"Quel artiste était connu sous le nom de ""Jack the Dripper" ? »
Jackson Pollock
Paul Jackson Pollock (28 janvier 1912 – 11 août 1956), connu professionnellement sous le nom de Jackson Pollock, était un peintre américain influent et une figure majeure du mouvement expressionniste abstrait. Il était bien connu pour son style unique de peinture au goutte-à-goutte. Une influence possible sur Pollock était le travail de l'artiste ukrainienne américaine Janet Sobel (1894-1968) (née Jennie Lechovsky). Peggy Guggenheim a inclus le travail de Sobel dans sa galerie The Art of This Century en 1945. Avec Jackson Pollock, le critique Clement Greenberg y a vu le travail de Sobel en 1946. Dans son essai « American-Type Painting », Greenberg a noté que ces œuvres étaient les premières de toutes. -sur les tableaux qu'il avait vus, et dit : "Pollock a admis que ces tableaux l'avaient impressionné". ::—Jackson Pollock, [https://books.google.com/books?idMMYHuvhWBH4C&lpg Lee Krasner a fait don de ses papiers en 1983 aux Archives of American Art. Ils ont ensuite été archivés avec les papiers de Lee Krasner. Les Archives of American Art abritent également les papiers de Charles Pollock, qui comprennent de la correspondance, des photographies et d'autres dossiers relatifs à son frère Jackson Pollock. En 2003, 24 peintures et dessins Pollockesques ont été découverts dans un casier à Wainscott, New York. En 2005, la Fondation Pollock-Krasner a demandé une analyse fractale à des chercheurs de l'Université de l'Oregon, qui ont identifié des différences entre les motifs des 6 peintures controversées analysées et ceux de 14 Pollocks établis. L'analyse des pigments des peintures par des chercheurs de l'Université Harvard a montré la présence dans une peinture d'un pigment synthétique qui n'a été breveté que dans les années 1980, et dans deux autres matériaux qui n'étaient pas disponibles du vivant de Pollock. En 2007, une exposition muséale itinérante de ces peintures a été organisée et accompagnée d'un livre complet, Pollock Matters, écrit par Ellen G. Landau, l'une des quatre chercheuses en exercice de l'ancien comité d'authentification de la Fondation Pollock Krasner des années 1990, et Claude. Cernuschi, spécialiste de l'expressionnisme abstrait. Dans le livre, Ellen Landau démontre les nombreux liens entre la famille propriétaire des peintures et Jackson Pollock de son vivant afin de placer les peintures dans ce qu'elle croit être leur contexte historique approprié. Landau présente également les conclusions médico-légales de l'Université Harvard et présente des explications possibles pour les incohérences médico-légales trouvées dans trois des 24 peintures. Ellen G. Landau, Claude Cernuschi (2007). Pollock compte. McMullen Museum of Art Boston College, publié par University of Chicago Press. Michael Miller (7 décembre 2007). "Pollock Matters, The McMullen Museum of Art, Boston College, du 1er septembre au 9 décembre 2007". The Berkshire Review, une revue internationale pour les arts. Cependant, le scientifique qui a inventé l'un des pigments modernes a rejeté la possibilité que Pollock ait utilisé cette peinture comme étant « improbable au point de fantasmer ». En 2006, un documentaire, Who the *$&% Is Jackson Pollock ? a été réalisé concernant Teri Horton, un chauffeur de camion qui, en 1992, a acheté une peinture abstraite pour cinq dollars dans une friperie en Californie. Cette œuvre est peut-être une peinture de Pollock perdue, mais son authenticité est débattue. En 2000, le film biographique Pollock, basé sur la biographie lauréate du prix Pulitzer, Jackson Pollock : An American Saga, réalisé par et avec Ed Harris, est sorti. Marcia Gay Harden a remporté l'Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle pour son interprétation de Lee Krasner. Le film était le projet d'Ed Harris, qui incarnait Pollock. Il a été nominé pour l'Oscar du meilleur acteur. Harris lui-même a peint les œuvres vues dans le film. La Fondation Pollock-Krasner n'a autorisé ni collaboré à aucune production. En février 2016, Bloomberg News a rapporté que Kenneth C. Griffin avait acheté le tableau de Jackson Pollock de 1948, Numéro 17A, pour 200 millions de dollars, à David Geffen.
Paul Jackson Pollock (28 janvier 1912 – 11 août 1956), connu professionnellement sous le nom de Jackson Pollock, était un peintre américain influent et une figure majeure du mouvement expressionniste abstrait. Il était bien connu pour son style unique de peinture au goutte-à-goutte.
Au cours de sa vie, Pollock jouit d'une renommée et d'une notoriété considérables ; c'était un artiste majeur de sa génération. Considéré comme solitaire, il avait une personnalité instable et a lutté contre l'alcoolisme pendant la majeure partie de sa vie. En 1945, il épouse l'artiste Lee Krasner, qui exercera une influence importante sur sa carrière et sur son héritage.
Pollock est décédé à l'âge de 44 ans dans un accident de voiture lié à l'alcool alors qu'il conduisait. En décembre 1956, quatre mois après sa mort, Pollock reçut une exposition rétrospective commémorative au Museum of Modern Art (MoMA) de New York. Une exposition plus grande et plus complète de son travail y a eu lieu en 1967. En 1998 et 1999, son travail a été honoré par des expositions rétrospectives à grande échelle au MoMA et à la Tate de Londres.
Vie
Première vie (1912-1943)
Pollock est né à Cody, Wyoming, en 1912, le plus jeune de cinq fils. Ses parents, Stella May (née McClure) et LeRoy Pollock, sont nés et ont grandi à Tingley, Iowa et ont fait leurs études à la Tingley High School. La mère de Pollock est enterrée au cimetière Tingley, comté de Ringgold, Iowa. Son père était né sous le nom de famille McCoy, mais avait pris le nom de famille de ses parents adoptifs, des voisins qui l'avaient adopté après la mort de ses propres parents à moins d'un an d'intervalle. Stella et LeRoy Pollock étaient presbytériens ; ils étaient respectivement d'origine irlandaise et écossaise-irlandaise. LeRoy Pollock était agriculteur puis arpenteur-géomètre pour le gouvernement, occupant différents emplois. Jackson a grandi en Arizona et à Chico, en Californie.
Alors qu'il vivait à Echo Park, en Californie, il s'est inscrit à la Manual Arts High School de Los Angeles, dont il a été expulsé. Il avait déjà été expulsé en 1928 d'un autre lycée. Au début de sa vie, Pollock a exploré la culture amérindienne lors de voyages d'arpentage avec son père.
En 1930, à la suite de son frère aîné Charles Pollock, il s'installe à New York, où ils étudient tous deux auprès de Thomas Hart Benton à la Art Students League. Le sujet rural américain de Benton a eu peu d'influence sur le travail de Pollock, mais son utilisation rythmée de la peinture et sa farouche indépendance ont été plus durables. Au début des années 1930, Pollock passe un été à visiter l’ouest des États-Unis avec Glen Rounds, un étudiant en art, et Benton, leur professeur.
De 1938 à 1942, pendant la Grande Dépression, Pollock a travaillé pour le WPA Federal Art Project.
Essayant de faire face à son alcoolisme établi, Pollock suivit de 1938 à 1941 une psychothérapie jungienne avec le Dr Joseph Henderson et plus tard avec le Dr Violet Staub de Laszlo en 1941-1942. Henderson l'a engagé à travers son art, encourageant Pollock à faire des dessins. Les concepts et archétypes jungiens étaient exprimés dans ses peintures. Récemment, des historiens ont émis l’hypothèse que Pollock pourrait souffrir de trouble bipolaire.
Début de carrière et technique
Pollock a signé un contrat de galerie avec Peggy Guggenheim en juillet 1943. Il a reçu la commande de créer Mural (1943), qui mesure environ 8 pieds de haut sur 20 pieds de long, pour l'entrée de sa nouvelle maison de ville. À la suggestion de son ami et conseiller Marcel Duchamp, Pollock a peint l'œuvre sur toile plutôt que sur le mur, afin qu'elle soit portable. Après avoir vu la grande fresque, le critique d'art Clement Greenberg a écrit : « J'y ai jeté un coup d'œil et j'ai pensé : « Voilà du grand art », et je savais que Jackson était le plus grand peintre que ce pays ait produit. » Le catalogue présentant sa première exposition décrivait le talent de Pollock comme « volcanique. Il a du feu. Il est imprévisible. Il est indiscipliné. Il se déverse de lui-même dans une prodigalité minérale, pas encore cristallisée ».
Mariage et famille
En octobre 1945, Pollock épouse le peintre américain Lee Krasner. En novembre, ils ont quitté la ville pour s'installer dans le quartier Springs d'East Hampton, sur la rive sud de Long Island. Grâce à un prêt d'acompte de Peggy Guggenheim, ils ont acheté une maison à ossature bois et une grange au 830 Springs Fireplace Road. Pollock a transformé la grange en studio. Dans cet espace, il perfectionne sa grande technique de travail de la peinture, le "goutte à goutte", avec laquelle il s'identifiera définitivement.
Vie artistique
Nouvelles techniques
Pollock a été initié à l'utilisation de la peinture liquide en 1936 lors d'un atelier expérimental à New York par le muraliste mexicain David Alfaro Siqueiros. Il a ensuite utilisé le coulage de peinture comme l'une des nombreuses techniques sur les toiles du début des années 1940, telles que Homme et Femme et Composition avec Pouring I. Après son déménagement à Springs, il a commencé à peindre avec ses toiles disposées sur le sol de l'atelier, et il a développé ce qu'on appellera plus tard sa technique du "goutte à goutte".
Il a commencé à utiliser des peintures à base de résine synthétique appelées émaux alkydes, qui, à cette époque, étaient un nouveau médium. Pollock a décrit cette utilisation de peintures domestiques, au lieu de peintures d'artiste, comme « une croissance naturelle née d'un besoin ». Il utilisait des pinceaux durcis, des bâtons et même des seringues à badigeonner comme applicateurs de peinture. On pense que la technique de Pollock consistant à verser et à couler de la peinture est l'une des origines du terme action painting. Avec cette technique, Pollock a pu obtenir un moyen de création artistique plus immédiat, la peinture coulant désormais littéralement de l'outil qu'il avait choisi sur la toile. En défiant la convention de peindre sur une surface verticale, il a ajouté une nouvelle dimension en étant capable de voir et d'appliquer de la peinture sur ses toiles dans toutes les directions.
Une influence possible sur Pollock était le travail de l'artiste ukrainienne américaine Janet Sobel (1894-1968) (née Jennie Lechovsky). Peggy Guggenheim a inclus le travail de Sobel dans sa galerie The Art of This Century en 1945. Avec Jackson Pollock, le critique Clement Greenberg y a vu le travail de Sobel en 1946. Dans son essai « American-Type Painting », Greenberg a noté que ces œuvres étaient les premières de toutes. -sur les tableaux qu'il avait vus, et dit : "Pollock a admis que ces tableaux l'avaient impressionné".
En peignant de cette façon, Pollock s'éloigne de la représentation figurative et remet en question la tradition occidentale de l'utilisation du chevalet et du pinceau. Il utilise la force de tout son corps pour peindre, ce qui s'exprime sur les grandes toiles. En 1956, le magazine Time surnomme Pollock « Jack le Dripper », en raison de son style de peinture.
:Ma peinture ne vient pas du chevalet. Je préfère fixer la toile non tendue au mur dur ou au sol. J'ai besoin de la résistance d'une surface dure. Au sol, je suis plus à l'aise. Je me sens plus proche, plus partie intégrante du tableau, puisque de cette façon je peux en faire le tour, travailler des quatre côtés et être littéralement dans le tableau.
:Je continue de m'éloigner des outils habituels du peintre comme le chevalet, la palette, les pinceaux, etc. Je préfère les bâtons, les truelles, les couteaux et la peinture fluide qui coule ou un empâtement épais avec du sable, du verre brisé ou d'autres corps étrangers ajoutés.
:Quand je suis dans ma peinture, je n'ai pas conscience de ce que je fais. Ce n'est qu'après une sorte de période de « connaissance » que je comprends ce que j'ai fait. Je n'ai pas peur de faire des modifications, de détruire l'image, etc., car le tableau a sa propre vie. J'essaie de le laisser passer. Ce n’est que lorsque je perds le contact avec le tableau que le résultat est un désastre. Sinon, il y a une harmonie pure, un échange facile, et le tableau ressort bien.
::—Jackson Pollock, [https://books.google.com/books?idMMYHuvhWBH4C&lpg
PT969&otsq7FP_5pjVS&dq
Ma%20peinture%20ne%20pas%20vient%20du%20le%20chevalet.%20I%20préfère%20à%20tack%20le%20non étiré%20can&pgPT969#v
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faux Ma peinture], 1956
Pollock a observé des démonstrations de peinture sur sable amérindiennes dans les années 1940. Faisant référence à son style de peinture au sol, Pollock a déclaré : « Je me sens plus proche, plus partie intégrante du tableau, puisque de cette façon je peux le contourner, travailler des quatre côtés et être littéralement dans le tableau. Cela s’apparente aux méthodes des peintres sur sable indiens de l’Occident. D'autres influences sur sa technique de goutte à goutte incluent les muralistes mexicains et l'automatisme surréaliste. Pollock a nié s'être appuyé sur « l'accident » ; il avait généralement une idée de la façon dont il voulait qu'une pièce particulière apparaisse. Sa technique combinait le mouvement de son corps, sur lequel il avait le contrôle, le flux visqueux de la peinture, la force de gravité et l'absorption de la peinture dans la toile. C’était un mélange de facteurs contrôlables et incontrôlables. Jetant, dégoulinant, versant et éclaboussant, il se déplaçait énergiquement autour de la toile, presque comme dans une danse, et ne s'arrêtait que lorsqu'il voyait ce qu'il voulait voir. Comme autre influence importante, on peut citer l'article de Wolfgang Paalen sur l'art totémique des peuples autochtones de la Colombie-Britannique et ses peintures Fumage qu'il avait vues lors de l'exposition de peintures surréalistes de Julien Levy en 1940. Pollock possédait une œuvre signée et exemplaire dédicacé du numéro amérindien du magazine Paalen (DYN 4-5, 1943), dans lequel le concept d'espace révolutionnaire dans l'art totémiste de la côte nord-ouest est largement discuté du point de vue d'un artiste. Un autre impact fort a dû être la technique du fumage de Paalen, car c'était la technique surréaliste avec le plus d'attrait magique pour les peintres qui cherchaient de nouvelles façons de faire apparaître ce qu'on appelait l'invisible ou le possible. Fumage a également été présenté dans l'atelier de Matta, ce dont Steven Naifeh rapporte : « Un jour, alors que Matta faisait une démonstration de la technique surréaliste [Paalen] Fumage, Jackson [Pollock] s'est tourné vers Busa et a dit dans un murmure scénique : ›Je peux le faire. cela sans fumée.‹« L'ami peintre de Pollock, Fritz Bultman, a même déclaré (faisant allusion à l'espace de possibilités révolutionnaire de Paalen) : « C'est Wolfgang Paalen qui a tout déclenché.
En 1950, Hans Namuth, un jeune photographe, souhaitait prendre des photos (images fixes et animées) de Pollock au travail. Pollock a promis de commencer un nouveau tableau spécialement pour la séance photographique, mais quand Namuth est arrivé, Pollock s'est excusé et lui a dit que le tableau était terminé.
Namuth a déclaré que lorsqu'il est entré dans le studio :
Expressionnisme fractal
En 1999, le physicien-artiste Richard Taylor a utilisé l'analyse informatique pour montrer des similitudes entre les motifs peints de Pollock et les fractales (motifs qui se reproduisent à plusieurs échelles de taille) trouvées dans les paysages naturels, reflétant les mots de Pollock « Je suis la nature ». Son équipe de recherche a qualifié le style de Pollock d'expressionnisme fractal. Par la suite, plus de 10 groupes scientifiques ont effectué des analyses fractales sur plus de 50 œuvres de Pollock. Les neuroscientifiques cognitifs ont montré que les fractales de Pollock induisent la même réduction du stress chez les observateurs que les fractales générées par ordinateur. En 2005, l’analyse fractale a été utilisée pour la première fois dans un différend sur l’authenticité qui avait initialement suscité une controverse. En 2015, il a été démontré que l'analyse fractale avait un taux de réussite de 93 % pour distinguer les Pollocks réels des imitations.
années 1950
Les peintures les plus célèbres de Pollock ont ​​été réalisées pendant la « période d'égouttement » entre 1947 et 1950. Il est devenu célèbre après une publication de quatre pages du 8 août 1949 dans le magazine Life qui demandait : « Est-il le plus grand peintre vivant aux États-Unis ? Au sommet de sa renommée, Pollock abandonna brusquement le style goutte à goutte.
Le travail de Pollock après 1951 était de couleur plus foncée, y compris une collection peinte en noir sur des toiles non apprêtées. Ces peintures ont été appelées ses « coulées noires » et lorsqu'il les a exposées à la Betty Parsons Gallery de New York, aucune d'entre elles n'a été vendue. Parsons en a ensuite vendu un à un ami à moitié prix. S'éloigner de son style antérieur n'était pas ce que souhaitaient ses collectionneurs. Bien que ces œuvres montrent Pollock tentant de trouver un équilibre entre abstraction et représentations de la figure.
Il a ensuite recommencé à utiliser la couleur et a continué avec des éléments figuratifs. Durant cette période, Pollock avait déménagé dans une galerie plus commerciale ; la demande pour son travail de la part des collectionneurs était grande. En réponse à cette pression, ainsi qu’à la frustration personnelle, son alcoolisme s’est aggravé.
De la dénomination à la numérotation
Continuant à échapper à la recherche d'éléments figuratifs dans ses peintures, Pollock abandonna les titres et commença à numéroter ses œuvres. Il a dit à ce sujet : "... regardez passivement et essayez de recevoir ce que le tableau a à offrir et n'apportez pas de sujet ou d'idée préconçue sur ce qu'ils recherchent." L'épouse de Pollock, Lee Krasner, a déclaré que Pollock "avait l'habitude de donner à ses images des titres conventionnels... mais maintenant il les numérote simplement. Les chiffres sont neutres. Ils incitent les gens à regarder une image pour ce qu'elle est : de la pure peinture".
Les années suivantes et la mort
En 1955, Pollock peint Scent and Search, ses deux derniers tableaux. Il ne peint pas du tout en 1956, mais réalise des sculptures chez Tony Smith : des constructions en fil de fer, en gaze et en plâtre. Façonnés par moulage au sable, ils présentent des surfaces très texturées semblables à celles que Pollock créait souvent dans ses peintures.
Le 11 août 1956, à 22 h 15, Pollock est décédé dans un accident de voiture dans sa décapotable Oldsmobile alors qu'il conduisait sous l'influence de l'alcool. L'une des passagères, Edith Metzger, a également été tuée dans l'accident, survenu à moins d'un mile du domicile de Pollock. L'autre passagère, Ruth Kligman, artiste et maîtresse de Pollock, a survécu.
Pour le reste de sa vie, sa veuve Lee Krasner a géré sa succession et a veillé à ce que la réputation de Pollock reste forte malgré l'évolution des tendances du monde de l'art. Le couple est enterré au cimetière de Green River à Springs avec un gros rocher marquant sa tombe et un plus petit marquant la sienne.
Héritage littéraire
La maison et le studio Pollock-Krasner appartiennent et sont administrés par la Stony Brook Foundation, une filiale à but non lucratif de l'université de Stony Brook. Des visites régulières de la maison et du studio ont lieu de mai à octobre.
Une organisation distincte, la Fondation Pollock-Krasner, a été créée en 1985. La fondation fonctionne comme le domaine officiel de Pollock et de sa veuve Lee Krasner, mais aussi, selon les termes du testament de Krasner, sert « à aider les artistes individuels de mérite ». avec un besoin financier ». Le représentant américain des droits d'auteur de la Fondation Pollock-Krasner est l'Artists Rights Society.
Lee Krasner a fait don de ses papiers en 1983 aux Archives of American Art. Ils ont ensuite été archivés avec les papiers de Lee Krasner. Les Archives of American Art abritent également les papiers de Charles Pollock, qui comprennent de la correspondance, des photographies et d'autres dossiers relatifs à son frère Jackson Pollock.
Problèmes d'authenticité
Le Comité d'authentification Pollock-Krasner a été créé par la Fondation Pollock-Krasner en 1990 pour évaluer les œuvres nouvellement trouvées en vue d'un prochain supplément au catalogue de 1978. Cependant, dans le passé, la Fondation Pollock-Krasner a refusé de s'impliquer dans les cas d'authentification.
En 2003, 24 peintures et dessins Pollockesques ont été découverts dans un casier à Wainscott, New York. En 2005, la Fondation Pollock-Krasner a demandé une analyse fractale à des chercheurs de l'Université de l'Oregon, qui ont identifié des différences entre les motifs des 6 peintures controversées analysées et ceux de 14 Pollocks établis. L'analyse des pigments des peintures par des chercheurs de l'Université Harvard a montré la présence dans une peinture d'un pigment synthétique qui n'a été breveté que dans les années 1980, et dans deux autres matériaux qui n'étaient pas disponibles du vivant de Pollock. En 2007, une exposition muséale itinérante de ces peintures a été organisée et accompagnée d'un livre complet, Pollock Matters, écrit par Ellen G. Landau, l'une des quatre chercheuses en exercice de l'ancien comité d'authentification de la Fondation Pollock Krasner des années 1990, et Claude. Cernuschi, spécialiste de l'expressionnisme abstrait. Dans le livre, Ellen Landau démontre les nombreux liens entre la famille propriétaire des peintures et Jackson Pollock de son vivant afin de placer les peintures dans ce qu'elle croit être leur contexte historique approprié. Landau présente également les conclusions médico-légales de l'Université Harvard et présente des explications possibles pour les incohérences médico-légales trouvées dans trois des 24 peintures. Ellen G. Landau, Claude Cernuschi (2007). Pollock compte. McMullen Museum of Art Boston College, publié par University of Chicago Press. Michael Miller (7 décembre 2007). "Pollock Matters, The McMullen Museum of Art, Boston College, du 1er septembre au 9 décembre 2007". The Berkshire Review, une revue internationale pour les arts. Cependant, le scientifique qui a inventé l'un des pigments modernes a rejeté la possibilité que Pollock ait utilisé cette peinture comme étant « improbable au point de fantasmer ».
En 2006, un documentaire, Who the *$&% Is Jackson Pollock ? a été réalisé concernant Teri Horton, un chauffeur de camion qui, en 1992, a acheté une peinture abstraite pour cinq dollars dans une friperie en Californie. Cette œuvre est peut-être une peinture de Pollock perdue, mais son authenticité est débattue.
Untitled 1950, que la Knoedler Gallery, basée à New York, avait vendu en 2007 pour 17 millions de dollars à Pierre Lagrange, un multimillionnaire de hedge funds londonien, faisait l'objet d'une action en authenticité devant le tribunal de district des États-Unis pour le district sud de New York. Réalisé dans le style goutte-à-goutte classique du peintre et signé « J. Pollock », le tableau de taille modeste (15 x 281 1/2 pouces) contenait des pigments de peinture jaune qui n'étaient disponibles dans le commerce que vers 1970. La poursuite a été réglée dans le cadre d'un accord confidentiel en 2012.
Dans la culture pop et les médias
En 1960, l'album Free Jazz: A Collective Improvisation d'Ornette Coleman présentait une peinture de Pollock comme pochette.
Le groupe indépendant britannique The Stone Roses a été fortement influencé par Pollock ; ils ont une pochette composée de pastiches de son travail.
Au début des années 1990, trois groupes de cinéastes développaient des projets biographiques sur Pollock, chacun basé sur une source différente. Le projet qui semblait au premier abord le plus avancé était une coentreprise entre Barwood Films de Barbra Streisand et TriBeCa Productions de Robert De Niro (les parents de De Niro étaient des amis de Krasner et Pollock). Le scénario, de Christopher Cleveland, devait être basé sur la biographie orale de Jeffrey Potter de 1985, To a Violent Grave, un recueil de réminiscences des amis de Pollock. Streisand devait jouer le rôle de Lee Krasner et De Niro devait incarner Pollock.
Une seconde devait être basée sur Love Affair (1974), un mémoire de Ruth Kligman, qui était l'amante de Pollock dans les six mois précédant sa mort. Le film devait être réalisé par Harold Becker, avec Al Pacino dans le rôle de Pollock.
En 2000, le film biographique Pollock, basé sur la biographie lauréate du prix Pulitzer, Jackson Pollock : An American Saga, réalisé par et avec Ed Harris, est sorti. Marcia Gay Harden a remporté l'Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle pour son interprétation de Lee Krasner. Le film était le projet d'Ed Harris, qui incarnait Pollock. Il a été nominé pour l'Oscar du meilleur acteur. Harris lui-même a peint les œuvres vues dans le film. La Fondation Pollock-Krasner n'a autorisé ni collaboré à aucune production.
En septembre 2009, l'historien de l'art Henry Adams affirmait dans le magazine Smithsonian que Pollock avait écrit son nom dans son célèbre tableau Mural (1943). Le tableau est désormais assuré pour 140 millions de dollars. En 2011, le représentant républicain de l'État de l'Iowa, Scott Raecker, a présenté un projet de loi visant à forcer la vente des œuvres d'art détenues par l'Université de l'Iowa pour financer des bourses d'études, mais son projet de loi a suscité une telle controverse qu'il a été rapidement retiré.
Pollock est mentionné à plusieurs reprises tout au long de la pièce Red, de John Logan. Le personnage principal de la pièce, Mark Rothko, était un autre expressionniste abstrait de son époque. Dans la pièce, Rothko parle à son assistant, Ken, des œuvres de Pollock et de sa mort.
Débat critique
Le travail de Pollock a fait l'objet d'importants débats critiques. Le critique Robert Coates a un jour ridiculisé un certain nombre d’œuvres de Pollock en les qualifiant de « simples explosions non organisées d’énergie aléatoire, et donc dénuées de sens ».
Jean Hélion, le peintre abstrait français, quant à lui, voyant pour la première fois un « Pollock », remarqua « qu'il remplissait l'espace sans fin parce qu'il n'avait ni début ni fin ».
Dans un célèbre article paru en 1952 dans ARTnews, Harold Rosenberg a inventé le terme « peinture d'action » et a écrit que « ce qui devait apparaître sur la toile n'était pas une image mais un événement. Le grand moment est venu lorsqu'il a été décidé de peindre « juste pour peindre'. Le geste sur la toile était un geste de libération des valeurs politiques, esthétiques, morales. Beaucoup de gens pensaient qu'il avait calqué son paradigme de « peintre d'action » sur Pollock.
Clement Greenberg a soutenu le travail de Pollock pour des raisons formalistes. Cela correspond bien à la vision de Greenberg de l'histoire de l'art comme une purification progressive de la forme et l'élimination du contenu historique. Il considérait l'œuvre de Pollock comme la meilleure peinture de son époque et le point culminant de la tradition occidentale en passant par le cubisme et Cézanne jusqu'à Manet.
Le Reynold's News titrait dans un titre de 1959 : « Ce n'est pas de l'art, c'est une blague de mauvais goût. »
Le Congrès pour la liberté culturelle, une organisation de promotion de la culture et des valeurs américaines, soutenue par la CIA, a parrainé des expositions du travail de Pollock. Certains universitaires de gauche, notamment Eva Cockcroft, ont soutenu que le gouvernement américain et l’élite riche ont adopté Pollock et l’expressionnisme abstrait pour placer les États-Unis à l’avant-garde de l’art mondial et dévaloriser le réalisme socialiste. Cockcroft a écrit que Pollock est devenu une « arme de la guerre froide ».
Pollock a lui-même décrit son art comme « un mouvement rendant visibles des souvenirs arrêtés dans l'espace ».
Liste des œuvres majeures
* (1942) Homme et Femme Musée d'Art de Philadelphie
* (1942) Musée de la Figure Sténographique d'Art Moderne
* (1942) La Femme Lune Collection Peggy Guggenheim
* (1943) Mural University of Iowa Museum of Art, offert par Peggy Guggenheim
* (1943) Le Musée d'Art Moderne de la Louve
* (1943) Bleu (Moby Dick) Musée d'art d'Ohara
* (1945) Troubled Queen Museum of Fine Arts, Boston
* (1946) Les yeux dans la chaleur Collection Peggy Guggenheim, Venise
* (1946) Le Key Art Institute de Chicago
* (1946) La collection de tasses à thé Frieder Burda
* (1946) Shimmering Substance, du Musée d'Art Moderne Sounds In The Grass
* (1947) Portrait de S.M. Musée d'art de l'Université de l'Iowa, offert par Peggy Guggenheim.
* (1947) Musée d'art moderne Full Fathom Five
* (1947) Musée d'art de la cathédrale de Dallas
* (1947) Forêt enchantée Collection Peggy Guggenheim
* (1947) Lucifer La collection Anderson à l'Université de Stanford
* (1948) Peinture
* (1948) Numéro 5 (4 pi x 8 pi) Collection privée
* (1948) Numéro 8- Neuburger Museum de l'Université d'État de New York à Purchase.
* (1948) Numéro 13A : Arabesque- À la Yale University Art Gallery à New Haven, Connecticut.
* (1948) Composition (blanc, noir, bleu et rouge sur blanc) New Orleans Museum of Art
* (1948) Summertime : numéro 9A de la Tate Modern
* (1948) "Numéro 19"
* (1949) Numéro 1 du Musée d'Art Contemporain, Los Angeles
* (1949) Numéro 3 du musée et jardin de sculptures Hirshhorn, Washington, DC
* (1949) Numéro 10 Musée des Beaux-Arts, Boston
* (1949) Numéro 11 Musée d'art de l'Université d'Indiana Bloomington, Indiana
* (1950) Numéro 1, 1950 (Brume de lavande) National Gallery of Art
* (1950) Peinture murale sur fond rouge indien, 1950 Musée d'art contemporain de Téhéran
* (1950) Rythme d'automne (numéro 30), 1950 Metropolitan Museum of Art
* (1950) Numéro 29, 1950 Musée des beaux-arts du Canada
* (1950) Numéro 32, Collection d'art de Rhénanie du Nord-Westphalie, Düsseldorf, RFA
* (1950) Un : Numéro 31, 1950 Musée d'Art Moderne
* (1951) Numéro 7 de la National Gallery of Art
* (1951) Noir et Blanc (Numéro 6) Musée d'Art Moderne de San Francisco
* (1952) Galerie d'art Convergence Albright-Knox
* (1952) Poteaux bleus : n° 11, 1952 Galerie nationale d'Australie
* (1953) Portrait et un rêve Dallas Museum of Art
* (1953) Pâques et le Totem Le Musée d'Art Moderne
* (1953) Ocean Greyness Musée Solomon R. Guggenheim
* (1953) Les Profondeurs
Marché de l'art
En 1973, le numéro 11, 1952 (également connu sous le nom de Blue Poles) a été acheté par le gouvernement australien Whitlam pour la National Gallery of Australia pour 2 millions de dollars américains (1,3 million de dollars australiens au moment du paiement). C’était à l’époque le prix le plus élevé jamais payé pour un tableau moderne. Le tableau est désormais l’une des expositions les plus populaires de la galerie. C'était une pièce maîtresse de la rétrospective du Museum of Modern Art de New York en 1998, la première fois que le tableau était exposé en Amérique depuis son achat.
En novembre 2006, le numéro 5 de Pollock, 1948, est devenu le tableau le plus cher du monde lorsqu'il a été vendu à titre privé à un acheteur anonyme pour la somme de 140 000 000 $. Un autre record d'artiste a été établi en 2004, lorsque No. 12 (1949), une peinture au goutte-à-goutte de taille moyenne qui avait été exposée dans le pavillon des États-Unis à la Biennale de Venise de 1950, a été adjugée 11,7 millions de dollars chez Christie's, New York. En 2012, Numéro 28, 1951, une des combinaisons de gouttes et de pinceaux de l'artiste dans des tons de gris argenté avec du rouge, du jaune et des touches de bleu et de blanc, également vendue chez Christie's, New York, pour 20,5 millions de dollars, soit 23 millions de dollars avec frais. ... dans la fourchette estimée de 20 à 30 millions de dollars.
En 2013, le numéro 19 de Pollock (1948) a été vendu par Christie's pour la somme de 58 363 750 $ lors d'une vente aux enchères qui a finalement atteint 495 millions de dollars de ventes totales en une nuit, ce que Christie's rapporte comme un record à ce jour comme la vente aux enchères d'art contemporain la plus chère.
En février 2016, Bloomberg News a rapporté que Kenneth C. Griffin avait acheté le tableau de Jackson Pollock de 1948, Numéro 17A, pour 200 millions de dollars, à David Geffen.
Influence
La coloration de Pollock sur toile brute a été adaptée par les peintres Color Field Helen Frankenthaler et Morris Louis. Frank Stella a fait de la « composition all-over » une caractéristique de ses œuvres des années 1960. L'artiste Allan Kaprow des Happenings, les sculpteurs Richard Serra et Eva Hesse et de nombreux artistes contemporains ont conservé l'accent mis par Pollock sur le processus de création ; ils ont été influencés par son approche du processus plutôt que par l'apparence de son travail. En 2004, One: Number 31 a été classée huitième œuvre d'art moderne la plus influente dans un sondage mené auprès de 500 artistes, conservateurs, critiques et marchands.