Quelle comédie musicale présentait la chanson The Street Where You Live ?
My Fair Lady
Le matériel présenté dans une comédie musicale peut être original, ou il peut être adopté ou né de romans (Wicked et Man of La Mancha), de pièces de théâtre (Hello Dolly !), de légendes classiques (Camelot), d'événements historiques (Evita) ou de films ( Les producteurs et Billy Elliot). D'autre part, de nombreuses œuvres de théâtre musical à succès ont été adaptées pour des films musicaux, comme West Side Story, My Fair Lady, The Sound of Music, Oliver ! et Chicago.
Le théâtre musical est une forme de représentation théâtrale qui combine chants, dialogues parlés, jeu d’acteur et danse. L'histoire et le contenu émotionnel d'une comédie musicale – humour, pathétique, amour, colère – sont communiqués à travers les mots, la musique, le mouvement et les aspects techniques du divertissement dans son ensemble intégré. Bien que le théâtre musical recoupe d’autres formes théâtrales comme l’opéra et la danse, il se distingue par l’importance égale accordée à la musique par rapport au dialogue, au mouvement et à d’autres éléments. Depuis le début du XXe siècle, les œuvres scéniques du théâtre musical sont généralement appelées simplement comédies musicales.
Bien que la musique fasse partie des représentations dramatiques depuis l'Antiquité, le théâtre musical occidental moderne a émergé au XIXe siècle, avec de nombreux éléments structurels établis par les œuvres de Gilbert et Sullivan en Grande-Bretagne et celles de Harrigan et Hart en Amérique. Viennent ensuite les nombreuses comédies musicales édouardiennes et les œuvres de théâtre musical de créateurs américains comme George M. Cohan. Les comédies musicales du Princess Theatre et d'autres spectacles intelligents comme Of Thee I Sing (1931) ont été des avancées artistiques au-delà des revues et autres divertissements mousseux du début du 20e siècle et ont conduit à des œuvres aussi révolutionnaires que Show Boat (1927) et Oklahoma ! (1943). Certaines des comédies musicales les plus célèbres et emblématiques des décennies qui ont suivi incluent
West Side Story (1957), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1985), Le Fantôme de l'Opéra (1986), Rent (1996), The Producers (2001) , Méchant (2003) et Hamilton (2015).
Les comédies musicales sont jouées partout dans le monde. Ils peuvent être présentés dans de grandes salles, telles que des productions à gros budget de Broadway ou du West End à New York ou à Londres. Alternativement, les comédies musicales peuvent être présentées dans des théâtres marginaux plus petits, dans des productions théâtrales Off-Broadway ou régionales, ou en tournée. Les comédies musicales sont souvent présentées par des groupes amateurs et scolaires dans les églises, les écoles et autres espaces de représentation. Outre les États-Unis et la Grande-Bretagne, il existe des scènes de théâtre musical dynamiques en Europe continentale, en Asie, en Australasie, au Canada et en Amérique latine.
Définitions et portée
Livres musicaux
Depuis le XXe siècle, le « livre musical » est défini comme une pièce de théâtre musicale où les chants et les danses sont pleinement intégrés dans une histoire bien faite avec des objectifs dramatiques sérieux et capables d'évoquer de véritables émotions autres que le rire. Les trois éléments principaux d'un livre musical sont sa musique, ses paroles et son livre. Le livre ou le scénario d'une comédie musicale fait référence à l'histoire, au développement des personnages et à la structure dramatique, y compris les dialogues parlés et les mises en scène, mais il peut également faire référence au dialogue et aux paroles ensemble, qui sont parfois appelés le livret (en italien pour « petit livre »). La musique et les paroles forment ensemble la partition d'une comédie musicale et comprennent des chansons ; musique accessoire; et les scènes musicales, qui sont « des séquences théâtrales mises en musique, combinant souvent chant et dialogue parlé ». L'interprétation d'une comédie musicale est influencée par son équipe de création, qui comprend un metteur en scène, un directeur musical, généralement un chorégraphe et parfois un orchestrateur. La production d'une comédie musicale est également caractérisée de manière créative par des aspects techniques, tels que la scénographie, les costumes, les propriétés scéniques (accessoires), l'éclairage et le son, qui changent généralement de la production originale aux productions suivantes. Certains éléments de production célèbres peuvent cependant être conservés de la production originale ; par exemple, la chorégraphie de Bob Fosse à Chicago.
Il n’y a pas de durée fixe pour une comédie musicale. Bien que cela puisse aller d'un court divertissement en un acte à plusieurs actes et durer plusieurs heures (ou même une présentation sur plusieurs soirées), la plupart des comédies musicales durent d'une heure et demie à trois heures. Les comédies musicales sont généralement présentées en deux actes, avec un court entracte et le premier acte est souvent plus long que le second. Le premier acte présente généralement presque tous les personnages et la plupart de la musique et se termine souvent par l'introduction d'un conflit dramatique ou d'une complication de l'intrigue tandis que le deuxième acte peut introduire quelques nouvelles chansons mais contient généralement des reprises de thèmes musicaux importants et résout le problème. conflit ou complication. Un livre musical est généralement construit autour de quatre à six thèmes principaux qui sont repris plus tard dans le spectacle, bien qu'il se compose parfois d'une série de chansons sans rapport direct musical. Le dialogue parlé est généralement intercalé entre les numéros musicaux, bien que le « dialogue chanté » ou le récitatif puissent être utilisés, en particulier dans les comédies musicales dites « chantées » telles que Jesus Christ Superstar, Les Misérables et Evita. Plusieurs comédies musicales plus courtes à Broadway et dans le West End ont été présentées en un seul acte au cours des dernières décennies.
Les moments de la plus grande intensité dramatique dans un livre musical sont souvent interprétés en chanson. Proverbialement, « quand l’émotion devient trop forte pour la parole, vous chantez ; quand elle devient trop forte pour la chanson, vous dansez ». Dans un livre musical, une chanson est idéalement conçue pour convenir au(x) personnage(s) et à sa situation dans l'histoire ; bien qu’il y ait eu des moments dans l’histoire de la comédie musicale (par exemple des années 1890 aux années 1920) où cette intégration entre musique et histoire a été ténue. Comme Ben Brantley, critique du New York Times, a décrit l'idéal de la chanson au théâtre lors de sa critique de la reprise de Gypsy en 2008 : « Il n'y a aucune séparation entre la chanson et le personnage, ce qui se produit dans ces moments rares où les comédies musicales s'élèvent pour atteindre leur idéal. raisons de l'être." Généralement, beaucoup moins de mots sont chantés dans une chanson de cinq minutes que prononcés dans un bloc de dialogue de cinq minutes. Par conséquent, il y a moins de temps pour développer le drame dans une comédie musicale que dans une pièce de théâtre directe de durée équivalente, puisqu'une comédie musicale consacre généralement plus de temps à la musique qu'au dialogue. Dans le cadre compressé d’une comédie musicale, les scénaristes doivent développer les personnages et l’intrigue.
Le matériel présenté dans une comédie musicale peut être original, ou il peut être adopté ou né de romans (Wicked et Man of La Mancha), de pièces de théâtre (Hello Dolly !), de légendes classiques (Camelot), d'événements historiques (Evita) ou de films ( Les producteurs et Billy Elliot). D'autre part, de nombreuses œuvres de théâtre musical à succès ont été adaptées pour des films musicaux, comme West Side Story, My Fair Lady, The Sound of Music, Oliver ! et Chicago.
Comparaisons avec l'opéra
Le théâtre musical est étroitement lié à la forme théâtrale de l'opéra, mais les deux se distinguent généralement par un certain nombre de facteurs. Les comédies musicales mettent généralement davantage l'accent sur le dialogue parlé (bien que certaines comédies musicales soient entièrement accompagnées et chantées ; et d'un autre côté, certains opéras, comme Die Zauberflöte, et la plupart des opérettes, ont des dialogues non accompagnés) ; sur la danse (notamment par les principaux interprètes ainsi que par le chœur) ; sur l'utilisation de divers genres de musique populaire (ou du moins de styles de chant populaires) ; et sur l'évitement de certaines conventions d'opéra. En particulier, une comédie musicale est presque toujours jouée dans la langue de son public. Les comédies musicales produites à Broadway ou dans le West End, par exemple, sont invariablement chantées en anglais, même si elles ont été initialement écrites dans une autre langue. Alors qu'un chanteur d'opéra est avant tout un chanteur et seulement en second lieu un acteur (et a rarement besoin de danser), un artiste de théâtre musical est souvent d'abord un acteur, puis un chanteur et un danseur. Quelqu'un qui est également accompli dans les trois domaines est appelé une « triple menace ». Les compositeurs de musique pour comédies musicales considèrent souvent les exigences vocales des rôles en pensant aux artistes de théâtre musical. Aujourd'hui, les grands théâtres organisant des comédies musicales utilisent généralement des microphones et une amplification des voix chantées des acteurs d'une manière qui serait généralement désapprouvée dans un contexte d'opéra.
Certaines œuvres (par exemple de George Gershwin, Leonard Bernstein et Stephen Sondheim) ont reçu à la fois des productions de « théâtre musical » et d'« opéra ». De même, certaines opérettes ou opéras légers plus anciens (comme Les Pirates de Penzance de Gilbert et Sullivan) ont fait l'objet de productions ou d'adaptations modernes qui les traitent comme des comédies musicales. Pour certaines œuvres, les styles de production sont presque aussi importants que le contenu musical ou dramatique de l'œuvre pour définir dans quelle forme d'art s'inscrit la pièce. Sondheim a déclaré : "Je pense vraiment que quand quelque chose joue à Broadway, c'est une comédie musicale, et quand c'est joué dans un opéra, c'est de l'opéra. C'est tout. C'est le terrain, la campagne, les attentes du public qui en font une chose ou une autre. " Bien que cet article concerne principalement les œuvres de théâtre musical « non opératiques », le chevauchement demeure entre des formes lyriques plus légères et des comédies musicales plus complexes ou ambitieuses musicalement. Dans la pratique, il est souvent difficile de distinguer les différents types de théâtre musical, notamment la « pièce musicale », la « comédie musicale », l'« opérette » et l'« opéra léger ».
Comme l'opéra, le chant du théâtre musical est généralement accompagné par un ensemble instrumental appelé orchestre de fosse, situé dans une zone surbaissée devant la scène. Alors que l'opéra utilise généralement un orchestre symphonique conventionnel, les comédies musicales sont généralement orchestrées pour des ensembles allant de 27 musiciens à quelques musiciens seulement. Les comédies musicales rock emploient généralement un petit groupe d'instruments principalement rock, et certaines comédies musicales peuvent ne faire appel qu'à un piano ou deux instruments. La musique des comédies musicales utilise une gamme de « styles et d'influences, notamment l'opérette, les techniques classiques, la musique folklorique, le jazz [et] des styles locaux ou historiques [qui] sont appropriés au contexte ». Les comédies musicales peuvent commencer par une ouverture jouée par l'orchestre qui « tisse ensemble des extraits des célèbres mélodies de la partition ».
Autres formes
Il existe diverses traditions théâtrales orientales qui incluent la musique, comme l'opéra chinois, l'opéra taïwanais, le nô et le théâtre musical en Inde, notamment le théâtre sanskrit, la danse classique indienne et le Yakshagana. L'Inde a, depuis le 20e siècle, produit de nombreux films musicaux, appelés comédies musicales « Bollywood », et au Japon, une série de comédies musicales basées sur des bandes dessinées populaires d'anime et de manga s'est développée au cours des dernières décennies. Des versions « juniors » plus courtes ou simplifiées de nombreuses comédies musicales sont disponibles pour les écoles et les groupes de jeunes, et des œuvres très courtes créées ou adaptées pour être interprétées par des enfants sont parfois appelées minimusicales.
Histoire
Les premiers antécédents du théâtre musical
Les antécédents du théâtre musical en Europe remontent au théâtre de la Grèce antique, où la musique et la danse étaient incluses dans les comédies et tragédies sur scène au cours du 5ème siècle avant notre ère.Thornton, Shay| dernier
 Thornton. [http://web.archive.org/web/20071127051412/http://www.tuts.com/season07/wonderful_study.pdf "Une vie merveilleuse"], Theatre Under the Stars, Houston, Texas, p. 2 (2007), consulté le 26 mai 2009. La musique des formes anciennes est cependant perdue et elles ont eu peu d'influence sur le développement ultérieur du théâtre musical. Kenrick, John. [http://www.musicals101.com/stagecap.htm "A Capsule History"], Musicals101.com, 2003, consulté le 12 octobre 2015 Aux XIIe et XIIIe siècles, les drames religieux enseignaient la liturgie. Des groupes d'acteurs utilisaient des wagons extérieurs du concours (scènes sur roues) pour raconter chaque partie de l'histoire. Les formes poétiques alternent parfois avec les dialogues en prose, et les chants liturgiques laissent place à de nouvelles mélodies.
La Renaissance européenne a vu des formes plus anciennes évoluer vers deux antécédents du théâtre musical : la commedia dell'arte, où des clowns bruyants improvisaient des histoires familières, et plus tard, l'opéra bouffe. En Angleterre, les pièces élisabéthaines et jacobéennes incluaient fréquemment de la musique, et de courtes pièces musicales commençaient à être incluses dans les divertissements dramatiques des soirées. Les masques de cour se sont développés pendant la période Tudor et impliquaient de la musique, de la danse, du chant et du théâtre, souvent avec des costumes coûteux et une scénographie complexe. Celles-ci se sont transformées en pièces chantées reconnaissables comme des opéras anglais, la première étant généralement considérée comme Le siège de Rhodes (1656). En France, Molière transforme plusieurs de ses comédies farfelues en divertissements musicaux avec chants (musique fournie par Jean Baptiste Lully) et danse à la fin du XVIIe siècle. Ceux-ci ont influencé une brève période d'opéra anglais de compositeurs tels que John Blow et Henry Purcell.
À partir du XVIIIe siècle, les formes de théâtre musical les plus populaires en Grande-Bretagne étaient les opéras de ballade, comme The Beggar's Opera de John Gay, qui comprenaient des paroles écrites sur des airs de chansons populaires de l'époque (souvent une parodie d'opéra), et plus tard la pantomime, qui développa de la commedia dell'arte et des opéras-comiques avec des intrigues principalement romantiques, comme The Bohemian Girl de Michael Balfe (1845). Pendant ce temps, sur le continent, le singspiel, la comédie en vaudeville, l'opéra comique, la zarzuela et d'autres formes de divertissement musical léger faisaient leur apparition. L'Opéra du Mendiant fut la première pièce de théâtre de longue durée enregistrée, quelle qu'elle soit, avec 62 représentations successives en 1728. Il fallut près d'un siècle plus tard avant qu'une pièce ne dépasse les 100 représentations, mais le record atteignit bientôt 150 à la fin des années 1820. D'autres formes de théâtre musical se sont développées en Angleterre au XIXe siècle, comme le music-hall, le mélodrame et la burletta, qui ont été popularisées en partie parce que la plupart des théâtres londoniens n'étaient autorisés qu'en tant que music-halls et n'étaient pas autorisés à présenter des pièces sans musique.
L'Amérique coloniale n'avait pas de présence théâtrale significative jusqu'en 1752, lorsque l'entrepreneur londonien William Hallam envoya dans les colonies une compagnie d'acteurs dirigée par son frère Lewis. Wilmeth et Miller, p. 182 À New York, au cours de l’été 1753, ils exécutèrent des ballades-opéras, comme The Beggar’s Opera, et des ballades-farces. Dans les années 1840, P.T. Barnum exploitait un complexe de divertissement dans le sud de Manhattan. D'autres premiers théâtres musicaux en Amérique consistaient en des formes britanniques, telles que la burletta et la pantomime, mais le nom d'une pièce ne définissait pas nécessairement de quoi il s'agissait. L'extravagance de Broadway de 1852, The Magic Deer, s'est présentée comme "Un conte d'enchantement burletique extravagant historique opératique Serio Comico Tragico." Kenrick, John. [http://www.musicals101.com/erastage.htm "History of Stage Musicals"], Musicals101.com, 2003, consulté le 26 mai 2009. Le théâtre de New York s'est progressivement déplacé du centre-ville vers le centre-ville à partir de 1850 environ, et n'a pas arrivent dans le quartier de Times Square jusque dans les années 1920 et 1930. The Elves (1857) de Broadway a franchi la barre des 50 représentations. Les performances new-yorkaises sont restées loin derrière celles de Londres, mais la « burletta musicale » de Laura Keene, Seven Sisters (1860), a brisé les précédents records new-yorkais avec une série de 253 représentations.
Années 1850 à 1880
Vers 1850, le compositeur français Hervé expérimente une forme de théâtre musical comique qu'il appelle opérette. Les compositeurs d'opérettes les plus connus étaient Jacques Offenbach des années 1850 aux années 1870 et Johann Strauss II dans les années 1870 et 1880. Les mélodies fertiles d'Offenbach, combinées à la satire pleine d'esprit de ses librettistes, formèrent un modèle pour le théâtre musical qui suivit.Lubbock, Mark. [http://www.jstor.org/stable/937354 "La musique des 'comédies musicales'",] The Musical Times, Vol. 98, n° 1375 (septembre 1957), pp. 483-485. Adaptations des opérettes françaises (jouées dans des traductions pour la plupart mauvaises et risquées), des burlesques musicaux, du music-hall, de la pantomime et de la burletta ont dominé la scène musicale londonienne jusque dans les années 1870. Bond, Jessie. [http://math.boisestate.edu/gas/books/bond/intro.html Introduction to The Life and Reminiscences of Jessie Bond], réimprimé dans The Gilbert and Sullivan Archive, consulté le 4 mars 2011
En Amérique, les divertissements du théâtre musical du milieu du XVIIIe siècle comprenaient des revues de variétés grossières, qui se sont finalement développées en vaudeville, en spectacles de ménestrels, qui ont rapidement traversé l'Atlantique jusqu'en Grande-Bretagne, et en burlesque victorien, popularisé pour la première fois aux États-Unis par des troupes britanniques. La première pièce de théâtre originale en anglais qui se conforme à de nombreuses définitions modernes d'une comédie musicale, y compris la danse et la musique originale qui ont contribué à raconter l'histoire, est généralement considérée comme The Black Crook, dont la première a eu lieu à New York le 12 septembre 1866. la production a duré cinq heures et demie, mais malgré sa durée, elle a duré un record de 474 représentations. La même année, The Black Domino/Between You, Me and the Post fut la première série à se qualifier de « comédie musicale ». Les comédiens Edward Harrigan et Tony Hart ont produit et joué dans des comédies musicales à Broadway entre 1878 (The Mulligan Guard Picnic) et 1885. Ces comédies musicales mettaient en scène des personnages et des situations tirés de la vie quotidienne des classes inférieures de New York et représentaient un pas en avant significatif vers une société plus moderne. forme théâtrale légitime. Ils mettaient en vedette des chanteuses de grande qualité (Lillian Russell, Vivienne Segal et Fay Templeton) au lieu des dames à la réputation douteuse qui avaient joué dans des formes musicales antérieures.
À mesure que les transports s'amélioraient, que la pauvreté diminuait à Londres et à New York et que l'éclairage public rendait les déplacements nocturnes plus sûrs, le nombre de spectateurs dans le nombre croissant de théâtres augmenta énormément. Les pièces duraient plus longtemps, ce qui entraînait de meilleurs profits et une meilleure valeur de production, et les hommes commençaient à amener leur famille au théâtre. La première pièce de théâtre musical à dépasser les 500 représentations consécutives fut l'opérette française Les Carillons de Normandie en 1878. L'opéra comique anglais adopta bon nombre des idées à succès de l'opérette européenne, aucune avec plus de succès que la série de plus d'une douzaine de Gilbert et Opéras comiques de Sullivan, dont H.M.S. Tablier (1878) et Le Mikado (1885). Ces sensations ont fait sensation des deux côtés de l'Atlantique et en Australie et ont contribué à élever le niveau de ce qui était considéré comme un spectacle à succès.Kenrick, John. [http://www.musicals101.com/usafter.htm "G&S in the USA" sur le site musicals101] La Cyber ​​Encyclopédie du théâtre musical, de la télévision et du cinéma (2008). Récupéré le 4 mai 2012. Ces spectacles étaient conçus pour un public familial, un contraste marqué avec les burlesques risqués, les spectacles de music-hall de débauche et les opérettes françaises qui attiraient parfois une foule en quête de divertissements moins sains. Seules quelques pièces musicales du XIXe siècle ont dépassé la diffusion du Mikado, comme Dorothy, qui a ouvert ses portes en 1886 et a établi un nouveau record avec une série de 931 représentations. L'influence de Gilbert et Sullivan sur le théâtre musical ultérieur a été profonde, créant des exemples de la façon « d'intégrer » des comédies musicales afin que les paroles et les dialogues fassent avancer une histoire cohérente. Jones, 2003, [https://books.google.com/books?id
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7#PPA4,M1 pp. 10-11] Leurs œuvres ont été admirées et copiées par les premiers auteurs et compositeurs de comédies musicales en Grande-Bretagne et en Amérique.
Des années 1890 au nouveau siècle
A Trip to Chinatown (1891) fut le champion de longue date de Broadway (jusqu'à Irene en 1919), avec 657 représentations, mais les courses à New York restèrent relativement courtes, à quelques exceptions près, par rapport aux courses de Londres, jusqu'aux années 1920. Gilbert et Sullivan ont tous deux été piratés et imités à New York par des productions telles que Robin des Bois de Reginald de Koven (1891) et El Capitan de John Philip Sousa (1896). A Trip to Coontown (1898) fut la première comédie musicale entièrement produite et interprétée par des Afro-Américains à Broadway (largement inspirée des routines des spectacles de ménestrels), suivie de spectacles teintés de ragtime. Des centaines de comédies musicales ont été mises en scène à Broadway dans les années 1890 et au début du XXe siècle, composées de chansons écrites dans la Tin Pan Alley de New York, notamment celles de George M. Cohan, qui a travaillé à créer un style américain distinct des œuvres de Gilbert et Sullivan. Les spectacles new-yorkais les plus réussis étaient souvent suivis de vastes tournées nationales.
Pendant ce temps, les comédies musicales envahissaient la scène londonienne dans les années 90 gay, dirigées par le producteur George Edwardes, qui percevait que le public voulait une nouvelle alternative aux opéras-comiques de style savoyard et à leur satire intellectuelle, politique et absurde. Il a expérimenté un style de théâtre musical moderne et familial, avec des chansons populaires et légères, des plaisanteries vives et romantiques et un spectacle élégant au Gaiety et dans ses autres théâtres. Ceux-ci s'inspirent des traditions de l'opéra-comique et utilisent des éléments du burlesque et des pièces de Harrigan et Hart. Il a remplacé les femmes de débauche du burlesque par son corps « respectable » de Gaiety Girls pour compléter le plaisir musical et visuel. Le succès des premiers d’entre eux, In Town (1892) et A Gaiety Girl (1893), définit le style des trois décennies suivantes. Les intrigues étaient généralement des spectacles légers et romantiques « la pauvre jeune fille aime l'aristocrate et le gagne contre toute attente », avec la musique d'Ivan Caryll, Sidney Jones et Lionel Monckton. Ces spectacles furent immédiatement largement copiés en Amérique, et la comédie musicale édouardienne balaya les formes musicales antérieures de l’opéra-comique et de l’opérette. La Geisha (1896) fut l'une des œuvres les plus réussies des années 1890, fonctionnant pendant plus de deux ans et remportant un grand succès international.
La Belle de New York (1898) est devenue la première comédie musicale américaine à être diffusée pendant plus d'un an à Londres. La comédie musicale britannique Florodora (1899) fut un succès populaire des deux côtés de l'Atlantique, tout comme A Chinese Honeymoon (1901), qui fut un record de 1 074 représentations à Londres et 376 à New York. Au tournant du 20e siècle, Seymour Hicks s'est associé à Edwardes et au producteur américain Charles Frohman pour créer une autre décennie de spectacles populaires. Parmi les autres succès de comédie musicale édouardienne durables, citons The Arcadians (1909) et The Quaker Girl (1910).
Début du 20ème siècle
Quasiment éliminées de la scène anglophone par la concurrence des comédies musicales édouardiennes omniprésentes, les opérettes reviennent à Londres et à Broadway en 1907 avec The Merry Widow, et les adaptations d'opérettes continentales deviennent des concurrentes directes des comédies musicales. Franz Lehár et Oscar Straus composèrent de nouvelles opérettes qui furent populaires en anglais jusqu'à la Première Guerre mondiale. En Amérique, Victor Herbert produisit une série d'opérettes durables, dont The Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle. Modiste (1905), Le Moulin Rouge (1906) et La Coquine Marietta (1910).
Dans les années 1910, l'équipe composée de P. G. Wodehouse, Guy Bolton et Jerome Kern, suivant les traces de Gilbert et Sullivan, créa les « Princess Theatre shows » et ouvrit la voie au travail ultérieur de Kern en montrant qu'une comédie musicale pouvait combiner lumière, musique populaire divertissement avec continuité entre son histoire et ses chansons. L'historien Gerald Bordman a écrit :
Le public qui allait au théâtre avait besoin de divertissements d'évasion pendant les périodes sombres de la Première Guerre mondiale, et il affluait vers le théâtre. La comédie musicale à succès Irene de 1919 a été jouée à 670 reprises, un record à Broadway qui a duré jusqu'en 1938. Kenrick, John. [http://www.musicals101.com/1930bway3.htm Hellzapoppin - History of The Musical Stage 1930s: Part III - Revues], Musicals101.com, consulté le 8 octobre 2015. Le public du théâtre britannique a soutenu des productions bien plus longues comme celle de Maid des Montagnes (1 352 représentations) et surtout Chu Chin Chow. Sa série de 2 238 représentations était plus de deux fois plus longue que n'importe quelle comédie musicale précédente, établissant un record qui a duré près de quarante ans. and Musical Numbers"] guidetomusicaltheatre.com, consulté le 16 mars 2012. Des revues comme The Bing Boys Are Here en Grande-Bretagne et celles de Florenz Ziegfeld et de ses imitateurs en Amérique ont également été extrêmement populaires.
Les comédies musicales des années folles, empruntant au vaudeville, au music-hall et à d'autres divertissements légers, avaient tendance à mettre l'accent sur les grandes routines de danse et les chansons populaires au détriment de l'intrigue. Les productions légères comme Sally, Lady Be Good, No, No, Nanette, Oh, Kay! et drôle de tête. Malgré des histoires inoubliables, ces comédies musicales mettaient en vedette des stars telles que Marilyn Miller et Fred Astaire et produisaient des dizaines de chansons populaires durables de Kern, George et Ira Gershwin, Irving Berlin, Cole Porter et Rodgers et Hart. La musique populaire était dominée par les standards du théâtre musical, tels que « Fascinating Rhythm », « Tea for Two » et « Someone to Watch Over Me ». De nombreux spectacles étaient des revues, des séries de sketchs et des chansons avec peu ou pas de lien entre eux. Les plus connues d'entre elles étaient les Ziegfeld Follies annuelles, des revues spectaculaires de chant et de danse à Broadway avec des décors extravagants, des costumes élaborés et de belles choristes. Ces spectacles ont également augmenté la valeur de la production et le montage d'une comédie musicale est généralement devenu plus coûteux. Shuffle Along (1921), un spectacle entièrement afro-américain fut un succès à Broadway. Une nouvelle génération de compositeurs d'opérettes émerge également dans les années 1920, comme Rudolf Friml et Sigmund Romberg, pour créer une série de succès populaires à Broadway.
À Londres, des écrivains vedettes comme Ivor Novello et Noël Coward sont devenus populaires, mais la primauté du théâtre musical britannique du XIXe siècle jusqu'en 1920 a été progressivement remplacée par l'innovation américaine après la guerre, alors que Kern et d'autres compositeurs de Tin Pan Alley commençaient à apporter de nouveaux des styles musicaux tels que le ragtime et le jazz sont introduits dans les théâtres et les frères Shubert prennent le contrôle des théâtres de Broadway. L'auteur de théâtre musical Andrew Lamb note : « Les styles lyriques et théâtraux des structures sociales du XIXe siècle ont été remplacés par un style musical mieux adapté à la société du XXe siècle et à son langage vernaculaire. C'est d'Amérique que le style le plus direct a émergé, et en Amérique, qu'elle a pu s'épanouir dans une société en développement, moins enfermée dans la tradition du XIXe siècle. »
Show Boat et la Grande Dépression
Progressant bien au-delà des comédies musicales relativement frivoles et des opérettes sentimentales de la décennie, Show Boat de Broadway (1927) représentait une intégration encore plus complète du livre et de la partition que les comédies musicales du Princess Theatre, avec des thèmes dramatiques racontés à travers la musique, les dialogues, le décor et le mouvement. . Ceci a été accompli en combinant le lyrisme de la musique de Kern avec le livret habile d'Oscar Hammerstein II. Un historien a écrit : « Nous arrivons ici à un genre complètement nouveau – la pièce musicale par opposition à la comédie musicale. Maintenant… tout le reste était subordonné à cette pièce. Maintenant… est venue l'intégration complète de la chanson, de l'humour et des numéros de production dans une entité artistique unique et inextricable. "Lubbock (2002)
Alors que la Grande Dépression s'installait lors de la tournée nationale de Show Boat après Broadway, le public se tourna vers des divertissements principalement légers et évasifs, composés de chants et de danses. Le public des deux côtés de l’Atlantique avait peu d’argent à dépenser en divertissement, et seuls quelques spectacles sur scène dépassaient la barre des 500 représentations au cours de la décennie. La revue The Band Wagon (1931) mettait en vedette les partenaires de danse Fred Astaire et sa sœur Adele, tandis que Anything Goes (1934) de Porter confirmait la position d'Ethel Merman en tant que première dame du théâtre musical, titre qu'elle conserva pendant de nombreuses années. Coward et Novello ont continué à présenter des comédies musicales sentimentales à l'ancienne, telles que The Dancing Years, tandis que Rodgers et Hart revenaient d'Hollywood pour créer une série de spectacles à succès à Broadway, notamment On Your Toes (1936, avec Ray Bolger, la première comédie musicale de Broadway à être diffusée sur Broadway). faire un usage dramatique de la danse classique), Babes In Arms (1937) et The Boys From Syracuse (1938). Porter a ajouté DuBarry Was a Lady (1939). La pièce de théâtre musical la plus ancienne des années 1930 fut Hellzapoppin (1938), une revue avec participation du public, qui a joué pendant 1 404 représentations, établissant un nouveau record à Broadway.
Pourtant, quelques équipes créatives ont commencé à s’appuyer sur les innovations de Show Boats. Of Thee I Sing (1931), une satire politique des Gershwin, fut la première comédie musicale à recevoir le prix Pulitzer. As Thousands Cheer (1933), une revue d'Irving Berlin et Moss Hart dans laquelle chaque chanson ou sketch était basé sur un titre de journal, marqua le premier spectacle de Broadway dans lequel une Afro-Américaine, Ethel Waters, jouait aux côtés d'acteurs blancs. Les numéros de Waters incluaient "Supper Time", la plainte d'une femme pour son mari qui a été lynché. Porgy and Bess (1935) des Gershwin présentait une distribution entièrement afro-américaine et un mélange d'idiomes d'opéra, de folk et de jazz. The Cradle Will Rock (1937), réalisé par Orson Welles, était une pièce hautement politique et pro-syndicale qui, malgré la controverse qui l'entourait, a été présentée à 108 représentations. I'd Rather Be Right (1937) de Rodgers et Hart était une satire politique avec George M. Cohan dans le rôle du président Franklin D. Roosevelt, et Knickerbocker Holiday de Kurt Weill dépeint les débuts de l'histoire de la ville de New York tout en satirisant avec bonhomie les bonnes intentions de Roosevelt.
Le film a lancé un défi à la scène. Les films muets n'avaient présenté qu'une concurrence limitée, mais à la fin des années 1920, des films comme The Jazz Singer pouvaient être présentés avec un son synchronisé. Les films « talkie » à bas prix ont effectivement tué le vaudeville au début des années 1930. Malgré les difficultés économiques des années 1930 et la concurrence du cinéma, la comédie musicale a survécu. En fait, il a continué à évoluer thématiquement au-delà des gags et des comédies musicales des années 90 et des années folles et de la romance sentimentale de l'opérette, en ajoutant l'expertise technique et la mise en scène rapide et le style de dialogue naturaliste dirigé par le réalisateur George Abbott.
L'âge d'or (des années 1940 aux années 1960)
années 1940
Les années 1940 commenceraient avec davantage de succès de Porter, Irving Berlin, Rodgers et Hart, Weill et Gershwin, certains avec plus de 500 représentations alors que l'économie rebondissait, mais un changement artistique était dans l'air.
L'Oklahoma de Rodgers et Hammerstein ! (1943) a achevé la révolution commencée par Show Boat, en intégrant étroitement tous les aspects du théâtre musical, avec une intrigue cohérente, des chansons qui faisaient avancer l'action de l'histoire, et des ballets de rêve et d'autres danses qui faisaient avancer l'intrigue et développaient les personnages. , plutôt que d'utiliser la danse comme excuse pour faire défiler des femmes légèrement vêtues sur scène. Rodgers et Hammerstein ont embauché la chorégraphe de ballet Agnès de Mille, qui a utilisé des mouvements quotidiens pour aider les personnages à exprimer leurs idées. Il a défié les conventions musicales en levant le rideau de son premier acte non pas sur une bande de choristes, mais plutôt sur une femme barattant du beurre, avec une voix hors scène chantant les premières lignes de Oh, What a Beautiful Mornin' sans accompagnement. Il a suscité des critiques élogieuses, a déclenché une frénésie au box-office et a reçu un prix Pulitzer. Brooks Atkinson a écrit dans le New York Times que le numéro d'ouverture du spectacle a changé l'histoire du théâtre musical : « Après un couplet comme celui-là, chanté sur une mélodie entraînante, les banalités de l'ancienne scène musicale sont devenues intolérables. » Gordon, John Steele. http://www.americanheritage.com/articles/magazine/ah/1993/1/1993_1_58.shtml Oklahoma'!'] Récupéré le 13 juin 2010. Il s'agissait du premier spectacle « à succès » de Broadway, avec un total de 2 212 représentations. , et a été transformé en un film à succès. Il reste l'un des projets les plus fréquemment produits par l'équipe. William A. Everett et Paul R. Laird ont écrit qu'il s'agissait d'un « spectacle qui, comme Show Boat, est devenu une étape importante, donc ». que les historiens ultérieurs écrivant sur des moments importants du théâtre du XXe siècle commenceraient à identifier les époques en fonction de leur relation avec l'Oklahoma ! »
« Après Oklahoma !, Rodgers et Hammerstein ont été les contributeurs les plus importants à la forme de jeu musical... Les exemples qu'ils ont donnés en créant des pièces vitales, souvent riches en pensée sociale, ont fourni l'encouragement nécessaire à d'autres écrivains doués pour créer des pièces musicales de les leurs". Les deux collaborateurs ont créé une collection extraordinaire de certains des classiques les plus appréciés et les plus durables du théâtre musical, notamment Carousel (1945), South Pacific (1949), The King and I (1951) et The Sound of Music (1959). Certaines de ces comédies musicales traitent de sujets plus sérieux que la plupart des spectacles précédents : le méchant d'Oklahoma ! est un meurtrier présumé et psychopathe avec un penchant pour les cartes postales obscènes ; Carousel traite de la violence conjugale, du vol, du suicide et de l'au-delà ; South Pacific explore le métissage encore plus en profondeur que Show Boat ; et le héros du Roi et moi meurt sur scène.
La créativité du spectacle a stimulé les contemporains de Rodgers et Hammerstein et a marqué le début de « l'âge d'or » du théâtre musical américain. Americana a été présentée à Broadway pendant « l'âge d'or », alors que le cycle de spectacles de guerre commençait à arriver. Un exemple en est On the Town (1944), écrit par Betty Comden et Adolph Green, composé par Leonard Bernstein et chorégraphié par Jerome Robbins. L'histoire se déroule en temps de guerre et concerne trois marins en permission à terre de 24 heures à New York, au cours de laquelle chacun tombe amoureux. Le spectacle donne également l’impression d’un pays à l’avenir incertain, comme l’ont aussi les marins et leurs femmes. Irving Berlin a utilisé la carrière du tireur d'élite Annie Oakley comme base pour son Annie Get Your Gun (1946, 1 147 représentations) ; Burton Lane, E. Y. Harburg et Fred Saidy ont combiné la satire politique avec la fantaisie irlandaise pour leur fantaisie.