"Quel constructeur automobile, en 1986, a commandé à Andy Warhol ""Cars"", une série d'œuvres d'art retraçant l'évolution de ses créations ?"
Mercedes-Benz
Au moment de sa mort, Warhol travaillait sur Cars, une série de peintures pour Mercedes-Benz.
Andy Warhol (né Andrew Warhola le 6 août 1928 et mort le 22 février 1987) était un artiste américain qui était une figure de proue du mouvement des arts visuels connu sous le nom de pop art. Ses œuvres explorent la relation entre l'expression artistique, la culture des célébrités et la publicité qui a prospéré dans les années 1960.
Après une carrière réussie d’illustrateur commercial, Warhol est devenu un artiste renommé et parfois controversé. Son art utilisait de nombreux types de médias, notamment le dessin à la main, la peinture, la gravure, la photographie, la sérigraphie, la sculpture, le cinéma et la musique. Son studio, The Factory, était un lieu de rassemblement bien connu qui rassemblait des intellectuels distingués, des drag queens, des dramaturges, des gens de la rue bohème, des célébrités hollywoodiennes et de riches mécènes. Il a dirigé et produit The Velvet Underground, un groupe de rock qui a eu une forte influence sur l'évolution de la musique punk rock. Il a fondé le magazine Interview et est l'auteur de nombreux livres, dont The Philosophy of Andy Warhol et Popism: The Warhol Sixties. Il est également remarquable en tant qu'homosexuel qui a vécu ouvertement comme tel avant le mouvement de libération gay, et on lui attribue l'invention de l'expression largement utilisée « 15 minutes de gloire ».
Warhol a fait l'objet de nombreuses expositions rétrospectives, de livres et de longs métrages et documentaires. Le musée Andy Warhol, situé dans sa ville natale, Pittsburgh, en Pennsylvanie, qui abrite une vaste collection permanente d'art et d'archives, est le plus grand musée des États-Unis consacré à un seul artiste. Beaucoup de ses créations sont des objets de collection et de grande valeur. Le prix le plus élevé jamais payé pour un tableau de Warhol est de 105 millions de dollars pour une toile de 1963 intitulée "Silver Car Crash (Double Disaster)" ; ses œuvres comprennent certaines des peintures les plus chères jamais vendues. Un article de 2009 dans The Economist décrivait Warhol comme le « baromètre du marché de l'art ».
Première vie et débuts (1928-1949)
Warhol est né le 6 août 1928 à Pittsburgh, en Pennsylvanie. Il était le quatrième enfant d'Ondrej Warhola (américanisé sous le nom d'Andrew Warhola, Sr., 1889-1942) et de Julia (née Zavacká, 1892-1972), dont le premier enfant est né dans leur pays d'origine et est décédé avant leur déménagement aux États-Unis.
Ses parents étaient des émigrants Lemko de la classe ouvrière de Mikó (maintenant appelé Miková), situé dans l'actuel nord-est de la Slovaquie, qui fait partie de l'ancien empire austro-hongrois. Le père de Warhol a émigré aux États-Unis en 1914 et sa mère l'a rejoint en 1921, après la mort des grands-parents de Warhol. Le père de Warhol travaillait dans une mine de charbon. La famille vivait au 55 Beelen Street et plus tard au 3252 Dawson Street dans le quartier d'Oakland à Pittsburgh. La famille était catholique byzantine et fréquentait l'église catholique byzantine Saint-Jean Chrysostome. Andy Warhol avait deux frères aînés : Pavol (Paul), l'aîné, est né avant l'émigré de la famille ; Jan est né à Pittsburgh. Le fils de Pavol, James Warhola, est devenu un illustrateur de livres pour enfants à succès.
En troisième année, Warhol souffrait de la chorée de Sydenham (également connue sous le nom de Danse de Saint-Guy), une maladie du système nerveux qui provoque des mouvements involontaires des extrémités, qui serait une complication de la scarlatine qui provoque des taches pigmentaires sur la peau. Il est devenu hypocondriaque, développant une peur des hôpitaux et des médecins. Souvent cloué au lit lorsqu'il était enfant, il est devenu un paria à l'école et a noué des liens avec sa mère. Parfois, lorsqu'il était alité, il dessinait, écoutait la radio et collectionnait des photos de stars de cinéma autour de son lit. Warhol a décrit plus tard cette période comme étant très importante dans le développement de sa personnalité, de ses compétences et de ses préférences. Quand Warhol avait 13 ans, son père est mort dans un accident.
Adolescent, Warhol est diplômé du lycée Schenley en 1945. Après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires, ses intentions étaient d'étudier l'éducation artistique à l'Université de Pittsburgh dans l'espoir de devenir professeur d'art, mais ses projets ont changé et il s'est inscrit au Carnegie High School. Institute of Technology de Pittsburgh, où il a étudié l'art commercial. Pendant son séjour là-bas, Warhol a rejoint le Modern Dance Club et la Beaux Arts Society du campus. Il a également été directeur artistique du magazine d'art étudiant Cano, illustrant une couverture en 1948 et une illustration intérieure pleine page en 1949. On pense que ce sont ses deux premières œuvres publiées. Warhol a obtenu un baccalauréat en beaux-arts en design pictural en 1949. Plus tard cette année-là, il a déménagé à New York et a commencé une carrière dans l'illustration et la publicité de magazines.
Carrière
années 1950
Au cours des années 1950, Warhol est devenu célèbre grâce à ses dessins fantaisistes à l’encre représentant des publicités pour des chaussures. Celles-ci ont été réalisées dans un style libre à l'encre tachée et figuraient dans certaines de ses premières expositions à la Bodley Gallery de New York. Avec l'expansion rapide de l'industrie du disque et l'introduction du disque vinyle, de la Hi-Fi et des enregistrements stéréophoniques, RCA Records a embauché Warhol, avec un autre artiste indépendant, Sid Maurer, pour concevoir des pochettes d'album et du matériel promotionnel.
Warhol a été l’un des premiers à adopter le processus de sérigraphie comme technique de réalisation de peintures. Ses premières sérigraphies en peinture impliquaient des images dessinées à la main, bien que cela ait rapidement progressé vers l'utilisation de sérigraphies d'origine photographique dans les peintures. Avant d'entrer dans le domaine des beaux-arts, la formation en art commercial de Warhol impliquait également des techniques innovantes de création d'images qui étaient quelque peu liées aux techniques de gravure. Lors du rendu d'objets commerciaux destinés à la publicité, Warhol a mis au point une technique qui aboutissait à une image caractéristique. Ses images utilisées dans la publicité étaient souvent exécutées en appliquant de l'encre sur du papier, puis en épongeant l'encre encore humide. Cela s’apparentait à un processus de gravure à l’échelle la plus rudimentaire.
Le travail de Warhol, à la fois en tant qu'artiste commercial et plus tard en tant qu'artiste artistique, présente une approche décontractée de la création d'images, dans laquelle le hasard joue un rôle et les erreurs et les marques involontaires sont tolérées. L'imagerie qui en résulte, tant dans l'art commercial de Warhol que plus tard dans ses projets artistiques, est souvent remplie d'imperfection : des taches et des taches peuvent souvent être trouvées. Dans son livre POPism, Warhol écrit : « Lorsque vous faites quelque chose de complètement faux, vous obtenez toujours quelque chose. »
années 1960
Il commence à exposer son travail dans les années 1950. Il a tenu des expositions à la Hugo Gallery et à la Bodley Gallery de New York ; en Californie, sa première exposition dans une galerie de la côte ouest eut lieu le 9 juillet 1962 à la Ferus Gallery de Los Angeles. L'exposition a marqué ses débuts dans le pop art sur la côte ouest.
La première exposition personnelle d'Andy Warhol à New York sur le pop art a eu lieu à la Stable Gallery d'Eleanor Ward du 6 au 24 novembre 1962. L'exposition comprenait les œuvres Marilyn Diptych, 100 Soup Cans, 100 Coke Bottles et 100 Dollar Bills. Lors de l'exposition de la Stable Gallery, l'artiste rencontre pour la première fois le poète John Giorno, qui jouera dans le premier film de Warhol, Sleep, en 1963.
C'est dans les années 1960 que Warhol commence à peindre des objets américains emblématiques tels que des billets d'un dollar, des nuages ​​​​de champignons, des chaises électriques, des boîtes de soupe Campbell's, des bouteilles de Coca-Cola, des célébrités telles que Marilyn Monroe, Elvis Presley, Marlon Brando, Troy Donahue, Muhammad Ali et Elizabeth Taylor, ainsi que des titres de journaux ou des photographies de chiens policiers attaquant des manifestants pour les droits civiques. Durant ces années, il fonde son studio « The Factory » et rassemble autour de lui un large éventail d'artistes, d'écrivains, de musiciens et de célébrités underground. Son travail est devenu populaire et controversé. Warhol avait ceci à dire à propos de Coca-Cola :
Le Musée d'Art Moderne de New York a organisé un symposium sur le pop art en décembre 1962, au cours duquel des artistes tels que Warhol ont été attaqués pour avoir « capitulé » devant le consumérisme. Les critiques ont été scandalisées par l'adhésion ouverte de Warhol à la culture de marché. Ce symposium a donné le ton de la réception de Warhol. Tout au long de la décennie, il est devenu de plus en plus clair qu’il y avait eu un changement profond dans la culture du monde de l’art et que Warhol était au centre de ce changement.
L'exposition de 1964 The American Supermarket, organisée dans la galerie Upper East Side de Paul Bianchini, a été un événement crucial. Le spectacle était présenté comme un environnement typique d'un petit supermarché américain, sauf que tout ce qu'il contenait – des produits, des conserves, de la viande, des affiches sur les murs, etc. – était créé par six artistes pop éminents de l'époque, parmi lesquels le controversé (et partageant les mêmes idées) Billy Apple, Mary Inman et Robert Watts. La peinture de Warhol représentant une boîte de soupe Campbell's a coûté 1 500 $, tandis que chaque boîte dédicacée s'est vendue 6 $. L'exposition a été l'un des premiers événements de masse qui a directement confronté le grand public à la fois au pop art et à l'éternelle question de ce qu'est l'art.
En tant qu'illustrateur publicitaire dans les années 1950, Warhol faisait appel à des assistants pour augmenter sa productivité. La collaboration restera un aspect déterminant (et controversé) de ses méthodes de travail tout au long de sa carrière ; c'était particulièrement vrai dans les années 1960. L'un des collaborateurs les plus importants de cette période fut Gérard Malanga. Malanga a aidé l'artiste dans la production de sérigraphies, de films, de sculptures et d'autres œuvres à "The Factory", le studio de Warhol recouvert de papier d'aluminium et de peinture argentée sur la 47e rue (déménagé plus tard à Broadway). Parmi les autres membres de Warhol's Factory figuraient Freddie Herko, Ondine, Ronald Tavel, Mary Woronov, Billy Name et Brigid Berlin (dont il aurait apparemment eu l'idée d'enregistrer ses conversations téléphoniques).
Au cours des années 1960, Warhol a également formé une suite d'excentriques bohèmes et contre-culturels à qui il a accordé le titre de « Superstars », notamment Nico, Joe Dallesandro, Edie Sedgwick, Viva, Ultra Violet, Holly Woodlawn, Jackie Curtis et Candy Darling. Ces personnes ont toutes participé aux films Factory et certains, comme Berlin, sont restés amis avec Warhol jusqu'à sa mort. Des personnalités importantes du monde de l'art et du cinéma underground new-yorkais, telles que l'écrivain John Giorno et le cinéaste Jack Smith, apparaissent également dans les films de Warhol des années 1960, révélant les liens de Warhol avec un large éventail de scènes artistiques de cette époque. Moins connu est son soutien et sa collaboration avec plusieurs adolescents de cette époque, qui deviendront célèbres plus tard dans leur vie, notamment l'écrivain David Dalton, le photographe Stephen Shore et l'artiste Bibbe Hansen (mère du musicien pop Beck).
Tentative de meurtre (1968)
Le 3 juin 1968, l'écrivaine féministe radicale Valérie Solanas a abattu Warhol et Mario Amaya, critique d'art et conservateur, dans l'atelier de Warhol. Avant le tournage, Solanas était une figure marginale de la scène Factory. Elle est l'auteur en 1967 du S.C.U.M. Manifeste, un tract féministe séparatiste qui prônait l'élimination des hommes ; et est apparu dans le film de Warhol de 1968, I, a Man. Plus tôt le jour de l'attaque, Solanas avait été refoulée de l'usine après avoir demandé la restitution d'un scénario qu'elle avait donné à Warhol. Le scénario avait apparemment été égaré.
Amaya n'a été que légèrement blessée et est sortie de l'hôpital plus tard le même jour. Warhol a été grièvement blessé par l'attaque et a à peine survécu : les chirurgiens ont ouvert sa poitrine et massé son cœur pour l'aider à stimuler à nouveau ses mouvements. Il a subi des séquelles physiques pour le reste de sa vie, notamment le port d'un corset chirurgical. La fusillade a eu un effet profond sur la vie et l'art de Warhol.
Solanas a été arrêtée le lendemain de l'agression, après s'être livrée à la police. En guise d'explication, elle a déclaré que Warhol "avait trop de contrôle sur ma vie". Elle a ensuite reçu un diagnostic de schizophrénie paranoïde et a finalement été condamnée à trois ans sous le contrôle du Département des services correctionnels. Après le tournage, la scène Factory a considérablement renforcé la sécurité et, pour beaucoup, les « Factory 60s » ont pris fin.
Warhol a déclaré ceci à propos de l'attaque : « Avant d'être abattu, j'ai toujours pensé que j'étais plus à moitié là que tout là - j'ai toujours soupçonné que je regardais la télévision au lieu de vivre ma vie. Les gens disent parfois que la façon dont les choses se passent ce qui se passe dans les films est irréel, mais en réalité, c'est la façon dont les choses se produisent dans la vie qui est irréelle. Les films rendent les émotions si fortes et réelles, alors que quand les choses vous arrivent réellement, c'est comme regarder la télévision : vous ne ressentez rien de bien. quand on m'a tiré dessus et depuis, je savais que je regardais la télévision. Les chaînes changent, mais c'est uniquement la télévision.
années 1970
Comparées au succès et au scandale de l'œuvre de Warhol dans les années 1960, les années 1970 ont été une décennie beaucoup plus calme, car il est devenu plus entrepreneurial. Selon Bob Colacello, Warhol a consacré une grande partie de son temps à recruter de nouveaux et riches mécènes pour des commandes de portraits, notamment le Shah d'Iran Mohammad Reza Pahlavi, son épouse l'impératrice Farah Pahlavi, sa sœur la princesse Ashraf Pahlavi, Mick Jagger, Liza Minnelli, John Lennon. , Diana Ross et Brigitte Bardot. Le célèbre portrait de Warhol du dirigeant communiste chinois Mao Zedong a été créé en 1973. Il a également fondé, avec Gerard Malanga, le magazine Interview et publié La Philosophie d'Andy Warhol (1975). Une idée exprimée dans le livre : « Gagner de l'argent est un art, travailler est un art et faire de bonnes affaires est le meilleur art ».
Warhol avait l'habitude de socialiser dans diverses boîtes de nuit de New York, notamment Max's Kansas City ; et, plus tard dans les années 1970, Studio 54. Il était généralement considéré comme un observateur calme, timide et méticuleux. Le critique d'art Robert Hughes l'a surnommé « la taupe blanche d'Union Square ».
Avec son ami de longue date Stuart Pivar, Warhol fonde la New York Academy of Art en 1979.
années 1980
Warhol a connu une réémergence du succès critique et financier dans les années 1980, en partie grâce à son affiliation et à ses amitiés avec un certain nombre de jeunes artistes prolifiques, qui dominaient le « marché haussier » de l'art new-yorkais des années 1980 : Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, David Salle et d'autres soi-disant néo-expressionnistes, ainsi que des membres du mouvement transavant-gardiste en Europe, dont Francesco Clemente et Enzo Cucchi.
À cette époque, Warhol était critiqué pour être devenu simplement un « artiste commercial ». En 1979, les critiques n'aimaient pas ses expositions de portraits de personnalités et de célébrités des années 1970, les qualifiant de superficielles, faciles et commerciales, sans profondeur ni indication de la signification des sujets. Ils ont également critiqué son exposition de 1980 de 10 portraits au Musée juif de Manhattan, intitulée Génies juifs, que Warhol – qui ne s'intéressait pas au judaïsme et aux juifs – avait décrit dans son journal comme « Ils vont vendre ». Avec le recul, cependant, certains critiques en sont venus à considérer la superficialité et le caractère commercial de Warhol comme « le miroir le plus brillant de notre époque », affirmant que « Warhol avait capturé quelque chose d'irrésistible dans l'air du temps de la culture américaine des années 1970 ».
Warhol appréciait également le glamour intense d’Hollywood. Il a dit un jour : "J'aime Los Angeles. J'aime Hollywood. Ils sont si beaux. Tout est en plastique, mais j'aime le plastique. Je veux être en plastique."
La mort
Warhol est décédé à Manhattan, à 6 h 32, le 22 février 1987. Selon les médias, il se remettait bien d'une opération de routine de la vésicule biliaire à l'hôpital de New York avant de mourir dans son sommeil d'une soudaine arythmie cardiaque postopératoire. . Avant son diagnostic et son opération, Warhol avait retardé la vérification de ses problèmes récurrents de vésicule biliaire, car il avait peur d'entrer dans les hôpitaux et de consulter des médecins. Sa famille a poursuivi l'hôpital en justice pour soins inadéquats, affirmant que l'arythmie était causée par des soins inappropriés et une intoxication par l'eau. L'affaire de faute professionnelle a été rapidement réglée à l'amiable ; La famille de Warhol a reçu une somme d'argent non divulguée.
Le corps de Warhol a été ramené à Pittsburgh par ses frères pour y être enterré. La veillée funéraire a eu lieu à la maison funéraire Thomas P. Kunsak et s'est déroulée dans le cadre d'une cérémonie à cercueil ouvert. Le cercueil était un cercueil en bronze massif avec des rails plaqués or et un revêtement blanc. Warhol était vêtu d'un costume en cachemire noir, d'une cravate cachemire, d'une perruque platine et de lunettes de soleil. Il tenait un petit livre de prières et une rose rouge. La liturgie funéraire a eu lieu à l'église catholique byzantine Holy Ghost, dans le nord de Pittsburgh. L'éloge funèbre a été prononcé par Monseigneur Peter Tay. Yoko Ono et John Richardson étaient les intervenants. Le cercueil était recouvert de roses blanches et de fougères asperges. Après la liturgie, le cercueil a été conduit au cimetière catholique byzantin Saint-Jean-Baptiste à Bethel Park, une banlieue sud de Pittsburgh.
Sur la tombe, le prêtre a dit une brève prière et a aspergé d'eau bénite le cercueil. Avant que le cercueil ne soit descendu, Paige Powell a laissé tomber dans la tombe un exemplaire du magazine Interview, un t-shirt Interview et une bouteille du parfum "Beautiful" d'Estee Lauder. Warhol a été enterré à côté de sa mère et de son père. Un service commémoratif a eu lieu à Manhattan pour Warhol le 1er avril 1987, à la cathédrale Saint-Patrick de New York.
Fondation
Le testament de Warhol prévoyait que l'ensemble de sa succession — à l'exception de quelques modestes legs aux membres de sa famille — servirait à créer une fondation dédiée à « l'avancement des arts visuels ». Warhol possédait tellement de biens qu'il a fallu neuf jours à Sotheby's pour mettre aux enchères sa succession après sa mort ; la vente aux enchères a rapporté plus de 20 millions de dollars américains.
En 1987, conformément à la volonté de Warhol, la Fondation Andy Warhol pour les arts visuels a été créée. La fondation fait office de succession d'Andy Warhol, mais a également pour mission « de favoriser l'expression artistique innovante et le processus créatif » et se « concentre principalement sur le soutien d'œuvres de nature stimulante et souvent expérimentale ».
L'Artists Rights Society est le représentant américain des droits d'auteur de la Fondation Andy Warhol pour les arts visuels pour toutes les œuvres de Warhol, à l'exception des images fixes des films de Warhol. Le représentant américain des droits d'auteur pour les images fixes des films de Warhol est le Warhol Museum de Pittsburgh. De plus, la Fondation Andy Warhol pour les arts visuels a conclu des accords pour ses archives d'images. Toutes les images numériques de Warhol sont exclusivement gérées par Corbis, tandis que toutes les images transparentes de Warhol sont gérées par Art Resource.
La Fondation Andy Warhol a publié son rapport annuel du 20e anniversaire en trois volumes en 2007 : Vol. Moi, 1987-2007 ; Vol. II, subventions et expositions ; et Vol. III, Programme Héritage. La Fondation reste l’une des plus grandes organisations octroyant des subventions aux arts visuels aux États-Unis.
Travaux
Peintures
Au début des années 1960, Warhol était devenu un illustrateur commercial très prospère. Ses dessins détaillés et élégants pour les chaussures I. Miller étaient particulièrement appréciés. Il s'agissait principalement de dessins « à l'encre buvard » (ou monoprints), une technique qu'il a appliquée dans une grande partie de ses premiers arts. Même si de nombreux artistes de cette période travaillent dans l’art commercial, la plupart le font de manière discrète. Warhol connut cependant un tel succès que son profil d'illustrateur semblait saper ses efforts pour être pris au sérieux en tant qu'artiste.
Le pop art était une forme expérimentale que plusieurs artistes adoptaient indépendamment ; certains de ces pionniers, comme Roy Lichtenstein, deviendront plus tard synonymes du mouvement. Warhol, qui deviendra célèbre comme le « Pape de la Pop », se tourne vers ce nouveau style, où les sujets populaires peuvent faire partie de la palette de l'artiste. Ses premières peintures montrent des images tirées de dessins animés et de publicités, peintes à la main avec des gouttes de peinture. Marilyn Monroe était une peinture pop art réalisée par Warhol et elle était très populaire. Ces gouttes imitent le style des expressionnistes abstraits à succès (tels que Willem de Kooning). Les premières peintures pop art de Warhol ont été exposées en avril 1961, servant de toile de fond à la vitrine du grand magasin de New York Bronwit Teller. C’était la même scène que ses contemporains du Pop Art Jasper Johns, James Rosenquist et Robert Rauschenberg avaient également honoré. Finalement, Warhol a réduit son vocabulaire d'images à l'icône elle-même – aux noms de marques, de célébrités, de signes de dollars – et a supprimé toute trace de la « main » de l'artiste dans la production de ses peintures.
Pour lui, la définition d’un créneau consistait en partie à définir son sujet. Les dessins animés étaient déjà utilisés par Lichtenstein, la typographie par Jasper Johns, etc. ; Warhol voulait un sujet distinctif. Ses amis lui ont suggéré de peindre les choses qu'il aimait le plus. C'est la galeriste Muriel Latow qui a eu l'idée des boîtes de soupe et des tableaux en dollars de Warhol. Le 23 novembre 1961, Warhol écrivit à Latow un chèque de 50 $ qui, selon la biographie de Warhol de 2009, Pop, le génie de Warhol, était un paiement pour avoir eu l'idée des boîtes de soupe comme sujet.
Pour sa première grande exposition, Warhol a peint ses célèbres boîtes de soupe Campbell's, qu'il prétendait avoir mangées au déjeuner pendant la majeure partie de sa vie. L'œuvre s'est vendue 10 000 $ lors d'une vente aux enchères le 17 novembre 1971 chez Sotheby's New York.
Il aimait les célébrités, alors il les peignait aussi. À partir de ces débuts, il développa son style et ses sujets ultérieurs. Au lieu de travailler sur un sujet de signature, comme il a commencé à le faire, il a travaillé de plus en plus sur un style de signature, éliminant lentement le fait main du processus artistique. Warhol utilisait fréquemment la sérigraphie ; ses dessins ultérieurs ont été tracés à partir de projections de diapositives. Au sommet de sa renommée en tant que peintre, Warhol avait plusieurs assistants qui produisaient ses multiples sérigraphiés, suivant ses instructions pour en réaliser différentes versions et variations.
En 1979, Warhol a été chargé par BMW de peindre une version de course Groupe 4 de la supercar d'élite BMW M1 de l'époque pour le quatrième volet du BMW Art Car Project. Contrairement aux trois artistes qui l'ont précédé, Warhol a refusé l'utilisation d'un modèle pratique à petite échelle, choisissant plutôt de peindre immédiatement directement sur l'automobile à grande échelle. Il a été indiqué que Warhol n’avait consacré que 23 minutes au total à peindre la voiture entière.
Warhol a produit des œuvres à la fois comiques et sérieuses ; son sujet pourrait être une boîte de soupe ou une chaise électrique. Warhol a utilisé les mêmes techniques - des sérigraphies, reproduites en série et souvent peintes avec des couleurs vives - qu'il peigne des célébrités, des objets du quotidien ou des images de suicide, d'accidents de voiture et de catastrophes, comme dans la série Death and Disaster de 1962-1963. Les peintures Death and Disaster comprenaient Red Car Crash, Purple Jumping Man et Orange Disaster. L'une de ces peintures, le diptyque "Silver Car Crash", est devenue son œuvre la plus chère lorsqu'elle a été vendue aux enchères d'art contemporain de Sotheby's le mercredi 13 novembre 2013, pour 105,4 millions de dollars.
Certaines œuvres de Warhol, ainsi que sa propre personnalité, ont été décrites comme étant keatonesques. Warhol a été décrit comme faisant l’idiot auprès des médias. Il refuse parfois d'expliquer son travail. Il a suggéré que tout ce qu'il faut savoir sur son travail est « déjà là, en surface ».
Ses taches d'encre Rorschach sont conçues comme des commentaires pop sur l'art et sur ce que pourrait être l'art. A noter également dans ce contexte son papier peint vache (littéralement, papier peint à motif de vache) et ses peintures d'oxydation (toiles préparées avec de la peinture cuivrée puis oxydée avec de l'urine). Il convient également de noter la manière dont ces œuvres – et leurs moyens de production – reflètent l'atmosphère de la « Factory » d'Andy à New York. Le biographe Bob Colacello fournit quelques détails sur les « peintures de pisse » d'Andy :
Le premier portrait de Basquiat par Warhol (1982) est une sérigraphie noire sur une « peinture à la pisse » en cuivre oxydé.
Après de nombreuses années de sérigraphie, d'oxydation, de photographie, etc., Warhol revient à la peinture, pinceau à la main, dans une série de plus de 50 grandes œuvres réalisées en collaboration avec Jean-Michel Basquiat entre 1984 et 1986. Malgré les critiques négatives lors de leur première montré, Warhol a qualifié certains d’entre eux de « chefs-d’œuvre » et ils ont eu une influence sur ses travaux ultérieurs.
L'influence des grandes collaborations avec Basquiat est visible dans le cycle "La Cène" de Warhol, sa dernière et peut-être sa plus grande série.
Andy Warhol a été chargé en 1984 par le galeriste Alexander Iolas de réaliser une œuvre basée sur "La Cène" de Léonard de Vinci pour une exposition dans l'ancien réfectoire du Palazzo delle Stelline à Milan, en face de Santa Maria delle Grazie où se trouvait Léonard de Vinci. on peut voir une fresque murale.
Warhol a dépassé les exigences de la commande et a produit près de 100 variations sur le thème, principalement des sérigraphies et des peintures, et parmi elles une sculpture en collaboration avec Basquiat, les « Dix sacs de boxe (Dernière Cène) ».
L'exposition de Milan, inaugurée en janvier 1987 avec un ensemble de 22 sérigraphies, fut la dernière exposition tant de l'artiste que du galeriste.
La série de La Cène était considérée par certains comme « sans doute sa plus grande », mais par d'autres comme « insensée, religieuse » et « sans esprit ». Il s’agit également de la plus grande série d’œuvres à thème religieux réalisée par un artiste américain.
La capacité de Warhol à trouver l'étrange, l'idiot ou la séduction dans n'importe quel objet donné, que cet objet soit banal ou sensationnel, a influencé de nombreux artistes travaillant à travers la photo et les médias, parmi un grand nombre d'autres médiums. L'artiste Maurizio Cattelan décrit qu'il est difficile de séparer les rencontres quotidiennes de l'art d'Andy Warhol : « C'est probablement ce qu'il y a de plus beau chez Warhol : la façon dont il a pénétré et résumé notre monde, au point que faire la distinction entre lui et notre vie quotidienne est fondamentalement impossible, et en tout cas inutile. » Warhol a été une source d'inspiration pour les magazines et les compilations de photographies de Cattelan, tels que Permanent Food, Charley et Toilet Paper.
Au moment de sa mort, Warhol travaillait sur Cars, une série de peintures pour Mercedes-Benz.
Un autoportrait d'Andy Warhol (1963-1964), vendu à New York lors de la vente du soir d'après-guerre et contemporaine chez Christie's en mai, a été adjugé 38,4 millions de dollars.
Le 9 mai 2012, son tableau classique « Double Elvis (Ferus Type) » s'est vendu aux enchères chez Sotheby's à New York pour 33 millions de dollars américains. Avec la commission, le prix de vente s'est élevé à 37 042 500 $ US, soit moins que les 50 millions de dollars que Sotheby's avait prédit pour le tableau. L'œuvre (encre de sérigraphie et peinture en aérosol sur toile) montre Elvis Presley dans une pose de flingueur. Elle a été exposée pour la première fois en 1963 à la Ferus Gallery de Los Angeles. Warhol a réalisé 22 versions du « Double Elvis », dont neuf sont conservées dans des musées.
En novembre 2013, son diptyque « Silver Car Crash (Double Disaster) » s'est vendu aux enchères d'art contemporain de Sotheby's pour 105,4 millions de dollars, un nouveau record pour le célèbre artiste pop (estimation préalable à 80 millions de dollars). Créée en 1963, cette œuvre n'a été vue en public qu'une seule fois au cours des 26 dernières années. En novembre 2014, « Triple Elvis » s'est vendu pour 81,9 millions de dollars (51,9 millions de livres sterling) aux enchères à New York.
Films
Warhol a travaillé sur un large éventail de médias : peinture, photographie, dessin et sculpture. De plus, il était un cinéaste très prolifique. Entre 1963 et 1968, il réalise plus de 60 films, ainsi que quelque 500 courts portraits en noir et blanc « test sur écran » de visiteurs de l'Usine. L'un de ses films les plus célèbres, Sleep, surveille le poète John Giorno endormi pendant six heures. Le film de 35 minutes Blow Job est un plan continu du visage de DeVeren Bookwalter censé recevoir une fellation du cinéaste Willard Maas, bien que la caméra ne s'incline jamais pour voir cela. Un autre, Empire (1964), consiste en huit heures d'images de l'Empire State Building à New York au crépuscule. Le film Eat consiste en un homme mangeant un champignon pendant 45 minutes. Warhol a assisté à la première en 1962 de la composition statique de LaMonte Young intitulée Trio for Strings et a ensuite créé sa célèbre série de films statiques, notamment Kiss, Eat et Sleep (pour lesquels Young a initialement été chargé de fournir de la musique). Uwe Husslein cite le cinéaste Jonas Mekas, qui a accompagné Warhol à la première du Trio, et qui affirme que les films statiques de Warhol ont été directement inspirés par la performance.
Batman Dracula est un film de 1964 produit et réalisé par Warhol, sans l'autorisation de DC Comics. Il n'a été projeté que lors de ses expositions d'art. Fan de la série Batman, le film de Warhol était un "hommage" à la série et est considéré comme la première apparition d'un Batman manifestement campeur. On pensait jusqu'à récemment que le film avait été perdu, jusqu'à ce que des scènes de l'image soient montrées assez longuement dans le documentaire de 2006 Jack Smith et la destruction de l'Atlantide.
Le film Vinyl de Warhol de 1965 est une adaptation du roman dystopique populaire d'Anthony Burgess, A Clockwork Orange. D'autres enregistrent des rencontres improvisées entre des habitués de Factory tels que Brigid Berlin, Viva, Edie Sedgwick, Candy Darling, Holly Woodlawn, Ondine, Nico et Jackie Curtis. L'artiste underground légendaire Jack Smith apparaît dans le film Camp.
Son film le plus populaire et le plus réussi fut Chelsea Girls (1966). Le film était très innovant dans la mesure où il consistait en deux films 16 mm projetés simultanément, avec deux histoires différentes montrées en tandem. Depuis la cabine de projection, le son serait augmenté pour un film afin d'élucider cette « histoire » tandis qu'il serait baissé pour l'autre. La multiplication des images évoque les œuvres phares de Warhol sur sérigraphie du début des années 1960.
D'autres films importants incluent Bike Boy, My Hustler, The Nude Restaurant et Lonesome Cowboys, un pseudo-western torride. Ces titres et d’autres documentent la culture gay underground et des camps, et continuent de figurer en bonne place dans les recherches sur la sexualité et l’art. Blue Movie – un film dans lequel la superstar de Warhol, Viva, fait l'amour et s'amuse au lit avec un homme pendant 33 minutes de la durée du film – était le dernier film de Warhol en tant que réalisateur. Le film, un film fondateur de l’âge d’or du porno, était à l’époque scandaleux par son approche franche de la rencontre sexuelle. Blue Movie a été projeté publiquement à New York en 2005 pour la première fois depuis plus de 30 ans.
Après sa fusillade le 3 juin 1968, Warhol, solitaire, a renoncé à son implication personnelle dans le cinéma. Son acolyte et assistant réalisateur, Paul Morrissey, a repris les tâches de réalisation du film pour le collectif Factory, orientant le cinéma de marque Warhol vers un tarif d'exploitation de films B plus grand public et basé sur la narration avec Flesh, Trash et Heat. Tous ces films, y compris Dracula d'Andy Warhol et Frankenstein d'Andy Warhol, étaient bien plus courants que tout ce que Warhol avait tenté en tant que réalisateur. Ces derniers films "Warhol" mettaient en vedette Joe Dallesandro, plus une star de Morrissey qu'une véritable superstar de Warhol.
Au début des années 1970, la plupart des films réalisés par Warhol ont été retirés de la circulation par Warhol et les personnes qui dirigeaient son entreprise autour de lui. Après la mort de Warhol, les films ont été lentement restaurés par le Whitney Museum et sont parfois projetés dans des musées et des festivals de cinéma. Peu de films réalisés par Warhol sont disponibles en vidéo ou en DVD.
Filmographie
Usine à New York
* Usine : 1342 Lexington Avenue (la première usine)
* The Factory : 231 East 47th Street, 1963-67 (le bâtiment n'existe plus)
* Usine : 33 Union Square, 1967-1973 (bâtiment Decker)
* Usine : 860 Broadway (près du 33 Union Square), 1973-1984 (le bâtiment a maintenant été entièrement rénové et a été pendant un certain temps (2000-2001) le siège du cabinet de conseil point-com Scient)
* Usine : 22 East 33rd Street, 1984-87 (le bâtiment n'existe plus)
* Domicile : 1342, avenue Lexington
* Domicile : 57 East 66th Street (la dernière maison de Warhol)
* Dernier studio personnel : 158 Madison Avenue
Musique
Au milieu des années 1960, Warhol a adopté le groupe Velvet Underground, ce qui en a fait un élément crucial de l'exposition d'art multimédia Exploding Plastic Inevitable. Warhol, avec Paul Morrissey, a agi en tant que manager du groupe, les présentant à Nico (qui jouerait avec le groupe à la demande de Warhol). En 1966, il « produit » leur premier album The Velvet Underground & Nico, et fournit également la pochette de l'album. Sa participation réelle à la production de l'album revenait simplement à payer le temps passé en studio. Après le premier album du groupe, Warhol et le leader du groupe Lou Reed ont commencé à être davantage en désaccord sur la direction que le groupe devrait prendre, et leur amitié artistique a pris fin. En 1989, après la mort de Warhol, Reed et John Cale se sont réunis pour la première fois depuis 1972 pour écrire, interpréter, enregistrer et sortir l'album concept Songs for Drella, un hommage à Warhol.
Warhol a conçu de nombreuses couvertures d'albums pour divers artistes, à commencer par la couverture photographique du premier album de John Wallowitch, This Is John Wallowitch !!! (1964). Il a conçu la pochette des albums des Rolling Stones Sticky Fingers (1971) et Love You Live (1977), ainsi que des albums de John Cale The Academy in Peril (1972) et Honi Soit en 1981. L'une des dernières œuvres de Warhol était un portrait. d'Aretha Franklin pour la couverture de son album d'or de 1986 Aretha, qui a été réalisé dans le style de la série Reigning Queens qu'il avait terminée l'année précédente.
Warhol a fortement influencé le groupe new wave/punk rock Devo, ainsi que David Bowie. Bowie a enregistré une chanson intitulée « Andy Warhol » pour son album Hunky Dory de 1971. Lou Reed a écrit la chanson "Andy's Chest", sur Valérie Solanas, la femme qui a tiré sur Warhol, en 1968. Il l'a enregistrée avec le Velvet Underground, et cette version est sortie sur l'album VU en 1988.