Combien de symphonies Jean Sibelius a-t-il composé ?
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Dans la théorie grecque tardive et médiévale, le mot était utilisé pour la consonance, par opposition à διαφωνία (diaphōnia), qui était le mot pour la dissonance. Au Moyen Âge et plus tard, la forme latine symphonia était utilisée pour décrire divers instruments, notamment ceux capables de produire plusieurs sons simultanément. Isidore de Séville fut le premier à utiliser le mot symphonie comme nom d'un tambour à deux têtes, et à partir de c. De 1155 à 1377, la forme française symphonie était le nom de l'organistrum ou de la vielle. Dans l'Angleterre de la fin du Moyen Âge, la symphonie était utilisée dans ces deux sens, alors qu'au XVIe siècle, elle était assimilée au dulcimer. En allemand, Symphonie était un terme générique désignant les épinettes et les virginaux de la fin du XVIe siècle au XVIIIe siècle. Dans le sens de « sonner ensemble », le mot commence à apparaître dans les titres de certaines œuvres de compositeurs des XVIe et XVIIe siècles, notamment Sacrae symphoniae et Symphoniae sacrae, liber secundus de Giovanni Gabrieli, publiées respectivement en 1597 et 1615 ; Eclesiastiche sinfonie d'Adriano Banchieri, ces canzoni in aria francese, per sonare, et cantare, op. 16, publié en 1607 ; Les Sinfonie musicalei de Lodovico Grossi da Viadana, op. 18, publié en 1610 ; et Symphoniae sacrae de Heinrich Schütz, op. 6, et Symphoniarum sacrarum secunda pars, op. 10, publiés respectivement en 1629 et 1647. À l'exception du recueil de Viadana, qui contenait de la musique purement instrumentale et profane, il s'agissait tous de recueils d'œuvres vocales sacrées, certaines avec accompagnement instrumental. Au XVIIIe siècle, « la symphonie était cultivée avec une intensité extraordinaire ». Elle a joué un rôle dans de nombreux domaines de la vie publique, y compris les services religieux, mais l'aristocratie était un domaine de soutien particulièrement important pour les spectacles symphoniques. À Vienne, peut-être le lieu le plus important d'Europe pour la composition de symphonies, « littéralement des centaines de familles nobles soutenaient des établissements musicaux, partageant généralement leur temps entre Vienne et leur domaine ancestral [ailleurs dans l'Empire] ». La taille normale de l'orchestre à l'époque étant assez petite, nombre de ces établissements de cour étaient capables d'interpréter des symphonies. Le jeune Joseph Haydn, prenant son premier poste de directeur musical en 1757 pour la famille Morzin, découvrit que lorsque la maison Morzin était à Vienne, son propre orchestre n'était qu'une partie d'une scène musicale vivante et compétitive, avec de multiples aristocrates parrainant des concerts. avec leurs propres ensembles (Carpani 1823, 66, cité dans Gotwals 1968). Le style de symphonie « italien », souvent utilisé comme ouverture et entracte dans les opéras, est devenu une forme standard en trois mouvements : un mouvement rapide, un mouvement lent et un autre mouvement rapide. Au cours du XVIIIe siècle, il est devenu courant d’écrire des symphonies en quatre mouvements, selon le modèle décrit dans le paragraphe suivant. La symphonie en trois mouvements s'éteignit lentement ; environ la moitié des trente premières symphonies de Haydn sont en trois mouvements ; et pour le jeune Mozart, la symphonie en trois mouvements était la norme, peut-être sous l'influence de son ami Johann Christian Bach. Un exemple tardif exceptionnel de symphonie classique en trois mouvements est la Symphonie « Prague » de Mozart, de 1787. Les symphonistes les plus importants de la fin du XVIIIe siècle sont Haydn, qui a écrit au moins 107 symphonies en 36 ans, et Mozart, avec au moins 47 symphonies en 24 ans. Parmi les premiers romantiques, Felix Mendelssohn (cinq symphonies) et Robert Schumann (quatre) ont continué à écrire des symphonies dans le moule classique, tout en utilisant leur propre langage musical. En revanche, Hector Berlioz privilégie les œuvres à programme, notamment sa « symphonie dramatique » Roméo et Juliette et la très originale Symphonie fantastique. Cette dernière est également une œuvre à programme et comporte à la fois une marche et une valse et cinq mouvements au lieu des quatre habituels. Sa quatrième et dernière symphonie, la Grande symphonie funèbre et triomphale (intitulée à l'origine Symphonie militaire) a été composée en 1840 pour une fanfare militaire de 200 musiciens, devant être jouée à l'extérieur, et est l'un des premiers exemples de symphonie d'orchestre. Berlioz ajouta plus tard des parties de cordes facultatives et un final choral. En 1851, Richard Wagner déclarait que toutes ces symphonies post-Beethoven n’étaient qu’un épilogue, n’apportant rien de substantiellement nouveau. En effet, après la dernière symphonie de Schumann, la « Rhénane » composée en 1850, pendant deux décennies, le poème symphonique lisztien semble avoir supplanté la symphonie comme forme principale de musique instrumentale à grande échelle. Si la symphonie avait été éclipsée, elle ne tarda pas à réapparaître dans un "second âge" dans les années 1870 et 1880, avec les symphonies d'Anton Bruckner, Johannes Brahms, Piotr Ilitch Tchaïkovski, Camille Saint-Saëns, Alexandre Borodine, Antonín Dvořák et César Franck, des œuvres qui ont continué à dominer le répertoire des concerts pendant au moins un siècle. Au cours du XIXe siècle, les compositeurs ont continué à accroître la taille de l'orchestre symphonique. Au début du siècle, un orchestre à grande échelle se composait d'une section de cordes ainsi que de paires de flûtes, hautbois, clarinettes, bassons, cors, trompettes et enfin d'un jeu de timbales. C'est par exemple la partition utilisée dans les symphonies 1, 2, 4, 7 et 8 de Beethoven. Les trombones, jusqu'alors réservés à la musique d'église et de théâtre, sont venus s'ajouter à l'orchestre symphonique, notamment dans la 5e de Beethoven. , 6e et 9e symphonies. La combinaison de la grosse caisse, du triangle et des cymbales (parfois aussi : piccolo), que les compositeurs du XVIIIe siècle utilisaient comme effet coloristique dans ce qu'on appelle la « musique turque », est devenue de plus en plus utilisée au cours de la seconde moitié du XIXe siècle sans aucun effet. de telles connotations de genre. À l'époque de Mahler (voir ci-dessous), il était possible pour un compositeur d'écrire une symphonie composée pour « un véritable recueil d'instruments d'orchestre ». En plus de l'augmentation de la variété des instruments, les symphonies du XIXe siècle ont été progressivement complétées par davantage de musiciens à cordes et de parties à vent, de sorte que l'orchestre a considérablement augmenté en nombre, à mesure que les salles de concert se développaient également. Au début du XXe siècle, Gustav Mahler écrit de longues et grandes symphonies. Sa Huitième Symphonie, par exemple, a été composée en 1906 et est surnommée la « Symphonie des Mille » en raison du grand nombre de voix nécessaires pour interpréter les sections chorales. De plus, sa Troisième Symphonie est l'une des symphonies régulièrement jouées les plus longues, avec une durée d'environ 100 minutes pour la plupart des représentations. Le XXe siècle a également vu une plus grande diversification du style et du contenu des œuvres que les compositeurs qualifient de symphonies (Anon. 2008). Certains compositeurs, dont Dmitri Chostakovitch, Sergueï Rachmaninov et Carl Nielsen, ont continué à écrire sous la forme traditionnelle en quatre mouvements, tandis que d'autres compositeurs ont adopté des approches différentes : la Symphonie n° 7 de Jean Sibelius, sa dernière, est en un seul mouvement, tandis qu'Alan Symphonie n° 9 de Hovhaness, Saint Vartan — initialement op. 80, changé en op. 180 — composé en 1949-1950, est en vingt-quatre. Dans la première moitié du siècle, Edward Elgar, Gustav Mahler, Jean Sibelius, Carl Nielsen, Igor Stravinsky, Bohuslav Martinů, Roger Sessions et Dmitri Chostakovitch composèrent des symphonies « extraordinaires par leur portée, leur richesse, leur originalité et leur urgence d'expression » (Steinberg 1995, 404). Une mesure de l’importance d’une symphonie est la mesure dans laquelle elle reflète les conceptions de la forme temporelle propres à l’époque à laquelle elle a été créée. Cinq compositeurs du XXe siècle qui remplissent cette mesure sont Sibelius, Stravinsky, Luciano Berio (dans sa Sinfonia, 1968-1969), Elliott Carter (dans sa Symphonie de trois orchestres, 1976) et Pelle Gudmundsen-Holmgreen ( dans Symphonie/Antiphonie, 1980). À partir du XXe siècle, davantage de symphonies ont été écrites pour orchestre d’harmonie qu’au cours des siècles passés. Bien que des exemples existent dès 1932, la première symphonie d’importance de ce type depuis qu’Hector Berlioz a écrit la Grande symphonie funèbre et triomphale en 1840 est la Symphonie n° 19, op. 46, composé en 1939 (Battisti 2002, 42). Quelques autres exemples sont la Symphonie en si bémol pour orchestre de Paul Hindemith, composée en 1951 ; la Symphonie n°4 « West Point » de Morton Gould, composée en 1952 ; Symphonie n°6, op. 69, composé en 1956 ; la Symphonie n°3 de Vittorio Giannini, composée en 1959 ; Les Symphonies n°4 d'Alan Hovhaness, op. 165, n° 7, "Nanga Parvat", op. 175, n° 14, "Ararat", op. 194, et n° 23, "Ani", op. 249, composés respectivement en 1958, 1959, 1961 et 1972 ; les 2e, 3e, 4e et 5e symphonies d'Alfred Reed, composées respectivement en 1979, 1988, 1992 et 1994 ; et la Symphonie n°1 « Le Seigneur des anneaux » de Johan de Meij, composée en 1988, et sa Symphonie n°2 « La Grosse Pomme », composée en 1993.
Une symphonie est une composition musicale étendue de la musique classique occidentale, le plus souvent écrite par des compositeurs pour orchestre. Bien que le terme ait eu de nombreuses significations depuis ses origines à l'époque grecque antique, à la fin du XVIIIe siècle, le mot avait pris le sens courant aujourd'hui : une œuvre généralement composée de plusieurs sections ou mouvements distincts, souvent quatre, avec le premier mouvement en forme sonate. Les symphonies sont écrites pour des instruments à cordes (violon, alto, violoncelle et contrebasse), des cuivres, des bois et des percussions, qui comptent au total environ 30 à 100 musiciens. Les symphonies sont notées dans une partition musicale, qui contient toutes les parties instrumentales. Les musiciens d'orchestre jouent à partir de parties qui contiennent uniquement la musique notée pour leur instrument. Un petit nombre de symphonies contiennent également des parties vocales (par exemple, la Neuvième Symphonie de Beethoven).
Origines
Le mot symphonie est dérivé du grec (symphonia), signifiant « accord ou concorde de sons », « concert de musique vocale ou instrumentale », de (symphōnos), « harmonieux ». Le mot désignait une étonnante variété de choses différentes, avant de finalement s'établir dans son sens actuel désignant une forme musicale.
Dans la théorie grecque tardive et médiévale, le mot était utilisé pour la consonance, par opposition à διαφωνία (diaphōnia), qui était le mot pour la dissonance. Au Moyen Âge et plus tard, la forme latine symphonia était utilisée pour décrire divers instruments, notamment ceux capables de produire plusieurs sons simultanément. Isidore de Séville fut le premier à utiliser le mot symphonie comme nom d'un tambour à deux têtes, et à partir de c. De 1155 à 1377, la forme française symphonie était le nom de l'organistrum ou de la vielle. Dans l'Angleterre de la fin du Moyen Âge, la symphonie était utilisée dans ces deux sens, alors qu'au XVIe siècle, elle était assimilée au dulcimer. En allemand, Symphonie était un terme générique désignant les épinettes et les virginaux de la fin du XVIe siècle au XVIIIe siècle.
Dans le sens de « sonner ensemble », le mot commence à apparaître dans les titres de certaines œuvres de compositeurs des XVIe et XVIIe siècles, notamment Sacrae symphoniae et Symphoniae sacrae, liber secundus de Giovanni Gabrieli, publiées respectivement en 1597 et 1615 ; Eclesiastiche sinfonie d'Adriano Banchieri, ces canzoni in aria francese, per sonare, et cantare, op. 16, publié en 1607 ; Les Sinfonie musicalei de Lodovico Grossi da Viadana, op. 18, publié en 1610 ; et Symphoniae sacrae de Heinrich Schütz, op. 6, et Symphoniarum sacrarum secunda pars, op. 10, publiés respectivement en 1629 et 1647. À l'exception du recueil de Viadana, qui contenait de la musique purement instrumentale et profane, il s'agissait tous de recueils d'œuvres vocales sacrées, certaines avec accompagnement instrumental.
Au XVIIe siècle, pendant la majeure partie de la période baroque, les termes symphonie et sinfonia étaient utilisés pour désigner une gamme de compositions différentes, y compris des pièces instrumentales utilisées dans des opéras, des sonates et des concertos, faisant généralement partie d'une œuvre plus vaste. L'opéra sinfonia, ou ouverture italienne, avait, au XVIIIe siècle, une structure standard de trois mouvements contrastés : rapide, lent, rapide et dansant. C'est cette forme qui est souvent considérée comme l'ancêtre direct de la symphonie orchestrale. Les termes « ouverture », « symphonie » et « sinfonia » étaient largement considérés comme interchangeables pendant une grande partie du XVIIIe siècle.
Au XVIIe siècle, les pièces écrites pour grand ensemble instrumental ne désignaient pas précisément quels instruments devaient jouer quelles parties, comme c'est la pratique du XIXe siècle jusqu'à nos jours. Lorsque les compositeurs du XVIIe siècle écrivaient des pièces, ils s’attendaient à ce que ces œuvres soient interprétées par n’importe quel groupe de musiciens disponibles. Pour donner un exemple, alors que la ligne de basse d'une œuvre du XIXe siècle est composée pour violoncelles, contrebasses et autres instruments spécifiques, dans une œuvre du XVIIe siècle, une partie de basse continue pour une sinfonia ne préciserait pas quels instruments joueraient le rôle. Une interprétation de la pièce peut être réalisée avec un groupe de basse continue aussi petit qu'un seul violoncelle et clavecin. Cependant, si un budget plus important était disponible pour une représentation et qu'un son plus important était requis, un groupe de basse continue pourrait comprendre plusieurs instruments jouant des accords (clavecin, luth, etc.) et une gamme d'instruments de basse, notamment le violoncelle, la contrebasse, une basse de viole ou même un serpent, un des premiers instruments à vent de basse.
18ème siècle
Au XVIIIe siècle, « la symphonie était cultivée avec une intensité extraordinaire ». Elle a joué un rôle dans de nombreux domaines de la vie publique, y compris les services religieux, mais l'aristocratie était un domaine de soutien particulièrement important pour les spectacles symphoniques. À Vienne, peut-être le lieu le plus important d'Europe pour la composition de symphonies, « littéralement des centaines de familles nobles soutenaient des établissements musicaux, partageant généralement leur temps entre Vienne et leur domaine ancestral [ailleurs dans l'Empire] ». La taille normale de l'orchestre à l'époque étant assez petite, nombre de ces établissements de cour étaient capables d'interpréter des symphonies. Le jeune Joseph Haydn, prenant son premier poste de directeur musical en 1757 pour la famille Morzin, découvrit que lorsque la maison Morzin était à Vienne, son propre orchestre n'était qu'une partie d'une scène musicale vivante et compétitive, avec de multiples aristocrates parrainant des concerts. avec leurs propres ensembles (Carpani 1823, 66, cité dans Gotwals 1968).
LaRue, Bonds, Walsh et Wilson retracent l'expansion progressive de l'orchestre symphonique tout au long du XVIIIe siècle. Au début, les symphonies étaient des symphonies pour cordes, écrites en quatre parties seulement : premier violon, deuxième violon, alto et basse (la ligne de basse était prise par un ou plusieurs violoncelles, une ou plusieurs contrebasses jouant la partie une octave en dessous, et peut-être aussi un basson). Parfois, les premiers symphonistes renonçaient même à la partie d'alto, créant ainsi des symphonies à trois voix. Une partie de basse continue comprenant un basson et un clavecin ou un autre instrument d'accords était également possible.
Les premiers ajouts à cet ensemble simple furent une paire de cors, parfois une paire de hautbois, puis les cors et les hautbois ensemble. Au fil du siècle, d'autres instruments s'ajoutent à l'orchestre classique : flûtes (remplaçant parfois les hautbois), parties distinctes pour bassons, clarinettes, trompettes et timbales. Les œuvres variaient dans leur partition quant à savoir lequel de ces instruments supplémentaires devait apparaître. L'orchestre classique grandeur nature, déployé à la fin du siècle pour les plus grandes symphonies, comprend l'ensemble à cordes standard mentionné ci-dessus, des paires de vents (flûtes, hautbois, clarinettes, bassons), une paire de cors et des timbales. Un instrument à clavier continuo (clavecin ou piano) restait une option.
Le style de symphonie « italien », souvent utilisé comme ouverture et entracte dans les opéras, est devenu une forme standard en trois mouvements : un mouvement rapide, un mouvement lent et un autre mouvement rapide. Au cours du XVIIIe siècle, il est devenu courant d’écrire des symphonies en quatre mouvements, selon le modèle décrit dans le paragraphe suivant. La symphonie en trois mouvements s'éteignit lentement ; environ la moitié des trente premières symphonies de Haydn sont en trois mouvements ; et pour le jeune Mozart, la symphonie en trois mouvements était la norme, peut-être sous l'influence de son ami Johann Christian Bach. Un exemple tardif exceptionnel de symphonie classique en trois mouvements est la Symphonie « Prague » de Mozart, de 1787.
La forme en quatre mouvements qui a émergé de cette évolution était la suivante :
# une sonate d'ouverture ou un allegro
# un mouvement lent, comme adagio
# un menuet ou scherzo avec trio
# un allegro, un rondo ou une sonate
Les variations sur cette disposition, comme changer l'ordre des mouvements centraux ou ajouter une introduction lente au premier mouvement, étaient courantes. Haydn, Mozart et leurs contemporains ont limité leur utilisation de la forme en quatre mouvements à la musique de chambre orchestrale ou multi-instruments comme les quatuors, même si depuis Beethoven les sonates solos sont aussi souvent écrites en quatre qu'en trois mouvements.
La composition des premières symphonies était centrée sur Milan, Vienne et Mannheim. L'école milanaise était centrée autour de Giovanni Battista Sammartini et comprenait Antonio Brioschi, Ferdinando Galimberti et Giovanni Battista Lampugnani. Les premiers représentants de cette forme à Vienne comprenaient Georg Christoph Wagenseil, Wenzel Raimund Birck et Georg Matthias Monn, tandis que d'autres compositeurs viennois importants de symphonies comprenaient Johann Baptist Wanhal, Karl Ditters von Dittersdorf et Leopold Hoffmann. L'école de Mannheim comprenait Johann Stamitz.
Les symphonistes les plus importants de la fin du XVIIIe siècle sont Haydn, qui a écrit au moins 107 symphonies en 36 ans, et Mozart, avec au moins 47 symphonies en 24 ans.
19ème siècle
Au début du XIXe siècle, Beethoven a élevé la symphonie d'un genre quotidien produit en grande quantité à une forme suprême dans laquelle les compositeurs s'efforçaient d'atteindre le plus haut potentiel musical en quelques œuvres seulement. Beethoven a commencé avec deux œuvres imitant directement ses modèles Mozart et Haydn, puis sept autres symphonies, en commençant par la Troisième Symphonie (« Eroica ») qui a élargi la portée et l'ambition du genre. Sa Symphonie n° 5 est peut-être la symphonie la plus célèbre jamais écrite ; sa transition du mouvement d'ouverture en do mineur, émotionnellement orageux, à un final triomphant en tonalité majeure a fourni un modèle adopté par des symphonistes ultérieurs tels que Brahms et Mahler. Sa Symphonie n° 6 est une œuvre programmatique, comportant des imitations instrumentales de chants d'oiseaux et d'une tempête ; et, de manière non conventionnelle, un cinquième mouvement (les symphonies comptaient généralement au plus quatre mouvements). Sa Symphonie n°9 comprend des parties pour solistes vocaux et chœur dans le dernier mouvement, ce qui en fait une symphonie chorale.
Parmi les symphonies de Franz Schubert, deux font partie du répertoire principal et sont fréquemment jouées. De la Huitième Symphonie (1822), Schubert n'acheva que les deux premiers mouvements ; cette œuvre hautement romantique est généralement appelée par son surnom « L'Inachevé ». Sa dernière symphonie achevée, la Neuvième (1826), est une œuvre massive dans le langage classique.
Parmi les premiers romantiques, Felix Mendelssohn (cinq symphonies) et Robert Schumann (quatre) ont continué à écrire des symphonies dans le moule classique, tout en utilisant leur propre langage musical. En revanche, Hector Berlioz privilégie les œuvres à programme, notamment sa « symphonie dramatique » Roméo et Juliette et la très originale Symphonie fantastique. Cette dernière est également une œuvre à programme et comporte à la fois une marche et une valse et cinq mouvements au lieu des quatre habituels. Sa quatrième et dernière symphonie, la Grande symphonie funèbre et triomphale (intitulée à l'origine Symphonie militaire) a été composée en 1840 pour une fanfare militaire de 200 musiciens, devant être jouée à l'extérieur, et est l'un des premiers exemples de symphonie d'orchestre. Berlioz ajouta plus tard des parties de cordes facultatives et un final choral. En 1851, Richard Wagner déclarait que toutes ces symphonies post-Beethoven n’étaient qu’un épilogue, n’apportant rien de substantiellement nouveau. En effet, après la dernière symphonie de Schumann, la « Rhénane » composée en 1850, pendant deux décennies, le poème symphonique lisztien semble avoir supplanté la symphonie comme forme principale de musique instrumentale à grande échelle. Si la symphonie avait été éclipsée, elle ne tarda pas à réapparaître dans un "second âge" dans les années 1870 et 1880, avec les symphonies d'Anton Bruckner, Johannes Brahms, Piotr Ilitch Tchaïkovski, Camille Saint-Saëns, Alexandre Borodine, Antonín Dvořák et César Franck, des œuvres qui ont continué à dominer le répertoire des concerts pendant au moins un siècle.
Au cours du XIXe siècle, les compositeurs ont continué à accroître la taille de l'orchestre symphonique. Au début du siècle, un orchestre à grande échelle se composait d'une section de cordes ainsi que de paires de flûtes, hautbois, clarinettes, bassons, cors, trompettes et enfin d'un jeu de timbales. C'est par exemple la partition utilisée dans les symphonies 1, 2, 4, 7 et 8 de Beethoven. Les trombones, jusqu'alors réservés à la musique d'église et de théâtre, sont venus s'ajouter à l'orchestre symphonique, notamment dans la 5e de Beethoven. , 6e et 9e symphonies. La combinaison de la grosse caisse, du triangle et des cymbales (parfois aussi : piccolo), que les compositeurs du XVIIIe siècle utilisaient comme effet coloristique dans ce qu'on appelle la « musique turque », est devenue de plus en plus utilisée au cours de la seconde moitié du XIXe siècle sans aucun effet. de telles connotations de genre. À l'époque de Mahler (voir ci-dessous), il était possible pour un compositeur d'écrire une symphonie composée pour « un véritable recueil d'instruments d'orchestre ». En plus de l'augmentation de la variété des instruments, les symphonies du XIXe siècle ont été progressivement complétées par davantage de musiciens à cordes et de parties à vent, de sorte que l'orchestre a considérablement augmenté en nombre, à mesure que les salles de concert se développaient également.
20ième siècle
Au début du XXe siècle, Gustav Mahler écrit de longues et grandes symphonies. Sa Huitième Symphonie, par exemple, a été composée en 1906 et est surnommée la « Symphonie des Mille » en raison du grand nombre de voix nécessaires pour interpréter les sections chorales. De plus, sa Troisième Symphonie est l'une des symphonies régulièrement jouées les plus longues, avec une durée d'environ 100 minutes pour la plupart des représentations. Le XXe siècle a également vu une plus grande diversification du style et du contenu des œuvres que les compositeurs qualifient de symphonies (Anon. 2008). Certains compositeurs, dont Dmitri Chostakovitch, Sergueï Rachmaninov et Carl Nielsen, ont continué à écrire sous la forme traditionnelle en quatre mouvements, tandis que d'autres compositeurs ont adopté des approches différentes : la Symphonie n° 7 de Jean Sibelius, sa dernière, est en un seul mouvement, tandis qu'Alan Symphonie n° 9 de Hovhaness, Saint Vartan — initialement op. 80, changé en op. 180 — composé en 1949-1950, est en vingt-quatre.
Un souci d'unification de la symphonie traditionnelle en quatre mouvements en une seule conception formelle englobante était apparu à la fin du 19e siècle. Cela a été appelé une « forme symphonique bidimensionnelle » et trouve son tournant clé dans la Symphonie de chambre n° 1 d'Arnold Schoenberg, op. 9 (1909), suivie dans les années 1920 par d’autres symphonies allemandes remarquables en un seul mouvement, notamment la Première Symphonie de Kurt Weill (1921), la Symphonie de chambre op. 25 (1923) et la Symphonie de 1926 de Paul Dessau.
Il subsiste cependant certaines tendances. Désigner une œuvre comme une « symphonie » impliquait encore un certain degré de sophistication et de sérieux. Le mot sinfonietta est devenu utilisé pour désigner une œuvre plus courte, aux objectifs plus modestes, ou « plus légère » qu'une symphonie, comme la Sinfonietta pour orchestre de Sergueï Prokofiev (Kennedy 2006a).
Dans la première moitié du siècle, Edward Elgar, Gustav Mahler, Jean Sibelius, Carl Nielsen, Igor Stravinsky, Bohuslav Martinů, Roger Sessions et Dmitri Chostakovitch composèrent des symphonies « extraordinaires par leur portée, leur richesse, leur originalité et leur urgence d'expression » (Steinberg 1995, 404). Une mesure de l’importance d’une symphonie est la mesure dans laquelle elle reflète les conceptions de la forme temporelle propres à l’époque à laquelle elle a été créée. Cinq compositeurs du XXe siècle qui remplissent cette mesure sont Sibelius, Stravinsky, Luciano Berio (dans sa Sinfonia, 1968-1969), Elliott Carter (dans sa Symphonie de trois orchestres, 1976) et Pelle Gudmundsen-Holmgreen ( dans Symphonie/Antiphonie, 1980).
À partir du XXe siècle, davantage de symphonies ont été écrites pour orchestre d’harmonie qu’au cours des siècles passés. Bien que des exemples existent dès 1932, la première symphonie d’importance de ce type depuis qu’Hector Berlioz a écrit la Grande symphonie funèbre et triomphale en 1840 est la Symphonie n° 19, op. 46, composé en 1939 (Battisti 2002, 42). Quelques autres exemples sont la Symphonie en si bémol pour orchestre de Paul Hindemith, composée en 1951 ; la Symphonie n°4 « West Point » de Morton Gould, composée en 1952 ; Symphonie n°6, op. 69, composé en 1956 ; la Symphonie n°3 de Vittorio Giannini, composée en 1959 ; Les Symphonies n°4 d'Alan Hovhaness, op. 165, n° 7, "Nanga Parvat", op. 175, n° 14, "Ararat", op. 194, et n° 23, "Ani", op. 249, composés respectivement en 1958, 1959, 1961 et 1972 ; les 2e, 3e, 4e et 5e symphonies d'Alfred Reed, composées respectivement en 1979, 1988, 1992 et 1994 ; et la Symphonie n°1 « Le Seigneur des anneaux » de Johan de Meij, composée en 1988, et sa Symphonie n°2 « La Grosse Pomme », composée en 1993.
Autres usages modernes de « symphonie »
Le mot « symphonie » est également utilisé pour désigner l'orchestre, le grand ensemble qui interprète souvent ces œuvres. Le mot « symphonie » apparaît dans le nom de nombreux orchestres, par exemple le Boston Symphony Orchestra, le St. Louis Symphony, le Houston Symphony ou le New World Symphony de Miami. Pour certains orchestres, « (nom de la ville) Symphony » fournit une version plus courte du nom complet ; par exemple, l'OED donne « Vancouver Symphony » comme forme abrégée possible de Vancouver Symphony Orchestra. De plus, dans l'usage courant, une personne peut dire qu'elle va entendre une symphonie, une référence à l'orchestre et non aux œuvres au programme.