Quel artiste américain a épousé Lee Krasner en 1945 ?
Jackson Pollock
Krasner a eu du mal avec la réception par le public de son identité, à la fois en tant que femme et en tant qu'épouse de Pollock. Lorsqu'ils exposèrent tous deux leurs œuvres lors d'une exposition intitulée « Artistes : homme et femme » en 1949, un critique d'ARTnews déclara : « Il y a une tendance parmi certaines de ces épouses à « mettre de l'ordre » dans le style de leur mari. Lee Krasner (Mme Jackson Pollock) prend la peinture et les émaux de son mari et transforme ses lignes larges et effrénées en petits carrés et triangles soignés. » Même après la montée du féminisme dans les années 1960 et 1970, sa carrière d'artiste a toujours été mise en relation avec Pollock puisque les remarques faites à propos de son travail commentaient souvent comment elle était devenue une artiste à succès en sortant de l'ombre de Pollock. Dans les articles sur son travail, Pollock est continuellement mentionnée. Généralement dans les années 1940 et 1950, elle ne signait pas du tout d'œuvres, ne signait pas avec les initiales asexuées « L.K. » ou ne mélangeait pas sa signature dans le tableau afin de ne pas souligner son statut de femme et d'épouse d'un autre peintre. Après sa mort, sa propriété d'East Hampton est devenue la Pollock-Krasner House and Studio et est ouverte au public pour des visites. Une organisation distincte, la Fondation Pollock-Krasner, a été créée en 1985. La Fondation fonctionne comme la succession officielle de Lee Krasner et de Jackson Pollock et, aux termes de son testament, sert également « à aider les artistes individuels méritants à besoin financier. » Le représentant américain des droits d'auteur de la Fondation Pollock-Krasner est l'Artists Rights Society. Krasner a été interprétée dans une performance primée aux Oscars de Marcia Gay Harden dans le film Pollock de 2000, un drame sur la vie de son mari Jackson Pollock, réalisé par Ed Harris. Dans le roman Seek My Face (2002) de John Updike, une partie importante de la vie du personnage principal est basée sur celle de Krasner. Relation avec Jackson Pollock Lee Krasner et Jackson Pollock ont ​​établi une relation en 1942 après avoir tous deux exposé à la McMillen Gallery. Krasner était intriguée par son travail et par le fait qu'elle ne savait pas qui il était puisqu'elle connaissait de nombreux peintres abstraits à New York. Elle est allée à son appartement pour le rencontrer. En 1945, ils déménagèrent à The Springs, à la périphérie d'East Hampton. Au cours de l’été de cette année-là, ils se sont mariés dans une église en présence de deux témoins.
Lenore Krassner (27 octobre 1908 – 19 juin 1984), connue professionnellement sous le nom de Lee Krasner, était une peintre expressionniste abstraite américaine influente de la seconde moitié du XXe siècle.
Elle est l’une des rares artistes féminines à avoir eu une rétrospective au Musée d’Art Moderne.
Début de la vie
Krasner est née sous le nom de Lena Krassner (en dehors de la famille, elle était connue sous le nom de Lenore Krasner) le 27 octobre 1908 à Brooklyn, New York. Krasner était la fille de Chane (née Weiss) et de Joseph Krasner. Ses parents étaient des immigrants juifs russes, originaires de Shpykiv, une communauté juive de l'actuelle Ukraine. Ses parents ont fui aux États-Unis pour échapper à l'antisémitisme et à la guerre russo-japonaise. Sa mère Chane a changé son nom pour Anna une fois arrivée en Amérique. Lee était le quatrième de cinq enfants, dont sa sœur Ruth, et la première née en Amérique. Elle était la seule de ses frères et sœurs à être née aux États-Unis.
Éducation
Dès son plus jeune âge, Krasner savait qu'elle voulait poursuivre une carrière artistique. La carrière d'artiste de Krasner a commencé lorsqu'elle était adolescente. Elle cherchait spécifiquement à s'inscrire au lycée pour filles Washington Irving, car ils proposaient une spécialisation en art. Après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires, elle a fréquenté la Women's Art School de Cooper Union grâce à une bourse. Ici, elle a suivi les cours requis pour un certificat d’enseignement des arts. Krasner a poursuivi ses études artistiques à l'illustre National Academy of Design, où elle a terminé ses cours en 1932.
En 1928, elle s'inscrit à la National Academy of Design. En fréquentant une école d'art technique, Krasner a pu acquérir une formation artistique étendue et approfondie, comme l'illustre sa connaissance des techniques des maîtres anciens. Elle est également devenue très compétente dans la représentation de figures anatomiquement correctes. De cette époque, il reste relativement peu d'œuvres, à l'exception de quelques autoportraits et natures mortes, la plupart des œuvres ayant été brûlées dans un incendie. L'une des images qui existent encore de cette période est son "Autoportrait" peint en 1930. Elle l'a soumis à l'Académie nationale afin de s'inscrire dans une certaine classe, mais les juges ne pouvaient pas croire que la jeune artiste avait produit un autoportrait. -portrait en plein air. Dans ce document, elle se représente avec une expression de défi entourée par la nature. Elle s'est également brièvement inscrite à l'Art Students League de New York en 1928. Ici, elle a suivi un cours dirigé par George Bridgman qui mettait l'accent sur la forme humaine. Krasner a été fortement influencée par l'ouverture du Musée d'Art Moderne en 1929. Elle a été très affectée par le post-impressionnisme et est devenue critique à l'égard des notions académiques de style qu'elle avait apprises à l'Académie nationale.
Dans les années 1930, elle commence à étudier l’art moderne en apprenant les éléments de composition, de technique et de théorie. Cette première enquête sur l'art moderne a façonné son travail tout au long de sa carrière. Elle commence à suivre les cours de Hans Hofmann en 1937, ce qui modernise son approche du nu et de la nature morte. Il a souligné la nature bidimensionnelle du plan de l'image et l'utilisation de la couleur pour créer une illusion spatiale qui n'était pas représentative de la réalité à travers ses leçons. Tout au long de ses cours avec Hofmann, Krasner a travaillé dans un style avancé de cubisme, également connu sous le nom de néo-cubisme. Pendant le cours, un nu humain ou une nature morte serait le modèle à partir duquel Krasner et d'autres étudiants devraient travailler. Elle créait généralement des dessins au fusain de modèles humains et des études couleur à l'huile sur papier des décors de natures mortes. Elle illustre généralement les nus féminins de manière cubiste avec une tension obtenue grâce à la fragmentation des formes et à l'opposition des couleurs claires et sombres. Les natures mortes illustrent son intérêt pour le fauvisme puisqu'elle suspend des pigments de couleurs vives sur des fonds blancs.
Il est finalement devenu trop difficile pour Krasner de subvenir à ses besoins en tant que serveuse à cause de la Grande Dépression. Afin de subvenir à ses besoins, elle rejoint le Federal Art Project de la Works Progress Administration en 1935. Elle travaille dans la division des peintures murales en tant qu'assistante de Max Spivak. Son travail consistait à agrandir les créations d'autres artistes pour des peintures murales publiques à grande échelle. Étant donné que les peintures murales ont été créées pour être facilement comprises et appréciées par le grand public, l'art abstrait produit par Krasner n'était pas souhaitable pour les peintures murales. Même si Krasner était heureuse d'avoir un travail, elle était insatisfaite car elle n'aimait pas travailler avec des images figuratives créées par d'autres artistes. À la fin des années 1930 et au début des années 1940, elle réalise des croquis à la gouache dans l’espoir de créer un jour une peinture murale abstraite. Dès qu'une de ses propositions de peinture murale a été approuvée pour la station de radio WYNC, la Works Progress Administration s'est transformée en War Services et tous les arts ont dû être créés pour la propagande de guerre. Elle a continué à travailler pour War Services en créant des collages pour l'effort de guerre qui ont été exposés dans les vitrines de dix-neuf grands magasins de Brooklyn et de Manhattan. > Elle a été très impliquée dans l'Union des Artistes lorsqu'elle travaillait à la WPA, mais a été l'une des premières à quitter l'organisation lorsqu'elle a réalisé que les communistes en prenaient le relais. En faisant partie de cette organisation, elle a pu rencontrer davantage d'artistes à New York et élargir son réseau.
Après avoir quitté l'Artists Union, elle a rejoint l'American Abstract Artists. Cela marque la fin de son parcours scolaire. Lorsqu'elle en était membre, elle exposait généralement des natures mortes cubistes dans un style cloisonné à grille noire, très empâtés et gestuels. Elle a rencontré les futurs expressionnistes abstraits Willem de Kooning, Arshile Gorky, Franz Kline, Adolph Gottlieb, Mark Rothko, Barnett Newman, Clyfford Still et Bradley Walker Tomlin grâce à cette organisation. Elle a perdu tout intérêt pour leur utilisation du style géométrique hard-edge après le début de sa relation avec Pollock.
Travaux
Krasner est identifiée comme une expressionniste abstraite en raison de ses œuvres abstraites, gestuelles et expressives. Elle a travaillé dans la peinture, la peinture par collage, le dessin au fusain et occasionnellement la mosaïque. Elle découpait souvent ses propres dessins et peintures pour créer ses peintures-collages. Elle a également fréquemment révisé ou complètement détruit une série entière d'œuvres en raison de son caractère critique. En conséquence, son œuvre survivante est relativement petite. Son catalogue raisonné, publié en 1995 chez Abrams, recense 599 pièces connues.
Sa nature changeante se reflète dans son œuvre, ce qui a conduit les critiques et les universitaires à tirer des conclusions très différentes sur elle et son œuvre. Son style oscille souvent entre structure classique et action baroque, forme ouverte et forme dure, couleurs vives et palette monochrome. Tout au long de sa carrière, elle a refusé d'adopter un style singulier et reconnaissable et a plutôt adopté le changement en variant souvent l'ambiance, le sujet, la texture, les matériaux et les compositions de son travail. En changeant souvent son style de travail, elle se différencie des autres expressionnistes abstraits puisque beaucoup d'entre eux adoptent des identités et des modes de représentation immuables. Malgré ces variations intenses, ses œuvres sont généralement reconnaissables à leur style gestuel, leur texture, leur rythme et leur représentation d'images organiques. Son intérêt pour soi, la nature et la vie moderne sont des thèmes qui reviennent fréquemment dans ses œuvres. Krasner est souvent réticente à discuter de l'iconographie de son travail et souligne plutôt l'importance de sa biographie puisqu'elle affirme que son art se forme à travers sa personnalité individuelle et son état émotionnel.
Début des années 40
Tout au long de la première moitié des années 1940, Krasner a eu du mal à créer un art qui satisfasse sa nature critique. Elle fut très affectée en voyant l'œuvre de Pollock pour la première fois en 1942, ce qui l'amena à rejeter le style cubiste d'Hofmann qui nécessitait de travailler à partir d'un modèle humain ou d'une nature morte. Elle a appelé le travail produit pendant cette période frustrante ses « peintures sur dalles grises ». Elle créait ces peintures en travaillant sur une toile pendant des mois, en repeignant, en grattant la peinture, en la frottant et en ajoutant plus de peinture jusqu'à ce que la toile soit presque monochrome à cause de tant d'accumulation de peinture. Elle finirait par détruire ces œuvres, c'est pourquoi il n'existe qu'un seul tableau de cette période. La connaissance approfondie de Krasner en matière de cubisme était à l'origine de son problème créatif, car elle avait besoin que son travail soit plus expressif et gestuel pour être considéré comme contemporain et pertinent. À l'automne 1945, Krasner détruit bon nombre de ses œuvres cubistes qu'elle avait créées au cours de ses études avec Han Hofmann, bien que la majorité des peintures créées de 1938 à 1943 aient survécu à cette réévaluation.
Petites images : 1946-1949
À partir de 1946, Krasner commence à travailler sur sa série Little Image. Elle a créé une quarantaine de ces types de peintures jusqu'en 1949. Elles sont communément classées en mosaïque, palmées ou hiéroglyphes selon le style de l'image. Les images en mosaïque ont été créées grâce à une épaisse accumulation de peinture, tandis que ses peintures palmées ont été réalisées grâce à une technique de goutte à goutte dans laquelle le pinceau était toujours proche de la surface de la toile. Depuis qu'elle a utilisé une technique de goutte à goutte pour créer ses images palmées, de nombreux critiques ont cru, en voyant cette œuvre pour la première fois, qu'elle copiait et domestiquait les éclaboussures de peinture chaotiques de Pollock. Ses peintures de hiéroglyphes sont quadrillées et ressemblent à un script personnel illisible de la création de Krasner. Ces œuvres démontrent ses préoccupations anti-figuratives, son approche globale de la toile, son travail au pinceau gestuel et son mépris de la couleur naturaliste. Ils présentent peu de variations de couleur mais sont très riches en texture en raison de l'accumulation d'empâtements et suggèrent également un espace se prolongeant au-delà de la toile. Ce furent ses premières images réussies qu’elle créa en travaillant à partir de sa propre imagination plutôt que d’un modèle. L'échelle relativement petite des images peut être attribuée au fait qu'elle les a peintes sur un chevalet dans son petit studio situé dans une chambre à l'étage de The Springs.
De nombreux érudits interprètent ces images comme une refonte de l'écriture hébraïque par Krasner. Dans une interview plus tard dans sa carrière, Krasner a admis avoir travaillé inconsciemment de droite à gauche sur ses toiles, ce qui a amené les chercheurs à croire que son origine juive affectait le rendu de son travail. Certains chercheurs ont interprété ces peintures comme représentant la réaction de Krasner à la tragédie de l'Holocauste. D'autres ont affirmé que son travail avec le projet War Services l'avait amenée à s'intéresser aux textes et aux codes, la cryptoanalyse étant l'une des principales préoccupations pour gagner la guerre.
Lorsqu'elle achève la série Little Image en 1949, Krasner traverse à nouveau une phase critique dans son travail. Elle a essayé et rejeté de nombreux nouveaux styles et a finalement détruit la plupart de ses œuvres au début des années 1950. Il est prouvé qu'elle a commencé à expérimenter la peinture automatique et a créé des figures monstrueuses hybridées en noir et blanc sur de grandes toiles en 1950. Ce sont les peintures que Betty Parsons a vues lors de sa visite à The Springs cet été-là, ce qui a incité Parsons à offrir à Krasner une exposition pour le automne. Entre l’été et l’automne, Krasner a de nouveau modifié son style pour se tourner vers la peinture sur champ coloré et détruit les peintures figuratives automatiques qu’elle réalisait. L'exposition Betty Parsons était la première exposition personnelle à laquelle Krasner présentait ses œuvres depuis 1945. Après l'exposition, Krasner a utilisé les peintures sur champ de couleur pour réaliser ses peintures de collage.
Premières images de collage : 1951-1955
En 1951, Krasner commença sa première série de peintures-collages. Pour créer ces images, Krasner a collé des formes coupées et déchirées sur toutes les peintures à champ colorimétrique à grande échelle qu'elle a créées pour l'exposition de Betty Parson en 1951, sauf deux. Cette période marque le moment où Krasner a arrêté de travailler sur un chevalet depuis qu'elle a créé ces œuvres. en allongeant le support sur le sol. Pour réaliser ces images, elle épinglait les pièces séparées sur une toile et modifiait la composition jusqu'à ce qu'elle soit satisfaite. Elle colle ensuite les fragments sur la toile et ajoute de la couleur avec un pinceau si désirée. La plupart des peintures-collages qu'elle a créées rappellent des formes végétales ou organiques mais ne ressemblent pas complètement à un organisme vivant. En utilisant de nombreux matériaux différents, elle a pu créer de la texture et éviter que l'image ne soit entièrement plate. L'acte de déchirer et de couper des éléments du collage incarne l'expression de Krasner puisque ces actes sont agressifs. Elle a exploré les contrastes de couleurs claires et sombres, les lignes dures et douces, les formes organiques et géométriques, ainsi que la structure et l'improvisation à travers ces collages. Ces peintures-collages représentent le détournement de Krasner de l'abstraction non objective. À partir de cette période, elle crée un art métaphorique et chargé de contenu qui fait allusion à des figures ou des paysages organiques.
De 1951 à 1953, la plupart de ses œuvres sont réalisées à partir de dessins déchirés réalisés à l'encre noire ou au lavis de manière figurative. En déchirant le papier au lieu de le couper, les bords des personnages sont beaucoup plus doux par rapport aux formes géométriques et aux bords durs de ses œuvres précédentes. De 1953 à 1954, elle crée des peintures-collages de plus petite taille composées de fragments d’œuvres indésirables. Certaines des œuvres abandonnées qu'elle a utilisées étaient des peintures par éclaboussures réalisées par Pollock. De nombreux chercheurs ont exprimé différentes interprétations sur les raisons pour lesquelles elle a utilisé les toiles indésirables de Pollock. Certains affirment qu'elle a simultanément démontré son admiration pour son art tout en recontextualisant sa physicalité agressive en manipulant ses images dans un format de collage. D'autres pensent qu'elle créait un sentiment d'intimité entre les deux artistes, qui manquait dans leur relation à cette époque, en combinant leurs œuvres. En 1955, elle réalise des peintures-collages à plus grande échelle et varie le matériau qu'elle utilise pour le support, en utilisant soit de la masonite, du bois ou de la toile. Ces œuvres ont été exposées pour la première fois par Eleanor Ward à la Stable Gallery en 1955, mais elles ont reçu peu de succès auprès du public en dehors d'une bonne critique de Greenberg.
Série Terre Verte : 1956-1959
Au cours de l'été 1956, Krasner a lancé sa série Earth Green. Bien qu'elle ait commencé à peindre ces images avant la mort de Pollock, elles sont considérées comme reflétant les sentiments de colère, de culpabilité, de douleur et de perte qu'elle a ressentis à propos de leur relation avant et après sa mort. Cette émotion intense qu'elle a ressentie pendant cette période a amené son art à se développer vers une forme d'expression plus libérée et a repoussé les limites des concepts conventionnels et développés de l'art. À travers ces peintures d’action à grande échelle, elle représente des figures hybrides composées de formes organiques végétales et de parties anatomiques, qui font souvent allusion à des parties du corps masculines et féminines. Ces formes dominent la toile, la rendant encombrée et densément remplie de formes éclatantes et renflées. La douleur qu'elle a ressentie pendant cette période est illustrée par l'utilisation principale de tons chair avec des accents rouge sang dans les personnages qui suggèrent des blessures. Les gouttes de peinture sur la toile montrent sa rapidité et sa volonté de renoncer au contrôle absolu, tous deux nécessaires pour représenter ses émotions.
En 1957, elle continue à créer des formes abstraites figuratives dans son travail, mais elles suggèrent davantage d'éléments floraux qu'anatomiques. Elle a utilisé des couleurs plus vives, plus vibrantes et contrastant généralement avec les autres couleurs de la composition. Elle diluait également la peinture ou utilisait un pinceau sec pour rendre les couleurs plus transparentes.
En 1958, elle reçut une commande pour créer deux peintures murales abstraites pour un immeuble de bureaux à Broadway. Elle a créé deux maquettes de collage représentant des motifs floraux pour deux entrées du bâtiment. Plus tard, ces peintures murales ont été détruites dans un incendie.
Série Ombre : 1959-1961
Les peintures de la série Umber de Krasner ont été créées à une époque où l'artiste souffrait d'insomnie. Comme elle travaillait la nuit, elle devait peindre avec une lumière artificielle plutôt qu’avec la lumière du jour, ce qui faisait passer sa palette de teintes vives et vibrantes à des couleurs ternes et monochromes. Elle était également toujours aux prises avec la mort de Pollock et la mort récente de sa mère, ce qui l'a amenée à utiliser un style agressif lors de la création de ces images. Ces peintures d'action de taille murale contrastent fortement entre l'obscurité et la lumière puisque le blanc, le gris, le noir et le marron sont les couleurs prédominantes utilisées. Les traces de son travail au pinceau animé sont visibles à travers les gouttes et les éclaboussures de peinture sur la toile. Il n’y a pas de point central sur lequel le spectateur peut se concentrer dans ces œuvres, ce qui rend la composition très dynamique et rythmée. Pour peindre ces images à grande échelle, Krasner punaisait la toile sur un mur. Ces images n'impliquent plus des formes organiques mais sont souvent interprétées comme des paysages violents et turbulents.
Série primaire : années 1960
En 1962, elle commence à utiliser des couleurs vives et à faire allusion à des formes florales et végétales. Ces œuvres sont similaires sur le plan de la composition à ses images monochromes en raison de leur grande taille et de leur nature rythmique sans point focal central. La palette de ces images contraste souvent et fait allusion à des paysages ou à des plantes tropicales. Elle a continué à travailler dans ce style jusqu'à ce qu'elle souffre d'un anévrisme, tombe et se casse le poignet droit en 1963, le poignet avec lequel elle peignait. Comme elle voulait toujours travailler, elle peignait avec sa main gauche. Pour surmonter le travail avec sa main non dominante, elle appliquait souvent la peinture directement d'un tube sur la toile plutôt que d'utiliser un pinceau, provoquant ainsi de grandes taches de toile blanche sur la surface des images. Le geste et la physicalité de ces œuvres sont plus sobres puisqu'elle travaille de la main gauche.
Après s'être remise de son bras cassé, Krasner a commencé à travailler sur des peintures all-over lumineuses et décoratives qui sont moins agressives que ses peintures Earth Green Series et Umber Series. Souvent, ces images rappellent des calligraphies ou des ornements floraux qui ne sont pas directement liés à l'état émotionnel de Krasner. Les formes florales ou calligraphiques dominent la toile, reliant des coups de pinceau variables en un seul motif.
Dans la seconde moitié des années 1960, les critiques ont commencé à réévaluer le rôle de Krasner dans l'école de New York en tant que peintre et critique qui a grandement influencé Pollock et Greenberg en raison de la montée du féminisme. Avant cela, son statut d'artiste était généralement négligé par les critiques et les universitaires en raison de sa relation avec Pollock. Étant donné que Pollock est une figure importante du mouvement expressionniste abstrait, il est encore souvent difficile pour les chercheurs de discuter de son travail sans mentionner Pollock dans une certaine mesure. Cette réévaluation se reflète dans sa première exposition rétrospective de ses peintures qui s'est tenue à Londres à la Whitechapel Gallery en 1965. Cette exposition a été plus bien accueillie par la critique que ses précédentes expositions à New York.
En 1969, Krasner se concentre principalement sur la création d'œuvres sur papier à la gouache. Ces œuvres étaient nommées soit terre, eau, graine ou hiéroglyphes et ressemblaient souvent à un test de Rorschach. Certains chercheurs affirment que ces images constituaient une critique de la théorie de Greenberg sur l'importance de la nature bidimensionnelle de la toile.
Fin de carrière
Tout au long des années 1960 et 1970, le travail de Krasner a été considérablement influencé par l'art postmoderne et a mis l'accent sur les problèmes inhérents à l'art en tant que forme de communication.
À partir de 1970, Krasner commence à réaliser de grandes peintures horizontales composées de lignes dures et d'une palette de quelques couleurs vives qui contrastent les unes avec les autres. Elle a peint dans ce style jusque vers 1973.
En 1976, elle commence à travailler sur sa deuxième série d'images de collage. Elle a commencé à travailler sur ces collages après avoir nettoyé son atelier et découvert des dessins au fusain, principalement des études de figures qu'elle avait réalisées entre 1937 et 1940. Après en avoir sauvegardé quelques-uns, elle a décidé d'utiliser le reste dans une nouvelle série de collages. . Dans ces collages, les formes noires et grises des études de figures sont juxtaposées à la toile vierge ou à l'ajout de peinture aux couleurs vives. Les formes aux arêtes vives des dessins découpés sont reconstruites en formes curvilignes qui rappellent des motifs floraux. La texture est induite par le contraste du papier lisse et de la toile rugueuse. Étant donné que les études de figures sont découpées et réorganisées sans tenir compte de leur intention ou de leur message d'origine, les différences entre les anciens dessins et les nouvelles structures sont fortement exagérées. Tous les titres des collages de cette série sont à des temps verbaux différents, ce qui est interprété comme une critique de l'insistance de Greenberg et Michael Fried sur l'actualité de l'art moderne. Ces œuvres sont également considérées comme une déclaration sur la manière dont les artistes doivent réexaminer et retravailler leur style afin de rester pertinents à mesure qu'ils vieillissent. Cette série de collages fut très bien accueillie par un large public lors de son exposition en 1977 à la Pace Gallery.
L'influence de Pollock
Bien que beaucoup de gens pensent que Krasner a arrêté de travailler dans les années 1940 afin de nourrir la vie familiale et la carrière de Pollock, elle n'a jamais cessé de créer de l'art. Tout au long de sa carrière, elle a traversé des périodes de lutte où elle expérimentait de nouveaux styles qui satisferaient ses moyens d'expression et critiquait, révisait ou détruisait durement l'œuvre qu'elle produirait. En raison de son autocritique, il y a des périodes où peu ou pas de son travail existe, en particulier la fin des années 1940 et le début des années 1950.
Krasner et Pollock ont ​​tous deux eu un immense effet sur leurs styles et carrières artistiques respectifs. Puisque Krasner avait appris de Hans Hofmann tandis que Pollock recevait une formation de Thomas Hart Benton, chaque artiste a adopté des approches différentes de son travail. Krasner a appris de Hofmann l'importance de faire abstraction de la nature et de mettre l'accent sur la nature plate de la toile, tandis que la formation de Pollock a souligné l'importance d'une conception complexe à partir du dessin automatique. Les connaissances approfondies de Krasner en art moderne ont aidé Pollock puisqu'elle l'a mis au courant de ce que devrait être l'art contemporain. Il a ainsi pu réaliser des œuvres plus organisées et cosmopolites. De plus, Krasner a présenté Pollock à de nombreux artistes, collectionneurs et critiques qui appréciaient l'art abstrait, tels que Willem de Kooning, Peggy Guggenheim et Clement Greenberg. Pollock a également aidé Krasner à devenir moins retenue lorsqu'elle faisait son travail. Il l'a inspirée à arrêter de peindre à partir de modèles humains et de natures mortes afin de libérer ses émotions intérieures et de devenir plus spontanée et gestuelle à travers son travail.
Krasner a eu du mal avec la réception par le public de son identité, à la fois en tant que femme et en tant qu'épouse de Pollock. Lorsqu'ils exposèrent tous deux leurs œuvres lors d'une exposition intitulée « Artistes : homme et femme » en 1949, un critique d'ARTnews déclara : « Il y a une tendance parmi certaines de ces épouses à « mettre de l'ordre » dans le style de leur mari. Lee Krasner (Mme Jackson Pollock) prend la peinture et les émaux de son mari et transforme ses lignes larges et effrénées en petits carrés et triangles soignés. » Même après la montée du féminisme dans les années 1960 et 1970, sa carrière d'artiste a toujours été mise en relation avec Pollock puisque les remarques faites à propos de son travail commentaient souvent comment elle était devenue une artiste à succès en sortant de l'ombre de Pollock. Dans les articles sur son travail, Pollock est continuellement mentionnée. Généralement dans les années 1940 et 1950, elle ne signait pas du tout d'œuvres, ne signait pas avec les initiales asexuées « L.K. » ou ne mélangeait pas sa signature dans le tableau afin de ne pas souligner son statut de femme et d'épouse d'un autre peintre.
Héritage
Lee Krasner est décédé en 1984, à l'âge de 75 ans, de causes naturelles. Elle souffrait d'arthrite.
Six mois après sa mort, le Museum of Modern Art (MoMA) de New York a organisé une exposition rétrospective de son travail. Une critique de l'exposition dans le New York Times a noté qu'elle « définit clairement la place de Krasner dans l'école de New York » et qu'elle « est une artiste majeure et indépendante de la génération pionnière de l'expressionnisme abstrait, dont le travail émouvant occupe une place importante parmi celles produites ici. au cours du dernier demi-siècle. » Depuis 2008, Krasner est l'une des quatre seules femmes artistes à avoir eu une rétrospective au Musée d'Art Moderne. Les trois autres femmes artistes sont Louise Bourgeois (rétrospective MoMA en 1982), Helen Frankenthaler (rétrospective MoMA en 1989) et Elizabeth Murray (rétrospective MoMA en 2004).
Ses papiers ont été donnés aux Archives of American Art en 1985 ; ils ont été numérisés et mis en ligne pour les chercheurs en 2009.
Après sa mort, sa propriété d'East Hampton est devenue la Pollock-Krasner House and Studio et est ouverte au public pour des visites. Une organisation distincte, la Fondation Pollock-Krasner, a été créée en 1985. La Fondation fonctionne comme la succession officielle de Lee Krasner et de Jackson Pollock et, aux termes de son testament, sert également « à aider les artistes individuels méritants à besoin financier. » Le représentant américain des droits d'auteur de la Fondation Pollock-Krasner est l'Artists Rights Society.
Krasner a été interprétée dans une performance primée aux Oscars de Marcia Gay Harden dans le film Pollock de 2000, un drame sur la vie de son mari Jackson Pollock, réalisé par Ed Harris. Dans le roman Seek My Face (2002) de John Updike, une partie importante de la vie du personnage principal est basée sur celle de Krasner.
Vie privée
Relation avec Jackson Pollock
Lee Krasner et Jackson Pollock ont ​​établi une relation en 1942 après avoir tous deux exposé à la McMillen Gallery. Krasner était intriguée par son travail et par le fait qu'elle ne savait pas qui il était puisqu'elle connaissait de nombreux peintres abstraits à New York. Elle est allée à son appartement pour le rencontrer. En 1945, ils déménagèrent à The Springs, à la périphérie d'East Hampton. Au cours de l’été de cette année-là, ils se sont mariés dans une église en présence de deux témoins.
Alors que les deux vivaient dans la ferme de The Springs, ils ont tous deux continué à créer de l'art. Ils travaillaient dans des studios séparés sur leur propriété. Krasner travaillait dans une chambre à l'étage de la maison tandis que Pollock travaillait dans la grange de leur jardin.Rose, Barbara. "Krasner | Pollock : Une relation de travail" . New York : Grey Art Gallery et Study Center, 1981. p. 8. Lorsqu'ils ne travaillaient pas, les deux passaient leur temps à cuisiner, à faire du bricolage, à jardiner, à organiser la maison et à recevoir des amis.
En 1956, leur relation devint tendue à cause de certains problèmes. Pollock avait recommencé à lutter contre son alcoolisme et avait une liaison extraconjugale avec Ruth Kligman.Rose, Barbara. Lee Krasner : Une rétrospective. New York : Le Musée d'Art Moderne, 1983. p. 95. Krasner est partie en été pour rendre visite à des amis en Europe, mais a dû revenir rapidement lorsque Pollock est décédée dans un accident de voiture alors qu'elle était absente.
Religion
Krasner a grandi dans un foyer juif orthodoxe tout au long de son enfance et de son adolescence. Ils vivaient à Brownsville, Brooklyn, qui comptait une importante population d'immigrants juifs pauvres. Levin, Gail. « Au-delà de la pâleur : Lee Krasner et la culture juive », Women's Art Journal, Vol. 28, n°2 (automne-hiver 2008) : 28 – 44. JSTOR. La toile. 17 mars 2015, p. 28. Son père passait la plupart de son temps à pratiquer le judaïsme tandis que sa mère s'occupait du ménage et de l'entreprise familiale. Krasner appréciait des aspects du judaïsme comme l'écriture hébraïque, les prières et les histoires religieuses.
Adolescente, elle est devenue critique à l'égard de ce qu'elle percevait comme de la misogynie dans le judaïsme orthodoxe. Levin, Gail. « Au-delà de la pâleur : Lee Krasner et la culture juive », Women's Art Journal, Vol. 28, n°2 (automne-hiver 2008) : 28 – 44. JSTOR. La toile. 17 mars 2015, p. 29. Dans une interview plus tard dans sa vie, Krasner se souvient avoir lu une traduction de prière et avoir pensé que c'était "en effet une belle prière dans tous les sens, sauf pour la conclusion... si vous êtes un homme, vous dites : 'Merci, ô Seigneur, de m'avoir créé à ton image'; et si tu es une femme, tu dis: 'Merci, ô Seigneur, de m'avoir créé comme tu l'as jugé bon.'" Elle a également commencé à lire des philosophies existentialistes au cours de cette période, ce qui l'a amenée à détournez-vous encore plus du judaïsme. Levin, Gail. « Au-delà de la pâleur : Lee Krasner et la culture juive », Women's Art Journal, Vol. 28, n°2 (automne-hiver 2008) : 28 – 44. JSTOR. La toile. 17 mars 2015, p. 30.
Alors qu'elle épousait Pollock dans une église, Krasner a continué à s'identifier comme juive mais a décidé de ne pas pratiquer cette religion. Son identité de femme juive a influencé la façon dont les chercheurs interprètent le sens de son art.
Liste des œuvres majeures
* (1929) "Autoportrait" Metropolitan Museum of Art
* (1934) "Gansevoort, numéro 1" Metropolitan Museum of Art
* (1938) Musée d'Art Moderne "Nature morte"
* (1940) Musée d'Art Moderne "Nu Assis"
* (1949) "Composition" Musée d'Art de Philadelphie
* (1949) "Sans titre" Le Musée d'Art Moderne
* (1951) "Numéro 3 (Sans titre)" Le Musée d'Art Moderne
* (1953) "Sans titre" Galerie nationale d'Australie
* (1955) "Asclépiade" Galerie Albright-Knox
* (1961) "Polar Stampede" Musée d'art moderne de San Francisco
* (1964) "Sans titre" Le Musée d'Art Moderne
* (1965) "Créatures nocturnes" Metropolitan Museum of Art
* (1966) "Gaea" Le Musée d'Art Moderne
* (1970) Galerie "Comet" Robert Miller (marchand d'art)
* (1972) Musée d'art métropolitain "Rising Green"
* (1976) Galerie Nationale d'Art "Imperative"
Marché de l'art
Lors d'une vente aux enchères Christie's à New York en 2003, la composition horizontale à l'huile sur toile de Lee Krasner, Celebration (1960), a plus que quadruplé son estimation de prévente et a terminé sa course à la hausse à 1,9 million de dollars.