Dans quel matériau le designer Art nouveau René Lalique a-t-il travaillé le plus célèbre ?
Verre
File:Daum Nature Bougeoir.jpg|Nature series – "Pâte de Verre" Antonin Daum, Nancy
L'Art Nouveau (, anglicisé en) a de nombreux noms : en Autriche – Secessionsstil après Wiener Secession, Modernismo espagnol, Modernisme catalan, Secese tchèque, Skønvirke danois ou Jugendstil, en Allemagne – Jugendstil, Art nouveau ou Reformstil, Szecesszió hongrois, LArt Nouveau italien, Stile floreale ou Stile Liberty, Jugendstil norvégien, Secesja polonais, Secesia slovaque, russe Модерн [Moderne], Ар-нуво [Ar-nuvo] ou Югендстиль [JUgendstil'], Jugend suédois.
Il s’agit d’une philosophie et d’un style international de l’art, de l’architecture et des arts appliqués – en particulier les arts décoratifs – qui étaient les plus populaires entre 1890 et 1910. L'anglais utilise le nom français Art Nouveau (« nouvel art »), mais le style a de nombreux noms différents dans d'autres langues. En réaction à l'art académique du XIXe siècle, il s'inspire des formes et des structures naturelles, non seulement des fleurs et des plantes, mais aussi des lignes courbes. Les architectes ont essayé de s'harmoniser avec l'environnement naturel.
L'Art nouveau est considéré comme un style artistique « total », englobant l'architecture, les arts graphiques, le design d'intérieur et la plupart des arts décoratifs, notamment les bijoux, les meubles, les textiles, l'argenterie domestique et autres ustensiles et luminaires, ainsi que les beaux-arts. Selon la philosophie du style, l’art devrait être un mode de vie. Pour de nombreux Européens aisés, il était possible de vivre dans une maison d'inspiration art nouveau avec des meubles art nouveau, de l'argenterie, des tissus, des céramiques dont de la vaisselle, des bijoux, des étuis à cigarettes, etc. Les artistes souhaitaient combiner les beaux-arts et les arts appliqués, même pour les objets utilitaires.
Bien que l’Art nouveau ait été remplacé par les styles modernistes du XXe siècle, il est désormais considéré comme une transition importante entre les styles éclectiques de renaissance historique du XIXe siècle et le modernisme.
Origines
À ses débuts, ni l'Art Nouveau ni le Jugendstil n'étaient le nom commun du style, mais ils étaient connus ainsi dans certains endroits, et le style avait des noms différents au fur et à mesure de sa diffusion. Ces deux noms proviennent respectivement de la galerie Maison de l'Art Nouveau de Siegfried Bing à Paris et du magazine Jugend à Munich, qui ont tous deux promu et popularisé le style.
Maison de l'Art Nouveau était le nom de la galerie créée en 1895 par le marchand d'art franco-allemand Siegfried Bing à Paris et qui présentait exclusivement de l'art moderne. La renommée de sa galerie s'est accrue à l'Exposition Universelle de 1900, où il a présenté des installations coordonnées - dans le design et la couleur - de meubles modernes, de tapisseries et d'objets d'art. Ces expositions décoratives sont devenues si fortement associées au style que le nom de sa galerie a par la suite fourni un terme couramment utilisé pour désigner l'ensemble du style. C'est ainsi qu'est né le terme « Art Nouveau ».
L'évolution de l'Art nouveau a été marquée par plusieurs foires internationales présentant des bâtiments et des produits conçus dans le nouveau style. Ainsi, l'Exposition universelle de Barcelone de 1888 marque le début du modernisme, avec quelques bâtiments de Lluís Domènech i Montaner. L'Exposition Universelle de 1900 à Paris a présenté un aperçu du « style moderne » dans tous les médias. Il a obtenu une reconnaissance supplémentaire à l'Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna de 1902 à Turin, en Italie, où des designers de presque tous les pays européens où l'Art nouveau était pratiqué.
Appellation
L'Art nouveau est généralement connu sous le nom de Secessionsstil en Autriche et dans les pays voisins, anciennement parties de l'Empire austro-hongrois où il s'agissait initialement de Sécession viennoise, comme Modernisme en Catalogne et en Espagne, comme Jugendstil en Allemagne et en Scandinavie, comme l'Art Nouveau, Stile floreale, et Stile Liberty en Italie, et comme Modern (Модерн), Ar-nuvo (Ар-нуво) et Jugendstil (Югендстиль) en Russie. Le style était le plus populaire en Europe, mais son influence était mondiale. Par conséquent, il est connu sous diverses formes avec des caractéristiques localisées fréquentes. D'autres noms locaux étaient associés aux caractéristiques de ses formes, à ses praticiens et à leurs œuvres, ainsi qu'aux écoles de pensée ou d'études où il était populaire. Beaucoup de ces termes font référence à l’idée de « nouveauté ». Avant que le terme « Art Nouveau » ne devienne courant en France, le style moderne (« le style moderne ») était la désignation la plus fréquente. Arte joven (« jeune art ») en Espagne, Modernisme en Catalogne, Arte nova au Portugal (« nouvel art »), Arte nuova en Italie (également « nouvel art ») et Nieuwe kunst (« nouvel art ») aux Pays-Bas , модерн (« nouveau », « contemporain ») en Russie – poursuivent tous ce thème. De nombreux noms font spécifiquement référence aux formes organiques appréciées des artistes de l'Art nouveau : Stile Floreal (« style floral »), Lilienstil (« style lys »), Style Nouille (« style nouilles »), Paling Stijl (« style anguille »). ), et Wellenstil ("style vague").
Dans d’autres cas, des exemples importants, des artistes connus et des lieux associés ont influencé les noms. Les entrées du métro parisien d'Hector Guimard, par exemple, ont fourni le terme Style Métro, la popularité en Italie des designs Art nouveau du grand magasin Liberty & Co de Londres lui a valu d'être connu sous le nom de Stile Liberty (« style Liberty ») et, dans le Aux États-Unis, il est devenu connu sous le nom de « style Tiffany » en raison de son association avec Louis Comfort Tiffany. En Autriche, une forme localisée d'Art nouveau était pratiquée par les artistes de la Sécession viennoise et est donc connue sous le nom de Sezessionstil (« style Sécession »). Cependant, en tant que terme autonome, « Sécession » (, , ) est fréquemment utilisé pour décrire les caractéristiques générales du style Art nouveau en dehors de Vienne, mais principalement dans les régions de l'Autriche-Hongrie au début du XXe siècle. Au Royaume-Uni, il est associé aux activités de Charles Rennie Mackintosh à Glasgow et est souvent connu sous le nom de style « Glasgow ».
Forme et caractère
Bien que l'Art nouveau ait acquis des tendances nettement localisées à mesure que son extension géographique s'étendait, certaines caractéristiques générales sont révélatrices de sa forme. Une description publiée dans le magazine Pan de la tenture murale Cyclamen (1894) d'Hermann Obrist la décrit comme « des courbes violentes et soudaines générées par le claquement d'un fouet », qui sont devenues bien connues au début de la diffusion de l'Art nouveau. Par la suite, non seulement l'œuvre elle-même est devenue plus connue sous le nom de The Whiplash, mais le terme « coup du lapin » est fréquemment appliqué aux courbes caractéristiques employées par les artistes de l'Art nouveau. De tels motifs décoratifs « coup de lapin », formés de lignes dynamiques, ondulantes et fluides dans un rythme syncopé et une forme asymétrique, se retrouvent dans l'architecture, la peinture, la sculpture et d'autres formes de design Art nouveau.
Les origines de l'Art nouveau se trouvent dans la résistance de l'artiste William Morris aux compositions encombrées et aux tendances revival du XIXe siècle et dans ses théories qui ont contribué à initier le mouvement Arts and Crafts. Cependant, la couverture du livre d'Arthur Mackmurdo pour Wren's City Churches (1883), avec ses motifs floraux rythmés, est souvent considérée comme la première réalisation de l'Art nouveau. À peu près à la même époque, la perspective plate et les couleurs vives des gravures sur bois japonaises, en particulier celles de Katsushika Hokusai, ont eu un fort effet sur la formulation de l'Art nouveau. Le japonisme, populaire en Europe dans les années 1880 et 1890, a particulièrement influencé de nombreux artistes avec ses formes organiques et ses références au monde naturel. En plus d'avoir été adoptés par des artistes comme Emile Gallé et James Abbott McNeill Whistler, l'art et le design d'inspiration japonaise ont été défendus par les hommes d'affaires Siegfried Bing et Arthur Lasenby Liberty dans leurs magasins de Paris et de Londres, respectivement.
En architecture, les hyperboles et les paraboles des fenêtres, des arcs et des portes sont courantes, et les moulures décoratives « grandissent » pour prendre des formes d'origine végétale. Comme la plupart des styles de design, l’Art Nouveau cherchait à harmoniser ses formes. Le texte au-dessus de l'entrée du métro parisien utilise les qualités du reste de la ferronnerie de la structure.
L'Art nouveau en architecture et en design d'intérieur a évité les styles néo-éclectiques du XIXe siècle. Bien que les créateurs de l'Art nouveau aient sélectionné et « modernisé » certains des éléments les plus abstraits du style rococo, tels que les textures de flammes et de coquillages, ils ont également préconisé l'utilisation de formes organiques très stylisées comme source d'inspiration, élargissant le répertoire « naturel » pour utiliser les algues, les herbes et les insectes. Les formes doucement fusionnées du style auriculaire du XVIIe siècle, mieux illustrées par l'argenterie hollandaise, ont été une autre influence.
Relation avec les styles et mouvements contemporains
En tant que style artistique, l'Art Nouveau a des affinités avec les styles préraphaélites et symbolistes, et des artistes comme Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt et Jan Toorop pourraient être classés dans plusieurs de ces styles. Contrairement à la peinture symboliste, cependant, l’Art nouveau a une apparence distinctive ; et, contrairement au mouvement Arts and Crafts orienté vers l'artisanat, les artistes de l'Art nouveau utilisaient volontiers de nouveaux matériaux, des surfaces usinées et l'abstraction au service du design pur.
L’Art Nouveau n’a pas évité l’utilisation de machines, comme l’a fait le Mouvement des Arts et Métiers. Pour la sculpture, les principaux matériaux utilisés étaient le verre et le fer forgé, ce qui confère des qualités sculpturales même en architecture. La céramique a également été utilisée pour créer des éditions de sculptures d'artistes tels qu'Auguste Rodin.
L'architecture Art Nouveau a utilisé de nombreuses innovations technologiques de la fin du XIXe siècle, notamment l'utilisation de fer apparent et de grands morceaux de verre de forme irrégulière pour l'architecture. Au début de la Première Guerre mondiale, cependant, la nature stylisée du design Art Nouveau – dont la production était coûteuse – commença à être abandonnée au profit d'un modernisme plus épuré et rectiligne, moins cher et considéré comme plus fidèle au style industriel plus simple. esthétique devenue Art Déco.
Les tendances Art Nouveau ont également été absorbées par les styles locaux. Au Danemark, par exemple, il s'agissait d'un aspect du Skønvirke (« travail esthétique »), lui-même plus étroitement lié au style Arts and Crafts. De même, les artistes ont adopté de nombreux motifs floraux et organiques de l'Art nouveau dans le style Młoda Polska (« Jeune Pologne ») en Pologne. Młoda Polska, cependant, incluait également d'autres styles artistiques et englobait une approche plus large de l'art, de la littérature et du style de vie.
Beaux-arts et graphisme
Le style a été le premier mouvement stylistique artistique majeur dans lequel les graphiques produits en série (par opposition aux formes traditionnelles de gravure, qui n'étaient pas très importantes pour le style) ont joué un rôle clé, souvent des techniques d'impression couleur se sont développées relativement récemment.
L'artiste tchèque basé à Paris Alphonse Mucha a été une influence clé, qui a réalisé une affiche lithographiée, apparue le 1er janvier 1895 dans les rues de Paris comme publicité pour la pièce Gismonda de Victorien Sardou, mettant en vedette Sarah Bernhardt. Il a popularisé le nouveau style artistique et son créateur auprès des citoyens de Paris. Initialement nommé Style Mucha, (Mucha Style), son style est rapidement devenu connu sous le nom d'Art Nouveau en France. Le travail de Mucha a continué de connaître un regain d'intérêt périodique de la part des illustrateurs et des artistes. L'intérêt pour le style distinctif de Mucha a connu un fort regain au cours des années 1960 avec un intérêt général pour l'Art Nouveau.
Cependant, l'Art nouveau ne se limitait pas au style de Mucha, mais était interprété différemment par des artistes du monde entier à mesure que le mouvement se propageait. Des artistes tels que Gustav Klimt, Charles Rennie Mackintosh, Jan Toorop, René Lalique, Antoni Gaudí et Louis Comfort Tiffany ont créé à leur manière des œuvres Art Nouveau. Des magazines comme Jugend ont contribué à faire connaître ce style en Allemagne, notamment en tant que forme d'art graphique, tandis que les sécessionnistes viennois ont influencé l'art et l'architecture dans toute l'Autriche-Hongrie.
Les pièces Art Nouveau en deux dimensions étaient peintes, dessinées et imprimées sous des formes populaires telles que des publicités, des affiches, des étiquettes, des magazines, etc. Les gravures sur bois japonaises, avec leurs lignes courbes, leurs surfaces à motifs, leurs vides contrastés et la planéité du plan visuel, ont également inspiré l'Art nouveau. Certains motifs de lignes et de courbes sont devenus des clichés graphiques que l’on retrouve plus tard dans les œuvres d’artistes de nombreuses régions du monde.
Fichier:Alfons Mucha - 1896 - Biscuits Lefèvre-Utile.jpg|Biscuits Lefèvre-Utile d'Alphonse Mucha (1896)
File:Martin nancy1894.jpg|Poster for an art exhibition in Nancy, France (1894)
File:Lautrec moulin rouge, la goulue (poster) 1891.jpg|Moulin Rouge – La Goulue (1891) by Henri de Toulouse-Lautrec
File:Alphonse Mucha - Job Cigarettes 1.jpg|Advertisement for Job Cigarettes by Alphonse Mucha (1896)
File:Steinlen-Motocycles Comiot.jpg|Motocycles Comiot by Théophile-Alexandre Steinlen from Les Maîtres de l'Affiche (1899)
File:William Henry Bradley - Victor Bicycles - Google Art Project.jpg|Advertisement for Victor Bicycles by Will H. Bradley (1896).
File:Alphonse Mucha - Zodiac.jpg|Zodiac Calendar by Alphonse Mucha (1896)
File:Divan Japonais LACMA 59.80.19.jpg|Divan Japonais lithograph by Henri de Toulouse-Lautrec (1892–93)
File:John+Salome.jpg|Salome and John by Aubrey Beardsley, (1892)
File:Cheret, Jules - La Loie Fuller (pl 73).jpg|Folies Bergère,La Loïe Fuller by Jules Cheret (1893)
Art du verre
L’art du verre était un médium dans lequel le style trouvait une formidable expression. Citons par exemple les lampes et verres favrile de Louis Comfort Tiffany à New York, et notamment les vases, coupes et luminaires en verre camée gravé à l'acide et marqueterie d'Émile Gallé et des frères Daum à Nancy, France. En outre, René Lalique a commencé à produire des premières œuvres en verre qui étaient un précurseur de son travail dans le style Art Déco, pour lequel il allait devenir célèbre.
Fichier : Eugène Feuillâtre (Musée d'Orsay, Paris) (6686802741).jpg|Vase d'Eugène Feuillâtre, Musée d'Orsay, Paris
Fichier : Carnegie Museum of Art - Lampe de Tiffany.JPG | Lampe Tiffany, Carnegie Museum of Art
Fichier:Vase Tiffany DMA 1983-28.jpg|Vase Tiffany
Fichier : Tiffany Education (centre).JPG | Fenêtre de Louis Comfort Tiffany de 1890
File:Vase Marguerite Gallé Petit Palais OGAL00553 n1.jpg|Vase with lilies and daises by Émile Gallé
File:Vase - René Lalique.JPG|Vase by René Lalique
File:Louis comfort tiffany, lampada da tavolo pomb lily, 1900-10 ca..JPG|A lamp by Louis Comfort Tiffany
File:MEN Emile Galle Rose de France 24032013 5.jpg|Émile Gallé, Rose de France
File:André Thesmar - Lampe de mosquée.jpg|André Thesmar, lamp,  Musée d'Orsay, Paris
File:Daum Nature Bougeoir.jpg|Nature series – "Pâte de Verre" Antonin Daum, Nancy
Fichier:L'Iris Daum.jpg|Série Nature – "Iris" Antonin Daum, Nancy
Fichier:Ngv, Louis Comfort Tiffany, Vase Jack-in-the-Pulpit, 1913 circa 01.JPG|Louis Comfort Tiffany, Vase, 1913
Sculptures et bijoux
Les sculpteurs comprenaient Ladislav Šaloun, François-Raoul Larche et Charles van der Stappen. Les bijoux de la période Art Nouveau ont revitalisé l'art joaillier, avec la nature comme principale source d'inspiration, complétée par de nouveaux niveaux de virtuosité dans l'émaillage et l'introduction de nouveaux matériaux, comme les opales et les pierres semi-précieuses. L'intérêt généralisé pour l'art japonais et l'enthousiasme plus spécialisé pour les compétences japonaises en matière de travail du métal ont favorisé de nouveaux thèmes et approches de l'ornement. Au cours des deux siècles précédents, la haute joaillerie mettait l'accent sur les pierres précieuses, en particulier sur le diamant, et le bijoutier ou l'orfèvre se souciait principalement de fournir des montures à leur avantage. Avec l'Art Nouveau, un autre type de joaillerie a émergé, motivé par l'artiste-créateur plutôt que par le joaillier en tant que sertisseur de pierres précieuses.
Les bijoutiers de Paris et de Bruxelles ont défini l'Art Nouveau en joaillerie, et c'est dans ces villes qu'il a acquis la plus grande renommée. Les critiques français contemporains étaient unanimes pour reconnaître que les bijoux subissaient une transformation radicale et que le designer-joaillier-verrier français René Lalique popularisait ces changements. Lalique a glorifié la nature dans les bijoux, élargissant le répertoire pour inclure de nouveaux aspects de la nature, comme les libellules ou les herbes, inspirés par sa rencontre avec l'art japonais. Les bijoutiers souhaitaient inscrire le nouveau style dans une noble tradition et pour cela ils utilisèrent la Renaissance, avec ses œuvres en or sculpté et émaillé, et son acceptation des bijoutiers comme des artistes plutôt que comme des artisans. Dans la plupart des œuvres émaillées de l'époque, les pierres précieuses ont reculé. Les diamants étaient généralement subsidiaires, utilisés aux côtés de matériaux moins familiers tels que le verre moulé, la corne et l'ivoire.
Céramique
La céramique Art Nouveau a également été influencée par le travail du Japon. Les artistes réclament un réexamen des motifs végétaux et zoologiques, notamment dans l’art japonais. Le développement de la porcelaine à haute température (grand feu) aux émaux cristallisés et mats, avec ou sans autre décor, est typique de ces œuvres. C'était une période où des techniques perdues étaient redécouvertes, comme l'émail au sang de bœuf, et des méthodes entièrement nouvelles étaient développées. Parmi les grands potiers français figurent : Ernest Chaplet, Taxile Doat, Alexandre Bigot, Adrien-Pierre Dalpayrat, Edmond Lachenal et Albert Dammouse.
L'usine Zsolnay à Pécs, en Hongrie, était dirigée par Miklós Zsolnay (1800-1880) et son fils, Vilmos Zsolnay (1828-1900) avec Tádé Sikorski (1852-1940), concepteur en chef, pour produire du grès et d'autres céramiques en 1853. En 1893, Zsolnay introduit des pièces en porcelaine à base d'éosine. Il a conduit l'usine à une reconnaissance mondiale en démontrant ses produits innovants lors de foires mondiales et d'expositions internationales, notamment l'Exposition universelle de 1873 à Vienne, puis à l'Exposition universelle de 1878 à Paris, où Zsolnay a reçu un Grand Prix. Les décorations de bâtiment Zsolnay résistantes au gel ont été utilisées dans de nombreux bâtiments, notamment pendant le mouvement Art nouveau.
Fichier:Rippl-Rónai - Vase.jpg|József Rippl-Rónai Vase
Fichier:Horti - Flower pot.jpg|Vase avec vignes et escargots par Pál Horti (1865-1907)
Fichier:Collection Gyugyi zsolnay 12.jpg|Collection Zsolnay, Budapest
Fichier:Collection Gyugyi zsolnay 14.jpg|Collection Zsolnay, Budapest
File:Gyugyi zsolnay collection 11.jpg|Zsolnay collection, Budapest
File:Vessel with mistletoe sprigs.jpg|Vessel with mistletoe sprigs
File:Edmond lachenal ed émile decoeur, vaso, chatillon-sur-bagneux, 1902 ca..JPG|Edmond Lachenal, vase.
Fichier:Turn-Teplitz - Vase avec mûre en feuille d'orme.jpg|Amphore avec feuille d'orme et mûre fabriquée par Stellmacher & Kessner
Dossier : Vase Rosenthal, Art-nouveau, vers 1900, h. 18 cm..JPG|Vase de Rosenthal, ornements en cuivre (1900)
Fichier:Émail de Limoges Art Nouveau Paul Bonnaud.JPG|Paul Bonnaud, Émail de Limoges
Fichier:Tiffany and Company - Pot couvert - Walters 44589 - Profile.jpg|Tiffany Studios, pot recouvert d'émail
Fichier:Cache-pot Art-Nouveau.jpg|Cachepot, un contenant décoratif pour une plante et son pot de style Art-Nouveau
Fichier:Reginachrysovase.jpg|Vase de l'usine Regina à Gouda avec motif chryso
Fichier:Regina_Plateel_met_Robur_Motief.jpg|Vase de l'usine Regina à Gouda avec le design Robur
L'Art nouveau en Europe
France
File:Broche with Woman - René Lalique.JPG|Brooch by René Lalique
File:Castel Beranger Entrance.jpg||Gate of the Castel Béranger by Hector Guimard, 14 rue de la Fontaine, Paris  (1898)
File:Majorelle-Desk.jpg|Mahogany desk by Louis Majorelle, in the Musée D'Orsay
Fichier:Immeuble art nouveau de Jules Lavirotte à Paris (5519755116).jpg|Immeuble Lavirotte au 29 Avenue Rapp, Paris (1901)
En France, l'Art Nouveau a commencé comme un effort pour rompre avec les styles historiques traditionnels et pour donner aux artistes décorateurs un statut égal à celui des peintres et des sculpteurs. L'Exposition universelle de Paris de 1889 a donné aux artistes français l'occasion de voir les œuvres du nouveau style des fabricants de meubles britanniques et des joailliers américains Graham et Augustus Tiffany, ainsi que du créateur de verre Louis Comfort Tiffany. Les artistes français qui ont commencé à créer dans le nouveau style comprenaient Emile Gallé, qui a conçu des meubles et des vases ; les céramistes Clément Massier, Albert Dammouse et Auguste Delaherche ; et les joailliers Henri Vever, Boucheron et Lucien Falize.
En 1891, la Société Nationale des Beaux-Arts crée une section sur les arts décoratifs et les artistes décorateurs sont représentés pour la première fois au Salon de 1892, aux côtés des peintres et sculpteurs traditionnels, avec des œuvres de Jules Desbois, Alexandre Charmpentier et Jean Baffier. . Le 22 décembre 1895, Siegfried Bing ouvre une boutique dans une maison de la rue Chauchat, redessinée à cet effet par Louis Bonnier, entièrement consacrée au nouveau style. Elle s'appelait la Maison de l'Art Nouveau et a donné son nom au mouvement.
Les créateurs de meubles français créant des œuvres dans le nouveau style comprenaient Charles Plumet, Tony Selmersheim, Louis Sorel et Eugène Gaillard, parfois en collaboration avec les sculpteurs Jules Desbois et Alexandre Charpentier. Les créateurs de bijoux s'inspirent de la flore et de la figure humaine pour leurs modèles. Les œuvres en verre de René Lalique ont été qualifiées en 1901 par le critique d'art contemporain Jean Lahor de « rêverie délicate ». Parmi les autres créateurs de bijoux influents figuraient Jean August Dampt, Henri Nocq et François-Rupert Carabin. Le style traditionnel du graphisme a été bouleversé en 1895 par les affiches de l'actrice Sarah Bernhardt réalisées par l'artiste d'origine tchèque Alphonse Mucha.
Hector Guimard (1867-1942), inspiré par une rencontre avec Victor Horta à Bruxelles, fit construire entre 1895 et 1898 le Castel Béranger, premier édifice parisien du nouveau style. En 1898, la municipalité de Paris, répondant aux critiques selon lesquelles le Les façades identiques des immeubles bordant les boulevards construits par Napoléon III et le baron Haussmann étaient ternes et monotones, organise un concours pour la nouvelle façade la plus originale. Le Castel Béranger fut lauréat du concours, rendant immédiatement Guimard célèbre. En 1900, Guimard est choisi, malgré les vœux du jury officiel, par le baron Edouard Empain, ingénieur et financier de la construction du nouveau métro parisien, pour concevoir les entrées des nouvelles stations du métro parisien. Les entrées ont été critiquées par certains comme étant du « style nouilles », mais les entrées de métro sont devenues le symbole de l’Art nouveau à Paris. Un autre architecte important de l'Art nouveau fut Jules Lavirotte, qui construisit le bâtiment Lavirotte, recouvert de décorations et de sculptures extravagantes en céramique, au 29 avenue Rapp à Paris en 1901.
La ville française de Nancy est devenue l'autre capitale française du nouveau style. En 1901, est fondée l’Alliance des Industries d’Art, également connue sous le nom d’École de Nancy, vouée à bouleverser la hiérarchie qui plaçait la peinture et la sculpture au-dessus des arts décoratifs. Parmi les artistes majeurs qui y ont travaillé figurent le créateur de vases et de lampes en verre Emile Gallé, les frères Daum dans le design du verre et le designer Louis Majorelle, qui a créé des meubles aux formes florales et végétales gracieuses. L'architecte Henri Sauvage apporte le nouveau style architectural à Nancy avec sa Villa Jika en 1898.
Le style français a été largement propagé par de nouveaux magazines, notamment The Studio, Arts et Idées et Art et Décoration, dont les photographies et lithographies en couleurs ont fait connaître le style aux designers et aux clients fortunés du monde entier.
En France, le style a atteint son apogée en 1900, puis est rapidement passé de mode, disparaissant pratiquement de France en 1905. L'Art nouveau était un style de luxe, qui nécessitait des artisans experts et bien payés et ne pouvait pas être facilement ou à moindre coût. produit. L'un des rares produits Art nouveau pouvant être produits en série était le flacon de parfum, et celui-ci continue d'être fabriqué dans ce style aujourd'hui. À l’Art Nouveau succède l’Art Déco.
Belgique et Suisse
La Belgique fut l'un des premiers centres de l'Art nouveau, en grande partie grâce à l'architecture de Victor Horta), qui conçut l'une des premières maisons Art nouveau, l'Hôtel Tassel en 1893 et ​​l'Hôtel Solvay en 1894. Horta rencontra et eut une forte influence sur l'œuvre du jeune Hector Guimard. Parmi les autres concepteurs importants figuraient l'architecte Paul Hankar, qui a construit une maison Art nouveau en 1893 ; l'architecte et designer de mobilier Henry van de Velde, le décorateur Gustave Serrurier-Bovy et le graphiste Fernand Khnopff.
Parmi les artistes suisses éminents de l'époque figurent le peintre et graphiste Théophile Steinlen, créateur de la célèbre affiche du cabaret parisien Le Chat Noir, et l'artiste, sculpteur et décorateur Eugène Grasset, qui a quitté la Suisse pour s'installer à Paris où il a conçu des graphismes, des meubles, tapisseries, céramiques et affiches. A Paris, il enseigne à l'École d'art Guérin. où ses élèves comprenaient Augusto Giacometti et Paul Berthon.
Espagne
Le style était principalement basé en Catalogne, avec son point focal à Barcelone et était un élément essentiel du modernisme catalan. L'architecte Antoni Gaudí, dont le style architectural décoratif est si personnel qu'il est parfois considéré comme pratiquant un style artistique différent de l'Art nouveau, utilise néanmoins les formes florales et organiques de l'Art nouveau comme dans le Palau Güell (1886). Ses créations datant d'environ 1903, la Casa Batlló (1904-1906) et la Casa Milà (1906-1908), sont les plus étroitement liées aux éléments stylistiques de l'Art nouveau. Cependant, des structures célèbres telles que la Sagrada Família contrastent de manière caractéristique entre les tendances modernisatrices de l'Art nouveau et le néo-gothique revivaliste. Outre la présence dominante de Gaudí, Lluís Domènech i Montaner a également utilisé l'Art nouveau à Barcelone dans des bâtiments tels que le Castell dels Tres Dragons (1888), le Palau de la Música Catalana et la Casa Lleó Morera (1905). Un autre moderniste majeur fut Josep Puig i Cadafalch, qui a conçu la Casa Martí et son café Quatre Gats, l'usine textile Casimir Casaramona (aujourd'hui musée d'art CaixaFòrum), la Casa Macaya, la Casa Amatller, le Palau del Baró de Quadras (abritant la Casa Àsia pour 10 ans jusqu'en 2013) et la Casa de les Punxes ("Maison Pointue"). Josep Maria Jujol est également connu, avec ses maisons à Sant Joan Despí (1913-1926), plusieurs églises près de Tarragone (1918 et 1926) et la sinueuse Casa Planells (1924) à Barcelone. Quelques autres architectes majeurs travaillant en dehors de Barcelone étaient Lluís Muncunill i Parellada, avec une magnifique usine textile à Terrassa (Vapor Aymerich, Amat i Jover, aujourd'hui Musée des sciences et technologies de Catalogne – Museu de la Ciència i de la Tècnica de Catalunya) et une « ferme »/petit manoir appelé Masia Freixa dans la même ville ; et Cèsar Martinell i Brunet, avec ses spectaculaires « cathédrales du vin », abritant des caves coopératives municipales dans tout le sud et le centre de la Catalogne. Rafael Guastavino est un architecte valencien qui a travaillé en Catalogne avant d'émigrer aux États-Unis. On lui attribue, entre autres bâtiments, la cimenterie Asland à Castellar de n'Hug.
le Portugal
La diffusion de l'Art nouveau (Arte nova) au Portugal, bien que retardée en raison du lent développement de l'industrie, s'est épanouie dans des villes comme Porto et Aveiro, dans lesquelles se trouvent de nombreux bâtiments influencés par les modèles européens, en particulier par l'architecture française. Des bâtiments comme la « Livraria Lello & Irmão », Porto en 1906, conçus par Xavier Esteves.
Allemagne
L'Art nouveau allemand est communément connu sous son nom allemand, Jugendstil. Le nom est tiré de la revue artistique Die Jugend, publiée à Munich et qui épousait le nouveau mouvement artistique. Elle a été fondée en 1896 par Georg Hirth (Hirth resta rédacteur jusqu'à sa mort en 1916 et le magazine continua à être publié jusqu'en 1940). Le magazine a joué un rôle déterminant dans la promotion du style en Allemagne. En conséquence, son nom a été adopté comme terme allemand le plus courant pour le style : Jugendstil (« style de la jeunesse »). Bien qu'au début du XXe siècle, le mot ne soit appliqué qu'à des exemples bidimensionnels d'arts graphiques, en particulier aux formes de typographie organique et de graphisme trouvées et influencées par des magazines allemands comme Jugend, Pan et Simplicissimus, il est aujourd'hui utilisé. appliqué à des manifestations plus générales des arts visuels Art nouveau en Allemagne, aux Pays-Bas, dans les États baltes et dans les pays nordiques. Les deux principaux centres de l'art Jugendstil en Allemagne étaient Munich et Darmstadt (Mathildenhöhe).
Deux autres revues, Simplicissimus, publiée à Munich, et Pan, publiée à Berlin, se sont révélées être d'importants partisans du Jugendstil. Les magazines étaient importants pour diffuser le langage visuel du Jugendstil, en particulier ses qualités graphiques. L'art Jugendstil comprend une variété de méthodes différentes, appliquées par les différents artistes individuels et présente l'utilisation de lignes dures ainsi que de courbes sinueuses. Les méthodes vont du classique au romantique. L'une des caractéristiques du Jugendstil est la typographie utilisée, dont la combinaison de lettres et d'images est indubitable. La combinaison a été utilisée pour des couvertures de romans, des publicités et des affiches d’exposition. Les concepteurs utilisaient souvent des polices d’affichage uniques qui fonctionnaient harmonieusement avec l’image.
L'un des artistes allemands les plus célèbres associés à Die Jugend et à Pan était Otto Eckmann. Son animal préféré était le cygne, et son influence dans le mouvement allemand était telle que le cygne devint le leitmotiv du Jugendstil.
L'Autriche
Une approche localisée de l'Art nouveau est représentée par les artistes de la Sécession viennoise, une sécession initiée le 3 avril 1897 par Gustav Klimt, Koloman Moser, Josef Hoffmann, Joseph Maria Olbrich, Max Kurzweil, Otto Wagner et d'autres. Ils s'opposèrent à l'orientation conservatrice vers l'historicisme exprimée par le Künstlerhaus de Vienne.
Grande-Bretagne
Le début d'un style Art Nouveau peut être reconnu dans les années 1880, dans quelques conceptions progressistes telles que la couverture de livre de l'architecte-designer Arthur Mackmurdo pour son essai sur les églises de la ville de Sir Christopher Wren, publié en 1883. Certains modèles fluides du fer forgé des années 1880 pourrait également être cité, ou des motifs textiles floraux plats, dont la plupart devaient une certaine impulsion aux motifs du design du XIXe siècle. Le centre le plus important de Grande-Bretagne est finalement devenu Glasgow, avec les créations de Charles Rennie Mackintosh et des Glasgow Four, membres éminents de ce qu'on appelle l'école de Glasgow, qui comprenait son épouse Margaret Macdonald Mackintosh, qui a produit des peintures exceptionnelles.
Parmi les autres designers britanniques notables de l'Art nouveau figurent Walter Crane, Archibald Knox (de l'île de Man, d'origine écossaise), Charles Ashbee et Aubrey Beardsley.
Léon Solon, a apporté une contribution importante à la céramique art nouveau en tant que directeur artistique de Mintons. Il s'est spécialisé dans les plaques et les vases doublés de tubes commercialisés comme « articles sécessionnistes » (généralement décrits comme du nom du mouvement artistique viennois). Outre la céramique, il a conçu des textiles pour l'industrie de la soie de Leek et des doublures pour un relieur (G.T.Bagguley de Newcastle sous Lyme), qui a breveté la reliure Sutherland en 1895.
Le bâtiment Edward Everard à Bristol, construit entre 1900 et 1901 pour abriter l'imprimerie d'Edward Everard, présente une façade Art nouveau. Les personnages représentés sont ceux de Johannes Gutenberg et de William Morris, tous deux éminents dans le domaine de l'imprimerie. Une figure ailée symbolise l'Esprit de Lumière, tandis qu'une figure tenant une lampe et un miroir symbolise la lumière et la vérité.
Italie
Le Stile Liberty d'Italie représentait les créations modernes du magasin Liberty & Co de Londres (principalement conçu par Archibald Knox), indiquant à la fois l'aspect commercial de l'Art nouveau et le caractère « importé » qu'il conservait dans certaines régions d'Italie, mais pas à Palerme, isolée. des développements du nord et développant un caractère indépendant dû en grande partie à des designers tels que l'architecte Ernesto Basile et Vittorio Ducrot, spécialisé comme ébéniste. Selon la Route européenne de l'Art nouveau, Basile et Ducrot sont à l'origine de l'idée de l'œuvre d'art complète en Italie.
Les villes ou sites importants de la Liberté italienne sont les centres thermaux de Salsomaggiore Terme, en Émilie-Romagne, et de San Pellegrino Terme, en Lombardie, ainsi que Cernobbio sur le lac de Côme également en Lombardie. Certaines grandes villes possèdent un nombre considérable de décorations et de bâtiments de style Liberty, notamment Turin, Milan, Naples, Florence, Gênes et de grandes parties de la ville balnéaire de Viareggio, en Toscane. Le style Liberty a été utilisé par les designers et architectes italiens à l'étranger, notamment en Argentine et au Chili, comme à Valparaíso où les architectes Renato Schiavon et Arnaldo Barison, formés à Trieste, sont arrivés après le tremblement de terre de 1906. Ici, ils ont construit des structures remarquables telles que le Palais. Barburizza (1915), aujourd'hui Musée des Beaux-Arts de la ville.
D'autres designers italiens importants de l'Art nouveau étaient la famille Bugatti (Carlo, Ettore, Jean et Rembrandt), surtout connue pour ses voitures construites en France et ses meubles et œuvres d'art construits dans leur Milan natale. Carlo Bugatti, né en février 1856 à Milan, était lui-même le fils de l'architecte et sculpteur Giovanni Luigi Bugatti. Carlo a reçu sa formation à la célèbre Académie milanaise de Brera, puis à l'Académie des Beaux-Arts de Paris. Son travail était très varié, incluant l'argenterie, les textiles, la céramique, un