Que peuvent être un organe législatif, un nom collectif pour un type d'oiseau et un groupe de funk ?
Parlement
P-Funk : Parlement-Funkadelic Un nouveau groupe de musiciens a commencé à développer davantage l'approche « funk rock ». Les innovations ont été réalisées par George Clinton, avec ses groupes Parliament et Funkadelic. Ensemble, ils ont produit un nouveau type de son funk fortement influencé par le jazz et le rock psychédélique. Les deux groupes partageaient des membres et sont souvent appelés collectivement « Parlement-Funkadelic ». La popularité éclatante de Parliament-Funkadelic a donné naissance au terme « P-Funk », qui faisait référence à la musique des groupes de George Clinton et définissait un nouveau sous-genre. Clinton a joué un rôle principal dans plusieurs autres groupes, dont Parlet, les Horny Horns et les Brides of Funkenstein, tous faisant partie du conglomérat P-Funk. « P-funk » en est également venu à signifier quelque chose dans sa quintessence, de qualité supérieure, ou sui generis. Depuis la fin des années 1980, les artistes hip hop échantillonnent régulièrement de vieux morceaux funk. James Brown est considéré comme l'artiste le plus samplé de l'histoire du hip hop, tandis que P-Funk est le deuxième artiste le plus samplé ; des échantillons de vieilles chansons du Parlement et de Funkadelic constituaient la base du G-funk de la côte ouest. Les rythmes originaux comportant des riffs de basse ou de guitare rythmique de style funk ne sont pas non plus rares. Dr. Dre (considéré comme l'ancêtre du genre G-funk) a librement reconnu avoir été fortement influencé par le funk psychédélique de George Clinton : « Dans les années 70, c'était tout ce que les gens faisaient : se défoncer, porter des afros, des pattes d'éléphant et écouter de la musique. Parliament-Funkadelic. C'est pourquoi j'ai appelé mon album The Chronic et j'ai basé ma musique et mes concepts comme je l'ai fait : parce que son travail a eu une grande influence sur ma musique. "[http://www.musicstrands.com/artist. /6599/biographie Dr. Dre > Biographie chez MyStrands] Digital Underground a largement contribué à la renaissance du funk dans les années 1990 en éduquant ses auditeurs avec des connaissances sur l'histoire du funk et de ses artistes. George Clinton a qualifié Digital Underground de "Sons of the P", comme son deuxième album complet est également intitulé. Le premier album de DU, Sex Packets, était plein d'échantillons funk, le plus connu "The Humpty Dance" échantillonnant "Let's Play House" du Parlement. Un album funk très fort de DU était leur sortie en 1996, Future Rhythm. Une grande partie de la musique dance contemporaine des clubs, la drum and bass en particulier, contient des breaks de batterie funk fortement échantillonnés. Depuis le début des années 1970, le funk a développé différents sous-genres. Tandis que George Clinton et le Parlement créaient une variation plus dure du funk, des groupes tels que Kool and The Gang, Ohio Players et Earth, Wind and Fire faisaient de la musique funk aux influences disco.
Le funk est un genre musical né entre le milieu et la fin des années 1960, lorsque des musiciens afro-américains ont créé une nouvelle forme de musique rythmée et dansante à travers un mélange de musique soul, de jazz et de rythme et de blues (R&B). Le funk minimise la mélodie et les progressions d'accords utilisées dans d'autres genres connexes et met au premier plan un groove rythmique fort d'une ligne de basse jouée par un bassiste électrique et une partie de batterie jouée par un batteur. Les chansons funk sont souvent basées sur une vamp étendue sur un seul accord, ce qui les distingue des chansons R&B et soul, qui sont construites sur des progressions d'accords complexes. Le funk utilise les mêmes accords étendus richement colorés que ceux du jazz bebop, tels que des accords mineurs avec des septièmes et des onzièmes ajoutées, ou des accords de septième dominante avec des neuvièmes modifiées.
Comme beaucoup de musique d'inspiration africaine, le funk consiste généralement en un groove complexe avec des instruments rythmiques tels que la guitare électrique, la basse électrique, l'orgue Hammond et la batterie jouant des rythmes imbriqués. Les groupes funk ont ​​parfois une section de cuivres composée de plusieurs saxophones, de trompettes et, dans certains cas, d'un trombone, qui joue des « hits » et des « punchs » rythmiques. Le funk est né au milieu des années 1960, avec le développement par James Brown d'un groove caractéristique qui mettait l'accent sur le temps fort, en mettant fortement l'accent sur le premier temps de chaque mesure, les lignes de basse funky, les motifs de batterie et les riffs de guitare syncopés. D'autres groupes musicaux, dont Sly & the Family Stone et Parliament-Funkadelic, commencèrent bientôt à adopter et à développer les innovations de Brown. Bien qu'une grande partie de l'histoire écrite du funk se concentre sur les hommes, il y a eu des femmes funk notables, notamment Chaka Khan, Labelle, Brides of Funkenstein, Klymaxx, Mother's Finest et Betty Davis.
Bon nombre des groupes les plus célèbres du genre ont également beaucoup joué du disco et de la soul. Les dérivés du funk incluent le funk rock (par exemple, Red Hot Chili Peppers) ; boogie (ou électro-funk), une forme de musique électronique ; la musique électro, un hybride de musique électronique et de funk ; funk metal (par exemple, Living Colour); G-funk, un mélange de gangsta rap et de funk ; Timba, une forme de musique de danse populaire cubaine funky ; et du funk jam (par exemple, Phish). Les échantillons funk ont ​​été largement utilisés dans des genres tels que le hip hop, la house music et la drum and bass. C'est aussi la principale influence du go-go, un sous-genre associé au funk.
Étymologie
Le mot funk faisait initialement référence (et fait toujours référence) à une odeur forte. Il est à l'origine dérivé du latin "fumigare" (qui signifie "fumer") via le vieux français "fungiere" et, en ce sens, il a été documenté pour la première fois en anglais en 1620. En 1784, "funky" signifiant "moisi" a été documenté pour la première fois. , ce qui, à son tour, a conduit à un sentiment de « terreux » qui a été repris vers 1900 dans l'argot du jazz des débuts pour quelque chose de « profondément ou fortement ressenti ».
Lors des premières jam sessions, les musiciens s'encourageaient mutuellement à « se mettre à terre » en se disant : « Maintenant, mettez un peu d'odeur dessus ! Au moins dès 1907, les chansons de jazz portaient des titres tels que Funky. Le premier exemple est un numéro non enregistré de Buddy Bolden, connu sous le nom de "Funky Butt" ou "Buddy Bolden's Blues" avec des paroles improvisées qui étaient, selon Donald M. Marquis, soit "comiques et légères", soit "brutes et carrément obscènes", mais , d'une manière ou d'une autre, faisant référence à l'atmosphère moite des danses où jouait le groupe de Bolden. [http://www.realmusicforum.com/history/who-started-funk-music/2008122356/ Who Started Funk Music], Real Music Forum Jusque dans les années 1950 et au début des années 1960, lorsque « funk » et « funky » étaient utilisés de plus en plus dans le contexte de la musique jazz, les termes étaient encore considérés comme indélicats et inappropriés pour une utilisation en compagnie polie. Selon une source, le batteur Earl Palmer, né à la Nouvelle-Orléans, "a été le premier à utiliser le mot 'funky' pour expliquer aux autres musiciens que leur musique devrait être plus syncopée et plus dansante." .uk/music/2008/sep/23/popandrock.usa Obituary, The Guardian] Le style a ensuite évolué vers un rythme plutôt dur et insistant, impliquant une qualité plus charnelle. Cette première forme de musique a servi de modèle aux musiciens ultérieurs. La musique a été identifiée comme lente, « sexy », lâche, orientée riff et dansante.
Caractéristiques
Rythme
Une grande partie du funk est rythmiquement basée sur une structure à deux cellules onbeat/offbeat, issue des traditions musicales d'Afrique subsaharienne. La Nouvelle-Orléans s'est appropriée la structure bifurquée du mambo et de la conga afro-cubains à la fin des années 1940 et s'est appropriée le tout. Le funk de la Nouvelle-Orléans, comme on l'appelait, a acquis une renommée internationale en grande partie parce que la section rythmique de James Brown l'a utilisé à bon escient.
Le funk crée un groove intense en utilisant des riffs de guitare et des lignes de basse puissants. Comme les enregistrements Motown, les chansons funk utilisaient des lignes de basse comme pièce maîtresse des chansons. Le mélange de notes graves giflées avec le pouce et de notes aiguës « éclatées » (ou pincées) par le doigt a permis à la basse de jouer un rôle rythmique semblable à celui d'une batterie, ce qui est devenu un élément distinctif du funk.
Dans les groupes funk, les guitaristes jouent généralement dans un style percussif, utilisant souvent l'effet sonore wah-wah et coupant les notes de leurs riffs pour créer un son percussif. Le guitariste Ernie Isley des Isley Brothers et Eddie Hazel de Funkadelic ont été notamment influencés par les solos improvisés de Jimi Hendrix. Eddie Hazel, qui a travaillé avec George Clinton, est l'un des guitaristes solistes les plus remarquables du funk. Ernie Isley a été instruit dès son plus jeune âge par Jimi Hendrix lui-même, alors qu'il faisait partie du groupe d'accompagnement des Isley Brothers et vivait temporairement dans le grenier de la maison des Isley. Jimmy Nolen et Phelps Collins sont de célèbres guitaristes rythmiques funk qui ont tous deux travaillé avec James Brown. Sur Give It Up ou Turnit a Loose (1969) de Brown, la partie de guitare de Jimmy Nolen a une structure tonale simple. La configuration des points d'attaque est l'accent mis, et non la configuration des lancers. La guitare est utilisée de la même manière qu’un tambour africain, ou idiophone, serait utilisé. Notez que les mesures alternent entre le début sur le temps et le début sur les contre-temps.
Harmonie
Le funk utilise les mêmes accords étendus richement colorés que l'on trouve dans le jazz bebop, tels que des accords mineurs avec des septièmes et des onzièmes ajoutées, ou des accords de septième dominante avec des neuvièmes modifiées. Cependant, contrairement au jazz bebop, avec ses changements d'accords complexes et rapides, le funk a pratiquement abandonné les changements d'accords, créant des vamps d'accords simples statiques avec un mouvement mélodo-harmonique et une sensation rythmique complexe et entraînante. Certains des solistes funk les plus connus et les plus habiles ont une formation de jazz. Le tromboniste Fred Wesley et les saxophonistes Pee Wee Ellis et Maceo Parker sont parmi les musiciens les plus remarquables du genre funk, tous deux travaillant avec James Brown, George Clinton et Prince.
Les accords utilisés dans les chansons funk impliquent généralement un mode dorien ou mixolydien, par opposition aux tonalités majeures ou mineures naturelles de la plupart des musiques populaires. Le contenu mélodique a été obtenu en mélangeant ces modes avec la gamme blues. Dans les années 1970, la musique jazz s'est inspirée du funk pour créer un nouveau sous-genre du jazz-funk, que l'on peut entendre dans les enregistrements de Miles Davis (Live-Evil, On the Corner) et Herbie Hancock (Head Hunters).
Histoire
Les caractéristiques distinctives de l'expression musicale afro-américaine sont enracinées dans les traditions musicales d'Afrique subsaharienne et trouvent leur première expression dans les spirituals, les chants/chants de travail, les cris de louange, le gospel, le blues et les « rythmes corporels » (hambone, tapotement juba, et des cris de sonnerie, des applaudissements et des piétinements). La musique funk est un amalgame de musique soul, de soul jazz, de R&B et de rythmes afro-cubains absorbés et reconstitués à la Nouvelle-Orléans. Comme d’autres styles d’expression musicale afro-américaine, notamment le jazz, la soul music et le R&B, la musique funk a accompagné de nombreux mouvements de protestation pendant et après le mouvement des droits civiques. Le funk a permis aux expériences quotidiennes de s'exprimer pour remettre en question les luttes et les difficultés quotidiennes combattues par les communautés populaires et ouvrières.
La Nouvelle Orléans
Gerhard Kubik note qu'à l'exception de la Nouvelle-Orléans, les premiers blues manquaient de polyrythmies complexes et qu'il y avait une « absence très spécifique de motifs asymétriques de chronologie (motifs clés) dans pratiquement toute la musique afro-américaine du début du XXe siècle... seulement dans certains ». Les genres de la Nouvelle-Orléans font apparaître parfois des modèles de lignes temporelles simples sous la forme de modèles transitoires dits « stomp » ou de refrains à temps d'arrêt. Ceux-ci ne fonctionnent pas de la même manière que les lignes temporelles africaines. »
À la fin des années 1940, cela a quelque peu changé lorsque la structure temporelle à deux cellules a été introduite dans le blues de la Nouvelle-Orléans. Les musiciens de la Nouvelle-Orléans étaient particulièrement réceptifs aux influences afro-cubaines précisément à l’époque où le R&B naissait. Dave Bartholomew et le professeur Longhair (Henry Roeland Byrd) ont incorporé des instruments afro-cubains, ainsi que le motif clave et les figures bicellulaires associées dans des chansons telles que "Carnival Day" (Bartholomew 1949) et "Mardi Gras In New Orleans" ( Poils longs 1949). Robert Palmer rapporte que, dans les années 1940, le professeur Longhair écoutait et jouait avec des musiciens des îles et « tomba sous le charme des disques de mambo de Perez Prado ». Le style particulier du professeur Longhair était connu localement sous le nom de rumba-boogie.
L'une des grandes contributions de Longhair a été son approche particulière consistant à adopter des motifs à deux cellules basés sur le clave dans le rythme et le blues (R&B) de la Nouvelle-Orléans. L'approche rythmique de Longhair est devenue un modèle de base du funk. Selon le Dr John (Malcolm John "Mac" Rebennack, Jr.), le professeur "a mis le funk dans la musique ... Le truc de Longhair avait une incidence directe, je dirais, sur une grande partie de la musique funk qui a évolué à la Nouvelle-Orléans. ". Dans son « Mardi Gras à la Nouvelle-Orléans », le pianiste emploie le motif onbeat/offbeat 2-3 clave dans un « guajeo » de rumba-boogie.
La sensation de subdivision syncopée mais directe de la musique cubaine (par opposition aux subdivisions balancées) a pris racine dans le R&B de la Nouvelle-Orléans à cette époque. Stewart déclare : « Finalement, des musiciens extérieurs à la Nouvelle-Orléans ont commencé à apprendre certaines pratiques rythmiques [de Crescent City]. Les plus importants d'entre eux étaient James Brown et les batteurs et arrangeurs qu'il employait. Le premier répertoire de Brown utilisait principalement des rythmes shuffle. , et certaines de ses chansons les plus réussies étaient des ballades 12/8 (par exemple « Please, Please, Please » (1956), « Bewildered » (1961), « I Don't Mind » (1961)). la marque de soul nécessitait 4/4 mètres et un style de batterie différent. Stewart souligne : « Le style singulier du rythme et du blues qui a émergé de la Nouvelle-Orléans dans les années qui ont suivi la Seconde Guerre mondiale a joué un rôle important dans le développement du funk. Dans un développement connexe, les rythmes sous-jacents de la musique populaire américaine ont subi une transformation fondamentale. , mais une transition généralement non reconnue entre un triolet ou une sensation de mélange et des croches paires ou droites.
Années 1960 : James Brown
Le groupe de route R&B du milieu des années 1950, composé de saxophones, a été crédité par James Brown et d'autres comme étant le premier à mettre le funk dans le rythme du rock'n'roll. -richard Little Richard] Après son abandon temporaire de la musique profane pour devenir évangéliste en 1957, certains membres du groupe de Little Richard rejoignirent Brown et The Famous Flames, commençant une longue série de succès pour eux en 1958. Au milieu des années 1960, James Brown avait développé son groove caractéristique qui mettait l'accent sur le temps fort, en mettant fortement l'accent sur le premier temps de chaque mesure pour graver son son distinctif, plutôt que sur le temps fort qui caractérise la musique afro-américaine. Brown incitait souvent son groupe avec la commande "On the one!", changeant l'emphase/l'accent des percussions du rythme un-deux-trois-quatre de la musique soul traditionnelle au temps fort un-deux-trois-quatre - mais avec un rythme uniforme. -rythme de guitare syncopé (sur les noires deux et quatre) avec un swing cuivré dur et répétitif. Ce rythme un à trois a lancé le changement dans le style musical caractéristique de Brown, en commençant par son single à succès de 1964, "Out of Sight" et ses succès de 1965, "Papa's Got a Brand New Bag" et "I Got You (I Feel Good)". .
Le style funk de Brown était basé sur des parties contrapuntiques imbriquées : des lignes de basse funky, des motifs de batterie et des riffs de guitare syncopés. Les ostinatos de guitare principaux de "Aint" it Funky "(vers la fin des années 1960) sont un exemple du raffinement par Brown du funk de la Nouvelle-Orléans - un riff irrésistiblement dansant, dépouillé jusqu'à son essence rythmique. Sur "Aint" it Funky", la structure tonale est simple. Les innovations de Brown ont conduit lui et son groupe à devenir le groupe funk fondateur ; ils ont également poussé le style de musique funk encore plus au premier plan avec des sorties telles que "Cold Sweat" (1967), "Mother Popcorn" (1969) et "Get Up (I Feel Like Being A) Sex Machine" (1970), abandonnant même le blues à douze mesures présent dans sa musique antérieure. Au lieu de cela, la musique de Brown était recouverte de « voix accrocheuses et anthémiques » basées sur de « vastes vamps » dans lesquels il utilisait également sa voix comme « un instrument de percussion avec des grognements rythmiques fréquents et avec des motifs de sections rythmiques... [ressemblant] aux polyrythmies ouest-africaines. " – une tradition évidente dans les chansons et chants de travail afro-américains. Collins, W. (29 janvier 2002). [http://findarticles.com/p/articles/mi_g1epc/is_bio/ai_2419200141 James Brown.] Encyclopédie St. James de la culture populaire. Récupéré le 12 janvier 2007. Tout au long de sa carrière, la voix frénétique de Brown, fréquemment ponctuée de cris et de grognements, a canalisé « l'ambiance extatique de l'église noire » dans un contexte laïc.
Après 1965, le chef d'orchestre et arrangeur de Brown était Alfred "Pee Wee" Ellis. Ellis attribue l'adoption par Clyde Stubblefield des techniques de batterie de la Nouvelle-Orléans comme base du funk moderne : « Si, dans un studio, vous disiez « jouez-le funky », cela pourrait impliquer presque n'importe quoi. Mais « donnez-moi un rythme de la Nouvelle-Orléans » - vous avez exactement ce que vous vouliez. Et Clyde Stubblefield n'était que l'incarnation de cette batterie funky. Stewart déclare que le sentiment populaire s'est transmis de «la Nouvelle-Orléans, à travers la musique de James Brown, à la musique populaire des années 1970». Concernant les différents motifs funk, Stewart déclare : « Ce modèle, il convient de le noter, est différent d'une ligne temporelle (telle que clave et tresillo) en ce sens qu'il ne s'agit pas d'un modèle exact, mais plutôt d'un principe d'organisation vague. »
Dans une interview en 1990, Brown a expliqué la raison pour laquelle il avait changé le rythme de sa musique : "Je suis passé du rythme optimiste au temps fort ... C'est aussi simple que cela, vraiment." Pareles, J. (26 décembre 2006). [http://www.nytimes.com/2006/12/26/arts/music/26brown.html?pagewanted
2&enaef74e8250526096&ei
5087&ex1182920400&excamp
GGGNjamesbrown James Brown, le "Parrain de la soul" décède à 73 ans.] Le New York Times. Récupéré le 31 janvier 2007. Selon Maceo Parker, l'ancien saxophoniste de Brown, jouer sur le temps fort était au début difficile pour lui et il lui a fallu un certain temps pour s'y habituer. En repensant à ses débuts avec le groupe de Brown, Parker a rapporté qu'il avait des difficultés à jouer "sur le seul" pendant les performances en solo, car il était habitué à entendre et à jouer avec l'accent sur le deuxième temps. Gross, T. (1989). [http://www.npr.org/templates/story/story.php?storyId
6676990 Musicien Maceo Parker (interview audio Fresh Air WHYY-FM).] Radio publique nationale. Récupéré le 22 janvier 2007.
Fin des années 60 – début des années 70
D'autres groupes musicaux ont repris les rythmes et le style vocal développés par James Brown et son groupe, et le style funk a commencé à se développer. Dyke and the Blazers, basé à Phoenix, en Arizona, a sorti "Funky Broadway" en 1967, peut-être le premier disque de l'ère soul à avoir "funky" dans le titre. En 1969, Jimmy McGriff sort Electric Funk, mettant en vedette son orgue distinctif sur une section de cuivres flamboyante. Pendant ce temps, sur la côte ouest, Charles Wright & the Watts 103rd Street Rhythm Band sortaient des morceaux funk en commençant par leur premier album en 1967, culminant avec le single classique "Express Yourself" en 1971. Également de la région de la côte ouest, plus précisément d'Oakland. À San Francisco, est né le groupe Tower of Power (TOP), formé en 1968. Leur premier album East Bay Grease, sorti en 1970, est considéré comme une étape importante dans le funk. Tout au long des années 1970, TOP a connu de nombreux succès et le groupe a contribué à faire de la musique funk un genre à succès, auprès d'un public plus large.
En 1970, "Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)" de Sly & the Family Stone atteint la première place des charts, tout comme "Family Affair" en 1971. Notamment, ceux-ci offrent au groupe et au genre un succès croisé et une plus grande reconnaissance, Pourtant, un tel succès a échappé à ses pairs du groupe funk relativement talentueux et moyennement populaires. Les Meters ont défini le funk à la Nouvelle-Orléans, en commençant par leurs dix meilleurs succès R&B "Sophisticated Cissy" et "Cissy Strut" en 1969. Un autre groupe qui a défini le funk à cette époque était The Isley Brothers, dont le hit R&B funky #1 de 1969, "It's Your Thing", marque une percée dans la musique afro-américaine, comblant les écarts entre les sons jazzy de Brown, le rock psychédélique de Jimi Hendrix et la soul optimiste de Sly & the Family Stone et Mother's Finest.
P-Funk : Parlement-Funkadelic
Un nouveau groupe de musiciens a commencé à développer davantage l'approche « funk rock ». Les innovations ont été réalisées par George Clinton, avec ses groupes Parliament et Funkadelic. Ensemble, ils ont produit un nouveau type de son funk fortement influencé par le jazz et le rock psychédélique. Les deux groupes partageaient des membres et sont souvent appelés collectivement « Parlement-Funkadelic ». La popularité éclatante de Parliament-Funkadelic a donné naissance au terme « P-Funk », qui faisait référence à la musique des groupes de George Clinton et définissait un nouveau sous-genre. Clinton a joué un rôle principal dans plusieurs autres groupes, dont Parlet, les Horny Horns et les Brides of Funkenstein, tous faisant partie du conglomérat P-Funk. « P-funk » en est également venu à signifier quelque chose dans sa quintessence, de qualité supérieure, ou sui generis.
années 1970
Les années 1970 ont été l’époque de la plus grande visibilité grand public pour la musique funk. En plus de Parliament Funkadelic, des artistes comme Sly and the Family Stone, Rufus & Chaka Khan, the Isley Brothers, Ohio Players, Con Funk Shun, Kool & The Gang, The Bar-Kays, Commodores, Roy Ayers, Stevie Wonder, entre autres , ont réussi à faire passer des émissions à la radio. La musique disco doit beaucoup au funk. De nombreuses premières chansons et interprètes disco venaient directement de milieux orientés funk. Quelques succès de la musique disco, comme tous les tubes de Barry White, "Kung Fu Fighting" de Biddu et Carl Douglas, "Love To Love You Baby" de Donna Summer, "Love Hangover" de Diana Ross, "I" de KC & The Sunshine Band. m Your Boogie Man", "I'm Every Woman" de Chaka Khan (également connue sous le nom de The Queen of Funk Soul) et "Le Freak" de Chic incluent ostensiblement des riffs et des rythmes dérivés du funk. En 1976, Rose Royce a remporté un hit n°1 avec un disque purement dance-funk, "Car Wash". Même avec l’arrivée du Disco, le funk est devenu de plus en plus populaire jusqu’au début des années 80.
La musique funk a également été exportée en Afrique et s’est fusionnée avec le chant et les rythmes africains pour former l’Afrobeat. Le musicien nigérian Fela Kuti, qui a été fortement influencé par la musique de James Brown, est reconnu pour avoir créé ce style et l'a qualifié d'« Afrobeat ».
Jazz-funk
Chasseurs de têtes
Dans les années 1970, au moment même où les musiciens de jazz commençaient à explorer le mélange du jazz et du rock pour créer du jazz fusion, les grands artistes de jazz commençaient à expérimenter le funk. Les enregistrements jazz-funk utilisaient généralement de la basse électrique et du piano électrique dans la section rythmique, à la place de la contrebasse et du piano acoustique qui étaient généralement utilisés dans le jazz jusque-là. Le pianiste et chef d'orchestre Herbie Hancock a été le premier des nombreux grands artistes de jazz à adopter le funk au cours de la décennie. Le groupe Headhunters de Hancock (1973) jouait le style jazz-funk. La formation et l'instrumentation des Headhunters, ne retenant que le joueur de vent Bennie Maupin du précédent sextet de Hancock, reflétaient sa nouvelle direction musicale. Il a utilisé le percussionniste Bill Summers en plus d'un batteur. Summers a mélangé des instruments et des rythmes africains, afro-cubains et afro-brésiliens dans le son jazzy funk de Hancock.
Dans le coin
On the Corner (1972) fut l'incursion marquante du trompettiste et compositeur de jazz Miles Davis dans le jazz-funk. Comme ses œuvres précédentes, On the Corner était expérimental. Davis a déclaré que On the Corner était une tentative de renouer avec le jeune public noir qui avait largement abandonné le jazz pour le rock et le funk. Bien qu'il y ait une influence funk perceptible dans les timbres des instruments utilisés, d'autres textures tonales et rythmiques, telles que les tambora et tablas indiens, et les congas et bongos cubains, créent un paysage sonore à plusieurs niveaux. D'un point de vue musical, l'album était le point culminant d'une sorte d'approche de musique concrète en studio d'enregistrement que Davis et le producteur Teo Macero (qui avait étudié avec Otto Luening au Computer Music Center de l'Université de Columbia) avaient commencé à explorer à la fin des années 1960. Les deux faces du disque présentaient des grooves de batterie et de basse funk lourds, avec les parties mélodiques extraites d'heures de jams et mixées en studio.
Le compositeur contemporain Karlheinz Stockhausen,
Années 80 et funk épuré
Dans les années 1980, en grande partie en réaction contre ce qui était considéré comme une indulgence excessive du disco, de nombreux éléments fondamentaux qui formaient le fondement de la formule P-Funk ont ​​commencé à être usurpés par des instruments électroniques, des boîtes à rythmes et des synthétiseurs. Les sections de cor des saxophones et des trompettes ont été remplacées par des claviers synthétisés, et les cors restants ont reçu des lignes simplifiées, et quelques solos de cor ont été confiés aux solistes. Les claviers électriques classiques du funk, comme l'orgue Hammond B3, le Hohner Clavinet et/ou le piano Fender Rhodes, ont commencé à être remplacés par les nouveaux synthétiseurs numériques comme le Yamaha DX7. Les boîtes à rythmes électroniques telles que la Roland TR-808 ont commencé à remplacer les « batteurs funky » du passé, et le style slap et pop du jeu de basse a souvent été remplacé par des lignes de basse de clavier synthétisé. De plus, les paroles des chansons funk ont ​​commencé à passer d'un double sens suggestif à un contenu plus graphique et sexuellement explicite.
À la fin des années 1970, le groupe de musique électronique Yellow Magic Orchestra (YMO) a commencé à expérimenter la musique funk électronique, en introduisant des sons « funk de jeu vidéo » avec des tubes tels que « Computer Game » (1978), qui ont eu une forte influence sur la musique électro ultérieure. -genre funk. En 1980, YMO a été le premier groupe à utiliser la boîte à rythmes programmable TR-808, tandis que "Riot in Lagos", membre de YMO, Ryuichi Sakamoto, a développé les rythmes et les sons de l'électro-funk la même année, influençant plus tard des artistes électro-funk tels que Afrika. Bambaataa et Mantronix.
Rick James a été le premier musicien funk des années 1980 à assumer le rôle funk dominé par le P-Funk dans les années 1970. Son album Street Songs de 1981 avec les singles "Give It To Me Baby" et "Super Freak" a permis à James de devenir une star et a ouvert la voie à l'orientation future de l'explicite dans le funk.
À partir de la fin des années 1970, Prince a utilisé une instrumentation épurée, mais dynamique, similaire à celle de James. Cependant, Prince a eu autant d'impact sur le son du funk que n'importe quel artiste depuis Brown ; il a combiné l'érotisme, la technologie, une complexité musicale croissante, une image et un spectacle scandaleux pour finalement créer une musique aussi ambitieuse et imaginative que P-Funk. Prince a formé The Time, initialement conçu comme une première partie pour lui et basé sur son "son de Minneapolis", mélange hybride de funk, R&B, rock, pop et new wave. Finalement, le groupe a défini son propre style de funk épuré basé sur une musicalité serrée et des thèmes sexuels.
Semblables à Prince, d'autres groupes ont émergé au cours de l'ère P-Funk et ont commencé à incorporer une sexualité décomplexée, des thèmes orientés vers la danse, des synthétiseurs et d'autres technologies électroniques pour continuer à créer des succès funk. Parmi eux, Cameo, Zapp, The Gap Band, The Bar-Kays et The Dazz Band, tous ont connu leurs plus grands succès au début des années 1980. Cependant, dans la seconde moitié des années 80, le funk avait perdu son impact commercial.
Influencé par Yellow Magic Orchestra et Kraftwerk, le musicien américain Afrika Bambaataa a développé l'électro-funk, un style funk minimaliste piloté par des machines, avec son single "Planet Rock" en 1982. Également connu simplement sous le nom d'électro, ce style de funk était piloté par des synthétiseurs. et le rythme électronique de la boîte à rythmes TR-808. Le single "Renegades of Funk" suivit en 1983.
Fin des années 1980 à aujourd'hui
Alors que le funk était pratiquement chassé de la radio par le hip hop commercial astucieux, le R&B contemporain et le nouveau jack swing, son influence a continué à se propager. Des artistes comme Steve Arrington et Cameo étaient toujours largement diffusés à l'antenne et avaient d'énormes adeptes dans le monde entier. Les groupes de rock ont ​​commencé à copier des éléments du funk dans leur son, créant de nouvelles combinaisons de « funk rock » et de « funk metal ». Extreme, Red Hot Chili Peppers, Living Colour, Jane's Addiction, Prince, Primus, Fishbone, Faith No More, Rage Against the Machine, Infectious Grooves et Incubus diffusent l'approche et les styles issus des pionniers du funk à de nouveaux publics du milieu au -fin des années 1980 et années 1990. Ces groupes ont ensuite inspiré le mouvement funkcore underground du milieu des années 1990 et les artistes actuels inspirés du funk comme Outkast, Malina Moye, Van Hunt et Gnarls Barkley.
Dans les années 1990, des artistes comme Me'shell Ndegeocello et le mouvement acid jazz (principalement basé au Royaume-Uni), comprenant des artistes et des groupes tels que Jamiroquai, Incognito, Galliano, Omar, Los Tetas et The Brand New Heavies, ont continué avec de forts éléments de funk. Cependant, ils n'ont jamais été près d'atteindre le succès commercial du funk à son apogée, à l'exception de Jamiroquai dont l'album Travelling Without Moving s'est vendu à environ 11,5 millions d'unités dans le monde. Pendant ce temps, en Australie et en Nouvelle-Zélande, des groupes jouant sur le circuit des pubs, tels que Supergroove, Skunkhour et The Truth, ont conservé une forme de funk plus instrumentale.
Depuis la fin des années 1980, les artistes hip hop échantillonnent régulièrement de vieux morceaux funk. James Brown est considéré comme l'artiste le plus samplé de l'histoire du hip hop, tandis que P-Funk est le deuxième artiste le plus samplé ; des échantillons de vieilles chansons du Parlement et de Funkadelic constituaient la base du G-funk de la côte ouest.
Les rythmes originaux comportant des riffs de basse ou de guitare rythmique de style funk ne sont pas non plus rares. Dr. Dre (considéré comme l'ancêtre du genre G-funk) a librement reconnu avoir été fortement influencé par le funk psychédélique de George Clinton : « Dans les années 70, c'était tout ce que les gens faisaient : se défoncer, porter des afros, des pattes d'éléphant et écouter de la musique. Parliament-Funkadelic. C'est pourquoi j'ai appelé mon album The Chronic et j'ai basé ma musique et mes concepts comme je l'ai fait : parce que son travail a eu une grande influence sur ma musique. "[http://www.musicstrands.com/artist. /6599/biographie Dr. Dre > Biographie chez MyStrands] Digital Underground a largement contribué à la renaissance du funk dans les années 1990 en éduquant ses auditeurs avec des connaissances sur l'histoire du funk et de ses artistes. George Clinton a qualifié Digital Underground de "Sons of the P", comme son deuxième album complet est également intitulé. Le premier album de DU, Sex Packets, était plein d'échantillons funk, le plus connu "The Humpty Dance" échantillonnant "Let's Play House" du Parlement. Un album funk très fort de DU était leur sortie en 1996, Future Rhythm. Une grande partie de la musique dance contemporaine des clubs, la drum and bass en particulier, contient des breaks de batterie funk fortement échantillonnés.
Le funk est un élément majeur de certains artistes identifiés à la scène des jam bands de la fin des années 1990 et des années 2000. Phish a commencé à jouer des jams plus funky dans leurs sets vers 1996, et The Story of the Ghost de 1998 a été fortement influencé par le funk. Medeski Martin & Wood, Robert Randolph & The Family Band, Galactic, Widespread Panic, Jam Underground, Diazpora, Soulive et Karl Denson's Tiny Universe s'inspirent tous fortement de la tradition funk. Lettuce, un groupe de diplômés du Berklee College Of Music, s'est formé à la fin des années 1990 alors qu'une émergence de pur funk se faisait sentir sur la scène des jam bands. De nombreux membres du groupe, dont le claviériste Neal Evans, se sont lancés dans d'autres projets tels que Soulive ou le Sam Kininger Band. Dumpstaphunk s'appuie sur la tradition funk de la Nouvelle-Orléans, avec ses grooves graves et graves et sa voix émouvante à quatre voix. Formé en 2003 pour se produire au New Orleans Jazz & Heritage Festival, le groupe comprend le claviériste Ivan Neville et le guitariste Ian Neville de la célèbre famille Neville, ainsi que deux bassistes et la batteuse funk Nikki Glaspie (anciennement du groupe de tournée mondiale de Beyoncé Knowles, ainsi que ainsi que le Sam Kininger Band), qui a rejoint le groupe en 2011.
Depuis le milieu des années 1990, la scène nu-funk, centrée sur la scène des collectionneurs Deep Funk, produit du nouveau matériel influencé par les sons de rares 45 tours funk. Les labels incluent Desco, Soul Fire, Daptone, Timmion, Napolitan, Bananarama, Kay-Dee et Tramp. Ces labels sortent souvent sur des disques 45 tours. Bien que spécialisé dans la musique destinée aux rares DJ funk, il y a eu quelques croisements avec l'industrie musicale grand public, comme l'apparition de Sharon Jones en 2005 dans Late Night avec Conan O'Brien.
Au début des années 2000, certains groupes de punk funk comme Out Hud et Mongolian MonkFish se produisent sur la scène indie rock. Le groupe indépendant Rilo Kiley, fidèle à sa tendance à explorer une variété de styles rock, a incorporé le funk dans sa chanson "The Moneymaker" sur l'album Under the Blacklight. Prince, avec ses récents albums, a donné une renaissance au son funk avec des chansons comme "The Everstanding Now", "Musicology", "Ol' Skool Company" et "Black Sweat".
Le funk a également été incorporé dans la musique R&B moderne par de nombreuses chanteuses telles que Beyoncé avec son tube "Crazy In Love" de 2003 (qui échantillonne "Are You My Woman" des Chi-Lites), Mariah Carey en 2005 avec "Get Your Number " (qui sample "Just an Illusion" du groupe britannique Imagination), Jennifer Lopez en 2005 avec "Get Right" (qui sample le son du cor "Soul Power '74" de Maceo Parker), et aussi Amerie avec sa chanson "1 Thing" ( qui échantillonne "Oh, Calcutta!" des Meters. Tamar Braxton en 2013 avec The One (qui échantillonne "Juicy Fruit" de Mtume).
Les femmes et le funk
Malgré la popularité du funk dans la musique moderne, peu de gens se sont penchés sur le travail des femmes funk. Comme l'explique la critique culturelle Cheryl Keyes dans son essai « She Was trop noire pour le rock et trop dur pour la soul : (Re)découverte de la carrière musicale de Betty Mabry Davis », la majeure partie des recherches autour du funk s'est concentrée sur le travail culturel des hommes. Elle déclare que « Betty Davis est une artiste dont le nom est resté méconnu en tant que pionnière dans les annales du funk et du rock. La plupart des écrits sur ces genres musicaux ont traditionnellement placé des artistes masculins comme Jimi Hendrix, George Clinton (de Parliament-Funkadelic) et le bassiste Larry Graham en tant que pionniers dans la formation d'une sensibilité musicale rock" (35). Les femmes funk notables incluent Chaka Khan, Labelle, Brides of Funkenstein, Klymaxx, Mother's Finest et Betty Davis.
Dérivés
Depuis le début des années 1970, le funk a développé différents sous-genres. Tandis que George Clinton et le Parlement créaient une variation plus dure du funk, des groupes tels que Kool and The Gang, Ohio Players et Earth, Wind and Fire faisaient de la musique funk aux influences disco.
Funk-rock
Le funk rock (également écrit funk-rock ou funk/rock) fusionne des éléments funk et rock. Sa première incarnation a été entendue de la fin des années 60 au milieu des années 70 par des musiciens tels que Jimi Hendrix, Frank Zappa, Steely Dan, Herbie Hancock, Return to Forever, Gary Wright, David Bowie, Mother's Finest et Funkadelic sur leur précédent album. albums.
De nombreux instruments peuvent être incorporés au funk rock, mais le son global est défini par un rythme de basse ou de batterie définitif et des guitares électriques. Les rythmes de basse et de batterie sont influencés par la musique funk mais avec plus d'intensité, tandis que la guitare peut être influencée par le funk ou le rock, généralement avec une distorsion. Prince, Jesse Johnson, Red Hot Chili Peppers et Fishbone sont des artistes majeurs du funk rock.
Aller aller
Go-go est originaire de la région de Washington, D.C., à laquelle il reste associé, ainsi que d'autres endroits du Mid-Atlantic. Inspiré par des chanteurs tels que Chuck Brown, le « Parrain du Go-go », c'est un mélange de funk, de rythme et de blues et de premiers hip hop, avec un accent sur les instruments de percussion lo-fi et le jam en personne à la place de pistes de danse. En tant que telle, il s'agit avant tout d'une musique de danse mettant l'accent sur l'appel et la réponse du public en direct. Les rythmes Go-go sont également incorporés aux percussions de rue.
Boogie
Le boogie (ou électro-funk) est une musique électronique principalement influencée par le funk et le post-disco. L'approche minimaliste du boogie composée de synthétiseurs et de claviers a contribué à établir la musique électro et house. Le Boogie, contrairement à l'électro, met l'accent sur les techniques de slapping de la guitare basse mais aussi des synthétiseurs de basse. Les artistes incluent Vicky "D", Komiko, Peech Boys, Kashif et plus tard Evelyn King.
Électro-funk
L'électro funk est un hybride de musique électronique et de funk. Il suit essentiellement la même forme que le funk et conserve les caractéristiques du funk, mais est réalisé entièrement (ou partiellement) avec l'utilisation d'instruments électroniques tels que le TR-808. Des vocodeurs ou des talkbox étaient couramment mis en œuvre pour transformer le chant. Le groupe électro pionnier Zapp utilisait couramment de tels instruments dans sa musique. D'autres artistes incluent Herbie Hancock, Afri