Michelangelo Merisi (ou Amerighi) est le nom de naissance de quel artiste ?
Caravage
Le Caravage a suivi une formation de peintre à Milan auprès de Simone Peterzano, lui-même formé auprès de Titien. Dans la vingtaine, le Caravage s'installe à Rome où il y a une demande de peintures pour remplir les nombreuses et immenses nouvelles églises et palais en construction à l'époque. C’était aussi une période où l’Église cherchait une alternative stylistique au maniérisme dans l’art religieux, destinée à contrer la menace du protestantisme. L'innovation du Caravage était un naturalisme radical qui combinait une observation physique étroite avec une utilisation dramatique, voire théâtrale, du clair-obscur, connue sous le nom de ténébrisme (le passage de la lumière à l'obscurité avec peu de valeur intermédiaire). Célèbre de son vivant, le Caravage fut oublié presque immédiatement après sa mort, et ce n'est qu'au XXe siècle que son importance dans le développement de l'art occidental fut redécouverte. Malgré cela, son influence sur le nouveau style baroque qui émergea finalement des ruines du maniérisme fut profonde. On peut le voir directement ou indirectement dans le travail de Rubens, Jusepe de Ribera, Bernini et Rembrandt, et les artistes de la génération suivante fortement sous son influence furent appelés les "Caravaggisti" ou "Caravagesques", ainsi que les ténébristes ou ténébrosi ( "les shadowistes"). L'historien de l'art du XXe siècle André Berne-Joffroy affirmait : « Ce qui commence dans l'œuvre du Caravage, c'est tout simplement la peinture moderne. » Le Caravage (Michelangelo Merisi ou Amerighi) est né à Milan où son père, Fermo (Fermo Merixio), était administrateur de maison et architecte-décorateur du marquis du Caravage, une ville non loin de la ville de Bergame. Sa mère, Lucia Aratori (Lutia de Oratoribus), était issue d'une famille possédante du même quartier. En 1576, la famille s'installe au Caravage (Caravage) pour échapper à une peste qui ravage Milan, et le père du Caravage y meurt en 1577. On suppose que l'artiste a grandi au Caravage, mais sa famille a maintenu des liens avec les Sforza et avec les puissants. Famille Colonna, alliée par mariage aux Sforza et destinée à jouer un rôle majeur plus tard dans la vie du Caravage. La mère du Caravage meurt en 1584, l'année même où il commence son apprentissage de quatre ans auprès du peintre milanais Simone Peterzano, décrit dans le contrat d'apprentissage comme élève du Titien. Le Caravage semble être resté dans la région de Milan-Caravage après la fin de son apprentissage, mais il est possible qu'il ait visité Venise et vu les œuvres de Giorgione, que Federico Zuccari l'accusa plus tard d'avoir imité, et de Titien. Il se serait également familiarisé avec les trésors artistiques de Milan, notamment la Cène de Léonard de Vinci, et avec l'art régional lombard, un style qui valorisait la simplicité et l'attention portée aux détails naturalistes et était plus proche du naturalisme allemand que de la formalité stylisée. et la grandeur du maniérisme romain. Le Caravage quitte Milan pour Rome en 1592, en fuite après « certaines querelles » et la blessure d'un policier. Il arrive à Rome « ​​nu et extrêmement nécessiteux... sans adresse fixe et sans provisions... à court d'argent ». Quelques mois plus tard, il exécutait des travaux de bricolage pour le très célèbre Giuseppe Cesari, l'artiste préféré du pape Clément VIII, « peignant des fleurs et des fruits » dans son atelier aux allures d'usine. Les œuvres connues de cette période incluent un petit garçon épluchant un fruit (sa première peinture connue), un garçon avec un panier de fruits et le jeune Bacchus malade, soi-disant un autoportrait réalisé pendant la convalescence d'une grave maladie qui a mis fin à son emploi avec César. Tous trois démontrent la particularité physique qui fera la renommée du Caravage : les produits du panier de fruits ont été analysés par un professeur d'horticulture, qui a pu identifier des cultivars individuels jusqu'à "... une grande feuille de figuier avec un Lésion fongique importante de brûlure ressemblant à l'anthracnose (Glomerella cingulata)." Le Caravage quitta Cesari, déterminé à tracer sa propre voie. Il noue alors des amitiés extrêmement importantes avec le peintre Prospero Orsi, l'architecte Onorio Longhi et l'artiste sicilien de seize ans Mario Minniti. Orsi, établi dans le métier, le présente à des collectionneurs influents ; Longhi, de manière plus sinistre, l'initia au monde des bagarres de rue romaines ; et Minniti servit de modèle et, des années plus tard, contribuera à aider le Caravage à réaliser d'importantes commandes en Sicile. La Diseuse de bonne aventure, sa première composition à plus d'un personnage, montre Mario trompé par une gitane. Le thème était assez nouveau pour Rome et s’est avéré extrêmement influent au cours du siècle suivant et au-delà. Mais c'était une affaire d'avenir : à l'époque, Caravaggio la vendait pour pratiquement rien. The Cardsharps – qui montre un autre jeune naïf privilégié victime de fraudes aux cartes – est encore plus complexe psychologiquement et peut-être le premier véritable chef-d'œuvre du Caravage. Comme le Fortune Teller, il était extrêmement populaire et plus de 50 exemplaires ont survécu. Plus important encore, il a attiré le patronage du cardinal Francesco Maria del Monte, l'un des plus grands connaisseurs de Rome. Pour Del Monte et son riche cercle d'amateurs d'art, le Caravage a exécuté un certain nombre de pièces de chambre intimes – Les Musiciens, Le Joueur de luth, un Bacchus ivre, un Garçon allégorique mais réaliste mordu par un lézard – mettant en vedette Minniti et d'autres modèles adolescents. Le réalisme revient avec les premières peintures du Caravage sur des thèmes religieux et l'émergence d'une spiritualité remarquable. La première d'entre elles était la Madeleine pénitente, représentant Marie-Madeleine au moment où elle s'est détournée de sa vie de courtisane et est assise en pleurs sur le sol, ses bijoux éparpillés autour d'elle. "Cela ne ressemblait pas du tout à une peinture religieuse... une jeune fille assise sur un tabouret bas en bois se séchant les cheveux... Où était le repentir... la souffrance... la promesse du salut ?" C'était sobre, à la manière lombarde, et non histrionique à la manière romaine de l'époque. Elle fut suivie par d'autres dans le même style : sainte Catherine ; Marthe et Marie-Madeleine ; Judith décapitant Holopherne ; un sacrifice d'Isaac; un saint François d'Assise en extase ; et un Repos pendant la fuite en Égypte. Les œuvres, bien que vues par un cercle relativement limité, ont accru la renommée du Caravage auprès des connaisseurs et de ses confrères artistes. Mais une véritable réputation dépendait de commandes publiques, et pour celles-ci il fallait se tourner vers l'Église. Le réalisme ou naturalisme intense pour lequel le Caravage est désormais célèbre était déjà évident. Il préférait peindre ses sujets tels que l'œil les voit, avec tous leurs défauts et défauts naturels plutôt que comme des créations idéalisées. Cela a permis une pleine démonstration des talents virtuoses du Caravage. Ce changement par rapport aux pratiques standard acceptées et à l'idéalisme classique de Michel-Ange était très controversé à l'époque. Non seulement son réalisme était une caractéristique remarquable de ses peintures de cette période, mais il se détournait des longues préparations traditionnelles de l'Italie centrale à l'époque. Au lieu de cela, il préférait la pratique vénitienne consistant à travailler à l’huile directement à partir du sujet – figures en demi-longueur et natures mortes. L'une des peintures caractéristiques du Caravage à cette époque qui donne une bonne démonstration de son talent virtuose était son œuvre La Cène à Emmaüs datant de c. 1600-1601. En 1599, probablement sous l'influence de Del Monte, le Caravage fut chargé de décorer la chapelle Contarelli de l'église de San Luigi dei Francesi. Les deux ouvrages composant la commande, le Martyre de saint Matthieu et la Vocation de saint Matthieu, livrés en 1600, firent immédiatement sensation. Le ténébrisme du Caravage (un clair-obscur accentué) apportait une dimension dramatique à ses sujets, tandis que son réalisme intensément observé apportait un nouveau niveau d'intensité émotionnelle. L'opinion parmi les pairs artistes du Caravage était polarisée. Certains l'ont dénoncé pour divers défauts perçus, notamment son insistance à peindre d'après nature, sans dessins, mais pour la plupart, il a été salué comme un grand visionnaire artistique : « Les peintres d'alors à Rome étaient très séduits par cette nouveauté, et les jeunes particulièrement rassemblés autour de lui, le louaient comme l'unique imitateur de la nature et considéraient son œuvre comme des miracles. Le Caravage a ensuite obtenu une série de commandes prestigieuses d'œuvres religieuses mettant en scène des luttes violentes, des décapitations grotesques, la torture et la mort, la plus remarquable et la plus techniquement magistrale d'entre elles La Prise du Christ d'environ 1602 pour la famille Mattei, récemment redécouverte en Irlande après deux des siècles. Pour la plupart, chaque nouveau tableau augmentait sa renommée, mais quelques-uns furent rejetés par les différents organismes auxquels ils étaient destinés, du moins dans leurs formes originales, et durent être repeints ou trouver de nouveaux acheteurs. L'essence du problème était que, même si l'intensité dramatique du Caravage était appréciée, son réalisme était considéré par certains comme d'une vulgarité inacceptable. D'autres œuvres comprenaient la Mise au Tombeau, la Madonna di Loreto (Madone des pèlerins), la Madone des palefreniers et la Mort de la Vierge. L'histoire de ces deux derniers tableaux illustre l'accueil réservé à certaines œuvres du Caravage et l'époque à laquelle il a vécu. La Madone des Mariés, également connue sous le nom de Madonna dei palafrenieri, peinte pour un petit autel de la basilique Saint-Pierre de Rome, n'y est restée que deux jours, puis a été enlevée. Le secrétaire d'un cardinal écrivait : « Dans ce tableau, il n'y a que vulgarité, sacrilège, impiété et dégoût... On dirait une œuvre faite par un peintre qui sait bien peindre, mais d'un esprit sombre, et qui est depuis longtemps beaucoup de temps loin de Dieu, de son adoration et de toute bonne pensée..." La Mort de la Vierge, commandée en 1601 par un riche juriste pour sa chapelle privée dans la nouvelle église des Carmélites de Santa Maria della Scala, fut rejetée par les Carmélites en 1606. Giulio Mancini, contemporain du Caravage, rapporte qu'elle fut rejetée parce que Caravage avait a utilisé une prostituée connue comme modèle pour la Vierge. Giovanni Baglione, un autre contemporain, nous dit que cela était dû aux jambes nues de Marie – une question de bienséance dans les deux cas. L'érudit du Caravage, John Gash, suggère que le problème des Carmélites était peut-être théologique plutôt qu'esthétique, dans la mesure où la version du Caravage ne parvient pas à affirmer la doctrine de l'Assomption de Marie, l'idée selon laquelle la Mère de Dieu n'est pas morte dans un sens ordinaire mais a été assumé au Ciel. Le retable de remplacement commandé (à l'un des disciples les plus compétents du Caravage, Carlo Saraceni), montrait la Vierge non pas morte, comme le Caravage l'avait peinte, mais assise et mourante ; et même cela fut rejeté et remplacé par une œuvre qui montrait la Vierge non pas mourant, mais montant au ciel avec des chœurs d'anges. En tout cas, le rejet ne signifiait pas que le Caravage ou ses peintures étaient en disgrâce. A peine sortie de l'église, la Mort de la Vierge fut achetée par le duc de Mantoue, sur les conseils de Rubens, puis acquise par Charles Ier d'Angleterre avant d'entrer dans la collection royale française en 1671. Une œuvre profane de ces années est Amor Victorious, peinte en 1602 pour Vincenzo Giustiniani, membre du cercle de Del Monte. Le modèle a été nommé dans un mémoire du début du XVIIe siècle sous le nom de « Cecco », le diminutif de Francesco. Il s'agit peut-être de Francesco Boneri, identifié à un artiste actif dans la période 1610-1625 et connu sous le nom de Cecco del Caravaggio (« Cecco du Caravage »), portant un arc et des flèches et piétinant les symboles des arts et des sciences guerriers et pacifiques. Il est déshabillé et il est difficile d'accepter ce gamin souriant comme le dieu romain Cupidon – aussi difficile qu'il l'était d'accepter les autres adolescents à moitié vêtus du Caravage comme les différents anges qu'il a peints dans ses toiles, portant à peu près les mêmes ailes d'accessoires de scène. . Ce qui compte, cependant, c'est la réalité intense mais ambiguë de l'œuvre : il s'agit à la fois d'Amour et de Cecco, car les Vierges du Caravage étaient à la fois la Mère du Christ et les courtisanes romaines qui les modelaient. Le Caravage a mené une vie tumultueuse. Il était connu pour ses bagarres, même à une époque et dans un lieu où de tels comportements étaient monnaie courante, et les transcriptions de ses casiers judiciaires et de son procès occupent plusieurs pages. Le 29 mai 1606, il tua, peut-être involontairement, un jeune homme nommé Ranuccio Tomassoni, de Terni (Ombrie). Les circonstances de la bagarre et de la mort de Ranuccio Tomassoni restent mystérieuses. Plusieurs avocats contemporains ont évoqué une querelle à propos d'une dette de jeu et d'une partie de tennis, et cette explication s'est établie dans l'imaginaire populaire. Mais des études récentes ont clairement montré que l’enjeu était bien plus important. De bons récits modernes se trouvent dans M de Peter Robb et Caravaggio: A Life d'Helen Langdon. Une théorie intéressante reliant la mort aux notions d'honneur et de blessure symbolique de la Renaissance a été avancée par l'historien de l'art Andrew Graham-Dixon. Auparavant, ses hauts patrons l'avaient protégé des conséquences de ses frasques, mais cette fois ils ne purent rien faire. Le Caravage, mis hors la loi, s'enfuit à Naples. Là, hors de la juridiction des autorités romaines et protégé par la famille Colonna, le peintre le plus célèbre de Rome devint le plus célèbre de Naples. Ses liens avec les Colonna ont conduit à un flux de commandes ecclésiastiques importantes, notamment la Madone du Rosaire et les Sept œuvres de miséricorde. Un tableau, provisoirement daté entre 1600 et 1610, et considéré par certains experts comme étant la deuxième version du Caravage de Judith décapitant Holopherne, a été découvert dans un grenier à Toulouse en 2014. Le gouvernement français a interdit l'exportation du tableau pendant que des tests étaient effectués. pour établir sa provenance. Le Caravage se rendit en Sicile où il rencontra son vieil ami Mario Minniti, désormais marié et vivant à Syracuse. Ensemble, ils entreprennent ce qui équivaut à un voyage triomphal de Syracuse à Messine et, peut-être, jusqu'à la capitale de l'île, Palerme. À Syracuse et à Messine, le Caravage continue de remporter des commandes prestigieuses et bien rémunérées. Parmi les autres œuvres de cette période figurent l'Enterrement de Sainte Lucie, La Résurrection de Lazare et l'Adoration des bergers. Son style continue d'évoluer, montrant désormais des frises de personnages isolés sur de vastes fonds vides. "Ses grands retables siciliens isolent leurs figures sombres et pitoyablement pauvres dans de vastes zones d'obscurité; ils suggèrent les peurs désespérées et la fragilité de l'homme et transmettent en même temps, avec une tendresse nouvelle mais désolée, la beauté de l'humilité et de la douceur. , qui héritera de la terre. Les rapports contemporains décrivent un homme dont le comportement devenait de plus en plus bizarre, dormant entièrement armé et vêtu de ses vêtements, déchirant un tableau au moindre mot de critique, se moquant des peintres locaux. Le Caravage a affiché un comportement bizarre dès le début de sa carrière. Mancini le décrit comme "extrêmement fou", une lettre de Del Monte note son étrangeté, et le biographe de Mario Minniti de 1724 dit que Mario a quitté le Caravage à cause de son comportement. L'étrangeté semble avoir augmenté après Malte. Le vite de' pittori Messinesi de Susinno, du début du XVIIIe siècle, "Vies des peintres de Messine", fournit plusieurs anecdotes colorées sur le comportement erratique du Caravage en Sicile, et celles-ci sont reproduites dans des biographies modernes complètes telles que Langdon et Robb. Bellori parle de la « peur » du Caravage qui le conduisit de ville en ville à travers l'île et finalement, « sentant qu'il n'était plus en sécurité de rester », à Naples. Baglione dit que Caravage était « pourchassé par son ennemi », mais comme Bellori ne dit pas qui était cet ennemi. Après seulement neuf mois en Sicile, le Caravage retourne à Naples. Selon son premier biographe, il était poursuivi par des ennemis alors qu'il était en Sicile et pensait qu'il était plus sûr de se placer sous la protection des Colonna jusqu'à ce qu'il puisse obtenir sa grâce du pape (aujourd'hui Paul V) et retourner à Rome. À Naples, il peint Le Reniement de saint Pierre, un dernier Jean-Baptiste (Borghèse) et son dernier tableau, Le Martyre de sainte Ursule. Son style continue d'évoluer : Sainte Ursule est prise dans un moment d'action et de drame le plus élevé, alors que la flèche tirée par le roi des Huns la frappe à la poitrine, contrairement aux peintures antérieures qui avaient toute l'immobilité des modèles posés. Le travail au pinceau était beaucoup plus libre et impressionniste. A Naples, une tentative d'assassinat a été commise contre lui par des inconnus. Au début, on a appris à Rome que le « célèbre artiste » Caravage était mort, mais on a ensuite appris qu'il était vivant, mais gravement défiguré au visage. Il peint une Salomé avec la tête de Jean-Baptiste (Madrid), montrant sa propre tête sur un plateau, et l'envoie à de Wignacourt pour demander pardon. Peut-être à cette époque a-t-il peint aussi un David avec la tête de Goliath, montrant le jeune David avec une expression étrangement triste regardant la tête coupée du géant, qui est encore celle du Caravage. Il a peut-être envoyé ce tableau à son mécène, le cardinal Scipione Borghese, amateur d'art et sans scrupules, neveu du pape, qui avait le pouvoir d'accorder ou de refuser des grâces. À l'été 1610, il prit un bateau vers le nord pour obtenir la grâce qui semblait imminente grâce à ses puissants amis romains. Avec lui se trouvaient trois derniers tableaux, cadeaux pour le cardinal Scipione. Ce qui s’est passé ensuite fait l’objet de beaucoup de confusion et de conjectures. Les faits sont que le 28 juillet, un avviso anonyme (newsletter privé) de Rome adressé à la cour ducale d'Urbino a rapporté que le Caravage était mort. Trois jours plus tard, un autre avviso racontait qu'il était mort de fièvre alors qu'il se rendait de Naples à Rome. Un ami poète de l'artiste a ensuite donné le 18 juillet comme date du décès, et un chercheur récent affirme avoir découvert un avis de décès montrant que l'artiste est mort ce jour-là d'une fièvre à Porto Ercole, près de Grosseto en Toscane. Les restes humains découverts dans une église de Porto Ercole en 2010 appartiendraient presque certainement au Caravage. Les résultats font suite à une enquête d’un an utilisant l’ADN, la datation au carbone et d’autres analyses. Certains chercheurs affirment que le Caravage a été assassiné par les mêmes « ennemis » qui le poursuivaient depuis qu'il avait fui Malte, peut-être Wignacourt et/ou des factions de l'Ordre de Saint-Jean. Le Caravage serait peut-être mort d'un empoisonnement au plomb. Des ossements contenant des niveaux élevés de plomb ont été récemment découverts dans une tombe susceptible d'être celle du Caravage. Les peintures utilisées à l’époque contenaient de grandes quantités de sels de plomb. Le Caravage est connu pour s'être livré à un comportement violent, provoqué par un empoisonnement au plomb. Le Caravage ne s'est jamais marié et n'a pas eu d'enfants connus, et Howard Hibbard note l'absence de figures féminines érotiques dans l'œuvre de l'artiste : « Dans toute sa carrière, il n'a pas peint un seul nu féminin. » D'un autre côté, les meubles de cabinet de la période Del Monte regorgent de « garçons langoureux et aux lèvres charnues... qui semblent solliciter le spectateur avec leurs offres de fruits, de vin, de fleurs - et eux-mêmes ». Néanmoins, un lien avec une certaine Lena est mentionné dans une déposition judiciaire de Pasqualone en 1605, où elle est décrite comme « la fille de Michel-Ange ». Selon G.B. Passeri, cette « Lena » était le modèle du Caravage pour la Madone de Lorette. Selon Catherine Puglisi, « Lena » était peut-être la même que la courtisane Maddalena di Paolo Antognetti, qui a désigné le Caravage comme un ami intime par son propre témoignage en 1604. Le Caravage entretenait également probablement des relations étroites avec d'autres « putains et courtisanes » telles que Fillide. Melandroni, dont il a peint un portrait. Depuis les années 1970, les spécialistes de l'art et les historiens débattent des inférences homoérotiques dans les œuvres du Caravage. Le modèle de « Amor vincit omnia » est connu sous le nom de Cecco di Caravaggio. Cecco est resté avec lui même après qu'il ait été obligé de quitter Rome en 1606, et les deux étaient peut-être amants. Outre les peintures, des preuves proviennent également du procès en diffamation intenté contre le Caravage par Giovanni Baglione en 1603. Baglione accusait le Caravage et ses amis d'avoir écrit et distribué des insultes calomnieuses l'attaquant ; les brochures, selon l'ami et témoin de Baglione, Mao Salini, avaient été distribuées par un certain Giovanni Battista, un bardassa, ou garçon prostitué, partagé par Caravaggio et son ami Onorio Longhi. Le Caravage a nié connaître un jeune garçon de ce nom et l'allégation n'a pas été suivie d'effet. La peinture de Baglione « Amour Divin » a également été considérée comme une accusation visuelle de sodomie contre le Caravage. De telles accusations étaient préjudiciables et dangereuses car la sodomie était à l’époque un crime capital. Même s'il est peu probable que les autorités enquêtent sur une personne aussi bien connectée que Caravage : "Une fois qu'un artiste a été diffamé comme pédéraste, son œuvre a également été diffamée." Francesco Susinoo, dans sa biographie ultérieure, raconte comment l'artiste a été pourchassé par un maître d'école en Sicile pour avoir passé trop de temps à regarder les garçons dont il avait la garde. Susino le présente comme un malentendu, mais le Caravage cherchait peut-être en effet un réconfort sexuel ; et l'incident pourrait expliquer l'une de ses peintures les plus homoérotiques : sa dernière représentation de saint Jean-Baptiste. On a beaucoup parlé de l'homosexualité présumée du Caravage, qui a été présentée dans plus d'un récit de sa vie comme la clé unique qui explique tout, à la fois la puissance de son art et les malheurs de sa vie. Il n’existe aucune preuve absolue, seulement de solides preuves circonstancielles et de nombreuses rumeurs. La prépondérance des probabilités suggère que le Caravage a effectivement eu des relations sexuelles avec des hommes. Mais il avait certainement des amantes. Tout au long des années qu'il passa à Rome, il resta en étroite compagnie avec un certain nombre de prostituées. La vérité est que Caravage était aussi inquiet dans ses relations que dans la plupart des autres aspects de la vie. Il a probablement couché avec des hommes. Il a couché avec des femmes. Il ne s'est installé avec personne... [mais] l'idée qu'il a été l'un des premiers martyrs des pulsions d'une sexualité non conventionnelle est une fiction anachronique. Le Caravage "a mis l'oscuro (ombres) en clair-obscur". Le clair-obscur était pratiqué bien avant son entrée en scène, mais c'est le Caravage qui a fait de cette technique un élément stylistique dominant, assombrissant les ombres et transperçant le sujet dans un rayon de lumière aveuglant. Avec cela vint l'observation aiguë de la réalité physique et psychologique qui constitua le fondement à la fois de son immense popularité et de ses fréquents problèmes avec ses commissions religieuses. Il travaille à grande vitesse, à partir de modèles vivants, marquant des repères de base directement sur la toile avec le bout du manche du pinceau ; très peu de dessins du Caravage semblent avoir survécu et il est probable qu'il préférait travailler directement sur la toile. Cette approche était un anathème pour les artistes talentueux de son époque, qui dénonçaient son refus de travailler à partir de dessins et d'idéaliser ses figures. Pourtant, les modèles étaient à la base de son réalisme. Certains ont été identifiés, dont Mario Minniti et Francesco Boneri, tous deux collègues artistes, Mario apparaissant comme diverses figures dans les premières œuvres profanes, le jeune Francesco comme une succession d'anges, de baptistes et de David dans les toiles ultérieures. Ses modèles féminins incluent Fillide Melandroni, Anna Bianchini et Maddalena Antognetti (la « Lena » mentionnée dans les documents judiciaires de l'affaire « artichaut » comme la concubine du Caravage), toutes des prostituées bien connues, qui apparaissent comme des figures religieuses féminines, dont la Vierge et diverses saints. Le Caravage lui-même apparaît dans plusieurs tableaux, son dernier autoportrait étant le témoin à l'extrême droite du martyre de Sainte Ursule. Le Caravage avait une capacité remarquable à exprimer dans une scène d'une vivacité inégalée le passage d'un moment crucial. La Cène d'Emmaüs représente la reconnaissance du Christ par ses disciples : un instant avant, il est un compagnon de voyage, pleurant la disparition du Messie, comme il ne cesse de l'être aux yeux de l'aubergiste, l'instant d'après, il est le Sauveur. . Dans La Vocation de saint Matthieu, la main du Saint se désigne comme s'il disait "qui, moi ?", tandis que ses yeux, fixés sur la figure du Christ, ont déjà dit : "Oui, je te suivrai". . Avec La Résurrection de Lazare, il va encore plus loin en nous donnant un aperçu du processus physique réel de la résurrection. Le corps de Lazare est toujours en proie à la rigidité cadavérique, mais sa main, face et reconnaissant celle du Christ, est vivante. D'autres grands artistes baroques suivront le même chemin, par exemple le Bernin, fasciné par les thèmes des Métamorphoses d'Ovide. Les Caravagesques L'installation des peintures de Saint Matthieu dans la chapelle Contarelli a eu un impact immédiat parmi les jeunes artistes de Rome, et le caravagisme est devenu la pointe de tout jeune peintre ambitieux. Les premiers Caravagestes comprenaient Orazio Gentileschi et Giovanni Baglione. La phase Caravage de Baglione fut de courte durée ; Le Caravage l'accusa plus tard de plagiat et les deux furent impliqués dans une longue querelle. Baglione a ensuite écrit la première biographie du Caravage. Dans la génération suivante des Caravagesti, il y avait Carlo Saraceni, Bartolomeo Manfredi et Orazio Borgianni. Gentileschi, bien qu'étant considérablement plus âgé, fut le seul de ces artistes à vivre bien au-delà de 1620 et finit comme peintre de la cour de Charles Ier d'Angleterre. Sa fille Artemisia Gentileschi était également proche du Caravage et l'une des plus douées du mouvement. Pourtant, à Rome et en Italie, ce n'est pas le Caravage, mais l'influence d'Annibale Carracci, mêlant des éléments de la Haute Renaissance et du réalisme lombard, qui a finalement triomphé. Le bref séjour du Caravage à Naples a donné naissance à une école notable de caravagesques napolitains, dont Battistello Caracciolo et Carlo Sellitto. Le mouvement caravagesque s'est terminé par une terrible épidémie de peste en 1656, mais les liens avec l'Espagne – Naples était une possession de l'Espagne – ont joué un rôle déterminant dans la formation de l'importante branche espagnole de son influence. Un groupe d'artistes catholiques d'Utrecht, les « Caravagesti d'Utrecht », se sont rendus à Rome en tant qu'étudiants dans les premières années du XVIIe siècle et ont été profondément influencés par l'œuvre du Caravage, comme le décrit Bellori. À leur retour dans le nord, cette tendance connut une floraison éphémère mais influente dans les années 1620 parmi des peintres comme Hendrick ter Brugghen, Gerrit van Honthorst, Andries Both et Dirck van Baburen. Dans la génération suivante, les effets du Caravage, bien qu'atténués, se retrouvent dans l'œuvre de Rubens (qui acheta un de ses tableaux pour Gonzaga de Mantoue et peignit une copie de la Mise au Tombeau du Christ), Vermeer, Rembrandt et Velázquez. , dont le dernier a probablement vu son œuvre lors de ses différents séjours en Italie. Les innovations du Caravage ont inspiré le baroque, mais le baroque a pris le drame de son clair-obscur sans le réalisme psychologique. S'il a influencé directement le style des artistes mentionnés ci-dessus et, de loin, les Français Georges de La Tour et Simon Vouet et l'Espagnol Giuseppe Ribera, ses œuvres ont été attribuées en quelques décennies à des artistes moins scandaleux, ou simplement négligé. Le baroque, auquel il a tant contribué, a évolué et les modes ont changé, mais peut-être plus pertinent encore, le Caravage n'a jamais créé d'atelier comme le faisaient les Carrache et n'a donc pas eu d'école pour diffuser ses techniques. Il n’a jamais non plus exposé son approche philosophique sous-jacente à l’art, le réalisme psychologique qui ne peut être déduit que de son œuvre survivante. Ainsi, sa réputation était doublement vulnérable aux travaux de démolition critiques effectués par deux de ses premiers biographes, Giovanni Baglione, un peintre rival animé d'une vendetta personnelle, et l'influent critique du XVIIe siècle Gian Pietro Bellori, qui ne l'avait pas connu mais était sous l'influence du premier Giovanni Battista Agucchi et de l'ami de Bellori Poussin, en préférant la tradition « classique-idéaliste » de l'école bolognaise dirigée par les Carracci. Baglione, son premier biographe, a joué un rôle considérable dans la création de la légende du caractère instable et violent du Caravage, ainsi que de son incapacité à dessiner. Dans les années 1920, le critique d'art Roberto Longhi remet le nom du Caravage au premier plan et l'inscrit dans la tradition européenne : « Ribera, Vermeer, La Tour et Rembrandt n'auraient jamais pu exister sans lui. Et l'art de Delacroix, Courbet et Manet aurait été complètement différent ». L'influent Bernard Berenson était d'accord : « À l'exception de Michel-Ange, aucun autre peintre italien n'a exercé une aussi grande influence. » Seulement environ 80 tableaux du Caravage ont survécu, mais certaines œuvres perdues ont été retrouvées de temps en temps. L'un, L'appel des saints Pierre et André, a été récemment authentifié et restauré ; il était entreposé à Hampton Court, étiqueté à tort comme une copie. Richard Francis Burton écrit à propos d'une "photo de Saint Rosario (dans le musée du grand-duc de Toscane), montrant un cercle de trente hommes turpiter ligati" dont on ne sait pas qu'elle ait survécu. La version rejetée de L'Inspiration de Saint Matthe
Michelangelo Merisi (Michael Angelo Merigi ou Amerighi) da Caravaggio (; 29 septembre 1571 – 18 juillet 1610) était un peintre italien actif à Rome, Naples, Malte et la Sicile entre 1592 (1595 ?) et 1610. Ses peintures, qui combinent un l'observation réaliste de l'état humain, à la fois physique et émotionnel, avec une utilisation dramatique de l'éclairage, a eu une influence formatrice sur la peinture baroque.
Le Caravage a suivi une formation de peintre à Milan auprès de Simone Peterzano, lui-même formé auprès de Titien. Dans la vingtaine, le Caravage s'installe à Rome où il y a une demande de peintures pour remplir les nombreuses et immenses nouvelles églises et palais en construction à l'époque. C’était aussi une période où l’Église cherchait une alternative stylistique au maniérisme dans l’art religieux, destinée à contrer la menace du protestantisme. L'innovation du Caravage était un naturalisme radical qui combinait une observation physique étroite avec une utilisation dramatique, voire théâtrale, du clair-obscur, connue sous le nom de ténébrisme (le passage de la lumière à l'obscurité avec peu de valeur intermédiaire).
Il se fait remarquer sur la scène artistique romaine en 1600 avec le succès de ses premières commandes publiques, le Martyre de saint Matthieu et la Vocation de saint Matthieu. Par la suite, il ne manquera jamais de commandes ni de mécènes, mais il gérera mal son succès. Il fut emprisonné à plusieurs reprises, vandalisa son propre appartement et fut finalement condamné à mort par le pape après avoir tué un jeune homme, peut-être involontairement, le 29 mai 1606.
Une ancienne notice publiée sur lui, datant de 1604 et décrivant son style de vie trois ans auparavant, raconte qu'« après une quinzaine de jours de travail, il se pavanera pendant un mois ou deux avec une épée au côté et un serviteur le suivant, d'une balle à l'autre ». cour à l’autre, toujours prêt à s’engager dans une bagarre ou une dispute, de sorte qu’il est très gênant de s’entendre avec lui. » En 1606, il tua un jeune homme dans une bagarre et s'enfuit de Rome avec la tête mise à prix. Il fut impliqué dans une bagarre à Malte en 1608 et dans une autre à Naples en 1609, peut-être une tentative délibérée d'assassinat par des ennemis non identifiés. Cette rencontre l'a laissé grièvement blessé. Un an plus tard, à l'âge de 38 ans, il mourut dans des circonstances mystérieuses à Porto Ercole en Toscane, apparemment des suites d'une fièvre alors qu'il se rendait à Rome pour obtenir une grâce.
Célèbre de son vivant, le Caravage fut oublié presque immédiatement après sa mort, et ce n'est qu'au XXe siècle que son importance dans le développement de l'art occidental fut redécouverte. Malgré cela, son influence sur le nouveau style baroque qui émergea finalement des ruines du maniérisme fut profonde. On peut le voir directement ou indirectement dans le travail de Rubens, Jusepe de Ribera, Bernini et Rembrandt, et les artistes de la génération suivante fortement sous son influence furent appelés les "Caravaggisti" ou "Caravagesques", ainsi que les ténébristes ou ténébrosi ( "les shadowistes"). L'historien de l'art du XXe siècle André Berne-Joffroy affirmait : « Ce qui commence dans l'œuvre du Caravage, c'est tout simplement la peinture moderne. »
Biographie
Première vie (1571-1592)
Le Caravage (Michelangelo Merisi ou Amerighi) est né à Milan où son père, Fermo (Fermo Merixio), était administrateur de maison et architecte-décorateur du marquis du Caravage, une ville non loin de la ville de Bergame. Sa mère, Lucia Aratori (Lutia de Oratoribus), était issue d'une famille possédante du même quartier. En 1576, la famille s'installe au Caravage (Caravage) pour échapper à une peste qui ravage Milan, et le père du Caravage y meurt en 1577. On suppose que l'artiste a grandi au Caravage, mais sa famille a maintenu des liens avec les Sforza et avec les puissants. Famille Colonna, alliée par mariage aux Sforza et destinée à jouer un rôle majeur plus tard dans la vie du Caravage.
La mère du Caravage meurt en 1584, l'année même où il commence son apprentissage de quatre ans auprès du peintre milanais Simone Peterzano, décrit dans le contrat d'apprentissage comme élève du Titien. Le Caravage semble être resté dans la région de Milan-Caravage après la fin de son apprentissage, mais il est possible qu'il ait visité Venise et vu les œuvres de Giorgione, que Federico Zuccari l'accusa plus tard d'avoir imité, et de Titien. Il se serait également familiarisé avec les trésors artistiques de Milan, notamment la Cène de Léonard de Vinci, et avec l'art régional lombard, un style qui valorisait la simplicité et l'attention portée aux détails naturalistes et était plus proche du naturalisme allemand que de la formalité stylisée. et la grandeur du maniérisme romain.
Rome (1592/95-1600)
Le Caravage quitte Milan pour Rome en 1592, en fuite après « certaines querelles » et la blessure d'un policier. Il arrive à Rome « ​​nu et extrêmement nécessiteux... sans adresse fixe et sans provisions... à court d'argent ». Quelques mois plus tard, il exécutait des travaux de bricolage pour le très célèbre Giuseppe Cesari, l'artiste préféré du pape Clément VIII, « peignant des fleurs et des fruits » dans son atelier aux allures d'usine. Les œuvres connues de cette période incluent un petit garçon épluchant un fruit (sa première peinture connue), un garçon avec un panier de fruits et le jeune Bacchus malade, soi-disant un autoportrait réalisé pendant la convalescence d'une grave maladie qui a mis fin à son emploi avec César. Tous trois démontrent la particularité physique qui fera la renommée du Caravage : les produits du panier de fruits ont été analysés par un professeur d'horticulture, qui a pu identifier des cultivars individuels jusqu'à "... une grande feuille de figuier avec un Lésion fongique importante de brûlure ressemblant à l'anthracnose (Glomerella cingulata)."
Le Caravage quitta Cesari, déterminé à tracer sa propre voie. Il noue alors des amitiés extrêmement importantes avec le peintre Prospero Orsi, l'architecte Onorio Longhi et l'artiste sicilien de seize ans Mario Minniti. Orsi, établi dans le métier, le présente à des collectionneurs influents ; Longhi, de manière plus sinistre, l'initia au monde des bagarres de rue romaines ; et Minniti servit de modèle et, des années plus tard, contribuera à aider le Caravage à réaliser d'importantes commandes en Sicile.
La Diseuse de bonne aventure, sa première composition à plus d'un personnage, montre Mario trompé par une gitane. Le thème était assez nouveau pour Rome et s’est avéré extrêmement influent au cours du siècle suivant et au-delà. Mais c'était une affaire d'avenir : à l'époque, Caravaggio la vendait pour pratiquement rien. The Cardsharps – qui montre un autre jeune naïf privilégié victime de fraudes aux cartes – est encore plus complexe psychologiquement et peut-être le premier véritable chef-d'œuvre du Caravage. Comme le Fortune Teller, il était extrêmement populaire et plus de 50 exemplaires ont survécu. Plus important encore, il a attiré le patronage du cardinal Francesco Maria del Monte, l'un des plus grands connaisseurs de Rome. Pour Del Monte et son riche cercle d'amateurs d'art, le Caravage a exécuté un certain nombre de pièces de chambre intimes – Les Musiciens, Le Joueur de luth, un Bacchus ivre, un Garçon allégorique mais réaliste mordu par un lézard – mettant en vedette Minniti et d'autres modèles adolescents.
Le réalisme revient avec les premières peintures du Caravage sur des thèmes religieux et l'émergence d'une spiritualité remarquable. La première d'entre elles était la Madeleine pénitente, représentant Marie-Madeleine au moment où elle s'est détournée de sa vie de courtisane et est assise en pleurs sur le sol, ses bijoux éparpillés autour d'elle. "Cela ne ressemblait pas du tout à une peinture religieuse... une jeune fille assise sur un tabouret bas en bois se séchant les cheveux... Où était le repentir... la souffrance... la promesse du salut ?"
C'était sobre, à la manière lombarde, et non histrionique à la manière romaine de l'époque. Elle fut suivie par d'autres dans le même style : sainte Catherine ; Marthe et Marie-Madeleine ; Judith décapitant Holopherne ; un sacrifice d'Isaac; un saint François d'Assise en extase ; et un Repos pendant la fuite en Égypte. Les œuvres, bien que vues par un cercle relativement limité, ont accru la renommée du Caravage auprès des connaisseurs et de ses confrères artistes. Mais une véritable réputation dépendait de commandes publiques, et pour celles-ci il fallait se tourner vers l'Église.
Le réalisme ou naturalisme intense pour lequel le Caravage est désormais célèbre était déjà évident. Il préférait peindre ses sujets tels que l'œil les voit, avec tous leurs défauts et défauts naturels plutôt que comme des créations idéalisées. Cela a permis une pleine démonstration des talents virtuoses du Caravage. Ce changement par rapport aux pratiques standard acceptées et à l'idéalisme classique de Michel-Ange était très controversé à l'époque. Non seulement son réalisme était une caractéristique remarquable de ses peintures de cette période, mais il se détournait des longues préparations traditionnelles de l'Italie centrale à l'époque. Au lieu de cela, il préférait la pratique vénitienne consistant à travailler à l’huile directement à partir du sujet – figures en demi-longueur et natures mortes. L'une des peintures caractéristiques du Caravage à cette époque qui donne une bonne démonstration de son talent virtuose était son œuvre La Cène à Emmaüs datant de c. 1600-1601.
"Peintre le plus célèbre de Rome" (1600-1606)
En 1599, probablement sous l'influence de Del Monte, le Caravage fut chargé de décorer la chapelle Contarelli de l'église de San Luigi dei Francesi. Les deux ouvrages composant la commande, le Martyre de saint Matthieu et la Vocation de saint Matthieu, livrés en 1600, firent immédiatement sensation. Le ténébrisme du Caravage (un clair-obscur accentué) apportait une dimension dramatique à ses sujets, tandis que son réalisme intensément observé apportait un nouveau niveau d'intensité émotionnelle. L'opinion parmi les pairs artistes du Caravage était polarisée. Certains l'ont dénoncé pour divers défauts perçus, notamment son insistance à peindre d'après nature, sans dessins, mais pour la plupart, il a été salué comme un grand visionnaire artistique : « Les peintres d'alors à Rome étaient très séduits par cette nouveauté, et les jeunes particulièrement rassemblés autour de lui, le louaient comme l'unique imitateur de la nature et considéraient son œuvre comme des miracles.
Le Caravage a ensuite obtenu une série de commandes prestigieuses d'œuvres religieuses mettant en scène des luttes violentes, des décapitations grotesques, la torture et la mort, la plus remarquable et la plus techniquement magistrale d'entre elles La Prise du Christ d'environ 1602 pour la famille Mattei, récemment redécouverte en Irlande après deux des siècles. Pour la plupart, chaque nouveau tableau augmentait sa renommée, mais quelques-uns furent rejetés par les différents organismes auxquels ils étaient destinés, du moins dans leurs formes originales, et durent être repeints ou trouver de nouveaux acheteurs. L'essence du problème était que, même si l'intensité dramatique du Caravage était appréciée, son réalisme était considéré par certains comme d'une vulgarité inacceptable.
Sa première version de Saint Matthieu et l'Ange, représentant le saint comme un paysan chauve aux jambes sales accompagné d'un garçon-ange légèrement vêtu et trop familier, a été rejetée et une deuxième version a dû être peinte comme L'Inspiration de Saint Matthieu. De même, La Conversion de saint Paul a été rejetée, et bien qu'une autre version du même sujet, la Conversion sur le chemin de Damas, ait été acceptée, elle mettait en évidence les hanches du cheval du saint bien plus que le saint lui-même, provoquant cet échange entre l'artiste. et un fonctionnaire exaspéré de Santa Maria del Popolo : "Pourquoi as-tu mis un cheval au milieu et Saint Paul à terre ?" "Parce que!" "Est-ce que le cheval est Dieu ?" "Non, mais il se tient dans la lumière de Dieu !"
D'autres œuvres comprenaient la Mise au Tombeau, la Madonna di Loreto (Madone des pèlerins), la Madone des palefreniers et la Mort de la Vierge. L'histoire de ces deux derniers tableaux illustre l'accueil réservé à certaines œuvres du Caravage et l'époque à laquelle il a vécu. La Madone des Mariés, également connue sous le nom de Madonna dei palafrenieri, peinte pour un petit autel de la basilique Saint-Pierre de Rome, n'y est restée que deux jours, puis a été enlevée. Le secrétaire d'un cardinal écrivait : « Dans ce tableau, il n'y a que vulgarité, sacrilège, impiété et dégoût... On dirait une œuvre faite par un peintre qui sait bien peindre, mais d'un esprit sombre, et qui est depuis longtemps beaucoup de temps loin de Dieu, de son adoration et de toute bonne pensée..."
La Mort de la Vierge, commandée en 1601 par un riche juriste pour sa chapelle privée dans la nouvelle église des Carmélites de Santa Maria della Scala, fut rejetée par les Carmélites en 1606. Giulio Mancini, contemporain du Caravage, rapporte qu'elle fut rejetée parce que Caravage avait a utilisé une prostituée connue comme modèle pour la Vierge.
Giovanni Baglione, un autre contemporain, nous dit que cela était dû aux jambes nues de Marie – une question de bienséance dans les deux cas. L'érudit du Caravage, John Gash, suggère que le problème des Carmélites était peut-être théologique plutôt qu'esthétique, dans la mesure où la version du Caravage ne parvient pas à affirmer la doctrine de l'Assomption de Marie, l'idée selon laquelle la Mère de Dieu n'est pas morte dans un sens ordinaire mais a été assumé au Ciel. Le retable de remplacement commandé (à l'un des disciples les plus compétents du Caravage, Carlo Saraceni), montrait la Vierge non pas morte, comme le Caravage l'avait peinte, mais assise et mourante ; et même cela fut rejeté et remplacé par une œuvre qui montrait la Vierge non pas mourant, mais montant au ciel avec des chœurs d'anges. En tout cas, le rejet ne signifiait pas que le Caravage ou ses peintures étaient en disgrâce. A peine sortie de l'église, la Mort de la Vierge fut achetée par le duc de Mantoue, sur les conseils de Rubens, puis acquise par Charles Ier d'Angleterre avant d'entrer dans la collection royale française en 1671.
Une œuvre profane de ces années est Amor Victorious, peinte en 1602 pour Vincenzo Giustiniani, membre du cercle de Del Monte. Le modèle a été nommé dans un mémoire du début du XVIIe siècle sous le nom de « Cecco », le diminutif de Francesco. Il s'agit peut-être de Francesco Boneri, identifié à un artiste actif dans la période 1610-1625 et connu sous le nom de Cecco del Caravaggio (« Cecco du Caravage »), portant un arc et des flèches et piétinant les symboles des arts et des sciences guerriers et pacifiques. Il est déshabillé et il est difficile d'accepter ce gamin souriant comme le dieu romain Cupidon – aussi difficile qu'il l'était d'accepter les autres adolescents à moitié vêtus du Caravage comme les différents anges qu'il a peints dans ses toiles, portant à peu près les mêmes ailes d'accessoires de scène. . Ce qui compte, cependant, c'est la réalité intense mais ambiguë de l'œuvre : il s'agit à la fois d'Amour et de Cecco, car les Vierges du Caravage étaient à la fois la Mère du Christ et les courtisanes romaines qui les modelaient.
Exil et mort (1606-1610)
Le Caravage a mené une vie tumultueuse. Il était connu pour ses bagarres, même à une époque et dans un lieu où de tels comportements étaient monnaie courante, et les transcriptions de ses casiers judiciaires et de son procès occupent plusieurs pages. Le 29 mai 1606, il tua, peut-être involontairement, un jeune homme nommé Ranuccio Tomassoni, de Terni (Ombrie). Les circonstances de la bagarre et de la mort de Ranuccio Tomassoni restent mystérieuses. Plusieurs avocats contemporains ont évoqué une querelle à propos d'une dette de jeu et d'une partie de tennis, et cette explication s'est établie dans l'imaginaire populaire. Mais des études récentes ont clairement montré que l’enjeu était bien plus important. De bons récits modernes se trouvent dans M de Peter Robb et Caravaggio: A Life d'Helen Langdon. Une théorie intéressante reliant la mort aux notions d'honneur et de blessure symbolique de la Renaissance a été avancée par l'historien de l'art Andrew Graham-Dixon. Auparavant, ses hauts patrons l'avaient protégé des conséquences de ses frasques, mais cette fois ils ne purent rien faire. Le Caravage, mis hors la loi, s'enfuit à Naples. Là, hors de la juridiction des autorités romaines et protégé par la famille Colonna, le peintre le plus célèbre de Rome devint le plus célèbre de Naples. Ses liens avec les Colonna ont conduit à un flux de commandes ecclésiastiques importantes, notamment la Madone du Rosaire et les Sept œuvres de miséricorde.
Malgré son succès à Naples, après seulement quelques mois dans la ville, Caravaggio partit pour Malte, le siège des Chevaliers de Malte, espérant probablement que le patronage d'Alof de Wignacourt, Grand Maître des Chevaliers, pourrait l'aider à obtenir le pardon de La mort de Tomassoni. De Wignacourt s'est montré tellement impressionné d'avoir le célèbre artiste comme peintre officiel de l'Ordre qu'il l'a intronisé chevalier, et le premier biographe Bellori rapporte que l'artiste était très satisfait de son succès. Les œuvres majeures de sa période maltaise comprennent une immense Décapitation de Saint Jean-Baptiste (le seul tableau sur lequel il a apposé sa signature) et un Portrait d'Alof de Wignacourt et de son page, ainsi que des portraits d'autres chevaliers de premier plan. Pourtant, fin août 1608, il fut arrêté et emprisonné. Les circonstances de ce brusque changement de fortune ont longtemps fait l'objet de spéculations, mais une enquête récente a révélé qu'il s'agissait du résultat d'une énième bagarre, au cours de laquelle la porte d'une maison a été enfoncée et un chevalier grièvement blessé. Il fut emprisonné par les chevaliers et réussit à s'échapper. En décembre, il avait été expulsé de l'Ordre « en tant que membre immonde et pourri ».
Un tableau, provisoirement daté entre 1600 et 1610, et considéré par certains experts comme étant la deuxième version du Caravage de Judith décapitant Holopherne, a été découvert dans un grenier à Toulouse en 2014. Le gouvernement français a interdit l'exportation du tableau pendant que des tests étaient effectués. pour établir sa provenance.
Le Caravage se rendit en Sicile où il rencontra son vieil ami Mario Minniti, désormais marié et vivant à Syracuse. Ensemble, ils entreprennent ce qui équivaut à un voyage triomphal de Syracuse à Messine et, peut-être, jusqu'à la capitale de l'île, Palerme. À Syracuse et à Messine, le Caravage continue de remporter des commandes prestigieuses et bien rémunérées. Parmi les autres œuvres de cette période figurent l'Enterrement de Sainte Lucie, La Résurrection de Lazare et l'Adoration des bergers. Son style continue d'évoluer, montrant désormais des frises de personnages isolés sur de vastes fonds vides. "Ses grands retables siciliens isolent leurs figures sombres et pitoyablement pauvres dans de vastes zones d'obscurité; ils suggèrent les peurs désespérées et la fragilité de l'homme et transmettent en même temps, avec une tendresse nouvelle mais désolée, la beauté de l'humilité et de la douceur. , qui héritera de la terre. Les rapports contemporains décrivent un homme dont le comportement devenait de plus en plus bizarre, dormant entièrement armé et vêtu de ses vêtements, déchirant un tableau au moindre mot de critique, se moquant des peintres locaux.
Le Caravage a affiché un comportement bizarre dès le début de sa carrière. Mancini le décrit comme "extrêmement fou", une lettre de Del Monte note son étrangeté, et le biographe de Mario Minniti de 1724 dit que Mario a quitté le Caravage à cause de son comportement. L'étrangeté semble avoir augmenté après Malte. Le vite de' pittori Messinesi de Susinno, du début du XVIIIe siècle, "Vies des peintres de Messine", fournit plusieurs anecdotes colorées sur le comportement erratique du Caravage en Sicile, et celles-ci sont reproduites dans des biographies modernes complètes telles que Langdon et Robb. Bellori parle de la « peur » du Caravage qui le conduisit de ville en ville à travers l'île et finalement, « sentant qu'il n'était plus en sécurité de rester », à Naples. Baglione dit que Caravage était « pourchassé par son ennemi », mais comme Bellori ne dit pas qui était cet ennemi.
Après seulement neuf mois en Sicile, le Caravage retourne à Naples. Selon son premier biographe, il était poursuivi par des ennemis alors qu'il était en Sicile et pensait qu'il était plus sûr de se placer sous la protection des Colonna jusqu'à ce qu'il puisse obtenir sa grâce du pape (aujourd'hui Paul V) et retourner à Rome. À Naples, il peint Le Reniement de saint Pierre, un dernier Jean-Baptiste (Borghèse) et son dernier tableau, Le Martyre de sainte Ursule. Son style continue d'évoluer : Sainte Ursule est prise dans un moment d'action et de drame le plus élevé, alors que la flèche tirée par le roi des Huns la frappe à la poitrine, contrairement aux peintures antérieures qui avaient toute l'immobilité des modèles posés. Le travail au pinceau était beaucoup plus libre et impressionniste.
A Naples, une tentative d'assassinat a été commise contre lui par des inconnus. Au début, on a appris à Rome que le « célèbre artiste » Caravage était mort, mais on a ensuite appris qu'il était vivant, mais gravement défiguré au visage. Il peint une Salomé avec la tête de Jean-Baptiste (Madrid), montrant sa propre tête sur un plateau, et l'envoie à de Wignacourt pour demander pardon. Peut-être à cette époque a-t-il peint aussi un David avec la tête de Goliath, montrant le jeune David avec une expression étrangement triste regardant la tête coupée du géant, qui est encore celle du Caravage. Il a peut-être envoyé ce tableau à son mécène, le cardinal Scipione Borghese, amateur d'art et sans scrupules, neveu du pape, qui avait le pouvoir d'accorder ou de refuser des grâces.
À l'été 1610, il prit un bateau vers le nord pour obtenir la grâce qui semblait imminente grâce à ses puissants amis romains. Avec lui se trouvaient trois derniers tableaux, cadeaux pour le cardinal Scipione. Ce qui s’est passé ensuite fait l’objet de beaucoup de confusion et de conjectures. Les faits sont que le 28 juillet, un avviso anonyme (newsletter privé) de Rome adressé à la cour ducale d'Urbino a rapporté que le Caravage était mort. Trois jours plus tard, un autre avviso racontait qu'il était mort de fièvre alors qu'il se rendait de Naples à Rome. Un ami poète de l'artiste a ensuite donné le 18 juillet comme date du décès, et un chercheur récent affirme avoir découvert un avis de décès montrant que l'artiste est mort ce jour-là d'une fièvre à Porto Ercole, près de Grosseto en Toscane. Les restes humains découverts dans une église de Porto Ercole en 2010 appartiendraient presque certainement au Caravage. Les résultats font suite à une enquête d’un an utilisant l’ADN, la datation au carbone et d’autres analyses.
Certains chercheurs affirment que le Caravage a été assassiné par les mêmes « ennemis » qui le poursuivaient depuis qu'il avait fui Malte, peut-être Wignacourt et/ou des factions de l'Ordre de Saint-Jean. Le Caravage serait peut-être mort d'un empoisonnement au plomb. Des ossements contenant des niveaux élevés de plomb ont été récemment découverts dans une tombe susceptible d'être celle du Caravage. Les peintures utilisées à l’époque contenaient de grandes quantités de sels de plomb. Le Caravage est connu pour s'être livré à un comportement violent, provoqué par un empoisonnement au plomb.
Sexualité
Le Caravage ne s'est jamais marié et n'a pas eu d'enfants connus, et Howard Hibbard note l'absence de figures féminines érotiques dans l'œuvre de l'artiste : « Dans toute sa carrière, il n'a pas peint un seul nu féminin. » D'un autre côté, les meubles de cabinet de la période Del Monte regorgent de « garçons langoureux et aux lèvres charnues... qui semblent solliciter le spectateur avec leurs offres de fruits, de vin, de fleurs - et eux-mêmes ». Néanmoins, un lien avec une certaine Lena est mentionné dans une déposition judiciaire de Pasqualone en 1605, où elle est décrite comme « la fille de Michel-Ange ». Selon G.B. Passeri, cette « Lena » était le modèle du Caravage pour la Madone de Lorette. Selon Catherine Puglisi, « Lena » était peut-être la même que la courtisane Maddalena di Paolo Antognetti, qui a désigné le Caravage comme un ami intime par son propre témoignage en 1604. Le Caravage entretenait également probablement des relations étroites avec d'autres « putains et courtisanes » telles que Fillide. Melandroni, dont il a peint un portrait.
Depuis les années 1970, les spécialistes de l'art et les historiens débattent des inférences homoérotiques dans les œuvres du Caravage. Le modèle de « Amor vincit omnia » est connu sous le nom de Cecco di Caravaggio. Cecco est resté avec lui même après qu'il ait été obligé de quitter Rome en 1606, et les deux étaient peut-être amants.
Outre les peintures, des preuves proviennent également du procès en diffamation intenté contre le Caravage par Giovanni Baglione en 1603. Baglione accusait le Caravage et ses amis d'avoir écrit et distribué des insultes calomnieuses l'attaquant ; les brochures, selon l'ami et témoin de Baglione, Mao Salini, avaient été distribuées par un certain Giovanni Battista, un bardassa, ou garçon prostitué, partagé par Caravaggio et son ami Onorio Longhi. Le Caravage a nié connaître un jeune garçon de ce nom et l'allégation n'a pas été suivie d'effet. La peinture de Baglione « Amour Divin » a également été considérée comme une accusation visuelle de sodomie contre le Caravage. De telles accusations étaient préjudiciables et dangereuses car la sodomie était à l’époque un crime capital. Même s'il est peu probable que les autorités enquêtent sur une personne aussi bien connectée que Caravage : "Une fois qu'un artiste a été diffamé comme pédéraste, son œuvre a également été diffamée." Francesco Susinoo, dans sa biographie ultérieure, raconte comment l'artiste a été pourchassé par un maître d'école en Sicile pour avoir passé trop de temps à regarder les garçons dont il avait la garde. Susino le présente comme un malentendu, mais le Caravage cherchait peut-être en effet un réconfort sexuel ; et l'incident pourrait expliquer l'une de ses peintures les plus homoérotiques : sa dernière représentation de saint Jean-Baptiste.
L’historien de l’art Andrew Graham-Dixon a résumé le débat :
On a beaucoup parlé de l'homosexualité présumée du Caravage, qui a été présentée dans plus d'un récit de sa vie comme la clé unique qui explique tout, à la fois la puissance de son art et les malheurs de sa vie. Il n’existe aucune preuve absolue, seulement de solides preuves circonstancielles et de nombreuses rumeurs. La prépondérance des probabilités suggère que le Caravage a effectivement eu des relations sexuelles avec des hommes. Mais il avait certainement des amantes. Tout au long des années qu'il passa à Rome, il resta en étroite compagnie avec un certain nombre de prostituées. La vérité est que Caravage était aussi inquiet dans ses relations que dans la plupart des autres aspects de la vie. Il a probablement couché avec des hommes. Il a couché avec des femmes. Il ne s'est installé avec personne... [mais] l'idée qu'il a été l'un des premiers martyrs des pulsions d'une sexualité non conventionnelle est une fiction anachronique.
En tant qu'artiste
La naissance du baroque
Le Caravage "a mis l'oscuro (ombres) en clair-obscur". Le clair-obscur était pratiqué bien avant son entrée en scène, mais c'est le Caravage qui a fait de cette technique un élément stylistique dominant, assombrissant les ombres et transperçant le sujet dans un rayon de lumière aveuglant. Avec cela vint l'observation aiguë de la réalité physique et psychologique qui constitua le fondement à la fois de son immense popularité et de ses fréquents problèmes avec ses commissions religieuses. Il travaille à grande vitesse, à partir de modèles vivants, marquant des repères de base directement sur la toile avec le bout du manche du pinceau ; très peu de dessins du Caravage semblent avoir survécu et il est probable qu'il préférait travailler directement sur la toile. Cette approche était un anathème pour les artistes talentueux de son époque, qui dénonçaient son refus de travailler à partir de dessins et d'idéaliser ses figures. Pourtant, les modèles étaient à la base de son réalisme. Certains ont été identifiés, dont Mario Minniti et Francesco Boneri, tous deux collègues artistes, Mario apparaissant comme diverses figures dans les premières œuvres profanes, le jeune Francesco comme une succession d'anges, de baptistes et de David dans les toiles ultérieures. Ses modèles féminins incluent Fillide Melandroni, Anna Bianchini et Maddalena Antognetti (la « Lena » mentionnée dans les documents judiciaires de l'affaire « artichaut » comme la concubine du Caravage), toutes des prostituées bien connues, qui apparaissent comme des figures religieuses féminines, dont la Vierge et diverses saints. Le Caravage lui-même apparaît dans plusieurs tableaux, son dernier autoportrait étant le témoin à l'extrême droite du martyre de Sainte Ursule.
Le Caravage avait une capacité remarquable à exprimer dans une scène d'une vivacité inégalée le passage d'un moment crucial. La Cène d'Emmaüs représente la reconnaissance du Christ par ses disciples : un instant avant, il est un compagnon de voyage, pleurant la disparition du Messie, comme il ne cesse de l'être aux yeux de l'aubergiste, l'instant d'après, il est le Sauveur. . Dans La Vocation de saint Matthieu, la main du Saint se désigne comme s'il disait "qui, moi ?", tandis que ses yeux, fixés sur la figure du Christ, ont déjà dit : "Oui, je te suivrai". . Avec La Résurrection de Lazare, il va encore plus loin en nous donnant un aperçu du processus physique réel de la résurrection. Le corps de Lazare est toujours en proie à la rigidité cadavérique, mais sa main, face et reconnaissant celle du Christ, est vivante. D'autres grands artistes baroques suivront le même chemin, par exemple le Bernin, fasciné par les thèmes des Métamorphoses d'Ovide.
Les Caravagesques
L'installation des peintures de Saint Matthieu dans la chapelle Contarelli a eu un impact immédiat parmi les jeunes artistes de Rome, et le caravagisme est devenu la pointe de tout jeune peintre ambitieux. Les premiers Caravagestes comprenaient Orazio Gentileschi et Giovanni Baglione. La phase Caravage de Baglione fut de courte durée ; Le Caravage l'accusa plus tard de plagiat et les deux furent impliqués dans une longue querelle. Baglione a ensuite écrit la première biographie du Caravage. Dans la génération suivante des Caravagesti, il y avait Carlo Saraceni, Bartolomeo Manfredi et Orazio Borgianni. Gentileschi, bien qu'étant considérablement plus âgé, fut le seul de ces artistes à vivre bien au-delà de 1620 et finit comme peintre de la cour de Charles Ier d'Angleterre. Sa fille Artemisia Gentileschi était également proche du Caravage et l'une des plus douées du mouvement. Pourtant, à Rome et en Italie, ce n'est pas le Caravage, mais l'influence d'Annibale Carracci, mêlant des éléments de la Haute Renaissance et du réalisme lombard, qui a finalement triomphé.
Le bref séjour du Caravage à Naples a donné naissance à une école notable de caravagesques napolitains, dont Battistello Caracciolo et Carlo Sellitto. Le mouvement caravagesque s'est terminé par une terrible épidémie de peste en 1656, mais les liens avec l'Espagne – Naples était une possession de l'Espagne – ont joué un rôle déterminant dans la formation de l'importante branche espagnole de son influence.
Un groupe d'artistes catholiques d'Utrecht, les « Caravagesti d'Utrecht », se sont rendus à Rome en tant qu'étudiants dans les premières années du XVIIe siècle et ont été profondément influencés par l'œuvre du Caravage, comme le décrit Bellori. À leur retour dans le nord, cette tendance connut une floraison éphémère mais influente dans les années 1620 parmi des peintres comme Hendrick ter Brugghen, Gerrit van Honthorst, Andries Both et Dirck van Baburen. Dans la génération suivante, les effets du Caravage, bien qu'atténués, se retrouvent dans l'œuvre de Rubens (qui acheta un de ses tableaux pour Gonzaga de Mantoue et peignit une copie de la Mise au Tombeau du Christ), Vermeer, Rembrandt et Velázquez. , dont le dernier a probablement vu son œuvre lors de ses différents séjours en Italie.
Mort et renaissance d'une réputation
Les innovations du Caravage ont inspiré le baroque, mais le baroque a pris le drame de son clair-obscur sans le réalisme psychologique. S'il a influencé directement le style des artistes mentionnés ci-dessus et, de loin, les Français Georges de La Tour et Simon Vouet et l'Espagnol Giuseppe Ribera, ses œuvres ont été attribuées en quelques décennies à des artistes moins scandaleux, ou simplement négligé. Le baroque, auquel il a tant contribué, a évolué et les modes ont changé, mais peut-être plus pertinent encore, le Caravage n'a jamais créé d'atelier comme le faisaient les Carrache et n'a donc pas eu d'école pour diffuser ses techniques. Il n’a jamais non plus exposé son approche philosophique sous-jacente à l’art, le réalisme psychologique qui ne peut être déduit que de son œuvre survivante.
Ainsi, sa réputation était doublement vulnérable aux travaux de démolition critiques effectués par deux de ses premiers biographes, Giovanni Baglione, un peintre rival animé d'une vendetta personnelle, et l'influent critique du XVIIe siècle Gian Pietro Bellori, qui ne l'avait pas connu mais était sous l'influence du premier Giovanni Battista Agucchi et de l'ami de Bellori Poussin, en préférant la tradition « classique-idéaliste » de l'école bolognaise dirigée par les Carracci. Baglione, son premier biographe, a joué un rôle considérable dans la création de la légende du caractère instable et violent du Caravage, ainsi que de son incapacité à dessiner.
Dans les années 1920, le critique d'art Roberto Longhi remet le nom du Caravage au premier plan et l'inscrit dans la tradition européenne : « Ribera, Vermeer, La Tour et Rembrandt n'auraient jamais pu exister sans lui. Et l'art de Delacroix, Courbet et Manet aurait été complètement différent ». L'influent Bernard Berenson était d'accord : « À l'exception de Michel-Ange, aucun autre peintre italien n'a exercé une aussi grande influence. »
Œuvre
Seulement environ 80 tableaux du Caravage ont survécu, mais certaines œuvres perdues ont été retrouvées de temps en temps. L'un, L'appel des saints Pierre et André, a été récemment authentifié et restauré ; il était entreposé à Hampton Court, étiqueté à tort comme une copie. Richard Francis Burton écrit à propos d'une "photo de Saint Rosario (dans le musée du grand-duc de Toscane), montrant un cercle de trente hommes turpiter ligati" dont on ne sait pas qu'elle ait survécu. La version rejetée de L'Inspiration de Saint Matthe