Quel film musical de 2008 se déroule sur l'île grecque fictive de Kalokairi ?
Mamma Mia
Une tendance musicale spécifique était le nombre croissant de comédies musicales sur juke-box basées sur la musique de divers artistes pop/rock sur grand écran. Des exemples de films musicaux de juke-box incluent Mamma Mia (ABBA), We Will Rock You (Queen), Across the Universe (The Beatles), Sunshine on Leith (The Proclaimers), Moulin Rouge !, Rock of Ages, Pitch Perfect, Pitch Perfect 2. et Walking on Sunshine (tous les cinq sont des compilations de succès rock/pop).
Le film musical est un genre cinématographique dans lequel les chansons chantées par les personnages s'entremêlent au récit, parfois accompagnées de danses.
Les chansons font généralement avancer l'intrigue ou développent les personnages du film, bien que dans certains cas, elles servent simplement de pauses dans le scénario, souvent comme des « numéros de production » élaborés.
Le film musical était un développement naturel de la comédie musicale après l'émergence de la technologie du film sonore. En règle générale, la plus grande différence entre les films et les comédies musicales réside dans l’utilisation de décors et de lieux somptueux qui ne seraient pas pratiques dans un théâtre. Les films musicaux contiennent généralement des éléments qui rappellent le théâtre ; les artistes traitent souvent leurs numéros de chant et de danse comme si un public les regardait en direct. Dans un sens, le spectateur devient le public diégétique, puisque l’interprète regarde directement la caméra et joue devant elle.
Les films musicaux dans le monde occidental
L'ère du son classique
Les années 1930 jusqu'au début des années 1950 sont considérées comme l'âge d'or du film musical, lorsque la popularité du genre était à son plus haut niveau dans le monde occidental.
Les premières comédies musicales
Des courts métrages musicaux ont été réalisés par Lee de Forest en 1923-24. À partir de 1926, des milliers de courts métrages Vitaphone ont été réalisés, dont beaucoup mettaient en vedette des groupes, des chanteurs et des danseurs. Les premiers longs métrages avec son synchronisé n'avaient qu'une bande sonore composée de musique et d'effets sonores occasionnels joués pendant que les acteurs représentaient leurs personnages comme ils le faisaient dans les films muets : sans dialogue audible.Kenrick, John. [http://www.musicals101.com/1927-30film.htm « Histoire du film musical, 1927-30 : Hollywood apprend à chanter »]. Musicals101.com, 2004, consulté le 17 mai 2010 The Jazz Singer, sorti en 1927 par Warner Brothers, a été le premier à inclure une piste audio comprenant de la musique non diégétique et de la musique diégétique, mais elle ne comportait qu'une courte séquence de dialogues parlés. Ce long métrage était également une comédie musicale, mettant en vedette Al Jolson chantant "Dirty Hands, Dirty Face", "Toot, Toot, Tootsie", "Blue Skies" et "My Mammy". L'historien Scott Eyman a écrit : « Alors que le film se terminait et que les applaudissements grandissaient sous les lumières de la maison, Frances, l'épouse de Sam Goldwyn, a regardé autour d'elle les célébrités dans la foule. Elle a vu « la terreur sur tous leurs visages », a-t-elle dit, comme s'ils savaient que « le Le jeu auquel ils jouaient depuis des années était enfin terminé. Pourtant, seules des séquences isolées présentaient du son « live » ; la majeure partie du film n'avait qu'une partition musicale synchrone. En 1928, Warner Brothers enchaîna avec un autre film partiel de Jolson, The Singing. Fool, qui a connu un succès retentissant, les théâtres se sont empressés d'installer le nouvel équipement sonore et d'embaucher des compositeurs de Broadway pour écrire des comédies musicales pour l'écran.Kenrick, John [http://www.musicals101.com/1927-30film2.htm "History. of Musical Film, 1927-30: Part II". Musicals101.com, 2004, consulté le 17 mai 2010. Le premier long métrage entièrement parlant, Lights of New York, comprenait une séquence musicale dans une boîte de nuit. L'enthousiasme du public a été si génial qu'en moins d'un an tous les grands studios réalisaient exclusivement des images sonores. The Broadway Melody (1929) avait une intrigue show-biz sur deux sœurs en compétition pour un charmant homme de chant et de danse. Annoncé par MGM comme le premier long métrage « All-Talking, All-Singing, All-Dancing », le film fut un succès et remporta l'Oscar du meilleur film en 1929. Les studios se précipitèrent pour embaucher des talents de la scène. pour jouer dans des versions somptueusement filmées de succès de Broadway. The Love Parade (Paramount 1929) mettait en vedette Maurice Chevalier et la nouvelle venue Jeanette MacDonald, écrit par le vétéran de Broadway Guy Bolton.
Warner Brothers a produit la première opérette pour écran, The Desert Song en 1929. Ils n'ont épargné aucune dépense et ont photographié un grand pourcentage du film en Technicolor. Cela a été suivi par le premier long métrage musical entièrement en couleur et entièrement parlant, intitulé On with the Show (1929). Le film le plus populaire de 1929 fut le deuxième long métrage entièrement en couleur et entièrement parlant, intitulé Gold Diggers of Broadway (1929). Ce film bat tous les records du box-office et reste le film le plus rentable jamais produit jusqu'en 1939. Soudain, le marché est inondé de comédies musicales, de revues et d'opérettes. Les comédies musicales toutes couleurs suivantes ont été produites rien qu'en 1929 et 1930 : The Show of Shows (1929), Sally (1929), The Vagabond King (1930), Follow Thru (1930), Bright Lights (1930), Golden Dawn (1930). ), Hold Everything (1930), The Rogue Song (1930), Song of the Flame (1930), Song of the West (1930), Sweet Kitty Bellairs (1930), Under a Texas Moon (1930), Bride of the Regiment (1930), Whoopee! (1930), King of Jazz (1930), Nuits viennoises (1930), Kiss Me Again (1930). De plus, de nombreux longs métrages musicaux ont été publiés avec des séquences de couleurs.
Hollywood a sorti plus de 100 films musicaux en 1930, mais seulement 14 en 1931.Kenrick, John. [http://www.musicals101.com/1930film.htm « Histoire du film musical, années 1930 : Partie I : « Hip, Hourra et Ballyhoo » »]. Musicals101.com, 2003, consulté le 17 mai 2010 À la fin des années 1930, le public était sursaturé de comédies musicales et les studios étaient obligés de couper la musique des films qui sortaient alors. Par exemple, Life of the Party (1930) a été produit à l’origine comme une comédie musicale toute en couleurs et tout parlant. Cependant, avant sa sortie, les chansons ont été supprimées. La même chose est arrivée à Cinquante millions de Français (1931) et Manhattan Parade (1932), tous deux entièrement tournés en Technicolor. Marlene Dietrich a chanté des chansons avec succès dans ses films, et Rodgers et Hart ont écrit quelques films bien accueillis, mais même leur popularité a décliné en 1932. Le public en est rapidement venu à associer la couleur aux comédies musicales et donc le déclin de leur popularité a également entraîné une déclin des productions de couleurs.
Busby Berkeley
Le goût des comédies musicales renaît à nouveau en 1933 lorsque le réalisateur Busby Berkeley commence à améliorer le numéro de danse traditionnel avec des idées tirées de la précision de forage qu'il avait expérimentée en tant que soldat pendant la Première Guerre mondiale. Dans des films tels que 42e rue et Gold Diggers of 1933 (1933 ), Berkeley a chorégraphié un certain nombre de films dans son style unique. Les numéros de Berkeley commencent généralement sur une scène mais transcendent progressivement les limites de l'espace théâtral : ses routines ingénieuses, impliquant des corps humains formant des motifs comme un kaléidoscope, ne pourraient jamais s'adapter à une scène réelle et la perspective souhaitée est une vue d'en haut.
Étoiles musicales
Des stars de la musique telles que Fred Astaire et Ginger Rogers figuraient parmi les personnalités les plus populaires et les plus respectées d'Hollywood à l'époque classique ; le duo Fred et Ginger fut particulièrement réussi, donnant naissance à un certain nombre de films classiques, tels que Top Hat (1935), Swing Time (1936) et Shall We Dance (1937). De nombreux acteurs dramatiques participaient volontiers à des comédies musicales pour rompre avec leur stéréotype. Par exemple, James Cagney, aux multiples talents, était à l'origine devenu célèbre en tant que chanteur et danseur de scène, mais ses rôles répétés dans des rôles de « durs à cuire » et dans des films de foule ne lui donnaient que peu d'occasions de montrer ces talents. Le rôle oscarisé de Cagney dans Yankee Doodle Dandy (1942) lui a permis de chanter et de danser, et il considérait que c'était l'un de ses plus beaux moments.
De nombreuses comédies (et quelques drames) incluaient leurs propres numéros musicaux. Les films des Marx Brothers comprenaient un numéro musical dans presque chaque film, permettant aux Frères de mettre en valeur leurs talents musicaux. Leur dernier film, intitulé Love Happy (1949), mettait en vedette Vera-Ellen, considérée comme la meilleure danseuse parmi ses collègues et professionnels du demi-siècle.
L'unité libérée
À la fin des années 1940 et au début des années 1950, une unité de production de Metro-Goldwyn-Mayer dirigée par Arthur Freed fait la transition des films musicaux démodés, dont la formule était devenue répétitive, à quelque chose de nouveau. (Cependant, ils ont également produit des remakes Technicolor de comédies musicales telles que Show Boat, qui avaient déjà été tournées dans les années 1930.) En 1939, Freed a été embauché comme producteur associé pour le film Babes in Arms. À partir de 1944 avec Meet Me in St. Louis, la Freed Unit a travaillé de manière quelque peu indépendante de son propre studio pour produire certains des exemples les plus populaires et les plus connus du genre. Les produits de cette unité comprennent Easter Parade (1948), On the Town (1949), An American in Paris (1951), Singin' in the Rain (1952) et The Band Wagon (1953). Cette époque a vu des stars de la musique devenir des noms connus, notamment Judy Garland, Gene Kelly, Ann Miller, Donald O'Connor, Cyd Charisse, Mickey Rooney, Vera-Ellen, Jane Powell, Howard Keel et Kathryn Grayson. Fred Astaire a également été persuadé de sortir de sa retraite pour le défilé de Pâques et a fait un retour permanent.
L'ère post-classique
Dans les années 1960, 1970 et jusqu’à aujourd’hui, le film musical est devenu moins un genre bancable sur lequel on pouvait compter pour des succès infaillibles. Leur public a diminué et moins de films musicaux ont été produits à mesure que le genre devenait moins courant et plus spécialisé.
La comédie musicale des années 60
Dans les années 1960, le succès des films West Side Story, The Music Man, My Fair Lady, Mary Poppins, The Sound of Music, Thoroughly Modern Millie, Oliver ! et Funny Girl a suggéré que la comédie musicale traditionnelle était en bonne santé. Cependant, les goûts musicaux populaires étaient fortement affectés par le rock and roll et la liberté et la jeunesse qui y étaient associées. Elvis Presley a effectivement réalisé quelques films qui ont été assimilés aux vieilles comédies musicales en termes de forme. La plupart des films musicaux des années 1950 et 1960 comme Oklahoma ! et The Sound of Music étaient de simples adaptations ou reconstitutions de productions scéniques à succès. La comédie musicale la plus réussie des années 1960, créée spécifiquement pour le cinéma, était Mary Poppins, l'un des plus grands succès de Disney.
Malgré le succès de ces comédies musicales, Hollywood a également produit une série d'échecs musicaux à la fin des années 1960 et au début des années 1970, qui semblaient sérieusement méconnaître les goûts du public. Les films à succès commercial et/ou critique comprenaient Camelot, Finian's Rainbow, Hello Dolly !, Sweet Charity, Doctor Dolittle, Star !, Darling Lili, Goodbye, Mr. Chips, Paint Your Wagon, Song of Norway, Par temps clair, vous pouvez Voir Forever, Man of La Mancha, Lost Horizon et Mame. Collectivement et individuellement, ces échecs ont paralysé plusieurs des grands studios.
années 1970
Dans les années 1970, la culture cinématographique et l’évolution démographique des cinéphiles mettaient davantage l’accent sur le réalisme brut, tandis que le pur divertissement et la théâtralité des comédies musicales hollywoodiennes de l’ère classique étaient considérés comme démodés. L'évolution des mœurs culturelles et l'abandon du Code Hays en 1968 ont également contribué à l'évolution des goûts du public cinématographique. Le film de 1973 d'Andrew Lloyd Webber et Jesus Christ Superstar de Tim Rice a été critiqué par des groupes religieux, mais a été bien accueilli. Au milieu des années 1970, les cinéastes évitaient le genre et utilisaient la musique de groupes de rock ou de pop populaires comme musique de fond, en partie dans l'espoir de vendre une bande originale aux fans. Le Rocky Horror Picture Show est sorti initialement en 1975 et a été un échec critique jusqu'à ce qu'il commence ses projections à minuit dans les années 1980, où il a atteint le statut de culte. 1976 a vu la sortie de la comédie musicale comique à petit budget, The First Nudie Musical, publiée par Paramount. La version cinématographique de Grease de 1978 a été un succès retentissant ; ses chansons étaient des compositions originales réalisées dans un style pop des années 1950. Cependant, la suite Grease 2 (sortie en 1982) a explosé au box-office. Des films sur des artistes incorporant des drames brutaux et des numéros musicaux entrelacés comme une partie diégétique du scénario ont été produits, tels que Lady Sings the Blues, All That Jazz et New York, New York. Certaines comédies musicales sorties pendant la période du Nouvel Hollywood ont expérimenté cette forme, comme Bugsy Malone et Lisztomania. Les comédies musicales qui étaient encore en cours de production avaient moins de succès financièrement et critiquement qu’à leur apogée. Ils incluent The Wiz, At Long Last Love, Mame, Man of La Mancha, Lost Horizon, Godspell, Phantom of the Paradise, Funny Lady (la suite de Barbra Streisand de Funny Girl), A Little Night Music et Hair, entre autres. La colère critique contre At Long Last Love en particulier était si forte qu'elle n'a jamais été diffusée en vidéo personnelle. Un violon sur le toit et Cabaret étaient des comédies musicales plus traditionnelles étroitement adaptées des versions scéniques et furent des succès populaires et critiques. Des films musicaux fantastiques Scrooge, Willy Wonka & the Chocolate Factory et Bedknobs & Broomsticks sont également sortis dans les années 1970, ce dernier remportant l'Oscar des meilleurs effets visuels.
Années 1980 à 1990
Dans les années 1980, les financiers ont acquis une confiance croissante dans le genre musical, en partie soutenus par la santé relative de la comédie musicale à Broadway et dans le West End de Londres. Les productions des années 1980 et 1990 comprenaient The Apple, Xanadu, The Blues Brothers, Annie, Monty Python's The Meaning of Life, The Best Little Whorehouse in Texas, Victor Victoria, Footloose, Fast Forward, A Chorus Line, Little Shop of Horrors, Forbidden. Zone, Absolute Beginners, Labyrinth (film), Evita et Tout le monde dit je t'aime. Cependant, Can't Stop the Music, mettant en vedette les Village People, était une tentative calamiteuse de ressusciter la comédie musicale à l'ancienne et a été diffusé dans l'indifférence du public en 1980. Little Shop of Horrors était basé sur une adaptation musicale off-Broadway d'un film de 1960. Film de Roger Corman, précurseur des adaptations ultérieures film à scène, dont The Producers.
De nombreux films d'animation de l'époque - principalement de Disney - incluaient des numéros musicaux traditionnels. Howard Ashman, Alan Menken et Stephen Schwartz avaient une expérience antérieure dans le théâtre musical et ont écrit des chansons pour des films d'animation pendant cette période, supplantant les bêtes de somme de Disney, les Sherman Brothers. À partir de La Petite Sirène en 1989, la Renaissance Disney a donné une nouvelle vie au film musical. Parmi les autres comédies musicales animées à succès, citons Aladdin, Le Bossu de Notre Dame et Pocahontas de Disney proprement dit, L'Étrange Noël de Monsieur Jack de la division Disney Touchstone Pictures, Le Prince d'Égypte de DreamWorks, Anastasia de Fox et Don Bluth, et South Park : Bigger, Longer & Non coupé de Paramount. (La Belle et la Bête et Le Roi Lion ont été adaptés pour la scène après leur succès à succès.)
Comédies musicales du 21e siècle
Au 21e siècle, le film musical renaît avec des comédies musicales plus sombres telles que Moulin Rouge !, Chicago, Le Fantôme de l'Opéra, Dreamgirls, Sweeney Todd : Le démon barbier de Fleet Street, Les Misérables et Into The Woods. Tous ont remporté le Golden Globe Award du meilleur film musical ou comique au cours de leurs années respectives, à l'exception de Le Fantôme de l'Opéra et Into The Woods, qui n'ont été que nominés. Chicago a également été la première comédie musicale depuis Oliver ! pour remporter le prix du meilleur film aux Oscars.
Le documentaire nominé aux Oscars de Joshua Oppenheimer, The Act of Killing, peut être considéré comme une comédie musicale non-fictionnelle.
Une tendance musicale spécifique était le nombre croissant de comédies musicales sur juke-box basées sur la musique de divers artistes pop/rock sur grand écran. Des exemples de films musicaux de juke-box incluent Mamma Mia (ABBA), We Will Rock You (Queen), Across the Universe (The Beatles), Sunshine on Leith (The Proclaimers), Moulin Rouge !, Rock of Ages, Pitch Perfect, Pitch Perfect 2. et Walking on Sunshine (tous les cinq sont des compilations de succès rock/pop).
Disney est également revenu aux comédies musicales avec High School Musical, Enchanted, The Princess and the Frog, Tangled, Winnie the Pooh, The Muppets, Muppet's Most Wanted, Frozen et Into the Woods.
Les biopics sur les artistes musicaux étaient également importants au 21e siècle. Les exemples incluent 8 Mile (Eminem), Ray (Ray Charles), Walk the Line (Johnny Cash et June Carter), Notorious (Biggie Smalls), Jersey Boys (The Four Seasons), Love & Mercy (Brian Wilson), "CrazySexyCool: The TLC Story" (TLC), "Aaliyah: The Princess of R&B" (Aaliyah), "Whitney" (Whitney Houston) et Straight Outta Compton (N.W.A).
Films musicaux espagnols
L'Espagne a une histoire et une tradition de films musicaux réalisés indépendamment de l'influence hollywoodienne. Les premiers films naissent pendant la Seconde République espagnole des années 1930 et l’avènement du cinéma sonore. Quelques zarzuelas (opérettes espagnoles) ont même été adaptées en scénario à l'époque du cinéma muet. Les débuts de la comédie musicale espagnole se sont concentrés sur les archétypes romantiques espagnols : villages et paysages andalous, gitans, "bandoleros", copla et autres chansons folkloriques populaires incluses dans le développement de l'histoire. Ces films ont eu encore plus de succès au box-office que les premières hollywoodiennes en Espagne. Les premières stars du cinéma espagnol sont issues du genre musical : Imperio Argentina, Estrellita Castro, Florián Rey (réalisateur) et, plus tard, Lola Flores, Sara Montiel et Carmen Sevilla. La comédie musicale espagnole a commencé à se développer et à se développer. Des stars juvéniles apparaissent et dominent le box-office. Marisol, Joselito, Pili & Mili et Rocío Dúrcal furent les figures majeures du cinéma musical des années 60 à 70. En raison de la transition espagnole vers la démocratie et de la montée de la « culture Movida », le genre musical s'est senti dans une décadence de production et de box-office, sauvé seulement par Carlos Saura et ses films musicaux flamenco.
Films musicaux indiens
Une exception au déclin du film musical est le cinéma indien, en particulier l'industrie cinématographique Bollywood basée à Mumbai (anciennement Bombay), où la majorité des films ont été et sont toujours des comédies musicales. La majorité des films produits dans l'industrie tamoule basée à Chennai (anciennement Madras), l'industrie telugu basée à Hyderabad et l'industrie malayalam sont également des comédies musicales.
Influence sur les films occidentaux
Dans les années 2000, les comédies musicales de Bollywood ont joué un rôle déterminant dans la renaissance du genre du film musical dans le monde occidental. Baz Luhrmann a déclaré que son film musical à succès Moulin Rouge ! (2001) s'inspire directement des comédies musicales de Bollywood. Le film rend ainsi hommage à l'Inde, incorporant une pièce de théâtre sur le thème indien basée sur l'ancien drame sanskrit The Little Clay Cart et une séquence de danse de style Bollywood avec une chanson du film China Gate. The Guru et The 40-Year-Old Virgin présentent également des séquences de chants et de danses de style indien ; la comédie musicale de Bollywood Lagaan (2001) a été nominée pour l'Oscar du meilleur film en langue étrangère ; deux autres films de Bollywood Devdas (2002) et Rang De Basanti (2006) ont été nominés pour le BAFTA Award du meilleur film non anglais ; et Slumdog Millionaire (2008), lauréat d'un Oscar de Danny Boyle, présente également un numéro de chanson et de danse de style Bollywood au générique de fin du film.
Film musical soviétique sous Staline
Contrairement aux films musicaux d’Hollywood et de Bollywood, communément identifiés à l’évasion, la comédie musicale soviétique était avant tout une forme de propagande. Vladimir Lénine disait que le cinéma était « le plus important des arts ». Son successeur, Joseph Staline, a également reconnu le pouvoir du cinéma pour diffuser efficacement la doctrine du Parti communiste. Les films étaient très populaires dans les années 1920, mais c’était le cinéma étranger qui dominait le marché cinématographique soviétique. Les films allemands et américains se sont révélés plus divertissants que les drames historiques du réalisateur soviétique Sergueï Eisenstein. Dans les années 1930, il était clair que si le cinéma soviétique voulait rivaliser avec ses homologues occidentaux, il devait donner au public ce qu'il voulait : le glamour et la fantaisie qu'il recevait d'Hollywood. Le film musical, apparu dans les années 1930, incarnait la combinaison idéale entre divertissement et idéologie officielle.
Une lutte entre le rire pour rire et le divertissement porteur d’un message idéologique clair définirait l’âge d’or de la comédie musicale soviétique des années 1930 et 1940. Boris Choumiatsky, alors chef de l’industrie cinématographique, cherchait à imiter la méthode de production hollywoodienne par tapis roulant, allant jusqu’à suggérer la création d’un Hollywood soviétique.
Les Jolly Fellows
En 1930, le célèbre réalisateur soviétique Sergei Eisenstein se rendit aux États-Unis avec son collègue réalisateur Grigori Aleksandrov pour étudier le processus de réalisation cinématographique à Hollywood. Les films américains ont grandement marqué Alexandrov, en particulier les comédies musicales. Il revient en 1932 et réalise en 1934 The Jolly Fellows, la première comédie musicale soviétique. Le film était léger sur l'intrigue et se concentrait davantage sur la comédie et les numéros musicaux. Les responsables du parti ont d’abord accueilli le film avec une grande hostilité. Aleksandrov a défendu son travail en arguant de la notion de rire pour le plaisir de rire. Finalement, lorsque Alexandrov a montré le film à Staline, le dirigeant a décidé que les comédies musicales étaient un moyen efficace de diffusion de la propagande. Des messages tels que l’importance du travail collectif et les histoires de la misère à la richesse deviendraient les intrigues de la plupart des comédies musicales soviétiques.
"Des films pour des millions"
Le succès de The Jolly Fellows a assuré une place au format musical dans le cinéma soviétique, mais Choumiatsky a immédiatement établi des directives strictes pour s'assurer que les films promouvaient les valeurs communistes. Le décret de Choumiatsky « Des films pour des millions » exigeait des intrigues, des personnages et un montage conventionnels pour représenter avec succès le réalisme socialiste (la glorification de l’industrie et de la classe ouvrière) sur film.
Le premier mélange réussi de message social et de divertissement fut le Cirque d’Alexandrov (1936). Il mettait en vedette sa femme, Lyubov Orlova (une chanteuse d'opéra qui était également apparue dans The Jolly Fellows) dans le rôle d'une artiste de cirque américaine qui doit immigrer des États-Unis vers l'URSS parce qu'elle a un enfant métis, qu'elle a eu avec un homme noir. . Au milieu de somptueuses productions musicales, elle trouve enfin l’amour et l’acceptation en URSS, transmettant le message que la tolérance raciale ne peut être trouvée qu’en Union soviétique.
L’influence de la chorégraphie de Busby Berkeley sur la mise en scène d’Aleksandrov peut être vue dans le numéro musical menant au point culminant. Une autre référence plus évidente à Hollywood est l'imitateur de Charlie Chaplin qui apporte un soulagement comique tout au long du film. Quatre millions de personnes à Moscou et à Léningrad sont allées voir le Cirque au cours de son premier mois d'exploitation en salles.
Un autre des films les plus populaires d'Alexandrov était The Bright Path (1940). Il s’agissait d’une refonte du conte de fées Cendrillon se déroulant dans l’Union soviétique contemporaine. La Cendrillon de l'histoire était encore une fois Orlova, qui était à cette époque la star la plus populaire d'URSS. C’était un conte fantastique, mais la morale de l’histoire était qu’une vie meilleure naît d’un travail acharné. Alors que dans Circus, les numéros musicaux impliquaient de la danse et du spectacle, le seul type de chorégraphie dans Bright Path est le mouvement des machines d'usine. La musique se limitait au chant d’Orlova. Ici, le travail donnait le spectacle.
Ivan Pyriev
L'autre réalisateur de films musicaux était Ivan Pyryev. Contrairement à Alexandrov, les films de Pyryev étaient centrés sur la vie dans les fermes collectives. Ses films, Tractor Drivers (1939), The Swineherd and the Shepherd (1941) et son plus célèbre, Cosaques du Kouban (1949), mettaient tous en vedette sa femme, Marina Ladynina. Comme dans Bright Path d’Alexandrov, la seule chorégraphie était le travail des personnages sur film. Même les chansons parlaient des joies du travail.
Plutôt que d'avoir un message spécifique pour chacun de ses films, Pyryev a promu le slogan de Staline « la vie est devenue meilleure, la vie est devenue plus joyeuse ». Parfois, ce message contrastait fortement avec la réalité de l’époque. Lors du tournage des Cosaques du Kouban, l’Union soviétique traversait une famine d’après-guerre. En réalité, les acteurs qui chantaient une époque de prospérité avaient faim et étaient mal nourris. Les films ont cependant apporté évasion et optimisme au public.
Volga-Volga
Le film le plus populaire de la brève époque des comédies musicales staliniennes était le film Volga-Volga d'Alexandrov de 1938. La star, encore une fois, était Lyubov Orlova et le film présentait des chants et des danses qui n'avaient rien à voir avec le travail. C'est le plus inhabituel de son type. L'intrigue entoure une histoire d'amour entre deux individus qui veulent jouer de la musique. Ils ne sont pas représentatifs des valeurs soviétiques dans la mesure où ils se concentrent davantage sur leur musique que sur leur travail. Les gags se moquent des autorités locales et de la bureaucratie. Il n’y a aucune glorification de l’industrie puisqu’elle se déroule dans un petit village rural. Le travail n'est pas non plus glorifié puisque l'intrigue tourne autour d'un groupe de villageois profitant de leurs vacances pour remonter la Volga et se produire à Moscou.
Volga-Volga a suivi les principes esthétiques du réalisme socialiste plutôt que les principes idéologiques. C'est devenu le film préféré de Staline et il l'a offert au président Roosevelt pendant la Seconde Guerre mondiale. C'est un autre exemple d'un des films qui prétendait que la vie était meilleure. Sorti au plus fort des purges staliniennes, il offrait au public une évasion et une illusion réconfortante.
Listes de films musicaux
* Voir Liste des comédies musicales : A à L et Liste des comédies musicales : M à Z pour une liste des comédies musicales par ordre alphabétique ; notez que tous n’ont pas été transformés en films.
* Voir Liste des films musicaux par année pour une liste des films musicaux par ordre chronologique.
* Voir Liste des films de Bollywood pour une liste des films musicaux de Bollywood.