Quel était le prénom du peintre Rubens ?
Peter
La peinture de figures peut également faire référence à l'activité de création d'une telle œuvre. La figure humaine est l’un des sujets d’art contrastés depuis les premières peintures rupestres de l’âge de pierre et a été réinterprétée dans différents styles tout au long de l’histoire. Certains artistes bien connus pour la peinture de figures sont Peter Paul Rubens, Edgar Degas et Édouard Manet.
La peinture est la pratique consistant à appliquer de la peinture, un pigment, une couleur ou un autre support sur une surface solide (base de support). Le médium est généralement appliqué sur la base avec un pinceau, mais d'autres instruments, tels que des couteaux, des éponges et des aérographes, peuvent être utilisés.
La peinture est un mode d’expression créative et les formes sont nombreuses. Le dessin, le geste (comme dans la peinture gestuelle), la composition, la narration (comme dans l'art narratif) ou l'abstraction (comme dans l'art abstrait), entre autres modes esthétiques, peuvent servir à manifester l'intention expressive et conceptuelle du praticien. Les peintures peuvent être naturalistes et figuratives (comme dans une nature morte ou une peinture de paysage), photographiques, abstraites, narratives, symboliques (comme dans l'art symboliste), émotives (comme dans l'expressionnisme) ou de nature politique (comme dans l'artivisme).
Une partie de l’histoire de la peinture, tant orientale qu’occidentale, est dominée par des motifs et des idées spirituelles. Les exemples de ce type de peinture vont des œuvres d'art représentant des figures mythologiques sur des poteries aux scènes bibliques représentées sur les murs intérieurs et au plafond de la chapelle Sixtine, en passant par des scènes de la vie de Bouddha ou d'autres images d'origine religieuse orientale.
En art, le terme peinture décrit à la fois l’acte et le résultat de l’action. Le support des peintures comprend des surfaces telles que les murs, le papier, la toile, le bois, le verre, la laque, l'argile, les feuilles, le cuivre et le béton, et la peinture peut également incorporer plusieurs autres matériaux, notamment le sable, l'argile, le papier, le plâtre, la feuille d'or. comme objets. Le terme peinture est également utilisé en dehors de l’art en tant que métier courant parmi les artisans et les constructeurs.
Éléments
Intensité
Ce qui permet de peindre, c'est la perception et la représentation de l'intensité. Chaque point de l’espace a une intensité différente, qui peut être représentée en peinture par le noir et le blanc et toutes les nuances de gris intermédiaires. En pratique, les peintres peuvent articuler des formes en juxtaposant des surfaces d'intensité différente ; en utilisant uniquement de la couleur (de même intensité), on ne peut représenter que des formes symboliques. Ainsi, les moyens de base de la peinture se distinguent des moyens idéologiques, tels que les figures géométriques, les divers points de vue et l'organisation (perspective) et les symboles. Par exemple, un peintre perçoit qu'un mur blanc particulier a une intensité différente à chaque point, en raison des nuances et des reflets des objets proches, mais, idéalement, un mur blanc reste un mur blanc dans l'obscurité totale. Dans le dessin technique, l'épaisseur du trait est également idéale, délimitant les contours idéaux d'un objet dans un cadre perceptuel différent de celui utilisé par les peintres.
Couleur et ton
La couleur et le ton sont l’essence de la peinture, tout comme la hauteur et le rythme sont l’essence de la musique. La couleur est très subjective, mais a des effets psychologiques observables, même si ceux-ci peuvent différer d’une culture à l’autre. Le noir est associé au deuil en Occident, mais en Orient, le blanc l’est. Certains peintres, théoriciens, écrivains et scientifiques, dont Goethe, Kandinsky et Newton, ont rédigé leur propre théorie des couleurs.
De plus, l’utilisation du langage n’est qu’une abstraction d’un équivalent couleur. Le mot « rouge », par exemple, peut couvrir une large gamme de variations du rouge pur du spectre visible de la lumière. Il n'y a pas de registre formalisé de différentes couleurs de la même manière qu'il existe un accord sur différentes notes de musique, comme F ou C♯. Pour un peintre, la couleur ne se divise pas simplement en couleurs de base (primaires) et dérivées (complémentaires ou mixtes) (comme le rouge, le bleu, le vert, le marron, etc.).
Les peintres s'occupent pratiquement des pigments, donc le « bleu » pour un peintre peut être n'importe lequel des bleus : bleu de phtalocyanine, bleu de Prusse, indigo, cobalt, outremer, etc. Les significations psychologiques et symboliques de la couleur ne sont pas, à proprement parler, des moyens de peindre. Les couleurs ne font qu’ajouter au contexte potentiel et dérivé des significations, et de ce fait, la perception d’une peinture est hautement subjective. L'analogie avec la musique est très claire : le son dans la musique (comme une note C) est analogue à la « lumière » dans la peinture, les « nuances » à la dynamique, et la « coloration » est à la peinture ce que le timbre spécifique des instruments de musique est à la musique. Ces éléments ne forment pas nécessairement une mélodie (en musique) par eux-mêmes ; ils peuvent plutôt y ajouter différents contextes.
Éléments non traditionnels
Les artistes modernes ont considérablement étendu la pratique de la peinture pour inclure, à titre d'exemple, le collage, qui a commencé avec le cubisme et ne constitue pas de la peinture au sens strict. Certains peintres modernes incorporent différents matériaux comme le sable, le ciment, la paille ou le bois pour leur texture. Les œuvres de Jean Dubuffet et d'Anselm Kiefer en sont des exemples. Il existe une communauté croissante d'artistes qui utilisent des ordinateurs pour « peindre » des couleurs sur une « toile » numérique à l'aide de programmes tels qu'Adobe Photoshop, Corel Painter et bien d'autres. Ces images peuvent être imprimées sur une toile traditionnelle si nécessaire.
Rythme
Le rythme est important en peinture comme en musique. Si l'on définit le rythme comme « une pause incorporée dans une séquence », alors il peut y avoir du rythme dans les tableaux. Ces pauses permettent à la force créatrice d'intervenir et d'ajouter de nouvelles créations : forme, mélodie, coloration. La distribution de la forme, ou de tout type d’information, est d’une importance cruciale dans une œuvre d’art donnée et affecte directement la valeur esthétique de cette œuvre. En effet, la valeur esthétique dépend de la fonctionnalité, c'est-à-dire que la liberté (de mouvement) de perception est perçue comme une beauté. La libre circulation de l'énergie, dans l'art comme dans d'autres formes de « technè », contribue directement à la valeur esthétique.
Histoire
Les peintures connues les plus anciennes se trouvent à la Grotte Chauvet en France, qui, selon certains historiens, datent d'environ 32 000 ans. Ils sont gravés et peints à l'aide d'ocre rouge et de pigments noirs, et montrent des chevaux, des rhinocéros, des lions, des buffles, des mammouths, des dessins abstraits et ce qui sont peut-être des figures humaines partielles. Cependant, les premières preuves de l’acte de peindre ont été découvertes dans deux abris sous roche de la Terre d’Arnhem, au nord de l’Australie. Dans la couche de matériau la plus basse de ces sites, se trouvent des morceaux d'ocre usagés estimés à 60 000 ans. Les archéologues ont également découvert un fragment de peinture rupestre conservé dans un abri calcaire de la région de Kimberley, au nord-ouest de l'Australie, daté de 40 000 ans. Il existe des exemples de peintures rupestres partout dans le monde : en Italie, en France, en Espagne, au Portugal, en Chine, en Australie, au Mexique, etc. Dans les cultures occidentales, la peinture à l'huile et l'aquarelle ont des traditions riches et complexes en termes de style et de sujet. En Orient, l’encre et l’encre de couleur prédominaient historiquement dans le choix des supports, avec des traditions tout aussi riches et complexes.
L'invention de la photographie a eu un impact majeur sur la peinture. Dans les décennies qui ont suivi la réalisation de la première photographie en 1829, les procédés photographiques se sont améliorés et sont devenus plus largement pratiqués, privant la peinture d'une grande partie de son objectif historique de fournir un enregistrement précis du monde observable. Une série de mouvements artistiques à la fin du XIXe et au début du XXe siècle, notamment l'impressionnisme, le postimpressionnisme, le fauvisme, l'expressionnisme, le cubisme et le dadaïsme, ont remis en question la vision du monde de la Renaissance. La peinture orientale et africaine poursuit cependant une longue histoire de stylisation et ne subit pas en même temps une transformation équivalente.
L’art moderne et contemporain s’est éloigné de la valeur historique de l’artisanat et de la documentation au profit du concept, ce qui a amené certains à dire, dans les années 1960, que la peinture en tant que forme d’art sérieuse est morte. Cela n'a pas dissuadé la majorité des peintres vivants de continuer à pratiquer la peinture, soit dans la totalité, soit dans le cadre de leur œuvre. La vitalité et la polyvalence de la peinture au XXIe siècle défient les précédentes « déclarations » de sa disparition. À une époque caractérisée par l’idée du pluralisme, il n’existe pas de consensus quant à un style représentatif de l’époque. Les artistes continuent de réaliser d’importantes œuvres d’art dans une grande variété de styles et de tempéraments esthétiques ; leurs mérites sont laissés à l’appréciation du public et du marché.
Parmi les tendances continues et actuelles de la peinture au début du 21e siècle figurent la peinture monochrome, la peinture hard-edge, l'abstraction géométrique, l'appropriation, l'hyperréalisme, le photoréalisme, l'expressionnisme, le minimalisme, l'abstraction lyrique, le pop art, l'op art, l'expressionnisme abstrait, la couleur. Peinture de terrain, néo-expressionnisme, collage, peinture intermédia, peinture d'assemblage, peinture d'art informatique, peinture postmoderne, peinture néo-dada, peinture sur toile façonnée, peinture murale environnementale, peinture de figures traditionnelle, peinture de paysage, peinture de portrait et peinture sur toile. animation de verre.
Esthétique et théorie
L'esthétique est l'étude de l'art et de la beauté ; c’était une question importante pour les philosophes des XVIIIe et XIXe siècles comme Kant et Hegel. Les philosophes classiques comme Platon et Aristote ont également théorisé sur l’art et la peinture en particulier. Platon a ignoré les peintres (ainsi que les sculpteurs) dans son système philosophique ; il a soutenu que la peinture ne peut pas représenter la vérité : elle est une copie de la réalité (une ombre du monde des idées) et n'est rien d'autre qu'un artisanat, semblable à la fabrication de chaussures ou à la fonte du fer. À l’époque de Léonard, la peinture était devenue une représentation plus proche de la vérité que ne l’était la peinture de la Grèce antique. Léonard de Vinci, au contraire, a dit que "" (""). Kant faisait une distinction entre la Beauté et le Sublime, dans des termes qui donnaient clairement la priorité à la première. Même s’il ne faisait pas référence à la peinture en particulier, ce concept fut repris par des peintres comme J.M.W. Turner et Caspar David Friedrich.
Hegel a reconnu l'échec de la réalisation d'un concept universel de la beauté et, dans son essai esthétique, a écrit que la peinture est l'un des trois arts « romantiques », avec la poésie et la musique, en raison de son objectif symbolique et hautement intellectuel. Parmi les peintres qui ont écrit des ouvrages théoriques sur la peinture figurent Kandinsky et Paul Klee. Dans son essai, Kandinsky soutient que la peinture a une valeur spirituelle et attache des couleurs primaires à des sentiments ou à des concepts essentiels, ce que Goethe et d'autres écrivains avaient déjà essayé de faire.
L'iconographie est l'étude du contenu des peintures plutôt que de leur style. Erwin Panofsky et d’autres historiens de l’art cherchent d’abord à comprendre les choses représentées, avant d’examiner leur signification pour le spectateur de l’époque, et enfin d’analyser leur signification culturelle, religieuse et sociale plus large.
En 1890, le peintre parisien Maurice Denis affirmait : « Rappelez-vous qu'un tableau, avant d'être un cheval de bataille, une femme nue ou une histoire ou autre, est essentiellement une surface plane recouverte de couleurs assemblées dans un certain ordre. » Ainsi, de nombreux développements de la peinture au XXe siècle, comme le cubisme, étaient des réflexions sur les moyens de peindre plutôt que sur le monde extérieur – la nature – qui en était auparavant le sujet principal. Des contributions récentes à la réflexion sur la peinture ont été proposées par le peintre et écrivain Julian Bell. Dans son livre Qu'est-ce que la peinture ?, Bell évoque le développement, à travers l'histoire, de la notion selon laquelle les peintures peuvent exprimer des sentiments et des idées. Dans Mirror of The World, Bell écrit :
Une œuvre d’art cherche à retenir votre attention et à la maintenir fixe : une histoire de l’art la pousse en avant, traçant au bulldozer une autoroute à travers les maisons de l’imagination.
Supports de peinture
Différents types de peinture sont généralement identifiés par le milieu dans lequel le pigment est en suspension ou incorporé, ce qui détermine les caractéristiques générales de travail de la peinture, telles que la viscosité, la miscibilité, la solubilité, le temps de séchage, etc.
Huile
La peinture à l'huile est le processus de peinture avec des pigments liés à un médium d'huile siccative, tel que l'huile de lin, largement utilisée au début de l'Europe moderne. Souvent, l'huile était bouillie avec une résine telle que la résine de pin ou même l'encens ; ceux-ci étaient appelés « vernis » et étaient appréciés pour leur corps et leur brillant. La peinture à l’huile est finalement devenue le principal support utilisé pour créer des œuvres d’art à mesure que ses avantages sont devenus largement connus. La transition a commencé avec la peinture des Pays-Bas en Europe du Nord et, au plus fort de la Renaissance, les techniques de peinture à l'huile avaient presque complètement remplacé les peintures à la détrempe dans la majorité de l'Europe.
Pastel
Le pastel est un support de peinture se présentant sous forme de bâtonnet, constitué d'un pigment pur en poudre et d'un liant. Les pigments utilisés dans les pastels sont les mêmes que ceux utilisés pour produire tous les supports artistiques colorés, y compris les peintures à l'huile ; le liant est de teinte neutre et de faible saturation. L’effet de couleur des pastels est plus proche des pigments secs naturels que celui de tout autre procédé. Parce que la surface d'un tableau au pastel est fragile et se tache facilement, sa conservation nécessite des mesures de protection telles qu'un encadrement sous verre ; il peut également être pulvérisé avec un fixateur. Néanmoins, lorsqu’elle est réalisée avec des pigments permanents et correctement entretenue, une peinture au pastel peut rester inchangée pendant des siècles. Les pastels ne sont pas sensibles, comme le sont les peintures réalisées avec un médium fluide, aux fissures et à la décoloration résultant de changements de couleur, d'opacité ou de dimensions du médium lorsqu'il sèche.
Acrylique
La peinture acrylique est une peinture à séchage rapide contenant une suspension de pigments dans une émulsion de polymère acrylique. Les peintures acryliques peuvent être diluées avec de l’eau, mais deviennent résistantes à l’eau une fois sèches. Selon la quantité de peinture diluée (avec de l'eau) ou modifiée avec des gels, des supports ou des pâtes acryliques, la peinture acrylique finie peut ressembler à une aquarelle ou à une peinture à l'huile, ou avoir ses propres caractéristiques uniques impossibles à obtenir avec d'autres supports. La principale différence pratique entre la plupart des peintures acryliques et à l’huile est le temps de séchage inhérent. Les huiles laissent plus de temps pour mélanger les couleurs et appliquer des glacis uniformes sur les sous-couches. Cet aspect de séchage lent de l'huile peut être considéré comme un avantage pour certaines techniques, mais à d'autres égards, il gêne l'artiste qui tente de travailler rapidement.
Aquarelle
L'aquarelle est une méthode de peinture dans laquelle les peintures sont constituées de pigments en suspension dans un véhicule soluble dans l'eau. Le support traditionnel et le plus courant pour les aquarelles est le papier ; d'autres supports comprennent le papyrus, les papiers d'écorce, les plastiques, le vélin ou le cuir, le tissu, le bois et la toile. En Asie de l’Est, la peinture à l’aquarelle avec des encres est appelée peinture au pinceau ou peinture au rouleau. Dans la peinture chinoise, coréenne et japonaise, c'est le médium dominant, souvent en monochrome noir ou brun. L’Inde, l’Éthiopie et d’autres pays ont également de longues traditions. La peinture au doigt avec des peintures à l'aquarelle est originaire de Chine. Les crayons aquarelle (crayons de couleur solubles dans l’eau) peuvent être utilisés humides ou secs.
Encre
Les peintures à l'encre sont réalisées avec un liquide contenant des pigments et/ou des colorants et est utilisé pour colorer une surface afin de produire une image, un texte ou un dessin. L'encre est utilisée pour dessiner avec un stylo, un pinceau ou une plume. L'encre peut être un support complexe, composé de solvants, de pigments, de colorants, de résines, de lubrifiants, de solubilisants, de tensioactifs, de particules, de substances fluorescentes et d'autres matériaux. Les composants des encres servent à plusieurs fins ; le support de l’encre, les colorants et autres additifs contrôlent le débit et l’épaisseur de l’encre ainsi que son apparence une fois sèche.
Cire chaude ou encaustique
La peinture à l'encaustique, également connue sous le nom de peinture à la cire chaude, consiste à utiliser de la cire d'abeille chauffée à laquelle sont ajoutés des pigments colorés. Le liquide/pâte est ensuite appliqué sur une surface, généralement du bois préparé, bien que de la toile et d'autres matériaux soient souvent utilisés. Le mélange d'encaustique le plus simple peut être obtenu en ajoutant des pigments à la cire d'abeille, mais il existe plusieurs autres recettes qui peuvent être utilisées, certaines contenant d'autres types de cires, de la résine damar, de l'huile de lin ou d'autres ingrédients. Des pigments purs en poudre peuvent être achetés et utilisés, bien que certains mélanges utilisent des peintures à l'huile ou d'autres formes de pigments. Des outils métalliques et des pinceaux spéciaux peuvent être utilisés pour façonner la peinture avant qu'elle ne refroidisse, ou des outils métalliques chauffés peuvent être utilisés pour manipuler la cire une fois qu'elle a refroidi sur la surface. D'autres matériaux peuvent être encastrés ou collés dans la surface, ou superposés, en utilisant le support encaustique pour les faire adhérer à la surface.
Fresque
La fresque est l'un des nombreux types de peintures murales connexes, réalisées sur du plâtre sur des murs ou des plafonds. Le mot fresco vient du mot italien affresco, qui dérive du mot latin signifiant frais. Les fresques ont souvent été réalisées à la Renaissance et à d’autres périodes anciennes.
La technique de la fresque Buon consiste à peindre avec un pigment mélangé à de l'eau sur une fine couche de mortier ou de plâtre de chaux frais et humide, pour lequel le mot italien pour plâtre, intonaco, est utilisé. Une peinture secco, en revanche, est réalisée sur du plâtre sec (secco signifie « sec » en italien). Les pigments nécessitent un liant, tel que de l'œuf (tempera), de la colle ou de l'huile pour fixer le pigment au mur.
Gouache
La gouache est une peinture à base d'eau composée de pigments et d'autres matériaux conçus pour être utilisés dans une méthode de peinture opaque. La gouache diffère de l’aquarelle en ce sens que les particules sont plus grosses, le rapport pigment/eau est beaucoup plus élevé et un pigment blanc inerte supplémentaire, tel que la craie, est également présent. Cela rend la gouache plus lourde et plus opaque, avec de plus grandes qualités réfléchissantes. Comme tous les milieux aqueux, il est dilué avec de l’eau.
Émail
Les émaux sont fabriqués en peignant un substrat, généralement du métal, avec de la fritte, un type de verre en poudre. Les minéraux appelés oxydes de couleur fournissent la coloration. Après cuisson à une température de 750 à 850 degrés Celsius (1 380 à 1 560 degrés Fahrenheit), le résultat est un laminage fusionné du verre et du métal. Les émaux sont traditionnellement utilisés pour la décoration d'objets précieux, mais ont également été utilisés à d'autres fins. Au XVIIIe siècle, la peinture sur émail était en vogue en Europe, notamment comme support pour les portraits miniatures. À la fin du XXe siècle, la technique de l’émail en porcelaine sur métal a été utilisée comme support durable pour les peintures murales extérieures.
Peinture en aérosol
La peinture en aérosol (également appelée peinture en aérosol) est un type de peinture présenté dans un récipient sous pression scellé et libéré sous forme d'un fin brouillard de pulvérisation lorsque vous appuyez sur un bouton de valve. Forme de peinture en aérosol, la peinture en aérosol laisse une surface lisse et uniformément enduite. Les canettes de taille standard sont portables, peu coûteuses et faciles à stocker. L'apprêt en aérosol peut être appliqué directement sur le métal nu et sur de nombreux plastiques.
La vitesse, la portabilité et la permanence font également de la peinture en aérosol un support de graffiti courant. À la fin des années 1970, les signatures et les peintures murales des graffeurs de rue sont devenues plus élaborées et un style unique s'est développé en fonction du support aérosol et de la vitesse requise pour le travail illicite. Beaucoup reconnaissent désormais le graffiti et le street art comme une forme d'art unique et des peintures en aérosol spécialement fabriquées sont conçues pour le graffeur. Un pochoir protège une surface, à l'exception de la forme spécifique à peindre. Les pochoirs peuvent être achetés sous forme de lettres mobiles, commandés sous forme de logos découpés par des professionnels ou découpés à la main par des artistes.
Détrempe
La détrempe, également connue sous le nom de détrempe à l'œuf, est un médium de peinture permanent à séchage rapide composé de pigments colorés mélangés à un liant soluble dans l'eau (généralement un matériau gluant tel que du jaune d'œuf ou un autre produit). La tempera fait également référence aux peintures réalisées avec ce médium. Les peintures à la détrempe durent très longtemps et des exemples des premiers siècles de notre ère existent encore. La détrempe à l’œuf était une méthode de peinture principale jusqu’après 1500, date à laquelle elle a été remplacée par l’invention de la peinture à l’huile. Une peinture communément appelée tempera (bien que ce ne soit pas le cas) composée de pigments et de colle est couramment utilisée et désignée par certains fabricants américains sous le nom de peinture pour affiches.
Peinture à l'huile miscible à l'eau
Les peintures à l'huile miscibles à l'eau (également appelées « solubles dans l'eau » ou « miscibles à l'eau ») sont une variété moderne de peinture à l'huile conçue pour être diluée et nettoyée avec de l'eau, plutôt que de devoir utiliser des produits chimiques tels que la térébenthine. Elle peut être mélangée et appliquée en utilisant les mêmes techniques que la peinture à l'huile traditionnelle, mais lorsqu'elle est encore humide, elle peut être efficacement retirée des pinceaux, des palettes et des chiffons avec de l'eau et du savon ordinaires. Sa solubilité dans l’eau provient de l’utilisation d’un milieu huileux dans lequel une extrémité de la molécule a été modifiée pour se lier librement aux molécules d’eau, comme dans une solution.
Peinture numérique
La « peinture » numérique est une forme d’art développée parallèlement à la technologie informatique. Il adapte les supports de peinture traditionnels tels que la peinture acrylique, les huiles, l'encre, l'aquarelle, etc. et simule l'application de pigments sur des supports traditionnels, tels que la toile tissée, le papier, le polyester, etc. au moyen d'un logiciel informatique, pilotant une robotique industrielle ou un bureau. machines (imprimantes). En tant que technique, il fait référence à un logiciel d'infographie qui utilise une toile virtuelle et une boîte de peinture virtuelle contenant des pinceaux, des couleurs et d'autres fournitures. La boîte virtuelle contient de nombreux instruments qui n'existent pas en dehors de l'ordinateur et qui donnent à une œuvre d'art numérique un aspect et une sensation différents de ceux d'une œuvre d'art réalisée de manière traditionnelle.
Styles de peinture
Le style est utilisé dans deux sens : il peut faire référence aux éléments visuels distinctifs, aux techniques et aux méthodes qui caractérisent le travail d'un artiste individuel. Il peut également faire référence au mouvement ou à l'école auquel un artiste est associé. Cela peut provenir d’un groupe réel dans lequel l’artiste était consciemment impliqué ou d’une catégorie dans laquelle les historiens de l’art ont placé le peintre. Le mot « style », dans ce dernier sens, est tombé en disgrâce dans les débats universitaires sur la peinture contemporaine, bien qu'il continue d'être utilisé dans des contextes populaires. Ces mouvements ou classifications comprennent les éléments suivants :
Occidental
Modernisme
Le modernisme décrit à la fois un ensemble de tendances culturelles et un ensemble de mouvements culturels associés, nés à l’origine de changements à grande échelle et de grande envergure survenus dans la société occidentale à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle. Le modernisme était une révolte contre les valeurs conservatrices du réalisme. Le terme englobe les activités et les productions de ceux qui estimaient que les formes « traditionnelles » d’art, d’architecture, de littérature, de foi religieuse, d’organisation sociale et de vie quotidienne devenaient obsolètes dans les nouvelles conditions économiques, sociales et politiques d’un monde émergent pleinement industrialisé. Une caractéristique importante du modernisme est la conscience de soi. Cela a souvent conduit à des expériences sur la forme et à des travaux qui attirent l'attention sur les processus et les matériaux utilisés (et sur la tendance ultérieure à l'abstraction).
Impressionnisme
Le premier exemple de modernisme en peinture fut l’impressionnisme, une école de peinture qui se concentrait initialement sur le travail effectué non pas en studio, mais en plein air. Les peintures impressionnistes ont démontré que les êtres humains ne voient pas les objets, mais voient la lumière elle-même. L'école a rassemblé des adhérents malgré les divisions internes entre ses principaux praticiens et est devenue de plus en plus influente. Initialement rejetés de l'exposition commerciale la plus importante de l'époque, le Salon de Paris parrainé par le gouvernement, les impressionnistes organisèrent des expositions collectives annuelles dans des lieux commerciaux au cours des années 1870 et 1880, les faisant coïncider avec le Salon officiel. Un événement marquant de 1863 fut le Salon des Refusés, créé par l'empereur Napoléon III pour exposer tous les tableaux rejetés par le Salon de Paris.
Styles abstraits
La peinture abstraite utilise un langage visuel de forme, de couleur et de ligne pour créer une composition qui peut exister avec un certain degré d'indépendance par rapport aux références visuelles du monde. L'expressionnisme abstrait était un mouvement artistique américain de l'après-Seconde Guerre mondiale qui combinait l'intensité émotionnelle et l'abnégation des expressionnistes allemands avec l'esthétique anti-figurative des écoles abstraites européennes telles que le futurisme, le Bauhaus et le cubisme synthétique et l'image de étant rebelle, anarchique, très idiosyncrasique et, certains le sentent, nihiliste.
L'action painting, parfois appelée abstraction gestuelle, est un style de peinture dans lequel la peinture est spontanément versée, éclaboussée ou étalée sur la toile, plutôt que d'être soigneusement appliquée. L'œuvre qui en résulte met souvent l'accent sur l'acte physique de peindre lui-même comme un aspect essentiel de l'œuvre finie ou une préoccupation de son artiste. Le style était répandu des années 1940 jusqu'au début des années 1960 et est étroitement associé à l'expressionnisme abstrait (certains critiques ont utilisé les termes « action painting » et « expressionnisme abstrait » de manière interchangeable).
D'autres styles modernistes incluent :
*Champ de couleur
*Abstraction lyrique
*Peinture à bords durs
*Expressionnisme
*Cubisme
*Pop Art
Art brut
Le terme art brut a été inventé par le critique d'art Roger Cardinal en 1972 comme synonyme anglais d'art brut (« art brut » ou « art brut »), une étiquette créée par l'artiste français Jean Dubuffet pour décrire l'art créé en dehors des frontières officielles. culture; Dubuffet s'est particulièrement concentré sur l'art des détenus aliénés. L’art brut est devenu une catégorie de marketing artistique à succès (une foire annuelle de l’art brut a lieu à New York depuis 1992). Le terme est parfois utilisé à tort comme une étiquette marketing fourre-tout pour l'art créé par des personnes extérieures au « monde de l'art » traditionnel, indépendamment de leur situation ou du contenu de leur travail.
Photoréalisme
Le photoréalisme est le genre de peinture basé sur l'utilisation d'un appareil photo et de photographies pour recueillir des informations, puis à partir de ces informations, pour créer une peinture qui semble très réaliste comme une photographie. Le terme s’applique principalement aux peintures du mouvement artistique américain né à la fin des années 1960 et au début des années 1970. En tant que mouvement artistique à part entière, le photoréalisme a évolué du Pop Art et s’est opposé à l’expressionnisme abstrait.
L'hyperréalisme est un genre de peinture et de sculpture qui ressemble à une photographie haute résolution. L'hyperréalisme est une école d'art à part entière et peut être considéré comme une avancée du photoréalisme par les méthodes utilisées pour créer les peintures ou sculptures qui en résultent. Le terme s’applique principalement à un mouvement artistique indépendant et à un style artistique qui s’est développé aux États-Unis et en Europe depuis le début des années 2000.
Surréalisme
Le surréalisme est un mouvement culturel né au début des années 1920 et est surtout connu pour les œuvres visuelles et les écrits des membres du groupe. Les œuvres d'art surréalistes comportent l'élément de surprise, des juxtapositions inattendues et du non-séquence ; cependant, de nombreux artistes et écrivains surréalistes considèrent avant tout leur travail comme une expression du mouvement philosophique, les œuvres étant avant tout un artefact. Le leader André Breton a été explicite dans son affirmation selon laquelle le surréalisme était avant tout un mouvement révolutionnaire.
Le surréalisme s'est développé à partir des activités Dada de la Première Guerre mondiale et le centre le plus important du mouvement était Paris. À partir des années 1920, le mouvement s’est répandu à travers le monde, affectant finalement les arts visuels, la littérature, le cinéma et la musique de nombreux pays et langues, ainsi que la pensée et la pratique politiques, la philosophie et la théorie sociale.
Extrême-Orient
*Chinois
**Dynastie Tang
**Dynastie Ming
**Shanshui
**Peinture à l'encre et au lavis
**hu Un oiseau
**école du sud
***Z et l'école
***École Wu
**Contemporain
*Japonais
**Yamatoe
**école rimpa
**Emakimono
**École Kanō
**École Shijō
**Superplat
*Coréen
islamique
*Miniature persane
*Miniature moghole
*Miniature ottomane
Indien
*École Oriya
*École du Bengale
*Kangra
*Madhubani
*Mysore
*Rajput
*Moghol
*critique
*Tanjoré
* Warli
africain
* Bulldozers
Art contemporain
Expressions idiomatiques
Allégorie
L'allégorie est un mode de représentation figuratif porteur d'un sens autre que le littéral. L'allégorie communique son message au moyen de figures symboliques, d'actions ou de représentations symboliques. L'allégorie est généralement traitée comme une figure de rhétorique, mais une allégorie n'a pas besoin d'être exprimée dans le langage : elle peut s'adresser à l'œil et se retrouve souvent dans la peinture réaliste. Un exemple d’allégorie visuelle simple est l’image de la faucheuse. Les spectateurs comprennent que l’image de la faucheuse est une représentation symbolique de la mort.
Bodegón
Dans l'art espagnol, un bodegón est une nature morte représentant des objets du garde-manger, tels que des victuailles, du gibier et des boissons, souvent disposés sur une simple dalle de pierre, ainsi qu'une peinture avec un ou plusieurs personnages, mais des éléments de nature morte importants, généralement placés dans une cuisine ou une taverne. Dès l’époque baroque, ces peintures sont devenues populaires en Espagne dans le deuxième quart du XVIIe siècle. La tradition de la peinture de natures mortes semble avoir commencé et était beaucoup plus populaire dans les Pays-Bas contemporains, aujourd'hui en Belgique et aux Pays-Bas (à l'époque artistes flamands et hollandais), qu'elle ne l'a jamais été dans le sud de l'Europe. Les natures mortes du Nord avaient de nombreux sous-genres : le petit-déjeuner était complété par le trompe-l'œil, le bouquet de fleurs et la vanité. En Espagne, il y avait beaucoup moins de clients pour ce genre de choses, mais une sorte de petit-déjeuner est devenu populaire, composé de quelques objets de nourriture et de vaisselle posés sur une table.
Body painting
Le body painting est une forme d’art corporel. Contrairement au tatouage et à d'autres formes d'art corporel, la peinture corporelle est temporaire, peinte sur la peau humaine et ne dure que quelques heures, ou tout au plus (dans le cas du Mehndi ou « tatouage au henné ») quelques semaines. La peinture corporelle limitée au visage est connue sous le nom de peinture faciale. La peinture corporelle est également appelée (une forme de) tatouage temporaire ; La peinture à grande échelle ou sur tout le corps est plus communément appelée peinture corporelle, tandis que les travaux plus petits ou plus détaillés sont généralement appelés tatouages ​​temporaires.
Peinture de personnages
Une peinture de figures est une œuvre d'art dans n'importe quel support de peinture, le sujet principal étant la figure humaine, qu'elle soit vêtue ou nue.
La peinture de figures peut également faire référence à l'activité de création d'une telle œuvre. La figure humaine est l’un des sujets d’art contrastés depuis les premières peintures rupestres de l’âge de pierre et a été réinterprétée dans différents styles tout au long de l’histoire. Certains artistes bien connus pour la peinture de figures sont Peter Paul Rubens, Edgar Degas et Édouard Manet.
Peinture d'illustration
Les peintures d’illustration sont celles utilisées comme illustrations dans des livres, des magazines, des affiches de théâtre ou de cinéma et des bandes dessinées. Aujourd’hui, il existe un intérêt croissant pour la collection et l’admiration des œuvres d’art originales. Diverses expositions de musées, magazines et galeries d'art ont consacré un espace aux illustrateurs du passé. Dans le monde des arts visuels, les illustrateurs ont parfois été considérés comme moins importants que les artistes et les graphistes. Mais en raison de la croissance de l'industrie du jeu vidéo et de la bande dessinée, les illustrations sont de plus en plus considérées comme des œuvres d'art populaires et rentables qui peuvent conquérir un marché plus large que les deux autres, notamment en Corée, au Japon, à Hong Kong et aux États-Unis.
Peinture de paysage
La peinture de paysage est un terme qui couvre la représentation de paysages naturels tels que les montagnes, les vallées, les arbres, les rivières et les forêts, et en particulier l'art où le sujet principal est une vue large, avec ses éléments disposés dans une composition cohérente. Dans d'autres œuvres, les arrière-plans paysagers des personnages peuvent encore constituer une partie importante de l'œuvre. Le ciel est presque toujours inclus dans la vue et la météo est souvent un élément de la composition. Les paysages détaillés en tant que sujet distinct ne se retrouvent pas dans toutes les traditions artistiques et se développent lorsqu'il existe déjà une tradition sophistiquée de représentation d'autres sujets. Les deux principales traditions proviennent de la peinture occidentale et de l’art chinois, remontant dans les deux cas à plus de mille ans.
Peinture de portraits
Les portraits sont des représentations d’une personne dans lesquelles le visage et son expression sont prédominants. L’intention est d’afficher la ressemblance, la personnalité et même l’humeur de la personne. L'art du portrait a prospéré dans la sculpture grecque antique et surtout romaine, où les modèles exigeaient des portraits individualisés et réalistes, même peu flatteurs. L'un des portraits les plus connus du monde occidental est le tableau de Léonard de Vinci intitulé Mona Lisa, qui serait un portrait de Lisa Gherardini, l'épouse de Francesco del Giocondo.
Nature morte
Une nature morte est une œuvre d'art représentant un sujet principalement inanimé, généralement des objets banals, qui peuvent être soit naturels (nourriture, fleurs, plantes, roches ou coquillages), soit artificiels (verres, livres, vases, bijoux, pièces de monnaie). , tuyaux, etc.). Avec leurs origines au Moyen Âge et dans l'art grec/romain antique, les natures mortes donnent à l'artiste plus de latitude dans l'agencement des éléments de conception au sein d'une composition que les peintures d'autres types de sujets tels que le paysage ou le portrait. Les natures mortes, en particulier avant 1700, contenaient souvent un symbolisme religieux et allégorique lié aux objets représentés. Certaines natures mortes modernes brisent la barrière bidimensionnelle et emploient des médias mixtes tridimensionnels et utilisent des objets trouvés, des photographies, des infographies, ainsi que des vidéos et du son.
Véduta
Une veduta est une peinture très détaillée, généralement à grande échelle, représentant un paysage urbain ou une autre vue. Ce genre de paysage est originaire de Flandre, où des artistes comme Paul Bril peignaient des vedute dès le XVIe siècle. À mesure que l'itinéraire du Grand Tour devenait quelque peu standardisé, des vues de scènes familières comme le Forum Romain ou le