La division de Penguin qui s'occupe des livres de science-fiction et de fantasy a débuté en 2002 avec quel nom aviaire fantastique ? (indice : Stravinsky)
Oiseau de feu
La carrière de compositeur de Stravinsky se distingue par sa diversité stylistique. Il acquiert d'abord une renommée internationale avec trois ballets commandés par l'impresario Sergueï Diaghilev et créés pour la première fois à Paris par les Ballets russes de Diaghilev : L'Oiseau de feu (1910), Petrouchka (1911) et Le Sacre du printemps (1913). Ce dernier a transformé la façon dont les compositeurs ultérieurs ont pensé la structure rythmique et a été en grande partie responsable de la réputation durable de Stravinsky en tant que révolutionnaire musical qui a repoussé les limites de la conception musicale. Sa « phase russe » qui se poursuit avec des œuvres comme Renard, L'Histoire du Soldat ou Les Noces, est suivie dans les années 1920 par une période où il se tourne vers la musique néoclassique. Les œuvres de cette période ont tendance à utiliser des formes musicales traditionnelles (concerto grosso, fugue et symphonie), en s'inspirant de styles antérieurs, notamment du XVIIIe siècle. Dans les années 1950, Stravinsky adopte des procédures en série. Ses compositions de cette période partageaient des traits avec des exemples de ses productions antérieures : l'énergie rythmique, la construction d'idées mélodiques étendues à partir de quelques cellules de deux ou trois notes et la clarté de la forme et de l'instrumentation. Stravinsky fit sensation du jour au lendemain après le succès de la première de L'Oiseau de feu à Paris le 25 juin 1910. Stravinsky a noué une relation commerciale et musicale avec la société française de fabrication de pianos Pleyel. Pleyel agissait essentiellement en tant qu'agent pour collecter les redevances mécaniques sur ses œuvres et lui fournissait un revenu mensuel et un studio au siège social dans lequel il pouvait travailler et recevoir des amis et des relations d'affaires. Aux termes de son contrat avec la compagnie, Stravinsky a accepté d'arranger (et dans une certaine mesure de recomposer) plusieurs de ses premières œuvres pour le Pleyela, la marque de piano mécanique de Pleyel. Il l'a fait d'une manière qui exploitait pleinement les quatre-vingt-huit notes du piano, sans se soucier des doigts ou des mains humaines. Les rouleaux n'ont pas été enregistrés, mais annotés à partir d'une combinaison de fragments manuscrits et de notes manuscrites de Jacques Larmanjat, directeur musical du département rouleaux de Pleyel. Parmi les compositions publiées sur les piano rolls Pleyela figurent Le Sacre du printemps, Petrouchka, L'Oiseau de feu et Le Chant du rossignol. Au cours des années 1920, Stravinsky a enregistré des rouleaux Duo-Art pour l'Aeolian Company à Londres et à New York, qui n'ont pas tous survécu. L'Oiseau de feu a été créé à l'Opéra de Paris le 25 juin 1910 par les Ballets Russes de Sergueï Diaghilev. Comme les premières œuvres d'étudiants de Stravinsky, L'Oiseau de feu continue de s'inspirer de Rimski-Korsakov non seulement dans son orchestration, mais aussi dans sa structure globale, son organisation harmonique et son contenu mélodique.
Igor Fiodorovitch Stravinsky (parfois orthographié Strawinski, Strawinsky ou Stravinskii ; ; - 6 avril 1971) était un compositeur, pianiste et chef d'orchestre russo-français-américain. Il est largement considéré comme l’un des compositeurs les plus importants et les plus influents du XXe siècle.
La carrière de compositeur de Stravinsky se distingue par sa diversité stylistique. Il acquiert d'abord une renommée internationale avec trois ballets commandés par l'impresario Sergueï Diaghilev et créés pour la première fois à Paris par les Ballets russes de Diaghilev : L'Oiseau de feu (1910), Petrouchka (1911) et Le Sacre du printemps (1913). Ce dernier a transformé la façon dont les compositeurs ultérieurs ont pensé la structure rythmique et a été en grande partie responsable de la réputation durable de Stravinsky en tant que révolutionnaire musical qui a repoussé les limites de la conception musicale. Sa « phase russe » qui se poursuit avec des œuvres comme Renard, L'Histoire du Soldat ou Les Noces, est suivie dans les années 1920 par une période où il se tourne vers la musique néoclassique. Les œuvres de cette période ont tendance à utiliser des formes musicales traditionnelles (concerto grosso, fugue et symphonie), en s'inspirant de styles antérieurs, notamment du XVIIIe siècle. Dans les années 1950, Stravinsky adopte des procédures en série. Ses compositions de cette période partageaient des traits avec des exemples de ses productions antérieures : l'énergie rythmique, la construction d'idées mélodiques étendues à partir de quelques cellules de deux ou trois notes et la clarté de la forme et de l'instrumentation.
Biographie
Première vie dans l'Empire russe
Stravinsky est né le 17 juin 1882 à Oranienbaum, une banlieue de Saint-Pétersbourg, la capitale impériale russe, et a grandi à Saint-Pétersbourg. Ses parents étaient Fiodor Stravinsky, chanteur basse au Théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg, et Anna (née Kholodovsky). Son arrière-arrière-grand-père, Stanisław Strawiński, était d'origine noble polonaise, de la famille Strawiński de Sulima. Selon Igor Stravinsky, le nom « Stravinsky » proviendrait de « Strava », une petite rivière de l'est de la Pologne, affluent de la Vistule. Sa famille s'appelait à l'origine Soulima-Stravinsky et était propriétaire foncier dans l'est de la Pologne aussi loin que l'on puisse retracer. Après que la Russie ait annexé cette partie de la Pologne, la Soulima fut abandonnée et, sous le règne de Catherine la Grande, la famille s'installa en Russie. Il a rappelé ses années d'école comme étant solitaires, déclarant plus tard que "je n'ai jamais rencontré quelqu'un qui avait une réelle attirance pour moi". Stravinsky a commencé les cours de piano dès son plus jeune âge, étudiant le solfège et s'essayant à la composition. En 1890, il assiste à une représentation du ballet La Belle au bois dormant de Tchaïkovski au Théâtre Mariinsky. À l'âge de quinze ans, il maîtrisait le Concerto pour piano en sol mineur de Mendelssohn et terminait une réduction pour piano d'un quatuor à cordes de Glazounov, qui aurait considéré Stravinsky comme peu musical et ne pensait pas à ses compétences.
Malgré son enthousiasme pour la musique, ses parents s'attendaient à ce qu'il étudie le droit. Stravinsky s'inscrit à l'Université de Saint-Pétersbourg en 1901, mais il assiste à moins de cinquante séances de cours au cours de ses quatre années d'études. Au cours de l'été 1902, Stravinsky séjourna avec le compositeur Nikolai Rimsky-Korsakov et sa famille dans la ville allemande de Heidelberg, où Rimsky-Korsakov, sans doute le principal compositeur russe de l'époque, suggéra à Stravinsky de ne pas entrer au Conservatoire de Saint-Pétersbourg. mais étudie plutôt la composition en prenant des cours particuliers, en grande partie à cause de son âge. Le père de Stravinsky mourut d'un cancer cette année-là, alors que son fils avait déjà commencé à consacrer plus de temps à ses études musicales qu'à ses études de droit. L'université fut fermée pendant deux mois en 1905 à la suite du Dimanche sanglant : Stravinsky fut empêché de passer ses examens finaux de droit et reçut plus tard un diplôme de demi-cours en avril 1906. Il se concentra ensuite sur l'étude de la musique. En 1905, il commença à suivre des cours particuliers deux fois par semaine auprès de Rimski-Korsakov, qu'il en vint à considérer comme son deuxième père. Ces leçons se poursuivirent jusqu'à la mort de Rimski-Korsakov en 1908.
En 1905, Stravinsky était fiancé à sa cousine Ekaterina Gavrilovna Nosenko (appelée « Katya »), qu'il connaissait depuis la petite enfance. Malgré l'opposition de l'Église orthodoxe au mariage entre cousins ​​germains, le couple se maria le 23 janvier 1906 : leurs deux premiers enfants, Fiodor (Théodore) et Ludmila, naquirent respectivement en 1907 et 1908.
En février 1909, deux œuvres orchestrales, le et (Feux d'artifice) furent jouées lors d'un concert à Saint-Pétersbourg, où elles furent entendues par Sergueï Diaghilev, qui participait à l'époque à la planification de la présentation de l'opéra et du ballet russes à Paris. Diaghilev fut suffisamment impressionné par Fireworks pour charger Stravinsky de réaliser quelques orchestrations puis de composer une partition de ballet complète, The Firebird.
La vie en Suisse
Stravinsky fit sensation du jour au lendemain après le succès de la première de L'Oiseau de feu à Paris le 25 juin 1910.
Le compositeur s'était rendu début juin depuis sa propriété d'Ustilug, en Ukraine, à Paris pour assister aux dernières répétitions et à la première de The Firebird. Sa famille le rejoint avant la fin de la saison de ballet et ils décident de rester quelque temps en Occident, car sa femme attend leur troisième enfant. Après avoir passé l'été à La Baule, en Bretagne, ils s'installent en Suisse début septembre. Le 23, leur deuxième fils Sviatoslav Soulima est né dans une maternité de Lausanne ; à la fin du mois, ils s'installent à Clarens.
Au cours des quatre années suivantes, Stravinsky et sa famille vécurent en Russie pendant les mois d'été et passèrent chaque hiver en Suisse. Durant cette période, Stravinsky compose deux autres œuvres pour les Ballets Russes : Petrouchka (1911) et Le Sacre du printemps (Le Sacre du printemps ; 1913).
Peu de temps après la première du Sacre du Printemps, Stravinsky contracta la typhoïde en mangeant de mauvaises huîtres et fut confiné dans une maison de retraite parisienne, ne pouvant partir pour Ustilug que le 11 juillet.
Pendant le reste de l'été, Stravinsky s'est concentré sur l'achèvement de son premier opéra, Le Rossignol (généralement connu sous son titre français Le Rossignol), qu'il avait commencé en 1908 (c'est-à-dire avant son association avec les Ballets Russes). L'œuvre avait été commandée par le Théâtre libre de Moscou pour la somme modique de 10 000 roubles.
La famille Stravinsky rentre en Suisse (comme d'habitude) à l'automne 1913. Le 15 janvier 1914, un quatrième enfant, Marie Milène (ou Maria Milena), naît à Lausanne. Après son accouchement, Katya a été découverte atteinte de tuberculose et confinée au sanatorium de Leysin, dans les Alpes. Igor et la famille s'installent à proximité et il y achève Le Rossignol le 28 mars.
En avril, ils ont enfin pu regagner Clarens. Le Théâtre libre de Moscou avait alors fait faillite. En conséquence, Le Rossignol est créé sous les auspices de Diaghilev à l'Opéra de Paris le 26 mai 1914, avec des décors et des costumes conçus par Alexandre Benois. Le Rossignol n'a connu qu'un succès mitigé auprès du public et de la critique, apparemment parce que sa délicatesse ne répondait pas à leurs attentes à l'égard du compositeur du Sacre du Printemps. Cependant, des compositeurs tels que Maurice Ravel, Béla Bartók et Reynaldo Hahn ont trouvé beaucoup à admirer dans la qualité de la partition, alléguant même avoir détecté l'influence d'Arnold Schoenberg.
En juillet, alors que la guerre menace, Stravinsky fait un petit voyage à Ustilug pour récupérer ses effets personnels, notamment ses œuvres de référence sur la musique folklorique russe. Il est revenu en Suisse juste avant la fermeture des frontières nationales après le déclenchement de la Première Guerre mondiale. La guerre et la révolution russe qui a suivi ont rendu impossible pour Stravinsky de retourner dans son pays natal et il n'a remis les pieds sur le sol russe qu'en octobre 1962.
En juin 1915, Stravinsky et sa famille déménagent de Clarens à Morges, une ville située à 10 km au sud-ouest de Lausanne, au bord du lac Léman. La famille continue d'y résider (à trois adresses différentes) jusqu'en 1920.
Stravinsky connut des difficultés financières pendant cette période. La Russie (et son successeur, l'URSS) n'a pas adhéré à la Convention de Berne, ce qui a créé des problèmes à Stravinsky lors de la collecte des redevances pour les interprétations de toutes ses compositions des Ballets Russes. Stravinsky a blâmé Diaghilev pour ses problèmes financiers, l'accusant de ne pas avoir respecté les termes du contrat qu'ils avaient signé. Il a contacté le philanthrope suisse Werner Reinhart pour obtenir une aide financière alors qu'il écrivait l'Histoire du soldat. Reinhart a parrainé et en grande partie financé sa première représentation, dirigée par Ernest Ansermet le 28 septembre 1918 au Théâtre Municipal de Lausanne. En remerciement, Stravinsky dédia l'œuvre à Reinhart et lui remit le manuscrit original. Reinhart soutient encore davantage Stravinsky lorsqu'il finance une série de concerts de sa musique de chambre en 1919 : il s'agit notamment d'une suite de l'Histoire du soldat arrangée pour violon, piano et clarinette, créée le 8 novembre 1919 à Lausanne. En remerciement envers son bienfaiteur, Stravinsky dédia également ses Trois Pièces pour Clarinette (octobre-novembre 1918) à Reinhart, qui était un excellent clarinettiste amateur.
La vie en France
Après la première de Pulcinella par les Ballets Russes à Paris le 15 mai 1920, Stravinsky rentre en Suisse. Le 8 juin, toute la famille quitte Morges pour la dernière fois et s'installe pour l'été dans le village de pêcheurs de Carantec en Bretagne tout en cherchant également une nouvelle maison à Paris. Ayant entendu parler de leur dilemme, la couturière Coco Chanel a invité Stravinsky et sa famille à résider dans son nouveau manoir « Bel Respiro » dans la banlieue parisienne de Garches jusqu'à ce qu'ils trouvent une résidence plus convenable ; ils sont arrivés au cours de la deuxième semaine de septembre. Dans le même temps, Chanel a également garanti la nouvelle production (décembre 1920) des Ballets Russes du Sacre du Printemps de Stravinsky avec un don anonyme à Diaghilev, estimé à 300 000 francs.
Stravinsky a noué une relation commerciale et musicale avec la société française de fabrication de pianos Pleyel. Pleyel agissait essentiellement en tant qu'agent pour collecter les redevances mécaniques sur ses œuvres et lui fournissait un revenu mensuel et un studio au siège social dans lequel il pouvait travailler et recevoir des amis et des relations d'affaires. Aux termes de son contrat avec la compagnie, Stravinsky a accepté d'arranger (et dans une certaine mesure de recomposer) plusieurs de ses premières œuvres pour le Pleyela, la marque de piano mécanique de Pleyel. Il l'a fait d'une manière qui exploitait pleinement les quatre-vingt-huit notes du piano, sans se soucier des doigts ou des mains humaines. Les rouleaux n'ont pas été enregistrés, mais annotés à partir d'une combinaison de fragments manuscrits et de notes manuscrites de Jacques Larmanjat, directeur musical du département rouleaux de Pleyel. Parmi les compositions publiées sur les piano rolls Pleyela figurent Le Sacre du printemps, Petrouchka, L'Oiseau de feu et Le Chant du rossignol. Au cours des années 1920, Stravinsky a enregistré des rouleaux Duo-Art pour l'Aeolian Company à Londres et à New York, qui n'ont pas tous survécu.
Le mécénat n'était jamais loin. Au début des années 1920, Léopold Stokowski apporta un soutien régulier à Stravinsky par l'intermédiaire d'un « bienfaiteur » pseudonyme.
Stravinsky rencontre Vera de Bosset à Paris en février 1921, alors qu'elle est mariée au peintre et scénographe Serge Sudeikin, et ils entament une liaison qui conduit Vera à quitter son mari.
En mai 1921, Stravinsky et sa famille s'installent à Anglet, près de Biarritz, dans le sud-ouest de la France. Depuis lors, jusqu'à la mort de sa femme en 1939, Stravinsky mène une double vie, partageant son temps entre sa famille à Anglet et Vera à Paris et en tournée. Katya aurait supporté l'infidélité de son mari « avec un mélange de magnanimité, d'amertume et de compassion ».
En septembre 1924, Stravinsky achète « une maison chère » à Nice : la Villa des Roses.
Les Stravinsky deviennent citoyens français en 1934 et s'installent rue du Faubourg Saint-Honoré à Paris. Stravinsky se souviendra plus tard de ce dernier discours européen comme de son plus malheureux, car la tuberculose de sa femme l'a infecté ainsi que sa fille aînée Ludmila, décédée en 1938. Katya, avec qui il était marié depuis 33 ans, est décédée de la tuberculose un an plus tard, en mars. 1939. Stravinsky lui-même passe cinq mois à l’hôpital, période pendant laquelle sa mère décède. Au cours de ses dernières années à Paris, Stravinsky avait développé des relations professionnelles avec des personnalités clés aux États-Unis : il travaillait déjà sur sa Symphonie en do pour l'Orchestre symphonique de Chicago et il avait accepté de donner les prestigieuses conférences Charles Eliot Norton à l'Université Harvard pendant l'année universitaire 1939-1940.
La vie aux États-Unis
Malgré le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale le 1er septembre 1939, Stravinsky, veuf, s'embarqua (seul) pour les États-Unis à la fin du mois, arrivant à New York et de là à Cambridge, Massachusetts, pour remplir son engagement à Harvard. Vera le suivit en janvier et ils se marièrent à Bedford, Massachusetts, le 9 mars 1940.
Stravinsky s'installe à West Hollywood. Il a passé plus de temps à Los Angeles que dans toute autre ville. Il est devenu citoyen américain naturalisé en 1945.
Stravinsky s'était adapté à la vie en France, mais déménager en Amérique à l'âge de 57 ans était une perspective très différente. Pendant un certain temps, il a entretenu un cercle de contacts et d'amis émigrés de Russie, mais il a finalement constaté que cela ne soutenait pas sa vie intellectuelle et professionnelle. Il a été attiré par la vie culturelle croissante de Los Angeles, en particulier pendant la Seconde Guerre mondiale, lorsque de nombreux écrivains, musiciens, compositeurs et chefs d'orchestre se sont installés dans la région : parmi eux Otto Klemperer, Thomas Mann, Franz Werfel, George Balanchine et Arthur Rubinstein. Bernard Holland affirmait que Stravinsky aimait particulièrement les écrivains britanniques, qui lui rendaient visite à Beverly Hills, "comme W. H. Auden, Christopher Isherwood, Dylan Thomas. Ils partageaient le goût du compositeur pour les esprits durs - en particulier Aldous Huxley, avec qui Stravinsky parlait en français". Stravinsky et Huxley avaient pour tradition de déjeuners le samedi pour les avant-gardistes et les sommités de la côte ouest.
L'accord de septième dominante non conventionnel de Stravinsky dans son arrangement de "The Star-Spangled Banner" a conduit à un incident avec la police de Boston le 15 janvier 1944, et il a été averti que les autorités pourraient imposer une amende de 100 $ à tout "réarrangement de l'hymne national en en tout ou en partie". Il s’est avéré que la police avait tort. La loi en question interdisait simplement d'utiliser l'hymne national « comme musique de danse, comme marche de sortie ou comme partie d'un medley de quelque nature que ce soit », mais l'incident s'est rapidement imposé comme un mythe, dans lequel Stravinsky aurait été arrêté, détenu en garde à vue pendant plusieurs nuits et photographié pour les archives de la police.
La vie professionnelle de Stravinsky a couvert la majeure partie du XXe siècle, y compris de nombreux styles de musique classique moderne, et il a influencé les compositeurs pendant et après sa vie. En 1959, il reçoit le Sonning Award, la plus haute distinction musicale du Danemark. En 1962, il accepte une invitation à revenir à Leningrad pour une série de concerts. Durant son séjour en URSS, il visite Moscou et rencontre plusieurs compositeurs soviétiques de premier plan, dont Dmitri Chostakovitch et Aram Khachaturian.
En 1969, Stravinsky s'installe à l'Essex House à New York, où il vécut jusqu'à sa mort en 1971 à l'âge de 88 ans d'une insuffisance cardiaque. Il a été enterré à San Michele, près de la tombe de Sergueï Diaghilev.
Il a une étoile sur le Hollywood Walk of Fame et en 1987, il a reçu à titre posthume le Grammy Award pour l'ensemble de sa carrière. Il a été intronisé à titre posthume au Temple de la renommée M. et Mme Cornelius Vanderbilt Whitney du National Museum of Dance en 2004.
Musique
La production de Stravinsky est généralement divisée en trois périodes de style général : une période russe, une période néoclassique et une période sérielle.
Période russe (vers 1907-1919)
Hormis quelques œuvres antérieures survivantes, la période russe de Stravinsky a commencé avec des compositions entreprises sous la tutelle de Nikolai Rimsky-Korsakov, avec qui il a étudié de 1905 jusqu'à la mort de Rimsky en 1908, y compris les œuvres pour orchestre : Symphonie en mi bémol majeur (1907). ), Faune et Bergère (pour mezzo-soprano et orchestre ; 1907), Scherzo fantastique (1908) et Feu d'artifice (1908/9). Ces œuvres révèlent clairement l'influence de Rimski-Korsakov, mais comme l'a montré Richard Taruskin, elles révèlent également la connaissance de Stravinsky de la musique de Glazounov, Taneyev, Tchaïkovski, Wagner, Dvořák et Debussy, entre autres.
Les représentations à Saint-Pétersbourg de Scherzo fantastique et Feu d'artifice ont attiré l'attention de Sergueï Diaghilev, qui a chargé Stravinsky d'orchestrer deux œuvres pour piano de Chopin pour le ballet Les Sylphides qui sera présenté dans la première "Saison Russe" de 1909 de son nouveau ballet. entreprise.
L'Oiseau de feu a été créé à l'Opéra de Paris le 25 juin 1910 par les Ballets Russes de Sergueï Diaghilev. Comme les premières œuvres d'étudiants de Stravinsky, L'Oiseau de feu continue de s'inspirer de Rimski-Korsakov non seulement dans son orchestration, mais aussi dans sa structure globale, son organisation harmonique et son contenu mélodique.
Selon Taruskin, c'est dans le deuxième ballet de Stravinsky pour le Ballet russe, Petrouchka, que « Stravinsky est enfin devenu Stravinsky ».
La musique elle-même utilise de manière significative un certain nombre d'airs folkloriques russes en plus de deux valses du compositeur viennois Joseph Lanner et d'un air de music-hall français (La Jambe en bois ou The Wooden Leg).
En avril 1915, Stravinsky reçut une commande de Winnaretta Singer (Princesse Edmond de Polignac) pour une œuvre théâtrale à petite échelle à jouer dans son salon parisien. Le résultat fut Renard (1916), qu'il appelait « Un burlesque en chant et en danse ». Renard constitue la première aventure de Stravinsky dans le théâtre expérimental : la préface du compositeur à la partition précise une scène sur tréteaux sur laquelle tous les interprètes (y compris les instrumentistes) devaient apparaître simultanément et continuellement.
Période néoclassique (vers 1920-1954)
Apollon (1928), Perséphone (1933) et Orphée (1947) illustrent non seulement le retour de Stravinsky à la musique de la période classique, mais aussi son exploration de thèmes du monde classique antique, comme la mythologie grecque. Les œuvres importantes de cette période comprennent l'Octuor (1923), le Concerto pour piano et vents (1924) et la Sérénade en la (1925). En 1951, il achève sa dernière œuvre néoclassique, l'opéra The Rake's Progress, sur un livret de W. H. Auden et Chester Kallman basé sur les gravures de William Hogarth. Il a été créé à Venise cette année-là et a été produit dans toute l'Europe l'année suivante, avant d'être mis en scène au New York Metropolitan Opera en 1953. Il a été mis en scène par l'Opéra de Santa Fe lors d'un festival Stravinsky en 1962 en l'honneur du 80e anniversaire du compositeur et a été relancé. par le Metropolitan Opera en 1997.
Période de série (1954-1968)
Dans les années 1950, Stravinsky a commencé à utiliser des techniques de composition en série telles que la dodécaphonie, la technique dodécaphonique initialement conçue par Arnold Schoenberg. Il expérimente d'abord des techniques sérielles non dodécaphoniques dans des œuvres vocales et de chambre à petite échelle telles que la Cantate (1952), le Septuor (1953) et Three Songs from Shakespeare (1953). La première de ses compositions entièrement basée sur de telles techniques fut In Memoriam Dylan Thomas (1954). Agon (1954-1957) fut la première de ses œuvres à inclure une série de douze tons et (1955) fut la première pièce à contenir un mouvement entièrement basé sur une rangée de tons. Stravinsky a élargi son utilisation de la dodécaphonie dans des œuvres telles que Threni (1958) et A Sermon, a Narrative and a Prayer (1961), qui sont basées sur des textes bibliques, et The Flood (1962), qui mélange de brefs textes bibliques du Livre de Genèse avec des passages des Mystery Plays de York et Chester.
Innovation et influence
Stravinsky a été qualifié de "l'un des innovateurs véritablement historiques de la musique". L'aspect le plus important de l'œuvre de Stravinsky, outre ses innovations techniques (notamment en matière de rythme et d'harmonie), est le « visage changeant » de son style de composition tout en « conservant toujours une identité distinctive et essentielle ».
L'utilisation par Stravinsky du développement motivique (l'utilisation de figures musicales répétées sous différentes formes tout au long d'une composition ou d'une section d'une composition) comprenait un développement motivique additif. C'est là que les notes sont soustraites ou ajoutées à un motif sans tenir compte des changements de mesure qui en résultent. Une technique similaire peut être trouvée dès le XVIe siècle, par exemple dans la musique de Cipriano de Rore, Orlandus Lassus, Carlo Gesualdo et Giovanni de Macque, musique avec laquelle Stravinsky montrait une grande familiarité.
Le Sacre du Printemps se distingue par son utilisation incessante de l'ostinati, par exemple dans l'ostinato en croches sur cordes accentuées par huit cors dans la section « Augures du printemps (Danses des jeunes filles) ». L’œuvre contient également des passages où plusieurs ostinati s’affrontent. Stravinsky était connu pour son utilisation distinctive du rythme, notamment dans Le Sacre du Printemps. Selon le compositeur Philip Glass, « l'idée de pousser les rythmes au-delà des lignes de mesure [...] a ouvert la voie [...]. La structure rythmique de la musique est devenue beaucoup plus fluide et d'une certaine manière spontanée ». Glass mentionne « la pulsion rythmique primitive et décalée » de Stravinsky. Selon Andrew J. Browne, « Stravinsky est peut-être le seul compositeur qui ait élevé le rythme en lui-même à la dignité de l'art ». Le rythme et la vitalité de Stravinsky ont grandement influencé le compositeur Aaron Copland. Programme de la BBC Radio 3, "Discovering Music"] vers 33h30.
Au cours de sa carrière, Stravinsky a fait appel à une grande variété de forces orchestrales, instrumentales et vocales, allant d'un seul instrument dans des œuvres telles que Trois pièces pour clarinette (1918) ou Élégie pour alto solo (1944) jusqu'à l'énorme orchestre de Le Sacre du printemps (Le Sacre du printemps; 1913) qu'Aaron Copland a qualifié de « la plus grande réalisation orchestrale du XXe siècle ».
La création par Stravinsky d’ensembles uniques et idiosyncrasiques découlant de la nature musicale spécifique d’œuvres individuelles est un élément fondamental de son style.
Suivant le modèle de son professeur Nikolaï Rimski-Korsakov, les œuvres d'élèves de Stravinsky telles que la Symphonie en mi bémol, opus 1 (1907), le Scherzo fantastique, opus 3 (1908), et Feux d'artifice (Feu d'artifice), opus 4 (1908), font appel à de grandes forces orchestrales. Cela n’a rien d’étonnant, car les œuvres étaient autant des exercices d’orchestration que de composition.
La Symphonie, par exemple, fait appel à 3 flûtes (3e double piccolo) ; 2 hautbois ; 3 clarinettes en si bémol ; 2 bassons ; 4 cors en fa ; 3 trompettes en si bémol ; 3 trombones, tuba, timbales, grosse caisse, triangle, cymbales et cordes. Le Scherzo fantastique réclame un orchestre légèrement plus grand mais omet complètement les trombones : telle fut la réponse de Stravinsky aux critiques de Rimsky concernant leur utilisation excessive dans la Symphonie.
Les trois ballets composés pour les Ballets Russes de Diaghilev font appel à des orchestres particulièrement nombreux. Le Firebird (1910) nécessite des vents à quatre, 4 cors, 3 trompettes (en la), 3 trombones, tuba, célesta, 3 harpes, piano et cordes. La section de percussions fait appel à des timbales, une grosse caisse, des cymbales, un triangle, un tambourin, un tamtam, des cloches tubulaires, un glockenspiel et un xylophone. De plus, la version originale nécessite 3 trompettes sur scène et 4 tubas Wagner sur scène (2 ténor et 2 basses).
La version originale de Petrouchka (1911) fait appel à un orchestre similaire (sans cuivres sur scène, mais avec l'ajout d'une caisse claire sur scène). Le rôle particulièrement important du piano est le résultat de l'origine de la musique en tant que Konzertstück pour piano et orchestre.
Le Sacre du Printemps (1913) fait appel au plus grand orchestre jamais employé par Stravinsky : piccolo, 3 flûtes (3e double 2e piccolo), flûte alto, 4 hautbois (4e double 2e cor anglais), cor anglais, clarinette piccolo en D/E, 3 clarinettes (3e double 2e clarinette basse), clarinette basse, clarinette piccolo, 4 bassons (4e double 2e contrebasson), contrebasson, 8 cors (7e et 8e doubles tubas Wagner ténor), trompette piccolo en ré, 4 trompettes en do (4e trompette contrebasse en mi bémol), 3 trombones (2 ténor, 1 basse), 2 tubas. Les percussions comprennent 5 timbales (2 joueurs), une grosse caisse, un tamtam, un triangle, un tambourin, des cymbales, des cymbales antiques, un guiro et des cordes. (Le piano, le célesta et la harpe ne sont pas inclus.)
Personnalité
Stravinsky affichait un goût large pour la littérature et reflétait son désir constant de nouvelles découvertes. Les textes et sources littéraires de son œuvre ont commencé par une période d'intérêt pour le folklore russe, qui a progressé vers les auteurs classiques et la liturgie latine et s'est étendu à la France contemporaine (André Gide, dans Perséphone) et finalement à la littérature anglaise, notamment Auden, T. S. Eliot. et le vers anglais médiéval. Il avait également un désir inépuisable d’explorer et d’apprendre l’art, qui s’est manifesté dans plusieurs de ses collaborations parisiennes. Non seulement il fut le principal compositeur des Ballets Russes de Diaghilev, mais il collabora également avec Picasso (Pulcinella, 1920), Jean Cocteau (, 1927) et George Balanchine (, 1928). Son intérêt pour l’art l’a poussé à développer une relation forte avec Picasso, qu’il a rencontré en 1917, annonçant que « dans un tourbillon d’enthousiasme et d’excitation artistiques, j’ai enfin rencontré Picasso ». De 1917 à 1920, les deux hommes se sont engagés dans un dialogue artistique dans lequel ils ont échangé des œuvres d'art à petite échelle en signe d'intimité, parmi lesquelles le célèbre portrait de Stravinsky par Picasso et "Esquisse de musique pour clarinette" de Stravinsky. ". Cet échange était essentiel pour établir comment les artistes aborderaient leur espace collaboratif à Pulcinella.
Selon Robert Craft, Stravinsky est resté un monarchiste confirmé tout au long de sa vie et a détesté les bolcheviks dès le début. En 1930, il déclarait : « Je ne crois pas que quiconque vénère Mussolini plus que moi... Je connais de nombreux personnages élevés et mon esprit d'artiste ne recule pas devant les questions politiques et sociales. Eh bien, après avoir vu tant d'événements et tant d'hommes plus ou moins représentatifs, j'ai une irrésistible envie de rendre hommage à votre Duce. Il est le sauveur de l'Italie et – espérons-le – de l'Europe. Plus tard, après une audience privée avec Mussolini, il ajouta : « À moins que mes oreilles ne me trompent, la voix de Rome est la voix du Duce. Je lui ai dit que je me sentais moi-même fasciste... Bien que je sois extrêmement occupé, Mussolini m'a fait le grand honneur de converser avec moi pendant trois quarts d'heure. Nous avons parlé de musique, d'art et de politique". Lorsque les nazis inscrivirent les œuvres de Stravinsky sur la liste de "Entartete Musik", il fit un appel formel pour établir sa généalogie russe et déclara : "Je déteste tout le communisme, le marxisme, l'exécrable monstre soviétique, mais aussi tout le libéralisme, le démocratisme, l'athéisme, etc." Vers la fin de sa vie, à la demande de Craft, Stravinsky retourna dans son pays natal et composa une cantate en hébreu, se rendant en Israël pour l'exécuter.
Stravinsky s'est montré habile à jouer le rôle d'un « homme du monde », acquérant un sens aigu des affaires et apparaissant détendu et à l'aise en public. Sa brillante carrière de pianiste et de chef d'orchestre l'a conduit dans de nombreuses grandes villes du monde, notamment Paris, Venise, Berlin, Londres, Amsterdam et New York, et il était connu pour son attitude polie, courtoise et serviable. Stravinsky était réputé pour être un coureur de jupons et aurait eu des relations avec des partenaires de premier plan, tels que Coco Chanel. Il n'en a jamais parlé lui-même, mais Chanel a longuement parlé de cette prétendue liaison à son biographe Paul Morand en 1946 ; la conversation a été publiée trente ans plus tard. L'exactitude des affirmations de Chanel a été contestée à la fois par la veuve de Stravinsky, Vera, et par Craft. La maison de couture Chanel affirme qu'il n'y a aucune preuve qu'une liaison entre Chanel et Stravinsky ait jamais eu lieu. Une fictionnalisation de la prétendue liaison a constitué la base du roman Coco et Igor (2002) et d'un film, Coco Chanel & Igor Stravinsky (2009). Malgré ces prétendues liaisons, Stravinsky était considéré comme un père de famille et dévoué à ses enfants.
Religion
Stravinsky fut un fervent membre de l'Église orthodoxe russe pendant la majeure partie de sa vie, remarquant à un moment donné que « la musique loue Dieu. La musique est bien, sinon mieux, capable de le louer que la construction de l'église et toute sa décoration ; Le plus grand ornement de l'Église".
Même si Stravinsky ne parlait pas franchement de sa foi, il fut un homme profondément religieux à certaines périodes de sa vie. Enfant, il a été élevé par ses parents dans l'Église orthodoxe russe. Baptisé à la naissance, il s'est ensuite rebellé contre l'Église et l'a abandonnée à l'âge de quatorze ou quinze ans. Tout au long de sa carrière, il s'est éloigné du christianisme et ce n'est qu'au début de la quarantaine qu'il a connu une crise spirituelle. Après s'être lié d'amitié avec un prêtre orthodoxe russe, le père Nicolas, après son installation à Nice en 1924, il renoue avec sa foi. Il a rejoint l’Église orthodoxe russe et est ensuite resté un chrétien engagé. Robert Craft a noté que Stravinsky priait quotidiennement, avant et après avoir composé, et priait également face à des difficultés. Vers la fin de sa vie, il ne pouvait plus assister aux offices religieux. Vers la fin des années soixante-dix, Stravinsky disait : « Je ne peux pas aujourd'hui évaluer les événements qui, à la fin de ces trente années, m'ont fait découvrir la nécessité de la croyance religieuse. Je n’ai pas été motivé sur ma disposition. Bien que j'admire la pensée structurée de la théologie (la preuve d'Anselme dans le Fides Quaerens Intellectum, par exemple), elle n'est pas plus pour la religion que les exercices de contrepoint ne le sont pour la musique. Je ne crois pas aux ponts de raison ni même à aucune forme d’extrapolation en matière religieuse. ... Je peux cependant dire que quelques années avant ma véritable "conversion", un état d'esprit d'acceptation avait été cultivé en moi par la lecture des Évangiles et d'autres écrits religieux.
Réception
Si l'intention déclarée de Stravinsky était « de les envoyer tous en enfer », alors il a peut-être qualifié la première du Sacre du printemps de 1913 de succès : il s'agit d'une célèbre émeute de musique classique et Stravinsky y a fait référence à plusieurs reprises dans son autobiographie comme un '. Des bagarres ont été signalées dans le public et la nécessité d'une présence policière pendant le deuxième acte. L'ampleur réelle du tumulte est sujette à débat et les rapports peuvent être apocryphes.
Stravinsky a été désigné par le magazine Time comme l'une des 100 personnalités les plus influentes du siècle. En plus de la reconnaissance qu'il a reçue pour ses compositions, il s'est fait connaître en tant que pianiste et chef d'orchestre, souvent lors des premières de ses œuvres. En 1923, Erik Satie écrit un article sur Igor Stravinsky dans Vanity Fair.
Satie avait rencontré Stravinsky pour la première fois en 1910. Dans l'article publié, Satie affirmait que mesurer la « grandeur » d'un artiste en le comparant à d'autres artistes, comme s'il s'agissait de parler d'une « vérité », est illusoire et que chaque morceau de la musique doit être jugée selon ses propres mérites et non en la comparant aux standards d’autres compositeurs. C’est exactement ce qu’a fait Jean Cocteau lorsqu’il a commenté de manière désobligeante Stravinsky dans son livre de 1918, .
Selon The Musical Times en 1923 :
Tous les signes indiquent une forte réaction contre le cauchemar du bruit et de l'excentricité qui fut un des héritages de la guerre... Que sont devenues (par exemple) les œuvres qui composaient le programme du concert de Stravinsky qui a créé une telle émotion ? remuer il y a quelques années ? La quasi-totalité est déjà sur les étagères, et ils y resteront jusqu'à ce que quelques névrosés blasés ressentent à nouveau le désir de manger des cendres et de se remplir le ventre de vent d'est.
En 1935, le compositeur américain Marc Blitzstein comparait Stravinsky à Jacopo Peri et C.P.E. Bach, concédant que "on ne peut nier la grandeur de Stravinsky. C'est juste qu'il n'est pas assez grand". La position marxiste de Blitzstein était que le souhait de Stravinsky de « séparer la musique des autres courants de la vie », ce qui est « symptomatique d'une évasion de la réalité », aboutissait à une « perte d'endurance », nommant spécifiquement Apollon, le Capriccio et Le Baiser de la frais.
Le compositeur Constant Lambert a décrit des pièces telles que contenant « une abstraction essentiellement de sang-froid ». Lambert a poursuivi : « les fragments mélodiques en eux-mêmes n'ont absolument aucun sens. Ce ne sont que des successions de notes qui peuvent être commodément divisées en groupes de trois, cinq et sept et comparées à d'autres groupes mathématiques » et il a décrit la cadence pour batterie solo comme « musicale ». pureté... obtenue par une espèce de castration musicale". Il compare le choix de Stravinsky des « phrases les plus ternes et les moins significatives » à celui de Gertrude Stein : « Tous les jours, ils étaient gays là-bas, ils étaient régulièrement.