Ornette Coleman, Louis Armstrong et Charles Mingus sont associés à quel style de musique ?
le jazz
En 1960, Coleman enregistre Free Jazz: A Collective Improvisation, qui comprenait un double quatuor, comprenant Cherry et Freddie Hubbard à la trompette, Eric Dolphy à la clarinette basse, Haden et LaFaro à la basse, et Higgins et Blackwell à la batterie. Le disque a été enregistré en stéréo, avec un quatuor d'anches/cuivres/basse/batterie isolé dans chaque canal stéréo. Free Jazz était, avec près de 40 minutes, la plus longue performance de jazz continue enregistrée à ce jour et fut instantanément l'un des albums les plus controversés de Coleman. La musique présente une pulsation régulière mais complexe, un batteur jouant « droit » tandis que l'autre jouait en double temps ; le matériel thématique est une série de fanfares brèves et dissonantes. Comme c'est l'habitude dans le jazz, il y a une série de solos pour chaque membre du groupe, mais les autres solistes sont libres d'intervenir à leur guise, produisant des passages extraordinaires d'improvisation collective par l'octet complet. Dans le numéro du 18 janvier 1962 du magazine Down Beat, dans une revue spéciale intitulée « Double View of a Double Quartet », Pete Welding a attribué à l'album Five Stars tandis que John A. Tynan lui a attribué aucune étoile.
Randolph Denard Ornette Coleman (9 mars 1930 - 11 juin 2015) était un saxophoniste, violoniste, trompettiste et compositeur de jazz américain. Il fut l’un des innovateurs majeurs du mouvement free jazz des années 1960, terme qu’il inventa avec le nom d’un album. Le timbre de Coleman était facilement reconnaissable : son son vif et pleurant s'inspirait fortement de la musique blues. Il a reçu une bourse MacArthur en 1994. Son album Sound Grammar a reçu le prix Pulitzer de musique en 2007.

Biographie

Début de la vie

Coleman est né en 1930 à Fort Worth, au Texas, où il a également grandi. Il a fréquenté le lycée I.M. Terrell, où il a participé à un groupe jusqu'à ce qu'il soit licencié pour avoir improvisé dans le « Washington Post ». Il a commencé à jouer du R&B et du bebop au saxophone ténor, et a fondé un groupe, les Jam Jivers, avec quelques camarades, dont Prince Lasha et Charles Moffett. Cherchant un moyen de quitter sa ville natale, il accepta un emploi en 1949 avec un spectacle itinérant de Silas Green de la Nouvelle-Orléans, puis avec des spectacles de rythme et de blues en tournée. Après un spectacle à Baton Rouge, en Louisiane, il a été agressé et son saxophone a été détruit.

Il est passé au saxophone alto, qui est resté son instrument principal, en jouant pour la première fois à la Nouvelle-Orléans après l'incident de Baton Rouge. Il rejoint ensuite le groupe des Pee Wee Crayton et voyage avec eux à Los Angeles. Il a occupé divers emplois, notamment celui d'opérateur d'ascenseur, tout en poursuivant sa carrière musicale.

Dès le début de sa carrière, la musique et le jeu de Coleman étaient à bien des égards peu orthodoxes. Son approche de l'harmonie et de la progression d'accords était beaucoup moins rigide que celle des artistes bebop ; il était de plus en plus intéressé à jouer ce qu'il entendait plutôt que de l'insérer dans des structures de chœur et des harmonies prédéterminées. Son son brut et hautement vocalisé et son penchant pour jouer « dans les fissures » de la gamme ont conduit de nombreux musiciens de jazz de Los Angeles à considérer le jeu de Coleman comme désaccordé. Il a parfois eu du mal à trouver des musiciens partageant les mêmes idées avec qui jouer. Néanmoins, le pianiste Paul Bley fut l'un des premiers partisans et collaborateurs musicaux.

En 1958, Coleman dirige sa première session d'enregistrement pour Contemporary, Something Else!!!!: The Music of Ornette Coleman. La session mettait également en vedette le trompettiste Don Cherry, le batteur Billy Higgins, le bassiste Don Payne et Walter Norris au piano.

La forme du jazz à venir

1959 fut une année particulièrement productive pour Coleman. Son dernier album sur Contemporary était Tomorrow Is the Question !, un album en quatuor, avec Shelly Manne à la batterie, et à l'exclusion du piano, qu'il n'utilisera plus avant les années 1990. Ensuite, Coleman a amené le contrebassiste Charlie Haden – l'un de ses rares collaborateurs les plus importants – dans un groupe régulier avec Cherry et Higgins. (Tous les quatre avaient joué avec Paul Bley l'année précédente.) Il a signé un contrat multi-album avec Atlantic Records, qui a sorti The Shape of Jazz to Come en 1959. Ce fut, selon le critique Steve Huey, « un événement décisif dans le monde ». genèse du jazz d'avant-garde, qui oriente profondément son avenir et lance un défi que certains n'ont pas encore su relever. Bien que résolument - quoique quelque peu vaguement - basées sur le blues et souvent assez mélodiques, les compositions de l'album étaient considérées à l'époque comme harmoniquement inhabituelles et non structurées. Certains musiciens et critiques considéraient Coleman comme un iconoclaste ; d'autres, dont le chef d'orchestre Leonard Bernstein et le compositeur Virgil Thomson, le considéraient comme un génie et un innovateur. " Jazzwise l'a classé n°2 sur sa liste des 100 meilleurs albums de jazz de tous les temps.

Le quatuor de Coleman a reçu un engagement long – et parfois controversé – au célèbre club de jazz Five Spot de New York. Des personnalités aussi remarquables que le Modern Jazz Quartet, Leonard Bernstein et Lionel Hampton ont été favorablement impressionnées et encouragées. (Hampton fut tellement impressionné qu'il aurait demandé à jouer avec le quatuor ; Bernstein aida plus tard Haden à obtenir une bourse de composition de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation.) Les avis étaient cependant partagés. Le trompettiste Miles Davis a déclaré que Coleman était « tout foutu à l'intérieur », bien que Davis ait par la suite rétracté ce commentaire et soit devenu un partisan des innovations musicales de Coleman. Roy Eldridge a déclaré: "Je l'avais écouté de toutes sortes de façons. Je l'ai écouté haut et je l'ai écouté froidement sobre. J'ai même joué avec lui. Je pense qu'il s'amuse bébé."

Le son unique de Coleman était en partie dû à son utilisation d'un saxophone en plastique. Il avait acheté pour la première fois un cor en plastique à Los Angeles en 1954 parce qu'il n'avait pas les moyens d'acheter un saxophone en métal, même s'il n'aimait pas au début le son de cet instrument en plastique. Coleman a affirmé plus tard que cela sonnait plus sec, sans le ping du métal. Plus tard, il joua du saxophone métal.

Sur les enregistrements de l'Atlantique, les sidemen de Coleman dans le quatuor sont Cherry au cornet ou à la trompette de poche, Haden, Scott LaFaro, puis Jimmy Garrison à la basse, et Higgins ou son remplaçant Ed Blackwell à la batterie. Les enregistrements complets sortis pour le label ont été rassemblés sur le coffret Beauty Is a Rare Thing.

Jazz gratuit

En 1960, Coleman enregistre Free Jazz: A Collective Improvisation, qui comprenait un double quatuor, comprenant Cherry et Freddie Hubbard à la trompette, Eric Dolphy à la clarinette basse, Haden et LaFaro à la basse, et Higgins et Blackwell à la batterie. Le disque a été enregistré en stéréo, avec un quatuor d'anches/cuivres/basse/batterie isolé dans chaque canal stéréo. Free Jazz était, avec près de 40 minutes, la plus longue performance de jazz continue enregistrée à ce jour et fut instantanément l'un des albums les plus controversés de Coleman. La musique présente une pulsation régulière mais complexe, un batteur jouant « droit » tandis que l'autre jouait en double temps ; le matériel thématique est une série de fanfares brèves et dissonantes. Comme c'est l'habitude dans le jazz, il y a une série de solos pour chaque membre du groupe, mais les autres solistes sont libres d'intervenir à leur guise, produisant des passages extraordinaires d'improvisation collective par l'octet complet. Dans le numéro du 18 janvier 1962 du magazine Down Beat, dans une revue spéciale intitulée « Double View of a Double Quartet », Pete Welding a attribué à l'album Five Stars tandis que John A. Tynan lui a attribué aucune étoile.

Coleman voulait à l'origine que "Free Jazz" soit simplement un titre d'album, mais sa réputation grandissante l'a placé à la pointe de l'innovation en matière de jazz, et le free jazz a rapidement été considéré comme un nouveau genre, bien que Coleman ait exprimé son inconfort avec le terme. L'une des raisons pour lesquelles Coleman n'a peut-être pas entièrement approuvé le terme « free jazz » est que sa musique contient une quantité considérable de compositions. Son matériel mélodique, bien que squelettique, rappelle fortement les mélodies que Charlie Parker a écrites sur des harmonies standards, et en général, la musique est plus proche du bebop qui l'a précédé qu'on ne l'imagine parfois. (Plusieurs de ses premiers morceaux, par exemple, sont clairement basés sur des changements d'accords bop préférés comme "Out of Nowhere" et "I Got Rhythm".) Coleman jouait très rarement des standards, se concentrant sur ses propres compositions, dont il semblait y avoir un flux sans fin. Il existe cependant des exceptions, notamment une lecture classique (pratiquement une recomposition) de « Embraceable You » pour Atlantic, et une improvisation sur « Criss-Cross » de Thelonious Monk enregistrée avec Gunther Schuller.

années 1960

Après la période atlantique et au début des années 1970, la musique de Coleman est devenue plus anguleuse et s'est pleinement engagée dans l'avant-garde du jazz qui s'était développée en partie autour de ses innovations.

Son quatuor se dissout et Coleman forme un nouveau trio avec David Izenzon à la basse et Charles Moffett à la batterie. Coleman a commencé à étendre la gamme sonore de sa musique, en introduisant des musiciens à cordes accompagnateurs (bien que loin du territoire de Charlie Parker with Strings) et en jouant lui-même de la trompette et du violon (qu'il jouait pour gaucher). Au début, il avait peu de techniques musicales conventionnelles et utilisait les instruments pour faire de grands gestes sans retenue. Son amitié avec Albert Ayler a influencé son développement de la trompette et du violon. Haden rejoindra parfois plus tard ce trio pour former un quatuor à deux basses.

Entre 1965 et 1967, Coleman signe avec Blue Note Records et publie un certain nombre d'enregistrements, à commencer par les enregistrements influents du trio At the Golden Circle Stockholm.

En 1966, Coleman a été critiqué pour avoir enregistré The Empty Foxhole, un trio avec Haden et le fils de Coleman, Denardo Coleman, âgé de dix ans. Certains ont considéré cela comme une publicité peut-être peu judicieuse de la part de Coleman et ont jugé cette décision comme une erreur. D'autres, cependant, ont noté que malgré sa jeunesse, Denardo avait étudié la batterie pendant plusieurs années. Sa technique – qui, bien que non raffinée, était respectable et enthousiaste – devait plus aux batteurs de free jazz orientés pulse comme Sunny Murray qu'à la batterie bebop. Denardo est devenu un musicien respecté et est le principal batteur de son père depuis la fin des années 1970.

Coleman a formé un autre quatuor. Un certain nombre de bassistes et de batteurs (dont Haden, Garrison et Elvin Jones) sont apparus et Dewey Redman a rejoint le groupe, généralement au saxophone ténor.

Il a également continué à explorer son intérêt pour les textures des cordes – depuis Town Hall, 1962, jusqu'à Skies of America en 1972. (Parfois, cela avait une valeur pratique, car cela a facilité l'apparition de son groupe au Royaume-Uni en 1965, où les musiciens de jazz étaient sous un système de quotas mais les artistes classiques en étaient exemptés.)

En 1969, Coleman a été intronisé au Down Beat Jazz Hall of Fame.

Carrière ultérieure

Jerry Garcia a joué de la guitare sur trois morceaux de l'album Virgin Beauty de Coleman en 1988 : "Three Wishes", "Singing in the Shower" et "Desert Players". Coleman a rejoint les Grateful Dead sur scène une fois en 1993 pendant "Space", et est resté pour "The Other One", "Stella Blue", "Turn on Your Lovelight" de Bobby Bland et le rappel "Brokedown Palace". Une autre collaboration a eu lieu avec le guitariste Pat Metheny, avec qui Coleman a enregistré Song X (1985) ; bien que publié sous le nom de Metheny, Coleman était essentiellement co-leader (contribuant à toutes les compositions).

En 1990, la ville de Reggio Emilia en Italie a organisé un « Portrait de l'artiste » de trois jours mettant en vedette un quatuor Coleman avec Cherry, Haden et Higgins. Le festival a également présenté des performances de sa musique de chambre et de la symphonique Skies of America.

En 1991, Coleman a joué sur la bande originale de Naked Lunch de David Cronenberg ; l'orchestre était dirigé par Howard Shore. Il se distingue entre autres par l'inclusion d'une rare observation de Coleman jouant un standard de jazz : la ligne de blues "Misterioso" de Thelonious Monk. Deux enregistrements Coleman (pré-électriques) de 1972, "Happy House" et "Foreigner in a Free Land" ont été utilisés dans Finding Forrester de Gus Van Sant en 2000.

Le milieu des années 1990 a vu une activité intense de la part de Coleman : il a sorti quatre disques en 1995 et 1996 et, pour la première fois depuis de nombreuses années, il a travaillé régulièrement avec des pianistes (soit Geri Allen, soit Joachim Kühn). Il a reçu une bourse MacArthur (bourse de génie) en 1994.

années 2000

En 2001, Coleman a reçu un Praemium Imperial (Prix de la culture mondiale en mémoire de Son Altesse Impériale le Prince Takamatsu), un prix d'art international décerné par la famille impériale du Japon au nom de la Japan Art Association. Le prix récompense des contributions exceptionnelles au développement, à la promotion et au progrès des arts dans les domaines de la peinture, de la sculpture, de l'architecture, de la musique et du théâtre/cinéma – sans doute l'un des prix d'art les plus prestigieux au monde. Coleman est le deuxième et dernier musicien de jazz à recevoir le Praemium Imperial, après Oscar Peterson en 1999.

En 2004, Coleman a reçu le prix Dorothy et Lillian Gish, l'un des prix artistiques les plus prestigieux, décerné chaque année à « un homme ou une femme qui a apporté une contribution exceptionnelle à la beauté du monde et à la jouissance et à la compréhension de la vie de l'humanité ». "

En septembre 2006, il sort un album live intitulé Sound Grammar avec son nouveau quatuor (Denardo à la batterie et deux bassistes, Gregory Cohen et Tony Falanga). Il s'agissait de son premier album de nouveau matériel en dix ans et a été enregistré en Allemagne en 2005. Il a remporté le prix Pulitzer de musique 2007, Coleman n'étant que le deuxième artiste de jazz à remporter ce prix.

Le 11 février 2007, Coleman a reçu un Grammy Award pour l'ensemble de sa carrière, en reconnaissance de cet héritage.

Le 9 juillet 2009, Coleman a reçu le Prix Miles Davis, une reconnaissance décernée par le Festival International de Jazz de Montréal aux musiciens qui ont contribué à perpétuer la tradition du jazz.

Le 1er mai 2010, il a reçu un doctorat honorifique en musique de l'Université du Michigan pour ses contributions musicales.

La pianiste de jazz Joanne Brackeen (qui n'avait étudié que brièvement la musique lorsqu'elle était enfant) a déclaré dans une interview avec Marian McPartland que Coleman l'avait encadrée et lui avait donné des cours de musique semi-formels ces dernières années.

Coleman a continué à se lancer dans des situations de jeu inhabituelles, souvent avec des musiciens beaucoup plus jeunes ou issus de cultures musicales radicalement différentes. Un nombre croissant de ses compositions, même si elles ne sont pas omniprésentes, sont devenues des standards mineurs du jazz, notamment "Lonely Woman", "Peace", "Turnaround", "When Will the Blues Leave?", "The Blessing", "Law Years", "Quelle raison pourrais-je donner" et "J'ai attendu toute ma vie". Il a influencé pratiquement tous les saxophonistes modernes et presque tous les musiciens de jazz de la génération qui l'a suivi. Ses chansons se sont révélées infiniment malléables : des pianistes comme Paul Bley et Paul Plimley ont réussi à les adapter à leurs objectifs ; John Zorn a enregistré Spy vs Spy (1989), un album de versions extrêmement fortes, rapides et abruptes des chansons de Coleman. La chanteuse de jazz finlandaise Carola a repris "Lonely Woman" de Coleman et il y a même eu des versions bluegrass progressives des airs de Coleman (par Richard Greene).

Vie personnelle et mort

Coleman a épousé la poète Jayne Cortez en 1954. Le couple a divorcé en 1964. Ils ont eu un fils, Denardo, né en 1956, qui est devenu lui-même un batteur de jazz remarquable.

Coleman est décédé d'un arrêt cardiaque à l'âge de 85 ans à New York le 11 juin 2015. Ses funérailles ont duré trois heures avec des performances et des discours de plusieurs de ses collaborateurs et contemporains.

Discographie

Remarques