Qui tient une trompette sur la pochette de l'album Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band des Beatles ?
Ringo Starr
Au retour des Beatles en Angleterre, des rumeurs ont commencé à circuler selon lesquelles ils avaient décidé de se séparer. Harrison a informé Epstein qu'il quittait le groupe, mais a été persuadé de rester avec l'assurance qu'il n'y aurait plus de tournées. Le groupe a ensuite pris sept semaines de vacances, durant lesquelles ils se sont concentrés sur leurs intérêts individuels. Harrison a voyagé en Inde pendant six semaines pour étudier le sitar sous la direction de Ravi Shankar, en plus de développer son intérêt pour la philosophie hindoue. Ayant été le dernier des Beatles à admettre que leurs performances live étaient devenues vaines, Paul McCartney a collaboré avec George Martin sur la bande originale du film The Family Way. Lennon a joué dans le film Comment j'ai gagné la guerre et a assisté à des expositions d'art, comme celle à la galerie Indica où il a rencontré sa future épouse Yoko Ono. Ringo Starr a profité de cette pause pour passer plus de temps avec sa femme Maureen et son fils Zak.
Le sergent. Pepper's Lonely Hearts Club Band est le huitième album studio du groupe de rock anglais les Beatles. Sorti le 1er juin 1967, ce fut un succès commercial et critique immédiat, passant 27 semaines au sommet du classement des albums au Royaume-Uni et 15 semaines au numéro un aux États-Unis. Le magazine Time l'a déclaré "un tournant historique dans le progrès de la musique" et le New Statesman a salué l'élévation de la pop au niveau des beaux-arts. Il a remporté quatre Grammy Awards en 1968, dont celui de l'Album de l'année, le premier album rock à recevoir cet honneur.
En août 1966, les Beatles se retirèrent définitivement des tournées et entamèrent un congé de trois mois après l'enregistrement. Lors d'un vol de retour vers Londres en novembre, Paul McCartney a eu l'idée d'une chanson impliquant un groupe militaire de l'époque édouardienne qui finirait par donner l'impulsion au Sgt. Notion de poivre. Les sessions pour ce qui allait devenir le huitième album studio des Beatles ont commencé le 24 novembre au Abbey Road Studio Two avec deux compositions inspirées de leur jeunesse, "Strawberry Fields Forever" et "Penny Lane", mais sous la pression d'EMI, les chansons ont été publiées. en tant que double single face A et n'étaient pas inclus sur l'album.
En février 1967, après avoir enregistré "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", McCartney suggéra aux Beatles de sortir un album entier qui représenterait une performance du fictif Sgt. Bande de poivre. Ce groupe alter ego leur donnerait la liberté d’expérimenter musicalement. Au cours des sessions d'enregistrement, le groupe s'est efforcé d'améliorer la qualité de production de ses versions précédentes. Sachant qu'ils n'auraient pas à interpréter les morceaux en live, ils ont adopté une approche expérimentale de la composition, en écrivant des chansons telles que "With a Little Help from My Friends", "Lucy in the Sky with Diamonds" et "A Day in the Life". L'enregistrement innovant de l'album par le producteur George Martin comprenait l'application libérale du traitement du signal de mise en forme du son et l'utilisation d'un orchestre de 40 musiciens exécutant des crescendos aléatoires. L'enregistrement s'est terminé le 21 avril 1967. La pochette, représentant le groupe posant devant un tableau de célébrités et de personnages historiques, a été conçue par les artistes pop britanniques Peter Blake et Jann Haworth.
Le sergent. Pepper est considéré par les musicologues comme l'un des premiers albums concept qui a fait progresser l'utilisation de la forme étendue dans la musique populaire tout en poursuivant la maturation artistique observée sur les versions précédentes des Beatles. Il a été décrit comme l'un des premiers LP d'art rock, contribuant au développement du rock progressif, et crédité pour avoir marqué le début de l'ère de l'album. Œuvre importante du psychédélisme britannique, l'album intègre une gamme d'influences stylistiques, notamment le vaudeville, le cirque, le music-hall, l'avant-garde et la musique classique occidentale et indienne. En 2003, la Bibliothèque du Congrès a placé le Sgt. Pepper dans le National Recording Registry, honorant l'œuvre comme étant « culturellement, historiquement ou esthétiquement significative ». La même année, le magazine Rolling Stone le classe numéro un dans sa liste des « 500 plus grands albums de tous les temps ». En 2011, il s'est vendu à plus de 32 millions d'exemplaires dans le monde, ce qui en fait l'un des albums les plus vendus de l'histoire. Le professeur Kevin J. Dettmar, écrivant dans l'Oxford Encyclopedia of British Literature, l'a décrit comme « l'album rock and roll le plus important et le plus influent jamais enregistré ».
Arrière-plan
En 1966, les Beatles étaient las des performances live. Selon John Lennon, ils pourraient "envoyer quatre œuvres de cire ... et cela satisferait les foules. Les concerts des Beatles n'ont plus rien à voir avec la musique. Ce ne sont que de sanglants rites tribaux". En juin, deux jours après avoir terminé l'album Revolver, le groupe part pour une tournée qui débute en Allemagne. Alors qu'ils étaient à Hambourg, ils ont reçu un télégramme anonyme indiquant : "N'allez pas à Tokyo. Votre vie est en danger". La menace a été prise au sérieux à la lumière de la controverse entourant la tournée parmi les groupes religieux et conservateurs du Japon, avec une opposition particulière aux performances prévues des Beatles dans l'arène sacrée du Nippon Budokan. Par mesure de précaution supplémentaire, 35 000 policiers ont été mobilisés et chargés de protéger le groupe, qui a été transporté des hôtels aux salles de concert dans des véhicules blindés. Le public japonais poli et retenu a choqué le groupe, car l'absence de fans hurlants leur a permis d'entendre à quel point leurs performances live étaient devenues médiocres. Au moment où ils sont arrivés aux Philippines, où ils ont été menacés et malmenés par les citoyens pour ne pas avoir rendu visite à la Première dame Imelda Marcos, le groupe était devenu mécontent de leur manager, Brian Epstein, qui insistait sur ce qu'ils considéraient comme un travail épuisant et épuisant. itinéraire démoralisant. Après leur retour à Londres, George Harrison a répondu à une question sur leurs projets à long terme : "Nous prendrons quelques semaines pour récupérer avant d'aller nous faire tabasser par les Américains." Ses commentaires se révéleront prophétiques, car peu de temps après, les remarques de Lennon selon lesquelles les Beatles étaient "plus populaires que Jésus" ont entraîné le groupe dans une controverse et une protestation dans la Bible Belt américaine. Des excuses publiques ont apaisé les tensions, mais une misérable tournée américaine en août, marquée par des stades à moitié remplis et des performances médiocres, s'est avérée être la dernière. L'auteur Nicholas Schaffner écrit :
Au retour des Beatles en Angleterre, des rumeurs ont commencé à circuler selon lesquelles ils avaient décidé de se séparer. Harrison a informé Epstein qu'il quittait le groupe, mais a été persuadé de rester avec l'assurance qu'il n'y aurait plus de tournées. Le groupe a ensuite pris sept semaines de vacances, durant lesquelles ils se sont concentrés sur leurs intérêts individuels. Harrison a voyagé en Inde pendant six semaines pour étudier le sitar sous la direction de Ravi Shankar, en plus de développer son intérêt pour la philosophie hindoue. Ayant été le dernier des Beatles à admettre que leurs performances live étaient devenues vaines, Paul McCartney a collaboré avec George Martin sur la bande originale du film The Family Way. Lennon a joué dans le film Comment j'ai gagné la guerre et a assisté à des expositions d'art, comme celle à la galerie Indica où il a rencontré sa future épouse Yoko Ono. Ringo Starr a profité de cette pause pour passer plus de temps avec sa femme Maureen et son fils Zak.
Concept et inspiration
En novembre 1966, lors d'un vol de retour vers Londres depuis le Kenya, où il était en vacances avec le directeur de la tournée des Beatles, Mal Evans, McCartney a eu une idée de chanson qui a finalement donné l'impulsion au Sgt. Notion de poivre. Son idée impliquait un orchestre militaire de l'époque édouardienne, pour lequel Evans a inventé un nom dans le style des groupes contemporains basés à San Francisco tels que Big Brother and the Holding Company et Quicksilver Messenger Service. En février 1967, McCartney suggéra aux Beatles d'enregistrer un album entier qui représenterait une performance du groupe fictif. Ce groupe alter ego leur donnerait la liberté d’expérimenter musicalement. Il a expliqué : "Je me suis dit : ne soyons pas nous-mêmes. Développons des alter ego." Martin se souvient :
En 1966, l'intérêt croissant du musicien et chef d'orchestre américain Brian Wilson pour l'esthétique de l'enregistrement et son admiration pour Wall of Sound du producteur de disques Phil Spector et l'album Rubber Soul des Beatles ont abouti au LP Pet Sounds des Beach Boys, qui démontrait sa production. expertise et sa maîtrise de la composition et de l'arrangement. L'auteur Thomas MacFarlane attribue à cette sortie l'influence de nombreux musiciens de l'époque, McCartney en particulier chantant ses louanges et s'inspirant pour "élargir le travail des Beatles avec des sons et des textures qui ne sont généralement pas associés à la musique populaire". McCartney pensait que le fait de jouer constamment l'album rendait difficile à Lennon "d'échapper à l'influence", ajoutant: "C'est très intelligemment fait... alors nous nous en sommes inspirés et avons trouvé quelques idées." Martin a déclaré : "Sans Pet Sounds, le Sgt. Pepper ne serait jamais arrivé ... Pepper était une tentative d'égaler Pet Sounds."
Flipper! par les Mères de l'Invention a également été cité comme ayant influencé le Sgt. Poivre. Selon l'auteur Philip Norman, lors du Sgt. Sessions d'enregistrement de Pepper McCartney a déclaré à plusieurs reprises : "C'est notre Freak Out !" Le journaliste musical Chet Flippo déclare que McCartney a été inspiré pour enregistrer un album concept après avoir entendu Freak Out !, considéré comme le premier album concept rock.
Enregistrement et production
Selon le musicologue Walter Everett, le Sgt. Pepper marque le début de l'ascendant de McCartney en tant que force créatrice dominante des Beatles. Il a écrit plus de la moitié du matériel de l'album tout en affirmant un contrôle croissant sur l'enregistrement de ses compositions. Il assurera désormais la direction artistique des sorties du groupe. Les sessions débutèrent le 24 novembre 1966 au Abbey Road Studio Two, la première fois que les Beatles se réunissaient depuis septembre. Bénéficiant du luxe d'un budget d'enregistrement presque illimité, ils ont réservé des sessions ouvertes qui leur ont permis de travailler aussi tard qu'ils le souhaitaient. Ils ont commencé avec trois chansons thématiquement liées à leur enfance : « Strawberry Fields Forever », « When I'm Sixty-Four » et « Penny Lane ». La première session a vu l'introduction d'un nouvel instrument à clavier appelé Mellotron, dont les touches déclenchaient des enregistrements sur bande d'une variété d'instruments, permettant à son utilisateur de jouer des parties de clavier en utilisant ces voix. McCartney a interprété l'introduction de "Strawberry Fields Forever" en utilisant le réglage de la flûte. La production complexe du morceau impliquait l'assemblage innovant de deux prises enregistrées à des tempos et des hauteurs différents. Emerick se souvient que lors de l'enregistrement de Revolver, "nous nous étions habitués à ce qu'on nous demande de faire l'impossible, et nous savions que le mot 'non' n'existait pas dans le vocabulaire des Beatles". De l'avis de Martin, le Sgt. Pepper "est né naturellement de Revolver", marquant "une ère d'expérimentation technologique presque continue".
"Strawberry Fields Forever" et "Penny Lane" sont ensuite sortis en double face A en février 1967 après qu'EMI et Epstein aient fait pression sur Martin pour un single. Lorsqu'il n'a pas réussi à atteindre le numéro un au Royaume-Uni, les agences de presse britanniques ont émis l'hypothèse que la série de succès du groupe aurait pu prendre fin, avec des titres tels que « Les Beatles n'arrivent pas à atteindre le sommet », « Première fois en quatre ans » et « La bulle est-elle atteinte ? Éclatement?" Après sa sortie, sur l'insistance d'Epstein, les morceaux uniques n'ont pas été inclus sur le LP. Martin a décrit plus tard la décision d'abandonner ces deux chansons comme "la plus grosse erreur de ma vie professionnelle". Néanmoins, selon lui, "Strawberry Fields Forever", pour lequel lui et le groupe ont passé 55 heures d'enregistrement en studio, sans précédent, "a fixé l'agenda de tout l'album". Il a expliqué : "Ça allait être un disque ... [avec des chansons qui] ne pouvaient pas être jouées en live : elles étaient conçues pour être des productions en studio et c'était la différence." L'objectif de McCartney était de faire le meilleur album des Beatles à ce jour, déclarant : "Maintenant, notre performance est ce disque." Le 6 décembre 1966, le groupe commence à travailler sur "When I'm Sixty-Four", le premier morceau qui sera inclus sur l'album.
Le sergent. Pepper a été enregistré à l'aide d'un équipement à quatre pistes. Bien que des magnétophones à huit pistes étaient disponibles aux États-Unis, les premiers appareils n'étaient opérationnels dans les studios commerciaux de Londres qu'à la fin de 1967. Comme pour les albums précédents des Beatles, le Sgt. Les enregistrements Pepper ont largement utilisé la technique connue sous le nom de mixage par réduction, dans laquelle une à quatre pistes d'un enregistreur sont mixées et doublées sur une machine principale à quatre pistes, permettant aux ingénieurs d'Abbey Road de donner au groupe un studio multipiste virtuel. Les machines à quatre pistes Studer J37 d'EMI étaient bien adaptées au mixage par réduction, car la haute qualité des enregistrements qu'elles produisaient minimisaient l'augmentation du bruit associée au processus. Préférant ajouter sa partie de basse en dernier, McCartney avait tendance à jouer d'autres instruments lors de l'enregistrement de la piste d'accompagnement d'une chanson. Cette approche lui a donné le temps supplémentaire nécessaire pour écrire et enregistrer des lignes de basse mélodiques qui complétaient l'arrangement final de la chanson. Lors de l'enregistrement de l'orchestre pour "A Day in the Life", Martin a synchronisé un enregistreur à quatre pistes jouant la piste d'accompagnement des Beatles avec un autre enregistrant l'overdub orchestral. L'ingénieur Ken Townsend a mis au point une méthode pour y parvenir en utilisant un signal de commande de 50 Hz entre les deux machines.
Une caractéristique clé du Sgt. Pepper est l'utilisation libérale par Martin et Emerick du traitement du signal pour façonner le son de l'enregistrement, qui comprenait l'application de la compression de la plage dynamique, de la réverbération et de la limitation du signal. Des unités d'effets modulaires relativement nouvelles ont été utilisées, comme le passage de voix et d'instruments via un haut-parleur Leslie. Plusieurs techniques de production innovantes figurent en bonne place sur les enregistrements, notamment l'injection directe, le contrôle de la hauteur et l'ambiophonie. Un autre système est le double suivi automatique (ADT), un système qui utilise des magnétophones pour créer un doublement simultané d'un son. Bien qu'il soit reconnu depuis longtemps que l'utilisation d'une bande multipiste pour enregistrer des voix principales doublées produisait un son amélioré, avant ADT, il était nécessaire d'enregistrer ces pistes vocales deux fois, une tâche à la fois fastidieuse et exigeante. L'ADT a été inventé par Townsend lors des sessions Revolver en 1966 spécialement pour les Beatles, qui n'aimaient pas les sessions de tracking et exprimaient régulièrement le désir d'une solution technique au problème. Le processus est rapidement devenu une pratique d’enregistrement courante dans la musique populaire. Martin a expliqué de manière ludique à Lennon que sa voix avait été "traitée avec une bride à double éclaboussure vibrante ... Cela double votre voix, John". Lennon s'est rendu compte que Martin plaisantait, mais à partir de ce moment-là, il a qualifié cet effet de flanger, une étiquette universellement adoptée par l'industrie musicale. Un autre effet important était la vitesse variable. Martin cite "Lucy in the Sky with Diamonds" comme ayant le plus de variations de vitesse de bande sur le Sgt. Poivre. Pendant l'enregistrement de la voix de Lennon, la vitesse de la bande a été réduite de 50 cycles par seconde à 45, ce qui a produit une piste plus haute et plus fine lorsqu'elle était lue à la vitesse normale.
Dans un effort pour obtenir le bon son, les Beatles ont tenté de nombreuses reprises de "Getting Better". Lorsque la décision a été prise de réenregistrer le morceau de base, Starr a été convoqué au studio, mais a annulé peu de temps après alors que l'attention passait du rythme au suivi vocal. Pour la chanson titre de l'album, "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", l'enregistrement de la batterie de Starr a été amélioré par l'utilisation de l'amortissement et de la prise de son rapprochée. Le musicologue Ian MacDonald attribue à la nouvelle technique d'enregistrement la création d'un son « tridimensionnel » qui, avec d'autres innovations des Beatles, sera bientôt adopté par les ingénieurs américains comme pratique courante. McCartney jouait d'un piano à queue sur "A Day in the Life" et d'un orgue Lowrey sur "Lucy in the Sky with Diamonds", tandis que Martin jouait d'un Hohner Pianet sur "Getting Better", d'un clavecin sur "Fixing a Hole" et d'un harmonium. sur "Être pour le bénéfice de M. Kite!" Même si le rôle d'Harrison en tant que guitariste principal était limité pendant les sessions, Everett considère que « sa contribution à l'album est forte à plusieurs égards ». En plus de fournir du sitar sur sa composition "Within You Without You", Harrison a joué du tamboura sur plusieurs morceaux, dont "Lucy in the Sky with Diamonds" et "Getting Better".
Selon Barry Miles, Lennon n'aimait pas la direction du groupe par McCartney ainsi que le fait que, mis à part "Strawberry Fields Forever", il fournissait désormais lui-même des "chansons sur commande" plutôt que "d'écrire avec le cœur" comme il l'avait fait sur Revolver. Everett décrit Starr comme s'étant "largement ennuyé" pendant les sessions, le batteur déplorant plus tard: "Le plus grand souvenir que j'ai du Sgt. Pepper ... c'est que j'ai appris à jouer aux échecs". S'exprimant en 2000, Harrison a déclaré qu'il s'intéressait peu au concept de groupe fictif de McCartney et qu'après ses expériences en Inde, "mon cœur était toujours là-bas… Je perdais tout intérêt à être" fabuleux "à ce moment-là." Harrison a ajouté que, ayant aimé enregistrer Rubber Soul et Revolver, il n'aimait pas l'approche du groupe sur Sgt. Pepper est devenu "un processus d'assemblage" par lequel, "la plupart du temps, cela se terminait par Paul jouant du piano et Ringo gardant le tempo, et nous n'étions pas autant autorisés à jouer en tant que groupe."
Le sergent. Pepper a été le premier album pop à être masterisé sans les écarts momentanés qui sont généralement placés entre les morceaux comme point de démarcation. Il utilisait deux fondus enchaînés qui mélangeaient des chansons, donnant l'impression d'une performance live continue. Bien que les mixages stéréo et monauraux de l'album aient été préparés, les Beatles ont été très peu impliqués dans ce qu'ils considéraient comme les sessions de mixage stéréo les moins importantes, laissant la tâche à Martin et Emerick. Emerick se souvient : "Nous avons passé trois semaines sur les mixages mono et peut-être trois jours sur la stéréo." Il estime qu'ils ont passé 700 heures sur le LP, soit plus de 30 fois plus que le premier album des Beatles, Please Please Me, dont la production a coûté 400 £. Le coût final du Sgt. Pepper coûtait environ 25 000 £. L'album s'est achevé le 21 avril 1967 avec l'enregistrement de bruits et de voix aléatoires inclus dans le groove final ainsi qu'un ton aigu, inaudible aux oreilles humaines, qui pouvait être entendu par les chiens.
Musique et paroles
Le sergent. Pepper, selon le musicologue américain Allan F. Moore, est composé principalement de musique rock et pop, tandis que Michael Hannan et Naphtali Wagner pensaient tous deux qu'il s'agissait d'un album de genres variés ; Hannan a déclaré qu'il présentait « une grande variété de genres musicaux et théâtraux ». Selon Hannan et Wagner, la musique intègre les influences stylistiques du rock and roll, du vaudeville, du big band, du piano jazz, du blues, de la chambre, du cirque, du music-hall, de l'avant-garde et de la musique classique occidentale et indienne. Wagner a estimé que la musique de l'album réconcilie les « idéaux esthétiques diamétralement opposés » du classique et du psychédélisme, réalisant une « synthèse psychédélique » des deux formes.
On craint que certaines paroles de Sgt. Pepper fait référence à la consommation de drogues à des fins récréatives, ce qui a conduit la BBC à interdire plusieurs chansons de la radio britannique, telles que "A Day in the Life" à cause de la phrase "J'adorerais t'exciter", la BBC affirmant qu'elle pourrait "encourager une attitude permissive à l'égard de la consommation de drogues. Bien que Lennon et McCartney aient nié toute interprétation de la chanson liée à la drogue à l'époque, McCartney a suggéré plus tard que la phrase avait été délibérément écrite pour faire référence de manière ambiguë aux drogues illicites ou à l'activité sexuelle. La signification de "Lucy in the Sky with Diamonds" est devenue un sujet de spéculation, car beaucoup pensaient que le titre de la chanson était le code de la drogue hallucinogène LSD. La BBC a interdit la piste pour ces raisons. Ils ont également interdit « Être pour le bénéfice de M. Kite ! » à cause des paroles qui mentionnent "Henry le cheval", une phrase qui contient deux termes d'argot courants pour l'héroïne. Les fans ont spéculé qu'Henry le Cheval était un trafiquant de drogue et que "Fixing a Hole" était une référence à la consommation d'héroïne. D'autres ont noté des paroles telles que "Je me défonce" de "Avec un peu d'aide de mes amis", "prends du thé" - argot pour la consommation de cannabis - de "Lovely Rita" et "creuser les mauvaises herbes" de "Quand j'ai soixante ans". -Quatre".
L'auteur Sheila Whiteley attribue au Sgt. Pepper sous-tend la philosophie non seulement de la culture de la drogue, mais aussi de la métaphysique et de l'approche non-violente du mouvement flower power. Le musicologue Oliver Julien considère l'album comme une incarnation « des changements sociaux, musicaux et plus généralement culturels des années 1960 ». Le psychologue américain et figure de la contre-culture Timothy Leary affirme que le LP "a donné une voix au sentiment que les anciennes méthodes étaient terminées ... il est arrivé au bon moment" et a souligné la nécessité d'un changement culturel basé sur un programme pacifique. La valeur première de l'album, selon Moore, est sa capacité à « capturer, plus vivement que presque tout ce qui est contemporain, son propre temps et son propre lieu ». Whiteley est d'accord, attribuant à l'album "un instantané historique de l'Angleterre à l'approche du Summer of Love". Plusieurs chercheurs ont appliqué une stratégie herméneutique à leur analyse du Sgt. Paroles de Pepper, identifiant la perte de l'innocence et les dangers d'une consommation excessive de fantasmes ou d'illusions comme les thèmes les plus importants.
Chansons
Côté un
Le sergent. Pepper s'ouvre avec la chanson titre, commençant par 10 secondes de sons combinés d'un orchestre de fosse qui s'échauffe et d'un public attendant un concert, introduisant l'illusion de l'album comme une performance live. Le musicologue Kenneth Womack décrit les paroles comme « un moment révolutionnaire dans la vie créative des Beatles » qui comble le fossé – parfois appelé le Quatrième mur – entre le public et l'artiste. Il soutient que, paradoxalement, les paroles « illustrent la rhétorique insensée des plaisanteries des concerts de rock » tout en « se moquant de la notion même de la capacité d'un album pop à engendrer une interconnexion authentique entre l'artiste et le public ». À son avis, le message mitigé sert ironiquement à éloigner le groupe de ses fans tout en les « faisant gestes vers » comme des alter ego, une qualité d'auteur qu'il considère comme « l'élément le plus saillant de la chanson ». Il attribue l'utilisation dans l'enregistrement d'un ensemble de cuivres avec des guitares électriques déformées comme l'un des premiers exemples de fusion rock. MacDonald est d'accord, décrivant le morceau comme une ouverture plutôt qu'une chanson, et une « fusion astucieuse d'un orchestre de variétés édouardiennes » et de hard rock contemporain. Le musicologue Michael Hannan décrit le mixage stéréo peu orthodoxe du morceau comme "typique de l'album", avec la voix principale dans le haut-parleur droit pendant les couplets, mais dans le gauche pendant le refrain et le huit central. "Sgt. Pepper" a été le premier morceau des Beatles à bénéficier de la technique de production connue sous le nom d'injection directe, qui, selon Womack, "a donné à la basse de McCartney des textures plus riches et une clarté tonale". L'arrangement de la chanson utilise une progression d'accords en mode lydien orienté rock and roll pendant l'introduction et des couplets construits sur des septièmes parallèles, qu'Everett décrit comme « la force de la chanson ». Le pont de cinq mesures est rempli par un quatuor de cuivres édouardien que Martin a arrangé à partir d'une mélodie vocale de McCartney. Le morceau se tourne vers la gamme pentatonique pour le refrain, où sa progression blues rock est augmentée par l'utilisation d'accords de puissance de guitare électrique joués en quintes consécutives.
McCartney agit en tant que maître de cérémonie vers la fin du morceau "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", présentant Starr comme un alter ego nommé Billy Shears. La chanson passe ensuite à "With a Little Help from My Friends" au milieu d'un moment de joie de la foule que Martin avait enregistré lors d'un concert des Beatles au Hollywood Bowl. Womack décrit le chant principal du baryton de Starr comme « charmant et sincère » et il leur attribue un élément de « sérieux en contraste frappant avec la distance ironique de la chanson titre ». Les chœurs d'appel et de réponse de Lennon et McCartney posent à Starr des questions sur le sens de l'amitié et du véritable amour. De l'avis de MacDonald, les paroles sont « à la fois communautaires et personnelles ... rendues de manière touchante par Starr [et] considérées comme un geste d'inclusivité ; tout le monde pourrait y participer. » Womack est d'accord, identifiant la « nécessité de la communauté » comme le « principe éthique central » de la chanson, un thème qu'il attribue à l'album dans son ensemble. Everett note l'utilisation par le morceau d'une cadence double-plagale majeure qui deviendrait monnaie courante dans la musique pop après la sortie de Sgt. Poivre. Il qualifie l'arrangement d'intelligent, en particulier son inversion de la relation questions-réponses dans le couplet final, dans lequel les choristes posent des questions suggestives et Starr fournit des réponses sans équivoque. La chanson se termine sur une note vocale élevée que McCartney, Harrison et Lennon ont encouragé Starr à réaliser malgré son manque de confiance en tant que chanteur.
Malgré les soupçons largement répandus selon lesquels le titre de "Lucy in the Sky with Diamonds" contenait une référence cachée au LSD, Lennon a insisté sur le fait qu'il était dérivé d'un dessin au pastel de son fils Julian, âgé de quatre ans. Un chapitre hallucinatoire du roman de Lewis Carroll de 1871, De l'autre côté du miroir, a inspiré l'atmosphère de la chanson. McCartney confirme l'existence du dessin et l'influence de Carroll sur le morceau, notant que même si la référence apparente à la drogue dans le titre n'était pas intentionnelle, les paroles ont été délibérément écrites pour une chanson psychédélique. Le premier couplet commence par ce que Womack qualifie de « une invitation sous la forme d'un impératif » à travers le vers : « Imaginez-vous dans un bateau sur une rivière » et se poursuit avec des images imaginatives, notamment « des mandariniers », « des chevaux à bascule ». " et " taxis journaux ". Martin décrit la mélodie de l'introduction, qu'il considère comme « cruciale pour la pérennité de la chanson », comme « une gamme descendante dans la main gauche, une gamme basculante dans la droite ». À son avis, le couplet aurait pu paraître monotone sans la juxtaposition « de cette voix presque unique contre les notes d'introduction inspirées », qu'il décrit comme « hypnotisantes, convaincantes ». Selon Womack, avec la fusion des paroles de Lennon et de l'introduction à l'orgue Lowrey de McCartney, « les Beatles atteignent leur exemple le plus vivant de timbre musical ». Le musicologue Tim Riley identifie le morceau comme un moment « de l'album, [où] le monde matériel est complètement obscurci par le mythe à la fois par le texte et l'atmosphère musicale ». Selon MacDonald, « les paroles recréent explicitement l'expérience psychédélique ».
MacDonald considère que « Goetting Better » contient « la performance la plus exubérante » du Sgt. Poivre. Womack attribue au «son rock entraînant» du morceau le distinguant du matériel ouvertement psychédélique de l'album; ses paroles incitent l'auditeur « à usurper le passé en vivant bien et en s'épanouissant dans le présent ». Il le cite comme un bon exemple de l'écriture collaborative de Lennon et McCartney, en particulier l'ajout par Lennon de la phrase "ne pourrait pas être pire", qui sert de "réponse sarcastique" au refrain de McCartney: "Ça s'améliore tout le temps". McCartney décrit les paroles de Lennon comme « sardoniques » et « contre l'esprit de la chanson », qu'il qualifie de « typique de John ». MacDonald qualifie le début du morceau de "allègrement peu orthodoxe", avec deux guitares staccato - une tournée vers la gauche et une vers la droite - jouant la dominante contre la sous-dominante d'un accord de neuvième en fa majeur, le do tonique se résolvant au début du couplet. La dominante, qui fait office de bourdon, est renforcée par l'utilisation d'octaves jouées sur une guitare basse et pincées sur les cordes du piano. La ligne de basse de McCartney accentue les non-roots sur le temps fort de l'enregistrement.
Womack interprète les paroles de « Fixing a Hole » comme « la recherche d'identité du locuteur parmi la foule », en particulier les « quêtes de conscience et de connexion » qui différencient les individus de la société dans son ensemble. MacDonald le caractérise comme un « morceau distrait et introverti », au cours duquel McCartney renonce à son « design lisse habituel » au profit de « quelque chose de plus préoccupé ». Il cite le solo de guitare électrique d'Harrison comme ayant bien servi le morceau, capturant son ambiance en transmettant le détachement. McCartney s'est inspiré en partie de son travail de restauration d'une ferme écossaise. Womack note son adaptation des paroles "un trou dans le toit où la pluie s'infiltre" de "We're Gonna Move" d'Elvis Presley. La chanson traite du désir de McCartney de laisser son esprit vagabonder librement et d'exprimer sa créativité sans le fardeau d'insécurités conscientes.
Selon Everett, les paroles de « She's Leaving Home » abordent le problème de l'aliénation « entre les peuples en désaccord », en particulier ceux éloignés les uns des autres par le fossé des générations. La « narration descriptive » de McCartney, qui détaille le sort d'une « fille solitaire » qui échappe au contrôle de ses « parents égoïstes mais bien intentionnés », a été inspirée par un article sur les adolescentes en fuite publié par le Daily Mail. C'est le premier morceau de Sgt. Pepper qui évite l'utilisation de guitares et de batterie, avec un nonette à cordes avec une harpe et un dessin de comparaison avec "Yesterday" et "Eleanor Rigby", qui utilisent respectivement un quatuor à cordes et un octet. Alors que la critique de Richard Goldstein en 1967 dans le New York Times qualifie la chanson de sans intérêt, MacDonald identifie le morceau comme l'un des deux meilleurs de l'album. Moore note que les écrivains jugent l'œuvre selon des « critères opposés », Goldstein étant d'avis à l'aube de la contre-culture des années 1960 tandis que MacDonald – écrivant en 1995 – est « intensément conscient des échecs [du mouvement] ».
Lennon a adapté les paroles de "Being for the Benefit of Mr. Kite!" d'après une affiche de 1843 pour le cirque de Pablo Fanque qu'il a achetée chez un antiquaire du Kent le jour du tournage du film promotionnel de "Strawberry Fields Forever". Womack fait l'éloge du mélange réussi du morceau entre une source imprimée et de la musique : "Le pouvoir interprétatif de l'application multimédia prend son sens à travers la production musicale avec laquelle le groupe imprègne le texte Ur de l'affiche." MacDonald note la demande de Lennon d'une « production foraine où l'on pourrait sentir la sciure de bois », une atmosphère que Martin et Emerick ont ​​tenté de créer avec un collage sonore composé d'enregistrements assemblés au hasard d'harmoniums, d'harmonicas et de calliopes. MacDonald décrit la chanson comme « une expression spontanée de l'hédonisme ludique de son auteur ». Everett pense que l'utilisation de l'imagerie édouardienne par le morceau le lie thématiquement au numéro d'ouverture de l'album.
Face deux
Après que Martin ait décidé que "Only a Northern Song" n'était pas assez bon pour être inclus dans Sgt. Pepper, Harrison a écrit "Within You Without You", inspiré de la musique classique hindoustani. MacDonald décrit le morceau comme un « essai ambitieux sur la fusion interculturelle et la philosophie méditative » que la plupart des commentateurs considèrent comme ennuyeux, les critiques qualifiant la musique de manquant « d'intérêt harmonique » et les paroles de « moralisatrices... didactiques et datées ». Moore défend le recours à la mélodie au détriment de l'harmonie comme un attribut musical tout à fait approprié pour le genre. Il qualifie la réponse critique d'"extrêmement variée", notant que Goldstein identifie le morceau comme l'un des points forts de l'album et que d'autres le voient comme un résumé approprié du matériel du premier côté. MacDonald considère la chanson comme un « départ éloigné » du son des Beatles et une « réalisation remarquable » qui représente la « conscience » du LP. Womack est d'accord, le qualifiant de "sans doute l'âme éthique de l'album". Maximisant la « capacité d'expressivité » de l'enregistrement, le morceau présente un tempo rubato sans précédent dans le catalogue des Beatles. La hauteur est dérivée de l'échelle orientale de Khamaj, qui s'apparente au mode mixolydien en Occident. Le morceau se termine par un éclat de rire que certains auditeurs interprètent comme une moquerie de la chanson, mais Harrison explique : "Eh bien, après tous ces longs trucs indiens, vous voulez un léger soulagement. C'est une sortie après cinq minutes de musique triste ... De toute façon, vous étiez censé entendre le public lorsqu'il écoutait Sergeant Pepper's Show. C'était le style de l'album. » Martin a utilisé ce moment de légèreté comme transition pour ce qu'il décrit comme le « morceau plaisant » de l'album – « When I'm Sixty-Four ».
MacDonald caractérise "When I'm Sixty-Four" de McCartney comme une chanson "destinée principalement aux parents", empruntant beaucoup au style music-hall anglais de George Formby, tout en invoquant les images des "cartes postales de bord de mer" de l'illustrateur Donald McGill. Son arrangement clairsemé comprend des carillons, une clarinette et un piano. MacDonald note que le morceau reçoit un "accueil sympa" de la part de la plupart des jeunes auditeurs, et Everett le cite comme un cas du "penchant de McCartney pour le vaudeville charmant le public... que Lennon détestait". Moore caractérise la chanson comme une synthèse du ragtime et de la pop, notant que sa position après "Within You Without You" - un mélange de musique classique indienne et de pop - démontre la diversité du matériel de l'album. McCartney a demandé que les clarinettes soient arrangées "de manière classique", ce qui, selon Martin, "a contourné le facteur schmaltz caché... [et] a donné plus de mordant à la chanson, une formalité qui l'a poussée fermement vers la satire". . MacDonald note que l'inclusion de la chanson parmi le Sgt. Pepper "des textures psychédéliques multicouches ... fournissent un intermède terre-à-terre". Moore attribue à l'arrangement de la clarinette de Martin et à l'utilisation des pinceaux par Starr l'établissement de l'atmosphère du music-hall, qui est renforcée par la prestation vocale de McCartney et l'utilisation du chromatisme dans l'enregistrement, un motif harmonique qui peut être attribué à "The Ragtime Dance" et The Blue Danube de Scott Joplin. de Johann Strauss. Varispeeding a été utilisé sur la piste, augmentant la hauteur de la musique d'un demi-ton dans le but de rajeunir McCartney. Everett note que