Quel instrument d'orchestre standard porte un nom qui dérive du français pour bois de haute qualité ?
hautbois
Le soi-disant « complément standard » des doubles vents et des cuivres dans l'orchestre de la première moitié du XIXe siècle est généralement attribué aux forces réclamées par Beethoven. Les exceptions à cette règle sont sa Symphonie n° 4, son Concerto pour violon et son Concerto pour piano n° 4, qui spécifient chacun une seule flûte. L'instrumentation du compositeur comprenait presque toujours des flûtes jumelées, des hautbois, des clarinettes, des bassons, des cors et des trompettes. Beethoven a soigneusement calculé l'expansion de cette « palette » timbrale particulière dans les Symphonies 3, 5, 6 et 9 pour un effet innovant. Le troisième cor de la Symphonie « Eroica » arrive pour apporter non seulement une certaine flexibilité harmonique, mais aussi l'effet des cuivres « choraux » du Trio. Piccolo, contrebasson et trombones s'ajoutent au final triomphal de sa Symphonie n°5. Un piccolo et une paire de trombones contribuent à apporter tempête et soleil dans la Sixième. La Neuvième demande une deuxième paire de cornes, pour des raisons similaires à « l'Héroïque » (quatre cornes sont depuis devenues la norme) ; L'utilisation par Beethoven du piccolo, du contrebasson, des trombones et des percussions désaccordées, ainsi que des chœurs et des solistes vocaux, dans son finale, est sa première suggestion selon laquelle les limites timbrales de la symphonie pourraient être élargies pour de bon. Pendant plusieurs décennies après sa mort, l'instrumentation symphonique resta fidèle au modèle bien établi de Beethoven, à quelques exceptions près. 2 hautbois 2 hautbois 2 hautbois 3–4 hautbois, dont certains peuvent doubler 2 à 4 hautbois (1 doublement cor anglais) Le trombone principal est considéré comme le chef de la section des cuivres graves, tandis que la trompette principale est généralement considérée comme le chef de toute la section des cuivres. Alors que le hautbois fournit souvent la note d'accord de l'orchestre (en raison d'une convention vieille de 300 ans), aucun principal n'est le chef de la section des bois, bien que dans les ensembles à vent, la flûte soit souvent le chef. Au lieu de cela, chaque directeur s'entretient avec les autres sur un pied d'égalité en cas de divergences d'opinions musicales. La plupart des sections ont également un directeur adjoint (ou co-directeur ou directeur associé), ou dans le cas des premiers violons, un violon solo adjoint, qui joue souvent un rôle de tutti en plus de remplacer le directeur en son absence.
Un orchestre (ou ;) est un grand ensemble instrumental, souvent utilisé dans la musique classique, qui contient des sections de cordes (violon, alto, violoncelle et contrebasse), de cuivres, de bois et d'instruments à percussion. D'autres instruments comme le piano et le célesta peuvent parfois être regroupés en une cinquième section comme une section de clavier ou peuvent être autonomes, tout comme la harpe de concert et, pour les compositions des 20e et 21e siècles, les instruments électriques et électroniques. Le terme orchestre dérive du grec ὀρχήστρα (orchestre), le nom de la zone située devant une scène grecque antique réservée au chœur grec. L'orchestre s'est développé par croissance tout au long des XVIIIe et XIXe siècles, mais sa composition a très peu changé au cours du XXe siècle.
Un orchestre de plus petite taille pour cette période (d'une cinquantaine de musiciens ou moins) est appelé orchestre de chambre. Un orchestre complet (environ 70 à 100 musiciens) peut parfois être appelé orchestre symphonique ou orchestre philharmonique ; ces modificateurs n'indiquent pas nécessairement une différence stricte dans la constitution instrumentale ou le rôle de l'orchestre, mais peuvent être utiles pour distinguer différents ensembles basés dans la même ville (par exemple, le London Symphony Orchestra et le London Philharmonic Orchestra). Un orchestre symphonique compte généralement plus de quatre-vingts musiciens, dans certains cas plus d'une centaine, mais le nombre réel de musiciens employés dans une représentation particulière peut varier en fonction de l'œuvre jouée et de la taille de la salle. Un orchestre de chambre de premier plan peut employer jusqu'à cinquante musiciens ; certains sont beaucoup plus petits que cela. Le terme orchestre de concert peut parfois être utilisé (par exemple, BBC Concert Orchestra ; RTÉ Concert Orchestra) — aucune distinction n'est faite selon la taille de l'orchestre par l'utilisation de ce terme, bien que leur utilisation soit généralement distinguée comme pour un concert en direct. En tant que tels, ce sont généralement des orchestres de chambre. Il existe plusieurs types d'orchestres amateurs, notamment les orchestres scolaires, les orchestres de jeunes et les orchestres communautaires.
Les orchestres sont généralement dirigés par un chef d'orchestre qui dirige la performance au moyen de gestes visibles. Le chef d'orchestre unifie l'orchestre, donne le tempo et façonne le son de l'ensemble. Les orchestres jouent un large éventail de répertoires, notamment des symphonies, des ouvertures, des concertos et de la musique pour opéras et ballets.
Instrumentation
L'orchestre symphonique typique se compose de quatre groupes d'instruments de musique apparentés appelés bois, cuivres, percussions et cordes (violon, alto, violoncelle et contrebasse). D'autres instruments comme le piano et le célesta peuvent parfois être regroupés en une cinquième section comme une section de clavier ou peuvent être autonomes, tout comme la harpe de concert et les instruments électriques et électroniques. L'orchestre, selon sa taille, contient presque tous les instruments standards de chaque groupe. Dans l'histoire de l'orchestre, son instrumentation s'est élargie au fil du temps, souvent considérée comme standardisée par la période classique et l'influence de Ludwig van Beethoven sur le modèle classique. Au XXe siècle, de nouvelles exigences en matière de répertoire ont élargi l'instrumentation de l'orchestre, entraînant une utilisation flexible des instruments de modèle classique dans diverses combinaisons.
L'influence de Beethoven
Le soi-disant « complément standard » des doubles vents et des cuivres dans l'orchestre de la première moitié du XIXe siècle est généralement attribué aux forces réclamées par Beethoven. Les exceptions à cette règle sont sa Symphonie n° 4, son Concerto pour violon et son Concerto pour piano n° 4, qui spécifient chacun une seule flûte. L'instrumentation du compositeur comprenait presque toujours des flûtes jumelées, des hautbois, des clarinettes, des bassons, des cors et des trompettes. Beethoven a soigneusement calculé l'expansion de cette « palette » timbrale particulière dans les Symphonies 3, 5, 6 et 9 pour un effet innovant. Le troisième cor de la Symphonie « Eroica » arrive pour apporter non seulement une certaine flexibilité harmonique, mais aussi l'effet des cuivres « choraux » du Trio. Piccolo, contrebasson et trombones s'ajoutent au final triomphal de sa Symphonie n°5. Un piccolo et une paire de trombones contribuent à apporter tempête et soleil dans la Sixième. La Neuvième demande une deuxième paire de cornes, pour des raisons similaires à « l'Héroïque » (quatre cornes sont depuis devenues la norme) ; L'utilisation par Beethoven du piccolo, du contrebasson, des trombones et des percussions désaccordées, ainsi que des chœurs et des solistes vocaux, dans son finale, est sa première suggestion selon laquelle les limites timbrales de la symphonie pourraient être élargies pour de bon. Pendant plusieurs décennies après sa mort, l'instrumentation symphonique resta fidèle au modèle bien établi de Beethoven, à quelques exceptions près.
Instrumentation étendue
Outre le noyau orchestral, divers autres instruments sont occasionnellement sollicités. Ceux-ci incluent la guitare classique, le heckelphone, le bugle, le cornet, le clavecin et l'orgue. Les saxophones, par exemple, apparaissent dans certaines partitions du XIXe au XXIe siècle. Bien qu'il n'apparaisse que comme instrument soliste dans certaines œuvres, par exemple l'orchestration par Maurice Ravel des Tableaux d'une exposition de Modeste Moussorgski et les Danses symphoniques de Sergueï Rachmaninov, le saxophone est inclus dans d'autres œuvres, comme le Boléro de Ravel, les Suites Roméo et Juliette 1 de Sergueï Prokofiev et 2, les Symphonies n°6 et 9 de Vaughan Williams et Belshazzar's Feast de William Walton, ainsi que de nombreuses autres œuvres en tant que membre de l'ensemble orchestral. L'euphonium est présent dans quelques œuvres du romantisme tardif et du XXe siècle, jouant généralement des parties marquées « tuba ténor », notamment Les Planètes de Gustav Holst et Ein Heldenleben de Richard Strauss. Le tuba Wagner, un membre modifié de la famille des cors, apparaît dans le cycle de Richard Wagner Der Ring des Nibelungen et dans plusieurs autres œuvres de Strauss, Béla Bartók et d'autres ; il joue un rôle de premier plan dans la Symphonie n ° 7 en mi majeur d'Anton Bruckner. Les cornets apparaissent dans le ballet Le Lac des Cygnes de Piotr Ilitch Tchaïkovski, La Mer de Claude Debussy et plusieurs œuvres orchestrales d'Hector Berlioz. À moins que ces instruments ne soient joués par des membres doublant un autre instrument (par exemple, un trombone passant à l'euphonium pour un certain passage), les orchestres feront appel à des musiciens indépendants pour augmenter leurs effectifs réguliers.
L’orchestre du XXe siècle était bien plus flexible que ses prédécesseurs. A l'époque de Beethoven et de Félix Mendelssohn, l'orchestre était composé d'un noyau d'instruments assez standard et très rarement modifié. Au fil du temps et à mesure que la période romantique a vu des changements dans les modifications acceptées avec des compositeurs tels que Berlioz et Mahler, le 20e siècle a vu que l'instrumentation pouvait pratiquement être choisie par le compositeur. Aujourd'hui, cependant, l'orchestre moderne est généralement considéré comme standardisé avec l'instrumentation moderne répertoriée ci-dessous.
Avec cette histoire à l'esprit, l'orchestre peut être considéré comme ayant une évolution générale comme indiqué ci-dessous. Le premier est un orchestre baroque, le deuxième est un orchestre classique typique (c'est-à-dire Beethoven/Joseph Haydn), le troisième est typique du début/mi-romantisme (c'est-à-dire Franz Schubert/Hector Berlioz/Robert Schumann), du romantisme tardif/début. 20e siècle (c'est-à-dire Wagner/Brahms/Mahler/Igor Stravinsky), au complément commun d'un orchestre moderne d'aujourd'hui (c'est-à-dire John Adams/Samuel Barber/Aaron Copland/Philip Glass/Krzysztof Penderecki).
Orchestre baroque
;Bois :
2 flûtes
2 hautbois
2 bassons
;Laiton:
2 cornes
2 trompettes
;Percussion:
Timbales (par exemple, le Messie de Haendel)
;Claviers
Clavecin
;Chaînes :
Violon I (8~10)
Violon II (4~6)
Alto (4~6)
Violoncelle (4~6)
Contrebasse (2~4)
Orchestre classique
;Bois :
2 flûtes
2 hautbois
2 clarinettes (sib, do ou la)
2 bassons
;Laiton:
2 cornes
2 trompettes
;Percussion:
2 timbales
;Claviers :
Clavecin (de 1750 à la fin des années 1700, époque à laquelle il fut progressivement retiré de l'orchestre)
;Chaînes :
12 violons I
10 Violins II
8 Violas
8 Violoncellos
6 contrebasses
Orchestre du début du Romantisme
;Bois :
Piccolo
2 flûtes
2 hautbois
2 clarinettes
2 bassons
Contrebasson
;Percussion:
Timbales
Caisse claire
Grosse caisse
Cymbales
Triangle
Tambourin
carillons
;Laiton:
4 Cornes naturelles ou à valve
2 trompettes naturelles ou à pistons
3 trombones
Tuba
;Chaînes :
14 violons 1
12 violons 2
10 altos
8 violoncelles
6 contrebasses
1 harpe
Orchestre du Romantisme tardif
;Bois :
1–2 petits
3–4 flûtes
3–4 hautbois, dont certains peuvent doubler
(Cor anglais)
3 à 4 clarinettes en B ou A, dont certaines peuvent doubler
(1–2 clarinette mi ; clarinette ré) et
(Clarinette basse)
3–4 bassons
Contrebasson
;Laiton:
4 à 8 cors français, allemands ou viennois (plus rarement cors naturels)
3 à 6 trompettes en fa, do et si
3 à 4 trombones
1 à 2 trompettes
(0 à 4 tubas Wagner – 2 ténors, 2 basse, généralement doublés par des cornistes)
;Claviers :
Piano
Célesta
2 harpes
;Percussion:
4 timbales ou plus
Caisse claire
Grosse caisse
cymbales
Tan Tam
Trois doigts
Tambourin
carillons
Xylophones
Cloches tubulaires
;Chaînes :
16 violons 1
14 violons 2
12 altos
12 violoncelles
10 contrebasses
Orchestre moderne
;Bois :
2 à 4 flûtes (1 piccolo double)
2 à 4 hautbois (1 doublement cor anglais)
2 à 4 clarinettes (1 à 2 clarinettes basses doubles et/ou clarinette mi)
2 à 4 bassons (1 contrebasson double)
1 contrebasson
(1 ou plusieurs saxophones)
;Laiton:
4 à 8 cors allemands (généralement doubles) en F/B (en France : cors d'harmonie ; à Vienne : cors de Vienne)
3 à 6 trompettes en si et do
3 à 6 trombones (1 à 2 trombones basses)
1 à 2 tubas
(1 ou plusieurs cors de baryton/euphoniums)
(1 ou plusieurs tubas Wagner)
;Claviers :
1 piano
1 Célesta
(0–1 Orgue à tuyaux)
1 à 2 harpes
;Chaînes :
16 violons 1
14 violons 2
12 Violas
10 Cellos
8 Double basses
;Percussion:
Timbales
Caisse claire
Tambour ténor
Grosse caisse
Cymbales
Là là
Triangle
Blocs de bois
Tambourin
carillons
Xylophones
Vibraphone
Tubular bells
Marimba
Batterie
Autres instruments de percussion, y compris les instruments de musique ethnique ou du monde spécifiés par les compositeurs
;Autre : Selon les compositions du programme, divers instruments électriques ou électroniques peuvent se produire dans l'orchestre. Ces interprètes ne sont généralement pas des membres permanents de l’orchestre. Ils sont généralement embauchés sous contrat pour un ou plusieurs concerts. Les instruments peuvent inclure :
*Thérémine
*Guitare électrique
*Basse électrique
*Synthétiseur
* Autres instruments de musique électroniques
*Machine à écrire
Organisation
Parmi les groupes d'instruments et au sein de chaque groupe d'instruments, il existe une hiérarchie généralement acceptée. Chaque groupe instrumental (ou section) a un directeur qui est généralement chargé de diriger le groupe et de jouer les solos orchestraux. Les violons sont divisés en deux groupes, le premier violon et le deuxième violon, les seconds violons jouant avec des registres plus graves que les premiers violons.
Le premier violon principal est appelé premier violon (ou « leader » au Royaume-Uni) et est non seulement considéré comme le chef de la section de cordes, mais aussi comme le commandant en second de tout l'orchestre, derrière le chef d'orchestre. Le premier violon dirige l'accordage avant le concert et s'occupe des aspects musicaux de la gestion de l'orchestre, comme la détermination des coups d'archet pour les violons ou pour l'ensemble de la section de cordes. Le violon solo s'assoit généralement à la gauche du chef d'orchestre, le plus proche du public.
Le trombone principal est considéré comme le chef de la section des cuivres graves, tandis que la trompette principale est généralement considérée comme le chef de toute la section des cuivres. Alors que le hautbois fournit souvent la note d'accord de l'orchestre (en raison d'une convention vieille de 300 ans), aucun principal n'est le chef de la section des bois, bien que dans les ensembles à vent, la flûte soit souvent le chef. Au lieu de cela, chaque directeur s'entretient avec les autres sur un pied d'égalité en cas de divergences d'opinions musicales. La plupart des sections ont également un directeur adjoint (ou co-directeur ou directeur associé), ou dans le cas des premiers violons, un violon solo adjoint, qui joue souvent un rôle de tutti en plus de remplacer le directeur en son absence.
Un joueur de cordes de section joue à l'unisson avec le reste de la section, sauf dans le cas de parties divisées (divisi), où les parties supérieure et inférieure de la musique sont souvent attribuées à « l'extérieur » (plus près du public) et « à l'intérieur » assis. joueurs. Lorsqu'une partie solo est requise dans une section de cordes, le chef de section joue invariablement cette partie. Le chef de section (ou directeur) d'une section de cordes est également chargé de déterminer les coups d'archet, souvent sur la base des coups d'archet définis par le premier violon. Dans certains cas, le directeur d'une section de cordes peut utiliser un archet légèrement différent de celui du violon solo, pour répondre aux exigences du jeu de son instrument (par exemple, la section de contrebasse). Les directeurs d'une section de cordes dirigeront également les entrées de leur section, généralement en soulevant l'arc avant l'entrée, pour s'assurer que la section joue ensemble. Les joueurs de tutti à vent et à cuivres jouent généralement un rôle unique mais non solo. Les percussionnistes de la section jouent les parties qui leur sont assignées par le percussionniste principal.
À l'époque moderne, les musiciens sont généralement dirigés par un chef d'orchestre, même si les premiers orchestres n'en avaient pas, confiant ce rôle au premier violon ou au claveciniste jouant du continuo. Certains orchestres modernes se passent également de chefs d'orchestre, en particulier les petits orchestres et ceux spécialisés dans les interprétations historiquement exactes (dites « d'époque ») de la musique baroque et antérieure.
Le répertoire le plus fréquemment interprété pour un orchestre symphonique est la musique classique occidentale ou l’opéra. Cependant, les orchestres sont parfois utilisés dans la musique populaire (par exemple pour accompagner un groupe de rock ou de pop lors d'un concert), largement dans la musique de film et de plus en plus souvent dans la musique de jeux vidéo. Les orchestres sont également utilisés dans le genre métal symphonique. Le terme « orchestre » peut également être appliqué à un ensemble de jazz, par exemple lors de l'interprétation de musique de big band.
Sélection et nomination des membres
Tous les membres d'un orchestre professionnel doivent auditionner pour des postes dans l'ensemble. Les interprètes jouent généralement une ou plusieurs pièces solo au choix de la personne auditionnée, comme un mouvement d'un concerto, et une variété d'extraits de la littérature orchestrale qui sont annoncés sur l'affiche de l'audition (afin que les personnes auditionnées puissent se préparer). Les extraits sont généralement les parties et solos les plus techniques de la littérature orchestrale. Les auditions d'orchestre se déroulent généralement devant un jury comprenant le chef d'orchestre, le premier violon, le joueur principal de la section pour laquelle la personne auditionnée postule et éventuellement d'autres joueurs principaux et membres réguliers de l'orchestre.
Les candidats les plus prometteurs du premier tour d'auditions sont invités à revenir pour un deuxième ou un troisième tour d'auditions, ce qui permet au chef d'orchestre et au jury de comparer les meilleurs candidats. Il peut être demandé aux artistes de lire à vue la musique orchestrale. La dernière étape du processus d'audition dans certains orchestres est une semaine de test, au cours de laquelle l'interprète joue avec l'orchestre pendant une semaine ou deux, ce qui permet au chef d'orchestre et aux principaux musiciens de voir si l'individu peut bien fonctionner lors d'une répétition et d'une représentation réelles. paramètre.
Il existe toute une gamme de modalités d'emploi différentes. Les postes les plus recherchés sont les postes permanents au sein de l'orchestre. Les orchestres embauchent également des musiciens sous contrat, d'une durée allant d'un seul concert à une saison complète ou plus. Des artistes sous contrat peuvent être embauchés pour des concerts individuels lorsque l'orchestre exécute une œuvre orchestrale exceptionnellement importante de la fin du romantisme, ou pour remplacer un membre permanent malade. Un musicien professionnel engagé pour se produire lors d'un seul concert est parfois appelé un « sous ». Certains musiciens contractuels peuvent être embauchés pour remplacer des membres permanents pendant la période pendant laquelle le membre permanent est en congé parental ou en congé d'invalidité.
Genre des ensembles
Historiquement, les grands orchestres professionnels étaient majoritairement ou entièrement composés de musiciens masculins. Les premières femmes recrutées dans des orchestres professionnels ont été des harpistes. La Philharmonie de Vienne, par exemple, n’a accepté les femmes comme membres permanents qu’en 1997, bien plus tard que des orchestres comparables (les autres orchestres étant classés parmi les cinq meilleurs au monde par Gramophone en 2008). Le dernier grand orchestre à avoir nommé une femme à un poste permanent fut la Philharmonie de Berlin. En février 1996, Dieter Flury, flûtiste principal de l'Orchestre philharmonique de Vienne, a déclaré au Westdeutscher Rundfunk qu'accepter les femmes serait "un pari avec l'unité émotionnelle () que possède actuellement cet organisme". Westdeutscher Rundfunk Radio 5, "Musikalische Misogynie", 13 février 1996, [http://www.osborne-conant.org/wdrgerm.htm transcrit par Regina Himmelbauer]; [http://www.osborne-conant.org/wdr.htm traduction de William Osborne] En avril 1996, l'attaché de presse de l'orchestre écrivait que "compenser les congés attendus" du congé de maternité serait un problème.
En 1997, l'Orchestre philharmonique de Vienne « faisait face à des protestations lors d'une tournée [aux États-Unis] » de la part de l'Organisation nationale des femmes et de l'Alliance internationale des femmes dans la musique. Finalement, "après avoir été de plus en plus ridiculisés même dans une Autriche socialement conservatrice, les membres de l'orchestre se sont réunis [le 28 février 1997] lors d'une réunion extraordinaire à la veille de leur départ et ont accepté d'admettre une femme, Anna Lelkes, comme harpiste. "Jane Perlez, [http://www.nytimes.com/1997/02/28/world/vienna-philharmonic-lets-women-join-in-harmony.html "La Philharmonie de Vienne permet aux femmes de se joindre en harmonie"], The New York Times, 28 février 1997 Depuis 2013, l'orchestre compte six membres féminins ; l'une d'entre elles, la violoniste Albena Danailova, est devenue l'une des violon solo de l'orchestre en 2008, la première femme à occuper ce poste. france24.com/fr/20080508-vienne-opera-albena-danailova-première-femme-concertmaster-autriche&navi
CULTURE L'Opéra de Vienne nomme pour la première fois une femme premier violon solo], France 24 En 2012, les femmes ne représentaient encore que 6 % des membres de l'orchestre. Le président du VPO, Clemens Hellsberg, a déclaré que le VPO utilise désormais des auditions à l'aveugle entièrement filtrées. James R. Oestrich, [http://www.nytimes.com/1998/02/28/arts/even-legends-adjust-to-time-and- Trend-even-the-vienna.html "Même les légendes s'adaptent au temps et aux tendances, même la Philharmonie de Vienne"], The New York Times, 28 février 1998
En 2013, un article paru dans Mother Jones déclarait que même si « de nombreux orchestres prestigieux comptent un nombre important de femmes – les femmes sont plus nombreuses que les hommes dans la section de violon du New York Philharmonic – et plusieurs ensembles renommés, dont le National Symphony Orchestra, le Detroit Symphony et l'Orchestre symphonique du Minnesota, sont dirigés par des femmes violonistes", les sections de contrebasse, de cuivres et de percussions des grands orchestres "... sont encore majoritairement masculines". Un article de la BBC de 2014 déclarait que « ... l'introduction d'auditions « à l'aveugle », au cours desquelles un instrumentiste potentiel se produit derrière un écran afin que le jury ne puisse exercer aucun préjugé sexiste ou racial, a vu l'équilibre entre les sexes dans une symphonie traditionnellement dominée par les hommes. les orchestres changent progressivement.
Ensembles amateurs
Il existe également une variété d'orchestres amateurs :
* Orchestres scolaires : Ces orchestres sont composés d'élèves d'une école primaire ou secondaire. Il peut s'agir d'étudiants d'un cours ou d'un programme de musique ou de l'ensemble du corps scolaire. Les orchestres scolaires sont généralement dirigés par un professeur de musique.
* Orchestres universitaires ou de conservatoire : Ces orchestres sont composés d'étudiants issus d'une université ou d'un conservatoire de musique. Dans certains cas, les orchestres universitaires sont ouverts à tous les étudiants d’une université, de tous les programmes. Les grandes universités peuvent avoir deux orchestres universitaires : un composé de majors en musique et un deuxième orchestre ouvert aux étudiants universitaires de tous les programmes académiques. Les orchestres des universités et des conservatoires sont généralement dirigés par un chef d'orchestre qui est professeur à l'université ou au conservatoire.
* Orchestres de jeunes : ces orchestres sont composés d'adolescents et de jeunes adultes provenant d'une ville ou d'une région entière. Dans certains cas, les orchestres de jeunes peuvent être composés d'adolescents ou de jeunes adultes de tout un pays (par exemple, l'Orchestre national des jeunes du Canada).
* Orchestres communautaires : ces orchestres sont composés d'artistes amateurs provenant de toute une région ou d'une ville. Les orchestres communautaires sont généralement composés principalement de musiciens amateurs adultes. Le niveau des orchestres communautaires va des ensembles de niveau intermédiaire aux groupes amateurs assez avancés. Dans certains cas, des étudiants d'université ou de conservatoire peuvent également être membres d'orchestres communautaires. Bien que les membres des orchestres communautaires soient pour la plupart des amateurs, dans certains orchestres, un petit nombre de professionnels peuvent être embauchés pour agir en tant que musiciens principaux et chefs de section.
Répertoire
Les orchestres jouent un large éventail de répertoires allant des suites de danse du XVIIe siècle aux symphonies du XXIe siècle. Les orchestres sont devenus synonymes de symphonie, une composition musicale étendue de la musique classique occidentale qui contient généralement plusieurs mouvements. Les symphonies sont notées dans une partition musicale, qui contient toutes les parties instrumentales. Le chef d'orchestre utilise la partition pour étudier la symphonie avant les répétitions et décider de leur interprétation (par exemple, tempos, articulation, phrasé, etc.), et pour suivre la musique pendant les répétitions et les concerts. Les musiciens d'orchestre jouent à partir de parties qui contiennent uniquement la musique notée pour leur instrument. Un petit nombre de symphonies contiennent également des parties vocales (par exemple, la Neuvième Symphonie de Beethoven).
Les orchestres interprètent également des ouvertures, terme appliqué à l’origine à l’introduction instrumentale d’un opéra. Au début de l'ère romantique, des compositeurs tels que Beethoven et Mendelssohn ont commencé à utiliser le terme pour désigner des œuvres programmatiques instrumentales indépendantes et existantes qui présageaient des genres tels que le poème symphonique, une forme conçue par Franz Liszt dans plusieurs œuvres qui ont commencé comme ouvertures dramatiques. Celles-ci étaient "au départ sans doute destinées à être jouées en tête d'un programme". Dans les années 1850, l’ouverture de concert commença à être supplantée par le poème symphonique.
Les orchestres jouent également avec des solistes instrumentaux dans des concertos. Pendant les concertos, l'orchestre joue un rôle d'accompagnement auprès du soliste (par exemple, un violoniste soliste ou un pianiste) et, parfois, introduit des thèmes musicaux ou des intermèdes pendant que le soliste ne joue pas. Les orchestres jouent également lors d'opéras, de ballets, de certaines œuvres de théâtre musical et de certaines œuvres chorales (aussi bien des œuvres sacrées comme les messes que des œuvres profanes). Dans les opéras et les ballets, l'orchestre accompagne respectivement les chanteurs et les danseurs et joue des ouvertures et des intermèdes où les mélodies jouées par l'orchestre occupent une place centrale. Le répertoire orchestral comprend également toute une gamme d'autres pièces, telles que des suites de danses baroques, des danses symphoniques et des suites de musique de film.
Histoire
Savoir-faire instrumental
L'invention du piston et de la valve rotative par Heinrich Stölzel et Friedrich Blühmel, tous deux silésiens, en 1815, fut la première d'une série d'innovations, dont le développement d'un clétage moderne pour la flûte par Theobald Boehm et les innovations d'Adolphe Sax dans le bois. Ces avancées conduiront Hector Berlioz à écrire un livre historique sur l'instrumentation, qui sera le premier traité systématique sur l'utilisation du son instrumental comme élément expressif de la musique.
L'influence de Wagner
L'expansion majeure suivante de la pratique symphonique est venue de l'orchestre de Bayreuth de Richard Wagner, fondé pour accompagner ses drames musicaux. Les œuvres scéniques de Wagner ont été composées avec une ampleur et une complexité sans précédent : en effet, sa partition pour Das Rheingold fait appel à six harpes. Ainsi, Wagner envisageait un rôle de plus en plus exigeant pour le chef d’orchestre du théâtre, comme il l’a expliqué dans son ouvrage influent On Conducting. Cela a provoqué une révolution dans la composition orchestrale et a défini le style de l'interprétation orchestrale pour les quatre-vingts années suivantes. Les théories de Wagner ont réexaminé l'importance du tempo, de la dynamique, de l'archet des instruments à cordes et du rôle des chefs d'orchestre. Les chefs d’orchestre qui étudiaient ses méthodes allaient eux-mêmes exercer une influence.
Orchestre du XXe siècle
À l’aube du début du XXe siècle, les orchestres symphoniques étaient plus nombreux, mieux financés et mieux formés que jamais ; par conséquent, les compositeurs pouvaient composer des œuvres plus grandes et plus ambitieuses. L'influence de Gustav Mahler fut particulièrement novatrice ; dans ses symphonies ultérieures, comme la gigantesque Symphonie n° 8, Mahler repousse les limites les plus extrêmes de la taille orchestrale, en employant des forces énormes. À la fin de l’ère romantique, les orchestres pouvaient soutenir les formes d’expression symphonique les plus énormes, avec d’immenses sections de cordes, d’énormes sections de cuivres et une gamme élargie d’instruments à percussion. Avec le début de l'ère de l'enregistrement, les normes d'interprétation ont été poussées à un nouveau niveau, car une symphonie enregistrée pouvait être écoutée attentivement et même des erreurs mineures d'intonation ou d'ensemble, qui pourraient ne pas être perceptibles dans une performance live, pouvaient être entendues par les critiques. . À mesure que les technologies d'enregistrement se sont améliorées au cours des 20e et 21e siècles, de petites erreurs dans un enregistrement ont pu être « corrigées » par le montage audio ou la superposition. Certains chefs d'orchestre et compositeurs plus âgés se souviennent d'une époque où le simple fait de "traverser" la musique du mieux possible était la norme. Combiné avec l'audience plus large rendue possible par l'enregistrement, cela a conduit à un regain d'intérêt pour des chefs d'orchestre vedettes et sur un niveau élevé d'exécution orchestrale.
Contre-révolution
Avec l'avènement du mouvement musical ancien, les petits orchestres où les musiciens travaillaient à l'exécution d'œuvres dans des styles dérivés de l'étude d'anciens traités sur le jeu sont devenus courants. Il s'agit notamment de l'Orchestre du Siècle des Lumières, des London Classical Players sous la direction de Sir Roger Norrington et de l'Academy of Ancient Music sous Christopher Hogwood, entre autres.
Tendances récentes aux États-Unis
Aux États-Unis, la fin du XXe siècle a été marquée par une crise du financement et du soutien aux orchestres. La taille et le coût d’un orchestre symphonique, par rapport à la taille de la base de supporters, sont devenus une question qui a touché le cœur de l’institution. Peu d’orchestres pouvaient remplir les auditoriums, et le système traditionnel d’abonnement saisonnier est devenu de plus en plus anachronique, car de plus en plus d’auditeurs achetaient des billets sur une base ad hoc pour des événements individuels. Les dotations des orchestres et – ce qui est plus important dans le fonctionnement quotidien des orchestres américains – les donateurs d’orchestres ont vu leurs portefeuilles d’investissement diminuer ou produire des rendements inférieurs, réduisant ainsi la capacité des donateurs à contribuer ; en outre, les donateurs ont tendance à trouver d’autres causes sociales plus convaincantes. En outre, même si le financement gouvernemental est moins crucial pour les orchestres américains que pour les orchestres européens, les réductions de ce financement restent importantes pour les ensembles américains. Enfin, la baisse drastique des revenus de l’enregistrement, liée dans une large mesure aux changements survenus dans l’industrie du disque elle-même, a marqué le début d’une période de changement qui n’est pas encore parvenue à son terme.
Parmi les orchestres américains qui ont fait faillite (chapitre 11), citons l'Orchestre de Philadelphie (en avril 2011) et l'Orchestre de Louisville, en décembre 2010 ; Parmi les orchestres qui ont fait faillite (chapitre 7) et ont cessé leurs activités figurent le Northwest Chamber Orchestra en 2006, l'Honolulu Orchestra en mars 2011, l'Orchestre symphonique du Nouveau-Mexique en avril 2011 et l'Orchestre symphonique de Syracuse en juin 2011. Le Festival des orchestres d'Orlando , Floride a cessé ses activités fin mars 2011.
L'une des sources de difficultés financières qui a fait l'objet de critiques et d'attentions était les salaires élevés des directeurs musicaux des orchestres américains, ce qui a conduit plusieurs chefs d'orchestre de premier plan à accepter des réductions de salaire ces dernières années. Des administrateurs musicaux tels que Michael Tilson Thomas et Esa-Pekka Salonen ont soutenu qu'une nouvelle musique, de nouveaux moyens de la présenter et une relation renouvelée avec la communauté pourraient revitaliser l'orchestre symphonique. Le critique américain Greg Sandow a soutenu en détail que les orchestres doivent revoir leur approche de la musique, de l'interprétation, de l'expérience du concert, du marketing, des relations publiques, de l'implication communautaire et de la présentation pour les mettre en conformité avec les attentes du public du 21e siècle immergé dans la musique populaire. culture.
Il n’est pas rare que les compositeurs contemporains utilisent des instruments non conventionnels, notamment divers synthétiseurs, pour obtenir les effets souhaités. Beaucoup, cependant, trouvent une configuration orchestrale plus conventionnelle pour offrir de meilleures possibilités de couleur et de profondeur. Des compositeurs comme John Adams emploient souvent des orchestres de taille romantique, comme dans l'opéra Nixon en Chine d'Adams ; Philip Glass et d’autres sont peut-être plus libres, tout en identifiant des limites de taille. Glass en particulier s'est récemment tourné vers les orchestres conventionnels dans des œuvres comme le Concerto pour violoncelle et orchestre et le Concerto pour violon n°2.
Parallèlement à une diminution du financement, certains orchestres américains ont réduit leur personnel global, ainsi que le nombre de musiciens apparaissant dans les représentations. Les nombres réduits dans l'interprétation se limitent généralement à la section des cordes, car les nombres ici sont traditionnellement flexibles (puisque plusieurs musiciens jouent généralement à partir de la même partie).
Orchestres sans chef
L'orchestre symphonique post-révolutionnaire Persimfans a été créé en Union soviétique en 1922. L'aspect inhabituel de l'orchestre était que, croyant que dans l'État marxiste idéal, tous les gens sont égaux, ses membres estimaient qu'il n'était pas nécessaire d'être dirigés par l'État marxiste idéal. bâton dictatorial d'un chef d'orchestre; au lieu de cela, ils étaient dirigés par un comité. Même si ce fut un succès partiel, la principale difficulté du concept résidait dans le changement de rythme. L'orchestre a survécu pendant dix ans avant que la politique culturelle de Staline ne l'oblige à se dissoudre en drainant son financement.
Certains ensembles, comme l'Orpheus Chamber Orchestra, basé à New York, ont connu plus de succès, même si les décisions seront probablement confiées à un certain sens du leadership au sein de l'ensemble (par exemple, les principaux musiciens à vent et à cordes). D'autres sont revenus à la tradition selon laquelle un musicien principal, généralement un violoniste, est le directeur artistique et dirige les répétitions (comme l'Australian Chamber Orchestra, l'Amsterdam Sinfonietta & Candida Thompson et le New Century Chamber Orchestra).
Plusieurs conducteurs
Les techniques du polystylisme et de la musique polytempo ont récemment conduit quelques compositeurs à écrire de la musique dans laquelle plusieurs orchestres se produisent simultanément. Ces tendances ont donné naissance au phénomène de la musique polyconductrice, dans laquelle des sous-chefs distincts dirigent chaque groupe de musiciens. Habituellement, un conducteur principal conduit les sous-conducteurs, façonnant ainsi les performances globales.
Pour les pièces impliquant des membres de l'orchestre hors scène, un sous-chef d'orchestre sera parfois posté hors scène avec une vue dégagée sur le chef principal. Les exemples incluent la fin de "Neptune" de The Planets de Gustav Holst et "The Warriors" de Percy Grainger qui comprend trois chefs d'orchestre : le chef principal de l'orchestre, un chef secondaire dirigeant un ensemble de cuivres hors scène et un chef d'orchestre tertiaire dirigeant les percussions et harpe.
L'un des meilleurs exemples de musique orchestrale de la fin du siècle est le Gruppen de Karlheinz Stockhausen, pour trois orchestres placés autour du public. Les masses sonores pourraient ainsi être spatialisées, comme dans une œuvre électroacoustique. Gruppen a été créé à Cologne, en 1958, sous la direction de Stockhausen, Bruno Maderna et Pierre Boulez. Récemment, il a été interprété par Simon Rattle, John Carewe et Daniel Harding.