Quel chanteur folk américain avait écrit sur sa guitare les mots « Cette machine tue les fascistes » ?
Woody Guthrie
Avant les années 1930, l’étude de la musique folklorique était principalement l’apanage des érudits et des collectionneurs. Les années 1930 ont vu le début de thèmes, de points communs, de thèmes et de liens à plus grande échelle dans la musique folklorique, se développant également au sein de la population et des praticiens, souvent liés à la Grande Dépression. Le régionalisme et le pluralisme culturel se sont développés en tant qu'influences et thèmes. À cette époque, la musique folk commença à se mêler aux thèmes et mouvements d’activisme politique et social. Deux développements liés étaient l'intérêt du Parti communiste américain pour la musique folk comme moyen d'atteindre et d'influencer les Américains, et d'éminents musiciens folk et universitaires politiquement actifs considérant le communisme comme un meilleur système possible, à travers le prisme de la Grande Dépression. Woody Guthrie est un exemple d'auteurs-compositeurs et d'artistes ayant une telle vision. En janvier 2012, l'American Folklife Center de la Bibliothèque du Congrès, en collaboration avec l'Association pour l'équité culturelle, a annoncé qu'ils publieraient les vastes archives de Lomax de 1946 et les enregistrements ultérieurs sous forme numérique. Lomax a passé les 20 dernières années de sa vie à travailler sur un projet informatique éducatif multimédia interactif qu'il a appelé le Global Jukebox, qui comprenait 5 000 heures d'enregistrements sonores, 400 000 pieds de film, 3 000 bandes vidéo et 5 000 photographies. Depuis mars 2012, cela a été accompli. Environ 17 400 enregistrements de Lomax de 1946 et après ont été mis à disposition gratuitement en ligne. Ce matériel provenant des archives indépendantes d'Alan Lomax, commencées en 1946, qui ont été numérisées et proposées par l'Association pour l'équité culturelle, est « distinct des milliers d'enregistrements antérieurs sur disques d'acétate et d'aluminium qu'il a réalisés de 1933 à 1942 sous les auspices de la Bibliothèque du Congrès. Cette collection antérieure, qui comprend les célèbres sessions de Jelly Roll Morton, Woody Guthrie, Lead Belly et Muddy Waters, ainsi que les prodigieuses collections de Lomax réalisées à Haïti et dans l'est du Kentucky (1937) - est la provenance de l'American Folklife. Center" à la bibliothèque du Congrès.
La musique folklorique comprend à la fois la musique traditionnelle et le genre qui en a évolué au cours du renouveau folklorique du XXe siècle. Le terme est né au 19ème siècle mais est souvent appliqué à une musique plus ancienne que cela. Certains types de musique folklorique sont également appelés musiques du monde.
La musique folklorique traditionnelle a été définie de plusieurs manières : comme une musique transmise oralement ou comme une musique de compositeurs inconnus. Il a été contrasté avec les styles commerciaux et classiques. Une signification souvent donnée est celle de chansons anciennes sans compositeur connu ; une autre est la musique qui a été transmise et évoluée par un processus de transmission orale ou interprétée par la coutume sur une longue période de temps.
À partir du milieu du XXe siècle, une nouvelle forme de musique folklorique populaire a évolué à partir de la musique folklorique traditionnelle. Ce processus et cette période sont appelés le (deuxième) renouveau populaire et ont atteint leur apogée dans les années 1960. Cette forme de musique est parfois appelée musique folklorique contemporaine ou musique de renaissance folklorique pour la distinguer des formes folkloriques antérieures. Des renaissances similaires plus modestes se sont produites ailleurs dans le monde à d'autres moments, mais le terme musique folklorique n'a généralement pas été appliqué à la nouvelle musique créée lors de ces renaissances. Ce type de musique folk comprend également des genres fusion tels que le folk rock, le folk metal, le folk électrique et autres. Bien que la musique folklorique contemporaine soit un genre généralement distinct de la musique folklorique traditionnelle, elle partage en anglais le même nom et partage souvent les mêmes interprètes et lieux que la musique folklorique traditionnelle. Même des chansons individuelles peuvent être un mélange des deux.
Musique folklorique traditionnelle
Définitions
Il est difficile de trouver une définition cohérente de la musique folklorique traditionnelle. Les termes musique folklorique, chant folklorique et danse folklorique sont des expressions relativement récentes. Ce sont des extensions du terme folklore, inventé en 1846 par l'antiquaire anglais William Thoms pour décrire « les traditions, les coutumes et les superstitions des classes incultes ». Le terme est en outre dérivé de l'expression allemande Volk, dans le sens de « le peuple dans son ensemble », appliqué à la musique populaire et nationale par Johann Gottfried Herder et les romantiques allemands plus d'un demi-siècle plus tôt. La musique folklorique traditionnelle comprend également la plupart des musiques indigènes.
Cependant, malgré l’assemblage d’un énorme corpus d’œuvres sur environ deux siècles, il n’existe toujours pas de définition précise de ce qu’est la musique folklorique (ou le folklore, ou le folk). La musique folklorique peut avoir tendance à présenter certaines caractéristiques, mais elle ne peut pas être clairement différenciée en termes purement musicaux. Une signification souvent donnée est celle de « chansons anciennes, sans compositeurs connus », une autre est celle de musique qui a été soumise à un « processus évolutif de transmission orale… le façonnage et le remodelage de la musique par la communauté ». qui lui donnent son caractère folklorique."
De telles définitions dépendent de « processus (culturels) plutôt que de types musicaux abstraits… », de « la continuité et de la transmission orale… considérées comme caractérisant un côté d’une dichotomie culturelle, dont l’autre côté ne se trouve pas seulement dans le bas de l’échelle. couches de sociétés féodales, capitalistes et de certaines sociétés orientales, mais aussi dans les sociétés « primitives » et dans certaines parties des « cultures populaires ». Une définition largement utilisée est simplement « La musique folk est ce que les gens chantent ».
Pour Scholes, ainsi que pour Cecil Sharp et Béla Bartók, il y avait un sens de la musique de campagne distinct de celui de la ville. La musique folklorique était déjà "... considérée comme l'expression authentique d'un mode de vie désormais passé ou sur le point de disparaître (ou dans certains cas, à préserver ou à faire revivre d'une manière ou d'une autre)", en particulier dans "une communauté non influencée par la musique savante". et par chanson commerciale et imprimée. Lloyd a rejeté cela en faveur d'une simple distinction de classe économique, mais pour lui, la véritable musique folklorique était, selon les mots de Charles Seeger, « associée à une classe inférieure » dans des sociétés culturellement et socialement stratifiées. En ces termes, la musique folklorique peut être considérée comme faisant partie d'un « schéma comprenant quatre types musicaux : « primitif » ou « tribal » ; « élite » ou « art » ; « folk » ; et « populaire » ».
La musique de ce genre est aussi souvent appelée musique traditionnelle. Bien que le terme soit généralement uniquement descriptif, dans certains cas, les gens l'utilisent comme nom d'un genre. Par exemple, le Grammy Award utilisait auparavant le terme « musique traditionnelle » pour désigner de la musique folklorique qui n'est pas de la musique folk contemporaine.
Caractéristiques
D'un point de vue historique, la musique folklorique traditionnelle présentait les caractéristiques suivantes :
* Elle a été transmise par une tradition orale. Avant le 20e siècle, les ouvriers agricoles ordinaires et les ouvriers d’usine étaient généralement analphabètes. Ils ont acquis des chansons en les mémorisant. Principalement, cela n’a pas été médiatisé par des livres, des médias enregistrés ou transmis. Les chanteurs peuvent élargir leur répertoire en utilisant des journaux, des recueils de chansons ou des CD, mais ces améliorations secondaires sont du même caractère que les chansons primaires vécues en chair et en os.
* La musique était souvent liée à la culture nationale. C’était culturellement particulier ; d'une région ou d'une culture particulière. Dans le contexte d'un groupe immigré, la musique folklorique acquiert une dimension supplémentaire pour la cohésion sociale. Cela est particulièrement visible dans les sociétés d’immigration, où les Australiens grecs, les Américains somaliens, les Canadiens du Pendjabi et d’autres s’efforcent de souligner leurs différences par rapport au courant dominant. Ils apprennent des chants et des danses originaires des pays d’origine de leurs grands-parents.
* Ils commémorent des événements historiques et personnels. Certains jours de l'année, comme Pâques, le 1er mai et Noël, des chants particuliers célèbrent le cycle annuel. Les mariages, anniversaires et funérailles peuvent également être célébrés avec des chants, des danses et des costumes spéciaux. Les fêtes religieuses comportent souvent une composante de musique folklorique. La musique chorale lors de ces événements amène des enfants et des chanteurs non professionnels à participer à un espace public, créant ainsi un lien émotionnel sans rapport avec les qualités esthétiques de la musique.
* Les chants ont été interprétés, selon la coutume, sur une longue période, généralement sur plusieurs générations.
Comme effet secondaire, les caractéristiques suivantes sont parfois présentes :
* Il n'y a aucun droit d'auteur sur les chansons. Des centaines de chansons folkloriques du XIXe siècle ont connu des auteurs mais ont perduré dans la tradition orale au point où elles sont considérées comme traditionnelles aux fins de l'édition musicale. Cela est devenu beaucoup moins fréquent depuis les années 1940. Aujourd’hui, presque toutes les chansons folkloriques enregistrées sont créditées par un arrangeur.
* Fusion des cultures : étant donné que les cultures interagissent et changent au fil du temps, les chansons traditionnelles évoluant au fil du temps peuvent incorporer et refléter les influences de cultures disparates. Les facteurs pertinents peuvent inclure l'instrumentation, les réglages, les voix, le phrasé, le sujet et même les méthodes de production.
Terminologie
Régler
Dans la musique folklorique, un air est un court morceau instrumental, une mélodie, souvent comportant des sections répétitives, et généralement joué plusieurs fois. Une collection de mélodies présentant des similitudes structurelles est connue sous le nom de famille de mélodies. La forme la plus courante des airs de musique folklorique est AABB, également connue sous le nom de forme binaire.
Dans certaines traditions, les airs peuvent être enchaînés dans des medleys ou des « sets ».
Origines
Pendant la majeure partie de la préhistoire et de l’histoire de l’humanité, écouter de la musique enregistrée n’était pas possible. La musique était pratiquée par les gens ordinaires pendant leur travail et leurs loisirs, ainsi que lors d'activités religieuses. Le travail de production économique était souvent manuel et communautaire. Le travail manuel impliquait souvent le chant des ouvriers, ce qui servait à plusieurs fins pratiques. Il réduisait l'ennui des tâches répétitives, maintenait le rythme lors des poussées et des tractions synchronisées et fixait le rythme de nombreuses activités telles que la plantation, le désherbage, la récolte, le battage, le tissage et le broyage. Pendant les loisirs, chanter et jouer d’instruments de musique étaient des formes courantes de divertissement et de narration de l’histoire – encore plus courantes qu’aujourd’hui, où les technologies électriques et l’alphabétisation généralisée rendent les autres formes de divertissement et de partage d’informations compétitives.
Certains pensent que la musique folklorique est à l’origine une musique artistique qui a été modifiée et probablement dégradée par la transmission orale, tout en reflétant le caractère de la société qui l’a produite. Dans de nombreuses sociétés, notamment celles qui sont pré-alphabétisées, la transmission culturelle de la musique folklorique nécessite un apprentissage à l'oreille, même si la notation a évolué dans certaines cultures. Différentes cultures peuvent avoir des conceptions différentes concernant la distinction entre musique « folklorique », d'une part, et musique « artistique » et « de cour », d'autre part. Dans le cadre de la prolifération des genres musicaux populaires, certaines musiques folkloriques traditionnelles sont également appelées « musique du monde » ou « musique Roots ».
Le terme anglais « folklore », pour décrire la musique et la danse folkloriques traditionnelles, est entré dans le vocabulaire de nombreuses nations d'Europe continentale, chacune d'entre elles ayant ses collectionneurs et revivalistes de chansons folkloriques. La distinction entre le folk « authentique » et la chanson nationale et populaire en général a toujours été vague, en particulier en Amérique et en Allemagne – par exemple, des auteurs-compositeurs populaires tels que Stephen Foster pourraient être qualifiés de « folk » en Amérique. La définition du Conseil international de la musique folklorique permet que le terme puisse également s'appliquer à la musique qui « ... est originaire d'un compositeur individuel et a ensuite été absorbée dans la tradition vivante et non écrite d'une communauté. Mais le terme ne couvre pas une chanson. , une danse ou un air qui a été repris tout fait et qui reste inchangé."
Le renouveau du folk après la Seconde Guerre mondiale en Amérique et en Grande-Bretagne a donné naissance à un nouveau genre, la musique folk contemporaine, et a apporté un sens supplémentaire au terme « musique folk » : des chansons nouvellement composées, de forme fixe et par des auteurs connus, qui imitent certains forme de musique traditionnelle. La popularité des enregistrements « folk contemporains » a provoqué l'apparition de la catégorie « Folk » aux Grammy Awards de 1959 : en 1970, le terme a été abandonné au profit de « Meilleur enregistrement ethnique ou traditionnel (y compris le blues traditionnel) », tandis que 1987 a apporté une distinction entre le « meilleur enregistrement folk traditionnel » et le « meilleur enregistrement folk contemporain ». Après cela, ils ont eu une catégorie « Musique traditionnelle » qui a ensuite évolué vers d'autres. Le terme « folk », au début du 21e siècle, pourrait recouvrir des auteurs-compositeurs-interprètes, tels que l'écossais Donovan et l'américain Bob Dylan, apparus dans les années 1960, et bien d'autres encore. Cela a complété un processus dans lequel la « musique folklorique » ne signifiait plus uniquement la musique folklorique traditionnelle.
Sujet
La musique folklorique traditionnelle comprend souvent des mots chantés, bien que la musique instrumentale folklorique soit courante dans les traditions de musique de danse. Les vers narratifs occupent une place importante dans la musique folklorique traditionnelle de nombreuses cultures. Cela englobe des formes telles que la poésie épique traditionnelle, dont une grande partie était initialement destinée à être interprétée oralement, parfois accompagnée d'instruments. De nombreux poèmes épiques de diverses cultures ont été reconstitués à partir de morceaux plus courts de vers narratifs traditionnels, ce qui explique leur structure épisodique, leurs éléments répétitifs et leurs fréquents développements d'intrigue in media res. D'autres formes de vers narratifs traditionnels racontent les résultats des batailles ou décrivent des tragédies ou des catastrophes naturelles.
Parfois, comme dans le chant triomphal de Déborah trouvé dans le livre biblique des Juges, ces chants célèbrent la victoire. Les lamentations sur les batailles et les guerres perdues, ainsi que sur les vies perdues au cours de celles-ci, sont également importantes dans de nombreuses traditions ; ces lamentations entretiennent la cause pour laquelle la bataille a été menée. Les récits de chansons traditionnelles rappellent souvent aussi des héros folkloriques tels que John Henry ou Robin des Bois. Certains récits de chansons traditionnelles évoquent des événements surnaturels ou des morts mystérieuses.
Les hymnes et autres formes de musique religieuse sont souvent d’origine traditionnelle et inconnue. La notation musicale occidentale a été créée à l'origine pour préserver les lignes du chant grégorien, qui, avant son invention, était enseignée comme tradition orale dans les communautés monastiques. Des chants traditionnels tels que Green Grow the Rushes, O présentent les traditions religieuses sous une forme mnémonique, tout comme les chants de Noël occidentaux et des chants traditionnels similaires.
Les chants de travail comportent fréquemment des structures d'appel et de réponse et sont conçus pour permettre aux ouvriers qui les chantent de coordonner leurs efforts en fonction des rythmes des chants. Ils sont fréquemment, mais pas invariablement, composés. Dans les forces armées américaines, une tradition orale vivante préserve les jody call (« chants Duckworth ») qui sont chantés pendant que les soldats sont en marche. Les marins professionnels utilisaient de la même manière un grand nombre de chants de marin. La poésie amoureuse, souvent de nature tragique ou pleine de regrets, figure en bonne place dans de nombreuses traditions populaires. Les comptines et les vers absurdes utilisés pour amuser ou calmer les enfants sont également des sujets fréquents de chansons traditionnelles.
Transformations et variations de chansons folkloriques
La musique transmise de bouche à oreille à travers une communauté développe, au fil du temps, de nombreuses variantes, car ce type de transmission ne peut pas produire une précision mot à mot et note pour note. En effet, de nombreux chanteurs traditionnels sont très créatifs et modifient délibérément le matériel qu’ils apprennent.
Par exemple, les mots « Je suis un homme que vous ne rencontrez pas tous les jours » (Roud 975) sont connus sur une affiche de la bibliothèque Bodleian. La date est presque certainement antérieure à 1900 et elle semble être irlandaise. En 1958, la chanson a été enregistrée au Canada (My Name is Pat and I'm Proud of That). La voyageuse écossaise Jeannie Robertson d'Aberdeen a réalisé la version enregistrée suivante en 1961. Elle l'a modifiée pour faire référence à "Jock Stewart", un de ses proches, et il n'y a aucune référence irlandaise. En 1976, l'artiste écossais Archie Fisher a délibérément modifié la chanson pour supprimer la référence à un chien abattu. En 1985, les Pogues bouclent la boucle en restituant toutes les références irlandaises.
Parce que les variantes prolifèrent naturellement, il est naïf de croire qu’il existe une version unique « authentique » d’une ballade comme « Barbara Allen ». Les chercheurs sur le terrain en chant traditionnel (voir ci-dessous) ont rencontré d'innombrables versions de cette ballade à travers le monde anglophone, et ces versions diffèrent souvent grandement les unes des autres. Aucun ne peut prétendre de manière fiable être l'original, et il est possible que la version « originale » ait cessé d'être chantée il y a des siècles. De nombreuses versions peuvent revendiquer également l’authenticité.
L'influent folkloriste Cecil Sharp pensait que ces variantes concurrentes d'une chanson traditionnelle subiraient un processus d'amélioration semblable à la sélection naturelle biologique : seules les nouvelles variantes les plus attrayantes pour les chanteurs ordinaires seraient reprises par d'autres et transmises dans le temps. Ainsi, au fil du temps, nous nous attendrions à ce que chaque chanson traditionnelle devienne esthétiquement de plus en plus attrayante : elle serait composée collectivement à la perfection, pour ainsi dire, par la communauté.
L'intérêt littéraire pour la forme populaire de la ballade remonte au moins à Thomas Percy et William Wordsworth. Les compositeurs anglais élisabéthains et Stuart avaient souvent fait évoluer leur musique à partir de thèmes folkloriques, la suite classique était basée sur des danses folkloriques stylisées et l'utilisation par Joseph Haydn de mélodies folkloriques est notée. Mais l’émergence du terme « folk » a coïncidé avec une « explosion de sentiment national dans toute l’Europe » qui était particulièrement forte aux confins de l’Europe, là où l’identité nationale était la plus affirmée. Des compositeurs nationalistes ont émergé en Europe centrale, en Russie, en Scandinavie, en Espagne et en Grande-Bretagne : la musique de Dvořák, Smetana, Grieg, Rimsky-Korsakov, Brahms, Liszt, de Falla, Wagner, Sibelius, Vaughan Williams, Bartók et bien d'autres s'est inspirée du folklore. mélodies.
Formulaires régionaux
Même si la perte de la musique folklorique traditionnelle face à l’essor de la musique populaire est un phénomène mondial, il ne se produit pas à un rythme uniforme dans le monde entier. Le processus est le plus avancé « là où l’industrialisation et la commercialisation de la culture sont les plus avancées », mais il se produit également plus progressivement, même dans des contextes où le progrès technologique est moindre. Cependant, la perte de la musique traditionnelle est ralentie dans les pays ou les régions où la musique folklorique traditionnelle est un signe d'identité culturelle ou nationale, par exemple dans le cas du Bangladesh, de la Hongrie, de l'Inde, de l'Irlande, du Pakistan, de l'Écosse, de la Lettonie, de la Turquie, du Portugal, Bretagne, Galice, Grèce et Crète. Les revenus du tourisme peuvent constituer une puissante incitation à préserver les particularités culturelles locales, comme lorsque les agences de tourisme qualifient certaines régions de Grande-Bretagne de celtiques. Des guides et des affiches d'Irlande, d'Écosse en gaélique, anglais, dorique et écossais, de Cornouailles, de Bretagne et de Nouvelle-Écosse font référence à aux spectacles de musique live. Le gouvernement local parraine et promeut souvent les spectacles pendant les saisons touristiques et fait revivre les traditions perdues.
Musique folklorique ancienne, travail sur le terrain et bourses d'études
Une grande partie de ce que l’on sait sur la musique folklorique, avant le développement de la technologie d’enregistrement audio au XIXe siècle, nous vient de travaux de terrain et d’écrits d’érudits, de collectionneurs et de défenseurs de cette musique.
L'Europe du XIXe siècle
À partir du XIXe siècle, des universitaires et des érudits amateurs, conscients de la perte des traditions musicales, ont lancé divers efforts pour préserver la musique du peuple. Un de ces efforts importants a été la collection par Francis James Child à la fin du 19e siècle des textes de plus de trois cents ballades dans les traditions anglaise et écossaise (appelées Child Ballads), dont la plupart étaient antérieures au 16e siècle.
En même temps que Child vint la révérende Sabine Baring-Gould, et plus tard et de manière plus significative Cecil Sharp qui travailla au début du 20e siècle à préserver un grand corpus de chants, de musiques et de danses traditionnelles rurales anglaises, sous l'égide de ce qui est devenu et reste l'anglais. Société de danse et de chant folkloriques (EFDSS). Sharp a fait campagne, avec un certain succès, pour que les chansons traditionnelles anglaises (dans ses propres versions fortement éditées et expurgées) soient enseignées aux écoliers, dans l'espoir de raviver et de prolonger la popularité de ces chansons. Tout au long des années 1960 et du début jusqu’au milieu des années 1970, l’érudit américain Bertrand Harris Bronson a publié une collection exhaustive en quatre volumes des variations alors connues des textes et des airs associés à ce qui est devenu connu sous le nom de Child Canon. Il a également avancé quelques théories importantes concernant le fonctionnement de la tradition orale et auditive.
Une activité similaire était également en cours dans d’autres pays. L'un des plus importants est peut-être celui réalisé à Riga par Krisjanis Barons qui, entre 1894 et 1915, publia six volumes comprenant les textes de 217 996 chansons folkloriques lettones ; les Latvju daïnas. En Norvège, le travail de collectionneurs tels que Ludvig Mathias Lindeman a été largement utilisé par Edvard Grieg dans ses Pièces Lyriques pour piano et dans d'autres œuvres, qui sont devenues extrêmement populaires.
À cette époque, les compositeurs de musique classique ont développé un vif intérêt pour la collection de chansons traditionnelles, et un certain nombre de compositeurs exceptionnels ont mené leur propre travail de terrain sur les chansons traditionnelles. Il s'agissait notamment de Percy Grainger et Ralph Vaughan Williams en Angleterre et de Béla Bartók en Hongrie. Ces compositeurs, comme beaucoup de leurs prédécesseurs, ont tous deux réalisé des arrangements de chansons folkloriques et incorporé du matériel traditionnel dans des compositions classiques originales. Les dainas de Latviju sont largement utilisées dans les œuvres chorales classiques d'Andrejs Jurāns, Jānis Cimze et Emilis Melngailis.
Amérique du Nord
L’avènement de la technologie d’enregistrement audio a fourni aux folkloristes un outil révolutionnaire pour préserver les formes musicales en voie de disparition. Les premiers spécialistes de la musique folk américaine appartenaient à l'American Folklore Society (AFS), fondée à la fin des années 1800. Leurs études se sont élargies pour inclure la musique amérindienne, mais ont toujours traité la musique folklorique comme un élément historique préservé également dans les sociétés isolées.
En Amérique du Nord, au cours des années 1930 et 1940, la Bibliothèque du Congrès a collaboré avec les bureaux des collectionneurs de musique traditionnelle Robert Winslow Gordon, Alan Lomax et d'autres pour capturer autant de documents de terrain nord-américains que possible. Lomax a été le premier érudit éminent à étudier la musique folk typiquement américaine, comme celle des cowboys et des noirs du sud. Son premier ouvrage majeur publié date de 1911, Cowboy Songs and Other Frontier Ballads. et fut sans doute le spécialiste de la musique folk américaine le plus éminent de son époque, notamment au début du renouveau de la musique folk dans les années 1930 et au début des années 1940. Cecil Sharp a également travaillé en Amérique, enregistrant les chansons traditionnelles des Appalaches en 1916-1918 en collaboration avec Maud Karpeles et Olive Dame Campbell et est considéré comme le premier grand spécialiste de la musique folk américaine. Campbell et Sharp sont représentés sous d'autres noms par des acteurs du film moderne Songcatcher.
Un thème fort parmi les spécialistes du folk au cours des premières décennies du 20e siècle était le régionalisme, l'analyse de la diversité de la musique folk (et des cultures associées) basée sur les régions des États-Unis plutôt que sur les racines historiques d'une chanson donnée. Plus tard, une dynamique de classe et de circonstances s’y est ajoutée. Les régionalistes les plus éminents étaient des personnalités littéraires particulièrement intéressées par le folklore. Carl Sandburg a souvent voyagé aux États-Unis en tant qu'écrivain et poète. Il collectionna également des chansons au cours de ses voyages et, en 1927, les publia dans un livre American Songbag. "Dans ses recueils de chansons folkloriques, Sandburg a ajouté une dynamique de classe à la compréhension populaire de la musique folk américaine. C'était le dernier élément de la fondation sur laquelle les premiers revivalistes de la musique folk ont ​​construit leur propre vision de l'américanisme. Les Américains de la classe ouvrière de Sandburg se sont joints à la citoyens ethniquement, racialement et régionalement divers que d'autres chercheurs, intellectuels publics et folkloristes ont célébré leurs propres définitions du folk américain, des définitions que les revivalistes folk ont ​​utilisées pour construire leur propre compréhension de la musique folk américaine et une identité américaine globale".
Avant les années 1930, l’étude de la musique folklorique était principalement l’apanage des érudits et des collectionneurs. Les années 1930 ont vu le début de thèmes, de points communs, de thèmes et de liens à plus grande échelle dans la musique folklorique, se développant également au sein de la population et des praticiens, souvent liés à la Grande Dépression. Le régionalisme et le pluralisme culturel se sont développés en tant qu'influences et thèmes. À cette époque, la musique folk commença à se mêler aux thèmes et mouvements d’activisme politique et social. Deux développements liés étaient l'intérêt du Parti communiste américain pour la musique folk comme moyen d'atteindre et d'influencer les Américains, et d'éminents musiciens folk et universitaires politiquement actifs considérant le communisme comme un meilleur système possible, à travers le prisme de la Grande Dépression. Woody Guthrie est un exemple d'auteurs-compositeurs et d'artistes ayant une telle vision.
Les festivals de musique folklorique se sont multipliés dans les années 1930. Le président Franklin Roosevelt était un fan de musique folk, organisait des concerts folk à la Maison Blanche et fréquentait souvent des festivals folk. L'un des festivals les plus importants était le National Folk Festival de Sarah Gertrude Knott, créé à St. Louis, Missouri en 1934. Sous le parrainage du Washington Post, le festival a eu lieu à Washington, DC, au Constitution Hall de 1937 à 1942. Le mouvement de la musique folklorique, les festivals et l’effort de guerre étaient considérés comme des forces en faveur de biens sociaux tels que la démocratie, le pluralisme culturel et l’élimination des barrières culturelles et raciales.
Les revivalistes américains de la musique folk des années 1930 ont abordé la musique folk de différentes manières. Trois écoles de pensée primaires ont émergé : les « traditionalistes » (par exemple Sarah Gertrude Knott et John Lomax) ont mis l'accent sur la préservation des chansons en tant qu'artefacts de cultures décédées. Les folkloristes « fonctionnels » (par exemple Botkin et Alan Lomax) ont soutenu que les chansons ne conservent leur pertinence que lorsqu'elles sont utilisées par les cultures qui conservent les traditions qui ont donné naissance à ces chansons. Les revivalistes folk « de gauche » (par exemple Charles Seeger et Lawrence Gellert) ont souligné le rôle de la musique « dans les luttes du peuple pour les droits sociaux et politiques ». Donaldson, 2011, p. À la fin des années 1930, ces groupes et d’autres avaient transformé la musique folk américaine en un mouvement social.
Parfois, les musiciens folkloriques devenaient eux-mêmes des érudits et des défenseurs. Par exemple, Jean Ritchie (né en 1922) était le plus jeune enfant d'une famille nombreuse de Viper, Kentucky, qui avait conservé bon nombre des vieilles chansons traditionnelles des Appalaches. Ritchie, vivant à une époque où les Appalaches s'étaient ouvertes aux influences extérieures, a fait des études universitaires et a finalement déménagé à New York, où elle a réalisé un certain nombre d'enregistrements classiques du répertoire familial et publié une importante compilation de ces chansons. (Voir aussi Hedy West)
En janvier 2012, l'American Folklife Center de la Bibliothèque du Congrès, en collaboration avec l'Association pour l'équité culturelle, a annoncé qu'ils publieraient les vastes archives de Lomax de 1946 et les enregistrements ultérieurs sous forme numérique. Lomax a passé les 20 dernières années de sa vie à travailler sur un projet informatique éducatif multimédia interactif qu'il a appelé le Global Jukebox, qui comprenait 5 000 heures d'enregistrements sonores, 400 000 pieds de film, 3 000 bandes vidéo et 5 000 photographies. Depuis mars 2012, cela a été accompli. Environ 17 400 enregistrements de Lomax de 1946 et après ont été mis à disposition gratuitement en ligne. Ce matériel provenant des archives indépendantes d'Alan Lomax, commencées en 1946, qui ont été numérisées et proposées par l'Association pour l'équité culturelle, est « distinct des milliers d'enregistrements antérieurs sur disques d'acétate et d'aluminium qu'il a réalisés de 1933 à 1942 sous les auspices de la Bibliothèque du Congrès. Cette collection antérieure, qui comprend les célèbres sessions de Jelly Roll Morton, Woody Guthrie, Lead Belly et Muddy Waters, ainsi que les prodigieuses collections de Lomax réalisées à Haïti et dans l'est du Kentucky (1937) - est la provenance de l'American Folklife. Center" à la bibliothèque du Congrès.
Formulaires nationaux et régionaux
Afrique
L'Afrique est un vaste continent et ses régions et nations ont des traditions musicales distinctes. La musique d’Afrique du Nord a pour la plupart une histoire différente de celle des traditions musicales d’Afrique subsaharienne.
Les formes de musique et de danse de la diaspora africaine, y compris la musique afro-américaine et de nombreux genres caribéens comme la soca, le calypso et le zouk ; et des genres musicaux latino-américains comme la samba, la rumba cubaine, la salsa ; et d'autres genres basés sur le clave (rythme), ont été fondés à des degrés divers sur la musique des esclaves africains, ce qui a à son tour influencé la musique populaire africaine.
Asie
De nombreuses civilisations asiatiques font la distinction entre les styles artistiques/de cour/classiques et la musique « folk », bien que les cultures qui ne dépendent pas beaucoup de la notation et qui ont beaucoup de musique artistique anonyme doivent distinguer les deux de manière différente de celles suggérées par les érudits occidentaux. Par exemple, le regretté Alam Lohar est un bon exemple de chanteur folk classique sud-asiatique de grande réputation. Khunung Eshei/Khuland Eshei est une ancienne chanson folklorique des Meiteis de Manipur qui la conservent depuis des milliers d'années.
Musique folklorique de Chine
Les découvertes archéologiques font remonter la musique folklorique chinoise à 7 000 ans ; elle est largement basée sur la gamme pentatonique.
Les mariages et funérailles traditionnels Han incluent généralement une forme de hautbois appelée suona et des ensembles percussifs appelés chuigushou. Les ensembles composés d'orgues à bouche (sheng), de shawms (suona), de flûtes (dizi) et d'instruments à percussion (en particulier les gongs yunluo) sont populaires dans les villages du nord ; leur musique descend de la musique des temples impériaux de Pékin, Xi'an, Wutai shan et Tianjin. La musique de tambour de Xi'an, composée d'instruments à vent et à percussion, est populaire autour de Xi'an et a reçu une certaine popularité commerciale en dehors de la Chine. Un autre instrument important est le sheng, flûte, un instrument ancien qui est l'ancêtre de tous les instruments occidentaux à anche libre, comme l'accordéon. Les défilés dirigés par des fanfares de type occidental sont courants, rivalisant souvent en volume avec un orchestre shawm/chuigushou.
Dans le sud du Fujian et à Taiwan, Nanyin ou Nanguan est un genre de ballades traditionnelles. Ils sont chantés par une femme accompagnée d'un xiao et d'un pipa, ainsi que d'autres instruments traditionnels. La musique est généralement triste et traite généralement d'une femme amoureuse. Plus au sud, à Shantou, Hakka et Chaozhou, les ensembles erxian et zheng sont populaires. Les ensembles Sizhu utilisent des flûtes et des instruments à cordes frottées ou pincées pour créer une musique harmonieuse et mélodieuse qui est devenue populaire en Occident auprès de certains auditeurs. Ceux-ci sont populaires à Nanjing et Hangzhou, ainsi qu’ailleurs dans la région sud du Yangtsé. Le Sizhu a été sécularisé dans les villes mais reste spirituel dans les zones rurales. Jiangnan Sizhu (musique de soie et de bambou de Jiangnan) est un style de musique instrumentale, souvent joué par des musiciens amateurs dans les salons de thé de Shanghai ; il est devenu largement connu en dehors de son lieu d'origine. La musique du Guangdong ou musique cantonaise est une musique instrumentale de Guangzhou et de ses environs. Il est basé sur la musique du Yueju (opéra cantonais), ainsi que sur de nouvelles compositions des années 1920. De nombreuses pièces ont des influences du jazz et de la musique occidentale, utilisant la syncope et la mesure triple. Cette musique raconte des histoires, des mythes et des légendes.
Musique folklorique traditionnelle du Sri Lanka
Le genre de musique sri lankaise est connu sous le nom de musique orientale. L'art, la musique et les danses du Sri Lanka dérivent des éléments de la nature et ont été appréciés et développés dans l'environnement bouddhiste. La musique est de plusieurs types et n'utilise que quelques types d'instruments. Les chants et poèmes folkloriques étaient utilisés lors de réunions sociales pour travailler ensemble. La musique classique d'influence indienne est devenue unique. Le théâtre, la musique et les chants traditionnels sont typiquement sri lankais.
Les peintures et sculptures du temple utilisent des oiseaux, des éléphants, des animaux sauvages, des fleurs et des arbres, et les 18 danses traditionnelles présentent la danse des oiseaux et des animaux. Par exemple:
*Mayura Wannama – La danse du paon
*Hanuma Wannama – La danse du singe
*Gajaga Wannama – La danse de l'éléphant
Les types musicaux comprennent :
*La musique dramatique locale comprend les types Kolam, Nadagam et Noorthy. La musique Kolam est basée sur des airs de low country principalement pour accompagner la danse des masques lors des rituels d'exorcisme. Il est considéré comme moins développé/évolué, fidèle à la tradition populaire et préservant une forme d’art plus ancienne. Il est limité à environ 3 à 4 notes et est utilisé par les gens ordinaires pour le plaisir et le divertissement.
*La musique Nadagam est une forme de théâtre plus développée influencée par le théâtre de rue du sud de l'Inde et introduite par certains artistes du sud de l'Inde. Phillippu Singho de Negombo en 1824 a interprété « Harishchandra Nadagama » en Hnguranketha qui a été initialement écrit en langue Telingu. Plus tard, « Maname », « Sanda kinduru » et quelques autres ont été introduits. Don Bastian de Dehiwala a présenté Noorthy d'abord en s'intéressant aux drames indiens, puis John De Silva l'a développé comme l'a fait Ramayanaya en 1886.
* La musique légère cinghalaise est actuellement le type de musique le plus populaire au Sri Lanka et s'enrichit de l'influence de la musique folklorique, de la musique kolam, de la musique nadagam, de la musique noorthy, de la musique de film, de la musique classique, de la musique occidentale et autres. Certains artistes se sont rendus en Inde pour apprendre la musique et ont ensuite commencé à introduire la musique légère. Ananda Samarakone en fut la pionnière et composa également l'hymne national.
L'Orchestre cinghalais classique se compose de cinq catégories d'instruments, mais parmi les instruments à percussion, le tambour est incontournable pour la danse.
Le battement vibrant du rythme des tambours constitue la base de la danse. Les pieds des danseurs rebondissent sur le sol et sautent et tourbillonnent selon des motifs qui reflètent les rythmes complexes du battement du tambour. Ce battement de batterie peut paraître simple à la première écoute, mais il faut beaucoup de temps pour maîtriser les rythmes et variations complexes, que le batteur peut parfois amener à un crescendo d'intensité. Il existe six types courants de tambours répartis en 3 styles (une face, deux faces et face plate) :
*La danse typique cinghalaise est identifiée comme la danse Kandyan et le tambour Gatabera est indispensable à cette danse.
*Yak-bera est le tambour démoniaque ou le tambour utilisé dans la danse country basse dans laquelle les danseurs portent des masques et exécutent la danse du diable, qui est devenue une forme d'art très développée.
*Le Dawula est un tambour en forme de tonneau, et il était utilisé comme tambour d'accompagnement dans le passé, pour suivre strictement le rythme.
*Le Thammattama est un tambour plat à deux faces. Le batteur frappe le tambour sur les deux surfaces supérieures avec des bâtons, contrairement aux autres où l'on tambourine sur les côtés. Il s'agit d'un tambour compagnon du Dawula mentionné ci-dessus.
*Un petit tambour à main à deux têtes, utilisé pour accompagner les chansons. On l'entend surtout dans les danses poétiques (vannam).
*Le Rabana est un tambour circulaire à face plate disponible en plusieurs tailles. La grande Rabana doit être placée sur le sol comme une table circulaire aux pieds courts et plusieurs personnes (surtout les femmes) peuvent s'asseoir autour d'elle et la frapper avec les deux mains. Ceci est utilisé lors de festivals tels que le Nouvel An cinghalais et de cérémonies telles que les mariages. Le rythme retentissant de la Rabana symbolise l'ambiance joyeuse de l'occasion. Le petit Rabana est une forme de battement de tambour mobile puisque le joueur l'emporte partout où il va.
Les autres instruments comprennent :
*La "Thalampata" - 2 petites cymbales reliées entre elles par une corde.