"Quel métier exige que l'artiste connaisse les ""F stop"" ? »
la photographie
Les arts visuels sont des formes d'art telles que la céramique, le dessin, la peinture, la sculpture, la gravure, le design, l'artisanat, la photographie, la vidéo, le cinéma et l'architecture. De nombreuses disciplines artistiques (arts du spectacle, art conceptuel, arts textiles) font appel à des aspects des arts visuels ainsi qu'à d'autres types d'arts. Les arts visuels comprennent également les arts appliqués tels que le design industriel, le design graphique, le design de mode, le design d'intérieur et les arts décoratifs. Le mot vient des mots grecs φως phos (« lumière ») et γραφις graphis (« stylet », « pinceau ») ou γραφη graphê, signifiant ensemble « dessiner avec la lumière » ou « représentation au moyen de lignes » ou « dessin ». " Traditionnellement, le produit de la photographie est appelé photographie. Le terme photo est une abréviation ; beaucoup de gens les appellent aussi des images. En photographie numérique, le terme image a commencé à remplacer photographie. (Le terme image est traditionnel en optique géométrique.) Le glitch art est l'esthétisation d'erreurs numériques ou analogiques, telles que des artefacts et autres « bugs », soit en corrompant le code/les données numériques, soit en manipulant physiquement des appareils électroniques (par exemple par courbure de circuit). Le glitch art peut s’appliquer à la vidéo, à la musique, à l’art sonore, à la photographie ou à l’art numérique.
Les arts visuels sont des formes d'art telles que la céramique, le dessin, la peinture, la sculpture, la gravure, le design, l'artisanat, la photographie, la vidéo, le cinéma et l'architecture. De nombreuses disciplines artistiques (arts du spectacle, art conceptuel, arts textiles) font appel à des aspects des arts visuels ainsi qu'à d'autres types d'arts. Les arts visuels comprennent également les arts appliqués tels que le design industriel, le design graphique, le design de mode, le design d'intérieur et les arts décoratifs.
L'usage actuel du terme « arts visuels » inclut les beaux-arts ainsi que les arts appliqués, décoratifs et l'artisanat, mais cela n'a pas toujours été le cas. Avant le mouvement Arts and Crafts en Grande-Bretagne et ailleurs au tournant du 20e siècle, le terme « artiste » était souvent limité à une personne travaillant dans les beaux-arts (comme la peinture, la sculpture ou la gravure) et non dans l'artisanat, l'artisanat. , ou des médias d’art appliqué. Cette distinction a été soulignée par les artistes du mouvement Arts and Crafts, qui valorisaient les formes d'art vernaculaires autant que les formes élevées. Les écoles d'art faisaient une distinction entre les beaux-arts et l'artisanat, estimant qu'un artisan ne pouvait être considéré comme un praticien des arts.
La tendance croissante à privilégier la peinture, et dans une moindre mesure la sculpture, par rapport aux autres arts est une caractéristique de l’art occidental ainsi que de l’art d’Asie de l’Est. Dans les deux régions, la peinture a été considérée comme s'appuyant au plus haut degré sur l'imagination de l'artiste et comme la plus éloignée du travail manuel - dans la peinture chinoise, les styles les plus appréciés étaient ceux de la « peinture savante », du moins en théorie pratiquée. par des gentlemen amateurs. La hiérarchie occidentale des genres reflète des attitudes similaires.
Éducation et formation
La formation aux arts visuels s'est généralement déroulée selon des variantes des systèmes d'apprentissage et d'atelier. En Europe, le mouvement de la Renaissance visant à accroître le prestige de l'artiste a conduit à la création d'un système académique de formation des artistes et, aujourd'hui, la plupart des personnes qui poursuivent une carrière artistique suivent une formation dans des écoles d'art de niveau supérieur. Les arts visuels sont désormais devenus une matière optionnelle dans la plupart des systèmes éducatifs. (Voir aussi éducation artistique.)
Dessin
Le dessin est un moyen de créer une image, en utilisant une grande variété d’outils et de techniques. Cela implique généralement de faire des marques sur une surface en appliquant la pression d'un outil ou en déplaçant un outil sur une surface à l'aide de supports secs tels que des crayons graphite, un stylo et de l'encre, des pinceaux encrés, des crayons de couleur à la cire, des crayons de couleur, des fusains, des pastels et des marqueurs. Des outils numériques qui simulent leurs effets sont également utilisés. Les principales techniques utilisées en dessin sont : le dessin au trait, les hachures, les hachures croisées, les hachures aléatoires, le gribouillage, le pointillé et le mélange. Un artiste qui excelle en dessin est appelé dessinateur ou dessinateur.
Le dessin remonte à au moins 16 000 ans aux représentations d'animaux dans les grottes paléolithiques telles que celles de Lascaux en France et d'Altamira en Espagne. Dans l’Égypte ancienne, les dessins à l’encre sur papyrus, représentant souvent des personnages, servaient de modèles pour la peinture ou la sculpture. Les dessins sur des vases grecs, initialement géométriques, se sont ensuite développés vers la forme humaine avec des poteries à figures noires au cours du 7ème siècle avant JC.
Le papier étant devenu courant en Europe au XVe siècle, le dessin a été adopté par des maîtres tels que Sandro Botticelli, Raphaël, Michel-Ange et Léonard de Vinci, qui considéraient parfois le dessin comme un art à part entière plutôt que comme une étape préparatoire à la peinture ou à la sculpture.
Peinture
La peinture prise au sens littéral est la pratique consistant à appliquer un pigment en suspension dans un support (ou support) et un liant (une colle) sur une surface (support) telle que du papier, une toile ou un mur. Cependant, lorsqu'il est utilisé dans un sens artistique, cela signifie l'utilisation de cette activité en combinaison avec le dessin, la composition et/ou d'autres considérations esthétiques afin de manifester l'intention expressive et conceptuelle du praticien. La peinture est également utilisée pour exprimer des motifs et des idées spirituelles ; les sites de ce type de peinture vont des œuvres d'art représentant des figures mythologiques sur des poteries à la Chapelle Sixtine en passant par le corps humain lui-même.
Origines et début de l'histoire
Comme le dessin, la peinture trouve ses origines documentées dans les grottes et les parois rocheuses. Les plus beaux exemples, que certains estiment vieux de 32 000 ans, se trouvent dans les grottes Chauvet et Lascaux, dans le sud de la France. Dans des tons de rouge, marron, jaune et noir, les peintures sur les murs et les plafonds représentent des bisons, des bovins, des chevaux et des cerfs.
Des peintures de figures humaines peuvent être trouvées dans les tombes de l’Égypte ancienne. Dans le grand temple de Ramsès II, Néfertari, sa reine, est représentée dirigée par Isis. Les Grecs ont contribué à la peinture mais une grande partie de leur œuvre a été perdue. L'une des meilleures représentations restantes est la mosaïque de la bataille d'Issus à Pompéi, probablement basée sur une peinture grecque. L'art grec et romain a contribué à l'art byzantin au IVe siècle avant JC, qui a initié une tradition de peinture d'icônes.
La Renaissance
Outre les manuscrits enluminés produits par les moines au Moyen Âge, la prochaine contribution significative à l'art européen fut celle des peintres italiens de la Renaissance. De Giotto au XIIIe siècle à Léonard de Vinci et Raphaël au début du XVIe siècle, ce fut la période la plus riche de l'art italien car les techniques du clair-obscur étaient utilisées pour créer l'illusion d'un espace en 3D.
Les peintres du nord de l’Europe ont également été influencés par l’école italienne. Jan van Eyck de Belgique, Pieter Bruegel l'Ancien des Pays-Bas et Hans Holbein le Jeune d'Allemagne comptent parmi les peintres les plus réussis de l'époque. Ils ont utilisé la technique du glaçage à l'huile pour obtenir profondeur et luminosité.
Maîtres hollandais
Le XVIIe siècle voit l'émergence de grands maîtres hollandais tels que le polyvalent Rembrandt, particulièrement connu pour ses portraits et ses scènes bibliques, et Vermeer, spécialisé dans les scènes d'intérieur de la vie hollandaise.
Baroque
Le baroque a commencé après la Renaissance, de la fin du XVIe siècle à la fin du XVIIe siècle. Les principaux artistes du baroque comprenaient le Caravage, qui faisait un usage intensif du ténébrisme. Peter Paul Rubens était un peintre flamand qui a étudié en Italie, a travaillé pour les églises locales d'Anvers et a également peint une série pour Marie de Médicis. Annibale Carracci s'est inspiré de la Chapelle Sixtine et a créé le genre de la peinture illusionniste au plafond. Une grande partie du développement du baroque est due à la Réforme protestante et à la Contre-Réforme qui en a résulté. Une grande partie de ce qui définit le baroque est un éclairage dramatique et des visuels généraux.
Impressionnisme
L'impressionnisme a commencé en France au 19ème siècle avec une association d'artistes, dont Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir et Paul Cézanne, qui ont apporté un nouveau style librement brossé à la peinture, choisissant souvent de peindre des scènes réalistes de la vie moderne à l'extérieur plutôt qu'en studio. . Ceci a été réalisé grâce à une nouvelle expression de caractéristiques esthétiques démontrées par les coups de pinceau et l'impression de réalité. Ils ont obtenu une vibration de couleur intense en utilisant des couleurs pures et non mélangées et des coups de pinceau courts. Le mouvement a influencé l’art en tant que dynamique, évoluant dans le temps et s’adaptant aux nouvelles techniques et perceptions de l’art. L'attention portée aux détails est devenue moins une priorité dans la réalisation, tout en explorant une vision biaisée des paysages et de la nature aux yeux de l'artiste.
Post-impressionnisme
Vers la fin du XIXe siècle, plusieurs jeunes peintres ont poussé l'impressionnisme encore plus loin, utilisant des formes géométriques et des couleurs artificielles pour représenter les émotions tout en recherchant un symbolisme plus profond. Il convient de noter en particulier Paul Gauguin, fortement influencé par l'art asiatique, africain et japonais, Vincent van Gogh, un Néerlandais qui s'est installé en France où il a puisé dans la forte lumière du soleil du sud, et Toulouse-Lautrec, connu pour ses peintures vives. de la vie nocturne du quartier parisien de Montmartre.
Symbolisme, expressionnisme et cubisme
Edvard Munch, artiste norvégien, a développé son approche symbolique à la fin du XIXe siècle, en s'inspirant de l'impressionniste français Manet. Le Cri (1893), son œuvre la plus célèbre, est largement interprété comme représentant l’anxiété universelle de l’homme moderne. En partie sous l'influence de Munch, le mouvement expressionniste allemand est né en Allemagne au début du XXe siècle, lorsque des artistes tels qu'Ernst Kirschner et Erich Heckel ont commencé à déformer la réalité pour obtenir un effet émotionnel.
En parallèle, le style connu sous le nom de cubisme s'est développé en France alors que les artistes se concentraient sur le volume et l'espace des structures pointues au sein d'une composition. Pablo Picasso et Georges Braque furent les principaux promoteurs du mouvement. Les objets sont brisés, analysés et réassemblés sous une forme abstraite. Dans les années 1920, le style s’est développé vers le surréalisme avec Dali et Magritte.
Gravure
La gravure consiste à créer, à des fins artistiques, une image sur une matrice qui est ensuite transférée sur une surface bidimensionnelle (plate) au moyen d'encre (ou d'une autre forme de pigmentation). Sauf dans le cas d'un monotype, la même matrice peut être utilisée pour produire de nombreux exemplaires du tirage.
Historiquement, les principales techniques (également appelées médias) impliquées sont la gravure sur bois, la gravure au trait, la gravure, la lithographie et la sérigraphie (sérigraphie, sérigraphie), mais il en existe bien d'autres, notamment les techniques numériques modernes. Normalement, l’impression est imprimée sur papier, mais d’autres supports vont du tissu et du vélin à des matériaux plus modernes. Les principales traditions de gravure incluent celle du Japon (ukiyo-e).
Histoire européenne
Les estampes de la tradition occidentale produites avant 1830 environ sont connues sous le nom d’estampes de maîtres anciens. En Europe, à partir d'environ 1400 après JC, la gravure sur bois était utilisée pour des impressions maîtresses sur papier en utilisant des techniques d'impression développées dans les mondes byzantin et islamique. Michael Wolgemut a amélioré la gravure sur bois allemande à partir de 1475 environ, et Erhard Reuwich, un Néerlandais, a été le premier à utiliser les hachures croisées. À la fin du siècle, Albrecht Dürer a amené la gravure sur bois occidentale à un stade jamais dépassé, augmentant ainsi le statut de la gravure sur bois à une seule feuille.
Origine et pratique chinoises
En Chine, l’art de la gravure s’est développé il y a environ 1 100 ans sous la forme d’illustrations côtoyant des textes découpés sur bois pour être imprimés sur papier. Au départ, les images étaient principalement religieuses, mais sous la dynastie Song, les artistes commencèrent à découper des paysages. Sous les dynasties Ming (1368-1644) et Qing (1616-1911), la technique s'est perfectionnée pour les gravures religieuses et artistiques.
Développement au Japon 1603-1867
L'impression sur bois au Japon (japonais : 木版画, moku hanga) est une technique surtout connue pour son utilisation dans le genre artistique ukiyo-e ; cependant, il était également très largement utilisé pour l’impression de livres à la même période. L'impression sur bois était utilisée en Chine depuis des siècles pour imprimer des livres, bien avant l'avènement des caractères mobiles, mais elle n'a été largement adoptée au Japon qu'étonnamment tard, pendant la période Edo (1603-1867). Bien que similaire à certains égards à la gravure sur bois dans la gravure occidentale, le moku hanga diffère grandement en ce sens que des encres à base d'eau sont utilisées (par opposition à la gravure sur bois occidentale, qui utilise des encres à base d'huile), permettant une large gamme de couleurs vives, de glacis et de couleurs. transparence.
La photographie
La photographie est le processus de création d’images grâce à l’action de la lumière. Les modèles de lumière réfléchis ou émis par les objets sont enregistrés sur un support sensible ou une puce de stockage grâce à une exposition chronométrée. Le processus est effectué au moyen d'obturateurs mécaniques ou d'une exposition chronométrée électroniquement des photons dans des dispositifs de traitement chimique ou de numérisation appelés caméras.
Le mot vient des mots grecs φως phos (« lumière ») et γραφις graphis (« stylet », « pinceau ») ou γραφη graphê, signifiant ensemble « dessiner avec la lumière » ou « représentation au moyen de lignes » ou « dessin ». " Traditionnellement, le produit de la photographie est appelé photographie. Le terme photo est une abréviation ; beaucoup de gens les appellent aussi des images. En photographie numérique, le terme image a commencé à remplacer photographie. (Le terme image est traditionnel en optique géométrique.)
Réalisation
La réalisation d'un film est le processus de réalisation d'un film, depuis la conception et la recherche initiales, en passant par l'écriture du scénario, le tournage et l'enregistrement, l'animation ou autres effets spéciaux, le montage, le travail sonore et musical et enfin la distribution à un public ; il fait largement référence à la création de tous types de films, englobant le documentaire, les courants théâtraux et littéraires cinématographiques, ainsi que les pratiques poétiques ou expérimentales, et est souvent utilisé également pour désigner des processus basés sur la vidéo.
Art informatique
Les artistes visuels ne se limitent plus aux médias artistiques traditionnels. Les ordinateurs sont devenus un outil de plus en plus courant dans les arts visuels depuis les années 1960. Les utilisations incluent la capture ou la création d'images et de formes, l'édition de ces images et formes (y compris l'exploration de plusieurs compositions) et le rendu final et/ou l'impression (y compris l'impression 3D).
L'art informatique est tout art dans lequel les ordinateurs ont joué un rôle dans la production ou l'affichage. Cet art peut être une image, un son, une animation, une vidéo, un CD-ROM, un DVD, un jeu vidéo, un site Web, un algorithme, une performance ou une installation dans une galerie. De nombreuses disciplines traditionnelles intègrent désormais les technologies numériques et, par conséquent, les frontières entre les œuvres d'art traditionnelles et les œuvres des nouveaux médias créées à l'aide d'ordinateurs sont devenues floues. Par exemple, un artiste peut combiner la peinture traditionnelle avec l’art algorithmique et d’autres techniques numériques. En conséquence, définir l’art informatique par son produit final peut s’avérer difficile. Néanmoins, ce type d’art commence à apparaître dans les expositions des musées d’art, même s’il n’a pas encore prouvé sa légitimité en tant que forme en soi et que cette technologie est largement considérée dans l’art contemporain davantage comme un outil que comme une forme comme dans le cas de la peinture.
L'utilisation de l'ordinateur a brouillé les distinctions entre illustrateurs, photographes, éditeurs de photos, modeleurs 3D et artistes artisanaux. Les logiciels sophistiqués de rendu et d'édition ont conduit à des développeurs d'images polyvalents. Les photographes peuvent devenir des artistes numériques. Les illustrateurs peuvent devenir animateurs. L'artisanat peut être assisté par ordinateur ou utiliser des images générées par ordinateur comme modèle. L'utilisation des images clipart sur ordinateur a également rendu moins évidente la distinction claire entre les arts visuels et la mise en page en raison de la facilité d'accès et d'édition des images clipart lors du processus de pagination d'un document, en particulier pour l'observateur non qualifié.
Art glitch
Le glitch art est l'esthétisation d'erreurs numériques ou analogiques, telles que des artefacts et autres « bugs », soit en corrompant le code/les données numériques, soit en manipulant physiquement des appareils électroniques (par exemple par courbure de circuit). Le glitch art peut s’appliquer à la vidéo, à la musique, à l’art sonore, à la photographie ou à l’art numérique.
Arts plastiques
Les arts plastiques sont un terme, aujourd'hui largement oublié, englobant les formes d'art qui impliquent la manipulation physique d'un support plastique par moulage ou modelage comme la sculpture ou la céramique. Le terme a également été appliqué à tous les arts visuels (non littéraires, non musicaux).
Les matériaux qui peuvent être sculptés ou façonnés, comme la pierre ou le bois, le béton ou l'acier, ont également été inclus dans la définition plus étroite, car, avec des outils appropriés, ces matériaux sont également capables de moduler. Cet usage du terme « plastique » dans les arts ne doit pas être confondu avec celui de Piet Mondrian, ni avec le mouvement qu'il a appelé, en français et en anglais, « néoplasticisme ».
Sculpture
La sculpture est une œuvre d'art tridimensionnelle créée en façonnant ou en combinant des matériaux durs et/ou plastiques, du son et/ou du texte et/ou de la lumière, généralement de la pierre (roche ou marbre), de l'argile, du métal, du verre ou du bois. Certaines sculptures sont créées directement en trouvant ou en sculptant ; d'autres sont assemblés, construits ensemble et cuits, soudés, moulés ou coulés. Les sculptures sont souvent peintes.
Celui qui crée des sculptures est appelé sculpteur.
Parce que la sculpture implique l’utilisation de matériaux pouvant être moulés ou modulables, elle est considérée comme l’un des arts plastiques. La majorité de l'art public est de la sculpture. De nombreuses sculptures réunies dans un jardin peuvent être appelées jardin de sculptures.
Les sculpteurs ne réalisent pas toujours des sculptures à la main. Avec l'augmentation de la technologie au XXe siècle et la popularité de l'art conceptuel plutôt que de la maîtrise technique, de plus en plus de sculpteurs se sont tournés vers les fabricants d'art pour produire leurs œuvres. Avec la fabrication, l'artiste crée un dessin et paie un fabricant pour le produire. Cela permet aux sculpteurs de créer des sculptures plus grandes et plus complexes à partir de matériaux comme le ciment, le métal et le plastique, qu'ils ne pourraient pas créer à la main. Les sculptures peuvent également être réalisées avec la technologie d’impression 3D.
Définition de l'art visuel par le droit d'auteur aux États-Unis d'Amérique
Aux États-Unis, la loi protégeant le droit d'auteur sur une œuvre d'art visuel donne une définition plus restrictive de « l'art visuel ». La citation suivante est tirée de la loi sur le droit d'auteur des États-Unis d'Amérique, chapitre 1 :
Une « œuvre d’art visuel » est :
(1) une peinture, un dessin, une estampe ou une sculpture existant en un seul exemplaire, en une édition limitée de 200 exemplaires ou moins signés et numérotés consécutivement par l'auteur ou, dans le cas d'une sculpture, en tirage multiple, sculptures sculptées ou fabriquées de 200 ou moins qui sont numérotées consécutivement par l'auteur et portent la signature ou toute autre marque d'identification de l'auteur ; ou
(2) une image photographique produite à des fins d'exposition uniquement, existant en un seul exemplaire signé par l'auteur, ou en une édition limitée de 200 exemplaires ou moins signés et numérotés consécutivement par l'auteur.
Une œuvre d’art visuel ne comprend pas :
(A)(i) toute affiche, carte, globe, graphique, dessin technique, diagramme, modèle, art appliqué, film cinématographique ou autre œuvre audiovisuelle, livre, magazine, journal, périodique, base de données, service d'information électronique, publication électronique, ou une publication similaire ;
(ii) tout article de marchandisage ou matériel ou contenant publicitaire, promotionnel, descriptif, de couverture ou d'emballage ;
(iii) toute partie ou partie de tout élément décrit à la clause (i) ou (ii) ;
(B) tout travail réalisé contre rémunération ; ou
(C) toute œuvre non soumise à la protection du droit d'auteur en vertu de ce titre.