurs et pour des instruments à clavier tels que l'orgue à tuyaux, le clavecin et le clavicorde. Au cours de cette période, les compositeurs ont développé plusieurs formes musicales majeures qui ont perduré dans des périodes ultérieures où elles se sont développées et ont évolué davantage, notamment la fugue, l'invention, la sonate et le concerto. Le style baroque tardif était polyphoniquement complexe et richement orné. Parmi les compositeurs les plus connus de l’époque baroque figurent Johann Sebastian Bach, George Frideric Handel, Georg Philipp Telemann et Vivaldi.
Classicisme
Les compositeurs de musique de la période classique (1750 à 1830) se sont tournés vers l’art et la philosophie de la Grèce antique et de Rome, vers les idéaux d’équilibre, de proportion et d’expression disciplinée. En dehors de l’écriture d’œuvres religieuses, les compositeurs se sont tournés vers une écriture dans une texture plus légère, plus claire et considérablement plus simple, utilisant des mélodies instrumentales qui avaient tendance à être presque vocales et chantables. De nouveaux genres ont été développés par les compositeurs. Le style principal était l'homophonie, où une mélodie proéminente et une partie d'accompagnement en accords subordonnés sont clairement distinctes.
Les compositeurs se sont concentrés sur la musique instrumentale. Elle a été dominée par le développement ultérieur de formes musicales initialement définies dans la période baroque : la sonate, le concerto et la symphonie. Les autres genres principaux étaient le trio, le quatuor à cordes, la sérénade et le divertimento. La sonate était la forme la plus importante et la plus développée. Bien que les compositeurs baroques aient également écrit des sonates, le style classique des sonates est complètement distinct. Toutes les principales formes instrumentales de l'ère classique, des quatuors à cordes aux symphonies et concertos, étaient basées sur la structure de la sonate.
L’un des changements les plus importants de la période classique fut le développement des concerts publics. L'aristocratie jouait encore un rôle important dans le parrainage de concerts et de compositions, mais il était désormais possible aux compositeurs de survivre sans être des employés permanents de reines ou de princes. La popularité croissante de la musique classique a entraîné une augmentation du nombre et du type d’orchestres. L'expansion des concerts d'orchestre a nécessité la construction de grands espaces de représentation publique. La musique symphonique, notamment les symphonies, l'accompagnement musical du ballet et les genres mixtes vocaux/instrumentaux tels que l'opéra et l'oratorio, sont devenus plus populaires.
Les compositeurs classiques les plus connus sont Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven et Franz Schubert. Beethoven et Schubert sont également considérés comme des compositeurs de la fin de l’ère classique, alors que celle-ci commençait à s’orienter vers le romantisme.
le romantisme
À l’époque de la musique romantique (environ 1810 à 1900), les compositeurs ont transformé les styles et les formes rigides de l’ère classique en pièces expressives plus passionnées et dramatiques. Les compositeurs ont tenté d’augmenter l’expression émotionnelle et la puissance de leur musique, et ils ont essayé de décrire des vérités plus profondes ou des sentiments humains. Avec les poèmes symphoniques, les compositeurs ont essayé de raconter des histoires et d’évoquer des images ou des paysages en utilisant la musique instrumentale. Certains compositeurs promouvaient la fierté nationaliste avec une musique orchestrale patriotique inspirée de la musique folklorique. Pour les compositeurs, les qualités émotionnelles et expressives de la musique ont pris le pas sur le respect des manuels et de la tradition. Les compositeurs romantiques ont grandi dans leur idiosyncrasie et sont allés plus loin dans le syncrétisme de l'exploration de différentes formes d'art dans un contexte musical (comme la littérature), l'histoire (personnages et légendes historiques) ou la nature elle-même. L'amour ou le désir romantique était un thème répandu dans de nombreuses œuvres composées au cours de cette période. Dans certains cas, les structures formelles de la période classique ont continué à être utilisées (par exemple, la forme sonate utilisée dans les quatuors à cordes et les symphonies), mais ces formes ont été élargies et modifiées. Dans de nombreux cas, les compositeurs ont exploré de nouvelles approches à utiliser pour les genres, formes et fonctions existants. En outre, les compositeurs ont créé de nouvelles formes jugées mieux adaptées au nouveau sujet. L'opéra et le ballet continuent de se développer.
Dans les années qui ont suivi 1800, la musique développée par Ludwig van Beethoven et Franz Schubert a introduit un style plus dramatique et plus expressif. Dans le cas de Beethoven, de courts motifs, développés de manière organique, sont venus remplacer la mélodie comme unité de composition la plus significative (un exemple est la figure distinctive à quatre notes utilisée dans sa Cinquième Symphonie). Des compositeurs romantiques ultérieurs tels que Piotr Ilitch Tchaïkovski, Antonín Dvořák et Gustav Mahler ont utilisé des accords plus inhabituels et plus de dissonance pour créer une tension dramatique. Ils ont généré des œuvres musicales complexes et souvent beaucoup plus longues. À la fin de la période romantique, les compositeurs ont exploré des modifications chromatiques dramatiques de la tonalité, telles que des accords étendus et des accords modifiés, qui ont créé de nouvelles « couleurs » sonores. Les compositeurs de l’époque romantique ont augmenté la taille de l’orchestre en ajoutant des musiciens et en utilisant de nouveaux instruments, créant ainsi un son plus puissant. Certains orchestres wagnériens comprenaient plusieurs harpes, des sections de cordes massives et des tubas Wagner.
Musique des 20e et 21e siècles
Au XIXe siècle, l'un des principaux moyens par lesquels les nouvelles compositions étaient connues du public était la vente de partitions, que les mélomanes amateurs interprétaient chez eux sur leur piano ou d'autres instruments. Avec la musique du XXe siècle, l'écoute de musique a considérablement augmenté à mesure que la radio gagnait en popularité et que les phonographes étaient utilisés pour rejouer et distribuer de la musique. Au XXe siècle, les compositeurs classiques contemporains ont également été influencés par la musique jazz afro-américaine basée sur l'improvisation. L'influence du jazz est visible dans la musique de Third Stream et dans les compositions de Leonard Bernstein. L'orientation de la musique savante était caractérisée par l'exploration de nouveaux rythmes, styles et sons. Igor Stravinsky, Arnold Schoenberg et John Cage étaient tous des compositeurs influents de la musique savante du XXe siècle. Cage a écrit des compositions pour des instruments classiques traditionnels et des appareils de production sonore inhabituels qui ne sont normalement pas considérés comme des instruments, comme les radios. L'invention de l'enregistrement sonore et la possibilité d'éditer de la musique sur bande ont donné naissance à un nouveau sous-genre de musique classique, notamment les écoles de composition électronique acousmatique et Musique concrète, dans lesquelles les compositeurs créaient des pièces à l'aide de magnétophones à bobine et d'équipements électroniques.
Rôle des femmes
En 1993, la musicologue américaine Marcia Citron demandait : « Pourquoi la musique composée par des femmes est-elle si marginale par rapport au répertoire « classique » standard ? Citron « examine les pratiques et les attitudes qui ont conduit à l'exclusion des compositrices du « canon » reçu des œuvres musicales interprétées. Elle soutient que dans les années 1800, les compositrices écrivaient généralement des chansons artistiques pour être interprétées lors de petits récitals plutôt que des symphonies destinées à être interprétées avec un orchestre dans une grande salle, ces dernières œuvres étant considérées comme le genre le plus important pour les compositeurs ; comme les compositrices n'écrivaient pas beaucoup de symphonies, elles n'étaient pas considérées comme des compositrices remarquables.
Selon Abbey Philips, « les musiciennes ont eu beaucoup de mal à percer et à obtenir le crédit qu'elles méritent ». À l'époque médiévale, la plupart de la musique artistique était créée à des fins liturgiques (religieuses) et en raison des opinions sur le rôle des femmes qui étaient détenues par les chefs religieux, peu de femmes composaient ce type de musique, la religieuse Hildegard von Bingen étant parmi les exceptions. La plupart des manuels universitaires d’histoire de la musique traitent presque exclusivement du rôle des compositeurs masculins. De plus, très peu d’œuvres de compositrices font partie du répertoire standard de la musique classique. Dans la Concise Oxford History of Music, Clara Schumann est la seule femme compositrice mentionnée. Philips déclare que « [au] cours du 20e siècle, les femmes qui composaient/jouaient ont attiré beaucoup moins d'attention que leurs homologues masculins ».
Une partie de ce déséquilibre entre les sexes vient des stéréotypes et de la stigmatisation qui entourent l’idée de compositeur. Aujourd'hui, les femmes sont prises plus au sérieux dans le domaine de la musique de concert, même si les statistiques en matière de reconnaissance, de prix, d'emploi et d'opportunités globales sont toujours biaisées en faveur des hommes.
Regroupement
Les compositeurs célèbres ont tendance à se regrouper dans certaines villes au cours de l’histoire. Sur la base de plus de 12 000 compositeurs éminents répertoriés dans Grove Music Online et en utilisant des techniques de mesure du nombre de mots, les villes les plus importantes pour la musique classique peuvent être identifiées quantitativement.
Paris a été la principale plaque tournante de la musique classique à toutes les époques. Elle a été classée cinquième aux XVe et XVIe siècles, mais première du XVIIe au XXe siècles inclus. Londres était la deuxième ville la plus significative : huitième au XVe siècle, septième au XVIe, cinquième au XVIIe, deuxième aux XVIIIe et XIXe siècles et quatrième au XXe siècle. Rome était en tête du classement au XVe siècle, a chuté à la deuxième place aux XVIe et XVIIe siècles, à la huitième au XVIIIe siècle, à la neuvième au XIXe siècle, mais est revenue à la sixième place au XXe siècle. Berlin n'apparaît dans le top dix qu'au XVIIIe siècle et a été classée troisième ville la plus importante aux XIXe et XXe siècles. La ville de New York est entrée dans le classement au 19e siècle (à la cinquième place) et s'est classée au deuxième rang au 20e siècle. Les modèles sont très similaires pour un échantillon de 522 grands compositeurs.
Entraînement
Les compositeurs classiques professionnels ont souvent une expérience dans l'interprétation de la musique classique pendant leur enfance et leur adolescence, soit en tant que chanteur dans une chorale, en tant que joueur dans un orchestre de jeunes et/ou en tant qu'interprète sur un instrument soliste (par exemple, piano, orgue à tuyaux). , ou violon). Les adolescents qui aspirent à devenir compositeurs peuvent poursuivre leurs études postsecondaires dans divers milieux de formation formelle, notamment les collèges, les conservatoires et les universités. Les conservatoires, qui constituent le système de formation musicale standard en France et au Québec (Canada), proposent des cours et une expérience amateur de chant orchestral et choral aux étudiants en composition. Les universités proposent une gamme de programmes de composition, notamment un baccalauréat, une maîtrise en musique et un doctorat en arts musicaux. De plus, il existe une variété d'autres programmes de formation tels que des camps d'été et des festivals classiques, qui donnent aux étudiants la possibilité d'être coachés par des compositeurs.
Premier cycle
Les baccalauréats en composition (appelés B.Mus. ou B.M) sont des programmes de quatre ans qui comprennent des cours individuels de composition, une expérience d'orchestre/chœur amateur et une séquence de cours d'histoire de la musique, de théorie musicale et de cours d'arts libéraux (par ex. , littérature anglaise), qui donnent à l'étudiant une éducation plus complète. Habituellement, les étudiants en composition doivent terminer des pièces ou des chansons importantes avant d'obtenir leur diplôme. Tous les compositeurs ne sont pas titulaires d'un B.Mus. en composition; les compositeurs peuvent également détenir un B.Mus. en interprétation musicale ou en théorie musicale.
Maîtrise
Les diplômes de maîtrise en musique (M.mus.) En composition comprennent des cours particuliers avec un professeur de composition, une expérience d'ensemble et des cours d'études supérieures en histoire de la musique et en théorie musicale, ainsi qu'un ou deux concerts mettant en vedette les pièces de l'étudiant en composition. Une maîtrise en musique (appelée M.Mus. ou M.M.) est souvent un diplôme minimum requis pour les personnes qui souhaitent enseigner la composition dans une université ou un conservatoire. Compositeur titulaire d'un M.Mus. pourrait être professeur adjoint ou instructeur dans une université, mais il serait difficile dans les années 2010 d'obtenir un poste de professeur menant à la permanence avec ce diplôme.
Doctorat
Pour devenir professeur tenure track, de nombreuses universités exigent un doctorat. En composition, le doctorat clé est le doctorat en arts musicaux, plutôt que le doctorat ; le doctorat est décerné en musique, mais généralement pour des matières telles que la musicologie et la théorie musicale.
Les diplômes de doctorat en arts musicaux (appelés D.M.A., DMA, D.Mus.A. ou A.Mus.D) en composition offrent la possibilité d'études avancées au plus haut niveau artistique et pédagogique, nécessitant généralement plus de 54 heures de crédit supplémentaires. au-delà d'une maîtrise (soit environ 30+ crédits au-delà d'un baccalauréat). C'est pour cette raison que l'admission est très sélective. Les étudiants doivent soumettre des exemples de leurs compositions. Si disponible, certaines écoles accepteront également les enregistrements vidéo ou audio des interprétations des pièces de l'élève. Des examens d'histoire de la musique, de solfège, de formation auditive/dictée et un examen d'entrée sont obligatoires.
Les étudiants doivent préparer des compositions importantes sous la direction de professeurs de composition du corps professoral. Certaines écoles exigent que les étudiants en composition du DMA présentent des concerts de leurs œuvres, qui sont généralement interprétés par des chanteurs et/ou musiciens de l'école. L'achèvement de cours avancés et une moyenne minimale de B sont d'autres exigences typiques d'un programme D.M.A. Lors d'un D.M.A. programme, un étudiant en composition peut acquérir de l’expérience en enseignant aux étudiants de premier cycle en musique.
Autres itinéraires
Certains compositeurs classiques n'ont pas terminé leurs programmes de composition, mais ont concentré leurs études sur l'interprétation de la voix ou d'un instrument ou sur la théorie musicale et ont développé leurs compétences en composition au cours d'une carrière dans une autre profession musicale.
Emploi
Au Moyen Âge, la plupart des compositeurs travaillaient pour l'Église catholique et composaient de la musique pour les services religieux, comme des mélodies de plain-chant. À l’époque de la musique de la Renaissance, les compositeurs travaillaient généralement pour des employeurs aristocratiques. Alors que les aristocrates exigeaient généralement des compositeurs qu'ils produisent une quantité importante de musique religieuse, comme les messes, les compositeurs ont également écrit de nombreuses chansons non religieuses sur le thème de l'amour courtois : l'amour respectueux et révérencieux d'une grande femme venue de loin. Les chants d’amour courtois étaient très populaires à l’époque de la Renaissance. À l’époque de la musique baroque, de nombreux compositeurs étaient employés par des aristocrates ou comme employés d’église. Au cours de la période classique, les compositeurs ont commencé à organiser davantage de concerts publics dans un but lucratif, ce qui les a aidés à être moins dépendants des emplois aristocratiques ou religieux. Cette tendance s'est poursuivie à l'époque de la musique romantique au XIXe siècle. Au XXe siècle, les compositeurs ont commencé à chercher un emploi comme professeurs dans les universités et les conservatoires. Au XXe siècle, les compositeurs gagnaient également de l'argent grâce à la vente de leurs œuvres, par exemple en publiant des partitions de leurs chansons ou pièces ou en enregistrant leurs œuvres.